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Ritratto di una Sforza

Restano molte possibili interpretazioni che riconducono l'opera all'ambito della produzione dei Nazareni, nella Roma o nella Germania del XIX secolo. Fra gli argomenti addotti, quello che Leonardo non usò mai la pergamena per nessuno dei suoi 4.000 disegni sopravvissuti, e che vecchie pergamene fossero facilmente acquistabili dai falsari .Lo studioso di Leonardo, Pietro C. Marani, stima di poco valore il fatto che il disegno sia stato tracciato da un mancino, poiché molti imitatori del maestro hanno simulato questa caratteristica in passato. Marani non è convinto nemmeno dell'utilizzo della pergamena, un dettaglio "di poco conto", dell'uso di pigmenti in certe aree, della poca sicurezza del tocco e della mancanza di craquelure. Un direttore di museo che desidera conservare l'anonimato crede che il disegno  "gridi a voce alta la sua qualità di falso del XIX secolo", e considera sospetti sia i danni che i loro restauri. L'opera non venne inclusa nella mostra del 2011–2012 alla National Gallery di Londra, dedicata al periodo milanese della carriera di Leonardo; Nicholas Penny, direttore della National Gallery, disse semplicemente «Non ne abbiamo richiesto il prestito».Una forte somiglianza stilistica è poi stata notata fra la Bella Principessa e la Young Fiancée, un'opera grafica di Julius Schnorr von Carolsfeld che si ritiene abbia utilizzato la stessa modella. Klaus Albrecht Schröder, direttore dell'Albertina di Vienna, disse «Nessuno è convinto che sia un Leonardo», e David Ekserdjian, studioso del disegno italiano del XVI secolo, scrisse che sospetta che l'opera sia una  "contraffazione". Nemmeno Carmen Bambach del Metropolitan Museum of Art, una delle studiose di primo piano dei disegni di Leonardo, né Everett Fahy, suo collega al Metropolitan, accettano l'attribuzione a Leonardo.Molti esperti di tribunale nel settore delle impronte digitali hanno rifiutato le conclusioni sulle impronte digitali di Biro, considerando l'impronta parziale trovata sul disegno troppo generica e di insufficiente dettaglio per condurre ad una prova certa. Le affermazioni di Biro sono state rifiutate come troppo basate sulla sua personale convinzione di essere una autorità in materia. In un'altra occasione, di fronte alla domanda se poteva essersi sbagliato, Biro rispose di sì, che poteva essere.Nel novembre 2015, un noto falsario britannico, Shaun Greenhalgh, ha assicurato di essere l'autore del disegno, asserendo di aver realizzato l'opera nel 1978, utilizzando un'antica pergamena risalente al 1587 che era stata fabbricata con lo stesso tipo di materiali che utilizzava Leonardo.

Prompt: Describe the characteristics of the Leipotes contrary in La Bella Principessa's History.Please output in Italian.

Julius Schnorr von Carolsfeld
Metropolitan Museum of Art,


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Monumento equestre al Gattamelata

Della statua di Donatello furono creati varie repliche in diversi formati e materiali. Una replica della statua fu fuso dalla Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli di Firenze negli anni 50 per la città di Montevideo e posta in Avenida Italia. Un'altra copia in bronzo si trova a Mosca nel Museo Puškin. Una riproduzione in gesso invece è collocata nella gipsoteca dell'Istituto statale d'arte di Firenze.

Prompt: How does Equestrian statue of Gattamelata explain its Replicas?Please output in Italian.

Donatello
Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli
Montevideo


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Quattro visioni dell'Aldilà

datazione delle opere del Bosch è notoriamente problematica. In assenza di elementi certi, capaci di sostenere una datazione assoluta, gli studiosi elaborano una disposizione diacronica basata essenzialmente su criteri stilistici e quindi sul presupposto implicito di uno sviluppo nella maniera dell’artista che dà luogo ad una datazione relativa articolata intorno ad una selezione di opere cardine, rispetto alle quali s’intende misurare il progresso stilistico del pittore. Il dibattito sui pannelli veneziani offre un’illustrazione delle difficoltà di metodo che affronta la critica d’arte.In merito è pertanto utile accennare aulla polemica a distanza che ha opposto il Tolnay al Combe. Il primo situava il dipinto tra la Tentazione di sant’Antonio di Lisbona e il Giardino delle delizie del Prado. Il secondo e con lui l’attuale critica moderna, sottolineava le somiglianze con il trittico del Carro di fieno e tendeva pertanto ad interpretare le composizioni di Venezia come archetipi della produzione successiva piuttosto che come sviluppo intermedio a partire dalle premesse di Lisbona verso l’apice madrileno.

Prompt: Explain the Dating about the History of this artwork, Ascent of the Blessed.Please output in Italian.


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Salita al Calvario

vicenda è raccontata brevemente dai Vangeli e ampliata particolarmente da Luca. Dopo la sentenza di condanna, Cristo, deriso e sanguinante, venne spogliato del mantello di porpora che gli era stato posto sulle spalle per scherno, rivestito con i suoi panni e caricato della croce. Secondo l'uso romano, infatti, l'esecuzione doveva avvenire fuori città lungo una strada particolarmente frequentata e il condannato doveva portarvi la propria croce, o almeno la sua traversa orizzontale, detta patibulum. localizzazione fuori porta era ancora più significativa alla luce delle leggi ebraiche che prescrivevano l'esecuzione fuori dell'accampamento sia per i bestemmiatori sia per i violatori del sabato, due accuse spesso rivolte a Gesù dai farisei. Proprio l'accusa di bestemmia era stata utilizzata dal sinedrio per condannare a morte Gesù. Nel vangelo di Marco, il primo ad essere redatto, questa connessione sembra essere suggerita deliberatamente con la scelta del verbo greco "exago" per descrivere l'azione di "condurre fuori" Gesù. Questa è la prima e unica volta che questo verbo viene utilizzato da Marco e proprio questo è il verbo utilizzato dalla LXX, la versione greca dell'antico testamento utilizzata dagli evangelisti, quando si ordina di condurre fuori dall'accampamento i bestemmiatori e i violatori del sabato prima di lapidarli.  scelta del verbo ottiene un rilievo ancora maggiore dall'indeterminatezza del luogo da cui Gesù è allontanato: il vangelo sottolinea una espulsione, un rigetto.Il Golgota si trova a nord di Gerusalemme e vi si accedeva uscendo dalla Porta di Gennath , i cui resti sono stati ritrovati circa a metà strada fra il pretorio e il Golgota. Dalla porta passava una delle strade principali in direzione delle città di Cesarea e Giaffa e ciò garantiva la massima pubblicità dell'esecuzione.Secondo il Vangelo di Giovanni, all'uscita del tribunale Gesù si avviò, portando la croce, verso il monte Calvario , dove fu crocifisso . <br>Secondo i Vangeli sinottici, all'uscita della città, i soldati costrinsero un uomo chiamato Simone di Cirene, che rientrava casualmente in città proprio in quel momento, a caricarsi addosso la croce e a sorreggere il suo peso sulle spalle al posto dello stesso Gesù sino al luogo dell'esecuzione; grazie al suo sostegno, Gesù poté evitare che il carico del patibulum gravasse sulle spalle e sulla schiena che erano già state ferite dalla severa flagellazione che aveva subito. Marco  specifica che Simone era il padre di Alessandro e Rufo, come se i suoi figli fossero ben noti ai suoi lettori e potessero confermare i fatti. Questo dettaglio si chiarisce supponendo che il Rufo, che Paolo saluta nella Lettera ai Romani , sia proprio il figlio di Simone e tenendo presente che il vangelo di Marco, o almeno una prima bozza, potrebbe essere stato scritto a Roma. Tutta la famiglia, quindi, avrebbe aderito al cristianesimo e forse Simone non cercò di sottrarsi alla croce di Gesù perché già ne aveva ascoltato la predicazione.In mezzo alla folla che seguiva il condannato c'erano delle donne che piangevano e solo Luca riporta le parole rivolte a loro da Gesù, esortandole a versare le loro lacrime non su di lui ma sulla sorte che sarebbe capitata a loro stesse e ai loro figli. L'accenno al popolo piangente potrebbe essere una allusione di Luca alla profezia di Zaccaria , letta in riferimento a Cristo anche nel vangelo di Giovanni  e nell'Apocalisse . Le parole di Gesù, invece, alludono alle tremende sofferenze della popolazione di Gerusalemme durante l'assedio romano, raccontate da Giuseppe Flavio.Gli autori del "Nuovo Grande Commentario Biblico" sottolineano come "Giovanni non riporta nessuno degli episodi avvenuti durante il tragitto verso il luogo della crocifissione, contenuti negli altri vangeli". Dato che Giovanni descrive l'avviarsi di Gesù verso il calvario con la croce in spalla, ma non riporta l'incontro col Cireneo, gli stessi studiosi suppongono che l'evangelista non fosse a conoscenza di tale tradizione o, a livello teologico, che Giovanni "scelse di far portare la croce a Gesù per significare che egli aveva ancora il pieno controllo del proprio destino".

Prompt: In Christ Carrying the Cross (Bosch, Vienna), how is the The episode discussed?Please output in Italian.

Calvario
Cristo
Gesù
Simone di Cirene
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo


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Cristo degli abissi

left statua nacque da un'idea di Duilio Marcante che, a seguito della morte di Dario Gonzatti durante un'immersione nel 1947, spinse per la posa di una statua di Cristo sul fondale marino; il 29 agosto 1954 la statua del Cristo degli abissi viene posta nella baia di fronte a San Fruttuoso, tra Camogli e Portofino.Per la realizzazione dell'opera, nel 1952, coinvolse Giacomino Costa, armatore e presidente del Centro Sportivo Italiano C.S.I. di Genova.  statua, alta circa 2,50 metri e realizzata dallo scultore Guido Galletti e creata nella fonderia artistica Battaglia, venne posta grazie alla Marina Militare Italiana a circa 17 metri di profondità, fu portata sul fondo grazie a molti subacquei di "Mondo Sommerso", guidati dall'allora direttore Marco Paini, il quale posó la statua con precisione millimetrica sul basamento. Le braccia del Cristo, rivolte in alto idealmente a Dio in cielo, sono aperte in segno di pace.Per ottenere il bronzo della statua vennero fuse medaglie, elementi navali  e campane. A seguito della morte di Marcante venne posta una targa sul basamento della statua in sua memoria.Nel 2003 la statua è stata restaurata per preservarla dalla corrosione e dalle incrostazioni e, soprattutto, per riattaccarle la mano staccata da un'ancora, ritrovata dal subacqueo Enea Marrone,  per poi essere riposizionata sott'acqua il 17 luglio 2004 su un nuovo basamento, ad una profondità inferiore a quella precedente.

Prompt: Focus on Christ of the Abyss and explain the History.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: How does Adoration of the Kings (Gossaert) explain its External links?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Museu Nacional d'Art de Catalunya. Mnac i SCALA GROUP S.p.A. ISBN 978-84-8043-198-9. Breve historia de la pintura española. AKAL. ISBN 978-84-7600-180-6. Monreal, L., Grandes Museos, vol. 1, Editorial Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X . Olivar, M., Cien obras maestras de la pintura, Biblioteca Básica Salvat, 1971. ISBN 84-345-7215-X.

Prompt: In Immaculate Conception (Zurbarán), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Forme uniche della continuità nello spazio

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura . L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi: due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milano due nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art otto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Prompt: How does Unique Forms of Continuity in Space explain its History?Please output in Italian.

Calabria
Cosenza
Filippo Tommaso Marinetti
František Kupka
Marcel Duchamp
Metropolitan Museum of Art
Metropolitan Museum of Art
Milano
Museum of Modern Art
Museo del Novecento
Museum of Modern Art
New York
Reggio Calabria


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna zingarella

Madonna "zingarella" è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1512 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: How does The Gypsy Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.


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Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: Explain the Benelux about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Molti bambini sopravvissero, in varie parti dell'Europa, protetti dai partigiani, in zone da essi controllate. Due unità partigiane in Bielorussia, quelle guidate rispettivamente dai Fratelli Bielski e da Shalom Zorin, si distinsero in particolare per aver stabilito nella foresta dei campi dove erano accolte anche famiglie ebree con donne, anziani e bambini.Per un bambino, specie se ebreo, non era semplice unirsi alle unità partigiane combattenti.  maggior parte delle unità partigiane non accettava bambini o civili inermi, ed episodi di antisemitismo non furono infrequenti anche in alcune formazioni partigiane dell'Est europeo. Tra i 20/30.000 ebrei che combatterono come partigiani in tutta Europa vi furono tuttavia molti adolescenti . Diventare partigiani significava prendere parte direttamente alle azioni di guerriglia, spionaggio e sabotaggio condotte dal proprio gruppo ed essere sottoposti senza alcuno sconto alla brutalità della lotta. È il caso di Nathan Schacht, sopravvissuto per 18 mesi  con i partigiani nella foresta in Ucraina, o di Marek Herman che giunto orfano dalla Polonia si unisce in Italia alla resistenza nel Canavese, o del dodicenne Franco Cesana, il più giovane partigiano caduto in un'azione di combattimento nella Resistenza italiana.

Prompt: Explain the Three partisans about the Victims survivors of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Franco Cesana
Fratelli Bielski
Italia
Marek Herman
Nathan Schacht


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Scena del Diluvio

tela, di formato molto grande , rappresenta cinque membri di una stessa famiglia che lottano per sfuggire alla furia degli elementi della natura, il diluvio universale. L'uomo issato su una roccia si aggrappa a un albero morto che comincia a spezzarsi; prova a tirare fino a sé sua moglie, alla quale si aggrappano due bambini, sostenendo nel frattempo un vecchio che tiene un sacchetto di soldi in mano. L'uomo guarda con orrore la sua donna che sta per perdere l'equilibrio e rischia di cadere dal dirupo, mentre uno dei bambini prova a reggersi ai capelli della madre. Il vento è evocato dalle vesti svolazzanti, il cielo è striato da un lampo, mentre tra le acque agitate galleggia un cadavere, che preannuncia il destino inevitabile che sta per incombere su tutti i personaggi.

Prompt: How does Scene from a Deluge explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico di Ponteranica

Il Polittico di Ponteranica è una serie di sei dipinti a olio su tavola di Lorenzo Lotto, datato 1522 e conservato nella chiesa di San Vincenzo e Sant'Alessandro a Ponteranica . L'opera è firmata e datata "L. Lotus / 1522" .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ponteranica Altarpiece.Please output in Italian.


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Epifania

In Finlandia, l'Epifania si chiama loppiainen, un nome che risale al 1600. Nel 1500 la chiesa luterana svedese-finlandese chiamava l'Epifania "Giorno dei Tre Re Santi", mentre prima veniva usato il termine più antico Epifania. Nella lingua careliana l'Epifania è chiamata vieristä, che significa croce, nome derivato dall'usanza ortodossa di immergere una croce tre volte per benedire l'acqua in tale giorno.Oggi, nella chiesa luterana l'Epifania è un giorno dedicato all’opera missionaria. Tra il 1973 e il 1991, l'Epifania è stata osservata in Finlandia nel sabato compreso tra il 6 e il 12 gennaio. Dopo tale periodo, tuttavia, la data tradizionale del 6 gennaio è stata ripristinata e da allora è stata nuovamente osservata come festa nazionale.L'albero di Natale viene tradizionalmente portato fuori di casa il giorno dell'Epifania. Mentre il termine loppiainen significa "fine [del periodo natalizio]", in realtà, le celebrazioni natalizie in Finlandia sono estese al giorno di Nuutti o San Canuto  che cade il 13 gennaio e completa i venti giorni del Natale scandinavo.

Prompt: In Epifania, how is the Finland of the Theology explained?Please output in Italian.

12
13 gennaio
6 gennaio
Finlandia
Natale


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Trittico Portinari

I pannelli laterali continuano spazialmente quello centrale, con la prosecuzione del paesaggio in quello di destra e dell'arco dell'edificio in quello di sinistra. Vi sono raffigurati i membri della famiglia Portinari inginocchiati in preghiera presentati dai rispettivi santi protettori. Le figure dei committenti sono rimpicciolite dalle proporzioni gerarchiche.Il pannello di sinistra è dedicato agli uomini e vi si vede Tommaso Portinari con i due figli Antonio e Pigello, presentati da san Tommaso , e sant'Antonio Abate ; il pannello di destra mostra le donne: Maria di Francesco Baroncelli, moglie di Tommaso, e la figlia Margherita, accompagnate da santa Maria Maddalena  e santa Margherita .  Maddalena in particolare è sontuosamente abbigliata ed ha un'acconciatura tipica del Quattrocento, con i capelli rasati sulla fronte e raccolti in un'ampia ed elaborata crocchia.Le scene di corredo sullo sfondo sono a sinistra la fuga in Egitto e a destra i Re Magi sulla via di Betlemme.

Prompt: In Portinari Altarpiece, how is the Side panels of the History explained?Please output in Italian.


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Estasi di santa Cecilia

Santa Cecilia si trova al centro di una sacra conversazione molto serrata, rappresentata a piena figura mentre, abbandonati gli strumenti musicali dei quali è protettrice, volge uno sguardo appassionato al cielo, coi grandi occhi scuri, dove è apparso un coro angelico che intona una melodia celestiale. Di mano le sta sfuggendo un organetto portatile, dal quale si stanno sfilando due canne, mentre ai suoi piedi giace una straordinaria natura morta di strumenti musicali vecchi o rotti: una viola da gamba senza corde, un triangolo, due flauti sbocconcellati, dei sonagli, due tamburelli con la pelle lacera. Si tratta di un rimando alla caducità della musica "terrena", simbolo delle passioni umane  rispetto a quella "celeste") ha un atteggiamento meditativo e dà le spalle allo spettatore, ruotando la testa fino a offrire un profilo; san Giovanni evangelista in secondo piano, riconoscibile dal libro ai suoi piedi su cui si trova l'aquila; il suo sguardo si incrocia con quello di sant'Agostino, sull'altro lato, vestito da un pesante piviale ricamato e reggente il bastone pastorale; Maria Maddalena infine che tiene in mano l'ampolla degli unguenti e fissa lo spettatore.  scelta dei quattro santi è legata al tema dell'ascesa celeste e dell'estasi: Giovanni e Maddalena secondo la tradizione ascesero infatti al cielo, mentre Paolo e Agostino ebbero visioni dirette di Dio, il primo sulla via di Damasco, il secondo su un litorale, dove gli apparve il Bambin Gesù che gli dimostrò con un esempio l'incomprensibilità umana della natura di Dio.Sullo sfondo si scorge un paesaggio collinare con, all'altezza del pastorale di sant'Agostino e della spalla sinistra di santa Cecilia, il profilo di una chiesa all'orizzonte, probabilmente quello del santuario di Santa Maria del Monte a Bologna. Il paesaggio è dominato da un ampio cielo blu, nel cui mezzo si apre, in uno sfavillante bagliore solare, la teoria dei sei angeli in coro, distinti, da sinistra verso destra, in due gruppi di quattro più due, ciascuno intento a leggere uno spartito.

Prompt: Focus on The Ecstasy of Saint Cecilia and explain the Description.Please output in Italian.


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Persefone

madre Demetra, dea della fertilità e dell'agricoltura, che prima di questo episodio procurava agli uomini interi anni di bel tempo e di raccolti, reagì disperata al rapimento, impedendo la crescita delle messi, scatenando un inverno duro che sembrava non avere mai fine. Furente nei confronti di Zeus, Demetra rifiutò quindi di tornare sull'Olimpo e, trasformatasi in una vecchia, si recò a Eleusi in Attica, dove venne accolta dal re Celeo.Con l'intervento di Zeus si arrivò a un accordo, per cui, visto che Persefone non aveva mangiato un frutto intero, sarebbe rimasta nell'oltretomba solo per un numero di mesi equivalente al numero di semi da lei mangiati, potendo così trascorrere con la madre il resto dell'anno. Così Persefone avrebbe trascorso sei mesi con il marito negli inferi e sei mesi con la madre sulla terra. Demetra allora accoglieva con gioia il periodico ritorno di Persefone sulla Terra, facendo rifiorire la natura in primavera e in estate.Se si suppone che Persefone sia rimasta con Ade per quattro mesi e con Demetra per otto mesi, corrispondenti agli otto mesi di crescita e abbondanza per essere seguiti da quattro mesi di assenza di produttività, si può vedere il parallelo con il clima mediterraneo dell'antica Grecia. I quattro mesi durante i quali Persefone è con Ade corrispondono alla secca estate greca, un periodo durante il quale le piante sono minacciate di siccità. All'inizio dell'autunno, quando i semi sono piantati, Persefone ritorna dagli inferi e si riunisce con sua madre, e il ciclo di crescita ricomincia.Il ratto di Persefone, pinax da Locri Questa lettura del rituale, tuttavia, non quadra con il documento centrale di fondazione del mistero, lInno omerico a Demetra, verso 415, in cui si dice esplicitamente che Persefone ritorna nella primavera dell'anno, non nella caduta: «Questo fu il giorno [del ritorno di Persefone], proprio all'inizio della generosa primavera.». rappresentazione del suo ritorno in terra era locata presso i prati di Enna , celebri per i fiori dai colori sgargianti e per la loro bellezza. Un elemento supplementare della vicenda consiste nel fatto che Demetra non seppe che la figlia aveva mangiato il melograno, finché non fu un giardiniere dell'Oltretomba, Ascalafo, a rivelarlo: vuoi che Persefone avesse mangiato di sua volontà, vuoi che fosse stata persuasa da Ade, in questo modo Demetra perse la possibilità di avere la figlia con sé tutto il tempo, e castigò Ascalafo trasformandolo in un barbagianni.Persefone contese ad Afrodite il bell'Adone, riuscendo a trascinare la questione fin davanti a Zeus che preferì, per non scontentare nessuno, affidarlo separatamente a entrambe, in modo simile alla permanenza di Persefone stessa che era divisa fra gli dei dell'Olimpo e l'Ade.Una tradizione diversa faceva di Persefone una figlia di Zeus e di Stige. Fu generata dal dio dopo la sconfitta dei Titani, avvenuta durante la Titanomachia.Nella mitologia romana a Persefone corrispondeva Proserpina e a sua madre Demetra la dea Cerere, al cui culto era preposto un flamine minore.Vi sono comunque altre versioni della leggenda. Secondo una di queste è Ecate a salvare Persefone. Una delle più diffuse dice che Persefone non fu indotta a mangiare i sei semi con l'inganno, ma lo fece volontariamente perché si era affezionata ad Ade.Il mito di Persefone trae alcuni suoi elementi dalla mitologia mesopotamica, riassunti ne la Discesa di Inanna negli Inferi. In tale opera Inanna, recatasi nel Kurnugea  per recare le condoglianze alla sorella Ereshkigal, vi rimane intrappolata. Grazie a un sotterfugio riesce a tornare in superficie ma, in un momento d'ira nel trovare Dumuzi, il suo compagno, intento a oziare e non a preoccuparsi per la sua assenza, lo condanna a prendere il suo posto. Dumuzi riesce a fuggire dalla sorella Geshtinanna la quale si offre per passare sei mesi dell'anno negli inferi al posto suo. Dato che Dumizil e Geshtinanna erano considerati le divinità del malto e della vite, il mito spiega l'alternanza delle stagioni e fa riferimento ai diversi periodi di raccolta e produzione rispettivamente della birra e del vino.

Prompt: Explain the The search for Demeter and the return (periodic) of Persephone about the Persephone'smyth of this artwork, Proserpine (Rossetti).Please output in Italian.

Afrodite
Attica
Cerere
Demetra
Discesa di Inanna negli Inferi
Ecate
Eleusi
Enna
Locri
Olimpo
Persefone
Proserpina
Titani
Titanomachia
Zeus


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Il pergolato

Noto sin dal 1923 come Il pergolato, in riferimento al luogo dove si svolge la scena, il dipinto in origine si chiamava Un dopo pranzo, titolo che certamente descriveva in modo più esplicativo l'episodio illustrato.In accordo con la sua poetica, Lega sceglie di raffigurare un soggetto quotidiano, con un realismo quasi fotografico. Lega rappresenta un gruppo di donne che chiacchierano e si intrattengono in maniera tranquilla e rilassata all'ombra di un fitto pergolato, in attesa dell'arrivo della domestica, ritratta sulla destra mentre regge un vassoio con sopra un bricco di buon caffè. Dietro di lei si profila un basso muretto, sul quale sono collocati vasi di cotto contenenti fiori dai mille colori. Le varie fioriture sono riarse dal sole estivo, che proietta ombre lunghissime sulla pavimentazione del viottolo, dove tra le fughe delle varie mattonelle riescono a vegetare alcuni ciuffi di erba selvatica.Il punto di fuga decentrato, collocato praticamente sul margine sinistro della tela, invoglia l'osservatore a esplorare con lo sguardo la campagna retrostante, popolata da varie case coloniche e da una cortina di pioppi sulla linea dell'orizzonte.Dal punto di vista tecnico Il pergolato presenta contorni morbidi e colori particolarmente nitidi e brillanti. È proprio adottando una tavolozza di tonalità chiare che Lega riesce a inondare la scena di una luminosità calda e diffusa, esaltata ancor di più dall'ombra del pergolato. Tutte le figure del dipinto, inoltre, sono ritratte in controluce, in modo tale che l'osservatore è in grado di compenetrare nella loro situazione psicologica ed emotiva, godendo a sua volta della freschezza offerta dall'ombroso pergolato.  scena è quindi animata da palpitanti effetti luministici e da un'accattivante resa cromatica: la sensazione che ne deriva è quella, placida e sonnolenta, di un pomeriggio estivo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, In the Arbour.Please output in Italian.


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Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria (Lotto Bergamo)

Carlo Pirovano, Lotto, Electa, Milano 2002. ISBN 88-435-7550-3 Roberta D'Adda, Lotto, Skira, Milano 2004. Marzia Di Tanna, "Lorenzo Lotto, 1523: Nozze mistiche di S.Caterina", Osservatorio delle Arti, 1990, pp.58-67

Prompt: In Mystical Marriage of St Catherine of Alexandria with Niccoló Bonghi, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

È stato dimostrato che i tratti del volto della Nereide sono quelli di Margherita Luti, l'amante e musa di Raffaello che posò anche per il famosissimo ritratto  Fornarina , la Madonna Sistina  e  Velata . Ed il Trionfo di Galatea, essendo del 1512, è il primo dipinto dell'Urbinate in cui compare la sua amata Margherita.Secondo alcuni Raffaello e Margherita si conobbero proprio mentre lui stava lavorando nella Villa di Agostino Chigi , in cui Margherita andava spesso per consegnare il pane del suo forno . Addirittura, dopo che Raffaello conobbe la giovane donna passava più tempo con lei che al lavoro. Agostino allora decise di chiamare Margherita nella sua Villa  e Raffaello dipinse il volto di Galatea ispirandosi a quello della sua amante.

Prompt: In Galatea (Raphael), how is the ThefaceofGalatea discussed?Please output in Italian.

1512
Agostino Chigi
Madonna Sistina
Margherita Luti


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Ritratto di Lorenzo di Credi

Il Ritratto di Lorenzo di Credi è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela  di Pietro Vannucci detto il Perugino, databile al 1488 e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: How does Portrait of Lorenzo di Credi explain its Abstract?Please output in Italian.

1488
Lorenzo di Credi
National Gallery of Art
Perugino
Washington


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Madonna di Darmstadt

leftA occhio nudo si può vedere da subito come il disegno sia stato mutato dopo un suo primo completamento: in origine la figura di Anna Meyers si presentava coi capelli lunghi, come testimoniato da un disegno preparatorio eseguito dallo stesso Holbein. Il motivo del cambiamento di acconciatura è dato non solo dall'aspetto di maggiore eleganza e compostezza della figura, ma anche dal ruolo che essa rivestiva come ragazza da marito. Alle spalle della ragazza si trova la madre Dorothea Kannengießer e la defunta Magdalena Bär. Le due mogli del borgomastro sono rappresentate in maniera diversa, con la seconda moglie in origine contraddistinta da un ampio sottogola che le copriva gran parte del viso, ma che nel 1528 al ritorno di Holbein dal suo primo viaggio in Inghilterra, venne mutato con un più moderno costume che lasciava vedere più apertamente la bellezza delle fattezze del viso della nuova consorte del committente. L'aspetto della prima consorte venne lasciato immutato per sottolineare l'idea di vecchio, di sorpassato, per quanto ancora presente nella memoria e nel cuore di quanti l'avevano amata.

Prompt: Explain the Corrections, remakes about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Madonna Conestabile

Madonna Conestabile è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello Sanzio, databile al 1504 circa e conservata nel Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo.

Prompt: How does Conestabile Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.

1504
Ermitage
Raffaello Sanzio
San Pietroburgo


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Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: Describe the characteristics of the Chorus in Music (Matisse)'s The studio.Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: In Epifania, how is the France of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Il sogno della moglie del pescatore

Prompt: How does The Dream of the Fisherman's Wife explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Rhythm in Space

Foto della scultura Rhythm in Space scattata da André Rhythm in Space è il titolo di almeno due sculture realizzate dall'artista svizzero Max Bill.  prima scultura da lui realizzata che porta questo nome è stata creata nel 1962 utilizzando il granito. Fa parte del patrimonio del Dallas Museum of Art, Foundation for the Arts Collection, a cui è stata donata dalla moglie di James H. Clark, ma attualmente non è esposta. Si tratta di una scultura astratta costituita da una colonna coronata da tre anelli sovrapposti, i cui bordi esterni sono contigui a quelli interni. Le misure sono 144.7 x 49.5 x 149.8 cm .Cinque anni dopo Max Bill realizza un'altra scultura a cui attribuisce lo stesso titolo, ma che presenta alcune caratteristiche diverse. Il materiale prescelto questa volta è la diorite nera e le dimensioni sono diverse: 260 cm × 150 cm × 91 cm . Quest'ultima scultura è collocata presso il Lynden Sculpture Garden a Milwaukee, Wisconsin.

Prompt: Focus on Rhythm in Space and explain the Abstract.Please output in Italian.

Dallas Museum of Art
Lynden Sculpture Garden
Max Bill
Milwaukee
Wisconsin


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Deposizione Borghese

Il Trasporto si ispirò alle scene antiche del Trasporto di Melagro e alla scena nello sfondo della Cappellina dei Corpi Santi nel Duomo di Orvieto, affrescata da Luca Signorelli. Altri modelli furono una Deposizione a stampa di Andrea Mantegna e alcune opere di Michelangelo, per gli atteggiamenti di alcune figure.Tre uomini stanno portando il corpo morto di Gesù nel sepolcro a sinistra. Essi sono rappresentati inarcati dallo sforzo di trascinare il pesante corpo senza vita e sono ritratti con espedienti che amplificano il senso del movimento  e le espressioni concitate. In particolare spicca il giovane al centro della composizione, assente nei Vangeli, che è un ritratto del defunto Grifonetto Baglioni. Dietro spunta San Giovanni Evangelista con le mani giunte , mentre al centro di questo gruppo spicca Maria Maddalena dolente, con i capelli al vento, colta nel pietoso gesto di tenere la mano di Gesù accompagnandolo al sepolcro. Il suo volto è quello di Zenobia Sforza, moglie di Grifonetto. Gli altri due uomini sono Giuseppe d'Arimatea a sinistra e Nicodemo tra San Giovanni e Maria Maddalena che guarda lo spettatore.A destra si trova il gruppo delle pie donne che sostengono la Vergine Maria svenuta, tenuta alla vita dalla donna dietro di lei, mentre una le regge il capo reclinato sulla spalla e l'altra inginocchiata allunga le braccia per sostenerla. Il volto della Madonna è quello di Atalanta Baglioni, la madre di Grifonetto, che commissionò questo dipinto a Raffaello.  donna in ginocchio ha un movimento "a serpentina", ispirato al Tondo Doni di Michelangelo. Altri echi michelangioleschi si colgono nel corpo abbandonato di Gesù, simile a quello della Pietà vaticana e nel vestito giallo e verde di Nicodemo, che si ispirò alla torsione dell'incompiuto San Matteo del Buonarroti.I due gruppi principali sono raccordati dal giovane trasportatore con il volto di Grifonetto, che si proietta all'indietro.Lo straordinario paesaggio asseconda ritmicamente la composizione: se l'oscuro sepolcro nella roccia aiuta a stagliare i personaggi a sinistra, a destra le figure sono davanti alla collina del Golgota, mentre al centro la veduta si apre con ampio respiro su una veduta di colline punteggiate dalla presenza umana, con l'immancabile specchio d'acqua e con lontane montagne azzurrine, velate di foschia. In primo piano le pianticelle rappresentate con cura rimandano all'esempio di Leonardo da Vinci.Straordinaria è la ricchezza dei colori, quasi smaltati, così come la plasticità data dal forte chiaroscuro, che dà alle figure una monumentalità statuaria, e la concatenazione di gesti, sguardi e attitudini, che ne fanno uno dei capolavori dell'artista. Di grande effetto è la resa dei corpi umani nelle svariate posizioni, con attenzione alla resa anatomica, ma anche all'armonia e alla varietà.

Prompt: Explain the Description and analysis of this artwork, The Deposition (Raphael).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Duomo di Orvieto
Gesù
Grifonetto Baglioni
Leonardo da Vinci
Luca Signorelli
Maria Maddalena
Pietà vaticana
Sforza
Tondo Doni


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Lo schema è quello della sacra conversazione tipica della tradizione veneziana, in larga parte legata alla produzione dello stesso Bellini, con un arco mosaicato che simula uno sfondamento della parete sopra l'altare e tre figure di santi. Al posto del tradizionale trono della Vergine, in posizione rialzata, si vede san Girolamo su una rupe, intento alla lettura della Bibbia e ritratto come eremita. In basso, separati da un parapetto con specchiature marmoree  si vedono san Cristoforo e un santo vescovo. Quest'ultimo era stato interpretato come sant'Agostino sulla base di una scritta sul libro  rivelatasi poi apocrifa . I gigli d'Angiò sul manto testimoniano invece che si tratti di Ludovico di Tolosa, il nobile francese che rinunciò alla corona per abbracciare il francescanesimo.  scelta dei santi, più che a semplici omonimie coi committenti, è forse legata a temi neoplatonici, con Ludovico che simboleggia la fede contemplativa e liturgica, e Cristoforo quella attiva e della predicazione. San Girolamo sarebbe il punto più alto della vita spirituale, come congiunzione perfetta tra azione e contemplazione, tra ascesi e scienza rivelata, essendo anche dottore della Chiesa per la sua traduzione della Vulgata. L'arco stesso simboleggia la Chiesa e vi si trova scritto in greco il secondo versetto del salmo 14: «Il Signore dal cielo si china sugli uomini per vedere se esista un saggio: se c'è uno che cerchi Dio». L'uso della scrittura greca è legato alla comunità greco-veneziana, che si riuniva proprio nella chiesa di San Giovanni Crisostomo. Il versetto e il simbolo del fico si riferiscono a Girolamo, quale prescelto dal Signore per comprendere la legge suprema. fusione dei personaggi col paesaggio dimostra la ricezione delle novità di Giorgione  e di Sebastiano del Piombo .

Prompt: Focus on Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse and explain the Description and style.Please output in Italian.

Giorgione
Ludovico di Tolosa
San Girolamo
Sebastiano del Piombo
Vulgata


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Gelosia

Si distingue una gelosia infantile , ad esempio la gelosia per il nuovo fratellino , e una gelosia adulta o "sessuale". Secondo Sigmund Freud il sentimento della gelosia non è rivolto solo alla persona che si teme di perdere, ma ad una terza persona, quella verso cui si sente rivalità.Esiste anche una gelosia che riguarda il passato sentimentale e sessuale del partner che prende il nome di gelosia retroattiva.

Prompt: Explain the Typical people involved about the Theories of this artwork, Jealousy (Munch).Please output in Italian.


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Dinamismo di un ciclista

Questo dipinto appartiene alla sequenza di opere di Boccioni che poggiano su astrazioni plastico-dinamiche in un'idea continuativa del rapporto spazio-temporale affrontando il movimento di un corpo nello spazio. I colori aggressivi e puri utilizzati, così come il flusso delle luci e l'affiorare del nero all'interno della composizione, danno la sensazione del succedersi di attimi esaltando l'intreccio dinamico, donando anche la sensazione di movimento come se fosse un vero ciclista muovendosi in modo veloce.

Prompt: How does Dynamism of a Cyclist explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Alvise Cornaro

Il Ritratto di Alvise Cornaro è un dipinto a olio su tela  di Tintoretto, databile al 1560-1565 circa e conservato nella Galleria Palatina di Firenze.

Prompt: Focus on Portrait of Alvise Cornaro and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto votivo della famiglia Vendramin è un dipinto di Tiziano, a olio su tela , quest'opera fu realizzata tra il 1543 e il 1547. Quest'opera è conservata alla National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Portrait of the Vendramin Family and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Laocoonte

;Fonti primarie Pseudo-Apollodoro, Epitome, libro V, 17. Publio Virgilio Marone, Eneide, libro II, versi 214 ss. Gaio Giulio Igino, Fabulae, 135. Quinto Smirneo, Posthomerica, libro XII, versi 391 ss. ;Edizioni delle fonti primarie   ;Fonti secondarie       ocoonte in Lombardia. 0123456789 anni dopo la sua scoperta, a cura di Gemma Sena Chiesa con Elisabetta Gagetti, Viennepierre, Milano 2007. ISBN 978-88-7601-043-9.

Prompt: How does Laocoön (El Greco) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Apollo
Eneide
Epitome
Fabulae
Gaio Giulio Igino
ISBN
Posthomerica
Publio Virgilio Marone
Quinto Smirneo
Viennepierre


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Statua di Robert Milligan

Nel 2007, quando il museo di London Docklands aprì la mostra London, Sugar and Slavery, la connessione tra il West India Dock, il magazzino di zucchero che oggi ospita il museo e lo sfruttamento di africani schiavizzati nelle piantagioni di zucchero delle Indie Occidentali venne resa esplicita. Il ritratto di George Hibbert dipinto da Thomas wrence nel 1811 venne spostato da un luogo nel quale era stato venerato per aver svolto un ruolo eroico nella creazione del molo a una posizione nella nuova galleria con una didascalia che chiariva il suo ruolo come politico e proprietario di schiavi che resistette all'abolizione dello schiavismo. A novembre, al momento dell'inaugurazione della mostra, la Statua di Robert Milligan fu ricoperta con un velo nero e legata con una corda . Inoltre il museo suscitò le riflessioni del pubblico riguardo alla statua in relazione al coinvolgimento di Milligan con la schiavitù degli africani.

Prompt: In the context of Statue of Robert Milligan, explain the Velamentonel2007 and the History.Please output in Italian.


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Democrito

Nella sua lunga esistenza Democrito scrisse anche opere di etica, in cui affermava che l'interesse maggiore dell'Uomo deve essere la felicità, che si ricerca attraverso una moderata cancellazione della paura: per questo egli divenne noto come il "filosofo del riso", a differenza del triste e pessimista Eraclito che venne definito il "filosofo del pianto".Tuttavia, per Democrito la felicità non è da identificarsi nel possesso di beni materiali, nel prestigio o nel potere, ma nell'essere moderati e nel condurre una vita giusta. È necessario essere coraggiosi non in guerra, bensì contro i piaceri sensibili che rendono l'uomo schiavo dei sensi. Il razionalismo etico di Democrito assume come concetto guida il raggiungimento dell'eutimia , ossia della tranquillità, della serenità dell'animo. Vero saggio dunque è colui che impronta la sua vita a regole di moderazione, di accorta misura e di equilibrio, rifuggendo i turbamenti e le passioni. Il discorso morale di Democrito ha un carattere prevalentemente personale e privato, in quanto si rivolge al singolo e alla sua ricerca della felicità e del bene più che alla comunità sociale e politica.  tranquillità interiore d'altro canto non implica affatto la passività e l'ozio, anzi Democrito apprezza la vita attiva e produttiva, affermando tra l'altro che: Le fatiche sono più piacevoli dell'inerzia. Secondo l'autore l'anima e le idee possono essere ricondotte al materiale e ai sensi.Inoltre Democrito elegge la ragione a giudice e guida dell'esistenza e fa dell'equilibrio e della misura il supremo ideale di condotta.Questa morale mette a capo a un'etica del dovere fondata sul rispetto verso se stessi: non si deve aver rispetto per gli altri più che per sé.Secondo Democrito, Atena, intesa come saggezza, è chiamata tritogena, perché dal ragionare con saggezza derivano tre facoltà: il retto volere, il retto parlare e il retto agire.

Prompt: Explain the Ethics about the Biography of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Disputa del Sacramento è un affresco  di Raffaello Sanzio, databile al 1509 e situato nella Stanza della Segnatura, una delle quattro Stanze Vaticane.

Prompt: How does Disputation of the Holy Sacrament explain its Abstract?Please output in Italian.

1509
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Lupa capitolina

Le indagini condotte per la definizione dello stato di degrado prodotto dall'ambiente e dal tempo sul materiale costitutivo dell'opera, per sua natura instabile, hanno evidenziato una particolare condizione, diversa da quella comunemente riscontrata sui bronzi archeologici rimasti a lungo interrati o esposti all'aperto. maggior parte delle trasformazioni avutesi nel tempo sono rappresentate sulla patina e, attraverso di essa, raggiungono l'interno della materia. patina e la forma sono l'immagine dell'opera, ed è proprio attraverso la salvaguardia della patina che il restauratore consente la trasmissione dei dati storici che vi sono rappresentati.I risultati delle analisi FTIR , eseguite per l'individuazione dei prodotti organici e quelli della diffrattometria a raggi X, per la caratterizzazione delle diverse patine di corrosione, ci hanno fornito una serie di indicazioni relative alla storia conservativa della Lupa.Gli spessori di cere ed olio di lino, applicati in diverse epoche per salvaguardare la superficie bronzea, prevalgono rispetto all'esiguo strato di ossido di rame formatosi naturalmente per effetto dell'esposizione del metallo all'atmosfera.Risultano quindi evidenti le cure costantemente riservate alla scultura per impedire il sorgere di fenomeni corrosivi.Ulteriore conferma viene dalla presenza di ossalti: residui di trattamenti protettivi o decapanti, usati in passato per proteggere la sottile patina bruna oppure per eliminare chimicamente e radicalmente una disomogenea stratificazione di patine ritenute pericolose o antiestetiche.Non si trattava del bitumen pliniano, né di patinature intenzionali , né di alcun procedimento tecnico conosciuto, ma di cere brillanti e trasparenti applicate non per compiere una "manomissione" sulla patina, bensì per migliorare le qualità estetiche e proteggere la materia sottostante. Tali cere però appaiono oggi ossidate, annerite e opache.Sono state eseguite varie prove di pulitura in diverse zone con lo scopo di esplorare la sequenza stratigrafica dei depositi cerosi, la loro adesione al supporto metallico e la penetrazione ed estensione di eventuali fenomeni corrosivi.Ogni tassello è stato eseguito asportando meccanicamente, col bisturi, la crosta nera depositata sulla superficie sciogliendo, con tamponcini imbevuti di trielina, i residui di sostanze organiche e infine perfezionando la pulitura con spazzolini di setola montati su microtrapano dentistico, per la completa rimozione della cera dalle porosità della superficieSu tutto il corpo della lupa e dei gemelli si sono riscontrati quattro strati; partendo dall'esterno: il primo più superficiale, molto frammentario e lucido; il secondo, più profondo del precedente, grigio-giallo, opaco e pastoso; il terzo, costituito da una patina di cuprite rosso-bruna lucente; il quarto, solo sulla parte inferiore delle zampe e del muso, è uno strato intermedio di pigmento verde . rimozione del vecchio strato protettivo e la conseguente azione dell'atmosfera su alcune sacche di cloruri presenti nella patina hanno provocato, in alcuni casi, l'immediato insorgere di attacchi di corrosione localizzata, fortunatamente di scarsa entità e stabilizzatasi spontaneamente in breve tempo.L'ultima fase del trattamento ha riguardato la protezione finale delle superfici con l'applicazione di una resina acrilica a bassa concentrazione: la Paraloid B72 al 3%.Lo scopo è stato quello di formare uno strato continuo di isolamento migliorando le caratteristiche di coesione della patina del bronzo nelle parti più porose, in modo da renderla impermeabile all'umidità, e agli agenti chimici dell'inquinamento atmosferico. scultura inoltre è stata dotata di un nuovo appoggio per le zampe anteriori.I vecchi e fatiscenti appoggi sono stati sostituiti con nuovi sostegni realizzati in acciaio inox con regolazione micrometrica dell'altezza; in questo modo si può calibrare perfettamente la posizione della lupa rispetto al basamento. forma della parte anteriore del basamento è stata poi ripristinata integrando le grandi lacune con un blocco di travertino sagomato e ricoperto con calce farge e polvere di marmo per la parte destra e stuccature dello stesso materiale per la parte sinistra.

Prompt: Explain the The restoration about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Capitoline Wolf.Please output in Italian.


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cappella Niccolina

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: How does Niccoline Chapel explain its Bibliography?Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy
John Pope-Hennessy


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Bonaparte valica le Alpi

Oltre alla massa del bianco che si vede dietro Napoleone, la luce ambrata del sole che colpisce Napoleone e le sue truppe è la principale fonte di luce del dipinto. Essa introduce il contrasto nell'opera e si pone in diretto contrasto con le ombre presenti nel dipinto. Napoleone ed il suo mulo sono un ricco contrasto di luci ed ombre, come pure lo è la sua guida. Il ghiaccio e la neve appaiono più chiare ad ovest, consentendo di mostrare il soggetto principale del dipinto in una luce "nuova".Gli schemi di Delaroche nella pittura sono molto dettagliati e ben ponderati, in particolare per quanto riguarda le figure chiave del dipinto.Il mulo, ed in particolare il suo pelo, è stato oggetto di uno studio profondo per renderne i minimi dettagli e per far sì che chi osserva il dipinto lo veda ispido e poco curato.  medesima tecnica è stata applicata agli ornamenti rossi e gialli della sella dell'animale. Il dettaglio centrale di Napoleone è relativo al suo cappotto con le pieghe e le curve del vestito. Uno studio particolareggiato è stato posto anche alla guida, alla sua faccia, ai suoi vestiti ed agli stivali.L'attenzione di Delaroche al dettaglio e la sua precisione letterale nelle sue opere mostra quel lento ma progressivo diffondersi del realismo e della sua evoluzione nel corso del XIX secolo.

Prompt: Explain the Artistic style about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Bonaparte Crossing the Alps.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Obelisco della Minerva

tenuta statica del progetto di un elefante stiloforo fu contestata dai domenicani del vicino convento  con l'argomento secondo cui "nessun peso a piombo deve avere sotto di sé il vuoto, perché non sarebbe solido né durevole"; Bernini - che 16 anni prima aveva già realizzato la Fontana dei Quattro Fiumi di Piazza Navona con un obelisco sistemato su una roccia vuota - avrebbe reagito a questa ingerenza con una beffa, secondo un distico che circolò per Roma.Infatti Quinto Settano - pseudonimo di monsignor Sergardi - scrisse il celebre epigramma: Vertit terga Elephas, versaque proboscide clamat: Kiriaci fratres hic ego vos habeo .  sua spiegazione sarebbe riferita proprio al modo con cui il Bernini architettò la statua, "forse con il consenso di Alessandro VII: disegnò l'elefantino, eseguito nel 1667 da un suo allievo, Ercole Ferrata, in modo che voltasse le terga al convento degli ottusi frati, mentre la proboscide ne sottolineava la posizione irriverente e la coda, spostata sulla sinistra, ne accentuava l'intenzione offensiva".

Prompt: Explain the In mass culture of this artwork, Elephant and Obelisk.Please output in Italian.

Ercole Ferrata
Fontana dei Quattro Fiumi
Piazza Navona


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Spoliarium

Prompt: In Spoliarium, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Amore e Psiche

;TraduzioniItalianotraduzione classica di Agnolo Firenzuola traduzione di Ettore Paratore, Firenze,  nuova Italia, 1948;traduzione di Gian Franco Pasini, Fògola, Torino, 1983;traduzione di Claudio Moreschini, Programma, Padova, 1991;traduzione di Massimo Bontempelli, Sellerio Editore, 1992;traduzione di Angela Cerinotti, Demetra, Bussolengo, 1993;traduzione di Gabriella D'Anna, Newton Compton, Roma, 1995 . Dal 2010 con premessa di Francesco Piccolo;traduzione di Daniele Piccini,  come  novella di Amore e Psiche, prefazione di Paolo gazzi, Medusa Edizioni, Milano, 2005  ;traduzione di ra Nicolini, BUR, Milano, 2005.FranceseLes Amours de Psyché et Cupidon, favola di Jean de  Fontaine Psyché, romanzo di Pierre Louÿs Apulée, Éros et Psyché, trad. di Nicolas Waquet, prefazione di Carlo Ossola , Payot & Rivages, Paris, 2006.;Letteraturala versione romanzata di Jerzy Żuławski Umberto Marchi, Amore e Psiche, Tesoretto, Milano, 1943Erich Neumann, Amore e Psiche: un'interpretazione nella psicologia del profondo, Astrolabio, Roma, 1989 C.S. Lewis, Till we have faces, romanzo Teresa Mantero, Apuleio filosofo neoplatonico, Bozzi, Genova, 1969Raffaele  Capria, Amore e psiche , poi in Tre romanzi di una giornata , e in Opere, a cura di Silvio Perrella, Mondadori, Milano 2003Teresa Mantero, Amore e psiche: struttura di una 'fiaba di magia, Istituto di Filologia Classica e Medievale, Genova, 1973Specchio doppio. Testo teatrale di Maura Del Serra dedicato al mito di Amore e Psiche,  in "Astolfo", 2, 1994, pp. 19–33 Sonia Cavicchioli, «Le metamorfosi di Psiche. L'iconografia della favola di Apuleio», Marsilio, Venezia, 2002 ;Rafael López-Pedraza, Su Amore e Psiche: una favola per l'anima, a cura di Marina Gasparini grange, postfazione di Maria Fernanda Palacios, traduzione di Giorgia Delvecchio, Moretti & Vitali, Bergamo, 2005Lionello Sozzi, Amore e Psiche: un mito dall'allegoria alla parodia , Il mulino, Bologna, 2007Ivan Bedini, Eros e Psiche. Viaggio dell'Anima nelle terre dell'amore verso la coscienza della propria assolutezza: analisi filosofica e psicologica dei simbolismi presenti nel mito di Apuleio, Edizioni Universitarie Romane, Roma, 2007Miriam Mirolla, Amore e Psiche. Storyboard di un mito, Electa, Milano, 2008Storie di Amore e Psiche, a cura di Annamaria Zesi, L'asino d'oro, Roma, 2010. 19 varianti della storia di Amore e Psiche. Con una favola tradotta da Andrea Camilleri. favola di Amore e Psiche. Il mito nell'arte dall'antichità a Canova, a cura di Maria Grazia Bernardini e con la collaborazione di Marina Mattei per la sezione archeologica, L'Erma di Bretschneider, Roma, 2012Amore e psiche.  favola dell'anima, a cura di Elena Fontanella. Saggi di Pietro Citati, Elena Fontanella, Donatella Puglia, Paolo Moreno, Loredana Mancini, Ave Appiano, Sonia Cavicchioli, Giancarlo Malacarne, Massimo Rizzardini, Mario Guderzo, Maria Fratelli e Nicoletta Serio, Miriam Mirolla, Cludio Moreschini, Stefano Salzani, Igor Candido, Elisabetta De Troja, Alessia Gennari, Giorgio Barberi Squarotti, Gian Paolo Caprettini, ura Mosco, Giovanni Reale, Giuseppe Girgenti, Giancarlo cchin, Diego Fusaro, Gianfranco Ravasi, Giuseppina Antinucci, Paolo Berruti, Gian Mario Benzing, Bompiani, Milano, 2013;AltroOltre a opere pittoriche  e scultoree , il mito ha dato argomento anche a diversi balletti, opere drammatiche e liriche . Anche Luciano De Crescenzo ne ha fatto il soggetto di uno dei suoi I miti greci , inclusa una versione a fumetti. Pietro Citati ne parla nel suo saggio  luce della notte. Nel 2016 viene pubblicata l'opera musicale per orchestra e gruppo rock "Symphony n.1: Cupid & Psyche", scritta da Fabio Zuffanti e Luca Scherani per il gruppo Hostsonaten.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, L'Amour et Psyché, enfants.Please output in Italian.

1995
Agnolo Firenzuola
Amore
Andrea Camilleri
Anima
Apuleio
Carlo Ossola
Cupido
Diego Fusaro
Eros
Ettore Paratore
Fabio Zuffanti
Francesco Piccolo
Gianfranco Ravasi
Giorgio Barberi Squarotti
Giovanni Reale
Giuseppe Girgenti
Jerzy Żuławski
Luca Scherani
Luciano De Crescenzo
Massimo Bontempelli
Pierre Louÿs
Pietro Citati
Sellerio
Teresa Mantero


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Crocifisso con la Maddalena

Antonio Paolucci, Luca Signorelli, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 888117099X

Prompt: How does Crucifixion with Saint Mary Magdalene (Signorelli) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Antonio Paolucci
Firenze
Luca Signorelli


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Martirio di quattro santi

Le due tele della Cappella Del Bono sono già citate nella prima edizione delle Vite di Vasari  seppure con l'erronea collocazione nel Duomo di Parma.  commissione era decisamente importante e fu ottenuta probabilmente anche grazie al successo riscosso dall'imponente affresco della cupola della chiesa di San Giovanni che il Correggio aveva appena terminato.Il committente era il nobile parmense Placido Del Bono.

Prompt: Explain the History of this artwork, Martyrdom of Four Saints.Please output in Italian.


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Bellezza

Anche le formule matematiche possono essere considerate belle .  formula di Eulero:  è comunemente considerata uno dei più bei teoremi della matematica .<br /> poetessa Edna St. Vincent Millay scrisse che "soltanto Euclide ha guardato nella nuda bellezza", alludendo all'austera bellezza che molte persone trovano nel ragionamento matematico connesso alla geometria euclidea.Altro legame tra matematica e bellezza che ha giocato un ruolo prominente nella filosofia di Pitagora era la possibilità di disporre e arrangiare i toni musicali in sequenze matematiche, che si ripetono a intervalli regolari chiamati "ottave". cosiddetta "proporzione aurea", rappresentata dalla lettera greca Phi, e approssimativamente uguale a 1,618, è stata considerata da molti "bella". Viene anche chiamata la "divina proporzione" ed è spesso riscontrata in natura. Per esempio, nella conchiglia di un nautilus, il rapporto tra sezioni successive è circa 1,618.: Possiamo trovare parallelismo tra la bellezza matematica e le altre: Corrispondenza al vero, p. es. nelle equazioni che descrivono accuratamente un fenomeno fisico. Per le equazioni di Benoît Mandelbrot si è visto che spesso determinano grafici con proporzioni di tipo vitruviano, oppure si possono rappresentare graficamente in forme simili a generici alberi, montagne, nubi, ecc. Perfezione , come nel quadrato panmagico di Nasik o nel Cubo magico 5x5x5.

Prompt: In The Beauty, how is the Objective criteria in the evaluation of mathematical beauty of the Beauty Christianity explained?Please output in Italian.

Benoît Mandelbrot
Cubo magico 5x5x5
Edna St. Vincent Millay
Euclide
Perfezione
Pitagora


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Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano

Di Cucchi, che probabilmente abitava la Piazzetta di santa Maria Maggiore, è sopravvissuto il suo registro medico, dove annotava i suoi interventi chirurgici. Moltissimi furono le sue operazioni per ascessi, e polipi nasali; curò ulcere alle mammelle e agli organi genitali dei soldati francesi che frequentavano il bordello cittadino, nonché fratture di arti.  Tra i suoi pazienti figurano Leonino Brembati ferito alla fronte, la nuora di Zovanino Casotti caduta da cavallo, nonché Gabriele Tasso del quali risulta curasse numerose malattie, e il garzone del Capoferri che era impegnato alla lavorazione delle tarsie uno testicolo infiato cum dolore.

Prompt: In Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto), how is the Battista Cucchi of the History explained?Please output in Italian.


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Vocazione dei primi apostoli

Andreas Quermann, Ghirlandaio, serie dei Maestri dell'arte italiana, Könemann, Köln 1998. ISBN 3-8290-4558-1 Emma Micheletti, Domenico Ghirlandaio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does Vocation of the Apostles explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Veduta di tetti, effetto neve

Veduta di tetti, effetto neve  è un dipinto del pittore francese Gustave Caillebotte, realizzato nel 1878 e conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: In Vue de toits (Effet de neige), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1878
Gustave Caillebotte
Museo d'Orsay
Parigi


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Ritratto di Luigi XIV

Firmato e datato "Dipinto da Hyacinthe Rigaud nel 1701" alla base della colonna, in un cartiglio che sovrasta la figura della dea della Giustizia, Temi, che tiene una bilancia nella propria mano destra, questo grande ritratto rappresenta il re negli anni della sua maturità , all'apice della sua gloria.Rigaud eseguì il ritratto del volto in una piccola tela rettangolare successivamente inserito in una tela più grande nella quale realizzò il resto della figura e lo sfondo.L'originale del dipinto, oggi al Museo del Louvre, proviene dalla collezione reale, ed ha una replica , anch'essa firmata dall'autore, sebbene di dimensioni leggermente differenti rispetto all'originale.Il re è rappresentato a figura intera, in piedi, di tre quarti a sinistra, con una posa calcolata a mostrare la maggior parte della sua persona come simbolo del potere. Il re occupa lo spazio centrale del dipinto la cui composizione è orientata su linee verticali  ed una forma idealmente piramidale di cui il sovrano è la cima, andando a creare uno spazio elevato.  solennità della scena è accentuata dalla presenza di un pesante drappeggio che contribuisce a dare importanza ed a "scoprire" il personaggio del monarca la centro. Una grande colonna di marmo, evocazione tradizionale del potere sin dall'epoca rinascimentale  sostiene la composizione a sinistra. Il grande stilobate di cui sono visibili due lati alla base della colonna è decorato con rilievi che rappresentano due virtù reali  e della Forza .In piedi di fronte ad un trono ricoperto di un'imbottitura decorata con stoffa blu e gigli d'oro , il sovrano si trova su una piattaforma rialzata sovrastata da un baldacchino in seta color porpora , il re incarna egli stesso con la sua figura la maestà dal momento che non indossa i gioielli di stato , con la sola eccezione dello scettro a cui il re si appoggia come ad un bastone da comandante militare, quello appartenuto a suo nonno Enrico IV, e la spada di Carlomagno che appare all'interno del suo ricco fodero. Il monarca presenta anche un ricco mantello foderato di ermellino e una veste di corte , porta le insegne dell'Ordine dello Spirito Santo.

Prompt: Focus on Portrait of Louis XIV and explain the Description.Please output in Italian.

1701
Hyacinthe Rigaud
Museo del Louvre
Ordine dello Spirito Santo
Temi


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, Come santa cattolica, le reliquie di Maria Maddalena furono venerate a Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, Provenza, attraendo una tale folla di pellegrini che venne eretta una grande basilica verso la metà del XIII secolo, una delle più famose chiese gotiche del sud della Francia. Linventio delle reliquie è attribuita a Carlo II d'Angiò, detto "lo zoppo", fatta nel 1279. Le reliquie furono convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295 e custodite nella basilica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume.Benché le sue ossa siano state disperse durante la Rivoluzione francese, si disse che la sua testa fosse rimasta nel suo sacrario in una caverna a  Sainte-Baume vicino a Marsiglia, dove la santa si sarebbe ritirata; si racconta anche di grandi miracoli e benedizioni ricevute da chi si recasse al sacrario per venerare Maddalena. Il piede della santa, custodito in un prezioso reliquiario dell'ambito di Benvenuto Cellini è stato venerato per secoli a Roma in una cappella posta all'ingresso di Ponte Sant'Angelo, ultima delle reliquie maggiori prima di giungere sulla tomba di San Pietro. Il piede è oggi conservato nella Basilica di San Giovanni de' Fiorentini. Altre reliquie consistenti in filamenti di capelli, stralci di camicie e piccoli resti ossei, sono custodite nella Collegiata di Atrani , in Costiera Amalfitana.

Prompt: Describe the characteristics of the Relics in Mary Magdalene (Perugino)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Atrani
Benvenuto Cellini
Francia
III secolo
I secolo
Marsiglia
Ponte Sant'Angelo
Provenza
Rivoluzione francese
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume


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Madonna del Rosario

Madonna del Rosario è una delle tradizionali e più celebri e importanti raffigurazioni nelle quali la Chiesa cattolica venera Maria: la Vergine è rappresentata con una veste azzurra e una corona del Rosario tra le mani. Si tratta di una rappresentazione particolarmente frequente nella devozione dopo la Controriforma, la cui iconografia è ripresa da quella, più antica, della Madonna della cintola.  Chiesa cattolica celebra la festa della Madonna del Rosario il 7 ottobre di ogni anno.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna of the Rosary (Caravaggio).Please output in Italian.

7 ottobre
Chiesa cattolica
Controriforma
Rosario


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I borghesi di Calais

I borghesi di Calais  è un gruppo scultoreo di Auguste Rodin e rappresenta un'opera commemorativa di un episodio avvenuto nella guerra dei cent'anni, quando sei cittadini si offrirono come ostaggi, già con il cappio al collo, all'esercito inglese in cambio della liberazione della città. In seguito poi la regina consorte Filippa di Hainaut, impressionata da tale gesto, decise la loro liberazione.Questi personaggi sono ritratti nel momento in cui lasciano la città e vanno incontro alla morte.Opera molto intensa e teatrale venne commissionata dai cittadini stessi.L'artista mette in evidenza il dramma e l'eroismo dei soggetti.  sua richiesta era collocarli nella piazza, davanti al municipio; gli venne in seguito imposto di aggiungere un piccolo basamento alle statue.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Burghers of Calais.Please output in Italian.


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Omaggio prussiano

tradizione degli "Omaggi prussiani" risale all'anno 1469, quando, dopo la Guerra dei tredici anni, e la Seconda pace di Toruń, tutti i Gran maestri dell'Ordine teutonico furono obbligati a rendere omaggio ai sovrani polacchi entro sei mesi dalla loro elezione. Alcuni Gran maestri si rifiutarono di farlo, sostenendo che i Cavalieri teutonici erano sotto la sovranità papale. Tra coloro che si rifiutarono vi furono Martin Truchseß von Wetzhausen, Federico di Sassonia , nonché il duca Alberto.  Il 1º dicembre 1469 in un Sejm a Piotrków Trybunalski, il Gran maestro Heinrich Reuß von Plauen rese omaggio a re Casimiro IV Jagellone. Il 20 novembre 1470, in un Sejm a Piotrków Trybunalski, il Gran maestro Heinrich Reffle von Richtenberg rese omaggio a re Casimiro IV. Il 9 ottobre 1479 a Nowy Korczyn, il Gran Maestro Martin Truchseß von Wetzhausen rese omaggio a re Casimiro IV. Il 18 novembre 1489 a Radom, il Gran maestro Johann von Tiefen rese omaggio a re Casimiro IV. Il 29 maggio 1493, il Gran maestro Johann von Tieffen rese omaggio a re Giovanni I Alberto.

Prompt: In Prussian Homage (painting), how is the Homage  of  the  Grand  Masters  of  the  Teutonic  Order discussed?Please output in Italian.

Ordine teutonico
Federico di Sassonia
Guerra dei tredici anni
Heinrich Reffle von Richtenberg
Heinrich Reuß von Plauen
Johann von Tiefen
Martin Truchseß von Wetzhausen
Nowy Korczyn
Ordine teutonico
Piotrków Trybunalski
Radom


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Uomo con l'anello

Il monogramma di Dürer con la data 1492 sono sicuramente apocrifi, assegnabili al XVIII secolo quando le quotazioni del maestro tedesco erano particolarmente alte. Lo stile del dipinto e la foggia del copricapo  rimandano invece ai primi decenni del Quattrocento e a un'attribuzione non da meno, riferendolo, ormai con universale accettazione, al maestro dei primitivi fiamminghi van Eyck, con una datazione al 1430 circa. Sull'identificazione del soggetto sono state fatte varie ipotesi: l'anello d'oro mostrato con la mano destra faceva tradizionalmente pensare a un orefice, magari di Bruges, mentre studi più recenti hanno formulato l'ipotesi che si possa trattare di Giovanni IV di Brabante, scomparso pochi anni prima. Nel 1948 l'opera venne portata, con altre 19, al Museo nazionale d'arte rumeno di Bucarest, da dove è tornata a Sibiu solo nel 2006.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of a Man with a Blue Chaperon.Please output in Italian.


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Madonna della Cesta

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: How does Madonna of the Basket (Rubens) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Maja vestida

Il velo bianco di questa Maja si stringe talmente alla figura, in particolare ai fianchi e al seno, da farla sembrare quasi più nuda della Maja desnuda.  fascia ai fianchi è di seta luminosa, la giacchettina gialla e nera non è il classico bolero, e le sue scarpe dalla punta lunga e affusolata sono più tipiche delle ricche signore che delle majas: sembra quasi che il pittore abbia voluto ritrarre una donna aristocratica che amava vestirsi come le giovani popolane. Questo, insieme con gli abiti disegnati con l'unico scopo di far risaltare la vitale sensualità del corpo, rende il tutto carico di ambiguità: il travestimento fonte di erotismo, lasciando allo spettatore il compito dello svelamento.Goya ha qui impiegato pennellate svelte, pastose e molto leggere , tocchi più casuali e meno rifiniti, e colori molto più accesi.  giacchetta e l'alcova sono resi in modo molto sommario, i merletti e la biancheria sono modificati e semplificati. Anche lo spazio in fondo è piatto, privo di quell'illuminazione diffusa che, nella Desnuda, dava risalto al corpo nudo in primo piano.Della naturalezza ostentata della Desnuda rimane flebile traccia solo nel volto, il quale tuttavia è molto diverso, tanto da far pensare a qualche critico che non si tratti in realtà della stessa modella. In realtà la Vestida, con le guance pienotte, il mento tondo e gli occhi truccati non ha gli stessi caratteri della Desnuda: volto affilato e non truccata.  Vestida, a ben guardare, non rappresenta alcuna donna particolare: è solo il generico ritratto di un "tipo" pittoresco di donna esuberante, raffigurazione convenzionale di una maja.Si pensi al modo in cui, probabilmente, i due dipinti erano posti e al meccanismo che mostrava il corpo nudo al di sotto del corpo vestito: il trucco era sottile, lo svelamento più efficace. Alla parete si vedeva un quadro con una bambola umana, una caratterizzazione pittoresca di un certo tipo femminino: sotto di lei, somigliante a lei eppure diversa stava l'amante del ministro, nuda, orgogliosa, sorridente. Inevitabile, infine, il confronto fra questa Maja e  marchesa di Santa Cruz, ottimo buon esempio di come la rappresentazione del corpo femminile si sia riallineata secondo i canoni: pur nell'atteggiamento simile, qui la contessa è debitamente travestita da mito, quello di Euterpe appunto.

Prompt: How does La maja vestida explain its Description?Please output in Italian.


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Tristezza

tristezza è un'esperienza comune nell'infanzia. Alcune famiglie possono avere una regola  secondo cui la tristezza è "non permessa", ma Robin Skynner ha suggerito che ciò potrebbe causare problemi, sostenendo che con la tristezza "cancellata", le persone possono diventare superficiali e maniacali. Il pediatra T. Berry Brazelton suggerisce che riconoscere la tristezza può rendere più facile per le famiglie affrontare problemi emotivi più gravi. tristezza fa parte del normale processo del bambino che si separa da una prima simbiosi con la madre e diventa più indipendente. Ogni volta che un bambino si separa un po' di più, lui o lei dovrà far fronte a una piccola perdita. Se la madre non può permettere che l'angoscia minore sia coinvolta, il bambino non può mai imparare come affrontare la tristezza da solo.Margaret Mahler ha visto la capacità di provare tristezza come un risultato emotivo, in contrasto, ad esempio, con l'iperattività irrequieta. Donald Winnicott ha visto similmente nel triste pianto la radice psicologica di preziose esperienze musicali nella vita successiva.

Prompt: In The Sorrows of the King, how is the In childhood discussed?Please output in Italian.

Donald Winnicott
Margaret Mahler
Robin Skynner
T. Berry Brazelton


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Quattro visioni dell'Aldilà

Le Quattro visioni dell’Aldilà sono una serie di quattro dipinti a olio su tavola di Hieronymus Bosch conservati alle Gallerie dell'Accademia di Venezia. L'analisi del supporto ligneo basata sulla dendrocronologia determina un terminus post quem al 1482, l'analisi stilistica pone la datazione dell'opera tra il 1500 ed il 1503.Le dimensioni esatte di ciascun pannello sono le seguenti:  Caduta dei dannati = cm 88.8 x 39.6;  Inferno = cm 88.8 x 39.6;  Paradiso terrestre = cm 88.5 x 39.8;  Ascesa all'Empireo = cm 88.8 x 39.9. Il retro dei pannelli mostra una colorazione a finto marmo, rossa per  e ; verde per  e .

Prompt: In Ascent of the Blessed, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Hieronymus Bosch
Venezia


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Madonna del Latte

Però è nel primo Trecento che la rappresentazione iconografica della "Madonna del latte" perde le proprie caratteristiche stilizzate a favore di una rappresentazione più realistica. Da alcuni critici l'opera di Ambrogio Lorenzetti è considerate ai vertici di questo periodo. L'umanizzazione della Madonna e del Bambino incontrò il favore dei fedeli e la sacralizzazione dell'atto di allattare un bambino convinse le donne a identificarsi maggiormente coinvolgendole anche emotivamente. Il culto della Madonna del tte si diffuse in tutta Europa e soprattutto nelle campagne dove i contadini le attribuirono una forte valenza simbolico-taumaturgica attribuendole anche svariati miracoli. Per circa due secoli numerosi furono gli artisti famosi che si cimentarono nella sacra rappresentazione, sono esempi le seguenti opere:  Sconosciuto, Madonna del tte Frei Carlos, Madonna del tte Leonardo da Vinci, Madonna Litta Jean Fouquet, Dittico di Melun Robert Campin, Madonna del parafuoco Jan van Eyck, Madonna di Lucca Gerolamo Giovenone, Trittico Raspa Andrea Pisano e Nino Pisano, Madonna del tte Correggio, Madonna del tte e un angelo Jaume Serra, Madonna di Tobet Civico di Rieti, Madonna del tteIn altri casi la Vergine è rappresentata assieme a personaggi della religione cristiana differenti da Gesù Bambino, come santi o alti prelati.In queste composizioni il latte fuoriesce dal seno della Madonna nella forma di un unico getto o di singole gocce riversandosi direttamente nella bocca del personaggio.Ne sono esempio: Pedro Machuco, Vergine e le anime del Purgatorio, 1517, Museo del Prado Alonzo Cano, Visione di san Bernardo, 1650, Museo del PradoPresso il Santuario della Madonna del Sangue in quel di Re, comune della provincia del Verbano-Cusio-Ossola, è conservato un dipinto della Madonna del latte, che fu oggetto di un evento miracoloso nel 1494: un piccolo affresco della Madonna del tte, colpito da una pietra, iniziò a sanguinare.

Prompt: In the context of Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio), explain the All the search for realistic representations and the Meaning of iconography.Please output in Italian.

1494
1517
1650
Ambrogio Lorenzetti
Andrea Pisano
Dittico di Melun
Frei Carlos
Gerolamo Giovenone
Jan van Eyck
Jaume Serra
Jean Fouquet
Leonardo da Vinci
Madonna Litta
Madonna di Lucca
Madonna di Tobet
Museo del Prado
Nino Pisano
Pedro Machuco
Robert Campin
Santuario della Madonna del Sangue
Trittico Raspa


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Il canale di Chichester

All'inizio del diciannovesimo secolo, George Wyndham, terzo conte d'Egremont e appassionato di arte contemporanea, possedeva una grande collezione di opere di Turner. Egli invitò più volte il pittore a soggiornare presso la sua residenza di Petworth, a Chichester, nel Sussex. L'opera venne commissionata dal Wyndham per decorare la sua dimora assieme ad altre tre tele, tutte dello stesso formato. Nel 1856, il quadro divenne di proprietà dello stato britannico a seguito di un lascito di opere di Turner. Oggi l'opera è esposta alla Tate Britain di Londra.

Prompt: How does Chichester Canal (painting) explain its History?Please output in Italian.

Chichester
George Wyndham
Londra
Petworth
Sussex
Tate Britain


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Altare Jabach

LAltare Jabach è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, databile al 1503-1504 circa. L'opera, di cui si conoscono solo i due scomparti laterali, è divisa tra lo Städel di Francoforte sul Meno  e il Wallraf-Richartz Museum di Colonia .

Prompt: How does Jabach Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Pagamento del tributo

scena del Tributo viene rappresentata raramente dagli artisti tra le storie di Pietro e in questo caso è in una posizione di massima preminenza, arrivando anche a rompere quella che era la sequenza cronologica delle scene quando esisteva ancora il registro superiore con le scene del Pentimento di Pietro e il Pasce oves meas.  presenza di questa scena, oltre che celebrare la sapienza divina, è stata interpretata anche legandola a eventi locali, fiorentini o romani.A Firenze ricordava probabilmente l'imminente l'istituzione del catasto, che sarebbe avvenuta di lì a poco , ma che era già nell'aria, accolto concordemente dai dirigenti fiorentini nel 1424-1425: come Cristo accetta la logica terrena di pagare un tributo, così i cittadini dovevano sottostare all'obbligo civico di versare le tasse richieste. Lo stesso Felice Brancacci aveva un importante ruolo nell'amministrazione fiscale della città.Secondo Steinbart invece l'episodio adombrerebbe anche una lettura "romana", legata all'intenzione di papa Martino V di ristabilire l'autorità della Chiesa. Per Meller ci sarebbe un richiamo al fatto che la Chiesa non deve prendere il danaro per i tributi dalle sue proprietà, ma dai beni accettati da altri.

Prompt: How does The Tribute Money (Masaccio) explain its Iconographic choice?Please output in Italian.

1424
1425
Brancacci
Felice Brancacci
Firenze
Pentimento di Pietro


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San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: Explain the Controversial works about the Biography of this artwork, Saint Jerome Writing.Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Modern representations of the Apocalypse of the Representations of the Apocalypse explained?Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra