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Polittico della Misericordia

Ai lati della Vergine, nel registro principale, si trovano, da sinistra, San Sebastiano, trafitto dalle frecce, San Giovanni Battista, con la veste marrone da eremita nel deserto, la barba, il bastone e il cartiglio con Ecce Agnus Dei, Ecce qui tollit pecc[ata mundi], San Giovanni Evangelista, con il libro e la veste rossa, e San Bernardino da Siena, con l'abito francescano.  tavola con la Madonna della Misericordia che accoglie il popolo sotto il suo manto è generalmente indicata come la prima ad essere stata dipinta. Dal punto di vista iconografico si segnala come la presenza di Sebastiano sia legata alla protezione dalle pestilenze e per questo di numerose confraternite; fin dal primo Rinascimento il santo venne di preferenza raffigurato nudo e trafitto di frecce, offrendo agli artisti l'occasione per mettere in pratica gli studi di anatomia. Giovanni, protettore di Firenze e protettore delle malattie della gola, è rappresentato senza la consueta pelliccia nel gesto del predicatore, che indica la Vergine: alcuni hanno messo in relazione questo atteggiamento con una citazione del San Matteo di Ghiberti a Orsanmichele, presente ad esempio anche in un Giovanni Battista di Lorenzo Monaco. Bernardino, la cui presenza offre un punto d'appoggio per la datazione della tavola, è raffigurato con il volto scarno, ispirato a un ritratto postumo del senese Pietro di Giovanni d'Ambrogio, eseguito nel 1444.Nel secondo registro si trovano al centro la Crocifissione e ai lati San Romualdo, lAngelo annunciante, la Vergine Annunciata e San Francesco.  Crocefissione è la tavola dove si nota una maggiore dipendenza da Masaccio, con il Cristo rappresentato di scorcio ottimizzato per una veduta dal basso, migliorando il tentativo sperimentale, ma un po' goffo, della Crocifissione masaccesca di Napoli. I gesti della Vergine Maria e di Giovanni, ai lati della croce, sono ampi e drammaticamente espressivi, ricordando da vicino il pathos dell'analoga tavola masaccesca.Sopravvivono anche le fasce dipinte dei pilastri laterali, con le raffigurazioni di sei santi e di due stemmi della Confraternita della Misericordia, probabilmente opera di uno sconosciuto allievo; cinque tavolette costituiscono la predella , attribuite al pittore camaldolese Giuliano Amidei, forse anche appartenenti a un polittico diverso.  grande importanza data però alla Deposizione, posta al centro in formato maggiore, è legata però all'impegno della confraternita nella sepoltura dei morti.</div>

Prompt: Describe the characteristics of the Other tables in Polyptych of the Misericordia's Description.Please output in Italian.

1444
Bernardino da Siena
Firenze
Giuliano Amidei
Lorenzo Monaco
Masaccio
San Sebastiano


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La perla e l'onda

perla e l'onda ritrae una donna nuda sdraiata sul fianco destro presso una spiaggia rocciosa, con la testa girata per guardare lo spettatore da sopra la spalla.  donna sembra sorridere e ha le labbra semiaperte.  figura è illuminata con tocchi perlati ed è contornata di azzurro. Sullo sfondo le onde si infrangono sulla costa. tela attirò l'attenzione dei contemporanei, anche per il sottotitolo con il quale venne presentata, Racconto persiano . Il dipinto venne accolto con elogi dai critici d'arte per la sua tecnica e la sua qualità distintiva. L'artista Kenyon Cox lo descrisse come "il dipinto migliore di nudo" del diciannovesimo secolo, e identificò alcune caratteristiche che descrisse, come "la grazia dell'atteggiamento", il corpo curvo ma snello di una donna giovane, la fossetta visibile nella spalla, il "sapore della linea sottile", la "bellezza del colore", la modellazione solida ma misteriosa e la "perfezione della superficie delicata". Cox credeva che queste caratteristiche facevano di questo dipinto un vero capolavoro.

Prompt: How does The Pearl and the Wave explain its Description?Please output in Italian.


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Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Washington)

È considerato da diversi autori il capolavoro del periodo veneziano di El Greco. Nonostante contenga alcuni elementi cretesi, può già essere pienamente considerato come un'opera del rinascimento italiano. Evidenzia la prospettiva, la gestione dell'anatomia, l'applicazione del colore e il dramma della scena. Questo è un dipinto di influenze molto varie, da Tintoretto a Michelangelo, da Raffaello al Veronese, così come altri pittori della scuola veneziana del XVI secolo. Tuttavia, vengono percepiti alcuni errori: l'assenza di un punto di vista, la difficoltà di creare gruppi complessi e la mancanza di esperienza nella modellazione delle figure.

Prompt: Focus on Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Washington) and explain the Description.Please output in Italian.


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Tristezza

dimensione della pupilla può essere un indicatore di tristezza. Un'espressione facciale triste è giudicata più intensamente triste quando diminuisce la dimensione della pupilla.  dimensione della pupilla di una persona diventa più piccola quando si guardano facce tristi con piccole pupille. Nessun effetto parallelo esiste quando le persone guardano espressioni neutre, felici o arrabbiate.

Prompt: Explain the Pupil about the Neuroanatomy of this artwork, The Sorrows of the King.Please output in Italian.


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L'Été sans bras

Nel 1911, Aristide Maillol iniziò a lavorare allEstate, un'opera facente parte di una serie commissionata dal collezionista russo Ivan Morozov. Il progetto iniziò con un torso acefalo e senza braccia o gambe, che con il proseguire dei lavori divenne L’Été sans bras, finché l'artista non vi aggiunse le braccia e concluse l'opera. L'Été sans bras rispecchia il pensiero di Maillol, secondo il quale "le braccia nascondono i profili" . Il modello in gesso senza braccia rimase nello studio dell'artista per molto tempo, almeno fino al 1934, poi ne vennero tratte delle fusioni in bronzo, inclusa quella perpignanese, che venne acquistata dalla città nel 2004.

Prompt: Focus on L'Été sans bras and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Baccanale degli Andrii

Dioniso Camerini d'alabastro Alfonso I d'Este

Prompt: In The Bacchanal of the Andrians, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Dioniso
Este


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Apollo e Dafni

In un sereno paesaggio campestre, tra dolci colline che sfumano in lontananza punteggiate da segni della presenza umana, sono ritratti in primo piano Apollo stante a destra, col bastone e, appoggiata vicino a lui, la lira, suo tipico strumento, e un ragazzo seduto che suona il flauto a sinistra. Tradizionalmente il ragazzo è identificato con Marsia, ma studi più accurati, visto che il personaggio non è un satiro, hanno concluso che si tratti di Dafni, il giovane pastore inventore della zampogna e del canto bucolico che morì d'amore per Apollo."Dafni" infatti è simile per significato a Lorenzo , e la sua passione per Apollo è un'allusione alla vocazione per le arti, la bellezza e la poesia.  figura di Apollo cita la posa dellHermes di Prassitele, mentre Dafni riprende un Hermes a riposo di Lisippo. Queste citazioni dell'antico omaggiano la cultura umanistica e accrescono il carattere elitario dell'opera, capace di essere pienamente letta solo dalla ristretta cerchia degli accademici fiorentini e dei loro associati, con l'ambientazione naturale che diventa simbolo di un nuovo hortus conclusus, inteso come paradiso intellettuale.  composizione è bilanciata accuratamente, con una luce che modella dolcemente i corpi dei protagonisti, secondo un ideale di pacata armonia tipica delle corte medicea del tempo, che sottintende l'allegoria dell'armonia e della pace di Firenze sotto il Magnifico. Il paesaggio è privo di asperità in favore di dolci colline ondulate, senza né tempo né luogo.

Prompt: How does Apollo and Daphnis explain its Description and style?Please output in Italian.

Apollo Firenze Lisippo Lorenzo Marsia Prassitele


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna Sistina

Durante i suoi cinque secoli di esistenza la Madonna Sistina è passata attraverso almeno nove cornici note.# 1599-1698, cornice di Giuseppe Grattoni . Nel 1544 la chiesa fu ristrutturata e in quell'occasione alla Madonna Sistina venne abbinata una lunetta, ma non è noto se quest'ultima avesse una sua cornice indipendente o se l'aggiunta comportò la realizzazione di una nuova cornice che includesse pala e lunetta. In ogni caso, se anche fosse esistita questa ipotetica seconda cornice è stata certamente rimpiazzata da quella realizzata nel 1599 dallo scultore Giuseppe Grattoni. Poiché non si conoscono le misure né della prima cornice né di quella di Grattoni, né tantomeno dell'ipotetica cornice intermedia, non è noto se queste cornici lasciassero la parte alta della tela con l'asta e i montanti della tenda verde a vista o nascosti; non è inoltre noto dove si trovasse effettivamente l'opera dalla sua collocazione nel 1514 fino al 1698, se sospesa in un punto dell'abside o se appoggiata al muro in fondo.#
1698-1753, cornice di Giovanni Setti. Nel 1697-1698 lo scultore Giovanni Setti realizzò una nuova cornice in stile barocco per la pala e la lunetta. Poiché le opere furono collocate in fondo all'abside, a forte distanza dai fedeli, per evidenziarle adeguatamente Setti realizzò una cornice molto vistosa e ricoperta in foglia d'oro.  cornice copre la parte superiore dell'opera con l'asta, ma nell'architrave fra la pala e la lunetta è installata una vera asta per una tenda che veniva usata a scopo liturgico; la parte della tela nascosta alla vista era ripiegata all'indietro.  cornice è sopravvissuta ed è tuttora in sede nella chiesa di San Sisto a Piacenza, dove conserva la copia Settecentesca del dipinto di Raffaello, forse realizzata da Giuseppe Nogari. Nel 1843 fu aggiunto il vetro protettivo, chiuso in una cornice d'acciaio nascosta nella cornice, e nel 1855 l'opera venne spostata dalla galleria alla nuova apposita ala museale Sempergalerie.# 1856-1939, tabernacolo . Nella Sempergalerie la Madonna Sistina non era esposta insieme alle altre opere, bensì da sola in una stanza d'angolo allestita come fosse la cappella di una chiesa: per questo motivo l'opera venne posta in una nuova cornice nello stile di un tabernacolo sopra a una base simile a una mensa sacra, il tutto a imitazione di un altare cattolico. L'allestimento fu disegnato dall'architetto di corte Bernhard Krüger e la mensa sottostante riportava in italiano e tedesco le parole di Giorgio Vasari a proposito dell'opera. L'atmosfera "sacrale" dell'allestimento era rafforzata dal divieto ai copisti di riprodurre l'opera.#
2012-oggi, cornice di Wener Murrer. In occasione del 500º anniversario della Madonna Sistina, il direttore del museo Bernhard Maaz giudicò l'opera rischiosa da restaurare e commissionò invece all'ebanista Warren Murrer di Monaco di Baviera una nuova cornice stilisticamente più coerente con l'opera rispetto a quella di Heybey, e tecnicamente affidabile sia per proteggere la tela sia per rimuoverla velocemente e facilmente in caso di emergenze. Il 23 agosto 2022 due attivisti ecologisti del gruppo Letzte Generation, in una manifestazione di protesta contro l'abuso di fonti fossili, hanno incollato le loro mani alla cornice: nello staccarle hanno provocato piccoli danni e rimosso parti della doratura.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the The frames and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1514
1753
Bernhard Krüger
Giorgio Vasari
Giuseppe Grattoni
Giuseppe Nogari
Piacenza
Sempergalerie


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Fienagione

fienagione è una tecnica di raccolta delle piante foraggere finalizzata alla conservazione del foraggio sotto forma di fieno. Essa consiste nello sfalcio dell'erba, seguita da una fase di essiccazione fino al raggiungimento di un'umidità non superiore al 15%. L'essiccazione si svolge prevalentemente in campo, attraverso operazioni di spandimento, rivoltamente e accumulo in andane, oppure prevalentemente in fienile, per mezzo di impianti di ventilazione forzata.

Prompt: How does The Hay Harvest explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Bartolomeo Bonghi

Il ritratto di Bartolomeo Bonghi  è un dipinto a olio su tela realizzato da Giovan Battista Moroni e conservato presso il Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Bartolomeo Bonghi.Please output in Italian.

Giovan Battista Moroni
Metropolitan Museum of Art
New York


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Sisto IV nomina il Platina prefetto della biblioteca Vaticana

scena è esemplificativa della cultura umanistica della capitale dello Stato pontificio, con la sfarzosa architettura rinascimentale che corrisponde solo idealmente a quella dei palazzi Vaticani, facendone semmai da modello ideale per sfarzo e rigore classico.L'affresco testimonia anche l'uso scaltro dello scorcio prospettico di Melozzo, che in seguito venne ulteriormente sviluppato in senso virtuoso, arrivando alle prime rappresentazioni "da sott'in su", fondamentali per la cultura figurativa che passa da Correggio e arriva all'arte barocca. Le figure sono monumentali e si integrano illusionisticamente con lo sfondo.  luce chiara che intride i colori e schiarisce le ombre, assieme ai volumi solenni, derivano dai modelli di Piero della Francesca, addolciti però da una maggiore naturalezza, soprattutto nei ritratti, che fu tipica del pittore forlivese.

Prompt: How does Sixtus IV Appointing Platina as Prefect of the Vatican Library explain its Style?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Il volto della Madonna corrisponde ad un tipo di bellezza che Holbein utilizzò per la prima volta intorno al 1524 e che si ritrova anche nella raffigurazione di Venere e Amore  e il dipinto quasi identico del ide di Corinto del 1526.  Madonna, con le sue caratteristiche facciali idealizzate, è chiaramente diversa dai ritratti della famiglia dei fondatori.Iconograficamente, la rappresentazione della Madonna è basata su modelli italiani. Prima di tutto, il tipo di mantello protettivo che Madonna attira l'attenzione dello spettatore, il quale cadendo dalle spalle di Maria, circonda in modo protettivo la famiglia dei fondatori, ma qui viene indicato solo approssimativamente, ricoprendo solo leggermente le spalle di Meyer e della sua prima moglie, invece di essere distribuito sulle teste dei donatori come una tenda. Un altro elemento iconografico tipico della pittura italiana che Holbein raccoglie qui è il fatto che la Madonna si trova in piedi davanti al trono. Il trono, sottolineato dal nicchione superiore, è un modello già utilizzato ad esempio per la pala dell'altare maggiore della chiesa del collegio papale di Ascona del 1519 che combinava con sorprendente somiglianza la presenza di una conchiglia superiore di decorazione con l'idea di una Madonna "protettiva". Tuttavia, non è chiaro se Holbein abbia potuto vedere personalmente quest'opera.

Prompt: Describe the characteristics of the TheMadonna in Darmstadt Madonna's Style.Please output in Italian.


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Martirio di sant'Orsola

Il Martirio di sant'Orsola è un dipinto a olio su tela  eseguito nel 1610 da Caravaggio e conservato presso le Gallerie d'Italia di palazzo Piacentini a Napoli, già sede storica del Banco di Napoli.Realizzata poco prima di morire, l'opera è di fatto cronologicamente l'ultima fatica di Merisi oggi nota.

Prompt: In The Martyrdom of Saint Ursula (Caravaggio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Banco di Napoli
Caravaggio
Gallerie d'Italia
Napoli


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Immacolata Concezione

I nomi propri Immacolata e Concetta sottolineano la devozione a Maria Immacolata.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the No one of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.


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Annunciazione (El Greco Prado 1570)

ÁLVAREZ LOPERA, José, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-9550-344-1. SCHOLZ-HÄNSEL, Michael, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 978-3-8228-3173-1.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Annunciation (El Greco, Prado, 1570).Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Describe the characteristics of the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels in The Sacrament of the Last Supper's New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Pala Pucci

Rompendo bruscamente con la tradizione fiorentina della sacra conversazione, Pontormo non organizzò i personaggi attorno al fulcro centrale della Madonna col Bambino, ma li allontanò spargendoli con disinvoltura su tutta la superficie del dipinto, inventando così nuovi schemi che giocano su nuove linee di forza.Maria sta al centro, entro una nicchia, ma non tiene in braccio il Bambino, indica piuttosto verso l'altare della chiesa , verso il quale si rivolgono anche il Bambino, tra le braccia di san Giuseppe pure girato. Giovanni evangelista sta seduto su un ceppo  in basso a sinistra, col corpo allungato e rilassato, e guarda verso l'aquila, suo animale totemico, che gli ispira le parole del Vangelo che sta scrivendo con penna alla mano e libro aperto sulle gambe. Al centro san Giovannino indica il Bambino col suo gesto più tipico e guarda verso Francesco d'Assisi, inginocchiato dietro di lui e rivolgente un'estatica preghiera a Gesù. Più a destra torreggia Giacomo maggiore, col bordone e con lo sguardo rivolto allo spettatore, e la sua figura si prolunga in quella di un angioletto che sposta una tenda, al quale fa eco un altro posto simmetricamente a sinistra, in posizione contrapposta.Lo schema è dunque quello di due zone, destra e sinistra, che si sfilacciano lungo la diagonale e che trovano un raccordo ideale nella testa della Vergine, vertice di un ipotetico triangolo con alla base l'Evangelista e san Francesco. Le torsioni complesse, la pluralità di gesti e l'animazione dei personaggi annulla qualsiasi effetto di simmetria, nonostante le due metà siano popolate dallo stesso numero di personaggi. In nessun caso gli sguardi si incrocianoLo sfondo scuro, così inconsueto, aumenta gli effetti di sfumato e attuisce i colori, ma amplifica anche il senso di illuminazione sulle figure. Giovanni e Giuseppe infatti sono investiti dalla luce più forte, che allude allo Spirito Santo, che ispira le loro azioni e la scrittura del Vangelo. Ciò accentua anche la fisionomie, come dimostrano i profondi solchi dell'età di Giuseppe e Giovanni.  preminenza di Giuseppe è da leggere in relazione alle dispute teologiche di quegli anni, e in questo senso anche la presenza di san Jacopo è emblematica, poiché nel suo vangelo apocrifo  parla dell'infanzia di Cristo e loda la cura paterna di san Giuseppe.  presenza di san Francesco d'Assisi è invece legata al nome del committente e alla devozione che il suo ordine tributò al Bambin Gesù.Accentuata è la caratterizzazione psicologica di ogni personaggio, così diversa dall'indefinito sentimentale praticato dai fiorentini appena fino a una ventina d'anni prima.  profondità è ridotta e genera un senso di compressione dello spazio: in generale l'effetto è quello di un'inquieta instabilità.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Pucci Altarpiece.Please output in Italian.

Francesco d'Assisi
Pontormo
Spirito Santo


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Allegoria sacra

Non esiste documentazione circa la commissione e la collocazione originaria dell'opera, che si trovava nel XVIII secolo nelle Collezioni imperiali di Vienna. Nel 1793 il direttore degli Uffizi Luigi nzi, desideroso di arricchire organicamente le collezioni della galleria fiorentina con un'opera importante che rappresentasse la scuola veneziana, propose un normale scambio di opere, che venne accettato. LAllegoria arrivò così a Firenze, con l'attribuzione però a Giorgione.Fu Cavalcaselle il primo a restituire l'opera al Bellini , oggi unanimemente accettata, nonostante in passato si fosse fatto anche il nome di Marco Basaiti .Le proposte di datazione oscillano tra il 1487 e il 1504. Quelle più tarde legano l'opera al dipinto che Isabella d'Este chiese al Bellini per il suo studiolo, un'ipotesi alquanto remota per le dimensioni incongrue e l'assenza di documentazione.

Prompt: Focus on Holy Allegory and explain the History.Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Opere di Tiziano Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte Collezione Farnese

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Pope Paul III and His Grandsons.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

L'aggettivo "Maddalena" viene accompagnato in qualche passo dei vangeli dalla precisazione "detta": per esempio in Lc 8,2 il testo originale riporta "" . In Mc 16,9 questa precisazione non è presente .Si è posta così la domanda se il soprannome "Maddalena" indichi che la donna proveniva da Magdala — una piccola cittadina sulla sponda occidentale del go di Tiberiade, detto anche "di Genezaret" — o abbia un altro significato.Anche se molti studiosi ritengono valido il senso di semplice riferimento alla città d'origine, qualcuno ritiene che esso si scontri con problemi oggettivi legati alla toponomastica del I secolo  e all'identificazione della località, resa difficile dalla presenza di diverse località denominate Magdala e dall'assenza nei testi evangelici di riferimenti precisi che consentano di identificare la città natale di Maria Maddalena.L'appellativo "Maddalena" potrebbe avere invece una suggestiva valenza simbolica derivata dal termine ebraico/aramaico migdal / magdal =Torre, usato per sottolineare l'importanza di questa donna all'interno della comunità dei discepoli di Gesù. Già San Girolamo adottò questa interpretazione quando, in una sua lettera, scrisse di Maria Maddalena come di colei che «per il suo zelo e per l’ardore della sua fede ricevette il nome di "turrita" ed ebbe il privilegio di vedere Cristo risorto prima degli apostoli».

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Perugino) and explain the Nickname.Please output in Italian.


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Madonna del Garofano

L'opera, tra le prime opere individuali del giovane Leonardo, è identificata con quella "Madonna della Caraffa" descritta da Giorgio Vasari nelle collezioni di papa Clemente VII, nato Medici. Scrisse lo storico aretino:

Prompt: How does Madonna of the Carnation explain its History?Please output in Italian.


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Ermafrodito dormiente

L'antica scultura fu rinvenuta nei primi anni del XVII secolo, portata alla luce all'interno del parco di "Santa Maria della Vittoria", nei pressi delle terme di Diocleziano e al limitare degli antichi Horti Sallustiani; il ritrovamento fu fatto durante il periodo dei lavori di costruzione della chiesa, dal momento in cui si stavano scavando le fondamenta nel 1608 a quando veniva piantata la palmetta.L'opera fu immediatamente mostrata a uno dei maggiori intenditori d'arte del momento, il cardinal Borghese, che in cambio della concessione della statua permise al proprio architetto personale, Giovanni Battista Soria, di contribuire nei lavori di edificazione della chiesa, facendogli terminare la facciata . Nella sua nuova Villa Borghese intanto il cardinale allestiva una sala espressamente dedicata al suo Ermafrodito.Nel 1620 il giovanissimo Bernini, scultore allora pupillo del Borghese, fu pagato 60 scudi per creare il letto di marmo su cui Ermafrodito sta adagiato: la resa è sorprendentemente realistica, tanto che a un primo sguardo gli osservatori sono inclini a crederlo reale. scultura fu in seguito acquistata nel 1807, assieme a molti altri pezzi della stessa collezione, dal principe Camillo Filippo Ludovico Borghese che aveva sposato Paolina Bonaparte, e venne quindi trasferita al Louvre (dove, tra gli altri, fu fonte di ispirazione per l'autore inglese Algernon Swinburne, che gli dedicò una poesia, Hermaphroditus, del 1863.

Prompt: Explain the The Borghese specimen of this artwork, Sleeping Hermaphroditus.Please output in Italian.

Algernon Swinburne
Ermafrodito
Giovanni Battista Soria
Horti Sallustiani
Paolina Bonaparte
Villa Borghese


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Due dame veneziane

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAugusto Gentili, Carpaccio, Firenze 1996Rosita Levi Pisetzky, Il costume e la moda nella società italiana, Torino 1978-1995Enrico Maria Dal Pozzolo, Vittore Carpaccio. Due dame e caccia in valle, in Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di Bellini, Dürer e Tiziano, Bompiani 1999, pagg. 236-239

Prompt: In Two Venetian Ladies, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Bonaparte valica le Alpi

Il lavoro, malgrado il suo estremo realismo nella raffigurazione di Napoleone, venne criticato da molte autorità in campo artistico, per ragioni differenti. Alcuni disapprovavano la scelta del soggetto del dipinto di Delaroche, mentre altri erano contrari allo stesso pittore. Il commento della rivista all'opera indica che, per quanto apprezzabile, Delaroche venne criticato per diverse ragioni:Alcuni si dimostrarono scontenti dei lavori di Delaroche in generale, ed in particolare del Bonaparte valica le Alpi, criticando le opere del pittore francese come "opere di basso standard". Tra i più critici citiamo il The Gentleman's Magazine, che così scrisse di Delaroche:

Prompt: Explain the Criticize of this artwork, Bonaparte Crossing the Alps.Please output in Italian.


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Isabella

Ysabella, trobairitz occitanaIsobel Campbell, cantante e violoncellista scozzeseIzabela Fleming, principessa e scrittrice polaccaIsabeli Fontana, supermodella brasilianaIzabel Goulart, modella brasilianaIsabela Merced, attrice e cantante statunitenseIzabella Miko, attrice polaccaIzabela Piekarska, cestista polaccaIzabella Scorupco, attrice polaccaIsabell Sollman, attrice svedeseIsabela Souza, attrice, cantante e modella brasiliana Isabell Werth, cavallerizza tedesca

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Other variants of the People explained?Please output in Italian.

Isabela Merced
Isabela Souza
Isabeli Fontana
Isabell Sollman
Isabell Werth
Isobel Campbell
Izabel Goulart
Izabela Fleming
Izabela Piekarska
Izabella Miko
Izabella Scorupco
Ysabella


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Circe

A Circe è intitolato il cratere Circe su Teti e 34 Circe, un grande asteroide nella fascia principale.Nel 2018 la scrittrice americana Madeline Miller racconta nel romanzo Circe la vita della dea, in una rilettura basata sulle fonti Omeriche, ma con una delineazione del personaggio molto più "umana" e caratterizzata. Il romanzo è stato finalista per il Women's Prize for Fiction. Scritto in lingua inglese, è stato tradotto in altre sei lingue tra cui l'italiano.All'interno del romanzo sono riprese le ambientazioni dell'Odissea: per esempio, vi sono riferimenti a Scilla e Cariddi situate, secondo il mito, nello stretto di Messina. Il riferimento principale è quello all'isola di Eea che si trova, sempre secondo il mito, al sud di Roma nel Mar Tirreno e corrisponde, oggi, all'attuale promontorio del Circeo, nel Parco Nazionale del Circeo, in provincia di tina.  L'isola è infatti il luogo di esilio dove abita la dea Circe. storia si apre con la nascita di Circe alla corte del dio Elios suo padre, dove la dea vive fino al giorno del suo esilio.  sua infanzia è priva di affetto sia genitoriale che fraterno. Circe, infatti, cerca sempre un modo per rendere orgogliosa la sua famiglia fallendo ogni volta. Quando però scopre i suoi poteri di dea-maga, grazie ad una particolare pianta, viene considerata un mostro ed esiliata. Sull'isola di Eea Circe comprende appieno i suoi poteri e quello che è in grado di fare. Per esempio, riesce ad evocare dei leoni che le faranno compagnia durante la sua vita sull'isola. Inoltre riesce a preparare delle pozioni magiche, dette "pharmaka", con le quali può tramutare le persone in animali, a seconda della loro personalità. Durante la sua vita fa la conoscenza di molte figure maschili, positive, come Ermes che le portava notizie dal mondo esterno, oppure negative, come i pirati che si approfittano della sua ospitalità e le usano violenza.

Prompt: How does The Sorceress (Waterhouse) explain its Cultural influence?Please output in Italian.

34 Circe
Cariddi
Eea
Ermes
Madeline Miller
Mar Tirreno
Odissea
Roma
Women's Prize for Fiction


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Maria Maddalena in estasi

Secondo alcune fonti, il dipinto venne realizzato alcuni mesi dopo la fuga di Caravaggio da Roma in seguito all'omicidio di Ranuccio Tomassoni, e in particolare durante il suo soggiorno presso i suoi protettori, membri della famiglia Colonna di Paliano. Durante questo suo breve trasferimento, il pittore realizzò almeno due tele: la Cena in Emmaus e una Madalena.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Mary Magdalen in Ecstasy.Please output in Italian.

Caravaggio
Caravaggio
Ranuccio Tomassoni


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the History, culture, Sociology and the Psychology.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Fujishima Takeji

Sesso = MLuogoNascita = KagoshimaGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 1867LuogoMorte = GiornoMeseMorte = AnnoMorte = 1943Epoca = 1800Epoca2 = 1900Attività = artistaNazionalità = giapponeseImmagine = Fujishima Takeji.jpg}}Influenzato dall'Art Nouveau, fu uno dei massimi esponenti di pittura occidentale nel Giappone di fine XIX secolo ed Artista della Casa imperiale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Fujishima Takeji.Please output in Italian.

1867
1943
Art Nouveau
Artista
Artista della Casa imperiale
Giappone
Kagoshima
XIX secolo


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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madre

Il cattivo o il buon rapporto con la madre nasce dalle qualità presenti nel neonato e nella madre stessa, ma anche dall'aiuto e dal sostegno che questi possono avere da parte del padre del bambino e dalle due reti familiari . Da questo rapporto felice o infelice possono nascere incontri e scontri, accordi e disaccordi emotivi, gratificazioni e frustrazioni per l'uno o per l'altra. Per la Klein: "[...] è inevitabile che delusioni ed esperienze piacevoli si presentino insieme e rafforzino il conflitto innato tra amore e odio, e cioè tra gli istinti di vita e di morte; ciò porta il bambino a sentire che esiste un seno buono e uno cattivo".Per il bambino, una madre è buona quando: sa leggere nel suo animo e nel suo volto in ogni momento ciò di cui ha bisogno, le sue necessità, i suoi desideri, le sue speranze; sa soddisfare questi bisogni attivandosi in favore del piccolo nel modo più rapido, consono e opportuno; sa adattarsi rapidamente alle sue caratteristiche e alle sue necessità peculiari; sa attivarsi prontamente con piacere e disponibilità sia per i suoi bisogni fisici che per quelli affettivi; gioca e si trastulla frequentemente con il proprio piccolo; riesce a dare fiducia al suo piccolo così che questa possa essere per lui una figura di attaccamento sicuro, stabile e sereno. L'attaccamento tra la madre e il bambino, che per Bowlby avviene entro i primi nove mesi di vita, permette al bambino di avere una base sicura dalla quale muoversi per scoprire, esplorare e interagire con l'ambiente circostante per poi tornare verso la madre che sa infondere fiducia e serenità, specialmente all'insorgere di stanchezza e timore. È importante che si instauri un attaccamento sicuro tra la madre e il figlio poiché questo legame speciale permette al bambino di crescere sia sul piano affettivo-relazionale che sul versante cognitivo e verbale. Quando ciò non avviene, quando l'attaccamento non è stabile e sicuro  il bambino avrà difficoltà ad affrontare situazioni nuove, difficili o traumatiche, nonché sarà facile preda di paure e ansie.

Prompt: Describe the characteristics of the Mother–son relationship in Mother & Child (Etrog)'s Psychology.Please output in Italian.


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Storie della Vera Croce

Spesso Piero della Francesca unificò affreschi contigui, con il paesaggio ininterrotto  o con altri stratagemmi, come le due case scorciate tra il Ritrovamento e Verifica della Croce e la Tortura dell'ebreo, che insieme sembrano comporre un unico edificio irregolare. In generale le regole compositive degli affreschi sono le medesime, con figure in primo piano di dimensioni analoghe e con una visione leggermente adattata per uno punto di vista dal basso.A parte la scena di Adamo, i personaggi antichi sono raffigurati secondo la moda e il gusto contemporaneo all'artista: i re, le regine e il loro seguito  vestono come in una corte italiana rinascimentale, Eraclio e Costantino sono raffigurati  come imperatori bizantini; gli eserciti romani utilizzano gonfaloni medievali, i cavalieri romani indossano in parte armature "all'antica" e in parte armature complete di ferro in uso nella metà del 1400. Un elemento unificatore è la luce, modulata su quella naturale della finestra centrale della cappella. Per questo i due profeti, sulla parete centrale, sembrano illuminati da dietro, come se fossero proiettati verso lo spettatore. Di straordinario valore è la scena notturna del Sogno di Costantino, la prima veduta notturna pienamente convincente dell'arte europea prima di Caravaggio. Si scoprì poi che in realtà è un'alba. Nell'ambito dell'ultimo restauro della fine degli anni novanta, è emersa una mappa celeste con la rappresentazione di alcune costellazioni, collegata con la volta celeste della Sagrestia Vecchia di San Lorenzo a Firenze.

Prompt: Focus on The Legend of the True Cross and explain the Style.Please output in Italian.

Adamo
Caravaggio
Firenze
Piero della Francesca
Sagrestia Vecchia
Sogno di Costantino
Tortura dell'ebreo


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Primavera

upright=1.3Un campo fiorito durante la stagione primaverile. primavera è una delle quattro stagioni in cui si divide l'anno; viene dopo l'inverno e precede l'estate.

Prompt: In Spring (painting), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Seppellimento di santa Lucia

Il Seppellimento di santa Lucia è un dipinto di Caravaggio, a olio su tela , esposto sull'altare del Santuario di Santa Lucia al Sepolcro a Siracusa.

Prompt: How does The Burial of Saint Lucy explain its Abstract?Please output in Italian.

Caravaggio
Santuario di Santa Lucia al Sepolcro
Santuario di Santa Lucia al Sepolcro
Siracusa


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Morte di Sofonisba

Museo Puškin delle belle arti Venezia Sofonisba

Prompt: Focus on The Death of Sophonisba (Preti) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Museo Puškin delle belle arti
Sofonisba
Venezia


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: In Christ on the Cross (Zurbarán), how is the Historical crucifixions discussed?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Chimera di Arezzo

sua datazione è fatta risalire a un periodo compreso tra l'ultimo quarto del V e i primi decenni del IV secolo a.C. Faceva parte di un gruppo di bronzi sepolti nell'antichità per poterli preservare.Con l'aiuto del cavallo alato Pegaso, Bellerofonte riuscì a sconfiggere Chimera con le sue stesse terribili armi: immerse la punta del suo giavellotto nelle fauci della belva, il fuoco che ne usciva sciolse il piombo che uccise l'animale.Si tratta di una statua di bronzo rinvenuta il 15 novembre 1553 in Toscana, nella città d'Arezzo durante la costruzione di fortificazioni medicee alla periferia della cittadina, fuori da Porta San Lorentino . Venne subito reclamata dal granduca di Toscana Cosimo I de' Medici per la sua collezione, il quale la espose pubblicamente presso il Palazzo Vecchio, nella sala di Leone X. Venne poi trasferita presso il suo studiolo di Palazzo Pitti, in cui, come riportato da Benvenuto Cellini nella sua autobiografia, "il duca ricavava grande piacere nel pulirla personalmente con attrezzi da orafo".Per Cosimo I, identificatosi in un  neo principe etrusco, Il bronzo simboleggiava  le forze distruttive e negative e i nemici che  aveva dovuto fronteggiare e sconfiggere. A tale proposito Vasari scrisse: “ha voluto il fato che la si sia trovata nel tempo del Duca Cosimo il quale è oggi domatore di tutte le chimere“.Il ritrovamento, fu considerata una fortunata circostanza in un momento culturale in cui Cosimo I  sosteneva la supremazia della cultura e dell’arte etrusca su quella classica e romana, dovuta alla sua anteriorità, coerentemente con le sue ambizioni politiche.Dalle notizie del ritrovamento, presenti nell'Archivio di Arezzo, risulta che questo bronzo venne identificato inizialmente con un leone poiché la coda, rintracciata in seguito da Giorgio Vasari, non era ancora stata trovata e fu ricomposta solo nel XVIII secolo grazie a un restauro visibile ancora oggi. Vasari nei suoi Ragionamenti sopra le invenzioni da lui dipinte in Firenze nel palazzo di loro Altezze Serenissime risponde così a un interlocutore che gli domanda se si tratta proprio della Chimera di BellerofonteSi suppone però che il restauro alla coda sia un restauro sbagliato: il serpente avrebbe dovuto avventarsi minacciosamente contro Bellerofonte e non mordere un corno della testa della capra, poiché essa è proprio parte integrante del corpo stesso della chimera.Il restauro alla coda di serpente non è l'unico restauro che è stato effettuato, infatti, anche le zampe del lato sinistro della chimera furono grossolanamente ricomposte con delle colate di bronzo.Nel 1718 venne poi trasportata nella Galleria degli Uffizi e in seguito fu trasferita nuovamente, insieme all'Idolino e ad altri bronzi classici, presso il Palazzo della Crocetta, dove si trova tuttora, nell'odierno Museo archeologico di Firenze. Recentemente è stata esposta all’ ingresso del Museo Archeologico di Firenze una copia definita “identica” fusa da calco eseguito sull’originale dalla Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli.

Prompt: How does Chimera of Arezzo explain its History?Please output in Italian.

1553
1718
Arezzo
Bellerofonte
Benvenuto Cellini
Cosimo I de' Medici
Firenze
Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli
Galleria degli Uffizi
Giorgio Vasari
IV secolo a.C.
Medici
Palazzo Pitti
Palazzo Vecchio
Palazzo della Crocetta
Toscana
V secolo a.C.
XVIII secolo


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Maja desnuda

maja desnuda è un dipinto a olio su tela di Francisco Goya, realizzato tra il 1790 e il 1800 e conservato al Museo del Prado di Madrid.

Prompt: In La maja desnuda, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1790
1800
Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid
Museo del Prado


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Estrazione della pietra della follia

L'opera mostra un soggetto tratto da una storiella popolare, secondo cui un credulone si fa convincere da un ciarlatano a farsi togliere dalla testa la "pietra della follia", ovvero la stoltezza. Ciò è chiarito dall'iscrizione che, con eleganti arabeschi, corre attorno al tondo: "Meester snyt die Keye ras / Myne name is lubbert das", cioè "Maestro cava fuori le pietre, il mio nome è 'bassotto castrato'". Il nome è un sinonimo di sempliciotto, quindi della persona che si fa ingannare.Al raggiro del ciarlatano, che sta tagliando con un bisturi la fronte dell'uomo per estrarne un fiorellino, assistono senza intervenire un monaco e una suora, uno con un boccale argenteo in mano, l'altra con un libro sulla testa.Il motivo del raggiro degli sciocchi è un tema caro nell'opera di Bosch e secondo la sua visione rappresentava una grave colpa tanto per l'ingannatore quanto per l'ingannato, reo della sua stupidaggine.In questa opera, il chirurgo intento all'estrazione indossa un copricapo a formadi imbuto simbolo di stupidità, qui usato come pesante critica mossa contro chi crede di sapere ma che, alla fine, è più ignorante di colui che deve curare dalla «follia».

Prompt: In Cutting the Stone, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Non in tutti i paesi con una maggioranza della popolazione di religione cristiana, il 6 gennaio è riconosciuto come festività anche agli effetti civili. Oltre che in Italia , lo è in Austria, Croazia, Finlandia, in alcuni länder della Germania, in Grecia, in Slovacchia, in Spagna, in Svezia, in alcuni cantoni della Svizzera, nella Repubblica Dominicana, in Polonia e nel territorio statunitense di Porto Rico. Nel Regno Unito è festa religiosa e in Inghilterra, Galles e Irlanda del Nord è anche civile, ma non di vacanza dal lavoro, nonostante sia inglobata nel Tempo di Natale e nella chiusura delle scuole.

Prompt: In Epifania, how is the Epiphany as a civil holiday discussed?Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Croazia
Finlandia
Galles
Germania
Grecia
Inghilterra
Irlanda del Nord
Italia
Natale
Polonia
Porto Rico
Regno Unito
Repubblica Dominicana
Slovacchia
Spagna
Svezia
Tempo di Natale


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Pallade e Aracne

Il dipinto ritrae la gara di tessitura tra la dea Atena e la mortale Aracne narrata nelle Metamorfosi di Ovidio. Nel mito originale, Atena e Aracne si sfidano e la dea perde, ma ella punisce Aracne lo stesso per aver insultato gli dèi non avendo riconosciuto l'origine divina delle sue competenze artistiche e avendo creato un'opera più bella della sua.Sullo sfondo del quadro si trova un arazzo parzialmente visibile del Ratto di Europa di Tiziano, che, secondo la versione ovidiana del racconto, era il tema dell'arazzo tessuto da Aracne nella contesa con Atena.

Prompt: How does Pallas and Arachne explain its Description?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Salì al trono bavarese all'età di 18 anni, in seguito alla morte del padre. Il suo aspetto pensieroso lo rese molto popolare in Baviera e all'estero. Uno dei primi atti fu il patrocinio ufficiale del suo idolo, Richard Wagner. Per gran parte del suo regno, Ludovico promosse la riconciliazione fra gli stati tedeschi.Le maggiori preoccupazioni nei primi anni di regno di Ludovico furono l'aspettativa per un erede e le relazioni con la Prussia. Entrambe le questioni furono poste in primo piano nel 1867. Ludovico era fidanzato con la principessa Sofia, sua cugina, nonché sorella minore dell'imperatrice Elisabetta. Il loro fidanzamento venne reso pubblico il 22 gennaio 1867, ma dopo aver ripetutamente rinviato la data del matrimonio, Ludovico alla fine annullò il fidanzamento in ottobre. In seguito Sofia si unì in matrimonio con Ferdinando Filippo Maria, duca di Alençon , figlio di Luigi d'Orleans, duca di Nemours. Ludovico non si sposò mai.Anche se Ludovico si era schierato a fianco dell'Austria contro la Prussia nella guerra austro-prussiana, accettò un trattato di mutua difesa con la Prussia nel 1867, dopo essere stato sconfitto. In base ai termini del trattato, la Baviera si dovette unire alla Prussia contro la Francia nella guerra franco-prussiana. Su richiesta di Bismarck, Ludovico sollecitò una lettera, nel dicembre 1870, che chiedeva la creazione di un impero tedesco. Egli ricevette alcune concessioni in cambio del suo appoggio, ma l'era dell'indipendenza bavarese era terminata di fatto.Per tutto il suo regno, Ludovico ebbe una fila di infatuazioni per uomini di bell'aspetto, tra cui il suo stalliere capo Richard Hornig, la stella ungherese del teatro Josef Kainz, . Nel 1869 cominciò a tenere un diario nel quale registrava le sue riflessioni private e discuteva i suoi tentativi di sopprimere i suoi desideri sessuali e rimanere fedele ai suoi convincimenti cattolici. I diari originali di Ludovico andarono persi durante la seconda guerra mondiale e ne rimangono solo copie di brani, fatte prima della guerra. Queste, assieme a lettere private e ad altri documenti personali sopravvissuti, suggeriscono che Ludovico abbia cercato di reprimere la propria omosessualità.Con il progredire del suo regno, Ludovico condusse sempre più spesso una vita ritirata e lontana dagli impegni di governo. Negli anni '80 dell'Ottocento spese gran parte del suo tempo sulle Alpi, dove fece costruire diversi e costosi palazzi da favola con lo scenografo Christian Jank, immaginando un mondo di sogno in cui era un monarca assoluto, discendente da Luigi XIV di Francia.

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Kingdom and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1867
1869
Alençon
Alpi
Baviera
Christian Jank
Luigi XIV di Francia
Richard Wagner


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Il mare di ghiaccio

Il tema della navigazione proviene da un'antichissima tradizione allegorica risalente alla cultura greca, ed è sempre stato visto come l'immagine dell'ossessiva e continua peregrinazione dell'uomo sulla terra in cerca di qualcosa, attraverso le avversità del mondo e della vita. Tale motivo, trasposto poi in quello del naufragio, diviene incarnazione della fragilità dell'uomo in balia degli elementi. Ed è proprio in questo ambito che si muove Il mare di ghiaccio.Il sottotitolo dell'opera Naufragio della Speranza, tradisce la rappresentazione di quella che si pone, a tutti gli effetti, come una parabola religiosa. Il Polo Nord è inteso come un luogo nel quale il succedersi di cicli vitali rimane sempre uguale e qui l'infinito ripetersi di giorni, stagioni, anni e secoli diventa metafora dell'eternità di Dio, perché tutto resta identico e dove la nave, simbolo della vita umana, è imprigionata e non può sfuggire a quell'eternità che è la stessa di Dio. Il tentativo umano di penetrarne il mistero, quindi, è destinato a fallire. esattamente come, nel 1815, la Zattera della Medusa di Géricault stava ad indicare il naufragio della Francia napoleonica.

Prompt: In The Sea of Ice, how is the Meaning discussed?Please output in Italian.


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Pala Montini

L'impaginazione dell'opera è assolutamente "classica", e riprende lo schema di pale coeve di Giovanni Bellini, come la Pala di San Giobbe.Maria, seduta su un trono con alto basamento marmoreo, si volta verso i santi Cosma e Damiano, affiancati a san Giovanni Battista; a destra il Bambino rivolge una benedizione verso le sante Apollonia e Caterina d'Alessandria e san Giovanni Evangelista. In basso al centro si trova un angelo musicante che riprende la cultura belliniana. Alla base del trono appare un cartiglio con la scritta "IOANNIS BAPTISTA CONILIANENSIS OPUS".Da sottolineare è il tentativo di profondità che Cima ha voluto realizzare con il finto mosaico e la posizione dei santi a semicerchio. Roberto Longhi sottolineò nel 1946 la grande perizia con la quale venne realizzata l'ombra disegnata dal Bambino sul volto della prima santa a sinistra.

Prompt: How does Montini Altarpiece explain its Description?Please output in Italian.

Caterina d'Alessandria
Cosma e Damiano
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Pala di San Giobbe


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Explain the Literature about the Psychology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Nascita di Venere

In ogni caso l'attenzione al disegno non si risolve mai in effetti puramente decorativi, ma mantiene un riguardo verso la volumetria e la resa veritiera dei vari materiali, soprattutto nelle leggerissime vesti. Il colore chiaro e nitido, derivato dalla particolare tecnica, intride di luce le figure, facendone risaltare la purezza penetrante della bellezza. forte plasticità dei singoli corpi bilancia gli appiattimenti dello sfondo e dei giochi lineari, generando anche un'originale rappresentazione del movimento: a ben guardare esso nasce infatti dalle linee, mentre le figure sembrano magicamente ferme e sospese. L'apparente distacco dalla sfera dei sensi unito a un'intesa emozione intellettuale sta alla base di alcune delle ragioni del fascino dell'opera.

Prompt: Explain the Volume color about the Style of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.


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Atropo

Nella mitologia greca, Àtropo  era una delle tre Moire , figlia, secondo una versione, della Notte o, secondo un'altra, di Zeus e di Temi .Nella mitologia viene citata anche per aver condizionato il destino di Meleagro.

Prompt: Focus on Atropos (Goya) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna Northbrook

L'opera deve il suo nome alla collezione dei conti di Northbrook a Londra, dove venne custodita fino agli anni settanta del Novecento.venne riferita per la prima volta a Raffaello da Adolfo Venturi, mentre altri, come Gronau e Cavalcaselle, optarono per lo Spagna, anche se la critica recente propende quasi tutta per la prima ipotesi.  datazione è legata al periodo fiorentino, per un certo leonardismo, con affinità con altre opere del periodo, soprattutto la Piccola Madonna Cowper.Maria è seduta davanti a un parapetto, oltre il quale si vede un dolce paesaggio di sapore umbro. È ritratta a mezza figura e tiene in grembo il Bambino, nudo e stante. i due non si guardano, ma i loro gesti dimostrano un rapporto di intima familiarità, con una sciolta naturalezza che allontana le opere di Raffaello dagli enigmatici prototipi di Leonardo.

Prompt: Focus on Northbrook Madonna and explain the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Morte di Adone

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: How does The Death of Adonis (Mazzuoli) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Appoggiati alla balaustra in fondo al dipinto, i due cherubini, popolarmente noti anche come "angioletti", "puttini" o "amorini", sono fra le realizzazioni più popolari del Sanzio e della cultura figurativa del Rinascimento in generale. Nel 1913 Gustav Kobbé scrisse in una guida per il grande pubblico:</ref>The most famous cherubs ever painted are those of Raphael. When "Raphael's Madonna" is spoken of only one of his many Madonnas is meant,–the "Sistine Madonna" in the Dresden gallery. Other Madonnas by him also are famous; but this so far outdoes them all in fame that it is known simply as his Madonna. […] Quite as famous as Raphael's Madonna are Raphael's Cherubs, which are a detail taken from this Madonna; and, as the "Sistine Madonna" is the most widely known picture of the Virgin, so no cherub or group of cherubs is so famous as the two that lean on the alter top indicated at the very bottom of the picture. These cherubs, however, are not just pretty cherubs: they have both artistic and allegorical meaning in the composition. The composition of this picture is not only in three planes of perspective, but also in three planes of elevation. […] The cherubs are at the bottom and very front of the picture. Despite their wings, they are intensely human little creatures, and may be said to represent humanity. […] It may be, as some people think, that the two charming infants with wings were afterthoughts. Even so, however, they are not superfluous, but, exquisite in themselves, add to the harmonious beauty of the composition.lingua=en}}Sopra i cherubini, i due santi rappresenterebbero dunque la Chiesa e la Vergine con il Bambino la sfera celeste.Oltre ai significati simbolici, la bellezza e originalità del soggetto, la posizione distanziata dal gruppo che compone la sacra conversazione più in alto, l'autosufficienza grafica e l'aspetto quotidiano e "irriverente" dei cherubini hanno donato loro una fama propria che va al di là di quella del dipinto; le possibilità di riproduzione tecnica sviluppate fra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo hanno poi consentito la loro riproduzione come soggetto indipendente dal resto del quadro.Nel corso dei cinque secoli di storia del dipinto, ed in particolare negli ultimi due dopo la rivoluzione industriale, i cherubini hanno assunto un valore fortemente iconico sia per la loro grande diffusione su opere a stampa, vestiario, cartoline, carte da regalo e prodotti commerciali vari, sia per gli omaggi resi loro dal design industriale e dalla moda.

Prompt: Explain the The little children about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Madonna.Please output in Italian.


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Uomo vitruviano

Marco Bussagli, A misura d'uomo. Leonardo e l'Uomo vitruviano , in Art e Dossier, 146, giugno 1999, pp. 17-20.  Milena Magnano, Leonardo , Milano, Mondadori Arte, 2007. ISBN 88-370-6432-2. ISBN 978-88-370-6432-7. Annalisa Perissa Torrini , Leonardo. L'Uomo vitruviano fra arte e scienza, Marsilio, 2009. ISBN 88-317-9900-2. ISBN 978-88-317-9900-3. Franca Manenti Valli, Leonardo. Il sapere costruttivo nel disegno della figura umana, Silvana Editoriale, Milano, 2011. ISBN 88-366-2099-X Paola Salvi , Approfondimenti sull'Uomo vitruviano di Leonardo da Vinci, CBEdizioni 2012 ISBN 978-88-97644-01-9

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Vitruvian Man.Please output in Italian.

Franca Manenti Valli
Leonardo da Vinci
Milano


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Martirio di sant'Erasmo

Dell'opera sono conservati due disegni preparatori, conservati uno alla Biblioteca Ambrosiana di Milano e l'altro al Gabinetto dei disegni e delle stampe della Galleria degli Uffizi di Firenze. Poussin riprodusse anche una versione preparatoria del dipinto - un modello - che è attualmente conservata alla National Gallery of Canada di Ottawa.

Prompt: Describe the characteristics of the Preparatory drawings in The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Biblioteca Ambrosiana
Firenze
Gabinetto dei disegni e delle stampe
Galleria degli Uffizi
Milano
National Gallery of Canada
Ottawa


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Ragazzo morso da un ramarro

Quest'opera raffigura un ragazzo morso da un ramarro che sbuca dai fiori e dai frutti in cui era nascosto. Il riferimento sembra essere proprio al piacere e alle pene d'amore, come la scelta del modello effeminato, con una rosa tra i capelli e la spalla destra scoperta sembrerebbero suggerire. Le ciliegie appaiate sarebbero, infatti, un simbolo sessuale, così come il gelsomino bianco alluderebbe al desiderio, mentre la rosa fra i capelli del giovane effeminato sarebbe un riferimento all'amore. Il dipinto risentirebbe, dunque, del clima culturale ed edonistico che si respirava a Palazzo Madama alla corte del cardinale Francesco Maria del Monte, che amava festini con ragazzi effeminati, vestiti all'antica, che si esibivano in rappresentazioni teatrali e musicali. Anche il ramarro e la morsicatura sono stati oggetto di molteplici letture allegoriche, talvolta piuttosto ardite e scientificamente poco motivate. Tra queste, quella del romanziere e saggista divulgativo australiano Peter Robb, secondo cui il ramarro sarebbe allegoria del pene, e quella del divulgatore storico-artistico Andrew Graham Dixon, secondo cui il dito della mano sarebbe simbolo del fallo leso, o meglio, della castrazione, procurata dalla bocca sdentata del ramarro, trasformata stavolta in una sorta di vagina dentata, che punisce l'eccesso di libidine.leftTre le fonti d'ispirazione più accreditate vi è anche lo schizzo Fanciullo morso da un gambero o Asdrubale morso da un gambero, eseguito da Sofonisba Anguissola e datato 1554, spedito a Michelangelo Buonarroti dal padre della pittrice in una delle lettere che i due artisti si scambiavano. Tra le tante ipotesi volte a chiarire come Caravaggio conoscesse questo disegno, la più plausibile è quella avanzata da Rossella Vodret Adamo, secondo cui Caravaggio potrebbe aver visto una copia del disegno in questione nella bottega del Cavalier d'Arpino. È ormai fuor di dubbio che, nonostante quanto riferito dalle fonti, Caravaggio tenesse in considerazione notevole la lezione dei grandi maestri del Cinquecento e dell'antichità. Secondo il succitato romanziere Peter Robb, per questo dipinto, Caravaggio si sarebbe ispirato all’Apollo sauroctono, copia romana di una scultura greca in cui Apollo è raffigurato come un giovane efebico, languido, dalle carni molli e acerbe che, secondo Robb, potrebbe avere alcuni collegamenti con il soggetto effigiato Caravaggio. Tuttavia, al di là degli aspetti fisici di Apollo, la scultura non presenta alcuna analogia con il dipinto di Caravaggio, né nella posa del personaggio, né nelle espressioni, né nel soggetto, poiché il giovane che, nella tela di Merisi, viene morso da un ramarro, non è intento ad uccidere la bestiola.Nel dipinto sono particolarmente curati gli effetti luministici: la luce che penetra da una finestra si riflette nel vaso e attraversa l'acqua e la boccia di cristallo. Con ogni probabilità, Caravaggio era a conoscenza degli studi di Giovanni Paolo Lomazzo, ed in particolare del suo Trattato dell'arte della pittura, nel quale vi è un fondamentale capitolo intitolato "De gli effetti che partorisce lo lume nei corpi acquei". In questo capitolo, Lomazzo esamina le diverse qualità della luce riflessa nei liquidi . Significativamente, il cardinal Del Monte condivideva con Caravaggio la passione per le lenti, i vetri, gli specchi e, più in generale, per l'ottica, di cui il fratello scienziato Guidubaldo Del Monte era uno studioso.Nel dipinto, la luce entra in campo come un lampo nel buio ed è una luce ortogonale, che non viene dall'alto, ma da una sorgente al di fuori della scena dipinta; essa colpisce la brocca d'acqua in linea retta e senza produrre deflessione, come del resto è possibile notare osservando gli steli recisi dei fiori che sono, appunto, ritti.Per ciò che riguarda la tecnica pittorica, le indagini diagnostiche sul dipinto presso la Fondazione Longhi hanno evidenziato una stesura preparatoria bruno-verdastra che è lasciata a vista lungo i contorni della spalla sporgente, intorno ai capelli neri e sul fondo in più punti; mentre sul volto si trovano le lunghe e ripetute volute del pennello alla ricerca dell'amalgama giusta per l'incarnato, secondo un sistema già sperimentato, forse all'epoca dell'apprendistato con il Peterzano. Bellissimo è l'andamento verticale delle rughe della fronte che, assieme alla tensione nervosa della mano, alla lacrima che si intravede all'angolo dell'occhio destro, alla sottile lamina umida della lingua, suggeriscono visivamente una reazione psicologica che unisce, allo stesso tempo, l'orrore, il dolore, e la sorpresa.

Prompt: Focus on Boy Bitten by a Lizard and explain the Description.Please output in Italian.

1554
Apollo sauroctono
Caravaggio
Fanciullo morso da un gambero
Giovanni Paolo Lomazzo
Michelangelo Buonarroti
Caravaggio
Sofonisba Anguissola


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Disputa del Sacramento

Stanza della Segnatura Stanze di Raffaello Monete euro italiane

Prompt: Focus on Disputation of the Holy Sacrament and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Monete euro italiane
Stanza della Segnatura
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Lavanda dei piedi

Chiesa vede nel gesto della lavanda dei piedi un simbolo dell'amore di Dio. Il gesto riassume tutta la vita di Gesù, il quale "non è venuto per essere servito, ma per servire e dare la Propria vita in riscatto per molti" .varsi i piedi gli uni gli altri significa per i cristiani fare memoria dell'amore che Gesù ha avuto per i suoi discepoli. Chiesa cattolica rivive il gesto della lavanda dei piedi durante la liturgia del Giovedì santo, nella Messa in Cena Domini. Questa memoria prende anche il nome di Mandatum. I cistercensi praticavano questo gesto settimanalmente, ogni sabato, all'interno della loro comunità.Nel gesto della lavanda dei piedi Cristo si mostra Servus servorum Dei, vale a dire "servitore fra i servitori di Dio". A Giovanni Battista, che Gesù avrebbe poi definito il più grande fra i nati di donna , ma che non era chiamato da Cristo a far parte dei Dodici per battezzare in acqua e Spirito Santo, fu riservato il privilegio del Battesimo di Gesù in sola acqua. Se il più grande uomo mai vissuto ritenne di non essere degno di legare i lacci dei sandali di Cristo, Dio stesso invece ritenne di dover fare ancora di più del gesto del Battista, lavando i piedi dei Dodici, a partire proprio da Cefa che di lì a poco lo avrebbe rinnegato per tre volte. Servitore dei servitori di Dio è appunto un titolo che spetta ai successori di Pietro, l'apostolo al quale Gesù rese per primo testimonianza.

Prompt: Explain the Meaning of this artwork, Christ Washing the Disciples' Feet (Tintoretto).Please output in Italian.

Battesimo di Gesù
Chiesa cattolica
Gesù
Giovanni Battista
Giovedì santo
Servus servorum Dei


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Creazione di Adamo

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. A metà del lavoro, nel 1510, il ponteggio venne smontato nella prima metà della cappella e ricostruito, entro l'autunno del 1511, nell'altra metà.  Creazione di Adamo  fa quindi parte della prima fase del secondo blocco. In queste scene si nota come le figure inoltre divennero più grandi e monumentali, con un apparato compositivo più sintetico, la gestualità più essenziale e perentoria.Per l'affresco furono necessarie sedici "giornate", a partire dal gruppo dell'Eterno e degli angeli, per i quali il disegno del cartone venne trasferito con lo spolvero, tranne la tunica, oggetto di incisioni dirette. Adamo, la cui figura venne studiata con cura, venne invece riportato sull'intonaco con la sola incisione diretta. scena ricevette unanimi apprezzamenti fin dall'epoca della scopritura. I contemporanei dell'artista, in particolare, vi leggevano la materializzazione di uno dei più alti ideali della cultura rinascimentale, quello della dignità umana, specchio "a immagine e somiglianza" di Dio.  bellezza del corpo umano era vista come una diretta emanazione delle facoltà spirituali e come il punto più alto della creazione divina.thumbGiorgio Vasari scrisse: «[Nella] Creazione di Adamo, [Michelangelo] ha figurato Dio portato da un gruppo di Angioli ignudi e di tenera età, i quali par che sostenghino non solo una figura, ma tutto il peso del mondo, apparente tale mediante la venerabilissima maiestà di quello [Dio] e la maniera del moto, nel quale con un braccio cigne alcuni putti, quasi che egli si sostenga, e con l'altro porge la mano destra a uno Adamo, figurato di bellezza, di attitudine e di dintorni di qualità che  par fatto di nuovo dal sommo e primo suo creatore più tosto che dal pennello e disegno d'uno uomo tale».  Completato l'affresco, i cardinali responsabili della cura delle opere rimasero per ore a guardare e ammirare. Dopo l'analisi, chiese alla Michelangelo di rifare parte dell'opera. Lo scontento era per un dettaglio, apparentemente non importante. Michelangelo aveva disegnato il pannello della creazione dell'uomo con le dita di Dio e di Adamo, che si toccavano. I cardinali chiesero che non vi fosse alcun tocco, ma che le dita di entrambi fossero tenute separate e di più: che il dito di Dio fosse sempre teso al massimo, ma che il dito di Adamo, facesse contrarre l'ultima falange. Un dettaglio che significava che Dio è lì, ma la decisione di cercarLo dipende dall'uomo. Se vuole, allungherà il dito, lo toccherà, ma non volendo, può passare una vita senza cercarLo. L'ultima falange del dito di Adam contratto rappresenta quindi il libero arbitrio.

Prompt: Focus on The Creation of Adam and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel Comune di Milazzo, il 2 luglio ricorrono i festeggiamenti della Madonna delle Grazie nella frazione Santa Maria delle Grazie, di cui è patrona e a cui è dedicata la Chiesa Parrocchiale.Statua della Madonna delle Grazie, venerata nella Parrocchia

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Milazzo and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Ritratto di Innocenzo X

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Portrait of Innocent X.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Per Luca, la prima introduzione di Gesù al Tempio ha un preciso significato teologico. Per la purificazione della puerpera l'offerta del primogenito, infatti, non era necessario andare al Tempio di Gerusalemme: questi atti potevano essere effettuati in tutto il Paese presso un sacerdote qualsiasi. L'incontro con Simeone e Anna mostra l'attuazione di una profezia di Malachia, secondo cui il Messia sarebbe stato riconosciuto nel Tempio .  gioia dei due ebrei pii descrive il compimento della speranza del popolo di Israele. Simeone capisce che Gesù è il messia atteso, ma è venuto per tutti i popoli, non solo per Israele; sarà però un segno di contraddizione, dividendo Israele tra chi crederà in lui e chi no. Luca non dice che Gesù è stato riscattato con il pagamento dell'offerta: ciò significa che è stato consacrato interamente a Dio Padre fin da bambino. Per la Chiesa cattolica Maria non avrebbe avuto bisogno di essere purificata, ma si sottopone ugualmente in segno di umiltà al rito per dimostrare la sua obbedienza ai precetti religiosi ebraici.  Chiesa ha sempre identificato la "spada" menzionata da Simeone come figura del dolore che Maria avrebbe sofferto durante la Passione del Figlio.Il ricordo della presentazione al Tempio di Gesù è all'origine della tradizione cristiana di presentare i neonati al Signore, chiedendo che egli li benedica sin dalla più tenera età. Per le chiese in cui viene praticato il battesimo dei neonati ciò avviene in occasione della cerimonia del battesimo. Nelle confessioni cristiane che battezzano solo adulti viene talvolta praticata comunque una presentazione sacramentale dei neonati.

Prompt: In the context of Presentation at the Temple (Ambrogio Lorenzetti), explain the Theological significance and the Gospel story.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Gesù
Messia
Tempio di Gerusalemme


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San Girolamo

Il Martirologio romano ricorda san Girolamo il 30 settembre.Per la sua attività di traduttore della Bibbia viene considerato santo protettore dei traduttori e per i suoi studi legati all'antichità è considerato il patrono degli archeologi.Numerose chiese storiche sono state dedicate a san Girolamo. Vari ordini religiosi e congregazioni si sono ispirati esplicitamente al santo. Tra questi: Gesuati, sorti a metà del XIV secolo come fraternità di laici ispirata alla spiritualità del santo : trasformatisi in congregazione religiosa nel 1606  e soppressi da papa Clemente IX nel 1668. Eremiti di San Girolamo, congregazione religiosa attiva tra il 1405 e il 1668. Congregazione dei Gerolimini, fondata da Pietro Gambacorta e Nicola da Forca Palena agli inizi del XV secolo e soppressa da Pio XI nel 1933. Ordine di San Girolamo , ordine monastico tuttora esistente. figura di san Girolamo fu commemorata da papa Benedetto XV con l'enciclica Spiritus Paraclitus, scritta il 15 settembre 1920 in occasione del XV centenario della morte. presunta reliquia del suo cranio si conserva all'interno del Duomo di Nepi.

Prompt: How does Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo) explain its Worship.?Please output in Italian.

1405
1606
1668
1920
1933
30 settembre
Bibbia
Duomo di Nepi
Eremiti di San Girolamo
Gesuati
IV secolo
Nicola da Forca Palena
Ordine di San Girolamo
Pietro Gambacorta
Spiritus Paraclitus
XIV secolo


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Arrivo degli ungheresi

sinistra rotonda di Negli anni '70 fu presa la decisione di istituire un parco nazionale storico commemorativo a Ópusztaszer. I gravi danni causati dalla guerra mondiale avevano costretto a convertire il dipinto, un ciclorama con una circonferenza di quasi 120 metri e un'altezza di 15 metri, e quindi una superficie di circa 1800 m², a tagliarlo in sezioni lunghi 8 metri, le quali furono arrotolate e custodite in vari magazzini del museo che aprì nell'area. Quando fu avviato il restauro del dipinto, si decise di procedere alla costruzione di una nuova rotonda che potesse ospitare il ciclorama.  realizzazione della struttura si fermò nel 1979 e parti della tela furono nuovamente immagazzinate e arrotolate. Nel 1991, un gruppo di restauratori polacchi vinse l'appalto per un nuovo restauro e si apprestò ad apportare i ritocchi necessari.

Prompt: In the context of Arrival of the Hungarians, explain the Restoration of the work and the History.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sebbene si opponesse alla schiavitù, Sherman non fu un abolizionista prima della guerra. Le sue azioni militari del 1864 e del 1865 liberarono molti schiavi che si unirono alla sua marcia attraverso la Georgia e il Nord e Sud Carolina. Impressionato dalla loro industriosità e lealtà, Sherman iniziò a pensare al futuro degli schiavi liberati e al miglioramento della loro condizione. Il 12 gennaio 1865, Sherman si incontrò a Savannah con il Segretario di Guerra Stanton e con venti leader neri locali. Quattro giorni dopo emise lo "Special Field Orders, No. 15" riguardante i  schiavi liberati e rifugiati neri, affidando al generale Rufus Saxton, un abolizionista del Massachusetts che in precedenza si era occupato dell'arruolamento di soldati neri, di implementare il piano.  direttiva, che divenne la base dell'affermazione che il governo Unionista aveva promesso agli schiavi liberati "40 acri e un mulo", fu revocata nello stesso anno dal presidente Andrew Johnson.Dettaglio del "General William Tecumseh Sherman Monument" a

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Slavery emancipation discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Maffeo Barberini

Il ritratto di Maffeo Barberini è un dipinto attribuito a Caravaggio, databile intorno al 1598. È conservato in una collezione privata di Firenze.L'opera mostra Maffeo Barberini , membro di un'illustre famiglia fiorentina. Un ulteriore ritratto di Maffeo Barberini è stato attribuito anch'esso al Caravaggio.

Prompt: Focus on Portrait of Maffeo Barberini and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Copy of the work of the Description explained?Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Casa lungo la ferrovia

L'autore, realista, prese spunto da un edificio vittoriano nella cittadina di Haverstraw.

Prompt: Focus on House by the Railroad and explain the Description.Please output in Italian.