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Studio dal ritratto di Innocenzo X

L'opera mostra una figura distorta e deformata basata sul Ritratto di Papa Innocenzo X, dipinto da Diego Velázquez nel 1650; fa parte di una serie nutrita di dipinti sullo stesso tema, creati da Bacon tra il 1950 e i primi anni del decennio successivo, per un totale di quarantacinque quadri.Innocenzo X è dipinto principalmente con i colori bianco e viola, distanziandosi dalle tinte del capolavoro di Velázquez. Il papa è mostrato con la bocca spalancata in un urlo, mentre si tiene saldamente ai braccioli del trono; che è, quest'ultimo, molto stilizzato, reso con il solo utilizzo del colore giallo. Lo sfondo, a differenza dell'opera di Velázquez, è formato da un colore nero che fa risaltare la figura del pontefice. Tutto il dipinto è ricoperto di passate verticali di colore più chiaro, le quali rappresentano i tendaggi originalmente alle spalle di Innocenzo X, ora resi trasparenti.

Prompt: How does Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X explain its Description and style?Please output in Italian.


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Prova di Mosè

Le due tavolette arrivarono alla Galleria dalla villa di Poggio Imperiale nel 1795, con attribuzione a Giovanni Bellini. Lì sono note almeno dal 1692, quando vennero registrate tra i beni della granduchessa Vittoria Della Rovere: si è ipotizzato quindi che originariamente fossero ad Urbino nei patrimoni Della Rovere portati a Firenze proprio da Vittoria.Che le due tavole fossero in coppia è evidente per le dimensioni analoghe e per le analoghe scelte compositive: se in una predomina la figura del faraone in trono, nell'altra ha un posto simmetrico il re d'Israele.Come la maggior parte delle opere di Giorgione ci sono state molte discordanze attributive e di datazione. Se alcuni mettono in dubbio la sua mano nella realizzazione delle figure, i paesaggi sono invece quasi certamente di mano sua. Fiocco  cita come collaboratore possibile il Campagnola, Longhi  un ignoto ferrarese, Morassi  il Catena, Moro  Giovanni Agostino da Lodi. Secondo studi più recenti le discordanze stilistiche sarebbero piuttosto da imputare ai restauri.Le datazioni proposte oscillano tra il 1495 e il 1505, ma le più probabili sono legate ai primi anni del Cinquecento. Fu Cavalcaselle il primo a riferire le due opere a Giorgione, nel 1861.

Prompt: In The Test of Fire of Moses (Giorgione), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Cristo morto compianto da quattro angeli

tradizione che risale a Vasari ricorda l'opera come eseguita per il vescovo di Sansepolcro Leonardo Tornabuoni, uno dei numerosi prelati fiorentini alla corte papale di Clemente VII. Lo storico aretino parlò di un "quadro d'un Cristo morto sostenuto da due angeli", equivocando evidentemente il numero degli angeli, e senza specificare la destinazione prevista per la pala.Probabilmente ancora nelle mani dell'artista al momento del Sacco di Roma, venne affidata a una suora fiorentina, Maria Maddalena, nel convento di San Lorenzo in Colonna: un documento ricorda come in seguito il Rosso provò a rivendicare alcuni beni lasciati in fretta e furia a Roma, tra cui soprattutto  un Cristo morto contornato da angeli. Una ventina d'anni dopo la tavola era però ancora a Roma, nelle mani di Monsignor Della Casa, come ricordò Vasari stesso nell'edizione del 1550 delle Vite, e in quella del 1568 è aggiornato come in possesso degli eredi .Sulla destinazione originaria della pala sono state fatte varie ipotesi, sia relative a un luogo a Roma, che a Borgo San Sepolcro, sede titolare del vescovo Tornabuoni. Più recentemente è stata fatta l'ipotesi che la tavola fosse pensata per la cappella Cesi, in Santa Maria della Pace: in quel caso la pala sarebbe finita al Tornabuoni solo dopo la risoluzione del contratto con Angelo Cesi, magari per una nuova sistemazione architettonica della cappella che richiedeva una tavola di dimensioni maggiori; non è d'altronde da escludere che l'opera, nella sua modernità, fosse stata rifiutata, come era avvenuto per altri lavori dell'artista.

Prompt: Focus on The Dead Christ with Angels (Rosso Fiorentino) and explain the History.Please output in Italian.


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Elia (Lorenzetto)

statua mostra il profeta nel deserto con un angelo. I dettagli sono accurati, specie se si considerano il groviglio di radici e piante presenti al di sotto del piede del profeta, e la parte di albero che cresce alle sue spalle. Elia è raffigurato come un uomo anziano e barbuto con i tradizionali attributi della brocca e del libro. Il suo sguardo è rivolto verso l'alto, verso la figura di Dio rappresentata sulla cupola della cappella.   Non è certo quale fosse la collocazione originaria prevista da Raffaello. John Shearman ha ritenuto che con molta probabilità era stata pensata per occupare una delle due nicchie adiacenti all'entrata, indicando, pertanto, che la sua attuale posizione è probabilmente corretta.

Prompt: Focus on Elijah (Lorenzetto) and explain the Description.Please output in Italian.


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Madame Moitessier

Uno studio a olio per l'opera.Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario.  giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Prompt: Focus on Portrait of Madame Moitessier and explain the Study gifts.Please output in Italian.


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Aerostato

Un uso ampio, anche se spesso misconosciuto, dei Palloni aerostatici è quello pubblicitario: un grosso pallone opportunamente gonfiato e ancorato al suolo costituisce infatti una notevole superficie che può contenere un messaggio pubblicitario o un marchio visibile da un notevole numero di persone, garantendo peraltro un rapporto visibilità prezzo vantaggioso rispetto ad altre forme di pubblicità.

Prompt: Explain the Advertising activity about the Used gases of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Prompt: In Italian Brigands Surprised by Papal Troops, how is the Note. Please output **only words**, not sentences. discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Explain the Congregation orders Annunciation of this artwork, Annunciation (Caravaggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Trinità

I primi scrittori cristiani così si esprimono al riguardo:

Prompt: How does Holy Trinity (Masaccio) explain its The Trinity in early Christian writers?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: In the context of The Last Supper (Leonardo), explain the Location of the Last Supper and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.


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Pallade e Aracne

Pallade e Aracne rubensiana venne copiata da Juan Bautista Martínez del Mazo, un pittore spagnolo di epoca barocca che fu il genero di Diego Velázquez. Velázquez posizionò la copia della Pallade e Aracne di Mazo dietro di sé mentre dipingeva s Meninas, assieme a un altro quadro su una gara diversa tra gli dèi e i mortali . Quindi la copia della Pallade e Aracne venne dipinta nello sfondo dell'opera s Meninas, che sarebbe divenuta una delle tele più note e analizzate della storia dell'arte occidentale.Una copia rubensiana dell'opera preferita di Velázquez, il Ratto di Europa tizianesco, si trovava nella collezione reale di Filippo IV. Quest'opera può essere vista nello sfondo della Pallade e Aracne, che a sua volta si trova nello sfondo de s Meninas.

Prompt: Explain the Flu of this artwork, Pallas and Arachne.Please output in Italian.

Aracne
Diego Velázquez
Juan Bautista Martínez del Mazo


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Cupressus

- autori della ricerca: dott.ssa Ferrara, dott. Montesano e dott. Benevento - pubblicata su "Cosmetic News" n. 132

Prompt: Focus on Cypresses (Metropolitan Museum of Art) and explain the External links.Please output in Italian.


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Il Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, datato 1523 e conservato nel Museo del Prado di Madrid. È firmato "L. Lotus Pictor / 1523". Si tratta del primo ritratto nuziale conosciuto in Italia, forse ispirato da stampe nordiche.

Prompt: Focus on Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina and explain the Abstract.Please output in Italian.

1523
Lorenzo Lotto
Madrid
Museo del Prado


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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Caterina d'Alessandria

L'opera è stata tratta da un cartone usato per varie Madonne, tra cui quella del Kunsthistorisches Museum, con poche varianti.Su uno sfondo scuro la Madonna tiene in braccio il Bambino, con lo sguardo girato di lato e assorto in una silenziosa contemplazione. Il Bambino è in posizione benedicente, ma anche lui evita lo sguardo dello spettatore, che è guardato invece da santa Caterina d'Alessandria a destra, vestita di un ricchissimo abito e reggente in mano la palma del martirio. A sinistra si trova invece san Giovanni Battista che prega rivolto al bambino. scena è impostata secondo uno schema pacato e piacevole, ordinato dalle regole della simmetria e delle rispondenze ritmiche, come si nota nelle inclinazioni delle teste. Il volto della Madonna è tipico della produzione matura del pittore: raffigura infatti una donna semplice e severa di età più avanzata, modellato sull'effigie di sua moglie Chiara Fancelli, al posto dell'elegante e raffinata giovinetta delle opere più giovanili; ciò dopotutto era anche più in linea con il clima spirituale savonaroliano, allora molto sentito a Firenze. Ne sono altri esempi la Madonna di Francoforte, oltre a quella già citata a Vienna.

Prompt: In Madonna and Child with St John the Baptist and St Catherine of Alexandria (Perugino), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Chiara Fancelli
Kunsthistorisches Museum


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Prime opere di Vincent van Gogh

Van Gogh iniziò a disegnare e a dipingere con gli acquerelli mentre era a scuola; alcune di queste opere sopravvivono e la loro paternità è contestata da alcuni critici Quando iniziò a dipingere da adulto, cominciò a un livello elementare copiando il  Cours de dessin , di Charles Bargue e pubblicato da Goupil & Cie. Nel giro di due anni aveva cominciato a cercare delle commesse e nella primavera del 1882, suo zio, Cornelis Marinus - proprietario di una galleria d'arte contemporanea di fama ad Amsterdam - gli richiese dei disegni de L'Aia, ma il lavoro di Van Gogh non si dimostrò all'altezza delle aspettative di suo zio. Marinus gli offrì una seconda commessa, questa volta indicante l'oggetto in dettaglio, ma rimase ancora una volta deluso del risultato. Tuttavia, Van Gogh perseverò. Migliorò l'illuminazione del suo studio installando persiane ad apertura variabile e sperimentò una varietà di materiali da disegno. Per più di un anno lavorò sui dati singoli elaborando studi in "bianco e nero", che all'epoca gli fruttarono solo critiche. Oggi sono riconosciuti come i suoi primi capolavori.

Prompt: Describe the characteristics of the Development of his/her art in Early works of Vincent van Gogh's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Amsterdam
Charles Bargue
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia


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Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Ecce Homo (Bosch, Frankfurt).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


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San Cristoforo

</ref>note = Martirenato = ?morto = Licia, 250 circavenerato da = Tutte le Chiese che ammettono il culto dei santibeatificazione = canonizzazione = santuario principale = ricorrenza = 25 luglio  e 9 maggio attributi = Gigante che porta sulle spalle Gesù Bambino, cinocefalo, bastone fioritopatrono di = pellegrini, autieri, barcaioli, viaggiatori, piloti, camionisti, ferrovieri, alpinisti, facchini, scaricatori, sportivi, fruttivendoli, giardinieri, invocato contro la peste e la morte improvvisa}}

Prompt: In Saint Christopher Carrying the Christ Child, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: Explain the Shiloh about the Strategy of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Storie della Vera Croce

Le Storie della Vera Croce costituiscono un ciclo di affreschi conservato nella cappella maggiore della basilica di San Francesco ad Arezzo. Iniziato da Bicci di Lorenzo, venne dipinto soprattutto da Piero della Francesca, tra il 1452 e il 1466, che ne fece uno dei capolavori di tutta la pittura rinascimentale.

Prompt: In The Legend of the True Cross, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Artemisia riceve le ceneri di Mausolo

L'iconografia dell'opera è tuttora poco chiara: una giovane donna, identificata con una regina per le vesti ricche e i gioielli preziosi, riceve da una serva una coppa.  scena richiama due episodi famosi, quello di Artemisia e quello di Sofonisba.Artemisia, alla morte del marito Mausolo, volle berne le ceneri per far vivere l'amato con sé e in sé. Sofonisba, fatta prigioniera da Massinissa, per non cadere nelle mani dei romani si uccise bevendo del veleno.Nella figura di Artemisia-Sofonisba, proprio in quanto simbolo dell'amore coniugale, si vuole vedere il ritratto della moglie del pittore, Saskia van Uylenburch.

Prompt: How does Judith at the Banquet of Holofernes explain its Iconography?Please output in Italian.


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Trittico del Giudizio di Bruges

L'opera appartenne alla collezione di E. Gravet e poi a quella Seligman di Parigi. Nel 1907 fu acquistato da A. Bernaert che lo donò alla città di Bruges. Nel 1936 venne pulito e di nuovo restaurato nel 1959. In quell'occasione si scoprì sulle ante esterne una rappresentazione, molto danneggiata, dellIncoronazione di spine a monocromo.  qualità del dipinto rinvenuto, non eccelsa, ha dato origine a numerosi dubbi autografia. In realtà i dubbi sono legati soprattutto a una certa ripetitività dei motivi e delle ampie campiture prive di figure.  datazione dendrocronologica ha fornito una datazione al 1486 o più tardi.

Prompt: How does The Last Judgment (Bosch, Bruges) explain its History?Please output in Italian.


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amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: In Love & Loss, how is the Artivisive of the In the arts explained?Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


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Conseguenze della guerra

Le  Conseguenze della guerra è un dipinto a olio su tela  di Peter Paul Rubens, databile al 1637-1638 e conservato a Palazzo Pitti a FirenzeSi tratta di un soggetto mitologico-allegorico, legato a riflessioni maturate dall'autore durante le sue missioni diplomatiche nella Guerra dei Trent'anni, in cui maturò la consapevolezza dell'inutilità della guerra e lanciò un messaggio pacifista ante litteram.

Prompt: How does Consequences of War explain its Abstract?Please output in Italian.


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Tuttomondo

Omar Calabrese, Roberta Cecchi, Piergiorgio Castellani, Keith Haring a Pisa. Cronaca di un murale, Edizioni ETS, Pisa, 2003 2012; Gregorio Rossi con l'introduzione di Andrea Benetti, Keith Haring ...disegnare sulla neve, Edizioni Carlo Cambi, Siena, 2011.

Prompt: How does Tuttomondo explain its Bibliography?Please output in Italian.

2011
2012
Gregorio Rossi
Keith Haring
Omar Calabrese
Pisa
Siena


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Alla toletta

Alexandre Benois, Chudožestvennye pis'ma. 1930-1936 , Mosca, Galart, 1997, ISBN 5-269-00919-6. Elena N. Evstratova, 500 sokrovišč russkoj živopisi , Mosca, OLMA Media Grupp, 2013. Elena Vladimirovna Efremova, Zinaida Serebrjakova , Mosca, Art-Rodnik, 2006. Valentina Pavlovna Knjazeva, Zinaida Evgen'evna Serebrjakova , Mosca, Izobrazitel'noe iskusstvo, 1979. Elena Fominična Petinova, Russkie chudožniki XVIII — načala XX veka , San Pietroburgo, Avrora, 2001. Alla A. Rusakova, Zinaida Serebrjakova , Mosca, Molodaja gvardnija, 2008. Aleksej Nikolaevič Savinov, Zinaida Evgen'evna Serebrjakova , Pietrogrado, Akvilon, 1922. Dmitrij V. Sarab'janov, Zinaida Serebrjakova. Sbornik maternalov i katalog ėkspozicii k 100-letiju so dnja roždenija chudožnika , Mosca, Sovetskij chudožnik, 1986.

Prompt: Focus on At the Dressing-Table and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Aleksej Nikolaevič Savinov
San Pietroburgo
San Pietroburgo
Zinaida Serebrjakova


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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La fattoria

;TeleRatti 2009: Peggior programma dell'anno  2009: Peggior reality dell'anno

Prompt: Explain the Awards of this artwork, The Farm (Miró).Please output in Italian.


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Lucrezia

Basco: LukertzeMaschili: LukertzaMaschile: LucrèceInglese: LucretiaMaschili: LucretiusPolacco: LukrecjaMaschili: LukrecjuszPortoghese: LucréciaMaschili: LucrécioRomena: LucrețiaMaschili: LucrețiuRusso: Лукреция Maschili: Лукреций Spagnolo: LucreciaMaschili: LucrecioUngherese: Lukrécia

Prompt: In the context of Lucretia (Veronese), explain the Variantsinotherlanguages and the Variants.Please output in Italian.


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Il carro da fieno

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo ndscape: Noon .Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Prompt: In The Hay Wain, how is the Alondra of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1821
Amedée Pichot
Charles Nodier
Eugène Delacroix
John Constable
Peter Paul Rubens
Somerset House
Thomas Gainsborough
Théodore Géricault


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Bril)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Actea, la ninfa della spiaggia

Nel 1868, Leighton venne eletto un membro dell'accademia reale, e l'accademia ebbe sei contributi dalla sua tavolozza prolifica che impressero la sua reputazione come creatore della forma ideale. Il suo stile portava l'influenza inconfondibile delle sue visite recenti in Grecia, e proiettò delle nuove versioni dei temi che lo avevano attirato nell'infanzia. Tra i soggetti mitologici esposti nel 1868 il terzo era Actea, la ninfa della spiaggia.

Prompt: Explain the History of this artwork, Actaea, the Nymph of the Shore.Please output in Italian.


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Giovane di Mozia

Prompt: In Motya Charioteer, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Sette opere di Misericordia

Non si sa come la Congregazione del Pio Monte sia entrata in contatto con Caravaggio e perché la commessa sia stata proprio a lui. Tra le varie ipotesi plausibili circa la storia della commessa vi è quella che vede l'intercessione di Luigi Carafa, nobile figlio di Giovanna Colonna, colei che protesse la fuga di Caravaggio da Roma a Napoli.Il mandato di pagamento effettuato a favore del Caravaggio registra l'elargizione di 370 ducati a saldo dei 400 totali pattuiti, avvenuto il 9 gennaio 1607.  tela ebbe sin da subito un tale successo che la stessa Congregazione del Pio Monte stabilì nel 1613 che il dipinto non potesse "essere venduto ad alcun prezzo" e che dovesse "essere sempre conservato nella suddetta chiesa". Inoltre la Congregazione vincolò la tela da qualsiasi tipo di copia, autorizzandone l'esecuzione solo a pochi artisti, tra cui Battistello Caracciolo.A seguito dei lavori di rifacimento dell'intero complesso, nel palazzo del Pio Monte fu creata un'apertura sulla sala del Coretto che consentisse ai governatori dell'istituzione di poter vedere in qualsiasi momento l'opera, anche dagli ambienti privati e non solo dalla chiesa.Il dipinto si rivelerà cardine per la pittura in sud Italia e per la pittura italiana in genere. Oltre al motivo pittorico naturalista d'insieme, diversi particolari della scena furono riutilizzati da molti pittori seguaci della maniera caravaggista, come l'uomo di spalle in primo piano e gli angeli svolazzanti in alto.

Prompt: How does The Seven Works of Mercy (Caravaggio) explain its History?Please output in Italian.

Battistello Caracciolo
Caravaggio
Napoli
Roma


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Tre mondi

tecnica della "distorsione" della spazialità attraverso specchi e riflessi fu messa a punto già nel Cinquecento dai pittori fiamminghi, certa fonte d'ispirazione per l'artista olandese.  pittura fiamminga si caratterizza infatti per un procedimento "dal particolare al generale", anziché il più classico "dal generale al particolare" : ciò significa che in un quadro ciò che salta subito all'occhio non è la figura nel suo complesso, bensì i dettagli che la compongono. Questo stile pittorico favorì dunque un grande sperimentalismo, che portò allo studio della resa di una realtà "aumentata" appunto attraverso il riflesso. Esemplare è l'opera di Jan van Eyck, che nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  dipinse uno specchio convesso al centro dell'opera, che permette di aumentare la spazialità e vedere le figure distorte dalla forma dello specchio. Un altro artista che si cimentò in questi esperimenti fu il Parmigianino; l'esempio più noto è l<nowiki/>'Autoritratto entro uno specchio convesso , in cui l'artista si ritrae in maniera insolita, distorcendo l'immagine così come la vede nel riflesso dello specchio convesso. L'estrema mobilità della superficie pittorica è espressione di uno specifico interesse per la resa di sensazioni ottiche del Parmigianino, lo stesso interesse che muove Escher nel creare una suggestiva e policentrica versione della realtà.

Prompt: How does Three Worlds (Escher) explain its Flu?Please output in Italian.


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divisionismo

Giuseppe Pellizza da Volpedo Giovanni Segantini Emilio Longoni Gaetano Previati

Prompt: In Divisionism, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Emilio Longoni
Gaetano Previati
Giovanni Segantini
Giuseppe Pellizza da Volpedo


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Moscoforo

L'occasione della dedica fatta ad Atena è incerta: potrebbe trattarsi del vincitore di una gara che aveva come premio un vitello o di un sacrificio in onore della dea. figura originariamente era policroma, con occhi di pasta vitrea, avorio e osso. Il viso dell'uomo presenta il cosiddetto "sorriso arcaico"  e lo sguardo dritto, opposto allo sguardo abbassato del vitello. I muscoli sono ben torniti ed hanno una superficie fluida e levigata, collegata alle cadenze lineari del sottilissimo mantello che ricade con due lembi decorativi sul davanti. Da notare la disposizione chiastica delle braccia del giovane e delle zampe del vitello sulle sue spalle, che contribuisce a serrare il rapporto tra le due figure, le partiture orizzontali dell'addome e le forme corporee  ben definite, il mantello che addolcisce le linee e crea una continuità tra il gomito e il bacino in una morbida linea di contorno. Come osserva H. Payne, qui, la struttura prevalentemente cubica del kouros greco sembra per la prima volta smorzarsi in una maggiore volontà di lavorazione a tutto tondo.

Prompt: How does Moschophoros explain its Description and style?Please output in Italian.


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Il lamento per Icaro

Il lamento per Icaro  è un dipinto a olio su tela , realizzato nel 1898 dal pittore inglese Herbert James Draper, e conservato alla Tate Britain di Londra.

Prompt: In The Lament for Icarus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1898
Herbert James Draper
Icaro
Londra
Tate Britain


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Conseguenze della guerra

A sinistra la personificazione dell'Europa, vestita a lutto e con l'abito a brandelli, alza gli occhi e le braccia al cielo, stroncata dal dolore, come a supplicare l'aiuto divino.  si può riconoscere dal bambino che al suo fianco regge il globo sormontato dalla croce, simbolo della cristianità. Essa appare quindi disperata dopo tanti anni di saccheggi, oltraggi e miserie che invoca dal cielo la pace. Ciò simboleggia il bisogno impellente che il continente ha di una tregua durevole e allo sperato ritorno alla pacifica quotidianità.

Prompt: Describe the characteristics of the Europe in Consequences of War's Description.Please output in Italian.


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Lucifero

Il termine Lucifero il cui significato letterale è Portatore di luce, è un termine con il quale ci si può riferire a differenti entità mitologiche  o anche al pianeta Venere il quale è associato alle citate divinità greco-romane.Il termine luciferismo indica invece l'adorazione e la devozione a tale entità. Secondo i principali filoni teologici del cristianesimo, questo essere sarebbe perfettamente assimilabile alla figura di Satana, mentre secondo altri movimenti e dottrine esegetiche si tratterebbe di due entità diverse.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lucifer (Stuck).Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Cultural reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Cristo de La Laguna

Ci sono alternative leggende che cercano di spiegare l'origine di questa scultura enigmatica. Alcune di queste leggende dicono che l'immagine di Cristo di  guna è stato scolpito dagli angeli e anche dall'evangelista Luca. Fray Luís de Quirós ha detto che l'immagine di Cristo di  guna è stata presa per l'isola di Tenerife da San Michele Arcangelo. In entrambi i casi questi "santi scultori" scolpiti immagini con le caratteristiche del viso che aveva Cristo al momento della sua crocifissione.Un'altra leggenda racconta che una notte di tempesta il religioso dal Convento di San Miguel de las Victorias  hanno sentito qualcuno bussare alla porta, e quando hanno aperto ha trovato una grande scatola, all'interno di questa scatola fuori luci meravigliose. Dopo aver aperto la scatola trovata a immagine di Cristo, questo fatto è stato preso come un miracolo.

Prompt: In Cristo de La Laguna, how is the Legends discussed?Please output in Italian.


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Trionfo della Morte

Danza macabra Iconografia della Morte Incontro dei tre morti e dei tre vivi Memento mori Memento, homo, quia pulvis es, et in pulverem reverteris

Prompt: In The Triumph of Death, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: How does Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano) explain its Iconography?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Group self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Nascita di Venere

Botticelli usò per quest'opera il supporto della tela, estremamente insolito nella Firenze del Quattrocento. Due teli di lino vennero cuciti tra loro e in seguito venne aggiunta un'imprimitura a base di gesso tinto con un po' di blu, in modo da dare il particolare tono azzurrato a tutto il dipinto. pittura usa la tecnica della tempera magra, cioè dei colori sciolti in colle animali e vegetali come leganti, che diede una straordinaria luminosità avvicinandosi alla resa dell'affresco. Abbondante è l'uso dell'oro per le lumeggiature, steso essenzialmente con due tecniche: a "pennello", come nei capelli di Venere, e a "missione", cioè con l'aggiunta di mordente, sui tronchi e sulle foglie.

Prompt: How does The Birth of Venus (Bouguereau) explain its Technique?Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

Il ricchissimo banchiere Agostino Chigi si era fatto costruire tra il 1509 e il 1512 una sontuosa villa "di delizie" da Baldassarre Peruzzi, su un terreno circondato da giardini tra via della Lungara e il Tevere, detta in seguito "della Farnesina". decorazione pittorica fu avviata prestissimo, via via che gli ambienti erano completati, e interessò alcuni dei migliori artisti attivi a Roma, tra cui, oltre al Peruzzi stesso, Sebastiano del Piombo, il Sodoma e Raffaello.Al Sanzio, impegnato in quegli stessi anni a decorare la Stanza della Segnatura e la Stanza di Eliodoro in Vaticano per Giulio II, venne affidato un affresco a soggetto mitologico nella sala cosiddetta "di Galatea" al pianterreno della villa. L'opera, di forma rettangolare e dedicata appunto al trionfo della ninfa Galatea, si trova sotto una lunetta di Sebastiano del Piombo e fianco del Polifemo dello stesso artista; lo schema architettonico dipinto e il soffitto sono invece opera di Baldassarre Peruzzi e la sua scuola.Probabilmente le pareti dovevano essere decorate, nei piani iniziali, da altre scene della storia della ninfa, mai completate: per questo i due affreschi esistenti non raffigurano gli eventi principali delle sue storie, ma solo l'apoteosi alla quale guarda, impotente, Polifemo dal riquadro attiguo. scena era sicuramente completata o comunque in uno stadio avanzato nel 1511, quando venne già descritta nel De viridario Augustini Chigi... libellus del Gallo, pubblicato quell'anno. Baldassarre Castiglione fu estasiato dalla perfezione della Galatea di Raffaello, chiedendogli quale fosse stata la sua modella, avendo come risposta "nessuna", cioè che la fanciulla era semplicemente frutto di una sua idea."Della Galatea mi terrei un gran maestro se vi fossero la metà delle tante cose che Vostra Signoria mi scrive; ma nelle sue parole riconosco l'amore che mi porta, e le dico che, per dipingere una bella, mi bisogneria veder più belle, con questa condizione: che la Vostra Signoria si trovasse meco a far scelta del meglio. Ma, essendo carestia, e di buoni giudici e di belle donne, io mi servo di certa idea che mi viene nella mente. Se questa ha in sé alcuna eccellenza d'arte io non so; ben mi affatico di averla.".L'affresco, in passato ritenuto in parti più o meno significative di mano di aiuti, in particolare Giulio Romano, dopo i restauri novecenteschi che hanno rilevato le ridipinture seicentesche, viene indicato come pienamente autografo di Raffaello.

Prompt: How does Galatea (Raphael) explain its History?Please output in Italian.

1509
1511
1512
Agostino Chigi
Baldassarre Castiglione
Baldassarre Peruzzi
Giulio Romano
Roma
Sebastiano del Piombo
Stanza della Segnatura
Stanza di Eliodoro
Tevere


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Il mercato del cotone a New Orleans

L'opera raffigura quattordici persone nell'ufficio di cotone dello zio intente a svolgere altrettante mansioni. L'identificazione delle varie figure, un tempo molto controversa, è stata sciolta definitivamente da John Rewald, che nel 1946 ha risolto l'identità dell'anziano signore in primo piano  e ha riconosciuto con successo anche René De Gas , James Prestidge , Achille De Gas , il cassiere Livandais  e William Bell, che propone al cliente la mercanzia. formula scelta è quella del «ritratto di gruppo», tipologia iconografica che vanta illustri predecessori, primo fra tutti la famosa Ronda di notte di Rembrandt. Il brano di Degas, tuttavia, si distingue perché agitato da una profonda estraneità. Proponiamo di seguito la lettura datane dal critico Bernd Growe: tavolozza del dipinto è accordata sulle armonie del nero, dell'ocra e del bianco, tinte che Degas riscalda solo in alcune parti, scegliendo in questo modo di dare una soluzione «riduttiva» dei colori. Per quanto concerne l'impianto compositivo, invece, il pittore punta su una costruzione a zig-zag che accelera la visione dal basso verso l'alto, restituendo un dinamismo che verrà riprodotto anche ne L'assenzio. Memore della lezione di Manet, infine, Degas inserisce in questo dipinto diversi brani di natura morta di pregiata fattura, come il cestino pieno di carte in basso a destra.

Prompt: Explain the Description of this artwork, A Cotton Office in New Orleans.Please output in Italian.

John Rewald
L'assenzio
Rembrandt
Ronda di notte


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Ritratto di giovane con lucerna

Rappresentato a mezza figura, col busto di tre quarti e il volto girato verso lo spettatore, il giovane protagonista è ritratto con un vivo realismo, che si sofferma su particolari come le leggere imperfezioni della cute, il naso pronunciato, la morbidezza dei capelli. Lo schema compositivo, la curva discendente delle spalle e l'incidenza della luce sul viso rimandano alla fase giovanile dell'artista, vicino ad opere come il Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi, del 1505. Il volto è come incorniciato dalla veste e dal cappello neri, che spiccano sullo sfondo di broccato bianco, con un nastro verde sull'orlo. L'espressione è decisa e quasi altera, con il gesto delle labbra appena dischiuse e lo sguardo rivolto direttamente allo spettatore.A destra la tenda si apre su uno spiraglio scuro, dove si intravede una lucerna accesa, sicuramente un dettaglio simbolico, che allude alla personalità dell'uomo o alle sue vicende, e che è stato variamente interpretato. Alcuni lo hanno collegato alla parabola evangelica delle vergini savie, altri a un simbolo di saggezza o della caducità della vita umana: in questo senso la fiamma è fioca, come se avesse rischiato di spegnersi, e ciò è stato messo in relazione con la possibilità che il soggetto abbia corso un pericolo di morte.A partire da queste considerazioni si è proposta un'identificazione del soggetto con Broccardo Malchiostro, il giovane cancelliere del vescovo trevigiano Bernardo de' Rossi, che col suo superiore rischiò la vita durante una sventata congiura nel 1503. A conferma dell'ipotesi è stato anche visto nel tendaggio una sciarada: esso è infatti un broccato con decorazione di cardi, quindi "broccato-cardo", "Broccardo". Allusioni del genere non sono estranee all'arte di Lotto, presenti almeno in un'altra opera della maturità, il Ritratto di Lucina Brembati.

Prompt: How does Portrait of a Young Man with a Lamp explain its Description and style?Please output in Italian.

1503
1505
Bernardo de' Rossi
Broccardo Malchiostro
Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi
Ritratto di Lucina Brembati


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Ritratto di Girolamo Savonarola

Firenze , Filippo d’Averardo Salviad Prato, convento di San Vincenzo, suor Caterina de’ RicciPrato o Firenze Ermolao Rubieri Firenze, Museo di San Marco

Prompt: Explain the Origin of this artwork, Portrait of Girolamo Savonarola.Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: Explain the Russia about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In Last Supper (Rosselli), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Gyoshū Hayami

Nato a Tokyo nel quartiere di Asakusa, figlio del gestore di un’agenzia di pegni,  all’età di 15 anni entra come apprendista nella scuola del pittore Matsumoto Fūko, celebre per i soggetti di ambito storico e per la riproduzione dei classici della pittura orientale. All’età di 17 anni fu invitato da Shikō Imamura a far parte del circoli di giovani artisti detto “Kojikai” e nel 1914 costituì un gruppo denominato Sekiyokai per lo studio dei nuovi movimenti artistici contemporanei del Giappone.Nel 1914 prese il nome di Hayami e alla prima mostra promossa dalla rinnovata Accademia giapponese d’arte , Gyoshū espose le sue prime opere di rilievo. A partire dal 1917 divenne membro fondatore dell’Accademia stessa e al suo interno svolse gran parte della sua carriera artistica.Nel 1919 gli fu amputata una gamba in seguito ad un incidente ferroviario, ma questo infortunio non influì sulla sua produzione artistica.  sua attività artistica fu prolifica e gli consentì di presentare numerose opere alle esposizioni Inten nonché di intraprendere un viaggio in Europa, Egitto e Korea Yokoyama Taikan negli anni 30 e partecipò all’Esposizione d’arte giapponese che si tenne a Roma nel 1930.Gyoshū morì improvvisamente di febbre tifoide nel 1935 all’età di 40 anni.

Prompt: Explain the Biography of this artwork, Gyoshū Hayami.Please output in Italian.

1935
Accademia giapponese d’arte
Giappone
Matsumoto Fūko
Shikō Imamura
Tokyo


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Galleria di vedute di Roma antica

prima versione  è alla Staatsgalerie di Stoccarda  seconda versione  è al Metropolitan Museum of Art di New York  terza versione  è al museo del Louvre

Prompt: Explain the Localization about the Description of this artwork, Ancient Rome (painting).Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
New York
Stoccarda


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Madonna delle Grazie

Solennità di Maria Santissima delle Grazie è festeggiata ad Andrano il 5 di agosto. Precedentemente la festa era stata istituita il 17 ottobre, data con la quale veniva ricordato un miracolo per intercessione della Beata Vergine grazie al quale una famiglia andranese ha trovato la salvezza in seguito al crollo di un campanile sulla loro casa, avvenuto la notte del 17 ottobre 1819 a causa di una tromba d'aria. Fu Papa Pio VII a riconoscere il miracolo di Maria Santissima delle Grazie e ad accordare questa data.  Chiesa dei Domenicani presente nel centro storico del paese fu eretta e consacrata alla Santa Patrona prima di assumere nuova denominazione in segno di ringraziamento per la grazia ricevuta nel 1480, anno in cui il territorio salentino era oggetto di invasioni da parte dei Saraceni. Il barone di Andrano era Giovanni Antonio Saraceno, il quale, partito per combattere i nemici, trovò la morte. Quando la notizia arrivò in paese, la popolazione, disperata, chiese aiuto alla Madonna delle Grazie e, insperatamente, una volta arrivati i nemici furono respinti. Le spoglie del barone morto furono seppellite nel sottosuolo della chiesa e la costruzione fu denominata Chiesa di S. Maria delle Grazie. Nello stesso edificio religioso è presente un affresco raffigurante la Madre di Dio intenta a proteggere il paese dagli invasori saraceni. Anche il dipinto sembra risalire al 1480. Le celebrazioni sono tenute nella chiesa omonima del paese.  festa è anticipata da quella della Madonna dell'Attarico il giorno antecedente la vigilia presso una grotta rupestre, lontana dal centro abitato.

Prompt: Explain the [[They go]]. about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.

Andrano
Giovanni Antonio Saraceno
Madonna dell'Attarico
Papa Pio VII
Saraceni


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Apocalisse

qualità apocalittica si nota ancora  nell'uso frequente di un simbolismo mistificatore. Questo aspetto viene illustrato in modo notevole nei ben noti casi in cui si impiega la Ghematriah per oscurare l'opinione o il senso dello scrivente; quindi, il misterioso nome "Taxo", Assumptio Mosis, ix. 1; il "numero della bestia", 666, di Ap. 13:18; il numero 888 , Sibillini, i.326-330. Simile a questo aspetto è la profezia, spesso enigmatica, del tempo che dovrà passare prima dell'accadere degli eventi predetti; quindi il "fra un tempo, tempi e la metà di un tempo" Dan. 12:7; i "quaranta e otto tempi" di Enoch, xc.5, Assumptio Mosis, x.11; l'annuncio di un certo numero di "settimane" o "giorni" , Dan. 9:24 segg, 12:11, 12; Enoch xciii.3-10; 2 Esd. 14:11, 12; Apoc. di Bar. xxvi-xxviii; Ap. 11:3, 12:6; si confronti Assumptio Mosis, vii.1.  stessa tendenza si nota anche nell'impiego di linguaggio simbolico nel parlare di determinate persone, cose o eventi; quindi, le "corna" di Dan. 7 e 8; Ap. 17 e segg; le "teste" e "ali" di 2 Esd. xi e segg; i sette sigilli del cap. 6 delle Rivelazioni; trombe, 8; ciotole, 16; il dragone, Ap. 12:3-17, 20:1-3; l'aquila, Assumptio Mosis, x.8; eccetera.Un primo significato del già citato 666 potrebbe essere strettamente simbolico: il numero 6 infatti, è visto già nell'ebraismo come "il numero dell'uomo" . Da questo punto di vista, la ripetizione ternaria del 6 può indicare che l'anticristo rappresenterà il tentativo di instaurare il dominio dell'uomo - e dell'arbitrio umano - su quelli che nella tradizione sono visti come i tre livelli della creazione: corpo/anima/spirito, cielo/terra/inferi ecc. Una volta rifiutato Dio, infatti, è l'uomo-anticristo ad ergersi a pseudo-divinità nel tentativo di sostituirsi alla signoria divina sul mondo creato.Come esempi tipici di allegorie più elaborate, a parte quelle di Dan. 7, 8 e 2 Esd. 11, 12, già ricordate, si possono menzionare: la visione del toro e della pecora, Enoch, lxxxv segg; la foresta, la vigna, la fontana, il cedro, Apoc. di Bar. xxxvi segg.; la acque chiare e scure, ibid. liii segg; il salice e i suoi rami, Hermas, "Similitudini", viii. A questa descrizione delle peculiarità letterarie dell'apocalisse ebraica si può aggiungere che, nelle sue parti chiaramente escatologiche, mostra con notevole uniformità la dizione e il simbolismo dei passaggi classici del Vecchio Testamento. Benché ciò sia corretto, comunque, la maggior parte della letteratura escatologica tardo-ebraica e protocristiana  può difficilmente essere considerata simile a livello di caratteristiche a quella sopra descritta.

Prompt: Explain the Mystical symbolism about the Description of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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La lampada del diavolo

Il personaggio raffigurato nel dipinto è Don Claudio, la cui vita - come abbiamo già detto - dipende dal continuo bruciare della fiammella, sorretta dal diavolo. Il sacerdote, lacerato dal terrore e dalla follia e ammantato in un abito nero, azzarda un passo e si appresta a versare l'olio nella lampada del diavolo, così da evitare che si spenga.  lucerna è sorretta dal demonio che, in un inchino riverente ed animalesco, non aspetta altro che trascinare don Claudio negli abissi infernali. lampada del diavolo è un'opera permeata da una profonda sensazione di inquietudine, accresciuta dal perpetuo pulsare della fiammella, dallo sguardo atterrito ed alienato di Don Claudio e dalla macabra danza dei cavalli sullo sfondo che, ergendosi sulle zampe posteriori, vogliono probabilmente alludere all'ignoranza e alla zotichezza umana. In primo piano, infine, è appena accennato il frammento di un libro che, disponendosi obliquamente rispetto alla scena , ne accresce il ritmo nevrotizzante. Vi troviamo vergate le parole «LAM / DESCO», ovvero le prime lettere di lampara descomunal [lucerna mostruosa], in riferimento alla formula pronunciata da don Claudio mentre alimenta la lampada del diavolo.

Prompt: In The Bewitched Man, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Allegoria

Prompt: How does Allegory (Filippino Lippi) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Musica

voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall'aria espirata dai polmoni. Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea, della faringe e della bocca, ed eventualmente delle altre cavità  facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata, la voce impostata e il falsetto.

Prompt: Explain the Emission type about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Vertumno e Pomona

Nel 1519 Ottaviano de' Medici aveva avviato la decorazione ad affresco del salone della villa di Poggio a Caiano, costruita negli anni '70 del Quattrocento per Lorenzo il Magnifico e distante circa 20 km dal centro di Firenze.  volontà di decorare il grande salone centrale era partita da Giovanni de' Medici, allora papa Leone X, e da suo cugino Giulio, futuro Clemente VII. Vennero arruolati i migliori pittori attivi sulla piazza fiorentina, a partire dal duo Andrea del Sarto-Franciabigio, ai quali si aggiunse presto il migliore allievo di Andrea, il giovane Pontormo, per la prima volta al soldo della Casa medicea.Il programma iconografico della decorazione era stato elaborato da Paolo Giovio e prevedeva la rappresentazione di episodi della storia romana adombranti imprese e personalità del casato. Pontormo lavorò a un soggetto diverso, una lunetta sul lato est, con una leggenda tratta da Ovidio, collegata al tema generale della sala solo da allegorie e da un generale rimando allotium agreste che si praticava in villa. Lo stesso Lorenzo de' Medici aveva trattato questo tema in alcuni passi delle sue opere letterarie, contrapponendo i benefici della vita in campagna alle tensioni politiche e sociali della città.L'artista lavorò a lungo alla preparazione della lunetta, come dimostrano i numerosi disegni pervenutici: per la forma della lunetta studiò tre composizioni diverse e altri studi ebbero come protagoniste le singole figure, tra cui spicca un disegno al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe di Firenze di un ignudo seduto con le gambe incrociate e con una mano sollevata a farsi ombra sulla fronte.Nel 1521 i lavori si interruppero però per la morte di papa Leone e vennero ripresi solo alcuni decenni dopo. Lo stesso Pontormo era stato contattato di nuovo nel 1532 per eseguire gli affreschi mancanti, ma per tale ambizioso progetto vennero eseguiti solo alcuni studi e disegni senza il relativo seguito.

Prompt: Explain the History of this artwork, Vertumnus and Pomona (Melzi).Please output in Italian.

1519
1521
1532
Andrea del Sarto
Franciabigio
Lorenzo de' Medici
Lorenzo de' Medici
Ottaviano de' Medici
Paolo Giovio
Poggio a Caiano
Pontormo


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Fontana Camillo Olivetti

Situata ai piedi di una parete di roccia tagliata tra il 1826 e il 1830 in prossimità del fiume Dora Baltea, la fontana è il punto focale dell'elegante corso Costantino Nigra, che la collega all'area della stazione tramite il ponte Nuovo.  fontana presenta un getto a cascata ed è decorata da un'effigie di Camillo Olivetti e da una scultura volta a ricordare i meccanismi delle macchine da scrivere.

Prompt: How does Camillo Olivetti Fountain explain its Description?Please output in Italian.


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Bonjour monsieur Courbet

Il quadro venne commissionato da Alfred Bruyas, amico di Courbet e collezionista d'arte residente a Montpellier. I suoi eredi lo donarono poi al Museo Fabre di Montpellier.

Prompt: Focus on La rencontre and explain the Owners.Please output in Italian.


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Bellezza

Anche le formule matematiche possono essere considerate belle .  formula di Eulero:  è comunemente considerata uno dei più bei teoremi della matematica .<br /> poetessa Edna St. Vincent Millay scrisse che "soltanto Euclide ha guardato nella nuda bellezza", alludendo all'austera bellezza che molte persone trovano nel ragionamento matematico connesso alla geometria euclidea.Altro legame tra matematica e bellezza che ha giocato un ruolo prominente nella filosofia di Pitagora era la possibilità di disporre e arrangiare i toni musicali in sequenze matematiche, che si ripetono a intervalli regolari chiamati "ottave". cosiddetta "proporzione aurea", rappresentata dalla lettera greca Phi, e approssimativamente uguale a 1,618, è stata considerata da molti "bella". Viene anche chiamata la "divina proporzione" ed è spesso riscontrata in natura. Per esempio, nella conchiglia di un nautilus, il rapporto tra sezioni successive è circa 1,618.: Possiamo trovare parallelismo tra la bellezza matematica e le altre: Corrispondenza al vero, p. es. nelle equazioni che descrivono accuratamente un fenomeno fisico. Per le equazioni di Benoît Mandelbrot si è visto che spesso determinano grafici con proporzioni di tipo vitruviano, oppure si possono rappresentare graficamente in forme simili a generici alberi, montagne, nubi, ecc. Perfezione , come nel quadrato panmagico di Nasik o nel Cubo magico 5x5x5.

Prompt: Explain the Objective criteria in the evaluation of mathematical beauty about the Introduction of this artwork, The Beauty.Please output in Italian.

Benoît Mandelbrot
Cubo magico 5x5x5
Edna St. Vincent Millay
Euclide
Perfezione
Pitagora


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Correggio), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Ritratto di Minerva Anguissola

Angela Ghirardi, Una ricerca iconografica nel cenacolo delle Anguissola: i ritratti di Minerva, 1992, pp 509-511   Testi di Marco Carminati e altri.  Edizione italiana a cura di Maria Gregorio; introduzione di Natalia Aspesi.

Prompt: In Portrait of Minerva Anguissola (Milan), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Lo stemma del "13th Infantry Regiment".Era già stato nominato colonnello e assegnato al 13º reggimento fanteria, effettivo dal 14 maggio; si trattava in realtà di un reggimento nuovo e ancora da formare e il primo comando fu quello di una brigata di volontari arruolati per tre mesi: il massimo periodo di tempo che ci si attendeva dovesse durare il conflitto.Alla sua testa, fu uno dei pochi ufficiali dell'Unione capace di distinguersi nella prima battaglia di Bull Run avvenuta il 21 luglio, dove venne ferito lievemente dalle pallottole al ginocchio e a una spalla; la disastrosa sconfitta lo portò a mettere in discussione sia le proprie capacità come ufficiale sia il grado di preparazione delle truppe.Il presidente Lincoln tuttavia lo promosse a brigadier generale  dei volontari, effettivo dal giorno 17 maggio, con anzianità di grado rispetto a Ulysses S. Grant, il suo futuro comandante; fu assegnato al "Dipartimento di Cumberland" a Louisville nel Kentucky sotto la guida di Robert Anderson, e a ottobre dello stesso anno gli succedette al comando.Pensò che il suo nuovo incarico contraddicesse la promessa fattagli da Lincoln di non ricevere troppo presto una posizione così importante e impegnativa.

Prompt: Describe the characteristics of the FirstbattleBullRun in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Youth.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio

Prompt: Explain the Work of art of this artwork, Presentation at the Temple (Bellini).Please output in Italian.


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Al Moulin Rouge

Al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1892-93 e conservato all'Art Institute di Chicago.

Prompt: Focus on At the Moulin Rouge and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La famiglia di Carlo IV

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de  famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:#S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo V#Autoritratto di Goya#S.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di Spagna#S.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IV#S.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VII#S.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due Sicilie#S.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IV#S.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di Cadice#S.M re Carlo IV#S.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IV#S.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'Algarve#S.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e Guastalla#S.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico I#S.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Prompt: Describe the characteristics of the Schema identifier in Charles IV of Spain and His Family's History.Please output in Italian.


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Pigmalione e Galatea

versione scultorea, oggi al castello HearstNel 1891, Gérôme realizzò una statua di marmo sullo stesso soggetto , forse basata su una versione in gesso usata come modello del dipinto.Le due versioni del dipinto appaiono sullo sfondo di due dipinti dove l'artista si autorappresentò mentre scolpiva Tanagra, un'opera realizzata lo stesso anno del dipinto Pigmalione e Galatea. Il primo, L'artiste et son modèle, oggi si trova al museo Haggin, mentre il secondo, Travail du marbre, è conservato al museo d'arte Dahesh. Le due tele sono molto simili e differiscono solo per alcuni particolari: la riproduzione di Pigmalione e Galatea si trova appesa alla parete, a sinistra dell'artista. Gérôme s'immedesimava così in Pigmalione mentre cercava di scolpire la sua donna perfetta.

Prompt: In Pygmalion and Galatea (Gérôme painting), how is the ''Pigmalion and Galatea'' in the subsequent works of Gérôme discussed?Please output in Italian.


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Visitazione con sant'Anna

Si tratta di un'opera della fase giovanile dell'artista, certamente proveniente da un predella di una perduta pala d'altare. Si presume che la destinazione originaria potesse essere un convento francescano  e fiorentino , come ad esempio Santa Croce.L'attribuzione al giovane Perugino non è indiscussa: Mackowsky, e poi van Marle e Procacci, la attribuirono a Jacopo del Sellaio o alla sua scuola, mentre Federico Zeri fu il primo a pensare a Perugino nel 1959 , seguito poi dalla Padoa Rizzo; Cadogan infine fece il nome del Ghirlandaio.

Prompt: How does Visitation (Perugino) explain its History?Please output in Italian.

1959
Federico Zeri
Jacopo del Sellaio
Perugino


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Schiavo ribelle

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1

Prompt: Focus on Rebellious Slave and explain the Bibliography.Please output in Italian.