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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, The Last Supper (Ghirlandaio).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Leonessa di Guennol

Leonessa di Guennol è una statuetta mesopotamica ritenuta vecchia di 5000 anni, che si presume rinvenuta nei dintorni di Baghdad in Iraq. L'opera d'arte raffigura una muscolosa leonessa antropomorfo. scultura è anche famosa per essere stata venduta per 57,2 milioni di dollari in un'asta da Sotheby's il 5 dicembre 2007.L'opera è chiamata "Guennol" dal nome gallese di "Martin", il nome del collezionista che l'acquistò nel 1948. Nel 1950, Edith Porada la descrisse come una leonessa "per le curve femminili della parte inferiore del corpo e per l'assenza di organi maschili", pur ammettendo la possibilità "che la figura rappresentasse una creatura senza sesso".  Leonessa non possiede criniera, il che fa escludere che si tratti di un leone maschio.  scultura in calcare misura poco più di 8 centimetri di altezza.

Prompt: Focus on Guennol Lioness and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crocifissione di Berlino

Crocifissione di Berlino è un dipinto a tempera e oro su tavola  attribuita a Giotto, databile al 1320 circa e conservato nel Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Berlin Crucifixion.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Pugile in riposo

Il soggetto dell'opera è un pugile seduto, colto probabilmente in un momento di riposo dopo un incontro; le mani sono protette dalla tipologia di "guantoni" indicati come Himantes Oxeis, grossi e complessi guanti da combattimento introdotti nella pratica pugilistica dal IV secolo a.C.: le quattro dita sono infilate in un pesante anello costituito da tre fasce di cuoio tenute insieme da borchie metalliche. statua è basata sul contrasto fra la quiete e il contenimento geometrico espressi dalle braccia appoggiate sulle gambe, e l'improvviso scatto della testa che si volta verso destra aprendo all'estetica lisippea del kairos. Gli inserti in rame, sulla spalla destra, sull'avambraccio, sui guanti e sulla coscia, rappresentano gocce di sangue colate dalle ferite nell'atto del volgersi della testa.Il corpo è muscoloso, reso con un trattamento non dissimile da quello riscontrabile nellEracle a riposo della versione Pitti-Farnese ; il viso, di cui si notano la cura della barba e della pettinatura, è di un uomo maturo e presenta i segni del tempo e dei numerosi incontri passati.Le tumefazioni sulle orecchie  dovute ai colpi con "guantoni" pesanti, oggi riscontrabili negli atleti dediti alle discipline lottatorie o alle arti marziali miste , non necessariamente pregiudica le funzioni uditive, rimarcando le innumerevoli ore passate al combattimento e che sembrano indicare in una sordità traumatica la ragione di quel volgersi repentino e teso della testa, in contrasto con la spossatezza del corpo contribuendo all'impatto realistico dell'opera.Alcune estremità della statua si presentano leggermente più lucide a causa dello sfregamento di antichi ammiratori, ciò dimostra quanto l'opera fosse tenuta in considerazione. Il minuzioso realismo dell'opera ha un palese intento di caratterizzazione tipologica, di raffigurare cioè una maschera di sofferenza.L'estrema accuratezza dei dettagli corrisponde alle caratteristiche evidenziate da Plinio nell'arte del maestro di Sicione , allo stesso tempo l'accentuato verismo del volto sembra attagliarsi con più precisione a quanto l'autore riferisce di Lisistrato, fratello di Lisippo, , così che l'opera appare come il lavoro di una scuola in cui ormai convivono differenti tendenze foriere di importanti sviluppi.Dalla scoperta della figura, sono state sviluppate numerose interpretazioni della persona raffigurata, ma il personaggio rimane un mistero per la mancanza di prove fattuali.Sulla base di nuove ricerche scientifiche e archeologiche, il Liebieghaus Polychromy Research Project ha creato una ricostruzione sperimentale che riproduce il cosiddetto “Principe ellenistico” e il cosiddetto “Pugile in riposo“ come elementi di un gruppo statuario. Questo gruppo mostra presumibilmente il Dioscuro Polluce e il re Amico, figlio di Poseidone, dopo il loro sanguinoso incontro di combattimento. Questa proposta di ricostruzione era già stata sviluppata nel 1945 da Phyllis Lehman Williams e Rhys Carpenter .

Prompt: Explain the Description identity of this artwork, Boxer at Rest.Please output in Italian.

IV secolo a.C.
Lisippo
Lisistrato
Polluce
Poseidone
Principe ellenistico
Rhys Carpenter


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Vento dell'Est su Weehawken

Il dipinto rappresenta una via con delle case nelle ore pomeridiane del mese di marzo. Non compaiono figure umane, a parte un gruppo persone illustrate nella parte sinistra del dipinto.  pessima situazione economica del quartiere viene alla luce dall'avviso di vendita di un immobile e dai giardini non curati.

Prompt: In East Wind Over Weehawken, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Democrito

Così come per il resto della materia, anche l'anima  per Democrito era costituita da atomi, atomi più sottili e lisci, di natura ignea.Essi penetrano tutto il corpo e gli danno vita e vengono mantenuti in esso grazie alla respirazione, inoltre grazie a questa capacità di vivificare, di render pensante l'uomo, erano considerati divini.Infine, Democrito sostiene che gli dei sono fatti di atomi proprio come gli esseri umani, ma che non interagiscono affatto con noi: questo fatto lo fece considerare come un vero e proprio anticonformista e ateo, una vera rarità ai suoi tempi.Tuttavia, stando al frammento Diels-Kranz B175, "gli dèi si interessano degli uomini dagli albori della storia a oggi donando loro ogni bene" ed evitando ogni male o possibile danno.

Prompt: Explain the Thedivine about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Cristo velato

Raimondo di Sangro fu il committente di quest'opera, che originariamente doveva essere collocata nel mausoleo di famiglia sottostante la Cappella, vano che oggi ospita le Macchine anatomiche. Un piastrone di pietra indica oggi il punto preciso dove la statua avrebbe dovuto essere posta.L'incarico di eseguire il Cristo velato fu in un primo momento affidato allo scultore Antonio Corradini; tuttavia, deceduto da lì a breve, questi fece in tempo a realizzare solo un bozzetto in terracotta oggi al museo nazionale di San Martino. L'incarico passò così a Giuseppe Sanmartino, a cui venne chiesto di produrre «una statua di marmo scolpita a grandezza naturale, rappresentante Nostro Signore Gesù Cristo morto, coperto da un sudario trasparente realizzato dallo stesso blocco della statua».Sanmartino realizzò quindi un'opera dove il Cristo morto, sdraiato su un materasso, viene ricoperto da un velo che aderisce perfettamente alle sue forme.  maestria dello scultore napoletano sta nell'esser riuscito a trasmettere la sofferenza che il Cristo ha provato, attraverso la composizione del velo, dal quale si intravedono i segni sul viso e sul corpo del martirio subito. Ai piedi della scultura, infine, l'artista scolpisce anche gli strumenti del suddetto supplizio: la corona di spine, una tenaglia e dei chiodi. firma dello scultore, infine, è apposta sul retro del piedistallo, sotto il materasso: «Joseph Sanmartino, Neap., fecit, 1753».

Prompt: How does Veiled Christ explain its History and description?Please output in Italian.

1753
Antonio Corradini
Giuseppe Sanmartino
Raimondo di Sangro


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Van Gogh self-portrait (1889)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Giudizio di Paride

Zeus allestì un banchetto per la celebrazione del matrimonio di Peleo e Teti, futuri genitori di Achille. Eris, la dea della discordia, non fu invitata e, irritata per questo oltraggio, raggiunse il luogo del banchetto e gettò una mela d'oro con l'iscrizione "alla più bella".Le tre dee che la pretesero, scatenando litigi furibondi, furono Era, Atena e Afrodite. Esse parlarono con Zeus per convincerlo a scegliere la più bella tra loro, ma il padre degli dèi, non sapendo a chi consegnarla, stabilì che a decidere chi fosse la più bella non potesse essere che il più bello dei mortali, cioè Paride, inconsapevole principe di Troia, il quale era prediletto dal dio Ares.  Ermes fu incaricato di portare le tre dee dal giovane troiano, che ancora viveva tra i pastori e conduceva al pascolo le pecore, e ognuna di loro gli promise una ricompensa in cambio della mela: Atena lo avrebbe reso sapiente e imbattibile in guerra, consentendogli di superare ogni guerriero; Era promise ricchezza e poteri immensi, tanto che a un suo gesto interi popoli si sarebbero sottomessi, e tanta gloria che il suo nome sarebbe riecheggiato fino alle stelle; Afrodite gli avrebbe concesso l'amore della donna più bella del mondo.Paride favorì quest'ultima, scatenando l'ira delle altre due.  dea dell'amore aiutò quindi Paride a rapire Elena, moglie di Menelao, re di Sparta, e il fatto fu la causa scatenante della guerra di Troia.

Prompt: Explain the Mythological episode of this artwork, Judgment of Paris (Cranach, New York).Please output in Italian.

Achille Afrodite Ares Atena Ermes Menelao Paride Peleo Troia Zeus


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Morte di Germanico

Due disegni, che riprendono il tema della tela, sono attribuiti proprio al Poussin, di cui uno è conservato al British Museum di Londra, l'altro al Museo Condé di Chantilly. Il primo, sebbene gravemente danneggiato, già presenta i tratti principali del dipinto, con alcune piccole variazioni: il soldato al centro non tende la sua mano al cielo, ma stringe quella di Germanico, mostrando maggiore fedeltà al testo di Tacito. In alto a sinistra, due figure sono disegnate mentre salgono una scala, non presente nella composizione su tela. Il disegno francese, al contrario, presenta molte modifiche significative, tra cui il numero dei personaggi stessi. Analizzando lo stile del disegno, gli storici dell'arte Pierre Rosenberg e Louis Antoine Prat hanno ipotizzato che non sia un disegno preparatorio, bensì una raffigurazione posteriore, prodotta tra il 1630 e il 1632 alla luce della realizzazione di un possibile secondo dipinto sullo stesso soggetto, mai eseguito.

Prompt: Describe the characteristics of the Preparatory drawings in The Death of Germanicus's History.Please output in Italian.

British Museum
Chantilly
Londra
Museo Condé
Pierre Rosenberg


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Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro

Il soggetto è ritratto a mezza figura e di fronte, sullo sfondo di una stanza con a destra una finestra aperta sul paesaggio. Porta una berretta nera con ampie falde girate in alto, e indossa una camicia pure nera con sopra una voluminosa casacca dello stesso colore impannata al rovescio da un tessuto ricamato in argento con piccoli motivi geometrici o floreali. posa arcaica, statica e un po' impacciata, è uno degli argomenti citati da quanti non hanno riconosciuto l'attribuzione all'Urbinate.

Prompt: In Portrait of Guidobaldo da Montefeltro, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Prada Marfa

Pochi giorni dopo il completamento, l'installazione fu oggetto di vandalismo. L'edificio venne danneggiato e depredato di tutto il suo contenuto , e la parola "dumb"  e la frase "dum dum" furono scritte con vernice spray sui muri della struttura.  struttura è stata subito riparata, ridipinta ed il suo contenuto ripristinato. Le nuove borse Prada esposte nelle vetrine del Prada Marfa hanno un sistema di sicurezza pronto ad allertare la polizia qualora venissero spostate.

Prompt: In Prada Marfa, how is the The episode of vandalism discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Rembrandt's self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Giustizia

giustizia è la virtù morale che consiste nella costante e ferma volontà di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.  giustizia verso Dio è chiamata « virtù di religione ».  giustizia verso gli uomini dispone a rispettare i diritti di ciascuno e a stabilire nelle relazioni umane l'armonia che promuove l'equità nei confronti delle persone e del bene comune. L'uomo giusto, di cui spesso si fa parola nei Libri Sacri, si distingue per l'abituale dirittura dei propri pensieri e per la rettitudine della propria condotta verso il prossimo. « Non tratterai con parzialità il povero, né userai preferenze verso il potente; ma giudicherai il tuo prossimo con giustizia » . « Voi, padroni, date ai vostri servi ciò che è giusto ed equo, sapendo che anche voi avete un padrone in cielo » .In sintesi : la giustizia consiste nella volontà costante e ferma di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.

Prompt: In the context of Justice (Titian), explain the Second oil Catechism of the Catholic Church (par. 1807). and the In philosophy.Please output in Italian.


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Deposizione di Volterra

Deposizione dalla croce è un dipinto a olio su tavola  di Rosso Fiorentino, firmato e datato 1521, e conservato nella Pinacoteca di Volterra.  firma si trova in un'iscrizione sul piede della scala in basso: .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Volterra Deposition.Please output in Italian.


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Sorpresa!

Sorpresa!  è un dipinto a olio su tela  di Henri Rousseau, firmato, datato 1891 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Tiger in a Tropical Storm.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Pia de' Tolomei

Pia de' Tolomei, opera di Gaetano Donizetti e Salvadore Cammarano , tratta dal poemetto omonimo di Bartolomeo Sestini   Pia, dalla Divina Commedia di Dante, melodia di Antonino Palminteri  Dante's Prayer, canzone di Loreena McKennitt contenuta nell'album The Book of Secrets  ¿Pia? , dialogo drammatico musicale in un atto di Azio Corghi    Divina Commedia, opera di Marco Frisina   Pia come la canto io, concept album di Gianna Nannini   Pia de' Tolomei, opera rock di Gianna Nannini, su testo di Pia Pera  Pia de’ Tolomei, melodramma in musica e canto sotto forma di Bruscello Poliziano, direzione musicale e musiche: Luciano Garosi, libretto: Irene Tofanini, regia: Marco Mosconi, direzione artistica: Franco Romani, Città di Montepulciano, compagnia popolare del Bruscello

Prompt: In Pia de' Tolomei (Rossetti), how is the Music of the Ptolemy's footnotes in mass culture explained?Please output in Italian.

Antonino Palminteri
Azio Corghi
Bartolomeo Sestini
Bruscello Poliziano
Divina Commedia
Gaetano Donizetti
Gianna Nannini
Loreena McKennitt
Marco Frisina
Montepulciano
Pia Pera
Pia come la canto io
Salvadore Cammarano
The Book of Secrets


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Sacro Cuore di Gesù

Il Sacro Cuore di Gesù è il cuore di Gesù a cui i cristiani della Chiesa cattolica rendono culto.<br />Al Sacro Cuore di Gesù, la Chiesa Cattolica rende culto di latria , intendendo onorare: la causa materiale della corporeità umana, che ha diritto all'adorazione, in quanto indissolubilmente unita da sempre con la Divinità;  l'amore del Salvatore per gli uomini, di cui è simbolo il suo cuore.Per tali ragioni, esso è rappresentato incoronato di spine, sovrastato dalla croce e ferito dalla lancia in eterna memoria del più alto gesto d'amore: il sacrificio di Gesù per la salvezza dell'uomo; è infine circondato dalle fiamme in riferimento all'ardore misericordioso che Cristo prova per i peccatori.Come la maggioranza delle Chiese Cristiane, la Chiesa Cattolica afferma il mistero della Santissima Trinità, di cui Gesù è la seconda divina persona. Parte integrante di questo dogma della fede, è la dottrina diofisita, che riconosce Gesù come vero Dio e vero uomo.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Mietitura

rightrightrightNelle scienze agrarie per mietitura si intende il processo di taglio e raccolta nei campi dei cereali maturi, che precede il processo di trebbiatura. Può essere effettuata a mano o con l'ausilio di attrezzature meccaniche, mentre nella mietitura a mano lo strumento utilizzato è il falcetto."Pittore della mietitura" fu chiamato l'artista francese Léon Lhermitte  per i suoi numerosi quadri su questo soggetto.

Prompt: How does The Harvesters (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Aerostato

Quando si utilizzano gas leggeri, gli aerostati possono venir suddivisi in due ampie categorie a seconda della pressione utilizzata per il riempimento del pallone sostentatore:Pressione zero: il gas viene pompato nel pallone, che è elastico e in grado di dilatarsi, raggiungendo una pressione simile a quella dell'atmosfera che lo circonda. Quando sale in quota, un pallone a pressione zero si dilata  e la pressione interna rimane a valori simili rispetto a quella circostante.<br />Durante la notte, quando la temperatura cala, il gas si contrae e il pallone perde quota. L'unico mezzo che un pallone a pressione zero ha per regolare la propria quota è quello di espellere parte del gas  per scendere oppure di liberarsi di parte della zavorra per salire. Le quantità di gas e zavorra costituiscono quindi il limite temporale alla durata del volo di un aerostato a gas .Iperbarico: un pallone iperbarico, invece, è un contenitore ben più rigido e inelastico rispetto al precedente. Il gas leggero pompato a una pressione maggiore rispetto a quella atmosferica e sigillato al suo interno. Questo consente che un pallone iperbarico mantenga molto a più a lungo la sua leggerezza e la durata del volo è limitata soltanto dalle eventuali perdite di gas . In pratica, la maggior parte degli aerostati iperbarici utilizzati per le missioni scientifiche sono dotati di un telecomando  che consente la espulsione del gas e decreta la fine della missione stessa.

Prompt: Explain the Pressure filling about the Used gases of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Diana di Gabi

statua fu scoperta nel 1792 da Gavin Hamilton, nelle proprietà del principe Marcantonio IV Borghese nei pressi di Roma, dove in antichità sorgeva la città di Gabi, e fu immediatamente inserita nella collezione del principe. Nel 1807, a causa di difficoltà finanziarie, il principe Camillo II Borghese, figlio di Marcantonio, fu costretto da Napoleone a vendere alla Francia 344 opere provenienti dalla collezione Borghese. Dal 1820 la Diana di Gabi è quindi in mostra al Louvre. statua divenne molto popolare nel XIX secolo: un calco in gesso fu collocato al Club Athenaeum di Londra; una copia marmorea era presente tra le riproduzioni di statue antiche volte a decorare la Cour Carrée, la Corte Quadrata del Louvre, e una sua copia decorava una fontana nel comune francese di Grancey-le-Château-Neuvelle, nella Côte-d'Or. Inoltre, riproduzioni in scala ridotta venivano realizzate e poi vendute agli appassionati d'arte.

Prompt: In Diana of Gabii, how is the History discussed?Please output in Italian.

Camillo II Borghese
Club Athenaeum
Cour Carrée
Côte-d'Or
Gavin Hamilton
Grancey-le-Château-Neuvelle
Londra
Marcantonio IV Borghese
Roma


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Musica

Musica e informatica Musica e diritto Musica e matematica Musica e sport Musica e medicina Musica e neuroscienze Musica e fisica Filosofia della musica

Prompt: In Music (Matisse), how is the Reports with other disciplines discussed?Please output in Italian.


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Madonna Salting

tavola mostra una certa disorganicità stilistica, con un'alta qualità nella Vergine e nella sua veste, mentre è più scarsa nel Bambino e negli angeli. L'opera mostra la Madonna a mezzo busto col Bambino in braccio mentre viene incoronata come Regina del cielo. Il Bambino tiene in mano una melagrana, simbolo della fertilità e della regalità di Maria, ma anche della Passione per il colore rosso degli acini, come il sangue. Il velo trasparente della Vergine rappresenta un brano di alto virtuosismo, così come la fine descrizione dei gioielli e del broccato.Il trattamento geometrico del volume della Vergine racchiuso nel suo manto viene di solito messo in relazione con il Polittico di San Gregorio. Gli angeli, lo sfondo scuro, l'elaborata corona con effetti di lustro metallico, rimandano all'arte fiamminga di cui Antonello fu l'interprete che seppe mediare con la spazialità e la monumentalità italiana.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Salting Madonna.Please output in Italian.


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Altare Monforte

LAltare Monforte è un dipinto a olio su tavola  di Hugo van der Goes, databile al 1470 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: Focus on Monforte Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Natura morta

Stefano Zuffi, Lucia Impelluso, Matilde Battistini.  Natura Morta,  storia, gli sviluppi internazionali, i capolavori. Giorgio Vasari. Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architetti. Alberto Veca Natura morta collana Art dossier Giunti editrice

Prompt: How does Still Life (Claesz) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Annunciazione (El Greco Illescas)

LAnnunciazione è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato tra il 1597-1603 durante il suo ultimo periodo tolediano e conservato nel Santuario di Nostra Signora della Carità a Illescas in Spagna.El Greco, attraverso suo figlio, nel 1603, ottenne un contratto per realizzare quattro dipinti per la chiesa del vecchio ospedale della Carità di Illescas .

Prompt: Focus on Annunciation (El Greco, Illescas) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Explain the Historical crucifixions of this artwork, The Crucifixion (Paleokapas).Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Sette opere di Misericordia

Opere di Caravaggio Caravaggismo Pittura napoletana del Seicento Pio Monte della Misericordia

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Seven Works of Mercy (Caravaggio).Please output in Italian.

Caravaggio
Caravaggismo
Misericordia
Opere di Caravaggio
Pio Monte della Misericordia
Pittura napoletana del Seicento


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Il rosario è strettamente legato al credo della famiglia Meyer ed alla figura di Maria. Il colore rosso del rosario che Anna Meyer tiene tra le mani, corrisponde al colore della cintura della Madonna e crea così una connessione tra preghiera e passione, costituendo il cosiddetto "rosario doloroso". Sotto le mani di Anna Meyer ci sono le tre perle individuali che collegano la corona reale con la croce su cui inizia la preghiera del rosario. Anna Meyer tiene quindi in mano la croce, lasciando così che il dipinto catturi in pieno il suo credo. Secondo la leggenda, fu Maria stessa ad insegnare a San Domenico la preghiera del rosario. Lutero attaccò acutamente l'uso dei rosari: "I rosari e i loro frutti sono fraintesi da molti che li usano". È possibile che il rosario rosso fosse realizzato in corallo rosso, nella variante considerata protettiva contro gli spiriti e le malattie.Anche la madre di Anna Dorothea Kannengießer tiene un rosario colorato, seppur contenuto. Se Magdalena Bär abbia o meno tra le mani questo non è dato a sapere, ma la postura della mano sembrerebbe indicarlo. Come mezzo di fede, i rosari combinano il credo personale, in particolare la devozione mariana delle donne raffigurate, con il simbolismo del dipinto.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Rosary of the Style explained?Please output in Italian.


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Epifania

Nello stato della Louisiana l'Epifania segna l'inizio del Carnevale durante il quale è consuetudine cuocere i King Cakes, simili ai Rosca di cui sopra, dolci di forma rotonda, farciti con cannella, glassata di bianco e ricoperta di tradizionale zucchero abrasivo color carnevale.  persona che trova la bambola  deve fornire la prossima torta del re. L'intervallo tra l'Epifania e il Mardi Gras è talvolta noto come "stagione delle torte del re" e numerose di queste possono essere consumate in tale periodo.  stagione del carnevale inizia il King's Day , giorno a cui sono associate molte tradizioni in Louisiana e lungo le coste cattoliche del Mississippi, dell'Alabama e della Florida.Nella Virginia coloniale, l'Epifania o dodicesima notte era considerata come occasione particolarmente appropriata come data per danze e balli, oltreché per matrimoni. In tale occasione, era preparata Grande Torta, composta da due strati giganti di frutta, ricoperti e farciti con ghiaccia reale. L'usanza imponeva che il bambino più piccolo presente tagliasse e servisse la torta e chiunque trovasse il fagiolo o il premio venisse incoronato "Re del fagiolo" in modo simile all'usanza della torta del re europeo.A Erye, nello stato della Pennsylvania, è usanza che un re si nasconda nella torta e che il bambino che lo trovi diventi a sua volta re per una giornata.Tarpon Springs, in Florida, è nota per le elaborate cerimonie religiose legate alla Chiesa greco-ortodossa, la più importante delle quali è la celebrazione dell'Epifania. Il metropolita di Atlanta di solito presiede alle benedizioni, a volte affiancato dall'arcivescovo d'America. Le benedizioni si concludono con il lancio cerimoniale di una croce di legno nello Spring Bayou della città, mentre i ragazzi dai 16 ai 18 anni si tuffano per recuperarla. Si dice che chi recupera la croce sia benedetto per un anno intero. Dopo le benedizioni, la celebrazione si sposta agli Sponge Docks, dove viene servito il cibo e l’accompagnamento musicale Tarpon Springs è stata soprannominata Epiphany City.  celebrazione attira greci americani da tutto il paeseA Manitou Springs, nel Colorado, l'Epifania è segnata dalla gara a lanciare la torta di frutta il più lontano possibile, mentre i partecipanti si vestono da re e pagliacci.  manifestazione ha luogo dalle vacanze di Natale fino all’anno successivo con risvolti umoristici, visto che la torta di frutta è considerata con un certo grado di derisione nella maggior parte degli Stati Uniti ed è fonte di molti scherzi.

Prompt: In Epifania, how is the United States of the Theology explained?Please output in Italian.

Alabama
Atlanta
Colorado
Florida
Louisiana
Manitou Springs
Natale
Tarpon Springs


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: How does Self-portrait (van Dyck, Vienna) explain its The self-portrait in ancient art?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Bambini Graham

L'opera ritrae i quattro figli del farmacista della Corte inglese Daniel Graham. Entrò in galleria nel 1934.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Graham Children.Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Van Gogh iniziò a disegnare e a dipingere con gli acquerelli mentre era a scuola; alcune di queste opere sopravvivono e la loro paternità è contestata da alcuni critici Quando iniziò a dipingere da adulto, cominciò a un livello elementare copiando il  Cours de dessin , di Charles Bargue e pubblicato da Goupil & Cie. Nel giro di due anni aveva cominciato a cercare delle commesse e nella primavera del 1882, suo zio, Cornelis Marinus - proprietario di una galleria d'arte contemporanea di fama ad Amsterdam - gli richiese dei disegni de L'Aia, ma il lavoro di Van Gogh non si dimostrò all'altezza delle aspettative di suo zio. Marinus gli offrì una seconda commessa, questa volta indicante l'oggetto in dettaglio, ma rimase ancora una volta deluso del risultato. Tuttavia, Van Gogh perseverò. Migliorò l'illuminazione del suo studio installando persiane ad apertura variabile e sperimentò una varietà di materiali da disegno. Per più di un anno lavorò sui dati singoli elaborando studi in "bianco e nero", che all'epoca gli fruttarono solo critiche. Oggi sono riconosciuti come i suoi primi capolavori.

Prompt: Explain the Development of his/her art about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Early works of Vincent van Gogh.Please output in Italian.

Amsterdam
Charles Bargue
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child (Perugino, Washington).Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Puerta de Alcalá è uno dei monumenti più significativi di Madrid, Spagna assieme alla vicina fuente de Cibeles.  costruzione fu ordinata dal re Carlo III e fu messa in opera dall'architetto Francesco Sabatini. Si trova nella Plaza de la Independencia, all'incrocio delle vie Alcalá, Alfonso XII, Serrano e Salustiano Olózaga e assieme alla Puerta de España, entrata principale al Parco del Retiro. Come la via nella quale si trova, il monumento porta questo nome per trovarsi sulla strada che conduceva alla località di Alcalá de Henares.

Prompt: Focus on Puerta de Alcalá and explain the Abstract.Please output in Italian.

Alcalá de Henares
Francesco Sabatini
Madrid
Parco del Retiro
Spagna


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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Romolo e Remo

formazione di un'articolata “leggenda” riguardo alla fondazione di Roma conobbe un decisivo impulso in età augustea. Le ragioni di questo sviluppo sono abbastanza chiare: Roma era ormai diventata il centro politico, economico e culturale di tutto il Mediterraneo e Augusto, nella sua vasta opera di riorganizzazione della compagine statale romana, mirava ovviamente a nobilitarne il passato e a dare così ragioni “culturali” del suo dominio sul mondo. Frutto di questa politica propagandistica e culturale furono in particolare tre opere, ossia l'Eneide di Virgilio , gli Annali  di Tito Livio, e le Antichità romane di Dionisio di Alicarnasso. Questi tre autori concorsero a fornire un resoconto dettagliato e particolareggiato sulla fondazione di Roma, risalendo a tempi molto antichi  e presentando una successione continua e omogenea di fatti per loro “storici” e attestati.

Prompt: Explain the The  literary  and  antiquarian  tradition about the The  legend  in  the  ancient  sources of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Violante

Deriva dal tardo latino Violante o Violantes; è da credere che questa relativa frequenza del nome all'epoca sia stata dovuta alla popolarità della gran principessa di Toscana Violante Beatrice di Baviera.

Prompt: Explain the Origin diffusion of this artwork, Violante (Titian).Please output in Italian.


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Ritratto di Antonio Martelli

Prompt: In Portrait of Fra Antonio Martelli (Caravaggio), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Alof de Wignacourt
Ritratto di Alof de Wignacourt


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Sacra Famiglia con san Giuseppe imberbe

L'opera è di solito identificata con una delle due piccole Madonne che Vasari vide a Urbino e che Raffaello dipinse per Guidobaldo da Montefeltro durante uno o più brevi soggiorni nella sua città natale verso il 1505-1506. Elementi come l'influenza leonardesca evidente, l'acconciatura della Vergine e la torsione del Bambino rimandano inequivocabilmente alla fase fiorentina dell'artista ,Le prime notizie certe sulla tavola risalgono comunque al XVIII secolo, quando era probabilmente nelle raccolte del duca d'Angoulême a Parigi, da cui passò nelle celebre collezione di Pierre Crozat, che venne acquistata in blocco da Caterina II di Russia nel 1772, costituendo quello che sarà il nucleo originario dell'Ermitage.

Prompt: How does Madonna with Beardless Saint Joseph explain its History?Please output in Italian.

1506
1772
Angoulême
Caterina II di Russia
Ermitage
Guidobaldo da Montefeltro
Parigi
Pierre Crozat
Urbino


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Maria Maddalena

Alla fine del ventesimo secolo, in seguito al successo del libro Il santo Graal di Baigent, Leigh e Lincoln, è diventata famosa la chiesa di Santa Maria Maddalena di Rennes-le-Château nella regione dell'Aude.

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Perugino) and explain the Recent narrative.Please output in Italian.


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Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

Carl Gustav Jung ha criticato l'interpretazione di Freud, in merito alla rappresentazione di Maria e Sant'Anna assieme. Egli associa l'ipotesi della doppia madre come un archetipo che alluderebbe alla rinascita e nulla avrebbe a che fare col passato dell'artista.

Prompt: Explain the The criticism of Jung about the Freud's interpretation of this artwork, The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo).Please output in Italian.


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Monumento a France Prešeren

L'idea delle realizzazione della statua in onore del poeta è stata inizialmente proposto da un gruppo di studenti nel 1889. Nel 1891 fu sostenuta da un gruppo di 52 studiosi ed infine dal sindaco di Lubiana Ivan Hribar. Fu così aperta una gara pubblica  Hribar announced a competition in 1899. Seven sculptors submitted their proposals in time,in cui vi parteciparono 7 scultori.  gara venne vinta da Ivan Zajecil 18 ottobre 1900. Il costo dell'intera opera fu di 71.000 corone.Il monumento fu inaugurato solennemente il 10 settembre 1905. All'evento vi parteciparono oltre 20.000 persone. Il discorso inaugurale fu letto da Ivan Tavčar.

Prompt: Explain the History of this artwork, Prešeren Monument (Ljubljana).Please output in Italian.


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Bonaparte valica le Alpi

Bonaparte valica le Alpi , è un dipinto del 1848-1850 raffigurante Napoleone Bonaparte, dell'artista francese Paul Delaroche. Il dipinto raffigura il Bonaparte nell'atto di guidare il suo esercito attraverso le Alpi a dorso di un mulo, percorso che avvenne veramente nella primavera del 1800, nel tentativo di sorprendere l'esercito austriaco in Italia.Le due principali versioni di questo dipinto che sono giunte sino a noi si trovano una al Louvre di Parigi e l'altra alla Walker Art Gallery di Liverpool, in Inghilterra.  regina Vittoria ne commissionò una versione ridotta.L'opera venne ispirata alla serie dei cinque dipinti realizzati da Jacques-Louis David dal titolo Bonaparte valica il Gran San Bernardo . Le opere di David mostrano anch'esse il passaggio di Napoleone sul Gran San Bernardo, ma hanno stile e concezione differente. Il Napoleone di Delaroche appare freddo e adombrato, mentre quello di David è nel pieno dello splendore della sua uniforme, come un eroe idealizzato. A Delaroche del resto venne commissionato un ritratto realistico, corrente emergente all'epoca in cui egli dipinse.Sebbene il dipinto rappresenti appieno il nuovo stile di cui Delaroche fu uno dei primi pionieri, il quadro venne criticato da alcuni per la raffigurazione della scena e del soggetto ma anche per avversione allo stesso Delaroche.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bonaparte Crossing the Alps.Please output in Italian.

Alpi
Bonaparte valica il Gran San Bernardo
Jacques-Louis David
Napoleone Bonaparte
Paul Delaroche


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Madonna Bache

Una tenda verde, a sinistra, tipica delle pittura veneziana dell'epoca, fa da sfondo alla Madonna col Bambino a mezza figura, lasciando spazio però anche a un'ampia porzione di paesaggio sulla destra. Rispetto alla rappresentazioni tradizionali del tema, gli elementi base della scena sono riarrangiati in maniera asimmetrica, sostando il fulcro verso sinistra, secondo una sensibilità "moderna" tipica del nuovo secolo. luce è forte e intensa, che accende i colori di riflessi in ampie campiture, con una linea dolce e sfumata legata al tonalismo. I due massicci alberi che bilanciano la composizione a destra sono tipici dei paesaggi di Tiziano, coi loro tronchi spessi e incombenti.

Prompt: In Bache Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Eco e Narciso

Nella versione del mito datane da Ovidio, Narciso era il figlio del dio fluviale Cefiso e della naiade Liriope. Ai suoi genitori venne predetto che egli sarebbe vissuto fino a tarda età, ma soltanto se non avesse guardato se stesso in volto. Divenuto un bellissimo ed affascinante adolescente, respinse via via non solo tutte le ninfe e le donne che si innamoravano di lui, ma anche sdegnando i giovanotti come Aminia.Una di queste era la ninfa Eco; ella rimase talmente sconvolta dal suo rifiuto, che si consumò letteralmente d'amore, annichilendo il proprio corpo fino a che non rimase altro che un sussurro, l'eco appunto. Le preghiere di vendetta e maledizione di un giovane che Narciso aveva rifiutato furono ascoltate dalla dea Nemesi la quale condannò il ragazzo ad innamorarsi di sé stesso riflesso in uno specchio d'acqua. Continuò così a rimirarsi sdraiato fino alla morte.Un fiore chiamato Narcissus crebbe nel punto esatto in cui Narciso era spirato, sulle rive del corso d'acqua.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Echo and Narcissus (Waterhouse painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: In Madonna and Child (Cima, Paris), how is the Origins discussed?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Cristo legato

Luch, Alison. "Attribuito a François Duquesnoy, Christ Bound." Bollettino Galleria Nazionale d'Arte n. 37 : 17, repro. Katz, Daniel e Nicholas Penny. Daniel Katz: 45 anni di scultura europea. Londra, 2013: 48, n. 13, 49 riproduzione. "L'arte per la nazione: la storia del Fondo permanente dei patroni". Bollettino Galleria Nazionale d'Arte, n. 53 : 29, repro. Dickerson III, CD "The Sculpture Collection: Shaping a Vision, Expanding a Legacy". Bollettino 56 della National Gallery of Art : 12-13, repro.

Prompt: How does Christ Bound explain its Bibliography?Please output in Italian.

François Duquesnoy
National Gallery of Art


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Maestà con due angeli

Maria sta assisa in un trono in tralice, in una composizione tra due angeli a figura piena che accarezzano il trono.  composizione ricorda in piccolo quella della Maestà del Louvre.Nonostante le piccole dimensioni appaiono curati i dettagli come la decorazione del trono, la pieghettatura della veste di Maria o di quelle degli angeli, che indossano anche dei larghi orli-gioiello, con perline e castoni preziosi ottenuti con gocce di colore puro in punta di pennello. Una cornice punzonata ravviva il fondo oro uniforme.I chiaroscuri degli incarnati sono modulati. Il panneggio delle vesti è basato su linee morbide e soprattutto su una maggiore attenzione chiaroscurale con molteplici tonalità di colore e maggiori sfumature .

Prompt: Explain the Description of this artwork, Virgin and Child with Two Angels (Cimabue).Please output in Italian.


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Pala di Monteripido

Pala di Monteripido è un'opera a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1502 e conservata nella Galleria Nazionale dell'Umbria a Perugia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Monteripido Altarpiece.Please output in Italian.


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Nudo disteso con cuscino blu

Nudo disteso con cuscino blu è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1916 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fa parte di una collezione privata. È uno dei numerosi nudi che hanno caratterizzato la produzione di Modigliani.

Prompt: How does Reclining Nude on Blue Cushion explain its Abstract?Please output in Italian.


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Polittico di san Luca

Maria Bellonci, Mantegna, Skira, Milano 2003.Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, San Luca Altarpiece.Please output in Italian.


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Apocalisse

Apocalisse di Giovanni Armageddon Millenarismo Giorno del giudizio   punto di vista musulmano Dajjāl figura escatologica che tenterà di traviare la Comunità musulmana Fantascienza apocalittica e postapocalittica Profezia biblica Rivelazione Fine del mondo

Prompt: How does Apocalypse (Dürer) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: Explain the In France about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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monumento a Wikipedia

Il monumento è stato finanziato dalla città di Słubice, il costo è stato di circa 60.000 złoty . Il monumento sorge in piazza Frankfurcki, in pieno centro storico di Słubice. L'inaugurazione è avvenuta il 22 ottobre 2014 alla presenza degli esponenti di Wikimedia Foundation, Wikimedia Deutschland e Wikimedia Polska.

Prompt: Explain the Costs of this artwork, Wikipedia Monument.Please output in Italian.

Wikimedia Deutschland
Wikimedia Foundation
Wikimedia Polska


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Apocalisse

qualità apocalittica si nota ancora  nell'uso frequente di un simbolismo mistificatore. Questo aspetto viene illustrato in modo notevole nei ben noti casi in cui si impiega la Ghematriah per oscurare l'opinione o il senso dello scrivente; quindi, il misterioso nome "Taxo", Assumptio Mosis, ix. 1; il "numero della bestia", 666, di Ap. 13:18; il numero 888 , Sibillini, i.326-330. Simile a questo aspetto è la profezia, spesso enigmatica, del tempo che dovrà passare prima dell'accadere degli eventi predetti; quindi il "fra un tempo, tempi e la metà di un tempo" Dan. 12:7; i "quaranta e otto tempi" di Enoch, xc.5, Assumptio Mosis, x.11; l'annuncio di un certo numero di "settimane" o "giorni" , Dan. 9:24 segg, 12:11, 12; Enoch xciii.3-10; 2 Esd. 14:11, 12; Apoc. di Bar. xxvi-xxviii; Ap. 11:3, 12:6; si confronti Assumptio Mosis, vii.1.  stessa tendenza si nota anche nell'impiego di linguaggio simbolico nel parlare di determinate persone, cose o eventi; quindi, le "corna" di Dan. 7 e 8; Ap. 17 e segg; le "teste" e "ali" di 2 Esd. xi e segg; i sette sigilli del cap. 6 delle Rivelazioni; trombe, 8; ciotole, 16; il dragone, Ap. 12:3-17, 20:1-3; l'aquila, Assumptio Mosis, x.8; eccetera.Un primo significato del già citato 666 potrebbe essere strettamente simbolico: il numero 6 infatti, è visto già nell'ebraismo come "il numero dell'uomo" . Da questo punto di vista, la ripetizione ternaria del 6 può indicare che l'anticristo rappresenterà il tentativo di instaurare il dominio dell'uomo - e dell'arbitrio umano - su quelli che nella tradizione sono visti come i tre livelli della creazione: corpo/anima/spirito, cielo/terra/inferi ecc. Una volta rifiutato Dio, infatti, è l'uomo-anticristo ad ergersi a pseudo-divinità nel tentativo di sostituirsi alla signoria divina sul mondo creato.Come esempi tipici di allegorie più elaborate, a parte quelle di Dan. 7, 8 e 2 Esd. 11, 12, già ricordate, si possono menzionare: la visione del toro e della pecora, Enoch, lxxxv segg; la foresta, la vigna, la fontana, il cedro, Apoc. di Bar. xxxvi segg.; la acque chiare e scure, ibid. liii segg; il salice e i suoi rami, Hermas, "Similitudini", viii. A questa descrizione delle peculiarità letterarie dell'apocalisse ebraica si può aggiungere che, nelle sue parti chiaramente escatologiche, mostra con notevole uniformità la dizione e il simbolismo dei passaggi classici del Vecchio Testamento. Benché ciò sia corretto, comunque, la maggior parte della letteratura escatologica tardo-ebraica e protocristiana  può difficilmente essere considerata simile a livello di caratteristiche a quella sopra descritta.

Prompt: Describe the characteristics of the Mystical symbolism in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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August Blue

August Blue è un olio su tela dipinto dall'artista britannico Henry Scott Tuke nel 1893-4; iniziato probabilmente en plein air su una barca nel porto di Falmouth . Esso rappresenta quattro giovani nudi, dentro ed attorno ad una barca, mentre fanno il bagno in mare

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, August Blue.Please output in Italian.


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Adone (Duquesnoy)

Il soggetto raffigurato è Adone, frutto dell'amore incestuoso tra Mirra e suo padre, Cinira, re di Cipro.  fanciulla, infatti, era innamorata del padre e per giacere con lui decise di ingannarlo, con l'aiuto della nutrice Ippolita; quando Cinira riconobbe la figlia, infuriato, la inseguì con una spada. Fu in quel momento che Mirra, affinché le fosse risparmiata la vita, pregò gli dei, i quali la trasformarono in un albero di mirra. Con le sembianze di albero, quindi, diede alla luce Adone.Afrodite, trovato il bambino, rimase incantata dalla sua bellezza e, adagiato in una cassa, lo consegnò a Persefone. Adone crebbe e divenne un giovane straordinariamente bello, conteso da entrambe le dee, nessuna delle due disposta a lasciarlo andare. Zeus  decise di tripartire l'anno di Adone: un terzo con Afrodite, un terzo con Persefone e un terzo con chiunque egli desiderasse.Secondo il mito di Ovidio, Adone fu ferito mentre cacciava da un cinghiale e morì dissanguato tra le braccia di Afrodite. In alcune versioni della storia, a mandare il cinghiale ad uccidere il ragazzo fu Ares, geloso perché Afrodite trascorreva troppo tempo con il mortale; in altre, tra cui quella di Euripide, fu Artemide la responsabile della sua morte, voluta per vendicare il suo prediletto Ippolito, ucciso da Afrodite .

Prompt: How does Adonis (Duquesnoy) explain its Description?Please output in Italian.

Afrodite Ares Artemide Cipro Euripide Mirra Persefone Zeus


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Volta della Cappella Sistina

L'impalcatura doveva coprire solo metà della cappella, quindi quando il lavoro nella parte iniziale fu terminato occorreva smontarla e ricostruirla nell'altra metà. E in tale occasione si procedette a una prima osservazione del risultato, quindi relativa alle ultime storie della Genesi in ordine di lettura, quelle con le tre storie di Noè. L'agosto del 1510 segnava inoltre un periodo di ristrettezze economiche per le casse papali, vessate dalla campagna militare del papa contro i Francesi: a settembre Michelangelo scriveva al padre come il papa è lontano e non ha lasciato ordine a nessuno né di pagarlo per la metà fatta, né di dargli l'anticipo per la seconda parte.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Partial discovery and the Description.Please output in Italian.


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Gabrielle d'Estrées e sua sorella

Due grandi tende di seta rossa aperte  incornicia due giovani donne nude in una vasca da bagno riempita probabilmente di vino o di latte per le loro proprietà ringiovanenti e non d'acqua, perché in quell'epoca della "toeletta secca" la società di corte evitava questo elemento accusato di "trasmettere delle malattie aprendo i pori della pelle".  vasca da bagno è ricoperta da un telo bianco leggero e tradizionale che ammorbidisce il contatto e il cui colore attenua la freddezza della pelle di porcellana delle due donne che mettono in mostra il loro fascino. donna a sinistra, forse la duchessa di Villars Julienne d'Estrées, come menzionato in un'iscrizione su una copia successiva del quadro, pizzica il seno dal capezzolo roseo di sua sorella Gabrielle d'Estrées, mentre il braccio destro è appoggiato sul bordo della vasca. Gabrielle d'Estrées tiene con la punta delle dita della mano destra quello che potrebbe essere l'anello di incoronazione di Enrico IV, che glielo offrì il 2 marzo 1599 , mentre l'altra mano riposa sul bordo della vasca. Le due donne dal volto ovale hanno il collo nudo, senza delle collane, il che rinforza il loro aspetto altezzoso, ma le perle degli orecchini ne sottolineano il rango. Le loro capigliature sono molto simili e differiscono solo per il colore naturale dei capelli .Dietro le due donne c'è un'altra tenda rossa che nasconde parzialmente lo sfondo nel quale si trova una sarta, forse una nutrice. Si vedono anche dei mobili ricoperti da un lenzuolo di velluto verde nonché un camino con il fuoco ardente. Sopra il camino è appeso un quadro parzialmente visibile che mostra la parte inferiore del corpo di un uomo nudo con una striscia rossa che nasconde i genitali.

Prompt: How does Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs explain its Description?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea in un dipinto realizzato da Assieme ad Eva, Betsabea era quasi l'unica donna la cui immagine in stato di nudità poteva essere giustificata facilmente e abitualmente nell'arte cristiana, e pertanto è una figura importante nello sviluppo del nudo nell'arte medioevale. Anche se a volte è raffigurata vestita in altri punti della sua storia, la raffigurazione più comune, sia nell'arte medioevale che in quella successiva, era quella di Betsabea al bagno, come è chiamato formalmente il tema artistico che mostra Betsabea che si fa il bagno, osservata dal re Davide. Questo poteva essere mostrato con vari gradi di nudità, a seconda della posa e della posizione di vesti o asciugamani. Una delle collocazioni più comuni nel quindicesimo secolo, forse sorprendentemente, era nelle miniature che illustravano un libro delle ore, un libro di preghiere personale, che aveva superato il salterio come tipo di libro di devozione più popolare per i laici. In particolare, questo era il caso in Francia.Nell'arte il soggetto è uno dei più comuni del topos del "Potere delle donne". Essendo un'opportunità per presentare un gran nudo femminile come fulcro di un dipinto di storia, il soggetto era popolare dal Rinascimento in poi. Talvolta sono rappresentate le domestiche di Betsabea o i "messaggeri" inviati da Davide, e spesso un Davide in lontananza che guarda dal suo tetto. A volte i messaggeri sono confusi con lo stesso Davide, ma la maggior parte degli artisti seguono la Bibbia e tengono Davide a distanza in questo episodio. Non sono rare le opere nelle quali la donna viene presentata come una seduttrice, consapevole di essere osservata.Tra gli artisti che hanno dipinto questo episodio si citano Hans Memling, Rembrandt van Rijn , Artemisia Gentileschi, Sebastiano Ricci e Jean-Léon Gérôme. Esiste inoltre un quadro di Paolo Veronese che potrebbe ritrarre Betsabea, anche se si è pensato che questa scena possa essere tratta piuttosto dalla storia di Susanna, narrata nel Libro di Daniele .

Prompt: In the context of Bathsheba (Gentileschi), explain the Art and the Biblical story.Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Bibbia
Davide
Eva
Hans Memling
Jean-Léon Gérôme
Libro di Daniele
Paolo Veronese
Potere delle donne
Davide
Rembrandt
Sebastiano Ricci


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Monumento funerario di Clemente XIV

Il successo riscosso con il Teseo sul Minotauro aveva imposto Canova al centro della scena artistica romana, procurandogli una serie di prestigiose commissioni: la prima di questa lunga serie fu il Monumento funerario di Clemente XIV.L'opera venne realizzata su commissione di Carlo Giorgi, ricchissimo mercante che doveva le sue immense fortune proprio ai benefici ottenuti dal papa Clemente XIV, che durante il suo pontificato si era segnalato per una modesta adesione alle istanze illuministe e per la forzata decisione di sopprimere nel 1773, con la breve enciclica Dominus ac Redemptor, l'ordine dei Gesuiti.Il grandioso mausoleo di Clemente XIV costituisce la prima brillante prova dello scultore nella rappresentazione di una tipologia cruciale che lo terrà impegnato.

Prompt: How does Tomb of Pope Clement XIV explain its History?Please output in Italian.

1773
Dominus ac Redemptor
Teseo sul Minotauro


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Ritratto di un certosino

{align=right} Ritratto di un certosino è un dipinto del pittore fiammingo Petrus Christus realizzato circa nel 1446 e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York negli Stati Uniti d'America.È considerato un capolavoro della pittura fiamminga e, a causa della mosca dipinta sul fondo della cornice, un importante esempio del trompe-l'œil.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Carthusian.Please output in Italian.

1446
Metropolitan Museum of Art
New York
Petrus Christus
Stati Uniti d'America


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: Explain the Answer. of this artwork, Ecce Homo (Luini).Please output in Italian.


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Visitazione con i santi Nicola e Antonio

scena centrale della pala rappresenta l'incontro della Vergine Maria e l'anziana sant'Elisabetta, futura madre di Giovanni Battista. Le loro figure torreggiano al centro, scambiandosi un intenso sguardo pieno di consapevolezza dei rispettivi destini dei propri nascituri, con un naturalistico scambio di gesti: una stretta di mano e l'accenno di un abbraccio.Ai lati seduti, formando una composizione piramidale, si trovano i santi Nicola di Bari, riconoscibile per l'attributo delle palle d'oro, e Antonio Abate, con la campana, il bastone e il maialino. Essi sono nell'atto di leggere e scrivere e sembrano fare da testimoni indiretti all'avvenimento; Antonio indossa anche un paio di occhiali. Amorevole è la descrizione dei dettagli in primo piano, derivata da una compenetrazione avanzata dell'arte fiamminga.Ai lati si trovano due quinte di edifici, oltre le quali si sviluppano alcune fantasiose formazioni rocciose, in cui sono ambientate alcune scene secondarie: lAnnunciazione dipinta su un muro della chiesa lontana, lAdorazione dei Pastori a sinistra e la Strage degli Innocenti in secondo piano.Il realismo accentuato del dipinto ha probabilmente la sua origine in arte fiamminga, in voga a Firenze in quel momento.  composizione di Piero, con un gruppo centrale principale e un santo su entrambi i lati, ricorda il trittico formato tradizionale. Tuttavia, la sua qualità piramidale, con i santi che formano una base e la testa di Maria e di Elisabetta come l'apice, riflette l'influenza dei recenti lavori di Leonardo da Vinci.Scrisse Fanny Knapp Allen sul dipinto: «Attraverso lo studio della pittura dei Paesi Bassi perviene a una finezza di dettagli che nessun altro fiorentino ha mai raggiunto. È forse uno dei quadri più caratteristici del periodo giovanile del pittore. [...] Ogni ruga, ogni peluzzo del volto e delle mani dei due santi seduti in primo piano, perfettamente caratterizzati, furono eseguiti con una cura e un amore che meravigliano in un fiorentino. È mirabile che la disposizione di Piero al dato sensibile sia così vicina a quella dei nordici. [...] Le due donne si fissano negli occhi, come nella consapevolezza del destino che le attende [...] e mentre Maria, in atto di saluto e per placare l'emozione dell'altra, pone la mano sinistra sulla spalla della vecchia Elisabetta, questa alza la mano, meravigliata che la Madre del Signore sia venuta da lei [...] sono legate in modo strettissimo, esprimendo partecipazione interiore e un calmo abbandono al loro destino. Psicologicamente, è la più bella Visitazione mai dipinta a Firenze.»

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Visitation with Saint Nicholas and Saint Anthony.Please output in Italian.

Fanny Knapp Allen
Firenze
Giovanni Battista
Paesi Bassi


section

Atleta di Fano

Paolo Moreno. Il Bronzo Getty, in Storia e Civiltà dei Greci, 6. Milano, Bompiani, 1979. Paolo Moreno. Tornerà l'eroe?, in  Antonietta Viacava. L'atleta di Fano. Roma, Edizioni L'Erma di Bretschneider, 1994. ISBN 88-7062-868-X.  Alfredo Chiappori, Il Porto della Fortuna, Rizzoli, 1997, ISBN 88-17-66423-5. Carol C. Mattusch. The Victorious Youth, in Getty Museum Studies on Art. Los Angeles, The J. Paul Getty Museum, 1997.  Peter Watson, Cecilia Todeschini. The Medici Conspiracy: The Illicit Journey of Looted Antiquities--From Italy's Tomb Raiders to the World's Greatest Museums. PublicAffairs, 2006, ISBN 1-58648-402-8

Prompt: Focus on Victorious Youth and explain the Bibliography.Please output in Italian.

1979
2006
Alfredo Chiappori
Bompiani
Bronzo
Fano
Getty Museum
ISBN
Getty Museum
Los Angeles
Milano
Paolo Moreno
PublicAffairs
Roma