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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Suonatore di liuto

Il dipinto ora all'Ermitage di San Pietroburgo proviene dalla collezione Giustiniani come è testimoniato dall'inventario del 1638: "Nella stanza Grande de Quadri Antichi...8 Un quadro sopraporto con una mezza figura di un giovane che suona il Leuto con diversi frutti e fiori e libri di musica dipinto in tela alto pal.8, larg. pal.5 con una cornice negra profilata e rabescata d'oro di mano di Michelang.o da Caravaggio" . Nel 1808 è acquistato a Parigi dal Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.  nota descrizione del Baglione, del 1642, si riferisce sicuramente a questo dipinto:" ...e dipinse per il Cardinale [Del Monte] anche un giovane, che sonava il uto, che vivo, e vero tutto parea con una caraffa di fiori piena d'acqua, che dentro il reflesso d'una finestra eccellentemente si scorgeva con altri ripercortimenti di quella camera dentro l'acqua, e sopra quei fiori eravi una viva rugiada con ogni esquisita diligenza finta. E questo che fu il più bel pezzo, che facesse mai".  Per Mia Cinotti tale dipinto è precedente alla versione Del Monte e databile al 1596-1597, come anche osserva Mina Gregori. Maurizio Marini  lo data al 1594-1595.

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Giustiniani painting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Una congregazione lascia la chiesa riformata di Nuenen è un dipinto olio su tela realizzato tra il 1884 e il 1885 da Vincent Van Gogh. Conservato nel Museo Van Gogh di Amsterdam, nel 2002 fu oggetto di furto da parte di Octave Durham e del suo complice, Henk Bieslijn. Nel 2016, nel corso di indagini per il contrasto della Camorra, il dipinto è stato ritrovato a Castellammare di Stabia, nell'abitazione dei genitori del trafficante di droga Raffaele Imperiale, boss attualmente in carcere dopo essere stato latitante a Dubai. Il 21 marzo 2017, il Museo Van Gogh annuncia il ritorno nella sua collezione di Una congregazione lascia la chiesa riformata di Nuenen, assieme a  spiaggia di Scheveningen prima di una tempesta - l'altro dipinto trafugato in contemporanea nel 2002. Nell'aprile del 2019, dopo un lavoro di restauro durato due anni, le due opere vengono nuovamente esposte al pubblico.

Prompt: How does Congregation Leaving the Reformed Church in Nuenen explain its Abstract?Please output in Italian.

1884
1885
Amsterdam
Camorra
Castellammare di Stabia
Dubai


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Croce degli Angeli

Una leggenda, raccolta nella sua opera dal vescovo Lucas de Tuy, riferisce che Alfonso II il Casto, re delle Asturie, era desideroso di donare una croce d'oro e pietre preziose alla chiesa del Santo Salvatore di Oviedo, e che un giorno, dopo aver assistito alla messa, e dopo essere giunto al palazzo reale, ebbe un'apparizione nella quale due angeli, sotto forma di pellegrini, lo informarono che erano degli orafi. Il re, secondo la leggenda, diede loro oro e pietre preziose, e fornì loro una casa perché potessero lavorare indisturbati. Tuttavia, voleva scoprire a che tipo di individui avesse dato il suo oro e le pietre preziose, e così inviò diverse persone, una dopo l'altra, per vedere cosa stavano facendo.I servi del re, giunti alla casa dove lavoravano gli orafi, osservarono che all'interno c'era un grande bagliore che impediva loro di contemplare ciò che vi stava accadendo, e andarono ad informare il re, che si recò nella casa e la trovò vuota, anche se c'era una croce che brillava luminosa. Alfonso II il Casto prese la croce e, secondo la leggenda, la portò nella chiesa del Santo Salvatore, dove la depose sull'altare.Detta leggenda ha fatto sì che la croce fosse chiamata la Croce degli Angeli.

Prompt: In the context of Cross of the Angels, explain the Legend about its origin and the History.Please output in Italian.


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Actea, la ninfa della spiaggia

Actea, la ninfa della spiaggia  è un dipinto a olio su tela del pittore inglese Frederic Leighton, realizzato ed esposto per la prima volta nel 1868. È conservato alla galleria nazionale del Canada.

Prompt: How does Actaea, the Nymph of the Shore explain its Abstract?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Il cattolicesimo vede in alcuni testi biblici non una prova, quanto un'avvisaglia di quella che sarà la dottrina del magistero. Bisogna ricordare che, secondo la teologia cattolica, la scrittura non è l'unica fonte della fede: anche la Tradizione della Chiesa è luogo teologico.Nell'Antico Testamento, il cosiddetto Protovangelo della salvezza presenta la donna  come prefigurazione di Maria:Immacolata francescana secondo Genesi 3,15 - Terni - Maria ponendosi al servizio di Dio, permette l'entrata del Salvatore nel mondo . Maria quindi, nella lettura tradizionale della Chiesa, partecipa, anche se in forma subordinata, alla vittoria di Cristo sul peccato.Altre indicazioni veterotestamentarie del dogma sono, secondo l'insegnamento della Chiesa, ravvisabili nel Cantico dei Cantici e nei Proverbi:Nel Nuovo Testamento il passo principale che la tradizione cattolica ritiene spiegabile soltanto ammettendo l'Immacolata Concezione è il saluto rivolto dall'arcangelo Gabriele a Maria:

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Biblical foundations of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Dio
Genesi
Nuovo Testamento
Protovangelo
Protovangelo
Salvatore


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tomba di Giulio II

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1 Lutz Heusinger, Michelangelo, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 8881170914

Prompt: Focus on Tomb of Pope Julius II and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Martirio di sant'Erasmo

Il Martirio di sant'Erasmo è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1628 e il 1629, custodito nella Pinacoteca vaticana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin).Please output in Italian.


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Unione di Lublino

firma del trattato rappresentò il frutto di una lunga discussione che vide in primo piano i magnati lituani, spaventati dalla prospettiva di perdere gran parte del loro potere. Secondo i piani, infatti, l'Unione avrebbe equiparato di fronte alla legge il loro status e quello della bassa nobiltà, di gran lunga più numerosa, ma la contingenza storica non consentiva alla Lituania grandi spazi di manovra: la minaccia di una sconfitta totale contro la Russia nella guerra di Livonia e la conseguente prospettiva dell'incorporazione nello stato moscovita si faceva sempre più concreta. Da parte sua, la Polonia non era disposta ad offrire aiuto ai lituani senza poter chiedere nulla in cambio. Il re di Polonia Sigismondo II Augusto, con il sostegno della nobiltà , cominciò a premere a favore dell'unione.

Prompt: Explain the Backgrounds about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Union of Lublin (painting).Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

È stato chiamato col suo nome il più grande essere vivente, una sequoia gigante nel Parco nazionale di Sequoia in California.Un altro omaggio al suo nome è stato dato al carro armato medio M4 Sherman della seconda guerra mondiale.Il General William Tecumseh Sherman Monument è una statua equestre ritraente Sherman; si trova nella Sherman Plaza, che fa parte del President's Park a Washington.Una statua di Sherman, opera di Augustus Saint-Gaudens, si trova al centro della Grand Army Plaza di Manhattan, a New York.

Prompt: Explain the Monuments of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

{ class="wikitable"-!scope="col" Numero! scope="col"Titolo!class="unsortable" scope="col"Descrizione! scope="col"Data!class="unsortable" scope="col"Immagine-class="sorttop" Indice I titoli abbreviati per stagione: due caselle in alto per le stampe della primavera, una casella a forma di ventaglio per l'estate, una casella in basso a destra per l'autunno ed un'altra in basso a sinistra per l'inverno. 150px- class="toccolours" align="center" ! colspan=10 style="background:#00FA9A"  Primavera-!scope="row"1Con questa prima stampa che apre la serie della primavera, Hiroshige mostra quanto più caratteristico del suo stile, una visione estesa che si perde nell'orizzonte, con molteplici elementi naturali ed architettonici così come piccole figure di persone occupate alle loro attività quotidiane. Il centro della veduta è occupato del ponte Nihonbashi , uno dei più grandi e rappresentativi della città, costruito nel 1603, e che serve come "chilometro zero" per misurare le distanze del Paese. Al secondo piano si trova il palazzo imperiale ed il Fuji sullo sfondo. Si noti l'effetto bokashi nella gradazione dei diversi toni del blu nel fiume. 150px-!scope="row"2 Questa stampa è una forte composizione verticale, sopra l'asse di una strada frequentata della città, che s'estende sotto un vasto cielo con diverse tonalità di colore. L'immagine suggerisce una certa prospettiva lineare sulla strada che scende nella baia di Tokyo, ma questa impressione è attenuata da un potente cromatismo. Alle due estremità della strada si trovano due case di daimyō, a sinistra, Asano di Hiroshima, ed a destra, Kuroda di Fukuoka. Sui lati sono rappresentati due alti pini kadomatsu. È possibile riconoscere qualche ballerino, un sacerdote e parecchi samurai. Nel cielo vola un aquilone che porta il simbolo sakana , il primo elemento del nome dell'editore Sakanaya. In basso a sinistra, dei rami di pino sconfinano nel cortile del palazzo. Come sulla stampa precedente, degli aquiloni fluttuano alti nel cielo. Sullo sfondo vi è la residenza del daimyō Nabeshima Kanso, un fabbricante d'artiglieria il cui portale è decorato con un fascio di paglia di riso. 150px-!scope="row"4  Questa immagine notturna mostra un piccolo ponte sull'isola di Tsukuda nella baia di Edo, visto dal ponte Eitaibashi , rappresentato dal largo pilastro che occupato il lato sinistro. Questo ponte, costruito nel 1698 è il più lungo di Edo ed attraversa il Sumida-gawa, principale fiume della città. L'isola è un porto di pesca ufficiale, responsabile della fornitura di pesce fresco per lo shōgun. Nelle notti d'inverno e di primavera, si pescano gli shirauo , che attirano i lumi delle torce, come si vede al centro dell'immagine. 150px-!scope="row"5  Questa è ancora una veduta verticale con il Fuji ed un grande cielo blu a partire da un punto di vista insolito, quello del tempio menzionato nel titolo ma che non appare, mentre sul lato sinistro figura un grande ponteggio di legno con un tamburo nella parte superiore, che mostra il gusto di Hiroshige per gli elementi aneddotici. Sul ponteggio, si suonava il tamburo turante le competizioni di sumo che si tenevano nel tempio dove ebbe luogo il primo torneo di sumo nel 1768. Il tempio Ekō-in, costruito nel 1657, appartiene al buddhismo della , ed è stato costruito per commemorare le 100 000 vittime dell'incendio che ha raso al suolo la città. Dietro il Sumida-gawa sul quale navigano imbarcazioni e traghetti, appare la residenza di Matsudaira, il signore feudale di Tamba, vicino al ponte Moto-Yanagi e ad un grande salice. 150px-!scope="row"7Il quartiere di Ōdenma-chō  è una stazione dove viene centralizzata la maggior parte delle merci della capitale nipponica. Ecco una via con un ponte che va verso sinistra, ricco di negozi di cotone i cui nomi sono dipinti sulle porte: Tahataya, Masuya, Shimaya. Sui tetti si trovano dei contenitori riempiti d'acqua piovana per prevenire eventuali incendi. Nella via passano delle geisha che indossano un kimono grigio su cui sono dipinte delle libellule, ed i loro volti ne rivelano alcune caratteristiche essenziali.  composizione mette in evidenza l'uso del blu in vari toni, magistralmente utilizzato per degli effetti d'ombra.}} 150px-!scope="row"58  Questa è una delle stampe più famose della serie, come dimostra la copia realizzata da Vincent van Gogh nel 1887. Costruito nel 1693, il ponte Shin-Ōhashi , è spesso stato danneggiato da incendi ed inondazioni, e d'altronde ricostruito venti volte durante i primi cinquant'anni della sua esistenza.  parte inferiore è occupata dalla presenza del ponte Shin-Ōhashi, di cui è rappresentata la curva della sua sezione centrale, dove passano parecchi pedoni che, sorpresi dalla pioggia, si coprono come possono. L'ampia superficie del Sumida-gawa è attraversata da una zattera di legno, mentre il bordo inferiore, corrispondente alla zona portuale di Atake, non è che abbozzato nella penombra.  linea dell'orizzonte scende lungo il ponte, per poi salire, formando una composizione triangolare con due diagonali che si congiungono. Il punto culminante della stampa è il maestrale effetto atmosferico ottenuto con le sottili linee della pioggia che attraversano tutta l'immagine in un grande effetto verticale che accentua la violenza della tempesta. 150px-!scope="row"59  L'imponente struttura del ponte domina la parte centrale densamente percorsa da una folla di pedoni. Il ponte Ryōgoku  fu costruito nel 1660, e misura 160 metri, facendone il più lungo ponte della sua epoca in Giappone. Esso è anche il più antico ponte del fiume Sumida, per cui era inizialmente chiamato Ohashi . Quando in seguito un nuovo ponte - quello che figura nella stampa precedente - fu costruito nel 1693, gli fu dato il nome di Shin-Ohashi . 150px-!scope="row"60   verticalità pronunciata dell'immagine è messa in evidenza dall'ampiezza del cielo e del paesaggio ridotto ad una fascia in basso, mentre il lato a sinistra è occupato di nuovo in primo piano da un grande palo ricoperto da carte bianche e rosse, in occasione del pellegrinaggio al monte Ōyama nella prefettura di Kanagawa a 60 chilometri a sud di Edo.  montagna si apre ai pellegrini il 27 del sesto mese, dopo l'esecuzione prima dell'inizio di una cerimonia di purificazione nel fiume Sumida, sotto al ponte Ryōgoku. Nell'angolo inferiore a sinistra appaiono le teste di parecchi pellegrini, coperti da un pezzo di stoffa bianco e blu, mentre sul lato a destra un'altra chiatta trasporta dei passeggeri guidati da un asceta montanaro  che suona una conchiglia. Il ritorno dei pellegrini dalla montagna è mostrata nella stampa nº 76. Tale sezione del fiume Sumida ha ricevuto un altro titolo in edizioni successive: Barche vicino a Ryōgoku con una veduta di Asakusa da lontano . 150px-!scope="row"61  Lo Shubi no matsu  del titolo si trova su di una banchina del fiume Sumida vicino al negozio del riso del quartiere di Asakusa. Qui si ritrovano le coppie di innamorati, come sottolinea l'ambiente notturno di questa immagine. Sul lato a sinistra appare il traghetto di Oumayagashi che collega Asakusa al quartiere di piacere di Shin Yoshiwara. Sopra la barca, i rami del pino sembrano sospesi fino al centro dell'immagine, mentre la recinzione di bambù a sinistra è nascosta dietro ad un'imbarcazione di piacere . Il crepuscolo si stabilisce all'orizzonte mentre il cielo della sera comincia a riempirsi di stelle, dando all'insieme un'atmosfera molto romantica. I Ricordi illustrati di Edo di Hiroshige contengono un'immagine speculare di questa veduta con una donna in piedi sulla barca. 150px-!scope="row"62 Nell'angolo inferiore a sinistra appare una proiezione del tetto del tempio Komakata-dō. All'epoca esso ospitava un'immagine del  bodhisattva  Kannon alla testa di un cavallo  . Leggermente a destra di questo panorama s'innalza un grande palo di legno recante una bandiera rossa, indubbiamente quella di un negozio di prodotti cosmetici. Sullo sfondo il fiume Sumida s'allarga avendo per fondo il quartiere di Asakusa ed il ponte Azumabashi a sinistra sopra al tetto del tempio. Il cielo è coperto e sembra piovigginare mentre un cuculo minore lo attraversa repentinamente.  vicinanza dell'uccello al tempio si riferisce ad una celebre poesia d'amore del teatro kabuki.  cortigiana Takao , amante del daimyō Date Tsunamune del dominio di Sendai, consuma l'amore recitando questi versi: .</ref>}} 150pxalt=Reproduction de l'estampe-!scope="row"63  Ecco una scena idillica il cui soggetto principale è un ramo di mimosa dai fiori rosa a forma di ventaglio. Nella parte inferiore, una zattera fatta di lunghe canne attraversa il Sumida in direzione del fiume Ayase-gawa, un affluente del Sumida che si presenta dal lato opposto. Il cielo mostra la consueta gradazione di colori in bokashi, altro esempio della maestria del cromatismo e dell'interpretazione degli elementi da parte dell'artista. Questa scena si situa a nord del Suma-gawa rappresentato in questa serie. 150px-!scope="row"64  Come indica il titolo, la parte superiore del primo piano dona una veduta suggestiva di alcuni iris i cui magnifici fiori si offrono al cielo aperto. Si tratta della specie shōbu floreciente, portata per prima volta in Europa nel 1712 da Engelbert Kaempfer, per cui essa è detta iris kaempferi. Tale fiore ha conosciuto un grande successo durante il periodo dell'Art Nouveau, servendo da elemento decorativo in numerose opere ornamentali moderniste. In Giappone, questo fiore è associato alla bellezza femminile, e ciò traspare nell'immagine dalle donne che si vedono dietro agli iris, nel piano mediano. 150px-!scope="row"65  Quest'immagine è una delle più conosciute della serie, anzi, quelle che ha ottenuto che fama in Europa, in particolare tra gli impressionisti, tra cui Claude Monet che s'ispirò ad essa per progettare il suo giardino di Giverny. Essa presenta di nuovo una grande composizione verticale dove il primo piano è occupato nella sua parte superiore da un glicine viola in fiore che scende come a cascata attraverso il quale appare sullo sfondo un paesaggio dominato da un ponte dalla curvatura più pronunciata che nella realtà. Si tratta di un taikobashi , un tipo di ponte originario della Cina in cui il riflesso dell'acqua dovrebbe dare la forma di un tamburo, effetto che Hiroshige, non ha invero realizzato su questa stampa.  sua portata è dimostrata dai punti di rame  al livello dei poli del ponte, punti di solito riservati ai ponti di alto livello, come Nihonbashi e Kyobashi. Il santuario Kameido Tenjin, che non appare nell'immagine malgrado il titolo della stampa, fu costruito nel 1660 per incitare il ripopolamento delle terre ad est del Sumida-gawa. Al momento della stampa dell'immagine, l'artiste commise un errore percettibile seguendo il blu del fiume al di là dell'orizzonte nella zona situata sotto al ponte. 150px-!scope="row"66 Ancora una volta Hiroshige ci propone una composizione verticale in linea d'aria dove il primo elemento che appare a destra dell'immagine è il padiglione Sazai-dō a tre livelli di una tinta giallo vivo, il cui balcone superiore permette a parecchi visitatori di ammirare il paesaggio. Infatti, questo edificio si chiamo Sansō-dō , poiché visitare ogni piano è un'azione reputata come un effettivo ulteriore pellegrinaggio. Esso fu costruito nel 1741 nel tempio dei cinquecento rakan, santo buddista liberato dal ciclo delle reincarnazioni. Tale zona è uno dei sobborghi di Edo, integrato alla città dopo la costruzione dei ponti  Ryōgoku e Shin-Ōhash. Davanti al tempio si estende un grande prato verde mentre sullo sfondo si trovano diverse case di legno e negozi che bordeggiano il canale Tate-gawa. 150px-!scope="row"67  composizione è dominata dal fiume Naka-gawa  dalle varie tinte di blu, la tinta più scura al centro corrisponde alla maggiore profondità mentre il verde-blu nella parte inferiore alle rive dove crescono le canne. Degli aironi di un bianco limpido e senza pigmenti  vivono su quel lato del fiume. Più in alto, sulla riva opposta, si trovano una zona boschiva a sinistra ed un piccolo villaggio a destra che è lo scalo del traghetto menzionato dal titolo della stampa. Sullo sfondo appare la montagna della penisola di Chiba, ad est di Edo, circondata da nebbia, sotto un cielo bianco e rosso. 150px-!scope="row"68 Questa stampa valorizza la diversità dei colori e dei contrasti cromatici degli elementi naturali, in particolare l'intenso colore rosso delle azalee ed il rosa dei ciliegi in fiore - immagine che è tuttavia anacronistica, in quanto le azalee ed i ciliegi fioriscono a più di un mese di distanza. Il colore degli alberi contrasta col verde dei campi ed il blu del fiume che serpeggia verso il basso, attraversato da diversi ponti. Alcuni piccoli personaggi passeggiano lungo il fiume mentre sullo sfondo si trova una delle cinquantotto colline artificiali che imitano il Fuji  nella regione di Edo. Queste miniature del monte Fuji misurano tra uno e dieci metri di altezza. 150px-!scope="row"69  Questo padiglione fu costruito come una replica del tempio Sanjūsangen-dō a Kyoto , celebre per le sue 1001 statue di Kannon. Esso fu eretto nel 1642 nel quartiere Fukagawa, e coi suoi 120 metri di lunghezza è una delle più grandi strutture della città. Oltre ad essere un luogo sacro, la sua lunghezza è utilizzata per la pratica del tiro con l'arco. Tuttavia, l'edificio fu demolito nel 1870 nel corso del persecuzione del Buddismo  durante il periodo Meiji. L'immagine mostra appena la metà dei due lati del padiglione, il quale attraversa in diagonale la scena, dando un'idea delle sue enormi dimensioni. Molti pedoni camminano da ambo i lati del padiglione, delimitato dal fiume nella parte superiore dove si trova un magazzino di legna del deposito di Kiba le cui tavole sono tutte appena delineate sulla superficie dell'acqua. 150px-!scope="row"70  Il soggetto principale della stampa è il fiume che domina la composizione secondo il suo asse verticale e nella sua parte centrale. Il Naka-gawa è il corso d'acqua che conduce a destra nella baia di Edo, al di fuori dell'immagine. Molti pescherecci, delle zattere di legno e delle imbarcazioni con a bordo passeggeri attraversano il fiume. Nella parte inferiore, laddove navigano le barche coi passeggeri, scorre il canale Onagi-gawa in cui si trova una postazione di controllo militare. All'estremo opposto c'è il canale Shinkawa, con alcune imbarcazioni coperte da paglia che trasportano del salo prodotto nelle vicinanze. Questo canale si perde in lontananza in una fitta nebbia bianca in gradazione ichimonji bokashi. 150px-!scope="row"71 Questa stampa permette una nuova volta di apprezzare l'eccezionale concezione della composizione dell'artista, mostrando un paesaggio attraverso una rete da pesca che occupa il lato destro, in modo da creare l'illusione di "partecipare" alla scena. L'inconsistenza apparente di un paesaggio fluviale senza molto fascino è così valorizzata da un punto di vista originale e da un'inaspettata scena di vita quotidiana ad Edo, una delle caratteristiche dello stile tradivo di Hiroshige e della serie Cento vedute famose in particolare. Dietro alla rete, l'immagine si compone in due zone separate orizzontalmente dalla frangia dell'orizzonte, col fiume ed una zona di canneti nell'angolo inferiore a sinistra, ed il cielo sopra, nelle solite gradazioni tra il nero ed il blu, attraversato dal volo di due aironi. Al centro dell'immagine, parzialmente coperta dalla rete, figura una grande barca a vela, mentre forse pesca le carpe del fiume Tone, reputate per la loro qualità. 150px-!scope="row"72  Hiroshige ci presenta nuovamente un approccio inconsueto, con il paesaggio inquadrato dalla figura di un vogatore, di cui solo le gambe e le braccia sono visibili sul lato a sinistra, «in modo che l'intero paesaggio, come oppresso da questa gigantesca presenza, paia spinto in lontananza». Questa stampa fu criticata, soprattutto in Occidente, per la concezione fuori dal comune: Basil Stewart, autore del Subjects Portrayed in Japanese Colour-Prints  pensava che ciò fosse segno di una «senilità precoce» dell'artista, mentre lo storico d'arte giapponese Minoru Uchida parlava di un «errore assoluto». Invece, per Seiichiro Takahashi, era come una «prova del genio straordinario di Hiroshige», che produsse questa veduta con l'obiettivo ricercato di incitare al riso.  prospettiva mette lo spettatore al posto del passeggero della barca, in cui appare un pezzo di ombrello nell'angolo inferiore a destra. Nello sfondo, a sinistra si trova il santuario di Benten, una divinità protettrice delle acque, mentre al centro si vede un faro. Questo santuario fu demolito dopo la Seconda Guerra mondiale per costruire l'aeroporto di Tokyo-Haneda, seppur conservando un torii sacro. 150px-!scope="row"74  Questa stampa presenta dei personaggi in processione, vestiti con abiti festivi e cerimoniali. Questa è una delle poche stampa dove i personaggi occupino un posto centrale nella composizione, in contrasto con le abituali piccole figure integrate col paesaggio. Malgrado il loro abbigliamento da samurai, consistente in pantaloni ed una veste dello stesso disegno  più un abito kosode sopra, essi sono dei carpentieri, che celebrano la chiusura dell'acqua di un edificio a causa del sisma del 1855. I carpentieri lavoravano molto all'epoca. Qui, questi festaioli sono manifestamente ebbri, cosa che l'artista ha magistralmente tradotto sui loro visi, mostrando il suo senso dell'umorismo e dell'esplorazione psicologica. Sullo sfondo appare il negozio di seta Daimaru, con un'alternanza di tende nere e rosse che portano la calligrafia del nome della bottega accanto al nome del suo fondatore, Shimomura Hikouemon. 150px-!scope="row"75  Questa è nuovamente una grande composizione verticale che dimostra il profitto che l'artista è in grado di ottenere dal formato ōban. L'immagine rappresenta alcune grandi tele appese ad asciugare dai tintori del quartieri di Kanda, reputato per la qualità dei suoi tessuti. A sinistra, i due lati delle tele sono colorati di marrone ed indaco, con dei disegni floreali ed a scacchiera destinati agli yukata. Al centro, lunghe strisce di tessuto di colore bianco e blu devono essere tagliate per formare delle bande. Le due strisce bianche in primo piano portano il segno «pesce» , possibile allusione al cognome dell'editore, Eikichi Sakanaya, mentre le altre due dietro mostrano il monogramma di Hiroshige, costituito dalla sillaba hi inserita in un ro a losanga. Sullo sfondo appaiono il palazzo dello shogun ed il Fuji. Katsushika Hokusai aveva già realizzato una composizione simile a questa qui nella sui serie Cento vedute del monte Fuji, anche se questa immagine è stata sicuramente composta da Hiroshige in omaggio al maestro dellukiyo-e. 150px-!scope="row"76 In questa veduta notturna dominata dalla luna piena che appare dietro al cartello del titolo, la figura imponente del ponte Kyōbashi crea la prospettiva in primo piano, dietro cui s'erge un alto muro di bambù, costruito per seccare il legno. Sul lato destro del ponte passa una processione di pellegrini di cui alcuni portano una lanterna, ed altri circolano nei due sensi. I gibōshi  metallici nel mezzo della curvatura del ponte indicano che si tratta di un ponte importante. I pellegrini tornano dal monte Ōyama  e portano una lampada rossa su cui sono scritti i caratteri  hori   e take . Questa stampa ha ispirato a James Abbott McNeill Whistler il suo quadro Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea . 150px-!scope="row"77  composizione della stampa è strutturata dai pali di una nave da cargo in primo piano, altro esempio del sensazionalismo ricercato dall'artista lungo tutta la serie. L'immagine è così divisa in tre fasce verticali in cui nella parte inferiore appare il fiume  pieno di navi da merce e da passeggeri, mentre il piano mediano è occupato dalla curvatura del ponte Inaribashi. Quest'ultimo conduce dal lato di sinistra ad una porta rossa corrispondente al santuario Minato-jinja e dal lato di destra alle case bianche dei magazzini portuali.  baia di Edo è poco profonda, quindi le barche restano ancorate a distanza e le merci vengono scaricate e conservate nei magazzini. Infine, s'innalza all'orizzonte la figura famigliare del Fuji. 150px-!scope="row"78  parte inferiore di questo ampio panorama è occupata dalle vele delle navi da merce, mentre il centro dell'immagine da molti pescherecci ed infine da un villaggio sulla riva opposta del fiume. Sullo sfondo si trova il tetto impressionante del Nishi Hongan-ji della setta buddhista Jōdo Shinshū, affiliata al tempio omonimo di Kyoto. Fondato nel 1617 nel quartiere di Hamacho a sud di Asakusa, il tempio fu trasferito nel quartiere di Tsukiji  dopo il grande incendio di Meireki del 1657, in cui prese il nome di Monzeki Tsukiji. Quando la stampa fu creata, il tempio era in ricostruzione dopo essere stato distrutto da una tempesta nel 1854, ma l'artista ha scelto di renderlo nella sua forma ideale, in accordo con la nozione di meisho  che impregna tutta la serie. Come la stampa nº 79, questa ha un titolo alternativo: Supplementi divertenti alle Cento vedute famose di Edo . Probabilmente Hiroshige voleva mettere fine a questa serie dopo aver già prodotto 110 stampe, ma davanti al successo della serie presso il pubblico ed all'insistenza del suo editore, egli riprese il titolo originario. 150px-!scope="row"79 Quest'immagine mostra un gruppo di turisti venuti dalla campagna per vedere la capitale, preceduti da una guida che apre loro la strada. L'artista mostra nuovamente il suo talento nel rendere la fisionomia e la personalità dei personaggi, così come la caratterizzazione psicologica delle figure. Dietro di loro, un gruppo di monaci che portano dei cappelli di paglia stanno ugualmente per visitare il tempio. Il tempio Zōjō-ji appartiene alla setta della Terra pura e costituisce il pantheon del clan Tokugawa. A destra si trova il santuario Shiba Shinmei con i suoi intrecci  e le sue travi trasversali . Fu costruito nell'XI secolo nello stile arcaico dell'originale santuario di Ise. I volti rallegrati, quasi caricaturali dei paesani che contrastano con il gruppo di monaci novizi sono insoliti in questa serie. 150px-!scope="row"80  Questo è un ulteriore esempio di paesaggio visto attraverso diversi elementi che figurano in primo piano, una delle caratteristiche principali della serie. Vi si trovano parecchi striscioni portati in processione da pellegrini che attraversano il ponte Kanasugi alla foce del fiume Furukawa. Le scritte rivelano che essi sono membri della setta buddhista Nichiren il cui simbolo è un fiore di arancio inserito in un quadrato . Il gruppo, molto compatto, si distingue dagli ombrelli nell'angolo inferiore a sinistra, sopra cui svolazzano alcune tele bianche e marroni con la scritta Uoei, riferimento all'editore Eikichi Uoya, altro nome di Eikichi Sakanaya. Il lungo striscione rosso porta la scritta Namu Myōhō Rengekyō .  processione va o torna dal tempio Honmon-ji nel quartiere di Ikegami dove morì il fondatore della loro scuola, Nichiren . 150px-!scope="row"81  Basata su di una composizione dall'opposizione dei piani, l'immagine presenta in primo piano a destro la metà di una ruota ed il timone di una vettura in riferimento al vicino quartiere di Ushimachi . Il nome gli fu dato nel 1634, quando furono condotti ad Edo numerosi buoi destinati a servire alla costruzione del tempio della famiglia Tokugawa, lo Zōjō-ji. Takanawa è la porta meridionale di Edo che conduce a Kyoto dalla strada Tōkaidō. Dietro la strada si trova la baia di Edo col le sue barche a vela ed i suoi terrapieni daiba costruiti come misura difensiva tra il 1853 e 1855, dopo l'arrivo della flotta degli Stati Uniti condotta dal commodoro Perry. Ai piedi della strada si trovano due cani e qualche rifiuto, tra cui due fette di anguria ed una sandalo di paglia mordicchiato da uno dei cani. Il cielo è attraversato da un arcobaleno che passa dietro al timone della vettura. Così, la strada come l'arcobaleno alludono a Takanawa, che significa «alta strada». 150px-!scope="row"82  Questa è un'altra immagine immersa nella dolce luce notturna della Luna che appare tagliata dal balcone ed attraversata da un volo di uccelli. Questa stampa si situa nel quartiere Shinagawa, mostrato anche nella successiva. Dalle porte scorrevoli fusuma appare una camera che dà una magnifica vista della baia di Edo in cui sono ancorate numerose barche a vela. Le fortificazioni che dovrebbero essere visibili nella baia scompaiono per non infrangere l'armonia della scena. Sul tatami verde, i resti della cena, wasabi e sashimi su di un piatto laccato di rosso, una tazza di sakè, un tovagliolo, una lampada ed un ventaglio. Dai entrambi i lati si vedono due figure: a destra, una geisha che ha appena appoggiato a terra il suo shamisen, a sinistra, una cortigiana che si sta svestendo per andare a dormire. L'immagine presenta una sequenza cronologica: sa destra a sinistra - come si fa la lettura in giapponese - la cena è terminata, la Luna è apparsa ed il personaggio s'appresta ad andare a dormire. Si crea un ambiente lirico e sereno che evoca la calma e la felicità, le quali trascendono la mondanità di questa scena di vita quotidiana. Ignorando tutti i dettagli concreti, Hiroshige crea una «immagine generalizzata» delle case da tè di Shinagawa. 150px-!scope="row"84  L'immagine mostra molti viaggiatori fermi ad un punto di riposo tra due colline di pini sulla strada che attraversa la quartiere di Meguro, dove si trova una piccola casa da tè menzionata nel titolo. Al centro si apre un'ampia vallata che un tempo serviva da terreno per la pratica della falconeria, riservata allo shogun. Meguro è attualmente un quartiere a sud di Tokyo. Sullo sfondo appare il Fuji dietro ad altre montagne che si elevano sopra la bruma, mentre le figure dei pini occupano tutta la parte sinistra del cielo. Tale paesaggio era molto apprezzato dagli artisti giapponese, figurando anche in una stampa realizzata da Shiba Kōkan alla fine del XVIII secolo con l'utilizzo della prospettiva occidentale. 150px-!scope="row"85  Il motivo principale della stampa è costituito da una processione di samurai che salgono la collina di Kinokuni, lungo il fossato che circonda il palazzo imperiale. Sulla veste del conduttore è impresso il simbolo del giglio , che può ugualmente essere letto come «il rispetto dello spirito guerriero». Alcuni personaggi emanano una freddezza marziale, mentre i loro atteggiamenti sono un po' caricaturali. Sullo sfondo si trova il quartiere densamente popolato dove abita la classe borghese urbana , composta da artigiani, operai e commercianti. Il contrasto tra queste due classi sociali è paradigmatico della società nipponica dell'epoca: le classi inferiori rappresentavano più della metà della popolazione di Edo , ma occupano solamente il 20% della superficie abitabile. 150px-!scope="row"86  In nuovo esempio della ricerca dell'originalità nella composizione, l'artista mostra qui la scena attraverso le zampe dei cavalli le cui deiezioni sul suolo paiono indubbiamente assai volgari per l'epoca. Si vede sullo sfondo una vivace via ricca di negozi a Shinjuku , luogo abituale di prostituzione e prima tappa della strada Kōshū Kaidō che conduce a Shimosuwa . Hiroshige allude sicuramente alla seguente citazione: «fiori che crescono sullo sterco di cavallo a Yotsuya», estratta dal libro Lo splendido Sogno di Maestro Kinkin , riferimento alle prostitute di Shinjuku. 150px-!scope="row"87  Questa prospettiva aerea presenta una vista panoramica dello stagno Inokashira no ike, da cui l'acquedotto Kanda prende l'acqua per portarla alla città. Nella parte inferiore a sinistra si trova un'isola che ospita il santuario Benten, divinità protettrice delle acque, già incontrata sulle stampe 72 o 83. Questa santuario fu fondato nel 1197 dal signore della guerra Minamoto no Yoritomo, mentre la statua principale è opera di Saicho Daishi, fondatore della scuola buddhista Tendai.  parte centrale mostra un'isola le cui rive sono coperte da canneti mentre sullo sfondo, una foresta ed una montagna emergono dalla foschia. Sopra allo stagno volano degli aironi. In tutta la serie, questo sito, ad ovest di Edo, rappresenta il punto lontano dalla città. 150px-!scope="row"88  Questa è un'immagine tipicamente autunnale che sottolinea le foglie rosse degli aceri. Se l'attrazione principale nei paesaggi primaverili è la contemplazione dei ciliegi in fiore, in autunno, sono gli aceri ad attirare numerosi visitatori, particolarmente nella regione di Ōji, dove molti alberi sono stati piantati dallo shogun Tokugawa Yoshimune all'inizio degli anni 1730. Il colore marrone rossastro di tali alberi è realizzato con dei pigmenti tan, ottenuti dal piombo o dall'ossido di ferro. Il soggetto principale di quest'ulteriore veduta aerea è un'alta collina circondata dal fiume Shakujii, detto Takino-gawa  nel titolo della stampa per le sue numerose cascate, come quella rappresentata a destra. Nella parte in basso si trova una piccola isola con un pergolato dove alcuni bagnanti fanno le loro abluzioni. Non lontano da là, si distingue l'arco di un torii che indica l'accesso di un santuario situato in una grotta dedicata alla dea delle acque Benzaiten e dipendente dal santuario Matsubashi-Benten le cui torri sono visibili in alto a destra, sulla collina coronata da pini. Il fiume è attraversato da un ponte che viene da Nakasendō, stata conducente a Kyoto, e dove si trovano il santuario Oji-Gongen ed il tempio Kinrin-ji. Superato il ponte, un sentiero porta a qualche casa da tè situata tra gli alberi. 150px-!scope="row"89 Questo pino – già visto sull'undicesima stampa – prende il suo nome dalla forma inconsueta di uno dei suoi rami, curvato in un cerchio quasi perfetti. I Giapponesi amano dare dei nomi agli alberi singolari o dal significato particolare, come mostrato nelle stampa 26, 61 e 110. Ancora una volta, la composizione è strutturata a partire da un primo piano ingrandito che guida l'occhio verso il paesaggio, qui lo stagno Shinobazu no ike e dietro un quartiere appartenente al potente daimyō Maeda, signore di Kaga , oggigiorno occupato dall'Università di Tokyo. Più vicino all'osservatore, nell'angolo in basso a destra, si trovano diversi edifici tra cui s'innalza un santuario di colore rosso di nuovo dedicato a Benten, su di un'isola costruita ad immagine di quella di Chikubushima a nord-est di Kyoto. 150px-!scope="row"90  Per questa veduta notturna, Hiroshige usa una prospettiva più occidentale al fine di suggerire la profondità della strada rappresentata, con un punto di fuga sulla sinistra e leggermente inclinato verso il centro dell'immagine.  via, principalmente occupata da teatri di marionette, di kabuki e bunraku, è percorsa da numerosi passanti le cui ombre sono ben visibili al chiaro di luna. Dopo l'incendio del 1841, i teatri sono raggruppati nel quartiere Saruwaka-machi. I teatri ufficiali sono indacati da una yagura, la struttura che appare su certi tetti. A quest'ora, la maggior parte dei teatri è chiusa, ad eccezione del teatro Morita da cui sfugge della luce a sinistra, e che fu aperto appena dopo un incendio nel 1855. A partire dal 1830, Hiroshige studiò approfonditamente gli effetti della luce e le immagini di notte, come nella sua serie Figure improvvisate  e nel suo trittico Chiaro di luna su Kanazawa della serie Neve e luna. 150px-!scope="row"91  Questa veduta aerea mostra lo stagno del bel giardino del santuario di Akiba le cui divinità proteggono dagli incedi.  stampa valorizza le fogli di acero dai colori arancione ed ocra riflessi sull'acqua. Nell'angolo inferiore a sinistra si trova un padiglione da tè sulla terrazze del quale un monaco dipinge il paesaggio dinanzi a lui. Si tratta forse di un autoritratto di Hiroshige, secondo lo storico d'arte Henry D. Smith. In questo caso, la donna accanto sarebbe sua moglie, Yasu, accompagnata da suo figlio Tatsu. Questa ipotesi è sostenuta dalla speciale relazione esistente tra la famiglia ed il santuario Akiba, dove Hiroshige III, l'ultimo discepolo dell'artista e marito di sua figlia Tatsu, posò una placca commemorativa in occasione del 25º anniversario della morte del maestro. 150px-!scope="row"92   baia di Uchigawa fa parte del Sumida, principale fiume della città. Sulle sue rive si trova il tempio Mokubō-ji, eretto nel X secolo come mausoleo di un giovane signore di nome Umewaka, protagonista di una tragedia che fu incorporata in un'opera del teatro Nō intitolata «Sumida-gawa»: essendosi perso, il giovane cadde nelle mani di un mercante di schiavi e finì per morire di malattia e di sfinimento sulle rive del fiume Sumida, con grande disperazione della madre. Il tempio Mokubō-ji citato nel titolo è vicino, ma non quello rappresentato su questa stampa: l'edificio a destra è il ristorante Uehan  specializzato nei prodotti marittimi, che Hiroshige aveva già dipinto nelle sue Vedute dei ristoranti famosi di Edo, le quali erano tuttavia ambientate in inverno e sotto un'angolatura differente. Il tempio, così come il ristorante ed i giardini, è una destinazione turistica molto popolare come mostrato dalle due dame che scendono dalla barca e si dirigono verso l'edificio. Il giardino a sinistra, conosciuto come Gozensaihata , il cui nome figura nel titolo, è coltivato dai pescatori dei dintorni e conta trentasei specie di legumi destinati allo shogun. Tokugawa Iesada frequentò il ristorante un mese prima della pubblicazione della stampa. Forse ciò fu la ragione per la quale Hiroshige creò questa composizione, poiché uno degli obiettivi della serie era mostrare al pubblico le novità. 150px-!scope="row"93  Il traghetto di Niijuku serve ad attraversare il fiume Naka-gawa che determina il limite settentrionale di Edo, ma esso non appare che in parte nell'angolo inferiore destro, cosicché la sua presenza non sia che un pretesto per presentare un ampio panorama sul paesaggio circostante.  parte a sinistra dell'immagine è occupata da un ristorante ben illuminato verso cui si dirigono alcune persone mentre altre restano sul molo; intanto un uomo pulisce gli zoccoli del suo cavallo nell'acqua del fiume. Seduto in mezzo a grandi pini sulla riva si trova un pescatore mentre una nave carica di merci gli passa davanti. Lo sfondo è offuscato dalla nebbia il cui colore rossastro indica il crepuscolo, e l'abituale sfumatura del cielo è resa grazie alla tecnica bokashi. 150px-!scope="row"94  L'immagine è inquadrata dai tronchi di due aceri i cui rami s'intrecciano ed il cui colore autunnale delle foglie presenta una tinta talvolta rossastra talaltra nerastra distinta dalle impressioni anteriori, dovuta ad una variazione chimica dei pigmenti impiegati.  gente di Mama ad est di Edo passeggia lungo il fiume Edo-gawa, luogo molto frequentato d'autunno per ammirare i suoi aceri. In questa città si trova il tempio buddista Guhō-ji, il cui altare è dedicato a Tekona, contadina dalla grande bellezza che secondo la leggende si gettò nel fiume per sfuggire ai suoi pretendenti, i quali le rendevano la vita impossibile.  sua leggenda è riportata nel famoso , antologia poetica dell'VIII secolo dove i versi su Tekona precedono direttamente quelli sul monte Tsukuba visibile sullo sfondo. Nel 1501 fu fondato il tempo menzionato nel titolo della stampa, dove è possibile pregare per un buon parto od una protezione contro la varicella. Il tempio appare nel paesaggio a sinistra, col suo tetto spiovente preceduto da un arco torii. Il ponte Tsugihashi  che si vede al centro evoca egualmente questa leggenda: un'altra antologia di poesia menziona un pretendente di Tekona che si lamentava sul ponte di non portelo attraversare di notte per vedere la sua amata.  composizione segnata dalle foglie in primo piano e la dolce luce vespertina danno un'aria lirica a questa scena dove nacque la leggenda di Tekona. 150px-!scope="row"95  ripida collina di Kōnodai  che domina il Tone-gawa – oggi chiamato Edo-gawa – è un importante bastione difensivo. In questa immagine, il lato a sinistra della composizione è occupato da una sporgenza rocciosa dipinta in uno stile cinese. Essa è sormontata da tre grandi pini ai piedi dei quali tre piccoli personaggi conversano animatamente, dando una buona idea dell'altezza della collina. Questo luogo è soprattutto conosciuto grazie ad un'opera letteraria, Nansō satomi hakkenden  di Kyokutei Bakin. Il fiume è percorso da barche cariche di merci dirette verso la città, mentre all'orizzonte appare il Fuji in un cielo giallo che segnala una mattina chiara. Il colore blu della parte superiore del cielo è nuovamente segnato dalla venatura del legno utilizzato per l'impressione. 150px-!scope="row"96  Horie e Nekozane sono due villaggi situati sulle rive opposte del fiume Kyūedo  – un affluente dellEdo-gawa - reputato per i suoi eccellenti frutti di mare. I meandri del fiume strutturano tutta la composizione che porta lo sguardo verso lo sfondo dove s'estende la baia di Edo. Nella parte inferiore, due personaggi sono rappresentati su di una striscia di terra mentre cacciano gli uccelli  con una rete nascosta sotto la sabbia.  parte centrale è occupata dai due villaggi collegati da due ponti che attraversano il fiume pieno di imbarcazioni. Sulla destra, seminascosto dalla pineta, si trova un piccolo santuario annunciato da un torii. Dalla nebbia dello sfondo emerge l'imponente figura del Fuji, coperta da una penombra rossastra. Il sigillo della censura porta il segno del secondo del secondo mese dell'era Ansei 3 , per cui questa è una delle prime stampe della serie realizzate dall'artista. 150px-!scope="row"97  Conformemente al principio stilistico della serie, l'immagine è composta a partire dal primo piano occupato dai rami di un vecchio pino sostenuto da travi di legno attraverso cui appare il paesaggio sullo sfondo. Gohonmatsu  è il nome di un quartiere di Edo che fa riferimento a cinque pini secolari piantati lungo il canale Onagi-gawa nel 1732 e di cui non resta all'epoca di Hiroshige che quello qui rappresentato.  località dove si trova il pino appartiene al daimyō di Ayabe. Qui, l'artista deforma la realtà per ottenere un maggiore effetto scenografico: il canale è infatti perfettamente dritto e la curva rappresentata nella stampa immaginaria. L'imbarcazione del centro che porta due rematori è la copia fatta da Hiroshige di un'opera di Katsushika Hokusai, Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi  dove è riprodotto con precisione il dettaglio del passeggero che imbeve un fazzoletto nell'acqua. 150px-!scope="row"98 Spesso descritta come espressione dell'essenza della cultura di Edo, questa stampa è una delle più conosciute della serie ed un nuovo esempio della grande abilità dell'artista a rappresentare la vita notturna così come ad utilizzare la verticalità mediante la prospettiva aerea. Il ponte di Ryōgoku sul Sumida-gawa è uno dei più grandi della città. Il ventottesimo giorno del quinto mese si tiene la festa del kawabiraki , che consiste in un rituale di abluzione per allontanare gli spiriti maligni. I primi fuochi d'artificio risalgono al 1733, incoraggiati dallo shogun Tokugawa Yoshimune, anche se col tempo si estesero a numerose occasioni oltre che alla cerimonia annuale, particolarmente durante le notti d'estate. Essi sono patrocinati dalle società di noleggio di barche e dai ristoranti che sono i principali beneficiari dello spettacolo. Il fiume è dunque coperto da barche, dalla piccola yanebune  fino alla tradizionale yakatabune  ed alla urourobune, imbarcazione che vende cibo e bevande. I fuochi d'artificio sono rappresentati nell'angolo superiore a destra sotto la forma di stelle vivamente illuminate mentre nella parte centrale, un'alta fiammata descrive una curva pronunciata nel cielo di un colore scuro che segue le venature del legno. 150px- class="toccolours" align="center" ! colspan=10 style="background:#00FFFF"  Inverno-!scope="row"99  Con questa stampa comincia la serie dedicata all'inverno. Il tempio di Kinryūzan consacrato al bodhisattva Kannon si trova nel quartiere di Asakusa. Come d'abitudine, lo sfondo è mostrato da diversi elementi del primo piano, in questo caso un battente rosso e verde della porta Kaminarimon , sul lato sinistro, ed una lanterna votiva che occupa tutta la parte superiore dell'immagine e su cui è impresso «Shinbashi», il nome del donatore. Poi la composizione guida lo sguardo verso un paesaggio innevato dove un gruppo di persone si dirige verso l'interno del tempio. Una pagoda si trova a destra ed il centro è occupato dalla niōmon  di un intenso colore rosso accentuato dal contrasto col bianco della neve.  pagoda fu ricostruita due mesi prima di questa stampa, dopo il sisma del 1855. Il cielo, graduato dal bianco al nero attraverso diverse sfumature di grigio, è coperto da fiocchi di neve.  150px-!scope="row"100  diga Nihontsutsumi è l'ultimo tratto della strada che conduce al quartiere dei divertimenti di Shin Yoshiwara. Sotto la luce fioca della luna nascente, alcune persone circolano, certi in lettiga portata dai servitore. Dai due lati della strada, parecchi chioschi servono tè. In alto a destra, dietro a degli alberi, appaiono i tetti delle case chiuse di Yoshiwara, circondati da nebbia dal colore violetto. Alla fine della strada, facendo da collegamento con i tetti, sorge un salice piangente, il famoso Mikaeri Yanagi , dove i clienti dei bordelli gettano uno sguardo indietro prima di entrare nell'atmosfera dissoluta del quartiere Yoshiwara. Questo motivo, associato al volo delle oche selvatiche nel cielo notturno, dà all'immagine un carattere assai malinconico. 150px-!scope="row"102 Questa veduta rappresenta due gru della Manciuria , una che sguazza nell'acqua e l'altra che sembra sorvolare la scena occupando tutta la parte superiore dell'immagine. I tre luoghi menzionati nel titolo si trovano a sud-ovest del quartiere di piacere di Yoshiwara, vicino alla strada di Ōshū Kaidō. In inverno, lo shogun ricorreva a dei falchi addestrati per le sue cacce agli aironi chiamate tsuru no onari  in quella zona. Per attirarli, gli agricoltori lasciano del cibo come esca, così come probabilmente indica la figura del paesano che si allontana a sinistra. Il piumaggio degli aironi è realizzato con la tecnica del karazuri , un tipo di stampa a secco in cui la lastra di legno è pressata contro la carta con una specie di tampone detto baren. Gli aironi simboleggiano la longevità, la felicità e la fedeltà nel matrimonio poiché la loro unione con un partner dura tutta la vita. Il motivo delle coppie di aironi è comune nella tradizione pittorica cinese. 150px-!scope="row"103  Questa è una delle prime immagini della serie secondo la data indicata dalla censura, ed essa segna il limite nord di Edo. Forse l'artista volle definire il perimetro della sua attività. Il grande ponte di Senju che attraversa il fiume Ara-kawa sulla strada di Ōshū Kaidō fu costruito nel 1594 da Tokugawa Ieyasu. Era comune che gli shogun lo attraversassero durante il pellegrinaggio a Nikkō, dove si trova la tomba di Ieyasu, il fondatore della dinastia.  veduta mostra la solida struttura del ponte che gli ha permesso di resistere a numerose catastrofi. S'incrociano parecchi viaggiatori, tra cui uno a cavallo e con la lettiga. Dietro al ponte si trova a sinistra un villaggio di pescatori mentre il fiume è percorso da barche cariche di merci o da zattere di legno. Lo sfondo è quasi un condensato dell'arte di Hiroshige, con le montagne avvolte dalla foschia ed il cielo colorita dalla luce rossa del tramonto. 150px-!scope="row"104 Il canale Yotsugi-dōri – già rappresentato sulla stampa nº 33 - viene utilizzato per il trasporto, benché quest'immagine non mostri barche e presenti un paesaggio quasi idillico. Tale luogo è situato dal lato orientale del fiume Sumida, a nord del quartiere di Honjo, vicino alla piccola città di Koume. Il canale attraversa la veduta in diagonale, sparendo sullo sfondo dopo una curva stretta.  tinta più scura del blu al centro del canale ne indica la profondità. Tutta la parte destra dell'immagine è occupata da un grande ontano  ai piedi del quale due bambini giocano con dei cani. Due dame, vestite con haori invernali, attraversano il ponte, mentre dall'altro lato si trova una strada con parecchi negozi. Al centro dell'immagine, un pescatore solitario è seduto sulla riva, con la sua canna nel fiume. Il cielo è percorso da uno stormo di uccelli per rompere la monotonia della parte superiore dell'immagine. 150px-!scope="row"105  Quest'immagine notturna è in armonia col tema rappresentato: le donne a sinistra sono dette yotaka , una delle forme più squallide di prostituzione. Elle sono comunemente accompagnate da un padre od un fratello ed indossano una stuoia di paglia al fine di poter offrire i loro servizi ovunque. I loro visi sono spesso così deformate che sono costrette ad applicare del trucco tanto spesso da farle sembrare delle maschere. Il fiume è rappresentato con un forte moto ondoso, e molte altre barche attraversano le sue acque. Il lato destro è occupato dai rami degli alberi ed il fondo grigio mostra nuovamente le striature lasciate dalla stampa del legno. 150px-!scope="row"106  Questa stampa di un paesaggio completamente coperto di neve sorprende e dà allo spettatore una sensazione di fredda desolazione, sentimento accentuato dal cielo grigio pieno di fiocchi e dal blu intenso dell'acqua del fiume che gli conferisce un aspetto glaciale.  cornice formata dai tronchi di legno e dal contorno delle montagne in lontananza infonde a questo paesaggio concreto un aspetto di "fiaba invernale". Come di consuetudine, Hiroshige introduce molti elementi aneddotici, quali i due passeri che vola sopra la scena ed i due cani nell'angolo inferiore a sinistra così come un ombrello giallo in basso al centro, dove nuovamente si legge il kanji sakana  in allusione ad Eikichi Sakanaya, l'editore della serie. Il deposito di legname si trova fuori dalla città per prevenire gli incendi, in particolare a Fukagawa, ad est del fiume Sumida. Molte travi di legno attraversano la scena in diagonale, a destra come a sinistra. Tale disposizione associata al movimento a zigzag del corso del fiume dona all'immagine un dinamismo contrastante con la tranquilla immobilità del paesaggio innevato. 150px-!scope="row"107 Come per la veduta nº 102, la parte superiore dell'immagine è occupata da un uccello, in questo caso un'aquila, il cui tracciato perfetto e le differenze di tinte grigie delle piume sono ottenuti sulla stampa mediante la mica, mentre gli artigli sono impressi con la colla animale  che conferisce una sensazione di brillantezza. L'aquila vola sopra ad un campo innevato che attraversa una risaia, con la figura del monte Tsukuba sullo sfondo. Fukagawa Susaki si trova ad est del Sumida-gawa, mentre Jūmantsubo, una zona terrazzata a nord-est di Susaki costruita nel 1720, appartiene ad un daimyo. Il suo nome indica la taglia della fattoria: Jūman tsubo, 100 000 tsubo . Questa stampa è una delle più popolari della serie, insieme alle vedute nº 58 e 118. 150px-!scope="row"108  Questa immagine di un porto presenta diversi elementi che suggeriscono la profondità: prima due stormi di gabbiani, uno che sorvola l'acqua vicino al primo piano ed il secondo che, da più lontano, attraversa il cielo all'orizzonte. Altri elementi valorizzano la prospettiva come le strutture in legno a forma di A che indicano un canale naturale, uno in primo piano sul lato sinistro dell'immagine e l'altro un po' più indietro del primo. L'insieme di quattro barche che si restringono man mano che s'allontanano partecipa ugualmente a dare un maggiore senso di profondità. Sull'orizzonte dal lato a sinistra, l'artista rappresenta dei terrapieni  costruiti come mezzo di difesa dopo l'arrivo delle Navi Nere americane. Sulla striscia di terra che occupa il lato destro dell'immagine si trova la villa Hama dello shogun. Nel cartello giallo dell'angolo inferiore a sinistra appare il sigillo dell'incisore Horisen , ma è una cosa insolita, forse dovuta al fatto che questa è una delle prime cinque stampe della serie accettate dalla censura. Tale sigillo figura ugualmente nel margine delle vedute 17, 28 e 83. 150px-!scope="row"109  Questa veduta aerea della baia di Edo rappresenta la zona conosciuta sotto al nome di Shinagawa, dove si coltivano eccellenti alghe che crescono sugli alberi piantati dai pescatori in autunno in acque poco profonde e vengono raccolte in inverno per farne dei nori, sottili foglie algali utilizzate come condimento o per il sushi. Nella parte inferiore dell'immagine, molte navi approfittano della bassa marea per raccogliere le alghe. In fondo alla baia si trova il settore di Samezu  dove un pescatore locale avrebbe scoperto una statuetta del bodhisattva Kannon nel ventre di uno squalo che aveva appena catturato nella sua rete; per questa leggenda fu costruito il tempio zen Kaian-ji nel XIII secolo. Tuttavia, il tempio, elemento principale del sito, non è che vagamente accennato da una figura imprecisa, come spesso fa Hiroshige. Sullo sfondo appare la doppia sagoma del monte Tsukuba verso cui uno stormo di uccelli conduce lo sguardo. 150px-!scope="row"110  Il pino Kesakakematsu  è conosciuto così perché il monaco Nichiren si fermò un giorno lungo il suo cammino per riposarsi ed appese il suo mantello ad un ramo di questo famoso albero. Il pino dallo forma contorta è situato su di una striscia di terra che si protende verso il centro del lago a destra nell'immagine.  sua base è circondata da una recinzione attorno cui sono raggruppati alcuni visitatori. Nella parte inferiore, un negozio vende cibo e bevande lungo la strada che costeggia il lago e sulla quale circolano dei turisti. Al centro dell'immagine, il blu più scuro a forma di mezzaluna mette in evidenza la profondità del lago che viene sorvolato da tre aironi. Sulla riva opposto, isolata nella foresta, si trova il santuario Hachiman di Senzoku, poi, come consuetudine nei paesaggi di Hiroshige, lo sfondo montagnoso emerge dalla nebbia. Il colore rossastro dell'orizzonte suggerisce un'ora serale. Questa è una delle cinque prime stampe accettate dalla censura. 150px-!scope="row"111  Questo paesaggio innevato valorizza nella sua parte inferiore il ponte-tamburo di Meguro, ponte eccezionale fatto da pietre e legno. Un taikobashi   è un ponte semi-circolare d'influenza cinese che forma col suo riflesso nell'acqua l'immagine di un tamburo, come mostrato dalla stampa nº 65. Questa strada conduce al tempio di Meguro, dedicato a Fudō Myō-ō, uno dei cinque re della conoscenza esoterica. L'angolo inferiore destro è occupato dal tetto della casa da tè Shōgatsuya, celebre per la sua zuppa di fagioli dolci . Parecchi viaggiatori si proteggono dalla neve coprendosi con ombrelli o cappelli, e c'è anche un uomo con un mantello di paglia dall'altro lato del ponte. A sinistra s'innalza la Yūhi no oka  che offre una vista magnifica della vallata di Meguro. Dal punto di vista cromatico, il bianco della neve contrasta col blu di Prussia del fiume Meguro-gawa mentre il cielo è pieno di fiocchi di beve ottenuti lasciando la carta della stampa bianca. 150px-!scope="row"112  Il soggetto principale di questa stampa malinconica è la neve che occupa tutta la scena. Il quartiere Atagoshita  deve il suo nome al fatto che è situato sotto il Monte Atago. Ospita numerose residenze di signori feudali , come quella del clan Katō di Minakuchi, che appare sullo sfondo davanti alla parto rossa del santuario  Atagosha, o quella del clan Hijikata di Komono , che è il lungo edificio a sinistra. Della strada Yabukōji, situata a destra del canale che scorre nell'angolo inferiore a destra, non si vede che un'alta canna di bambù , i cui rami si piegano sotto il peso della neve, e che occupa la metà destra del cielo attraversato da alcuni passeri. Il bambù, come i passeri, è un simbolo d'amicizia e di dolcezza ed un presagio di fortuna. In questa composizione, il rigore del freddo invernale è diluito del contrasto marcato dei colori dove il blu scuro del canale ed il verde del bambù accentuano i toni rossi e verdi ed il blu pallido del cielo. 150px-!scope="row"113 Questa composizione notturna a forma di X è illuminata dalla dolce luce soffusa di una falce di luna nascosta da nuvole grigie attraversate da uno stormo di uccelli. Sulla linea dell'orizzonte, tra i pini ed i bagolari, si trovano gli edifici del santuario Kotohira-gū, situato sulle terre del daimyō Kyōgoku , aperto al pubblica il tredici di ogni mese. Il centro-destra dell'immagine è occupato da una grande cascata del fossato all'esterno del palazzo, mentre a sinistra s'innalza il pendio di Aoizaka percorso da molti pellegrine e due venditori ambulanti coi loro negozietti portatili. Uno porta l'iscrizione nihachi  offrendo la promozione di pasta al grano saraceno per sedici mon mentre l'altro vende degli ōhira shippoku . Nella parte inferiore a sinistra si vedono due gatti e, come elemento aneddotico principale, due apprendisti artigiani che si esercitano dopo essere usciti da un bagno purificatore, coperti da un panno e con in mano delle lanterne. 150px-!scope="row"114  Sotto un cielo notturno innevato dove si vedono chiaramente al centro le venature del legno, s'estende un paesaggio coperta da neve con, in primo piano a sinistra, un cartello che annuncia yama kujira , un eufemismo per designare la carne di selvaggina il cui consumo è proibito dal Buddhsimo, sebbene talvolta sia tollerato. Il ponte Bikunihashi è situato vicino al fossato fuori dal palazzo dello shogun, il cui muro fortificato è visibile a destra, e che è circondato da case chiuse e da negozi alimentari a basso prezzo. Il termine bikuni indica le suore ma allude alle prostitute vestite da religiose per esercitare la loro attività al di fuori delle zone autorizzate. Davanti al negozio d'alimentari a destra, i panieri mostrano delle patate destinate alla preparazione di yakiimo, patate dolci arrostite vendute nella via.  scritta allude alle patate  interamente arrostite. Un venditore ambulante attraversa il ponte. Il primo piano vuoto, la rappresentazione del muro e l'arrangiamento schematico dei fiocchi di neve indicano che questa vedute è indubbiamente opera di Hiroshige II . 150px-!scope="row"115 L'ippodromo di Takata no baba a nord-est di Edo fu fondato nel 1636 come campo d'equitazione e di tiro con l'arco per la nobiltà. Tutto il lato sinistro è delimitato da un pino davanti al quale si trova un bersaglio di cuoio bianco attaccato ad un palo mentre alcune frecce giacciono al suolo. Il bersaglio è realizzato con la tecnica dell'impressione a secco detta nunomezuri. Si tratta di un esempio supplementare del senso della composizione originale di Hiroshige, sempre alla ricerca di prospettive insolite per sorprendere gli spettatori. Sui sentieri lungo il campo passano dei cavalieri, mentre degli arcieri si esercitano di fronte al bersaglio. In lontananza, il Fuji quasi scompare nella nebbia. Il contrasto tra la natura e l'attività umana, valorizza l'armonia delle virtù dei samurai che praticano il Confucianesimo, secondo cui le competenze dipendono tanto dalle attitudini innate quanto dell'esperienza coltivata con la pratica. 150px-!scope="row"116  Nella zona vicina alla scuola di equitazione della stampa precedente si estendono le risaie di Hikawa, coperte di stoppie gialle. Dietro a destra si trova il santuario di Hikawa a cui conduce il ponte Sugatami. Nella parte inferiore in primo piano, il ponte Omokage descrive una curva pronunciata sopra l'acquedotto di Kanda. Esso è un ponte di assi lignee ricoperte da uno strato di terre e muschio che si integra armoniosamente nel paesaggio. Lo stesso mese della pubblicazione della stampa, questo ponte fu utilizzato dallo shogun Tokugawa Iesada di ritorno da un viaggio ad Ōji. Ciò rivela ancora una volta l'interesse quasi "giornalistico" con cui l'artista e l'editore realizzarono questa serie. Lo sfondo coperto da una foschia purpurea, l'orizzonte arancione e le risaie gialle partecipano al ricco cromatismo di questa veduta topografica che ha una grande precisione per i dettagli. 150px-!scope="row"117 Questo panorama aereo presenta tre templi diversi a distanza l'uno dall'altro: in primo piano a sinistra il santuario Yushima Tenjin di cui solo l'arco torii è visibile; in un'isola in mezzo allo stagno di Shinobazu, il santuario Benten già incontrato nella stampa 89 e dall'altro lato, all'estrema destra, il tempio Kan'ei-ji. Tali edifici sono dipinto in rosso perché, secondo lo Shintoismo, questo colore scaccia i demoni. Questo vivo contrasto col bianco della neve ed il blu brillante del lago così come con la tinta rossastra dell'orizzonte vespertino dà un carattere cromatico variato alla scena. Per raggiungere il santuario Yushima Tenjin, bisogna salire due rampe di scale di cui una, più ripida, è «per gli uomini» e l'altra, più accessibile, «per le donne», come indica la scritta sulla pietra nell'angolo inferiore destro otokozaka . Sul lato sinistro dietro al torii si trova una casa da tè decorata da lanterne rosse. 150px-!scope="row"118 Questa è una delle più celebri vedute della serie, così come l'unica che abbia un soggetto immaginario. In questa composizione notturna, sotto una volta celeste grigia-bluastra costellata di stelle, molte volpi il cui respiro assomiglia a fuochi fatui sono riunite ai piedi di un grande bagolaro . L'attenzione è concentrata su questo gruppo vicino all'albero in primo piano, tuttavia ad una certa distanza appaiono parecchie altre volpi che si dirigono verso il primo gruppo ma che sono ancora solo dei piccolo punti luminosi persi nello sfondo dell'immagine. L'intensa luminosità attorno alle volpi contrasta fortemente con l'oscurità notturna e conferisce un grande effetto drammatico e misterioso alla scena. Il pittore gioca sulla tecnica del bokashi, le sfumature di grigio e l'impiego di polvere di mica, con sovrapposizioni di verdi per le piante. Secondo la leggenda che ispirato questa stampa, le volpi si riuniscono coi loro fuochi magici sotto questo albero a Capodanno per adorare il dio del riso , per poi andare al vicino santuario di Ōji Inari , dove il kami dà loro diversi compiti da svolgere durante l'anno. Il numero di volpi e la forma dei loro fuochi fatui permettono ai paesani della regione di prevedere la qualità del raccolto venturo. Hiroshige utilizza una stampa a quattro colori al fine di massimizzare questa scena assai malinconica e l'atmosfera magica. 150px-!scope="row"119 <br /> Questa stampa, opera di Hiroshige II, fu inclusa posteriormente nella serie in modo che non apparisse nell'indice di Baisotei Gengyo. Così, il sigillo aratame  della censura risale al quarto mese del 1859 ed il cartello rosso della firma indica Nise Hiroshige . L'immagine è talvolta considerata come un rimpiazzo per la nº 52, il giardino di paulonie di Akasaka, oppure come ordinata da Eikichi Sakanaya per celebrare l'adozione di Hiroshige II del nome e del sigillo di Hiroshige. Il discepolo terminò almeno tre vedute  delineate ma incompiute alla sua morte dal maestro. L'immagine mostra un giardino di paulonie vicino allo stagno di Tameike, già rappresentato sulla stampa nº 52. Si tratta di una veduta notturna dove una forte pioggia che cade da un cielo grigio-blu mette in evidenza il grigio-verdastro degli alberi sullo sfondo.  parte inferiore, più chiara e di un colorito più brillante, fa risaltare la parte oscura dello sfondo.  linea dello stagno taglia in diagonale il sentiero che sale, determinando così una forma trapezoidale. Alcuni personaggi camminano lungo lo stagno in basso, mentre sul cammino dello sfondo appare appena qualche sagoma che si dirige verso la porta Akasakamon del palazzo di Edo. 150px-}

Prompt: Explain the The print of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Europe multilingual and the Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Daniele

Deriva dal nome ebraico דָּנִיֵּאל .A proposito delle sue varianti, va detto che la forma "Daniello" era più tipica dell'onomastica antica , mentre la forma Danilo rappresenta una variante originariamente slava del nome.  variante Daniel, infine, è un recente prestito dell'onomastica inglese. L'ipocoristico serbo e croato Danko, inoltre, è condiviso con il nome Gordan.È un nome di tradizione biblica, portato dal profeta Daniele, autore dell'omonimo libro dell'Antico Testamento, e inoltre Daniele è anche un angelo menzionato nell'apocrifo Libro di Enoch. Nell'Inghilterra medievale il nome si diffuse - nella forma Daniel - proprio grazie alla figura del profeta; verso il XV secolo il suo uso era molto diminuito, ma venne riportato in voga dai Puritani con la Riforma protestante; negli Stati Uniti rimase ininterrottamente fra i quindici nomi maschili più usati dal 1972 al 2008.

Prompt: Focus on Prophet Daniel (Michelangelo) and explain the Origin diffusion.Please output in Italian.

1972
2008
Antico Testamento
Gordan
Libro di Enoch
Puritani
Riforma protestante
XV secolo


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Madame Oudiné

Questo quadro ritrae la giovane moglie di uno dei compagni del pittore alla villa Medici, Eugène Oudiné. È il primo ritratto che Flandrin realizzò dopo il suo ritorno da Roma, e l'opera venne realizzata in un lasso di tempo abbastanza breve. Quest'opera ebbe un grande successo al Salone del 1840. tela simboleggia la virtù borghese: tutta la vita sembra assente perché la posa della donna appare rigida e ogni elemento evidenzia il pudore e la castità, e, secondo Patrice Béghain, qui tutto non è "che ordine, rigidità e simmetria".

Prompt: How does Portrait of Madame Oudiné explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Pala di Bardi

Nell'agosto del 1521 arrivarono a Parma le truppe di Leone X e Carlo V, comandate da Prospero Colonna, nell'ambito della guerra contro i Francesi. Chi poteva abbandonava la città e anche il giovane Parmigianino  venne inviato in via precauzionale a Viadana , col cugino Girolamo Bedoli, su iniziativa dei suoi zii che gli facevano da tutori dopo la morte del padre. Vasari raccontò come durante quel soggiorno dipinse due tavole a tempera: "San Francesco che riceve le stimite e santa Chiara"  e lo "Sposalizio di santa Caterina, con molte figure", che fu collocata nella chiesa di San Pietro. seconda pala fu trafugata nel 1629-1630, all'epoca delle guerre con Mantova, e portata a Parma, come risulta dalle lettere in cui il cardinale Pietro Campori si lamentava con don Ferrante Medolati del furto e della mancata restituzione. Non è chiaro poi come l'opera finì nella chiesa di Bardi: la traccia più antica riscontrabile è una nota dei professori dell'Accademia di Belle Arti di Parma che durante un'adunanza  la giudicarono unanimemente di mano del Parmigianino, dimostrandone la conoscenza. Una pubblicazione vera e propria si dovette però al Santangelo , che l'assegnò a un ignoto parmense con una datazione ai primi vent'anni del Cinquecento. Nel 1935 Giovanni Copertini la attribuì con certezza al Parmigianino e suggerì di restaurarla e di esporla alla mostra del Correggio a Parma dello stesso anno.Tra il 2016 e il 2018 la pala fu restaurata dall'istituto centrale per il restauro, consolidando la pellicola pittorica in parte sollevata ed eliminando una lacuna in basso a destra, che in parte ricopriva il polpaccio di san Giovanni Battista.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bardi Altarpiece (Parmigianino).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sacra Famiglia

Benedetto XVI ,  Sacra Famiglia, Piccola Casa Editrice, 2012Zaira Zuffetti,  Sacra Famiglia nell'arte, Àncora Editrice, 2007

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Holy Family (Collinson painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Busto di Camilla Barbadori

Opera degli anni giovanili del Bernini, era stata concepita per essere esposta nella cappella di famiglia nella basilica di Sant'Andrea della Valle a Roma, insieme ad un altro busto, quello del padre di Maffeo Barberini, Antonio Barberini.Ciò che risalta in quest'opera è il gioco del chiaroscuro, in particolare è evidente nel contrasto tra il viso liscio e luminoso della donna e le ombre che il mantello crea all'altezza del collo, così come negli occhi che, visti da lontano, appaiono pieni di vita. Questo perché Bernini ha scavato dei solchi piuttosto profondi attorno alle pupille, creando un'ombra profonda alla quale lo spettatore può dare la propria interpretazione.

Prompt: Focus on Bust of Camilla Barbadoni and explain the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-portrait (Thomas Eakins) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino e una figura maschile

Non si conosce la provenienza originale dell'opera, che arrivò a Brera nel 1896 dalla collezione del cardinale Cesare Monti, lasciata nel 1650 all'Arcivescovado di Milano.

Prompt: How does Madonna and Child with a Man explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Martirio di sant'Erasmo

Considerando la sua posizione, si può affermare che il Martirio sia stato concepito per essere osservato principalmente da una precisa angolazione e Poussin sicuramente tenne conto tale peculiarità: l'artista, infatti, strutturò la composizione in maniera obliqua, cominciando dal punto in basso a sinistra - dove è visibile la testa del santo - fino ad arrivare al punto più alto a destra, dove si trova la statua; nel mezzo, il corpo del santo, il sacerdote e i vari personaggi. Poussin, pur non insistendo sull'aspetto orrifico della scena , la presenta in maniera cruda ed esplicita e ciò risulta evidente anche dal punto di vista cromatico: il rosso del sangue del santo si unisce a quello dei suoi abiti vescovili gettati a terra e alla veste del suo esecutore. Il sacerdote vestito di bianco, posizionato di fronte a Erasmo, indica con la mano sinistra l'idolo pagano di Ercole, che il vescovo si era rifiutato di adorare; attorno a questi primi tre personaggi si apre una folla di figure che rende la scena concitata, pur mantenendo un certo rigore nella composizione. A sinistra, un soldato a cavallo indica il santo, sovrastato dalla discesa di due angeli che portano i simboli del martirio, la palma e la corona.Il martirio - dal greco μάρτυς, «testimone» - testimonia il sacrificio di Cristo e la forza della fede. Poussin in questo caso seguì i disegni preparatori del Cortona e si lasciò influenzare dalle grandi pale d'altare della scuola veneziana e ciò è sottolineato, in particolar modo, dal cromatismo.

Prompt: In The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), how is the Analysis of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.