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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Pala di Asolo

Pala di Asolo è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, datato al 1506 e conservato nel Duomo di Asolo. L'opera è firmata "urent[ius] Lotus / Junio M.D.VI", sul cartiglio in basso al centro.

Prompt: Focus on Asolo Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Abacuc e l'angelo

Abacuc e l'angelo è un'opera scultorea realizzata da Gian Lorenzo Bernini tra il 1656 e il 1661. Posta in una nicchia della Cappella Chigi, all'interno della Basilica di Santa Maria del Popolo a Roma, mostra il profeta Abacuc con l'angelo di Dio. Per la tale cappella, Bernini non ha solo ideato questa statua, ma anche quella di Daniele e il leone, diagonalmente opposta.

Prompt: Focus on Habakkuk and the Angel (Bernini) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria del Popolo
Cappella Chigi
Daniele e il leone
Gian Lorenzo Bernini
Roma


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Donna alla sorgente

Donna alla sorgente  è un dipinto a olio su tela realizzato nel 1862 dall'artista francese Gustave Courbet. Il dipinto raffigura una donna nuda vista di schiena alla fonte di un ruscello. L'opera fa parte della collezione del museo Metropolitano di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Source (Courbet).Please output in Italian.


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Gallo di maiolica di Vasyl'kiv

Le origini dell'opera risalgono al 18º secolo, quando la città di Vasyl'kiv era un centro di produzione di ceramica, tradizione avviata da abili artigiani italiani e poi proseguita dagli autoctoni. Diventò un simbolo di arte folkloristica e cultura ucraine.Il gallo di maiolica fu prodotto nelle fabbriche di Vasyl'kiv dai primi anni 1960 agli anni 1980. Dopo che una foto di un mobiletto con un gallo rimasto intatto in una casa distrutta di Borodjanka diventò famosa in tutto il mondo, i media ucraini e le persone sui social network si interessarono all'opera d'arte. Il mobiletto è stato notato e fotografato da Yelyzaveta Servatynska e il deputato del consiglio cittadino di Kiev Victoria Burdukova portò il gallo all'attenzione di tutti.Il gallo, insieme al mobiletto, fu esposto al Museo Nazionale della Rivoluzione ucraina del 2014.

Prompt: Focus on Vasylkiv maiolica rooster and explain the History.Please output in Italian.

Borodjanka
Kiev
Rivoluzione ucraina del 2014
Vasyl'kiv


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Nascita di Venere

Primavera Rinascimento fiorentinoVenere de' MediciMonete euro italiane

Prompt: Focus on The Birth of Venus (Bouguereau) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Medici
Monete euro italiane
Rinascimento fiorentino
Venere de' Medici


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Armatura

Durante il basso medioevo la base dell'armatura era generalmente costituita da una maglia di metallo detta "Usbergo", alla quale furono gradualmente aggiunte piccole piastre o dischi addizionali per difendere aree vulnerabili. Nel XIV secolo le ginocchia furono coperte con acciaio e due dischi circolari furono applicati alle giunture delle braccia per fornire protezione in assetto da guerra.  piccola protezione del cranio si evolse in un grosso elmo: la parte posteriore fu infatti allungata per coprire il retro del collo e i lati della testa. Ulteriori piastre di acciaio furono poi sviluppate per proteggere stinchi, piedi, gola e il torace, e presto  molte parti della maglia furono coperte da queste piastre protettive.  fase successiva vide le piastre coprire tutte le parti della maglia. Nella seconda metà del XIV secolo furono inoltre introdotti svariati tipi di elmo.Nel XV secolo, quasi ogni parte del corpo era ricoperta da piastre d'acciaio specifiche, tipicamente portate sopra vestiti di lino o lana e attaccati tramite cinghie e fibbie. Nelle zone in cui applicare un'armatura rigida era impossibile  si utilizzavano maglie  di acciaio costituite da anelli fissati tra loro. Altri famosi componenti dell'armatura a piastre sono l'elmo, i mitteni , la gorgiera, la piastra frontale, i cosciali e gli schinieri.Normalmente l'armatura completa era confezionata su misura. Spesso l'armatura recava, all'interno, mostrine militari, visibili al solo cavaliere. Chiaramente richiedeva molte ore di lavoro e grosse spese: costava, in proporzione, circa quanto una casa o una macchina di lusso del giorno d'oggi. Solo i nobili e i proprietari terrieri potevano quindi permettersela, mentre i soldati di basso rango utilizzavano corazze più economiche . Di solito esse comprendevano un elmo e una piastra frontale.L'armatura completa rendeva il soldato quasi inattaccabile dai colpi di spada, fornendo inoltre una discreta protezione contro frecce, mazze e colpi dei primi moschetti. Anche se le lame delle spade non erano in grado di penetrare la piastra , i colpi potevano causare seri danni da concussione.  tattica che si utilizzò per contrastare i cavalieri sempre più corazzati consistette infatti nell'utilizzo di armi da impatto, come mazze e martelli da guerra. Esse erano in grado di infliggere fratture, emorragie, e traumi cranici. Un'altra tattica consisteva nel mirare agli interstizi tra le piastre, usando daghe per attaccare gli occhi o le giunture del cavaliere.Al contrario di quanto spesso si crede, un'armatura da battaglia medievale  non ingombrava il cavaliere più delle protezioni che si utilizzano oggi. Un cavaliere corazzato  poteva facilmente correre, strisciare, salire scale, montare e smontare da cavallo senza ricorrere ad argani . Si stima che una corazza completa a piastre medievale pesasse mediamente poco più di 27 kg, considerevolmente più leggera dell'equipaggiamento portato dalle truppe d'élite degli eserciti contemporanei . In media negli eserciti contemporanei i soldati portano 30 kg di bagaglio in combattimento.Anche per i cavalli furono sviluppate delle bardature a piastre d'acciaio allo scopo di ripararli dalle lance e dalle armi della fanteria. Oltre a fornire protezione, ciò rendeva più impressionante e intimidatorio il cavaliere. Bardature elaborate erano anche utilizzate come corazze da parata. In Italia le principali collezioni pubbliche d'arme, sono oggi visitabili presso il museo Stibbert di Firenze, o l'armeria reale di Torino, mentre alcune collezioni private minori, si trovano presso castello Coira, castello di Bracciano, o castello Gallelli.

Prompt: In the context of O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, explain the Middle Ages and the Description and use.Please output in Italian.

Barda
IV secolo
Usbergo
XIV secolo
XV secolo


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Cima, Paris) and explain the Origins.Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Apocalisse

Apocalisse di Giovanni Armageddon Millenarismo Giorno del giudizio   punto di vista musulmano Dajjāl figura escatologica che tenterà di traviare la Comunità musulmana Fantascienza apocalittica e postapocalittica Profezia biblica Rivelazione Fine del mondo

Prompt: Focus on Apocalypse (Dürer) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Dal dicembre 1941 lo sterminio procedette in appositi campi apertisi allo scopo , dove ad essere usato fu principalmente lo strumento della gassazione.I bambini ebrei e quelli Rom furono condotti nei campi per nessun altro fine se non quello di morire. Troppo piccoli per lavorare, non erano di alcuna utilità per la macchina bellica nazista, anche laddove  si operava di regola all'arrivo una selezione per il lavoro coatto. Come confermato da Rudolf Höß, comandante di Auschwitz, nella sua deposizione di fronte al Tribunale di Norimberga nel 1946, le modalità della selezione erano tali da non lasciare alcuno scampo ai più piccoli::«Il modo in cui avveniva la selezione era la seguente: i due dottori che avevamo ad Auschwitz esaminavano i prigionieri che arrivavano con il treno, li facevano camminare di fronte a loro e prendevano subito una decisione sul loro destino. Chi veniva ritenuto abile al lavoro veniva inviato al campo, gli altri direttamente alle camere a gas. I bambini più piccoli venivano sterminati perché non potevano essere adibiti ad alcun lavoro».Il processo di selezione è documentato in una serie di fotografie scattate ad Auschwitz-Birkenau da un militare SS nel maggio-giugno 1944 all'arrivo di un trasporto di ebrei ungheresi. Le foto  mostrano numerosi bambini che con le loro madri vengono separati dalle persone abili al lavoro e quindi vengono fatti incamminare verso le camere a gas. Stessa sorte fu riservata ai bambini Rom; ne morirono nei campi o in esecuzioni sommarie tra il 40% e il 50% del totale delle 200.-250.000, vittime del "Porajmos" .Anche tra le poche migliaia di adolescenti che per il loro precoce sviluppo poterono mentire sulla loro età e superare le selezioni  e tra i pochissimi bambini occasionalmente scelti con mansioni di tuttofare, le percentuali di sopravvivenza furono bassissime. Nei campi bambini e adulti erano soggetti alle stesse regole e allo stesso trattamento. In una famosa pagina de  notte Elie Wiesel ricorda di un altro bambino, ancora più piccolo di lui, torturato e impiccato pubblicamente con due adulti con l'accusa di sabotaggio. A 14 anni Franco Cetrelli viene fucilato dalle SS assieme ad altri compagni al campo di concentramento di Mauthausen per rappresaglia ad un tentativo di rivolta.Numerosi furono i bambini  che perirono dopo essere stati usati come cavie viventi per esperimenti medici, ad Auschwitz-Birkenau ed altrove. Ricorda Primo Levi::"I bambini erano a Birkenau come uccelli di passo: dopo pochi giorni, erano trasferiti al Block delle esperienze, o direttamente alle camere a gas".Primo Levi si riferisce qui specificamente ai quasi tremila bambini di Mengele che occupavano a Birkenau una speciale baracca , dove numerosi bambini  erano selezionati come animali da laboratorio per le sperimentazioni  del dott. Josef Mengele. Talora Mengele metteva a disposizione le proprie "cavie" anche per altri laboratori di ricerca come nel caso dei venti bambini di Bullenhuser Damm inviati al campo di concentramento di Neuengamme presso Amburgo per essere sottoposti agli esperimenti sulla tubercolosi del dottor Kurt Heissmeyer. Tra di essi trovò la morte anche il piccolo Sergio De Simone. Solo duecento dei bambini di Mengele erano ancora vivi nel gennaio 1945 quando il campo di Auschwitz-Birkenau fu liberato dalle truppe sovietiche, tra cui anche le piccole Andra e Tatiana Bucci.

Prompt: Explain the This appears to be a single word in Italian, and it seems to be a compound or a concatenation of multiple words. However, it is not a standard Italian word. If you can provide more context or check the spelling, I might be able to help further. about the Victims survivors of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Andra e Tatiana Bucci
Elie Wiesel
Franco Cetrelli
Josef Mengele
Josef Mengele
Kurt Heissmeyer
Norimberga


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Polittico di Zara

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Zadar Polyptych.Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: How does Crucifixion with Pietà (Lotto) explain its Historical crucifixions?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Pasquino

Fu ritrovata nel 1501 durante gli scavi per la pavimentazione stradale e la ristrutturazione del Palazzo Orsini , proprio nella piazza dove oggi ancora si trova . Secondo le prime interpretazioni, si ritenne che fosse impiegata per l'ornamento dello Stadio di Domiziano, oggi coperto dalla piazza. ristrutturazione, di cui si occupò anche il Bramante, fu eseguita per conto dell'influente cardinale Oliviero Carafa; il prelato, che si sarebbe stabilito nel prestigioso palazzo, insistette per salvare l'opera, da molti ritenuta invece di scarso valore, e la fece sistemare nell'angolo in cui ancora si trova, applicandovi lo stemma dei Carafa ed un cartiglio celebrativo.Presto si diffuse il costume di appendere nottetempo al collo della statua fogli contenenti le cosiddette "pasquinate", satire in versi, dirette a pungolare i personaggi pubblici più importanti. Ogni mattina le guardie rimuovevano i fogli, ma ciò avveniva sempre dopo che erano stati letti dalla gente. In breve tempo la statua di Pasquino divenne fonte di preoccupazione, e parallelamente di irritazione, per i potenti presi di mira dalle pasquinate, primi fra tutti i papi. Diversi furono i tentativi di eliminarla: il primo fu il forestiero Adriano VI , durante il suo breve e controverso pontificato , che tentò di disfarsene, ordinando di gettarla nel Tevere; fu distolto quasi in extremis dai cardinali della Curia, che intravidero il pericolo e la possibile portata di un simile "attacco" alla congenita inclinazione alla satira del popolo romano. Anche Sisto V  e Clemente VIII  tentarono invano di eliminare la scomoda statua.Quando altri, successivamente, la fecero vigilare notte e giorno da guardie, le pasquinate apparvero infatti ancora più numerose ai piedi di altre statue: l'idea era stata di Benedetto XIII , che emanò anche un editto che garantiva la pena di morte, la confisca e l'infamia a chi si fosse reso colpevole di pasquinate. In realtà già nel 1566, sotto Pio V, Niccolò Franco era stato accusato di essere l'autore delle pasquinate e per questo condannato a morte e giustiziato sulla forca. Le pasquinate però non tacciono, e ai versi propagandistici si sostituiscono invettive moraleggianti, soprattutto nei confronti di un dilagante nepotismo e di una certa "prostituzione di lusso".Verso dopo verso, Pasquino era di fatto asceso ad un rango di specialissimo antagonista della figura papale, simboleggiando il popolo di Roma che punteggiava coi suoi commenti gli eccessi di un sistema col quale conviveva con sorniona sufficienza. Pasquino segnalava che, per la sua particolare storia, Roma sapeva valutare anche figure che assommavano in sé il massimo potere religioso ed il massimo potere di governo, riuscendo a scorgerne le eventuali umane modestie, a rimarcarne velleità e malefatte; come tale, era fisiologicamente un punctum dolens dei vescovi di Roma. Celebri divennero anche i dialoghi a distanza con il Marforio, altra famosa statua parlante di stanza sul Campidoglio. produzione di pasquinate si attenuò notevolmente con la fine del potere temporale del Papa, con la breccia di Porta Pia, che metteva il popolo romano di fronte a nuovi tipi di sovrano, a nuovi tipi di stato. Si è detto che Pasquino sia stato "distratto" dalla contemporanea messa in circolazione dei sonetti del Belli, che col suo spirito mostravano più di qualche apparentamento e che nel medesimo senso proseguivano la sua opera; in ogni caso la statua, priva del suo antico bersaglio, smise di essere teatro di un evento periodico e da allora fogli appesi se ne videro solo saltuariamente, avendo di mira tipicamente il nuovo governo unitario della città eterna. Per esempio, nel 1938, in occasione dei preparativi per la visita di Hitler a Roma, Pasquino riemerse dal lunghissimo silenzio per notare la vuota pomposità degli allestimenti edilizi e scenografici, che avevano messo la città sottosopra per mesi:}}Fortemente danneggiata dallo smog e dall'incuria, la statua di Pasquino è stata restaurata alla fine del 2009, per essere inaugurata, assieme ad una nuova recinzione con colonnette di travertino, il 10 marzo 2010. Attualmente, inoltre, non è più possibile attaccare le "pasquinate" direttamente sulla statua o sul suo basamento, come da tradizione: a tale scopo è stata infatti allestita un'apposita bacheca ai piedi di Pasquino.

Prompt: How does Pasquino explain its History?Please output in Italian.


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Berthe Morisot con un mazzo di violette

Berthe Morisot era una giovane pittrice che affascinò subito Manet che, incantato, la rese protagonista d'elezione di una gran parte dei suoi ritratti. Particolarmente celebre è Berthe Morisot con un mazzo di violette, dove la donna è elegantemente vestita con un abito nero e un cappello à la page dello stesso colore: in prossimità del collo si apre una leggera scollatura, che lascia intravedere una camicetta di pizzo e un po' di carnagione.  mise è completata con alcuni sottogola e nastri per cappelli, ovviamente neri, e infine da un rigoglioso mazzetto di violette, che dà il nome al dipinto. Nell'angolo in alto a destra il dipinto è firmato e datato: «Manet 72».Anche in questo dipinto Manet si mostra particolarmente attento alle qualità formali dell'opera, orchestrando un raffinato accordo cromatico tra il delicato rosa dell'incarnato dell'effigiata, il bianco omogeneo che si dispiega sullo sfondo e, soprattutto, il nero dei suoi abiti, che appare brillante eppure incredibilmente delicato. Manet, infatti, aveva ben compreso la straripante potenza dei neri, e non si stancava mai di ripeterlo alla Morisot, sua allieva, che con i suoi dipinti già si stava accostando alla tensione cromatica impressionista, secondo la quale il nero va escluso, in quanto «non colore».

Prompt: Focus on Berthe Morisot with a Bouquet of Violets and explain the Description.Please output in Italian.


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: Explain the Religion about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: In The Crucifixion (Paleokapas), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto del Doge Giovanni Mocenigo

Andrea Bellieni [a cura di], Gloria di luce e colore. Quattro secoli di pittura a Venezia, Treviso, Antiga, 2016.Catalogo della mostra, Venezia e Istanbul in epoca ottomana: 18 novembre 2009-28 febbraio 2010, Istanbul, Università Sabanci, Museo Sakip Sabanci, Milano, Electa, 2009.

Prompt: How does Portrait of the Doge Giovanni Mocenigo explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: Explain the North Macedonia about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Le Oreadi

Le Oreadi  è un dipinto a olio su tela di William-Adolphe Bouguereau, realizzato nel 1902. Dal 2010 l'opera è esposta al museo d'Orsay di Parigi, dopo che venne donata dai discendenti dell'artista.

Prompt: In Les Oréades, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Busto di Giovanni Vigevano

Il Busto di Giovanni Vigevano è una scultura di marmo realizzata da Gian Lorenzo Bernini. L'opera è stata scolpita tra il 1617 e il 1618, collocata all'interno della tomba del Vigevano, dopo la sua morte nel 1630.  tomba si trova nella Basilica di Santa Maria sopra Minerva a Roma Tomba di Giovanni Vigevano </gallery>

Prompt: In Bust of Giovanni Vigevano, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria sopra Minerva
Gian Lorenzo Bernini
Roma


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Epifania

In Cile l'Epifania è nota come il Día de los Tres Reyes Magos  o  Pascua de los Negros . Sebbene quest'ultimo fosse raramente sentito come una festività, era comunque il giorno in cui agli schiavi era permesso di non lavorare.

Prompt: In Epifania, how is the Chile of the Artistic theme explained?Please output in Italian.


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La Sacra Famiglia

In una lettera a Ludwig Feuerbach dell'11 agosto 1844, Marx annunciava il proposito di pubblicare un «opuscoletto» contro la rivista di Bruno Bauer, e ne anticipava i contenuti:unica qualità umana [...]. Questa critica si reputa quindi l'unico elemento attivo della storia. Di fronte ad essa sta l'intera umanità come massa, come massa inerte che ha valore solo nella contrapposizione allo spiritoKarl MarxDer Charakter dieser „Literatur-Zeitung“ kann darauf hinauslaufen: „Kritik“ wird in eine transzendente Essenz verwandelt. Jene Berliner betrachten sich nicht als „Männer“, die „kritisieren“, sondern als „Kritiker“, die nicht nur „Kritiker sind“, sondern auch das Unglück haben, Männer zu sein [...]. Diese Kritik mündet schließlich in einen schäbigen und prätentiösen Spiritualismus. „Gewissen“ oder „Selbstbewusstsein“ gilt als die „einzige“ menschliche Eigenschaft [...]. Diese Kritik versteht sich daher als das einzig „aktive“ Element der Geschichte. Die gesamte Menschheit steht ihr als „Masse“ gegenüber, als träge Masse, die nur im Gegensatz zum Geist einen Wert hat.lingua=DElingua2=IT}}Alla fine di agosto 1844 Engels, in viaggio da Manchester per la Germania, si fermò una decina di giorni a Parigi, dove abitava Marx. Durante lo stesso soggiorno parigino i due filosofi riscontrarono il proprio totale accordo su tutte le questioni teoriche; Engels si associò alla stesura del libro contro Bauer, redigendo un contributo che ammonta a un foglio di stampa e mezzo sui ventidue fogli di stampa totali dell'opera . Il resto del libro fu scritto da Marx, che vi lavorò anche dopo la partenza di Engels, fino a tutto novembre. Forse Marx ampliò di parecchio l'opera anche allo scopo di sfuggire alla censura prussiana, la quale lasciava passare i libri che superavano i venti fogli a stampa, in quanto li considerava non suscettibili di avere una diffusione popolare.Il libro fu pubblicato alla fine di febbraio del 1845 dalla "Literarische Anstalt", una casa editrice di Francoforte sul Meno.  dicitura "Die heilige Familie"  fu suggerita dall'editore a scopo commerciale ; il titolo originale proposto dai due autori era soltanto "Kritik der kritischen Kritik" .

Prompt: How does Holy Family (El Greco, Hospital de Tavera) explain its Historical context?Please output in Italian.

1844
1845
Bruno Bauer
Francoforte sul Meno
Germania
Karl Marx
Literarische Anstalt
Ludwig Feuerbach
Manchester
Parigi


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Ritratto di père Tanguy

persona ritratta è Julien François Tanguy, affettuosamente soprannominato dai suoi amici père [padre] per il suo spirito caritatevole e generoso. Nato in Bretagna, père Tanguy nel 1870 partecipò alla breve e drammatica esperienza della Comune di Parigi e, quando tale tentativo autogovernativo venne schiacciato dall'intervento armato del presidente Thiers, fu imprigionato proprio perché comunardo. Una volta libero père Tanguy, anziché inseguire utopistici idealismi, preferì aprire un colorificio e, nella formidabile speranza di contribuire a un mondo migliore, accettò di aiutare tutti quegli artisti squattrinati non apprezzati dallestablishment artistico. Faceva loro credito, dava loro da mangiare, vendeva i loro lavori nel proprio retrobottega e accettava persino i loro dipinti come forma di pagamento per i vari materiali per dipingere.Intorno alla bottega di père Tanguy gravitavano artisti come Pissarro, Gauguin, Cézanne e ovviamente Vincent van Gogh, il quale si strinse in affettuosa amicizia con quel vecchio sognatore. A Julien Tanguy van Gogh dedicò ben tre dipinti: se il primo è molto convenzionale ed è ancora immerso nei toni terrosi del periodo di Nuenen, gli altri due sono molto più vivaci dal punto di vista cromatico e seguono un'impostazione sostanzialmente simile tra di loro.  seconda versione, oggi appartenente alla collezione Stavros di Parigi, è più famosa rispetto alla prima e perciò di essa tratteremo. In primo piano troviamo raffigurato proprio père Tanguy: le sue mani, grandi, rozze e vitali, sono giunte in grembo, mentre l'espressione fissa, contemplativa, rivela attraverso quegli occhi acquosi, paterni e senescenti la «iconica tranquillità di uno Buddha» . Julien è seduto, indossa una giacca a doppio petto e sul capo presenta un cappello da contadino giallo.Van Gogh si accosta a questa figura benevola e protettrice in maniera quasi commovente. Il suo stile non è ancora giunto pienamente a maturazione, ma già in questo ritratto egli rinuncia ai rapidi tocchi virgolettati impressionisti in favore di una pennellata più corposa, densa, perfettamente in grado di veicolare in maniera energica e penetrante l'emotività e la psicologia del ritrattato. Al di là della figura centrale di Tanguy, «vero monumento a un essere umano con tutte le caratteristiche di una presenza iconica» , particolarmente interessante è lo sfondo, composto da un tripudio di stampe giapponesi, a testimoniare il viscerale interesse che alla fine del XIX secolo era suscitato dall'arte del Sol Levante. Nel segno di un'unità sincretica tra arte orientale e occidentale, infatti, il fondale decorativo alle spalle di père Tanguy è foderato di diversi ukiyo-e raffiguranti attori, cortigiane e, ovviamente, la montagna sacra del Fujiyama.

Prompt: How does Portrait of Père Tanguy explain its Description?Please output in Italian.

Bretagna
Parigi
Vincent van Gogh
XIX secolo


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Caravaggio).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Van Gogh self-portrait (1889)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Arca di san Domenico

I 4 lati del sarcofago parallelepipedo sono decorati dai sei pannelli scolpiti ad altorilievo da Nicola Pisano e allievi. Questi rappresentano le Storie della vita e miracoli di san Domenico, intervallate da sei statuette: due al centro dei lati maggiori raffiguranti Cristo redentore e la Vergine stante con il Bambino, e quattro santi angolari legati all'istituzione dell'Ordine domenicano: Agostino, Onorio III, Paolo e Domenico con la disciplina. Cronologicamente la storia di san Domenico parte dal pannello di destra posto sul lato lungo del sarcofago rivolto verso l'entrata e si procede poi verso sinistra in senso orario: Prova del fuoco che brucia i libri degli albigesi. Le sculture descrivono un evento avvenuto in Linguadoca prima del 1216, quando Domenico operava, su richiesta del Papa Innocenzo III, per convertire i Catari. L'autorità locale, non sapendo se accogliere la parola di Domenico o quella dell'eresia albigese dei catari, chiese alle due parti di scagliare i loro libri nel fuoco.  verità sarebbe stata contenuta nel libro che avrebbe resistito alle fiamme. Nell'altorilievo si vede il fuoco al centro capeggiato da un giudice. Gli eretici, sulla destra, vedono i loro libri bruciare, mentre quello di Domenico, raffigurato alla sinistra del fuoco insieme ai confratelli, rimane sospeso. Miracolo della resurrezione di Napoleone Orsini caduto da cavallo. In uno dei numerosi viaggi a Roma, Domenico si imbatté nella morte per caduta da cavallo del giovane Napoleone Orsini, nipote del cardinale Stefano di Fossanova. Domenico lo risuscitò.  scena in basso è dominata dal cavallo e dal giovane caduti a terra, quest'ultimo soccorso da due passanti. In piedi vediamo lo stesso giovane, seguito da Domenico ed alcuni confratelli, riconsegnato ai familiari. I santi Pietro e Paolo consegnano la missione dell'Ordine. In uno dei viaggi a Roma, Domenico vide apparire San Pietro e San Paolo che gli consegnarono la Bibbia e un bastone con cui esercitare la sua predica. Sulla sinistra vediamo Domenico inginocchiato di fronte ai due santi ricevere il bastone e il libro. Sulla destra Domenico riunisce i confratelli per insegnargli a predicare con quegli strumenti. Approvazione dell'Ordine da parte di papa Innocenzo III. Nel 1216 Domenico chiese a papa Innocenzo III di approvare la sua regola. Il papa lo respinse, ma in seguito ad un sogno in cui vide Domenico sorreggere la Chiesa di San Giovanni in terano accolse di nuovo Domenico consigliandogli di adottare la regola agostiniana . A sinistra si vede il santo inginocchiato di fronte ad un papa freddo e distaccato. Al centro la visione del papa dormiente con Domenico che sorregge la chiesa e a destra Domenico inginocchiato di fronte ad un papa stavolta accogliente. Adesione di Reginaldo d'Orleans all'Ordine. Dal 1218 Domenico è a Bologna. Qui ricevette la visita di Reginaldo d'Orleans, docente di teologia alla Sorbona di Parigi. A Bologna il professore si ammalò gravemente, ma venne guarito da Domenico. A sinistra si vedono Reginaldo e Domenico a colloquio. Al centro il professore cade ammalato e a destra lo si vede coricato a letto mentre gli appare in sogno la Madonna che gli tocca il capo e gli mostra l'abito domenicano. Miracolo dei pani recati dagli angeli alla mensa del santo. Sempre nel 1218, Domenico è riunito con i confratelli nella piccola chiesa di San Niccolò delle Vigne a Bologna, la loro prima sede dopo l'arrivo nella città italiana. Mancando i viveri per la cena, Domenico si mise a pregare e subito apparvero due giovinetti  che portarono pane e fichi.  scena vede sette domenicani a tavola, incluso Domenico al centro. Davanti a loro i due giovani portano le vivande per la cena.Dall'analisi stilistica di molte figure scolpite che presentano caratteristiche più goticheggianti, con forme nervose e lineamenti più marcati, ma soprattutto per il fatto che dal 1265 Nicola era contemporaneamente impegnato a Siena per l'importante commissione del pergamo del Duomo, gli studiosi sono concordi nel vedere un'ampia partecipazione della bottega: fu scolpita prevalentemente da Arnolfo di Cambio e dal converso domenicano Guglielmo da Pisa, oltre che da due altri allievi  citati da Vasari, ma non altrimenti noti.

Prompt: Describe the characteristics of the The  sarcophagus  of  Nicola  Pisano  and  students in Arca di San Domenico's History.Please output in Italian.

1216
1218
1265
Arnolfo di Cambio
Bibbia
Bologna
Cristo
Nicola Pisano
Papa Innocenzo III
Parigi
Roma
Siena
Sorbona


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Gioele

Joël Bats, calciatore franceseJoël Bouzou, pentatleta franceseJoël Cantona, calciatore franceseJoël Chenal, sciatore alpino franceseJoël Corminbœuf, calciatore svizzeroJoël Curbelo, cestista portoricanoJoël de Oliveira Monteiro, calciatore brasilianoJoël Egloff, scrittore e sceneggiatore franceseJoël Epalle, calciatore cameruneseJoël Gaspoz, sciatore alpino svizzeroJoël Jutge, arbitro di rugby e dirigente sportivo franceseJoël Kimwaki, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël utier, scacchista franceseJoël Le Theule, politico franceseJoël Matip, calciatore tedesco naturalizzato cameruneseJoël Muller, calciatore, allenatore di calcio e dirigente sportivo franceseJoël Quiniou, arbitro di calcio franceseJoël Retornaz, giocatore di curling italianoJoël Robert, pilota motociclistico belgaJoël Sami, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël Smets, pilota motociclistico belgaJoël Stransky, rugbista a 15, imprenditore e dirigente d'azienda sudafricanoJoël Tanter, calciatore franceseJoël Tshibamba, calciatore della Repubblica Democratica del Congo

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Variant Joël and the People.Please output in Italian.

Joël Bats
Joël Bouzou
Joël Cantona
Joël Chenal
Joël Corminbœuf
Joël Curbelo
Joël Egloff
Joël Epalle
Joël Gaspoz
Joël Jutge
Joël Kimwaki
Joël Le Theule
Joël Matip
Joël Muller
Joël Quiniou
Joël Retornaz
Joël Robert
Joël Sami
Joël Smets
Joël Stransky
Joël Tanter
Joël Tshibamba
Joël de Oliveira Monteiro


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Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: In the context of The Lion Hunt (Delacroix), explain the Contemporary Age and the The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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I giocatori di carte

I giocatori delle grandi carte è una serie di dipinti a olio su tela  realizzati  da Paul Cézanne tra il 1890 e il 1895.  versione qui presente è conservata nel "Courtauld Institute of Art" di Londra, mentre le altre quattro al: "Barnes Foundation" di Philadelphia, al "Metropolitan Museum of Art" di New York, al  "Musée d'Orsay" di Parigi e nella collezione privata della famiglia reale del Qatar. Infatti, sul  tema della partita a carte Cézanne dipinse cinque differenti versioni.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Card Players.Please output in Italian.

Barnes Foundation
Metropolitan Museum of Art
Paul Cézanne
Qatar


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Venere allo specchio

Nicholas Ilyin e Natalia Semonova, , Prodanniy Sokrovischye Rossiyi, Trilisnik Publishers, Mosca,    Humfrey, Peter , Titien, Tout l'oeuvre peint, Ludion, 2007,

Prompt: Focus on Venus with a Mirror and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Trionfo di Galatea

Fonte della rappresentazione fu Teocrito  o Ovidio , magari filtrato dal Poliziano, o Apuleio . L'affresco mostra l'apoteosi della ninfa Galatea che cavalca un cocchio a forma di capasanta trainato da due delfini e guidato dal fanciullo Palemone, circondata da un festoso corteo di divinità marine  e vigilata, in cielo, da tre amorini che stanno per scagliare dardi amorosi contro di lei. Un quarto putto, a cui è rivolto il casto sguardo di Galatea, tiene un fascio di frecce nascosto dietro una nuvola, a simboleggiare la castità dell'amore platonico. posa statuaria della ninfa, in torsione verso sinistra, ricalca in un contesto laico e mitologico quella della Santa Caterina d'Alessandria, riferibile al 1508 circa. composizione è perfettamente misurata, con un ritmo danzante e vorticoso, dominato da Galatea avvitata su sé stessa. Riprendendo forse modelli antichi , Raffaello ricreò una mitica classicità, utilizzando toni cristallini e preziosi, quasi irreali, che tradiscono una conoscenza già approfondita della pittura romana antica. Sul verde marmoreo della superficie del mare spicca il rosso "pompeiano" della veste di Galatea.Il movimento del manto gonfiato dal vento, accompagnato da quello dei capelli, è ripreso dal gesto della vicina nereide, che solleva un braccio mentre è rapita da un tritone. I corpi possenti delle figure dimostrano influssi di Michelangelo, addolciti però dal senso della misura del Sanzio e dalla dolce naturalezza dei suoi personaggi, tra cui spiccano soprattutto gli amorini, ma anche la stessa Galatea, serena e aggraziata.

Prompt: In Galatea (Raphael), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the Maria Magdalene in the canonical gospels discussed?Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


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Lucifero

Sofronio Eusebio Girolamo, Commentario sul Profeta Isaia Dante Alighieri, Divina Commedia - Inferno John Milton, Paradiso perduto Giovanni Papini, Il Diavolo. Appunti per una futura diabologia Dominique Cerbelaud, Il Diavolo: storia, religione, credenze popolari, letteratura Jeanguenin Gilles, Il diavolo esiste! Testimonianze di un esorcista Massimo Introvigne, Indagine sul satanismo. Satanisti e anti-satanisti dal Seicento ai giorni nostri

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Dante Alighieri
Diavolo
Divina Commedia
Giovanni Papini
Inferno
John Milton
Massimo Introvigne
Paradiso perduto


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Apocalisse

Apocalisse di Giovanni Armageddon Millenarismo Giorno del giudizio   punto di vista musulmano Dajjāl figura escatologica che tenterà di traviare la Comunità musulmana Fantascienza apocalittica e postapocalittica Profezia biblica Rivelazione Fine del mondo

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Ince Hall

Madonna di Ince Hall  o Madonna col Bambino leggente è un dipinto a olio su tavola di attribuzione incerta a Jan van Eyck, realizzato nel 1433 e conservato nel National Gallery of Victoria di Melbourne in Australia.

Prompt: In Ince Hall Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1433
Australia
Jan van Eyck
Melbourne
National Gallery of Victoria


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Musica

Con musica popolare o musica folk  e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia, popolazione, ambito geografico o culturale.Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare.  musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Song music folk tradition of the The studio explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In The Sacrament of the Last Supper, how is the The Eucharistic institution of the New Testament explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Cloud Gate

Kapoor spesso parla di rimuovere, dalle opere di ogni artista, sia la firma che ogni traccia lasciata durante la fabbricazione, o come lui preferisce chiamarle, le "tracce della mano".Il Cloud Gate è descritto come un lavoro trasformativo e convenzionale. È simile a molti altri precedenti lavori dello stesso Kapoor nei temi e nelle questioni riportate. Mentre gli effetti specchio della scultura sono reminiscenze degli specchi presenti nei parchi giochi, in realtà hanno anche un intento molto più serio: aiutano a dematerilizzare questo grosso oggetto, facendolo sembrare leggero e quasi senza peso. Il Cloud Gate è considerato inoltre il più ambizioso uso, da parte dell'artista, di specchi complessi. Kapoor sfida i propri visitatori ad internalizzare il proprio lavoro attraverso esercizi intellettuali e teorici: riflettendo il cielo, riflettendo le persone  e riflettendo le architetture intorno, il Cloud Gate limita i propri visitatori ad una parziale comprensione in ogni momento. L'interazione con lo spettatore che si muove per creare la propria personale visione dà l'idea di una dimensione spirituale.  scultura è inoltre descritta come una luminosa forma senza corpo,.Il visitatore entra fisicamente nell'arte quando cammina al di sotto della struttura dentro il suo "ombelico". L'omphalos è una "dimensione raggrinzita di spazio fluido". Nella sua dimensione, il solido viene trasformato nel fluido in una maniera disorientativamente moltiplicativa che intensifica l'esperienza vissuta. È emblematico del lavoro di Kapoor il modo di destrutturare lo spazio empirico ed avventurarsi nelle varie possibilità dello spazio astratto.Secondo quanto dichiarato dal project manager Lou Cerny delle MTH Industries, "quando la luce è quella giusta, non si riesce a capire dove finisca la scultura e dove inizi il cielo."  scultura sfida la percezione distorcendo e deformando le architetture che vi stanno attorno. I grattacieli lungo la East Randolph Street fino al limite nord-est della Two Prudential Plaza e Aon Center, a nord la One Prudential Plaza e a nord-ovest il The Heritage, Smurfit-Stone Building sono riflessi sulla superficie del Cloud Gate quando visti da est o da ovest.  scultura distorce inoltre la percezione del tempo del visitatore in quanto cambia la velocità di movimento, come accade ad esempio con le nuvole.Sebbene nel senso convenzionale il Cloud Gate non sia un'apertura che porta dovunque nello stesso modo in cui fanno le porte monumentali, esso incornicia una visuale e la celebra come se fosse un posto cerimoniale. L'opera è accreditata della realizzazione di un nuovo livello come una transustanziazione della materia, reminiscenza di quello che l'artista ha provato durante il viaggio in India del 1979.  raccolta "1000 Names" di Kapoor si evolve immediatamente dopo questo viaggio e, 25 anni più tardi, l'artista creerà il Cloud Gate, un oggetto che emerge da forme materiali per diventare immateriale.Spesso, Kapoor si affida a canoni dell'induismo per la realizzazione della sua arte e dice che "l'esperienza degli opposti permette l'espressione della totalità".  dualità primitive, come ad esempio il lingam e lo yoni, sono importanti nell'ambito della cultura indiana ed il Cloud Gate rappresenta proprio entrambe le doppia valenza maschile e femminile di un'entità che simboleggia sia la vagina che i testicoli, rappresentando, quindi, la tensione tra la mascolinità e la femminilità.

Prompt: In the context of Cloud Gate, explain the CloudGate and the Audience reception.Please output in Italian.


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Dama con l'ermellino

L'ermellino è dipinto con precisione e vivacità. A un'analisi della morfologia dell'animale, esso appare però più simile a un furetto. Può darsi che Leonardo, sempre indagatore del dato naturale, si ispirasse a un animale catturato, allontanandosi dalla Dama, tutto sommato più realistica, tradizione iconografica . Del resto, l'ermellino è un animale selvatico mordace e difficilmente ammaestrabile, di conseguenza sarebbe stato molto difficile poterlo utilizzare come modello, al contrario del furetto che è un animale domestico, come il gatto, oltre che relativamente semplice da trovare nelle campagne lombarde dell'epoca. Si consideri inoltre che l'ermellino ha dimensioni molto più ridotte, superando raramente e comunque di poco i 30 cm, mentre il furetto, come nel dipinto, a occhio misura tra i 40 e i 60 cm.

Prompt: In Lady with an Ermine, how is the The ermine of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Autoritratto con cane nero

LAutoritratto con cane nero , anche noto come Courbet con il cane nero , è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait with a Black Dog.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sacra Famiglia

Gesù Maria, madre di Gesù Giuseppe  Madonna col Bambino Sacra Parentela Metterza

Prompt: Focus on The Holy Family (Collinson painting) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Gesù
Madonna col Bambino
Metterza
Sacra Parentela


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, per la Chiesa romana l'Epifania è la festività che ricorda la visita dei Magi; nella Chiesa maronita, secondo l'antica tradizione, rappresenta l'annuncio pubblico della missione di Gesù quando fu battezzato nel Giordano da Giovanni il Precursore, detto anche "Giovanni Battista". In tale occasione i cristiani libanesi pregano per i loro defunti.I Maroniti si recano generalmente alla Messa di mezzanotte quando Cristo  passa per benedire le case, mentre i cristiani libanesi riuniti per la Messa si congratulano a vicenda dicendo "El Deyim Deyim" . Si prepara un impasto fatto solo di acqua e farina  che lievita all'aperto grazie alla benedizione.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Lebanon and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Battista
Giovanni Battista
Chiesa maronita


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Ritratto lucano

Nicola Barbatelli, Peter Hohenstatt, Orest Kormashov, E Rinascimento. Leonardo, Donatello, Raffaello, capolavori a confronto, Colonnella , Marte Edizioni, 2010, ISBN 9788864970028 Carlo Pedretti, Leonardo e Cesare da Sesto nel Rinascimento Meridionale, a cura di Nicola Barbatelli e Carlo Pedretti, Poggio a Caiano , Edizioni CB, 2013, ISBN 9788897644217 Carlo Pedretti, Leonardo a Donnaregina. I Salvator Mundi per Napoli, a cura di Nicola Barbatelli e Margherita Melani, Napoli, Edizioni CB - Elio De Rosa Editore, 2017, ISBN 9788873691075 Fabio Scaletti, Martin Kemp, Leonardo 500, Reggio Emilia, Scripta Maneant Edizioni, 2019, ISBN  88-95847-45-8

Prompt: Focus on Lucan portrait of Leonardo da Vinci and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Bellezza

Platone, 427 a.C. a 347 a.C., Simposio sull'amore; Alcibiade primo. Plotino, Enneadi 253-263. Immanuel Kant, 1790 Critica del Giudizio. Renato Barilli, Corso di estetica, Il Mulino, Bologna 1995 . Marco Costa, Leonardo Corazza,  Benedetto Croce, Estetica come scienza dell'espressione e linguistica generale ; Breviario di estetica ; Aesthetica in nuce . Mikel Dufrenne, Estetica e filosofia, Marietti, Genova 1989 . Umberto Eco , Storia della bellezza, Bompiani, Milano 2004. Elio Franzini - Maddalena Mazzocut-Mis, Estetica: i nomi, i concetti, le correnti, B. Mondadori, Milano 1996. Elio Franzini - Maddalena Mazzocut-Mis, Breve storia dell'estetica, B. Mondadori, Milano 2003. Hans-Georg Gadamer, Scritti di estetica, 2002 Aesthetica Edizioni, Palermo. Sergio Givone, Storia dell'estetica, terza, Roma-Bari 2001 . David Konstan, Beauty. The Fortunes of an Ancient Greek Idea, New York, Oxford University Press, 2014 Elio Matassi, Walter Pedullà, Fulco Pratesi,  Bellezza, a cura e con un saggio introduttivo di R. Gaetano, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2005. Pietro Montani , L'estetica contemporanea. Il destino delle arti nella tarda modernità, Carocci, Roma 2004. Luigi Pareyson, Estetica: teoria della formatività, Sansoni, Firenze 1974 . Stephen David Ross et al. Beauty, in Michael Kelly , Encyclopedia of Aesthetics, New York, Oxford University Press, 1998, volume 1, pp. 237-251. Maria Scalisi,  Bellezza in Agostino d’Ippona - Poter educare attraverso il bello sensibile al Bello Immutabile, prefazione di Lorenzo Dattrino, Aracne Editrice, Roma, 2009 Jean Soldini, Saggio sulla discesa della bellezza. Linee per un'estetica, Jaca Book, Milano, 1995. Jean Soldini, «Resistance and Beauty of the Other», in FMR White Edition , 2008, n.4, pp. 96-109. Władysław Tatarkiewicz, Storia dell'estetica, Einaudi, Torino 1979-1980, 3 voll. . Wladyslaw Tatarkiewicz, Storia di sei Idee, Aesthetica Edizioni, Palermo 1997 . Federico Vercellone - Alessandro Bertinetto - Gianluca Garelli, Storia dell'estetica moderna e contemporanea, Il Mulino, Bologna 2003. Stefano Zecchi,  fondazione utopica dell'arte ;  bellezza ; Il brutto e il bello ; Capire l'arte .

Prompt: In The Beauty, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

347 a.C.
427 a.C.
Alcibiade primo
Bello
Benedetto Croce
Critica
Enneadi
Estetica
Estetica e filosofia
Hans-Georg Gadamer
Idea
Immanuel Kant
Jean Soldini
Leonardo Corazza
Luigi Pareyson
Marco Costa
Mikel Dufrenne
Pietro Montani
Platone
Plotino
Renato Barilli
Sergio Givone
Stefano Zecchi
Umberto Eco
Władysław Tatarkiewicz


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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The Lady of Shalott

Il compositore inglese Cyril Rootham ha creato la prima versione musicale di questa poesia nel 1909, per mezzosoprano solista, coro e orchestra.Nel 1958, Arthur Bliss composto una suite di balletto dal titolo "The dy of Shalott" .Esiste una trasposizione musicale di questo celebre poemetto musicato dalla cantautrice canadese Loreena McKennitt, contenuto nel suo album The Visit .  cantautrice americana Emilie Autumn ha scritto un brano ispirato proprio a questo poemetto, contenuto nel suo album Opheliac. Le prime cinque canzoni dell'album di debutto della metal band olandese Autumn, When Lust Evokes The Curse, seguono un filo narrativo continuo incentrato sulla Signora di Shalott. power metal band italiana Domine ha dedicato un pezzo alla dama di Shalott nel quinto disco Ancient Spirit Rising. Nel 1977 l'israeliana progressive rock band Atmosphera ha intitolato un album "dy of Shalott".

Prompt: Explain the Musical transpositions of this artwork, The Lady of Shalott (painting).Please output in Italian.

Ancient Spirit Rising
Arthur Bliss
Autumn
Cyril Rootham
Domine
Emilie Autumn
Loreena McKennitt
Opheliac


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Ritratto di Ferdinando IV

Il Ritratto di Ferdinando IV è un dipinto olio su tela di Anton Raphael Mengs, realizzato nel 1759 e conservato all'interno del Museo nazionale di Capodimonte, a Napoli.

Prompt: How does Portrait of Ferdinand IV explain its Abstract?Please output in Italian.

1759
Anton Raphael Mengs
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


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Immacolata Concezione

René urentin, Breve mariologia, Edizioni Paoline, 1964 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Incipiunt Cantica canticorum: allegorice super Matrem Dei, ed moraliter super animam", Editrice Messaggero S. Antonio, Padova, 1986 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Ecce nubecula, parva...", Edizioni del Comitato di Promozione Culturale "Padre Maestro", Lucera, 1998 Roberto Coggi,  beata Vergine. Trattato di mariologia, Edizioni Studio Domenicano, 2004, ISBN 88-7094-533-2 Valeria Ferrari Schiefer, Stefano De Fiores, Salvatore M. Perrella, Mariologia, San Paolo, 2009 ISBN 88-215-6341-3 Bruno Forte, Maria - la donna icona del Mistero, San Paolo, 2011 ISBN 88-215-7035-5

Prompt: Explain the Treatises  of  Mariology about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Bruno Forte
Francesco Antonio Fasani
ISBN
Mariologia
Salvatore
Francesco Antonio Fasani


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Apocalisse

rivelazione dei misteri svela cose che vanno oltre la normale portata dell'umana conoscenza. Dio concede a profeti selezionati le istruzioni al riguardo, sia per aspetti estranei all'esperienza umana o per vicende che l'umanità non ha ancora affrontato.Vengono svelate alcune informazioni sul paradiso, in misura minore o maggiore: gli scopi di Dio; i fatti e le caratteristiche relative agli angeli e agli spiriti malvagi; la spiegazione di alcuni fenomeni naturali; la storia della creazione e dei periodi iniziali dell'umanità; gli eventi in corso, in special modo quelli relativi al futuro di Israele; la fine del mondo; il giudizio universale e il destino dell'umanità; l'epoca messianica; immagini del paradiso e dell'inferno. Nel Libro di Enoch, la più ampia delle apocalissi ebraiche, la rivelazione comprende tutti gli elementi suddetti.

Prompt: Describe the characteristics of the Revelation of mysteries in Apocalypse (Dürer)'s Representations of the Apocalypse.Please output in Italian.


section

Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


section

Betsabea al bagno

Opera tarda del Franciabigio, è caratterizzata da una narrazione vivace che si dispone su più nuclei, sfruttando una ricca quinta scenografica di edifici rinascimentali in prospettiva. Re Davide, passeggiando sulla terrazza del suo palazzo, vede Betsabea che sta facendo il bagno. Anche se è a conoscenza che essa è moglie di Uria, uno dei suoi soldati attualmente impegnato in guerra, Davide si invaghisce di lei, la invita a casa propria ed ha una relazione con lei. Betsabea rimane incinta ed informa della cosa il re. Davide richiama il marito dalla guerra perché egli dorma con la propria moglie, ma Uria si rifiuta di dormire a casa propria. Il re comanda allora al suo generale di sferrare un attacco e di far mettere Uria in prima fila. Il comandante ubbidisce e Uria muore durante quest'attacco. Così Davide resta libero di prendere in moglie Betsabea , venendo poi però punito da Dio.I personaggi affacciati ai balconi erano frequenti nell'arte dell'epoca. Se ne trovano ad esempio anche nel Cenacolo di Andrea del Sarto.

Prompt: How does Bathsheba at her Bath (Ricci) explain its Description and style?Please output in Italian.

Andrea del Sarto
Betsabea
Cenacolo di Andrea del Sarto
Franciabigio
Davide


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Ritratto di Maddalena Strozzi

Il ritratto venne commissionato dal marito della donna, Agnolo Doni, ricco mercante e mecenate fiorentino, assieme a un proprio ritratto, dopo il matrimonio avvenuto il 31 gennaio 1504. Lo stesso Doni aveva fatto dipingere a Michelangelo il famoso Tondo Doni, oggi agli Uffizi.I due ritratti, conservati a palazzo Doni, grazie alla straordinaria introspezione che fece scuola, ebbero un duraturo successo: tra i numerosi che Raffaello dovette eseguire a Firenze, sono gli unici di cui si sia tramandato il nome, fin dai tempi di Vasari.L'opera rimase in possesso dei discendenti fino al 1826, quando fu ceduta al granduca Leopoldo II di Toscana. Rispetto al ritratto del marito, il ritratto di Maddalena è lievemente anteriore. Radiografie dell'opera hanno mostrato come essa fosse inizialmente ambientata in una stanza con finestra, e altri studi hanno dimostrato come le dimensioni della tavola vennero accorciate per adattarsi in dittico al ritratto del marito.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino alla luce dell'allestimento delle sale dei "Grandi Uffizi", e ha riunito nel 2018 questo dipinto e il suo pendant al Tondo Doni in una nuova sala al secondo piano di quest'ultima galleria.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Maddalena Doni.Please output in Italian.

1826
Agnolo Doni
Eike Schmidt
Firenze
Galleria Palatina
Leopoldo II di Toscana
Tondo Doni


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William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Caroline's campaign and the Strategy.Please output in Italian.


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Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1503-1506 circa e conservato nel Museo reale di belle arti di Anversa. È firmato "Titiano F. C."  tela, datata tradizionalmente al 1508-1512, è stata ristudiata approdando a una datazione al 1503-1506, che ne farebbe la prima opera conosciuta di Tiziano, poco meno che ventenne.

Prompt: In Jacopo Pesaro being presented by Pope Alexander VI to Saint Peter, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.