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Ritratto di Luigi XIV

Alla morte di re Carlo II di Spagna il 18 novembre 1700, la Spagna divenne il principale teatro delle ambizioni delle altre potenze europee in quella che divenne nota come la guerra di successione spagnola. Uno dei contendenti al trono era proprio Filippo, duca d'Angiò, figlio secondogenito del Gran Delfino e quindi nipote di Luigi XIV.Il futuro re di Spagna, quando ebbe ottenuto il trono, volle portare con sé un'immagine del nonno per dimostrare alla sua corte il potere della sua casata di provenienza, ma anche per rendere omaggio a Luigi XIV che l'aveva largamente sponsorizzato per l'ottenimento del trono spagnolo. Per questo scopo egli riuscì a convincere il re francese a ordinare al pittore di corte la realizzazione di un ritratto del sovrano che divenne poi una vera e propria icona non solo di Luigi XIV ma anche della personificazione del potere assoluto:Riportato da Hyacinthe Rigaud in un'autobiografia riportata al granduca di Toscana, Cosimo III de' Medici, nel 1716.Queste affermazioni vennero corroborate anche dalla relativa nota di pagamento nel libro degli artisti di corte, all'anno 1701: "Il re ed il re di Spagna, una copia del ritratto del re della stessa grandezza dell'originale per Sua Maestà Cattolica, 12.000 livre".

Prompt: In Portrait of Louis XIV, how is the Answer. discussed?Please output in Italian.

1701
Carlo II di Spagna
Cosimo III de' Medici
Hyacinthe Rigaud


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Epifania

Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano, Galleria degli Uffizi.tipo = religiosadata = 6 gennaio , 19 gennaio periodo = Annualecelebrata in =religione = Cristianesimooggetto della celebrazione = Manifestazione della divinità di Gesù Cristo all'umanità; principalmente la visita dei Magi nel Cristianesimo occidentale e il Battesimo di Gesù in quello orientalericorrenze correlate = Battesimo di Gesù, Nataletradizioni =tradizioni religiose = in Italia: levata del Bambino dal presepetradizioni profane = in Italia: la Befanatradizioni culinarie =data d'istituzione = II secolo}}LEpifania , nota anche come Santa Teofania nelle tradizioni cristiane orientali, è una festa cristiana che celebra la rivelazione  di Dio incarnato come Gesù Cristo.Il termine "epifania" è presente anche nell'Islam, dove indica la comparsa alla fine dei tempi di persone chiamate da Allah a mettere fine alle ingiustizie e alle inadeguatezze umane.Nel cristianesimo occidentale, la festa commemora principalmente  la visita dei Magi al Bambin Gesù, e quindi la manifestazione fisica di Gesù Cristo ai Gentili. A volte è chiamata il Giorno dei Re Magi e in alcune tradizioni viene celebrata come Piccolo Natale. Inoltre, la festa dell'Epifania, in alcune denominazioni, dà inizio ad un periodo dell'anno liturgico chiamato "Tempo dell'Epifania".Nelle Chiese orientali l'evento celebrato è il battesimo di Gesù, momento in cui Gesù adulto viene manifestato come Figlio di Dio dalla voce del Padre e dalla colomba dello Spirito Santo.  data della festa è il 6 gennaio per le Chiese che seguono il calendario gregoriano e il 19 gennaio per quelle che adottano il calendario giuliano.In molte Chiese occidentali, la vigilia della festa è celebrata come la dodicesima notte.Le usanze popolari dell'Epifania includono il canto dell'Epifania, la benedizione del gesso e della casa, il consumo della torta dei Re magi, il nuoto invernale, il falò di inizio anno e la partecipazione a funzioni religiose. È consuetudine per i cristiani in molte località rimuovere le loro decorazioni natalizie alla vigilia dell'Epifania , sebbene in altri paesi cristiani storicamente si rimuovano il 7 gennaio o alla Candelora, la conclusione dell'Epifania.Il termine "epifania" deriva dal greco antico, verbo epifàino , dal sostantivo femminile epifàneia .Sin dai tempi di Giovanni Crisostomo il termine assunse una valenza ulteriore, associata alla natività di Gesù. Nelle Chiese cattolica, ortodossa e anglicana è una delle massime solennità dell'anno liturgico, come la Pasqua, il Natale e la Pentecoste, e per i cattolici è festa di precetto; negli stati in cui non è riconosciuta come festività civile, viene spostata alla domenica tra il 2 e l'8 gennaio. È l'ultima delle solennità del tempo di Natale.È chiamata impropriamente con il termine profano Befana , figura folcloristica tipica di alcune regioni italiane e diffusasi poi in tutta la penisola.

Prompt: How does Epifania explain its Abstract?Please output in Italian.

19 gennaio
6 gennaio
Adorazione
Adorazione dei Magi
Allah
Battesimo di Gesù
Befana
Candelora
Cristo
Dio
Gentili
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
II secolo
Islam
Italia
Natale
Pasqua
Pentecoste
Candelora
Spirito Santo
Teofania


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: Focus on Flight into Egypt (Titian) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Madonna greca

Maria sorregge saldamente tra le mani il Bambino, il quale si appoggia al bordo inferiore della cornice dipinta, oltre la quale sporgono invece alcuni lembi della veste di Maria. Gesù ha in mano una mela dorata, forse un richiamo alla leggenda di Paride ed a Maria-nuova Venere. L'aspetto generale dell'opera rimanda alla fissità iconica alle icone bizantine, ravvivate dai dolci gesti che legano madre e figlio vivificandone le figure. Pellizzari aveva addirittura ipotizzato che l'opera avesse avuto originariamente un fondo oro, ma ciò è stato smentito dal restauro del 1986. In quell'occasione si è anche scoperto che i frammenti d'oro vicino alle lettere greche sono un'aggiunta cinquecentesca, mentre lo sfondo originario era una tenda retta da una cordicella oltre la quale si intravede un cielo blu.Gli sguardi dei protagonisti, come di consueto in questo tema, non si incontrano, ma la familiarità è resa dall'intrecciarsi delle mani, che crea un tenero abbraccio della madre verso il figlio. L'espressione è però pensosa e malinconica, perché ricorda la consapevolezza della futura sorte tragica di Gesù, destinato alla Passione.Da un punto di vista tecnico, la tavola venne preparata come da tradizione con gesso e colla, sui quali il pittore fece un disegno preparatorio dove è tracciato con estrema precisione anche il chiaroscuro con sottili trattini incrociati molto regolari, visibili all'infrarosso. Si tratta di un modo di disegnare tipico di Bellini, che venne descritto anche nel Dialogo di pittura di Paolo Pino .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Greek Madonna.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

A partire dal giugno 1941 con l'invasione tedesca dell'URSS  cominciò nei territori occupati lo sterminio sistematico della popolazione ebraica, inclusi i bambini, attraverso pogroms e fucilazioni di massa ad opera di reparti speciali delle SS . Talora intere famiglie erano uccise sul posto all'arrivo delle truppe SS. In altri casi gli abitanti di un villaggio era rinchiusi in sinagoghe o edifici poi dati alle fiamme o fatti saltare in aria con tutti i loro occupanti. Più frequentemente le vittime, provenienti dai tanti ghetti creati per concentrare la popolazione ebraica, erano trasportate a gruppi in luoghi isolati, spogliate di ogni bene, denudate, condotte in una fossa comune e lì uccise a mitragliate o con un colpo di pistola alla nuca.Decine e decine di migliaia di bambini dovettero subire questa sorte, da soli o in compagnia delle loro madri, nonni, fratelli e sorelle. In numerosi casi le vittime erano obbligate a sdraiarsi sullo strato di cadaveri di coloro che erano già stati uccisi prima di essere a loro volta colpiti. I neonati venivano spesso lanciati in aria e usati come bersaglio per i colpi dei carnefici con la giustificazione che le tenere carni degli infanti non erano in grado di fermare una pallottola che avrebbe potuto causare pericolosi rimbalzi sul terreno, o semplicemente sepolti vivi per risparmiare munizioni.Così accadde in centinaia di siti in tutta l'Europa dell'Est nei territori occupati dell'Unione Sovietica. Alcuni luoghi in particolare videro lo sterminio sistematico e la sepoltura in fosse comuni di decine e decine di migliaia di persone, come Babij Jar e Gurka Połonka in Ucraina, Ponary in Lituania, Bronna Góra in Bielorussa, Liepāja e Rumbula in Lettonia. Essendo gli eccidi riservati in primo luogo agli inabili al lavoro coatto, i bambini, assieme agli anziani e alle madri, ne furono le vittime principali.Alla fine le autorità naziste giunsero alla conclusione che tali metodi di sterminio producessero troppo stress sul personale SS e si risolsero a cercare altre vie, più rapide ed impersonali, che non imponessero ai carnefici di guardare negli occhi delle loro vittime, specie dei più piccoli e inermi. Anche quando si mise in moto la macchina dei campi di sterminio, gruppi di bambini, soprattutto orfani, continuarono comunque ad essere uccisi in fucilazioni sommarie, assieme ai malati e agli anziani non autosufficienti, per risparmiare sulle spese di trasporto.

Prompt: Describe the characteristics of the Mass layoffs in Children in the Holocaust's Victims survivors.Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (Filippo Lippi, London)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Bambini dell'Olocausto

I bambini pagarono subito un duro prezzo per le politiche discriminatorie messe in atto già a partire dal 1933 nella Germania nazista e quindi dal 1938 in Italia con la promulgazione delle leggi razziali fasciste. Con la seconda guerra mondiale tali misure furono estese a buona parte dell'Europa continentale.I bambini ebrei furono espulsi dalle scuole che frequentavano, dalle attività sportive e ricreative per la gioventù, impediti ad avere una vita sociale "normale", privati del futuro per le restrizioni imposte sull'istruzione e sull'accesso alle professioni.Nel momento cruciale della crescita e della costruzione della propria identità, con le leggi razziali venne improvvisamente la consapevolezza di essere "diversi", soggetti a pregiudizi ed ostilità che fino ad allora essi non avevano conosciuto in modo così diretto. Sul piano personale, più ancora delle difficoltà economiche, pesarono le limitazioni imposte ai rapporti sociali e l'esperienza dell'esclusione, assieme all'indifferenza e alla mancanza di solidarietà da parte di insegnanti e amici.Molti si trovarono a dover lasciare le loro case e i loro affetti ed emigrare in altri paesi, attraverso modalità che spesso comportarono la separazione  dai propri genitori e traumatiche esperienze di viaggio.

Prompt: Explain the Racial laws of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Explain the Location of the Last Supper about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rubens).Please output in Italian.


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Epifania

Nella Repubblica Dominicana, il Día de los Tres Reyes Magos  è il giorno in cui i bambini ricevono regali sull'albero di Natale. I bambini, accompagnati dai genitori, provano i loro nuovi giocattoli nelle aree pubbliche.Una pratica comune è lasciare i giocattoli sotto i letti dei bambini il 5 gennaio; quando si svegliano la mattina del 6 gennaio, gli viene fatto credere che i regali e i giocattoli siano stati lasciati da Babbo Natale o dai Re Magi.

Prompt: Describe the characteristics of the Dominican Republic in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Babbo Natale
Natale
Repubblica Dominicana


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Ritratto di Galeazzo Sanvitale

Il Ritratto di Galeazzo Sanvitale è un dipinto a olio su tavola  del Parmigianino, databile al 1524 e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Galeazzo Sanvitale.Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Parmigianino
Sanvitale


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Madonna di San Giorgio

Il pittore svolse il tema tradizionale della Sacra conversazione: la Vergine seduta al centro del dipinto con il Bambino in braccio e i santi Geminiano, patrono di Modena , Pietro da Verona, titolare della congrega , Giovanni Battista e Giorgio, con la testa del drago sotto il piede sinistro, più altri putti giocosi intenti a reggere le armi di quest'ultimo.  scena sacra è inserita all'interno di un padiglione quadrato coperto da una cupola vegetale, memore della Madonna della Vittoria di Mantegna.L'ostentata teatralità della Madonna di San Sebastiano trova qui una più serena e compiuta espressione, con un tono quasi solenne e classicheggiante che era estraneo alla precedente ricerca del pittore e che si ritrova invece in opere tarde come l’Allegoria del Vizio.Anche la Madonna di San Giorgio è comunque sostenuta da quell'attenta retorica di gesti e sguardi, sapientemente intrecciati fra loro, di cui il Correggio era ormai divenuto un maestro indiscusso. Vergine e il Bambino, fulcro centrale della composizione, rivolgono la loro attenzione in direzioni opposte e ciò obbliga lo sguardo dell'osservatore a muoversi e ad accogliere diversi punti di vista dentro al dipinto.Insieme alla monumentalità, alla vivezza ed alla rinnovata gamma di colori tenui e smaglianti, il Correggio non abbandonò qui il suo amore per i vegetali , per i dettagli più raffinati, per le proprietà fisiche e luministiche dei materiali, preziosi o comuni. Tra questi spiccano il gemmato di san Geminiano, ossia il fermaglio del piviale; la peluria leggera delle barbe dei due santi di destra; i riflessi dell'armatura di san Giorgio, i suoi pendoni puntuti, i suoi calzari artigliati, l'impugnatura e la catena d'oro della sua spada in mano al bimbo; la ruvidità del vello caprino che tocca l'epidermide del san Giovanni; i capelli armoniosi di Maria e di Gesù; la fitta esecuzione del mantello azzurro della Vergine; l'impressionante testa insanguinata del drago.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint George and explain the Description and style.Please output in Italian.

Allegoria del Vizio
Gesù
Giovanni Battista
Madonna della Vittoria
Madonna di San Sebastiano
Modena
Pietro da Verona
Sacra conversazione
San Giorgio


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San Francesco abbraccia Cristo crocifisso

composizione simboleggia il momento culminante della vita di Francesco d'Assisi, cioè quando decise di rinunciare a tutti i suoi beni materiali per abbracciare la vita religiosa.Accanto alla croce, due angeli reggono un libro aperto che reca in latino il passo del Vangelo secondo Luca che dice "Chiunque di voi non rinunzia a tutti i suoi averi, non può essere mio discepolo". Anche il globo sul quale Francesco poggia il piede, quasi a spingerlo lontano, simboleggia il mondo terreno che egli rifiuta e abbandona per diventare discepolo di Gesù.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Saint Francis Embracing Christ on the Cross.Please output in Italian.

Francesco d'Assisi
Gesù
Vangelo secondo Luca


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Madonna della Vittoria

Il 6 luglio 1495 si scontrarono a Fornovo gli eserciti francese di Carlo VIII e quello della Lega Santa, sostenuta da papa Alessandro VI, dall'imperatore Massimiliano I, dal re spagnolo Ferdinando II d'Aragona, da Ludovico il Moro e dai Veneziani. L'esercito della Lega Santa, guidato da Francesco II Gonzaga, riportò la vittoria, cacciando temporaneamente i Francesi dalla penisola.Durante l'assenza del marchese da Mantova, un banchiere ebreo, Daniele da Norsa, aveva acquistato una casa in borgo San Simone ed aveva sostituito una rappresentazione sacra della Vergine che ne decorava la facciata con il suo stemma personale. L'azione venne considerata sacrilega e Sigismondo Gonzaga intimò all'uomo di ripristinare l'opera pena l'impiccagione. Nonostante l'ebreo avesse accettato, l'ira popolare montò contro di lui e la sua casa venne rasa al suolo.
Al ritorno di Francesco la pena venne commutata in un'ingiunzione a finanziare la costruzione di una cappella e l'esecuzione di un dipinto sacro, che ribadisse la devozione del marchese alla Vergine ed il ringraziamento per la protezione e la vittoria sul campo di battaglia di Fornovo.
Su consiglio del dignitario di corte Girolamo Redini, il marchese incaricò Mantegna, pittore di corte, di dipingere la pala, che venne solennemente collocata nel 1496, in occasione dell'anniversario della vittoria, nella chiesa di Santa Maria della Vittoria, nel frattempo costruita sul luogo della casa dell'ebreo. splendida pala fu tra le innumerevoli opere saccheggiate dai francesi durante le campagne napoleoniche, andò ad arricchire il museo parigino nel 1798 e non fu mai più restituita.

Prompt: In Madonna della Vittoria, how is the History discussed?Please output in Italian.

1495
1496
1798
Ferdinando II d'Aragona
Francesco II Gonzaga
Girolamo Redini
Ludovico il Moro
Mantova
Sigismondo Gonzaga


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Il bar delle Folies-Bergère

verticale=1.3 vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile.  donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» , si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto. Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

Prompt: In A Bar at the Folies-Bergère, how is the Protagonist, Suzon of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Come Grant, Sherman era convinto che fosse necessario abbattere la capacità strategica, economica e psicologica confederata di raccogliere risorse per finanziare la guerra. Per far questo non esitò a mettere in pratica tattiche di terra bruciata.L'avanzata delle truppe di Sherman furono caratterizzate da enormi devastazioni che riguardarono sia risorse civili sia infrastrutture militari e non. Anche se il saccheggio era ufficialmente proibito, gli storici sono in disaccordo su quanto bene questa proibizione fosse fatta rispettare.L'efficienza con cui l'armata di Sherman portò avanti la devastazione fu impressionante. Diventarono famose le cosiddette "cravatte di Sherman", ovvero la pratica messa in atto dalle forze unioniste di scaldare le rotaie dei treni fino a che non era possibile intrecciarle intorno a tronchi d'albero. Sherman divenne una figura controversa in seguito ad accuse di crimini di guerra.I danni procurati dalle forze di Sherman riguardarono solo le proprietà, e sembra che le perdite civili fossero state molto poche. base della

Prompt: Explain the Total war about the Service  civil  war of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: In The Sacrament of the Last Supper, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Polittico di San Vincenzo Ferrer

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X   Ripubblicato in italiano in

Prompt: How does Saint Vincent Ferrer Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna del Diadema blu

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: How does Madonna with the Blue Diadem explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Giochi di bambini

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In Children's Games (Bruegel), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

L'architettura generale della pala si rifà ad alcuni monumenti funebri veneziani dell'epoca, come quello del doge Pasquale Malipiero di Pietro Lombardo nella chiesa dei Santi Giovanni e Paolo, e a opere all'avanguardia come la Pala di San Zeno di Mantegna . L'indivisibilità tra pala e cornice venne ulteriormente sviluppata da Giovanni Bellini in opere successive, come la Pala di San Giobbe e il Trittico dei Frari.

Prompt: Explain the Cornice about the History of this artwork, Pesaro Altarpiece (Bellini).Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Pala di San Giobbe
Pala di San Zeno
Pasquale Malipiero
Trittico dei Frari


section

Giochi di bambini

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In Children's Games (Bruegel), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Baldacchino di San Pietro

Il Baldacchino di San Pietro è una delle opere più famose di Bernini che lo vede collaborare con il collega e rivale Francesco Borromini.   struttura è un monumentale ciborio barocco all'interno della basilica di San Pietro in Vaticano, ideato nel XVII secolo per segnare il luogo del sepolcro del santo, inserendosi sullo spazio semicircolare della confessione.  Il Baldacchino del Bernini è di dimensioni considerevoli , nonostante le quali, risulta in perfetta armonia e proporzione con l’architettura circostante; esso è situato sopra la cripta della Basilica, luogo che ora prende il nome di “Grotte Vaticane”, all’interno delle quali sono custodite le spoglie dei Papi che si sono succeduti nella storia del Vaticano . Il Baldacchino è un arredo liturgico impiegato nella tradizione cristiana cattolica per catturare l’attenzione dei fedeli verso il punto cruciale della chiesa, fulcro della celebrazione religiosa: l’altare maggiore .

Prompt: Focus on St. Peter's Baldachin and explain the Abstract.Please output in Italian.

Baldacchino
Francesco Borromini
Grotte Vaticane


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Donna che legge una lettera davanti alla finestra è un olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.

Prompt: Focus on Girl Reading a Letter at an Open Window and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

left raffigurazione della Strage pone dunque in evidenza l'esigenza di raccontare una tragedia senza indulgere in particolari ripugnanti, ma anche senza tradire la "verità" terribile dell'episodio.Le prove pittoriche forse più riuscite dell'arte barocca si tengono lontane dalla sua epica del macabro. Rispetto alle opere rinascimentali ove la scena era popolata da una miriade di personaggi, troviamo importanti rappresentanti del barocco che si concentrano sull'azione essenziale, cercando di cogliere il punto di maggior intensità emotiva.Nicolas Poussin, che pure amava ambientare in paesaggi aperti i soggetti dei suoi quadri, dipinge una Strage in cui solo ciò che è essenziale viene messo in scena. Nella tela del Museo Condé a Chantilly la tragedia si consuma attraverso i gesti di un soldato che ha già alzato la sua spada per colpire e tiene brutalmente ferma la piccola preda schiacciandola con un piede; la madre cerca invano di fermarlo, urlando tutto il suo dolore. Alle loro spalle osserviamo la inquietante ed umanissima figura di una seconda madre che – perso il suo bimbo - sembra vagare in stato confusionale, con lo sguardo perso nel vuoto.Il punto di più intensa drammaticità artistica è forse toccato da Guido Reni, nella tela della Strage conservata presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna.Anche in questo caso vi è una concentrazione estrema sull'essenza del dramma: il gesto rapido dei due sicari armati di stiletto e gli sguardi sconvolti delle madri sembrano fermare la scena su un angoscioso fotogramma.  tragedia sta tutta nei gesti e negli sguardi; non c'è bisogno di particolari raccapriccianti: anzi, i corpicini degli innocenti giacciono composti a terra, come caduti in sonno.I palazzi imponenti che cingono la scena richiamano la incombenza del potere che ha ordinato la strage; a poco valgono, per alleviare il dramma, le immagini celestiali degli angeli pronti ad offrire alle vittime la palma del martirio.Reni ci offre così un quadro pieno di movimento e di rara intensità drammatica, ove risaltano soprattutto le immagini di madri "strangosciate", come direbbe Giovanni Testori.

Prompt: In the context of Massacre of the Innocents (Reni), explain the Baroque and the Historical  narrative.Please output in Italian.

Chantilly
Giovanni Testori
Guido Reni
Museo Condé
Nicolas Poussin
Strage


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Gladiatore Borghese

Il Gladiatore Borghese è una scultura greca databile al I secolo a.C. circa, che, secondo quanto indicato sul piedestallo, sarebbe opera di Agasias, figlio di Dositeo; oggi è conservata nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: How does Borghese Gladiator explain its Abstract?Please output in Italian.


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Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Malta and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


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Il sonno della ragione genera mostri

Esistono tre manoscritti contemporanei che spiegano il soggetto dell'opera. Uno di questi, conservato nel Museo del Prado è ritenuto autografo di Goya ed esprime un parere sul ruolo dell'arte. È lo stesso Goya ad indicarci il significato della sua opera in questo scritto detto Commento di Alaya:Secondo Goya, dunque, la fantasia è alla base di tutte le creazioni. Se questa è lasciata delirare in maniera incontrollata, senza il supporto della ragione, condurrà ai mostri e a tanti elementi inesistenti; se, invece, la ragione è sveglia e si unisce alla fantasia, in un intimo connubio tra regola e genio, si dà vita a uno strumento dalla potenza inesauribile. I mostri, infatti, simboleggiano proprio quelle forme e quei processi mentali che, relegati negli abissi del subconscio, dopo il sonno della ragione hanno potuto finalmente palesarsi: l'uomo, in questo modo, non è oppresso da forze esterne, bensì è in conflitto con sé stesso, travagliato da queste orribili visioni scaturite dalla sua anima.Gli altri due manoscritti  sono anonimi e suggeriscono un'interpretazione più scomoda per l'epoca dell'artista, che può riferirsi alle dottrine razionaliste dell'illuminismo diffuse dalla Rivoluzione francese.

Prompt: In The Sleep of Reason Produces Monsters, how is the Meaning discussed?Please output in Italian.


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Musica

Nel Cristianesimo ebbe grande diffusione il canto, perché lo stesso "Cristo" veniva descritto come un cantore insieme ai suoi discepoli: "E dopo aver cantato l'inno uscirono verso il monte degli Ulivi . musica nel cristianesimo si sviluppò molto nel luogo di culto, la chiesa: si trattava della musica che veniva eseguita nella liturgia celebrativa della messa.Si può ipotizzare che la forma iniziale della musica liturgica fosse monodica  e basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale , variazione che era dettata dalla prosodia  delle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose col tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'offertorio, in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile detto melismatico. trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'uso liturgico.Agli inizi del VI secolo, esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato, associato ad uno specifico cantus planus, ovvero un tipo di canto liturgico monodico .   tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato di Gregorio Magno  si sia avuta la spinta decisiva all'unificazione dei riti e della musica ad essi soggiacente.In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione avvenisse quasi due secoli più tardi, ad opera di Carlo Magno e sotto l'impulso della unificazione politica che portò alla nascita del Sacro Romano Impero. L'attribuzione a Gregorio Magno sarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambienti ecclesiastici, costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddetto antifonario gregoriano, che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - ai modi della tradizione greca .Il repertorio del canto gregoriano è molto vasto e viene differenziato per epoca di composizione, regione di provenienza, forma e stile.Esso è costituito dai canti dell'Ufficio  e dai canti della Messa. Nei canti dell'Ufficio si riscontrano le seguenti forme liturgico-musicali: le Antifone, i Responsori  i "cantica"  e gli Inni ; Nei canti della Messa vi sono forme legate alle parti dell'Ordinario o Ordinarium Missæ  e del Proprio o Proprium Missæ .Sia nei canti dell'Ufficio come in quelli della Messa si riscontrano tutti i generi-stili compositivi del repertorio gregoriano; essi si possono classificare in tre grandi famiglie: I canti di genere sillabico  come ad esempio le più semplici Antifone dell'Ufficio, le melodie semplici dell'Ordinario e i recitativi del Celebrante; I canti di genere semisillabico o neumatico  come ad esempio gli Introiti e i Communio della Messa o alcune antifone più ampie dell'Ufficio; I canti di genere melismatico  come ad esempio alcuni Graduali e Offertori o i responsori prolissi dell'Ufficio O il più importante lo jubilus dell'Alleluia. riforma gregoriana sostituì lo studio dei testi alla trasmissione orale delle scuole di canto delle origini, sacrificando, oltre alle particolarità regionali  e all'intonazione micro-tonale  anche il ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire le musiche sempre nello stesso modo, con una linea melodica che indicava la sua direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari  che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, .  scrittura neumatica divenne così la prima "notazione", da cui poi la parola "nota", musicale moderna.

Prompt: Explain the Medieval sacred music about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Alleluia
Carlo Magno
Cristianesimo
Messa
Sacro Romano Impero
VI secolo


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: In Love & Loss, how is the Hinduism of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.


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Ritratto di fra' Teodoro da Urbino

Prompt: How does Portrait of Fra Teodoro of Urbino as Saint Dominic explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Opere di Giovanni Bellini


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Allegoria della Virtù e del Vizio

presenza di una coperta, cioè una custodia, è una pratica diffusa per la ritrattistica dell'epoca. Le dimensioni leggermente maggiori dimostrano come la tavola fosse unita alla cornice del ritratto tramite un meccanismo scorrevole.Venne realizzata nel 1505, come ricordava un'iscrizione sul verso andata poi perduta, che riportava anche il nome del vescovo trevigiano Bernardo de' Rossi, alla cui piccola corte il Lotto compì le sue prime opere individuali.Il ritratto, con la sua coperta, fu portato a Parma dallo stesso vescovo, quando vi si rifugiò nel 1524, e in seguito entrò nelle collezioni Farnese.  coperta venne immessa sul mercato antiquario verso il 1803, e in seguito l'acquistò il bergamasco Giacomo Gritti, nel 1880. Venne di nuovo venduta, a Londra con Sotheby's, il 9 maggio 1934, e anni dopo fu riportata per breve tempo in Italia, da Alessandro Contini Bonacossi, che nel 1935 la cedette a Samuel H. Kress, che la portò negli Stati Uniti e nel 1939 la donò al nascente museo.

Prompt: In Allegory of Virtue and Vice (Lotto), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ermafrodito dormiente

LErmafrodito dormiente è una scultura in marmo raffigurante il personaggio della mitologia greca Ermafrodito, figlio di Ermes e Afrodite, a grandezza naturale. Ne esistono numerosi esemplari antichi e copie moderne; la più celebre è quella oggi al museo del Louvre, in cui la statua giace su un materasso appositamente scolpito da Gian Lorenzo Bernini.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Sleeping Hermaphroditus.Please output in Italian.

Afrodite
Ermafrodito
Ermes
Gian Lorenzo Bernini


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Busto di Ankhhaf

Il busto fu scoperto nella tomba del principe Ankhhaf, figlio del faraone Snefru e fratello  di Cheope, la mastaba G 7510 nella necropoli di Giza, piuttosto danneggiata. Le braccia del busto potrebbe essere state realizzate sui braccioli di un seggio oggi perduto. Sembra evidente che fu al centro di un culto funerario siccome, cadendo dal luogo in cui si trovava, infranse alcuni vasetti di ceramica del tipo utilizzato per le offerte ai defunti .

Prompt: Explain the Discovery site of this artwork, Ankhhaf (sculpture).Please output in Italian.


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Psychology and the Philosophy.Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Et in Arcadia ego

Il rilievo in marmo dello "Shepherd's Monument", risalente ad una data imprecisa nella metà dell'XVIII secolo, è una struttura nel giardino della Shugborough House, nello Staffordshire, in Inghilterra, codificata come "Iscrizione di Shugborough", benché non ancora decifrata. Questa composizione invertita dimostra il fatto che fu copiata da una tomba, le composizioni delle quali sono spesso invertite poiché copie dirette in piano producono immagini speculari sulle stampe. Nel 1832 un altro rilievo fu scolpito a segnare la tomba di Poussin a Roma, sulla quale il rilievo è posizionato sotto la scultura del busto dell'artista. Le parole dello storico dell'arte Richard Verdi, lasciano intendere che i pastori stanno contemplando "la morte del loro stesso autore."In congiunzione con John Andrew, l'artista Ian Hamilton Finlay creò una scultura in marmo intitolata "Et in Arcadia ego" nel 1976. Scolpite sotto il titolo ci sono le parole "After Nicholas Poussin" . Gran parte della scultura mostra un carro armato su uno sfondo pastorale.

Prompt: In Et in Arcadia ego (Guercino), how is the Versions hit discussed?Please output in Italian.

1832
1976
Ian Hamilton Finlay
Inghilterra
Iscrizione di Shugborough
Roma
Staffordshire
XVIII secolo


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L'urlo

Edvard Munch, Frammenti sull'arte, a cura di Marco Alessandrini, Milano, Abscondita, 2015. ISBN 978-88-8416-625-8

Prompt: In The Scream, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Guernica

Gernika-Lumo<br /> Guernica y LunoPanorama = Arbol de Gernika día.jpgDidascalia = Il Gernikako ArbolaStato = ESPGrado amministrativo = 3Divisione amm grado 1 = Paesi BaschiDivisione amm grado 2 = BiscagliaAmministratore locale = Partito = Data elezione = Data istituzione = titudine decimale = 43.317247Longitudine decimale = -2.67869Altitudine =Abitanti = 16442Note abitanti = Aggiornamento abitanti = 2011Sottodivisioni = Divisioni confinanti = Ajangiz, Arratzu, Errigoiti, Forua, Kortezubi, MuxikaLingue = Codice statistico = Codice catastale = Nome abitanti = Patrono = Festivo = Raggruppamento = BusturialdeaMappa = Bizkaia municipalities Gernika.PNGDidascalia mappa = Sito = http://www.gernika-lumo.net}}Guernica  è una piccola città dei Paesi Baschi, nella provincia di Biscaglia, nel nord est della Spagna.Guernica  è la capitale religiosa e storica dei paesi baschi spagnoli ed era il luogo di incontro dell'Assemblea di Biscaglia, che si riuniva sotto una quercia, la Gernikako Arbola, che fu un simbolo delle tradizionali libertà del popolo basco. città è famosa in tutto il mondo grazie a Guernica, maestosa opera di Picasso, un quadro con la consueta indole cubista, raffigurante gli effetti del bombardamento della città durante la guerra civile spagnola.È possibile visionarne una copia a grandezza naturale al centro della città.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Guernica (Picasso).Please output in Italian.

Arratzu
Biscaglia
Gernikako Arbola
Paesi Baschi
Spagna


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Salita al Calvario

vicenda è raccontata brevemente dai Vangeli e ampliata particolarmente da Luca. Dopo la sentenza di condanna, Cristo, deriso e sanguinante, venne spogliato del mantello di porpora che gli era stato posto sulle spalle per scherno, rivestito con i suoi panni e caricato della croce. Secondo l'uso romano, infatti, l'esecuzione doveva avvenire fuori città lungo una strada particolarmente frequentata e il condannato doveva portarvi la propria croce, o almeno la sua traversa orizzontale, detta patibulum. localizzazione fuori porta era ancora più significativa alla luce delle leggi ebraiche che prescrivevano l'esecuzione fuori dell'accampamento sia per i bestemmiatori sia per i violatori del sabato, due accuse spesso rivolte a Gesù dai farisei. Proprio l'accusa di bestemmia era stata utilizzata dal sinedrio per condannare a morte Gesù. Nel vangelo di Marco, il primo ad essere redatto, questa connessione sembra essere suggerita deliberatamente con la scelta del verbo greco "exago" per descrivere l'azione di "condurre fuori" Gesù. Questa è la prima e unica volta che questo verbo viene utilizzato da Marco e proprio questo è il verbo utilizzato dalla LXX, la versione greca dell'antico testamento utilizzata dagli evangelisti, quando si ordina di condurre fuori dall'accampamento i bestemmiatori e i violatori del sabato prima di lapidarli.  scelta del verbo ottiene un rilievo ancora maggiore dall'indeterminatezza del luogo da cui Gesù è allontanato: il vangelo sottolinea una espulsione, un rigetto.Il Golgota si trova a nord di Gerusalemme e vi si accedeva uscendo dalla Porta di Gennath , i cui resti sono stati ritrovati circa a metà strada fra il pretorio e il Golgota. Dalla porta passava una delle strade principali in direzione delle città di Cesarea e Giaffa e ciò garantiva la massima pubblicità dell'esecuzione.Secondo il Vangelo di Giovanni, all'uscita del tribunale Gesù si avviò, portando la croce, verso il monte Calvario , dove fu crocifisso . <br>Secondo i Vangeli sinottici, all'uscita della città, i soldati costrinsero un uomo chiamato Simone di Cirene, che rientrava casualmente in città proprio in quel momento, a caricarsi addosso la croce e a sorreggere il suo peso sulle spalle al posto dello stesso Gesù sino al luogo dell'esecuzione; grazie al suo sostegno, Gesù poté evitare che il carico del patibulum gravasse sulle spalle e sulla schiena che erano già state ferite dalla severa flagellazione che aveva subito. Marco  specifica che Simone era il padre di Alessandro e Rufo, come se i suoi figli fossero ben noti ai suoi lettori e potessero confermare i fatti. Questo dettaglio si chiarisce supponendo che il Rufo, che Paolo saluta nella Lettera ai Romani , sia proprio il figlio di Simone e tenendo presente che il vangelo di Marco, o almeno una prima bozza, potrebbe essere stato scritto a Roma. Tutta la famiglia, quindi, avrebbe aderito al cristianesimo e forse Simone non cercò di sottrarsi alla croce di Gesù perché già ne aveva ascoltato la predicazione.In mezzo alla folla che seguiva il condannato c'erano delle donne che piangevano e solo Luca riporta le parole rivolte a loro da Gesù, esortandole a versare le loro lacrime non su di lui ma sulla sorte che sarebbe capitata a loro stesse e ai loro figli. L'accenno al popolo piangente potrebbe essere una allusione di Luca alla profezia di Zaccaria , letta in riferimento a Cristo anche nel vangelo di Giovanni  e nell'Apocalisse . Le parole di Gesù, invece, alludono alle tremende sofferenze della popolazione di Gerusalemme durante l'assedio romano, raccontate da Giuseppe Flavio.Gli autori del "Nuovo Grande Commentario Biblico" sottolineano come "Giovanni non riporta nessuno degli episodi avvenuti durante il tragitto verso il luogo della crocifissione, contenuti negli altri vangeli". Dato che Giovanni descrive l'avviarsi di Gesù verso il calvario con la croce in spalla, ma non riporta l'incontro col Cireneo, gli stessi studiosi suppongono che l'evangelista non fosse a conoscenza di tale tradizione o, a livello teologico, che Giovanni "scelse di far portare la croce a Gesù per significare che egli aveva ancora il pieno controllo del proprio destino".

Prompt: Focus on Christ Carrying the Cross (Bosch, Madrid) and explain the The episode.Please output in Italian.

Calvario
Cristo
Gesù
Simone di Cirene
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo


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Ritratto di don Ferdinando di Borbone

L'opera raffigurante il Ritratto di Don Ferdinando di Borbone di Johann Zoffany è un dipinto ad olio su tavola  eseguito nel 1778–1779 e conservato presso la Galleria nazionale di Parma.

Prompt: How does Portrait of Ferdinand I, Duke of Parma explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna Huldschinsky

Madonna Huldschinsky è un'opera in terracotta  attribuita a Donatello, databile al 1410-1430 circa e conservata nel Bode-Museum a Berlino.

Prompt: Focus on Huldschinsky Madonna (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di una Sforza

Il Ritratto di una Sforza  è un disegno molto finito a gesso e inchiostro, matita nera, matita rossa e biacca su pergamena  attribuito a Leonardo da Vinci, databile al 1495 circa e conservato in una collezione privata, forse in Canada. Si tratta di una delle più recenti attribuzioni che riguarda Leonardo, scaturita in seguito a una serie di indagini scientifiche del 2009 che avrebbero ritrovato un'impronta digitale sull'opera altamente compatibile con altre conosciute dell'artista, in particolare sul San Girolamo della Pinacoteca Vaticana.A fine novembre 2015 Shaun Greenhalgh, che si dichiarava "falsario di professione", ha riportato di essere l'autore della "Bella principessa". Tuttavia Martin Kemp ha dichiarato questa pretesa paternità "ridicola".

Prompt: Focus on La Bella Principessa and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Giuditta e la sua ancella con la testa di Oloferne

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: In Judith and Her Maidservant (Correggio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Il Ritratto di Giuliano de' Medici duca di Nemours è una scultura in marmo  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1526-1534 circa e facente parte della decorazione della Sagrestia Nuova in San Lorenzo a Firenze. In particolare è la statua centrale della tomba di Giuliano e, come è noto, non riproduce le fattezze del defunto, ma si tratta di un'elaborazione ideale ed eroica della sua figura.

Prompt: In Portrait of Giuliano de' Medici, Duke of Nemours, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia e famiglia del Battista

L'opera fa parte di quelle opere citate da Francesco Mantegna nella bottega del padre dopo la sua morte nel 1506. Con il Battesimo di Cristo venne destinata, secondo la volontà dell'artista, a decorare la sua cappella funebre in Sant'Andrea, collocazione che mantiene tutt'oggi.  scelta del tema è legata alla dedica al Battista della cappella.

Prompt: In The Holy Family and the Family of Saint John the Baptist, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Il Ritratto di giovane uomo è un dipinto olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile tra il 1516 e 1517 circa e già conservato presso il Museo Czartoryski a Cracovia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Young Man (Raphael).Please output in Italian.


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Nella lussuria, fa' attenzione

Nella lussuria, fa' attenzione è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1660 dal pittore olandese Jan Steen.È conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Focus on Beware of Luxury and explain the Abstract.Please output in Italian.

1660
Jan Steen
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Fedra

Fedra  è un personaggio della mitologia greca. Fu la regina di Atene.

Prompt: In Phaedra (Cabanel), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Vestale Tuccia

Vestale Tuccia, nota anche come  Velata è una scultura in marmo, con dimensioni più grande del naturale, realizzata nel 1743 da Antonio Corradini, esponente del Rococò e noto per le sue statue di figure femminili, spesso allegoriche, coperte da veli che ne esaltano le forme sottostanti. L'opera è conservata al Palazzo Barberini di Roma.

Prompt: How does Vestal Virgin Tuccia (Corradini sculpture) explain its Abstract?Please output in Italian.

Antonio Corradini
Palazzo Barberini
Rococò
Roma
Tuccia
Vesta


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Lupa capitolina

datazione tradizionale parlava dell'epoca arcaica della storia romana, oscillante tra il V secolo a.C.  e il III secolo a.C.Tra le due possibili statue antiche della lupa, si ipotizzava che quella superstite fosse quella capitolina, perché giunta a noi priva di gemelli e con tracce di un guasto sulle zampe posteriori, che venivano messe in relazione con il fulmine citato da Cicerone. I raffronti iconografici e stilistici venivano fatti con alcuni rari materiali di area etrusca e latina: una stele felsina del V secolo a.C., dove la lupa appare in atteggiamento simile a quella della statua e quindi diversa dalle raffigurazioni tradizionali romane dove la lupa ha la testa volta verso i piccoli anziché lo spettatore; altre pochissime opere superstiti della bronzistica etrusca del V secolo a.C., che mostrano un'analoga scarnezza di forme unita a un certo decorativismo.Nel 2006 erano già stati sollevati dei dubbi sulla datazione dell'opera. L'ipotesi di Anna Maria Carruba, restauratrice e storica dell'arte che ha curato il restauro della statua, era che, in base alla tecnica di fusione, l'opera potesse risalire all'epoca altomedievale .  datazione delle terre di fusione con il radiocarbonio  data l'attribuzione dell'opera al XIII secolo, ma se dunque oggi si tende a considerarla un calco medievale su un originale etrusco, resta aperta la possibilità che il nucleo della statua sia autenticamente antico e che vi siano stati interventi e rifacimenti di parti di essa nel pieno Medioevo.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the controversial dating and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

2006
III secolo
III secolo a.C.
V secolo a.C.
XIII secolo


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Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: In The Last Supper (Leonardo), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Focus on Self-portrait (van Dyck, Vienna) and explain the Collections, exhibitions, self-portraits.Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Artemisia Gentileschi) and explain the Origins.Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Il pastore mercenario

Hunt dipinse il quadro quando viveva e lavorava in stretta collaborazione con John Everett Millais, che stava dipingendo lOfelia nello stesso momento vicino il fiume Hogsmill presso Ewell, nel Surrey. Entrambe le tele rappresentano delle scene rurali inglesi, l'innocenza delle quali viene disturbata dalle violazioni sottili ma molto minacciose dell'armonia naturale. Nel dipinto di Hunt, il pastore ignora il proprio gregge; due pecore sono sdraiate sull'erba mentre quelle sullo sfondo cominciano a interessarsi al fosso fiancheggiato dai salici che separa il prato da un campo di grano, dove è già giunta una pecora. Questa violazione dei confini è parallela alle intrusioni fisiche del pastore nello spazio personale della giovane, che risponde in una maniera ambigua che potrebbe essere interpretata come una complicità o uno scetticismo consapevole. Mentre le mostra la falena che ha catturato, egli coglie l'occasione per metterle un braccio intorno alle spalle.  borraccia legata alla cintura e le guance rosse fanno capire che lui è ubriaco, ed è facile intuire come lui stia cercando di sedurre la contadina. Inoltre, sulle ginocchia della giovane si trova un agnello, che mangia delle mele acerbe, e non mature.Hunt prese come modella per la ragazza una campagnola locale, Emma Watkins. Era nota come "la copta" presso la confraternita preraffaellita, forse per i suoi tratti esotici. Watkins lavorò a Londra per fare da modella per Hunt così che questi completasse il quadro, ma tornò a casa dopo non essere riuscita ad affermarsi come una modella in modo indipendente. Si sposò, mise su una famiglia e passò il resto della sua vita come una campagnola qualunque, finché non morì in un ospedale psichiatrico nel 1914. Non è noto il modello per la figura maschile, ma probabilmente era uno professionale.Quando venne mostrato per la prima volta all'accademia reale, il quadro fu accompagnato da una citazione dal Re Lear:

Prompt: In The Hireling Shepherd, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Ewell
Hogsmill
John Everett Millais
Londra
Re Lear
Surrey


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Morte di Sofonisba

Museo Puškin delle belle arti Venezia Sofonisba

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Death of Sophonisba (Preti).Please output in Italian.

Museo Puškin delle belle arti
Sofonisba
Venezia


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Betsabea

storia biblica ha altresì ispirato delle opere letterarie, come l'opera teatrale David and Bethsabe dello scrittore teatrale inglese George Peele . Il racconto è citato nel romanzo Via dalla pazza folla di Thomas Hardy , la cui protagonista si chiama proprio Bathsheba Everdene. Esistono poi molti romanzi storici sulla storia di Davide che raccontano anche questa vicenda, come L'armonia segreta di Geraldine Brooks.

Prompt: Explain the Literature about the Biblical story of this artwork, Bathsheba (Gentileschi).Please output in Italian.

David and Bethsabe
Davide
George Peele
Davide
Thomas Hardy
Via dalla pazza folla


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Rembrandt's self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Deposizione di Volterra

Un capitolo aperto nello studio dell'opera è rappresentato dall'individuazione delle fonti iconografiche che hanno ispirato l'artista. Alcuni hanno ipotizzato un'assoluta originalità dell'artista nell'invenzione, altri sono risaliti fino a fonti medievali, come il gruppo ligneo della Deposizione nel Duomo di Volterra , oppure con alcuni personaggi della Strage degli Innocenti e con lo spartito della Deposizione di Cenni di Francesco nella cappella a cui era destinata la pala. L'opera più vicina a quella del Rosso è comunque la Deposizione per la Santissima Annunziata  di Firenze, avviata da Filippino Lippi e terminata da Perugino: analoga è l'impostazione della Croce e la presenza delle due scale laterali, una appoggiata sul davanti, una sul dietro. Il depositore col perizoma giallo assomiglia a una figura del perduto cartone della Battaglia di Cascina di Michelangelo, mentre il corpo di Cristo cita la Pietà vaticana. L'accostamento di colori complementari deriva forse dalla visione della volta e le lunette della Cappella Sistina, viste forse in un viaggio a Roma tra il 1518 e il 1521, così come la posa di san Giovanni, col volto nascosto tra le mani, ricorda quella dell'Adamo nella Cacciata dei progenitori dall'Eden, di Masaccio. Inoltre sarebbero presenti echi delle stampe di Dürer, all'epoca assai popolari a Firenze.

Prompt: Explain the Iconographic sources about the Description and style of this artwork, Volterra Deposition.Please output in Italian.

1518
1521
Cacciata dei progenitori dall'Eden
Duomo di Volterra
Filippino Lippi
Masaccio
Perugino
Pietà vaticana
Volterra


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Fontane dei mostri marini

Pietro TaccaStatua equestre di Cosimo I de' Medici Statua equestre di Ferdinando I de' Medici Monumento dei Quattro mori

Prompt: Focus on Fontana dei mostri marini and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Assedio di Asola

tela fonde due scene: dalla sinistra e fin oltre la metà del quadro è rappresentato in primo piano uno scontro tra cavalieri, fatto realmente accaduto, che illustra la sortita degli asolani, assediati, dal 16 al 19 marzo 1516, dalle armate condotte personalmente dall'imperatore Massimiliano I; nel groviglio di uomini e cavalli, spicca il vessillo con il leone rampante di Asola, mentre la fortezza turrita compare sullo sfondo; a destra della composizione è invece raffigurato, con l'inequivocabile cartiglio, l'omaggio tributato dalla comunità asolana al provveditore Francesco Contarini, il nobile veneziano che seppe organizzare così bene la difesa della piazzaforte da costringere gli imperiali ad abbandonare l'impresa.L'assedio di Asola del 1516 è menzionato dagli storici Marin Sanudo, Francesco Guicciardini e Ludovico Mangini.

Prompt: How does The Siege of Asola explain its Description?Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Leggenda napoleonica Iconografia di Napoleone

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.

Iconografia di Napoleone
Leggenda napoleonica


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Ritratto di Maria Trip

Maria Trip , figlia del mercante di armi e pietre preziose Elias Trip e di Alotte Adriaen Sdr, il 12 marzo 1641 andò sposa al ricco mercante Balthasar Coymans , di trent'anni più anziano di lei, dal quale ebbe sei figli. Rimasta vedova si unì in seconde nozze con il notaio Pieter Ruysch van Wayenburg.   ricchezza dell'abbigliamento rivela l'appartenenza di Maria Trip, che all'epoca aveva vent'anni e non era ancora coniugata, ad una famiglia dell'alta borghesia.  giovane donna sta in piedi, con un'inclinazione a sinistra, e guarda lo spettatore. Nella mano sinistra, appoggiata su una balaustra, tiene un ventaglio. I capelli castani, un po' radi, ricadono sulla fronte. Maria Trip indossa un vestito nero, decorato da rosette, con il colletto dal triplo strato, ed è abbondantemente ingioiellata.. Alle sue spalle c'è una tenda scura, mentre un raggio di luce investe Maria frontalmente. Sono visibili correzioni nella parte inferiore, dove inizialmente era presente un tavolo.Il disegno preparatorio è di dimensioni maggiori della tela: si desumerebbe che il dipinto fu ridotto su tutti i lati per adattarlo alle esigenze della committenza, ma non si è a conoscenza di quando fu eseguita questa modifica.  data e la firma sicuramente non sono autentiche ma sono state poste successivamente imitando la grafia dell'artista, anche se la data appare attendibile.

Prompt: In Portrait of Maria Trip, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Religion and the Philosophy.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

I marmi, a Londra, furono danneggiati dall'inquinamento dal XIX secolo alla metà del XX e vennero irrimediabilmente rovinati dai rozzi metodi di pulizia adottati dal personale del British Museum.Un ulteriore tentativo di pulire i marmi avvenne nel 1858. Richard Westmacott, sovrintendente del "muovere e pulire le sculture", in una lettera approvata dal comitato permanente del British Museum il 13 marzo 1858 concluse che alcune parti erano state molto danneggiate dalle tecniche di esecuzione dei calchi con olio e strutto e dai restauri con cera e resina, che avevano provocato il cambio di tonalità dei marmi.Nel 1937-1938 si tentò di nuovo di pulire i marmi dal momento che era appena stata conclusa la nuova galleria in cui collocarli. Il marmo pentelico, con cui sono state eseguite le sculture, acquista naturalmente un colore marrone chiaro simile al miele se esposto all'aria; questa colorazione è spesso definita "patina" del marmo, ma Duveen finanziò la pulitura convinto, erroneamente, che i marmi fossero stati originariamente bianchi: organizzò quindi una squadra di esperti per rimuovere la patina da alcune delle sculture. Gli strumenti utilizzati furono sette raschietti, uno scalpello e un pezzo di pietra abrasiva; questi si trovano ora al Dipartimento di Conservazione del British Museum.  pulizia raschiò via una parte consistente delle sculture: secondo Harold Plenderleith la superficie rimossa in alcuni punti potrebbe essere stata ben un decimo di pollice .Dorothy King, nel 2004, ha affermato che tecniche simili a quelle utilizzate nel 1937-1938 sono state usate dai Greci anche nei decenni più recenti, e ha sostenuto che gli italiani le trovano ancora accettabili. è stata eseguita con tecniche simili a quelle degli anni Trenta, con scalpelli in acciaio e filo di ottone. Uno di questi avvenne nel 1961, quando due studenti fecero cadere una parte di una gamba di centauro. Nel giugno 1981 una figura del frontone occidentale venne leggermente scheggiata dalla caduta di un lucernario di vetro e nel 1966 dei vandali incisero quattro linee superficiali sul retro di una delle statue. Durante un evento simile nel 1970 vennero incise delle lettere sulla parte superiore della coscia destra di un altro personaggio. Quattro anni più tardi dei ladri cercarono di estrarre dei pezzi di piombo da una statua, rovinando il foro nello zoccolo di un centauro in cui era inserito un tassello in metallo.

Prompt: Explain the British Museum about the Damages of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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Retablo dei santi Orsola, Martino e Antonio

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: How does Altarpiece of Saints Ursula, Martin and Anthony explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Apocalisse

rivelazione dei misteri svela cose che vanno oltre la normale portata dell'umana conoscenza. Dio concede a profeti selezionati le istruzioni al riguardo, sia per aspetti estranei all'esperienza umana o per vicende che l'umanità non ha ancora affrontato.Vengono svelate alcune informazioni sul paradiso, in misura minore o maggiore: gli scopi di Dio; i fatti e le caratteristiche relative agli angeli e agli spiriti malvagi; la spiegazione di alcuni fenomeni naturali; la storia della creazione e dei periodi iniziali dell'umanità; gli eventi in corso, in special modo quelli relativi al futuro di Israele; la fine del mondo; il giudizio universale e il destino dell'umanità; l'epoca messianica; immagini del paradiso e dell'inferno. Nel Libro di Enoch, la più ampia delle apocalissi ebraiche, la rivelazione comprende tutti gli elementi suddetti.

Prompt: Describe the characteristics of the Revelation of mysteries in Apocalypse (Dürer)'s Description.Please output in Italian.


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Ritratto dell'imperatore Massimiliano I

Nella primavera del 1512, per più di due mesi, il neoeletto Massimiliano I d'Asburgo si era fermato a Norimberga, dove aveva conosciuto Dürer. Per celebrare l'imperatore e la sua casata l'artista aveva concepito un'impresa mai vista, una gigantesca xilografia composta da 193 blocchi stampati separatamente e riuniti insieme a formare un grande Arco trionfale.  straordinaria impresa venne ricompensata  all'artista con un beneficio annuo di cento fiorini.L'opera venne completata quando l'imperatore era già morto, con alcune varianti rispetto al disegno iniziale.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Emperor Maximilian I.Please output in Italian.

1512
Massimiliano I d'Asburgo
Norimberga


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Bagnanti ad Asnières

Nel 1879, quando mancavano ormai pochi anni prima dell'esecuzione di Bagnanti ad Asnières, Seurat stava ancora perfezionando la propria tecnica pittorica sotto la guida degli insegnanti della École des Beaux-Arts. L'Accademia insegnava ai propri studenti che qualsiasi dipinto di grande formato, prima di esser portato a compimento, doveva essere preceduto da una sicura preparazione disegnativa, da predisporre con l'esecuzione di numerosissimi disegni e bozzetti preparatori.È possibile che Seurat pensasse ai Bagnanti ad Asnières già a partire dal 1882. Da quell'anno fino al 1884 si sono succeduti diversi studi a olio : si osservi, in tal senso, il bozzetto preparatorio oggi esposto a Chicago, del tutto simile alla redazione finale, fatta eccezione ovviamente per le dimensioni . Seurat era solito soprannominare affettuosamente queste minuscole tavole con il termine croquetons, oggi divenuto così popolare da potersi considerare a tutti gli effetti come un occasionalismo linguistico.Ai croquetons, volti a studiare il colore e la luce, Seurat affiancò poi ben nove disegni, sempre preparatori, eseguiti con la matita Conté, particolarmente apprezzata dal pittore per il suo tratto morbido e graduabile. È proprio dosando con grande abilità la pressione della matita Conté, e sfruttando le asperità di supporti come il cartoncino , che Seurat riesce a lumeggiare le sue figure e a conferire loro un notevole vigore plastico, senza neppure impiegare la biacca o sostanze coloranti analoghe. L'ultimo impegno consisteva infine nel sintetizzare lentamente sulla tela i risultati ottenuti, eliminando il superfluo e conservando l'indispensabile, attraverso un paziente lavoro di depurazione dell'immagine.

Prompt: Describe the characteristics of the Achievement in Bathers at Asnières's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The influence of photography of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Il bevitore di assenzio

Il bevitore d'assenzio  è un dipinto a olio su tela  del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1858-1859 e conservato alla Ny Carlsberg Glyptotek di Copenaghen.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Absinthe Drinker (Manet).Please output in Italian.

Copenaghen
Ny Carlsberg Glyptotek
Édouard Manet


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Sala di Costantino, quarta e ultima Stanza dell'appartamento, venne commissionata a Raffaello da Leone X nel 1517, come ricorda Vasari nelle vite del Sanzio e di Giovan Francesco Penni. Il maestro però, negli ultimi frenetici anni di vita, fece in tempo solo a preparare i cartoni, morendo nel 1520. L'opera è quindi datata dal 1520 fino al 1524 quando, ormai sotto Clemente VII, Giulio Romano, evidentemente libero da impegni col papa, partì per Mantova. A Raffaello è attribuita l'ideazione del complesso decorativo, ma l'intera stesura e probabilmente anche la composizione delle scene nella parete spetta agli allievi.Il tema iconografico principale, le storie di Costantino Magno, mira all'esaltazione della Chiesa, della sua vittoria sul paganesimo e al suo insediamento nella città di Roma. Si tratta di una celebrazione storico-politica che proseguiva le riflessioni della seconda e della terza stanza. sala misura 10x15 metri, con le quattro scene principali che simulano arazzi appesi alle pareti. Ai lati, tra nicchie con figure allegoriche, si trovano figure di pontefici tra angeli.   stesura è riferita a Giulio Romano, Giovan Francesco Penni, Raffaellino del Colle. Perin del Vaga dipinse gli sguanci nelle pareti. Il soffitto originario era composto da travi lignee. Nel 1582, sotto Gregorio XIII, venne sostituito da volte e decorato da affreschi, con il Trionfo della religione cristiana, affidati al pittore siciliano Tommaso ureti e completati nel 1585.Quattro sono gli affreschi principali:# Visione della croce# Battaglia di Costantino contro Massenzio# Battesimo di Costantino# Donazione di Roma{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto - 205px  230px  154px  172px- Visione della croce  Battaglia di Costantino contro Massenzio  Battesimo di Costantino  Donazione di Roma}

Prompt: Describe the characteristics of the Saladi Costantino in Raphael Rooms's Description.Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the Vangelicanonici of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Explain the Composers about the The relationship with singing of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.