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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Odalisca con schiava

Dettaglio della suonatrice di tanbur dalla seconda versione dell'opera.Dato che Ingres non visitò mai il Medio Oriente, la scena rappresentata è puramente immaginaria, basata sulla percezione europea degli harem del mondo arabo . Il dipinto raffigura un'odalisca seminuda sdraiata per terra, mentre appoggia la testa su un cuscino, accanto alla quale si trova una schiava che suona un tanbur o un dutar. In secondo piano si trova un eunuco dalla pelle scura. L'ambientazione è costituita da una stanza chiusa, i cui muri sono decorati con decorazioni geometriche, che presenta dei tappeti grigi e con delle tende rosse ai lati del quadro. Accanto all'odalisca sono presenti un narghilè e un ventaglio.  musicista venne dipinta partendo da una modella in studio e molti dettagli come il tanbur derivano dalle incisioni.Ingres fu aiutato da alcuni suoi studenti che gli fecero da assistenti. Tra questi c'era Raymond Balze, che descrisse così la sua esperienza: "Ingres iniziò i suoi studi partendo dalla natura e preparò il bozzetto sulla sua tela, poi fece realizzare ai suoi studenti le parti meno importanti, molto rifinite, come la struttura, i mosaici, i tappeti, i mobili, gli strumenti.  Poi, quando tutto era rifinito, egli si impegnò da solo ad armonizzare il tutto con degli strati di colore."

Prompt: Focus on Odalisque with Slave and explain the Description.Please output in Italian.


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Polittico del 1476

I santi a tutta figura sono trattati col consueto realismo accompagnato da una vivissima vena descrittiva, che si sofferma ora a rendere gli effetti più ricercati, come la pelliccia del Battista, ora lo sfarzo più squillante, come nei damaschi della veste di Caterina o nei gioielli della tiara e della pianeta papale di Pietro. Spesso si ricorre ad effetti a rilievo, come nel bastone pastorale, nelle chiavi e in altri dettagli dello stesso Pietro.Fulcro ottico delle imagini sono le mani, spesso contratte in gesti caricati di intensità, e i volti, ruotati e variati in una vasta gamma di espressioni. Giovanni è concentrato nello srotolamento del cartiglio con lEcce Agnus Dei, Pietro sembra affossato nel peso della decoratissima veste, Domenico, straordinariamente anziano e veritiero, abbassa il capo con un gesto di umile deferenza rivolto a Maria, Caterina, dal profilo purissimo, guarda in alto nell'atteggiamento tipico dei martiri.Spesso i piedi delle figure sono in scorcio ed escono dal gradino su cui poggiano, nel tentativo di uno sfondamento verso lo spettatore molto frequente in Crivelli, derivato dagli esperimenti di Mantegna che fu uno dei suoi maestri, se non diretto almeno ideale. Lo sfondo della figura del Battista è diverso da quello delle altre e rappresenta il deserto: si tratta di un modo tipico di rappresentare il santo ben documentato in area veneta , che lo stesso Crivelli aveva già utilizzato, ad esempio nel Polittico di Massa Fermana .

Prompt: Describe the characteristics of the They are not from the first record in 1476 Altarpiece's Description and style.Please output in Italian.


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Incubo

Anche i demoni stregoni della mitologia iraniana conosciuti come Divs sono associati alla capacità di affliggere le loro vittime con incubi. Si pensava che la presenza maligna mare del folklore germanico e slavo cavalcasse sul petto delle persone mentre dormivano, causando incubi.

Prompt: In The Nightmare, how is the History/folklore discussed?Please output in Italian.


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Atleta di Fano

inviata il 20 novembre 2006 URL consultato il 14 luglio 2007                    URL consultato il 2 agosto 2007   URL consultato il 14 gennaio 2010

Prompt: In Victorious Youth, how is the Journalistic articles of the Voice correlate explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Dinamismo di un calciatore

L'opera raffigura un calciatore che si smaterializza in un'atmosfera luminosa e guizzante, tranne per il polpaccio, che è nitidamente scolpito al centro. L'artista si rifà ad alcuni principi che ha articolato, insieme a Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini, nel Manifesto tecnico della pittura futurista del 1910:

Prompt: Focus on Dynamism of a Soccer Player and explain the Description.Please output in Italian.

1910
Carlo Carrà
Giacomo Balla
Gino Severini
Luigi Russolo


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Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: In The Beauty, how is the Objective criteria in the evaluation of a work of art of the Introduction explained?Please output in Italian.


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Concerto a tre

In un episodio della ventunesima serie dei Simpsons, dal titolo originale American History X-cellent, il signor Burns viene incarcerato, dopo che è stato trovato il quadro nella sua collezione d'arte.

Prompt: Explain the In mass culture of this artwork, The Concert (Vermeer).Please output in Italian.


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Giove e Io

serie degli Amori di Giove venne concepita dopo il successo riscosso dalla tela di Venere e Amore spiati da un satiro. L'artista fece in tempo ad eseguire quattro tele, accoppiabili a due a due per le dimensioni, e forse altre ne erano state programmate.  cronologia delle quattro tele è argomento alquanto controverso. Ciò che importa, però, è soprattutto il fondamentale contributo che diedero allo sviluppo della pittura a soggetto mitologico e profano, grazie al nuovo e straordinario equilibrio tra resa naturalistica e trasfigurazione poetica.Dipinte per Mantova, forse per Palazzo Te, pervennero poi a Carlo V: Vasari, che aveva sentito parlare del ciclo da Giulio Romano, citò solo due dei dipinti, tralasciando Giove e Io e il Ratto di Ganimede .Gould cercò di spiegare l'omissione ipotizzando che Io e Ganimede fossero state fatte realizzare da Federico II per sé, che le avesse donate all'imperatore durante la sua visita del 1532 e che avesse poi commissionato Leda e Danae espressamente per Carlo V; per Verheyen i quattro dipinti sarebbero stati realizzati per la sala di Ovidio in palazzo Te e sarebbero passati a Carlo solo dopo la morte del duca Federico , forse in occasione delle nozze di suo figlio, l'infante Filippo.Conservata nelle raccolte reali spagnole, la tela passò poi, insieme alla Danae, nella collezione dello scultore milanese Leone Leoni, presso la quale è ricordata da Giovanni Paolo Lomazzo nel suo Trattato dell'arte de la pittura del 1584. Entrambe vennero acquistate tra il 1601 e il 1603 da un intermediario Rodolfo II d'Asburgo, insieme al Cupido che fabbrica l'arco del Parmigianino, e vennero portate a Praga, ma già negli anni '10 del '600 era presente, insieme al Ratto di Ganimede, nelle raccolte imperiali di Vienna.L'opera ha affascinato moltissimi artisti, soprattutto settecenteschi. Avendo abbandonato l'Italia nel Cinquecento è interessante ricordare come doveva comunque esserne rimasta una memoria se il pittore Pier Francesco Mola ne trasse un disegno.

Prompt: How does Jupiter and Io explain its History?Please output in Italian.

1532
1584
1601
1603
Cupido che fabbrica l'arco
Giovanni Paolo Lomazzo
Giulio Romano
Leone Leoni
Palazzo Te
Parmigianino
Pier Francesco Mola
Praga
Rodolfo II d'Asburgo
Venere e Amore spiati da un satiro
Vienna


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Galleria di vedute di Roma moderna

Dipinti Palazzo Barberini e fontana del Tritone di Bernini Palazzo del terano Palazzo di Montecitorio e colonna di Antonino Pio Palazzo del Quirinale Palazzo del Vaticano Piazza Farnese  Piazza Navona Piazza del Popolo Piazza di Santa Maria in Trastevere Piazza San Pietro Villa d'Este a Tivoli  Villa Medici Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale Basilica di San Giovanni in terano Chiesa di Sant'Ivo alla Sapienza Basilica di Santa Maria Maggiore Basilica di San Paolo fuori le Mura Elefante che porta l'obelisco a piazza della Minerva Fontana dell'Acqua Felice Fontana dell'Acqua Paola Fontana del Moro  Fontana dell'ovato   Fontana dei Quattro Fiumi   Fontana delle Tartarughe   Fontana di Trevi Piazza del Campidoglio Castel Sant'Angelo Coffee House del Quirinale Scalinata di piazza di Spagna Porta del giardino Farnese Estasi di Santa Teresa Cattedra di San Pietro Nettuno e Tritone  Monumento funebre di Urbano VIIISculture Apollo e Dafne  Abacuc e l'angelo   David  Mosè  Un leone di villa MediciL'abbate Claude François de Montboissier è a colloquio con vari personaggi, davanti all'imponente dipinto della cattedra di San Pietro di Bernini, posto su un cavalletto ed esaltato da un drappo purpureo, quasi un simbolo della autorità del papa sulla città.Nella versione del dipinto che è conservata a Boston, la figura in evidenza è invece il conte Étienne François de Choiseul - committente dell'opera - che è circondato da un numero più contenuto di persone. In questa versione la cattedra di San Pietro è solo un disegno, un po' spiegazzato - poggiato a terra, senza cornice e poco identificabile - ma questo disegno è al centro di una disputa tra i personaggi presenti. Tra i quadri sono riconoscibili anche vedute di piazza di Santa Maria in Trastevere, di villa Aldobrandini, di villa Borghese, di villa Madama, di villa Montalto, della basilica di San Paolo fuori le Mura, della statua equestre di Marco Aurelio, di piazza di Spagna e della fontana del Nettuno.  composizione è meno articolata e i colori sono più sobri. Il colonnato si perde verso un orizzonte indefinito e carico di nuvole.Ai raffinati spiriti dei due diplomatici francesi non sfuggiva la posizione della Santa Sede, nei confronti della cultura illuministica. Nel 1757  l'anziano papa Benedetto XIV pubblicò il nuovo Indice dei libri proibiti, dimostrando un irrigidimento della Chiesa verso il movimento dei Lumi. Nel 1759  l'elezione del nuovo papa Clemente XIII, uomo caritatevole moderato e tutto assorto nel mecenatismo di stampo umanistico, faceva al contrario sperare in una apertura - che andò poi delusa - verso la richiesta di soppressione dei Gesuiti che proveniva dai circoli dell'Illuminismo francese. Senza contare che Claude François de Montboissier era un abbate.

Prompt: In the context of Modern Rome, explain the Paintings, sculptures, characters and the History.Please output in Italian.

Abacuc e l'angelo
Basilica di Santa Maria Maggiore
Castel Sant'Angelo
Cattedra di San Pietro
Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale
Chiesa di Sant'Ivo alla Sapienza
Claude François de Montboissier
Coffee House del Quirinale
Fontana dei Quattro Fiumi
Fontana del Moro
Fontana dell'Acqua Felice
Fontana dell'Acqua Paola
Fontana delle Tartarughe
Fontana di Trevi
Illuminismo
Nettuno e Tritone
Palazzo Barberini
Palazzo del Quirinale
Piazza Farnese
Piazza Navona
Piazza San Pietro
Piazza del Campidoglio
Piazza di Santa Maria in Trastevere
Villa Medici
Étienne François de Choiseul


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Pala Trivulzio

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Trivulzio Madonna.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-Portrait (Chassériau) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Il Ritratto d'uomo con medaglia di Cosimo il Vecchio è un dipinto a tempera su tavola con calco in stucco dorato sulla medaglia  di Sandro Botticelli, databile al 1474-1475 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: In Portrait of a Man with a Medal of Cosimo the Elder, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento fu inaugurato il 4 settembre 1872 alla presenza del principe Umberto in concomitanza con l'apertura a Milano del primo congresso degli ingegneri e degli architetti. Era in corso anche l'Esposizione nazionale di Belle Arti..</ref>}}Alla sera si svolsero anche festeggiamenti nella piazza del Duomo con razzi di bengala. Da una finestra del Teatro alla Scala fu proiettata una luce elettrica che illuminò il monumento di vari colori.Nelle raffigurazioni realizzate in occasione dell'inaugurazione i quattro piedistalli con le statue degli allievi non erano più separati , ma uniti al basamento ottagonale centrale.

Prompt: In the context of Monument to Leonardo da Vinci, explain the Inauguration and the Criticisms.Please output in Italian.


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Ritratto di Madame X

Il quadro non venne commissionato dalla famiglia; il pittore chiese ad Amélie di posare per lui e questa, nonostante avesse in precedenza rifiutato altre proposte, acconsentì. realizzazione del dipinto fu particolarmente travagliata; Sargent non riusciva a prendere una decisione sulla posa nella quale ritrarre la giovane donna; i due si trasferirono in Bretagna per un breve periodo estivo nel quale il pittore realizzò una serie di schizzi rappresentando Amélie in diverse posizioni. Nelle prime versioni la dipinse seduta su un sofà con la testa alzata, poi con il capo dolcemente appoggiato al divano e anche con una coppa di champagne.Al ritorno da un viaggio in Olanda Sargent, probabilmente ispirato dal pittore Frans Hals, decise che il modo migliore di rappresentare "la donna pavone", da lui così chiamata in una lettera, era con uno sfondo scuro, in piedi, di profilo, con il collo teso ed il braccio appoggiato ad un tavolino.

Prompt: In Portrait of Madame X, how is the The realization discussed?Please output in Italian.


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Pigmalione e Galatea

sinistra seconda versione dell'operaQuesto quadro è tratto dal mito greco di Pigmalione e Galatea, raccontato nelle Metamorfosi di Ovidio. Secondo il mito, lo scultore Pigmalione realizzò una statua ritraente una donna e se ne innamorò, a tal punto che desiderò che la statua fosse viva.  dea Afrodite, alla quale egli si era ispirato per la scultura, decise di accontentarlo e diede vita alla statua. Il dipinto raffigura proprio la trasformazione di Galatea in una donna in carne e ossa, mentre viene baciata da Pigmalione.Appena la statua nuda si trasforma in una donna vera e si china per baciare lo scultore, Cupido è pronto a scoccare la sua freccia per far innamorare i due amanti. Nella prima versione Galatea è vista di spalle, mentre nella seconda è vista frontalmente. Inoltre, nella seconda versione Cupido è assente e Galatea indossa un diadema.Gérôme raffigura un cambiamento progressivo del colore della pelle di Galatea: i piedi sono ancora in marmo bianco, mentre le cosce, i glutei e il corpo piegato assumono una tinta rosea e i capelli si fanno marrone. Ai suoi piedi si nota un pesce di marmo.Lo studio di Pigmalione è decorato da varie piccole sculture, delle maschere teatrali e qualche dipinto alla parete.

Prompt: Focus on Pygmalion and Galatea (Girodet) and explain the Description.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa o Jaffa  è un dipinto di Antoine-Jean Gros datato al 1804, commissionato da Napoleone Bonaparte per rappresentare un episodio della campagna d'Egitto.  realtà storica della scena raffigurata nel dipinto, ed in particolare il gesto del Bonaparte, sono oggetto di contesa.

Prompt: Focus on Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa and explain the Abstract.Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Giaffa
Napoleone Bonaparte


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La punizione di Tizio

Un'altra interpretazione di questo gruppo di disegni è che fossero didattici e creati allo scopo di insegnare al de' Cavalieri come disegnare. Questa interpretazione nasce da un commento del Vasari, secondo cui de' Cavalieri ricevette queste opere «perché stava imparando a disegnare». Inoltre, sul retro del disegno di Tizio, la figura è stata ridisegnata in una rappresentazione del Cristo risorto. Inizialmente si pensava che Michelangelo avesse eseguito il tracciato sul retro, ma alcuni studiosi ora pensano che il Cristo risorto sia stato completato da de' Cavalieri come esercizio di disegno.  mano di de' Cavalieri è stata più facilmente identificabile grazie alla scoperta di diversi suoi disegni, tra cui una copia della Caduta di Fetonte, che era un altro disegno di presentazione donatogli da Michelangelo.Un altro aspetto dei disegni che suggerisce che fossero strumenti didattici è che tutti i quattro donati a de' Cavalieri  hanno la figura principale rivolta in direzioni diverse. Ad esempio, Tizio ha la figura con la testa in giù rivolta a sinistra, mentre la figura de Il sognatore ha la testa in alto e a destra. Inoltre, la figura in Ganimede sta salendo verticalmente mentre la figura de  caduta di Fetonte sta cadendo a testa in giù. Questi quattro disegni in gruppo mostrano il corpo rivolto in tutte e quattro le direzioni cardinali e potrebbero essere serviti a mostrare a de' Cavalieri come raffigurare la forma maschile nuda in diverse posizioni di base.

Prompt: How does The Punishment of Tityus (Michelangelo) explain its Possible, use, for, the, drawing?Please output in Italian.


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Bal au moulin de la Galette

tela, in effetti, riprende e porta al massimo grado di raffinatezza due degli elementi distintivi della poetica renoiriana. Il pittore, infatti, non fa ricorso ad una preparazione disegnativa - in questo modo diminuirebbe la freschezza della sua verve pittorica - bensì sperimenta la nuova tecnica impressionista, impiegando pennellate rapide, sinuose e filamentose, così da frammentare la luce in piccole chiazzette di colore e restituire all'osservatore una sensazione di gioiosa vivacità. Magistrale è la resa della luce vibrante, che penetra attraverso il fogliame delle acacie soprastanti e si sofferma sugli oggetti e sugli abiti dei personaggi, inondandone talora i volti . Per ricostruire la luce, Renoir non fa affidamento sulle ombre o sui toni scuri, bensì impiega puro colore: è in questo modo che le faville colorate dilagano su tutta la superficie pittorica, imprimendosi persino sul pavimento, screziato di striature rosacee e celesti. È facendo ricorso a questa tecnica che Renoir persegue l'espressione della massima luminosità dei colori, e per raggiungere il suo obiettivo arriva persino a dipingere ombre colorate: «Le ombre non sono nere», ripeteva, «nessuna ombra è nera. Ha sempre un colore.  natura conosce soltanto i colori: il bianco e il nero non sono colori». Le parole seguenti sono sempre del pittore:</ref>}}Nonostante la composizione sia stata attentamente meditata, Renoir riesce inoltre a cogliere il vorticoso ballo nella sua elegante fugacità, rispettando in pieno le prescrizioni dell'estetica baudelairiana, secondo la quale «la modernità è al transitorio, il fuggitivo, il contingente, la metà dell’arte, di cui l’altra metà è l’eterno e l’immutabile  perché ogni modernità acquisti il diritto di diventare antichità, occorre che ne sia stata tratta fuori la bellezza misteriosa che vi immette, inconsapevole, la vita umana». Come osservato dal critico Pietro Adorno, tuttavia, «sarebbe superficiale ritenere che [il Bal du moulin de la Galette] si limiti a fissare un attimo solo dei tanti che si susseguono senza soluzione di continuità, come se isolasse uno dei fotogrammi che costituiscono una pellicola cinematografica. [In realtà l'opera] coglie la sintesi dei molteplici momenti della nostra vita, andando ben oltre la semplice riproduzione della realtà esterna». Comunque sia, Renoir riesce a infondere grande energia e vitalità nel suo dipinto, soprattutto nel concatenamento mobile delle figure, producendo così una delle testimonianze più preziose dell'ottimismo positivista e della spensieratezza che qualificavano la vita borghese parigina durante la Belle Époque.

Prompt: Focus on Bal du moulin de la Galette and explain the Technique.Please output in Italian.


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Croce degli Angeli

Una delle iscrizioni collocate sul retro della croce porta la data in cui venne realizzata, ovvero nell'anno 808 dell'era cristiana, e il nome del donatore, che fu il monarca Alfonso II il Casto. Sempre sul retro sono presenti le seguenti frasi, in lettere d'oro: Braccio superiore::"SVSCEPTVM PLACIDE MANEAT HOC IN HONORE DI OFFERT ADEFONSVS HVMILIS SERVVS XPI" Braccio destro ::"QVISQVIS AVFERRE PRAESVNSERIT MIHI FVLMINE DIVINO INTEREAT IPSE" Braccio sinistro ::"NISI LIBENS VBI VOLVNTAS DEDERIT MEA HOC OPVS PERFECTVM EST IN ERA DCCCXLVI" Braccio inferiore::"HOC SIGNO TVETVR PIVS HOC SIGNO VINCITVR INIMICVS"

Prompt: In the context of Cross of the Angels, explain the Inscriptions on the back and the History.Please output in Italian.


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La colazione dei canottieri

Il dipinto fu probabilmente uno degli ultimi che Renoir realizzò prima del viaggio in Italia e della successiva virata in senso aigre. Già in quest'opera, d'altronde, si avverte chiaramente che sta prendendo forma un nuovo indirizzo stilistico: Renoir, infatti, tende a una maggiore costruttività delle figure ritratte e ne modella marcatamente gli incarnati.  sapiente giustapposizione di colori, invero, contribuisce a portare al massimo la presenza fisica delle figure effigiate: si individua, in tal senso, un'aspirazione a una visione ideale di grandiosità e opulenza che culminerà nel 1884-1887 con la realizzazione de Le bagnanti. Appare evidente, in tal senso, l'influenza di Jean-Auguste-Dominique Ingres, venerato da Renoir già in gioventù. Ardito risulta anche lo spregiudicato uso del bianco, impiegato da Renoir per conferire solidità alla composizione, resa ancora più robusta dal sapiente dosaggio tra le di zone di luce e di ombra.  colazione dei canottieri, in ogni caso, fu eseguita in seguito a una provocazione di Émile Zola, astro letterario del tempo che, nonostante in passato avesse promosso con simpatia le ricerche degli Impressionisti, asserì beffardo «che nessuno di loro ha compreso con forza e chiarezza la nuova formula, che troviamo frammentata in tutti i quadri che producono. Essi non mantengono mai ciò che promettono; balbettano senza riuscire a parlare».Quando l'Impressionismo iniziò durante il Novecento ad acquistare maggiore popolarità, il dipinto assurse a vero e proprio simbolo del movimento, destando unanime e sincera ammirazione. L'attore Edward G. Robinson ammise perfino che «per più di trenta anni mi sono recato periodicamente al museo di Washington per ammirare  colazione dei canottieri e stare in piedi ore e ore dinanzi quel magnifico dipinto, giorno dopo giorno, pianificando congiure per appropriarmene». Con la nascita della cultura di massa e lo sviluppo dei mezzi di comunicazione nella seconda metà del secolo scorso, l'universo pittorico de  colazione dei canottieri è stato divulgato anche al di fuori degli ambienti più strettamente artistici, approdando persino nel cinema. Celebre è la citazione del film francese Il favoloso mondo di Amélie, nel quale gli attori Audrey Tautou e Serge Merlin, nei panni rispettivamente della protagonista Amélie e del pittore Raymond , recitano le battute riportate di seguito osservando una riproduzione del quadro::«Amelie: Mi piace molto questo quadro!: Raymond: È la Colazione dei canottieri, di Renoir. Ecco, ne faccio uno all'anno, da vent'anni.  cosa più dura sono gli sguardi. A volte ho l'impressione che cambino espressione apposta, ma non appena volto le spalle, eh? [...] Ebbene, dopo tutti questi anni la sola persona che faccio ancora fatica a delineare è la ragazza con il bicchiere d'acqua [Ellen Andrée, ndr]. È al centro eppure ne è fuori.: Amelie: Forse è solo diversa dagli altri.: Raymond: Eh? In cosa?: Amelie: Non saprei ...»

Prompt: How does Luncheon of the Boating Party explain its History?Please output in Italian.

Audrey Tautou
Edward G. Robinson
Il favoloso mondo di Amélie
Impressionismo
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Serge Merlin
Washington
Émile Zola


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statua colossale di Costantino I

statua colossale di Costantino I, opera composita in marmo e bronzo dorato, fu una delle opere più importanti della scultura romana tardo-antica, alta ben 12 metri.Databile tra il 313  e il 324 , la statua era collocata nella basilica di Massenzio, ove nel 1486, sotto papa Innocenzo VIII, ne furono rinvenuti resti, oggi nel cortile di Palazzo dei Conservatori, ai Musei Capitolini.

Prompt: Focus on Colossus of Constantine and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Stanza della Segnatura Stanze di Raffaello Monete euro italiane

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Disputation of the Holy Sacrament.Please output in Italian.

Monete euro italiane
Stanza della Segnatura
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Music Humanism Renaissance and the The relationship with singing.Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Polittico del 1476

Con un punto di vista adattato per una visione dal basso, Cristo sui leva dal bordo del sepolcro, contornato dalle figure dei dolenti piangenti: Maria, che lo abbraccia incurvandosi, Giovanni apostolo, che solleva la testa al cielo disperato, e la Maddalena, dai capelli soffici sciolti, che regge con dolore una mano del Cristo. Rispetto ad altre rappresentazioni del tema, così frequenti nei polittici crivelleschi, questa Pietà si distingue per la rappresentazione particolarmente esplicita e calcata del dolore dei dolenti, ispirata alle raffigurazioni di Donatello sull'Altare del Santo e sviluppata in maniera personale.Contrasta con le figure dei dolenti, angosciate ma vive, il Cristo morto, il cui corpo nella postura abbandonata mostra i chiarissimi segni del martirio sul costato e sulle mani.

Prompt: Describe the characteristics of the ThePietà in 1476 Altarpiece's Description and style.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Focus on Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza) and explain the Congregation orders Annunciation.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Storia dell'Egitto greco e romano Storia dell'Egitto tolemaico

Prompt: Focus on The Death of Cleopatra and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Egitto tolemaico
Storia dell'Egitto greco e romano


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

sinistra versione marmorea copenaghense.Marqueste si ispirò al nudo antico e al Perseo con la testa di Medusa celliniano, aggiungendo il movimento della lotta, ma "uno sguardo femminista aggiunto sull'opera non può che registrare con una certa inquietudine il contrasto tra la maestria virile e la gesticolazione sconfitta del corpo femminile". L'unico punto in comune che si può trovare con la statua Gilliatt e la piovra di Joseph Carlier, che si rifà al libro I lavoratori del mare di Victor Hugo e non alla mitologia, è lo stile neo-barocco.Egli donò al viso della gorgone un'aria spaventosa che richiama la Medusa caravaggesca, al contrario della Medusa Ludovisi che sembra addormentata, ma probabilmente prese come modello il volto della Marsigliese nel rilievo  partenza dei volontari del 1792 situato sull'arco di Trionfo a Parigi.Nel 1890, il critico Maurice Albert fece notare come Marqueste avesse donato alla gorgone un corpo grazioso che contrasta con le rappresentazioni antiche, di solito ripugnanti e massicce: come fonte di ispirazione ipotizza il volto decollato della Medusa Ludovisi che evoca la sua bellezza prima di essere trasformata in un mostro da Atena. Al contrario, Louis de Fourcaud qualifica il gruppo come "molto robusto, ma molto noioso e parecchio da premio di Roma" per la sua influenza troppo classica e non abbastanza avanguardista, secondo lui. L'opera venne ben accolta dai suoi contemporanei e venne giudicata come rappresentativa della scuola tolosana.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Perseus and the Gorgon.Please output in Italian.

Atena
I lavoratori del mare
Louis de Fourcaud
Parigi
Perseo
Perseo con la testa di Medusa
Victor Hugo


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Le Sabine

David fu tra i pochi ad aver espresso, con la sua arte, una propria opinione riguardo ai destini della Francia rivoluzionaria. Egli cominciò i primi schizzi quand'era in prigione . Dopo la caduta dei giacobini, infatti, il potere era passato nelle mani del Direttorio. Lo stesso David dovette quindi rivedere le sue idee. È un messaggio personale dell'artista , a favore di una riconciliazione delle varie parti politiche e sociali di Francia dopo il terrore successivo alla Rivoluzione.David sembra quindi invitare i suoi connazionali a deporre le armi e a raggiungere la pacificazione nazionale.

Prompt: Focus on The Intervention of the Sabine Women and explain the History.Please output in Italian.


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Quadrato nero

Malevič dipinse il suo primo Quadrato Nero nel 1915. Ne fece quattro varianti delle quali l'ultima si pensa sia stata dipinta durante i tardi anni venti o primi trenta, nonostante l'incisione "1913" dell'autore sul retro. Il dipinto è comunemente noto come Quadrato nero o come Quadrato Nero di Malevič. Venne esposto per la prima volta alla st Futurist Exhibition 0.10 nel 1915.Dettagli investigativi rivelano come il Quadrato Nero fosse stato dipinto sopra una più complessa e colorata composizione.

Prompt: In Black Square, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.


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Spiral Jetty

Il  Molo a spirale  è un earthwork di Robert Smithson realizzato nel 1970 sul Great Salt ke  e tuttora esistente.

Prompt: How does Spiral Jetty explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna Poldi Pezzoli

L'opera rientra in quel gruppo di Madonne col Bambino di piccolo formato di Mantegna, destinate alla devozione privata. Maria tiene in braccio il figlio appoggiandolo su un ginocchio e lo accarezza dolcemente con le mani, una delle quali, la destra, è scorciata in prospettiva, a conferma degli interessi illusionistici del maestro. In questa opera, come quella di Berlino o quella dell'Accademia Carrara di Bergamo, madre e figlio sono abbracciati in un gesto tenero e naturale, con i visi che si toccano, come in alcune opere di Donatello. L'espressione di Maria è pensierosa e malinconica, non felice, indice della sua consapevolezza della sorte tragica del figlio: lo stesso telo bianco che avvolge il figlio allude a una prefigurazione del sudario della Passione.In questo caso l'unione tra i due è sottolineata dal velo della Vergine, in pesante stoffa blu, che avvolge entrambi, creando una densa massa pittorica senza spiragli ed amplificando il gesto protettivo della madre verso il figlio. Tale effetto è dato anche dalla spessa vernice giallastra che ricopre la tela, stesa da Giuseppe Molteni nel restauro del 1863. Lo sfondo è scuro, con due listelli laterali che simulano una cornice lapidea dietro la Vergine, uno stratagemma che serve per proiettare le figure sacre verso lo spazio dello spettatore. Alcune lumeggiature dorate sono presenti nella veste e tra i capelli della Vergine.Il rimando alla scultura, come le opere simili di Donatello , è confermato dalle figure arrotondate e dal rilievo plastico con cui esse emergono dalla penombra.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Poldi Pezzoli Madonna.Please output in Italian.

Accademia Carrara
Donatello
Giuseppe Molteni


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Ritratto della duchessa de Alba

Joaquín Ezquerra del Bayo,  Duquesa de Alba y Goya, 1959, Madrid, AguilarF. Goya, Cartas a Martin Zapater, 1982, MadridA. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990F. Calvo Serraler, Goya, Milano, 1996R. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'EspressoR. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, Rizzoli

Prompt: In The White Duchess, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid
Milano
Rizzoli
Roma


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: In Annunciation (Pontormo), how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Bacco e Arianna

Il corteo che segue il dio si ispira alla tradizione, ormai ben consolidata, della rappresentazione dei Trionfi secondo il costume antico. A Ferrara ne esisteva un esempio celebre nel Salone dei Mesi di palazzo Schifanoia. Ciascun dio della mitologia aveva un cocchio personale trainato da una coppia di animali totemici e con un seguito a esso peculiare. Il corteo bacchico è preceduto da due ghepardi, come nella descrizione di Catullo, che vennero studiati da quelle belve nei serragli che erano comuni nelle corti italiane. Seguono personaggi eterogenei e chiassosi, spesso ebbri, che si dimenano al suono della musica, come tipico dei baccanali. In lontananza si vede arrivare Sileno, che come al solito dorme dopo gli eccessi, cavalcando un asino e circondato da satiri che lo reggono. I suoi capelli sono ornati di edera, pianta a lui sacra. Un satiro in primo piano impugna il cosciotto di un animale e regge thyrsus, un lungo bastone con una pigna in cima, coronato di edera e di pampini, che era portato da Dioniso e dai suoi seguaci.Un uomo in primo piano si contorce attaccato da serpenti, probabilmente una citazione colta del Gruppo del ocoonte scavato in quegli anni e oggetto di un enorme interesse.In primo piano si notano resti di animali, fatti a pezzi durante i bagordi. Un cagnolino è probabilmente il ritratto di un animale di compagnia della corte ferrarese.Il senso generale del dipinto non è comunque di condanna degli eccessi, ma anzi sottolinea giocosamente la dimensione dionisiaca intesa come liberazione dagli affanni del mondo, tema che il duca scelse esplicitamente nel suo studiolo dove evadeva dagli incarichi politici.

Prompt: In the context of Bacchus and Ariadne, explain the TheParade and the History.Please output in Italian.


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Inverno russo

In vari frangenti storici, l'inverno russo si è rivelato in grado di causare gravi difficoltà agli eserciti invasori. L'espressione Generale Inverno nacque proprio in occasione della campagna di Russia di Napoleone Bonaparte nel 1812, quando una lettera del maresciallo Ney affermò che l'Armata francese era stata sconfitta più dalla fame e dal clima che dalle armi dell'esercito zarista. Il concetto si applicò sia al fronte russo della prima guerra mondiale, sia al fronte orientale della seconda guerra mondiale. Più in generale, può assumere un significato più ampio, per indicare qualsiasi fallimento militare causato dalla natura e dalla inadeguata preparazione degli eserciti invasori ad affrontare determinate condizioni meteorologiche.Nelle stagioni temperate esiste un effetto analogo sulle manovre militari terrestri, causato dal fenomeno fangoso della rasputiza.

Prompt: Explain the History of this artwork, Russian Winter. Hoarfrost.Please output in Italian.


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Armatura

In Giappone, l'uso dell'armatura sviluppò relativamente tardi: nel IV secolo. Ciò non di meno, le peculiarità tecniche ed estetiche delle armature prodotte nel Sol Levante, utilizzate sia dalla casta guerriera per eccellenza, i samurai, sia dalle milizie , le rende ad oggi uno dei settori più studiati della tradizione bellica nipponica.<br />

Prompt: Explain the Japan about the The word "null" in English is "null." of this artwork, O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Maria  Chiesa della Madonna delle Grazie

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Pasquino

Il personaggio di Pasquino ispirò i film Nell'anno del Signore del 1969 e  notte di Pasquino del 2003, entrambi diretti da Luigi Magni e interpretati da Nino Manfredi.

Prompt: Explain the Media. of this artwork, Pasquino.Please output in Italian.

Luigi Magni
Nell'anno del Signore
Nino Manfredi


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


section

Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Madonna di Darmstadt

Madonna di Dresda divenne nel XIX secolo oggetto di confronto con la Madonna Sistina di Raffaello Sanzio dopo un'esibizione di questa alla Gemaldgalerie di Dresda. Proprio il direttore del museo di Dresda, Julius Schnorr von Carolsfeld, aveva sostenuto nel 1855 l'uguaglianza tra scuole artistiche italiane e tedesche dell'epoca sulla base delle somiglianze tra l'opera di Holbein e quella di Raffaello. Holbein venne definito il "Raffaello del nord" da Albrecht Dürer Dopo che la Madonna di Dresda fu riconosciuta come una copia, il confronto ad ogni modo continuò a rimanere acceso. Sigmund Freud visitò la Gemäldegalerie di Dresda nel dicembre del 1883 e trasse le seguenti conclusioni:Dal commento di Freud apprendiamo anche una delle interpretazioni fantasiose date al quadro nel XIX secolo e cioè che, secondo una leggenda, vi sarebbe stato un miracolo con uno scambio di figli: i due genitori raffigurati, che pregavano per il figlio malato, ottengono da Maria il dono di Gesù Bambino, prendendo in grembo il bambino malato della coppia. Questa interpretazione è dovuta principalmente al contrasto tra il volto sofferente del bambino Gesù e il bambino più felice in primo piano.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Raffaello Holbein comparison and the Style.Please output in Italian.

Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Sigmund Freud


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra Tea Filopatore, ultima sovrana dell'Egitto tolemaico, avvenne il 10 o il 12 agosto del 30 a.C. ad Alessandria d'Egitto, alla fine della guerra civile tra Ottaviano Augusto e Marco Antonio. Secondo la versione più famosa, la regina si sarebbe suicidata facendosi mordere da un aspide  ma secondo alcuni storici greci e romani si sarebbe uccisa bevendo una bevanda velenosa. Alcuni accademici hanno addirittura ipotizzato che la regina si sia uccisa su ordine di Ottaviano, che aveva vinto la guerra. In ogni caso, Cleopatra venne sepolta insieme al suo amante Marco Antonio e la sua morte decretò la fine della dominazione tolemaica d'Egitto, l'inizio dell'occupazione romana del paese e la fine del periodo ellenistico, in quanto l'Egitto dei Tolomei era l'ultimo regno ellenistico rimasto. morte di Cleopatra è stata raffigurata in varie opere d'arte nel corso dei secoli, inclusi dipinti, sculture, opere letterarie, opere teatrali e pellicole cinematografiche. In queste raffigurazioni prevale il suicidio dovuto al morso dell'aspide. A partire dall'Ottocento, le raffigurazioni più moderne della morte della sovrana hanno anche un tocco di orientalismo.

Prompt: Focus on Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan) and explain the Abstract.Please output in Italian.

30 a.C.
Alessandria d'Egitto
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

decorazione della volta è completata da alcuni soggetti minori, che, pur nella loro secondarietà, sono sempre di mano del maestro o, nel caso di ricorso ad allievi nella prima fase del ciclo, vennero comunque disegnati da lui. Tra questi soggetti riempitivi si contano i medaglioni con storie bibliche, retti dagli Ignudi, i nudi bronzei, che riempiono gli spazi triangolari tra le vele e i riquadri principali, i putti-cariatide, sui troni dei Veggenti, e i putti reggitarga, sotto ciascun profeta o sibilla .

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Other of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Epifania

In Slovenia, soprattutto nella parte occidentale del Paese, durante il primo giorno dell'anno e l'Epifania, i bambini vanno di casa in casa perché i paesani regalano loro mandorle, fichi secchi, noci o biscotti che hanno nelle proprie dimore.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Slovenia and the Artistic theme.Please output in Italian.


section

Dama col liocorno

L'opera è citata negli inventari Borghese dal 1760, con attribuzioni varie. Nel 1916 Giulio Cantalamessa riconobbe per primo la diversa fattura di alcune parti del dipinto, che si rivelarono in effetti aggiunte successive.Prima di un restauro del 1935 l'opera presentava ridipinture, dovute probabilmente al cattivo stato di conservazione, che ritraevano la donna raffigurata con gli attributi di santa Caterina d'Alessandria: la ruota dentata e la palma. Anche le mani e il manto appartenevano a una mano diversa e successiva rispetto alla pittura originale. Per questo la critica prima del restauro era molto incerta sull'attribuzione, con ipotesi che avevano fatto i nomi del Perugino , di Ridolfo del Ghirlandaio , di Francesco Granacci , di Andrea del Sarto . Cantalamessa e poi Longhi  ribadirono invece l'attribuzione a Raffaello, sostanzialmente confermata dopo la riscoperta del disegno preparatorio raffigurante il soggetto originale.Radiografie eseguite sul dipinto hanno evidenziato che in origine al posto dell'unicorno , simbolo della purezza verginale, la donna teneva in braccio un piccolo cane, simbolo di fedeltà coniugale. Il viso regolare, i capelli biondi, gli occhi azzurri e la pelle candida ne fecero una delle più celebrate bellezze del Rinascimento, vincitrice sui tratti più tipicamente mediterranei di Giulia Farnese in una competizione tenutasi a Pesaro. Il liocorno, e precedentemente il piccolo cane tenuto in braccio, avrebbero rappresentato la purezza e la fedeltà coniugale nei confronti del marito Ottaviano Gabrielli di Gubbio, conte di Montevecchio. Dopo la morte di questi  e l'ingresso in convento, il ritratto sarebbe stato ritoccato per attribuire all'effigiata le fattezze di Santa Caterina d'Alessandria, con evidente allusione al suo nome proprio.

Prompt: Focus on Young Woman with Unicorn and explain the History.Please output in Italian.

1760
1916
1935
Andrea del Sarto
Farnese
Francesco Granacci
Gabrielli
Giulia Farnese
Giulio Cantalamessa
Perugino
Pesaro
Ridolfo del Ghirlandaio
Caterina d'Alessandria


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Venere, Vulcano e Marte

Venere, Vulcano e Marte, conosciuto anche come Marte e Venere sorpresi da Vulcano, è un dipinto a olio su tela di Jacopo Tintoretto, eseguito intorno al 1551-1552 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco di Baviera.

Prompt: How does Mars and Venus Surprised by Vulcan explain its Abstract?Please output in Italian.


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Venditore ambulante

Per venditore ambulante si intende un commerciante che non esercita la propria professione in un negozio stabile. L'attività del venditore ambulante si concentra generalmente nelle manifestazioni fieristiche o nei mercati giornalieri o settimanali , ma è diffusa, a volte in modo illegale, anche in altri luoghi affollati, come mete turistiche, centri commerciali e manifestazioni sportive e musicali.

Prompt: Focus on The Wayfarer and explain the Abstract.Please output in Italian.


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San Giovanni Battista in meditazione

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: How does St. John the Baptist in the Wilderness explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Cristo della Minerva

Nel 1514 Michelangelo, sebbene fosse vincolato da un contratto di esclusiva con gli eredi Della Rovere per lavorare alla tomba di Giulio II, non rifiutava remunerative commissioni private, come quella ricevuta da Bernando Cencio, canonico di San Pietro in Vaticano, Mario Scappucci, Pietro Paolo Castellano e Metello Vari per un Cristo risorto, da collocare nella basilica di Santa Maria sopra Minerva.L'artista lavorò alla statua con solerzia, ma in fase di ultimazione apparve una sgradevole venatura nera proprio sul viso del Cristo, invalidando l'intera opera. Accantonata questa prima versione, l'artista, che nel frattempo era rientrato a Firenze, mise mano una seconda volta all'opera alla scadenza dei quattro anni previsti dal contratto, nel 1518, completandola e inviandola a Roma nel marzo del 1520. Accompagnò il lavoro l'allievo Pietro Urbano, che una volta sul posto portò a compimento l'opera in maniera così maldestra da allertare il maestro , il quale nonostante la sua sostituzione con il più capace Federico Frizzi non fu soddisfatto del lavoro finito e si offrì di scolpire una terza versione. Ma il Vari non volle aspettare ulteriormente rischiando di non ottenere niente, accontentandosi dell'opera finita e chiedendo solo, come compensazione, il dono della prima versione non finita.  statua venne collocata in basilica il 27 dicembre 1521.

Prompt: In Risen Christ (Michelangelo, Santa Maria sopra Minerva), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Corteo funebre di Carlo XII

Kristoffer Arvidsson, Per Dahlström, Björn Fredlund, Anna Hyltze, Philippa Nanfeldt, Isabella Nilsson, Johan Sjöström, Samlingen Göteborgs konstmuseum, Göteborg, 2014 pp. 122-125, ISBN 978-91-87968-83-9. Axel L. Romdahl, Konstmonologer i Göteborgs Museum, P. A. Norstedt & Söners Förlag, Stockholm 1921, p. 59. Kristoffer Arvidsson, Tomas Björk, Maria Görts e altri, En målad historia. Svenskt historiemåleri under 1800-talet, Göteborg 2014, pp. 11, 21, 29, 35-37, 52, 68-69, 86, 90-97, 107-119, 165, ISBN 978-91-87968-86-0. Georg Pauli, I vår ungdom, Albert Bonniers förlag, Stoccolma 1925, p. 131, 135. Georg Nordensvan, Svensk konst och svenska konstnärer i nittonde århundradet. II. Från Karl XV till sekelslutet, Ny, grundligt omarbetad upplaga, Albert Bonniers Förlag, Stoccolma 1928, p. 210-211, 222-223. Sten Åke Nilsson, Vinter i den svenska historien - Trädgårdarna i Kashmir och andra essäer, Atlantis, Stoccolma 2014, p. 116-121, ISBN 978-91-73536-73-8. Prins Eugen, Breven berätta. Upplevelser och iakttagelser åren 1886–1913, P. A. Norstedt & Söners Förlag, Stoccolma 1942, p. 175. Sixten Strömbom, Konstnärsförbundets historia till och med 1890, Albert Bonniers förlag, Stoccolma 1945, p. 118, 120-121, 333. Einar Rosenborg, Svenska konstnärer 2. Anders Zorn, prins Eugen, Gustaf Cederström, Carl Milles, J. A. Lindblads förlag, Uppsala 1911, p. 46-48, 54. Sven Sandström, Konsten i Sverige. Det sena 1800-talet – bildkonst och miljökonst, Almqvist & Wiksell Förlag AB, Stoccolma 1975, pp. 48-49, ISBN 9120039751. Bengt Järbe, Sällsamheter i Uppland, vol. 2, Stoccolma, Rabén & Sjögren, 1979, pp. 295-297, ISBN 9129528194

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Bringing Home the Body of King Charles XII.Please output in Italian.

Gustaf Cederström
Göteborg
ISBN
Stoccolma
Uppsala


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Morte di Cleopatra

Nella sua opera Notes isiaques I del 1989, l'archeologo francese Jean-Claude Grenier notò come un'antica statua romana con indosso il nodo di Iside, conservata ai Musei Vaticani, potrebbe raffigurare Cleopatra in veste della dea Iside mentre si suicida, in quanto un serpente striscia lungo il suo seno destro. L'associazione di Cleopatra alla dea Iside continuò in Egitto almeno fino al 373 d.C., quando lo scriba Petesenufe compilò un libro su Iside e spiegò come decorasse le immagini della regina tolemaica.A Pompei venne scoperto un affresco che potrebbe raffigurare la morte della regina tolemaica: Cleopatra tiene in mano un recipiente dal quale sta per bere il veleno e alle sue spalle si trova il figlio Cesarione, che come la madre indossa il diadema reale. Insieme ai due sono presenti anche dei servitori. In precedenza si riteneva che la scena raffigurasse il suicidio di Sofonisba, la moglie del re numida Siface.Al contrario delle statue di Marco Antonio, le quali vennero distrutte a causa della damnatio memoriae, quelle di Cleopatra vennero per lo più lasciate intatte, inclusa quella eretta da Cesare nel tempio di Venere Genitrice al foro di Cesare.Nell'ambito della letteratura latina, il poeta Quinto Orazio Flacco scrisse una celebre ode basata sulla morte dell'ultima regina d'Egitto che inizia con il verso "Nunc est bibendum".

Prompt: Describe the characteristics of the Greco-Roman era in Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Iside
Jean-Claude Grenier
Marco Antonio
Musei Vaticani
Nunc est bibendum
Quinto Orazio Flacco
Siface
Sofonisba


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Pala di Fano

Per la chiesa di Fano il Perugino aveva già realizzato unAnnunciazione nel 1497, pure in loco. Alcuni hanno ipotizzato che alla stesura pittorica abbia contribuito anche il giovane Raffaello.

Prompt: How does Fano Altarpiece explain its History?Please output in Italian.


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Polittico di san Luca

Maria Bellonci, Mantegna, Skira, Milano 2003.Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: Focus on San Luca Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Madonna del Latte e un angelo

Madonna del tte e un angelo è un dipinto a olio su tavola  di Correggio, databile al 1524 circa e conservato nel Museo di Belle Arti di Budapest.

Prompt: How does Nursing Madonna with an Angel explain its Abstract?Please output in Italian.


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Estasi della beata Ludovica Albertoni

Ubicata precisamente nella cappella Altieri, quest'opera affronta con forme più semplici e sobrie il tema dell'estasi cristiana, già toccato nellEstasi di santa Teresa d'Avila del 1652. In essa si esprime il più incisivo aspetto religioso delle ultime produzioni di Bernini; la figura della beata è stesa su un letto finemente ricamato nel marmo e poggiato su di un blocco di diaspro lavorato come fosse un drappeggio, il quale è posto in maniera non convenzionale sull'altare della cappella.Lo spazio della cappella è molto ridotto, ma Bernini riesce comunque a creare un effetto scenografico quale aveva già sperimentato nella cappella Cornaro. Crea due pareti molto inclinate che fanno da quinta allo spazio dove è inserito il sarcofago della beata.  parete di fondo viene arretrata, così Bernini può nascondere due piccole finestre verticali, che danno direttamente all'esterno, creando una illuminazione radente che rischiara la bianca statua rendendola più visibile nella penombra della cappella. Entrando dalla navata principale, la cappella tutta si presenta in maniera improvvisa, in una fitta penombra spezzata solo da un raggio di luce proveniente da una finestrella nascosta; la beata è idealmente elevata grazie alla stretta forma della composizione architettonica.Una tela di Giovan Battista Gaulli fa da sfondo alla statua di Ludovica Albertoni, volutamente pensata perché le due opere fossero in evidente contrasto: oltre all'ovvia differenza di materiali, il bianco marmo e i colori più cupi del dipinto, è forte la discordanza tra l'agitarsi convulso della figura distesa e la delicata visione paradisiaca alle sue spalle, quasi la pittura fosse la visione stessa della beata. statua della Beata Ludovica Albertoni è stata restaurata nel 2019 da Elisabetta Zatti con la supervisione di Aldo Mastroianni e Carlo Festa. Il restauro ha interessato, oltre alla statua di marmo, lo sfondo in oro con rilievi, gli angeli in stucco bianco, il drappo in alabastro con frange in bronzo dorato.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Blessed Ludovica Albertoni.Please output in Italian.

1652
Estasi
Estasi di santa Teresa d'Avila
Giovan Battista Gaulli
Ludovica Albertoni


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Trionfo della Divina Provvidenza

Gli affreschi vennero realizzati con un numero molto alto di "giornate", come si confà a un'opera di queste dimensioni. Singolare è però la disomogeneità di tali tappe, a volte molto estese, a volte ridottissime. Non si riscontrano particolari correzioni effettuate sul ciclo, o comunque grossi rifacimenti. Oltre al movimento interno delle figure, presente già ad esempio in opere manieriste , la posizione dell'affresco su un soffitto, calibrata da un'eccellente padronanza della prospettiva del "sott'in su", genera anche l'effetto sospeso, come se le figure stessero per cadere sullo spettatore, con una duplice sensazione di spinta verso l'alto e verso il basso. Eventuali correzioni, probabilmente dopo una verifica dal basso degli scorci, si effettuavano quindi con la concreta demolizione della porzione di intonaco interessata.Pietro da Cortona, predisponendo l'enorme affresco della volta, seppe raccogliere una serie di fermenti culturali che avevano animato la scena artistica romana tra la fine del Cinquecento e l'inizio del nuovo secolo: spunti da Annibale Carracci , da cui riprende la cornice marmorea affrescata che scandisce le singole scene, seppur, a differenza dell'opera del palazzo in campo de' Fiori, qui le singole storie dialogano tra loro formando un unico ciclo narrativo, da Rubens , da Guercino  e da Giovanni nfranco , da cui si riprende la sfondatura della volta celeste, oltre al dinamismo spregiudicato delle sculture di Bernini.

Prompt: In Allegory of Divine Providence and Barberini Power, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Annibale Carracci
Carracci
Guercino
Pietro da Cortona


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I piallatori di parquet

I piallatori di parquet  è un dipinto del pittore francese Gustave Caillebotte, realizzato nel 1875 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Focus on Les raboteurs de parquet and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Diana di Gabi

Motivo del sandalo del piede sinistro.Stando a quanto scrive Pausania, Prassitele creò la statua di Artemide Brauronia per l'Acropoli di Atene. Gli inventari del tempio, datati al 347-346 a.C., fanno menzione di una "statua dedicata", descrivendola come raffigurante la dea in un chitoniskos. È anche noto che il culto di Artemide Brauronia prevedesse anche la consacrazione di capi offerte dalle fanciulle. statua di Prassitele è stata a lungo associata alla Diana di Gabi: la dea appare nell'atto di indossare il dono dei suoi devoti. In aggiunta, la testa ricorda molto quelle dell'Afrodite cnidia e dell'Apollo sauroctono, entrambi attribuiti a Prassitele. D'altro canto, l'identificazione della statua è stata messa in discussione per diversi aspetti. Innanzitutto, per quanto riguarda gli inventari scoperti ad Atene, è stato dimostrato si tratti di copie di quelli riguardanti il santuario principale a Braurone e non è quindi certo che il culto ad Atene includesse anche la consacrazione delle vesti. Inoltre, il chitone corto è anacronistico per il IV secolo a.C., suggerendo quindi una collocazione ellenistica. Infine, una recente ipotesi mette in relazione la statua di Artemide Brauronia con una testa presente al Museo dell'agorà antica di Atene, nota come Testa Despinis. Diana di Gabi è nondimeno considerata un'opera di impressionante qualità e si adegua a quello che è comunemente considerato lo stile prassitelico, portando alcuni studiosi a continuare a reputare la statua opera di Prassitele o uno dei suoi figli.

Prompt: Focus on Diana of Gabii and explain the Attribution.Please output in Italian.

Acropoli di Atene
Afrodite cnidia
Apollo sauroctono
Artemide
Braurone
Prassitele
Testa Despinis


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San Francesco abbraccia Cristo crocifisso

composizione simboleggia il momento culminante della vita di Francesco d'Assisi, cioè quando decise di rinunciare a tutti i suoi beni materiali per abbracciare la vita religiosa.Accanto alla croce, due angeli reggono un libro aperto che reca in latino il passo del Vangelo secondo Luca che dice "Chiunque di voi non rinunzia a tutti i suoi averi, non può essere mio discepolo". Anche il globo sul quale Francesco poggia il piede, quasi a spingerlo lontano, simboleggia il mondo terreno che egli rifiuta e abbandona per diventare discepolo di Gesù.

Prompt: Focus on Saint Francis Embracing Christ on the Cross and explain the Description.Please output in Italian.

Francesco d'Assisi
Gesù
Vangelo secondo Luca


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amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Triangular model of love and the Etymology.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-Portrait (Annibale Carracci) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: Explain the Christianity about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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Venere di Urbino

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5

Prompt: Focus on Venus of Urbino and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Stefano Zuffi


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Babuino

Prompt: How does Babuino explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Tre mondi

Escher crea un rapporto di bidimensionalità nella tridimensionalità, dal momento che la superficie dell'acqua funge da "mondo intermedio" tra quello sopra, che si vede solo grazie al riflesso e si intuisce dalla presenza delle foglie, e quello sotto la superficie stessa. L'acqua dello stagno ha dunque funzione di essenza, riflesso e profondità del mondo soprastante, creando un gioco di specchi tra ciò che è reale e ciò che è solo riflesso, tra il mondo "vero" e quello "falso". L'inserimento di mondi che si compenetrano tra loro è una costante nelle opere di Escher; l'uso di superfici riflettenti gli permette infatti di esplorare nuovi punti di vista e nuove angolature, aumentando la spazialità dell'opera. In questo modo l'autore impone all'osservatore uno sforzo cognitivo, in quanto deve riuscire a destreggiarsi nell'intricato insieme di mondi simultanei. Inoltre, Escher usa il riflesso come una "protesi" dell'occhio, al fine di avvicinare situazioni tra loro diverse ma contemporanee, allargando lo sguardo ma restringendo la dimensione temporale a un momento, quasi congelandola; infatti, in Tre mondi si ha l'impressione di assistere a una scena eterna, silenziosa, fuori dal tempo.  </ref>}}}}

Prompt: In the context of Three Worlds (Escher), explain the Simultaneous worlds and the Description.Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Precedentemente chiusa al pubblico, lImperatrice-Sfinge è anche la scultura più rappresentativa ed importante del complesso, nella quale Niki de Saint Phalle ha abitato per lunghi periodi durante i lavori. Posta a lato del Castello, lImperatrice si affaccia sulla piazza sottostante ed è posta in posizione dominante sull'intero Giardino.Enorme ed opulenta, il corpo esageratamente formoso rivestito di una fantasmagoria di ceramiche molate, lImperatrice incarna forse meglio di qualsiasi altra scultura la cifra stilistica della «curva» adottata da Niki de Saint-Phalle fin dagli anni Sessanta nelle sue Nanas.All'interno della «grande madre» - «spazio tutto a rotondità ondulate senza alcun angolo» secondo le parole dell'autrice, adibito ad abitazione con la stanza da letto in un seno, la cucina nell'altro e lo spazio centrale arredato come soggiorno studio - sono state collocate il 17 agosto 1996 - attualmente visibili - la figure del Giudizio, delle Stelle e del Carro, riflesse dalle migliaia di frammenti di specchi veneziani che rivestono le pareti.Sul dorso dellImperatrice, i filamenti della chioma rivestita di specchi blu elettrico che incornicia il volto nero della figura delimitano una terrazza-belvedere tutta anfratti e concavità, accessibile da una scalinata modellata sul lato esterno, dai cui si gode l'ampio panorama della campagna circostante e la visione argentea della Luna, scultura skinny sostenuta dal granchio rosso posta al centro di una radura più in basso.

Prompt: Describe the characteristics of the The Empress-Sphinx in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.

1996
Giardino
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle


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Pagamento del tributo

scena del Tributo viene rappresentata raramente dagli artisti tra le storie di Pietro e in questo caso è in una posizione di massima preminenza, arrivando anche a rompere quella che era la sequenza cronologica delle scene quando esisteva ancora il registro superiore con le scene del Pentimento di Pietro e il Pasce oves meas.  presenza di questa scena, oltre che celebrare la sapienza divina, è stata interpretata anche legandola a eventi locali, fiorentini o romani.A Firenze ricordava probabilmente l'imminente l'istituzione del catasto, che sarebbe avvenuta di lì a poco , ma che era già nell'aria, accolto concordemente dai dirigenti fiorentini nel 1424-1425: come Cristo accetta la logica terrena di pagare un tributo, così i cittadini dovevano sottostare all'obbligo civico di versare le tasse richieste. Lo stesso Felice Brancacci aveva un importante ruolo nell'amministrazione fiscale della città.Secondo Steinbart invece l'episodio adombrerebbe anche una lettura "romana", legata all'intenzione di papa Martino V di ristabilire l'autorità della Chiesa. Per Meller ci sarebbe un richiamo al fatto che la Chiesa non deve prendere il danaro per i tributi dalle sue proprietà, ma dai beni accettati da altri.

Prompt: Focus on The Tribute Money (Masaccio) and explain the Iconographic choice.Please output in Italian.

1424
1425
Brancacci
Felice Brancacci
Firenze
Pentimento di Pietro


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Circe

Madeline Miller, Circe , traduzione di  Marilù Oliva, L'ODISSEA raccontata da Penelope, Circe, Calipso e le altre, Solferino, 2020, ISBN 978-8828203612

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Sorceress (Waterhouse).Please output in Italian.

Calipso
ISBN
Madeline Miller
Marilù Oliva
Penelope


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La sepoltura della sardina

tela raffigura una processione di un martedì grasso lungo il Manzanarre, a Madrid: l'evento terminava con la sepoltura di una sardina bordata di carne di maiale. Questentierro intendeva concludere simbolicamente il periodo di Carnevale, la cui etimologia latina era proprio «carnem levare» , e concedere al popolo spagnolo un'ultima occasione di follia prima del periodo penitenziale della Quaresima.Della sardina, tuttavia, non c'è più traccia nella tela. Quel che rimane è la folla allucinata, frenetica, preda di un euforico sbalordimento e frastornamento: molti indossano maschere di diavoli e teschi, così da esorcizzare la paura della morte, e la quasi totalità dei partecipanti balla, urla, si dimena, «come incoscienti burattini mossi da fili invisibili e maligni». Questa grottesca pagliacciata ha luogo sotto l'ombra di un'insegna recante l'immagine di un sorriso sgangherato, collocata nel centro ottico del dipinto, il quale allude alle occulte e barbariche atrocità commesse in Spagna durante la guerra d'Indipendenza.In quest'opera traspare l'acerba critica di Goya rivolta alle superstizioni della vecchia Spagna, le quali erano sopravvissute e, anzi, corroborate dalle esacerbazioni belliche. Vivisezionando questa truce allucinazione collettiva, anzi, il pittore aragonese prelude ai grandi esponenti dell'oggettività tedesca durante il periodo interbellico, quali Otto Dix e George Grosz. Goya, in tal senso, manifestava un atteggiamento ambivalente verso il Carnevale, apprezzandone molto la vitalità benefica e propiziatoria e lo spirito liberatorio, che faceva sì che durante le sue parate venissero aboliti tutti i tabù, i privilegi, i rapporti gerarchici. Il pittore, tuttavia, non poté fare a meno di notare come queste feste spesso sfociavano in violentissimi eccessi, i quali esacerbarono la sua paura di assistere a un crescendo di forze oscure e distruttive, come quelle rinfocolate in quegli anni dai disordini della Guerra d'Indipendenza.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Burial of the Sardine.Please output in Italian.

Carnevale
George Grosz
Madrid
Manzanarre
Otto Dix
Quaresima


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Adrianus Jacobus Zuyderland

Negli ultimi mesi del 1882 e in quelli iniziali del 1883 Vincent van Gogh lo ritrasse in una serie di studi di "uomini-orfani" : Uomo orfano con il cilindro, 1882, Worcester Art Museum. Uomo orfano con cappotto ed ombrello, visto da dietro, 1882, collezione privata. Nel frutteto, 1883. Preghiera prima del pasto, 1883. Sulla soglia dell'eternità, dipinto nel 1890 ma basato su una precedente litografia del 1883, Kröller-Müller Museum. Altre bozze senza titolo datate 1882-1883.

Prompt: Explain the Van Gogh, bachelor, draw of this artwork, Adrianus Jacobus Zuyderland.Please output in Italian.


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Le Défenseur du Temps

Il Difensore del Tempo è un orologio monumentale con automi. In prossimità del quadrante, un uomo appollaiato su una roccia con una spada e uno scudo combatte contro un uccello, un dragone e un granchio, che rappresentano rispettivamente il cielo, la Terra e il mare.A tutte le ore, dalle 9 alle 22, l'uomo lotta contro ciascuno dei tre animali, scelti dal programmatore: in corrispondenza delle ore 12, 18 e 22, i tre animali attaccano contemporaneamente.L'ora viene annunciata da tre rintocchi. Nel corso dei combattimenti, si odono i rombo della Terra, suoni di onde che si infrangono o soffi del vento, a seconda dell'animale scelto.L'opera scultorea misura quattro metri di altezza e pesa una tonnellata circa. Il personaggio, gli animali e il quadrante dell'orologio sono realizzati in ottone lavorato e dorato a caldo, mentre la roccia che funge da sfondo è in ottone ossidato.Nella configurazione d'origine, un orologio elettronico al quarzo coordinava il programmatore casuale, sei programmatori a camme e cinque registratori a nastro.

Prompt: In Le Défenseur du Temps, how is the Description discussed?Please output in Italian.