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Madonna di Darmstadt

Il volto della Madonna corrisponde ad un tipo di bellezza che Holbein utilizzò per la prima volta intorno al 1524 e che si ritrova anche nella raffigurazione di Venere e Amore  e il dipinto quasi identico del ide di Corinto del 1526.  Madonna, con le sue caratteristiche facciali idealizzate, è chiaramente diversa dai ritratti della famiglia dei fondatori.Iconograficamente, la rappresentazione della Madonna è basata su modelli italiani. Prima di tutto, il tipo di mantello protettivo che Madonna attira l'attenzione dello spettatore, il quale cadendo dalle spalle di Maria, circonda in modo protettivo la famiglia dei fondatori, ma qui viene indicato solo approssimativamente, ricoprendo solo leggermente le spalle di Meyer e della sua prima moglie, invece di essere distribuito sulle teste dei donatori come una tenda. Un altro elemento iconografico tipico della pittura italiana che Holbein raccoglie qui è il fatto che la Madonna si trova in piedi davanti al trono. Il trono, sottolineato dal nicchione superiore, è un modello già utilizzato ad esempio per la pala dell'altare maggiore della chiesa del collegio papale di Ascona del 1519 che combinava con sorprendente somiglianza la presenza di una conchiglia superiore di decorazione con l'idea di una Madonna "protettiva". Tuttavia, non è chiaro se Holbein abbia potuto vedere personalmente quest'opera.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the TheMadonna and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Polittico Averoldi

Marco Carminati, Il polittico Averoldi visto da vicino, Il sole 24 ore, 29 maggio 2022.

Prompt: Focus on Averoldi Polyptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Sibilla Cumana

Prompt: How does Cumaean Sibyl (Domenichino) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Si ritiene, data l'estrema somiglianza estetica col Bacco degli Uffizi, che a posare per entrambe le opere sia stato lo stesso modello. Una parte della critica lo identifica col pittore siciliano Mario Minniti, amico di scorribande, e forse amante, di Caravaggio. Come proposto da Frommel, il modello , mostra maggiore consapevolezza e professionalità nel tenere le mani sul liuto e la sua camicia bianca ha più pieghe e ha i ricami. Scrive Frommel: la "figura rappresentata diventa più persona" favorendo maggiormente l'impressione di un "dirimpettaio animato".Altri lo identificano col castrato spagnolo Pedro Montoya, che in quegli anni era cantore nella Cappella Sistina; non a caso, il fanciullo ha le labbra dischiuse, come se stesse cantando accompagnandosi con lo strumento.Di notevole bellezza è la natura morta di strumenti musicali sul tavolo che sembra fare da contrappunto alla gestualità morbida delle mani che toccano le corde. Lo sguardo languido e la bocca socchiusa del suonatore sono un esempio della sensualità dei modelli ritratti da Caravaggio nei dipinti del suo primo periodo romano.L'elemento più pregevole del dipinto è sicuramente la doppia natura morta sul tavolo, rappresentata dai frutti , dai fiori disposti nel vaso di cristallo che riflette la luce, e dallo spartito musicale. Quest'ultimo, analogamente a quello presente nel Riposo durante la fuga in Egitto, è stato identificato dai musicologi che vi hanno ipotizzato quattro madrigali dal Primo libro di madrigali a quattro voci di Jacques Arcadelt : Chi potrà dir quanta dolcezza provo, Se la dura durezza in la mia donna, Voi sapete ch'io v'amo anzi v'adoro, Vostra fui e sarò mentre ch'io viva. Tutti i madrigali trattano di temi amorosi e passionali. Nel dipinto del Metropolitan, in alto a sinistra , sulla parete, è collocata una gabbietta con dentro un uccellino che probabilmente simboleggia il suono naturale. Tuttavia, come ha proposto di recente Giacomo Berra, esso richiama una poesia di Luigi Tansillo in cui il poeta, solitario e innamorato, si riconosce nell'uccellino in gabbia che amerebbe la libertà dall'amata, ma ne ha timore e non vorrebbe restare senza di lei. Il quadro, quindi, sarebbe un invito ai piaceri dell'amore e alle gioie della vita attraverso le arti , nonché ai piaceri terreni . "dedica" al Giustiniani è stata individuata nel solo originale nella grande "V"  dipinta come capolettera della partitura, in realtà dell'unico verso vergato "Voi sapete che v'amo", senza dimenticare che Giambattista Marino, identificandovisi, dedicò a Caravaggio e a questo dipinto almeno una sua strofa. Nel solo quadro dell'Ermitage compare il titolo della canzone "Caltus".Il dipinto del Metropolitan Museum di New York, presenta una iconografia diversa rispetto a quello dell'Ermitage, sebbene la radiografia ne abbia rivelato una originaria medesima disposizione degli oggetti poi variati in seguito: su di un tavolo coperto da un tappeto orientale che accentua lo spazio e la distanza fra il suonatore e lo spettatore, sono collocati un flauto dolce, al centro in primo piano e, a sinistra, al posto del vaso di fiori, un virginale. Una partitura raffigura un madrigale di Francesco de yolle , tratto dal suo Libro Primo dei Madrigali, dal titolo ssare il velo, l'altra è intitolata Perché non date voi.

Prompt: Focus on The Lute Player (Caravaggio) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Jacques Arcadelt
Mario Minniti
Ermitage
Pedro Montoya


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna delle Grazie

A Minturno, la Madonna delle Grazie viene festeggiata il 1º settembre.Il 6 aprile 1850, attendendo sul ponte del Garigliano il sommo Pontefice Pio IX, il clero parrocchiale e il popolo minturnese, chiesero di affidare la città di Traetto e i suoi villaggi sotto la protezione della Vergine delle Grazie.Con Breve Pontificio del 6 settembre 1850 la Vergine delle Grazie veniva dichiarata Patrona Principale della città di Traetto  e dei suoi villaggi. L'undici ottobre del 1851 l'Arcivescovo di Gaeta Luigi Maria Parisio nella chiesa di San Pietro, gremita di gente, annunciava al popolo che la città di Traetto era stata posta sotto la protezione della Vergine delle Grazie.Con Breve Pontificio del 1852 il Papa assegnava come festività della Madonna delle Grazie il 1º settembre. Con altro Breve Pontificio del 15 luglio 1852 lo stesso pontefice estendeva al clero secolare e regolare di tutta la diocesi di Gaeta l'ufficio proprio con la Messa della Beata Vergine delle Grazie.

Prompt: Describe the characteristics of the Minturno in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Daniele

Danilo Bertazzi, attore italiano Danilo Luiz da Silva, calciatore brasiliano Danilo De Girolamo, attore, doppiatore e direttore del doppiaggio italiano Danilo Di Luca, ciclista su strada italiano Danilo Dolci, sociologo, poeta, educatore e attivista italiano Danilo Gallinari, cestista italiano Danilo Mainardi, etologo italiano Danilo Martelli, calciatore italiano Danilo Rea, pianista italiano Danilo Sacco, musicista e cantante italiano

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Danilo variant and the Variants.Please output in Italian.

Danilo Bertazzi
Danilo De Girolamo
Danilo Di Luca
Danilo Dolci
Danilo Gallinari
Danilo Luiz da Silva
Danilo Mainardi
Danilo Martelli
Danilo Rea
Danilo Sacco


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Musica

terminologia musicale è molto ampia.I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono: la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione ; la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente; l'accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali; l'armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi; il contrappunto, dal lat. punctum contra punctum, punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie; il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica  in un brano; il tempo, che determina la durata di ogni battuta in unità musicali; gli armonici, ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota . Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento. il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro; la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Prompt: Explain the Common terms about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Ritratto di Giuseppe Verdi

Il Ritratto di Giuseppe Verdi è un dipinto di Giovanni Boldini, realizzato a pastello nel 1886 e conservato nella Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Giuseppe Verdi.Please output in Italian.

1886
Giovanni Boldini
Giuseppe Verdi
Roma


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Ritratto di giovane dama

donna è raffigurata sullo sfondo di un cielo azzurro solcato da alcune nubi, posta di profilo, secondo l'usanza tipica delle corti italiane che, tramite il modello umanistico del vir illustris, si ispiravano ai modi della medaglistica imperiale romana. L'ambientazione all'aria aperta segna la perfetta armonia tra natura e bellezza femminile, secondo un ideale classico recuperato nel Rinascimento. fanciulla è ritratta fino alle spalle, con una leggera torsione del busto che permette di vedere la forma della scollatura. Grandissima attenzione è data alla descrizione della veste, dei gioielli e dell'elaboratissima acconciatura, sottolineando il carattere nobile e benestante della donna. Il corpetto è piuttosto scollato e aderente, allacciato sul davanti con una serie ravvicinata di bottoni e tipico della moda giovanile dell'epoca.  manica in velluto presenta un motivo floreale reso con sinteticità, senza ricorrere agli effetti lenticolari della pittura fiamminga. A quell'epoca le maniche erano tra le parti più importanti degli abiti, spesso intercambiabili e decorate da gioielli, tanto da essere spesso inventariate tra le gioie di famiglia. Si avvicina all'arte fiamminga invece la straordinaria attenzione ai valori della luce, che definisce con vari effetti i numerosi materiali raffigurati: dalla brillantezza delle perle alla lucentezza dei capelli, dalla delicatezza dell'incarnato fino ad effetti virtuosistici come il velo che copre delicatamente l'orecchio.I capelli sono raccolti nell'acconciatura detta "a vespaio", con un vezzo di perle, con al centro in questo caso un vistoso diadema con pietre preziose, che trattiene i capelli in una crocchia elaborata girando dietro la nuca e tenendo anche un velo trasparente che copre le orecchieI gioielli che essa indossa  sembrano rimandare a significati nuziali, suggerendo una possibile destinazione del ritratto come parte della dote o come dono per la famiglia dello sposo prima della sigla del contratto matrimoniale. Le perle infatti alludono alla purezza verginale e il rubino al rosso dell'amore.Il profilo si staglia con forza dallo sfondo, con una linea di contorno netta ed espressiva , che fu una delle caratteristiche più tipiche dell'arte fiorentina della seconda metà del XV secolo, in particolare dei fratelli del Pollaiolo, soprattutto Antonio.

Prompt: In Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

René urentin, Breve mariologia, Edizioni Paoline, 1964 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Incipiunt Cantica canticorum: allegorice super Matrem Dei, ed moraliter super animam", Editrice Messaggero S. Antonio, Padova, 1986 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Ecce nubecula, parva...", Edizioni del Comitato di Promozione Culturale "Padre Maestro", Lucera, 1998 Roberto Coggi,  beata Vergine. Trattato di mariologia, Edizioni Studio Domenicano, 2004, ISBN 88-7094-533-2 Valeria Ferrari Schiefer, Stefano De Fiores, Salvatore M. Perrella, Mariologia, San Paolo, 2009 ISBN 88-215-6341-3 Bruno Forte, Maria - la donna icona del Mistero, San Paolo, 2011 ISBN 88-215-7035-5

Prompt: Describe the characteristics of the Treatises  of  Mariology in The Immaculate Conception of Los Venerables's liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Bruno Forte
Francesco Antonio Fasani
ISBN
Mariologia
Salvatore
Francesco Antonio Fasani


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Natura morta

natura morta 'moderna' trova un preciso campo di sperimentazione nelle tarsie lignee quattrocentesche. Ambito prediletto per le stupefacenti esercitazioni dei pionieri della prospettiva, i pannelli lignei simulano frequentemente ante di armadi e scansie in cui sono collocati gli oggetti più diversi, anticipando soluzioni e soggetti che verranno adottati nel Seicento.Nel XV secolo le origini del genere vanno collegate alla pittura fiamminga e a quella di Antonio Leonelli da Crevalcore, dove appaiono nel particolare di San Paolo nel trittico di Étrepy e in altre sue opere una serie di nature morte. Particolare il ruolo delle tarsie lignee, che sperimentano soluzioni adottate più tardi nella pittura.Nel XVI secolo cresce l'attenzione verso la rappresentazione di oggetti e forme del mondo naturale. Si può ricordare ad esempio l'opera di Giovanni da Udine di cui rimane famosa la rappresentazione di strumenti musicali ai piedi di Santa Cecilia  rappresentata in un quadro di Raffaello e le grottesche e ghirlande della Villa Farnesina ricca di innumerevoli forme vegetali.

Prompt: In Still Life (Claesz), how is the Still life in the Renaissance discussed?Please output in Italian.

Antonio Leonelli
Crevalcore
Giovanni da Udine
Villa Farnesina
XVI secolo
XV secolo
Étrepy


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Donna al Cafè Le Tambourin

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale.  portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:</ref>}}

Prompt: Explain the Description of this artwork, Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin.Please output in Italian.

Agostina Segatori
Edgar Degas
L'assenzio
Parigi
Ritratto di Émile Zola
Édouard Manet


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Lampade di Dendera

upright=1.4upright=1.4Le cosiddette lampade di Dendera sono dei bassorilievi con geroglifici scoperti dall'archeologo francese Auguste Mariette nel 1857 a circa 70 km da Tebe, nel tempio di Hathor a Dendera, situato nell'omonima località dell'Egitto, sulla riva occidentale del Nilo.Sotto il tempio vennero rinvenute ampie cripte che, ripulite dalla sabbia, mostrarono stanze con pareti ricoperte da lastre di pietra scolpite. Le stanze apparterrebbero al primo nucleo del tempio, risalente al XV secolo a.C., mentre l'attuale costruzione che ad esse si è sovrapposta è di epoca tolemaica e romana. Le lastre scolpite si riferiscono ad una decorazione della fase tolemaica. Le immagini raffigurano Harsomtus, sotto forma di serpente, che emerge da un fiore di loto che di solito è attaccato alla prua di una chiatta.  cosiddetta "lampada di Dendera" è una variazione di questo motivo, mostrando Harsomtus in un contenitore ovale chiamato hn, che potrebbe rappresentare l'utero della dea Nut. A volte un pilastro Djed sostiene il serpente o il contenitore. Un motivo strettamente correlato è "dio che riposa sul fiore di loto". Alcuni studiosi hanno invece interpretato le raffigurazioni come antiche lampade a incandescenza.Negli anni settanta gran parte delle lastre vennero trafugate e rimasero solo le pareti di una delle stanze.Qui si trovano raffigurati alcuni sacerdoti del tempio nell'atto di officiare riti intorno ad un oggetto, probabilmente un fiore di loto.

Prompt: In Dendera light, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Auguste Mariette
Djed
Egitto
Nilo
XV secolo a.C.


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San Girolamo leggente nel deserto

L'opera riprende una composizione pressoché analoga databile al 1480 circa del San Girolamo Contini Bonacossi oggi agli Uffizi. Il santo è raffigurato nel deserto, vestito dei poveri stracci da eremita, mentre è dedito alla lettura, un richiamo al suo lavoro di studio per la traduzione della Vulgata. Tra rocce spigolose, piante ed animali descritti con amorevole cura , un arco si apre rivelando un dolce paesaggio, punteggiato da rovine antiche  e una città murata in lontananza. Oltre uno scorcio marino si vede un'altra città, magari su un'isola o una penisola.  tavola è densa di metafore religiose ritratte con grande cura . Manca però quella fusione atmosferica che si trova negli sfondi dipinti dal pittore dopo il 1500.Un intervento di bottega è ravvisabile in qualche brano del paesaggio che appare più rigido e schematico, come una parte delle rovine in alto a sinistra.

Prompt: How does St. Jerome in the Desert (Bellini, Washington) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Campbell's Soup Cans

sinistraIrving Blum fu il primo collezionista d'arte a esibire i barattoli di zuppa di Warhol. Blum vide dozzine di serigrafie di zuppa Campbell, fra cui una intitolata One-Hundred Soup Cans e composta da cento barattoli. Nonostante la scarsa affluenza del pubblico, il più delle volte perplesso di fronte alle tele di Warhol, e nonostante lo sforzo di John Coplans di incoraggiare le persone a sostenere l'opera d'arte di Warhol in un articolo su Artforum, la mostra venne pesantemente criticata per la scelta di proporre dei soggetti fabbricati. Warhol decise quindi di vendere il set per dieci rate mensili di 100 dollari a Blum. Mentre questa mostra era ancora presente a Los Angeles, ne venne cancellata un'altra in programma a New York dedicata sempre dedicata all'artista americano. Successivamente, Warhol realizzò svariate opere raffiguranti lattine di zuppa Campbell seguendo l'esempio di Campbell's Soup Cans. Sebbene fosse solito ritrarre delle scatolette in condizioni perfette, ha occasionalmente scelto di dipingerne alcune aperte, rovinate o con le etichette logore. Altre erano affiancate da oggetti di sorta, quali scodelle e apriscatole.Irving Blum rese disponibili al pubblico le trentadue tele originali attraverso un accordo con la National Gallery of Art di Washington, DC, mettendole in prestito a tempo indeterminato due giorni prima della morte di Warhol avvenuta nel 1987. Tuttavia, l'originale Campbell's Soup Cans fa ora parte della collezione permanente del Museum of Modern Art. Dal momento che Warhol non ha dato alcuna indicazione su quale fosse l'ordine definitivo della serie, la sequenza scelta dai curatori del museo riflette l'ordine cronologico in cui le varietà sono state messe in commercio dalla Campbell Soup Company; la prima, quella posta in alto a sinistra, presenta la scritta Tomato e debuttò nel 1897. Nel mese di aprile del 2011 si spostò la lattina Clam Chowder in alto a sinistra mentre venne spostata Tomato sul fondo delle quattro file.

Prompt: In Campbell's Soup Cans, how is the Inauguration and appropriation of the work by the MoMA of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Campbell's
Los Angeles
Museum of Modern Art
National Gallery of Art
New York


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

I mucchi di fieno o I covoni  è il titolo di una serie di quadri impressionisti dipinti da Claude Monet. Il nome si riferisce in termine stretto, ai venticinque dipinti  iniziati dopo il raccolto di fine estate 1890 e continuato fino ai primi mesi del 1891.  serie ha per oggetto principale dei covoni di grano che si trovavano in un campo vicino alla casa dell'artista a Giverny, nell'Eure, in Normandia. particolarità di questa serie è quella di ripetere lo stesso modello per mostrare i diversi effetti della luce e dell'atmosfera col passare dei giorni, delle stagioni, e delle condizioni meteorologiche, ma anche al variare dell'ambiente circostante e delle prospettive. Quindici di questi venticinque dipinti sono stati presentati al pubblico per la prima volta, in una mostra organizzata dalla galleria di Parigi Paul Durand-Ruel, dal 5 al 20 maggio 1891; ciò fa sì che si possa considerare questa serie come la prima realmente progettata e pensata come tale da Monet.

Prompt: How does Haystacks (Monet series) explain its Abstract?Please output in Italian.

Claude Monet
Eure
Giverny
Normandia
Parigi
Paul Durand-Ruel


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Martirio di sant'Erasmo

Il dipinto fu commissionato in data 5 febbraio 1628 dalla Fabbrica di San Pietro per adornare uno dei tre altari - quello dedicato a Erasmo di Formia - ricavati dalle nicchie del transetto settentrionale della Basilica di San Pietro. In particolare, era pensato per essere posizionato nella parte sinistra del transetto, accanto alla tela del Martirio dei santi Processo e Martiniano di Valentin de Boulogne.  Congregazione richiese a Poussin di adottare la stessa composizione del dipinto che già stava elaborando il Cortona, eccezion fatta per il sacerdote pagano vestito di bianco, che andava spostato lateralmente. Papa Urbano VIII aveva inizialmente considerato Pietro da Cortona per l'incarico, ma alla fine fu scelto Poussin grazie all'intervento del protettore di quest'ultimo, Cassiano dal Pozzo, segretario del cardinale Francesco Barberini . Proprio il cardinale Barberini aveva già commissionato al pittore francese altre due tele, la Distruzione del Tempio di Gerusalemme nel 1626 e la Morte di Germanico nel 1627, consolidando la reputazione di Poussin a Roma, dove era giunto quattro anni prima.

Prompt: Explain the Commission about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin).Please output in Italian.


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Madonna del Latte

L'iconografia è risalente all'Antico Egitto, epoca in cui erano diffusissime le immagini della dea Iside intenta ad allattare il figlio Horus e il cui culto durerà ancora a lungo intrecciandosi con il Cristianesimo. Addirittura molte statue di Iside furono ribattezzate o venerate come Madonne originali.Le prime rappresentazioni iconografiche ufficiali della "Madonna del tte" si ritrovano nell'Egitto ormai cristianizzato del VI o VII secolo dopo Cristo, essa è ritratta mentre allatta Gesù Bambino o in procinto di farlo. Sono immagini molto stilizzate che soprattutto alludono più che mostrare. In questi casi la composizione è una variante dell'iconografia della Madonna col Bambino. Dall'Egitto copto ebbero poi ampia diffusione presso le chiese orientali nell'arte bizantina, con nome greco di Galaktotrophousa. Da qui si diffuse poi, nei secoli seguenti, anche in Occidente. Tale tipologia di Madonne del tte divenne molto popolare nella scuola pittorica toscana e nel Nord Europa a partire dal Trecento.Nell'Europa occidentale con il culto si diffuse inoltre l'uso di custodire nelle chiese come reliquie ampolle contenenti il latte della Madonna , cui si attribuivano gli effetti miracolosi di restituire il latte alle puerpere che lo avessero perso.

Prompt: In the context of Nursing Madonna (Andrea Pisano), explain the Thefirstrepresentations and the Meaning of iconography.Please output in Italian.

Antico Egitto
Cristianesimo
Horus
Iside
Madonna col Bambino


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the In the ancient Church in Mary Magdalene (Stevens)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: How does Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse) explain its The self-portrait in ancient art?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Affreschi da villa La Pelucca

AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Villa La Pelucca frescoes.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

alt= Mazzarrà Sant'Andrea festa patronale di Mazzarrà Sant'Andrea si svolge l'ultima domenica di agosto, e incomincia 15 giorni prima con la funzione "a scinduta Da Madonna" giorno in cui l'artistico simulacro viene posto sul fercolo. Nove giorni prima ha inizio la novena in onore di Maria SS. delle Grazie. I giorni più sentiti sono i tre prima della festa. Per le funzioni religiose la sera del sabato incominciano i vespri solenni. Tutto e tutti si preparano al grande giorno, la mattina alle ore 11:00 comincia la Santa Messa Solenne. Alle ore 18:0, al secondo colpo di martello e al grido di "evviva la gran Signora Maria SS. delle Grazie!! e chiamamula mi 'ndaiuta" i portatori conducono il fercolo fuori dalla Chiesa Madre al lancio di mortai e carte multicolori. L'uscita della Madonna viene accolta dallo sventolio dei fazzoletti bianchi e il battito delle mani, quindi ha inizio la processione con il simulacro adornato con molto oro, per le vie del paese dove in ogni quartiere vengono sparati fuochi artificiali.  varetta si ferma ogni qualvolta la gente vuole fare un'offerta, quando si ferma il martello tuona due volte e tuona anche quando riparte. Dopo una processione di 4 ore, alle 22:00 circa si assiste ai fuochi artificiali e il fercolo fa il suo ritorno in Chiesa Madre.  leggenda narra che in un'afosa giornata di agosto del 1706 un carro trainato da buoi con una bellissima statua della Madonna, risaliva il torrente Mazzarrà diretto a Roccella Valdemone. Giunti nei pressi di Mazzarrà i buoi si fermarono rifiutandosi di procedere. Inutili furono gli sforzi sia del conducente sia di alcuni contadini intenti al lavoro nei campi. Poi il vecchio prete di Mazzarrà asperse con acqua benedetta la statua, di colpo i buoi ripresero il cammino andandosi a fermare davanti alla piccola chiesetta di Mazzarrà. Si gridò al miracolo, la statua della Madonna venne portata all'interno della chiesa e il principe decise di costruire sul posto una nuova chiesa dedicata a Maria SS. delle Grazie.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Mazzarrà Sant'Andrea of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Uguaglianza davanti alla morte

Il soggetto del dipinto è la rappresentazione di un angelo della morte in volo, che porta con sé un lenzuolo funerario per ricoprire il corpo di un giovane uomo morto, completamente nudo.In basso, a sinistra, è possibile osservare la firma artistica di Bouguereau.

Prompt: How does Equality Before Death explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Ritratto di donna Franca Florio

Magistrale cantore della «Palermo felicissima» della Belle Époque, qui Boldini sembra rispondere alla sognante definizione che il poeta Gabriele D'Annunzio diede di donna Franca Florio: «È unica. Una creatura che svela in ogni suo movimento un ritmo divino». Nel Ritratto di donna Franca Florio, infatti, si riconosce pienamente la poetica della femminilità boldiniana, tanto è vero che l'opera non esita ad esaltare lo stupefacente charme della ritrattata, ma introduce anche elementi di antesignana modernità, liberando senza falsi pudori una femminilità che emerge in maniera forse civettuola, ma per nulla volgare.A seconda della tecnica, a tratti sommaria, altre volte invece descrittiva e attenta ai dettagli, Boldini sembra inoltre indicare all'osservatore quei brani pittorici che hanno particolarmente catturato la sua attenzione: è il caso del viso, di un candore perlaceo, dove risaltano le labbra vermiglie percorse da un impercettibile sorriso e i profondi occhi grigi, e della pesante e imponente collana, lunga ben sette metri e contenente 365 perle, una per ogni giorno dell'anno o - come riportano le leggende - per ogni lacrima versata dalla donna a causa dei libertinaggi del marito.Il corpo di Franca, avvolto nelle pieghe vorticistiche dell'abito di velluto nero, viene invece delineato da pennellate lunghe e scattanti, a ragione definite dai critici come «sciabolate», con le quali Boldini sembra «cristallizzare» nel tempo la splendida apparizione della sua musa. L'eleganza elettrica delle pennellate boldiniane, che con il loro rapido succedersi ricolmano la tela di una grande carica energetica, è oggetto di una meditata e profonda dichiarazione di Gaetano Boldini, fratello del pittore, rilasciata nel 1926 per un'intervista giornalistica: «Molto strano era il suo modo di dipingere giacché egli non faceva posare il modello ma voleva che si muovesse dinanzi a lui per imprimere i tratti vitali con maggiore evidenza sulla tela».

Prompt: In Portrait of Donna Franca Florio, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Belle Époque
Florio
Franca Florio
Gabriele D'Annunzio
Palermo


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Epifania

In Lettonia l'Epifania è conosciuta come Trijkungu diena  dai cattolici o Zvaigznes diena  dai luterani in ricordo della Stella di Betlemme che condusse i Magi a Gesù Bambino. In passato, stelle luminose di tessuto venivano cucite sullo sfondo di trapunte di colore scuro, che rappresentavano il cielo notturno. L'Epifania era un giorno di divertimento, trascorso in slitte scoperte trainate da cavalli, sulle quali queste trapunte venivano usate per coprire le ginocchia degli allegri cavalieri.Se il giorno dell'Epifania era luminoso e mite e il sole "riscaldava la schiena dei cavalli" si diceva che l'anno a venire avrebbe portato solo pace. Se la notte prima dell'Epifania aveva un cielo stellato e limpido, significava che la Lettonia poteva aspettarsi un buon raccolto nella prossima estate. Se all'Epifania si sentiva abbaiare un cane bisognava cercare il proprio futuro sposo in quella stessa direzione. In questo giorno si mangiano speciali torte di mele a tre angoli e, come in altri paesi, sono popolari da secoli il canto delle stelle, le visite e le benedizioni della casa.

Prompt: In Epifania, how is the Latvia of the Theology explained?Please output in Italian.

Betlemme
Gesù
Gesù
Lettonia
Stella di Betlemme


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Il vagone di terza classe

Nello stile di Honoré Daumier, che ha fatto dell'arte uno strumento di lotta politica, questo dipinto del 1862 denunciò la vita più povera .  rappresentazione di una condizione sociale umile e poco presa in considerazione dallo Stato è realizzata dall'artista con uno stile drammatico che anticipa i futuri indirizzi della pittura espressionistica di Munch, Ensor, Kirchner e di Egon Schiele. Le figure vengono ritratte in un vagone ferroviario di terza classe, tutte ammassate sulle dure panche di legno, con i finestrini che lasciano appena intravedere un cielo livido e lo sguardo perso nel vuoto, evidentemente rassegnate al loro destino di povertà e sofferenza. Ma oltre ai lavoratori, dei quali si intercetta idealmente la fatica, i borghesi si mostrano, in netta contrapposizione con le altre figure, con la loro arroganza, indifferenza e inimicizia, sottolineando così il netto divario tra deboli  e potenti , concetto metaforico e reale che emerge dal dipinto. Particolare risalto viene dato alla signora in primo piano, vero e proprio centro visivo e compositivo del quadro: è abbigliata con un mantello e ripone le proprie mani ossute sul manico del paniere sul suo grembo.  sua espressione stanca lascia emergere con violenza i segni della povertà materiale. Persino il giovane ragazzo sulla destra, addormentatosi cullato dallo sferragliare del vagone, sembra avere una vita già provata dalla durezza del lavoro.Non a caso l'artista non presta tanta cura nella realizzazione formale, stendendo il colore in maniera poco uniforme: siamo lontani dalla grazia e dall'armoniosità tanto nella forma quanto nel contenuto dell'opera. Il vagone di terza classe è un olio su tela, ma ha lo stesso tratto veloce, mobile, che lascia le figure quasi incompiute, delle stampe. È lo stile più adatto a sottolineare gli scarsi mezzi e la mestizia di questa gente che viaggia stipata in un vagone affollato. Il disegno non abbozza i contorni, ne accentua le forme poco eleganti, in modo diverso dallo stile curato e finito insegnato nelle accademie e destinato a soggetti eroici; la firma del suo nome sulla cassa di legno rappresenta l'umiltà e un particolare interesse da parte del pittore per quella classe sociale.

Prompt: Focus on The Third-Class Carriage and explain the Description.Please output in Italian.


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music Humanism Renaissance of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Sepoltura e gloria di santa Petronilla

Sepoltura e gloria di santa Petronilla è un dipinto olio su tela  del Guercino, datato 1623 e conservato nei Musei capitolini di Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Burial of St. Petronilla.Please output in Italian.


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Consegna della regola francescana

Consegna della regola francescana è un dipinto, tecnica mista su tavola , del pittore napoletano Colantonio, facente un tempo parte di uno smembrato polittico per la chiesa di San Lorenzo Maggiore ed oggi conservato nel Museo nazionale di Capodimonte. L'opera è databile al 1445 circa.

Prompt: Focus on Delivery of the Franciscan Rule and explain the Abstract.Please output in Italian.

1445
Colantonio
Museo nazionale di Capodimonte


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Nike di Samotracia

leftL'immagine della Nike di Samotracia ha conosciuto una vastissima popolarità, specialmente al principio del XX secolo, quando fu adottata da Filippo Tommaso Marinetti per glorificare il dinamismo della vita moderna. Nel proprio Manifesto del Futurismo Marinetti scrisse: «un'automobile ruggente, che sembra correre sulla mitraglia, è più bello della Vittoria di Samotracia». Alla bellezza ellenistica della Nike, infatti, Marinetti preferisce il fascino roboante dell'automobile, in quanto confacente a quell'«estetica della velocità» sconosciuta agli antichi Greci.Anche Umberto Boccioni, memore della lezione futurista di Marinetti, plasmò la propria scultura Forme uniche della continuità nello spazio sulle forme della Nike; analogamente fecero Salvador Dalí, che nel 1968 eseguì Les Deux Nike, la Double Victoire de Samotrace, e Evgenij Vučetič, autore della Statua della Madre Russia. Il riferimento più famoso alla Nike, tuttavia, si ha con il logo della Nike, società statunitense presente nel settore nel mercato dell'abbigliamento sportivo. Carolyn Davidson, per realizzare il marchio Nike, si ispirò esplicitamente a una delle ali della statua, per poi farne una stilizzazione: fu così che nacque il simbolo dell'azienda, lo Swoosh.Per via della grande notorietà raggiunta, la statua è stata soggetta a numerose riproduzioni: a Giardini-Naxos, Montevideo, Linz, Vittorio Veneto, Bilbao, Rio de Janeiro, Montpellier, s Vegas e altre città si possono trovare copie della Nike.

Prompt: In Winged Victory of Samothrace, how is the Cultural influence discussed?Please output in Italian.


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Cupressus

- autori della ricerca: dott.ssa Ferrara, dott. Montesano e dott. Benevento - pubblicata su "Cosmetic News" n. 132

Prompt: Explain the External links of this artwork, Cypresses (Metropolitan Museum of Art).Please output in Italian.


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Vergine in trono e santi

Nel 1490-1491 Signorelli, protetto dei Medici, si trovava a Volterra, città sotto il dominio fiorentino al centro di importanti interessi strategici per la vicinanza a Pisa e a Siena. Qui l'artista firmò, oltre alla Vergine in trono e santi, unAnnunciazione, dipingendo anche una pregevole Circoncisione di Cristo.

Prompt: How does Virgin Enthroned with Saints (Signorelli) explain its History?Please output in Italian.


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Headington Shark

LHeadington Shark , ufficialmente chiamato Untitled 1986 e conosciuto anche col nome di Oxford Shark, è una scultura di vetroresina, alta circa 7 metri e mezzo scultura, prodotta dall'inglese John Buckley, vuole costituire un monito sul pericolo costituito dall'energia nucleare e lo fa cercando di esprimere «l'impotenza, la rabbia e la disperazione» ad esso associate;

Prompt: In Headington Shark, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: In the context of The Crucifixion (Cranach), explain the Syria and the Description.Please output in Italian.


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Trittico degli Uffizi

LAdorazione dei Magi è forse l'opera più vivace e variopinta di Mantegna. Il corteo dei Magi arriva da una strada che si inerpica in lontananza, in una strada tortuosa tra speroni di roccia, ed arriva in primo piano verso la grotta della Natività. Qui nell'arco scuro dell'apertura, sta la Vergine col Bambino entro una mandorla di serafini che sottolineano il gruppo sacro, mentre a destra si trova la figura curva e canuta di san Giuseppe. In alto quattro angeli pregano sulla grotta, mentre il bue e l'asinello sono in disparte, a sinistra dell'ingresso. I tre Magi si stanno inginocchiando: Mantegna evita il tradizionale ritmo progressivo che vede un re in piedi, uno nell'atto di piegarsi e uno già inginocchiato in favore di una disposizione più libera. Sapientemente le linee di forza della scena convogliano lo sguardo dello spettatore verso il Bambino, che sta benedicendo Gasparre, colto in un inchino composto e riverente.Il corteo, come frequente in questo tipo di rappresentazione, è animato da un gran numero di personaggi e animali esotici, tra cui si riconoscono turbanti all'orientale, cappelli alla bizantina, personaggi di colore e un arciere mongolo.Al centro si trova una grossa lacuna, già coperta da una grossolana ridipintura eliminata nell'ultimo restauro dell'opera.

Prompt: In Adoration of the Magi (Mantegna), how is the Adoration of the Magi of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Colonna di Cristo

Colonna di Cristo è alta 3,79 metri e ha un diametro di 58 centimetri. Si tratta di una colonna trionfale concepita da Bernoardo come imitazione cosciente della Colonna Traiana e della Colonna di Marco Aurelio a Roma. Così come le due colonne romane raffigurano le gesta militari dell'Imperatore in un fregio a spirale verso l'alto, così la colonna di Bernoardo raffigura le azioni pacifiche di Cristo, che iniziano con il suo battesimo al Giordano e terminano con il suo ingresso trionfale a Gerusalemme. colonna è significativa per la vitalità del rilievo figurale, insolito per l'epoca. Il rilievo completa la porta di Bernoardo, pure in bronzo, arricchita da rilievi che raffigurano la Natività, la Passione e la Risurrezione di Gesù. Entrambe le opere, come il resto del programma artistico e architettonico di Bernoardo, riflettono i suoi sforzi per elevare la sua sede nella posizione di una Roma settentrionale nel contesto di un rinnovato Impero romano cristiano della dinastia ottoniana, oltre che per enfatizzare Cristo come modello di giustizia e regalità divina per i governanti. Per questo motivo viene dato molto spazio all'esecuzione di Giovanni Battista da parte del debole e ingiusto re Erode Antipa.Di seguito, le singole scene bibliche sulla colonna di Bernoardo, dal basso verso l'alto: Il Battesimo di Gesù di Giovanni Battista al Giordano  Tentazione di Cristo   vocazione di Simon Pietro e Andrea ,  chiamata dei soni di Zebedeo   Le nozze di Cana  Gesù purifica un lebbroso  Incerto: Brandt: Confessione di Pietro  Gallistl: Missione dei dodici  Meno probabile: incarico dei Dodici Apostoli   Samaritana al pozzo  L'ammonimento di Giovanni Battista di Erode Antipa ed Erodiade  Arresto di Giovanni Battista   danza di Salomè e la decapitazione di San Giovanni Battista  Gesù guarisce la donna sanguinante e la resurrezione della figlia di Giairo  Guarigione del cieco di Betsaida  Gesù e la donna presi in adulterio  Risurrezione del figlio della vedova di Nain   trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor  Incerto: Brandt: Little Commission  Gallistl: Discorso sulla contaminazione  Parabola del ricco e di zzaro - zzaro alla tavola del ricco  Parabola del ricco e di zzaro - Il ricco all'Inferno e il povero nel seno di Abramo  Gesù e Zaccheo  Maledizione contro il fico  Incerto: Brandt: Guarigione dei due ciechi in Galilea  Gallistl: Guarigione dei malati di Genesaret  Gesù salva l'affondamento Pietro  Incerto: Brandt: L'alimentazione dei 5.000  Gallistl: L'alimentazione dei 4.000  Maria e Marta, le sorelle di zzaro, davanti a Gesù  Resurrezione di zzaro  Unzione di Gesù  L'ingresso trionfale di Gesù a Gerusalemme

Prompt: In Bernward Column, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: Focus on Abraham and Isaac (Titian) and explain the Parallel with Islam.Please output in Italian.


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Consegna della regola francescana

Consegna della regola francescana è un dipinto, tecnica mista su tavola , del pittore napoletano Colantonio, facente un tempo parte di uno smembrato polittico per la chiesa di San Lorenzo Maggiore ed oggi conservato nel Museo nazionale di Capodimonte. L'opera è databile al 1445 circa.

Prompt: How does Delivery of the Franciscan Rule explain its Abstract?Please output in Italian.

1445
Colantonio
Museo nazionale di Capodimonte


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San Sebastiano (Perugino San Paolo)

San Sebastiano conosciuto anco come San Sebastiano alla colonna è un dipinto del pittore Perugino realizzato circa nel 1500-1510 e conservato nel Museo d'arte di San Paolo in Brasile

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St Sebastian (Perugino, São Paulo).Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Al centro dell'immagine si trova Maria, la cui figura è posta in trono.  cornice attuale, rettangolare nella parte inferiore della composizione, posiziona invece nella parte superiore un semicerchio il cui diametro corrisponde approssimativamente alla metà della larghezza del rettangolo sottostante. Il manto della Madonna forma i contorni esterni di una piramide immaginaria. Visivamente, l'immagine è divisa longitudinalmente dalla cintura rossa di Maria. Le tre donne sulla destra occupano poco più di un terzo della composizione, mentre le tre figure maschili sulla sinistra quasi i due terzi dello spazio dell'immagine. I personaggi maschili, inginocchiati, sono sfalsati rispetto al centro del quadro. L'osservatore vede le figure dal davanti, i volti di Meyer e il ragazzo nel profilo di tre quarti, il bambino è dal davanti. Dal lato degli uomini, le figure seguono quasi la diagonale dello schermo. D'altra parte, sul lato più stretto delle donne, la svolta verso il centro è solo accennata dalla figura centrale spostata leggermente a destra. Le tre donne sono tutte e tre di profilo e si presentano come in fila, una a fianco all'altra. Solo Dorothea Kannengießer rivolge parte dello sguardo verso lo spettatore. A causa del vestito bianco di Anna Meyer e dei cappucci bianchi delle due mogli di Meyer, la parte destra del dipinto sembra in generale più luminosa. Su entrambi i lati, tuttavia, la figura più rilevante nella composizione appare anche come la più luminosa, migliorando l'effetto di profondità dell'immagine. Il colore rosso colpisce nella cintura della Vergine, nella calzamaglia rossa portata dal ragazzo e nel rosario di Anna Meyer. Questi oggetti scarlatti descrivono un triangolo che collega entrambi i lati dell'immagine con la figura centrale della Madonna. testa e le braccia della Madonna, che reggono il piccolo Gesù, occupano uno spazio quasi separato al di sopra del ginocchio. Se si completa il semicerchio della conchiglia che si trova dietro la testa di Maria con un cerchio, si crea un medaglione circolare con Maria e il bambino. Il centro di questo cerchio è formato da una singola perla che tiene insieme il delicato indumento della Vergine all'interno di una spilla d'oro.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Composition and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Chimera di Arezzo

https://www.viaggiatricecuriosa.it/2021/01/13/la-chimera-di-arezzo-capolavoro-etrusco/ Restauro alla chimera.Ritocco del modello in cera della replica identica della Chimera Etrusca realizzata dalla

Prompt: Explain the External links of this artwork, Chimera of Arezzo.Please output in Italian.


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: Explain the The popular song about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (Fra Angelico, Madrid), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Annunciazione di Fano

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Annunciation of Fano.Please output in Italian.


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Ritorno dei contadini dai campi

Protagonista del dipinto è il paesaggio, con la scena bucolica che appare come un semplice pretesto alla rappresentazione.  composizione si svolge con un punto di vista alto che permette di godere della veduta a volo d'uccello, su una campagna punteggiata di alberi con un orizzonte che cade più o meno a metà del dipinto. Vari personaggi, in piccola scala, precisano il momento della rappresentazione, secondo lo stile della pittura di genere inaugurata da Pieter Brueghel il Vecchio. Si tratta di una serie di contadini che rientrano dopo il lavoro nei campi, compreso un carro con uomo a cavallo che sembra spingere un gregge di pecore lungo la strada. Tra le due donne che portano le balle di fieno e i montoni è visibile un pentimento d'artista.In tutta probabilità si tratta di un paesaggio ispirato ai dintorni di Malines, interpretato con una visione serena della natura, inondata dalla luce dorata del tramonto. Di ampio respiro è il cielo, solcato da nudi che danno un effetto dinamico, riprendendo le linee diagonali che si osservano anche nella metà inferiore.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Peasants Returning From The Fields.Please output in Italian.


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La Velata

Su uno sfondo scuro una giovane donna è ritratta a mezza figura, voltata di tre quarti verso sinistra. Il titolo tradizionale deriva dal capo velato, che suggerisce un'associazione con la Vergine.  testa ricoperta dal velo era prerogativa delle donne sposate con figli. Il braccio sinistro è appoggiato su un ipotetico parapetto appena sotto il bordo inferiore del dipinto, mettendo ben in evidenza la manica rigonfia, dove la seta crea profonde pieghe e riflessi lucidi di straordinaria qualità, con preziose variazioni di bianco su bianco.Grande cura è riposta anche nella rappresentazione della camicia increspata sul petto, evitando qualsiasi schematismo. Il volto, dalle linee purissime, è incorniciato dalla massa scura dei capelli e dall'ombra del velo, evidenziandosi, con effetti di sfumato derivati dall'esempio di Leonardo. Si noti il cirro negletto  che dalla tempia sinistra si svincola dalla trama ordinata della capigliatura fino a lambire il lobo dell'orecchio.  mano destra è portata al petto, un gesto teatrale che di solito indicava la devozione religiosa. Questa posa molto particolare sembra richiamarsi a quella anticipata da Sebastiano del Piombo nella sua Dorotea I ricami dorati, la collana con smalti figurati, il diadema con pendente di pietre preziose e con una perla sono indizi dell'alto status sociale della donna raffigurata. Il particolare gioiello, "un pendente con un rubino di taglio quadrato e uno zaffiro che termina con una perla, spesso un dono di fidanzamento o di matrimonio" richiama quello del Ritratto di Maddalena Strozzi Doni ed è ripreso nella Fornarina con l'ordine delle pietre invertito.L'impianto compositivo della Velata sarà ripreso nel Ritratto femminile  attribuito a Giuliano Bugiardini del Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona.

Prompt: How does La velata explain its Description?Please output in Italian.

Giuliano Bugiardini
Museo Calouste Gulbenkian
Ritratto di Maddalena Strozzi
Sebastiano del Piombo


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Ritorno all'ovile

Ritorno all'ovile è un dipinto di Carlo Pittara. Il titolo originario era  ritirata.

Prompt: Focus on Return to the Sheepfold and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel Comune di Casteltermini, la prima domenica di settembre culminano i festeggiamenti di Maria SS. della Grazia, al termine di un novenario di funzioni religiose, tra rosari e celebrazioni eucaristiche, che si svolgono nel piazzale antistante la chiesa seicentesca della "Madonna della Grazia", da cui prende il nome, appunto "Grazia", il quartiere circostante. Nella domenica della festa si svolgono due celebrazioni eucaristiche: quella diurna, durante la quale avviene, come da tradizione, la benedizione e distribuzione dei melograni locali; quella serale, al cui termine, accompagnata dalle marce della banda musicale, prende avvio la processione del simulacro di Maria SS. della Grazia, che percorrendo la cd. "sciata di santi" si snoda per le vie principali del paese per poi ritornare nuovamente nel quartiere di provenienza, il cui rientro in chiesa viene sancito da uno spettacolo pirotecnico.

Prompt: Describe the characteristics of the Casteltermini in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Sulla soglia dell'eternità

Nel dipinto possiamo assistere a pennellate dalla grande varietà di colori, prevalgono tonalità sgargianti e accese, ma allo stesso tempo fredde. Si avvertono le sensazioni provate a seguito di un malessere costante, che sembra non finire mai e tormenta implacabile. Le tonalità emanano una percezione di distacco glaciale, come il blu, l'azzurro e il bianco dei vestiti, il giallo della sedia e del pavimento, e il grigio dei capelli.L'opera venne completata all'inizio di maggio, in un momento in cui van Gogh era convalescente da una grave ricaduta del suo stato di salute e circa due mesi prima della sua morte, avvenuta all'età di 37 anni per una ferita da arma da fuoco, molto probabilmente auto-inflitta. litografia, a sua volta, si basava su un disegno a matita, Worn Out, uno di una serie di studi effettuati nel 1882 utilizzando come modello un veterano di guerra, Adrianus Jacobus Zuyderland.

Prompt: In At Eternity's Gate, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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San Sebastiano curato da santa Irene

Il dipinto rappresenta San Sebastiano piegato in due dal dolore mentre la pia vedova Irene e la sua ancella curano le sue ferite. Invece di rappresentare il martirio del santo, ter Brugghen sceglie di mostrare il momento del ritrovamento del morente Sebastiano, che le due donne stanno slegando dall'albero del suo supplizio.  rappresentazione delle due donne che curano il santo era diventata popolare nel XVII secolo e alcuni critici vedono nella scelta del pittore di catturare questo momento invece che quello del martirio come una risposta alla pestilenza che si era abbattuta su Utrecht negli anni 1620: alla sofferenza del santo il pittore preferisce un'immagine più speranzosa di sopravvivenza e guarigione. Alcuni critici vedono un altro riferimento all'epidemia nel colorito di Sebastiano, un pallore che rasenta il verdastro così tipico dei malati di peste.

Prompt: In the context of Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre), explain the Graffiti and the History.Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

L'immersione per osservare la statua è una delle escursioni più famose del litorale ligure, e il Cristo è diventato negli anni il simbolo della passione per la subacquea e il mare. In questo contesto trova importanza l'immersione di Cristina Guidi nel 2017. L'immersione è relativamente semplice e poco profonda, e non richiede particolari accorgimenti se non la presenza degli accompagnatori iscritti alla Regione Liguria, in quanto ci si trova all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino.

Prompt: Explain the Underwater of this artwork, Christ of the Abyss.Please output in Italian.

Area naturale marina protetta Portofino
Liguria
Portofino
Liguria


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Madonna Rucellai

Madonna GualinoMadonna di CrevoleMaestà del Duomo di SienaMaestà del LouvreMaestà di Santa TrinitaMaestà di Ognissanti

Prompt: In Rucellai Madonna, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Madonna Gualino
Madonna di Crevole
Maestà del Duomo di Siena
Maestà del Louvre
Maestà di Ognissanti
Maestà di Santa Trinita


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Filippo Lippi, London).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Arca di san Domenico

Sotto al sarcofago decorato da Nicola Pisano e allievi troviamo la stele di Alfonso Lombardi con l'adorazione dei magi  e scene della vita del santo . Partendo da sinistra abbiamo: Nascita di Domenico. In alto si vede la madre di Domenico assistita da altre donne mentre una nutrice, più in basso, fa il bagnetto al neonato. Domenico fanciullo si sdraia sul pavimento. Si narra che Domenico bambino, per un desiderio innato di austerità, abbia lasciato il comodo letto ed abbia voluto dormire sul pavimento freddo.  scena raffigura proprio il bambino sdraiato ai piedi del letto. Si vede anche un cane  con in bocca una torcia, allusione al sogno della madre di Domenico e riferimento al fatto che il nascituro avrebbe incendiato il mondo con la sua opera. Vendita dei libri. Durante gli studi a Palencia Domenico vendette i suoi costosi libri per assistere alcuni affamati. Nell'occasione disse “non voglio studiare su dei libri in pelle morta mentre degli uomini muoiono di fame”. A sinistra si vede il giovane Domenico che tratta ad un tavolo la vendita dei libri con un mercante. A destra si vede lo stesso Domenico che distribuisce i proventi delle vendite a tre affamati. Nella scena è visibile ancora, in basso a sinistra, il cane con la torcia in bocca. Adorazione dei Magi.  scena dell'epifania raffigurata al centro della stele è insolita in un contesto di narrazione della vita di Domenico. Tuttavia si riferisce all'esortazione di Domenico verso i suoi confratelli a cercare il Cristo con la stessa assiduità e passione dei Re Magi. Morte di Domenico.  scena raffigura la visione di Fra' Guala, priore di Brescia, che vide, nello stesso momento in cui Domenico morì, un'apertura nel cielo attraverso la quale un domenicano era seduto ai piedi di una scala tenuta ai due lati dalla Madonna e da Gesù Cristo. Questi fecero salire la scala sollevando la sedia con il domenicano, finché questo non fu risucchiato da un fascio di luce e da un canto di angeli. Nella scena si vedono una serie di figure inginocchiate o in piedi che scorgono l'ascesa di Domenico.

Prompt: In Arca di San Domenico, how is the Alfonso Lombardi of the History explained?Please output in Italian.

Alfonso Lombardi
Brescia
Cristo
Gesù
Nicola Pisano
Palencia


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La morte di Sardanapalo

morte di Sardanapalo  è un dipinto a olio su tela  del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1827 e conservato nel museo del Louvre a Parigi.

Prompt: Focus on The Death of Sardanapalus and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Explain the The adoration of the shepherds in art of this artwork, Adoration of the Shepherds (Lotto).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma