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Ultima Cena

Il luogo dove oggi si ricorda l'Ultima Cena è il Santo Cenacolo, situato sul Monte Sion, oltre le mura dell'odierna città vecchia di Gerusalemme. Il Santuario ha ospitato per diversi secoli un convento dei Frati Minori della Custodia di Terra Santa.Tradizione vuole che la tavola sopra cui Gesù fece l'ultima cena con gli Apostoli sia conservata nella cappella della Casa Colonna, presso la Basilica di San Giovanni in terano .Il Sacro Catino, secondo la tradizione cattolica, sarebbe invece il piatto usato da Cristo, conservato a Genova nel Museo del tesoro della cattedrale di San Lorenzo.

Prompt: Explain the The  Holy  Cenacle  and  the  relics  of  the  Last  Supper of this artwork, Last Supper (Rubens).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Vento dell'Est su Weehawken

Il dipinto rappresenta una via con delle case nelle ore pomeridiane del mese di marzo. Non compaiono figure umane, a parte un gruppo persone illustrate nella parte sinistra del dipinto.  pessima situazione economica del quartiere viene alla luce dall'avviso di vendita di un immobile e dai giardini non curati.

Prompt: How does East Wind Over Weehawken explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Trinità

Trinità è la dottrina fondamentale e più importante delle Chiese cristiane, quali la cattolica e quelle ortodosse, oltre che delle Chiese riformate storiche come quella luterana, quella calvinista e quella anglicana. Tale dottrina non viene comunque presentata in modo univoco. Essa si è precisata nell'ambito del cristianesimo antico: prima nel credo del primo concilio di Nicea , poi nel Simbolo niceno-costantinopolitano , dove venne affermato come primo articolo di fede l'unicità di Dio e, secondariamente, la divinità di Gesù Cristo suo Figlio, a seguito, tra le altre, della controversia suscitata dal teologo Ario, che negava quest'ultima.

Prompt: Focus on Holy Trinity (Masaccio) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Ario
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Simbolo niceno-costantinopolitano


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La grande onda di Kanagawa

A partire dal decennio 1830 ebbe luogo una vera e propria "rivoluzione blu" nelle stampe di Hokusai, per via dell'ampio ricorso all'uso del pigmento sintetico conosciuto come blu di Prussia. Tale pigmento, noto in Giappone come  o , iniziò a essere importato dai Paesi Bassi a partire dal 1820, diventando largamente accessibile dal 1829. Prima di questo periodo gli unici pigmenti blu disponibili per la stampa artistica erano coloranti organici che sbiadivano rapidamente una volta esposti alla luce.L'importanza dell'aggiunta del blu nella tavolozza dell'artista, particolarmente efficace nel rendere la profondità dell'acqua e la distanza atmosferica, era tale che Hokusai concepì la sua importante serie sul Monte Fuji con il solo utilizzo del blu. In un'inserzione pubblicitaria datata 1831 ad opera dell'editore di Hokusai, Yohachi Nishimuraya, la serie venne presentata come interamente realizzata con lo stile . Difatti solo nove o dieci stampe della serie possono essere catalogabili sotto questo stile mentre tutte le altre, compresa  grande onda, posseggono altri colori che variano dal bruno-rossastro al giallo, passando per il beige. Il colore predominante de  grande onda rimane comunque il blu, utilizzato non solo per l'onda ma anche per il Monte Fuji. pubblicazione delle stampe della serie continuò fino all'anno 1832 o 1833, per un totale di quarantasei xilografie, se si comprendono le dieci supplementari. Queste ultime sono caratterizzate dall'assenza del blu di Prussia e dall'uso dell'inchiostro sumi per il disegno dei contorni, com'era consuetudine. Le dieci stampe sono conosciute con il nome di .

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the The blue revolution and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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Epifania

L'“Epifania” intesa come solo Battesimo di Gesù fu riconfermata dal teologo Epifanio di Salamina, uno dei Padri della chiesa. Essa doveva ricadere 12 giorni dopo la ricorrenza del Natale, questo probabilmente per assorbire gli antichi simbolismi del numero 12 nei precedenti riti pagani del Sol Invictus.Il problema delle date si restrinse solo più nell'adattamento ai vari tipi di calendari; un antico documento, il Cronografo del 354 di Furio Dionisio Filocalo, citava tutte le ricorrenze romano-cristiane dopo il Concilio di Nicea del 325 d.C., compresa l'Epifania; nel 46 però, Giulio Cesare aveva introdotto il calendario giuliano e, a causa di complessi calcoli, quello giuliano risultava sfasato esattamente di 13 giorni più avanti rispetto a quello più recente gregoriano, adottato nel mondo occidentale cattolico dall'anno 1582.Invece, gli Ortodossi della Chiesa d'Oriente di rito Bizantino, chiamati anche “Cristiani Ortodossi di Vecchio Calendario ”, celebrano l'Epifania il 19 gennaio del nostro calendario, e la chiamano Teofania , mentre il "loro" Natale cade il 7 gennaio. Inoltre, la suddetta Teofania di Calendario Giuliano viene celebrata come la sola Commemorazione del Battesimo di Gesù nel Fiume Giordano. Per la Chiesa di rito romano, madre dell'attuale Cattolicesimo, l'Epifania doveva cadere il 6 gennaio del calendario gregoriano, commemorando la "manifestazione" del Signore attraverso il segno rivelatore dell'adorazione dei Magi a Betlemme, mentre il Battesimo di Gesù, invece, doveva essere separato, e cadere quindi nella domenica immediatamente successiva al 6 gennaio. Fu sempre nello stesso periodo che, per le sole Chiese romane, l'adorazione dei Magi fu fatta coincidere col 6 gennaio piuttosto che col 25 dicembre, sebbene le due ricorrenze commemorino sempre la stessa manifestazione di Betlemme.Per alcuni paesi cristiani in cui l'Epifania non era istituita come festa di precetto, questa veniva celebrata il lunedì coincidente o successivo al 6 gennaio; nella messa tridentina, invece, il Battesimo di Gesù viene celebrato in un giorno fisso, detto l'“ottava di Epifania”  e cioè 8 giorni dopo l'Epifania.  ricorrenza del Battesimo di Gesù conclude tutto il periodo natalizio dell'anno liturgico cattolico romano.

Prompt: In Epifania, how is the Epiphany of Salamis of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

12
1582
19 gennaio
25 dicembre
325
6 gennaio
Battesimo di Gesù
Betlemme
Cronografo del 354
Dio
Epifanio di Salamina
Furio Dionisio Filocalo
Gesù
Gesù
Natale
Sol Invictus
Teofania


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Mangiafagioli

sinistraCome in altri dipinti di tema feriale del Carracci – e segnatamente le sue macellerie – il Mangiafagioli mostra affinità stilistiche e formali con opere di altri maestri attivi nello stesso campo, discostandosene però, in modo decisivo, quanto al significato complessivo dell'opera.Con ogni probabilità, infatti, si coglie nel Mangiafagioli l'influenza di alcuni precedenti del Passarotti, che forse fu per un breve periodo maestro di Annibale, ma che in ogni caso è tra i pittori bolognesi cui il giovane Carracci guardò con maggiore interesse.In questo senso era già stato colto il legame tra il dipinto della Galleria Colonna ed opere del Passarotti quali la Bottega del macellaio e l’Allegra compagnia, ove parimenti i protagonisti della scena si confrontano con l'osservatore seduti dietro un banco o alla tavola di un'umile locanda. Tra il Mangiafagioli e quest'ultimo quadro del Passarotti non solo vi è un'ovvia sovrapponibilità compositiva, ma alcuni dettagli coincidono quasi letteralmente .Anche l'esempio di Vincenzo Campi, e in particolare dei suoi Pescivendoli intenti a consumare con gusto il loro pasto è stato avvicinato al dipinto di Annibale.Ma pur nella continuità figurativa con questi precedenti, l'innovazione introdotta da Annibale è profonda. Egli non edulcora il tema – anche il suo è un rozzo contadino che trangugia un pasto umile – ma è del tutto assente nel suo Mangiafagioli  ogni deformazione grottesca e triviale che invece è parossistica nei protagonisti delle scene di osteria del Passarotti e del Campi , talora non priva anche di grevi allusioni sessuali e postribolari .Il Mangiafagioli di Annibale, invece, restituisce, quale essa appariva nella realtà, una scena di vita quotidiana. Marca questa differenza anche l'atteggiamento ben diverso del villano di Annibale rispetto ai protagonisti dei dipinti di Passarotti e di Campi. Questi si protendono esplicitamente e quasi sguaiatamente verso il riguardante che evidentemente vogliono impressionare e divertire.Il Mangiafagioli di Annibale, viceversa, è chiaramente sorpreso dalla comparsa dell'osservatore, come dimostrano lo sguardo attonito e la sospensione del gesto di portarsi il cucchiaio alla bocca, che rimane spalancata mentre alcune gocce della zuppa ricadono nella scodella.Pur con la sua forte carica realistica non è escluso che il Mangiafagioli possa avere qualche significato di rimando. In questo senso, le ipotesi più spesso suggerite identificano il contadino di Annibale con Zanni, personaggio della Commedia dell’Arte, o con Bertoldo.

Prompt: In The Beaneater, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Bottega del macellaio
Vincenzo Campi
Zanni


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tavole di Pitsà

tavoletta misura 32×15 cm, ma pur essendosi conservato tutto il pannello, è sopravvissuta solo la parte superiore destra del dipinto. Il disegno mostra due gruppi di tre donne ognuno, di cui ci restano solo le teste e il corpo di quello di destra e parzialmente le teste di quello di sinistra. Questo dipinto può essere datato verso la fine del VI secolo a.C. o l'inizio del V secolo a.C.

Prompt: Explain the Tablet "D" about the Technique of this artwork, Pitsa panels.Please output in Italian.


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Scena del Diluvio

tela, di formato molto grande , rappresenta cinque membri di una stessa famiglia che lottano per sfuggire alla furia degli elementi della natura, il diluvio universale. L'uomo issato su una roccia si aggrappa a un albero morto che comincia a spezzarsi; prova a tirare fino a sé sua moglie, alla quale si aggrappano due bambini, sostenendo nel frattempo un vecchio che tiene un sacchetto di soldi in mano. L'uomo guarda con orrore la sua donna che sta per perdere l'equilibrio e rischia di cadere dal dirupo, mentre uno dei bambini prova a reggersi ai capelli della madre. Il vento è evocato dalle vesti svolazzanti, il cielo è striato da un lampo, mentre tra le acque agitate galleggia un cadavere, che preannuncia il destino inevitabile che sta per incombere su tutti i personaggi.

Prompt: Focus on Scene from a Deluge and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

In un classico letterario di fine Settecento, Effusioni del cuore di un monaco amante dell'arte , pubblicato nel 1796 da Wilhelm Heinrich Wackenroder e Ludwig Tieck, un celebre capitolo è dedicato a una presunta visione di Raffaello, al quale la Vergine, mostrandosi nelle sue vere fattezze, avrebbe consentito di ritrarla nella Madonna Sistina.Dostoevskij menziona la Madonna Sistina in Delitto e castigo, ne L'adolescente e ne I demoni, dove Stepan Trofimovitch è incapace di spiegare la profondità che vede nel dipinto.Vasilij Grossman venne ispirato dalla visione del dipinto, esposto per tre mesi a Mosca prima di essere restituito a Dresda, per il suo racconto  Madonna Sistina in cui si paragonano la Vergine e il Bambino raffaelleschi alle vittime del campo di sterminio di Treblinka.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the Literature and the Description and style.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Agostino

In generale le figure del polittico sono caratterizzate da effetti luminosi e da un'attenzione al dettaglio che rivelano l'influenza fiamminga. Tipici di Piero sono poi gli atteggiamenti solenni e composti, improntati a un solido equilibrio geometrico.

Prompt: How does Sant'Agostino Altarpiece explain its Style?Please output in Italian.


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Jacopo de' Barbari

Dipinse dal vivo Uno sparviero , probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.   giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, , si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

Prompt: Explain the Paintings about the Biography of this artwork, Jacopo de' Barbari.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The influence of photography of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Gli spaccapietre

Prompt: Focus on The Stone Breakers and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Mosaico di Zliten

Diverse sono state le controversie legate alla datazione del mosaico, per lo più basate su confronti archeologici o stilistici, ma la questione rimane irrisolta.<br />Nella sua opera del 1926 I mosaici di Zliten Aurigemma ne stima la datazione attorno agli anni della dinastia dei Flavi . Questa cronologia renderebbe il mosaico uno dei primi conosciuti del Nordafrica. Aurigemma basa la sua ipotesi su tre argomentazioni:sinistraParticolare di musici che suonano una Nel 1965 lo studioso francese Georges Ville esaminò il mosaico sulla base delle testimonianze storiche fornite dai costumi e dalle armi dei personaggi raffigurati nelle sezioni del mosaico che rappresentavano la venatio  e il munus . Ville osservò che la tunica di manica corta e i cacciatori con le gambe scoperte e prive di protezioni sembrano risalire alla fine del I o all'inizio del II secolo, mentre gli elmi indossati dai gladiatori thraex e murmillo sembrano appartenere a un periodo intermedio tra quello di Pompei e quello dei gladiatori del tempo di Traiano. Per queste ragioni Ville data il mosaico tra la fine del periodo flaviano e l'inizio del periodo antonino, ossia tra la fine del I e l'inizio del II secolo.Nel 1985 David Parrish, professore di storia dell'arte, propose la datazione intorno all'anno 200, periodo appartenente alla prima dinastia dei Severi. Parrish evidenzia le somiglianze trovate confrontando l'equipaggiamento militare dei due sanniti nel mosaico di Zliten con i guerrieri in un mosaico di Bad Kreuznach, in Germania, datato attorno al 250 d.C. Lo studioso ha svolto un confronto simile tra il duello rappresentato tra retiarius e secutor nel mosaico di Zliten e quello nel mosaico di Nennig in Germania, datato tra il 240 e il 250. Parrish sottolinea anche che il mosaico dell'anfiteatro di El Jem in Tunisia, datato nell'anno 200, presenta legami particolarmente evidenti con il mosaico di Zliten per la rappresentazione realistica degli spazi su sfondo bianco e per l'assenza di ombre e di appezzamenti di terreno isolati. Questa metodologia, basandosi su parallelismi stilistici tra le opere troppo ampi, è stata criticata da alcuni studiosi, tra cui la storica dell'arte romana Katherine Dunbabin.

Prompt: Focus on Zliten mosaic and explain the Controversies about dating.Please output in Italian.

Bad Kreuznach
II secolo
Nordafrica
Traiano
Zliten


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Arca di san Domenico

L'arca è un vero e proprio compendio di teologia. Va letta dall'alto verso il basso e riporta sia la disposizione gerarchica della Chiesa che la successione cronologica degli eventi. Alla sommità si trova Dio Padre, dominatore del mondo che infatti è raffigurato sotto i suoi piedi. Allo stesso tempo però Dio tiene un'altra raffigurazione del mondo vicino al suo cuore, ad indicare che ama l'oggetto del suo dominio. Più sotto c'è tutto il suo creato, ovvero la terra, l'aria e il mare, rappresentati rispettivamente dalle ghirlande di fiori e frutti, dagli angeli e dai delfini. All'interno di questo creato c'è il Mistero della Redenzione, rappresentato dal Cristo e dai due angeli, quello dell'annunciazione  e quello della Passione che appare al Cristo nel giardino del Getsemani. Sullo stesso livello si trovano i quattro evangelisti che diffondono il messaggio della Redenzione al mondo intero. Ad un livello ancora più basso si colloca l'opera della Chiesa, rappresentata dagli 8 santi patroni di Bologna. In seno a questa chiesa nasce l'Ordine dei Frati Predicatori, il cui capostipite è Domenico, celebrato dall'arca e conservato al suo interno.Attorno all'arca, tutte le sere, i frati domenicani del convento che la ospitano si riuniscono per pregare il loro padre fondatore.

Prompt: Focus on Arca di San Domenico and explain the The message of the Ark.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (van Dyck), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: Explain the The birth of the notation about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Literature and the Psychology.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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amore

Nel Corano c'è scritto "Chi non prova affetto non riceverà affetto".Ishq, o amore divino, è parola d'ordine del sufismo nella tradizione islamica. I praticanti del Sufismo credono che l'amore sia una proiezione dell'essenza di Dio con l'universo; Dio desidera riconoscere la bellezza, è come quando ci si guarda in uno specchio per vedere sé stessi.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Islam and the Psychology.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Bellini, Detroit) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La morte di Giacinto

Prompt: How does The Death of Hyacinthos explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Apollo
Apollo et Hyacinthus
Hyacinthus
Pederastia greca


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Assunzione di santa Maria Maddalena

Quattro angeli sollevano miracolosamente Maria Maddalena dalla grotta in cui abitava nel deserto in preghiera e penitenza, mentre un quinto le porge l'eucaristia.  santa, i cui lunghi capelli ispidi coprono il corpo nudo, magro ed avvizzito, giunge le mani in segno di preghiera, rivolgendo lo sguardo alla sua meta celeste. Il moto ascensionale è evidenziato, altre che da alcuni nastri svolazzanti, dalla veduta "a volo d'uccello" del paesaggio, ottenuta con un orizzonte particolarmente ribassato, verso il quale il cielo schiarisce come all'alba. L'opera è dominata dai valori lineari, che vennero poi sviluppati nelle opere successive del Pollaiolo: la linea di contorno, tesa ed elastica, modella con precisione le anatomie e crea dei ritmi sapientemente orchestrati dove spiccano i gesti innaturali, le pose in scorci difficili, il senso di movimento delle vesti e degli arti.  roccia chiara in cui si trova la grotta ricorda la particolare impostazione a "prismi di luce" di Domenico Veneziano, visibile in opere come il San Giovanni Battista nel deserto, del 1445 circa.

Prompt: Focus on Elevation of the Magdalen and explain the Description and style.Please output in Italian.

Domenico Veneziano
Maria Maddalena
San Giovanni Battista nel deserto


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

L'opera venne dipinta in stretta sintonia con gli affreschi della cappella, integrandosi sia da un punto di vista figurativo, tramite un riquadro appositamente lasciato vuoto in corrispondenza della pala, sia iconografico, presentando le storie legate alla vita della Vergine dall'Annunciazione alla Fuga in Egitto, non contemplate negli affreschi. datazione della pala è quindi coeva alle pitture murarie, con un possibile scarto che farebbe pensare al completamento dopo la morte del maestro da parte di un allievo. Durante il restauro del 1997-1999 infatti Marco Ciatti dell'Opificio delle Pietre Dure rilevò una diversa tecnica di esecuzione nel manto blu della Vergine, ottenuto in maniera più schematica tramite la stesura del blu d'azzurrite su campiture nere per le ombreggiature, ben diversa dall'accuratezza più rifinita degli altri panneggi. pala occupa un posto particolare nel passaggio dal polittico di stampo medievale alla pala rinascimentale: viene in genere indicata come la prima opera dove il soggetto rappresentato è messo in diretta relazione con la reale architettura circostante, dove lo spazio pittorico è unico e le figure sono concepite, per quanto riguarda dimensioni e colori, per armonizzarsi con gli affreschi, che ne rappresentavano in un certo senso gli scomparti laterali. Innovativa, per quanto ne sappiamo, fu anche la scelta di intelaiare la tavola su tutti i lati disponibili, con una prima testimonianza di pilastrini decorati da figurette di santi, ripresa poi da Masaccio e da Beato Angelico.

Prompt: How does Bartolini Salimbeni Annunciation explain its History?Please output in Italian.

Annunciazione
Beato Angelico
Fuga in Egitto
Marco Ciatti
Masaccio


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Dama con l'ermellino

alt=il dipinto Dama con l'ermellino è un dipinto a olio su tavola  di Leonardo da Vinci, databile al 1488-1490.  donna ritratta va quasi sicuramente identificata con Cecilia Gallerani.Nel dicembre 2016 l'opera, insieme all'intera collezione Czartoryski, è stata ceduta al governo di Varsavia per circa 100 milioni di euro, creando non poche polemiche, poiché il valore complessivo della sola opera sarebbe di 250 milioni di euro, mentre l'intera collezione varrebbe 2 miliardi. Conservato per anni nel Museo Czartoryski di Cracovia, dal maggio del 2012 al 7 maggio 2017 il quadro è stato esposto al castello del Wawel, sempre a Cracovia. Il 19 maggio 2017 l'opera viene temporaneamente spostata al Museo nazionale di Cracovia fino al 20 dicembre 2019 per poi tornare esposta al Museo Czartoryski.

Prompt: Focus on Lady with an Ermine and explain the Abstract.Please output in Italian.

1488
1490
Cecilia Gallerani
Cracovia
Leonardo da Vinci
Museo Czartoryski
Museo nazionale di Cracovia


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Morte di Germanico

Due disegni, che riprendono il tema della tela, sono attribuiti proprio al Poussin, di cui uno è conservato al British Museum di Londra, l'altro al Museo Condé di Chantilly. Il primo, sebbene gravemente danneggiato, già presenta i tratti principali del dipinto, con alcune piccole variazioni: il soldato al centro non tende la sua mano al cielo, ma stringe quella di Germanico, mostrando maggiore fedeltà al testo di Tacito. In alto a sinistra, due figure sono disegnate mentre salgono una scala, non presente nella composizione su tela. Il disegno francese, al contrario, presenta molte modifiche significative, tra cui il numero dei personaggi stessi. Analizzando lo stile del disegno, gli storici dell'arte Pierre Rosenberg e Louis Antoine Prat hanno ipotizzato che non sia un disegno preparatorio, bensì una raffigurazione posteriore, prodotta tra il 1630 e il 1632 alla luce della realizzazione di un possibile secondo dipinto sullo stesso soggetto, mai eseguito.

Prompt: In the context of The Death of Germanicus, explain the Preparatory drawings and the History.Please output in Italian.

British Museum
Chantilly
Londra
Museo Condé
Pierre Rosenberg


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Focus on Adoration of the Kings (Gossaert) and explain the Iconography.Please output in Italian.


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Arrivo degli ungheresi

sinistra rotonda di Negli anni '70 fu presa la decisione di istituire un parco nazionale storico commemorativo a Ópusztaszer. I gravi danni causati dalla guerra mondiale avevano costretto a convertire il dipinto, un ciclorama con una circonferenza di quasi 120 metri e un'altezza di 15 metri, e quindi una superficie di circa 1800 m², a tagliarlo in sezioni lunghi 8 metri, le quali furono arrotolate e custodite in vari magazzini del museo che aprì nell'area. Quando fu avviato il restauro del dipinto, si decise di procedere alla costruzione di una nuova rotonda che potesse ospitare il ciclorama.  realizzazione della struttura si fermò nel 1979 e parti della tela furono nuovamente immagazzinate e arrotolate. Nel 1991, un gruppo di restauratori polacchi vinse l'appalto per un nuovo restauro e si apprestò ad apportare i ritocchi necessari.

Prompt: In Arrival of the Hungarians, how is the Restoration of the work of the History explained?Please output in Italian.


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Venere dormiente

Venere dormiente, nota anche come Venere di Dresda, è un dipinto a olio su tela  di Giorgione, databile al 1507-1510 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda. Esso venne poi completato e in parte ridipinto da Tiziano dopo la morte di Giorgione, nel 1511-1512 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Sleeping Venus (Giorgione).Please output in Italian.


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient  Rome in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


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Tondo Pitti

Nel tondo si vedono Maria che, con un libro aperto sulle ginocchia, distoglie lo sguardo in lontananza come meditando sulla sorte del figlio appena letta nelle profezie delle Sacre Scritture, il Bambino appoggiato a lei in un vivace contrapposto, e, sullo sfondo appena visibile, san Giovannino.Sicuramente Michelangelo dovette essere influenzato dalla visione del perduto cartone di Sant'Anna di Leonardo da Vinci, esposto all'Annunziata proprio in quegli anni, cercando un maggior legame e interazione tra le figure e graduando i piani dello stiacciato alla ricerca di quel legante atmosferico tipico di Leonardo. Gli stessi contorni non levigati, dovuti al carattere non-finito dell'opera, accentuano questo effetto.Il fulcro dell'intera composizione è Maria, seduta su un blocco cubico , che sembra piegarsi per entrare al meglio nello spazio del tondo, tuttavia dando l'impressione anche di volere uscirne con forza, con la testa in altorilievo che esce dal bordo del tondo e girandosi verso sinistra rompe la rigidità dell'asse verticale del suo corpo. Il cherubino in fronte a Maria simboleggia la sua consapevolezza delle profezie, come si trova anche nella Madonna col Bambino di Donatello a Padova.Particolarmente espressivo è il contrasto tra la figura appena accennata di Giovanni Battista e la finitezza e il rilievo di quella della Vergine, dando anche l'idea dello scalare dei piani in profondità.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Pitti Tondo.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Giochi di bambini

Giochi di bambini è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1560 e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. È firmato in basso a destra " 1560".

Prompt: Focus on Children's Games (Bruegel) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1560
Kunsthistorisches Museum
Pieter Bruegel il Vecchio
Vienna


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Fontana di San Francisco

</ref>latitudine = 37.789longitudine = -122.407titolo alfabetico = mostra mappa = zoom mappa = }} Fontana di San Francisco è una scultura in bronzo e una fontana del 1970 di Ruth Asawa, situata fuori dal Grand Hyatt San Francisco nel centro di San Francisco, California, Stati Uniti.

Prompt: Focus on Ruth Asawa's San Francisco Fountain and explain the Abstract.Please output in Italian.

1970
California
Fontana
Ruth Asawa
San Francisco


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Prometeo incatenato

Eschilo, Supplici - Prometeo Incatenato, a cura di L. Medda, Oscar Mondadori, 2009, ISBN 978-88-04-55144-7. Giulio Guidorizzi, Letteratura greca, da Omero al secolo VI d.C., Mondadori, 2002, ISBN 88-882-4210-4. Vincenzo Di Benedetto ed Enrico Medda,  tragedia sulla scena, Einaudi, 2002, ISBN 978-88-06-16379-2. Guido Avezzù, Il mito sulla scena, Marsilio, 2003, ISBN 88-317-8070-0.

Prompt: Focus on Prometheus Bound and the Oceanids and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Quadrato nero

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto: “È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.” "Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva." "[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Fotografia di MalevičPeter Schjeldahl scrisse:

Prompt: How does Black Square explain its Perception?Please output in Italian.


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Deposizione di Volterra

Categoria:Dipinti di Rosso FiorentinoRossoCategoria:Dipinti nella Pinacoteca di Volterra

Prompt: Focus on Volterra Deposition and explain the Other projects.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Madonna Sistina è il dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.Il dipinto è considerato unanimemente uno dei massimi capolavori dell'arte occidentale per numerose ragioni, prime fra tutte la complessità concettuale e simbolica nascosta dietro l'apparente semplicità dell'immagine e l'unione armonica fra l'ideale di bellezza greco-romana e il sentimento religioso cristiano.I numerosi spostamenti subiti dall'opera fra Italia, Germania e Russia, testimoniano inoltre vari importanti eventi sociali e politici della storia dell'Europa, in particolare durante il XX secolo.Infine, il dipinto è considerato cruciale per l'evoluzione dei legami fra arte, commercio e industria.  sua alienazione dalla sede sacra per cui era stato realizzato  e il trasporto nella galleria profana di Augusto III di Polonia ha infatti suscitato negli intellettuali del XVIII secolo una profonda riflessione sulla mutazione della funzione dell'opera, passata da immagine devozionale a manufatto estetico, generando di fatto la discrepanza che ha portato alla nascita dei concetti distinti, e fino a quel momento inesistenti, di "artigianato"  e "belle arti" . Madonna Sistina è una delle due sole Madonne di Raffaello in cui Maria guarda direttamente negli occhi lo spettatore insieme alla successiva Madonna della seggiola.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1513
1514
Augusto III di Polonia
Dresda
Germania
Italia
Madonne di Raffaello
Russia
XVIII secolo
XVIII secolo
XX secolo


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Lupa capitolina

Nella seconda metà del III secolo a.C. la lupa diventa uno dei motivi decorativi nei medaglioni in rilievo, inseriti al centro dei vasi aperti della ceramica calena. I medaglioni riproducono meccanicamente i modelli metallici, identificabili con le didramme  d'argento romano-campane; in secondo piano, alle volte, compare il fico ruminale su cui talvolta sono appollaiati uno o due uccelli. Accanto al nucleo centrale, con l'immagine della lupa e i gemelli, trovarono posto scene figurate più complesse in cui vanno sommandosi altri elementi del racconto mitico: ad esempio la presenza di due pastori, o del solo Faustolo: come riporta il denario del triumviro monetale Sesto Pompeo Faustolo databile al 133-126 a.C.; Faustolo rappresentato come un viaggiatore, a braccia incrociate e con il pedum, ha il braccio sollevato in segno di meraviglia, gesto che sottolinea il significato miracoloso dell'allattamento, secondo uno schema che avrà larga fortuna in seguito.In età tardo repubblicana, con il denario detto dellAugurium romuli, datato al 110 a.C., la raffigurazione della Roma Victrix, associata al "Lupercale" , entrò a far parte del repertorio figurativo delle gemme; contemporaneamente i pastori diventarono due e si perse la specifica connotazione di Faustolo.Con la fine dell'età Repubblicana la tradizione iconografica narrativa cede il posto a raffigurazioni isolate, privilegiate per il loro carattere drammatico o per l'importanza acquisita dalla scena nella propaganda personale dell'imperatore; in particolare la lupa romana diventa uno dei motivi decorativi adoperati su urne e altari funerari della prima età imperiale.Nell'età Augustea, l'immagine dell'allattamento dei gemelli, allude ad una vita felice che richiama l'avvento dellaura aetas celebrata nei ludi saeculares del 17 a.C. Dopo una lunga assenza dai coni monetali per tutta l'età giulio-claudia, la lupa che allatta i gemelli ricompare sui rovesci degli aurei di Tito e dei denari coniati a Roma da Diocleziano, poco tempo prima della morte di Vespasiano nel 79 d.C. In esergo è raffigurata una barchetta, che richiama la cesta nella quale furono ritrovati i due fanciulli; la piccola imbarcazione diventa il simbolo del salvataggio miracoloso, poiché solo grazie ad essa Romolo e Remo giunsero sulla riva del Tevere.Con l'età adrianea la lupa con i gemelli diventa un attributo caratterizzante della personificazione del fiume Tevere, accompagnato precedentemente dalla palma o dall'idria rovesciata. Sulla monetazione di questo imperatore la lupa compare con un atteggiamento nuovo: non più rivolta interamente verso i gemelli, ma con la testa girata di tre quarti. Il significato della nuova immagine va compreso in relazione alle effigi della lupa che mostrano una diversa postura e che rimandano ad un diverso atteggiamento programmatico della politica imperiale:l'animale accovacciato , richiama la mansuetudine ottenuta grazie all'intervento divino;l'animale rivolto verso i gemelli richiama la protezione accordata dall'imperatore al popolo romano;l'animale con la testa fieramente alzata richiama la predestinazione della grandezza dell'Impero.Il motivo della lupa avrà larga diffusione, con ampie e numerose varianti, anche nella monetazione e nei medaglioni bronzei di Antonino Pio, il quale riprende il programma del suo predecessore e recupera, con le medesime motivazioni ideologiche, l'intero repertorio relativo al passato leggendario di Roma. Dopo Adriano, l'immagine della lupa nutrice, si diffonde nella monetazione provinciale; ben tre legioni hanno adoperato la lupa romana come insegna militare: la II legione Italica , la VI legione Ferrata  e l'XI legione Claudia .Con il III secolo d.C., il tema dell'allattamento miracoloso scompare dai monumenti pubblici e dalla monetazione di Roma e fa la sua apparizione solo in particolari occasioni legate a ricorrenze eccezionali; come i giochi secolari celebrati da Filippo l'Arabo nel 248 d.C., che secondo il computo verroniano, coincideva con il millesimo anniversario di Roma e nei successivi anniversari festeggiati da Gallieno, da Probo e da Carusio con cadenza decennale.Nel IV secolo d.C. la veneranda immagine della lupa torna in voga con Massenzio, l'ultimo vero imperatore romano, che tentò di restituire a Roma la centralità perduta rinnovandone i monumenti e dando al proprio figlio il nome del suo fondatore: Romolo. statua che conosciamo venne quasi sicuramente realizzata tra il X e il XIV secolo, grazie alle recenti analisi condotte sulle terre di fusione usate nella lega bronzea. Fino a pochi anni fa la si riteneva invece un originale datato, con esiti diversi, dagli inizi del V secolo a.C. al III secolo a.C., che non era mai finito sotto terra. Ciò testimonia, comunque, la prova della continuità dello spirito romano dall'antichità attraverso il medioevo e oltre.

Prompt: Explain the La Lupa the coinage about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Capitoline Wolf.Please output in Italian.

110 a.C.
126 a.C.
17 a.C.
248
79
Adriano
Antonino Pio
Carusio
Diocleziano
Faustolo
Filippo l'Arabo
Gallieno
III secolo
III secolo a.C.
IV secolo
Lupercale
Massenzio
Roma
Romolo e Remo
Sesto Pompeo Faustolo
Tevere
V secolo a.C.
Vespasiano
XIV secolo


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Pala di San Zeno

predella è articolata in tre scomparti: Orazione nell'orto, 71,1×93.7 cm, Tours, Musée des Beaux-Arts.NellOrazione il paesaggio è pietrificato e desertico, quasi artificiale nella modellazione delle rocce; Gesù prega su una roccia simile ad un altare, sulla destra. Sullo sfondo si vede una Gerusalemme ideale, i cui edifici ricordano Roma e Venezia.  Crocifissione mostra la comprensione delle opere di Donatello, con la profonda penetrazione psicologica dei personaggi  e con l'effetto di rappresentazione casuale della vita sotto i nostri occhi, con la presenza di comparse come i due personaggi dimezzati in primo piano, che sembrano colti di sorpresa nel loro passaggio casuale. Nella Resurrezione l'abbigliamento all'antica dei soldati è molto curato e dimostra la volontà di Mantegna di ricreare con precisione l'ambientazione nel mondo classico, con un approccio organico che travalica la semplice citazione erudita ma decontestualizzata delle opere del suo maestro Squarcione.

Prompt: In San Zeno Altarpiece (Mantegna), how is the Predella of the History explained?Please output in Italian.

Donatello Gerusalemme Roma Tours Venezia


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marmi di Elgin

Nonostante il British Museum abbia continuamente ribadito la sua ufficiale proprietà dei marmi, nel 1998 tutti i sondaggi effettuati da agenzie e giornali hanno mostrato il favore dell'opinione pubblica alla restituzione dei marmi di Elgin alla Grecia.Ipsos MORI ha effettuato un sondaggio con la domanda: "Se ci fosse un referendum sull'opportunità o meno che i marmi di Elgin siano restituiti alla Grecia, come voterebbe?". Le risposte, tra la popolazione inglese adulta, sono state: Quando è stato chiesto il parere del pubblico con una serie di condizioni  il numero di favorevoli alla restituzione è salito al 56% e quello dei contrari è sceso al 7%.Entrambi i risultati del sondaggio evidenziano quindi come la maggioranza della popolazione inglese sia favorevole al rientro dei marmi in Grecia, la quale supera di gran lunga la parte a favore della permanenza al British Museum.

Prompt: Describe the characteristics of the Surveys in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra Tea Filopatore, ultima sovrana dell'Egitto tolemaico, avvenne il 10 o il 12 agosto del 30 a.C. ad Alessandria d'Egitto, alla fine della guerra civile tra Ottaviano Augusto e Marco Antonio. Secondo la versione più famosa, la regina si sarebbe suicidata facendosi mordere da un aspide  ma secondo alcuni storici greci e romani si sarebbe uccisa bevendo una bevanda velenosa. Alcuni accademici hanno addirittura ipotizzato che la regina si sia uccisa su ordine di Ottaviano, che aveva vinto la guerra. In ogni caso, Cleopatra venne sepolta insieme al suo amante Marco Antonio e la sua morte decretò la fine della dominazione tolemaica d'Egitto, l'inizio dell'occupazione romana del paese e la fine del periodo ellenistico, in quanto l'Egitto dei Tolomei era l'ultimo regno ellenistico rimasto. morte di Cleopatra è stata raffigurata in varie opere d'arte nel corso dei secoli, inclusi dipinti, sculture, opere letterarie, opere teatrali e pellicole cinematografiche. In queste raffigurazioni prevale il suicidio dovuto al morso dell'aspide. A partire dall'Ottocento, le raffigurazioni più moderne della morte della sovrana hanno anche un tocco di orientalismo.

Prompt: How does Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino) explain its Abstract?Please output in Italian.

30 a.C.
Alessandria d'Egitto
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: Describe the characteristics of the In France in Mary Magdalene (Perugino)'s Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Allegoria del trionfo di Venere

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: In Venus, Cupid, Folly and Time, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Crocifissione simbolica

Il quadro è stata spesso descritto come un'allegoria apocalittica dei fatti legati a Firenze dopo la morte di Savonarola , che quasi certamente colpì Botticelli profondamente.  Maddalena sarebbe Firenze pentita, che grazie l'intervento divino riesce a scongiurare i terribili pericoli che si abbattono su di lei. Nel 1502 infatti Cesare Borgia aveva minacciato di invadere la città e i suoi territori, scongiurando una dominazione che appariva quasi ineluttabile.

Prompt: Explain the Interpretation about the Description and style of this artwork, Mystic Crucifixion.Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Jean-Philippe Postel, Il mistero Arnolfini. Indagine su un dipinto di Van Eyck, Ginevra-Milano, Skira, 2017.

Prompt: In Arnolfini Portrait, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Correggio) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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San Girolamo

Gerolamo, Le regole alimentari, a cura di Lucio Coco, Bologna, Edizioni Dehoniane, 2015. San Girolamo, Vite di Paolo, Ilarione e Malco, traduzione di Giuliana nata, Milano, Adelphi, 1985. Alfredo Cattabiani, Santi d'Italia, Milano, Rizzoli, 1993, ISBN 88-17-84233-8 Leopoldo Gamberale, San Gerolamo intellettuale e filologo, Roma, Edizioni di Storia e letteratura, 2013. John Norman Davidson Kelly, Jerome. His Life, Writings, and Controversies, New York, Harper & Row, 1975.

Prompt: In Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Ginevra de' Benci

Prompt: How does Ginevra de' Benci explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Dipinti di Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci


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Madonna in preghiera

Madonna in preghiera è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, siglato e datato al 1518 , e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: How does The Virgin in Prayer explain its Abstract?Please output in Italian.


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: Describe the characteristics of the Expressions of love in Love & Loss's In the arts.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Vocazione dei primi apostoli

Vocazione dei primi apostoli è un affresco  di Domenico Ghirlandaio e aiuti, realizzato nel 1481-1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

Prompt: Focus on Vocation of the Apostles and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Allegoria dei piaceri

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: In Allegory of Gluttony and Lust, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Polittico della Misericordia

Nel 1442 Piero risultava abitante, dopo alcuni viaggi, di nuovo a Borgo Sansepolcro, sua città natale, dove era uno dei "consiglieri popolari" nel consiglio comunale. L'11 gennaio 1445 ricevette dalla locale Confraternita della Misericordia la commissione di un polittico per l'altare della loro chiesa: il contratto prevedeva il compimento dell'opera in tre anni e la sua completa autografia, oltre all'obbligo di controllare, ed eventualmente restaurare, il dipinto nei dieci anni successivi. Il Polittico della Misericordia è, grazie a questo contratto, la prima opera documentata di Piero della Francesca che ci sia pervenuta.In realtà, la realizzazione del polittico si protrasse, con intervento di un allievo non identificato, per più di 15 anni, nonostante le continue sollecitazioni della Confraternita, come dimostra un pagamento al fratello Marco di Benedetto de' Franceschi, per conto di Piero, effettuato dai religiosi nel 1462. Il ritardo può essere spiegato sia per i numerosi altri impegni del maestro, sia per la sua fama di artista molto lento, a cui si era cercato di rimediare con l'apposizione della clausola. Alcuni documenti fanno dedurre che la parte preponderante dell'opera sia stata eseguita dopo il 1459.  presenza di San Bernardino da Sienaaureola pone un importante termine post quem, poiché venne proclamato santo nel 1450.Nel XVII secolo il polittico fu scomposto, con la perdita dell'originaria cornice; si riuscì però ad evitare la dispersione dei pannelli. Trasferito poi nella chiesa di San Rocco, dal 1901 è conservato nella Pinacoteca comunale.

Prompt: In Polyptych of the Misericordia, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Baccanale degli Andrii

In primo piano, a destra, si trova nell'angolo il nudo sensuale di una ninfa-baccante dall'incarnato chiarissimo, citazione colta delle statue dellArianna dormiente, col gomito destro alzato e il braccio piegato dietro la testa, una convenzione per rappresentare il sonno. Essa, scrisse Vasari, "è tanto bella che par viva".Poco dietro un puer mingens si alza la tunichetta, "piscia in un fiume e si vede nell'acqua", come lo descrisse sempre Vasari, mentre al centro due fanciulle discorrono distese, illuminate dalla piena luce. Una di esse, senza voltarsi, alza il piatto, in cui un uomo nudo versa il vino da una brocca. Nonostante il gesto l'uomo e la donna sembrano ignorarsi: il forte senso di bellezza e di gioia, anche erotica, non viene mai turbato da atteggiamenti volgari..

Prompt: Describe the characteristics of the Characters in The Bacchanal of the Andrians's History.Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1856 tra i concorsi dell'Accademia di Belle Arti di Milano venne richiesto il progetto di un monumento a Leonardo in forma di fonte da porre sempre nel cortile di Brera. Una medaglia d'oro del valore intrinseco di venti zecchini.}}L'8 febbraio 1857 l'imperatore Francesco Giuseppe stabilì la realizzazione di un vero e proprio monumento da porre in piazza San Fedele con una statua in marmo alta 3,60 metri. Venne perciò stabilito un nuovo programma il 1º ottobre 1857, con scadenza il 31 ottobre 1858.Il 22 dicembre 1858 la commissione stabilì all'unanimità la scelta del modello «Pensa nel marmo» presentato dallo scultore Pietro Magni; si fece però anche presente che sarebbe stata necessaria una spesa maggiore delle 60.000 lire austriache previste dal bando di concorso. Venne anche stabilito di destinare il monumento alla piazza della Scala.

Prompt: Explain the The contest of 1857 about the Criticisms of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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Hokusai manga

Il primo volume di Manga , era un libro di istruzioni sull'arte pubblicato per aumentare i propri introiti, trovandosi in difficoltà economica. Poco dopo Hokusai rimosse il testo e lo ripubblicò. Manga testimonia la dedizione al realismo artistico nella rappresentazione delle persone e del mondo naturale. L'opera fu immediatamente un successo, presto seguirono i volumi successivi. L'opera fu conosciuta in Occidente da quando Philipp Franz von Siebold pubblicò le proprie parafrasi litografate di alcuni schizzi nel suo Nippon: Archiv zur Beschreinbung von Japon nel 1831. L'opera iniziò a circolare in Occidente dopo l'arrivo in Giappone di Matthew C. Perry nel 1854.

Prompt: In Hokusai Manga, how is the Inheritance discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: In Annunciation (Masolino), how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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I figli di Edoardo

Nel 1827, Paul Delaroche fece un viaggio a Londra e visitò l'antica torre medioevale della città. Appassionatosi della leggenda dei principi nella Torre, egli fece delle ricerche minuziose sulle decorazioni e gli oggetti dell'epoca per creare un dipinto storico, un genere da lui affrontato sia per la storia contemporanea che per quella medievale. Il dipinto venne presentato per la prima volta al Salone del 1831. All'epoca della sua ricezione, poteva essere definito un "quadro che farebbe piangere le capanne", come, in seguito, un altro quadro dello stesso pittore, Il supplizio di Giovanna Grey del 1833.Nel 1831 venne comprato dallo stato francese per 6000 franchi e posto nel museo del Lussemburgo. Nel 1878 entrò nelle collezioni pittoriche del museo del Louvre a Parigi. Nel 2014, venne prestato al museo di belle arti di Lione per la mostra "L'invention du Passé. Histoires de cœur et d'épée 1802-1850".

Prompt: Explain the History of this artwork, The Children of Edward.Please output in Italian.


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Arringatore

Sulla toga della statua si legge la seguente iscrizione in caratteri etruschi del II sec. a.C.:"auleśi meteliś ve vesial clenśi cen flereś tece sanśl terine tuθineś χisvlicś".Romolo Augusto Staccioli riporta la traduzione delle prime sette parole ed è incerto sull'ottava:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi questa statua pose ……… ".Piero Bernardini Marzolla, basandosi su presunte corrispondenze col sanscrito, ha integrato la traduzione comunemente accettata, come segue:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi, l'assemblea eresse questa statua, grazie al versamento di pubblico contributo".

Prompt: Explain the Registration of this artwork, The Orator.Please output in Italian.

Piero Bernardini Marzolla
Romolo Augusto Staccioli


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Chassériau)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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La classe di danza

L'opera, seppur realizzata nel 1871 - ben tre anni prima, dunque, della prima mostra impressionista nello studio di Nadar - già riassume in nuce tutti i temi della maturità artistica di Degas.  classe di danza, infatti, è uno dei primi dipinti che il pittore dedica alla serie delle danzatrici, tema dal quale fu segnatamente affascinato. Egli, tuttavia, non fu per nulla attratto dalle luci della ribalta, e - anzi - preferì intrufolarsi dietro le quinte, nel foyer della danza, dove ebbe modo di raffigurare senza mascheramenti di sorta il logorio di quel lavoro apparentemente facile che quei petit rats de l'opéra dal corpo acerbo erano obbligati a svolgere per poter soddisfare la folla una volta alzati i sipari. Non di rado, inoltre, queste «piccole Nanà» erano di bassa estrazione sociale e individuavano nello scintillante palcoscenico dell'Opéra una possibilità di ascesa sociale: si trattava dunque di un tema che non solo era tracimante di modernità, bensì era anche in grado di prosciugare la sete di realismo di Degas.Ne  classe di danza, oggi esposta al Metropolitan Museum of Art di New York, Degas registra un momento qualsiasi di una lezione di danza, ed indaga i gesti e gli atteggiamenti di questo gruppo di giovani ballerine con grandissima meticolosità. Di queste, una è colta mentre sta ripassando un passo di danza; altre, invece, osservano le movenze della compagna o, magari, ascoltano diligentemente il maestro, intento a suonare il violino e a valutare con attenzione la performance dell'allieva che si sta esibendo. Una delle ragazze si sta persino riscaldando alla sbarra, attendendo a sua volta il proprio turno di prova e ignorando il chiacchiericcio sommesso di alcune sue compagne più svogliate. Il pennello di Degas non si lascia sfuggire neanche la bambina all'estrema destra, colta con la testa rivolta verso il muro, in un momento di grande prostrazione: è probabilmente logorata dalla stanchezza, o magari affranta dal cattivo esito di un esercizio che ha provato e riprovato infinite volte. in un continuo rimbalzo tra sfondo e superficie: si tratta, probabilmente, di una citazione di s Meninas, capolavoro di Diego Velázquez dove un analogo gioco di riflessi costruisce la spazialità completa del quadro. Anche la tessitura luministica dell'opera viene ricostruita da Degas con grande minuzia e affetto: l'atmosfera ferma e quieta della sala, infatti, è impregnata di una luce dorata che, spiovendo da una finestra presente nella stanza, carica la composizione di una patina quasi monocorde e ingentilisce le movenze delle ballerine.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Ballet Class (Degas, Musée d'Orsay).Please output in Italian.

Diego Velázquez
Metropolitan Museum of Art
New York


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Shepherds (Caravaggio).Please output in Italian.


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Salon des Refusés

È chiamata Salon des Refusés  l'esposizione, organizzata nel 1863 da Napoleone III, per accogliere le opere degli artisti rifiutate dal Salon "ufficiale", ovvero quello dell'Académie des beaux-arts di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Salon des Refusés.Please output in Italian.


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Madonna Bridgewater

tela, attribuita al periodo fiorentino maturo dell'artista, fece parte delle collezioni Seiguelay, d'Orléans e, dal 1792 al 1945 Ellesmere di Londra, entrando nel museo dal lascito Bridgewater.Esistono alcuni disegni riferibili all'opera, all'Albertina di Vienna e al British Museum di Londra, il cui si rileva un vivacissimo groviglio di tratti con effetti di avvolgimento chiaroscurale derivati dall'esempio di Leonardo.

Prompt: Focus on Bridgewater Madonna and explain the History.Please output in Italian.


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Isabella

Di seguito si trova una lista delle varianti del nome in altre lingue:Albanese: IzabelaArmeno: Զաբել Asturiano: SabelCatalano: Isabel, Ibbie, Issy, Izzy, Izzie, Libbe, Libbie, Libby, Bella, Belle, SabellaIrlandese: Isibéal, SibéalOlandese: Isabella, IsabellePolacco: Izabela, IzabellaPortoghese: Isabela, IsabelIpocoristici: BelinhaRumeno: Isabela, Isabella, Izabela, IzabellaRusso: Изабелла Scozzese: Iseabail, Ishbel, IsobelIpocoristici: BeileagSpagnolo: Isabella, Isabela, Isabel, YsabelIpocoristici: IsaTedesco: Isabelle, Isabell, Isabel, IsabellaIpocoristici: IsaUngherese: Izabella

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Variantsinotherlanguages of the People explained?Please output in Italian.


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Paesaggio con rovine di un castello e una chiesa è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1665 ed il 1670 dal pittore olandese Jacob Van Ruisdael.È conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on A Landscape with a Ruined Castle and a Church and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Il sogno della moglie del pescatore

L'immagine è spesso citata tra gli antesignani dello stupro tentacolare, un concetto presente sia in hentai horror che in film a sfondo horror/pornografico, divenuto comune nell'animazione e nella fumettistica giapponese alla fine del XX secolo, grazie ad autori come Toshio Maeda. Diversamente da quanto rappresentato nell'opera di Hokusai, però, le immagini moderne rappresentano rapporti sessuali tra donne e animali tentacolati che appaiono solitamente forzati e non consensuali e con un muto scambio di piacere. Proprio in virtù di quest'ultimo aspetto, lo psicologo e critico Jerry S. Piven si è dichiarato scettico circa l'accostamento tra la giocosa scena dipinta da Hokusai e le scene violente presenti nei media moderni, affermando che queste ultime sarebbero piuttosto il prodotto del tumulto sperimentato dalla società giapponese a seguito della seconda guerra mondiale, il quale a sua volta rifletteva l'esistenza di sottostanti correnti di traumi culturali. Di parere opposto è invece Holger Briel, studioso di comunicazione e media, il quale, citando l'opera di Hokusai come uno tra i primi esemplari di quella che sarebbe diventata una tradizione, riguardo alle violente rappresentazioni moderne sostiene che "certe immagini possono comparire solamente in una società che ha già una predilezione per i mostri ed è solita interagire con gli ottopodi". Nel 1903, quest'ultimo disegnò anche una propria versione privata de Il sogno della moglie del pescatore che intitolò Dona i Pop  e che nel 2009 fu poi anche esposta al Museo Picasso di Barcellona all'interno della mostra intitolata Secret Images, la quale includeva altri 26 tra disegni e sculture di Picasso posti accanto all'opera originale di Hokusai e ad altre 16 stampe giapponesi, al fine di evidenziare l'influenza dell'arte giapponese del XIX secolo sull'opera del pittore spagnolo. Quasi trent'anni dopo i lavori di Picasso risentiranno ancora dell'influenza dell'opera di Hokusai, ne è un esempio il dipinto Reclining Nude del 1932, in cui la donna che prova piacere è allo stesso tempo anche il polpo, ed è quindi capace di dare piacere a sé stessa. Nel 2003, il pittore australiano David ity, ha presentato un'opera derivata dalla xilografia di Hokusai e intitolata The Dream of the Fisherman's Wife, innescando anche una piccola polemica riguardo all'oscenità del disegno dopo la sua esposizione alla galleria d'arte di Melbourne; sollecitata da alcuni cittadini, la polizia aprì un'indagine il cui risultato fu però che l'opera non infrangeva alcuna legge anti-pornografia della città.  stampa di Hokusai ha avuto grande influenza anche su Masami Teraoka, odierno artista nippo-americano, il quale ha creato tutta una serie di immagini raffiguranti donne  che si intrattengono in rapporti sessuali con cefalopodi come simbolo di potere sessuale femminile. cosiddetta "aria della piovra" Un dì, ero piccina dell'opera Iris di Pietro Mascagni, che il compositore creò nel 1898, con libretto di Luigi Illica, potrebbe essere stata ispirata dalla stampa di Hokusai. Il personaggio principale, Iris, descrive infatti una scena, che aveva visto in un tempio Buddista quando era bambina, raffigurante un polpo che avvolgeva i suoi tentacoli attorno a una giovane donna sorridente, uccidendola. Iris ricorda anche che un bonzo le aveva spiegato: "Quella piovra è il piacere...quella piovra è la morte!".

Prompt: How does The Dream of the Fisherman's Wife explain its Flu?Please output in Italian.

Barcellona
Luigi Illica
Masami Teraoka
Melbourne
Pietro Mascagni
Toshio Maeda
XX secolo


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Saliera di Francesco I di Francia

Saliera di Francesco I è un'opera scultorea in ebano, oro e smalto, realizzata da Benvenuto Cellini al tempo del suo soggiorno in Francia, tra il 1540 e il 1543. Di piccolo formato , è considerato universalmente il capolavoro d'oreficeria dell'artista e uno degli oggetti più significativi del Manierismo europeo.È custodita all'interno del Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Focus on Cellini Salt Cellar and explain the Abstract.Please output in Italian.

1540
1543
Benvenuto Cellini
Francia
Kunsthistorisches Museum
Manierismo
Vienna


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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David-Apollo

Prompt: Focus on Apollo (Michelangelo) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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La fattoria

;TeleRatti 2009: Peggior programma dell'anno  2009: Peggior reality dell'anno

Prompt: How does The Farm (Miró) explain its Awards?Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma moderna

Pittura ad olio su tela, che appartiene al genere conosciuto come "capriccio di architetture", rappresenta una grande e immaginaria sala, dove è una raccolta di dipinti, appoggiati alle pareti o in terra, con vedute di chiese e di monumenti celebri che si trovano a Roma. Le vedute, salvo pochi casi, non intendono riprodurre quadri effettivamente dipinti da Pannini; quindi l'invenzione non è che un espediente per illustrare le singolari bellezze della città. Nel dipinto sono presenti anche celebri sculture presenti a Roma e alcuni personaggi. I soggetti delle vedute sono stati certamente concordati con il committente che forse desiderava possedere un "souvenir" indelebile della città dove, come ambasciatore, aveva rappresentato il Re di Francia. Un pesante drappo purpureo pende a balze dal soffitto, come un sipario da poco sollevato; colonne di marmo, in fuga verso un lontano giardino, frammentano lo spazio grandioso; mentre i personaggi, pur in primo piano, sembrano elementi secondari, rispetto alla complessità dell'apparato scenico e alla meraviglia delle pitture, esposte quasi a caso e senza un ordine apparente.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Modern Rome.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

È venerata nella Chiesa di San Michele Arcangelo, santuario mariano per la presenza dell'icona in stile bizantino di scuola romana del XIII secolo. L'icona è posta all'interno di una cornice in stucco dorato del XVII secolo: essa rappresenta la figura della Theotókos come Basilissa che sorregge il figlio benedicente.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Sonnino and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.