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Musica

upright=0.8upright=1.4All'inizio del XX secolo la musica occidentale cambiò profondamente, e fu scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiarono anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo, i modi e i tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri, locali, club o case private. Da una parte iniziò a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezzava strutture melodiche e armoniche più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico fu facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell'altoparlante e dell'amplificazione audio, che permise di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti , perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi . In ambito pop nacquero personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Fra questi si possono citare Frank Sinatra, Elvis Presley, James Brown, Jimi Hendrix, Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones, David Bowie, Stevie Wonder, Elton John, Bruce Springsteen, U2 per arrivare ai più recenti George Michael, Michael Jackson, Bon Jovi, Oasis, Madonna, Cher, Britney Spears, Adele.Altro genere popolare sorto nel XX secolo è stato il rock, dizione abbreviata di "rock and roll" o "rock'n'roll" . Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica da ballare, derivata dal boogie-woogie, ballo afro-americano del dopo guerra . Quando rock e rock'n'roll si differenziarono, la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere di musica. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre, il basso e la batteria, in alcuni casi con l'inserimento di altri strumenti .Negli anni sessanta, soprattutto in Inghilterra, si formarono gruppi come The Who, Pink Floyd, Led Zeppelin, Deep Purple, King Crimson e Soft Machine pronti a spaziare e a raggiungere nuove strutture musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, traendo spesso ispirazione dalla musica classica e dal jazz, per iniziare a dare vita a una rivoluzione. In questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore, il moog, il mellotron iniziò a dare vita nella metà degli anni sessanta al genere progressive. Alla fine degli anni settanta nacque un nuovo stile musicale che azzerò completamente il progressive, il punk, che vide il ritorno a sonorità hard e violente spinte a volte verso estremismi anti-musicali e legate a tematiche di contestazione politica.Negli anni ottanta le due correnti principali del rock erano il punk e le sue propaggini , No Wave, Industrial ecc.) e il Metal . I primi anni novanta videro l'esplosione del fenomeno Grunge che riportò per qualche tempo il rock all'attenzione delle masse popolari. Il gruppo più rappresentativo di questo genere furono i Nirvana, che con Il loro secondo album Nevermind portarono il grunge nel mainstream rimanendoci fino alla fine degli anni novanta. Nella seconda metà degli anni novanta la ripresa di istanze progressive, filtrate dall'esperienza punk, diedero vita a quello che sarà poi definito Post-rock. All'interno dell'universo post-rock può essere incluso il Math rock  e certe forme di neopsichedelia . Altra corrente che si sviluppa nel corso del decennio è lo Stoner rock, mentre il metal si avvia ai suoi sviluppi più estremi e parossistici: Death metal, Black metal, Doom metal, Power metal, Thrash metal e Speed metal si allontanano nettamente dagli schemi della canzone hard rock/heavy metal tendendo anch'essi a rivolgersi a nicchie di pubblico più ristrette, mentre le tematiche diventano sempre più oscure e decadenti . Parallelamente, la musica nera troverà il suo nuovo genere di riferimento nell'hip hop, mentre quella latina, da sempre orientata alla musica da ballo, vedrà l'origine del genere del reggaeton.Con l'avvento del III millennio, cambia la modalità di fruizione della musica. Tramonta l'epoca dei supporti fonografici, che avevano fatto la fortuna dell'industria discografica nel XX secolo, e la musica è sempre più distribuita attraverso internet e fruita attraverso nuovi media come i lettori MP3.

Prompt: Explain the Popular music of the 20th century about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

1920
1980
Black metal
Bob Dylan
Bon Jovi
Britney Spears
Bruce Springsteen
Cher
David Bowie
Death metal
Deep Purple
Doom metal
Elton John
Elvis Presley
Frank Sinatra
George Michael
Grunge
III millennio
James Brown
Jimi Hendrix
King Crimson
Led Zeppelin
Math rock
Michael Jackson
Oasis
Pink Floyd
Post-rock
Power metal
Soft Machine
Speed metal
Stevie Wonder
Stoner rock
The Beatles
The Rolling Stones
The Who
Thrash metal
U2
XX secolo


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Uno squalo morto non è arte, Nel 2003, con il titolo A Dead Shark Isn't Art , la Stuckism International Gallery ha esposto uno squalo che era stato esposto per la prima volta al pubblico due anni prima di quello di Hirst da Eddie Saunders nel suo negozio di Shoreditch , JD Electrical Supplies. Gli "stucchisti" hanno ipotizzato che Hirst potrebbe aver avuto l'idea per il suo lavoro dall'esposizione del negozio di Saunders.In un discorso alla Royal Academy nel 2004, il critico d'arte Robert Hughes ha usato The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living come un ottimo esempio di come il mercato dell'arte internazionale all'epoca fosse " un'oscenità culturale". Senza nominare l'opera d'arte o l'artista, ha affermato che i segni di pennello sul colletto di pizzo di un dipinto di Velázquez potrebbero essere più radicali di uno squalo "che si disintegra oscuramente nella sua vasca dall'altra parte del Tamigi".Il film britannico-ungherese del 2009 Lo schiaccianoci in 3D presenta una scena in cui uno squalo domestico viene fulminato in una vasca d'acqua, che il regista Andrei Konchalovsky cita come riferimento all'opera d'arte di Hirst. risposta di Hirst a coloro che dicevano che chiunque avrebbe potuto realizzare quest'opera d'arte è stata: "But you didn't, did you?" .

Prompt: In The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, how is the Reactions references discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-portraitsset and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Riguardo alla discussa paternità del dipinto Simone Ferrari, studioso della materia, dichiara: “Personalmente ritengo che il cartellino vada sciolto a favore di Jacopo de' Barbari e che l'attribuzione sia confermata dalla cifra stilistica.”Per contro, l'accostamento del nome di Jacopo de' Barbari all'iscrizione del cartiglio è soltanto parziale e non trova altri supporti di convalida, mentre la firma mediante una sigla  ed un simbolo , usati sistematicamente dal de' Barbari, non sono rinvenibili nel dipinto.Secondo Francesca Cortesi Bosco, l'attribuzione al de' Barberi sopravvive solo per ragioni inventariali e va esclusa per ragioni stilistiche, tecniche e pittoriche. A suo parere, il dipinto è stilisticamente lontano, ma cronologicamente prossimo, alle opere note di de' Barbari. Lo stile sarebbe avvicinabile a quello di Alvise Vivarini, indicando come possibile autore un pittore della sua bottega.

Prompt: In Portrait of Luca Pacioli, how is the Jacopo de' Barbari of the Author's identity explained?Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Francesca Cortesi Bosco
Jacopo de' Barbari


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Ritratto di Luca Pacioli

Fritz Heinemann ritenendo, come risulterebbe dalla radiografia, che il cartiglio non sia autentico, attribuì nel 1962 il dipinto al pittore veneziano Alvise Vivarini.Luca Pacioli era sicuramente a Venezia tra il 1493 e il 1494, quando vi pubblicò la sua opera Summa de arithmetica, geometria, proportioni et proportionalita .Il manufatto di vetro sospeso sul lato sinistro della tela è fissato da una cordicella rossa con una sferetta sul fondo dell'elemento. Esso ha una similitudine con l'uovo che scende dalla conchiglia nella Pala di Brera di Piero della Francesca, amico e maestro del Pacioli. Il solido sospeso indicherebbe anche un legame con Alvise Vivarini, che faceva parte dell'antica famiglia di vetrai originari di Murano, ed il cui zio Bartolomeo aveva collaborato alla realizzazione della grande vetrata della chiesa veneziana dei Santi Giovanni e Paolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Alvise Vivarini in Portrait of Luca Pacioli's Author's identity.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Luca Pacioli
Pala di Brera
Piero della Francesca
Summa de arithmetica


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Bellezza

Il bello per Aristotele e Platone è il "Vero". Nell'età moderna, Giambattista Vico afferma un altro criterio, secondo cui il vero è il "fatto" . Unificando questi due criteri ricaviamo la forma occidentale della bellezza, che è inevitabilmente l'arte. Il bello è nell'arte e la possibilità che la bellezza sia propria della natura è esplicitamente ammessa da Kant nella Critica del Giudizio dove definisce il bello naturale come "bello d'arte" e il "bello d'arte" come il bello di natura. Essenzialmente, nella cultura filosofica dell'Occidente il bello si definisce in funzione del giudizio che lo esprime, mentre il "bello in sé" è assolutamente chimerico.

Prompt: Describe the characteristics of the Aristotelian concept "Beautiful" corresponds "True" in The Beauty's Beauty Christianity.Please output in Italian.

Aristotele
Critica
Giambattista Vico
Platone


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Pia de' Tolomei

Pia de' Tolomei, opera di Gaetano Donizetti e Salvadore Cammarano , tratta dal poemetto omonimo di Bartolomeo Sestini   Pia, dalla Divina Commedia di Dante, melodia di Antonino Palminteri  Dante's Prayer, canzone di Loreena McKennitt contenuta nell'album The Book of Secrets  ¿Pia? , dialogo drammatico musicale in un atto di Azio Corghi    Divina Commedia, opera di Marco Frisina   Pia come la canto io, concept album di Gianna Nannini   Pia de' Tolomei, opera rock di Gianna Nannini, su testo di Pia Pera  Pia de’ Tolomei, melodramma in musica e canto sotto forma di Bruscello Poliziano, direzione musicale e musiche: Luciano Garosi, libretto: Irene Tofanini, regia: Marco Mosconi, direzione artistica: Franco Romani, Città di Montepulciano, compagnia popolare del Bruscello

Prompt: Explain the Music about the Ptolemy's footnotes in mass culture of this artwork, Pia de' Tolomei (Rossetti).Please output in Italian.

Antonino Palminteri
Azio Corghi
Bartolomeo Sestini
Bruscello Poliziano
Divina Commedia
Gaetano Donizetti
Gianna Nannini
Loreena McKennitt
Marco Frisina
Montepulciano
Pia Pera
Pia come la canto io
Salvadore Cammarano
The Book of Secrets


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Edmonia Lewis

Di padre di discendenza afro-haitiana e madre di Mississauga Ojibwe , l'artista rimase orfana nella sua prima infanzia e andò a vivere con le sue zie materne. Suo fratello lasciò la tribù nomade di sua madre e divenne un minatore d'oro in California durante la Febbre dell'oro. All'età di 15 anni, Lewis si iscrisse all'Oberlin College, dove si appassionò all'arte. In Italia, Edmonia Lewis si unì a una cerchia di artisti espatriati e aprì il suo studio. Durante questo periodo, iniziò a scolpire nel marmo, concentrandosi sul naturalismo e sui temi relativi agli afro-americani e ai nativi americani. Un altro punto culminante della sua carriera fu la sua partecipazione nel 1876 alla "Centennial Exposition" di Philadelphia, per la quale creò un pezzo monumentale di circa 1400 kg, che intitolò " Morte di Cleopatra". Edmonia Lewis scrisse nel 1864: "Non c'è nulla di così bello come la foresta libera: prendi un pesce quando hai fame, tagli i rami di un albero, fai un fuoco per arrostirlo e mangiarlo all'aperto, è il più grande di tutti i lussi. Non starei una settimana rinchiusa nelle città, se non fosse per la mia passione per l'arte" .

Prompt: Explain the Biography of this artwork, Edmonia Lewis.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano

L'opera ha apparentemente un tipico schema devozionale, con i personaggi a mezza figura allineati su un campo lungo orizzontale, la Madonna col Bambino al centro e due santi ai lati, su un modello ampiamente usato a Venezia da Giovanni Bellini e altri. In questo caso però Maria è disallineata, sedendo su un trono di nuda pietra, coperto solo da un telo verde, dove deve appoggiare anche le gambe, sul modello delle Madonne dell'Umiltà, ed è affiancata dai santi Rocco e Sebastiano  che stanno invece in piedi, su un livello più basso, e con una rotazione del busto complementare di tre quarti . Rocco mostra la sua ferita nella coscia, che è miracolosamente risanata dal gesto benedicente del Bambino, Sebastiano invece compie una torsione in avanti per vedere, con espressione stupita, il prodigio. costruzione della composizione ha un gusto squisitamente proto-manierista, con l'uso di linee diagonali e un sostanziale disinteresse verso la prospettiva . luce è morbida e avvolgente, la stesura dà effetto setosi, come nella capigliatura bionda di Sebastiano, oppure lanosi, come nel cappello di Rocco, legato dietro le spalle. Straordinario il concerto di colori squillanti, evidenziato dallo sfondo grigio, e che ha il suo culmine nel rosso intenso della veste di Maria.Nei primi anni del XVII secolo Enea Salmeggia ne fece una copia di ottima qualità conservata a Costa Mezzate nel castello dei Camozzi Vertova..

Prompt: How does Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto) explain its Description and style?Please output in Italian.

Costa Mezzate
Enea Salmeggia
Giovanni Bellini
XVII secolo


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Marforio

statua, di dimensioni monumentali , raffigura un personaggio maschile semisdraiato sul fianco sinistro, nudo a eccezione di un manto che gli avvolge il braccio sinistro e la parte inferiore del corpo, dal bacino in giù.  figura è dotata di una folta capigliatura e di una barba parimenti riccioluta. L'iconografia rimanda a una divinità acquatica o alla personificazione di un corso d'acqua; la conchiglia che stringe nella mano destra, aggiunta nel XVI secolo, ha stabilito la sua identificazione postuma col dio Oceano.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Marforio.Please output in Italian.


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Peru in Epifania's Theology.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Austria -- Greta Klingsberg  / Ruth Klüger . Belgio -- François Englert  / Simon Gronowski  / Bettina Le Beau . Cecoslovacchia -- Yehuda Bacon  / George Brady  / Thomas Buergenthal  / David Weiss Halivni  / Ivan Klíma  Michal Kraus  / Arnošt Lustig  / Zdeněk Ornest  / Tomi Reichental  / Zuzana Růžičková  / Jan Saudek  / Felix Weinberg  / Ela Weissberger  / Zoltan Zinn-Collis . Francia -- Gérard Avran  / Fanny Ben-Ami  / Robert Clary  / Saul Friedländer  / Alexander Grothendieck  / Simon Jeruchim  / Joseph Joffo  / Jean Kahn  / Daniel Kahneman  / Serge Klarsfeld  / Jean-Marie Lustiger  / Annette Muller  / Jacques Saurel  Germania -- Inge Auerbacher  / Walter Zwi Bacharach  / Hans Frankenthal  / Thomas Geve  / Bill Graham  / Sonia Levitin  / Helga Newmark  / Paul Spiegel  / Beni Virtzberg  / Ruth Westheimer  / Eddie Willner . Italia  -- Andra Bucci  / Tatiana Bucci  / Enzo Camerino  / Luigi Ferri  / Hanna Kugler Weiss  / Lia Levi  / Ida Marcheria  / Marcello Martini  / Sami Modiano  / Emanuele Pacifici  / Alberto Sed  / Liliana Segre  / Arianna Szörényi  / Piero Terracina  / Aldo Zargani . Sylva Sabbadini  Jugoslavia -- Lustig Branko  / Yehuda Elkana  / Shaul dany  / Itzchak Tarkay . Lituania -- Alexander Tamir  Paesi Bassi -- Gerhard Durlacher  / Bloeme Evers-Emden  / Jona Oberski  / Eva Schloss . Polonia -- Alicia Appleman-Jurman  / Jurek Becker  / Louis Begley  / Nelly Ben-Or  / Halina Birenbaum  / Victor Breitburg  / Zahava Burack  / Élie Buzyn  / David Faber  / Abraham Foxman  / Roman Frister  / Bronisław Geremek  / Marek Halter  / Marek Herman  / Kitty Hart-Moxon  / Anna Heilman  / Ben Helfgott  / Yidele Henechowicz  / Aleksander Henryk ks  / Arek Hersh  / Roald Hoffmann  / Jerzy Kosinski  / Jack Kuper  / Yisrael Meir u  / Anita Lobel  / Coby Lubliner  / Jack Mandelbaum  / Uri Orlev  / David Perlmutter  / Sam Pivnik  / Roman Polański  / Ruth Posner  / Israel Shahak  / Szymon Srebrnik  / Alina Szapocznikow  / Emanuel Tanay  / Jack Tramiel  / Meir Wilchek  / Miriam Winter  / Sabina Wolanski . Romania -- Aharon Appelfeld  / Edith Balas  / Magda Herzberger  / Liviu Librescu  / Dan Pagis  / Kati Preston  / Elie Wiesel . Ucraina -- Janina Altman  / Martin Greenfield . Ungheria -- Iván T. Berend  / Edith Bruck  / John Chillag  / Peter Fischl  / Yosef Goldman  / Miklos Kanitz  / Imre Kertész  / Tom ntos  / dislaus Löb  / Nicholas Nagy-Talavera  / Tibor Rubin  / Péter Szondi  / Irene Zisblatt .

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Survivors of the Historical research explained?Please output in Italian.

Abraham Foxman
Aharon Appelfeld
Alberto Sed
Aldo Zargani
Alexander Grothendieck
Alexander Tamir
Alicia Appleman-Jurman
Alina Szapocznikow
Anita Lobel
Anna Heilman
Annette Muller
Arek Hersh
Arianna Szörényi
Arnošt Lustig
Austria
Belgio
Ben Helfgott
Beni Virtzberg
Bettina Le Beau
Bill Graham
Bloeme Evers-Emden
Bronisław Geremek
Cecoslovacchia
Coby Lubliner
Dan Pagis
Daniel Kahneman
David Faber
David Perlmutter
David Weiss Halivni
Eddie Willner
Edith Balas
Edith Bruck
Elie Wiesel
Emanuel Tanay
Emanuele Pacifici
Enzo Camerino
Eva Schloss
Fanny Ben-Ami
Felix Weinberg
Francia
François Englert
George Brady
Gerhard Durlacher
Germania
Gérard Avran
Halina Birenbaum
Hanna Kugler Weiss
Hans Frankenthal
Helga Newmark
Ida Marcheria
Imre Kertész
Inge Auerbacher
Irene Zisblatt
Israel Shahak
Italia
Itzchak Tarkay
Ivan Klíma
Iván T. Berend
Jack Kuper
Jack Mandelbaum
Jack Tramiel
Jacques Saurel
Jan Saudek
Janina Altman
Jean-Marie Lustiger
Jean Kahn
Jerzy Kosinski
John Chillag
Jona Oberski
Joseph Joffo
Jugoslavia
Jurek Becker
Kati Preston
Kitty Hart-Moxon
Lia Levi
Liliana Segre
Lituania
Liviu Librescu
Louis Begley
Lustig Branko
Magda Herzberger
Marek Halter
Marek Herman
Martin Greenfield
Meir Wilchek
Michal Kraus
Miklos Kanitz
Miriam Winter
Nelly Ben-Or
Nicholas Nagy-Talavera
Paesi Bassi
Paul Spiegel


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Madonna di Ince Hall

Madonna di Ince Hall  o Madonna col Bambino leggente è un dipinto a olio su tavola di attribuzione incerta a Jan van Eyck, realizzato nel 1433 e conservato nel National Gallery of Victoria di Melbourne in Australia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ince Hall Madonna.Please output in Italian.

1433
Australia
Jan van Eyck
Melbourne
National Gallery of Victoria


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Incubo

Secondo la Classificazione Internazionale dei Disturbi del Sonno - Terza Edizione , il disturbo da incubi, insieme al disturbo comportamentale del sonno REM  e alla paralisi del sonno isolata ricorrente, formano la sottocategoria delle parasonnie correlate alla fase REM del cluster delle parasonnie. Gli incubi possono essere idiopatici senza alcun segno di psicopatologia o associati a disturbi come stress, ansia, abuso di sostanze, malattie psichiatriche o disturbo da stress post-traumatico . Per quanto riguarda il contenuto onirico, i sogni di solito imprimono emozioni negative come tristezza, paura o rabbia. Secondo gli studi clinici il contenuto può includere inseguimenti, lesioni o morte di altre persone, cadute, disastri naturali o incidenti. Anche i sogni tipici o i sogni ricorrenti possono avere alcuni di questi argomenti.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the Classification.Please output in Italian.


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Didone

Primogenita di Belo, re di Tiro, la sua successione al trono fu contrastata dal fratello, Pigmalione, che ne uccise segretamente il marito Sicheo e prese il potere. Probabilmente con lo scopo di evitare la guerra civile, Didone lasciò Tiro con un largo seguito e cominciò una lunga peregrinazione, le cui tappe principali furono Cipro e Malta. Approdata infine sulle coste libiche, Didone ottenne dal re Iarba il permesso di stabilirsi lì, prendendo tanto terreno «quanto ne poteva contenere una pelle di bue» detto con irrisione. L'antico soprannome di Cartagine era Birsa, che in fenicio significa "rocca" e in greco "pelle di bue". Didone scelse una penisola, tagliò astutamente la pelle di toro in tante striscioline e le mise in fila, in modo da delimitare quello che sarebbe stato il futuro territorio della città di Cartagine e riuscì a occupare un terreno di circa ventidue stadi quadrati .Secondo una leggenda, Didone sposò in seconde nozze Barca, un fedele seguace di Tiro, il cui nome potrebbe essere correlato al termine fenicio Barak, che significa "fulmine". Secondo questa versione quindi, i Barcidi, la famiglia di Annibale Barca, il più famoso e abile condottiero cartaginese e protagonista della seconda guerra punica, sarebbero discendenti di Didone. Durante la propria vedovanza, Didone venne insistentemente richiesta in moglie dal re Iarba e dai principi dei Numidi, popolazione locale. Secondo le narrazioni più antiche , dopo aver finto di accettare le nozze, Didone si uccise con una spada, invocando il nome di Sicheo.

Prompt: Focus on Dido (Fuseli) and explain the Mythology.Please output in Italian.

Annibale Annibale Barcidi Belo Cartagine Cipro Iarba Malta


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Pesca delle anime

Pesca delle anime è un dipinto a olio su tela di Adriaen van de Venne del 1614 realizzato durante il Secolo d'oro olandese e conservato presso il Rijksmuseum.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Fishing for Souls.Please output in Italian.

Adriaen van de Venne
Secolo d'oro olandese


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the nineteenth-century intervention and the Description and style.Please output in Italian.


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Madonna Altman

Maria, con un velo di un inconsueto tono giallo, tiene in grembo il Bambino con l'ausilio di un cuscino. I due non si guardano, come in molte altre opere dell'artista, ma sono legate da un tenero abbraccio. Dietro di loro stanno san Giuseppe  e una santa a destra, probabilmente Maria Maddalena. Particolarmente delicati sono i lineamenti delle due donne, che hanno un'espressione assorta e malinconica, poiché presagiscono la sorte tragica di Gesù.Lo sfondo, come nella Pala Trivulzio e nella Madonna della Vittoria, è un'alta siepe ricca di frutti. Il carattere della pittura opaco e che lascia intravedere la tela sottostante più che a una reale scelta dell'autore è da imputare alle cattive condizioni di conservazione della tela.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Altman Madonna.Please output in Italian.

Madonna della Vittoria
Maria Maddalena
Pala Trivulzio


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Disputa del Sacramento

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi , e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

Prompt: Explain the Studies about the Description of this artwork, Disputation of the Holy Sacrament.Please output in Italian.

Ashmolean Museum
British Museum
Castello di Windsor
Chantilly
John Shearman
Montpellier
Museo Condé
Oxford
Perugia


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Maria Maddalena

Da secoli, è costume di molti Cristiani ortodossi orientali terminare la celebrazione pasquale dipingendo uova e proclamando "Cristo è risorto!". Le uova simboleggiano la nuova vita, e Cristo che risorge dalla morte. Da questo nacque la tradizione di colorare le uova di Pasqua.Una tradizione riguardante Maria Maddalena dice che dopo la morte di Gesù Cristo, usò la sua posizione per ottenere un invito a un banchetto dato dall'imperatore Tiberio. Quando lei lo incontrò, teneva un uovo puro nelle sue mani ed esclamò "Cristo è risorto!" Tiberio rise, e disse che la resurrezione di Gesù Cristo dalla morte era probabile quanto l'uovo nella sua mano diventasse rosso mentre lo teneva. Secondo la leggenda, prima che finisse di parlare, l'uovo nella sua mano diventò rosso e lei continuò a proclamare il Vangelo in tutta la casa imperiale.

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the Easter egg tradition of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.


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I Musici

I Musici, conosciuti anche con il nome I Musici di Roma, è una orchestra italiana nota soprattutto per le esecuzioni di musica barocca.

Prompt: In The Musicians (Caravaggio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna del Latte

rightIl Concilio di Trento, iniziato nel 1543, con il decreto: "De invocatione, veneratione, et reliquiis sanctorum et sacris imaginibus" definì la posizione della Chiesa riguardo alle iconografie devozionali.Tra gli scopi di questo decreto vi era il voler evitare immagini di natura sensuale o percepite come tali dalla morale dell'epoca.  Riforma cattolica tridentina annoverò tra queste immagini sconvenienti, che si riteneva potessero fuorviare il fedele, le rappresentazioni di Maria a seno scoperto poiché accusate di distogliere i fedeli dalla preghiera. Fu demandato ai vescovi il compito di valutare le varie rappresentazioni e di decidere se queste dovessero essere ritoccate, oppure rimosse. Nella diocesi di Milano fu in particolare Carlo Borromeo a trovare sconvenienti tali immagini molto diffuse in Brianza, facendo provvedere in molti casi a coprirle con ritocchi. Alcune chiese intitolate alla "Madonna del latte" mutarono denominazione.Mentre l'iconografia della "Madonna del tte" decadeva, per contro la venerazione popolare delle antiche immagini continuò legata al desiderio di maternità.

Prompt: Explain the The Counter-Reformation and the decline of iconography about the Meaning of iconography of this artwork, Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio).Please output in Italian.


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Odalisca con schiava

Odalisca con schiava  è un dipinto a olio su tela di Jean-Auguste-Dominique Ingres, realizzato tra il 1839 e il 1840 e oggi esposto nel Fogg Art Museum di Cambridge, nel Massachusetts. Nel 1842 Ingres, con l'aiuto dei suoi studenti Paul e Hippolyte Flandrin, realizzò un'altra versione del dipinto, intitolata Interno di harem con odalisca. Questa seconda versione dell'opera oggi è esposta al Walters Art Museum di Baltimora.

Prompt: In Odalisque with Slave, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Baltimora
Fogg Art Museum
Hippolyte Flandrin
Interno di harem con odalisca
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Massachusetts
Odalisca
Walters Art Museum


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Madonna col Bambino scrivente

L'opera deriva dal prototipo della Madonna della Pace di San Severino Marche , semplificandolo per una committenza più modesta, probabilmente una famiglia privata, pur mantenendo l'autografia del maestro. Madonna è rappresentata a figura intera seduta su una sorta di cassa, mentre porge un libro al Bambino, in piedi su uno sgabello, che vi scrive sopra con un pennino. Le due figure sono plastiche e monumentali, con gesti e inclinazioni delle teste e dei corpi accuratamente calibrate.  stesura pittorica dei volti è morbidamente modulata da ombre e riflessi, rivelando una nuova attenzione allo sfumato di Leonardo da Vinci. Grande attenzione è riversata nella decorazione preziosa del dipinto, con i ricami dorati delle vesti  e le perle sul vestito del Bambino. Gesù ha la compostezza di un adulto, sottolineata dalla veste da piccolo redentore, con una dalmatica e un pallio che vennero forse visti nei mosaici bizantini a Roma, in antitesi con gli esili veli coevi della scuola umbra e toscana. Le aureole sono composte da puntolini d'oro che risplendono diffusamente creando un vibrante pulviscolo luminoso, che accende la sostanza pittorica come in un'elaborata filigrana d'orefice. Lumeggiature dorate, oltre che negli abiti, si trovano anche nei capelli dei personaggi e nel paesaggio, soprattutto sulle foglie della vegetazione.Nel dolce sfondo collinare si vede una piccola scena della fuga in Egitto e due alberi simmetrici che ordinano lo scorcio: quello di destra è una realistica palma, simbolo di martirio fin dall'epoca paleocristiana. Le colline, punteggiate da città e da altri segni della presenza umana, sfumano sullo sfondo in colori azzurrini per effetto della foschia.

Prompt: In Madonna with the Christ Child Writing, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Vecchia che frigge le uova

Vecchia che frigge le uova, noto anche come  friggitrice, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1618 dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel National Gallery of Scotland di Edimburgo.Questo quadro rappresenta una scena di vita quotidiana.

Prompt: Focus on Old Woman Frying Eggs and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

I primi mesi vennero occupati dai disegni preparatori , la costruzione del ponte e la preparazione delle superfici da affrescare, della quale si occupò il maestro Piero Rosselli, già autore della citata lettera del 10 maggio 1506. Il 10 giugno 1508 i lavori dovevano già procedere, poiché il cerimoniere pontificio Paris de Grassis registrò come le cerimonie liturgiche nella cappella erano state disturbate dalla caduta di polvere causata da costruzioni nella parte alta della cappella. Il 27 luglio il Rosselli era pagato a saldo.Per essere in grado di raggiungere il soffitto, Michelangelo necessitava di un'impalcatura, che permettesse anche il contemporaneo svolgersi delle attività religiose e cerimoniali nella cappella. I primi ponteggi vennero ideati proprio dal rivale Bramante, che ideò una speciale impalcatura, sospesa in aria per mezzo di funi. Michelangelo, che nelle sue lettere e negli scritti dei biografi non manca occasione per screditare e mettere in dubbio le capacità artistiche dei suoi rivali , giudicò la struttura del tutto inadeguata, poiché avrebbe lasciato dei buchi nel soffitto una volta completato il lavoro, rifacendo completamente il ponteggio di mano sua]]Ricostruì così un'impalcatura da sé, in legno. Il ponteggio di Michelangelo, tanto lodato da Vasari, in realtà si basava su un adattamento di un sistema già in uso per la gittata delle volte: sei coppie di capriate reggevano un'impalcatura pensile a "gradoni", appesa a sostegni ricavati da fori nei muri della parte alta, vicino alle finestre, che permetteva di lavorare alle varie superfici ora in posizione orizzontale, ora verticale, ora trasversale. Annotò polemicamente il Condivi che l'esempio di Michelangelo «fu cagione d'aprir gli occhi a Bramante et di imparar il modo di far un ponte; il che poi nella fabrica di San Pietro molto gli giovò»In pratica, con questa struttura Michelangelo risolse il problema dell'altezza e della mobilità, ma non quello della comodità: lo testimoniò lui stesso raffigurandosi nell'atto di dipingere la volta, accanto ad un componimento in versi che, "tradotto" in italiano moderno, recita:Sono teso come un arco.Mi è già venuto il gozzo, il ventre me lo sento in gola, i, lombi mi sono entrati nella pancia, non vedo dove metto i piedie il pennello mi gocciola sul viso.Tra la fine d'agosto e i primi di settembre del 1508 Michelangelo fece arrivare da Firenze una serie di aiuti, tra i quali l'amico Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Aristotile da Sangallo e altri i cui nomi si incontrano solo in quest'occasione, elencati da Vasari: si tratta di aiuti provenienti dalle botteghe fiorentine di Ghirlandaio o di Cosimo Rosselli. Secondo lo storico aretino, Michelangelo ebbe con loro contrasti poiché insoddisfatto del loro lavoro, licenziandoli in maniera brusca. In realtà pare che se un certo Jacopo di Sandro se ne andò contrariato da Roma nel gennaio del 1509, altri arrivarono successivamente, come Jacopo di zzaro detto l'Indaco Vecchio, mentre dal carteggio e dai Ricordi di Michelangelo pare che rimase Aristotile da Sangallo, pratico anche in architettura e prospettiva. Inoltre con alcuni di loro, quali il Bugiardini e il Granacci, l'artista mantenne buoni rapporti anche in seguito, impensabili se il racconto vasariano della "cacciata" fosse vero. Studi stilistici hanno riscontrato la presenza di interventi collaborativi almeno fino al gennaio del 1511, dopodiché l'artista pare che continuò in solitaria. In ogni caso essi lavorarono in assoluto subordine rispetto a Michelangelo, senza libertà d'azione rispetto alle scene da rappresentare, con cartoni molto dettagliati da seguire. Già dalle scene del Peccato originale e cacciata dal paradiso terrestre e della Creazione di Eva si nota una drastica riduzione del numero delle giornate  e gli Ignudi, anziché dopo le scene centrali, iniziarono ad essere dipinti per primi: sono chiari indizi della drastica riduzione degli aiuti. In quel momento gli aiuti fiorentini dovettero essere licenziati, lasciando il posto ad altri dediti alle incombenze più modeste come la preparazione dei colori e degli intonaci.Le prime fasi della decorazione furono rese difficoltose anche da inconvenienti di ordine tecnico, legati alla comparsa di muffe, ricordate da Condivi e Vasari e comprovate in occasione del restauro. sensazione di essersi cimentato in un'impresa in cui non era sufficientemente esperto e le difficoltà iniziali portarono l'artista a una profonda scontentezza, che manifestò in una lettera al padre del 27 gennaio 1509: «Questa è la dificultà del lavoro, e ancora el non esser mia professione. E pur perdo il tempo mio senza fructo. Idio m'aiuti».Se il fatto che l'artista dovette lavorare sdraiato è forse una leggenda, sicuramente le sue condizioni di lavoro dovettero essere molto dure: la poca luce che filtrava attraverso le finestre e le impalcature era incrementata dall'illuminazione incerta e poco omogenea di candele e lampade; il capo doveva essere tenuto all'indietro, causando "grandissimo disagio", tanto che quando scese Michelangelo "non poteva leggere né guardar disegni se non all'insù, che gli durò parecchi mesi".

Prompt: Explain the Initial phases about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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decorazione della Sala di Costantino, l'ultima delle Stanze, venne commissionata da Leone X nel 1517. Il Sanzio, preso da mille impegni, fece appena in tempo a disegnare i cartoni e avviare una sorta di arriccio per la prima parete, prima di morire improvvisamente il 6 aprile 1520. L'opera venne allora continuata dai suoi allievi, tra cui spiccavano soprattutto Giulio Romano e Giovan Francesco Penni.Nel 1524, all'epoca di Clemente VII, la decorazione doveva essere già terminata, quando Giulio Romano partì per Mantova. Sviluppando i temi della Stanza di Eliodoro e di quella dell'Incendio di Borgo, la Sala di Costantino è dedicata alla vittoria del cristianesimo sul paganesimo e all'affermazione e al primato della Chiesa romana, con evidenti richiami alla delicata situazione contemporanea. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni progetti per staccare gli affreschi delle Stanze Vaticane e condurli a Parigi, al Musée Napoleon, nell'ambito delle spoliazioni napoleoniche. Fortunatamente non se ne fece nulla, grazie alle difficoltà tecniche e agli analoghi tentativi falliti presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma. Vasari assegnò la Battaglia di Costantino contro Massenzio a Giulio Romano, autore anche del cartone oggi al Louvre, che altri assegnano però a Giovan Francesco Penni, ferma restando l'impostazione iniziale di Raffaello.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Battle of the Milvian Bridge (Giulio Romano).Please output in Italian.

1517
1520
1524
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Giovan Francesco Penni
Giulio Romano
Incendio di Borgo
Mantova
Massenzio
Sala di Costantino
Stanza di Eliodoro


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Sviluppo di una bottiglia nello spazio

Oltre all'esemplare fuso nel 1935 dal gesso originale e oggi esposto a Milano, nel Museo del Novecento, ne esistono altri quattro, fusi in diversi momenti.Uno di questi, fuso nel bronzo negli anni duemila e appartenente a una collezione privata, è stato esposto al pubblico nel 2009, presso la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, in occasione del centenario del Manifesto del futurismo di Marinetti.

Prompt: Explain the Examples of this artwork, Development of a Bottle in Space.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Austria -- Greta Klingsberg  / Ruth Klüger . Belgio -- François Englert  / Simon Gronowski  / Bettina Le Beau . Cecoslovacchia -- Yehuda Bacon  / George Brady  / Thomas Buergenthal  / David Weiss Halivni  / Ivan Klíma  Michal Kraus  / Arnošt Lustig  / Zdeněk Ornest  / Tomi Reichental  / Zuzana Růžičková  / Jan Saudek  / Felix Weinberg  / Ela Weissberger  / Zoltan Zinn-Collis . Francia -- Gérard Avran  / Fanny Ben-Ami  / Robert Clary  / Saul Friedländer  / Alexander Grothendieck  / Simon Jeruchim  / Joseph Joffo  / Jean Kahn  / Daniel Kahneman  / Serge Klarsfeld  / Jean-Marie Lustiger  / Annette Muller  / Jacques Saurel  Germania -- Inge Auerbacher  / Walter Zwi Bacharach  / Hans Frankenthal  / Thomas Geve  / Bill Graham  / Sonia Levitin  / Helga Newmark  / Paul Spiegel  / Beni Virtzberg  / Ruth Westheimer  / Eddie Willner . Italia  -- Andra Bucci  / Tatiana Bucci  / Enzo Camerino  / Luigi Ferri  / Hanna Kugler Weiss  / Lia Levi  / Ida Marcheria  / Marcello Martini  / Sami Modiano  / Emanuele Pacifici  / Alberto Sed  / Liliana Segre  / Arianna Szörényi  / Piero Terracina  / Aldo Zargani . Sylva Sabbadini  Jugoslavia -- Lustig Branko  / Yehuda Elkana  / Shaul dany  / Itzchak Tarkay . Lituania -- Alexander Tamir  Paesi Bassi -- Gerhard Durlacher  / Bloeme Evers-Emden  / Jona Oberski  / Eva Schloss . Polonia -- Alicia Appleman-Jurman  / Jurek Becker  / Louis Begley  / Nelly Ben-Or  / Halina Birenbaum  / Victor Breitburg  / Zahava Burack  / Élie Buzyn  / David Faber  / Abraham Foxman  / Roman Frister  / Bronisław Geremek  / Marek Halter  / Marek Herman  / Kitty Hart-Moxon  / Anna Heilman  / Ben Helfgott  / Yidele Henechowicz  / Aleksander Henryk ks  / Arek Hersh  / Roald Hoffmann  / Jerzy Kosinski  / Jack Kuper  / Yisrael Meir u  / Anita Lobel  / Coby Lubliner  / Jack Mandelbaum  / Uri Orlev  / David Perlmutter  / Sam Pivnik  / Roman Polański  / Ruth Posner  / Israel Shahak  / Szymon Srebrnik  / Alina Szapocznikow  / Emanuel Tanay  / Jack Tramiel  / Meir Wilchek  / Miriam Winter  / Sabina Wolanski . Romania -- Aharon Appelfeld  / Edith Balas  / Magda Herzberger  / Liviu Librescu  / Dan Pagis  / Kati Preston  / Elie Wiesel . Ucraina -- Janina Altman  / Martin Greenfield . Ungheria -- Iván T. Berend  / Edith Bruck  / John Chillag  / Peter Fischl  / Yosef Goldman  / Miklos Kanitz  / Imre Kertész  / Tom ntos  / dislaus Löb  / Nicholas Nagy-Talavera  / Tibor Rubin  / Péter Szondi  / Irene Zisblatt .

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Survivors of the Victims survivors explained?Please output in Italian.

Abraham Foxman
Aharon Appelfeld
Alberto Sed
Aldo Zargani
Alexander Grothendieck
Alexander Tamir
Alicia Appleman-Jurman
Alina Szapocznikow
Anita Lobel
Anna Heilman
Annette Muller
Arek Hersh
Arianna Szörényi
Arnošt Lustig
Austria
Belgio
Ben Helfgott
Beni Virtzberg
Bettina Le Beau
Bill Graham
Bloeme Evers-Emden
Bronisław Geremek
Cecoslovacchia
Coby Lubliner
Dan Pagis
Daniel Kahneman
David Faber
David Perlmutter
David Weiss Halivni
Eddie Willner
Edith Balas
Edith Bruck
Elie Wiesel
Emanuel Tanay
Emanuele Pacifici
Enzo Camerino
Eva Schloss
Fanny Ben-Ami
Felix Weinberg
Francia
François Englert
George Brady
Gerhard Durlacher
Germania
Gérard Avran
Halina Birenbaum
Hanna Kugler Weiss
Hans Frankenthal
Helga Newmark
Ida Marcheria
Imre Kertész
Inge Auerbacher
Irene Zisblatt
Israel Shahak
Italia
Itzchak Tarkay
Ivan Klíma
Iván T. Berend
Jack Kuper
Jack Mandelbaum
Jack Tramiel
Jacques Saurel
Jan Saudek
Janina Altman
Jean-Marie Lustiger
Jean Kahn
Jerzy Kosinski
John Chillag
Jona Oberski
Joseph Joffo
Jugoslavia
Jurek Becker
Kati Preston
Kitty Hart-Moxon
Lia Levi
Liliana Segre
Lituania
Liviu Librescu
Louis Begley
Lustig Branko
Magda Herzberger
Marek Halter
Marek Herman
Martin Greenfield
Meir Wilchek
Michal Kraus
Miklos Kanitz
Miriam Winter
Nelly Ben-Or
Nicholas Nagy-Talavera
Paesi Bassi
Paul Spiegel


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William Tecumseh Sherman

Sherman aveva ora la principale responsabilità della condotta militare per l'intero Kentucky, uno Stato di confine in cui le truppe confederate detenevano il controllo sia di Columbus che di Bowling Green ed erano inoltre presenti anche vicino a Cumberland Gap nel confinante Tennessee.Fu colto improvvisamente da una profonda spossatezza, la tensione accumulata lo portò ad essere eccessivamente pessimista sulle prospettive del suo comando e si lamentò spesso con il Governo federale per la scarsità di uomini ed equipaggiamento, tanto da arrivare a fornire stime esagerate della forza dei ribelli.Cominciarono ad apparire anche rapporti della carta stampata assai critici nei suoi confronti, subito dopo una visita da parte del Segretario alla guerra Simon Cameron effettuata ad ottobre; all'inizio di novembre insistette fino allo stremo delle forze affinché fosse sollevato dall'incarico.Fu prontamente sostituito da Don Carlos Buell e quindi trasferito a Saint Louis. A dicembre, oramai immerso in un vero e proprio disturbo depressivo fu messo in congedo dal generale Henry Halleck, comandante del nuovo Dipartimento del Missouri, che lo considerava inadatto al compimento del dovere affidatogli. Se ne andò così a ncaster nell'Ohio per cercare di recuperare le forze e riprendersi moralmente.Mentre in questo lasso di tempo si trovava a casa, la moglie Ellen scrisse al fratello di lui, il senatore J. Sherman, chiedendo consigli sul da farsi; la donna si lamentò veementemente di "quell'insana malinconia alla quale i membri della vostra famiglia sono soggetti". Sherman in seguito scrisse che le preoccupazioni del comando "mi avevano spezzato i nervi", ed ammise di aver contemplato anche l'idea del suicidio. I suoi problemi risultarono ancor più aggravati quando il Cincinnati Commercial lo descrisse come "affetto da follia".Verso la metà di dicembre si era ristabilito a sufficienza dall'esaurimento nervoso per tornare in servizio. Nel marzo 1862 il comando di Halleck fu ridisegnato nella Divisione militare del Mississippi e ingrandito per unificare il quartier generale dell'intero Teatro Occidentale della guerra. I primi incarichi di Sherman dopo il suo ritorno riguardavano compiti di supporto nelle retrovie, inizialmente la gestione di un campo di addestramento nelle immediate vicinanze di Saint Louis e poco dopo al comando del Distretto di Cairo.Ad un certo punto Halleck suggerì al comandante generale dell'esercito statunitense George McClellan che a Sherman potesse venire affidato il comando di una spedizione sul fiume Cumberland , ma l'allora nuovo segretario alla guerra Edwin McMasters Stanton obiettò dicendo a Lincoln che qualsiasi "spedizione... si rivelerà disastrosa sotto la guida del generale Sherman".Operando dalla propria base situata a Paducah, nel Kentucky, fornì il supporto logistico per le operazioni di Grant volte a scatenare l'offensiva nella battaglia di Fort Donelson. Grant, il precedente comandante del Distretto di Cairo, aveva da poco ottenuto un pieno successo nell'importante battaglia di Fort Henry  e a seguito di ciò gli era stato conferito il comando dell'Armata del Tennessee.Sebbene Sherman fosse tecnicamente l'ufficiale superiore in quel momento, scrisse al vincitore: "mi sento ansioso nei tuoi riguardi, perché so che i confederati hanno concentrato le loro forze attraversando il fiume Tennessee, ma nonostante questo nutro fiducia in te: comandami in qualsiasi modo tu lo ritenga più opportuno".

Prompt: Explain the Antidepressants about the Youth of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
Armata del Tennessee
Dipartimento del Missouri
Divisione militare del Mississippi
Don Carlos Buell
Edwin McMasters Stanton
Fort Donelson
Henry Halleck
Kentucky


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Bacco e Arianna

principessa cretese Arianna, sulla spiaggia di Naxos, si aggira disperata per la partenza dell'amante Teseo, salutando afflitta la nave dell'amato che è partita e si intravede sullo sfondo. Improvvisamente la sua attenzione è attirata dalla variopinta processione che le si fa incontro: un carro trainato da ghepardi avanza seguito da satiri, baccanti, animali e fauni. È il corteo trionfale di Bacco che, dal carro, balza incontro alla fanciulla della quale si è immediatamente innamorato: Tiziano lo rappresentò a metà del balzo con cui scendeva dal cocchio, in un audace atteggiamento plastico e dinamico, evidenziato dal drappo rosso che lo avvolge increspandosi per lo spostamento d'aria. Esso rappresenta il fulcro della scena, verso il quale l'occhio dello spettatore è inevitabilmente attratto, Catullo e Filostrato il vecchio. Tali fonti prevedono due incontri tra Arianna e Bacco: nel primo il Dio la trova dopo l'abbandono di Teseo e la consola, per poi partire per l'India, abbandonandola mentre essa maledice il primo e il secondo amante; nel secondo Bacco, di ritorno dall'India, la consola di nuovo e la porta con sé in cielo trasformando la sua corona d'oro a nove gemme nella costellazione della Corona. È chiaro che Tiziano unificò i due momenti, come è evidente per la presenza della barca di Teseo in lontananza e della costellazione già formata. Un altro episodio delle storie era inoltre presente nel Baccanale degli Andrii, dove Arianna dorme nuda ad Andros, dopo un festino con Bacco in cui l'acqua di un torrente fu trasformata in vino.  veste in disordine e l'anfora d'oro abbandonate sulla spiaggia nel Bacco e Arianna, in basso a sinistra, vicino alla firma dell'artista, possono apparire come un collegamento tra le due tele, elaborate quasi contemporaneamente.

Prompt: Describe the characteristics of the The representation of the myth in Bacchus and Ariadne's History.Please output in Italian.

Baccanale degli Andrii
Baccanale
Bacco
India
Teseo


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Natura morta con limoni, arance e una rosa

Questo raro bodegón di Zurbaran faceva parte della collezione Contini Bonacossi, acquistato probabilmente da Alessandro Contini in uno dei suoi viaggi in Spagna. Alla morte di quest'ultimo, fu tra le opere scartate dalla commissione ministeriale per gli Uffizi e fu quindi messa sul mercato con permesso di esportazione.

Prompt: Focus on Still Life with Lemons, Oranges and a Rose and explain the History.Please output in Italian.


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Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae

Mademoiselle nge nelle vesti di Danae  è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth nge come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Mlle. Lange as Danae.Please output in Italian.

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson
Danae
Minneapolis


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Sacro Cuore di Gesù

Betlemite figlie del Sacro Cuore, fondate in Guatemala nel 1668 e restaurate da Encarnación Rosal nel XIX secolo. Società del Sacro Cuore di Gesù, fondata nel 1800 da santa Maddalena Sofia Barat, per l'educazione della gioventù. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Saint-Jacut-les-Pins, fondate nel 1816 da Angélique Le Sourd. Figlie della carità del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1823 a  Salle-de-Vihiers. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Bergamo nel 1831 da Teresa Eustochio Verzeri. Suore maestre di Santa Dorotea, figlie dei Sacri Cuori, fondate a Vicenza nel 1836 da Giovanni Antonio Farina. Suore Orsoline del Sacro Cuore, fondate nel 1854 a Toledo, in Ohio, dalle orsoline di Cleveland. Suore francescane missionarie del Sacro Cuore, fondate a Gemona del Friuli nel 1861 da madre Giuseppa di Gesù. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Strasburgo nel 1865. Suore di San Giuseppe del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1866 in Australia da Mary MacKillop. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Versailles nel 1866. Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Napoli da Caterina Volpicelli il 27 dicembre 1867. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Córdoba da Saturnina Rodríguez de Zavalía nel 1872. Figlie del Cuore di Gesù, religiose di clausura fondate a Berchem il 1873 da Maria di Gesù Deluil-Martiny. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, fondate a Issoudun nel 1874 da Jules Chevalier. Oblate del Cuore di Gesù, fondate a Montluçon nel 1874 da Louise-Thérèse de Montaignac de Chauvance. Piccole Serve del Sacro Cuore di Gesù per gli Ammalati Poveri, fondate a Torino nel 1874 da Anna Michelotti. Suore Riparatrici del Sacro Cuore, fondate a Napoli nel 1875. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Madrid nel 1877 da Rafaela Porras y Ayllón. Suore della Carità del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Isabel rrañaga y Ramírez a Madrid il 2 febbraio 1877. Suore Zelatrici del Sacro Cuore, fondate all'Aquila nel 1879 da Maria Ferrari. Suore della Famiglia del Sacro Cuore di Gesù, di Brentana, fondate da ura Baraggia nel 1880. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Codogno il 14 novembre 1880 da Francesca Saverio Cabrini. Suore Francescane del Cuore di Gesù, fondate a Malta nel 1880 da Margherita De Brincat. Suore Ospedaliere del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1881 a Madrid da padre Benedetto Menni, per affiancare l'Ordine Ospedaliero di San Giovanni di Dio. Suore dei Poveri, Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Zamora da José Cázares y Martínez, il 4 ottobre 1884. Suore del Sacro Cuore del Verbo Incarnato, fondate a Palermo nel 1884. Suore Francescane del Sacro Cuore, di Joliet, sorte negli Stati Uniti nel 1885. Ancelle del Divin Cuore, fondate a Coria nel 1885 dal cardinale Marcelo Spínola y Maestre. Serve del Sacro Cuore di Gesù e dei Poveri, fondate a León nel 1885 da José María Yermo y Parres. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1886 a Guadalajara da Atenógenes Silva, dedite all'attività ospedaliera. Suore del Sacro Cuore di Gesù, fondate in Olanda nel 1886. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate nel 1888 a Lugo. Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate nel 1889 dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Ragusa, fondate nel 1889 da Maria Schininà. Missionarie Ausiliarie del Sacro Cuore, sorte a Baltimora nel 1890 per l'educazione dei bambini di colore. Suore Salesiane del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Alcantarilla l'8 settembre 1890 da madre Pietà della Croce. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Caracas nel 1890. Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 settembre 1891 a Vic. Suore Carmelitane del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1891 dalla beata Maria Teresa di San Giuseppe. Religiose dell'Apostolato del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1891 da Valentín Salinero García. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1893 per scissione dall'omonimo istituto di Versailles. Suore Agostiniane Recollette del Sacro Cuore di Gesù, sorte in Venezuela nel 1893 per opera di María Alvarado Cardozo. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, sorte nel 1893 a Palma Campania. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1893 a Gazzuolo da Ignazia Isacchi e Margherita Lussana. Suore Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Grottaferrata il 2 febbraio 1894. Suore Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Casoria da Giulia Salzano il 5 febbraio 1894. Apostole del Sacro Cuore di Gesù, fondate il 30 maggio 1894 a Viareggio dalla forlivese Clelia Merloni. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1894 da Józef Sebastian Pelczar. Figlie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1895 a Zacatecas. Adoratrici Perpetue del Sacro Cuore di Gesù, sorte a Mantova nel 1897. Suore Cappuccine del Sacro Cuore, fondate nel 1897 a Roccalumera da Francesco Maria Di Francia e Veronica Briguglio. Suore della Croce del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Concepción Cabrera de Armida il 3 maggio 1897. Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù di Montmartre, fondate nel 1898 da Adèle Garnier. Suore Orsoline Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1898 a Parma da Maria Lucrezia Zileri dal Verme. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù di Hiltrup, sorte nel 1900 in Vestfalia. Missionarie Oblate del Sacro Cuore di Gesù e di Maria Immacolata, sorte nel 1902 in Canada. Figlie del Sacro Cuore, fondate nel 1902 a Malta da Maria Teresa Nuzzo. Minime Suore del Sacro Cuore, fondate da Maria Margherita Caiani a Poggio a Caiano il 15 dicembre 1902. Suore della Famiglia del Cuore di Gesù, fondate nel 1903 a Irapuato da Maddalena della Riparazione Vargas Galeana. Carmelitane del Sacro Cuore, fondate nel 1904 in Messico da María Luisa de la Peña Navarro de Rojas. Suore del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1905 a Breslavia. Congregazione del Sacro Cuore, siro-malabaresi, fondate nel 1911 a Palai. Suore Egiziane del Sacro Cuore, copte, fondate nel 1913 da un gruppo di suore mariamette di origine egiziana. Suore Consolatrici del Divino Cuore di Gesù, fondate a Brno da Rosa Barbora Vůjtěchová nel 1915. Piccole Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Città di Castello il 9 agosto 1915, dal beato Carlo Liviero. Ancelle Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Messina nel 1917 da Antonino Celona. Suore del Cuore di Gesù Sacramentato, fondate nel 1918 da José María Robles Hurtado. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1919 a León. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate a Cracovia da Urszula Ledóchowska nel 1920. Società del Cuore di Gesù, fondata nel 1921 a Budapest. Suore Grigie del Sacro Cuore, ramo statunitense delle Suore della Carità di Montréal, sorto nel 1921. Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Mentone nel 1922 per l'evangelizzazione in Africa. Piccole Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, sotto la regola agostiniana, fondate ad Antignano, vicino a Livorno, da Clotilde Gigli, nel 1922. Apostoliche del Cuore di Gesù, fondate in Spagna nel 1924. Suore Carmelitane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a nel 1924 a Malaga. Suore del Sacro Cuore di Gesù e dei Santi Angeli, fondate a Valencia nel 1925 da Genoveva Torres Morales. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1926 a Guadalajara da María Regina Sánchez Muñóz. Figlie del Sacratissimo Cuore di Gesù, fondate a Modena nel 1927. Missionarie Adoratrici e Riparatrici del Sacro Cuore Eucaristico di Gesù, fondate nel 1928 a Sansepolcro da mons. Enrico Merizzi. Suore Maestre Cattoliche del Sacro Cuore, fondate in Messico nel 1929. Discepole del Sacro Cuore, sorte ad Acaya l'11 aprile 1929. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù in Lituania, sorte nel 1930 in Lituania dal distacco di alcune case dell'omonima congregazione di Cracovia. Suore Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, sorte nel 1930 come ramo delle Missionarie del Sacro Costato. Missionarie Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, erette a Porto nel 1931. Salesiane Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 dicembre 1933 a Bova Marina da Giuseppe Cognata. Suore Piccole Operaie del Sacro Cuore, fondate l'8 dicembre 1935 a Trani da Erminio Rondini e Anna Ventura. Suore Apostole del Sacro Cuore, fondate nel 1936 a Volturara Appula da Maria Gargani. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1937 per la separazione del ramo brasiliano di una congregazione francese. Catechiste del Sacro Cuore di Gesù, istituto secolare greco-cattolico ucraino fondato in Brasile nel 1940. Serve dei poveri, figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Almería il 24 maggio 1942 da Joaquín Reina Castrillón.  Suore del Cuore Eucaristico di Gesù, canonicamente erette a gos nel 1943 dal vescovo missionario Leo Hale Taylor. Benedettine del Sacro Cuore di Montmartre, sorte nel 1947 dalla separazione di una comunità dalle Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù ad Gentes, fondate nel 1949 a Chietla, in Messico. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Xalapa nel 1960. Figlie di Santa Maria del Cuore di Gesù, sorte l'8 settembre 1998.

Prompt: In the context of Sacred Heart of Jesus (Batoni), explain the Female congregations and the Congregations.Please output in Italian.


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Crocifissione di Berlino

I primi studi sull'opera di Wilhelm von Bode la riferirono a Giotto, ma la critica successiva fu più perplessa e tendente a respingere l'attribuzione. Di diverso parere furono Roberto Longhi, nel 1948, che la restituì al maestro, e Gnudi che la descrisse come esempio dello stile tardo del maestro. Suida, Toesca e Offner parlarono di un "Maestro della Crocifissione di Strasburgo", mettendola in relazione con un'altra opera simile di piccolo formato. Salvini invece la riferì a un seguace di Giotto. In ogni caso si tratta di opera della fase tarda, come dimostrano i panneggi ampi e voluminosi, come si incontrano anche nelle Cappelle Peruzzi e Bardi.  scena è svolta secondo l'iconografia tradizionale, con le innovazioni già sperimentate nella Crocifissione degli Scrovegni.  croce di Cristo si leva al centro del dipinto nello splendore ieratico del fondo oro uniforme. Angeli dolenti si accalcano attorno alla figura di Cristo, mentre in basso abbraccia la croce la Maddalena vestita di rosso. Due gruppi di astanti si accalcano ai lati, lasciando la parte centrale con la santa isolata. A sinistra il gruppo delle pie donne con Maria che sviene e una bambina che la guarda preoccupata; a sinistra san Giovanni e, tra gli altri, l'uomo a cavallo che solleva il braccio, figura tradizionale che simboleggia coloro che, allo scatenarsi della natura nel momento della morte di Cristo, lo riconobbero come figlio di Dio.Il Cristo è magro più che mai, quasi filiforme, lontano ormai dal senso di pesantezza, calcato in maniera quasi "polemica", nella Croce di Santa Maria Novella. Originale è il modo di tagliare le figure dai lati del dipinto, dando l'impressione di un asserragliamento di personaggi molto più ampio di quello rappresentato.

Prompt: Focus on Berlin Crucifixion and explain the History and description.Please output in Italian.

1948
Crocifissione di Strasburgo
Giotto
Wilhelm von Bode


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Busto di Ankhhaf

tomba del principe Ankhhaf, con il suo busto, fu portata alla luce nel 1925 da una spedizione congiunta del Museum of Fine Arts di Boston e dalla Università di Harvard; secondo la prassi dell'epoca, un oggetto di simile valore artistico e storico sarebbe stato collocato nel Museo egizio del Cairo. D'altronde, in quel caso, il busto fu donato nel giugno 1927 come ringraziamento per il lavoro svolto e per la scoperta della tomba straordinariamente intatta della regina Hetepheres I, zia di Ankhhaf. Recentemente, Zahi Hawass, capo del Supremo Concilio delle Antichità egiziano, ha chiesto il rimpatrio del busto, da lui incluso in una lista di 5 reperti fondamentali per l'identità egiziana, fra cui il busto di Nefertiti , la statua di Hemiunu, architetto della Grande Piramide  e il rilievo dello Zodiaco del Tempio di Dendera .

Prompt: How does Ankhhaf (sculpture) explain its Discoveryevidencesuccessive?Please output in Italian.

1925
1927
Ankhhaf
Boston
Hemiunu
Tempio di Dendera
Zahi Hawass


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Desolazione

Considerato lo scultore migliore del modernismo catalano, Josep Llimona fondò con suo fratello Joan il circolo artistico di San Luca, un'entità che riunì degli artisti con delle forti convinzioni cattoliche e conservatrici, come Antoni Gaudí. Questo gruppo si opponeva alle idee rinnovatrici dei primi modernisti con delle regole molto severe come il divieto del nudo. Quando alla fine i membri del circolo modificarono questa regola, ci fu un emergere della scultura modernista, della quale la Desolazione è divenuta un'opera paradigmatica. L'anatomia perfetta del corpo femminile e, soprattutto, il suo atteggiamento melancolico e casto contribuirono a rafforzarne l'appartenenza al simbolismo. scultura è registrata come Bene Culturale di Interesse Locale  nell'inventario del patrimonio culturale catalano con il codice 08019/527.

Prompt: Focus on Desolation (Llimona) and explain the History.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Describe the characteristics of the Location of the Last Supper in Last Supper (Tintoretto)'s New Testament.Please output in Italian.


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Explain the Composers about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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La seduzione di Merlino

seduzione di Merlino , anche noto con il titolo L'inganno di Merlino, è un dipinto del pittore preraffaellita Edward Burne-Jones, realizzato tra il 1872 e il 1877. Fa parte della collezione della dy Lever Art Gallery, nella contea di Merseyside, nel Regno Unito.

Prompt: Focus on The Beguiling of Merlin and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pala Bentivoglio

Il dipinto è una tela di grande dimensione che venne realizzata dal Costa, autore anche delle altre due opere presenti sulle pareti della cappella, Il Trionfo della Fama e Il Trionfo della Morte. L'opera fu commissionata come ringraziamento per aver scampato il pericolo della congiura ordita dalla famiglia Malvezzi.Nell'opera, ambientata in una sontuosa architettura rinascimentale, si erge un altare marmoreo con un ricco fregio, che reca sul gradino più alto un trono sul quale è assisa la Madonna col Bambino; ai suoi lati, inginocchiati si trovano i due coniugi committenti, Ginevra Sforza  col marito Giovanni II Bentivoglio; in primo piano e in piedi undici dei loro figli . A sinistra sono ritratte le sette figlie femmine  a destra i quattro maschi . Dei personaggi ritratti nell'affresco, ricordiamo ; Francesca Bentivoglio, sposata a Galeotto Manfredi e macchiatasi di uxoricidio; Violante Bentivoglio ; Ermes Bentivoglio, bambino all'epoca del ritratto, descritto in seguito da un cronista bolognese come iracondo e perverso, addirittura "bestiale", per la strage da lui compiuta nel 1501 ai danni della famiglia Marescotti; Antongaleazzo Bentivoglio, ritratto in abito da prelato, protonotario apostolico, che non ottenne l'agognato cappello cardinalizio, onore che il papa gli rifiutò; Annibale II Bentivoglio, sposato con Lucrezia d'Este, che dopo la morte di Giovanni II e l'esilio subito dalla sua famiglia, tentò invano, insieme al fratello Ermes, di rientrare a Bologna.

Prompt: Focus on Bentivoglio Altarpiece and explain the Description.Please output in Italian.

1501
Annibale II Bentivoglio
Antongaleazzo Bentivoglio
Bologna
Ermes Bentivoglio
Francesca Bentivoglio
Galeotto Manfredi
Ginevra Sforza
Giovanni II Bentivoglio
Lucrezia d'Este
Violante Bentivoglio


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Melencolia I

Il quadrato magico contenuto nell'opera è molto complesso. Infatti non è solo la somma dei numeri delle linee orizzontali, verticali e oblique a dare 34 ma anche la somma dei numeri dei quattro settori quadrati in cui si può dividere il quadrato e anche i quattro numeri al centro, se sommati danno 34. Così come i quattro numeri agli angoli.Inoltre se si prende un numero agli angoli e lo si somma con il numero a lui opposto si ottiene 17, proprio come i numeri ai lati e nei numeri opposti, nel quadrante centrale . Inoltre se si prendono i numeri centrali dell'ultima riga si trova il numero 1514, anno in cui è stata creata l'opera. È citato nell'opera letteraria Dottor Faustus di Thomas Mann e nel romanzo Il simbolo perduto di Dan Brown.Sorprendentemente il numero 34 del quadrato magico «compare per ben sedici volte, quanto il numero totale dei riquadri. Una proprietà questa che figura anche nella Tabula Jovis di Henricus Cornelius Agrippa di Nettesheim, ma che è stata da molti inavvertita, forse perché non compare nell’elenco delle sue caratteristiche, redatto dall’autore stesso.  caratteristica delle somme di ciascuna zona è condivisa anche dai quadrati analoghi di Mescupolo e Paracelso. Nonostante la similarità con questi, il quadrato magico di Melencolia § I non pare scelto per seguire una tradizione ermetica. L’esclusività sottaciuta di questo tipo di quadrato può essere il motivo della dedica a Giove  e della scelta di Dürer. In verità, la sua fonte più attendibile si trova nella descrizione che Luca Pacioli offre come curiosità amena [“ligiadro solazo” ], attribuendone l’origine a supremi astronomi, “Ptolomeo al humasar ali, al fragano, Geber, et gli altri tutti”, i quali “a Giove [pianeta]  hanno dicata la figura de .4. casi per facia con numeri situati ch’ per ogni verso ut supra fanno .34. cioe .16.3.2.13. elasse’quente .5.10.11.8. el .3°.9. [etc.] co’mo vedi in margine”. »  Il quadrato magico di Melencolia § I rappresenta un esercizio gioviale  per contrastare gli influssi della malinconia. In basso al centro, l’unione delle cifre 15 e 14 indica un anno molto triste.

Prompt: How does Melencolia I explain its The magic square?Please output in Italian.

1514
Dan Brown
Dottor Faust
Il simbolo perduto
Thomas Mann


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Morte di Cleopatra

Nella sua opera Notes isiaques I del 1989, l'archeologo francese Jean-Claude Grenier notò come un'antica statua romana con indosso il nodo di Iside, conservata ai Musei Vaticani, potrebbe raffigurare Cleopatra in veste della dea Iside mentre si suicida, in quanto un serpente striscia lungo il suo seno destro. L'associazione di Cleopatra alla dea Iside continuò in Egitto almeno fino al 373 d.C., quando lo scriba Petesenufe compilò un libro su Iside e spiegò come decorasse le immagini della regina tolemaica.A Pompei venne scoperto un affresco che potrebbe raffigurare la morte della regina tolemaica: Cleopatra tiene in mano un recipiente dal quale sta per bere il veleno e alle sue spalle si trova il figlio Cesarione, che come la madre indossa il diadema reale. Insieme ai due sono presenti anche dei servitori. In precedenza si riteneva che la scena raffigurasse il suicidio di Sofonisba, la moglie del re numida Siface.Al contrario delle statue di Marco Antonio, le quali vennero distrutte a causa della damnatio memoriae, quelle di Cleopatra vennero per lo più lasciate intatte, inclusa quella eretta da Cesare nel tempio di Venere Genitrice al foro di Cesare.Nell'ambito della letteratura latina, il poeta Quinto Orazio Flacco scrisse una celebre ode basata sulla morte dell'ultima regina d'Egitto che inizia con il verso "Nunc est bibendum".

Prompt: In the context of The Death of Cleopatra, explain the Greco-Roman era and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Iside
Jean-Claude Grenier
Marco Antonio
Musei Vaticani
Nunc est bibendum
Quinto Orazio Flacco
Siface
Sofonisba


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William Tecumseh Sherman

Il suo secondo nome contribuì sempre ad attirare curiosità. Egli diceva che suo padre aveva "avuto un momento di stravaganza quando aveva preso la decisione di affibbiargli il nome del grande capo Shawnee, Tecumseh".Secondo una biografia del 1932 sul generale, da bambino Sherman sarebbe stato chiamato semplicemente "Tecumseh". Egli avrebbe acquisito il nome "William" solo dopo essere stato accolto nella famiglia Ewing. madre adottiva Maria Willis Boyle Ewing era di origini irlandesi e fervente cattolica.Secondo un aneddoto, Sherman sarebbe stato battezzato, forse il 25 giugno, nella casa di Ewing da un domenicano di origine italiana, che lo chiamò "William" in onore del santo del giorno.Sherman scrisse nelle sue memorie che il padre lo aveva chiamato "William Tecumseh" e di essere stato battezzato così, appena nato, da un pastore presbiteriano. Da adulto firmò tutta la sua corrispondenza, anche quella privata con la moglie, "W.T. Sherman". I suoi amici più stretti e la famiglia lo chiamavano sempre col soprannome di "Cump".

Prompt: Describe the characteristics of the Name baptism in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Youth.Please output in Italian.


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La Velata

Su uno sfondo scuro una giovane donna è ritratta a mezza figura, voltata di tre quarti verso sinistra. Il titolo tradizionale deriva dal capo velato, che suggerisce un'associazione con la Vergine.  testa ricoperta dal velo era prerogativa delle donne sposate con figli. Il braccio sinistro è appoggiato su un ipotetico parapetto appena sotto il bordo inferiore del dipinto, mettendo ben in evidenza la manica rigonfia, dove la seta crea profonde pieghe e riflessi lucidi di straordinaria qualità, con preziose variazioni di bianco su bianco.Grande cura è riposta anche nella rappresentazione della camicia increspata sul petto, evitando qualsiasi schematismo. Il volto, dalle linee purissime, è incorniciato dalla massa scura dei capelli e dall'ombra del velo, evidenziandosi, con effetti di sfumato derivati dall'esempio di Leonardo. Si noti il cirro negletto  che dalla tempia sinistra si svincola dalla trama ordinata della capigliatura fino a lambire il lobo dell'orecchio.  mano destra è portata al petto, un gesto teatrale che di solito indicava la devozione religiosa. Questa posa molto particolare sembra richiamarsi a quella anticipata da Sebastiano del Piombo nella sua Dorotea I ricami dorati, la collana con smalti figurati, il diadema con pendente di pietre preziose e con una perla sono indizi dell'alto status sociale della donna raffigurata. Il particolare gioiello, "un pendente con un rubino di taglio quadrato e uno zaffiro che termina con una perla, spesso un dono di fidanzamento o di matrimonio" richiama quello del Ritratto di Maddalena Strozzi Doni ed è ripreso nella Fornarina con l'ordine delle pietre invertito.L'impianto compositivo della Velata sarà ripreso nel Ritratto femminile  attribuito a Giuliano Bugiardini del Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona.

Prompt: Focus on La velata and explain the Description.Please output in Italian.

Giuliano Bugiardini
Museo Calouste Gulbenkian
Ritratto di Maddalena Strozzi
Sebastiano del Piombo


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Monumento equestre al Gattamelata

Il monumento di Donatello, con la sua idealizzazione eroica del protagonista, fu il punto di partenza per la ripresa del monumento equestre in Occidente, che ebbe un largo seguito almeno fino a tutto il XIX secolo. Alla sua opera si ispirarono Verrocchio per il monumento a Bartolomeo Colleoni  e Giambologna per il monumento a Cosimo I , ecc.

Prompt: Focus on Equestrian statue of Gattamelata and explain the Flu.Please output in Italian.


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Il dipinto fa parte dell'ultima fase produttiva dell'artista, quella in cui abbracciò le novità del tonalismo di Giorgione. Era stato commissionato nel 1494 dal mercante veneziano Giorgio Diletti, lasciando una precisa disposizione nel suo testamento, sia sul soggetto che sulla collocazione.  firma e la data 1513 confermano che tra l'ordinazione e il completamento della pala intercorsero quasi vent'anni, ma non se ne conosce l'esatta ragione.

Prompt: In Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Acquaiolo di Siviglia

LAcquaiolo di Siviglia è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1620 dal pittore Diego Velázquez.È la rappresentazione di una figura popolare, l'uomo che vendeva acqua fresca nelle strade di Siviglia.

Prompt: How does The Waterseller of Seville explain its Abstract?Please output in Italian.


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Rachele

Rachele è una personalità biblica, presentata nel libro della Genesi.È la figlia minore di bano, e quindi parente di Abramo, sorella di Lia, e favorita del patriarca Giacobbe, di cui diventerà seconda moglie. <br />Rachele e Giacobbe sono cugini .Da Giacobbe avrà due figli, due dei dodici progenitori delle tribù di Israele: Giuseppe e molti anni in seguito Beniamino, morendo subito dopo il parto. tomba di Rachele si trova a Betlemme  racchiusa dal muro israeliano ed è raggiungibile solo da parte israeliana.

Prompt: Focus on Rachel (sculpture) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Donna alla sorgente

Donna alla sorgente rappresenta una donna nuda che accarezza l'acqua di un ruscello che cola. Courbet dipinse la donna in modo tale da prendere le distanze dalla forma femminile idealizzata dei suoi contemporanei. Courbet potrebbe aver dipinto la Donna alla sorgente in risposta diretta al dipinto  sorgente di Jean-Auguste-Dominique Ingres , che presenta un soggetto femminile molto idealizzato in una scena simile. mentre altri affermano che ella abbia posato una volta sola.  Donna alla sorgente è stata comparata al dipinto  luna e la terra di Paul Gauguin  e alla Sorgente ingresiana. Nel 1868 l'artista sarebbe ritornato sul tema e avrebbe realizzato  sorgente, oggi esposta al museo d'Orsay di Parigi. femminista e filantropa statunitense Louisine Havemeyer  acquisì il dipinto e in seguito lo lasciò in eredità al museo Metropolitano. In precedenza l'aveva prestato anonimamente allo stesso museo durante una mostra sulle opere di Courbet nel 1919.

Prompt: Focus on The Source (Courbet) and explain the Description.Please output in Italian.

Jean-Auguste-Dominique Ingres
Louisine Havemeyer
Paul Gauguin


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Storie di sant'Orsola

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does Legend of Saint Ursula explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Crucifixion Roman Emperor in The Crucifixion (Cranach)'s Description.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (Geertgen tot Sint Jans Amsterdam)

LAdorazione dei Magi è un dipinto del pittore olandese Geertgen tot Sint Jans, realizzato circa nel 1480-1485 e conservato al Rijksmuseum di Amsterdam nei Paesi Bassi.

Prompt: Focus on The Adoration of the Magi (Geertgen tot Sint Jans) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1480
1485
Adorazione dei Magi
Amsterdam
Geertgen tot Sint Jans
Paesi Bassi


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Stufetta del cardinal Bibbiena

GrottescheQuarto stileLoggetta del cardinal BibbienaLogge di Raffaello

Prompt: In Stufetta del cardinal Bibbiena, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Logge di Raffaello
Loggetta del cardinal Bibbiena
Quarto stile


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Madonna del Latte

L'iconografia è risalente all'Antico Egitto, epoca in cui erano diffusissime le immagini della dea Iside intenta ad allattare il figlio Horus e il cui culto durerà ancora a lungo intrecciandosi con il Cristianesimo. Addirittura molte statue di Iside furono ribattezzate o venerate come Madonne originali.Le prime rappresentazioni iconografiche ufficiali della "Madonna del tte" si ritrovano nell'Egitto ormai cristianizzato del VI o VII secolo dopo Cristo, essa è ritratta mentre allatta Gesù Bambino o in procinto di farlo. Sono immagini molto stilizzate che soprattutto alludono più che mostrare. In questi casi la composizione è una variante dell'iconografia della Madonna col Bambino. Dall'Egitto copto ebbero poi ampia diffusione presso le chiese orientali nell'arte bizantina, con nome greco di Galaktotrophousa. Da qui si diffuse poi, nei secoli seguenti, anche in Occidente. Tale tipologia di Madonne del tte divenne molto popolare nella scuola pittorica toscana e nel Nord Europa a partire dal Trecento.Nell'Europa occidentale con il culto si diffuse inoltre l'uso di custodire nelle chiese come reliquie ampolle contenenti il latte della Madonna , cui si attribuivano gli effetti miracolosi di restituire il latte alle puerpere che lo avessero perso.

Prompt: In Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio), how is the Thefirstrepresentations of the Meaning of iconography explained?Please output in Italian.

Antico Egitto
Cristianesimo
Horus
Iside
Madonna col Bambino