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Madonna di Darmstadt

Madonna di Dresda divenne nel XIX secolo oggetto di confronto con la Madonna Sistina di Raffaello Sanzio dopo un'esibizione di questa alla Gemaldgalerie di Dresda. Proprio il direttore del museo di Dresda, Julius Schnorr von Carolsfeld, aveva sostenuto nel 1855 l'uguaglianza tra scuole artistiche italiane e tedesche dell'epoca sulla base delle somiglianze tra l'opera di Holbein e quella di Raffaello. Holbein venne definito il "Raffaello del nord" da Albrecht Dürer Dopo che la Madonna di Dresda fu riconosciuta come una copia, il confronto ad ogni modo continuò a rimanere acceso. Sigmund Freud visitò la Gemäldegalerie di Dresda nel dicembre del 1883 e trasse le seguenti conclusioni:Dal commento di Freud apprendiamo anche una delle interpretazioni fantasiose date al quadro nel XIX secolo e cioè che, secondo una leggenda, vi sarebbe stato un miracolo con uno scambio di figli: i due genitori raffigurati, che pregavano per il figlio malato, ottengono da Maria il dono di Gesù Bambino, prendendo in grembo il bambino malato della coppia. Questa interpretazione è dovuta principalmente al contrasto tra il volto sofferente del bambino Gesù e il bambino più felice in primo piano.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Raffaello Holbein comparison of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Sigmund Freud


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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The Lady of Shalott

The dy of Shalott, regia di C.J. Williams

Prompt: Explain the Cinematic transpositions of this artwork, The Lady of Shalott (painting).Please output in Italian.


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Cacciata di Eliodoro dal tempio

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2Stefano Zuffi, Il Cinquecento, Electa, Milano 2005. ISBN 8837034687

Prompt: Focus on The Expulsion of Heliodorus from the Temple and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

Giulio Carlo Argan, L'Amor sacro e l'Amor profano di Tiziano Vecellio. Milano: Bompiani, 1950.   Mario Calvesi, Un amore per Venere e Proserpina in Art e Dossier numero 39, 1989. G.P. Clerici, Tiziano e l'Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese  in Bibliofilia XX numero 19, 1918 G. Cozzi,  donna, l'amore e Tiziano in Tiziano e Venezia. Atti del Convegno di Studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. Wilhelm Friedländer,  tintura delle rose in The Art Bulletin XVI 1938.320-324   U. Gnoli, Amor Sacro e Profano? in Rassegna d'Arte II, 1902. R. Goffen, Titian's ‘Sacred and Profane Love’ and Marriage in The Expanding Discourse: Feminism and Art. New York: Harper Collins, 1992. Titian's Sacred and Profane Love: Individuality and Sexulity in a Renaissance Marriage Picture in Studies of History of Art XXV, 1993. C. Hope, Problems of interpretations in Titian's erotic paintings in Tiziano e Venezia. Atti del convegno di studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. L. Hourticq,  Fontaine d'amour de Titien in Gazette des Beaux-Arts XII, 1917. A.L. Mayer, Aurelio Nicolò: the Commissioner of Titian's Sacred and Profane Love in The Art Bulletin XXI, 1939. L. Ozzola, Venere e Elena. L'amor sacro e l'amor profano. in L'Arte IX, 1906. Erwin Panofsky, Immagini simboliche. Studi sull'arte del Rinascimento. Milano: Feltrinelli, 1978. E. Petersen, Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung in Die Galerien Europas 2, 1907. J. Poppelreuter, Sappho und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe in Repertorium für Kunstwissenschaft XXXVI, 1913. M.L. Ricciardi, L'Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l'enigma in Notizie da Palazzo Albani XV, 1986. G. Robertson, Honour, Love and Truth: An Alternative Reading of Titian's Sacred and Profane Love in Renaissance Studies 2, 1988. Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. H.E. Wethey, The paintings of Titians. New York: Renaissance Society of America, 1975. F. Wickhoff, Giorgione's Bilder zu Römischen Heldengedichten in Jarbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen XVI, 1895. E.P. Wind, Misteri pagani nel rinascimento. Milano: Adelphi, 1971. Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5Giuliano Pisani, Le Veneri di Raffaello , Studi di Storia dell'Arte 26, Ediart 2015, pp. 97-122

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione).Please output in Italian.

Galleria Borghese
Giorgione
Giuliano Pisani
Hypnerotomachia Poliphili
Erwin Panofsky
Proserpina
Hypnerotomachia Poliphili
Tiziano Vecellio
Venezia


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Altare Heller

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Focus on Heller Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: In Epifania, how is the Portugal of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Niki de Saint Phalle, Collaborazioni, in Jean Tinguely. Una magia più forte della morte, Catalogo della Mostra Venezia, Palazzo Grassi, Venezia 1987Niki de Saint Phalle. Bilder-Figuren-Phantastische Garten, Catalogo della Mostra a cura di C. Schulz Hoffman, Bonn 1987B, Catalani Il Giardino dei Tarocchi, di Niki de Saint Phalle, "Architettura e Arte", n¡ 1, gennaio - marzo 1998Nathalie de Saint Phalle Niki da Saint Phalle e Jean Tinguely , "Galeries Magazine", n. 31, giugno-luglio 1989Le jardin des tarots, in Niki de Saint Phalle. Oevres des annés 80, Catalogo della Mostra a cura di P. Hulten P., Parigi, Galerie de France 1989P. Braff Nanas, Guns and Gardens "Art in America", 12 dicembre 1992Alberto Giorgio Cassani, "Garavicchio , il giardino dei Tarocchi ", in "'ANAGKH", II, n° 5, marzo 1994, pp. 50–59.B. Graziani, Niki de Saint Phalle colossal, colossal!, "Paris Match", 24 giugno 1993Niki de Saint Phalle, A little of my story with you Jean, in Museum Jean Tinguely Basel. The collection, 1996 Niki de Saint Phalle, Catalogo della mostra a cura di A. Mazzanti, Orbetello Polveriera Guzman, 1997A Mazzanti Niki de Saint Phalle a Orbetello: quando l gioco si fa duro, "ART e Dossier", n¡ 125, luglio-agosto, pp. 12–16 1997,E. Morelli, Introduzione alla sezione spazi per l'arte, Il giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle in G. G. Rizzo, A. Valentini , Luoghi e paesaggi in Italia, Firenze University Press, Firenze 2004.R. Aureli Niki de Saint Phalle a Capalbio Catalogo della mostra a cura di Roberto Aureli, Palazzo Collacchioni estate 2006, AION edizioni .Silvia Bottinelli, Claudia mberti, Matteo Mattei, Progettare lo spazio onirico: il "Giardino dei Tarocchi" a Capalbio, tra arte e architettura, in "Bollettino ingegneri", n° 10, 2007, pp. 10–20.R. Trapani, Il Giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle: un'opera d'arte totale nella campagna toscana, in Echi d'arte, Anno 2, n° 10 .L. Agostini, Il Giardino dei Tarocchi, Ed. Lulu.com, Anno 2007, 136 pagine, ISBN 978-1-84799-344-1.

Prompt: How does Tarot Garden explain its Bibliography?Please output in Italian.

1996
1997
1998
2006
Arte
Bonn
Capalbio
Giardino
ISBN
Italia
Jean Tinguely
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Orbetello
Palazzo Grassi
Parigi
Tarocchi
Venezia


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Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria (Parmigianino Parigi)

composizione si svolge in orizzontale con le figure a metà, riprendendo uno schema dei pittori veneti. Al centro Maria tiene in braccio il Bambino, che si volge a sinistra a infilare l'anello all'anulare di santa Caterina d'Alessandria, mentre a sinistra si vede una figura maschile con libro, forse san Giuseppe. Quest'ultimo intendeva forse ricordare l'effigie del committente, da alcuni indicato nell'artista Valerio Belli.I personaggi sono definiti solo sommariamente nelle silhouettes, su una base color terra che maschera a malapena il supporto ligneo. Il volto della Madonna, che ricorda la Madonna Aldobrandini di Raffaello, è invece quasi finito, così come l'albero fronzuto sullo sfondo e una brano del paesaggio, compreso il cielo.  cromia e la rapidità della pennellata conferma la vicinanza a opere bolognesi come la Madonna di Santa Margherita.

Prompt: In Mystic Marriage of Saint Catherine (Parmigianino, Louvre), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Madonna Aldobrandini
Madonna di Santa Margherita
Valerio Belli


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Sacrificio di Isacco

Alcuni studiosi fanno rilevare che Isacco fu ubbidiente e rispettoso verso l'anziano padre. Infatti, mentre il racconto biblico asserisce che Abramo era vecchio avendo superato di gran lunga i 100 anni, Isacco non sembra essere stato un bambino, bensì un giovane vigoroso che, se non fosse stato consenziente, poteva opporsi con la forza al padre. Lo storico Giuseppe Flavio, infatti, riportando il pensiero della tradizione ebraica in Antichità giudaiche, afferma che Isacco aveva 25 anni all'epoca del suo sacrificio.Abramo d'altronde, così come fa notare il teologo cristiano Søren Kierkegaard nella sua opera Timore e tremore, ubbidì prontamente. Non si pose dubbi sulla ragione di quella richiesta di sacrificio da parte di Dio, se Egli lo richiedeva, la ragione era giusta! Abramo non avvisò né la moglie né i suoi parenti per portare a termine la sua opera, l'etica di Dio , ad avviso del filosofo e teologo danese, per Abramo veniva prima di ogni altra etica.D'altronde nel Nuovo Testamento è spiegato anche un'ulteriore ragione della fede di Abramo. Abramo era certo che il Dio di Israele che gli aveva dato Isacco e con il sacrificio glielo toglieva, in seguito l'avrebbe risuscitato dai morti. Nella  lettera agli Ebrei  si dice: Per fede Abramo, quando fu provato, fece come se offrisse Isacco, e l'uomo che aveva lietamente ricevuto le promesse, tentò di offrire il [suo] unigenito, benché gli fosse stato detto: "Quello che sarà chiamato 'tuo seme' verrà da Isacco". Ma egli riconobbe che Dio poteva destarlo dai morti, e da lì lo ricevette pure in modo illustrativo. promessa di un seme che da Abramo attraverso il figlio Isacco avrebbe condotto al Messia è uno dagli argomenti principali delle Sacre Scritture. Isacco, infatti oltre a trovarsi nella linea di ascendenza di Gesù, ne prefigura il suo sacrificio.

Prompt: Explain the Faith Abraham obedience Isaac promise seed of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.

Abramo
Antichità giudaiche
Isacco
Messia
Nuovo Testamento
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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Vento dell'Est su Weehawken

Hopper riprenderà il tema del vento nell'acquerello Windy day  del 1938, anche questo facente parte di una collezione privata.

Prompt: Focus on East Wind Over Weehawken and explain the Curiosity.Please output in Italian.


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San Bernardino da Siena tra due angeli

Il dipinto proviene dalla cappella funebre del marchese Ludovico Gonzaga, dedicata a san Bernardino e situata nella chiesa di San Francesco a Mantova. Dopo le soppressioni pervenne in galleria, nel 1811.

Prompt: In St. Bernardino of Siena between Two Angels, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Leda col cigno

Leonardo dovette lavorare a una Leda, un raro caso di soggetto mitologico nella sua produzione, nella fase tarda della sua attività, forse già durante il suo secondo soggiorno fiorentino, per poi trasferire l'opera con sé a Milano e da qui in Francia. Uno studio di Raffaello  su un disegno preparatorio di Leonardo, fa pensare che già verso il 1505 l'opera fosse stata inventata, dal momento che l'artista urbinate poteva averlo visto solo a Firenze. prima menzione antica risale all'Anonimo Gaddiano . Leda doveva essere terminata durante il soggiorno milanese, come sembrerebbe confermare la presenza del cartone definitivo in casa Casnedi a Milano ancora ai primi del XVIII secolo  e la constatazione che la maggior parte delle copie esistenti è di ambito lombardo.Nel 1590 l'originale leonardesco venne ricordato in Francia da Lomazzo, nelle raccolte reali, assieme alla Monna Lisa; nel 1625 Cassiano dal Pozzo la descrisse a Fontainebleau come in cattive condizioni conservative: «Una Leda in piedi, quasi tutta nuda, col cigno e due uova a' piè della figura dalle guscia delle quali si vede esser usciti quattro bambini. Questo pezzo è finitissimo, ma alquanto secco, in ispecie il petto della donna, del resto il paese [il "paesaggio"] e la verdura [la "vegetazione"] è condotta con grandissima diligenza; ed è molto per la mala via, perché com'è fatto di tre tavole per lo lungo, quelle scostate via han fatto staccare assai del colorito».Alla fine del XVII secolo se ne persero definitivamente le tracce.

Prompt: In Leda and the Swan (Uffizi), how is the History discussed?Please output in Italian.

1505
1590
1625
Anonimo Gaddiano
Cassiano dal Pozzo
Firenze
Fontainebleau
Leda
Milano


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I briganti, che in quel periodo vivevano e agivano nella campagna romana, nonostante costituissero una seria minaccia ai viaggiatori attraversanti la campagna romana, erano uno delle figure romantiche preferite da numerosi pittori e disegnatori dell'epoca, attivi a Roma, come Bartolomeo Pinelli, Louis Léopold Robert, Léon Cogniet, Luigi Rocco, riprendendo e rielaborando quelli che erano i soggetti della scuola romana dei bamboccianti, mescolandoli alla ricerca neoclassica.Su questo soggetto, Vernet, probabilmente a causa del successo di opere sul medesimo tema dipinte da L. Robert, iniziò a comporre nel 1820 con “Route de Naples” , che raffigura un gruppo di briganti pronti ad una imboscata, nascosti dietro a grossi massi, su un lato della strada che porta a Napoli, pronti bloccare e derubare una vettura di posta che viene mostrata in arrivo al luogo dell'agguato, trainata da cavalli al galoppo su una strada lungo il mare a Terracina, il successo del dipinto è immediato e verrà anche riprodotto da Francois Saeraphin Delpech come stampa litografica.Nel 1831 dipinge il quadro "Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie" che idealmente rappresenta proseguimento del fatto brigantesco, iniziato con “Route de Naples”, mostrante l'intervento delle forze della legge contro i fuorilegge, dopo l'avvenuto agguato alla carrozza. L'opera verrà copiata da discepoli e rifatta come incisione da parte di Henry Dowe e David Lucas e stampata due grandi acqueforti. Il dipinto, di cui oggi rimane memoria con una riproduzione del tempo a stampa, mostrava al centro un brigante ferito morente adagiato su un carro trainato da buoi che riceve l'assoluzione da un monaco inginocchiato sullo stesso carro. Il carro è attorniato da un gruppo di gendarmi, alcuni dei quali feriti, due briganti con le mani legate dietro alla schiena inginocchiati, abitanti del luogo e da una coppia di due monaci in apparente religiosa compartecipazione all'evento, un quarto monaco contempla la scena dall'alto di una scalinata. Il paesaggio dipinto sullo sfondo riprende largamente motivi neoclassici mostrando rovine di un tempio e le arcate di un acquedotto romano,.<br />  cattura, pentimento del bandito e sua assoluzione chiude idealmente questa trilogia di dipinti briganteschi.Sempre nel tema brigantesco nel 1828 Vernet dipinse il Brigante tradito, mostrante la scena in cui un brigante viene catturato da un gendarme grazie al tradimento di una donna, con la quale si era dato appuntamento, opera in cui Vernet mescolando verismo e scena drammatica elabora un'istantanea della cattura.

Prompt: Focus on Italian Brigands Surprised by Papal Troops and explain the I bring as subject.Please output in Italian.

Bartolomeo Pinelli
Louis Léopold Robert
Léon Cogniet
Terracina


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I briganti, che in quel periodo vivevano e agivano nella campagna romana, nonostante costituissero una seria minaccia ai viaggiatori attraversanti la campagna romana, erano uno delle figure romantiche preferite da numerosi pittori e disegnatori dell'epoca, attivi a Roma, come Bartolomeo Pinelli, Louis Léopold Robert, Léon Cogniet, Luigi Rocco, riprendendo e rielaborando quelli che erano i soggetti della scuola romana dei bamboccianti, mescolandoli alla ricerca neoclassica.Su questo soggetto, Vernet, probabilmente a causa del successo di opere sul medesimo tema dipinte da L. Robert, iniziò a comporre nel 1820 con “Route de Naples” , che raffigura un gruppo di briganti pronti ad una imboscata, nascosti dietro a grossi massi, su un lato della strada che porta a Napoli, pronti bloccare e derubare una vettura di posta che viene mostrata in arrivo al luogo dell'agguato, trainata da cavalli al galoppo su una strada lungo il mare a Terracina, il successo del dipinto è immediato e verrà anche riprodotto da Francois Saeraphin Delpech come stampa litografica.Nel 1831 dipinge il quadro "Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie" che idealmente rappresenta proseguimento del fatto brigantesco, iniziato con “Route de Naples”, mostrante l'intervento delle forze della legge contro i fuorilegge, dopo l'avvenuto agguato alla carrozza. L'opera verrà copiata da discepoli e rifatta come incisione da parte di Henry Dowe e David Lucas e stampata due grandi acqueforti. Il dipinto, di cui oggi rimane memoria con una riproduzione del tempo a stampa, mostrava al centro un brigante ferito morente adagiato su un carro trainato da buoi che riceve l'assoluzione da un monaco inginocchiato sullo stesso carro. Il carro è attorniato da un gruppo di gendarmi, alcuni dei quali feriti, due briganti con le mani legate dietro alla schiena inginocchiati, abitanti del luogo e da una coppia di due monaci in apparente religiosa compartecipazione all'evento, un quarto monaco contempla la scena dall'alto di una scalinata. Il paesaggio dipinto sullo sfondo riprende largamente motivi neoclassici mostrando rovine di un tempio e le arcate di un acquedotto romano,.<br />  cattura, pentimento del bandito e sua assoluzione chiude idealmente questa trilogia di dipinti briganteschi.Sempre nel tema brigantesco nel 1828 Vernet dipinse il Brigante tradito, mostrante la scena in cui un brigante viene catturato da un gendarme grazie al tradimento di una donna, con la quale si era dato appuntamento, opera in cui Vernet mescolando verismo e scena drammatica elabora un'istantanea della cattura.

Prompt: Explain the I bring as subject of this artwork, Italian Brigands Surprised by Papal Troops.Please output in Italian.

Bartolomeo Pinelli
Louis Léopold Robert
Léon Cogniet
Terracina


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Madonna col Bambino, sant'Anna e quattro santi

Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Virgin and Child with Saint Anne and Four Saints.Please output in Italian.


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L'insegna di Gersaint

Le opere d'arte che appaiono esposte, del dipinto, sono riconducibili al concetto di una velata critica dell'alta società. Il giovane che offre la sua mano alla donna in rosa è contrapposto a una serie di nudi femminili, mentre le figure puritane nei ritratti a sinistra sembrano guardare in disapprovazione. Nel lato destro, numerose immagini di orge e figure nude, come se l'arte esprimesse i sentimenti lussuriosi delle figure signorili presenti nel negozio, le quali, da parte loro, si limitano a guardarsi l'un l'altro o si esprimono in educatissimi gesti di intimità.Comunemente, il dipinto è interpretato come un commento sulla cultura aristocratica in special modo al tempo del governo del licenzioso reggente Filippo II, Duca d'Orléans , dopo la morte di Luigi XIV e prima della salita al trono di Luigi XV. Il porre in una scatola il ritratto  del re defunto può quindi indicare metaforicamente la fine dei fasti del vecchio regime.Le figure centrali del quadro esemplificano la natura estetizzata con le acconciature e con i vestiti eleganti, mentre gli operai sulla destra offrono variazioni della natura umana; il cane ispirato a Rubens infine rammenta all'osservatore la persistenza della natura ai margini della civiltà urbana.

Prompt: How does L'Enseigne de Gersaint explain its Meaning of the work?Please output in Italian.


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Vanità

upright=1.4border«Vano» può significare vuoto, ma anche inutile, futile, inconsistente, fugace, inane; più apparenza che sostanza.  connotazione del termine e dei suoi derivati quindi è negativa, oltre che duplice, nel senso di: assenza di corporeità, mancanza di consistenza materiale; mancanza di efficacia o di utilità. Inconsistenza; fugacità.

Prompt: How does Vanity (Titian) explain its Definition etymology?Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Altri studiosi hanno puntato invece sulla stretta somiglianza tra questi due ritratti e quelli certi del padre di Galeazzo, Roberto Sanseverino, i cui lineamenti del viso mostrano parecchi tratti in comune.

Prompt: In the context of Portrait of Luca Pacioli, explain the Roberto Sanseverino and the Author's identity.Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

upright=1.4Copia da Al Louvre si conserva la copia di un abbozzo preliminare destinata a una delle stanze con l'Apocalisse come soggetto. Tale rappresentazione veniva di solito associata a un mancato progetto per la Stanza di Eliodoro , forse destinato alla parete nord, al posto della Liberazione di san Pietro , o alla parete sud, quella della Messa di Bolsena , anche in virtù della posizione decentrata della finestra. presenza però del ritratto di Giulio II senza barba, anteriore al voto del 17 agosto 1510, assieme alla scarsa presa degli elementi che collegano questo progetto alla Stanza di Eliodoro, farebbero piuttosto pensare a un mancato progetto per la parete su della Stanza della Segnatura. L'Apocalisse dopotutto sarebbe il più importante giudizio, quello Universale, legato quindi al tema della legge , ed avrebbe bilanciato le pareti con una doppia contrapposizione tra temi religiosi  e profani . Il tema potrebbe essere stato abbandonato dopo la sconfitta del papa dai francesi.

Prompt: Describe the characteristics of the Studies in Cardinal and Theological Virtues (Raphael)'s Description and style.Please output in Italian.

1510
Apocalisse
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura
Stanza di Eliodoro


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Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: Describe the characteristics of the Medallions and brooches in Monument to Giordano Bruno's Description.Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In the context of Madonna and Child (Bellini, Detroit), explain the Variants and the History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: How does Annunciation (Filippo Lippi, London) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto del Perugino

Il protagonista è ritratto a metà figura mentre fissa lo spettatore e tiene le mani poggiate su una balaustra in primo piano, con un foglietto arrotolato nel pugno destro come il personaggio nel Ritratto di giovane, sempre attribuito a Raffaello).  scena è ambientata in una stanza con una finestra aperta sul paesaggio a sinistra. Il motivo del parapetto e della finestra sono un'evidente derivazione da opere fiamminghe, in particolare i ritratti di Hans Memling. L'uomo è vestito di nero, con una camicia bianca che sporge dal colletto e una berretta pure scura. Curiosamente si tratta dello stesso abbigliamento del Ritratto di Lorenzo di Credi attribuito al Perugino, che dimostra quello che doveva essere il modo comune di vestirsi tra gli artisti della cerchia peruginesca.

Prompt: In Portrait of Perugino, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Hans Memling
Lorenzo di Credi
Perugino
Ritratto di Lorenzo di Credi


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Meishozue, Edo of the Evolution Hiroshige work explained?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Perugino, Washington)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Bambini dell'Olocausto

I primi bambini ad essere vittime dell'Olocausto furono i minori disabili , i quali furono eliminati in Aktion T4, il programma di eutanasia del Terzo Reich volto a forgiare la "razza ariana", purificandola da ogni debolezza genetica. Tutti coloro che avevano un qualche malattia ereditaria  o che erano gravemente malati fisici o mentali  furono classificati come esempi di "vita indegna di essere vissuta" . Già nel 1929 Adolf Hitler aveva affermato di fronte al congresso del Partito Nazionalsocialista Tedesco dei voratori svoltosi a Norimberga che "la rimozione dei bambini più deboli significava un aumento del potere della nazione e non un suo indebolimento"..Fu nei programmi di eutanasia che si sperimentarono per la prima volta quei metodi di sterminio di massa  che furono poi applicati su larga scala nei confronti degli ebrei e altri gruppi ritenuti razzialmente inferiori o socialmente indesiderabili. L'ambiguo confine tra malattia mentale e "disadattamento" sociale portava ad allargare il numero di quanti potessero essere considerati suscettibili di "rimozione". Tra il 1939 e il 1945, furono 5000-7000 i bambini soppressi nelle cliniche e nei riformatori tedeschi perché affetti da malattie genetiche o mentali o, come nel caso di Ernst Lossa, semplicemente perché ritenuti socialmente e "razzialmente" "disadattati" e irriformabili.

Prompt: Describe the characteristics of the Programmed euthanasia in Children in the Holocaust's Victims survivors.Please output in Italian.

Adolf Hitler
Aktion T4
Ernst Lossa
Norimberga
Olocausto


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (David)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: How does Last Supper (Tintoretto) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


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Mezzana

Lo stemma e il gonfalone sono sttai approvati con deliberazione della Giunta provinciale n. 10597 del 19 ottobre 1984.;Stemma;Gonfalone

Prompt: Explain the Symbols about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Procuress (Vermeer).Please output in Italian.


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Danae

Fu imprigionata in una torre dal padre, il re Acrisio, spaventato dalla predizione dell'Oracolo di Delfi che sarebbe stato ucciso dal nipote. Ma Preto riuscì a raggiungerla e a sedurla Secondo Apollodoro invece, il matrimonio non avvenne poiché il figlio di Danae  non lo permise e lei fu riportata in seguito ad Argo.

Prompt: In Danaë (Rembrandt), how is the Mythology discussed?Please output in Italian.


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Musica

Nell'antica Grecia Pitagora intuì la stretta relazione tra musica e matematica, per la relazione intercorrente tra rapporti frazionari e suono.Platone affermò che, come la ginnastica serviva ad irrobustire il corpo, la musica doveva arricchire l'animo. Attribuiva alla musica una funzione educativa, come la matematica. Secondo lui bisognava saper scegliere fra tanto e poco, fra più o meno, fra bene o male, per arrivare all'obiettivo finale.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music antiquity of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Il dipinto è un ritratto alla francese di grandi dimensioni, rappresentante Napoleone a grandezza naturale, in piedi. Porta l'uniforme da ufficiale dei granatieri a piedi, blu foderata di bianco con le maniche rosse, con un gilet bianco, decorato delle decorazioni imperiali della Legion d'onore e dell'Ordine della Corona ferrea oltre a due spalline dorate. Indossa una culotte alla francese di colore bianco, oltre a due scarpe nere con fibbie oro.  figura è presentata di tre quarti, con una gamba posta in avanti, il viso rivolto verso lo spettatore, la mano destra nascosta sotto il gilet. Tra i mobili presenti nello studio si riconosce una sedia con una spada appoggiata.  scrivania è di stile imperiale, coi piedi scolpiti a rappresentare la testa di un leone. Tra le sue carte si trova uno scritto dove si legge la parola "CODE" in riferimento appunto al codice legislativo napoleonico. Il pavimento è ricoperto da un tappeto verde sul quale si trovano altri fogli arrotolati, sul primo dei quali si legge la firma del pittore LVD DAVID OPVS 1812. In secondo piano si trova un grande pendolo che indica le quattro e dieci. seconda versione differisce per l'uniforme che è appunto quella dei cacciatori a cavallo della guardia e per l'orologio che segna le quattro precise.

Prompt: How does The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries explain its Description?Please output in Italian.

Legion d'onore
Ordine della Corona ferrea


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

Il dipinto presenta san Giovanni Evangelista a Patmos, dove la tradizione afferma che scrisse il Libro dell'Apocalisse.Giovanni Evangelista è raffigurato, in un contesto paesaggistico, seduto su una roccia in riva al mare, mentre sta scrivendo il Libro dell'Apocalisse. Accanto a lui siede un'aquila la quale è il suo simbolo. Oltre il mare in burrasca e in alto nel cielo si dispiegano le visioni apocalittiche che raccoglierà nel suo libro.

Prompt: Explain the Description of this artwork, St John the Evangelist at Patmos.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: Focus on Lamentation over the Dead Christ (Perugino) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Diversification birth main branches of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ritorno della mandria

L'opera fa parte della serie dei Mesi, completata con sole cinque tavole e già in possesso di Niclaes Jonghelinck di Anversa. Appena un anno dopo, nel 1566, venne ceduta all'amministrazione cittadina e nel 1594 fu l'oggetto di un dono a Ernesto d'Asburgo.

Prompt: How does The Return of the Herd explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Adorazione dei pastori

Prompt: In Nativity (Correggio), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Caccia al leone

Fin dai suoi primordi, l'uomo ha sempre avuto una stretta relazione con i grandi felini: sono stati ritrovati resti fossili di ominidi con evidenti segni circolari sul cranio, segni che corrispondevano perfettamente alle zanne del leopardo che, con tutta probabilità, era il più accanito predatore degli antichi ominidi.  caccia ai grandi felini era dunque un'azione necessaria per l'autodifesa; nulla toglie comunque al fatto che probabilmente, in tempi di magra, gli uomini uccidessero questi animali per cibarsene, o che il fatto di riuscire a cacciarli con successo aumentasse il prestigio sociale del cacciatore, in quanto si trattavano comunque di belve temibili e pericolose.

Prompt: Explain the Stone Age about the The  lion  hunt  of  the  Masai of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In Love & Loss, how is the Bahá'í Faith of the Psychology explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna dei Palafrenieri

Madonna dei palafrenieri, anche detta Madonna della Serpe, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1606 dal pittore italiano Caravaggio. È conservato nella Galleria Borghese di Roma.Il quadro mostra Maria e il Bambino mentre schiacciano il serpente del peccato originale, alla presenza di sant'Anna.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1606
Galleria Borghese
Galleria Borghese
Roma


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Fuga in Egitto

Oggi vari studiosi mettono in dubbio la storicità della fuga in Egitto - peraltro assente negli altri Vangeli canonici - viste anche le incongruenze sia tra i vangeli di Matteo e Luca sia all'interno della stessa narrazione matteana, oltre che per il mancato riscontro negli archivi ebraici, nel Nuovo Testamento e nelle opere di Giuseppe Flavio, fonte principale della storia giudaica del I secolo. Il racconto sarebbe servito anzitutto a spiegare come mai Gesù sia nato a Betlemme e cresciuto a Nazaret; la famiglia di Gesù si sarebbe stabilita in Galilea per ispirazione divina. Inoltre avrebbe avuto una funzione teologica, quella di dimostrare agli Ebrei, a cui il Vangelo secondo Matteo era diretto, che Gesù era il nuovo Mosè e che in lui si era avverata la profezia di Osea.
Secondo alcuni critici, il racconto di Matteo sarebbe una versione cristiana dell'haggadah di Mosè, che racconta come Mosè sia scampato alla morte dei neonati ebrei maschi decretata dal faraone. Gli studiosi più legati alla tradizione ritengono che le analogie esistenti tra Mosè e Gesù non siano un motivo sufficiente per negare la storicità dell'avvenimento raccontato da Matteo
Comunque, anche esegeti cristiani come Raymond Brown, John Dominic Crossan e Rudolf Bultmann sostengono che tradizioni preesistenti siano state la fonte del racconto matteano; il sacerdote cattolico Raymond Brown ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi, mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù - legata alla fuga in Egitto - e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Il teologo Raymond Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth".
 Secondo molti studiosi, infatti, le contraddizioni tra i due resoconti evangelici della Natività renderebbero storicamente inconciliabile la fuga in Egitto e la concomitante strage degli innocenti, descritte da Matteo, con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la partenza dei Magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia si stabilì subito a Nazaret: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la fuga in Egitto - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, avvenuto nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".
Secondo lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio della fuga in Egitto, per come è narrato da Matteo, desta perplessità: ad esempio, per sfuggire alla persecuzione di Erode sarebbe stato più semplice rientrare subito a Nazaret, evitando di passare per Gerusalemme come avevano fatto i magi. Il forte significato teologico e simbolico dell'episodio porta a dubitare della sua realtà, anche se non ci sarebbero elementi sufficienti per negarla o per accreditarla. Non si tratterebbe tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se non fosse realmente avvenuto nulla sarebbe compromesso.
Il teologo cattolico Raymond Brown nota, infine, come nel racconto matteano "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui (14:,1-2)?"; lo studioso osserva anche - in merito alla possibilità di fuggire in Egitto per Giuseppe, Maria e Gesù - che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non ci fossero magi venuti dall'Oriente e se avesse avuto solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Poussin) and explain the Historicity.Please output in Italian.


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Crocifisso di Santa Croce

Danni dopo l'inondazioneIl Crocifisso di Santa Croce è un'opera di Cimabue, dipinta per la basilica di Santa Croce a Firenze dove tuttora è conservata. È databile al 1272-1280 circa ed è alto 4,48 metri e largo 3,90. È tristemente noto per aver subito danni importanti durante l'alluvione del 4 novembre 1966.

Prompt: Focus on Crucifix (Cimabue, Santa Croce) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Caroline's campaign of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.


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Bellezza

Anche le formule matematiche possono essere considerate belle .  formula di Eulero:  è comunemente considerata uno dei più bei teoremi della matematica .<br /> poetessa Edna St. Vincent Millay scrisse che "soltanto Euclide ha guardato nella nuda bellezza", alludendo all'austera bellezza che molte persone trovano nel ragionamento matematico connesso alla geometria euclidea.Altro legame tra matematica e bellezza che ha giocato un ruolo prominente nella filosofia di Pitagora era la possibilità di disporre e arrangiare i toni musicali in sequenze matematiche, che si ripetono a intervalli regolari chiamati "ottave". cosiddetta "proporzione aurea", rappresentata dalla lettera greca Phi, e approssimativamente uguale a 1,618, è stata considerata da molti "bella". Viene anche chiamata la "divina proporzione" ed è spesso riscontrata in natura. Per esempio, nella conchiglia di un nautilus, il rapporto tra sezioni successive è circa 1,618.: Possiamo trovare parallelismo tra la bellezza matematica e le altre: Corrispondenza al vero, p. es. nelle equazioni che descrivono accuratamente un fenomeno fisico. Per le equazioni di Benoît Mandelbrot si è visto che spesso determinano grafici con proporzioni di tipo vitruviano, oppure si possono rappresentare graficamente in forme simili a generici alberi, montagne, nubi, ecc. Perfezione , come nel quadrato panmagico di Nasik o nel Cubo magico 5x5x5.

Prompt: Describe the characteristics of the Objective criteria in the evaluation of mathematical beauty in The Beauty's Irish  aesthetic  radically  empiricist.Please output in Italian.

Benoît Mandelbrot
Cubo magico 5x5x5
Edna St. Vincent Millay
Euclide
Perfezione
Pitagora


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: Explain the Art beauty about the Irish  aesthetic  radically  empiricist of this artwork, The Beauty.Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Romolo e Remo

Ottenuto dal nonno Numitore il permesso, Romolo e Remo lasciarono Alba Longa e si recarono sulla riva del Tevere per fondare una nuova città nei luoghi dove erano cresciuti.Una versione alternativa racconta che Romolo fece costruire sul solco  tracciato con l'aratro, una cinta muraria, mettendovi a guardia Celere, cui impartì l'ordine di uccidere chiunque avesse osato scavalcarla. Purtroppo Remo non era venuto a conoscenza dell'ordine imposto dal fratello e quando si avvicinò alla cinta, notando quanto essa era bassa, la scavalcò con un salto. Il fedele Celere gli si avventò contro e lo trapassò con la spada. Romolo, saputo della disgrazia, ne rimase sconvolto, ma non osò piangere di fronte al suo popolo, essendo ormai un sovrano.Faustolo, il pastore che li aveva allevati fu inumato presso l'allora Comizio, mentre Remo fu seppellito sull'Aventino in una località chiamata Remoria, in ricordo del quale ogni 9 maggio era celebrata una festa Remuria  per ricordare i defunti, come ci racconta Ovidio. Romolo diventava così il primo re di Roma.

Prompt: In the context of Romulus and Remus (Rubens), explain the Death  Remus  foundation  Rome and the The  legend  in  the  ancient  sources.Please output in Italian.

Alba Longa
Aventino
Comizio
Faustolo
Numitore
Remoria
Remoria
Roma
Romolo


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Catalogo della mostra a Roma Mostra Roma 11 settembre - 7 novembre 1998.

Prompt: In Telemachus and the Nymphs of Calypso, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Flagellazione

Bastinado Sorvegliare e punire Knut  Flagrum

Prompt: How does The Flagellation of Christ (Cimabue) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Giovane donna nuda allo specchio

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XPierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: In Naked Young Woman in Front of a Mirror, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-portrait (Giorgione) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Inger sulla spiaggia

Inger sulla spiaggia , inizialmente intitolato Notte d'estate, è un dipinto a olio su tela  del pittore norvegese Edvard Munch, realizzato nel 1889 e conservato al museo d'arte di Bergen.

Prompt: How does Inger on the Beach explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Describe the characteristics of the History, culture, Sociology in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Group self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Il quarto stato

Pellizza incominciò a lavorare a un bozzetto degli Ambasciatori della fame nel 1891, dopo aver assistito a una manifestazione di protesta di un gruppo di operai. L'artista rimase molto impressionato dalla scena, tanto che annotò nel suo diario:L'abbozzo venne completato nell'aprile del 1894. Il soggetto è una rivolta operaia nella piazza Malaspina a Volpedo, in provincia di Alessandria, con tre soggetti posti davanti alla folla in protesta: la scena è vista dall'alto, e le figure sono distribuite su linee ortogonali. Nonostante la composizione ancora «embrionale» dell'opera, com'ebbe ad affermare lo stesso artista più tardi, Ambasciatori della fame si imposta già come caposaldo per le successive redazioni dell'opera, che pure presenteranno come peculiarità il terzetto posto dinanzi alla massa di gente sullo sfondo e lo stacco d'ombra in primo piano. e, in effetti, di versioni degli Ambasciatori della fame ve ne furono altre due, una datata 1892 e l'altra del 1895. Lo schizzo del 1892 è molto simile a quelli precedenti: viene tuttavia aggiunto un gruppo di donne, figure antitetiche rispetto ai lavoratori uomini, che in questo modo vengono sia motivati sia sedati dalla presenza femminile. Ultima tappa del percorso verso la Fiumana è la versione degli Ambasciatori del 1895, realizzata dopo tre anni di quiescenza su carta marroncino, sotto forma di disegno carboncino e gesso. Scrisse Pellizza:Nel succitato passo l'artista sottolinea la sua volontà di eseguire un quadro generalizzante: a esser rappresentati non sono solo i contadini di Volpedo, bensì un'intera parte della società che ha «sofferto assai» e che intende rivendicare i propri diritti mediante una lotta «serena, calma e ragionata».

Prompt: Describe the characteristics of the Ambassadors of Hunger in The Fourth Estate (painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-portrait (Raphael) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Ragazza con velo

L'opera è vicina per impostazione e alcuni dettagli  alla Ragazza con turbante, sebbene la modella sia meno bella e più giovane, con un volto da adolescente dal sapore ancora fanciullesco. Il suo viso caratteristico, dalla fronte alta e spaziosa, richiama figure presenti in altre opere dell'artista, come la Donna che scrive una letteraIl fondo scuro si ritrova, oltre che nella citata altra Fanciulla, in alcuni ritratti coevi, come il Ritratto della moglie dell'artista di Frans van Mieris il Vecchio .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Study of a Young Woman.Please output in Italian.

Donna che scrive una lettera
Frans van Mieris il Vecchio


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Donna davanti allo specchio

Emil Hannover, Maleren C.W. Eckersberg: En Studie i dansk kunsthistorie. Kunstforeningen, 1898. Haavard Rostrup, "De moderne samlingers væxt". Meddelelser Fra NY Carlsberg Glyptotek: 1–34, 1950. Philip Weilbach, Maleren Eckersbergs Levned og Værker, 1872. Arne Brenna, "Aktmaleri fra dansk guldalder". Kunst og Kultur: 83–102, 1974. William Vaughan, L'art du XIXe siècle 1780–1850, 1989.

Prompt: In A Nude Woman Doing Her Hair Before a Mirror, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Esistono numerose congregazioni intitolate alla Sacra Famiglia:  le Ancelle della Sacra Famiglia, fondate nel 1933 a Cagliari; le Apostole della Sacra Famiglia, fondate a Messina nel 1890; la Congregazione della Sacra Famiglia di Bergamo, fondata nel 1856 a Martinengo  da Paola Elisabetta Cerioli per la cura e la formazione professionale degli orfani; la Congregazione della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate da Giovanni Battista Piamarta a Brescia nel 1900; i Figli della Sacra Famiglia, fondati nel 1864 a Barcellona da Josep Manyanet y Vives per l'educazione della gioventù; i Fratelli della Sacra Famiglia di Belley, fondati nel 1835 a Belley  da Gabriel Taborin per l'istruzione della gioventù; i Missionari della Sacra Famiglia, fondati nel 1895 a Grave da Jean-Baptiste Berthier.Tra le femminili: la congregazione delle Suore Collegine della Sacra Famiglia, derivata da una comunità fondata da Pier Marcellino Corradini nel 1717. le Francescane della Sacra Famiglia, fondate a Eupen nel 1857 da Josephine Koch; le Missionarie Figlie della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate a Barcellona nel 1884 da Josep Manyanet y Vives; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1892 a Castelletto di Brenzone  da Giuseppe Nascimbeni per l'istruzione della gioventù e l'assistenza agli infermi; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1880 in Canada da Camille Lefebvre e Marie-Léonie Paradis; le Pie Figlie della Sacra Famiglia, di Mese; le Religiose della Sacra Famiglia, di Helmet, fondate nelle Fiandre nel 1856; le Sorelle Terziarie Cappuccine della Sacra Famiglia, fondate da Luis Amigó Ferrer nel 1878; le Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin; le Suore della Sacra Famiglia di Amiens, fondate nel 1817 da Marie-Joseph Jacouet; le Suore della Sacra Famiglia di Bergamo, fondate a Comonte da Paola Elisabetta Cerioli; le Suore della Sacra Famiglia di Bordeaux, fondate a Bordeaux nel 1820 da Pierre-Bienvenu Noailles, dedite alla cura degli orfani e all'istruzione; le Suore della Sacra Famiglia di Manizales, fondate nel 1910 a Santa Rosa de Cabal da Jesús Antonio Molina Mejía e María de Jesús Mejía Jaramillo; le Suore della Sacra Famiglia di Mission San José, fondate nel 1872 a San Francisco; le Suore della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate nel 1875 a Roma dalla religiosa polacca Franciszka Siedliska per l'educazione delle fanciulle e la cura dei malati; le Suore della Sacra Famiglia di Savigliano, fondate dalla beata Giuseppina Bonino; le Suore della Sacra Famiglia di Spoleto, fondate nel 1888 da Pietro Bonilli; le Suore della Sacra Famiglia di Thrissur, fondate in India da Mariam Thresia Chiramel Mankidyan; le Suore della Sacra Famiglia di Villefranche, fondate da sant'Emilia di Rodat nel 1816; le Suore Missionarie della Sacra Famiglia, fondate a Mohylew nel 1905 dalla religiosa polacca Bolesława ment; le Suore Orsoline della Sacra Famiglia, fondate nell'arcidiocesi di Siracusa nel 1908.

Prompt: Explain the Congregation of the Holy Family about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Holy Family (Collinson painting).Please output in Italian.


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Uomo di pietra

Sotto il rilievo è incisa un'epigrafe in latino.  prima parola, il verbo Carere , è all'origine del nome popolare Scior Carera.Sul piedistallo, una seconda iscrizione ricorda la precedente collocazione in via San Pietro all'Orto.Secondo la tradizione, alla statua sarebbe stato affisso il manifesto per lo "sciopero del fumo" del gennaio 1848 che portò alle Cinque giornate di Milano. In realtà la posizione elevata avrebbe reso difficile l'affissione di manifesti.

Prompt: Describe the characteristics of the Registrations in Scior Carera's History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Prompt: How does Presentation at the Temple (Bellini) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Deposizione di Sansepolcro

Deposizione di Volterra Chiesa di San Lorenzo

Prompt: In Sansepolcro Deposition, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: How does The Crucifixion (Cranach) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.