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Madonna col Bambino e un coro di cherubini

Maria è raffigurata con il Bambino in piedi sul suo grembo, poggiato sulle ginocchia, mentre sullo sfondo di un cielo terso un coro di cherubini  e serafini  intona inni.Gli sguardi di madre e figlio non si incontrano, come tipico in questo genere di opere, ma la loro familiarità è espressa dai teneri gesti, come l'abbraccio affettuoso di Gesù al collo di Maria o la tenera carezza di quest'ultima alla gamba del bambino. Il tono assorto e malinconico della Vergine esprime la sua consapevolezza della sorte tragica del figlio, prefigurando la Passione.

Prompt: Focus on Madonna of the Cherubim and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Pala di Brera

scena è ambientata davanti a un'abside monumentale che si trova molto indietro rispetto alle figure, come dimostra lo studio delle proporzioni architettoniche, la prospettiva dell'abside è caratterizzata da una rappresentazione apparentemente deformata della trabeazione semicircolare, si potrebbe trattare di un espediente prospettico volto a far percepire l'uovo sopra la testa della Madonna, pur essendo più arretrato. Secondo il critico Clark le strutture dipinte sarebbero ispirate dalla chiesa di Sant'Andrea di Leon Battista Alberti. L'opera venne iniziata nel 1471, ma è probabile che tra i due artisti ci sia stato uno scambio di pareri e magari di disegni progettuali durante un loro probabile incontro a Rimini e forse nella stessa Urbino.  struttura riecheggia anche lo schema dell'architettura reale della chiesa di San Bernardino, di Francesco di Giorgio Martini, anche se la chiesa è un'opera ritenuta successiva, edificata dal 1482.Entro un monumentale arco di trionfo, retto da paraste al di sopra di un'elaborata trabeazione con una fascia continua di marmo rosso, si sviluppa una volta a botte con cassettoni scolpiti con rosette. Il numero dei cassettoni su ciascuna fila è dispari, come nell'architettura classica, ma diversamente dalle opere dell'Alberti o dalla stessa Trinità di Masaccio, di brunelleschiana ispirazione. Archi analoghi sono impostati sui lati, come in un ipotetico transetto. Nella parte inferiore si trovano specchiature marmoree policrome, accordate su toni delicati che fanno risaltare le figure, amplificando la sacralità e la monumentalità. L'impianto prospettico è esaltato dai contrasti fra luce e ombra che si creano nei cassettoni della volta a botte.

Prompt: In Brera Madonna, how is the Background of the Description and style explained?Please output in Italian.

1471
1482
Francesco di Giorgio Martini
Leon Battista Alberti
Masaccio
Rimini
Urbino


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Daniele

Dániel Berzsenyi, poeta ungherese Dániel Gyurta, nuotatore ungherese Dániel Kiss, ostacolista ungherese Dániel Magay, schermidore ungherese Dániel Tőzsér, calciatore ungherese Dániel Varga, pallanuotista ungherese

Prompt: Explain the Variant Daniel about the People of this artwork, Prophet Daniel (Michelangelo).Please output in Italian.

Dániel Berzsenyi
Dániel Gyurta
Dániel Kiss
Dániel Magay
Dániel Tőzsér
Dániel Varga


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: Explain the North Macedonia about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Il Ritratto di Simonetta Vespucci come Cleopatra è un dipinto a tempera su tavola  di Piero di Cosimo, databile al 1480 circa e conservato nel Museo Condé di Chantilly.

Prompt: Focus on Portrait of Simonetta Vespucci and explain the Abstract.Please output in Italian.

1480
Chantilly
Cleopatra
Museo Condé
Piero di Cosimo
Simonetta Vespucci


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Pala di Castelfranco

Pala di Castelfranco è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Giorgione, databile al 1503-1504 circa, e conservato nella sua collocazione originaria in una cappella nel Duomo di Castelfranco Veneto.  straordinarietà dell'opera, che tanta influenza ebbe nell'arte veneta successiva, è data anche dal fatto che si tratta dell'unica pala d'altare realizzata dall'artista.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Castelfranco Madonna.Please output in Italian.


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Et in Arcadia ego

Benché la frase "et in Arcadia ego" sia ellittica di verbo, essa è frequentissima in latino anche con le forme di sum. Alcuni pseudostorici, considerando alcuni aspetti della grammatica latina, hanno concluso che la frase è incompleta del verbo, e hanno speculato sul fatto che questa frase possa celare un qualche messaggio esoterico, occultando un codice . In The Holy Blood and the Holy Grail, Baigent, Leigh, e Lincoln, sotto la falsa impressione che "et in Arcadia ego" non sia una vera e propria frase latina, hanno proposto che si trattasse dell'anagramma di I! Tego arcana Dei, che si tradurrebbe in "Vattene! Io celo i misteri di Dio", suggerendo che la tomba contenga i resti di Gesù o di un'altra importante figura biblica. Gli autori hanno sostenuto, inoltre, che Poussin fosse a conoscenza di questo segreto e che il dipinto rappresenti una località realmente esistente. Gli autori non hanno spiegato perché la tomba dipinta nella seconda versione dovrebbe contenere questo segreto, mentre quella distintamente differente nella prima versione, presumibilmente no. In ultimo, la visione suggerita dai suddetti autori è stata scartata dagli storici dell'arte.Nel loro libro The Tomb of God, Richard Andrews e Paul Schellenberger, sviluppando queste idee, hanno teorizzato che alla frase latina manchi un "sum". Hanno così arguito che la frase latina completa dovrebbe essere Et in Arcadia ego sum, che può essere un anagramma di Arcam Dei Tango Iesu, che dovrebbe significare "Io tocco la tomba di Dio — Gesù". Le loro argomentazioni danno per assunto che:# la frase latina sia incompleta;# la parola mancante estrapolata sia corretta;# la frase, una volta completata, sia un anagramma.Andrews e Schellenberger dichiarano anche che la tomba ritratta sia quella di Les Pontils, vicino a Rennes-le-Château. Comunque, Franck Marie nel 1974 e Michel Vallet  nel 1985 durante le loro ricerche avevano già concluso che la costruzione della tomba fu iniziata nel 1903 dal proprietario della terra, Jean Galibert, che aveva lì sepolto sua moglie e sua nonna in una semplice tomba. I corpi furono riesumati e reinteterrati da qualche altra parte dopo che la terra fu venduta a Louis wrence, un americano del Connecticut che era emigrato in quel luogo. Egli seppellì sua madre e sua nonna nella tomba e costruì il sepolcro in pietra. Marie e Vallet intervistarono entrambi Adrien Bourrel, figlio di wrence, che testimoniò che la costruzione della tomba cominciò nel 1933 quando era ancora un bambino. Pierre Plantard, il fautore delle teorie sul Priorato di Sion, cercò di arguire che la sepoltura di Les Pontils fosse un  "prototipo" per il dipinto di Poussin, ma situata nelle immediate vicinanze di una fattoria  e non "in mezzo al niente" nella campagna francese, come solitamente si pensa. Il sepolcro è comunque stato demolito.

Prompt: Explain the Pseudohistorical elaborations of this artwork, Et in Arcadia ego (Guercino).Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Bufera di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi  è un dipinto a olio su tela  del pittore inglese William Turner, realizzato nel 1812 e conservato al Tate Britain di Londra.

Prompt: In Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Annibale
Londra
Tate Britain
William Turner


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Lampadario Azelin

DettaglioSi tratta di un lampadario a ruota, anche chiamato corona o lampadario circolare. Come il più recente e più grande lampadario Hezilo, il lampadario Azelin è un cerchio circolare di rame dorato e banda stagnata, decorato con dodici torri e dodici portali. Tuttavia, la decorazione è molto più rada, limitata a una barra intrecciata al centro del cerchio e una ghirlanda di fogliame traforata sul bordo superiore del cerchio. I dodici corpi di guardia, a cui sono attaccate le funi che reggono il lampadario, sono di forma rettangolare con archi a tutto sesto e copertura. È possibile che una volta contenessero delle figure, ma queste avrebbero dovuto essere molto piccole e piatte. Le dodici torri sono più elaborate, a pianta esagonale. All'esterno hanno tre nicchie chiuse con porte traforate, all'interno una nicchia affiancata da due torri, alternatamente tonde e quadrate, decorate con merlature e finti mattoni. Le guglie delle torri si estendono sopra la parte superiore del cerchio del lampadario e sono alternatamente tonde e esagonali, con finestre traforate a imitazione di lanterne.Il lampadario Azelin è stato più volte modificato nel corso dei secoli da aggiunte, rimozioni e riparazioni. L'immagine complessiva della Nuova Gerusalemme, illuminata e fluttuante nell'aria, che tutte le opere di questo tipo presentano, è stata mantenuta. Un importante e meticoloso restauro del lampadario è stato effettuato tra il 1982 e il 1989, riparando i danni della seconda guerra mondiale.

Prompt: How does Azelin chandelier explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto a 71 anni

Questo autoritratto è nella sua cornice originale ottocentesca, sagomata e dorata a foglia d'oro zecchino. È firmato e datato, in basso a sinistra: Francesco Hayez Venezia 1862.  datazione 1860, talvolta ripetuta, è un errore.  direzione della Galleria degli Uffizi aveva sollecitato al pittore l'invio di un ritratto, fin dal 1858, per mezzo di Giuseppina Appiani Strigelli, nuora di Andrea Appiani, e la donazione arrivò nel 1863. L'autoritratto si trova ora in esposizione nel Corridoio vasariano. Su un fondo grigio e indistinto, rischiarato appena da un alone di luce, la sagoma del pittore si staglia, in piedi, con la tavolozza e i pennelli nella sinistra e il pennello con cui è al lavoro nella destra, che è appoggiata lievemente ad un banco di legno grezzo.  raffigurazione è severa, asciutta, nitida.In questo periodo della sua vita, Hayez esaltava le suggestioni risorgimentali ed era uno degli artisti elevati a simbolo della nascente nazione italiana.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Self-Portrait Aged 71.Please output in Italian.

Andrea Appiani
Corridoio vasariano
Francesco Hayez
Galleria degli Uffizi
Galleria degli Uffizi


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Trinità

Trinità è la dottrina fondamentale e più importante delle Chiese cristiane, quali la cattolica e quelle ortodosse, oltre che delle Chiese riformate storiche come quella luterana, quella calvinista e quella anglicana. Tale dottrina non viene comunque presentata in modo univoco. Essa si è precisata nell'ambito del cristianesimo antico: prima nel credo del primo concilio di Nicea , poi nel Simbolo niceno-costantinopolitano , dove venne affermato come primo articolo di fede l'unicità di Dio e, secondariamente, la divinità di Gesù Cristo suo Figlio, a seguito, tra le altre, della controversia suscitata dal teologo Ario, che negava quest'ultima.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Holy Trinity (Masaccio).Please output in Italian.

Ario
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Simbolo niceno-costantinopolitano


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Apocalisse

Molte religioni trattano il tema dell'allontanamento dell'uomo dalla sua originaria comunione con l'Assoluto, il Divino.Le culture orientali e quelle indoeuropee precristiane  rappresentano il tempo ciclicamente, secondo una scansione in quattro cicli che la tradizione classica greco-romana chiama età dell'oro, dell'argento, del bronzo e del ferro. L'uomo, al termine di ognuna delle quattro fasi, si allontana progressivamente dalla virtù e dal bene. Nelle religioni fondate sul monoteismo  il punto di partenza è la caduta di Adamo in seguito alla quale l'uomo realizzerà sulla Terra un Regno delle Tenebre.Tuttavia, nell'escatologia e soteriologia delle religioni, a questa caduta seguirà l'intervento divino, l'arrivo di un Redentore dell'umanità: il Gesù Cristo del Secondo Avvento nel Cristianesimo; il Messia annunciato dai Profeti nell'Ebraismo; il profeta Gesù che affiancherà il Mahdi  nell'Islam; il Kalki Avatara, ultima manifestazione di Visnù, nell'Induismo; il Maitreya nel Buddhismo; il Saoshyant o "Redentore universale" nell'Iran di Zoroastro.I miti antichi parlano della redenzione del mondo che avverrà attraverso la redenzione dell'umanità. Vaticinano il ritorno dell'età primordiale caratterizzata dalla pietas, dalla pace, da una saggia frugalità, espressione di ricchezza interiore, dalla prosperità della terra e dalla letizia dell'uomo e del creato. Profetizzano una renovatio preceduta da uno sconvolgimento: la grande dissoluzione del cosmo, il mahāpralaya indiano; il mare di metallo fuso, dal quale, nella tradizione iranica, i giusti emergeranno indenni; lekpýrosis dei presocratici e degli stoici; la concussio mundi di Seneca; il ragnarökkr germanico, lestate senza fiori e il mare senza vita dei druidi; lollin dei testi profetici aztechi che, come il pachakuti andino, connota il sommovimento ciclico del tempo e il capovolgimento dello spazio".Esiste però un disegno divino di redenzione nelle antiche tradizioni di molte civiltà. Esse "consegnano un messaggio di speranza espresso in India dalla discesa dellavatāra, divino giudice e rinnovatore. Per bocca di Zarathustra, dopo la conflagrazione, Ahura Mazdā promette il frashkart, il rinnovamento nella luce del mondo e dell'umanità. Platone, attingendo a una speranza remota, annuncia "nuova vita e immortalità rinnovata". Virgilio e le Sibille cantano il ritorno della Vergine Astrea e del regno di Saturno. Seneca, dopo la concussio mundi, saluta il ripristino dellantiquus ordo, il ritorno dell'era in cui pace, pietas e giustizia regnavano sulla terra. "Pace fino al cielo e dal cielo fino in terra", profetizza la celtica Mórrígain e, dopo la distruzione del mondo, dinanzi alla sibilla germanica si dispiega la visione della jörð iðjagröna, la terra di nuovo verdeggiante che emerge dal mare. Secondo le religioni orientali cosmocentriche il Mondo Nuovo sarà l'inizio di un nuovo ciclo cosmico, mentre secondo le religioni monoteiste verrà instaurato un Regno di Dio di cui faranno parte i giusti risorti .Lo schema escatologico delle religioni monoteistiche è simile: decadenza spirituale dell'umanità - l'esilio da Dio -, la perversione dell'umanità ultima e le "doglie" della fine, la battaglia finale - Armagheddon - tra i figli della luce e i figli delle tenebre; la restaurazione finale con l'arrivo del Redentore tanto atteso e il Giudizio divino. Tuttavia vi sono delle differenze. Nell'Ebraismo l'attesa del Giorno del Signore con le sue elaborazioni dottrinarie, escatologiche e messianiche, appare nei momenti più convulsi e drammatici della storia di Israele, mentre nel Cristianesimo e nell'Islam il messaggio apocalittico costituisce una parte fondamentale della struttura di queste religioni. I miti dei Tempi Ultimi descrivono dunque le modalità dell'intervento divino nella storia universale al suo tramonto, intervento ripristinatore dell'ordine cosmico nella creazione con cui la realtà tutta riacquista il proprio autentico significato iniziale.Nei Tempi Ultimi saranno beati gli uomini di quell'epoca: è un concetto contemplato dai miti apocalittici. San Paolo scrive nella Lettera ai Romani : «Dove ha abbondato il peccato ha sovrabbondato la Grazia.». Questo "paradosso della Grazia" è presente nella tradizione ebraica, islamica ed induista. Mosè, dopo aver visto in visione l'oscurità dei Tempi Ultimi, si è sentito "inferiore" a coloro i quali, pur in mezzo a tali tribolazioni, conserveranno la fede nella Torah. Maometto in un ḥadīth  afferma: «All'inizio dell'islam colui che mette un decimo della Legge è dannato; ma negli ultimi tempi, colui che ne compirà un decimo sarà salvato». Nel testo induista Bhāgavata Purāṇa si cantano le lodi paradossali dell'età ultima : «Gli errori commessi dagli uomini nell'Età di Kālī, per quanto abbiano origine nelle cose, nei luoghi o in loro stessi, sono interamente cancellati da Bhagavad, il supremo Puruṣa, quando egli risiede nel cuore.  L'Età di Kali, abisso di vizi, possiede un vantaggio unico ma prezioso: è sufficiente celebrare le lodi di Khrisna [il Signore Supremo] affinché, liberi da ogni legame, ci si possa riunire all'Essere Supremo». Nel Vangelo di Matteo  c'è la Parabola dei lavoratori della vigna o dei voratori dell'Undicesima Ora che riprende questo tema: i lavoratori dell'ultima ora che hanno lavorato solo un'ora sono equiparati a tutti gli altri. E per questo, molti fra «gli ultimi saranno i primi e i primi gli ultimi» .

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Apocalypse in religions discussed?Please output in Italian.

Adamo
Ahura Mazdā
Bhāgavata Purāṇa
Cristianesimo
Dio
Ebraismo
Gesù
Gesù
India
Induismo
Induismo
Iran
Islam
Kālī
Lettera ai Romani
Mahdi
Maitreya
Maometto
Messia
Mondo
Mosè
Parabola dei lavoratori della vigna
Platone
Puruṣa
Terra
Visnù


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Estasi di santa Teresa d'Avila

LEstasi di santa Teresa d'Avila è una scultura in marmo e bronzo dorato di Gian Lorenzo Bernini, realizzata tra il 1645 e il 1652 e collocata nella cappella Cornaro, presso la chiesa di Santa Maria della Vittoria, a Roma.  scena raffigurata nell'opera è, per la precisione, una transverberazione e non un'estasi, quindi la scultura è talvolta chiamata anche Transverberazione di santa Teresa d'Avila.

Prompt: Focus on Ecstasy of Saint Teresa and explain the Abstract.Please output in Italian.

1645
1652
Estasi
Gian Lorenzo Bernini
Roma
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila
Transverberazione


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Tondo Doni

Spostamento del Tondo Doni alla nuova sala appositamente allestita per ospitarlo:

Prompt: Explain the External links of this artwork, Doni Tondo.Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Stanza dell'Incendio di Borgo fu l'ultima in cui è riscontrabile un intervento diretto di Raffaello. L'esecuzione degli affreschi venne affidata in larghissima parte agli aiuti  poiché il maestro era ormai preso da altre commissioni papali, prime fra tutti gli arazzi della Sistina e l'architettura della Basilica vaticana, dove il Sanzio aveva preso l'incarico di Bramante dopo la sua morte.Studi approfonditi hanno messo in luce la frenetica attività raffaellesca di quegli anni, sottolineando il fiorire ininterrotto di idee e soluzioni di grande innovazione, tanto da lasciare necessariamente indietro le possibilità di esecuzione diretta di un così gran numero di iniziative. Inoltre è incontestato come nell'opera degli allievi qualcosa dell'idea originale venga inevitabilmente tradita, senza per questo diminuire il valore dell'ideazione iniziale. NellIncendio di Borgo, il primo degli affreschi e quello in cui la mano di Raffaello è più presente, appaiono evidenti i motivi ripresi da Michelangelo, che anticipano stilemi del manierismo.Gli affreschi vennero realizzati tra il 1514 e il 1517. Il tema principale è quello di esaltare la figura di papa Leone X attraverso storie tratte dalla vita di altri due papi con lo stesso nome: Leone III e Leone IV. Ciascuna scena contiene allusioni al pontificato attuale e numerose citazioni classiche e letterarie tipiche della corte pontificia.Quattro gli affreschi alle pareti:# Incendio di Borgo # Battaglia di Ostia # Incoronazione di Carlo Magno # Giuramento di Leone III  volta risale invece alle decorazioni di Perugino, create tra il 1507 e il 1508 sotto Giulio II, che Raffaello mantenne forse per una sorta di affezione verso l'antico maestro. Lo schema è il seguente:{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Padre in trono tra angeli e cherubini  120px  Battaglia di Ostia - Sud  100px  Cristo come Sol Iustitiae e Cristo tentato dal demonio  120px  Incendio di Borgo - Ovest  100px  Trinità tra gli apostoli  120px  Incoronazione di Carlo Magno - Nord  100px  Cristo tra la Misericordia e la Giustizia  120px  Giuramento di Leone III }

Prompt: Explain the Fire in the Borgo about the Description of this artwork, Raphael Rooms.Please output in Italian.

1507
1508
1514
1517
Bramante
Giuramento di Leone III
Incendio di Borgo
Incoronazione di Carlo Magno
Perugino
Perugino
Stanza dell'Incendio di Borgo
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: Explain the Survivors ghettos concentration camps about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Bosch, Munich) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Cristo velato

Raimondo di Sangro fu il committente di quest'opera, che originariamente doveva essere collocata nel mausoleo di famiglia sottostante la Cappella, vano che oggi ospita le Macchine anatomiche. Un piastrone di pietra indica oggi il punto preciso dove la statua avrebbe dovuto essere posta.L'incarico di eseguire il Cristo velato fu in un primo momento affidato allo scultore Antonio Corradini; tuttavia, deceduto da lì a breve, questi fece in tempo a realizzare solo un bozzetto in terracotta oggi al museo nazionale di San Martino. L'incarico passò così a Giuseppe Sanmartino, a cui venne chiesto di produrre «una statua di marmo scolpita a grandezza naturale, rappresentante Nostro Signore Gesù Cristo morto, coperto da un sudario trasparente realizzato dallo stesso blocco della statua».Sanmartino realizzò quindi un'opera dove il Cristo morto, sdraiato su un materasso, viene ricoperto da un velo che aderisce perfettamente alle sue forme.  maestria dello scultore napoletano sta nell'esser riuscito a trasmettere la sofferenza che il Cristo ha provato, attraverso la composizione del velo, dal quale si intravedono i segni sul viso e sul corpo del martirio subito. Ai piedi della scultura, infine, l'artista scolpisce anche gli strumenti del suddetto supplizio: la corona di spine, una tenaglia e dei chiodi. firma dello scultore, infine, è apposta sul retro del piedistallo, sotto il materasso: «Joseph Sanmartino, Neap., fecit, 1753».

Prompt: In Veiled Christ, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1753
Antonio Corradini
Giuseppe Sanmartino
Raimondo di Sangro


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Apocalisse

Molte religioni trattano il tema dell'allontanamento dell'uomo dalla sua originaria comunione con l'Assoluto, il Divino.Le culture orientali e quelle indoeuropee precristiane  rappresentano il tempo ciclicamente, secondo una scansione in quattro cicli che la tradizione classica greco-romana chiama età dell'oro, dell'argento, del bronzo e del ferro. L'uomo, al termine di ognuna delle quattro fasi, si allontana progressivamente dalla virtù e dal bene. Nelle religioni fondate sul monoteismo  il punto di partenza è la caduta di Adamo in seguito alla quale l'uomo realizzerà sulla Terra un Regno delle Tenebre.Tuttavia, nell'escatologia e soteriologia delle religioni, a questa caduta seguirà l'intervento divino, l'arrivo di un Redentore dell'umanità: il Gesù Cristo del Secondo Avvento nel Cristianesimo; il Messia annunciato dai Profeti nell'Ebraismo; il profeta Gesù che affiancherà il Mahdi  nell'Islam; il Kalki Avatara, ultima manifestazione di Visnù, nell'Induismo; il Maitreya nel Buddhismo; il Saoshyant o "Redentore universale" nell'Iran di Zoroastro.I miti antichi parlano della redenzione del mondo che avverrà attraverso la redenzione dell'umanità. Vaticinano il ritorno dell'età primordiale caratterizzata dalla pietas, dalla pace, da una saggia frugalità, espressione di ricchezza interiore, dalla prosperità della terra e dalla letizia dell'uomo e del creato. Profetizzano una renovatio preceduta da uno sconvolgimento: la grande dissoluzione del cosmo, il mahāpralaya indiano; il mare di metallo fuso, dal quale, nella tradizione iranica, i giusti emergeranno indenni; lekpýrosis dei presocratici e degli stoici; la concussio mundi di Seneca; il ragnarökkr germanico, lestate senza fiori e il mare senza vita dei druidi; lollin dei testi profetici aztechi che, come il pachakuti andino, connota il sommovimento ciclico del tempo e il capovolgimento dello spazio".Esiste però un disegno divino di redenzione nelle antiche tradizioni di molte civiltà. Esse "consegnano un messaggio di speranza espresso in India dalla discesa dellavatāra, divino giudice e rinnovatore. Per bocca di Zarathustra, dopo la conflagrazione, Ahura Mazdā promette il frashkart, il rinnovamento nella luce del mondo e dell'umanità. Platone, attingendo a una speranza remota, annuncia "nuova vita e immortalità rinnovata". Virgilio e le Sibille cantano il ritorno della Vergine Astrea e del regno di Saturno. Seneca, dopo la concussio mundi, saluta il ripristino dellantiquus ordo, il ritorno dell'era in cui pace, pietas e giustizia regnavano sulla terra. "Pace fino al cielo e dal cielo fino in terra", profetizza la celtica Mórrígain e, dopo la distruzione del mondo, dinanzi alla sibilla germanica si dispiega la visione della jörð iðjagröna, la terra di nuovo verdeggiante che emerge dal mare. Secondo le religioni orientali cosmocentriche il Mondo Nuovo sarà l'inizio di un nuovo ciclo cosmico, mentre secondo le religioni monoteiste verrà instaurato un Regno di Dio di cui faranno parte i giusti risorti .Lo schema escatologico delle religioni monoteistiche è simile: decadenza spirituale dell'umanità - l'esilio da Dio -, la perversione dell'umanità ultima e le "doglie" della fine, la battaglia finale - Armagheddon - tra i figli della luce e i figli delle tenebre; la restaurazione finale con l'arrivo del Redentore tanto atteso e il Giudizio divino. Tuttavia vi sono delle differenze. Nell'Ebraismo l'attesa del Giorno del Signore con le sue elaborazioni dottrinarie, escatologiche e messianiche, appare nei momenti più convulsi e drammatici della storia di Israele, mentre nel Cristianesimo e nell'Islam il messaggio apocalittico costituisce una parte fondamentale della struttura di queste religioni. I miti dei Tempi Ultimi descrivono dunque le modalità dell'intervento divino nella storia universale al suo tramonto, intervento ripristinatore dell'ordine cosmico nella creazione con cui la realtà tutta riacquista il proprio autentico significato iniziale.Nei Tempi Ultimi saranno beati gli uomini di quell'epoca: è un concetto contemplato dai miti apocalittici. San Paolo scrive nella Lettera ai Romani : «Dove ha abbondato il peccato ha sovrabbondato la Grazia.». Questo "paradosso della Grazia" è presente nella tradizione ebraica, islamica ed induista. Mosè, dopo aver visto in visione l'oscurità dei Tempi Ultimi, si è sentito "inferiore" a coloro i quali, pur in mezzo a tali tribolazioni, conserveranno la fede nella Torah. Maometto in un ḥadīth  afferma: «All'inizio dell'islam colui che mette un decimo della Legge è dannato; ma negli ultimi tempi, colui che ne compirà un decimo sarà salvato». Nel testo induista Bhāgavata Purāṇa si cantano le lodi paradossali dell'età ultima : «Gli errori commessi dagli uomini nell'Età di Kālī, per quanto abbiano origine nelle cose, nei luoghi o in loro stessi, sono interamente cancellati da Bhagavad, il supremo Puruṣa, quando egli risiede nel cuore.  L'Età di Kali, abisso di vizi, possiede un vantaggio unico ma prezioso: è sufficiente celebrare le lodi di Khrisna [il Signore Supremo] affinché, liberi da ogni legame, ci si possa riunire all'Essere Supremo». Nel Vangelo di Matteo  c'è la Parabola dei lavoratori della vigna o dei voratori dell'Undicesima Ora che riprende questo tema: i lavoratori dell'ultima ora che hanno lavorato solo un'ora sono equiparati a tutti gli altri. E per questo, molti fra «gli ultimi saranno i primi e i primi gli ultimi» .

Prompt: Explain the Apocalypse in religions of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.

Adamo
Ahura Mazdā
Bhāgavata Purāṇa
Cristianesimo
Dio
Ebraismo
Gesù
Gesù
India
Induismo
Induismo
Iran
Islam
Kālī
Lettera ai Romani
Mahdi
Maitreya
Maometto
Messia
Mondo
Mosè
Parabola dei lavoratori della vigna
Platone
Puruṣa
Terra
Visnù


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Suonatore di liuto

Riguardo al ritratto del giovane suonatore di liuto, oltre alla proposta che si tratti del castrato Pedro de Montoya e all'amico di Caravaggio, il pittore siciliano Mario Minniti, dei quali si è sopra detto, si è pensato a un'altra possibilità: A. Corboz lo considera un autoritratto , da mettere accanto a quello molto verosimile dei Musici o Concerto, ma dopo questo e accanto a quello, altrettanto certo, del Ragazzo morso da un ramarro, ma prima di questo. Alcuni, come Julian, pensano che si tratti di un ragazzo abbigliato da donna, ma non il pittore travestito. Non è compreso fra gli autoritratti di Caravaggio giovane nello studio di fisiognomica dell'autoritratto di Caravaggio nei suoi dipinti di Mauro de Vito, che invece comprendono quelli del Bacco, del Bacchino malato, della Musica, del  Ragazzo morso da un ramarro e del Fruttarolo. L'uso dell'autoritratto si rende necessario quando non si hanno modelli a disposizione da poter pagare per le pose e nei suoi inizi era certo questa la condizione del pittore che, per autoritrarsi, aveva usato uno specchio. Nel dipinto dell'Ermitage, che sembra conforme alla descrizione del Baglione , il vaso di fiori mostra un rapporto di corrispondenza con la figura del giovane suonatore di liuto e a questo proposito, Hermann Fiore cita un noto passo del Giustiniani nella lettera a Dirck van Amayden:" Il Caravaggio disse, che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure". Dare pari dignità, dunque tanto alla natura morta quanto alla viva e in questo senso la frase del Moir, dopo un'attenta osservazione dei fiori sul modello della tradizione di uno specialista come Jan Bruegel, ci sembra piuttosto convincente: " I fiori di Caravaggio hanno meno l'aspetto di esemplari conservati , sono più vitali, come creature vive che ancora reagiscono crescendo al sole, nella terra, alla luce". In ambedue i dipinti, quello di Leningrado e quello di New York si nota il virtuosismo prospettico della disposizione dei tavoli e degli oggetti e la resa naturalistica dei due piani, uno di marmo, l'altro con una coperta damascata; di pari virtuosismo è la resa della" natura morta", dei fiori e della frutta . Il mazzo di fiori è composto da iris bianchi e boccioli, una rosa, margherite, anemoni, garofani e altri fiori comuni, collocati in un vaso di cristallo che riflette la luce della finestra. Il ragazzo, sorpreso mentre sta per cantare, offre il suo canto d'amore, ma nello stesso tempo determina un " paragone" con" il potere universale della pittura...teorizzato dal più grande dei maestri lombardi, Leonardo da Vinci, del quale le fonti riferiscono anche la pittura di un magnifico vaso di fiori bagnati dalla rugiada" . Un rapporto simbolico può trovarsi con i cinque sensi, vista, olfatto, udito, tatto e gusto, infatti le corrispondenze possono essere con le figure offerte in primo piano , i fiori , il gusto , gli strumenti musicali .Oltre ai sensi, anche l'armonia è alla base del soggetto. Il Moir, citato da Marini, si chiede se " non potrebbe indicare che l'amore è finito e che il musicista è abbandonato alla solitudine? Non è forse tutto il dipinto un tema della vanitas, un lamento malinconico per la transitorietà delle cose e delle esperienze di questo mondo temporale e fisico?". Tanto Del Monte che il Giustiniani erano appassionati di musica, possedevano collezioni di strumenti musicali, libri, dipinti, partecipavano attivamente a concerti, anche organizzati nelle proprie dimore; il Giustiniani era anche teorico musicale e alla pari del Del Monte e, forse dello stesso Caravaggio , manca delle fenditure e ha sulla tastiera un fiore stilizzato che potrebbe essere il marchio del costruttore di inizio secolo XVI ; vi è poi un flauto dolce, forse tedesco e uno spinettino forse anch'esso tedesco, Christiansen ritiene che gli strumenti dovevano far parte della collezione del Monte, compreso il tappeto orientale , o della collezione Barberini, mentre il violino a 7 corde è lo stesso che appare nella Musica o Concerto sempre del Metropolitan che doveva fare da pendant con il Ragazzo che suona il liuto nella medesima stanza.

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Bacchino malato
Mario Minniti
Ermitage
Ragazzo morso da un ramarro


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Circe

Calco  Parco nazionale del Circeo Als   maga Circe, dramma giocoso per musica di Pasquale Anfossi Circe , romanzo di Madeline Miller Cassifone Telegono

Prompt: How does The Sorceress (Waterhouse) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cassifone
Madeline Miller
Parco nazionale del Circeo
Pasquale Anfossi
Telegono


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William Tecumseh Sherman

Nonostante i risultati fino ad allora conseguiti fossero alquanto altalenanti, continuò a mantenere la fiducia e l'amicizia di Grant, tanto che quando quest'ultimo venne chiamato dal presidente ad assumere l'incarico di comandante generale e la guida delle truppe dell'Union Army che combattevano nel Teatro Orientale, Sherman  venne nominato a succedergli a capo della Divisione militare del Mississippi.Il nuovo ruolo comportava la direzione di tutte le operazioni belliche da svolgersi nel Teatro Occidentale; in una lettera indirizzata al nuovo generale in capo gli spiegò con estrema chiarezza quale sarebbe stata la sua strategia militare per portare a termine positivamente la guerra, concludendo:"se voi riuscite a frustrare Robert Edward Lee e io posso marciare verso l'Oceano Atlantico penso proprio che lo zio Abe [Lincoln] ci darà infine il suo consenso a lasciarci almeno venti giorni di licenza per poter vedere i nostri familiari".Procedette quindi ad invadere lo Stato della Georgia con tre eserciti: l'Armata del Cumberland, forte di  uomini sotto il comando di George H. Thomas; l'Armata del Tennessee, con James B. McPherson a capo di  uomini ed infine l'Armata dell'Ohio formata da  soldati comandati da John Schofield.upright=1.8Mappa della Condusse la campagna di Atlanta con una lunga serie di manovre e di scaramucce, attraverso il terreno montuoso, contro l'Armata confederata del Tennessee diretta da Joseph Eggleston Johnston; tentando un assalto diretto solo nella sanguinosa ed inconcludente battaglia di Kennesaw Mountain. A luglio il "troppo cauto" Johnston fu sostituito dal più aggressivo John Bell Hood il quale si azzardò a sfidarlo apertamente in diversi scontri campali risoltisi con la disfatta sudista.Nel frattempo, ad agosto: "venni a sapere che mi era stato concesso il grado militare di maggior generale nell'esercito regolare, il che giunse del tutto inaspettato, e nemmeno desiderato almeno fino a quando non fossi riuscito a conquistare Atlanta".  nomina non fu però ratificata dal Senato fino al dicembre seguente. campagna si concluse con un pieno successo il 2 settembre 1864 con la presa della città, dopo che Hood si ritrovò costretto ad abbandonarla; un risultato che rese il suo nome sempre più familiare all'opinione pubblica dell'Unione e che sicuramente contribuì a garantire la rielezione dello stesso Abraham Lincoln alla presidenza nelle elezioni presidenziali del 1864 con una maggioranza schiacciante.Ad agosto il Partito Democratico aveva scelto come proprio candidato George McClellan, il famoso ex comandante generale unionista, e sembrava quantomeno assai probabile che il presidente in carica avrebbe finito con l'essere sconfitto; se ciò si fosse realmente verificato avrebbe forse potuto significare la vittoria dei ribelli secessionisti, poiché il programma politico di McClellan richiedeva "negoziati di pace" immediati basati sul riconoscimento dell'indipendenza degli Stati Confederati d'America.In questo modo la cattura di Atlanta, giungendo esattamente in quel momento cruciale, può anche essere considerata come il maggior contributo di Sherman alla causa della democrazia e del repubblicanesimo così come li aveva sempre intesi il presidente. abitanti, caricate le masserizie sui carri, vecchi e bambini si posero in cammino sulle strade polverose della Georgia, misera e spaurita folla di profughi senza meta.Raimondo Luraghi}}Dopo aver ordinato ai civili di abbandonare immediatamente la città alla metà di settembre, diede istruzioni precise affinché tutti gli edifici militari e governativi venissero dati alle fiamme: questo doveva costituire un precedente per il comportamento dei suoi eserciti nell'immediato futuro.

Prompt: Describe the characteristics of the Campaign Atlanta in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Youth.Please output in Italian.

Abraham Lincoln
Armata confederata del Tennessee
Armata del Cumberland
Armata del Tennessee
Armata dell'Ohio
Atlanta
Divisione militare del Mississippi
George H. Thomas
James B. McPherson
John Bell Hood
John Schofield
Joseph Eggleston Johnston
Joseph Eggleston Johnston


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Suonatrice di chitarra

Suonatrice di chitarra è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1672 circa e conservato a Kenwood House a Londra. È firmato a destra , sul lato inferiore della tendaÈ uno dei migliori dipinti della fase tarda di Vermeer, e si distingue fra tutti per la libertà compositiva ed espressiva.

Prompt: How does The Guitar Player (Vermeer) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Bacco fanciullo

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: In The Infant Bacchus, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Yad Vashem United States Holocaust Memorial Museum Museum of Tolerance, LA

Prompt: Describe the characteristics of the Museography in Children in the Holocaust's Losterminio.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

statua è l'icona stessa della fondazione della città. Le fonti antiche parlano di due statue bronzee della Lupa, una nel Lupercale, l'altra nel Campidoglio.  prima statua, quella del Palatino, è citata nel 295 a.C., quando i due edili, Quinto Fabio Pittore e Quinto Ogulnio Gallo, le aggiunsero una coppia di gemelli. L'avvenimento, in base al racconto di Tito Livio, risale al 296 a.C. e si rese possibile grazie al denaro che gli stessi edili curuli confiscarono agli usurai. Non possediamo alcun indizio sicuro sul gruppo degli OGNUNI, anzi il passo di Livio ha dato il via a due diverse interpretazioni, che considerano i gemelli come parte di un gruppo unitario o come un'aggiunta successiva ad un'immagine più antica della lupa. Cicerone riporta come il simulacro capitolino venne colpito da un fulmine nel 65 a.C. e da allora non venne riparato.Le raffigurazioni di epoca classica della lupa con i gemelli sono abbastanza diverse dalla statua della lupa capitolina, che ha certa rigidità, tipica della statuaria arcaica o medievale. Il dinamismo della posa della lupa che lecca uno dei gemelli e il diverso atteggiamento dei gemelli raffigurati nei bassorilievi marmorei e sulle monete d'argento indicano invece un elevato naturalismo e sono stati considerati testimonianza del carattere ellenico o ellenistico del modello. Ciò che colpisce è il carattere emblematico dell'immagine concepita come allegoria di un intero racconto di fondazione.Le prime notizie sicure su questa statua risalgono al X secolo, quando si trovava incatenata sulla facciata o all'interno del palazzo del terano: nel Chronicon di Benedetto da Soracte risalente appunto al X secolo, il monaco descrive l'istituzione di una suprema corte di giustizia "nel palazzo del terano, nel posto chiamato ...[graffiti]..., cioè la madre dei Romani." Processi ed esecuzioni "alla lupa" sono registrate di tanto in tanto fino al 1450.  Lupa era conservata con altri monumenti, come l'iscrizione bronzea della lex de imperio Vespasiani, che venivano esposti come cimeli per attestare la continuità tra Impero romano e papato, tra antichità e medioevo. statua venne poi ospitata fino al 1471 nella chiesa di San Teodoro, che si trova tra il Palatino ed il Campidoglio. In quell'anno fu donata da Sisto IV della Rovere  al "popolo romano" e da allora si trova nei Musei Capitolini, nella Sala della Lupa. scultura rappresenta una lupa che allatta una coppia di piccoli gemelli, che rappresentano i leggendari fondatori della città, Romolo e Remo. Queste ultime due figure furono aggiunte nel tardo XV secolo, forse da Antonio del Pollaiolo, in accordo con la storia di Romolo e Remo: in un'incisione su legno delle Mirabilia Urbis Romae , appare già con i due gemelli

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the Injured of the Description explained?Please output in Italian.

1450
1471
295 a.C.
296 a.C.
65 a.C.
Antonio del Pollaiolo
Benedetto da Soracte
Campidoglio
Impero romano
Lupercale
Mirabilia Urbis Romae
Musei Capitolini
Palatino
Quinto Fabio Pittore
Quinto Ogulnio Gallo
Roma
Romolo e Remo
Tito Livio
XV secolo
X secolo


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Stanza dell'Incendio di Borgo fu l'ultima in cui è riscontrabile un intervento diretto di Raffaello. L'esecuzione degli affreschi venne affidata in larghissima parte agli aiuti  poiché il maestro era ormai preso da altre commissioni papali, prime fra tutti gli arazzi della Sistina e l'architettura della Basilica vaticana, dove il Sanzio aveva preso l'incarico di Bramante dopo la sua morte.Studi approfonditi hanno messo in luce la frenetica attività raffaellesca di quegli anni, sottolineando il fiorire ininterrotto di idee e soluzioni di grande innovazione, tanto da lasciare necessariamente indietro le possibilità di esecuzione diretta di un così gran numero di iniziative. Inoltre è incontestato come nell'opera degli allievi qualcosa dell'idea originale venga inevitabilmente tradita, senza per questo diminuire il valore dell'ideazione iniziale. NellIncendio di Borgo, il primo degli affreschi e quello in cui la mano di Raffaello è più presente, appaiono evidenti i motivi ripresi da Michelangelo, che anticipano stilemi del manierismo.Gli affreschi vennero realizzati tra il 1514 e il 1517. Il tema principale è quello di esaltare la figura di papa Leone X attraverso storie tratte dalla vita di altri due papi con lo stesso nome: Leone III e Leone IV. Ciascuna scena contiene allusioni al pontificato attuale e numerose citazioni classiche e letterarie tipiche della corte pontificia.Quattro gli affreschi alle pareti:# Incendio di Borgo # Battaglia di Ostia # Incoronazione di Carlo Magno # Giuramento di Leone III  volta risale invece alle decorazioni di Perugino, create tra il 1507 e il 1508 sotto Giulio II, che Raffaello mantenne forse per una sorta di affezione verso l'antico maestro. Lo schema è il seguente:{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Padre in trono tra angeli e cherubini  120px  Battaglia di Ostia - Sud  100px  Cristo come Sol Iustitiae e Cristo tentato dal demonio  120px  Incendio di Borgo - Ovest  100px  Trinità tra gli apostoli  120px  Incoronazione di Carlo Magno - Nord  100px  Cristo tra la Misericordia e la Giustizia  120px  Giuramento di Leone III }

Prompt: Describe the characteristics of the Fire in the Borgo in Raphael Rooms's Description.Please output in Italian.

1507
1508
1514
1517
Bramante
Giuramento di Leone III
Incendio di Borgo
Incoronazione di Carlo Magno
Perugino
Perugino
Stanza dell'Incendio di Borgo
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino, due santi e una santa

Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Firenze, Scala, 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does Madonna and Child with Three Saints (Mantegna) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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La famiglia di Carlo IV

L'opera, come già detto, ritrae la famiglia di Carlo IV di Borbone. Notevole è la perizia tecnica del dipinto, che presenta un raffinato dialogo cromatico tra i bruni, i rossi, i bianchi e i gialli oro, e una stesura pittorica a grandi macchie e strappi cromatici, tecnica molto audace ripresa dal seicentesco Diego Velázquez. Goya si dimostrò assai sensibile all'influenza esercitata da s Meninas di Velázquez, dal quale riprende la presenza di quadri alle pareti, la centralità della figura femminile e, soprattutto, l'autoritratto sul margine sinistro della tela, dove nella penombra scorgiamo un uomo impegnato ai pennelli . Assente, invece, è il complesso gioco di specchi e prospettive che caratterizzava l'opera di Velázquez, sostituito da Goya con una parete frontale che comprime gli spazi; sembrerebbe, comunque, che durante l'esecuzione del dipinto Goya abbia comunque fatto ricorso allo specchio, ponendolo dinanzi alla famiglia reale e guardandovi dentro.Questo dipinto, tuttavia, colpisce soprattutto per l'occulto proposito espressivo di Goya, che scruta i vari membri della famiglia reale con grandissima tensione psicologica e spietatezza d'occhio. Lo sguardo indagatore di Goya, infatti, guarda oltre l'apparente dignità della famiglia reale e vi scorge uno stato di grande ottusità e miseria morale, nonostante le varie onorificenze e le mise ricercate ed eleganti. È in questo modo che Goya, andando oltre la loro pompa superficiale, pone in risalto il loro lato più miserabile e mette così a nudo il loro animo. Carlo IV, figura emergente del gruppo di destra, viene ritratto con un volto ordinario, di persona sciocca, insignificante e non sembra mostrare la sua potenza di re. È infatti Maria Luisa di Borbone-Parma, la moglie di Carlo IV, al centro del secondo gruppo, tra i due figli minori, la figura dominante nonché la potenza della famiglia; tuttavia ella appare sgradevole, animalesca, inutilmente provocante, restituendo l'effetto grottesco di una scimmia vestita da donna. Tra i due, inoltre, vi è l'infante Francesco; la pubblica voce attribuiva la paternità del piccolo a Manuel Godoy, onnipotente primo ministro, dato che Maria Luisa era molto screditata agli occhi dell'opinione pubblica e Carlo IV passava per un marito compiacente. Analogamente don Ferdinando presenta il busto rigido e il petto sporgente in fuori e, pur volendo trasmettere una sensazione di boria, presenta una fisionomia inespressiva; l'infante Carlo e l'infanta Maria Giuseppina, invece, hanno le sembianze di un «bambino precocemente invecchiato» e di una «vecchia megera ingioiellata» . Alle spalle di Carlo, infine, troviamo il fratello don Antonio, che scruta l'osservatore con uno sguardo fisso, lievemente straniante.}}Gli unici a salvarsi dallo spietato verdetto di Goya sono i bambini più piccoli e la coppia di destra, formata da Maria Luisa di Borbone e dal piccolo Carlo, i quali «apportano una nota di freschezza in questa polverosa famiglia reale» . Ben distanti dalle figure adulte, stereotipate e cacofoniche, i bambini rappresentano per Goya uno stato ideale non ancora corrotto, simbolo dell'innocenza e della purezza e quindi incolpevoli della sconvolgente situazione della Spagna di quegli anni. Molto particolare, infine, il ruolo assegnato da Goya alla luce, il vero elemento unificante del dipinto: alla luce, infatti, viene assegnato il duplice compito di sottolineare il lusso degli abiti e il brillio dei gioielli e delle decorazioni, ma anche di far risaltare, che l'artista l'abbia voluto o no, la bruttezza, la follia e la presunzione degli illustri effigiati.

Prompt: Explain the Analysis about the History of this artwork, Charles IV of Spain and His Family.Please output in Italian.

Borbone
Diego Velázquez
Manuel Godoy
Maria Luisa di Borbone-Parma
Maria Luisa di Borbone-Parma


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Crocifissione Gavari

L'opera fu realizzata per la Chiesa di San Domenico di Città di Castello, su commissione della famiglia Gavari. Sulla cornice in pietra originale dell'altare a cui era destinata si legge la data 1503.Si trattava di una delle almeno quattro opere realizzata dal Sanzio a Città di Castello, assieme allo stendardo della Santissima Trinità, la Pala Baronci e il celebre Sposalizio della Vergine. Venne vista dal Vasari e dal zzari , prima di essere venduta a un francese. Fece parte della raccolta Fesch  e di quella del principe di Canino , prima di passare per varie collezioni inglesi. Infine appartenne alla collezione Mond, che venne lasciata in eredità al museo londinese nel 1924.

Prompt: How does Mond Crucifixion explain its History?Please output in Italian.


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Pia de' Tolomei

Pia dei Tolomei, cortometraggio muto del 1908 diretto da Mario Caserini Pia de' Tolomei, regia di Gerolamo Lo Savio  Pia de' Tolomei, regia di Esodo Pratelli  Pia de' Tolomei, regia di Sergio Grieco

Prompt: Describe the characteristics of the Movies in Pia de' Tolomei (Rossetti)'s Ptolemy's footnotes in mass culture.Please output in Italian.

Esodo Pratelli
Gerolamo Lo Savio
Mario Caserini
Sergio Grieco


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Cupido dormiente

Il Cupido dormiente è una statua marmorea  di Michelangelo Buonarroti, scolpita verso il 1496 circa e a oggi perduta.L'opera fu artificiosamente invecchiata e venduta al cardinale Raffaele Riario come reperto archeologico; la truffa fu in seguito scoperta dal religioso che volle conoscere personalmente l'autore, all'epoca non ancora famoso. Il cardinale, colpito dalla bravura di Michelangelo, lo introdusse nell'ambiente artistico romano.

Prompt: Focus on Sleeping Cupid (Michelangelo) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1496
Michelangelo Buonarroti
Raffaele Riario


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Sacra Famiglia con le tre lepri

L'opera, siglata col monogramma dell'artista in basso al centro, risale al 1498, quando l'artista lavorava a Norimberga come incisore.

Prompt: In The Holy Family with Three Hares, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Il tema scelto da Seurat è sicuramente impressionista: nella tela, infatti, sono presenti circa quaranta figure, una folla non proprio tranquilla e intensa nello svago, al gioco, alla pesca, al riposo, alla lettura e alla passeggiata. Ciò malgrado, Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte si discosta dalla tecnica impressionista per vari motivi.Come gli Impressionisti, infatti, Seurat in questo dipinto persegue la luminosità naturale mediante l'utilizzo di pochi colori puri. Se, tuttavia, pittori come Monet e Renoir davano le pennellate per veloci tocchi virgolati, Seurat in Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte preferisce depositare i colori sulla tela in forma di tocchi separati minutissimi, spesso puntiformi, basandosi sulla legge della complementarità cromatica teorizzata dal chimico Michel-Eugène Chevreul. In questo modo, a una visione distanziata, i vari puntini di colore puro tendono a fondersi e a restituire un colore diverso, ricomponendosi non per via di un intervento meccanico del pittore, bensì grazie alla retina dell'occhio dell'osservatore. Seurat, in questo modo, riesce un secolo dopo, tecnica e storia fanno ancora emozionare e ottenere la maggiore luminosità e brillantezza cromatica senza ricorrere a impasti, velature o mescolanze chimiche, bensì semplicemente sfruttando le dinamiche percettive dell'occhio umano. Si può dire, in un certo senso, che Seurat ha anticipato il procedimento dell'immagine a colori del «pennello elettronico», ponendosi così come progenitore del moderno pixel. Vale la pena ricordare come Seurat, in questo modo, sia riuscito a conferire dignità scientifica a quei processi ottico-visuali che erano già stati perseguiti empiricamente dagli Impressionisti. Esplicito è il rimando alla cultura positivista, tanto che il critico Félix Fénéon, fiero di come Seurat avesse conciliato le intuizioni impressioniste con la sicurezza della scienza, osservò come Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte fosse un quadro «neo-impressionista». Così il Fénéon: sfolgorante veste cromatica del dipinto, tuttavia, non riesce a cogliere con freschezza e immediatezza tutti quegli effetti luministici forniti dalla visione diretta della realtà: a differenza dei dipinti impressionisti Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte è immersa in un'atmosfera immobile, silenziosissima, astraente e assolutamente priva di svolgimento temporale. Le figure sono talmente ben fissate nell'impasto pittorico da sembrare quasi pietrificate, colte come sono in una posa statica che oltre a ricordare dei manichini inseriti all'interno di uno scenario teatrale richiamano anche le figure ieratiche egiziane. Se quest'immobilità disincantata urtò la sensibilità dei critici ottocenteschi, «a noi pare piuttosto umoristico [...] sembra che un pubblico da caffè-concerto sia entrato nella casa di Dio, ed è evidente che per quel pubblico il pittore non ha alcuna simpatia e profitta del suo senso delle forme regolari per sottolineare il ridicolo della moda», osserva il Venturi.Alle innovazioni coloristiche Seurat qui affiancò poi uno spazio fortemente geometrizzato che risente dell'influenza dei grandi maestri del passato, come Piero della Francesca: è su questo fortunato binomio che si innesta Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte, opera che ha vissuto l'esperienza impressionista e che la ha aggiornata con cognizioni più scientifiche e rigorose, e che in questo senso acquista anche maggiore verosimiglianza intellettuale e visiva, ma che riceve pure il sostegno di una struttura dalla penetrante impronta classica. Memore della lezione del fisico Odgen Rood, per il quale «a mancanza di un disegno preciso, netto e sostanzialmente esatto è una delle ragioni che più spesso rovinano il colore di un quadro», Seurat disciplina il caos apparente di questo dipinto curando attentamente l'armonia geometrica tra le linee orizzontali, verticali, oblique e curve.  transitorietà che connotava la disciplina impressionista in quest'opera si dissolve in un mirabile rigore costruttivo, sorretto dalle varie figure che si concatenano tra loro in modo preciso e armonioso. Si noti, ad esempio, come l'intera composizione sia divisa in due porzioni uguali dall'asse che corre al centro dell'opera, in corrispondenza della donna che cammina frontalmente insieme alla bambina: altri due assi sono tracciati a destra e a sinistra dell'opera rispettivamente dal tronco di un albero e dal panno sorretto dall'uomo in primo piano. A sinistra, infine, le persone sono disposte sullo spazio pittorico seguendo altre due diagonali minori.I corpi, mostrati solo di fronte o di profilo, sono impostati secondo le forme geometriche del cilindro e del cono, sono privi di plasticità, «hanno uno sviluppo volumetrico a cui non corrisponde un peso di massa; sono fatti dello stesso pulviscolo multicolore che pervade lo spazio; non interrompono la vibrazione della luce».  profondità non è ottenuta col solito effetto illusionistico, operando con la prospettiva, bensì con un attento lavoro cromatico per il quale l'occhio dell'osservatore, distratto inizialmente dalla zona in ombra in primo piano, scava la composizione sino a giungere nell'area dello sfondo, luminosissima, secondo una norma che neanche è immune dall'influenza di Piero della Francesca. Non solo non viene rispettata la prospettiva tradizionale, ma non si mostra interesse neanche per l'esattezza logica di alcuni particolari: il vento, sulla Senna, sembra soffiare contemporaneamente da due direzioni opposte, come mostra il rigonfiamento delle vele delle imbarcazioni. Ma è la luce sprigionata dal colore l'elemento essenziale della composizione, mediante una tecnica mista di stesura: l'acqua è rappresentata con piccole pennellate lineari, mentre l'erba è ottenuta con lievi tocchi incrociati.

Prompt: Focus on A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte and explain the Technique.Please output in Italian.

Félix Fénéon
Odgen Rood
Piero della Francesca


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Ritratto lucano

Il Ritratto lucano, conosciuto anche come Ritratto di Acerenza, è un dipinto a tempera grassa su pannello , di datazione incerta e di altrettanto incerta attribuzione a Leonardo da Vinci.Fu scoperto nel novembre 2008 a Salerno da Nicola Barbatelli. L'opera è conservata presso il Museo delle antiche genti di Lucania a Vaglio Basilicata.

Prompt: How does Lucan portrait of Leonardo da Vinci explain its Abstract?Please output in Italian.

Acerenza
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Museo delle antiche genti di Lucania
Salerno
Vaglio Basilicata


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Bambini dell'Olocausto

A partire dal giugno 1941 con l'invasione tedesca dell'URSS  cominciò nei territori occupati lo sterminio sistematico della popolazione ebraica, inclusi i bambini, attraverso pogroms e fucilazioni di massa ad opera di reparti speciali delle SS . Talora intere famiglie erano uccise sul posto all'arrivo delle truppe SS. In altri casi gli abitanti di un villaggio era rinchiusi in sinagoghe o edifici poi dati alle fiamme o fatti saltare in aria con tutti i loro occupanti. Più frequentemente le vittime, provenienti dai tanti ghetti creati per concentrare la popolazione ebraica, erano trasportate a gruppi in luoghi isolati, spogliate di ogni bene, denudate, condotte in una fossa comune e lì uccise a mitragliate o con un colpo di pistola alla nuca.Decine e decine di migliaia di bambini dovettero subire questa sorte, da soli o in compagnia delle loro madri, nonni, fratelli e sorelle. In numerosi casi le vittime erano obbligate a sdraiarsi sullo strato di cadaveri di coloro che erano già stati uccisi prima di essere a loro volta colpiti. I neonati venivano spesso lanciati in aria e usati come bersaglio per i colpi dei carnefici con la giustificazione che le tenere carni degli infanti non erano in grado di fermare una pallottola che avrebbe potuto causare pericolosi rimbalzi sul terreno, o semplicemente sepolti vivi per risparmiare munizioni.Così accadde in centinaia di siti in tutta l'Europa dell'Est nei territori occupati dell'Unione Sovietica. Alcuni luoghi in particolare videro lo sterminio sistematico e la sepoltura in fosse comuni di decine e decine di migliaia di persone, come Babij Jar e Gurka Połonka in Ucraina, Ponary in Lituania, Bronna Góra in Bielorussa, Liepāja e Rumbula in Lettonia. Essendo gli eccidi riservati in primo luogo agli inabili al lavoro coatto, i bambini, assieme agli anziani e alle madri, ne furono le vittime principali.Alla fine le autorità naziste giunsero alla conclusione che tali metodi di sterminio producessero troppo stress sul personale SS e si risolsero a cercare altre vie, più rapide ed impersonali, che non imponessero ai carnefici di guardare negli occhi delle loro vittime, specie dei più piccoli e inermi. Anche quando si mise in moto la macchina dei campi di sterminio, gruppi di bambini, soprattutto orfani, continuarono comunque ad essere uccisi in fucilazioni sommarie, assieme ai malati e agli anziani non autosufficienti, per risparmiare sulle spese di trasporto.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Mass layoffs of the Losterminio explained?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

I venti Ignudi contornano i riquadri minori delle Storie.  loro posizione di risalto, benché contenuta nella struttura architettonica dipinta, travalica il semplice ruolo di figure decorative, tanto più la funzione araldica segnalata da Vasari . Essi piuttosto appaiono come figure angeliche, nell'accezione di figure intermedie "tra gli uomini e la divinità" .

Prompt: Explain the Nudes about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino degli Innocenti

L'opera è un omaggio alla Lippina, capolavoro di Filippo Lippi agli Uffizi. Si tratta di un'opera giovanile di Botticelli che all'epoca doveva ancora formarsi sotto la lezione del maestro fiorentino, con il quale lavorò forse negli affreschi di Prato. Molti studiosi, dopo aver riconosciuto l'attribuzione al Botticelli anziché al Lippi stesso, indicano la Madonna degli Innocenti come la prima opera nota di Botticelli, accanto a qualche altra opera "lippesca", come la Madonna col Bambino e un angelo di Ajaccio.

Prompt: How does Virgin and Child with an Angel (Botticelli, Florence) explain its History?Please output in Italian.


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Allegoria sacra

Il significato esatto del dipinto non è stato ancora completamente svelato, sebbene siano state fatte varie ipotesi. Sicuramente ciò manifesta come questo tipo di opere fosse destinato a un'élite raffinata e preparata culturalmente, in grado di cogliere ogni sottigliezza.Ludwig, agli inizi del XX secolo, fornì un'ingegnosa interpretazione, che vedeva nel dipinto una trascrizione pittorica del poemetto francese della prima metà del XIV secolo il Pèlegrinage de l'âme  di Guillaume de Deguileville. Si tratterebbe quindi di un ideale percorso di purificazione e santificazione dell'anima. Il pastore eremita sarebbe sant'Antonio Abate, che scende dal suo eremo nel percorso spirituale ispirato al primo eremita san Paolo, e supera diversi ostacoli tra cui anche il centauro che lo aspetta alla fine della scala.  terrazza sarebbe il giardino del Paradiso, dove le anime del Purgatorio, rappresentate dai fanciullini, sostano prima di venire ammesse in cielo. Maria, avvocata degli uomini presso Dio, giudica i progressi delle anime aiutata dalla Giustizia coronata. Tra i fanciullini, che giocano con i pomi mistici, quello attaccato all'albero sarebbe un'anima chiamata alla beatitudine eterna. I due santi in piedi a destra sarebbero gli intercessori o patroni, magari legati ai committenti, mentre i due dietro la balaustra sarebbero Pietro e Paolo, che sorvegliano il cancello di accesso al recinto. Il fiume sarebbe il Lete, che circonda il Paradiso terrestre, mentre gli animali simboleggerebbero le virtù dell'eremita: il mulo per la pazienza, la pecora per l'umiltà. Il centauro invece sarebbe il simbolo dei richiami del mondo, che ostacolano la via verso la virtù.L'interpretazione venne contestata da Rasmo, che propose invece una lettura più generica come "Sacra Allegoria", cioè una semplice sacra conversazione, girata di 90 gradi. Altri leggono il fanciullo sul cuscino con Gesù Bambino, dando al dipinto il significato di una meditazione sul mistero dell'Incarnazione o della Redenzione . Oppure potrebbe trattarsi di un'allegoria delle quattro figlie di Dio, Misericordia, Giustizia, Pace e Carità , o ancora una visione del Paradiso .

Prompt: In the context of Holy Allegory, explain the Interpretations and the Description.Please output in Italian.


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Il voto di Luigi XIII

Robert Rosenblum, Ingres, Parigi, Cercle d'Art, coll. " Bibliothèque des Grands Peintres", 1986. Daniel Ternois. Ingres, Parigi, Fernand Nathan, 1980.

Prompt: In The Vow of Louis XIII, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Mrs. Cecil Wade

Il ritratto della signora Cecil Wade dimostra quanto Sargent sapesse dipingere bene sia i ritratti che gli interni, così come la sua volontà di sperimentare audacemente con la luce e l'oscurità. Il dipinto ritrae l'effigiata a figura intera, di profilo, mentre guarda la sua destra con una luce brillante che bagna il suo vestito di raso bianco e la sua pelle chiara. Ella si siede su una panca di legno lucido ricoperta da un cuscino rosso con delle decorazioni floreali, e indossa dei braccialetti e una collanina con un ciondolo, oltre a tenere tra le mani un ventaglio bianco.Nello sfondo poco illuminato, la luce del mezzodì filtra attraverso una finestra coperta da una tenda gialla e illumina un tavolino e una sedia con una pianta lì vicino, riflettendosi sul pavimento cerato che non è coperto da un tappeto.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Portrait of Mrs. Cecil Wade.Please output in Italian.


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Circoncisione di Gesù

circoncisione di Gesù è un evento narrato dal Vangelo secondo Luca : otto giorni dopo la sua nascita Gesù venne circonciso secondo la prassi ebraica della Milah.In quell'occasione ricevette il nome di "Gesù" che deriva dalla lingua ebraica, in cui significa "salvezza" o "salvatore". Con la circoncisione Gesù entrò giuridicamente a far parte del popolo ebraico.L'evento è ricordato dalla Chiesa cattolica di rito ambrosiano e dalla Chiesa ortodossa con la corrispondente festa liturgica celebrata il 1º gennaio del calendario giuliano, corrispondente al 14 gennaio dell'universale calendario gregoriano.  festa della Circoncisione di Nostro Signore è una celebrazione religiosa nell'ottavo giorno dopo la nascita di Gesù .È osservato come il giorno in cui Gesù fu circonciso – come da tradizione ebraica – e in cui ricevette il nome. Per i credenti è una festa che celebra la prima occasione in cui Gesù donò il sangue per l'umanità. Tutto ciò dimostra non soltanto l'obbedienza di Gesù a Dio e le antiche leggi che stavano per concludersi, ma anche la profezia della Passione e risurrezione di Gesù.Il giorno di festa è celebrato dalla Chiesa cattolica, da quelle ortodosse e da alcune chiese della comunione anglicana il 1º gennaio .

Prompt: How does The Circumcision (Parmigianino) explain its Abstract?Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Circoncisione
Gesù
Vangelo
Vangelo secondo Luca


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-portrait (Giorgione) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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La Bella

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. isbn 978-88-86392-48-8 Mario Ciatti, Fausta Navarro, Patrizia Riitano: Titian’s  Bella: Woman in a Blue Dress. Edifir, Florence 2011.  Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. isbn 3-8290-4553-0 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: In Portrait of a Young Woman Known as "La Bella", how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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L'incantatrice di serpenti

L'opera s'inquadra nella tematica delle foreste esotiche, con una flora esuberante e inventata , nelle quali il pittore mette sulla scena feroci combattimenti fra una fiera e la sua preda  oppure, come in questo caso, personaggi in armonia con la natura . sua composizione asimmetrica, i suoi colori veri, insieme a un tratto naïf e al tempo stesso preciso, annunciano il surrealismo e René Magritte.Risulta che Rousseau abbia dipinto il quadro ispirandosi alle descrizioni di un viaggio in India della signora Delaunay; inoltre, in quegli anni a Parigi, nel circo Molier, si esibirono alcune incantatrici di serpenti che potrebbero aver suggestionato l’autore.

Prompt: In The Snake Charmer (Rousseau), how is the Analysis discussed?Please output in Italian.


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Madonna dell'Impannata

L'opera prende il nome dalla particolare finestra "impannata" che si vede sullo sfondo. In una stanza appena rischiarata ha luogo una complessa sacra conversazione, con la Madonna col Bambino che porge il figlio a sant'Elisabetta inginocchiata, dietro la quale si trova, colta in un gesto affettuoso, santa Caterina d'Alessandria; a destra infine, seduto quasi sul bordo del dipinto, san Giovannino. Quest'ultimo richiama l'attenzione dello spettatore fissandolo e proiettandosi verso di esso con il piede sinistro, illusionisticamente sporgente, e indica verso Gesù, come al suo solito. Il centro della scena è poi occupato da una carambola di sguardi e gesti, che generano un moto circolare di raro equilibrio e intensa commozione partecipativa dei protagonisti.Di vivo realismo è la grinzosa testa dell'anziana Elisabetta, girata a profil perdu. Radiografie hanno dimostrato che sotto Giovanni Battista si trova il disegno di un san Giuseppe e di un Battista in un'altra posa.  semplificazione della composizione venne decisa per chiudere il cerchio ideale composto dalle figure, attorno al fulcro del Bambino.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna dell'Impannata.Please output in Italian.