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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Battaglia di Isso

John Fuller, The Generalship of Alexander the Great, De Capo Press, New Jersey 1960 Peter Green, Alexander of Macedon: A Historical Biography, 1974 Guy Rogers, Alexander: The Ambiguity of Greatness, Random House, New York 2004

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Secondary sources of the Consequences of the battle explained?Please output in Italian.


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Armatura

I soldati  usano piastre di metallo o ceramiche nei giubbotti antiproiettile, che forniscono protezione aggiuntiva contro proiettili di pistola e fucile. Componenti metalliche o strati di fibra tessuti in modo fitto possono conferire ad armature morbide la resistenza ad attacchi di punta e taglio con coltelli da combattimento e coltelli-baionetta. Guanti corazzati in cotta di maglia sono tuttora utilizzati da macellai e operatori di macelli per evitare ferite tagliando carcasse.

Prompt: In O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, how is the Contemporary use of non-metallic protections of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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San Girolamo in preghiera

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: In St. Jerome at Prayer (Bosch), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Sposalizio mistico di san Francesco

Lo Sposalizio mistico di san Francesco è un dipinto tempera su tavola  del Sassetta, databile al 1450 circa e conservato nel Museo Condé di Chantilly.

Prompt: Focus on Mystic Marriage of St. Francis (Sassetta) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: Focus on Flight into Egypt (Titian) and explain the Other narratives.Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Trittico di San Giovenale

Nel gennaio del 1422 Masaccio si registrava all'Arte dei Medici e Speziali che accoglieva anche i pittori, accollandosi le cospicue tasse di iscrizione e di rinnovo periodiche. Ciò testimonia come il pittore doveva sentirsi sufficientemente coperto da entrate derivanti da commissioni.  data alla base del dipinto, a soli 4 mesi di distanza dalla sua iscrizione, fa presupporre che Masaccio abbia dipinto l'opera verosimilmente a Firenze. Qui dettagli stilistici dimostrano un suo contatto con la cerchia di artisti fiorentini più all'avanguardia, in particolare Filippo Brunelleschi e Donatello. pala fu dipinta per la piccola chiesa di campagna di San Giovenale, all'epoca sotto il patronato di Vanni Castellani, in un minuscolo borgo a 2 km circa da Reggello  e a pochi chilometri da San Giovanni Valdarno, luogo di origine di Masaccio. A San Giovenale il trittico rimase per secoli, fino alla sua scoperta nel 1961. L'opera era in cattivo stato di conservazione e il primo ad occuparsene, intuendo l'autografia del grande maestro, padre della pittura rinascimentale, fu Luciano Berti. Con il restauro del dipinto venne alla luce una scritta sulla base con la data 23 aprile 1422, che confermò l'ipotesi attributiva: a quella data Masaccio era l'unico pittore nel panorama fiorentino che, oltre a rifiutare il decorativismo del gotico internazionale allora dominante, era in grado di conoscere e applicare la prospettiva centrale a unico punto di fuga, come si vede nel trono della Madonna. Tale procedimento era stato infatti ideato e redatto da Filippo Brunelleschi tra il 1416 e il 1420 circa. Se si esclude il rilievo del San Giorgio che libera la principessa di Donatello  questa è l'opera pittorica più antica dove appaia applicato tale principio, che divenne poi uno dei marchi di fabbrica più caratterizzanti del Rinascimento fiorentino.L'opera venne restaurata e nel 1988 collocata nella pieve di San Pietro a Cascia di Reggello, più adatta ad accoglierla. Solo nel 2002 è stata spostata in un museo d'arte sacra appositamente creato, il Museo Masaccio, a 1 km circa di distanza dal luogo di destinazione originario.

Prompt: In San Giovenale Triptych, how is the History discussed?Please output in Italian.

1416
1420
1422
2002
Filippo Brunelleschi
Reggello
Donatello
Filippo Brunelleschi
Luciano Berti
Masaccio
Museo Masaccio
Reggello
Rinascimento fiorentino
San Giovanni Valdarno


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Amor sacro e Amor profano

Un altro fiorente non è legato alle dottrine dell'Accademia neoplatonica di Marsilio Ficino, soprattutto riguardo alla contrapposizione tra la Venere terrena e la Venere celeste figura della donna nuda è spiegata come Venere Celeste, cioè immagine della bellezza universale e spirituale, che solleva un braciere acceso, variamente leggibile come simbolo di carità, di conoscenza o di illuminazione spirituale. Al contrario dell'interpretazione moralistica che ispirò i curatori seicenteschi della galleria, da cui deriva il titolo tradizionale dell'opera, essa non è una donna scollacciata, dedita all'amore carnale, ma è un ideale di bellezza classico, simbolo di semplicità e purezza, infatti ha come sfondo un paesaggio aperto, immerso nella luce . donna vestita invece, per contrapposizione, sarebbe la Venere Terrena, simbolo degli impulsi umani e della forza generatrice della Natura, che è posta su uno sfondo ombroso.  posizione di Eros, al centro delle due, sarebbe quindi il punto di mediazione tra aspirazioni spirituali e carnali, tra il cielo e la terra.Anche lo sfondo contribuisce a esprimere i diversi concetti legati alle allegorie: a sinistra, dietro all'Amor profano, si nota un paesaggio montuoso, con un sentiero in salita percorso da un cavaliere diretto al castello, leggibile come metafora di un percorso da compiere per giungere alla virtù, che si conquista con fatiche e rinunce o, alternativamente, come allusione al carattere "secolare" e "civile" dell'Amor profano; a destra il paesaggio è pianeggiante, disteso, punteggiato da greggi al pascolo che evocano le utopie bucoliche e in lontananza si scorge una chiesa, legandosi alla sfera religiosa e spirituale. Cantelupe si applicò poi a un esauriente esame iconologico elencando la molteplicità di spunti cristiani e pagani.L'opera sarebbe così l'unica di Tiziano interpretabile in chiave neoplatonica, corrente caratteristica dell'ambiente toscano, cui si contrapponeva l'aristotelismo tipico di Venezia.

Prompt: In the context of Sacred and Profane Love, explain the Philosophical interpretation and the Interpretation.Please output in Italian.

Accademia neoplatonica
Eros
Marsilio Ficino
Venere celeste
Venere terrena
Venezia


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Paesaggio nei pressi di Beauvais

Il Paesaggio nei pressi di Beauvais  è un dipinto a olio su tela dipinto intorno al 1740 da François Boucher e conservato al museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: Focus on Landscape near Beauvais and explain the Abstract.Please output in Italian.

Beauvais
François Boucher
San Pietroburgo


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Explain the Congregation orders Annunciation of this artwork, Annunciation (Pontormo).Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Explain the Variants about the History of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Detroit).Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Ritratto di donna Franca Florio

Giovanni Boldini Franca Florio Franca Florio, regina di Palermo

Prompt: Focus on Portrait of Donna Franca Florio and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Florio
Franca Florio
Franca Florio, regina di Palermo
Giovanni Boldini
Palermo


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Pala Martinengo

Il soggetto principale della tavola è la sacra conversazione, con la Madonna col Bambino seduta su un trono circondata da santi, è il dipinto più grande che l'artista eseguì a Bergamo. Il Lotto era di ritorno da Roma dove aveva presenziato nel 1512, al primo scoprimento della volta della Cappella Sistina, arrivava quindi a Bergamo carico di entusiasmo e di grandiose aspirazioni.  scena è ambientata in una grandiosa architettura sacra di gusto bramantesco, con le figure inserite, contrariamente al solito, verso la fuga di colonne della navata, e non sullo sfondo dell'abside, al limite fra l'ombra e la luce, con una volta a botte cassettonata ravvivata ai lati da colonnati. Al centro si apre un tamburo circolare nel soffitto, dove si troverebbe la cupola, impostata su pennacchi con mosaici degli evangelisti, Marco e Giovanni, dando la sensazione di un ambiente che si amplifichi oltre lo spazio dipinto. Qui la struttura è aperta verso il cielo, da dove piove la luce e si affacciano due angeli da una balaustra, forse riecheggiando la Camera degli Sposi di Mantegna. Essi reggono festoni e imprese, mentre altri due, con le vesti azzurre che cangiano in oro, stanno volando sopra Maria reggendone la corona.  decifrazione dei simboli, delle allusioni e delle iscrizioni della parte alta  è un'impresa che ha messo alla prova la critica, non pienamente conclusa. Pare che alcuni degli oggetti si ispirino ai simboli criptici della Hypnerotomachia Poliphili, alludendo ai benefici del Regno dei Cieli e del dominio veneziano su Bergamo, di cui il Martinengo era un sostenitore. "Divina" sarebbe infatti la giustizia  e "soave" il giogo che penzola, riferito ai Veneziani. parte inferiore ha uno schema più tradizionale, con la Madonna sull'alto trono con la base zoomorfa, intagliata con branche leonine che si ricollegano al leone di san Marco che si affaccia dietro a sinistra, vicino all'evangelista. Dieci santi sono disposti a semicerchio, a partire, a sinistra, da sant'Alessandro, eponimo del committente, che è ritratto in una sfolgorante armatura, ricca di riflessi metallici, nel cui volto venne forse inserito il ritratto di Alessandro Martinengo; accanto a lui si trova probabilmente il ritratto della moglie Barbara, raffigurata come la santa.Segue Giacomo maggiore, col bastone di pellegrino, san Domenico in posizione preminente a lato del trono, in quanto titolare della chiesa, la raffigurazione del santo sembra riprendere il medesimo soggetto presente nel polittico di Recanati ma in versione più anziana, e san Marco con accanto il leone. Dall'altro lato si vedono Caterina d'Alessandria, con la ruota dentata rotta e la palma del martirio, santo Stefano, l'altro titolare della chiesa, sant'Agostino, vestito da vescovo, san Giovanni Battista, ruotato di spalle, e san Sebastiano, con le frecce. In quest'ultimo santo si vede bene la nuova concezione luminosa cinquecentesca, che in nome di un più accurato realismo ed effetti più scenografici non esita a lasciare parzialmente in ombra uno dei protagonisti della pala.In basso, ai piedi del trono, si vedono due angioletti che Lotto, con la sua consueta ironia, dipinse mentre giocosamente stanno cercando di distendere un telo.

Prompt: In Martinengo Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1512
Bergamo
Camera degli Sposi
Cappella Sistina
Hypnerotomachia Poliphili
Recanati


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Deposizione di Cristo nel sepolcro

Madonna di ManchesterOpere di MichelangeloDeposizione di Gesù

Prompt: How does The Entombment (Michelangelo) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Deposizione di Gesù
Madonna di Manchester
Madonna di Manchester
Opere di Michelangelo


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Madonna col Bambino tra le sante Maria Maddalena e Orsola è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile al 1490 e conservato nel Museo del Prado a Madrid.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Mary Magdalene and Saint Ursula and explain the Abstract.Please output in Italian.

1490
Giovanni Bellini
Madrid
Maria Maddalena
Museo del Prado


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Levitated Mass

L'opera è composta da una trincea in cemento armato lunga 140 metri e larga ca. 5, al di sopra della quale è posto un enorme masso di granito di forma irregolare, alto 6,5 metri e del peso di 308 ton, sostenuto da due mensole di acciaio poste nella parte superiore della trincea. Le limitate dimensioni degli appoggi, relativamente alle dimensioni del masso, danno l'impressione che esso sia "sospeso in aria", da cui il nome "massa levitata".  trincea scende gradualmente fino alla profondità di 4,60 metri, permettendo ai visitatori di passare direttamente sotto il masso.Heizer trovò il blocco monolitico di granito in una cava nei pressi di Jurupa Valley, nella contea di Riverside, distante 90 km da Los Angeles. Il trasporto è stato eseguito dalla società coreana Hanjin Shipping tramite un trasportatore appositamente costruito, lungo 90 metri e dotato di 206 ruote. Il percorso effettivo, considerando la necessità di usare solo strade adatte a questo trasporto eccezionale, è stato di 170 km. Viaggiando solo di notte, il masso ha raggiunto il luogo di installazione in 11 giorni.Su quest'opera è stato prodotto il documentario Levitated Mass: The Story of Michael Heizer's Monolithic Sculpture, del regista Doug Pray, presentato in giugno 2013 al Los Angeles Film Festival.Il costo dell'opera, interamente finanziata da privati, è stimato in 10 milioni di USD.È visitabile gratuitamente tutti i giorni dalle sette del mattino fino al tramonto. L'accesso non è consentito in caso di pioggia.

Prompt: Focus on Levitated Mass and explain the Description.Please output in Italian.

Hanjin Shipping
Jurupa Valley
Los Angeles
Los Angeles Film Festival
Michael Heizer


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Processione in piazza San Marco

L'opera è un telero destinato originariamente alla Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, una delle più ricche di Venezia. Nella sala grande della confraternita era stato deciso di collocare nove grandi tele alla cui realizzazione vennero chiamati alcuni dei più grandi pittori dell'epoca tra cui, oltre a Gentile, Pietro Perugino, Vittore Carpaccio, Giovanni Mansueti, zzaro Bastiani e Benedetto Diana. Il tema era quello dei miracoli di un frammento della Vera Croce, che era stato regalato alla confraternita nel 1369 da Philippe de Mézières, cancelliere dei regni di Cipro e di Gerusalemme, diventando subito simbolo della Scuola ed oggetto di una straordinaria venerazione.Le tele, che furono tutte eseguite tra il 1496 e il 1501, sono tutte sopravvissute tranne quella di Perugino, e contengono la rappresentazione di vari episodi ambientati in alcuni dei più famosi luoghi di Venezia; si trovano tutte oggi alle Gallerie dell'Accademia.Gentile dipinse tre di questi teleri: il primo, datato 1496, fu appunto quello che mostra la processione in piazza San Marco del 25 aprile 1444, festa della Santa Croce, durante la quale avvenne il miracolo della guarigione immediata del figlio del mercante bresciano Jacopo de' Salis, che aveva pregato la reliquia mentre passava portata a spalla dai confratelli. scena è considerata tra i primissimi esempi di vedutismo veneziano, con un ampio angolo visuale che permette di osservare la precisa rappresentazione della piazza e dei partecipanti all'evento. Sullo sfondo della basilica di San Marco, con i portali ancora splendenti dei mosaici veneto-bizantini che oggi sopravvivono solo nel portale sinistro; a destra si vedono Palazzo Ducale, con la Porta della Carta con l'originaria doratura dei marmi, un pezzo del Campanile di San Marco  e l'Ospizio Orseolo, demolito per fare spazio alle Procuratie Nuove di Jacopo Sansovino; a sinistra si notano le Procuratie Vecchie nell'aspetto che avevano prima della ricostruzione nel XVI secolo; si vede anche l'edificio gotico che venne poi abbattuto per fare posto alla Torre dell'Orologio. Da notare anche la copertura della piazza in cotto, che venne sostituita dalla lastronatura in marmo del Tirali nel 1723.L'occhio dello spettatore è incitato a vagare da un gruppo all'altro, da un dettaglio all'altro.I personaggi della scena sono rappresentati con cura meticolosa, abbastanza grandi per contenere ritratti e per individuare con cura i vari dettagli dal loro status sociale, quali abiti e accessori. Manca la rappresentazione drammatica dell'azione, mentre tutto concorre a fornire una cronaca precisa dell'avvenimento.  processione procede col doge in testa, preceduto dai portatori di stendardi e dai trombettieri e da altri simboli del potere. Seguono i confratelli della Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, vestiti di bianco, che portano ceri e un baldacchino, sotto il quale, più o meno al centro del dipinto, si trova la cassa contenente la venerata reliquia.Lo stile della pittura è quello tipico di Gentile: una linea asciutta demarca i soggetti, entro la quale il colore è steso in maniera neutra, che ha come effetto la cristallizzazione del dato reale.

Prompt: Focus on Procession in St. Mark's Square and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Giona (Lorenzetto)

Il grande scrittore Viktor Rydberg, esponente del Romanticismo svedese, nelle sue Giornate Romane  registrò - o più semplicemente inventò - una presunta tradizione romana sulle origini della statua. Secondo la leggenda, un uomo stava vagando attorno alle rovine della Villa Adriana a Tivoli, quando lo spirito di Adriano gli apparve davanti nella notte dicendo che la sua anima non sarebbe stata in grado di riposare finché il buon nome di Antinoo non fosse stato cancellato. L'uomo riferì il messaggio a Raffaello, il quale stava lavorando alla Cappella Chigi e che decise di battezzare Antinoo e di celebrare la sua bellezza, cristallizzandola nel volto del profeta Giona. Rydberg conclude dicendo:

Prompt: Explain the Literature of this artwork, Jonah (Lorenzetto).Please output in Italian.

Adriano
Antinoo
Cappella Chigi
Roma
Romanticismo svedese
Tivoli
Viktor Rydberg
Villa Adriana


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: Explain the Answer. of this artwork, Ecce Homo (Mantegna).Please output in Italian.


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Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita

AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1Giorgio Cricco, Francesco Paolo Di Teodoro, Itinerario nell'arte, seconda edizione, Zanichelli, Bologna 2004. ISBN 978-88-08-10877-7

Prompt: How does Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto con i santi Girolamo, Paolo e Pietro

L'opera, come appurato ai primi del Novecento da J. Mesnil, proviene dalla chiesa fiorentina di San Paolino. Probabilmente dopo le soppressioni entrò nelle collezioni granducali e da qui agli Uffizi. Nel 1813 venne ceduta a Massimiliano I Giuseppe di Baviera. datazione viene in genere avvicinata a quella del Compianto del Museo Poldi Pezzoli all'ultima fase della produzione dell'artista.

Prompt: How does Lamentation over the Dead Christ (Botticelli, Munich) explain its History?Please output in Italian.

1813
Massimiliano I Giuseppe di Baviera
Museo Poldi Pezzoli


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Portrait of a Man in Red Chalk's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Al Moulin Rouge

Al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1892-93 e conservato all'Art Institute di Chicago.

Prompt: In At the Moulin Rouge, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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L'uscita dal ballo in maschera

</ref>}}L'uscita dal ballo in maschera , anche noto con i titoli Duello dopo il ballo in maschera e Duello fra due maschere, e l'altra nel Walters Art Museum di Baltimora.

Prompt: In The Duel After the Masquerade, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Il Santuario Beata Vergine Maria delle Grazie sorge a Grazie di Curtatone  nel Parco del Mincio. Nel 1399 Francesco I Gonzaga lo fece erigere come ex-voto alla Madonna delle Grazie per la cessazione della peste. L'incarico fu affidato all'architetto Bartolino da Novara. Il santuario custodisce l'icona lignea della Madonna col Bambino, Mater Gratiae et Misericordiae ed è unico al mondo per l'impalcato ligneo con ex voto polimaterici e il coccodrillo appeso al soffitto.  festa è il 15 agosto, Assunzione della Beata Vergine Maria. Nella circostanza il sagrato si anima con la presenza di numerosissimi fedeli in pellegrinaggio fin dalle prime ore del mattino e con il concorso nazionale Madonnari.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Thank you of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

5 agosto
Bartolino da Novara
Curtatone
Francesco I Gonzaga
Santuario


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Le Défenseur du Temps

L'orologio con automi, che dette il nome al quartiere in cui è ubicato, si trova in via Bernard-de-Clairvaux, 8 a Parigi, nei pressi del Centro Georges Pompidou.

Prompt: How does Le Défenseur du Temps explain its Location?Please output in Italian.

Centro Georges Pompidou
Centro Georges Pompidou
Parigi


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Explain the The Annunciation in the prayer about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Botticelli, Glasgow).Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Madonna Stroganoff

Esiste un acceso dibattito tra gli studiosi su quale sia l'esatta cronologia della Madonna con Bambino di Duccio, che molti credono sia stata portata a termine intorno al 1300. Tali dissensi nascono da alcune qualità del dipinto sono Bizantineggianti, come la forma ovale del volto della Vergine e il suo naso elegantemente lungo, e anche della fisionomia da "uomo in " di Gesù Bambino.D'altro canto sono ben riscontrabili molti elementi innovativi, tra cui i tratti realistici di Vergine e Cristo Bambino, nonché l'elegante drappeggio e il parapetto in marmo, un dettaglio - quest'ultimo - notevole nel fungere da invito visivo allo spettatore, che viene come spinto ad impegnarsi in maniera più emotiva sulla intera scena.

Prompt: Describe the characteristics of the Dating in Madonna and Child (Duccio, Metropolitan)'s History.Please output in Italian.


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Il valzer

Vista posteriore della versione in gesso del 1893 .L'opera, come concepita originariamente, raffigura due figure nude, un uomo e una donna, che ballano, congelati nel tempo in un abbraccio amoroso.  testa della donna poggia teneramente sulla spalla destra dell'uomo, con i loro corpi che si uniscono fluidamente in una forma unica mentre l'uomo gira la testa verso il volto della donna come per baciarla.Claudel continuò a lavorare a questo soggetto per molti anni, cercando infine una commissione pubblica per creare una versione marmorea. Il suo modello in gesso venne visto dal Armand Dayot nel 1892, che ne ammirò la sensualità e la modellazione delle figure ma lo definì inaccettabile per una mostra a causa dell'indecenza dei due danzatori nudi. Nonostante il sostegno di Rodin, il ministero rifiutò la commissione di una versione in marmo. Imitando il riuso di figure da sculture precedenti nelle opere tardive di Rodin, Claudel adattò la figura femminile dal Valzer nella figura della Fortuna di una sua fusione in bronzo del 1904.

Prompt: How does The Waltz (Claudel) explain its Description?Please output in Italian.


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Annunciazione e santi

scena dell'annunciazione si svolge nel giardino davanti alla casa di Maria, della quale si intravede il portico e la recinzione sullo sfondo. In primo piano, strette e vicine allo spettatore, si allineano le figure dell'Angelo Gabriele inginocchiato, porgendo il tipico giglio bianco, e di Maria in ginocchiata, che piega un braccio e reclina la testa in segno di umile accettazione. Ai lati di queste figure si trovano le figure di san Giovanni Battista e sant'Andrea, in piedi e assorti, senza prendere azione direttamente alla scena ma presenziando semplicemente all'evento.L'opera dimostra molteplici influenze, sia del padre dell'artista, Filippo Lippi , sia di Filippo Botticelli, il collega leggermente più anziano nella cui ombra Filippino mosse i primi passi sulla scena artistica.Sullo sfondo si riconosce una rara veduta di Firenze, che lega l'opera indissolubilmente a una committenza locale, sia pure non necessariamente destinata alla città, come ribadisce anche la presenza del Battista, patrono della città del giglio. Si riconoscono Santa Maria del Fiore e il Campanile di Giotto, il Bargello e la Badia. resa minuziosa degli elementi vegetali, come nel prato fiorito, è una costante nell'arte fiorentina del tardo Quattrocento, legata a un mai tramontato interesse naturalistico , ravvivato in anni recenti dal confronto con nuove opere dei Primitivi fiamminghi e dagli studi di Leonardo da Vinci.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Annunciation with St John the Baptist and St Andrew.Please output in Italian.

Campanile di Giotto
Filippo Botticelli
Filippo Lippi
Leonardo da Vinci
Primitivi fiamminghi


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Madonna delle Cave

Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1 Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: How does Madonna of the Caves explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Sposalizio della Vergine

Lo sposalizio della Vergine, o sposalizio di Maria e Giuseppe, è un episodio della tradizione cristiana che ricorda le nozze tra la vergine Maria e san Giuseppe, tradizionalmente festeggiato nella Chiesa cattolica  il 23 gennaio. È inoltre un tema artistico religioso frequente.

Prompt: Focus on Marriage of the Virgin (Rosso Fiorentino) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna di San Francesco

Il contratto per la pala venne siglato il 30 agosto 1514 dal pittore venticinquenne, col consenso del padre non essendo ancora sposato, e dal Guardiano del convento dei Frati minori di Correggio, dedicato a san Francesco, fra Girolamo Cattania. Il pagamento per l'opera è registrato al 4 aprile 1515, testimoniando l'alacrità con cui il pittore si dedicò a questa sua prima importante commissione, la prima documentata precisamente nel suo percorso artistico. Probabilmente la pala doveva decorare l'altare maggiore della chiesa di San Francesco, che era il luogo di sepoltura dei signori locali, i Da Correggio.Poco prima del 1638 la pala venne confiscata da Francesco I d'Este e fatta trasportare a Modena, a Palazzo Ducale, assieme a un gruppo di altre cinque opere del Correggio rastrellate nel territorio del ducato. Nel 1746 Francesco III, in cerca di modi per far cassa, con un episodio noto come uno dei più importanti depauperamenti d'arte italiana, vendette all'elettore di Sassonia Augusto III le cento più celebri opere della Galleria Estense, comprese le opere di Correggio, che da allora sono conservate a Dresda.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna and Child with St Francis.Please output in Italian.


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La ferrovia

Manet subì irrimediabilmente il fascino delle ferrovie, universalmente riconosciute all'epoca come il simbolo del trionfo della rivoluzione industriale e del progresso scientifico. Così come per gli altri Impressionisti - nel biennio 1876-1877 Manet raffigurò molte volte la stazione di Saint-zare - Manet fece delle strade ferrate un oggetto degno della rappresentazione pittorica: vedere i treni in corsa in mezzo alla campagna, infatti, era per lui un affascinante spettacolo, e considerava i ferrovieri come persone dotate di piena padronanza di sé e di una risoluta volontà.Manet intraprese l'esecuzione de  ferrovia nel 1872, dipingendo per la maggiore in en plein air, con l'aggiunta di alcuni dettagli secondari eseguita nel chiuso dellatelier e la rifinitura globale portata a termine nel giardino del pittore Hirsch, all'incrocio tra rue de Rome e rue de Constantinople, dunque a poca distanza dal parco binari della trafficata stazione di Saint-zare. Il dipinto raffigura una donna e una bambina, per le quali posano rispettivamente Victorine Meurent, già modella di Olympia, e la figlia di un amico, probabilmente proprio dell'Hirsch.  ragazza di sinistra ha uno sguardo pensieroso e mesto e regge sul grembo un ventaglio, un libro aperto e un cagnolino addormentato .  bambina di destra, invece, è vestita con un elegante abito bianco e blu e rivolge le spalle all'osservatore: è aggrappata all'inferriata di ferro, e ammira con grande reverenza lo spettacolo del treno in manovra, che si fa strada verso la stazione con grandi sbuffi di vapore. Alla vivace curiosità della fanciulla si contrappone la mestizia della donna, consapevole della propria maturità, la quale infatti non è interessata all'arrivo della locomotiva, anche se interrompe per un attimo la lettura. A completare la composizione vi è un grappolo d'uva, posto a destra del muricciolo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Railway.Please output in Italian.


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Salutat

Come già dimostrato negli anni 1870 con il suo interesse per i rematori, negli anni 1890 Thomas Eakins tornò a dedicarsi alla raffigurazione di nudi maschili e sportivi, con particolare attenzione ai pugili. Grazie ai giornalisti sportivi Glarence Cranmer ed Henry Schlichter, in questo periodo Easkins incontrò e fece posare diversi lottatori.Eakins inviò il quadro alla Pennsylvania Academy nel 1899, ma Salutat suscitò poco interesse tra i critici e passò generalmente inosservato. Easkins non riuscì mai a vendere l'opera, che fu acquistata solamente nel 1929 da Thomas Cochran alla vedova del pittore. Successivamente Cochran donò la tela all'Addison Gallery of American Art della Phillips Academy di Andover.

Prompt: Explain the History of this artwork, Salutat.Please output in Italian.


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Storie di sant'Orsola

Le Storie di sant'Orsola sono un ciclo di nove teleri eseguiti da Vittore Carpaccio tra il 1490 e il 1495 per la Scuola di Sant'Orsola a Venezia. Dal 1812, in seguito alle soppressioni napoleoniche, essi si trovano presso le Gallerie dell'Accademia di Venezia.Nel XXI secolo i teleri sono stati sottoposti a un lungo restauro, iniziato nel 2010 e completato dopo 9 anni.

Prompt: In Legend of Saint Ursula, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1490
1495
Gallerie dell'Accademia
Sant'Orsola
Scuola di Sant'Orsola
Venezia
Vittore Carpaccio


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Pala di Brera

Pala di Brera, o Pala Montefeltro , è un'opera di Piero della Francesca, tempera e olio su tavola , databile al 1472 circa e conservata nella Pinacoteca di Brera a Milano, che le dà il nome.

Prompt: How does Brera Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.

1472
Milano
Piero della Francesca
Pinacoteca di Brera


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il Magni si mise all'opera, ma l'esito della Seconda guerra d'indipendenza lo costrinse a rivolgersi prima a Urbano Rattazzi, all'epoca ministro dell'interno, e poi a Cavour, presidente del Consiglio dei ministri. Infatti il governo riteneva di non avere alcun obbligo nei confronti del Magni poiché il concorso non era stato approvato dalle autorità e l'importo di spesa previsto per la sua opera era maggiore di quello stabilito dal concorso. Cavour incaricò comunque Massimo d'Azeglio, governatore di Milano, di esaminare la situazione nello studio dello scultore e prendere una decisione.Il d'Azeglio non solo confermò il progetto ma suggerì anche delle modifiche essenziali che fecero aumentare il costo del monumento..</ref>}}Il Magni partì per Bologna come alfiere della Guardia Nazionale e al suo ritorno nel 1861 trovò come nuovo governatore Giuseppe Pasolini; per cercare di ottenere conferma dell'incarico di realizzare il monumento, egli contattò perciò l'Accademia, il d'Azeglio , il governatore Pasolini, il sindaco di Milano Antonio Beretta e il presidente del Consiglio dei ministri Bettino Ricasoli.Per la realizzazione del monumento venne stimato un valore di circa 100.000 lire . Nel 1862 le autorità richiesero modifiche al progetto per ridurre la spesa a lire 90.200 e il Comune di Milano si impegnò per un contributo di 20.000 lire.Il Magni portò avanti il monumento sobbarcandosi spese per i materiali; nel 1867 però non aveva ricevuto pagamenti e la pratica ministeriale non aveva fatto progressi. Decise allora di approfittare dell'inaugurazione della galleria a fianco della piazza della Scala, prevista per il 15 settembre; posizionò a proprie spese un modello del monumento per l'intero mese di settembre, sperando che le autorità, vedendolo, avrebbero finalmente permesso il completamento dell'opera.Nel 1868 gli fu comunicato che il governo intendeva riconoscergli solamente l'importo originario del concorso, pari a circa 52.000 lire italiane; anche contando le 20.000 per cui si era impegnato il comune di Milano, egli avrebbe subito una perdita netta di almeno 15.000 lire per spese vive.Come ultima speranza, nel 1879 il Magni scrisse al Filippo Antonio Gualterio, ministro della Real Casa, per cercare di ottenere un intervento del sovrano, ma inutilmente. Nello stesso periodo gli venne presentata una diffida dal Regio Demanio perché in ritardo con il pagamento dell'affitto dei locali che utilizzava per il suo studio; all'inizio del 1870 gli vennero sequestrati tutti i modelli e tutti i lavori per essere messi all'asta. Giovanni Battista Brambilla li acquistò tutti per restituirli allo scultore.Vista l'impossibilità di ottenere quanto dovuto, il Magni nell'agosto 1870 presentò un atto di diffida giudiziale al Ministero della pubblica istruzione. Infine con il contratto stipulato il 23 marzo 1871 riuscì in totale ad ottenere 72.000 lire.Secondo Ettore Verga, l'ostilità generale verso la realizzazione del monumento non era dovuta allo scultore Magni, ma all'origine stessa del monumento. Fu Elia Lombardini, a capo dell'ufficio delle pubbliche costruzioni sotto il governo austriaco, a proporne la realizzazione e fu lo stesso Lombardini che cercò di farlo accettare dopo l'Unità d'Italia presentando Leonardo come «vero creatore della scienza idraulica».

Prompt: Describe the characteristics of the Achievement in Monument to Leonardo da Vinci's Interventions.Please output in Italian.

Antonio Beretta
Bettino Ricasoli
Elia Lombardini
Ettore Verga
Giuseppe Pasolini
Massimo d'Azeglio
Milano
Urbano Rattazzi


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Morte di Germanico

Due disegni, che riprendono il tema della tela, sono attribuiti proprio al Poussin, di cui uno è conservato al British Museum di Londra, l'altro al Museo Condé di Chantilly. Il primo, sebbene gravemente danneggiato, già presenta i tratti principali del dipinto, con alcune piccole variazioni: il soldato al centro non tende la sua mano al cielo, ma stringe quella di Germanico, mostrando maggiore fedeltà al testo di Tacito. In alto a sinistra, due figure sono disegnate mentre salgono una scala, non presente nella composizione su tela. Il disegno francese, al contrario, presenta molte modifiche significative, tra cui il numero dei personaggi stessi. Analizzando lo stile del disegno, gli storici dell'arte Pierre Rosenberg e Louis Antoine Prat hanno ipotizzato che non sia un disegno preparatorio, bensì una raffigurazione posteriore, prodotta tra il 1630 e il 1632 alla luce della realizzazione di un possibile secondo dipinto sullo stesso soggetto, mai eseguito.

Prompt: Explain the Preparatory drawings about the History of this artwork, The Death of Germanicus.Please output in Italian.

British Museum
Chantilly
Londra
Museo Condé
Pierre Rosenberg


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Nostra Signora della Porta dell'Aurora

Porta dell'Aurora Madonna Nera Chiesa cattolica in Lituania Apparizioni e altre manifestazioni mariane Via Aušros Vartų

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Our Lady of the Gate of Dawn.Please output in Italian.


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Tondo Pitti

Il tondo risale agli anni in cui Michelangelo stava scolpendo il David, trovando il tempo di dedicarsi anche a qualche remunerativa commissione privata. Quest'opera in particolare fu eseguita per Bartolomeo Pitti, il cui figlio Miniato, monaco a Monteoliveto, la donò a Luigi Guicciardini . In casa di suo nipote Piero, Benedetto Varchi vide l'opera nel 1564.Nel 1823 fu acquistata dalle Gallerie fiorentine per duecento scudi, dalla bottega dell'antiquario Fedele Acciai. Collocato alla Galleria degli Uffizi, venne destinato infine all'appena nato istituito Museo nazionale del Bargello nel 1873.

Prompt: In Pitti Tondo, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Martirio di san Floriano

Il Martirio di san Floriano è un dipinto a olio su tavola  di Albrecht Altdorfer, databile al 1518-1520 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. È siglato col monogramma "A in A", su un palo del ponte a destra.

Prompt: Focus on The Martyrdom of Saint Florian and explain the Abstract.Please output in Italian.

1518
1520
Albrecht Altdorfer
Firenze
Galleria degli Uffizi
Galleria degli Uffizi


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Sacra Famiglia con sant'Anna e san Giovannino

Prompt: How does Holy Family with Saints Anne and John the Baptist (Mantegna) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in theology in Annunciation (Caravaggio)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Ispirato chiaramente al quadro di Raffaello Sanzio del Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi, l'opera è una fotografia impietosa da parte di Tiziano della controversa politica nepotistica dei pontefici di quel tempo.  scena ritrae il vecchio papa Paolo III, settantasettenne, assiso su una sedia, con il nipote Ottavio, inchinato come fosse in procinto di dover attendere un comando o un richiamo; dietro c'è invece l'altro nipote, Alessandro, in posa ufficiale con l'abito cardinalizio.Il ritratto, oltre a rappresentare in maniera celata quelle che erano le trame e gli intrighi di casa Farnese, mette in evidenza anche i caratteri attraverso le pose e i gesti i caratteri psicologici dei tre soggetti raffigurati. Il papa, curvo, appare debole e malaticcio, ma comunque non privo d'energia, come mostrano sia l'ossuta mano sinistra che stringe il bracciolo della sedia, su cui rimane ancorato, lasciando intendere che non vuole lasciare il potere conferitogli, sia gli occhi vivi e attenti, che si concretizzano con la mano destra che si nasconde dietro al tavolo, quasi a voler celare qualcosa o una "mossa" spiazzante che ha in atto per Ottavio, mentre con lo sguardo sembra voler anticipare il rimprovero che sta per avviare proprio verso il nipote. Quest'ultimo, personalità subdola e ambigua, viene raffigurato nell'atto d'inchinarsi per dovere formale dinanzi al pontefice, pronto a sentire le sue parole. Il cardinale Alessandro, invece, viene raffigurato con una mano ben salda sulla sedia papale e lo sguardo rivolto verso l'osservatore, dando l'impressione che non stia partecipando al colloquio tra gli altri due personaggi.Lo sfondo e la tovaglia sono scuri e l'uso di colori pastosi e di pennellate poco definite, perché rapide ed abbozzate, lascia un senso di oppressione e di tetraggine alla composizione. Si riscontra nella cromia una netta predominanza dell'uso del rosso/scarlatto, delle quali si distinguono almeno quattro tonalità diverse  nonché una rara capacità di introspezione psicologica dei personaggi, che daranno modo alla critica successiva di utilizzare come termine di confronto di questi ultimi elementi le opere shakespeariane.Nella figura del nipote Ottavio, di cui è caratteristico il naso adunco, è evidente il richiamo alla posa del discobolo, caratteristica del manierismo nota come figura serpentinata. Una copia antica della tela, per la porzione riguardante la figura di Alessandro, è nella Galleria Corsini di Roma.

Prompt: Focus on Pope Paul III and His Grandsons and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Trittico di San Sebastiano

Quattro trittici , vennero realizzati tra il 1464 e il 1470 circa per la chiesa di Santa Maria della Carità a Venezia, che era stata ricostruita a metà del secolo e i cui altari erano stati eretti tra il 1460 e il 1464.Le opere vennero smontate e ricomposte in epoca napoleonica, venendo destinati alle Gallerie dell'Accademia, con attribuzione originaria ai Vivarini.

Prompt: Explain the History of this artwork, San Sebastiano Triptych.Please output in Italian.


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Notte stellata

Notte stellata  è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1889 e conservato al Museum of Modern Art di New York. Vera e propria icona della pittura occidentale, il dipinto raffigura un paesaggio notturno di Saint-Rémy-de-Provence, poco prima del sorgere del sole.

Prompt: In Starry Night (Munch), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1889
Museum of Modern Art
New York
Saint-Rémy-de-Provence
Vincent van Gogh


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In Last Supper (Rubens), how is the The Eucharistic institution of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Pala Tezi

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 888117099X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Tezi Altarpiece.Please output in Italian.


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Moglie di Asdrubale coi figli

Il dipinto fa parte con Bruto e Porzia e Lucrezia di una serie di donne famose dell'antichità commissionate probabilmente da Eleonora d'Aragona, moglie di Ercole I d'Este. Gli ideali di queste eroine infatti ben si addicevano al motto del padre di Eleonora, il potente re Ferrante di Napoli: "Preferisco la morte al disonore".Il dipinto arrivò nel museo nel 1965.

Prompt: In The Wife of Hasdrubal and Her Children, how is the History discussed?Please output in Italian.

1965
Bruto e Porzia
Ercole I d'Este
Napoli


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Trionfo della Morte

Danza macabra Iconografia della Morte Incontro dei tre morti e dei tre vivi Memento mori Memento, homo, quia pulvis es, et in pulverem reverteris

Prompt: Focus on The Triumph of Death (Palermo) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Epifania

A Porto Rico, l'Epifania è un'importante festa estiva ed è comunemente indicata come Dia de Los Tres Reyes Magos o Giorno dei Tre Re. È tradizione che i bambini riempiano una cassetta con erba fresca o fieno e la mettano sotto il loro letto, destinata ai cavalli dei Re Magi. A Porto Rico molti artigiani realizzano figure storiche commemorative dei Magi a cavallo. I Re Magi di Porto Rico, secondo la tradizione locale, arrivano a cavallo invece che su cammelli, a differenza di altri paesi in cui la stessa usanza è radicata. I tre re prendono l'erba per nutrire i cavalli e lasciano doni sotto il letto come ricompensa. Queste tradizioni sono analoghe alle usanze dei bambini che lasciano torta di carne macinata e sherry nell’Europa occidentale, ovvero latte e biscotti per Babbo Natale negli Stati Uniti. Il giorno prima della festa  si celebra il "Rosario de Reyes" o "Promesa de Reyes" con canti  rivolti ai Re Magi, di solito davanti a un tavolino con le figure della Natività e dei Re o con i Re soli e i loro cammelli. Questa celebrazione è accompagnata da una zuppa di pollo, da snack e bevande.

Prompt: In Epifania, how is the Puerto Rico of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

L'opera arriva a Brescia nello stesso maggio del 1522 e viene montata all'altare maggiore della chiesa della collegiata, all'interno di una ricca cornice in legno dorato, probabilmente molto estesa. Il polittico trova subito a protezione due grandi antoni dipinti dal Moretto, raffiguranti i due santi titolari della chiesa.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the arrival Brescia and the Description and style.Please output in Italian.


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Due dame veneziane

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAugusto Gentili, Carpaccio, Firenze 1996Rosita Levi Pisetzky, Il costume e la moda nella società italiana, Torino 1978-1995Enrico Maria Dal Pozzolo, Vittore Carpaccio. Due dame e caccia in valle, in Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di Bellini, Dürer e Tiziano, Bompiani 1999, pagg. 236-239

Prompt: In Two Venetian Ladies, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Monumento equestre al Gattamelata

Le statue equestri del Trecento, nessuna in bronzo, sormontavano di solito le tombe ; si hanno precedenti in pittura, tra questi il Guidoriccio da Fogliano di Simone Martini e il Giovanni Acuto di Paolo Uccello, ma Donatello probabilmente non si ispirò a questi modelli. L'ispirazione decisiva per la progettazione della scultura fu piuttosto l'arte antica, con evidenti rimandi alla statua equestre di Marco Aurelio a Roma o al Regisole di Pavia . Nel cavallo si scorge l'influenza della quadriga di San Marco , la cui reminiscenza fu sicuramente un omaggio alla Serenissima che non dovette sfuggire ai veneziani. Ma Donatello si spinse oltre, traendo l'ispirazione anche dalla semplice realtà, aggiornando i modelli e sfuggendo le citazioni più sterilmente antiquarie. Per esempio il cavaliere cavalca alla moderna, con sella e staffe, non alla maniera degli antichi romani.

Prompt: How does Equestrian statue of Gattamelata explain its Models?Please output in Italian.

Donatello
Paolo Uccello
Pavia
Regisole
Roma
Simone Martini


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Caccia al leone

Leone maschio.Il leone  è un mammifero carnivoro della famiglia dei felidi. Dopo la tigre, è il più grande dei 7 grandi felidi del genere Panthera con alcuni maschi la cui massa corporea supera i 250 kg. in natura un leone sopravvive da dieci a quindici anni: I maschi in particolare non superano spesso i dieci anni d'età in natura, in seguito agli infortuni derivanti dalle lotte con i rivali per il dominio sul branco. Tipicamente i leoni abitano la savana e le praterie, ma possono adattarsi ad aree cespugliose e foreste. In confronto ad altri felini i leoni sono animali con uno spiccato spirito di socialità. Un branco è formato generalmente da un maschio alfa , un gruppo di femmine imparentate tra loro, con cui questo si accoppia, e la loro prole. Le femmine tipicamente cacciano insieme per il gruppo, principalmente ungulati, mentre i maschi una volta impadronitisi di un branco si nutrono delle prede uccise dalle femmine e solo di rado cacciano essi stessi, sebbene siano perfettamente in grado di farlo. Il leone è un "predatore alfa", ovvero si colloca all'apice della catena alimentare, non avendo predatori in natura e potendo potenzialmente cibarsi di qualsiasi specie.In tempi preistorici gli uomini furono probabilmente predati dai grandi felini e quindi dai leoni. Nel mondo moderno, anche se i leoni non cacciano l'uomo in condizioni normali, può accadere che alcuni  ne vadano in cerca. Alcuni casi assai celebri sono quello dei mangiatori di uomini dello Tsavo, luogo nel quale ventotto operai addetti alla costruzione della ferrovia tra Kenya e Uganda furono catturati e uccisi nel corso di nove mesi del 1898 durante i quali si stava costruendo appunto il ponte sul fiume Tsavo, e quello più recente del mangiatore di uomini di Mfuwe, che nel 1991 tolse la vita a sei persone nella valle del fiume Luangwa nello Zambia.Il maschio di leone, assai facile da distinguere, ha una criniera caratteristica e la sua immagine è uno dei simboli più sfruttati nella storia dell'umanità. Le prime rappresentazioni furono fatte nel paleolitico superiore, e troviamo leoni scolpiti o dipinti nelle grotte di scaux e nella grotta Chauvet. Essi appaiono nella cultura di praticamente ogni civiltà antica che vi abbia avuto a che fare.

Prompt: Explain the The prey. of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


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Assunzione di santa Maria Maddalena

LAssunzione di santa Maria Maddalena  è un dipinto a olio e tempera su tavola  di Antonio del Pollaiolo, databile al 1460 circa e conservato nel Museo della Pala del Pollaiolo a Staggia Senese, frazione di Poggibonsi

Prompt: How does Elevation of the Magdalen explain its Abstract?Please output in Italian.

1460
Antonio del Pollaiolo
Maria Maddalena
Poggibonsi
Staggia Senese


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Sarcofago Grande Ludovisi

Il sarcofago "Grande Ludovisi" è un'opera del III secolo conservato a palazzo Altemps a Roma. È alto 1,53 metri, largo 2,73 m e profondo 1,37 m.Si tratta di una delle opere della scultura romana più famose e controverse, proveniente da una tomba presso la Porta Tiburtina, scoperta nel 1621. Il coperchio, esposto a Magonza, ha subito danni nel 1945: vi sono raffigurate scene di barbari sottomessi e una figura femminile in busto contro un parapetasma .

Prompt: How does Ludovisi Battle sarcophagus explain its Abstract?Please output in Italian.

1621
1945
III secolo
Magonza
Porta Tiburtina
Roma


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Santa Rosalia in gloria, intercede per la fine della peste a Palermo è un dipinto di Antoon van Dyck e venne realizzato nella tarda estate del 1624 a Palermo quando la città aveva subito una grave pestilenza. Il dipinto raffigura Santa Rosalia mentre intercede per la città e sullo sfondo si intravedono il porto di Palermo e il Monte Pellegrino. L'opera fu eseguita per il nobile siciliano Antonio Ruffo.In tempi recenti, utilizzando una particolare tecnica chiamata "autoradiografia dei dipinti" basata sull'analisi per attivazione neutronica, si è riusciti a svelare la presenza di un disegno sulla tela preesistente al dipinto, molto probabilmente un autoritratto del Van Dyck.

Prompt: How does Saint Rosalie Interceding for the Plague-stricken of Palermo explain its Abstract?Please output in Italian.

1624
Antoon van Dyck
Monte Pellegrino
Palermo
Santa Rosalia


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San Girolamo

De viris illustribus De Virginitate Beatae Mariae. Adversus Helvidium Ordine di San Girolamo Scripturae sacrae affectus

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, St. Jerome in the Wilderness (Mantegna).Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Romeo e Giulietta: la scena della tomba

L'idea per il dipinto venne a Wright nel dicembre del 1776, quando propose un dipinto a tema Giulietta si risveglia nella tomba alla commissione, presieduta da è stata concordata da John Boydell, per la sua "Shakespeare Gallery". Tuttavia questo lavoro fu la causa di un duro litigio tra di loro. Wright scoprì che Boydell aveva classificato i pittori cui era stato commissionato un quadro in due classi e che egli apparteneva alla seconda delle due. Doveva quindi essere pagato 300 sterline per il quadro e rimase offeso nell'apprendere che alcuni altri artisti sarebbero stati pagati un migliaio di sterline. Naturalmente la questione che stava a cuore a Wright riguardava più il danno che ne avrebbe potuto avere la sua reputazione che il minor guadagno.Boydell se ne pentì ma anche se il dipinto di Wright su Romeo e Giulietta fu pronto in tempo il contributo dell'artista al progetto furono invece una tela su  tempesta  ed una scena più modesta della burrasca in Il racconto d'inverno. A Wright rimase questo dipinto che è ritenuto il migliore dei tre che aveva creato per la Shakespeare Gallery. Potrebbe essere collegato a tutto questo anche la creazione da parte di James Northcote di un quadro di nove per undici piedi inerente alla scena della tomba del Romeo e Giulietta. Il dipinto venne poi mostrato nella Royal Academy nel 1790, ma Wright si lamento in proivato molto di questa esposizione, sentendosi snobbato e fu così invece felice di esporre cinque dei suoi dipinti presso la Society of Artists of Great Britain. Prima di questa occasione l'anno seguente rimaneggiò il dipinto ma ugualmente rimase invenduto.Come risultato della diatriba tra Wright e Boydell il dipinto rimase in possesso del suo autore. Messo in vendita da Christies nel 1801 e a Derby nel 1810, ma si trovò nessun acquirente. Comprato dagli esecutori testamentari di Wright passò poi alla famiglia Oakes nel 1883, e ad essi rimase fino a quando non venne acquistato dal Derby Museum per 33.250 sterline nel 1981.Sicuramente nel 1839 il quadro venne incluso in una mostra a Derby all'interno del Mechanics Institute, come si vede da un dipinto di Samuel Rayner: molti dei quadri da lui dipinti in quell'opera si pensa che provengano dalla collezione di Giuseppe Strutt e molti dei manufatti lì rappresentati fanno oggi parete della raccolta del Derby Museum, mentre invece il quadro di Wright avrebbe atteso ancora un secolo e mezzo per farne parte.

Prompt: Focus on Romeo and Juliet: the Tomb Scene and explain the History.Please output in Italian.

1790
Il racconto d'inverno
James Northcote
John Boydell
Romeo e Giulietta
Samuel Rayner


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Jacopo de' Barbari

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

Prompt: Describe the characteristics of the Dating works in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.

British Museum
Cleopatra
Germania
Hartmann Schedel
Italia


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Trionfo della Divina Provvidenza

Opere di Pietro da Cortona Pittura barocca Allegoria della Divina Sapienza

Prompt: How does Allegory of Divine Providence and Barberini Power explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Allegoria della Divina Sapienza
Opere di Pietro da Cortona
Pietro da Cortona
Pittura barocca


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il Concilio di Trento stabilì il peccato originale come un dogma di fede e consacrò la credenza dell'Immacolata Concezione, sebbene quest'ultima non costituisse ancora propriamente un dogma autonomo. In Spagna molti si infervorano per la festa celebrata l'8 dicembre e che viene sentita come obbligatoria a partire dal 1644. A quel tempo la devozione alla Vergine Maria era enorme.L'Immacolata Concezione presenta la Vergine come l'unico essere mortale, che è stato liberato dal Peccato Originale: una tesi dottrinale Cattolica di lunga tradizione, molto rappresentata nella pittura spagnola dell'età del secolo d'oro.Zurbarán sceglie il colore rosa, per le vesti della Vergine.Francisco Pacheco nel 1649 definisce il suo canone di estetica per la tipologia dell'Immacolata Concezione, su suggestione della suora Beatrice de Silva, la quale trent'anni prima aveva sperimentato una visione della Vergine vestita di bianco e blu cielo.

Prompt: In the context of Immaculate Conception (Zurbarán), explain the Topic and the Description.Please output in Italian.

8 dicembre
Beatrice de Silva
Concilio di Trento
Immacolata Concezione
Spagna


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: How does The Flight into Egypt (El Greco) explain its Abstract?Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Lucifero

Il termine "lucifero" compare nel Nuovo Testamento solo nel suo significato meramente letterale, per indicare la stella del mattino e in senso traslato Cristo, la cui futura seconda venuta in terra segnalerà l'inizio di un mondo nuovo di luce:E così abbiamo conferma migliore della parola dei profeti, alla quale fate bene a volgere l'attenzione, come a lampada che brilla in un luogo oscuro, finché non spunti il giorno e la stella del mattino si levi nei vostri cuori.Nell'Apocalisse Cristo stesso si definisce "stella radiosa del mattino"  e promette la "stella del mattino" come ricompensa per chi persevera nelle buone opere .Nei primi secoli della Chiesa, quindi, il nome Lucifer è stato considerato un titolo di Cristo: per esempio nell'inno Carmen aurorae, o come un nome adatto per i bambini cristiani. Vedi San Lucifero, il vescovo di Cagliari .D'altra parte nel nuovo testamento ci sono molti passi che confermano la crescente divergenza teologica ed interpretativa del credo che diverrà cristiano con la precedente tradizione ebraica, riconoscendo in Satana un angelo caduto. Questo a partire dal passo dell'Apocalisse ove si legge:Si pensi inoltre alle parole di Cristo stesso, che implicitamente riconosce l'identità dell'Angelo caduto come Satana quando afferma:Si potrebbero moltiplicare i riferimenti evangelici o comunque scritturali in cui Satana e il suo esercito vengono chiamati «angeli». Come culmine e compimento della tradizione patristica, anche Tommaso d'Aquino accetta l'identificazione di Lucifero con Satana e anzi dimostra che solo a partire da tale identificazione si può mostrare la chiara origine del cosiddetto mysterium iniquitatis, posto che per il Cristianesimo il nome Lucifero rimane solo indicazione di ciò che il diavolo era in origine ma che ora non è più, dato che tale nome sarebbe appunto stato cancellato dal Cielo e ora lo si dovrebbe chiamare solamente Satana o più genericamente accusatore.

Prompt: How does Lucifer (Stuck) explain its Lucifer in the New Testament?Please output in Italian.

Angelo
Apocalisse
Carmen aurorae
Cristianesimo
Cristo
Satana
Tommaso d'Aquino


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Ritratto di Paulette Jourdain

Ritratto di Paulette Jourdain è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1919 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fa parte della collezione Hermanos di New York.

Prompt: How does Portrait of Paulette Jourdain explain its Abstract?Please output in Italian.


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Castrovalva

Nella frazione sono festeggiate la Madonna della Neve e San Michele Arcangelo.

Prompt: In Castrovalva (M. C. Escher), how is the Holidays discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Madonna di Dresda divenne nel XIX secolo oggetto di confronto con la Madonna Sistina di Raffaello Sanzio dopo un'esibizione di questa alla Gemaldgalerie di Dresda. Proprio il direttore del museo di Dresda, Julius Schnorr von Carolsfeld, aveva sostenuto nel 1855 l'uguaglianza tra scuole artistiche italiane e tedesche dell'epoca sulla base delle somiglianze tra l'opera di Holbein e quella di Raffaello. Holbein venne definito il "Raffaello del nord" da Albrecht Dürer Dopo che la Madonna di Dresda fu riconosciuta come una copia, il confronto ad ogni modo continuò a rimanere acceso. Sigmund Freud visitò la Gemäldegalerie di Dresda nel dicembre del 1883 e trasse le seguenti conclusioni:Dal commento di Freud apprendiamo anche una delle interpretazioni fantasiose date al quadro nel XIX secolo e cioè che, secondo una leggenda, vi sarebbe stato un miracolo con uno scambio di figli: i due genitori raffigurati, che pregavano per il figlio malato, ottengono da Maria il dono di Gesù Bambino, prendendo in grembo il bambino malato della coppia. Questa interpretazione è dovuta principalmente al contrasto tra il volto sofferente del bambino Gesù e il bambino più felice in primo piano.

Prompt: Describe the characteristics of the Raffaello Holbein comparison in Darmstadt Madonna's Style.Please output in Italian.

Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Sigmund Freud


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La zattera della Medusa

.</ref>}} zattera della Medusa influenzò anche molti pittori al di fuori della Francia. Francis Danby, un artista inglese nato in Irlanda, definì l'opera di Géricault « più bella immagine e il dipinto storico più grande che io abbia mai visto», mentre William Turner si ispirò al tema del disastro in mare per molte delle sue opere in cui sperimentò l'uso del colore e della luce. Turner riprese anche la tematica abolizionista in The Slave Ship . Tra il 1826 e il 1830 l'artista statunitense George Cooke creò una copia di dimensioni ridotte del dipinto, che fu mostrata in varie città della nazione, tra cui Boston, Filadelfia, New York e Washington, tra lo scalpore generale. I critici applaudirono l'opera, che ispirò canzoni, rappresentazioni teatrali e libri per bambini. Dopo essere stata comprata dall'ammiraglio Uriah Phillips, venne donata da quest'ultimo nel 1862 alla New York Historical Society, dove fu erroneamente attribuita a Gilbert Stuart. L'errore fu corretto soltanto nel 2006, quando un'indagine a cura della storica dell'arte Nina Athanassoglou-Kallmyer, insegnante all'università del Delaware, rivelò la cattiva catalogazione del dipinto. The Gulf Stream , conservato nel Metropolitan Museum of Art, dello statunitense Winslow Homer, fa uso della stessa composizione de  zattera della Medusa: un vascello danneggiato circondato da pericoli e minacce, un uomo di colore al centro della scena e una nave all'orizzonte che riecheggia la Argus di Géricault. Anche vari artisti del Novecento hanno mostrato interesse per l'opera di Géricault, come lo scultore americano John Connell, che, coadiuvato dal pittore Eugene Newmann, realizzò negli anni novanta il Raft Project, ricreando lo scenario di Géricault con sculture in scala 1:1 di legno, carta e catrame, sistemati su una larga zattera di legno.Oltre all'arte, anche la letteratura e il cinema si sono più volte ispirate alla Medusa: ne L'ammazzatoio, Émile Zola cita più volte il dipinto e ne fornisce una concisa analisi, Alessandro Baricco lo racconta, in modo romanzato, nel libro Oceano mare , mentre una delle avventure di Tintin di Hergé, Coke in stock , del 1958, richiama nel corso della storia il quadro francese. Tra le opere cinematografiche che attingono alla Medusa, vi sono il film del 1994 di Iradj Azimi, Zattera della Medusa e la commedia d'avventura Asterix e Obelix - Missione Cleopatra  adatta una gag dal fumetto Asterix legionario in cui dei pirati citano il dipinto di Géricault dopo l'affondamento della loro nave. Diventato ben presto un'immagine iconica, il dipinto è stato utilizzato dalla band irlandese The Pogues come copertina per il disco Rum, Sodomy, and the sh, solo che i volti sono stati sostituiti dai componenti del gruppo musicale mentre i tedeschi Ahab, band funeral doom metal, l'hanno usata per il loro disco The Divinity of Oceans e i Great White l'hanno invece scelta come front cover per Sail Away . Un bassorilievo in bronzo dell'opera forgiato da Antoine Étex, infine, adorna la tomba di Géricault al cimitero di Père-chaise a Parigi. cantante rock italiana Alteria ha usato questo quadro per la realizzazione del videoclip di "Protection".  tela viene citata e poi mostrata nel film Nureyev - The White Crow di Ralph Fiennes, film nel quale una scena mostra il giovanissimo Nureev attendere l'apertura mattutina del Museo del Louvre per poter ammirare l'opera.

Prompt: How does The Raft of the Medusa explain its Heritage?Please output in Italian.

1958
1994
Alessandro Baricco
Asterix legionario
Boston
Coke in stock
Delaware
Filadelfia
Gilbert Stuart
Great White
Hergé
John Connell
L'ammazzatoio
Metropolitan Museum of Art
Museo del Louvre
New York
Nureyev - The White Crow
Oceano mare
Parigi
Ralph Fiennes
The Divinity of Oceans
The Pogues
Washington
William Turner
Winslow Homer
Zattera della Medusa
Émile Zola


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Affresco della taurocatapsia

Il cosiddetto Affresco della taurocatapsia è un dipinto a secco su stucco, raffigurante una scena di taurocatapsia, risalente ad un arco di tempo della civiltà minoica che va dal Medio Minoico III al Tardo Minoico B , sebbene vi sia anche l'opinione che lo colloca a un periodo posteriore, 1425 a.C., ovvero nel periodo del nuovo palaziale. Esso venne scoperto sopra un muro nel lato est del palazzo di Cnosso, nel cortile della bocca in pietra. Il suo principale soggetto è una scena di taurocatapsia, circondata da motivi lineari astratti di pietra. Tutto l'insieme è bidimensionale, eccetto le forti linee dei petti, gambe e cosce delle donne, che riflettono il tentativo artistico di conferire volume e profondità, raro per questo periodo. Questo affresco è esposto al Museo Archeologico di Heraklion. Le stesse tinte accese che troviamo nel dipinto le rivediamo, nello stesso periodo, sui pilastri dei vari palazzi cretesi .Su uno sfondo blu egiziano, al centro della scena, vi è un toro, dipinto in ocra rossastra, bianco di calce e marrone, o ocra gialla con carbone - questi colori possono essere stati scelti per il loro effetto, sebbene sia anche possibile che l'uso dell'ocra rossa e altri colori neolitici sia legato alle idee contemporanee di morte. Il toro è sospeso nell'aria, secondo il desiderio dell'artista che era quello di voler catturare il suo esuberante movimento aggressivo - i tori spesso continuavano ad essere rappresentati in quel modo fino alla creazione della fotografia. Ai lati dell'immagine raffigurata del toro ci sono due donne , una delle quali tiene le corna del toro e l'altra, dalla parte opposta, tiene le sue braccia sollevate, mentre l'uomo  si trova sulla schiena del toro. Le posizioni che essi assumono rivelano, come in una sequenza cinematografica, i tre momenti del gioco consistente nell'afferrare il toro per le corna, eseguire su di esso un doppio salto mortale, ricadere a terra restando in posizione verticale.  presenza contemporanea di atleti dei due sessi, inoltre, ci testimonia di una cultura nella quale, diversamente da quelle vicino-orientali, la donna godeva di un certo prestigio sociale . Entrambi i sessi indossano lo stesso costume  diversificandosi per le differenze anatomiche e il colore della pelle . Il movimento dell'uomo è dinamico, le orecchie delle figure sono pienamente modellate e  gli occhi del toro e quelli umani sono apparentemente simili a quelli di un uccello.L'affresco può essere collegato a diversi elementi visivi in altre forme d'arte, come a un rhyton di steatite con la testa di toro .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bull-Leaping Fresco.Please output in Italian.


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Pala di Fano

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In Fano Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: In Love & Loss, how is the History, culture, Sociology of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: Describe the characteristics of the Italy in Epifania's Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Ritratto di Bartolomeo Panciatichi

L'uomo ritratto è Bartolomeo Panciatichi uno scrittore e diplomatico fiorentino.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Bartolomeo Panciatichi.Please output in Italian.


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L'incantatore di serpenti

L'incantatore di serpenti  è un dipinto orientalista a olio su tela del pittore francese Jean-Léon Gérôme, realizzato intorno al 1879. Dopo essere stato utilizzato per la copertina del libro Orientalismo di Edward Said nel 1978, l'opera "ha raggiunto un livello di notorietà eguagliato da pochi dipinti orientalisti", diventando un fulmine per la critica all'orientalismo in generale e quello sulla pittura in particolare, anche se lo stesso Said non menziona il dipinto nel suo libro. È nella collezione dello Sterling and Francine Clark Art Institute, che possiede anche un altro dipinto controverso di Gérôme, Il mercato degli schiavi.

Prompt: In The Snake Charmer, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Clark Art Institute
Edward Said
Il mercato degli schiavi
Jean-Léon Gérôme
Orientalismo


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Arca di san Domenico

Le sei scene scolpite da Nicola Pisano ai lati del sarcofago hanno un notevole valore documentario, oltre che artistico, in quanto sono raffigurazioni di episodi narrati allo scultore da frati dell'ordine che avevano conosciuto Domenico quando questi era ancora in vita. L'arca si configura quindi come un documento della vita del santo.L'arca è anche un modo per ammirare e confrontare gli stili della scultura italiana nelle varie fasi della sua storia, dal XIII secolo  al XVIII secolo , passando attraverso il XV secolo  e il XVI secolo .

Prompt: How does Arca di San Domenico explain its Documentary value of the Ark?Please output in Italian.

Nicola Pisano
XIII secolo
XVIII secolo
XVI secolo
XV secolo


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Polittico della Misericordia

Il Polittico della Misericordia è un'opera, tecnica mista  su tavola , di Piero della Francesca, realizzata tra il 1445 e il 1462,  e conservata nel Museo civico di Sansepolcro.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Polyptych of the Misericordia.Please output in Italian.

1445
1462
Museo civico di Sansepolcro
Piero della Francesca
Polittico
Sansepolcro


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Santi Giovanni Evangelista e Francesco

Leticia Ruiz Gomez, El Greco en el Museo Nacional del Prado: catálogo razonado, Museo Nacional del Prado, Madrid, 2007, pp. 226-228. ASIN: B0063U42YG

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Saint John the Evangelist and Saint Francis.Please output in Italian.


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Saffo a Leucade

Biografia universale antica e moderna, vol. IX, Venezia 1841, p. 597.M. Formica, A. Postigliola, Diversità e minoranze nel Settecento, Roma 2006, p. 25.

Prompt: In Sappho at Leucate, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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I figli di Edoardo

Dipinto in stile troubadour, il quadro è incentrato sul tema dei principi nella Torre, ossia Edoardo V d'Inghilterra e Riccardo di Shrewsbury, imprigionati nella Torre di Londra per volere del consiglio di reggenza dopo la morte del padre Edoardo IV. I due figli furono dichiarati illegittimi attraverso l'atto noto come Titulus Regius, così il consiglio di sicurezza decretò come successore il loro zio, divenuto Riccardo III d'Inghilterra. I due bambini si stringono l'uno contro l'altro, intuendo la loro sorte funesta, quella di essere assassinati: il loro assassinio sarebbe stato ordinato, senza che gli storici e gli specialisti di questo periodo ne siano d'accordo, dal loro zio Riccardo. Il cane in allerta, la luce sotto la porta e lo sguardo inquieto di uno dei bambini in quella direzione suggeriscono un'entrata imminente e accentuano la tensione drammatica.L'episodio dei principi nella Torre era anche al centro della fine di un atto dell'opera teatrale Riccardo III di William Shakespeare, che conosceva una buona diffusione nella Francia di allora grazie all'amore per i romanzi inglesi dovuto alle opere di Walter Scott. Vari elementi della tela danno un'atmosfera medioevale: uno dei due fanciulli tiene un libro in mano nel quale c'è una  dell'Annunciazione di Maria; il medaglione con un'opera di oreficeria; la decorazione del letto. Degli elementi tipicamente inglesi sono gli emblemi reali della famiglia dei principi ai piedi del letto e il nastro dell'ordine della Giarrettiera sulla gamba di uno dei due.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Children of Edward.Please output in Italian.

Annunciazione
Edoardo V d'Inghilterra
Londra
Riccardo III d'Inghilterra
Torre di Londra
Walter Scott
William Shakespeare


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La morte di Marat

leftSe Il giuramento degli Orazi, altra celebre tela di David, viene assunta come modello di virtù civiche,  morte di Marat è l'immagine del dramma della rivoluzione francese, raffigurando una delle conseguenze più estreme dell'eroismo: la morte. Questo dipinto è da considerarsi infatti la santificazione di un rivoluzionario che, per tenere fede ai propri ideali, ha scelto di sacrificare la propria vita, assurgendo a dignità di martire.Per suscitare l'immagine ideale dell'eroismo, e in conformità all'estetica neoclassica, in questo quadro David non mostra i particolari più raccapriccianti della morte di Marat, scegliendo di raffigurare il momento successivo all'assassinio. Analogamente, il luogo del delitto è rigorosamente spogliato da tutti quegli oggetti che avrebbero fatto apparire la morte di Marat come un ordinario fatto di cronaca, sviandone pertanto l'intento glorificativo.David, in questo modo, sceglie di non riprodurre né la tappezzeria in carta da parati né la cartina geografica della Francia e le pistole affisse alla parete: si viene così a creare una scena estremamente sobria, dove il secondo piano è costituito da un fondo verdastro monocromo, stemperato solo da un pulviscolo dorato in alto a destra che sembra voler investire Marat. Manca anche il cesto che fungeva da tavolino, e in sua presenza David inserisce una cassa in legno grezzo dalle linee semplici, sulla quale è scritta la laconica dedica dell'artista: «À MARAT, DAVID. 1793. L’AN DEUX» .Come già accennato, l'omicidio è avvenuto da poco, tanto che la ferita aperta sul costato gronda ancora sangue: il volto di Marat è sereno e disteso ed è appoggiato sul bordo della vasca, mentre il braccio destro è abbandonato a terra e regge ancora la penna che probabilmente stava usando prima di essere ucciso. Si tratta questa di una citazione quasi letterale del braccio pendulo del Cristo nella Deposizione di Caravaggio, come di quello raffaellesco della Deposizione Borghese: riprendendo l'iconografia del Cristo portato in croce David sceglie deliberatamente di compiere un'operazione di sacralizzazione del defunto.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Death of Marat.Please output in Italian.

1793
Caravaggio
Cristo
Deposizione Borghese
Il giuramento degli Orazi