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I briganti, che in quel periodo vivevano e agivano nella campagna romana, nonostante costituissero una seria minaccia ai viaggiatori attraversanti la campagna romana, erano uno delle figure romantiche preferite da numerosi pittori e disegnatori dell'epoca, attivi a Roma, come Bartolomeo Pinelli, Louis Léopold Robert, Léon Cogniet, Luigi Rocco, riprendendo e rielaborando quelli che erano i soggetti della scuola romana dei bamboccianti, mescolandoli alla ricerca neoclassica.Su questo soggetto, Vernet, probabilmente a causa del successo di opere sul medesimo tema dipinte da L. Robert, iniziò a comporre nel 1820 con “Route de Naples” , che raffigura un gruppo di briganti pronti ad una imboscata, nascosti dietro a grossi massi, su un lato della strada che porta a Napoli, pronti bloccare e derubare una vettura di posta che viene mostrata in arrivo al luogo dell'agguato, trainata da cavalli al galoppo su una strada lungo il mare a Terracina, il successo del dipinto è immediato e verrà anche riprodotto da Francois Saeraphin Delpech come stampa litografica.Nel 1831 dipinge il quadro "Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie" che idealmente rappresenta proseguimento del fatto brigantesco, iniziato con “Route de Naples”, mostrante l'intervento delle forze della legge contro i fuorilegge, dopo l'avvenuto agguato alla carrozza. L'opera verrà copiata da discepoli e rifatta come incisione da parte di Henry Dowe e David Lucas e stampata due grandi acqueforti. Il dipinto, di cui oggi rimane memoria con una riproduzione del tempo a stampa, mostrava al centro un brigante ferito morente adagiato su un carro trainato da buoi che riceve l'assoluzione da un monaco inginocchiato sullo stesso carro. Il carro è attorniato da un gruppo di gendarmi, alcuni dei quali feriti, due briganti con le mani legate dietro alla schiena inginocchiati, abitanti del luogo e da una coppia di due monaci in apparente religiosa compartecipazione all'evento, un quarto monaco contempla la scena dall'alto di una scalinata. Il paesaggio dipinto sullo sfondo riprende largamente motivi neoclassici mostrando rovine di un tempio e le arcate di un acquedotto romano,.<br />  cattura, pentimento del bandito e sua assoluzione chiude idealmente questa trilogia di dipinti briganteschi.Sempre nel tema brigantesco nel 1828 Vernet dipinse il Brigante tradito, mostrante la scena in cui un brigante viene catturato da un gendarme grazie al tradimento di una donna, con la quale si era dato appuntamento, opera in cui Vernet mescolando verismo e scena drammatica elabora un'istantanea della cattura.

Prompt: How does Italian Brigands Surprised by Papal Troops explain its I bring as subject?Please output in Italian.

Bartolomeo Pinelli
Louis Léopold Robert
Léon Cogniet
Terracina


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Sviluppo di una bottiglia nello spazio

Sviluppo di una bottiglia nello spazio è un'opera scultorea del 1912 di Umberto Boccioni.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Development of a Bottle in Space.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Vito Martinelli, Toccare Dio.  Maddalena e il Risorto,  Cittadella Editrice, Assisi 2018.   Il romanzo riporta uno stralcio di quello che si dice sia il Vangelo di Maria Maddalena andato perduto. Maura Del Serra,  Maddalena: eros e agape, in "Sapienza", 40, fasc. 3, luglio-settembre 1987, pp. 333–337. Mario Arturo Iannaccone, Maria Maddalena e la dea dell'ombra. Il sacro femminile, la spiritualità della dea e l'immaginario contemporaneo, SugarCo, Milano, 2006. Ann Graham Brock, "Mary Magdalene, The First Apostle: The Struggle for Authority", Harvard University Press, 2003:  discusses issues of apostolic authority in the gospels and the Gospel of Peter the competition between Peter and Mary, especially in ch. 7 "The Replacement of Mary Magdalene: A Strategy for Eliminating the Competition". Birger A. Pearson, Did Jesus Marry?, Bible Review, Spring 2005, pp. 32–39 & 47. Discussion of complete texts. Bart Ehrman,  verità sul codice da Vinci, Oxford University Press Inc. 2004, edito per l'Italia da Mondadori, ISBN 88-04-54792-8. Paolo Riberi, Maria Maddalena e le altre. Le figure femminili dimenticate degli gnostici, L'età dell'acquario, Torino 2015. Bettye Johnson, I Segreti Rivelati nei Rotoli di Maria Maddalena, Macro Edizioni, 2006. Paolo Furia, Dizionario iconografico dei Santi, Edizioni ARES, 2002. Cesare Violini, Maria di Màgdala, Società Subalpina Editrice, Torino, 1945. Marianne Fredriksson,  Prescelta, Longanesi, 2004 .

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Stevens) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Bart Ehrman
ISBN
Vangelo
Vangelo di Maria


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: Explain the Meishozue, Edo about the The word "null" in English is "null." of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.


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Venditore ambulante

Agente di commercioAgenzia di rappresentanzaCibo da stradaCommercioMercatoVucumprà

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Wayfarer.Please output in Italian.

Agente di commercio
Agenzia di rappresentanza
Commercio
Mercato
Vucumprà


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Non ci sono documenti certi che attestino il momento puntuale in cui avvennero la commissione e l'esecuzione dell'opera: tuttavia, dalle informazioni giunte sino ai giorni moderni, è possibile delineare un quadro d'insieme in cui queste possano essere state definite.Tiziano fu chiamato in terra emiliana per la prima volta al servizio della famiglia Farnese intorno al 1543, dove gli fu commissionato dal cardinale Alessandro il Giovane, suo diretto interlocutore, il Ritratto di papa Paolo III. Successivamente, riscosso il dovuto successo per l'opera realizzata, il maestro veneziano fu chiamato nel 1545 a Roma, dove soggiornò alcuni mesi, dalla stessa casa pontificia per ulteriori commesse, tra cui per l'appunto anche il Ritratto del papa con i nipoti.Seppur il dipinto non fu completato da Tiziano, rimanendo privo di cornice e senza l'ultimo passaggio di colore da stendere sulla tela, Giorgio Vasari, nel suo celebre Le vite, sostiene che il ritratto del papa Paolo III era così apprezzato che molte persone nel passargli davanti si prostravano, credendolo il papa in persona.Sin dal principio la tela non riscosse particolare successo negli ambienti romani, causa probabilmente anche la figura di Ottavio, presente nella scena, che era poco stimata dalla famiglia Farnese: dopo aver tentato persino di uccidere il proprio padre, egli si imparenterà con la famiglia di Carlo V, i cui rapporti diplomatici con i Farnese non erano lodevoli, sposandone la figlia Margherita d'Austria. Tra le poche figure che ne apprezzarono la stesura si registra Antoon van Dyck che ebbe modo di vederla intorno agli anni venti e che la copierà facendone un disegno oggi conservato al British Museum di Londra. Nella metà del XVII secolo il quadro, assieme a quelli più prestigiosi presenti nel palazzo Farnese di Roma, viene trasferito nelle dimore di famiglia del ducato di Parma e Piacenza, prima nel palazzo del Giardino e poi in quello della Pilotta. In Emilia il dipinto perde l'identificazione dei personaggi ritratti, scambiando la figura di Ottavio con quella di Pier Luigi Farnese.Estinta la dinastia maschile dei duchi Farnese, il dipinto fu trasferito intorno al 1734 assieme a tutta la collezione Farnese, ereditata dapprima da Elisabetta Farnese e poi subito dopo dal figlio Carlo di Borbone, a Napoli, trovando ampi consensi e apprezzamenti dagli storici del tempo, come Charles de Brosses, Johann Joachim Winckelmann, il marchese de Sade e Tommaso Puccini. Durante il decennio francese la tela fu trasferita per motivi di sicurezza in Sicilia da Ferdinando di Borbone, dov'era anch'egli in fuga, assieme alla Danae, alla Maddalena penitente e al Ritratto di Paolo III, tutte e tre sempre di Tiziano, per poi fare ritorno definitivo a Napoli nel 1815, in occasione della restaurazione borbonica.

Prompt: In Pope Paul III and His Grandsons, how is the History discussed?Please output in Italian.

Antoon van Dyck
British Museum
Charles de Brosses
Elisabetta Farnese
Farnese
Giorgio Vasari
Johann Joachim Winckelmann
Londra
Margherita d'Austria
Napoli
Pier Luigi Farnese
Ritratto di Paolo III
Roma
Sicilia
Tommaso Puccini


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Madonna Salting

Madonna Salting  è un dipinto olio su tavola  attribuito ad Antonello da Messina, databile al 1460-1469 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Salting Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: In Christ on the Cross (Zurbarán), how is the Historical crucifixions discussed?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Ritratto dei duchi di Osuna con i figli

Pedro Téllez de Girón, nono duca di Osuna , e Josefa Alonso Pimentel, contessa-duchessa di Benavente , erano due aristocratici che, dopo aver celebrato le nozze nel 1771, ebbero numerosissimi figli, dei quali tuttavia solo quattro sopravvissero al periodo prenatale. I due duchi d'Osuna erano affezionati committenti del Goya e lo aiutarono ad entrare nell'ambiente artistico e intellettuale più in vista della capitale madrilena: Goya, palesando una perenne e devota riconoscenza, avrebbe poi avviato con loro un'amicizia tenera e duratura.Nel dipinto sono raffigurati proprio i due coniugi con i loro quattro figliuoli: Josefa Manuela , tenuta in mano dal padre, sarà una volta grande duchessa di Abrantes; Joaquina , futura marchesa di Santa Cruz e oggetto di un'altra tela di Goya del 1805; Francisco de Borja , sulla sinistra, il quale erediterà il titolo del padre; infine il piccolo Pedro de Alcantara , seduto ai piedi della mamma, destinato a diventare uno dei direttori più celebri del museo del Prado. L'aria che si respira è quella di un'atmosfera familiare, intima e molto profonda: d'altronde, gli stessi duchi erano molto colti e conducevano un salotto letterario frequentato da numerosi intellettuali e artisti: ciò malgrado, non erano opportunisti e piuttosto che instaurare rapporti d'etichetta preferivano stringere feconde amicizie, fatte anche di reciproca stima e di intesa personale.Goya introduce questa sfumatura di intimità nel quadro con una serie di accorgimenti formali: l'impiego di una tavolozza delicata e impalpabile che comprende grigi-verdi, rosa e rossi squillanti, lo sfondo monocromo e neutro che conferisce volume alle figure, lo spazio indefinito e lo «spettacolo degli abiti, con trine e lustrini: tutto un apparato di moda che […] giustifica ancor più l'intento dell'artista di essere sobrio ed essenziale e […] lo incita a introdurre gustosi effetti pittoreschi, scintillii, luminosità seriche, trasparenze» .

Prompt: How does The Duke and Duchess of Osuna and their Children explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Statua di Medea

piazza con al centro la statua di Medea statua di Medea  è un monumento di Batumi, in Georgia.Raffigura Medea, personaggio della mitologia greca, figlia di Eete, re della Colchide. Nella mano destra tiene il vello d'oro, simbolo di prosperità. Fu realizzata nel 2007 da Davit Khmaladze, architetto georgiano attivo in Belgio, grazie ad uno stanziamento governativo di 1.230.000 lari. Secondo l'allora sindaco di Batumi, Irakli Tavartkiladze, la statua possiede un importante contenuto simbolico poiché: "Medea è il simbolo dell'integrazione delle culture georgiana ed europea". Fu inaugurata ufficialmente il 6 luglio 2007, alla presenza del presidente della Georgia Mikheil Saak'ashvili.

Prompt: How does Statue of Medea explain its Abstract?Please output in Italian.

2007
Batumi
Belgio
Eete
Georgia
Medea
Mikheil Saak'ashvili


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Polittico della Misericordia

Nel 1442 Piero risultava abitante, dopo alcuni viaggi, di nuovo a Borgo Sansepolcro, sua città natale, dove era uno dei "consiglieri popolari" nel consiglio comunale. L'11 gennaio 1445 ricevette dalla locale Confraternita della Misericordia la commissione di un polittico per l'altare della loro chiesa: il contratto prevedeva il compimento dell'opera in tre anni e la sua completa autografia, oltre all'obbligo di controllare, ed eventualmente restaurare, il dipinto nei dieci anni successivi. Il Polittico della Misericordia è, grazie a questo contratto, la prima opera documentata di Piero della Francesca che ci sia pervenuta.In realtà, la realizzazione del polittico si protrasse, con intervento di un allievo non identificato, per più di 15 anni, nonostante le continue sollecitazioni della Confraternita, come dimostra un pagamento al fratello Marco di Benedetto de' Franceschi, per conto di Piero, effettuato dai religiosi nel 1462. Il ritardo può essere spiegato sia per i numerosi altri impegni del maestro, sia per la sua fama di artista molto lento, a cui si era cercato di rimediare con l'apposizione della clausola. Alcuni documenti fanno dedurre che la parte preponderante dell'opera sia stata eseguita dopo il 1459.  presenza di San Bernardino da Sienaaureola pone un importante termine post quem, poiché venne proclamato santo nel 1450.Nel XVII secolo il polittico fu scomposto, con la perdita dell'originaria cornice; si riuscì però ad evitare la dispersione dei pannelli. Trasferito poi nella chiesa di San Rocco, dal 1901 è conservato nella Pinacoteca comunale.

Prompt: In Polyptych of the Misericordia, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna della Scodella

Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola  di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Prompt: How does Madonna della Scodella explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Crocifisso di Santo Spirito

Michelangelo fu ospitato nel convento di Santo Spirito nel 1492, a diciassette anni, dopo la morte del suo protettore Lorenzo il Magnifico, che lo aveva ospitato durante i suoi studi artistici nel grande palazzo di famiglia in Via rga . In questo convento, grazie all'intercessione di Piero de' Medici e con l'autorizzazione del priore, ebbe la possibilità di analizzare i cadaveri provenienti dall'ospedale del convento per studiarne l'anatomia, ed è anche grazie a questa esperienza che Michelangelo divenne tra i più capaci nel rappresentare il corpo umano in ogni suo più piccolo dettaglio.Come ringraziamento dell'ospitalità il giovane artista scolpì per il priore Niccolò di po Bichiellini, il crocifisso ligneo, che venne collocato sopra l'altare maggiore, dove lo vide verso il 1510 l'Albertini, finché, durante l'occupazione francese della fine del XVIII secolo, con la soppressione del convento venne registrato come perduto. In realtà l'opera non si era mossa da Santo Spirito, come sostenne Margrit Lisner, che nel 1962, durante una catalogazione dei crocifissi toscani, lo riscoprì sotto una spessa ridipintura che alterava la forma e il carattere dell'opera. L'opera dopotutto confermava alcune informazioni tratte dalle fonti antiche .Venne destinato, dopo l'immediato restauro, al museo di Casa Buonarroti, dove rimase fino al 2000 quando si decise di riesporlo nella sagrestia di Santo Spirito. In seguito allo studio di due medici nel 1999 è stata riconosciuta la stretta aderenza del crocifisso alla realtà, ritraente un giovane quattordicenne morto da poche ore: il profondo studio anatomico del corpo ha reso ancora più probabile l'attribuzione del legno al maestro fiorentino.Un altro piccolo crocifisso in legno di tiglio, facente parte di una collezione privata ed esposto temporaneamente nel 2004 nel piccolo Museo Horne è stato attribuito a Michelangelo attraverso il confronto col crocifisso di Santo Spirito, specie in dettagli difficili come i tendini dei piedi o l'articolazione del ginocchio. Michelangelo infatti era tra i pochi a poter vantare conoscenza "scientifica" del corpo umano da poterlo raffigurare tanto realisticamente.

Prompt: Explain the History of this artwork, Crucifix (Michelangelo).Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Questo dipinto riprende lo schema descrittivo de Il giuramento degli Orazi di Jacques Louis David del 1784, conservato al Louvre. scena si ambienta in una moschea, di cui si vede il cortile ed il minareto. In secondo piano, si vedono le mura della città tra le quali si trova una breccia sulla quale si trova una bandiera francese e una colonna di fumo di un incendio, simboli della recente conquista della città da parte dei francesi. parte sinistra, dominata da un arco a ferro di cavallo tipico dell'architettura araba, un uomo vestito all'orientale distribuisce del pane, aiutato da un servitore che porta un paniere. In secondo piano due persone di colore col fez trasportano una barella con un morto. Davanti, si trova la figura di un uomo seduto, pensieroso, ripreso chiaramente dal Giudizio universale di Michelangelo.A destra, sotto due arcate a sesto acuto, Napoleone tocca il bubbone di un malato sotto la sua ascella. In primo piano, un medico arabo cerca di guarire un altro malato.  parte bassa del dipinto è occupata da due uomini sdraiati.  luce del dipinto ed i colori sono pensati per mettere al centro della composizione Napoleone ed il suo gesto. struttura della composizione è ripartita su due gruppi con l'uso della luce e dell'ombra. Bonaparte si trova al centro della composizione, all'intersezione delle linee dominanti. È accompagnato da un generale e dal medico al seguito dell'armata francese, Desgenettes. Per quanto riguarda il gruppo, possiamo dire che gli appestati presentano dei corpi tipici del nudo accademico, mischiato alla bellezza idealizzata dei muscoli, tipica delle sculture antiche.Nel secondo gruppo domina l'oscurità. Le figure presenti sono tristi e abbattute: è visibile un gruppo di arabi e di soldati a sinistra, appena dietro il generale. Tra i morenti vi sono diversi stadi della peste, dagli ammalati ai cadaveri. Gros ci presenta anche l'immagine di un medico turco che preleva del liquido derivato da un bubbone. Questa rappresentazione è realistica, dal momento che all'epoca il solo modo per contrastare la peste era il vaccino che consisteva nel prelevare il pus di un malato ed introdurvi del sangue di una persona non malata.  questione del vaccino è dibattuta in quanto una persona su trecento poteva anche morire per la somministrazione di questo vaccino.Il luogo dove si trovano tutte le figure è una moschea trasformata in lazzaretto. Vi si possono notare dei motivi decorativi orientaleggianti. Sul fondo si trova la cittadella, con la bandiera francese in cima, ed un porto.

Prompt: Explain the Composition of the painting of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.


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Santi Giovanni Evangelista e Francesco

Il dipinto è stato restaurato da Lisa Venerosi Pesciolini nel 2010 ed analizzato tramite radiografia, riflettografia ed analisi dei materiali da Art-Test Firenze. I risultati delle analisi  confermano la piena autografia della pittura. Il dipinto con lo stesso soggetto, adesso al Prado di Madrid, viene considerato opera di bottega e derivato da questo dipinto.

Prompt: Explain the Restoration about the Description of this artwork, Saint John the Evangelist and Saint Francis.Please output in Italian.


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Victory Boogie Woogie

Victory Boogie Woogie  è un quadro dipinto da Mondrian durante il periodo in cui si trovava a New York .Si tratta dell'ultima opera prodotta dall'artista, rimasta però incompiuta poiché vi stava ancora lavorando nei giorni precedenti alla sua morte.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Victory Boogie Woogie.Please output in Italian.


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Estasi di santa Margherita da Cortona

Il dipinto fu commissionato nel 1622 dal nobile cortonese Nicolò Gerolamo Venuti, il cui stemma è visibile in basso a sinistra, e fu pensato per decorare l'altare maggiore della chiesa di Santa Maria Nuova di Cortona: il culto di santa Margherita è particolarmente diffuso nella località, ma anche generalmente in Italia centrale. Fu acquistato da Ferdinando de' Medici, che provvide a sostituire la tela nella sua collocazione originaria con un'altra, avente lo stesso soggetto, di Giuseppe Maria Crespi .

Prompt: How does Ecstasy of St Margaret of Cortona explain its History?Please output in Italian.

Cortona
Ferdinando de' Medici
Giuseppe Maria Crespi
Italia centrale


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Dinosauri di Crystal Palace

Anoplotherium è un mammifero estinto dall'epoca Eocene-Oligocene, ritrovato per la prima volta vicino a Parigi. I modelli di Hawkins si basano sulla speculazione di Owen sul suo aspetto simile ad un cammello. Furono realizzati tre modelli, formando un piccolo branco.Il Megaloceros o Alce irlandese è una specie vissuto nel Pliocene-Pleistocene in Eurasia. Hawkins costruì un nucleo familiare formato da un maschio, una femmina ed un cerbiatto; i plachi del maschio adulto erano costituiti da vere corna fossili, da tempo sostituite. Spostati dalla terza isola, erano caduti in rovina poiché si trovavano in un luogo facilmente accessibile ai vandali. Con le loro corna originali ma fragili, gli alci irlandesi sono i modelli più accurati; poiché sono di recente era geologica , Hawkins è stato in grado di modellarli sui cervi viventi.Il gigantesco bradipo terricolo Megatherium visse dall'epoca Pliocene-Pleistocene in Sud America, dove Charles Darwin aveva trovato alcuni fossili, nel 1835. Il modello fu costruito in modo tale che la creatura abbracciasse un vero albero, che, tuttavia, crebbe e spezzò una delle braccia del modello. Il braccio fu sostituito e in seguito l'albero morì. Il modello raffigura il bradipo con una corta proboscide, simile a quella di un tapiro, qualcosa che il vero animale non ha mai avuto. Questo modello era nello zoo dei bambini che ora è stato demolito.I modelli di Palaeotherium rappresentano un mammifero estinto dell'Eocene, che Cuvier pensava fosse simile ad un tapiro. Queste ricostruzioni hanno subito la maggiore usura tra tutti i modelli e il modello in piedi non assomigliava più all'originale realizzato da Hawkins. Durante gli anni '60 questi modelli furono dimenticati tra i cespugli a una cinquantina di metri dal sito originale e, prima del restauro del 2002, erano in condizioni così pessime da essere rimossi e messi in deposito. Alcune fonti affermano che questi modelli sono stati aggiunti in un secondo momento, ma un'illustrazione del Illustrated London News del laboratorio di Hawkins li mostra sullo sfondo.Hawkins aveva in programma anche i modelli dell' "uccello spaventosamente grande" Dinornis della Nuova Zelanda , e dell'elefante estinto simile a Mastodon  del Miocene e del Pliocene americano, che sarebbero comparsi in una futura "Isola Terziaria", ma il progetto non venne mai completato.

Prompt: Explain the Cenozoic Era about the The dinosaur park of this artwork, Crystal Palace Dinosaurs.Please output in Italian.

Anoplotherium
Charles Darwin
Dinornis
Eocene
Eurasia
Megaloceros
Megatherium
Miocene
Oligocene
Palaeotherium
Pleistocene
Pliocene


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Puerta de Alcalá

Puerta de Alcalá è uno dei monumenti più significativi di Madrid, Spagna assieme alla vicina fuente de Cibeles.  costruzione fu ordinata dal re Carlo III e fu messa in opera dall'architetto Francesco Sabatini. Si trova nella Plaza de la Independencia, all'incrocio delle vie Alcalá, Alfonso XII, Serrano e Salustiano Olózaga e assieme alla Puerta de España, entrata principale al Parco del Retiro. Come la via nella quale si trova, il monumento porta questo nome per trovarsi sulla strada che conduceva alla località di Alcalá de Henares.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Puerta de Alcalá.Please output in Italian.

Alcalá de Henares
Francesco Sabatini
Madrid
Parco del Retiro
Spagna


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Morte di Germanico

Categoria:Dipinti a MinneapolisCategoria:Dipinti di Nicolas PoussinCategoria:Dipinti a soggetto storico

Prompt: In The Death of Germanicus, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Isabella

Isabelle Adjani, attrice e cantante franceseIsabelle Adriani, attrice, scrittrice e giornalista italianaIsabelle Aubret, cantante franceseIsabelle Benard, modella franceseIsabelle Boéri-Bégard, schermitrice franceseIsabelle Boulay, cantante canadeseIsabelle Caro, modella e attrice teatrale franceseIsabelle Carré, attrice franceseIsabelle Corey, attrice franceseIsabelle Darras, modella grecaIsabelle de Beauvau, nobildonna franceseIsabelle de Charrière, scrittrice olandese naturalizzata svizzeraIsabelle Eberhardt, esploratrice e scrittrice svizzeraIsabelle Faust, violinista tedescaIsabelle Fijalkowski, cestista franceseIsabelle Fuhrman, attrice statunitenseIsabelle Huppert, attrice franceseIsabelle Krumacker, modella franceseIsabelle Mir, sciatrice alpina franceseIsabelle Mouthon-Michellys, triatleta franceseIsabelle Pasco, attrice e modella franceseIsabelle Patissier, arrampicatrice franceseIsabelle Pentucci, schermitrice svizzeraIsabelle Renauld, attrice francese Isabelle Stengers, filosofa e chimica belgaIsabelle Turpault, modella franceseIsabelle Vitari, attrice, regista e sceneggiatrice franceseIsabelle Yacoubou, cestista beninese naturalizzata francese

Prompt: Explain the Variant Isabelle about the People of this artwork, Isabella (Millais painting).Please output in Italian.

Isabelle Adjani
Isabelle Adriani
Isabelle Aubret
Isabelle Benard
Isabelle Boulay
Isabelle Boéri-Bégard
Isabelle Caro
Isabelle Carré
Isabelle Corey
Isabelle Darras
Isabelle Eberhardt
Isabelle Faust
Isabelle Fijalkowski
Isabelle Fuhrman
Isabelle Huppert
Isabelle Krumacker
Isabelle Mir
Isabelle Mouthon-Michellys
Isabelle Pasco
Isabelle Patissier
Isabelle Pentucci
Isabelle Renauld
Isabelle Stengers
Isabelle Turpault
Isabelle Vitari
Isabelle Yacoubou
Isabelle de Beauvau
Isabelle de Charrière


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Noli me tangere

locuzione noli me tangere, che appare per la precisione al versetto 20,17 del vangelo di Giovanni, è contenuta in questa forma nella traduzione della Vulgata, che recita "Noli me tangere, nondum enim ascendi ad Patrem meum": il senso è stato interpretato come un invito, da parte di Gesù a Maria Maddalena, a non voler controllare se egli, dopo la resurrezione, avesse un corpo in carne e ossa, cosa che non sarebbe stata possibile poiché doveva ancora "salire al Padre"; in questo caso il senso che assume la frase è quello di non fare perdere tempo, perché Gesù sente l'urgenza di ricongiungersi al Padre.

Prompt: In the context of Noli me tangere (Titian), explain the Translation meaning phrase and the Biblical story.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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L'ultima resistenza a Isandlwana

L'ultima resistenza a Isandlwana è una pittura a olio di grandi dimensioni, che immagina lo svolgimento della battaglia di Isandlwana, risoltasi nel massacro della colonna britannica che aveva invaso lo Zululand senza le dovute precauzioni.  confusione dei violentissimi scontri pervade tutto il dipinto: mentre sullo sfondo si staglia il monte Isandlwana, e il fumo delle scariche di fucile copre in parte l'orda dei guerrieri zulu e le poche giubbe rosse che ancora resistono alla loro avanzata, in primo piano una compagnia di soldati britannici tenta di formare un quadrato per opporre un'ultima resistenza all'attacco zulu prima del proprio totale annientamento.  sconfitta è ormai imminente e il tentativo destinato al fallimento, come testimoniano alcuni zulu che già attaccano i soldati e i numerosi cadaveri che disseminano il terreno.Notevole è l'assenza nel dipinto di alcun ufficiale, probabile critica mossa da Fripp all'incapacità dei comandanti britannici, ritenuti i principali responsabili della disfatta a fronte dell'eroismo dei semplici soldati.  rappresentazione di Fripp è probabilmente non rispondente al reale andamento della battaglia, poiché i pochi sopravvissuti la descrissero come una disordinata rotta nella quale mancò del tutto una resistenza organizzata da parte dei britannici, come invece suggerisce il dipinto.Il lavoro di Fripp si distingue comunque per l'accuratezza e la dovizia di particolari con cui sono rappresentati i guerrieri zulu, che l'autore aveva osservato di persona e che gli altri artisti del periodo dipingevano invece in maniera assai più approssimata e stereotipica. Come testimoniato dagli appunti di Fripp, l'eroica resistenza zulu alla battaglia di Ulundi lo impressionò favorevolmente, spingendolo così a riprodurne le gesta con la massima aderenza alla realtà nei suoi lavori seguenti.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Last Stand at Isandlwana.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Il 10 giugno 1886, Ludovico venne ufficialmente dichiarato pazzo dal governo e incapace di esercitare i suoi poteri governativi. Il principe Luitpold venne dichiarato reggente. Il professor Bernhard von Gudden, nonostante non avesse mai visitato Ludovico, lo dichiarò folle sulla base del materiale da lui prodotto, che era ritenuto molto più che sufficiente per lo scopo. D'altra parte è un fatto che egli si disinteressasse totalmente del governo e che le casse della casa reale fossero state da lui totalmente prosciugate per la costruzione dei suoi castelli. Alcuni storici ritengono che Ludovico fosse sano, ma vittima di un intrigo. L'imperatrice Elisabetta sostenne che «il re non era matto; era solo un eccentrico che viveva in un mondo di sogni. Avrebbero potuto trattarlo più gentilmente, e risparmiargli con ciò una fine così terribile.» presa in custodia del popolare capo di Stato fu fatta in segreto, ma l'evento fu inusuale come la vita stessa di Ludovico. Un'eccentrica ma leale baronessa arrivò ai cancelli della residenza agitando il suo ombrello e redarguendo gli uomini che erano andati a prendere Ludovico. Un nutrito gruppo di contadini si affollò a Hohenschwangau per proteggere il sovrano; essi intendevano scortare Ludovico fino alla frontiera per salvarlo dalla cattura, ma il re rifiutò. Un battaglione di soldati di stanza nella vicina cittadina di Kempten era stato richiamato a Neuschwanstein dal monarca, ma fu trattenuto dal governo.Ludovico tentò di rendere pubblico il seguente proclama: «Il principe Luitpold intende salire al potere come reggente della nazione senza la mia volontà. I miei attuali ministri hanno falsificato le informazioni sul mio stato di salute e stanno preparando atti di alto tradimento nei confronti del mio amato popolo [...] Chiedo a ogni fedele bavarese di aiutare i miei seguaci nell'ostruzione di questo tradimento pianificato del re e della patria». Tale proclama fu stampato da un quotidiano di Bamberga l'11 giugno 1886, ma le copie vennero tutte sequestrate dal governo per evitarne la diffusione. Molti dei telegrammi di Ludovico ai giornali e ai suoi amici furono intercettati. Il sovrano ricevette anche un messaggio da Bismarck, che lo invitava ad andare a Monaco e mostrarsi al popolo, ma Ludovico rifiutò di lasciare Neuschwanstein.  mattina del 12, una seconda commissione si recò al castello. Il re fu arrestato alle ore 4:00 e trasferito al castello di Berg, a sud di Monaco. morte di Ludovico, avvenuta al lago di Starnberg, è avvolta nel mistero. Il 13 giugno alle 18:30 egli chiese di poter fare una passeggiata con il dottor Bernhard von Gudden e questi accettò, dicendo alle guardie di non seguirli. I due uomini non fecero più ritorno: furono ritrovati entrambi morti nelle acque del lago alle 23:30 del giorno stesso. Nei pressi del punto del ritrovamento fu in seguito costruita una piccola cappella in cui ogni anno, il 13 giugno, si tiene una cerimonia commemorativa. Nel luogo esatto delle acque in cui fu ritrovato il corpo di Ludovico fu eretta una croce in suo ricordo.Il decesso del deposto monarca fu classificato come suicidio per annegamento, ma esistono numerose teorie alternative, in quanto secondo l'autopsia non c'era acqua nei polmoni. Ludovico era un buon nuotatore e l'acqua gli arrivava alla cintola, escludendo un incidente. Nonostante non siano emerse valide prove di violenza, alcuni ritengono che Ludovico sia stato assassinato dai suoi avversari politici o mentre tentava di fuggire da Berg. Un'altra ipotesi è quella che l'ex-sovrano sia morto per cause naturali  durante un tentativo di fuga. Alcune leggende narrano addirittura che sia stato sbranato da un licantropo e che il dottor Gudden fosse in realtà il suo amante.Ludovico fu seppellito nella cripta della Michaelskirche di Monaco di Baviera, ma il suo cuore è conservato in una teca argentata presso la Gnadenkapelle di Altötting.

Prompt: Explain the Deposition, arrest, death about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.

13 giugno
1886
Altötting
Bamberga
Baviera
Bernhard von Gudden
Hohenschwangau
Monaco di Baviera


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Trittico di Modena

Il Trittico di Modena, noto anche come Altarolo portatile, è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1568 e conservato alla Galleria Estense del Palazzo dei musei a Modena.

Prompt: How does Modena Triptych explain its Abstract?Please output in Italian.

1568
El Greco
Este
Galleria Estense
Modena
Trittico


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Obelisco della Minerva

Lobelisco della Minerva è uno dei nove obelischi di Roma, collocato in piazza della Minerva .L'obelisco è posizionato sulla groppa di un elefante marmoreo, scolpito da Ercole Ferrata su disegno di Gian Lorenzo Bernini nel 1667; l'intero complesso monumentale è popolarmente noto anche come il Pulcin della Minerva: "pulcino" nel romanesco dell'epoca stava per "porcino", riferito all'elefante "per le dimensioni ridotte e le forme rotonde".

Prompt: How does Elephant and Obelisk explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Lucifero

Phosphoros Aion Asura Cristianesimo Demonologia Dio Gerarchia dei demoni Inferno Satana Satanismo Sorat Diavolo

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Asura
Cristianesimo
Demonologia
Diavolo
Dio
Dio
Gerarchia dei demoni
Inferno
Satana
Satanismo
Sorat


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Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: How does Ecce Homo (Luini) explain its Iconography?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


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I quattro continenti

Uno studio per il dipinto, raffigurante uno dei fiumi personificati storica dell'arte Elizabeth McGrath ha proposto un'altra interpretazione del dipinto, ritenendo che le personificazioni dei continenti in realtà siano delle ninfe che rappresentano le fonti dei quattro fiumi. McGrath inoltre ha ipotizzato che il Danubio sia in realtà il fiume Tigri e il Rio della Plata sia l'Eufrate, in quanto questi fiumi erano citati nell'esegesi biblica.

Prompt: How does The Four Continents explain its Interpretations?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

Sui pilastrini della cornice sono inserite due file di santi dipinti entro nicchie , di spiccata resa plastica grazie a un uso unificato della luce che scava in profondità le cavità dipinte. Nel pilastro di sinistra si trovano raffigurati: santa Caterina d'Alessandria, san Lorenzo, sant'Antonio di Padova e san Giovanni Battista; in quello di destra: la beata Michelina, san Bernardino da Siena, san Ludovico di Tolosa e sant'Andrea.In basso si trovano infine sette riquadri della predella, dedicati a una Natività e scene della vita di santi, narrate con notevole vivacità che si contrappone alla solenne calma della scena principale. Si tratta di:San Giorgio uccide il dragoConversione di san PaoloCrocifissione di san PietroNativitàSan Girolamo nel desertoSan Francesco riceve le stimmateSan Terenzio scelta dei santi non è casuale: Francesco ad esempio, oltre che titolare della chiesa, era legato, tramite l'ordine francescano, agli Sforza, e numerosi dei santi nei pilastrini sono tra quelli promossi dai frati in quel periodo. San Giorgio inoltre era il santo cavaliere legato alle corti e san Terenzio il protettore di Pesaro, qui raffigurato come un antico soldato romano.  preminenza di questi due santi, posti alla base dei pilastrini dove di solito si raffiguravano le imprese araldiche, sottintende probabilmente al potere militare e civile degli Sforza: non a caso dietro a Terenzio si trova una lapide romana con un busto e un'iscrizione che inneggia ad Augusto, come paragone celebrativo del potere del duca.

Prompt: Explain the Pilasters predella about the History of this artwork, Pesaro Altarpiece (Bellini).Please output in Italian.

Antonio di Padova
Augusto
Bernardino da Siena
Caterina d'Alessandria
Giovanni Battista
Ludovico di Tolosa
Pesaro
San Giorgio
San Girolamo
Sforza


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (der Goes), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Pala Trivulzio

L'opera è impostata secondo una prospettiva scorciata "da sott'in su", cioè con un punto di vista molto ribassato, a causa della posizione elevata che essa aveva sull'altare.  cornice intagliata da fra' Giovanni da Verona, intarsiatore, doveva evidenziare questa veduta privilegiata. Come in Piero della Francesca, il particolare scorcio riguarda i santi e le altre figure accessorie, mentre per la figura sacra della Vergine è usata una normale veduta frontale, che le dà quel tono di fissità ieratica soprannaturale che la fa sembrare un'apparizione.Maria è raffigurata insolitamente in una mandorla circondata da cherubini , invece del consueto trono, ma la disposizione sopraelevata rispetto ai santi è in ossequio alle composizioni piramidali in cui si trova al vertice, tipiche delle sacre conversazioni di matrice veneziana di moda a quei tempi. Rappresenta l'Assunta, a cui è dedicata la chiesa. A partire dall'ovale del suo viso, reso con un colorismo nuovo nella produzione di Mantegna, lo schema compositivo sembra dilatarsi a ondate concentriche, che investono la mandorla, il gruppo dei santi e lo sfondo vegetale, paragonato all "risonanza di un'immensa navata".I santi sono da sinistra:San Giovanni Battista nella tipica posizione che indica il Bambino, con il vestito da eremita nel deserto e il lungo bastone con la croce; accanto a lui si trova anche un cartiglio con le sue parole profeticheSan Gregorio Magno, con la veste papale decorata da ricami figurati, il triregno e il bastone pastoraleSan Benedetto da Norcia, con l'abito olivetano e un pastorale, la cui presenza ricorda che la chiesa veronese era retta da una congregazione dell'Ordine benedettinoSan Girolamo, con il cappello cardinalizio e una mantello rosso sgargiante; tiene nella destra un libro, simbolo della Vulgata e nella sinistra un modellino della chiesa, anche questo scorciato dal basso; la sua espressione è solenne e fiera e tramite lo sguardo che guarda dritto verso lo spettatore arriva a coinvolgerlo direttamente nella rappresentazione.Le aureole, come nel Cristo in pietà di Copenaghen, sono ormai dei dischi di luce, che scompaiono in trasparenza rivelando lo sfondo retrostante.In basso si trovano tre angeli cantori e musicanti, di grande dolcezza naturalistica. Curioso è lo scorcio di alcuni di essi che è contrario a quello dei santi, cioè visto dall'alto, generante un vibrante spezzarsi dei piani. L'organo allude all'insegna dei monaci e al nome della chiesa.Lo sfondo è composto da due quinte vegetali ricche di agrumi e con uccelli che svolazzano; assomiglia a quello della Madonna della Vittoria, pur senza la ridondante nicchia dell'altra opera. tecnica si basa su colori stesi una preparazione molto sottile, che lascia qua e là affiorare la consistenza della tela.  splendida luce è evidenziata dal finissimo tratteggio d'oro, che in alcuni punti si può ancora osservare.

Prompt: In Trivulzio Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Copenaghen
Madonna della Vittoria
Piero della Francesca
Benedetto da Norcia
Giovanni Battista
San Girolamo
Verona
Vulgata


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (Veronese, Uffizi)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Cupido che fabbrica l'arco

Il formato stretto e alto della tavola incornicia alla perfezione il corpo statuario di Cupido, che dimostra forse dieci o undici anni, dalla pelle perfettamente liscia. Il fanciullo, tutto nudo, è voltato di spalle ruotando la testa verso lo spettatore, mentre con un grosso coltello sta intagliando un arco da un ramo poggiato su alcuni libri, declassati a bancone da lavoro, su cui il giovinetto appoggia anche la punta del piede sinistro, col ginocchio piegato in avanti . Il capelli ricci e biondi sono raccolti da una catenella dorata, ricordando un'acconciatura prettamente femminile. Evidenti sono i risvolti erotici, dati dalle natiche dalla rotondità e morbidezza tipicamente infantili ben in vista, nonché dalla pittura "a punti di luna", cioè dall'accento lunare posto sulla carne nuda che si staglia statuaria sullo sfondo scuro.L'attenzione nella metà inferiore del dipinto è attirata dai due putti che si intravedono tra le gambe di Cupido, stretti in un abbraccio sporgendo a mezza figura oltre il piano d'appoggio principale. Il maschietto, che è alato, indirizza allo spettatore uno sguardo di maliziosa complicità, stringendo con forza la femminuccia, che cerca di ribellarsi in una smorfia di rabbia molto ben rappresentata, che sicuramente richiese un accurato studio dal vero. Egli le blocca un polso e le afferra l'altro braccio, avvinghiandola a sé, in un gesto che Vasari lesse, forse un po' forzatamente, come «uno piglia l'altro per un braccio e ridendo vuol che tocchi Cupido con un dito, e quegli, che non vuol toccarlo, piange mostrando aver paura di non cuocersi al fuoco d'amore». I due fanciulli rappresentano forse le insidie dell'amore non corrisposto a cui Cupido, fabbricando la sua arma, metterà presto rimedio. Sulla coppia di amorini sono state formulate varie ipotesi interpretative: Anteros e Liseros , oppure l'Amor sacro e Amor profano, o ancora gli opposti alchemici.Essi prefigurano, stilisticamente, il gruppo degli angeli di sinistra nella Madonna del collo lungo e appaiono come una riflessione sui putti del Correggio, anche se in uno spirito ormai lontano da quello così amabilmente spontaneo delle opere suo maestro.L'opera mostra affinità con le opere degli anni trenta, quali lo scintillare dorato dei capelli, gli occhi vivi, la luce fredda e artificiale. Vasari la definì «vaga per colorito, ingegnosa per invenzione e graziosa». Innocentemente malizioso, il dipinto ha una grande freschezza espressiva che riesce a mettere in secondo piano l'artificio antinaturalistico di quel corpo di marmo e di quelle ali che paiono di metallo. Dietro l'ispirazione letteraria, petrarchesca dell'opera, si cela un'esaltazione pagana e carnale dell'amore, non esente da una certa ambiguità sessuale, a cui sembra alludere la complice malizia dell'espressione del protagonista.

Prompt: How does Cupid Making His Bow explain its Description and style?Please output in Italian.


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Nike di Peonio

Prompt: Focus on Nike of Paionios and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Ritratto del sultano Mehmet II

ll fascino del dipinto non risiede solo nelle sue qualità artistiche, ma nelle circostanze della sua produzione che ci parlano dei rapporti di scambio che Venezia tenne a lungo con l'Islam e nelle notizie pervenuteci – accreditate da Giorgio Vasari – sul rapporto molto stretto e quasi amicale che si instaurò tra il pittore veneziano e quel sultano suo ospite che era rappresentato in Occidente come feroce tiranno e come acerrimo nemico della Cristianità.Il quadro testimonia anche quanto forte fosse il desiderio di Mehmet II di venire in contatto con l'arte italiana, al punto da sfidare il divieto islamico di rappresentare la figura umana.Quello della National Gallery non è l'unico ritratto occidentale del "Gran Turco". Il suo profilo è raffigurato sulla Prima del pittore veneziano, un altro artista italiano, Costanzo da Ferrara, era giunto alla corte del sultano: suo è il disegno di un'altra L'interesse suscitato tra gli artisti ottomani dalla ritrattistica occidentale è testimoniato da una celebre , anch'essa contenuta nel Fatih Album, che ci offre una singolare rappresentazione di Mehmet II, una rappresentazione che riesce a combinare tra di loro espressioni della ritrattistica italiana rinascimentale e di quella islamica.  postura seduta del sultano è a gambe incrociate, tipica delle miniature islamiche; come altrettanto tipico di tale tradizione è il gesto di odorare una rosa. Sono invece occidentali le voluminose rappresentazioni dei vestiti che conferiscono al disegno un accenno di prospettiva, nonché l'attenzione realistica ai tratti del volto, che pare ispirarsi direttamente al dipinto di Gentile Bellini.Le opere menzionate testimoniano l'incontro tra l'arte rinascimentale italiana e quella islamica nella seconda metà del XV secolo, un incontro che fu contrastato già dal successore di Mehmet, Bayezid II, il quale non condivideva i gusti e lo stile di vita del padre e lasciò che si disperdesse l'eredità di Bellini e degli altri artisti occidentali. Anche i successivi sultani si adoperarono per evitare "contaminazioni" tra le due forme d'arte.Intellettuali turchi della prima metà del XX secolo, in linea con il kemalismo, cominciarono a rimpiangere tale mancato incontro come occasione perduta. Parlando del poeta nazionalista Yahya Kemal, Orhan Pamuk, nel suo saggio sulla mostra "Gentile Bellini and the east" afferma che:

Prompt: In Portrait of Mehmet II, how is the An icon of the relationship between West and East discussed?Please output in Italian.

Bayezid II
Costanzo da Ferrara
Cristianità
Gentile Bellini
Giorgio Vasari
Islam
Orhan Pamuk
Venezia
XV secolo
XX secolo
Yahya Kemal


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Ritratto di Bia de' Medici

Bronzino immaginò la bambina a mezza figura e seduta su una sedia, ricalcando lo schema del Ritratto di Lucrezia Panciatichi di qualche anno prima. Lo sfondo azzurro si accende attorno al volto, evidenziandolo.  luce fredda e l'assenza di effetti chiaroscurali forti accentuano la levigatezza dell'incarnato e fanno del ritratto una sublime idealizzazione. Lo sguardo è rivolto con intensità allo spettatore, e l'espressione ricerca l'assenza di emozioni.Bia ha i capelli scriminati al centro della testa e ricadenti a caschetto, con due treccine che incorniciano il viso, legate con cura. Indossa orecchini di perle, una catena d'oro con pendente all'antica e un sontuoso vestito, fatto di raso azzurro con maniche a sbuffo, prodotto delle seterie fiorentine che Cosimo andava in quegli anni rilanciando. Una catena dorata fa da cintura, con l'estremità, forse terminante in una nappa, tenuta con la mano destra per giocherellare. posa è quella dei ritratti ufficiali, rigida, ma alleggerita da alcuni accenni di movimento delle mani, come se la protagonista stesse per alzarsi.

Prompt: Focus on Portrait of Bia de' Medici and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Madonna del Rosario

Alla Beata Vergine del Rosario sono intitolate numerosi istituti religiosi: molte sono congregazioni di suore domenicane ; esistono poi le rosarie di Udine, le argentine Suore di Nostra Signora del Rosario, le francesi Suore di Nostra Signora del Santo Rosario di Pont-de-Beauvoisin, le canadesi Suore di Nostra Signora del Santo Rosario di Rimouski, le irlandesi Suore missionarie di Nostra Signora del Santo Rosario e le palestinesi Suore del Santo Rosario di Gerusalemme dei latini; in Sri nka è sorta la Congregazione dei rosariani che fonde le tradizioni monastiche cristiana e orientale.

Prompt: In Madonna of the Rosary (Caravaggio), how is the Congregations dedicated to Our Lady of the Rosary discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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David-Apollo

Il David-Apollo o Apollino è una scultura marmorea  di Michelangelo, databile al 1530 circa e conservata nel Museo del Bargello a Firenze.

Prompt: How does Apollo (Michelangelo) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna Bridgewater

tela, attribuita al periodo fiorentino maturo dell'artista, fece parte delle collezioni Seiguelay, d'Orléans e, dal 1792 al 1945 Ellesmere di Londra, entrando nel museo dal lascito Bridgewater.Esistono alcuni disegni riferibili all'opera, all'Albertina di Vienna e al British Museum di Londra, il cui si rileva un vivacissimo groviglio di tratti con effetti di avvolgimento chiaroscurale derivati dall'esempio di Leonardo.

Prompt: How does Bridgewater Madonna explain its History?Please output in Italian.


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Creazione di Adamo

Prima del restauro concluso nel 1994 la scena era molto scurita per effetto delle colle animali stese a più riprese per compattare la superficie e per le pesanti ridipinture che in gran parte avevano annullato l'effetto di ampio respiro che caratterizza la scena, appiattendo la gamma cromatica e i contrasti come quelli tra la sfolgorante veste del Creatore e la cavità in ombra del mantello rosso.

Prompt: In The Creation of Adam, how is the Restoration discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The influence of photography of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Poiché inizialmente lo squalo era stato conservato male, iniziò a deteriorarsi e il liquido circostante divenne torbido. Hirst ha attribuito parte del decadimento al fatto che la Galleria Saatchi aveva aggiunto candeggina al fluido. Nel 1993 la galleria ha scuoiato lo squalo e posto la sua pelle su uno stampo in fibra di vetro, trasformando così lo squalo da una carcassa intatta conservata chimicamente a una tassidermia che viene mostrata nel fluido. Hirst ha commentato: "Non sembrava più così spaventoso... Potevi capire non fosse vero. Non aveva peso."Quando Hirst venne a sapere dell'imminente vendita dell'opera da parte di Saatchi a Cohen, si offrì di sostituire lo squalo, un'operazione che Cohen finanziò, definendo la spesa "irrilevante" . Un altro squalo  è stato catturato al largo della costa del Queensland e spedito a Hirst, a cui è giunto dopo un viaggio di 2 mesi. Nel 2006, Oliver Crimmen, scienziato e curatore di pesci al Museo di Storia Naturale di Londra, ha contribuito alla conservazione del nuovo esemplare. Ciò ha comportato l'iniezione di formaldeide nel corpo e l'immersione per due settimane in un bagno di soluzione di formalina al 7%. Per ospitare il risultato è stata poi utilizzata la vetrina originale del 1991.Hirst ha riconosciuto che c'era una questione filosofica sul fatto che sostituire lo squalo significasse che il risultato potesse ancora essere considerato la stessa opera d'arte. Ha osservato: «È un grande dilemma. Artisti e conservatori hanno opinioni diverse su ciò che è importante: l'opera d'arte originale o l'intenzione originale. Vengo da un background di arte concettuale, quindi penso che dovrebbe essere l'intenzione. È lo stesso pezzo. Ma la giuria sarà fuori per molto tempo a venire.»

Prompt: Describe the characteristics of the Deterioration and replacement in The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living's History.Please output in Italian.


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Monumento funerario di Clemente XIV

Il Monumento funerario di Clemente XIV è un'opera scultorea di Antonio Canova in marmo di Carrara e lumachella eseguita tra il 1783 e il 1787 e conservata nella Basilica dei Santi Apostoli a Roma. Il modello in gesso di questo capolavoro viene conservato presso la Gipsoteca canoviana di Possagno.

Prompt: Focus on Tomb of Pope Clement XIV and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Prigioniero

Il codice carcerario era teorizzato come un insieme di norme comportamentali tacite che esercitavano un impatto pervasivo sulla condotta dei detenuti.  competenza nel seguire le routine richieste dal codice determinava in parte l'identità del detenuto. Come insieme di valori e linee guida comportamentali, il codice della pena faceva riferimento al comportamento dei detenuti nell'antagonizzare il personale e alla solidarietà reciproca tra detenuti nonché alla tendenza alla non divulgazione alle autorità penitenziarie delle attività dei detenuti e alla resistenza al programmatore di riabilitazione. Pertanto, è stato visto come un'espressione e una forma di resistenza comunitaria e ha consentito la sopravvivenza psicologica dell'individuo sotto sistemi di controllo carcerario estremamente repressivi e irreggimentati.Sykes ha delineato alcuni dei punti più salienti di questo codice così come applicato nel dopoguerra negli Stati Uniti: Non interferire con gli interessi dei detenuti. Mai denunciare una truffa. Non essere invadenti. Tenere lontana la schiena da un uomo. Non mettere un ragazzo in difficoltà. Essere fedele alla tua classe. Essere calmi. Prendersi il proprio tempo. Non portare calore. Non sfruttare i detenuti. Non scappare. Essere difficile. Essere cauto e cercare di essere un uomo. Non parlare mai di rapporti sessuali. Avere una connessione. Essere acuti.

Prompt: Describe the characteristics of the Sentence of condemnation in The Captive (painting)'s Types.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Polittico di Sant'Agostino

Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: In Sant'Agostino Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Donna con brocca d'acqua

In una stanza di un'agiata casa olandese, una donna sta aprendo una finestra sulla sinistra, mentre con l'altra mano impugna la brocca in metallo di un acquamanile, appoggiata su una bacinella dello stesso materiale, forse ottone. Vari oggetti rivelano lo stato benestante della casa: la vetrata elaborata alla finestra, il prezioso tappeto orientale che copre il tavolo, il cofanetto aperto da cui sporge un nastrino e un filo di perle, la sedia intagli e schienale in pelle fissato con borchie, la carta geografica delle Diciassette Province appesa alla parete. Il drappo azzurro che compare a sinistra è invece una giustapposizione creata per far risaltare ad arte il rosso del tappeto e della fodera del cofanetto. A occhio nudo si può vedere un pentimento, con una sedia sulla sinistra che fu eliminata in favore dello spiovere più diretto della luce sulla figura. donna ritratta è una domestica, come si evince dal capo velato e dalla mantellina in cotone bianco ben inamidato, indossante un bell'abito. Probabilmente sta preparando la toeletta mattutina per la sua signora. Un'altra lettura è che stia aprendo la finestra per annaffiare dei fiori al davanzale. In ogni caso essa ha un'attitudine umile e meditativa, con lo sguardo rivolto verso il basso.Eccelsa è la resa luminosa e gli effetti dei vari materiali, dal soffice tappeto alla trasparenza semiopaca del vetro, fino al lustro del metallo di brocca e bacile, che riflette ad esempio il motivo tessuto che copre il tavolo.  cromia è dominata dai toni del giallo e dell'azzurro, con la vivace nota di contrasto rossa nell'angolo inferiore sinistro. Il tutto è risaltato dallo sfondo neutro dell'intonaco, in cui impercettibili note rivelano una leggera usura. Riverberi colorati confermato la straordinaria attenzione al dato ottico.

Prompt: Focus on Woman with a Water Jug and explain the Description and style.Please output in Italian.


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vaso del Dipylon

L'anfora era destinata ad essere usata come séma , ovvero come "segnale" per la sepoltura di una nobile donna ateniese, appartenente ad una famiglia importante che poté permettersi di commissionare il vaso funerario dotato di simili dimensioni monumentali, il più antico a noi giunto. Il vaso, che poteva ricevere le libagioni versate dalle persone in lutto, aveva funzione essenzialmente commemorativa e funeraria: era ad un tempo il segno della tomba della nobildonna e un monumento alla sua memoria. Il tipo di vaso era determinato dalla tradizione: nel secolo precedente, quando gli ateniesi usavano cremare i loro morti, per le ceneri delle donne si usavano le anfore, per quelle degli uomini i crateri.

Prompt: In Dipylon Amphora, how is the History discussed?Please output in Italian.