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William Tecumseh Sherman

Sherman nel 1888, fotografato da Napoleon Sarony, usata nella seconda edizione delle Memorie del 1889. Questa foto è servita come modello per il primo francobollo raffigurante Sherman del 1893.Il 25 luglio 1866 il Congresso creò il rango di General of the army   per il Generale Grant e promosse Sherman al grado di lieutenant general .Quando Grant divenne presidente degli Stati Uniti, nel 1869, Sherman fu nominato comandante generale dell'esercito degli Stati Uniti e, dopo la morte di John Aaron Rawlins, Sherman lo sostituì per un mese come Segretario della guerra ad interim.Uno dei suoi più significativi contributi come capo dell'esercito fu la creazione della Scuola di comando, l'attuale Command and General Staff College, a Fort Leavenworth nel Kansas. In questo periodo si segnalano parecchie divergenze con il Segretario della guerra William W. Belknap perché a suo parere si era impossessato di molti dei poteri del Comandante generale, rendendo il suo un ruolo privo di veri poteri.Sherman inoltre si scontrò con coloro che criticavano la condotta dell'esercito e i massacri degli indiani. Per sfuggire a queste difficoltà dal 1874 al 1876 trasferì il suo quartier generale da Washington a Saint Louis, e ritornò a Washington solo dopo la nomina di Alphonso Taft a Segretario della guerra e la promessa di maggiori poteri. preoccupazione principale di Sherman nel periodo dell'incarico a Comandante Generale fu quella di proteggere l'opera di costruzione delle linee ferroviarie dagli attacchi degli Nativi americani degli Stati Uniti d'America ostili; si dedicò principalmente a rendere sicuri i territori del West, soprattutto per facilitare il passaggio e lo stanziamento di nuovi coloni, attraverso la continuazione delle guerre indiane. Tre campagne significative di questa fase furono la guerra modoc, la grande guerra Sioux del 1876 e la guerra dei Nasi Forati.Nelle sue campagne contro le tribù indiane, Sherman utilizzò la stessa strategia usata durante la Guerra civile che prevedeva non soltanto la sconfitta dei soldati nemici, ma anche la distruzione delle risorse materiali che avrebbero potuto essere d'aiuto agli indiani.  strategia che attuò incluse la decimazione dei bufali che rappresentavano la risorsa di cibo primaria per gli indiani del Nord America.Nel 1875 Sherman pubblicò le sue memorie in due volumi.Durante le elezioni del 1876, i democratici del sud che appoggiavano Wade Hampton in Sud Carolina usarono la violenza per intimidire gli elettori afroamericani. Il governatore repubblicano Daniel Chamberlain chiese al presidente Grant l'intervento dell'esercito per fermare i tumulti. Nell'ottobre del 1876 incaricò Sherman di riunire tutte le forze disponibili nella regione atlantica e di mandarli in Sud Carolina per fermare le sommosse.Sherman si dimise dall'incarico di comandante generale il 1º novembre 1883, e si ritirò definitivamente dall'esercito l'8 febbraio 1884.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the General of the Army and the Youth.Please output in Italian.

1869
1883
8 febbraio
Alphonso Taft
Daniel Chamberlain
Fort Leavenworth
Generale
John Aaron Rawlins
Kansas


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Pala di San Domenico di Pesaro

Nel 1524 i domenicani del convento di San Domenico di Pesaro commissionarono al Savoldo, stabilitosi da qualche anno a Venezia, una grande pala per l'altare maggiore della chiesa. Il contratto venne firmato il 15 giugno col priore Innocenzo da Pesaro. commissione comprendeva anche l'esecuzione di una cimasa con una "Pietà di Nostro Signore Yhesu Cristo", identificata con il Cristo morto sorretto da Giuseppe d'Arimatea, conservato nel Museum of Art di Cleveland, e una predella, ora perduta, costituita da due "quadricti" e da uno sportello per il Santissimo Sacramento con dipinta una Testa di san Pietro Martire. Coevo è anche il Riposo durante la fuga in Egitto della collezione Castelbarco Albani di Milano, già nella stessa chiesa di San Domenico a Pesaro.L'enorme complesso era stato già smembrato nel XVII secolo e le singole parti si erano fin da allora disperse. Probabilmente ciò avvenne verso il 1646, quando la pala venne spostata per il rifacimento in forme barocche della chiesa. Un'iscrizione sulla carprenteria ricorda ancora come il dipinto fu di nuovo "levato" nel 1797.Con la soppressione del convento, nel 1808, i napoleonici la destinarono a Brera. Per le sue dimensioni, l'opera ha lasciato la sala solo due volte, in occasione dei conflitti mondiali. Anche per il restauro, concluso nel 2005, venne tenuta in una teca trasparente in policarbonato con una piattaforma mobile, usata dalle restauratrici all'interno del museo.

Prompt: Explain the History of this artwork, San Domenico di Pesaro Altarpiece.Please output in Italian.


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Battaglia di Cascina

Questa la dinamica nella cronaca del fiorentino di Filippo Villani. Il 28 luglio le armate fiorentine sotto il comando di Galeotto I Malatesta si presentarono alle porte di Càscina a poche miglia da Pisa.  strada era libera ma la temperatura insopportabile. Le armature dei guerrieri erano un supplizio sotto il sole cocente e molti se ne liberarono per bagnarsi nell'Arno.Il Capitano, anziano e convalescente dalle febbri terzane, si abbandonò ad un riposo pomeridiano, al campo fiorentino vegliavano Manno Donati e l'amico Bonifacio Lupi, marchese di Soragna. Il timore dell'avvicinarsi dell'Acuto, fece dare loro l'allarme al campo, finché il Malatesta, per continuare indisturbato il proprio riposo, delegò i due compagni ad organizzare le eventuali difese. Così Manno e Bonifacio fecero preparare sulla strada maestra che va a Pisa, in vista della Badia di San Savino, un gruppo di armati fiorentini ed aretini, fiancheggiati dai 400 balestrieri genovesi di Ricceri Grimaldi. Le spie pisane riferirono la situazione al proprio esercito guidato da Giovanni Acuto, il quale assaggiò le forze fiorentine con tre scaramucce per valutarne la direzione d'attacco.L'Acuto attese però che il sole girasse a suo favore per abbagliare i nemici e che si alzasse il vento dal mare per portare la polvere della battaglia in faccia ai fiorentini. Ma commise due errori che gli costarono la sconfitta: la distanza della strada tra i due eserciti era più lunga di quanto calcolato e l'afa opprimente rese le armature delle fornaci addosso ai suoi combattenti che, quasi tutti di origine inglese e tedesca, non erano abituati a combattere a quelle temperature estive.Al momento dell'attacco l'esercito pisano aveva la prima fila d'urto composta da cavalieri inglesi, seguita dalla fanteria pisana e poi dal comandante con il grosso della cavalleria, momentaneamente appiedata. Il rapido assalto portò gli inglesi nel campo fiorentino senza che fosse stato possibile organizzarne la difesa. Tuttavia i Fiorentini contennero l'urto degli assalitori e, mentre la massa dei difensori opponeva resistenza, Manno Donati e i suoi compagni uscirono dal campo e affrontarono i Pisani sul fianco destro. cavalleria tedesca dei fiorentini, guidata da Il giorno dopo si cercarono i morti ed i feriti dispersi nella campagna: si trovavano ovunque, nei fossati, nelle vigne, tra i campi, molti corpi galleggiavano nell'Arno sospinti dalla corrente verso Pisa. Secondo la cronaca la battaglia provocò oltre 1.000 morti e 2.000 prigionieri: quelli stranieri subito rilasciati, ma quelli pisani condotti in catene a Firenze.

Prompt: How does Battle of Cascina (Michelangelo) explain its The dynamics?Please output in Italian.

Arno
Bonifacio Lupi
Filippo Villani
Firenze
Galeotto I Malatesta
Giovanni Acuto
Pisa
Soragna


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Amore e Psiche

Psiche ApuleioL'asino d'oroClive Staples Lewis#Narnia, il mito di Psiche e l'esperienza del dolore A viso scoperto

Prompt: In Psyche Revived by Cupid's Kiss, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Napoleone Bonaparte come Marte pacificatore è una scultura monumentale neoclassica in marmo realizzata dallo scultore trevigiano Antonio Canova tra il 1803 e il 1806, conservata alla Apsley House di Londra. Il gesso di questo capolavoro viene conservato presso la Gipsoteca canoviana di Possagno. Capolavoro di Canova, è considerato uno dei nudi maschili più perfetti della storia dell'arte.

Prompt: In Napoleon as Mars the Peacemaker, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1803
1806
Antonio Canova
Gipsoteca canoviana
Londra
Napoleone Bonaparte
Possagno


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Il ponte di Langlois

Spronato dai soggiorni bretoni dell'amico Gauguin, nel 1888 Vincent van Gogh decise di lasciare Parigi e di recarsi ad Arles, in Provenza, alla ricerca di un'ambientazione meno frenetica e maggiormente idonea per portare a compimento la sua febbricitante maturazione pittorica.  meta, con l'esuberanza dei suoi colori e della sua luce, rispose perfettamente alle esigenze del pittore, che vi ritrovò quel «Giappone europeo» favoleggiato da decenni dalla scena intellettualistica francese. Van Gogh fu entusiasmato da quello che gli appariva come un vero e proprio «paradiso terrestre», come si può facilmente intuire dalla seguente missiva che indirizzò al fratello Théo:</ref>}}In questo contesto galvanizzante van Gogh diede libero sfogo al suo spirito creativo e approdò ad una tavolozza sfolgorante, lucente, nella quale proietta sé stesso. Se, durante il periodo olandese, il pittore era talmente addolorato da non concedere spazio all'allegria del colore, ad Arles egli trasfigura la realtà secondo i propri sentimenti, finalmente vivaci e rigogliosi, proprio come il sole del Sud. A Théo confidò di trovarsi in uno «stato febbrile», rilevando poi: «non sarei affatto sorpreso se gli impressionisti trovassero da ridire sul mio nuovo stile, che è stato alimentato dalle idee di Delacroix piuttosto che dalle loro. Infatti, invece di ritrarre fedelmente quello che mi sta davanti davanti agli occhi, mi servo molto più liberamente del colore per esprimermi con maggior vigore». Si veniva così a creare un vero e proprio sincretismo visivo-psichico, in cui i colori assurgevano a dignità di «concetti poetici» dove «visione e sentimento, occhio e cuore [potessero parlare] all'unisono» .Le urgenze espressive di van Gogh qui investono il ponte pedonale di nglois, così nominato in onore dell'anziano custode che ne assicurava il funzionamento. L'artista osserva la scena dalla sponda sinistra del fiume, dove alcune lavandaie, rannicchiate tra l'argine fluviale e la struttura muraria del ponte, sono intente al risciacquo della biancheria usata. Dietro uno strato compatto di canne palustri troviamo un vecchio barcone, in parte sommerso nel fluttuante elemento, mentre sulla mezzeria del ponte procede leggera una calesse. Le varie entità oggettuali, tuttavia, sono completamente subordinate al sentire del pittore, che ad Arles scopre finalmente un mondo lucente e coloratissimo. «L'equilibrio cromatico» di quest'opera, commentano i critici Giorgio Cricco e Francesco di Teodoro, è «talmente luminoso da abbagliare» ed «è assicurato dal colore cristallino e uniforme del cielo che si riflette nelle acque appena increspate del fiume, assieme alla spalla destra del ponte». All'azzurro liquido del cielo, poi, fa da contrappunto il verde tenero dell'erba e il giallo, che con il suo sfolgorio riverbera e dà un palpito di vita a quest'ambientazione pastorale.

Prompt: How does Langlois Bridge at Arles explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Agostino

Il Polittico di Sant'Agostino è un'opera, tecnica mista su tavola, di Piero della Francesca, databile al 1454-1469 ed oggi smembrata e parzialmente dispersa. Si conoscono otto pannelli su almeno dieci, senza contare la probabile presenza di una predella o di altri riquadri accessori, dei quali non si ha alcuna traccia.

Prompt: How does Sant'Agostino Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Il dipinto Telemaco e le Ninfe di Calipso  è un'opera della pittrice svizzera Angelika Kauffmann, ispirata a un episodio del romanzo di Fénelon Les avantures de Telemaque, pubblicato in due volumi nel 1699.

Prompt: Focus on Telemachus and the Nymphs of Calypso and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Leonida alle Termopili

Nel 480 a.C., i persiani tentarono di invadere la Grecia ma vennero obbligati a passare attraverso la stretta gola delle Termopili. Dopo due giorni di combattimenti, i persiani disperavano ormai di riuscire a passare quando Efialte, un traditore greco, indicò loro un sentiero per cogliere i greci alle spalle. Leonida, capo dell'esercito spartano, sbarrò la strada coi suoi 300 uomini all'ondata persiana che avanzava. I 300 spartani si batterono contro 1000 persiani e vennero completamente massacrati ma il loro sacrificio consentì agli ateniesi di preparare un contrattacco adeguato.Il quadro rappresenta al centro la figura di Leonida, nudo ed armato  seduto su una roccia, con una gamba ripiegata; a destra, Agide, suo fratellastro, depone una corona di fiori che riporta al tema del sacrificio ; Eurito conduce un ilota  che brandisce una lancia. All'estrema destra, un gruppo di spartiati avanza al suono di tromba. I soldati si rivestono delle loro armi e dei loro scudi. A sinistra, un soldato sta incidendo sulla roccia la frase «passant qui va à Sparte, va dire que nous sommes morts pour obéir à ses lois», "Oh tu che passi per andare a Sparta, dì loro che siamo morti per obbedire alle sue leggi" .Le decorazioni sono limitate ad elementi naturali  ed umani . Il cielo è scuro in alto e più chiaro in basso.Leonida è la controparte greca delle Sabine, dipinto delle medesime dimensioni, che presenta una celebre battaglia della leggenda romana, dove la figura di Romolo è disposta esattamente come Leonida con un'armatura leggera. Altro punto in comune tra le due opere è che i dipinti non rappresentano il momento dello scontro, ma un momento precedente di preparazione.

Prompt: How does Leonidas at Thermopylae explain its Description?Please output in Italian.


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Crocifisso di Santa Maria Novella

Croce di Giotto è considerata un'opera fondamentale per la storia dell'arte italiana, in quanto l'artista approfondisce e rinnova l'iconografia del Christus patiens .Giotto infatti abbandonò l'iconografia del Cristo inarcato a sinistra, per dipingerlo in una posa più naturalistica, con l'intera figura che sprofonda verso il basso e piega il dorso e la testa in avanti, gravata dal suo stesso peso.I bordi del braccio longitudinale della croce sono decorati da motivi geometrici che ricordano una stoffa, mentre ai lati del braccio trasversale troviamo, come di consueto, i mezzobusti dei due dolenti, la Vergine e Giovanni Evangelista.In basso, sulla base trapezoidale, le rocce in prospettiva formano una base naturalistica di rocce aride, alludente al monte Calvario, su cui è conficcata la croce. Secondo la tradizione medievale sul monte Calvario era collocata la tomba di Adamo il primo uomo. Il sangue di Cristo scende in rivoli dalla croce e si infiltra tra le rocce, per poi arrivare alla cavità che contiene le ossa di Adamo, come simbolo della redenzione dell'uomo dal peccato, grazie al sacrificio di Cristo.

Prompt: Focus on Giotto's Crucifix at Santa Maria Novella and explain the Description.Please output in Italian.


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Tondo Doni

In secondo piano, emergente da una cavità con davanti una sorta di muretto grigio, si vede il piccolo san Giovanni Battista e più lontano una fascia di ignudi appoggiati a un emiciclo di rocce spezzate; sullo sfondo infine si vede un paesaggio definito sinteticamente, con un lago, un prato e montagne che sfumano in lontananza davanti a un cielo azzurrino.L'andamento orizzontale dello sfondo contrasta con la composizione verticale e ascendente delle figure in primo piano, bilanciandola e rendendo più vivace l'insieme.Gli ignudi citano statue antiche che l'artista poté vedere a Roma: il giovane in piedi ricorda ad esempio lApollo del Belvedere, mentre nell'uomo seduto subito a destra di Giuseppe si ravvisa un richiamo al personaggio principale del Gruppo del ocoonte, rinvenuto nel gennaio 1506 alla presenza di Michelangelo stesso , accanto a una figura appoggiata che ricorda il Pothos.Tra le figure in primo piano e gli "ignudi" si possono rilevare numerose consonanze figurali: tra la spalla destra di san Giuseppe, prolungata nel braccio di Maria, e l'omero del nudo retrostante; tra l'avambraccio legato di Maria e quello del nudo a sinistra, ecc.I colori sono audacemente vivaci, luminosi, squillanti, cangianti e "algidi". I corpi sono trattati in maniera scultorea, chiaroscurati e spiccati dal fondo della tavola tramite una linea di contorno netta e decisa: del resto, Michelangelo riteneva che la migliore pittura fosse quella che maggiormente si avvicinava alla scultura, cioè quella che possedeva il più elevato grado di plasticità possibile.

Prompt: Explain the Secondary characters background about the History of this artwork, Doni Tondo.Please output in Italian.


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: Describe the characteristics of the Jazz Blues in Music (Matisse)'s The studio.Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: Explain the Music Humanism Renaissance about the The relationship with singing of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Salutat

Salutat è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1898 dal pittore statunitense Thomas Eakins e conservato alla Phillips Academy di Andover.

Prompt: Focus on Salutat and explain the Abstract.Please output in Italian.


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The Lady of Shalott

The dy of Shalott, regia di C.J. Williams

Prompt: How does The Lady of Shalott (painting) explain its Cinematic transpositions?Please output in Italian.


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Musica

Nel Cristianesimo ebbe grande diffusione il canto, perché lo stesso "Cristo" veniva descritto come un cantore insieme ai suoi discepoli: "E dopo aver cantato l'inno uscirono verso il monte degli Ulivi . musica nel cristianesimo si sviluppò molto nel luogo di culto, la chiesa: si trattava della musica che veniva eseguita nella liturgia celebrativa della messa.Si può ipotizzare che la forma iniziale della musica liturgica fosse monodica  e basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale , variazione che era dettata dalla prosodia  delle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose col tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'offertorio, in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile detto melismatico. trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'uso liturgico.Agli inizi del VI secolo, esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato, associato ad uno specifico cantus planus, ovvero un tipo di canto liturgico monodico .   tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato di Gregorio Magno  si sia avuta la spinta decisiva all'unificazione dei riti e della musica ad essi soggiacente.In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione avvenisse quasi due secoli più tardi, ad opera di Carlo Magno e sotto l'impulso della unificazione politica che portò alla nascita del Sacro Romano Impero. L'attribuzione a Gregorio Magno sarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambienti ecclesiastici, costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddetto antifonario gregoriano, che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - ai modi della tradizione greca .Il repertorio del canto gregoriano è molto vasto e viene differenziato per epoca di composizione, regione di provenienza, forma e stile.Esso è costituito dai canti dell'Ufficio  e dai canti della Messa. Nei canti dell'Ufficio si riscontrano le seguenti forme liturgico-musicali: le Antifone, i Responsori  i "cantica"  e gli Inni ; Nei canti della Messa vi sono forme legate alle parti dell'Ordinario o Ordinarium Missæ  e del Proprio o Proprium Missæ .Sia nei canti dell'Ufficio come in quelli della Messa si riscontrano tutti i generi-stili compositivi del repertorio gregoriano; essi si possono classificare in tre grandi famiglie: I canti di genere sillabico  come ad esempio le più semplici Antifone dell'Ufficio, le melodie semplici dell'Ordinario e i recitativi del Celebrante; I canti di genere semisillabico o neumatico  come ad esempio gli Introiti e i Communio della Messa o alcune antifone più ampie dell'Ufficio; I canti di genere melismatico  come ad esempio alcuni Graduali e Offertori o i responsori prolissi dell'Ufficio O il più importante lo jubilus dell'Alleluia. riforma gregoriana sostituì lo studio dei testi alla trasmissione orale delle scuole di canto delle origini, sacrificando, oltre alle particolarità regionali  e all'intonazione micro-tonale  anche il ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire le musiche sempre nello stesso modo, con una linea melodica che indicava la sua direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari  che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, .  scrittura neumatica divenne così la prima "notazione", da cui poi la parola "nota", musicale moderna.

Prompt: Explain the Medieval sacred music about the The relationship with singing of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Alleluia
Carlo Magno
Cristianesimo
Messa
Sacro Romano Impero
VI secolo


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Bambini dell'Olocausto

L'interesse sui bambini italiani dell'Olocausto all'inizio si concentrò quasi esclusivamente sui deportati ad Auschwitz e sui pochi sopravvissuti. Già nell'aprile 1945 Luigi Ferri testimoniò  davanti ad una Commissione d'inchiesta sui crimini nazisti a Cracovia. In Italia la prima a far sentire la sua voce fu Arianna Szörényi con un articolo comparso sullUnità dell'11 marzo 1976, in occasione del processo per i crimini alla Risiera di San Sabba. Numerosi furono poi coloro che da anziani fecero da testimoni nelle scuole e nei mezzi di informazione . Tra le vittime il caso che ha ricevuto maggior attenzione è quello di Sergio De Simone, morto ad Amburgo dopo essere stato usato con altri 19 bambini di varia nazionalità come cavia per esperimenti sulla tubercolosi. Talora essi erano parte di gruppi organizzati di profughi, come coloro che nel maggio 1940 da Trieste si erano recati a Bengasi nella speranza di un passaggio per la Palestina o i passeggeri della nave Pentcho partita da Bratislava e naufragata vicino a Rodi nell'ottobre 1940. Non tutti i bambini rifugiati arrivarono in Italia accompagnati da familiari, molti vi giunsero ormai orfani, come i bambini di Nonantola sfuggiti agli eccidi nei Balcani nel 1942. Dopo l'8 settembre 1943 tutti i bambini ebrei che si trovarono nei territori sotto occupazione tedesca per evitare le deportazioni dovettero vivere in clandestinità o affrontare la fuga in Svizzera, spesso separati dalle loro famiglie. Alcuni furono vittime di eccidi come l'Olocausto del go Maggiore o l'eccidio delle Fosse Ardeatine. Oltre ai deportati ad Auschwitz, molti furono i bambini di origine italo-libica che furono trasferiti a Bergen-Belsen. Tutti gli ebrei italiani che furono bambini in quegli anni e sopravvissero alla guerra sono in una forma o nell'altra superstiti dell'Olocausto.Tra le prime persone che nelle loro memorie attirarono l'attenzione sulla loro esperienza di bambini sopravvissuti alla Shoah italiana ci sono Emanuele Pacifici, Lia Levi, Aldo Zargani, e altri. Nel 2013 lo storico Bruno Maida pubblicò uno studio generale sulla Shoah dei bambini in Italia, che per la prima volta analizzò il fenomeno nella sua globalità.Dopo l'8 settembre 1943, l'Olocausto in Italia non interessò soltanto i bambini ebrei ma anche un largo numero di bambini non ebrei perseguitati per motivi politici in quanto direttamente o indirettamente coinvolti nella lotta di liberazione. Molti bambini e adolescenti - tra cui anche ebrei - si unirono giovanissimi alle formazioni partigiane o ai movimenti clandestini di resistenza. Alcuni di loro caddero in azioni di combattimento: Gennaro Capuozzo e Filippo Illuminato durante le Quattro giornate di Napoli; Ugo Forno a Roma; Franco Cesana e Luciano Domenico nel Nord-Italia. Altri pagarono il loro impegno con la vita o la deportazione: Duilio Cibei, vittima a 15 anni dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine a Roma; Franco Centro, Beniamino Cobianchi, e Roberto Di Ferro, fucilati; Marcello Martini e Franco Cetrelli, deportati al campo di concentramento di Mauthausen. Oltre 1.500 bambini furono vittime di stragi e rappresaglie: 130 nell'eccidio di Sant'Anna di Stazzema, più di 200 nella strage di Marzabotto, gli altri nei numerosi eccidi cosiddetti "minori". Bambini furono anche molti dei pochi testimoni diretti di quelle stragi, come Leopolda Bartolucci a Sant'Anna di Stazzema.Se i bambini italiani superstiti dell'Olocausto poterono generalmente trovare una famiglia, parenti o amici che li accogliessero, nell'immediato dopoguerra l'Italia divenne un importante luogo di transito per centinaia di bambini ebrei rimasti orfani e completamente soli, che dai paesi dell'Est europeo cercavano di raggiungere la Palestina. Le organizzazioni ebraiche istituirono delle colonie, dove essi potessero essere raccolti e preparati per l'emigrazione. Il nucleo più importante fu quello degli 800 bambini di Selvino radunati dalla Brigata ebraica nell'ex-colonia di Sciesopoli a Selvino nel bergamasco.

Prompt: Focus on Children in the Holocaust and explain the The Holocaust in Italy.Please output in Italian.

Aldo Zargani
Arianna Szörényi
Beniamino Cobianchi
Cracovia
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Emanuele Pacifici
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
Gennaro Capuozzo
Italia
Leopolda Bartolucci
Lia Levi
Luciano Domenico
Olocausto
Olocausto in Italia


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Uomo dal guanto

Ritratto di Vincenzo MostiRitratto d'uomo

Prompt: Focus on Man with a Glove and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Trinità

causa che portò alla convocazione del primo concilio di Nicea fu la disputa ariana, che giunse a una svolta all'inizio del IV secolo d.C. I protagonisti furono tre teologi-filosofi provenienti da Alessandria d'Egitto. Da una parte c'era Ario, e dall'altra gli ortodossi Alessandro e Atanasio. Ario affermava che il Figlio non fosse della stessa essenza, o sostanza, del Padre e che lo Spirito Santo fosse una persona ma inferiore a entrambi. Parlava di una "triade" o "Trinità", pur considerandola formata di persone ineguali, delle quali solo il Padre non era stato creato.D'altra parte Alessandro e Atanasio sostenevano che le tre persone della Divinità fossero della stessa sostanza e che pertanto non fossero tre Dei, ma uno solo, sebbene il Padre fosse il "primo" e la causa delle altre due.Ario, "volendo difendere il monoteismo più rigoroso, secondo cui Dio è trascendente" accusò Atanasio di reintrodurre il politeismo. In effetti l'arianesimo viene considerato da molti studiosi moderni come il ramo più rigoroso del subordinazionismo cristologico dei primi padri della Chiesa  e scrittori cristiani  i quali ancora non si interrogavano sul rapporto fra le persone della divinità. Atanasio accusò Ario di reintrodurre il politeismo, dal momento che distingueva la natura divina delle tre persone.Accanto a Dio, Ario poneva infatti una creatura "che può essere chiamata dio in modo improprio", considerato il Figlio di Dio, ma ritenuto da lui semplicemente "la prima creatura di cui il Padre si era servito per compiere la creazione", incarnatosi in Gesù, simile ma non uguale a Dio, che avrebbe avuto esistenza dal nulla, affermando che "generare" e "creare" fossero sinonimi. Gli ortodossi invece ribadivano l'assoluta unità di Dio, e se il Logos era divino, , ciò non comportava una suddivisione o una moltiplicazione di dei, ma Dio era sempre uno solo. In questo senso il termine "generazione" indicava l'unità della natura e non andava inteso in senso temporale e umano, con un "prima" e un "dopo", ma il Figlio era eternamente generato, cioè era sempre stato insito in Dio. Al tempo opportuno il Verbo si sarebbe incarnato in Gesù, in un processo di abbassamento e annichilimento, e l'unione della natura divina e di quella umana nella persona di Gesù diede origine ad un'altra serie di controversie nei secoli successivi. controversia ariana non terminò a Nicea. L'arianesimo ebbe grande fortuna nell'Impero romano e in certi momenti presso la corte imperiale. Molte tribù germaniche che invasero l'impero romano professavano un cristianesimo ariano e lo diffusero in gran parte dell'Europa e dell'Africa settentrionale, dove continuò a prosperare fino a gran parte del VI secolo, e in alcune zone anche più a lungo.

Prompt: Focus on Holy Trinity (Masaccio) and explain the Arian controversy.Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Ario
Dio
Figlio di Dio
Gesù
Gesù
IV secolo
Logos
Padre
Spirito Santo
V secolo


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Stele di Avile Tite

Si tratta di un notevole esemplare databile al 550 a.C. circa e rinvenuto in due frammenti. Mostra un guerriero entro un bordo a rilievo con iscrizione , secondo una tipologia tipica dell'Etruria centro-settentrionale e tirrenica, con derivazioni greco-orientali. Il guerriero, a cui era dedicata come memoria funebre, è rappresentato completamente armato e girato di profilo verso sinistra, con le gambe discostate come se fosse in moto. È vestito di tunica corta, corazza , spallacci  e schinieri sugli stinchi, mentre è armato di lancia e daga  con elsa ricurva. Il corpo è raffigurato di profilo, come il volto, che presenta una barba appuntita, capelli a ripiani, occhio allungato e labbra mosse da un sorriso. Lo stile è legato a un gusto per le forme monumentali e piene, tipico dello stile ionico maturo.  capigliatura di tipo "dedalico" dimostra l'ambito provinciale del guerriero, secondo un uso che all'epoca doveva essere ormai datato.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Stele of Avile Tite.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In Annunciation (van Eyck, Washington), how is the The Annunciation in spirituality of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Vocazione dei primi apostoli

A sinistra si trova il gruppo delle donne, dove è evidente il gusto piacevole e ciarliero dell'artista, tra le quali spicca la dama di spalle col mantello blu, che il Ghirlandaio riutilizzò in altre composizioni di opere successive. Seguono su questo lato un uomo con un mazzocchio annodato in testa, dalle mani particolarmente espressive, un anziano calvo con una sciarpa a righe sulla spalla e un uomo con la lunga barba bianca, probabilmente un erudito costantinopolitano che fece da modello anche nell'affresco del San Girolamo nello studio nella chiesa di Ognissanti  a Firenze . Dietro di essi scendono alcuni giovani che sembrano presi nelle loro conversazioni piuttosto che attirati dall'evento sacro, tra cui un bel ritratto di fanciullo con una ghirlanda di fiori in testa. Un terzo gruppo di personaggi si trova in secondo piano, dietro Gesù, tra i quali si nota l'occhieggiare curioso di alcuni che essendo più lontani sembrano sforzarsi di vedere e di farsi vedere.Proprio dietro Gesù, al centro della scena, si trova il ritratto di Diotisalvi Neroni, amico di Cosimo de' Medici, ma poi cospiratore contro suo figlio Piero; scappato da Firenze per l'insuccesso delle sue trame, si rifugiò a Roma dove visse piuttosto isolato, come dimostrerebbe anche la sua posizione defilata dal gruppo degli altri fiorentini sulla destra.

Prompt: In the context of Vocation of the Apostles, explain the left group and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (Caravaggio) and explain the The adoration of the shepherds in art.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Giustizia

giustizia è la virtù morale che consiste nella costante e ferma volontà di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.  giustizia verso Dio è chiamata « virtù di religione ».  giustizia verso gli uomini dispone a rispettare i diritti di ciascuno e a stabilire nelle relazioni umane l'armonia che promuove l'equità nei confronti delle persone e del bene comune. L'uomo giusto, di cui spesso si fa parola nei Libri Sacri, si distingue per l'abituale dirittura dei propri pensieri e per la rettitudine della propria condotta verso il prossimo. « Non tratterai con parzialità il povero, né userai preferenze verso il potente; ma giudicherai il tuo prossimo con giustizia » . « Voi, padroni, date ai vostri servi ciò che è giusto ed equo, sapendo che anche voi avete un padrone in cielo » .In sintesi : la giustizia consiste nella volontà costante e ferma di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.

Prompt: In the context of Justice (Titian), explain the Second oil Catechism of the Catholic Church (par. 1807). and the In philosophy.Please output in Italian.


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Gioiello di Vicenza

Il nuovo Gioiello di Vicenza ha l'aspetto di un grande vassoio tondeggiante del diametro di 58 cm costituito da più di 300 modellini di edifici, 61 dei quali rappresentano palazzi di rilievo storico come la Basilica Palladiana, il Duomo ,  la Torre Bissara, le decine di chiese; al centro di Piazza dei Signori è stato inserito, a sorpresa, un modellino in oro della Rua.Il gioiello è stato progettato proporzionando i modelli con la sezione aurea, studiando le dimensioni edilizie dell'epoca consentendo la ricostruzione tridimensionale del modello il più verosimile all'originale.È realizzato in argento 925/1000, partendo da piccole sculture in cera modellata che sono servite da modello per la successiva fusione. Gli elementi ottenuti sono stati rifiniti e impreziositi dalla rifinitura a cesello e incisione.Il peso finale risulta di 15 kg netti.

Prompt: Describe the characteristics of the Characteristics in Jewel of Vicenza's Reconstruction.Please output in Italian.

Basilica Palladiana
Torre Bissara
Vicenza


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Madonna del Pesce

Madonna del Pesce è un dipinto a olio su tavola, trasportato su tela , di Raffaello Sanzio e aiuti, databile al 1514 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Prompt: In Madonna with the Fish, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1514
Madrid
Museo del Prado
Raffaello Sanzio


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medaglia di Giovanni VIII Paleologo

Quando nel 1438 Giovanni VIII Paleologo  si recò con la sua corte a Ferrara per discutere con papa Eugenio IV  della riunificazione della chiesa cristiana, conseguente al ritorno dell'ortodossia sotto il cattolicesimo , come artista testimone fu chiamato Pisanello, all'epoca al soldo degli Este. Tutti gli storici concordano nell'attribuire la creazione della medaglia al soggiorno padovano, anche se esiste una notizia poco accreditata di Paolo Giovio, riferita dal Vasari, secondo la quale la medaglia sarebbe stata eseguita a Firenze, dopo lo spostamento della sede.Pisanello rimase molto impressionato dalla corte bizantina, per le loro vesti, per il rapporto delle ricchezze legato all'Imperatore e per l'esotismo della sua corte, restandone la sua arte profondamente influenzata. Esistono diversi disegni nel codice Vallardi che testimoniano lo studio dell'effigie dell'imperatore, delle sue vesti e di quelle della sua corte, con minuziose annotazioni sui colori. Non è escluso che la corte ferrarese avesse in programma di commissionare all'artista una serie di affreschi per celebrare lo storico evento, anche se poi lo spostamento dei lavori a Firenze dovette far abbandonare l'impresa. Nell'occasione egli fece una medaglia commemorativa, poi donata a Giovanni. Si trattava della prima effigie di persona vivente emessa su una medaglia  dai tempi dell'Impero carolingio: l'usanza, ben radicata nell'Impero romano, era stata infatti bandita nel IX secolo. Inoltre si trattava del primo caso di "medaglia" vera e propria come la intendiamo anche noi oggi, cioè un ritratto di un personaggio sul recto e un'impresa sul verso, cioè un riferimento simbolico al protagonista, ai suoi successi o alle sue aspirazioni. Esisteva già in area francese l'usanza di creare medaglioni in oro ispirati a una serie, creduta antica, che il duca di Berry aveva acquistato a Firenze nel 1402 e che rappresentava alcuni eroi della Chiesa cristiana. Tali medaglioni però, di probabile fattura parigina e ampiamente imitati in Europa, erano sovraccarichi di simbolismi in composizioni tardogotiche, prive di quell'eloquenza e quella schiettezza che fece la fortuna del modello pisanelliano. Non è escluso che Pisanello, con la sua medaglia dell'imperatore, volesse continuare idealmente la serie degli eroi della cristianità del duca di Berry. Dopo questa medaglia Pisanello ne fece molte altre, ottenendo la fama che lo accompagna tutt'oggi. Della medaglia vennero coniati più esemplari, che circolarono nelle corti italiane, innescando presto un effetto emulativo.

Prompt: Focus on Medal of John VIII Palaeologus and explain the History.Please output in Italian.

1402
1438
Este
Ferrara
Firenze
Giovanni VIII Paleologo
IX secolo
Impero carolingio
Impero romano
Paolo Giovio
Pisanello


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Morte di un avaro

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Death and the Miser.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: Explain the The popular song about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Il Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli è un dipinto a olio su tavola  attribuito a Parmigianino e altri, databile al 1539-1540 circa e conservato nel Museo del Prado a Madrid. L'opera fa pendant col Ritratto di Pier Maria Rossi di San Secondo, marito della donna, nello stesso museo.

Prompt: Focus on Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cristo tra quattro angeli con gli strumenti della Passione è un dipinto olio su tavola  di Vittore Carpaccio, firmato e datato 1496 e conservato nei Civici musei e gallerie di storia e arte di Udine.

Prompt: In Christ between Four Angels, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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La cavallerizza

sinistraUn dettaglio della bambina.267x267pxIl ritratto fu realizzato dall'artista come una scena di genere. Una giovane che cavalca un cavallo nero, dopo una passeggiata mattutina, arriva presso la terrazza aperta di una villa grande. Una bambina vestita elegantemente, che è uscita correndo dalla casa per incontrarsi con l'amica più matura, la guarda con ammirazione, aggrappandosi alla ringhiera metallica della terrazza. L'emozione del tema risalta il paesaggio con gli alberi inclinati dal vanto e le nubi nel cielo.Un dettaglio della cavallerizza. cavallerizza è rappresentata dall'artista come una giovane bella, mentre il cavallo funge da "piedistallo per la sua beltà".  cavallerizza indossa un abito elegante e alla moda, progettato per l'equitazione. Questo include una gonna lunga e bianca come la neve e una camicia di seta blu, le cui maniche sono strette negli avambracci, e rigonfie dal gomito. bimba dai capelli neri sulla terrazza indossa un abito rosa, dei pantaloni di pizzo e delle scarpe verdi. Si suppone che il cavallo appartenesse alla razza russa dei "cavalli di Orlovskaja", allevata nella scuderia equestre dal conte Aleksej Orlov-Česmenskij. C'è un contrasto tra la foga del destriero e la calma della padrona.

Prompt: How does Horsewoman (Bryullov) explain its Description?Please output in Italian.


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Ritratto di Giovanni de' Medici

Ritratto di Eleonora di Toledo col figlio Giovanni Ritratto di Maria di Cosimo de' Medici

Prompt: How does Portrait of Giovanni de' Medici as a Child explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Pala di Brera

scena è ambientata davanti a un'abside monumentale che si trova molto indietro rispetto alle figure, come dimostra lo studio delle proporzioni architettoniche, la prospettiva dell'abside è caratterizzata da una rappresentazione apparentemente deformata della trabeazione semicircolare, si potrebbe trattare di un espediente prospettico volto a far percepire l'uovo sopra la testa della Madonna, pur essendo più arretrato. Secondo il critico Clark le strutture dipinte sarebbero ispirate dalla chiesa di Sant'Andrea di Leon Battista Alberti. L'opera venne iniziata nel 1471, ma è probabile che tra i due artisti ci sia stato uno scambio di pareri e magari di disegni progettuali durante un loro probabile incontro a Rimini e forse nella stessa Urbino.  struttura riecheggia anche lo schema dell'architettura reale della chiesa di San Bernardino, di Francesco di Giorgio Martini, anche se la chiesa è un'opera ritenuta successiva, edificata dal 1482.Entro un monumentale arco di trionfo, retto da paraste al di sopra di un'elaborata trabeazione con una fascia continua di marmo rosso, si sviluppa una volta a botte con cassettoni scolpiti con rosette. Il numero dei cassettoni su ciascuna fila è dispari, come nell'architettura classica, ma diversamente dalle opere dell'Alberti o dalla stessa Trinità di Masaccio, di brunelleschiana ispirazione. Archi analoghi sono impostati sui lati, come in un ipotetico transetto. Nella parte inferiore si trovano specchiature marmoree policrome, accordate su toni delicati che fanno risaltare le figure, amplificando la sacralità e la monumentalità. L'impianto prospettico è esaltato dai contrasti fra luce e ombra che si creano nei cassettoni della volta a botte.

Prompt: In the context of Brera Madonna, explain the Background and the Description and style.Please output in Italian.

1471
1482
Francesco di Giorgio Martini
Leon Battista Alberti
Masaccio
Rimini
Urbino


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Madonna di Darmstadt

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Exhibit Catalog, Petersberg 2004, .  Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Frankfurt am Main 1998.  Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. ng, Frankfurt am Main 1993.  Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959. Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872. Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. Dr. Georg Haupt: Der Darmstadter Museumsstreit. Eine Verteidigungsschrift, Jena, Diederichs 1904.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Ballo al Moulin Rouge

Ballo al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1889-90 e conservato al museo d'arte di Philadelphia.

Prompt: How does At the Moulin Rouge, The Dance explain its Abstract?Please output in Italian.


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Affreschi da villa La Pelucca

Gerolamo Rabia, nobile milanese, fu il committente per Luini di un ciclo di affreschi, tra l'altro, destinato a decorare la sua villa suburbana chiamata  Pelucca, nei pressi di Monza . Nel periodo napoleonico risiedette nella villa il viceré Eugenio di Beauharnais, passando poi al demanio del Regno Lombardo-Veneto alla restaurazione nel 1816, poco prima che fosse venduta a privati. Gli affreschi vennero staccati tra il 1821 e il 1822 con una campagna diretta da Stefano Barezzi, che si trasportò, secondo l'uso dell'epoca su tavole di legno: tale tecnica è all'origine delle numerose fessure che ancora oggi sono visibili. Andarono perdute vaste porzioni delle scene, soprattutto relative alle architetture dipinte che le incorniciavano, alterando irrimediabilmente la leggibilità del ciclo e, in alcuni casi, la lettura stessa delle scene.Non tutti i frammenti restarono però a Milano: alcuni presero la via del mercato antiquario, ricomparendo in diversi musei e collezioni. In tempi recenti Pinin Brambilla Bacilon e Maria Teresa Binaghi Olivari ne hanno condotto un restauro, che ha mantenuto gli storici supporti lignei. In seguito si è provveduto ad allestirli in galleria, con un criterio che per la prima volta li mostrava quasi al completo, dopo lunghi anni di permanenza nei depositi.

Prompt: Focus on Villa La Pelucca frescoes and explain the History.Please output in Italian.

1816
1821
1822
Eugenio di Beauharnais
Gerolamo Rabia
Milano
Monza
Regno Lombardo-Veneto
Stefano Barezzi


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Ritratto di Paolo III

Il Ritratto di Paolo III è un dipinto olio su tela  di Tiziano Vecellio eseguito nel 1543 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.Si tratta di uno dei più vigorosi ritratti papali della storia dell'arte, nonché il primo in assoluto di Papa Paolo III eseguito da Tiziano. Pietro Aretino alla visione del dipinto affermò che il ritratto eseguito fosse un «miracolo fatto dal vostro [di Tiziano] pennello [...]».

Prompt: Focus on Portrait of Pope Paul III (Titian) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Papa Paolo III
Papa Paolo III
Pietro Aretino
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: In Epifania, how is the Sweden of the Theology explained?Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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La lampada del diavolo

Il personaggio raffigurato nel dipinto è Don Claudio, la cui vita - come abbiamo già detto - dipende dal continuo bruciare della fiammella, sorretta dal diavolo. Il sacerdote, lacerato dal terrore e dalla follia e ammantato in un abito nero, azzarda un passo e si appresta a versare l'olio nella lampada del diavolo, così da evitare che si spenga.  lucerna è sorretta dal demonio che, in un inchino riverente ed animalesco, non aspetta altro che trascinare don Claudio negli abissi infernali. lampada del diavolo è un'opera permeata da una profonda sensazione di inquietudine, accresciuta dal perpetuo pulsare della fiammella, dallo sguardo atterrito ed alienato di Don Claudio e dalla macabra danza dei cavalli sullo sfondo che, ergendosi sulle zampe posteriori, vogliono probabilmente alludere all'ignoranza e alla zotichezza umana. In primo piano, infine, è appena accennato il frammento di un libro che, disponendosi obliquamente rispetto alla scena , ne accresce il ritmo nevrotizzante. Vi troviamo vergate le parole «LAM / DESCO», ovvero le prime lettere di lampara descomunal [lucerna mostruosa], in riferimento alla formula pronunciata da don Claudio mentre alimenta la lampada del diavolo.

Prompt: Focus on The Bewitched Man and explain the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Chassériau)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Describe the characteristics of the Historicity theological significance in Adoration of the Shepherds (Crivelli)'s Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Giuditta e l'ancella con la testa di Oloferne è un dipinto tempera, oro e argento su tavola  attribuito ad Andrea Mantegna, databile al 1495 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Judith with the Head of Holofernes (Mantegna, Washington).Please output in Italian.

1495
Andrea Mantegna
Giuditta
National Gallery of Art
Oloferne


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Paese in provincia di Foggia a nord del Tavoliere delle Puglie; la festa viene celebrata il 2 luglio nel Convento dei Frati Cappuccini intitolato a Maria SS. delle Grazie e Padre Pio Giovane. Festa caduta in disuso per circa 10 anni a causa di varie vicissitudini, è stata ripristinata nel 2010 da un gruppo di persone del paese devote al culto della Madonna delle Grazie che, organizzatisi in Comitato Permanente, hanno ridato lustro e dignità a questa solennità. Dal 23 giugno al 1º luglio si svolge la novena alla Vergine con Coroncina, Vespri Solenni e Santa Messa vespertina preceduta, quotidianamente, dallo sparo in aria di mortaretti che annunciano l'inizio della novena. Particolarmente suggestiva è la tradizione che lega Serracapriola a Chieuti, paese limitrofo, in cui forte e molto sentita è la devozione alla Madonna delle Grazie, dovuta a un miracolo avvenuto al tempo dell'invasione dei Turchi ; la Madonna avrebbe salvato con un prodigio, ricordato da un affresco nella navata centrale del Convento di Serracapriola, la cittadina di Chieuti dall'invasione e dal saccheggio; pertanto la prima messa delle ore 6:00 del 2 luglio è riservata al popolo di Chieuti che, in solenne processione, accompagna il simulacro della Vergine, da Chieuti a Serracapriola per una distanza di circa 4 km, trasportato su un cocchio trainato da un pony a cui fanno corolla vari fedeli a cavallo. Il pomeriggio del 2 luglio si svolge la Solenne Peregrinatio, durante la quale il Sacro Simulacro della Vergine sfila per le vie del paese, trasportato a spalla da fedeli cosiddetti "portatori", in camice bianco e mozzetta celeste, fino alla Piazza Castello, dove avviene la Consacrazione delle cittadine di Serracapriola e Chieuti alla Madonna delle Grazie. Al rientro viene celebrata, all'interno del vasto giardino del Convento, la Messa Solenne, presieduta dal Vescovo Diocesano o dal Guardiano Provinciale dei Cappuccini, a cui partecipano autorità civili e militari dei due paesi limitrofi.  festa si conclude, dopo un concerto di musica leggera tenuto da artisti di chiara fama nazionale, con lo spettacolo di fuochi pirotecnici.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Serracapriola of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

2 luglio
Chieuti
Serracapriola
Tavoliere delle Puglie


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Polittico dei Sette Dolori

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Focus on Seven Sorrows Polyptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Musica

voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall'aria espirata dai polmoni. Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea, della faringe e della bocca, ed eventualmente delle altre cavità  facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata, la voce impostata e il falsetto.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Emission type and the The studio.Please output in Italian.


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Busto di ragazza

Busto di ragazza  è un dipinto del pittore neoclassico francese Pierre-Narcisse Guérin, realizzato nel 1794 circa. L'opera oggi è esposta al museo del Louvre, a Parigi.

Prompt: In Jeune fille en buste, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Busto di Nicolas Poussin

Il busto di Nicolas Poussin è un'opera scultorea in marmo realizzata dall'artista fiammingo François Duquesnoy, intorno agli anni trenta del XVII secolo circa e attualmente esposto al Bode-Museum di Berlino. Nicolas Poussin era grande amico del Duquesnoy, nonché uno degli artisti di maggior spicco del classicismo francese del XVII secolo . concezione artistica di Poussin e Duquesnoy era in contrasto con quella principale del Barocco, che trovava in Gian Lorenzo Bernini e Pietro da Cortona i suoi artisti di riferimento.

Prompt: In Bust of Nicolas Poussin, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Berlino
Bode-Museum
François Duquesnoy
Gian Lorenzo Bernini
Nicolas Poussin
Pietro da Cortona


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Pietà Rondanini

nuova composizione in verticale fu altamente innovativa e dimostrò le capacità inventive dell'artista ormai ottantenne.Nel gruppo si alternano parti condotte a termine, riferibili alla prima stesura, e parti non finite, legate ai ripensamenti della seconda versione mai compiuta. Le parti condotte a termine sono un braccio destro di Cristo, staccato dal resto del corpo e rotto a un'altezza poco sopra il gomito, le gambe del Redentore e tracce di un diverso orientamento del volto della Vergine. Le parti relative alla nuova elaborazione sono invece il nuovo volto e il corpo della Vergine, il torso magrissimo e la testa di Cristo. Maria infatti non sembra più reggere il figlio, ma i due sembrano piuttosto unirsi in un abbraccio che comunque non riesce a trattenere il corpo di Cristo, il quale sembra scivolare via inerme, come rivela la progressiva e inevitabile piega delle gambe.  stessa Maria mostra una figura aerea e senza peso, che non si sforza di trattenere il corpo del figlio.Se guardata di lato, la statua appare curva in avanti. Questa curvatura dà un senso di slancio verso l'alto come forse è dato intendere da un episodio come la morte di Cristo prossimo alla Resurrezione.

Prompt: How does Rondanini Pietà explain its Description and style?Please output in Italian.


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Bonaparte valica le Alpi

Napoleone nel quadro di Delaroche è raffigurato con un vestiario appropriato per il luogo dove si svolge la scena: sopra la sua uniforme veste un lungo cappotto ben avvolto attorno alla sua persona, nel quale tiene le proprie mani. Mantiene un poco di dignità nel suo bicorno decorato con un gallone d'oro che porta sulla testa. che è costretto come appare a tirare il mulo per farlo proseguire e che tiene tra le mani un bastone che gli consente di appoggiarsi ed a sua volta di proseguire nella neve. Le sue vesti sono in parte logore e la faccia e rossa dal freddo. Non gli è permesso il lusso di avere un animale che lo trasporti ed è costretto per il suo ruolo a proseguire a piedi.Elementi che richiamano il freddo sono evidenti: montagne di sfondo ricoperte di neve si ergono dietro Napoleone e dietro le sue truppe, mentre le rocce alla destra del dipinto hanno candele di ghiaccio e sono ricoperte di neve soffice e ghiaccio.I personaggi che seguono il Bonaparte appaiono preoccupati a proteggersi dal freddo il che contribuisce ad accentuare la fragilità della scena e nel contempo il suo realismo.Napoleone è raffigurato in alta montagna, ma con tutte le problematiche di un uomo mortale e per nulla idealizzato, proprio al contrario della figura di David che mostra un Napoleone incurante del freddo e illuminato da una luce eroica. Delaroche non era però intenzionato a rappresentare Napoleone in luce dispregiativa, ma semplicemente intendeva raffigurarlo in maniera credibile con tutte le problematiche della sua condizione di uomo da stimare ancor di più per la fatica fatta per raggiungere l'obbiettivo della sua missione.left

Prompt: In the context of Bonaparte Crossing the Alps, explain the Setting and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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San Giovanni Evangelista (El Greco Madrid)

José Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-95503-44-1. Michael Scholz-Hänsel, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 978-3-8228-3173-1.

Prompt: How does Saint John the Evangelist (El Greco, Madrid) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Maja desnuda

Malgrado sia difficile schematizzare il genio di Goya entro i ristretti orizzonti di una determinata corrente artistica, è possibile collocare il quadro nell'ambito del Romanticismo. Ciononostante quest'opera, come altre dello stesso autore, risulta audace e singolare per l'epoca, come parimenti audace è lo sguardo malizioso e ammiccante della modella, che trasmette all'osservatore un certo turbamento a causa della sua disinibizione, e il suo atteggiamento conturbante. Ella, sembra sorridere soddisfatta e contenta delle sue grazie: è la prima opera d'arte a noi pervenuta nel quale vengono dipinti i peli pubici, che risaltano nel complessivo erotismo della composizione. Vi è inoltre un altro dettaglio raro e sottilmente erotico, nella presenza evidente della linea nigra che collega la vulva all'ombelico.Oltre agli altri nudi che si trovavano nel gabinetto segreto di Godoy, gli studiosi hanno individuato altre possibili fonti iconografiche, in particolar modo Tiziano e le sue opere presenti nelle collezioni reali: il Baccanale degli Andrii, la Danae, Venere e Adone. Tiziano doveva avere comunque un ruolo importante se, come nota Pérez Sánchez, nello stesso periodo anche Füssli prende a riferimento per un suo nudo il maestro veneziano.Nella cultura occidentale, fino a Goya, la rappresentazione del corpo nudo femminile ha sempre dovuto ricorrere a vari sotterfugi ; in questo dipinto, al contrario, la donna è reale, carne e sangue. È cioè il ritratto sconcertante e preciso di una donna nuda sdraiata fra lenzuola stropicciate che espone la propria sessualità per attrarre lo spettatore: si comprende come dovette essere celata sotto l'immagine ben più rassicurante e generica della Vestida. Il volto è affilato, sottile, gli occhi senza trucco ma vivi e mobili, i capelli sono neri, morbidi e arricciati. Il corpo, di orgogliosa naturalezza, dalle minute proporzioni, è particolarmente luminoso. luce emanata del corpo della donna e l'espressività dei suoi occhi creano un forte contrasto con il resto dell'ambiente. Brani di particolare virtuosismo pittorico sono anche l'incarnato ambrato della modella e il damasco dell'alcova, attraversato da un sottile reticolo: la sua coloritura deriva da un minuzioso gioco di verdi che contrasta col bianco rosato dell'incarnato, ed è in questo modo che la Maja sembra brillare di luce propria, sospesa nello spazio oscuro che la circonda.

Prompt: Focus on La maja desnuda and explain the Description.Please output in Italian.

Baccanale degli Andrii
Roma
Romanticismo


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Dama col liocorno

Dama col liocorno è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1505-1506 circa è conservato nella Galleria Borghese a Roma.

Prompt: How does Young Woman with Unicorn explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Vertumno

Il soggetto di Vertumno e Pomona attirò gli scultori e i pittori europei dal XVI al XVIII secolo, fornendo un sottotesto erotico mascherato in uno scenario che contrapponeva la bellezza femminile giovanile a una vecchia cagna. Nel raccontare la storia nelle Metamorfosi, Ovidio aveva osservato che il tipo di baci dati da Vertumno non erano mai stati dati da una donna anziana: "così il sorriso di Circe nasconde un'intenzione malvagia, e i baci bollenti di Vertumno mal si adattano al travestimento di una vecchia".Il soggetto fu persino tessuto in serie di arazzi con il tema generico degli amori degli dei, di cui l'arazzo di Bruxelles della metà del XVI secolo al Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona, tessuto su cartoni attribuiti a Jan Vermeyen, deve essere tra i primi. François Boucher fornì i disegni all'arazziere Maurice Jacques della manifattura di Gobelins per una serie che comprendeva Vertumno e Pomona . Un tema simile di travestimento erotico si ritrova con Giove che corteggia Callisto sotto le spoglie di Diana, un esempio del quale si trova al Getty Museum.Madame de Pompadour, che cantava bene e danzava con grazia, interpretò il ruolo di Pomona in una pastorale presentata a un piccolo pubblico a Versailles; la scultura di Jean-Baptiste Lemoyne  allude all'evento.Camille Claudel scolpì una sensuale versione in marmo di "Vertumno e Pomona" nel 1905, oggi al Museo Rodin di Parigi.Joseph Brodsky ha scritto una poesia su Vertumno.

Prompt: Focus on Vertumnus (Arcimboldo) and explain the Vertumnus in the modern era.Please output in Italian.

Camille Claudel
François Boucher
Getty Museum
Jean-Baptiste Lemoyne
Lisbona
Madame de Pompadour
Museo Calouste Gulbenkian
Museo Rodin
Parigi
Vertumno e Pomona
XVIII secolo
XVI secolo


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Ritratto di Carlo I a cavallo

Dal 1632 van Dyck fu pittore di corte per Carlo I d'Inghilterra, curandone l'immagine pubblica attraverso numerosi ritratti, che rispecchiano il pensiero del sovrano che si sentiva monarca assoluto, legittimato da Dio. Questo ritratto, del quale esiste anche un'altra versione, il Ritratto di Carlo I con M. de Saint-Antonie suo maestro di equitazione, fu eseguito verosimilmente sul finire del periodo inglese dell'artista, prima dello scoppio della guerra civile che portò all'esecuzione capitale del re, nel 1649.Venduto dopo la morte del sovrano, passò in diverse collezioni private  e dopo vari passaggi approdò al museo londinese che lo acquistò nel 1885.

Prompt: Focus on Equestrian Portrait of Charles I and explain the History.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Visse gli ultimi anni di vita a New York. Continuò a tenersi in contatto con altri veterani della guerra civile e divenne un richiesto oratore in banchetti e cene. Gli fu proposto dai Repubblicani di candidarsi alle elezioni presidenziali del 1884, ma declinò l'offerta affermando: "non accetterò se nominato e non presterò servizio se eletto".

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Recent years of the Strategy explained?Please output in Italian.


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Tempesta di neve. Battello a vapore al largo di Harbour's Mouth  è un dipinto a olio su tela  del pittore inglese William Turner, realizzato nel 1842 e conservato al museo Tate Britain di Londra.

Prompt: In Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour's Mouth, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Kryptos

Prompt: In Kryptos, how is the First section (start of panel 1) of the Solvers explained?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Milan, 1460–1465), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Venere di Galgenberg

Venere di Galgenberg  è una scultura del 30000 a.c. ed è l'opera in pietra, a forma antropomorfa, più antica giunta sino ai nostri giorni.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Venus of Galgenberg.Please output in Italian.


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San Girolamo in meditazione

Prompt: Focus on Saint Jerome in Meditation (Caravaggio) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Polifemo

;Fonti primarie Omero. Odissea cura di Manara Valgimigli. Milano, Mondadori, 1998. ISBN 88-04-44848-2. Tucidide.  guerra del Peloponneso. Torino, Einaudi-Gallimard, 1996. ISBN 88-446-0036-6.;Fonti secondarie  Alain Ballabriga, Les Fictions d'Homère, L'invention mythologique et cosmographique dans l'Odyssée, Paris, P.U.F. 1988.  Victor Bérard, Nausicaa et le Retour d'Ulysse, Paris, Armand Colin, 1929.  John Boardman. Les grecs outre-mer, colonisation et commerce archaïques. Napoli, Centre Jean Bérard, 1995. ISBN 2-903189-49-8.  Ernle Bradford, Ulysses found, London, Hodder and Stoughton, 1963. Lorenzo Braccesi, Grecità di Frontiera. I percorsi occidentali della leggenda, Padova, Esedra, 1994, ISBN 88-86413-00-9. Lorenzo Braccesi. I greci delle periferie. Bari, GLF, 2003. ISBN 88-420-6997-3.  Jean Cuisenier Le Périple d'Ulysse, Parigi, Fayard, 2003. ISBN 978-2-213-61594-3. Pier Angelo Perotti, Polifemo in Omero, Euripide, Luciano, “Minerva” 18, 2005, pp. 39-70. Dario Gigli Il regno di pietra, Cagliari, Davide Zedda, 2010. ISBN 978-8-862-11456-1.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Polyphemus (sculpture).Please output in Italian.

Euripide
John Boardman
Napoli
Nausicaa
Odissea
Omero
Tucidide
Victor Bérard


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Volta della Cappella Sistina

I venti Ignudi contornano i riquadri minori delle Storie.  loro posizione di risalto, benché contenuta nella struttura architettonica dipinta, travalica il semplice ruolo di figure decorative, tanto più la funzione araldica segnalata da Vasari . Essi piuttosto appaiono come figure angeliche, nell'accezione di figure intermedie "tra gli uomini e la divinità" .

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Nudes of the Description explained?Please output in Italian.


section

Beata Beatrix

Beata Beatrix è un dipinto a olio su tela  di Dante Gabriel Rossetti, realizzato nel 1872 e conservato nella Tate Britain di Londra.

Prompt: Focus on Beata Beatrix and explain the Abstract.Please output in Italian.

1872
Dante Gabriel Rossetti
Londra
Tate Britain


section

Amore inchinato a lavorare il suo arco

Amore inchinato a lavorare il suo arco è una scultura realizzata dall'artista fiammingo François Duquesnoy: è possibile definirla una delle prime opere degne di nota dell'artista. Stando a quanto afferma Estelle Lingo: " significatività che il putto ha per la visione della maniera greca del Duquesnoy è chiaramente dimostrata dal suo Amore che lavora il suo arco." scultura è stata gravemente danneggiata durante la Seconda guerra mondiale, quando è stata colpita da un proiettile in testa, spaccandosi in diversi pezzi. Attualmente è esposta al Bode-Museum di Berlino.

Prompt: In Cupid Carving His Bow, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Berlino
Bode-Museum
Estelle Lingo
François Duquesnoy
Seconda guerra mondiale


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La grande onda di Kanagawa

Durante la fase di composizione dell'opera, Hokusai si trovava in un periodo della sua vita particolarmente stressante e difficoltoso. Afflitto da gravi problemi economici e tormentato da problemi di salute, dopo la morte della moglie nel 1828 fu costretto a prendersi cura del nipote e accollarsi i suoi debiti: ripercussioni finanziarie che pesarono sulla sua attività per gli anni a venire e, probabilmente, furono il motivo per cui egli decise che il tema principale della serie Trentasei vedute del Monte Fuji sarebbe stato il contrasto tra la sacralità del Fuji e la vita secolare.Hokusai prese ispirazione per la raffigurazione delle onde e del movimento dell'acqua dallo stile shan shui, forma artistica originaria della Cina i cui soggetti più ricorrenti sono montagne, fiumi e cascate. Nei dipinti shan shui, tuttavia, raramente la natura viene raffigurata come forza divina in grado di condizionare la vita umana, e per questo motivo è probabile che le prime illustrazioni di Hokusai risentano soprattutto dell'influenza dello stile giapponese , in cui la forza dell'acqua e il potere delle onde sono sovente utilizzate per dare risalto agli sforzi umani. Combinando i tratti principali di queste due forme artistiche, Hokusai pubblicò tra il 1822 e il 1823 la serie di miniature  tra le quali alcune raffigurano il Monte Fuji e le onde, sebbene non ancora in combinazione; in un'altra alcuni pescatori gettano delle reti, mentre le loro oshiokuri-bune sono in balia dei flussi delle onde.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the Chinese  and  Japanese  tradition  of  landscape  painting and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: In Saint Jerome Writing, how is the Operatic, historiographic, and hagiographic works of the Biography explained?Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


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Sacra Famiglia con Gesù come Imperator mundi

L'opera è identica nel Bambino e nella Madonna che cuce, oltre che nel formato, alla Sacra Famiglia con san Giovannino nella National Gallery di Londra. Il Bambino eretto rimanda inoltre a numerose altre sacre famiglie di piccolo formato di quel periodo . versione parigina, forse più antica , ha un'impostazione più tradizionale, con il parapetto su cui stanno Gesù bambino, rappresentato come Imperator mundi, con lo scettro sormontato dalla croce e la sfera che simboleggia il potere sulla terra, e il giovane Giovanni Battista, che lo indica e regge in mano il tipico cartiglio con la scritta "Ecce Angnus Dei..." Manca il curioso pozzo in cui è immersa Maria, presente nella tela londinese. Il velo di Maria presenta alcune lumeggiature dorate, di particolare pregio.  tela londinese inoltre presenta una maggiore dolcezza nello sfumato e uno sfondo con cielo, foglie e frutta, che farebbero pensare a una datazione successiva all'opera parigina. Insolita è l'assenza di san Giuseppe, sostituita da una santa anziana vestita di rosso che guarda con attenzione Maria: forse sant'Anna o sant'Elisabetta. Essendo dietro Maria è più probabile che si tratti della prima.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Holy Family with Christ as Imperator mundi.Please output in Italian.


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Pala del beato Nicola da Tolentino

Corrado Ricci,  Giulio Zappa,  Vittorio Spinazzola,

Prompt: Explain the External links of this artwork, Baronci Altarpiece.Please output in Italian.