subsection

Poiché inizialmente lo squalo era stato conservato male, iniziò a deteriorarsi e il liquido circostante divenne torbido. Hirst ha attribuito parte del decadimento al fatto che la Galleria Saatchi aveva aggiunto candeggina al fluido. Nel 1993 la galleria ha scuoiato lo squalo e posto la sua pelle su uno stampo in fibra di vetro, trasformando così lo squalo da una carcassa intatta conservata chimicamente a una tassidermia che viene mostrata nel fluido. Hirst ha commentato: "Non sembrava più così spaventoso... Potevi capire non fosse vero. Non aveva peso."Quando Hirst venne a sapere dell'imminente vendita dell'opera da parte di Saatchi a Cohen, si offrì di sostituire lo squalo, un'operazione che Cohen finanziò, definendo la spesa "irrilevante" . Un altro squalo  è stato catturato al largo della costa del Queensland e spedito a Hirst, a cui è giunto dopo un viaggio di 2 mesi. Nel 2006, Oliver Crimmen, scienziato e curatore di pesci al Museo di Storia Naturale di Londra, ha contribuito alla conservazione del nuovo esemplare. Ciò ha comportato l'iniezione di formaldeide nel corpo e l'immersione per due settimane in un bagno di soluzione di formalina al 7%. Per ospitare il risultato è stata poi utilizzata la vetrina originale del 1991.Hirst ha riconosciuto che c'era una questione filosofica sul fatto che sostituire lo squalo significasse che il risultato potesse ancora essere considerato la stessa opera d'arte. Ha osservato: «È un grande dilemma. Artisti e conservatori hanno opinioni diverse su ciò che è importante: l'opera d'arte originale o l'intenzione originale. Vengo da un background di arte concettuale, quindi penso che dovrebbe essere l'intenzione. È lo stesso pezzo. Ma la giuria sarà fuori per molto tempo a venire.»

Prompt: In the context of The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, explain the Deterioration and replacement and the History.Please output in Italian.


subsection

Romolo e Remo

Ottenuto dal nonno Numitore il permesso, Romolo e Remo lasciarono Alba Longa e si recarono sulla riva del Tevere per fondare una nuova città nei luoghi dove erano cresciuti.Una versione alternativa racconta che Romolo fece costruire sul solco  tracciato con l'aratro, una cinta muraria, mettendovi a guardia Celere, cui impartì l'ordine di uccidere chiunque avesse osato scavalcarla. Purtroppo Remo non era venuto a conoscenza dell'ordine imposto dal fratello e quando si avvicinò alla cinta, notando quanto essa era bassa, la scavalcò con un salto. Il fedele Celere gli si avventò contro e lo trapassò con la spada. Romolo, saputo della disgrazia, ne rimase sconvolto, ma non osò piangere di fronte al suo popolo, essendo ormai un sovrano.Faustolo, il pastore che li aveva allevati fu inumato presso l'allora Comizio, mentre Remo fu seppellito sull'Aventino in una località chiamata Remoria, in ricordo del quale ogni 9 maggio era celebrata una festa Remuria  per ricordare i defunti, come ci racconta Ovidio. Romolo diventava così il primo re di Roma.

Prompt: Explain the Death  Remus  foundation  Rome about the The  legend  in  the  ancient  sources of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.

Alba Longa
Aventino
Comizio
Faustolo
Numitore
Remoria
Remoria
Roma
Romolo


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Venere di Urbino

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Venus of Urbino.Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Stefano Zuffi


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Croce degli Angeli

Una leggenda, raccolta nella sua opera dal vescovo Lucas de Tuy, riferisce che Alfonso II il Casto, re delle Asturie, era desideroso di donare una croce d'oro e pietre preziose alla chiesa del Santo Salvatore di Oviedo, e che un giorno, dopo aver assistito alla messa, e dopo essere giunto al palazzo reale, ebbe un'apparizione nella quale due angeli, sotto forma di pellegrini, lo informarono che erano degli orafi. Il re, secondo la leggenda, diede loro oro e pietre preziose, e fornì loro una casa perché potessero lavorare indisturbati. Tuttavia, voleva scoprire a che tipo di individui avesse dato il suo oro e le pietre preziose, e così inviò diverse persone, una dopo l'altra, per vedere cosa stavano facendo.I servi del re, giunti alla casa dove lavoravano gli orafi, osservarono che all'interno c'era un grande bagliore che impediva loro di contemplare ciò che vi stava accadendo, e andarono ad informare il re, che si recò nella casa e la trovò vuota, anche se c'era una croce che brillava luminosa. Alfonso II il Casto prese la croce e, secondo la leggenda, la portò nella chiesa del Santo Salvatore, dove la depose sull'altare.Detta leggenda ha fatto sì che la croce fosse chiamata la Croce degli Angeli.

Prompt: Explain the Legend about its origin about the History of this artwork, Cross of the Angels.Please output in Italian.


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Madonna Poldi Pezzoli

Madonna Poldi Pezzoli  è un dipinto tempera su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1490-1500 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano.

Prompt: In Poldi Pezzoli Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Robert Gould Shaw Memorial

Abraham Lincoln: The Head of State Abraham Lincoln: The Man Memoriali e monumenti unionisti William Tecumseh Sherman

Prompt: Focus on Robert Gould Shaw Memorial and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Madonna Bache

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Focus on Bache Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Il sonno della ragione genera mostri

Francisco Goya realizzò Il sonno della ragione genera mostri come parte del ciclo de Los caprichos , una serie di ottanta opere ritraenti – in chiave allegorica, umoristica e satirica – vizi e miserie umane, ma anche soggetti fantastici o grotteschi. tavola del Capriccio 43 fu preceduta da due disegni preparatori.  prima tavola, senza titolo, rappresenta una figura che, addormentatasi su una sorta di scrittoio, viene osservata dagli occhi sbarrati di quattro figure, delle quali una riproduce le fattezze del Goya. Il secondo bozzetto, invece, reca due scritte che rispondono alla grafia del Goya.  prima recita «Idioma universal. Dibujado y grabado por Francisco de Goya. Año 1797» ; nella seconda, invece, si legge «El autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar con esta obra de Caprichos, el testimonio sólido de la verdad. 1797» .

Prompt: In The Sleep of Reason Produces Monsters, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Tra il letto e l'orologio

Tra il letto e l'orologio è un autoritratto del 1940-1943 di Edvard Munch ed è una delle sue ultime opere importanti. Si descrive come un uomo anziano e infelice. Dietro di lui c'è una stanza piena di luce e dipinti del passato, ma in quest'opera si è raffigurato tra un orologio e un letto, a simboleggiare l'inevitabile passare del tempo e dove alla fine si sdraierà per l'ultima volta.

Prompt: Focus on Self-Portrait. Between the Clock and the Bed. and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cupido che fabbrica l'arco

L'opera si trova inventariata a Parma tra le pitture del cavalier Francesco Baiardo, amico e patrono del Parmigianino nonché probabile acquirente del suo studio dopo la sua morte: protesse l'artista alla Madonna della Steccata e sua sorella Elena Tagliaferri gli aveva commissionato la Madonna del collo lungo. Vasari scrisse che era stato lui a commissionare il "Cupido che fabbrica di sua mano un arco".Fu ereditato da Marcantonio Cavalca e in seguitò passò ad Antonio Pérez, segretario di Stato di Filippo II di Spagna, che lo portò con sé in terra iberica. Nel 1579 il Pérez cadde in disgrazia e, dopo essere stato condannato a pagare una forte multa, dovette vendere il dipinto, attirando l'interesse del conte Khevenhiller, intermediario per Rodolfo II. L'opera venne tuttavia sequestrata ed entrò nei beni della Casa reale spagnola e solo dopo alcune trattative, tra il 1601 e il 1603, poté essere finalmente acquistata dal conte assieme a Giove e Io e il Ratto di Ganimede del Correggio. Giunse quindi a Praga, venendo trasferita alla Schatzkammer di Vienna nel 1631. Qui fu visto dal Boschini  e dal Tassoni , il quale lo descrisse come "fanciullo ignudo e alato dimostrando d'età di quattordici o quindici anni, che si fa l'arco da sé e dietro a lui sono due fanciullini minori che rappresentano il riso e il pianto".Uno studio preparatorio relativo alla testa di Cupido si trova nel Cabinet des Dessins del Louvre . L'opera fu copiatissima e presa a modello da numerosi artisti. Le repliche più illustri sono nell'Alte Pinakothek di Monaco di Baviera, di Joseph Heintz il Vecchio e di Rubens.

Prompt: Explain the History of this artwork, Cupid Making His Bow.Please output in Italian.

1579
1601
1603
1631
Alte Pinakothek
Cabinet des Dessins
Cupido
Elena Tagliaferri
Filippo II di Spagna
Francesco Baiardo
Giove e Io
Joseph Heintz il Vecchio
Monaco di Baviera
Parma
Parmigianino
Praga
Vienna


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Diana di Gabi

statua fu scoperta nel 1792 da Gavin Hamilton, nelle proprietà del principe Marcantonio IV Borghese nei pressi di Roma, dove in antichità sorgeva la città di Gabi, e fu immediatamente inserita nella collezione del principe. Nel 1807, a causa di difficoltà finanziarie, il principe Camillo II Borghese, figlio di Marcantonio, fu costretto da Napoleone a vendere alla Francia 344 opere provenienti dalla collezione Borghese. Dal 1820 la Diana di Gabi è quindi in mostra al Louvre. statua divenne molto popolare nel XIX secolo: un calco in gesso fu collocato al Club Athenaeum di Londra; una copia marmorea era presente tra le riproduzioni di statue antiche volte a decorare la Cour Carrée, la Corte Quadrata del Louvre, e una sua copia decorava una fontana nel comune francese di Grancey-le-Château-Neuvelle, nella Côte-d'Or. Inoltre, riproduzioni in scala ridotta venivano realizzate e poi vendute agli appassionati d'arte.

Prompt: Explain the History of this artwork, Diana of Gabii.Please output in Italian.

Camillo II Borghese
Club Athenaeum
Cour Carrée
Côte-d'Or
Gavin Hamilton
Grancey-le-Château-Neuvelle
Londra
Marcantonio IV Borghese
Roma


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Stanze di Raffaello

Stanza dell'Incendio di Borgo fu l'ultima in cui è riscontrabile un intervento diretto di Raffaello. L'esecuzione degli affreschi venne affidata in larghissima parte agli aiuti  poiché il maestro era ormai preso da altre commissioni papali, prime fra tutti gli arazzi della Sistina e l'architettura della Basilica vaticana, dove il Sanzio aveva preso l'incarico di Bramante dopo la sua morte.Studi approfonditi hanno messo in luce la frenetica attività raffaellesca di quegli anni, sottolineando il fiorire ininterrotto di idee e soluzioni di grande innovazione, tanto da lasciare necessariamente indietro le possibilità di esecuzione diretta di un così gran numero di iniziative. Inoltre è incontestato come nell'opera degli allievi qualcosa dell'idea originale venga inevitabilmente tradita, senza per questo diminuire il valore dell'ideazione iniziale. NellIncendio di Borgo, il primo degli affreschi e quello in cui la mano di Raffaello è più presente, appaiono evidenti i motivi ripresi da Michelangelo, che anticipano stilemi del manierismo.Gli affreschi vennero realizzati tra il 1514 e il 1517. Il tema principale è quello di esaltare la figura di papa Leone X attraverso storie tratte dalla vita di altri due papi con lo stesso nome: Leone III e Leone IV. Ciascuna scena contiene allusioni al pontificato attuale e numerose citazioni classiche e letterarie tipiche della corte pontificia.Quattro gli affreschi alle pareti:# Incendio di Borgo # Battaglia di Ostia # Incoronazione di Carlo Magno # Giuramento di Leone III  volta risale invece alle decorazioni di Perugino, create tra il 1507 e il 1508 sotto Giulio II, che Raffaello mantenne forse per una sorta di affezione verso l'antico maestro. Lo schema è il seguente:{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Padre in trono tra angeli e cherubini  120px  Battaglia di Ostia - Sud  100px  Cristo come Sol Iustitiae e Cristo tentato dal demonio  120px  Incendio di Borgo - Ovest  100px  Trinità tra gli apostoli  120px  Incoronazione di Carlo Magno - Nord  100px  Cristo tra la Misericordia e la Giustizia  120px  Giuramento di Leone III }

Prompt: Describe the characteristics of the Fire in the Borgo in Raphael Rooms's Description.Please output in Italian.

1507
1508
1514
1517
Bramante
Giuramento di Leone III
Incendio di Borgo
Incoronazione di Carlo Magno
Perugino
Perugino
Stanza dell'Incendio di Borgo
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Focus on Self-Portrait (Bril) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Precedentemente chiusa al pubblico, lImperatrice-Sfinge è anche la scultura più rappresentativa ed importante del complesso, nella quale Niki de Saint Phalle ha abitato per lunghi periodi durante i lavori. Posta a lato del Castello, lImperatrice si affaccia sulla piazza sottostante ed è posta in posizione dominante sull'intero Giardino.Enorme ed opulenta, il corpo esageratamente formoso rivestito di una fantasmagoria di ceramiche molate, lImperatrice incarna forse meglio di qualsiasi altra scultura la cifra stilistica della «curva» adottata da Niki de Saint-Phalle fin dagli anni Sessanta nelle sue Nanas.All'interno della «grande madre» - «spazio tutto a rotondità ondulate senza alcun angolo» secondo le parole dell'autrice, adibito ad abitazione con la stanza da letto in un seno, la cucina nell'altro e lo spazio centrale arredato come soggiorno studio - sono state collocate il 17 agosto 1996 - attualmente visibili - la figure del Giudizio, delle Stelle e del Carro, riflesse dalle migliaia di frammenti di specchi veneziani che rivestono le pareti.Sul dorso dellImperatrice, i filamenti della chioma rivestita di specchi blu elettrico che incornicia il volto nero della figura delimitano una terrazza-belvedere tutta anfratti e concavità, accessibile da una scalinata modellata sul lato esterno, dai cui si gode l'ampio panorama della campagna circostante e la visione argentea della Luna, scultura skinny sostenuta dal granchio rosso posta al centro di una radura più in basso.

Prompt: In the context of Tarot Garden, explain the The Empress-Sphinx and the Criticism.Please output in Italian.

1996
Giardino
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle


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Festa del Rosario

Madonna del LucherinoRinascimento veneziano

Prompt: Focus on Feast of the Rosary and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Madonna del Lucherino
Rinascimento veneziano


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Stanze di Raffaello

Stanza dell'Incendio di Borgo fu l'ultima in cui è riscontrabile un intervento diretto di Raffaello. L'esecuzione degli affreschi venne affidata in larghissima parte agli aiuti  poiché il maestro era ormai preso da altre commissioni papali, prime fra tutti gli arazzi della Sistina e l'architettura della Basilica vaticana, dove il Sanzio aveva preso l'incarico di Bramante dopo la sua morte.Studi approfonditi hanno messo in luce la frenetica attività raffaellesca di quegli anni, sottolineando il fiorire ininterrotto di idee e soluzioni di grande innovazione, tanto da lasciare necessariamente indietro le possibilità di esecuzione diretta di un così gran numero di iniziative. Inoltre è incontestato come nell'opera degli allievi qualcosa dell'idea originale venga inevitabilmente tradita, senza per questo diminuire il valore dell'ideazione iniziale. NellIncendio di Borgo, il primo degli affreschi e quello in cui la mano di Raffaello è più presente, appaiono evidenti i motivi ripresi da Michelangelo, che anticipano stilemi del manierismo.Gli affreschi vennero realizzati tra il 1514 e il 1517. Il tema principale è quello di esaltare la figura di papa Leone X attraverso storie tratte dalla vita di altri due papi con lo stesso nome: Leone III e Leone IV. Ciascuna scena contiene allusioni al pontificato attuale e numerose citazioni classiche e letterarie tipiche della corte pontificia.Quattro gli affreschi alle pareti:# Incendio di Borgo # Battaglia di Ostia # Incoronazione di Carlo Magno # Giuramento di Leone III  volta risale invece alle decorazioni di Perugino, create tra il 1507 e il 1508 sotto Giulio II, che Raffaello mantenne forse per una sorta di affezione verso l'antico maestro. Lo schema è il seguente:{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Padre in trono tra angeli e cherubini  120px  Battaglia di Ostia - Sud  100px  Cristo come Sol Iustitiae e Cristo tentato dal demonio  120px  Incendio di Borgo - Ovest  100px  Trinità tra gli apostoli  120px  Incoronazione di Carlo Magno - Nord  100px  Cristo tra la Misericordia e la Giustizia  120px  Giuramento di Leone III }

Prompt: In the context of Raphael Rooms, explain the Fire in the Borgo and the Description.Please output in Italian.

1507
1508
1514
1517
Bramante
Giuramento di Leone III
Incendio di Borgo
Incoronazione di Carlo Magno
Perugino
Perugino
Stanza dell'Incendio di Borgo
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Bambini dell'Olocausto

Con l'ascesa al potere di Hitler, le leggi razziali e soprattutto dopo le violenze della notte dei cristalli , molte famiglie di ebrei decisero di emigrare dai territori del Terzo Reich. Le opzioni tuttavia erano limitate, dovute alle ferree leggi e quote che regolavano i flussi migratori. Molti cercarono rifugio in paesi limitrofi, come la Polonia, i Paesi Bassi, il Belgio, la Francia, l'Italia, soltanto per trovarsi poi nuovamente sotto il regime nazista nel corso della seconda guerra mondiale. Le mete più ambite e sicure ma anche quelle più difficili da ottenere restavano l'Inghilterra, gli Stati Uniti e la Palestina, ma all'occasione ci si trasferì anche in Sud America, Africa o in Cina. Quando alla fine del 1938 la situazione ormai apparve disperata, le famiglie si risolsero anche a far partire i loro figli da soli, pur di garantire loro un futuro.Fin dal 1933 l'organizzazione sionistica Youth Aliya, fondata e diretta da Recha Freier, si prodigò per far emigrare bambini ebrei dalla Germania. Furono 5.012 i bambini  che giunsero in Palestina prima della guerra. Gruppi numerosi di bambini non accompagnati giunsero anche in Francia, Belgio e Olanda, dove furono ospitati in istituti, orfanotrofi o presso famiglia affidatarie. Anche gli Stati Uniti accolsero nel maggio 1939 un gruppo di 50 bambini ebrei austriaci, grazie all'iniziativa dei coniugi Gilbert e Eleanor Kraus.Tra i 963 profughi ebrei che nell'estate del 1939 lasciarono il porto di Amburgo a bordo della St. Louis con la speranza di sbarcare a Cuba  c'erano anche circa 150 bambini o adolescenti con le loro famiglie. Se anche nessuno di loro dovette rientrare in Germania, solo per i 5 che sbarcarono a Cuba, i 39 che furono accolti in Inghilterra e i pochi altri che riuscirono a seguirli nei mesi successivi ciò significò la fine immediata delle persecuzioni.  maggior parte di quanti furono accolti in Belgio , Olanda  e Francia  si ritrovarono da lì a poco sotto occupazione nazista: alcuni riusciranno a mettersi in salvo in Spagna o Svizzera, per gli altri furono anni difficili trascorsi in clandestinità, spesso separati dai loro stessi genitori, 32 di loro periranno , undici sopravviveranno all'arresto e alle deportazioni.Il flusso dei rifugiati non si interruppe del tutto neppure durante la guerra. 9.342 bambini ebrei giunsero in Palestina tra il 1939 e il 1945. Tra di essi vi furono anche i cosiddetti bambini di Teheran, un gruppo di 861 bambini ebrei polacchi rimasti orfani, i quali rifugiatisi in Unione Sovietica furono radunati nel 1942 in un orfanotrofio a Teheran in Iran per giungere quindi l'anno successivo in Palestina. Oltre che in Unione Sovietica, molti rifugiati ebrei si diressero verso i paesi neutrali: Svezia, Svizzera e Spagna.In Svezia giunsero migliaia di bambini ebrei provenienti dalla Norvegia ma soprattutto dalla Danimarca, quando nell'ottobre 1943 la quasi totalità degli 8000 ebrei danesi vi furono segretamente trasferiti per sfuggire alle deportazioni. In Svezia essi poterono vivere con i loro familiari e con loro tornare in patria alla fine del conflitto.Anche la Svizzera fu luogo di rifugio per migliaia di bambini ebrei che vi giunsero legalmente o clandestinamente con le loro famiglie dai paesi confinanti. Nonostante le molte restrizioni  furono 21.000 gli ebrei accolti nel territorio elvetico durante la guerra. In Svizzera giunsero anche tre trasporti di ebrei, sottratti ai campi di concentramento per speciali accordi con le autorità naziste, sostanzialmente in cambio di denaro. I circa 1.670 ebrei ungheresi del treno di Kastner arrivarono in Svizzera dal campo di concentramento di Bergen-Belsen in due gruppi, uno nell'agosto e uno nel dicembre 1944 . Un terzo treno portò in Svizzera il 5 febbraio 1945 un gruppo di 1.210 ebrei proveniente dal campo di concentramento di Theresienstadt .Nonostante le moltissime restrizioni, migliaia di ebrei attraversarono il confine francese con la Spagna e vi trovarono rifugio o temporanea accoglienza verso altri paesi. I rifugiati ebrei  furono 20/30.000 nei primi anni di guerra, quando la Francia fu occupata dai nazisti, cui ne seguirono altri 7.500 tra l'estate del 1942 e l'autunno del 1944. Per alcune centinaia di bambini ebrei tedeschi e austriaci profughi in Francia e affidati alle cure dello "U.S. Committee for the Care of European Children", la Spagna fu paese di passaggio per il Portogallo, da dove nell'estate del 1941 essi poterono imbarcarsi per gli Stati Uniti.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Refugees and the Historical research.Please output in Italian.

Belgio
Cina
Francia
Germania
Gilbert e Eleanor Kraus
Italia
Paesi Bassi


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Madonna Huldschinsky

AA.VV.,  collezione di sculture al Bode-Museum, Prestel, Monaco di Baviera, 2011. ISBN 978-3-7913-4260-3

Prompt: Focus on Huldschinsky Madonna (painting) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

Lo Chahut

Lo Chahut era un ballo, simile al can-can, molto di moda sul finire dell'Ottocento nei locali parigini.Il dipinto trae ispirazione da una poesia di Jean Ajalbert  secondo cui il ballo in questione suscita voluttà nei consumatori. composizione comprende, oltre ai ballerini, un suonatore di contrabbasso posto in primo piano, a destra uno spettatore con un sorriso lascivo ammaliato dal ballo e a sinistra un accenno di orchestra.Nel dipinto è evidente l'assunzione della teoria delle linee di derivazione supervilliana: le gambe del corpo di ballo, inibitorie perché disegnano una linea discendente dall'alto a sinistra verso il basso a destra, contrastano con le linee dinamogene della pedana a "V" e con quelle dei fiocchi allacciati sulle spalle delle ballerine.Risulta evidente un altro elemento che Seurat desume dallo scrittore e artista olandese David Pièrre Giottino Humbert de Superville: la teoria dei punti estetici che si caratterizza come ripresa del linguaggio classico  secondo cui gli occhi e le bocche arcuate verso l'alto conferiscono dinamicità all'opera. spazialità viene condotta dall'artista tramite piani paralleli diversamente illuminati: nella parte alta e destra del dipinto, alcune lampade a gas esaltano il ballo lasciando in ombra il suonatore di contrabbasso ed il pubblico.Il pittore realizza l'opera tenendo conto della proporzione aurea.

Prompt: Focus on Le Chahut and explain the Description history.Please output in Italian.


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Due Trinità

Il dipinto è citato per la prima volta da Antonio Palomino, il principale biografo di Murillo, che lo vide nel 1708 a Cadice tra le opere di Carlos Francisco Colarte, marchese di Pedroso; era ancora nelle collezioni dei Pedroso agli inizi del XIX secolo e venne acquistato a Siviglia da James Campbell per conto del mercante d'arte William Buchanan.  tela giunse in Inghilterra nel gennaio 1810.Il quadro divenne poi proprietà di Thomas Bulkeley Owen e nel 1837 venne acquistato dalla National Gallery di Londra insieme al Serpente di bronzo di Peter Paul Rubens.

Prompt: How does The Heavenly and Earthly Trinities explain its History?Please output in Italian.

1708
1810
1837
Antonio Palomino
Cadice
Inghilterra
Londra
Pedroso
Peter Paul Rubens
Siviglia
XIX secolo


section

Amor sacro e Amor profano

L'opera risente profondamente dell'influenza di Giorgione, soprattutto nell'uso dello sfondo bucolico e nel colore steso secondo la tecnica del tonalismo: si può quindi considerare un'opera di transizione nella maturazione artistica del pittore. fisionomia delle donne si ritrova in numerose opere di Tiziano dell'epoca, dalla santa Caterina nella Sacra conversazione Balbi alla Donna allo specchio del Louvre, dalla Vanità alla Flora.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione).Please output in Italian.

Donna allo specchio
Giorgione
Sacra conversazione Balbi


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Madonna del Ceppo

Il "Ceppo" era il nome comune della Pia Casa dei Ceppi, un'organizzazione assistenziale che prevedeva l'inserimento di elemosine in un ceppo d'albero. L'organizzazione, presente con varianti in più città toscane, a Prato era stata fondata grazie al generoso lascito del mercante Francesco Datini, per questo aveva sede in palazzo Datini, dove il dipinto restò, sopra un pozzo in un cortile fino al 1858, quando venne musealizzato.  lunga esposizione all'aperto ha determinato la perdita della cromia originaria e un generale grigiore soprattutto negli incarnati dei personaggi.L'opera, citata anche da Vasari, venne commissionata tra il 1452 e il 1453 dai quattro Buonomini del Ceppo, che soprintendevano alla decorazione della Cappella Maggiore di Santo Stefano nel Duomo di Prato. Il 28 maggio 1453 un documento testimonia il pagamento dell'opera per 85 fiorini d'oro.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna del Ceppo.Please output in Italian.


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Fienagione

L'impostazione della tecnica deve tener conto di alcuni aspetti ed è finalizzata a raggiungere il rapporto ottimale tra quantità e qualità del prodotto e la sua conservabilità.  differenza temporale tra esecuzione e sfalcio porta ad un incremento della biomassa prodotta ma  anche ad una riduzione qualitativa del foraggio che, a causa dell'accumulo di fibre, si presenta più grossolano, meno appetibile, meno digeribile e con un minore valore nutritivo.Ai fini dell'affienamento, il compromesso tra criterio quantitativo e criterio qualitativo, in condizioni ordinarie, richiede l'esecuzione dello sfalcio con piante a inizio o in piena fioritura nel caso di leguminose foraggere e in fase di spigatura nel caso di graminacee foraggere. Infatti, in queste fasi, i principi trofici sono distribuiti uniformemente nell'intera pianta, mentre in una fase successiva vengono traslocati nei frutti e nei semi.L'essiccazione completa al di sotto dei valori limite ottimali è una condizione necessaria per preservare il fieno da alterazioni microbiche che possono comportare un decadimento delle proprietà nutritive, il possibile accumulo di micotossine, il possibile aumento della temperatura  con conseguente rischio di autocombustione. Il foraggio durante le fasi finali dell'essiccazione, può determinare la perdita di valore nutritivo a causa della fragilità delle foglie, la parte più ricca di principi nutritivi. Gli steli infatti si essiccano più lentamente rispetto alle foglie, perciò nelle fasi finali queste possono distaccarsi, ormai secche, durante la manipolazione.Un altro problema da tenere presente è che l'essiccazione spontanea per esposizione all'aria è strettamente dipendente dalle condizioni climatiche. Il foraggio si essicca tanto più rapidamente quanto più bassa è l'umidità relativa e quanto più alta è la temperatura ambientale. Il processo procede perciò spontaneamente durante il giorno nelle giornate asciutte, soleggiate e, possibilmente, ventilate, mentre procede lentamente in giornate umide e fredde fino ad arrestarsi del tutto. In queste condizioni e, in generale, nelle ore notturne, il foraggio già parzialmente essiccato può riassorbire prolungando perciò i tempi della fienagione.

Prompt: Explain the Assumptions of this artwork, The Hay Harvest.Please output in Italian.


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: Explain the Answer. of this artwork, Ecce Homo (Titian, Vienna).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The self-portrait of the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Epifania

In Spagna e in alcuni paesi dell'America tina, il giorno dell'Epifania è chiamato El Día de Reyes. Secondo la tradizione spagnola il 6 gennaio, i tre re Melchiorre, Gaspare e Baldassarre -che rappresentano l'Arabia, l'Oriente e l'Africa- arrivarono in sella a un cavallo, cammello ed elefante, portando rispettivamente oro, incenso e mirra al bambino Gesù. vigilia del 6 gennaio, prima di andare a letto, i bambini si lucidano le scarpe e le lasciano pronte perché vi vengano messi i regali dei Re.  mattina dopo appariranno i regali sotto le loro scarpe, o se si ritiene che i bambini si siano comportati male durante l'anno, carbone .  maggior parte delle città spagnole organizza parate colorate che rappresentano l'arrivo dei Reyes Magos in città in modo che i bambini possano vederli sui loro cammelli o carrozze prima di andare a letto.  più antica di queste sfilate si tiene annualmente dal 1885 ad Alcoy, vicino ad Alicante . I bambini lasciano vicino alle scarpe vino dolce, stuzzichini, frutta e latte per i re e i loro cammelli. In Spagna, i bambini in genere ricevono regali in questo giorno e anche a Natale. Il pane/dolce dell'Epifania è noto come Roscón, Tortell de Reis in catalano, e in Messico come Rosca de reyes.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Spain and the History.Please output in Italian.

6 gennaio
Alicante
Gesù
Gesù
Natale
Spagna


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Madonna della Scala

Il 20 febbraio 1743, alle ore 23 avvenne uno spaventoso terremoto. Molte città della Provincia di Taranto vennero colpite. Massafra rimase illesa, e la devozione popolare attribuì lo scampato pericolo all'intercessione della Vergine. Venne così istituita una festa in ricordo, da svolgersi ogni anno in quel giorno e a quell'ora dovevano suonare le campane.Nel 1776 con la Bolla di papa Pio VI la Madonna della Scala venne nominata patrona e protettrice di Massafra, e la sua prima solenne festa venne celebrata il 20 ottobre di quello stesso anno.Poi il vescovo di Mottola, Stefano Ortiz Cortes stabilì che le feste in onore della Madonna fossero due: una religiosa il 20 febbraio, e una civile la prima domenica di maggio, mese mariano per eccellenza.Nella primavera del 1899 la Beata Vergine aiutò la popolazione massafrese, che il 5 aprile si riversò nel santuario a chiedere l'intercessione contro la siccità.

Prompt: In Madonna of the Stairs, how is the History of the cult of the TheculttoMassafra explained?Please output in Italian.


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Ritratto del sultano Mehmet II

Il Ritratto del sultano Mehmet II è un olio su tela  appartenente alla National Gallery di Londra e conservato in deposito al Victoria and Albert Museum, che raffigura, in posizione di tre quarti, il celebre sultano e reca la data 1480. Secondo la maggior parte della critica esso fu eseguito da Gentile Bellini durante la sua permanenza presso la corte ottomana.

Prompt: In Portrait of Mehmet II, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1480
Gentile Bellini
Londra
Victoria and Albert Museum


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Caccia al leone

Raffigurazione di una scena di caccia al leone su una lama di pugnale - Una caccia al leone mostrata in oro su una placca di cintura, I leoni erano presenti nella penisola greca fino all'epoca classica. Il prestigio della caccia al leone è ben dimostrato nella mitologia greca: la prima fatica di Eracle fu l'uccisione del leone di Nemea. I leoni sono stati raffigurati come simboli di spicco della regalità, come ad esempio nella Porta dei Leoni alla cittadella di Micene.Rispettato per la sua ferocia, il leone era estremamente popolare durante le venationes e gli spettacoli gladiatori nell'Antica Roma. Durante la sua dittatura, Cesare sbalordì tutti utilizzando circa 400 leoni nel Circo , la cui inusuale presenza aggiunse dell'emozione ai suoi spettacoli. Pompeo stabilì un macabro record facendo uccidere ben 600 leoni. L'utilizzo del leone, fiera amata per gli spettacoli, era anche una questione di immagine: Cesare confiscò a Cassio i leoni che intendeva usare per uno spettacolo in Grecia, evento che spinse Cassio ad allearsi con Bruto nella rivolta finale contro il dittatore. Questi leoni, tuttavia, non restarono a lungo nelle mani di Cesare: quando la città di Megara fu occupata dagli uomini di Cesare, i cittadini liberarono i leoni sperando che attaccassero gli invasori. Invece i leoni sbranarono i cittadini per poi sparire nella foresta.

Prompt: In the context of The Lion Hunt (Delacroix), explain the Greece Rome and the History.Please output in Italian.


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Martirio di sant'Erasmo

Il dipinto fu commissionato in data 5 febbraio 1628 dalla Fabbrica di San Pietro per adornare uno dei tre altari - quello dedicato a Erasmo di Formia - ricavati dalle nicchie del transetto settentrionale della Basilica di San Pietro. In particolare, era pensato per essere posizionato nella parte sinistra del transetto, accanto alla tela del Martirio dei santi Processo e Martiniano di Valentin de Boulogne.  Congregazione richiese a Poussin di adottare la stessa composizione del dipinto che già stava elaborando il Cortona, eccezion fatta per il sacerdote pagano vestito di bianco, che andava spostato lateralmente. Papa Urbano VIII aveva inizialmente considerato Pietro da Cortona per l'incarico, ma alla fine fu scelto Poussin grazie all'intervento del protettore di quest'ultimo, Cassiano dal Pozzo, segretario del cardinale Francesco Barberini . Proprio il cardinale Barberini aveva già commissionato al pittore francese altre due tele, la Distruzione del Tempio di Gerusalemme nel 1626 e la Morte di Germanico nel 1627, consolidando la reputazione di Poussin a Roma, dove era giunto quattro anni prima.

Prompt: In the context of The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), explain the Commission and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Les demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon  è uno dei più celebri dipinti di Pablo Picasso, realizzato ad olio su tela tra la fine del 1906 e il luglio del 1907. Fu il primo quadro cubista dell'artista, appartenente al suo cosiddetto periodo africano, immediatamente successivo alla sua fase nota come periodo rosa ed è conservato al MoMA di New York. È considerato il manifesto del Cubismo, nonché l'opera che ne segnò l'avvio.

Prompt: In Les Demoiselles d'Avignon, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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San Francesco in estasi (El Greco 1600)

José Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», , 2007, ISBN 978-84-9550-344-2 Michael Scholz-Hänsel, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 978-3-8228-3173-1.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Saint Francis of Assisi in Ecstasy (El Greco, 1600).Please output in Italian.


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Madonna dei Palafrenieri

Madonna dei palafrenieri, anche detta Madonna della Serpe, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1606 dal pittore italiano Caravaggio. È conservato nella Galleria Borghese di Roma.Il quadro mostra Maria e il Bambino mentre schiacciano il serpente del peccato originale, alla presenza di sant'Anna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri).Please output in Italian.

1606
Galleria Borghese
Galleria Borghese
Roma


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Annunciazione di palazzo Barberini

Vergine, perno della composizione, è al centro della scena, secondo una composizione replicata poi dal Lippi in numerose varianti. Essa, incorniciata da un arco che si apre su un paesaggio esterno, sta ricevendo dall'Angelo inginocchiato l'omaggio del giglio bianco, simbolo della sua purezza.  sua figura è collocata in posizione rialzata su un gradino, davanti a uno scranno dove stava dedicandosi alla lettura, con il libro aperto appoggiato sopra, simbolo teologico delle Scritture che si avverano col suo atto di accettazione. In basso a destra, inginocchiati oltre la continuazione della balaustra, stanno i due committenti che gesticolano, raffigurati a dimensione naturale  ed abbigliati secondo la moda dell'epoca.Più complesso è lo sfondo, dove si vede un ambiente tripartito da archi, un richiamo alla tradizionale forma dei trittici. A sinistra si trova il letto, fortemente scorciato in grandangolo, come nei pittori fiamminghi, al centro l'arco e a destra si intravede una scaletta dove due donne si stanno affannando a salire o a scendere.Il dipinto presenta alcune incertezze nella prospettiva e nelle figure accessorie, per cui ha fatto pensare all'intervento di aiuti di bottega. L'elemento dominante è in questo caso il colore e la ricca ornamentazione, che ricorda le Annunciazioni di Beato Angelico degli anni trenta, pure impostate a una preziosità esteriore retaggio della tradizione tardogotica.

Prompt: How does Annunciation with Two Kneeling Donors explain its Description and style?Please output in Italian.


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Giudizio di Paride

Zeus allestì un banchetto per la celebrazione del matrimonio di Peleo e Teti, futuri genitori di Achille. Eris, la dea della discordia, non fu invitata e, irritata per questo oltraggio, raggiunse il luogo del banchetto e gettò una mela d'oro con l'iscrizione "alla più bella".Le tre dee che la pretesero, scatenando litigi furibondi, furono Era, Atena e Afrodite. Esse parlarono con Zeus per convincerlo a scegliere la più bella tra loro, ma il padre degli dèi, non sapendo a chi consegnarla, stabilì che a decidere chi fosse la più bella non potesse essere che il più bello dei mortali, cioè Paride, inconsapevole principe di Troia, il quale era prediletto dal dio Ares.  Ermes fu incaricato di portare le tre dee dal giovane troiano, che ancora viveva tra i pastori e conduceva al pascolo le pecore, e ognuna di loro gli promise una ricompensa in cambio della mela: Atena lo avrebbe reso sapiente e imbattibile in guerra, consentendogli di superare ogni guerriero; Era promise ricchezza e poteri immensi, tanto che a un suo gesto interi popoli si sarebbero sottomessi, e tanta gloria che il suo nome sarebbe riecheggiato fino alle stelle; Afrodite gli avrebbe concesso l'amore della donna più bella del mondo.Paride favorì quest'ultima, scatenando l'ira delle altre due.  dea dell'amore aiutò quindi Paride a rapire Elena, moglie di Menelao, re di Sparta, e il fatto fu la causa scatenante della guerra di Troia.

Prompt: How does Judgment of Paris (Cranach, New York) explain its Mythological episode?Please output in Italian.

Achille Afrodite Ares Atena Ermes Menelao Paride Peleo Troia Zeus


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Patristics of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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Una donna nera

Il quadro è il ritratto di una donna nera, probabilmente una modella, davanti a uno sfondo bianco. Ella è rappresentata dal busto in su e indossa una veste bianca che le è scivolata da una spalla, scoprendo il seno sinistro. L'attenzione dello spettatore è immediatamente attirata dalla pelle radiosa del soggetto. Nella mano destra la donna tiene un ventaglio giapponese. Il suo sguardo assente è diretto verso lo spazio al di sopra della testa dello spettatore. L'espressione del suo viso è intrigante: ella sembra imbarazzata ed è rappresentata come tale in modo molto realistico, senza alcuna idealizzazione.Questo tipo di dipinto ritraente una persona esotica era un soggetto popolare alla fine del diciannovesimo secolo, soprattutto con l'orientalismo.  tela è firmata nell'angolo in alto a destra tramite il cognome della pittrice e la data della realizzazione .

Prompt: How does A Negress explain its Description?Please output in Italian.


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LAutoritratto per il sesto anniversario di matrimonio  è un dipinto della pittrice tedesca Paula Modersohn-Becker, una delle prime artiste importanti dell'espressionismo, risalente al suo soggiorno a Parigi nel 1906. Questo dipinto venne realizzato con la tecnica dell'olio e della tempera su cartone.

Prompt: How does Self-Portrait at 6th Wedding Anniversary explain its Abstract?Please output in Italian.

Autoritratto
Parigi
Paula Modersohn-Becker


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: Describe the characteristics of the Jazz Blues in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Odalisca con schiava

Dettaglio della suonatrice di tanbur dalla seconda versione dell'opera.Dato che Ingres non visitò mai il Medio Oriente, la scena rappresentata è puramente immaginaria, basata sulla percezione europea degli harem del mondo arabo . Il dipinto raffigura un'odalisca seminuda sdraiata per terra, mentre appoggia la testa su un cuscino, accanto alla quale si trova una schiava che suona un tanbur o un dutar. In secondo piano si trova un eunuco dalla pelle scura. L'ambientazione è costituita da una stanza chiusa, i cui muri sono decorati con decorazioni geometriche, che presenta dei tappeti grigi e con delle tende rosse ai lati del quadro. Accanto all'odalisca sono presenti un narghilè e un ventaglio.  musicista venne dipinta partendo da una modella in studio e molti dettagli come il tanbur derivano dalle incisioni.Ingres fu aiutato da alcuni suoi studenti che gli fecero da assistenti. Tra questi c'era Raymond Balze, che descrisse così la sua esperienza: "Ingres iniziò i suoi studi partendo dalla natura e preparò il bozzetto sulla sua tela, poi fece realizzare ai suoi studenti le parti meno importanti, molto rifinite, come la struttura, i mosaici, i tappeti, i mobili, gli strumenti.  Poi, quando tutto era rifinito, egli si impegnò da solo ad armonizzare il tutto con degli strati di colore."

Prompt: Explain the Description of this artwork, Odalisque with Slave.Please output in Italian.


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Lavanda dei piedi

Prompt: Focus on Christ Washing the Disciples' Feet (Tintoretto) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Ritratto di Carlo V con il cane

Il sovrano è ritratto a tutta figura a grandezza naturale, su uno sfondo scuro. Indossa una ricca cappa foderata di pelliccia, un corpetto stretto in vita da una cintura, braghe corte e aderenti, calza e scarpini da camera, mentre in testa ha un berretto con piuma. Una nappa pende dalla cintura e, secondo la moda del tempo, all'altezza del pube l'abito ha una protuberanza.Con una mano l'imperatore impugna l'elsa della spada, altrimenti invisibile, con l'altra accarezza un grosso cane irlandese, forse il suo preferito Sampere. Tiziano ingrandì leggermente l'animale, per accennare alla corporatura piccola del sovrano.Il suo sguardo è rivolto a sinistra ed è sicuro di sé, manifestante la sua lungimiranza.Lo sfondo è neutro, a parte il tendaggio verde scostato dalla soffice consistenza del raso.

Prompt: How does Portrait of Charles V with a Dog explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: How does Madonna and Child (van Dyck) explain its Origins?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Giovani spartani che si esercitano

Il dipinto coglie un gioco sintonizzato di lancio e accettazione della sfida che coinvolge un gruppo di ragazze e di ragazzi. A sinistra troviamo quattro giovani donne spartane, dai tratti lievemente androgini, colte mentre incitano i ragazzi alla lotta sfida con un «contegno più parigino che spartano» : i loro gesti, infatti, non sono per nulla aggressivi, bensì si impaginano con un'armonia e un ritmo che ricordano le movenze delle ballerine, le grandi protagoniste dei dipinti degassiani a venire. I ragazzi, delegati nella parte destra del dipinto, presentano tratti dolcemente effeminati e raccolgono la sfida. Sullo sfondo, infine, troviamo le madri dei lottatori, che osservano divertite il certame.In quest'opera Degas favorisce un andamento paratattico, rapido e concitato, che con la sua simmetria sembra quasi riallacciarsi al rigore della pittura neoclassica, e dirige una sapiente coreografia, dove alla serrata coesione del gruppo delle ragazze viene contrapposta la formazione tutt'altro che compatta dei ragazzi. Notevole anche l'impianto compositivo dell'opera, il cui centro focale è fissato esattamente sul palmo della mano della giovane spartana che lancia la sfida, la quale sembra quasi «gelidificata» in primo piano. Nonostante il chiaro intento didascalico dell'opera, che si propone l'ammaestramento morale con il ricorso a illustri esempi del passato, Degas asciuga la retorica della «grande maniera» accademica e non ricorre a inventio particolari per fissare i contenuti dell'opera in stereotipi precisi. Quest'operazione di azzeramento dei referenti storici è così intensa che il riferimento a Sparta sopravvive nel solo titolo: l'opera sembra quasi raffigurare una semplice lotta tra giovani senza tempo.Riprendendo il commento della critica d'arte Giovanna Rocchi, i nudi «sono trattati in maniera naturalistica e i volti non sono il frutto della ripetizione di un tipo fisionomico, ma sono ritratti eseguiti sul modello, ognuno dei quali si definisce in una differente espressione». Già durante gli anni giovanili Degas era già sensibile alle istanze del realismo, pur essendo ancora fortemente legato agli studi sui primitivi condotti in Italia . In quest'opera l'artista cerca di riproporre i due elementi, quello classicheggiante e quello realistico, in una fusione che tuttavia è subito oggetto di scherno dalla critica del tempo, prodiga di insulti verso il graffiante realismo di quelle «ossute monelle di periferia» .

Prompt: How does Young Spartans Exercising explain its Description?Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Ballester, José María: Bicentenario de la Puerta de Alcalá, en Madrid , Espasa-Calpe, S.A., Madrid, 1979

Prompt: How does Puerta de Alcalá explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Allegoria ed effetti del Buono e del Cattivo Governo è un ciclo di affreschi di Ambrogio Lorenzetti, conservato nel Palazzo Pubblico di Siena e databile al 1338-1339. Gli affreschi, che dovevano ispirare l'operato dei governatori cittadini che si riunivano in queste sale, sono composti da sei scene disposte lungo tutto il registro superiore di tre pareti di una stanza rettangolare, detta Sala del Consiglio dei Nove, o della Pace.

Prompt: Focus on The Allegory of Good and Bad Government and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Leonessa di Guennol

Leonessa di Guennol è una statuetta mesopotamica ritenuta vecchia di 5000 anni, che si presume rinvenuta nei dintorni di Baghdad in Iraq. L'opera d'arte raffigura una muscolosa leonessa antropomorfo. scultura è anche famosa per essere stata venduta per 57,2 milioni di dollari in un'asta da Sotheby's il 5 dicembre 2007.L'opera è chiamata "Guennol" dal nome gallese di "Martin", il nome del collezionista che l'acquistò nel 1948. Nel 1950, Edith Porada la descrisse come una leonessa "per le curve femminili della parte inferiore del corpo e per l'assenza di organi maschili", pur ammettendo la possibilità "che la figura rappresentasse una creatura senza sesso".  Leonessa non possiede criniera, il che fa escludere che si tratti di un leone maschio.  scultura in calcare misura poco più di 8 centimetri di altezza.

Prompt: In Guennol Lioness, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La vittoria della fede

Cinema nel Terzo Reich Propaganda nella Germania nazista Film ritrovati

Prompt: In The Victory of Faith (painting), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cinema nel Terzo Reich
Film ritrovati
Germania nazista
Propaganda nella Germania nazista


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Caravaggio) explain its The adoration of the shepherds in art?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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La famiglia di Carlo IV

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de  famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:#S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo V#Autoritratto di Goya#S.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di Spagna#S.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IV#S.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VII#S.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due Sicilie#S.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IV#S.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di Cadice#S.M re Carlo IV#S.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IV#S.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'Algarve#S.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e Guastalla#S.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico I#S.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Prompt: In Charles IV of Spain and His Family, how is the Schema identifier of the History explained?Please output in Italian.


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Arringatore

LArringatore è una scultura bronzea alta 170 cm raffigurante un uomo togato, databile tra la fine del II e gli inizi del I secolo a.C., realizzata con tecnica a cera persa in sette parti distinte a fusione cava, poi unite tra loro. È conservata nel Museo archeologico nazionale di Firenze. Si tratta dell'unica testimonianza integra pervenutaci di una grande scultura in metallo dell'epoca tardo-etrusca.

Prompt: Focus on The Orator and explain the Abstract.Please output in Italian.

Firenze
I secolo a.C.
Museo archeologico nazionale di Firenze


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Baccanale degli Andrii

Il legame profondo tra musica e piaceri dionisiaci è testimoniato dal foglio di musica che giace a terra, al centro del dipinto. In esso si legge un giocoso motto francese, che evoca il canone circolare di ripetizione che porta all'ebbrezza.Non ci sono tuttavia strumenti musicali che suonano: gli unici strumenti ritratti, al momento inutilizzati, sono solo i flauti diritti, due tenuti in mano dalle ragazze in primo piano e un terzo è a terra poco più indietro, presso un bicchiere colmo di vino, una coppa metallica rovesciata e un vassoio per libagioni.

Prompt: In the context of The Bacchanal of the Andrians, explain the Musical item and the History.Please output in Italian.


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi e il Misantropo entrarono a far parte nelle raccolte farnesiane dopo la confisca dei beni messa in atto da Ranuccio I, ai danni della famiglia parmigiana dei Masi. Non è certo come il dipinto sia arrivato in Italia, anche se si sa che Cosimo Masi nel 1595 tornò dai Paesi Bassi con un cospicuo numero di dipinti olandesi.Nel Settecento, Carlo III di Spagna ereditò il patrimonio artistico dei Farnese dalla madre Elisabetta, duchessa di Parma; si preoccupò quindi di fornire alle opere una degna sistemazione, e trovò nel museo di Capodimonte a Napoli la sede ideale. precisamente nella sala 17, dedicata ai dipinti della zona fiamminga e tedesca.

Prompt: In The Blind Leading the Blind, how is the Sale of the painting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Pala degli Oddi

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti , uno per l'apostolo in primo piano a destra , e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso,

Prompt: In Oddi Altarpiece (Raphael), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (El Greco Benaki)

Non si sa esattamente dove sia stato realizzato questa tavola, anche se molti specialisti ipotizzano che sia stato dipinto a Venezia, durante il primo viaggio dell'artista. Un'altra possibile ipotesi è che sia stata dipinta per un cliente italiano con sede a Creta, il luogo di residenza del pittore.È una delle opere più significative di El Greco, in quanto mostra la transizione tra «maniera greca» e l'arte rinascimentale.L'influenza del Parmigianino è nota, sebbene l'artista non abbandoni l'uso della foglia d'oro. Tuttavia, le figure sono più naturali, perdono l'aura di spiritualità e santità tipica dell'arte bizantina. Inoltre introduce prospettiva e movimento nella composizione.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (El Greco) and explain the Description.Please output in Italian.


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Profilo d'uomo

Il personaggio, un uomo anziano, è ritratto con un ricco abito rosso, di profilo su uno sfondo scuro.  posa laterale era consueta nell'arte nelle corti italiane del tempo, ed era mutuata dalle effigi umanistiche dei vir illustris, a loro volta ispirate alla numismatica romana di età imperiale.Notevole è l'uso della luce radente, proveniente da sinistra, che fa stagliare con forza la linea del profilo, individuando anche con incisività le caratteristiche fisiognomiche individuali del soggetto. Con brevi tocchi di pennello sono accennati particolari di grande realismo, come la barba incolta sul mento e le vene pulsanti della tempia. Ben modellato è anche il panneggio del copricapo, che si intreccia ricadendo mollemente sulla spalla.Lo sfondo scuro, estremamente sobrio, era un tempo azzurro, realizzato con il prezioso blu di lapislazzuli.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Profile of a Man (Mantegna).Please output in Italian.


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Venere de' Medici

Venere de' Medici è una statua greca ellenistica originale in marmo,  e conservata nella Tribuna della Galleria degli Uffizi.

Prompt: In Venus de' Medici, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Pala Trivulzio

L'opera è impostata secondo una prospettiva scorciata "da sott'in su", cioè con un punto di vista molto ribassato, a causa della posizione elevata che essa aveva sull'altare.  cornice intagliata da fra' Giovanni da Verona, intarsiatore, doveva evidenziare questa veduta privilegiata. Come in Piero della Francesca, il particolare scorcio riguarda i santi e le altre figure accessorie, mentre per la figura sacra della Vergine è usata una normale veduta frontale, che le dà quel tono di fissità ieratica soprannaturale che la fa sembrare un'apparizione.Maria è raffigurata insolitamente in una mandorla circondata da cherubini , invece del consueto trono, ma la disposizione sopraelevata rispetto ai santi è in ossequio alle composizioni piramidali in cui si trova al vertice, tipiche delle sacre conversazioni di matrice veneziana di moda a quei tempi. Rappresenta l'Assunta, a cui è dedicata la chiesa. A partire dall'ovale del suo viso, reso con un colorismo nuovo nella produzione di Mantegna, lo schema compositivo sembra dilatarsi a ondate concentriche, che investono la mandorla, il gruppo dei santi e lo sfondo vegetale, paragonato all "risonanza di un'immensa navata".I santi sono da sinistra:San Giovanni Battista nella tipica posizione che indica il Bambino, con il vestito da eremita nel deserto e il lungo bastone con la croce; accanto a lui si trova anche un cartiglio con le sue parole profeticheSan Gregorio Magno, con la veste papale decorata da ricami figurati, il triregno e il bastone pastoraleSan Benedetto da Norcia, con l'abito olivetano e un pastorale, la cui presenza ricorda che la chiesa veronese era retta da una congregazione dell'Ordine benedettinoSan Girolamo, con il cappello cardinalizio e una mantello rosso sgargiante; tiene nella destra un libro, simbolo della Vulgata e nella sinistra un modellino della chiesa, anche questo scorciato dal basso; la sua espressione è solenne e fiera e tramite lo sguardo che guarda dritto verso lo spettatore arriva a coinvolgerlo direttamente nella rappresentazione.Le aureole, come nel Cristo in pietà di Copenaghen, sono ormai dei dischi di luce, che scompaiono in trasparenza rivelando lo sfondo retrostante.In basso si trovano tre angeli cantori e musicanti, di grande dolcezza naturalistica. Curioso è lo scorcio di alcuni di essi che è contrario a quello dei santi, cioè visto dall'alto, generante un vibrante spezzarsi dei piani. L'organo allude all'insegna dei monaci e al nome della chiesa.Lo sfondo è composto da due quinte vegetali ricche di agrumi e con uccelli che svolazzano; assomiglia a quello della Madonna della Vittoria, pur senza la ridondante nicchia dell'altra opera. tecnica si basa su colori stesi una preparazione molto sottile, che lascia qua e là affiorare la consistenza della tela.  splendida luce è evidenziata dal finissimo tratteggio d'oro, che in alcuni punti si può ancora osservare.

Prompt: How does Trivulzio Madonna explain its Description and style?Please output in Italian.

Copenaghen
Madonna della Vittoria
Piero della Francesca
Benedetto da Norcia
Giovanni Battista
San Girolamo
Verona
Vulgata


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In Annunciation (Botticelli, Glasgow), how is the Apocryphal  Gospels of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: How does Landscape with the Flight into Egypt (Patinir) explain its Abstract?Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Trittico degli Uffizi

Dei tre dipinti, lAscensione è quello con uno schema più rigido e severo, che esalta però il senso mistico della scena. Diviso in due fasce orizzontali, in quella inferiore mostra la Vergine e gli apostoli che, in cerchio attorno al sepolcro, guardano con gesti di sorpresa il Cristo che ascende nella metà superiore, poggiante su una nuvola e circondato da una mandorla celeste dove si trovano i serafini , mentre fa un gesto di benedizione e regge nella mano sinistra la bandiera crociata, segno di trionfo.Il paesaggio è brullo e pietroso, simile a quello della Crocifissione del Louvre , con un cielo terso, punteggiato di nuvole e digradante di tonalità, via via più chiare all'avvicinarsi all'orizzonte.Esiste un disegno preparatorio in carta grigio-verde con lumeggiature bianche delle teste degli apostoli, conservato nel Fogg Art Museum di Cambridge .

Prompt: Describe the characteristics of the Ascension in Adoration of the Magi (Mantegna)'s Description and style.Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Ci sono due tradizioni principali per l'iconografia del volto dipinto sul velo. Una tradizione , comune nell'arte italiana, mostra il volto di Cristo con la barba, doloroso, flagellato e spesso coronato di spine. Un'altra , comune nell'arte russa e spagnola, mostra il volto di Cristo più spesso rilassato, con i capelli lunghi fino alle spalle, con una barba spartita in due punte, spesso circondato da un'aureola in cui è inscritta la croce.;Tipo I:Velo di Veronica Domenico Fetti, circa 1620.Santo Volto di Giambono, XV secolo. Museo civico, Pavia, Italia.Santo Volto sorretto da due angeli di Juan Sánchez Cotan, 1620-1625. Monastero di Cartuja, Granada.Santo Volto di Domenikos Theotokopoulos . Convento delle suore cappuccine, Toledo.Velo di Veronica di Francisco de Zurbarán, XVII secolo. Chiesa parrocchiale di S. Pietro, Siviglia.;Tipo II:Sudario di santa Veronica di Claude Mellan, 1649.Dittico di santa Veronica con Cristo e la Vergine Maria di Bernardo Martorelli, XV secolo. Museo di Mallorca.Santo volto, anonimo, inizi del XVII secolo. Galleria Tret'jakov, Mosca.Santo volto di Simon Ušakov, 1678. Galleria Tret'jakov, Mosca.Miracolo della lacrima di Juan Conchillos, 1680. Cappella della Vergine del monastero del Santo volto, Alicante.Miracolo dei tre volti di Juan de Miranda, 1767. Alicante.Santa Veronica di Antonio Castillo strucci, 1946. Basilica di S. Maria, Alicante.

Prompt: How does Head of Christ (Correggio) explain its Representative art?Please output in Italian.

1649
Alicante
Claude Mellan
Cristo
Italia
Santa Veronica
Veronica


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Pala di San Giobbe

pala, considerata un caposaldo del periodo maturo dell'artista, venne dipinta per il secondo altare a destra della chiesa minorita di San Giobbe a Venezia. Scampata alle requisizioni napoleoniche ne fu deciso il trasferimento alla Gallerie nel 1815 per garantirne una migliore conservazione.L'opera fu una sorta di risposta alla pala di San Cassiano di Antonello da Messina , della quale assimilò le novità e propose ulteriori stimoli. L'opera divenne subito una delle più rinomate del Bellini, venendo citata già nel De Urbe Sito di Sabellico . datazione dell'opera non è certa e, a parte qualche voce isolata , tutti gli storici dell'arte propendono per collocarla nel 1478 o, al più tardi, entro il 1500. Jacopo Sansovino in un suo scritto del 1581 scrisse che l'opera di San Giobbe fu la prima pala a olio di Giovanni, il che anticiperebbe la datazione più a ridosso dell'esempio di Antonello. Purtroppo mancano riscontri con opere documentabili di quegli anni: i teleri che Giovanni dipinse dal 1479 per il Palazzo Ducale sono infatti perduti.

Prompt: Focus on San Giobbe Altarpiece and explain the History.Please output in Italian.


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Inclusion of the other in the self and the In the arts.Please output in Italian.


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Gladiatore Borghese

statua fu portata alla luce da scavi casuali effettuati nel 1609 nel territorio dell'antica Antium, colonia latina prima e romana poi, che comprendeva i territori delle odierne Anzio e Nettuno, vicino a Roma.Il capolavoro della scultura greca, al momento del ritrovamento, era ridotto in 17 frammenti, poi ricomposti nel 1611 dal primo restauro effettuato ad opera dello scultore Nicolas Cordier. statua è chiamata così perché appartenente alla Collezione Borghese, fino al 1808, quando fu venduta dal proprietario, il principe Camillo II Borghese, a suo cognato, Napoleone Bonaparte, per essere poi acquisita alle collezioni del Museo del Louvre di Parigi, dove attualmente è conservata ed esposta nella Galleria Daru insieme alle altre opere oggetto di spoliazioni napoleoniche. L'ultimo restauro è stato effettuato dal Dipartimento delle Antichità Greche, Etrusche e Romane del Museo del Louvre, nel periodo compreso tra aprile 1996 e giugno 1997.Il Gladiatore, in equilibrio nello spazio, è ritratto nel gesto di proteggere sé stesso, dall'attacco dell'avversario, con il proprio scudo, probabilmente di bronzo ed un tempo attaccato al braccio sinistro in guardia. scultura di Agasias porta i segni inconfondibili dell'influenza di un altro grande scultore greco del periodo ellenistico, Lisippo, vissuto nel IV secolo a.C., e riprende proprio da lui, lo stile dell'eroismo atletico, però con il pathos  del periodo ellenistico. qualità lineare dei lavori di Lisippo, tuttavia, viene da Agasias trasformata nella drammaticità dell'azione.In questa opera meravigliosa, l'artista dimostra inoltre di aver una sorprendente conoscenza dell'anatomia del corpo umano, cosa alquanto rara per il tempo in cui egli visse. muscolatura guizzante del Gladiatore, la sua linea, il gesto atletico e l'armonia della figura, fu oggetto di studio e di ammirazione di un altro grande scultore italiano del neoclassicismo: Antonio Canova. È plausibile che tale statua fu presa a modello dal Bernini per il suo David.

Prompt: How does Borghese Gladiator explain its History and description?Please output in Italian.

1609
1611
1808
1996
1997
Antonio Canova
Anzio
Camillo II Borghese
Collezione Borghese
Galleria Daru
IV secolo a.C.
Lisippo
Museo del Louvre
Napoleone Bonaparte
Nicolas Cordier
Parigi
Roma


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Notturno in nero e oro - Il razzo cadente

I Cremorne Gardens erano una famosissima area verde di Chelsea, adagiata sulle rive del Tamigi, dove il bel mondo londinese si riuniva per ammirarvi spettacoli pirotecnici. Il «razzo cadente» menzionato del titolo del dipinto è in effetti proprio un fuoco d'artificio, del quale tuttavia non rimane che una pioggia di scintille dorate che danza nella notte nebbiosa di Londra e inonda la città di una luce lieve e sulfurea.  resa pittorica della nebbia perlacea dell'Inghilterra colpì molto Oscar Wilde, per il quale Whistler è stato l'«inventore» della nebbia londinese, non tanto perché questo essa non fosse mai stato oggetto di rappresentazione artistica, ma perché egli fu il primo pittore a non fermarsi alla realtà fenomenica e a coglierne gli aspetti più allusivi e misteriosi.L'opera, in effetti, si presta a una miriade di letture diverse a seconda dell'osservatore coinvolto: ecco, allora, che molti critici vi hanno individuato lanterne giapponesi in volo, oppure avvolgenti visioni cosmiche. È proprio questo il fine ultimo perseguito da Whistler, non più deferente a una resa rigorosamente realistica e contingente del mondo esterno, ma già simbolista nel senso che cerca di cogliere con il pennello realtà «altre», più nascoste e autentiche:</ref>If the man who paints only the tree, or flower, or other surface he sees before him were an artist, the king of artists would be the photographer. It is for the artist to do something beyond thislingua=en}}

Prompt: In Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket, how is the Unquadrosimbolista of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (Correggio) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Bambini dell'Olocausto

1946 - Nous continuons!.., regia di M. Bahelfer  1995 - Anna Frank Remembered, regia di Jon Blair  1995 - Children Remember the Holocaust, regia di Mark Gordon  1995 - Lost Childhood: The Story of the Birkenau Boys  1996 - My Knees Were Jumping: Remembering the Kindertransports  1997 - The Lost Children of Berlin, regia di Elizabeth McIntyre  1998 - Voices of the Children, regia di Zuzana Justman  1999 - The Children of Chabannes, regia di Lisa Gossels e Dean Wetherell  1999 - Children of the Night, cortometraggio, regia di Jolanta Dylewska  2000 -  fuga degli angeli - Storie del Kindertransport , documentario, regia di Mark Jonathan Harris  2000 - The Children Who Cheated the Nazis, regia di Sue Read  2002 - The Boys of Buchenwald, regia di Audrey Mehler  2002 - The Power of Good: Nicholas Winton, regia di Matej Mináč  2002 - Secret Lives: Hidden Children and Their Rescuers During WWII, regia di Aviva Slesin  2009 - The Kindertransport Story, regia di Lindsay Hill  2011 - Children of Terezin, regia di Gabriel Bologna  <documentario> 2011 - The Boys of Terezin, regia di Shahab John Sharify  2013 - 50 Children: The Rescue Mission of Mr. And Mrs. Kraus, regia di Steven Pressman  2014 - The Children of the Holocaust  - Documentario prodotto dalla BBC 2015 - Innocence Lost: Stories from Children of the Holocaust, regia di Alex Roberts e Andrew Sherwood  2019 - The st Survivors, episodio della serie televisiva Frontline  2020 - Determined: The Story of Holocaust Survivor Avraham Perlmutter, regia di Keren Perlmutter

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Documentaries and the Victims survivors.Please output in Italian.


section

The Life Electric

Veduta area sulla diga foranea e sulla scultura durante il passaggio di un battelloAlta circa 13,75 metri , The Life Electric ha la forma di due sinusoidi contrapposte. Pesa 29 tonnellate ed è stata realizzata in acciaio e rivestita di acciaio inossidabile.

Prompt: How does Life Electric explain its Description?Please output in Italian.


subsection

San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: Describe the characteristics of the Controversial works in Saint Jerome Writing's Biography.Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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William Tecumseh Sherman

Sherman aveva ora la principale responsabilità della condotta militare per l'intero Kentucky, uno Stato di confine in cui le truppe confederate detenevano il controllo sia di Columbus che di Bowling Green ed erano inoltre presenti anche vicino a Cumberland Gap nel confinante Tennessee.Fu colto improvvisamente da una profonda spossatezza, la tensione accumulata lo portò ad essere eccessivamente pessimista sulle prospettive del suo comando e si lamentò spesso con il Governo federale per la scarsità di uomini ed equipaggiamento, tanto da arrivare a fornire stime esagerate della forza dei ribelli.Cominciarono ad apparire anche rapporti della carta stampata assai critici nei suoi confronti, subito dopo una visita da parte del Segretario alla guerra Simon Cameron effettuata ad ottobre; all'inizio di novembre insistette fino allo stremo delle forze affinché fosse sollevato dall'incarico.Fu prontamente sostituito da Don Carlos Buell e quindi trasferito a Saint Louis. A dicembre, oramai immerso in un vero e proprio disturbo depressivo fu messo in congedo dal generale Henry Halleck, comandante del nuovo Dipartimento del Missouri, che lo considerava inadatto al compimento del dovere affidatogli. Se ne andò così a ncaster nell'Ohio per cercare di recuperare le forze e riprendersi moralmente.Mentre in questo lasso di tempo si trovava a casa, la moglie Ellen scrisse al fratello di lui, il senatore J. Sherman, chiedendo consigli sul da farsi; la donna si lamentò veementemente di "quell'insana malinconia alla quale i membri della vostra famiglia sono soggetti". Sherman in seguito scrisse che le preoccupazioni del comando "mi avevano spezzato i nervi", ed ammise di aver contemplato anche l'idea del suicidio. I suoi problemi risultarono ancor più aggravati quando il Cincinnati Commercial lo descrisse come "affetto da follia".Verso la metà di dicembre si era ristabilito a sufficienza dall'esaurimento nervoso per tornare in servizio. Nel marzo 1862 il comando di Halleck fu ridisegnato nella Divisione militare del Mississippi e ingrandito per unificare il quartier generale dell'intero Teatro Occidentale della guerra. I primi incarichi di Sherman dopo il suo ritorno riguardavano compiti di supporto nelle retrovie, inizialmente la gestione di un campo di addestramento nelle immediate vicinanze di Saint Louis e poco dopo al comando del Distretto di Cairo.Ad un certo punto Halleck suggerì al comandante generale dell'esercito statunitense George McClellan che a Sherman potesse venire affidato il comando di una spedizione sul fiume Cumberland , ma l'allora nuovo segretario alla guerra Edwin McMasters Stanton obiettò dicendo a Lincoln che qualsiasi "spedizione... si rivelerà disastrosa sotto la guida del generale Sherman".Operando dalla propria base situata a Paducah, nel Kentucky, fornì il supporto logistico per le operazioni di Grant volte a scatenare l'offensiva nella battaglia di Fort Donelson. Grant, il precedente comandante del Distretto di Cairo, aveva da poco ottenuto un pieno successo nell'importante battaglia di Fort Henry  e a seguito di ciò gli era stato conferito il comando dell'Armata del Tennessee.Sebbene Sherman fosse tecnicamente l'ufficiale superiore in quel momento, scrisse al vincitore: "mi sento ansioso nei tuoi riguardi, perché so che i confederati hanno concentrato le loro forze attraversando il fiume Tennessee, ma nonostante questo nutro fiducia in te: comandami in qualsiasi modo tu lo ritenga più opportuno".

Prompt: Explain the Antidepressants about the Service  civil  war of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
Armata del Tennessee
Dipartimento del Missouri
Divisione militare del Mississippi
Don Carlos Buell
Edwin McMasters Stanton
Fort Donelson
Henry Halleck
Kentucky