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seduta con il parasole ; matita nera Conté su carta avorio, 47,7×31,5 cm, Metropolitan Museum of Arts, New YorkDesideroso di dimostrare nella pratica le nuove teorie divisioniste, già nel 1884 Seurat pose mano al progetto di una nuova grande tela, che non si allontana, quanto a metodologia di preparazione e scelta del soggetto, da quella dei Bagnanti ad Asnières. Testimonianza del nuovo progetto è la lettera che spedì sei anni dopo aver concluso l'opera, all'amico critico Fénéon il 20 giugno 1890: «1884, giorno dell'Ascensione: Grande-Jatte, gli studi e il quadro». Sembrerebbe quasi che Seurat abbia voluto prendere a pretesto quella festività religiosa per significare l'inizio della sua «ascensione» artistica.Comunque sia, Seurat scelse l'isolotto della Grande-Jatte, sulla Senna, presso Neuilly sur Seine, come luogo ove ambientare il nuovo dipinto. Secondo quanto scrisse Signac il principio-guida era quello di fissare preventivamente la composizione: «Guidato dalla tradizione e dalla scienza, armonizzerà la composizione alle sue concezioni, cioè adatterà le linee , il chiaroscuro , i colori , all'elemento che vorrà far prevalere».  mattina, con la luce migliore, Seurat si recava alla Grande-Jatte per abbozzare scene dipinte a olio con tecnica impressionista - si contano più di trenta tavolette di studi - mentre il resto della giornata veniva passato nellatelier, disegnando a matita singoli particolari grazie al sostegno di una scala , a ritoccare la tela, sulla quale aveva steso uno strato di colore base, con i piccoli punti di diverso colore, secondo il principio della mescolanza ottica.Dopo circa due anni di lavoro Seurat presentò Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte all'Esposizione degli Impressionisti del 1886. Il dipinto fu accolto con sdegno e disapprovazione da gran parte dei pittori e dei critici dell'epoca, divertiti e sconcertati dall'ardita tecnica pittorica di Seurat. Ernst Bloch, filosofo morto nel 1977, non esitò a definirla «un mosaico di tedio» che con il suo «suicidio pittorico» coglieva la triste essenza della «miseria domenicale», mentre per i marxisti in generale si trattava di un indelebile simbolo dell'alienazione che, nel pieno fulgore della Belle Époque, tormentava l'umanità, e in particolar modo la modesta borghesia impiegatizia: si legga il giudizio di Paul Signac, anarchico convinto che riteneva questo dipinto una «vivida immagine della nostra epoca transizionale» che «testimonia i giganteschi conflitti sociali presenti tra i lavoratori e i capitalisti». L'unico che ebbe il coraggio di prendere le difese di quest'opera, oggi unanimemente considerata uno dei più grandi capolavori di Seurat, fu il critico Félix Fénéon, che nella rivista  Vogue scrisse di aver apprezzato moltissimo la «nuova maniera di interpretare la realtà» per mezzo di puntini - della particolarissima tecnica adottata in questo dipinto si parlerà nel paragrafo Tecnica - e i contenuti stessi del dipinto, raffigurante «un'isola alle quattro del pomeriggio popolata da un'umanità domenicale contenta di essersi riunita fortuitamente al fresco dell'aria aperta, assiepata tra gli alberi».Nonostante il fervente supporto del Fénéon l'opera non trovò acquirenti e rimase nellatelier di Seurat fino alla sua morte, avvenuta nel 1891. « madre di Seurat è più che ansiosa a causa della sorte che toccherà ai dipinti di grande formato del figlio dopo la sua morte» scrisse il Signac nel suo diario «vorrebbe farne un lascito per qualche grande museo ... ma, diciamocelo, quale grande museo accetterebbe di esporli?». Le osservazioni di Signac, purtroppo, in un primo momento si rivelarono esatte. L'opera, infatti, fu venduta in occasione di una monografica postuma di Seurat per la bella cifra di ottocento franchi ad un facoltoso borghese di Parigi: i tempi, tuttavia, non erano ancora maturi perché Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte fosse consacrata all'ufficialità del museo, tanto che persino il Metropolitan Museum of Art rifiutò di acquistarla, in seguito ad aspre discussioni nel 1911. Il primo a riconoscere le indubbie qualità del dipinto fu il mercante d'arte Frederic Clay Bartlett, grande appassionato degli avanguardisti francesi che comprò il dipinto per ventimila dollari, per poi donarlo al The Art Institute di Chicago. A nulla servì il comitato indetto nel 1931 che, dopo aver radunato ben quattrocentomila dollari, tentò di riacquistare l'opera per riportarla in Francia: il valore che Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte rivestiva nell'ambito del Modernismo europeo, ormai, era più che assodato.L'interpretazione che Seurat fornisce di questo tema, tuttavia, non è affatto idillica, e, anzi, spesso assume toni smaccatamente parodistici. Si guardi la coppia in primo piano a destra: davanti a un uomo con la tuba, il monocolo e l'immancabile sigaro in mano troviamo una donna che veste un elegante cappellino impreziosito da un mazzolino di fiori rossi che si rifugia sotto l'ombra di un parasole. Sono soprattutto due i particolari sul quale si sofferma l'irridente pennello di Seurat: innanzitutto il cul-de-Paris, la curiosa imbottitura posteriore utilizzata dalla signora per rendere sporgente il ricco drappeggio della sua gonna, ma che la visione laterale deforma in maniera sproporzionatamente grottesca, e infine la scimmietta che tiene disinvoltamente al guinzaglio: il massiccio incremento dei commerci, infatti, faceva sì che le compassate signore della Terza Repubblica potessero soddisfare questi piccoli capricci, vissuti da Seurat con grande ironia.

Prompt: Focus on A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte and explain the History.Please output in Italian.

Bagnanti ad Asnières
Ernst Bloch
Félix Fénéon
Metropolitan Museum of Art
Paul Signac


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In Annunciation (Filippo Lippi, London), how is the The Annunciation in theology of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ritratto di Luca Pacioli

Fritz Heinemann ritenendo, come risulterebbe dalla radiografia, che il cartiglio non sia autentico, attribuì nel 1962 il dipinto al pittore veneziano Alvise Vivarini.Luca Pacioli era sicuramente a Venezia tra il 1493 e il 1494, quando vi pubblicò la sua opera Summa de arithmetica, geometria, proportioni et proportionalita .Il manufatto di vetro sospeso sul lato sinistro della tela è fissato da una cordicella rossa con una sferetta sul fondo dell'elemento. Esso ha una similitudine con l'uovo che scende dalla conchiglia nella Pala di Brera di Piero della Francesca, amico e maestro del Pacioli. Il solido sospeso indicherebbe anche un legame con Alvise Vivarini, che faceva parte dell'antica famiglia di vetrai originari di Murano, ed il cui zio Bartolomeo aveva collaborato alla realizzazione della grande vetrata della chiesa veneziana dei Santi Giovanni e Paolo.

Prompt: In the context of Portrait of Luca Pacioli, explain the Alvise Vivarini and the Author's identity.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Luca Pacioli
Pala di Brera
Piero della Francesca
Summa de arithmetica


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cappella Niccolina

Beato Angelico venne chiamato a Roma nel 1445 da papa Eugenio IV, che lo aveva conosciuto personalmente nei suoi nove anni di soggiorno a Firenze. Del periodo tra il 1445 e il 1446 non restano tracce documentarie del lavoro dell'artista, che dovette riguardare una cappella nell'antica basilica di San Pietro, poi distrutta. Con l'elezione al soglio pontificio di Niccolò V  sono registrati tre ordini di pagamento  relativi agli affreschi della cappella privata del papa, forse iniziati già sotto Eugenio IV.Nell'estate del 1447 l'Angelico ed i suoi collaboratori  ricevettero una dispensa per recarsi temporaneamente a lavorare ad Orvieto, nella Cappella di San Brizio, dove lasciarono due affreschi in altrettanti spicchi della volta, per fare ritorno a Roma a metà settembre. Entro la fine del 1448 la decorazione della cappella doveva essere terminata e il 1º gennaio 1449 l'Angelico ricevette la commissione di un nuovo lavoro, la decorazione del perduto studio-biblioteca di Niccolò V, che forse era attiguo alla cappella e che era probabilmente opera meno estesa e impegnativa, terminata entro il ritorno dell'artista a Firenze, nei primi mesi del 1450.

Prompt: How does Niccoline Chapel explain its History?Please output in Italian.


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Madonna dei Candelabri

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: In Madonna of the Candelabra, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Vento leggero, mattino sereno

Le prime stampe appaiono spente rispetto alle opere che usualmente si vedono ma sono più vicine alla concezione originale di Hokusai. Sono note come stampe del "Fuji rosa" e sono molto rare. Le prime stampe presentano un cielo blu, volutamente irregolare, che aumenta la luminosità del cielo e dà movimento alle nuvole.  vetta è evidenziata da un alone color blu di Prussia. Le stampe successive hanno un tono di blu forte e uniforme e lo stampatore ha aggiunto un nuovo blocco di stampa in modo da sovrastampare le nuvole bianche all'orizzonte con l'azzurro. Le stampe successive impiegano anche un intenso pigmento, il rosa Bengala, che ha ispirato il nome al dipinto:Red Fuji. Il colore verde del blocco è stato reinciso, abbassando il punto di incontro tra la foresta e il pendio della montagna.È stata realizzata una versione alternativa della stampa con uno schema di colori completamente diverso; in questa versione le nuvole sono appena visibili nella parte superiore mentre il cielo è per lo più reso in un blu pallido e piatto, con una sottile striscia di grigio in alto e una striscia graduata di blu di Prussia lungo l'orizzonte che si estende sul pendio della montagna.

Prompt: How does Fine Wind, Clear Morning explain its Stamps?Please output in Italian.


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Assedio di Asola

L'assedio di Asola, conosciuto anche come Battaglia di Asola, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1544-1545 da Jacopo Tintoretto.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Siege of Asola.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Costanzana, in provincia di Vercelli, sorge un Santuario dedicato alla Madonna delle Grazie e ogni 8 settembre, preceduta da una Novena, si celebra una festa dedicata alla Beata Vergine.

Prompt: Explain the Costanzana about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Polittico di Valle Romita

Gotico internazionale in ItaliaCrocifissione

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Valle Romita Polyptych.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: In Annunciation (van Eyck, Washington), how is the Congregation orders Annunciation discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Cultural reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Maddalena Strozzi

Il ritratto venne commissionato dal marito della donna, Agnolo Doni, ricco mercante e mecenate fiorentino, assieme a un proprio ritratto, dopo il matrimonio avvenuto il 31 gennaio 1504. Lo stesso Doni aveva fatto dipingere a Michelangelo il famoso Tondo Doni, oggi agli Uffizi.I due ritratti, conservati a palazzo Doni, grazie alla straordinaria introspezione che fece scuola, ebbero un duraturo successo: tra i numerosi che Raffaello dovette eseguire a Firenze, sono gli unici di cui si sia tramandato il nome, fin dai tempi di Vasari.L'opera rimase in possesso dei discendenti fino al 1826, quando fu ceduta al granduca Leopoldo II di Toscana. Rispetto al ritratto del marito, il ritratto di Maddalena è lievemente anteriore. Radiografie dell'opera hanno mostrato come essa fosse inizialmente ambientata in una stanza con finestra, e altri studi hanno dimostrato come le dimensioni della tavola vennero accorciate per adattarsi in dittico al ritratto del marito.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino alla luce dell'allestimento delle sale dei "Grandi Uffizi", e ha riunito nel 2018 questo dipinto e il suo pendant al Tondo Doni in una nuova sala al secondo piano di quest'ultima galleria.

Prompt: How does Portrait of Maddalena Doni explain its History?Please output in Italian.

1826
Agnolo Doni
Eike Schmidt
Firenze
Galleria Palatina
Leopoldo II di Toscana
Tondo Doni


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (Pontormo), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

Cappella Bartolini Salimbeni Bartolini Salimbeni Gotico internazionale in Italia

Prompt: How does Bartolini Salimbeni Annunciation explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Bartolini Salimbeni
Cappella Bartolini Salimbeni
Gotico internazionale in Italia


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Il pifferaio

Il pifferaio  è un dipinto a olio su tela  del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1866 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: In The Fifer, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Jacopo de' Barbari

sua prima opera documentata è l'immensa  e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città.  matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro  e la Battaglia fra uomini e satiri , entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

Prompt: Describe the characteristics of the "Views of Venice" and other engravings in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Museo Correr
Repubblica di Venezia
Veduta di Venezia
Venezia


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Epifania

Nello stato della Louisiana l'Epifania segna l'inizio del Carnevale durante il quale è consuetudine cuocere i King Cakes, simili ai Rosca di cui sopra, dolci di forma rotonda, farciti con cannella, glassata di bianco e ricoperta di tradizionale zucchero abrasivo color carnevale.  persona che trova la bambola  deve fornire la prossima torta del re. L'intervallo tra l'Epifania e il Mardi Gras è talvolta noto come "stagione delle torte del re" e numerose di queste possono essere consumate in tale periodo.  stagione del carnevale inizia il King's Day , giorno a cui sono associate molte tradizioni in Louisiana e lungo le coste cattoliche del Mississippi, dell'Alabama e della Florida.Nella Virginia coloniale, l'Epifania o dodicesima notte era considerata come occasione particolarmente appropriata come data per danze e balli, oltreché per matrimoni. In tale occasione, era preparata Grande Torta, composta da due strati giganti di frutta, ricoperti e farciti con ghiaccia reale. L'usanza imponeva che il bambino più piccolo presente tagliasse e servisse la torta e chiunque trovasse il fagiolo o il premio venisse incoronato "Re del fagiolo" in modo simile all'usanza della torta del re europeo.A Erye, nello stato della Pennsylvania, è usanza che un re si nasconda nella torta e che il bambino che lo trovi diventi a sua volta re per una giornata.Tarpon Springs, in Florida, è nota per le elaborate cerimonie religiose legate alla Chiesa greco-ortodossa, la più importante delle quali è la celebrazione dell'Epifania. Il metropolita di Atlanta di solito presiede alle benedizioni, a volte affiancato dall'arcivescovo d'America. Le benedizioni si concludono con il lancio cerimoniale di una croce di legno nello Spring Bayou della città, mentre i ragazzi dai 16 ai 18 anni si tuffano per recuperarla. Si dice che chi recupera la croce sia benedetto per un anno intero. Dopo le benedizioni, la celebrazione si sposta agli Sponge Docks, dove viene servito il cibo e l’accompagnamento musicale Tarpon Springs è stata soprannominata Epiphany City.  celebrazione attira greci americani da tutto il paeseA Manitou Springs, nel Colorado, l'Epifania è segnata dalla gara a lanciare la torta di frutta il più lontano possibile, mentre i partecipanti si vestono da re e pagliacci.  manifestazione ha luogo dalle vacanze di Natale fino all’anno successivo con risvolti umoristici, visto che la torta di frutta è considerata con un certo grado di derisione nella maggior parte degli Stati Uniti ed è fonte di molti scherzi.

Prompt: In the context of Epifania, explain the United States and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

Alabama
Atlanta
Colorado
Florida
Louisiana
Manitou Springs
Natale
Tarpon Springs


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Nei primi anni del XIX secolo Hokusai pubblicò altre due opere in stile occidentale che possono essere considerate i precursori de  grande onda. Si tratta di  e di . In entrambe le immagini il primo piano è occupato essenzialmente da un'enorme onda raffigurata nell'atto di travolgere un'imbarcazione, rivelando l'esistenza di una chiara idea di fondo la quale si sarebbe evoluta fino al concepimento de  grande onda trent'anni più tardi.Alcuni anni più tardi Hokusai riprese il concetto alla base de  grande onda quando completò l'opera , per il secondo volume della serie Cento vedute del Monte Fuji. In questa stampa è presente la stessa relazione tra l'onda e il vulcano, e lo stesso scoppio di schiuma e bolle. L'immagine, tuttavia, manca di drammaticità per via dell'assenza delle barche e degli esseri umani, mentre la schiuma dell'onda si confonde con il volo degli uccelli. Mentre ne  grande onda il moto dell'onda è opposto al senso di lettura giapponese  ne Il Fuji dal mare l'onda e gli uccelli si muovono armoniosamente nella direzione più facilmente leggibile da un osservatore giapponese.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the An idea carried forward for thirty years of the Description explained?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Explain the Literature about the In the arts of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Madonna col Bambino, due santi e una santa

Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Firenze, Scala, 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna and Child with Three Saints (Mantegna).Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Focus on Annunciation (Antonello da Messina) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Statua di John Fane Charles Hamilton

Statua di John Fane Charles Hamilton  è un'opera bronzea che fu installata a Hamilton, in Nuova Zelanda, nel 2013 ove rimase esposta per sette anni, fino alla sua rimozione nel giugno del 2020.L'insediamento di Hamilton , prese il nome dal capitano Hamilton,, a cui la statua è dedicata,  un ufficiale della marina inglese che fu ucciso nella battaglia di Gate Pā durante l'invasione coloniale della terra dei Maori.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Statue of John Fane Charles Hamilton.Please output in Italian.

John Fane Charles Hamilton
Maori
Nuova Zelanda


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the In the ancient Church of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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Ritratto di giovane con la mela

Il soggetto è ritratto a metà figura, con il busto di tre quarti verso sinistra e la testa leggermente ruotata verso lo spettatore, mentre lo sguardo diverge a destra, evitando un contatto visivo diretto e manifestando così un senso di schiva alterigia e austerità, consono all'atteggiamento di un potente.Le mani poggiano su un parapetto, reggendo una mela. Esse sono leggermente sottodimensionate, ma si adattano a un adolescente: infatti se il ritratto fosse veramente quello di Francesco Maria, all'epoca avrebbe avuto quattordici anni. L'abbigliamento è principesco: in testa indossa una berretta rossa, calzata leggermente inclinata, con un nastro scuro che sporge, mentre addosso ha una casacca lavorata  a inserti bianchi su rosso, con un vistoso collo di pelliccia di zibellino che copre anche i bordi e forse foderava tutto il busto; la veste è rossa e la camicia bianca si vede al collo e ai polsi. Il capelli castani sono tagliati a caschetto, gli occhi un po' sporgenti, il naso dritto e fine, le labbra sottili, che sembrano quasi serrate aristocraticamente, il mento ha una fossetta. I dettagli fisici, anche quelli esteticamente imperfetti, sono trattati dall'artista con un'oggettività aulica e raffinata, che non intacca per niente il senso di dignità della figura. mela dorata sembra rafforzare simbolicamente l'identificazione con Francesco Maria: proprio nel 1504 venne scelto come erede del Ducato di Urbino dallo zio Guidobaldo e il pomo dorato alluderebbe alla scelta di Paride, che gli avrebbe fruttato la carica temporale futura.Il paesaggio dello sfondo richiama i modelli umbri con elementi genericamente tipici come il laghetto, le colline che sfumano in lontananza, qualche alberello fronzuto.Straordinaria è la freschezza cromatica del dipinto, basata sui toni rossi intensi in contrasto con il paesaggio dai colori freddi, facendo sì che si esaltino a vicenda.

Prompt: In Young Man with an Apple (Raphael), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Zuccone

Il profeta Abacuc è così poco idealizzato, con tratti somatici irregolari e capelli tagliati quasi a zero, che i fiorentini gli attribuirono il nome di "Zuccone". Le statue di questo lato furono le ultime quattro ad essere scolpite tra il 1420 e il 1435 ed erano destinate originariamente al lato nord, quello meno visibile perché vicino alla parete della cattedrale. A lavori ultimati gli Operai del Duomo furono così soddisfatti delle opere che le collocarono nel lato ovest, il più importante poiché parallelo alla facciata, spostando quelle più antiche di Andrea Pisano e bottega. Con l'anticipo di 22 fiorini ricevuto per l'opera Donatello pagò le sue tasse arretrate. Le altre tre statue su questo lato sono un Profeta, già identificato con san Giovanni Battista, di Nanni di Bartolo , il Profeta Geremia sempre di Donatello  e Abdia di Nanni di Bartolo .Vasari nelle  Vite ricorda come nello Zuccone fosse ritratto un avversario dei Medici, tale Giovanni Chiericini che era diventato ricco dal nulla ed era morto a Firenze nel 1416. Vasari riporta anche vari aneddoti sulla statua come quello che Donatello fosse solito giurare su di essa, come si giura sulla cosa più cara, o come il fatto che la invitasse spesso a parlare: un topos legato ai grandi capolavori della scultura, secondo il quale ad essi non manchi che la parola per esser vive, a causa dallo straordinario realismo.Le statue delle nicchie vennero trasferite nel museo nel 1937 e sostituite all'esterno da copie. Annerite dagli agenti atmosferici sono tuttora in corso di pulizia a restauro. Lo Zuccone è tra quelle già restaurate.

Prompt: Focus on Zuccone and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna Solly

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Solly Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Vanità

Nel comportamento umano, la vanità viene vista come futile e puerile compiacimento di sé; assenza di valori morali; superficialità, mancanza di serietà.Il Dizionario analogico della lingua italiana spiega la voce "vanità" con: «immodestia, civetteria; spocchia; narcisismo, egocentrismo", da cui discendono le "Azioni: farsi bello, pavoneggiarsi, fare il pavone, fare il gallo; fare la ruota, darsi importanza, mettersi in evidenza, mettersi in mostra». Gli aggettivi applicabili alle persone sono in questo caso "vanesio, vanitoso, fatuo, tronfio; pavone, Narciso; smorfiosa, civetta."Nel suo Dizionario dei sinonimi della lingua italiana, Niccolò Tommaseo pone il termine "vanità"  nell'area semantica della superbia insieme ad alterigia, orgoglio, disdegno, presunzione. « vanità è vana opinione del proprio merito, congiunta alla smania di mettere il proprio merito in cose vane e dappoco.  vanità ha più del ridicolo che i vizii notati [...] viene da leggerezza di mente [...]. Tanto la vanità si distingue dai vizii notati, che in luogo d'essere arrogante, ambiziosa, presuntuosa, altera, superba, la si collega, talvolta, a certa semplicità, a certa grazia; in specialità nelle donne».Comunemente la vanità è definita come l'eccessivo desiderio di attuare una propria perfetta immagine  da esporre al pubblico, al prossimo o al mondo. Nel parlare popolare, alcuni confondono la vanità con l'orgoglio e l'egoismo o la superbia. Ma appartiene più all'area della superficialità che del male.  religione cattolica, ad esempio, non la vanità, bensì la superbia annovera tra i vizi capitali.Il concetto della vanità si esprime nella mitologia greca, in modo sintetico e preciso, attraverso la figura di Narciso. Egli, giovane innamorato dell'immagine di sé riflessa nell'acqua del fiume, non può più allontanarsene:«Contempla gli occhi che sembrano stelle, contempla le chiome degne di Bacco e di Apollo, e le guance levigate, le labbra scarlatte, il collo d'avorio, il candore del volto soffuso di rossore [...] Oh quanti inutili baci diede alla fonte ingannatrice! [...] Ignorava cosa fosse quel che vedeva, ma ardeva per quell'immagine [...]» finendo, in tal modo, di morire d'amore.

Prompt: Describe the characteristics of the human behavior in Vanity (Titian)'s In psychology.Please output in Italian.


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Cortile dello scalpellino

Il Cortile dello scalpellino è un dipinto a olio su tela  di Canaletto, databile al 1727-1728 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Stonemason's Yard.Please output in Italian.


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Ritratto del cardinale Tavera

Il Ritratto del cardinale Tavera è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato nel 1609 e conservato nel'Hospital de Tavera a Toledo in Spagna. Si tratta di un dipinto dell'ultimo soggiorno tolediano.

Prompt: Focus on Portrait of Juan Pardo de Tavera and explain the Abstract.Please output in Italian.

1609
El Greco
Hospital de Tavera
Spagna
Toledo


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Pala di San Marco

predella della pala di San Marco è composta da nove pannelli oggi sparsi in più musei. Al centro si trovava la Pietà, mentre ai lati si trovavano otto storie dei santi Cosma e Damiano, sei sul lato principale e la prima e l'ultima sui fianchi. Queste tavole, relativamente grandi per una predella , sono in larga parte autografe dell'Angelico e, a parte la tavoletta di Washington, in stato di conservazione ottimale. L'Angelico vi diede uno dei più alti saggi della sua arte nella rappresentazione di scene animate, ricche di invenzioni e notevoli da un punto di vista compositivo, luministico e del colore.#Guarigione di Palladia, National Gallery of Art, Washington D.C.#San Cosma e san Damiano davanti a Lisia, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera#San Cosma e san Damiano salvati dall'annegamento, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera#Condanna al rogo dei santi Cosma e Damiano, National Gallery of Ireland, Dublino#Pietà, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera#Crocifissione dei santi Cosma e Damiano, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera#Decapitazione dei santi Cosma e Damiano, Museo del Louvre, Parigi#Sepoltura dei santi Cosma e Damiano, Museo nazionale di San Marco, Firenze#Guarigione del diacono Giustiniano, Museo nazionale di San Marco, Firenze</div>

Prompt: Explain the The prediction. of this artwork, San Marco Altarpiece.Please output in Italian.


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Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli

Su uno sfondo scuro si vede la contessa, ben tornita, indossante una ricca veste di velluto scarlatto, con lo scollo e il petto di mussolina pieghettata, e un ricco corredo di gioielli. Lo sguardo è rivolto verso destra, idealmente verso il ritratto del marito. Attorno ad essa stanno i tre figli Troilo, Federico e Ippolito. Tale iconografia compare per la prima volta nell'arte italiana, ispirandosi alle figure della Carità: solo Holbein aveva fatto qualcosa di simile anteriormente.Complessa appare l'attribuzione dei fanciulli, che sembrano di mani diverse, tutte di qualità,  e che forse vennero aggiunti via via. Essi infatti non interagiscono tra loro e stanno attorno alla madre guardando in direzioni diverse. Quello di sinistra nell'angolo, il più giovane, ricorda certi Gesù Bambino di pale del Parmigianino , mentre quello vicino ha l'aspetto elegantemente devitalizzato dell'arte di Bronzino

Prompt: Focus on Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

All'interno del santuario Kameido Tenjin (Le  costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia .  serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo . Più precisamente, essa appartiene al genere  che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie..</ref>}}

Prompt: How does One Hundred Famous Views of Edo explain its Abstract?Please output in Italian.

1855
1856
1858
Cinquantatré stazioni del Tōkaidō
Giappone
Utagawa Hiroshige
Hiroshige II
Utagawa Hiroshige
Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō
Trentasei vedute del Monte Fuji
Hiroshige II
Vincent van Gogh


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La Muta

Su uno sfondo scuro uniforme una donna è ritratta a mezza figura leggermente di tre quarti, voltata verso sinistra. L'opera mostra l'ispirazione leonardesca, con una posa simile a quella della Gioconda e con il graduale affiorare della figura dall'ombra, ma se ne distacca per una definizione più netta dei lineamenti fisici e dell'abbigliamento. Originale è il dettaglio delle mani appoggiate sul bordo inferiore, come se combaciasse con un ipotetico parapetto, colte in un gesto inquieto, che tradisce l'ispirazione fiamminga, presa da opere a Firenze come il Ritratto di Folco Portinari di Hans Memling.  posa delle mani ricorda quella del Ritratto di Maddalena Strozzi, mentre lo sfondo neutro quello della Gravida. L'influenza fiamminga, forse mediata dall'esempio della ritrattistica del Ghirlandaio, si manifesta anche nella generale lucentezza della superficie pittorica, come pure nel trattamento dei particolari, quali i motivi ricamati sulla veste. Quest'ultima è una gamurra di panno verde con bande di velluto rosso. Le maniche sono di panno castagnino allacciate con nastri rossi che lasciano apparire lo sbuffo della sottoveste, una camicia di lino con ricami in nero. Al livello della vita un grembiule di tela bianca è annodato alla veste con una fettuccia rossa, secondo la moda del tempo illustrata, ad esempio, dalla scena della Natività di san Giovanni affrescata dal Pinturicchio nella cappella di San Giovanni Battista del Duomo di Siena. Tra i gioielli che impreziosiscono le dita della donna, quello della mano destra è il più originale per via della forma rialzata di probabile influenza nordica, mentre il rubino dell'anulare sinistro  come lo zaffiro dell'indice sinistro  sono modelli ancorati nella tradizione orafa fiorentina. Il pendente con croce è costituito da una catena d'oro a maglie fitte e appiattite.  catena è annodata a metà del busto, come nella Dama col liocorno.  croce ha nel mezzo una pietra a cabochon , mentre i bracci sono decorati con un motivo formato da volute di tralci vegetali  che terminano con un fiore rosso.Le indagini diagnostiche pubblicate nel 1983 non hanno consentito di escludere la possibilità che il pendente sia un'aggiunta posteriore. Tuttavia, esse hanno messo in evidenza diversi pentimenti, visibili in parte anche ad occhio nudo, che toccano in particolare il disegno dell'occhio destro, quello della spalla, del velo e della manica sinistra, il profilo sinistro dell'acconciatura dei capelli e, soprattutto, il disegno della mano destra. Nella prima stesura il dorso della mano era visibile ed il pollice destro era disteso lungo il polso sinistro con le altre dita leggermente più corte ed orientate verso la sinistra parallelamente all'attuale disegno del mignolo. Se è lecito ricondurre le varianti ad una correzione della torsione della figura, alcuni studiosi attribuiscono tali pentimenti ad un aggiornamento parziale del dipinto dettato dalla sopraggiunta vedovanza della donna raffigurata. A distanza di alcuni anni dalla versione iniziale, la seconda stesura avrebbe dunque perseguito lo scopo di rendere più severa la composizione. Senza dover necessariamente sottoscrivere alla tesi della duplice versione, va notato che il fazzoletto che la donna stringe nella mano sinistra come pure il colore verde dominante della sua tenuta vestimentaria sono entrambi «simbolo di lutto e vedovanza» sicché si può «affermare abbastanza tranquillamente [...] che siamo di fronte ad una vedova, anche se non in lutto stretto». determinazione espressiva del personaggio per quanto intensa è stata a lungo considerata indecifrabile. Tale opacità interpretativa è pertanto all'origine del titolo di Muta attribuitole dalla tradizione insieme a quello di Donna in verde o di Donna dalla catena d'oro.  fissità dello sguardo, caratterizzato anche da un leggero strabismo legato alla dislocazione a sinistra dell'iride destra, in associazione con l'austerità della figura e con l'enigmatico significato dell'indice teso della mano sinistra accrescono tuttora, con il loro carico interrogativo, il fascino del dipinto. Tuttavia, il recupero del contesto storico-iconografico che attribuisce una probabile identità al soggetto ed un motivo, il lutto, al suo atteggiamento espressivo rendono meno impenetrabile l'atmosfera sentimentale del quadro e danno ragione alle perspicue proiezioni psicologiche non esenti da accenti romantici che illustri critici hanno espresso nel commentare l'opera. È il caso del Müntz per il quale :  del Venturi che sottolineava :  e sulla sua scia, dell'Alazard che osservava come :

Prompt: Focus on Portrait of a Young Woman (La Muta) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Dama col liocorno
Gioconda
Hans Memling
Pinturicchio
Ritratto di Folco Portinari
Ritratto di Maddalena Strozzi
Strozzi


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Il dipinto del Metropolitan Museum di New York sarebbe quello riportato nell'Inventario dei beni del cardinal Francesco Maria Bourbon del Monte, compilato il 21 febbraio del 1627: "Nella terza stanza à mano destra [del palazzo di Ripetta]...un Quadro con un'huomo, che suona il leuto di Michel Angelo da Caravaggio con Cornice negra di palmi sei" , non l'originale che si credeva perduto, ma una copia. Alla morte del cardinale gli eredi del Monte lo vendono alla famiglia Barberini, acquisito dal cardinale Antonio come risulta da un libro spese del 16 maggio 1628. L'inventario dell'aprile 1644 del cardinale Antonio Barberini annota la presenza del dipinto "Nella stanza di Parnasso", con cornice dorata, nel palazzo ai Giubbonari. Nel 1697 risulta dei Barberini nel palazzo alle Quattro Fontane. Nei secoli scorsi anche la Gentileschi a Washington che accorda il liuto era considerata di Caravaggio.  registrazione effettuata nel 1817, il dipinto a New York viene venduto ed acquistato nel 1939 dalla Wildenstein & Co. di Parigi-Londra ed è in deposito al Metropolitan Museum di New York, per prestito della società. Maurizio Marini, che nutriva dubbi sulla versione Del Monte-Barberini, lo datava al 1595 .

Prompt: Describe the characteristics of the ThePaintingOfTheMountain in The Lute Player (Caravaggio)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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La pastorella

pastorella  è un dipinto di William-Adolphe Bouguereau, risalente al 1889 ed oggi conservato al museo d'arte Philbrook di Tulsa, in Oklahoma. Il nome originale del dipinto, Pastourelle, deriva dal dialetto francese meridionale.

Prompt: In The Shepherdess, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Oklahoma
Tulsa
William-Adolphe Bouguereau


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Polittico di San Gregorio

Materiale informativo a cura della Galleria regionale di Messina .

Prompt: In San Gregorio Polyptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

sinistraAmpio più di 600 metri quadrati, il ciclo è diviso in uno schema fluido, dove sono assenti le nette cesure schematiche del secolo precedente, e in cui le figure dialogano e si richiamano l'un l'altra, culminando nella scena centrale. Sono così accoppiati la scena della Prudenza di Fabio Massimo e due orsi, a simboleggiare Sagacia; la Temperanza di Scipione e un liocorno per la Temperanza; la Storia di Muzio Scevola e il leone come emblema di Fortezza; la Giustizia di Tito Manlio e lippogrifo per la Perspicacia. Al lato opposto è la Pace in trono, consigliata dalla Prudenza che invia una fanciulla a chiudere le porte del tempio di Giano . Ciclopi lavorano nelle officine per fabbricare armi, mentre il Furore viene disarmato dalla Mansuetudine e deve stare fermo su una catasta d'armi. Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è invece raffigurato il Sole, simbolo dei Barberini.uprightErcole che scaccia le ArpieLe pareti sui lati corti mostrano, da un lato, la caduta dei Giganti, su cui si libra Minerva, alludendo alla vittoria dell'intelligenza sulla forza bruta . Di rimpetto, nella parete finestrata della facciata principale, Ercole allontana i Vizi e le Arpie, simbolo di avarizia, dov'è anche una giovinetta con la fascia di console allude alla Giustizia, mentre la Liberalità inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia. Sul registro inferiore del finto fregio marmoreo che incornicia quest'ultima scena è raffigurata, sempre entro un cartiglio a monocromo, la Clava che germoglia.L'intero ciclo venne prima studiato in vari disegni preparatori di cui ne rimangono solo alcuni, in collezioni pubbliche e private provenienti dalla dispersione delle collezioni Barberini: uno studio della Venere, di Ercole e le Arpie e del tempio nella scena del Trionfo della Pace sono agli Uffizi, altri pezzi sono invece a Londra e Oxfrord. Non ci è pervenuto il bozzetto finale, che sicuramente dovette esistere, sottoposto ai committenti per l'approvazione finale.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Allegory of Divine Providence and Barberini Power.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Come Grant, Sherman era convinto che fosse necessario abbattere la capacità strategica, economica e psicologica confederata di raccogliere risorse per finanziare la guerra. Per far questo non esitò a mettere in pratica tattiche di terra bruciata.L'avanzata delle truppe di Sherman furono caratterizzate da enormi devastazioni che riguardarono sia risorse civili sia infrastrutture militari e non. Anche se il saccheggio era ufficialmente proibito, gli storici sono in disaccordo su quanto bene questa proibizione fosse fatta rispettare.L'efficienza con cui l'armata di Sherman portò avanti la devastazione fu impressionante. Diventarono famose le cosiddette "cravatte di Sherman", ovvero la pratica messa in atto dalle forze unioniste di scaldare le rotaie dei treni fino a che non era possibile intrecciarle intorno a tronchi d'albero. Sherman divenne una figura controversa in seguito ad accuse di crimini di guerra.I danni procurati dalle forze di Sherman riguardarono solo le proprietà, e sembra che le perdite civili fossero state molto poche. base della

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Total war and the Strategy.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Explain the Location of the Last Supper about the New Testament of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.


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Pala di San Cassiano

Il nome della pala deriva dalla chiesa veneziana di San Cassiano a cui era originariamente destinata. Venne commissionata dall'armatore veneziano Pietro Bon  ed ebbe un dirompente successo tra i colleghi veneti, sia per l'uso, fino ad allora piuttosto inconsueto, dei colori a olio, sia per l'innovativa composizione.

Prompt: In San Cassiano Altarpiece, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Bellezza

Criteri puramente estetici: armonia nella composizione, omogeneità, spiccata rappresentazione del sesso a cui appartiene l'oggetto, proporzioni vitruviane, simmetria. Criteri di tipo riproduttivo: armonia nella composizione, caratteri sessuali secondari, conformità allo standard genetico e etnico, forza, giovinezza, funzionalità dei genitali, salute. Criteri di tipo genetico: completamento delle proprie lacune o eccessi fisici o mentali, diversità etnica, simmetria.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Objective criteria in the evaluation of bodily beauty and the Introduction.Please output in Italian.


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Una sirena

Il quadro del 1861.Il primo dipinto noto di Jerichau-Baumann a ritrarre una sirena venne esposto nella primavera del 1861 al Salone di Parigi. Un critico d'arte francese la descrisse come una "creatura fatidica, che, a causa della sua attrattiva, farebbe incagliare l'Odisseo scandinavo". Quando all'età di 19 anni Wanda Zahrtmann visitò lo studio di Jerichau-Baumann nel dicembre dello stesso anno, rimase colpita immediatamente dallo sguardo della creatura marina, a tal punto che il 24 dicembre decise di comprarlo per 1200 rigsdaler. In una lettera alla pittrice, Wanda le disse che continuava a immaginarla sia da sveglia che di notte. Il quadro fu poi presentato al pubblico alla mostra annuale di primavera di Charlottenborg. Andersen la ringraziò con una poesia breve in una lettera non datata.

Prompt: In the context of Mermaid (Jerichau-Baumann), explain the Paintspreviousontheme and the History.Please output in Italian.


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__NOTOC__Il San Michele sconfigge gli angeli ribelli è un dipinto, olio su tela di  di Luca Giordano databile 1666 circa e conservato presso il Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Fall of the Rebel Angels (Giordano).Please output in Italian.

1666
Kunsthistorisches Museum
Luca Giordano
Vienna


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Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: In Epifania, how is the Giovanni Chrysostom of the Theology explained?Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


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Musica

Nel Cristianesimo ebbe grande diffusione il canto, perché lo stesso "Cristo" veniva descritto come un cantore insieme ai suoi discepoli: "E dopo aver cantato l'inno uscirono verso il monte degli Ulivi . musica nel cristianesimo si sviluppò molto nel luogo di culto, la chiesa: si trattava della musica che veniva eseguita nella liturgia celebrativa della messa.Si può ipotizzare che la forma iniziale della musica liturgica fosse monodica  e basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale , variazione che era dettata dalla prosodia  delle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose col tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'offertorio, in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile detto melismatico. trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'uso liturgico.Agli inizi del VI secolo, esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato, associato ad uno specifico cantus planus, ovvero un tipo di canto liturgico monodico .   tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato di Gregorio Magno  si sia avuta la spinta decisiva all'unificazione dei riti e della musica ad essi soggiacente.In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione avvenisse quasi due secoli più tardi, ad opera di Carlo Magno e sotto l'impulso della unificazione politica che portò alla nascita del Sacro Romano Impero. L'attribuzione a Gregorio Magno sarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambienti ecclesiastici, costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddetto antifonario gregoriano, che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - ai modi della tradizione greca .Il repertorio del canto gregoriano è molto vasto e viene differenziato per epoca di composizione, regione di provenienza, forma e stile.Esso è costituito dai canti dell'Ufficio  e dai canti della Messa. Nei canti dell'Ufficio si riscontrano le seguenti forme liturgico-musicali: le Antifone, i Responsori  i "cantica"  e gli Inni ; Nei canti della Messa vi sono forme legate alle parti dell'Ordinario o Ordinarium Missæ  e del Proprio o Proprium Missæ .Sia nei canti dell'Ufficio come in quelli della Messa si riscontrano tutti i generi-stili compositivi del repertorio gregoriano; essi si possono classificare in tre grandi famiglie: I canti di genere sillabico  come ad esempio le più semplici Antifone dell'Ufficio, le melodie semplici dell'Ordinario e i recitativi del Celebrante; I canti di genere semisillabico o neumatico  come ad esempio gli Introiti e i Communio della Messa o alcune antifone più ampie dell'Ufficio; I canti di genere melismatico  come ad esempio alcuni Graduali e Offertori o i responsori prolissi dell'Ufficio O il più importante lo jubilus dell'Alleluia. riforma gregoriana sostituì lo studio dei testi alla trasmissione orale delle scuole di canto delle origini, sacrificando, oltre alle particolarità regionali  e all'intonazione micro-tonale  anche il ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire le musiche sempre nello stesso modo, con una linea melodica che indicava la sua direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari  che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, .  scrittura neumatica divenne così la prima "notazione", da cui poi la parola "nota", musicale moderna.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Medieval sacred music of the The studio explained?Please output in Italian.

Alleluia
Carlo Magno
Cristianesimo
Messa
Sacro Romano Impero
VI secolo


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Stufetta del cardinal Bibbiena

Si tratta di un ambiente a pianta quadrata  coperta da volta a crociera, decorata a fresco e a stucco su modello della Domus Aurea. Sulla parete orientale si apre la porta e su quella opposta una finestra; le altre due hanno al centro una nicchia sopra una lastra di marmo e un riquadro con mascherone. volta e le lunette sono decorate da esili grottesche su sfondo bianco e rosso, mentre ai lati della porta, della finestra e delle nicchie si trovano otto riquadri  con "storiette" mitologiche: a settentrione Venere e Adone e uno scomparto illeggibile; a oriente la Nascita di Erittonio e la Nascita di Venere; a sud Venere e Amore condotti dai delfini e Venere ferita da Amore; a ovest Pan e Siringa e uno scomparto distrutto, probabilmente già decorato con Venere che si cava una spina, come si evince da un'incisione del Dente.Sotto ciascuno di queste scene si trovano riquadri minori a fondo nero, con puttini alati su piccoli carrelli trainati da tartarughe, chiocciole, draghi e farfalle. capacità straordinaria di ricreare l'antica decorazione si inquadra negli interessi archeologici del Sanzio e della corte pontificia di quegli anni: non a caso l'artista si era imbarcato nell'impresa di ricreare una pianta della Roma imperiale.

Prompt: In Stufetta del cardinal Bibbiena, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The self-portrait of the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Philosophy and the Philosophy.Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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La ragazza cieca

L'opera, realizzata da Millais a Perth, raffigura due giovani donne, probabilmente sorelle, che siedono al di sotto di un cielo ingombro di nuvole. Di queste, la fanciulla a destra è intenta ad ammirare il paesaggio che le si apre davanti; sua sorella, tuttavia, non può partecipare alla contemplazione del panorama, essendo cieca. Malgrado la sua cecità, i suoi altri quattro sensi sono ben attivi; la sua testa, infatti, è leggermente sollevata, come se stesse odorando gli effluvi dei fiori trasportati dal vento, e con le dita sta palpando l'erba fresca.  sussistenza di ambedue le fanciulle è garantita dalla concertina posata sulle ginocchia della ragazza cieca, che pertanto si rivela essere una musicista; sul collo di quest'ultima, inoltre, è collocato un fascio recante la scritta «PITY THE BLIND». Diversi animali, infine, completano la scena; una piccola farfalla che si posa sul velo della donna ipovedente e diversi corvi, presagi della morte imminente, che riposano nei campi.Il dipinto, completato da Millais a Perth, fu esposto per la prima volta alla Royal Academy nel 1856, per poi apparire l'anno successivo nella galleria d'arte di Liverpool, dove vinse un premio di cinquanta sterline. Il pathos trasportato da quest'opera si guadagnò i plausi del preraffaellita Dante Gabriel Rossetti, che in una lettera del 1856 indirizzata all'amico William Allingham constatò che si trattava «di una delle cose più commoventi e perfette che abbia mai visto».Il pennello di Millais, in effetti, ha ricolmato  ragazza cieca di un senso di melanconia e scoramento, sentimenti enfatizzati dalla tavolozza adottata in questo dipinto; le vesti sbiadite delle due ragazze, che insieme seguono uno schema piramidale, fa pendant ai toni pallidi del paesaggio retrostante. Ciò malgrado in fondo alla scena si irraggia lo spettro dell'arcobaleno, che porta con sé un vago senso di speranza, non potendo essere visto dalla ragazza cieca; la quiete dello sfondo, infine, ci suggerisce che quest'ultima, malgrado i suoi travagli fisici, vive una condizione di beatitudine e placidità.

Prompt: In The Blind Girl, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

Dante Gabriel Rossetti
Perth
William Allingham


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra VII portò alla fine dell'ultima guerra civile della Roma repubblicana, combattuta tra Ottaviano e Marco Antonio. Suicidandosi, Cleopatra sfuggì alla possibilità di essere portata a Roma ed essere esibita come un "trofeo di guerra" di Ottaviano, il quale nel 27 a.C. sarebbe divenuto imperatore col nome di Augusto. Ottaviano fece uccidere Cesarione, ma risparmiò i figli che Cleopatra aveva avuto da Marco Antonio e li portò a Roma: una delle figlie di Antonio, Cleopatra Selene II, avrebbe sposato il re Giuba II di Numidia. Con la fine della dinastia tolemaica l'Egitto divenne una provincia romana  e così rimase fino alla conquista musulmana dell'Egitto, avvenuta tra il 641 e il 654.

Prompt: Explain the Consequences about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan).Please output in Italian.

Cleopatra
Giuba II
Marco Antonio
Numidia


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Arringatore

Sulla toga della statua si legge la seguente iscrizione in caratteri etruschi del II sec. a.C.:"auleśi meteliś ve vesial clenśi cen flereś tece sanśl terine tuθineś χisvlicś".Romolo Augusto Staccioli riporta la traduzione delle prime sette parole ed è incerto sull'ottava:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi questa statua pose ……… ".Piero Bernardini Marzolla, basandosi su presunte corrispondenze col sanscrito, ha integrato la traduzione comunemente accettata, come segue:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi, l'assemblea eresse questa statua, grazie al versamento di pubblico contributo".

Prompt: How does The Orator explain its Registration?Please output in Italian.

Piero Bernardini Marzolla
Romolo Augusto Staccioli


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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amore

Nel Corano c'è scritto "Chi non prova affetto non riceverà affetto".Ishq, o amore divino, è parola d'ordine del sufismo nella tradizione islamica. I praticanti del Sufismo credono che l'amore sia una proiezione dell'essenza di Dio con l'universo; Dio desidera riconoscere la bellezza, è come quando ci si guarda in uno specchio per vedere sé stessi.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Islam and the Etymology.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Van Gogh self-portrait (1889) explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.


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Epifania

Le celebrazioni in Guadalupa hanno un'atmosfera diversa da qualsiasi altra parte del mondo. Epifania qui non significa l'ultimo giorno delle celebrazioni natalizie, ma piuttosto il primo giorno di Kannaval , che dura fino alla sera prima del Mercoledì delle Ceneri. Il carnevale, a sua volta, si conclude con il grand brilé Vaval, l'incendio di Vaval, il re dei Kannaval, tra le grida e i lamenti della folla.

Prompt: Explain the Isolated Guadalupe about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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San Marco in trono

Su un alto trono, ispirato alla Pala di Castelfranco di Giorgione, san Marco si erge statuario, vangelo alla mano appoggiato scenograficamente sul ginocchio, ricordando la maestosità di sculture coeve. In basso stanno i santi Cosma e Damiano, due medici, san Sebastiano e san Rocco, patrono degli appestati che mostra, come al solito, la sua piaga aperta sulla gamba. Nel volto di san Rocco è stato individuato un possibile autoritratto giovanile dell'artista, mentre altri ipotizzano che nei santi, così individualizzati, siano nascoste le fisionomie di personaggi contemporanei, magari personalità di spicco nell'assistenza ai concittadini. Il pavimento a scacchi chiarisce la collocazione dei santi nello spazio, ben riuscita e generante una sicura circolazione di forme e masse. plastica monumentalità e l'elemento asimmetrico del fondale architettonico a destra derivano invece dalla Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo. Molto originale è poi l'illuminazione, che accende i colori delle vesti, ma lascia spregiudicatamente in ombra il volto del santo: si tratta di un dinamismo definito "meteorologico", che anticipa le innovazioni della Pala Pesaro.  gamma di colori è limpida e squillante, con una predilezione per le tinte pure, quelle che assicuravano la maggior brillantezza: blu, giallo, rosso, verde. In questa scelta si può notare un'influenza della tavolozza delle opere di Dürer, a Venezia nel 1506.

Prompt: How does St. Mark Enthroned explain its Description and style?Please output in Italian.

1506
Cosma e Damiano
Giorgione
Pala Pesaro
Pala di Castelfranco
Pala di San Giovanni Crisostomo
Sebastiano del Piombo
Venezia


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Venere e Amore spiati da un satiro

Venere e il figlio, incarnazioni dell'erotismo, si sono assopiti totalmente nudi - appena sopravvelati dall'ampio drappo azzurro - e tali appaiono non appena il satiro voglioso  silentemente li scopre.Il soggetto era piuttosto comune nel Cinquecento, probabilmente derivava dalla descrizione di un bassorilievo che ornava una fontana presente nella Hypnerotomachia Poliphili di Francesco Colonna e dall'incisione che accompagnava quel testo.L'atmosfera innegabilmente lasciva inviterebbe a lèggere la scena come un'allegoria delle potenze progenitrici della natura e dei piaceri dell'amore carnale. L'idea della forza terrestre onnipervasiva sembra essere il soggetto principale del dipinto. Infatti da sotto il lenzuolo, sul quale sono sdraiati Venere e Cupido, spunta una torcia accesa, le cui fiamme sono rivolte verso l'alto: simbolo dell'amore non sopito, e assai temibile.  pelle del gran leone sulla quale dormono Venere e Cupido può rappresentare - al contrario - il concetto astratto della fortezza temperante, anche perché le frecce della faretra pericolosa sono immobili, e l'arco è ben custodito dalla dea madre.E se l'Educazione di Amore si riferiva alla fulgida dea come portatrice di alti sentimenti positivi , così questa tela affiancante - quale imprescindibile compimento di una cultura tutta rinascimentale, pienamente vissuta dal Maffei - è dedicata all'insorgere dell'eros come dono universale, egualmente offerto dalla Venere Pandemia, ossia da una potenza divina che non dimentica alcuno.Rispetto ai possibili modelli, il dipinto del Louvre spicca per essere al tempo stesso meno volgare e più seducente.  sensualità della Venere addormentata è valorizzata dalla posa arcuata del suo corpo su cui si riverbera la calda luce del crepuscolo, ma la presenza del paffuto cupido che riposa sereno al suo fianco, sfiorandole una coscia, così come l'espressione dolce del satiro-fanciullo che spia la scena, rendono l'immagine molto più fresca e dolce rispetto a lavori simili che forse il Correggio poté aver conosciuto.Al modo del Correggio maturo la composizione è apparentemente semplice, ma in realtà estremamente complessa, continuamente ingegnata su diagonali, scorci e rimandi , e impostata per la visione dall'alto, quella del satiro.

Prompt: In Venus and Cupid with a Satyr, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Gradini in marmo che conducono alla Basilica di Santa Maria in Aracoeli a Roma

Il dipinto fu realizzato durante il soggiorno di tre anni a Roma di Eckersberg.  basilica di Santa Maria in Aracoeli si trova al Campidoglio. Eckersberg realizzò il dipinto ambientandolo al mattino quando la facciata in mattoni decorati della basilica è ancora all'ombra. Ha scelto una posizione bassa per ottenere linee diagonali e verticali nel dipinto. Il fulcro del dipinto è l'anonimo insediamento medievale lungo la rampa le cui pareti sono ricoperte di intonaco fiammeggiante e alterato dagli agenti atmosferici. Questi edifici furono demoliti nel XIX secolo quando fu eretto il Vittoriano.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Marble Steps Leading to the Church of Santa Maria in Aracoeli in Rome.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino scrivente

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna with the Christ Child Writing.Please output in Italian.


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Ritratto di Hieronymus Holzschuher

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Focus on Portrait of Hieronymus Holzschuher and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Durante l'emergere del neoimpressionismo, Seurat e i suoi seguaci si sforzarono di superare in senso scientifico l'arte impressionista fatta di modi impulsivi e intuitivi. I neoimpressionisti usarono reti disciplinate di punti e blocchi di colore per concretizzare il loro desiderio di infondere un senso di organizzazione e permanenza. Mentre la miscela del primi dava vita a un colore bianco o grigio , quella del secondo produce un colore scuro e torbido . Come pittori, i neoimpressionisti fecero i conti con pigmenti colorati. Per evitare di ottenere un effetto opaco dovuto alla miscela dei pigmenti, escogitarono un sistema di giustapposizione di colori puri senza ricorrere alla loro reciproca mescolanza. L'uso efficace della tecnica puntinista facilitò l'ottenimento di un effetto luminoso particolare e, da lontano, i punti si fondevano mostrando la massima brillantezza e una maggiore aderenza alle condizioni di luce reali. I caratteri del neoimpressionismo furono codificati da Fénéon, confermati da Signac sul suo Journal e da Seurat in una lettera a Maurice Beaubourg del 1890. Questi sono:#massima luminosità coloristica in ogni quadro, secondo l'idea impressionista;#per ottenere la massima luminosità di cui sopra, si procede alla giustapposizione sistematica e alla mescolanza ottica dei toni, delle tinte e dei pigmenti unici puri; la mescolanza dei colori sulla tavolozza, invece, va nettamente rifiutata;#i diversi elementi vanno equilibrati fra loro secondo le leggi dellirradiamento, del contrasto e della degradazione;#la dimensione del quadro determina anche la scelta del tocco;#i vari elementi del dipinto  devono essere in armonia tra loro;#il pittore deve puntare allemozione ottica e non a quella soggettiva.I punti elencati costituiscono la tecnica della division, con i benefici della colorazione, della luminosità e dell'armonia, ma differiscono dagli elementi costitutivi della vituperata - da parte dei neoimpressionisti - tecnica pointilliste, la quale difetta di equilibrio e di contrasto.

Prompt: Focus on Neo-Impressionism and explain the Aesthetic principles.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: Explain the Patristics about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Musica

Musica e informatica Musica e diritto Musica e matematica Musica e sport Musica e medicina Musica e neuroscienze Musica e fisica Filosofia della musica

Prompt: Explain the Reports with other disciplines of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: Explain the Sweden about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Shepherds (Rubens).Please output in Italian.


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La fidanzata di Belus

fidanzata di Belus  è un dipinto dell'artista francese Henri-Paul Motte, del 1885. Nel 2013, il quadro fu acquistato dal museo d'Orsay di Parigi, dove è conservato attualmente. In precedenza si trovava nella galleria Vincent Lecuyer, vicino il museo d'Orsay, e venne esposta alla  Brafa di Bruxelles e alla PAD di Parigi.

Prompt: Focus on The Fiancée of Belus and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cristo dei dolori

tavola può essere collocata in un periodo successivo al 1492, quando l'artista era fortemente influenzato da Girolamo Savonarola, frate domenicano, predicatore e protagonista nella parentesi politica della Repubblica di Firenze.Il dipinto è stato conservato in collezioni private dal XIX secolo, quando apparteneva alla celebre cantante lirica Adelaide Kemble. Nel 1963, una discendente della Kemble, Pamela Stanley, vendette l'opera come prodotto della bottega del Botticelli, per £10.000.Nel 2009 il Cristo dei dolori fu attribuito al Botticelli e nel 2010 esposto nell'ambito della mostra Botticelli: l'immagine, il mito, la devozione presso lo Städelsches Kunstinstitut di Francoforte sul Meno. Durante le analisi compiute da Sotheby's, fu rinvenuto un disegno preparatorio per una Madonna con bambino, proprio al di sotto della figura di Cristo: mentre Botticelli ruotava la tavola per concentrarsi sul nuovo lavoro, quello precedente veniva abbandonato e le sue tracce rimasero lì capovolte.Il 27 gennaio 2022 il dipinto è stata venduto per $45,4 milioni da parte di Sotheby's a New York, all'incirca un anno dopo la vendita del Giovane uomo con in mano una medaglia, pagata $92,2 milioni, una cifra record per un'opera di Botticelli.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Man of Sorrows (Botticelli).Please output in Italian.

Adelaide Kemble
Cristo
Francoforte sul Meno
Giovane uomo con in mano una medaglia
Girolamo Savonarola
New York
Repubblica di Firenze
Sotheby's
Städelsches Kunstinstitut


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Polittico di Badia

È composto da cinque scomparti sagomati con cuspide triangolare e raffigura i busti della Madonna col Bambino  e, da sinistra, i santi Nicola di Bari, Giovanni evangelista, Pietro e Benedetto, identificabili sia per gli attributi iconografici che per il nome in basso.Le cuspidi contengono tondi con busti di angeli e, in quella centrale, un Cristo benedicente. Come tipologia il polittico ebbe una vasta influenza nella pittura fiorentina del Trecento, venendo ripreso dal Maestro della Santa Cecilia, da Lippo di Benivieni, da Taddeo Gaddi, da Bernardo Daddi, ecc.

Prompt: How does Badia Polyptych explain its Description?Please output in Italian.

Bernardo Daddi
Lippo di Benivieni
Maestro della Santa Cecilia
Taddeo Gaddi