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Morte di Cleopatra

Un Dopo il primo triumvirato e l'assassinio di Giulio Cesare, avvenuto nel 44 a.C., i politici romani Ottaviano, Marco Antonio e Marco Emilio Lepido vennero eletti come triumviri per combattere gli assassini di Cesare, formando il secondo triumvirato. Dato che nel 36 a.C. Lepido finì per essere esautorato dalla vita politica e scelse di esiliarsi al Circeo, Ottaviano finì per controllare i territori romani in Europa occidentale, mentre Antonio governava quelli orientali. Cleopatra Tea Filopatore era la sovrana dell'Egitto tolemaico e aveva avuto una relazione con Giulio Cesare, dal quale ebbe Tolomeo XV, detto Cesarione. Dopo la morte di Cesare, Cleopatra iniziò una relazione con Antonio.Nel 32 a.C., incoraggiato da Cleopatra, Marco Antonio divorziò ufficialmente da Ottavia minore, la sorella di Ottaviano. Tale divorzio fu, insieme alla scoperta delle donazioni di Alessandria, uno dei fattori che spinsero il senato romano, ora sotto il controllo di Ottaviano, a dichiarare guerra alla regina del Nilo.Nel 31 a.C., dopo la disastrosa sconfitta nella battaglia navale di Azio, presso il golfo di Ambracia, Antonio e Cleopatra si ritirarono in Egitto per riprendersi e prepararsi per un eventuale assalto di Ottaviano, le cui forze erano aumentate di numero grazie alla resa di molti generali e soldati di Antonio in Grecia. Dopo un lungo periodo di diplomazia inutile, l'esercito di Ottaviano invase l'Egitto nella primavera dell'anno seguente. Dopo la conquista di Pelusio, ai confini orientali del regno dei Tolomei, da parte di Ottaviano, il suo generale Cornelio Gallo marciò da Cirene ed espugnò Paretonio, una città situata nell'Egitto occidentale. Anche se Antonio avrebbe potuto sconfiggere le truppe nemiche, che il 1 agosto del 30 a.C. avevano raggiunto l'ippodromo di Alessandria, la sua flotta e la sua cavalleria si unirono dalla parte di Ottaviano.

Prompt: In the context of The Death of Cleopatra, explain the Backgrounds and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

30 a.C.
Cirene
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio
Marco Emilio Lepido
Ottavia minore
Pelusio
Tolomeo XV


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (van Eyck, Washington).Please output in Italian.


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Sviluppo di una bottiglia nello spazio

L'opera rappresenta una bottiglia poggiata su un piatto: le due figure costituiscono una natura morta, tema raro nella poetica futurista di Boccioni. Tuttavia, l'artista riesce a rendere il gioco dinamico, che sta alla base dei suoi lavori, attraverso una visione vorticosa dei due elementi, rendendo indistinti l'interno e l'esterno degli oggetti e dando movimento al tutto.

Prompt: In Development of a Bottle in Space, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Abaporu

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Abaporu.Please output in Italian.


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Belle Jardinière

Immersa in un ampio paesaggio lacustre dall'orizzonte particolarmente alto, punteggiato da alberelli e da segni della presenza umana, si trova la Madonna seduta su una roccia, con appoggiato alle gambe Gesù Bambino; san Giovannino si trova inginocchiato a destra, mentre dirige uno sguardo intenso a Gesù. composizione, sciolta e di forma piramidale, con i protagonisti legati dalla concatenazione di sguardi e gesti, deriva con evidenza da modelli leonardeschi, come la Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino, ma se ne distacca sostituendo, al senso di mistero e all'inquietante carica di allusioni e suggestioni, un sentimento fresco di calma e spontanea familiarità. Al posto dei "moti dell'animo" reconditi, Raffaello mise in atto una rappresentazione dell'affettuosità, con l'abbraccio tra madre e figlio e le carezze di quest'ultimo sul ginocchio di lei, mentre il Battista si genuflette con rispettosa devozione. A Leonardo rimandano anche il bruno del terreno, punteggiato da specie botaniche indagate con cura, e la resa atmosferica del paesaggio di fondo, che si perde nei vapori della lontananza. Ricordano invece Michelangelo alcuni dettagli come il piedino di Gesù su quello della madre, presente anche nella statua della Madonna di Bruges.Le pose delle figure sono attentamente studiate a "contrapposto". Maria è ruotata verso sinistra e fa per abbracciare con naturalezza il figlio, il quale si allunga per prendere il libro che essa ha in grembo. Gesù mostra un elegante classicismo, con rimandi alla scultura dell'epoca come la Madonna di Bruges di Michelangelo. complessità stilistica, testimoniata da alcuni disegni preparatori in cui venne definita con cura la composizione, non intacca mai l'estrema cordialità e piacevolezza del tema. A tal proposito scrisse la Brizio: «[Raffaello è] al tempo stesso il pittore più apprezzato dagli accademici per la sua scienza compositiva e bella armonia e il più popolare, perché i semplici nelle sue Madonne ritrovano abbellita l'espressione dei propri sentimenti più naturali e più cari».

Prompt: Focus on La belle jardinière and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Van Gogh self-portrait (1889)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Battaglia di Cheronea  Battaglia del Granico Battaglia di Gaugamela Battaglia dell'Idaspe Battaglia di Isso

Prompt: How does Alexander Mosaic explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Battaglia del Granico
Battaglia dell'Idaspe
Battaglia di Gaugamela


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Angelo reggicandelabro

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1

Prompt: Focus on Angel (Michelangelo) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Augusto di Prima Porta

L'iconografia della statua è spesso stata accostata a certe immagini evocate dal Carmen saeculare di Orazio. D'altronde, se prendiamo come vera l'ipotesi della realizzazione della statua durante l'impero di Augusto e non durante quella di Tiberio, le due opere sono abbastanza contemporanee. Il Carmen infatti fu letto pubblicamente per la prima volta nel 17 a.C. durante i Ludi Saeculares, voluti dall'imperatore per celebrare la venuta della nuova Pax romana e dell'età dell'oro già preannunciata da Virgilio nella IV ecloga. corazza è aderente, facendo risaltare il fisico atletico che ricorda le sculture greche di certi eroi.Grande importanza simbolica hanno i rilievi che la decorano, con particolare riferimento alla storia contemporanea e all'ideologia di Augusto. Vi sono raffigurati: in alto una personificazione di Caelum; sotto di esso vola la quadriga di Sol; procedendo verso destra si trova la Luna quasi completamente coperta da lAurora  ; al centro è raffigurata la scena del re dei Parti Fraate IV che restituisce le insegne catturate ai Romani dopo la sconfitta di Crasso; è presumibile che il generale romano raffigurato con ai piedi un cane  sia Tiberio, visto che proprio lui partecipò alla campagna partica. Ma non è da escludere che si tratti dello stesso Augusto o di un imberbe dio della guerra Marte vendicatore. Altra ipotesi lo identifica come l'incarnazione fisica delle legioni e del legionario ideale; ai due lati si trovano due donne che piangono. Quella a destra tiene in mano uno stendardo, su cui è raffigurato un cinghiale e la tipica tromba celtica a forma di drago, il carnyx. Quella a sinistra, colta in atteggiamento di sottomissione, porge un parazonium. È possibile che la prima rappresenti le tribù celtiche del Nord-Ovest della Spagna, Asturi e Cantabri, che erano state conquistate da Augusto, oppure la Gallia stessa che sempre dall'imperatore era stata riorganizzata e pacificata tra il 12 e l'8 a.C.; la seconda invece, non essendo completamente disarmata, potrebbe raffigurare le tribù germaniche situate tra il Reno e l'Elba che comunque sarebbero presto state oggetto di conquista oppure i regni dell'Oriente ellenistico, clienti di Roma; al di sotto delle due figure di donna sono Apollo e Diana, rispettivamente su di un grifone e su di un cervo; in basso si trovano la dea Tellus, simbolo di fertilità, semisdraiata e tenente un corno  colmo di frutta, e due neonati che si afferrano alla veste della dea .

Prompt: Describe the characteristics of the The armor in Augustus of Prima Porta's Style.Please output in Italian.

8 a.C.
Augusto
Carmen saeculare
Fraate IV
Ludi Saeculares
Pax romana
Roma
Tellus
Tiberio


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Genio della Vittoria

Non si sa di preciso quando la statua venne scolpita, ma essa è in genere riferita al progetto per la tomba di Giulio II, destinata a decorare una delle nicchie inferiori di uno degli ultimi progetti, magari quello del 1532 a cui sono riferiti anche i Prigioni della Galleria dell'Accademia. Forse nel monumento era accoppiato, sull'altro lato, a una figura di lottatori simile, di cui esiste un bozzetto a Casa Buonarroti: il cosiddetto Ercole-Sansone.Con le celebri statue non-finite, il Genio ha infatti in comune una parte della storia nota: rimaste nello studio dell'artista in via Mozza dopo la sua definitiva partenza da Firenze nel 1534, divennero di proprietà di suo nipote Leonardo Buonarroti, il quale provò prima a venderle nel 1544 , poi, su suggerimento di Daniele da Volterra, a farle collocare sulla tomba di Michelangelo in Santa Croce , ma Giorgio Vasari espresse un parere negativo, suggerendo piuttosto di regalarle al duca Cosimo I de' Medici, come di fatto avvenne quello stesso anno. Se i Prigioni vennero destinati alla Grotta del Buontalenti nel Giardino di Boboli, il Genio finì per decorare il Salone dei Cinquecento, lungo le pareti, mischiato tra le statue delle Fatiche di Ercole di Vincenzo de' Rossi e altre.Nel 1868, tre anni dopo l'apertura del Museo nazionale del Bargello, la statua venne destinata alle raccolte di statuaria fiorentina che allora si andavano radunando nel museo. Tornò a Palazzo Vecchio solo il 6 novembre 1921, venendo però collocata nella nicchia moderna al centro della parete posteriore della sala, dove era stata ospitata al tempo di Firenze capitale la statua di Girolamo Savonarola, oggi in piazza Savonarola. Solo in anni recenti si è preferito riportarla alla sua collocazione antica lungo la parete destra.

Prompt: In The Genius of Victory, how is the History discussed?Please output in Italian.

1532
1534
1544
1868
1921
Casa Buonarroti
Cosimo I de' Medici
Daniele da Volterra
Firenze
Galleria dell'Accademia
Giardino di Boboli
Giorgio Vasari
Girolamo Savonarola
Grotta del Buontalenti
Museo nazionale del Bargello
Palazzo Vecchio
Prigioni
Salone dei Cinquecento
Vincenzo de' Rossi


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Orologio astronomico di Praga

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

Prompt: Describe the characteristics of the Moon in Prague astronomical clock's Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Abramo Isacco Sara  Messia Timore e tremore Søren Kierkegaard

Prompt: In Abraham and Isaac (Titian), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Abramo
Isacco
Messia
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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San Cristoforo

Il più antico testo degli Atti di san Cristoforo, in lingua latina, risale al VII secolo; ma è con la narrazione della Legenda Aurea di Jacopo da Varazze che la storia di san Cristoforo divenne famosa durante il Medioevo.Secondo la leggenda agiografica orientale, Cristoforo, un omone dall'aspetto truce, entrato nell'esercito imperiale, si convertì al cristianesimo e annunciò la sua fede ai commilitoni. Scoperto, venne sottoposto a numerose torture. Due donne, Niceta e Aquilina, che avrebbero dovuto corromperlo, furono invece da lui convertite. Alla fine Cristoforo venne decapitato.In Occidente prevalse invece un altro aspetto, quello legato al significato etimologico del suo nome: Cristoforo infatti significa, in greco, " porta Cristo". Così la leggenda parla di un cananeo, per alcuni un gigante, che faceva il traghettatore su un fiume. Era un uomo burbero e viveva da solo in un bosco, di cui era padrone. Secondo alcune storie il fiume era in Licia. Una notte gli si presentò un fanciullo per farsi portare al di là del fiume; Reprobus , anche se grande e robusto, si sarebbe piegato sotto il peso di quell'esile creatura, che sembrava pesare sempre di più ad ogni passo. In alcune versioni sarebbe cresciuta anche la corrente del fiume, che si faceva più vorticosa. Il gigante sembrava essere sopraffatto, ma alla fine, stremato, riuscì a raggiungere l'altra riva. Al meravigliato traghettatore il bambino avrebbe rivelato di essere il Cristo, confessandogli inoltre che aveva portato sulle sue spalle non solo il peso del corpicino del bambino, ma il peso del mondo intero. Dopo aver ricevuto il battesimo, Cristoforo si recò in Licia a predicare e qui subì il martirio.Questo aspetto di Cristoforo suggerisce che con l'avvento di Cristo l'uomo non è più responsabile del proprio piccolo mondo, ma di tutto il creato. Trasportare un giovane maschio dall'altra parte del bosco poteva essere, anticamente, una qualche forma di iniziazione ai misteri della natura, della foresta, dell'acqua, o iniziarlo alla vita adulta. Da quando però Cristo irrompe nel mondo, tutto cambia profondamente: un bimbo cristiano porta su di sé la responsabilità del mondo intero, anche quello al di là del bosco. "Hai portato il peso del mondo sulle tue spalle": questa la differenza tra l'uomo del prima e l'uomo del dopo Cristo.In alcuni paesi, tra i quali quelli anglosassoni, esiste la storia di Iron John, o di Eisenhans, come raccontano i fratelli Grimm. Il protagonista della fiaba è un uomo selvatico che viene ripescato nel fondo di uno stagno, dove si trovava chissà da quanto tempo.

Prompt: How does Saint Christopher Carrying the Christ Child explain its Biography?Please output in Italian.

Cristoforo
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Licia
Medioevo
VII secolo


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Vento leggero, mattino sereno

Vento leggero, mattinata serena  nota anche come Red Fuji, è una xilografia dell'artista giapponese Hokusai , facente parte della serie delle Trentasei vedute del Monte Fuji, databile tra il 1830 e il 1832 circa. L'opera è stata descritta come "una delle più semplici e allo stesso tempo una delle più eccezionali di tutte le stampe giapponesi".

Prompt: In Fine Wind, Clear Morning, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nell'ultimo anno Giulio II divenne sempre più impaziente, obbligando il Buonarroti a un ritmo frenetico per avvicinare la conclusione. Gli ultimi affreschi mostrano uno stile più conciso e con alcuni dettagli semplificati, ma non per questo meno efficaci. A ottobre del 1512 Michelangelo scrisse al padre che «io ò finitta la cappela che io dipignevo: el papa resta assai ben sodisfato, e l'altre cose non mi riescono a me come stimavo; incolpone  tempi, che sono molto contrari all'arte nostra».Sempre dal diario del De Grassis si apprende che, alla vigilia di Ognissanti del 1512, il 31 ottobre, gli affreschi vennero solennemente scoperti e la cappella riaperta.

Prompt: Explain the End work about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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Salvatore

Basco: XalbaCatalano: SalvadorGreco: SotirisIngleseIpocoristici: Saltino: SalvatorFemminili: SalvatrixPolacco: SalwatorPortoghese: SalvadorFrancese: Sauveur, XavierSiciliano:  Sarbaturi;  Varianti dialettali: Sarvaturi, Savvaturi, Sabbaturi;  Ipocoristici: Sarbu, Sabbu, Sarvu, Savvu, Rinu, Toti, Totò, Turi, Turiḍḍu, Turuzzu.Spagnolo: SalvadorTedesco: SalvatorUngherese: Szalvátor

Prompt: Explain the Variantsinotherlanguages about the Variants of this artwork, The Saviour (El Greco).Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Il Santuario di Santa Maria delle Grazie si trova sul colle di Covignano, a tre km di distanza dalla città.Alla sua origine vi sarebbero alcune apparizioni della Madonna, presso un convento francescano in cui soggiornò, giovane frate, Elia Facchini poi martire in Cina e diventato santo. Da segnalare la via Crucis monumentale, probabilmente la più antica del mondo, che sale verso il santuario con 14 cappelle-stazioni in terracotta policroma. Le antiche formelle furono in gran parte distrutte dalle bombe durante la seconda guerra mondiale; quelle rimaste integre si possono ammirare nel santuario. Le formelle odierne sono opera del famoso scultore riminese Elio Morri.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Rimini of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: In Annunciation (van Eyck, Washington), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Deposizione Borghese

Deposizione Borghese è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, datato 1507, firmato , e conservato nella Galleria Borghese a Roma. Si tratta dello scomparto principale della Pala Baglioni.

Prompt: In The Deposition (Raphael), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1507
Galleria Borghese
Pala Baglioni
Raffaello Sanzio
Roma


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Madonna del Garofano

Madonna del Garofano è un dipinto a olio su tavola  di Leonardo da Vinci, databile al 1473 circa e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna of the Carnation.Please output in Italian.


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Il sonno della ragione genera mostri

Francisco Goya realizzò Il sonno della ragione genera mostri come parte del ciclo de Los caprichos , una serie di ottanta opere ritraenti – in chiave allegorica, umoristica e satirica – vizi e miserie umane, ma anche soggetti fantastici o grotteschi. tavola del Capriccio 43 fu preceduta da due disegni preparatori.  prima tavola, senza titolo, rappresenta una figura che, addormentatasi su una sorta di scrittoio, viene osservata dagli occhi sbarrati di quattro figure, delle quali una riproduce le fattezze del Goya. Il secondo bozzetto, invece, reca due scritte che rispondono alla grafia del Goya.  prima recita «Idioma universal. Dibujado y grabado por Francisco de Goya. Año 1797» ; nella seconda, invece, si legge «El autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar con esta obra de Caprichos, el testimonio sólido de la verdad. 1797» .

Prompt: Focus on The Sleep of Reason Produces Monsters and explain the History.Please output in Italian.


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Ragazzo morso da un ramarro

</ref>}}Ragazzo morso da un ramarro è un dipinto realizzato dal pittore italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio e di cui esistono due versioni simili.

Prompt: Focus on Boy Bitten by a Lizard and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

Historical Diving Society ItaliaCristo del Mare Cristo delle Vette Statua del Redentore Cristo degli Abissi

Prompt: Focus on Christ of the Abyss and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cristo del Mare
Cristo delle Vette
Historical Diving Society Italia
Statua


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Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: In the context of Monument to Giordano Bruno, explain the Medallions and brooches and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


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Resurrezione di San Francesco al Prato

L'opera deve il nome alla chiesa di San Francesco al Prato di Perugia, da dove proviene originariamente. Venne commissionata nel 1499 e compiuta verosimilmente entro il 1501. Con i furti napoleonici finì a Parigi nel 1797, ma riportata in Italia nel 1815 fu destinata a Roma e restò in Vaticano. Il tema della Resurrezione era già stato trattato dall'artista nella predella del Polittico di San Pietro . Secondo Cavalcaselle nell'opera avrebbe avuto un ruolo consistente anche il giovane Raffaello, opinione condivisa da alcuni storici ma rifiutata dalla maggior parte della critica.

Prompt: How does San Francesco al Prato Resurrection explain its History?Please output in Italian.


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Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: Explain the Objective criteria in the evaluation of a work of art about the Introduction of this artwork, The Beauty.Please output in Italian.


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The Life Electric

Veduta area sulla diga foranea e sulla scultura durante il passaggio di un battelloAlta circa 13,75 metri , The Life Electric ha la forma di due sinusoidi contrapposte. Pesa 29 tonnellate ed è stata realizzata in acciaio e rivestita di acciaio inossidabile.

Prompt: Focus on Life Electric and explain the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Ermes di Aigio

statua, scolpita nel marmo pentelico, si presenta a grandezza naturale, essendo alta ben 171 centimetri. Sebbene si tratti di una produzione di epoca romana, mostra delle caratteristiche chiaramente riconducibili all'area di influenza lisippea.Ermes si mostra in posizione eretta, con un evidente contrapposto: il peso, infatti, è scaricato sulla gamba sinistra, mentre la destra è rilassata e piegata all'altezza del ginocchio, portata leggermente di lato e dietro. Una clamide cade dalla sua spalla sinistra, si avvolge intorno al braccio sinistro e resta sospesa sul supporto in marmo situato accanto alla figura, che in questo caso viene scolpito con sembianze di tronco d'albero. Nella mano destra Ermes stringe un sacchetto, la cui parte superiore è andata perduta; nella sinistra impugna il caduceo, completamente mancante.  sua testa, dalla forma ideale, mostra un volto dai lineamenti duri, ed è inclinata a sinistra; le ciocche dei capelli, corti e arruffati, sono scolpite a forma di mezzaluna e incorniciano il suo viso piuttosto in basso, sulla fronte. figura presente delle affinità con lErmes di Atalanti e con lErmes di Andro, sebbene sia considerata di qualità inferiore.

Prompt: How does Hermes of Aegium explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna di Bagnacavallo

L'opera, chiamata anche Madonna del Patrocinio, fu rinvenuta da monsignor Antonio Savioli nel secondo dopoguerra nel convento delle monache cappuccine a Bagnacavallo, in provincia di Ravenna, dove attirò l'attenzione del religioso che la considerò di ambito leonardesco. Nel 1961 Roberto Longhi la riconobbe come opera di Dürer. Nel 1969, quando il convento venne chiuso e le monache lasciarono Bagnacavallo, il dipinto venne venduto al collezionista-mecenate Luigi Magnani . Oggi la collezione di Magnani è gestita dalla Fondazione Magnani-Rocca.Indagini d'archivio hanno appurato che la tavola era entrata in convento nel 1822 con l'ingresso in clausura della badessa del convento delle clarisse di Cotignola chiuso in seguito alle soppressioni napoleoniche.Le ipotesi più suggestive identificano l'opera con uno di quei dipinti che Dürer portò con sé dalla Germania nel 1505, per finanziarsi durante il suo secondo viaggio in Italia, anche perché l'analisi stilistica, soprattutto della composizione, rileva stilemi ancora legati alla tradizione tardogotica tedesca, ascrivibili a prima del secondo viaggio. Dell'opera si conosce un disegno preparatorio del 1495, che copiava un Bambin Gesù tratto da un lavoro di Lorenzo di Credi ; la fisionomia di Maria invece ricorda i tipi di Giovanni Bellini, che l'artista aveva dimostrato di assimilare anche in opere riferibili allo stesso periodo, come la Madonna Haller.

Prompt: In Bagnacavallo Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: How does Annunciation (Correggio) explain its Liturgical celebration?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Epifania

festa dell'Epifania è celebrata dalla Chiesa copta ortodossa di Alessandria l'11 del mese di Tobe del calendario copto, commemorando il momento in cui nel Battesimo di Gesù si sono aperti i cieli e Dio stesso si è rivelato a tutti come padre di Gesù e di tutta l'umanità. Questa celebrazione iniziò a includere l’intera Incarnazione di Gesù, dalla sua nascita nel Natale fino al suo battesimo nel fiume Giordano. Per la Chiesa copta ortodossa essa rappresenta anche l’inizio del cammino di Gesù verso la Croce. Pertanto, in molte celebrazioni esistono analogie con le celebrazioni del Venerdì Santo durante il tempo di Pasqua.Poiché l'Epifania è una delle sette grandi feste della Chiesa copta ortodossa, sono previsti il digiuno rigoroso unitamente a diverse celebrazioni religiose.  giornata è legata alla benedizione delle acque che vengono utilizzate durante tutto l'anno nelle celebrazioni della chiesa, ed è un giorno privilegiato per celebrare i battesimi. In tale occasione, avviene anche la benedizione delle famiglie, evento che si protrae vari giorni oltre l’Epifania, ma che deve concludersi prima dell'inizio della Quaresima.

Prompt: In Epifania, how is the Egypt of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

Battesimo di Gesù
Dio
Gesù
Gesù
Natale
Pasqua
Quaresima


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Tre filosofi

Come riporta Marcantonio Michiel nella Notizia d'opere del disegno  l'opera venne eseguita per Taddeo Contarini. Lo storico veneziano la descrive come: «tela a olio delli tre philosophi nel paese, due riti e uno sentado che contempla i raggi solari con quel saxo finto così mirabilmente, fu cominciata da Zorzo da Castelfranco et finita da Sebastiano Vinitiano».Nel 1636 il dipinto si trovava presso Bartolomeo della Nave, ancora a Venezia; venduto nel 1638 a Hamilton, venne infine ceduto nel 1649 a Leopoldo Guglielmo d'Austria ; da allora ha seguito le sorti delle raccolte asburgiche.

Prompt: In The Three Philosophers, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: Describe the characteristics of the Patristics in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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Gonfalone della Giustizia

Il Gonfalone della Giustizia è un dipinto a tempera e olio su tela  di Pietro Perugino, databile al 1501 circa  e conservato nella Galleria nazionale dell'Umbria a Perugia.

Prompt: How does Gonfalon of Justice explain its Abstract?Please output in Italian.

1501
Galleria nazionale dell'Umbria
Perugia
Perugino


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Romolo e Remo

Ottenuto dal nonno Numitore il permesso, Romolo e Remo lasciarono Alba Longa e si recarono sulla riva del Tevere per fondare una nuova città nei luoghi dove erano cresciuti.Una versione alternativa racconta che Romolo fece costruire sul solco  tracciato con l'aratro, una cinta muraria, mettendovi a guardia Celere, cui impartì l'ordine di uccidere chiunque avesse osato scavalcarla. Purtroppo Remo non era venuto a conoscenza dell'ordine imposto dal fratello e quando si avvicinò alla cinta, notando quanto essa era bassa, la scavalcò con un salto. Il fedele Celere gli si avventò contro e lo trapassò con la spada. Romolo, saputo della disgrazia, ne rimase sconvolto, ma non osò piangere di fronte al suo popolo, essendo ormai un sovrano.Faustolo, il pastore che li aveva allevati fu inumato presso l'allora Comizio, mentre Remo fu seppellito sull'Aventino in una località chiamata Remoria, in ricordo del quale ogni 9 maggio era celebrata una festa Remuria  per ricordare i defunti, come ci racconta Ovidio. Romolo diventava così il primo re di Roma.

Prompt: Explain the Death  Remus  foundation  Rome about the The  legend  in  the  ancient  sources of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.

Alba Longa
Aventino
Comizio
Faustolo
Numitore
Remoria
Remoria
Roma
Romolo


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Salutat

Insieme a Between Rounds e Taking the Count, Salutat è una delle tele di medie dimensioni realizzate da Eakins sul soggetto della boxe. Between Rounds e Salutat vanno a immortalare un incontro svoltosi il 22 aprile 1898 tra i pesi piuma Tim Callahan e Billy Smith, che vide il primo dei due pugili trionfare sul secondo. Tuttavia, in Salutat, Eakins sceglie di rappresentare Smith come il vincitore e lo raffigura nel momento in cui saluta la folla nel momento del trionfo. Il pugile è rappresentato come un gladiatore e sulla cornice originale dell'opera erano incise le parole "Dextra Victrice Conclamantes Salutat" .Considerato tra i capolavori dell'artista, Salutat è caratterizzato da una grande precisione nella resa dei personaggi, tanto che gli storici dell'arte hanno identificato diversi membri del pubblico, tra cui l'amico Louis Kenton , il giornalista sportivo Clarence Cranmer , David Jordan, il fotografo Lous Husson , Samuel Murray  e Benjamin Eakins . Billy Smith è illuminato da una tenue luce bianca che fa risplendere il suo corpo, contrastando con le tonalità brune e grigiastre dell'ambiente e dei personaggi circostanti.  composizione triangolare costituita dai tre uomini in primo piano evidenzia la struttura classicheggiante dell'opera, che ricorda i bassorilievi incisi sui fregi.

Prompt: How does Salutat explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Fiumefreddo di Sicilia, nella città metropolitana di Catania, la prima domenica di Luglio si festeggia la Madonna delle Grazie.  festa ha luogo nella chiesa del quartiere Ponte Borea. Le celebrazioni incominciano il 2 luglio a cui segue un triduo di preparazione partecipato da tanti devoti.  domenica successiva al 2 luglio vengono celebrate due S. Messe; la prima alle 10 del mattino, l'altra alle ore 18:30.Dopo la statua lignea della Madonna esce dalla chiesa accolta da tantissimi devoti e ha inizio la processione, che si conclude con il rientro in chiesa intorno alle 21:30. Per l'occasione le strade del quartiere sono abbellite da luci e bandiere.

Prompt: Explain the Fiumefreddo di Sicilia Borea about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.

2 luglio
Catania
Fiumefreddo di Sicilia
Luglio


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Madonna della Scala

Madonna della Scala o Maria Santissima della Scala è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, madre di Gesù.

Prompt: In Madonna of the Stairs, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Notturno in nero e oro - Il razzo cadente

L'opera, in effetti, si svincola deliberatamente dall'esigenza di narrazione e dalle costrizioni della forma e assume un'espressività decisamente protoastrattista. Non per questo, tuttavia, bisogna pensare che la stesura del Notturno sia stata dozzinale. Whistler, anzi, medita assai profondamente sulle pennellate, talvolta più calligrafiche talvolta più fluide, a seconda dell'entità rappresentata.  stessa ponderatezza si riscontra negli equilibri cromatici dell'opera: Whistler, infatti, per raggiungere quel senso di mistero di cui si è già parlato, non esita a orchestrare preziosi accordi di colore, restringendo la sua tavolozza a tonalità di ocra, vermiglio, rosso veneziano, terra d'ombra, cobalto e nero d'avorio. Così facendo, Whistler mostra di prediligere una pittura sottile ed aerea, con i colori che aspirano a rievocare ritmi musicali, nel segno di una nuova sintesi estetica, artistica e sensoriale. Ce lo testimonia proprio il titolo del quadro, Notturno, termine musicologico che si riferisce a composizioni destinate all'esecuzione all'aperto e di notte:{ class="toccolours" style="float: right; margin-left: 1em; margin-right: 2em; font-size: 85%; background:#FFFFCC; color:black; width:22em; max-width: 45%;" cellspacing="5" style="text-align: left;"  «[Era] ben più di una secchiata di colore gettata in faccia a un pubblico non recettivo. Era il cocktail incendiario di un terrorista estetico. Il termine musicale adeguato per questo dipinto non è tanto "armonia", quanto "battaglia"»- style="text-align: left;"  — David Park Curry: Uneasy Pieces, S. 184}</ref>By using the word ‘nocturne’ I wished to indicate an artistic interest alone, divesting the picture of any outside anecdotal interest which might have been otherwise attached to it. A nocturne is an arrangement of line, form and colour firstlingua=en}}Questa sofisticata concezione dell'arte risponde pienamente alle prescrizioni dell'Estetismo, atteggiamento del gusto e del pensiero per il quale le opere d'arte non vanno inquinate con finalità di tipo utilitaristico o didascalico, bensì devono esclusivamente ricercare la pura bellezza. Il Notturno in nero e oro, infatti, rispecchia fedelmente la mentalità degli esteti più convinti, primo fra tutti Walter Pater, strenuo sostenitore del motto «l'arte per l'arte» e promotore di una mistica coincidenza di pittura e musica: «L'intera arte aspira costantemente alla condizione della musica», avrebbe affermato ne  scuola di Giorgione. Pur rifacendosi a modelli colti, tuttavia, l'opera fu giudicata assai negativamente dal pubblico. Tra i critici più virulenti vi furono Edward Burne-Jones, secondo il quale «il dipinto non è che una delle migliaia di tentativi non riusciti di rappresentare la notte», e in particolar modo John Ruskin, che paragonò il dipinto a «una secchiata di colori gettata in faccia al pubblico». Whistler, oltraggiato da quest'ultimo affronto, avrebbe trascinato Ruskin nelle aule del tribunale e inscenato un processo, dal quale derivò esclusivamente un indennizzo simbolico di uno scellino. Per maggiori dettagli si consulti il paragrafo James Abbott McNeill Whistler § Whistler contro Ruskin.

Prompt: In Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket, how is the A symphony of colors of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Edward Burne-Jones
James Abbott McNeill Whistler
John Ruskin
Walter Pater


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Santi Rocco, Antonio Abate e Lucia

I Santi Rocco, Antonio Abate, e Lucia è un dipinto a olio su tavola  di Cima da Conegliano, databile al 1513 e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York.L'opera proviene da Parma, dove si pensa possa aver ispirato il Quattro santi del Correggio, opera pure nel museo newyorkese.

Prompt: How does Saints Roch, Anthony Abbot and Lucy explain its Abstract?Please output in Italian.

1513
Cima da Conegliano
Metropolitan Museum of Art
New York
Parma
Quattro santi


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Madonna dei Palafrenieri

Sul rifiuto dell'opera da parte dei committenti si sono fatte varie ipotesi: secondo Hess, seguito dal Friedlander, nella nuova San Pietro non fu concessa ai Palafrenieri la cappella desiderata; questi furono quindi costretti ad accontentarsi di una cappella di ridotte dimensioni, dove il quadro del Caravaggio non riuscì a collocarsi. Fu quindi avanzata l'ipotesi di un trasferimento temporaneo del dipinto nella stessa Chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri. di proprietà della Confraternita. Lo Spezzaferro ritiene che l'ipotetico smantellamento dell'altare dove fu collocato il dipinto non fosse dovuto all'altare, ma al quadro che in quel luogo poteva essere esposto solo per pochi giorni e collega il rifiuto ad un altro coevo, quello della Morte della Madonna dipinto per la chiesa di Santa Maria della Scala. Di certo, il dipinto in sé presentava comunque aspetti poco digeribili dalla Confraternita dei dignitari pontifici: il Bambino completamente nudo e troppo cresciuto; una madonna-popolana che si china mostrando il petto e con un volto molto conosciuto a Roma, quello della modella e amica del pittore Maddalena Antognetti detta Lena; l'atteggiamento distaccato, dimesso di sant'Anna patrona dei Palafrenieri. Ma non vi è dubbio che il motivo più fondante che portò al netto rifiuto dell'opera vada ricercato nella mancata partecipazione nell'opera della redenzione di S. Anna, patrona dei Palafrenieri, vista in un atteggiamento estraneo, meditativo, che appare come una vecchia rugosa e infagottata. Salvatore Settis avvicina questa immagine della madre di Maria ad una statua di Demostene e la indica come iconografia della meditazione. Proprio quest’atteggiamento astratto, non partecipativo di S. Anna, che avrebbe dovuto portare alla Grazia, irritò i Confratelli e il Collegio cardinalizio, ed in particolare il cardinale di Como Tolomeo Gallio. Va ancora detto che l'immagine poteva causare altri contrasti a seguito della disputa fra cattolici e protestanti su una diversa interpretazione dell'Antico Testamento relativamente al momento in cui Maria schiaccia col piede la testa del serpente. Secondo i cattolici doveva essere Maria a schiacciare il male impersonato dal serpente-demonio; secondo i protestanti si trattava invece di Gesù. Caravaggio, dunque, avrebbe dato un eccessivo coinvolgimento a Gesù Bambino nell'uccidere il serpente e quindi per giungere alla Redenzione sarebbe stato sufficiente rivolgersi alla benevolenza divina senza che la Chiesa di Roma avesse un ruolo determinante. Pio V, però, nel 1569 aveva emesso una bolla risolutiva precisando che il serpente è schiacciato dal Figlio con l'aiuto della Vergine madre. In questo, conclude Maurizio Calvesi, Caravaggio non aveva fatto altro che riprendere ciò che aveva già proposto Ambrogio Figino in una sua opera, la Madonna della serpe dell'Oratorio di S. Antonio Abate a Milano: e dunque, secondo lo studioso, Caravaggio si era inserito in quella che era stata l'interpretazione corrente dell'arte della Controriforma e del pensiero del Borromeo. Il richiamo al motivo dell'Immacolata Concezione per  questa interpretazione iconografica e la dipendenza del Caravaggio dal Figino per quest’opera era già stato proposto dal Longhi: il Caravaggio non aveva fatto che seguire un importante esempio assimilato durante la sua formazione lombarda ed era incappato in un rifiuto simile, se, come sembra, anche l'opera di Figino, inizialmente destinata alla chiesa di S. Fedele a Milano, venne rifiutata dai Gesuiti a causa dell'ambigua iconografia. Resta comunque da considerare che nel Discorso intorno alle immagini sacre e profane, Gabriele Paleotti aveva duramente condannato per la raffigurazione della Vergine Maria ogni immagine che potesse essere solo lontanamente lasciva che " fa stomaco a vederla". E il seno di Lena offerto alla vista degli spettatori non era certo un bel vedere per la rigida posizione dei padri riformatori e urtava sicuramente contro la posizione classicista di Bellori: " L'altro quadro di Santa Anna fù tolto ancora da uno de minori altari della Basilica Vaticana, ritratti in esso vilmente la Vergine con Giesù fanciullo ignudo, come si vede nella villa Borghese". Tutti questi motivi generavano forte imbarazzo e contrarietà nei Palafrenieri del papa che non potevano permettersi di tenere un'opera quantomeno dibattuta a vessillo del loro altare in San Pietro o nella loro Chiesa confraternale. Il loro ruolo di contiguità con il Pontefice e i loro continui contatti con il Collegio cardinalizio a causa del loro Ufficio di Corte, non rendevano praticabile una sopravvivenza dell'opera in Vaticano.

Prompt: Explain the The refusal of the work about the History of this artwork, Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri).Please output in Italian.

Ambrogio Figino
Chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri
Gabriele Paleotti
Maddalena Antognetti
Roma
Sant'Anna
Tolomeo Gallio


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Amore e Psiche

In un regno lontano, un re e una regina hanno tre bellissime figlie.  più giovane di esse, Psiche, è di una bellezza così eccezionale che la gente si prostra davanti a lei come se fosse la dea Venere.  devozione per la ragazza suscita la collera della dea, che chiede a suo figlio Amore di punire Psiche facendo in modo che si innamori di un mostro. Mentre sta per colpire la fanciulla con una delle sue frecce, però, il dio sbaglia mira e la freccia d'amore colpisce invece il proprio piede, cosicché egli si innamora perdutamente di lei. Intanto, i genitori di Psiche consultano un oracolo che risponde:Psiche viene così portata a malincuore sulla cima di una rupe e lì viene lasciata sola. Con l'aiuto di Zefiro, Amore la trasporta al suo palazzo, dove la giovane viene accudita da servitori invisibili che provvedono a ogni sua necessità. Alla notte, Psiche viene raggiunta da Amore che si dimostra uno sposo innamorato, ma non le rivela la propria identità: dopo aver trascorso la notte con lei, la saluta avvertendola che anche in futuro i loro incontri avverranno sempre al buio, e che la ragazza non dovrà mai cercare di vederlo né conoscerne il nome.Passano così parecchi giorni: Psiche è felice e innamorata del misterioso sposo, ma desidera rivedere le sue sorelle. Amore, per quanto malvolentieri, acconsente a invitare le due donne nel palazzo. Qui le sorelle, colpite dal lusso in cui vive Psiche, concepiscono un’invidia bieca nei suoi confronti: insinuano così in lei il sospetto che lo sposo misterioso sia in realtà un mostro che prima o poi la ucciderà; le suggeriscono perciò di attendere la notte per trafiggerlo con un pugnale. Dopo molte riluttanze, una notte Psiche decide di agire. Armandosi con il pugnale ed una lampada ad olio, decide pertanto di scoprire chi realmente sia il suo amante, ma proprio quando sta per uccidere lo sposo, alla luce della lanterna le appare il bellissimo dio dell’amore. Mentre Psiche ne contempla l’abbagliante bellezza, una goccia d’olio cade sulla spalla del dio e lo scotta, svegliandolo:Fallito il tentativo di aggrapparsi alla sua gamba, una Psiche straziata dal dolore tenta più volte il suicidio, ma gli dei glielo impediscono.  ragazza inizia così a vagare per diverse città alla ricerca del suo sposo, si vendica delle avare sorelle e cerca di procurarsi la benevolenza degli dei, dedicando le sue cure a qualunque tempio incontri sul suo cammino. Arriva però al tempio di Venere e a questa si consegna, sperando di placarne l'ira per aver disonorato il nome del figlio.Venere sottopone Psiche a diverse prove: nella prima, deve suddividere un mucchio di granaglie con diverse dimensioni in tanti mucchietti uguali; disperata, non prova nemmeno ad assolvere il compito che le è stato assegnato, ma riceve un aiuto inaspettato da un gruppo di formiche, che provano pena per l'amata di Cupido.  seconda prova consiste nel raccogliere la lana d'oro di un gruppo di pecore. Ingenua, Psiche fa per avvicinarsi alle pecore, ma una verde canna la avverte e la mette in guardia: le pecore diventano infatti molto aggressive con il sole e lei dovrà aspettare la sera per raccogliere la lana rimasta tra i cespugli.  terza prova consiste nel raccogliere acqua da una sorgente che si trova nel mezzo di una cima tutta liscia e a strapiombo. Qui viene però aiutata dall'aquila di Giove.L'ultima e più difficile prova consiste nel discendere negli Inferi e chiedere alla dea Proserpina un po' della sua bellezza. Psiche medita addirittura il suicidio tentando di gettarsi dalla cima di una torre; improvvisamente però la torre si anima e le indica come assolvere la sua missione. Durante il ritorno, mossa ancora una volta dalla curiosità, apre l'ampolla  contenente il dono di Proserpina, che in realtà altro non è che il sonno più profondo. A correre in suo soccorso stavolta è lo stesso Amore, che pungendola lievemente con una freccia, la risveglia dal sonno infernale.Il dio poi corre da suo padre Giove, pregandolo di convincere Venere ad acconsentire al matrimonio. Giove, commosso, persuade Venere ad accettare le nozze, che vengono celebrate alla presenza di tutti gli dèi. Psiche diviene così la dea protettrice delle fanciulle e dell'anima, sposando Amore. Il racconto termina con un grande banchetto al quale partecipano tutti gli dei, alcuni anche in funzioni inusuali: per esempio Bacco fa da coppiere, le tre Grazie suonano e il dio Vulcano si occupa di cucinare il ricco pranzo.Più tardi nasce una figlia, concepita da Psiche durante una delle tante notti d'amore dei due amanti prima della fuga dal castello. Questa viene chiamata Voluttà, ovvero Piacere.

Prompt: In Cupid and Psyche (Gérard), how is the History discussed?Please output in Italian.

Amore Bacco Cupido Piacere Proserpina Zefiro


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Kore Phrasikleia

Kore Phrasikleia è una statua arcaica dell'artista Aristion di Paros creata tra il 550 e il 540 a.C. circa. Si trovava su una tomba presso l'antica città di Myrrhinous in Attica, sotterrata in conformità al "seppellimento rituale di oggetti votivi, carichi di valenze religiose e quindi degni di essere sottratti al deterioramento". A causa del suo stato di conservazione eccezionale, è una delle più importanti opere d'arte arcaiche.

Prompt: In Phrasikleia Kore, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Maestà del Louvre

Eugenio Battisti, Cimabue, Milano, Istituto Editoriale Italiano, 1963. Enio Sindona, Cimabue e il momento figurativo pregiottesco, Rizzoli Editore, Milano, 1975.  Luciano Bellosi, Cimabue, Milano, Federico Motta Editore, 2004. ISBN 88-7179-452-4

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Maestà (Cimabue).Please output in Italian.


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L'assenzio

Anche in questo dipinto lo stile di Degas non solo è preciso e capace di restituire immagini quasi fotografiche, ma riesce persino a proporre equilibri compositivi inediti e particolarmente dinamici, in grado di sostituirsi alla visione frontale e immobile delle precedenti pitture. Ne L'assenzio, infatti, Degas abbandona il punto di vista frontale  e ricorre a un impianto prospettico a zig-zag, derivante dalle stampe giapponesi, il quale semplifica e accelera la visione verso l'alto. Questa prospettiva obliqua viene descritta dal tavolino in basso, dietro al quale immaginiamo esserci un terzo personaggio che contempla silenziosamente la scena, probabilmente un musicista . Si tratta, questa, di una scelta precisa del Degas, artista che com'è noto si poneva nei confronti dei personaggi, secondo quanto lui stesso amava ripetere, «come se si guardassero dal buco della serratura».Degas delinea l'impianto prospettico del dipinto con rigore quasi scientifico, e lo organizza in modo che l'osservatore del dipinto - seguendo gli allineamenti dei tavolini - si possa introdurre agilmente nella scena, e giungere con lo sguardo presso i due alcolizzati. L'obliquità del piano marmoreo in basso, in ogni caso, è condotta dal pittore verso sinistra, dove viene ripresa e continuata dal giornale arrotolato intorno al bastone, sospeso tra questo tavolino e quello contiguo. A questo punto, tuttavia, interviene una netta cesura pittorica, e la linea del tavolo in primo piano viene bruscamente interrotta dall'allineamento ortogonale degli altri due tavolini, che si rincorrono verso destra sino a proseguire oltre lo spazio pittorico . Orchestrando quest'abilissima costruzione prospettica, con la linea a zig-zag che partendo dal basso conduce rapidamente in profondità, lo sguardo dell'osservatore viene indirizzato verso le due figure, esiliate da Degas in una posizione eccentrica, quasi marginale: anche l'impianto compositivo del dipinto, dunque, sottolinea il loro disperato isolamento.È curioso notare come l'impressione proposta dal quadro sia quella di una visione accidentale. L'opera, in effetti, conserva la freschezza delle pitture di getto, atte a cogliere l'impressione fuggevolissima ed irripetibile di un momento: il grande equilibrio compositivo, così come i tempi di realizzazione del dipinto, stanno tuttavia a testimoniare come in realtà L'assenzio sia frutto di un difficile e meditato lavoro di atelier, durato effettivamente ben due anni. Come notato dal critico d'arte Francesco Morante, «qui permane una certa abbreviazione esecutiva, fatta di campiture piatte di colore accostate con contrasto tonale»: l'opera, inoltre, è dominata da un grigiore squallido, quasi tetro, ben differente dall'inarrestabile esuberanza degli altri quadri impressionisti .

Prompt: In L'Absinthe, how is the Technique discussed?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea in un dipinto realizzato da Assieme ad Eva, Betsabea era quasi l'unica donna la cui immagine in stato di nudità poteva essere giustificata facilmente e abitualmente nell'arte cristiana, e pertanto è una figura importante nello sviluppo del nudo nell'arte medioevale. Anche se a volte è raffigurata vestita in altri punti della sua storia, la raffigurazione più comune, sia nell'arte medioevale che in quella successiva, era quella di Betsabea al bagno, come è chiamato formalmente il tema artistico che mostra Betsabea che si fa il bagno, osservata dal re Davide. Questo poteva essere mostrato con vari gradi di nudità, a seconda della posa e della posizione di vesti o asciugamani. Una delle collocazioni più comuni nel quindicesimo secolo, forse sorprendentemente, era nelle miniature che illustravano un libro delle ore, un libro di preghiere personale, che aveva superato il salterio come tipo di libro di devozione più popolare per i laici. In particolare, questo era il caso in Francia.Nell'arte il soggetto è uno dei più comuni del topos del "Potere delle donne". Essendo un'opportunità per presentare un gran nudo femminile come fulcro di un dipinto di storia, il soggetto era popolare dal Rinascimento in poi. Talvolta sono rappresentate le domestiche di Betsabea o i "messaggeri" inviati da Davide, e spesso un Davide in lontananza che guarda dal suo tetto. A volte i messaggeri sono confusi con lo stesso Davide, ma la maggior parte degli artisti seguono la Bibbia e tengono Davide a distanza in questo episodio. Non sono rare le opere nelle quali la donna viene presentata come una seduttrice, consapevole di essere osservata.Tra gli artisti che hanno dipinto questo episodio si citano Hans Memling, Rembrandt van Rijn , Artemisia Gentileschi, Sebastiano Ricci e Jean-Léon Gérôme. Esiste inoltre un quadro di Paolo Veronese che potrebbe ritrarre Betsabea, anche se si è pensato che questa scena possa essere tratta piuttosto dalla storia di Susanna, narrata nel Libro di Daniele .

Prompt: Describe the characteristics of the Art in Bathsheba (Gérôme)'s Biblical story.Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Bibbia
Davide
Eva
Hans Memling
Jean-Léon Gérôme
Libro di Daniele
Paolo Veronese
Potere delle donne
Davide
Rembrandt
Sebastiano Ricci


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Cristo morto compianto da quattro angeli

Prompt: In The Dead Christ with Angels (Rosso Fiorentino), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: Describe the characteristics of the Subject in Portrait of a Young Man (Barocci)'s Description.Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Prove di Cristo

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi.Botticelli, con i numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

Prompt: How does Temptations of Christ (Botticelli) explain its History?Please output in Italian.


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Ritratto di Alfonso d'Avalos con paggio

Tiziano realizzò l'opera a Bologna, che fu in seguito ereditata dal figlio di Alfonso III, il marchese Francesco Ferdinando d'Avalos e con buone probabilità rimase di proprietà della famiglia d'Avalos per diverso tempo. Successivamente venne trasferita in Polonia, in un momento non precisato, e fu posseduta da Giovanni III Sobieski e Stanislao II Augusto Poniatowski. Fu quindi donata alla famiglia Potocki, che la conservò fino al 1921, anno nel quale Alfred Antoni Potocki  la vendette alla contessa Martine de Béhague . Quest'ultima lasciò in eredità il ritratto ed il resto della sua collezione al nipote Hubert de Ganay .Nel 1989 i successori di de Ganay decisero di vendere all'asta gran parte della collezione a Monte Carlo per il tramite di Sotheby's; l'anno seguente la compagnia assicurativa Axa acquistò il dipinto per 65 milioni di franchi, dandolo in prestito al Museo del Louvre per dodici anni, con possibilità di acquistare l'opera allo scadere del termine per 65 milioni di franchi più inflazione, un prezzo considerato preferenziale. L'accordo era stato concordato con il direttore del Louvre Pierre Rosenberg; tuttavia, il suo successore Henri Loyrette fece trascorrere i dodici anni, lasciando che il Getty potesse acquistare la tela per $70 milioni. Trattandosi di un dipinto di proprietà privata e non statale, e avendo la Réunion des Musées Nationaux deciso di non procedere con la sua acquisizione, lo Stato francese non poté nulla contro la vendita ed il conseguente trasferimento al di fuori dei confini nazionali.

Prompt: In Portrait of Alfonso d'Avalos with a Page, how is the History discussed?Please output in Italian.

Bologna
Francesco Ferdinando d'Avalos
Giovanni III Sobieski
Henri Loyrette
Martine de Béhague
Monte Carlo
Museo del Louvre
Pierre Rosenberg
Polonia
Potocki
Réunion des Musées Nationaux
Sotheby's
Stanislao II Augusto Poniatowski


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Ritratto d'uomo con medaglia di Cosimo il Vecchio

Ritratto di giovane Medaglia di Cosimo il Vecchio

Prompt: In Portrait of a Man with a Medal of Cosimo the Elder, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di una Sforza

Il Ritratto di una Sforza  è un disegno molto finito a gesso e inchiostro, matita nera, matita rossa e biacca su pergamena  attribuito a Leonardo da Vinci, databile al 1495 circa e conservato in una collezione privata, forse in Canada. Si tratta di una delle più recenti attribuzioni che riguarda Leonardo, scaturita in seguito a una serie di indagini scientifiche del 2009 che avrebbero ritrovato un'impronta digitale sull'opera altamente compatibile con altre conosciute dell'artista, in particolare sul San Girolamo della Pinacoteca Vaticana.A fine novembre 2015 Shaun Greenhalgh, che si dichiarava "falsario di professione", ha riportato di essere l'autore della "Bella principessa". Tuttavia Martin Kemp ha dichiarato questa pretesa paternità "ridicola".

Prompt: In La Bella Principessa, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Leonessa di Guennol

Leonessa di Guennol è una statuetta mesopotamica ritenuta vecchia di 5000 anni, che si presume rinvenuta nei dintorni di Baghdad in Iraq. L'opera d'arte raffigura una muscolosa leonessa antropomorfo. scultura è anche famosa per essere stata venduta per 57,2 milioni di dollari in un'asta da Sotheby's il 5 dicembre 2007.L'opera è chiamata "Guennol" dal nome gallese di "Martin", il nome del collezionista che l'acquistò nel 1948. Nel 1950, Edith Porada la descrisse come una leonessa "per le curve femminili della parte inferiore del corpo e per l'assenza di organi maschili", pur ammettendo la possibilità "che la figura rappresentasse una creatura senza sesso".  Leonessa non possiede criniera, il che fa escludere che si tratti di un leone maschio.  scultura in calcare misura poco più di 8 centimetri di altezza.

Prompt: Focus on Guennol Lioness and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Shōen Uemura

ForzaOrdinamento = Uemura ,ShōenPreData = Sesso = FLuogoNascita = KyotoGiornoMeseNascita = 23 aprileAnnoNascita = 1875LuogoMorte = GiornoMeseMorte = 27 agostoAnnoMorte = 1949Epoca = 1800Attività = pittriceNazionalità = giapponesePostNazionalità = attiva nel periodo Meiji, periodo Taishō e all’inizio del periodo ShōwaImmagine = Uemura Shoen.jpgDidascalia = Shōen Uemura}}L'artista è conosciuta principalmente per la pittura di beltà femminili , rappresentazione di donne di grande bellezza nello stile nihonga, sebbene nel corso della sua vita abbia anche realizzato numerosi lavori di tema storico e di soggetto tradizionale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Uemura Shōen.Please output in Italian.


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Giustizia

storia, la dottrina, l'ordinamento dell'amministrazione della giustizia sono oggetto di distinte materie: Ordinamento giudiziario Corte di cassazione Corte d'Appello Tribunale Giudice Competenza Incompetenza Potere giudiziario Giurisdizione Processo Sentenza

Prompt: How does Justice (Titian) explain its Administration of justice?Please output in Italian.

Competenza
Corte di cassazione
Giudice
Giurisdizione
Ordinamento giudiziario
Potere giudiziario
Sentenza
Tribunale


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The influence of photography and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Mantegna) explain its The adoration of the shepherds in art?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Danza nuziale

Nel 1930 l'opera, in cattive condizioni, passò sul mercato antiquario inglese. Fu considerata una copia da un originale perduto finché il restauro del 1941 non ne confermò l'autografia.Stando alla data, l'opera procede di poco altre due tavole a soggetto nuziale: il Corteo, il Banchetto e la Danza di contadini, la prima a Bruxelles, le seconde a Vienna. Il lavoro inaugurò quindi probabilmente la serie sulla vita contadina, ed ebbe un notevole successo, come testimoniano le numerose copie conosciute.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Wedding Dance.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Artemisia Gentileschi) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Assedio di Asola

tela fonde due scene: dalla sinistra e fin oltre la metà del quadro è rappresentato in primo piano uno scontro tra cavalieri, fatto realmente accaduto, che illustra la sortita degli asolani, assediati, dal 16 al 19 marzo 1516, dalle armate condotte personalmente dall'imperatore Massimiliano I; nel groviglio di uomini e cavalli, spicca il vessillo con il leone rampante di Asola, mentre la fortezza turrita compare sullo sfondo; a destra della composizione è invece raffigurato, con l'inequivocabile cartiglio, l'omaggio tributato dalla comunità asolana al provveditore Francesco Contarini, il nobile veneziano che seppe organizzare così bene la difesa della piazzaforte da costringere gli imperiali ad abbandonare l'impresa.L'assedio di Asola del 1516 è menzionato dagli storici Marin Sanudo, Francesco Guicciardini e Ludovico Mangini.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Siege of Asola.Please output in Italian.


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Giustizia

Nel Basso e Alto Medioevo, con le crociate, si viene creando un codice etico militare, iniziato dalla cavalleria nei tornei e dei "beaux gestes" . Si forma un ideale di cavaliere soldato, cristiano e gentiluomo, difensore dei deboli e araldo della giustizia. L'eredità contemporanea dell'etica cavalleresca trasformatasi con il tempo, è rappresentata oggi dagli ordini cavallereschi.

Prompt: In the context of Justice (Titian), explain the Chivalric ethics and the In philosophy.Please output in Italian.


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Autoritratto con girasole

Autoritratto 1613-14Autoritratto 1617-18Autoritratto 1620-21Autoritratto 1622-23Autoritratto con Sir Endymion Porter

Prompt: In Self-Portrait with a Sunflower, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Autoritratto con Sir Endymion Porter
Sir


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Giudizio universale

Giudizio universale della Nel cristianesimo questa dottrina fa riferimento ad una celebre parabola di Gesù . In essa Gesù si identifica con il sofferente e il giudizio verte di volta in volta sulla compassione concretamente dimostrata e non sulla fede professata . chiesa latina  ha sottolineato la necessità di una giustizia equilibratrice.  giustizia di Dio, fu quindi contrapposta alla sua misericordia, in quanto essa obbligherebbe Dio a un certo comportamento . Perlomeno Dio "non può dimostrare grazia nello stesso modo ai malfattori e alle vittime" ed "è sperabile che rispetterà e ristabilirà la dignità di queste ultime".Secondo i teologi alessandrini del III secolo Clemente e Origene e i loro numerosi sostenitori la misericordia di Dio deve prevalere e condurre a una riconciliazione universale . Questa dottrina fu sempre sperata nella storia della Chiesa e della teologia, in quanto "la teologia non possiede alcuna conoscenza, né alcuna competenza per decidere sulle possibilità che Dio ha di mutare positivamente le libere decisioni delle sue creature senza distruggerne la libertà".  riprende anche il teologo cattolico Hans Urs von Balthasar, che sottolinea come ad essa sembrano aderire alcuni fra i più famosi teologi cattolici, fra cui anche lo stesso Papa Benedetto XVI.Il Giudizio universale di  dottrina del giudizio finale solleva il problema dello stato delle anime fra il momento della loro morte e la seconda venuta di Cristo.  questione presenta problemi filosofici sia di antropologia  sia di ontologia del tempo . Questi problemi non hanno ancora trovato una soluzione da tutti condivisa.  dottrina che non esista alcuno stato intermedio perché alla morte ogni persona raggiunge il giudizio universale è ritenuta la più verosimile da  Karl Rahner, teologo cattolico e perito conciliare durante il Concilio Vaticano II. soluzione tradizionale mira ad affermare che i giustificati ottengono immediatamente il dono loro assegnato da Cristo e perciò ad escludere la visione beatifica differita, teoria molto diffusa fra i padri della chiesa cattolica e predicata ancora oggi da alcune frange protestanti.  maggior parte dei cristiani, infatti, ha ritenuto e ritiene inaccettabile che i martiri, la stessa Vergine Maria e gli altri santi non possano godere da subito della visione beatifica.Secondo la Chiesa cattolica e quella ortodossa gli uomini vengono giudicati subito dopo la morte , e le loro anime accedono al Paradiso o all'Inferno immediatamente o, nel caso del Paradiso, dopo una fase più o meno intensa di purificazione nel Purgatorio. Alla fine dei tempi vi sarà invece la risurrezione della carne, con la quale i corpi risusciteranno e si riuniranno alle anime per il giudizio finale , di salvezza nella comunione dei santi, oppure di condanna.Nella tradizione protestante, invece, si esclude ogni purificazione dopo la morte. Lutero non sembra aver professato una teologia dello stato intermedio coerente e costante nel tempo. Benché egli abbia talvolta affermato che le anime "dormono", nelle chiese riformate prevale l'opinione di Giovanni Calvino secondo cui le anime dei morti si trovano in uno stato vigile di felicità o di dolore che anticipa il loro destino eterno dopo il giudizio finale.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Michelangelo) and explain the Christianity.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio Vaticano II
Cristo
Dio
Gesù
Giovanni Calvino
Giudizio universale
Hans Urs von Balthasar
Inferno
Karl Rahner
Origene
Papa Benedetto XVI
Paradiso
Purgatorio


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marmi di Elgin

Le organizzazioni internazionali come l'UNESCO e l'Associazione internazionale per la riunificazione delle sculture del Partenone, così come altri gruppi minori e alcuni attori di Hollywood, come George Clooney e Matt Damon, hanno espresso il loro forte sostegno per il rientro in Grecia delle decorazioni del Partenone.George Clooney ha affermato di essere favorevole alla riunificazione dei marmi del Partenone in Grecia durante la sua campagna promozionale per il film Monuments Men, che racconta la storia degli sforzi degli Alleati per salvare importanti capolavori artistici e culturali dalla distruzione ad opera dei nazisti nella seconda guerra mondiale. Il suo intervento riguardo ai marmi ha riacceso il dibattito nel Regno Unito circa il destino delle sculture: sono stati effettuati numerosi sondaggi da alcuni giornali.Un apposito sito internet, in parte sponsorizzato da Metaxa, mira a raccogliere consenso per la restituzione dei marmi del Partenone alla Grecia e per la collocazione al nuovo Museo dell'Acropoli di Atene.

Prompt: Explain the Popular support for restitution about the Damages of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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Ritratto di Antonio Martelli

Del dipinto si hanno scarse notizie antiche.Fu inciso da G. Silvani , indicandolo come ritratto di un cavaliere di Malta e attribuendolo a Niccolò Cassana. In seguito, in un'altra incisione ottocentesca, il personaggio è indicato come Niccolò Caracciolo di San Vito, cavaliere di Malta, forse per via di un errore nella lettura dell'incisione di Silvani, in cui Cassana era diventato Caracciolo. Fu anche formulata l'ipotesi che l'opera fosse legata a Niccolò dell'Antella, proprietario dell' Amorino dormiente di Caravaggio nello stesso museo. Il Chiarini ipotizzò che il ritratto fosse arrivato a Pitti dalle collezioni di Leopoldo de' Medici, tramite l'acquisto sulla piazza veneziana, mentre altri ritengono che invece arrivò in città con l'intermediazione dei Dell'Antella, legandolo alla notizia di un ritratto ovale del Gran Maestro Alof de Wignacourt, già posseduto dalla famiglia e collocato nella chiesa di San Jacopo in Campo Corbolini. prima a formulare il nome di Caravaggio fu Mina Gregori, legandolo a una notizia di un altro ritratto del Wignacourt, citato dal Bellori : "lo ritrasse in piedi armato, et a sedere disarmato nell'habito di Gran Maestro, conservandosi il primo ritratto dell'Armeria di Malta . Più recentemente si è fatta avanti l'ipotesi che si tratti di Antonio  Martelli, cavaliere di Malta, ritratto all'età di circa settanta anni. Il pittore fu molto legato a lui, tanto da far pensare che la fuga del Caravaggio da Malta, avvenuta poco dopo, sia stata possibile grazie all'aiuto del Martelli. Riferimenti documentari hanno definitivamente confermato questa ipotesi.

Prompt: How does Portrait of Fra Antonio Martelli (Caravaggio) explain its History?Please output in Italian.

Alof de Wignacourt
Amorino dormiente
Caravaggio
Dell'Antella
Leopoldo de' Medici
Mina Gregori
Niccolò Caracciolo
Niccolò Cassana
Niccolò dell'Antella


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Fregio di Beethoven

Intorno alla metà del 1970, dopo che il Fregio di Beethoven fu acquistato dalla Repubblica d'Austria, iniziò un restauro. Il restauro durò all'incirca dieci anni e fu diretto da Manfred Koller.Successivamente seguì anche il restauro del Palazzo della Secessione durante il quale fu creato un locale nel piano interrato appositamente per esporre l'opera di Klimt.

Prompt: Focus on Beethoven Frieze and explain the Restoration.Please output in Italian.