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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Ecce Homo

{ class="wikitable"+! Novum Testamentum Graece!! Vulgata Clementina!! Nuova Diodati- ἐξῆλθεν οὖν ὁ Ἰησοῦς ἔξω, φορῶν τὸν ἀκάνθινον στέφανον
 καὶ τὸ πορφυροῦν ἱμάτιον.
 καὶ λέγει αὐτοῖς· ἰδοὺ ὁ ἄνθρωπος.   Et dicit eis: Ecce homo. Gesù dunque uscì, portando la corona di spine
 e il manto di porpora.  E Pilato disse loro: «Ecco l'uomo!».}

Prompt: How does Ecce Homo (Luini) explain its Text.?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Pala Bentivoglio

Il dipinto è una tela di grande dimensione che venne realizzata dal Costa, autore anche delle altre due opere presenti sulle pareti della cappella, Il Trionfo della Fama e Il Trionfo della Morte. L'opera fu commissionata come ringraziamento per aver scampato il pericolo della congiura ordita dalla famiglia Malvezzi.Nell'opera, ambientata in una sontuosa architettura rinascimentale, si erge un altare marmoreo con un ricco fregio, che reca sul gradino più alto un trono sul quale è assisa la Madonna col Bambino; ai suoi lati, inginocchiati si trovano i due coniugi committenti, Ginevra Sforza  col marito Giovanni II Bentivoglio; in primo piano e in piedi undici dei loro figli . A sinistra sono ritratte le sette figlie femmine  a destra i quattro maschi . Dei personaggi ritratti nell'affresco, ricordiamo ; Francesca Bentivoglio, sposata a Galeotto Manfredi e macchiatasi di uxoricidio; Violante Bentivoglio ; Ermes Bentivoglio, bambino all'epoca del ritratto, descritto in seguito da un cronista bolognese come iracondo e perverso, addirittura "bestiale", per la strage da lui compiuta nel 1501 ai danni della famiglia Marescotti; Antongaleazzo Bentivoglio, ritratto in abito da prelato, protonotario apostolico, che non ottenne l'agognato cappello cardinalizio, onore che il papa gli rifiutò; Annibale II Bentivoglio, sposato con Lucrezia d'Este, che dopo la morte di Giovanni II e l'esilio subito dalla sua famiglia, tentò invano, insieme al fratello Ermes, di rientrare a Bologna.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Bentivoglio Altarpiece.Please output in Italian.

1501
Annibale II Bentivoglio
Antongaleazzo Bentivoglio
Bologna
Ermes Bentivoglio
Francesca Bentivoglio
Galeotto Manfredi
Ginevra Sforza
Giovanni II Bentivoglio
Lucrezia d'Este
Violante Bentivoglio


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Ritratto di donna Franca Florio

Il Ritratto di donna Franca Florio è un dipinto a olio su tela di Giovanni Boldini. Firmato e datato al 1924, fu però realizzato dall'autore nel 1901 e variamente ritoccato fino alla versione definitiva degli anni venti.

Prompt: How does Portrait of Donna Franca Florio explain its Abstract?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: Describe the characteristics of the Hidden  children  in  clandestinity in Children in the Holocaust's Losterminio.Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Musica alle Tuileries

Le Tuileries, parco che raccorda place de la Concorde con il museo del Louvre, era uno dei luoghi di ritrovo più mondani di Parigi, sede di concerti e di imprescindibili eventi sociali. Lo stesso Manet, che ricordiamo essere di origine altoborghese, vi si recava spesso dopo aver pranzato all'elegante caffè Tortoni, per appuntarvi qualche disegno in compagnia dell'amico Charles Baudelaire. Quest'ultimo aveva da poco scritto un saggio denominato Il pittore della vita moderna, dove affermò:Musica alle Tuileries ha decise tangenze con il saggio di Baudelaire, del quale intende essere probabilmente la trasposizione pittorica. Con questo dipinto, infatti, Manet intende cogliere l'eroismo della società moderna, senza rifugiarsi in temi storici o mitologici, e per farlo decide di raffigurare la borghesia parigina assiepata tra gli alberi delle Tuileries, con i loro sguardi e le loro osservazioni. Tra le varie personalità che affollano il parco vi sono lo stesso Manet con un bastone da passeggio, tagliato dal margine sinistro della tela , e vari suoi amici, come il pittore Albert de Balleroy, il fratello Eugène, il pittore Fantin-tour, la moglie del comandante Lejosne, il musicista Offenbach  e infine Baudelaire, Gautier e Zacharie Astruc. A completare la composizione vi sono varie sedie da giardino e un parasole in primo piano. Manet, in questo modo, delinea compiutamente la propria situazione all'interno della società culturale parigina, in modo analogo a quanto già Courbet aveva fatto con L'atelier del pittore nel 1855.A dispetto del titolo non vi è traccia di concerti o strumenti musicali. Manet, in ogni caso, con Musica alle Tuileries si cimenta in un'audace raffigurazione della società parigina dell'Ottocento, dando vita a una composizione che seppur statica restituisce una sensazione di brulichio e di vita, la stessa «vita parigina» che verrà da lì a poco cantata da Offenbach in un'operetta: «Tutto gira, gira, gira ... Tutto danza, danza, danza ...». Quest'atmosfera chiassosa, che si armonizza perfettamente con l'impressione sonora della marea umana mentre conversa, deriva soprattutto dallo stile compendiario del dipinto, che presenta infatti una stesura pittorica poco definita, con i volumi che diventano sempre meno nitidi andando da sinistra a destra. Il fatto che le figure siano spesso poco più che abbozzate scandalizzò il pubblico: particolarmente acerba fu la condanna del critico Babou, scettico da tale «mania di vedere per macchie» che si estendeva persino ai ritratti, qualificati alla stregua di «la macchia-Baudelaire, la macchia-Manet» e via dicendo. Altrettanto criticata fu la scelta di Manet di raffigurare un tipo di scena sino ad allora privilegiato dalle riviste, dunque «basso», e quindi in completo disaccordo con i quadri accademici che andavano allora di moda, sempre affollati di personaggi storici o mitologici inseriti all'interno di ricche ambientazioni classicheggianti. Il quadro, in ogni caso, fu realizzato in studio dopo alcuni studi eseguiti sul posto, e fu esposto nel 1863 presso la galleria di Louis Martinet insieme ad altri dieci dipinti.

Prompt: How does Music in the Tuileries explain its Description?Please output in Italian.

Charles Baudelaire
L'atelier del pittore
Zacharie Astruc


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Bambini dell'Olocausto

1946 - Nous continuons!.., regia di M. Bahelfer  1995 - Anna Frank Remembered, regia di Jon Blair  1995 - Children Remember the Holocaust, regia di Mark Gordon  1995 - Lost Childhood: The Story of the Birkenau Boys  1996 - My Knees Were Jumping: Remembering the Kindertransports  1997 - The Lost Children of Berlin, regia di Elizabeth McIntyre  1998 - Voices of the Children, regia di Zuzana Justman  1999 - The Children of Chabannes, regia di Lisa Gossels e Dean Wetherell  1999 - Children of the Night, cortometraggio, regia di Jolanta Dylewska  2000 -  fuga degli angeli - Storie del Kindertransport , documentario, regia di Mark Jonathan Harris  2000 - The Children Who Cheated the Nazis, regia di Sue Read  2002 - The Boys of Buchenwald, regia di Audrey Mehler  2002 - The Power of Good: Nicholas Winton, regia di Matej Mináč  2002 - Secret Lives: Hidden Children and Their Rescuers During WWII, regia di Aviva Slesin  2009 - The Kindertransport Story, regia di Lindsay Hill  2011 - Children of Terezin, regia di Gabriel Bologna  <documentario> 2011 - The Boys of Terezin, regia di Shahab John Sharify  2013 - 50 Children: The Rescue Mission of Mr. And Mrs. Kraus, regia di Steven Pressman  2014 - The Children of the Holocaust  - Documentario prodotto dalla BBC 2015 - Innocence Lost: Stories from Children of the Holocaust, regia di Alex Roberts e Andrew Sherwood  2019 - The st Survivors, episodio della serie televisiva Frontline  2020 - Determined: The Story of Holocaust Survivor Avraham Perlmutter, regia di Keren Perlmutter

Prompt: Describe the characteristics of the Documentaries in Children in the Holocaust's Historical research.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Nudo che scende le scale n. 2

Nudo che scende le scale n. 2 è un dipinto verticale che raffigura una figura ocra e marrone ripresa nell'atto di compiere un movimento astratto. Le "parti del corpo" discernibili della figura sono composte da elementi astratti annidati, conici e cilindrici assemblati insieme in modo da suggerire un senso di ritmo e trasmettere il senso di movimento della figura che sembra fondersi in se stessa. I contorni scuri limitano i contorni del corpo e fungono da linee di movimento che enfatizzano la dinamica della figura colta nell'atto di muoversi in avanti, mentre gli archi accentati delle linee tratteggiate sembrano suggerire una spinta pelvica. Il movimento della figura sembra ruotare in senso antiorario dall'angolo in alto a sinistra verso l'angolo in basso a destra, dove il gradiente della sequenza appare congelato. Man mano che la sequenza in movimento si allontana dalla parte in basso a destra e si avvicina a quella in alto a destra, il soggetto ritratto diventa più cupo e trasparente, quasi come per raffigurare un movimento avvenuto in passato che è però rimasto "congelato" nel tempo. Il centro dell'immagine è un amalgama di luci e ombre, che diventa più taglienti avvicinandosi ai bordi.  palette di colori caldi e monocromatici varia dagli ocra gialli a tonalità scure e quasi nere. In basso a sinistra, Duchamp inserì il titolo in stampatello "NU DESCENDANT UN ESCALIER", che sembra essere correlato all'opera. Tuttavia, non è certo che quella raffigurata sia una figura umana in quanto priva di identità, età, carattere e individualità, anche se alcuni abbiano presunto che fosse un soggetto maschile. Lo sfondo è dipinto con colori scuri che fanno risaltare il soggetto dell'opera.Il nudo di Duchamp combina elementi cubisti e futuristi. Nella composizione, l'artista ritrae il movimento attraverso immagini sovrapposte in sequenza, simili alla fotografia stroboscopica. Duchamp asserì anche di essersi ispirato alla tecnica passo uno di Étienne-Jules Marey e in particolare a quella di Woman Walking Downstairs di Eadweard Muybridge della sua serie The Human Figure in Motion .

Prompt: Focus on Nude Descending a Staircase, No. 2 and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-Portrait (Chassériau) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Testa di fauno

Prompt: Focus on Head of a Faun and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Pala dei Decemviri

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In Decemviri Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: Describe the characteristics of the Operatic, historiographic, and hagiographic works in Saint Jerome Writing's Iconography.Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


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Giardino dei Tarocchi

Fa da contrappunto allo spazio cavo racchiuso dalle colonne del Papa il tutto-tondo dellAppeso, detto anche Albero della Vita, il cui solido corpo coronato da teste di serpenti è ricoperto, come un giornale murale, di iscrizioni, graficismi e disegni di Tinguely e di Niki de Saint Phalle, che narra in particolare la sua esperienza autobiografica nelle formelle del pannello My Love. Delineata con fili di colore al centro di un settore ovale ricoperto di specchi, lAlbero della Vita reca la figura dellImpiccato, che dal suo punto di vista rovesciato suggerisce un altro modo di guardare la realtà delle cose.E mentre di fronte sale fino alla testa del Mago la serpeggiante scalinata blu intenso sotto la quale è nascosto l'accesso all'interno della testa-fontana della Papessa, dipinto di azzurro con stelle argentee, sulla destra si staglia, inquietante nel suo netto contrasto di bianco e nero, la figura della Giustizia, con la bilancia poggiata sui grandi seni e lo spazio interno, sbarrato da un cancello chiuso da un enorme lucchetto, occupato da un'altra delle sinistre mecaniqués di Jean Tinguely raffigurante l'Ingiustizia.Procedendo lungo la stradina di cemento - mentre un cartello segnala una possibile deviazione in mezzo al boschetto, dove sono collocate le sculture degli Innamorati, coloratissime e gioiose figure in poliestere che sedute sul muretto consumano il loro pic-nic e, più indietro, solitaria in mezzo ad una piccola radura, il Profeta, grande fantasma cavo interamente ricoperto di specchi - ci si imbatte nel Castello dell'Imperatore, concepito «come una cittadella imperiale munita di torri, di un camminamento di ronda, di un cortile adornato da una fontana e da 22 colonne  che sostengono un loggiato».

Prompt: Explain the Tree of Life, Justice, Lovers, Prophet about the Criticism of this artwork, Tarot Garden.Please output in Italian.

Jean Tinguely
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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Piccola Sacra Famiglia

L'opera, detta "piccola" per distinguerla dalla "grande" Sacra Famiglia di Francesco I sempre al Louvre, è di solito messa in relazione con la Cerere o Abbondanza a monocromo dello stesso museo, la quale, secondo una tradizione seicentesca inaugurata dal cronista André Félibién, era la coperta della prima.Forse i due pannelli piccoli e facili da trasportare vennero richiesti a Raffaello da Leone X, come ringraziamento per i servigi del legato papale in Francia Adrien Gouffier de Boissy, verso il 1519. Lo stesso cardinale possedeva il San Giovannino nel deserto, sempre di scuola raffaellesca e pure al Louvre. Anche la stesura della Sacra Famiglia è di solito riferita a Giulio Romano, come anche il disegno preparatorio nella Royal Collection del Castello di Windsor.In seguito appartenne al conte di Brienne , che in seguito la cedette a Luigi XIV.

Prompt: Focus on Small Holy Family and explain the History.Please output in Italian.

1519
Adrien Gouffier de Boissy
André Félibién
Castello di Windsor
Francia
Giulio Romano
Sacra Famiglia di Francesco I
Royal Collection
Sacra Famiglia di Francesco I
San Giovannino nel deserto


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William Tecumseh Sherman

Visse gli ultimi anni di vita a New York. Continuò a tenersi in contatto con altri veterani della guerra civile e divenne un richiesto oratore in banchetti e cene. Gli fu proposto dai Repubblicani di candidarsi alle elezioni presidenziali del 1884, ma declinò l'offerta affermando: "non accetterò se nominato e non presterò servizio se eletto".

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Recent years of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient  Rome of the In the arts explained?Please output in Italian.


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tomba di Giulio II

tomba di Giulio II, che in realtà è un cenotafio, è un progetto architettonico e scultoreo di Michelangelo Buonarroti che, nella sua versione definitiva ma ridotta, è collocato nella basilica di San Pietro in Vincoli a Roma. Lo scultore viene incaricato dal Papa stesso della costruzione del proprio monumento sepolcrale nel 1505, data che vede il rinvio dell'inizio dei lavori fino al 1544: in tutto questo periodo di "stallo artistico", Michelangelo vive una profonda sensazione di irrequietezza, delusione ed avvilimento, che fece seguito alla forte esaltazione del periodo romano del primo commissionamento. Lui stesso non esitò a riferirsi a questo progetto come la "tragedia della sepoltura", un autentico calvario che fino agli ultimi giorni della sua vita fu fonte di inesauribili accuse, tormenti e rimorsi. Scrisse il suo biografo ufficiale, Ascanio Condivi, che l'impresa gli arrecò «infiniti impacci, dispiaceri e travagli e, quel ch'è peggio, per la malizia di certi uomini, infamia, della quale appena dopo molti anni s'è purgato».Da un monumentale mausoleo a pianta rettangolare con più di quaranta statue  si finì per arrivare a un monumento addossato a una parete di una basilica secondaria romana , con appena sette statue di cui solo tre di Michelangelo e una sola  degna della sua fama: l'artista, ormai estenuato, avrebbe poi fatto scrivere al suo biografo che «questa sola statua è bastante a far onore alla sepoltura di Papa Giulio II».

Prompt: In Tomb of Pope Julius II, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1505
Ascanio Condivi
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti
Papa Giulio II
Roma


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Donna tra le onde

Nel 1873 Courbet vendette il dipinto al mercante d'arte Paul Durand-Ruel, che nel 1875 lo rivendette al baritono Jean-Baptiste Faure. Nel gennaio del 1893, Durand-Ruel riacquistò il dipinto da Faure per poi venderlo nuovamente a Henry Osborne Havemeyer, un produttore di zucchero statunitense, e a sua moglie Louisine W. Havemeyer. Nel 1929, dopo la morte della signora Havemeyer, il dipinto e buona parte della sua ampia collezione d'arte passarono al museo neviorchese secondo le sue ultime volontà.

Prompt: How does The Woman in the Waves explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Unione di Lublino

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Union of Lublin (painting).Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Si ritiene, data l'estrema somiglianza estetica col Bacco degli Uffizi, che a posare per entrambe le opere sia stato lo stesso modello. Una parte della critica lo identifica col pittore siciliano Mario Minniti, amico di scorribande, e forse amante, di Caravaggio. Come proposto da Frommel, il modello , mostra maggiore consapevolezza e professionalità nel tenere le mani sul liuto e la sua camicia bianca ha più pieghe e ha i ricami. Scrive Frommel: la "figura rappresentata diventa più persona" favorendo maggiormente l'impressione di un "dirimpettaio animato".Altri lo identificano col castrato spagnolo Pedro Montoya, che in quegli anni era cantore nella Cappella Sistina; non a caso, il fanciullo ha le labbra dischiuse, come se stesse cantando accompagnandosi con lo strumento.Di notevole bellezza è la natura morta di strumenti musicali sul tavolo che sembra fare da contrappunto alla gestualità morbida delle mani che toccano le corde. Lo sguardo languido e la bocca socchiusa del suonatore sono un esempio della sensualità dei modelli ritratti da Caravaggio nei dipinti del suo primo periodo romano.L'elemento più pregevole del dipinto è sicuramente la doppia natura morta sul tavolo, rappresentata dai frutti , dai fiori disposti nel vaso di cristallo che riflette la luce, e dallo spartito musicale. Quest'ultimo, analogamente a quello presente nel Riposo durante la fuga in Egitto, è stato identificato dai musicologi che vi hanno ipotizzato quattro madrigali dal Primo libro di madrigali a quattro voci di Jacques Arcadelt : Chi potrà dir quanta dolcezza provo, Se la dura durezza in la mia donna, Voi sapete ch'io v'amo anzi v'adoro, Vostra fui e sarò mentre ch'io viva. Tutti i madrigali trattano di temi amorosi e passionali. Nel dipinto del Metropolitan, in alto a sinistra , sulla parete, è collocata una gabbietta con dentro un uccellino che probabilmente simboleggia il suono naturale. Tuttavia, come ha proposto di recente Giacomo Berra, esso richiama una poesia di Luigi Tansillo in cui il poeta, solitario e innamorato, si riconosce nell'uccellino in gabbia che amerebbe la libertà dall'amata, ma ne ha timore e non vorrebbe restare senza di lei. Il quadro, quindi, sarebbe un invito ai piaceri dell'amore e alle gioie della vita attraverso le arti , nonché ai piaceri terreni . "dedica" al Giustiniani è stata individuata nel solo originale nella grande "V"  dipinta come capolettera della partitura, in realtà dell'unico verso vergato "Voi sapete che v'amo", senza dimenticare che Giambattista Marino, identificandovisi, dedicò a Caravaggio e a questo dipinto almeno una sua strofa. Nel solo quadro dell'Ermitage compare il titolo della canzone "Caltus".Il dipinto del Metropolitan Museum di New York, presenta una iconografia diversa rispetto a quello dell'Ermitage, sebbene la radiografia ne abbia rivelato una originaria medesima disposizione degli oggetti poi variati in seguito: su di un tavolo coperto da un tappeto orientale che accentua lo spazio e la distanza fra il suonatore e lo spettatore, sono collocati un flauto dolce, al centro in primo piano e, a sinistra, al posto del vaso di fiori, un virginale. Una partitura raffigura un madrigale di Francesco de yolle , tratto dal suo Libro Primo dei Madrigali, dal titolo ssare il velo, l'altra è intitolata Perché non date voi.

Prompt: How does The Lute Player (Cariani) explain its Description and style?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Jacques Arcadelt
Mario Minniti
Ermitage
Pedro Montoya


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Salvatore

Prompt: How does The Saviour (El Greco) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Immacolata Concezione

René urentin, Breve mariologia, Edizioni Paoline, 1964 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Incipiunt Cantica canticorum: allegorice super Matrem Dei, ed moraliter super animam", Editrice Messaggero S. Antonio, Padova, 1986 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Ecce nubecula, parva...", Edizioni del Comitato di Promozione Culturale "Padre Maestro", Lucera, 1998 Roberto Coggi,  beata Vergine. Trattato di mariologia, Edizioni Studio Domenicano, 2004, ISBN 88-7094-533-2 Valeria Ferrari Schiefer, Stefano De Fiores, Salvatore M. Perrella, Mariologia, San Paolo, 2009 ISBN 88-215-6341-3 Bruno Forte, Maria - la donna icona del Mistero, San Paolo, 2011 ISBN 88-215-7035-5

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Treatises  of  Mariology and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Bruno Forte
Francesco Antonio Fasani
ISBN
Mariologia
Salvatore
Francesco Antonio Fasani


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Effetti dell'intemperanza

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: How does The Effects of Intemperance explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Lupa capitolina

Le indagini condotte per la definizione dello stato di degrado prodotto dall'ambiente e dal tempo sul materiale costitutivo dell'opera, per sua natura instabile, hanno evidenziato una particolare condizione, diversa da quella comunemente riscontrata sui bronzi archeologici rimasti a lungo interrati o esposti all'aperto. maggior parte delle trasformazioni avutesi nel tempo sono rappresentate sulla patina e, attraverso di essa, raggiungono l'interno della materia. patina e la forma sono l'immagine dell'opera, ed è proprio attraverso la salvaguardia della patina che il restauratore consente la trasmissione dei dati storici che vi sono rappresentati.I risultati delle analisi FTIR , eseguite per l'individuazione dei prodotti organici e quelli della diffrattometria a raggi X, per la caratterizzazione delle diverse patine di corrosione, ci hanno fornito una serie di indicazioni relative alla storia conservativa della Lupa.Gli spessori di cere ed olio di lino, applicati in diverse epoche per salvaguardare la superficie bronzea, prevalgono rispetto all'esiguo strato di ossido di rame formatosi naturalmente per effetto dell'esposizione del metallo all'atmosfera.Risultano quindi evidenti le cure costantemente riservate alla scultura per impedire il sorgere di fenomeni corrosivi.Ulteriore conferma viene dalla presenza di ossalti: residui di trattamenti protettivi o decapanti, usati in passato per proteggere la sottile patina bruna oppure per eliminare chimicamente e radicalmente una disomogenea stratificazione di patine ritenute pericolose o antiestetiche.Non si trattava del bitumen pliniano, né di patinature intenzionali , né di alcun procedimento tecnico conosciuto, ma di cere brillanti e trasparenti applicate non per compiere una "manomissione" sulla patina, bensì per migliorare le qualità estetiche e proteggere la materia sottostante. Tali cere però appaiono oggi ossidate, annerite e opache.Sono state eseguite varie prove di pulitura in diverse zone con lo scopo di esplorare la sequenza stratigrafica dei depositi cerosi, la loro adesione al supporto metallico e la penetrazione ed estensione di eventuali fenomeni corrosivi.Ogni tassello è stato eseguito asportando meccanicamente, col bisturi, la crosta nera depositata sulla superficie sciogliendo, con tamponcini imbevuti di trielina, i residui di sostanze organiche e infine perfezionando la pulitura con spazzolini di setola montati su microtrapano dentistico, per la completa rimozione della cera dalle porosità della superficieSu tutto il corpo della lupa e dei gemelli si sono riscontrati quattro strati; partendo dall'esterno: il primo più superficiale, molto frammentario e lucido; il secondo, più profondo del precedente, grigio-giallo, opaco e pastoso; il terzo, costituito da una patina di cuprite rosso-bruna lucente; il quarto, solo sulla parte inferiore delle zampe e del muso, è uno strato intermedio di pigmento verde . rimozione del vecchio strato protettivo e la conseguente azione dell'atmosfera su alcune sacche di cloruri presenti nella patina hanno provocato, in alcuni casi, l'immediato insorgere di attacchi di corrosione localizzata, fortunatamente di scarsa entità e stabilizzatasi spontaneamente in breve tempo.L'ultima fase del trattamento ha riguardato la protezione finale delle superfici con l'applicazione di una resina acrilica a bassa concentrazione: la Paraloid B72 al 3%.Lo scopo è stato quello di formare uno strato continuo di isolamento migliorando le caratteristiche di coesione della patina del bronzo nelle parti più porose, in modo da renderla impermeabile all'umidità, e agli agenti chimici dell'inquinamento atmosferico. scultura inoltre è stata dotata di un nuovo appoggio per le zampe anteriori.I vecchi e fatiscenti appoggi sono stati sostituiti con nuovi sostegni realizzati in acciaio inox con regolazione micrometrica dell'altezza; in questo modo si può calibrare perfettamente la posizione della lupa rispetto al basamento. forma della parte anteriore del basamento è stata poi ripristinata integrando le grandi lacune con un blocco di travertino sagomato e ricoperto con calce farge e polvere di marmo per la parte destra e stuccature dello stesso materiale per la parte sinistra.

Prompt: Describe the characteristics of the The restoration in Capitoline Wolf's Description.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Come Grant, Sherman era convinto che fosse necessario abbattere la capacità strategica, economica e psicologica confederata di raccogliere risorse per finanziare la guerra. Per far questo non esitò a mettere in pratica tattiche di terra bruciata.L'avanzata delle truppe di Sherman furono caratterizzate da enormi devastazioni che riguardarono sia risorse civili sia infrastrutture militari e non. Anche se il saccheggio era ufficialmente proibito, gli storici sono in disaccordo su quanto bene questa proibizione fosse fatta rispettare.L'efficienza con cui l'armata di Sherman portò avanti la devastazione fu impressionante. Diventarono famose le cosiddette "cravatte di Sherman", ovvero la pratica messa in atto dalle forze unioniste di scaldare le rotaie dei treni fino a che non era possibile intrecciarle intorno a tronchi d'albero. Sherman divenne una figura controversa in seguito ad accuse di crimini di guerra.I danni procurati dalle forze di Sherman riguardarono solo le proprietà, e sembra che le perdite civili fossero state molto poche. base della

Prompt: Explain the Total war about the Strategy of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Confronto tra lo schizzo di Michelangelo del profilo architettonico della Volta Sistina  e una veduta dal basso della volta tratto da un recente studio. In quell'occasione papa Giulio II avrebbe rivelato a Bramante e ad altri convitati l'intenzione di affidare a Michelangelo la ridipintura della volta della Sistina, ma l'architetto urbinate aveva risposto sollevando dubbi sulle reali capacità del fiorentino, scarsamente esperto nell'affresco. Rosselli scattò allora in una difesa del conterraneo Michelangelo, avvisandolo poi e raccomandandosi di accettare la commissione.  lettera, che smentisce le voci secondo cui fu lo stesso Bramante a suggerire al papa il progetto per Michelangelo cercando di screditarlo , testimonia però come effettivamente esistesse la rivalità tra gli artisti della corte pontificia, i quali, sempre alla ricerca del favore del pontefice, non volevano perdere occasioni per arricchirsi lavorando in progetti grandiosi che rivaleggiavano l'uno con l'altro, essendo la disponibilità di fondi, per quanto immensa, non infinita.Inoltre dalla lettera si immaginano i dubbi e le difficoltà paventate da Michelangelo nell'imbarcarsi in un'opera che non gli era congeniale, in quanto non molto avvezzo alla tecnica dell'affresco: egli aveva sì potuto ben osservarla durante il suo apprendistato nella bottega del Ghirlandaio , ma non la praticava da anni, ritenendosi a pieno titolo uno scultore, piuttosto che un pittoreTutti gli indizi paiono confermare la tesi che l'artista accettò l'incarico non tanto malvolentieri come i suoi biografi  lasciano immaginare, mossi piuttosto da intenti di autodifesa dettati dallo stesso Michelangelo, desideroso innanzitutto di discolparsi dalle accuse e le polemiche relative ai ritardi nella creazione della tomba di Giulio II, nonché di avallare il proprio mito di artista capace di trionfare contro le più difficili avversità.L'incarico venne formalizzato a Roma tra il marzo e l'aprile 1508.

Prompt: Describe the characteristics of the Thecommission. in Sistine Chapel ceiling's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Crocifissione di Berlino

I primi studi sull'opera di Wilhelm von Bode la riferirono a Giotto, ma la critica successiva fu più perplessa e tendente a respingere l'attribuzione. Di diverso parere furono Roberto Longhi, nel 1948, che la restituì al maestro, e Gnudi che la descrisse come esempio dello stile tardo del maestro. Suida, Toesca e Offner parlarono di un "Maestro della Crocifissione di Strasburgo", mettendola in relazione con un'altra opera simile di piccolo formato. Salvini invece la riferì a un seguace di Giotto. In ogni caso si tratta di opera della fase tarda, come dimostrano i panneggi ampi e voluminosi, come si incontrano anche nelle Cappelle Peruzzi e Bardi.  scena è svolta secondo l'iconografia tradizionale, con le innovazioni già sperimentate nella Crocifissione degli Scrovegni.  croce di Cristo si leva al centro del dipinto nello splendore ieratico del fondo oro uniforme. Angeli dolenti si accalcano attorno alla figura di Cristo, mentre in basso abbraccia la croce la Maddalena vestita di rosso. Due gruppi di astanti si accalcano ai lati, lasciando la parte centrale con la santa isolata. A sinistra il gruppo delle pie donne con Maria che sviene e una bambina che la guarda preoccupata; a sinistra san Giovanni e, tra gli altri, l'uomo a cavallo che solleva il braccio, figura tradizionale che simboleggia coloro che, allo scatenarsi della natura nel momento della morte di Cristo, lo riconobbero come figlio di Dio.Il Cristo è magro più che mai, quasi filiforme, lontano ormai dal senso di pesantezza, calcato in maniera quasi "polemica", nella Croce di Santa Maria Novella. Originale è il modo di tagliare le figure dai lati del dipinto, dando l'impressione di un asserragliamento di personaggi molto più ampio di quello rappresentato.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Berlin Crucifixion.Please output in Italian.

1948
Crocifissione di Strasburgo
Giotto
Wilhelm von Bode


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: How does Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza) explain its The house of the Annunciation?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Abacuc e l'angelo

Gian Lorenzo Bernini cominciò a lavorare nella cappella nel 1652 per Fabio Chigi, cardinale presbitero della basilica. Il suo patrocinatore fu nominato papa e prese il nome di Alessandro VII nel 1655, dando un notevole impulso al restauro della cappella funeraria. Fino ad allora, le due nicchie ai lati dell'altare erano ancora vuote, mentre le altre due, a destra e sinistra dell'ingresso erano occupate dalle statue del Lorenzetto, scolpite su disegni di Raffaello: Giona che esce dalla balena ed Elia.Un disegno conservato dalla bottega di Bernini mostra che l'architetto aveva inizialmente progettato di spostare le due statue già presenti nelle nicchie vuote accanto all'altare, ma in seguito decise di fare diversamente. Infatti, realizzò le due statue raffiguranti i profeti Daniele e Abacuc, collocandole una diagonalmente opposta all'altra. Bernini ha creato una relazione spaziale che ha ravvivato l'intera cappella, trasformando le sue forme classiche verso un nuovo utilizzo religioso. statua di Abacuc è stata posta nella nicchia destra dell'altare nel novembre del 1661, ma Bernini stava lavorando su di essa dall'ottobre del 1656.Un modello in terracotta della statua è ancora osservabile nei Musei vaticani. Da quando è stato ripulito negli anni Ottanta è stato attribuito allo stesso Bernini, ma Dickerson and Sigel hanno ritenuto fosse stato realizzato da un suo assistente, forse Ercole Ferrata, che si trovava con Bernini mentre l'artista stava lavorando all'Abacuc.

Prompt: Explain the History of this artwork, Habakkuk and the Angel (Bernini).Please output in Italian.

Elia
Ercole Ferrata
Gian Lorenzo Bernini


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Creazione degli astri e delle piante

Creazione degli astri e delle piante è un affresco di Michelangelo Buonarroti, databile al 1511-1512 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: Focus on The Creation of the Sun, Moon, and Plants and explain the Abstract.Please output in Italian.

1511
1512
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Roma


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio

Prompt: How does Presentation at the Temple (Mantegna) explain its Work of art?Please output in Italian.


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Estasi di santa Cecilia

Uno dei problemi della pala è quello dell'autografia. Come noto in quel periodo Raffaello usava massicciamente aiuti e lo stesso Vasari assegnò la raffigurazione degli strumenti musicali ai piedi della santa a Giovanni da Udine. Il disegno della testa felina della voluta della viola da gamba richiama quello delle teste leonine della sedia del Ritratto di Dona Isabel de Requesens ad indicare un possibile intervento di Giulio Romano. Per il resto, la critica, sulla scorta anche di recenti restauri, riconosce un preponderante intervento di Raffaello ad avvalorare l'autografia raffaellesca del dipinto.Evidenti a occhio nudo sono le discrepanze nello stile pittorico, ad esempio tra la massa imponente e opaca del san Paolo, alla veste illuminata incidentemente della Maddalena, con riflessi setosi e alabastrini che a Roberto Longhi fecero pensare alla scuola emiliana degli anni immediatamente successivi .

Prompt: Describe the characteristics of the Autograph in The Ecstasy of Saint Cecilia's Style.Please output in Italian.

Giovanni da Udine
Giulio Romano
Ritratto di Dona Isabel de Requesens


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Natività mistica

L'opera combina il tema della nascita di Cristo con quello della sua seconda venuta, cioè il ritorno sulla Terra prima del Giudizio Universale come promesso nel Libro della Rivelazione. In quell'occasione si assisterà alla completa riconciliazione tra gli uomini e Dio, come sembrano preannunciare le figure abbracciate in primo piano. Oppure le tre coppie potrebbero indicare i mezzi per vincere la presenza del male, ovvero la fratellanza e, tramite l'esempio degli angeli, la preghiera.Sicuramente il soggetto venne ispirato dalla situazione religiosa e politica fiorentina all'alba del nuovo secolo, memore ancora dei tragici eventi che avevano visto la calata di Carlo VIII, la cacciata di Piero de' Medici dalla signoria della città e la presa di potere del partito di Girolamo Savonarola. Botticelli in particolare dovette essere molto colpito dalla figura del frate ferrarese, e in tutte le sue opere dell'ultima fase, dagli anni ottanta in poi, si assiste a un ripiegamento verso forme sempre più drammaticamente religiose, ricche di significati escatologici e caratterizzate da convenzioni stilistiche volutamente arcaizzanti, che lasciarono sostanzialmente isolato l'artista nel panorama artistico dell'epoca.Il pathos che si respira nel quadro è eloquente e ricorda il canto del partito savonaroliano Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Non mancano però elementi della cultura umanistica, come la scritta in greco che corre lungo l'estremità superiore della tavola, che riporta la data e alcuni riferimenti alle condizioni dell'Italia in quel frangente, che vengono definite "torbide". Per molti studiosi l'iscrizione sarebbe un riferimento indiretto al Savonarola e all'avverarsi delle sue profezie catastrofiche.

Prompt: Explain the Interpretations about the Description of this artwork, The Mystical Nativity.Please output in Italian.


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Pala Martinengo

Il soggetto principale della tavola è la sacra conversazione, con la Madonna col Bambino seduta su un trono circondata da santi, è il dipinto più grande che l'artista eseguì a Bergamo. Il Lotto era di ritorno da Roma dove aveva presenziato nel 1512, al primo scoprimento della volta della Cappella Sistina, arrivava quindi a Bergamo carico di entusiasmo e di grandiose aspirazioni.  scena è ambientata in una grandiosa architettura sacra di gusto bramantesco, con le figure inserite, contrariamente al solito, verso la fuga di colonne della navata, e non sullo sfondo dell'abside, al limite fra l'ombra e la luce, con una volta a botte cassettonata ravvivata ai lati da colonnati. Al centro si apre un tamburo circolare nel soffitto, dove si troverebbe la cupola, impostata su pennacchi con mosaici degli evangelisti, Marco e Giovanni, dando la sensazione di un ambiente che si amplifichi oltre lo spazio dipinto. Qui la struttura è aperta verso il cielo, da dove piove la luce e si affacciano due angeli da una balaustra, forse riecheggiando la Camera degli Sposi di Mantegna. Essi reggono festoni e imprese, mentre altri due, con le vesti azzurre che cangiano in oro, stanno volando sopra Maria reggendone la corona.  decifrazione dei simboli, delle allusioni e delle iscrizioni della parte alta  è un'impresa che ha messo alla prova la critica, non pienamente conclusa. Pare che alcuni degli oggetti si ispirino ai simboli criptici della Hypnerotomachia Poliphili, alludendo ai benefici del Regno dei Cieli e del dominio veneziano su Bergamo, di cui il Martinengo era un sostenitore. "Divina" sarebbe infatti la giustizia  e "soave" il giogo che penzola, riferito ai Veneziani. parte inferiore ha uno schema più tradizionale, con la Madonna sull'alto trono con la base zoomorfa, intagliata con branche leonine che si ricollegano al leone di san Marco che si affaccia dietro a sinistra, vicino all'evangelista. Dieci santi sono disposti a semicerchio, a partire, a sinistra, da sant'Alessandro, eponimo del committente, che è ritratto in una sfolgorante armatura, ricca di riflessi metallici, nel cui volto venne forse inserito il ritratto di Alessandro Martinengo; accanto a lui si trova probabilmente il ritratto della moglie Barbara, raffigurata come la santa.Segue Giacomo maggiore, col bastone di pellegrino, san Domenico in posizione preminente a lato del trono, in quanto titolare della chiesa, la raffigurazione del santo sembra riprendere il medesimo soggetto presente nel polittico di Recanati ma in versione più anziana, e san Marco con accanto il leone. Dall'altro lato si vedono Caterina d'Alessandria, con la ruota dentata rotta e la palma del martirio, santo Stefano, l'altro titolare della chiesa, sant'Agostino, vestito da vescovo, san Giovanni Battista, ruotato di spalle, e san Sebastiano, con le frecce. In quest'ultimo santo si vede bene la nuova concezione luminosa cinquecentesca, che in nome di un più accurato realismo ed effetti più scenografici non esita a lasciare parzialmente in ombra uno dei protagonisti della pala.In basso, ai piedi del trono, si vedono due angioletti che Lotto, con la sua consueta ironia, dipinse mentre giocosamente stanno cercando di distendere un telo.

Prompt: Focus on Martinengo Altarpiece and explain the Description and style.Please output in Italian.

1512
Bergamo
Camera degli Sposi
Cappella Sistina
Hypnerotomachia Poliphili
Recanati


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San Sebastiano curato da santa Irene

figura ricurva di Irene guarda in direzione opposta rispetto all'albero, controbilanciando la schiena inarcata di Sebastiano.  contrapposizione di queste due figure è rafforzata dalla freccia che spunta dalla gamba del santo, che siede sull'elemento dai colori più vividi e accesi nel quadro, un tessuto rosso con decorazioni in oro. Questo tipo di drappo viene usato spesso da ter Brugghen, così come da Caravaggio, per simboleggiare non solo il martirio in generale, ma il sangue di Cristo in particolare. Lo stesso albero richiama gli eventi del venerdì santo perché ad esso Sebastiano era legato come a una croce. Di grande interesse sono anche le mani dei personaggi.  mano sinistra di Sebastiano, libera da vincoli, pende abbandonata nell'oscurità a simboleggiare l'impossibilità di un sollievo davanti al dolore e alla mancanza di libertà.  sinistra di Irene, invece, è appoggiata sul petto del moribondo, poco sopra il cuore, e lo sostiene come in un abbraccio per sorreggerlo e confortarlo mentre estrae una freccia con la mano libera. Alla mano inerme di Sebastiano si contrappone quella operosa della serva, che si accinge a liberare il santo dai lacci che lo legavano all'albero del suo supplizio. Le due donne sono operose, entrambe intente ad alleviare le sofferenze di Sebastiano.

Prompt: In the context of Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre), explain the Iconography and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Battaglia di San Romano

scena di Londra è quella pervenutaci nelle condizioni più scadenti, che rivelano una parte della preparazione bianca sottostante, soprattutto al suolo. Originariamente la tavola era arcuata, ma venne tagliata probabilmente quando il lavoro passò dai Bartolini Salimbeni ai Medici per essere adattato alla nuova collocazione.Tutto è incentrato sulla figura di Niccolò da Tolentino, con un vistoso cappello e su un cavallo bianco, che sprona le truppe fiorentine all'attacco. I fiorentini hanno infatti da poco iniziato a sorpresa la battaglia e stanno caricando i senesi. I colori dei cavalieri, in questa come nelle altre tavole, corrispondono da un lato a quelli di Firenze  e dall'altro a quelli di Siena . Sulla sinistra si vedono le lance dell'esercito di Firenze pronte all'offesa, i vessilliferi e i trombicini che dirigono le forze e le prime vittime del campo distese a terra. Il suolo è composto come una sofisticata griglia prospettica, con le lance cadute che disegnano le maglie di una rete, punteggiata di armi e scudi perduti e col cadavere di un guerriero in armatura, che è visto in un ardito scorcio.Una siepe di arbusti fioriti, trattati con grande attenzione al dettaglio naturalistico, divide la scena della battaglia dallo sfondo irreale, dove dei giovani, completamente ignari di quello che sta avvenendo, si esercitano a cacciare con la balestra e con i giavellotti. Questi elementi sono legati al gusto cortese del gotico internazionale e dimostrano come l'arte fiorentina del primo Quattrocento vivesse in un clima di transizione, che non escludeva necessariamente un linguaggio figurativo dall'altro. Due cavalieri che si allontanano però ricordano il fatto storico: essi sono andati a chiamare i rinforzi di Michele Attendolo, ciò che determinerà la vittoria.In questa, come nelle altre scene, compaiono numerosi personaggi che indossano il mazzocchio, un copricapo a forma di toro sfaccettato, sulla cui forma Paolo Uccello eseguì numerosi studi prospettici, in parte pervenutici.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Niccolò da Tolentino at the head of the Florentines of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Paolo Uccello


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Augusto di Prima Porta

LAugusto di Prima Porta, nota anche come Augusto loricato , è una statua romana che ritrae l'imperatore Augusto. Alta 2,04 metri, è realizzata in marmo bianco ed è conservata nei Musei Vaticani, a Roma . Fu ritrovata il 20 aprile 1863 nella villa di Livia, l'abitazione di Livia Drusilla, moglie di Augusto, a Prima Porta.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Augustus of Prima Porta.Please output in Italian.

Augusto
Livia Drusilla
Musei Vaticani
Prima Porta
Roma


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Gassed

Gassed è un grande dipinto ad olio completato nel marzo del 1919 da John Singer Sargent.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Gassed (painting).Please output in Italian.


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Ritratto virile a figura intera

Prompt: How does Portrait of a Man (Moretto) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Il piccolo Gesù Bambino volta quasi le spalle allo spettatore e tende il braccio sinistro quasi in modo difensivo. Il palmo verso il basso rafforza questa impressione. Forse esso ritrae l'opposizione del Bambino al fatto che Maria distolga da lui l'attenzione, come auspicato dai riformati protestanti, che consideravano Maria semplicemente come madre fisica di Gesù, ma non più come parte del progetto salvifico di Dio.

Prompt: Explain the Baby Jesus about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Epifania

In Finlandia, l'Epifania si chiama loppiainen, un nome che risale al 1600. Nel 1500 la chiesa luterana svedese-finlandese chiamava l'Epifania "Giorno dei Tre Re Santi", mentre prima veniva usato il termine più antico Epifania. Nella lingua careliana l'Epifania è chiamata vieristä, che significa croce, nome derivato dall'usanza ortodossa di immergere una croce tre volte per benedire l'acqua in tale giorno.Oggi, nella chiesa luterana l'Epifania è un giorno dedicato all’opera missionaria. Tra il 1973 e il 1991, l'Epifania è stata osservata in Finlandia nel sabato compreso tra il 6 e il 12 gennaio. Dopo tale periodo, tuttavia, la data tradizionale del 6 gennaio è stata ripristinata e da allora è stata nuovamente osservata come festa nazionale.L'albero di Natale viene tradizionalmente portato fuori di casa il giorno dell'Epifania. Mentre il termine loppiainen significa "fine [del periodo natalizio]", in realtà, le celebrazioni natalizie in Finlandia sono estese al giorno di Nuutti o San Canuto  che cade il 13 gennaio e completa i venti giorni del Natale scandinavo.

Prompt: Explain the Finland about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

12
13 gennaio
6 gennaio
Finlandia
Natale


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Incile del Fucino

L'incile romano fatto realizzare da Claudio tra il 41 e il 52 d. C. era costituito da un corpo di fabbrica realizzato con l'utilizzo di grandi pietre calcaree estratte dalle cave del monte Salviano.  facciata d'ingresso dell'emissario si caratterizzava invece per l'utilizzo di pietre intagliate.  struttura presentava inoltre due vasche di accumulo delle acque, una di forma esagonale irregolare connessa per il tramite di una gola al canale esterno, l'altra di forma trapezoidale, posta in comunicazione con l'imbocco dell'emissario ipogeo. Il muro divisorio dei due bacini era spesso non meno di due metri. Le vasche erano comunicanti tramite le chiuse che regolavano lo scorrimento delle acque attraverso le camere e i canali connessi. Modifiche di natura tecnica alle vasche, alle camere e ai muri furono realizzate subito dopo l'inaugurazione del 52 d.C. e, in seguito, dagli imperatori Traiano ed Adriano. Dall'area dei lavori di spurgo dell'incile romano e da quelle limitrofe connesse al territorio fucense emersero dopo il totale prosciugamento torloniano diversi elementi d'interesse archeologico come quattro rilievi, raffiguranti scene del lago Fucino e una città marsa, alcune iscrizioni su targhe marmoree che riportano le distanze nella misura dei piedi, alcuni graffiti e materiali da lavoro come un grande secchio e una lucerna, oltre a busti, cippi, epigrafi e anche tombe a cappuccina. Alcuni elementi emersi sono conservati presso il museo d'arte sacra della Marsica e il museo Paludi di Celano. Altri reperti sono custoditi presso il Museo Torlonia a Roma.

Prompt: Describe the characteristics of the Roman operation in Fucine Inlet's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Adriano Claudio Fucino Marsi Marsica Roma Torlonia Traiano


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: In Portrait of a Young Man (Raphael), how is the Subject of the Description explained?Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Vocazione dei primi apostoli

Vocazione è un'opera di eccellente fattura, dove l'artista usò una solennità che in seguito non si ritrova nella sua opera. L'impostazione, le vesti e i colori di alcuni personaggi e alcuni atteggiamenti ricordano la scena del Pagamento del tributo di Masaccio nella Cappella Brancacci, opera cardine del primo Rinascimento fiorentino che anche Ghirlandaio ebbe modo di studiare, stando alla testimonianza di Vasari. I colori sono vivi e brillanti, particolarmente efficaci nel descrivere la delicatezza delle epidermidi o nell'intonare i colori degli abiti all'ultima moda dei contemporanei.L'abilità ritrattistica del Ghirlandaio raggiunse qui, per la prima volta, vertici di penetrante realismo, dopo le prime prove negli affreschi della Cappella di Santa Fina , divenendo una delle sue caratteristiche più note e apprezzate.

Prompt: In Vocation of the Apostles, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Cappella Brancacci
Cappella di Santa Fina
Masaccio
Pagamento del tributo
Rinascimento fiorentino


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Sacra Famiglia

Gesù Maria, madre di Gesù Giuseppe  Madonna col Bambino Sacra Parentela Metterza

Prompt: In Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Gesù
Madonna col Bambino
Metterza
Sacra Parentela


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La grande onda di Kanagawa

Nella pittura tradizionale giapponese, e più in generale in quella dell'Estremo Oriente, la rappresentazione della prospettiva come era intesa dagli occidentali non esisteva. Come nell'Antico Egitto, le dimensioni degli oggetti o dei personaggi non dipendeva dalla loro vicinanza o lontananza, ma piuttosto dalla loro importanza all'interno del contesto dell'immagine: in un paesaggio, il rappresentare i personaggi più grandi rispetto agli alberi e le montagne intorno faceva intendere che i protagonisti dell'opera fossero i primi, oltre a far sì che l'attenzione dell'osservatore si monopolizzasse su di essi. Il concetto di punto di fuga non esisteva. tecnica della prospettiva, utilizzata nella pittura occidentale a partire dai lavori di Paolo Uccello e Piero della Francesca, arrivò in Giappone nel XVIII secolo attraverso le incisioni su rame occidentali  importate dai commercianti dal porto di Nagasaki. I primi tentativi di copiare l'uso della prospettiva occidentale furono ad opera di Okumura Masanobu e soprattutto di Utagawa Toyoharu, che nel 1750 produsse alcune incisioni in prospettiva raffiguranti i canali di Venezia o le rovine di Roma antica.Grazie ai lavori di Toyoharu, la stampa paesaggistica giapponese ne uscì profondamente influenzata, continuando a evolversi grazie alle opere di Hiroshige  e Hokusai. Quest'ultimo incominciò a prendere confidenza con la tecnica della prospettiva a partire dal decennio 1790 attraverso lo studio dei lavori di Kōkan. Tra il 1805 e il 1810 pubblicò la serie intitolata Immagini a specchio in stile olandese - Otto vedute di Edo.Alcuni studiosi sostengono che  grande Onda non rappresenti appieno la pittura giapponese in quanto risentirebbe troppo degli influssi europei.

Prompt: Explain the Influenza western on the work perspective about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.

Antico Egitto
Estremo Oriente
Giappone
Nagasaki
Okumura Masanobu
Paolo Uccello
Piero della Francesca
Utagawa Toyoharu
Venezia


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Sinfonia in bianco, ritratto n. 1

Nato in America nel 1834, James Abbott McNeill Whistler si trasferì a Parigi nel 1855, animato dal desiderio di diventare un pittore abile e di successo. Trasferitosi nel 1860 a Londra, dove gravitò naturalmente verso le neonate avanguardie artistiche, Whistler vi fece la conoscenza di Joanna Hiffernan, una modella con la quale intrecciò sin da subito un'infuocata storia d'amore. Donna dalla splendida avvenenza e dalle grandi capacità intellettuali, Joanna Hiffernan sarebbe stata descritta dai biografi e amici di Whistler in questi termini: «Non era solo bella. Era intelligente e simpatica. Ha dato a Whistler una costante compagnia di cui non poteva fare a meno».Fu proprio la Hiffernan a posare per questo dipinto, portato a compimento nell'aprile 1862 dopo una gestazione durata circa cinque mesi. Whistler sottopose l'opera al giudizio della giuria della Royal Academy di Londra, dove tuttavia fu respinta a causa di uno scandalo scoppiato proprio un anno prima per via di un dipinto del tutto simile,  bisbetica domata di Edwin Henry ndseer. Per nulla scoraggiato, Whistler espose la tela presso una piccola galleria privata di Berners Street, dove fu titolata  donna in bianco, in omaggio a un romanzo omonimo di Wilkie Collins che a quei tempi godeva di una grandissima popolarità. Proprio in virtù di quest'analogia l'opera attrasse folle e commenti considerevoli, e furono in molti a individuare un parallelismo tra la musa ritratta da Whistler e il romanzo del Collins. Du Maurier era categorico in tal senso: ancora più rilevante, tuttavia, fu il commento di un critico dellAthenaeum, il quale recriminò alcune sostanziali dissomiglianze tra  donna in bianco di Whistler e il personaggio dell'opera di Collins. Whistler, ormai esasperato, indirizzò poi una lettera dove spiegò le sue primitive intenzioni: «Non avevo assolutamente intenzione di dare vita artistica al romanzo del signor Wilkie Collins. Il mio quadro rappresenta semplicemente una ragazza in bianco in piedi di fronte ad una tenda bianca».Nel 1863, in forma di monito verso il giudizio della Royal Academy, Whistler decise di inviare il dipinto al Salon di Parigi, dove però fu nuovamente respinto. Whistler, tuttavia, non fu l'unica vittima dell'implacabile ostracismo della giuria, e pertanto su volere dell'imperatore Napoleone III venne istituito un salon des refusés [Salon dei rifiutati] per esporvi le varie opere d'arte rifiutate dalla giuria.  critica, spaventata dalla spregiudicatezza delle opere ivi esposte, si scatenò: nell'occhio del ciclone vi furono ovviamente Whistler, con la sua Donna in bianco che suscitava le risa maligne dei curiosi, e soprattutto la Colazione sull'erba di Manet, il quale scandalizzò per il soggetto e lo stile. Nonostante la virulenza di certe critiche, l'opera non mancò di attirarsi entusiasti ammiratori: fra questi il critico Thoré-Bürger, che vi vide una ripresa della tradizione di Goya e Velázquez, ma anche lo stesso Manet, il pittore Gustave Courbet e il poeta Charles Baudelaire.L'opera, rimasta in possesso dei Whistler sino al 1896, fu dunque venduta dal nipote dell'artista al collezionista Harris Whittemore. Fu nel 1943 che l'opera, mediante un generoso lascito da parte del Whittemore, pervenne alla sua sede attuale, venendo finalmente esposta alla National Gallery of Art di Washington D.C.

Prompt: How does Symphony in White, No. 1: The White Girl explain its History?Please output in Italian.

Charles Baudelaire
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Joanna Hiffernan
National Gallery of Art
Washington
Wilkie Collins


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.