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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Group self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Santa Caterina d'Alessandria d'Egitto è identificata, insieme a Santa Margherita d'Antiochia e all'Arcangelo Michele, come una delle Voci che ispirarono Santa Giovanna d'Arco. È ritenuta una dei quattordici Santi ausiliatori.Santa Caterina è anche patrona dello "studio dei legisti"  dell'Università di Padova e dell'Università di Siena. È inoltre la patrona dei cavalieri italiani del Sovrano Militare Ordine di Malta. sua è vissuta come la festa dei giovani. In Francia è patrona degli studenti di teologia e protettrice delle apprendiste sarte.Da Caterina di Alessandria deriva il termine francese catherinette  che in origine indicava una giovane donna da marito.  tradizione torinese, invece, indicava con il termine "caterinette" le giovani sartine e le modiste che svolgevano il loro apprendistato nei laboratori di confezioni della città, e che assai sovente diventavano oggetto di corteggiamento da parte degli studenti universitari. Nella città di Ravenna il 25 novembre  è tradizione regalare dei biscotti a forma di bambola alle bambine, chiamate "caterine". Il corrispettivo per i bambini è un biscotto a forma di galletto.Una canzoncina popolare, ancora cantata nell'ultimo dopoguerra dai bambini nell'ora di religione in alcune parti d'Italia, parla di Caterina d'Alessandria. Il testo, che inizia con "Santa Caterina era figlia di un re...", è ispirato a una versione della leggenda in cui il padre uccide personalmente Caterina dopo averla scoperta a pregare Dio e dopo che la figlia si rifiutò di rinnegare la sua fede.  canzone venne interpretata anche da I Gufi.

Prompt: Explain the Devotion of this artwork, Catherine of Alexandria (Palladas).Please output in Italian.

25 novembre
Alessandria d'Egitto
Francia
Giovanna d'Arco
I Gufi
Ravenna
Santi ausiliatori


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: Explain the Italy about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Betsabea con la lettera di David

Jean Sutherland Boggs et al., Degas, New York, The Metropolitan Museum of Art, 1988.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Bathsheba at Her Bath (Rembrandt).Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

Perseo e la GorgoneMarqueste costruì la propria opera attorno a una figura serpentinata, tipica del manierismo. Come modello egli prese il Perseo con la testa di Medusa di Benvenuto Cellini, risalente al 1533, e si ispirò anche alla Marsigliese di François Rude per la testa di Medusa.Creato dapprima in gesso nel 1875, il gruppo venne esposto al Salone di pittura e di scultura del 1876, dove Marqueste ottenne la medaglia di prima classe. Una copia in bronzo venne fusa nel 1877, ma l'intonaco ne uscì molto danneggiato, e questa statua venne rifusa dalle truppe tedesche durante la seconda guerra mondiale.Marqueste realizzò un secondo gesso nel 1887, conservato al musée des Augustins di Tolosa, e due versioni in marmo: una nel 1890, nella cappella del museo di belle arti di Lione, e una nel 1903, alla gliptoteca Ny Carlsberg di Copenaghen.

Prompt: How does Perseus and the Gorgon explain its Abstract?Please output in Italian.

Benvenuto Cellini
Copenaghen
François Rude
Lione
Perseo
Perseo con la testa di Medusa
Tolosa


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Schiavo ribelle

Schiavo morente Prigioni Tomba di Giulio II Opere di Michelangelo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Rebellious Slave.Please output in Italian.

Opere di Michelangelo
Prigioni
Schiavo morente
Tomba di Giulio II


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La preghiera nella moschea

preghiera nella moschea  è un dipinto a olio su tela dell'artista francese Jean-Léon Gérôme, realizzato nel 1871. L'opera è conservata al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: How does Prayer in the Mosque explain its Abstract?Please output in Italian.

Jean-Léon Gérôme
Metropolitan Museum of Art
New York


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Fuga in Egitto

In Matteo  è citato un verso del Libro di Osea dell'Antico Testamento , che secondo l'autore del vangelo era una profezia soddisfatta dal ritorno di Gesù dall'Egitto: «Là rimase fino alla morte di Erode, affinché si adempisse quello che fu detto dal Signore per mezzo del profeta: "Fuori d'Egitto chiamai mio figlio"». Si tratta di un verso che fa riferimento all'esodo degli Ebrei dall'Egitto, in cui il popolo di Israele è chiamato da Dio "mio figlio", come nel Libro dell'Esodo , «[...] Israele è mio figlio [...] lascia andare mio figlio». migrazione in Egitto in Matteo 2:15 richiama la profezia di Osea 11:1 , con un parallelismo fra Gesù e Mosè: Gesù in ebraico significa "YHWH è salvezza", Mosè significa "salvato dalle acque" ; per la nascita di Mosè : sono le uniche due personalità bibliche aventi un padre adottivo . Per entrambi, scarse notizie sulla vita precedente il periodo adulto;  Gesù sostituisce il sacerdozio levitico con l'ordine secondo Melchisedek , uno straniero; mentre Mosè nomina suo figlio primogenito Ghersom , come il primigenito di Levi  che era la tribù dei sommi sacerdoti. Dio riserva a Sebuel, nipote di Mosè, l'importante carica di sovrintendente dei tesori consacrati , e a Gionatan, figlio di Ghersom, coi suoi discendenti, la carica di sommo sacerdote della tribù di Dan, a Silo ; con le parole ed opere: Mosè Pasqua di Liberazione di Israele dalla schiavitù di Egitto, Gesù Pasqua di Resurrezione del genere umano dalla schiavitù del peccato e della morte.  differenza fra cristiani e giudei permane nelle festività, la Pasqua ebraica è una Pasqua di Liberazione; Mosè appare insieme ad Elia nella Trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor.

Prompt: Describe the characteristics of the Prophecy of Hosea in The Flight into Egypt (Elsheimer)'s Story Gospel according Matthew.Please output in Italian.

Antico Testamento
Elia
Gesù
Libro dell'Esodo
Libro di Osea
Mosè
Silo
Trasfigurazione di Gesù


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Monumento a Stalin

Il monumento a Stalin è stata una statua alta 15,5 metri in granito, eretta in onore di Iosif Stalin a Praga, nell'allora Cecoslovacchia. Fu inaugurata il 1º maggio 1955 dopo oltre cinque anni e mezzo di lavori e fu la più grande rappresentazione al mondo di Stalin.  scultura venne poi demolita nel 1962.

Prompt: Focus on Stalin Monument (Prague) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ricevimento del Grand Condé a Versailles  è un dipinto a olio su tela dell’artista francese Jean-Léon Gérôme, realizzato nel 1878. Rappresenta il ricevimento di Luigi II di Borbone-Condé da parte di Luigi XIV, a Versailles, ai piedi dello scalone degli Ambasciatori, nel 1674. Il dipinto venne acquistato dal museo d'Orsay nel 2004.

Prompt: Focus on Reception of the Grand Condé at Versailles and explain the Abstract.Please output in Italian.

Jean-Léon Gérôme
Luigi II di Borbone-Condé


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Epifania

In Argentina, Paraguay, Uruguay e in altri paesi dell'America tina, il giorno dell'Epifania è chiamato Día de Reyes , che commemora l'arrivo dei Magi per venerare Gesù come figlio di Dio.  notte del 5 gennaio è conosciuta come la Noche de Reyes  durante la quale i bambini lasciano le scarpe vicino alla porta, insieme all'erba e all'acqua per i cammelli.  mattina seguente si alzano presto e corrono a vedere le loro scarpe, dove aspettano di trovare i doni lasciati dai "Reyes" che, secondo la tradizione, visitano le case dei bambini svegli. Il 6 gennaio si mangia una Rosca de Reyes  e tutte le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: In Epifania, how is the Argentina, Paraguay, Uruguay of the Theology explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Argentina
Dio
Gesù
Gesù
Paraguay
Uruguay


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Fienagione

Nell’agricoltura tradizionale, nei periodi di magra, quando il pascolo non fornisce un’alimentazione sufficiente, la paglia costituisce il principale surrogato per gli animali da carne. Il fieno è invece riservato agli animali ed alle produzioni di pregio: cavalli e camelidi da competizione, lattifere  in produzione e di rimonta, animali da lavoro.  trasformazione dell’erba in fieno ha un costo. Per le famiglie coltivatrici, l’impiego di risorse non riguarda che il lavoro , il solo di cui esse dispongono, seppur in misura variabile, nel corso dell’anno.

Prompt: In the context of The Hay Harvest, explain the Manual haymaking and the Manual haymaking, with the use of animal and mechanized energy.Please output in Italian.


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Negazione di Pietro

Negazione di Pietro è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1660 dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.L'opera è firmata e datata "REMBRANDT 1660".

Prompt: In The Denial of Saint Peter (Rembrandt), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Fra Angelico, Florence) and explain the Music.Please output in Italian.


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Cena in casa di Simone il fariseo

Il dipinto raffigura l'episodio della Cena in casa di Simone, riportato nel Vangelo secondo Luca : uno dei farisei lo invitò a mangiare da lui. Egli entrò nella casa del fariseo e si mise a tavola. Ed ecco una donna, una peccatrice di quella città, saputo che si trovava nella casa del fariseo, venne con un vasetto di olio profumato e fermatasi dietro si rannicchiò piangendo ai piedi di lui e cominciò a bagnarli di lacrime, poi li asciugava con i suoi capelli, li baciava e li cospargeva di olio profumato. scena è divisa in tre scomparti inquadrati da due alte colonne di ordine dorico scanalate e chiusi alle estremità da due più semplici lesene. Le colonne formano un portico aperto su entrambi i lati minori e in corrispondenza della campata centrale, dove ha inizio un lungo colonnato coperto da una rete di festoni vegetali ad arco a tutto sesto.L'asse visivo si conclude poi contro un fondale monumentale, del quale si scorge solamente un arco decorato a bugnato. Oltre la muraglia si apre uno sfondato paesaggistico verso un'abbastanza dettagliata riproduzione del colle Cidneo di Brescia sormontato dal castello. Occupano la scena vari personaggi affollati attorno al tavolo centrale, in particolare Simone a sinistra, l'oste al centro, Gesù a destra e Maria Maddalena ai suoi piedi.Il dipinto è firmato alla base della colonna di sinistra  e datato sulla base della colonna di destra .

Prompt: Focus on The Feast in the House of Simon the Pharisee (Veronese, Turin) and explain the Description.Please output in Italian.

Brescia
Cena in casa di Simone
Maria Maddalena


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Headington Shark

L'Headington Shark non riscosse inizialmente un grande successo. Infatti, come già accennato, i residenti di Headington lo reputarono antiestetico e ne proposero anche la rimozione. Infatti a partire dal XXI secolo lo squalo è divenuto la mascotte di Headington.All'interno del distretto lo squalo è diventato tanto noto che, nel 2011, si è persino festeggiato il venticinquesimo anniversario dalla sua costruzione, che gli abitanti hanno affettuosamente denominato «25º compleanno». Durante l'anniversario, in cui sono stati offerti cibi e bevande, Bill Heine ha anche autografato una sua opera, The Hunting of the Shark, scritto poco prima del 25º anniversario.

Prompt: Describe the characteristics of the Preamble in Headington Shark's Meaning.Please output in Italian.


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Torre di Babele

tradizione esegetica ebraica spiega che alcune delle cause che comportarono la punizione per la sfida a Dio avvenuta con la costruzione della torre di Babele furono le seguenti.Compreso il segreto delle lettere dell'alfabeto ebraico, sino a quel momento la sola lingua parlata e conosciuta, alcuni uomini dell'epoca utilizzarono il potere dei nomi di Dio tramite la stregoneria, cosa non ammessa, per governare gli angeli che, ministri divini, dovevano unicamente sottostare alla Volontà divina: infatti normalmente alcuni uomini vengono considerati superiori a certi angeli proprio per l'entità e la natura della propria anima ma, per questo peccato, vi fu una discesa morale e spirituale dovuta ad un precedente allontanamento da Dio.Quegli uomini che commisero questa trasgressione vollero poi attaccarsi al potere delle stelle e delle costellazioni per dirigerlo verso il Mondo Inferiore ed utilizzarlo a proprio piacimento senza alcuna adesione all'Onnipotenza divina.Essi vollero inoltre canalizzare l'energia divina del Nome eccelso nel Mondo e Dio impedì questo perché essi non avrebbero accettato le regole del Tiqqun nella Torah cercando così di compiere trasgressioni come se si fosse trattato di cose permesse. Se Adamo avesse mangiato dell'albero della vita dopo il frutto dell'albero della conoscenza del bene e del male avrebbe permesso che il male, anche nel suo mischiarsi con il bene, fosse stabile e duraturo; allo stesso modo i peccatori della torre di Babele avrebbero reso la trasgressione ambito di quanto permesso perciò Dio impedì che ciò accadesse.I maestri commentano infatti dicendo che è bene per loro e per il Mondo che vi sia disunione sui malvagi mentre è buono per gli Zaddiqim e per il Mondo che su di loro  vi sia unità.Un Midrash, nel testo di Bereshit Rabbah, racconta che tutti gli uomini colpevoli del peccato di sfida nei confronti di Dio con la Torre di Babele vennero trasformati [quasi] in "scimmie", spiriti e demoni.Per gli altri peccati compiuti in quell'episodio Dio aveva punito facendo ritornare al luogo da cui arrivarono coloro che si erano riuniti nella valle di Babel: questi, con l'intenzione di rifugiarsi sulla cima della torre, avevano pensato di poter scampare ad un diluvio che temevano potesse ritornare; altri con la confusione del linguaggio: quelli che avevo progettato di compiere e poi fecero idolatria.<br />Con l'episodio della torre di Babele chi di questa trasgressione si rese colpevole smise di seguire il monoteismo ed invero la radice di essa fu anche l'idolatria.Nimrod fu l'ideatore e l'architetto della torre di Babele. Ad est venne costruita la parte per salire, ad ovest per discendere, il primo pilastro, questa torre, eretta ad est, nella valle di Babel... la parte centrale rimase [diritta] sul suolo...Dio non punì sterminando tutti gli individui colpevoli di questi peccati, benché siano stati peggiori di quelli puniti con il diluvio universale, per l'amicizia presente tra loro.Sem ammoniva i suoi figli dicendo loro di tenersi lontani persino dalla sola costruzione ed anche Avraham, quando camminava presso il cantiere, ammoniva i peccatori che ne irridevano l'apparente, ma non reale, sterilità: prima che il peccato venisse compiuto, Dio attese anche la Teshuvah.

Prompt: In the context of The Tower of Babel (Bruegel), explain the Esegesiebraica and the The episode of Genesis 11, 1-9.Please output in Italian.

Adamo
Dio
Midrash
Mondo Inferiore
Onnipotenza
Teshuvah
Torre
Zaddiq


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Sacra Famiglia con la libellula

L'incisione deve il suo nome all'insetto raffigurato in basso a destra, che a dispetto del nome tradizionale sembra più una farfalla. Maria è in uno spazio delimitato da un muro , seduta su di un sedile erboso e, mentre Giuseppe dorme sdraiato a terra, ella solleva il Bambin Gesù e l'osserva teneramente. In cielo, in corrispondenza della Vergine con il Bambino, è Dio Padre con la colomba dello Spirito Santo. Al di là del recinto con il cancello chiuso, è un ampio paesaggio marino incorniciato da monti. Il profondo legame tra le figure e il paesaggio sullo sfondo era l'elemento che fin dall'inizio rese famosi i lavori grafici di Dürer al di là dei confini tedeschi. D'altra parte, il gioco delle pieghe della ricchissima veste di Maria dimostra quanto la sua arte facesse ancora riferimento alla tradizione tedesca tardogotica, mentre dell'esperienza del suo soggiorno italiano non c'è ancora traccia. Seguendo l'esempio di Schongauer, che egli aveva scelto a suo modello, Dürer ha siglato il foglio al margine inferiore con una prima versione di quel suo monogramma divenuto poi tanto famoso, qui eseguito con lettere che sembrano gotiche.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Holy Family with the Dragonfly.Please output in Italian.


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Crocifissione del Perugino

Crocifissione è un affresco  di Pietro Perugino, databile al 1494-1496 e conservato nella sala capitolare dell'ex-convento di Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze. Nello stesso ambiente si trova anche l'affresco di San Bernardo accoglie il Cristo che si stacca dalla croce  di un collaboratore.

Prompt: Focus on Pazzi Crucifixion and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cacciata di Eliodoro dal tempio

Prompt: Focus on The Expulsion of Heliodorus from the Temple and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Stanza di Eliodoro
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Orologio astronomico di Praga

All'orologio astronomico di Praga è titolato il quarto episodio della seconda stagione della serie televisiva Lore : Prague Clock: The Curse of the Orloj.

Prompt: How does Prague astronomical clock explain its Curiosity?Please output in Italian.


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Dinosauri di Crystal Palace

Prompt: In Crystal Palace Dinosaurs, how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Punizione dei ribelli

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Rispetto ai capolavori creati per i Medici, negli affreschi della Sistina Botticelli risulta più debole e dispersivo, con difficoltà nel coordinare le forme e la narrazione.  relegazione in secondo piano degli episodi principali non giova alla leggibilità della scena, che forma un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.Il tratto migliore resta la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, soprattutto nella scena centrale, dove i sacerdoti ribelli si contorcono animatamente molto espressivamente.

Prompt: How does Punishment of the Sons of Korah explain its Style?Please output in Italian.


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Sei gentiluomini

Il paesaggio decisamente spoglio raffigurato in Sei gentiluomini potrebbe rappresentare i sentimenti di Ni Zan sui recenti stavolgimenti della regione intorno alla sua casa a Wuxi.  devastante inondazione del Fiume Giallo dell'anno precedente dislocò molte persone dall'area e diede luogo al banditismo e alle ribellioni contadine. L'approccio seguito da Ni fu espressa dalle sue dichiarazioni: "quello che io chiamo pittura non è altro che una libero pennellata eseguita sommariamente" e "non cerco mai alcuna somiglianza rappresentativa poiché dipingo solo per mio diletto".  L'auserità della pennellata di Ni Zan è anche ritenuta essere collegata alla sua ossessione colla pulizia e colla purezza.L'isolamento visivo dei "sei gentiluomini" rifletterebbe l'abitudine degli intellettuali come Ni di condurre una vita isolata in campagna piuttosto che servire come funzionari la dinastia mongola degli Yuan, che sconfisse la dinastia cinese nativa dei Song.  Il tema è stato suggerito dall'iscrizione di Huang che si richiamerebbe allo stesso pensiero intenso degli ospiti di Lu Heng al momento dell'esecuzione di Sei gentiluomini, cioè i "sei gentiluomini" della dinastia Song, un gruppo di funzionari che vennero epurati dall'amministrazione per le loro opinioni.  L'importanza dell'espressione individuale  e il rifiuto di dettagli realistici sono i maggiori temi nella tarda pittura erudita Yuan.

Prompt: In Six Gentlemen (painting), how is the Analysis discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Nel negozio di cappelli

Nel negozio di capelli è un dipinto a pastello  realizzato nel 1885 circa dal pittore francese Edgar Degas. È conservato nel The Art Institute di Chicago.In questa opera è rappresentata una giovane donna che esamina un capello, tenendolo fra le mani. I tratti del contorno delle figure non sono bene definiti a causa dell'uso di pastelli a cera.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Millinery Shop.Please output in Italian.


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Giustizia

Il concetto di giustizia è alla base del Vangelo di Matteo. Il Battista è venuto per la via della giustizia . Gesù si sottopone al battesimo di Giovanni perché sia adempiuta ogni giustizia 3, 15). Sono beati coloro che hanno fame e sete di giustizia , cioè tutti coloro che aspirano alla giustificazione che viene da Dio. I farisei e gli scribi che credevano di essere sulla via della giustizia, sono condannati da Gesù perché essi non la ritenevano un dono della libera grazia di Dio e quindi non volevano sottoporsi al battesimo di Giovanni. Da qui il loro mormorare perché Dio chiama gratuitamente a volte senza tener conto dei meriti. Preoccupati di distinguersi dagli ingiusti, scribi e farisei separavano il mondo tra buoni e cattivi, non ammettendo che la decisione ultima è riservata al giudizio di Dio. Ma Gesù afferma: Se la vostra giustizia non supererà quella degli scribi e dei farisei, non entrerete nel regno dei cieli  ... Dio fa piovere sui giusti e sugli ingiusti  ... Cercate prima il regno di Dio e la sua giustizia . L'evangelista Luca fa apparire il cristianesimo come prosecuzione legittima del giudaismo . Riporta i nomi dei giudei osservanti della legge  e anche il centurione romano Cornelio chiamato aner dikaios .  speranza di giudei nel ritorno di Elia prepara la strada al Vangelo e Gesù riconosce l'Elia che ritorna in Giovanni Battista, dal quale si fanno battezzare i peccatori per riconoscere la giustizia di Dio. I farisei e gli scribi invece ingannano sé stessi e si esibiscono come giusti davanti agli uomini. Ci sarà più gioia in cielo per un peccatore convertito che per novantanove giusti : è la possibilità di una nuova vita per gli uomini perduti, avvolti nel peccato, gli esclusi anche dal punto di vista sociale e religioso. Gesù è il giusto per eccellenza e Dio lo risuscita prima che avvenga la resurrezione di tutti i giusti e degli ingiusti e lo investe del potere di giudicare tutti i popoli con giustizia. In Giovanni  il mondo non trova la giustizia in sé stesso e nemmeno nel più degno degli uomini: ma la giustizia proviene dal Padre e si trova presso di lui. Gesù si è separato dai discepoli perché essi non si illudessero con speranze terrene, ma sperassero unicamente nel Padre e nel Figlio, che sono una cosa sola.

Prompt: Describe the characteristics of the Gospels in Justice (Titian)'s In philosophy.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna delle Grazie

Molto sentita è la festività della Madonna delle Grazie che si venera nella chiesetta situata a occidente dell'abitato del paese di Prizzi, nella città metropolitana di Palermo.Le notizie riguardanti la chiesa della Madonna delle Grazie, sono incerte e vaghe. Viene costruita attorno al 1620, attaccata a una rupe strapiombante alta circa 50 metri. Misura 10 x 4 metri dall'altare maggiore alla porta; ha il suo modesto sagrato, su cui la porta guarda a ponente in giù verso la strada statale per Corleone e verso la contrada Fontanelle.Sopra la roccia è costruito il minuscolo campanile: "Lu campanaréddu", che dà il nome al quartiere circostante.Entrando a destra, vi è una cappella nella quale è sistemata una statua lignea del SS. Crocifisso; a sinistra, un'altra nella quale è posta la statua lignea, raffigurante la Vergine Maria, seduta su una seggiola mentre porge il latte al santo Bambino; all'altare maggiore un affresco raffigurante Maria SS. col Bambino dipinti nella roccia, definito dagli studiosi "acheropita", cioè non dipinta da mano umana.Si narra in una leggenda popolare che un pastorello, portando a bere il suo gregge in un laghetto, vide cadervi dentro una delle sue pecore.Il pastorello impaurito invocò l'aiuto della Madonna delle Grazie che, apparendogli, salvò l'animale e lasciò impressa la sua sagoma nella roccia. Incantato da cotanta bellezza si inginocchiò per renderle omaggio e, chiese in che modo avrebbe potuto ricambiare la grazia ricevuta.  Vergine Maria, rispose che il pastore avrebbe dovuto far edificare una chiesa in suo onore, dove chiunque avrebbe potuto recarsi per venerarla, pregarla e chiederle grazie. Essendo posta troppo in alto, l'immagine lasciata dalla Madonna, il pastorello le disse che sarebbe stato impossibile far sorgere una chiesa a quell'altezza. Così, la Vergine Maria esaudendo la richiesta del pastorello, lasciò più in basso, impressa sulla roccia l'immagine che  raffigura con in braccio il Bambin Gesù. Il pastorello, quindi, poté costruire una piccola cappella che in seguito fu ingrandita.Ogni anno nella Chiesa della Madonna delle Grazie, viene celebrata con messa serale dall'1 al 15 di agosto la quindicina in preparazione alla festività dell'Assunta.Il 5 di agosto di ogni anno viene portata in processione la statua lignea della Madonna delle Grazie, donata alla Chiesa nel 1954.  statua, di difficile collocazione storica, si presume che risalga al periodo del XIX secolo. Questo è emerso in seguito a recenti restauri. devozione alla Madonna delle Grazie negli ultimi anni si è particolarmente estesa, grazie alla collaborazione di devoti prizzesi e alla fattiva partecipazione degli abitanti del quartiere.

Prompt: Explain the Prizzi about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.

Chiesa della Madonna delle Grazie
Gesù
Prizzi
XIX secolo


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San Giovanni Battista in meditazione

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: In St. John the Baptist in the Wilderness, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Goethe nella campagna romana

Ovviamente la rappresentazione di Goethe presenta notevoli difetti anatomici.  gamba sinistra del poeta sembra innaturalmente lunga, le proporzioni tra gambe e busto sono irritanti quanto la posizione delle spalle rispetto alle gambe, ovviamente sono raffigurati due piedi sinistri con le scarpe corrispondenti. Il motivo della strana anatomia non è l'inettitudine artistica, ma la storia di come è stata creata: Tischbein non riuscì a completare il dipinto, iniziato nel 1786, prima di dover lasciare Napoli nel 1799. Quindi non l'ha nemmeno firmato.Le indagini sull'applicazione della pittura hanno mostrato che presumibilmente solo la testa, il cappello e il mantello di Goethe, così come il suo piede sinistro, furono eseguiti in dettaglio. Apparentemente un artista dilettante sconosciuto ha aggiunto le superfici mancanti e ha copiato il piede sinistro dipinto da Tischbein riproducendo il piede destro effettivo. Uno sguardo alla scarpa destra goffamente dipinta lo conferma: a differenza di quella sinistra, non si vede un fiocco elegante, come mostrato da Tischbein, ma lacci piuttosto disordinati. Secondo il Museo Städel, le aggiunte successive non possono essere viste ai raggi X perché sono state realizzate solo pochi anni dopo il frammento originale. Si dice che né Tischbein né Goethe abbiano mai visto il quadro "finito".

Prompt: Focus on Goethe in the Roman Campagna and explain the Discussions anatomical features.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Nella sua opera Notes isiaques I del 1989, l'archeologo francese Jean-Claude Grenier notò come un'antica statua romana con indosso il nodo di Iside, conservata ai Musei Vaticani, potrebbe raffigurare Cleopatra in veste della dea Iside mentre si suicida, in quanto un serpente striscia lungo il suo seno destro. L'associazione di Cleopatra alla dea Iside continuò in Egitto almeno fino al 373 d.C., quando lo scriba Petesenufe compilò un libro su Iside e spiegò come decorasse le immagini della regina tolemaica.A Pompei venne scoperto un affresco che potrebbe raffigurare la morte della regina tolemaica: Cleopatra tiene in mano un recipiente dal quale sta per bere il veleno e alle sue spalle si trova il figlio Cesarione, che come la madre indossa il diadema reale. Insieme ai due sono presenti anche dei servitori. In precedenza si riteneva che la scena raffigurasse il suicidio di Sofonisba, la moglie del re numida Siface.Al contrario delle statue di Marco Antonio, le quali vennero distrutte a causa della damnatio memoriae, quelle di Cleopatra vennero per lo più lasciate intatte, inclusa quella eretta da Cesare nel tempio di Venere Genitrice al foro di Cesare.Nell'ambito della letteratura latina, il poeta Quinto Orazio Flacco scrisse una celebre ode basata sulla morte dell'ultima regina d'Egitto che inizia con il verso "Nunc est bibendum".

Prompt: In the context of The Death of Cleopatra, explain the Greco-Roman era and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Iside
Jean-Claude Grenier
Marco Antonio
Musei Vaticani
Nunc est bibendum
Quinto Orazio Flacco
Siface
Sofonisba


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Elemosina di sant'Antonino

LElemosina di sant'Antonino è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1540-1542 circa e conservato nella basilica dei Santi Giovanni e Paolo a Venezia.

Prompt: In St Antoninus Giving Alms, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Donna in piedi alla spinetta

Il soggetto è una giovane donna che suona una spinetta, o "virginale", all'interno di una stanza arredata di una ricca abitazione di Delft. Lo si deduce dal pavimento a piastrelle di marmo bianco e nero, dal battiscopa in ceramica bianca con disegni azzurri di Delft e dai dipinti appesi alla parete. L'artista dovette ispirarsi a opere esistenti: il paesaggio potrebbe citare Jan Wijnants o Allart van Everdingen, mentre il Cupido che mostra una carta potrebbe essere di Caesar van Everdingen, fratello di Allart, e deriverebbe da un emblema dell'epoca, già usato dall'artista nella Giovane donna assopita e nel Concerto interrotto. Simboleggia la fiducia verso l'amore oppure è da vedere in relazione con il virginale, come allusione tradizionale ad amore e musica; la carta celebra la fedeltà, intesa come amore da rivolgere solo a una persona. Altri amorini compaiono sulle piastrelle del battiscopa, le stesse della cucina della ttaia.Lo strumento, come quello della Donna seduta alla spinetta, mostra una veduta dipinta sul lato interno del coperchio. Si trattava di un piccolo clavicembalo che, come ricorda lo stesso nome di "virginale", era spesso suonato dalle giovani donne nelle proprie abitazioni, mai in concerto.  musica, tema frequente nella pittura olandese del Secolo d'oro, aveva molteplici significati: poteva rappresentare l'educazione e lo svago delle classi agiante, oppure essere metafora dell'armonia, ma anche della transitorietà, soprattutto nelle nature morte. luce spiove dolcemente da sinistra attraverso le finestre illuminando dolcemente la donna alle spalle, che ha un'acconciatura sofisticata, con uno chignon e riccioli che ricadono liberi sulla fronte, e indossa un corsetto azzurro guarnito da nappe che scendono sulle maniche gonfie del vestito in raso giallo, decorato da perline e nastrini. Guarda verso lo spettatore e accenna quasi un sorriso confidenziale, magari rivolto idealmente all'amico o all'artista, che pare quasi essere invitato a prendere posto nella sedia foderata di velluto azzurro in primo piano. L'effetto è quello di una straordinaria intimità.L'artista usò diversi tipi di pennellata per ottenere effetti vari.  collana di perle è fatta con piccole gocce di bianco, mentre la manica dell'abito è ottenuta con pennellate pastose di colore, stese con virtuosismo in vere e proprie macchie di ombra e luce, che rivelano la loro reale consistenza solo a uno sguardo ravvicinato. Altrove l'artista ricorse a sfumature più delicate, legate alla tradizione dei Paesi Bassi, come nei trapassi tra chiarore e ombra sulla parete. Rispetto ai dipinti riferibili al decennio precedente, qui l'artista ha utilizzato una luce cristallina e fredda anziché soffusa, che delinea i bordi degli oggetti con decisione, come si vede bene anche dalle pieghe nette del panneggio.

Prompt: How does Lady Standing at a Virginal explain its Description and style?Please output in Italian.

Allart van Everdingen
Caesar van Everdingen
Concerto interrotto
Delft
Donna seduta alla spinetta
Giovane donna assopita


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Ritratto di Minerva Anguissola

Elena Anguissola  era la seconda figlia di Amilcare e di Bianca Ponzoni. Il padre apparteneva alla nobiltà genovese e si era trasferito in Lombardia. È stata pittrice, si ritirò molto giovane dal mondo e visse in convento, a Mantova, con il nome di suor Minerva. Di Elena, infatti: «sappiamo che si ritirò nel monastero domenicano di San Vincenzo a Mantova con il nome di suor Minerva , e nel 1585 era ancora viva.»Non deve essere confusa con Minerva Anguissola che era la quarta figlia di Amilcare e di Bianca Ponzoni. Questa quarta figlia Minerva non era pittrice ma, eccellente nel latino e nelle lettere italiane, divenne insegnante ed educatrice.«Minerva, dunque potrebbe essere nata tra il 1543-1546, così che sarebbe identificabile con la ragazzina tra i nove e i dieci anni a destra nella Partita a scacchi, e nel Ritratto di famiglia Anguissola ne avrebbe perciò tra i dodici e i sedici. [...] L'Arisi in Cremona litterata..., del 1706 , fissa la data di morte al 1564. Anche se non fu pittrice, ma "eccellentissima in lettere latine e volgari", come ricordano Antonio Campi e gli altri biografi, Minerva va ricordata in quanto è stata identificata quale soggetto preferito dalle sorelle in alcuni ritratti familiari.»

Prompt: Explain the Sister Minerva Minerva in the house Anguissola about the Description of this artwork, Portrait of Minerva Anguissola (Milan).Please output in Italian.

1564
Elena Anguissola
Ritratto di famiglia Anguissola


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Gabrielle Cot

Gabrielle Cot  è un dipinto ad olio su tela del pittore francese William-Adolphe Bouguereau, realizzato nel 1890. Il quadro ritrae Gabrielle Cot, la figlia del pittore francese Pierre Auguste Cot, l'allievo più illustre del Bouguereau. Quest'opera è tra le pochissime che Bouguereau non dipinse su commissione.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Gabrielle Cot.Please output in Italian.

Pierre Auguste Cot
William-Adolphe Bouguereau


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Madonna Solly

L'opera faceva parte della collezione del banchiere inglese Edward Solly, che nel 1821 la cedette al Kaiser Friedrich Museum. L'attribuzione a Raffaello è indiscussa ed è una delle opere che aprono la serie di Madonne dell'artista. Sulla datazione c'è qualche disaccordo tra gli studiosi, pur riferendola al periodo giovanile prima del soggiorno fiorentino: 1500-01 per Gamba e Fischel, 1502 per Gronau, 1502-03 per Adolfo Venturi, 1503-04 per Pittalunga.

Prompt: Explain the History of this artwork, Solly Madonna.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

statua è l'icona stessa della fondazione della città. Le fonti antiche parlano di due statue bronzee della Lupa, una nel Lupercale, l'altra nel Campidoglio.  prima statua, quella del Palatino, è citata nel 295 a.C., quando i due edili, Quinto Fabio Pittore e Quinto Ogulnio Gallo, le aggiunsero una coppia di gemelli. L'avvenimento, in base al racconto di Tito Livio, risale al 296 a.C. e si rese possibile grazie al denaro che gli stessi edili curuli confiscarono agli usurai. Non possediamo alcun indizio sicuro sul gruppo degli OGNUNI, anzi il passo di Livio ha dato il via a due diverse interpretazioni, che considerano i gemelli come parte di un gruppo unitario o come un'aggiunta successiva ad un'immagine più antica della lupa. Cicerone riporta come il simulacro capitolino venne colpito da un fulmine nel 65 a.C. e da allora non venne riparato.Le raffigurazioni di epoca classica della lupa con i gemelli sono abbastanza diverse dalla statua della lupa capitolina, che ha certa rigidità, tipica della statuaria arcaica o medievale. Il dinamismo della posa della lupa che lecca uno dei gemelli e il diverso atteggiamento dei gemelli raffigurati nei bassorilievi marmorei e sulle monete d'argento indicano invece un elevato naturalismo e sono stati considerati testimonianza del carattere ellenico o ellenistico del modello. Ciò che colpisce è il carattere emblematico dell'immagine concepita come allegoria di un intero racconto di fondazione.Le prime notizie sicure su questa statua risalgono al X secolo, quando si trovava incatenata sulla facciata o all'interno del palazzo del terano: nel Chronicon di Benedetto da Soracte risalente appunto al X secolo, il monaco descrive l'istituzione di una suprema corte di giustizia "nel palazzo del terano, nel posto chiamato ...[graffiti]..., cioè la madre dei Romani." Processi ed esecuzioni "alla lupa" sono registrate di tanto in tanto fino al 1450.  Lupa era conservata con altri monumenti, come l'iscrizione bronzea della lex de imperio Vespasiani, che venivano esposti come cimeli per attestare la continuità tra Impero romano e papato, tra antichità e medioevo. statua venne poi ospitata fino al 1471 nella chiesa di San Teodoro, che si trova tra il Palatino ed il Campidoglio. In quell'anno fu donata da Sisto IV della Rovere  al "popolo romano" e da allora si trova nei Musei Capitolini, nella Sala della Lupa. scultura rappresenta una lupa che allatta una coppia di piccoli gemelli, che rappresentano i leggendari fondatori della città, Romolo e Remo. Queste ultime due figure furono aggiunte nel tardo XV secolo, forse da Antonio del Pollaiolo, in accordo con la storia di Romolo e Remo: in un'incisione su legno delle Mirabilia Urbis Romae , appare già con i due gemelli

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the Injured of the Description explained?Please output in Italian.

1450
1471
295 a.C.
296 a.C.
65 a.C.
Antonio del Pollaiolo
Benedetto da Soracte
Campidoglio
Impero romano
Lupercale
Mirabilia Urbis Romae
Musei Capitolini
Palatino
Quinto Fabio Pittore
Quinto Ogulnio Gallo
Roma
Romolo e Remo
Tito Livio
XV secolo
X secolo


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il soprannome del monumento "un litro in quattro" , diffuso alla fine dell'Ottocento, era dovuto alla rassomiglianza tra le cinque statue del monumento a una bottiglia di vino con quattro bicchieri intorno. Diverse fonti dell'epoca attribuiscono allo scapigliato Giuseppe Rovani la creazione di tale soprannome..</ref>}}

Prompt: Explain the One liter in four about the Interventions of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Cravatta di Sherman Generali dell'Unione  Memoriali e monumenti unionisti Generale Sherman M4 Sherman

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cravatta di Sherman
Generale
Generale Sherman


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Describe the characteristics of the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels in The Last Supper (Leonardo)'s New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Polittico di San Vincenzo Ferrer

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X   Ripubblicato in italiano in

Prompt: Focus on Saint Vincent Ferrer Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Marforio

Marforio è un'enorme scultura marmorea di epoca romana, risalente al I secolo, raffigurante forse il dio Nettuno, l'Oceano o il Tevere. Fu una delle sei statue parlanti di Roma, forse la più nota dopo Pasquino.  statua è conservata nei Musei capitolini.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Marforio.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

in inglese: Blunt, Wilfred and Michael Petzet. The Dream King: Ludwig II of Bavaria. 1973. ISBN 0-14-003606-7. Chapman-Huston, Desmond. Bavarian Fantasy: The Story of Ludwig II. 1955. King, Greg. The Mad King: The Life and Times of Ludwig II of Bavaria. 1996. ISBN 1-55972-362-9 McIntosh, Christopher. The Swan King: Ludwig II of Bavaria. 1982. ISBN 1-86064-892-4

Prompt: Explain the Source of quotes about the Ludovico and the arts of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Le tre tavole,  che rappresentano tre momenti salienti della giornata di battaglia, figuravano nell'inventario redatto subito dopo la morte di Lorenzo il Magnifico , come esposte "nella camera grande terrena, detta  camera di Lorenzo", con riferimento al palazzo Medici di via rga a Firenze. Per tutto il XX secolo si è creduto che le tre tavole fossero arrivate a Lorenzo in via ereditaria, tramite la commissione diretta di suo nonno Cosimo il Vecchio..

Prompt: Explain the Bartolini Salimbeni Medici about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Battle of San Romano.Please output in Italian.


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Pala di Bardi

In una finta nicchia con un colonnato sopra l'alta parete curvilinea è ambientato lo sposalizio mistico di santa Caterina d'Alessandria, raffigurato con lo schema tipico della Sacra conversazione. Al centro infatti si vede Maria seduta su un alto trono, sopra un rocchio di colonna istoriato , che si scosta il mantello e porge il Bambino a Caterina d'Alessandria, sulla sinistra, alla quale inserisce l'anello delle nozze simboliche. Partecipano ai due lati i santi Giovanni evangelista  e Giovanni Battista, che regge la tipica croce sottile e alta.Riferimento all'antico è la ghirlanda alla base del trono, mentre un saggio di virtuosismo prospettico è dato dal pavimento a scacchi e lo scalino, davanti al quale si trova la ruota spezzata e la palma del martirio, attributi tipici di Caterina. L'elemento del bassissimo rilievo è stato letto come un tentativo di evocare i monocromi della Camera di San Paolo di Correggio. Le figure allungate, accennanti movimenti, rimandano allo stile del Battesimo di Cristo, altra opera giovanile, mentre le fisionomie ricordano opere successive come la Santa Barbara o gli affreschi della Stufetta di Diana e Atteone alla Rocca di Fontanellato. Certamente lo stile mostra ancora un carattere acerbo, con qualche incertezza sbilenca. Alle origini correggesche della formazione del pittore, fa eco però il nuovo movimento circolare nella figura della Madonna in trono, con una torsione che viene suggerita dal piedistallo cilindrico su cui ella è posta ed è accentuata dal suo stesso panneggio e da quello del Battista, gonfi e avvolti circolarmente intorno al corpo, oltre che dallo semicircolarità dell'abside e dalle colonne nello sfondo.

Prompt: How does Bardi Altarpiece (Parmigianino) explain its Description and style?Please output in Italian.

Caterina d'Alessandria
Giovanni Battista
Sacra conversazione
Stufetta di Diana e Atteone


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Ritratto di Jacopo Dolfin

Jacopo Dolfin fu un ambasciatore e politico della Repubblica di Venezia. In quest'opera, attribuita a Tiziano, è ritratto a mezza figura su uno sfondo scuro neutro, mentre regge una lettera che ne chiarisce l'identità. Il busto è ruotato di tre quarti verso destra, ma il volto guarda lo spettatore e le braccia amplificano lo spazio protendendosi sulla diagonale. Il grande cappotto, foderato di pelliccia, dà l'effetto del velluto con abile maestrìa e una pennellata ruvida, tipica dell'artista e della sua cerchia. Le linee delle spalle dirigono lo sguardo dello spettatore verso il  volto, che è anche la parte più in luce dell'intero dipinto.L'effigiato è calvo e porta la barba lunga secondo la moda di quegli anni.  mano sinistra, che sporge sotto la pesante manica, ha al dito un anello, che ne certifica l'alto stato sociale.

Prompt: How does Portrait of Giacomo di Andrea Dolfin explain its History and description?Please output in Italian.


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Il dipinto Telemaco e le Ninfe di Calipso  è un'opera della pittrice svizzera Angelika Kauffmann, ispirata a un episodio del romanzo di Fénelon Les avantures de Telemaque, pubblicato in due volumi nel 1699.

Prompt: In Telemachus and the Nymphs of Calypso, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Il Ritratto di giovane uomo è un dipinto olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile tra il 1516 e 1517 circa e già conservato presso il Museo Czartoryski a Cracovia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Young Man (Barocci).Please output in Italian.


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Raffaello e la Fornarina

Le altre versioni dell'opera vennero dipinte molto più tardi, tra il 1830 e il 1840. In una di queste la Madonna della Seggiola viene sostituita dalla Trasfigurazione e Margherita Luti è più piegata verso il suo amante.

Prompt: In Raphael and La Fornarina, how is the Other versions discussed?Please output in Italian.


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Panorama Museum

Il Panorama Museum ha sede nella città di Bad Frankenhausen in Turingia.Il museo è ospitato in un particolare edificio cilindrico che sorge a nord della città, in posizione elevata sul colle dove, nel maggio 1525, ebbe luogo la battaglia finale della guerra dei contadini tedeschi .Sulla sua parete interna è esposto un dipinto di Werner Tübke, dedicato alla battaglia, che per le sue dimensioni  è considerato tra i più grandi dipinti ad olio al mondo.

Prompt: Focus on Early Bourgeois Revolution in Germany and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nei pennacchi angolari si trovano quattro scene bibliche, che si riferiscono ad altrettanti eventi miracolosi a favore del popolo eletto:

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Stories of the Old Testament of the Description explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: Describe the characteristics of the Hinduism in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.


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Mietitura a Carditello

Divenuto pittore di corte di Napoli, Jakob Philipp Hackert ottiene, nel 1791, l'incarico di decorare con affreschi il salottino della tenuta di Carditello: questo ciclo sarà poi in parte distrutto a seguito dell'unità d'Italia da movimenti antiborbonici. Tuttavia ne rimangono alcuni bozzetti, tra cui Mietitura a Carditello, ospitato nella sala 43 nella zona degli Appartamenti Reali della reggia di Capodimonte.Nella tela viene sottolineata la vocazione bucolica della tenuta di Carditello: in primo piano, tra le figure di spicco, sotto ad un albero, Ferdinando I delle Due Sicilie e Maria Carolina d'Asburgo-Lorena, raffigurati con vestiti alla campagnola; questi sono contornati da altri membri della famiglia reale e da contadini, insieme nella condivisione del lavoro dei campi, tra botti, balle di fieno, asini e buoi.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Harvest Time at Carditello.Please output in Italian.

1791
Ferdinando I delle Due Sicilie
Jakob Philipp Hackert
Maria Carolina d'Asburgo-Lorena
Napoli


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Daniele

Danilo Bertazzi, attore italiano Danilo Luiz da Silva, calciatore brasiliano Danilo De Girolamo, attore, doppiatore e direttore del doppiaggio italiano Danilo Di Luca, ciclista su strada italiano Danilo Dolci, sociologo, poeta, educatore e attivista italiano Danilo Gallinari, cestista italiano Danilo Mainardi, etologo italiano Danilo Martelli, calciatore italiano Danilo Rea, pianista italiano Danilo Sacco, musicista e cantante italiano

Prompt: Describe the characteristics of the Danilo variant in Prophet Daniel (Michelangelo)'s Variants.Please output in Italian.

Danilo Bertazzi
Danilo De Girolamo
Danilo Di Luca
Danilo Dolci
Danilo Gallinari
Danilo Luiz da Silva
Danilo Mainardi
Danilo Martelli
Danilo Rea
Danilo Sacco


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Caccia al leone

John H. Patterson,  Spiriti nelle tenebre –  Luni Editrice,  Milano  ISBN 978-88-7984-669-1

Prompt: Focus on The Lion Hunt (Delacroix) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Agostino

Il Polittico di Sant'Agostino è il terzo grande polittico conosciuto di Piero della Francesca, assieme al Polittico della Misericordia  e il Polittico di Sant'Antonio .Il polittico era destinato alla vecchia chiesa di Sant'Agostino di Sansepolcro . Il contratto con gli Agostiniani risale al 4 ottobre 1454, con la firma di Angelo di Giovanni di Simone d'Angelo. L'ultimo pagamento è datato 14 novembre 1469.Il dipinto, spostato probabilmente con il trasferimento degli Agostiniani, dovette finire in una posizione secondaria, per essere poi smembrato, forse già nel Cinquecento. Nella prima metà del XIX secolo le principali tavole del polittico dovevano essere a Milano, come dimostrano sul retro la presenza di timbri in ceralacca che autorizzavano l'esportazione dalla Lombardia austriaca, oltre ad alcuni sigilli di collezionisti milanesi.Verso la fine del XIX secolo gli scomparti andarono sul mercato antiquario in lotti separati, che ne decretarono la dispersione in collezioni soprattutto private, poi cedute a musei pubblici o diventate esse stesse istituzioni pubbliche.Dal 20 marzo al 24 giugno 2024 presso il museo Poldi Pezzoli è esposto ciò che resta del polittico agostiniano, ovvero otto pannelli  ottenute in prestito dai musei che le possiedono, oltre allo stesso museo Poldi Pezzoli.

Prompt: How does Sant'Agostino Altarpiece explain its History?Please output in Italian.

1454
1469
Milano
Piero della Francesca
Polittico della Misericordia
Polittico di Sant'Antonio
Sansepolcro


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Amore e Psiche

Amore e Psiche sono i due protagonisti di una nota storia narrata da Apuleio all'interno della sua opera Le Metamorfosi, anche se è considerata risalire ad una tradizione orale antecedente all'autore.Nella vicenda narrata da Apuleio, Psiche, mortale dalla bellezza eguale a Venere, diventa sposa di Amore-Cupido, senza, tuttavia, sapere chi sia il marito, che le si presenta solo nell'oscurità della notte. Scoperta su istigazione delle invidiose sorelle la sua identità, è costretta, prima di poter ricongiungersi al suo divino consorte, a effettuare una serie di prove, al termine delle quali otterrà l'immortalità. Altre versioni, differenti da quella di Apuleio, narrano, invece, la morte della ragazza prima dell'ultima prova, altre ancora narrano che la ragazza abbia fallito l'ultima prova e che abbia, quindi, dovuto lasciare Amore-Cupido.

Prompt: In Psyche Revived by Cupid's Kiss, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Veduta di Delft

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, View of Delft.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Ritratto di giovane uomo

Ritratto di giovane  Autoritratto  Ritratto virile

Prompt: Focus on Portrait of a Young Man (Barocci) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In Crucifixion with Pietà (Lotto), how is the Crucifixion Roman Emperor of the Description explained?Please output in Italian.


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: Explain the Psychology about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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La Gioconda

{class="wikitable"!Anno!Cast !Direttore!Etichetta-1986Éva Marton, Plácido Domingo, Ludmila Šemciuk, Matteo Manuguerra, Kurt Rydl, Margarita LilowaÁdám FischerArthaus-2005Deborah Voigt, Richard Margison, Elisabetta Fiorillo, Carlo Guelfi, Carlo Colombara, Ewa PodleśDaniele CallegariTDK-2005Andrea Gruber, Marco Berti, Ildikó Komlósi, Alberto Mastromarino, Carlo Colombara, Elisabetta FiorilloDonato RenzettiDynamic}

Prompt: Explain the Videography of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.


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Musica

terminologia musicale è molto ampia.I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono: la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione ; la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente; l'accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali; l'armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi; il contrappunto, dal lat. punctum contra punctum, punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie; il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica  in un brano; il tempo, che determina la durata di ogni battuta in unità musicali; gli armonici, ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota . Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento. il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro; la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Common terms of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


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La Libertà che guida il popolo

Italo Calvino, Un romanzo dentro un quadro, in "Collezione di sabbia", Milano, Garzanti, 1984, pp. 61-62.

Prompt: In Liberty Leading the People, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Mosè difende le figlie di Jetro

Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Moses Defends Jethro's Daughters.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Pala di Londra

Il dipinto, diviso in due settori ben distinti, raffigura in basso, da sinistra a destra, i santi Girolamo, Giuseppe, Bernardino da Siena, Francesco d'Assisi e Nicola di Bari. In alto, tra le nubi, è posta la Madonna col Bambino Gesù tra le sante Caterina d'Alessandria e Chiara. Sullo sfondo, dietro al gruppo sottostante, si vede un cielo terso, rigato da alcune nuvole.San Bernardino regge un libro con l'iscrizione "PATER / MANI/FESTA/VI NO/MEN // TVVM / HOMI/NI/BVS" , mentre ai suoi piedi sono deposte tre mitrie con incisi i nomi delle diocesi rette dal santo durante la sua vita: Urbino, Ferrara e Siena.

Prompt: In Madonna and Child with Saints (Moretto, London), how is the Description discussed?Please output in Italian.

Bambino Gesù
Caterina d'Alessandria
Ferrara
Francesco d'Assisi
Siena
Urbino


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Tre studi di Lucian Freud

Tre studi di Lucian Freud  è un trittico di Francis Bacon realizzato nel 1969.

Prompt: In Three Studies of Lucian Freud, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Nike di Peonio

dea viene colta nell’atto di planare a terra: in origine con la mano sinistra doveva tenere un lembo dell’himation gonfiato dal vento. Il rapido movimento schiaccia anche il peplo contro il corpo di cui si indovinano chiaramente le forme, esaltate dalla tecnica del cosiddetto “panneggio bagnato”, mentre gamba e seno sinistro sono lasciati nudi nell’impeto del volo. Questo stile di rappresentazione della veste ha fatto assegnare lo scultore all’ambito postfidiaco ed allo “stile ricco”. superficie della statua era dipinta e i colori originali dovevano accentuare l’effetto di chiaroscuro. Sotto i suoi piedi era visibile un’aquila  in volo laterale.

Prompt: In Nike of Paionios, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Le tre tavole,  che rappresentano tre momenti salienti della giornata di battaglia, figuravano nell'inventario redatto subito dopo la morte di Lorenzo il Magnifico , come esposte "nella camera grande terrena, detta  camera di Lorenzo", con riferimento al palazzo Medici di via rga a Firenze. Per tutto il XX secolo si è creduto che le tre tavole fossero arrivate a Lorenzo in via ereditaria, tramite la commissione diretta di suo nonno Cosimo il Vecchio..

Prompt: In the context of The Battle of San Romano, explain the Bartolini Salimbeni Medici and the Description and style.Please output in Italian.


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Amore e Psiche

Psiche ApuleioL'asino d'oroClive Staples Lewis#Narnia, il mito di Psiche e l'esperienza del dolore A viso scoperto

Prompt: Focus on Psyche Revived by Cupid's Kiss and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Musica

Nell'antica Grecia Pitagora intuì la stretta relazione tra musica e matematica, per la relazione intercorrente tra rapporti frazionari e suono.Platone affermò che, come la ginnastica serviva ad irrobustire il corpo, la musica doveva arricchire l'animo. Attribuiva alla musica una funzione educativa, come la matematica. Secondo lui bisognava saper scegliere fra tanto e poco, fra più o meno, fra bene o male, per arrivare all'obiettivo finale.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music antiquity of the The studio explained?Please output in Italian.


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Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Contemporary Age of the History explained?Please output in Italian.


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

E. Krol, K. M. Semenova , Musée de l'Ermitage. Peinture de l"Europe occidentale, Leningrad  1981, dl. II, p. 42.

Prompt: In St John the Evangelist at Patmos, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.