section

Frine alle feste di Poseidone a Eleusi

Uno studio per il volto di Frine, datato 1889.Quando Henryk Siemiradzki cominciò a lavorare a questo quadro alla fine del 1886, chiese al segretario delle conferenze dell'accademia russa di belle arti, Pëtr Iseev, se la Russia avrebbe partecipato all'esposizione universale di Parigi del 1889 . In una lettera indirizzata a quest'ultimo scrisse: "In ogni caso preparo un dipinto più grande delle Fiaccole di Nerone. Il suo soggetto sarà Frine che interpreta il ruolo di Afrodite alle feste di Poseidone a Eleusi. Ho sognato da molto tempo un soggetto sulla vita dei Greci, che mi avrebbe permesso di investire il più possibile sulla bellezza classica attraverso la presentazione. Con questo soggetto ho trovato un materiale enorme! Il sole, il mare, l'architettura, la bellezza femminile e il rapimento muto dei Greci alla vista della donna più bella del loro tempo e il piacere dell'artista popolare non hanno nulla a che fare con il cinismo degli adoratori odierni di donnine allegre. Il quadro è già in fase di abbozzo."È possibile che nel parlare di "adoratori di donnine allegre" Henryk Siemiradzki alludesse al dipinto Frine davanti all'Areopago di Jean-Léon Gérôme , che i critici avevano accusato per la sua nudità eccessiva. Fu nel suo studio a Roma che egli mise in atto il suo progetto. Durante la realizzazione del suo quadro, il pittore si recò soprattutto in Grecia e visitò il sito eleusino.sinistraUno studio per una ragazzina con un amorino, oggi al museo russo.Dopo aver realizzato vari disegni preparatori , il quadro venne dipinto nell'inverno del 1889 e venne esposto per la prima volta nella sala di Raffaello all'accademia russa di belle arti pietroburghese. Nella stessa mostra vennero esposte anche delle altre opere del pittore polacco, come L'esempio degli dei, Prima del bagno,  tentazione di San Girolamo e Alla fontana.L'esposizione ebbe un grande successo e attirò migliaia di visitatori, che secondo alcuni dati sarebbero stati più di 30.000. L'opera di Siemiradzki divenne oggetto di un numero speciale della Gazzetta del Governo , che la recensì in modo lusinghiero. In una lettera indirizzata a Marija Kiselëva, datata 17 febbraio 1889, Antòn Čechov scrisse ironicamente a proposito del suo dramma Ivanov:Dopo la mostra, l'Accademia nominò Siemiradzki un membro indipendente del suo consiglio accademico, esprimendogli la sua riconoscenza per i suoi meriti di pittore. Assieme a L'esempio degli dei, Frine alle feste di Poseidone a Eleusi venne acquistato dall'imperatore Alessandro III per 30.000 rubli. Il successo della Frine suscitò le gelosie del gruppo degli Ambulanti e, tra questi, di Grigorij Mjasoedov. Dal 20 dicembre del 2017 al 2 aprile del 2018, l'opera venne esposta nella sala Benois del museo russo per una mostra dedicata al centosettantacinquesimo anniversario della nascita dell'autore.

Prompt: How does Phryne at the Festival of Poseidon in Eleusis explain its History?Please output in Italian.

Afrodite
Eleusi
Frine
Frine davanti all'Areopago
Grigorij Mjasoedov
Henryk Siemiradzki
Jean-Léon Gérôme
Poseidone
Poseidone
Roma


subsection

Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In the context of The Last Supper (Ghirlandaio), explain the The Eucharistic institution and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


subsection

Madonna di Darmstadt

leftA occhio nudo si può vedere da subito come il disegno sia stato mutato dopo un suo primo completamento: in origine la figura di Anna Meyers si presentava coi capelli lunghi, come testimoniato da un disegno preparatorio eseguito dallo stesso Holbein. Il motivo del cambiamento di acconciatura è dato non solo dall'aspetto di maggiore eleganza e compostezza della figura, ma anche dal ruolo che essa rivestiva come ragazza da marito. Alle spalle della ragazza si trova la madre Dorothea Kannengießer e la defunta Magdalena Bär. Le due mogli del borgomastro sono rappresentate in maniera diversa, con la seconda moglie in origine contraddistinta da un ampio sottogola che le copriva gran parte del viso, ma che nel 1528 al ritorno di Holbein dal suo primo viaggio in Inghilterra, venne mutato con un più moderno costume che lasciava vedere più apertamente la bellezza delle fattezze del viso della nuova consorte del committente. L'aspetto della prima consorte venne lasciato immutato per sottolineare l'idea di vecchio, di sorpassato, per quanto ancora presente nella memoria e nel cuore di quanti l'avevano amata.

Prompt: Describe the characteristics of the Corrections, remakes in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Busto di Francesco Barberini

Il busto di Francesco Barberini è una scultura in marmo realizzata da Gian Lorenzo Bernini, conservata nella National Gallery of Art di Washington D.C.. L'opera è stata realizzata nel 1623 ed è stata commissionata da Papa Urbano VIII, nipote di Francesco Barberini, protonotario apostolico. Quest'ultimo morì nel 1600, pertanto Bernini scolpì il busto da un ritratto di Caravaggio del Barberini, dipinto in precedenza e attualmente parte della collezione Corsini a Firenze. Bernini si attenne strettamente al ritratto, sebbene nel dipinto la figura fosse di tre quarti, mentre la scultura è un busto di testa, spalle e busto.

Prompt: How does Bust of Francesco Barberini explain its Abstract?Please output in Italian.

Barberini
Firenze
Gian Lorenzo Bernini
National Gallery of Art
Papa Urbano VIII
Washington


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Statua equestre di Marco Aurelio

Nel Medioevo il valore intrinseco delle statue di bronzo era notevolissimo ed i profitti derivati dalla vendita del metallo enormi, per cui quasi tutte le statue bronzee antiche furono fuse per ricavarne metallo.  statua di Marco Aurelio si salvò dalla fusione perché si pensava che rappresentasse l'imperatore Costantino, primo imperatore cristiano, e fosse dunque degna di conservazione; era infatti chiamata Caballus Constantini. Credendo che la statua rappresentasse l'imperatore che diede libertà al culto cristiano, essa fu collocata, almeno dall'VIII secolo, nei pressi del Palazzo terano, sede papale e all'epoca residenza ufficiale dei romani pontefici.Il 1º agosto 1347, Cola di Rienzo, coerentemente al suo programma di presentarsi al popolo come nuovo Costantino, organizzò una festa popolare in cui fece servire ai romani acqua e vino che sgorgavano da tubi di piombo fatti passare attraverso le narici del cavallo della statua.

Prompt: In the context of Equestrian Statue of Marcus Aurelius, explain the Middle Ages and the Description.Please output in Italian.

Cola di Rienzo
Marco Aurelio
Medioevo
VIII secolo


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Malle Babbe

Malle Babbe  è un dipinto ad olio su tela di Frans Hals. È conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. Ascrivibile ai tronie, o comunque alla pittura di genere molto in voga in Olanda in quegli anni, raffigura una donna di Haarlem, detta appunto Malle Babbe , molto probabilmente alcolizzata o sofferente di disturbi mentali. L'identità è confermata da una scritta sul retro della cornice originale, Malle Babbe van Haerlem … Fr[a]ns Hals.

Prompt: Focus on Malle Babbe and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Group self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Annunciazione di Recanati

L'opera potrebbe risalire al periodo veneziano dell'artista, quando sarebbe stata spedita , oppure a quello successivo in cui Lotto si recò direttamente nelle Marche per attendere ad alcune opere. Oggi le prese di posizione principali riguardano il secondo caso, con una datazione vicina al 1534, subito dopo la Crocifissione di Monte San Giusto. prima notizia certa sull'opera risale al 1601 e fa pensare che i committenti originari fossero gli iscritti alla Confraternita dei mercanti di Recanati. Essa infatti si trasferì in una nuova sede nel 1533 e tale occasione avrebbe potuto fare da pretesto per la commissione di una nuova pala.

Prompt: Explain the History of this artwork, Recanati Annunciation.Please output in Italian.


section

Marforio

Prompt: Focus on Marforio and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Raffaello e la Fornarina

Raffaello e la Fornarina  è un dipinto di Jean-Auguste-Dominique Ingres. Rappresenta Raffaello Sanzio, il massimo artista ispiratore di Ingres, nel proprio studio con Margherita Luti, la più famosa delle sue modelle, soprannominata " Fornarina" e da lui immortalata in un celebre ritratto, che si intravede - appena completato - all'estrema destra della composizione. In secondo piano, collocata su un mobile appoggiato alla parete di fondo, si trova invece un'altra opera del maestro italiano, la Madonna della Seggiola.Il dipinto è conservato al Fogg Art Museum di Cambridge nel Massachusetts. Ingres eseguì anche quattro varianti dell'opera, o più probabilmente suoi modelli preparatori: una si trova al Columbus Museum of Art, altre due in collezioni private, mentre la quarta, custodita per molto tempo a Riga, è andata dispersa durante la seconda guerra mondiale.

Prompt: Focus on Raphael and La Fornarina and explain the Abstract.Please output in Italian.

Fogg Art Museum
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madonna della Seggiola
Margherita Luti
Raffaello Sanzio


subsection

El jaleo

Il quadro esposto al museo bostoniano, dentro l'arco moresco.Sargent espose El jaleo al Salone di Parigi del 1882, dove il quadro fu acquistato da uno sponsorizzatore di Boston, Thomas Jefferson Coolidge. Fu l'ultimo dipinto di genere che Sargent espose al Salone, e fu il suo più grande successo lì. Coolidge allora diede il quadro a Gardner, e Sargent le regalò pure un album di disegni a matita che aveva fatto come bozzetti preparatori per l'opera.

Prompt: Describe the characteristics of the Origin in El Jaleo's History.Please output in Italian.


section

Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra Tea Filopatore, ultima sovrana dell'Egitto tolemaico, avvenne il 10 o il 12 agosto del 30 a.C. ad Alessandria d'Egitto, alla fine della guerra civile tra Ottaviano Augusto e Marco Antonio. Secondo la versione più famosa, la regina si sarebbe suicidata facendosi mordere da un aspide  ma secondo alcuni storici greci e romani si sarebbe uccisa bevendo una bevanda velenosa. Alcuni accademici hanno addirittura ipotizzato che la regina si sia uccisa su ordine di Ottaviano, che aveva vinto la guerra. In ogni caso, Cleopatra venne sepolta insieme al suo amante Marco Antonio e la sua morte decretò la fine della dominazione tolemaica d'Egitto, l'inizio dell'occupazione romana del paese e la fine del periodo ellenistico, in quanto l'Egitto dei Tolomei era l'ultimo regno ellenistico rimasto. morte di Cleopatra è stata raffigurata in varie opere d'arte nel corso dei secoli, inclusi dipinti, sculture, opere letterarie, opere teatrali e pellicole cinematografiche. In queste raffigurazioni prevale il suicidio dovuto al morso dell'aspide. A partire dall'Ottocento, le raffigurazioni più moderne della morte della sovrana hanno anche un tocco di orientalismo.

Prompt: In Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

30 a.C.
Alessandria d'Egitto
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio


section

Madonna di Alzano

Del quadro si hanno solo notizie tarde che lo collocano nella chiesa di Santa Maria della Pace di Alzano Lombardo, da cui il nome. Le storie che lo legano ad Alessio Agliardi, alla figlia Lucrezia e ai Vertova sono una invenzione relativamente recente, del tutto infondate e fuorvianti.Il dipinto rimase nella chiesa fino alle soppressioni napoleoniche quando, in circostanze non chiarite, lo acquistarono don Eustachio Terzi e don Domenico Giovanetti. Poco tempo dopo e precisamente il 19 maggio 1809 lo cedettero a Lorenzo Martino Zanchi, che nel frattempo aveva acquistato la chiesa e ed il terreno circostante erigendovi l'ospizio per anziani soli " Casa degli Incurabili". Tre giorni dopo il Giudice di pace di Alzano Maggiore, certo Soardi, ordinò il sequestro del dipinto e lo affidò in custodia proprio allo Zanchi. Nel giugno dell'anno 1809 lo Zanchi chiamò un esperto, tale Pietro Roncalli del Regio Liceo del Serio, per una perizia, il quale diede un giudizio lusinghiero dell'opera, lodandone la bellezza e l'ottimo stato di conservazione.Il 20 settembre 1809 il Giudice di Pace tolse l'ordinanza del sequestro ed il dipinto fu ricollocato al suo posto originale, dove rimase fino al 15 aprile 1810, data della definitiva soppressione del monastero. Lo Zanchi con i sacerdoti Terzi e Giovanetti, temendo che venisse sequestrato dalle autorità, di nascosto asportarono l'opera e la affidarono alle monache salesiane di clausura di Alzano Lombardo. Queste, presentendo che anche il loro monastero venisse soppresso, lo affidarono al sacerdote don Giambattista Noli. Il quadro rimase al Noli fino al 1869, anno in cui fu acquistata da Giovanni Melli, su consiglio del cugino e storico dell’arte Giovanni Morelli. Dal Melli passò in eredità allo stesso  Giovanni Morelli che nell'anno 1891, donò all'Accademia Carrara tutta la sua collezione , la quale comprendeva anche il dipinto di Giovanni Bellini.

Prompt: Focus on Alzano Madonna and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Leone che attacca un dromedario

Un dettaglio dell'arabo, la cui testa contiene un teschio vero.Nel 2016, il Leone che attacca un Dromedario fu restaurato nuovamente. Durante questo secondo restauro, il museo esaminò gli animali impagliati attraverso i raggi X e l'analisi del DNA per verificarne l'autenticità: Si pensava che la figura umana fosse per lo più sintetica, ma i raggi X rivelarono che la testa conteneva un vero teschio umano, sorprendendo il personale del museo. Non si sa a chi appartenga il cranio, né da dove Verreaux l'abbia preso. Nel frattempo, venne cambiato il nome inglese dell'opera per contestualizzarla meglio: in precedenza era nota come Arab Courier Attacked by Lions . Alla cerimonia per celebrare la fine del restauro, il personale del museo di Pittsburgh ospitò un simposio avente come temi il restauro, il diorama e la sua rappresentazione distorta del Nordafrica.

Prompt: In Lion Attacking a Dromedary, how is the Restoration of 2016 of the History explained?Please output in Italian.


subsection

Statua di Robert Milligan

Un dettaglio del bassorilievo della base.Nel 1998, un articolo su The Islander, un giornale comunitario sponsorizzato dalla Association of Island Communities nella isle of Dogs , pubblicò una fotografia della statua assieme a un'altra con Max Hebditch, allora codirettore esecutivo della London Docklands Development Corporation, che aveva raggiunto degli accordi per far tornare la statua nella sua ubicazione originaria. L'articolo sosteneva che Milligan era un genio che aveva persuaso i mercanti della città a costruire i West India Docks nell'isola dei Cani, piuttosto che a Wapping. Definendo Milligan "il padre dell'isola dei Cani", l'articolo chiedeva che il 12 luglio del 2000 si celebrasse il bicentenario dalla posa della prima pietra dei moli nel 1800.

Prompt: Describe the characteristics of the Reorganization in 1998 in Statue of Robert Milligan's History.Please output in Italian.


section

Esequie di san Girolamo

grande pala d'altare venne commissionata dal Preposto di Prato Geminiano Inghirami, personalità vivace e in contatto con la scena artistica fiorentina, che portò a Prato, tra gli altri, sia il Lippi per lavorare alla cappella Maggiore del Duomo di Prato, sia Donatello e Michelozzo per lavorare al pulpito.  tavola è di datazione però incerta e l'anno riportato  è sempre stato ritenuto un falso per l'incongruenza stilistica rispetto ad opere dell'autore di quel periodo. Oggi si tende a collocare l'opera tra l'arrivo di Filippo Lippi a Prato, il 1452, o tutt'al più a qualche anno prima, e la morte dell'Inghirami, nel 1460.Da sempre conservata nella cattedrale di Prato, la pala venne musealizzata nel XX secolo.

Prompt: How does Funeral of Saint Jerome (Filippo Lippi) explain its History?Please output in Italian.

1452
1460
Donatello
Filippo Lippi
Filippo Lippi
Geminiano Inghirami
Michelozzo


section

Natività mistica

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Prompt: In The Mystical Nativity, how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraitsset and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: In Madonna and Child (Cima, Paris), how is the Origins discussed?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


section

Ritratto di Jörg Fugger

Il Ritratto di Jörg Fugger è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, datato 1474 e conservato nel Norton Simon Museum a Pasadena.

Prompt: In Portrait of Georg Fugger, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1474
Fugger
Giovanni Bellini
Norton Simon Museum


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


subsection

Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Explain the Vangelicanonici about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Caravaggio).Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


section

Maria Maddalena

Deposizione di Gesù Donne menzionate nella Bibbia Sara la Nera Donne e cristianesimo Tre Marie Santa Madalena l'acqua se la mena  antico proverbio popolare Pia Università dei Cartai

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Deposizione di Gesù
Donne menzionate nella Bibbia
Gesù
Pia Università dei Cartai
Santa Madalena l'acqua se la mena
Sara la Nera
Tre Marie


section

Atleta di Fano

LAtleta di Fano è stato rappresentato nel carro allegorico "Sotto l'Adriatico dipinto di blu" in occasione del Carnevale di Fano del 1990.

Prompt: Explain the Curiosity of this artwork, Victorious Youth.Please output in Italian.


section

Melencolia I

Melencolia I o Melancholia I è un'incisione a bulino  di Albrecht Dürer, siglata e datata al 1514 e conservata, tra le migliori copie esistenti, nella Staatliche Kunsthalle di Karlsruhe. L'opera, densa di riferimenti esoterici, tra cui il quadrato magico, è una delle incisioni più famose in assoluto.

Prompt: Focus on Melencolia I and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Beata Vergine Maria delle Grazie è la protettrice dell'intera comunità civitellese. A essa è dedicata la chiesa parrocchiale e un'altra fuori dal centro storico, la chiesa della Madonna della Cona. Quest'ultima è caratterizzata da un artistico portale in pietra, interamente decorato, del Cinquecento, da un altare barocco e da due pregevoli affreschi di medie dimensioni.  festa si tiene regolarmente ogni anno, e ha inizio dopo il canto solenne del secondo vespro di Pentecoste e si protrae sino al martedì seguente, giorno di maggiore solennità. Durante la festa, visitando la chiesa "della Cona" è possibile lucrare il "Perdono" . Dall'anno 2009, anno del terribile sisma che ha lacerato profondamente il centro storico, nella solenne processione del martedì viene portato, assieme all'artistica e antica statua della Santa Patrona, anche il simulacro di Sant'Emidio.

Prompt: Describe the characteristics of the Civitella Casanova in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


section

Tuttomondo

Keith Haring incontrò a New York un giovane studente pisano, Piergiorgio Castellani, che lo invitò a trascorrere un periodo di soggiorno nella città toscana. Qui l'artista ebbe l'idea di realizzare un murale: l'unico spazio disponibile era una grande parete esterna, posta sul lato nord del convento della chiesa di Sant'Antonio Abate Il grande interesse della popolazione per l'opera e le pressanti interviste, portarono Haring a dichiarare:Raramente Haring attribuiva un titolo alle sue opere, per lo più graffiti metropolitani destinati a scomparire col tempo. Il titolo proposto dall'autore, direttamente in italiano Le vernici utilizzate e i recenti restauri hanno permesso all'opera di rimanere intatta nel suo splendore.Nei suoi Diari, l'autore ha riportato l'entusiasmo di quei giorni per il cibo, la città e le reazioni della gente:

Prompt: In Tuttomondo, how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto di donna Franca Florio

Magistrale cantore della «Palermo felicissima» della Belle Époque, qui Boldini sembra rispondere alla sognante definizione che il poeta Gabriele D'Annunzio diede di donna Franca Florio: «È unica. Una creatura che svela in ogni suo movimento un ritmo divino». Nel Ritratto di donna Franca Florio, infatti, si riconosce pienamente la poetica della femminilità boldiniana, tanto è vero che l'opera non esita ad esaltare lo stupefacente charme della ritrattata, ma introduce anche elementi di antesignana modernità, liberando senza falsi pudori una femminilità che emerge in maniera forse civettuola, ma per nulla volgare.A seconda della tecnica, a tratti sommaria, altre volte invece descrittiva e attenta ai dettagli, Boldini sembra inoltre indicare all'osservatore quei brani pittorici che hanno particolarmente catturato la sua attenzione: è il caso del viso, di un candore perlaceo, dove risaltano le labbra vermiglie percorse da un impercettibile sorriso e i profondi occhi grigi, e della pesante e imponente collana, lunga ben sette metri e contenente 365 perle, una per ogni giorno dell'anno o - come riportano le leggende - per ogni lacrima versata dalla donna a causa dei libertinaggi del marito.Il corpo di Franca, avvolto nelle pieghe vorticistiche dell'abito di velluto nero, viene invece delineato da pennellate lunghe e scattanti, a ragione definite dai critici come «sciabolate», con le quali Boldini sembra «cristallizzare» nel tempo la splendida apparizione della sua musa. L'eleganza elettrica delle pennellate boldiniane, che con il loro rapido succedersi ricolmano la tela di una grande carica energetica, è oggetto di una meditata e profonda dichiarazione di Gaetano Boldini, fratello del pittore, rilasciata nel 1926 per un'intervista giornalistica: «Molto strano era il suo modo di dipingere giacché egli non faceva posare il modello ma voleva che si muovesse dinanzi a lui per imprimere i tratti vitali con maggiore evidenza sulla tela».

Prompt: How does Portrait of Donna Franca Florio explain its Description?Please output in Italian.

Belle Époque
Florio
Franca Florio
Gabriele D'Annunzio
Palermo


section

monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento a Leonardo da Vinci è un gruppo scultoreo commemorativo posto in piazza della Scala di Milano e inaugurato nel settembre del 1872. Sulla sommità è posta una statua di Leonardo da Vinci mentre alla base sono raffigurati quattro suoi allievi a figura intera, Giovanni Antonio Boltraffio, Marco d'Oggiono, Cesare da Sesto e Gian Giacomo Caprotti .Il monumento fu realizzato dallo scultore Pietro Magni  a partire dal 1858; a causa del passaggio di Milano dal Regno Lombardo-Veneto al Regno di Sardegna prima e al Regno d'Italia poi, il finanziamento per la realizzazione ebbe problemi e ritardi. Dopo l'inaugurazione ricevette molte critiche negative per la scelta del luogo dove fu posizionato e perché considerato un'eredità dell'amministrazione austriaca.

Prompt: In Monument to Leonardo da Vinci, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Cesare da Sesto
Gian Giacomo Caprotti
Giovanni Antonio Boltraffio
Leonardo da Vinci
Marco d'Oggiono
Milano
Regno Lombardo-Veneto


subsection

Dama con scoiattolo e storno

L'evidenza dell'identificazione del personaggio con Anne Lovell venne sollevata per la prima volta dallo storico esperto di vetrate istoriate David J. King mentre studiava le finestre della chiesa parrocchiale di East Harling, Norfolk, sede della famiglia Lovell. King notò come lo stemma della famiglia Lovell dipinto sulla vetrata includesse degli scoiattoli. Quella dello storno era una figura diffusa nell'area dove la famiglia viveva ed inoltre il luogo all'epoca era detto Estharlyng, molto simile alla parola starling che significa appunto storno in inglese.

Prompt: Explain the Identification about the History of this artwork, Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


subsection

Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In the context of Last Supper (Rubens), explain the One God will betray you and the New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


section

Diana d'Anet

Diana d'Anet, anche detta Fontana di Diana o Diana con un cervo, è un'opera scultorea in marmo di Diana di Poitiers come dea Diana. Precedentemente noto come lavoro di Jean Goujon, ora si pensa che più probabilmente sia di Germain Pilon.È custodita all'interno del museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on Fountain of Diana and explain the Abstract.Please output in Italian.

Diana
Diana di Poitiers
Germain Pilon
Jean Goujon
Parigi


subsection

Astronomo

Mentre c'è un numero relativamente basso di astronomi professionisti, numerosi sono i dilettanti, chiamati anche astrofili. Diversi centri abitati del mondo hanno gruppi di astrofili che si riuniscono tra loro per le osservazioni e programmano conferenze e visite divulgative negli osservatori, collaborando anche coi professionisti. Diversi astrofili hanno scoperto numerose comete, asteroidi, supernovae, stelle variabili e possono monitorare diversi oggetti collaborando con i professionisti, che però non avrebbero il tempo per sorvegliare tutto il cielo notturno.

Prompt: In the context of An Astronomer, explain the The amateur astronomer and the The astronomer in history.Please output in Italian.


section

Trionfo della Divina Provvidenza

{ class="wikitable"!N./Lett.!Titolo!Immagine!Descrizione!Significato allegorico!Collocazione-1Minerva trionfa sui Giganti250pxsenza_corniceAl centro è Minerva  che si imbatte sui Giganti , disposti ai lati della scena, sul lato destro in caduta.Sul registro inferiore non vi sono cartigli affrescati. giustizia che domina l'orgoglio e l'eresia.to corto sopra l'ingresso.-2Trionfo della Religione e della Sapienzasenza cornice250x250pxAl centro è la Scienza  che guarda in alto, affiancata dal Divino Aiuto, la Religione e la Purezza. A destra Sileno  porge la ciotola a un ragazzo che gli versa del vino, mentre alcune ninfe si bagnano a una fonte. A sinistra la scivia  si alza da un letto mentre Cupido viene scacciato dallAmor Celeste.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio sono le Tre api Barberini che lavorano i campi, due che tirano un aratro e una terza che le guida con la frusta. religione e la sapienza vincono sulla lussuria e sull'intemperanza.Cartiglio: le tre api sono il simbolo araldico per eccellenza dei Barberini, che in questo caso rappresentano allegoricamente la dedizione al lavoro del casato.to lungo di destra.-3Ercole allontana i Vizisenza cornice250x250pxA sinistra Ercole  allontana con la clava i Vizi e le Arpie. A destra una giovinetta con la fascia di console allude alla Giustizia, mentre la Liberalità inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia .Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è la Clava che germoglia.Le virtù e il valore che scacciano i vizi e le arpie in favore dell'abbondanza.Cartiglio: la prosperità e fertilità sotto il pontificato Barberini.to corto della parete interna della facciata principale.-4Trionfo della Pacesenza cornice250x250pxAl centro è la Pace  in trono, consigliata dalla Prudenza che invia la Podestà a chiudere le porte del tempio di Giano posto a destra. Su quest'ultimo lato giace a terra il Furore , disarmato dalla Mansuetudine e incatenato su una catasta d'armi. A sinistra i Ciclopi  lavorano nelle officine per fabbricare armi.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è il Sole Barberini. pace vince sulla guerra.Cartiglio: il sole è uno dei simboli araldici dei Barberini.to lungo di sinistra.-5Trionfo della Divina Provvidenza250pxNel registro inferiore è la Divina Provvidenza , dotata di scettro e circondata da un alone luminoso che allude alla sua emanazione divina. Dietro di essa stanno sedute Giustizia, Pietà, Potenza, Verità, Bellezza e Pudicizia, mentre poco sopra vola lImmortalità, rappresentata come Urania che regge una corona di stelle. In basso sono Crono , con la falce, mentre divora uno dei suoi figli, e le tre Parche, che filano la vita degli uomini.Nel registro superiore, al culmine della rappresentazione, sono la Fede , Speranza  e Carità  che reggono una corona d'alloro, che nella forma richiama uno stemma, entro cui volano le api Barberini, componendone appunto l'emblema familiare . Ancora più in alto sono la dea Roma col triregno e la Gloria , con le chiavi di san Pietro . Nel vertice alto a sinistra è un putto con una corona di alloro .Elezione di Urbano VIII Barberini a pontefice massimo in seno alla volontà della Divina Provvidenza.Scomparto centrale della volta.-ATelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Storia di Muzio Scevola.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Fortezza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di sinistra.-BLeonesenza cornice250x250px-CTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Temperanza di Scipione.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Temperanza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di destra.-DLiocornosenza cornice250x250px-ETelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Giustizia di Tito Manlio.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Perspicacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di destra.-FIppogrifosenza cornice250x250px-GTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Prudenza di Fabio Massimo.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Sagacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di sinistra.-HDue orsisenza cornice375x375px}

Prompt: Explain the Catalog of scenes of this artwork, Allegory of Divine Providence and Barberini Power.Please output in Italian.


section

Basci-buzuk

Prompt: Explain the External links of this artwork, Bashi-Bazouk (Jean-Léon Gérôme).Please output in Italian.


section

Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Self-portrait at 69 years and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


section

Astronomo

Astronomia Storia dell'astronomia Astrofilo

Prompt: In An Astronomer, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


section

Polittico di San Gregorio

Materiale informativo a cura della Galleria regionale di Messina .

Prompt: How does San Gregorio Polyptych explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Group self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

La zattera della Medusa

left zattera della Medusa fu mostrato al pubblico per la prima volta al Salon di Parigi il 25 agosto 1819, sotto il generico titolo di Scène de Naufrage . L'argomento trattato era tuttavia facilmente riconoscibile dagli spettatori dell'epoca. L'esposizione, sponsorizzata da Luigi XVIII, presentava circa 1.300 dipinti, 208 sculture e numerosi oggetti di design. Luigi XVIII stesso visitò il salone tre giorni prima della sua apertura e, dando un giudizio al dipinto, affermò: «» .I critici si divisero in due: chi rimase affascinato dall'orrore e dalla disperazione del quadro e chi espresse il proprio scontento per una tale presa di distanze dal neoclassicismo, il cui precetto di bellezza idealizzata veniva ribaltato dal crudo realismo di Géricault. Il pittore metteva in dubbio tutte le istanze dell'epoca, gli artisti iniziarono a chiedersi come potesse una materia del genere essere trasposta in un dipinto suggestivo e come potesse l'autore riconciliare arte e realtà. Marie-Philippe Coupin de la Couperie, una pittrice francese presente alla mostra, fu categorica: «Sembra che Géricault si stia sbagliando. Lo scopo di dipingere è parlare all'anima e agli occhi, non di respingerli». mentre Kenneth Clark, storico dell'arte britannico, disse che « zattera della Medusa resta l'esempio più importante di un pathos romantico espresso attraverso il nudo. E l'ossessione della morte dona verità alle figure morenti e ai morti. Le premesse possono essere state ispirate dai classici, ma sono state riviste con il forte desiderio di un'esperienza violenta». Le polemiche furono controproducenti per l'artista, speranzoso di una unanime acclamazione popolare.Nel 1820 Géricault si accordò affinché il dipinto venisse esposto alla mostra londinese di William Bullock, a Piccadilly, dove fu visto da più di 40.000 visitatori. Tra i motivi di questo successo ci fu il più felice posizionamento della Medusa, che nel Salone Carré di Parigi era stata appesa in alto, mentre a Londra la distanza ravvicinata al suolo enfatizzò l'impatto monumentale. In Inghilterra l'opera venne sfruttata anche nell'ambito dell'intrattenimento: vennero messe in scena due rappresentazioni teatrali basate sugli eventi narrati dal quadro, che di conseguenza ampliarono la fama di Géricault e del suo lavoro. Dall'esposizione di Londra Géricault guadagnò una cifra vicina ai 20.000 franchi, come percentuale sui biglietti d'entrata, una somma maggiore di quella che il governo francese gli avrebbe corrisposto se avesse venduto il dipinto. Dopo l'esperienza londinese, nel 1821 Géricault esibì la Medusa a Dublino, dove fu però accolta tiepidamente, a causa di un'esposizione rivale in cui era mostrato un panorama in movimento intitolato Il naufragio della Medusa, che all'epoca sembrava fosse stato creato sotto la supervisione di uno dei sopravvissuti al disastro. zattera della Medusa fu in seguito scelta dal curatore del Louvre Louis Nicolas Philippe Auguste de Forbin che l'acquistò nel 1824, lo stesso anno della morte di Géricault, in una vendita postuma attraverso l'intermediazione di Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, amico dell'artista, per conservarla nel museo parigino, dove è esposta nella sala dei dipinti francesi di grande dimensione. A causa del deterioramento del quadro, nel 1859 il Louvre commissionò a due artisti francesi, Pierre-Désiré Guillemet e Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, una copia da utilizzare in caso il dipinto venisse chiesto in prestito da altri musei.

Prompt: Explain the Welcome about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Raft of the Medusa.Please output in Italian.

1819
1820
1824
25 agosto
Dublino
Inghilterra
Kenneth Clark
Parigi
Piccadilly


section

Trionfo della Virtù

tela fu la seconda della serie di decorazioni pittoriche per lo studiolo di Isabella d'Este nel Castello di San Giorgio a Mantova. Nel 1502 è documentata l'ordine di acquisto della vernice per completare l'opera.Il complesso programma iconografico, ricco di valori allegorici, venne forse fornito dal poeta e consigliere di Isabella, Paride da Ceresara. Le fonti letterarie dell'opera vengono individuate nel Sogno di Polifilo  e nel De genealogia deorum di Boccaccio. tela, con tutte le altre dello studiolo, venne donata verso 1627 al cardinale Richelieu e trasferita a Parigi, dove al tempo di Luigi XIV entrò nelle collezioni reali. Da lì, dopo la rivoluzione francese, è confluita nel museo del Louvre.

Prompt: How does Triumph of the Virtues (Mantegna) explain its History?Please output in Italian.

1502
1627
De genealogia deorum
Isabella d'Este
Mantova
Paride da Ceresara
Parigi


subsection

Ebbrezza di Noè

scena è inserita in uno dei riquadri minori della volta, incorniciati da paramenti architettonici su cui sono affacciate due coppie di "Ignudi" e due medaglioni. Essi siedono su plinti che, a differenza della cornice superiore dei troni dei Veggenti, non sono scorciati dal basso, assecondando l'andamento curvilineo della volta.Gli Ignudi sostengono festoni con foglie di quercia, allusive allo stemma dei Della Rovere, e dei nastri che reggono i medaglioni che simulano l'effetto del bronzo, con un uso dell'ocra e della terra bruciata di Siena come toni medi, il tratteggio nero a tempera per le ombre e l'oro zecchino per le lumeggiature, applicato a secco tramite un mordente a base di resine naturali. Essi rappresentano scene bibliche, in particolare Bidgar che getta il corpo del deposto re Ioram nella vigna di Nabat e lUccisione di Abner .Gli Ignudi invece sono forse figure angeliche. In queste prime due coppie, probabilmente le prime che dipinse Michelangelo, venne usato uno schema simmetrico, ricorrendo quasi sicuramente a un medesimo cartone ribaltato. Uno di quelli sopra la Sibilla delfica è oggi quasi perduto a parte la testa, una spalla, e la parte terminale delle gambe, per via di un crollo dell'intonaco avvenuto nel 1797, quando esplose la polveriera del vicino Castel Sant'Angelo.  sua figura è comunque nota tramite un'incisione del XVI secolo, che conferma la forma speculare del suo corpo rispetto al compagno. Essi hanno il busto frontale verso lo spettatore ma inclinato obliquamente, le braccia mollemente adagiate, la testa di tre quarti un po' reclinata; le gambe sono piegate e con un forte scorcio soprattutto del ginocchio sul lato esterno.I due sopra Gioele sono seduti di profilo con una gamba piegata in primo piano e la schiena rivolta allo spettatore in una torsione; un braccio è appoggiato sul plinto su cui sono seduti e la rispettiva spalla è roteata avanzando verso lo spettatore.Rispetto agli Ignudi delle successive campate, questi quattro hanno passaggi chiaroscurali dai toni più accesi, che danno loro una certa durezza.  ricchezza delle torsioni e l'indiscutibile bellezza fisica e anatomica sono invece comuni a tutta la serie.

Prompt: Explain the Nudes medallions about the Description and style of this artwork, Drunkenness of Noah.Please output in Italian.

1797
Abner
Bidgar
Castel Sant'Angelo
Della Rovere
Ignudi
Nabat


section

Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


section

Giustizia

Diligite iustitiam, qui iudicatis terram: amate la giustizia, voi che governate la terra . Summum ius, summa iniuria: il diritto a tutti i costi diventa ingiuria . Il buon giudice non deve essere giovane, ma anziano, uno che ha appreso tardi che cosa è l'ingiustizia, senza averla sentita come personale e insita nella sua anima; ma per averla studiata, come una qualità altrui, nelle anime altrui . Ecco il giudicio uman come spesso erra . A giudicar per induzione, e senza la necessaria cognizione de' fatti, si fa alle volte gran torto anche ai birbanti . Denari e amicizia non curan la giustizia : con il denaro o le raccomandazioni si ottiene qualunque cosa. Ognuno vuole giustizia, ma a casa d'altri: tutti difendono la giustizia, ma non vogliono che intralci i loro interessi.

Prompt: Explain the Quotes and proverbs about justice of this artwork, Justice (Titian).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


subsection

Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: Explain the Benelux about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


section

L'angelo ferito

L'angelo ferito  è un dipinto simbolista a olio su tela  realizzato nel 1903 da Hugo Simberg. È conservato nell'Ateneum di Helsinki.

Prompt: In The Wounded Angel, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Epifania

A Porto Rico, l'Epifania è un'importante festa estiva ed è comunemente indicata come Dia de Los Tres Reyes Magos o Giorno dei Tre Re. È tradizione che i bambini riempiano una cassetta con erba fresca o fieno e la mettano sotto il loro letto, destinata ai cavalli dei Re Magi. A Porto Rico molti artigiani realizzano figure storiche commemorative dei Magi a cavallo. I Re Magi di Porto Rico, secondo la tradizione locale, arrivano a cavallo invece che su cammelli, a differenza di altri paesi in cui la stessa usanza è radicata. I tre re prendono l'erba per nutrire i cavalli e lasciano doni sotto il letto come ricompensa. Queste tradizioni sono analoghe alle usanze dei bambini che lasciano torta di carne macinata e sherry nell’Europa occidentale, ovvero latte e biscotti per Babbo Natale negli Stati Uniti. Il giorno prima della festa  si celebra il "Rosario de Reyes" o "Promesa de Reyes" con canti  rivolti ai Re Magi, di solito davanti a un tavolino con le figure della Natività e dei Re o con i Re soli e i loro cammelli. Questa celebrazione è accompagnata da una zuppa di pollo, da snack e bevande.

Prompt: Describe the characteristics of the Puerto Rico in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


subsection

Musica

Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche  che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Choral music and the Opera, lyric.Please output in Italian.


section

Apoteosi di Palermo

Citti Siracusano,  pittura del Settecento in Sicilia. Roma, De Luca Editore, 1986. Sergio Troisi, Vito D'Anna. Supplemento monografico allegato a «Kalos», n° 4, luglio - agosto 1993. Palermo, Kalos Editore. Rita Cedrini. Repertorio delle dimore nobili e notabili nella Sicilia del XVIII secolo. Palermo, Regione Siciliana BBCCAA, 2003. Giulia Sommariva. Palazzi nobiliari di Palermo. Palermo, Flaccovio, 2004. ISBN 88-7758-598-6. Mariny Guttilla. Cantieri decorativi a Palermo dal tardo barocco alle soglie del neoclassicismo, in Il Settecento e il suo doppio. Palermo , Kalós, 2008, p. 177-206. ISBN 978-88-89224-67-0.

Prompt: Focus on Apotheosis of Palermo and explain the Bibliography.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


section

Madonna della Scodella

Madonna della Scodella è un dipinto a olio su tavola  di Correggio, databile al 1528-1530 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Prompt: Focus on Madonna della Scodella and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Betsabea al bagno

Opera tarda del Franciabigio, è caratterizzata da una narrazione vivace che si dispone su più nuclei, sfruttando una ricca quinta scenografica di edifici rinascimentali in prospettiva. Re Davide, passeggiando sulla terrazza del suo palazzo, vede Betsabea che sta facendo il bagno. Anche se è a conoscenza che essa è moglie di Uria, uno dei suoi soldati attualmente impegnato in guerra, Davide si invaghisce di lei, la invita a casa propria ed ha una relazione con lei. Betsabea rimane incinta ed informa della cosa il re. Davide richiama il marito dalla guerra perché egli dorma con la propria moglie, ma Uria si rifiuta di dormire a casa propria. Il re comanda allora al suo generale di sferrare un attacco e di far mettere Uria in prima fila. Il comandante ubbidisce e Uria muore durante quest'attacco. Così Davide resta libero di prendere in moglie Betsabea , venendo poi però punito da Dio.I personaggi affacciati ai balconi erano frequenti nell'arte dell'epoca. Se ne trovano ad esempio anche nel Cenacolo di Andrea del Sarto.

Prompt: How does Bathsheba at her Bath (Veronese) explain its Description and style?Please output in Italian.

Andrea del Sarto
Betsabea
Cenacolo di Andrea del Sarto
Franciabigio
Davide


section

Danza di contadini

L'opera, priva di firma e data, venne rastrellata con le spoliazioni napoleoniche e portata a Parigi nel 1808, ritornando solo nel 1815.Non è chiaro se fosse nata come pendant al Banchetto nuziale, ma è anche probabile che i due lavori fossero i primi di una serie a tema nuziale mai portata a termine.

Prompt: Focus on The Peasant Dance and explain the History.Please output in Italian.


section

statua dell'Europa

http://ec.europa.eu/oib/art_en.cfm web della Commissione

Prompt: Explain the External links of this artwork, Statue of Europe.Please output in Italian.


section

Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: In Ecce Homo (Mantegna), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


section

Polittico Orsini

Nelle 4 scene della Passione di Cristo si osserva una massa urlante di personaggi, differenziata nelle posture, gesti, vesti e partecipazione emotiva. Notevole è la capacità del maestro senese di rendere efficacemente emozioni e volti, con risultati quasi ritrattistici.  pennellata è raffinata, delicata e particolareggiata.Rispetto a tutti i dipinti del periodo senese fino al 1330, e similmente all'Annunciazione tra i Santi Ansano e Margherita , lo spazio è volutamente poco profondo, sviluppato quasi in verticale e dominato dalla tensione narrativa. Le due ante dell'Annunciazione sono percorse da un'inquietudine psicologica che appare qui meno scontata e più marcata della precedente Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita , sia nellAngelo che nella Vergine. Le figure di tutte le ante sono allungate e i carnati chiari. Infine colpiscono i bordi dorati del mantello della Vergine Annunciata o il tessuto svolazzante dellAngelo Annunciante, caratterizzati entrambi da una sinuosità che porta a rivelare il diritto e il rovescio dei tessuti stessi, caratteristica questa dell'arte gotica transalpina. Queste caratteristiche di prospettiva verticalizzata, di inquietudine psicologica, di snellezza delle figure e di rovello gotico delle vesti sono nuove rispetto al Simone Martini senese e saranno riscontrabili anche nelle opere tarde del periodo avignonese.

Prompt: How does Orsini Altarpiece explain its Style?Please output in Italian.


subsection

Betsabea

Betsabea in un dipinto realizzato da Assieme ad Eva, Betsabea era quasi l'unica donna la cui immagine in stato di nudità poteva essere giustificata facilmente e abitualmente nell'arte cristiana, e pertanto è una figura importante nello sviluppo del nudo nell'arte medioevale. Anche se a volte è raffigurata vestita in altri punti della sua storia, la raffigurazione più comune, sia nell'arte medioevale che in quella successiva, era quella di Betsabea al bagno, come è chiamato formalmente il tema artistico che mostra Betsabea che si fa il bagno, osservata dal re Davide. Questo poteva essere mostrato con vari gradi di nudità, a seconda della posa e della posizione di vesti o asciugamani. Una delle collocazioni più comuni nel quindicesimo secolo, forse sorprendentemente, era nelle miniature che illustravano un libro delle ore, un libro di preghiere personale, che aveva superato il salterio come tipo di libro di devozione più popolare per i laici. In particolare, questo era il caso in Francia.Nell'arte il soggetto è uno dei più comuni del topos del "Potere delle donne". Essendo un'opportunità per presentare un gran nudo femminile come fulcro di un dipinto di storia, il soggetto era popolare dal Rinascimento in poi. Talvolta sono rappresentate le domestiche di Betsabea o i "messaggeri" inviati da Davide, e spesso un Davide in lontananza che guarda dal suo tetto. A volte i messaggeri sono confusi con lo stesso Davide, ma la maggior parte degli artisti seguono la Bibbia e tengono Davide a distanza in questo episodio. Non sono rare le opere nelle quali la donna viene presentata come una seduttrice, consapevole di essere osservata.Tra gli artisti che hanno dipinto questo episodio si citano Hans Memling, Rembrandt van Rijn , Artemisia Gentileschi, Sebastiano Ricci e Jean-Léon Gérôme. Esiste inoltre un quadro di Paolo Veronese che potrebbe ritrarre Betsabea, anche se si è pensato che questa scena possa essere tratta piuttosto dalla storia di Susanna, narrata nel Libro di Daniele .

Prompt: Explain the Art about the Biblical story of this artwork, Bathsheba (Gentileschi).Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Bibbia
Davide
Eva
Hans Memling
Jean-Léon Gérôme
Libro di Daniele
Paolo Veronese
Potere delle donne
Davide
Rembrandt
Sebastiano Ricci


section

Tolomeo Filadelfo nella biblioteca di Alessandria

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

Prompt: How does Ptolemy II Philadelphus in the Library of Alexandria explain its Voice correlate?Please output in Italian.


section

Arazzi di caccia del Devonshire

Questi quattro enormi lavori, ciascuno di 3 metri di larghezza, rappresentano uomini e donne vestiti alla moda della prima metà del XV secolo mentre sono intenti a cacciare in una foresta. Le antiche tappezzerie vennero fatte realizzare in ambito borgognone e successivamente pervennero ai duchi di Devonshire tramite la contessa Bess di Hardwick. Notizie di questi arazzi ci pervengono proprio dal VI duca il quale riporta che questi arazzi si trovavano ancora nella prima metà dell'Ottocento nella Long Gallery di Hardwick Hall e che venivano utilizzati per isolare dal freddo le gelide pareti, salvando così questi rari arazzi dalla dispersione o dalla distruzione. Gli arazzi rappresentano la caccia al cervo, la caccia col falcone, la caccia al cigno , alla lontra , al cinghiale ed all'orso.  caccia era un tema particolarmente caro all'epoca medievale presso le famiglie aristocratiche e quindi anche presso coloro che commissionarono gli arazzi ed il pubblico che li ammirava. Lo stesso Enrico VIII pare avesse oltre 200 arazzi di sua proprietà che trattavano di questo tema.  caccia, oltre ad uno sport, era considerato anche un'importante forma di procacciamento del cibo.Nell'arazzo raffigurante la caccia al cinghiale ed all'orso si trovano delle figure di uomini che portano speciali lance da cinghiali ideate per bloccare le mortali zanne del cinghiale durante la sua cattura. Il punto focale di maggior interesse nella composizione è però certamente quello relativo ai costumi che presentano un elaborato scorcio sul panorama della moda dell'epoca. Nella scena della caccia al cinghiale ed all'orso, inoltre, la donna che si trova sulla destra riporta ricamate sul vestito delle lettere a formare la frase Monte le Desire, canzone popolare in quel periodo.I vestiti dei partecipanti alla caccia sono però ascrivibili all'ambiente borgognone più che a quello inglese dell'epoca, sintomo della provenienza della commissione , per quanto nessuna caccia dell'epoca sarebbe stata probabilmente condotta con vesti tanto ricche ed elaborate.

Prompt: How does Devonshire Hunting Tapestries explain its Description?Please output in Italian.

Bess di Hardwick
Hardwick Hall
XV secolo


section

Ruby, Gold and Malachite

Ruby, Gold and Malachite  è un olio su tela dipinto dal ritrattista britannico ottocentesco Henry Scott Tuke nel 1902; raffigura sei maschi adolescenti - dentro ed attorno ad una barca - mentre stanno facendo il bagno in mare nudi o seminudi. E stato dipinto nei pressi di Falmouth  ed esposto per la prima volta alla "Royal Academy summer exhibition" di Piccadilly quello stesso anno, assieme ad altre sue due opere: "The Run Home" e "Portrait of Alfred de Pass". È stato uno dei suoi più grandi successi e fa parte di quell'ampia serie di opere raffiguranti ragazzi nudi in spiaggia.L'artista ha utilizzato come modelli regolarmente gli stessi ragazzi, tra cui i fratelli Richard e Georgie Fouracre, Bert White, Harry Cleave e Charlie Mitchell . Critici e commentatori notano la vicinanza di Tuke col movimento dei poeti uraniani per la forte carica di omoerotismo che pervade le sue creazioni.Acquistato dalla corporazione della Città di Londra, la tela può essere oggi ammirata alla Guildhall Art Gallery.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ruby, Gold and Malachite.Please output in Italian.

Guildhall Art Gallery
Henry Scott Tuke
Londra
Piccadilly


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Edmonia Lewis

Mary Edmonia Lewis trascorse gran parte della sua carriera a Roma, in Italia. Fu la prima donna afro-americana con radici native a raggiungere la fama e il riconoscimento internazionale come scultrice nel mondo delle arti. Il suo lavoro incorpora temi legati al popolo nero e indigeno d'America in sculture di stile neoclassico. Fece la sua apparizione durante la Guerra Civile e, alla fine del XIX secolo, fu l'unica donna ad aver partecipato e aver ottenuto dai riconoscimenti nel movimento artistico degli Stati Uniti. Nel 2002, il professor Molefi Kete Asante collocò Edmonia Lewis nella lista dei 100 più importanti afroamericani.

Prompt: How does Edmonia Lewis explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Senecio

Le specie di questo genere sono distribuite in tutto il mondo , ma principalmente in Sudamerica e Africa meridionale.

Prompt: Explain the Distribution habitat of this artwork, Senecio (Klee).Please output in Italian.


subsection

Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Conductors in Music (Matisse)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.