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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: In Epifania, how is the India of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


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Cristo degli abissi

left statua nacque da un'idea di Duilio Marcante che, a seguito della morte di Dario Gonzatti durante un'immersione nel 1947, spinse per la posa di una statua di Cristo sul fondale marino; il 29 agosto 1954 la statua del Cristo degli abissi viene posta nella baia di fronte a San Fruttuoso, tra Camogli e Portofino.Per la realizzazione dell'opera, nel 1952, coinvolse Giacomino Costa, armatore e presidente del Centro Sportivo Italiano C.S.I. di Genova.  statua, alta circa 2,50 metri e realizzata dallo scultore Guido Galletti e creata nella fonderia artistica Battaglia, venne posta grazie alla Marina Militare Italiana a circa 17 metri di profondità, fu portata sul fondo grazie a molti subacquei di "Mondo Sommerso", guidati dall'allora direttore Marco Paini, il quale posó la statua con precisione millimetrica sul basamento. Le braccia del Cristo, rivolte in alto idealmente a Dio in cielo, sono aperte in segno di pace.Per ottenere il bronzo della statua vennero fuse medaglie, elementi navali  e campane. A seguito della morte di Marcante venne posta una targa sul basamento della statua in sua memoria.Nel 2003 la statua è stata restaurata per preservarla dalla corrosione e dalle incrostazioni e, soprattutto, per riattaccarle la mano staccata da un'ancora, ritrovata dal subacqueo Enea Marrone,  per poi essere riposizionata sott'acqua il 17 luglio 2004 su un nuovo basamento, ad una profondità inferiore a quella precedente.

Prompt: How does Christ of the Abyss explain its History?Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

ricerca e le conclusioni attributive tratte da Carla Glori, studiosa leonardiana, s'incentrano sulla decifrazione della scritta del cartiglio “IACO.BAR.VIGEN/NIS P.1495”. Esse vertono su aspetti linguistici, filologici, crittografici, matematici, oltre che sulla ricostruzione di precisi fatti storici connessi alla data. I risultati inducono a ricondurre il cartiglio stesso a Leonardo da Vinci. Il dossier “Il codice vinciano di Capodimonte” del 2017 contiene inoltre una proposta d'attribuzione a Leonardo dell'intera opera. Il metodo seguito da Carla Glori per pervenire alla sua proposta attributiva è stato quello della comparazione analitica di precisi particolari della riflettografia del quadro di Capodimonte con corrispondenti particolari delle riflettografie del ritratto di musico e della Gioconda, entrambe opere certamente autografe di Leonardo, rinvenendo verificabili similitudini.Dal 2010 c'è la prima  decifrazione del cartiglio, fornita da Carla Glori. Da una parte, vi è l'interpretazione dell'iscrizione “IACO.BAR.VIGEN/NIS P.1495”, dall'altra la scoperta di circa cinquecento frasi dotate di senso e contenenti “VINCI”, formate con il medesimo repertorio alfabetico dell'iscrizione, integrato dalla parola “musca”. Nel 2017 la ricerca ha mostrato che la scritta originale, anche senza l'inserimento del termine “musca”, è in grado di generare una ventina di frasi contenenti “VINCI”, confermando l'ipotesi che l'enigmatica iscrizione sia in realtà una matrice alfabetica, programmata dal pittore per generare frasi riferite ai soggetti, agli oggetti ritratti ed alla storia degli Sforza, tutte contrassegnate dal sostantivo “VINCI”. L’insieme delle frasi decifrate forma un organico intreccio storico-biografico databile al 1495. L'insieme delle frasi anagrammate è riferito alla biografia dei due personaggi ritratti , alle loro azioni visibili nel dipinto e agli oggetti rappresentati nel quadro, oltre che a luoghi storici di Vigevano.  maggior parte delle frasi riguarda la morte per avvelenamento di Gian Galeazzo Maria Sforza, avvenuta nell'ottobre 1494.  “mosca” - essenziale nel cartiglio quale parola-chiave – risulta essere una simbolica allusione alla morte del giovane duca, che gli storici imputano allo zio Ludovico il Moro.Anche la monografia di Giovanni Barca jaco.bar.vigennis p.1495: enigma e secretissima scientia attribuisce, sulla base delle ricerche di Carla Glori, il doppio ritratto a Leonardo da Vinci.

Prompt: Describe the characteristics of the Leonardo da Vinci in Portrait of Luca Pacioli's Author's identity.Please output in Italian.

1495
Gian Galeazzo Maria Sforza
Gioconda
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro
Vigevano


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Vocazione dei primi apostoli

Il gruppo di destra è quello meglio riuscito, nonché quello in cui si sono riconosciuti il maggior numero di personaggi. Si tratta di una straordinaria foto di gruppo della comunità fiorentina a Roma che accolse probabilmente gli artisti e che trovarono in Ghirlandaio la disponibilità a farsi ritrarre negli abiti ricchi del loro prestigio sociale, derivato dalle attività finanziarie e mercantili che essi svolgevano nella città papale attraverso le numerose filiali delle imprese della madrepatria. Alcuni di essi furono di nuovo committenti dell'artista in opere successive a Firenze, come quelli della famiglia Tornabuoni. Tra gli uomini spicca la figura in primo piano, con l'elegante abito rosso, una sciarpa rigata allora in voga calata sulla schiena, e la berretta dello stesso colore, che dovrebbe essere Gianfrancesco Tornabuoni, presente anche negli affreschi della Cappella Tornabuoni. Dietro di lui si trova un bel giovane di profilo e, a sinistra, un uomo in nero che dovrebbe essere, sempre dal confronto con gli affreschi successivi in Santa Maria Novella, Giovanni Tornabuoni, responsabile del Banco Medici a Roma e delle sue lucrose attività con l'erario papale, così esperto nelle attività finanziarie da diventare tesoriere di Sisto IV; la sua età matura è testimoniata dai capelli grigi e dalle prime rughe dell'età. Egli era fratello di Lucrezia Tornabuoni, madre di Lorenzo il Magnifico, che proprio in quella comunità romana soggiornò, ospitata dal fratello, per trovare una sposa adatta al figlio, quella Clarice Orsini che portò i primi legami di nobiltà in casa Medici. Alcuni indicano Giovanni invece nell'uomo dallo sguardo triste, terzo in prima fila, con una mantella rossa e un cappello bombato, ma forse si tratta più probabilmente di suo fratello Francesco.Il successivo giovane dal profilo affilato, illuminato da una luce chiarissima, dovrebbe essere Giovanni Antonio Vespucci. Nella fila successiva, quella più vicina agli apostoli, si vede un uomo in primo piano dalla postura fiera, avvolto in un manto violaceo e con il viso di profilo incorniciato da un caschetto grigio: non è chiaro chi sia, se il fiorentino Francesco Soderini o il romano Raimondo Orsini. Accanto a lui si trova un anziano con una corta barba bianca, le borse agli occhi e un curioso cappello rigido, quasi prelatizio: si tratta di Giovanni Argiropulo, esule costantinopolitano dopo la presa del 1453, che tenne la cattedra di greco allo Studio fiorentino per quindici anni, protetto dai Medici. Il fanciullo davanti a lui, che guarda verso lo spettatore, potrebbe essere Lorenzo Tornabuoni, sfortunato figlio di Giovanni che vide, dopo la morte del padre, il tracollo finanziario della famiglia e la morte della giovane moglie. Un po' più avanti, di profilo, si trova poi un altro Tornabuoni, Cecco, morto a Roma nel 1482 e sepolto in un'elegante tomba di Mino da Fiesole in Santa Maria sopra Minerva.

Prompt: In the context of Vocation of the Apostles, explain the Right-wing group and the Description.Please output in Italian.

1482
Cappella Tornabuoni
Clarice Orsini
Firenze
Giovanni Argiropulo
Giovanni Tornabuoni
Lorenzo Tornabuoni
Lucrezia Tornabuoni
Medici
Mino da Fiesole
Orsini
Tornabuoni
Vespucci


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Musica

Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche  che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.

Prompt: Explain the Choral music about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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The Floating Piers

Oltre alla polemica di carattere logistico, dovuta all'aver negato l'accesso alla zona dell'installazione in bicicletta, sono state diverse le perplessità nei confronti dell'installazione, anche da parte di noti esperti del mondo artistico: Lo storico Mimmo Franzinelli, interpellato sull'argomento, rispose con un'ulteriore questione: «Entreremo nella storia dell'arte o del kitsch?». Philippe Daverio, noto critico d'arte, ha espresso un parere fortemente negativo sull'opera, definendola: «Obsoleta, una fiera di paese. Invece di impostare una politica di rispetto e valorizzazione del territorio, ci muoviamo nel regno dell'effimero, speranzosi che una furbata d'artista produca tanto marketing».. Un altro famoso critico d'arte italiano, Vittorio Sgarbi, ha valutato l'opera positivamente, ma ha anche paventato il rischio che l'installazione diventi "una passerella verso il nulla" se chi si recherà a visitarla non coglierà l'occasione per approfondire la conoscenza artistica e culturale del territorio che la ospita. Il New York Times, l'8 dicembre 2016 l'ha messa tra le opere più significative dell'anno.

Prompt: Explain the Criticism controversies of this artwork, The Floating Piers.Please output in Italian.

2016
Mimmo Franzinelli
Philippe Daverio
Time
Vittorio Sgarbi


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Guerrillero Heroico

Di seguito, alcune riproduzioni derivate dall'opera originale di Alberto Korda.

Prompt: In Guerrillero Heroico, how is the Other reproductions discussed?Please output in Italian.


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Apoteosi di Palermo

Barocco siciliano Vito D'Anna Genio di Palermo Palazzo Isnello Rococò

Prompt: In Apotheosis of Palermo, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Barocco siciliano
Genio di Palermo
Palazzo Isnello
Palermo
Rococò
Vito D'Anna


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Giovani spartani che si esercitano

Giovani spartani che si esercitano è un dipinto del pittore francese Edgar Degas, realizzato nel 1860-62 e conservato alla National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Young Spartans Exercising.Please output in Italian.


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Ritratto di Baldassarre Castiglione

Il Ritratto di Baldassarre Castiglione è un dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1514-1515 ed esposto al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on Portrait of Baldassare Castiglione and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Il cortile dei folli

Benché Goya fosse stato sino a quel momento sovraccarico di commissioni per ritratti di reali e nobili, questa opera fa parte di una dozzina di raffigurazioni scure di piccole dimensioni, che egli produsse per proprio conto. Non commissionato, fu uno dei primi "dipinti da studio" di Goya a metà degli anni 1790, in cui la sua iniziale ricerca della bellezza cedeva il passo a quella disamina della relazione tra naturalità e fantasia che lo avrebbe impegnato per il resto della sua carriera. Stava attraversando un crollo nervoso e iniziando un periodo di prolungata cattiva salute, e ammise che la serie era stata creata per rispecchiare i suoi sentimenti di intimo dubbio, ansia e timore di essere sul punto di impazzire. Goya scrisse che le opere servivano "per occupare la mia immaginazione, tormentata com'è dalla contemplazione delle mie sofferenze." serie, diceva, consisteva di quadri che "normalmente non trovano spazio nelle opere commissionate." Per lo storico dell'arte Arthur Danto, Il cortile dei folli segna in punto nella carriera di Goya in cui si sposta da "un mondo senza ombre ad uno senza luce". come una delle "visioni [di Goya] profondamente disturbanti di sadismo e sofferenza", e come un'opera che segna la sua evoluzione da ritrattista su commissione ad artista che inseguiva solo la sua tetra e spietata visione dell'umanità.Ambientato in un manicomio, Il cortile dei folli fu dipinto in un'epoca in cui tali istituzioni erano, secondo il critico d'arte Robert Hughes, nulla più che "buchi nella superficie sociale, piccole discariche in cui gli psicotici potevano essere gettati senza il più piccolo tentativo di scoprire, classificare, o trattare la natura della loro malattia." Il cortile di Goya è violentemente crudo, mostra reclusi in catene circondati da alte mura e da un pesante arco di pietra. I reclusi lottano e sorridono ottusamente o si rannicchiano disperati, tutti immersi in un'opprimente luce grigia e verde, sotto la sorveglianza di un solo uomo. L'opera si staglia come un'orripilante e immaginaria visione di solitudine, paura e alienazione sociale, differenziandosi nettamente dalla trattazione piuttosto superficiale del tema "follia" esemplificata nei lavori di precedenti artisti come Hogarth. In una lettera del 1794 al suo amico Bernardo de Yriarte, scriveva che il quadro mostra "un cortile con dei matti, due dei quali combattono completamente nudi mentre il sorvegliante li picchia, ed altri vestiti di sacchi; ". Di solito viene letto come un atto di accusa del generalizzato trattamento punitivo dei pazzi che erano segregati con criminali, messi ai ferri, e regolarmente sottoposti a punizioni corporali, in ambienti delimitati da muri di pietra e cancelli di ferro. Qui i pazienti in vario modo fissano, stanno seduti, si mettono in posa, lottano, fanno smorfie o si castigano.  sommità della tela sfuma nella luce del sole, enfatizzando la scena da incubo che sovrasta.Dal momento che uno dei traguardi essenziali dell'Illuminismo era la riforma delle carceri e dei manicomi, un tema ricorrente negli scritti di Voltaire ed altri, la condanna della brutalità verso i prigionieri, che fossero criminali o pazzi. fu l'argomento di molti dei successivi dipinti di Goya.Il quadro era stato precluso ad una fruizione pubblica fino ad una vendita privata nel 1992; oggi è ospitata dal Meadows Museum di Dallas, grazie alla donazione di Algur H. Meadows nel 1967.

Prompt: Explain the Biographical background of this artwork, Yard with Lunatics.Please output in Italian.

Algur H. Meadows
Dallas
Illuminismo
Meadows Museum
Robert Hughes
Voltaire


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Ritratto di Bindo Altoviti

Su uno sfondo verde scuro, su cui si proietta l'ombra dell'uomo, l'Altoviti è ritratto in una posizione teatrale, mentre di spalle si volta verso lo spettatore, per guardarlo direttamente. Accresce questo effetto la mano sinistra portata al petto, al dito indice della quale porta un anello d'oro. Indossa una berretta nera e un mantello blu sulla casacca nera, ampiamente scollati sulla schiena, con un effetto sensuale. I tratti sono giovanili e delicati, con occhi azzurri e una capigliatura bionda e lunga; il naso è appuntito, le basette lunghe, le labbra rosse e carnose, il mento appuntito.Come in altri ritratti della fase romana, sono forti le componenti psicologiche dell'effigiato, che esprime intelligenza e nobiltà di spirito.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Bindo Altoviti.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Schiava turca

L'opera già in collezione del cardinale Leopoldo de' Medici, passò nel 1675 agli Uffizi, lasciata in eredità alla Guardaroba medicea. Citata negli inventari del 1704 e del 1890, è ricordata in quest'ultimo come "ritratto di giovane donna con turbante in capo, con la sinistra tiene un pennacchio, di mano del Parmigianino".  Il 5 settembre 1928 fu data alla Galleria di Parma in cambio di due tavole duecentesche:  la tavola di San Zanobi assegnata al maestro del Bigallo proveniente dal Duomo di Firenze e acquistata da Ferdinando di Borbone per il tramite del marchese Alfonso Tacoli Canacci , e il Redentore di Meliore. Oltre al dipinto di Parmigianino giunsero alla Galleria parmense anche il Ritratto della famiglia ducale di Giuseppe Baldrighi e un quadro con Rovine romane assegnato a Hubert Robert.Nel 1968 fu restaurata e pubblicata dalla Ghidiglia Quitavalle. In quell'occasione venne asportato lo sfondo scuro trovandovi sotto un uniforme color terra. Tale intervento venne criticato da Alessandro Conti , che ritenne il fondo scuro una modifica autografa del pittore, adducendo la sua compatibilità col contorno della figura e la sua presenza nelle copie cinquecentesche.

Prompt: How does Turkish Slave explain its History?Please output in Italian.

Giuseppe Baldrighi
Hubert Robert
Leopoldo de' Medici
Parma
Parmigianino


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Sacrificio di Isacco

Secondo il racconto biblico, al primo patriarca biblico Abramo , figlio di Tiriḫ e discendente di Šem, venne fatta da Dio la promessa che la sua progenie sarebbe stata numerosa come le stelle del cielo , nonostante lui fosse molto vecchio e sua moglie Sara  vecchia e sterile.Secondo la cronologia biblica, Abramo aveva 100 anni e Sara 90 quando Dio strinse con Abramo quel patto. Un patto tramite il quale dal seme di Abramo si sarebbe giunti al Messia e tutte le nazioni della terra sarebbero state benedette , , .Abramo, uomo giusto e devoto, fino a quella promessa era stato al centro di avvenimenti che avevano rafforzato la sua fede incondizionata verso Dio. Aveva visto come il Dio della Bibbia aveva liberato e protetto le persone giuste e fedeli liberandole da oppressori pagani, non ultima la liberazione e la salvezza per suo nipote Lot e le sue figlie da Sodoma e Gomorra. fede si contrapponeva ai fatti, come poteva Sara generare un figlio ad Abramo visto che era non solo avanti negli anni, ma sterile? Quando uno degli angeli disse ad Abramo che dopo non molto tempo Sara avrebbe avuto un figlio, Sara rise.  Ma c'era forse qualcosa di troppo straordinario per Dio? .Infatti, mesi dopo, il racconto biblico asserisce che Dio rivolse la sua attenzione a Sara proprio come aveva detto, e Dio fece ora a Sara proprio come aveva parlato. E Sara rimase incinta e partorì quindi un figlio ad Abramo nella vecchiaia di lui, al tempo fissato di cui Dio gli aveva parlato [......] e gli mise nome Isacco . Isacco quindi crebbe con le amorevoli cure dei due genitori che avevano visto la miracolosa potenza di Dio manifestarsi su di loro con un figlio che sarebbe stato, secondo le Scritture, addirittura il precursore dello stesso Messia.Dopo altri avvenimenti che dimostrarono l'ubbidienza e la fedeltà di Abramo verso il vero Dio, il racconto della Bibbia prosegue che Dio mise alla prova Abramo: Prendi suvvia, tuo figlio, il tuo figlio unico che ami tanto, Isacco, e fa un viaggio nel paese di Moria e là offrilo come olocausto su uno dei monti che io ti designerò.Il racconto biblico dimostra che Abramo non ebbe esitazioni. Genesi 22:3 infatti dice che Abramo si alzò dunque la mattina di buon'ora, sellò il suo asino e prese con sé due dei suoi servitori e Isacco suo figlio, quindi spaccò la legna per l'olocausto e si mise in viaggio per il luogo designato da Dio.Il viaggio durò tre giorni: appena Abramo sopraggiunse nelle vicinanze del luogo designato, lasciò i suoi servitori e l'asino proseguendo a piedi con il solo Isacco che trasportava intanto la legna per l'olocausto. Giunti al luogo dell'olocausto Abramo dispose un altare su cui mettere la legna, quindi legò suo figlio Isacco mani e piedi ponendolo sull'altare al di sopra della legna. Il racconto biblico prosegue dicendoci che cosa accadde:

Prompt: Focus on Abraham and Isaac (Titian) and explain the TheSacredScriptures.Please output in Italian.

Abramo Bibbia Genesi Genesi Genesi Isacco Lot Messia Sodoma


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Lucifero

Mentre di Lucifero come divinità legata a Venere non abbiamo traccia, esistevano culti dedicati a divinità definite "Lucifere" .Oltre a queste, tra le Divinità Maschili Solari più conosciute che ritroviamo nel pantheon greco-romano vi è Apollo, un cui epiteto era Phosphoros , che tradotto in latino è Lucifer, Lucifero appunto.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the In the Greek-Roman religion.Please output in Italian.


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Guernica

L'estuario del Guernica o Urdaibai è una Riserva della biosfera.

Prompt: Focus on Guernica (Picasso) and explain the Nature reserves.Please output in Italian.


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La Gioconda

8 Marinaresca, Recitativo e Barcarola Marinaresca Ho! He! Fissa il timone!  Recitativo Chi va là?  Barcarola Barnaba Pescator, affonda l'esca  Recitativo, ripresa della Barcarola e Romanza Recitativo e ripresa della Barcarola Sia gloria ai canti dei naviganti  Romanza Enzo Cielo! e mar!  10 Scena e Duetto Scena Ma chi vien  Duetto ura Enzo Tempo d'attacco Deh! non turbare con ree paure  Tempo di mezzo Ma dimmi come, angelo mio, mi ravvisasti?  Cantabile ggiù nelle nebbie remote  11 Scena e Romanza ura Scena E il tuo nocchiero  Romanza ura Stella del marinar!  12 Duetto [Scena] E un anatema!  Duetto Gioconda ura L'amo come il fulgor del creato  13 Scena e Duetto-Finale II Scena Il mio braccio t'afferra!  Duetto-Finale II Gioconda Enzo ura! ura, ove sei?  [Stretta] Tu sei tradito!

Prompt: Describe the characteristics of the Act II: The Rosary in Mona Lisa's Plot.Please output in Italian.

Barcarola Duetto Barcarola Recitativo Roma Romanza


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Polittico della Misericordia

Al centro si trova la Madonna della Misericordia, una rappresentazione della Vergine Maria che apre il mantello per dare riparo e protezione alle persone che la venerano, derivata dalla consuetudine medievale della "protezione del mantello", che le nobildonne altolocate potevano concedere a perseguitati e bisognosi d'aiuto. I fedeli sono gerarchicamente più piccoli e sono disposti a semicerchi, quattro per parte , lasciando un ideale posto al centro per l'osservatore. Tra di essi si vede un confratello incappucciato, un ricco notabile vestito di rosso e, secondo una lunga e plausibile tradizione, l'uomo voltato verso lo spettatore accanto alla veste di Maria sarebbe un autoritratto del pittore. Madonna poggia su una base scura organizzata prospetticamente, che richiama l'attenzione sulla figura centrale. Ben evidente è l'interesse di Piero per la geometria, nell'accumularsi di forme regolari, quali il cilindro del mantello, il tronco di cono dell'aureola e la corona della Vergine, le forme ovali dei visi.  cintura di Maria è annodata in modo da formare una croce.

Prompt: Describe the characteristics of the The Madonna of Mercy in Polyptych of the Misericordia's Description.Please output in Italian.


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Torso di Adele

Il Torso di Adele  è una scultura dell'artista francese Auguste Rodin. Due versioni, in terracotta e in gesso, sono conservate al museo Rodin di Parigi. Ne sono state tratte anche  fusioni in bronzo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Torso of Adele.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Il cardellino

Categoria:Romanzi di Donna TarttCategoria:Romanzi ambientati a New Yorkcategoria:Romanzi di formazione

Prompt: Explain the Note. Please output **only words**, not sentences. of this artwork, The Goldfinch (painting).Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Un Dopo il primo triumvirato e l'assassinio di Giulio Cesare, avvenuto nel 44 a.C., i politici romani Ottaviano, Marco Antonio e Marco Emilio Lepido vennero eletti come triumviri per combattere gli assassini di Cesare, formando il secondo triumvirato. Dato che nel 36 a.C. Lepido finì per essere esautorato dalla vita politica e scelse di esiliarsi al Circeo, Ottaviano finì per controllare i territori romani in Europa occidentale, mentre Antonio governava quelli orientali. Cleopatra Tea Filopatore era la sovrana dell'Egitto tolemaico e aveva avuto una relazione con Giulio Cesare, dal quale ebbe Tolomeo XV, detto Cesarione. Dopo la morte di Cesare, Cleopatra iniziò una relazione con Antonio.Nel 32 a.C., incoraggiato da Cleopatra, Marco Antonio divorziò ufficialmente da Ottavia minore, la sorella di Ottaviano. Tale divorzio fu, insieme alla scoperta delle donazioni di Alessandria, uno dei fattori che spinsero il senato romano, ora sotto il controllo di Ottaviano, a dichiarare guerra alla regina del Nilo.Nel 31 a.C., dopo la disastrosa sconfitta nella battaglia navale di Azio, presso il golfo di Ambracia, Antonio e Cleopatra si ritirarono in Egitto per riprendersi e prepararsi per un eventuale assalto di Ottaviano, le cui forze erano aumentate di numero grazie alla resa di molti generali e soldati di Antonio in Grecia. Dopo un lungo periodo di diplomazia inutile, l'esercito di Ottaviano invase l'Egitto nella primavera dell'anno seguente. Dopo la conquista di Pelusio, ai confini orientali del regno dei Tolomei, da parte di Ottaviano, il suo generale Cornelio Gallo marciò da Cirene ed espugnò Paretonio, una città situata nell'Egitto occidentale. Anche se Antonio avrebbe potuto sconfiggere le truppe nemiche, che il 1 agosto del 30 a.C. avevano raggiunto l'ippodromo di Alessandria, la sua flotta e la sua cavalleria si unirono dalla parte di Ottaviano.

Prompt: In The Death of Cleopatra, how is the Backgrounds of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

30 a.C.
Cirene
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio
Marco Emilio Lepido
Ottavia minore
Pelusio
Tolomeo XV


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Desco da parto

Il desco da parto  era un oggetto della vita quotidiana delle donne dell'alta società, soprattutto a Firenze, insieme al cassone nuziale. Il desco poteva essere appeso.Spesso il desco veniva dipinto da un grande pittore e le scene raffigurate erano legate alla nascita in chiave religiosa  o profana e non mancavano figure allegoriche, soggetti letterari . Il retro era di solito dipinto con simboli araldici o scene familiari. forma era quasi sempre tonda, più rari sono i deschi poligonali.Il desco da parto venne in seguito sostituito dalla tazza da puerpera, o dal servizio da puerpera.Esisteva anche il desco da nozze, che, regalato durante il matrimonio, era un augurio per la nascita dei figli.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Desco da parto (Masaccio).Please output in Italian.


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Ritratto di Agnolo Doni

Il Ritratto di Agnolo Doni è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1506 circa e conservato negli Uffizi a Firenze.

Prompt: In Portrait of Agnolo Doni, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1506
Agnolo Doni
Firenze
Raffaello Sanzio


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Opere di Giovanni Bellini San Girolamo San Cristoforo Sant'Agostino Ludovico di Tolosa

Prompt: Focus on Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Ludovico di Tolosa
Opere di Giovanni Bellini
San Cristoforo
San Girolamo


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Madonna col Bambino scrivente e un vescovo inginocchiato

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna and Child with a Bishop.Please output in Italian.


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Adorazione Caprioli

Il rilievo faceva parte del monumento funebre di Luigi Caprioli conservato nella cappella di famiglia all'interno della chiesa di San Giorgio a Brescia. Da Bernardino Faino, Francesco Paglia e altri studiosi sei-settecenteschi sappiamo che il rilievo era inserito entro un qualche apparato architettonico, al quale doveva appartenere anche una pala figurata, eseguita forse per mano dello stesso autore, della quale si sono perse le tracce. In particolare, il Faino scrive che la pala raffigurava una Madonna col Bambino tra i santi Giuseppe e Caterina. Dell'originale apparato architettonico rimane solamente una cornice che fa da stipite esterno al fornice della cappella, con decorazioni molto raffinate. Un'annotazione a penna, resa nota da Vito Zani nel 2010 e in seguito trasmessa da altre fonti successive, principalmente repertori di epigrafi bresciane. Anche di questa lapide, comunque, si sono perse le tracce, sebbene in un manoscritto del 1880 circa ancora si parli di una "lapide spezzata esistente nella corticella adiacente all'abitazione del R.do Vicario" di San Giorgio.Il rilievo, prima di approdare nella collocazione definitiva, entra anche nella collezione dell'erudito Paolo Brognoli, che ha modo di confrontarlo criticamente con l'arca di sant'Apollonio, come spiegato successivamente. L'opera perviene infine in San Francesco nel 1841 per essere impiegata come paliotto dell'altare maggiore, nell'ambito delle ricostruzioni in chiave neoclassica operate da Rodolfo Vantini nello stesso periodo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Caprioli Adoration.Please output in Italian.

Bernardino Faino
Brescia
Francesco Paglia
Rodolfo Vantini


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Fallen Astronaut

Il pubblico venne a conoscenza della deposizione della statuetta solo dopo il rientro a terra degli astronauti dell'Apollo 15 durante la conferenza stampa post volo. Dopo che l'esistenza del Fallen Astronaut divenne pubblica, il National Air and Space Museum di Washington richiese di poterne realizzare una copia affinché fosse esposta al pubblico. L'equipaggio fu d'accordo, ma pose la condizione che l'esposizione sarebbe dovuta avvenire rispettando il buon gusto e senza pubblicità. Nell'aprile 1972, Van Hoeydonck diede al museo una replica della scultura, ancora oggi esposta assieme alla copia della placca con i nomi dei 14 astronauti deceduti.Nel maggio del 1972, Scott venne a sapere che Van Hoeydonck stava progettando di realizzare diverse repliche della statuetta per commercializzarle:Nel 2007 il giornalista Jan Stalmans scrisse a Van Hoeydonck chiedendogli quante copie fossero in circolazione e l'artista confermò che non aveva ricevuto un centesimo ad eccezione della copia venduta dalla galleria Richard Foncke, mentre due erano state prestate al National Air and Space Museum e al Palazzo del Parlamento fiammingo.

Prompt: In Fallen Astronaut, how is the After  return  to  earth discussed?Please output in Italian.

1972
Apollo 1
Apollo 15
National Air and Space Museum


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Il Porto marino con l'imbarco di sant'Orsola è un dipinto a olio su tela  di Claude Lorrain, firmato e datato 1641.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Seaport with the Embarkation of Saint Ursula.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

left raffigurazione della Madonna di Holbein è mancante della classica aureola, sostituita invece da una pesante corona.  rappresentazione di una corona su Maria rappresenta simbolicamente la Chiesa. Tuttavia, la presenza di una corona a placche o pannelli, non si trova in nessun'altra rappresentazione di Maria. Lo storico dell'arte Nikolaus Meier ha sottolineato che la corona della Madonna di Holbein riflette importanti caratteristiche della corona del Sacro Romano Impero.  corona mariana è adornata di perle e porta al centro una grande gemma rossa. Il gioiello di perle riprende la simbolica dichiarazione del ruolo di Maria come "conchiglia" della perla del Salvatore. I dodici pannelli della corona raffigurano dodici re, un riferimento alle dodici tribù di Israele e, nella forma, alle mura e alle porte della Gerusalemme celeste. L'accostamento nella forma e nello stile alla corona imperiale, non solo rappresenta la sacralità della Chiesa come potere superiore anche all'impero, ma anche e soprattutto una dichiarazione dell'atteggiamento politico di fedeltà all'impero manifestata da Jakob Meyer.

Prompt: Explain the Thecrown about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Abate Luigi

Pasquino statua parlante di C. Rendina, in “ROMA ieri, oggi, domani”, n. 20 – febbraio 1990

Prompt: Focus on Abbot Luigi and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Napoleone I, imperatore

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

Prompt: How does Napoleon I as Emperor explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Fontana dei Grandi Laghi

L'opinione generale al riguardo della Fontana dei Grandi ghi è positiva, soprattutto per il contributo fornito da questa e da Taft al patrimonio artistico e culturale della città di Chicago.  principale critica avanzata dai detrattori è l'appartenenza della statua a un vecchio modo di fare scultura: le accuse, in particolare, vertono sulla confusione presente nell'opera e sull'eccessiva decorazione. Una delle principali critiche avanzata dai detrattori riguarda l'appropriatezza del simbolismo rappresentato dalle figure bronzee, immaginate come corpi d'acqua. Si è a lungo discusso su come le personificazioni dei laghi avrebbero potuto rappresentare meglio sia il reale fluire delle acque che l'orientamento e la forma dei laghi a cui si riferiscono.

Prompt: In Fountain of the Great Lakes, how is the Response of the critique discussed?Please output in Italian.


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Monumento a Giordano Bruno

scultura bronzea ha un'impostazione solo apparentemente statica: il piede destro, infatti, è spostato in avanti imprimendo vita e movimento all'intero corpo statuario.  composizione del monumento è carica di significati simbolici. Tra questi è emblematica la posizione, che corrisponde al luogo in cui Bruno fu arso sul rogo. È da quel punto che la statua volge lo sguardo severo e austero in direzione del Vaticano, il suo accusatore. Le mani sono incrociate sul grande libro, come se una catena ne legasse i polsi e rendesse impossibile aprirlo. Il cappuccio del mantello, poi, mette in ombra il viso conferendogli un'aura di mistero.

Prompt: Describe the characteristics of the Statue in Monument to Giordano Bruno's Description.Please output in Italian.


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Trittico dei sette Sacramenti

Il Trittico dei sette Sacramenti è un dipinto del pittore fiammingo Rogier van der Weyden realizzato intorno al 1445-1450 per una Chiesa di Poligny  e in seguito conservato nel Museo reale di belle arti di Anversa in Belgio.

Prompt: How does Seven Sacraments Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Mezzetin

Mezzetin è un dipinto di Antoine Watteau, eseguito tra il 1718 e il 1720. Si trova al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: In Mezzetino (Watteau), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Antoine Watteau
Metropolitan Museum of Art
New York


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

L'opera venne dipinta in stretta sintonia con gli affreschi della cappella, integrandosi sia da un punto di vista figurativo, tramite un riquadro appositamente lasciato vuoto in corrispondenza della pala, sia iconografico, presentando le storie legate alla vita della Vergine dall'Annunciazione alla Fuga in Egitto, non contemplate negli affreschi. datazione della pala è quindi coeva alle pitture murarie, con un possibile scarto che farebbe pensare al completamento dopo la morte del maestro da parte di un allievo. Durante il restauro del 1997-1999 infatti Marco Ciatti dell'Opificio delle Pietre Dure rilevò una diversa tecnica di esecuzione nel manto blu della Vergine, ottenuto in maniera più schematica tramite la stesura del blu d'azzurrite su campiture nere per le ombreggiature, ben diversa dall'accuratezza più rifinita degli altri panneggi. pala occupa un posto particolare nel passaggio dal polittico di stampo medievale alla pala rinascimentale: viene in genere indicata come la prima opera dove il soggetto rappresentato è messo in diretta relazione con la reale architettura circostante, dove lo spazio pittorico è unico e le figure sono concepite, per quanto riguarda dimensioni e colori, per armonizzarsi con gli affreschi, che ne rappresentavano in un certo senso gli scomparti laterali. Innovativa, per quanto ne sappiamo, fu anche la scelta di intelaiare la tavola su tutti i lati disponibili, con una prima testimonianza di pilastrini decorati da figurette di santi, ripresa poi da Masaccio e da Beato Angelico.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bartolini Salimbeni Annunciation.Please output in Italian.

Annunciazione
Beato Angelico
Fuga in Egitto
Marco Ciatti
Masaccio


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Sorpresa!

scena mostra una tigre che, durante una tempesta tropicale nella giungla, sta per balzare addosso a una preda. Non si sa se il titolo intenda riferirsi all'apparizione della tigre nell'erba alta oppure al fulmine che  solca il cielo. Non è dato sapere neanche cosa fissi la tigre e su cosa sembra essa stia per balzare, se un animale o magari uno sventurato cacciatore. Pare che comunque l'intento del pittore fosse mostrare il pericoloso animale indomito, in un inquietante ambiente naturale. L'intera superficie del dipinto è solcata da striscioline di vernice semitrasparente grigio-bianca, che rappresentano la pioggia.Per realizzare il suo dipinto l'artista, che per sua stessa ammissione non aveva mai viaggiato oltre il Jardin des Plantes di Parigi, si ispirò ad animali imbalsamati nei musei, a stampe, a illustrazioni scientifiche, e a visite nei giardini botanici.Per la sua tigre in particolare utilizzò come modello la riproduzione di un disegno a pastello di Eugène Delacroix e un gatto domestico, poi riprodusse il suo disegno e lo traspose sulla tela, quando aveva già disegnato la giungla, aiutandosi con un pantografo: per questo la tigre appare sospesa sopra la vegetazione con un effetto antirealistico, che però, nell'insieme della pittura naif, dà un effetto particolarmente magico e misterioso.Le piante della giungla invece furono realizzate prendendo come spunto esemplari visti in vaso: ad esempio si riconosce, al centro, un albero della gomma. Gli effetti decorativi dei motivi vegetali ripetuti, tramite l'intenso fogliame ondeggiante al vento, poteva essere ispirato ai motivi bidimensionali degli arazzi medievali o delle miniature persiane.

Prompt: Focus on Tiger in a Tropical Storm and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Nel 1834 vi fu un secondo restauro ad opera di Carlo Fea, il quale praticò un'incisione nel cavallo per togliere l'acqua infiltrata al suo interno che, con il suo peso, poneva in serio pericolo la stabilità del monumento. Egli inoltre rinforzò i sostegni corrosi dall'acqua e colò del metallo nelle zampe del cavallo per fissarlo meglio alla base. notte del 29 novembre 1849, durante il periodo della Repubblica Romana, un corteo di popolo mise una bandiera tricolore nelle mani di Marco Aurelio a cavallo.Nel 1912 la statua fu sottoposta ad un lavaggio interno ed esterno e furono otturati con piombo dei fori, dovuti a colpi di fucile che avevano colpito collo, mento e naso.Nel 1940, in occasione della Seconda Guerra Mondiale, la statua fu protetta dalle incursioni aeree e nel 1943 fu spostata in luogo sicuro per proteggerla da eventuali bombardamenti. Fu ricollocata nella piazza solo alla fine del conflitto, al che si decise che la statua andava restaurata e preservata per le future generazioni. I lavori di restauro iniziarono nel gennaio del 1981 presso l'Istituto centrale per il restauro ed ebbero tempi molto lunghi, tanto che furono completati solo nel 1990. Al termine del restauro si decise, per preservare la statua dagli agenti atmosferici, di non ricollocarla nella piazza, ma di custodirla nei Musei Capitolini, in un ambiente progettato ex-novo dall'architetto Carlo Aymonino: l'Esedra di Marco Aurelio.Il 28 aprile 1996 venne collocata sul piedistallo la copia in resina bianca che era stata utilizzata come modello per quella in bronzo, ancora in lavorazione da parte dei tecnici della Zecca dello Stato. copia definitiva fu terminata nel 1997 e fu posta in opera sul basamento al centro della piazza il 19 aprile dello stesso anno. A causa della fragilità della doratura, per la sua scarsa adesione al bronzo e per la difficoltà di riprodurre fedelmente tutte le peculiarità del modellato plastico, non è stato possibile adottare le due tecniche tradizionali del calco diretto o della riproduzione per punti mediante il compasso o il pantografo. Si è utilizzata così una tecnica indiretta all'avanguardia, che comprende due fasi: l'utilizzo del laser per la ricostruzione dei volumi e una rifinitura artigianale.  copia realizzata non riproduce la doratura ancora esistente sull’originale.

Prompt: In the context of Equestrian Statue of Marcus Aurelius, explain the Contemporary Age and the Description.Please output in Italian.

1834
1996
Carlo Aymonino
Carlo Fea
Marco Aurelio
Musei Capitolini
Roma


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Come di consueto nell'arte fiamminga, il trittico chiuso mostra sugli sportelli esterni rappresentazioni a monocromo, che facevano spiccare maggiormente i colori brillanti una volta che l'opera veniva aperta.Nel pannello sinistro vi è raffigurata la Cattura di Cristo, di cui in primo piano è visibile san Pietro che taglia l'orecchio a Malco, mentre in secondo piano i soldati che accerchiano Gesù, caduto a terra; sulla sinistra Giuda si allontana dopo il bacio.Nel pannello di destra è raffigurato il Cristo portacroce in secondo piano, mentre in primo piano sono raffigurati i due ladroni, l'uno intento a confessarsi e l'altro che rifiuta la fede. Attorno a Gesù è assiepata una folla, ora molestatrice, ora in aiuto di Gesù , ora semplicemente curiosa, come l'uomo avvolto in un manto con i bambini al seguito che additano l'evento.

Prompt: Describe the characteristics of the Triptych closed in Triptych of the Temptation of St. Anthony's Description and style.Please output in Italian.


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Lotta tra Amore e Castità

Il dipinto fu il terzo ad essere commissionato da Isabella d'Este per il suo studiolo, dopo le due tele di Mantegna, il Parnaso e il Trionfo della Virtù, rispettivamente del 1497 e del 1499-1502.Il soggetto venne fornito forse dal poeta e consigliere di Isabella Paride da Ceresara e ne resta una corposa documentazione tramite la fitta corrispondenza tra Isabella e il Perugino, attivo allora alla bottega di Firenze. Il tema letterario, specificato in tutte le parti, era incluso nel contratto notarile e comprendeva un disegno su cui il pittore doveva basarsi. Il pittore poteva omettere qualche episodio secondario nel dettagliatissimo programma, ma gli era assolutamente proibito di aggiungere figure di sua invenzione o di fare modifiche: quando dipinse una Venere nuda anziché vestita la marchesa, tramite i suoi consulenti che continuamente visitavano lo studio dell'artista, protestò vigorosamente.Nel 1505, alla consegna del dipinto, Isabella non ne rimase pienamente soddisfatta: disse che le sarebbe piaciuto di più se fosse stato a olio, quando invece era stato fatto a tempera su sue esplicite istruzioni per seguire lo stile di Mantegna. Inoltre il pittore si era trovato probabilmente a disagio nel dipingere la composizione di contenuto intimista piuttosto che un'opera di grande formato come al suo solito.  composizione risulta infatti un po' farraginosa, carente nel disegno rispetto ai precedenti di Mantegna. Il tutto fruttò a Perugino la non alta cifra di 100 ducati.Il dipinto venne regalato, con tutti gli altri dello studiolo, da Carlo I Nevers al cardinale Richelieu, venendo trasferito a Parigi. Qui seguì le vicende di molte collezioni artistiche di pregio, finendo nel patrimonio statale e poi al nascente Museo del Louvre.

Prompt: Focus on The Battle Between Love and Chastity and explain the History.Please output in Italian.

1497
1499
1502
1505
Firenze
Isabella d'Este
Museo del Louvre
Paride da Ceresara
Parigi
Perugino
Perugino
Trionfo della Virtù


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Amore e Psiche

Amore e Psiche sono i due protagonisti di una nota storia narrata da Apuleio all'interno della sua opera Le Metamorfosi, anche se è considerata risalire ad una tradizione orale antecedente all'autore.Nella vicenda narrata da Apuleio, Psiche, mortale dalla bellezza eguale a Venere, diventa sposa di Amore-Cupido, senza, tuttavia, sapere chi sia il marito, che le si presenta solo nell'oscurità della notte. Scoperta su istigazione delle invidiose sorelle la sua identità, è costretta, prima di poter ricongiungersi al suo divino consorte, a effettuare una serie di prove, al termine delle quali otterrà l'immortalità. Altre versioni, differenti da quella di Apuleio, narrano, invece, la morte della ragazza prima dell'ultima prova, altre ancora narrano che la ragazza abbia fallito l'ultima prova e che abbia, quindi, dovuto lasciare Amore-Cupido.

Prompt: Focus on Cupid and Psyche (Gérard) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di Giovanni de' Medici

Il Ritratto di Giovanni de' Medici è un dipinto a olio su tavola  di Agnolo Bronzino, databile al 1545 e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.A lungo esposto nel cuore del museo , a partire dal 2012 è collocato nelle sale rosse dei Nuovi Uffizi.

Prompt: Focus on Portrait of Giovanni de' Medici as a Child and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

ricerca e le conclusioni attributive tratte da Carla Glori, studiosa leonardiana, s'incentrano sulla decifrazione della scritta del cartiglio “IACO.BAR.VIGEN/NIS P.1495”. Esse vertono su aspetti linguistici, filologici, crittografici, matematici, oltre che sulla ricostruzione di precisi fatti storici connessi alla data. I risultati inducono a ricondurre il cartiglio stesso a Leonardo da Vinci. Il dossier “Il codice vinciano di Capodimonte” del 2017 contiene inoltre una proposta d'attribuzione a Leonardo dell'intera opera. Il metodo seguito da Carla Glori per pervenire alla sua proposta attributiva è stato quello della comparazione analitica di precisi particolari della riflettografia del quadro di Capodimonte con corrispondenti particolari delle riflettografie del ritratto di musico e della Gioconda, entrambe opere certamente autografe di Leonardo, rinvenendo verificabili similitudini.Dal 2010 c'è la prima  decifrazione del cartiglio, fornita da Carla Glori. Da una parte, vi è l'interpretazione dell'iscrizione “IACO.BAR.VIGEN/NIS P.1495”, dall'altra la scoperta di circa cinquecento frasi dotate di senso e contenenti “VINCI”, formate con il medesimo repertorio alfabetico dell'iscrizione, integrato dalla parola “musca”. Nel 2017 la ricerca ha mostrato che la scritta originale, anche senza l'inserimento del termine “musca”, è in grado di generare una ventina di frasi contenenti “VINCI”, confermando l'ipotesi che l'enigmatica iscrizione sia in realtà una matrice alfabetica, programmata dal pittore per generare frasi riferite ai soggetti, agli oggetti ritratti ed alla storia degli Sforza, tutte contrassegnate dal sostantivo “VINCI”. L’insieme delle frasi decifrate forma un organico intreccio storico-biografico databile al 1495. L'insieme delle frasi anagrammate è riferito alla biografia dei due personaggi ritratti , alle loro azioni visibili nel dipinto e agli oggetti rappresentati nel quadro, oltre che a luoghi storici di Vigevano.  maggior parte delle frasi riguarda la morte per avvelenamento di Gian Galeazzo Maria Sforza, avvenuta nell'ottobre 1494.  “mosca” - essenziale nel cartiglio quale parola-chiave – risulta essere una simbolica allusione alla morte del giovane duca, che gli storici imputano allo zio Ludovico il Moro.Anche la monografia di Giovanni Barca jaco.bar.vigennis p.1495: enigma e secretissima scientia attribuisce, sulla base delle ricerche di Carla Glori, il doppio ritratto a Leonardo da Vinci.

Prompt: Explain the Leonardo da Vinci about the Author's identity of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.

1495
Gian Galeazzo Maria Sforza
Gioconda
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro
Vigevano


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Composizione VII

Il dipinto fu portato a termine nel 1913 dopo tre giorni e mezzo di duro lavoro nello studio di Kandinskij a Monaco. Esso fa parte di una serie di dieci Composizioni dipinte nell'arco di trent'anni. Il pittore definì le sue Composizioni "visioni interiori" simili per forma e struttura a una sinfonia. Per Composizione VII  realizzò circa trenta studi.Questo dipinto è tipico della prima fase dell'Astrattismo.  composizione è fatta essenzialmente di forme e colori ai quali viene attribuito un valore autonomo, cioè un valore che non è collegato ad eventi o ad oggetti riconoscibili.

Prompt: In Composition VII, how is the History  of  the  painting discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Giovanna Tornabuoni

L'opera è datata 1488, anno della morte di Giovanna degli Albizi, maritata a Lorenzo Tornabuoni, di parto. Probabilmente venne eseguita dopo la morte a memoria della fanciulla, magari anche negli anni immediatamente successivi. Ciò spiegherebbe il carattere fortemente idealizzato dell'opera e il suo senso di malinconia.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Giovanna Tornabuoni.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftSecondo lo storico Plutarco, Olimpo, il medico personale di Cleopatra, affermò in un commentario che la causa della morte della regina non era dovuta al morso di un serpente: ciononostante, lo storico greco riportò la morte dovuta al morso dell'aspide, oltre a fornire un'altra versione del suicidio attraverso un oggetto appuntito. Strabone, che riportò per primo il racconto della morte, scrisse che era probabile che Cleopatra si fosse suicidata facendosi mordere da un aspide o bevendo del veleno. Secondo Cassio Dione furono trovati dei piccoli segni sul braccio di Cleopatra, L'egittologo Wilhelm Spiegelberg affermò che la scelta di Cleopatra di suicidarsi con un aspide richiamava il suo status reale, in quanto l'aspide, in realtà il cobra egiziano, rappresentava l'ureo, il serpente sacro del dio del sole Ra. Il professore universitario statunitense Robert A. Gurval fece notare come lo stratego ateniese Demetrio di Falero, relegato in Egitto dal faraone Tolomeo II Filadelfo, si fosse suicidato in una maniera molto simile. François Pieter Retief, preside della facoltà di medicina all'Università dello Stato Libero, in Sudafrica, e Louise Cilliers, ricercatrice onoraria del dipartimento di studi di lettere classiche della stessa università, affermano come sia improbabile che un serpente uccida tre donne adulte  così rapidamente. Quanto alla teoria della forcina per capelli e a quella del veleno, Cilliers e Retief fanno notare come altre figure del mondo antico si siano suicidate in modi simili, come Demostene, Annibale Barca e Mitridate VI del Ponto. Nel suo libro The Murder of Cleopatra: History's Greatest Cold Case, la scrittrice Pat Brown avanza l'ipotesi che la regina sia stata assassinata e i dettagli dell'accaduto siano stati nascosti dalle autorità romane. Questo stravolgerebbe la maggioranza delle fonti primarie sull'accaduto, che concordano nell'affermare che la sovrana sia morta suicida.  storica Patricia Southern ipotizza che sia stato Ottaviano stesso a lasciare che Cleopatra morisse di sua mano invece di ucciderla.

Prompt: In Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), how is the Cause of death of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Annibale
Cassio Dione
Cleopatra
Demostene
Mitridate VI del Ponto
Patricia Southern
Plutarco
Ra
Strabone
Sudafrica
Tolomeo II
Università dello Stato Libero
Wilhelm Spiegelberg


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Incile del Fucino

LIncile del Fucino è un'infrastruttura realizzata all'imbocco dell'emissario ipogeo del Fucino. È costituita dalla testata dell'emissario, dal bacino di accumulo delle acque e dal ponte delle paratoie. Il corpo di fabbrica è sovrastato dalla statua dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria, alta circa sette metri, detta Madonna dell'Incile. L'opera è situata in località Borgo Incile, a sud di Avezzano in Abruzzo.  sua realizzazione, unitamente al canale collettore, all'emissario e ai cunicoli di Claudio, consentì il prosciugamento del lago Fucino avvenuto parzialmente in epoca romana e totalmente nella seconda metà dell'Ottocento. monumentalizzazione in stile neoclassico, datata 1876, è opera dell'architetto di casa Torlonia, Carlo Nicola Carnevali.  statua della Madonna dell'Incile è la copia identica di quella crollata con il terremoto della Marsica del 1915.

Prompt: In Fucine Inlet, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1876
Abruzzo
Avezzano
Carlo Nicola Carnevali
Claudio
Fucino
Immacolata Concezione
Incile
Marsi
Marsica
Torlonia


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Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: Explain the Parallel with Islam of this artwork, Sacrifice of Isaac (Caravaggio).Please output in Italian.


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Statua di Rocky di Žitište

destra  statua di Rocky a Žitište statua di Rocky di Žitište, in Serbia, è una delle immagini più iconiche della città. Situata nel centro della città, la statua di Rocky Balboa, dell'artista croato Boris Staparac, è stata eretta nel 2007. Il regista canadese Barry Avrich ha realizzato il film documentario Amerika Idol, che descrive gli eventi che hanno preceduto la creazione della statua, nonché la cerimonia della sua installazione. Nel film è presente anche Sylvester Stallone, che ha interpretato il personaggio di Rocky in otto film, e A. Thomas Schomberg, che ha realizzato la famosa statua di Rocky a Filadelfia.Nel 2011 la guida Lonely Planet ha incluso il monumento a Rocky Balboa di Žitište nella sua lista dei "10 monumenti più bizzarri della Terra", insieme alla statua equestre del duca di Wellington di Glasgow  e alla Cattedrale dei Santi Pietro e Paolo di Washington .

Prompt: Focus on Rocky statue in Žitište and explain the Abstract.Please output in Italian.

A. Thomas Schomberg
Barry Avrich
Boris Staparac
Glasgow
Lonely Planet
Rocky
Rocky Balboa
Serbia
Sylvester Stallone
Washington
Žitište


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Majas al balcone

J. Chastenet,  vie quotidienne en Espagne au temps de Goya, 1966, ParigiPierre Gassier, Goya, 1989, Roma, New ComptonA. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990F. Calvo Serraler, Goya, Milano, 1996Renato Barilli, L'alba del contemporaneo: l'arte europea da Füssli a Delacroix, 1996, FeltrinelliJanis Tomlinson, Goya, 2002, PhaidonR. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'EspressoR. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, RizzoliGiuliano Serafini, Francisco Goya, 2004, Giunti

Prompt: Focus on Majas on a Balcony and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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medaglia di Giovanni VIII Paleologo

AA.VV., L'opera completa di Pisanello, Rizzoli, Milano 1966AA.VV., Medaglie italiane del Rinascimento, Museo Nazionale del Bargello, Firenze 1983.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Medal of John VIII Palaeologus.Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

È stato dimostrato che i tratti del volto della Nereide sono quelli di Margherita Luti, l'amante e musa di Raffaello che posò anche per il famosissimo ritratto  Fornarina , la Madonna Sistina  e  Velata . Ed il Trionfo di Galatea, essendo del 1512, è il primo dipinto dell'Urbinate in cui compare la sua amata Margherita.Secondo alcuni Raffaello e Margherita si conobbero proprio mentre lui stava lavorando nella Villa di Agostino Chigi , in cui Margherita andava spesso per consegnare il pane del suo forno . Addirittura, dopo che Raffaello conobbe la giovane donna passava più tempo con lei che al lavoro. Agostino allora decise di chiamare Margherita nella sua Villa  e Raffaello dipinse il volto di Galatea ispirandosi a quello della sua amante.

Prompt: Explain the ThefaceofGalatea of this artwork, Galatea (Raphael).Please output in Italian.

1512
Agostino Chigi
Madonna Sistina
Margherita Luti


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Diana di Gabi

sinistra Il volto. giovane donna è rappresentata a grandezza maggiore di quella naturale. Il peso del corpo è scaricato sulla gamba destra, rinforzata con un ceppo d'albero; la gamba sinistra, invece, non contribuisce in alcun modo a sostenere la figura: il piede sinistro, infatti, ha il tallone rialzato e le dita rivolte verso l'esterno. statua è generalmente identificata come Artemide, dea della verginità, della caccia e delle selve, esclusivamente per via delle sue vesti. Indossa, difatti, un chitone non particolarmente lungo con ampie maniche, tipico della dea. Il chitone è legato da due cinturini, uno visibile attorno alla sua vita, l'altro invece nascosto, i quali trattengono parte del tessuto, accorciando il chitone e mostrando le ginocchia.  dea è rappresentata nell'atto di fissare con una spilla il suo mantello: la mano destra stringe una fibula e tiene sollevata una piega del vestito sulla spalla destra, mentre quella sinistra trattiene un'altra piega del vestito all'altezza del petto. Il movimento fa cadere il colletto del chitone, lasciando scoperta la spalla sinistra. testa è lievemente rivolta a destra, ma la dea non presa attenzione su ciò che sta facendo. Al contrario, il suo sguardo volge all'ambiente che la circonda, caratteristica tipica delle statue classiche.  sua chioma fluente è tirata indietro da una fascia legata al di sopra del collo, poi raccolti in una crocchia contenuta da un secondo nastro non visibile.

Prompt: How does Diana of Gabii explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna Altman

Madonna Altman  è un dipinto tempera a colla e oro su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1495-1505 e conservato nel Metropolitan Museum di New York.

Prompt: Focus on Altman Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.


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L'aria

scultura in piombo rappresenta un nudo femminile sdraiato che si regge in equilibrio su una natica e alza in aria le gambe, a simboleggiare il volo dell'aereo postale. Nel monumento tolosano la figura di pietra è circondata da un velo ondulato, che dovrebbe rendere l'idea del vento che soffia. Come per  montagna e Il fiume, due altre opere dell'artista realizzate in questo periodo, a dare i propri tratti a questa allegoria fu Dina Vierny, una giovane modella ebrea originaria di Chișinău .

Prompt: How does Air (Maillol) explain its Description?Please output in Italian.


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Banchetto nuziale

Dentro un grande edificio, forse un granaio o un pagliaio, si sta svolgendo il pranzo nuziale di una coppia di contadini.  sposa è ben visibile davanti al telo verde appeso alle sue spalle  e indossa la corona con aria vagamente sognante, accanto ai genitori ; lo sposo secondo la tradizione deve servire ai tavoli ed è forse da identificarsi con l'uomo che sta versando della birra  in una brocca all'estrema sinistra, o con quello dal berretto rosso che si volta al centro per prendere le scodelle col cibo  e passarle ai convitati, portate da sue inservienti su un rudimentale vassoio fatto d'assi.In primo piano si vede un bambino che sta leccando un piatto, indossante un berrettone con piuma di pavone che gli copre gli occhi e sulle cui gambe è appoggiato un pezzo di pane imburrato. Lo sguardo dello spettatore è guidato in profondità dalla posizione obliqua della tavola, lungo la quale si allineano i vari ospiti, ciascuno ritratto nella sua singolarità. Un cane spunta da sotto la tavola, vicino a un prelato che sta discutendo con un uomo dalla barba rossa di profilo: qualcuno lo ha indicato come un possibile autoritratto di Bruegel. In quest'opera non è forse un caso che l'autore sembri sciogliere, infine, quel distacco verso i suoi personaggi che l'aveva caratterizzato, partecipando in qualche misura alla gioia dell'evento.Sempre in primo piano sono ben visibili due camerieri che trasportano un grande "vassoio" di legno con dei piatti.  grande curiosità di questa immagine è la posizione del piede sinistro del cameriere con la giubba rossa. Effettivamente si nota che "i piedi sinistri" in realtà sono ben due, uno un po' più arretrato, sotto il piano in legno, ed uno più avanzato quasi come l'altro. In realtà pare che l'artista non sapesse come posizionare quel piede, se in modo tale da far intendere a chi lo osservasse che quel cameriere si fosse fermato girandosi oppure stesse avanzando.Due suonatori di zampogna stanno in piedi nel medio piano, e quello con la giubba rossa ha momentaneamente smesso di suonare e s'è girato ad osservare, con un'espressione di golosità, i piatti che i camerieri stanno servendo; in lontananza altri personaggi si accalcano alla porta e un bambino, seduto all'estremità del tavolo, si sta succhiando un dito.Nel centro del dipinto si scorge inoltre la personificazione di uno Scemo del villaggio. descrizione è quindi arricchita da molti dettagli quotidiani, che fanno dell'opera un prototipo per la pittura di genere.

Prompt: In The Peasant Wedding, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Trittico di san Pietro martire

Insolita è anche la presenza di pitture tra gli spazi della carpenteria delle cuspidi, dove si trovano le scenette della vita di san Pietro Martire, trattate con uno svagato tono miniaturistico, che ricorda le opere fiorentine coeve di Gentile da Fabriano. Ai lati si trova una doppia curva di alberi che unifica lo spazio di queste scenette, come se si svolgessero in un unico panorama. L'autografia di queste scenette è stata oggetto di molti pareri discordanti, arrivando a proporre anche il nome dell'allievo Benozzo Gozzoli. L'unica cosa certa è che il restauro ha rivelato come la pittura di queste zone sia coeva al Trittico, per cui parte integrante del dipinto fin dall'inizio.  ricchezza compositiva e la capacità con cui sono dipinti gli elementi in prospettiva fanno di queste storie un'anticipazione dello stile dei pannelli di predelle dell'Angelico dell'inizio degli anni trenta.

Prompt: Describe the characteristics of the The stories of Saint Peter Martyr in San Pietro Martire Triptych's Description and style.Please output in Italian.


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Headington Shark

L'Headington Shark non riscosse inizialmente un grande successo. Infatti, come già accennato, i residenti di Headington lo reputarono antiestetico e ne proposero anche la rimozione. Infatti a partire dal XXI secolo lo squalo è divenuto la mascotte di Headington.All'interno del distretto lo squalo è diventato tanto noto che, nel 2011, si è persino festeggiato il venticinquesimo anniversario dalla sua costruzione, che gli abitanti hanno affettuosamente denominato «25º compleanno». Durante l'anniversario, in cui sono stati offerti cibi e bevande, Bill Heine ha anche autografato una sua opera, The Hunting of the Shark, scritto poco prima del 25º anniversario.

Prompt: In the context of Headington Shark, explain the Preamble and the Meaning.Please output in Italian.


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Statua del dio Nilo

statua del dio Nilo è una scultura marmorea di epoca romana databile tra il II e III secolo d.C. e che insiste nel largo Corpo di Napoli, nel cuore del centro storico della città partenopea.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Nile God Statue, Naples.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Explain the The Annunciation in theology about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (van Eyck, Washington).Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Ritratto del cardinale Cristoforo Madruzzo

Di ritorno del un secondo soggiorno ad Augusta nel 1551 Tiziano è chiamato a Trento per realizzare il ritratto del cardinale Cristoforo Madruzzo che fu membro del Concilio di Trento il più lungo e storico della Chiesa. Madruzzo commissionò all'artista un imponente quadro dell'intera sua figura con aspirazioni politiche ed ecclesiastiche che furono concretizzate.Di particolare attenzione è rivolta dal fatto che Madruzzo non indossava l'abbigliamento da cardinale sebbene fosse stato nominato nella carica nel 1542. Probabilmente fu il Madruzzo a decidere un ritratto con un abito nero invece di cardinale poiché aveva il ruolo di mediatore tra la Chiesa cattolica e il Re di Spagna i cui interessi erano allora in conflitto.Ecco perché ha deciso di non utilizzare l'abito religioso in modo da non favorire controversie tra il clero e l'imperatore Carlo I.Un altro punto saliente del ritratto è l'orologio, una posizione dominante nell'opera, alla fine della diagonale tracciata dal braccio destro dell'immagine. L'orologio è stato oggetto di varie interpretazioni. Dovrebbe simboleggiare, in modo generico, un memento mori, un avvertimento sulla transitorietà della gloria e il bisogno di temperanza. In questo senso l'oggetto è un elemento comune della pittura veneta che appare in diversi altri ritratti di questa scuola .Secondo Harold Wethey il lavoro era in origine più grande essendo stato ridotto in basso e sul lato destro. Nella parte superiore dell'opera, sul lato destro, c'è l'indicazione della data , l'età della persona ritratta  oltre alla firma di Tiziano . Un restauro infruttuoso, compiuto intorno al 1907, ne compromise la piena visibilità, mitigato da un recente restauro effettuato tra il 1992 e il 1995 e realizzato dal Getty Museum di Los Angeles.

Prompt: How does Portrait of Cardinal Cristoforo Madruzzo explain its Description and style?Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio di Trento
Cristoforo Madruzzo
Getty Museum
Harold Wethey
Los Angeles
Trento


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L'opera ha un prototipo nella Madonna col Bambino scrivente di Philadelphia , dalla quale riprende la composizione della Madonna a figura intera, col Bambino vestito come un antico filosofo in piedi su uno sgabello , mentre scrive su un libro che la Vergine gli porge. Inoltre presenta la figura del committente inginocchiato di profilo in posizione di preghiera, già utilizzata nella Madonna della Pace di San Severino Marche . Gesù ha la compostezza di un adulto, sottolineata dalla veste da piccolo redentore, con una dalmatica e un pallio che vennero forse ispirati dai mosaici bizantini a Roma, in antitesi con gli esili veli coevi della scuola umbra e toscana.Lo sfondo arcaico dorato e il tappeto di fiorellini sicuramente furono adattamenti al gusto tardo gotico ispano-moresco per compiacere il committente. Gli uccellini che si intravedono simboleggiano la Passione di Cristo, prefigurandola.

Prompt: In Madonna and Child with a Bishop, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Madonna col Bambino scrivente
San Severino Marche


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftSecondo lo storico Plutarco, Olimpo, il medico personale di Cleopatra, affermò in un commentario che la causa della morte della regina non era dovuta al morso di un serpente: ciononostante, lo storico greco riportò la morte dovuta al morso dell'aspide, oltre a fornire un'altra versione del suicidio attraverso un oggetto appuntito. Strabone, che riportò per primo il racconto della morte, scrisse che era probabile che Cleopatra si fosse suicidata facendosi mordere da un aspide o bevendo del veleno. Secondo Cassio Dione furono trovati dei piccoli segni sul braccio di Cleopatra, L'egittologo Wilhelm Spiegelberg affermò che la scelta di Cleopatra di suicidarsi con un aspide richiamava il suo status reale, in quanto l'aspide, in realtà il cobra egiziano, rappresentava l'ureo, il serpente sacro del dio del sole Ra. Il professore universitario statunitense Robert A. Gurval fece notare come lo stratego ateniese Demetrio di Falero, relegato in Egitto dal faraone Tolomeo II Filadelfo, si fosse suicidato in una maniera molto simile. François Pieter Retief, preside della facoltà di medicina all'Università dello Stato Libero, in Sudafrica, e Louise Cilliers, ricercatrice onoraria del dipartimento di studi di lettere classiche della stessa università, affermano come sia improbabile che un serpente uccida tre donne adulte  così rapidamente. Quanto alla teoria della forcina per capelli e a quella del veleno, Cilliers e Retief fanno notare come altre figure del mondo antico si siano suicidate in modi simili, come Demostene, Annibale Barca e Mitridate VI del Ponto. Nel suo libro The Murder of Cleopatra: History's Greatest Cold Case, la scrittrice Pat Brown avanza l'ipotesi che la regina sia stata assassinata e i dettagli dell'accaduto siano stati nascosti dalle autorità romane. Questo stravolgerebbe la maggioranza delle fonti primarie sull'accaduto, che concordano nell'affermare che la sovrana sia morta suicida.  storica Patricia Southern ipotizza che sia stato Ottaviano stesso a lasciare che Cleopatra morisse di sua mano invece di ucciderla.

Prompt: Describe the characteristics of the Cause of death in The Death of Cleopatra's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Annibale
Cassio Dione
Cleopatra
Demostene
Mitridate VI del Ponto
Patricia Southern
Plutarco
Ra
Strabone
Sudafrica
Tolomeo II
Università dello Stato Libero
Wilhelm Spiegelberg


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I Musici

I Musici, conosciuti anche con il nome I Musici di Roma, è una orchestra italiana nota soprattutto per le esecuzioni di musica barocca.

Prompt: Focus on The Musicians (Caravaggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In Epifania, how is the Italy of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Strage degli innocenti

leftL'impressione suscitata dai massacri che hanno luogo nel dramma degli eventi bellici, e che vede scorrere il sangue di bambini, trova eco nelle rappresentazioni della Strage. pittura rinascimentale sviluppa ulteriormente la "attualizzazione" dell'evento e del messaggio che ne deriva.Domenico Ghirlandaio, sulle pareti di Santa Maria Novella in Firenze, affresca la scena della Strage ambientandola emblematicamente di fronte all'arco di trionfo di un imperatore romano, quasi a voler ricordare "di che lacrime grondi e di che sangue" la gloria dei potenti. scena del massacro è convulsa; le madri sono intente a fuggire di fronte alla carica dei soldati a cavallo, cercando di porre in salvo i loro bimbi. Una di esse, in primo piano, vestita di rosso, reagisce rabbiosa al sopruso subito abbrancandosi ai capelli di un soldato romano che le ha strappato la creatura.Giorgio Vasari, nelle sue Vite, inizia a descrivere l'affresco del Ghirlandaio definendo la scena come "una baruffa bellissima di femmine e di soldati e cavalli", analizzando poi in questi termini  il particolare di quella che potremmo oggi chiamare la "madre coraggio"::Èvvi ancora un soldato che ha tolto per forza un putto, e mentre correndo con quello se lo stringe in sul petto per amazzarlo, se li vede appiccata a' capegli la madre di quello con grandissima rabbia; e facendoli fare arco della schiena, fa che si conosca in loro tre effetti bellissimi: uno è la morte del putto che si vede crepare, l'altro l'impietà del soldato che per sentirsi tirare sì stranamente mostra l'affetto del vendicarsi di esso putto, il terzo è che la madre, nel veder la morte del figliuolo, con furia e dolore e sdegno cerca che quel traditore non parta senza vendetta: cosa veramente più da filosofo mirabile di giudizio che da pittore.Il pittore senese Matteo di Giovanni dipinse - assieme ad altre numerose varianti - la Strage degli innocenti oggi conservata al museo nazionale di Capodimonte a Napoli.  tavola venne probabilmente commissionata da Alfonso d'Aragona, duca di Calabria, per ricordare la strage eseguita dai Turchi ad Otranto nel luglio 1480.L'autore sceglie come ambientazione del massacro la sala delle udienze di un ricco palazzo rinascimentale, decorato da fregi che evocano battaglie di antichi eroi mitologici. Da un imponente trono marmoreo Erode, vestito come un ricco satrapo orientale, dà ordini ad un manipolo di soldati vestiti in differenti fogge strane perché eseguano prontamente il massacro. Colpisce nella caotica e drammatica concitazione dei gesti che popolano la scena, l'immagine di un vecchio con la barba bianca - simbolo della saggezza calpestata - che, accanto al trono di Erode, guarda accorato ed impotente il tiranno mentre dirige la sua codarda impresa.Un ancor più marcato intento "attualizzante" è quello che guida la rappresentazione della Strage nel quadro di Pieter Bruegel il Vecchio conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna. scena si svolge nel paesaggio invernale di un villaggio fiammingo, con gli aguzzini che giungono a cavallo e, come in un saccheggio, perlustrano le case ad una ad una. Difficile pensare che l'artista non avesse in mente gli orrori commessi contro la popolazione inerme da quei soldati, al comando del Duca d'Alba, che la cattolicissima maestà spagnola di Filippo II aveva scatenato contro la nobiltà calvinista che reclamava l'autonomia dei Paesi Bassi. Qualcuno, anzi, ha creduto di riconoscere nel barbuto comandante che appare nel quadro alla guida di uno squadrone di cavalieri, fieri nelle loro armature, il ritratto del terribile Duca.Il pathos insostenibile dei bimbi strappati dalla culla o dai loro giochi innocenti per essere massacrati, trova espressione anche in forme artistiche "dialettali" che spesso definiamo affrettatamente come arte "minore". È questo il caso delle statue in terracotta della XI cappella del Sacro Monte di Varallo realizzate nel 1588-89 da un poco noto "plasticatore": Giacomo Paracca di Valsolda detto "il Bargnola".Giovanni Testori ha dedicato a quest'opera un saggio di grande forza espressiva:  cappella della Strage. Basta leggere qualche brano per veder restituito al Paracca, oltre al suo indubbio talento di scultore, il sigillo di "artista maledetto"::Ma il coacervo di corpi, nel suo insieme da "teatro della crudeltà" [..] quel coacervo, dicevo, sembra giungerci da molto lontano, attraverso pesti, insanguinarsi nei lutti di guerre e invasioni, per passarci accanto e, ahinoi, preannunciarci chissà che stragi e orrori a venire.Poi ancora:: […] non possiamo negare come anche nel Paracca aggalli la rogna della perversità e del sadismo; anzi, per essere sinceri, in lui quella rogna più che aggallare si scatena e si fa orchestra...Si avverte in talune crude rappresentazioni della Strage il rischio di un compiacimento per il macabro, per i particolari da macelleria, come nei fotogrammi che oggi i "media" talvolta diffondono.Se – come dice Testori - nella Cappella di Varallo si ode un "coro atroce da stalla", in talune raffigurazioni manieriste della Strage – come in quella di Callisto Piazza nel polittico della Basilica Cattedrale della Vergine Assunta di Lodi - si sente il suono stucchevole di un troppo lezioso madrigale. Difficile dire quale dei due sia più insostenibile; se il primo per essere troppo vero, o il secondo per esser troppo edulcorato.Su un altro e diverso versante, quello del "manierismo fiammingo" rappresentato da Cornelis van Haarlem, autore della tela al Rijksmuseum di Amsterdam, si odono invece le urla bestiali dell'orgia, con gli osceni corpi nudi dei carnefici messi in primo piano e la poco edificante scena della vendetta delle madri su un sicario caduto.

Prompt: Explain the The Renaissance about the Weariness  in  art of this artwork, Massacre of the Innocents (Reni).Please output in Italian.

1480
1588
Amsterdam
Callisto Piazza
Cornelis van Haarlem
Domenico Ghirlandaio
Firenze
Giacomo Paracca
Giorgio Vasari
Giovanni Testori
Kunsthistorisches Museum
Matteo di Giovanni
Napoli
Otranto
Pieter Bruegel il Vecchio
Rijksmuseum
Sacro Monte di Varallo
Strage
Valsolda
Vienna