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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Rembrandt's self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto con l'orecchio bendato

Alla fine del 1888 la convivenza di Van Gogh e Gauguin finì in tragedia. Dopo un progressivo e inesorabile deterioramento dei rapporti con l'amico il 23 dicembre 1888 Vincent si amputò il lobo dell'orecchio sinistro con un rasoio. Lo consegnò poi, secondo la versione più comunemente accettata, ad una prostituta di nome Rachel o, secondo una recente altra ipotesi, a una cameriera diciannovenne il cui nome era Gabrielle. Dopo due settimane di degenza in ospedale, van Gogh si ritrasse numerose volte con l'orecchio fasciato. Questo Autoritratto con l'orecchio bendato, inizialmente posseduto da van Gogh, pervenne in circostanze non chiare a Julien père Tanguy, titolare di un negozietto di colori a Parigi che accettava in forma di pagamento i quadri offertigli dal pittore, quando ancora nessun mercante d'arte gli dava credito. Dopo esser stato esposto in due mostre d'arte tenutesi a Parigi nel 1901 e nel 1905 l'autoritratto fu acquistato nel 1928.NellAutoritratto con l'orecchio bendato predominano i colori freddi, che danno una nota ancor più malinconica al dipinto, accentuata dall'utilizzo di pennellate accidentate, che indugiano su ogni osso. Il volto dell'artista è invero smunto e ossuto, con la carnagione definita da un giallo cereo, ed il suo sguardo abbattuto e perso nel vuoto sembra quasi affondare in mondi immaginari dove egli può eludere dall'etichetta di «folle» che la società gli ha imposto. Il cappotto abbottonato e il cappello, indossati anche in casa, sembrano alludere all'assenza di un impianto di riscaldamento, che forse, per le condizioni economiche sempre precarie, l'artista non poteva permettersi: ma non va tuttavia dimenticato anche il significato più profondo di riparo da un mondo ormai ritenuto nemico dall'artista.Sulla parete verde alle sue spalle si notano un cavalletto recante una tela appena abbozzata ed una stampa giapponese : questa stampa, nonostante i suoi gioiosi colori e l'equilibrio cromatico con la vistosa fascia bianca applicata sulla ferita di Vincent , non riesce tuttavia a trasmettere la stessa gioia e l'armonia che straripavano nell'analogo Ritratto di père Tanguy, di un anno e mezzo prima e simile nella composizione. Questo ritratto conferma che l'esperienza con Gauguin era stata veramente estrema per Van Gogh, che trascorrerà il suo ultimo anno e mezzo di vita in una solitudine in parte volontaria, in parte forzata.

Prompt: In Self-Portrait with Bandaged Ear, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Lupa capitolina

Sistemata al centro della sala che oggi porta il suo nome, in vista della ristrutturazione michelangiolesca dove Aldrovandi la ricorda nel XVI secolo, la lupa con la sua straordinaria forza evocativa, rappresenta il simbolo della città.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the Placement and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Primavera

upright=1.3Le posizioni del Sole e della Nell'emisfero boreale la stagione ha inizio attorno al 20 marzo, in coincidenza dell'equinozio. Il termine indicativo è invece fissato al 21 giugno, prima che si verifichi il solstizio estivo. In senso meteorologico la stagione va dal 1º marzo al 31 maggio nella metà superiore del globo, e dal 1º settembre al 30 novembre nell'altro emisfero.

Prompt: How does Primavera (Botticelli) explain its Duration?Please output in Italian.

1º marzo
1º settembre
20 marzo
21 giugno
30 novembre
31 maggio
Sole


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Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro

Il Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro, terzo duca di Urbino, è un dipinto a olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile al 1506 e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: How does Portrait of Guidobaldo da Montefeltro explain its Abstract?Please output in Italian.

1506
Firenze
Galleria degli Uffizi
Guidobaldo da Montefeltro
Raffaello Sanzio


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Genio della Vittoria

L'assegnazione al progetto della tomba e la datazione si basa su elementi stilistici che legano l'opera ai Prigioni, come la torsione del corpo e l'anatomia vigorosa, le misure compatibili. Inoltre sulla testa ha una corona di foglie di quercia che alluderebbe allo stemma Della Rovere. scultura non rappresenta un momento di lotta, essendo un'allegoria, ma rappresenta lo stato del vincitore, che domina lo sconfitto tenendolo sottomesso con agilità, con una gamba che blocca il corpo del sottomesso, ripiegato e incatenato. Il giovane che rappresenta il genio è bello ed elegante, mentre il dominato è vecchio e barbuto, con un fisico flaccido e un'espressione rassegnata. Anche le superfici sono trattate in maniera diversa per esaltare espressivamente il contrasto tra le due figure: il giovane levigato alla perfezione, il vecchio ruvido e incompleto, per lasciare il ricordo della pesante pietra di cui è fatto.Secondo alcuni studiosi, il Genio avrebbe le fattezze di Tommaso de' Cavalieri, giovane nobile romano conosciuto da Michelangelo a Roma nel 1532, del quale il Buonarroti si sarebbe invaghito e a cui dedicò molte rime amorose; il vecchio, invece, succube del Genio, alluderebbe allo stesso Michelangelo, vinto dalle armi della bellezza di Tommaso.

Prompt: In The Genius of Victory, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1532
Della Rovere
Prigioni
Roma
Tommaso de' Cavalieri


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

L'opera è uno dei più antichi esempi conosciuti di pittura che ha come soggetto un ritratto privato, di personaggi viventi, anziché le consuete scene religiose.Mostra la coppia in piedi, riccamente abbigliata, che si trova dentro la stanza da letto, mentre l'uomo, Giovanni Arnolfini, fa un gesto verso lo spettatore che può essere interpretato in vari modi, dalla benedizione, al saluto, al giuramento .  moglie gli offre la sua mano destra, mentre appoggia la sinistra sul proprio ventre, con un gesto che ha fatto pensare a un'allusione a una gravidanza futura o prossima.  posa dei personaggi appare piuttosto cerimoniosa, praticamente ieratica; questi atteggiamenti sono probabilmente dovuti al fatto che si sta rappresentando la celebrazione di un matrimonio o la commemorazione di una defunta, dove tale serietà è del tutto appropriata. stanza è rappresentata con estrema precisione ed è popolata da una grande varietà di oggetti, tutti raffigurati con un'attenzione estrema al dettaglio. Tra questi oggetti spicca, al centro, uno specchio convesso, dettaglio giustamente celebre ed enigmatico, dove il pittore dipinse la coppia di spalle e il rovescio della stanza, dove si vede una porta aperta con due personaggi in piedi, uno dei quali potrebbe essere il pittore stesso.Ancora oggi gli storici dell'arte discutono sul significato e lo scopo dell'opera: la tesi proposta da Erwin Panofsky nel 1934 è che si tratti della rappresentazione del matrimonio della coppia e di un'allegoria della maternità, a cui alluderebbero i numerosi simboli sparsi nella stanza. Varie altre interpretazioni hanno, tuttavia, permesso di elaborare punti di vista differenti, che hanno messo in dubbio la tesi stessa di Panofsky. soluzione che appare più probabile è che si tratti del giuramento tra gli sposi prima di presentarsi al sacerdote. Tale rituale avveniva tramite una promessa di matrimonio a mani congiunte, che aveva valore giuridico e richiedeva la presenza di due testimoni: per questo, più che al matrimonio in sé, il dipinto alluderebbe al momento del fidanzamento. In questo senso il quadro, con la sua esattezza fotografica, rappresenterebbe proprio il documento ufficiale dell'avvenuto giuramento, come sembra suggerire anche la particolare firma dell'artista , più simile, nella forma e nella disposizione, a una testimonianza notarile, piuttosto che a una certificazione autografica dell'opera . Può anche darsi che van Eyck volesse indicare come il ritratto venne preso dal vero, in sua presenza: è possibile che avesse eseguito uno schizzo dei protagonisti in una o più sessioni di posa e poi avesse realizzato il dipinto nei mesi successivi.Altra ipotesi suggestiva è che si tratti di un omaggio del mercante Arnolfini alla prima moglie, ricordando attraverso il dipinto il momento della loro promessa di matrimonio; forse la mano sul grembo testimonia l'attesa di un erede che Costanza Trenta stava per dargli o che non giunse a causa della morte di lei.Si è parlato anche di un possibile esorcismo o cerimonia per recuperare la fertilità, poiché Arnolfini e la sua  moglie non ebbero figli. In tal caso si tratterebbe non della moglie defunta ma della seconda, Giovanna Cenami. Questo tipo di cerimonie per recuperare la fertilità era abituale all'epoca. Infatti dietro le mani unite dei protagonisti vi è una gargolla sorridente che potrebbe simbolizzare il male incombente sul matrimonio, come punizione del fatto che Giovanni Arnolfini poteva essere stato un donnaiolo e un adultero.

Prompt: In Arnolfini Portrait, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Filippine, l'Epifania è conosciuta come "Giornata dei Tre Re" e anche come Pasko ng Matatanda . Segna la chiusura ufficiale del periodo natalizio e, come giorno di festa, i filippini lo festeggiano con lo scambio di regali e il saluto di "Buona [festa dei] Tre Re!".

Prompt: Describe the characteristics of the Philippines in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.


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Trinità adorata dalla famiglia Gonzaga

Ugo Bazzotti,  Pala della Trinità di Rubens. Vicende di un risarcimento virtuale, in AA. VV., Ricostruendo Rubens.  famiglia Gonzaga in adorazione della Trinità, Mantova, 2017, pp. 101-111, con bibliografia precedente. Animazione di Guido Bazzotti al link:

Prompt: Focus on The Gonzaga Family in Adoration of the Holy Trinity and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Polittico del 1476

Pietro Zampetti, Carlo Crivelli, Nardini Editore, Firenze 1986.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, 1476 Altarpiece.Please output in Italian.


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Musica

Nell'antica Grecia Pitagora intuì la stretta relazione tra musica e matematica, per la relazione intercorrente tra rapporti frazionari e suono.Platone affermò che, come la ginnastica serviva ad irrobustire il corpo, la musica doveva arricchire l'animo. Attribuiva alla musica una funzione educativa, come la matematica. Secondo lui bisognava saper scegliere fra tanto e poco, fra più o meno, fra bene o male, per arrivare all'obiettivo finale.

Prompt: Describe the characteristics of the Music antiquity in Music (Matisse)'s The studio.Please output in Italian.


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Ritratto di Folco Portinari

AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003. F. Veratelli, «Folco et les autres. Documents inédits sur une génération oubliée de Portinari dans les Flandres», Revue de l’Art, n. 177  3, ISSN 0035-1326, pp. 9-23.

Prompt: How does Portrait of Folco Portinari explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Battaglia di Isso

Plutarco, Vita di Alessandro Magno in Vite parallele Diodoro Siculo, Bibliotheca historica XVII Arriano, Anabasi di Alessandro Quinto Curzio Rufo, Historiae Alexandri Magni  Callistene, Gesta di Alessandro

Prompt: In the context of Alexander Mosaic, explain the Primary sources and the Thebattle.Please output in Italian.

Alessandro Magno
Arriano
Bibliotheca historica
Callistene
Quinto Curzio Rufo
Diodoro Siculo
Quinto Curzio Rufo
Plutarco
Quinto Curzio Rufo


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Dama con ventaglio

Iniziata nell'autunno del 1917 e ancora incompiuta il 6 febbraio 1918 giorno della morte dell'artista, l'opera ingloba tutta la filosofia klimtiana nel suo assoluto culto della bellezza.Nel dipinto si possono riscontrare delle somiglianze con Wally del 1916, in cui la spalla sinistra è scoperta mentre la destra no. Anche nell'opera intitolata Amiche, del 1916-1917, sono presenti lo sfondo orientale e l'uccello in alto a sinistra. Klimt si ispirò principalmente a motivi cinesi con l'uso della fenice e fiori di loto, a riprova del lungo studio sull'Estremo Oriente che l'artista portò avanti per tutta la vita. L'appiattimento dello sfondo e la giustapposizione di motivi riflettevano il suo interesse per le xilografie giapponesi.Decorazioni fitte e delicate svolazzano intorno ad una donna sensuale e raffinata avvolta tra tessuti pregiati ed un grande ventaglio. Fiera ma gentile guarda l'osservatore invitandolo a perdersi nello splendore delle figure che la circondano.  probabile incompletezza dell'opera la rende vibrante, umana, ed infinita nella sua fragilità mentre l'anonimato sulla persona della modella dà un tocco di mistero, essendo cosa rara nel panorama operativo di Klimt.left Dama col ventaglio è l'ultima opera del pittore in cui, tra i colori sgargianti e le linee sinuose dell'immagine, lo stile unico dell'artista è chiaramente fuso tra la scuola secessionista viennese ed i diversi stili da lui sviluppati nel tempo.Nel giugno 2023 è stato venduto all'asta da Sotheby's a Londra per 85,3 milioni di sterline , il prezzo più alto mai raggiunto in Europa per un'opera d'arte.

Prompt: In Lady with a Fan (Klimt), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Busto di Francesco Barberini

Il busto di Francesco Barberini è una scultura in marmo realizzata da Gian Lorenzo Bernini, conservata nella National Gallery of Art di Washington D.C.. L'opera è stata realizzata nel 1623 ed è stata commissionata da Papa Urbano VIII, nipote di Francesco Barberini, protonotario apostolico. Quest'ultimo morì nel 1600, pertanto Bernini scolpì il busto da un ritratto di Caravaggio del Barberini, dipinto in precedenza e attualmente parte della collezione Corsini a Firenze. Bernini si attenne strettamente al ritratto, sebbene nel dipinto la figura fosse di tre quarti, mentre la scultura è un busto di testa, spalle e busto.

Prompt: In Bust of Francesco Barberini, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Barberini
Firenze
Gian Lorenzo Bernini
National Gallery of Art
Papa Urbano VIII
Washington


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

Prompt: How does St John the Evangelist at Patmos explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Altare Monforte

In un edificio diroccato Maria, di un pallore regale, porge il proprio figlio all'adorazione di tre re appena pervenuti. Uno, dallo sfolgorante manto rosso, le sta inginocchiato davanti, dopo aver appoggiato su una roccia in terra la sua corona bordata di pelliccia e un prezioso recipiente colmo di monete d'oro, che Giuseppe, dietro Maria, sembra indicare incredulo. Poco dietro sono arrivati gli altri due re, quello di mezza età, già inginocchiato, e quello giovane e di colore, in piedi. Il primo indossa la corona sopra un berretto di velluto rosso, ha una cappa foderata di pelliccia da cui sporge l'elsa della spada e una bisaccia decorata da perle con due margheritine preziose; è colto mentre porta la mano al petto mentre l'altra sta afferrando il dono, una coppa con la mirra, che un servitore gli porge. L'ultimo dei re regge il suo dono nel palmo, indossa ancora gli speroni ed è vestito altrettanto sontuosamente, con al seguito tre servitori. In secondo piano si affacciano dei pastori, tra i quali quello con la barba e il cappello di pelliccia con la piuma è forse un autoritratto dell'artista. Tutti gli sguardi, con profonda deferenza, convergono verso il piccolo Gesù, che però guarda verso lo spettatore. Il piano del calpestio, dove l'artista dipinse alcuni dettagli simboli , appare come inclinato verso lo spettatore, dando l'effetto che le figure stiano per cadergli addosso. Si tratta della tipica impostazione spaziale "a grandangolo" dei primitivi fiamminghi, prima che essi venissero a conoscenza della prospettiva lineare italiana. Tra gli altri straordinari dettagli, sparsi per la tavola, ci sono gli iris, a sinistra, lo scoiattolo, al centro in alto, la piccola natura morta della scodella, la pentola, il cucchiaio di legno e il pane nella nicchia della parete. A sinistra si apre un paesaggio luminoso dove si vede il corteo dei magi, in tonalità più chiare e luminose secondo un'intuitiva prospettiva aerea. Vi si vedono alcuni edifici e un laghetto dove alcuni palafrenieri fanno riposare i cavalli. Un altro brano di paesaggio si trova al centro, dove due pastori indicano qualcosa a una donna anziana con un bambino piccolo, forse un riferimento a sant'Elisabetta che porta il piccolo Giovanni Battista in visita a Gesù. In alto pendono due gonfi drappi rosa e giallo: si tratta di quello che resta degli angeli che dovevano volare in alto nei pressi della stella cometa, secondo uno schema analogo a quello, ad esempio, dellAdorazione dei Magi di Jan Gossaert. Nel Museo Baroffio e del Santuario del Sacro Monte sopra Varese esiste una copia d'epoca  che mostra l'originale nella sua interezza.L'opera mostra l'estrema maestria dell'artista nel concertare uno straordinatrio spaccato in cui l'estremo realismo è fuso con i dettagli più esotici e sfarzosi dei Magi e del loro corteo. Altissima è la qualità dei dettagli "difficili", come la resa dei materiali  oppure l'espressività di volti e mani, caricati di forte intensità come nelle migliori opere dell'artista.

Prompt: How does Monforte Altarpiece explain its Description and style?Please output in Italian.


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: In Epifania, how is the Sweden of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Veronese, Uffizi).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Campbell's Soup Cans

sinistraIrving Blum fu il primo collezionista d'arte a esibire i barattoli di zuppa di Warhol. Blum vide dozzine di serigrafie di zuppa Campbell, fra cui una intitolata One-Hundred Soup Cans e composta da cento barattoli. Nonostante la scarsa affluenza del pubblico, il più delle volte perplesso di fronte alle tele di Warhol, e nonostante lo sforzo di John Coplans di incoraggiare le persone a sostenere l'opera d'arte di Warhol in un articolo su Artforum, la mostra venne pesantemente criticata per la scelta di proporre dei soggetti fabbricati. Warhol decise quindi di vendere il set per dieci rate mensili di 100 dollari a Blum. Mentre questa mostra era ancora presente a Los Angeles, ne venne cancellata un'altra in programma a New York dedicata sempre dedicata all'artista americano. Successivamente, Warhol realizzò svariate opere raffiguranti lattine di zuppa Campbell seguendo l'esempio di Campbell's Soup Cans. Sebbene fosse solito ritrarre delle scatolette in condizioni perfette, ha occasionalmente scelto di dipingerne alcune aperte, rovinate o con le etichette logore. Altre erano affiancate da oggetti di sorta, quali scodelle e apriscatole.Irving Blum rese disponibili al pubblico le trentadue tele originali attraverso un accordo con la National Gallery of Art di Washington, DC, mettendole in prestito a tempo indeterminato due giorni prima della morte di Warhol avvenuta nel 1987. Tuttavia, l'originale Campbell's Soup Cans fa ora parte della collezione permanente del Museum of Modern Art. Dal momento che Warhol non ha dato alcuna indicazione su quale fosse l'ordine definitivo della serie, la sequenza scelta dai curatori del museo riflette l'ordine cronologico in cui le varietà sono state messe in commercio dalla Campbell Soup Company; la prima, quella posta in alto a sinistra, presenta la scritta Tomato e debuttò nel 1897. Nel mese di aprile del 2011 si spostò la lattina Clam Chowder in alto a sinistra mentre venne spostata Tomato sul fondo delle quattro file.

Prompt: In Campbell's Soup Cans, how is the Inauguration and appropriation of the work by the MoMA of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Campbell's
Los Angeles
Museum of Modern Art
National Gallery of Art
New York


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La lampada del diavolo

Il personaggio raffigurato nel dipinto è Don Claudio, la cui vita - come abbiamo già detto - dipende dal continuo bruciare della fiammella, sorretta dal diavolo. Il sacerdote, lacerato dal terrore e dalla follia e ammantato in un abito nero, azzarda un passo e si appresta a versare l'olio nella lampada del diavolo, così da evitare che si spenga.  lucerna è sorretta dal demonio che, in un inchino riverente ed animalesco, non aspetta altro che trascinare don Claudio negli abissi infernali. lampada del diavolo è un'opera permeata da una profonda sensazione di inquietudine, accresciuta dal perpetuo pulsare della fiammella, dallo sguardo atterrito ed alienato di Don Claudio e dalla macabra danza dei cavalli sullo sfondo che, ergendosi sulle zampe posteriori, vogliono probabilmente alludere all'ignoranza e alla zotichezza umana. In primo piano, infine, è appena accennato il frammento di un libro che, disponendosi obliquamente rispetto alla scena , ne accresce il ritmo nevrotizzante. Vi troviamo vergate le parole «LAM / DESCO», ovvero le prime lettere di lampara descomunal [lucerna mostruosa], in riferimento alla formula pronunciata da don Claudio mentre alimenta la lampada del diavolo.

Prompt: How does The Bewitched Man explain its Description?Please output in Italian.


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Cartone di sant'Anna

Il Cartone di sant'Anna  è un disegno a gessetto nero, biacca e sfumino su carta  di Leonardo da Vinci, databile al 1501-1505 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Virgin and Child with Saint Anne and Saint John the Baptist.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Sacra Parentela

Prompt: How does The Holy Kinship (Geertgen tot Sint Jans) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Fauno Rondanini

sinistraIl restauro e il completamento del busto sono stati attribuiti al Duquesnoy dal suo biografo, Giovanni Pietro Bellori e da uno dei suoi allievi, Orfeo Boselli. L'ampio movimento del fauno è un chiaro simbolo dell'influenza barocca sul Duquesnoy, il quale, seppure estimatore della maniera greca, ha permesso all'arte barocca di permeare il gusto della statua.L'artista ha certamente aggiunto gli arti e la testa, mentre antichi sono il torso con la coda da fauno. Le braccia sono ciò che permette alla scultura di avere un così ampio movimento. L'opera, commissionata da Alessandro Rondanini, prende il nome da quest'ultimo e dal Palazzo Rondanini di Roma, che un tempo la ospitava.

Prompt: How does Rondanini Faun explain its History and description?Please output in Italian.

Giovanni Pietro Bellori
Orfeo Boselli
Roma


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Festino degli dei

Dell'opera belliniana, oltre alla firma e la data, si conosce anche il documento di pagamento a saldo di 85 ducati che il cancelliere ducale degli Este versò al pittore il 14 novembre 1514. Nonostante ciò gli studiosi hanno preso diverse posizioni circa la data di inizio dell'opera: Wind , ad esempio, sostenne che forse il dipinto poteva essere stato cominciato qualche anno prima per Isabella d'Este, prendendo le notizie date dal Bembo alla marchesa nel 1505 come indicative dell'inizio di una collaborazione, poi sospesa per ignote ragioni. A favore di questa tesi si pronunciarono anche Pallucchini , Arslan, Pignatti e Bottari, che accolsero alcune notazioni stilistiche già rilevate da Vasari , riferibili agli anni immediatamente precedenti, dopo il 1505-1506: quest'ultimo biennio rappresenta l'ipotesi più precoce riguardo alla genesi dell'opera, sostenuta da Bonicatti, che pure non prese opinione circa l'ipotesi legata alla committenza di Isabella.Ipotesi più recenti, sebbene riscontrino le differenze stilistiche tra alcuni panneggi e il primo piano sassoso rispetto alle altre forme d'impasto corposo e caratterizzate da una stesura tonalista del colore, tendono a scartare la possibilità di una sospensione di qualche anno tra l'avvio e la conclusione dell'opera, anche perché lo stesso soggetto pare legato alle nuove tematiche pastorali e profane del giorgionismo, non compatibili con una datazione troppo precoce.

Prompt: Explain the Disagreements on the start of the work about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Feast of the Gods.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Romolo e Remo

formazione di un'articolata “leggenda” riguardo alla fondazione di Roma conobbe un decisivo impulso in età augustea. Le ragioni di questo sviluppo sono abbastanza chiare: Roma era ormai diventata il centro politico, economico e culturale di tutto il Mediterraneo e Augusto, nella sua vasta opera di riorganizzazione della compagine statale romana, mirava ovviamente a nobilitarne il passato e a dare così ragioni “culturali” del suo dominio sul mondo. Frutto di questa politica propagandistica e culturale furono in particolare tre opere, ossia l'Eneide di Virgilio , gli Annali  di Tito Livio, e le Antichità romane di Dionisio di Alicarnasso. Questi tre autori concorsero a fornire un resoconto dettagliato e particolareggiato sulla fondazione di Roma, risalendo a tempi molto antichi  e presentando una successione continua e omogenea di fatti per loro “storici” e attestati.

Prompt: Explain the The  literary  and  antiquarian  tradition about the The  legend  in  the  ancient  sources of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In Last Supper (Rubens), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Statua di Carlo Barberini

statua di Carlo Barberini è una scultura, alta 210 centimetri, raffigurante Carlo Barberini, fratello del Papa Urbano VIII, e conservato al Palazzo dei Conservatori a Roma. L'opera fu realizzata in seguito alla morte di Carlo Barberini, avvenuta nel 1630. Nella statua è stato reimpiegato il tronco loricato di un'antica statua romana di Giulio Cesare. I Conservatori commissionarono l'opera ai due maggiori scultori dell'epoca, Gian Lorenzo Bernini e Alessandro Algardi, i quali lavorarono sul torso preesistente; Bernini si dedicò alla testa, mentre Algardi agli arti.

Prompt: How does Statue of Carlo Barberini explain its Abstract?Please output in Italian.

Alessandro Algardi
Carlo Barberini
Gian Lorenzo Bernini
Palazzo dei Conservatori
Papa Urbano VIII
Roma


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Bandiera bianca

Durante una gara di Formula 1, l'esposizione della bandiera bianca indica che c'è un veicolo lento sul tracciato come ad esempio un'auto che si sta ritirando o un mezzo di servizio o di soccorso. Invece nelle series americane, come Nascar e IndyCar, indica l'inizio dell'ultimo giro. I talebani utilizzarono nel 1996 una bandiera bianca come la bandiera nazionale dell'Afghanistan. Il 27 ottobre 1997 è stata aggiunta alla shahada in nero. Nelle scuole austriache la bandiera bianca viene issata quando gli studenti superano l'esame di maturità.  bandiera bianca sventolava dal palazzo ufficiale di Parigi dallAncien Régime fino al 31 luglio 1830, e rappresentava un simbolo borbonico.Bandiera bianca è anche una famosa canzone di Franco Battiato contenuta nell'album  voce del padrone.

Prompt: In White Flag (painting), how is the Other meanings discussed?Please output in Italian.

1830
Ancien Régime
Bandiera
Formula 1
Franco Battiato
Parigi


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In the context of The Last Supper (Leonardo), explain the One God will betray you and the New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Aerostato

Il primo impiego militare degli aerostati avvenne nella Battaglia di Fleurus nel 1794, quando le truppe rivoluzionarie francesi li usarono per osservare dall'alto i movimento del nemico.Un impiego simile avvenne durante la Guerra di secessione americana 1861-1865: il caso più noto riguarda Thaddeus Lowe, che guidò le truppe trasportate da pallone  nei primi tre anni di guerra. Tali truppe conferirono un notevole vantaggio e inaugurarono la possibilità di colpire il nemico anche senza che questo fosse visibile da terra.<br />Tale impiego venne ripreso durante la prima guerra mondiale per individuare i movimento del nemico e per inviare all'artiglieria  le coordinate su cui fare fuoco.D'altro canto, proprio durante tale guerra, i palloni divennero un obbiettivo primario dell'artiglieria nemica e, benché venissero attentamente protetti da postazioni antiaeree e da aerei da ricognizione "amici", il loro abbattimento era piuttosto frequente, proprio per la scarsa mobilità di tali mezzi.In quel periodo, negli Stati Uniti venne istituito il "tesserino aeronautico", che distingueva i militari in grado di pilotare tali nuovi mezzi. I "palloni da osservazione", come venivano chiamati, restarono in uso anche dopo la Grande Guerra, venendo utilizzati anche nei conflitti Russo-Finnici .Il Giappone utilizzò migliaia di bombe frenate da palloni, sganciandole sugli Stati Uniti e sul Canada; tra il 1942 e il 1944 anche l'esercito britannico li utilizzò per rilasciare bombe incendiare sulla Germania .

Prompt: In the context of Balloon (Merse), explain the Military employment and the Use aerostats.Please output in Italian.


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Allegoria del Vizio

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772 Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006

Prompt: In Allegory of Vice (Correggio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Notte stellata

Notte stellata  è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1889 e conservato al Museum of Modern Art di New York. Vera e propria icona della pittura occidentale, il dipinto raffigura un paesaggio notturno di Saint-Rémy-de-Provence, poco prima del sorgere del sole.

Prompt: Focus on The Starry Night and explain the Abstract.Please output in Italian.

1889
Museum of Modern Art
New York
Saint-Rémy-de-Provence
Vincent van Gogh


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Donna che scrive una lettera

Donna che scrive una lettera è un dipinto olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1665 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, A Lady Writing a Letter.Please output in Italian.

1665
Jan Vermeer
National Gallery of Art
Washington


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Adoration of the Magi (Leonardo).Please output in Italian.


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Gruppo del Laocoonte

Plinio raccontava di aver visto una statua del ocoonte nella casa dell'imperatore Tito, attribuendola a tre scultori provenienti da Rodi: Agesandro, Atenodoro e Polidoro. Scrive Plinio: tradizionale identificazione della statua dei Musei Vaticani con quella descritta da Plinio è ancora generalmente accettata, visto anche che la residenza privata di Tito si doveva trovare proprio sul colle Oppio, dove la statua venne poi ritrovata. Accettata è anche l'attribuzione ai tre artisti della scuola rodia, autori anche del gruppo statuario con l'episodio di Ulisse e Polifemo, della grotta presso la villa di Tiberio a Sperlonga, ha ipotizzato che il ocoonte sia una copia di un originale bronzeo ellenistico, come dimostrerebbero alcuni dati tecnici e stilistici. Sulla parte posteriore della statua si trova infatti del marmo lunense, non utilizzato prima della metà del I secolo a.C., inoltre alcuni dettagli rimandano inequivocabilmente alla fusione a cera persa: ad esempio il mantello che ricade sulla spalla del giovane a destra fino a toccargli il ginocchio deriva quasi certamente da un espediente tecnico necessario a costituire un passaggio per il metallo fuso. Si è ipotizzato che l'originale fosse stato creato a Pergamo, come suggeriscono alcuni confronti stilistici con opere della scuola locale: i pacifici rapporti tra la città dell'Asia minore e Roma erano infatti rafforzati dai miti legati a Troia, dai quali discendevano le leggende di fondazione di entrambe le città.Plinio comunque attesta la presenza a Roma della statua marmorea a metà del I secolo d.C. attribuendola a scultori attivi un secolo prima. Infatti alcune iscrizioni trovate a Lindo, sull'isola di Rodi fanno risalire la presenza a Roma di Agesandro e Atenodoro a un periodo successivo al 42 a.C., e in questo modo la data più probabile per la creazione del ocoonte deve essere compresa tra il 40 e il 20 a.C., per una ricca casa patrizia, o più probabilmente per una committenza imperiale , anche se il ocoonte sembra lontano dallo stile neoattico in auge nel periodo. Visto il luogo di ritrovamento è anche possibile che la statua sia appartenuta, per un periodo, a Nerone.

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient history dating in Laocoön and His Sons's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

20 a.C.
42 a.C.
Agesandro
I secolo
Lindo
Musei Vaticani
Nerone
Pergamo
Rodi
Roma
Sperlonga
Troia


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Madonna di Ince Hall

L'iscrizione sulla parete sinistra in alto recita: "COPLETV ANO D M CCCC XXXIIJ P IOHEM DE EYC BRVGIS". Si traduce "Completato nell'anno di Nostro Signore 1433 di Jan van Eyck, Bruges". A destra dell'arazzo compare il motto personale di van Eyck in lettere greche "ALC IXH XAN" , giocando sulla somiglianza tra il suo cognome e "IXH" ..

Prompt: Describe the characteristics of the Registration in Ince Hall Madonna's History.Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

John Fuller, The Generalship of Alexander the Great, De Capo Press, New Jersey 1960 Peter Green, Alexander of Macedon: A Historical Biography, 1974 Guy Rogers, Alexander: The Ambiguity of Greatness, Random House, New York 2004

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Secondary sources of the Thebattle explained?Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

LAmor sacro e Amor profano è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1515 circa e conservato nella Galleria Borghese di Roma.

Prompt: Focus on Sacred and Profane Love and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Bonaparte valica le Alpi

Come parte della campagna del 1798 nelle Guerre rivoluzionarie francesi, Napoleone si preparò ad invadere ed a conquistare l'Egitto, che all'epoca era una provincia dell'Impero ottomano. Un'operazione militare di tale portata avrebbe portato numerosi benefici, tra cui l'assicurazione degli interessi commerciali francesi e l'inibizione del passaggio diretto verso l'India per gli inglesi, che quindi sarebbero stati costretti a circumnavigare l'intero continente africano. Il 1 luglio 1798, Napoleone sbarcò in Egitto. Dopo una serie di conflitti concatenati con pesanti perdite, la campagna portò ad una vittoria degli anglo-ottomani. Napoleone ricevette la notizia che le forze austriache stavano riconquistando i territori da lui liberati l'anno precedente in Italia e per questo decise di fare ritorno a Parigi.Per riottenere i territori perduti, Napoleone pianificò di lanciare un assalto a sorpresa all'esercito austriaco di stanza nella Repubblica Cisalpina. Basandosi sull'assunto che gli austriaci non si sarebbero mai aspettati che Napoleone piombasse loro col grosso del suo esercito attraverso le Alpi, egli scelse proprio quest'ultima via.Il 15 maggio 1800, Napoleone ed il suo esercito di 40.000 uomini con artiglieria da campo e treno bagagli  iniziò ad attraversare le montagne. Nei giorni di traversata, l'esercito di Napoleone consumò in tutto 22.000 bottiglie di vino, più di una tonnellata e mezza di formaggio e 800 kg di carne.Dopo la traversata delle Alpi, Napoleone iniziò le operazioni militari contro l'esercito austriaco. Malgrado l'inizio incerto della campagna, le forze austriache vennero respinte a Marengo nel giro di un mese. Qui, ebbe luogo una grande battaglia il 14 giugno di quell'anno che portò all'evacuazione dell'Italia da parte degli austriaci.

Prompt: Explain the Background. about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Bonaparte Crossing the Alps.Please output in Italian.

Alpi
Egitto
Guerre rivoluzionarie francesi
Impero ottomano
Repubblica Cisalpina


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Ritratto di Federico il Saggio

Il ritratto venne probabilmente eseguito tra il 14 e il 18 aprile 1496, quando Federico il Saggio, elettore imperiale di Sassonia, si fermò a Norimberga.  brevità del soggiorno giustifica la tecnica inconsueta, col ricorso a una tela sottile , senza imprimitura, e con colori ad acqua fissati tramite un additivo, che essiccavano rapidamente.Federico divenne subito un importante committente di Dürer, richiedendogli un altare per la cappella privata del suo castello di Wittenberg e il Polittico dei Sette Dolori. Quattro anni dopo gli chiese una nuova tela, Ercole che uccide gli uccelli di Stinfalo, per abbellire una sala del suo castello, e di nuovo si fece ritrarre nel 1524 con un'incisione a bulino.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Frederick III of Saxony.Please output in Italian.


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Giustizia

Il concetto di giustizia è alla base del Vangelo di Matteo. Il Battista è venuto per la via della giustizia . Gesù si sottopone al battesimo di Giovanni perché sia adempiuta ogni giustizia 3, 15). Sono beati coloro che hanno fame e sete di giustizia , cioè tutti coloro che aspirano alla giustificazione che viene da Dio. I farisei e gli scribi che credevano di essere sulla via della giustizia, sono condannati da Gesù perché essi non la ritenevano un dono della libera grazia di Dio e quindi non volevano sottoporsi al battesimo di Giovanni. Da qui il loro mormorare perché Dio chiama gratuitamente a volte senza tener conto dei meriti. Preoccupati di distinguersi dagli ingiusti, scribi e farisei separavano il mondo tra buoni e cattivi, non ammettendo che la decisione ultima è riservata al giudizio di Dio. Ma Gesù afferma: Se la vostra giustizia non supererà quella degli scribi e dei farisei, non entrerete nel regno dei cieli  ... Dio fa piovere sui giusti e sugli ingiusti  ... Cercate prima il regno di Dio e la sua giustizia . L'evangelista Luca fa apparire il cristianesimo come prosecuzione legittima del giudaismo . Riporta i nomi dei giudei osservanti della legge  e anche il centurione romano Cornelio chiamato aner dikaios .  speranza di giudei nel ritorno di Elia prepara la strada al Vangelo e Gesù riconosce l'Elia che ritorna in Giovanni Battista, dal quale si fanno battezzare i peccatori per riconoscere la giustizia di Dio. I farisei e gli scribi invece ingannano sé stessi e si esibiscono come giusti davanti agli uomini. Ci sarà più gioia in cielo per un peccatore convertito che per novantanove giusti : è la possibilità di una nuova vita per gli uomini perduti, avvolti nel peccato, gli esclusi anche dal punto di vista sociale e religioso. Gesù è il giusto per eccellenza e Dio lo risuscita prima che avvenga la resurrezione di tutti i giusti e degli ingiusti e lo investe del potere di giudicare tutti i popoli con giustizia. In Giovanni  il mondo non trova la giustizia in sé stesso e nemmeno nel più degno degli uomini: ma la giustizia proviene dal Padre e si trova presso di lui. Gesù si è separato dai discepoli perché essi non si illudessero con speranze terrene, ma sperassero unicamente nel Padre e nel Figlio, che sono una cosa sola.

Prompt: In the context of Justice (Titian), explain the Gospels and the In philosophy.Please output in Italian.


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Marte disarmato da Venere

Marte disarmato da Venere  è l'ultimo dipinto realizzato dall'artista francese Jacques-Louis David. Alta più di tre metri, è un'opera non commissionata.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Mars Being Disarmed by Venus.Please output in Italian.


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Nike di Samotracia

Nike venne presumibilmente scolpita a Rodi in epoca ellenistica per commemorare la vittoria nella battaglia dell'Eurimedonte, in cui la flotta del re siriano Antioco III  combatté contro una piccola flotta di navi di Rodi, che da poco si era schierata dalla parte di Roma nell'ambito della guerra romano-siriaca. L'isola di Samotracia volle commemorare il buon esito del conflitto realizzando un grande tempio votivo in onore dei Grandi Dei Cabiri che si sviluppava su più livelli, dei quali quello alla sommità era occupato proprio dalla Nike . L'autore è sconosciuto, e per quanto sia popolare l'attribuzione a Pitocrito si tratta tuttavia di un errore legato al frammento "Louvre Ma4194" il quale non fa parte del complesso statuario e non è in alcun modo riconducibile a Pitocrito.Dopo esser rimasta nel santuario dei Grandi Dei di Samotracia per diversi secoli, la Nike scomparve misteriosamente, per poi essere rinvenuta nel 1863 in stato frammentario da Charles Champoiseau, viceconsole francese a Edirne, nella stessa isola egea . Successivamente l'opera fu acquistata dai francesi, che intendevano includerla nelle collezioni del Museo del Louvre, dove arrivò dopo un impervio viaggio che si sviluppò tra Costantinopoli, il Pireo, Marsiglia e infine Parigi. Giunta nella Ville Lumière, la statua venne ricomposta e infine collocata sulla sommità della scala Daru, progettata da Hector Lefuel per raccordare la Galerie d'Apollon e il Salon Carré. Dalla nuova sede del Louvre la Nike venne spostata solo una volta, nel 1939, quando per proteggerla dall'imminente seconda guerra mondiale venne trasportata nel castello di Valençay.Notevole il restauro svoltosi tra il 2013 e il 2014, con un costo globale di circa quattro milioni di euro, grazie al quale sono state ripristinate tre nuove piume sull'ala sinistra e la cromia originale del marmo pario.

Prompt: In Winged Victory of Samothrace, how is the History discussed?Please output in Italian.

Antioco III
Cabiri
Charles Champoiseau
Edirne
Grandi Dei
Museo del Louvre
Parigi
Pitocrito
Rodi
Samotracia


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In barca ad Argenteuil

Argenteuil era un ridente sobborgo di campagna sulle rive della Senna assiduamente frequentato sia da Claude Monet, che vi si stabilì, che da Pierre-Auguste Renoir. Anche Manet si recò spesso in questo villaggio a partire dal 1874, approfondendo in questo modo la sua relazione con l'Impressionismo: fu in quell'anno, non a caso, che realizzò In barca ad Argenteuil, tela particolarmente pregevole perché pulsante di una luminosità inedita, forte, come mai era successo nella oeuvre del pittore.Nell'opera, costruita con rapida disinvoltura, si respira un'aria nuova, reale. Il soggetto è una coppia di borghesi di Parigi che, fuggiti dall'effervescente caos della metropoli, si sono lasciati conquistare dagli ozi campagnoli della bella stagione. Al timone c'è lui, un uomo impersonato dal fratello della moglie Suzanne che veste un cappello adornato da un flessuoso nastro blu ed una fresca camicia alla marinaia: della compagna, che per l'occasione è abbigliata con un panneggio leggero dalle tinte piacevolmente fredde, non conosciamo invece l'identità. I due sono ritratti con vivace naturalezza, senza filtri e senza pose, così come l'imbarcazione, che fuoriesce dai bordi del quadro, secondo un'impostazione compositiva che denuncia l'influenza della nascente fotografia e delle stampe giapponesi . Il punto d'osservazione cade particolarmente in alto, tanto che il fiume si disperde con disinvoltura verso l'orizzonte, «assume[ndo] la sconfinata vastità di un mare» .L'eccezionalità tecnica della tela è ravvisabile soprattutto nella veste azzurra della donna, dove il tocco sintetico di Manet rinuncia ai forti contrasti chiaroscurali e assume una vibrazione senza precedenti grazie al sapiente intreccio di virgolettature azzurre, blu, violette, ocra e bianche. I due personaggi, poi, sono completamente immersi nella natura e assecondano i più rigorosi dettami della pittura en plein air. Peculiare risulta essere anche la schiena dell'uomo, quasi abbagliante per la sua luminosità. Nonostante queste significative aperture alla tecnica impressionista Manet non rinuncia però a una propria autonomia stilistica, ravvisabile soprattutto nelle campiture estese e compatte di colore. Ciò, tuttavia, sfuggì ai detrattori che, quando l'opera fu esposta al Salon del 1879, rimproverarono Monet di utilizzare gli occhi a scapito del cervello. Ad apprezzare il dipinto all'epoca vi fu solo Joris-Karl Huysmans, letterato naturalista che difese il diritto del pittore di dipingere quel che vedeva: anche Manet approvava questa tesi, affettuosamente insegnata già dieci anni addietro all'allieva Eva Gonzalès.

Prompt: Focus on Boating (Manet) and explain the Description.Please output in Italian.

1874
Claude Monet
Eva Gonzalès
Joris-Karl Huysmans
Pierre-Auguste Renoir


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Incoronazione Marsuppini

Paola Refice, Filippo Lippi ad Arezzo: il ritorno della pala Marsuppini, in Liletta Fornasari e Paola Refice , Rinascimento in terra d'Arezzo. Da Beato Angelico e Piero della Francesca a Bartolomeo della Gatta e Luca Signorelli in Val di Chiana, catalogo di mostra, Firenze, 2012

Prompt: Focus on Marsuppini Coronation and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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vaso del Dipylon

L'anfora è completamente ricoperta di disegni ornamentali astratti e motivi tradizionali ripetuti.  formula più semplice e frequente è costituita da una fascia di due o tre sottili linee orizzontali che può presentarsi combinata con altri moduli per formare formule più complesse.  complessità aumenta nei pressi delle anse, nella fascia più importante, e poi di nuovo diminuisce. Sono presenti tre fasce a meandro semplice, due a meandro doppio e solamente una a meandro triplo. Questi meandri alternano motivi alla greca, decorazioni a zig zag, denti di lupo, losanghe e ovuli.Anche le figure di animali sono trattate come formule: i cervi che pascolano e le capre che si inginocchiano sul collo del vaso sono i primi due fregi continui con animali e saranno seguiti da migliaia di fregi simili; sono moduli e funzionano come le fasce ornamentali, le capre ad esempio voltano la testa indietro e sopra se stesse quasi ad imitare il movimento del meandro che torna su di sé. decorazione che si trova nella parte centrale dell'anfora si chiama prothesis, o lamento funebre. Il Maestro del Dipylon ha ridotto al minimo la differenza tra la parte pittorica e la parte astratta trasformando la figura umana in motivo geometrico e la rappresentazione in uno schema. Nel modo in cui ha realizzato le 39 figure umane che abitano la zona dei manici  è possibile evidenziare alcune variazioni: nella próthesis il cadavere, esattamente al centro dell'intero vaso, e le due donne inginocchiate sotto di lei apparentemente indossano abiti, due figure all'estrema sinistra portano spade e quindi sono uomini, tra le figure è presente un bambino rappresentato come un adulto in . Le distinzioni sono minime, la maggior parte delle figure del Maestro del Dipylon sono essenzialmente la stessa figura suddivisa in forme astratte e, come la stessa anfora, sottoposta all'ordine di un canone proporzionale.  testa è un piccolo cerchio con una protuberanza all'altezza del mento, l'altezza di testa e collo è metà dell'altezza del tronco, il busto  è un triangolo con bastoncini al posto delle braccia. Il corpo è quasi tagliato in vita e alle ginocchia: le distanze tra vita e ginocchio e tra ginocchia e piedi sono praticamente identiche.  silhouette del Dipylon con le sue articolazioni è la somma di parti distinte e matematicamente correlate.Nella rappresentazione della scena viene evitata la sovrapposizione delle figure.  coperta a scacchi che dovrebbe ricoprire il cadavere della nobildonna è mostrata come una tenda tesa al di sopra del suo corpo con il bordo inferiore che ne segue la linea in modo da non confondersi con esso. Tutte le figure sono poste sullo stesso piano; i dolenti che si trovano a fianco del letto funebre in realtà lo circondavano in un pianto rituale. Allo stesso modo, le figure sotto il feretro si trovavano di fronte ad esso. Attraverso l'appiattimento dello spazio quasi niente risulta nascosto o implicito.

Prompt: Focus on Dipylon Amphora and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Ritratto di Bernhart von Reesen

L'opera venne eseguita durante il viaggio di Dürer nei Paesi Bassi . Il 16 marzo 1521 l'artista annotò di aver ritratto ad Anversa un certo Bernahrt von Resten, venendo pagato otto fiorini di compenso ed alcuni regalini per la moglie e la domestica. Non conoscendosi alcun personaggio con tale nome, si è arrivati alla conclusione che possa trattarsi di Bernhart von Reesen, un ricco mercante di Danzica attivo nel cosmopolita porto fiammingo. Altri lo identificano invece con Bernard van Orley, pittore di Bruxelles.

Prompt: In Portrait of Bernhart von Reesen, how is the History discussed?Please output in Italian.

1521
Anversa
Bernard van Orley
Bernhart von Reesen
Bruxelles
Danzica
Paesi Bassi


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La Gioconda

partitura di Ponchielli prevede l'utilizzo di: ottavino, 2 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 2 fagotti 4 corni, 2 cornette 2 trombe, 3 tromboni, bombardone oppure trombone basso timpani, grancassa e piatti, tamburo, triangolo, tam-tam, campane, glockenspiel 2 arpe, organo archiDa suonare sul palco: 3 clarinetti, 2 clarinetti bassi, 2 fagotti, 3 corni, 3 trombe, 2 tromboni cannone arpa banda

Prompt: Focus on Mona Lisa and explain the Organic orchestral.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

A destra ed a sinistra della composizione si trova un muro, sullo sfondo, dietro il quale si suggerisce la presenza di un giardino con alberi di fico, che può essere considerato un hortus conclusus come metafora del Giardino dell'Eden, il Paradiso. A differenza di altri ritratti di Maria, come nel caso de  Madonna delle rose di Stefan Lochner, qui la Madonna si trova posta fuori dal giardino del Paradiso ed è inquadrata in una struttura che la qualifica come porta coeli, la porta del Paradiso.

Prompt: Explain the Lemur Jerusalem celestial about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Pietà Donà dalle Rose

Quest'opera fa parte della fase ultima della produzione del pittore, quando già ultrasettantenne aggiornò il proprio stile alle novità di Giorgione e Tiziano e viene di solito datata entro la metà del primo decennio del Cinquecento, vicina a opere quali il Battesimo di Cristo.In questa Pietà, tra le ultime di un tema che attraversò la sua intera attività, Bellini abbandona l'usuale posizione eretta del busto di Cristo, collegata dl tema dellUomo dei dolori, e certamente si ispira ai gruppi dei Vesperbild di area germanica e piuttosto diffusi nel Veneto. Un'immedita suggestione ci rimanda alla Pietà vaticana di Michelangelo, di poco precedente e ugualmente ispirata ai Vesperbild, tuttavia il motivo del braccio cadente era già presente nel bimbo dormiente della Madonna della Milizia da Mar e d'altra parte risulta anche abbastanza tipico nelle Pietà dell'Europa nord-occidentale, per esempio nella Pietà di Avignone di Enguerrand Quarton. Ad ogni modo i diffusi Vesperbild lignei e dipinti assieme allo strazio dei volti del gruppo fittile del Mazzoni, allora presente a Sant'Antonio di Castello e anch'esso colorato, appaiono modelli più utili a rendere la scena in pittura. Ma anche la pietra su cui sono sedute le Madonne di queste pietà michelngiolesche e belliniane risultano una comune ideazione un blocco che pare riecheggiare, anche se non convenzionalmente squadrata, la pietra dell'unzione.In primo piano, con una composizione piramidale, si svolge in una intensa drammaticità il compianto di Maria sul corpo del figlio morto, che essa tiene sulle ginocchia mentre sta seduta su un piccolo rilievo roccioso, come una Madonna dell'umiltà.  Madre sta incurvata sul corpo del Figlio, il cui peso sembra piegarla di fatica e dolore e nonostante i suoi sforzi sembri sfuggirle ribaltandosi verso gli osservatori. Il volto della Madonna, segnato della vecchiaia, appare consumato e sfinito dalla sofferenza, i suoi occhi sono chiusi come se fosse in trance. È un'assoluta novità quella del volto decisamente invecchiato e segnato dalle rughe, invece dell'usuale rappresentazione di un'eternamente giovane Madonna, come appunto ripete anche Michelangelo. Una senescenza preceduta nell'arte soltanto dalla Madonna nella Pietà del Perugino, dove pero appare più attempata che propriamente invecchiata, Tuttavia numerosi storici dell'arte si sono esercitati nell'individuazione di edifici reali vicentini. Oltre a quelli probabili come il duomo, la Torre Bissara, la Basilica palladiana , le mura con la Porta Feliciana e il Santuario di monte Berico si sono avventurati a ipotizzare l'identificazione di alcune altre costruzioni come il campanile romanico in quello di Sant'Apollinare a Ravenna  e il ponte sul Natisone a Cividale.

Prompt: Focus on Martinengo Pietà and explain the Description and style.Please output in Italian.

Enguerrand Quarton
Natisone
Pietà vaticana
Ravenna
Torre Bissara
Veneto
Vesperbild


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Circe

nome = Κίρκηnome traslitterato = Kìrkēnome italiano = Circeautore = Omeroprofessione = magaimmagine = Odysseus Circe Met 41.83.jpgdidascalia = Ceramica con Odisseo che insegue Circe}}Circe  è una  figura della mitologia greca e compare per la prima volta nellOdissea . È figlia del Titano Elios e di Perseide, di conseguenza è sorella di Perse, Eete e Pasifae.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Sorceress (Waterhouse).Please output in Italian.


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Battaglia di Ostia

Rinaldo Panetta - Saraceni in Italia - Mursia 1973 Vittorio Gleijesis -  storia di Napoli - Soc. Editrice Napoletana M. Schipa - Storia del principato longobardo di Salerno M. Schipa - Il ducato di Napoli J. Gay - L'Italie méridionale et l'Empire byzantin L. Hartmann - Geschichte Italiens im Mittelalter L. Duchesne - Le premiers temps de l'État Pontifical Enciclopedia Italiana Treccani

Prompt: How does Battle of Ostia (painting) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Donna in azzurro che legge una lettera

Donna in azzurro che legge una lettera è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1663 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Woman Reading a Letter (Vermeer).Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Prime opere di Vincent van Gogh

Prompt: How does Early works of Vincent van Gogh explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Epifania

Nella Chiesa ortodossa etiope e nella Chiesa ortodossa eritrea, la festa è conosciuta come Timkat e si celebra il 19 gennaio del calendario gregoriano; si celebra il 20 gennaio negli anni in cui il Timket del calendario etiope cade nel 12 settembre gregoriano .  celebrazione di questa festa prevede la benedizione dell'acqua e solenni processioni con il sacro Tabot.

Prompt: Explain the Ethiopia and Eritrea about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

12
19 gennaio
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa eritrea
Chiesa ortodossa etiope
Tabot


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Caterina d'Alessandria

Luciano Vaccaro, Giuseppe Chiesi, Fabrizio Panzera, Terre del Ticino. Diocesi di Lugano, Editrice  Scuola, Brescia 2003, pp. 87, 122, 149, 229, 234-236, 249-251, 259 , 267, 268, 308, 316, 342 , 382, 437. Simona Negruzzo, Il culto di Santa Caterina d’Alessandria nelle università d’Occidente, in Santi patroni e Università in Europa, Bologna, Clueb, 2013, pp. 33–54.S. Caterina si venera anche a scala di Salerno Nicola Bozzi, Ipazia di Alessandria e l'enigma di Santa Caterina, Aurora Boreale 2018

Prompt: Focus on Catherine of Alexandria (Palladas) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Explain the The Eucharistic institution about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Tintoretto).Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Pigmalione e Galatea

Gerald Ackerman, The life and work of Jean-Léon Gérôme; catalogue raisonné, Sotheby's Publications, 1986, .

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Pygmalion and Galatea (Girodet).Please output in Italian.


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Daniele

Dániel Berzsenyi, poeta ungherese Dániel Gyurta, nuotatore ungherese Dániel Kiss, ostacolista ungherese Dániel Magay, schermidore ungherese Dániel Tőzsér, calciatore ungherese Dániel Varga, pallanuotista ungherese

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Daniel in Prophet Daniel (Michelangelo)'s People.Please output in Italian.

Dániel Berzsenyi
Dániel Gyurta
Dániel Kiss
Dániel Magay
Dániel Tőzsér
Dániel Varga


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Madonna di Foligno

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Franco Ivan Nucciarelli e Giovanna Severini, Raffaello -  Madonna di Foligno, Quattroemme, Perugia 2007. ISBN 978-88-89398-39-5

Prompt: Focus on Madonna of Foligno and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Sepoltura e gloria di santa Petronilla

sinistraIl dipinto è diviso su due registri: nella parte alta Petronilla, umilmente inginocchiata, è accolta nei cieli da Cristo a sua volta contornato da una schiera angelica. L'elevazione all'empireo della giovane è suggellata dalla sua incoronazione, azione cui si accinge un angioletto che discende sulla destra della pala.Nella parte bassa della tela, al centro in primissimo piano, vediamo il corpo di Petronilla che sta per essere inumato nel sepolcro  da due necrofori mentre le mani di un terzo becchino spuntano dalla tomba nella quale costui si è calato per sorreggere il cadavere della giovane.Ai lati dei personaggi centrali si scorge a sinistra un primo gruppo di astanti di cui fanno parte un ragazzo che regge un cero acceso e, più esternamente, due donne piangenti e un bambino che poggia le mani sul catafalco di Petronilla. Un altro gruppo di partecipanti all'evento è raffigurato sulla destra: quasi fuori dalla composizione  c'è un uomo in turbante che sembra stia fornendo informazioni su quanto sta accadendo; completano il gruppo di destra un vecchio barbuto e un giovane elegantemente abbigliato secondo la moda contemporanea, che volgono entrambi lo sguardo verso destra, in direzione dell'uomo in turbante che sembra parlare a loro beneficio.Benché l'episodio terreno sia prevalentemente letto come il funerale di Petronilla celebrato subito dopo la sua morte  vi è chi ha posto in luce come questo episodio possa essere diversamente interpretato come la riesumazione del cadavere della santa dalla catacomba per traslarne le spoglie in San Pietro .Sempre in questo senso il grande risalto che nella composizione è dato nel dipinto alle spoglie di Petronilla , raffigurate in primissimo piano e dalle dimensioni colossali, potrebbe essere una rivendicazione del possesso vaticano della prestigiosa reliquia ad implicita e ferma negazione delle credenze diffusesi in Francia circa il trasporto della stessa oltralpe. Negazione la cui implicazione recondita alluderebbe egualmente alla primazia del papa sui successori degli antichi sovrani Franchi, forse realizzata nella bottega dello stesso Guercino, di cui si è supposta la possibile destinazione a Parigi.

Prompt: In The Burial of St. Petronilla, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Arearea

Arearea è uno dei dipinti più significativi del primo soggiorno tahitiano di Gauguin. Di seguito si riporta una riflessione condotta dalla critica d'arte Maria Grazia Messina:</ref>}}Quello individuato dalla Messina è un fil rouge che si dipana per tutto il primo soggiorno tahitiano di Gauguin, investendo opere come Due donne tahitiane e, appunto, Arearea. Il dipinto reca un titolo in lingua maori che, oltre a testimoniare le ansie antropologiche del pittore , riassume icasticamente l'atmosfera che ivi si respira. Giocosità: è questo il titolo italiano del dipinto, che in effetti coinvolge l'osservatore con un senso di spensierata gaiezza, di «giocosità» primigenia per l'appunto che descrive splendidamente la relazione tra i tahitiani e la natura, secondo un legame di intima correlazione tra gli uni e l'altra . Immerse in questo contesto naturalistico lussureggiante e ameno troviamo due donne, di cui una intenta a suonare placidamente il flauto, e infine un cane dal pelo di un arancio vivo, che non mancò di destare stupore e sarcasmo quando l'opera fu esposta a Parigi nel novembre del 1893.In questo microcosmo paesistico di eccezionale intensità visiva e cromatica, dove è raggiunto un pieno accordo tra gli indigeni, l'elemento divino e la vegetazione, troviamo poi sullo sfondo alcune danzatrici di tamuré che si cimentano in danze rituali davanti a un totem della dea lunare Hina. Prima, non a caso, si è fatto riferimento al cromatismo gridato del dipinto, il quale inserendosi in uno straniante contesto spaziale veicola un notevole antinaturalismo pittorico, concretato in colori che non intendono riprodurre fotograficamente la realtà, ma che invece vogliono cantare il legame simbolico e arcano che lega l'uomo con la natura e la religione, caricandosi così di enigmatici connotati leggendari.

Prompt: In Arearea, how is the Description discussed?Please output in Italian.