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Immacolata Concezione

L'Immacolata Concezione divenne un soggetto popolare nella letteratura, ma la sua natura astratta ritardò la sua apparizione nell'arte. Il tema dell'Immacolata Concezione cominciò ad apparire in opere artistiche fin da quando si accese il dibattito, che vedeva schierati da una parte i francescani e le ramificazioni dell'Ordine benedettino, legate al pensiero di Anselmo d'Aosta e Bonaventura da Bagnoregio, e dall'altra i domenicani, legati alla trattazione offerta da Tommaso d'Aquino.Inizialmente il tema veniva affrontato dagli artisti gotici in maniera "criptica", dove cioè si rimandava allo spettatore la conclusione, mettendo magari una serie di simboli e metafore facilmente decodificabili. Nel XV secolo le opere d'arte divennero più evidenti, propendendo per una o l'altra ipotesi, ben comprensibile dalla lettura di elementi che chiarivano l'intervento divino in taluni episodi della vita di Anna e Gioacchino e dell'infanzia della Vergine. Più coraggiose furono le opere legate al tema della Disputa sull'Immacolata Concezione, dove gli artisti ritraevano, caso più unico che raro nell'arte sacra, il parere contrastante dei dottori della Chiesa: ne è un esempio la tavola agli Uffizi di Piero di Cosimo.Durante il periodo medievale era raffigurato come Gioacchino e Anna si incontrano alla Porta d'Oro, raffigurazione del concepimento di Maria mediante il casto bacio dei suoi genitori alla Porta d'Oro di Gerusalemme. I secoli XIV e XV furono il periodo di massimo fioritura di questa iconografia, che fu gradualmente sostituita da rappresentazioni più allegoriche con una Maria adulta.Con la Controriforma venne stabilita l'iconografia fissa legata al concetto dell'Immacolata, che sarà quella ratificata dal dogma.Il canone artistico definitivo fu probabilmente stabilito dal pittore e teorico dell'arte Francisco Pacheco del Rio nel suo trattato El arte de la pintura del 1649: una bella fanciulla di 12 o 13 anni, con indosso una tunica bianca e manto azzurro, che promana raggi di luce dal suo capo cinto da dodici stelle e coronato da una corona imperiale, avente il sole alle spalle e la luna sotto i piedi. L'iconografia di Pacheco influenzò altri artisti spagnoli o artisti attivi in Spagna come El Greco, Bartolomé Murillo, Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán, ognuno dei quali produsse una serie di capolavori basati sull'uso di questi stessi simboli.Quest'iconografia dell'Immacolata Concezione divenne popolare nel resto d'Europa e da allora rimase la rappresentazione artistica più nota del dogma: in un regno celeste, pochi istanti dopo la sua creazione, l'anima di Maria  guarda in soggezione  Dio.  luna è sotto i suoi piedi e un alone di dodici stelle le circonda la testa, forse un riferimento a "una donna vestita di sole" da . Ulteriori immagini possono includere nuvole, una luce dorata e putti che talora reggono dei gigli e rose, fiori spesso associati a Maria.

Prompt: Explain the In art of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Anselmo d'Aosta
Bonaventura da Bagnoregio
Controriforma
Diego Velázquez
Dio
El Greco
Francisco de Zurbarán
Piero di Cosimo


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in spirituality in Annunciation (Filippo Lippi, London)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Composizione X

Ultima grande composizione prima dello scoppio della guerra, in cui su uno sfondo nero Kandinskij crea un mondo fatto di forme favolose che nulla fa presagire delle imminenti catastrofi che si sarebbero abbattute sull'Europa. In quest'opera Kandinskij crea un equilibrio formale e cromatico perfetto e assolutamente armonioso, tanto da poter essere considerato come il culmine della sua ricerca sulla purezza della forma. Le molteplici strutture, che sembrano fluttuare senza peso in un profondo universo silenzioso, hanno perso ogni regolarità geometrica e tendono a trasformarsi in forme organiche. Una tendenza ascensionale domina la composizione della tela, mentre i colori valorizzati dallo sfondo scuro, che evoca non solo lo spazio, ma anche il buio alla fine della vita, paiono brillare e farsi ancora più luminosi. Nel dipinto sono presenti, accanto a elementi che richiamano alla mente organismi microscopici, anche alcune forme che derivano dal patrimonio decorativo della tradizione popolare russa, come ad esempio la forma irregolare di colore bruno in alto a sinistra, ornata con una serie di simboli, che è stata interpretata come un riferimento al tamburo sciamanico. Tale strumento era già comparso in Composizione V e sottolinea la profonda continuità che lega le opere dell'artista.

Prompt: In Composition X, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Liberazione di Andromeda

Liberazione di Andromeda è un dipinto a olio su tavola  di Piero di Cosimo, databile al 1510 o al 1513 circa e conservato negli Uffizi di Firenze.

Prompt: Focus on Perseus Freeing Andromeda and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Epifania

In Galles, l'Epifania cadeva il 6 gennaio ed era conosciuta come Ystwyll. Nel Glamorganshire era usanza preparare un'enorme pagnotta o torta, che veniva poi divisa in tre parti per rappresentare Cristo, la Vergine Maria e i Magi biblici. Un folto numero di vicini di casa veniva invitato ad assistere alla divisione della torta in cui erano nascosti gli anelli. Chi scopriva un anello nella sua fetta di torta  veniva eletto Re o Regina e presiedeva ai festeggiamenti della giornata.Il 6 gennaio era il giorno di Natale del calendario antecedente la riforma del 1752 e molte delle festività ad esso collegate durarono ben oltre il secolo successivo alla riforma stessa.Il Galles condivide altre usanze della dodicesima notte con la vicina Inghilterra, tra cui il ceppo di Yule e il wassail per propiziare agli agricoltori un buon raccolto per l'anno a venire; qui, è costume che le ceneri del ceppo di Yule siano salvate e seppelliti insieme ai semi piantati nella primavera successiva, e che la ciotola di wassail sia portata nella casa degli sposi novelli o di una famiglia da poco venuta ad abitare nel luogo, in un dialogo di recita e canti fra chi rimaneva dentro e fuori dalla porta.Un'altra usanza gallese associata all'Epifania era la caccia allo scricciolo. Un gruppo di giovani usciva in campagna per catturare uno scricciolo, che veniva quindi posto in una piccola gabbia decorata e portato in giro di casa in casa e mostrato in cambio di denaro o di cibo e bevande. Quando non si riusciva a trovare uno scricciolo, allora veniva utilizzato un passero per lo stesso rituale.

Prompt: Explain the Wales about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Galles
Glamorgan
Inghilterra
Natale
Yule


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Cento vedute famose di Edo

All'interno del santuario Kameido Tenjin (Le  costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia .  serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo . Più precisamente, essa appartiene al genere  che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie..</ref>}}

Prompt: Focus on One Hundred Famous Views of Edo and explain the Abstract.Please output in Italian.

1855
1856
1858
Cinquantatré stazioni del Tōkaidō
Giappone
Utagawa Hiroshige
Hiroshige II
Utagawa Hiroshige
Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō
Trentasei vedute del Monte Fuji
Hiroshige II
Vincent van Gogh


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Sacrificio di Isacco

Abramo Isacco Sara  Messia Timore e tremore Søren Kierkegaard

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.

Abramo
Isacco
Messia
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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Ritratto di Minerva Anguissola

Angela Ghirardi, Una ricerca iconografica nel cenacolo delle Anguissola: i ritratti di Minerva, 1992, pp 509-511   Testi di Marco Carminati e altri.  Edizione italiana a cura di Maria Gregorio; introduzione di Natalia Aspesi.

Prompt: Focus on Portrait of Minerva Anguissola (Milan) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Masolino).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Prometeo incatenato

Linguaoriginale=greco anticoImmagine=Dirck_van_Baburen_-_Prometheus_Being_Chained_by_Vulcan_Rijksmuseum_SK-A-1606.jpgDidascalia=Efesto incatena Prometeo Genere=Scena=Luogo indeterminato nella Scizia, precluso agli uominiEpocacomposizione=Primarappresentazione=460 a.C. circa?Teatro=Teatro di Dioniso, AtenePrimaitaliana=Teatroprimaitaliana=Versionisuccessive=Personaggi= Prometeo Efesto Oceano Ermes Il Potere  Forza Io Coro delle OceanineOpera=Cinema=}}Prometeo incatenato  è una tragedia attribuita ad Eschilo.  data di prima rappresentazione è incerta, si ipotizza il 460 a.C. circa. L'opera faceva parte di una trilogia dedicata a Prometeo, di cui le altre parti non sono conosciute se non in forma di frammenti . È incerto anche l'ordine delle tre tragedie, poiché è ignoto se il Portatore del fuoco fosse la prima o la terza parte.

Prompt: How does Prometheus Bound (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.

460 a.C.
Atene
Efesto
Ermes
Eschilo
Oceanine
Prometeo
Scizia


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Venere che benda amore

composizione del quadro si svolge in orizzontale; il centro non è occupato da nessuno dei personaggi, ma da una visuale su un tramonto.  composizione è quasi simmetrica, con due figure sulla destra e due a sinistra.  figura in primo piano in basso a destra è l'unico soggetto a voltare le spalle a chi guarda.  All'osservatore si mostra una scena prevalentemente al femminile. A sinistra si trova la figura identificata come Venere: una donna seduta, mostrata solo di tre quarti, come la maggior parte delle altre figure.  donna è agghindata con un leggero drappo bianco che, insieme al mantello azzurro che porta sulle spalle, crea contrasto con lo sfondo scuro. Come nella Venere di Urbino, i capelli sono biondi e in parte sono sciolti e in parte raccolti da una corona d'oro.  figura si volge, senza però guardarlo veramente, verso un putto che, collocato all'estrema sinistra del dipinto e appoggiato delicatamente sulla spalla, è l'unica figura intera di tutto il dipinto. Il putto rivolge l'attenzione alla mano con cui Venere tiene il lembo più in alto della fascia con cui viene bendato il putto collocato al centro della scena. Del putto che viene bendato è visibile solo la schiena. In primo piano si trovano due leggerissime ali che lo caratterizzano; il volto è nascosto tra le gambe della Venere che gli copre gli occhi con una benda gialla.A destra si trovano altre due figure femminili. Quella all'estrema destra sembra arrivare improvvisamente, come suggerisce il movimento del drappo rosso che porta sulla spalla. Questa figura è anche l'unica ad avere i capelli completamente raccolti; con la mano sinistra tiene saldamente un arco, come se lo stesse offrendo alle figure principali, a cui rivolge il suo sguardo.  seconda figura a destra appare invece in attaggiamento sensuale; a differenza delle altre ha i capelli sciolti e l'abito, retto solamente dal braccio, porta fino alla nudità verso il seno sinistro.  donna si rivolge completamente con lo sguardo e il corpo verso il centro del dipinto.

Prompt: Focus on Venus Blindfolding Cupid and explain the Description.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Un esempio della Le stampe sono raggruppate secondo le stagioni dell'anno, come segnala lo stesso indice: 42 stampe per la primavera, 30 per l'estate, 26 per l'autunno e 20 per l'inverno. L'ordine delle immagini venne fissato da Baisotei Gengyo, l'autore dell'indice, cominciando dai 118 disegni di Hiroshige. In seguito, la centodiciannovesima incisione di Hiroshige II fu aggiunga ma non rientra nell'ordine delle stagioni.  serie, colorata con intensità e sensibilità mostra il legame speciale che univa Hiroshige con il paesaggio della sua città natale. Nelle diverse stampe, l'autore è ricorso a numerose tecniche apprese nel corso di tutta la sua vita: karazuri, tecnica d'impressione "a vuoto", dove si imprime a rilievo un foglio di carta sfregando con un tampone baren su di una tavola incisa ma non inchiostrata; atenashi-bokashi, una variante del bokashi che consiste nel mescolare un liquido con l'inchiostro per poi spalmarlo sull'intera superficie, ideale per rappresentare l'acque e le nuvole; kimekomi, tecnica in cui si pressa una tavoletta sulla carta per determinare le linee e i contorni; kirakake, incisione brillante, realizzata con due tavolette, una spalmata di colore e l'altra di colla di osso, posta sulla carta che è successivamente spolverizzata di mica.  vivacità dei colori testimonia la qualità della serie. Nonostante un desiderio di precisione topografica, l'artista non esita ad alterare i dettagli secondari della realtà per ragioni artistiche; fedele alla sua ricerca dell'emozione, egli modifica un poco l'approccio tradizionale giapponese verso la natura, adottando il punto di vista emotivo di chi contempla il paesaggio. Ogni stampa comprende generalmente delle piccole figure umane immerse nella grandiosità del loro ambiente, così come animali o semplici oggetti aneddotici.  pittura mescola pertanto il paesaggio, la natura morta e scene di vita quotidiana al fine di disporre meglio lo spettatore a comprendere la scena. Un terzo circa delle stampe sono concepite secondo questa procedura,  mentre gli altri paesaggi conservano la prospettiva tradizionale giapponese, detta "a volo d'uccello", vista cioè da un punto alto e lontano.. Si crea in questo modo una , una profondità che aiuta a leggere il paesaggio. Secondo Henry Smith, Hiroshige cerca di compensare la mancanza di lirismo di alcuni soggetti con questa innovazione, sorprendente in materia di composizione.

Prompt: Explain the Style expression about the The word "null" in English is "null." of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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vaso del Dipylon

Il vaso a causa delle dimensioni è stato costruito in sezioni riunite in un secondo momento; l'angolo acuto, formato dall'incontro tra la forma ovoidale del corpo e la forma cilindrica del collo, è stato lasciato in evidenza. Il ceramista infine ha aggiunto due maniglie doppie.  struttura sembra rispondere ad un preciso schema proporzionale: l'altezza è doppia della larghezza, il collo è la metà dell'altezza del corpo.  parte pittorica è stata eseguita con una soluzione di argilla e acqua, che sarebbe diventata scura dopo la cottura del vaso.

Prompt: In Dipylon Amphora, how is the Technique discussed?Please output in Italian.


section

Il vagone di terza classe

Nello stile di Honoré Daumier, che ha fatto dell'arte uno strumento di lotta politica, questo dipinto del 1862 denunciò la vita più povera .  rappresentazione di una condizione sociale umile e poco presa in considerazione dallo Stato è realizzata dall'artista con uno stile drammatico che anticipa i futuri indirizzi della pittura espressionistica di Munch, Ensor, Kirchner e di Egon Schiele. Le figure vengono ritratte in un vagone ferroviario di terza classe, tutte ammassate sulle dure panche di legno, con i finestrini che lasciano appena intravedere un cielo livido e lo sguardo perso nel vuoto, evidentemente rassegnate al loro destino di povertà e sofferenza. Ma oltre ai lavoratori, dei quali si intercetta idealmente la fatica, i borghesi si mostrano, in netta contrapposizione con le altre figure, con la loro arroganza, indifferenza e inimicizia, sottolineando così il netto divario tra deboli  e potenti , concetto metaforico e reale che emerge dal dipinto. Particolare risalto viene dato alla signora in primo piano, vero e proprio centro visivo e compositivo del quadro: è abbigliata con un mantello e ripone le proprie mani ossute sul manico del paniere sul suo grembo.  sua espressione stanca lascia emergere con violenza i segni della povertà materiale. Persino il giovane ragazzo sulla destra, addormentatosi cullato dallo sferragliare del vagone, sembra avere una vita già provata dalla durezza del lavoro.Non a caso l'artista non presta tanta cura nella realizzazione formale, stendendo il colore in maniera poco uniforme: siamo lontani dalla grazia e dall'armoniosità tanto nella forma quanto nel contenuto dell'opera. Il vagone di terza classe è un olio su tela, ma ha lo stesso tratto veloce, mobile, che lascia le figure quasi incompiute, delle stampe. È lo stile più adatto a sottolineare gli scarsi mezzi e la mestizia di questa gente che viaggia stipata in un vagone affollato. Il disegno non abbozza i contorni, ne accentua le forme poco eleganti, in modo diverso dallo stile curato e finito insegnato nelle accademie e destinato a soggetti eroici; la firma del suo nome sulla cassa di legno rappresenta l'umiltà e un particolare interesse da parte del pittore per quella classe sociale.

Prompt: In The Third-Class Carriage, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Belle Jardinière

Il nome del dipinto, inventato nell'Ottocento, si riferisce alla bellezza della figura di Maria assisa in un prato che assomiglia a un giardino. L'opera è generalmente identificata con quella che il Vasari citò come eseguita per il senese Mons. Filippo Sergardi, lasciata incompiuta dopo la partenza per Roma  e completata da Ridolfo del Ghirlandaio. In particolare sarebbe stato completato il manto blu di Maria.A Siena venne acquistato per conto di Francesco I di Francia, che lo fece portare oltralpe. L'opera godette nel tempo di uno straordinario successo e popolarità, tanto che venne copiata come esercizio dai maggiori artisti francesi e stranieri: se ne conservano infatti numerose repliche.

Prompt: How does La belle jardinière explain its History?Please output in Italian.

Francesco I di Francia
Ridolfo del Ghirlandaio
Roma


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Goya curato dal dottor Arrieta

Goya curato dal dottor Arrieta  è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1820 e conservato al Minneapolis Institute of Art.

Prompt: In Self-portrait with Dr Arrieta, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1820
Francisco Goya
Minneapolis
Minneapolis Institute of Art


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Ritratto dell'infanta María Teresa di Spagna

figura dell'infanta, autorevole nonostante la giovanissima età, appare fortemente illuminata, in contrasto con lo sfondo scuro. Il colore dell'abito stride con quello dei tendaggi.Elementi notevoli sono i due orologi applicati al vestito dell'infanta e il foulard da lei impugnato nella mano sinistra.L'opera è stata parzialmente tagliata sia nella sua parte inferiore sia in quella superiore.

Prompt: How does The Infanta Maria Theresa of Spain explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico della Cervara

tavola di Palazzo Bianco, con la Madonna col Bambino in trono, detta dell'Uva per il grappolo che la Vergine e il Bambino tengono in mano, costituiva la parte centrale e principale del polittico. In seguito ai vari smembramenti essa venne mutilata delle parti superiore, che doveva essere ad arco, come le altre parti superstiti, e inferiore, con la prospettiva del pavimento.A questa tavola centrale erano affiancate due tavole con santi, rispettivamente Gerolamo in veste cardinalizia con il leone in basso a sinistra, e san Mauro nell'abito nero dei benedettini monastici. Entrambi i santi sono riferimenti all'insediamento della Cervara: Gerolamo è il santo titolare e Mauro, l'iniziatore del monachesimo benedettino in Francia, il rappresentante dell'Ordine ivi insediato e ascritto alla Regola Benedettina.In queste tre tavole del registro inferiore si imposta la struttura tripartita che si ripete nel registro superiore.Sopra di queste erano al centro la scena della Crocefissione  e la Madonna e san Giovanni ai piedi della croce). Questo pannello si differenzia dalle altre parti per il fatto che le sue figure si stagliano su uno sfondo essenziale ma non di un interno, bensì nel cielo di un paesaggio che si perde in lontananza. Per questo motivo alcune interpretazioni avevano considerato questa Crocefissione sia pur di David ma non parte del polittico della Cervara.Ai lati della Crocefissione, nella ricomposizione finale del 2005, rispettivamente a sinistra, l'Angelo Annunciante e a destra la Madonna Annunciata , le cui figure sono collocate in un interno di stanza restituito minuziosamente nei particolari e uniformato mediante la prospettiva centrale agli altri riquadri, evidenziata soprattutto dal procedere dei disegni a ottagono riportato dalle piastrelle quadrate pavimentali. I particolari resi con la minuziosità fiamminga, hanno il doppio significato di natura morta e di allusione simbolica .Nella parte terminale, sul registro ancora superiore, era il Padre Eterno , che appare in uno scorcio di nuvole tra due angeli.  sua figura corrisponde alla commistione ricorrente nella pittura fiamminga, di Cristo e Padre Eterno. L'incorniciatura del polittico era definita, a segno degli aggiornamenti rinascimentali, a lunette a tutto sesto. Resta qualche incertezza per le parti mancanti e non più reperite che dovevano fiancheggiare l'ultimo registro, con il Padre Eterno. Tale disegno nella struttura di cornici influenza la tipologia locale, impostando una maniera in auge sino a metà secolo, cui si attenne ad esempio anche Perin Del Vaga nel polittico di Sant'Erasmo

Prompt: Focus on Cervara Altarpiece and explain the Description.Please output in Italian.


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Ermes di Andro

Alta circa 219 centimetri, la statua - più grande della grandezza naturale e realizzata in marmo pario - è considerata di grande pregio artistico, ipotizzando sia presumibilmente una delle numerose copie di una scultura precedente. L'originale si riteneva fosse riconducibile allo stile del Lisippo; tuttavia, l'artista che l'ha scolpita doveva appartenere alla scuola di Prassitele, così come risulta evidente se si paragona lErmes con il gruppo di Ermes con Dioniso .: la mano destra, sotto al gomito, poggiava sul fianco, mentre il tessuto mancante si avvolgeva attorno al braccio sinistro e cadeva liberamente accanto ad esso. Ermes probabilmente teneva tra le mani il caduceo, il simbolo più noto della divinità, e indossava ai piedi i sandali .

Prompt: How does Hermes of Andros explain its Description?Please output in Italian.


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Prigioniero

Chain gang  voro forzato Prigione Reclusione

Prompt: In The Captive (painting), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the New Testament of this artwork, Last Supper (Tintoretto).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro è un affresco frammentario di Pietro Perugino, databile al 1478 e conservato nella chiesa di Santa Maria Assunta di Cerqueto, in provincia di Perugia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St Sebastian between St Roch and St Peter.Please output in Italian.

1478
Cerqueto
Perugia
Perugino
San Sebastiano


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La tomba di Hutten

scultura di Fede di Agen senza testa ha un significato simbolico forte.  martire aveva tredici anni quando, all'epoca delle persecuzioni dei cristiani sotto il regno dell'imperatore romano Massimino II Daia, si rifiutò di pregare per le divinità pagane, e pertanto venne decapitata nel 303. I nomi di Jahn, Arndt, Stein, Görres e Scharnhorst sono stati raggruppati sotto la scultura per deplorare il tradimento dei loro ideali con la Restaurazione.

Prompt: Explain the The culture of Faith of Agen about the Interpretation of this artwork, Hutten's Grave.Please output in Italian.


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Punizione dei ribelli

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 8881170914

Prompt: How does Punishment of the Sons of Korah explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Temi centrali della statua sono il potere e la grandezza imperiale, con Marco Aurelio raffigurato a grandezza reale e il braccio teso, un gesto che ricorda molto i ritratti di Augusto. In questo caso il gesto può essere inteso come un atto di clemenza: questa teoria, difesa da alcuni storici, si avvale della testimonianza di alcuni scritti medioevali che parlano di un prigioniero barbaro ai piedi della statua, a noi non pervenuto. Questa posa mostra l'imperatore anche come un conquistatore.L'assenza di armi e armatura evoca la pace, forse legata alla prosperità dell'Impero romano durante l'impero di Marco Aurelio. Una teoria ipotizza che nella mano vi fosse in precedenza un rotolo di pergamena, rappresentante l'attività legislativa dell'imperatore, elemento scomparso durante il Medioevo.

Prompt: How does Equestrian Statue of Marcus Aurelius explain its Theme?Please output in Italian.

Augusto
Impero romano
Marco Aurelio
Medioevo


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Pala di Pesaro

Sui pilastrini della cornice sono inserite due file di santi dipinti entro nicchie , di spiccata resa plastica grazie a un uso unificato della luce che scava in profondità le cavità dipinte. Nel pilastro di sinistra si trovano raffigurati: santa Caterina d'Alessandria, san Lorenzo, sant'Antonio di Padova e san Giovanni Battista; in quello di destra: la beata Michelina, san Bernardino da Siena, san Ludovico di Tolosa e sant'Andrea.In basso si trovano infine sette riquadri della predella, dedicati a una Natività e scene della vita di santi, narrate con notevole vivacità che si contrappone alla solenne calma della scena principale. Si tratta di:San Giorgio uccide il dragoConversione di san PaoloCrocifissione di san PietroNativitàSan Girolamo nel desertoSan Francesco riceve le stimmateSan Terenzio scelta dei santi non è casuale: Francesco ad esempio, oltre che titolare della chiesa, era legato, tramite l'ordine francescano, agli Sforza, e numerosi dei santi nei pilastrini sono tra quelli promossi dai frati in quel periodo. San Giorgio inoltre era il santo cavaliere legato alle corti e san Terenzio il protettore di Pesaro, qui raffigurato come un antico soldato romano.  preminenza di questi due santi, posti alla base dei pilastrini dove di solito si raffiguravano le imprese araldiche, sottintende probabilmente al potere militare e civile degli Sforza: non a caso dietro a Terenzio si trova una lapide romana con un busto e un'iscrizione che inneggia ad Augusto, come paragone celebrativo del potere del duca.

Prompt: In Pesaro Altarpiece (Bellini), how is the Pilasters predella of the History explained?Please output in Italian.

Antonio di Padova
Augusto
Bernardino da Siena
Caterina d'Alessandria
Giovanni Battista
Ludovico di Tolosa
Pesaro
San Giorgio
San Girolamo
Sforza


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Madonna della Scala

Fernando diana, Massafra, Mottola, StampaSud, 1995Espedito Jacovelli, Massafra/la città il territorio, 1981Espedito Jacovelli, Guida al santuario e villaggio della Madonna della Scala, 1981

Prompt: In Madonna of the Stairs, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna Butler

Madonna Butler  è un dipinto tempera su tavola  attribuita ad Andrea Mantegna, databile al 1460 circa e conservato nel Metropolitan Museum di New York.

Prompt: Focus on Butler Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Democrito

Democrito, Raccolta dei frammenti. Interpretazione e commentario di Salomon Luria, introduzione di Giovanni Reale. bio-bibliografia di S. Luria di Svetlana Maltseva, Milano: Bompiani, 2007. Andolfo, Matteo. Atomisti antichi: testimonianze e frammenti, testo greco e traduzione italiana, Milano: Bompaini, 2001. Walter Leszl , I primi atomisti. Raccolta dei testi che riguardano Leucippo e Democrito, Firenze: Olschki, 2009. Vittorio Enzo Alfieri, Gli atomisti, Bari: terza, 1936. I presocratici. Prima traduzione integrale con testi originali a fronte delle testimonianze e dei frammenti di Hermann Diels e Walther Kranz, a cura di Giovanni Reale, Milano: Bompiani, 2006. C. C. W. Taylor, The Atomists, Leucippus and Democritus. Fragments, testo greco, traduzione inglese e commento, Toronto: University of Toronto Press, 1999.

Prompt: Explain the Editions of texts about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.

Giovanni Reale
Hermann Diels
Leucippo
Walther Kranz


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Spasimo di Sicilia

Quadro dello Spasimo o Lo Spasimo di Sicilia, incisione da disegno eseguito al Prado di Domenico Cunego nel 1781; Spasimo di Sicilia, incisione di Carlo Normaut del 1818 del dipinto del Prado. Spasimo di Sicilia, intaglio in rame di Paolo Toschi, disegnato a Parigi ed eseguito a Parma nel 1832: è una riproduzione decisamente molto bella e fedele al dipinto del Prado. Il disegno fu effettuato nella bottega di restauro del Bonnemaison a Parigi prima del 1819. Una riproduzione è dedicata a Ludovico I re di Baviera; Una riproduzione è custodita nello studio di Paolo Toschi di Palazzo Poldi;  Una riproduzione è custodita nella Cancelleria degli Studi di Parma; Una riproduzione in dagherrotipo è presente nella Collezione del Collegio dei Gesuiti di San Rocco.

Prompt: Explain the Engravings of this artwork, Christ Falling on the Way to Calvary.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra Tea Filopatore, ultima sovrana dell'Egitto tolemaico, avvenne il 10 o il 12 agosto del 30 a.C. ad Alessandria d'Egitto, alla fine della guerra civile tra Ottaviano Augusto e Marco Antonio. Secondo la versione più famosa, la regina si sarebbe suicidata facendosi mordere da un aspide  ma secondo alcuni storici greci e romani si sarebbe uccisa bevendo una bevanda velenosa. Alcuni accademici hanno addirittura ipotizzato che la regina si sia uccisa su ordine di Ottaviano, che aveva vinto la guerra. In ogni caso, Cleopatra venne sepolta insieme al suo amante Marco Antonio e la sua morte decretò la fine della dominazione tolemaica d'Egitto, l'inizio dell'occupazione romana del paese e la fine del periodo ellenistico, in quanto l'Egitto dei Tolomei era l'ultimo regno ellenistico rimasto. morte di Cleopatra è stata raffigurata in varie opere d'arte nel corso dei secoli, inclusi dipinti, sculture, opere letterarie, opere teatrali e pellicole cinematografiche. In queste raffigurazioni prevale il suicidio dovuto al morso dell'aspide. A partire dall'Ottocento, le raffigurazioni più moderne della morte della sovrana hanno anche un tocco di orientalismo.

Prompt: In Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

30 a.C.
Alessandria d'Egitto
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio


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Il generale Johnson che salva un ufficiale francese ferito

Mostrando Johnson frenare le azioni aggressive di un ausiliario, il dipinto promuove gli standard "civilizzati" basati sull'onore e sulle leggi guerresche non scritte di matrice europea, in contrasto con la ferocia di "selvaggi". Il quadro è collegato alle preoccupazioni e ai dibattiti che l'impiego di alleati indiani suscitò tra gli europei per tutto il conflitto in Nord America .All'inizio della guerra franco-indiana, il giovane George Washington disse di aver lasciato che il capo indiano Tanaghrisson sigillasse la loro alleanza fracassando il cranio di Joseph Coulon de Villiers, un ufficiale francese morto, per poi lavarsi le mani del cervello dell'uomo.  vicenda di Jumonville fece scandalo in Europa, dove accelerò l'espansione della Guerra dei sette anni .Le stesse domande durarono ancora ai tempi della Rivoluzione americana. Nel 1777, entrambe le Camere del Parlamento britannico dibatterono circa l'uso degli ausiliari indiani. Il discorso di William Pitt il Vecchio alla Camera dei Lord , che denuncia atti di violenza perpetrati contro "innocenti" e la pratica del cannibalismo, è indicativo di ritrosie che sembrano essere state largamente condivise.

Prompt: How does General Johnson Saving a Wounded French Officer from the Tomahawk of a North American Indian explain its Historical context?Please output in Italian.

George Washington
Guerra dei sette anni
Guerra dei sette anni
Joseph Coulon de Villiers
Rivoluzione americana
William Pitt il Vecchio


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Arca di san Domenico

Le sei scene scolpite da Nicola Pisano ai lati del sarcofago hanno un notevole valore documentario, oltre che artistico, in quanto sono raffigurazioni di episodi narrati allo scultore da frati dell'ordine che avevano conosciuto Domenico quando questi era ancora in vita. L'arca si configura quindi come un documento della vita del santo.L'arca è anche un modo per ammirare e confrontare gli stili della scultura italiana nelle varie fasi della sua storia, dal XIII secolo  al XVIII secolo , passando attraverso il XV secolo  e il XVI secolo .

Prompt: In Arca di San Domenico, how is the Documentary value of the Ark discussed?Please output in Italian.

Nicola Pisano
XIII secolo
XVIII secolo
XVI secolo
XV secolo


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Amor sacro e Amor profano

Giulio Carlo Argan, L'Amor sacro e l'Amor profano di Tiziano Vecellio. Milano: Bompiani, 1950.   Mario Calvesi, Un amore per Venere e Proserpina in Art e Dossier numero 39, 1989. G.P. Clerici, Tiziano e l'Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese  in Bibliofilia XX numero 19, 1918 G. Cozzi,  donna, l'amore e Tiziano in Tiziano e Venezia. Atti del Convegno di Studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. Wilhelm Friedländer,  tintura delle rose in The Art Bulletin XVI 1938.320-324   U. Gnoli, Amor Sacro e Profano? in Rassegna d'Arte II, 1902. R. Goffen, Titian's ‘Sacred and Profane Love’ and Marriage in The Expanding Discourse: Feminism and Art. New York: Harper Collins, 1992. Titian's Sacred and Profane Love: Individuality and Sexulity in a Renaissance Marriage Picture in Studies of History of Art XXV, 1993. C. Hope, Problems of interpretations in Titian's erotic paintings in Tiziano e Venezia. Atti del convegno di studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. L. Hourticq,  Fontaine d'amour de Titien in Gazette des Beaux-Arts XII, 1917. A.L. Mayer, Aurelio Nicolò: the Commissioner of Titian's Sacred and Profane Love in The Art Bulletin XXI, 1939. L. Ozzola, Venere e Elena. L'amor sacro e l'amor profano. in L'Arte IX, 1906. Erwin Panofsky, Immagini simboliche. Studi sull'arte del Rinascimento. Milano: Feltrinelli, 1978. E. Petersen, Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung in Die Galerien Europas 2, 1907. J. Poppelreuter, Sappho und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe in Repertorium für Kunstwissenschaft XXXVI, 1913. M.L. Ricciardi, L'Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l'enigma in Notizie da Palazzo Albani XV, 1986. G. Robertson, Honour, Love and Truth: An Alternative Reading of Titian's Sacred and Profane Love in Renaissance Studies 2, 1988. Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. H.E. Wethey, The paintings of Titians. New York: Renaissance Society of America, 1975. F. Wickhoff, Giorgione's Bilder zu Römischen Heldengedichten in Jarbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen XVI, 1895. E.P. Wind, Misteri pagani nel rinascimento. Milano: Adelphi, 1971. Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5Giuliano Pisani, Le Veneri di Raffaello , Studi di Storia dell'Arte 26, Ediart 2015, pp. 97-122

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Sacred and Profane Love.Please output in Italian.

Galleria Borghese
Giorgione
Giuliano Pisani
Hypnerotomachia Poliphili
Erwin Panofsky
Proserpina
Hypnerotomachia Poliphili
Tiziano Vecellio
Venezia


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marmi di Elgin

Le organizzazioni internazionali come l'UNESCO e l'Associazione internazionale per la riunificazione delle sculture del Partenone, così come altri gruppi minori e alcuni attori di Hollywood, come George Clooney e Matt Damon, hanno espresso il loro forte sostegno per il rientro in Grecia delle decorazioni del Partenone.George Clooney ha affermato di essere favorevole alla riunificazione dei marmi del Partenone in Grecia durante la sua campagna promozionale per il film Monuments Men, che racconta la storia degli sforzi degli Alleati per salvare importanti capolavori artistici e culturali dalla distruzione ad opera dei nazisti nella seconda guerra mondiale. Il suo intervento riguardo ai marmi ha riacceso il dibattito nel Regno Unito circa il destino delle sculture: sono stati effettuati numerosi sondaggi da alcuni giornali.Un apposito sito internet, in parte sponsorizzato da Metaxa, mira a raccogliere consenso per la restituzione dei marmi del Partenone alla Grecia e per la collocazione al nuovo Museo dell'Acropoli di Atene.

Prompt: Describe the characteristics of the Popular support for restitution in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


section

Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (Filippo Lippi, London), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

I generali di Bonaparte che presero parte alla campagna d'Egitto non fecero mai menzione dell'avvenimento né della visita del Bonaparte al lazzaretto. Il medico Desgenettes indica invece il fatto che il Bonaparte aiutò direttamente nel trasporto dei malati.

Prompt: Explain the Historical reality of the event about the Creation  of  the  work of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.


section

Busto di Carlo Magno

Il busto di Carlo Magno è un reliquiario creato intorno al 1350 a forma di ritratto ideale del busto dell'imperatore Carlo Magno, cui è conservato il suo cranio come reliquia. Il reliquiario appartiene agli arredi tardo medievali della cattedrale di Aquisgrana ed è oggi elemento di spicco del tesoro della cattedrale. Il busto di Carlo Magno è considerato uno dei più importanti esempi di oreficeria gotica e uno dei busti reliquiario più famosi del mondo.

Prompt: Focus on Bust of Charlemagne and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Lucrezia

L'onomastico può essere festeggiato in memoria di più sante e beate, alle date seguenti:13 febbraio, beata Lucrezia Bellini , monaca benedettina15 marzo, santa Lucrezia o Leocrizia, martire sotto i saraceni a Cordova23 luglio, beata Lucrecia García Solanas, una dei martiri della guerra civile spagnola, uccisa a Sant Genís dels Agudells 11 settembre o 24 dicembre, beata Lucrezia Cadamosto, terziaria domenicana a Lodi

Prompt: Explain the Name day of this artwork, Lucretia (Veronese).Please output in Italian.

11 settembre
13 febbraio
15 marzo
23 luglio
24 dicembre
Cordova
Lodi
Sant Genís dels Agudells


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Variant Danny and the Variants.Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Le Stanze di Raffaello sono quattro sale in sequenza che fanno parte dei Musei Vaticani e sono così chiamate perché affrescate dal grande pittore urbinate e dagli allievi della sua bottega.

Prompt: In Raphael Rooms, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Cima, Paris)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Incubo

Fino al XVIII secolo, gli incubi erano considerati causati da stregonerie con le creature malefiche che si appoggiavano al petto del dormiente. Il termine infatti deriva da "incubare", atto che richiama l'immagine dello spirito maligno che cova sul petto del dormiente. Tra il XIX e il XX secolo si tendeva invece a dare la colpa alla cattiva digestione.Oggi sappiamo che essi possono essere provocati da agenti fisiologici, come febbre alta, scarsità di sonno e una dieta poco sana, oppure psicologici, come ansia e stress .

Prompt: In The Nightmare, how is the Etymology discussed?Please output in Italian.


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Apocalisse

Mario Polia e Gianluca Marletta, Apocalissi.  fine dei tempi nelle religioni, Milano, SugarCo 2008. David Syme Russell, L'apocalittica giudaica , , Brescia, Paideia 2000. Paolo Sacchi, L'apocalittica giudaica e la sua storia, Brescia, Paideia 1990. Walter Schmithals, L'apocalittica: introduzione e interpretazione, Brescia, Queriniana 1976. Ugo Vanni, Apocalisse: una assemblea liturgica interpreta la storia, Brescia, Queriniana 1980.Fabrizio De Donno, Simon Gilson, Beyond Catholicism: Heresy, Mysticism, and Apocalypse in Italian Culture, Palgrave Macmillan, 2014 ISBN 978-1-349-46526-2.

Prompt: How does Apocalypse (Dürer) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Morte di Socrate

leftSussistono alcune controversie riguardo alle origini della Morte di Socrate. Presumibilmente, il dipinto è stato commissionato nel marzo 1786 da Trudaine de la Sablière, il più giovane dell'influente circolo dei Trudaine; a questa tesi, tuttavia, si oppone Philippe Bordes, che ricorda che il disegno preparativo per Socrate risale al 1782. Può darsi, tuttavia, che la commissione del 1786 riguardava un dipinto che David aveva iniziato già nel 1782; a prescindere dall'inizio dell'esecuzione dell'opera, comunque, la Morte di Socrate è stata completata a Parigi nel 1787.Per conferire verità storica all'opera David consultò il Fedone, dialogo di Platone nel quale si racconta dell'ultimo giorno di vita di Socrate , trascorso a parlare con i suoi scolari dell'immortalità dell'anima. Ciò malgrado, il dipinto presenta alcune inesattezze rispetto alla storia narrata nel dialogo platonico. Platone, all'epoca un giovinetto, è raffigurato con la barba e appare manifestamente più vecchio di Socrate, benché quest'ultimo fosse suo maestro; c'è poi un altro errore, costituito dalla presenza stessa di Platone, in realtà assente all'ultimo dialogo con il maestro. Analogamente, Socrate è reso con un «fisico giovanile»  volutamente idealizzato, tanto che le diverse fonti non lo descrivono muscoloso e bello, bensì talmente di brutto aspetto da somigliare a un sileno.Significativa fu la consulenza di Père Adry, studioso che malgrado la suddetta difficoltà gli suggerì di includere Platone e di rappresentarlo «immobile», e quella di André Chénier, amico del David conosciuto al circolo del Trudaine, il quale gli suggerì di non raffigurare Socrate mentre regge la coppa di cicuta.}}

Prompt: How does The Death of Socrates explain its History?Please output in Italian.

André Chénier
Fedone
Parigi
Platone
Socrate


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Madonna col Bambino (Rogier van der Weyden Houston)

tenerezza dell'abbraccio, il bambino piccolo ancorato alla spalla  e lo sguardo pensieroso del bambino lo distinguono da tutti i suoi predecessori. Sembra certo che la Madonna di van der Weyden sia basata sulla Madonna di Cambrai italo-bizantina la quale era stata riportata da Roma da un canonico Fursy de Bruille nel 1440 e installata con grande cerimonia nel 1451 nella Cattedrale di Nostra Signora della Grazia  a Cambrai,  circa 30 miglia a sud di Tournai dove era cresciuto van der Weyden.  Questa icona appartiene al tipo eleusa  che è caratterizzata dal motivo del Bambino rannicchiato contro la guancia di sua madre. Fu sviluppato un culto intorno all'icona di Cambrai, che si riteneva fosse stato dipinto dallo stesso San Luca - copie furono commissionate da Hayne di Bruxelles e Petrus Christus. Ma mentre Hayne almeno lo aveva semplicemente copiato, van der Weyden propone una versione originale e creativa. Panofsky credeva di poter uscire con il dipinto di van der Weyden dopo il 1455 perché quella era la data in cui il Trittico di san Giovanni Battista fu commissionato dall'Abbazia di St. Aubert, Cambrai, da lui consegnato di persona nel 1459.  Comunque van der Weyden l'avrebbe sicuramente saputo, in effetti era stato incaricato come artista civico per Bruxelles di dipingere il San Luca ritrae la Madonna. Dekeyzer dà la sua data intorno al 1460, e osserva che può essere datato agli ultimi anni della carriera di van der Weyden sulla base dello stile, la fronte ampia e gli occhi stretti e pesanti della Vergine che mostrano una marcata somiglianza con quella del Dittico di Philippe I de Croÿ con la Madonna col Bambino che può essere datato al 1460 per motivi storici.

Prompt: Focus on Virgin and Child (van der Weyden) and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Caterina d'Alessandria è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1500 circa e conservata nel Louvre a Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child with St John the Baptist and St Catherine of Alexandria (Perugino).Please output in Italian.


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Triplice ritratto di orefice

Il Triplice ritratto di orefice è un dipinto a olio tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1530 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Focus on Triple Portrait of a Goldsmith and explain the Abstract.Please output in Italian.

1530
Kunsthistorisches Museum
Lorenzo Lotto
Lotto
Vienna


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La grande onda di Kanagawa

Per dare ulteriore enfasi drammatica all'opera, Hokusai disegnò l'onda nell'atto di spostarsi da sinistra a destra, in contrasto con il modo in cui i giapponesi sono abituati a leggere le immagini. Negli emakimono gli artisti ricorrevano spesso a questo stratagemma per stupire il lettore, e Hokusai ne riprese il concetto utilizzando l'onda quale elemento di sorpresa. Per un occhio occidentale, abituato a leggere le immagini da sinistra verso destra, il senso di sorpresa viene meno in quanto l'onda verrà erroneamente interpretata come soggetto principale data la sua posizione a sinistra nell'immagine.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Sense of reading of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

prima tavola ha come soggetto la Caduta dei dannati. Si notano tre figure di anime malvagie che scaraventate da altrettanti diavoli sprofondano attraverso l’abisso infernale verso "una palude di cenere incandescente e di lava rosso fuoco". Al centro in basso, una quarta figura umana si trova già avvolta dai fumi, mentre in alto a sinistra  un quarto diavolo sembra esultare in volo. Il paesaggio vulcanico è appena rischiarato di bagliori delle eruzioni. Nella parte alta, le sagome diaboliche, caratterizzate da un corpo scimmiesco con testa da pesce abissale e tipici barbigli, sono rese con poche sintetiche pennellate luminose di grande modernità che le ritagliano sul fondo nero, con tratti bianchi. Le figure umane sono invece definite da tratti ocra con lumeggiature gialle. I toni cupi e angoscianti che dominano la raffigurazione riescono a dare alla scena un'impressione sinistra di assoluta drammaticità.

Prompt: In Ascent of the Blessed, how is the Fallen gods' children of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Questa è una copia importante della Veronica, identificata con la firma di P. Strozzi nell'angolo destro della cornice interna. Egli era il segretario di papa Paolo V, e un uomo di cui il notaio vaticano Jacopo Grimaldi riferisce come avere eseguito una serie di sei copie meticolose del velo nel 1617.L'esterno della cornice è relativamente moderno, mentre la cornice interna è di fattura rozza e corrisponde allo schema ritagliato di copie precedenti. Il volto all'interno è molto sporco, più una serie di macchie in cui si possono identificare solo i nudi elementi di naso, occhi e bocca. È conservata nella Schatzkammer dei tesori sacri e secolari della dinastia degli Asburgo, nel palazzo di Hofburg a Vienna.

Prompt: Explain the Hofburg Palace Vienna about the TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.


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Cristo di San Giovanni della Croce

ovale realizzata da Salvador Dalí vide ad Avila, dalle mani delle suore, un pezzetto di carta racchiuso dal giro d’oro del reliquiario,  e ne rimase impressionato, così nel 1951 tradusse a suo modo quell’immagine.

Prompt: In Christ of Saint John of the Cross, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Flora (Melzi)

Flora, anche nota come Colombina, è un dipinto realizzato nel 1520 da Francesco Melzi e attualmente conservato all'Ermitage di San Pietroburgo. Raffigura Flora, la dea romana della primavera e dei cereali, soggetto apprezzato tra gli artisti rinascimentali.

Prompt: In Flora (Francesco Melzi), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Ermitage
Francesco Melzi
San Pietroburgo


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Dama con scoiattolo e storno

Dama con scoiattolo e storno di Hans Holbein il Giovane è un dipinto ad olio su tavola  di Hans Holbein il Giovane, databile tra il 1526 ed il 1528 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di Gaston de Foix

Il Ritratto di Giovane in Armatura  è un dipinto a olio su tela  di Giovanni Gerolamo Savoldo, databile al 1525 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: How does Portrait of a Clad Warrior explain its Abstract?Please output in Italian.

1525
Giovanni Gerolamo Savoldo
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi


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Incubo

Anche i demoni stregoni della mitologia iraniana conosciuti come Divs sono associati alla capacità di affliggere le loro vittime con incubi. Si pensava che la presenza maligna mare del folklore germanico e slavo cavalcasse sul petto delle persone mentre dormivano, causando incubi.

Prompt: In The Nightmare, how is the History/folklore discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

L'8 settembre si festeggia la natività di Maria Beata Vergine delle Grazie. È la festa più grande e sentita del paese che chiude tutte le festività estive.

Prompt: Explain the Baselice about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Ritratti alla Borsa

In questo dipinto il pittore disegna degli speculatori indaffarati sotto il portico della Borsa di Parigi. È un ambiente che lui stesso conosce bene, poiché proviene da una famiglia borghese legata alla finanza.Degas realizzò due versioni di questa scena: un pastello, più piccolo, e quest'olio. Il personaggio centrale che tiene in mano un appunto è Ernest May, ricco finanziere e collezionista d'arte, che dal 1878 inizia a collezionare quadri di Degas e di altri pittori impressionisti. Il May domina completamente la scena tanto che i volti degli altri personaggi sono solo abbozzati, non definiti: c'è l'uomo alle sue spalle, che cerca di guardare oltre quasi a voler leggere il contenuto del biglietto; c'è l'uscire che tende il biglietto al May; sulla destra, in primo piano, si indovinano le spalle di un uomo, con le mani dietro la schiena, ma senza testa; infine sulla sinistra, nascosti dietro i pilastri della Borsa, due figure indefinite e quasi grottesche.Quest'olio figura nei cataloghi delle mostre impressionistiche del 1879 e del 1880; caso raro, visto che difficilmente la stessa opera, che non era in vendita, veniva presentata in due esposizioni successive.Il quadro appartenne alla collezione personale di Ernest May e dei suoi discendenti, prima che fosse donato allo Stato nel 1923; dal 1986 si trova nell'attuale sede.

Prompt: How does Portraits at the Stock Exchange explain its History and description?Please output in Italian.


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Vestale Tuccia

Pudicizia  Cristo velato Suora velata Vergine velata Rebecca velata

Prompt: Focus on Vestal Virgin Tuccia (Corradini sculpture) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Suora velata
Vergine velata


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Ritratto di Francesco delle Opere

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-XAA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Francesco delle Opere.Please output in Italian.


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: Explain the Bahá'í Faith about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Guarigione del nato cieco

L'opera è documentata fin dal Seicento nelle collezioni del Palazzo Farnese di Roma, come dimostra il sigillo con un giglio che appare sul retro della tela. L'opera è stata molto probabilmente commissionata direttamente all'artista cretese dal cardinale Alessandro: il pittore era infatti giunto a Roma da Venezia nel 1570 ed era stato raccomandato all'alto prelato dal miniatore Giulio Clovio, a quel tempo al servizio dei Farnese, ed aveva subito trovato un grande estimatore nel colto bibliotecario del cardinale, l'eruditissimo Fulvio Orsini. Un secondo motivo per il quale gli studiosi pensano che l'opera venne realizzata per diretta committenza Farnese è il fatto che nell'opera si riconoscono alcuni ritratti. Nel gruppo assiepato a sinistra, infatti, si può forse vedere il giovane principe Alessandro e in mezzo allo schieramento il cardinal Ranuccio Farnese, ritratto post mortem.Le peculiarità stilistiche della tela, hanno permesso agli studiosi di collocare l'opera subito dopo il soggiorno romano, 1573 a Venezia, dove si ritiene che l'artista fosse tornato prima di trasferirsi in Spagna nel 1576.L'opera venne spedita a Parma nel 1662 per essere esposta nel Palazzo del Giardino, anch'esso di proprietà Farnese e venne, in quell'occasione, attribuita a Tintoretto. L'opera, infine, venne poi veduta alla Galleria nazionale nel 1862.

Prompt: How does Healing of the Man Born Blind (El Greco, Parma) explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione (El Greco Prado 1570)

LAnnunciazione è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1570-1572 e conservato al Museo del Prado a Madrid in Spagna. Secondo José Álvarez Lopera, quest'opera proviene da un'incisione di Giovanni Jacopo Caraglio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (El Greco, Prado, 1570).Please output in Italian.

1570
1572
El Greco
Giovanni Jacopo Caraglio
Madrid
Museo del Prado
Spagna


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La Schiavona

Nel 1640 l'opera è ricordata in casa Martinengo Colleone a Brescia, come opera di Tiziano. Passò nella raccolta Crespi di Milano nel 1900 e dopo alcuni passaggi di proprietà, tra cui la raccolta Cook di Richmond, pervenne nel 1942 al museo londinese.Il titolo del dipinto è puramente tradizionale e si riferisce a una donna dalmata , che qualcuno ha riconosciuto dalla foggia dell'abito e dalla fisionomia. In realtà la dama ritratta fa parte della nobiltà dell'epoca, con costumi compatibili con quelli delle donne abbienti dei territori controllati dalla Serenissima. Alcuni hanno provato a identificare la donna con Caterina Cornaro, ipotesi priva però di qualsiasi riscontro. . Già assegnato a Giorgione, è oggi comunemente accettato come capolavoro giovanile di Tiziano, anche per l'assenza di quella modulata dolcezza del pittore di Castelfranco, sostituita piuttosto da una pulsante vitalità. Strette sono le analogie anche con la donna protagonista del Miracolo del neonato, affresco padovano di Tiziano databile al 1511.

Prompt: Focus on La Schiavona and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait (Raphael)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Vanità

upright=1.2borderNel linguaggio comune, il termine vanità indica un'eccessiva credenza nelle proprie capacità e attrazione verso gli altri. Prima del XIV secolo non aveva alcun significato narcisistico, ma era considerata una futilità. Il relativo termine vanagloria oggi è visto come un sinonimo arcaico della vanità, un'ingiustificata vanteria. Dal suffisso vanus  e dal latino gloria.In ambito filosofico, la vanità si riferisce ad un più ampio senso di egoismo e superbia. Friedrich Nietzsche scrisse che, secondo lui, "la vanità è la paura di apparire originali: perciò è una mancanza di superbia, ma non necessariamente di originalità". In uno dei suoi aforismi, Mason Cooley disse che "la vanità, nutrita bene, diventa benevola. Se affamata, diventa maligna".In molte religioni la vanità, nel suo significato più moderno, è considerata come una forma di auto-idolatria, nella quale l'individuo rifiuta Dio per la sua propria immagine, e di conseguenza non gli viene più concessa la grazia divina. Le storie di Lucifero, di Adamo ed Eva, di Narciso e di vari altri accompagnano i protagonisti verso l'aspetto insidioso della vanità stessa. Negli insegnamenti Cristiani la vanità è vista come un esempio della superbia, una dei sette peccati capitali. Questo elenco si è allargato ultimamente con l'aggiunta della vanagloria, considerata un peccato indipendente dalla superbia, e quindi non riconducibile ad essa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Vanity (Titian).Please output in Italian.

Adamo
Dio
Eva
Friedrich Nietzsche
Lucifero
Mason Cooley
XIV secolo


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Conseguenze della guerra

Nell'andare alla battaglia Marte calpesta dei libri, distruggendo con essi simbolicamente ogni forma di espressione intellettuale, e travolge le personificazioni dell Arti, quali la musica e l'architettura, personificate rispettivamente dalla donna e dall'uomo abbattuti in basso a destra: la donna, raffigurata di spalle, ha un liuto rotto in mano e mostra che l'armonia non può sopravvivere accanto al disordine della guerra; l'uomo, un architetto, impugna i suoi strumenti, a significare che ciò che si costruisce in tempo di pace è poi distrutto in tempo di guerra. Nel raffigurare la donna, il pittore si rifece probabilmente all'iconografia della mousiké, il complesso delle arti presiedute dalle Muse che comprendeva la poesia, la letteratura, la musica in senso stretto, il teatro, il canto, la danza; comprendeva, in particolare, la poesia come veniva "rappresentata" nel mondo greco, ossia per mezzo del canto accompagnato da uno strumento musicale.Le Arti sono quindi travolte e annientate, a indicare che la guerra non solo causa morte e distruzione ma spezza la civiltà, intesa come patrimonio culturale umano.

Prompt: In Consequences of War, how is the TheArticleSummer of the Description explained?Please output in Italian.


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Prigioniero

Un prigioniero è un soggetto che, per una serie di motivi, viene privato o si priva della propria libertà d'azione. Solitamente il prigioniero sconta una o più pene la cui natura varia da contesto a contesto, come, ad esempio, la reclusione, i lavori forzati e la tortura.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Captive (painting).Please output in Italian.


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Democrito

Federico Enriques e Manlio Mazziotti, Le dottrine di Democrito d'Abdera, Bologna: Zanichelli, 1948. Francesco Romano , Democrito e l'atomismo antico. Atti del convegno internazionale, Catania 18-21 aprile 1979, Catania: Università di Catania. Facoltà di lettere e filosofia, 1980. Maria Luisa Silvestre, Democrito e Epicuro : il senso di una polemica. Testi e commenti, Napoli: Loffredo, 1985. Maria Luisa Silvestre, Democritea : i documenti da Epicuro ad Aezio, Roma: Cadmo, 1990. M. ura Gemelli Marciano, Democrito e l'Accademia. Studi sulla trasmissione dell'atomismo antico da Aristotele a Simplicio, Berlino: Walter de Gruyter, 2007. Giuseppe Solaro, Il mistero Democrito, Roma: Aracne, 2012.

Prompt: Describe the characteristics of the Studies in Democritus (Ribera)'s Biography.Please output in Italian.


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Festa degli amorini

L'opera è la prima dipinta da Tiziano per il ciclo dei "Baccanali", destinato a decorare il Camerino d'Alabastro, studiolo privato di Alfonso I d'Este. Il duca aveva già ottenuto una tela da Giovanni Bellini  e qualche anno prima Tiziano gli aveva già dipinto il Cristo della moneta, destinato a decorare una porta.Con il rapido smantellamento dello studiolo all'indomani della devoluzione di Ferrara allo Stato della Chiesa, nel 1598, i dipinti vennero dispersi.  Festa degli amorini venne portata a Roma dal cardinal Pietro Aldobrandini, legato pontificio.Le tre tele di Tiziano furono ammirate e copiate da Rubens, Reni, Poussin e Velázquez, fornendo ispirazione per lo sviluppo del gusto barocco. È rimasta famosa la notizia del pianto sincero del Domenichino nel vedere quei capolavori lasciare l'Italia.Ne esiste una copia con varianti di Rubens nel Nationalmuseum di Stoccolma.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Worship of Venus.Please output in Italian.

1598
Alfonso I d'Este
Cristo della moneta
Domenichino
Ferrara
Giovanni Bellini
Pietro Aldobrandini
Roma
Stoccolma