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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1834 si trovano riferimenti a un «nobile e coltissimo nostro concittadino» milanese che intendeva realizzare a proprie spese un monumento in bronzo a Leonardo. L'anonimo aveva anche ottenuto l'autorizzazione del governo austriaco per posizionare il monumento nel cortile di Brera, decorando l'accesso al doppio scalone. All'epoca per lo scalone richiniano erano in preparazione anche i monumenti a Cesare Beccaria e a Giuseppe Parini..</ref>}} base in granito avrebbe dovuto essere di circa 2 metri con figure in bronzo alte circa 3 metri, raffigurando la personificazione dell'Immortalità nell'atto del porgere una corona d'alloro a Leonardo, intento in profonde meditazioni sui propri libri. Un bassorilievo sulla base avrebbe riprodotto l'Ultima Cena. Questo progetto non fu però completato.

Prompt: Explain the First project about the Criticisms of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Shepherds (Crivelli).Please output in Italian.


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Velo della Veronica

cattedrale di Jaén nella Spagna meridionale ha una copia della Veronica che probabilmente risale al XIV secolo e ha origine a Siena. È conservata in una teca accanto all'altar maggiore ed è messa in mostra annualmente il venerdì Santo e nella Festa dell'Assunzione.È nota come il Santo Rostro e fu acquistata dal vescovo Nicola de Biedma nel XIV secolo..

Prompt: Describe the characteristics of the Cathedral of Jaén, Jaén, Spain in Head of Christ (Correggio)'s TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica.Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Cartone di sant'Anna

Il Cartone di sant'Anna  è un disegno a gessetto nero, biacca e sfumino su carta  di Leonardo da Vinci, databile al 1501-1505 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does The Virgin and Child with Saint Anne and Saint John the Baptist explain its Abstract?Please output in Italian.


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amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Judaism and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Tre età dell'uomo

Il soggetto del dipinto è tutt'altro che chiaro. Il titolo con cui oggi è più noto è appunto Tre età dell'uomo, ma altre ipotesi di individuazione del soggetto hanno parlato di una Lezione di canto o dellEducazione del giovane Marco Aurelio. Interessante è la metafora della lezione per evidenziare l'educazione del giovane in cui lo studio della musica corrisponde alla ricerca di un'armonia universale. Invece la rilevanza del personaggio più vecchio, unico ad interloquire con l'osservatore, rende possibile ipotizzare che si tratti di una rappresentazione del Memento senescere, un esperimento di allegoria elusiva che poi diverrà comune nell'opera del pittore. Il giovane sulla destra viene identificato da alcuni studiosi con il ritratto del musicista Philippe Verdelot.Nella scena sono presenti tre personaggi, di età differenti, su fondo scuro: il giovane al centro legge attentamente un foglio su cui sono accennati due righi di un pentagramma, l'adulto alla sua sinistra indica lo stesso spartito, o forse scandisce il ritmo, ed un vecchio dal volto segnato da rughe e cicatrici rivolge lo sguardo verso l'osservatore esterno. Presumibilmente si tratta dello stesso uomo, rappresentato in tre momenti della sua vita.Il fondo scuro fa risaltare l'incisiva scelta cromatica applicata ai personaggi; le vesti e gli incarnati emergono dallo sfondo gradualmente, con il procedimento dello "sfumato" tipicamente Leonardesco.L'elemento allegorico trainante, spesso presente nei quadri di Giorgione, è in questo caso la musica, espressione dell'animo stesso dell'uomo e dell'armonia che lega l'esistenza.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Three Ages of Man (Giorgione).Please output in Italian.

Giorgione
Marco Aurelio
Philippe Verdelot


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Natura morta

Stefano Zuffi, Lucia Impelluso, Matilde Battistini.  Natura Morta,  storia, gli sviluppi internazionali, i capolavori. Giorgio Vasari. Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architetti. Alberto Veca Natura morta collana Art dossier Giunti editrice

Prompt: In Still Life (Claesz), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in the prayer in Annunciation (Artemisia Gentileschi)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Detroit), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Il lancio della rete

Il soggetto del dipinto è André Utter, amico del figlio, amante e infine marito della Valadon. Utter è dipinto in tre posizioni diverse mentre getta la rete da pesca.  postura dei pescatori mette in risalto il loro fisico atletico e ricorda quella de  danza di Henri Matisse; lo sfondo fluviale e montagnoso ricorda invece l'opera di Paul Cézanne per toni e stile.Il dipinto è l'ultimo nudo maschile dipinto dalla Valadon. Le sue opere successive avrebbero favorito modelle femminili e bambini come soggetti. Diversi critici d'arte hanno descritto l'opera come un simbolo dell'emancipazione femminile dato che un'artista donna ritrae un uomo nudo come oggetto di desiderio, invertendo così il concetto di sguardo maschile.

Prompt: Focus on Casting the Net and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Terme Vigliatore, nella città metropolitana di Messina, la patrona Santa Maria delle Grazie viene festeggiata il 15 settembre di ogni anno con liturgie ecclesiali e con la solenne processione cui partecipano moltissimi fedeli devoti. festa patronale ha luogo nell'antica chiesa dei Benedettini e nel parco omonimo. Durante la solenne processione per le vie del paese, la statua raffigurante Santa Maria delle Grazie sosta per qualche minuto davanti alla chiesa a lei dedicata in via del Mare.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Terme Vigliatore and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

František Bass , Petr Ginz , Hanuš Hachenburg , Honza Treichlinger  sono i più famosi tra i piccoli artisti, scrittori e poeti di Terezín. Muoiono tutti nelle camere a gas di Auschwitz. Gennaro Capuozzo , Franco Cesana , Luciano Domenico , Ugo Forno  e Filippo Illuminato  sono i più giovani partigiani italiani ad essere caduti in combattimento. Ad essi si aggiungono: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli , vittime dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine; Franco Centro , Beniamino Cobianchi  e Roberto Di Ferro , fucilati; e Franco Cetrelli , morto a Mauthausen. Sergio De Simone . Deportato a Auschwitz fu selezionato insieme ad altri 19 bambini di varia nazionalità per esperimenti medici sulla tubercolosi e quindi ucciso nei sotterranei della scuola amburghese di Bullenhuser Damm. Lea Deutsch . Attrice bambina ebrea croata. Muore durante il trasporto a Auschwitz. Anna Frank . Uno dei nomi e dei volti più noti dell'Olocausto. Autrice di un celeberrimo diario pubblicato nell'immediato dopoguerra e tradotto in numerose lingue. Deportata a Auschwitz. Morta nel campo di concentramento di Bergen-Belsen. Czesława Kwoka . Ragazzina polacca deportata ad Auschwitz in conseguenza dei programmi di pulizia etnica della regione di Zamosc. Tre celebri foto di Wilhelm Brasse  la ritraggono al suo arrivo al campo il 13 dicembre 1942. Muore di stenti ad Auschwitz il 12 marzo 1943. Ernst Lossa . Ragazzo Jenish, vittima dei programmi di eutanasia nazista. Dawid Rubinowicz . Autore di un celebre diario. Morto nel campo di sterminio di Treblinka. Settela Steinbach . Ragazzina olandese di etnia sinti, divenuta simbolo del genocidio dei gitani. Morta ad Auschwitz. Jerzy Feliks Urman . Autore di un diario dal ghetto di Stanisławów. Morto suicida per sfuggire alla cattura. Henio Zytomirski . Bambino ebreo polacco morto a Majdanek e divenuto simbolo dello sterminio dei bambini in Polonia.

Prompt: Explain the Victims about the Victims survivors of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Anna Frank
Beniamino Cobianchi
Czesława Kwoka
Dawid Rubinowicz
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Ernst Lossa
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
František Bass
Gennaro Capuozzo
Hanuš Hachenburg
Henio Zytomirski
Honza Treichlinger
Jerzy Feliks Urman
Lea Deutsch
Luciano Domenico
Michele Di Veroli
Olocausto


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Gyoshū Hayami

L’opera più conosciuta di Gyoshū, Danza di fiamme, nel 1979 fu selezionata come soggetto di un francobollo commemorativo nella serie “Arte moderna”; nel 1994 il ritratto di Gyoshu è stato rappresentato in un francobollo postale della serie “Protagonisti culturali” delle poste giapponesi.

Prompt: How does Gyoshū Hayami explain its Philately?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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I littori riportano a Bruto i corpi dei suoi figli

I cadaveri dei figli di Lucio Giunio Bruto sono retti su delle lettighe dai littori , e condotti al cospetto del padre, che li accoglie con impassibilità.Commissionato da Luigi XVI, costituisce un altro esempio di dipinto che esprime il patriottismo dell'opera davidiana, un attaccamento alla nazione così veemente da trascendere i legami familiari, tanto che Bruto ostenta totale indifferenza alla restituzione dei corpi dei figli morti, accusati di cospirare contro Roma per il ritorno dei Tarquini e per questo giustiziati.Tuttavia, il taciuto amore paterno, doverosamente occultato da Bruto, è svelato dalla posizione di tensione dei piedi della sua figura.David divide le sfere emotive, attribuendo all'universo maschile i valori di etica e il sentimento di impassibilità, e a quello femminile il dolore e il pathos.

Prompt: Focus on The Lictors Bring to Brutus the Bodies of His Sons and explain the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Rembrandt's self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Pala di Brera

tavola è composta da ben nove assi lignee affiancate in orizzontale e tenute insieme da bacchette saldate negli scassi rinforzate da anelli metallici, secondo uno schema di carpenteria che era in uso a Urbino, utilizzato ad esempio anche nella Pala del Corpus Domini di Giusto di Gand o nel ciclo degli Uomini Illustri per lo Studiolo.L'imprimitura chiara, stesa prima del disegno e del colore, appare, secondo una tecnica appresa dai fiamminghi, in sottili porzioni lungo i perimetri delle forme, lasciati liberi dalle velature pittoriche, con l'effetto di creare una luminosità vibrante che accentua la tridimensionalità.I colori usati non sono moltissimi, ma gli effetti cromatici sono moltiplicati dall'uso di diversi leganti, a seconda delle superfici. Se nello sfondo architettonico viene usata la tempera all'uovo, gli incarnati sono resi con un'emulsione di uovo e olio, mentre alcuni dettagli, come gli abiti, presentano una serie di velature a olio stese sopra una base a tempera, o viceversa. Il variare delle superfici e i diversi tipi di brillantezza vengono così resi in maniera eccellente.Non è chiaro perché le mani del duca vennero ridipinte: forse il committente ne era insoddisfatto, desiderando un effetto più veristico, oppure si era reso necessario di aggiungere l'anello vedovile al dito, necessitando una nuova predisposizione dell'intero dettaglio. Durante tali interventi venne anche probabilmente soppresso il gioiello profano sul capo della Vergine, come hanno rivelato le radiografie, poiché giudicato sconveniente.

Prompt: Focus on Brera Madonna and explain the Technique.Please output in Italian.

Giusto di Gand
Pala del Corpus Domini
Urbino


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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La Bella

Su uno sfondo scuro, una giovane fanciulla è ritratta a tre quarti di figura, in posizione eretta, col busto ruotato verso sinistra e lo sguardo magnetico, dagli occhi scuri, rivolto allo spettatore. Indossa un abito elegante e costoso, fatto di velluto blu scuro con ricami dorati. È scollato, con una trina bianca di cotone o seta, ed ha ampie maniche a sbuffo all'altezza della spalla, e più aderenti, di colore amaranto, sul braccio, legate con nastri che fanno uscire buffetti della camicia bianca sottostante e, molto probabilmente, intercambiabili. Una catena d'oro le pende al collo e indossa orecchini di perla. Con la mano sinistra sembra indicare qualcosa in basso, mentre con la destra tiene la cintura fatta di un cordone dorato con nappa. L'acconciatura è raccolta e molto elaborata.Nella diversa resa dei materiali l'artista poté disporre di tutta la sua perizia tecnica, capace di variare la pennellata, ora più ruvida ora più levigata, in modo da ottenere i più vari effetti di rifrazione luminosa. L'incarnato della giovane è roseo, e i tratti del viso, ben ovali, sono di una bellezza ideale, ma anche realistica. testa presenta analogie con tre dipinti erotici di Tiziano dello stesso periodo , Ragazza con cappello di piume e Venere di Urbino.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, La Bella.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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La famiglia Bellelli

Una volta compiuti ventidue anni il giovane artista Edgar Degas scelse di coronare la dura attività di studio compiuta in Francia con un viaggio di formazione in Italia. A Firenze Degas fu ospite dalla zia paterna, unita in matrimonio con il barone Gennaro Bellelli. Già dal 1858 il pittore stava meditando sulla composizione di un quadro da realizzare per omaggiare la generosità dei Bellelli. Lo sappiamo grazie alla fitta corrispondenza epistolare che Auguste De Gas intrattiene con il figlio, cui confidò:</ref>}} documentazione pervenutaci non rivela se il dipinto cui si riferisce papà Auguste si tratti effettivamente de  famiglia Bellelli o, piuttosto, di un suo studio, o magari di una sua versione allo stato embrionale. Comunque sia, Degas prese molto sul serio il consiglio del padre e continuò a lavorare al dipinto anche una volta ritornato a Parigi, dove eseguì copiosamente disegni, bozzetti e «studi di effetti di valori e di toni decorativi». Del lavoro preparatorio relativo al dipinto, in effetti, ci sono rimaste numerose tracce: molte di queste, in particolare, presentano uno sviluppo verticale, e lasciano intendere che in origine Degas avrebbe voluto ritrarre esclusivamente la zia con le due figlie, tralasciando dunque Gennaro, che detestava per via del cattivo carattere che egli esternava con gli amici e i conoscenti . Significativi, inoltre, il bozzetto a pastello dell'intera composizione e i diversi abbozzi su fogli sciolti che Degas ci ha lasciato, di cui si segnala uno schizzo che coglie squisitamente l'atteggiamento dinamico ma annoiato della piccola Giulia.Quest'elaborazione lunghissima, durata ben nove anni, si concluse in ogni caso nel 1867. L'eco del dipinto fu molto vasta e giunse anche oltralpe, dove ricevette gli entusiastici apprezzamenti di Cristiano Banti, che già nel 1858 aveva «veduto il famoso impressionista a Firenze [mentre] stava dipingendo un quadro di due o tre figure. Rammento non troppo bene, come in un sogno, una donna con bambino, e non so che altro; rammento dei bianchi, un non so che di abbigliamenti bianchi che mi assomigliava un poco al Vandich [sic]». Banti, in effetti, fu molto colpito dall'opera, che nonostante si riferisse a modelli colti proponeva comunque modelli presi dal «vero», in pieno accordo con le teorie macchiaiole che si andavano irradiando in quegli anni dal Caffè Michelangiolo. Preziosa è il commento che Degas lasciò nei suoi taccuini in merito ai modelli:A ben vedere, Banti ebbe ragione in merito alla compenetrazione tra antico e moderno presente nel quadro, dove emerge chiaramente l'influenza esercitata dal maestro fiammingo. Trasparenti, in ogni caso, anche i riferimenti a Giorgione, Botticelli e alla pittura olandese del Seicento; numerosi critici hanno individuato persino referenze in Rembrandt, Daumier, Ingres, Velázquez , Goya  e Courbet . Degas, dunque, ammette di riferirsi agli antichi maestri, e «si diverte a giocare con tutto quello che la vecchia Accademia può ancora offrire, sfidandola però insieme dall'interno con soluzioni nuove e sostituendo agli eroi del passato personaggi contemporanei, ben sintetizzati nelle loro carni e nei loro costumi» .

Prompt: How does The Bellelli Family explain its History?Please output in Italian.

1858
1867
Caffè Michelangiolo
Cristiano Banti
Edgar Degas
Gennaro Bellelli
Parigi


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Sei gentiluomini

Sei gentiluomini contraddistingue la genesi dello stile personale di Ni Zan.

Prompt: In Six Gentlemen (painting), how is the Surgery-like discussed?Please output in Italian.


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Baia di Weymouth: Bowleaze Cove e Jordon Hill

Questo dipinto ad olio di John Constable non è il primo che raffigura quest'area della Gran Bretagna.Constable si era recato nel mese di ottobre del 1816 a Osmington, villaggio del Dorset vicino a Weymouth, in luna di miele, invitato dal suo amico John Fisher, che più tardi divenne vescovo di Salisbury e l'idea per questo dipinto potrebbe risalire a quel soggiorno.In questo paesaggio della baia di Weymouth sono visibili la spiaggia nota come Bowleaze Cove il fiume Jordan, che scorre fra la sabbia prima di sfociare nel mare, la Jordon hill e le scogliere note come Furzy Cliff.Il cielo è carico di nuvole tempestose che si rispecchiano nel mare molto increspato;John Constable dà l'idea che la natura sopraffaccia la presenza umana, con solo un uomo con un gregge di pecore che camminano lungo il litorale.Di questa opera ci sono tre versioni: una al Louvre, una alla National Gallery ed una al Victoria and Albert MuseumConstable dipinge un paesaggio desolato e selvaggio più che mai. In precedenza si era concentrato sulla pittura del campo, ma in queste opere intitolate "Weymouth Bay"dipinge il mare; sono una novità assoluta.Questo è un paesaggio volgare, non particolarmente bello. Ma spicca soprattutto per le strane condizioni atmosferiche con l'ampio cielo carico di nuvole e la luce diffusa che bagna il panorama.Qui Constable stesso si è qualificato come pittore della storia naturale dei cieli, sottolineando così il suo modo di affrontare il soggetto attraverso l'arte, il sentimento e la sincerità.

Prompt: In Weymouth Bay: Bowleaze Cove and Jordon Hill, how is the Description discussed?Please output in Italian.

1816
Bowleaze Cove
Dorset
Furzy Cliff
Gran Bretagna
John Constable
John Fisher
Jordon hill
Osmington
Salisbury
Victoria and Albert Museum


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Ritratto di Luca Pacioli

Luca PacioliDodecaedroJacopo de' BarbariLeonardo da VinciGaleazzo SanseverinoLudovico il Moro

Prompt: In Portrait of Luca Pacioli, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Dodecaedro
Galeazzo Sanseverino
Jacopo de' Barbari
Leonardo da Vinci
Luca Pacioli
Ludovico il Moro


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Explain the Crucifixion Roman Emperor about the Description of this artwork, Crucifixion with Pietà (Lotto).Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Describe the characteristics of the Historicity theological significance in Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid)'s Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Madonna Diotallevi

Madonna Diotallevi è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile verso il 1504 e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Diotallevi Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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La sepoltura del conte di Orgaz

In un perfetto equilibrio tra cielo e terra, vengono raffigurati, in forma molto allegorica, i funerali di Gonzalo Ruiz de Toledo , notario mayor di Castiglia, mayordomo mayor di Ferdinando IV di Castiglia, precettore di Alfonso XI di Castiglia. Il dignitario, noto per la sua grande devozione religiosa e benefattore della parrocchia di San Tommaso, nella quale promosse nel 1300 la riedificazione della chiesa di San Tommaso, è raffigurato con Santo Stefano e Sant'Agostino, mentre il vescovo all'estrema destra sfoglia il Libro dei Morti per impartirgli l'estrema unzione ed il diacono ha lo sguardo rivolto al cielo. Dietro di essi sono gli astanti, quasi tutti anch'essi cavalieri , o frati; il personaggio al centro che ha lo sguardo rivolto allo spettatore sarebbe lo stesso El Greco, mentre il ragazzino a sinistra vestito di nero ed indicante la scena sarebbe il di lui figlio . Sono gli unici a volgere lo sguardo di fronte.Un angelo al centro della tela, invece, trasporta l'anima del Conte al cielo, che è interamente occupato dal Paradiso: Cristo è seduto in trono, e davanti a lui sono la Madonna e San Giovanni Battista; in secondo piano a sinistra è San Pietro  e vari altri Santi ; sulla destra, alcune anime beate, tra le quali si riconosce quella di Filippo II benché questi fosse ancora in vita all'epoca dell'esecuzione del dipinto. L'opera è firmata in caratteri greci minuscoli: “Doménikos Theotokópolis [sic] Epoíei”.

Prompt: In The Burial of the Count of Orgaz, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Alfonso XI di Castiglia
Cristo
El Greco
Ferdinando IV di Castiglia
Paradiso
Giovanni Battista
Toledo


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Rembrandt's self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

Giovanni Evangelista è rappresentato abbastanza semplicemente, mentre avvolto da un manto rosato sta seduto con il libro sulle ginocchia ed annota le rivelazioni che gli fa un cherubino su una rupe , indicando in cielo la Vergine col Bambino, apparsa nel disco solare tra le nubi, seduto sulla mezzaluna. In terra si vedono il calamaio del santo, vicino a un falco che sembra vigilarlo, mentre un essere dal corpo di grillo, con la testa umana occhialuta, corpo panciuto, ali di cicala e coda da salamandra, sembra pronto a rubarlo con un rastrello.Il calmo paesaggio sullo sfondo è in realtà punteggiato da eventi tragici, come il naufragio di una nave in fiamme.  città sullo sfondo, con un'alta torre di cattedrale e un voluminoso edificio cilindrico, è forse Nimega. L'esile albero sulla destra conduce l'occhio dello spettatore verso lo sfondo, stagliandosi contro il cielo azzurrino.

Prompt: Explain the Front. about the History of this artwork, St. John the Evangelist on Patmos.Please output in Italian.


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L'età matura

L'età matura  è una delle sculture più importanti dell'artista francese Camille Claudel. Esistono una versione in gesso e almeno due versioni in bronzo, esposte rispettivamente al museo d'Orsay e al museo Rodin.

Prompt: In The Mature Age, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio è un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1501 circa e conservato nel Museo nazionale d'arte antica di Lisbona.

Prompt: Focus on Triptych of the Temptation of St. Anthony and explain the Abstract.Please output in Italian.

1501
Hieronymus Bosch
Lisbona
Museo nazionale d'arte antica


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Ritratto di Alfonso I d'Este

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: In Portrait of Alfonso I d'Este, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

leftL'impressione suscitata dai massacri che hanno luogo nel dramma degli eventi bellici, e che vede scorrere il sangue di bambini, trova eco nelle rappresentazioni della Strage. pittura rinascimentale sviluppa ulteriormente la "attualizzazione" dell'evento e del messaggio che ne deriva.Domenico Ghirlandaio, sulle pareti di Santa Maria Novella in Firenze, affresca la scena della Strage ambientandola emblematicamente di fronte all'arco di trionfo di un imperatore romano, quasi a voler ricordare "di che lacrime grondi e di che sangue" la gloria dei potenti. scena del massacro è convulsa; le madri sono intente a fuggire di fronte alla carica dei soldati a cavallo, cercando di porre in salvo i loro bimbi. Una di esse, in primo piano, vestita di rosso, reagisce rabbiosa al sopruso subito abbrancandosi ai capelli di un soldato romano che le ha strappato la creatura.Giorgio Vasari, nelle sue Vite, inizia a descrivere l'affresco del Ghirlandaio definendo la scena come "una baruffa bellissima di femmine e di soldati e cavalli", analizzando poi in questi termini  il particolare di quella che potremmo oggi chiamare la "madre coraggio"::Èvvi ancora un soldato che ha tolto per forza un putto, e mentre correndo con quello se lo stringe in sul petto per amazzarlo, se li vede appiccata a' capegli la madre di quello con grandissima rabbia; e facendoli fare arco della schiena, fa che si conosca in loro tre effetti bellissimi: uno è la morte del putto che si vede crepare, l'altro l'impietà del soldato che per sentirsi tirare sì stranamente mostra l'affetto del vendicarsi di esso putto, il terzo è che la madre, nel veder la morte del figliuolo, con furia e dolore e sdegno cerca che quel traditore non parta senza vendetta: cosa veramente più da filosofo mirabile di giudizio che da pittore.Il pittore senese Matteo di Giovanni dipinse - assieme ad altre numerose varianti - la Strage degli innocenti oggi conservata al museo nazionale di Capodimonte a Napoli.  tavola venne probabilmente commissionata da Alfonso d'Aragona, duca di Calabria, per ricordare la strage eseguita dai Turchi ad Otranto nel luglio 1480.L'autore sceglie come ambientazione del massacro la sala delle udienze di un ricco palazzo rinascimentale, decorato da fregi che evocano battaglie di antichi eroi mitologici. Da un imponente trono marmoreo Erode, vestito come un ricco satrapo orientale, dà ordini ad un manipolo di soldati vestiti in differenti fogge strane perché eseguano prontamente il massacro. Colpisce nella caotica e drammatica concitazione dei gesti che popolano la scena, l'immagine di un vecchio con la barba bianca - simbolo della saggezza calpestata - che, accanto al trono di Erode, guarda accorato ed impotente il tiranno mentre dirige la sua codarda impresa.Un ancor più marcato intento "attualizzante" è quello che guida la rappresentazione della Strage nel quadro di Pieter Bruegel il Vecchio conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna. scena si svolge nel paesaggio invernale di un villaggio fiammingo, con gli aguzzini che giungono a cavallo e, come in un saccheggio, perlustrano le case ad una ad una. Difficile pensare che l'artista non avesse in mente gli orrori commessi contro la popolazione inerme da quei soldati, al comando del Duca d'Alba, che la cattolicissima maestà spagnola di Filippo II aveva scatenato contro la nobiltà calvinista che reclamava l'autonomia dei Paesi Bassi. Qualcuno, anzi, ha creduto di riconoscere nel barbuto comandante che appare nel quadro alla guida di uno squadrone di cavalieri, fieri nelle loro armature, il ritratto del terribile Duca.Il pathos insostenibile dei bimbi strappati dalla culla o dai loro giochi innocenti per essere massacrati, trova espressione anche in forme artistiche "dialettali" che spesso definiamo affrettatamente come arte "minore". È questo il caso delle statue in terracotta della XI cappella del Sacro Monte di Varallo realizzate nel 1588-89 da un poco noto "plasticatore": Giacomo Paracca di Valsolda detto "il Bargnola".Giovanni Testori ha dedicato a quest'opera un saggio di grande forza espressiva:  cappella della Strage. Basta leggere qualche brano per veder restituito al Paracca, oltre al suo indubbio talento di scultore, il sigillo di "artista maledetto"::Ma il coacervo di corpi, nel suo insieme da "teatro della crudeltà" [..] quel coacervo, dicevo, sembra giungerci da molto lontano, attraverso pesti, insanguinarsi nei lutti di guerre e invasioni, per passarci accanto e, ahinoi, preannunciarci chissà che stragi e orrori a venire.Poi ancora:: […] non possiamo negare come anche nel Paracca aggalli la rogna della perversità e del sadismo; anzi, per essere sinceri, in lui quella rogna più che aggallare si scatena e si fa orchestra...Si avverte in talune crude rappresentazioni della Strage il rischio di un compiacimento per il macabro, per i particolari da macelleria, come nei fotogrammi che oggi i "media" talvolta diffondono.Se – come dice Testori - nella Cappella di Varallo si ode un "coro atroce da stalla", in talune raffigurazioni manieriste della Strage – come in quella di Callisto Piazza nel polittico della Basilica Cattedrale della Vergine Assunta di Lodi - si sente il suono stucchevole di un troppo lezioso madrigale. Difficile dire quale dei due sia più insostenibile; se il primo per essere troppo vero, o il secondo per esser troppo edulcorato.Su un altro e diverso versante, quello del "manierismo fiammingo" rappresentato da Cornelis van Haarlem, autore della tela al Rijksmuseum di Amsterdam, si odono invece le urla bestiali dell'orgia, con gli osceni corpi nudi dei carnefici messi in primo piano e la poco edificante scena della vendetta delle madri su un sicario caduto.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance in Massacre of the Innocents (Reni)'s Historical  narrative.Please output in Italian.

1480
1588
Amsterdam
Callisto Piazza
Cornelis van Haarlem
Domenico Ghirlandaio
Firenze
Giacomo Paracca
Giorgio Vasari
Giovanni Testori
Kunsthistorisches Museum
Matteo di Giovanni
Napoli
Otranto
Pieter Bruegel il Vecchio
Rijksmuseum
Sacro Monte di Varallo
Strage
Valsolda
Vienna


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Il motivo che diede all'ex sindaco di Basilea, Jakob Meyer, l'opportunità di commissionare il grande dipinto della Madonna di Darmstadt  non ci è noto. Una delle motivazioni più plausibili è certamente la strenua fede cattolica di Meyer e la sua volontà di manifestarla. Al momento della creazione dell'opera, infatti, la Riforma protestante aveva prevalso a Basilea e Meyer era probabilmente inclinato a manifestare la sua opposizione al nuovo movimento religioso in città. Un'altra possibile ragione è che Meyer era stato in quel periodo accusato dal consiglio comunale della città, di fede calvinista, di essersi indebitamente appropriato di fondi pubblici; è di fronte a tale pericolo che Meyer avrebbe potuto voler ostentare la protezione di Maria o esprimere la sua gratitudine alla Madre di Dio per lo scampato pericolo di un'infamante accusa. L'anno di realizzazione si presume attorno al 1526/1528. forma della cornice insolita della pittura suggerisce il fatto che la pittura fosse inserita in un'architettura, come ad esempio la cappella del patrono presso il castello di Gundeldingen, alle porte di Basilea, ma non vi sono prove che il dipinto sia mai stato in quel luogo. Stephan Kemperdick presuppone che il dipinto sia stato concepito come parte di un monumento funebre della famiglia di Jakob Meyer all'interno di una chiesa di Basilea, forse la chiesa di San Martino. Questo dato sembra essere supportato dal fatto che effettivamente nella Martinskirche vennero sepolti dapprima la moglie di Jakob Meyer e poi sua figlia Anna e suo genero. Sembra quindi ragionevole ritenere che Meyer stesse progettando una tomba di famiglia in quel luogo. Questo dipinto fu tra quelli che scamparono all'iconoclastia voluta dalla Riforma protestante perché venne restituito ai proprietari dal delegato alla sicurezza cittadina Johannes Gerster nel 1528.Un gruppo di fotografie a raggi infrarossi e a raggi X del dipinto realizzate nel 1999 dal laboratorio del museo del castello di Darmstadt, hanno potuto dimostrare che solo la figura della Madonna col Bambino venne eseguita esattamente secondo quanto rilevato nel disegno preliminare. Su tutte le altre figure si sono trovate infatti correzioni della postura e del punto di vista, rifacimenti e migliorie. Queste indagini hanno inoltre dimostrato che i disegni del ritratti dei protagonisti della scena non vennero eseguiti prima dell'inizio dei lavori sul dipinto, come si pensava in precedenza, bensì in corso d'opera.

Prompt: Explain the Thecommission. about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Giudizio universale

Nell'escatologia dello zoroastrismo dopo la morte corporale, l'anima della persona attraversa un ponte  sul quale le sue buone azioni sono pesate con quelle cattive. Il risultato decide il destino dell'anima: Paradiso o Inferno, che tuttavia non sono eterni. Alla fine dei tempi una figura messianica, il Saoshyant, guiderà le forze del Bene alla vittoria e quindi alla redenzione del cosmo.Quando, alla fine dei giorni, il male sarà definitivamente sconfitto, una conflagrazione cosmica causata dal fuoco porterà ad una palingenesi universale. Anche le anime dei peccatori saranno purificate dal fuoco e riscattate dall'inferno. Tutte le anime, allora, si ricongiungeranno con i propri corpi per vivere in eterno, entro corpi incorruttibili, alla presenza di Ahura Mazdā.Nell'Induismo, Garuda Purana tratta diffusamente dei giudizi e delle punizioni dopo la morte.

Prompt: Describe the characteristics of the Other scatologies in The Last Judgment (Michelangelo)'s Other religions.Please output in Italian.

Ahura Mazdā
Garuda Purana
Induismo
Inferno
Paradiso


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Belle Ferronnière

Portrait de femme, dit à tort  Belle Ferronnière - Louvre Collection

Prompt: Explain the External links of this artwork, La Belle Ferronnière.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Per dare ulteriore enfasi drammatica all'opera, Hokusai disegnò l'onda nell'atto di spostarsi da sinistra a destra, in contrasto con il modo in cui i giapponesi sono abituati a leggere le immagini. Negli emakimono gli artisti ricorrevano spesso a questo stratagemma per stupire il lettore, e Hokusai ne riprese il concetto utilizzando l'onda quale elemento di sorpresa. Per un occhio occidentale, abituato a leggere le immagini da sinistra verso destra, il senso di sorpresa viene meno in quanto l'onda verrà erroneamente interpretata come soggetto principale data la sua posizione a sinistra nell'immagine.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the Sense of reading and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Sei sindaci dei drappieri di Amsterdam

Wolfgang Kosack: A second Rembrandt www.the-staalmeesters.com

Prompt: Focus on Syndics of the Drapers' Guild and explain the External links.Please output in Italian.


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Donna che legge una lettera davanti alla finestra è un olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.

Prompt: How does Girl Reading a Letter at an Open Window explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Explain the The Eucharistic institution about the New Testament of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Gruppo del Laocoonte

Il gruppo scultoreo di ocoonte e i suoi figli, noto anche semplicemente come Gruppo del ocoonte, è una copia romana in marmo di una scultura ellenistica della scuola rodia,  conservata, nel Museo Pio-Clementino dei Musei Vaticani, nella Città del Vaticano. Raffigura il famoso episodio narrato nellEneide che mostra il sacerdote troiano ocoonte e i suoi figli assaliti da serpenti marini.

Prompt: Focus on Laocoön and His Sons and explain the Abstract.Please output in Italian.

Città del Vaticano
Eneide
Musei Vaticani
Museo Pio-Clementino
Città del Vaticano


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Storie della Vera Croce

Spesso Piero della Francesca unificò affreschi contigui, con il paesaggio ininterrotto  o con altri stratagemmi, come le due case scorciate tra il Ritrovamento e Verifica della Croce e la Tortura dell'ebreo, che insieme sembrano comporre un unico edificio irregolare. In generale le regole compositive degli affreschi sono le medesime, con figure in primo piano di dimensioni analoghe e con una visione leggermente adattata per uno punto di vista dal basso.A parte la scena di Adamo, i personaggi antichi sono raffigurati secondo la moda e il gusto contemporaneo all'artista: i re, le regine e il loro seguito  vestono come in una corte italiana rinascimentale, Eraclio e Costantino sono raffigurati  come imperatori bizantini; gli eserciti romani utilizzano gonfaloni medievali, i cavalieri romani indossano in parte armature "all'antica" e in parte armature complete di ferro in uso nella metà del 1400. Un elemento unificatore è la luce, modulata su quella naturale della finestra centrale della cappella. Per questo i due profeti, sulla parete centrale, sembrano illuminati da dietro, come se fossero proiettati verso lo spettatore. Di straordinario valore è la scena notturna del Sogno di Costantino, la prima veduta notturna pienamente convincente dell'arte europea prima di Caravaggio. Si scoprì poi che in realtà è un'alba. Nell'ambito dell'ultimo restauro della fine degli anni novanta, è emersa una mappa celeste con la rappresentazione di alcune costellazioni, collegata con la volta celeste della Sagrestia Vecchia di San Lorenzo a Firenze.

Prompt: Focus on The Legend of the True Cross and explain the Style.Please output in Italian.

Adamo
Caravaggio
Firenze
Piero della Francesca
Sagrestia Vecchia
Sogno di Costantino
Tortura dell'ebreo


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema , Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi . Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann  parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

Prompt: How does The Blind Leading the Blind explain its Heritage?Please output in Italian.

1562
1600
1616
Charles Baudelaire
Claude-Henri Rocquet
David Vinckboons
Gert Hofmann
Hieronymus Wierix
Jacob Savery
Josef Weinheber
Maurice Maeterlinck
Pieter Brueghel il Giovane
William Carlos Williams


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Adorazione dei pastori

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Adoration of the Shepherds (der Goes).Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Sacra Famiglia ha avuto un posto importante nell'arte e in particolare nell'arte pittorica. Molti pittori medioevali, rinascimentali e altri fino ad arrivare ai nostri tempi si sono ispirati alla Sacra Famiglia per realizzare i loro capolavori.Elenco parziale di opere che hanno come soggetto la Sacra Famiglia: Sacra Famiglia Canigiani  Sacra Famiglia  Sacra famiglia , conservata al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo Sacra famiglia con palma  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia con angeli  Sacra famiglia con San Giovanni Battista  Sacra Famiglia e famiglia del Battista  Sacra Famiglia  Sacra famiglia  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia   Sacra Famiglia venerata dal Luogotenente e dai Deputati di Antonio Carneo  Sacra Famiglia di Michelangelo Anselmi  Sacra Famiglia di Pomponio Amalteo  Sacra Famiglia del Maestro del 1499  Sagrada Familia di Antoni Gaudí

Prompt: In the context of The Holy Family (Collinson painting), explain the In art and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antoni Gaudí
Antonio Carneo
Giovanni Battista
Maestro del 1499
Michelangelo Anselmi
Ermitage
Pomponio Amalteo
Sacra Famiglia Canigiani
Sacra Famiglia e famiglia del Battista
San Pietroburgo


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Lampade di Dendera

R. T. Rundle Clark, Mito e Simbolo nell'Antico Egitto, Londra 1997 Irene Bellini; Danilo Grossi, Atlante dei Misteri, Milano, Giunti, 2006. ISBN 9788809049130

Prompt: Focus on Dendera light and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ritratto di Giuliano de' Medici duca di Nemours

Sagrestia NuovaTomba di Giuliano de' Medici duca di Nemours

Prompt: How does Portrait of Giuliano de' Medici, Duke of Nemours explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Primavera

Autunno Equinozio Estate Inverno Solstizio Stagione

Prompt: How does Spring (painting) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Autunno Equinozio Est Estate Inverno Solstizio Stagione


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Robert Gould Shaw Memorial

Abraham Lincoln: The Head of State Abraham Lincoln: The Man Memoriali e monumenti unionisti William Tecumseh Sherman

Prompt: How does Robert Gould Shaw Memorial explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù

È il risultato di una commissione della chiesa gesuita di Santa María del Pilar di Calatayud, ora conosciuta come San Juan el Real. Dopo che i gesuiti furono espulsi dalla Spagna nel 1767, il dipinto andò al santuario della Vergine di Jaraba, dove fu riscoperto nel 1985.

Prompt: In Consecration of Aloysius Gonzaga as patron saint of youth, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Clarissa Strozzi

Ritratto di Clarissa Strozzi è un dipinto del pittore veneto Tiziano realizzato nel 1542 e conservato al museo Gemäldegalerie di Berlino in Germania.

Prompt: Focus on Portrait of Clarissa Strozzi and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Affreschi da villa La Pelucca

Il ciclo di affreschi da villa  Pelucca è un'opera di Bernardino Luini, databile al 1520-1523 e conservata, nella porzione più consistente, nella Pinacoteca di Brera a Milano. Altri frammenti si trovano alla Wallace Collection di Londra, al Louvre, al Museo Condé di Chantilly e in altre collezioni private.

Prompt: How does Villa La Pelucca frescoes explain its Abstract?Please output in Italian.

1520
1523
Bernardino Luini
Chantilly
Londra
Milano
Museo Condé
Pinacoteca di Brera
Wallace Collection


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Fontana Maggiore

fontana monumentale fu  realizzata da Umberto il mastro e realizzata tra il 1278 e il 1280 per celebrare l'arrivo dell'acqua nell'acropoli della città, grazie al nuovo acquedotto. Bevignate poté contare sulla collaborazione di altri valenti personaggi, quali Boninsegna Veneziano, ingegnere idraulico, che realizzò un’impresa di straordinaria arditezza, riuscendo a convogliare le acque provenienti dal monte Pacciano, situato a pochi chilometri, senza l'ausilio di pompe. Con l'utilizzo di un condotto forzato a pressione riuscì a imprimere all'acqua il moto inverso, ovvero l'acqua scorreva in salita anziché in discesa. Altro collaboratore fu il fonditore Rosso Padellaio, che realizzò la parte superiore bronzea. A partire dal 1278 furono collocate le numerose formelle marmoree, scolpite dagli scultori più importanti dell'epoca: Nicola Pisano, formatosi alla scuola foggiana di architettura e scultura di Federico II, in collaborazione con il figlio Giovanni.  fontana venne danneggiata dal terremoto del 1348, con conseguente ricostruzione arbitraria dell'ordine dei pannelli; è stata sottoposta a restauro una prima volta nel biennio 1948-49 e poi ancora nel quinquennio 1995-99.Servì d'ispirazione a Jacopo di Grondalo per la costruzione della fontana Sturinalto di Fabriano, nel 1285.Nei primi anni del Novecento fu restaurata dall'architetto Giuseppe Sacconi.

Prompt: Focus on Fontana Maggiore and explain the History.Please output in Italian.

Boninsegna Veneziano
Fabriano
Giuseppe Sacconi
Nicola Pisano
Rosso Padellaio
Sturinalto


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Estrazione della pietra della follia

L'opera mostra un soggetto tratto da una storiella popolare, secondo cui un credulone si fa convincere da un ciarlatano a farsi togliere dalla testa la "pietra della follia", ovvero la stoltezza. Ciò è chiarito dall'iscrizione che, con eleganti arabeschi, corre attorno al tondo: "Meester snyt die Keye ras / Myne name is lubbert das", cioè "Maestro cava fuori le pietre, il mio nome è 'bassotto castrato'". Il nome è un sinonimo di sempliciotto, quindi della persona che si fa ingannare.Al raggiro del ciarlatano, che sta tagliando con un bisturi la fronte dell'uomo per estrarne un fiorellino, assistono senza intervenire un monaco e una suora, uno con un boccale argenteo in mano, l'altra con un libro sulla testa.Il motivo del raggiro degli sciocchi è un tema caro nell'opera di Bosch e secondo la sua visione rappresentava una grave colpa tanto per l'ingannatore quanto per l'ingannato, reo della sua stupidaggine.In questa opera, il chirurgo intento all'estrazione indossa un copricapo a formadi imbuto simbolo di stupidità, qui usato come pesante critica mossa contro chi crede di sapere ma che, alla fine, è più ignorante di colui che deve curare dalla «follia».

Prompt: Focus on Cutting the Stone and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Giustizia

Nel codice etico del guerriero giapponese, chiamato Bushidò, a partire dall'epoca medioevale, la giustizia è la prima delle sette virtù personali.  giustizia e l'onestà vengono chiamate 義, Gi e prevedono che il samurai sia scrupolosamente onesto nei rapporti con gli altri, creda nella giustizia che proviene non dalle altre persone ma da sé stesso.

Prompt: In Justice (Titian), how is the Bushido of the In philosophy explained?Please output in Italian.


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Ritratto votivo della famiglia Vendramin è un dipinto di Tiziano, a olio su tela , quest'opera fu realizzata tra il 1543 e il 1547. Quest'opera è conservata alla National Gallery di Londra.

Prompt: How does Portrait of the Vendramin Family explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Mantegna, Bergamo) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

Il modello in gesso conservato a Tolosa.Il gruppo rappresenta Perseo, inviato da Polidette a cercare la testa di Medusa: lo scultore lo mostra mentre scavalca la gorgone terrorizzata, le afferra i capelli e si piega per decollarla. Perseo schiaccia Medusa al suolo con il suo piede così da non farsi pietrificare dal suo sguardo.I tre esemplari sono conservati a Tolosa, Lione e Copenaghen. Alcune riduzioni in bronzo di 46 centimetri di altezza furono fuse nello studio di  Ferdinand Barbedienne.  spada della versione marmorea lionese è andata perduta e dietro la base è presente l'iscrizione L. MARQUESTE. 1890.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Perseus and the Gorgon.Please output in Italian.

Copenaghen
Ferdinand Barbedienne
Lione
Perseo
Polidette
Tolosa


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Conseguenze della guerra

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8

Prompt: How does Consequences of War explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Schiavo ribelle

Lo Schiavo ribelle è ritratto mentre cerca di liberarsi dai legacci che gli imprigionano le mani dietro la schiena, contorcendosi e ruotando il busto e la testa.  sensazione che doveva trasmettere era quella di conferire ulteriore spazialità al monumento, avvicinandosi suggestivamente verso lo spettatore, sia con la spalla che col ginocchio sollevato, appoggiato su uno scalino.Il significato iconologico delle due figure è probabilmente legato al motivo dei Captivi nell'arte romana, infatti Vasari li identificò come personificazioni delle province controllate da Giulio II; per il Condivi invece simboleggerebbero le Arti rese prigioniere dopo la morte del pontefice. Lo Schiavo ribelle in particolare, poteva rappresentare la scultura o l'architettura, ma si tratta di congetture. Altre letture sono state proposte di carattere filosofico-simbolico o legate alla vita personale dell'artista e i suoi "tormenti".Da un punto di vista stilistico, essi si rifanno alla statuaria antica, in particolare ellenistica, come il Gruppo del ocoonte, scoperto nel 1506 alla presenza proprio di Michelangelo, ma anche le raffigurazioni sugli archi di trionfo a Roma o anche le rappresentazioni di san Sebastiano, anche pittoriche.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Rebellious Slave.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Yankee Doodle

Di seguito si riporta la versione odierna::Yankee Doodle went to town:A-riding on a pony,:Stuck a feather in his cap:And called it macaroni'.:coro::Yankee Doodle keep it up,:Yankee Doodle dandy,:Mind the music and the step,:And with the girls be handy.:Fath'r and I went down to camp,:Along with Captain Gooding,:And there we saw the men and boys:As thick as hasty pudding.:coro:And there we saw a thousand men:As rich as Squire David,:And what they wasted every day,:I wish it could be saved.:coro:The 'lasses they eat it every day,:Would keep a house a winter;:They have so much, that I'll be bound,:They eat it when they've mind ter.:coro:And there I see a swamping gun:rge as a log of maple,:Upon a deuced little cart,:A load for father's cattle.:coro:And every time they shoot it off,:It takes a horn of powder,:and makes a noise like father's gun,:Only a nation louder.:coro:I went as nigh to one myself:As 'Siah's inderpinning;:And father went as nigh again,:I thought the deuce was in him.:coro:Cousin Simon grew so bold,:I thought he would have cocked it;:It scared me so I shrinked it off:And hung by father's pocket.:coro:And Cap'n Davis had a gun,:He kind of clapt his hand on't:And stuck a crooked stabbing iron:Upon the little end on't:coro:And there I see a pumpkin shell:As big as mother's bason,:And every time they touched it off:They scampered like the nation.:coro:I see a little barrel too,:The heads were made of leather;:They knocked on it with little clubs:And called the folks together.:coro:And there was Cap'n Washington,:And gentle folks about him;:They say he's grown so 'tarnal proud:He will not ride without em'.:coro:He got him on his meeting clothes,:Upon a slapping stallion;:He sat the world along in rows,:In hundreds and in millions.:coro:The flaming ribbons in his hat,:They looked so tearing fine, ah,:I wanted dreadfully to get:To give to my Jemima.:coro:I see another snarl of men:A digging graves they told me,:So 'tarnal long, so 'tarnal deep,:They 'tended they should hold me.:coro:It scared me so, I hooked it off,:Nor stopped, as I remember,:Nor turned about till I got home,:Locked up in mother's chamber.:coro

Prompt: Describe the characteristics of the Today's version in Yankee Doodle's History.Please output in Italian.


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Didone

;Fonti primarie Virgilio, Eneide; Ovidio, Epistulae heroidum; Metamorfosi; Fasti; Silio Italico, Le puniche; Storia augusta;;Fonti secondarie H. Akbar Khan, "Doctissima Dido": Etymology, Hospitality and the Construction of a Civilized Identity, 2002; E. B. Atwood, Two Alterations of Virgil in Chaucer's Dido, 1938; P. Bono/M. V. Tessitore, Il mito di Didone, 1998; S. Conte, Dido sine veste, 2005; R. S. Conway, The Place of Dido in History, 1920; F. Della Corte,  Iuno-Astarte virgiliana, 1983; G. De Sanctis, Storia dei Romani, 1916; M. Fantar, Carthage, la prestigieuse cité d'Elissa, 1970; L. Foucher, Les Phéniciens à Carthage ou la geste d'Elissa, 1978; M. Gras/P. Rouillard/J. Teixidor, L'univers phénicien, 1995; H. D. Gray, Did Shakespeare write a tragedy of Dido?, 1920; G. Herm, Die Phönizier, 1974; M. N. Iulietto, Didone. Riscritture ‘barocche’ di un mito, 2014 M. N. Iulietto, Imagines Didonis. Prolegomeni allo studio di un mito, 2015 R.C. Ketterer, The perils of Dido: sorcery and melodrama in Vergil's Aeneid IV and Purcell's Dido and Aeneas, 1992; R. H. Klausen, Aeneas und die Penaten, 1839; G. Kowalski, De Didone graeca et latina, 1929; A.  Penna, Didone, in Enciclopedia Virgiliana, II, 1985, 48-57; F. N. Lees, Dido Queen of Carthage and The Tempest, 1964; J.-Y. Maleuvre, Contre-Enquête sur la mort de Didon, 2003; J.-Y. Maleuvre,  mort de Virgile d'après Horace et Ovide, 1993; L. Mangiacapre, Didone non è morta, 1990; P. E. Mcne, The Death of a Queen: Spencer's Dido as Elizabeth, 1954; O. Meltzer, Geschichte der Karthager, 1879; A. Michel, Virgile et la politique impériale: un courtisan ou un philosophe?, 1971;  Sabatino Moscati, Chi furono i Fenici. Identità storica e culturale di un popolo protagonista dell'antico mondo mediterraneo, 1992; R. Neuse, Book VI as Conclusion to The Faerie Queene, 1968; F. Nolfo, Epigr. Bob. 45 Sp. : la palinodia di Didone negli Epigrammata Bobiensia e la sua rappresentazione iconica, «Sileno» 41/1-2, 277-304; F. Nolfo, Su alcuni aspetti del ‘movimento elegiaco’ di un epigramma tardoantico: la Dido Bobiensis, «Vichiana» 55/2, 2018, 71-90; A. Parry, The Two Voices of Virgil's Aeneid, 1963; G.K. Paster, Montaigne, Dido and The Tempest: "How Came That Widow In?", 1984; B. Schmitz, Ovide, In Ibin: un oiseau impérial, 2003; E. Stampini, Alcune osservazioni sulla leggenda di Enea e Didone nella letteratura romana, 1893; A. Ziosi, Didone regina di Cartagine di Christopher Marlowe. Metamorfosi virgiliane nel Cinquecento, 2015; A. Ziosi, Didone.  tragedia dell'abbandono. Variazioni sul mito , 2017. Sio, Scottecs.

Prompt: How does Dido (Fuseli) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Cartagine
Christopher Marlowe
Enea
Eneide
Roma
Sabatino Moscati
Silio Italico


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Adorazione dei Magi

LAdorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo  nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene  e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere.  storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano) and explain the Abstract.Please output in Italian.