section

vaso del Dipylon

L'anfora era destinata ad essere usata come séma , ovvero come "segnale" per la sepoltura di una nobile donna ateniese, appartenente ad una famiglia importante che poté permettersi di commissionare il vaso funerario dotato di simili dimensioni monumentali, il più antico a noi giunto. Il vaso, che poteva ricevere le libagioni versate dalle persone in lutto, aveva funzione essenzialmente commemorativa e funeraria: era ad un tempo il segno della tomba della nobildonna e un monumento alla sua memoria. Il tipo di vaso era determinato dalla tradizione: nel secolo precedente, quando gli ateniesi usavano cremare i loro morti, per le ceneri delle donne si usavano le anfore, per quelle degli uomini i crateri.

Prompt: Explain the History of this artwork, Dipylon Amphora.Please output in Italian.


section

Autoritratto con cane nero

Hélène Toussaint, in Courbet , catalogo della mostra, Parigi, RMN, 1977. Petra Ten-Doesschate Chu, Correspondance de Courbet, Parigi, Flammarion, 2007.

Prompt: How does Self-Portrait with a Black Dog explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: In the context of Apocalypse (Dürer), explain the Modern representations of the Apocalypse and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


subsection

amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: Describe the characteristics of the Triangular model of love in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.


section

Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Crucifixion (Antonello da Messina).Please output in Italian.


subsection

La Gioconda

14 Scena ed Aria Scena Sì, morir ella de  Aria Alvise Là turbini e farnetichi  15 Scena e Duetto Scena Qui chiamata m'avete?  Duetto ura Alvise Morir! è troppo orribile  16 Scena e Serenata Scena E già che ai nuovi imeni  Serenata  gaia canzone  [Scena] O madre mia  17 Scena, Ingresso dei Cavalieri e Coro Scena e Ingresso dei Cavalieri Benvenuti, messeri  Coro S'inneggi alla Ca' d'oro  18 Recitativo e Danza delle Ore Recitativo Grazie vi rendo  Danza delle Ore  Sortono le ore dell'Aurora  Le Ore dell'Aurora  Sortono le Ore del giorno Danza delle Ore del giorno  Sortono le Ore della sera Sortono le Ore della notte (Moderato, Andante poco mosso, Allegro vivacissimo 19 Scena e finale III - Pezzo concertato Scena Vieni! - sciami!  Pezzo concertato D'un vampiro fatale

Prompt: Explain the Act III: The Golden House about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.


section

Venere di poesia

Venere di poesia  è un dipinto a olio su tela del pittore spagnolo Julio Romero de Torres, realizzato nel 1913. Attualmente è conservato al museo di belle arti di Bilbao.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Venus of Poetry.Please output in Italian.


section

Il seminatore

Il seminatore  è un dipinto realizzato dal pittore sloveno Ivan Grohar.Il dipinto è una metafora che rappresenta la Slovenia come una nazione vigorosa in cammino verso un futuro incerto.Il dipinto è rappresentato nella facciata nazionale della moneta da 5 centesimi.

Prompt: Focus on The Sower (Grohar) and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Madonna del Coniglio

Una donna abbigliata da dama di compagnia, santa Caterina d'Alessandria , sta porgendo il Bambino a Maria seduta in un prato, vicino a un cestino con frutta. Sullo sfondo osserva un pastore, un motivo di origine giorgionesca che contiene forse il ritratto di Federico Gonzaga, come farebbe pensare anche la prima stesura dell'opera, visibile con radiografie, in cui Maria volgeva lo sguardo verso di lui. Altri invece hanno pensato a un autoritratto del pittore, che si dipinse triste e in disparte, per via delle recenti vicende familiari. Le mele e l'uva nel cesto richiamano simbolicamente il peccato originale e il vino eucaristico, quindi la redenzione dei peccati.In primo piano, i fiori selvatici rievocano il locus amoenus dell'idillio della poesia classica, così come il paesaggio arcadico, che si riscontra anche in opere come il Concerto campestre o la serie dei Baccanali di Ferrara.Notevole è il fascino dei colori scelti e la sensibilità verso il paesaggio, con le striature arancio e azzurro che velano il cielo crepuscolare, tipiche della fase del pittore della prima maturità.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna of the Rabbit.Please output in Italian.


section

Amor sacro e Amor profano

L'opera risente profondamente dell'influenza di Giorgione, soprattutto nell'uso dello sfondo bucolico e nel colore steso secondo la tecnica del tonalismo: si può quindi considerare un'opera di transizione nella maturazione artistica del pittore. fisionomia delle donne si ritrova in numerose opere di Tiziano dell'epoca, dalla santa Caterina nella Sacra conversazione Balbi alla Donna allo specchio del Louvre, dalla Vanità alla Flora.

Prompt: In Sacred and Profane Love, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Donna allo specchio
Giorgione
Sacra conversazione Balbi


subsection

Sacro Cuore di Gesù

Betlemite figlie del Sacro Cuore, fondate in Guatemala nel 1668 e restaurate da Encarnación Rosal nel XIX secolo. Società del Sacro Cuore di Gesù, fondata nel 1800 da santa Maddalena Sofia Barat, per l'educazione della gioventù. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Saint-Jacut-les-Pins, fondate nel 1816 da Angélique Le Sourd. Figlie della carità del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1823 a  Salle-de-Vihiers. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Bergamo nel 1831 da Teresa Eustochio Verzeri. Suore maestre di Santa Dorotea, figlie dei Sacri Cuori, fondate a Vicenza nel 1836 da Giovanni Antonio Farina. Suore Orsoline del Sacro Cuore, fondate nel 1854 a Toledo, in Ohio, dalle orsoline di Cleveland. Suore francescane missionarie del Sacro Cuore, fondate a Gemona del Friuli nel 1861 da madre Giuseppa di Gesù. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Strasburgo nel 1865. Suore di San Giuseppe del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1866 in Australia da Mary MacKillop. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Versailles nel 1866. Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Napoli da Caterina Volpicelli il 27 dicembre 1867. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Córdoba da Saturnina Rodríguez de Zavalía nel 1872. Figlie del Cuore di Gesù, religiose di clausura fondate a Berchem il 1873 da Maria di Gesù Deluil-Martiny. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, fondate a Issoudun nel 1874 da Jules Chevalier. Oblate del Cuore di Gesù, fondate a Montluçon nel 1874 da Louise-Thérèse de Montaignac de Chauvance. Piccole Serve del Sacro Cuore di Gesù per gli Ammalati Poveri, fondate a Torino nel 1874 da Anna Michelotti. Suore Riparatrici del Sacro Cuore, fondate a Napoli nel 1875. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Madrid nel 1877 da Rafaela Porras y Ayllón. Suore della Carità del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Isabel rrañaga y Ramírez a Madrid il 2 febbraio 1877. Suore Zelatrici del Sacro Cuore, fondate all'Aquila nel 1879 da Maria Ferrari. Suore della Famiglia del Sacro Cuore di Gesù, di Brentana, fondate da ura Baraggia nel 1880. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Codogno il 14 novembre 1880 da Francesca Saverio Cabrini. Suore Francescane del Cuore di Gesù, fondate a Malta nel 1880 da Margherita De Brincat. Suore Ospedaliere del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1881 a Madrid da padre Benedetto Menni, per affiancare l'Ordine Ospedaliero di San Giovanni di Dio. Suore dei Poveri, Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Zamora da José Cázares y Martínez, il 4 ottobre 1884. Suore del Sacro Cuore del Verbo Incarnato, fondate a Palermo nel 1884. Suore Francescane del Sacro Cuore, di Joliet, sorte negli Stati Uniti nel 1885. Ancelle del Divin Cuore, fondate a Coria nel 1885 dal cardinale Marcelo Spínola y Maestre. Serve del Sacro Cuore di Gesù e dei Poveri, fondate a León nel 1885 da José María Yermo y Parres. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1886 a Guadalajara da Atenógenes Silva, dedite all'attività ospedaliera. Suore del Sacro Cuore di Gesù, fondate in Olanda nel 1886. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate nel 1888 a Lugo. Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate nel 1889 dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Ragusa, fondate nel 1889 da Maria Schininà. Missionarie Ausiliarie del Sacro Cuore, sorte a Baltimora nel 1890 per l'educazione dei bambini di colore. Suore Salesiane del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Alcantarilla l'8 settembre 1890 da madre Pietà della Croce. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Caracas nel 1890. Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 settembre 1891 a Vic. Suore Carmelitane del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1891 dalla beata Maria Teresa di San Giuseppe. Religiose dell'Apostolato del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1891 da Valentín Salinero García. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1893 per scissione dall'omonimo istituto di Versailles. Suore Agostiniane Recollette del Sacro Cuore di Gesù, sorte in Venezuela nel 1893 per opera di María Alvarado Cardozo. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, sorte nel 1893 a Palma Campania. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1893 a Gazzuolo da Ignazia Isacchi e Margherita Lussana. Suore Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Grottaferrata il 2 febbraio 1894. Suore Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Casoria da Giulia Salzano il 5 febbraio 1894. Apostole del Sacro Cuore di Gesù, fondate il 30 maggio 1894 a Viareggio dalla forlivese Clelia Merloni. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1894 da Józef Sebastian Pelczar. Figlie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1895 a Zacatecas. Adoratrici Perpetue del Sacro Cuore di Gesù, sorte a Mantova nel 1897. Suore Cappuccine del Sacro Cuore, fondate nel 1897 a Roccalumera da Francesco Maria Di Francia e Veronica Briguglio. Suore della Croce del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Concepción Cabrera de Armida il 3 maggio 1897. Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù di Montmartre, fondate nel 1898 da Adèle Garnier. Suore Orsoline Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1898 a Parma da Maria Lucrezia Zileri dal Verme. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù di Hiltrup, sorte nel 1900 in Vestfalia. Missionarie Oblate del Sacro Cuore di Gesù e di Maria Immacolata, sorte nel 1902 in Canada. Figlie del Sacro Cuore, fondate nel 1902 a Malta da Maria Teresa Nuzzo. Minime Suore del Sacro Cuore, fondate da Maria Margherita Caiani a Poggio a Caiano il 15 dicembre 1902. Suore della Famiglia del Cuore di Gesù, fondate nel 1903 a Irapuato da Maddalena della Riparazione Vargas Galeana. Carmelitane del Sacro Cuore, fondate nel 1904 in Messico da María Luisa de la Peña Navarro de Rojas. Suore del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1905 a Breslavia. Congregazione del Sacro Cuore, siro-malabaresi, fondate nel 1911 a Palai. Suore Egiziane del Sacro Cuore, copte, fondate nel 1913 da un gruppo di suore mariamette di origine egiziana. Suore Consolatrici del Divino Cuore di Gesù, fondate a Brno da Rosa Barbora Vůjtěchová nel 1915. Piccole Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Città di Castello il 9 agosto 1915, dal beato Carlo Liviero. Ancelle Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Messina nel 1917 da Antonino Celona. Suore del Cuore di Gesù Sacramentato, fondate nel 1918 da José María Robles Hurtado. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1919 a León. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate a Cracovia da Urszula Ledóchowska nel 1920. Società del Cuore di Gesù, fondata nel 1921 a Budapest. Suore Grigie del Sacro Cuore, ramo statunitense delle Suore della Carità di Montréal, sorto nel 1921. Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Mentone nel 1922 per l'evangelizzazione in Africa. Piccole Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, sotto la regola agostiniana, fondate ad Antignano, vicino a Livorno, da Clotilde Gigli, nel 1922. Apostoliche del Cuore di Gesù, fondate in Spagna nel 1924. Suore Carmelitane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a nel 1924 a Malaga. Suore del Sacro Cuore di Gesù e dei Santi Angeli, fondate a Valencia nel 1925 da Genoveva Torres Morales. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1926 a Guadalajara da María Regina Sánchez Muñóz. Figlie del Sacratissimo Cuore di Gesù, fondate a Modena nel 1927. Missionarie Adoratrici e Riparatrici del Sacro Cuore Eucaristico di Gesù, fondate nel 1928 a Sansepolcro da mons. Enrico Merizzi. Suore Maestre Cattoliche del Sacro Cuore, fondate in Messico nel 1929. Discepole del Sacro Cuore, sorte ad Acaya l'11 aprile 1929. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù in Lituania, sorte nel 1930 in Lituania dal distacco di alcune case dell'omonima congregazione di Cracovia. Suore Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, sorte nel 1930 come ramo delle Missionarie del Sacro Costato. Missionarie Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, erette a Porto nel 1931. Salesiane Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 dicembre 1933 a Bova Marina da Giuseppe Cognata. Suore Piccole Operaie del Sacro Cuore, fondate l'8 dicembre 1935 a Trani da Erminio Rondini e Anna Ventura. Suore Apostole del Sacro Cuore, fondate nel 1936 a Volturara Appula da Maria Gargani. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1937 per la separazione del ramo brasiliano di una congregazione francese. Catechiste del Sacro Cuore di Gesù, istituto secolare greco-cattolico ucraino fondato in Brasile nel 1940. Serve dei poveri, figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Almería il 24 maggio 1942 da Joaquín Reina Castrillón.  Suore del Cuore Eucaristico di Gesù, canonicamente erette a gos nel 1943 dal vescovo missionario Leo Hale Taylor. Benedettine del Sacro Cuore di Montmartre, sorte nel 1947 dalla separazione di una comunità dalle Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù ad Gentes, fondate nel 1949 a Chietla, in Messico. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Xalapa nel 1960. Figlie di Santa Maria del Cuore di Gesù, sorte l'8 settembre 1998.

Prompt: Describe the characteristics of the Female congregations in Sacred Heart of Jesus (Batoni)'s Congregations.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


section

Madonna del Divino amore

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Tom Henry; Paul Joannides , Raphaël. Les dernières années, Musée du Louvre , Paris, Hazan, 2012 ISBN 978-88-89854-501 Konrad Oberhuber; Achim Gnann; Roma e lo stile classico di Raffaello 1515-1527, Mantova, Palazzo Te , Vienna, Graphische Sammlung Albertina , Milano, Electa, 1999

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna of Divine Love.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


subsection

Persefone

madre Demetra, dea della fertilità e dell'agricoltura, che prima di questo episodio procurava agli uomini interi anni di bel tempo e di raccolti, reagì disperata al rapimento, impedendo la crescita delle messi, scatenando un inverno duro che sembrava non avere mai fine. Furente nei confronti di Zeus, Demetra rifiutò quindi di tornare sull'Olimpo e, trasformatasi in una vecchia, si recò a Eleusi in Attica, dove venne accolta dal re Celeo.Con l'intervento di Zeus si arrivò a un accordo, per cui, visto che Persefone non aveva mangiato un frutto intero, sarebbe rimasta nell'oltretomba solo per un numero di mesi equivalente al numero di semi da lei mangiati, potendo così trascorrere con la madre il resto dell'anno. Così Persefone avrebbe trascorso sei mesi con il marito negli inferi e sei mesi con la madre sulla terra. Demetra allora accoglieva con gioia il periodico ritorno di Persefone sulla Terra, facendo rifiorire la natura in primavera e in estate.Se si suppone che Persefone sia rimasta con Ade per quattro mesi e con Demetra per otto mesi, corrispondenti agli otto mesi di crescita e abbondanza per essere seguiti da quattro mesi di assenza di produttività, si può vedere il parallelo con il clima mediterraneo dell'antica Grecia. I quattro mesi durante i quali Persefone è con Ade corrispondono alla secca estate greca, un periodo durante il quale le piante sono minacciate di siccità. All'inizio dell'autunno, quando i semi sono piantati, Persefone ritorna dagli inferi e si riunisce con sua madre, e il ciclo di crescita ricomincia.Il ratto di Persefone, pinax da Locri Questa lettura del rituale, tuttavia, non quadra con il documento centrale di fondazione del mistero, lInno omerico a Demetra, verso 415, in cui si dice esplicitamente che Persefone ritorna nella primavera dell'anno, non nella caduta: «Questo fu il giorno [del ritorno di Persefone], proprio all'inizio della generosa primavera.». rappresentazione del suo ritorno in terra era locata presso i prati di Enna , celebri per i fiori dai colori sgargianti e per la loro bellezza. Un elemento supplementare della vicenda consiste nel fatto che Demetra non seppe che la figlia aveva mangiato il melograno, finché non fu un giardiniere dell'Oltretomba, Ascalafo, a rivelarlo: vuoi che Persefone avesse mangiato di sua volontà, vuoi che fosse stata persuasa da Ade, in questo modo Demetra perse la possibilità di avere la figlia con sé tutto il tempo, e castigò Ascalafo trasformandolo in un barbagianni.Persefone contese ad Afrodite il bell'Adone, riuscendo a trascinare la questione fin davanti a Zeus che preferì, per non scontentare nessuno, affidarlo separatamente a entrambe, in modo simile alla permanenza di Persefone stessa che era divisa fra gli dei dell'Olimpo e l'Ade.Una tradizione diversa faceva di Persefone una figlia di Zeus e di Stige. Fu generata dal dio dopo la sconfitta dei Titani, avvenuta durante la Titanomachia.Nella mitologia romana a Persefone corrispondeva Proserpina e a sua madre Demetra la dea Cerere, al cui culto era preposto un flamine minore.Vi sono comunque altre versioni della leggenda. Secondo una di queste è Ecate a salvare Persefone. Una delle più diffuse dice che Persefone non fu indotta a mangiare i sei semi con l'inganno, ma lo fece volontariamente perché si era affezionata ad Ade.Il mito di Persefone trae alcuni suoi elementi dalla mitologia mesopotamica, riassunti ne la Discesa di Inanna negli Inferi. In tale opera Inanna, recatasi nel Kurnugea  per recare le condoglianze alla sorella Ereshkigal, vi rimane intrappolata. Grazie a un sotterfugio riesce a tornare in superficie ma, in un momento d'ira nel trovare Dumuzi, il suo compagno, intento a oziare e non a preoccuparsi per la sua assenza, lo condanna a prendere il suo posto. Dumuzi riesce a fuggire dalla sorella Geshtinanna la quale si offre per passare sei mesi dell'anno negli inferi al posto suo. Dato che Dumizil e Geshtinanna erano considerati le divinità del malto e della vite, il mito spiega l'alternanza delle stagioni e fa riferimento ai diversi periodi di raccolta e produzione rispettivamente della birra e del vino.

Prompt: In the context of Proserpine (Rossetti), explain the The search for Demeter and the return (periodic) of Persephone and the Persephone'smyth.Please output in Italian.

Afrodite
Attica
Cerere
Demetra
Discesa di Inanna negli Inferi
Ecate
Eleusi
Enna
Locri
Olimpo
Persefone
Proserpina
Titani
Titanomachia
Zeus


section

Perseo e Andromeda

Claudio Monteverdi, Andromeda, 1618-1620  Jean-Baptiste Lully, Persée, 1682 Georg Philipp Telemann, Perseus und Andromeda, 1704 Antonio Maria Bononcini, Andromeda, 1707 Antonio Vivaldi e altri, Andromeda liberata, 1726 Giovanni Paisiello, Andromeda, 1773 Carl Ditters von Dittersdorf, Sinfonia n. 4 sulle Metamorfosi di Ovidio, 1781 circa Jacques Ibert, Persée et Andromède, ou le Plus heureux des trois, 1929 Salvatore Sciarrino, Perseo e Andromeda, 1990

Prompt: In Perseus and Andromeda (Rubens), how is the Music discussed?Please output in Italian.

Antonio Maria Bononcini
Antonio Vivaldi
Carl Ditters von Dittersdorf
Claudio Monteverdi
Georg Philipp Telemann
Giovanni Paisiello
Jacques Ibert
Jean-Baptiste Lully
Perseo
Salvatore Sciarrino


subsection

amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Inclusion of the other in the self and the Philosophy.Please output in Italian.


section

Allocuzione di Alfonso d'Avalos

Prompt: In Alfonso d'Avalos Addressing his Troops, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Prigioniero

sindrome psicologica conosciuta come sindrome di Stoccolma descrive un fenomeno paradossale in cui, nel tempo, gli ostaggi sviluppano sentimenti positivi nei confronti dei loro rapitori. L'ego della vittima sviluppa una serie di meccanismi di difesa per sopravvivere e far fronte allo stress in una situazione traumatica.

Prompt: In The Captive (painting), how is the Stockholm syndrome of the Types explained?Please output in Italian.


section

I fortunati casi dell'altalena

Il dipinto in stile rococò rappresenta una scena immersa in una fitta boscaglia, illuminata da una luce proveniente da una zona alla sinistra della tela. protagonista dell'opera è una ragazza riccamente vestita in atto di dondolarsi sull'altalena, spinta dal marito alle sue spalle; ai suoi piedi si trova un uomo nascosto tra le siepi, ovvero uno spasimante facente parte di questo triangolo amoroso. Mentre si dondola perde una scarpetta, la quale simbolicamente riporta ad un doppio senso malizioso nell'interpretazione del dipinto: questa idea è sostenuta anche dalla presenza di statue di cupidi.

Prompt: Focus on The Swing (Fragonard) and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


section

Storie di Virginia

scena ha come tema fondamentale l'onore violato, ispirato al racconto di Tito Livio: Virginia, dopo essere stata rapita da Marco Claudio , viene dichiarata schiava di Appio Claudio dai Decemviri . Il padre ed il marito della donna, però, dapprima chiedono clemenza, poi, per preservare l'onore della donna, la uccidono , il che innesca la rivolta dei Romani . Si tratta di un tema di solito destinato a ambienti privati ad uso femminile, come le camere da letto. scena è ambientata in una grandiosa architettura, riccamente decorata come nella Calunnia  e probabilmente adombra anche il tema politico della liceità della rivolta contro la dittatura, legato alla situazione fiorentina di quegli anni, con la cacciata di Piero il Fatuo e l'instaurarsi della Repubblica savonaroliana.

Prompt: Focus on The Story of Virginia (Botticelli) and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Baccanale degli Andrii

Tietze H., Titian. Leben und Werk, Vienna, 1936 Wind E., Bellini's Feast of the Gods. A Study in Venetian Humanism, Cambridge, 1948 Walker J., Bellini and Titian at Ferrara, Londra, 1956 Erwin Panofsky, Problems in Titians, Londra, 1969 Hope C., The 'Camerini d'Alabastro' of Alfonso d'Este I in The Burlington Magazine, 820, 1971 Fehl P. The Worship of Bacchus and Venus in Bellini's and Titian's Bacchanals for Alfonso d'Este. in Studies in the History of Art, 6, 1974 Murutes H., Personifications of ughter and Drunken Sleep in Titians Andrians in The Burlington magazine, 115 Lowinsky E. E., Music in Titian's Bacchanal of the Andrians: Origin and History of the Canon per Tonos in Titian, His World and His Legacy, New York, 1982 Emiliani A.,  leggenda del collezionismo, in Ferrara, voci di una città, n. 3, 1995 Gentili A., Tiziano, Milano, 1998 Pedrocco F., Tiziano, Milano, 2000 Gibellini C., Tiziano, Milano, 2003 Mannini L., Prado, Madrid in I grandi musei del mondo, Roma, 2004 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5

Prompt: In The Bacchanal of the Andrians, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

1974
1982
Cambridge
Erwin Panofsky
Este
Ferrara
Londra
Madrid
Milano
New York
Roma
Stefano Zuffi
The Burlington Magazine
Vienna


subsection

Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Describe the characteristics of the The Eucharistic institution in The Last Supper (Ghirlandaio)'s Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


section

Volpe blu e nera

Il dipinto rappresenta una volpe, sdraiata ed addormentata, immersa in un paesaggio dai colori fortemente contrastanti e brillanti. L'opera fa parte di una serie di dipinti in cui i protagonisti sono gli animali, mostrati non con lo sguardo asettico di un osservatore, ma filtrati attraverso la personalità dell'autore stesso; questi venivano ad assumere persino tratti umani, dato sul quale Paul Klee ebbe a dire:

Prompt: How does Fox (Marc) explain its Description?Please output in Italian.


section

Quattro visioni dell'Aldilà

Jacques Combe, Jérôme Bosch, Paris, Ed. Pierre Tisné, 1957 . Albert Châtelet, Sur un jugement dernier de Dieric Bouts, "Nederlands Kunsthistorisch Jaarboek / Netherlands Yearbook for History of Art", vol. 16, 1965, pagg. 17-42 Mia Cinotti, L'opera completa di Bosch, Milano, Rizzoli, 1966. Charles de Tolnay, Jérôme Bosch, Paris, Robert ffont, 1967 Walter S. Gibson, Hieronymus Bosch, New York, Oxford University Press, 1973 ISBN 0-19-519945-6 Lorne Campbell, Notes on Netherlandish Pictures in the Veneto in the Fifteenth and Sixteenth Centuries, "The Burlington Magazine", vol. 123, n°941, 1981, pagg. 467-473 Patrick Reuterswärd, Hieronymus Bosch's Four "Afterlife" Panels in Venice, "Artibus et Historiae", vol. 12, n°24, 1991, pagg. 29-35  Caterina Limentani Virdis , Le delizie dell'inferno. Dipinti di Jheronimus Bosch e altri fiamminghi restaurati. , Venezia, il Cardo, 1992 Walter S. Gibson, Bosch's Dreams: A Response to the Art of Bosch in the Sixteenth Century, "Art Bulletin", vol. 74, n°2, 1992, pagg. 205-218 Bernard Aikema; Beverly Louise Brown , Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di Bellini, Dürer, Tiziano, Milano, Bompiani, 1999 ISBN 88-452-4303-6 Jos Koldeweij, Bernard Vermet, Barbera van Kooij , Hieronymus Bosch. New Insights Into His Life and Work, Ludion, Museum Boijmans Van Beuningen/Nai Publishers, 2001 ISBN 90-5662-214-5 urinda Dixon, Bosch, London, Phaidon, 2003 ISBN 978-0-7148-3974-5 Frédéric Elsig, Jheronimus Bosch.  question de la chronologie, Genève, Droz, 2004 ISBN 2-600-00938-8 Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004. Roger Van Schoute; Monique Verboomen, Jérôme Bosch, Bruxelles,  Renaissance du Livre, 2007 ISBN 978-2-87415-860-5 Hans Belting, Hieronymus Bosch. Garden of Earthly Delights, Munich, Prestel, 2012 ISBN 3-7913-3320-8

Prompt: How does Ascent of the Blessed explain its Bibliography?Please output in Italian.

Charles de Tolnay
Dieric Bouts
Hieronymus Bosch
Lorne Campbell
Venezia


section

Mae West

sinistraMae West in Mae West iniziò prestissimo la sua carriera teatrale, quando - a soli cinque anni - si esibì in numeri di vaudeville, diventando successivamente una star del musical. Il 22 settembre 1911 è Maggie O'Hara nella prima assoluta di A  Broadway di Harold Orlob per il Broadway theatre. Nel 1912 è petite Daffy nella prima assoluta di A Winsome Widow di Raymond Hubbell prodotto da Florenz Ziegfeld con Leon Errol, le Dolly Sisters e Charles King a Broadway. Nel 1914 sposò il musicista torinese Guido Deiro, da cui divorziò nel 1920. Nel 1918 è Mayme Dean nell'anteprima di Sometime di Rudolf Friml e Rida Johnson Young diretta da Herbert Stothart con Ed Wynn ad Atlantic City e nella prima di New York. In tale film e nei primi Anni Venti lanciò un ballo chiamato "Shimmy" e iniziò a scrivere commedie che interpretò lei stessa, tra le quali Sex , che a quei tempi suscitò grande scandalo, tanto che la polizia fece irruzione a teatro e l'attrice finì addirittura in guardina.Debuttò nel cinema relativamente tardi, quando nel 1932 la Paramount la scritturò come coprotagonista di George Raft nel film Night After Night, in cui le venne data l'opportunità di riscrivere le sue battute; in tal modo Mae West riuscì ad attirare tutte le attenzioni su di sé. Grazie al successo riscosso dall'attrice in questa piccola parte, la Paramount decise di farne la protagonista di quello che sarà considerato il miglior film della West: dy Lou , per la regia di Lowell Sherman, tratto dalla commedia Diamond Lil, che la West stessa aveva scritto e rappresentato nel 1928. In questa spassosa commedia, ambientata nella New York della fine Ottocento, Mae West interpretò con irriverente disinvoltura una formosa e ironica cantante di saloon, che si trova coinvolta in un traffico di prostitute, ma che verrà però "salvata"  da un attraente agente di polizia, interpretato da un giovanissimo e quasi esordiente Cary Grant. In questo film la West ebbe ampia opportunità di dimostrare la sua inesauribile verve, esibendosi in piccanti freddure e allusioni: alla domanda «Nessun uomo l'ha mai fatta felice?», lei risponde «Sicuro. Un sacco di volte».Mae West in In seguito interpretò alcuni film di grande successo, di cui lei stessa scrisse le sceneggiature, come Non sono un angelo  di Wesley Ruggles, sempre accanto a Cary Grant, Belle of the Nineties  di Leo McCarey, e Annie del Klondike  di Raoul Walsh. Dopo la rottura del suo contratto con la Paramount, Mae West venne scritturata dalla Universal, che la affiancò al caustico commediante W. C. Fields nella commedia Mia bella pollastrella  di Edward F. Cline; l'idea di un'accoppiata del genere portò i produttori a puntare su un film che, nonostante le pessime critiche, fu la pellicola di maggior successo del 1940, seconda solo a Via col vento . I rapporti tra i due attori sul set furono comunque contrastati. Dopo il mediocre The Heat's On, girato nel 1943 per la Columbia, l'attrice decise di abbandonare il cinema.Nel 1950 le venne proposto il ruolo di Norma Desmond in Viale del tramonto, ma il regista Billy Wilder cambiò idea quando l'attrice, come sua abitudine, pretese di riscrivere la sceneggiatura.  West perse l'opportunità di affrontare un ruolo , che avrebbe potuto darle ancora grande fama. Preferì invece continuare la sua attività di attrice teatrale, riproponendo con successo a Broadway la sua commedia Diamond Lil, che andò in scena dal 1949 al 1951. Fu anche attiva come scrittrice, pubblicando nel 1953 il romanzo The constant sinner  e nel 1959 un'audace autobiografia dal titolo Goodness Had Nothing to Do With It.Nel 1970, dopo quasi trent'anni di lontananza dallo schermo, tornò al cinema interpretando nuovamente la parte di una vamp nel disastroso film Il caso Myra Breckinridge di Michael Sarne, con Raquel Welch e John Huston, tratto da un racconto satirico di Gore Vidal, ma solo perché le era stato concesso di riscriversi le battute.  sua ultima interpretazione risale al 1978 nel film Sextette di Ken Hughes, con Timothy Dalton, Tony Curtis e George Raft, dove apparve ormai ottantacinquenne.Morì nel 1980 a Los Angeles per cause naturali.

Prompt: Explain the Biography of this artwork, Mae West (sculpture).Please output in Italian.

1980
Annie del Klondike
Atlantic City
Belle of the Nineties
Billy Wilder
Broadway
Broadway theatre
Cary Grant
Dolly Sisters
Ed Wynn
Edward F. Cline
Florenz Ziegfeld
George Raft
Gore Vidal
Guido Deiro
Herbert Stothart
Il caso Myra Breckinridge
John Huston
Ken Hughes
Leo McCarey
Leon Errol
Los Angeles
Lowell Sherman
Mia bella pollastrella
Michael Sarne
New York
Raoul Walsh
Raquel Welch
Rida Johnson Young
Rudolf Friml
Sextette
The Heat's On
Timothy Dalton
Tony Curtis
Via col vento
Viale del tramonto
W. C. Fields
Wesley Ruggles


subsection

Bellezza

È peraltro la sintesi di quel processo d'intellettualizzazione dell'opera d'arte che rappresenta la più cospicua novità nell'arte di questi ultimi due secoli, dal Romanticismo in poi. L'arte moderna e contemporanea, la hegeliana arte romantica, è segnata dal confronto con l'osservatore - critico in modo profondissimo, tale da non consentire più in alcun modo la spontaneità creativa, l'innocenza primaria del dipinto di Gustave Courbet, L'origine del mondo - innocenza peraltro sapientissima - se non nel ghetto/riserva/colonia penale del genere naïf. Da quel momento l'opera d'arte è "operazione" sul corpo dell'arte; ogni nuova opera è osservatrice della totalità della tradizione artistica; chiama in causa la filosofia dell'arte; si fa meta-arte e in molteplici correnti si traduce in una discesa agli inferi dei materiali dell'arte, fino a congiungersi con il residuale, con l'immondizia.

Prompt: In The Beauty, how is the Intellectualization of the work of art of the Beauty Christianity explained?Please output in Italian.

Gustave Courbet
L'origine del mondo
Romanticismo


section

Il quarto stato

Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna

Prompt: Focus on The Fourth Estate (painting) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


subsection

San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: In the context of St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), explain the Operatic, historiographic, and hagiographic works and the Biography.Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


section

La prugna

leftMoltissimi furono gli scrittori e, soprattutto, gli artisti, che si cimentarono nella descrizione  del vibrante mondo dei caffè di Parigi. Oltre a essere il luogo privilegiato di incontro di molti parigini del tempo, i caffè erano anche un foro di discussione e di circolazione di idee e teorie nuove. Non vi è sorpresa, dunque, che i caffè furono ritratti anche dal pittore francese Édouard Manet, che arrivò persino ad acquistare un tavolino di marmo e a collocarlo nel proprio laboratorio, così da ricreare artificialmente la loro atmosfera.L'opera, oggi custodita alla National Gallery of Art di Washington, sembra rispondere indirettamente a una celebre tela di Edgar Degas denominata L'assenzio, realizzata appena due anni prima. Degas, nel suo dipinto, ritrae un uomo e una donna raccolti nella loro totale emarginazione, a cui nulla è rimasto nella vita se non lo stordimento che l'assenzio è in grado di offrire a poco prezzo. Manet, assiduo frequentatore dei caffè parigini, rinuncia tuttavia all'interpretazione solitaria di Degas, e preferisce restituire un'immagine meno aspra e più poetica. A essere raffigurata è sempre una donna, ammantata in un delicatissimo abito rosa, che assume un'aria sognatrice e malinconica, tanto che presenta lo sguardo perso nel vuoto, come se stesse inseguendo il filo invisibile dei suoi pensieri. I critici hanno dibattuto molto sull'identità di un simile personaggio: molti nel passato vi individuavano una prostituta d'élite in attesa del cliente, anche se un'ipotesi più moderna e comunemente accettata suggerisce che raffiguri piuttosto una comune donna mondana, sognatrice e persa nelle proprie fantasticherie. Ella è infatti totalmente chiusa nei propri pensieri, a tal punto che ha dimenticato persino la prugna glassata che gli inservienti del Café de la Nouvelle Athènes le hanno lasciato sul tavolino di marmo.Le tangenze con il dipinto di Degas, in effetti, sono molto decise. Così come Degas, infatti, Manet dà l'idea di una visione improvvisa e casuale, adottando una composizione che coglie il personaggio da vicinissimo. Da L'assenzio, inoltre, Manet prende ispirazione per il titolo del dipinto  e per l'inquadratura del tavolino di marmo, che sembra quasi sospeso in aria, lasciandoci anzi l'impressione di continuare oltre la cornice .

Prompt: How does Plum Brandy explain its Description?Please output in Italian.

Café de la Nouvelle Athènes
Edgar Degas
L'assenzio
National Gallery of Art
Édouard Manet


subsection

La Gioconda

Mentre il popolo festante, che affolla il cortile, si dirige alla regata , Barnaba - informatore del Consiglio dei Dieci che si finge cantastorie - spia, nascosto dietro ad una colonna, Gioconda che conduce in chiesa la madre  non vedente . L'uomo è innamorato di Gioconda, ma, dopo l'ennesimo rifiuto di lei , medita di vendicarsi sulla Cieca.Il popolo ritorna dalla regata : il regatante Zuàne è il perdente. Barnaba gli si avvicina e gli insinua il dubbio: che sia stata una stregoneria a farlo perdere? Barnaba allora accusa la Cieca .  calunnia si diffonde tra il popolo, che si scaglia contro la donna. Né Gioconda, né l'uomo di cui è innamorata, Enzo, riescono a sottrarla alla folla , quando sopraggiungono ura Adorno  e suo marito Alvise Badoero, nobile veneziano e inquisitore di stato.  nobildonna intercede presso il marito, che riesce a salvare la Cieca, la quale, riconoscente, dona a ura un rosario .  folla si disperde.Barnaba si avvicina ad Enzo, lo chiama col suo vero nome, lo rassicura che terrà il segreto per sé e gli rivela che quella notte ura fuggirà con lui. Barnaba rivela ad Enzo la sua vera identità  e gli confida di aver fatto tutto ciò per poter essere amato da Gioconda. Enzo fugge, inorridito.Rimasto solo, Barnaba detta allo scrivano Isépo una denuncia che accusa entrambi gli amanti e la inserisce nella bocca del leone , mentre Gioconda, nascosta dietro ad una colonna con la madre, ode le accuse e osserva l'atto della delazione.Uscito di scena Barnaba, un popolo festante entra nel cortile  improvvisando una forlana, ma i festeggiamenti vengono interrotti dai cori dei fedeli che giungono dalla basilica. Un barnabotto esorta il popolo a inginocchiarsi e pregare seguendo i vespri . Mentre si ode l'inno, Gioconda, disperata , lamenta il suo destino .  madre cerca di consolarla, ma Gioconda è decisa: quella stessa notte, anche lei salirà sulla nave di Enzo.

Prompt: Explain the Atto I - The Lion's Mouth about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.


subsection

Virtù e la Legge

upright=1.4Copia da Al Louvre si conserva la copia di un abbozzo preliminare destinata a una delle stanze con l'Apocalisse come soggetto. Tale rappresentazione veniva di solito associata a un mancato progetto per la Stanza di Eliodoro , forse destinato alla parete nord, al posto della Liberazione di san Pietro , o alla parete sud, quella della Messa di Bolsena , anche in virtù della posizione decentrata della finestra. presenza però del ritratto di Giulio II senza barba, anteriore al voto del 17 agosto 1510, assieme alla scarsa presa degli elementi che collegano questo progetto alla Stanza di Eliodoro, farebbero piuttosto pensare a un mancato progetto per la parete su della Stanza della Segnatura. L'Apocalisse dopotutto sarebbe il più importante giudizio, quello Universale, legato quindi al tema della legge , ed avrebbe bilanciato le pareti con una doppia contrapposizione tra temi religiosi  e profani . Il tema potrebbe essere stato abbandonato dopo la sconfitta del papa dai francesi.

Prompt: In the context of Cardinal and Theological Virtues (Raphael), explain the Studies and the Description and style.Please output in Italian.

1510
Apocalisse
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura
Stanza di Eliodoro


section

Madonna di Macerata

Su un astratto fondo oro, il frammento mostra la Madonna a mezza figura che avvicina a sé il Bambino, seduto sulle braccia, portandoselo al viso mentre lancia un intenso sguardo verso lo spettatore. Sul manto di broccato scorrono motivi decorativi dorati e si trova appuntata la stella, tradizionale attributo che ricorda la cometa di Betlemme. Le figure e i panneggi sono sbalzati dal chiaroscuro con intensità, ma la loro iconica plasticità è addolcita dalla tenerezza dei volti e delle espressioni.

Prompt: In Madonna with Child (Crivelli), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


subsection

Battaglia di Isso

John Fuller, The Generalship of Alexander the Great, De Capo Press, New Jersey 1960 Peter Green, Alexander of Macedon: A Historical Biography, 1974 Guy Rogers, Alexander: The Ambiguity of Greatness, Random House, New York 2004

Prompt: Describe the characteristics of the Secondary sources in Alexander Mosaic's Thebattle.Please output in Italian.


section

La ninfa sorpresa

ninfa sorpresa  è un dipinto realizzato da Édouard Manet tra il 1859 e il 1861. Oggi la tela è esposta al museo delle belle arti dell'Argentina di Buenos Aires. compagna del pittore, Suzanne Leenhoff, vi è raffigurata con l'aspetto di una ninfa.

Prompt: How does La Nymphe surprise explain its Abstract?Please output in Italian.

Buenos Aires
Suzanne Leenhoff
Édouard Manet


subsection

amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: In Love & Loss, how is the Literature of the Psychology explained?Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


section

San Bernardino da Siena tra due angeli

AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: In St. Bernardino of Siena between Two Angels, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Atleta di Fano

inviata il 20 novembre 2006 URL consultato il 14 luglio 2007                    URL consultato il 2 agosto 2007   URL consultato il 14 gennaio 2010

Prompt: In the context of Victorious Youth, explain the Journalistic articles and the Technique.Please output in Italian.


section

Uomo vitruviano

LUomo vitruviano è un disegno a penna e inchiostro su carta  di Leonardo da Vinci, conservato, ma non esposto, nel Gabinetto dei Disegni e delle Stampe delle Gallerie dell'Accademia di Venezia. Celeberrima rappresentazione delle proporzioni ideali del corpo umano, cerca di dimostrare come possa essere armoniosamente inscritto nelle due figure "perfette" del cerchio, che simboleggia il Cielo, la perfezione divina, e del quadrato, che simboleggia la Terra.  scelta di questa geometria non è frutto del caso, bensì di studi precisi. Il cerchio infatti rappresenta il cosmo, il divino: gli antichi ritenevano che fosse simbolo di perfezione. In contrapposizione si trova il quadrato, simbolo del mondo terreno. L’uomo quindi rappresenterebbe l'unione tra microcosmo e macrocosmo, quindi l’idea stessa di mondo. Riconducendo tale visione alla filosofia platonica, aristotelica e neoplatonica, l’uomo viene considerato “specchio dell’universo”. Egli è il riflesso di un ordine superiore, il quale contiene gli elementi che compongono il mondo intero. L’uomo vitruviano è simbolo dell’arte rinascimentale, con esso si analizzano le proporzioni del corpo umano secondo gli scritti dell'architetto romano Vitruvio. Il genio artistico voleva rappresentare, in accordo con il periodo da lui vissuto, l’uomo come “misura di tutte le cose”.

Prompt: How does Vitruvian Man explain its Abstract?Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Leonardo da Vinci
Venezia


section

Il seminatore

Prompt: In The Sower (Grohar), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


subsection

Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Modern representations of the Apocalypse of the Representations of the Apocalypse explained?Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


section

Polittico di Porto San Giorgio

Un documento dell'archivio di Fermo, tramandato ma oggi non più rintracciabile in originale, ricorda l'opera commissionata nel 1470 da un certo Giorgio, albanese emigrato in Italia per l'avanzata dei Turchi Ottomani dopo la morte di Skanderbeg nel 1468. Giorgio fu il capostipite della famiglia Salvadori, proprietari per secoli del polittico. Ceduto a Martin Colnaghi per finizianzare una bonifica delle coste, fu poi smembrato.  data dell'opera è confermata, oltre che da dati stilistici, anche da documenti settecenteschi che ricordano la firma dell'artista un tempo presente alla base della cornice: " 1470". Si tratta di due inventari, uno del 1727 redatto dal pievano Anselmo Ercoli e uno del 1771 risalente a una visita pastorale. Nel secondo il polittico è descritto minuziosamente, fatto che ha aiutato la ricostruzione. Vi si riporta anche come nella stessa cappella esistessero due tavole con tre santi ciascuno e gli stemmi Salvadori dipinte assieme al polittico: forse la predella ad oggi sconosciuta.Nel 1803 la vecchia parrocchiale fu demolita e il polittico trasferito nel chiesa del Suffragio, sede provvisoria delle attività liturgiche. Nel 1832 il dipinto era in casa Salvadori, nell'attesa che la nuova chiesa fosse terminata; qui lo vide e la descrisse il Maggiori e pochi anni dopo  Amico Ricci lo ricordò già nella nuova parrocchiale, anche se i santi a mezza figura erano già stati asportati e conservati in casa dei Salvadori. Poco dopo sull'altare venne posta una statua di San Giorgio e i pannelli restanti del polittico vennero restituiti alla famiglia. L'anno successivo, nel 1835, l'opera era già stata trasportata a Roma e, ormai smembrata, fu venduta da Luigi Salvadori Paleotti al collezionista dell'ambasciata portoghese Hudson per 90 scudi. Il priore del Comune di Porto San Giorgio però, che evidentemente rivendicava la proprietà del polittico, avviò una controversia col Salvadori contestando l'atto di vendita, che si risolse con un nuovo pagamento, questa volta di trecento scudi: è evidente come il lavoro artistico fosse visto esclusivamente come bene di scambio con cui battere cassa, senza alcun interesse per la sua salvaguardia. Passato nella collezione Ward , venne qui visto da Waagen e fu poi esposto nell'Egyptian Hall a Londra, dove lo videro Crowe e Cavalcaselle. Nel 1876 alla vendita della collezione Dudley a Londra fu acquistato da Martin Colnaghi e quindi disperso in varie raccolte.L'identificazione dei vari scomparti e la ricostruzione del polittico fu un'operazione lunga, che richiese numerosi interventi critici, avviata nel 1931 da Philip Hendy che associò i due santi nella National Gallery di Londra con il San Giorgio dell'Isabella Stewart-Gardner Museum di Boston. Roberto Longhi identificò poi la Madonna Cook a Washington e la Pietà a Detroit come facenti parte del polittico . Infine Federico Zeri, nel 1950, riconobbe i due Santi Caterina d'Alessandria e Girolamo, dopodiché fu relativamente semplice trovare sulla scia i Santi Antonio abate e Lucia . Resta tuttavia ignota la predella con sei santi e gli stemmi Salvadori. Una ricerca negli archivi di casa Salvadori ha prodotto un documento del 1805 in cui si parla di unUltima Cena, compatibile con le misure delle tavole di "alcuni santi"  e che forse stava al centro della predella.Il polittico venne temporaneamente riunito alla mostra monografica sull'artista a Venezia nel 1961. Oggi a Porto San Giorgio ne esiste una copia che ne ricostruisce le fattezze.

Prompt: Explain the History of this artwork, Porto San Giorgio Altarpiece.Please output in Italian.

1470
Boston
Detroit
Egyptian Hall
Federico Zeri
Isabella Stewart-Gardner Museum
Londra
Madonna Cook
Martin Colnaghi
Philip Hendy
Porto San Giorgio
Venezia
Washington


section

Autoritratto come martire

Autoritratto come martire è un dipinto a olio su tavola di 31,7x24,8  realizzato nel 1615 dalla pittrice italiana Artemisia Gentileschi. Fa parte di una collezione privata.

Prompt: How does Self-Portrait as a Female Martyr explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Ecce Homo

{ class="wikitable"+! Novum Testamentum Graece!! Vulgata Clementina!! Nuova Diodati- ἐξῆλθεν οὖν ὁ Ἰησοῦς ἔξω, φορῶν τὸν ἀκάνθινον στέφανον
 καὶ τὸ πορφυροῦν ἱμάτιον.
 καὶ λέγει αὐτοῖς· ἰδοὺ ὁ ἄνθρωπος.   Et dicit eis: Ecce homo. Gesù dunque uscì, portando la corona di spine
 e il manto di porpora.  E Pilato disse loro: «Ecco l'uomo!».}

Prompt: In Ecce Homo (Bosch, Indianapolis), how is the Text. discussed?Please output in Italian.


section

Kryptos

parte principale dell'opera è fatta di granito rosso, ardesia rossa e verde, quarzo bianco, legno pietrificato, magnetite e rame; si trova nel lato nord-ovest del cortile della nuova sede della CIA, all'esterno della caffetteria.Il tema della scultura è intelligence gathering . forma principale è una S disposta verticalmente che evoca un tabulato che fuoriesce da una stampante oppure lo schermo di un computer su cui scorre del testo. Il contenuto è cifrato e consiste nei 26 caratteri standard dell'alfabeto latino-americano e il punto interrogativo. Il testo contiene quattro messaggi distinti, ognuno codificato con un cifrario differente.Oltre alla scultura principale, Sanborn ha disposto altre sculture minori sparse per il complesso della CIA, quali delle lastre di granito con un interstizio di rame dove sono incisi dei messaggi in codice morse; una di queste comprende anche una bussola. Altri elementi della medesima opera consistono in un giardino con un laghetto ed una serie di altre lastre prive di incisioni.Il costo della scultura è stato di .

Prompt: Focus on Kryptos and explain the Description.Please output in Italian.


section

Ritratto di principessa estense

Ritratto di principessa estense è un dipinto, tempera su tavola , attribuito a Pisanello, databile tra il 1435 e il 1445 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Princess (Pisanello).Please output in Italian.

1435
1445
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Pisanello


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Ritratto dei coniugi Arnolfini

Ritratto di Giovanni Arnolfini Primitivi fiamminghi

Prompt: Focus on Arnolfini Portrait and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Giovanni Arnolfini
Primitivi fiamminghi
Ritratto di Giovanni Arnolfini


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Busto di Camilla Barbadori

Il busto di Camilla Barbadori è una scultura in marmo realizzata da Gian Lorenzo Bernini e conservata presso lo Statens Museum for Kunst di Copenaghen. Realizzata nel 1619, raffigura l'allora già defunta madre di Maffeo Barberini. Camilla, infatti, era deceduta nel 1609. Barberini sarebbe divenuto papa con il nome di Urbano VIII nel 1623.

Prompt: In Bust of Camilla Barbadoni, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Copenaghen
Gian Lorenzo Bernini
Statens Museum for Kunst


section

Uomo vitruviano

Canone di Policleto Modulor Monete euro italiane Marco Vitruvio Pollione

Prompt: In Vitruvian Man, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Canone di Policleto
Marco Vitruvio Pollione
Modulor
Monete euro italiane
Marco Vitruvio Pollione


section

Due donne tahitiane

Due donne tahitiane è un dipinto del pittore francese Paul Gauguin, esponente del post-impressionismo, realizzato nel 1891 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: How does Tahitian Women on the Beach explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Crucifixion Roman Emperor in Crucifixion (Tintoretto)'s Description.Please output in Italian.


section

Giudizio di Paride

Il giudizio di Paride fu un motivo molto amato nel Medioevo perché permetteva una interpretazione morale o tropologica delle diverse opzioni che si presentano all'uomo nella sua entrata nell'età adulta: la saggezza di Atena-Minerva rappresentava la vita contemplativa, le ricchezze di Era-Giunone la vita attiva, e l'amore di Afrodite-Venere la vita di piaceri.  È con questa funzione che l'episodio è raccolto, per esempio, nello Speculum doctrinale di Vincenzo di Beauvais.Anche Raimondo Lullo riprende questo esempio, nellArbre exemplifical, ma lo rilegge in chiave completamente diversa e metafisica, parlando di come «il Cerchio, il Quadrato e il Triangolo si incontrarono in Quantità, che era la loro madre, la quale aveva un pomo d'oro e domandò ai suoi figli se sapevano a quale dovesse dare quel pomo d'oro».

Prompt: How does The Judgement of Paris (Rubens) explain its Allegorical rereading in the Middle Ages?Please output in Italian.

Afrodite
Atena
Medioevo
Paride
Raimondo Lullo
Vincenzo di Beauvais


section

Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: In The Crucifixion (Cranach), how is the Historical crucifixions discussed?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


section

Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.


subsection

Caccia al leone

NellAntico Egitto, la caccia al leone era solitamente riservata al Faraone. Queste cacce portarono quasi allo sterminio delle popolazioni di leoni in Nord Africa entro il 1100 a.C. Sono state trovate opere d'arte commemorative che raccontano come durante una singola caccia, il faraone Amenofi III abbia ucciso più di 100 leoni.Nell'antica Assiria, la caccia al leone era un'attività ritualizzata riservata ai re. Queste cacce erano il simbolo del dovere del monarca al potere di proteggere e combattere per il suo popolo.  caccia al leone di Assurbanipal, una sequenza di rilievi del palazzo assiro del Palazzo Nord di Ninive risalenti al 645 a.C. circa nel British Museum di Londra, mostra il re Assurbanipal intento a cacciare leoni con i dignitari della corte.
In effetti la "caccia al leone reale", era l'uccisione inscenata e ritualizzata dal re dei leoni già catturato e rilasciato in un'arena. Il realismo dei leoni è sempre stato elogiato, anche se il pathos che gli spettatori moderni tendono a sentire forse non faceva parte della risposta assira.
I re assiri cacciavano i leoni per scopi politici e religiosi, per dimostrare il loro potere. Per far uscire il leone dalla sua gabbia e portarlo nelle pianure siriane, un servo avrebbe alzato una porta e avrebbe iniziato a correre. Quindi il leone veniva stanato da cani e battitori e così diretto verso il re che lo avrebbe ucciso con arco e frecce o una lancia dal suo carro da guerra. A volte il re uccideva la fiera con la spada, a terra, tenendola per la criniera e affondandogli la lama nella gola. Una volta ucciso il leone, il re versava un liquido su di esso e ringraziava gli dèi a scopo apotropaico, onde evitare che lo spettro del leone tornasse a perseguitarlo. ncieri e arcieri esperti proteggevano il re. A volte il re invitava alcuni nobili ad accompagnarlo.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Ancient civilizations of the The  lion  hunt  of  the  Masai explained?Please output in Italian.

1100 a.C.
Africa
Amenofi III
Antico Egitto
Assiria
Assurbanipal
British Museum
Faraone
Ninive


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


subsection

Flagellazione

Ancora nel XIX secolo era punizione comune per le persone sottomesse all'autorità di qualcuno, così i prigionieri, i militari, i marinai, i monaci, le monache, ecc.: anche se la pratica era stata bandita in Francia con la rivoluzione francese 1789, rimase in uso per periodi più o meno lunghi nel resto d'Europa e fu più dura a morire nei rapporti tra i genitori ed i propri figli. Del resto la sopravvivenza della pena seguiva quella della schiavitù, la quale fu abolita negli Stati Uniti d'America solo nel 1861, solo per riferirci agli stati più progressisti. flagellazione nella marina britannica era una comune misura disciplinare, che venne poi impropriamente associata al virile disprezzo per il dolore dei marinai sulle navi britanniche; solo nel 1831 l'ultimo soldato inglese subì la punizione della frusta, anche se in realtà si registrò soltanto una modificazione degli strumenti utilizzati, con il passaggio alla fustigazione.Mentre la flagellazione e pressoché tutte le forme di pene corporali sono ora abbandonate in molti paesi occidentali , questa pratica è ancora una forma comune di pena in molti paesi del mondo, in particolare nei paesi islamici. A Singapore o in Malaysia, seppur con la supervisione di un medico, molti crimini sono puniti in questa maniera: vengono utilizzate delle canne di bambù.

Prompt: In the context of The Flagellation of Christ (Cimabue), explain the Modern contemporary era and the History.Please output in Italian.

1789
1831
America
Malaysia
Singapore
Stati Uniti d'America


section

Sette opere di Misericordia

Le Sette opere della Misericordia, o anche più propriamente la Madonna della Misericordia, è un dipinto olio su tela  compiuto nel 1606-1607 da Caravaggio e conservato presso il Pio Monte della Misericordia di Napoli.Si tratta della prima opera realizzata dal pittore una volta giunto a Napoli.  tela ebbe una notevole influenza su tutta la pittura napoletana del Seicento, ancora legata ai canoni del manierismo, al punto di condizionare una parte della coeva generazione di pittori nonché quella degli anni successivi, legati tra loro dall'appartenenza alla peculiare corrente artistica del caravaggismo napoletano.

Prompt: How does The Seven Works of Mercy (Caravaggio) explain its Abstract?Please output in Italian.

Caravaggio
Misericordia
Napoli
Pio Monte della Misericordia


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


section

Madonna Sistina

Madonna Sistina è il dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.Il dipinto è considerato unanimemente uno dei massimi capolavori dell'arte occidentale per numerose ragioni, prime fra tutte la complessità concettuale e simbolica nascosta dietro l'apparente semplicità dell'immagine e l'unione armonica fra l'ideale di bellezza greco-romana e il sentimento religioso cristiano.I numerosi spostamenti subiti dall'opera fra Italia, Germania e Russia, testimoniano inoltre vari importanti eventi sociali e politici della storia dell'Europa, in particolare durante il XX secolo.Infine, il dipinto è considerato cruciale per l'evoluzione dei legami fra arte, commercio e industria.  sua alienazione dalla sede sacra per cui era stato realizzato  e il trasporto nella galleria profana di Augusto III di Polonia ha infatti suscitato negli intellettuali del XVIII secolo una profonda riflessione sulla mutazione della funzione dell'opera, passata da immagine devozionale a manufatto estetico, generando di fatto la discrepanza che ha portato alla nascita dei concetti distinti, e fino a quel momento inesistenti, di "artigianato"  e "belle arti" . Madonna Sistina è una delle due sole Madonne di Raffaello in cui Maria guarda direttamente negli occhi lo spettatore insieme alla successiva Madonna della seggiola.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1513
1514
Augusto III di Polonia
Dresda
Germania
Italia
Madonne di Raffaello
Russia
XVIII secolo
XVIII secolo
XX secolo


section

Eva

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Eve (Rodin).Please output in Italian.


subsection

Maria Maddalena

Da secoli, è costume di molti Cristiani ortodossi orientali terminare la celebrazione pasquale dipingendo uova e proclamando "Cristo è risorto!". Le uova simboleggiano la nuova vita, e Cristo che risorge dalla morte. Da questo nacque la tradizione di colorare le uova di Pasqua.Una tradizione riguardante Maria Maddalena dice che dopo la morte di Gesù Cristo, usò la sua posizione per ottenere un invito a un banchetto dato dall'imperatore Tiberio. Quando lei lo incontrò, teneva un uovo puro nelle sue mani ed esclamò "Cristo è risorto!" Tiberio rise, e disse che la resurrezione di Gesù Cristo dalla morte era probabile quanto l'uovo nella sua mano diventasse rosso mentre lo teneva. Secondo la leggenda, prima che finisse di parlare, l'uovo nella sua mano diventò rosso e lei continuò a proclamare il Vangelo in tutta la casa imperiale.

Prompt: Explain the Easter egg tradition about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.


section

Pala di Santa Cristina al Tiverone

Pala di Santa Cristina al Tiverone è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1504-1506 circa e conservata nella destinazione originale nella chiesa parrocchiale di Santa Cristina di Quinto di Treviso . È firmato "urentius / Lotus / P.[inxit]" sul pannello alla base del trono.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Santa Cristina al Tiverone Altarpiece.Please output in Italian.