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Autoritratto con la Morte che suona il violino

In quest'opera eloquente e dal forte impatto emotivo Böcklin approfondisce la sua visione sulla morte, tematica che aveva tinto con le sue ombre la sua intera produzione pittorica  ma anche la stessa tradizione figurativa svizzera, assai sensibile  alla raffigurazione di danze macabre. In primo piano è raffigurato ovviamente Arnold Böcklin, dai capelli bruni e scarmigliati, mentre osserva la sua immagine riflettersi sullo specchio: ha in mano gli strumenti del lavoro  con i quali sta consegnando alla riflessiva immobilità dell'arte la sua fisionomia. Ma osserviamo meglio: il capo leggermente voltato, il collo torto, lo sguardo sagace, scrutatore e al contempo sgomento sono tutte spie che comunicano all'osservatore l'imminenza di un evento misterioso e imprevedibile.leftDietro Böcklin, infatti, una sconvolgente presenza sorprende l'osservatore: si tratta nientedimeno della Morte, qui personificata com'è tradizione da uno scheletro, in riferimento alla consunzione delle carni alla quale il corpo di ogni essere umano tende inesorabilmente. Böcklin reinventa genialmente le codificazioni estetiche del memento mori: il tema dell'ineluttabilità della morte, infatti, era da secoli radicato nella storia dell'arte, che tuttavia tentò di esorcizzarlo  con l'inserimento nella composizione di simboli che però non erano che meri moniti, volti a rammentare all'osservatore la perpetua fugacità dei piaceri mondani e pertanto estranei alla vicenda narrata. Nell'opera Böcklin, invece, «la presenza della morte non è il frutto di una maturata consapevolezza, ma l'amaro esito di un fortuito, accidentale apprendimento» .Ebbene, qui la Nera Signora è colta mentre suona un violino dove, tuttavia, le tre corde più alte sono saltate. L'unica corda superstite è proprio la quarta, il Sol, quella che - come hanno osservato numerosissimi critici - se suonata da sola produce un suono misterioso e penetrante, simile ad una campana.  presenza di queste tre corde spezzate rende inevitabile un confronto simbolico con il mito delle Tre Parche, mitiche filatrici che presiedevano al destino dell'uomo dalla nascita alla morte, rispettivamente filando, svolgendo e tagliando il filo della vita. Neanche le divinità del consesso olimpico potevano frenare l'ineluttabilità cieca delle Parche: né può, d'altronde, Böcklin, pienamente consapevole che se pure quell'ultima corda sarà recisa, anche la sua vita avrà fine.  Morte, d'altronde, è pienamente consapevole di avere in pugno la situazione e appare in preda a un'estatica gioia: la chiostra dei suoi denti scoperti, orribilmente ghignante, simula un sorriso quasi demoniaco e tradisce un'eccitazione palpabile.  Morte sa di aver vinto. Böcklin, dal suo canto, non può fare a meno di ascoltare quella melodia letale: si tratta di una commistione tra suoni e colori squisitamente simbolista, con il pittore che esita a guardare l'osservatore negli occhi, ma preferisce ascoltare in modo concentrato il suono monocorde prodotto dal violino, fino a quando l'ultima nota non sarà suonata, con il definitivo sopraggiungere dell'Eterna Vincitrice.Le esegesi che sono state fornite di quest'opera, tuttavia, sono disparatissime, tanto che è lecito parlare di una vera e propria polimorfia interpretativa. Alcuni critici vi hanno ravvisato chiari spunti autobiografici, interpretando quest'immagine così macabra come una proiezione figurativa delle sue miserie economiche e della morte di cinque dei suoi bambini . Altri, invece, preferiscono pensare che una simile raffigurazione alluda al contrasto vigente tra l'esuberanza artistica di Böcklin e la sterilità della tradizione accademica. Hermann Beenken, invece, sostiene che in questo quadro così realistico «la morte non è pensata come limite, bensì, al contrario, come esaltazione della vita, proprio come nei versi finali della poesia di Hebbel», che riportiamo di seguito: «"Alla Morte": Ancora sfiorami o Morte / quando in me mi disperdo / finché risovvenga a me stesso / me stesso al pensiero di te».

Prompt: Explain the Description of this artwork, Self-Portrait with Death Playing the Fiddle.Please output in Italian.


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divisionismo

I maggiori esponenti del Divisionismo furono Vittore Grubicy de Dragon, Giovanni Segantini, Plinio Nomellini, Matteo Olivero, Gaetano Previati, Angelo Morbelli, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Rubaldo Merello, Carlo Fornara, Emilio Longoni. Inizialmente aderì al divisionismo Umberto Boccioni; anche Giacomo Balla partì per le sue ricerche di scomposizione della luce e delle forme dall'esperienza divisionista.Altri divisionisti da ricordare sono: Cornelio Geranzani, Giuseppe Cominetti, zzaro Luxardo ed Eso Peluzzi, appartenenti alla scuola ligure; Carlo Cressini, Angelo Barabino , Romano Valori milanesi; Plinio Nomellini, Galileo Chini, Adriano Baracchini Caputi, Llewelyn Lloyd, Gino Romiti, Benvenuto Benvenuti, Renuccio Renucci  livornesi; Guglielmo Amedeo Lori pisano; Flavio Bertelli e Antonio Discovolo di Bologna , Antonio Ballero sardo e Otello Leiss di Ferrara, Pietro Mengarini appartenente alla secessione romana.Alcuni aspetti tipici del Divisionismo possono rintracciarsi secondo alcuni critici in certe opere del milanese Filippo Carcano.Operarono un singolare rinnovamento dell'arte sacra in chiave divisionista i pittori Augusto Mussini, detto fra' Paolo, reggiano, che vagò a lungo tra i conventi delle Marche, tanto da essere chiamato il "frate-pittore" pur non avendo mai preso i voti, e don Angelo Rescalli, sacerdote-pittore cremonese che pur non avendo mai trattato temi dichiaratamente sacri, riprodusse nei suoi dipinti numerosissime chiese, inserite sempre in paesaggi silenti.

Prompt: In Divisionism, how is the Divisionist painters discussed?Please output in Italian.

Adriano Baracchini Caputi
Angelo Barabino
Angelo Morbelli
Angelo Rescalli
Antonio Ballero
Antonio Discovolo
Augusto Mussini
Benvenuto Benvenuti
Carlo Cressini
Carlo Fornara
Cornelio Geranzani
Emilio Longoni
Eso Peluzzi
Filippo Carcano
Gaetano Previati
Galileo Chini
Giacomo Balla
Gino Romiti
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Giuseppe Pellizza da Volpedo
Guglielmo Amedeo Lori
Llewelyn Lloyd
Matteo Olivero
Otello Leiss
Pietro Mengarini
Plinio Nomellini
Renuccio Renucci
Romano Valori
Rubaldo Merello
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


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Mosè con le tavole della legge

Mosè con le tavole della legge è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1659 dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nel Staatliche Museen di Berlino.L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 1659".Mosè è raffigurato dall'artista con le tavole della Legge alzate sopra la testa. Questo atteggiamento può avere due interpretazioni, entrambe plausibili all'interno del racconto biblico. Sulle sacre tavole si fa riferimento a un misterioso cavallo alato, che sarebbe servito da trasporto alle anime.Ricevuti i Dieci Comandamenti, Mosè scese dal Sinai e trovò il Popolo di Israele in adorazione di un vitello d'oro:  dinnanzi a questo affronto, scagliò le Tavole per la rabbia provata, distruggendole. Nel dipinto, però, Mosè ha un'espressione che è difficile definire adirata: per questo è possibile che Rembrandt abbia inteso raffigurare il momento in cui il Patriarca mostrò le Leggi al suo popolo.

Prompt: Focus on Moses Breaking the Tablets of the Law and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Tristezza

Le persone affrontano la tristezza in modi diversi, ed essa è un'emozione importante perché aiuta a motivare le persone ad affrontare la loro situazione. Alcuni meccanismi di coping includono: ottenere supporto sociale e/o passare il tempo con un animale domestico, creare una lista, o impegnarsi in qualche attività per esprimere la tristezza. Alcuni individui, quando si sentono tristi, possono escludersi da un ambiente sociale, in modo da prendersi il tempo per riprendersi dal sentimento.Pur essendo uno degli stati d'animo che le persone vogliono maggiormente scacciare, la tristezza a volte può essere perpetuata dalle stesse strategie di coping scelte, come ruminare, "affogare le proprie pene", o isolarsi permanentemente, mentre il supporto emotivo per aiutare le persone a stare con la loro tristezza può essere di ulteriore aiuto.

Prompt: Explain the Coping strategies of this artwork, The Sorrows of the King.Please output in Italian.


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Dona i ocell

Dona i ocell  è un'opera dell'artista catalano Joan Miró.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Dona i Ocell.Please output in Italian.


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Uomo in nero di profilo

LUomo in nero di profilo è un dipinto a olio su tavola  di Rosso Fiorentino, databile al 1520-1522 circa e conservato nella Galleria Palatina di Firenze.

Prompt: In Portrait of a Man in Black, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In Annunciation (Filippo Lippi, London), how is the The Annunciation in spirituality of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: Focus on Presentation at the Temple (Mantegna) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Jean-Philippe Postel, Il mistero Arnolfini. Indagine su un dipinto di Van Eyck, Ginevra-Milano, Skira, 2017.

Prompt: How does Arnolfini Portrait explain its Bibliography?Please output in Italian.


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La morte di Sardanapalo

Il compositore Franz Liszt s'ispirò al dipinto di Delacroix e alla tragedia di Byron per comporre un'opera lirica all'italiana , raccontando alla principessa Cristina Trivulzio di Belgiojoso che, in previsione dell'autoimmolazione del re, il finale avrebbe "infiammato tutto il pubblico". Completò il primo atto solo nel 1852 e successivamente abbandonò il progetto.  prima rappresentazione del primo atto avvenne solo nel 2018.Una versione del dipinto compare in diversi episodi della serie televisiva The Royals, nella quale il volto del sovrano è raffigurato con le fattezze del personaggio del principe Cyrus, interpretato da Jake Maskall.

Prompt: Explain the Cultural influence of this artwork, The Death of Sardanapalus.Please output in Italian.

1852
Cristina Trivulzio di Belgiojoso
Franz Liszt
Jake Maskall


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Madonna col Bambino tra i santi Michele Arcangelo e Andrea

Giovanni C.F. Villa , Cima da Conegliano. Poeta del paesaggio, catalogo della mostra Conegliano 2010, Marsilio, Venezia 2010, ISBN 9788831799546 Humfrey Peter, Cima da Conegliano, Cambridge University press, Cambridge 1983, ISBN 052123266X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna and Child with Michael the Archangel and St Andrew.Please output in Italian.


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Apollo di Veio

Mauro Cristofani, L'Arte degli Etruschi, Produzione e consumo, Torino, 1978, pp. 100-102.   Radio3rai Museo Nazionale, trasmissione radiofonica del 27 febbraio 2016.

Prompt: Focus on Apollo of Veii and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Madonna Davis

L'opera proviene dal mercato antiquario e la sua collocazione originaria è ignota. Acquistata da Theodore M. Davis agli inizi del Novecento a Firenze, venne donata al museo col suo lascito nel 1915.Essendo una variante della Madonna in trono col Bambino e angeli musicanti oggi alla Galleria nazionale dell'Umbria a Perugia, è datata da Keith Christiansen  ad un periodo immediatamente successivo e prima del polittico di Valleromita, al 1410 circa. Andrea De Marchi  la colloca invece ad un periodo più tardo, dopo il polittico di Valleromita, intorno al 1410-1414. Luigi Grassi  e Luciano Bellosi  videro invece in essa la monumentalita' dell'arte Toscana e proposero quindi una datazione intorno al 1420-1425. In assenza di documentazione scritta, precisi riferimenti stilistici e mancanza di consenso l'opera rimane di datazione incerta.

Prompt: Focus on Davis Madonna and explain the History.Please output in Italian.


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Duello tra donne

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Prompt: In Women Gladiators (Ribera), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1636
Jusepe de Ribera
Madrid
Museo del Prado
Napoli
Jusepe de Ribera


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Ritratto di un certosino

{align=right} Ritratto di un certosino è un dipinto del pittore fiammingo Petrus Christus realizzato circa nel 1446 e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York negli Stati Uniti d'America.È considerato un capolavoro della pittura fiamminga e, a causa della mosca dipinta sul fondo della cornice, un importante esempio del trompe-l'œil.

Prompt: Focus on Portrait of a Carthusian and explain the Abstract.Please output in Italian.

1446
Metropolitan Museum of Art
New York
Petrus Christus
Stati Uniti d'America


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Epifania

Nella Repubblica Dominicana, il Día de los Tres Reyes Magos  è il giorno in cui i bambini ricevono regali sull'albero di Natale. I bambini, accompagnati dai genitori, provano i loro nuovi giocattoli nelle aree pubbliche.Una pratica comune è lasciare i giocattoli sotto i letti dei bambini il 5 gennaio; quando si svegliano la mattina del 6 gennaio, gli viene fatto credere che i regali e i giocattoli siano stati lasciati da Babbo Natale o dai Re Magi.

Prompt: Explain the Dominican Republic about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Babbo Natale
Natale
Repubblica Dominicana


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: How does Crucifixion (Mantegna) explain its Historical crucifixions?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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San Michele sconfigge gli angeli ribelli

Luca Giordano, 1634-1705, Editrice Electa  ISBN 88-435-8579-7

Prompt: Focus on The Fall of the Rebel Angels (Giordano) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Venere esquilina

statua venne ritrovata nel 1874 sull'Esquilino nella zona presso l'odierna Piazza Vittorio, in una sala sotterranea degli Horti miani, da cui proviene anche il ritratto di Commodo come Ercole.Interpretata al momento della scoperta come Venere-Iside, più recentemente si è ritenuto che si trattasse di una raffigurazione di Cleopatra, databile nella seconda metà del I secolo a.C.. Secondo questa tesi il cobra raffigurato sul vaso rappresenterebbe lureus, simbolo della regalità egizia.Nel periodo da giugno a settembre del 2008, la scultura è stata esposta presso il padiglione italiano nell'Esposizione Internazionale di Saragozza  ed è diventata la massima attrazione dei visitatori del padiglione. Per tutto il periodo è stata custodita 24 ore su 24 da agenti della Guardia di Finanza.Il 27 gennaio 2016 in occasione dell'importante viaggio in Italia del presidente iraniano Hassan Rohani, la scultura insieme ad altre opere d'arte sono state coperte con pannelli in compensato affinché le immagini ufficiali della visita potessero essere trasmesse alla televisione iraniana.Una copia si trova nel museo del Louvre.

Prompt: Explain the History of this artwork, Esquiline Venus.Please output in Italian.

1874
Cleopatra
Esquilino
I secolo a.C.
Iside


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Statua di Millicent Fawcett

statua di Millicent Fawcett sita in Parliament Square a Londra commemora la suffragetta britannica Millicent Fawcett. È stata realizzata nel 2018 da Gillian Wearing a seguito di una campagna e di una petizione dell'attivista Caroline Criado Perez.  sua installazione è stata approvata sia dal primo ministro del Regno Unito Theresa May, sia dal sindaco di Londra Sadiq Khan. Primo monumento dedicato a una donna in Parliament Square, l'opera è stata finanziata attraverso il Centenary Fund del governo e commemora il 100º anniversario del suffragio femminile nel Regno Unito.  sua inaugurazione si è tenuta il 24 aprile 2018.

Prompt: Focus on Statue of Millicent Fawcett and explain the Abstract.Please output in Italian.

Gillian Wearing
Londra
Parliament Square
Sadiq Khan
Theresa May


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Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria (Parmigianino Parigi)

Il Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria è un dipinto a olio su tavola  del Parmigianino, databile al 1529 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Prompt: Focus on Mystic Marriage of Saint Catherine (Parmigianino, Louvre) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1529
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Parmigianino


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Sacra Parentela

Ashley K., Sheingorn P. , Interpreting Cultural Symbols: Saint Anne in te Medieval Society, 1990, University of Georgia Press, Athens, Ga, ISBN 0-8203-1262-2 Baiocco S. Tra Liguria e Lombardia: l'orizzonte di Gandolfino da Roreto, in Romano G. , "Primitivi piemontesi nei musei di Torino", 1996, CRT, Torino, pag. 293 - 303

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Holy Kinship.Please output in Italian.


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San Michele sconfigge Satana

L'opera venne commissionata nel 1517 da Lorenzo duca d'Urbino, tramite suo zio Leone X, per omaggiare l'alleato Francesco I di Francia. Fu inviata in Francia, assieme alla Sacra Famiglia, nel giugno 1518. È detta anche il Gran san Michele per distinguerla dalla tavola di analogo soggetto, anch'essa conservata al Louvre, ma di dimensioni ben più ridotte , databile al 1505 circa.  scelta del santo era legata all'Ordine di San Michele, di cui il re era Gran maestro, e l'atteggiamento battagliero alludeva alla crociata contro i Turchi che il papa tentò vanamente di organizzare.Venne restaurata più volte, dal Primaticcio, nel 1537-1540, e in seguito dal Guélin, nel 1685: tali interventi, uniti al trasporto su tela nel 1737 , hanno compromesso la superficie pittorica. Il maestro dipinse alcune parti soltanto, oltre a ideare la composizione, avvalendosi probabilmente dell'aiuto di Giulio Romano. Dell'opera esistono numerose copie antiche, a testimonianza della sua celebrità.San Michele è ritratto a piena figura, mentre incede eroico sopra il demonio schiacciandolo col piede e preparandosi a colpirlo con la lancia appuntita. I drappi svolazzanti amplificano il senso di movimento, che riecheggia esempi michelangioleschi. Satana, che regge il forcone, è rappresentato in un efficace scorcio, tra rocce in cui si vedono fiamme, quali accessi agli Inferi. Ha corna che gli spuntano dai capelli crespi e ali di uccellaccio, ben diverse da quelle col piumaggio iridescente del santo. L'orchestrazione dei colori è magistrale, così come l'uso espressivo ed incidente della luce, che faranno scuola per i classicisti del XVII secolo.

Prompt: In Saint Michael Vanquishing Satan, how is the History and description discussed?Please output in Italian.


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Lucifero

Il termine "lucifero" compare nel Nuovo Testamento solo nel suo significato meramente letterale, per indicare la stella del mattino e in senso traslato Cristo, la cui futura seconda venuta in terra segnalerà l'inizio di un mondo nuovo di luce:E così abbiamo conferma migliore della parola dei profeti, alla quale fate bene a volgere l'attenzione, come a lampada che brilla in un luogo oscuro, finché non spunti il giorno e la stella del mattino si levi nei vostri cuori.Nell'Apocalisse Cristo stesso si definisce "stella radiosa del mattino"  e promette la "stella del mattino" come ricompensa per chi persevera nelle buone opere .Nei primi secoli della Chiesa, quindi, il nome Lucifer è stato considerato un titolo di Cristo: per esempio nell'inno Carmen aurorae, o come un nome adatto per i bambini cristiani. Vedi San Lucifero, il vescovo di Cagliari .D'altra parte nel nuovo testamento ci sono molti passi che confermano la crescente divergenza teologica ed interpretativa del credo che diverrà cristiano con la precedente tradizione ebraica, riconoscendo in Satana un angelo caduto. Questo a partire dal passo dell'Apocalisse ove si legge:Si pensi inoltre alle parole di Cristo stesso, che implicitamente riconosce l'identità dell'Angelo caduto come Satana quando afferma:Si potrebbero moltiplicare i riferimenti evangelici o comunque scritturali in cui Satana e il suo esercito vengono chiamati «angeli». Come culmine e compimento della tradizione patristica, anche Tommaso d'Aquino accetta l'identificazione di Lucifero con Satana e anzi dimostra che solo a partire da tale identificazione si può mostrare la chiara origine del cosiddetto mysterium iniquitatis, posto che per il Cristianesimo il nome Lucifero rimane solo indicazione di ciò che il diavolo era in origine ma che ora non è più, dato che tale nome sarebbe appunto stato cancellato dal Cielo e ora lo si dovrebbe chiamare solamente Satana o più genericamente accusatore.

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Lucifer in the New Testament discussed?Please output in Italian.

Angelo
Apocalisse
Carmen aurorae
Cristianesimo
Cristo
Satana
Tommaso d'Aquino


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Maria che scioglie i nodi

Il dipinto, in stile veneziano con influenza barocca, di cm 182 x 110, fu realizzato dall'artista nella chiesa di St. Peter am Perlach, su commissione di Hieronymus Ambrosius ngenmantel, un erudito, nobile prelato e canonico dottore. ngenmantel era amico dell'egittologo, alchimista ed esoterista Athanasius Kircher, nonché membro della Fruchtbringenden Gesellschaft  che esercitò una notevole influenza sulla nascente Massoneria tedesca.In esso viene rappresentata Maria al centro, con al lato destro un angelo che le porge un nastro pieno di nodi aggrovigliati e al lato sinistro un altro angelo che raccoglie il nastro spianato e libero dai nodi che Maria ha sciolto.  Vergine è rappresentata con la luna sotto i suoi piedi , mentre schiaccia il serpente . In basso al centro è rappresentata la scena biblica di Tobia: il giovane israelita, in viaggio per raggiungere colei che diventerà la propria sposa, è guidato per mano dall'arcangelo Raffaele e accompagnato dal proprio cane, simbolo della fedeltà di Dio.Sul capo, Maria ha una corona di dodici stelle, simbolo di trionfo e di vittoria. Il numero dodici è tradizionalmente ricco di simboli: essendo il prodotto di tre  per quattro , indica la perfetta unione tra umano e divino. Nel mondo ebraico dodici rappresentava la pienezza: dodici sono le tribù d'Israele, dodici gli apostoli scelti da Gesù.  corona richiama anche il capitolo 12 dell'Apocalisse, in cui si presenta la visione della lotta tra la donna il drago. Il manto azzurro di Maria rappresenta la trascendenza, la vita divina, Maria "piena di grazia". Il colore rosso, tratto dalla terra, indica la dimensione umana.  tunica rossa della Madonna vuole indicare, quindi, la sua totale sottomissione alla volontà del Padre che ha reso possibile l'Incarnazione del Figlio.Gli angeli sono servitori di Dio e custodi del cammino dell'uomo . A destra si vede un angelo che porge a Maria un nastro con nodi di tutti i tipi. Con il suo sguardo attento e paziente ci vuole dire di non dubitare anche se i nodi sono molti e difficili. All'altro lato, il sinistro, tra la luce della misericordia e della salvezza divina, un altro angelo riceve il nastro che scivola liscio tra le sue mani: ciò significa che la preghiera del fedele è stata ascoltata e che il nodo è stato sciolto per intercessione di Maria. tradizione racconta che il nonno del canonico committente avesse attraversato una crisi coniugale e fosse riuscito a superarla pregando la Vergine Maria: questo spiegherebbe la presenza sulla tela del riferimento biblico a Tobia.

Prompt: Focus on Mary, Untier of Knots and explain the Description painting.Please output in Italian.

Athanasius Kircher
Gesù
Israele
Massoneria
St. Peter am Perlach


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: How does Crucifixion (Mantegna) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: In Immaculate Conception (Zurbarán), how is the Composition of the History explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Pontormo).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Ritratto di Carlo V seduto

Ritratto di Carlo V seduto è un dipinto ad olio su tela  realizzato nel 1548 da Tiziano Vecellio e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco di Baviera.Questo dipinto è, assieme a Ritratto di Carlo V a cavallo, una commissione dello stesso imperatore Carlo V, richiesta a gennaio, quando Tiziano è chiamato alla corte di Augusta. L'immagine mostra Carlo V di sbieco, seduto su una sedia e posto alla sinistra dello spazio rettangolare della tela: di grande effetto, oltre allo sguardo del sovrano rivolto verso lo spettatore, è il contrasto del nero delle vesti con il rosso e l'ocra dell'arredamento. A destra si apre uno sguardo sul paesaggio retrostante, appena abbozzato e dalle tinte chiare.

Prompt: How does Portrait of Charles V (Titian, Munich) explain its Abstract?Please output in Italian.

1548
Ritratto di Carlo V a cavallo
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Madonna delle Arpie

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: In Madonna of the Harpies, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Galleria degli Uffizi


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Progresso americano

L'opera è un'allegoria del Destino Manifesto e dell'espansione verso ovest americana. Il dipinto, di dimensioni 29,2 cm × 40,0 cm, venne commissionato nel 1872 da George Crofutt, un editore di guide di viaggio sull'Ovest americano, ed è stato riprodotto frequentemente.  donna raffigurata al centro è Columbia, personificazione degli Stati Uniti d'America, con in fronte una stella. Columbia cammina da est a ovest portando con sé il progresso e la civilizzazione, ponendosi come guida dei coloni che la seguono a piedi, a cavallo, in carro e in treno.

Prompt: In American Progress, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Lampade di Dendera

upright=1.4upright=1.4Le cosiddette lampade di Dendera sono dei bassorilievi con geroglifici scoperti dall'archeologo francese Auguste Mariette nel 1857 a circa 70 km da Tebe, nel tempio di Hathor a Dendera, situato nell'omonima località dell'Egitto, sulla riva occidentale del Nilo.Sotto il tempio vennero rinvenute ampie cripte che, ripulite dalla sabbia, mostrarono stanze con pareti ricoperte da lastre di pietra scolpite. Le stanze apparterrebbero al primo nucleo del tempio, risalente al XV secolo a.C., mentre l'attuale costruzione che ad esse si è sovrapposta è di epoca tolemaica e romana. Le lastre scolpite si riferiscono ad una decorazione della fase tolemaica. Le immagini raffigurano Harsomtus, sotto forma di serpente, che emerge da un fiore di loto che di solito è attaccato alla prua di una chiatta.  cosiddetta "lampada di Dendera" è una variazione di questo motivo, mostrando Harsomtus in un contenitore ovale chiamato hn, che potrebbe rappresentare l'utero della dea Nut. A volte un pilastro Djed sostiene il serpente o il contenitore. Un motivo strettamente correlato è "dio che riposa sul fiore di loto". Alcuni studiosi hanno invece interpretato le raffigurazioni come antiche lampade a incandescenza.Negli anni settanta gran parte delle lastre vennero trafugate e rimasero solo le pareti di una delle stanze.Qui si trovano raffigurati alcuni sacerdoti del tempio nell'atto di officiare riti intorno ad un oggetto, probabilmente un fiore di loto.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Dendera light.Please output in Italian.

Auguste Mariette
Djed
Egitto
Nilo
XV secolo a.C.


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Epifania

Le celebrazioni in Guadalupa hanno un'atmosfera diversa da qualsiasi altra parte del mondo. Epifania qui non significa l'ultimo giorno delle celebrazioni natalizie, ma piuttosto il primo giorno di Kannaval , che dura fino alla sera prima del Mercoledì delle Ceneri. Il carnevale, a sua volta, si conclude con il grand brilé Vaval, l'incendio di Vaval, il re dei Kannaval, tra le grida e i lamenti della folla.

Prompt: Explain the Isolated Guadalupe about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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Madonna della Vittoria

Madonne di Andrea MantegnaRinascimento mantovanoAndrea MantegnaChiesa di Santa Maria della Vittoria Spoliazioni napoleoniche

Prompt: In Madonna della Vittoria, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna
Rinascimento mantovano
Spoliazioni napoleoniche


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Duello tra donne

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Prompt: In Women Gladiators (Ribera), how is the Subject discussed?Please output in Italian.


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San Girolamo in preghiera

San Girolamo era un soggetto piuttosto frequente nell'arte del XV secolo, che lo vedeva raffigurato o nel suo studio o penitente nel deserto. Bosch seguì questa seconda iconografia, ma la rivoluzionò mostrando il santo bocconi, piuttosto che inginocchiato, col crocifisso tra le braccia mentre prega, un gesto inedito di comunione con Cristo.  sua figura si trova riversa su una roccia sotto una sorta di cavità a forma di conchiglia. Attorno a lui, tra gli elementi tipici dell'iconografia , si nota una singolare commistione di elementi organici e inorganici. Sui toni verdi e bruni spiccano qua e là alcuni oggetti rossi, come il mantello del cardinale, gettato sopra un tronco cavo, un elemento vegetale e una sorta di guscio sferico che galleggia in uno stagno: la forma ricorda il simbolo del mondo, che quindi starebbe naufragando alla deriva.Su un ramo del tronco secco si vedono un gufo e una civetta, simboli rispettivamente dell'eresia e della lotta antieretica, mentre sopra la cavità-conchiglia sono abbandonate le tavole della legge. Secondo Combe sarebbe un'allusione a un passo del Tabernacolo spirituale di Ruysbroeck, dove si allude a Mosè salvato dalle acque, che sarebbe incarnato dal santo disteso come un naufrago, e che prepara le tavole della Legge.Il paesaggio, così ampio e spazioso, ricorda le opere di Patinir, con il loro sfumare in lontananza, in questo caso con toni verdi. Non mancano richiami alla poetica bizzarra di Bosch, come nell'esotico albero che si staglia contro il cielo a sinistra, le cui sottili fronde disegnano singolari arabeschi nel vuoto.

Prompt: How does St. Jerome at Prayer (Bosch) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

Galleria di vedute di Roma antica è un dipinto di Giovanni Paolo Pannini.

Prompt: How does Ancient Rome (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Madonna Aldobrandini

Lo schema della composizione rivela l'influenza di Leonardo, con il tema della doppia finestra nello sfondo in controluce come nella Madonna del Garofano, ad esempio. Dalle due aperture si vede un paesaggio con costruzioni rurali e una città fortificata, che Cavalcaselle riconobbe come una veduta dei dintorni di Roma.In primo piano Maria sta seduta su un basamento lapideo, con le gambe di fianco verso sinistra e il busto e la testa ruotati verso destra, a guardare san Giovannino, ritratto a mezza figura, che si sporge a dare un garofano rosso al Bambin Gesù. Il garofano, proprio come nel dipinto di Leonardo, simboleggia il sangue della Passione, ma anche il matrimonio mistico tra madre e figlio, cioè Cristo e la sua Chiesa. Il passaggio del garofano dal Precursore a Cristo assume così la valenza dell'accettazione di Gesù del proprio destino e l'incontro delle mani dei due è il perno ottico di tutta la rappresentazione.Gesù, seduto in grembo a Maria, si sporge appoggiandosi sul grembo della donna, in un gesto di naturale familiarità. Tutta la composizione, di forma piramidale, è dominata da un senso di intimità e dolcezza, con una concatenazione di gesti e sguardi apparentemente semplice, ma frutto di approfonditi studi alla ricerca di un'armonia perfetta e idealizzata, ma spontanea e facilmente apprezzabile dallo spettatore.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Garvagh Madonna.Please output in Italian.


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Daniele

Daniil Varfolomeevič Avdeev, militare e partigiano sovietico Daniil Čërnyj, pittore russo Daniil Charms, scrittore, poeta e drammaturgo sovietico Daniil Semënovič Ėl'men', imprenditore, economista e politico russo Daniil Aleksandrovič Granin, scrittore russo Daniil Nikitič Kašin, compositore russo Daniil Sobčenko, hockeista su ghiaccio ucraino Daniil Trifonov, pianista russo Daniil Kvjat, pilota automobilistico russo

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Daniil's variant and the People.Please output in Italian.

Daniil Aleksandrovič Granin
Daniil Charms
Daniil Kvjat
Daniil Nikitič Kašin
Daniil Semënovič Ėl'men'
Daniil Sobčenko
Daniil Trifonov
Daniil Varfolomeevič Avdeev
Daniil Čërnyj


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto di Carlo V con il cane

Il Ritratto di Carlo V con il cane è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1533 circa e conservato nel Museo del Prado a Madrid.

Prompt: How does Portrait of Charles V with a Dog explain its Abstract?Please output in Italian.

1533
Madrid
Museo del Prado
Museo del Prado


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Crocifisso di San Domenico ad Arezzo

Il Crocifisso di San Domenico ad Arezzo  è una croce sagomata e dipinta a tempera e oro su tavola di Cimabue , databile attorno al 1268-1271 circa e conservata nella chiesa di San Domenico di Arezzo. Prima opera attribuita al maestro, vi si legge un distacco dalla maniera bizantina all'insegna di un maggior espressionismo.

Prompt: How does Crucifix (Cimabue, Arezzo) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Contursi Terme, in provincia di Salerno, la Madonna delle Grazie è venerata come protettrice e patrona. Sulla cima del centro abitato sorge un Santuario ad essa dedicato che venne costruito nella seconda metà del Seicento a seguito della liberazione del paese dalla peste, attribuita proprio a Maria Santissima. Si narra che negli ultimi giorni del mese di Giugno 1657 una processione penitenziale si recò presso la preesistente cappella dedicata alla Natività di Maria per chiedere la liberazione dalla peste. Si portò in processione la statua della Vergine Maria che era lì posta e, non appena la stessa varcò le soglie del paese, la peste cessò. Si decise così, con solenne giuramento, di celebrare ogni anno la festa della Madonna delle Grazie il 2 Luglio e l'8 Settembre, date ancora oggi fedelmente mantenute.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Contursi Terme of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

Quella dei "Primi nove venerdì del mese" è una pratica devozionale della Chiesa cattolica, nata in seguito alla "Grande Promessa" che Gesù avrebbe rivelato a santa Margherita Maria Alacoque, consistente nella grazia della perseveranza finale per chi si fosse comunicato, in stato di grazia, il primo venerdì di nove mesi consecutivi.Tale devozione è stata spiegata da Margherita Maria Alacoque come riparatoria dei peccati commessi nei confronti del Sacro Cuore di Gesù.

Prompt: Explain the The devotion of the first nine Fridays of the month of this artwork, Sacred Heart of Jesus (Batoni).Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Cuore
Gesù
Margherita Maria Alacoque
Primi nove venerdì del mese


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Il pifferaio

L'artista francese Édouard Manet, che sin dagli esordi nutriva una grande passione per la pittura spagnola del Seicento, si sarebbe recato in Spagna solo molto tardivamente, nel 1865.Il pifferaio, tuttavia, fu energicamente difeso da Émile Zola, scrittore che - vedendovi un parallelo con la propria missione letteraria - affermò: «Su un fondo grigio e luminoso si staglia il piccolo musicista, in bassa tenuta, pantaloni rossi e bonnetto. Soffia nel suo strumento, si presenta di faccia [...]  semplificazione creata dall'occhio chiaro e giusto dell’artista, ha fatto della tela un’opera assolutamente delicata e ingenua; deliziosa fino alla grazia e reale fino all'asprezza [...] non credo sia possibile ottenere un effetto più potente con mezzi più semplici». L'opera , dal 1986 è esposta al museo d'Orsay.

Prompt: Focus on The Fifer and explain the History.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Sacra Famiglia ha avuto un posto importante nell'arte e in particolare nell'arte pittorica. Molti pittori medioevali, rinascimentali e altri fino ad arrivare ai nostri tempi si sono ispirati alla Sacra Famiglia per realizzare i loro capolavori.Elenco parziale di opere che hanno come soggetto la Sacra Famiglia: Sacra Famiglia Canigiani  Sacra Famiglia  Sacra famiglia , conservata al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo Sacra famiglia con palma  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia con angeli  Sacra famiglia con San Giovanni Battista  Sacra Famiglia e famiglia del Battista  Sacra Famiglia  Sacra famiglia  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia   Sacra Famiglia venerata dal Luogotenente e dai Deputati di Antonio Carneo  Sacra Famiglia di Michelangelo Anselmi  Sacra Famiglia di Pomponio Amalteo  Sacra Famiglia del Maestro del 1499  Sagrada Familia di Antoni Gaudí

Prompt: Explain the In art about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz).Please output in Italian.

Antoni Gaudí
Antonio Carneo
Giovanni Battista
Maestro del 1499
Michelangelo Anselmi
Ermitage
Pomponio Amalteo
Sacra Famiglia Canigiani
Sacra Famiglia e famiglia del Battista
San Pietroburgo


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Madonna col Bambino leggente

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does Madonna with the Christ Child Reading explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

Nel 1879 la prima statua equestre venne trasferita a Vysehrad. In un clima di rinnovamento del sentimento patriottico ceco e per sostituirla, le autorità comunali decisero di organizzare una raccolta di fondi per il finanziamento di un nuovo monumento all'onore del santo nella piazza ormai a lui dedicata. Raggiunti i fondi necessari solo nel 1894, il comune indì un concorso per costruire una nuova statua. Il concorso, a cui parteciparono otto artisti coi loro progetti, venne superato solo da Josef Václav Myslbek e Bohuslav Schnirch ma l'incarico venne affidato a Myslbek, fondatore della moderna scultura ceca, che ottenne quindi la facoltà di realizzazione della statua equestre, già preparata nel 1887 per il Ministero della Cultura in un clima di ostilità ceca rispetto al dominio dell'Impero austro-ungarico.Per la realizzazione del monumento Myslbek fu circondato dall'architetto Alois Dryak, autore della base del monumento, e dallo scultore Celda Kloucek, autore della decorazione della base del monumento.  statua equestre in sé venne montata nel 1912, mentre le statue di tre dei quattro santi che la circondano  vennero poste l'anno seguente, nel 1913. L'ultima statua, che rappresenta Adalberto di Praga, venne posta invece solo nel 1924.Il monumento è stata oggetto di un importante restauro nel 2004.

Prompt: Explain the The second statue about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

http://www.santuariodellegraziecurtatone.it/Chiesa di Santa Maria delle Grazie nel quartiere Casa Milano di Amalfi http://www.parrocchiaamalfi.com/santa-maria-delle-grazie-e-la-famiglia-milano/

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the External links.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (Bril)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Giudizio universale

Il Giudizio universale è un soggetto tradizionale nell'iconografia dell'arte sacra cristiana e tra le opere che lo raffigurano vi sono alcuni veri e propri capolavori; presenti in Italia: Giudizio universale, affresco di Michelangelo nella Cappella Sistina  Giudizio universale di Giotto, affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova Giudizio finale e Inferno, affresco di Buonamico Buffalmacco a Pisa Giudizio universale di Franco e Filippolo de Veris a Campione d'Italia  Giudizio Universale di Luca Signorelli a Orvieto  Giudizio universale della basilica di Santa Maria Assunta a Torcello, capolavoro musivo Giudizio universale nell'abbazia di Pomposa in provincia di Ferrara Giudizio universale nell'Abbazia di Sant'Angelo in Formis presso Capua Rappresentazione di Inferno e Paradiso nella Basilica di San Petronio a Bologna Rappresentazione di Inferno e Paradiso nel Battistero di San Giovanni , capolavoro musivo. Giudizio Universale di Taddeo di Bartolo in San Gimignano. Giudizio universale del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze. Giudizio Universale attribuito a Maestro Cicogna, XIV secolo, Pieve di Sant'Andrea a Sommacampagna. Giudizio Universale nella Chiesa di Santa Maria del Casale a BrindisiTra i dipinti del Giudizio universale che si trovano al di fuori dell'Italia, vanno ricordati: Il Giudizio universale di John Martin  Il Giudizio universale, affresco di artisti armeni nella Cattedrale di Vank a Esfahan, in Iran  Il Grande Giudizio universale di Rubens alla Alte Pinakothek di Monaco di Baviera  Il Trittico del Giudizio di Vienna di Hieronymus Bosch  Il Giudizio universale di Stephan Lochner

Prompt: In The Last Judgment (Michelangelo), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Abbazia di Sant'Angelo in Formis
Alte Pinakothek
Basilica di San Petronio
Beato Angelico
Bologna
Brindisi
Buonamico Buffalmacco
Campione d'Italia
Cappella Sistina
Cappella degli Scrovegni
Capua
Cattedrale di Vank
Chiesa di Santa Maria del Casale
Esfahan
Firenze
Franco e Filippolo de Veris
Giotto
Giudizio universale
Giudizio finale e Inferno
Grande Giudizio universale
Hieronymus Bosch
Inferno
Iran
Luca Signorelli
Maestro Cicogna
Monaco di Baviera
Museo di San Marco
Orvieto
Padova
Paradiso
Pisa
San Gimignano
Sommacampagna
Stephan Lochner
Taddeo di Bartolo
Torcello
Trittico del Giudizio di Vienna


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ritratto del doge Leonardo Loredan

Il quadro ritrae il doge Loredan in abiti da cerimonia su sfondo azzurro, con il consueto parapetto marmoreo in primo piano, dove l'artista dipinse un cartiglio con la sua firma. Sul suo capo figura il cosiddetto "corno", copricapo tipico dei dogi, sopra la camaura dotata di lacci.

Prompt: Focus on Portrait of Doge Leonardo Loredan and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Pagamento del tributo

L'illuminazione, più che il disegno di contorno, definisce la forma plastica delle figure, facendole assomigliare a voluminose sculture.Cristo è il centro sia geometrico che spirituale della scena.  sua testa, improntata a un delicato sfumato, è stata attribuita alla mano di Masolino  grazie al confronto, ad esempio, con la testa di Adamo nel vicino episodio della Tentazione.  testa di Cristo è dolcemente sfumata, al contrario di quelle segnate da aspre ombre degli apostoli. Oltre a scelte stilistiche, il fatto di dare a Cristo il volto di Adamo era suffragato anche da argomenti teologici. Masolino aveva dopotutto beneficiato, probabilmente, dell'aiuto di Masaccio nella costruzione prospettica della scena della Guarigione dello storpio e resurrezione di Tabita o nella pittura del paesaggio della contigua Predica di san Pietro.Il gruppo centrale, con la caratteristica disposizione a semicerchio, venne probabilmente ispirato al gruppo scultoreo dei Quattro Santi Coronati di Nanni di Banco. A differenza dello scultore però, Masaccio non era interessato ad una citazione antiquaria dell'arte romana, come dimostrano i suoi panneggi che, per quanto realizzati studiando i dettagli delle statue antiche, non le imitano.  disposizione a semicerchio poteva anche derivare dalle composizioni paleocristiane del Cristo tra gli Apostoli.Il gruppo degli apostoli appare disposto nello spazio attorno al Cristo con coerenza e il loro insieme sembra voler ribadire la volontà dell'uomo e la sua centralità. Da questo solido semicerchio lo spazio si espande verso l'esterno guidando l'occhio dello spettatore tramite i gesti dei protagonisti e tramite alcune direttrici, come gli alberi decrescenti.Emblematico è nel gruppo degli apostoli la figura a destra, vestita di color vinaccia, che appare molto ben definita nei lineamenti, con zazzera e barbetta. Secondo Vasari si tratta dell'autoritratto di Masaccio , mentre altri lo indicano come possibile ritratto del committente Felice Brancacci.Le due figure monumentali di Pietro e del gabelliere a destra sono saldamente piantate sul suolo e sembra di percepirne la massa plastica perfettamente sviluppata dal chiaroscuro.

Prompt: How does The Tribute Money (Masaccio) explain its Style?Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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La fattoria

Conduttrice: Paola Perego - Inizio trasmissione: 8 marzo 2009 - Fine trasmissione: 19 aprile 2009 - Puntate: 7 - Giorni: 43 - Numero di partecipanti: 16 - Montepremi:  - Opinionisti: Sonia Bruganelli, Raffaello Tonon, Anna Pettinelli - Inviata: Mara Venier - Location: Paraty  quarta edizione de  fattoria, è andata in onda dall'8 marzo al 19 aprile 2009 su Canale 5, con la conduzione di Paola Perego, affiancata dagli opinionisti Sonia Bruganelli, Raffaello Tonon e Anna Pettinelli e con la partecipazione dell'inviata Mara Venier.I 16 concorrenti sono stati in Paraty  per 43 giorni, e Marco Baldini vinse il montepremi finale di 200.000 euro.{ class="wikitable" style="text-align:center;"!Concorrente !!Età !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Marco Baldini 49 anni Conduttore radiofonico  Italia Vincitore-Morena Funari 41 anni Personaggio TV  Italia Seconda classificata-Milo Coretti 31 anni Personaggio TV  Italia Terzo classificato-Guillaume Goufan 38 anni Modello  Francia Quarto classificato-Ciro Petrone 21 anni Attore  Italia Quinto classificato-Lory Del Santo 50 anni Ex showgirl, attrice, personaggio TV  Italia Eliminata-Barbara Guerra 30 anni Modella, personaggio TV  Italia Eliminata-Marianne Puglia 24 anni Modella  Venezuela Eliminata-Linda Batista 36 anni Ex modella, attrice  Brasile Eliminata-Rocco Pietrantonio 26 anni Modello  Italia Eliminato-Riccardo Sardonè 31 anni Ex modello, attore  Italia Eliminato-Carla Velli 27 anni Modella, personaggio TV  Italia Eliminata-Fabrizio Corona 34 anni Personaggio televisivo  Italia Eliminato-Giovanna Rei 33 anni Attrice  Italia Eliminata-Marina Ripa di Meana 67 anni Personaggio TV  Italia Ritirata-Daniela Martani 35 anni Personaggio TV  Italia Eliminata}

Prompt: Explain the "Lafattoria4" (2009). about the Editions of this artwork, The Farm (Miró).Please output in Italian.

2009
Anna Pettinelli
Brasile
Canale 5
Italia
Mara Venier
Marco Baldini
Paola Perego
Paraty
Raffaello Tonon


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Margherita la pazza

Margherita la pazza  è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1563 e conservato nel Museo Mayer van den Bergh di Anversa. Fino al restauro del 2018, in cui è emersa la data autografa, il dipinto si riteneva del 1561 .

Prompt: In Dull Gret, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Busto di Guido Bentivoglio

Il busto di Guido Bentivoglio è una scultura marmorea realizzata da un artista ignoto, attivo a Roma negli anni trenta del XVII secolo. Era precedentemente attribuito all'artista fiammingo François Duquesnoy. Fu realizzato in un periodo successivo al 1638, presumibilmente intorno al 1641, ed è attualmente esposto alla Galleria nazionale d'Irlanda di Dublino.Il cardinale Bentivoglio fu nunzio apostolico nelle Fiandre dal 1607 al 1615. Gli fu in seguito dato l'incarico di cardinale protettore di Francia a Roma, dove entrò in contatto con artisti quali Peter Paul Rubens e Antoon van Dyck, i quali facevano parte della stessa cerchia del Duquesnoy. Bentivoglio fu mecenate di vari artisti fiamminghi a Roma, nonché stretto collaboratore di Papa Urbano VIII, di cui divenne il protetto nel 1626.Il busto si presenta relativamente statico, con particolare attenzione rivolta a dettagli come le borse adipose sotto gli occhi del cardinale. Il soggetto è stato identificato confrontando la scultura con il ritratto del cardinale realizzato da van Dyck.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bust of Cardinal Guido Bentivoglio.Please output in Italian.

Antoon van Dyck
Dublino
Francia
François Duquesnoy
Galleria nazionale d'Irlanda
Guido Bentivoglio
Papa Urbano VIII
Peter Paul Rubens
Roma


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sacrificio di Isacco

Sacrificio di Isacco di Lorenzo Ghiberti  Sacrificio di Isacco di Filippo Brunelleschi  Sacrificio di Isacco di Donatello  Sacrificio di Isacco di Alonso Berruguete

Prompt: Describe the characteristics of the Sculptures in Abraham and Isaac (Titian)'s The ethical problem of the sacrifice of Isaac in the philosophy of Kierkegaard.Please output in Italian.

Alonso Berruguete
Donatello
Filippo Brunelleschi
Sacrificio di Isacco
Isacco
Lorenzo Ghiberti


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-portrait (Giorgione)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Apocalisse

upright=1.6In epoche recenti il termine "letteratura apocalittica", o "apocalittico", è stato usato comunemente per descrivere le varie parti delle scritture ebraiche o cristiane, sia canoniche che apocrife, in cui si forniscono predizioni escatologiche in forma di rivelazione. Che il termine sia attualmente usato in maniera blanda, e comprenda spesso cose non propriamente apocalittiche, è dovuto al fatto che lo studio di questa letteratura come classe a sé stante è piuttosto recente.Nell'uso comune delle lingue occidentali, il termine apocalisse si riferisce alla fine del mondo. Il significato corrente può essere un'ellisse della frase apōkalýpsis éschaton, che significa "rivelazione degli eventi della fine dei tempi". Tale ellisse nell'uso corrente riecheggia quella nel titolo dell'ultimo libro della Bibbia, il Libro della Rivelazione o Apocalisse di San Giovanni apostolo, che è normalmente interpretato come la profezia della fine del mondo, con numerosi dettagli visuali. Si veda anche escatologia e millenarismo. fine escatologica del mondo nella letteratura apocalittica era spesso accompagnata da immagini di resurrezione, giudizio dei morti e dalla pena dell'inferno per i peccatori. È interessante notare che tali idee non erano esplicitamente sviluppate nei libri pre-apocalittici della Bibbia ebraica, quindi l'esistenza di tali credo nell'ebraismo, nel cristianesimo e nell'Islam può essere ricondotta ai testi apocalittici. storia della cristianità è punteggiata di gruppi religiosi millennialisti, quasi fin dalle origini. I movimenti cristiani moderni sono concentrati nel XVIII e XIX secolo e comprendono l'ascesa di religioni apocalittiche come gli Avventisti, i Davidiani, la House of Yahweh, i Cristadelfiani, i Mormoni e i Testimoni di Geova.<br />L'Islam possiede i propri movimenti, in particolare la fede nell'Imam "atteso" o "nascosto" della comunità sciita. Nel XIV secolo dell'Islam  si riporta un credo che aveva preso a circolare presso la comunità sunnita, per il quale sarebbe presto giunto il Messia promesso, sia per i cristiani, sia per i musulmani. Molti di questi furono fondamentalisti, come Muhammad al-Mahdi, Muhammad Ahmad del Sudan e Usman dan Fodio dell'Africa occidentale, che coniugarono la pratica politica alle loro convinzioni mahdistiche. Mahdi successivi, compresi Mirza Ghulam Ahmad e l'Ayatollah Seyyed Ruhollah Khomeini, furono principalmente riformatori religiosi. Di recente si è assistito a una ripresa del movimento dei Jihādisti, come Osama bin den di al-Qā'ida, quasi esclusivamente politici.  profezia del Messia promesso all'inizio del XIV secolo per la maggior parte dei musulmani è stata sostenuta solo da Mirza Ghulam Ahmad, ma il punto di vista della maggioranza venne raccolto dall'Università di al-Azhar del Cairo e dalla Scuola Deobandi di Scienze Islamiche in India, che rifiutarono Mirza Ghulam Ahmad perché eretico, dato che si definiva profeta  e messia .

Prompt: Describe the characteristics of the The end of the world in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Bibbia
Cristadelfiani
Davidiani
Deobandi
House of Yahweh
Imam
India
Islam
Mahdi
Messia
Mirza Ghulam Ahmad
Muhammad Ahmad
Muhammad al-Mahdi
Rivelazione
Sudan
Testimoni di Geova
Usman dan Fodio
XIV secolo
XIX secolo
X secolo


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Rachele

rivalità tra Rachele e Lia era grande e, come era usanza del tempo, si combatteva sul numero dei figli. Esse non erano disposte a dare alla luce dei figli . Pur di dargli una discendenza, Lia diede a Giacobbe la sua schiava Zilpa in moglie, la quale partorì due figli: Gad ed Aser. Ma in seguito il Signore si ricordò anche di Rachele e la rese feconda ed ella concepì e partorì un figlio dicendo "Dio ha tolto il mio disonore" chiamandolo Giuseppe.

Prompt: In the context of Rachel (sculpture), explain the Birth of Giuseppe and the Meaning of the name.Please output in Italian.


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Monumento a Giordano Bruno

scultura bronzea ha un'impostazione solo apparentemente statica: il piede destro, infatti, è spostato in avanti imprimendo vita e movimento all'intero corpo statuario.  composizione del monumento è carica di significati simbolici. Tra questi è emblematica la posizione, che corrisponde al luogo in cui Bruno fu arso sul rogo. È da quel punto che la statua volge lo sguardo severo e austero in direzione del Vaticano, il suo accusatore. Le mani sono incrociate sul grande libro, come se una catena ne legasse i polsi e rendesse impossibile aprirlo. Il cappuccio del mantello, poi, mette in ombra il viso conferendogli un'aura di mistero.

Prompt: In Monument to Giordano Bruno, how is the Statue of the Description explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait with Skeleton's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Volta della Cappella Sistina

Nei pennacchi angolari si trovano quattro scene bibliche, che si riferiscono ad altrettanti eventi miracolosi a favore del popolo eletto:

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Stories of the Old Testament of the Description explained?Please output in Italian.


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Trionfo della Virtù

Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XMatilde Battistini, Simboli e allegorie, Electa, Verona 2007 ISBN 9788843581740

Prompt: Focus on Triumph of the Virtues (Mantegna) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Adorazione dei Magi (El Greco Benaki)

LAdorazione dei Magi è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1565-1567 e conservato al Museo Benaki ad Atene in Grecia. Insieme a San Luca dipinge la Madonna col Bambino è la più occidentale prime delle opere di El Greco, fortemente influenzata dal manierismo italiano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Magi (El Greco).Please output in Italian.


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Il Tempo che ordina alla Vecchiaia di distruggere la Bellezza è un dipinto di Pompeo Batoni. Eseguito nel 1746, è conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In Time Orders Old Age to Destroy Beauty, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1746
Bellezza
Londra
Pompeo Batoni
Tempo


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Tre studi di Lucian Freud

Le tele furono dipinte al Royal College of Art a Londra nel 1969 dopo che lo studio di Bacon fu distrutto in un incendio. Bacon e Lucian Freud erano grandi amici e si dipingevano spesso l'un l'altro, tanto che Bacon dipinse Freud in un altro trittico nel 1966 che però andò distrutto. Il trittico fu esposto per la prima volta alla Galleria d'arte Galatea a Torino nel 1970 e conseguentemente al Grand Palais di Parigi dal 1971 al 1972. Le opere vennero poi, a metà degli anni settanta, vendute separatamente facendone finire una a Roma una a Parigi e una in Giappone.  divisione del trittico fece indispettire Bacon in quanto riteneva che i tre quadri non dovessero essere separati. A metà degli anni ottanta un avvocato romano proprietario di una delle tre tele, di nome Francesco De Simone Niquesa, impiegò 15 anni a convincere gli altri possessori delle tele a vendergliele in modo da riformare il trittico. Furono esposti per la prima volta tutti e tre insieme, da quando vennero divisi, nel 1999 a New Haven. Nel 2013 vennero battuti all'asta per 142,4 milioni di dollari americani da Christie's a New York battendo il precedente record, che era detenuto da L'urlo di Edvard Munch venduto nel maggio del 2012, il dipinto più costoso mai venduto. Anche se Christie's non ha rivelato l'identità dell'acquirente, il Wall Street Journal e il New York Times hanno dichiarato che si trattasse di Elaine Pascale Wynn.

Prompt: How does Three Studies of Lucian Freud explain its History?Please output in Italian.

1966
1969
Christie's
Edvard Munch
Galleria d'arte Galatea
Giappone
Grand Palais
L'urlo
Londra
Lucian Freud
New Haven
Parigi
Roma
Royal College of Art
Torino


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Sepoltura e gloria di santa Petronilla

sinistraSul piano stilistico la santa Petronilla è ritenuta una chiave di volta della vicenda artistica del Guercino ed in particolare l'episodio inaugurale di quella che a partire dall'abate nzi è detta “seconda maniera” del pittore di Cento.In questa opera infatti Guercino avvia il superamento di quello stille vigorosamente naturalistico - derivato soprattutto dall'influsso di Ludovico Carracci - che ne caratterizza la prima produzione e di cui uno degli esiti più alti si vede nella di poco precedente Vestizione di san Guglielmo di Aquitania . Nella santa Petronilla il Guercino si misura per la prima volta con il classico ciò che si riscontra in particolare nella parte alta della tela che è sembrata associabile ai modi del Domenichino.Nella parte bassa del dipinto, sia pure in termini sensibilmente riveduti, ingentiliti, rispetto alla sua prima maniera, il Guercino mantiene un registro naturalistico che già Roberto Longhi metteva in relazione ad alcuni precedenti caravaggeschi ed in particolare al Seppellimento di santa Lucia licenziato dal Caravaggio nel 1608. Altra opera del Merisi cui le esequie di santa Petronilla sono associate anche per alcune assonanze compositive è la Deposizione della chiesa Nuova .destraDettaglio dell'altare di santa Petronilla in Il trattamento della luce a sua volta è molto diverso rispetto alle raffigurazioni del passato, con l'utilizzo di un chiaroscuro assai meno marcato di quanto non si osservi nella produzione precedente che lascia emergere i colori brillanti utilizzati per la stesura del dipinto, tra i quali spicca il lapislazzuli del cielo sullo sfondo. Si può osservare infine come nella realizzazione della pala di santa Petronilla Guercino abbia illusionisticamente cercato di eliminare il diaframma tra finzione pittorica e spazio reale. Il corpo semisepolto della santa, infatti, si proietta verso il vero sepolcro - situato nell'altare - in cui le spoglie di Petronilla erano state tumulate diciassette anni prima della messa in opera della grande tela .

Prompt: In The Burial of St. Petronilla, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Caravaggio
Domenichino
Guercino
Ludovico Carracci
Seppellimento di santa Lucia


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Sbadiglio del mattino

Il dipinto mostra una donna nuda, seduta sul bordo del suo letto, mentre sbadiglia.

Prompt: In Morning Yawn, how is the Detail discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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La seduzione di Merlino

L'opera fu commissionata dall'armatore e collezionista d'arte Frederick Richards Leyland alla fine del decennio 1860. Dopo un inizio infruttuoso dovuto ai materiali poveri impiegati per dipingere, Burne-Jones iniziò a lavorare sul dipinto stesso nel 1873, terminando l'opera alla fine del 1874, anche se il quadro non fu esposto prima del 1877, in occasione dell'inaugurazione della galleria Grosvenor di Londra. L'anno seguente il quadro  venne esposto all'esposizione universale che si svolse a Parigi, dove conobbe un buon successo. L'opera venne acquisita dal Lord Leverhulme nel 1918, e attualmente si trova nella galleria d'arte liverpuliana.

Prompt: In The Beguiling of Merlin, how is the History discussed?Please output in Italian.

Frederick Richards Leyland
Londra
Lord Leverhulme
Parigi


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: In Love & Loss, how is the History, culture, Sociology of the In the arts explained?Please output in Italian.


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Madonna di Piazza

pala è una sacra conversazione con la Madonna assisa in un trono marmoreo al centro, tra i santi Giovanni Battista a sinistra e Donato a destra . L'impostazione è tradizionale, con un sereno digradare dei piani: dal pavimento prospettico , fino al trono di Maria, dietro il quale sono fusi due motivi tipici per lo sfondo: il paesaggio e il muro con i vasi appoggiati e gli alberi affiorati. Per fare ciò l'artista dipinse solo la trabeazione del muro, aprendo, in maniera piuttosto singolare, la parete alla veduta retrostante.

Prompt: Focus on Piazza Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.