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Ritratto di Ginevra de' Benci

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di po Nicolini.  sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata lAdorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" . Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Prompt: Focus on Ginevra de' Benci and explain the History.Please output in Italian.

1474
1733
1967
Amerigo Benci
Benci
Bernardo Bembo
Francesco Giuseppe II del Liechtenstein
Liechtenstein
Marsilio Ficino
Milano
Palazzo de' Benci
Principi del Liechtenstein
Vaduz
Vienna


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Deposizione di Cristo nel sepolcro

Deposizione di Cristo nel sepolcro è un dipinto a tempera con riprese a olio su tavola  attribuito a Michelangelo Buonarroti, databile al 1500-1501 circa e conservata nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on The Entombment of Christ (Lotto) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Explain the Congregation orders Annunciation of this artwork, Annunciation (Filippo Lippi, London).Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Castello di Neuschwanstein – fortezza di architettura romanica con interni bizantini e gotici, che venne costruita vicino al castello del padre, Hohenschwangau. Numerosi affreschi ritraggono scene dalle opere di Wagner, in particolare ad opera dell'artista Moritz von Schwind.  gloria cristiana e l'amore casto figurano predominanti nell'iconografia. A causa della morte di Ludovico, il castello non è stato completato. Neuschwanstein avrebbe fornito l'ispirazione per il castello de  bella addormentata nel bosco di Disney.Castello di Herrenchiemsee – una replica della reggia di Versailles che, nei progetti, l'avrebbe dovuta superare in dimensioni e fastosità. È situata sull'omonima isola al centro del lago Chiemsee. Buona parte del palazzo è rimasta incompiuta e Ludovico vi soggiornò solo una volta.Castello di Linderhof – un palazzo ornato in stile neo-rococò, con bei giardini curati. Il parco contiene una grotta artificiale dove cantanti d'opera si esibivano su un lago sotterraneo illuminato con l'elettricità, una novità per quel tempo, e la capanna di Hunding, ricostruzione della scena tratta dall'opera  Valchiria di Richard Wagner. All'interno del palazzo l'iconografia riflette l'ammirazione di Ludovico per l'Antico Regime francese. Egli si riteneva il "Re Luna", in analogia con il "Re Sole", Luigi XIV di Francia.Ludovico fece decorare la residenza reale di Schachen con interni in stile arabico, con anche una replica del "Trono del Pavone". Fece inoltre progettare il castello di Falkenstein, che non venne però mai realizzato. Un dipinto dell'architetto Christian Jank mostra l'edificio come una versione ancora più fiabesca ed elaborata di Neuschwanstein, arroccato su uno sperone roccioso.

Prompt: Explain the Castles about the Ludovico in the mass culture of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Castello di Linderhof
Castello di Neuschwanstein
Chiemsee
Christian Jank
Hohenschwangau
Luigi XIV di Francia
Moritz von Schwind
Richard Wagner
Trono del Pavone


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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El jaleo

Il quadro esposto al museo bostoniano, dentro l'arco moresco.Sargent espose El jaleo al Salone di Parigi del 1882, dove il quadro fu acquistato da uno sponsorizzatore di Boston, Thomas Jefferson Coolidge. Fu l'ultimo dipinto di genere che Sargent espose al Salone, e fu il suo più grande successo lì. Coolidge allora diede il quadro a Gardner, e Sargent le regalò pure un album di disegni a matita che aveva fatto come bozzetti preparatori per l'opera.

Prompt: Describe the characteristics of the Origin in El Jaleo's History.Please output in Italian.


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Schiavo che si ridesta

Lo Schiavo che si ridesta è una scultura marmorea  di Michelangelo, databile al 1525-1530 circa e conservata nella Galleria dell'Accademia a Firenze. Fa parte della serie dei Prigioni "non-finiti" per la tomba di Giulio II.

Prompt: Focus on Awakening Slave and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di Giuliano de' Medici duca di Nemours

L'opera, inserita in una nicchia, mostra il giovane duca seduto, vestito come un antico generale romano e in atteggiamento di fierezza, come annotò il Vasari, contrapposto al "melancolico" Lorenzo. Tale atteggiamento è stato letto come metafora della "vita attiva" della dottrina neoplatonica, come personificazione della vigilanza , o della calma delle anime trapassate  o del temperamento collerico-sanguigno della teoria umorale. Letture politiche vi hanno letto l'idea del despota volitivo e violento. postura richiama quella del profeta Gioele sulla volta della Cappella Sistina e quella del Mosè. corazza aderisce al corpo come una guaina, che rivela il busto muscoloso, così come i calzari alti scompaiono lungo lo stinco per rivelare i piedi nudi. Al Montorsoli sono stati attribuiti i rilievi dell'armatura, nonché, secondo Charles de Tolnay, il dettaglio del piede sporgente dalla base , per aumentare la tridimensionalità, un espediente invece mai usato da Michelangelo che scolpiva sempre nell'esatta misura del blocco.L'opera non riproduce affatto le fattezze reali del personaggio, essendosi Michelangelo sempre rifiutato di praticare il ritratto: le fonti riportano come qualcuno fece notare la dissomiglianza all'artista, ma egli, conscio della sua statura artistica nel tempo, ribadì che da lì a dieci secoli nessuno si sarebbe accorto di tale dettaglio.Il duca tiene in mano il bastone del comando, emblema di potere sebbene egli non fu mai capitano della Chiesa, e due monete: queste sono state lette come un richiamo alla Liberalitas o all'obolo che i defunti dovevano pagare nel regno dell'Oltretomba secondo la mitologia antica.

Prompt: Focus on Portrait of Giuliano de' Medici, Duke of Nemours and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Napoleone I, imperatore

Il Napoleone I, imperatore è un dipinto olio su tela di François Gérard, realizzato nel primo decennio del XIX secolo e conservato all'interno del Museo nazionale di Capodimonte, a Napoli.

Prompt: Focus on Napoleon I as Emperor and explain the Abstract.Please output in Italian.

François Gérard
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
XIX secolo


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Aerostato

I palloni aerostatici sono impiegati attualmente soprattutto per missioni scientifiche di tipo astronomico e meteorologico. L'utilizzo in astronomia permette di eliminare almeno parzialmente l'influsso deleterio dell'atmosfera sulla qualità delle osservazioni. Per alcune bande spettrali inaccessibili da terra, ad esempio l'ultravioletto, l'uso di un pallone può essere sufficiente a tale scopo senza che sia necessaria una missione satellitare, significativamente più dispendiosa.Gli aerostati giocarono anche un ruolo chiave nelle prime esperienze che misero in luce l'esistenza dei raggi cosmici e ne studiarono l'intensità in funzione dell'altitudine portando in quota strumenti quali elettroscopi, lastre fotografiche e contatori di vario genere.Da non sottovalutare è anche l'utilizzo in campo archeologico. Infatti questi palloni possono essere utilizzati per la fotografia a bassa quota di siti e aree di interesse archeologico.

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Scientific activity of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


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Tondo Doni

Spostamento del Tondo Doni alla nuova sala appositamente allestita per ospitarlo:

Prompt: How does Doni Tondo explain its External links?Please output in Italian.


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Cristo risorto in gloria

Il 1º luglio 1528 Rosso si trovava Città di Castello, alla firma del contratto per una grande pala per la locale Compagni dal Corpus Domini. Si legge che erano previsti un Cristo "resuscitato e glorioso", quattro sante e, in basso, "più e diverse figure che denotino, representino il populo, con quelli angeli che a lui [al pittore] parerà di acomodare". Come termine di consegna si stabiliva un anno, ma l'opera ebbe una gestazione più lunga e travagliata: il tetto della sala data al pittore come laboratorio crollò infatti danneggiando il supporto , poi al Rosso venne una tale febbre che lo fece tornare al più presto nella più familiare Sansepolcro. Qui però si ammalò ulteriormente di quartana, per cui si trasferì a Pieve Santo Stefano "a pigliare aria". Ripassò da Arezzo e infine si stabilì di nuovo a Sansepolcro, da dove completò la tavola di Città di Castello, senza mai farla vedere ai committenti durante l'esecuzione, come ricorda Vasari: tale precauzione fu forse dettata dalla paura dell'ennesimo rifiuto dell'opera, vista lo stato semifinito di molti personaggi e la variazione di alcuni termini previsti dal contratto, come la mancanza degli angeli nell'opera finita.L'opera venne decurtata agli angoli nel XVII secolo. Da sempre conservata in duomo, è stata musealizzata in anni recenti.

Prompt: How does The Risen Christ in Glory explain its History?Please output in Italian.

1528
Città di Castello
Pieve Santo Stefano
Sansepolcro


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Maja desnuda

Maja desnuda è stata dipinta prima del 1800, in un periodo compreso fra il 1790 e il 1800, anno della prima segnalazione documentata dell'opera.  prima menzione della Maja desnuda appare infatti nel diario di Pedro González de Sepúlveda, incisore e accademico, che ne riferisce come parte della collezione d'arte di Manuel Godoy nel 1800.Secondo la descrizione del Sepúlveda, in visita al palazzo di Godoy nel novembre 1800, nel gabinetto privato del «Principe della Pace» era presente una nutrita collezione di nudi femminili: oltre alla Desnuda vi erano appese anche una Venere con paesaggio - scuola italiana del XVI secolo - e una copia di Tiziano di un'altra Venere. Perciò, nel novembre 1800 la Desnuda era stata già dipinta.Occorre a questo punto precisare che in Spagna le immagini di nudo, anche quelle ipocritamente ammantate dell'aura mitologica tipica della pittura europea del tempo, erano proibite dalla Chiesa e punite dall'Inquisizione: si arrivò al punto che nel XVIII secolo due re spagnoli mandarono al rogo tutti i nudi presenti nelle collezioni reali. Il nudo più importante della storia dell'arte spagnola prima della Desnuda è proprio la già citata Venere allo specchio di Diego Velázquez, oggi nota come Venere Rokeby: non una donna reale, dunque, ma una Venere, con un Cupido accanto, che giace fra le lenzuola volgendo la schiena all'osservatore, così da nascondere seno e pube.  Desnuda è evidentemente un nudo del tutto diverso: solo un uomo potente come Godoy poteva sfidare in modo così aperto le disposizioni del Sant'Uffizio e tenersi in casa un quadro del genere.

Prompt: Explain the One two Spanish about the The word "null" in English is "null." of this artwork, La maja desnuda.Please output in Italian.

1790
1800
Cupido
Diego Velázquez
Inquisizione
Manuel Godoy
Spagna
XVIII secolo
XVI secolo


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Madonna Northbrook

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: In Northbrook Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

parrocchia, situata sul corso principale del comune di cco Ameno, nell'Isola d'Ischia, è dedicata alla Madonna delle Grazie, da cui prende il nome.  festa si celebra il 2 luglio con una solenne processione per le vie del paese, recando l'icona della Vergine col Bambino fino all'ospedale dell'isola per portare il saluto agli ammalati.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Lacco Ameno and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Ritratto di Alfonso I d'Este

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Alfonso I d'Este.Please output in Italian.


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Il dipinto Telemaco e le Ninfe di Calipso  è un'opera della pittrice svizzera Angelika Kauffmann, ispirata a un episodio del romanzo di Fénelon Les avantures de Telemaque, pubblicato in due volumi nel 1699.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Telemachus and the Nymphs of Calypso.Please output in Italian.


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Aerostato

I palloni aerostatici sono impiegati attualmente soprattutto per missioni scientifiche di tipo astronomico e meteorologico. L'utilizzo in astronomia permette di eliminare almeno parzialmente l'influsso deleterio dell'atmosfera sulla qualità delle osservazioni. Per alcune bande spettrali inaccessibili da terra, ad esempio l'ultravioletto, l'uso di un pallone può essere sufficiente a tale scopo senza che sia necessaria una missione satellitare, significativamente più dispendiosa.Gli aerostati giocarono anche un ruolo chiave nelle prime esperienze che misero in luce l'esistenza dei raggi cosmici e ne studiarono l'intensità in funzione dell'altitudine portando in quota strumenti quali elettroscopi, lastre fotografiche e contatori di vario genere.Da non sottovalutare è anche l'utilizzo in campo archeologico. Infatti questi palloni possono essere utilizzati per la fotografia a bassa quota di siti e aree di interesse archeologico.

Prompt: Explain the Scientific activity about the Used gases of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

cavalleria persiana aprì le ostilità caricando le truppe di Parmenione e la cavalleria tessalica, le quali si trovavano oltre il fiume. L'ala destra macedone, composta dalla cavalleria pesante degli eteri, fu decisiva per le sorti della battaglia. Mentre la falange macedone reggeva l'urto della cavalleria persiana e i tessali arretravano impegnandola, Alessandro ordinò ai suoi cavalieri di caricare il fianco sinistro dello schieramento avversario, proprio ai piedi delle montagne, e dopo averlo indebolito si aprì un varco tra le linee nemiche, al comando degli ipaspisti. L'attacco di Alessandro superò gli sbarramenti posti da arcieri, fanteria leggera e cavalleria pesante, separando l'ala sinistra dal centro dello schieramento. Nel frattempo, la falange, meno veloce nei movimenti, cedeva lentamente di fronte ai Persiani che l'attaccavano da ogni parte, mentre i cavalieri tenevano a bada i mercenari greci. Alessandro raggiunse quasi il sovrano persiano e si dice che cercò di colpirlo con una lancia, non riuscendoci. Dario decise di ritirarsi, costretto a lasciare il suo carro e a darsi alla fuga su un cavallo, abbandonando anche lo scudo, mentre suo fratello Ossatre rimase a combattere sino alla morte.Montato a cavallo, lo stesso sovrano macedone condusse gli eteri in un nuovo assalto contro il centro dello schieramento persiano, mettendolo in fuga; la falange di Parmenione e la cavalleria tessalica stavano oramai per cedere, per cui Alessandro non inseguì Dario, ma attaccò alle spalle la falange dei mercenari greci.<br />Alla vista del loro re costretto alla fuga, i soldati persiani si ritirarono e vennero falcidiati dalla cavalleria macedone che li inseguì fino al tramonto.Per la Persia si trattava della prima sconfitta militare di un esercito comandato da un loro sovrano, mentre per i Macedoni si apriva la strada per la conquista dell'impero.

Prompt: Describe the characteristics of the The assault of the cavalry in Alexander Mosaic's Consequences of the battle.Please output in Italian.


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Armatura

I soldati  usano piastre di metallo o ceramiche nei giubbotti antiproiettile, che forniscono protezione aggiuntiva contro proiettili di pistola e fucile. Componenti metalliche o strati di fibra tessuti in modo fitto possono conferire ad armature morbide la resistenza ad attacchi di punta e taglio con coltelli da combattimento e coltelli-baionetta. Guanti corazzati in cotta di maglia sono tuttora utilizzati da macellai e operatori di macelli per evitare ferite tagliando carcasse.

Prompt: In O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, how is the Contemporary use of non-metallic protections of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Group self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Cristo degli abissi

Il Cristo degli abissi è una statua bronzea posta nel 1954 sul fondale della baia di San Fruttuoso, tra Camogli e Portofino all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino, a 17 metri di profondità.

Prompt: In Christ of the Abyss, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1954
Area naturale marina protetta Portofino
Camogli
Portofino


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Le vagliatrici di grano

Le vagliatrici di grano è un quadro di Gustave Courbet del 1854. Nel quadro Courbet ritrae la povertà di chi, con magri guadagni, lavora la terra. Eppure la calma rassegnazione delle donne non ci induce a compassione; al contrario, l'impegno espresso dona loro dignità e suscita ammirazione.L'ampio gesto della donna al centro condensa su di sé l'attenzione dell'osservatore e le fa assumere un'importanza paragonabile a quella di una figura rinascimentale. gamma dei colori è limitata, ma non priva di toni forti, come nell'ampia veste rossa della figura centrale. Il nostro sguardo si sofferma così, in particolare, su alcuni elementi visivi. Spesso le donne erano così povere che dovevano portarsi al lavoro i figli. Come si può notare sulla destra, un bambino, dovendo restare molte ore a non fare niente, incuriosito apre un armadietto per vedere cosa c'è dentro. Le vagliatrici di grano fu uno dei quaranta quadri esposti al tendone "Pavillon du réalisme" allestito da Courbet.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Wheat Sifters.Please output in Italian.


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Gazza sulla forca

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: Focus on The Magpie on the Gallows and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Meishozue, Edo of the Evolution Hiroshige work explained?Please output in Italian.


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Apocalisse

rivelazione di saggezze nascoste avviene attraverso una visione o un sogno. A causa della natura peculiare del soggetto, questa è evidentemente la forma letteraria più naturale. L'attuazione della rivelazione e l'esperienza di chi la riceve vengono poste più o meno in rilievo. Normalmente, ma non sempre, i fatti vengono riportati in prima persona. Esiste qualcosa di portentoso nelle circostanze, commisurato all'importanza dei segreti che verranno svelati. L'elemento del mistero, spesso in primo piano nella visione stessa, è presagito negli eventi preliminari. Alcune delle caratteristiche classiche della "tradizione apocalittica" sono collegate con le circostanze della visione e con l'esperienza personale del veggente.L'esempio primario di letteratura apocalittica nella Bibbia ebraica è il Libro di Daniele. Mentre si trova lungo il fiume dopo un lungo digiuno Daniele vede apparire un essere celeste, che gli svela la rivelazione . L'evangelista Giovanni nel Nuovo Testamento, libro dell'Apocalisse  ha un'esperienza simile, narrata con termini comparabili. Si confronti anche il primo capitolo della Apocalisse Greca di Baruch e la Apocalisse Siriaca, vi.1 segg., xiii.1 segg., lv.1-3. In alternativa il profeta giace sul letto, preoccupato per il futuro della sua gente, quando cade in una specie di trance, e il futuro gli è mostrato nelle "visioni della sua mente". Questo è il caso di Daniele, 7:1 segg.; Esdra, 3:1-3; e nel libro di Enoch, i.2 e seguenti. A proposito della descrizione degli effetti della visione sul veggente, vedi Dan. 8:27; Enoch, lx.3; 2 Esdra 5:14.

Prompt: In the context of Apocalypse (Dürer), explain the Revelation through a dream or a vision and the Description.Please output in Italian.

Bibbia
Libro di Daniele
Nuovo Testamento


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Prometeo incatenato

In tutta l'opera è costante la centralità del personaggio di Prometeo, un ribelle incapace di accettare l'ordine imposto da Zeus e dai nuovi dei, che pretendono di piegare ogni cosa alla loro volontà, ignorando la infelice condizione dei mortali, che spinge invece Prometeo, di origini divine, a dare loro aiuto. Nell'opera è presentato il solo punto di vista del protagonista, che ripete la propria avversione per Zeus di fronte a numerosi personaggi, ma che appare portatore di un valore che non può non suscitare simpatia nello spettatore: la solidarietà verso gli uomini e la volontà di aiutarli a progredire facendo loro conoscere il fuoco.Prometeo, dunque, si presenta come portatore di luce e di progresso, anche a costo di sfidare la volontà di Zeus: una figura ben diversa da quella che appare nella Teogonia di Esiodo, in cui il titano è presentato come un briccone che sfida gli dei in una gara d'astuzia nella quale ad uscire perdente sarà proprio il genere umano. L'identificazione dello spettatore in Prometeo avviene in quanto il titano, come l'uomo aspira ad un di più che non gli è concesso; Prometeo appare così come un eroe confinato in un sistema di valori arcaico, dove l'ambizione a un di più è considerata un atto di tracotanza .

Prompt: In Prometheus Bound (Rubens), how is the Prometheus  the  rebel of the Plot explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Sir Richard Southwell

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1 Mauro Zanchi, Holbein, Art e Dossier, Firenze 2013. ISBN 9788809782501

Prompt: How does Portrait of Sir Richard Southwell explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Musica

upright=0.8Nel Seicento la musica strumentale in occidente divenne autonoma ed assunse una fisionomia delineata in generi come la sonata, la sinfonia, il concerto grosso.  musica occidentale si sviluppò con straordinaria rapidità attraverso i secoli successivi, anche perfezionando il suo sistema tonale: una pietra miliare è costituita dalle composizioni di Johann Sebastian Bach del Clavicembalo ben temperato .Nella prima metà del Settecento sorse la committenza indiretta, vale a dire la fruizione dell'arte da parte di un pubblico pagante.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Baroque tonal system of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Quest'opera appartiene alla corrente pittorica conosciuta come barocco spagnolo, un movimento strettamente legato alle idee della Controriforma ed in parte influenzato da una certa tendenza mistica. Il naturalismo presente è tipico della pittura ControriformistaFrancisco de Zurbarán combina "il realismo della controriforma con un sentimento mistico di ispirazione gesuita" Zurbarán mostra l'influenza di Caravaggio nel modo in cui illumina le sue composizioni. Il suo stile assimilerà gradualmente elementi del manierismo italiano.

Prompt: How does Immaculate Conception (Zurbarán) explain its Style?Please output in Italian.

Caravaggio
Controriforma
Francisco de Zurbarán


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Lucifero

Il termine significa letteralmente Portatore di luce, in quanto tale denominazione deriva dall'equivalente latino lucifer, composto di lux  e ferre , sul modello del corrispondente greco phosphoros , e in ambito sia pagano che astrologico esso indica la cosiddetta «stella del mattino», cioè il pianeta Venere visibile all'aurora, ed è anche identificato con questo nome. Nella corrispondenza tra divinità greche e romane l'apparizione mattutina del pianeta Venere era personificata dalla figura mitologica del dio greco Phosphoros e del dio latino Lucifer. Analogamente in Egitto Tioumoutiri era la Venere mattutina. Nell'antico Vicino Oriente, inoltre, la "stella del mattino" coincideva con Ishtar per i Babilonesi; Astarte per i Fenici; Inanna per i Sumeri.In ambiti dell'occultismo e dell'esoterismo, infine, Lucifero sarebbe il detentore di una sapienza inaccessibile all'uomo comune.

Prompt: How does Lucifer (Stuck) explain its Original meaning?Please output in Italian.


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Monaco in riva al mare

Il Monaco in riva al lago rappresenta una spiaggia nordica popolata. In basso troviamo una duna di sabbia chiara cosparsa d'erba, sovrastata dall'immensa distesa di un mare livido, spoglio e angoscioso, solcato da piccole virgole bianche : segue, infine, un cielo denso di nuvole brumose come fumo, che occupa la maggior parte della superficie pittorica.A contemplare questo paesaggio desolato vi è una singola figura voltata di lato, vestita con una lunga tonaca nera, che si erge solitaria sul sottile lembo di terra. Si tratta di un monaco, e appare quasi completamente estraniato dal mondo che lo circonda, come se fosse oppresso dall'infinitudine del mare: la sua sagoma decentrata si scorge appena non solo per le sue minute dimensioni, ma anche a causa della sua somiglianza cromatica con gli elementi naturali che lo circondano. Malgrado rivolga la schiena all'osservatore, si può ben comprendere che il suo animo rivela un caleidoscopio di emozioni: vi leggiamo, infatti, angoscia, malinconia, inquietudine e smarrimento, oltre che una profonda solitudine interiore.Il Monaco in riva al mare è una delle tele più rappresentative dell'esperienza estetica del sublime e dell'infinito, tema assai vicino alla sensibilità romantica. Avventuratosi verso l'astrazione pura, infatti, Friedrich diede vita a una «pittura del nulla» che sprofonda in un effetto di vastità e di infinito: è così che in questo dipinto l'immensità della natura si fa metafora dell'uomo che, rapito dall'immensamente grande, aspira all'infinito, per poi prendere consapevolezza della sua piccolezza materiale nei confronti di Dio.  sensazione che Friedrich vuole trasmetterci, quindi, è anche quella del sublime, presenza onnipervasiva nel Romanticismo già teorizzata da Immanuel Kant nella Critica del giudizio. Per Kant la visione dell'infinito spettacolo della natura suscita nell'uomo uno stato d'animo ambivalente, siccome da una parte si sente immensamente fragile e dall'altra prova un vivo sentimento di «meraviglia e stima»: è proprio mediante la consapevolezza della propria impotenza nei confronti della Natura, infatti, che l'uomo scopre la propria grandezza spirituale.Dal punto di vista tecnico, le gradazioni cromatiche del Monaco in riva al mare sono giocate sulle sfumature e sulle armonie del grigio. Tutto il dipinto è strutturato su una serie di linee orizzontali, cui si contrappone la verticalità dell'esile figura del monaco; la composizione presenta proporzioni esasperate e, come già accennato, è priva di linee di fuga che guidino lo sguardo dello spettatore verso un punto preciso. Ultima peculiarità del Monaco in riva al mare è la presenza di una Rückenfigur : si tratta di una figura in posizione tergale che, colta mentre contempla la grandiosità sospesa della Natura, spinge l'osservatore del dipinto a immedesimarsi in lui e contestualmente a soffermarsi sul paesaggio circostante.

Prompt: How does The Monk by the Sea explain its Description?Please output in Italian.

Critica del giudizio
Immanuel Kant
Rückenfigur


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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La cattedrale di Chartres

Nel dipinto è raffigurata la facciata meridionale della Cattedrale di Chartres immersa in una calda luce pomeridiana che ne accentua la luminosità.  cattedrale, disegnata con linee chiare e precise, presenta due campanili affiancati, la cui verticalità è ripresa dai due alberi snelli sulla destra, secondo una composizione equilibrata e coerente che troviamo anche in altre opere di Corot. Nella scena ritratta vi è una serena armonia tra la natura e gli elementi artificiali: alla compatta massa muraria della chiesa, infatti, si contrappongono le due collinette erbose, ai piedi delle quali troviamo un cumulo di materiali edilizi.  Natura accoglie idillicamente anche l'uomo: sono diverse, infatti, le figure umane che popolano la scena, dal ragazzo accovacciato sulla pietra squadrata a sinistra al carrettiere sullo sfondo.Dal punto di vista tecnico la composizione si articola su quattro piani, descritti rispettivamente dalla strada polverosa, dal cumulo di pietre da costruzione ammassate sulla collinetta, dalla cortina di case dispiegata lungo la strada e dalla facciata dell'antica cattedrale gotica, che domina la scena elevandosi in cielo. È importante notare come la scena sia priva di suggestioni pittoresche: tutto, infatti, appare casuale, e nemmeno la cattedrale di Chartres ha un ruolo preminenza sugli altri elementi del dipinto, con i quali si fonde armoniosamente.Riportiamo di seguito un commento di Giulio Carlo Argan:</ref>}}

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Cathedral of Chartres.Please output in Italian.

Cattedrale di Chartres
Chartres
Giulio Carlo Argan


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La Gioconda

Alvise, scoperto il tradimento di ura, giura di vendicarsi . Sarà una vendetta terribile, degna di un Badoéro: che le danze della festa gioiscano pure, lì il marito tradito deve vendicare il proprio onore. Decide però di non sporcarsi le mani, sarà lei stessa a darsi la morte con un veleno. Quindi fa convocare ura e la lusinga nascondendo a malapena la sua ira: egli accenna ironicamente appena al suo tradimento , e ura, insospettita, gli chiede il motivo di tale comportamento . Alvise, al massimo dell'ira, la costringe a dire la verità, e poi le urla che morirà subito.Mentre ura lamenta il suo destino , Alvise le mostra la sua bara. Da fuori risuona una canzone intonata dai gondolieri . Alvise la obbliga a bere un veleno prima che il canto giunga alla sua ultima nota, ma di nascosto Gioconda sopraggiunge e convince ura a bere da un'altra boccetta, che contiene un potente narcotico che «della morte finge il letargo».Dopo averlo bevuto, ura entra nella camera mortuaria e si distende sul catafalco. Entra Alvise e, osservando la boccetta vuota, si convince che la donna è morta. Gioconda invoca la madre, e riflette sconvolta su quello che ha appena fatto: salvare la rivale per amore di Enzo .Nel palazzo si svolge un ricevimento durante il quale gli invitati inneggiano alla Ca' d'Oro . Alvise ha fatto allestire per loro lo spettacolo della Danza delle ore.<br />Sopraggiunge Barnaba, che di nuovo accusa la Cieca di stregoneria. Per le strade riecheggia il suono funesto della campana dei moribondi, e Barnaba confida ad Enzo che ura è morta . Quando Enzo, sconvolto, si smaschera davanti a tutti, Alvise ordina di arrestarlo e gli preannuncia una agonia dolorosa nel carcere. Infine, mostra a tutti il corpo, apparentemente senza vita, di ura. Enzo fa per aggredirlo , ma viene fermato dalle guardie e arrestato. Gioconda sussurra a Barnaba "Se lo salvi e adduci al lido,ggiù presso al Redentor,Il mio corpo t'abbandono,O terribile cantor."

Prompt: Explain the Act III The Narcotic at Ca' d'Oro about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.

Ca' d'Oro
Danza delle ore
Danza delle ore


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Self-portraitsset of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: In St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), how is the Operatic, historiographic, and hagiographic works of the Biography explained?Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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La Danaide

Danaide  è una scultura di Auguste Rodin che ritrae una delle Danaidi, le cinquanta figlie del re Danao. In origine era stata concepita per la sua Porta dell'Inferno, ma non venne inclusa nella versione finale di quest'opera.  scultura presenta delle somiglianze con la sagoma dellAndromeda, che si trova nella parte superiore dell'anta destra della Porta dell'Inferno.

Prompt: Focus on Danaid (Rodin) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Focus on Crucifixion (Tintoretto) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: Explain the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome about the Iconography of this artwork, St. Jerome in the Wilderness (Mantegna).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

tecnica del dipinto, oltre che presentare un precoce uso del colore a olio, sorprende anche nell'uso, accanto ai blu tradizionali di lapislazzuli e azzurrite, del pigmento celeste di smalto, derivato dall'industria vetraria, ben vent'anni prima di Leonardo da Vinci, che adoperandolo negli appartamenti di Ludovico il Moro a Milano nel 1492 ne era precedentemente ritenuto l'introduttore in Italia.L'opera, ripulita e restaurata recentemente, è in condizioni ottime.

Prompt: How does Pesaro Altarpiece (Bellini) explain its Technique?Please output in Italian.

1492
Italia
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro
Milano


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Opere di Giovanni Bellini San Girolamo San Cristoforo Sant'Agostino Ludovico di Tolosa

Prompt: In Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Ludovico di Tolosa
Opere di Giovanni Bellini
San Cristoforo
San Girolamo


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Democrito

Federico Enriques e Manlio Mazziotti, Le dottrine di Democrito d'Abdera, Bologna: Zanichelli, 1948. Francesco Romano , Democrito e l'atomismo antico. Atti del convegno internazionale, Catania 18-21 aprile 1979, Catania: Università di Catania. Facoltà di lettere e filosofia, 1980. Maria Luisa Silvestre, Democrito e Epicuro : il senso di una polemica. Testi e commenti, Napoli: Loffredo, 1985. Maria Luisa Silvestre, Democritea : i documenti da Epicuro ad Aezio, Roma: Cadmo, 1990. M. ura Gemelli Marciano, Democrito e l'Accademia. Studi sulla trasmissione dell'atomismo antico da Aristotele a Simplicio, Berlino: Walter de Gruyter, 2007. Giuseppe Solaro, Il mistero Democrito, Roma: Aracne, 2012.

Prompt: Describe the characteristics of the Studies in Democritus (Ribera)'s Opponents.Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Describe the characteristics of the Other cultures and deities in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Two Pupils and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Caccia al leone

caccia al leone inizia all'alba, quando gli anziani e le donne dormono ancora. I guerrieri si incontrano discretamente in un punto di riferimento vicino da dove partono per aree predeterminate. Prima di partire, gli Ilmorijo  filtrano il gruppo in modo che solo i guerrieri più coraggiosi e forti prendano parte. Il gruppo risultante è noto come Ilmeluaya . I giovani guerrieri rifiutati sono comandati dai guerrieri più anziani di mantenere riservate le informazioni della caccia, fino al ritorno dei loro colleghi preferiti. Ci sono stati casi in cui i guerrieri più anziani hanno costretto i guerrieri a rinunciare alle loro armi in eccesso, visto che è considerato un insulto portare più di una lancia che è sufficiente per uccidere un leone.Dopo una caccia di successo, si svolge una festa di una settimana in tutta la comunità. Il guerriero che ha sferrato il primo colpo viene corteggiato dalle donne e riceve un Imporro, una tracolla con perline a doppia faccia. Il guerriero indossa questo ornamento durante le cerimonie.  comunità onorerà Olmurani lolowuaru  con molto rispetto per tutta la sua vita.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the The trip of the The  lion  hunt  of  the  Masai explained?Please output in Italian.


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Stele di Avile Tite

Si tratta di un notevole esemplare databile al 550 a.C. circa e rinvenuto in due frammenti. Mostra un guerriero entro un bordo a rilievo con iscrizione , secondo una tipologia tipica dell'Etruria centro-settentrionale e tirrenica, con derivazioni greco-orientali. Il guerriero, a cui era dedicata come memoria funebre, è rappresentato completamente armato e girato di profilo verso sinistra, con le gambe discostate come se fosse in moto. È vestito di tunica corta, corazza , spallacci  e schinieri sugli stinchi, mentre è armato di lancia e daga  con elsa ricurva. Il corpo è raffigurato di profilo, come il volto, che presenta una barba appuntita, capelli a ripiani, occhio allungato e labbra mosse da un sorriso. Lo stile è legato a un gusto per le forme monumentali e piene, tipico dello stile ionico maturo.  capigliatura di tipo "dedalico" dimostra l'ambito provinciale del guerriero, secondo un uso che all'epoca doveva essere ormai datato.

Prompt: Focus on Stele of Avile Tite and explain the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Portrait of a Man in Red Chalk and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Sacra Famiglia Canigiani

composizione ha una forma piramidale ispirata alle opere di Leonardo da Vinci, con l'accento sulla plasticità delle figure e l'articolazione di esse nello spazio. Al vertice san Giuseppe, appoggiato al bastone, sorveglia serenamente la Madonna e sant'Elisabetta, sedute su un prato e con in grembo i rispettivi figli, Gesù e Giovanni Battista. Gambe e braccia di Maria ed Elisabetta, Gesù e Giovannino creano un movimento avvolgente, di memoria classica, armonizzato dalla figura di Giuseppe stante, che chiude il cerchio con un'organicità che è degna dell'architettura.  predominanza di Giuseppe è giustificata dall'incremento che il suo culto andava subendo nel XVI secolo; la sua figura richiama da vicino il san Giuseppe del Tondo Doni di Michelangelo. Raffaello aumentò il numero dei personaggi, ricercando nelle pose raffinate corrispondenze formali, con ritmi curvilinei che si annodano e si sciolgono continuamente, sia in superficie che in profondità.L'impostazione semplice ma eloquente ricorda Fra Bartolomeo, all'insegna di una solennità composta che però il Sanzio addolcì con i gesti intimi e familiari dei personaggi. Sguardi e gesti infatti si intrecciano sapientemente, in un complesso studiatissimo ma dall'effetto estremamente semplice e naturale, con un tono sereno e pacato, ben diverso dalle inquietudini di Leonardo.Il paesaggio che si perde in profondità ha caratteri veneti di compenetrazione atmosferica, così come rimanda a Giorgione la ricca tavolozza, dei toni brillanti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Canigiani Holy Family.Please output in Italian.

Fra Bartolomeo
Giorgione
Leonardo da Vinci
Tondo Doni


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Cristo Redentore

Gesù nell'arte Rio de Janeiro Statue del Redentore per il Giubileo del 1900 Statua del Redentore di Maratea Cristo Re  Statue più alte del mondo Sette Meraviglie del Mondo Moderno

Prompt: In Christ the Redeemer (Mantegna), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Flora (Melzi)

Flora, anche nota come Colombina, è un dipinto realizzato nel 1520 da Francesco Melzi e attualmente conservato all'Ermitage di San Pietroburgo. Raffigura Flora, la dea romana della primavera e dei cereali, soggetto apprezzato tra gli artisti rinascimentali.

Prompt: Focus on Flora (Francesco Melzi) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Ermitage
Francesco Melzi
San Pietroburgo


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Nascita di san Giovanni Battista

Nascita di San Giovanni Battista è un dipinto a olio su tela  realizzato intorno al 1635 dalla pittrice italiana Artemisia Gentileschi. È conservato nel Museo Nacional del Prado di Madrid.

Prompt: Focus on The Birth of Saint John the Baptist (Artemisia Gentileschi) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1635
Artemisia Gentileschi
Madrid
Giovanni Battista


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Giovani spartani che si esercitano

Lo spunto dell'opera venne fornito dalla lettura del Voyage du jeune Anarchasis en Grèce, testo pubblicato nel 1787 e assai popolare nelle antologie scolastiche francesi. Jean-Jacques Barthélemy, autore del resoconto, vi raccontava:Dopo il fecondissimo soggiorno italiano Degas eseguì numerosi quadri a soggetto storico, interrogandosi sulla pertinenza di questo genere nella pittura contemporanea e conciliandolo con il bagaglio culturale acquisito durante il viaggio in Italia. Memore del testo del Barthélemy – e, forse, di un resoconto di Plutarco sui rituali di corteggiamento distintivi di Sparta – Degas decise di confrontarsi con un tema classico: l'educazione dei giovani spartani. Com'è noto, infatti, i giovinetti della Sparta arcaica, una volta compiuti i sette anni, venivano affidati alle cure dello Stato, che interveniva sottraendoli dalla famiglia e allocandoli in comunità educative istituzionalizzate dette «compagnie». L'ideale pedagogico perseguito da Sparta lasciava poco posto alla cultura intellettuale e alle arti e mirava alla costituzione di una disciplina rigida di stampo militare. In virtù di questa ferrea educazione, indistinta per i due sessi, i giovani spartani venivano sottoposti a prescrizioni brutali e brutalizzanti, ben riassunti dallo storico inglese Nic Fields:</ref>}}Dal punto di vista figurativo Degas si ispirò ai dipinti dei suoi due maestri, Barrias e Louis mothe, dai quali derivò una spiccata sensibilità formalista. Del lavoro preparatorio relativo ai Giovani spartani che si esercitano, in ogni caso, ci rimangono ben sedici disegni e due schizzi a olio: l'elaborazione del dipinto, in effetti, è stata molto complessa e sofferta. Portato a compimento nel 1862, l'opera sarebbe rimasta nellatelier di Degas fino alla sua morte, dopo la quale fu costretta a varie peregrinazioni, terminate quando nel 1924 fu acquistata dalla National Gallery, museo presso il quale è tuttora esposta nella sala n. 41.

Prompt: Explain the History of this artwork, Young Spartans Exercising.Please output in Italian.


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Reliquiario del Corporale di Bolsena

Miracolo eucaristico di BolsenaOreficeria senese del XIV secoloBasse-tailleMuseo dell'Opera del Duomo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Reliquary of the Santo Corporale.Please output in Italian.

Basse-taille
Bolsena
Miracolo eucaristico
Miracolo eucaristico di Bolsena
Oreficeria
Oreficeria senese del XIV secolo


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Atleta di Fano

L'ipotesi più accreditata è che in antichità la statua sia naufragata nel medio Adriatico insieme alla nave che la stava trasportando dalla Grecia verso la penisola italiana, probabilmente puntava al porto di Ancona. Essa fu rinvenuta nell'estate del 1964 nel mare Adriatico al largo di Fano catturata dalle reti del peschereccio italiano "Ferruccio Ferri".<br />Il luogo del ritrovamento del bronzo, a sentire le testimonianze dei pescatori, è una zona del mar Adriatico chiamata "Scogli di Pedaso", ma di questo non c'è stata certezza per molti anni: in particolare, si è molto discusso se l'oggetto fosse stato ritrovato in acque italiane o internazionali.Comunque sia l'esportazione è stata illegale secondo le leggi dell'epoca, in particolare la legge 1089/39, che stabilisce che i beni archeologici ritrovati sono di proprietà dello Stato italiano. Infatti, nel primo caso il reperto apparterrebbe allo Stato italiano, nel secondo caso essendo l'Atleta issato su un'imbarcazione battente bandiera italiana e successivamente sbarcato a Fano, in Italia, sarebbe dovuto ricadere sotto la legislazione italiana che impedisce l'esportazione di opere archeologiche e avrebbe dovuto essere soggetto all'obbligo di notifica al ministero competente .Sul motopesca italiano si trovavano il capobarca Romeo Pirani, i tre marinai Derno Ferri , Athos Rosato  e Durante Romagnoli , inoltre Valentino Caprara, Nello Ragaini e Benito Burasca. L'armatrice era la signora Valentina Magi.Athos Rosato ha confermato quanto sempre sostenuto dal capobarca Pirani, cioè che la statua è stata ritrovata a «circa 43 miglia a levante del monte Conero e circa 27 miglia dalla costa croata, un punto di mare chiamato "Scogli di Pedaso"» . «In quel tratto, secondo il mozzo, la profondità del mare era circa di 43-44 braccia», cioè a circa 75 metri di profondità. rete si è impigliata nelle braccia della statua, che è stata sollevata dal fondo del mare; probabilmente i piedi, verosimilmente incastrati o insabbiati, si sono staccati in quest'occasione per lo strattone ricevuto.

Prompt: Describe the characteristics of the Discovery and exportation in Victorious Youth's Voice correlate.Please output in Italian.

1964
Fano
Grecia
Italia
Roma
Scogli di Pedaso


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Madonna del Magnificat

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze, 2001. ISBN 8881170914AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma, 2003.Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano, 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: Focus on Madonna of the Magnificat and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Galleria degli Uffizi


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Madonna delle Grazie

Il paese Le Grazie prende il nome da colei che è la prima cittadina: la Madonna. Questa pagina è l'espressione della riconoscenza più viva del dono della fede e dell'amore che il Signore ci offre ogni giorno attraverso l'intercessione della Madonna delle Grazie.;Arte e storia del Santuario[...]"Nel 1432 il papa Eugenio IV concesse alla Congregazione di Monte Oliveto, presente in Liguria dal 1388, l'abbazia benedettina del Tino, priva ormai di monaci; nella stessa occasione agli olivetani fu assegnato un heremitorium cum eius ecclesia sine cura posto nel territorio di Portovenere ed intitolato alla Vergine delle Grazie"[...].; storia data 1424 che assieme alla firma ANDREAS DE ASTE si legge nel bordo inferiore della Madonna col Bambino di Quarto, sita nel Santuario della Madonna della castagna a Quarto , non può costituire un "utile punto di riferimento", almeno fino a quando non sarà stato provato che la scritta in questione, palesemente non originale, è tuttavia veridica. Il che, del resto, è verosimile se non altro perché alla mano dello stesso pittore si può oggi attribuire con certezza un dipinto per il quale esiste un ante quem sicuro.Ci riferiamo proprio alla tavola della Madonna delle Grazie, di cui è ragionevole ipotizzare, per le ragioni esposte nell'introduzione, la presenza nella piccola ecclesia sine cura menzionata nella bolla papale del 1432.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Le Grazie, Portovenere - La Spezia and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

1946 - Nous continuons!.., regia di M. Bahelfer  1995 - Anna Frank Remembered, regia di Jon Blair  1995 - Children Remember the Holocaust, regia di Mark Gordon  1995 - Lost Childhood: The Story of the Birkenau Boys  1996 - My Knees Were Jumping: Remembering the Kindertransports  1997 - The Lost Children of Berlin, regia di Elizabeth McIntyre  1998 - Voices of the Children, regia di Zuzana Justman  1999 - The Children of Chabannes, regia di Lisa Gossels e Dean Wetherell  1999 - Children of the Night, cortometraggio, regia di Jolanta Dylewska  2000 -  fuga degli angeli - Storie del Kindertransport , documentario, regia di Mark Jonathan Harris  2000 - The Children Who Cheated the Nazis, regia di Sue Read  2002 - The Boys of Buchenwald, regia di Audrey Mehler  2002 - The Power of Good: Nicholas Winton, regia di Matej Mináč  2002 - Secret Lives: Hidden Children and Their Rescuers During WWII, regia di Aviva Slesin  2009 - The Kindertransport Story, regia di Lindsay Hill  2011 - Children of Terezin, regia di Gabriel Bologna  <documentario> 2011 - The Boys of Terezin, regia di Shahab John Sharify  2013 - 50 Children: The Rescue Mission of Mr. And Mrs. Kraus, regia di Steven Pressman  2014 - The Children of the Holocaust  - Documentario prodotto dalla BBC 2015 - Innocence Lost: Stories from Children of the Holocaust, regia di Alex Roberts e Andrew Sherwood  2019 - The st Survivors, episodio della serie televisiva Frontline  2020 - Determined: The Story of Holocaust Survivor Avraham Perlmutter, regia di Keren Perlmutter

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Documentaries of the Inappropriate for children explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Democrito

Democrito fu anche un pioniere nei campi della matematica e della geometria. Scrisse molte opere di matematica e geometria, nessuna delle quali è giunta fino a noi; si conoscono solo i titoli di alcune delle sue opere  citati in altre opere, dal momento che nessuna delle sue opere sopravvisse al Medioevo.Secondo Archimede, Democrito fu tra i primi a osservare che un cono o una piramide con le stesse area di base e altezza hanno un volume pari a un terzo del volume rispettivamente di un cilindro o di un prisma. Democrito non ne fornì una dimostrazione  ma si limitò ad asserirne la veridicità.Inoltre in un noto passo, Plutarco  riporta che Democrito si sarebbe posto la seguente questione: la superficie data dall'intersezione di un cono con un piano parallelo alla sua base può essere uguale oppure diversa dalla superficie della base del cono. Se le due superfici sono uguali, il cono è in realtà un cilindro, mentre se sono diverse il cono è in realtà un cono circolare a gradini .  questione posta da Democrito viene risolta sulla base di considerazioni di infinitesimi, e pertanto, sulla base di quanto riportato da Plutarco, è stato ipotizzato che Democrito fosse un precursore del concetto di infinitesimo e del calcolo integrale.

Prompt: Describe the characteristics of the Mathematics in Democritus (Ribera)'s Biography.Please output in Italian.


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Circe

Ulisse, dopo aver visitato il paese dei Lestrigoni, giunge all'isola di Eea. L'isola, coperta da fitta vegetazione, sembra disabitata e Ulisse invia in ricognizione parte del suo equipaggio, sotto la guida di Euriloco. In una vallata gli uomini scoprono che all'esterno di un palazzo, dal quale risuona una voce melodiosa, vi sono animali selvatici. Tutti gli uomini, con l'eccezione di Euriloco, entrano nel palazzo e vengono bene accolti dalla padrona, che altro non è che Circe. Gli uomini vengono invitati a partecipare a un banchetto ma, non appena assaggiate le vivande, vengono trasformati in maiali, leoni, cani, a seconda del proprio carattere e della propria natura. Subito dopo, Circe li spinge verso le stalle e li rinchiude.ἡ δ' αἶψ' ἐξελθοῦσα θύρας ὤϊξε φαεινὰς
καὶ κάλει· οἱ δ' ἅμα πάντες ἀϊδρείῃσιν ἕποντο
Εὐρύλοχος δ' ὑπέμεινεν· ὀΐσατο γὰρ δόλον εἶναι.
εἷσεν δ' εἰσαγαγοῦσα κατὰ κλισμούς τε θρόνους τε,
ἐν δέ σφιν τυρόν τε καὶbelι χλωρὸν
οἴνῳ Πραμνείῳ ἐκύκα· ἀνέμισγε δὲ σίτῳ
φάρμακα λύγρ', ἵνα πάγχυ λαθοίατο πατρίδος αἴης.
αὐτὰρ ἐπεὶ δῶκέν τε καὶ ἔκπιον, αὐτίκ' ἔπειτα
ῥάβδῳ πεπληγυῖα κατὰ συφεοῖσιν ἐέργνυ.
οἱ δὲ συῶν μὲν ἔχον κεφαλὰς φωνήν τε τρίχας τε
καὶ δέμας, αὐτὰρ νοῦς ἦν ἔμπεδος ὡς τὸ πάρος περ.
ὣς οἱ μὲν κλαίοντες ἐέρχατο· τοῖσι δὲ Κίρκη
πὰρ ἄκυλον βάλανόν τ' ἔβαλεν καρπόν τε κρανείης
ἔδμεναι, οἷα σύες χαμαιευνάδες αἰὲν ἔδουσιν.lingua=grc}}Euriloco torna velocemente alla nave e racconta a Ulisse quanto accaduto. Il sovrano di Itaca decide di andare da Circe per tentare di salvare i compagni. Dirigendosi verso il palazzo, incontra il dio Ermes, messaggero degli dèi, con le sembianze di un ragazzo cui spunta la prima barba, che gli svela il segreto per rimanere immune ai suoi incantesimi. Se mischierà in ciò che Circe gli offre da bere un'erba magica chiamata moly, non subirà alcuna trasformazione.Ulisse raggiunge Circe, la quale gli offre da bere , ma Ulisse, avendo avuto la precauzione di mescolare il moly con la bevanda, non si trasforma in porco. Egli minaccia di ucciderla, al che riconosce la propria sconfitta e ridà forma umana ai compagni di Ulisse e anche a tutti gli altri tramutati in porci.Dopo un anno, Ulisse è costretto a cedere ai desideri dei suoi compagni, che vogliono tornare a casa; chiede, dunque, a Circe la strada migliore per il ritorno, e la dea gli consiglia di visitare prima gli inferi e di consultare l'ombra dell'indovino Tiresia. Al ritorno dagli inferi, Circe darà ad Ulisse numerosi suggerimenti su come superare al meglio le successive difficoltà lungo la strada per Itaca.Secondo la tradizione, Circe ebbe un figlio da Ulisse, Telegono.

Prompt: In the context of The Sorceress (Waterhouse), explain the Meeting with Ulysses and the Myth.Please output in Italian.

Eea Ermes Itaca Lestrigoni Telegono Tiresia Ulisse


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Cloud Gate

Ubicato tra il lago Michigan ad est e il "Chicago Loop" ad ovest, il Grant Park è stato dal diciannovesimo secolo il giardino di Chicago. È racchiuso tra la Monroe Street , Michigan Avenue , Randolph Street  e Columbus Drive . Nel 2007, il parco è stata l'attrazione più visitata di Chicago dopo il "Navy Pier".Nel 1999 i funzionari del Millennium Park ed un gruppo di collezionisti d'arte, curatori ed architetti analizzarono le opere artistiche di 30 differenti artisti e chiesero due proposte. L'artista americano Jeff Koons propose di erigere una scultura permanente di uno scivolo alto 46 metri;  commissione scelse invece la seconda proposta, fatta da parte di Anish Kapoor, artista internazionalmente apprezzato. Con le misure 10 m x 20 m x 13 m e con il peso di quasi 100 tonnellate, la proposta era rappresentata da una superficie liscia e senza saldature, fatta di acciaio inossidabile ispirata al mercurio liquido. Questa superficie, molto simile ad uno specchio, avrebbe riflettuto lo skyline di Chicago, ma la sua forma ellittica avrebbe distorto e piegato l'immagine riflessa. Quando i visitatori camminano intorno alla struttura, la sua superficie si comporta come uno specchio curvato e quindi distorce la loro immagine riflessa.Sulla parte inferiore della scultura, si trova l'omphalos, una dentellatura la cui superficie a specchio crea molteplici riflessi di qualsiasi soggetto si trovi al di sotto di esso. L'apice dell'omphalos è a 8,2 metri dal terreno e la forma concava del Cloud Gate permette ai visitatori di camminare al di sotto di esso per vedere l'increspatura; durante la prima esposizione nel luglio 2004, la stampa descrisse l'omphalos come un "ventre dalla forma di cucchiaio".  scultura di acciaio inossidabile fu originariamente prevista come centro del "Lurie Garden", situato nella parte sud-est del parco, ma i funzionari del parco credevano che la scultura fosse troppo grande per quel posto e decisero di sistemarla nella "AT&T Plaza", nonostante le obiezioni di Kapoor. I grattacieli a nord lungo Randolph Street, inclusi "The Heritage", il "Smurfit-Stone Building", il "Two Prudential Plaza", il "One Prudential Plaza" e lo "Aon Center" sono visibili riflessi su entrambe le facce est ed ovest della scultura.leftSebbene Kapoor non disegni con l'ausilio del computer, il modellamento computerizzato fu essenziale per il processo di analisi delle complesse forme della scultura che crearono non pochi problemi.In particolare, crebbero le preoccupazioni che, stando all'esterno, la struttura avrebbe sofferto degli sbalzi termici stagionali, diventando d'estate rovente per il troppo calore e d'inverno così fredda che la lingua di qualcuno avrebbe potuto appiccicarvisi. Inoltre, si temeva che le importanti escursioni termiche avrebbero potuto indebolire la struttura. Altri potenziali problemi erano rappresentati dai graffiti, gli escrementi di uccelli e le impronte lasciate dalle persone, che avrebbero potuto intaccare l'estetica della superficie. Il problema più pressante era però l'esigenza di creare un'unica lamina esterna senza saldature per l'involucro esterno, una caratteristica che Norman Foster non credeva fosse facilmente realizzabile.Mentre la scultura veniva costruita, è stata soprannominata dalla gente e dai media "The Bean"  a causa della sua forma di legume, un nome che lo stesso Kapoor definì "completamente stupido". Mesi dopo, Kapoor intitolò ufficialmente la scultura Cloud Gate. Tre quarti della superficie esterna della scultura riflette il cielo ed il nome si riferisce ad essa come se fosse un tipo di passaggio che serve da ponte collegando lo spazio tra cielo e l'osservatore. A volte, viene fatto riferimento alla scultura ed alla piazza unitamente come il Cloud Gate sulla AT&T Plaza. È la prima opera pubblica all'aperto di Kapoor negli Stati Uniti, ed è, secondo il "Financial Times", il lavoro grazie al quale è più conosciuto nel paese.

Prompt: How does Cloud Gate explain its Design?Please output in Italian.


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Pala di San Zeno

verticalesinistra lucernaL'architettura dipinta, che appare come un prolungamento di quella della cornice, mostra una sorta di loggiato a base quadrata con pilastri, aperto su tutti i lati, con soffitto a cassettoni con luminosi "bottoni" d'oro, e ricco di elementi "all'antica", come il fregio con finto bassorilievo in grisaille di coppie di putti reggi-festoni o i medaglioni con scene mitologiche. L'insieme pare che riprenda molto fedelmente l'aspetto originario dell'altare del Santo di Donatello, l'opera fondamentale per la diffusione dell'arte rinascimentale nell'Italia settentrionale.Al di fuori si trova un rigoglioso giardino fiorito, mentre in alto, sul lato principale, corrono alcuni festoni di frutta e foglie, un motivo tipico di Squarcione e dei suoi allievi, tra cui Mantegna stesso. Sopra la testa della Vergine, incorniciata da un magnifico rosone ingioiellato del trono, stanno appesi tra i festoni una lucerna a cesendello in un bicchiere di vetro sostenuto e  decorato da un bordo d'oro con pietre preziose, alcuni fili di corallo lavorato e un uovo di struzzo. Quest'ultimo è simbolo della fecondità di Maria e al tempo stesso della sua verginità, con un richiamo erudito, ma ben comprensibile per gli umanisti del XV secolo, alla leggenda di Leda, sposa del re di Sparta; in un tempio della città si trovava appeso un analogo uovo, e Leda venne fecondata da Zeus sotto forma di cigno, precorrendo la fecondazione di Maria tramite i raggi divini emanati dalla colomba dello Spirito Santo.Le colonne sembrano separare i dipinti ma non interrompono lo spazio che il Mantegna ha concepito come unico, profondo, percorribile. L'unicità dello spazio è sottolineata dal pavimento a scacchiera bianca e nera, dal giardino di rose fiorite insinuantesi dietro il trono e a fianco dei santi, e dall'unico cielo dello sfondo, percorso nei tre pannelli da nuvolette bianche in strati orizzontali. Le colonne dipinte sono quindi come proiettate all'interno del quadro. Lo spazio è determinato logicamente attraverso la prospettiva scientifica, la luce è descritta attraverso il colore e le forme sono costruite in modo proporzionato.

Prompt: In the context of San Zeno Altarpiece (Mantegna), explain the Setting and the History.Please output in Italian.

Donatello
Italia settentrionale
Leda
Zeus


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Landscape with the Flight into Egypt (Patinir).Please output in Italian.


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vaso del Dipylon

Il vaso a causa delle dimensioni è stato costruito in sezioni riunite in un secondo momento; l'angolo acuto, formato dall'incontro tra la forma ovoidale del corpo e la forma cilindrica del collo, è stato lasciato in evidenza. Il ceramista infine ha aggiunto due maniglie doppie.  struttura sembra rispondere ad un preciso schema proporzionale: l'altezza è doppia della larghezza, il collo è la metà dell'altezza del corpo.  parte pittorica è stata eseguita con una soluzione di argilla e acqua, che sarebbe diventata scura dopo la cottura del vaso.

Prompt: How does Dipylon Amphora explain its Technique?Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: How does Flight into Egypt (Titian) explain its Other narratives?Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Gelosia

Gli antropologi hanno affermato che la gelosia varia da una cultura all'altra. L'apprendimento culturale può influenzare le situazioni che scatenano la gelosia e il modo in cui viene espressa la gelosia. L'atteggiamento verso la gelosia può anche cambiare all'interno di una cultura nel tempo. Ad esempio, l'atteggiamento nei confronti della gelosia è cambiato sostanzialmente negli anni '60 e '70 negli Stati Uniti. Le persone negli Stati Uniti hanno adottato opinioni molto più negative sulla gelosia. Man mano che uomini e donne diventavano più uguali diventava meno appropriato o accettabile esprimere la propria gelosia.

Prompt: Explain the Sociology about the Theories of this artwork, Jealousy (Munch).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Hidden  children  in  clandestinity of the Victims survivors explained?Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto