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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In Last Supper (Tintoretto), how is the The Eucharistic institution of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa o Jaffa  è un dipinto di Antoine-Jean Gros datato al 1804, commissionato da Napoleone Bonaparte per rappresentare un episodio della campagna d'Egitto.  realtà storica della scena raffigurata nel dipinto, ed in particolare il gesto del Bonaparte, sono oggetto di contesa.

Prompt: In Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Giaffa
Napoleone Bonaparte


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Ritratto di Francesco delle Opere

figura di Francesco delle Opere, benestante artigiano fiorentino della fine del XV secolo, è ritratta di tre quarti voltato a sinistra, con una berretta nera che raccoglie una fitta capigliatura riccioluta, una mantella dello stesso colore, una veste rossa aperta sul davanti e tenuta da lacci e una camicia bianca come sottoveste. In mano tiene un rotolo di carta da cui sporge il cartiglio "Timete Devm", inizio di una celebre predica di Savonarola che illumina sul contesto religioso e storico in cui l'opera venne prodotta. Le mani sono appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide col bordo inferiore del dipinto, riprendendo l'esempio di pittori fiamminghi dell'epoca, come lUomo con la lettera di Hans Memling.Il personaggio è caratterizzato da una sottile vena psicologica, malinconica e assorta, in cui sono evidenziate le caratteristiche di rigore morale e di fermezza del carattere, anche per via della posa appena impettita. Nei ritratti Perugino era solito abbandonare la vena dolce e idealizzata delle opere religiose, indagando a fondo la fisionomia; anche in questo caso molti dettagli sono resi con grande cura millimetrica, dimostrando ancora una volta l'influenza fiamminga. Il gioco di luci e ombre è reso con un tratteggio sottilissimo a punta di pennello.Anche lo sfondo ha alcuni elementi in comune con quello dell'opera di Memling, come la città fortificata con alte torri coronate a punta, sulla sinistra. Le dolci colline, prive di asperità, sono punteggiate da alberelli esili e frondosi tipici della scuola umbra, e sfuma in lontananza secondo le regole della prospettiva aerea, che dilata a dismisura la profondità della veduta. Come tipico di quegli anni lo sfondo è reso più interessante dalla presenza di un lago, le cui acque azzurrine si intonano alla perfezione col verde delle colline e il celeste del cielo e delle montagne lontane, velate dalla foschia.

Prompt: How does Portrait of Francesco delle Opere explain its Description and style?Please output in Italian.

Hans Memling
Perugino
Uomo con la lettera


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (Raphael)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of The Crucifixion (Paleokapas), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Crown Fountain

Crown Fountain è un'opera interattiva pubblica situata all'interno del Millennium Park di Chicago, che si trova nel quartiere di Chicago Loop. Progettata dall'artista spagnolo Jaume Plensa e realizzata da Krueck and Sexton Architects, la fontana è stata inaugurata nel luglio 2004.  fontana è composta da uno specchio d'acqua in granito nero posto tra due torri in vetrocemento. Le torri sono alte circa 15 metri e, attraverso dei LED, riproducono dei video digitali sui volti presenti all'interno della fontana. I costi della progettazione e della costruzione della Crown Fountain ammontano a 17 milioni di dollari. L'acqua è in funzione da maggio a ottobre.

Prompt: Focus on Crown Fountain and explain the Abstract.Please output in Italian.

Chicago
Chicago Loop
Jaume Plensa
Krueck and Sexton Architects
LED
Millennium Park


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: In The Crucifixion (Cranach), how is the Syria of the Description explained?Please output in Italian.


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Ritratto del cardinale Tavera

Il cardinale Juan Pardo de Tavera fu il fondatore dell'ospedale di san Giovanni Battista a Toledo che è comunemente conosciuto con il nome del prelato o come Ospedale de Afuera, ubicato al di fuori delle mura della città. Questo ritratto non è stato facile da realizzare dal pittore in quanto il cardinale era morto nel 1545. El Greco si basò sulla maschera mortuaria realizzata da Alonso Berruguete.Nel dipinto le linee del viso sono profondamente segnate, completate dal malessere che ha portato alla sua morte.  sua figura è raffigurata in tre quarti di profilo su uno sfondo neutro, dietro un tavolo decorato da una tovaglia verde dove riposa il cappello cardinalizio, un libro e la mano sinistra di Tavera. Sebbene enfatizzi l'aspetto cadaverico dell'uomo, anche il cretese ci mostra il lato forte e vitale dell'ecclesiastico. I colori sono molto vivaci, nei toni del verde e del rosso e la pennellata è allentata, come nell'intera tappa finale di El Greco.

Prompt: How does Portrait of Juan Pardo de Tavera explain its Description and style?Please output in Italian.

1545
Alonso Berruguete
El Greco
Juan Pardo de Tavera
Toledo


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: How does Last Judgement (Fra Bartolomeo) explain its Abstract?Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Processione in piazza San Marco

L'opera è un telero destinato originariamente alla Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, una delle più ricche di Venezia. Nella sala grande della confraternita era stato deciso di collocare nove grandi tele alla cui realizzazione vennero chiamati alcuni dei più grandi pittori dell'epoca tra cui, oltre a Gentile, Pietro Perugino, Vittore Carpaccio, Giovanni Mansueti, zzaro Bastiani e Benedetto Diana. Il tema era quello dei miracoli di un frammento della Vera Croce, che era stato regalato alla confraternita nel 1369 da Philippe de Mézières, cancelliere dei regni di Cipro e di Gerusalemme, diventando subito simbolo della Scuola ed oggetto di una straordinaria venerazione.Le tele, che furono tutte eseguite tra il 1496 e il 1501, sono tutte sopravvissute tranne quella di Perugino, e contengono la rappresentazione di vari episodi ambientati in alcuni dei più famosi luoghi di Venezia; si trovano tutte oggi alle Gallerie dell'Accademia.Gentile dipinse tre di questi teleri: il primo, datato 1496, fu appunto quello che mostra la processione in piazza San Marco del 25 aprile 1444, festa della Santa Croce, durante la quale avvenne il miracolo della guarigione immediata del figlio del mercante bresciano Jacopo de' Salis, che aveva pregato la reliquia mentre passava portata a spalla dai confratelli. scena è considerata tra i primissimi esempi di vedutismo veneziano, con un ampio angolo visuale che permette di osservare la precisa rappresentazione della piazza e dei partecipanti all'evento. Sullo sfondo della basilica di San Marco, con i portali ancora splendenti dei mosaici veneto-bizantini che oggi sopravvivono solo nel portale sinistro; a destra si vedono Palazzo Ducale, con la Porta della Carta con l'originaria doratura dei marmi, un pezzo del Campanile di San Marco  e l'Ospizio Orseolo, demolito per fare spazio alle Procuratie Nuove di Jacopo Sansovino; a sinistra si notano le Procuratie Vecchie nell'aspetto che avevano prima della ricostruzione nel XVI secolo; si vede anche l'edificio gotico che venne poi abbattuto per fare posto alla Torre dell'Orologio. Da notare anche la copertura della piazza in cotto, che venne sostituita dalla lastronatura in marmo del Tirali nel 1723.L'occhio dello spettatore è incitato a vagare da un gruppo all'altro, da un dettaglio all'altro.I personaggi della scena sono rappresentati con cura meticolosa, abbastanza grandi per contenere ritratti e per individuare con cura i vari dettagli dal loro status sociale, quali abiti e accessori. Manca la rappresentazione drammatica dell'azione, mentre tutto concorre a fornire una cronaca precisa dell'avvenimento.  processione procede col doge in testa, preceduto dai portatori di stendardi e dai trombettieri e da altri simboli del potere. Seguono i confratelli della Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, vestiti di bianco, che portano ceri e un baldacchino, sotto il quale, più o meno al centro del dipinto, si trova la cassa contenente la venerata reliquia.Lo stile della pittura è quello tipico di Gentile: una linea asciutta demarca i soggetti, entro la quale il colore è steso in maniera neutra, che ha come effetto la cristallizzazione del dato reale.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Procession in St. Mark's Square.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Pietro Allegretti , Piero della Francesca, collana "I Classici dell'Arte", Milano, Rizzoli - Skira, 2003, pp. 102 - 103Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Polyptych of Perugia.Please output in Italian.


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Avvampante giugno

copertina del numero natalizio di The Graphic del 1895.I primi proprietari del dipinto, della rivista The Graphic, lo acquistarono per creare una riproduzione di alta qualità che venne regalata come regalo di Natale nel 1895. Quando Frederic Leighton morì nel gennaio del 1896, venne messa nella finestra del loro ufficio con l'approvazione dal corteo funebre. Venne prestato al museo Ashmolean all'inizio del Novecento; la sua ubicazione dopo questo prestito è sconosciuta. Il dipinto venne riscoperto in una casa di Battersea all'inizio degli anni 1960, incassato sopra un camino. Andrew Lloyd Webber lo vide poco dopo in un negozio della Kings Road, ma sua nonna si rifiutò di dargli in prestito il prezzo richiesto di 50 sterline, affermando: "Non avrò della spazzatura vittoriana nel mio appartamento".Una volta faceva solo parte della collezione del museo d'arte di Ponce, ma poi divenne il suo simbolo e l'opera d'arte più riconosciuta. Da allora, il dipinto venne prestato a dei musei importanti in tutto il mondo, come il museo del Prado di Madrid nel 2008, la galleria statale di Stoccarda nel 2009 e due musei nuovaiorchesi, la collezione Frick nel 2015 e il museo Metropolitano nel 2022.Nel 2016 la tela venne prestata alla casa museo Leighton di Kensington e venne esposta nello studio nel quale fu creata.

Prompt: Focus on Flaming June and explain the History.Please output in Italian.

Andrew Lloyd Webber
Frederic Leighton
The Graphic


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Lupa capitolina

Secondo il mito, la vestale Rea Silvia venne fecondata dal dio Marte e partorì due gemelli, Romolo e Remo. Il nonno dei gemelli, Numitore, fu scacciato dal trono di Alba Longa dal fratello Amulio. Per evitare che i nipoti, diventati adulti, potessero rivendicare il trono usurpato, Amulio ordinò ad un suo servo che fossero uccisi e  gettati nel Tevere ma il servo non ebbe il coraggio e allora li mise in una cesta e li lasciò trasportare dalle acque del fiume. Questa cesta si incagliò sul fiume alle pendici di un colle, dove i gemelli furono trovati da una lupa che si prese cura di loro finché non furono trovati dal pastore Faustolo. L'antro della lupa era il leggendario lupercale presso il colle Palatino.

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the The legend of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Alba Longa
Amulio
Faustolo
Numitore
Palatino
Rea Silvia
Romolo e Remo
Tevere


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Ritratto della signorina Lieser

Klimt dipinse il ritratto nel 1917. L'anno seguente l'artista morì e l'opera, rimasta non firmata e incompiuta nel suo studio, fu donata ai suoi familiari. l'unica testimonianza del ritratto era una fotografia in bianco e nero, scattata nel 1925 e risalente all'incirca al periodo della mostra. l'altra tesi è quella perorata dal massimo esperto di Klimt in Austria, Tobias G. Natter, il quale non ha dubbi sul fatto che si tratti di Margarethe Constance Lieser, sua cugina. Secondo Natter fondamentali sono le testimonianze del figlio di uno dei maggiori collezionisti di opere di Klimt , Erich Lederer, e quella della cognata di Margarethe, la quale, nel 1984 disse di essere certa che la "signorina del ritratto" fosse Margarethe.

Prompt: Focus on Portrait of Fräulein Lieser and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Bril)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Vento dell'Est su Weehawken

Il dipinto rappresenta una via con delle case nelle ore pomeridiane del mese di marzo. Non compaiono figure umane, a parte un gruppo persone illustrate nella parte sinistra del dipinto.  pessima situazione economica del quartiere viene alla luce dall'avviso di vendita di un immobile e dai giardini non curati.

Prompt: Focus on East Wind Over Weehawken and explain the Description.Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Nel Medioevo il valore intrinseco delle statue di bronzo era notevolissimo ed i profitti derivati dalla vendita del metallo enormi, per cui quasi tutte le statue bronzee antiche furono fuse per ricavarne metallo.  statua di Marco Aurelio si salvò dalla fusione perché si pensava che rappresentasse l'imperatore Costantino, primo imperatore cristiano, e fosse dunque degna di conservazione; era infatti chiamata Caballus Constantini. Credendo che la statua rappresentasse l'imperatore che diede libertà al culto cristiano, essa fu collocata, almeno dall'VIII secolo, nei pressi del Palazzo terano, sede papale e all'epoca residenza ufficiale dei romani pontefici.Il 1º agosto 1347, Cola di Rienzo, coerentemente al suo programma di presentarsi al popolo come nuovo Costantino, organizzò una festa popolare in cui fece servire ai romani acqua e vino che sgorgavano da tubi di piombo fatti passare attraverso le narici del cavallo della statua.

Prompt: In the context of Equestrian Statue of Marcus Aurelius, explain the Middle Ages and the Description.Please output in Italian.

Cola di Rienzo
Marco Aurelio
Medioevo
VIII secolo


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Madonna delle Grazie

A Contursi Terme, in provincia di Salerno, la Madonna delle Grazie è venerata come protettrice e patrona. Sulla cima del centro abitato sorge un Santuario ad essa dedicato che venne costruito nella seconda metà del Seicento a seguito della liberazione del paese dalla peste, attribuita proprio a Maria Santissima. Si narra che negli ultimi giorni del mese di Giugno 1657 una processione penitenziale si recò presso la preesistente cappella dedicata alla Natività di Maria per chiedere la liberazione dalla peste. Si portò in processione la statua della Vergine Maria che era lì posta e, non appena la stessa varcò le soglie del paese, la peste cessò. Si decise così, con solenne giuramento, di celebrare ogni anno la festa della Madonna delle Grazie il 2 Luglio e l'8 Settembre, date ancora oggi fedelmente mantenute.

Prompt: Explain the Contursi Terme about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Ritratto d'uomo con falcone

Sebbene non in condizioni di conservazione ottimali, l'opera è un eccellente esempio della ritrattistica di Tiziano della prima maturità, caratterizzata da un'accurata focalizzazione psicologica sul personaggio, sulla verosimiglianza al naturale e sulla ricchezza cromatica.Il gentiluomo protagonista è ritratto a mezza figura su sfondo scuro, mentre tiene un guantone sul braccio sinistro su cui ha appoggiato un falcone, che accarezza con la destra e fissa intensamente con lo sguardo.  caccia, in particolare quella al falcone era il passatempo preferito della nobiltà europea e mantenere un animale del genere era estremamente dispendioso. Per questo viene descritta con attenzione l'attrezzatura necessaria, dal guanto in pelle spessa al cappuccio ornato per il volatile, fino alle cinghie in pelle, decorate da campanelle. In basso a sinistra si affaccia poi un segugio.L'uomo indossa un vestito nero, con la spada alla cintura ed è pienamente aggiornato alla moda dell'epoca, che prediligeva le barbe lunghe e folte. Le tonalità calde e scure dominanti erano tipiche della ritrattistica veneziana dell'epoca.

Prompt: In Portrait of a Man with a Falcon, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Il mercato degli schiavi

Il dipinto presenta un'ambientazione mediorientale o nordafricana non specifica nella quale un uomo ispeziona i denti di una schiava nuda. Sullo sfondo si vedono dei compratori che ispezionano un uomo nudo dalla pelle scura. Maxime Du Camp, che aveva lavorato intensamente in Medio Oriente, recensì il dipinto esposto al Salone del 1867. Egli individuò la scena nel mercato degli schiavi de Il Cairo e descrisse il quadro come "una scena fatta sul posto". Egli descrisse la donna in vendita come "un'abissina" e definì il venditore un "brigante avvezzo a ogni sorta di rapimento". Secondo lui, la povera fanciulla in piedi è "sottomessa, umile e rassegnata".Le prime raffigurazioni del commercio di schiavi di Gérôme precedono Il mercato degli schiavi e alcune sono ambientate nel mondo classico. In effetti, egli aveva dipinto una scena molto simile nel 1857, intitolata Acquisto di una schiava, ambientata nel mondo greco o romano, nella quale le differenze etniche tra il compratore, il venditore e la schiava non sono così evidenti.

Prompt: How does The Slave Market (Gérôme painting) explain its Description?Please output in Italian.


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Ermafrodito dormiente

L'antica scultura fu rinvenuta nei primi anni del XVII secolo, portata alla luce all'interno del parco di "Santa Maria della Vittoria", nei pressi delle terme di Diocleziano e al limitare degli antichi Horti Sallustiani; il ritrovamento fu fatto durante il periodo dei lavori di costruzione della chiesa, dal momento in cui si stavano scavando le fondamenta nel 1608 a quando veniva piantata la palmetta.L'opera fu immediatamente mostrata a uno dei maggiori intenditori d'arte del momento, il cardinal Borghese, che in cambio della concessione della statua permise al proprio architetto personale, Giovanni Battista Soria, di contribuire nei lavori di edificazione della chiesa, facendogli terminare la facciata . Nella sua nuova Villa Borghese intanto il cardinale allestiva una sala espressamente dedicata al suo Ermafrodito.Nel 1620 il giovanissimo Bernini, scultore allora pupillo del Borghese, fu pagato 60 scudi per creare il letto di marmo su cui Ermafrodito sta adagiato: la resa è sorprendentemente realistica, tanto che a un primo sguardo gli osservatori sono inclini a crederlo reale. scultura fu in seguito acquistata nel 1807, assieme a molti altri pezzi della stessa collezione, dal principe Camillo Filippo Ludovico Borghese che aveva sposato Paolina Bonaparte, e venne quindi trasferita al Louvre (dove, tra gli altri, fu fonte di ispirazione per l'autore inglese Algernon Swinburne, che gli dedicò una poesia, Hermaphroditus, del 1863.

Prompt: In Sleeping Hermaphroditus, how is the The Borghese specimen discussed?Please output in Italian.

Algernon Swinburne
Ermafrodito
Giovanni Battista Soria
Horti Sallustiani
Paolina Bonaparte
Villa Borghese


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Unione di Lublino

firma del trattato rappresentò il frutto di una lunga discussione che vide in primo piano i magnati lituani, spaventati dalla prospettiva di perdere gran parte del loro potere. Secondo i piani, infatti, l'Unione avrebbe equiparato di fronte alla legge il loro status e quello della bassa nobiltà, di gran lunga più numerosa, ma la contingenza storica non consentiva alla Lituania grandi spazi di manovra: la minaccia di una sconfitta totale contro la Russia nella guerra di Livonia e la conseguente prospettiva dell'incorporazione nello stato moscovita si faceva sempre più concreta. Da parte sua, la Polonia non era disposta ad offrire aiuto ai lituani senza poter chiedere nulla in cambio. Il re di Polonia Sigismondo II Augusto, con il sostegno della nobiltà , cominciò a premere a favore dell'unione.

Prompt: In the context of Union of Lublin (painting), explain the Backgrounds and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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La Bohémienne

Bohémienne  è un dipinto di William-Adolphe Bouguereau, risalente al 1890. Fino al 2004 l'opera si trovava all'istituto d'arte di Minneapolis, ma poi venne messa all'asta da Christie's.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Bohemian (Bouguereau).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ on the Cross (Zurbarán).Please output in Italian.


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Madonna col Bambino degli Innocenti

L'opera è un omaggio alla Lippina, capolavoro di Filippo Lippi agli Uffizi. Si tratta di un'opera giovanile di Botticelli che all'epoca doveva ancora formarsi sotto la lezione del maestro fiorentino, con il quale lavorò forse negli affreschi di Prato. Molti studiosi, dopo aver riconosciuto l'attribuzione al Botticelli anziché al Lippi stesso, indicano la Madonna degli Innocenti come la prima opera nota di Botticelli, accanto a qualche altra opera "lippesca", come la Madonna col Bambino e un angelo di Ajaccio.

Prompt: In Virgin and Child with an Angel (Botticelli, Florence), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Pietro Allegretti , Piero della Francesca, collana "I Classici dell'Arte", Milano, Rizzoli - Skira, 2003, pp. 102 - 103Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: How does Polyptych of Perugia explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Domine, quo vadis?

Il dipinto rappresenta un episodio narrato negli Acta Petri  e ripreso dalla Legenda Aurea di Jacopo da Varazze.Mentre il primo degli apostoli fugge lungo la via Appia per sottrarsi alla persecuzione dei cristiani voluta da Nerone, gli appare Cristo. Pietro, sorpreso e sgomento, gli chiede: «Domine, quo vadis?», ovvero «Signore, dove vai?». Questi risponde: «Venio Romam iterum crucifigi» , non a caso Cristo porta con sé lo strumento del supplizio. Parole, il cui significato è quello di ammonire l'apostolo per la scelta di darsi alla fuga e di indicargli quale è la via corretta da seguire. Pietro comprende il messaggio del Signore, torna a Roma e accetta il martirio.Pur nelle ridotte dimensioni della tavola Annibale è riuscito a dare un'impronta monumentale alla raffigurazione dell'evento.Evidenti sono le riprese classiche che caratterizzano questo dipinto percepibili soprattutto nella figura apollinea di Cristo così come nelle architetture che fiancheggiano la via Appia.leftNel Domine quo vadis? si coglie un momento di forte adesione di Annibale al modello raffaellesco: il contrappunto tra la figura decisa e maestosa di Gesù, da un lato, e quella esitante e smarrita di Pietro, dall'altro, trova probabilmente un riferimento diretto nel cartone di Raffaello con la Consegna delle chiavi, facente parte della serie realizzata dall'urbinate per gli arazzi della Cappella Sistina.Nella piccola tavola londinese si registra, inoltre, un notevole saggio di resa tridimensionale dello spazio il cui il fulcro è la scultorea figura di Gesù: il braccio destro proteso ad indicare Roma, lo scorcio profondo della croce, la cui estremità inferiore quasi fuoriesce dallo spazio pittorico per occupare lo spazio reale, il deciso incedere del passo, sono tutti accorgimenti mediante i quali Annibale ha efficacemente accentuato il senso di profondità della scena. rightSecondo parte della critica questa forte attenzione all'occupazione tridimensionale dello spazio è l'esito delle riflessioni di Annibale sugli esempi di Caravaggio nella cappella Cerasi di Santa Maria del Popolo – dove il Merisi, nei suoi celebri laterali che dilatano le pareti della piccola scarsella, eccelse anche in questo senso –, cappella nella quale i due maestri si confrontarono pressappoco nello stesso periodo di esecuzione del Domine quo vadis?.Sempre nella cappella Cerasi, inoltre, Annibale, oltre alla realizzazione della pala dellAssunta per l'altare, aveva curato la decorazione ad affresco della volta, in parte eseguendola personalmente , in parte fornendo ad Innocenzo Tacconi, suo collaboratore, i progetti per le restanti due scene. Una di queste, quella di sinistra, raffigura anch'essa l'incontro tra Pietro e Cristo lungo la Via Appia . È possibile che il cardinale Aldobrandini abbia commissionato ad Annibale la tavola ora a Londra, proprio avendo apprezzato il precedente della cappella Cerasi, eseguito circa un anno prima.Notevole, infine, nella tavola londinese, è anche lo sfondo paesaggistico che già annuncia l'innovazione carraccesca di questo genere pittorico, portata a pieno compimento nel Paesaggio con la fuga in Egitto, eseguito da Annibale di lì a pochi anni, sempre su incarico dell'Aldobrandini.

Prompt: Focus on Domine, quo vadis? and explain the Description and style.Please output in Italian.

Cristo
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Nerone
Paesaggio con la fuga in Egitto


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Veronese, Uffizi).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, The Last Supper (Leonardo).Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Bellezza

Criteri puramente estetici: armonia nella composizione, omogeneità, spiccata rappresentazione del sesso a cui appartiene l'oggetto, proporzioni vitruviane, simmetria. Criteri di tipo riproduttivo: armonia nella composizione, caratteri sessuali secondari, conformità allo standard genetico e etnico, forza, giovinezza, funzionalità dei genitali, salute. Criteri di tipo genetico: completamento delle proprie lacune o eccessi fisici o mentali, diversità etnica, simmetria.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Objective criteria in the evaluation of bodily beauty and the Introduction.Please output in Italian.


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Schiava turca

Aimee Ng, with a foreword by David Ekserdjian The poetry of Parmigianino's Schiava Turca, catalogo della mostra New York, Frick Collection dal 13 maggio al 20 luglio 2014 e a San Francisco, Legion of Honour Fine Arts Museums dal 25 luglio al 5 ottobre 2014 Frick Collection, New York 2014, ISBN 9780912114606 Anna De Rossi,  misteriosa “Schiava Turca“ del Parmigianino. Giulia Gonzaga Colonna in Aurea Parma XCI, fasc.II, 2007, pp. 159-175  Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5, con bibliografia precedente Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9Lilli Fröhlich-Bum, Parmigianino und der Manierismus, p. 38, Vienna, Anton Schroll & Co. 1921.Giovanni Copertini, Il Parmigianino, pp. 210-211, Parma 1932.Armando Ottaviano Quintavalle, Il Parmigianino, pp. 154-155, Milano, Istituto Editoriale Italiano 1948.Sydney Joseph Freedberg, Parmigianino, his works in painting, pp. 116, 210-211, Cambridge, Harvard university press 1950.Maurizio Fagiolo Dell'Arco, Il Parmigianino, un saggio sull'ermetismo nel Cinquecento, pp. 80, 137-138, 273, Roma, Bulzoni 1970.Paola Rossi, Parmigianino. L'opera completa del Parmigianino, p. 99, Milano, Rizzoli 1980.Lucia Fornari Schianchi,  galleria Nazionale di Parma, p. 99, Parma, Artegrafica Silva 1983.Maria Cristina Chiusa, Parmigianino, pp. 96-97, 214-215, Milano, Electa 2001. ISBN 88-435-9643-8Mary Vaccaro, Parmigianino, i dipinti, pp. 204-205, Torino, Allemandi 2002. ISBN 88-422-1130-3Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5

Prompt: In Turkish Slave, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Aurea Parma
Cambridge
Cinisello Balsamo
Giovanni Copertini
Giulia Gonzaga
Milano
Parma
Parmigianino
Roma
Torino
Vienna


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Polittico di Santa Barbara

Il Polittico di Santa Barbara è un'opera del Maestro Francke del 1415, tempera su tavola, conservata al museo nazionale della Finlandia  di Helsinki.L'opera venne realizzata probabilmente per la cattedrale del porto anseatico di Turku in Finlandia, con parti scolpite al centro, probabilmente opera della bottega del pittore o comunque scolpite su suo disegno, con il gruppo con la Morte di Maria e due rilievi in ciascuno dei lati interni degli sportelli con scene tratte dalla vita della Vergine. Nelle doppie ante dipinte si trovano otto scene della vita di santa Barbara.Per quest'altare le fonti possono essere individuate sia nelle  francesi, sia per quanto riguarda la plasticità delle figure nella pittura della Borgogna e nell’Altare di Wildung di Konrad von Soest.

Prompt: How does Saint Barbara Altarpiece (Master Francke) explain its Abstract?Please output in Italian.

1415
Borgogna
Finlandia
Helsinki
Konrad von Soest
Maestro Francke
Santa Barbara
Turku


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Crucifixion Roman Emperor in Crucifixion (Tintoretto)'s Description.Please output in Italian.


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tomba di Giulio II

Ricostruzione della parte architettonica del primo progetto per la tomba di Giulio II Fu probabilmente Giuliano da Sangallo a raccontare a papa Giulio II, eletto due anni prima, gli strabilianti successi fiorentini di Michelangelo, tra cui la scultura del colossale David. Il papa si interessò subito al giovane talento convocandolo ufficialmente a Roma. Nel partire, l'artista era costretto a interrompere una serie di importanti progetti avviati a Firenze, come la serie dei dodici apostoli per il Duomo, o il monumentale affresco della Battaglia di Cascina per Palazzo Vecchio. Ma l'artista non sembrò essere assalito da sostanziali dubbi sul partire o meno, vedendo probabilmente nell'ambizioso papa il miglior garante per la sua carriera artistica, capace di commissionargli un'opera grandiosa che lo avrebbe catapultato nell'Olimpo dei più grandi maestri dell'antichità.Papa Giulio II, infatti, si era dedicato a un ambizioso programma di governo, che intrecciava saldamente politica e arte, circondandosi dei più grandi artisti viventi  nell'obiettivo di restituire a Roma e all'autorità papale la grandezza del passato imperiale.A Michelangelo venne affidato il compito di realizzare una monumentale tomba per il papa, da collocarsi nella tribuna  della basilica di San Pietro. Artista e committente si accordarono in tempi relativamente brevi  sul disegno del progetto e sul compenso , che venne approvato permettendo a Michelangelo, riscosso un consistente acconto, di dirigersi subito a scegliere i blocchi di marmo da scolpire.Il primo progetto ci è noto tramite le fonti  che, nonostante alcune discordanze descrittive anche notevoli, permettono di farsi un'idea generale. Esso prevedeva una colossale struttura architettonica isolata nello spazio, a base rettangolare   composta da tre ordini che, dalla base, andavano restringendosi gradualmente, in una sorta di piramide architettonico-scultorea. Attorno al catafalco del papa, in posizione sopraelevata, si trovavano una quarantina di statue, dimensionate in scala superiore al naturale, alcune libere nello spazio, altre addossate a nicchie o ai pilastri, all'insegna di un gusto per la grandiosità e l'articolazione complessa, su tutte e quattro le facciate dell'architettura.Il registro inferiore, in particolare, prevedeva da due a quattro nicchie, ciascuna contenente una statua di Vittoria alata, incorniciata da statue di "ignudi" maschili incatenati , addossati ai pilastri e sormontati da busti. Il piano superiore doveva contenere quattro grandi figure sedute  e alle personificazioni della Vita attiva e della Vita contemplativa), forse collocate agli angoli o frontali sui lati minori. Queste ultime guidavano lo sguardo dello spettatore verso la sommità, dove si trovava la statua semidistesa del pontefice sul catafalco, tra rilievi bronzei e due figure allegoriche, Angeli per Condivi o Cielo e Terra per Vasari. Il sarcofago vero e proprio si trovava all'interno di un sacello ovale all'interno della struttura, al quale si accedeva da un portale su uno dei lati brevi o su entrambi.  statua del papa sulla sommità, guidato fuori dalla tomba da due angeli, doveva richiamare il motivo del risveglio del defunto durante il Giudizio Universale, come nel monumento sepolcrale di Margherita di Lussemburgo di Giovanni Pisano.Il monumento sarebbe stato collocato in una zona corrispondente all'attuale baldacchino di San Pietro in Vaticano, quindi con una centralità sulla quale, dopo un primo entusiasmo, lo stesso Giulio II ebbe probabilmente a riflettere.

Prompt: How does Tomb of Pope Julius II explain its First project?Please output in Italian.

Battaglia di Cascina
Firenze
Giovanni Pisano
Giuliano da Sangallo
Palazzo Vecchio
Papa Giulio II
Roma


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: In Love & Loss, how is the Philosophy of the Psychology explained?Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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San Girolamo nella cella

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano, 2004.

Prompt: In Saint Jerome in His Study (Dürer), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

upright=1.4All'interno del quadrante vi è un anello mobile recante i 12 simboli dello zodiaco , che indica anche la posizione del sole sull'eclittica. Nella foto qui riportata il Sole si trova in Cancro, per spostarsi poi nel Leone. disposizione dei simboli sull'anello zodiacale è derivata dall'uso di una proiezione stereografica del piano dell'eclittica usando il polo nord come base della proiezione stessa; come comunemente fatto per gli orologi astronomici di questo periodo. piccola stella dorata indica la posizione dell'equinozio di primavera ed il tempo siderale può essere letto sulla scala contrassegnata dai numeri romani dorati.

Prompt: Describe the characteristics of the Zodiacal ring in Prague astronomical clock's Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Madonna del Pesce

Si tratta di una sacra conversazione con al centro la Madonna col Bambino su un trono rialzato e ornato da intagli, tra l'arcangelo Raffaele con Tobiolo e san Girolamo col leone addomesticato. Il nome dell'opera deriva dal pesce che Tobiolo tiene in mano, parte integrante della sua leggenda  secondo la quale Raffaele l'aveva aiutato a catturare un pesce velenoso, con la cui bile il giovane avrebbe poi guarito il padre dalla cecità.Lo sfondo è una tenda verde scostata su un cielo cupo e un sintetico paesaggio collinare, come nella Madonna della Tenda, datata a quegli stessi anni.  composizione è particolarmente ricca di gesti e sguardi che rimandano da un estremo all'altro della pala. Emblematica è la figura del Bambino che guarda verso Tobiolo benedicendolo, mentre con la sinistra tiene il segno al libro retto da Girolamo. Il gesto ha forse un significato dottrinale, e allude all'inserimento del Libro di Tobia nella Vulgata a opera proprio di Girolamo.L'uso magistrale del colore e della composizione, la cui apparente semplicità nasconde complesse forme triangolari, rettangolari e diagonali, richiamano la Stanza di Eliodoro dipinta da Raffaello in Vaticano. Una teoria di sguardi teneri caratterizza il dipinto, instaurando un'armoniosa unità emotiva, in cui lo spettatore non è escluso, grazie al taglio stretto della composizione e al dettaglio del gradino in prospettiva, che sembra quasi invitarlo a partecipare.

Prompt: How does Madonna with the Fish explain its Description and style?Please output in Italian.

Libro di Tobia
Madonna della Tenda
Stanza di Eliodoro
Libro di Tobia
Vulgata


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Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: Describe the characteristics of the Chorus in Music (Matisse)'s The relationship with singing.Please output in Italian.


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Pasquino

PopoloSatiraStato PontificioAbate LuigiMarforioMadama LucreziaIl Gobbo di Rialto Uomo di pietraLodoigaMostasù dèle Cosére

Prompt: In Pasquino, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Abate Luigi
Gobbo di Rialto
Gobbo di Rialto
Lodoiga
Madama Lucrezia
Marforio
Mostasù dèle Cosére
Popolo
Satira
Stato Pontificio
Uomo di pietra


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Incoronazione Marsuppini

Secondo l'ipotesi più accreditata , la pala sarebbe stata commissionata dal cancelliere della Repubblica di Firenze Carlo Marsuppini, per destinarla alla cappella di San Bernardo nella chiesa del convento delle Olivetane ad Arezzo. L'occasione fu la morte del padre Gregorio, che era spirato nel 1444 e che sarebbe rappresentato come donatore nello scomparto destro , per cui la pala viene in genere datata a un periodo di poco posteriore, intorno al 1445. Alcuni arrivano a datarla però anche fino al 1460. tavola rimase ad Arezzo fino alle soppressioni leopoldine del 1785, quando venne divisa il tre scomparti e fu acquistata da privati. In seguito fu messa in vendita e comprata da papa Gregorio XVI.

Prompt: In Marsuppini Coronation, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Caccia al leone

John H. Patterson,  Spiriti nelle tenebre –  Luni Editrice,  Milano  ISBN 978-88-7984-669-1

Prompt: Focus on The Lion Hunt (Delacroix) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Explain the Other cultures and deities about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Describe the characteristics of the Location of the Last Supper in Last Supper (Rosselli)'s Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Secondo l'esegesi ebraica, Isacco aveva 37 anni al momento del sacrificio. Con questo espediente i midrashim spiegano che:# Isacco, quando capì che stava venendo sacrificato, pensò a quanto avrebbe giovato e non reagì.# Isacco, pur essendo forte e vigoroso preferì non reagire al padre per rispetto.Secondo i midrashim quando gli Angeli fermarono Abramo, Isacco aveva già un taglio sulla gola. Isacco fu portato a Gan Eden per guarire ma dovette aspettare molto per la completa guarigione.Alcuni esegeti affermano che la vita di Isacco fu “silenziosa” a causa del trauma per il sacrificio, ma altri hanno cercato altre ragioni tra le più varie.

Prompt: Focus on Sacrifice of Isaac (Caravaggio) and explain the Esegesiebraica.Please output in Italian.


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Allegoria coniugale

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Allegory of Marriage.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman aveva ora la principale responsabilità della condotta militare per l'intero Kentucky, uno Stato di confine in cui le truppe confederate detenevano il controllo sia di Columbus che di Bowling Green ed erano inoltre presenti anche vicino a Cumberland Gap nel confinante Tennessee.Fu colto improvvisamente da una profonda spossatezza, la tensione accumulata lo portò ad essere eccessivamente pessimista sulle prospettive del suo comando e si lamentò spesso con il Governo federale per la scarsità di uomini ed equipaggiamento, tanto da arrivare a fornire stime esagerate della forza dei ribelli.Cominciarono ad apparire anche rapporti della carta stampata assai critici nei suoi confronti, subito dopo una visita da parte del Segretario alla guerra Simon Cameron effettuata ad ottobre; all'inizio di novembre insistette fino allo stremo delle forze affinché fosse sollevato dall'incarico.Fu prontamente sostituito da Don Carlos Buell e quindi trasferito a Saint Louis. A dicembre, oramai immerso in un vero e proprio disturbo depressivo fu messo in congedo dal generale Henry Halleck, comandante del nuovo Dipartimento del Missouri, che lo considerava inadatto al compimento del dovere affidatogli. Se ne andò così a ncaster nell'Ohio per cercare di recuperare le forze e riprendersi moralmente.Mentre in questo lasso di tempo si trovava a casa, la moglie Ellen scrisse al fratello di lui, il senatore J. Sherman, chiedendo consigli sul da farsi; la donna si lamentò veementemente di "quell'insana malinconia alla quale i membri della vostra famiglia sono soggetti". Sherman in seguito scrisse che le preoccupazioni del comando "mi avevano spezzato i nervi", ed ammise di aver contemplato anche l'idea del suicidio. I suoi problemi risultarono ancor più aggravati quando il Cincinnati Commercial lo descrisse come "affetto da follia".Verso la metà di dicembre si era ristabilito a sufficienza dall'esaurimento nervoso per tornare in servizio. Nel marzo 1862 il comando di Halleck fu ridisegnato nella Divisione militare del Mississippi e ingrandito per unificare il quartier generale dell'intero Teatro Occidentale della guerra. I primi incarichi di Sherman dopo il suo ritorno riguardavano compiti di supporto nelle retrovie, inizialmente la gestione di un campo di addestramento nelle immediate vicinanze di Saint Louis e poco dopo al comando del Distretto di Cairo.Ad un certo punto Halleck suggerì al comandante generale dell'esercito statunitense George McClellan che a Sherman potesse venire affidato il comando di una spedizione sul fiume Cumberland , ma l'allora nuovo segretario alla guerra Edwin McMasters Stanton obiettò dicendo a Lincoln che qualsiasi "spedizione... si rivelerà disastrosa sotto la guida del generale Sherman".Operando dalla propria base situata a Paducah, nel Kentucky, fornì il supporto logistico per le operazioni di Grant volte a scatenare l'offensiva nella battaglia di Fort Donelson. Grant, il precedente comandante del Distretto di Cairo, aveva da poco ottenuto un pieno successo nell'importante battaglia di Fort Henry  e a seguito di ciò gli era stato conferito il comando dell'Armata del Tennessee.Sebbene Sherman fosse tecnicamente l'ufficiale superiore in quel momento, scrisse al vincitore: "mi sento ansioso nei tuoi riguardi, perché so che i confederati hanno concentrato le loro forze attraversando il fiume Tennessee, ma nonostante questo nutro fiducia in te: comandami in qualsiasi modo tu lo ritenga più opportuno".

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Antidepressants and the Service  civil  war.Please output in Italian.

1862
Armata del Tennessee
Dipartimento del Missouri
Divisione militare del Mississippi
Don Carlos Buell
Edwin McMasters Stanton
Fort Donelson
Henry Halleck
Kentucky


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Whistlejacket

Il purosangue Whistlejacket è ritratto a grandezza naturale mentre si impenna sulle zampe posteriori, su uno sfondo monocromo che ne esalta il rilievo plastico. Nei dipinti di Stubbs, infatti, gli animali sono generalmente inseriti in un contesto naturale o domestico in grado di dargli sempre una giustificazione logica: al contrario, in quest'opera il cavallo si staglia su un fondo monocromo che enfatizza la sua bellezza e gli conferisce una sensazione di solenne monumentalità.I particolari anatomici sono resi con grande cura, attraverso uno studio preciso del corpo equino, che Stubbs arrivò a padroneggiare dopo anni di pratica. Whistlejacket, in particolare, presenta un capo affusolato e relativamente piccolo, orecchie minute e curve, un corpo possente e il collo arcuato: il manto è sauro e nitido, e le narici sono grandi e vibranti, a tal punto che sembrano persino accennare un nitrito. Stubbs, insomma, descrive il cavallo con una grandissima precisione anatomica, definendone persino la muscolatura sicura e le vene che sporgono sotto alla sua epidermide. L'occhio lucido eccitato, l'assenza di qualsiasi bardatura , suggeriscono lo stato selvaggio del cavallo o comunque la condizione di animale brado, appena addomesticato. Una sorta di furore pervade l'animale, che simboleggia il «sublime» in natura, effimeramente dominabile dall'uomo.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Whistlejacket.Please output in Italian.


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Natività mistica

Natività mistica è un dipinto a tempera su tela  di Sandro Botticelli, datato 1501 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on The Mystical Nativity and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Fiumefreddo di Sicilia, nella città metropolitana di Catania, la prima domenica di Luglio si festeggia la Madonna delle Grazie.  festa ha luogo nella chiesa del quartiere Ponte Borea. Le celebrazioni incominciano il 2 luglio a cui segue un triduo di preparazione partecipato da tanti devoti.  domenica successiva al 2 luglio vengono celebrate due S. Messe; la prima alle 10 del mattino, l'altra alle ore 18:30.Dopo la statua lignea della Madonna esce dalla chiesa accolta da tantissimi devoti e ha inizio la processione, che si conclude con il rientro in chiesa intorno alle 21:30. Per l'occasione le strade del quartiere sono abbellite da luci e bandiere.

Prompt: Describe the characteristics of the Fiumefreddo di Sicilia Borea in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

2 luglio
Catania
Fiumefreddo di Sicilia
Luglio


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Polittico della Cervara

Il polittico era inizialmente costituito da sette scomparti poi smembrati, quattro dei quali custoditi alla Galleria di Palazzo Bianco di Genova.L'opera - commissionata a David il 7 settembre del 1506 dal nobile genovese Vincenzo Sauli, la cui famiglia era nota non solo per censo ma anche per l'alto profilo culturale e religioso - era destinata all'altare maggiore della chiesa abbaziale di San Girolamo della Cervara , a Santa Margherita Ligure. A definirne la data è una fonte seicentesca; che il committente fosse Vincenzo Sauli è indicato anche dall'iscrizione che correva un tempo in basso ai piedi della Madonna nella pala centrale.Realizzato a Bruges , dipinto su tavole di rovere fiamminga, il polittico fu installato sull'altare intorno alla fine dell'anno successivo alla commissione, nel 1507.È considerato uno dei più grandiosi documenti della pittura fiamminga in Italia tra Quattrocento e Cinquecento.Quando nel 1797, anno della soppressione del complesso ordinata dalla Repubblica Ligure, il monastero benedettino  venne requisito, il polittico fu smembrato e le sue parti trasferite altrove. Le tavole di esso passano dapprima a Palazzo Ducale, al tempo sede della prefettura, in maniera oscura e avventurosa, forse dopo essere state nascoste nell'intercapedine di un pavimento. Quattro tavole rimasero a Genova.Quelle passate alla raccolta Civica del Comune di Genova  vennero ritrovate nel 1805 al Ducale. A circa vent'anni dal ritrovamento, nel 1830, il pittore Francesco Baratta ne curò il trasferimento al Palazzo Tursi quando questo divenne sede di quello che è ancora oggi l'attuale Municipio; qui il rimanente di questa pala rimase nell'ufficio del Sindaco. Da lì al vicino Palazzo Bianco, che dopo la donazione di esso al Municipio da parte della Duchessa di Galliera, ospita le raccolte Civiche, la strada fu breve.Le altre tre parti del polittico presero strade diverse, per essere infine esposte al Metropolitan Museum di New York e al Museo del Louvre di Parigi. ll Padre Eterno era finito al Louvre per compravendita, in epoca napoleonica, poco dopo la soppressione del monastero e lo smembramento del polittico; nel suo stesso lotto di opere di chiese genovesi esportate in periodo napoleonico al museo parigino erano tra le altre la pala di Joos van Cleve già in Santa Maria della Pace e l'<nowiki/>Annunciazione del Braccesco. Dopo diversi secoli il polittico è stato ricostituito nella sua integrità originale e messo in mostra nell'autunno 2005 alla Galleria di Palazzo Bianco che ha potuto recuperare - sia pure per un arco di tempo di soli tre mesi - le tre tavole che completano l'opera: le due riguardanti lAngelo Annunciante e la Madonna Annunciata provenienti dal Metropolitan Museum nonché la terza, raffigurante Dio Padre benedicente, appartenente al Louvre.

Prompt: How does Cervara Altarpiece explain its History?Please output in Italian.

1506
1507
1805
1830
2005
Bruges
Francesco Baratta
Palazzo Bianco
Genova
Italia
Joos van Cleve
Museo del Louvre
Palazzo Bianco
Parigi
Repubblica Ligure
Santa Margherita Ligure
Sauli


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Adorazione dei pastori Allendale

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (Giorgione) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Das Flötenkonzert Friedrich des Großen in Sanssouci

Prompt: In Frederick the Great Playing the Flute at Sanssouci, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Pala di Fiesole

Si tratta di una Maestà, cioè una Madonna in trono allora molto in voga nell'arte fiorentina. Attorno al gruppo sacro centrale si trovano otto angeli adoranti disposti a emiciclo, di dimensioni gerarchicamente più piccole. Ai lati si trovano i santi Tommaso d'Aquino, Barnaba, Domenico e Pietro Martire. Si tratta di tre santi dell'Ordine domenicano e del patrono di Barnaba degli Agli, il generoso patrono che donò seimila fiorini ai Domenicani osservanti per ricostruire ed ampliare il convento di San Domenico di Fiesole. I due santi centrali sono leggermente rivolti verso la Vergine.Il Bambino nudo è raffigurato nell'atto di sporgere la mano verso due fiori che la madre tiene in mano: una rosa bianca, simbolo di purezza, e una rosa rossa, prefigurazione della Passione legata all'eucaristia .

Prompt: Focus on Fiesole Altarpiece and explain the Description.Please output in Italian.


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Annunciazione di Ascoli

LAnnunciazione di Ascoli, o Annunciazione con sant'Emidio, è un dipinto a tempera e oro su tavola trasportato su tela  di Carlo Crivelli, datato al 1486 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato .Si tratta di una delle opere più celebri dell'artista, in cui il connubio tra razionalità prospettica rinascimentale e decorativismo gotico raggiunge il suo massimo culmine, facendone uno dei capolavori più significativi del Rinascimento nelle Marche.

Prompt: How does The Annunciation, with Saint Emidius explain its Abstract?Please output in Italian.

1486
Annunciazione
Carlo Crivelli
Londra


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Veduta del villaggio

Il quadro, eseguito nel 1868, fu sorprendentemente accettato nel Salon dell'anno successivo, nonostante il tristemente noto ostracismo della giuria. Qui riscosse il plauso generale.  pittrice Berthe Morisot, ad esempio, annotò:L'opera, dunque, piacque proprio perché riuscì a conciliare brillantemente la ritrattistica con le esigenze della pittura en plein air. Nella recensione di Duranty leggiamo: «Dalle regioni del Sud, ogni primavera, torna Monsieur Bazille con quadri estivi […] pieni di verde, di sole e dalla struttura semplice». Altrettanto entusiastiche erano le parole del critico Zacharie Astruc, il quale riconobbe il ruolo primario svolto da Bazille nella conquista della «pienezza straordinaria della luce, [del]l'impressione particolare del plein air, [del]la potenza del giorno». Oggi l'opera è esposta al musée Fabre di Montpellier, città che ha dato i natali al pittore.

Prompt: How does View of the Village explain its History?Please output in Italian.

Berthe Morisot
Montpellier
Zacharie Astruc


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Tre bellezze del nostro tempo

stampa venne pubblicata da Tsutaya Jūzaburō nel quarto o quinto anno dell'era Kensei :Fumito Kondō considerò l'opera rivoluzionaria; volti così espressivi, individualizzati non si coglievano nelle figure dipinte dai predecessori di Utamaro  ed era di fatto la prima volta nella storia del genere ukiyo-e che le bellezze non erano tratte dai quartieri del piacere, bensì dagli+ strati più bassi della società. composizione triangolare delle tre figure divenne alquanto popolare, specialmente nelle stampe degli anni 1790: lo stesso Utamaro realizzò altre redazioni della stessa stampa, con delle piccole modifiche fra l'una e l'altra: in Tre bellezze Hisa regge una tazzina da tè piuttosto che un asciugamano, mentre Kita sostiene il proprio ventaglio con entrambe le mani. Secondo Eiji Yoshida, tuttavia, le figure di quest'ultima opera non sono caratterizzate da quel carisma che invece rendevano le Tre bellezze del nostro tempo così uniche. Altra rielaborazione dell'opera ci è data da Tre bellezze reggono buste di dolci, pubblicata da Yamaguchiya: le fanciulle sono sempre nelle stesse pose, ma stavolta in mano hanno  delle buste contenenti pasticcini. A testimonianza del riconoscimento della vasta e favorevole ricezione dell'opera, le tre modelle hanno spesso posato anche per altri artisti, e lo stesso Utamaro continuò a ritrarre le proprie muse, sia in coppia che individualmente.

Prompt: How does Three Beauties of the Present Day explain its Publication heritage?Please output in Italian.


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Bagnanti ad Asnières

Bagnanti ad Asnières  è un dipinto del pittore francese Georges Seurat, realizzato nel 1884 e conservato alla National Gallery di Londra.

Prompt: How does Bathers at Asnières explain its Abstract?Please output in Italian.


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Leone che attacca un dromedario

leonessa con una pistola lunga accanto al petto.Il diorama tassidermico si presenta allo spettatore come un attimo congelato nel tempo che potrebbe rianimarsi in qualunque momento. L'opera raffigura una scena violenta fittizia, nella quale un messaggero nordafricano su un dromedario sta lottando per la sua vita. Il dromedario urla di dolore mentre un leone berbero cerca di arrampicarsi su di esso per raggiungere il messaggero, il quale sta provando a pugnalare il leone con il suo coltello. Di fronte al dromedario, si trova il cadavere di una leonessa, morta per un colpo di pistola sparato dal messaggero .  figura maschile, definita un arabo dal Verreaux, è in realtà una fusione tra cinque culture diverse del Nordafrica e si basa su come Verreaux si immaginava un arabo.

Prompt: In Lion Attacking a Dromedary, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Focus on Annunciation (van Eyck, Washington) and explain the Abstract.Please output in Italian.