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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in theology in Annunciation (Artemisia Gentileschi)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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tavole di Pitsà

seconda tavoletta risale allo stesso periodo della prima. Rappresenta tre donne, probabilmente le ninfe stesse, che indossano un chitone e sono avvolte in un himatiòn purpureo. Delle figure sono rimasti solo i corpi e le estremità dei piedi.  tavoletta è stata datata allo stesso periodo della prima.

Prompt: In Pitsa panels, how is the Tablet "B" of the Technique explained?Please output in Italian.


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Romolo e Remo

Come si racconta nell'Eneide, Enea, figlio della dea Venere, fugge da Troia, ormai occupata dagli Achei, con il padre Anchise e il figlioletto Ascanio;In seguito il figlio di Enea, Ascanio, fondò una nuova città di nome Alba Longa sulla quale regnarono i suoi discendenti per numerose generazioni , fino a quando si arrivò al regno di Amulio, che aveva usurpato il trono al fratello Numitore.

Prompt: Describe the characteristics of the From Troy to Alba Longa in Romulus and Remus (Rubens)'s The  legend  in  the  ancient  sources.Please output in Italian.

Achei
Alba Longa
Amulio
Anchise
Ascanio
Enea
Eneide
Numitore
Troia


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Amore e Psiche

Psiche ApuleioL'asino d'oroClive Staples Lewis#Narnia, il mito di Psiche e l'esperienza del dolore A viso scoperto

Prompt: Focus on L'Amour et Psyché, enfants and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Ritratto di donna Franca Florio

Il Ritratto di donna Franca Florio è un dipinto a olio su tela di Giovanni Boldini. Firmato e datato al 1924, fu però realizzato dall'autore nel 1901 e variamente ritoccato fino alla versione definitiva degli anni venti.

Prompt: In Portrait of Donna Franca Florio, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Trionfo della Divina Provvidenza

Gli affreschi vennero realizzati con un numero molto alto di "giornate", come si confà a un'opera di queste dimensioni. Singolare è però la disomogeneità di tali tappe, a volte molto estese, a volte ridottissime. Non si riscontrano particolari correzioni effettuate sul ciclo, o comunque grossi rifacimenti. Oltre al movimento interno delle figure, presente già ad esempio in opere manieriste , la posizione dell'affresco su un soffitto, calibrata da un'eccellente padronanza della prospettiva del "sott'in su", genera anche l'effetto sospeso, come se le figure stessero per cadere sullo spettatore, con una duplice sensazione di spinta verso l'alto e verso il basso. Eventuali correzioni, probabilmente dopo una verifica dal basso degli scorci, si effettuavano quindi con la concreta demolizione della porzione di intonaco interessata.Pietro da Cortona, predisponendo l'enorme affresco della volta, seppe raccogliere una serie di fermenti culturali che avevano animato la scena artistica romana tra la fine del Cinquecento e l'inizio del nuovo secolo: spunti da Annibale Carracci , da cui riprende la cornice marmorea affrescata che scandisce le singole scene, seppur, a differenza dell'opera del palazzo in campo de' Fiori, qui le singole storie dialogano tra loro formando un unico ciclo narrativo, da Rubens , da Guercino  e da Giovanni nfranco , da cui si riprende la sfondatura della volta celeste, oltre al dinamismo spregiudicato delle sculture di Bernini.

Prompt: In Allegory of Divine Providence and Barberini Power, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Annibale Carracci
Carracci
Guercino
Pietro da Cortona


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Apocalisse

A causa delle «speranze deluse per la misteriosa scomparsa di Zorobabele» e per «la comunità creata da Esdra e Neemia», «la profezia era caduta in discredito […] per il senso di frustrazione ingeneratosi negli animi in seguito a promesse inadempiute. […] Si era già imboccata la strada dell'apocalittica». Questo transito è presente nello stesso Libro di Zaccaria, dove fra il Primo e il Secondo Zaccaria si passa dai «riferimenti a Zorobabele e Giosuè» e «da un apprezzamento del profetismo in Aggeo e Zaccaria, animatori della ricostruzione , al disprezzo di ogni velleità di fare il profeta »: «l'escatologia del Secondo Zaccaria ha la forma di apocalittica, e della più pura.» Con il fallimento delle «speranze legate […] da Aggeo e Zaccaria al davidide Zorobabele, il messianismo regale subì un'eclisse.» « tonalità cambia» e nascono le «caratteristiche che annunziano la letteratura apocalittica.» letteratura apocalittica è di considerevole importanza nella storia della tradizione giudaica, cristiana e islamica, dal momento che concetti come la risurrezione dai morti, il giorno del giudizio, il paradiso e l'inferno trovano un esplicito riferimento in essa. Le credenze apocalittiche sono datate da prima del Cristianesimo, appaiono in altre religioni, e sono state assorbite nella società contemporanea secolare, specie attraverso la cultura.Secondo l'esegeta francese Paul Beauchamp "la letteratura apocalittica nasce per aiutare a sopportare l'insopportabile". Nasce cioè in momenti di estrema crisi per portare un messaggio di speranza: anche se il male sembra prevalere, bisogna aver fiducia nella vittoria finale del Bene.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the From  prophecy  to  apocalyptic  literature of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Aggeo
Cristianesimo
Libro di Zaccaria
Neemia
Zorobabele


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Bagnanti ad Asnières

Il dipinto, inviato al Salon del 1884 e rifiutato dalla giuria, fu presentato per la prima volta al pubblico in occasione del Salon des Artistes Indépendants, presso il quale fu esposto sotto il numero di catalogo 261. I critici si divisero letteralmente in due. Paul Alexis fu categorico nel sentenziare che si trattava di un «falso Puvis de Chavannes. Che bagnanti divertenti! Eppure, quest'opera è stata eseguita con un ardore quasi commovente, e preferirei non scherzarci sopra». Ne L’Intransigeant Edmond Bazire si espresse in toni abbastanza favorevoli: «dietro il prisma delle eccentricità Seurat cela un eccezionale talento grafico, e avviluppa i suoi bagnanti, le sue increspature fluviali, i suoi orizzonti in toni squisitamente caldi». Anche Jules Claretie e Roger Marx scrissero che si trattava di un dipinto «impressionista» assolutamente degno di nota. Paul Signac, altro pioniere del Neoimpressionismo, affermò che il dipinto era stato realizzato...:</ref>}}Meno lusinghiero fu il giudizio di un commentatore anonimo del The Sun che si espresse in questi termini: «Il grande maestro - ma solo secondo il suo punto di vista! - è certamente Seurat, autore di quella mostruosa immagine dei Bagnanti che campeggia trionfalmente nella Galleria Durand-Ruel. È questo il frutto di una mente volgare, rude, ordinaria [...] È un fiasco sotto ogni punto di vista». In effetti, le critiche che diluviarono su quest'opera, certamente molto innovativa per i suoi tempi, furono innumerevoli. Nonostante ciò, con il passare degli anni il dipinto arrivò a conquistarsi gradualmente il rispetto dei critici. Inizialmente custodito dalla famiglia Seurat, nel 1900 l'opera fu acquistata da Félix Fénéon, uomo che nel 1884 «aveva immediatamente percepito l'importanza dei Bagnanti ad Asnières» - per poi passare nelle collezioni nazionali britanniche nel 1924 grazie al contribuito del Courtauld Fund. Dalla Tate Gallery l'opera fu spostata nel 1961 presso la National Gallery di Londra, dove essa ha trovato la sua collocazione definitiva.

Prompt: In Bathers at Asnières, how is the Critical fortune of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1884
Jules Claretie
Londra
Neoimpressionismo
Paul Alexis
Paul Signac
Tate


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Epifania

Nel 1662 il compositore tedesco Georg Weissel pubblicò per la prima volta l'inno Nun liebe Seel, nun ist es Zeit.Nel 1860 William Chatterton Dix scrisse As with gladness, men of old, legato a varie leggende relative al resoconto dei Magi; intorno al 1857 il reverendo John Henry Hopkins Jr., all'epoca diacono ordinato della Chiesa Episcopale, diede alle stampe l'inno We Three Kings of Orient Are, dedicato agli studenti del Seminario Teologico Generale di New York di cui era il direttore musicale.Un altro inno popolare, meno noto come canto natalizio, è Songs of thankfulness and praise, con parole di Christopher Wordsworth e normalmente suonato sulla melodia "St. Edmund" di Charles Steggall.

Prompt: Describe the characteristics of the Christmas carols in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

As with gladness, men of old
Charles Steggall
Christopher Wordsworth
John Henry Hopkins Jr.
We Three Kings of Orient Are
William Chatterton Dix


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Madonna delle Grazie

Il Santuario mariano di Ardesio fu edificato sul luogo dove la tradizione narra l'apparizione di Maria a due sorelle, Maria e Caterina Salera, il 23 giugno del 1607. L'anno successivo ebbe inizio la costruzione del Santuario, mentre il campanile in marmo grigio di Ardesio venne costruito nel 1645. Il pulpito e l'altare maggiore son opera fantoniana mentre l'organo è opera di Giovanni Rogantino da Morbegno.Nella cripta posta sotto l'altare maggiore vengono conservati gli ex voto, ancora oggi donati dai fedeli per grazia ricevuta.

Prompt: Explain the Ardesio about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Pala di Fiesole

Lo schema del dipinto ricorda il Trittico di San Giovenale di Masaccio , con il trono posto su un gradino davanti al quale stanno due angeli inginocchiati, raffigurati quasi a profil perdu. Lo schema degli angeli ricorda da vicino anche il cartone per la vetrata con lAssunzione della Vergine di Lorenzo Ghiberti nella facciata Duomo di Firenze .Si tratta inoltre di uno dei più antichi esempi conosciuti di polittico dove le figure sono disposte in un unico piano, senza ricorrere a scomparti.Di solito la pala viene collocata prima del Trittico di san Pietro Martire , almeno di due tre anni, per la rappresentazione dello spazio meno evoluta: il pavimento a piastrelle si trova in altri dipinti fiorentini coevi, come il trittico di anonimo fiorentino del 1419  e una pala d'altare dello stesso artista con San Gimignano in trono . Inoltre la disposizione dei santi è più semplice, con un allineamento in fila, invece di un emiciclo suggerito. testa della Vergine è più sottile ed elegante, con un movimento delle linee del manto più energico, legato quindi alla tradizione del gotico internazionale, come la Madonna col Bambino di Masolino nel Trittico Carnesecchi . L'opera di Beato Angelico è comunque molto più composta e controllata di quella di Masolino.L'impostazione del bambino con le gote gonfie tradisce un'ispirazione dal polittico Quaratesi di Gentile da Fabriano.I santi invece, con la loro veduta frontale e la ricerca di una dignità morale individuale, mostrano invece un'influenza di Masaccio.

Prompt: Focus on Fiesole Altarpiece and explain the Style.Please output in Italian.

1419
Beato Angelico
Gentile da Fabriano
Lorenzo Ghiberti
Masaccio
San Gimignano
Trittico Carnesecchi
Trittico di San Giovenale


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Apocalisse

L'uso trova la sua origine nel titolo dato al Libro dellApocalisse di Giovanni , nel Nuovo Testamento; il titolo proviene dalle parole di apertura del libro apōkalýpsis Iesōû kristōû  in cui il termine "rivelazione" è usato solo per descrivere i contenuti del libro stesso, e non come designazione letteraria. Il nome Apocalisse venne poi attribuito a ulteriori scritture dello stesso genere, molte delle quali apparvero in quel periodo.A partire dal II secolo il nome venne usato per diversi libri, sia cristiani che ebraici, che mostrano gli stessi tratti caratteristici. Oltre all'Apocalisse di Giovanni , il Canone muratoriano, Clemente di Alessandria ed altri menzionano una Apocalisse di Pietro. Vengono inoltre ricordate apocalissi di Adamo e di Abramo nonché di Elia. L'uso del termine greco per definire opere appartenenti ad una determinata classe letteraria è quindi di origine cristiana, derivato dalla rivelazione del Nuovo Testamento.Nel linguaggio comune il termine ha perso il significato originario di "rivelazione" e, fuori dell'ambiente religioso, è passato a indicare qualsiasi evento di grande calamità ovvero un succedersi di eventi disastrosi.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Use the term of the Representations of the Apocalypse explained?Please output in Italian.

Abramo
Adamo
Apocalisse di Giovanni
Canone muratoriano
II secolo
Nuovo Testamento


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Ritratto di Andrea Odoni

Il Ritratto di Andrea Odoni è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, datato 1527 e conservato nella Royal Collection di Buckingham Palace. È firmato "urentius Lotus / 1527".

Prompt: Focus on Portrait of Andrea Odoni and explain the Abstract.Please output in Italian.

1527
Andrea Odoni
Buckingham Palace
Lorenzo Lotto
Royal Collection


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Les demoiselles d'Avignon

Il dipinto raffigura cinque prostitute in una casa di tolleranza situata nel Carrer d'Avinyó  a Barcellona, che Picasso frequentava. Picasso dipinse ciascun personaggio rappresentandolo simultaneamente da punti di vista differenti, privando la composizione di una veduta unitaria e cercando di riprodurre a livello bidimensionale una visione multipla degli individui e degli oggetti raffigurati. Infatti le cinque figure femminili sono liberamente disposte in uno spazio in cui gli essenziali volumi e i piani vengono incastrati uno nell'altro, scomposti in facce e ricomposti in modo bidimensionale sulla tela, creando così varie soluzioni spaziali. Picasso in questo momento comincia a concepire lo spazio in modo non più visivo, ma mentale, dando così inizio al processo di avviamento che di lì a poco condusse alla nascita dell'innovativa sintassi cubista, che avrebbe stravolto i canoni della tradizionale impostazione pittorica. L'artista attua una schematizzazione geometrica delle forme, definite da contorni spigolosi, con volti stilizzati, innaturali e sfigurati, corpi taglienti e lineamenti acuminati e asimmetrici. Si tratta di una composizione con personaggi contorti e scomposti, in cui i piani e gli oggetti sembrano ribaltarsi verso gli spettatori. In questa tela non vi è sfondo né illusione spaziale, alcune linee chiare e scure segnano i contorni di queste forme essenziali mediante uno stile sintetico.  stessa semplificazione è applicata anche per il tavolino in basso con sopra una natura morta di frutta e un tovagliolo. Picasso nella rappresentazione della scena rinuncia alla componente narrativa, infatti tranne il tavolino con natura morta in basso e la tenda rosa a sinistra, tutta l'attenzione è concentrata sui nudi femminili.Le ragazze sembrano essere inserite all'interno di una scena teatrale, per via della tenda-sipario sulla sinistra, rappresentate così come si pongono dinanzi ai clienti prima di essere scelte. Le fonti figurative che dimostrarono l'interesse dell'artista per il primitivismo nell'arte furono numerose: la ragazza sulla sinistra che scosta la tenda rosa ricorda le sculture primitiviste di Gauguin per il suo profilo esotico con l'occhio frontale e l'arte egizia per il suo profilo duro, le due al centro con i volti asimmetrici suggeriscono un riferimento all'arte iberica preromana, agli affreschi medievali della Catalogna, mentre la figura in alto a destra e quella in basso accovacciata, che nonostante sia posta di schiena volge lo sguardo in avanti, sono un chiaro rimando allo stile delle maschere tradizionali africane. Nel quadro si può notare, infatti, la conoscenza, la rivalutazione e l'influenza della cosiddetta "arte negra" da parte di Picasso, di moda in quegli anni a Parigi, e contraddistinta da un forte linguaggio espressivo conferito soprattutto dalla sintesi visiva tra le diverse parti della figura e con forme geometriche elementari estranee ai modelli classici.  semplificazione e la squadratura dei volumi rappresentano la sintesi formale della scultura africana. Lo spazio, attraverso il superamento della prospettiva classica, si solidifica annullando la differenza tra pieni e vuoti, tra personaggi e spazio, tramite la compenetrazione di figure e sfondo.  gamma cromatica si basa fondamentalmente su una tricromia, visto che i colori essendo variazioni degli ocra, dei rosa e dei blu, sono ridotti a tre. Il colore non è modulato da alcuna incidenza luminosa, ma nella stesura segue l'inclinazione dei piani.

Prompt: Focus on Les Demoiselles d'Avignon and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna della Seggiola

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Madonna della Seggiola and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Questo dipinto riprende lo schema descrittivo de Il giuramento degli Orazi di Jacques Louis David del 1784, conservato al Louvre. scena si ambienta in una moschea, di cui si vede il cortile ed il minareto. In secondo piano, si vedono le mura della città tra le quali si trova una breccia sulla quale si trova una bandiera francese e una colonna di fumo di un incendio, simboli della recente conquista della città da parte dei francesi. parte sinistra, dominata da un arco a ferro di cavallo tipico dell'architettura araba, un uomo vestito all'orientale distribuisce del pane, aiutato da un servitore che porta un paniere. In secondo piano due persone di colore col fez trasportano una barella con un morto. Davanti, si trova la figura di un uomo seduto, pensieroso, ripreso chiaramente dal Giudizio universale di Michelangelo.A destra, sotto due arcate a sesto acuto, Napoleone tocca il bubbone di un malato sotto la sua ascella. In primo piano, un medico arabo cerca di guarire un altro malato.  parte bassa del dipinto è occupata da due uomini sdraiati.  luce del dipinto ed i colori sono pensati per mettere al centro della composizione Napoleone ed il suo gesto. struttura della composizione è ripartita su due gruppi con l'uso della luce e dell'ombra. Bonaparte si trova al centro della composizione, all'intersezione delle linee dominanti. È accompagnato da un generale e dal medico al seguito dell'armata francese, Desgenettes. Per quanto riguarda il gruppo, possiamo dire che gli appestati presentano dei corpi tipici del nudo accademico, mischiato alla bellezza idealizzata dei muscoli, tipica delle sculture antiche.Nel secondo gruppo domina l'oscurità. Le figure presenti sono tristi e abbattute: è visibile un gruppo di arabi e di soldati a sinistra, appena dietro il generale. Tra i morenti vi sono diversi stadi della peste, dagli ammalati ai cadaveri. Gros ci presenta anche l'immagine di un medico turco che preleva del liquido derivato da un bubbone. Questa rappresentazione è realistica, dal momento che all'epoca il solo modo per contrastare la peste era il vaccino che consisteva nel prelevare il pus di un malato ed introdurvi del sangue di una persona non malata.  questione del vaccino è dibattuta in quanto una persona su trecento poteva anche morire per la somministrazione di questo vaccino.Il luogo dove si trovano tutte le figure è una moschea trasformata in lazzaretto. Vi si possono notare dei motivi decorativi orientaleggianti. Sul fondo si trova la cittadella, con la bandiera francese in cima, ed un porto.

Prompt: Explain the Composition of the painting of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Boulevard des Capucines

N. 1: Il Café napolitain, celebre per gli scrittori, giornalisti e attori che lo frequentarono: Catulle Mendès, Jean Moréas, Paul Armand Silvestre, urent Tailhade… N. 2: ubicazione dell'antico "palazzo Montmorency", che fece posto al théâtre du Vaudeville nel 1869, poi al cinema Paramount Opéra nel 1927.  sua grande sala corrisponde alla fondazione del grande salone del palazzo del XVIII secolo, la cui facciata  rotonda è stata conservata. N. 5: ubicazione del laboratorio fotografico di Pierre-Louis Pierson, associato poi ai fratelli Mayer, che fu il fotografo accreditato dalla contessa di Castiglione. N. 7: ubicazione nel 1825 del Géorama oe si vedeva « l'intero globo terrestre» dall'interno d'una sfera di 14 metri di diametro. N. 8: l'antica sede parigina della Gresham Life Assurance Limited. Più tardi Offenbach vi abitò dal 1876 e vi morì nel 1880. N. 11: ubicazione del laboratorio fotografico di Adrien Tournachon, aperto nel 1853. N. 12: le Grand-Hôtel. N. 14: l'hôtel Scribe e ubicazione del Grand Café ove avevano luogo, nel Salone indiano del seminterrato, le prime proiezioni pubbliche a pagamento del cinema d'Auguste e Louis Lumière, il 28 dicembre 1895. Vi si sperimentarono i raggi X, scoperti dal dottor Wilhelm Conrad Röntgen. dal N. 16 al N. 22, ubicazione della sede de L'Événement, giornale fondato da Victor Hugo. N. 24: dal 1905 al 1956, luogo d'abitazione di Mistinguett. N. 25: antica ubicazione del Museo Cognacq-Jay, installato nel 1931. N. 27: antico Samaritaine de luxe, le cui facciate e tetti, scale interne con la rampa  e ascensori sono classificate ad opera del maestro dellArt Nouveau, Frantz Jourdain. N. 28: ubicazione nel 1889 delle montagne russe, rimpiazzate nel 1893 dalla sala di spettacoli de l'Olympia, celebre music-hall fondato nel 1888 da Joseph Oller e riacquistata nel 1952 da Bruno Coquatrix. N. 35: laboratorio di Gustave Le Gray e casa abitata da Nadar. Nell'aprile 1874, un gruppo di giovani pittori fra i quali Renoir, Manet, Pissarro e Claude Monet vi fecero la prima esposizione delle loro tele. Quella di Claude Monet, Impression, soleil levant, dette a questi espositori il nome d'impressionisti.  via ispirò a Monet anche l'opera Il carnevale al boulevard des Capucines. Nel 1874 ospitò l'esposizione di fotosculture Pompéi à Paris.. dal N. 37 al N. 43, antica ubicazione del palazzo destinato al Ministero degli Affari esteri di Francia dal 1820 al 1853. Il 23 febbraio 1848 un battaglione del 14º reggimento di fanteria sbarrò il boulevard per proteggere il capo del governo François Guizot. Verso le ore 21 alcuni manifestanti tentarono di rompere lo sbarramento. Le truppe fecero fuoco provocando 35 morti e 50 feriti.  folla caricò i cadaveri su una carretta e chiamò Parigi alle armi. Fu l'inizio della Rivoluzione francese del 1848, che mise fine al regno di Luigi Filippo il giorno successivo.

Prompt: How does Boulevard des Capucines (Monet) explain its Places  of  particular  interest?Please output in Italian.


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Statua di Leopoldo II

Statua di Leopoldo II  è una scultura che ritrae il re dei Belgi Leopoldo II e che, fino al 2020, si trovava ad Ekeren, un distretto di Anversa.  statua venne ideata dallo scultore belga Joseph Ducaju, fu scolpita nell'arenaria di Bad Bentheim e fu innalzata nel 1873, otto anni dopo l'inizio del regno di Leopoldo, come prima statua a commemorarlo come re.  statua ritrae il re Leopoldo II in piedi, con indosso la sua uniforme militare. Nella mano sinistra egli tiene un elmo, mentre nella destra impugna un cartiglio. Dopo i danni subiti durante le proteste per George Floyd, la statua fu spostata nel deposito del museo di scultura a cielo aperto di Middelheim il 9 giugno del 2020.

Prompt: Focus on Statue of Leopold II of Belgium, Ekeren and explain the Abstract.Please output in Italian.

Anversa
Bad Bentheim
Ekeren
Joseph Ducaju


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Sacra Famiglia

Sacra Famiglia ha avuto un posto importante nell'arte e in particolare nell'arte pittorica. Molti pittori medioevali, rinascimentali e altri fino ad arrivare ai nostri tempi si sono ispirati alla Sacra Famiglia per realizzare i loro capolavori.Elenco parziale di opere che hanno come soggetto la Sacra Famiglia: Sacra Famiglia Canigiani  Sacra Famiglia  Sacra famiglia , conservata al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo Sacra famiglia con palma  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia con angeli  Sacra famiglia con San Giovanni Battista  Sacra Famiglia e famiglia del Battista  Sacra Famiglia  Sacra famiglia  Sacra Famiglia  Sacra Famiglia   Sacra Famiglia venerata dal Luogotenente e dai Deputati di Antonio Carneo  Sacra Famiglia di Michelangelo Anselmi  Sacra Famiglia di Pomponio Amalteo  Sacra Famiglia del Maestro del 1499  Sagrada Familia di Antoni Gaudí

Prompt: Describe the characteristics of the In art in Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antoni Gaudí
Antonio Carneo
Giovanni Battista
Maestro del 1499
Michelangelo Anselmi
Ermitage
Pomponio Amalteo
Sacra Famiglia Canigiani
Sacra Famiglia e famiglia del Battista
San Pietroburgo


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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L'esecuzione del maresciallo Ney

caricatura realizzata da Henri Oulevay che si riferisce alla controversia causata dal dipinto.Il dipinto venne presentato al Salon di Parigi del 1868. Anche se erano passati poco più di cinquant'anni dalla morte del maresciallo Ney, la raffigurazione della sua esecuzione causò alcune controversie, a tal punto che i discendenti di Ney chiesero la rimozione dell'opera. Gérôme, alla fine, decise di non rimuovere la propria opera dal Salon.Le reazioni dei critici furono varie, anche se molti critici d'arte del Salon si schierarono contro Gérôme. Molti accusarono l'artista di fare uso di tecniche letterarie, di commercializzare l'arte e portare le questioni politiche nell'arte.Henri Oulevay realizzò una caricatura nella quale Gérôme viene raffigurato di fronte al muro mentre al posto del plotone d'esecuzione sono presenti dei critici d'arte che si allontanano . Sul muro è presente la scritta "Vive Manet" , poiché Édouard Manet in precedenza aveva realizzato una serie di dipinti intitolata L'esecuzione dell'imperatore Massimiliano, che raffigurava la morte per esecuzione dell'imperatore Massimiliano I del Messico, avvenuta nel 1867.Il quadro è di proprietà del Sheffield Galleries and Museums Trust dal 1931.

Prompt: In The Execution of Marshal Ney, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Scena invernale con pattinatori vicino a un castello è un dipinto di Hendrick Avercamp. Eseguito verso il 1608-09, è conservato alla National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on A Winter Scene with Skaters near a Castle and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Gioele

Yoel Colomé, calciatore cubanoYoel Kahn, rabbino, mistico e scrittore russoYoel Rodríguez Oterino, calciatore spagnoloYoel Romero, atleta e lottatore cubano

Prompt: In Prophet Joel (Michelangelo), how is the Variant Yoel of the People explained?Please output in Italian.

Yoel Colomé
Yoel Kahn
Yoel Rodríguez
Yoel Romero


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La famiglia di Carlo IV

famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela , realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Prompt: How does Charles IV of Spain and His Family explain its Abstract?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nei ghetti in cui la popolazione ebraica fu progressivamente confinata dai nazisti dopo l'inizio della seconda guerra mondiale, i bambini  furono i primi a soccombere, a causa della fame, delle malattie e delle durissime condizioni di vita. Le immagini giunteci dai ghetti della Polonia ci mostrano le strade piene di bambini denutriti, malati o morenti, una realtà che i Diari dell'Olocausto scritti da bambini nei ghetti esprimono in maniera drammatica. Fino all'ultimo i genitori e gli educatori cercarono di garantire ai bambini un'apparenza di normalità, attraverso l'organizzazione di attività scolastiche, culturali e ricreative. Ogni tentativo da parte delle autorità ebraiche di autogoverno, di organizzazioni politiche e filantropiche e di singoli individui fu però presto sopraffatto di fronte alle tragiche dimensioni dei problemi e alla mancanza di cibo e di risorse. E quando cominciarono le deportazioni i bambini furono i primi a partire per i campi di sterminio, a cominciare dai numerosi bambini ospitati negli orfanotrofi. Nel ghetto di Lublino essi furono uccisi a colpi di mitragliatrice e sepolti in una fossa comune già nell'aprile 1942. Anche i bambini dell'orfanotrofio di Varsavia furono nell'agosto 1942 tra le prime vittime della liquidazione del ghetto con uno speciale trasporto al Treblinka; il direttore, il famoso pedagogo Janusz Korczak non volle abbandonarli e condivise con loro lo stesso destino di morte. Lo stesso destino fu riservato agli orfani del ghetto di Cracovia inviati il 28 ottobre 1942 a morire al campo di sterminio di Bełżec. Presto non si fece alcuna differenza tra orfani o meno. Emblematico fra tutti è il caso del ghetto di Łódź dove nel settembre 1942 la  sopravvivenza degli adulti fu garantita a condizione del sacrificio di tutti i bambini di età inferiore ai 10 anni e degli anziani.Anche per i bambini che in qualche modo riuscissero almeno temporaneamente a sfuggire ai rastrellamenti e alle deportazioni, ciò significava il più delle volte trovarsi in una condizione disperata, abbandonati a se stessi, senza più il supporto di familiari o amici. Sono i sentimenti che il quattordicenne Abram Bajler esprime in una cartolina postale che il 24 aprile 1942 riesce ad inviare dal ghetto di Zamość rispondendo a chi gli chiedeva notizie di un suo zio.:Zamość, 24 aprile 1942. Mio zio non è più a Zamość. Sono già passate due settimane da quando ha lasciato la città insieme al resto della nostra famiglia. Per ora non sappiamo dove siano. Sono stato lasciato con mio fratello minore perché all'epoca eravamo al lavoro. Provate a immaginare la nostra situazione con me stesso, un ragazzo di 14 anni lasciato solo senza cure o supervisione, e reso responsabile del benessere del mio fratellino; ma in qualche modo ci riusciamo, perché non abbiamo scelta. Dobbiamo accettare ciò che ci viene dato.L'accanimento dei nazisti contro i bambini non si allentò neppure quando fu chiaro che la guerra era perduta. A Theresienstadt , il "ghetto modello" a lungo usato dai nazisti a scopo propagandistico, per qualche tempo i bambini poterono godere di condizioni di vita migliori. Fu tollerato che essi frequentassero programmi scolastici, dove i loro insegnanti  li incoraggiarono a praticare le arti e la musica. Nel 1943-44 Friedl Dicker-Brandeis diresse un programma d'arte per bambini, i cui oltre 4000 disegni sono oggi esposti all'ammirazione dei visitatori alla Sinagoga Pinkas nel Quartiere-Museo ebraico di Praga. Il 23 settembre 1943 i bambini di Terezín misero in scena l'opera Brundibar di Hans Krása, di cui fu protagonista il tredicenne Honza Treichlinger; nei mesi successivi l'opera conobbe un totale di ben 55 repliche. A 14 anni Petr Ginz fondò e diresse dal 1942 al 1944 una rivista autogestita per bambini, Vadem, che è una delle più straordinarie produzioni letterarie di Terezín.  percentuale di mortalità tra i 15.000 bambini di Terezín non fu inferiore che altrove: ben oltre il 90% di essi sotto i 16 anni perì nell'Olocausto, inclusi la maggior parte degli autori dei disegni, degli interpreti dell'opera Brundibar e dei lettori e collaboratori di Vadem. Essi continuarono ad affollare gli ultimi treni della morte in partenza per Auschwitz nel settembre-ottobre 1944.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Life death spaghetti of the Victims survivors explained?Please output in Italian.

Brundibar
Cracovia
Diari dell'Olocausto
Friedl Dicker-Brandeis
Hans Krása
Honza Treichlinger
Janusz Korczak
Olocausto


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Hidden  children  in  clandestinity and the Losterminio.Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Messa di Bolsena

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: How does The Mass at Bolsena explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Giuseppe e la moglie di Putifarre

Richard Strauss compose tra il 1912 e il 1914 la musica di un balletto in un atto,  leggenda di Giuseppe , ispirato dalla storia di Giuseppe e della moglie di Putifarre, su un libretto di  Hofmannsthal e Harry Kessler. Destinata ai balletti russi di Serge de Diaghilev, l'opera venne messa in scena all'Opéra di Parigi il 14 maggio 1914 con Léonide Massine nel ruolo del protagonista, e non Nižinskij, già impegnato con Diaghilev.

Prompt: Describe the characteristics of the Music in Joseph and Potiphar's Wife (Finoglia)'s Interpretations.Please output in Italian.


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Pietà per Vittoria Colonna

Michelangelo conobbe Vittoria Colonna verso il 1538, stringendo con lei una vivissima amicizia e introducendosi nei suoi circoli, in cui erano familiari i temi di riforma della Chiesa. Per lei dipinse, nel quinto decennio del XVI secolo, alcuni dipinti, oggi tutti perduti o comunque di attribuzione estremamente controversa, di cui però restano disegni preparatori e copie di allievi e estimatori di Michelangelo.Oltre a una celebre Crocifissione, l'opera più nota per Vittoria Colonna è una Pietà, della quale resta un pregevole disegno a Boston. Non è chiaro se quest'opera venne effettivamente dipinta o meno dall'artista, ma è descritta da Ascanio Condivi. Sicuramente ne esistono alcune copie di allievi non particolarmente dotati, a Firenze e a Roma, oltre a una rielaborazione di Ludovico Buti.Nel 2007 il restauratore e storico dell'arte Antonio Forcellino ha reso noto di aver scoperto un'altra versione del dipinto in un'abitazione privata presso Buffalo, negli Stati Uniti, che egli ha attribuito come l'originale perduto di Michelangelo, ricostruendone la storia di come sarebbe arrivato nella collocazione attuale. In realtà la qualità oggettiva del dipinto è evidentemente bassa e la sua proposta non ha riscosso seguito.

Prompt: How does Pietà for Vittoria Colonna explain its History?Please output in Italian.

1538
2007
Antonio Forcellino
Ascanio Condivi
Boston
Buffalo
Firenze
Ludovico Buti
Roma
Vittoria Colonna


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Jean-Philippe Postel, Il mistero Arnolfini. Indagine su un dipinto di Van Eyck, Ginevra-Milano, Skira, 2017.

Prompt: Focus on Arnolfini Portrait and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Michele e il drago

L'opera si trova citata per la prima volta in un sonetto del Lomazzo assieme al San Giorgio e il drago nello stesso museo, il che ha fatto pensare che le due opere formassero una sorta di dittico, anche per le analogie nelle misure e nel soggetto. Sempre secondo il Lomazzo l'opera era stata ceduta da un milanese ad Ascanio Sforza, conte di Piacenza. Passata in seguito nelle collezioni del cardinale Mazzarino, finì nelle raccolte reali di Luigi XIV, che sono poi confluite nel Louvre. data è stata piuttosto dibattuta tra gli studiosi, con oscillazioni tra il 1500 e il 1505. Quest'ultima data, già avanzata da Brizio e Camesasca, legherebbe l'opera ai lavori fatti per i duchi di Urbino in quell'anno, in particolare per Guidobaldo da Montefeltro e i suoi cortigiani, venendo confermata anche da dati stilistici, come il gusto fiammingo nei paesaggi e nel mostro, che ricorda Bosch.

Prompt: In Saint Michael (Raphael), how is the History discussed?Please output in Italian.

1505
Guidobaldo da Montefeltro
Piacenza
Urbino


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Pietà Donà dalle Rose

Rimane oscura l'origine e la commissione dell'opera, come spesso accade per quelle dalle dimensioni ridotte e quindi destinate alla devozione privata. Gli edifici rappresentati nel paesaggio fanno supporre una committenza vicentina, già sottolineata da Arslan  a cui Dal Pozzolo  ha aggiunto il suggerimento che si possa identificare nella persona del ricchissimo cardinale e vescovo di Vicenza Giovanni Battista Zen. Un po' più documentati sono i passaggi di proprietà. Infatti l'opera è forse identificabile con una del medesimo soggetto e autore nella collezione veneziana di Marcantonio Michiel già agli inizi del Cinquecento. Sicuramente era poi di proprietà dei Michiel quando nel 1832 passò per via ereditaria, assieme palazzo Michiel dalle colonne, a Leopardo Martinengo che nel 1866 commissionò un primo infelice restauro. Poi nel 1884, sempre per via ereditaria, entrò nella grande collezione dei Donà delle Rose e nel 1933 da questa venne ceduta alle Gallerie dell'Accademia.leftGino Fogolari, nel 1934, al momento dell'acquisto da parte delle Gallerie dell'Accademia della collezione Donà dalle Rose rilevò le condizioni critiche del dipinto: numerosi sollevamenti della pellicola pittorica e le numerose ridipinture e puliture che offuscavano il volto della Madre. Inviata ai laboratori degli Uffizi per essere restaurata da Augusto Vermehren sotto il controllo di Carlo Gamba, venne quasi immediatamente ritirata dalle gallerie veneziane poco propense al trasporto su tela ipotizzato a Firenze.  tavola venne inviata a Brera nel febbraio 1935 per essere restaurata da Mauro Pellicciolii, convinto assertore della inopportunità dell'azione distruttiva del trasporto. Questi agiva sotto la direzione di Ettore Modigliani cui poi subentrò Antonio Morassi. A Milano il dipinto venne consolidato e leggermente risarcito di alcune carenze ma ritoccato "pittoricamente" nel volto della Madonna e in alcuni punti del fogliame.Durante una nuova campagna di restauro nel 1996 la tavola risultava assottigliata e fissata con un telaio di rinforzo ad alcuni ponticelli che la rendevano rigidamente inerte alle variazioni di umidità, una condizione che provocava sollevamenti e distacchi del colore. Fu così deciso di rimuovere il vecchio telaio per consentire al supporto ligneo di "respirare" e rimosse le verniciature ingiallite rivelando una inaspettata brillantezza dei colori originali e rimossi i ritocchi più recenti.

Prompt: How does Martinengo Pietà explain its History?Please output in Italian.

Antonio Morassi
Carlo Gamba
Ettore Modigliani
Gallerie dell'Accademia
Gino Fogolari
Leopardo Martinengo
Marcantonio Michiel
Vicenza


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Sacra Famiglia

Sacra Famiglia è anche il nome di una miniserie televisiva in due puntate diretta da Raffaele Mertes e trasmessa da Mediaset nel 2006.

Prompt: How does Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz) explain its Television?Please output in Italian.


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Visitazione con sant'Anna

Il dipinto mostra la Visitazione, cioè l'incontro tra Maria e sant'Elisabetta, in cui quest'ultima pronunciò la famosa invocazione dell'Ave Maria. A sinistra assiste alla scena in primo piano sant'Anna, individuabile dal nome impresso a lettere dorate sull'aureola.  scena è ambientata in un paesaggio lacustre che schiarisce dolcemente verso l'orizzonte, dove avvengono due scene secondarie già menzionate: san Francesco d'Assisi che, affiancato dal fedele fra Leone, riceve le stimmate da un'apparizione celeste di Gesù, e il giovane Giovanni Battista, protettore di Firenze, che si avvia alla sua vita da eremita nel deserto.Tipico di questa fase del Perugino è il panneggio curato con l'"effetto bagnato" ispirato dal Verrocchio, dove si nota un'assenza di schematismo che presuppone il disegno di un maestro talentuoso. Tale effetto si ritrova anche in un'altra tavoletta di predella dell'epoca attribuita al Perugino, la Natività della Vergine a Liverpool.

Prompt: In Visitation (Perugino), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Ave Maria
Firenze
Giovanni Battista
Liverpool
Perugino


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Moscoforo

Il cosiddetto Moscoforo  è una scultura greca in marmo dell'Imetto di età arcaica , alta 162 cm e conservata nel Museo dell'Acropoli ad Atene.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Moschophoros.Please output in Italian.


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Donna tra le onde

Nel 1873 Courbet vendette il dipinto al mercante d'arte Paul Durand-Ruel, che nel 1875 lo rivendette al baritono Jean-Baptiste Faure. Nel gennaio del 1893, Durand-Ruel riacquistò il dipinto da Faure per poi venderlo nuovamente a Henry Osborne Havemeyer, un produttore di zucchero statunitense, e a sua moglie Louisine W. Havemeyer. Nel 1929, dopo la morte della signora Havemeyer, il dipinto e buona parte della sua ampia collezione d'arte passarono al museo neviorchese secondo le sue ultime volontà.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Woman in the Waves.Please output in Italian.


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Madonna di Manchester

Madonna di Manchester è un dipinto incompiuto a tempera su tavola  attribuito al giovane Michelangelo Buonarroti, databile al 1495-1497 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In Manchester Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1495
1497
Londra
Manchester
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Plutarco, Vita di Alessandro Magno in Vite parallele Diodoro Siculo, Bibliotheca historica XVII Arriano, Anabasi di Alessandro Quinto Curzio Rufo, Historiae Alexandri Magni  Callistene, Gesta di Alessandro

Prompt: In the context of Alexander Mosaic, explain the Primary sources and the Thebattle.Please output in Italian.

Alessandro Magno
Arriano
Bibliotheca historica
Callistene
Quinto Curzio Rufo
Diodoro Siculo
Quinto Curzio Rufo
Plutarco
Quinto Curzio Rufo


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Statua equestre di San Venceslao

statua equestre attualmente in trono in piazza San Venceslao non è la prima ad essere stata eseguita e collocata nella piazza.  prima statua, eretta nel 1680 in stile barocco, è stata frutto del lavoro dello scultore Jan Jiří Bendl e venne posta nella piazza del Mercato dei Cavalli, che era il nome della piazza San Venceslao fino al 1848. I servizi religiosi vennero forniti davanti alla statua quando le chiese vennero chiuse, come avvenne durante le epidemie di peste.

Prompt: In the context of Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, explain the The first statue and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Epifania

In Inghilterra, la vigilia dell'Epifania è conosciuta come la dodicesima notte , ed era associato al gioco dei mummers  e al consumo dei wassail . Il ceppo di Natale si lascia bruciare fino al 6 gennaio, mentre il carbone residuo si conserva fino al Natale successivo per accendere il ceppo dell’anno seguente e per proteggere la casa dal fuoco e dai fulmini.In passato, l'Epifania era anche un giorno di scherzi, simile al primo di aprile. Oggi in Inghilterra, la dodicesima notte è ancora un giorno popolare per le rappresentazioni teatrali come quando  dodicesima notte di Shakespeare fu eseguita per la prima volta nel 1601 e le celebrazioni annuali che coinvolgono l'Uomo verde si tengono a Londra.Un piatto tradizionale per l'Epifania era la Twelfth Cake , una torta di frutta densa, tipicamente inglese. Come ne nord Europa, chiunque trovasse il fagiolo nero cotto al forno era re per un giorno. Tuttavia, a volte altri elementi venivano inclusi nella torta: ad esempio, chi trovava il chiodo di garofano era il cattivo, chi trovava il ramoscello era lo sciocco e lo straccio, ecc. Qualsiasi cibo piccante, come i biscotti allo zenzero e la birra speziata, era considerato un vero piatto della dodicesima notte, che ricordava le costose spezie portate dai Re Magi. Un altro dolce dell'Epifania inglese era la tradizionale crostata di marmellata, resa adatta all'occasione dalla forma a stella a sei punte che simboleggiava la stella di Betlemme. I cuochi più esigenti cercavano di usare marmellate di tredici colori diversi come portafortuna, creando una pasta che ricordava il vetro colorato.

Prompt: Describe the characteristics of the England in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Betlemme
Inghilterra
Londra
Natale


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Democrito

Democrito, Raccolta dei frammenti. Interpretazione e commentario di Salomon Luria, introduzione di Giovanni Reale. bio-bibliografia di S. Luria di Svetlana Maltseva, Milano: Bompiani, 2007. Andolfo, Matteo. Atomisti antichi: testimonianze e frammenti, testo greco e traduzione italiana, Milano: Bompaini, 2001. Walter Leszl , I primi atomisti. Raccolta dei testi che riguardano Leucippo e Democrito, Firenze: Olschki, 2009. Vittorio Enzo Alfieri, Gli atomisti, Bari: terza, 1936. I presocratici. Prima traduzione integrale con testi originali a fronte delle testimonianze e dei frammenti di Hermann Diels e Walther Kranz, a cura di Giovanni Reale, Milano: Bompiani, 2006. C. C. W. Taylor, The Atomists, Leucippus and Democritus. Fragments, testo greco, traduzione inglese e commento, Toronto: University of Toronto Press, 1999.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the Editions of texts and the Biography.Please output in Italian.

Giovanni Reale
Hermann Diels
Leucippo
Walther Kranz


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the The birth of the notation and the The relationship with singing.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Milan, 1510), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Giuseppe e la moglie di Putifarre

Il racconto biblico  parla di Giuseppe , venduto come schiavo in Egitto, dove ha come padrone un ufficiale del faraone chiamato Putifarre. Tuttavia, la moglie di Putifarre tenta di sedurre Giuseppe, che rifiuta le sue proposte. Ella allora lo accusa di tentata violenza. Putifarre, che le crede sulla parola, fa imprigionare Giuseppe. Questi rimarrà in prigione per due anni, fino a che il faraone non riconoscerà il suo valore e gli darà il comando dell'Egitto . Questo intrigo sembra ispirato a quello del celebre racconto dell'Egitto antico intitolato "Storia dei due fratelli", dove una donna prova a sedurre un uomo e in seguito al suo rifiuto lo ferisce, sostenendo che lui avrebbe tentato di avere un rapporto con lei. Sono presenti delle somiglianze anche nella mitologia greca con la storia di Stenebea che si invaghisce di Bellerofonte.

Prompt: How does Joseph and Potiphar's Wife (Finoglia) explain its Topic?Please output in Italian.

Bellerofonte
Putifarre
Stenebea
Storia dei due fratelli


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El jaleo

Il quadro esposto al museo bostoniano, dentro l'arco moresco.Sargent espose El jaleo al Salone di Parigi del 1882, dove il quadro fu acquistato da uno sponsorizzatore di Boston, Thomas Jefferson Coolidge. Fu l'ultimo dipinto di genere che Sargent espose al Salone, e fu il suo più grande successo lì. Coolidge allora diede il quadro a Gardner, e Sargent le regalò pure un album di disegni a matita che aveva fatto come bozzetti preparatori per l'opera.

Prompt: Explain the Origin about the History of this artwork, El Jaleo.Please output in Italian.


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Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli

Ritratto di Pier Maria Rossi di San SecondoCollezione di Giovanni Francesco Serra

Prompt: How does Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ritratto di principessa estense

Ritratto di principessa estense è un dipinto, tempera su tavola , attribuito a Pisanello, databile tra il 1435 e il 1445 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Prompt: Focus on Portrait of a Princess (Pisanello) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1435
1445
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Pisanello


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Headington Shark

Lo squalo è nominato in numerose riviste, perlopiù locali; si citano a tale proposito lOxford Mail o lOxford Times.Alcune volte la scultura è stato menzionata persino in notissimi quotidiani britannici, quali il Guardian oppure il Times.

Prompt: Explain the In journalism about the Meaning of this artwork, Headington Shark.Please output in Italian.


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La vittoria della fede

regista Leni Riefenstahl al raduno di Norimberga durante le riprese del film.Come nel cortometraggio del 1935 I giorni della libertà - Il nostro esercito  e nel celebre lungometraggio Il trionfo della volontà, entrambi diretti da Riefenstahl,  vittoria della fede documenta un raduno del partito nazista in ordine approssimativamente cronologico. Nella pellicola non vi è alcuna voce fuori campo.Tra le attività documentate sono presenti l'incontro con dei diplomatici stranieri e altri politici e membri del partito, come Franz von Papen, alla stazione di Norimberga; l'arrivo di Adolf Hitler all'aeroporto e l'incontro con vari membri importanti del partito nazista, come Joseph Goebbels ed Hermann Göring; le parate delle camicie brune ; il discorso di Hitler sulla presa del potere da parte del partito e il decimo anniversario del movimento nazionalsocialista tedesco.Gli eventi sono narrati in ordine approssimativamente cronologico, a partire dall'arrivo di Hitler a Norimberga e il benvenuto datogli dal gauleiter Julius Streicher. Hitler viene poi mostrato insieme a Rudolf Hess ed Ernst Röhm, allora capo delle SA. Nella cerimonia di apertura è presente anche un discorso di Arturo Marpicati, vice segretario del Partito Nazionale Fascista, con tanto di congratulazioni da parte del dittatore Benito Mussolini. Più avanti è inoltre presente un cameo di Heinrich Himmler, che sarà presente nel film successivo della regista, Il trionfo della volontà. Il film si conclude con delle sequenze che mostrano una parata delle SA e delle SS.

Prompt: How does The Victory of Faith (painting) explain its Plot?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino e una figura maschile

Nata evidentemente per la devozione privata, la tavola mostra una Sacra Famiglia sullo sfondo di architetture classiche dai volumi puri, popolate da altre figurette.  figura di Giuseppe, come hanno confermato le radiografie, venne ridipinta inserendo un vero e proprio ritratto, che è stato da alcuni accostato a quello che compare sul sarcofago di Gian Giacomo Trivulzio nella Cappella Trivulzio nella basilica di San Nazaro in Brolo, il più importante committente dell'artista. Come nelle migliori opere dell'artista spicca un gusto geometrizzante e amante delle grandi campiture di colore, come nel pesante e ampio manto di Maria, che nasconde il braccio sinistro della Vergine e copre il baule di legno decorato di foglie d'edera su cui il Bambino sta in piedi. Dolce è lo sguardo che la Vergine, coperta da turbante invece del tradizionale velo, rivolge al figlio, il quale si protende con le braccia verso di essa, con notevole naturalezza.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna and Child with a Man.Please output in Italian.


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Madonna Frizzoni

Madonna Frizzoni  fu pubblicata per a prima volta nel 1891 da Morelli con una prima attribuzione al Bellini. A quel tempo apparteneva alla collezione Gustavo Frizzoni di Bergamo che donò il dipinto al Museo Correr di Venezia nel 1919.  In realtà quello che ci appare come un dipinto completo è il risultato del distacco e ritaglio delle figure dalla tavola originale e del loro assemblaggio su una tela su cui, nell'Ottocento, vennero dipinti ex novo il cielo ed il parapetto. Infatti le indagini moderne hanno evidenziato la presenza di pigmenti prodotti solo dalla metà dell'Ottocento nelle parti aggiunte, per altro è percepibile a occhio nudo il minimo spessore delle figure rimesse sulla pezza più grande. I ritocchi a biacca lungo tutti bordi dell'immagine ritagliata però impediscono l'individuazione di eventuali residui di ambientazione con i raggi X. È stato comunque possibile individuare con la riflettografia un disegno preparatorio sottostante alla pellicola pittorica con tratti paralleli molto simili a quelli di altri lavori del Giambelllino come per esempio quello della Pietà di Brera. Accettata come autografa unanimemente dalla critica, soltanto Anchise Tempestini espressamente la espunge dal catalogo belliniano adducendo la scarsa qualità. Una motivazione secondo Mauro Lucco inconsistente in quanto afferente al gusto personale più che all'indagine critica. Viceversa la severità degli sguardi – così distanti, come per meditare il presagio della passione – uniti alla dolcezza degli atteggiamenti, nonché l'eleganza dello scialle trattenuto da una spilla a forma di cuore e le pieghe mantegnesche del manto ci riportano nell'ambito delle madonne a mezza figura concepite dal Bellini.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Frizzoni Madonna.Please output in Italian.

Anchise Tempestini
Gustavo Frizzoni
Mauro Lucco
Museo Correr
Venezia


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Ritratto di Commodo come Ercole

Ranuccio Bianchi Bandinelli e Mario Torelli, L'arte dell'antichità classica, Etruria-Roma, Utet, Torino 1976.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Commodus as Hercules.Please output in Italian.

Mario Torelli
Ranuccio Bianchi Bandinelli
Roma


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Lucifero

Phosphoros Aion Asura Cristianesimo Demonologia Dio Gerarchia dei demoni Inferno Satana Satanismo Sorat Diavolo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Lucifer (Stuck).Please output in Italian.

Asura
Cristianesimo
Demonologia
Diavolo
Dio
Dio
Gerarchia dei demoni
Inferno
Satana
Satanismo
Sorat


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Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: In Lament over the Dead Christ (Moretto), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Campo di grano con cipressi

Campo di grano con cipressi è il titolo che si riferisce a tre opere simili dipinte da Vincent van Gogh nel 1889.Quella del settembre 1889  è conservata alla National Gallery di Londra. Un'altra , dipinta a giugno dello stesso anno, è conservata nel Metropolitan Museum of Art di New York. terza, più piccola, appartiene ad una collezione privata .I quadri rappresentano un paesaggio campagnolo in una giornata ventosa. In primo piano troviamo un campo di grano con molte spighe di varie tonalità di beige. In secondo piano si vedono cespugli ed altre piante di vario genere, seguite da imponenti cipressi di colore scuro. Infine, sullo sfondo, montagne di colore azzurro e blu ed un cielo pieno di candide nuvole curvilinee.

Prompt: Focus on Wheat Field with Cypresses and explain the Abstract.Please output in Italian.

1889
Metropolitan Museum of Art
New York
Vincent van Gogh


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lamentation of Christ (Dürer, Nuremberg).Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Madonna dei Fusi

Isabella d'Este si interessò sempre molto a Leonardo da Vinci, prima e dopo il suo breve soggiorno a Mantova nel 1499-1500. Cercando di ottenere i suoi servigi per il suo studiolo e per un ritratto, aveva inviato un suo agente, il carmelitano Pietro da Novellara, a informarsi su quello che l'artista faceva.Proprio in una lettera del frate inviata ad Isabella e datata 14 aprile 1501, si comunicava che Leonardo, carico di impegni a Firenze, stava eseguendo un "quadrettino" per il segretario del re di Francia Florimond Robertet, che raffigurava la Vergine nell'atto di "inaspare i fusi" e il Bambino mentre afferra l'aspo come se fosse una croce.Si tratta sicuramente della Madonna dei Fusi, della quale esistono molte versioni, nessuna pienamente autografa. Le più vicine alla mano leonardesca sono ritenute quella in una collezione privata a New York e quella  nella collezione del duca di Buccleuch, nel Drumlaring Castle presso Edimburgo, in prestito alla National Gallery of Scotland , in entrambi i dipinti non è da escludersi qualche intervento diretto di Leonardo, la cui entità è tuttora in corso di approfondimento fra gli studiosi di riferimento. Entrambe le opere corrispondono a questa descrizione, sebbene divergano in un dettaglio: il piede del bambino si trovava in un cestino con i fusi. Sono note inoltre altre versioni esposte in musei, tutte provenienti dalla bottega di Leonardo da Vinci, la cui attribuzione a singoli allievi e collaboratori del maestro non è ancora pienamente definita. Fra di esse ricordiamo quella della National Gallery of Scotland di Edimburgo, quella del Musées des Beaux -Arts di Digione, quella del museo di Palazzo Costa a Piacenza, quella del Worcester Art Museum e quella del Louvre a Parigi .

Prompt: Focus on Madonna of the Yarnwinder and explain the History.Please output in Italian.

1499
1500
1501
Drumlaring Castle
Edimburgo
Firenze
Florimond Robertet
Isabella d'Este
Leonardo da Vinci
Mantova
New York
Pietro da Novellara


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Monumento equestre al Gattamelata

statua venne fusa con la tecnica della cera persa, una tecnica antica riscoperta su dimensioni monumentali da Ghiberti, nel suo San Giovanni Battista , ma che viene qui utilizzata per la prima volta dopo la classicità per un monumento equestre. Vasari lodò molto l'impresa anche dal punto di vista tecnico, sottolineando la "grandezza del getto in proporzioni et in bontà", paragonando Donatello agli antichi artefici che era riuscito ad uguagliare.

Prompt: In Equestrian statue of Gattamelata, how is the Technique discussed?Please output in Italian.


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Ebbrezza di Noè

Storie della GenesiVolta della Cappella Sistina

Prompt: Focus on Drunkenness of Noah and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Genesi
Storie della Genesi
Volta della Cappella Sistina


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Madonna di Darmstadt

Al centro dell'immagine si trova Maria, la cui figura è posta in trono.  cornice attuale, rettangolare nella parte inferiore della composizione, posiziona invece nella parte superiore un semicerchio il cui diametro corrisponde approssimativamente alla metà della larghezza del rettangolo sottostante. Il manto della Madonna forma i contorni esterni di una piramide immaginaria. Visivamente, l'immagine è divisa longitudinalmente dalla cintura rossa di Maria. Le tre donne sulla destra occupano poco più di un terzo della composizione, mentre le tre figure maschili sulla sinistra quasi i due terzi dello spazio dell'immagine. I personaggi maschili, inginocchiati, sono sfalsati rispetto al centro del quadro. L'osservatore vede le figure dal davanti, i volti di Meyer e il ragazzo nel profilo di tre quarti, il bambino è dal davanti. Dal lato degli uomini, le figure seguono quasi la diagonale dello schermo. D'altra parte, sul lato più stretto delle donne, la svolta verso il centro è solo accennata dalla figura centrale spostata leggermente a destra. Le tre donne sono tutte e tre di profilo e si presentano come in fila, una a fianco all'altra. Solo Dorothea Kannengießer rivolge parte dello sguardo verso lo spettatore. A causa del vestito bianco di Anna Meyer e dei cappucci bianchi delle due mogli di Meyer, la parte destra del dipinto sembra in generale più luminosa. Su entrambi i lati, tuttavia, la figura più rilevante nella composizione appare anche come la più luminosa, migliorando l'effetto di profondità dell'immagine. Il colore rosso colpisce nella cintura della Vergine, nella calzamaglia rossa portata dal ragazzo e nel rosario di Anna Meyer. Questi oggetti scarlatti descrivono un triangolo che collega entrambi i lati dell'immagine con la figura centrale della Madonna. testa e le braccia della Madonna, che reggono il piccolo Gesù, occupano uno spazio quasi separato al di sopra del ginocchio. Se si completa il semicerchio della conchiglia che si trova dietro la testa di Maria con un cerchio, si crea un medaglione circolare con Maria e il bambino. Il centro di questo cerchio è formato da una singola perla che tiene insieme il delicato indumento della Vergine all'interno di una spilla d'oro.

Prompt: Explain the Composition about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Il dipinto del Metropolitan Museum di New York sarebbe quello riportato nell'Inventario dei beni del cardinal Francesco Maria Bourbon del Monte, compilato il 21 febbraio del 1627: "Nella terza stanza à mano destra [del palazzo di Ripetta]...un Quadro con un'huomo, che suona il leuto di Michel Angelo da Caravaggio con Cornice negra di palmi sei" , non l'originale che si credeva perduto, ma una copia. Alla morte del cardinale gli eredi del Monte lo vendono alla famiglia Barberini, acquisito dal cardinale Antonio come risulta da un libro spese del 16 maggio 1628. L'inventario dell'aprile 1644 del cardinale Antonio Barberini annota la presenza del dipinto "Nella stanza di Parnasso", con cornice dorata, nel palazzo ai Giubbonari. Nel 1697 risulta dei Barberini nel palazzo alle Quattro Fontane. Nei secoli scorsi anche la Gentileschi a Washington che accorda il liuto era considerata di Caravaggio.  registrazione effettuata nel 1817, il dipinto a New York viene venduto ed acquistato nel 1939 dalla Wildenstein & Co. di Parigi-Londra ed è in deposito al Metropolitan Museum di New York, per prestito della società. Maurizio Marini, che nutriva dubbi sulla versione Del Monte-Barberini, lo datava al 1595 .

Prompt: In The Lute Player (Caravaggio), how is the ThePaintingOfTheMountain of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Isabella

Prompt: How does Isabella (Millais painting) explain its Voice correlate?Please output in Italian.