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Sepoltura e gloria di santa Petronilla

sinistraAffresco del IV secolo situato nelle L'esistenza storica di una Petronilla cristiana è certa come dimostrano le testimonianze di una particolare venerazione dedicatele che si trovano nella catacomba di Domitilla ove Petronilla fu sepolta. Priva di ogni fondamento invece è la credenza che questa Petronilla fosse la figlia di san Pietro, come apparve chiaro già a primi eruditi cattolici che sulla scia dei dettami tridentini si dedicarono allo studio delle antiche comunità cristiane e della vita dei primi santi allo scopo di emendarle da leggende e false credenze e ristabilirne la verità storica.È il caso in primo luogo di Cesare Baronio che - nei suoi Annales Ecclesiastici - tra gli altri argomenti che destituiscono di fondamento l'idea che Petronilla fosse figlia di Pietro rileva che nomi femminili terminanti con questo suffisso  erano uso romano ad indicare il patronimico della donna  e non certo ebraico. Petronilla quindi è piuttosto figlia di tal Petronio, con ogni probabilità una patrizia romana che aveva abbracciato la fede cristiana. Moderne ricerche archeologiche nella catacomba di Domitilla sono giunte alla conclusione che Petronilla sia morta imperante Domiziano, forse durante le persecuzioni anti-cristiane da questi ordinate.Sia come sia, in epoca tardoantica si diffuse la credenza che Petronilla fosse figlia di san Pietro, probabilmente solo sulla base dell'assonanza tra i due nomi  e come tale fu venerata. Sorsero quindi delle leggendarie agiografie della figlia di Pietro  che culminano nella sua morte eroica.Della bella Petronilla si era ardentemente innamorato un giovane patrizio romano, tale Flacco; la ragazza però voleva serbarsi casta, consacrando la sua verginità al Signore e men che mai sarebbe andata in sposa ad un pagano. Prese così a pregare e digiunare finché la morte non sopraggiunse, conservando in tal modo la sua purezza.Il culto di Petronilla assunse peculiare pregnanza con la venuta in Italia del re dei Franchi Pipino il Breve, chiamato nella Penisola dal papa Stefano II per combattere i Longobardi.Ricostruzione grafica tardottocentesca della basilica costantiniana di San Pietro. In alto a sinistra nell'immagine si vedono due edifici a pianta circolare annessi alla chiesa: quello più in alto è l'antico mausoleo di Onorio, divenuto poi, con la traslazione delle reliquie della "figlia" di san Pietro, la Rotonda di Santa PetronillaQuando il vittorioso Pipino si recò a Roma il papa, come onorifica ricompensa, assegnò alla monarchia franca una prestigiosa patrona: per l'appunto santa Petronilla. Il gesto aveva chiaramente anche un alto valore simbolico, suggellando il legame tra i Franchi e il papato: come Petronilla fu figlia di Pietro, il regno dei Franchi lo diveniva della Chiesa romana.A celebrazione di questo solenne patto si decise di traslare le reliquie di Petronilla dalla catacomba di Domitilla nella basilica di San Pietro, o per meglio dire nel preesistente mausoleo di Onorio, edificio che venne annesso alla antica basilica petrina poi sorta sul Vaticano. Il mausoleo ospitò quindi la cappella dedicata alla figlia del primo degli apostoli assumendo la denominazione di Rotonda di Santa Petronilla, a causa alla pianta circolare dell'antico edificio funerario. dedicazione della figlia di san Pietro a protettrice dei re Franchi rimase ferma nei secoli: santa Petronilla venne così costantemente riconosciuta e celebrata quale patrona della monarchia francese e quindi della stessa Francia .  Rotonda vaticana divenne quindi - e lo restò per secoli, fino alla sua demolizione dovuta all'integrale rifacimento di San Pietro - la cappella palatina dei re di Francia presso la Santa Sede .Con la demolizione dell'antica basilica di San Pietro venne distrutta anche la Rotonda di Santa Petronilla. Le spoglie della santa furono provvisoriamente ricoverate altrove e poi ricollocate, nel 1606, nella nuova basilica nella mensa dell'altare dedicato a Petronilla. A quest'altare era per l'appunto destinata la pala del Guercino. dedicazione di un altare a santa Petronilla anche nella nuova San Pietro è probabilmente da spiegarsi più con motivazioni politiche che devozionali: già da qualche anno il cardinal Baronio aveva sostanzialmente confutato la leggenda di Petronilla figlia di san Pietro, la presenza dell'altare quindi rispondeva piuttosto ad esigenze diplomatiche con la monarchia francese.Vi è da aggiungere che la plurisecolare presenza delle reliquie di santa Petronilla in Vaticano non impedì il diffondersi in Francia della credenza che esse fossero state trasportate da Roma oltralpe e diverse chiese francesi ne affermarono il possesso.

Prompt: In The Burial of St. Petronilla, how is the The cult of Saint Petronilla discussed?Please output in Italian.

Annales Ecclesiastici
Cesare Baronio
Domiziano
Guercino
Pipino il Breve
Roma
Santa Petronilla


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bril)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Ritratto di Paolo III

Il Ritratto di Paolo III è un dipinto olio su tela  di Tiziano Vecellio eseguito nel 1543 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.Si tratta di uno dei più vigorosi ritratti papali della storia dell'arte, nonché il primo in assoluto di Papa Paolo III eseguito da Tiziano. Pietro Aretino alla visione del dipinto affermò che il ritratto eseguito fosse un «miracolo fatto dal vostro [di Tiziano] pennello [...]».

Prompt: In Portrait of Pope Paul III (Titian), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Papa Paolo III
Papa Paolo III
Pietro Aretino
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Pala di Sant'Onofrio

Pala di Sant'Onofrio è un dipinto a tempera e olio su tavola  di Luca Signorelli, datato 1484 e conservato nel Museo del Capitolo della Cattedrale di San Lorenzo a Perugia.

Prompt: How does Sant'Onofrio Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.

1484
Luca Signorelli
Perugia
San Lorenzo


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Arca di san Domenico

Alla sommità della cimasa, nonché dell'intera arca, si vede Dio Padre che sorregge il mondo con la mano sinistra tenendolo vicino al cuore. Sotto i suoi piedi troviamo un altro globo più grande. Più in basso si vedono i simboli della creazione: i festoni di frutta stanno a significare la terra, i due putti si riferiscono al cielo e gli otto delfini al mare.Ancora più in basso troviamo il mistero della Redenzione: Gesù Cristo morto è rappresentato in mezzo a due angeli, a destra quello dell'annunciazione e a sinistra quello della passione. Allo stesso livello degli angeli i quattro evangelisti  che hanno diffuso al mondo intero il messaggio di Redenzione operato da Gesù Cristo.Dopo le rappresentazioni del Padre e del Figlio, viene lo Spirito Santo. Lui non ha immagini, ma se ne vedono gli effetti: poco sotto si trovano, appoggiate a una cornice, i santi protettori di Bologna. Otto statue, nella parte anteriore: san Francesco, san Petronio, san Domenico e san Floriano; nella parte posteriore: sant'Agricola, san Giovanni Battista, san Procolo e san Vitale.

Prompt: Describe the characteristics of the Tears Niccolò dell'Arca in Arca di San Domenico's History.Please output in Italian.


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Giovane pastore seduto

L'opera è stata descritta come una celebrazione della bellezza maschile.  grammatica visiva del quadro va ad accentuare i genitali  del giovane. Infatti, l'impianto delle diagonali che si vengono a creare nel panorama guidano lo sguardo dello spettatore proprio verso l'inguine del ragazzo, che si trova esattamente al centro del quadro.  virilità del soggetto è nascosta dal mantello, ma la sensualità dell'opera è comunque accentuata dalla posa languida del modello e dai simboli fallici della verga e del tronco.

Prompt: How does Seated Young Shepherd explain its Analysis?Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Particolare interesse rivestono i tre pannelli della predella, poiché sono gli unici riquadri di questo genere attribuibili a Piero della Francesca, sebbene con aiuti di assistenti. Da sinistra si trovano: Sant'Antonio resuscita un bambino, San Francesco riceve le stimmate e Sant'Elisabetta di Turingia salva un ragazzo caduto in un pozzo. scena del Miracolo di sant'Antonio  è ambientata in un interno, dove Antonio, accompagnato da un altro eremita, riporta in vita con le sue preghiere un bambino morto, alla presenza della madre in lacrime. L'ambiente chiuso e finito richiama schemi tipici dell'arte italiana già usati ad esempio da Beato Angelico , anche se in questo caso l'uso della luce è più articolato, con un'invisibile apertura che illumina solo metà del dipinto da sinistra verso destra. Notevole è poi la piccola ma curatissima natura morta dell'armadio a muro , con due pilastrini con capitelli scolpiti, un orciolo e una bottiglia panciuta di vetro. scena delle Stimmate di san Francesco  è forse la più interessante delle tre per l'insolita ambientazione notturna, della quale l'artista aveva dato già prova nell'affresco aretino del Sogno di Costantino. Se la composizione è infatti abbastanza convenzionale, di derivazione giottesca, la scena si riscatta nel gioco di luci ed ombre notturne, così raro nell'arte del primo Rinascimento anche in artisti tecnicamente attrezzati.L'ultima scena, con il Miracolo di sant'Elisabetta  è ambientata in una via cittadina, dove un pozzo, al centro di una piazzetta tra case, ha perso un pezzo di balaustra facendovi cadere dentro un bambino, che probabilmente abita nella casa di fronte, come suggerirebbe la porta socchiusa. Due personaggi aiutano a contestualizzare la dinamica della scena: una donna che guarda giù nel pozzo e un uomo che accorre, dotato di corda con un rampino legato all'estremità.  madre allora si getta in ginocchio per pregare sant'Elisabetta, la quale appare in alto entro una nuvola, facendo tornare in superficie il bambino sano e salvo, che appare in primo piano inginocchiato a ringraziare la santa.</div>

Prompt: Describe the characteristics of the The prediction. in Polyptych of Perugia's Description and style.Please output in Italian.

Beato Angelico
Piero della Francesca
Sogno di Costantino


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Sette opere di Misericordia

L'opera del Caravaggio, prima di una serie di tele che realizzerà a Napoli tra il 1606 e il 1610, in occasione di due distinti soggiorni partenopei, si colloca per essere quella da cui ha origine tutto il movimento pittorico naturalista del seicento napoletano, da cui verranno assimilati spunti e influenze sia da pittori contemporanei al Merisi, come Battistello Caracciolo, Carlo Sellitto e Filippo Vitale, sia dalle generazioni successive, come Jusepe de Ribera, Andrea Vaccaro e Aniello Falcone, che sulla scia del maestro lombardo daranno seguito alla sua maniera fino alla seconda metà del secolo.Oltre all'uso del chiaroscuro caravaggesco e alla maniera di dipingere "dal vero", quindi con persone prese dalla strada, i pittori utilizzarono alcuni elementi distintivi della tela del Pio Monte per riadattarle nelle loro composizioni.

Prompt: How does The Seven Works of Mercy (Caravaggio) explain its Influences derivations?Please output in Italian.

Andrea Vaccaro
Aniello Falcone
Battistello Caracciolo
Caravaggio
Carlo Sellitto
Filippo Vitale
Jusepe de Ribera
Napoli


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marmi di Elgin

Dal momento che l'Acropoli era ancora una fortezza ottomana, Elgin richiese il permesso di entrare nel sito, che comprendeva il Partenone e gli edifici circostanti; tale autorizzazione venne concessa a lui e agli artisti al suo seguito dal Sultano. Il documento originale è andato perduto, esiste ancora una copia del tempo tradotta in italiano. Vassilis Demetriades, professore presso l'Università di Creta, sostiene che "qualsiasi esperto in linguaggio diplomatico ottomano può facilmente capire che l'originale del documento che è sopravvissuto non è un'autorizzazione", e la sua autenticità è stata messa in discussione. Il documento è stato inserito in un allegato del 1816 ad un rapporto di una commissione parlamentare. Tale comitato era stato convocato per valutare l'offerta di Elgin dell'acquisto dei marmi. Il rapporto sosteneva che il documento in allegato era una traduzione accurata in italiano di un permesso ottomano datato luglio 1801. Secondo Elgin ciò equivaleva ad un'autorizzazione a rimuovere le sculture. Al comitato fu detto che il documento originale era stato consegnato ai funzionari ottomani ad Atene, ma, nonostante gli archivi ottomani ancora esistenti presentino un numero eccezionale di documenti analoghi risalenti allo stesso periodo, l'originale non sarebbe ancora stato rinvenuto. e non poteva avere né sigillo né firma, come confermò St. Clair. e ci si soffermò soprattutto sulla parola "qualche", cioè "pochi". Secondo alcuni la vera autorizzazione all'acquisizione dei marmi venne dalle autorità ottomane solo con un secondo documento, in cui si permetteva di spedire i marmi al Pireo.Anche in considerazione della controversa autorizzazione, molti hanno messo in dubbio la legalità dell'operato di Elgin. Uno studio condotto dal professor David Rudenstine afferma che tale documento potrebbe benissimo essere falso. Rudenstine si basa in parte su una divergenza di traduzione tra l'autorizzazione in italiano e quella in inglese presentata da Hunt alla commissione parlamentare. Nel testo del rapporto parlamentare si legge "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi, e inviata tramite il signor Philip Hunt, gentiluomo inglese, Segretario del suddetto ambasciatore", ma secondo St. Clair il documento in italiano dice "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi e inviata tramite N.N.". Secondo Rudenstine questa sostituzione di "Mr. Philip Hunt" con le iniziali "N.N." difficilmente può essere un semplice errore. Egli sostiene inoltre che il documento è stato presentato solo dopo che il comitato insistette per ottenere una qualche forma di autorizzazione scritta ottomana per la rimozione dei marmi. Così, secondo Rudenstine, "Hunt si mise in una posizione in cui avrebbe potuto contemporaneamente garantire l'autenticità del documento e spiegare il motivo per cui lui solo aveva una copia di esso quindici anni dopo che fu presentato agli ufficiali ottomani ad Atene". In due occasioni precedenti Elgin dichiarò che gli Ottomani gli concedettero permessi più di una volta, ma che non aveva tenuto nessuno di essi. Hunt testimoniò il 13 marzo, e una delle domande che gli furono poste fu "Ha mai visto una qualsiasi delle autorizzazioni scritte che sono state concesse a [Lord Elgin] per la rimozione dei marmi dal Tempio di Atena?", a cui Hunt rispose di sì, aggiungendo che egli possedeva una traduzione italiana dell'autorizzazione originale. Tuttavia egli non spiegò perché aveva conservato la traduzione per quindici anni, mentre Elgin, che aveva testimoniato due settimane prima, non sapeva nulla circa l'esistenza di un tale documento.Al contrario il professor John Merryman, in opposizione a Rudenstine, afferma che, poiché gli Ottomani controllavano Atene dal 1460, le richieste delle sculture erano legali. Il sultano ottomano sarebbe stato grato agli Inglesi per aver respinto l'espansione napoleonica, e i marmi del Partenone non avevano alcun valore per lui. Inoltre tale autorizzazione scritta esiste nella forma di firmano, il tipo più formale di autorizzazione dell'epoca, che permise ad Elgin di portare via i marmi e legalizza le sue azioni. Merryman nota, comunque, che la frase che permetteva ad Elgin di sottrarre le sculture era ambigua e aggiunge che il documento è piuttosto spiccio e la suddetta clausola lasciava ampie possibilità di interpretazione: gli scavi e la conseguente esportazione dei marmi, quindi, iniziarono, ma nell'opera Elgin danneggiò le sculture e la struttura del Partenone, lasciando il tempio denudato e per di più rovinato. Quindi anche Merryman afferma che Elgin superò nei fatti ciò che gli era stato permesso sulla carta.

Prompt: How does Elgin Marbles explain its Removal of the Elgin Marbles?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Il Ritratto di giovane uomo è un dipinto olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile tra il 1516 e 1517 circa e già conservato presso il Museo Czartoryski a Cracovia.

Prompt: Focus on Portrait of a Young Man (Barocci) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in the prayer in Annunciation (Fra Angelico, Madrid)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Daniele

Danijel Aleksić, calciatore serbo Danijel Brezič, calciatore sloveno Danijel Cesarec, calciatore croato Danijel Jusup, allenatore di pallacanestro croato Danijel Ljuboja, calciatore serbo Danijel Pantič, giocatore di calcio a 5 sloveno Danijel Pranjić, calciatore croato Danijel Premerl, calciatore jugoslavo Danijel Premuš, pallanuotista croato naturalizzato italiano Danijel Radiček, calciatore croato Danijel Šarić, pallamanista bosniaco Danijel Stojanović, calciatore croato Danijel Subašić, calciatore croato Danijel Subotić, calciatore bosniaco naturalizzato svizzero Danijel Žeželj, fumettista, illustratore e pittore croato

Prompt: Explain the Variant Danijel about the People of this artwork, Prophet Daniel (Michelangelo).Please output in Italian.

Danijel Aleksić
Danijel Brezič
Danijel Cesarec
Danijel Jusup
Danijel Ljuboja
Danijel Pantič
Danijel Pranjić
Danijel Premerl
Danijel Premuš
Danijel Radiček
Danijel Stojanović
Danijel Subašić
Danijel Subotić
Danijel Šarić
Danijel Žeželj


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Isabella

Ysabella, trobairitz occitanaIsobel Campbell, cantante e violoncellista scozzeseIzabela Fleming, principessa e scrittrice polaccaIsabeli Fontana, supermodella brasilianaIzabel Goulart, modella brasilianaIsabela Merced, attrice e cantante statunitenseIzabella Miko, attrice polaccaIzabela Piekarska, cestista polaccaIzabella Scorupco, attrice polaccaIsabell Sollman, attrice svedeseIsabela Souza, attrice, cantante e modella brasiliana Isabell Werth, cavallerizza tedesca

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Other variants of the Variants explained?Please output in Italian.

Isabela Merced
Isabela Souza
Isabeli Fontana
Isabell Sollman
Isabell Werth
Isobel Campbell
Izabel Goulart
Izabela Fleming
Izabela Piekarska
Izabella Miko
Izabella Scorupco
Ysabella


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Sette opere di Misericordia

Bernard Berenson, Del Caravaggio, delle sue incongruenze e della sua fama, Firenze, Electa, 1951. Ralf van Bühren, Caravaggio’s ‘Seven Works of Mercy’ in Naples. The relevance of art history to cultural journalism, in: Church, Communication and Culture 2 , pp. 63-87 –  Maurizio Calvesi, Le realtà del Caravaggio, Torino, Einaudi, 1989. Vincenzo Pacelli, Le Sette Opere di Misericordia, Salerno, Cooperativa Editrice, 1984. John Spike, Caravaggio, with the assistance of Michèle Kahn Spike , New York: Abbeville Press 2001  - ISBN 978-0-7892-0639-8

Prompt: Focus on The Seven Works of Mercy (Caravaggio) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

1951
Bernard Berenson
Caravaggio
ISBN
John Spike
Misericordia
Ralf van Bühren


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portrait distinctive professional sign of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Leone di Belfort

Lunga 22 metri e alta 11, l'opera è costituita da blocchi di arenaria rosa di Pérouse scolpiti uno ad uno e trasportati sotto la cittadella di Belfort per essere assemblati. Originariamente essa doveva essere rivolta verso la Germania, ma dopo le proteste di quest'ultima fu deciso di rivolgerla verso ovest.

Prompt: How does Lion of Belfort explain its Description?Please output in Italian.


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Ritratto di Galeazzo Sanvitale

Parmigianino Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte Collezione Farnese

Prompt: How does Portrait of Galeazzo Sanvitale explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Vocazione dei santi Pietro e Andrea

Il dipinto rappresenta una scena tratta dal Vangelo di Matteo, che descrive il momento in cui Cristo chiama i due fratelli Simone  e Andrea, a essere suoi discepoli:Mostra un giovane Cristo imberbe, mentre guida i due fratelli molto più anziani di lui. Il più esterno dei fratelli, presumibilmente Simone, tiene un pesce nella mano destra. L'estremità della tela è piuttosto danneggiata, ma la parte centrale è in buone condizioni.  presenza di "incisioni" sullo sfondo della tela che tracciano l'orecchio di San Pietro e gli occhi di Cristo è tipica della tecnica di Caravaggio.

Prompt: How does The Calling of Saints Peter and Andrew explain its Description and style?Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Explain the Other cultures and deities about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Caccia al leone

caccia al leone è oggetto di controversia nei tempi moderni; il leone è elencato come specie vulnerabile dalla IUCN e alcune sottospecie sono elencate come Specie in pericolo. Meno di 20.000 leoni sopravvivono in natura, una riduzione del 60% negli ultimi due decenni. Si stima che nel 1880 ci fossero 1,2 milioni di leoni.Questo declino è dovuto principalmente al bracconaggio dei leoni e delle loro prede, ulteriormente influenzato dall'eccessiva caccia ai trofei legali e dalla distruzione dell'habitat. Oltre alla perdita di popolazione diretta dalla caccia ai trofei, gli oppositori sostengono che la caccia ai leoni uccide principalmente i maschi di grandi dimensioni, portando a una popolazione di leoni più piccola e potenzialmente meno sana. Inoltre, quando un maschio dominante viene ucciso, spesso porta ad altre morti quando i leoni maschi combattono per il possesso del branco del leone ucciso e quindi uccidono i suoi cuccioli per eliminare la competizione genetica. Si stima che solo il 3% delle entrate generate dalla caccia al leone vada effettivamente alle comunità colpite da essa.I sostenitori della caccia ai trofei sostengono che si tratta di uno strumento che può essere utilizzato per raccogliere fondi per le comunità locali e le organizzazioni per la conservazione, e che una quantità limitata di prelievo di trofei non danneggerà gli animali a livello di popolazione. Si stima che la caccia ai trofei generi almeno $ 201 milioni di dollari all'anno nei 23 paesi dell'Africa subsahariana che lo consentono.  quota media del trofeo per la caccia a un leone in Namibia è di circa 22.000 USD e i cacciatori spendono anche soldi per servizi come pacchetti safari, alloggio e guide turistiche.Nell'estate del 2015, l'uccisione di Cecil, un leone popolare nello Zimbabwe, da parte di un turista americano ha creato un significativo contraccolpo internazionale contro il cacciatore e la pratica della caccia ai leoni. maggior parte delle parti del corpo dei trofei della caccia al leone va negli Stati Uniti.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Controversy discussed?Please output in Italian.

Africa
Africa subsahariana
Specie in pericolo
Zimbabwe


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marmi di Elgin

Nel novembre del 1798 Thomas Bruce, conte di Elgin, venne nominato "Ambasciatore Straordinario e Ministro Plenipotenziario di Sua Maestà Britannica alla Sublime Porta di Selim III, sultano dell'Impero Ottomano" . Prima della sua partenza per la Grecia aveva contattato almeno tre funzionari del governo britannico e aveva chiesto loro se fossero interessati ad assumere degli artisti per eseguire calchi e disegni delle sculture del Partenone. Secondo Lord Elgin, "la risposta del governo […] era del tutto negativa". sempre sotto la supervisione di Lusieri.Lo scavo e la rimozione furono completati nel 1812, con un costo, sostenuto interamente da Elgin, di circa sterline. Elgin voleva che i marmi fossero collocati al British Museum, e li vendette al governo britannico, che li acquistò per meno del costo di scavo e trasporto, benché altri possibili acquirenti, tra cui Napoleone, avessero offerto molto di più.

Prompt: Explain the Acquisition of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.

1798
1812
British Museum
Grecia
Partenone
Selim III


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William Tecumseh Sherman

Un giovane Sherman in uniforme militareIl senatore Ewing fece in modo di assicurare un posto al sedicenne Sherman come cadetto nell'accademia di West Point , dove strinse amicizia con un altro futuro generale della guerra civile, George H. Thomas. Sherman eccelleva nell'ambito accademico e si distinse come uno degli allievi più brillanti, anche se era alquanto intollerante alla ferrea disciplina e trattava il sistema dei demeriti con malcelata indifferenza.Il collega William Starke Rosecrans avrebbe in seguito ricordato Sherman a West Point come "uno dei compagni più brillanti e maggiormente popolari" e "un tipo dagli occhi luminosi, con una testa sfolgorante dai folti capelli rossi, che era sempre pronto a uno scherzo di qualsiasi tipo, proprio come un bambino". A proposito del periodo trascorso in Accademia Sherman stesso dice solo quanto segue nelle sue Memorie:Dopo il diploma, conseguito nel 1840, entrò nell'esercito come sottotenente, nel 3º Corpo d'artiglieria, di stanza nel sud; il suo "battesimo del fuoco" avvenne nel Territorio della Florida negli ultimi anni della seconda guerra seminole .Più tardi fu dislocato in Georgia e nella Carolina del Sud dove venne promosso al grado di tenente. In quanto figlio adottivo di un importante politico Whig, a Charleston cominciò a frequentare i circoli più in vista della società del profondo Sud.Mentre molti dei suoi colleghi dovettero sperimentare come coscritti la guerra con il Messico, fortemente voluta dal presidente Polk, Sherman svolse invece compiti amministrativi nel territorio appena acquisito della repubblica della California. Insieme ai commilitoni luogotenenti Henry Halleck ed Edward Ord si imbarcò da New York per il viaggio di 198 giorni intorno a Capo Horn a bordo dello sloop convertito USS Lexington. A causa degli spazi limitati a bordo Sherman si avvicinò notevolmente sia a Halleck sia a Ord e nelle sue Memorie fa riferimento a un'escursione compiuta con Halleck fino alla cima del Corcovado, che domina Rio de Janeiro.Nel 1848 accompagnò il governatore militare della California, il colonnello Richard Barnes Mason, nel sopralluogo che confermò ufficialmente che era stato scoperto l'oro nella regione, inaugurando così la grande corsa all'oro californiana. Sherman, sempre insieme con Ord, assistette anche alle ispezioni di sondaggio per creare le sottodivisioni della città che sarebbe diventata Sacramento.Ottenne una promozione temporanea al grado di capitano per i suoi "servizi meritori", ma il fatto di non essere stato assegnato in una zona militare attiva e, quindi, la mancanza di un incarico di combattimento lo scoraggiò e ciò potrebbe aver contribuito alla sua decisione di rassegnare le dimissioni dall'esercito. Fu uno dei pochi ufficiali di alto rango durante la guerra civile a non aver mai combattuto nel conflitto contro i messicani.

Prompt: Explain the Training and military service about the Youth of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

California
Capo Horn
Carolina del Sud
Edward Ord
Florida
George H. Thomas
Henry Halleck


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: In Lamentation over the Dead Christ (Perugino), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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La Zingarella (scultura)

Presumibilmente la scultura venne realizzata quando l'artista lorenese lavorava per Scipione Borghese, tra il 1607 e il 1612, ed è documentata nella galleria del suo palazzo nel rione Borgo  nel 1613. Nel 1650 è documentata nell'odierna sala XI, posta al di sopra di un'ara quadra, della quale si sono perse le tracce,Tra il 1787 e il 1841 è documentata nella sala Egizia, Al contrario del Moro e di una seconda Zingarella, altre due opere polimateriche che si trovavano nella collezione Borghese, la prima attribuita allo stesso Cordier,

Prompt: In La Zingarella, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Giove e Io

Il dipinto è dedicato alla vicenda di Io, sacerdotessa di Era, così come narrata nelle Metamorfosi, il poema epico-mitologico di Ovidio: invaghitosi di lei ma timoroso della gelosia di sua moglie, Giove fece calare una fitta nebbia sulla terra e sedusse l'affascinante fanciulla.Il taglio così simile col Ganimede farebbe pensare che le due tele fossero impostate per costituire un pendant ed essere viste appaiate. Tuttavia ogni ipotesi sulla destinazione degli Amori di Giove, commissionati da Federico II Gonzaga non ha ancora ricevuto sostegno documentario.Per la posa arcuata della ninfa Io, rappresentata di schiena, il Correggio si ispirò a prototipi antichi, quali il celebre bassorilievo ellenistico dell'Ara Grimani dove è rappresentato Cupido che bacia Psiche. Più in generale la raffigurazione di tergo di una figura femminile in atteggiamento erotico appartiene alla cultura artistica antica.Ciò detto, i possibili modelli antichi furono sapientemente trasfigurati dal Correggio per creare questa immagine splendida dove l'abbandono della ninfa è funzionale ad accogliere quella che è una delle rappresentazioni più virtuosistiche della pittura del Cinquecento: la nuvola soffice ed eterea in cui si era mutato Giove per sedurre la bellissima Io. rappresentazione delle nuvole aveva interessato il Correggio fin dagli anni degli affreschi della cupola di San Giovanni Evangelista e da qui in poi era divenuta quasi una cifra sitilistica della sua ricerca. Rappresentare le nuvole, come del resto la pioggia, l'acqua, i fulmini, era considerata una delle più ambite difficoltà dell'arte.Alla fine della sua carriera, per quella che forse è in assoluto la sua ultima opera, il Correggio si impegnò ad offrire un saggio della sua maestria. Non solo la nuvola perlacea ed evanescente in cui si intravede un volto umano, ma anche un ruscello di acqua limpida in primissimo piano, per circondare il gesto voluttuoso della ninfa di un riverbero di luci crepuscolari.Particolare di "Giove e Io",1860, M.Dombrowski.L'opera del Correggio fu di ispirazione nei secoli successivi, ed il tema di "Io e Giove" fu ripreso da artisti romantici dell'800, tra i quali Dombrowsky e altri.

Prompt: How does Jupiter and Io explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Cultural reasons and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Nascita di Venere

L'opera nasconde un'allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.Sicuramente la nudità della dea non rappresentava per i contemporanei una pagana esaltazione della bellezza femminile, piuttosto il concetto di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che rappresenta la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un parallelismo tra Venere e l'anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. Sarebbe dunque un'allegoria dell'amore inteso come forza motrice della Natura e la figura della dea e la posa di Venus pudica  rappresenterebbe la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima.Un'altra interpretazione associa il quadro alla necessità di rappresentare la nascita di una Medici appena nata: Maria Margherita.Tra le varie interpretazioni recenti, sta emergendo l'idea che la rappresentazione sia interpretabile attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche derivate dall'influente accademia fiorentina, che rimanderebbero ad un pensiero di matrice geografica, che a sua volta, si collega agli avvenimenti preparatori della scoperta-disvelamento del Nuovo Mondo. .Questo era del resto uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche negli altri dipinti a soggetto mitologico realizzati dal Botticelli all'incirca nello stesso periodo.Anche Giulio Carlo Argan evidenzia, tra i significati impliciti del dipinto, la corrispondenza fra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo.  nudità di Venere significa semplicità, bellezza, purezza: è un bello spirituale.  natura è espressa nei suoi elementi ; simbolica è anche la conchiglia. Il ritmo che permea l'opera è governato dal dèmone platonico, il furor che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, in quanto generato dall'aspirazione a qualcosa che non si ha o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.

Prompt: Explain the Interpretation about the Description of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.

Giulio Carlo Argan
Marsilio Ficino
Medici


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David con la testa di Golia

Il dipinto, che rappresenta l'unico esempio di scudo rinascimentale dipinto da un grande maestro che ci sia pervenuto, venne acquistato in Italia dall'inglese William Drury-Lowe nel 1852 e, dopo essere passato ai suoi discendenti, fu ceduto all'americano Peter A.B. Widener nel 1913, i cui eredi lo regalarono al Museo nazionale di Washington nel 1942.

Prompt: How does David (Verrocchio) explain its History?Please output in Italian.


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Belle Ferronnière

Il Ritratto di Dama  è un dipinto a olio su tavola di noce  di Leonardo da Vinci, databile al 1490-1497 circa ed è conservato nel Musée du Louvre di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, La Belle Ferronnière.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Cultural reasons and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Il vagone di terza classe

Il vagone di terza classe  è un dipinto del pittore francese Honoré Daumier, realizzato nel periodo artistico-culturale del realismo e attualmente esposto presso il National Gallery of Canada di Ottawa.

Prompt: In The Third-Class Carriage, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Honoré Daumier
National Gallery of Canada
Ottawa


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tomba di Giulio II

I rapporti con gli eredi Della Rovere si fanno in questo periodo sempre più tesi: nel 1522 Francesco Maria Della Rovere chiese indietro il denaro anticipato per la tomba e nel 1524 arrivò a minacciare un processo.

Prompt: Focus on Tomb of Pope Julius II and explain the Fourth project.Please output in Italian.


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Casa lungo la ferrovia

Nel 1956 il dipinto fu da ispirazione al regista George Stevens per la realizzazione del ranch di Reata nel film Il gigante e nel 1960 ad Alfred Hitchcock in Psycho.Ispirò anche la realizzazione della casa nella serie TV  famiglia Addams.

Prompt: Explain the Cultural heritage of this artwork, House by the Railroad.Please output in Italian.


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Alla toletta

Alexandre Benois, Chudožestvennye pis'ma. 1930-1936 , Mosca, Galart, 1997, ISBN 5-269-00919-6. Elena N. Evstratova, 500 sokrovišč russkoj živopisi , Mosca, OLMA Media Grupp, 2013. Elena Vladimirovna Efremova, Zinaida Serebrjakova , Mosca, Art-Rodnik, 2006. Valentina Pavlovna Knjazeva, Zinaida Evgen'evna Serebrjakova , Mosca, Izobrazitel'noe iskusstvo, 1979. Elena Fominična Petinova, Russkie chudožniki XVIII — načala XX veka , San Pietroburgo, Avrora, 2001. Alla A. Rusakova, Zinaida Serebrjakova , Mosca, Molodaja gvardnija, 2008. Aleksej Nikolaevič Savinov, Zinaida Evgen'evna Serebrjakova , Pietrogrado, Akvilon, 1922. Dmitrij V. Sarab'janov, Zinaida Serebrjakova. Sbornik maternalov i katalog ėkspozicii k 100-letiju so dnja roždenija chudožnika , Mosca, Sovetskij chudožnik, 1986.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, At the Dressing-Table.Please output in Italian.

Aleksej Nikolaevič Savinov
San Pietroburgo
San Pietroburgo
Zinaida Serebrjakova


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amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Artivisive and the Psychology.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


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Crocifissione simbolica

Crocifissione simbolica è un dipinto a tempera su tela  di Sandro Botticelli, databile al 1502 circa e conservato nel Fogg Art Museum dell'Università di Harvard a Cambridge .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Mystic Crucifixion.Please output in Italian.


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Pietà vaticana

Il fatto che la Madonna fosse molto giovane suscitò delle critiche, registrate dal Vasari, nell'incapacità ormai di riconoscere la tradizione medievale di Maria vista come sposa di Cristo e simbolo della Chiesa: tali iconografie, spesso antichissime, vennero abbandonate in seguito alla Controriforma, interrompendo tradizioni secolari che vennero presto dimenticate dai contemporanei. Una Madonna giovanissima si trova ad esempio, per restare in ambito romano, nel mosaico di Jacopo Torriti in Santa Maria Maggiore. Per tutto il Quattrocento si continuò a ripetere tali schemi, con una conoscenza più o meno consapevole degli scritti teologici medievali, spesso mediata dagli ordini religiosi committenti.Inoltre Michelangelo, come scrisse il suo biografo Ascanio Condivi, sostenne che " castità, la santità e l'incorruzione preservano la giovinezza". Lo stesso Vasari riporta questa opinione nel confutare le critiche alla scelta dell'artista: «Se bene alcuni, anzi goffi che no, dicono che egli abbia fatto la Nostra Donna troppo giovane, non s'accorgono e non sanno eglino che le persone vergini senza essere contaminate si mantengono e conservano l'aria de 'l viso loro gran tempo, senza alcuna macchia, e che gli afflitti come fu Cristo fanno il contrario? Onde tal cosa accrebbe assai più gloria e fama alla virtù sua che tutte l'altre dinanzi». Michelangelo inoltre non voleva rappresentare la scena con lo scopo di narrare un episodio  ma era principalmente interessato all'aspetto simbolico: Maria è rappresentata giovane come quando concepì Gesù Cristo.

Prompt: Explain the Interpretations of this artwork, Pietà (Michelangelo).Please output in Italian.

Ascanio Condivi
Controriforma
Cristo
Jacopo Torriti


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Giapponeseria: Oiran

Vincent van Gogh nutrì nella sua vita un amore accanito per l'arte giapponese, che proprio verso la fine dell'Ottocento iniziò ad affluire massicciamente in Europa grazie all'apertura dei porti nipponici all'Occidente. L'infatuazione del pittore per gli ukiyo-e  era talmente viscerale da spingerlo a diventare un assiduo frequentatore della galleria di Siegfried Bing, un mercante d'arte franco-tedesco che conosceva assai approfonditamente l'arte e la cultura dell'Estremo Oriente e ne vendeva a Parigi i manufatti pittorici. Di seguito riportiamo lo stralcio di una lettera che Vincent inviò al fratello Théo il 24 settembre 1888:</ref>}}Molto spesso, poi, van Gogh si divertì a riproporre i capolavori dei grandi maestri nipponici in japonaiserie che, tuttavia, lasciavano trasparire anche la sua individuale sensibilità. Fu a partire da queste premesse che, nel settembre-ottobre 1887, il pittore licenziò questo olio su tela, denominato Giapponeseria: Oiran. Quest'opera, dalle dimensioni certamente notevoli, ritrae una figura femminile giapponese in kimono, particolare desunto da un'opera di Kesai Eisen che Vincent recepì consultando un numero della rivista Paris Illustré. Ebbene, la cortigiana si profila su un monumentale campo cromatico che, senza essere inquinato dagli sfumati chiaroscurali, ora può brillare di un giallo luminosissimo. Si noti, poi, come grazie all'avallo degli ukiyo-e van Gogh sia ritornato ad utilizzare i bianchi e i neri, colori ben evidenti nello splendido abito della donna. Sullo sfondo, infine, van Gogh intreccia un vero e proprio divertissement pittorico dall'impattante decoratività. In basso una rana «sorregge», per così dire, il rettangolo aureo nel quale è inscritta la cortigiana, mentre sopra il volto di quest'ultima galleggia placidamente una piccola imbarcazione. A sinistra, infine, troviamo due gru che assaporano la frescura di quel giardino acquatico, starnazzando all'ombra di un canneto: si tratta, questo, di un dettaglio che qualificherebbe la donna effigiata come una oiran .

Prompt: In Japonaiserie (Van Gogh), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

Veduta complessivaIn un articolo del maggio 2001 nell'edizione irlandese del Sunday Times, Mark Keenan ha commentato la sorprendentemente lunga attesa per una commemorazione di Wilde nella sua città natale e ha suggerito una spiegazione per il ritardo, "... un decennio fa gli elementi più conservatori tra il pubblico di Dublino non avrebbero potuto permettere alla città di commemorare il suo nome."Parlando del lavoro nel suo articolo del 2012 "Scolpire l'irlandese: una discussione sulle statue commemorative di Dublino di Oscar Wilde e Phil Lynott" per il Sculpture Journal, Sarah Smith scrive:<blockquote>Un'altra distinzione è l'espressione facciale della figura, che, interrompendo il realismo della figura, potrebbe essere descritta come un ghigno piuttosto contorto. Destinato dall'artista a rappresentare due lati antitetici di Wilde, una metà della sua faccia sta sorridendo ampiamente ... mentre l'altra reca un'espressione cupa ... e questa divisione è risuonata nella sua postura su entrambi i lati. A causa del suo posizionamento all'angolo del parco alla svolta del percorso esterno, il visitatore del monumento vede un lato di Wilde quando si avvicina e un altro quando si allontana. Uno è lo Wilde spiritoso che è più spesso ricordato nella cultura popolare, l'altro "l'uomo distrutto" dopo la sua incarcerazione di due anni per aver commesso la propria omosessualità.

Prompt: Explain the Impact significance about the History of this artwork, Oscar Wilde Memorial Sculpture.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Madonna di Raffaello è stata omaggiata da Andy Warhol in una sua rivisitazione intitolata Raphael Madonna - $6.99 del 1985. Il dipinto testimonia non solo l'amore di Warhol per l'urbinate, ma anche il suo complesso rapporto con la religione cattolica.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the Artivisive of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

A partire dal decennio 1830 ebbe luogo una vera e propria "rivoluzione blu" nelle stampe di Hokusai, per via dell'ampio ricorso all'uso del pigmento sintetico conosciuto come blu di Prussia. Tale pigmento, noto in Giappone come  o , iniziò a essere importato dai Paesi Bassi a partire dal 1820, diventando largamente accessibile dal 1829. Prima di questo periodo gli unici pigmenti blu disponibili per la stampa artistica erano coloranti organici che sbiadivano rapidamente una volta esposti alla luce.L'importanza dell'aggiunta del blu nella tavolozza dell'artista, particolarmente efficace nel rendere la profondità dell'acqua e la distanza atmosferica, era tale che Hokusai concepì la sua importante serie sul Monte Fuji con il solo utilizzo del blu. In un'inserzione pubblicitaria datata 1831 ad opera dell'editore di Hokusai, Yohachi Nishimuraya, la serie venne presentata come interamente realizzata con lo stile . Difatti solo nove o dieci stampe della serie possono essere catalogabili sotto questo stile mentre tutte le altre, compresa  grande onda, posseggono altri colori che variano dal bruno-rossastro al giallo, passando per il beige. Il colore predominante de  grande onda rimane comunque il blu, utilizzato non solo per l'onda ma anche per il Monte Fuji. pubblicazione delle stampe della serie continuò fino all'anno 1832 o 1833, per un totale di quarantasei xilografie, se si comprendono le dieci supplementari. Queste ultime sono caratterizzate dall'assenza del blu di Prussia e dall'uso dell'inchiostro sumi per il disegno dei contorni, com'era consuetudine. Le dieci stampe sono conosciute con il nome di .

Prompt: Describe the characteristics of the The blue revolution in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna col Bambino, san Pietro martire e un donatore è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, datato al 1503 e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Si tratta della prima opera certa dell'artista, per la presenza della firma "L. LOTUS P." collocata in basso a destra sul sedile della Madonna.

Prompt: Focus on Madonna and Child with St Peter Martyr and a Donor and explain the Abstract.Please output in Italian.

1503
Lorenzo Lotto
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


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Consegna della regola francescana

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Delivery of the Franciscan Rule.Please output in Italian.


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Nomoli

destrastatuetta NomoliI Nomoli sono statuette lavorate originarie della Sierra Leone e della Liberia. Le statuette erano realizzate principalmente in pietra ollare, arenaria, pietra calcarea o granito.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Nomoli figurine.Please output in Italian.


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Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

Milena Magnano, Leonardo, collana I Geni dell'arte, Mondadori Arte, Milano 2007, pag. 112. ISBN 978-88-370-6432-7

Prompt: How does The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Famiglia di Don Filippo di Borbone

L'opera rappresenta la famiglia di Filippo di Borbone in salotto, molto probabilmente nella Reggia di Colorno. Al centro del quadro troviamo il duca che siede a fianco della consorte, la duchessa Luisa Elisabetta, figlia prediletta di Luigi XV, che riceverà dal padre ingenti finanziamenti per arricchire di arredi e suppellettili le corti di Parma e Colorno. In piedi, alla destra di Filippo, troviamo la figlia Isabella, la quale, allieva dello stesso Baldrighi, mostra un disegno al padre. I due bambini accanto alla madre sono i figli Ferdinando, futuro Duca di Parma, e Maria Luisa che diventerà poi Regina di Spagna. A destra, infine, si intravede Madama Caterina de Gonzales, la governante spagnola.Baldrighi inserisce nell'opera una serie di oggetti che rimandano ad alcuni dei passatempi preferiti della famiglia come le carte da musica, vari strumenti, la racchetta da pallacorda ed elementi d'ambientazione tipici del gusto del tempo: il pappagallo, il cane, l'orologio, le stoffe.Come è stato sottolineato altre volte in passato, l'insieme appare in linea con lo stile "francesizzante" che Baldrighi aveva conosciuto durante il suo soggiorno parigino. Sappiamo inoltre che il pittore francese Boucher inviò un suggerimento a carboncino per quest'opera a Badrighi, conservato oggi nel Museo Glauco Lombardi.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Family of Don Philip of Bourbon.Please output in Italian.


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Headington Shark

LHeadington Shark , ufficialmente chiamato Untitled 1986 e conosciuto anche col nome di Oxford Shark, è una scultura di vetroresina, alta circa 7 metri e mezzo scultura, prodotta dall'inglese John Buckley, vuole costituire un monito sul pericolo costituito dall'energia nucleare e lo fa cercando di esprimere «l'impotenza, la rabbia e la disperazione» ad esso associate;

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Headington Shark.Please output in Italian.


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Pala Barbarigo

Terisio Pignatti, "L'opera completa di Giovanni Bellini", Milano 1969, p. 101, scheda 135.Ettore Merkel, " pala Barbarigo di Giovanni Bellini", in Quaderni della Soprintendenza ai Beni Artistici e Storici di Venezia, 3, 1983.Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA. VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-XEttore Merkel, "Il paliotto Barbarigo", in "Bellini a Venezia. Sette opere indagate nel loro contesto", a cura di G. Poldi e G.C.F. Villa, Milano 2008, pp. 102-115"Giovanni Bellini", catalogo della mostra di Roma , a cura di M. Lucco e G.C.F. Villa, Cinisello Balsamo , 2008, pp. 258-261, scheda 38 di Peter Humfrey.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Barbarigo Altarpiece.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: How does Nativity (Correggio) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Belle Ferronnière

Il Ritratto di Dama  è un dipinto a olio su tavola di noce  di Leonardo da Vinci, databile al 1490-1497 circa ed è conservato nel Musée du Louvre di Parigi.

Prompt: How does La Belle Ferronnière explain its Abstract?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

festa della Santa Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe nel rito latino cade nel tempo di Natale nella domenica che intercorre tra il Natale e il Capodanno; in assenza della domenica la si festeggia il 30 dicembre. Nel Messale del 1962, invece, tale solennità cade nella prima domenica dopo l'Epifania.Nel rito ambrosiano la ricorrenza viene celebrata nell'ultima domenica di gennaio, quindi nella terza o quarta domenica successiva all’Epifania.

Prompt: Describe the characteristics of the Feast  Holy  Family in Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Fontana Camillo Olivetti

fontana venne realizzata dallo scultore Emilio Greco nel 1957 e intitolata a Camillo Olivetti, fondatore della fabbrica di macchine da scrivere Olivetti. L'inaugurazione della fontana avvenne il 29 settembre 1957 alla presenza del sindaco e del vescovo di Ivrea.

Prompt: In Camillo Olivetti Fountain, how is the History discussed?Please output in Italian.

1957
Camillo Olivetti
Emilio Greco
Ivrea
Olivetti


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Armatura

Le prime significative tracce di armatura sul territorio della Cina datano al tempo della Dinastia Zhou. Si trattava di primitive corazze prive di manica, realizzate con materiale di provenienza animale: cuoio di rinoceronte o bufalo  o pelle bollita . Spesso, la pelle veniva ricoperta con della lacca per aumentarne la resistenza ai colpi ed alle intemperie.

Prompt: Describe the characteristics of the China in O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji's Description and use.Please output in Italian.


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Ercole Farnese

L'eroe personificava il trionfo del coraggio dell'uomo sulla serie di prove poste dagli dèi gelosi. A lui, figlio di Zeus, era concesso di raggiungere l'immortalità definitiva. Nel periodo classico, il suo ruolo di salvatore dell'umanità era stato accentuato, ma possedeva anche difetti mortali come la lussuria e l'avidità.L'interpretazione che ne diede Lisippo rispecchiava questi aspetti della sua natura mortale e fornì all'eroe un ritratto al quale si guardò per il resto dell'antichità. Questa statua rappresenta Ercole, stanco al termine delle fatiche, che si riposa appoggiandosi alla clava, tenendo con la mano destra, dietro la schiena, i pomi d'oro rubati alle Esperidi.

Prompt: How does Farnese Hercules explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna del Bordone

Madonna del Bordone è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Coppo di Marcovaldo, datata 1261, come attesta al centro del margine inferiore dell'immagine l'iscrizione MCCLXI Coppus de Florentia me pinxit, ovvero  1261 mi ha dipinto Coppo da Firenze e conservata nella basilica di Santa Maria dei Servi a Siena. I volti di Maria e di Gesù attualmente risultano essere in uno stile manifestamente diverso dal resto dell'opera, a causa dell'azione di un pittore locale senese, che li ridipinse nel XIV secolo, anche se lo strato pittorico originale ancora permane intatto sotto il rifacimento.

Prompt: Focus on Madonna del Bordone and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Cortile dello scalpellino

Il Cortile dello scalpellino è un dipinto a olio su tela  di Canaletto, databile al 1727-1728 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does The Stonemason's Yard explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Tondo Taddei

Prompt: In Taddei Tondo, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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San Giorgio e il drago

leggenda getta le sue radici in epoca paleocristiana Nel XII secolo la leggenda e l'iconografia raggiunsero la tradizione cristiana occidentale attraverso le crociate e si diffusero rapidamente nell'ambito culturale bizantino. I cavalieri della prima crociata credevano che san Giorgio e i santi guerrieri Demetrio, Maurizio, Teodoro e Mercurio avessero combattuto al loro fianco ad Antiochia e Gerusalemme.  leggenda si diffuse nella tradizione cristiana occidentale sulla base delle sue versioni latine dello Speculum historiale e nella Legenda aurea. Divenne anche uno dei più ricorrenti soggetti letterari e pittorico nel tardo Medioevo e nel Rinascimento, nonché parte integrante delle tradizioni cristiane relative a san Giorgio, tanto nella tradizione orientale che in quella occidentale.

Prompt: Explain the Story of the myth of this artwork, Saint George and the Dragon (Uccello).Please output in Italian.

Antiochia Gerusalemme Medioevo Rinascimento


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Group self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in spirituality in Annunciation Diptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Lorenzetti), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Ritratto di Adele Bloch-Bauer I

Il Ritratto di Adele Bloch-Bauer è un dipinto a olio su tela  di Gustav Klimt realizzato nel 1907. Primo di due dipinti omonimi, è considerato come l'ultimo – nonché il più rappresentativo – del suo "periodo dorato".Dopo essere stata rubata dai nazisti insieme a tutti gli averi della famiglia Bloch-Bauer, l'opera fu rivendicata decenni dopo dalla nipote di Adele, scampata alla persecuzione degli ebrei, che riuscì infine a tornare in possesso del dipinto solo in seguito ad una procedura legale, raccontata nel film Woman in Gold. Dopo essere stata acquistata da Ronald uder nel 2006 per 135 milioni di dollari, l'opera mantenne, durante quel periodo e per quattro mesi, il primato di dipinto più costoso del mondo.

Prompt: Focus on Portrait of Adele Bloch-Bauer I and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Dama al bagno

François Clouet era un pittore di corte presso i re di Francia Francesco I, Enrico II e Carlo IX. In questo quadro egli raffigurò una donna nuda, tranne per i gioielli, che si fa il bagno.  bagnante è seduta in una vasca coperta da un panno bianco e sovrastata da delle tende color cremisi. Le cortine scostate invitano lo spettatore a "sbirciare" nell'ambiente intimo della dama. Con la mano sinistra ella scosta il tessuto bianco, rivelando la firma dell'artista , mentre la mano destra poggia su un'asse coperta da un tessuto bianco, sul quale si trova una natura morta. Un bambino che si trova dietro di lei allunga la mano per afferrare dell'uva che si trova in questa ciotola. Il quadro Gabrielle d'Estrées e sua sorella presenta uno scenario simile, con due donne in una vasca circondata da una tenda color cremisi e una serva sullo sfondo, raffigurata mentre cuce un vestito. Una variante di quest'opera, oggi al museo del Louvre, sostituisce la sarta con la stessa balia dell'opera di Clouet e ripropone la serva con la brocca. Inoltre, l'effigiata della copia della Dama al bagno al museo Condé di Chantilly è diversa dal dipinto originale, e la tradizione la identifica proprio con Gabrielle d'Estrées.

Prompt: How does A Lady in Her Bath explain its Description?Please output in Italian.

François Clouet
Gabrielle d'Estrées
Gabrielle d'Estrées e sua sorella


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Pala della Trasfigurazione

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Transfiguration Altarpiece.Please output in Italian.


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Pala Gozzi

Si tratta della prima opera datata di Tiziano ed è dunque importante come riferimento stilistico cronologicamente sicuro.Alvise Gozzi era un mercante di Ragusa, trasferitosi ad Ancona per seguire i suoi interessi commerciali; riconoscente alla città che lo aveva accolto e nella quale aveva fatto fortuna, decise di investire una parte dei suoi beni per abbellire la più antica chiesa francescana di Ancona, San Francesco ad alto, dove finanziò il rifacimento del coro e un nuovo altare maggiore; per la pala d'altare volle puntare in alto e la commissionò a Tiziano, che allora, e da una decina di anni, era unanimemente considerato il principe dei pittori.Nel 1863, la chiesa ove si trovava l'opera venne demanializzata e trasformata in ospedale militare, e nel 1884 il dipinto fu trasferito nella Pinacoteca civica.

Prompt: How does Gozzi Altarpiece explain its History?Please output in Italian.


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Palude

Paludi del Bangweulu, Zambia Delta dell'Okavango, Botswana Sudd, Sudan Delta del Niger, Nigeria Delta interno del Niger, Nigeria

Prompt: In A Wooded Marsh, how is the Africa of the Reclamation explained?Please output in Italian.

Botswana
Delta del Niger
Delta dell'Okavango
Delta interno del Niger
Nigeria
Sudan
Sudd
Zambia


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Cristo tra quattro angeli con gli strumenti della Passione

L'opera venne dipinta per la chiesa di San Pietro Martire a Udine. Pervenne al demanio in seguito alle soppressioni napoleoniche del 1808. Venne allora destinata al museo viennese dell'Hofmuseum nel 1838 e restituita allo Stato italiano nel 1919, che la affidò in deposito al museo civico udinese.

Prompt: Focus on Christ between Four Angels and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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San Cristoforo

Canicola Cinocefalo Colonna di San Cristoforo Gigante  Legenda Aurea Persecuzione dei cristiani nell'Impero romano Santi ausiliatori Oscar Wilde, Il gigante egoista Uomo selvatico

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Saint Christopher Carrying the Christ Child.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Explain the Variants about the History of this artwork, Madonna and Child (van Dyck).Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


subsection

Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Il quarto stato

Pellizza incominciò a lavorare a un bozzetto degli Ambasciatori della fame nel 1891, dopo aver assistito a una manifestazione di protesta di un gruppo di operai. L'artista rimase molto impressionato dalla scena, tanto che annotò nel suo diario:L'abbozzo venne completato nell'aprile del 1894. Il soggetto è una rivolta operaia nella piazza Malaspina a Volpedo, in provincia di Alessandria, con tre soggetti posti davanti alla folla in protesta: la scena è vista dall'alto, e le figure sono distribuite su linee ortogonali. Nonostante la composizione ancora «embrionale» dell'opera, com'ebbe ad affermare lo stesso artista più tardi, Ambasciatori della fame si imposta già come caposaldo per le successive redazioni dell'opera, che pure presenteranno come peculiarità il terzetto posto dinanzi alla massa di gente sullo sfondo e lo stacco d'ombra in primo piano. e, in effetti, di versioni degli Ambasciatori della fame ve ne furono altre due, una datata 1892 e l'altra del 1895. Lo schizzo del 1892 è molto simile a quelli precedenti: viene tuttavia aggiunto un gruppo di donne, figure antitetiche rispetto ai lavoratori uomini, che in questo modo vengono sia motivati sia sedati dalla presenza femminile. Ultima tappa del percorso verso la Fiumana è la versione degli Ambasciatori del 1895, realizzata dopo tre anni di quiescenza su carta marroncino, sotto forma di disegno carboncino e gesso. Scrisse Pellizza:Nel succitato passo l'artista sottolinea la sua volontà di eseguire un quadro generalizzante: a esser rappresentati non sono solo i contadini di Volpedo, bensì un'intera parte della società che ha «sofferto assai» e che intende rivendicare i propri diritti mediante una lotta «serena, calma e ragionata».

Prompt: Explain the Ambassadors of Hunger about the Description of this artwork, The Fourth Estate (painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Two Pupils's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.