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Pala di Santa Maria dei Fossi

pala è oggi composta da sette pannelli principali, più due della predella, a differenza degli altri, sono su tela applicata su tavola lignea. Al centro campeggia la Madonna col Bambino e san Giovannino, affiancata dai santi Agostino, vestito da vescovo con un piviale riccamente ricamato con figure di santi, e Girolamo, vestito da cardinale e con un modellino della chiesa in mano, forse la stessa Santa Maria degli Angeli secondo un progetto di ricostruzione non portato a termine. Sopra di questi pannelli laterali si trovano due riquadri con lAngelo annunciante e la Vergine annunciata. Sulla cimasa campeggia il Cristo morto sorretto da due angeli e, nel timpano del frontone, la Colomba dello Spirito Santo. pala principale è dedicata, oltre che alla Vergine titolare della chiesa, al tema del passaggio della croce da san Giovannino, il precursore, a Gesù, il Redentore, come esplicita anche l'iscrizione sottostante . Sopra la scritta si trovano le lettere B e N, che vengono interpretate come una firma dell'artista B[er]N[ardinus].Anche sul fregio corre un'iscrizione, che esorta a meditare sulla redenzione e a rendersene degni: "Guarda o mortale da quale sangue sei stato redento. Fa' che non sia scorso invano". Vari elementi simbolici rimandano alla Passione, come la melagrana in mano al Bambino, i frutti sparsi a terra e il pomo tenuto da sant'Agostino.Il tema sacro è trattato con un'estrema ricchezza di dettagli sontuosi, con molteplici soluzioni decorative e pittoriche: dal dolce paesaggio umbro allo sfarzoso trono della Vergine, su cui si trovano finti rilievi all'antica ispirati ai sarcofagi romani. Anche lAnnunciazione è ricca di spunti originali, come l'uso delle grottesche nella stanza di Maria o la "natura morta" di gusto fiammingo nella rappresentazione dei libri. Nel Cristo in pietà e nei santi spiccano i fondali con preziosi motivi tessili e l'abbagliante preziosità delle vesti, sovraccariche di decorazioni, gemme e dorature, secondo un gusto ispanico di ascendenza tardogotica messo a frutto al servizio di papa Borgia ed evidente anche nei praticelli fioriti che fanno da base ai due dottori della Chiesa. predella mostra quattro tondi di Evangelisti e due scene figurate: in ordine: Marco, Luca,  la Visione del fanciullo di sant'Agostino, in cui il santo riceve l'apparizione del Bambino Gesù che gli dimostra come per l'uomo sia impossibile comprendere l'essenza divina, Giovanni, il San Girolamo nel deserto, dall'impostazione tradizionale e infine Matteo.Il contratto cita anche pitture dei santi Ubaldo, Bernardo, Giuseppe e la santa locale Dignamerita, oltre al papa, i cardinali e i devoti: non è chiaro se queste parti furono mai realizzate o se, forse presenti sui pilastrini, andarono disperse con lo smembramento.</div>

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Santa Maria dei Fossi Altarpiece.Please output in Italian.


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San Giorgio nella foresta

Stefano Zuffi, Il Cinquecento, Electa, Milano 2005. ISBN 88-370-3468-7

Prompt: Focus on Saint George in the Forest and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Donna al Cafè Le Tambourin

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale.  portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:</ref>}}

Prompt: In Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Agostina Segatori
Edgar Degas
L'assenzio
Parigi
Ritratto di Émile Zola
Édouard Manet


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Augusto di Prima Porta

Ranuccio Bianchi Bandinelli e Mario Torelli, L'arte dell'antichità classica, Etruria-Roma, Utet, Torino 1976. Paul Zanker, Augustus und die Macht der Bilder, C.H. Beck, München 1987 ISBN 3-406-32067-8 ; trad. italiana: Augusto e il potere delle immagini,	Torino, Einaudi, 1989.

Prompt: How does Augustus of Prima Porta explain its Bibliography?Please output in Italian.

Augusto
ISBN
Mario Torelli
Paul Zanker
Ranuccio Bianchi Bandinelli
Roma


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La Gioconda

Dopo il debutto dei Lituani, il 7 marzo 1874 alla Scala, Ponchielli si mise in cerca di un nuovo libretto e prese contatto con Arrigo Boito. Il soggetto proposto, il dramma di Victor Hugo Angelo, tyran de Padoue, lasciò in un primo tempo perplesso il compositore, che temeva il raffronto con Il giuramento di Saverio Mercadante, una fortunata riduzione operistica del medesimo soggetto che aveva debuttato alla Scala l'11 maggio 1837. Per qualche tempo egli coltivò pertanto il progetto parallelo di mettere in musica il Piquillo Alliaga di Scribe, la cui riduzione librettistica fu affidata ad Antonio Ghislanzoni.Boito decise di adattare il soggetto con estrema libertà, introducendo la figura di Barnaba e dando nuova fisionomia a tutti gli altri personaggi. Nel novembre 1874 i primi due atti del libretto erano pronti e Ponchielli si apprestò ad iniziare il lavoro di composizione, pur tra mille dubbi, che lo accompagneranno fino al debutto dell'opera. Nonostante l'ammirazione incondizionata per Boito, Ponchielli riteneva infatti che l'elemento drammatico soverchiasse quello lirico e temeva, di conseguenza, una reazione negativa del pubblico. Egli capiva inoltre che l'audacia drammaturgica e formale di Boito l'avrebbe costretto a modificare il suo stile. Da una lettera del 3 giugno 1875 all'amico musicista Achille Formis:Le continue richieste di modifiche al libretto erano evase malvolentieri da Boito, già impegnato a portare in scena la nuova versione del suo Mefistofele , tanto che il compositore cremonese cercò, per ottenerle, il tramite dell'editore Ricordi. Il 19 giugno 1875 il primo atto era comunque terminato, sebbene senza orchestrazione, ma Ponchielli - forse per fuggire le proprie paure - si era nel frattempo impegnato a comporre una cantata in onore di Gaetano Donizetti, che fu eseguita a Bergamo il 13 settembre 1875, e ad iniziare la revisione della giovanile Savoiarda che porterà alla Lina.Ponchielli rimise dunque mano alla Gioconda, ma più la prima si avvicinava, più il panico cresceva. Così scriveva il 31 dicembre a Giulio Ricordi:Alla conclusione del lavoro mancano solo quattro pezzi: il finale del terzo atto, la Danza delle Ore, il duetto finale del quarto atto e la sinfonia. Il 12 gennaio 1876 l'abbozzo è terminato tranne i ballabili e il preludio. Lo stesso giorno Ponchielli inizia la strumentazione. Ma i dubbi sul già fatto continuano a tormentarlo: il 24 gennaio informa l'editore di voler rivoluzionare il duetto tra Enzo e Barnaba dell'atto primo e che ben difficilmente potrà consegnare l'opera in tempo per eseguirla durante la stagione di carnevale.  Danza delle Ore fu composta a Milano quando le prove di canto erano già iniziate e, secondo una testimonianza, furono accolti alcuni suggerimenti di Luigi Manzotti, coreografo del Ballo Excelsior, musicato da Romualdo Marenco.

Prompt: Explain the Genesis of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.

1837
1874
1875
1876
Achille Formis
Antonio Ghislanzoni
Arrigo Boito
Ballo Excelsior
Bergamo
Gaetano Donizetti
Giulio Ricordi
Luigi Manzotti
Milano
Piquillo Alliaga
Romualdo Marenco
Saverio Mercadante
Victor Hugo


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Madonna di Darmstadt

Il motivo che diede all'ex sindaco di Basilea, Jakob Meyer, l'opportunità di commissionare il grande dipinto della Madonna di Darmstadt  non ci è noto. Una delle motivazioni più plausibili è certamente la strenua fede cattolica di Meyer e la sua volontà di manifestarla. Al momento della creazione dell'opera, infatti, la Riforma protestante aveva prevalso a Basilea e Meyer era probabilmente inclinato a manifestare la sua opposizione al nuovo movimento religioso in città. Un'altra possibile ragione è che Meyer era stato in quel periodo accusato dal consiglio comunale della città, di fede calvinista, di essersi indebitamente appropriato di fondi pubblici; è di fronte a tale pericolo che Meyer avrebbe potuto voler ostentare la protezione di Maria o esprimere la sua gratitudine alla Madre di Dio per lo scampato pericolo di un'infamante accusa. L'anno di realizzazione si presume attorno al 1526/1528. forma della cornice insolita della pittura suggerisce il fatto che la pittura fosse inserita in un'architettura, come ad esempio la cappella del patrono presso il castello di Gundeldingen, alle porte di Basilea, ma non vi sono prove che il dipinto sia mai stato in quel luogo. Stephan Kemperdick presuppone che il dipinto sia stato concepito come parte di un monumento funebre della famiglia di Jakob Meyer all'interno di una chiesa di Basilea, forse la chiesa di San Martino. Questo dato sembra essere supportato dal fatto che effettivamente nella Martinskirche vennero sepolti dapprima la moglie di Jakob Meyer e poi sua figlia Anna e suo genero. Sembra quindi ragionevole ritenere che Meyer stesse progettando una tomba di famiglia in quel luogo. Questo dipinto fu tra quelli che scamparono all'iconoclastia voluta dalla Riforma protestante perché venne restituito ai proprietari dal delegato alla sicurezza cittadina Johannes Gerster nel 1528.Un gruppo di fotografie a raggi infrarossi e a raggi X del dipinto realizzate nel 1999 dal laboratorio del museo del castello di Darmstadt, hanno potuto dimostrare che solo la figura della Madonna col Bambino venne eseguita esattamente secondo quanto rilevato nel disegno preliminare. Su tutte le altre figure si sono trovate infatti correzioni della postura e del punto di vista, rifacimenti e migliorie. Queste indagini hanno inoltre dimostrato che i disegni del ritratti dei protagonisti della scena non vennero eseguiti prima dell'inizio dei lavori sul dipinto, come si pensava in precedenza, bensì in corso d'opera.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Thecommission. and the Style.Please output in Italian.


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Maestà con due angeli

Maestà con due angeli è un dipinto a tempera e oro su tavola  attribuito a Cimabue, databile al 1280 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Virgin and Child with Two Angels (Cimabue) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Ancient  Rome and the Religion.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Shiloh of the Youth explained?Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Nudo seduto su un divano

Nudo seduto su un divano è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1917 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fa parte di una collezione privata parigina.È uno dei celebri nudi del pittore italiano.

Prompt: In Nude Sitting on a Divan, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Giudizio universale della Nel cristianesimo questa dottrina fa riferimento ad una celebre parabola di Gesù . In essa Gesù si identifica con il sofferente e il giudizio verte di volta in volta sulla compassione concretamente dimostrata e non sulla fede professata . chiesa latina  ha sottolineato la necessità di una giustizia equilibratrice.  giustizia di Dio, fu quindi contrapposta alla sua misericordia, in quanto essa obbligherebbe Dio a un certo comportamento . Perlomeno Dio "non può dimostrare grazia nello stesso modo ai malfattori e alle vittime" ed "è sperabile che rispetterà e ristabilirà la dignità di queste ultime".Secondo i teologi alessandrini del III secolo Clemente e Origene e i loro numerosi sostenitori la misericordia di Dio deve prevalere e condurre a una riconciliazione universale . Questa dottrina fu sempre sperata nella storia della Chiesa e della teologia, in quanto "la teologia non possiede alcuna conoscenza, né alcuna competenza per decidere sulle possibilità che Dio ha di mutare positivamente le libere decisioni delle sue creature senza distruggerne la libertà".  riprende anche il teologo cattolico Hans Urs von Balthasar, che sottolinea come ad essa sembrano aderire alcuni fra i più famosi teologi cattolici, fra cui anche lo stesso Papa Benedetto XVI.Il Giudizio universale di  dottrina del giudizio finale solleva il problema dello stato delle anime fra il momento della loro morte e la seconda venuta di Cristo.  questione presenta problemi filosofici sia di antropologia  sia di ontologia del tempo . Questi problemi non hanno ancora trovato una soluzione da tutti condivisa.  dottrina che non esista alcuno stato intermedio perché alla morte ogni persona raggiunge il giudizio universale è ritenuta la più verosimile da  Karl Rahner, teologo cattolico e perito conciliare durante il Concilio Vaticano II. soluzione tradizionale mira ad affermare che i giustificati ottengono immediatamente il dono loro assegnato da Cristo e perciò ad escludere la visione beatifica differita, teoria molto diffusa fra i padri della chiesa cattolica e predicata ancora oggi da alcune frange protestanti.  maggior parte dei cristiani, infatti, ha ritenuto e ritiene inaccettabile che i martiri, la stessa Vergine Maria e gli altri santi non possano godere da subito della visione beatifica.Secondo la Chiesa cattolica e quella ortodossa gli uomini vengono giudicati subito dopo la morte , e le loro anime accedono al Paradiso o all'Inferno immediatamente o, nel caso del Paradiso, dopo una fase più o meno intensa di purificazione nel Purgatorio. Alla fine dei tempi vi sarà invece la risurrezione della carne, con la quale i corpi risusciteranno e si riuniranno alle anime per il giudizio finale , di salvezza nella comunione dei santi, oppure di condanna.Nella tradizione protestante, invece, si esclude ogni purificazione dopo la morte. Lutero non sembra aver professato una teologia dello stato intermedio coerente e costante nel tempo. Benché egli abbia talvolta affermato che le anime "dormono", nelle chiese riformate prevale l'opinione di Giovanni Calvino secondo cui le anime dei morti si trovano in uno stato vigile di felicità o di dolore che anticipa il loro destino eterno dopo il giudizio finale.

Prompt: Explain the Christianity of this artwork, Last Judgement (Fra Bartolomeo).Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio Vaticano II
Cristo
Dio
Gesù
Giovanni Calvino
Giudizio universale
Hans Urs von Balthasar
Inferno
Karl Rahner
Origene
Papa Benedetto XVI
Paradiso
Purgatorio


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Madonna delle Grazie

Il santuario di Santa Maria delle Grazie a Sansepolcro, città situata all'estremità orientale della Toscana, poco distante dalle sorgenti del Tevere, risale al 1518, quando venne fondata l'omonima confraternita che provvide alla costruzione di una chiesa con oratorio. Nel 1555 il pittore locale Raffaellino del Colle dipinse l'immagine della Madonna delle Grazie, molto venerata fin dall'inizio. Nel 1732 il vescovo di Sansepolcro Raimondo Pecchioli dispone un'indagine sul culto, che risulta prestato da tempo immemorabile, almeno dagli inizi del XVII secolo.  festa è celebrata la terza domenica dopo Pentecoste per disposizione di papa Leone XIII del 26 novembre 1898, che la estese a tutta la diocesi.

Prompt: Describe the characteristics of the Sansepolcro in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Madonna dal collo lungo

L'opera venne commissionata da Elena Baiardi Tagliaferri per la sua cappella nella chiesa di Santa Maria dei Servi a Parma, con un contratto datato 23 dicembre 1534. Si trattava della sorella del cavalier Francesco Baiardo, amico e patrono del Parmigianino nonché probabile acquirente del suo studio dopo la sua morte, possessore tra l'altro del Cupido che fabbrica l'arco. Nel contratto l'artista si impegnava, per trentatré scudi versati in anticipo, a compiere il dipinto in cinque mesi, entro la pentecoste del 1535, pena un risarcimento danni con la propria casa a garanzia , ma tale termine venne sforato e l'opera venne lasciata incompiuta alla repentina partenza dell'artista per Casalmaggiore nel 1540, dove morì, lasciandola nel proprio studio. Il cavalier Baiardi, chissà se in virtù proprio di quella clausola, divenne proprietario dello studio del pittore, in cui inventariò 22 dipinti e ben 495 disegni autografi.Atteso qualche anno per decidere se far completare la pala o meno, essa venne infine collocata nella cappella nel 1542, come si ricava dalla trascrizione di un'antica lapide in loco, tramandata da padre Ireneo Affò nel 1784 e oggi scomparsa. In occasione della consacrazione della pala venne anche probabilmente aggiunta la scritta che si legge sul gradino a destra  che vuole appunto giustificare il pittore per lo stato non finito, dovuto al Fato avverso. Sebbene non si possa escludere che l'artista attinse a un tipo fisico simile, un tale omaggio appare oltre che inspiegato  anche eccessivo, per non dire eretico.È ancora il Fagiolo dell'Arco a darne un'interpretazione fondata sui principi alchemici e religiosi: il tema del dipinto sarebbe l'Immacolata Concezione; il vaso in primo piano a sinistra, su cui è visibile la croce citata dal Vasari, farebbe riferimento al grembo di Maria, il vas Mariae, alludendo in questo modo alla morte di Cristo appena concepito, secondo la concezione alchemica della nascita corrispondente alla morte.  colonna è simbolo dell'Immacolata e il lungo collo della Vergine, dal Medioevo, era già un attributo della Madonna - collum tuum ut columna.

Prompt: Focus on Madonna with the Long Neck and explain the History.Please output in Italian.


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Statua di Stalin (Berlino Est)

Il monumento di Stalin nell'aprile del 1953 inserito nel contesto urbano della Stalinalleealt=sinistra Stalinallee, inizialmente chiamata Große Frankfurter Straße, fu gravemente danneggiata durante la seconda guerra mondiale e rinominata il giorno del compleanno di Stalin, ovvero il 21 dicembre 1949, in onore al leader sovietico. Il nuovo viale rappresentò un'affermazione politica all'interno dello sforzo di ricostruzione postbellico iniziato nel 1951 ed era costituito da un imponente strada con negozi, intrattenimenti, ristoranti e nuovi blocchi di appartamenti monumentali. Questi ultimi dovevano essere costruiti da e per i lavoratori e contenevano dei lussi sconosciuti nelle precedenti abitazioni operaie negli edifici distrutti durante la guerra. statua di bronzo, alta 4,80 metri, mostrava il leader sovietico in una tipica posa militare con una uniforme e delle medaglie e nella mano destra un rotolo di pergamena. Il piedistallo di 3 m, leggermente conico, descritto spesso come di marmo, calcestruzzo o arenaria, fu posizionato su una piattaforma in muratura.  collocazione temporanea tra la Andreasstraße e la Koppenstraße era lungo la via che iniziava da un palasport costruito nel 1951 per il Festival mondiale della gioventù e degli studenti, demolito successivamente nel 1972.L'autore sovietico della statua è oggetto di dibattiti tra gli esperti. Secondo una fonte, l'opera era stata realizzata nella bottega dello scultore Grigorij Postnikov . Altre fonti citano Nikolaj Tomskij e Sergej Merkurov, quest'ultimo noto per una simile statua eretta nel 1937 a Mosca. Una fonte russa vede Tomskij come l'autore originale.Contrariamente all'intenzione originale di spostare la statua in Strausberger Platz sulla Stalinallee non appena il luogo chiave fosse stato pronto per l'abbellimento verso la fine degli anni cinquanta, la statua fu lasciata nella sua collocazione originale.

Prompt: Focus on Statue of Joseph Stalin, Berlin and explain the Position and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Cristo de La Laguna

Real Santuario del Santísimo Cristo de  gunaSan Cristóbal de  gunaDiocesi di San Cristóbal de  gunaSettimana Santa di San Cristóbal de  guna

Prompt: How does Cristo de La Laguna explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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amore

Affetto Affettività Innamoramento Sessualità Erotismo Matrimonio Amore a prima vista Amore platonico Agape Amore romantico Poliamore

Prompt: In Love & Loss, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Affettività
Affetto
Agape
Amore a prima vista
Amore platonico
Amore romantico
Erotismo
Innamoramento
Matrimonio
Poliamore
Sessualità


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Atleta di Fano

Il luogo preciso del ritrovamento che ha preservato l'oggetto per più di due millenni non è mai stato stabilito con certezza, ma sembra che la nave degli antichi romani che la trasportava fosse sulla traversata dalla Grecia verso l'Italia quando per cause ignote affondò con il suo prezioso carico.Vari governi italiani anche assieme alla regione Marche, specie negli ultimi anni hanno reclamato il ritorno della statua in Italia, ma il museo ha sempre replicato negativamente e ritenuto infondate le richieste a causa dell'impossibilità di stabilire con precisione il luogo del recupero.Nel novembre 2005, a Roma, l'ex conservatrice del Getty Museum, Marion True è stata accusata di associazione per delinquere e di traffico illegale internazionale di opere d'arte. Secondo l'accusa la True avrebbe acquisito opere d'arte illegali provenienti dal deposito di Giacomo Medici, condannato nel marzo del 2005 a dieci anni di prigione e a 10 milioni di euro di risarcimento danni allo Stato Italiano per traffico di opere trafugate da cinquanta tombe etrusche e implicato nel processo con il gallerista di Ginevra Robert Emmanuel Hecht dal quale la stessa True avrebbe acquistato alcune opere per conto del Getty Museum.Secondo Stefano Alessandrini, fanese e consulente di parte civile per "Italia Nostra" al processo romano contro Robert Hecht e Marion True, il J. Paul Getty Museum di Malibù era a conoscenza della provenienza illecita della statua poiché esisterebbe una copia di un'intervista del 1979 realizzata dall'ABC all'ex direttore del Metropolitan Museum of Art, Thomas Hoving, nella quale dichiarava di aver rinunciato all'acquisto della statua perché di provenienza incerta, ma che nonostante altri musei avessero evitato di comprarlo, il Getty accettò ugualmente pagando pur di aver lAtleta che si incorona. Lo stesso Thomas Hoving, in un suo articolo sul Los Angeles Times del 27 settembre 2005, conferma la suddetta versione.Da parte sua comunque Michael Brand, nuovo direttore del museo americano e subentrato a Marion True, in una lettera a Rutelli scrisse: «rigettiamo ogni ipotesi che il Getty fosse stato a conoscenza, al momento dell'acquisto, che gli oggetti che dovevano esservi trasferiti fossero provenienti da scavi illegali in Italia.». Marion True è inoltre attualmente sotto indagine delle autorità greche per l'acquisizione di una corona funeraria di 2500 anni fa.Il 20 novembre 2006, il direttore del museo Michael Brand, ha annunciato l'intenzione di restituire all'Italia solo 26 opere delle 52 richieste, ma non l'Atleta di Fano, pezzo sul quale pende ancora una causa giudiziaria. Il 14 dicembre dello stesso anno il Ministro dei beni e delle attività culturali Francesco Rutelli, rispondeva sul Corriere della Sera che se le trattative non si fossero concluse con un ritorno in Italia di tutte e 52 le opere richieste il museo sarebbe stato posto sotto l'embargo culturale italiano.Il 1º agosto 2007 viene annunciato l'accordo in cui il museo restituisce 40 opere all'Italia, tra queste è presente la Venere di Morgantina, che verrà riconsegnata nel 2010, ma non figura l'Atleta di Fano, per cui l'accordo prevede che ogni decisione sia rimandata alla fine del procedimento giudiziario in corso presso la procura di Pesaro. Nello stesso giorno la procura di Pesaro ha chiesto la confisca della statua per i reati di contrabbando ed esportazione clandestina, richiesta respinta dal giudice.Successivamente, l'11 febbraio 2010, il GIP dispone il sequestro della statua «attualmente al Getty Museum o ovunque essa si trovi». L'impugnazione del decreto ha dato luogo a una sentenza della Corte costituzionale.L'8 giugno 2018 il giudice dell'esecuzione del Tribunale di Pesaro rigetta l'opposizione dei legali del Getty Museum contro la confisca della statua.<br />Il 30 novembre 2018 i giudici della terza sezione penale della Corte di Cassazione hanno respinto il ricorso presentato dal Getty Museum contro l’ordinanza del Tribunale di Pesaro.Il 3 dicembre 2018 con un comunicato stampa il Getty Museum dichiara che «qualsiasi ordine di confisca è contrario al diritto statunitense e internazionale».Il 2 maggio 2024 la Corte europea di Strasburgo, respingendo il ricorso presentato dalla fondazione Paul Getty per violazione della protezione della proprietà, ha stabilito che l'Italia ha tutto il diritto di confiscare e chiedere la restituzione della statua greca in bronzo.

Prompt: In Victorious Youth, how is the Contested Italian State Getty Museum of the Voice correlate explained?Please output in Italian.

1979
2005
2006
2007
2010
Corriere della Sera
Corte costituzionale
Fano
Francesco Rutelli
Getty Museum
Ginevra
Grecia
Italia
Italia Nostra
Getty Museum
Los Angeles
Los Angeles Times
Malibù
Marche
Marion True
Metro
Metropolitan Museum of Art
Michael Brand
Pesaro
Robert Emmanuel Hecht
Roma
Thomas Hoving


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Ritratto di Carlo V a cavallo

Ritratto di Carlo V a cavallo è un dipinto di Tiziano realizzato nel 1548. È un quadro di straordinario valore storico che esercitò una grande influenza sulla pittura barocca del secolo successivo.

Prompt: How does Equestrian Portrait of Charles V explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

Quella di san Giorgio e il drago è una leggenda medievale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint George and the Dragon (Tintoretto).Please output in Italian.


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Cristo tra quattro angeli con gli strumenti della Passione

L'opera venne dipinta per la chiesa di San Pietro Martire a Udine. Pervenne al demanio in seguito alle soppressioni napoleoniche del 1808. Venne allora destinata al museo viennese dell'Hofmuseum nel 1838 e restituita allo Stato italiano nel 1919, che la affidò in deposito al museo civico udinese.

Prompt: Explain the History of this artwork, Christ between Four Angels.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

1946 - Nous continuons!.., regia di M. Bahelfer  1995 - Anna Frank Remembered, regia di Jon Blair  1995 - Children Remember the Holocaust, regia di Mark Gordon  1995 - Lost Childhood: The Story of the Birkenau Boys  1996 - My Knees Were Jumping: Remembering the Kindertransports  1997 - The Lost Children of Berlin, regia di Elizabeth McIntyre  1998 - Voices of the Children, regia di Zuzana Justman  1999 - The Children of Chabannes, regia di Lisa Gossels e Dean Wetherell  1999 - Children of the Night, cortometraggio, regia di Jolanta Dylewska  2000 -  fuga degli angeli - Storie del Kindertransport , documentario, regia di Mark Jonathan Harris  2000 - The Children Who Cheated the Nazis, regia di Sue Read  2002 - The Boys of Buchenwald, regia di Audrey Mehler  2002 - The Power of Good: Nicholas Winton, regia di Matej Mináč  2002 - Secret Lives: Hidden Children and Their Rescuers During WWII, regia di Aviva Slesin  2009 - The Kindertransport Story, regia di Lindsay Hill  2011 - Children of Terezin, regia di Gabriel Bologna  <documentario> 2011 - The Boys of Terezin, regia di Shahab John Sharify  2013 - 50 Children: The Rescue Mission of Mr. And Mrs. Kraus, regia di Steven Pressman  2014 - The Children of the Holocaust  - Documentario prodotto dalla BBC 2015 - Innocence Lost: Stories from Children of the Holocaust, regia di Alex Roberts e Andrew Sherwood  2019 - The st Survivors, episodio della serie televisiva Frontline  2020 - Determined: The Story of Holocaust Survivor Avraham Perlmutter, regia di Keren Perlmutter

Prompt: Describe the characteristics of the Documentaries in Children in the Holocaust's Inappropriate for children.Please output in Italian.


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Madonna della Scala

Madonna della Scala o Maria Santissima della Scala è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, madre di Gesù.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna of the Stairs.Please output in Italian.


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Allegoria dei piaceri

Il trittico originale doveva essere composto dalla Nave dei folli a sinistra con lAllegoria dei piaceri nella parte inferiore e la Morte di un avaro a destra. Ignota è la pala centrale, se esisteva , mentre il Venditore ambulante si doveva trovare sul retro dello sportello sinistro, tagliato nel senso della lunghezza per ricavarne due tavole. Il frammento mostra un uomo obeso a cavalcioni di una botte che naviga in una sorta di lago o stagno, circondato da persone che lo spigono o che ne stillano il liquido in un contenitore. Più sotto un uomo nuota con in testa un vasoio pieno di carne. Sulla riva si vedono i vestiti dei personaggi al bagno lasciati accatastati, mentre a destra, dentro una tenda, una coppia si abbandona a effusioni lascive, probabilmente spinte dall'ubriachezza.

Prompt: How does Allegory of Gluttony and Lust explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The influence of photography and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Giovane donna nuda allo specchio

Giovane donna nuda allo specchio è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Giovanni Bellini, databile al 1515 e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: How does Naked Young Woman in Front of a Mirror explain its Abstract?Please output in Italian.

1515
Giovanni Bellini
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: In Epifania, how is the Malta of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


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Giudizio universale

Il Giudizio universale è un soggetto tradizionale nell'iconografia dell'arte sacra cristiana e tra le opere che lo raffigurano vi sono alcuni veri e propri capolavori; presenti in Italia: Giudizio universale, affresco di Michelangelo nella Cappella Sistina  Giudizio universale di Giotto, affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova Giudizio finale e Inferno, affresco di Buonamico Buffalmacco a Pisa Giudizio universale di Franco e Filippolo de Veris a Campione d'Italia  Giudizio Universale di Luca Signorelli a Orvieto  Giudizio universale della basilica di Santa Maria Assunta a Torcello, capolavoro musivo Giudizio universale nell'abbazia di Pomposa in provincia di Ferrara Giudizio universale nell'Abbazia di Sant'Angelo in Formis presso Capua Rappresentazione di Inferno e Paradiso nella Basilica di San Petronio a Bologna Rappresentazione di Inferno e Paradiso nel Battistero di San Giovanni , capolavoro musivo. Giudizio Universale di Taddeo di Bartolo in San Gimignano. Giudizio universale del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze. Giudizio Universale attribuito a Maestro Cicogna, XIV secolo, Pieve di Sant'Andrea a Sommacampagna. Giudizio Universale nella Chiesa di Santa Maria del Casale a BrindisiTra i dipinti del Giudizio universale che si trovano al di fuori dell'Italia, vanno ricordati: Il Giudizio universale di John Martin  Il Giudizio universale, affresco di artisti armeni nella Cattedrale di Vank a Esfahan, in Iran  Il Grande Giudizio universale di Rubens alla Alte Pinakothek di Monaco di Baviera  Il Trittico del Giudizio di Vienna di Hieronymus Bosch  Il Giudizio universale di Stephan Lochner

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, The Last Judgment (Bosch, Munich).Please output in Italian.

Abbazia di Sant'Angelo in Formis
Alte Pinakothek
Basilica di San Petronio
Beato Angelico
Bologna
Brindisi
Buonamico Buffalmacco
Campione d'Italia
Cappella Sistina
Cappella degli Scrovegni
Capua
Cattedrale di Vank
Chiesa di Santa Maria del Casale
Esfahan
Firenze
Franco e Filippolo de Veris
Giotto
Giudizio universale
Giudizio finale e Inferno
Grande Giudizio universale
Hieronymus Bosch
Inferno
Iran
Luca Signorelli
Maestro Cicogna
Monaco di Baviera
Museo di San Marco
Orvieto
Padova
Paradiso
Pisa
San Gimignano
Sommacampagna
Stephan Lochner
Taddeo di Bartolo
Torcello
Trittico del Giudizio di Vienna


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Bonaparte valica le Alpi

Come parte della campagna del 1798 nelle Guerre rivoluzionarie francesi, Napoleone si preparò ad invadere ed a conquistare l'Egitto, che all'epoca era una provincia dell'Impero ottomano. Un'operazione militare di tale portata avrebbe portato numerosi benefici, tra cui l'assicurazione degli interessi commerciali francesi e l'inibizione del passaggio diretto verso l'India per gli inglesi, che quindi sarebbero stati costretti a circumnavigare l'intero continente africano. Il 1 luglio 1798, Napoleone sbarcò in Egitto. Dopo una serie di conflitti concatenati con pesanti perdite, la campagna portò ad una vittoria degli anglo-ottomani. Napoleone ricevette la notizia che le forze austriache stavano riconquistando i territori da lui liberati l'anno precedente in Italia e per questo decise di fare ritorno a Parigi.Per riottenere i territori perduti, Napoleone pianificò di lanciare un assalto a sorpresa all'esercito austriaco di stanza nella Repubblica Cisalpina. Basandosi sull'assunto che gli austriaci non si sarebbero mai aspettati che Napoleone piombasse loro col grosso del suo esercito attraverso le Alpi, egli scelse proprio quest'ultima via.Il 15 maggio 1800, Napoleone ed il suo esercito di 40.000 uomini con artiglieria da campo e treno bagagli  iniziò ad attraversare le montagne. Nei giorni di traversata, l'esercito di Napoleone consumò in tutto 22.000 bottiglie di vino, più di una tonnellata e mezza di formaggio e 800 kg di carne.Dopo la traversata delle Alpi, Napoleone iniziò le operazioni militari contro l'esercito austriaco. Malgrado l'inizio incerto della campagna, le forze austriache vennero respinte a Marengo nel giro di un mese. Qui, ebbe luogo una grande battaglia il 14 giugno di quell'anno che portò all'evacuazione dell'Italia da parte degli austriaci.

Prompt: In the context of Bonaparte Crossing the Alps, explain the Background. and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Alpi
Egitto
Guerre rivoluzionarie francesi
Impero ottomano
Repubblica Cisalpina


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: Explain the Peru about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Capodimonte, in provincia di Viterbo, la protettrice del paese, la Madonna SS delle Grazie, si festeggia dal secondo sabato dopo Pasqua per tutta la settimana seguente.  Sacra Immagine di Maria delle Grazie con il Bambino viene solennemente esposta il secondo sabato dopo Pasqua alle 3 del pomeriggio nella chiesa parrocchiale con l'apertura delle porte e lo scoppio di alcuni fuochi di artificio, il suono delle campane a festa e il canto delle Litanie lauretane.  domenica seguente l'esposizione vengono amministrate le Prime Comunioni alle bambine e ai bambini di quarta elementare. Per tutta la settimana vengono celebrate Messe dedicate alle varie realtà parrocchiali.  terza domenica dopo Pasqua in conclusione della settimana dei festeggiamenti viene officiata una messa solenne cantata dalla Schola Cantorum di Capodimonte innanzi alla Sacra immagine. Nel pomeriggio alle ore 7 l'Immagine viene portata in processione per le vie del paese adornate da splendide infiorate per poi essere riposta.

Prompt: Explain the Capodimonte about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Il pastore mercenario

Il pastore mercenario  è un dipinto dell'artista preraffaellita William Holman Hunt, del 1851. Rappresenta un pastore che trascura il suo gregge per una ragazza di campagna attraente alla quale mostra una sfinge testa di morto. Il significato dell'immagine è stato dibattuto molto. L'opera si trova alla galleria d'arte di Manchester.

Prompt: How does The Hireling Shepherd explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna dei Fusi

Il dipinto mostra la Madonna seduta su una roccia in una sciolta posizione con le gambe verso sinistra, il busto frontale e la testa voltata verso destra, dove si trova il Bambino che, pure semisdraiato lungo la diagonale, gioca sorridente con un aspo , tenendolo e fissandolo con intensità come se fosse una croce. Nonostante il tema che prefigura la Passione, Leonardo, rinnovando la tradizione iconografica, inserì nel soggetto una certa serenità, che sottintende la piena accettazione di Gesù del suo futuro sacrificio. Inediti sono i rapporti espressivi tra madre e figlio, con un gesto a metà tra la sorpresa e la protettività rappresentato dalla mano di Maria che, come in altri celebri capolavori vinciani, è proiettata in avanti con un ardito scorcio, quasi come a uscire dal dipinto. Il volume dei protagonisti  e reso grazie ai delicati trapassi di luci e ombre, tipici del morbido stile "sfumato" di Leonardo.Straordinaria è poi la fusione atmosferica tra le figure in primo piano e l'amplissimo paesaggio sullo sfondo, in cui si intravedono un fiume e una serie di picchi rocciosi in sequenza, da alcuni identificati con i Calanchi del Basso Valdarno, vicino alla zona di origine del pittore.Nella versione in collezione privata a New York, lo sfondo assomiglia alla valle dell'Adda, da Lecco a Vaprio.

Prompt: How does Madonna of the Yarnwinder explain its Description and style?Please output in Italian.


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Lo spirito dei morti veglia

Sentendosi nauseato dal decadente scalpitio della vie moderne Gauguin nel 1891 abbandonò la mondanità scatenata di Parigi e si rifugiò a Tahiti, in Polinesia, alla ricerca di luoghi dalla bellezza paradisiaca e dal primitivismo mistico ed esotico. Nel felice e fecondo primo soggiorno tahitiano il pittore ebbe una relazione sentimentale con Teha'amana, una giovane ragazza dalla «bellezza animale del primo giorno» e dagli occhi teneri e ingenui animata anche da una brillante intelligenza.L'opera raffigura proprio Teha'amana distesa prona su un letto disfatto, terrorizzata dall'oscurità che la avvolge. È nuda: la sua carnagione morbida e ambrata rifulge con una gamma di colori caldi e mediterranei, e il suo abito adamitico rinvia a gloriosi modelli dell'arte occidentale, primi fra tutti la Venere di Giorgione e, soprattutto, lOlympia di Manet. Lo stesso Gauguin aveva potuto ammirare « Belle Olympia che tanto scandalo causò negli anni passati» allExposition Universelle del 1889: mentre, tuttavia, Manet intendeva dipingere una prostituta con crudo realismo, Gauguin con Manao tupapau volle «collaudare una pratica artistica visceralmente fondata sul colore evocativo di sentimenti puri, e su un sintetismo formale frutto non più di un'estemporanea impressione della realtà, ma di una meditata, visionaria, fantastica e iperdecorativa figurazione» . Non vi è nulla di erotico in questo nudo femminile, tanto che gli attributi della sua femminilità - il pube e il seno - sono preclusi alla vista dell'osservatore, schiacciati come sono sul lenzuolo.Con questa «Olympia oceanica», poi, Gauguin intende anche documentare i culti e i costumi tahitiani in un'epoca in cui tale società era avvelenata dall'annessione alla Francia e dall'ingerenza del cattolicesimo, religione secondo il pittore improntata a una tavola di valori antivitale e antitetica allo stato di natura. Stando al giudizio di Gauguin, infatti, il cattolicesimo mediante la nozione di «peccato» avrebbe inibito la danza, la musica e gli altri impulsi primari del popolo tahitiano, nonché corrotto le sorgenti naturali della gioia e del piacere. «Teha’amana non conosce più la storia della sua gente né i suoi dèi» osserva Melania Mazzucco «solo gli spiriti malvagi, che brulicano ovunque e possono manifestarsi in ogni istante». Teha'amana, infatti, non riusciva a dormire a luci spente senza che la sua immaginazione prendesse il sopravvento. Il ventaglio di interpretazioni veicolate dal quadro, dunque, si allarga, e comprende anche le irrazionali paure sofferte dalla ragazza. Non a caso, sulla sinistra, incombe un demone minaccioso circondato da un'aureola che sprigiona tenui fasci di luce, che si irradiano riverberando sui fosforescenti fiori di anona e illuminando l'interno della stanza: è un tupapau, uno spirito dei morti.  fisionomia del tupapau ricorda gli idoli incas, giavanesi e cambogiani o, magari, gli ermetici tiki polinesiani scolpiti in legno e pietra che tanto lo avevano affascinato.Con la sua presenza intimidatoria, pertanto, il demone sembra alludere all'ineluttabilità della morte e, contemporaneamente, all'inconoscibilità del momento in cui essa giungerà, nonché al peso opprimente con cui essa incombe sulla vita umana. Quest'interpretazione è favorita dal titolo tahitiano del dipinto, Manao tupapau, il quale è volutamente ambiguo e si può tradurre sia in «Lei pensa allo spirito dei morti» che in «Lo spirito dei morti pensa a [veglia su di] lei». Di seguito riportiamo la descrizione che Gauguin fornì dell'opera in Genesi di un quadro:</ref>}}

Prompt: How does Spirit of the Dead Watching explain its Description?Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Focus on Annunciation (Antonello da Messina) and explain the Liturgical celebration.Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Totem

I popoli Anishinaabeg sono divisi in un certo numero di doodeman , o clan,  nome usato principalmente per totem animali. In Anishinaabemowin, ᐅᑌᐦ ode'<nowiki/> significa cuore. Doodem o clan si tradurrebbe letteralmente come "l'espressione di, o che ha a che fare con il proprio cuore", con doodem che si riferisce alla famiglia allargata. Nella tradizione orale degli Anishinaabeg, nella preistoria essi vivevano lungo la costa dell'Oceano Atlantico quando i grandi esseri Miigis apparvero dal mare. Questi esseri insegnarono lo stile di vita Mide ai popoli Waabanakiing. Sei dei sette grandi esseri Miigis rimasti a insegnare fondarono lododeman per i popoli dell'est. I cinque totem originali di Anishinaabeg erano Wawaazisii , Baswenaazhi , Aan'aawenh , Nooke  e Moozwaanowe .

Prompt: How does Totem (Paluzzi) explain its Clan?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Ritratto dell'imperatore Massimiliano I

Il sovrano è ritratto su sfondo verde girato di tre quarti verso sinistra, con tutto il busto fino ai gomiti e le braccia appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide con il bordo inferiore del dipinto, secondo la maniera fiamminga.  mano destra è infatti appoggiata sul bordo, come faceva Rogier van der Weyden nei suoi ritratti, mentre la sinistra regge una grossa melagrana, simbolo di coesione nelle diversità e quindi dell'Impero stesso: i chicchi del frutto erano infatti i sudditi, che si riconoscevano nella guida del sovrano: Massimiliano, prendendolo dalla simbologia della Chiesa, ne aveva fatto un suo emblema personale.L'imperatore indossa un grande mantello con ampi inserti di pelliccia, e un cappello scuro a larghe falde e con una spilla al centro, degno del suo rango. I capelli grigi cadono a caschetto compiendo alcune onde e incorniciano un volto scavato dagli anni, ma dignitoso e colto da un aristocratico distacco, senza guardare verso lo spettatore; nonostante ciò l'imperatore non è privo di umanità, anzi i segni del tempo ricordano la sua età di 59 anni. Gli occhi sono incavati, il naso aquilino molto pronunciato, la bocca leggermente dischiusa, il mento tondeggiante.In alto a sinistra si trova lo stemma Asburgo con la corona imperiale e la catena del Toson d'Oro, accanto a una lunga scritta in caratteri capitali che riassume i titoli, le qualità e le date salienti della vita dell'imperatore.

Prompt: How does Portrait of Emperor Maximilian I explain its Description and style?Please output in Italian.


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Gelosia

Si distingue una gelosia infantile , ad esempio la gelosia per il nuovo fratellino , e una gelosia adulta o "sessuale". Secondo Sigmund Freud il sentimento della gelosia non è rivolto solo alla persona che si teme di perdere, ma ad una terza persona, quella verso cui si sente rivalità.Esiste anche una gelosia che riguarda il passato sentimentale e sessuale del partner che prende il nome di gelosia retroattiva.

Prompt: In Jealousy (Munch), how is the Typical people involved of the Theories explained?Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: Explain the Hinduism about the In the arts of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Virtù e la Legge

Gregorio IX approva le DecretaliIl lato destro è occupato dalla scena di Gregorio IX che approva le Decretali. Ambientato davanti a una nicchia con cassettoni a losanga analoga a quella dell'altra scena, vi è legata da un sistema di corrispondenze: un papa contrapposto a un imperatore e il diritto canonico contrapposto a quello civile.Il maggiore spazio permise una rappresentazione più articolata, con il trono del papa che si articola plasticamente in prospettiva, scorciato secondo un punto di fuga che si trova nel centro ideale della parete, quindi a sinistra dell'affresco. Il papa benedicente, indossante il triregno e un sontuoso piviale, ha le fattezze di Giulio II, mentre il cardinale che gli regge il manto a sinistra potrebbe essere Giovanni de' Medici, futuro Leone X, con alle spalle il cardinale Bibbiena e Antonio Del Monte; il porporato di destra è invece identificabile con il cardinale Giulio de' Medici futuro papa Clemente VII, affiancato da Alessandro Farnese, futuro Paolo III barba del pontefice induce a datare l'opera a dopo il giugno 1511, quando il pontefice tornò a Roma dopo aver fatto voto di non radersela più finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri.L'opera è generalmente riferita ad aiuti, su disegno del Sanzio, forse Baldassarre Peruzzi o Guglielmo di Marcillat.

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Gregory IX approves Decretals of the History explained?Please output in Italian.


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Trittico Portinari

Il Trittico Portinari è un dipinto eseguito con la tecnica dell'olio su tavola  da Hugo van der Goes, databile al 1477-1478 e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: How does Portinari Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.

1477
1478
Firenze
Galleria degli Uffizi
Hugo van der Goes
Galleria degli Uffizi


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La Fuensanta

Il quadro, definito il "più enigmatico" del pittore, ritrae una giovane seduta di tre quarti e con la testa girata, mentre guarda negli occhi lo spettatore. In alto a sinistra è visibile una fontanella dalla quale sgorga dell'acqua, facendo intuire che la donna si sta riposando dal suo compito di riempire d'acqua la grande brocca  d'argento, sulla quale appoggia le braccia con un atteggiamento rilassato. I suoi vestiti semplici, una gonna rossa e una camicia bianca, contrastano con lo sfondo dai colori neutri e allontanano da altre opere dell'artista nelle quali le vesti dei personaggi sono più lussuose. L'illuminazione si concentra sulla parte centrale del dipinto, mettendo in risalto il volto, le braccia e il busto della modella. Viene anche illuminata la parte centrale della brocca enorme, enfatizzandone la consistenza e i dettagli. Nel cielo scuro e pieno di nuvole si apre un piccolo fascio di luce alla stessa altezza del viso della donna. Questo, insieme al suo sguardo sereno, focalizza l'attenzione dello spettatore e contrasta con la lucentezza della brocca.

Prompt: How does La Fuensanta explain its Description?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Per dare ulteriore enfasi drammatica all'opera, Hokusai disegnò l'onda nell'atto di spostarsi da sinistra a destra, in contrasto con il modo in cui i giapponesi sono abituati a leggere le immagini. Negli emakimono gli artisti ricorrevano spesso a questo stratagemma per stupire il lettore, e Hokusai ne riprese il concetto utilizzando l'onda quale elemento di sorpresa. Per un occhio occidentale, abituato a leggere le immagini da sinistra verso destra, il senso di sorpresa viene meno in quanto l'onda verrà erroneamente interpretata come soggetto principale data la sua posizione a sinistra nell'immagine.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Sense of reading of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Assedio di Asola

Tintoretto, i ritratti - Rodolfo Pallucchini - Electa, 1982Tintoretto: Le opere sacre e profane, t. 1-2 - Tintoretto, Paola Rossi, Rodolfo Pallucchini - Electa, 1990Wystawa gobelinów oraz obrazu Tintoretta "Bitwa pod Asolą" - Maria T. Michałowska-Barłóg, Piotr Michałowski - Muzeum Narodowego w Poznaniu, 2002Castelli Guerre Assedi - Mariano Vignoli - Publi Paolini Editore, Asola 2008

Prompt: Focus on The Siege of Asola and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Primavera

Il termine viene dal latino «vēr», riconducibile al termine sanscrito «vas», cioè «splendere».

Prompt: How does Spring (painting) explain its Etymology?Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Il Ritratto dei coniugi Arnolfini è un dipinto a olio su tavola  del pittore fiammingo Jan van Eyck, realizzato nel 1434 e conservato nella National Gallery di Londra.Considerato tra i capolavori dell'artista, è anche una delle opere più significative della pittura fiamminga; nella sua aura complessa ed enigmatica, ha acquistato una fama misteriosa, che i numerosi studi e le domande ancora irrisolte hanno alimentato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Arnolfini Portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the The self-portrait of the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna dell'Umiltà

Chiara Frugoni,  voce delle immagini, Einaudi, Milano 2010. ISBN 978-88-06-19187-0

Prompt: How does Madonna of Humility (Fra Angelico) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Lucrezia (Artemisia Gentileschi Los Angeles)

Lucrezia è un dipinto realizzato nel 1627 da Artemisia Gentileschi, attualmente conservato al Getty Museum di Los Angeles: la versione conservata negli Stati Uniti è soltanto una delle tre tele riprodotte dall'artista con lo stesso soggetto, ossia Lucrezia, moglie di Lucio Tarquinio Collatino, colta nell'atto di uccidersi. Le altre due versioni sono conservate una al Neues Palais di Potsdam e l'altra in una collezione privata a Milano, mentre un'opera conservata al Museo nazionale di Capodimonte di Napoli, precedentemente ritenuta di Gentileschi, è ora attribuita a Massimo Stanzione.

Prompt: Focus on Lucretia (Artemisia Gentileschi, Los Angeles) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Getty Museum
Los Angeles
Lucio Tarquinio Collatino
Massimo Stanzione
Milano
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Neues Palais
Potsdam


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Ritratto di Massimiliano II Stampa

Il Ritratto di Massimiliano II Stampa è un dipinto a olio su tela  di Sofonisba Anguissola, risalente al 1558 circa e conservato nel Walters Art Museum di Baltimora, negli Stati Uniti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Massimiliano II Stampa.Please output in Italian.

1558
Baltimora
Massimiliano II Stampa
Sofonisba Anguissola
Walters Art Museum


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The influence of photography of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The influence of photography and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il genio del male

Il Genio del Male si trova posizionato all'interno di una nicchia alla base di due scale ornate da motivi decorativi di gusto gotico, le cui balaustre, nel loro incurvarsi, sembrano assecondare la curvatura delle ali e la sezione trasversale dell'uomo. Le versioni di Guillaume  e Joseph non discostano molto tra loro, al contrario risultano sorprendentemente simili, anche perché ispirate dallo stesso modello umano. In ambedue i casi, l'angelo caduto siede su di una roccia con le ali ripiegate; il torso, le braccia e le gambe sono scoperti, mentre i capelli scendono fino alla nuca. Le ali membranose ricordano quelle di un pipistrello e sono dotate di artigli prominenti ; l'olecrano nodoso rappresenta il punto di unione tra l'anatomia del pipistrello e quella umana, con l'intento di dare maggiore realismo. In entrambe le versioni, sebbene in posizioni leggermente diverse, Lucifero tiene in mano una corona ed uno scettro spezzato, .  scultura occupa pressoché interamente la nicchia nella quale è posizionata, anche se il Genio del Guillaume risulta avere dimensioni leggermente inferiori rispetto a quelle del Joseph .

Prompt: In Le génie du mal, how is the Version comparison discussed?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Stanza della Segnatura Stanze di Raffaello Monete euro italiane

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Disputation of the Holy Sacrament.Please output in Italian.

Monete euro italiane
Stanza della Segnatura
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Battaglia di Alessandro e Dario a Isso

Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola  di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Battle of Alexander at Issus.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Le carriere di entrambi gli ufficiali progredirono considerevolmente dopo quel periodo. Nel caso di Sherman, ciò fu almeno in parte dovuto al fatto che sviluppò stretti legami personali con Grant durante i due anni in cui prestarono servizio insieme nel Teatro Occidentale.Nel corso della lunga e complicata campagna di Vicksburg un giornale si lamentò del fatto che "l'Union Army si stava rovinando nelle spedizioni da tartarughe del fango sotto la guida di un ubriacone [Grant] il cui consigliere segreto [Sherman] era invece un pazzo". I risultati militari conseguiti nel biennio 1862-63 rimasero alquanto altalenanti. Nel dicembre 1862 le forze sotto il suo comando subirono una severa sconfitta nella battaglia di Chickasaw Bluffs, appena a nord di VicksburgStemma del XV Corpo.Poco dopo fu ordinato al suo XV Corpo di unirsi a John Alexander McClernand nel suo riuscito assalto nella battaglia di Fort Hindman, generalmente considerato come un'operazione motivata da ragioni politiche, che distrasse preziose risorse dallo sforzo congiunto di conquistare l'importante snodo urbano del Mississippi.Nella primavera del 1863, nell'assedio di Vicksburg, Sherman espresse serie perplessità nei riguardi della saggezza della strategia militare poco ortodossa approntata di Grant; ma nonostante ciò continuò ad operare al meglio in quella campagna, sotto la diretta supervisione del proprio superiore.Lo storico John D. Winters in The Civil War in Louisiana  lo descrive nella maniera seguente:, p. 176</ref>.}}

Prompt: Explain the Vicksburg campaign about the Service  civil  war of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
John Alexander McClernand
John D. Winters


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Arca di san Tiziano

San Tiziano, vescovo di Brescia tra il 526 e il 540, era inizialmente sepolto nella primitiva chiesa dei Santi Cosma e Damiano che sorgeva, almeno fino alla fine del XIII secolo, davanti al Broletto. Nel 1298, per volere di Berardo Maggi e nell'ambito dei lavori di ampliamento del palazzo pubblico, la chiesa e il monastero femminile annesso vengono demoliti per creare uno spazio urbano a ovest del Broletto, ancora oggi costituente l'estremità nord di piazza del Duomo. Il sepolcro viene successivamente interessato da ancora qualche intervento, dato che sul retro della cimasa è inscritta la data "MDXXIX" . Tuttavia, l'entità di questi lavori è dubbia.

Prompt: How does Ark of San Tiziano explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Donna con collana di perle

In una stanza illuminata da una finestra sulla sinistra, una giovane donna si sta guardando a uno specchio appeso sullo stesso lato, mentre si allaccia al collo una collana di perle, tramite due nastri. Scene simili sono abbastanza frequenti nella pittura olandese del periodo: un esempio è la Giovane donna davanti allo specchio di Frans van Mieris il Vecchio nello stesso museo. ragazza ha orecchini pure di perla e indossa una casacca gialla bordata di ermellino, la stessa che compare anche in altre opere dell'artista, come la Suonatrice di liuto o la Donna che scrive una lettera, e che dovette appartenere alla moglie dell'artista, Catharina, la fece probabilmente da modella stessa. Il tessuto è reso vibrante e lucido dalla stesura del colore in macchie sapientemente accostante per esaltare i contrasti legati alla rifrazione luminosa. In testa della donna un nastro rosso le raccoglie i capelli e crea una vivace macchia di colore in un contesto dominato dalle sfumature di bianco, giallo e marrone. Una tenda gialla riprende il colore dell'abito della donna ed è scostata per far entrare la luce e rivelare la presenza di una vetrata alla finestra . Il suo elegante profilo, leggermente sorridente, esprime una certa soddisfazione della sua agiata vita di benestante, ben diverso dai volti severi e affilati delle lattaie e delle domestiche presenti in altre opere del pittore. Ciò denota l'attenzione del pittore verso gli aspetti psicologici più raffinati.Altrettanto curata è l'ambientazione e la descrizione degli oggetti domestici appoggiati sul tavolo: un piumino da cipria, un catino, un cartoncino, un grande vaso alla cinese con coperchio. Due sedie ricoperte di tappezzeria spuntano da dietro il tavolo e, con un'angolazione ardita, in primo piano a sinistra. Un pesante drappo scuro copre metà del tavolo, creando una macchia scura che fa risaltare, per contrasto, la metà alta e destra del dipinto, illuminata dalla luce rarefatta. Analisi radiografiche hanno dimostrato l'esistenza di maggiori particolari , eliminati poi dal pittore: forse allusioni alla vita terrena e all'amore sensuale eliminati per esigenze iconografiche o, più semplicemente, per alleggerire la composizione.Studi hanno cercato di cogliere un significato simbolico o allegorico più profondo nella scena, ipotizzando ad esempio una rappresentazione della Vanitas , sebbene l'intonazione della scena sembrerebbe escludere qualsiasi volontà di condanna, o al contrario leggendo nella donna e nelle sue perle un simbolo di purezza.

Prompt: How does Woman with a Pearl Necklace explain its Description and style?Please output in Italian.

Donna che scrive una lettera
Frans van Mieris il Vecchio