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Polittico del 1476

Per i santi del secondo registro valgono le stesse considerazioni di quelli a tutta figura. Si tratta infatti di figure ancora una volta altamente espressive, in bilico tra un realismo quasi esasperato delle parti anatomiche e l'astratto idealismo del fondo oro e degli oggetti riprodotti come nelle miniature. Tutti hanno tratti somatici individualizzati. Francesco, coi segni evidenti delle stimmate, è smagrito e fervido nell'indirizzare la sua preghiera verso l'alto. Andrea sembra bilanciare con difficoltà il peso della croce e del grosso libro che tiene aperto. Stefano è il più sereno di tutti, nonostante le pietre che gli stanno appoggiate sulla testa e sulle spalle, rivolgendo uno sguardo alle spettatore e reggendo un libro e la palma del martirio. Tommaso d'Aquino mostra la sua opera aperta e regge un modellino della chiesa, che sembra voler offrire a Dio, guardando verso l'alto.

Prompt: Describe the characteristics of the It is in the second register. in 1476 Altarpiece's Description and style.Please output in Italian.


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Gli spaccapietre

Gli spaccapietre  era un dipinto ad olio su tela  realizzato nel 1849 da Gustave Courbet. L'opera, che era conservata nella Gemäldegalerie di Dresda, finì distrutta durante la seconda guerra mondiale.

Prompt: Focus on The Stone Breakers and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ritratto del cardinal Bibbiena

L'opera, sebbene in passato ricordata come proveniente da Urbino, è oggi solitamente identificata come quella vista da Vasari in casa Dovizi a Bibbiena. Nel 1753 è catalogata a Pitti e tra il 1799 e il 1815 fu a Parigi, a causa delle spoliazioni napoleoniche. Già ritenuto copia del Cardinale al Prado, è in realtà un'opera ben diversa, anche se non pienamente autografa di Raffaello: forse il Sanzio intervenne solo nella testa, come sembra confermare la riflettografia. Il cattivo stato di conservazione non permette di farsi un'idea esatta; la striscia inferiore di tela, con parte della manica e le dita della mano, è un'aggiunta successiva.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Cardinal Bibbiena (Raphael).Please output in Italian.


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Ritratto di Jorge Manuel Theotocópuli

Ritratto di Jorge Manuel Theotocópuli è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1597-1603 e creato nel suo periodo toledano; è conservato nel Museo di belle arti di Siviglia in Spagna.

Prompt: Focus on Portrait of Jorge Manuel Theotocópuli and explain the Abstract.Please output in Italian.

1597
1603
El Greco
Jorge Manuel Theotocópuli
Museo di belle arti di Siviglia
Ritratto
Siviglia
Spagna


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna del Magnificat

Non si conoscono le circostanze esatte della commissione della tavola.  ricchezza di allusioni al Battista, patrono di Firenze, ne fa sicuramente un lavoro di ambito fiorentino.  forma circolare era tipica di opere appese nelle anticamere o nelle camere da letto, il che farebbe pensare a un'opera per la devozione privata.Alcuni hanno pensato che l'opera fosse stata commissionata dai Medici, in particolare il numero e la composizione dei personaggi raffigurerebbe la famiglia di Piero de' Medici: la moglie Lucrezia Tornabuoni come Maria, il giovane con il calamaio Lorenzo il Magnifico, accanto a suo fratello Giuliano, dietro sta Maria, mentre le due sorelle maggiori, Bianca a sinistra e Nannina, sorreggono la corona; il bambino in fasce sarebbe la piccola figlia di Lorenzo, Lucrezia.In realtà si tratta solo di ipotesi, perché la prima menzione certa del dipinto risale al 1784, quando Ottavio Magherini lo vendette agli Uffizi.  composizione ebbe un notevole successo e oggi si conoscono almeno cinque dipinti con lo stesso soggetto, replicati da aiutanti di bottega del maestro .

Prompt: In Madonna of the Magnificat, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Carlo V a cavallo

Ritratto di Carlo V a cavallo è un dipinto di Tiziano realizzato nel 1548. È un quadro di straordinario valore storico che esercitò una grande influenza sulla pittura barocca del secolo successivo.

Prompt: In Equestrian Portrait of Charles V, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Romolo e Remo

formazione di un'articolata “leggenda” riguardo alla fondazione di Roma conobbe un decisivo impulso in età augustea. Le ragioni di questo sviluppo sono abbastanza chiare: Roma era ormai diventata il centro politico, economico e culturale di tutto il Mediterraneo e Augusto, nella sua vasta opera di riorganizzazione della compagine statale romana, mirava ovviamente a nobilitarne il passato e a dare così ragioni “culturali” del suo dominio sul mondo. Frutto di questa politica propagandistica e culturale furono in particolare tre opere, ossia l'Eneide di Virgilio , gli Annali  di Tito Livio, e le Antichità romane di Dionisio di Alicarnasso. Questi tre autori concorsero a fornire un resoconto dettagliato e particolareggiato sulla fondazione di Roma, risalendo a tempi molto antichi  e presentando una successione continua e omogenea di fatti per loro “storici” e attestati.

Prompt: Describe the characteristics of the The  literary  and  antiquarian  tradition in Romulus and Remus (Rubens)'s The  legend  in  the  ancient  sources.Please output in Italian.


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Profilo d'uomo

L'attribuzione e la datazione del dipinto sono incerte. Tra i nomi fatti come artefici dell'opera ci sono anche quelli di Cosmè Tura, di Francesco Bonsignori e di altri. L'ipotesi che si tratti di un'opera di Mantegna vede due possibili datazioni: una legata al soggiorno ferrarese , rivelando affinità luministiche con le opere di Rogier van der Weyden che Mantegna aveva forse incontrato  a Ferrara, e una legata all'arrivo del pittore a Mantova , quando gli vennero affidati vari ritratti in qualità di pittore di corte.L'abito e il copricapo del personaggio fanno pensare a un magistrato veneziano o un giureconsulto, o in ogni caso un uomo di alto lignaggio.

Prompt: Explain the History of this artwork, Profile of a Man (Mantegna).Please output in Italian.

Cosmè Tura
Ferrara
Francesco Bonsignori
Mantova
Rogier van der Weyden


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L'incoronazione di Napoleone

Il lavoro viene ordinato oralmente da Napoleone nel settembre 1804 a David il quale iniziò i lavori il 21 dicembre 1805 nella cappella del College de Cluny, vicino all'attuale Sorbona, che fungeva da suo laboratorio. Assistito dal suo allievo Georges Rouget, pone gli ultimi ritocchi nel novembre 1807 e dal 7 febbraio al 21 marzo 1808, l'opera viene esposta presso il salone annuale di pittura; la tela, ad ogni modo, rimase sino al 1819 di proprietà di David, data nella quale l'opera venne trasferita al Louvre dove rimane nei magazzini sino al 1837 per espressa volontà di Luigi XVIII e Carlo X di Francia. Per ordine del nuovo sovrano Luigi Filippo, il quadro viene spedito al museo del palazzo di Versailles dove rimane sino al 1889 quando l'opera viene nuovamente inviata al museo del Louvre.

Prompt: In The Coronation of Napoleon, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna dell'Impannata

Vasari riportò come l'opera fosse stata dipinta per Bindo Altoviti, sequestrata poi da Cosimo I de' Medici. Durante l'occupazione napoleonica fu portata a Parigi nel 1799 e restituita nel 1815.Sebbene il complesso schema sia sicuramente frutto di un'idea di Raffaello, la stesura è quasi interamente attribuita agli allievi: forse il Sanzio dipinse solo la figura di Gesù e la testa di Elisabetta. tavola presente sull'altare della cappella dell'appartamento di papa Leone X in palazzo Vecchio è copia cinquecentesca della "Madonna dell'impannata". Citata dal Vasari nella prima edizione delle Vite  quando ancora si trovava nella casa fiorentina del banchiere Bindo Altoviti, la "Madonna dell'impannata" è ricordata già nella seconda edizione delle Vite  sull'altare della cappella del quartiere di papa Leone X in Palazzo Vecchio, come posta fra le due tavole vasariane con i santi Cosma e Damiano. Il 3 luglio 1588, quando le sale furono aperte per le nozze di Lucrezia de' Medici con Alfonso II d'Este, risulta anche dagli inventari ducali. Il quadro era passato nelle collezioni medicee in seguito all'esproprio del patrimonio degli Altoviti che avevano ricevuto in dono da Cosimo I al marchese di Marignano, artefice della vittoria medicea del 2 agosto 1554 a Scannagallo in Val di Chiana  durante la guerra di Siena .  tavola nel 1589 è documentata nella Tribuna degli Uffizi. Sull'altare della cappella del quartiere di papa Leone X fu una copia di buona qualità il cui autore rimane anonimo, questa, fu commissionata durante il principato di Ferdinando I, contemporaneamente allo spostamento dell'originale a Pitti.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna dell'Impannata.Please output in Italian.

1799
1815
Alfonso II d'Este
Bindo Altoviti
Cosimo I de' Medici
Palazzo Vecchio
Parigi
Val di Chiana


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Autoritratto con l'orecchio bendato

Alla fine del 1888 la convivenza di Van Gogh e Gauguin finì in tragedia. Dopo un progressivo e inesorabile deterioramento dei rapporti con l'amico il 23 dicembre 1888 Vincent si amputò il lobo dell'orecchio sinistro con un rasoio. Lo consegnò poi, secondo la versione più comunemente accettata, ad una prostituta di nome Rachel o, secondo una recente altra ipotesi, a una cameriera diciannovenne il cui nome era Gabrielle. Dopo due settimane di degenza in ospedale, van Gogh si ritrasse numerose volte con l'orecchio fasciato. Questo Autoritratto con l'orecchio bendato, inizialmente posseduto da van Gogh, pervenne in circostanze non chiare a Julien père Tanguy, titolare di un negozietto di colori a Parigi che accettava in forma di pagamento i quadri offertigli dal pittore, quando ancora nessun mercante d'arte gli dava credito. Dopo esser stato esposto in due mostre d'arte tenutesi a Parigi nel 1901 e nel 1905 l'autoritratto fu acquistato nel 1928.NellAutoritratto con l'orecchio bendato predominano i colori freddi, che danno una nota ancor più malinconica al dipinto, accentuata dall'utilizzo di pennellate accidentate, che indugiano su ogni osso. Il volto dell'artista è invero smunto e ossuto, con la carnagione definita da un giallo cereo, ed il suo sguardo abbattuto e perso nel vuoto sembra quasi affondare in mondi immaginari dove egli può eludere dall'etichetta di «folle» che la società gli ha imposto. Il cappotto abbottonato e il cappello, indossati anche in casa, sembrano alludere all'assenza di un impianto di riscaldamento, che forse, per le condizioni economiche sempre precarie, l'artista non poteva permettersi: ma non va tuttavia dimenticato anche il significato più profondo di riparo da un mondo ormai ritenuto nemico dall'artista.Sulla parete verde alle sue spalle si notano un cavalletto recante una tela appena abbozzata ed una stampa giapponese : questa stampa, nonostante i suoi gioiosi colori e l'equilibrio cromatico con la vistosa fascia bianca applicata sulla ferita di Vincent , non riesce tuttavia a trasmettere la stessa gioia e l'armonia che straripavano nell'analogo Ritratto di père Tanguy, di un anno e mezzo prima e simile nella composizione. Questo ritratto conferma che l'esperienza con Gauguin era stata veramente estrema per Van Gogh, che trascorrerà il suo ultimo anno e mezzo di vita in una solitudine in parte volontaria, in parte forzata.

Prompt: How does Self-Portrait with Bandaged Ear explain its Description?Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Non ci sono documenti certi che attestino il momento puntuale in cui avvennero la commissione e l'esecuzione dell'opera: tuttavia, dalle informazioni giunte sino ai giorni moderni, è possibile delineare un quadro d'insieme in cui queste possano essere state definite.Tiziano fu chiamato in terra emiliana per la prima volta al servizio della famiglia Farnese intorno al 1543, dove gli fu commissionato dal cardinale Alessandro il Giovane, suo diretto interlocutore, il Ritratto di papa Paolo III. Successivamente, riscosso il dovuto successo per l'opera realizzata, il maestro veneziano fu chiamato nel 1545 a Roma, dove soggiornò alcuni mesi, dalla stessa casa pontificia per ulteriori commesse, tra cui per l'appunto anche il Ritratto del papa con i nipoti.Seppur il dipinto non fu completato da Tiziano, rimanendo privo di cornice e senza l'ultimo passaggio di colore da stendere sulla tela, Giorgio Vasari, nel suo celebre Le vite, sostiene che il ritratto del papa Paolo III era così apprezzato che molte persone nel passargli davanti si prostravano, credendolo il papa in persona.Sin dal principio la tela non riscosse particolare successo negli ambienti romani, causa probabilmente anche la figura di Ottavio, presente nella scena, che era poco stimata dalla famiglia Farnese: dopo aver tentato persino di uccidere il proprio padre, egli si imparenterà con la famiglia di Carlo V, i cui rapporti diplomatici con i Farnese non erano lodevoli, sposandone la figlia Margherita d'Austria. Tra le poche figure che ne apprezzarono la stesura si registra Antoon van Dyck che ebbe modo di vederla intorno agli anni venti e che la copierà facendone un disegno oggi conservato al British Museum di Londra. Nella metà del XVII secolo il quadro, assieme a quelli più prestigiosi presenti nel palazzo Farnese di Roma, viene trasferito nelle dimore di famiglia del ducato di Parma e Piacenza, prima nel palazzo del Giardino e poi in quello della Pilotta. In Emilia il dipinto perde l'identificazione dei personaggi ritratti, scambiando la figura di Ottavio con quella di Pier Luigi Farnese.Estinta la dinastia maschile dei duchi Farnese, il dipinto fu trasferito intorno al 1734 assieme a tutta la collezione Farnese, ereditata dapprima da Elisabetta Farnese e poi subito dopo dal figlio Carlo di Borbone, a Napoli, trovando ampi consensi e apprezzamenti dagli storici del tempo, come Charles de Brosses, Johann Joachim Winckelmann, il marchese de Sade e Tommaso Puccini. Durante il decennio francese la tela fu trasferita per motivi di sicurezza in Sicilia da Ferdinando di Borbone, dov'era anch'egli in fuga, assieme alla Danae, alla Maddalena penitente e al Ritratto di Paolo III, tutte e tre sempre di Tiziano, per poi fare ritorno definitivo a Napoli nel 1815, in occasione della restaurazione borbonica.

Prompt: Explain the History of this artwork, Pope Paul III and His Grandsons.Please output in Italian.

Antoon van Dyck
British Museum
Charles de Brosses
Elisabetta Farnese
Farnese
Giorgio Vasari
Johann Joachim Winckelmann
Londra
Margherita d'Austria
Napoli
Pier Luigi Farnese
Ritratto di Paolo III
Roma
Sicilia
Tommaso Puccini


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La chiesa di Auvers

chiesa di Auvers è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Church at Auvers.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

I generali di Bonaparte che presero parte alla campagna d'Egitto non fecero mai menzione dell'avvenimento né della visita del Bonaparte al lazzaretto. Il medico Desgenettes indica invece il fatto che il Bonaparte aiutò direttamente nel trasporto dei malati.

Prompt: In the context of Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa, explain the Historical reality of the event and the Creation  of  the  work.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Diversification birth main branches of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Musica

Arrangiamento Battiti per minuto Canto Cadenza Genere musicale Glossario musicale Melodia Musica da camera Musica strumentale Musica dei nativi americani Musicologia Musicista Intervallo  Notazione musicale Note musicali Ottava  Pentagramma  Pausa  Registro  Registrazione sonora Suono Setticlavio Storia della musica Strumento musicale Teoria musicale Tempo  Tonalità

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait environment autonomy of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

, Richard Thomson, « Un naturalisme d’émotivité, 1881-1891 »isbn = 978-2-7118-5687-9

Prompt: In the context of Haystacks (Monet series), explain the Catalogs and the Interpretation.Please output in Italian.


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San Michele e il drago

L'opera si trova citata per la prima volta in un sonetto del Lomazzo assieme al San Giorgio e il drago nello stesso museo, il che ha fatto pensare che le due opere formassero una sorta di dittico, anche per le analogie nelle misure e nel soggetto. Sempre secondo il Lomazzo l'opera era stata ceduta da un milanese ad Ascanio Sforza, conte di Piacenza. Passata in seguito nelle collezioni del cardinale Mazzarino, finì nelle raccolte reali di Luigi XIV, che sono poi confluite nel Louvre. data è stata piuttosto dibattuta tra gli studiosi, con oscillazioni tra il 1500 e il 1505. Quest'ultima data, già avanzata da Brizio e Camesasca, legherebbe l'opera ai lavori fatti per i duchi di Urbino in quell'anno, in particolare per Guidobaldo da Montefeltro e i suoi cortigiani, venendo confermata anche da dati stilistici, come il gusto fiammingo nei paesaggi e nel mostro, che ricorda Bosch.

Prompt: Focus on Saint Michael (Raphael) and explain the History.Please output in Italian.

1505
Guidobaldo da Montefeltro
Piacenza
Urbino


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San Girolamo Contini Bonacossi

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, St. Jerome in the Desert (Bellini, Florence).Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Focus on Crucifixion (Tintoretto) and explain the Historical crucifixions.Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Madonna dei Palafrenieri

tela raffigura l'Immacolata Concezione secondo il passo del Genesi : Io porrò inimicizia fra te e la donna, tra la tua stirpe e la sua stirpe: questa ti schiaccerà la testa e tu le insidierai il calcagno. Tre personaggi sono presenti: la Madonna, Gesù bambino e sant'Anna. I primi due personaggi appaiono molto più dinamici rispetto a sant'Anna.  santa segue solo con lo sguardo l'azione e sembra una "enorme bronzea figura". C'è un ottimo gioco di volumi e un'armonia di solidi a contrasto  che conferiscono un’estrema verosimiglianza al dipinto. Infine, la luce gioca un ruolo fondamentale nel dipinto: una proviene da sinistra ed ha il ruolo di formare le immagini ed il volume, l'altra proviene dall'alto e potrebbe simboleggiare, secondo il Brandi, il lume della Grazia divina. Per rappresentare il serpente, le cui spire ricordano il serpente di bronzo sulla colonna in Sant'Ambrogio a Milano, il pittore si è evidentemente ispirato a un cervone.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri) and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna del Latte e un angelo

Il dipinto deve il suo fascino all'estrema “grazia” e naturalezza con cui tratta un tema altrimenti banale, quale l'incontro fra il Bambino e un piccolo angelo che gli porge un ramo di bacche rosse, allusione alla Passione futura. L'immagine è costruita secondo una seducente diagonale che è marcata dal braccio sinistro del Bambino. Il movimento estremamente naturale di quest'ultimo, che pare quasi scivolare sulle ginocchia della madre, ricorda la Madonna della Cesta con cui condivide un'analoga freschezza narrativa e la sottile capacità di descrivere il rapporto affettuoso fra la giovanissima Vergine e il Bambino. Per altri versi l'opera si avvicina alla Madonna di Casalmaggiore rappresentando forse un prodotto successivo nella riflessione su temi affini in piccolo formato. beatitudine della luce, la tenerezza degli incarnati, i sorrisi, la soffusione dorata dei capelli, la musicalissima fluenza dei panni, rendono gaudiosa questa scena di intimità familiare ma non nascondono il conflitto sacro che contiene. Correggio riuscì a figurare ciò che è divino attraverso una toccante umanità, con l'attitudine della Vergine e la stupenda infantilità dei due bambini.

Prompt: In Nursing Madonna with an Angel, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Madonna della Cesta
Madonna di Casalmaggiore


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Monumento funebre di Gaspare Brunelli

Il monumento funebre di Gaspare Brunelli è un complesso scultoreo in marmo parzialmente dipinto e dorato di Gasparo Cairano, databile al 1500 e conservato nella chiesa di San Francesco d'Assisi a Brescia, nella cappella del Sacro Cuore.

Prompt: In Tomb of Gaspare Brunelli, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giustizia

Giustizia originale: lo stato in cui Dio mise l'uomo quando fu creato e da cui è decaduto con il peccato. Giustizia divina: per la volontà divina i suoi rapporti con le creature sono conformi alla loro natura e alla giusta relazione con il Creatore. Signore della giustizia: è Dio. Sole della giustizia: è un attributo di Cristo Salvatore in quanto apportatore di giustificazione, cioè della trasformazione dell'anima dallo stato di peccato allo stato di grazia.

Prompt: Explain the Theological definitions about the In philosophy of this artwork, Justice (Titian).Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pellegrinaggio mariano di Neviges, Germania Santuario di Nostra Signora di Lourdes, Francia

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Pilgrimages and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Nostra Signora di Lourdes
Lourdes
Nostra Signora di Lourdes
Pellegrinaggio mariano di Neviges
Santuario di Nostra Signora di Lourdes


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Il dettato

verticaleleft versione del 1890, senza maestraDel dipinto Cosola ha realizzato altre due versioni, entrambe olio su tela: la prima, datata 1890, non vede la presenza della maestra; la seconda, intitolata All'asilo, vede al posto della maestra una suora.

Prompt: In The Dictation Lesson, how is the Other versions discussed?Please output in Italian.


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Paesaggio nei pressi di Beauvais

Il Paesaggio nei pressi di Beauvais  è un dipinto a olio su tela dipinto intorno al 1740 da François Boucher e conservato al museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: In Landscape near Beauvais, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Beauvais
François Boucher
San Pietroburgo


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San Michele sconfigge gli angeli ribelli

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Fall of the Rebel Angels (Giordano).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the The influence of photography and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Conseguenze della guerra

Capolavoro tardo del maestro Fiammingo, le Conseguenze della guerra spicca per lo straordinario dinamismo, la complessità delle pose delle figure e la fluidità della pennellata, in cui si leggono chiari omaggi alla pittura italiana del Rinascimento, a partire da Tiziano.Illuminante è il giudizio estetico di Charles-Nicolas Cochin, del 1796: «il dipinto è molto poetico nella composizione e pieno di bella vivacità. Il colore è ammirevole, così come la pennellata, la testa della donna è di grande bellezza e così le luci e l'effetto d'insieme è molto vivace per il contrasto di luci e di ombre. È un dipinto fondamentale che presenta soltanto qualche scorrettezza di disegno soprattutto nelle gambe della donna che sembrano troppo attorcigliate».

Prompt: Explain the Style of this artwork, Consequences of War.Please output in Italian.


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: How does Christ on the Cross (Zurbarán) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: How does Self-Portrait (Bril) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna del Divino amore

tavola è identificata con quella citata da Vasari per Leonello Pio da Carpi, signore di Meldola. Fu in seguito acquistata da Alessandro Farnese il Giovane nel 1564.Si trova oggi nella collezione Farnese del Museo di Capodimonte, Napoli. datazione, basata su caratteri stilistici, è legata al confronto con numerose Sacre Famiglie simili di quegli anni, con i santi Giovannino ed Elisabetta, come la Piccola Sacra Famiglia,  Perla, ecc.Il nome con cui la tavola è oggi conosciuta risale solo al 1824 e deriva dal titolo della litografia di Friedrich Rehberg, pubblicata nel suo Rafael Sanzio aus Urbino . Ripreso dal Longhena nella traduzione italiana della monografia di Quatremère de Quincy, il titolo di Madonna del Divino amore si è quindi imposto nella pubblicistica, benché il modello iconografico del dipinto sia indubbiamente quello del gruppo "Sacra Famiglia con santa Elisabetta e san Giovannino", e in nessun modo quello della Ierusalìmskaja .Dopo studi e analisi  dell'opera effettuati nel 2015, l'attribuzione del dipinto si è dimostrata essere certa del Sanzio.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna of Divine Love.Please output in Italian.

1564
Alessandro Farnese il Giovane
Friedrich Rehberg
Leonello Pio da Carpi
Meldola
Napoli
Piccola Sacra Famiglia


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Cento vedute famose di Edo

In Giappone, le Cento di vedute famose di Edo ottennero un importante successo, come testimoniano le innumerevoli reimpressioni effettuate dall'editore, spesso di assai minore qualità rispetto ai primi tiraggi. Quattro artisti copiarono o imitarono la serie, ma senza grandi risultati: Hiroshige II, Utagawa Hirokage, Shōsai Ikkei et Kobayashi Kiyochika. Dopo i paesaggi monumentali e analitici di Hokusai e le vedute liriche di Hisohige all'inizio della sua carriera, le Cento vedute illustrano l'ultimo stadio della stampa paesaggistica in Giappone, caratterizzato da un approccio simbolico, intimo ed emotivo. Le scene di Parigi di Henri Rivière o Pierre Bonnard riprendono idee o costruzioni geometriche dalle Cento veduto di Edo. Furono essenzialmente le composizioni audaci che oppongono primo piano e fondo a ispirare gli artisti francesi, in primo luogo le Les Trente-six Vues de la Tour Eiffel di Henri Rivière, ma anche Georges Seurat, Toulouse-utrec o Édouard Vuillard. Claude Monet s'interessò all'opera di Hiroshige, traendo ispirazione dalla stampa 65, All'interno del santuario Kameido Tenjin, per il suo Stagno delle ninfee, armonia verde del 1899; alla stessa stampa, per il trattamento dei giardini e degli specchi d'acqua, si ispirò anche Paul Cézanne nel realizzare Il ponte di Maincy. Camille Pissarro ebbe a dire di Hiroshige:Vincent van Gogh era molto colpito da queste stampe e ne realizzò delle copie mentre soggiornava a Parigi nel 1887: Giapponeseria: Ponte sotto la pioggia che è tratto dal Acquazzone sul ponte Shin-Ōhashi ad Atake , e Giapponeseria: pruno in fiore, una copia del Giardino dei pruni di Kameido ; tuttavia, egli faticò a riprodurre la sensibilità e le tematiche espresse dall'artista giapponese. Nel 1887, Van Gogh cercò di ridefinire la sua arte e queste copie mostrano il suo interesse per l'uso decorativo e non più solo descrittivo dei colori e delle linee, come un cielo rosso in un paesaggio. Van Gogh, nel 1888 ad Arles, scrisse, circa i colori della Provenza, che "si vede con un occhio più giapponese, si sente diversamente il colore".L'impressionista americano Theodore Robinson elogiò i Fuochi d'artificio sul ponte Ryōgoku . Anche la Fabbrica imperiale di Porcellana di San Pietroburgo riprese l'aquila che plana dall'alto della stampa 107, Fukagawa Susaki e Jūmantsubo, sopra una porcellana del 1913, a testimonianza della circolazione dei motivi giapponesi in tutto l'Occidente.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Fortune of the work discussed?Please output in Italian.

1887
1888
1899
1913
Arles
Camille Pissarro
Claude Monet
Fuochi d'artificio
Georges Seurat
Giappone
Henri Rivière
Hiroshige II
Il ponte di Maincy
Kobayashi Kiyochika
Paul Cézanne
Pierre Bonnard
Porcellana di San Pietroburgo
Provenza
San Pietroburgo
Theodore Robinson
Utagawa Hirokage
Hiroshige II
Vincent van Gogh
Édouard Vuillard


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Describe the characteristics of the Apocryphal  Gospels in Annunciation (Fra Angelico, Madrid)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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William Tecumseh Sherman

Lo stemma del "13th Infantry Regiment".Era già stato nominato colonnello e assegnato al 13º reggimento fanteria, effettivo dal 14 maggio; si trattava in realtà di un reggimento nuovo e ancora da formare e il primo comando fu quello di una brigata di volontari arruolati per tre mesi: il massimo periodo di tempo che ci si attendeva dovesse durare il conflitto.Alla sua testa, fu uno dei pochi ufficiali dell'Unione capace di distinguersi nella prima battaglia di Bull Run avvenuta il 21 luglio, dove venne ferito lievemente dalle pallottole al ginocchio e a una spalla; la disastrosa sconfitta lo portò a mettere in discussione sia le proprie capacità come ufficiale sia il grado di preparazione delle truppe.Il presidente Lincoln tuttavia lo promosse a brigadier generale  dei volontari, effettivo dal giorno 17 maggio, con anzianità di grado rispetto a Ulysses S. Grant, il suo futuro comandante; fu assegnato al "Dipartimento di Cumberland" a Louisville nel Kentucky sotto la guida di Robert Anderson, e a ottobre dello stesso anno gli succedette al comando.Pensò che il suo nuovo incarico contraddicesse la promessa fattagli da Lincoln di non ricevere troppo presto una posizione così importante e impegnativa.

Prompt: Describe the characteristics of the FirstbattleBullRun in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: Focus on Ecce Homo (Mantegna) and explain the Answer..Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra le sante Maria Maddalena e Orsola

L'opera, in stretta relazione con una Sacra conversazione nelle Gallerie dell'Accademia, fa parte di un gruppo di dipinti che testimonia il notevole successo di questo tipo di composizioni, con molte repliche in gran parte dovute alla bottega o solo parzialmente autografe, tra cui spiccano le sacre conversazioni di Urbino e della Pierpoint Morgan Library di New York.Le figure sono rappresentate in primo piano a mezzo busto. Al centro si trova Maria col Bambino sulle ginocchia, assisa su un trono del quale si vede solo il drappo sullo schienale. Ai lati si trovano le sante Maria Maddalena e Orsola.L'opera ha una luce calda che cade di lato, avanzando morbidamente sulle vesti e sugli incarnati delle sante, in un'atmosfera silente e assorta, evidenziata dall'innovativo sfondo scuro, che qui mostra ancora qualche connotazione, a differenza della tavola veneziana.  composizione è simmetrica, come in tutte le sacre conversazioni di Giovanni, e lo sviluppo della profondità è suggerito solo dalle posizioni in tralice delle due sante, che creano una sorta di ali diagonali direzionate sul gruppo sacro centrale.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Mary Magdalene and Saint Ursula and explain the Description and style.Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Maria Maddalena
New York
Urbino


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Ritratto di fra' Teodoro da Urbino

Il Ritratto di fra' Teodoro da Urbino è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Giovanni Bellini, datato al 1515 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Fra Teodoro of Urbino as Saint Dominic.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-portrait distinctive professional sign and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Nel 1998, Ramon K. Jusino ha proposto una teoria senza precedenti secondo cui il "discepolo amato" del Vangelo di Giovanni è Maria Maddalena. Jusino ha basato la sua argomentazione in gran parte sui libri gnostici di Nag Hammadi, rifiutando il punto di vista di Raymond E. Brown secondo cui questi libri erano sviluppi successivi, e sostenendo invece che il Vangelo esistente di Giovanni è il risultato della modifica di un testo precedente che presentava Maria Maddalena come il discepolo amato. Tale opinione non ha avuto particolare successo tra gli studiosi, che continuano a considerare i vangeli gnostici come testi successivi e, pertanto, non affidabili.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the Author of the Fourth Gospel, the "Gospel according to John"? and the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.


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Cristo con l'animula della Madonna

Il soggetto della Morte della Vergine era spesso accompagnato da un'esplicita rappresentazione della sua ascensione spirituale e assunzione in cielo, talvolta rappresentata come figura intera, altre come anima. Per definire il carattere puro e spirituale dell'anima si sceglieva spesso di dipingerla come una bambina, accompagnata da Cristo nel regno dei cieli. In questo caso l'anima è rappresentata come una statuetta chiara, che Cristo tiene in mano mentre ascende in una mandorla di nuvole accompagnato da cherubini.Alla base della nuvola si intravedono i profili degli archi che originariamente costituivano l'intelaiatura architettonica della pala e che hanno permesso la ricostruzione.

Prompt: In Christ Bearing the Soul of the Virgin, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: In Portrait of a Young Man (Rosso Fiorentino), how is the Subject of the Description explained?Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Busto di Carlo Magno

Secondo la tradizione, il busto di Carlo Magno è considerato una donazione di Carlo IV, che il 25 Luglio 1349 fu incoronato re nella cattedrale di Aquisgrana. Sebbene questa donazione non sia menzionata in alcun documento, è da considerarsi del tutto verosimile, in ragione della sua profonda ammirazione per Carlo Magno. Il reliquiario veniva portato in processione e portato al re in arrivo alle incoronazioni, che in questo modo era ricevuto spiritualmente da Carlo Magno come suo legittimo successore e, come nuovo sovrano, si poneva in adorazione della reliquia del suo antenato.Secondo alcune ricerche storiche, è verosimile che Carlo IV sia stato incoronato con la corona oggi montata sul busto, dato che all'epoca della sua incoronazione la corona imperiale era in possesso del suo rivale Ludovico il Bavaro. È quindi possibile che l'arco centrale con la croce sia stato aggiunto in occasione della sua incoronazione. Anche Sigismondo di Lussemburgo fu incoronato nel 1414 con la corona del busto.Ancora oggi, il busto di Carlo Magno trova ampio uso liturgico nel Karlsfest e nella festa dell'Ascensione, eventi in cui il busto è posto nella cattedrale. Tradizionalmente, questo avviene durante quest'ultima festività in vista dell'assegnazione annuale del Premio Internazionale Carlo Magno ad Aquisgrana, che onora personalità di spicco che hanno dato un contributo alla promozione dell'integrazione europea.Il busto è un motivo popolare che è stato utilizzato più e più volte in relazione a Carlo Magno. Grazie al suo valore di riconoscimento per la città di Aquisgrana e al suo alto significato ideologico e storico artistico, funge in forma stilizzata come elemento centrale nello stemma della Fondazione Premio Carlo Magno.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bust of Charlemagne.Please output in Italian.

Aquisgrana
Carlo Magno
Ludovico il Bavaro
Premio Carlo Magno
Sigismondo di Lussemburgo


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Jacopo de' Barbari

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

Prompt: Describe the characteristics of the Dating works in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.

British Museum
Cleopatra
Germania
Hartmann Schedel
Italia


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Il dipinto è un ritratto alla francese di grandi dimensioni, rappresentante Napoleone a grandezza naturale, in piedi. Porta l'uniforme da ufficiale dei granatieri a piedi, blu foderata di bianco con le maniche rosse, con un gilet bianco, decorato delle decorazioni imperiali della Legion d'onore e dell'Ordine della Corona ferrea oltre a due spalline dorate. Indossa una culotte alla francese di colore bianco, oltre a due scarpe nere con fibbie oro.  figura è presentata di tre quarti, con una gamba posta in avanti, il viso rivolto verso lo spettatore, la mano destra nascosta sotto il gilet. Tra i mobili presenti nello studio si riconosce una sedia con una spada appoggiata.  scrivania è di stile imperiale, coi piedi scolpiti a rappresentare la testa di un leone. Tra le sue carte si trova uno scritto dove si legge la parola "CODE" in riferimento appunto al codice legislativo napoleonico. Il pavimento è ricoperto da un tappeto verde sul quale si trovano altri fogli arrotolati, sul primo dei quali si legge la firma del pittore LVD DAVID OPVS 1812. In secondo piano si trova un grande pendolo che indica le quattro e dieci. seconda versione differisce per l'uniforme che è appunto quella dei cacciatori a cavallo della guardia e per l'orologio che segna le quattro precise.

Prompt: In The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Legion d'onore
Ordine della Corona ferrea


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Suonatore di liuto

Giovanni Baglione, Le vite de' pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a' tempi di Papa Urbano Ottavo nel 1642, Roma: Stamperia d'Andrea Fei, 1642. Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio e l'esperienza delle "cose naturali", Torino: Bollati Boringhieri, 1992. Keith Christiansen, "Some observations on the relationship between Caravaggio's two treatments of the 'Lute-player'", in The Burlington Magazine, 132 , pp. 21–26. Keith Christiansen, Caravaggio, New York, Metropolitan Museum, 2000 R. Julian, Caravage, Paris, 1961 Christoph Luitpold Frommel, "Caravaggios Frühwerk und der Kardinal Francesco Maria del Monte", in Storia dell'Arte, 9/10 , pp. 5–52. Denis Mahon, "The singing 'Lute-player' by Caravaggio from the Barberini collection, painted for cardinal Del Monte, The Burlington magazine, 132 , pp. 5-20. Memorie dei pittori messinesi, Messina: presso Giuseppe Pappalardo, 1821. Franca Trincheri Camiz, "The castrato Singer: from informal to formal portraiture", Artibus et historiae, vol. IX, 18 , pp. 171–186.  Franca Trinchieri Camiz, " 'Musica' nei quadri del Caravaggio", in Caravaggio: nuove riflessioni, Quaderni di Palazzo Venezia, 6 , Roma: Palombini, 1989, pp. 199–220. Franca Trinchieri Camiz, "Music and Painting by Caravaggio's in Cardinal del Monte's Household", in Metropolitan Museum journal, 26 , pp. 213–226. Karin Wolfe, "Caravaggio: another 'Lute player'", in The Burlington Magazine, 127 , pp. 451–452 Sybille Ebert-Shiffer, Caravaggio dilettante di musica? in AA. VV.  musica al tempo di Caravaggio, a c. di Stefania Macioce ed Enrico de Pascale, Roma, Gangemi, 2010, pp.29-40 K. Hermann- Fiore, Il suonatore di Liuto, in www.Pierreci,com/album/caravaggio/2010 A. Moir, Caravaggio, New York, 1982 Maurizio Marini, Caravaggio pictor praestantissimus, Roma, Newton Compton, ed. 2005 A. Czbor, Autoritratti del giovane Caravaggio in Acta Historiae Artium Acadamiae Scientiarum Hungaricae, II, 1955, pp. 201-213 Mina Gregori, Caravaggio, Bergamo, 1994 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1991 Giacomo Berra, il musico" augellin", in  musica al tempo di Caravaggio, cit., pp. 41-74

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Atleta di Fano

Le dimensioni della statua sono in altezza  151,5 cm, in larghezza 70,0 cm e in profondità 28,0 cm. Quindi le dimensioni erano proporzionate al vero.Il giovane atleta è rappresentato in nudità eroica.  statua si presenta con la base mancante sino all'altezza delle caviglie, forse i piedi si sono staccati nel momento in cui la statua si è impigliata nella rete del peschereccio che ne ha effettuato il recupero, ma non è escluso che la rottura sia da ricondurre in età antica al momento del naufragio della nave che trasportava l'opera verso occidente. Gli occhi, mancanti, furono probabilmente realizzati separatamente in pietra colorata o pasta vitrea e inseriti a fusione ultimata, mentre i capezzoli sono in rame.Anche se la parte inferiore ai polpacci è mancante, dalla postura della statua si deduce che il piede ponderale, quello su cui la statua scarica il peso, è il destro. scultura avrebbe potuto far parte di un gruppo scultoreo-celebrativo di alcuni atleti vittoriosi, posto in un santuario greco-panellenico come a Delfi o Olimpia. ; .L'ipotesi dell'appartenenza della statua a un gruppo è stata avanzata anche da Antonietta Viacava che, evidenziando la minore elaborazione del lato sinistro della statua, ha immaginato la presenza di una seconda figura: un giudice, che avrebbe incoronato il giovane secondo un'iconografia diffusa, mentre quest'ultimo con la mano destra avrebbe potuto semplicemente indicare la corona o accingersi a sistemarla. Riproposizioni più tarde del tipo  mostrano anche la presenza del ramo di palma nella mano sinistra dell'atleta, attributo del quale resta traccia nell'incavo interno del braccio. Ancora a Viacava si deve l'ipotesi dell'identificazione del giovane con Seleuco Nicatore, ipotesi che concorda con una datazione al 340 a.C. e con la forte caratterizzazione del volto.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Victorious Youth.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (Giorgione)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Flora (Melzi)

Flora appare sulla copertina dell'album Gli amori son finestre, pubblicato nel 2009 da Mango.

Prompt: In Flora (Francesco Melzi), how is the In mass culture discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Gelosia

Si distingue una gelosia infantile , ad esempio la gelosia per il nuovo fratellino , e una gelosia adulta o "sessuale". Secondo Sigmund Freud il sentimento della gelosia non è rivolto solo alla persona che si teme di perdere, ma ad una terza persona, quella verso cui si sente rivalità.Esiste anche una gelosia che riguarda il passato sentimentale e sessuale del partner che prende il nome di gelosia retroattiva.

Prompt: In Jealousy (Munch), how is the Typical people involved of the Theories explained?Please output in Italian.


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Pala dei Decemviri

Pala dei Decemviri è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1495-1496 e conservata nel Pinacoteca Vaticana a Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Decemviri Altarpiece.Please output in Italian.


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Democrito

Democrito fu anche un pioniere nei campi della matematica e della geometria. Scrisse molte opere di matematica e geometria, nessuna delle quali è giunta fino a noi; si conoscono solo i titoli di alcune delle sue opere  citati in altre opere, dal momento che nessuna delle sue opere sopravvisse al Medioevo.Secondo Archimede, Democrito fu tra i primi a osservare che un cono o una piramide con le stesse area di base e altezza hanno un volume pari a un terzo del volume rispettivamente di un cilindro o di un prisma. Democrito non ne fornì una dimostrazione  ma si limitò ad asserirne la veridicità.Inoltre in un noto passo, Plutarco  riporta che Democrito si sarebbe posto la seguente questione: la superficie data dall'intersezione di un cono con un piano parallelo alla sua base può essere uguale oppure diversa dalla superficie della base del cono. Se le due superfici sono uguali, il cono è in realtà un cilindro, mentre se sono diverse il cono è in realtà un cono circolare a gradini .  questione posta da Democrito viene risolta sulla base di considerazioni di infinitesimi, e pertanto, sulla base di quanto riportato da Plutarco, è stato ipotizzato che Democrito fosse un precursore del concetto di infinitesimo e del calcolo integrale.

Prompt: Explain the Mathematics about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Giovane di Mozia

statua è stata esposta a Venezia, a palazzo Grassi, nel 1988 per la mostra "I Fenici" e nel 1996 per la mostra "I Greci in Occidente".Nel 2012 la statua è stata alle Olimpiadi di Londra, in mostra presso il British Museum di Londra, e poi al Getty Museum di Los Angeles. Il 18 gennaio 2014 la statua è stata riportata nella sua sede originaria, a Mozia.

Prompt: Explain the Exhibitions of this artwork, Motya Charioteer.Please output in Italian.


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Caccia al leone

Fin dai suoi primordi, l'uomo ha sempre avuto una stretta relazione con i grandi felini: sono stati ritrovati resti fossili di ominidi con evidenti segni circolari sul cranio, segni che corrispondevano perfettamente alle zanne del leopardo che, con tutta probabilità, era il più accanito predatore degli antichi ominidi.  caccia ai grandi felini era dunque un'azione necessaria per l'autodifesa; nulla toglie comunque al fatto che probabilmente, in tempi di magra, gli uomini uccidessero questi animali per cibarsene, o che il fatto di riuscire a cacciarli con successo aumentasse il prestigio sociale del cacciatore, in quanto si trattavano comunque di belve temibili e pericolose.

Prompt: Describe the characteristics of the Stone Age in The Lion Hunt (Delacroix)'s History.Please output in Italian.


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: Explain the The popular song about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Tondo Pitti

Prompt: How does Pitti Tondo explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Pia de' Tolomei

Umberto Bosco e Giovanni Reggio,  Divina Commedia - Purgatorio, Le monnier, 1988

Prompt: How does Pia de' Tolomei (Rossetti) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Divina Commedia
Purgatorio
Umberto Bosco


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Giochi di bambini

L'opera, citata da van Mander nel 1604, venne acquistata nel 1594 dall'arciduca Ernesto d'Asburgo. Nel 1784 comparì nel catalogo di Chrétien de Mechel.

Prompt: In Children's Games (Bruegel), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Gli Antenati di Cristo si trovano lungo le sedici lunette  e le otto vele. Essi rappresentano le quaranta generazioni anteriori a Gesù secondo l'elenco del Vangelo di Matteo e simboleggiano la speranza e l'attesa dell'Incarnazione e della redenzione senza l'illuminazione divina dei Veggenti.

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Before Christ of the Description explained?Please output in Italian.


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Totem

I totem dei popoli indigeni nordoccidentali del Pacifico del Nord America sono poli monumentali scolpiti con molti disegni diversi . Servono a molteplici scopi nelle comunità che li producono. Simile ad altre forme di araldica, possono fungere da stemmi di famiglie o capi, raccontare storie di quelle famiglie o capi o commemorare occasioni speciali. È noto che queste storie vengono lette dal basso verso l'alto.

Prompt: Focus on Totem (Paluzzi) and explain the Totem.Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

.</ref>}} zattera della Medusa influenzò anche molti pittori al di fuori della Francia. Francis Danby, un artista inglese nato in Irlanda, definì l'opera di Géricault « più bella immagine e il dipinto storico più grande che io abbia mai visto», mentre William Turner si ispirò al tema del disastro in mare per molte delle sue opere in cui sperimentò l'uso del colore e della luce. Turner riprese anche la tematica abolizionista in The Slave Ship . Tra il 1826 e il 1830 l'artista statunitense George Cooke creò una copia di dimensioni ridotte del dipinto, che fu mostrata in varie città della nazione, tra cui Boston, Filadelfia, New York e Washington, tra lo scalpore generale. I critici applaudirono l'opera, che ispirò canzoni, rappresentazioni teatrali e libri per bambini. Dopo essere stata comprata dall'ammiraglio Uriah Phillips, venne donata da quest'ultimo nel 1862 alla New York Historical Society, dove fu erroneamente attribuita a Gilbert Stuart. L'errore fu corretto soltanto nel 2006, quando un'indagine a cura della storica dell'arte Nina Athanassoglou-Kallmyer, insegnante all'università del Delaware, rivelò la cattiva catalogazione del dipinto. The Gulf Stream , conservato nel Metropolitan Museum of Art, dello statunitense Winslow Homer, fa uso della stessa composizione de  zattera della Medusa: un vascello danneggiato circondato da pericoli e minacce, un uomo di colore al centro della scena e una nave all'orizzonte che riecheggia la Argus di Géricault. Anche vari artisti del Novecento hanno mostrato interesse per l'opera di Géricault, come lo scultore americano John Connell, che, coadiuvato dal pittore Eugene Newmann, realizzò negli anni novanta il Raft Project, ricreando lo scenario di Géricault con sculture in scala 1:1 di legno, carta e catrame, sistemati su una larga zattera di legno.Oltre all'arte, anche la letteratura e il cinema si sono più volte ispirate alla Medusa: ne L'ammazzatoio, Émile Zola cita più volte il dipinto e ne fornisce una concisa analisi, Alessandro Baricco lo racconta, in modo romanzato, nel libro Oceano mare , mentre una delle avventure di Tintin di Hergé, Coke in stock , del 1958, richiama nel corso della storia il quadro francese. Tra le opere cinematografiche che attingono alla Medusa, vi sono il film del 1994 di Iradj Azimi, Zattera della Medusa e la commedia d'avventura Asterix e Obelix - Missione Cleopatra  adatta una gag dal fumetto Asterix legionario in cui dei pirati citano il dipinto di Géricault dopo l'affondamento della loro nave. Diventato ben presto un'immagine iconica, il dipinto è stato utilizzato dalla band irlandese The Pogues come copertina per il disco Rum, Sodomy, and the sh, solo che i volti sono stati sostituiti dai componenti del gruppo musicale mentre i tedeschi Ahab, band funeral doom metal, l'hanno usata per il loro disco The Divinity of Oceans e i Great White l'hanno invece scelta come front cover per Sail Away . Un bassorilievo in bronzo dell'opera forgiato da Antoine Étex, infine, adorna la tomba di Géricault al cimitero di Père-chaise a Parigi. cantante rock italiana Alteria ha usato questo quadro per la realizzazione del videoclip di "Protection".  tela viene citata e poi mostrata nel film Nureyev - The White Crow di Ralph Fiennes, film nel quale una scena mostra il giovanissimo Nureev attendere l'apertura mattutina del Museo del Louvre per poter ammirare l'opera.

Prompt: In The Raft of the Medusa, how is the Heritage discussed?Please output in Italian.

1958
1994
Alessandro Baricco
Asterix legionario
Boston
Coke in stock
Delaware
Filadelfia
Gilbert Stuart
Great White
Hergé
John Connell
L'ammazzatoio
Metropolitan Museum of Art
Museo del Louvre
New York
Nureyev - The White Crow
Oceano mare
Parigi
Ralph Fiennes
The Divinity of Oceans
The Pogues
Washington
William Turner
Winslow Homer
Zattera della Medusa
Émile Zola


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Pagamento del tributo

Gli affreschi della Cappella Brancacci sono un enigma per gli studiosi nella mancanza di documentazione ufficiale. Commissionati forse a Masolino, che aveva come aiutante il più giovane Masaccio, si sa solo, tramite testimonianze indirette, che dovevano essere iniziati nel 1424 e che nel 1425 vennero portati avanti dal solo Masaccio per la partenza di Masolino per l'Ungheria. I due artisti avevano già collaborato nella realizzazione di Sant'Anna Metterza. Nel 1428 Masaccio partiva per Roma dove sarebbe morto di lì a poco. decorazione iniziò dal registro superiore, distrutto nel XVIII secolo, con le vele degli evangelisti, le due lunette  e due semilunette rispettivamente di Masaccio e di Masolino, delle quali sono state ritrovate tracce della sinopia.  decorazione proseguì nel registro mediano e poi in quello inferiore, che si sono conservati fino a noi. Con l'espulsione del committente, Felice Brancacci, dalla città  gli affreschi vennero definitivamente interrotti e in parte mutilati dai ritratti della famiglia Brancacci. Solo una cinquantina d'anni dopo, dal 1480, essi vennero completati da Filippino Lippi, che cercò di adattare la sua arte allo stile del primo Rinascimento.Gli affreschi vennero ammirati e studiati da generazioni intere di artisti fiorentini. Lo stesso Michelangelo copiò il San Pietro che paga il tributo, in un disegno si è conservato fino a noi . scena del Tributo, salvata dalla ridipintura barocca della volta, ne uscì annerita dall'incendio del 1771 che distrusse gran parte della basilica. Nel tempo i giudizi sull'opera vennero influenzati dal suo stato di conservazione, che faceva pensare a un Masaccio dai colori tetri e "petrosi"; solo con il restauro del 1983-1990 si è potuta riscoprire la brillante cromia originale.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Tribute Money (Masaccio).Please output in Italian.


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La visione dopo il sermone

Nel  visione dopo il sermone, una delle sue opere programmatiche del periodo di Pont-Aven, Gauguin amalgama con grande maestria il mondo arcaico della Bretagna, il suo fervoroso misticismo, il suo interesse per l'arte giapponese e infine i suoi orientamenti stilistici cloisonniste.Già il nome dell'opera richiama una tematica cardine che getterà le basi per le future correnti simboliste: quella della visione. Gauguin, infatti, coglie il momento in cui delle donne bretoni abbigliate nei loro costumi tradizionali fuoriescono dalla chiesa, dove avevano ascoltato con interesse un episodio tratto dalla Genesi , ove si narra della zuffa notturna di Giacobbe, secondogenito di Isacco, con un angelo misterioso. Affascinate dall'orazione sermonica, le contadine bretoni nell'opera si lasciano travolgere dalla fantasia e immaginano la biblica lotta, rappresentata sull'immenso campo rosso dello sfondo. È proprio questa l'importante novità introdotta con  visione dopo il sermone: la coesistenza di una dimensione reale, con le donne appena uscite dalla chiesa, e di una soprannaturale, sperimentabile solamente con la vertigine della religione, con l'angelo che ha allargato le ali in preda ad un'eccitazione mistica. Se pittori come Gustave Courbet si ancoravano saldamente alla concretezza del reale, ritenendo che soggetti invisibili, astratti o immaginari dovessero esulare dal loro dominio, qui Gauguin ricorre esplicitamente all'immaginazione, facoltà suprema con la quale l'uomo può ricostruire in modo esaltante ed armonico la soggettività che vive nel suo spirito. Di seguito si riporta il commento che Charles Baudelaire, una delle maggiori personalità estetiche e poetiche dell'Ottocento, fornì dell'immaginazione:Il piano immaginario e quello reale, poi, vengono raccordati grazie a sapienti escogitazioni plastiche, come le massicce figure delle suore che digradano verso lo sfondo, assorbite come sono nei loro atteggiamenti devozionali . Di fondamentale importanza, in tal senso, è la presenza del tronco d'albero obliquo, il quale pure serve a separare le suore bretoni dal contenuto delle loro visioni.Per conciliare due dimensioni così antitetiche, poi, Gauguin trova particolarmente congeniali le suggestioni provenienti dall'arte dell'Estremo Oriente. Nell'applicazione di colori smaglianti su superfici omogenee e racchiuse da uno spesso contorno nero è evidente infatti l'influenza delle stampe giapponesi, ravvisabile anche nell'essenzialità espressiva della scena di lotta biblica, che richiama le raffigurazioni dei lottatori di sumo, in cui la mancanza della prospettiva è funzionale a trascinare l'occhio dell'osservatore in profondità e a rendere l'impressione di irrealtà. Le uniche ombre  che vengono riportate sono quelle proprie. Il contrasto tra la dimensione idealistica e quella naturalistica viene enfatizzato anche dai colori duri e contrastanti, nei quali è già ravvisabile la svolta cromatica che si attuerà pienamente solo con Il Cristo giallo. Se Gauguin fu tacciato da Pissarro «di aver scopiazzato i giapponesi, i pittori bizantini» e «di non [aver applicato] la sua sintesi alla filosofia moderna antiautoritaria e antimistica», Albert Aurier fu al contrario entusiasta di questa commistione tra Occidente e Oriente, dove non sono estranee tra l'altro le suggestioni provenienti dall'arte di Eugène Delacroix, artista romantico che pure si era confrontato con il tema biblico della lotta tra Giacobbe e l'angelo affrescando la chiesa di Saint-Sulpice a Parigi.}}

Prompt: In Vision After the Sermon, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Charles Baudelaire
Eugène Delacroix
Gustave Courbet
Il Cristo giallo


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Baldacchino di San Pietro

Fu realizzato da Gian Lorenzo Bernini tra il luglio 1624 e il 1633. L'incarico di realizzarlo fu la prima grande commissione pubblica che l'artista ottenne in seguito all'elezione di papa Urbano VIII nel 1623; l'opera venne inaugurata il 28 giugno 1633 dallo stesso papa.Quella del Baldacchino è la prima opera di Bernini in cui si fondono scultura e architettura a tal punto da creare una allegorica immagine di un oggetto, un catafalco processionale di grandezza monumentale, molto più grande del solito, e che sostituisse il consueto ciborio inserendosi nello spazio in maniera innovativa e scenografica, aprendo nuove prospettive all'architettura barocca.Quest'impresa è il risultato di un lavoro di cantiere collettivo che vide coinvolti Francesco Borromini, suo assistente per la parte architettonica, il quale partecipò alla progettazione, e altri artisti celebri come gli scultori Stefano Maderno, François Duquesnoy, Andrea Bolgi, Giuliano Finelli, Luigi Bernini  e una schiera di fonditori e scalpellini.Per molto tempo fu diffusa la credenza che per realizzare l'opera fossero stati asportati e fusi gli antichi bronzi del Pantheon, consistenti nelle massicce travature del pronao.  scellerata decisione ispirò la celebre pasquinata Quod non fecerunt barbari, fecerunt Barberini  con la quale si voleva sottolineare la smisurata ambizione della famiglia del pontefice che, pur di autocelebrarsi con monumenti spettacolari, spendeva cifre enormi e neppure si fermava di fronte al danneggiamento di uno dei monumenti più importanti dell'antica Roma. L'autore della celebre "pasquinata" è stato identificato dal critico d'arte de L'Osservatore Romano, Sandro Barbagallo, in monsignor Carlo Castelli, ambasciatore del Duca di Mantova. A certificarne l'identificazione è il diario dello stesso Urbano VIII, conservato nella Biblioteca Apostolica Vaticana con il nome di Codice Urbinate 1647. A pagina 576v è così scritto: Dalle lingue malediche e detrattori di fama contaminata fu decantato lo spoglio d'un ornamento antico, benché ciò sia stato vero di haver levato quel Metallo, ma estimato ancor bene e posto, per essere stata ornata la Chiesa de' SS. Apostoli, e si è visto a tempi nostri sopra di questi Critici la maledizione di Dio, perché l'Agente del Duca di Mantova che fu Detrattore di aver affissi i Cartelli di quell'infame Pasquinata da famiglia Barbera ad Barberina, egli morse d'infermità e nel letto chiese perdono a Papa Urbano Ottavo.In realtà, il bronzo del Pantheon servì per la realizzazione di 80 cannoni di Castel Sant'Angelo. Secondo la storica americana dell'arte Louise Rice, docente alla New York University e specialista del Seicento italiano, la versione dei fatti «fu appositamente confezionata dalla propaganda papale. Si trattò, insomma, di una falsa notizia costruita ad arte.»

Prompt: In St. Peter's Baldachin, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Maja desnuda

Louis Viardot, Les musées d'Espagne, d'Angleterre et de Belgique, 1843, Parigi, Paulin Joaquín Ezquerra del Bayo,  Duquesa de Alba y Goya, 1959, Madrid, Aguilar A. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990 Juan J. Luna,   R. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'Espresso R. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, Rizzoli V. Ballardini,

Prompt: How does La maja desnuda explain its Bibliography?Please output in Italian.

2003
Francisco Goya
Francisco Goya
Louis Viardot
Madrid
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Inclusion of the other in the self and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Agostino Maria De Carlo, "Theotocologia seu Institutio de V. Dei Genitrice M. Scholastica Methodo IV Libris Concinnata" -Napoli, Cirillo, 1845 - [opac SBN] [Testo a stampa] [Monografia] [IT\ICCU\BVE\0346282] SBN LIAN025513 Agostino Maria De Carlo, "Dialoghi istruttivi su pregi, misteri e titoli di Maria SS." pubblicati per cura e divozione del canonico don Luigi Monforte, Napoli, Stabilimento Tipografico del Dante, 1855 - SBN LIAN040723 Cecchin Stefano M., L'Immacolata Concezione. Breve storia del dogma, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2003, ISBN 88-900609-5-6 Tommaso Campanella , Apologia dell'Immacolata Concezione, L'epos 2004, ISBN 88-8302-270-X Congresso Mariologico francescano,  Scuola Francescana e l'Immacolata Concezione, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2005, ISBN 88-89681-01-2 Vincenzo Sansonetti, L'Immacolata Concezione: dal dogma di Pio IX a Medjugorje, Piemme 2004, ISBN 88-384-8410-4 Giovanni Morello, Vincenzo Francia, Roberto Fusco, Una donna vestita di sole: l'Immacolata Concezione nelle opere dei grandi maestri, F. Motta, 2005 ISBN 88-7179-468-0 Diego Ciccarelli, Marisa Dora Valenza ,  Sicilia e l'Immacolata: non solo 150 anni, Biblioteca Francescana 2004, ISBN 88-88615-96-2 Michel Jean Claude, Immacolata Concezione, promessa di purezza, Libreria Editrice Vaticana 2001

Prompt: Describe the characteristics of the Monograph on the Immaculate Conception in The Immaculate Conception of Los Venerables's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Apoteosi di Palermo

LApoteosi di Palermo è un dipinto a fresco di Vito D'Anna, datato 1760. Si trova nel salone da ballo di Palazzo Isnello a Palermo.L'opera è una delle otto rappresentazioni monumentali del Genio di Palermo ed è considerato uno dei capolavori di Vito D'Anna e della pittura barocca siciliana.

Prompt: Focus on Apotheosis of Palermo and explain the Abstract.Please output in Italian.

1760
Genio di Palermo
Palazzo Isnello
Palermo
Vito D'Anna


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (Raphael)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh