section

Allegoria del trionfo di Venere

Essendo un quadro prodotto da una élite a beneficio di un'altra élite, il soggetto, suggerito sicuramente da qualche personaggio erudito della corte medicea, è estremamente complesso e dà la possibilità, alla mano di Bronzino, di realizzare uno dei capolavori più famosi del manierismo in auge all'epoca. Lo stile è molto sensuale ma anche freddo, quasi marmoreo, sublimemente idealizzato. tela presenta più livelli di lettura. Il soggetto in generale è quasi sicuramente un'allegoria dell'amore sensuale, del sesso. Venere in primo piano , bacia sensualmente il figlio Cupido, il quale, mostrando vistosamente la sua nudità attraverso le natiche, le solletica un capezzolo. Più complessa è l'interpretazione delle figure sul retro. Il putto con i campanelli alla caviglia, che sparge petali di rosa, ben illuminato sulla destra, simboleggia il riflesso più immediato del piacere carnale, la Gioia; ma, al contempo, si è ferito i piedi a causa delle spine. Dietro di esso una fanciulla appena in ombra si presenta con un grazioso volto, ma è una figura molto ambigua: la sua natura ingannatrice è testimoniata dall'inversione della mano destra, che sostiene un aculeo di scorpione, con quella sinistra, che invece sostiene un favo di miele, e dal corpo di serpente con zampe da leone, appena visibile in basso; è infatti l'Inganno; dopotutto anche Venere e Cupido si stanno ingannando a vicenda: lei sta rubando una freccia dalla sua faretra, lui le sta sfilando il diadema di perle. Le stesse maschere da teatro, forse un satiro e una ninfa, presenti in basso a destra sono un simbolo della realtà celata dagli inganni.Sul lato opposto le due figure grottesche sono la Disperazione e la Follia o la Malattia , che sono le conseguenze di medio e lungo periodo dell'amore sensuale. Infine un vecchio con le ali e una clessidra in alto a destra scosta un pesante velo che scopre la scena: è il Tempo accompagnato dalla Verità , che svela; infatti l'altro titolo del dipinto, e forse quello più azzeccato, è proprio la Lussuria smascherata.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Venus, Cupid, Folly and Time.Please output in Italian.


section

Corteo funebre di Carlo XII

L’opera fu concepita per partecipare all’Exposition Universelle di Parigi del Maggio del 1878.Cederström era un grande ammiratore di Carlo XII e decise di prenderlo come soggetto dell'opera. Si era trasferito a Parigi anni prima per studiare dal maestro Léon Bonnat, il quale inizialmente si mostrò scettico sul soggetto scelto dall'allievo ma successivamente, vedendone l'entusiasmo, lo incoraggiò a provare, ammonendolo al tempo stesso di non aspettarsi un riscontro positivo dalla critica:Cederström era dunque determinato a rendere il quadro il più realistico possibile. Fece numerosi schizzi preliminari  e non badò a spese per ricreare la scena dal vivo prima di ritrarla: acquistò un’enorme quantità di sale per simulare la neve , fece costruire una barella su cui far distendere il modello del re e fece inoltre arrivare dalla Svezia delle uniformi ordinate all’uopo, da far indossare ai modelli dei soldati, firmò la tela e la consegnò al museo di Stoccolma.Non è chiaro come il quadro originale sia sopravvissuto agli sconvolgimenti della Rivoluzione d'ottobre, ma nel 1923 fu acquistato al prezzo di 7.500 rubli d'oro e riportato in Svezia dal mercante d'arte Max Molvidson. Questi lo vendette poi a Gustaf Werner, che a sua volta nel 1939 lo donò al museo di Göteborg, dove è tuttora esposto.

Prompt: In Bringing Home the Body of King Charles XII, how is the History discussed?Please output in Italian.

Göteborg
Léon Bonnat
Max Molvidson
Parigi
Rivoluzione d'ottobre
Stoccolma
Svezia


section

Fontane dei mostri marini

, p. 415; , tav. XV; , p. 404; , p. 179, n. 427; , p. 72; , p. 205, n. X; , p. 193; , p. 131; , p. 227; , p. 211; , pp. 60–61; , pp. 56–61;  Piero Torriti, Pietro Tacca da Carrara, Genova, Sagep, 1984, pp. 39–44; Carlo Francini, Le fontane del Tacca, il giardino di Palazzo Grifoni e una pianta delle scuderie di San Marco, in "Bollettino della Società di Studi Fiorentini", 1997, 1, pp. 67–75; , p. 331.Luciano Artusi, Tante le acque che scorrevano a Firenze, itinarario tra i giochi d'acqua delle decorative fontane fiorentine, Semper, Firenze 2005.Elisabetta Nardinocchi, Pietro Tacca tra natura e decoro, in Pietro Tacca. Carrara, la Toscana, le grandi corti europee, catalogo della mostra  a cura di Franca Falletti, Firenze, Mandragora, 2007, pp. 102–119.Ferruccio Canali, Il "Nettuno" e le "altre" . Restauro di fontane a Firenze. Pultture e ripristini tra Otto e Novecento, in "B.S.S.F.", 32, 2023

Prompt: How does Fontana dei mostri marini explain its Bibliography?Please output in Italian.


section

Uomo col berretto rosso

L'attribuzione a Carpaccio è incerta: si sono fatti anche i nomi di Bartolomeo Montagna e Lorenzo Lotto, mentre alcuni ipotizzano un generico maestro ferrarese o bolognese.  datazione è meno controversa e viene fatta risalire ai primi anni novanta del XV secolo, in contemporanea con le Storie di sant'Orsola e i grandi cicli di teleri veneziani, dove erano frequenti gli intensi ritratti di dignitari. Il ritratto mostra il viso e una parte del busto su uno sfondo paesaggistico con un lago, una porzione di campagna e montagne che sfumano nella foschia all'orizzonte.  figura è individuata con forte plasticità ed è caratterizzata da una notevole componente psicologica.

Prompt: How does Man with Red Hat explain its Description and style?Please output in Italian.

Bartolomeo Montagna
Lorenzo Lotto
Storie di sant'Orsola


section

Peine del viento

Fa parte di una serie di sculture che l'artista inizia a costruire nel 1952 e che finirà con l'ultima nel 1999, realizzando in totale 23 opere, che costituiscono la serie del così chiamato Peine del Viento.  più significativa è appunto quella che si trova nella città di San Sebastián, nei Paesi Baschi, Spagna e fu realizzata nel 1977.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Comb of the Wind.Please output in Italian.


section

Statua equestre di San Venceslao

sinistra parodia realizzata da David ČernýDavid Černý, scultore ceco, realizzò una parodia della statua, oggi esposta appesa nel Palazzo Lucerna, affacciante in piazza San Venceslao, che vede il santo duca boemo cavalcare il suo cavallo, visibilmente morto, al contrario.Anche se l'autore non ha specificato il perché di tale iniziativa, si ritiene che la parodia rappresenti un chiaro attacco politico all'allora presidente della Repubblica Ceca Václav Klaus.

Prompt: How does Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square explain its Nonsense?Please output in Italian.

David Černý
Repubblica Ceca
Václav Klaus


section

Mattino in una pineta

tela raffigura una pineta con un albero spezzato sull'orlo di un burrone. Le radici degli alberi sradicati e i rami rotti sono ricoperti di muschio. I raggi del sole nascente illuminano le cime dei pini e la nebbia mattutina. I soggetti sono i cuccioli di orso sul tronco spezzato, e la loro madre che fa loro la guardia. Uno dei cuccioli, dopo essersi arrampicato sul tronco più vicino al burrone, si è alzato sulle zampe posteriori.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Morning in a Pine Forest.Please output in Italian.


subsection

Atleta di Fano

L'ipotesi più accreditata è che in antichità la statua sia naufragata nel medio Adriatico insieme alla nave che la stava trasportando dalla Grecia verso la penisola italiana, probabilmente puntava al porto di Ancona. Essa fu rinvenuta nell'estate del 1964 nel mare Adriatico al largo di Fano catturata dalle reti del peschereccio italiano "Ferruccio Ferri".<br />Il luogo del ritrovamento del bronzo, a sentire le testimonianze dei pescatori, è una zona del mar Adriatico chiamata "Scogli di Pedaso", ma di questo non c'è stata certezza per molti anni: in particolare, si è molto discusso se l'oggetto fosse stato ritrovato in acque italiane o internazionali.Comunque sia l'esportazione è stata illegale secondo le leggi dell'epoca, in particolare la legge 1089/39, che stabilisce che i beni archeologici ritrovati sono di proprietà dello Stato italiano. Infatti, nel primo caso il reperto apparterrebbe allo Stato italiano, nel secondo caso essendo l'Atleta issato su un'imbarcazione battente bandiera italiana e successivamente sbarcato a Fano, in Italia, sarebbe dovuto ricadere sotto la legislazione italiana che impedisce l'esportazione di opere archeologiche e avrebbe dovuto essere soggetto all'obbligo di notifica al ministero competente .Sul motopesca italiano si trovavano il capobarca Romeo Pirani, i tre marinai Derno Ferri , Athos Rosato  e Durante Romagnoli , inoltre Valentino Caprara, Nello Ragaini e Benito Burasca. L'armatrice era la signora Valentina Magi.Athos Rosato ha confermato quanto sempre sostenuto dal capobarca Pirani, cioè che la statua è stata ritrovata a «circa 43 miglia a levante del monte Conero e circa 27 miglia dalla costa croata, un punto di mare chiamato "Scogli di Pedaso"» . «In quel tratto, secondo il mozzo, la profondità del mare era circa di 43-44 braccia», cioè a circa 75 metri di profondità. rete si è impigliata nelle braccia della statua, che è stata sollevata dal fondo del mare; probabilmente i piedi, verosimilmente incastrati o insabbiati, si sono staccati in quest'occasione per lo strattone ricevuto.

Prompt: In the context of Victorious Youth, explain the Discovery and exportation and the Technique.Please output in Italian.

1964
Fano
Grecia
Italia
Roma
Scogli di Pedaso


section

Visione fantastica

Il dipinto era situato a destra della porta al piano superiore della Quinta del Sordo. Nel 1873 la casa fu comprata dal banchiere franco-tedesco Émile Baron d'Erlanger  che ordinò quindi a Salvador Martínez Cubells di trasportarne su tela tutte le pitture. Nel 1881 l'opera venne donata al museo del Prado.

Prompt: Focus on Asmodea and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Victory Boogie Woogie

L'opera fu comprata dall'imprenditore Samuel Irving Newhouse a metà anni '80 per 12 milioni di $, per poi rivenderla a fine anni '90 alle istituzioni olandesi, in quello che è stato il più costoso acquisto per un museo nederlandese .Nel 2006 l'opera fu oggetto di analisi attraverso i raggi infrarossi, raggi X e quelli ultravioletti, allo scopo di risalire alla disposizione originaria dell'opera

Prompt: In Victory Boogie Woogie, how is the Postwar of the Description explained?Please output in Italian.


section

Triplo ritratto di Carlo I

I tre ritratti di Enrichetta Maria di Van Dyck e il triplo ritratto di Richelieu di Philippe de Champaigne

Prompt: In Charles I in Three Positions, how is the Image gallery discussed?Please output in Italian.


section

La sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche

Il tema del Grande Vetro era stato anticipato già da altri lavori realizzati da Duchamp:  da Giovanotto e ragazza in primavera, dipinto nel 1911, a la Sposa, che risale all'estate del 1912, fino a Testimoni oculisti, realizzato nel 1920.
L'idea si presentò a Duchamp nel settembre del 1912, durante un viaggio che l'artista fece da Monaco a Neuilly.Un disegno fatto tra il luglio e l'agosto dello stesso anno riporta un titolo molto simile a quello definitivo: Première recherche pour:  Mariée mise à nu par ses célibataires .
Come Duchamp disse, prima del suo viaggio a Monaco egli assistette a un'opera teatrale di Raymond Roussel e fu proprio lì che trovò l'ispirazione.
I primi appunti che descrivono la composizione e l'esecuzione dell'opera risalgono al 1913, nel periodo in cui Duchamp accompagnò sua sorella Suzanne a Herne Bay, in Inghilterra.
Novantaquattro pagine di questi appunti saranno pubblicate in una raccolta,  scatola verde, solo a opera conclusa, nel 1934. Così come l'opera, anche gli appunti non sono completi.
Una  del Vetro, e di altre sessantotto opere, sarà inserita anche in una futura pubblicazione: la Scatola in valigia.Dopo essersi spostato dalla Francia agli Stati Uniti, nel 1915 Duchamp acquistò le lastre di vetro e cominciò a lavorare al suo nuovo progetto.Tre anni dopo Walter Arensberg acquistò il Grande Vetro, ancora incompleto.
Definendola "definitivamente incompiuta", nel 1923 Duchamp smise di lavorare all'opera, che diventerà poi di proprietà di Katherine Dreier.
Nel 1926 l'opera venne esposta per la prima volta nel Museo di Brooklyn per una mostra di arte moderna.Al termine dell'esposizione, mentre l'opera veniva trasportata verso casa Dreier, riposta in una cassa, le due lastre di vetro si ruppero accidentalmente. Il danno venne scoperto solo nel 1933 da Duchamp, che non ne rimase affatto turbato: per lui era stato un inevitabile intervento del caso sulla sua opera.Tre anni dopo decise di riparare le parti distrutte, sostituendole con nuove lastre di vetro.
Dopo la realizzazione del Vetro, Duchamp rifiuterà la produzione di altre opere, per dedicarsi al gioco degli scacchi.

Prompt: In The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, how is the History discussed?Please output in Italian.

1911
Francia
Herne Bay
Inghilterra
Neuilly
Raymond Roussel


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Madonna dei Pellegrini

Ferdinando Bologna, L'incredulità di Caravaggio, Torino, Bollati Boringhieri, 1992  Maurizio Marini, Caravaggio pictor praestantissimus, Roma, Newton Compton, 1987   Giovan Pietro Bellori, Le vite de' pittori, scultori et architetti moderni, 1672, ed a c. Borea, Milano, 1976 Jacob Hess, Modelli e modelle del Caravaggio, 1955, ampliato in AA. VV. Kunstgeschichliche Studien zu Renaissance und Barock, ed. di Storia e Letteratura, Roma, 1967  Giovanni Baglione, Vite de' pittori, scultori, architetti dal tempo di Gregorio XIII del 1572 infino a tempi di Urbano VIII del 1642, Roma, 1642.  Alessandro Zuccari, Caravaggio su comitent y el culto lauretano, in AA.VV., Caravaggio, Madrid, 1999, pp.63-71  S. Sameck Lodovici, Vita del Caravaggio attraverso le testimonianze del suo tempo, Milano 1956  Mia Cinotti, Alessandro dell'Acqua, Caravaggio e le sue grandi opere in S. Luigi de'Francesi, appendice documentaria, Milano 1971 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1983Riccardo Bassani, Fiora Bellini, Caravaggio assassino.  carriera di un «valentuomo» fazioso nella Roma della Controriforma, Roma, Donzelli, 1994 ISBN 88-7989-100-6 Stefania Macioce, Michelangelo Merisi da Caravaggio la vita attraverso i documenti, Roma, Borli, 2003 Riccardo Bassani,  donna del Caravaggio. Vita e peripezie di Maddalena Antognetti, Roma, Donzelli, 2021 ISBN 978-88-5522-238-9 Fiora Bellini,  modella e il «pittor celebre»: una storia in sette quadri, postfazione a Riccardo Bassani,  donna del Caravaggio. Vita e peripezie di Maddalena Antognetti, Roma, Donzelli, 2021, pp. 199-235 ISBN 978-88-5522-238-9

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna di Loreto (Caravaggio).Please output in Italian.


subsection

amore

lingua greca distingue vari significati differenti in cui può venir utilizzata la parola "amore". Ad esempio, il greco antico possiede i termini philia, eros, agape, storge e xenia. Tuttavia, con il greco , può risultare alquanto difficoltoso separare storicamente i significati di queste parole in un modo univoco e totale. Allo stesso tempo, il testo greco della Bibbia riporta esempi del verbo "agapo" avente lo stesso significato di "phileo".Agape  significa specificamente amore nel greco moderno. Il termine "S'agapo" vuol dire "ti amo" in greco; la parola agapo corrisponde al verbo amore. Esso si riferisce generalmente ad un tipo ideale di amore "puro", piuttosto che all'attrazione fisica suggerita da eros. Tuttavia, ci sono alcuni esempi in cui si utilizza agape per indicare lo stesso significato dato da eros. È stato infine anche tradotto come "l'amore dell'anima."In senso più eminentemente religioso-spirituale è l'amore nei confronti del prossimo, un concetto vicino all'attuale idea di altruismo; si caratterizza per la sua spontaneità, non è perciò un atto intenzionale o una forma di cortesia superficiale proveniente dalla buona educazione, ma una vera e propria empatia per gli altri, vicini o sconosciuti che siano. Nella tradizione cristiana dei Padri della Chiesa, la parola è identificata con il concetto di beneficenza, anche se è più vicino ad un rapporto fisico instaurato con le persone che soffrono.Eros   è l'amore passionale, che conduce ed accompagna il desiderio sensuale.  parola greca erota significa innamorato. Platone ha affinato la sua propria definizione: anche se l'eros inizialmente è sentito per una persona, con la contemplazione diventa un apprezzamento della bellezza che è presente e vivente all'interno di quella persona, o addirittura diventa apprezzamento della bellezza stessa. Eros aiuta l'anima a riconoscere il richiamo della bellezza e contribuisce alla comprensione della verità spirituale. Amanti e filosofi sono entrambi, pertanto, ispirati a cercare la verità che proviene dall'eros. In alcune traduzioni può anche venir inteso come "amore per il corpo".A volte intesa come passione negativa prodotta da épithumia-appetito, ma anche come una forma di "pazzia divina" causa delle più grandi benedizioni per gli uomini. Esso tuttavia può mescolarsi con philia tramite la pederastia - nella sua accezione di pederastia greca - che lega un uomo maturo-erastès che ama ad uno più giovane-eromenos che viene amato.Philia , un amore spassionato e virtuoso , è stato un concetto affrontato ed ampiamente sviluppato da Aristotele. Comprende la lealtà rivolta agli amici, ai parenti e alla comunità di appartenenza; essa richiede la virtù, l'uguaglianza, e la familiarità. Philia è motivato da ragioni pratiche; una o entrambe le parti beneficiano del rapporto. Può anche significare "l'amore della mente"; è un concetto estensivo di amicizia che non poteva esistere altro che tra persone dello stesso sesso, a causa della forte disuguaglianza tra i sessi esistente.Storge  è un affetto naturale, come quello sentito dai genitori per i figli.Xenia , l'ospitalità, era una pratica estremamente importante nella Grecia antica. Era un'amicizia quasi ritualizzata formata tra un ospitante e dal suo ospite, che potrebbero anche esser stati in precedenza dei perfetti estranei. L'ospitante offre il vitto e fornisce un alloggio per gli ospiti, aspettandosi di essere rimborsati solamente con un senso di gratitudine e riconoscenza. L'importanza di questo istituto può essere veduto bene in tutta la mitologia greca e nella letteratura a partire da Omero in poi.

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient Greece of the Psychology explained?Please output in Italian.

Agape
Aristotele
Eros
Omero
Padri della Chiesa
Philia
Platone


section

Goethe nella campagna romana

Goethe nella campagna romana  è un olio su tela realizzato dal pittore e incisore tedesco Johann Heinrich Wilhelm Tischbein nel 1787.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Goethe in the Roman Campagna.Please output in Italian.


section

Cacciatori nella neve

I Cacciatori nella neve è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, realizzato nel 1565 e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. È firmato ""Il Ritorno è probabilmente l'ultimo dipinto del ciclo, come suggerisce lo stesso tema della conclusione del percorso.

Prompt: How does The Hunters in the Snow explain its Abstract?Please output in Italian.

1565
Caccia
Kunsthistorisches Museum
Pieter Bruegel il Vecchio
Vienna


subsection

Apocalisse

upright=1.6In epoche recenti il termine "letteratura apocalittica", o "apocalittico", è stato usato comunemente per descrivere le varie parti delle scritture ebraiche o cristiane, sia canoniche che apocrife, in cui si forniscono predizioni escatologiche in forma di rivelazione. Che il termine sia attualmente usato in maniera blanda, e comprenda spesso cose non propriamente apocalittiche, è dovuto al fatto che lo studio di questa letteratura come classe a sé stante è piuttosto recente.Nell'uso comune delle lingue occidentali, il termine apocalisse si riferisce alla fine del mondo. Il significato corrente può essere un'ellisse della frase apōkalýpsis éschaton, che significa "rivelazione degli eventi della fine dei tempi". Tale ellisse nell'uso corrente riecheggia quella nel titolo dell'ultimo libro della Bibbia, il Libro della Rivelazione o Apocalisse di San Giovanni apostolo, che è normalmente interpretato come la profezia della fine del mondo, con numerosi dettagli visuali. Si veda anche escatologia e millenarismo. fine escatologica del mondo nella letteratura apocalittica era spesso accompagnata da immagini di resurrezione, giudizio dei morti e dalla pena dell'inferno per i peccatori. È interessante notare che tali idee non erano esplicitamente sviluppate nei libri pre-apocalittici della Bibbia ebraica, quindi l'esistenza di tali credo nell'ebraismo, nel cristianesimo e nell'Islam può essere ricondotta ai testi apocalittici. storia della cristianità è punteggiata di gruppi religiosi millennialisti, quasi fin dalle origini. I movimenti cristiani moderni sono concentrati nel XVIII e XIX secolo e comprendono l'ascesa di religioni apocalittiche come gli Avventisti, i Davidiani, la House of Yahweh, i Cristadelfiani, i Mormoni e i Testimoni di Geova.<br />L'Islam possiede i propri movimenti, in particolare la fede nell'Imam "atteso" o "nascosto" della comunità sciita. Nel XIV secolo dell'Islam  si riporta un credo che aveva preso a circolare presso la comunità sunnita, per il quale sarebbe presto giunto il Messia promesso, sia per i cristiani, sia per i musulmani. Molti di questi furono fondamentalisti, come Muhammad al-Mahdi, Muhammad Ahmad del Sudan e Usman dan Fodio dell'Africa occidentale, che coniugarono la pratica politica alle loro convinzioni mahdistiche. Mahdi successivi, compresi Mirza Ghulam Ahmad e l'Ayatollah Seyyed Ruhollah Khomeini, furono principalmente riformatori religiosi. Di recente si è assistito a una ripresa del movimento dei Jihādisti, come Osama bin den di al-Qā'ida, quasi esclusivamente politici.  profezia del Messia promesso all'inizio del XIV secolo per la maggior parte dei musulmani è stata sostenuta solo da Mirza Ghulam Ahmad, ma il punto di vista della maggioranza venne raccolto dall'Università di al-Azhar del Cairo e dalla Scuola Deobandi di Scienze Islamiche in India, che rifiutarono Mirza Ghulam Ahmad perché eretico, dato che si definiva profeta  e messia .

Prompt: Describe the characteristics of the The end of the world in Apocalypse (Dürer)'s Description.Please output in Italian.

Bibbia
Cristadelfiani
Davidiani
Deobandi
House of Yahweh
Imam
India
Islam
Mahdi
Messia
Mirza Ghulam Ahmad
Muhammad Ahmad
Muhammad al-Mahdi
Rivelazione
Sudan
Testimoni di Geova
Usman dan Fodio
XIV secolo
XIX secolo
X secolo


section

Morte di Germanico

Categoria:Dipinti a MinneapolisCategoria:Dipinti di Nicolas PoussinCategoria:Dipinti a soggetto storico

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Death of Germanicus.Please output in Italian.


subsection

Daniele

Danijel Aleksić, calciatore serbo Danijel Brezič, calciatore sloveno Danijel Cesarec, calciatore croato Danijel Jusup, allenatore di pallacanestro croato Danijel Ljuboja, calciatore serbo Danijel Pantič, giocatore di calcio a 5 sloveno Danijel Pranjić, calciatore croato Danijel Premerl, calciatore jugoslavo Danijel Premuš, pallanuotista croato naturalizzato italiano Danijel Radiček, calciatore croato Danijel Šarić, pallamanista bosniaco Danijel Stojanović, calciatore croato Danijel Subašić, calciatore croato Danijel Subotić, calciatore bosniaco naturalizzato svizzero Danijel Žeželj, fumettista, illustratore e pittore croato

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Danijel in Prophet Daniel (Michelangelo)'s People.Please output in Italian.

Danijel Aleksić
Danijel Brezič
Danijel Cesarec
Danijel Jusup
Danijel Ljuboja
Danijel Pantič
Danijel Pranjić
Danijel Premerl
Danijel Premuš
Danijel Radiček
Danijel Stojanović
Danijel Subašić
Danijel Subotić
Danijel Šarić
Danijel Žeželj


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


section

Ritratto di Jörg Fugger

Ritrovato in un castello del conte Johannes Fugger dl 1926 fu soggetto ad alcune rivendite prima di giungere nel 1928 alla collezione Contini Bonacossi per essere venduto nel 1969 alla Norton Simon Art Foundation. A Pasadena fu sottoposto ad un assottigliamento del supporto e a una parchettatura al fine di risolvere i problemi creati dauna crepa orizzontale. Pubblicato per la prima volta da August L. Mayer nel Burlington Magazine il dipinto fu generalmente accettato come autografo, tranne che da Luitpold Dussler nel 1935 che poi lo accettò nel 1949. L'unica voce contraria rimase quella di James Beck che nel 1988-1989 lo attribuiva alla scuola ferrarese.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Georg Fugger.Please output in Italian.


section

Ritratto di Bia de' Medici

Bronzino immaginò la bambina a mezza figura e seduta su una sedia, ricalcando lo schema del Ritratto di Lucrezia Panciatichi di qualche anno prima. Lo sfondo azzurro si accende attorno al volto, evidenziandolo.  luce fredda e l'assenza di effetti chiaroscurali forti accentuano la levigatezza dell'incarnato e fanno del ritratto una sublime idealizzazione. Lo sguardo è rivolto con intensità allo spettatore, e l'espressione ricerca l'assenza di emozioni.Bia ha i capelli scriminati al centro della testa e ricadenti a caschetto, con due treccine che incorniciano il viso, legate con cura. Indossa orecchini di perle, una catena d'oro con pendente all'antica e un sontuoso vestito, fatto di raso azzurro con maniche a sbuffo, prodotto delle seterie fiorentine che Cosimo andava in quegli anni rilanciando. Una catena dorata fa da cintura, con l'estremità, forse terminante in una nappa, tenuta con la mano destra per giocherellare. posa è quella dei ritratti ufficiali, rigida, ma alleggerita da alcuni accenni di movimento delle mani, come se la protagonista stesse per alzarsi.

Prompt: In Portrait of Bia de' Medici, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Io, ritratto-paesaggio

Io, ritratto-paesaggio  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1890 d Henri Rousseau e conservato nella Národní galerie di Praga.

Prompt: Focus on Myself, Portrait-Landscape and explain the Abstract.Please output in Italian.

1890
Henri Rousseau
Národní galerie
Praga


section

San Francesco abbraccia Cristo crocifisso è un dipinto del pittore spagnolo Bartolomé Esteban Murillo realizzato circa 1668-1669 e conservato nel Museo di belle arti di Siviglia in Spagna.

Prompt: How does Saint Francis Embracing Christ on the Cross explain its Abstract?Please output in Italian.

1668
1669
Bartolomé Esteban Murillo
Museo di belle arti di Siviglia
Siviglia
Spagna


subsection

Gioele

Aragonese: ChoelBasco: Yoel, JoelCatalano: JoelFinlandese: JoelGaliziano: XoelFemminili: Joelle, Joellatino: Iohel, IoelOlandese: JoëlPolacco: JoelRusso: Иоиль Serbo: Јоил , Јоиљ Spagnolo: JoelSvedese: JoelUcraino: Йоіл Ungherese: Jóel

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Variantsinotherlanguages and the Variants.Please output in Italian.


subsection

La grande onda di Kanagawa

Ne  grande onda di Kanagawa compaiono due scritte.  prima, il titolo dell'opera, si trova all'interno di un riquadro rettangolare in alto a sinistra in cui si legge: , che significa "Trentasei vedute del Monte Fuji / al largo di Kanagawa / sotto un'onda".  seconda scritta è posta alla sinistra del riquadro e si tratta della firma dell'artista:  che può essere tradotto come "Dal pennello di Hokusai, che cambiò il nome in Iitsu".Hokusai è noto per aver utilizzato durante la sua esistenza almeno una trentina di pseudonimi. Sebbene l'uso di nomi diversi fosse una pratica comune tra gli artisti giapponesi del tempo, il numero che egli utilizzò supera di gran lunga quello di qualsiasi altro grande artista giapponese.  scelta di cambiare il proprio pseudonimo così frequentemente è spesso legata ai cambiamenti nella sua produzione artistica e nello stile, ed è utilizzata dagli storici d'arte per suddividere la sua vita in determinati periodi. Nella serie Trentasei vedute del Monte Fuji Hokusai usa quattro differenti firme, cambiandole a seconda delle diverse fasi del lavoro: Hokusai aratame Iitsu hitsu, Zen Hokusai Iitsu hitsu, Hokusai Iitsu hitsu e Zen saki no Hokusai Iitsu hitsu.

Prompt: Explain the Thefirm about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.


section

Polittico della Misericordia

Il Polittico della Misericordia è un'opera, tecnica mista  su tavola , di Piero della Francesca, realizzata tra il 1445 e il 1462,  e conservata nel Museo civico di Sansepolcro.

Prompt: How does Polyptych of the Misericordia explain its Abstract?Please output in Italian.

1445
1462
Museo civico di Sansepolcro
Piero della Francesca
Polittico
Sansepolcro


section

Antigrazioso

Forme uniche della continuità nello spazio

Prompt: How does Antigrazioso explain its Voice correlate?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


subsection

amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In Love & Loss, how is the Bahá'í Faith of the Philosophy explained?Please output in Italian.


section

Monumento a Giordano Bruno

Giordano Bruno Campo de' Fiori Ettore Ferrari Monumento ad Arnaldo da Brescia

Prompt: How does Monument to Giordano Bruno explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Campo de' Fiori
Ettore Ferrari
Giordano Bruno
Monumento ad Arnaldo da Brescia


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


section

Adorazione dei pastori

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Crivelli) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

Ritratto di un certosino

Il ritratto di un certosino presenta una mosca trompe-l'œil al centro della cornice inferiore. Si ritiene che l'aggiunta di mosche trompe l'œil nelle opere d'arte sia iniziata nel XV secolo, proprio quando Christus divenne attivo. Gli storici dell'arte sono generalmente divisi tra due diverse interpretazioni: molti credono che la mosca abbia un simbolismo religioso, con funzioni come la connotazione del peccato, della corruzione, della mortalità, mentre altri credono che sia un modo per evocare l'immagine di Satana o Beelzebub, il signore delle mosche. Più recentemente, alcuni storici dell'arte hanno iniziato a considerare l'aggiunta delle mosche trompe l'œil come un biglietto da visita professionale, fra cui lo studioso Felix Thülemann, che descrive l'espediente come "una rappresentazione autocosciente di abilità pittoriche superiori. Si ritiene che questo sia il motivo per cui la mosca appare generalmente accanto alla firma dell'artista .

Prompt: In Portrait of a Carthusian, how is the Theflyescapestrompe-l'œil of the History explained?Please output in Italian.


section

Ercole Farnese

Collezione Farnese Museo archeologico nazionale di Napoli Onfale

Prompt: In Farnese Hercules, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Collezione Farnese
Museo archeologico nazionale di Napoli
Museo archeologico nazionale di Napoli


section

L'ultima preghiera dei martiri cristiani

All'epoca di Gérôme, alcuni storici rivalutarono l'entità della persecuzione dei cristiani nella Roma antica, facendo notare come in certi casi il martirio fosse stato "abbellito" dai teologi. I cristiani che non rinunciavano alla loro fede venivano inviati nell'arena affinché i loro corpi venissero sbranati e distrutti dalle fiere, cercando di rendere impossibile la resurrezione. I martiri venivano anche bruciati su delle croci.Uno schizzo dell'opera, oggi conservato nello Utah.Nel 1863 il quadro venne commissionato dal filantropo e collezionista d'arte statunitense William Thompson Walters, il quale scrisse una lettera nella quale definì con precisione tutti i particolari del dipinto. Gérôme realizzò vari schizzi a olio e a inchiostro su tela per la propria opera. Uno dei disegni è attualmente conservato al museo di belle arti dello Utah. Nel 1883, Gérôme completò il quadro che, secondo la critica, è divenuta una delle opere più importanti sulla storia romana. Dopo la morte di William Walters nel 1894, il dipinto e tutta la sua collezione vennero ereditate dal figlio Henry. Per il bene del pubblico, Henry Walters lasciò in eredità la galleria che aveva aperto al pubblico in precedenza al sindaco e al consiglio municipale di Baltimora. Dopo la sua morte nel 1931, il quadro divenne di proprietà del museo baltimorese, che aprì i battenti il 3 novembre 1934.  tela fu soggetta a tre restauri, nei quali venne pulita più volte e venne riverniciata.

Prompt: How does The Christian Martyrs' Last Prayer explain its History?Please output in Italian.


subsection

amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: Describe the characteristics of the Triangular model of love in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.


subsection

L'urlo

Due sono stati i furti che hanno visto protagonista L'urlo: la versione de L'urlo  esposta alla Galleria nazionale di Oslo è stata oggetto di un furto il 12 febbraio 1994, nello stesso giorno dell'inaugurazione dei XVII Giochi olimpici invernali: due uomini, infatti, in quel giorno si introdussero nel polo museale, rubando l'opera in soli cinquanta secondi e lasciando in luogo del dipinto un biglietto con scritto «grazie per le misure di sicurezza così scarse»; l'opera venne ritrovata integra tre mesi dopo in un albergo di Åsgårdstrand; la versione de L'urlo  esposta presso il Museo Munch invece è stata oggetto di un furto il 22 agosto 2004: oltre a L'Urlo venne sottratta un'altra opera dell'autore, Madonna; ambedue le tele vennero recuperate due anni dopo, il 31 agosto 2006, per poi tornare in esposizione al museo nel 2008, solo dopo un restauro di durata biennale per restituire l'aspetto originale delle due opere, lievemente compromesso a causa dell'umidità.

Prompt: In The Scream, how is the Thefts of the History explained?Please output in Italian.

Museo Munch
Oslo
XVII Giochi olimpici invernali
Åsgårdstrand


subsection

Polittico dei Sette Dolori

A Dürer si tende oggi ad attribuire la sola tavola centrale, mentre le sette tavolette dei Dolori sarebbero state realizzate su suo disegno da assistenti.  Mater Dolorosa, ridotta di circa 18 cm alle estremità, arrivò nel museo bavarese dal convento di Benediktbeuren di Monaco ai primi dell'Ottocento. Venne accuratamente restaurata negli anni trenta del Novecento e in quell'occasione si chiarì l'origine della tavola, che prima si riteneva una Vergine annunciata facente parte di un presunto dittico con un Angelo dell'annunciazione perduto. Una volta rimosse infatti le ridipinture e scritte apocrife si riscoprì la nicchia a conchiglia , l'aureola e la spada che spunta a destra, simbolo appunto della Mater Dolorosa.

Prompt: In the context of Seven Sorrows Polyptych, explain the Mother Sorrowful and the History and description.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


section

Autoritratto per il sesto anniversario di matrimonio

Questo autoritratto di tre quarti raffigura Paula dalle ginocchia in su, mentre gira la testa verso destra, nella direzione dello spettatore, che guarda con uno sguardo curioso. Ella indossa un panno bianco avvolto attorno ai fianchi, mentre la parte superiore del corpo è completamente nuda eccetto per una collana di perle d'ambra. Le sue mani accarezzano il ventre gonfio, incorniciandolo. Lo sfondo è una parete astratta color verde chiaro disseminata di puntini verdi.Quando Paula Modersohn-Becker dipinse questo autoritratto non era incinta, come si suppone si sia ritratta nel quadro, secondo un'interpretazione resa celebre nel 1961 da Carl Georg Heise. Questa scelta esprimerebbe il suo desiderio di diventare una madre e, secondo Christa Murken Altrogge, l'artista vorrebbe rappresentarsi mentre porta dentro di sé "sia il frutto che è un bambino, che il frutto che è l'arte". Durante l'estate del 1906, a Parigi, Paula Modersohn-Becker dipinse un altro autoritratto di nudo, oggi nel museo d'arte di Basilea, in Svizzera. Da quanto si sa, questi nudi non furono mai mostrati al pubblico quando l'artista era in vita, ma divennero noti dopo la sua morte nel novembre del 1907.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Self-Portrait at 6th Wedding Anniversary.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Amor sacro e Amor profano

In un paesaggio bucolico due donne, una vestita e una seminuda , stanno nei pressi di una fontana, nel quale un bambino alato   rimesta le acque ivi contenute. Le due donne presentano una fisionomia identica e questo significa, secondo la psicologia di Tiziano, che ogni persona possiede entrambe le caratteristiche di natura opposta, che in questo caso sono, appunto, l'amore sacro/divino e l'amore profano/passionale. Sullo sfondo si vedono una città all'alba  contrapposta da un villaggio al tramonto , dei cavalieri e dei pastori.L'opera rappresenta tutte le sfaccettature della donna, quella carnale e quella spirituale.  venere con il manto rosso tiene in mano aromi per gli dei, l'altra venere ha un vaso che ricorda le faccende domestiche. Ci sono dei conigli che rappresentano buon auspicio e fertilità. Alcuni hanno ipotizzato che Tiziano si sia ispirato al paesaggio della Val pisina, presso Serravalle, per alcuni anni residenza del pittore: così il castello di sinistra corrisponderebbe alla torre di San Floriano e lo specchio d'acqua al lago Morto.Altri ipotizzano essere un paesaggio delle colline Asolane e il castello di sinistra è la Rocca Asolana.Il paesaggio appare suddiviso in due sezioni, equamente ripartite da un albero posto al centro della scena, dietro al putto, così che ognuna delle due porzioni accompagni una delle due donne.

Prompt: Focus on Sacred and Profane Love and explain the Description.Please output in Italian.


subsection

Musica

L'Ars antiqua fu un fenomeno musicale che si formò a Parigi nel 1150 e che terminò nel 1320. Nasce in contrapposizione allArs nova, che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nel XIV secolo.Dal punto di vista della notazione musicale, la Scuola di Notre Dame introdusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note  in modo simile a quello che avviene nella scrittura musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.L'Ars nova sviluppò ulteriormente il concetto di notazione mensurale, aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni  rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell'Ars antiqua .

Prompt: Explain the Ancient Art New Art about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

1150
1320
Ars antiqua
Ars nova
Parigi
XIV secolo


section

Arca di san Domenico

rca di san Domenico è il monumento sepolcrale realizzato per Domenico di Guzmán . Si trova nella basilica di San Domenico di Bologna, più precisamente nella cappella di San Domenico, aperta sulla navata destra della basilica. L'aspetto attuale è il frutto di diversi interventi effettuati tra il XIII e il XVIII secolo.È una delle più importanti opere d'arte della città anche per testimonianze lasciate da Nicola Pisano, fra' Guglielmo e Arnolfo di Cambio, Niccolò dell'Arca, Michelangelo e Alfonso Lombardi.

Prompt: How does Arca di San Domenico explain its Abstract?Please output in Italian.

Alfonso Lombardi
Arnolfo di Cambio
Bologna
Domenico di Guzmán
Niccolò dell'Arca
Niccolò dell'Arca
Nicola Pisano
Domenico di Guzmán
XVIII secolo


section

Rachele

È patrona delle madri che hanno perso un figlio. Santa Rachele viene festeggiata il 30 settembre.Viene festeggiata anche il 24 dicembre, in cui si ricordano gli Antenati di Gesù.

Prompt: How does Rachel (sculpture) explain its Worship.?Please output in Italian.


section

Natura morta con formaggi, mandorle e salatini è un dipinto della pittrice fiamminga Clara Peeters, datato 1615 e conservato presso il Mauritshuis dell'Aia.

Prompt: Focus on Still Life with Cheeses, Almonds and Pretzels and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

Nascita di Venere

L'opera nasconde un'allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.Sicuramente la nudità della dea non rappresentava per i contemporanei una pagana esaltazione della bellezza femminile, piuttosto il concetto di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che rappresenta la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un parallelismo tra Venere e l'anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. Sarebbe dunque un'allegoria dell'amore inteso come forza motrice della Natura e la figura della dea e la posa di Venus pudica  rappresenterebbe la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima.Un'altra interpretazione associa il quadro alla necessità di rappresentare la nascita di una Medici appena nata: Maria Margherita.Tra le varie interpretazioni recenti, sta emergendo l'idea che la rappresentazione sia interpretabile attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche derivate dall'influente accademia fiorentina, che rimanderebbero ad un pensiero di matrice geografica, che a sua volta, si collega agli avvenimenti preparatori della scoperta-disvelamento del Nuovo Mondo. .Questo era del resto uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche negli altri dipinti a soggetto mitologico realizzati dal Botticelli all'incirca nello stesso periodo.Anche Giulio Carlo Argan evidenzia, tra i significati impliciti del dipinto, la corrispondenza fra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo.  nudità di Venere significa semplicità, bellezza, purezza: è un bello spirituale.  natura è espressa nei suoi elementi ; simbolica è anche la conchiglia. Il ritmo che permea l'opera è governato dal dèmone platonico, il furor che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, in quanto generato dall'aspirazione a qualcosa che non si ha o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.

Prompt: In the context of The Birth of Venus (Bouguereau), explain the Interpretation and the Description.Please output in Italian.

Giulio Carlo Argan
Marsilio Ficino
Medici


subsection

Strage degli innocenti

Il teologo e sacerdote cattolico Raymond Brown sostiene che "il racconto di Matteo contiene un numero di eventi pubblici straordinari o miracolosi che, se fossero stati reali, avrebbero dovuto lasciare tracce negli archivi ebraici o altrove nel NT ".Brown, ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro autorevole teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Sempre Brown ritiene, comunque, inverosimile che lo storico Giuseppe Flavio possa non aver citato uno degli "eventi pubblici straordinari o miracolosi che, se fossero stati reali, avrebbero dovuto lasciare tracce negli archivi ebraici o altrove nel NT" e precisa che "per quanto riguarda il massacro di Betlemme, Giuseppe Flavio, lo storico ebreo, documenta completamente gli ultimi anni del regno di Erode il Grande, concentrandosi sulle sue azioni più brutali; eppure non menziona mai un massacro di bambini a Betlemme [...] Gli ultimi anni di Erode furono tragici; ma Giuseppe Flavio li ha fatti sembrare ancor più ripugnanti. [...] Giuseppe avrebbe dovuto sentirne parlare, e se ne fosse venuto a conoscenza, l'avrebbe menzionato, ben adattandosi ai suoi scopi", anche perché "dal momento che Giuseppe stava scrivendo per l'imperatore Tito la cui amante ebrea, Berenice, era discendente dagli Asmonei, i nemici sacerdotali di Erode, era nell'interesse di Giuseppe mettere in cattiva luce Erode".Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth"., con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la visita dei magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret, avendo paura di fermarsi in Giudea per l'ascesa al trono del figlio di Erode; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia ritornò subito a Nazaret, dove abitava in precedenza: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la strage degli innocenti - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande, avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, cioè nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".Il teologo cattolico Raymond Brown nota infine, oltre a quelle sopra esposte, altre incongruenze nella narrazione matteana e si domanda come sia possibile che "in Mt2:16 Erode massacra tutti i bambini di due anni o meno di età a Betlemme e nelle regioni circostanti. Perché una simile vaghezza sul tempo e sul luogo, quando in 2:5-7 Erode stesso aveva ricevuto informazioni precise?" e infatti "in Mt2:7 si suppone che Erode abbia potuto sapere dai magi l'ora esatta in cui la stella apparve, ma perché allora il massacro dovette coprire un arco temporale così ampio come «due anni o meno di età»?"; inoltre, nel racconto "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui ?".
È anche inverosimile che, pur sapendo che Gesù era il messia inviato dallo stesso Dio e "nonostante la conoscenza delle Scritture in cui è stato istruito nella tradizione ebraica, Erode cerca lo stesso di uccidere il neonato re". Infine, lo studioso osserva che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non c'erano magi venuti dall'Oriente e dove aveva solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".
Lo stesso teologo fa ancora notare che "la teodicea  non è un problema che sembra preoccupare Matteo; piuttosto si preoccupa della vittoria di Gesù su Erode, che non può essere un vero re se uccide i figli di Israele. Il parallelo tra l'omicidio dei figli di Betlemme da parte di Erode e l'uccisione dei bambini ebrei da parte del faraone  è facilmente riconoscibile".Per Robert Eisenman, autore di Giacomo il fratello di Gesù, ad esempio, il racconto di Matteo è «un'assurdità, il cui unico scopo è creare un parallelismo con la nascita di Mosè e mettere in luce la crudeltà di Erode».Per lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio, considerando il carattere sanguinario di Erode, non è impossibile, però è sorprendente che un re spregiudicato e astuto come lui si sia fatto impaurire da un bambino ancora in fasce. Anche se nel suo ambiente la parola "messia" poteva assumere un significato magico, il gesto del re appare assurdo. Non si tratta tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se l'episodio non fosse realmente accaduto nulla cambierebbe per il credente.

Prompt: Describe the characteristics of the Arguments, against, historicity, episode in Massacre of the Innocents (Reni)'s Weariness  in  art.Please output in Italian.


subsection

Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

chiesa di Sant’Andrea a Divina era strapiena durante la messa tenutasi il 2 giugno 2017. Dopo la messa è stata inaugurata la statua con un nuovo piedistallo da Joachim Bleicker, ambasciatore della Repubblica Federale di Germania in Slovacchia, insieme a Emil Molko, sindaco di Divina, e Marek Sobola, autore del progetto. Successivamente e’sata benedetta dal Monsignore Tomáš Galis, Vescovo diocesano di Žilina. Il tutto è avvenuto a 190 anni dalla sua prima ristrutturazione dopo l’alluvione. Alla festa d’inaugurazione hanno partecipato, oltre al Vescovo diocesano, all’ambasciatore tedesco ed al Cancelliere della dimora di Žilina, anche vari partners invitati.

Prompt: Describe the characteristics of the Blessing ceremony in Statue of St. John of Nepomuk in Divina's International project.Please output in Italian.

2017
Divina
Germania
Marek Sobola
Slovacchia
Tomáš Galis
Žilina


subsection

Madonna Gualino

L'opera risulta restaurata nel 1920 , nel 1935, 1950 e 1983.  pellicola pittorica risulta oggi pesantemente consunta.

Prompt: Explain the Restorations about the History of this artwork, Gualino Madonna.Please output in Italian.


section

The Chicago Lincoln

The Chicago Lincoln  è una statua con base in granito rosa raffigurante il presidente degli Stati Uniti d'America Abraham Lincoln in piedi, senza barba, posizionata a Lincoln Square . Fu progettata da Lloyd Ostendorf per un concorso cittadino e modellata dallo scultore Avard Fairbanks ed infine eretta il 16 ottobre del 1956.

Prompt: In The Chicago Lincoln, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Le signorine Vickers

Le signorine Vickers  è un dipinto a olio su tela di John Singer Sargent. L'opera raffigura tre giovani della famiglia Vickers nella loro villa a Bolsover Hill ed è conservata al museo di Sheffield, in Inghilterra.

Prompt: How does The Misses Vickers explain its Abstract?Please output in Italian.

Bolsover Hill
Inghilterra
John Singer Sargent
Sheffield


section

Sera

Per Baudelaire  la sera può essere affascinante, Voici le soir charmant, o sollievo per l' operaio curvato dalla fatica che torna al suo letto, C'est le soir qui soulage... l'ouvrier courbé qui regagne son lit. Allo steso tempo la prostituzione si accende nelle strade, A trarvers les lueurs que tourmente le vent/la Prostitution s'allume dans les rues, ma anche C'est l'heure où les douleurs des malades s'aigrissent!/ sombre Nuit les prend à la gorge; ils finissent/leur destinée et vont vers le grouffre commun...

Prompt: How does Evening (painting) explain its Theywillbeinthemassculture?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Diana e Atteone

Diana e Atteone è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1556 e il 1559 dal pittore italiano Tiziano.È conservato nella National Gallery of Scotland ad Edimburgo e nella National Gallery di Londra.Il quadro fa parte di una serie di sette tele raffiguranti scene mitologiche tratte dalle Metamorfosi di Ovidio dipinte per Filippo II di Spagna. In questa opera, è raffigurato il momento in cui Atteone vede la nudità di Diana, episodio che provocherà la tremenda vendetta della dea.Il quadro rimase nella collezione reale spagnola fino al 1704, quando venne regalato da Filippo V all'ambasciatore francese. I duchi d'Orléans presto lo acquistarono per la loro prestigiosa collezione, che tennero fino al 1791, quando la cedettero a un mercante di Bruxelles durante gli eventi della Rivoluzione francese. Dopo alcuni altri rapidi passaggi di proprietà, parte dei dipinti fu esposta a Londra. Gran parte della collezione, comprendente Diana e Atteone, venne comperata nel 1798 da lord Francis Egerton, terzo duca di Bridgewater, dal quale passò in eredità ai duchi di Sutherland. Ad essi rimase in proprietà fino al 2009; dal 1946, però, era stato dato in prestito alla National Gallery of Scotland. Nel 2009 il settimo duca di Sutherland vendette il dipinto, a circa un terzo del prezzo di mercato, alla National Gallery of Scotland e alla National Gallery di Londra, presso le quali è ora esposto, alternativamente, per cinque anni.

Prompt: Focus on Diana and Actaeon (Titian) and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Flagellazione

Sia nei più recenti tempi moderni, che indietro nell'antichità, molte società hanno implementato nel loro sistema sociale la schiavitù, creando una vera e propria classe di schiavi.Questi schiavi erano l'ultimo gradino della piramide sociale e appartenevano, in molti casi, legalmente ai loro padroni che avevano il diritto di punirli a piacimento.  fustigazione, lungo tutta la storia, era uso comune nel punire gli schiavi.Benché la grandissima crudeltà verso gli schiavi fosse generalmente accettata sin dalla tradizione romana, alcuni schiavi domestici erano trattati 'paternalisticamente', alla stregua di un individuo con pieni diritti civili: gli schiavi erano spesso un prezioso investimento, soprattutto quelli capaci di preziosi manufatti o molto istruiti, capaci di allevare i figli dei loro padroni. Perciò talvolta la flagellazione era controllata da un medico, che aveva il potere di fermare la tortura evitando così la morte della vittima. Anche se la riforma e l'illuminismo resero con il tempo la schiavitù come una pratica inaccettabile per l'Europa civilizzata, la cosiddetta "tratta degli schiavi" americana rimase, così come la flagellazione.In modo particolare contro gli schiavi di colore, provenienti dall'Africa e diretti verso le Americhe, la fustigazione era considerata un buon metodo per incrementare disciplina e obbedienza nei destinatari. Tra le altre cose, la flagellazione era uno dei metodi per torturare le persone e per affermare potere sulle popolazioni sottoposte al dominio coloniale.

Prompt: In The Flagellation of Christ (Cimabue), how is the Slavery of the History explained?Please output in Italian.


subsection

Conseguenze della guerra

Al centro Venere, dea dell'amore - così identificabile per la nudità e per essere accompagnata tradizionalmente dagli amorini - cerca invano, con le arti della seduzione, di trattenere Marte, suo amante e dio della guerra. Cupido è probabilmente l'amorino biondo, alato, che si avvinghia alle gambe della dea, in cui si possono riconoscere le fattezze dell'amato figlio del pittore qui chiamato a impersonare il giovane dio dell'amore.Marte - perfettamente rispondente all'iconografia classica - appare solenne con scudo e spada sguainata, mentre minaccia rovina e distruzione. Egli, che campeggia al centro della scena, rappresenta quindi la furia selvaggia, cieca, spietata, che si accende nel momento in cui la battaglia si fa più serrata e, ottenebrando la mente dei combattenti, toglie dal loro cuore ogni sentimento di umanità. Dunque la guerra appare rappresentata come ripudio della ragione, come rimozione di ogni valore etico. scelta della bionda Venere, preferita ad un'altra tra le dee dell'Olimpo, è legata allegoricamente allo spirito di Humanitas che tenta di sopire la guerra o simboleggia la Vittoria dell'amore e della pace sulle atrocità della guerra.  presenza degli infanti che accompagnano la dea riporta anch'essa alla serenità di un quotidiano che viene incrinata dal conflitto.

Prompt: In Consequences of War, how is the Venus, Cupid, Mars of the Description explained?Please output in Italian.


subsection

Bellezza

Il bello per Aristotele e Platone è il "Vero". Nell'età moderna, Giambattista Vico afferma un altro criterio, secondo cui il vero è il "fatto" . Unificando questi due criteri ricaviamo la forma occidentale della bellezza, che è inevitabilmente l'arte. Il bello è nell'arte e la possibilità che la bellezza sia propria della natura è esplicitamente ammessa da Kant nella Critica del Giudizio dove definisce il bello naturale come "bello d'arte" e il "bello d'arte" come il bello di natura. Essenzialmente, nella cultura filosofica dell'Occidente il bello si definisce in funzione del giudizio che lo esprime, mentre il "bello in sé" è assolutamente chimerico.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Aristotelian concept "Beautiful" corresponds "True" and the Beauty Christianity.Please output in Italian.

Aristotele
Critica
Giambattista Vico
Platone


section

Cristo de La Laguna

Durante la Settimana Santa in città nella Domenica delle Palme il Crocifisso è fatto scendere pubblicamente dall'altare maggiore del Santuario, perché i fedeli vi si accostino per baciarne i piedi.  mattina del Venerdì Santo il Cristo lascia il suo Santuario e nel Convento di Chiara d'Assisi incontra la Vergine Addolorata, San Giovanni Evangelista e Santa Maria Maddalena; successivamente visita le chiese del centro de  guna dove si recitano le sette parole pronunciate da Cristo in croce e infine raggiunge la cattedrale. Qui si sosta diverse ore in penitenza. Nel pomeriggio il Cristo esce dalla cattedrale, ritorna al suo santuario e viene posto sull'altare.Il 9 settembre il Cristo de  guna scende ancora dall'altare maggiore e poi è portato in processione fino alla cattedrale. Nella cattedrale rimane cinque giorni, fino al 14 settembre, festa dell'Esaltazione della Santa Croce, in cui il Diocesi di Tenerife presiddida solenne Eucaristia dal Vescovo della vescovo di Tenerife celebra la Messa solenne alla presenza delle più alte autorità civili, religiose e militari delle Isole Canarie; dopo il Cristo ritorna al suo santuario. Lo stesso giorno alla notte ritorna in processione per le vie della città e si svolge uno spettacolo pirotecnico. Il 21 settembre, l'ottava della festa, si celebra una processione attorno alla Plaza del Cristo de  guna; al termine l'effigie torna sul suo altare.

Prompt: Focus on Cristo de La Laguna and explain the Processions.Please output in Italian.

Convento di Chiara d'Assisi
Cristo
Isole Canarie
Maria Maddalena
Tenerife


section

Educazione di Cupido

Poiché la tela è inferiore di 30 centimetri in altezza e in larghezza rispetto al suo pendant oggi al Louvre, si suppone che possa essere stata decurtata.Il dipinto ha una valenza simbolica di compiacimento culturale, riferibile al clima umanistico italiano, da tempo impegnato nella dialettica sulle valenze umane e spirituali dell'amore.  tesi concettuale parte dal piccolo Eros-Cupido, posto al centro, quale fanciullo capace di colpire con le sue frecce qualunque persona e di accendere in essa un'irrefrenabile passione amorosa, spesso causa di negative conseguenze.  madre allora, nella sua prima natura di Venere celeste, divina, intelligente, provvidente, che deve altresì temperarlo e indirizzarlo al bene. Ella è ben conscia della irragionevolezza del piccolo figlio, dotato di poteri travolgenti, e decide di passare dalla tradizionale punizione post factum all'educazione preventiva. Ha scelto Mercurio come insegnante, in quanto dio onnipresente, alato, portatore dei voleri di Zeus, astuto conoscitore di ogni cosa.Venere alata, con le piume azzurre, ha tolto l'arco dalle mani di Eros e trattiene il figlioletto presso il maestro.  sua nudità è totale, magnificente, uscita dal manto purpureo; ha una posa mossa, flessa e contrapposta, studiata magistralmente e vivificata dal gioco delle ombre e dalla smagliante luce sul petto. Ella ci guarda, rimarcando l'importanza della sua decisione didattica, quasi a coinvolgerci nel monito avvertibile circa le intemperanze di Amore, e sorride compiaciuta. Mercurio è a sua volta nudo, soltanto ricinto dalla vitta azzurra, e indossa i propri attributi specifici: gli alari ai piedi, per volare, e il pètaso come copricapo, anch'esso aligero, descritti con estrema cura.Mercurio introduce il dio-bambino alla lettura dei precetti che devono ordinare i sentimenti, ma Cupido tentenna, tra diligenza ed impazienza, dondolandosi sulle piccole gambe, già pronte all'infantile svicolarsi. Nelle sue alucce si raccolgono i colori degli dei che lo istruiscono, ma il loro fremere già prelude, nel battito, all'abbandono dell'apprendimento e al ritorno ai liberi capricci.Un dipinto moraleggiante e didascalico, senza dubbio, ma di respirante disincanto e felicità. Una composizione raccolta nel magnifico silenzio del bosco, rorido di cortecce, muschi e finissime erbe, ma connotato da un desiderio di cielo, come si comprende dalle varie ali qui predisposte, e dalle luci che filtrano.I due soggetti mitologici, i primi che il Correggio abbia dipinto per opere da cavalletto  e la fitta trama di citazioni dall'antica che esibiscono presuppongono comunque un committente di cultura elevata in grado di apprezzare stile e soggetto dei due lavori.È stato infatti notato come la figura di Venere richiami prototipi antichi quali la Venus pudica forse studiati sulla suggestione offerta dalla perduta Leda di Leonardo da Vinci, che già aveva ispirato la figura del re moro dell’Adorazione dei Magi di Brera.  posa di Mercurio parrebbe invece suggerita da quella della Sant'Anna del cartone di Leonardo da Vinci.A differenza del pendant al Louvre, che esibisce uno scoperto erotismo, quest'opera mantiene un tono dolce e un po' naif, come si addice alla scena rappresentata, l'educazione del piccolo Cupido.

Prompt: Focus on Venus with Mercury and Cupid and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Pala di Sansepolcro

L'opera riprese fedelmente lo schema dello scomparto centrale del Polittico di San Pietro, cioè lAscensione di Lione, con poche variazioni e con un notevole intervento della bottega. In particolare, viste le dimensioni maggiori, vennero amplificati alcuni elementi decorativi, come i nastri svolazzanti tenuti dagli angeli, o la resa morbida e sfumata degli incarnati. Lo schema della composizione è impostato su due registri paralleli quasi non comunicanti, con Cristo che ascende in una mandorla tra angeli  nella parte superiore, e un gruppo inferiore della Madonna tra gli Apostoli immersi nel paesaggio umbro, punteggiato da esili alberelli. Perugino ricorse con sicurezza a uno schema misurato e piacevole, impostato sulle simmetrie e sulla pacatezza dei sentimenti, con colori brillanti ma sfumati con dolcezza e con un'attenzione ai particolari decorativi.

Prompt: How does Sansepolcro Altarpiece explain its Description and style?Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Nonostante i risultati fino ad allora conseguiti fossero alquanto altalenanti, continuò a mantenere la fiducia e l'amicizia di Grant, tanto che quando quest'ultimo venne chiamato dal presidente ad assumere l'incarico di comandante generale e la guida delle truppe dell'Union Army che combattevano nel Teatro Orientale, Sherman  venne nominato a succedergli a capo della Divisione militare del Mississippi.Il nuovo ruolo comportava la direzione di tutte le operazioni belliche da svolgersi nel Teatro Occidentale; in una lettera indirizzata al nuovo generale in capo gli spiegò con estrema chiarezza quale sarebbe stata la sua strategia militare per portare a termine positivamente la guerra, concludendo:"se voi riuscite a frustrare Robert Edward Lee e io posso marciare verso l'Oceano Atlantico penso proprio che lo zio Abe [Lincoln] ci darà infine il suo consenso a lasciarci almeno venti giorni di licenza per poter vedere i nostri familiari".Procedette quindi ad invadere lo Stato della Georgia con tre eserciti: l'Armata del Cumberland, forte di  uomini sotto il comando di George H. Thomas; l'Armata del Tennessee, con James B. McPherson a capo di  uomini ed infine l'Armata dell'Ohio formata da  soldati comandati da John Schofield.upright=1.8Mappa della Condusse la campagna di Atlanta con una lunga serie di manovre e di scaramucce, attraverso il terreno montuoso, contro l'Armata confederata del Tennessee diretta da Joseph Eggleston Johnston; tentando un assalto diretto solo nella sanguinosa ed inconcludente battaglia di Kennesaw Mountain. A luglio il "troppo cauto" Johnston fu sostituito dal più aggressivo John Bell Hood il quale si azzardò a sfidarlo apertamente in diversi scontri campali risoltisi con la disfatta sudista.Nel frattempo, ad agosto: "venni a sapere che mi era stato concesso il grado militare di maggior generale nell'esercito regolare, il che giunse del tutto inaspettato, e nemmeno desiderato almeno fino a quando non fossi riuscito a conquistare Atlanta".  nomina non fu però ratificata dal Senato fino al dicembre seguente. campagna si concluse con un pieno successo il 2 settembre 1864 con la presa della città, dopo che Hood si ritrovò costretto ad abbandonarla; un risultato che rese il suo nome sempre più familiare all'opinione pubblica dell'Unione e che sicuramente contribuì a garantire la rielezione dello stesso Abraham Lincoln alla presidenza nelle elezioni presidenziali del 1864 con una maggioranza schiacciante.Ad agosto il Partito Democratico aveva scelto come proprio candidato George McClellan, il famoso ex comandante generale unionista, e sembrava quantomeno assai probabile che il presidente in carica avrebbe finito con l'essere sconfitto; se ciò si fosse realmente verificato avrebbe forse potuto significare la vittoria dei ribelli secessionisti, poiché il programma politico di McClellan richiedeva "negoziati di pace" immediati basati sul riconoscimento dell'indipendenza degli Stati Confederati d'America.In questo modo la cattura di Atlanta, giungendo esattamente in quel momento cruciale, può anche essere considerata come il maggior contributo di Sherman alla causa della democrazia e del repubblicanesimo così come li aveva sempre intesi il presidente. abitanti, caricate le masserizie sui carri, vecchi e bambini si posero in cammino sulle strade polverose della Georgia, misera e spaurita folla di profughi senza meta.Raimondo Luraghi}}Dopo aver ordinato ai civili di abbandonare immediatamente la città alla metà di settembre, diede istruzioni precise affinché tutti gli edifici militari e governativi venissero dati alle fiamme: questo doveva costituire un precedente per il comportamento dei suoi eserciti nell'immediato futuro.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Campaign Atlanta and the Youth.Please output in Italian.

Abraham Lincoln
Armata confederata del Tennessee
Armata del Cumberland
Armata del Tennessee
Armata dell'Ohio
Atlanta
Divisione militare del Mississippi
George H. Thomas
James B. McPherson
John Bell Hood
John Schofield
Joseph Eggleston Johnston
Joseph Eggleston Johnston


subsection

Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: Explain the Contemporary Age about the The  lion  hunt  of  the  Masai of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


subsection

Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in theology in Annunciation (Caravaggio)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


section

Ritratto di giovane con la mela

Non si conoscono le origini del dipinto, né l'esatta identificazione dell'effigiato. Le ipotesi più accreditate, ormai da molti anni, legano l'opera alla committenza Montefeltro/Della Rovere di Raffaello, con una serie di opere che giunsero a Firenze da Urbino con la dote di Vittoria della Rovere nel 1631.Un po' come il Ritratto di Elisabetta Gonzaga, nello stesso museo, l'opera è stata assegnata a vari autori , tra cui è ormai preponderante l'attribuzione proprio a Raffaello, anche per il livello artistico molto alto. Per quanto riguarda il soggetto, tradizionalmente si riferisce a Francesco Maria della Rovere, il giovane, figlio di Giovanna da Montefeltro e Giovanni della Rovere a cui spettò il ducato di Urbino dopo essere stato adottato dal Duca, per l'estinzione della linea maschile dei Montefeltro dovuta alla sterilità di Guidobaldo I. Alcuni, quali Lietzmann e Becherucci, pensarono invece che il ritratto ritraesse lo stesso Guidobaldo, di cui esiste un altro ritratto raffaellesco di altrettanto incerta identificazione.

Prompt: In Young Man with an Apple (Raphael), how is the History discussed?Please output in Italian.

1631
Della Rovere
Firenze
Giovanna da Montefeltro
Giovanni della Rovere
Ritratto di Elisabetta Gonzaga
Urbino
Vittoria della Rovere