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amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Buddhism and the Psychology.Please output in Italian.


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Venere e Adone

Venere e Adone  è un poema narrativo di William Shakespeare, pubblicato nel 1593. Probabilmente la sua prima pubblicazione è strutturata in 1194 versi ed è dedicata a Henry Wriothesly.Il poema racconta la storia di Venere, la dea dell'Amore, del suo amore non corrisposto, dei suoi tentativi di seduzione di Adone, un giovanissimo e affascinante uomo, che preferirebbe andare a caccia. Il poema è pastorale, con inserti erotici, comici e tragici. E contiene discorsi sulla natura dell'amore, oltre che osservazioni sulla natura. Composto in stanze di sestine in pentamentro giambico, con rime ABABCC. Sebbene questa forma di versi fosse conosciuta ben prima dell'uso fattone da Shakespeare, oggi è comunemente inteso come la stanza di Venere e Adone, dopo quest'opera. Tale forma fu usata pure da Edmund Spenser e Thomas Lodge. Il poema consta di 199 stanze o 1.194 righe.Il tema, che proviene dal decimo libro delle Metamorfosi di Ovidio, è sviluppato da Shakespeare in maniera originale, introducendo ad esempio il rifiuto delle profferte amorose di Venere da parte di Adone.Erwin Panofsky ha ipotizzato che Shakespeare possa essersi ispirato all'omonimo dipinto di Tiziano Vecellio, nel quale è possibile scorgere la contrarietà di Adone all'abbraccio della dea.Il poema è centrato sui due personaggi, e si svolge in uno stesso luogo, nel tempo che intercorre tra l'alba e il tramonto dello stesso giorno.

Prompt: Focus on Venus and Adonis (Poussin) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1593
Edmund Spenser
Erwin Panofsky
Thomas Lodge
Tiziano Vecellio
William Shakespeare


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna col Bambino tra santa Caterina d'Alessandria e una santa è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1493 e conservata nel Kunsthistorisches Museum a Vienna.

Prompt: In Madonna and Child with Two Saints (Perugino), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1493
Kunsthistorisches Museum
Perugino
Vienna


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Caino e Abele

Per aver ucciso il fratello, Caino è stato condannato da Dio a viaggiare sulla terra per sempre, in maniera molto simile alle più recenti leggende dell'Olandese volante e dell'Ebreo errante.Il tema del Caino viandante è apparso anche nel folclore mormone, nel quale viene narrato che uno dei primi leader mormoni, David W. Patten, incontrò nel Tennessee un uomo alto, dai lunghi capelli e di pelle scura, che diceva di essere Caino. Il racconto narra che Caino aveva ardentemente desiderato di morire, ma gli era stato negato questo suo desiderio, e che il suo scopo è quello di distruggere le anime degli uomini.Nel Libro dei Giubilei è scritto che Caino si stabilì, sposò sua sorella Awan e generò un figlio, Enoch , approssimativamente 196 anni dopo la creazione di Adamo. Caino fondò una prima città, e la chiamò Enoch, come suo figlio, costruì una casa e visse lì, finché la casa non gli crollò addosso e morì nello stesso anno della morte di Adamo.Una leggenda medievale narra che Caino viaggiò fino ad arrivare alla Luna e si stabilì lì con una fascina di spine sulla schiena. Questa storia ebbe origine grazie alla fantasia popolare riguardo alle ombre sulla faccia della luna . Un riferimento a questa credenza lo si può trovare nella Divina Commedia  dove l'espressione "Caino e gli stecchi" viene usata come sinonimo di "luna". A questa credenza è probabilmente legata la filastrocca infantile che così viene recitata :

Prompt: In Cain and Abel (Tintoretto), how is the The wanderer of the Cain. explained?Please output in Italian.

Adamo
Caino
David W. Patten
Dio
Divina Commedia
Ebreo errante
Libro dei Giubilei
Luna
Tennessee


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Unione di Lublino

firma del trattato rappresentò il frutto di una lunga discussione che vide in primo piano i magnati lituani, spaventati dalla prospettiva di perdere gran parte del loro potere. Secondo i piani, infatti, l'Unione avrebbe equiparato di fronte alla legge il loro status e quello della bassa nobiltà, di gran lunga più numerosa, ma la contingenza storica non consentiva alla Lituania grandi spazi di manovra: la minaccia di una sconfitta totale contro la Russia nella guerra di Livonia e la conseguente prospettiva dell'incorporazione nello stato moscovita si faceva sempre più concreta. Da parte sua, la Polonia non era disposta ad offrire aiuto ai lituani senza poter chiedere nulla in cambio. Il re di Polonia Sigismondo II Augusto, con il sostegno della nobiltà , cominciò a premere a favore dell'unione.

Prompt: Explain the Backgrounds about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Union of Lublin (painting).Please output in Italian.


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Ritratto della duchessa de Alba in nero

Il Ritratto della duchessa de Alba in nero è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1797 dal pittore spagnolo Francisco Goya. È conservato nell'Hispanic Society of America di New York. donna raffigurata è la duchessa de Alba rimasta vedova del marito don José Alvarez de Toledo, marchese di Villafranca. Indossa un vestito nero da maja e indica imperiosamente una scritta sulla sabbia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Black Duchess.Please output in Italian.

1797
Francisco Goya
Francisco Goya
Ritratto della duchessa de Alba
New York


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Volta della Cappella Sistina

I venti Ignudi contornano i riquadri minori delle Storie.  loro posizione di risalto, benché contenuta nella struttura architettonica dipinta, travalica il semplice ruolo di figure decorative, tanto più la funzione araldica segnalata da Vasari . Essi piuttosto appaiono come figure angeliche, nell'accezione di figure intermedie "tra gli uomini e la divinità" .

Prompt: Explain the Nudes about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Il dipinto raffigura il francescano Luca Pacioli, matematico e teologo, amico di Piero della Francesca e di Leonardo da Vinci, all'età di circa cinquant'anni. Il frate è raffigurato mentre dimostra l’ottava proposizione dal libro XIII degli Elementi di Euclide a un discepolo, vestito secondo la moda aristocratica del tempo. Con la mano destra esegue dei disegni geometrici mediante una virgula su di una lavagna che riporta la scritta EVCLIDES, mentre con la sinistra segue le formule riportate nel libro aperto. Sta quindi facendo lezione sulla costruzione dei cinque poliedri regolari. Indossa l'abito francescano color cenere azzurra, stretto in vita dal cingolo. Il giovane allievo è raffigurato di tre quarti, il volto racchiuso nella frangia con lo sguardo diretto all'osservatore. Ha un portamento elegante ed indossa una camicia rossa con sbuffi, coperta da un mantello dalle ampie maniche da cui traspare la fodera in pelliccia di lupo cerviero.Entrambi si pongono di fronte ad un tavolo coperto da un tappeto verde dove sono disposti vari strumenti della professione di insegnante: libri, lavagna, gesso e spugna, un goniometro e un calamaio con calamo e relativo astuccio e un compasso. Sulla tavola compare un cartellino con la scritta IACO.BAR.VIGEN/NIS. P. 149 e una mosca che si posa sopra l'ultima cifra della data. Sul tavolo vi è anche una copia della sua opera più celebre , e un dodecaedro di legno. Un rombicubottaedro  di vetro contenente acqua è sul lato sinistro della tela, sospeso a una cordicella. Nel solido appeso si specchia una finestra aperta che si apre su di un lembo di cielo azzurro e dei fabbricati, dando la percezione di un centro urbano.Riferimenti storici e contenutistici - a cominciare dalla raffigurazione nel quadro del solido archimedeo noto come rombicubottaedro - rinviano alla coeva collaborazione tra Leonardo e Pacioli nella redazione del "De Divina Proportione" dal 1496.Il disegno preparatorio, rilevato dalle indagini radiografiche, presenta una grande diversità rispetto alla sua esecuzione, come molta diversità è rilevabile nella stesura pittorica dei due soggetti.  definizione di ventenne nel cartiglio è importante, perché a quel tempo l'autonomia si raggiungeva solo nel venticinquesimo anno di età, e trovare un artista emancipato in età tanto giovane che firmi un'opera di rilevante valore è un fatto che richiama l'attenzione.

Prompt: How does Portrait of Luca Pacioli explain its Description?Please output in Italian.

Leonardo da Vinci
Luca Pacioli
Piero della Francesca


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San Girolamo

De viris illustribus De Virginitate Beatae Mariae. Adversus Helvidium Ordine di San Girolamo Scripturae sacrae affectus

Prompt: How does Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Giovane introdotto tra le Arti Liberali

Venere e le tre Grazie offrono doni a una giovane

Prompt: Focus on A Young Man Being Introduced to the Seven Liberal Arts and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Il progetto iniziale prevedeva la rappresentazione dei Dodici Apostoli sui "peducci" della volta , mentre nel campo centrale partimenti con decorazioni geometriche, e ne rimangono due disegni preparatori, uno al British Museum e uno a Detroit: il primo mostra i dodici apostoli in troni entro nicchie sui peducci dove poi vennero affrescati i Veggenti; il secondo mostra uno studio per le nicchie, che erano collegate attraverso la volta da un sistema di elementi decorativi  che simulavano degli arconi trasversali; tra questi ultimi si trovavano vasti rettangoli con cornici ottagonali.Insoddisfatto , l'artista ottenne di poter ampliare il programma iconografico, a proprio piacimento, raccontando la storia dell'umanità "ante legem" e ponendosi così in continuazione coi soggetti degli affreschi alle pareti.Il complesso progetto iconografico venne sicuramente elaborato con la collaborazione, oltre che del committente, dei consiglieri e teologi della corte papale, tra cui forse il cardinale e teologo francescano Marco Vigerio e il coltissimo vicario generale degli Agostiniani Egidio da Viterbo. Si trattava di un'elaborazione del primo schema, con l'accentuarsi del motivo degli arconi e un maggiore spazio riservato ai riquadri da essi scanditi , in cui vennero poi collocate le Storie. Al posto degli statici putti reggi-targa vennero poi sviluppati i più dinamici "Ignudi". Ciò rese una perfetta unità strutturale e una nitida articolazione delle parti, grazie sia alle architetture dipinte sia ai rapporti dimensionali, gestuali e ritmici tra le figure, soprattutto quelle non coinvolte nelle scene narrative .

Prompt: Explain the Definition of the subject about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.

British Museum
Detroit
Egidio da Viterbo
Ignudi


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Pioggia, vapore e velocità

Pioggia, vapore e velocità è un dipinto a olio su tela  del pittore inglese William Turner, realizzato nel 1844 e conservato alla National Gallery di Londra.

Prompt: In Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Augusto di Prima Porta

Generalmente si ritiene che la statua sia databile agli anni successivi la restituzione delle insegne romane da parte dei Parti nel 20 a.C. Questa data è certamente un terminus post quem. Alcuni credono però che la statua sia stata concepita verso l'8 a.C., al termine delle campagne di pacificazione delle province di Tiberio. datazione della statua è stata oggetto di studi approfonditi e di dibattiti. È possibile che quella conservatasi sia in realtà la copia di un originale in bronzo dedicata all'imperatore dal Senato nell'anno 20 e posizionata in pubblica piazza, il cui autore potrebbe essere stato uno scultore greco. Alcuni storici e critici ritengono che Tiberio, figlio adottivo di Augusto, abbia regalato la statua in marmo alla madre Livia dopo la morte del patrigno. Si spiegherebbe così il ritrovamento di una statua con significati tanto propagandistici e che certamente dovevano destinarsi a un pubblico vasto all'interno di una casa privata come era la villa di Livia. E si spiegherebbe così la scelta delle raffigurazioni sull'armatura: la restituzione delle insegne romane perse nella campagna partica di Crasso e le conquiste occidentali. In entrambi questi successi molto merito ebbe, appunto, Tiberio che con questo dono si faceva garante e naturale prosecutore della politica augustea. D'altronde è stato anche notato che la statua poteva essere un dono fatto dallo stesso Augusto alla moglie Livia e in questo senso la statua verrebbe a essere interpretata come un manifesto in sostegno di Tiberio, del quale si celebrano le imprese sia in oriente sia in occidente.Nel 1933 ne fu tratta una replica bronzea, priva dell'erote, per porla in via dei Fori Imperiali, a Roma, di fronte al Foro di Augusto.

Prompt: How does Augustus of Prima Porta explain its History?Please output in Italian.

8 a.C.
Augusto
Foro di Augusto
Roma
Tiberio


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The influence of photography and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

Marco Carminati, Il polittico Averoldi visto da vicino, Il sole 24 ore, 29 maggio 2022.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna del Granduca

Madonna del Granduca è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello, databile al 1504 circa e conservato nella Galleria Palatina a Firenze.

Prompt: Focus on Madonna del Granduca and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Angelo reggicandelabro

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Angel (Michelangelo).Please output in Italian.


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Filosofo tiene una lezione sul planetario

Il primo dei capolavori di Wright illuminati a lume di candela, Tre persone guardano il Gladiatore a lume di candela, fu dipinto nel 1765 e mostra tre uomini che studiano una piccola copia del Gladiatore Borghese. Se questo quadro fu molto ammirato, quello successivo, cioè “Il Planetario”, suscitò un notevole scalpore dal momento che il centro dell'immagine non era più uno soggetto classico, bensì un esperimento scientifico. Questa raffigurazione operata da Wright del timore prodotto da un “miracolo” scientifico ha segnato una rottura con la tradizione precedente dove tutte le rappresentazioni artistiche della meraviglia negli astanti era riservata ad eventi religiosi : per Wright invece, inserito nel proprio secolo, le meraviglie del mondo tecnologico sono i fenomeni che ispirano quella stessa meraviglia che prima era confinata nella grande pittura di soggetto religioso . In entrambi questi primi due lavori di Wright l'impostazione a lume di candela aveva una giustificazione realista. Osservare una scultura a lume di candela, così da vedere bene il trattamento materico dell'opera, e magari percepire una sorta di movimento grazie alla luce tremolante, era una pratica di moda descritta da Goethe . Se ne “Il planetario” le ombre gettate dalla lampada che rappresenta il sole sono una parte essenziale della lezione che si svolge, ne “ pompa ad aria” invece non c'è nessun motivo, se non quello di accrescere l'aura di drammaticità, nel mettere in scena l'esperimento a lume di candela. Tant'è che in due dipinti più tardi di soggetto ad opera di Charles-Amédée-Philippe van Loo l'illuminazione è normale .Il dipinto fa parte di quella serie di opere britanniche che hanno sconvolto la rigida gerarchia dei generi di matrice francese che dominava la cultura del tardo XVIII secolo, arrivando ad essere considerati con la stessa importanza di soggetti a tema classico o mitologico. Per certi aspetti i soggetti de “Il Planetario” e de “ pompa ad aria” assomigliano a quadri detti conversation piece, una forma di rappresentazione che andava di gran voga tra l'emergente classe media, e che ben presto avrebbe acquistato un nuovo e più prestigioso status quando Johan Joseph Zoffany iniziò a dipingere la famiglia reale verso il 1766. In ogni caso, tenuto conto dell'atmosfera solenne e del fatto che nessuna delle figure sono destinate a essere considerate come veri e propri ritratti , i dipinti non possono essere considerate come quadri di conversazione . Lo storico dell'arte del XX secolo Ellis Waterhouse pone a confronto queste due opere con il "genre serieux" della drammaturgia francese di quel secolo, come plasmato da Denis Diderot e Beaumarchais; questa visione è stata condivisa da Egerton .Un anonimo commentatore di quel tempo definì Wright "un genio molto grande e non comune in un modo particolare."  Il quadro venne dipinto senza una commissione particolare, probabilmente nella speranza che venisse poi acquistato da Washington Shirley V conte Ferrers, un astronomo dilettante che aveva un proprio planetario e stretta frequentazione in Derbyshire dell'amico di Wright, Peter Perez Burdett. Per questo motivo si pensa che le persone ritratte siano proprio Burdett e Ferrers, il primo immortalato mentre prende appunti ed il conte seduto con il figlio accanto al planetario  . Ferrers acquistò il dipinto per 210 sterline, ma il sesto conte lo mise all'asta, ed è ora è proprietà del Derby Museum and Art Gallery , dove è in esposizione permanente, e vicino a una replica di lavoro di un full-sized meccanico Grand Orrery.Un biografo di Wright, Benedict Nicolson, ha sostenuto nel 1968 che John Whitehurst fu preso a  modello per il docente , mentre un altro commentatore vi trova una notevole somiglianza con "un dipinto di Isaac Newton di Godfrey Kneller" .

Prompt: Focus on A Philosopher Lecturing on the Orrery and explain the History and description.Please output in Italian.

1765
Charles-Amédée-Philippe van Loo
Denis Diderot
Derby Museum and Art Gallery
Derbyshire
Ellis Waterhouse
Gladiatore Borghese
Godfrey Kneller
Isaac Newton
John Whitehurst
Peter Perez Burdett
Planetario


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Pala di Nailloux

Pala di Nailloux , dedicata alla Passione di Cristo, è un gruppo di cinque pannelli di alabastro scolpiti in altorilievo che adornano una cappella della chiesa San Martino di Nailloux.Questa pala d'altare è un "alabastro di Nottingham" probabilmente scolpito nella seconda metà del XV secolo in un'officina dei Midlands. Il termine "alabastro inglese" o "di Nottingham" si riferisce a un tipo di scultura di produzione industriale che si è sviluppato dal XIV secolo fino agli inizi del XVI secolo nel centro dell'Inghilterra, regione ricca in carriere di alabastro.  maggiore parte delle sculture prodotte erano abbastanza piccole per esser commercializzate in Inghilterra ed esportate, soprattutto verso Bretagna, Normandia e il Sud Ovest della Francia.Anche se è attualmente impossibile riconoscere il committente all'origine dell'arrivo di quest'opera straniera a Nailloux, è interessante notare che l'opera stessa è contemporanea di un periodo di sviluppo economico maggiore per la regione: l'età d'oro della cultura del guado nel uragais.Da una lunghezza totale di 1,46 m, la pala è composta da quattro pannelli laterali di 43 x 25 cm e da un pannello centrale di 50 x 25 cm. Passione di Cristo è stato un tema favorito per le pale d'altare medievali perché associa il ricordo del sacrificio di Cristo con l'eucaristia. Nella pala di Nailloux sono rappresentati, da sinistra a destra: l'Arresto, la Flagellazione, la Crocifissione , la Deposizione e la Risurrezione di Cristo. chiesa del paese vicino di Montgeard ospita anche quattro pannelli di un polittico smembrato in alabastro Nottingham .  presenza di tali opere della stessa origine straniera in due chiese così vicine non è stata spiegata finora. pala di Nailloux è classificato "monument historique" nella categoria oggetto nel 1914. Dopo il restauro della chiesa completato nel 2011, la pala d'altare è stata restaurata nel 2013 dopo una sottoscrizione della Fondation du Patrimoine.

Prompt: How does Nailloux Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.

1914
2011
2013
Bretagna
Francia
Inghilterra
Midlands
Montgeard
Nailloux
Normandia
XIV secolo
XVI secolo
XV secolo


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Adorazione dei Magi

LAdorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo  nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene  e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere.  storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

Prompt: In Adoration of the Magi (Lorenzo Monaco), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Mercurio (Duquesnoy)

Mercurio è raffigurato in posizione eretta, mentre poggia la sua mano destra sul ceppo di un albero mentre piega graziosamente il suo corpo verso destra. Il ginocchio destro è piegato verso sinistra in un'elegante posa. Mercurio si volge all'indietro a guardare un putto intento a legare le ali ai piedi del dio; l'originale amorino è andato successivamente perduto.Mercurio rappresenta la visione e l'interpretazione della pregevole scultura greca del Fiammingo. Tra i tratti caratteristici del Duquesnoy si riscontrano la magrezza tonica e la lunghezza apparentemente manieristica degli arti: ambedue sono visibili nell'opera.

Prompt: Focus on Mercury (Duquesnoy) and explain the Description.Please output in Italian.


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Leonida alle Termopili

L'opera riprende tutti i dettagli descritti nel Viaggio d'Anacaride dell'abate Barthélemy; Leonida è rappresentato in una medaglia antica.  composizione simmetrica mette in rilievo una certa teatralità tra i tre gruppi di personaggi, che si riuniscono nella figura centrale del capo; le espressioni ed i movimenti  rafforzano l'idea della "messa in scena".David realizzò diversi schizzi, secondo i quali Leonida all'inizio doveva essere rappresentato di tre quarti, coi gruppi ancora più confusi tra loro, con il retro composto prevalentemente da rocce; nel 1813, realizzò una serie di disegni a pastello nero, per giungere infine alla versione definitiva con alcune modifiche: l'albero a destra venne rappresentato con meno foglie del previsto per dare spazio all'idea della carovana in fuga sul retro della scena.  composizione riprendeva inoltre la forma di un fregio all'antica, in orizzontale.Seguendo questo schema dell'opera, i personaggi sono rappresentati come statue, in particolare Leonida. Il re spartano è rappresentato al centro senza passione, senza movimenti, in attesa statica della morte; egli corrisponde semplicemente all'ideale dell'eroe greco e del nudo virile . Il tratto è raffinato ed i colori sono raffinati per dare rilevanza ai personaggi, mentre sono più sfumati per le decorazioni. Il contrasto viene rafforzato dalla luce che rischiara i personaggi. I contrasti, le rocce a destra ed a sinistra, come le lance e le corone di alloro danno un valore danno l'idea della preparazione della guerra.

Prompt: In the context of Leonidas at Thermopylae, explain the Neoclassicism and the Answer..Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Il paese Le Grazie prende il nome da colei che è la prima cittadina: la Madonna. Questa pagina è l'espressione della riconoscenza più viva del dono della fede e dell'amore che il Signore ci offre ogni giorno attraverso l'intercessione della Madonna delle Grazie.;Arte e storia del Santuario[...]"Nel 1432 il papa Eugenio IV concesse alla Congregazione di Monte Oliveto, presente in Liguria dal 1388, l'abbazia benedettina del Tino, priva ormai di monaci; nella stessa occasione agli olivetani fu assegnato un heremitorium cum eius ecclesia sine cura posto nel territorio di Portovenere ed intitolato alla Vergine delle Grazie"[...].; storia data 1424 che assieme alla firma ANDREAS DE ASTE si legge nel bordo inferiore della Madonna col Bambino di Quarto, sita nel Santuario della Madonna della castagna a Quarto , non può costituire un "utile punto di riferimento", almeno fino a quando non sarà stato provato che la scritta in questione, palesemente non originale, è tuttavia veridica. Il che, del resto, è verosimile se non altro perché alla mano dello stesso pittore si può oggi attribuire con certezza un dipinto per il quale esiste un ante quem sicuro.Ci riferiamo proprio alla tavola della Madonna delle Grazie, di cui è ragionevole ipotizzare, per le ragioni esposte nell'introduzione, la presenza nella piccola ecclesia sine cura menzionata nella bolla papale del 1432.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Le Grazie, Portovenere - La Spezia of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Aerostato

Un pallone aerostatico è la più semplice di tutte le macchine volanti. Quando il tessuto che forma il pallone viene riempito di gas leggero o di aria calda, il pallone stesso risulta più leggero dell'atmosfera che lo circonda e pertanto la spinta di Archimede, diretta verso l'alto ed uguale al peso del volume d'aria spostato dal pallone, è maggiore del peso del pallone riempito di gas.Al pallone è fissato un cesto, all'interno del quale trova posto il carico utile .

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Why does a hot air balloon fly discussed?Please output in Italian.


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Cristo de La Laguna

upright=1.6Il Cristo de  guna è una statua di Cristo crocifisso collocata nel Real Santuario del Santísimo Cristo de  guna, nella città di San Cristóbal de  guna . È l'immagine più venerata di Cristo nelle Isole Canarie. Egli è considerato come una delle immagini di maggior valore artistico in Spagna e uno dei migliori crocifissi europei in termini di qualità artistica.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cristo de La Laguna.Please output in Italian.


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Gonfalone della Giustizia

Il gonfalone, usato durante le processioni pubbliche, venne dipinto nel periodo di massima popolarità dell'artista, dopo i successi del ciclo della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio, quando teneva bottega contemporaneamente sia a Firenze che a Perugia.L'opera mostra la Madonna in gloria tra angeli, cherubini e serafini al di sopra dei santi Francesco d'Assisi e Bernardino da Siena, con sullo sfondo una veduta di Perugia e dei suoi concittadini inginocchiati, tra cui si riconoscono una serie di confratelli incappucciati facenti parte della confraternita della Giustizia a cui era originariamente destinato il gonfalone. Sebbene si tratti di un'opera di grande finezza compositiva e cromatica, lo schema è un accostamento di disegni di repertorio.  Madonna col Bambino ad esempio è una riproposizione di quella della Pala di Fano, mentre i due angeli oranti simmetrici si ritrovano in numerose opere di quegli anni, come la Resurrezione di San Francesco al Prato, la Madonna in gloria e santi di Bologna, la Madonna della Consolazione, ecc.).

Prompt: In Gonfalon of Justice, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Eleonora d'Aragona

David Alberto Murolo; Storie della Vrana: destini incrociati tra arte e guerra: Luciano e Francesco urana, Giovanni Vrana, Yusuf Maskovic, REMEL, Ancona, 2016 - Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Eleanor of Aragon.Please output in Italian.


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Allegoria dell'Umana Fragilità

L'opera è ricca di dettagli, molti di essi nascosti o difficili da individuare in una prima occhiata.Seduta ed illuminata sul lato destro della composizione è rappresentata una donna dall'aspetto stanco con una corona di rose che le cinge la testa, creduta per questo da molti critici essere Lucrezia, l'amante di Rosa  e madre del piccolo Rosalvo, morto a causa dell'epidemia e per questo nel quadro catturato dall'allegoria della morte, che lo afferra per il polso. Le stesse iniziali di Salvator Rosa appaiono ina una delle lame dei coltelli gettati per terra, anch'essi un simbolo di morte improvvisa.Sono presenti diverse frasi latine: nello sfondo scuro dell'opera il grande scheletro alato della morte emerge e, attraverso la mano del bambino, scrive nella pergamena: Conceptio Culpa, Nasci Pena, bor Vita, Necesse Mori. In basso a sinistra, invece, un secondo bambino soffia una serie di bolle, dove in una compare una piccola scritta, Homo est bulla, "l'uomo è una bolla" e ciò vorrebbe indicare la caducità dell'esistenza umana.Sempre a sinistra ma in alto, è individuabile nella penombra un obelisco di pietra con cinque emblemi scolpiti sopra, un riferimento letterario alla Hieroglyphica del filosofo Piero Valeriano, un'opera estremamente diffusa e conosciuta nel diciassettesimo secolo.

Prompt: How does Human Fragility (painting) explain its Analysis of the work?Please output in Italian.


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Vista attraverso tre archi del terzo piano del Colosseo

Marjatta Nielsen ,The Classical Heritage in Nordic Art and Architecture: Acts of the Seminar Held at the University of Copenhagen, 1st-3rd November 1988, Museum Tusculanum Press, 1990 p. 109. C.W. Eckersberg og hans elever, Statens Museum for Kunst, 1983 p. 78.

Prompt: In A View through Three of the North-Western Arches of the Third Storey of the Coliseum, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Pallade e il centauro

Sullo sfondo di una grossa roccia scheggiata, che rivela a destra un ampio paesaggio lacustre, Pallade, cioè la dea Atena, sta in piedi armata della possente alabarda vestita di stoffe trasparenti ornate da serti di ulivo, ricami coi tre o quattro anelli di diamante incrociati e con il motto "Deo amante" , già usato da Cosimo il Vecchio e poi da altri Medici, compreso il nipote Lorenzo il Magnifico. Essa tiene con la mano destra un centauro per i capelli, armato di arco e faretra, che sembra ammansirsi al gesto della dea.L'interpretazione della scena, come per altre opere di Botticelli, è incerta e probabilmente si basa su molteplici livelli di lettura, che solo gli affiliati ai circoli medicei dell'Accademia neoplatonica potevano cogliere nella loro interezza. In base al pensiero filosofico, supportato da alcuni scritti di Marsilio Ficino, la scena potrebbe essere considerata come lAllegoria della Ragione , di cui è simbolo la dea che vince sull'istintualità raffigurata dal centauro, creatura mitologica per metà uomo e per metà bestia. Secondo il detto dello stesso Ficino "Bestia nostra, id est sensus; homo noster, id est ratio", con il quale si spiega la duplice sua natura nella metà inferiore equina l'istitività della bestia e nella superiore umana la facoltà di raziocinio, domata da Minerva-Ragione. Altre letture simboliche hanno parlato del contrasto tra Castità e Lussuria, Umiltà e Superbia, Ragione e Istinto.È stata però proposta anche un'altra lettura in chiave politica del dipinto , che rappresenterebbe sempre in modo simbolico l'azione diplomatica svolta da Lorenzo il Magnifico in quegli anni, impegnato a negoziare una pace separata con il Regno di Napoli per scongiurare la sua adesione alla lega antifiorentina promossa da Sisto IV; in questo caso, il centauro sarebbe Roma e la dea la personificazione di Firenze, mentre sullo sfondo si dovrebbe riconoscere il Golfo di Napoli. Questa interpretazione giustificherebbe il serto e la decorazione della veste della dea con rami d'ulivo, notoriamente simbolo della pace.

Prompt: How does Pallas and the Centaur explain its Description?Please output in Italian.

Accademia neoplatonica
Atena
Firenze
Golfo di Napoli
Marsilio Ficino
Regno di Napoli
Roma


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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: Describe the characteristics of the Christianity in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

L'opera raffigura le tre generazioni della famiglia di Cristo: Sant'Anna, sua figlia Maria e Gesù bambino. Anna tiene Maria sulle ginocchia, quasi fondendosi l'un l'altra; Maria sta per afferrare il Bambino sporgendosi verso destra, mentre egli gioca con un agnello, prefigurazione della sua futura Passione. composizione, ricca di significati allegorici, è modellata efficacemente secondo una forma piramidale, come in molte celebri pale rinascimentali, con la sommità nella testa di sant'Anna, che assume quindi un'importanza preminente. Essa lancia uno sguardo benevolo e sorridente a Maria e a Gesù, con una fisionomia tipica della produzione matura di Leonardo. Il suo ruolo è quello di simboleggiare la Chiesa che, ostacolando l'azione di materna apprensione di Maria, ribadisce la necessità del sacrificio volontario di Gesù. luce è soffusa e la cromia sapientemente modulata, con effetti atmosferici che legano le monumentali figure in primo piano con l'ampio paesaggio dall'orizzonte altissimo sullo sfondo, caratterizzato da una veduta montana che sfuma in toni chiarissimi per effetto della prospettiva aerea.  cromia spenta e brumosa dello sfondo amplifica la plasticità del gruppo centrale, sapientemente composto con gesti e sguardi che si sviluppano anche in profondità, in un difficile equilibrio tra diagonali e linee contrapposte.Rispetto al cartone di Burlington House la composizione è più sciolta e meno legata all'esempio classico.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo).Please output in Italian.


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Ritratto di Juliette Récamier

Un dettaglio di Juliette.Gérard ritrae Récamier in un ambiente classico ma altrettanto naturale, nel quale le curve aggraziate della sua figura e le sfumature della sua carnagione si sposano con le forme e i colori di ciò che la circonda.  sua posa, con il corpo leggermente contorto, il collo lasciato scoperto dalla scollatura ampia dell'abito impero, che nasconde appena i seni, e i piedi nudi, hanno un inconfondibile effetto erotico e sono delle novità rispetto alle altre rappresentazioni dell'epoca. Tuttavia, qui l'aspetto erotico è controllato dall'espressione facciale riflessiva e dal silenzio apparente del luogo, che potrebbe essere una stanza da bagno, protetto dai rumori esterni grazie a una tenda. Vi è qualcosa di pensieroso e intimo nel suo sguardo, che ai tempi del romanticismo veniva definito "sentimentale", ma allo stesso tempo contiene qualcosa di suggestivo. È questa tensione speciale tra le emozioni contrastanti che da al dipinto una sorta di "aura".

Prompt: In Portrait of Juliette Récamier, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Oggi vari studiosi mettono in dubbio la storicità della fuga in Egitto - peraltro assente negli altri Vangeli canonici - viste anche le incongruenze sia tra i vangeli di Matteo e Luca sia all'interno della stessa narrazione matteana, oltre che per il mancato riscontro negli archivi ebraici, nel Nuovo Testamento e nelle opere di Giuseppe Flavio, fonte principale della storia giudaica del I secolo. Il racconto sarebbe servito anzitutto a spiegare come mai Gesù sia nato a Betlemme e cresciuto a Nazaret; la famiglia di Gesù si sarebbe stabilita in Galilea per ispirazione divina. Inoltre avrebbe avuto una funzione teologica, quella di dimostrare agli Ebrei, a cui il Vangelo secondo Matteo era diretto, che Gesù era il nuovo Mosè e che in lui si era avverata la profezia di Osea.
Secondo alcuni critici, il racconto di Matteo sarebbe una versione cristiana dell'haggadah di Mosè, che racconta come Mosè sia scampato alla morte dei neonati ebrei maschi decretata dal faraone. Gli studiosi più legati alla tradizione ritengono che le analogie esistenti tra Mosè e Gesù non siano un motivo sufficiente per negare la storicità dell'avvenimento raccontato da Matteo
Comunque, anche esegeti cristiani come Raymond Brown, John Dominic Crossan e Rudolf Bultmann sostengono che tradizioni preesistenti siano state la fonte del racconto matteano; il sacerdote cattolico Raymond Brown ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi, mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù - legata alla fuga in Egitto - e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Il teologo Raymond Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth".
 Secondo molti studiosi, infatti, le contraddizioni tra i due resoconti evangelici della Natività renderebbero storicamente inconciliabile la fuga in Egitto e la concomitante strage degli innocenti, descritte da Matteo, con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la partenza dei Magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia si stabilì subito a Nazaret: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la fuga in Egitto - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, avvenuto nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".
Secondo lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio della fuga in Egitto, per come è narrato da Matteo, desta perplessità: ad esempio, per sfuggire alla persecuzione di Erode sarebbe stato più semplice rientrare subito a Nazaret, evitando di passare per Gerusalemme come avevano fatto i magi. Il forte significato teologico e simbolico dell'episodio porta a dubitare della sua realtà, anche se non ci sarebbero elementi sufficienti per negarla o per accreditarla. Non si tratterebbe tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se non fosse realmente avvenuto nulla sarebbe compromesso.
Il teologo cattolico Raymond Brown nota, infine, come nel racconto matteano "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui (14:,1-2)?"; lo studioso osserva anche - in merito alla possibilità di fuggire in Egitto per Giuseppe, Maria e Gesù - che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non ci fossero magi venuti dall'Oriente e se avesse avuto solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".

Prompt: Focus on Flight into Egypt (Titian) and explain the Historicity.Please output in Italian.


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La morte del giovane Barra

Il dipinto non è che un abbozzo che rappresenta un ragazzo nudo e androgino. È appena stato ferito e agonizza, giacendo in una posizione languida. Al petto stringe una coccarda tricolore e una lettera, che rievoca senza dubbio una lettera indirizzata a sua madre, citata nella lettera del suo capo Desmarres alla Convenzione.Talvolta la sua nudità è stata giustificata come il risultato della rimozione delle sue vesti da parte dei suoi assassini. Per la storica Raymonde Monnier, introdurre l'aneddoto all'opera in questo modo è di scarso interesse, vedendoci piuttosto uno "schizzo simbolico". Per altri questa scelta accosta il tamburino agli eroi dell'arte classica greca.Lo storico Jean-Clément Martin, uno specialista della rivoluzione francese e della sua memoria descrisse così l'emozione che lo colse di fronte a questo dipinto e il senso che gli diede:Con la posa del corpo e la rappresentazione androgina, quest'opera si oppone ai dipinti storici relativi alla morte di Bara dipinti dagli artisti repubblicani negli anni 1880.Nel suo libro del 1989 Il ratto di Ganimede, Dominique Fernandez ne fa una delle testimonianze del nudo maschile omosessuale con un pretesto eroico nell'arte neoclassica, assieme ai Funerali di Patroclo e Il compianto di Andromaca sul corpo di Ettore.

Prompt: In The Death of Young Bara, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Armatura

Nella Grecia antica, l'oplita portava una corazza  metallica a due piastre per la protezione del busto e gli schinieri  per proteggere le gambe. L'elmo , ornato di cimiero, copriva l'intera testa ed era equipaggiato di protezione nasale. Portava inoltre uno scudo  in legno, rotondo e di grande taglia, con al centro una borchia di metallo per maggiore solidità. L'armatura era realizzata in bronzo.  cotta di maglia ebbe larga diffusione in Europa tra IV e III secolo a.C., quando cioè le bande armate dei Celti si sparsero in lungo e in largo per il continente, raggiungendo il Mediterraneo e la Penisola Anatolica.L'esercito romano adottò vari tipi di armature.  corazza a struttura rigida col tempo lasciò il posto alla lorica, che poteva essere a scaglie di metallo , a placche di metallo lorica segmentata e in maglie di metallo . Gli scudi più diffusi furono il clipeus di foggia rotonda e lo scudo incurvato rettangolare. Completavano l'armatura gli schinieri e l'elmo, di varie fogge, che lasciava scoperto il viso.

Prompt: In the context of O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, explain the Ancient age and the Description and use.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Il neoimpressionismo è un movimento pittorico nato con l'intento di sviluppare e sistematizzare in modo "scientifico" i principi dell'impressionismo .  tecnica divisionista e quella puntinista si svilupparono contemporaneamente e vennero utilizzate all'interno di questo movimento, ma quest'ultima si focalizzava soprattutto sull'utilizzo di punti di pittura piuttosto che sulla separazione dei colori. Spesso divisionismo e puntinismo vengono usati per descrivere la stessa tecnica e sono considerati sinonimi.

Prompt: In Neo-Impressionism, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: In Madonna and Child (Francesco Solimena), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

{align=right}Il Martirio di san Sebastiano, rappresentato nel pannello destro, mostra il santo in una complicata posizione, caratterizzata da un gusto per la torsione di derivazione michelangiolesca, che esalta l'eroica anatomia scultorea. Il modello è da ricercare probabilmente nei Prigioni , nel personaggio in scorcio trasversale nella Punizione di Aman della volta della Cappella Sistina o nei personaggi concitati degli affreschi della Stanza dell'Incendio di Borgo. Le braccia sono infatti legate ad altezze diverse a un tronco, mentre in basso una colonna crollata fa da appoggio per il piede destro, variando la disposizione delle gambe. Il corpo appare fiaccato dal martirio, con la freccia che trafigge il petto, ma la sua prorompente muscolatura e la testa che sembra rialzarsi ne preannunciano già il trionfo.Singolare è la somiglianza tra Sebastiano e il Cristo, sovrapponibile anche alle fattezze di Tiziano, allora trentenne.Nel paesaggio sullo sfondo un angelo, che indica Sebastiano, dialoga con san Rocco, il santo che con Sebastiano era evocato per proteggersi dalle pestilenze: le sue gambe sono infatti scoperte, come dall'iconografia tradizionale, per mostrare le piaghe del morbo. presenza della firma, elemento tipico di quando un dipinto veniva spedito lontano dalla città in cui era attiva la bottega dell'artista, è stata anche letta, da Rona Goffen, come una sorta di guanto sfida lanciato dal pittore ai maestri che allora raccoglievano i maggiori consensi, cioè Michelangelo e Raffaello: non a caso si troverebbe sul rocchio marmoreo della colonna, materiale delle sculture del Buonarroti.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the SanSebastiano and the Description and style.Please output in Italian.

Prigioni
Punizione di Aman
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Portrait of a Man in Red Chalk's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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The Peacemakers

Abraham Lincoln  Memoriali e monumenti unionisti Presidenza di Abraham Lincoln

Prompt: How does The Peacemakers explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Cupressus

Associato al culto dei morti fin dall'antichità, il cipresso è simbolo di vita eterna in alcune civiltà orientali, specialmente in Persia, nell'area della religione di Zoroastro .Per i Greci – muovendo dal mito di Ciparisso, un giovane che per errore uccise il suo cervo molto amato e che, per liberarlo dal dolore, Apollo, movendosi a pietà, trasformò in un cipresso – l'albero era legato al lutto . I Romani e gli Etruschi riprenderanno l'eredità greca del cipresso come albero sacro, legato al lutto e al funerale, oltre che a motivi ornamentali.In ambito cristiano, il cipresso – insieme alla palma, al cedro e all'ulivo – è ritenuto uno dei quattro legni con cui furrono costruite la croci .Cipresso monumentale presso il Tra i cipressi di particolare rilevanza, in qualche caso anche individuale, nell'ambito del paesaggio italiano, si ricordano il cosiddetto Cipresso di Michelangelo, conservato forse fin dalla costruzione della Certosa delle Terme nel chiostro dell'edificio, situato di fronte alla Stazione Termini in Roma ; il "Cipresso di San Francesco" a Verucchio , monumento vegetale di oltre 800 anni situato nel chiostro di un monastero francescano; la cipresseta di Fonte greca nel Parco Regionale del Matese .Anche il viale dei Cipressi immortalato dal poeta Giosuè Carducci nell'opera Davanti San Guido, che, con uno sviluppo rettilineo di quasi 5 chilometri collega Bolgheri all'oratorio di San Guido, è soggetto a tutela nell'ambito del patrimonio storico nazionale.

Prompt: In Cypresses (Metropolitan Museum of Art), how is the Cultural aspects discussed?Please output in Italian.

Apollo
Bolgheri
Ciparisso
Davanti San Guido
Giosuè Carducci
Persia
Verucchio


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Estasi di santa Margherita da Cortona

nfranco nei suoi disegni evidenzia l'influenza che ha avuto sulla sua tela lo stile del Caravaggio, in particolare il suo San Francesco in estasi. A sua volta, l

Prompt: How does Ecstasy of St Margaret of Cortona explain its Flu?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Il Protovangelo di Giacomo, composto tra il 140 e il 170, contiene l'idea che Maria fosse una persona "speciale" sin dal concepimento. Il testo presenta il concepimento di Maria come una grazia divina, anticipata da un angelo ai suoi genitori . L'infanzia di Maria  è estremamente pia, ella viene allevata nel tempio di Gerusalemme dai 3 ai 12 anni, dove "riceveva il vitto per mano di un angelo".Nonostante il Protovangelo, per la sua tardività e il suo stile agiografico e leggendario, difficilmente possa basarsi su fondati elementi storici, esso sembra rappresentare «una prima presa di coscienza intuitiva e mitica della santità perfetta e originale di Maria nella sua stessa concezione».Sulla base della narrazione del Protovangelo, la liturgia e la devozione della Chiesa greco orientale ha attribuito dall'antichità a Maria il titolo di Παναγία, Panaghìa, "tutta santa".

Prompt: Describe the characteristics of the The Proto-Gospel in The Immaculate Conception of Los Venerables's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo
Protovangelo
Protovangelo di Giacomo


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Ritratto del duca di Wellington

Il 21 agosto 1961, diciannove giorni dopo essere stato esposto alla National Gallery, il ritratto fu rubato da un autista di autobus di nome Kempton Bunton. Quattro anni dopo il furto, Bunton contattò un giornale e, tramite un deposito bagagli presso la stazione ferroviaria di Birmingham New Street, restituì volontariamente il dipinto. Bunton confessò nel luglio 1965 di aver preso il dipinto e la sua cornice. A seguito di un processo  Bunton fu ritenuto non colpevole di aver rubato il dipinto, ma colpevole di aver rubato la cornice.Il furto è entrato nella cultura popolare, tanto da essere menzionato anche nel film del 1962 Agente 007 - Licenza di uccidere, primo film della serie di James Bond. Nel film, il dipinto era esposto nel rifugio segreto del dottor Julius No, suggerendo che il primo cattivo di Bond aveva rubato l'opera. L'oggetto di scena dipinto da Ken Adam è stato utilizzato nella promozione del film ed è stato successivamente rubato.Il furto è stato oggetto del dramma radiofonico trasmesso dalla BBC Radio il 4 ottobre 2015 intitolato Kempton and the Duke.

Prompt: Explain the Theft of this artwork, Portrait of the Duke of Wellington.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Saliera di Francesco I di Francia

Giunto in Francia nel settembre del 1540, Cellini trascorse uno dei momenti più prolifici e sereni della sua esistenza. Rassicurato da una presenza così colta e disponibile come quella di re Francesco I di Francia, sempre pronto a fornire materiali preziosi come il bronzo o l'argento per accontentare i bisogni artistici del nuovo arrivato, Cellini era consapevole di vivere un momento che mai avrebbe potuto ripetersi.Il progetto iniziale della saliera era tuttavia di parecchi anni antecedente al soggiorno francese dell'artista. Cellini ricevette infatti una commissione simile dal cardinale Ippolito d'Este che aveva richiesto allo scultore una saliera «che avrebbe voluto uscir dall'ordinario di quei che avean fatto saliere». Per indirizzarlo sul tema, il cardinale avrebbe interpellato due colti letterati come Luigi Alamanni e Gabriele Cesano affinché potessero consigliargli l'iconografia più opportuna.Benvenuto, sebbene leggermente influenzato da alcuni suggerimenti del Cesano, finì col progettare l'opera interamente da solo, ribadendo il concetto di "fare", tipico degli artisti, contrapposto all'astratto "dire" dei letterati. L'artista eseguì quindi un modello in cera della saliera, purtroppo a noi non pervenuto, che avrebbe suscitato la meraviglia del cardinale e dei suoi consiglieri. Ippolito, stupito dalla complessità dell'invenzione, rifiutò di mettere in pratica un simile progetto, giudicandolo troppo costoso e meritevole solo di un committente come Francesco I.Cellini, non dimentico del consiglio del cardinale, avrebbe approfittato della sua nuova posizione presso la corte del re per realizzare la sua agognata ambizione. saliera giunse in possesso dalla casa d'Asburgo come dono da parte di Carlo IX di Francia all'arciduca Ferdinando II del Tirolo, per ringraziarlo del suo ufficio di procuratore del matrimonio con Elisabetta d'Austria. saliera rappresenta la dea Terra mentre con le sue gambe incontra Nettuno, dio del mare. Dall'incontro tra terra e mare nasce il sale. Sotto le due raffigurazioni vi sono le allegorie delle fasi del giorno, Aurora, Giorno, Crepuscolo e Notte, di chiara derivazione michelangiolesca. Bellissime le pose dei due dei in puro stile manierista, mosse, dinamiche e nello stesso tempo armoniose.È stata trafugata l'11 maggio del 2003. Dopo una fallita richiesta di riscatto, stimata per i 10 milioni, l'opera è stata recuperata il 22 gennaio 2006, all'interno di una scatoletta, in un bosco presso Zwettl, a circa 90 km dalla capitale austriaca.

Prompt: Explain the History of this artwork, Cellini Salt Cellar.Please output in Italian.

1540
2003
2006
Austria
Carlo IX di Francia
Francesco I di Francia
Francia
Gabriele Cesano
Ippolito d'Este
Luigi Alamanni


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Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: Explain the Chorus about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: Explain the Maria Magdalene in the canonical gospels of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


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I mucchi di fieno

{ class="wikitable sortable" style="width:100%; margin-top:0.5em;"! class="unsortable" scope="col" width="100px"  Illus.! scope="col"  Titolo! scope="col"  Museo! scope="col"  Città! scope="col"  Paese! scope="col"  Dimensioni ! scope="col"  Anno! scope="col"  #- 200x200px Covoni, fine dell'estate Musée d'Orsay Paris Francia 60,5 × 100,5 1891 W1266- 200x200px Covoni, grande sole Hill Stead Museum Farmington  USA 60 × 100 1890 W1267- 200x200px Covoni al sole, effetto di mattino  collezione privata 65 × 100 1891 W1268- 200x200px Covoni  Institut d'art de Chicago Chicago USA 60 × 100 1891 W1269- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,8 × 101 1891 W1270- 200x200px Covoni al sole, mezzogiorno National Gallery of Australia Canberra Australia 65,6 × 100,6 1890-91 W1271 - Covoni, ultimi raggi del sole collezione privata 73 × 92 1890 W1272-  200x200px Covoni  collezione privata USA 73 × 92 1891 W1273- 200x200px Covoni, effetto di neve Shelburne Museum Shelburne USA 60 × 100 1891 W1274- I Covoni, inverno collezione privata Svizzera 65 × 100 1890-1891 W1275- 200x200px Covoni, effetto di neve, il mattino J. Paul Getty Museum Los Angeles USA 65 × 100 1891 W1276- 200x200px  Covoni, effetto di neve National Gallery of Scotland Edimburgo Scozia 65 × 92 1891 W1277- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,3 × 100,4 1890-91 W1278- 200x200px Covoni, effetto d'inverno Metropolitan Museum of Art New York USA 65 × 92 1891 W1279- 200x200px Covone, effetto di neve, il mattino Museum of Fine Arts  Boston USA 65,4 × 92,4 1891 W1280- 200x200px Covone, effetto de neve, tempo coperto Art Institute of Chicago Chicago USA 66 × 93 1890-91 W1281- 200x200px Covone, tramonto, inverno collezione privata Gran Bretagna 65 × 82 1891 W1282- 200x200px Covone Art Institute of Chicago Chicago USA 65,6 × 92 1890-91 W1283- 200x200px Covone, disgelo, crepuscolo Art Institute of Chicago Chicago USA 64,9 × 92,3 1890-91 W1284- 200x200px Il Covone 65 × 92 W1285- 200x200px Covone  Minneapolis Institute of Art Minneapolis USA 65 × 100 1891 W1286- Covone, effetto di neve, sole collezione privata Francia 65 × 92 W1287- 200x200px Covone al sole Kunsthaus di Zurigo Zurigo Svizzera 60 × 100 1891 W1288- 200x200px Covone, crepuscolo Museum of Fine Arts  Boston USA 73,3 × 92,7 1890-91 W1289- 200x200px Covone al sole collezione privata Svizzera 73 × 92 1891 W1290}

Prompt: Describe the characteristics of the Laserie dei Covoni della stagione 1890-1891 in Haystacks (Monet series)'s ThemotifofthecowsinGivernyintheworkofClaudeMonet.Please output in Italian.


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Polittico dell'Intercessione

Il polittico è a cinque scomparti di diversa dimensione, piuttosto insoliti per forma, dimensione e iconografia. Al centro si vedono Gesù e la Vergine Maria che intercedono presso l'Eterno, fluttuanti nel cielo al di sopra un arco azzurro, rappresentazione dei cieli del Paradiso che si vede, simile, anche nel Polittico di Valle Romita. A sinistra la Resurrezione di zzaro affiancata all'estremità da San Ludovico di Tolosa a tutta figura, santo francescano; a destra i Santi Cosma, Damiano e Giuliano, affiancati nell'ultimo pannello da San Bernardo a tutta figura.Senza paragoni in ambito fiorentino è la dedica dello scomparto centrale a una scena di "intercessione", tema tanto caro ai francescani, così come la presentazione egualitaria di Gesù e della Vergine di fronte a Dio. Sono rari anche i soggetti nei pannelli ai lati di essa, il miracolo di Gesù e l'incontro, in una via cittadina, di tre santi. Ludovico di Tolosa è rappresentato benedicente, davanti ad un drappeggio rosso; Bernardo di Chiaravalle è invece posto in paesaggio, con un diavoletto incatenato. Proprio Bernardo è il santo a cui era attribuito nel Medioevo lo Speculum Humanae Salvationis in cui si parla ampiamente dell'Intercessione. zzaro sarebbe un esempio lampante di resurrezione promessa da Cristo, e i santi nel pannello destro sono figure a cui il devoto è invitato a rivolgersi, sull'esempio di due animule , dipinti quasi in trasparenza ai piedi di loro . A queste anime vanno poi aggiunte quelle incise direttamente nell'oro del pannello centrale , tra la Vergine e Gesù, appena leggibili, secondo un raffinato trattamento della materia aurea che si ritrova anche in altre opere dell'artista.

Prompt: How does Intercession Altarpiece explain its Description and style?Please output in Italian.

Bernardo di Chiaravalle
Ludovico di Tolosa
Polittico di Valle Romita


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La quinta piaga d'Egitto

quinta piaga d'Egitto  è un dipinto a olio su tela  del pittore inglese William Turner, realizzato nel 1800 e conservato al museo d'arte di Indianapolis.

Prompt: In The Fifth Plague of Egypt, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il mare di ghiaccio

Schmied, Wieland . Caspar David Friedrich. Cologne: DuMont. ISBN 3-8321-7207-6

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Sea of Ice.Please output in Italian.


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Madonna in gloria e santi

Madonna in gloria e santi è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1500-1501 circa e conservato nella Pinacoteca Nazionale di Bologna.

Prompt: How does Madonna in Glory with Saints explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Ingresso dei crociati a Costantinopoli

Ingresso dei crociati a Costantinopoli è un dipinto ad olio su tela eseguito da Eugène Delacroix nel 1840: misura cm 410 x 498. Fu commissionato da Luigi Filippo nel 1838 e completato nel 1840. Si trova a Parigi, nel Musée du Louvre.

Prompt: Focus on Entry of the Crusaders in Constantinople and explain the Abstract.Please output in Italian.

1840
Costantinopoli
Eugène Delacroix
Parigi


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Adorazione dei Magi (El Greco Benaki)

LAdorazione dei Magi è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1565-1567 e conservato al Museo Benaki ad Atene in Grecia. Insieme a San Luca dipinge la Madonna col Bambino è la più occidentale prime delle opere di El Greco, fortemente influenzata dal manierismo italiano.

Prompt: How does Adoration of the Magi (El Greco) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid) explain its The adoration of the shepherds in art?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Martirio di San Sebastiano

L'incertezza nell'identificare l'esatta forma dell'opera porta anche a dei dubbi sulla sua effettiva collocazione in Duomo, i posti più probabili sono la sagrestia o l’altare laterale di San Sebastiano: Sagrestia: la collocazione nella sacrestia sembrerebbe la più probabile, se consideriamo la funzione dell'oggetto come deposito delle reliquie, in questo caso l'opera sarebbe stata esposta solo ad un pubblico ristretto e di ceto sociale alto. Altare San Sebastiano: non è possibile tralasciare la presenza dell'esistenza di fonti che riportano l'esistenza di una pala d'altare, in questo caso la pala avrebbe potuto avere una doppia funzione, pala e porta reliquie, questa sarebbe stata aperta in determinate festività o ricorrenze, in cui l'esposizione delle preziose reliquie era fondamentale per la narrazione religiosa.

Prompt: Describe the characteristics of the Placement in the Cathedral in Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo)'s Description.Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: In the context of Epifania, explain the North Macedonia and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


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Castello di Dolbadarn

Il castello venne costruito per volere di Llywelyn il Grande. È possibile che il castello sia stato edificato sopra i resti di un'antica fortificazione voluta da Maelgwn ap Cadwallon un antico sovrano del Gwynedd, anche se tali resti non sono mai stati rinvenuti.Il castello venne costruito ai piedi del passo di Llanberis in modo che guardasse il lago di Llyn Padarn, nel Galles del nord.  posizione scelta permetteva il controllo di un importante passo di montagna e di proclamare la propria autorità di signore sopra le montagne e le coste gallesi.Llywelyn fece sposare il proprio figlio Dafydd ap Llywelyn con Isabella de Braose , figlia di Guglielmo di Braose potente signore normanno delle Marche gallesi, che aveva il dominio di Brecon, Builth ed Abergavenny. I castelli dei signori delle Marche erano in pietra e comprendevano maschi circolari integrati in un sistema di mura: a seguito del matrimonio del figlio sembra che Llywelyn abbia iniziato una nuova fase di costruzione del castello di Dolbadarn attorno al 1240, aggiungendo questi elementi.

Prompt: How does Dolbadarn Castle (Turner) explain its Dolbadarn, guided, by, Llywelyn, the, Great?Please output in Italian.

1240
Abergavenny
Brecon
Builth
Cadw
Dafydd ap Llywelyn
Galles
Guglielmo di Braose
Gwynedd
Llywelyn il Grande
Maelgwn ap Cadwallon
Marche gallesi


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Storia dell'Egitto greco e romano Storia dell'Egitto tolemaico

Prompt: How does The Death of Cleopatra explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Egitto tolemaico
Storia dell'Egitto greco e romano


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Incendio nella foresta

Il pannello viene di solito identificato con quelli che decoravano una stanza di Palazzo Del Pugliese a Firenze, visti e descritti dal Vasari. Probabilmente si trattava di una spalliera. tavola entrò nel museo nel 1933, con il National Art Collections Fund.

Prompt: In The Forest Fire, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ritratto di Luca Pacioli

Riguardo alla discussa paternità del dipinto Simone Ferrari, studioso della materia, dichiara: “Personalmente ritengo che il cartellino vada sciolto a favore di Jacopo de' Barbari e che l'attribuzione sia confermata dalla cifra stilistica.”Per contro, l'accostamento del nome di Jacopo de' Barbari all'iscrizione del cartiglio è soltanto parziale e non trova altri supporti di convalida, mentre la firma mediante una sigla  ed un simbolo , usati sistematicamente dal de' Barbari, non sono rinvenibili nel dipinto.Secondo Francesca Cortesi Bosco, l'attribuzione al de' Barberi sopravvive solo per ragioni inventariali e va esclusa per ragioni stilistiche, tecniche e pittoriche. A suo parere, il dipinto è stilisticamente lontano, ma cronologicamente prossimo, alle opere note di de' Barbari. Lo stile sarebbe avvicinabile a quello di Alvise Vivarini, indicando come possibile autore un pittore della sua bottega.

Prompt: Describe the characteristics of the Jacopo de' Barbari in Portrait of Luca Pacioli's Author's identity.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Francesca Cortesi Bosco
Jacopo de' Barbari


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Madonna Chellini

Madonna Chellini è una piccola opera bronzea  eseguita dallo scultore fiorentino Donatello in una data anteriore al 27 agosto 1456.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Chellini Madonna.Please output in Italian.


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Ragazzo che monda un frutto

Mina Gregori, "Ragazzo che monda un frutto", in Caravaggio e il suo tempo, catalogo della mostra , Milano: Electa, 1985, p.200-203. Franco Paliaga, "Da Vincenzo Campi e Bartolomeo Passerotti a Fede Galizia e Panfilo Nuvolone", in Natura morta italiana tra Cinquecento e Settecento, catalogo della mostra a cura di Mina Gregori e di Johann Georg Prinz von Hohenzollern ,Milano: Electa, 2002, p.77-104. Mina Gregori, "Due partenze in Lombardia per la natura morta", Natura morta italiana tra Cinquecento e Settecento, catalogo della mostra a cura di Mina Gregori e di Johann Georg Prinz von Hohenzollern ,Milano: Electa, 2002, p. 17-40.Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio e l'esperienza delle cose naturali, Torino: Bollati Boringhieri, 1992.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Boy Peeling Fruit.Please output in Italian.


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Ingresso nel porto di Palermo al chiaro di luna

Questo dipinto faceva parte della collezione Longvilliers, a Montreuil-sur-Seine, fino al 1769, quando fu venduto per la collezione Boyer de Fonscolombe, ad Aix-en-Provence, dove rimase fino al 1791. Fu acquistato da Alessandro I di Russia nel 1803 a San Pietroburgo tramite Pirling et Compagnie, da Dresda.

Prompt: Explain the Origin of this artwork, Port of Palermo by Moonlight.Please output in Italian.

1769
Aix-en-Provence
Alessandro I di Russia
San Pietroburgo