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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In the context of The Last Supper (Leonardo), explain the The Eucharistic institution and the New Testament.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Allegoria ed effetti del Buono e del Cattivo Governo

Si trova sulla parete laterale destra  e forma, insieme agli Effetti del Buon Governo in Campagna che si trovano sulla stessa parete vicino alla finestra, un unico affresco. È la diretta emanazione degli Effetti del Buon Governo appena descritti e doveva rappresentare con un esempio eloquente gli obiettivi dei governanti della città.  città è dominata da una moltitudine di vie, piazze, palazzi, botteghe. Sono molti gli ornamenti, come le bifore sulle finestre, i tetti merlati, le mensole sagomate sotto i tetti, gli archi, le travi in legno, le piante e i fiori sulle terrazze, l'altana dipinta. Un lusso che solo il Buon Governo può assicurare. In alto a sinistra spuntano il campanile e la cupola del Duomo, simboli della città del tempo. città è poi popolata da abitanti laboriosi, dediti all'artigianato, al commercio, all'attività edilizia. In primo piano vediamo una bottega di scarpe dove l'artigiano vende ad un compratore accompagnato da un mulo. In alto si vedono alcuni muratori impegnati nella costruzione di un edificio. Non manca neppure un riferimento allo studio, come dimostra un signore ben vestito in cattedra che insegna di fronte ad un uditorio attento.Ci sono anche attività non lavorative, come è logico aspettarsi in una città pacifica e florida. Una fanciulla a cavallo con la corona in testa si prepara al matrimonio, osservata da due donne che si stringono l'una nell'altra e da un altro giovane di spalle, e seguita da due giovani a cavallo e, più indietro, da altri due giovani a piedi. Molto bello è il gruppo di danzatrici che si tengono per mano e ballano al ritmo dato da una suonatrice di cembalo, nonché cantante. città è delimitata e separata dalla campagna del contado dalle mura rappresentate di scorcio. E proprio in prossimità delle mura la piazza sembra popolata da quelle attività lavorative cittadine che più hanno legami con la campagna: in basso a destra un pastore sta lasciando la città per dirigersi in campagna insieme al suo gregge di pecore. Più in alto due muli sono carichi di balle di lana, altri recano fascine, mentre un signore ed una signora a piedi portano, rispettivamente, un cesto di uova ed un'anatra. Tutta merce proveniente dalla campagna per essere venduta in città. città rappresenta l'unione armonica delle virtù civili: Sapienza, Coraggio, Giustizia e Temperanza. In primo piano il motivo della danza allude al tema della Concordia, virtù indispensabile per la convivenza pacifica.. Gli edifici cittadini non seguono una geometria comune, tant'è che risultano più opprimenti, imponenti e massicci che nella realtà.L'affresco ha subito un rifacimento trecentesco nel margine sinistro, approssimativamente fino all'altezza della prima trave del soffitto.

Prompt: Describe the characteristics of the Effects of Good Government in city in The Allegory of Good and Bad Government's Description.Please output in Italian.


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Romolo e Remo

Anche la leggenda di Romolo e Remo, all'inizio separata da quella di Enea, viene successivamente integrata nel suo mito. In un primo momento i due gemelli vengono indicati come suoi figli o nipoti. Eratostene di Cirene si accorse tuttavia che, essendo la data della caduta di Troia tra il 1250 e il 1196 a.C., né Enea né i suoi più diretti discendenti potevano aver fondato Roma attorno a queste date. Catone il Censore rende plausibile la storia. Secondo la sua versione, accettata poi come definitiva, Enea fugge da Troia e giunge nel zio. Qui, dopo aver sposato vinia, fonda vinium. Ascanio è invece il fondatore di Alba Longa e i suoi successori danno origine alla dinastia dalla quale, dopo varie generazioni, Rea Silvia darà alla luce Romolo e Remo e in seguito la gens Julia, con Giulio Cesare e il primo imperatore Augusto. In questo modo, la discendenza divina dei Romani e della stirpe Julia sarebbe rafforzata dalla discendenza da Venere e da Marte. Lo stesso Livio cercò, infatti, di colmare questo lasso di tempo di circa quattro/cinque secoli, "creando" appositamente una dinastia albana dei Silvi, che regnò su Alba Longa da Ascanio  fino ad Amulio e Numitore .

Prompt: Explain the modern historical criticism of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.

1196 a.C.
Alba Longa
Amulio
Ascanio
Augusto
Enea
Eratostene di Cirene
Numitore
Rea Silvia
Roma
Romolo
Troia


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Gazza sulla forca

Gazza sulla forca è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1568 e conservato nell'Hessisches ndesmuseum di Darmstadt. È firmato " 1568".

Prompt: In The Magpie on the Gallows, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1568
Darmstadt
Pieter Bruegel il Vecchio


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Morte di Cleopatra

leftDato che le truppe di Ottaviano si trovavano ad Alessandria d'Egitto, Cleopatra si ritirò presso la propria tomba  e inviò un messaggio ad Antonio nel quale veniva detto che la regina era morta per suicidio. Disperato, Marco Antonio si pugnalò allo stomaco con una spada. Plutarco racconta che quando Antonio venne portato alla tomba di Cleopatra egli era ancora vivo e le parlò prima di spirare. Cleopatra riuscì a far imbalsamare il suo amante e venne portata al palazzo, dove dovette incontrarsi con Ottaviano, il quale teneva con sé tre dei suoi figli: Alessandro Elio, Cleopatra Selene II e Tolomeo Filadelfo.Come racconta Tito Livio, durante l'incontro Cleopatra disse al triumviro che ella non sarebbe stata esibita in trionfo come un trofeo . Egli, d'altro canto, non lasciò trapelare le sue intenzioni sul destino della regina e del regno egizio. Quando una spia informò Cleopatra che Ottaviano intendeva portarla a Roma come una prigioniera di guerra, ella decise di suicidarsi per non essere soggetta a una tale umiliazione. Secondo Plutarco la regina si preparò al suicidio con un processo quasi rituale, chiedendo che le venissero preparati un bagno caldo e un pasto che includeva dei fichi, portati in un cesto.Secondo Plutarco, Ottaviano ordinò al suo liberto Epafrodito di tenere d'occhio Cleopatra per evitare che ella si uccidesse, ma fu tutto inutile. In una prima visita la regina tentò di discolparsi, adducendole a Marco Antonio la responsabilità delle proprie azioni. All'ostinata opposizione di Ottaviano, che non credeva a tali parole, la regina cambiò atteggiamento e decise di offrire il suo tesoro personale al futuro imperatore. Fu una schiava della regina a far notare, volontariamente o meno, che mancava una cospicua parte dei gioielli personali di Cleopatra alla lista fornita ai Romani. Dopo aver affermato di voler donare tali gioielli alla moglie di Ottaviano, questi, compiaciuto dell'incontro, si allontanò, rassicurando che avrebbe riservato alla regina un trattamento migliore di quando lei stessa avrebbe potuto aspettarsi. Avendo saputo da un certo Dolabella le vere intenzioni di Ottaviano, ovvero di portarla a Roma come "trofeo di guerra", la regina decise di suicidarsi: fece imbalsamare il marito e si avvelenò, dopo aver compiuto un complesso rituale. Quando Ottaviano ricevette una lettera nella quale la sovrana chiedeva di essere sepolta accanto ad Antonio, egli mandò i suoi uomini da lei, ma questi arrivarono troppo tardi: la regina del Nilo era già morta e ai suoi piedi giaceva l'ancella Ira , mentre l'ancella Carmione sistemava il diadema della sua sovrana prima di morire anche lei..</ref>"Καλὰ ταῦτα Χάρμιον;""Κάλλιστα μὲν οὖν" ἔφη "καὶ πρέποντα τῇ τοσούτων ἀπογόνῳ βασιλέων."Πλέον δ᾽ οὐδὲν εἶπεν, ἀλλ᾽ αὐτοῦ παρὰ τὴν κλίνην ἔπεσε.lingua=greco anticolingua2=italiano}}Nonostante Ottaviano fosse oltraggiato da questi eventi, decise di soddisfare la richiesta di Cleopatra e la seppellì insieme a Marco Antonio.  tomba di Antonio e Cleopatra probabilmente era situata all'interno del grandioso mausoleo reale dei Tolomei ad Alessandria. Nonostante numerose ricerche, il sito della tomba reale non è mai stato ritrovato.

Prompt: Describe the characteristics of the Suicide of Antony and Cleopatra in Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Alessandro Elio
Carmione
Cleopatra
Marco Antonio
Plutarco
Tito Livio


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Sogno del cavaliere

L'opera era, con le Tre Grazie, nella collezione Borghese a Roma, dove venne acquistato alla fine del Settecento e trasportato in Inghilterra. Già in raccolta Ottley, passò in altre collezioni private, prima di approdare al museo londinese, per acquisto, nel 1847.Proposte di datazione recenti legano l'opera al 1503 o un periodo immediatamente successivo, quando l'artista si recò probabilmente a Roma per un breve soggiorno, in occasione della consacrazione di Giulio II a nuovo papa. Chastel pensò a che il dittico potesse essere unexhortatio ad iuvenem per un giovane rampollo di una casa aristocratica romana, magari Scipione di Tommaso Borghese, nato nel 1493.Dell'opera resta un cartone preparatorio con i forellini lungo i bordi del disegno nel British Museum: anche per questo l'attribuzione è ritenuta certa.

Prompt: Focus on Vision of a Knight (Raphael) and explain the History.Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

I mucchi di fieno o I covoni  è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti  iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891.  serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia. particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

Prompt: In Haystacks (Monet series), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Claude Monet
Eure
Giverny
Normandia
Parigi
Paul Durand-Ruel


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Caino e Abele

Nella Bibbia ebraica Caino e Abele  sono due figli di Adamo ed Eva.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cain and Abel (Tintoretto).Please output in Italian.


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the In modern philosophy and the Philosophy.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Siddi  la festa patronale della Vergine delle Grazie si svolge dal 29 giugno con l'inizio del Triduo, sino al 2 Luglio dove si svolge la Santa Messa con panegirico e la solenne processione per le vie del paese con il simulacro trasportato con il giogo dei buoi e con gli abiti tradizionali sardi. Nella sera i festeggiamenti proseguono in piazza con spettacoli, concerti e fuochi artificiali.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Siddi and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: Explain the Controversial works about the Iconography of this artwork, Saint Jerome Writing.Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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amore

Nel Corano c'è scritto "Chi non prova affetto non riceverà affetto".Ishq, o amore divino, è parola d'ordine del sufismo nella tradizione islamica. I praticanti del Sufismo credono che l'amore sia una proiezione dell'essenza di Dio con l'universo; Dio desidera riconoscere la bellezza, è come quando ci si guarda in uno specchio per vedere sé stessi.

Prompt: Explain the Islam about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Uomo vitruviano

Canone di Policleto Modulor Monete euro italiane Marco Vitruvio Pollione

Prompt: Focus on Vitruvian Man and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Canone di Policleto
Marco Vitruvio Pollione
Modulor
Monete euro italiane
Marco Vitruvio Pollione


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La danza della vita

True Blue Lou The Flippity Flop King of Jazzmania dies of the Dance Cuddlesome Baby Mightiest Matador Sweet Rosie O'Grady In the Gloaming Sam, the Old Accordian Man

Prompt: In The Dance of Life (Munch), how is the Songs of the Production explained?Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: Explain the France about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Conversazione al caffè

Conversazione al caffè è un dipinto a olio su tavola di Giovanni Boldini, databile al 1879 circa e conservato in una collezione privata.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Conversation at the Café.Please output in Italian.


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Epifania

Teofania Magi  Betlemme Stella di Betlemme Befana Tempo di Natale Battesimo di Gesù Epifania tutte le feste le porta via Adorazione dei Magi Opere sull'Adorazione dei Magi

Prompt: Focus on Epifania and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Adorazione
Adorazione dei Magi
Battesimo di Gesù
Befana
Betlemme
Epifania tutte le feste le porta via
Gesù
Gesù
Natale
Opere sull'Adorazione dei Magi
Stella di Betlemme
Tempo di Natale
Teofania


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La città che sale

Boccioni prese spunto dalla vista di Milano che si vedeva dal balcone della casa dove abitava. Il titolo originale era IL LAVORO  così come apparve alla Mostra d'arte libera di Milano del 1911. Nonostante la presenza di elementi realistici come il cantiere o la costruzione, ed ancora la resa dello spazio in maniera prospettica, il dipinto viene considerato la prima opera veramente futurista del pittore reggino, pur non discostandosi molto dai quadri analoghi degli anni precedenti, nei quali le periferie urbane erano il soggetto principale. In questo dipinto viene parzialmente abbandonata la visione naturalistica dei quadri precedenti, per lasciare il posto ad una visione più movimentata e dinamica.Si coglie la visione di palazzi in costruzione in una periferia urbana, mentre compaiono ciminiere e impalcature solo nella parte superiore. Gran parte dello spazio è invece occupato da uomini e da cavalli, fusi esasperatamente insieme in uno sforzo dinamico. In tal modo Boccioni mette in risalto alcuni tra gli elementi più tipici del futurismo, quali l'esaltazione del lavoro dell'uomo e l'importanza della città moderna plasmata sulle esigenze del nuovo concetto di uomo del futuro.Ciò che mette il quadro perfettamente in linea con lo spirito futurista è però l'esaltazione visiva della forza e del movimento, della quale sono protagonisti uomini e cavalli e non macchine. Questo è ritenuto un particolare che attesta come Boccioni si muova ancora nel simbolismo, rendendo visibile il mito attraverso l'immagine. Ed è proprio il "mito" ciò che l'artista modifica, dunque non più arcaico legato all'esplorazione del mondo psicologico dell'uomo, ma mito dell'uomo moderno, artefice di un nuovo mondo. In parole povere l'intento dell'artista è di dipingere il frutto del nostro tempo industriale.Il soggetto dunque, da raffigurazione di un normale momento di lavoro in un qualunque cantiere, si trasforma nella celebrazione dell'idea del progresso industriale con la sua inarrestabile avanzata. Sintesi di ciò ne è il cavallo inutilmente trattenuto dagli uomini attaccati alle sue briglie.

Prompt: How does The City Rises explain its Description?Please output in Italian.


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Sulla terrazza

Sulla terrazza è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1881 e conservato al The Art Institute di Chicago.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Two Sisters (On the Terrace).Please output in Italian.


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Monumento equestre al Gattamelata

figura massiccia dell'animale è fremente ed attraversata da un'evidente tensione, nonostante il movimento trattenuto, che sembra corrispondere a un'andatura lenta ma dritta, senza esitazioni. Le proporzioni del cavallo sono leggermente superiori di quelle del cavaliere e ciò è stato interpretato come un effetto voluto per accentuare l'impresa del comando del condottiero, capace di cavalcare un animale di tale stazza. L'imbrigliatura, la sella e le decorazioni ornamentali sono moderne e dimostrano come lo scultore non citò pedissequamente i modelli antichi, dove si cavalcava con un semplice cuscino allacciato sulla pancia dell'animale. L'espediente di appoggiare lo zoccolo alzato su una sfera  serve per garantire un equilibrio statico all'opera. testa del cavallo è fremente e testimonia un temperamento selvaggio. Nonostante ciò il condottiero domina l'animale con calma sovranità, senza fatica apparente, come testimonia la mano leggera che non ha bisogno nemmeno di tirare le redini. Il messaggio che si trasmette allo spettatore è quello della vittoria del Gattamelata, che è la vittoria di un uomo grazie alla sua intelligenza.

Prompt: In the context of Equestrian statue of Gattamelata, explain the horse and the Description.Please output in Italian.


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Tondo Taddei

Il Tondo Taddei è un bassorilievo marmoreo  di Michelangelo, eseguito tra il 1504 e il 1506 circa e collocato nella Royal Academy a Londra.

Prompt: Focus on Taddei Tondo and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Costanzana, in provincia di Vercelli, sorge un Santuario dedicato alla Madonna delle Grazie e ogni 8 settembre, preceduta da una Novena, si celebra una festa dedicata alla Beata Vergine.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Costanzana of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Statua di Millicent Fawcett

destra Theresa May parla all'inaugurazione della statuaIl 24 aprile 2018 la statua è stata inaugurata in una cerimonia che ha visto partecipare il primo ministro, il sindaco di Londra, le scolaresche e alcuni cori.Criado Perez ha definito l'inaugurazione della statua "un inferno di inizio" per aumentare la rappresentanza delle donne in tutta la Gran Bretagna sia nella sfera culturale che in quella politica. Opinioni simili sono state sostenute da Khan, dal leader del Partito burista Jeremy Corbyn e dall'ex vice leader laburista Harriet Harman, che hanno invitato a spostare temporaneamente le statue maschili della piazza per consentire che ci fossero solo statue femminili in questa posizione prominente.

Prompt: How does Statue of Millicent Fawcett explain its Inauguration?Please output in Italian.

Harriet Harman
Jeremy Corbyn
Londra
Theresa May


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Ritratto di Moïse Kisling

Ritratto di Moïse Kisling è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1915 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fece parte della collezione di Emilio Jesi per poi essere collocata nella Pinacoteca di Brera di Milano, dove si trova tuttora.È il ritratto del pittore Moïse Kisling, ebreo di origini polacche. Il dipinto è probabilmente del 1915, quando Kisling tornò a Parigi dopo essere stato riformato dalla legione straniera a causa di un colpo di fucile subìto in pieno petto.In quest'opera si nota sicuramente l'influsso della corrente cubista.

Prompt: Focus on Portrait of the Painter Moisè Kisling and explain the Abstract.Please output in Italian.

1915
Amedeo Modigliani
Emilio Jesi
Milano
Moïse Kisling
Parigi
Pinacoteca di Brera


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Boulevard des Capucines

N. 1: Il Café napolitain, celebre per gli scrittori, giornalisti e attori che lo frequentarono: Catulle Mendès, Jean Moréas, Paul Armand Silvestre, urent Tailhade… N. 2: ubicazione dell'antico "palazzo Montmorency", che fece posto al théâtre du Vaudeville nel 1869, poi al cinema Paramount Opéra nel 1927.  sua grande sala corrisponde alla fondazione del grande salone del palazzo del XVIII secolo, la cui facciata  rotonda è stata conservata. N. 5: ubicazione del laboratorio fotografico di Pierre-Louis Pierson, associato poi ai fratelli Mayer, che fu il fotografo accreditato dalla contessa di Castiglione. N. 7: ubicazione nel 1825 del Géorama oe si vedeva « l'intero globo terrestre» dall'interno d'una sfera di 14 metri di diametro. N. 8: l'antica sede parigina della Gresham Life Assurance Limited. Più tardi Offenbach vi abitò dal 1876 e vi morì nel 1880. N. 11: ubicazione del laboratorio fotografico di Adrien Tournachon, aperto nel 1853. N. 12: le Grand-Hôtel. N. 14: l'hôtel Scribe e ubicazione del Grand Café ove avevano luogo, nel Salone indiano del seminterrato, le prime proiezioni pubbliche a pagamento del cinema d'Auguste e Louis Lumière, il 28 dicembre 1895. Vi si sperimentarono i raggi X, scoperti dal dottor Wilhelm Conrad Röntgen. dal N. 16 al N. 22, ubicazione della sede de L'Événement, giornale fondato da Victor Hugo. N. 24: dal 1905 al 1956, luogo d'abitazione di Mistinguett. N. 25: antica ubicazione del Museo Cognacq-Jay, installato nel 1931. N. 27: antico Samaritaine de luxe, le cui facciate e tetti, scale interne con la rampa  e ascensori sono classificate ad opera del maestro dellArt Nouveau, Frantz Jourdain. N. 28: ubicazione nel 1889 delle montagne russe, rimpiazzate nel 1893 dalla sala di spettacoli de l'Olympia, celebre music-hall fondato nel 1888 da Joseph Oller e riacquistata nel 1952 da Bruno Coquatrix. N. 35: laboratorio di Gustave Le Gray e casa abitata da Nadar. Nell'aprile 1874, un gruppo di giovani pittori fra i quali Renoir, Manet, Pissarro e Claude Monet vi fecero la prima esposizione delle loro tele. Quella di Claude Monet, Impression, soleil levant, dette a questi espositori il nome d'impressionisti.  via ispirò a Monet anche l'opera Il carnevale al boulevard des Capucines. Nel 1874 ospitò l'esposizione di fotosculture Pompéi à Paris.. dal N. 37 al N. 43, antica ubicazione del palazzo destinato al Ministero degli Affari esteri di Francia dal 1820 al 1853. Il 23 febbraio 1848 un battaglione del 14º reggimento di fanteria sbarrò il boulevard per proteggere il capo del governo François Guizot. Verso le ore 21 alcuni manifestanti tentarono di rompere lo sbarramento. Le truppe fecero fuoco provocando 35 morti e 50 feriti.  folla caricò i cadaveri su una carretta e chiamò Parigi alle armi. Fu l'inizio della Rivoluzione francese del 1848, che mise fine al regno di Luigi Filippo il giorno successivo.

Prompt: Focus on Boulevard des Capucines (Monet) and explain the Places  of  particular  interest.Please output in Italian.


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Fanciulle sulla riva della Senna

L'opera viene pubblicata nell'estate del 1857, il contesto storico culturale è segnato dalla rivoluzione francese che prende avvio nel 1789, dalla parabola napoleonica e dal congresso di Viennadel 1814. Gli anni precedenti l'opera sono caratterizzati da diversi moti contro le forme di regime, la società sta mutando verso società di massa, la monarchia e la classe aristocratica sono sostituiti da governi borghesi sempre più preponderanti. A livello filosofico siamo dinanzi a un retaggio hegeliano, che da diversi anni ha preso avvio nella società. L'idealismo ha acceso gli animi di altri grandi personaggi che portano ad una destrutturazione del pensiero hegeliano, come i maestri del sospetto: Karl Marx, Sigmund Freud e Friedrich Nietzsche. Gli artisti sentono così la necessità di guardare la realtà più da vicino: sono gli anni d'avvio del naturalismo in Francia, del realismo di Dickens in Inghilterra e del verismo in Italia . Una delle correnti filosofiche di più ampio respiro è il positivismo, il quale nato con Saint-Simon che cita il termine “positivo” nella sua opera cardine Il catechismo degli industriali degenera da una filosofia antilluminista e antirivoluzionaria in strumento borghese di esaltazione della scienza e del progresso.

Prompt: In Young Ladies Beside the Seine (Summer), how is the Historical context discussed?Please output in Italian.

Francia
Friedrich Nietzsche
Il catechismo degli industriali
Karl Marx
Sigmund Freud


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Monumento a Goethe e Schiller

alt=A bronze statue of two men stands on a stone pedestal. The statue is in the middle of a city square; on the left is the facade of a building. Three people are standing in the square and looking at the statue. The bronze statues are noticeably larger than life-sized.destra Fotografia del 1900 del monumento a Goethe e Schiller davanti al Teatro di Corte di WeimarIl progetto di creare un monumento a Goethe e Schiller a Weimar venne sponsorizzato da Carlo Alessandro di Sassonia-Weimar-Eisenach, Granduca del Ducato di Sassonia-Weimar-Eisenach, e da una commissione cittadina. Al momento della dedica del monumento, nel 1857, il teatro aveva visto innumerevoli rappresentazioni di tutte le opere di Schiller.L'incarico di realizzare una statua che rappresentasse assieme i due scrittori  fu affidato a Christian Daniel Rauch; Rauch fu forse lo scultore più importante che operò nell'Europa di lingua tedesca nella prima metà del XIX secolo. Il progetto di Rauch mostrava i due uomini vestiti con abiti antichi; mentre la convenzione di creare sculture di figure eroiche in abiti antichi era ben consolidata, in questo caso fu respinta. Ernst Rietschel, un altro eminente scultore che era stato allievo di Rauch, fece un progetto, con i due uomini in abiti contemporanei, e nel dicembre del 1852 gli fu commissionata la scultura.Rietschel impiegò quattro anni per completare il modello a grandezza naturale della statua.  fusione vera e propria in bronzo venne eseguita molto rapidamente da Ferdinand von Miller presso la Fonderia Reale di Monaco di Baviera. Il monumento finito fu inaugurato il 4 settembre 1857, nell'ambito delle celebrazioni per il centenario della nascita del granduca Carlo Augusto. Hans Pohlsander ha scritto: "Il monumento è stata la prima statua doppia sul suolo tedesco ed è stata ampiamente e giustamente proclamata un capolavoro".

Prompt: How does Goethe–Schiller Monument explain its Weimar monument?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Van Gogh self-portrait (1889) and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Polittico della Misericordia

Ai lati della Vergine, nel registro principale, si trovano, da sinistra, San Sebastiano, trafitto dalle frecce, San Giovanni Battista, con la veste marrone da eremita nel deserto, la barba, il bastone e il cartiglio con Ecce Agnus Dei, Ecce qui tollit pecc[ata mundi], San Giovanni Evangelista, con il libro e la veste rossa, e San Bernardino da Siena, con l'abito francescano.  tavola con la Madonna della Misericordia che accoglie il popolo sotto il suo manto è generalmente indicata come la prima ad essere stata dipinta. Dal punto di vista iconografico si segnala come la presenza di Sebastiano sia legata alla protezione dalle pestilenze e per questo di numerose confraternite; fin dal primo Rinascimento il santo venne di preferenza raffigurato nudo e trafitto di frecce, offrendo agli artisti l'occasione per mettere in pratica gli studi di anatomia. Giovanni, protettore di Firenze e protettore delle malattie della gola, è rappresentato senza la consueta pelliccia nel gesto del predicatore, che indica la Vergine: alcuni hanno messo in relazione questo atteggiamento con una citazione del San Matteo di Ghiberti a Orsanmichele, presente ad esempio anche in un Giovanni Battista di Lorenzo Monaco. Bernardino, la cui presenza offre un punto d'appoggio per la datazione della tavola, è raffigurato con il volto scarno, ispirato a un ritratto postumo del senese Pietro di Giovanni d'Ambrogio, eseguito nel 1444.Nel secondo registro si trovano al centro la Crocifissione e ai lati San Romualdo, lAngelo annunciante, la Vergine Annunciata e San Francesco.  Crocefissione è la tavola dove si nota una maggiore dipendenza da Masaccio, con il Cristo rappresentato di scorcio ottimizzato per una veduta dal basso, migliorando il tentativo sperimentale, ma un po' goffo, della Crocifissione masaccesca di Napoli. I gesti della Vergine Maria e di Giovanni, ai lati della croce, sono ampi e drammaticamente espressivi, ricordando da vicino il pathos dell'analoga tavola masaccesca.Sopravvivono anche le fasce dipinte dei pilastri laterali, con le raffigurazioni di sei santi e di due stemmi della Confraternita della Misericordia, probabilmente opera di uno sconosciuto allievo; cinque tavolette costituiscono la predella , attribuite al pittore camaldolese Giuliano Amidei, forse anche appartenenti a un polittico diverso.  grande importanza data però alla Deposizione, posta al centro in formato maggiore, è legata però all'impegno della confraternita nella sepoltura dei morti.</div>

Prompt: In Polyptych of the Misericordia, how is the Other tables of the Description explained?Please output in Italian.

1444
Bernardino da Siena
Firenze
Giuliano Amidei
Lorenzo Monaco
Masaccio
San Sebastiano


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monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento fu inaugurato il 4 settembre 1872 alla presenza del principe Umberto in concomitanza con l'apertura a Milano del primo congresso degli ingegneri e degli architetti. Era in corso anche l'Esposizione nazionale di Belle Arti..</ref>}}Alla sera si svolsero anche festeggiamenti nella piazza del Duomo con razzi di bengala. Da una finestra del Teatro alla Scala fu proiettata una luce elettrica che illuminò il monumento di vari colori.Nelle raffigurazioni realizzate in occasione dell'inaugurazione i quattro piedistalli con le statue degli allievi non erano più separati , ma uniti al basamento ottagonale centrale.

Prompt: Explain the Inauguration about the Interventions of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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Fontane dei mostri marini

copia di una delle due fontane fu collocata nel parco di Villa Doria Pamphilj, a Roma, intorno al 1850 per volontà di Mary Talbot, moglie di Andrea Doria Pamphilj.Due repliche, eseguite con gli stampi originali del Tacca dalla Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli di Firenze, furono finanziate nel secondo dopoguerra dal comune di Livorno e, in segno di amicizia, da quello di Firenze, per essere poste in piazza Colonnella, a Livorno, non distanti dal Monumento dei Quattro mori.

Prompt: Focus on Fontana dei mostri marini and explain the Copies replicas.Please output in Italian.

Firenze
Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli
Livorno
Monumento dei Quattro mori
Roma
Villa Doria Pamphilj


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Svetlana allo specchio

Il dipinto fu ben accolto a Mosca, dove viveva l'artista. Ivan Dmitriev si affrettò a scriverne a P. Svinin: "Ha creato... una piccola immagine per Perovskij [il vero nome di Pogol'reskij] che rappresenta una bella ragazza con dei tipici abiti russi". Šalikov pubblicò dei versi ispirati all'opera nel Moskovskie vedomosti.

Prompt: Focus on Fortuneteller Svetlana and explain the Welcome.Please output in Italian.


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Madonna Stroganoff

Madonna col Bambino  Iconografia di Maria

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Madonna and Child (Duccio, Metropolitan).Please output in Italian.

Iconografia di Maria
Madonna col Bambino


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Pietà Rondanini

L'avvio di una nuova Pietà viene fatto risalire agli anni immediatamente successivi, verso il 1552-1553, quando l'artista scolpì un gruppo che probabilmente comprendeva la sola Vergine Maria che sostiene, da dietro, il figlio reggendolo da sotto le ascelle. Una copia di questa versione venne indicata, da Charles de Tolnay, nella Pietà degli angeli di Federico Zuccari  alla Galleria Borghese, ma esiste anche un foglio con schizzi , che testimonia degli studi dagli esiti assai diversi dalla versione oggi conosciuta.

Prompt: Explain the First version about the History of this artwork, Rondanini Pietà.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Adorazione dei pastori

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Adoration of the Shepherds (Lotto).Please output in Italian.


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Velo della Veronica

storia del velo della Veronica si è progressivamente sviluppata lungo i secoli.Nei Vangeli sinottici, composti entro il I secolo, è presente il racconto di una donna anonima che viene miracolosamente guarita da un flusso di sangue toccando Gesù . A parte questo accenno, l'emorroissa non viene citata altrove nel Nuovo Testamento.Nell'apocrifo Vangelo di Nicodemo, scritto originariamente in greco nel II secolo e pervenutoci in diverse redazioni o recensioni, l'emorroissa ricompare durante il processo di Gesù testimoniando inutilmente a suo favore. Nella recensione greca A , l'emorroissa è anonima, mentre nel papiro copto di Torino  e nella recensione latina  la donna è chiamata Veronica. Il nome è l'adattamento del greco "Berenice" , forma macedone corrispondente al greco classico "Ferenice" , significante "portatrice di vittoria" .È probabile che nel passaggio dal greco al latino l'assonanza del nome "Veronica" con vera icona  abbia progressivamente generato nella fantasia popolare la leggenda della "Vera icona" della "Veronica".In passato, si riteneva al contrario che il nome della donna fosse derivato dall'immagine. leggenda fa la sua prima comparsa in alcuni scritti apocrifi tardi appartenenti al Ciclo di Pilato : Guarigione di Tiberio, Vendetta del Salvatore e Morte di Pilato.I tre scritti ci sono pervenuti in autonome redazioni latine medievali  che derivano da una versione precedente andata perduta, probabilmente del VI secolo.  trama dei tre apocrifi è sostanzialmente la stessa: l'imperatore Tiberio gravemente ammalato invia a Gerusalemme Volusiano che punisce i responsabili della morte di Gesù, trova una sua immagine in possesso della Veronica , la conduce a Roma e grazie a lei l'imperatore è guarito.Nella Guarigione di Tiberio , il testo più antico, l'immagine di Gesù era usata dalla Veronica come cuscino e ciò le procurava una buona salute. Aveva fatto dipingere l'immagine "per amor suo". Dopo la guarigione, Tiberio adora l'immagine di Gesù e ordina che "fosse circondata di oro e di pietre preziose".Nella Vendetta del Salvatore  non è specificato se l'origine dell'immagine sul panno di lino sia miracolosa o dipinta. Il panno è conservato avvolto in un tessuto d'oro riposto in uno scrigno, è oggetto di venerazione ed è causa di miracoli. Morte di Pilato , il testo più recente, specifica invece l'origine miracolosa dell'immagine in possesso della Veronica: "Quando il mio Signore girava predicando, io con molto dispiacere ero privata della sua presenza; volli perciò dipingermi un'immagine affinché, privata della sua presenza, avessi un sollievo almeno con la rappresentazione della sua immagine. Mentre stavo portando un panno da dipingere al pittore, mi venne incontro il mio Signore e mi domandò dove andavo. Avendogli manifestato il motivo del mio viaggio, egli mi richiese il panno e me lo restituì insignito della sua venerabile faccia".Nel rito popolare della Via Crucis, sviluppato e consolidato nel basso medioevo, è presente una diversa versione della leggenda: la Veronica incontrò Gesù durante la sua salita al Calvario e gli asciugò il volto con un panno di lino, dove sarebbe rimasta impressa la sua immagine.

Prompt: Focus on Head of Christ (Correggio) and explain the Origins of the story.Please output in Italian.

Calvario
Ciclo di Pilato
Gerusalemme
Gesù
Guarigione di Tiberio
Morte di Pilato
Nuovo Testamento
Roma
Tiberio
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo
Vangelo di Nicodemo
Vendetta del Salvatore
Veronica
Via Crucis


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La proclamazione dell'abolizione della schiavitù nelle colonie francesi il 27 aprile 1848

Il luogo nel quale si svolge l'azione non viene precisato, ma si tratta presumibilmente di un'isola colonizzata, tenendo conto del paesaggio e della vegetazione, composta soprattutto dalle palme. I personaggi rappresentati nel quadro sono divisi in gruppi diversi. A sinistra, su una strada, delle truppe della marina brandiscono la bandiera della Francia dietro il delegato del governo venuto a proclamare il decreto. Questi, con una fascia tricolore legata intorno alla vita, solleva il suo cappello con il braccio sinistro per mostrare la bandiera, mentre tiene il decreto nella sua mano destra.Il resto del quadro è occupato dalla società coloniale per la quale il decreto venne proclamato. Al centro, emerge una coppia di schiavi liberati, con gli occhi rivolti verso il cielo: la donna abbraccia l'uomo, che brandisce le catene spezzate, il simbolo della libertà che hanno appena ottenuto. Attorno a loro, dei piantatori e le loro famiglie assistono alla scena, mentre gli schiavi seduti o inginocchiati si prostrano ai piedi del delegato del governo o, per una di loro, davanti a due donne vestite di bianco, le sue ex padrone. Gli schiavi sono per lo più a torso o a seno nudo. Si possono vedere delle persone di colore libere tra la folla.

Prompt: How does Proclamation of the Abolition of Slavery in the French Colonies, 27 April 1848 explain its Description?Please output in Italian.


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Democrito

Il nome di Democrito è rimasto legato alla sua celebre teoria atomista considerata, anche a distanza di secoli, una delle visioni più "scientifiche" dell'antichità: l'atomismo democriteo infatti fu ripreso non solo da altri pensatori greci, come Epicuro, ma anche da filosofi e poeti romani  nonché da filosofi del tardo medioevo, dell'età rinascimentale e del mondo moderno . Come è stato rilevato da Theodor Gomperz e da altri studiosi, Democrito può essere considerato il "padre della fisica", così come Empedocle lo era stato per la chimica. Ludovico Geymonat afferma che «l'atomismo di Democrito […] ebbe una funzione determinante, nel XVI e XVII secolo, per la formazione della scienza moderna».Alla base dell'ontologia di Democrito c'erano i due concetti di atomo e di vuoto: infiniti atomi in infinito vuoto. ddove le filosofie precedenti cercavano nellarchè un principio unitario a fondamento del tutto, come notavano Platone e Aristotele, la sua filosofia culminava in due principi irriducibili tra loro.Democrito per certi aspetti sostituì l'opposizione logica eleatica tra essere e non essere con l'opposizione fisica tra atomo e vuoto: l'atomo costituiva l'essere, il vuoto rimandava in un certo senso al non essere. Per Democrito un atomo costituiva l'elemento originario e fondamentale dell'universo, nonché il fondamento metafisico della realtà fisica; ciò significava che gli atomi non venivano percepiti a livello sensibile  ma solo su un piano intelligibile, ossia attraverso un procedimento intellettuale che scomponeva e superava il mondo fisico-corporeo. C'è da precisare che l'atomo democriteo non costituiva in sé un'intelligibilità pura, come sarà l'idea di Platone, in quanto esso possedeva un'essenziale consistenza materiale: tuttavia era pur sempre una realtà intelligibile poiché sfuggiva ai sensi e si coglieva solo mediante l'intelletto.  realtà degli atomi costituiva per Democrito l'archè, quindi l'essere immutabile ed eterno. Gli atomi erano concepiti come particelle originarie indivisibili: essi cioè erano quantità o grandezze primitive e semplici , omogenee e compatte, la cui caratteristica principale è l'indivisibilità.Democrito, quindi, contrappose alla divisibilità infinita dello spazio geometrico, sostenuta da Zenone di Elea con i suoi paradossi , l'indivisibilità dello spazio fisico, che trovava appunto nell'atomo un limite invalicabile. Gli atomi dunque, in quanto principio primo di ogni realtà, erano eterni ed immutabili: essi non erano stati generati né potevano essere distrutti, ma esistevano da sempre e sempre sarebbero esistiti. Gli atomi, però, in quanto particelle quantitative , costituivano il pieno, che rimandava necessariamente alla realtà di un vuoto in cui potersi collocare, in cui poter esistere. Il vuoto infinito costituiva quindi anch'esso una realtà originaria analoga a quella degli atomi, poiché rendeva possibile la loro esistenza: infatti gli atomi non sarebbero stati nemmeno pensabili senza uno spazio vuoto infinito entro cui potersi muovere incessantemente. In questo illimitato vuoto spaziale non esistevano più punti di riferimento, tanto è vero che il filosofo greco, quasi anticipando il moderno concetto di infinito fisico, così affermò: «non esiste basso né alto, né centro né ultimo, né estremo». Fin da Aristotele, atomi e vuoto sono stati variamente interpretati; infatti, lo stesso Aristotele così si espresse nella sua Metafisica: «Leucippo e il suo discepolo Democrito pongono come elementi il pieno e il vuoto, chiamando l'uno essere e l'altro non essere».Di fronte alla realtà di qualcosa , Democrito avrebbe ammesso l'esistenza di un "non qualcosa", il vuoto appunto, il nulla inteso come spazio. Quindi il vuoto di Democrito non stava ad indicare l'esistenza del non essere ma più semplicemente la mancanza di materia, coincidente appunto con lo spazio. Pieno e vuoto costituivano pertanto i due principi originari a cui ricondurre l'esistenza di tutte le cose: l'uno rimandava all'altro, lo implicava necessariamente, poiché la realtà era il risultato della loro sintesi. Gli atomi possedevano il movimento come loro caratteristica intrinseca: essi infatti si muovevano eternamente e spontaneamente nel vuoto, incontrandosi e scontrandosi. Il divenire del cosmo e della natura e la molteplicità degli enti erano dovuti proprio a questo incessante movimento da cui tutto si formava per poi disgregarsi. Il movimento quindi costituiva una proprietà intrinseca e spontanea degli atomi e, come tale, non era generato da una causa esterna ad essi: spontaneamente, per loro natura, essi si muovevano.In questo eterno e naturale movimento degli atomi di Democrito alcuni studiosi hanno visto una sorta di primitiva intuizione del principio di inerzia. È stato notato che «il principio di inerzia, fondamento della dinamica galileiana, dice pressappoco la stessa cosa: afferma infatti che il moto rettilineo uniforme non richiede la presenza di alcuna causa che lo provochi; solo dove si ha accelerazione deve esserci una causa che lo produce»In Democrito, come osservò Aristotele, era assente il concetto di una causa del movimento; non era chiaro «il perché del movimento, né di quale specie esso sia né la causa per cui il movimento avviene in un modo o in un altro».Gli atomi democritei, essendo definiti come quantità infinitesime, erano del tutto privi di determinazioni qualitative: sono fatti tutti della medesima materia, ma differiscono per quanto riguarda gli aspetti quantitativi, vale a dire forma, ordine e posizione. Dal punto di vista della forma, ad esempio, l'atomo A era diverso dall'atomo B .  posizione indicava il fatto che l'atomo A occupasse un posto diverso da quello di B; infine l'ordine  indicava l'esistenza di una relazione AB che era diversa da BA. Utilizzando l'esempio di Aristotele, le differenze tra gli atomi possono essere spiegate al pari delle differenze che costituiscono le lettere dell'alfabeto: A differisce da N per la forma, AN da NA per l'ordine, mentre Z differisce da N per la posizione. Tutte queste differenze, come si vede, erano di natura geometrico-quantitativa e davano luogo ad una realtà caratterizzata esclusivamente da rapporti quantitativi, secondo quell'idea che era stata già intuita dalla scuola pitagorica.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the The theory of atoms of the Biography explained?Please output in Italian.

Aristotele
Empedocle
Epicuro
Leucippo
Ludovico Geymonat
Platone
Theodor Gomperz
Zenone di Elea


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I bari

I bari è un dipinto a olio su tela di 94×131 cm realizzato nel 1594 dal pittore italiano Caravaggio.È conservato nel Kimbell Art Museum di Fort Worth, che lo ha acquistato nel 1987 a Zurigo da un collezionista privato.Il quadro godette di notevole fortuna e fu soggetto di numerose copie da parte degli artisti contemporanei, oltre a garantire notorietà a Caravaggio tra gli aristocratici romani: il committente fu infatti il cardinale Francesco Maria Del Monte, il cui stemma è dipinto sul retro.Nel 2007 è stata riconosciuta come autentica una versione precedente del dipinto , appartenuta al collezionista e storico d'arte Denis Mahon e attualmente conservata nel Museo dell'Ordine dei cavalieri di San Giovanni di Clerkenwell .

Prompt: How does The Cardsharps explain its Abstract?Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

Betlemite figlie del Sacro Cuore, fondate in Guatemala nel 1668 e restaurate da Encarnación Rosal nel XIX secolo. Società del Sacro Cuore di Gesù, fondata nel 1800 da santa Maddalena Sofia Barat, per l'educazione della gioventù. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Saint-Jacut-les-Pins, fondate nel 1816 da Angélique Le Sourd. Figlie della carità del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1823 a  Salle-de-Vihiers. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Bergamo nel 1831 da Teresa Eustochio Verzeri. Suore maestre di Santa Dorotea, figlie dei Sacri Cuori, fondate a Vicenza nel 1836 da Giovanni Antonio Farina. Suore Orsoline del Sacro Cuore, fondate nel 1854 a Toledo, in Ohio, dalle orsoline di Cleveland. Suore francescane missionarie del Sacro Cuore, fondate a Gemona del Friuli nel 1861 da madre Giuseppa di Gesù. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Strasburgo nel 1865. Suore di San Giuseppe del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1866 in Australia da Mary MacKillop. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Versailles nel 1866. Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Napoli da Caterina Volpicelli il 27 dicembre 1867. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Córdoba da Saturnina Rodríguez de Zavalía nel 1872. Figlie del Cuore di Gesù, religiose di clausura fondate a Berchem il 1873 da Maria di Gesù Deluil-Martiny. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, fondate a Issoudun nel 1874 da Jules Chevalier. Oblate del Cuore di Gesù, fondate a Montluçon nel 1874 da Louise-Thérèse de Montaignac de Chauvance. Piccole Serve del Sacro Cuore di Gesù per gli Ammalati Poveri, fondate a Torino nel 1874 da Anna Michelotti. Suore Riparatrici del Sacro Cuore, fondate a Napoli nel 1875. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Madrid nel 1877 da Rafaela Porras y Ayllón. Suore della Carità del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Isabel rrañaga y Ramírez a Madrid il 2 febbraio 1877. Suore Zelatrici del Sacro Cuore, fondate all'Aquila nel 1879 da Maria Ferrari. Suore della Famiglia del Sacro Cuore di Gesù, di Brentana, fondate da ura Baraggia nel 1880. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Codogno il 14 novembre 1880 da Francesca Saverio Cabrini. Suore Francescane del Cuore di Gesù, fondate a Malta nel 1880 da Margherita De Brincat. Suore Ospedaliere del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1881 a Madrid da padre Benedetto Menni, per affiancare l'Ordine Ospedaliero di San Giovanni di Dio. Suore dei Poveri, Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Zamora da José Cázares y Martínez, il 4 ottobre 1884. Suore del Sacro Cuore del Verbo Incarnato, fondate a Palermo nel 1884. Suore Francescane del Sacro Cuore, di Joliet, sorte negli Stati Uniti nel 1885. Ancelle del Divin Cuore, fondate a Coria nel 1885 dal cardinale Marcelo Spínola y Maestre. Serve del Sacro Cuore di Gesù e dei Poveri, fondate a León nel 1885 da José María Yermo y Parres. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1886 a Guadalajara da Atenógenes Silva, dedite all'attività ospedaliera. Suore del Sacro Cuore di Gesù, fondate in Olanda nel 1886. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate nel 1888 a Lugo. Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate nel 1889 dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Ragusa, fondate nel 1889 da Maria Schininà. Missionarie Ausiliarie del Sacro Cuore, sorte a Baltimora nel 1890 per l'educazione dei bambini di colore. Suore Salesiane del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Alcantarilla l'8 settembre 1890 da madre Pietà della Croce. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Caracas nel 1890. Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 settembre 1891 a Vic. Suore Carmelitane del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1891 dalla beata Maria Teresa di San Giuseppe. Religiose dell'Apostolato del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1891 da Valentín Salinero García. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1893 per scissione dall'omonimo istituto di Versailles. Suore Agostiniane Recollette del Sacro Cuore di Gesù, sorte in Venezuela nel 1893 per opera di María Alvarado Cardozo. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, sorte nel 1893 a Palma Campania. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1893 a Gazzuolo da Ignazia Isacchi e Margherita Lussana. Suore Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Grottaferrata il 2 febbraio 1894. Suore Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Casoria da Giulia Salzano il 5 febbraio 1894. Apostole del Sacro Cuore di Gesù, fondate il 30 maggio 1894 a Viareggio dalla forlivese Clelia Merloni. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1894 da Józef Sebastian Pelczar. Figlie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1895 a Zacatecas. Adoratrici Perpetue del Sacro Cuore di Gesù, sorte a Mantova nel 1897. Suore Cappuccine del Sacro Cuore, fondate nel 1897 a Roccalumera da Francesco Maria Di Francia e Veronica Briguglio. Suore della Croce del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Concepción Cabrera de Armida il 3 maggio 1897. Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù di Montmartre, fondate nel 1898 da Adèle Garnier. Suore Orsoline Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1898 a Parma da Maria Lucrezia Zileri dal Verme. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù di Hiltrup, sorte nel 1900 in Vestfalia. Missionarie Oblate del Sacro Cuore di Gesù e di Maria Immacolata, sorte nel 1902 in Canada. Figlie del Sacro Cuore, fondate nel 1902 a Malta da Maria Teresa Nuzzo. Minime Suore del Sacro Cuore, fondate da Maria Margherita Caiani a Poggio a Caiano il 15 dicembre 1902. Suore della Famiglia del Cuore di Gesù, fondate nel 1903 a Irapuato da Maddalena della Riparazione Vargas Galeana. Carmelitane del Sacro Cuore, fondate nel 1904 in Messico da María Luisa de la Peña Navarro de Rojas. Suore del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1905 a Breslavia. Congregazione del Sacro Cuore, siro-malabaresi, fondate nel 1911 a Palai. Suore Egiziane del Sacro Cuore, copte, fondate nel 1913 da un gruppo di suore mariamette di origine egiziana. Suore Consolatrici del Divino Cuore di Gesù, fondate a Brno da Rosa Barbora Vůjtěchová nel 1915. Piccole Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Città di Castello il 9 agosto 1915, dal beato Carlo Liviero. Ancelle Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Messina nel 1917 da Antonino Celona. Suore del Cuore di Gesù Sacramentato, fondate nel 1918 da José María Robles Hurtado. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1919 a León. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate a Cracovia da Urszula Ledóchowska nel 1920. Società del Cuore di Gesù, fondata nel 1921 a Budapest. Suore Grigie del Sacro Cuore, ramo statunitense delle Suore della Carità di Montréal, sorto nel 1921. Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Mentone nel 1922 per l'evangelizzazione in Africa. Piccole Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, sotto la regola agostiniana, fondate ad Antignano, vicino a Livorno, da Clotilde Gigli, nel 1922. Apostoliche del Cuore di Gesù, fondate in Spagna nel 1924. Suore Carmelitane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a nel 1924 a Malaga. Suore del Sacro Cuore di Gesù e dei Santi Angeli, fondate a Valencia nel 1925 da Genoveva Torres Morales. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1926 a Guadalajara da María Regina Sánchez Muñóz. Figlie del Sacratissimo Cuore di Gesù, fondate a Modena nel 1927. Missionarie Adoratrici e Riparatrici del Sacro Cuore Eucaristico di Gesù, fondate nel 1928 a Sansepolcro da mons. Enrico Merizzi. Suore Maestre Cattoliche del Sacro Cuore, fondate in Messico nel 1929. Discepole del Sacro Cuore, sorte ad Acaya l'11 aprile 1929. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù in Lituania, sorte nel 1930 in Lituania dal distacco di alcune case dell'omonima congregazione di Cracovia. Suore Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, sorte nel 1930 come ramo delle Missionarie del Sacro Costato. Missionarie Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, erette a Porto nel 1931. Salesiane Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 dicembre 1933 a Bova Marina da Giuseppe Cognata. Suore Piccole Operaie del Sacro Cuore, fondate l'8 dicembre 1935 a Trani da Erminio Rondini e Anna Ventura. Suore Apostole del Sacro Cuore, fondate nel 1936 a Volturara Appula da Maria Gargani. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1937 per la separazione del ramo brasiliano di una congregazione francese. Catechiste del Sacro Cuore di Gesù, istituto secolare greco-cattolico ucraino fondato in Brasile nel 1940. Serve dei poveri, figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Almería il 24 maggio 1942 da Joaquín Reina Castrillón.  Suore del Cuore Eucaristico di Gesù, canonicamente erette a gos nel 1943 dal vescovo missionario Leo Hale Taylor. Benedettine del Sacro Cuore di Montmartre, sorte nel 1947 dalla separazione di una comunità dalle Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù ad Gentes, fondate nel 1949 a Chietla, in Messico. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Xalapa nel 1960. Figlie di Santa Maria del Cuore di Gesù, sorte l'8 settembre 1998.

Prompt: Describe the characteristics of the Female congregations in Sacred Heart of Jesus (Batoni)'s Congregations.Please output in Italian.


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Incoronazione di Carlo Magno

L'episodio dell'incoronazione di Carlo Magno da parte di Leone III è storicamente avvenuto nella notte di Natale dell'anno 800 nell'antica basilica di San Pietro in Vaticano. Nella sua rappresentazione si voleva alludere probabilmente al concordato tra la Santa Sede e il regno di Francia siglato nel 1515 a Bologna. Il papa ha infatti le sembianze di Leone X e l'imperatore quelle di Francesco I, re francese all'epoca della realizzazione dell'affresco. scena è impostata lungo una diagonale, che conduce l'occhio dello spettatore in profondità, dove sotto il baldacchino papale , circondato da parati a festa, avviene l'incoronazione. Circondano questa sorta di platea due gruppi di cardinali, vescovi e soldati, mentre a sinistra si vede l'altare e, in primo piano, un gruppo di inservienti che sta accatastando grossi vasi argentei e aurei e un ripiano con le zampe dorate su un tavolo delle offerte, riprendendo il tema romano-imperiale dei cortei trionfali.Secondo Vasari il paggetto inginocchiato vicino all'imperatore, che tiene la corona reale , sarebbe un giovanissimo Ippolito de' Medici. L'architettura si rifà probabilmente, ancora una volta nelle Stanze, allo stato dei lavori in San Pietro.Sopra la porta, per riempire l'angolo angusto, Raffaello ideò una cantoria intarsiata dalla quale si affacciano i giovani cantori incuriositi dall'evento: uno di essi regge in mano uno spartito. Papa Leone fu un grande estimatore della musica, e fu lui a istituire un celebre coro per le funzioni nella Cappella Sistina.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Coronation of Charlemagne.Please output in Italian.

1515
800
Bologna
Cappella Sistina
Carlo Magno
Francia
Ippolito de' Medici
Natale
Santa Sede


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Sisto IV nomina il Platina prefetto della biblioteca Vaticana

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Stefano Zuffi, Il Quattrocento, Electa, Milano 2004. ISBN 8837023154 Marco Ciatti, Appunti per un manuale di storia e teoria del restauro, Edifir, Firenze 2009, ISBN 978-88-7970-346-8

Prompt: In Sixtus IV Appointing Platina as Prefect of the Vatican Library, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Triplo ritratto di Carlo I

I tre ritratti di Enrichetta Maria di Van Dyck e il triplo ritratto di Richelieu di Philippe de Champaigne

Prompt: Focus on Charles I in Three Positions and explain the Image gallery.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Donna morsa da un serpente

sinistraUn particolare della scultura.Questo marmo fu commissionato dall'industriale Alfred Mosselman come omaggio alla sua amante Apollonie Sabatier, che aveva conosciuto quando lei aveva 16 anni.  scultura fu soggetta a un doppio scandalo artistico quando fu presentata al Salone di Parigi del 1847, dove, assieme al dipinto storico I romani della decadenza di Thomas Couture, fu l'opera più commentata del Salone. In effetti, sembrava la raffigurazione di una donna in pieno piacere orgasmico. Per la Revue des deux mondes, era proprio così:Dall'altro lato, l'opera di Clésinger fu scolpita a partire da uno stampo dal vero della mondana Apollonie Sabatier , amante di Mosselman, poi per un certo periodo quella di Charles Baudelaire, del quale fu la musa. L'utilizzo di uno stampo direttamente dal corpo della modella  per una scultura fu una questione molto discussa nel diciannovesimo secolo. Un amico di Clésinger, Théophile Gautier, orchestrò lo scandalo sociale, che gli valse un grande successo. Un critico d'arte vicino alla romanziera Madama Sabatier, Théophile Gautier, disse che "è il puro delirio orgiastico, la menade spettinata che ruota ai piedi di Bacco, il padre della libertà e della gioia  Uno spasmo possente di felicità solleva per la sua contrazione il petto opulento della giovane donna, e fa spuntare i seni lucenti", concludendo il suo articolo definendolo "uno dei più bei pezzi della scultura moderna".

Prompt: How does Woman Bitten by a Serpent explain its History?Please output in Italian.

1847
Apollonie Sabatier
Charles Baudelaire
Parigi
Thomas Couture
Théophile Gautier


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Quattro visioni dell'Aldilà

datazione delle opere del Bosch è notoriamente problematica. In assenza di elementi certi, capaci di sostenere una datazione assoluta, gli studiosi elaborano una disposizione diacronica basata essenzialmente su criteri stilistici e quindi sul presupposto implicito di uno sviluppo nella maniera dell’artista che dà luogo ad una datazione relativa articolata intorno ad una selezione di opere cardine, rispetto alle quali s’intende misurare il progresso stilistico del pittore. Il dibattito sui pannelli veneziani offre un’illustrazione delle difficoltà di metodo che affronta la critica d’arte.In merito è pertanto utile accennare aulla polemica a distanza che ha opposto il Tolnay al Combe. Il primo situava il dipinto tra la Tentazione di sant’Antonio di Lisbona e il Giardino delle delizie del Prado. Il secondo e con lui l’attuale critica moderna, sottolineava le somiglianze con il trittico del Carro di fieno e tendeva pertanto ad interpretare le composizioni di Venezia come archetipi della produzione successiva piuttosto che come sviluppo intermedio a partire dalle premesse di Lisbona verso l’apice madrileno.

Prompt: In Ascent of the Blessed, how is the Dating of the History explained?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: In Madonna and Child (Francesco Solimena), how is the Origins discussed?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Jazz Blues of the Opera, lyric explained?Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Madonna dei Consiglieri

Misure: 272 x 276 cm  311,5 x 311 cm .  Il retablo è composto da un unico panello, con figure a grandezza naturale, raffigurante la Madonna col Bambino seduto su un trono gotico sorretto da quattro leoni. Questo trono è adornato con sculture ed è incoronato al centro da uno baldacchino alto con un pinnacolo e sui lati da due pinnacoli più piccoli.  Vergine ha i capelli lunghi e ondulati che le cadono sulle spalle, indossa un grande mantello blu rifinito con un bordo dorato e perle, e attaccato al petto ha una preziosa spilla. Il Bambino è coperto da un velo bianco trasparente, e porta un amuleto fatto di un pezzo di corallo sul collo. scena si svolge in una stanza il cui sfondo ha delle grandi finestre brillanti dietro le quali canta un coro di angeli; oltre gli angeli, possiamo vedere il paesaggio. Su entrambi i lati del trono della Vergine vi sono sant'Andrea e sant'Eulalia , che portano ciascuno gli attributi del loro martirio  e presentano i cinque consiglieri della città che avevano commissionato l'opera. I cinque consiglieri comunali sono raffigurati in ginocchio con le mani unite in atteggiamento di preghiera in primo piano, e sono, appunto, ritratti fedelmente, indossando un soprabito di tessuto rosso, foderato e bordato di pelliccia. Sono riconoscibili Joan Llull, Francesc Llobet, Joan Junyent, Ramon Savall e Antoni de Vilatorta. Il pavimento è realizzato copiando le piastrelle di Valencia con gli scudi della città di Barcellona e sul tetto l'architettura rappresenta una volta che mostra nelle sue chiavi lo scudo della città.Luis Dalmau firmò quest'opera alla base del trono della Vergine:

Prompt: Explain the Description of this artwork, Virgin of the Councillors.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

1946 - Nous continuons!.., regia di M. Bahelfer  1995 - Anna Frank Remembered, regia di Jon Blair  1995 - Children Remember the Holocaust, regia di Mark Gordon  1995 - Lost Childhood: The Story of the Birkenau Boys  1996 - My Knees Were Jumping: Remembering the Kindertransports  1997 - The Lost Children of Berlin, regia di Elizabeth McIntyre  1998 - Voices of the Children, regia di Zuzana Justman  1999 - The Children of Chabannes, regia di Lisa Gossels e Dean Wetherell  1999 - Children of the Night, cortometraggio, regia di Jolanta Dylewska  2000 -  fuga degli angeli - Storie del Kindertransport , documentario, regia di Mark Jonathan Harris  2000 - The Children Who Cheated the Nazis, regia di Sue Read  2002 - The Boys of Buchenwald, regia di Audrey Mehler  2002 - The Power of Good: Nicholas Winton, regia di Matej Mináč  2002 - Secret Lives: Hidden Children and Their Rescuers During WWII, regia di Aviva Slesin  2009 - The Kindertransport Story, regia di Lindsay Hill  2011 - Children of Terezin, regia di Gabriel Bologna  <documentario> 2011 - The Boys of Terezin, regia di Shahab John Sharify  2013 - 50 Children: The Rescue Mission of Mr. And Mrs. Kraus, regia di Steven Pressman  2014 - The Children of the Holocaust  - Documentario prodotto dalla BBC 2015 - Innocence Lost: Stories from Children of the Holocaust, regia di Alex Roberts e Andrew Sherwood  2019 - The st Survivors, episodio della serie televisiva Frontline  2020 - Determined: The Story of Holocaust Survivor Avraham Perlmutter, regia di Keren Perlmutter

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Documentaries of the Historical research explained?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi , e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

Prompt: In the context of Disputation of the Holy Sacrament, explain the Studies and the Description.Please output in Italian.

Ashmolean Museum
British Museum
Castello di Windsor
Chantilly
John Shearman
Montpellier
Museo Condé
Oxford
Perugia


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La lite di Oberon e Titania

Il dipinto rappresenta la prima scena del secondo atto della commedia shakespeariana Sogno di una notte di mezza estate. In esso, Oberon e Titania si contendono un bambino indiano che si nasconde dietro alla regina delle fate, mentre intorno a loro, nei boschi al di fuori di Atene, un gran numero  di fate, folletti, goblin e altre creature leggendarie procedono indisturbati nelle loro attività. Alla bellezza delle fate, rappresentate nude e intente a divertirsi o amoreggiare, si contrappongono le figure grottesche di gnomi e altri mostriciattoli, mentre a destra di staglia la statua del dio Pan, rappresentato come un satiro.Considerata uno dei maggiori esempi del fairy painting vittoriano, l'opera mostra l'influenza di Henry Fuseli sul giovane Paton.

Prompt: In The Quarrel of Oberon and Titania, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Atene
Pan
Sogno di una notte di mezza estate


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Martirio di san Matteo

Roberto Longhi, Quesiti caravaggeschi - II, I precedenti, in "Pinacotheca", anno 1, numeri 5-6, marzo-giugno 1929Pier Virgilio Begni Redona, Alessandro Bonvicino - Il Moretto da Brescia, Editrice  Scuola, Brescia 1988

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Martyrdom of Saint Matthew (Caravaggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix