section

La ninfa sorpresa

L'opera venne dipinta in un momento chiave della carriera di Manet, quando dopo essere passato dallo studio di Couture  viaggiò in Italia e nel 1858 si iscrisse alla consultazione del gabinetto delle stampe della biblioteca nazionale di Francia. Questa tela è considerata il primo grande quadro sperimentale manetiano che riprende dei modelli della grande pittura italiana e olandese del sedicesimo e del diciassettesimo secolo. modella fu probabilmente Suzanne Leenhoff, l'olandese che lavorava allora come insegnante di pianoforte per la famiglia Manet e che l'artista sposò nel 1863. Secondo Barskaja, questo dipinto venne completato e inviato dall'artista all'esposizione dell'accademia russa di belle arti con il titolo Ninfa e satiro .Nel 1867, l'artista lo espose nella mostra personale che organizzò in Avenue de l'Alma dopo essere stato rifiutato all'esposizione universale.sinistraLo studio conservato a Oslo.Antonin Proust, nei suoi Souvenirs de Manet pubblicati ne  revue blanche nel 1897, precisa che quest'opera venne concepita in principio come un grande dipinto raffigurante Mosè salvato dalle acque , poi ritagliato dall'artista per conservare solo la figura nuda in primo piano, che chiamò  ninfa sorpresa. nel quale appare la figura nuda della ninfa accompagnata da un'altra figura femminile vestita che sembra pettinarsi i capelli, mentre a sinistra un'altra donna, piegata in una posa strana, sembra raccogliere un oggetto scuro nel letto di un fiume.Infine, degli studi tecnici effettuati tra il 1956 e il 1982 a Buenos Aires da Juan Corradini rivelarono l'esistenza di pentimenti che legano chiaramente la ninfa allo schizzo di Oslo. Degli altri studi ai raggi infrarossi dello stesso Corradini confermarono alfine, nel 1983, la presenza della testa di un fauno o di un satiro tra il fogliame che si individuava nelle vecchie foto.

Prompt: How does La Nymphe surprise explain its History?Please output in Italian.

Antonin Proust
Buenos Aires
Suzanne Leenhoff


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


section

Sacrificio di Isacco

Abramo Isacco Sara  Messia Timore e tremore Søren Kierkegaard

Prompt: How does Sacrifice of Isaac (Caravaggio) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Abramo
Isacco
Messia
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


section

Cristo tra quattro angeli con gli strumenti della Passione è un dipinto olio su tavola  di Vittore Carpaccio, firmato e datato 1496 e conservato nei Civici musei e gallerie di storia e arte di Udine.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ between Four Angels.Please output in Italian.


section

Autoritratto con sigaretta

Il dipinto fu esposto da Blomqvist a Oslo durante l'autunno del 1895, insieme ad altre opere di Munch, tra cui la versione del 1893 de L'urlo, la versione del 1894–1895 di Madonna e Vampire. mostra dell'autoritratto portò a polemiche sulla salute mentale di Munch. Johan Scharffenberg, allora studente di medicina, suggerì che il dipinto fosse una manifestazione dell'amoralità e della degenerazione mentale di Munch; Scharffenberg disse che l'artista esercitava un'influenza malata e corruttrice sulla gioventù norvegese. Berman identifica questa e altre critiche come un potenziale pericolo del dipinto per la società motivato da influenti pensatori come Max Nordau.Dal 1908 al 1909, Munch produsse anche una litografia intitolata Autoritratto con sigaretta. Eseguì anche una riproduzione fotografica del dipinto tra il 1907 e il 1909.Da febbraio a maggio 2006, l'autoritratto e altri 86 dipinti di Munch sono stati presentati al Museum of Modern Art di New York per la prima retrospettiva del XXI secolo sulla carriera di Munch, intitolata Edvard Munch: The Modern Life of the Soul.

Prompt: In Self-Portrait with Cigarette, how is the History discussed?Please output in Italian.

Edvard Munch
L'urlo
Max Nordau
Museum of Modern Art
New York
Oslo
XXI secolo


subsection

Dante e Virgilio

Il soggetto è tratto da un episodio del canto XXX dellInferno di Dante Alighieri: Dante e Virgilio sono nella decima bolgia dell'ottavo cerchio, ove sono puniti i falsari.Al centro, in primo piano, si trovano due dannati che lottano selvaggiamente, Gianni Schicchi e Capocchio: stando al racconto dantesco , Gianni Schicchi, punito con una smania furiosa in quanto falsario di persone, sopraggiunge e addenta il collo di Capocchio, l'alchimista con cui Dante ha parlato al termine del canto precedente . Schicchi, sulla sinistra coi capelli rossi, sta violentemente mordendo il collo del Capocchio e gli sta dando una ginocchiata alla schiena, facendolo piegare e cadere. Dietro di loro, a sinistra, i due poeti guardano con espressione terrorizzata, mentre sulla destra un demone sogghigna.

Prompt: Describe the characteristics of the Subject in Dante and Virgil's Story of the opera.Please output in Italian.


section

La zattera della Medusa

zattera della Medusa  è un dipinto a olio su tela  di Théodore Géricault. Questo dipinto è stato realizzato nel 1818-19  ed è conservato nel Museo del Louvre di Parigi.L'opera rappresenta un momento degli avvenimenti successivi al naufragio della fregata francese Méduse, avvenuto il 2 luglio 1816 davanti alle coste dell'attuale Mauritania, a causa di negligenze e decisioni affrettate da parte del comandante Hugues Duroy de Chaumareys che, oltre a non navigare da circa venticinque anni, non aveva una buona conoscenza di quelle acque, cosa che portò la fregata ad incagliarsi sul fondale sabbioso. Oltre 250 persone si salvarono grazie alle scialuppe; delle rimanenti 150, costrette ad imbarcarsi su una zattera di fortuna lunga 20 metri e larga 7, solamente 15 fecero ritorno a casa. Scrupoloso e attento ai dettagli, l'artista si sottopose ad un intenso periodo di studio sul corpo umano e sulla luce, producendo moltissimi disegni preparatori, intervistando due dei sopravvissuti e costruendo un modellino del naufragio.Acquistata dal Louvre subito dopo la prematura morte dell'autore a trentatré anni,  zattera della Medusa, nelle sue scelte formali  e di contenuto  rappresenta allo stesso tempo uno spartiacque e un punto di rottura con l'allora preponderante scuola neoclassica, tesa al perseguimento dell'ideale di razionalità ed emotività contenuta e catalizzata dalla riscoperta dell'arte greca, e un'icona del Romanticismo, arrivando a influenzare i lavori di artisti come Eugène Delacroix, William Turner, Gustave Courbet ed Édouard Manet.

Prompt: Focus on The Raft of the Medusa and explain the Abstract.Please output in Italian.

Eugène Delacroix
Gustave Courbet
Hugues Duroy de Chaumareys
Mauritania
Museo del Louvre
Méduse
Parigi
Romanticismo
Théodore Géricault
William Turner
Édouard Manet


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


section

Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Explain the Origins of this artwork, Madonna and Child (Perugino, Washington).Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


subsection

Nostra Signora della Porta dell'Aurora

Nel 1761, il monaco Ilario pubblicò un libro che enumerava 17 miracoli attribuiti al dipinto e alla Vergine Maria. Il primo miracolo che egli registrò si sarebbe verificato nel 1671, lo stesso anno in cui fu costruita la prima cappella. Un bambino di due anni cadde dal secondo piano su un pavimento di pietra e rimase gravemente ferito. I genitori allora pregarono Nostra Signora e il giorno seguente il bambino era di nuovo sano. Nel 1702, Vilnius fu occupata dall'esercito svedese durante la Grande guerra del nord. Gli Svedesi, che erano Protestanti, si fecero beffe del dipinto, proibirono canti e preghiere e si misero a gozzovigliare intorno alla Porta dell'Aurora. Un soldato sparò perfino al dipinto . Diverse volte  alcuni di questi oggetti furono fusi per realizzare oggetti liturgici. Nel 1844 vi era un totale di 785 offerte.

Prompt: In the context of Our Lady of the Gate of Dawn, explain the Miracles offerings votive and the History.Please output in Italian.


subsection

Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Peru in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


subsection

Dante e Virgilio

Il soggetto è tratto da un episodio del canto XXX dellInferno di Dante Alighieri: Dante e Virgilio sono nella decima bolgia dell'ottavo cerchio, ove sono puniti i falsari.Al centro, in primo piano, si trovano due dannati che lottano selvaggiamente, Gianni Schicchi e Capocchio: stando al racconto dantesco , Gianni Schicchi, punito con una smania furiosa in quanto falsario di persone, sopraggiunge e addenta il collo di Capocchio, l'alchimista con cui Dante ha parlato al termine del canto precedente . Schicchi, sulla sinistra coi capelli rossi, sta violentemente mordendo il collo del Capocchio e gli sta dando una ginocchiata alla schiena, facendolo piegare e cadere. Dietro di loro, a sinistra, i due poeti guardano con espressione terrorizzata, mentre sulla destra un demone sogghigna.

Prompt: In Dante and Virgil, how is the Subject of the Story of the opera explained?Please output in Italian.


section

Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Fauno Rondanini

Il Fauno Rondanini è una scultura in marmo realizzata, tra il 1625 e il 1630, dall'artista fiammingo François Duquesnoy, attualmente conservata al British Museum di Londra.  figura è stata scolpita a partire da un antico torso romano: la capacità del Duquesnoy, infatti, di integrare resti di statue antiche era considerata a Roma come "assolutamente perfetta". Il restauro delle stesse, nel XVII secolo, prevedeva interventi di gusto barocco da parte dello scultore incaricato, e il Fauno, seppure non eccessivamente, non fa eccezione, e la sua posa dinamica ne è la prova.

Prompt: How does Rondanini Faun explain its Abstract?Please output in Italian.

British Museum
Fauno
François Duquesnoy
Londra
Roma


subsection

amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: Explain the Judaism about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


section

Giudizio universale

Giudizio universale della Nel cristianesimo questa dottrina fa riferimento ad una celebre parabola di Gesù . In essa Gesù si identifica con il sofferente e il giudizio verte di volta in volta sulla compassione concretamente dimostrata e non sulla fede professata . chiesa latina  ha sottolineato la necessità di una giustizia equilibratrice.  giustizia di Dio, fu quindi contrapposta alla sua misericordia, in quanto essa obbligherebbe Dio a un certo comportamento . Perlomeno Dio "non può dimostrare grazia nello stesso modo ai malfattori e alle vittime" ed "è sperabile che rispetterà e ristabilirà la dignità di queste ultime".Secondo i teologi alessandrini del III secolo Clemente e Origene e i loro numerosi sostenitori la misericordia di Dio deve prevalere e condurre a una riconciliazione universale . Questa dottrina fu sempre sperata nella storia della Chiesa e della teologia, in quanto "la teologia non possiede alcuna conoscenza, né alcuna competenza per decidere sulle possibilità che Dio ha di mutare positivamente le libere decisioni delle sue creature senza distruggerne la libertà".  riprende anche il teologo cattolico Hans Urs von Balthasar, che sottolinea come ad essa sembrano aderire alcuni fra i più famosi teologi cattolici, fra cui anche lo stesso Papa Benedetto XVI.Il Giudizio universale di  dottrina del giudizio finale solleva il problema dello stato delle anime fra il momento della loro morte e la seconda venuta di Cristo.  questione presenta problemi filosofici sia di antropologia  sia di ontologia del tempo . Questi problemi non hanno ancora trovato una soluzione da tutti condivisa.  dottrina che non esista alcuno stato intermedio perché alla morte ogni persona raggiunge il giudizio universale è ritenuta la più verosimile da  Karl Rahner, teologo cattolico e perito conciliare durante il Concilio Vaticano II. soluzione tradizionale mira ad affermare che i giustificati ottengono immediatamente il dono loro assegnato da Cristo e perciò ad escludere la visione beatifica differita, teoria molto diffusa fra i padri della chiesa cattolica e predicata ancora oggi da alcune frange protestanti.  maggior parte dei cristiani, infatti, ha ritenuto e ritiene inaccettabile che i martiri, la stessa Vergine Maria e gli altri santi non possano godere da subito della visione beatifica.Secondo la Chiesa cattolica e quella ortodossa gli uomini vengono giudicati subito dopo la morte , e le loro anime accedono al Paradiso o all'Inferno immediatamente o, nel caso del Paradiso, dopo una fase più o meno intensa di purificazione nel Purgatorio. Alla fine dei tempi vi sarà invece la risurrezione della carne, con la quale i corpi risusciteranno e si riuniranno alle anime per il giudizio finale , di salvezza nella comunione dei santi, oppure di condanna.Nella tradizione protestante, invece, si esclude ogni purificazione dopo la morte. Lutero non sembra aver professato una teologia dello stato intermedio coerente e costante nel tempo. Benché egli abbia talvolta affermato che le anime "dormono", nelle chiese riformate prevale l'opinione di Giovanni Calvino secondo cui le anime dei morti si trovano in uno stato vigile di felicità o di dolore che anticipa il loro destino eterno dopo il giudizio finale.

Prompt: Focus on Last Judgement (Fra Bartolomeo) and explain the Christianity.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio Vaticano II
Cristo
Dio
Gesù
Giovanni Calvino
Giudizio universale
Hans Urs von Balthasar
Inferno
Karl Rahner
Origene
Papa Benedetto XVI
Paradiso
Purgatorio


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

San Cristoforo

Il santo cristiano Cristoforo viene raffigurato in moltissime icone e affreschi bizantini con le fattezze di cinocefalo. Nella Passio sancti Christophori martyris, un testo presente in varie opere della patristica e che ebbe molta diffusione in epoca medioevale, viene narrata la leggenda del santo, che sarebbe proprio un cinocefalo convertitosi al Cristianesimo. San Cristoforo Cinocefalo presenta caratteri comuni sia al dio egizio Anubi , sia ai molteplici racconti di cinocefali . figura di san Cristoforo, sebbene acquisisca alcuni tratti del mito dei cinocefali , ne ribalta completamente lo status morale, nella sua santità. Un autore altomedievale , il monaco benedettino Ratramno di Corbie , nella Epistola de Cynocephalis afferma che i cinocefali debbano essere considerati come esseri umani. Questo documento esprime un duplice e più complesso atteggiamento verso i "popoli mostruosi" che si sviluppa nel tempo, che vede, al di là dell'ostilità prevalente, anche l'accettazione come parte della creazione di Dio. figura di san Cristoforo sarebbe, anche, un retaggio di culti pagani legati al moto astronomico di Sirio, stella appartenente alla costellazione del Cane Maggiore.  festa del santo cade il 25 luglio e il riferimento astronomico riguarderebbe il periodo della "canicola", quello in cui il sorgere e tramontare di Sirio coincidono con quelli del Sole. In quel periodo cadeva anche la festa di un "santo" cane, san Guinefort di Lione.

Prompt: Explain the Christophercynocephalus of this artwork, Saint Christopher Carrying the Christ Child.Please output in Italian.

25 luglio
Anubi
Cane Maggiore
Cinocefalo
Cristianesimo
Cristoforo
Lione
Ratramno di Corbie
Sirio
Sole


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


section

Astronomo

Un astronomo è uno scienziato che si occupa dello studio dei corpi e dei fenomeni esterni all'atmosfera terrestre. Per le sue ricerche egli si avvale principalmente della matematica e della fisica, ma anche di altre discipline a seconda del suo campo specifico di studi.Dal punto di vista dell'apparato strumentale, il telescopio ottico ha accompagnato dai tempi di Galileo il lavoro di ogni astronomo: prima del XVII secolo l'osservazione era praticata a occhio nudo, e ci si avvaleva perlopiù di strumenti che permettessero l'orientamento sulla volta celeste e una corretta previsione dei fenomeni celesti, come l'astrolabio.Nel XX secolo ad un continuo perfezionamento dei telescopi ottici si è affiancato lo sviluppo di altre strumentazioni, come la spettroscopia ed il radiotelescopio, che ha aperto la porta dell'osservazione alle lunghezze d'onda diverse dal visibile, mentre la nascita dell'astronautica ha permesso agli astronomi di studiare dettagliatamente i corpi del Sistema Solare  e di osservare l'Universo con l'accuratezza permessa dall'assenza dell'atmosfera .

Prompt: How does An Astronomer explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Vergine velata

Vestale TucciaCristo velatoPudiciziaSuora velataRebecca velata

Prompt: How does The Veiled Virgin explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Suora velata
Vestale Tuccia


section

Donna in azzurro che legge una lettera

Forse il dipinto è quello citato al n. 22 del catalogo dell'asta di Pieter van der Lip tenutasi ad Amsterdam nel 1712. Opera molto ammirata nel Settecento, passò per varie collezioni private finché, nel 1839, venne acquistato dal banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi lo donò alla città di Amsterdam, con l'intera sua raccolta di 225 dipinti . Al museo arrivò nel 1885, primo quadro di Vermeer nelle sue collezioni.

Prompt: In Woman Reading a Letter (Vermeer), how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Sposalizio della Vergine

Lo sposalizio di Maria e Giuseppe non è descritto nella Bibbia, e vi si fa riferimento solo in alcuni vangeli apocrifi. Nella tradizione ebraica, il matrimonio era un contratto stipulato tra le famiglie dei due nubendi: il padre dello sposo si recava da quello della sposa per proporre l'unione, e se la ragazza avesse accettato i due giovani sarebbero stati "promessi", e sarebbero andati a vivere assieme dopo un anno .Liturgicamente, l'osservanza dello sposalizio della Vergine come festa nasce probabilmente intorno al XV secolo, quando Jean Gerson, Gran Cancelliere dell'Università di Parigi morto nel 1429, lascia disposizione testamentaria di far celebrare una messa ogni 23 gennaio in onore del matrimonio di Maria e Giuseppe; da qui la ricorrenza viene inserita nei calendari di diversi ordini religiosi, a partire dai francescani e proseguendo con servi di Maria, domenicani, carmelitani e stimmatini .Tuttavia la memoria non è mai entrata nel calendario ufficiale della Chiesa cattolica, specialmente perché considerata ridondante rispetto a quella della Sacra Famiglia; dal 1961 la Congregazione dei riti ha relegato lo sposalizio della Vergine alle "feste di devozione", permettendone la celebrazione solo per motivi o luoghi particolari.

Prompt: Explain the History of this artwork, Marriage of the Virgin (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.

23 gennaio
Bibbia
Chiesa cattolica
Congregazione dei riti
Jean Gerson
Sacra Famiglia
Università di Parigi
XV secolo


section

neoimpressionismo

Georges Seurat, pioniere del movimento, soleva definire la sua concezione tecnico-artistica «cromo-luminarismo» o «divisionismo» e poi ripreso in un proprio saggio sul movimento. Con questo termine si intendeva sottolineare la differenza tra l'Impressionismo originario, «romantico», e il nuovo Impressionismo «scientifico». Nel dicembre dello stesso anno fu usato anche da Arsène Alexandre, editorialista de "L'Evénement".

Prompt: Focus on Neo-Impressionism and explain the Name.Please output in Italian.

Arsène Alexandre
Georges Seurat
Impressionismo


section

Suora velata

Suora velata è un busto in marmo, realizzato nel 1863 da un artista italiano non identificato.  donna raffigurata, sebbene il nome possa suggerire il contrario, non è una suora. Il busto era un'opera molto apprezzata dai visitatori della Corcoran Gallery of Art, dove è stata conservata dal 1874 al 2014, anno della chiusura della galleria d'arte. Attualmente il busto è conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Focus on The Veiled Nun and explain the Abstract.Please output in Italian.

Corcoran Gallery of Art
National Gallery of Art
Washington


section

Piccola Madonna Cowper

Piccola Madonna Cowper  è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1504-1505 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Focus on Small Cowper Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.

1504
1505
Cowper
National Gallery of Art
Raffaello Sanzio
Washington


section

Tre bellezze del nostro tempo

scuola pittorica dellukiyo-e fiorì in Giappone durante il periodo Edo tra il XVII e il XX secolo, occupandosi di raffigurare personaggi del mondo contemporaneo: cortigiani, attori del teatro Kabuki, e altre figure indissolubilmente associate al «mondo fluttuante» dei quartieri di piacere. Oltre ai dipinti, gli artisti dellukiyo-e si cimentarono anche all'incisione in legno, che divenne particolarmente popolare soprattutto nella metà del Settecento, durante il quale era usanza addirittura realizzare le varie stampe in più colori. Prominenti, in tal senso, furono le opere del tipo bijin-ga, che si prefiggeva di raffigurare «belle persone», in genere cortigiane o geisha.Katsukawa Shunshō introdusse negli anni 1760 nuove tecniche e canoni per la realizzazione delle stampe, e se ne servì successivamente  per ritrarre gli attori del teatro Kabuki. Analogamente, Kiyonaga fu uno dei primitivi ritrattisti di bellezze negli anni 1870, e le sue figure alte e leggiadre ebbero un'impronta profonda sulla produzione di Kitagawa Utamaro , destinato a superare per fama il proprio maestro. Utamaro studiò sotto la direzione di Toriyama Sekien , che a sua volta si formò in seno alla scuola Kanō. Nel 1782, Utamaro iniziò a lavorare per conto dell'editore Tsutaya Jūzaburō.Nel 1791, Tsutaya pubblicò tre libri di Santō Kyōden del genere letterario sharebon incentrati sulla narrazione di novelle di taglio umoristico dei quartieri di piacere; le autorità, trovando queste storie oltremodo frivole, le autorità punirono l'autore costringendolo in manette per cinquanta giorni, e l'editore con una contravvenzione salatissima. Ciò malgrado, già poco dopo Utamaro iniziò a produrre i suoi primi bijin ōkubi-e, amalgamando lōkubi-e al genere bijin-ga dei ritratti delle bellezze. Il successo furioso riscosso da queste opere risollevò le sorti di Tsutaya e resero Utamaro universalmente conosciuto ed apprezzato.

Prompt: Focus on Three Beauties of the Present Day and explain the Answer..Please output in Italian.

Katsukawa Shunshō
Kitagawa Utamaro
Santō Kyōden
Toriyama Sekien
Tsutaya Jūzaburō


section

Il sogno della moglie del pescatore

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna , mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

Prompt: How does The Dream of the Fisherman's Wife explain its History and description?Please output in Italian.


section

Ermes di Aigio

LErmes fu realizzato durante l'età augustea, pertanto si qualifica come scultura romana databile tra la fine del I secolo a.C. e i primi tempi del I secolo d.C., all'epoca dell'impero di Augusto. Presumibilmente si trattava di una scultura funeraria. Nel 1860 fu rinvenuta presso Aigio , da cui trae il suo nome; fu successivamente acquistata dall'istituzione archeologica per 12 000 dracme.

Prompt: In Hermes of Aegium, how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Ritratto di Madame X

Il dipinto fu esposto nella sala 31 presso il Salon di Parigi nel 1884 e diede da subito scandalo. Il vestito scollato adornato da spalline gioiello e la pelle talmente bianca da dare sensazione di nudità risultarono inadatte alla morale dell'epoca.Ciò che colpì maggiormente era che il quadro non rappresentasse una modella anonima, ma un'esponente dell'alta società parigina. In passato erano stati creati dipinti a tema erotico, ma questi avevano soggetti ballerine, prostitute o rappresentavano scene mitologiche e storiche; in questo caso si trattava di un personaggio in vista che senza alcun ritegno mostrava la propria sensualità oltrepassando i limiti posti dalla società. Il quotidiano Le Figaro parla della scandalosa spallina caduta affermando «Un solo movimento e potrebbe rimanere nuda», mentre altri definiscono l'opera volgare.John Singer Sargent tentò di rimediare riportando la spallina sulla spalla e cambiando il nome del quadro in Madame X, ma il dipinto continuò a dare scandalo così l'artista si trovò costretto a ritirarlo dal Salon. famiglia Gautreau si rifiutò di acquistare l'opera e Sargent fu costretto a trasferirsi in Inghilterra dove trovò più fortuna come ritrattista. Amélie dovette ritirarsi a vita privata e tentare di reinserirsi in quella società che aveva tanto agitato con il suo ritratto.Nel 1916, un anno dopo la morte di Madame Gautreau, il dipinto venne acquistato per mille dollari dal Metropolitan Museum di New York.

Prompt: Explain the Criticism of this artwork, Portrait of Madame X.Please output in Italian.

1884
1916
Inghilterra
John Singer Sargent
Le Figaro
New York
Parigi


section

Madonna della Scala

Madonna della Scala o Maria Santissima della Scala è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, madre di Gesù.

Prompt: How does Madonna of the Stairs explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Fanciulle sulla riva della Senna

Realismo  Gli spaccapietre Le vagliatrici di grano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Young Ladies Beside the Seine (Summer).Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Beata Vergine delle Grazie è la principale patrona della città di Benevento, nonché regina dell'intero Sannio. Si festeggia regolarmente il 2 luglio nell'omonima Basilica a Lei dedicata.

Prompt: Describe the characteristics of the Benevento in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


section

Dama con scoiattolo e storno

Il dipinto mostra una giovane donna vestita pudicamente seduta, attorniata da uno sfondo blu che porta in grembo uno scoiattolo alla catena mentre mangia una noce; uno storno siede su un ramo dell'albero di fico sullo sfondo e punta il suo becco al suo orecchio destro.

Prompt: How does Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling explain its Description?Please output in Italian.


section

Tre mondi

Mostra al Palazzo Blu di Pisa  Sito ufficiale creato dalla collaborazione di M. C Escher Foundation ed M. C. Escher Company http://www.mcescher.com/

Prompt: Focus on Three Worlds (Escher) and explain the External links.Please output in Italian.


section

Giustizia

Diligite iustitiam, qui iudicatis terram: amate la giustizia, voi che governate la terra . Summum ius, summa iniuria: il diritto a tutti i costi diventa ingiuria . Il buon giudice non deve essere giovane, ma anziano, uno che ha appreso tardi che cosa è l'ingiustizia, senza averla sentita come personale e insita nella sua anima; ma per averla studiata, come una qualità altrui, nelle anime altrui . Ecco il giudicio uman come spesso erra . A giudicar per induzione, e senza la necessaria cognizione de' fatti, si fa alle volte gran torto anche ai birbanti . Denari e amicizia non curan la giustizia : con il denaro o le raccomandazioni si ottiene qualunque cosa. Ognuno vuole giustizia, ma a casa d'altri: tutti difendono la giustizia, ma non vogliono che intralci i loro interessi.

Prompt: How does Justice (Titian) explain its Quotes and proverbs about justice?Please output in Italian.


section

Busto del cardinale Richelieu

Il Busto del Cardinale Richelieu, primo ministro di Luigi XIII, di Gian Lorenzo Bernini  è conservato a Parigi all'interno del Museo del Louvre.

Prompt: In Bust of Cardinal Richelieu, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Gian Lorenzo Bernini
Museo del Louvre
Parigi


section

divisionismo

I maggiori esponenti del Divisionismo furono Vittore Grubicy de Dragon, Giovanni Segantini, Plinio Nomellini, Matteo Olivero, Gaetano Previati, Angelo Morbelli, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Rubaldo Merello, Carlo Fornara, Emilio Longoni. Inizialmente aderì al divisionismo Umberto Boccioni; anche Giacomo Balla partì per le sue ricerche di scomposizione della luce e delle forme dall'esperienza divisionista.Altri divisionisti da ricordare sono: Cornelio Geranzani, Giuseppe Cominetti, zzaro Luxardo ed Eso Peluzzi, appartenenti alla scuola ligure; Carlo Cressini, Angelo Barabino , Romano Valori milanesi; Plinio Nomellini, Galileo Chini, Adriano Baracchini Caputi, Llewelyn Lloyd, Gino Romiti, Benvenuto Benvenuti, Renuccio Renucci  livornesi; Guglielmo Amedeo Lori pisano; Flavio Bertelli e Antonio Discovolo di Bologna , Antonio Ballero sardo e Otello Leiss di Ferrara, Pietro Mengarini appartenente alla secessione romana.Alcuni aspetti tipici del Divisionismo possono rintracciarsi secondo alcuni critici in certe opere del milanese Filippo Carcano.Operarono un singolare rinnovamento dell'arte sacra in chiave divisionista i pittori Augusto Mussini, detto fra' Paolo, reggiano, che vagò a lungo tra i conventi delle Marche, tanto da essere chiamato il "frate-pittore" pur non avendo mai preso i voti, e don Angelo Rescalli, sacerdote-pittore cremonese che pur non avendo mai trattato temi dichiaratamente sacri, riprodusse nei suoi dipinti numerosissime chiese, inserite sempre in paesaggi silenti.

Prompt: In Divisionism, how is the Divisionist painters discussed?Please output in Italian.

Adriano Baracchini Caputi
Angelo Barabino
Angelo Morbelli
Angelo Rescalli
Antonio Ballero
Antonio Discovolo
Augusto Mussini
Benvenuto Benvenuti
Carlo Cressini
Carlo Fornara
Cornelio Geranzani
Emilio Longoni
Eso Peluzzi
Filippo Carcano
Gaetano Previati
Galileo Chini
Giacomo Balla
Gino Romiti
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Giuseppe Pellizza da Volpedo
Guglielmo Amedeo Lori
Llewelyn Lloyd
Matteo Olivero
Otello Leiss
Pietro Mengarini
Plinio Nomellini
Renuccio Renucci
Romano Valori
Rubaldo Merello
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


section

San Michele sconfigge Satana

San Michele sconfigge Satana  è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, datato 1518 e conservato nel Museo del Louvre di Parigi L'opera è firmata e datata sull'orlo della veste di san Michele: "".

Prompt: How does Saint Michael Vanquishing Satan explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Leone che attacca un dromedario

Un dettaglio dell'arabo, la cui testa contiene un teschio vero.Nel 2016, il Leone che attacca un Dromedario fu restaurato nuovamente. Durante questo secondo restauro, il museo esaminò gli animali impagliati attraverso i raggi X e l'analisi del DNA per verificarne l'autenticità: Si pensava che la figura umana fosse per lo più sintetica, ma i raggi X rivelarono che la testa conteneva un vero teschio umano, sorprendendo il personale del museo. Non si sa a chi appartenga il cranio, né da dove Verreaux l'abbia preso. Nel frattempo, venne cambiato il nome inglese dell'opera per contestualizzarla meglio: in precedenza era nota come Arab Courier Attacked by Lions . Alla cerimonia per celebrare la fine del restauro, il personale del museo di Pittsburgh ospitò un simposio avente come temi il restauro, il diorama e la sua rappresentazione distorta del Nordafrica.

Prompt: In Lion Attacking a Dromedary, how is the Restoration of 2016 of the History explained?Please output in Italian.


section

Danza di contadini

L'opera, priva di firma e data, venne rastrellata con le spoliazioni napoleoniche e portata a Parigi nel 1808, ritornando solo nel 1815.Non è chiaro se fosse nata come pendant al Banchetto nuziale, ma è anche probabile che i due lavori fossero i primi di una serie a tema nuziale mai portata a termine.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Peasant Dance.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Cacciatori nella neve

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: How does The Hunters in the Snow explain its Bibliography?Please output in Italian.


section

Belle Jardinière

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 B. Mottin, Un exemple d'étude de laboratoire :  Belle Jardinière, in “ Revue du Musée des arts et métiers”, nn. 46-47, ottobre 2006, pp. 18–25

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, La belle jardinière.Please output in Italian.


section

Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: Focus on Ecce Homo (Caravaggio, Genoa) and explain the Answer..Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


section

Allegoria del trionfo di Venere

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Focus on Venus, Cupid, Folly and Time and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

Dama col liocorno

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Young Woman with Unicorn and explain the Bibliography.Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Beata Vergine delle Grazie è patrona principale della diocesi di Faenza-Modigliana, dove viene ricordata il sabato precedente la seconda domenica di maggio. L'immagine è venerata in una fastosa cappella della Cattedrale: si tratta di un affresco mutilo del XV secolo che ritrae la Vergine nell'atto di spezzare sei frecce , simbolo dei mali e dei flagelli da cui lei offre protezione.<br/>Le celebrazioni iniziano il primo sabato di maggio con la fiorita dei bambini. I piccoli portano un dono floreale alla Madonna; successivamente il vescovo di Faenza porta fino ai piedi della torre civica una composizione di fiori. I vigili del fuoco la collocano sul balconcino dove si trova la statua della Vergine. Nello stesso giorno all'ora del Vespro si tiene la Cerimonia dei Ceri che dà il via al Palio del Niballo.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Faenza and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


subsection

amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: In Love & Loss, how is the In modern philosophy of the Philosophy explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Composizione VI

gigantesca Composizione VI è una delle opere più significative del periodo monacense, un dipinto che impegnò a lungo l'artista il quale l'8 marzo del 1913 scriveva all'amico Franz Marc: «Ho portato in me questo quadro per un anno e mezzo e spesso ho dovuto pensare che non lo avrei mai condotto a termine».  complicata genesi, testimoniata anche dai numerosi schizzi e progetti preliminari, è inoltre descritta in maniera dettagliata nell'articolo pubblicato nel 1913 sulla rivista Der Sturm. Punto di partenza dell'opera fu il quadro su vetro del Diluvio Universale di un anno precedente e oggi perduto. Ma se là ancora sopravvivevano elementi figurativi e narrativi, come animali, persone, piante, lampi e la pioggia, qui ogni ricordo di mimetismo si perde in forme frantumate, lunghe strisce, linee, forme scure e colori, rendendo il dipinto la prima opera astratta in senso stretto della serie delle Composizioni nella quale «il motivo originario del quadro si dissolve e si trasforma in un'essenza interiore puramente pittorica, autonoma e oggettiva». Dai due centri principali del dipinto - a sinistra un nucleo che Kandinskij definisce «dolce, rosaceo» e a destra un nucleo «grossolano, rosso-azzurro, dissonante» - ne scaturisce un terzo al centro che «determina il suono interiore dell'intero quadro», dove i colori rosa e bianco sembrano galleggiare sulla tela.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Composition VI.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


section

La barca di Acheronte

Alfredo Roces, Felix Resureccion Hidalgo & the Generation of 1872, Manila, Fondazione Eugenio López, Inc., 1998, p. 146.

Prompt: In La barca de Aqueronte, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Gela, Convento dei CappucciniQuella in onore a Maria SS. delle Grazie è la festività religiosa più sentita dalla popolazione gelese, nonostante la patrona sia Maria SS. dell'Alemanna. Madre Amatissima dai gelesi è venerata presso la trecentesca Chiesa dei Cappuccini la quale, nonostante l'ampliamento dello scorso secolo, rimane insufficiente ad accogliere le migliaia di fedeli che nella giornata del 2 luglio di ogni anno vi si recano. particolarità di questa festa sta nella lunga processione che accompagna il simulacro ottocentesco per le vie principali della città alta. Durante la processione, infatti, molti fedeli decidono di camminare scalzi portando in mano un grande cero decorato e inghirlandato pregando. Sempre durante il corteo, il simulacro si ferma a intervalli regolari per permettere la spoliazione dei bimbi bisognosi di una grazia o già graziati. Quest'ultimo è un momento intriso di grande gioia e, al contempo, di commozione.  giornata apertasi con la messa mattutina e la “maschiata” di mezzogiorno , si chiude sempre dopo la mezzanotte col rientro del simulacro in chiesa e i giochi pirotecnici a mare. Tale ricorrenza attira in città non solo gli emigrati gelesi sparsi nel mondo ma anche numerose persone provenienti dai centri dell'hinterland che nutrono grande fede nei confronti della Madonna. Per l'occasione la città viene decorata con le luminarie.Una chiesa quattrocentesca ne porta il titolo e custodisce la pregevole effigie attribuita allo scultore palermitano Vincenzo Genovese, che viene portata in processione il 2 luglio, giorno della festa.I momenti più significativi della festa sono: il solenne settenario , quando il popolo si rivolge alla Madonna attraverso la preghiera della "Coroncina" e partecipa alla celebrazione eucaristica, solitamente presieduta da un predicatore appositamente invitato. Con la celebrazione dei Primi Vespri, la sera della Vigilia, incomincia la festa vera e propria che occupa tutto il giorno del 2 luglio attraverso la celebrazione delle Sante Messe, in particolare la S. Messa solenne delle ore 11:00; alle ore 16:00 inizia la solenne processione per le vie del paese che si conclude con i fuochi d'artificio e l'intronizzazione del simulacro nella nicchia sull'altare maggiore della chiesa.Genzano di Lucania  In fondo al Corso Vittorio Emanuele si erge la Chiesa intitolata a Maria S.S. delle Grazie, Protettrice del paese. Venne costruita tra la fine del 1600 e l'inizio del 1700 e rifatta nel 1821 e, quasi completamente riedificata in conseguenza del terremoto del 16-12-1857.  facciata, ornata di nicchie e di una finestra circolare al centro, ha, alle estremità, due campanili bassi, uno vuoto, l'altro con tre campane costruite nel 1852; due di esse furono nuovamente fuse, una nel 1910 l'altra nel 1934. Sul portale dei tempio si legge la sublime preghiera di S. Bemardo:«Donna, se tanto grande e tanto vali,che qual vuol grazia ed a te non ricorresua disianza vuol volar senz'ali».Dante. Chiesa riceve luce anche dalle quattro finestre collocate a destra e a sinistra dell'unica navata, e da quella soprastante all'altare maggiore, perciò è ricca di aria e di luce e, per la sua semplicità, piace molto specialmente perché ha un aspetto festoso. A sinistra, entrando, si nota una bella acquasantiera in pietra a due pezzi, a forma di calice piatto, opera veramente artistica del 1698. In fondo la Cappella si presenta a forma di croce con le braccia accorciate.L'abside centrale è piatto; su di esso, nel mezzo di un finto mantello araldico sormontato da una corona e sorretto da quattro Angeli , vi è collocato. in nicchia più volte vetrata, l'Effige di Maria S. S. delle Grazie. È un bel quadro bizantino in cui la Vergine, a mezzo busto, e il Sacro Infante sono dipinti in modo meraviglioso, sopra una pietra levigata; trattasi dell'Effige invenuta a Capo d'Acqua il 25 marzo del 1621.

Prompt: Explain the Gela about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


section

Maestà di Ognissanti

Madonna di Ognissanti è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Giotto, databile al 1310 circa e conservato agli Uffizi di Firenze, dove è scenograficamente collocato a poca distanza da analoghe pale di Cimabue  e Duccio di Buoninsegna . Anticamente si trovava nella chiesa di Ognissanti a Firenze, da cui il nome.

Prompt: How does Ognissanti Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.

1310
Cimabue
Duccio di Buoninsegna
Firenze
Giotto


section

La valorosa Téméraire

valorosa Téméraire trainata al suo ultimo ancoraggio per essere demolita, 1838  è un dipinto a olio su tela  di William Turner, databile al 1838-1839 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In The Fighting Temeraire, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Flagellazione

Nel caso di pena corporale, la persona che dà le frustate, nei Paesi islamici, deve tenere un Corano sotto l'ascella del braccio con cui utilizza la frusta: ciò ha l'effetto di limitare la potenza del colpo, ma anche gli atti compassionevoli nell'esecuzione.Invece, per il caso di autoflagellazione mistica, sono stati indicati anche ulteriori moventi, come quello di identità comunitaria o tradizionalista.

Prompt: Explain the Islam about the History of this artwork, The Flagellation of Christ (Cimabue).Please output in Italian.


section

Testa di fauno

Verso i tredici-quattordici anni Michelangelo, a bottega dal Ghirlandaio, iniziò a frequentare su suggerimento dell'amico Francesco Granacci il giardino di San Marco, luogo dove Lorenzo de' Medici aveva radunato una parte delle collezioni di famiglia di arte classica, sovvenzionando una scuola per giovani scultori sotto la sorveglianza di Bertoldo di Giovanni, anziano allievo e collaboratore diretto di Donatello.Sia le due edizioni delle Vite di Vasari , sia la biografia di Ascanio Condivi  riportano l'episodio della Testa di Fauno. Michelangelo aveva scolpito una copia da un frammento antico, una testa appunto di un vecchio fauno, che era desideroso di mostrare al Magnifico in visita al giardino. Lorenzo apprezzò il lavoro, ma per motteggiare bonariamente il ragazzo, lo criticò dicendogli che il suo lavoro non era verosimile, poiché i denti che si vedevano dalla bocca dischiusa erano troppo perfetti, come nessun vecchio ha. Allora il giovane, mentre il signore completava il giro del giardino, in tutta fretta scalfì via un dente del fauno e cavò la relativa gengiva col trapano come se fosse uscito con la radice, e mostrò il miglioramento appena Lorenzo passò sulla via di ritorno. Il Magnifico, colpito dalla prontezza e la bontà d'animo del ragazzo decise di ospitarlo con la sua famiglia, prendendolo sotto protezione a Palazzo Medici. statua era citata ancora da Benedetto Varchi nel 1564 , ma né lui né le altre fonti accennano alla collocazione dell'opera al loro tempo, testimoniando indirettamente come essa fosse già perduta. Il Giardino e il palazzo Medici vennero infatti saccheggiati nel 1494 dalla folla dopo la seconda cacciata dei Medici. Fomentata dalle prediche del Savonarola, non è escluso che essa abbia distrutto alcune opere d'arte ispirate al paganesimo greco-romano. scena del giovane Michelangelo che mostra la testa al Magnifico venne affrescata da Ottavio Vannini in palazzo Pitti, mentre il fanciullo che scolpisce la testa è oggetto di una statua ottocentesca di Cesare Zocchi, oggi a Casa Buonarroti e fatta oggetto di varie copie dalla bottega Romanelli.Esisteva una testa di fauno nelle collezioni del Museo del Bargello, identificata con la scultura michelangiolesca dal XVII secolo fino al 1860, quando ne venne posticipata la datazione al 1500-1600, se non più tardi. L'opera, dispersa nel 1944 e oggi nota solo da calchi in gesso, mostra alcuni dettagli riferibili al Quattrocento  e un forte uso del trapano nella capigliatura, che qualcuno ha messo in relazione con la pelle di pantera che si vede nel Bacco.

Prompt: How does Head of a Faun explain its History?Please output in Italian.

1494
1564
1944
Ascanio Condivi
Benedetto Varchi
Bertoldo di Giovanni
Casa Buonarroti
Cesare Zocchi
Donatello
Fauno
Francesco Granacci
Lorenzo de' Medici
Medici
Ottavio Vannini
Roma


section

Sacra Famiglia con i santi Elisabetta e Giovanni Battista

Prompt: Focus on The Madonna and Child with Saints Joseph, Elizabeth, and John the Baptist and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


section

Ritratto del Perugino

Prompt: In Portrait of Perugino, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Perugino
Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio


section

The Floating Piers

rete di pontili è stata aperta al pubblico il 18 giugno 2016 alla presenza di Christo, che l'ha inaugurata senza particolari cerimonie, come aveva espressamente desiderato. Il 20 giugno 2016, in una conferenza stampa tenutasi a Sale Marasino, l'artista ha dichiarato che l'opera sarebbe stata unica e non sarebbe stata replicata in nessun altro luogo del mondo, e si è detto contento che nei primi due giorni sia stata "calpestata" da oltre 100.000 visitatori.L'accesso era gratuito ma regolato, per evitare sovraffollamento.Il 23 giugno, qualche giorno dopo l'inaugurazione, si è deciso di terminare la fruizione notturna a causa della imprevista e gigantesca affluenza, con code chilometriche nei dintorni 24 ore su 24. Questo ha anche consentito la manutenzione necessaria, giorno per giorno, nonché il ripristino dei servizi di supporto correlati.L'ultimo giorno utile per visitare l'opera è stato il 3 luglio 2016.  mattina del giorno seguente è subito iniziata la rimozione delle strutture: i materiali con cui era stata realizzata l'opera sono stati riciclati e smaltiti in diversi siti europei. A tal proposito, Christo ha dichiarato: «Rimuoveremo ogni parte di The Floating Piers nel corso di tre mesi e lasceremo il lago d'Iseo come se non fossimo mai stati qui».Il totale dei visitatori è stato di circa 1,5 milioni di persone.

Prompt: Focus on The Floating Piers and explain the Enjoyment.Please output in Italian.


section

Flagellazione

flagellazione è un atto di punizione corporale .  flagellazione è eseguita su soggetti restii, come strumento di tortura o come pena corporale; tuttavia, la flagellazione è anche utilizzata in modo consenziente nell'ambito BDSM, o compiuta su sé stessi , durante pratiche religiose o sadomasochiste.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Flagellation of Christ (Cimabue).Please output in Italian.


section

Giuramento di Leone III

Il Giuramento di Leone III  è un affresco  di Raffaello e aiuti, databile al 1516-1517 e situato nella Stanza dell'Incendio di Borgo, una delle Stanze Vaticane.

Prompt: How does The Oath of Leo III explain its Abstract?Please output in Italian.


section

busto di Luigi XIV

sinistra copia del busto del Bernini realizzata in bronzo al centro della Place Royal a Malgrado l'atteggiamento generale della corte francese nei confronti di Bernini e dell'Italia dell'epoca, il busto di Luigi XIV, una volta finito, fu da subito un successo, come testimoniato dal gran numero di riproduzioni coeve che vennero commissionate. Un calco del busto venne realizzato già nel 1666; al 1669 ne erano già state ricavate altre sette sculture uguali in gesso.Si attesta di una prima versione bronzea trasferita in Québec che andò perduta: al suo posto, nella Place Royal, proprio di fronte alla chiesa di Notre-Dame-des-Victoires, ne è stata posta una copia. L'unica altra copia in bronzo è attualmente presente nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: In Bust of Louis XIV (Bernini), how is the Welcome discussed?Please output in Italian.


subsection

La grande onda di Kanagawa

Durante il periodo Edo  in Giappone vigeva una politica di isolazionismo  voluta dallo shogunato Tokugawa che inibiva qualsiasi contatto con l'esterno ad eccezione di pochi scambi commerciali con cinesi, coreani e olandesi. L'accordo con questi ultimi per il Paese asiatico costituiva l'unico accesso verso l'Occidente, ma garantiva comunque la possibilità di trarre beneficio da culture differenti, le quali finirono per avere un profondo effetto su molti aspetti della vita giapponese, comprese le arti. Nel campo della pittura erano molto apprezzati la precisione e il realismo caratteristici dello stile occidentale, che andarono a influenzare diversi artisti nipponici del tempo, tra i quali il più noto è Shiba Kōkan . Egli, a sua volta, fu fonte di grande ispirazione per Hokusai, il quale pubblicò nel 1797 , un'immagine con gli stessi elementi che compongono l'opera di Kōkan , pubblicata nel 1796. Entrambe le opere ricorrono alla tecnica europea dell'uso della prospettiva per tradurre sul foglio la profondità degli spazi, con i pescatori sulla spiaggia di Enoshima in primo piano e il Fuji sullo sfondo: in passato quest'ultimo era stato sempre raffigurato in primo piano dando risalto al suo significato religioso, ma nel periodo Edo si assistette per la prima volta a un'inversione di tendenza, determinata dall'influenza che la pittura europea stava avendo su quella giapponese in quegli anni.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the The importance of European style of the Description explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


section

Lucifero

Il personaggio di Lucifero ha ricevuto varie rappresentazioni in molte opere: Nella serie televisiva statunitense Lucifer, egli ricopre il ruolo di protagonista. Nella serie animata Hazbin Hotel, egli figura in un ruolo secondario come il padre amorevole della protagonista, Charlie Morningstar.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the In mass culture.Please output in Italian.


section

Ritratto di Andrea Navagero e Agostino Beazzano

L'identificazione di Andrea Navagero e Agostino Beazzano, scrittori veneti, non è certa, ma accettata quasi concordemente dalla critica. I due sono effigiati su sfondo scuro in posizioni complementari di tre quarti, uno di schiena con la testa ruotata, l'altro frontale. Entrambi rivolgono lo sguardo allo spettatore ed hanno un braccio poggiato su un parapetto, che coincide pressappoco col bordo inferiore del dipinto.  tipologia del doppio ritratto è insolita ma non rara per l'epoca, ed ebbe ulteriori sviluppi in seguito.I due sono abbigliati alla moda, con abiti scuri di materiali diversi, uno lanoso e uno di velluto o seta, che permisero all'autore di dedicarsi a un diverso modo di rifrazione della luce. Intensa è l'individuazione fisica: uno ha la barba e gli occhi scavati dall'età, sulla cinquantina, l'altro è leggermente più pingue con un caschetto, occhi sporgenti e mento aguzzo con fossetta e un accenno di doppio mento.

Prompt: In Portrait of Andrea Navagero and Agostino Beazzano, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Leone che attacca un dromedario

Il gruppo nel 2018, dopo il restauro.Leone che attacca un dromedario  è un diorama orientalista del tassidermista francese Édouard Verreaux, facente parte della collezione del museo di storia naturale Carnegie. Il soggetto è una scena fittizia che ritrae un uomo su un dromedario che prova a difendersi dall'attacco di un leone berbero.Il diorarama venne creato per l'esposizione universale di Parigi del 1867 e in seguito venne esposto al museo americano di storia naturale, all'esposizione centennale di Filadelfia e al museo Carnegie: il diorama venne acquistato da quest'ultimo nel 1898 e da quel momento fa parte delle sue collezioni. Nel 2016, durante un restauro, è stato scoperto un cranio umano all'interno dell'opera. Nel 2020, il diorama venne rimosso temporaneamente in risposta alle proteste del movimento Black Lives Matter, per poi essere reinstallato alla fine dell'anno.Dagli anni Novanta del diciannovesimo secolo, il Leone che attacca un Dromedario venne criticato per il suo sensazionalismo e la mancanza di accuratezza.  figura maschile, definita un arabo dal Verreaux, è un'unione immaginaria di cinque culture nordafricane. Nonostante le critiche, il diorama è considerato il capolavoro di Verreaux.

Prompt: Focus on Lion Attacking a Dromedary and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


section

Visitazione con sant'Anna

Il dipinto mostra la Visitazione, cioè l'incontro tra Maria e sant'Elisabetta, in cui quest'ultima pronunciò la famosa invocazione dell'Ave Maria. A sinistra assiste alla scena in primo piano sant'Anna, individuabile dal nome impresso a lettere dorate sull'aureola.  scena è ambientata in un paesaggio lacustre che schiarisce dolcemente verso l'orizzonte, dove avvengono due scene secondarie già menzionate: san Francesco d'Assisi che, affiancato dal fedele fra Leone, riceve le stimmate da un'apparizione celeste di Gesù, e il giovane Giovanni Battista, protettore di Firenze, che si avvia alla sua vita da eremita nel deserto.Tipico di questa fase del Perugino è il panneggio curato con l'"effetto bagnato" ispirato dal Verrocchio, dove si nota un'assenza di schematismo che presuppone il disegno di un maestro talentuoso. Tale effetto si ritrova anche in un'altra tavoletta di predella dell'epoca attribuita al Perugino, la Natività della Vergine a Liverpool.

Prompt: How does Visitation (Perugino) explain its Description and style?Please output in Italian.

Ave Maria
Firenze
Giovanni Battista
Liverpool
Perugino


subsection

Bambini dell'Olocausto

mortalità fu elevatissima anche tra le migliaia e migliaia di bambini soggetti alle politiche di pulizia etnica: bambini polacchi nei territori della Polonia annessi alla Germania ed inviati ad Auschwitz; bambini serbi nel campo di concentramento di Jasenovac in Croazia; bambini slavi nei campi di concentramento italiani di Arbe e Gonars.In Polonia e in Croazia si crearono anche speciali campi di concentramento riservati esclusivamente a bambini, orfani o sottratti alle loro famiglie. Il regime di vita in questi campi fu durissimo e numerose furono le vittime. In Polonia migliaia di bambini polacchi non-ebrei furono rinchiusi nel campo di concentramento di Potulice o nel campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź  e sottoposti a lavoro coatto o a programmi di germanizzazione. In Croazia stessa sorte fu riservata a migliaia di bambini serbi nel campo di concentramento per bambini di Sisak  e in quello di Jastrebarsko.Bambini di varia nazionalità morirono nei campi di concentramento dopo esservi stati deportati con le loro famiglie come "politici" o furono oggetto privilegiato di rappresaglie e stragi. Il caso più famoso è quello dei bambini del villaggio di Lidice in Cecoslovacchia, raso al suolo nel giugno 1942 come rappresaglia per l'uccisione del governatore nazista Reinhard Heydrich ad opera della resistenza. I 105 bambini del villaggio furono deportati nel ghetto di Łódź. 23 di loro furono selezionati per essere dati in adozione a famiglie "ariane" tedesche nell'ambito del Progetto Lebensborn. I rimanenti 82 furono assassinati nel campo di sterminio di Chełmno. Anche in Italia numerosi bambini furono uccisi in stragi e rappresaglie, da Marzabotto a Stazzema. Tra le vittime dell'eccidio delle Fosse Ardeatine vi furono anche due quindicenni: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli .

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Ethnic cleansing, reprisals, concentration camps for children of the Inappropriate for children explained?Please output in Italian.

Cecoslovacchia
Duilio Cibei
Germania
Italia
Lidice
Michele Di Veroli


subsection

Castrovalva

Chiesa della Madonna della Neve , la chiesa di Santa Maria delle Grazie, la chiesa di San Michele Arcangelo (del XII secolo.;Chiesa della Madonna delle Grazie: è sede della parrocchia di Castrovalva, fu eretta sopra l'antica cappella di , già citata da Clemente III nel 1188. L'edificio sacro ha un aspetto rinascimentale, con facciata semplice, in cui unico elemento decorativo è il portale con cornice modanata in tardo stile romanico, al centro dell'architrave, sostenuto da mensole a volute, due angioletti reggono uno scudo a forma di muso di cavallo, con giglio, stemma della famiglia Belprato. Il fregio soprastante è ornato da una testina di putto affiancata da tralci vegetali, e concluso da una cornice a mensola su cui poggia il piccolo archivolto.  lunetta è affrescata, anche se il disegno è lacunoso, ed è ritratto Cristo benedicente.  chiesa ha navata unica, sulle pareti laterali sono poste delle nicchie come altarini, uno dei quali accoglie la statua policroma di Santa Lucia del XX secolo, che secondo i locali, mostra gli occhi ai fedeli in qualunque punto la si guardi, e sorregge una palma e gli occhi del martirio. Nell'altra nicchia è collocata una scultura della Madonna col Bambino del XVI secolo, in stucco e stoffa su base lignea.  Vergine è rappresentata seduta e tiene il Bambino con il braccio sinistro, la veste di color rosso e manto azzurro sono punteggiati da stelle dorate. L'altare maggiore è contornato da due ovali dipinti con raffigurazioni della Santa Vergine col Bambino e San Giuseppe sposo con Gesù Bambino, entrambi del XVIII secolo. Il paliotto d'altare del 1729 da De Mancino ha una decorazione in stucco di polvere di marmo colorato, che riproduce un effetto a intarsio, sopra l'altare c'è il tabernacolo ligneo dorato del XVII secolo con la Deposizione di Cristo.;Chiesa di Santa Maria ad Nives: sorge nella piazza principale di Castrovalva. Risalirebbe al Medioevo, ma fu ricostruita nel XVI secolo; la facciata ha coronamento curvilineo barocco, doppiamente inflesso, al centro il portale liscio architravato è coronato da un affresco rinascimentale della Madonna col Bambino entro cornice trapezoidale, dai fianchi concavi e profilo superiore convesso, sormontato da una modanatura. Nella parte alta del fronte c'è un orologio centrale, ai lati due specchiature ellittiche con figure di santi su fondo azzurro. L'interno settecentesco è a tre navate, scandite da pilastri in finto marmo venato, che sostengono archi a tutto sesto.  navata centrale ha volte a crociera, mentre una piccola volta a botte precede la cupole emisferica su pennacchi che sovrasta il presbiterio. Alle pareti laterali sono addossati altari in stucco, nella navata destra è presente una tela del Settecento opera ex voto, ridipinta nel 1924 da Alfredo Gentile, con Apparizione della Madonna dell'Incoronata di Foggia ad un pastore. Tale devozione è legata al fenomeno abruzzese della transumanza, e la devozione si estende anche a San Michele, dato che i tratturi transitano anche per Monte Sant'Angelo. In segno di tale fedeltà, nel XVIII secolo è stata realizzata una statua del santo Michele, conservata nella sagrestia, proveniente dalla piccola cappella di San Michele di Castrovalva.  statua è molto ben realizzata, con ricchi particolari, mostrante il santo con la spada che sconfigge il demonio e con la bilancia per pesare le anime.;Chiesetta di San Michele: sorge appena fuori Castrovalva, dedicata al patrono, presso Monte Sant'Angelo.  costruzione attuale è sovrapposta a quella originale del XII secolo, nota come Sancti Angeli in Castro. Le uniche tracce medievali sono visibili nell'ossario della cripta, prima del restauro corposo del XVI-XVII secolo.  cappella antica era a navata unica, con abside semicircolare scavata nella roccia della grotta rupestre dedicata al santo, presbiterio rialzato rivolto verso la torre di guardia di Castrovalva, già citata nel 1079.  struttura attuale ottocentesca ha mantenuto la pianta a sala, scandita da una sequenza di tre archi a tutto sesto all'interno che sostengono la copertura a spioventi. Lungo i muri perimetrali corre un sedile in pietra, interrotto dai pilastri delle arcate. In fondo l'alttare maggiore è sormontato da un'edicola con la statua in gesso di San Michele, del XX secolo, perché quella originale del XVIII secolo è custodita nella sacrestia della chiesa parrocchia di Santa Maria delle Grazie.

Prompt: Explain the Churches about the History of this artwork, Castrovalva (M. C. Escher).Please output in Italian.

1079
XVI secolo
Cristo
Madonna col Bambino
Monte Sant'Angelo
Santa Lucia
XVII secolo
XII secolo
XVIII secolo
XVII secolo
XVI secolo
XX secolo


section

Cristo di San Giovanni della Croce

Il quadro e i suoi diritti di proprietà intellettuale furono acquisiti dal consiglio di Glasgow nel 1952 grazie a Tom Honeyman, l'allora direttore dei musei di Glasgow, in Scozia. Honeyman comprò il dipinto per 8200 lire sterline, un prezzo alto per l'epoca, che includeva i suoi diritti d'autore, che hanno restituito al museo di Glasgow il suo prezzo moltiplicato per varie volte. Ciononostante, la controversia fece sì che Honeyman e Salvador Dalí divenissero amici, scrivendosi per anni dopo l'acquisto. tela venne esposta per la prima volta al museo Kelvingrove il 23 giugno del 1952. Nel 1961, un visitatore lanciò una pietra contro il dipinto e lacerò la tela con le sue mani. L'opera venne restaurata con successo sei mesi dopo dai conservatori del museo e si poté essere riesposta al pubblico. Nel 1993, il quadro fu trasferito al museo d'arte e della vita religiosa di San Mungo, anche se tornò al museo Kelvingrove prima della sua riapertura nel luglio del 2006. mentre due anni dopo venne esposto nella chiesa di San Marcello al Corso, a Roma, assieme al disegno del santo carmelitano che lo ispirò.

Prompt: Explain the History of this artwork, Christ of Saint John of the Cross.Please output in Italian.

Salvador Dalí
Glasgow
Roma
Salvador Dalí
Scozia
Tom Honeyman