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Allegoria

Un esempio di allegoria è quello delle "tre fiere" in Dante . Le tre fiere rappresentano in un contesto di “pura bellezza” tre animali che turbano l'animo dell'uomo: la superbia , l'avidità e la cupidigia , la lussuria .

Prompt: In Allegory (Filippino Lippi), how is the Example of the Characteristics explained?Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Il Velo della Veronica è menzionato da Dante Alighieri nella Divina Commedia e da Francesco Petrarca. Dante nel Paradiso  scrive: "Qual è colui che forse di Croazia / viene a veder la veronica nostra…". Petrarca nel suo Canzoniere, nel sonetto "Movesi il vecchierel canuto e bianco" , accostando amore sacro e amore profano, paragona la partenza di un vecchio per recarsi a Roma a vedere la Veronica, immagine di Cristo, alla ricerca che fa il poeta dell'immagine della donna amata in quella di altre donne .

Prompt: Explain the Literature of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.

Cristo
Dante Alighieri
Divina Commedia
Francesco Petrarca
Roma
Veronica


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Festa del Rosario

L'opera venne realizzata durante il secondo viaggio del pittore tedesco in Italia, per Jacob Fugger, intermediario tra l'imperatore Massimiliano I e papa Giulio II. Era stata commissionata all'artista durante il viaggio di andata da Norimberga, nel corso della sosta ad Augusta, patria dei Fugger che lo ospitarono nella città lagunare.A Venezia la commissione fu rinnovata da due confraternite che riunivano rispettivamente i mercanti di Norimberga e quelli delle altre città tedesche, quest'ultima patrocinata dai Fugger. Il contratto prevedeva che l'opera, destinata alla chiesa della comunità tedesca veneziana, San Bartolomeo a Rialto, venisse completato entro il maggio 1506. Nonostante l'ammirazione generale e la risonanza, il dipinto suscitò tra gli artisti veneziani una scarsa influenza, sicuramente minore rispetto alle incisioni dell'artista.Lo stesso Fugger venne poi sepolto nella chiesa, proprio nella cappella a destra del coro in cui si trovava la pala. Nel 1606 il dipinto fu acquistato dall'imperatore Rodolfo II, che lo fece trasportare a Praga, imballato con lana, tappeti e un telo impermeabile. Venne destinato al monastero di Strahov e col tempo subì numerosi restauri, che hanno devastato la delicata superficie pittorica. Solo in seguito passò al Rudolfinum e infine alla Galleria Nazionale.

Prompt: Focus on Feast of the Rosary and explain the History.Please output in Italian.

1506
1606
Fugger
Jacob Fugger
Norimberga
Praga


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Polittico dell'Annunziata

AA.VV., Galleria dell'Accademia, Giunti, Firenze 1999. ISBN 8809048806Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 888117099X

Prompt: In Annunziata Polyptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria dell'Accademia
Perugino
Perugino


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Salvation Mountain

Nel 2008, la band Third Day ha pubblicato l'album Revelation, che conteneva una rappresentazione artistica di Salvation Mountain come immagine di copertina dell'album. Le note di copertina di Revelation affermano che la copertina dell'album è "un'interpretazione artistica" di Salvation Mountain.Huell Howser fece due interviste a dieci anni di distanza per la sua serie California's Gold. Nella seconda intervista, descrisse le modifiche apportate dalla prima. visionaria montagna è apparsa sulle copertine degli album ...and the Circus Leaves Town e Muchas Gracias: The Best of Kyuss degli Kyuss, inoltre appare nel film Into the Wild - Nelle terre selvagge, nel gioco Grand Theft Auto V della Rockstar Games, nei video musicali di Figli di papà  di Sfera Ebbasta, Praying  di Kesha e Birds della band britannica Coldplay .

Prompt: Explain the Apparitionsinthemedia of this artwork, Salvation Mountain.Please output in Italian.

California
Coldplay
Figli di papà
Grand Theft Auto V
Into the Wild - Nelle terre selvagge
Kesha
Kyuss
Muchas Gracias: The Best of Kyuss
Praying
Rockstar Games
Sfera Ebbasta


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Expressions of love and the Psychology.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Ila e le ninfe

Il quadro fu acquistato dalla Manchester Art Gallery nel 1896 e nell'estate successiva fu brevemente esposto alla Royal Academy of Art. Nel gennaio del 2018 il museo di Manchester rimosse temporaneamente il quadro in risposta all'ascesa del movimento MeToo e altri scandali riguardanti gli abusi sulle donne. Il provvedimento fu giustificato adducendo come motivazione il desiderio di non esporre corpi femminili come forma di arte passiva. scelta fu molto criticata negli ambienti culturali britannici  e la storica dell'arte Elizabeth Prettejohn, che aveva curato una retrospettiva su Waterhouse alla Royal Academy, protestò contro la decisione, affermando che un'opera d'arte non può diventare oggetto di dibattito quando viene nascosta al pubblico. Dopo una settimana il Manchester City Council ordinò che il quadro venisse riesposto nella galleria.

Prompt: How does Hylas and the Nymphs (painting) explain its Media case?Please output in Italian.

1896
Elizabeth Prettejohn
Manchester
Manchester Art Gallery


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portrait environment autonomy and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Crocifissione di Strasburgo

Prompt: In Strasbourg Crucifixion, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto Droeshout

alt=Le due versioni dell'incisione di DroeshoutLe due versioni dell'incisione di DroeshoutcentroL'incisione è una dei due soli artefatti che possono essere ricondotti con totale certezza al drammaturgo, unitamente alla statua fatta erigere come suo monumento funebre nella sua città natale di Stratford-upon-Avon; ambedue, tuttavia, sono postumi. L'incisione fu realizzata sette anni dopo la morte di Shakespeare e non esistono prove che dimostrino che l'incisore Martin Droeshout abbia mai incontrato Shakespeare in vita. Ciò nonostante Ben Jonson nel presentare l'incisione afferma che essa ha una buona somiglianza con il volto del poeta.Dell'incisione esistono due stati. Nella prima versione, oggi conservata solo in quattro copie, la testa di Shakespeare sembra galleggiare sopra la gorgiera. Durante la stampa delle prime copie del volume, Droeshout si rese conto del problema e apportò dei miglioramenti all'incisione intensificando l'ombreggiatura.

Prompt: Explain the History of this artwork, Droeshout portrait.Please output in Italian.


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Cleopatra e Cesare

L'opera è considerata un esempio classico della cosiddetta "egittomania", l'interesse per la cultura egizia, e divenne popolare grazie alle stampe della Goupil & Cie, gestita dal suocero di Jean-Léon Gérôme.I rappresentanti del progetto American Egyptomania dell'università George Mason, in Virginia, affermarono che il dipinto è un grande esempio di egittomania e che ha un'atmosfera sensuale e decadente.

Prompt: How does Cleopatra and Caesar (painting) explain its Welcome?Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu , nella zona nera  o in quelle rosse .Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora  e ortus , in quella destra occasus  e crepusculum I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga . Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti  e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie".  lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

Prompt: In the context of Prague astronomical clock, explain the Background of the quadrant and the Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Aerostato

Prompt: Focus on Balloon (Merse) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Dirigibile
Lista degli Zeppelin
Mongolfiera
Zeppelin


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Madonna di Darmstadt

Madonna di Darmstadt  è un dipinto di Hans Holbein il Giovane del 1526-28.L'opera, completata a Basilea, mostra la figura del borgomastro di Basilea, Jakob Meyer zum Hasen, la sua prima moglie , la sua moglie attuale e le sue figlie attorno ad una composizione di Madonna con Bambino. Il significato delle due altre figure maschili presenti a sinistra, come del resto l'iconografia generale del dipinto, non appaiono ancora oggi interamente chiare. L'immagine testimonia l'assoluta fede cattolica del borgomastro, apertamente opposto alla Riforma protestante.Il dipinto di Holbein fu certamente influenzato dalla pittura religiosa rinascimentale italiana, con elementi tipici della ritrattistica olandese dell'epoca. Già collocata a Darmstadt, da cui il nome, l'opera venne temporaneamente prestata allo Städelschen Kunstinstitut di Francoforte sul Meno dal 2004 al 2011. Dal 2012 si trova nella Johanniterkirche di Schwäbisch Hall.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1526
Basilea
Darmstadt
Francoforte sul Meno
Hans Holbein il Giovane
Jakob Meyer zum Hasen
Riforma protestante
Schwäbisch Hall


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Maria Maddalena

Il vangelo gnostico di Filippo dice che Gesù baciava Maria Maddalena. Da questo particolare, alcuni racconti moderni a esso ispirati sottolineano l'intimità fra Gesù e Maria Maddalena. Secondo le scuole gnostiche il bacio rituale non aveva un significato erotico, ma era espressione della comunione, della fratellanza e della certezza della redenzione degli eletti.  stessa espressione si ritrova nel Nuovo Testamento, nelle epistole di Paolo e di Pietro: «salutatevi gli uni gli altri con un santo bacio» .Nei frammenti del testo apocrifo ritrovati fra i Codici di Nag Hammadi si legge che «la compagna del Salvatore è Maria Maddalena, Cristo la amava più di tutti gli altri discepoli e soleva spesso darle dei baci».  frase sarebbe comunque una ricostruzione perché nel manoscritto ci sarebbero in realtà degli spazi vuoti, evidenziati di seguito con delle parentesi:  compagna del  Maria Maddalena  più di  discepoli  baciarla  sulla . parola usata per "compagna" nel testo copto del vangelo di Filippo è inoltre un prestito dall'originale greco koinônós. Questo termine non significa "sposa" o "amante", bensì "compagna" ed è comunemente usata per indicare rapporti di amicizia e fratellanza. Ma in quello stesso vangelo, che secondo gli studiosi non risale a prima della seconda metà del II secolo, il bacio è un segno rituale comune anche agli altri personaggi. Secondo gli gnostici inoltre, Gesù e Maria Maddalena erano le incarnazioni umane degli eoni Cristo e Sophia. Il passo non va dunque inteso come una prova storica del matrimonio tra Gesù e la Maddalena, ma secondo le affermazioni gnostiche sull'incoronamento sulla terra del legame celeste degli eoni, dunque come allegoria.Maria Maddalena è comunque rappresentata nei Vangeli canonici come un personaggio importante: la sua presenza alla Crocifissione la fa ritenere come una seguace che era stata molto vicina a Cristo e a sua madre Maria.

Prompt: Describe the characteristics of the Friendship between Maddalena and Jesus in Mary Magdalene (Stevens)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Codici di Nag Hammadi
Cristo
Crocifissione
Gesù
I secolo
Nag Hammadi
Nuovo Testamento


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In Annunciation (Antonello da Messina), how is the Apocryphal  Gospels of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: Explain the Hidden  children  in  clandestinity about the Victims survivors of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Madonna in gloria e santi

Lo schema della composizione è impostato su due registri paralleli quasi non comunicanti, con la Madonna col Bambino in una mandorla tra angeli nella parte superiore, e un gruppo di quattro santi immersi nel paesaggio in quella inferiore. Questo schema aveva come prototipo la perduta Assunta della Cappella Sistina, e venne ampiamente relicato dal pittore, ad esempio nella Pala di Vallombrosa di quegli stessi anni.I santi rappresentati, sullo sfondo di un dolcissimo paesaggio collinare, sono da sinistra: Michele arcangelo , Caterina d'Alessandria , Apollonia  e Giovanni Evangelista .Perugino ricorse con sicurezza a uno schema misurato e piacevole, impostato sulle simmetrie e sulla pacatezza dei sentimenti, con colori brillanti ma sfumati con dolcezza e con un'attenzione ai particolari decorativi.

Prompt: How does Madonna in Glory with Saints explain its Description and style?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Caterina d'Alessandria
Pala di Vallombrosa
Perugino


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Prometeo incatenato

Eschilo, Supplici - Prometeo Incatenato, a cura di L. Medda, Oscar Mondadori, 2009, ISBN 978-88-04-55144-7. Giulio Guidorizzi, Letteratura greca, da Omero al secolo VI d.C., Mondadori, 2002, ISBN 88-882-4210-4. Vincenzo Di Benedetto ed Enrico Medda,  tragedia sulla scena, Einaudi, 2002, ISBN 978-88-06-16379-2. Guido Avezzù, Il mito sulla scena, Marsilio, 2003, ISBN 88-317-8070-0.

Prompt: How does Prometheus Bound and the Oceanids explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Ritratto di Filippo IV di Spagna in marrone e argento

Filippo IV è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1631 ed il 1632 circa dal pittore Diego Velázquez.È conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Philip IV in Brown and Silver and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pietà Rondanini

Tempo dopo, dal 1554 circa, Michelangelo elaborò infatti una nuova versione, rimettendo in discussione l'intera statua: dal corpo di Maria ricavò una nuova figura di Cristo , mentre dalla spalla sinistra e dal petto del vecchio corpo di Cristo trovò lo spazio per ricavare un nuovo corpo per Maria.A questa Pietà lavorò fino a pochi giorni prima di morire, come testimoniano due lettere di Daniele da Volterra scritte rispettivamente a Giorgio Vasari e a Leonardo Buonarroti. L'opera venne infatti rinvenuta nello studio di Michelangelo dopo la sua morte e inventariata così: "Statua principiata per un Cristo et un'altra figura di sopra, attaccate insieme, sbozzate e non finite".

Prompt: In the context of Rondanini Pietà, explain the Second version and the History.Please output in Italian.

1554
Daniele da Volterra
Giorgio Vasari
Leonardo Buonarroti


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ragazzo che monda un frutto

Mina Gregori, "Ragazzo che monda un frutto", in Caravaggio e il suo tempo, catalogo della mostra , Milano: Electa, 1985, p.200-203. Franco Paliaga, "Da Vincenzo Campi e Bartolomeo Passerotti a Fede Galizia e Panfilo Nuvolone", in Natura morta italiana tra Cinquecento e Settecento, catalogo della mostra a cura di Mina Gregori e di Johann Georg Prinz von Hohenzollern ,Milano: Electa, 2002, p.77-104. Mina Gregori, "Due partenze in Lombardia per la natura morta", Natura morta italiana tra Cinquecento e Settecento, catalogo della mostra a cura di Mina Gregori e di Johann Georg Prinz von Hohenzollern ,Milano: Electa, 2002, p. 17-40.Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio e l'esperienza delle cose naturali, Torino: Bollati Boringhieri, 1992.

Prompt: Focus on Boy Peeling Fruit and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Il lancio della rete

Il lancio della rete è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1914 dalla pittrice francese Suzanne Valadon e conservato al Museo di Belle Arti di Nancy.

Prompt: In Casting the Net, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Leggenda napoleonica Iconografia di Napoleone

Prompt: In Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Iconografia di Napoleone
Leggenda napoleonica


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro

Su di un basamento all'antica in finto marmo, si erge la colonna a cui è legato san Sebastiano, il militare romano condannato per via della sua fede cristiana al martirio tramite crivellatura di frecce. Il soggetto, dalla metà del Quattrocento in poi, permetteva agli artisti di cimentarsi nella rappresentazione anatomica di un nudo secondo i canoni dell'arte classica, che ebbe un notevole successo. Per Perugino si tratta del primo esempio di tale soggetto, caratterizzato da una figura esile e languida soffusamente illuminata, che venne poi replicata in numerosi altri dipinti: se ne conoscono uno al National Museum di Stoccolma, uno frammentario all'Ermitage di San Pietroburgo, uno al Louvre , con una derivazione al Museo d'Arte di San Paolo, uno nella chiesa di San Sebastiano a Panicale  e uno nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia . Il giovane martirizzato non esprime alcun dolore, ma una vaga malinconia nello sguardo trasognato, con un'elegante postura accuratamente bilanciata tra gli scarti a destra  e a sinistra .Accanto a lui si vedono alcuni frammenti di altri santi, riconoscibili però per la presenza degli attributi tipici: san Rocco, che mostra la ferita nella gamba, e san Pietro, col tipico manto giallo e un pezzo delle chiavi del Paradiso. Lo sfondo mostra una cornice marmorea oltre una specchiatura in finto marmo verde.I santi sono rappresentati con una forte valenza plastica, sottolineata dai piedi che sporgono, gettando ombra, dal cornicione della base. Il san Pietro ha un panneggio modellato con vigore dalla luce tagliente, che dà l'effetto "bagnato" appreso alla bottega del Verrocchio, ma sicuramente più originale è la figura di Sebastiano, che guarda in alto, con quella posa languida e sospesa che divenne, proprio a partire da quegli anni, una delle caratteristiche più tipiche dell'arte di Perugino. I giochi lineari appresi a Firenze, ben visibili nel panneggio svolazzante del perizoma di Sebastiano, sono inoltre fusi con una luce tersa derivata da Piero della Francesca.

Prompt: In St Sebastian between St Roch and St Peter, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Ermitage
Firenze
Panicale
Perugia
Piero della Francesca
Perugino
San Pietroburgo
San Sebastiano
Stoccolma


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Vergine in trono e santi

Nel 1490-1491 Signorelli, protetto dei Medici, si trovava a Volterra, città sotto il dominio fiorentino al centro di importanti interessi strategici per la vicinanza a Pisa e a Siena. Qui l'artista firmò, oltre alla Vergine in trono e santi, unAnnunciazione, dipingendo anche una pregevole Circoncisione di Cristo.

Prompt: Focus on Virgin Enthroned with Saints (Signorelli) and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna Northbrook

Madonna Northbrook è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1507 circa e conservato nel Worcester Art Museum  di Worcester .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Northbrook Madonna.Please output in Italian.

1507
Raffaello Sanzio
Worcester Art Museum


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Rebecca velata

Copie della Rebecca velata sono conservate in diversi musei: High Museum of Art di Atlanta, versione datata al 1864.  Berkshire Museum di Pittsfield, versione datata al 1866.  Detroit Institute of Arts di Detroit, versione più piccola dell'originale, identificata come Donna velata e datata al 1872.  Museo Salar Jung di Hyderabad, datato al 1876, tre anni dopo la morte di Benzoni.  Cedarhurst Center for the Arts di Mount Vernon.

Prompt: Focus on Veiled Rebecca and explain the Reproductions.Please output in Italian.

Atlanta
Berkshire Museum
Cedarhurst Center for the Arts
Detroit
Detroit Institute of Arts
High Museum of Art
Hyderabad
Museo Salar Jung


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Il voto di Luigi XIII

sinistraLo schizzo della composizione dipinto nel 1821, oggi al Nel 1820, l'opera venne commissionata dal ministero dell'interno francese per essere collocata nella città di Montauban. L'artista realizzò un primo abbozzo della composizione nel 1821 e dipinse il quadro durante un soggiorno a Firenze. Nel 1824, l'opera ultimata venne inviata a Parigi, dove riscosse un certo successo al Salon del 1824, a tal punto che la critica elevò Ingres a principale esponente della scuola neoclassica in opposizione al romanticismo, che in quel Salon era rappresentato dal quadro Il massacro di Scio di Delacroix.Questo dipinto rappresenta il grande ritorno di Jean-Auguste-Dominique Ingres nello scenario artistico parigino, dopo anni di soggiorno a Roma e in Italia . Nel 1825 Ingres ricevette la Legion d'onore da parte del re Carlo X grazie a questo quadro.In seguito, nel 1826, la pittrice Julie Duvidal de Montferrier realizzò una copia orizzontale del dipinto commissionata dal re per la città di Lons-le-Saunier. Questa copia venne dimenticata per anni per essere riscoperta solo nel 2015 presso l'Hôtel-Dieu della città.

Prompt: Focus on The Vow of Louis XIII and explain the History.Please output in Italian.

Firenze
Il massacro di Scio
Italia
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Julie Duvidal de Montferrier
Legion d'onore
Lons-le-Saunier
Montauban
Parigi
Roma


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Velo della Veronica

storia del velo della Veronica si è progressivamente sviluppata lungo i secoli.Nei Vangeli sinottici, composti entro il I secolo, è presente il racconto di una donna anonima che viene miracolosamente guarita da un flusso di sangue toccando Gesù . A parte questo accenno, l'emorroissa non viene citata altrove nel Nuovo Testamento.Nell'apocrifo Vangelo di Nicodemo, scritto originariamente in greco nel II secolo e pervenutoci in diverse redazioni o recensioni, l'emorroissa ricompare durante il processo di Gesù testimoniando inutilmente a suo favore. Nella recensione greca A , l'emorroissa è anonima, mentre nel papiro copto di Torino  e nella recensione latina  la donna è chiamata Veronica. Il nome è l'adattamento del greco "Berenice" , forma macedone corrispondente al greco classico "Ferenice" , significante "portatrice di vittoria" .È probabile che nel passaggio dal greco al latino l'assonanza del nome "Veronica" con vera icona  abbia progressivamente generato nella fantasia popolare la leggenda della "Vera icona" della "Veronica".In passato, si riteneva al contrario che il nome della donna fosse derivato dall'immagine. leggenda fa la sua prima comparsa in alcuni scritti apocrifi tardi appartenenti al Ciclo di Pilato : Guarigione di Tiberio, Vendetta del Salvatore e Morte di Pilato.I tre scritti ci sono pervenuti in autonome redazioni latine medievali  che derivano da una versione precedente andata perduta, probabilmente del VI secolo.  trama dei tre apocrifi è sostanzialmente la stessa: l'imperatore Tiberio gravemente ammalato invia a Gerusalemme Volusiano che punisce i responsabili della morte di Gesù, trova una sua immagine in possesso della Veronica , la conduce a Roma e grazie a lei l'imperatore è guarito.Nella Guarigione di Tiberio , il testo più antico, l'immagine di Gesù era usata dalla Veronica come cuscino e ciò le procurava una buona salute. Aveva fatto dipingere l'immagine "per amor suo". Dopo la guarigione, Tiberio adora l'immagine di Gesù e ordina che "fosse circondata di oro e di pietre preziose".Nella Vendetta del Salvatore  non è specificato se l'origine dell'immagine sul panno di lino sia miracolosa o dipinta. Il panno è conservato avvolto in un tessuto d'oro riposto in uno scrigno, è oggetto di venerazione ed è causa di miracoli. Morte di Pilato , il testo più recente, specifica invece l'origine miracolosa dell'immagine in possesso della Veronica: "Quando il mio Signore girava predicando, io con molto dispiacere ero privata della sua presenza; volli perciò dipingermi un'immagine affinché, privata della sua presenza, avessi un sollievo almeno con la rappresentazione della sua immagine. Mentre stavo portando un panno da dipingere al pittore, mi venne incontro il mio Signore e mi domandò dove andavo. Avendogli manifestato il motivo del mio viaggio, egli mi richiese il panno e me lo restituì insignito della sua venerabile faccia".Nel rito popolare della Via Crucis, sviluppato e consolidato nel basso medioevo, è presente una diversa versione della leggenda: la Veronica incontrò Gesù durante la sua salita al Calvario e gli asciugò il volto con un panno di lino, dove sarebbe rimasta impressa la sua immagine.

Prompt: How does Head of Christ (Correggio) explain its Origins of the story?Please output in Italian.

Calvario
Ciclo di Pilato
Gerusalemme
Gesù
Guarigione di Tiberio
Morte di Pilato
Nuovo Testamento
Roma
Tiberio
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo
Vangelo di Nicodemo
Vendetta del Salvatore
Veronica
Via Crucis


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: In Epifania, how is the Russia of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Ritratto di Giovanni Arnolfini Primitivi fiamminghi

Prompt: How does Arnolfini Portrait explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Giovanni Arnolfini
Primitivi fiamminghi
Ritratto di Giovanni Arnolfini


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Fontana dell'Acqua Acetosa

Il nome deriva dalla fonte di acqua ferruginosa, nota ai Romani del XVI secolo come acqua acetosa , che qui sgorgava. Nel 1613 papa Paolo V la fece analizzare, e ne risultò che non solo fosse potabile, ma anche curativa per le malattie ai reni, allo stomaco, alla milza e al fegato, tanto che qualcuno la raccoglieva in bottiglie per venderla in città.L'acqua era particolarmente gradita da papa Paolo V, che fece erigere dall'architetto Giovanni Vasanzio una fontana nel 1619, come ricorda ancora la lapide che si trova su una parete in basso; all'epoca la fonte era una semplice parete da cui sgorgava l'acqua.  stessa venne fatta restaurare da Innocenzo X. Papa Alessandro VII commissionò la fontana attuale. In alto si trova un timpano che ospita lo stemma papale e una lapide. fontana si presenta con una scalinata che porta in basso, dove c'è un prospetto a forma di esedra. Nel prospetto sono scavate tre nicchie, in ognuna delle quali lo stemma dei Chigi - sei monti sovrastati da una stella a otto punte - si trova sopra una piccola vasca alimentata da una cannella.L'attribuzione a Gianlorenzo Bernini è probabilmente falsa: si suppone infatti che i progetti siano di Andrea Sacchi o dell'architetto Marco Antonio De' Rossi.Nel 1712 ci fu un nuovo restauro voluto da Clemente XI, ricordato da un'altra lapide posta più in basso, sopra la nicchia centrale. C'erano state proteste per la minor portata della fontana, che creava lunghe file d'attesa, e per la qualità dell'acqua che era peggiorata. Il pontefice nominò una commissione di cui facevano parte Giovanni Maria ncisi, medico pontificio, e l'architetto Egidio Maria Bordoni; la commissione era presieduta dal cardinale Giovanbattista Spinola, che all'epoca era anche camerlengo. I lavori effettuati risolsero i problemi presentati dalla popolazione locale. I sedili invece sono opera del 1821, voluti e finanziati da Luigi I di Baviera, assiduo frequentatore della zona durante il suo soggiorno romano, per il luogo dove conobbe la sua amante Maria Anna Florenzi.A causa dell'inquinamento della falda, la fontana fu chiusa nel 1959 e riaperta in seguito alimentandola con normale acqua potabile di acquedotto. Ancora all'inizio del XX secolo i cosiddetti "acquacetosari", venditori ambulanti, vendevano acqua di questa sorgente in giro per la città; la prima menzione su questa particolare professione viene riportata da Papi nel De agricoltura del 1663.Nel 2003, in occasione della prima edizione dell'iniziativa "I Luoghi del Cuore" del FAI - Fondo per l'Ambiente italiano, la fontana risultò la più votata nella relativa competizione.Tra il 2008 e il 2009 è stata sottoposta a un importante restauro, che ha previsto anche la creazione di un piccolo parco recintato, con l'intento di restituire all'area l'ambientazione originale.

Prompt: Explain the History of this artwork, Fontana dell'Acqua Acetosa (Rome).Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Stevens), explain the In France and the Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Il chitarrista spagnolo

Il dipinto fu esposto al Salon del 1861 e riscosse uno sfolgorante successo, a tal punto che ricevette persino una mention honorable, unico riconoscimento ufficiale che Manet ebbe per tutto il ventennio successivo. Manet, in questo modo, esordì brillantemente e si segnalò come giovane promessa '. Il successo ufficiale di Manet, che pensava di essere entrato a gamba tesa nell'arena dell'arte ufficiale, fu infatti solamente di breve durata e sarebbe stato presto rimpiazzato da scandali ripetuti.L'immagine testimonia il grande interesse che Manet nutriva per la pittura spagnola del Seicento, che ebbe agio di conoscere nelle gallerie del Louvre, pur non essendosi ancora mai recato personalmente sul posto. Manet, infatti, voleva rifarsi dall'insuccesso che due anni prima aveva conosciuto il suo Bevitore d'assenzio, a tal punto che preso dallo sconforto avrebbe confidato all'amico Antonin Proust: «Ho rappresentato un tipo parigino, studiato a Parigi, mettendo nell'esecuzione la semplicità che ho trovato in Velázquez. Non viene capito. Forse si comprenderà meglio se faccio un tipo spagnolo». Fu così che, mostrandosi assai sensibile alle suggestioni dei quadri di Velázquez e Goya, Manet decise di raffigurare un guitarrero spagnolo. Sotto il profilo stilistico, invece, il quadro si rivela essere esatto: la stesura pittorica è sintetica e contrastata, l'impianto strutturale è assai semplice e l'immagine effigiata ha un forte impatto visivo, sapientemente calibrato tra la posa vivace e dinamica del chitarrista e le sinfonie delle zone cromatiche delle varie superfici, fra le quali si segnalano le note squillanti del vaso rosso e del fazzoletto bianco.

Prompt: How does The Spanish Singer explain its Description?Please output in Italian.


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Fanciulla con cappello rosso

Fanciulla con cappello rosso è un dipinto a olio su tavola  attribuito a Jan Vermeer, databile tra il 1666 e il 1667 circa e conservato nella National Gallery di Washington. Sebbene sia firmato in alto a sinistra con la sigla "IVM", si è a lungo dubitato dell'autenticità dell'opera; il 17 agosto 2022, a seguito dell'indagine condotta dal museo statunitense, è stata confermata la paternità del pittore olandese.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Girl with a Red Hat.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Il quadro Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie, fu dipinto dal pittore francese Horace Vernet, quando costui si trovava a Roma nel 1831, ed ebbe molta risonanza a suo tempo, ora è esposto nel Walters Art Museum a Baltimora.

Prompt: In Italian Brigands Surprised by Papal Troops, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Baltimora
Horace Vernet
Walters Art Museum


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Ermafrodito dormiente

Il modello deriva dalle antiche raffigurazioni di Venere e di altri nudi artistici femminili, e in parte dalle contemporanee rappresentazioni ellenistiche femminilizzate del dio Dioniso/Bacco. Si tratta di un soggetto più volte ripetuto durante l'ellenismo e nell'antica Roma, a giudicare anche dal numero cospicuo di versioni che sono sopravvissute.Il primo esemplare rinvenuto in età moderna, scoperto a Santa Maria della Vittoria a Roma, fu subito rivendicato e quindi acquisito dal cardinale Scipione Caffarelli-Borghese e divenne parte della sua collezione. A seguito della campagna d'Italia , fu successivamente venduto agli occupanti francesi, che lo trasferirono al museo del Louvre, dove ancor oggi si trova insieme alle altre opere oggetto di spoliazioni napoleoniche. Quest'Ermafrodito è una copia romana imperiale di buona fattura, ispirato da un originale in bronzo di uno dei due scultori greci denominati Polycles ; la scultura originale, che sarebbe databile a circa il 155 a.C., è stata anche menzionata nella Naturalis historia di Plinio il Vecchio.

Prompt: Explain the History of this artwork, Sleeping Hermaphroditus.Please output in Italian.

Bacco
Dioniso
Ermafrodito
Italia
Naturalis historia
Roma
Scipione Caffarelli-Borghese


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Jacopo de' Barbari

Dipinse dal vivo Uno sparviero , probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.   giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, , si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

Prompt: In Jacopo de' Barbari, how is the Paintings of the Biography explained?Please output in Italian.


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Bacco di Aldaia

parte inferiore della scultura venne ritrovata nel 1884 nella proprietà di  Ereta dels Moros, ad Aldaia, mentre un tale Pascual Simón arava i suoi campi.  famiglia decise di conservare i resti trovati credendo che questi facessero parte di una scultura di san Rocco. Intorno al 1924, quando l'autore del ritrovamento era già deceduto, suo figlio si imbatté nella parte rimanente della scultura mentre lavorava nello stesso campo. Fu allora, vedendo la statua completa nuda, che la famiglia si rese conto che non poteva trattarsi della raffigurazione di un santo e la vendette a un erudito valenzano. Nel 1931 faceva già parte del catalogo del museo archeologico nazionale di Spagna, dove venne ricostruita e restaurata.

Prompt: In Bacchus of Aldaia, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Veveri

Originariamente posto nella chiesa di Santa Maria Assunta, a Brno , è oggi conservata nel Museo diocesano.L'opera venne probabilmente commissionata da Giovanni Enrico di Lussemburgo, margravio di Moravia.

Prompt: How does Madonna of Veveri explain its History?Please output in Italian.


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Festino degli dei

Dell'opera belliniana, oltre alla firma e la data, si conosce anche il documento di pagamento a saldo di 85 ducati che il cancelliere ducale degli Este versò al pittore il 14 novembre 1514. Nonostante ciò gli studiosi hanno preso diverse posizioni circa la data di inizio dell'opera: Wind , ad esempio, sostenne che forse il dipinto poteva essere stato cominciato qualche anno prima per Isabella d'Este, prendendo le notizie date dal Bembo alla marchesa nel 1505 come indicative dell'inizio di una collaborazione, poi sospesa per ignote ragioni. A favore di questa tesi si pronunciarono anche Pallucchini , Arslan, Pignatti e Bottari, che accolsero alcune notazioni stilistiche già rilevate da Vasari , riferibili agli anni immediatamente precedenti, dopo il 1505-1506: quest'ultimo biennio rappresenta l'ipotesi più precoce riguardo alla genesi dell'opera, sostenuta da Bonicatti, che pure non prese opinione circa l'ipotesi legata alla committenza di Isabella.Ipotesi più recenti, sebbene riscontrino le differenze stilistiche tra alcuni panneggi e il primo piano sassoso rispetto alle altre forme d'impasto corposo e caratterizzate da una stesura tonalista del colore, tendono a scartare la possibilità di una sospensione di qualche anno tra l'avvio e la conclusione dell'opera, anche perché lo stesso soggetto pare legato alle nuove tematiche pastorali e profane del giorgionismo, non compatibili con una datazione troppo precoce.

Prompt: Describe the characteristics of the Disagreements on the start of the work in The Feast of the Gods's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Danae

Figlia di Acrisio e di Euridice, o da Preto il figlio Perseo.

Prompt: In Danaë (Rembrandt), how is the Genealogy discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Lucina Brembati

Il dipinto è noto dal 12 gennaio 1882, quando entrò in Accademia da una collezione privata bergamasca, come ritratto di ignota.  prima citazione del dipinto risale al 12 gennaio quando Francesco Baglioni scrisse la prima di quattro lettere a Carlo Lochis:  commissione stanziò L. 3.000, cifra che inizialmente non fu accettata dalla contessa Grumelli, come risulta nella seconda lettera tra il Baglioni e il Lochis ma dopo alcune trattative vi è l'annotazione del Lochis che scrisse in cima a questa lettera: “Venne acquistato dalla Commissaria Carrara per L. 3.000” di quella che pareva essere il ritratto di Salis maritata Martinengo. Il dipinto fu quindi acquistato sicuramente dopo il 23 gennaio del 1882.All'inizio del Novecento venne svelata l'identità della donna, grazie alla corretta interpretazione di due dettagli inseriti dall'autore per suggerirne il nome: lo stemma della famiglia Brembati nell'anello all'indice sinistro e il rebus enigmistico sullo sfondo, con la luna e l'iscrizione CI, da leggere "CI in luna", quindi "Lu-CI-na", il nome della nobildonna: Lucina Brembati.

Prompt: How does Portrait of Lucina Brembati explain its History?Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Statua equestre di Marco Aurelio

Nel Medioevo il valore intrinseco delle statue di bronzo era notevolissimo ed i profitti derivati dalla vendita del metallo enormi, per cui quasi tutte le statue bronzee antiche furono fuse per ricavarne metallo.  statua di Marco Aurelio si salvò dalla fusione perché si pensava che rappresentasse l'imperatore Costantino, primo imperatore cristiano, e fosse dunque degna di conservazione; era infatti chiamata Caballus Constantini. Credendo che la statua rappresentasse l'imperatore che diede libertà al culto cristiano, essa fu collocata, almeno dall'VIII secolo, nei pressi del Palazzo terano, sede papale e all'epoca residenza ufficiale dei romani pontefici.Il 1º agosto 1347, Cola di Rienzo, coerentemente al suo programma di presentarsi al popolo come nuovo Costantino, organizzò una festa popolare in cui fece servire ai romani acqua e vino che sgorgavano da tubi di piombo fatti passare attraverso le narici del cavallo della statua.

Prompt: In Equestrian Statue of Marcus Aurelius, how is the Middle Ages of the Description explained?Please output in Italian.

Cola di Rienzo
Marco Aurelio
Medioevo
VIII secolo


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Ritratto di Galeazzo Sanvitale

Si tratta di un "ritratto da parata", destinato cioè a magnificare l'immagine del conte presso i suoi ospiti, non un'effigie privata: ciò si deduce dalla ricchezza di oggetti che ne qualificano i nobili interessi e la raffinatezza dei costumi. Sul significato del numero sono state fatte varie ipotesi, legate soprattutto all'alchimia, che vedono nei due numeri allusioni alla Luna e a Giove; oppure alla congiunzione fra Sole e Luna, che alluderebbe all'unione matrimoniale fra Galeazzo e la moglie Paola Gonzaga.Su un tavolino dietro a esso si trovano appoggiati i pezzi di un'armatura lucente e una mazza ferrata, simboli evocativi della sua indole guerriera. Oltre un muro, a destra, si apre poi una veduta di un albero frondoso, elemento piacevole e decorativo, con le foglie lumeggiate con sapiente maestria. Questa vegetazione è così fitta da bloccare lo spazio, assumendo una funzione di variazione di colore dell'ambiente chiuso.Il dipinto, di raffinatissima fattura, segue solo apparentemente i canoni della ritrattistica cinquecentesca; in realtà presenta un elaborato gioco di piani e di effetti.  sedia è posta di traverso, il busto è in posizione frontale mentre il muro di sfondo si colloca in obliquo. Quest'ultimo viene presentato scialbo, in netto contrasto con la lussureggiante vegetazione che s'intravede dalla vicina finestra. Anche la luce illumina sostanzialmente solo il volto e le braccia del Sanvitale, mentre uno sprazzo si riflette sull'armatura lucidata, interrotto soltanto da una piccola ammaccatura decentrataNe esistono disegni preparatori al Cabinet des Dessins del Louvre e in collezione Tobley; copie antiche sono invece presso l'Historical Society di New York e nella rocca di Fontanellato.

Prompt: In Portrait of Galeazzo Sanvitale, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Cabinet des Dessins
Historical Society
Luna
New York
Paola Gonzaga
Sanvitale
Sole


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Stufetta del cardinal Bibbiena

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Heikki Malme, " stufetta del Cardinal Bibbiena e l'iconografia dei suoi affreschi principali". Quando gli dei si spogliano. Catalogo della mostra, Castel Sant'Angelo, Roma. 1984 AA.VV., Roma, Touring Editore, Milano 2008. ISBN 978-88-365-4134-8

Prompt: In Stufetta del cardinal Bibbiena, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Cristo velato

magistrale resa del velo, «fatto con tanta arte da lasciare stupiti i più abili osservatori» , ha nel corso dei secoli dato adito a una leggenda secondo cui il committente, il famoso scienziato e alchimista Raimondo di Sangro, avrebbe insegnato allo scultore la calcificazione del tessuto in cristalli di marmo. Da circa tre secoli, infatti, molti visitatori della Cappella, colpiti dal mirabile velo scolpito, lo ritengono erroneamente esito di una "marmorizzazione" alchemica effettuata dal principe, il quale avrebbe adagiato sulla statua un vero e proprio velo, e che questo si sia nel tempo marmorizzato attraverso un processo chimico.In realtà una attenta analisi non lascia dubbi sul fatto che l'opera sia stata realizzata interamente in marmo, e questo è anche confermato da alcune lettere dell'epoca. Una ricevuta di pagamento a Sanmartino in data 16 dicembre 1752, firmata dal Principe e conservata presso l'Archivio Storico del Banco di Napoli, recita infatti:Lo stesso di Sangro, in alcune lettere, descrive il velo come realizzato dallo stesso blocco della statua, senza l'utilizzo di alcun espediente alchemico.

Prompt: In Veiled Christ, how is the Legend of the veil discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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The Peacemakers

Abraham Lincoln  Memoriali e monumenti unionisti Presidenza di Abraham Lincoln

Prompt: In The Peacemakers, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Washington attraversa il fiume Delaware

Washington attraversa il fiume Delaware è anche il titolo di un sonetto composto da David Shulman. Esso si riferisce alla scena dipinta e si compone di 14 righe in rima, in cui ciascuna costituisce l'anagramma del titolo. Il pittore William H. Powell  realizzò un dipinto che deve molto al lavoro Luetze: esso raffigura il comandante Oliver Perry nel suo trasferimento da una nave all'altra nel corso della battaglia del lago Erie durante la guerra anglo-americana del 1812. Il dipinto originale è ora appeso nella Ohio Statehouse, e Powell in seguito ne ha creato una versione più grande, con una maggiore luce e quindi più tonalità di colori che pende nel Campidoglio a Washington. In entrambe le opere di Powell, Perry è mostrato in piedi in una piccola barca a remi circondato da molti uomini in uniforme. Il dipinto a Washington mostra la direzione di marcia da destra a sinistra, e l'immagine di Perry mostra una direzione inversa di movimento, ma le due composizioni sono sorprendentemente simili. In entrambi i dipinti uno degli occupanti della barca ha la testa fasciata. Washington chiama a raccolta le truppe a Monmouth, lavoro collegato a quello di Leutze può essere visto negli sala di lettura della Biblioteca Doe presso l'Università della California a Berkeley. Nel 1953, l'artista di pop art rry Rivers ha dipinto la sua versione dell'opera che si trova nel Museo di arte moderna di New York. L'artista Grant Wood fece uso del quadro per comporre lo sfondo della sua opera Figlie della Rivoluzione . Esso è un colpo alle D.A.R. esaminando quello che Wood interpreta come elitarismo ingiustificato. Il dipinto è ottenibile nel videogioco Animal Crossing tra i dipinti classici.  locandina del film Winnie the Pooh - Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri del 2011 raffigura i personaggi della serie in un vaso di miele che naviga sul miele. Tigro è il rematore e Winnie assume la stessa posizione di Washington. Nella canzone "Lydia, the Tattooed dy" scritta da Yip Harburg e Harold Arlen per il film "Tre pazzi a zonzo" si fa esplicitamente riferimento a questo dipinto: "She can give you a view of the world/In tattoo if you step up and tell her where/For a dime you can see Kankakee or Paree/Or Washington crossing the Delaware".

Prompt: How does Washington Crossing the Delaware (1851 paintings) explain its In mass culture?Please output in Italian.


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Lucrezia

Basco: LukertzeMaschili: LukertzaMaschile: LucrèceInglese: LucretiaMaschili: LucretiusPolacco: LukrecjaMaschili: LukrecjuszPortoghese: LucréciaMaschili: LucrécioRomena: LucrețiaMaschili: LucrețiuRusso: Лукреция Maschili: Лукреций Spagnolo: LucreciaMaschili: LucrecioUngherese: Lukrécia

Prompt: In Lucretia (Veronese), how is the Variantsinotherlanguages of the People explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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L'età del bronzo

Antoinette Le Normand-Romain, Claude Judrin e I. Vassalo, Vers l'âge d'airain, Rodin en Belgique : Exposition, Édition Musée Rodin, 1997.

Prompt: In The Age of Bronze, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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upright=1.4upright=1.4 scena è resa con toni drammatici, e seguendo la tradizione pittorica dell'accademia con una particolare attenzione ai dettagli resi con sfumature di colori rese col pennello. vasca della fontana in primo piano ricorda un sarcofago in pietra del periodo classico, dettaglio che rimanda ai temi neoclassici che costituivano un delle ricerche pittorici della scuola francese romana del periodo.

Prompt: Describe the characteristics of the Interpretation in Italian Brigands Surprised by Papal Troops's Description.Please output in Italian.


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Natura morta con formaggi, mandorle e salatini

In questa natura morta sono raffigurati, oltre agli alimenti citati nel titolo, anche dei fichi, visibili assieme alle mandorle in un piatto decorato in stile cinese. A catturare l'attenzione è però il piatto di peltro che contiene i formaggi. Quello più vicino allo spettatore è anche il più stagionato, mentre nella parte superiore vediamo un più piccolo formaggio di pecora sovrastante a un altro formaggio, quello più grande. In alto possiamo invece vedere un piattino contenente riccioli di burro. tavola è raffinatamente apparecchiata, grazie a un coltello matrimoniale d'argento e a un bicchiere di vino dorato e trasparente , su cui la luce riflette mostrandoci un forte realismo.È proprio sul manico del coltello che la pittrice dipinse la sua firma , consapevole del fatto che con la sua produzione artistica fosse perfettamente in grado di gareggiare contro un artista uomo. A proposito di ciò dipinse anche un suo minuscolo autoritratto, in cui indossa un berretto bianco e si dimostra divertita, nel riflesso del tappo della brocca di terracotta.Un'atmosfera calda ed intima è conferita a questa natura morta attraverso due elementi: in primis grazie alla tavolozza composta da colori caldi, che si mantengono sul giallo, e poi dall'oscurità che avvolge e stringe tutta la composizione.

Prompt: In Still Life with Cheeses, Almonds and Pretzels, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Il Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, datato 1523 e conservato nel Museo del Prado di Madrid. È firmato "L. Lotus Pictor / 1523". Si tratta del primo ritratto nuziale conosciuto in Italia, forse ispirato da stampe nordiche.

Prompt: In Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1523
Lorenzo Lotto
Madrid
Museo del Prado


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Autoritratto con fiore d'eringio

Autoritratto a tredici anni Autoritratto con guanti Autoritratto con pelliccia Autoritratto nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Portrait of the Artist Holding a Thistle.Please output in Italian.


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Raffaello e la Fornarina

Uno schizzo della composizione conservato al Il dipinto raffigura Raffaello nel suo studio assieme alla sua donna amata, la "Fornarina". Quest'ultima abbraccia l'artista e allo stesso tempo si distanzia da lui.  critica e storica dell'arte Rosalind Epstein Krauss interpreta lo sguardo seducente della Fornarina, che osserva lo spettatore, come il segno di un abbraccio che avviene solo dopo che ella ha visto, apprezzato e ammirato la sua opera.Margherita indossa un turbante di seta dorata, che era tipico nelle opere artistiche dell'alto Rinascimento italiano, e un abito verde di velluto che ricade scoprendo le spalle. Ingres dipinse la Luti prendendo come riferimento proprio il dipinto  Fornarina, mentre per Raffaello si rifece all'autoritratto oggi conservato agli Uffizi. Sullo sfondo si nota il Vaticano, in particolare il cortile di San Damasco, dove Raffaello aveva dipinto i suoi affreschi famosi.Il contrasto tra la Fornarina in carne e ossa e quella idealizzata nella tela appena dipinta, posta sul cavalletto, è il tema centrale di questo quadro.  Fornarina è presente fisicamente nella vita di Raffaello, ma è anche viva nel ritratto e vive nell'immaginazione del pittore.  somiglianza incredibile del ritratto della Fornarina dimostra il talento artistico sia di Raffaello sia di Dominique Ingres. Da un lato, l'espressione facciale della Fornarina e le sue vesti ricordano quelle della Madonna della Seggiola. Ciò avviene anche perché Ingres dipinse solo metà di quest'ultima opera, così da enfatizzare la somiglianza. Inoltre, così come Margherita Luti abbraccia Raffaello, la Madonna della tela sullo sfondo tiene in mano suo figlio. Dall'altro lato, c'è anche una forte somiglianza con il soggetto del dipinto  grande odalisca dello stesso Ingres  in quanto l'odalisca riprende proprio  Fornarina raffaellesca. Raffaello abbraccia la donna amata ma, invece di guardare lei, rivolge lo sguardo dall'altra parte e ammira la propria opera: egli si trova a dover scegliere tra l'amore per la sua modella e la propria vocazione.  modella e la sua arte sono interconnesse perché lei rappresenta la bellezza, cioè la fonte di ispirazione per la sua opera.

Prompt: In Raphael and La Fornarina, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Madonna della Seggiola
Margherita Luti
Rinascimento italiano


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Bonaparte valica le Alpi

Napoleone nel quadro di Delaroche è raffigurato con un vestiario appropriato per il luogo dove si svolge la scena: sopra la sua uniforme veste un lungo cappotto ben avvolto attorno alla sua persona, nel quale tiene le proprie mani. Mantiene un poco di dignità nel suo bicorno decorato con un gallone d'oro che porta sulla testa. che è costretto come appare a tirare il mulo per farlo proseguire e che tiene tra le mani un bastone che gli consente di appoggiarsi ed a sua volta di proseguire nella neve. Le sue vesti sono in parte logore e la faccia e rossa dal freddo. Non gli è permesso il lusso di avere un animale che lo trasporti ed è costretto per il suo ruolo a proseguire a piedi.Elementi che richiamano il freddo sono evidenti: montagne di sfondo ricoperte di neve si ergono dietro Napoleone e dietro le sue truppe, mentre le rocce alla destra del dipinto hanno candele di ghiaccio e sono ricoperte di neve soffice e ghiaccio.I personaggi che seguono il Bonaparte appaiono preoccupati a proteggersi dal freddo il che contribuisce ad accentuare la fragilità della scena e nel contempo il suo realismo.Napoleone è raffigurato in alta montagna, ma con tutte le problematiche di un uomo mortale e per nulla idealizzato, proprio al contrario della figura di David che mostra un Napoleone incurante del freddo e illuminato da una luce eroica. Delaroche non era però intenzionato a rappresentare Napoleone in luce dispregiativa, ma semplicemente intendeva raffigurarlo in maniera credibile con tutte le problematiche della sua condizione di uomo da stimare ancor di più per la fatica fatta per raggiungere l'obbiettivo della sua missione.left

Prompt: In Bonaparte Crossing the Alps, how is the Setting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Persefone

Il maggiore culto nel mondo greco fuori dalla Grecia continentale era localizzato a Catania, come testimoniato da Cicerone nelle Verrine, e in Calabria.Nel centro storico di Catania è venuto alla luce il più esteso deposito votivo greco esistente. Nel quartiere di Cibali, a nord della città, era presente una grotta da cui si diceva che fosse fuoriuscito il dio Ade per rapire la fanciulla Persefone. Tale cavità, talora identificata con la Grotta di San Giovanni nel quartiere di Galermo, è andata perduta.Il mito di Demetra e Kore è strettamente legato al territorio di Enna e in particolare alla sua frazione del lago Pergusa. Diversi santuari di notevole importanza sono stati ritrovati all'interno dell'area archeologica di Morgantina, sita in Aidone, mentre a Enna si può ammirare la "Rocca di Cerere".Testimonianze magno-greche del culto dedicato a Persefone sono, senza dubbio, i molti reperti rinvenuti nell'area di Reggio Calabria, soprattutto presso gli scavi di Locri Epizefiri, dei quali uno smisurato numero di pinakes  è custodito al Museo Nazionale della Magna Grecia di Reggio Calabria e nel Museo nazionale di Locri.I pinakes calabresi di Locri Epizefiri rappresentano una delle produzioni artistiche numericamente più consistenti dell'arte magnogreca, nonché una testimonianza unica di un complesso di devozione popolare.  produzione di un numero così cospicuo di esemplari in un torno di tempo piuttosto limitato lascia supporre che i pinakes costituissero il dono prediletto dei fedeli alla divinità.Il soggetto più ricorrente tra i frammenti conservati è proprio il ratto di Kore. Kore, “la fanciulla”, è l'epiteto che i poeti greci riservano a Persefone quando costei è ancora la giovane e innocente figlia di Demetra, prima che Ade la rapisca facendone la propria sposa. Le tavolette di Locri riproducono uno schema grossomodo fisso a cui ricorrono centinaia di rappresentazioni figurative greche: Ade, rappresentato come un uomo adulto dalla lunga barba, afferra per la vita la fanciulla riluttante caricandola di peso sul suo carro trainato da cavalli alati.Ben altra atmosfera domina un altro consistente gruppo di pinakes, in cui la coppia divina siede in trono pacificata e celebra la propria hierogamia, le proprie nozze sacre. Talvolta la dea è raffigurata da sola, seduta in trono in atteggiamento maestoso, segno della sua preminenza nella devozione dei locresi.Più discussa è invece la natura delle scene raffigurate negli altri gruppi. Un nucleo consistente di tavolette ha per soggetto delle giovani donne impegnate nella preparazione di un complesso cerimoniale; mentre un gruppo apparentemente a sé stante è poi quello costituito dai pinakes in cui una figura femminile seduta solleva il coperchio di una cesta nella quale giace un bambino. L'archeologa Paola Zancani Montuoro identifica la protagonista di questa scena con la stessa Persefone e colloca i pinakes di questo gruppo all'ideale punto di arrivo di un racconto mitico di cui le singole scene riprodurrebbero le diverse sequenze. Secondo la studiosa, infatti, i pinakes locresi costituiscono un ciclo unitario che narra la leggenda di Kore-Persefone, “che si compendia nel trasformarsi della fanciulla per antonomasia nella donna e dea sovrana del mondo sconosciuto ai sensi”.  violenza del ratto sarebbe dunque preliminare, attraverso il passaggio per le cerimonie di preparazione alle nozze, al compimento della theogamia e all'insediamento di Persefone sul trono degli inferi.Secondo lo storico Diodoro Siculo, uno dei più famosi santuari d'Italia dedicato alla dea Persefone, il Persephoneion, si trovava proprio in Calabria, a Locri Epizefiri.  sua scoperta e la conseguente collocazione ai piedi del colle della Mannella si devono all'archeologo Paolo Orsi che portò a compimento nella zona, tra il 1908 ed il 1911, una minuziosa serie di scavi ed esplorazioni che gli permisero di fugare ogni possibile dubbio sulla reale origine delle strutture e degli straordinari reperti riportati alla luce. Si tratta propriamente di un temenos, ovvero di un recinto sacro senza un vero e proprio edificio templare, frequentato almeno dal VII secolo a.C. e con particolare intensità nel VI secolo a.C. e nella prima metà del V secolo a.C. A questo lasso di tempo appartiene infatti la maggior parte dei materiali votivi restituiti dagli scavi. magnifica Statua di Persefone esposta oggi all'Altes Museum di Berlino, fu rinvenuta a Taranto, in Via Duca degli Abruzzi , e dalla città trafugata nel 1912. Secondo alcuni studiosi, tra cui l'archeologo Paolo Orsi, il professore Vincenzo Casagrandi e gli scrittori Gaudio Incorpora, Adriano Scarmozzino, sarebbe stata invece ritrovata, per la prima volta, nei primi del '900 da un contadino in una vigna del territorio di Locri, in Calabria, e in seguito fu segretamente trasportata a Taranto. A Taranto, dopo varie vicissitudini, fu acquistata dal Governo tedesco per un milione di marchi.Un'ulteriore testimonianza del culto di Persefone ci viene da Oria, dove fu presente e attivo dal VI secolo a.C. fino all'età romana, un importante santuario , dedicato alle divinità Demetra e Persefone. Qui vi si svolgevano culti in grotta legati alla fertilità. Gli scavi archeologici svolti negli anni ottanta, infatti, hanno evidenziato numerosi resti composti di maialini  e di melograno. Inoltre, a sottolineare l'importanza del santuario, sono state rinvenute monete di gran parte della Magna Grecia, e migliaia di vasi accumulatisi nel corso dei secoli come deposito votivo lungo il fianco della collina. Di particolare interesse sono alcuni vasetti miniaturistici e alcune statuette raffiguranti colombe e maialini sacri alle due divinità cui era dedicato il luogo di culto.Altri esempi di ritrovamenti della Kore si hanno a Gela, una delle colonie greche di Sicilia. Diversi reperti sono custoditi presso il Museo archeologico regionale.

Prompt: Explain the Cult in Italy of this artwork, Proserpine (Rossetti).Please output in Italian.

1912
Aidone
Altes Museum
Berlino
Calabria
Catania
Cerere
Demetra
Diodoro Siculo
Enna
Gela
Ino
Locri
Locri Epizefiri
Magna Grecia
Morgantina
Museo nazionale di Locri
Oria
Paola Zancani Montuoro
Paolo Orsi
Persefone
Reggio Calabria
Sicilia
Taranto
VII secolo a.C.
VI secolo a.C.
V secolo a.C.
Vincenzo Casagrandi


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Epifania

In Grecia, a Cipro e nella diaspora greca in tutto il mondo, la festa è chiamata Teofania o colloquialmente Phōta . È la "Grande Festa" o Theotromi. In alcune regioni della Macedonia occidentale, è la più grande festa dell'anno. Il Battesimo di Cristo simboleggia la rinascita dell'uomo: la sua importanza è tale che fino al IV secolo i cristiani festeggiavano il capodanno in questo giorno. Le usanze ruotano attorno alla Grande Benedizione delle Acque. Essa segna la fine del tradizionale divieto di navigazione, poiché i tumultuosi mari invernali vengono ripuliti dai malvagi ‘’kalikántzaroi’’, i goblin che cercano di tormentare i cristiani timorati di Dio durante le feste. Durante questa cerimonia, una croce viene gettata in acqua e gli uomini gareggiano per recuperarla come portafortuna.  ‘’Fota’’ forma il centro di un altro triduo festivo che comprende la Vigilia dell'Epifania, quando i bambini intonano i canti dell'evento, e la grande festa di San Giovanni il Battista , quando i numerosi Giovanni e Giovanne celebrano il loro onomastico.L’Epifania il tempo della santificazione, che in Grecia significa espiazione, purificazione del popolo e protezione contro l'influenza dei demoni. Questo concetto non è certo strettamente cristiano, ma ha radici nel culto antico. Nella maggior parte della Grecia, alla vigilia dell'Epifania, viene praticato un rituale chiamato "piccola santificazione", Protagiasi o "Illuminazione": il sacerdote va di porta in porta con la croce e un ramo di basilico per "santificare" o "illuminare" le stanze e le famiglie aspergendole con l'acqua benedetta. Il protagiasi scaccia i folletti; in alcuni luoghi vengono accesi anche falò a tale scopo.  "Grande Benedizione" avviene in chiesa il giorno dell'Epifania.Quindi, viene eseguito il "Tuffo della Croce": una croce viene lanciata dal sacerdote nel mare, in un fiume vicino, in un lago o in un'antica cisterna romana . Secondo la credenza popolare, questo rituale conferisce all'acqua il potere di purificare e igienizzare. In molti luoghi, dopo l'immersione della croce, la gente del posto corre sulle spiagge o sulle rive di fiumi o laghi per lavare gli attrezzi agricoli e persino le icone. Infatti, secondo la credenza popolare comune, le icone perdono la loro forza e potenza originali con il passare del tempo, virtù che possono essere ripristinate immergendole nell'acqua purificata dalla croce. Questa usanza deriva probabilmente da antiche credenze.Gli ateniesi tenevano una cerimonia chiamata "lavaggio": la statua di Atena veniva portata in processione fino alla costa di Faliro dove veniva lavata con acqua salata per purificarla e rinnovarne i sacri poteri. Oggi le donne in molte parti ripetono questa antica usanza di lavare le immagini, unitamente ad altri costumi di magia medievale e antica.

Prompt: Explain the Greece Cyprus about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Atena
Cipro
Cristo
Dio
Grecia
IV secolo
Teofania


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Fritillaria imperiale in un vaso di rame è un dipinto realizzato da Vincent van Gogh nel 1887 e attualmente conservato presso il Musée d'Orsay di Parigi. Le dimensioni del dipinto sono 73,5 × 60,5 cm. I fiori ritratti da Van Gogh appartengono alla specie Fritillaria imperialis.

Prompt: Focus on Imperial Fritillaries in a Copper Vase and explain the Abstract.Please output in Italian.

1887
Fritillaria imperialis
Vincent van Gogh