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divisionismo

Il Divisionismo trae dal Simbolismo la rivalutazione dei miti, il misticismo, il rapporto tra musica e pittura propria dell'estetica wagneriana e soprattutto per la corrispondenza tra essi ed il mondo interiore, ma si caratterizza per l'impegno sociale e politico dei suoi aderenti. Scapigliatura lombarda di metà dell'Ottocento provoca la perdita l'interesse antiaccademico che contrasta l'arte consacrata dalla tradizione, il contenuto mitologico e storico, le forme classicheggianti o puriste, privilegiando invece il ritratto di introspezione psichica o sentimentale comuni anche al Realismo. Per la tecnica pittorica, caratterizzata da contorni sfumati, colore spumoso, forte contrasto chiaroscurale, la Scapigliatura viene accostata all'Impressionismo, ma se ne diversifica per l'acuta sensibilità e l'intimismo dell'interpretazione.Verso la fine del secolo, l'aggravarsi dei problemi sociali viene registrato dagli artisti i cui contenuti pittorici si fanno più tragici, la scienza, invece che sanare la triste condizione delle masse, diventa mezzo per accrescerne lo sfruttamento. L'arte è ora interpretata come una via di salvezza, per cui si estende ad ogni aspetto della vita .Contro il Positivismo si assiste alla rivalutazione della filosofia di Schopenhauer, anche attraverso il pensiero di Nietzsche, secondo la quale il mondo fenomenico è ritenuto pura apparenza, mentre solo la contemplazione artistica consente il contatto con la verità. Secondo lo Spiritualismo di fine secolo, la natura è percorsa da forze vitali, identificate nella forma artistica della linea curva, serpentina.L'artista si rifugia nell'interiorizzazione del rapporto arte/natura, che interpreta con sottolineature diverse, accentuandone il significato simbolico evocativo, che si concretizza nel divisionismo. In questo senso, se il pointillisme si ricollega al Positivismo, la teoria divisionista ne diventa una sorta di antitesi. Per Previati: sinistraStile divisionista a confronto con lo stile a macchia dei macchiaioli.Il tratteggio, già adottato nei disegni e nelle incisioni, diventa pennellata direzionale, che spesso si avvolge su se stessa, filamento arabescato, che asseconda le forme, si piega in matasse di luce/colore, dall'andamento spesso circolare, a spirale, a sezione di cerchio, perché la luce è vita. Nell'interpretazione di Previati si ravvisano più esplicitamente, sia nel valore di segno dei soggetti, sia nell'uso della linea curva, i caratteri propri del Simbolismo .Segantini, in Così penso e sento la pittura per "Cronaca d'arte" di Milano del 1º febbraio 1891, attribuisce all'arte un valore religioso: "Letteratura, musica, pittura, ...formeranno la trinità dello spirito. Un forte sentire, a contatto della natura..." Le tematiche si differenziano dalla corrente francese puntinista: sebbene in un primo periodo venissero riproposti paesaggi e scenari all'aria aperta, questi lasciarono posto a problematiche sociali e vita quotidiana  in particolare nel caso di Pellizza e Plinio Nomellini i cui interessi artistici si intrecciarono all'attivismo socialista. Nel caso di Previati invece profonde riflessioni su temi religiosi.

Prompt: How does Divisionism explain its Aesthetic concepts?Please output in Italian.

1891
Impressionismo
Plinio Nomellini
Positivismo
Scapigliatura
Simbolismo
Spiritualismo


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amore

lingua greca distingue vari significati differenti in cui può venir utilizzata la parola "amore". Ad esempio, il greco antico possiede i termini philia, eros, agape, storge e xenia. Tuttavia, con il greco , può risultare alquanto difficoltoso separare storicamente i significati di queste parole in un modo univoco e totale. Allo stesso tempo, il testo greco della Bibbia riporta esempi del verbo "agapo" avente lo stesso significato di "phileo".Agape  significa specificamente amore nel greco moderno. Il termine "S'agapo" vuol dire "ti amo" in greco; la parola agapo corrisponde al verbo amore. Esso si riferisce generalmente ad un tipo ideale di amore "puro", piuttosto che all'attrazione fisica suggerita da eros. Tuttavia, ci sono alcuni esempi in cui si utilizza agape per indicare lo stesso significato dato da eros. È stato infine anche tradotto come "l'amore dell'anima."In senso più eminentemente religioso-spirituale è l'amore nei confronti del prossimo, un concetto vicino all'attuale idea di altruismo; si caratterizza per la sua spontaneità, non è perciò un atto intenzionale o una forma di cortesia superficiale proveniente dalla buona educazione, ma una vera e propria empatia per gli altri, vicini o sconosciuti che siano. Nella tradizione cristiana dei Padri della Chiesa, la parola è identificata con il concetto di beneficenza, anche se è più vicino ad un rapporto fisico instaurato con le persone che soffrono.Eros   è l'amore passionale, che conduce ed accompagna il desiderio sensuale.  parola greca erota significa innamorato. Platone ha affinato la sua propria definizione: anche se l'eros inizialmente è sentito per una persona, con la contemplazione diventa un apprezzamento della bellezza che è presente e vivente all'interno di quella persona, o addirittura diventa apprezzamento della bellezza stessa. Eros aiuta l'anima a riconoscere il richiamo della bellezza e contribuisce alla comprensione della verità spirituale. Amanti e filosofi sono entrambi, pertanto, ispirati a cercare la verità che proviene dall'eros. In alcune traduzioni può anche venir inteso come "amore per il corpo".A volte intesa come passione negativa prodotta da épithumia-appetito, ma anche come una forma di "pazzia divina" causa delle più grandi benedizioni per gli uomini. Esso tuttavia può mescolarsi con philia tramite la pederastia - nella sua accezione di pederastia greca - che lega un uomo maturo-erastès che ama ad uno più giovane-eromenos che viene amato.Philia , un amore spassionato e virtuoso , è stato un concetto affrontato ed ampiamente sviluppato da Aristotele. Comprende la lealtà rivolta agli amici, ai parenti e alla comunità di appartenenza; essa richiede la virtù, l'uguaglianza, e la familiarità. Philia è motivato da ragioni pratiche; una o entrambe le parti beneficiano del rapporto. Può anche significare "l'amore della mente"; è un concetto estensivo di amicizia che non poteva esistere altro che tra persone dello stesso sesso, a causa della forte disuguaglianza tra i sessi esistente.Storge  è un affetto naturale, come quello sentito dai genitori per i figli.Xenia , l'ospitalità, era una pratica estremamente importante nella Grecia antica. Era un'amicizia quasi ritualizzata formata tra un ospitante e dal suo ospite, che potrebbero anche esser stati in precedenza dei perfetti estranei. L'ospitante offre il vitto e fornisce un alloggio per gli ospiti, aspettandosi di essere rimborsati solamente con un senso di gratitudine e riconoscenza. L'importanza di questo istituto può essere veduto bene in tutta la mitologia greca e nella letteratura a partire da Omero in poi.

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient Greece of the In the arts explained?Please output in Italian.

Agape
Aristotele
Eros
Omero
Padri della Chiesa
Philia
Platone


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Madonna della Scodella

Prompt: How does Madonna della Scodella explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Mentre la Stanza della Segnatura era in via di completamento, Raffaello, nell'estate del 1511, incominciò a elaborare i disegni per la decorazione della stanza successiva, destinata a sala delle Udienze. A giugno il papa era tornato a Roma dopo una campagna militare disastrosa contro i francesi, che aveva comportato la perdita di Bologna e la continua minaccia degli eserciti stranieri nella penisola.In quel momento di incertezza politica venne deciso un programma decorativo che sottolineasse la protezione accordata da Dio alla sua Chiesa in alcuni momenti della sua storia, descrivendo interventi miracolosi contro nemici interni ed esterni, e affidandosi al culto dell'eucaristia, particolarmente caro al papa.Quattro gli affreschi alle pareti:# Cacciata di Eliodoro dal tempio # Messa di Bolsena # Liberazione di san Pietro # Incontro di Leone Magno con Attila Nella volta Raffaello ha rappresentato quattro episodi biblici. Rispetto alla stanza precedente appaiono evidenti le novità stilistiche, derivate dal confronto con Michelangelo e con i coloristi veneti. Le scene sono più concitate, con ombre più profonde, colori più densi, composizioni in cui la ricerca di simmetria si fa più libera e sciolta, fino alla prima scena completamente asimmetrica, lIncontro di Leone Magno con Attila, anche per la contrapposizione tra la furia degli Unni e il pacato avanzare del papa, sicuro della propria infallibilità garantita dalla protezione divina.Lo schema è il seguente: { border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Roveto ardente  120px  Cacciata di Eliodoro dal tempio - Sud  100px  Sacrificio di Isacco  120px  Messa di Bolsena - Ovest  100px  Apparizione di Dio a Noè  120px  Incontro di Leone Magno con Attila - Nord  100px  Scala di Giacobbe  120px  Liberazione di san Pietro}

Prompt: Describe the characteristics of the Eliodoro's room in Raphael Rooms's Description.Please output in Italian.

1511
Bologna
Cacciata di Eliodoro dal tempio
Incontro di Leone Magno con Attila
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The self-portrait of the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Cupressus

I cipressi sono alberi sempreverdi con foglie ridotte a squame, strettamente addossate le une alle altre o divaricate all'apice, secondo le specie. In alcune specie, le foglie schiacciate rilasciano un caratteristico odore. Il colore delle foglie è molto scuro nel cipresso diffuso in Italia , ma in altre specie è più chiaro  e persino verdazzurro .I coni megasporangiati, detti galbuli, sono legnosi, tondeggianti, divisi in un certo numero di squame che si separano a maturità.

Prompt: In Cypresses (Metropolitan Museum of Art), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Gli irlandesi chiamano il giorno la festa dell'Epifania Piccolo Natale o "Natale delle donne" . Al Nollaig na mBan, le donne tradizionalmente si riposavano e festeggiavano per se stesse dopo la cucina e il lavoro delle vacanze di Natale. Era usanza che le donne si riunissero in questo giorno per un pranzo speciale, accompagnato dal vino per onorare il miracolo delle Nozze di Cana.L’usanza odierna è che le donne cenino in un ristorante o si riuniscano in un pub la sera. In questo giorno possono anche ricevere regali da figli, nipoti o altri membri della famiglia. Un'altra usanza popolari che simboleggiano la fine del periodo natalizio nell’Epifania è quella di bruciare nel camino i rametti di agrifoglio natalizio che sono stati usati come decorazioni negli ultimi dodici giorni. celebrazione dell'Epifania funge da ambientazione iniziale per - e fissa l'azione, il tema e il climax - del racconto di James Joyce I morti, appartenente alla sua raccolta del 1914 Gente di Dublino.

Prompt: Explain the Ireland about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (La Tour) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Storie di Mosè ed Evangelisti

serie del Duomo di Pisa è composta da sei tavole, due legate alle Storie di Mosè, in particolare all'ira del profeta e divina per aver scoperto gli Israeliti devoti al Vitello d'oro mentre riceveva le Tavole della legge sul Monte Sinai: per questo il profeta prima distrugge le tavole, poi il castigo divino si abbatte sugli infedeli Core, Dathan e Abiron sotto forma di pioggia infuocata. Queste tavole hanno un vorticoso andamento che ben si addice alle scene movimentate. Figure tormentate si aggrovigliano, urlano e si disperano, ricordando i dannati dei Giudizi universali, la statuaria ellenistica  e Michelangelo. Nonostante i modelli, le figure sono rese diafane e allungate più che mai, dipendenti dal sinuoso contorno per prendere corpo, come effetti irreali accentuati dalla luce radente, quasi a macchie. Anche la scala delle figure è resa con estrema liberà: nella scena della distruzione delle Tavole un enorme Mosè torreggia in secondo piano davanti a un vitello d'oro piccolissimo, vicino a figure più piccole che riacquistano una dimensione normale solo con la fanciulla in primo piano. Le Storie di Mosè di Pisa contengono numerosi spunti ripresi e sviluppati nei cartoni per il pavimento del Duomo di Siena. Le tavole degli Evangelisti hanno un ritmo più solenne e pacato. A figura intera, i santi sono inseriti in una nicchia con la luce che proviene ora da destra, ora da sinistra, proiettando la conseguente ombra ai lati della figura. Posti vicino ai propri simboli in basso, con l'eccezione di Matteo che parla col suo angelo in alto, sono illuminati da una luce forte e radente, e arricchiti da giochi cromatici nelle vesti, dalla raffinatezza tipicamente manierista. { border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! Img !! Soggetto !! Data !! Misure !! Note- align=center  150px  Mosè che spezza le Tavole della legge  1538  197x139 cm - align=center  150px  Castigo del fuoco celeste su Core, Datan e Abiron  1539  197x139 cm  L'uomo con la barba nera che urla a sinistra potrebbe essere un autoritratto del pittore.- align=center  95px  San Giovanni  1539  197x88 cm  - align=center  95px  San Luca  1539  197x88 cm  - align=center  95px  San Matteo  1539  197x88 cm  - align=center  95px  San Marco  1539  197x88 cm  }

Prompt: In Stories of Moses and the Evangelists, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1538
1539
Dathan
Duomo di Pisa
Pisa
Vitello d'oro


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Magi (Velázquez), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Cacciatori nella neve

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: Focus on The Hunters in the Snow and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Giulio II, pochi anni dopo l'inizio del suo pontificato, si rifiutò di utilizzare l'Appartamento Borgia, indissolubilmente legato al suo predecessore Alessandro VI. Testimonia una nota del suo cerimoniere Paride Grassi: "non volebat videre omni hora figuram Alexandri praedecessoris sui" . Per questo scelse alcuni ambienti al secondo piano del Palazzo Apostolico nell'ala settentrionale, frutto delle ricostruzioni parziali di Niccolò V.Secondo quanto testimonia Vasari questi ambienti presentavano già decorazioni quattrocentesche importanti, con alcune pareti affrescate da Piero della Francesca, Benedetto Bonfigli, Andrea del Castagno, Luca Signorelli e Bartolomeo della Gatta. Perugino ad esempio lavorò alla volta della Stanza dell'Incendio nel 1508, ma il suo lavoro non piacque al papa che lo liquidò velocemente.Fu probabilmente Bramante, architetto pontificio incaricato di ricostruire la Basilica vaticana, a suggerire al pontefice il suo conterraneo Raffaello Sanzio, a quell'epoca di stanza tra Firenze, l'Umbria e le Marche, reduce da un clamoroso successo con la Pala Baglioni a Perugia. Non è chiaro quando il pittore giunse a Roma: sicuramente il 21 aprile 1508 era ancora a Firenze , mentre il 13 gennaio 1509 era già accreditato alla tesoreria pontificia per un ordine di pagamento, verosimilmente legato alla Stanza della Segnatura. Probabilmente l'urbinate si aggiunse nel corso degli ultimi mesi del 1508, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.

Prompt: In Raphael Rooms, how is the History discussed?Please output in Italian.

1508
1509
Andrea del Castagno
Appartamento Borgia
Bartolomeo della Gatta
Benedetto Bonfigli
Bramante
Luca Signorelli
Pala Baglioni
Palazzo Apostolico
Paride Grassi
Perugia
Perugino
Piero della Francesca
Perugino
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Nike di Samotracia

Prompt: In Winged Victory of Samothrace, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Statua di Henrietta Lacks

Henrietta cks fu una donna afroamericana nata il primo agosto del 1920 e morta il 4 ottobre del 1951 a causa di un cancro della cervice uterina sviluppatosi molto rapidamente.Le cellule tumorali isolate di una biopsia del suo tumore furono le prime cellule umane ad essere state coltivate in vitro con successo.  linea cellulare che ne risultò si rivelò particolarmente stabile e prolifica ed è stata utilizzata con il nome "He" nei laboratori di ricerca del mondo intero.

Prompt: How does Statue of Henrietta Lacks explain its Subject?Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Explain the Historical crucifixions of this artwork, The Crucifixion (Cranach).Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Bonaparte valica le Alpi

Abbot, J. S. C. Napoleon Bonaparte. Kessinger Publishing, 2004.  Alison, A. History of Europe from the Commencement of the French Revolution in MDCCLXXXIX to the Restoration of the Bourbons in MDCCCXV. W. Blackwood and sons, 1854. Britt, A.B. The Wars of Napoleon. Square One Publishers, Inc., 2003. . Bunbury, H.E. Narratives of some passages in the great war with France, from 1799 to 1810. 1854. Chandler, D. G. Napoleon. Leo Cooper, 2002. . Clancy-Smith, J.A. North Africa, Islam and the Mediterranean World: From the Almoravids to the Algerian War. Routledge, 2001.  Clubbe, J. Byron, Sully, and the Power of Portraiture. Ashgate Publishing, Ltd., 2005.  Dodge, T.A. Napoleon: A History of the Art of War. Adamant Media Corporation, 2001.  El-Enany, R.; Inc NetLibrary Arab Representations of the Occident East-west Encounters in Arabic Fiction. Routledge, 2006.  Foucart-Walter, E. Paul Delaroche et le thème du passage du Saint-Bernard par Bonaparte pp. 367–384 in  Revue du Louvre No 5-6 1984 Herold, J.C. The Age of Napoleon . Houghton Mifflin Books, 2002. . Jefferies, F. The Gentleman's Magazine. Published 1856. Kelley, T.M. Reinventing Allegory. Cambridge University Press, 1997.  The American Whig Review, by the Making of America Project. Published first in 1845. Mason, D.S. Revolutionary Europe, 1789-1989: Liberty, Equality, Solidarity. Rowman & Littlefield, 2005.  Murray, C.J. Encyclopedia of the Romantic Era, 1760-1850. Taylor & Francis, 2004.  Quilley, G.; Bonehill, J. Conflicting Visions: War and Visual Culture in Britain and France, C. 1700-1830 Ashgate Publishing, Ltd., 2005. . Thiers, M.A. History of the Consulate and the Empire of France Under Napoleon. Kessinger Publishing, 2005. . Tuckerman, H.T. Poems. Ticknor, Reed, and Fields, 1851. Walther, I.F.; Suckale, R. Masterpieces of Western Art: A History of Art in 900 Individual Studies Taschen, 2002.

Prompt: Focus on Bonaparte Crossing the Alps and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna del Diadema blu

Si tratta di una Madonna del Velo: Maria solleva un velo trasparente per scoprire il figlio addormentato, prefigurandone la tragica sorte. Alla Crocifissione rimanda anche la croce di san Giovannino. Raffaello addolcì la scena con un tono intimo a familiare, a cui partecipa anche Giovanni Battista, abbracciato da Maria e dolcemente sorridente. Il Bambino dormiente cita forse opere della statuaria antica, o il celebre Cupido dormiente di Michelangelo.Spicca l'accento plastico nei panneggi, fortemente chiaroscurati, e l'effetto dinamico della figura di Maria, con il velo, retto dal diadema blu che dà il titolo all'opera, gonfiato dallo spostamento d'aria, a sottolineare il suo movimento in avanti.Lo sfondo è composto da un paesaggio aperto, dove rovine incombenti fanno da quinte, mentre al centro, in lontananza, si vede il profilo di una città, probabilmente Roma, con un tempio classico con statue sul timpano.Appartiene allo stile di un allievo la tavolozza ricca di colori pastello smaltati, simili alla porcellana.

Prompt: How does Madonna with the Blue Diadem explain its Description and style?Please output in Italian.


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Venere esquilina

statua venne ritrovata nel 1874 sull'Esquilino nella zona presso l'odierna Piazza Vittorio, in una sala sotterranea degli Horti miani, da cui proviene anche il ritratto di Commodo come Ercole.Interpretata al momento della scoperta come Venere-Iside, più recentemente si è ritenuto che si trattasse di una raffigurazione di Cleopatra, databile nella seconda metà del I secolo a.C.. Secondo questa tesi il cobra raffigurato sul vaso rappresenterebbe lureus, simbolo della regalità egizia.Nel periodo da giugno a settembre del 2008, la scultura è stata esposta presso il padiglione italiano nell'Esposizione Internazionale di Saragozza  ed è diventata la massima attrazione dei visitatori del padiglione. Per tutto il periodo è stata custodita 24 ore su 24 da agenti della Guardia di Finanza.Il 27 gennaio 2016 in occasione dell'importante viaggio in Italia del presidente iraniano Hassan Rohani, la scultura insieme ad altre opere d'arte sono state coperte con pannelli in compensato affinché le immagini ufficiali della visita potessero essere trasmesse alla televisione iraniana.Una copia si trova nel museo del Louvre.

Prompt: Focus on Esquiline Venus and explain the History.Please output in Italian.

1874
Cleopatra
Esquilino
I secolo a.C.
Iside


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Colosso dell'Appennino

villa si trova a circa 10 chilometri a nord di Firenze, ai piedi dell'Appennino. Ospita il cosiddetto Prato del Appennino, frontale al colosso. tutta la tenuta andò incontro ad uno stato di abbandono. alla famiglia Demidoff, che quindi costruì la propria villa. che la aprì al pubblico.

Prompt: Focus on Apennine Colossus and explain the Position and property.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Nel Nuovo Testamento troviamo riferimenti al sacrificio, in due lettere. Nella Lettera agli Ebrei , passo che potrebbe ricalcare l'esegesi ebraica secondo la quale, Abramo credeva che Dio potesse resuscitargli il figlio dopo il sacrificio:e nella Lettera di Giacomo in

Prompt: Explain the New Testament references of this artwork, Sacrifice of Isaac (Caravaggio).Please output in Italian.

Abramo
Lettera agli Ebrei
Lettera di Giacomo
Nuovo Testamento


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Adorazione dei pastori

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (Lorenzo di Credi) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Studiolo di Guidobaldo da Montefeltro

Un'iscrizione latina corre in alto lungo il fregio dello studiolo , che tradotta significa "Guardate come gli eterni studenti della venerabile madre, uomini eminenti per cultura e genio, si inchinano con collo nudo e ginocchia piegate davanti all'immagine della loro madre.  loro reverenda pietà prevale sulla giustizia e non si pentono per aver ceduto alla loro madre adottiva".  "madre" a cui si riferisce l'iscrizione è forse la Matematica o la Geometria.Gli scomparti delle tarsie rivelano alcuni stipi e armadietti colmi di oggetti legati alle arti, alla musica e allo studio. Si riconoscono, tra gli altri, un pendolo e una squadra appesi a un piolo, un compasso e una cetra appoggiati su un libro ed una clessidra, strumenti legati alla misurazione ed al calcolo delle proporzioni che tanta attenzione ebbero presso la corte urbinate. In un altro stipo si vede rappresentato invece il monile dell'Ordine della Giarrettiera di cui Federico fu insignito, mentre altrove sono raffigurati cinque pezzi di armatura, allusivi al mestiere delle armi del committente: un paio di gambali , un paio di speroni, una mazza, un paio di guanti di ferro, e un elmo con l'aquila dei Montefeltro.Numerosi sono anche i simboli e emblemi araldici di Federico, come lo struzzo che tiene nel becco una punta di lancia e la scritta in tedesco "Posso inghiottire un grande ferro", da intendere come resistenza alle avversità; oppure l'ermellino circondato dal fango con la scritta "NO MAI", che allude alla leggenda secondo cui l'ermellino preferisse morire piuttosto che macchiare la propria candida pelliccia, da intendere come simbolo di purezza ed integrità; la gru con la zampa all'insù e con una pietra negli artigli, che allude alla vigilanza, intesa come virtù del comandante militare; le lingue di fuoco col monogramma F[ederico] D[ux] in caratteri gotici, simbolo delle fiamme d'amore del gruppo di giovani veneziani che si definivano "Gli infiammati" di cui Federico fece parte; un pappagallo con le ali verdi ed il becco rosso in una gabbia che contiene una scatola di semi, simbolo di lussuria domata.

Prompt: Focus on Studiolo from the Ducal Palace in Gubbio and explain the Lethargy.Please output in Italian.


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Estasi di santa Teresa d'Avila

L'interpretazione che studiosi della psicoanalisi come Marie Bonaparte hanno dato  all'esperienza dell'estasi mistica in termini di pulsione erotica che si esprime sublimandosi nel deliquio dell'afflato spirituale, ha condotto la critica a sottolineare in quest'opera di Bernini la bellezza sensuale e ambigua dei protagonisti, avvalorando così la possibilità di una sua lettura in termini psicoanalitici. Lo psicologo italiano Enzo Bonaventura fa riferimento a Cupido, evidenziando, a livello simbolico, un nesso tra la figurazione greca e la trasfigurazione religiosa nell'arte cristiana. Per provarne la legittimità, occorre solo richiamare la parola di Renan in viaggio a Roma, davanti a questo stesso gruppo statuario: «Si c'est cela l'extase mystique, je connais bien des femmes qui l'ont éprouvée». Si potrebbe comunque ulteriormente citare il conte de Brosses, il Marchese de Sade o lo scrittore Veuillot.Collateralmente a quest'interpretazione che considera l'esperienza di Teresa, e la scultura che la ritrae, nei termini di quello che  potremmo chiamare «erotismo sacro», si deve tuttavia osservare che l'approfondimento della biografia dell'artista napoletano ha recentemente messo nella giusta luce la sua religiosità; una religiosità che in quel periodo della sua vita  si era rafforzata attraverso la pratica degli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, eseguiti sotto la guida dei padri gesuiti che egli frequentava. Verosimilmente la lettura della vita di santa Teresa non dovette essere un fatto occasionale, limitato a singoli passi, segnalati magari dal committente. Al contrario, alcuni studiosi hanno letto nellEstasi di santa Teresa anche l'eco del racconto di altre esperienze mistiche, come quella della santa genovese Caterina Fieschi Adorno. straordinaria qualità estetica e l'intensa drammaticità del gruppo marmoreo è dunque da collegare alla personale ricerca spirituale di Bernini, al suo impegno a scoprire per sé stesso, per poi mostrare a tutta la comunità dei fedeli il senso di quell'amore espresso oltre ogni misura verso il Redentore, che trova esempio nella vita dei santi.L'influenza dell'opera di Bernini fu enorme non solo sui contemporanei, ma anche su molti artisti dei secoli successivi. Il famoso compositore Pietro Mascagni, ad esempio, nel 1923 compose una visione lirica per orchestra dal titolo Contemplando la santa Teresa del Bernini, un brano della breve durata di appena quattro minuti.  scultura è altresì il soggetto della canzone “The Lie”, contenuta nell'album del cantautore inglese Peter Hammill The Silent Corner and the Empty Stage.

Prompt: In the context of Ecstasy of Saint Teresa, explain the Psychoanalytic interpretation and the Description.Please output in Italian.

Cupido
Enzo Bonaventura
Estasi
Ignazio di Loyola
Marchese de Sade
Marie Bonaparte
Peter Hammill
Pietro Mascagni
Roma
The Silent Corner and the Empty Stage


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Festino degli dei

Secondo le interpretazioni più correnti, l'episodio sarebbe tratto dai Fasti di Ovidio e narrerebbe "un'impresa" del deforme Priapo: dopo un festino degli dei, il semidio, approfittando del torpore generato dal vino, cerca di possedere nel sonno la ninfa Lotide o, secondo un'altra interpretazione, la dea della castità Vesta; essa però viene svegliata dal raglio dell'asino di Sileno, tra lo scorno del farabutto e le risate degli altri dei. Un'allusione al segreto scoperto sarebbe il fagiano sull'albero, simbolo di promiscuità e ciarlaneria, perciò di tradimento che fa scoprire il segreto. Sarebbe quindi effigiato l'istante sospeso immediatamente anteriore alla scoperta, una raffinata istantanea scattata prima della tempesta.Gli dei sono riuniti in olimpico convito: un lungo, estenuante banchetto durato tutta la notte: adesso, verso l'alba, mentre alcuni son colti dal sonno, sfiancati dal vino e dalle libagioni, Nettuno, al centro, può prendersi qualche libertà, con la mano destra nell'intimità di Cibele, con la sinistra sul fondo schiena di Cerere; qua e là si vedono satiri intenti al servizio, mentre a sinistra è presente Sileno, con l'asino, e il giovane Bacco, che riempie una brocca alla botte: la sua figura si trova anche in un altro dipinto di Bellini di quegli anni, il Bacco fanciullo nello stesso museo americano. Tra le figure ben riconoscibili, in primo piano al centro, si vede Mercurio mollemente sdraiato: nella sua postura si è talvolta letta un'anticipazione della Danae di Tiziano . scena dovrebbe avere un carattere lascivo ed erotico, ma invece il tutto appare un po' rigido e freddo), ma piuttosto per un approccio tutto sommato casto e moderato al tema, tipico di altre opere come la Giovane donna nuda allo specchio.Il tentativo di aggiungere dettagli più espliciti da parte dell'artista non riuscì tuttavia a movimentare questa scampagnata divina, tantomeno a renderla fascinosamente erotica: lo scarto di cultura e di mentalità col secolo che entrava - con i suoi nuovi astri nascenti - era evidentemente troppo abbondante. In definitiva a Bellini interessava creare un tono di pacata ed arcaica fiaba mitologica, caratteristica che neanche le modifiche successive alterarono.«Eppure, anche per le mani di altri, resta non sfiorata la purezza della poesia di Giovanni, che era quella di uomo che meditava [...] sulla bellezza dell'esserci dell'uomo al mondo».Così, a ben vedere, il dipinto è attraversato da una sorridente e blanda ironia, che evita di fermarsi sui particolari più crudi del racconto del poeta latino, per meditare invece nel considerare amabilmente le divine debolezze degli dei.Philipp Fehl ha avanzato anche un'altra ipotesi, cioè che l'opera rappresenti un passo dellOvidio volgarizzato , pubblicato da Giovanni de' Buonsignori, piuttosto che dei Fasti. In quel testo il festino è in realtà un baccanale, i cui convenuti non sono dei ma uomini: solo in un secondo momento la composizione sarebbe stata mutata per adeguarla all'altra fonte letteraria. Nella redazione originale belliniana infatti solo i satiri e il Bacco fanciullo sono manifestamente divini, a indicare lo svolgimento dei misteri bacchici, gli altri personaggi non è detto che lo siano.

Prompt: How does The Feast of the Gods explain its Description and style?Please output in Italian.

Bacco
Bacco fanciullo
Cerere
Cibele
Giovane donna nuda allo specchio
Lotide
Philipp Fehl
Priapo
Sileno
Vesta


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Ritratto di condottiero

Il ritratto è uno dei migliori esempi della produzione di Bellini in questo campo, avviata almeno dal 1474. Il dipinto, di provenienza e soggetto ignoti , si trovava nelle collezioni del dottor Pellegrini a Venezia, che lo vendette nel 1786 a Sir Abraham Hume. Passato ai suoi eredi, venne venduto sul mercato londinese nel 1923 e poi di nuovo nel 1936, quando venne acquistato dalla Samuel H. Kress Foundation, per venire poi donato al museo nel 1939.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of a Condottiero.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

Le Quattro visioni dell’Aldilà sono una serie di quattro dipinti a olio su tavola di Hieronymus Bosch conservati alle Gallerie dell'Accademia di Venezia. L'analisi del supporto ligneo basata sulla dendrocronologia determina un terminus post quem al 1482, l'analisi stilistica pone la datazione dell'opera tra il 1500 ed il 1503.Le dimensioni esatte di ciascun pannello sono le seguenti:  Caduta dei dannati = cm 88.8 x 39.6;  Inferno = cm 88.8 x 39.6;  Paradiso terrestre = cm 88.5 x 39.8;  Ascesa all'Empireo = cm 88.8 x 39.9. Il retro dei pannelli mostra una colorazione a finto marmo, rossa per  e ; verde per  e .

Prompt: In Ascent of the Blessed, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Hieronymus Bosch
Venezia


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the In France of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è venerata molto nel Santuario Diocesano di Allumiere, dove si festeggia l'8 settembre di ogni anno, attirando,con pellegrinaggi, molti fedeli.Molto visitato dai fedeli, il Santuario Diocesano della Madonna delle Grazie, sorto sul luogo di una delle numerose Cappelle dedicate alla Vergine costruite tra Quattro e Cinquecento nei pressi delle miniere di allume, fu edificato nel 1710, affidato ai Servi di Maria del Monte Senario.

Prompt: Explain the Allumiere about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Crocifissione Gavari

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In Mond Crucifixion, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: In the context of One Hundred Famous Views of Edo, explain the Meishozue, Edo and the Evolution Hiroshige work.Please output in Italian.


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Vocazione dei primi apostoli

Andreas Quermann, Ghirlandaio, serie dei Maestri dell'arte italiana, Könemann, Köln 1998. ISBN 3-8290-4558-1 Emma Micheletti, Domenico Ghirlandaio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In Vocation of the Apostles, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Il Grand Canyon di Yellowstone

Nel 1871 Moran partecipò a un rilevamento topografico, guidato da Ferdinand Vandeveer Hayden, che esplorò l'area che sarebbe divenuta il parco nazionale di Yellowstone. Moran passò vari giorni a fare schizzi del Grand Canyon dello Yellowstone da punti di vista diversi. Il rapporto ampio di Hayden sulla spedizione, che includeva gli schizzi e le pitture di Moran, così come le fotografie di William Henry Jackson, ebbe un ruolo determinante nel convincere il Congresso a preservare l'area come parco nazionale.Il Grand Canyon di Yellowstone offre una vista idealizzata della topografia del Gran Canyon dello Yellowstone alla fine del diciannovesimo secolo. L'attenzione dello spettatore è attratta dal fiume Yellowstone che scorre attraverso la gola a forma di V, nonostante il fiume sembri piccolo dinnanzi al paesaggio roccioso e arido, dominato dall'ocra e dal marrone. Degli abeti e dei pini punteggiano il panorama solitario. Anche se il dipinto richiama alla mente un ambiente primordiale intoccato dalla civiltà, quattro piccole figure , ammirano la maestosità della natura, e si possono vedere in primo piano.Il dipinto grande fu acquistato dal Congresso nel 1872 per diecimila dollari e venne esposto al Campidoglio statunitense: fu la prima opera pittorica di un artista statunitense ad esservi esposta. Nel 1950, il presidente Harry Truman firmò la legge pubblica w 81-603 e trasferì il dipinto alla custodia permanente del dipartimento degli Interni degli Stati Uniti d'America. Fa parte della collezione del museo del dipartimento degli Interni degli S.U.A., dove è esposto al pubblico.Moran riscontrò un successo critico e commerciale con i suoi schizzi e i dipinti dello Yellowstone. In seguito viaggiò negli Stati Uniti occidentali e creò molte altre opere d'arte, tra le quali figura un secondo dipinto dal titolo Il Grand Canyon di Yellowstone , che mostra un trattamento più maturo dello stesso paesaggio.

Prompt: Focus on The Grand Canyon of the Yellowstone (1872) and explain the History and description.Please output in Italian.

Ferdinand Vandeveer Hayden
Grand Canyon dello Yellowstone
William Henry Jackson


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Ritratti alla Borsa

Ritratti alla Borsa  è un dipinto a olio su tela di Edgar Degas, di 100x82 cm, conservato nel Musée d'Orsay di Parigi, databile tra il 1878 ed il 1879.

Prompt: How does Portraits at the Stock Exchange explain its Abstract?Please output in Italian.


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: In Love & Loss, how is the Philosophy of the Religion explained?Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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Tuttomondo

</ref>Keith Haring, 19 giugno 1989}}Tuttomondo è un grande murale realizzato da Keith Haring nel 1989 sulla parete esterna della canonica della chiesa di Sant'Antonio Abate a Pisa. superficie della parete misura circa 180 metri quadri ; si tratta dell'ultima opera pubblica dell'artista statunitense prima della sua morte, nonché l'unica pensata per essere permanente.

Prompt: Focus on Tuttomondo and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Creazione di Adamo

Creazione di Adamo è un affresco  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1511 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Papa Giulio II. Si tratta dell'episodio più celebre e conosciuto della Sistina e una delle icone più note e celebrate dell’arte universale, oggetto di innumerevoli citazioni, omaggi e parodie.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Creation of Adam.Please output in Italian.

1511
Adamo
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Papa Giulio II
Roma


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Famiglia di Don Filippo di Borbone

Il ritratto della Famiglia di Don Filippo di Borbone è un dipinto a olio su tela  di Giuseppe Baldrighi, databile al 1757 circa e conservato nella Galleria nazionale di Parma.

Prompt: How does Family of Don Philip of Bourbon explain its Abstract?Please output in Italian.

1757
Galleria nazionale di Parma
Giuseppe Baldrighi
Parma


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie, statua lignea del XIII secolo scampata all'iconoclastia inglese di Enrico VIII, sarebbe approdata a Nettuno nel 1550 dopo un miracoloso naufragio del bastimento che la trasportava al sicuro presso Napoli.  statua, precedentemente conservata nel santuario di Ipswich, è protagonista della partecipatissima festa che la vede portata in processione dal Santuario dove è conservata fino alla chiesa dei S.S. Giovanni Battista ed Evangelista nel Borgo medievale di Nettuno, dove resta nel periodo che va dal primo sabato di Maggio alla seconda domenica dello stesso mese. Madonna delle Grazie di Nettuno è stata nominata patrona della città il 4 aprile 1854.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Nettuno of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

1550
Borgo medievale di Nettuno
Ipswich
Napoli
Santuario


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: Describe the characteristics of the France in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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La barca di Acheronte

barca di Acheronte  è un dipinto a olio su tela del pittore filippino Félix Resurrección Hidalgo, realizzato nel 1887. L'opera è conservata al museo nazionale delle Filippine di Manila.

Prompt: Focus on La barca de Aqueronte and explain the Abstract.Please output in Italian.

Acheronte
Filippine
Félix Resurrección Hidalgo
Manila


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Het Zinneke

Prompt: How does Het Zinneke explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In the context of Last Supper (Rubens), explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels and the New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Natività mistica

L'opera è l'unica firmata e datata da Botticelli; nonostante ciò la sua storia è piuttosto oscura. Si pensa che fosse originariamente destinata alla devozione privata di qualche famiglia nobiliare fiorentina ed è spesso citata come ultimo capolavoro dell'artista, prima di un periodo di inattività prima della morte, testimoniato anche da una lettera a Isabella d'Este del 1502. Dal punto di vista stilistico si nota una consapevole "regressione": la prospettiva è sconvolta; le figure, seppure in movimento, sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, bensì gerarchico; i colori sono violenti mentre la linea, da fluida e sinuosa che era, si fa spezzata e nervosa.Venne acquistata dal museo londinese nel 1848.

Prompt: Focus on The Mystical Nativity and explain the History.Please output in Italian.


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Chimera di Arezzo

Chimera di Arezzo è un bronzo etrusco, probabilmente opera di un'équipe di artigiani attiva nella zona di Arezzo, che combinava modello e forma stilistica di ascendenza greca o italiota all'abilità tecnica fornita da maestranze etrusche. È conservata presso il Museo archeologico nazionale di Firenze, ha altezza di 78,5 cm e lunghezza di 129 cm. È il simbolo del Quartiere di Porta del Foro, uno dei quattro quartieri della Giostra del Saracino di Arezzo.  scultura rappresenta un leone in posizione aggressiva a bocca aperta e con artigli estroflessi, con una testa di capra che nasce dalla schiena e un serpente al posto della coda che aggredisce mordendo uno dei corni della capra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Chimera of Arezzo.Please output in Italian.

Arezzo
Firenze
Museo archeologico nazionale di Firenze
Museo archeologico nazionale di Firenze


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Amor sacro e Amor profano

Un altro fiorente non è legato alle dottrine dell'Accademia neoplatonica di Marsilio Ficino, soprattutto riguardo alla contrapposizione tra la Venere terrena e la Venere celeste figura della donna nuda è spiegata come Venere Celeste, cioè immagine della bellezza universale e spirituale, che solleva un braciere acceso, variamente leggibile come simbolo di carità, di conoscenza o di illuminazione spirituale. Al contrario dell'interpretazione moralistica che ispirò i curatori seicenteschi della galleria, da cui deriva il titolo tradizionale dell'opera, essa non è una donna scollacciata, dedita all'amore carnale, ma è un ideale di bellezza classico, simbolo di semplicità e purezza, infatti ha come sfondo un paesaggio aperto, immerso nella luce . donna vestita invece, per contrapposizione, sarebbe la Venere Terrena, simbolo degli impulsi umani e della forza generatrice della Natura, che è posta su uno sfondo ombroso.  posizione di Eros, al centro delle due, sarebbe quindi il punto di mediazione tra aspirazioni spirituali e carnali, tra il cielo e la terra.Anche lo sfondo contribuisce a esprimere i diversi concetti legati alle allegorie: a sinistra, dietro all'Amor profano, si nota un paesaggio montuoso, con un sentiero in salita percorso da un cavaliere diretto al castello, leggibile come metafora di un percorso da compiere per giungere alla virtù, che si conquista con fatiche e rinunce o, alternativamente, come allusione al carattere "secolare" e "civile" dell'Amor profano; a destra il paesaggio è pianeggiante, disteso, punteggiato da greggi al pascolo che evocano le utopie bucoliche e in lontananza si scorge una chiesa, legandosi alla sfera religiosa e spirituale. Cantelupe si applicò poi a un esauriente esame iconologico elencando la molteplicità di spunti cristiani e pagani.L'opera sarebbe così l'unica di Tiziano interpretabile in chiave neoplatonica, corrente caratteristica dell'ambiente toscano, cui si contrapponeva l'aristotelismo tipico di Venezia.

Prompt: Describe the characteristics of the Philosophical interpretation in Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione)'s Interpretation.Please output in Italian.

Accademia neoplatonica
Eros
Marsilio Ficino
Venere celeste
Venere terrena
Venezia


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Separazione della luce dalle tenebre

Nelle ultime campate, procedendo verso l'altare , gli Ignudi tendono a invadere sempre più marcatamente i riquadri confinanti, sia minori che maggiori e inoltre viene sempre meno la ritmica organizzazione per simmetrie e contrapposti, in favore di posizioni sempre più sciolte e complesse, sfocianti, come in questo caso, in un agitato dinamismo. Rispetto alle prime campate essi sono inoltre di dimensioni leggermente crescenti e con un maggiore risalto plastico e dinamico, al pari delle corrispondenti figure dei Veggenti. Ciò è dovuto a un'ottimizzazione prospettica per una veduta privilegiata dall'asse centrale della cappella guardando verso l'altare, la stessa che si aveva durante le solenni processioni papali, che vi avevano luogo a partire dall'ingresso cerimoniale, sulla parete est.Quelli sopra il Geremia hanno atteggiamenti ormai completamente diversificati: quello a sinistra ha una composta posa di profilo di respiro classico, con le gambe elegantemente intrecciate e le braccia aperte a migliorare l'esposizione verso lo spettatore; quello di destra è invece più scomposto, piegato in avanti in una drammatica torsione in scorcio, con tutto il peso della ghirlanda sulle spalle, sprigionante un'energia sovrumana fosse solo per l'illuminazione particolarmente incidente derivata dalla vicinanza alla metà "in luce" della scena principale.L'altra coppia, sopra la Sibilla Libica converge invece verso il centro, ma con rotazioni del busto opposte e movimenti del capo diversi, tesi a coprire una gamma differenziata di espressioni e di scorci; particolarmente languida è la posizione di quello di destra, con un braccio alzato e la testa reclinata all'indietro. Ciascun "Ignudo" di questa campata richiese tre giornate di lavoro, tranne quello a sinistra sopra la Libica che ne richiese quattro. Nei due medaglioni bronzei si vedono altrettante storie dell'Antico Testamento: il Sacrificio di Isacco e Elia che ascende al cielo su un carro di fuoco. Se il primo è letto come una prefigurazione della Passione e Crocifissione di Gesù, il secondo è una profezia dell'ascensione.

Prompt: In the context of Separation of Light from Darkness, explain the Nudes medallions and the Description and style.Please output in Italian.

Antico Testamento
Ignudi
Sacrificio di Isacco


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Allegoria del Vizio

Fu probabilmente la seconda delle due tele che il Correggio eseguì. Le due tele sono ricordate insieme, nel 1542, dopo la morte di Isabella “in Corte Vecchia appresso la grotta”, collocate ai due lati della porta di ingresso . Si trattava di una commissione molto prestigiosa, per il suo studiolo di Isabella aveva chiamato artisti come Perugino, Giovanni Bellini e Andrea Mantegna, vale a dire i più celebri maestri della stagione artistica precedente al Correggio. E la marchesa era nota per le sue pedanti e instancabili richieste iconografiche che avevano messo in seria difficoltà gli artisti precedentemente coinvolti. Mentre per l'Allegoria della Virtù esistono molti studi preparatori e un abbozzo quasi finito su tavola, per l'Allegoria del Vizio si conosce solo un rifinito disegno non da tutti considerato autografo. Pertanto si pensa che questa, fra le due opere, fosse la seconda ad essere eseguita, quando il Correggio aveva superato le prime comprensibili perplessità consone alla progettazione di due lavori tanto importanti.Dopo lo smantellamneto dello studiolo Si trovavano ancora a Mantova nel 1627 ma passarono a Londra nel 1628 presso Carlo I d'Inghilterra. Da qui, attraverso un passaggio presso il banchiere Jabach, l’Allegoria del Vizio entrò nelle collezioni reali di Luigi XIV a Parigi, riunendosi alla Virtù che era invece transitata per le collezioni del cardinale Mazarino.

Prompt: Focus on Allegory of Vice (Correggio) and explain the History.Please output in Italian.

1542
1628
Allegoria della Virtù
Carlo I d'Inghilterra
Jabach
Parigi


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Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: Describe the characteristics of the Malta in Epifania's Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


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Ritratto di Simonetta Vespucci come Cleopatra

Il ritratto evoca il destino tragico della giovane donna. Nella parte sinistra del dipinto compaiono alberi secchi privi di foglie e nel cielo nubi temporalesche, mentre nella parte destra alberi coperti da foglie ed un cielo azzurro. Quella alle spalle simboleggia la sua vita passata, mentre davanti a lei il futuro verso il quale si sta dirigendo, l'abisso e la morte. Un altro simbolo è avvolto intorno al suo collo, il serpente dell'immortalità un simbolo neoplatonico molto frequente nella Firenze della fine del Quattrocento.

Prompt: Explain the Symbolic significance about the History of this artwork, Portrait of Simonetta Vespucci.Please output in Italian.


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Lucrezia

L'onomastico può essere festeggiato in memoria di più sante e beate, alle date seguenti:13 febbraio, beata Lucrezia Bellini , monaca benedettina15 marzo, santa Lucrezia o Leocrizia, martire sotto i saraceni a Cordova23 luglio, beata Lucrecia García Solanas, una dei martiri della guerra civile spagnola, uccisa a Sant Genís dels Agudells 11 settembre o 24 dicembre, beata Lucrezia Cadamosto, terziaria domenicana a Lodi

Prompt: How does Lucretia (Veronese) explain its Name day?Please output in Italian.

11 settembre
13 febbraio
15 marzo
23 luglio
24 dicembre
Cordova
Lodi
Sant Genís dels Agudells


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: How does Ecce Homo (Daumier) explain its Answer.?Please output in Italian.


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Soldato con ragazza sorridente

Il Soldato con ragazza sorridente è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1658 circa e conservato nella Frick Collection di New York.

Prompt: How does Officer and Laughing Girl explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è venerata anche a Stefanaconi nel vibonese e dagli abitanti del vicino comune di Sant'Onofrio il 2 luglio, la scultura è stata incoronata per la prima volta nel 1989 e nel 2014 in occasione del 25º anno, la chiesetta è situata in località Pajeradi luogo in cui la Madonna apparì secondo la leggenda a un sordomuto guarendolo, chiedendo in cambio la costruzione di un santuario in suo onore a pochi metri dall'apparizione. Nel passato era parrocchia degli stefanaconesi soprattutto per i contadini del posto.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Stefanaconi of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi degli Innocenti

Il 28 ottobre 1485 Francesco di Giovanni Tesori, priore dello Spedale degli Innocenti, l'orfanotrofio fiorentino, firmò col pittore un dettagliato contratto per la commissione di una pala per l'altare maggiore della chiesa di Santa Maria degli Innocenti, annessa all'ospedale.  tavola doveva avere come soggetto lAdorazione dei Magi, un soggetto molto frequente nell'arte fiorentina del XV secolo, ed era previsto che a dipingerla, usando colori pregiati, fosse il maestro stesso, limitando cioè l'intervento della bottega e restando fedele a un disegno, probabilmente un bozzetto, che l'artista aveva sottoposto all'approvazione del committente. L'opera doveva essere terminata in trenta mesi, per un compenso di 115 fiorini grandi in caso di piena soddisfazione del committente, cosa che puntualmente avvenne. pala è sempre rimasta nel patrimonio dell'istituzione, superando le spoliazioni e dispersioni, forse proprio perché considerata opera indissolubilmente legata allo "Spedale".  cornice originale, commissionata nel 1486 ad Antonio di Francesco di Bartolo su disegno di Giuliano da Sangallo, venne distrutta nel 1786, quando fu rifatto l'interno della chiesa e rimossa la pala dall'altare, sistemandola sulla parete dietro di esso. Nel 1917 trovò collocazione nella nascente galleria al secondo piano dell'edificio verso la piazza, e dal 1971 vi venne riaccostata la predella, che era stata smembrata nel 1615 in occasione di un rifacimento dell'altare maggiore.

Prompt: How does Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti) explain its History?Please output in Italian.


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Ritratto di Adele Bloch-Bauer II

Adele Bloch-Bauer era moglie di Ferdinand Bloch-Bauer, ricco industriale che promuoveva le arti e gli artisti, tra cui proprio Klimt.  Bloch-Bauer è stata l'unica persona ad essere ritratta per ben due volte dall'artista, avendo quest'ultimo già realizzato nel 1907 il celebre Ritratto di Adele Bloch-Bauer I. I ritratti di Adele furono appesi alle pareti della casa di famiglia finché non furono prelevati dai nazisti nel corso della Seconda guerra mondiale.  galleria viennese che li esponeva si mostrò riluttante alla restituzione ai propri legittimi proprietari: da ciò scaturì una battaglia legale che si tenne tra Stati Uniti ed Austria , al termine della quale, nel gennaio del 2006, sia i due ritratti sia altri tre dipinti di Klimt furono riconsegnati a Maria Altmann, nipote di Ferdinand Bloch-Bauer.Nel novembre 2006, la casa d'aste Christie's riuscì a vendere il Ritratto di Adele Bloch-Bauer II per quasi $88 milioni, all'epoca il quarto prezzo più alto mai pagato ad un'asta per un'opera d'arte. L'acquirente fu la conduttrice statunitense Oprah Winfrey.Il dipinto fu temporaneamente dato in prestito alla Neue Galerie di New York per la mostra "Klimt e le Donne dell'età dell'oro viennese, 1900-1918" e per l'occasione i due ritratti furono quindi esposti nello stesso luogo. Nell'autunno del 2014, il secondo ritratto fu ceduto per un prestito a lungo termine al MoMA di New York. Nell'estate del 2016, Winfrey lo ha venduto per $150 milioni ad un non ben identificato acquirente cinese.

Prompt: How does Portrait of Adele Bloch-Bauer II explain its History?Please output in Italian.

Austria
Christie's
Maria Altmann
Neue Galerie
New York
Oprah Winfrey
Ritratto di Adele Bloch-Bauer I
Seconda guerra mondiale


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Epifania

In Finlandia, l'Epifania si chiama loppiainen, un nome che risale al 1600. Nel 1500 la chiesa luterana svedese-finlandese chiamava l'Epifania "Giorno dei Tre Re Santi", mentre prima veniva usato il termine più antico Epifania. Nella lingua careliana l'Epifania è chiamata vieristä, che significa croce, nome derivato dall'usanza ortodossa di immergere una croce tre volte per benedire l'acqua in tale giorno.Oggi, nella chiesa luterana l'Epifania è un giorno dedicato all’opera missionaria. Tra il 1973 e il 1991, l'Epifania è stata osservata in Finlandia nel sabato compreso tra il 6 e il 12 gennaio. Dopo tale periodo, tuttavia, la data tradizionale del 6 gennaio è stata ripristinata e da allora è stata nuovamente osservata come festa nazionale.L'albero di Natale viene tradizionalmente portato fuori di casa il giorno dell'Epifania. Mentre il termine loppiainen significa "fine [del periodo natalizio]", in realtà, le celebrazioni natalizie in Finlandia sono estese al giorno di Nuutti o San Canuto  che cade il 13 gennaio e completa i venti giorni del Natale scandinavo.

Prompt: Explain the Finland about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

12
13 gennaio
6 gennaio
Finlandia
Natale


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Cristo con l'animula della Madonna

Jadranka Bentini ,  Pinacoteca Nazionale di Ferrara. Catalogo generale, Bologna, Nuova Alfa editoriale, 1992, pp. 65–67. ISBN 8877792922Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878

Prompt: How does Christ Bearing the Soul of the Virgin explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Composizione VII

Composizione VII  è il più grande e ambizioso quadro di Vasilij Kandinskij. Realizzato nel 1913,  dipinto a olio su tela,  è collocato alla Galleria Tret'jakov  di Mosca in Russia.

Prompt: Focus on Composition VII and explain the Abstract.Please output in Italian.

1913
Composizione VI
Galleria Tret'jakov
Russia


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Quattro visioni dell'Aldilà

quarta tavola mostra lAscesa all'Empireo, in cui una serie di anime nude, trasportate da coppie di angeli, vengono condotte verso un tunnel con in fondo una grande luce, quella del Paradiso. Si tratta di un'invenzione di grande efficacia, resa con la semplice giustapposizione di cerchi non concentrici scalati nella tonalità dal blu più scuro all'azzurro chiaro, forse ispirata a miniature tardo-medievali. Le anime appaiono come attratte e risucchiate dalla luce e dal colore, presentandosi in ginocchio e senza peso verso il varco, con un andamento ascendente a zig-zag di notevole efficacia. In fondo al tunnel le aspetta un personaggio, forse un angelo o san Pietro, immerso nella luce assoluta.

Prompt: In Ascent of the Blessed, how is the Ascent to the Empyrean of the History explained?Please output in Italian.


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: Explain the The birth of the notation about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Monumento a Goethe e Schiller

commissione della statua di Goethe e Schiller di Rietschel aveva una chiara motivazione: onorare i famosi poeti di Weimar e il loro mecenate; infatti, Schiller e Goethe erano stati sepolti, insieme al granduca Karl August, nella cappella funeraria ducale  a Weimar. Una seconda motivazione potrebbe essere stata quella di aumentare il "turismo culturale" della città, che aveva la pretesa di essere l'"Atene sull'Ilm".  statua faceva comunque parte di un movimento più ampio ed essenzialmente popolare nella Germania della metà del XIX secolo. Ute Frevert ha riassunto il programma dei relatori alla sua dedica: "A differenza del Granduca, che voleva imbrigliare la cerimonia al carro della legittimazione dinastica, gli oratori borghesi l'hanno trasformata in una festa nazionale in cui il 'popolo tedesco' ha reso omaggio ai suoi 'eroi'". A metà del XIX secolo, la popolazione di lingua tedesca in Europa era divisa tra molti paesi, per lo più piccoli. Paul Zanker ha scritto:Nel 1859, centenario della nascita di Schiller e occasione di 440 celebrazioni nelle terre tedesche, Schiller era emerso come il "poeta della libertà e dell'unità" per i cittadini tedeschi. Ute Frevert scrive:Wolf Lepenies assume una prospettiva simile, scrivendo che "Dopo il fallimento della rivoluzione del 1848, Schiller divenne più popolare, come dimostrarono i festeggiamenti per il suo centesimo compleanno nel 1859; l'occasione fu celebrata in tutte le terre tedesche in un'atmosfera di fervore patriottico. Due anni prima, era stato eretto a Weimar il monumento a Goethe e Schiller, ma solo dopo la vittoria prussiana sulla Francia, nella guerra del 1870-1871, divenne un luogo di culto nazionale."

Prompt: Explain the Germany lands in Europe about the American monuments of this artwork, Goethe–Schiller Monument.Please output in Italian.

Europa
Francia
Germania
Ute Frevert
Weimar
XIX secolo


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Incubo

Secondo la Classificazione Internazionale dei Disturbi del Sonno - Terza Edizione , il disturbo da incubi, insieme al disturbo comportamentale del sonno REM  e alla paralisi del sonno isolata ricorrente, formano la sottocategoria delle parasonnie correlate alla fase REM del cluster delle parasonnie. Gli incubi possono essere idiopatici senza alcun segno di psicopatologia o associati a disturbi come stress, ansia, abuso di sostanze, malattie psichiatriche o disturbo da stress post-traumatico . Per quanto riguarda il contenuto onirico, i sogni di solito imprimono emozioni negative come tristezza, paura o rabbia. Secondo gli studi clinici il contenuto può includere inseguimenti, lesioni o morte di altre persone, cadute, disastri naturali o incidenti. Anche i sogni tipici o i sogni ricorrenti possono avere alcuni di questi argomenti.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the Classification.Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

{ class="wikitable sortable" style="width:100%; margin-top:0.5em;"! class="unsortable" scope="col" width="100px"  Illus.! scope="col"  Titolo! scope="col"  Museo! scope="col"  Città! scope="col"  Paese! scope="col"  Dimensioni ! scope="col"  Anno! scope="col"  #- 200x200px Covoni, fine dell'estate Musée d'Orsay Paris Francia 60,5 × 100,5 1891 W1266- 200x200px Covoni, grande sole Hill Stead Museum Farmington  USA 60 × 100 1890 W1267- 200x200px Covoni al sole, effetto di mattino  collezione privata 65 × 100 1891 W1268- 200x200px Covoni  Institut d'art de Chicago Chicago USA 60 × 100 1891 W1269- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,8 × 101 1891 W1270- 200x200px Covoni al sole, mezzogiorno National Gallery of Australia Canberra Australia 65,6 × 100,6 1890-91 W1271 - Covoni, ultimi raggi del sole collezione privata 73 × 92 1890 W1272-  200x200px Covoni  collezione privata USA 73 × 92 1891 W1273- 200x200px Covoni, effetto di neve Shelburne Museum Shelburne USA 60 × 100 1891 W1274- I Covoni, inverno collezione privata Svizzera 65 × 100 1890-1891 W1275- 200x200px Covoni, effetto di neve, il mattino J. Paul Getty Museum Los Angeles USA 65 × 100 1891 W1276- 200x200px  Covoni, effetto di neve National Gallery of Scotland Edimburgo Scozia 65 × 92 1891 W1277- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,3 × 100,4 1890-91 W1278- 200x200px Covoni, effetto d'inverno Metropolitan Museum of Art New York USA 65 × 92 1891 W1279- 200x200px Covone, effetto di neve, il mattino Museum of Fine Arts  Boston USA 65,4 × 92,4 1891 W1280- 200x200px Covone, effetto de neve, tempo coperto Art Institute of Chicago Chicago USA 66 × 93 1890-91 W1281- 200x200px Covone, tramonto, inverno collezione privata Gran Bretagna 65 × 82 1891 W1282- 200x200px Covone Art Institute of Chicago Chicago USA 65,6 × 92 1890-91 W1283- 200x200px Covone, disgelo, crepuscolo Art Institute of Chicago Chicago USA 64,9 × 92,3 1890-91 W1284- 200x200px Il Covone 65 × 92 W1285- 200x200px Covone  Minneapolis Institute of Art Minneapolis USA 65 × 100 1891 W1286- Covone, effetto di neve, sole collezione privata Francia 65 × 92 W1287- 200x200px Covone al sole Kunsthaus di Zurigo Zurigo Svizzera 60 × 100 1891 W1288- 200x200px Covone, crepuscolo Museum of Fine Arts  Boston USA 73,3 × 92,7 1890-91 W1289- 200x200px Covone al sole collezione privata Svizzera 73 × 92 1891 W1290}

Prompt: In the context of Haystacks (Monet series), explain the Laserie dei Covoni della stagione 1890-1891 and the Interpretation.Please output in Italian.


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Leone di Belfort

destraIl Leone di Belfort.Il Leone di Belfort è una statua colossale realizzata dallo scultore francese Auguste Bartholdi e situata nella città di Belfort, in Francia. Essa commemora l'eroica resistenza della città durante l'assedio prussiano del 1870.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lion of Belfort.Please output in Italian.


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Daniele

Prompt: In Prophet Daniel (Michelangelo), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.