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Torso di Adele

Il Torso di Adele  è una scultura dell'artista francese Auguste Rodin. Due versioni, in terracotta e in gesso, sono conservate al museo Rodin di Parigi. Ne sono state tratte anche  fusioni in bronzo.

Prompt: Focus on Torso of Adele and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto dei duchi di Osuna con i figli

Il Ritratto dei duchi di Osuna con i figli  è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1788 e conservato al museo del Prado di Madrid.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Duke and Duchess of Osuna and their Children.Please output in Italian.


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Sibilla Cumana

Il titolo di Sibilla Cumana era proprio dalla somma sacerdotessa italica, che presiedeva l'oracolo di Apollo  e di Ecate , situato nella città magnogreca di Cuma. Ella svolgeva la sua attività oracolare nei pressi del go d'Averno, in una caverna conosciuta come l'"Antro della Sibilla" dove la sacerdotessa, ispirata dalla divinità, trascriveva in esametri i suoi vaticini su foglie di palma le quali, alla fine della predizione, erano mischiate dai venti provenienti dalle cento aperture dell'antro, rendendo i vaticini "sibillini", cioè difficili e incerti da interpretare.  sua importanza era nel mondo italico pari a quella del celebre oracolo di Apollo di Delfi in Grecia.Tali Sibille erano giovani vergini, le quali si pensava potessero vivere più a lungo dei comuni mortali  , che svolgevano attività mantica, entrando in uno stato di trance .L'etimologia dell'italiano Sibilla deriva dal latino Sibylla, che a sua volta si rifà al greco antico Σῐ́βυλλᾰ . Sebbene l'ipotesi resti incerta, ritornando a ritroso per il dorico Σίοβολλα , si ipotizza che il suo significato sia riscontrabile nell'attico Θεοβούλη , cioè “volontà divina”.Alcuni nomi che ci sono rimasti delle Sibille cumane sono: Amaltea, Demofila ed Appenninica . Nel libro VI dellEneide, Virgilio,  la definisce "longeva sacerdotessa"  col nome di «Deifobe di Glauco» e «Amphrysia», appellativo originato dal fiume tessalo Amfriso, presso il quale Apollo custodì il gregge di Admeto. Nel poema la Sibilla Cumana funge prima da veggente:  si rifugia nell'antro "dalle cento porte" e viene invasata da Apollo, cambiando aspetto e timbro di voce. Ivi sollecita le domande di un impaurito Enea e risponde con oscuri vaticini, promettendogli l'arrivo alla meta, ma con nuove sanguinose battaglie e un nuovo Achille , ma anche un soccorso da una città greca .  sibilla poi consiglia Enea di seppellire il compagno morto  e di procurasi un magico ramo d'oro nel bosco sacro, da offrire a Proserpina regina dell'Ade. Con questo mitico lasciapassare, gli farà da guida nel Regno dell'Oltretomba, fino al ritorno.  presentazione dell'oracolo è accompagnata dal cupo ritratto dei luoghi in cui vive e che formano un tutt'uno, a suggerire un'immagine di paura ma allo stesso tempo di mistero. Alla sua figura è anche legata una leggenda: «Apollo innamorato di lei le offrì qualsiasi cosa purché ella diventasse la sua sacerdotessa, ed ella gli chiese l'immortalità. Ma si dimenticò di chiedere l'eterna giovinezza e, quindi, invecchiò sempre più finché, addirittura, il corpo divenne piccolo e consumato come quello di una cicala. Così decisero di metterla in una gabbietta nel tempio di Apollo, finché il corpo non scomparve e rimase solo la voce. Apollo comunque le diede una possibilità: se lei fosse diventata completamente sua, egli le avrebbe dato la giovinezza. Però ella, per non rinunciare alla sua castità, decise di rifiutare».In Ovidio, inoltre, nel libro XIV delle Metamorfosi la Sibilla Cumana narra ad Enea del dono ricevuto da Apollo, di tanti anni di vita quanti i granelli di sabbia che era possibile stringere nella propria mano; dimenticando tuttavia di richiedere l'eterna giovinezza, la Sibilla era destinata a un invecchiamento lunghissimo nel tempo.Dante, costante evocatore dei miti virgiliani, cita talora anche la Sibilla, con particolari riferimenti alla difficoltà di cogliere il filo dei suoi responsi:Viene ricordata anche in un celebre passo di Petronio, che viene citato in epigrafe da Thomas Stearns Eliot nel suo  terra desolata:L'antro della Sibilla Cumana si trova nella frazione di Cuma, tra i comuni di Pozzuoli e Bacoli, nella città metropolitana di Napoli. È ricordata una Sibilla Cumana anche a Ponte Arche , sede delle Terme di Comano.

Prompt: How does Cumaean Sibyl (Domenichino) explain its Legendary literary references?Please output in Italian.

Antro della Sibilla
Apollo
Bacoli
Cuma
Delfi
Ecate
Enea
Eneide
Grecia
Napoli
Ponte Arche
Pozzuoli
Proserpina
Sibilla
Terme di Comano


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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: Describe the characteristics of the India in Epifania's History.Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


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Festino degli dei

Non si capisce, con queste premesse, come mai Bellini accettò invece la commissione del duca di Ferrara, Alfonso I d'Este, fratello della marchesa, di un quadro a soggetto mitologico da sistemare nel "camerino d'alabastro" che il duca progettava di costruire.Il risultato complessivo dell'opera non dovette soddisfare il committente, e l'artista intervenne più volte ad opera finita sul dipinto, e aver ottenuto invece un dipinto da Dosso Dossi, pittore di corte a Ferrara, si rivolse a Tiziano che dipinse poi per lui la Festa di Venere, il Bacco e Arianna e infine il Baccanale degli Andrii.

Prompt: Explain the Alfonso I about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Feast of the Gods.Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Baccanale
Baccanale degli Andrii
Bacco
Dosso Dossi
Ferrara


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Ritratto di Agnolo Doni

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: In Portrait of Agnolo Doni, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli

Pittura napoletana Cattedrale di Pozzuoli

Prompt: How does Saint Januarius in the Amphitheatre at Pozzuoli explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cattedrale di Pozzuoli
Pittura napoletana


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Orologio astronomico di Praga

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu , nella zona nera  o in quelle rosse .Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora  e ortus , in quella destra occasus  e crepusculum I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga . Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti  e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie".  lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

Prompt: In the context of Prague astronomical clock, explain the Background of the quadrant and the Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Georges Seurat, pioniere del movimento, soleva definire la sua concezione tecnico-artistica «cromo-luminarismo» o «divisionismo» e poi ripreso in un proprio saggio sul movimento. Con questo termine si intendeva sottolineare la differenza tra l'Impressionismo originario, «romantico», e il nuovo Impressionismo «scientifico». Nel dicembre dello stesso anno fu usato anche da Arsène Alexandre, editorialista de "L'Evénement".

Prompt: Explain the Name of this artwork, Neo-Impressionism.Please output in Italian.

Arsène Alexandre
Georges Seurat
Impressionismo


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La terrazza a Sainte-Adresse

Ma chi sono i villeggianti? Immersi in una natura rigogliosa, ricolma di gladioli gialli e scarlatti , troviamo ben quattro personaggi, elegantemente vestiti: vicino alla balaustra una donna e un uomo discorrono in maniera intima ma rispettosa, osservati scrupolosamente da una coppia di anziani in primo piano, languidamente seduti sulle sedie predisposte per i frequentatori della terrazza. Magari questi due vegliardi conoscono la coppia più giovane e, anzi, hanno pure accompagnato la figlia  dal potenziale partner, come se con la loro presenza distaccata volessero legittimare sobriamente la validità di quest'unione. Potrebbe pure darsi, tuttavia, che le due coppie non si conoscono, e che il signore e la signora in primo piano, contemplando silenziosamente quest'incontro galante inaspettato, stiano semplicemente pensando agli amori dei bei tempi andati. Certa, invece, è l'identità dei modelli che hanno posato per questa scena: sullo sfondo vi sono Adolphe Monet e Jeanne Marguérite Lecadre, rispettivamente padre e zia dell'artista, mentre in primo piano troviamo Adolphe Lecadre e sua figlia.Quest'opera, oltre che per i contenuti, è particolarmente interessante anche per la tecnica, che riesce perfettamente a rendere l'impressione di un'assolata giornata di primavera producendo nell'immagine effetti di grande luminosità e brillantezza cromatica. Per ottenere questo fulgore ovattato Monet ricorre a una tavolozza composta esclusivamente da colori puri e dispone le varie regioni cromatiche in modo tale che queste, interagendo tra di loro, possano esaltarsi o deprimersi vicendevolmente secondo le sue necessità. È soprattutto accostando colori scuri con colori nitidi che Monet elimina completamente le variazioni tonali e i passaggi terrosi e opachi, salvaguardando così la luminosità del dipinto. Interessante, in tal senso, anche il diverso trattamento che Monet riserva alle pennellate della tela: quelle che tratteggiano il parasole della signora in primo piano, ad esempio, sono uniformi e regolari. Quest'unità, tuttavia, viene perduta nelle pennellate che delineano la veste della stessa signora, che infatti appaiono più segmentate, disunite, per via di un processo di frantumazione della materia pittorica che viene ripreso e intensificato nell'abito della ragazza sullo sfondo, nel mare - dove le leggere increspature delle onde sono date per rapidi tocchi virgolati - e infine nei fiori, per i quali Monet arriva a depositare il colore sulla tela con la punta del pennello sotto forma di puntini di piccolissime dimensioni. Pur nella differenziazione del trattamento cromatico, tuttavia, l'opera riesce a preservare un senso di stabilità e armonia grazie a una sapiente composizione geometrica che trova la sua espressione più alta nell'intreccio di linee orizzontali  e verticali .

Prompt: Explain the Description of this artwork, Garden at Sainte-Adresse.Please output in Italian.


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Lavanda dei piedi

lavanda dei piedi è il gesto che Gesù ha compiuto durante l'Ultima Cena. Il fatto è narrato nel Vangelo secondo Giovanni: .

Prompt: How does The Washing of the Feet explain its Abstract?Please output in Italian.

Gesù
Ultima Cena
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Morte di Cleopatra

Secondo il bibliotecario britannico Theodore Cressy Skeat, Cleopatra sarebbe morta il 12 agosto del 30 a.C., basandosi sui documenti dell'epoca e sull'esaminazione delle fonti storiche.  sua teoria è condivisa da Stanley Mayer Burstein, James Grout, Aidan Dodson e Dyan Hilton, anche se gli ultimi due sono più cauti in quanto affermano che la morte sarebbe avvenuta il 12 agosto circa.  data del 10 agosto, invece, viene sostenuta da accademici come Duane W. Roller, Joann Fletcher e Jaynie Anderson.

Prompt: Describe the characteristics of the Date of death in The Death of Cleopatra's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

30 a.C.
Aidan Dodson
Cleopatra
Duane W. Roller
Jaynie Anderson
Joann Fletcher
Theodore Cressy Skeat


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Bellezza

Armonia Arte Astronomia Amore e Psiche  Bellezza matematica Bello Bontà Canone di bellezza Cubo magico 5x5x5 Eleganza Estasi Estetica Forma  Geometria euclidea Kalokagathia Sensazione Stile Sublime Trascendentale Utopia Verità

Prompt: In The Beauty, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (van Eyck, Washington), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Conversione della Maddalena

rappresentazione pittorica della Maddalena penitente e quella della conversione della Maddalena coprono uno spettro iconografico molto vasto, potendo l'artista cercare in molti modi diversi il necessario equilibrio tra la sensualità della peccatrice e la sua ascesi spirituale nel pentimento. Tiziano, nella famosa tela conservata anch'essa a Palazzo Pitti, aveva dipinto una Maddalena decisamente sensuale, con un procace seno scoperto, solo in piccola parte celato dai lunghissimi capelli biondi, che reclamava la verità del suo pentimento con gli occhi pieni di lacrime rivolti al cielo.In questa Maddalena di Artemisia Gentileschi, il contrasto tra sensualità e fede è risolto in modo assai meno provocatorio. Vero è che la santa ha l'aspetto di una donna avvenente, elegante come poteva essere una dama di alto rango, con un sontuoso abito di seta gialla ; un abito dagli amplissimi panneggi, con una generosa scollatura che, con noncuranza, mostra appena la nudità di una spalla e la piega del seno. Non c'è nulla di specialmente provocatorio, tanto più che dalla veste lussuosa spunta un piede nudo, simbolo di un proposito di rinuncia; proposito che viene confermato dalla postura delle mani, l'una sul petto, come in atto di riconoscere i suoi peccati, e l'altra protesa a schivare qualcosa che a mala pena si intravede nell'ombra. Si tratta di uno specchio, simbolo per antonomasia della vanitas. Sulla sua cornice si leggono le parole del Vangelo secondo Luca "OPTIMAM PARTEM ELEGIT", ha scelto la parte migliore, quella della ricerca del Signore.Il viso, incorniciato dai boccoli un po' disordinati dei capelli, appare più mesto che affranto, e lo sguardo sembra ancora esitare prima di  rivolgersi verso l'alto.  impaginazione del quadro, con la figura che esce dal buio dello sfondo di una stanza, è decisamente caravaggesca. Ma se Caravaggio, con la sua Maddalena conservata nella Galleria Doria Pamphilj, aveva messo in scena una prostituta, col viso abbassato, le mani in grembo, assisa su una sedia modesta ed i gioielli abbandonati sul nudo pavimento, il verismo di Artemisia non arriva qui a tanto. A conferire un'aria aristocratica alla figura contribuisce anche la poltrona finemente lavorata sulla quale la santa sta assisa. Proprio su un lato dello schienale la pittrice ha posto la sua firma, "ARTIMISIA LOMI". tela appartiene  – secondo l'opinione pressoché concorde dei critici – al periodo fiorentino ed è verosimile che l'aspetto elegante ed aristocratico della santa risenta dei gusti artistici di una  Firenze che, in quegli anni, apprezzava particolarmente i modi pittorici di Cristofano Allori.

Prompt: How does Mary Magdalene (Artemisia Gentileschi) explain its The work?Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Cristofano Allori
Firenze
Galleria Doria Pamphilj
Vangelo secondo Luca


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Velo della Veronica

Questa immagine è conservata nella modesta chiesa di S. Bartolomeo degli Armeni, Genova, dove fu donata, nel XIV secolo, al doge Leonardo Montaldo dall'imperatore bizantino Giovanni V Paleologo.È stato oggetto di uno studio dettagliato del 1969 di Colette Dufour Bozzo, che datò la cornice esterna al tardo XIV secolo, mentre la cornice interna e l'immagine stessa si crede siano state originate più tardi. Bozzo trovò che l'immagine era impressa su di un panno che era stato incollato a una tavola di legno. somiglianza dell'immagine con il velo della Veronica suggerisce un collegamento tra le due tradizioni.

Prompt: Explain the Sacro Vault of Genoa about the TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.


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Epifania

comparsa alla fine dei tempi di persone chiamate da Allah , mettendo fine alle ingiustizie e alle inadeguatezze umane, è un concetto presente sia nel pensiero escatologico sunnita sia in quello sciita. Nel primo caso si parla del Mahdi, nel secondo della manifestazione dell'ultimo Imam, il dodicesimo per i duodecimani , il settimo per i settimani , entrato in "occultamento"  per sfuggire alle persecuzioni degli stessi governanti musulmani ostili alla gestione del potere politico e spirituale dell'Ahl al-Bayt. Con tutti costoro l'ingiustizia dei tempi umani cederà il posto a un Islam perfetto, giusto, solidale e devoto in perfetta attuazione dei teorici canoni stabiliti dalla fede islamica.

Prompt: How does Epifania explain its Theophany in Islam?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nei pennacchi angolari si trovano quattro scene bibliche, che si riferiscono ad altrettanti eventi miracolosi a favore del popolo eletto:

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Stories of the Old Testament and the Description.Please output in Italian.


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Nike di Samotracia

statua, rinvenuta acefala e senza braccia, raffigura Nike, la giovane dea alata figlia del titano Pallante e della ninfa Stige, adorata dai Greci come personificazione della vittoria sportiva e bellica.  dea, vestita con un leggero chitone, è qui effigiata nell'atto di posarsi sulla prua di una nave da guerra . Un vento impetuoso investe la figura protesa in avanti, muovendo il panneggio che aderisce strettamente al corpo, e crea un gioco chiaroscurale di pieghette dall'altissimo valore virtuosistico, in grado di valorizzare il risalto dello slancio. Dinamismo e abilità di esecuzione si uniscono quindi in un'opera che concilia spunti dai migliori artisti dei decenni precedenti: il vibrante panneggio fidiaco, gli effetti di trasparenza e leggerezza prassitelici e la tridimensionalità lisippea.Scolpita nel pregiato marmo pario, la dea posa con leggerezza il piede destro sulla nave, mentre per il fitto battere delle ali, che frenano l'impeto del volo, il petto si protende in avanti e la gamba sinistra rimane indietro. Le braccia sono perdute, ma alcuni frammenti delle mani e dell'attaccatura delle spalle mostrano che il braccio destro era abbassato, a reggere probabilmente il pennone appoggiato alla stessa spalla, mentre il braccio sinistro era sollevato, con la mano aperta a compiere, secondo Marianne Hamiaux, un gesto di saluto, oppure a reggere una corona.  volontà dell'autore della Nike ha esasperato tutto ciò che può suggerire il movimento e la velocità.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Winged Victory of Samothrace.Please output in Italian.


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Dinosauri di Crystal Palace

In seguito alla chiusura della Grande Esposizione nell'ottobre 1851, il Crystal Palace di Joseph Paxton fu acquistato e trasferito a Penge Place in cima a Sydenham Hill, a sud di Londra, dalla appena formata Crystal Palace Company. I terreni che lo circondavano furono poi ampiamente rinnovati e trasformati in un parco pubblico con giardini ornamentali, repliche delle statue e due nuovi laghi artificiali. Come parte di questa ristrutturazione, Benjamin Waterhouse Hawkins fu incaricato di costruire i primi modelli a grandezza naturale di animali estinti. Inizialmente era stato pianificato di ricreare solo mammiferi estinti, per poi decidere di costruire anche ricostruzioni di dinosauri, sotto consiglio di Sir Richard Owen, un celebre biologo e paleontologo dell'epoca. Hawkins allestì un laboratorio sul posto dove costruì i modelli. I dinosauri vennero costruiti a grandezza naturale in argilla, da cui è stato poi preso uno stampo in cui era possibile versare il cemento. Le sculture più grandi sono vuote con un interno in mattoni.I modelli sono stati esposti su tre isole che fungono da linea temporale approssimativa, la prima isola per l'era paleozoica, una seconda per il mesozoico e una terza per il cenozoico. Ai modelli è stato dato più realismo facendo salire e scendere il livello dell'acqua del lago, rivelando diverse statue dei dinosauri altrimenti sommerse. Per celebrare l'inaugurazione dei modelli, Hawkins tenne una cena alla vigilia di Capodanno 1853 all'interno dello stampo di uno dei modelli degli Iguanodon.Hawkins beneficiò notevolmente della reazione del pubblico ai dinosauri, così forte da consentire la vendita di set di versioni più piccole dei modelli dei dinosauri, al prezzo di £ 30 per uso didattico. Ma la costruzione dei modelli fu costosa  e nel 1855 la Crystal Palace Company tagliò i finanziamenti di Hawkins. Diversi modelli pianificati non furono mai realizzati, mentre quelli a metà lavorazione furono demoliti, nonostante le proteste dei media, come il quotidiano The Observer.Hawkins in seguito lavorò al "Paleozoic Museum" nel Central Park di New York, una sorta di equivalente americano dei dinosauri di Crystal Palace. Nel maggio 1871 molte delle opere nella bottega di Hawkins furono distrutte dai vandali e i loro frammenti furono sepolti, forse, inclusi elementi dello scheletro originale di Elasmosaurus, che il paleontologo americano Edward Drinker Cope aveva prestato a Hawkins per la preparazione di una ricostruzione.Con i progressi della paleontologia e nuove scoperte scientifiche, la reputazione dei modelli di Crystal Palace diminuì. Nel 1895, il cacciatore di fossili americano Othniel Charles Marsh disprezzava chi tentava di difendere le sculture ormai obsoleti ed inaccurati, e parlava con rabbia dei modelli. I modelli e il parco caddero in rovina con il passare degli anni, un processo aiutato dal fuoco che distrusse il Crystal Palace stesso nel 1936, e i modelli furono oscurati dal fogliame e ricoperto di vegetazione. Un restauro completo degli animali fu eseguito nel 1952 da Victor HC Martin,, quando i mammiferi della terza isola furono spostati in posizioni meno protette del parco, dove furono esposti all'usura e alle intemperie.  scogliera calcarea fu fatta saltare in aria negli anni '60.Nel 2002, la mostra venne completamente rinnovata.  scogliera di calcare distrutta è stata completamente sostituita con 130 grandi blocchi di calcare del Derbyshire, molti del peso di oltre 1 tonnellata , ricostruiti secondo un piccolo modello realizzato con lo stesso numero di blocchi di polistirolo.Nel 2018, l'associazione "Amici dei dinosauri di Crystal Palace", che aiuta a mantenere e restaurare le sculture, ha iniziato una campagna di finanziamento per raccogliere £ 70.000 per costruire un ponte permanente in modo che i visitatori possano visitare le isole su cui sono sparse le sculture. Il chitarrista Slash ha appoggiato la raccolta fondi, affermando che questi dinosauri hanno un "posto speciale" nel suo cuore e ha donato un oggetto per la loro asta di beneficenza. Il sindaco di Londra in seguito donò £ 30.000 per la campagna.

Prompt: How does Crystal Palace Dinosaurs explain its History?Please output in Italian.

Benjamin Waterhouse Hawkins
Central Park
Derbyshire
Edward Drinker Cope
Iguanodon
Joseph Paxton
Londra
New York
Othniel Charles Marsh
Paleozoic Museum
Penge
Richard Owen
Slash
The Observer


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The Twentieth Century discussed?Please output in Italian.


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: How does Last Supper (Tintoretto) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

quarta tavola mostra lAscesa all'Empireo, in cui una serie di anime nude, trasportate da coppie di angeli, vengono condotte verso un tunnel con in fondo una grande luce, quella del Paradiso. Si tratta di un'invenzione di grande efficacia, resa con la semplice giustapposizione di cerchi non concentrici scalati nella tonalità dal blu più scuro all'azzurro chiaro, forse ispirata a miniature tardo-medievali. Le anime appaiono come attratte e risucchiate dalla luce e dal colore, presentandosi in ginocchio e senza peso verso il varco, con un andamento ascendente a zig-zag di notevole efficacia. In fondo al tunnel le aspetta un personaggio, forse un angelo o san Pietro, immerso nella luce assoluta.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Ascent to the Empyrean and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The influence of photography of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Profilo d'uomo

Il personaggio, un uomo anziano, è ritratto con un ricco abito rosso, di profilo su uno sfondo scuro.  posa laterale era consueta nell'arte nelle corti italiane del tempo, ed era mutuata dalle effigi umanistiche dei vir illustris, a loro volta ispirate alla numismatica romana di età imperiale.Notevole è l'uso della luce radente, proveniente da sinistra, che fa stagliare con forza la linea del profilo, individuando anche con incisività le caratteristiche fisiognomiche individuali del soggetto. Con brevi tocchi di pennello sono accennati particolari di grande realismo, come la barba incolta sul mento e le vene pulsanti della tempia. Ben modellato è anche il panneggio del copricapo, che si intreccia ricadendo mollemente sulla spalla.Lo sfondo scuro, estremamente sobrio, era un tempo azzurro, realizzato con il prezioso blu di lapislazzuli.

Prompt: In Profile of a Man (Mantegna), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Madonna della Vittoria

Madonne di Andrea MantegnaRinascimento mantovanoAndrea MantegnaChiesa di Santa Maria della Vittoria Spoliazioni napoleoniche

Prompt: Focus on Madonna della Vittoria and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna
Rinascimento mantovano
Spoliazioni napoleoniche


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Vestale Tuccia

Il soggetto dell'opera è Tuccia, leggendaria vestale romana, accusata ingiustamente di aver violato il voto di castità.  donna provò la sua innocenza, raccogliendo dell'acqua del Tevere con un setaccio, trasportandola fino al Tempio di Vesta, senza neanche farne cadere una goccia. Nella rappresentazione del Corradini, Tuccia tiene il setaccio sul fianco sinistro. sinistra Incisione, attribuita a Corradini, della Vestale Tuccia .L'artista cominciò a lavorare sull'opera non appena arrivò, da Vienna, a Roma, dove avrebbe preso consapevolezza dell'importanza delle sacerdotesse vestali e della vicenda di Tuccia. In antichità, il principale compito delle vestali consisteva nel tenere sempre acceso il sacro fuoco alla dea Vesta, rappresentativo della vita della città; a tali sacerdotesse, inoltre, erano rigorosamente vietate le relazioni sessuali ed era ritenuto imperdonabile non rispettare il voto di castità. Qualora una vestale avesse perso la verginità, ciò avrebbe potuto rappresentare una minaccia per la Repubblica romana: per tale motivo, le vestali impure e non caste venivano seppellite vive.Non era la prima volta che Corradini si avvicinava a questo soggetto. Nel 1724 scolpì un busto di una vestale, attualmente parte della collezione dello Skulpturensammlung di Dresda: in aggiunta, in un portfolio di incisioni delle sculture presenti nel museo, realizzato nel 1733, vi è un'immagine di una Tuccia velata, presumibilmente del Corradini. scultura fu esposta nello studio del Corradini, posizionato nei pressi di Palazzo Barberini. L'opera riuscì ad ottenere fama e notorietà. Tra le personalità illustri ad aver visitato lo studio proprio per la Tuccia vi furono Giacomo Edoardo Stuart, giacobita rivendicante il trono d'Inghilterra, e Papa Benedetto XIV. statua non è stata mai venduta. Quando Corradini si è recato a Napoli, per lavorare alla Cappella Sansevero, la Tuccia è rimasta a Palazzo Barberini, dove si trova tuttora. Il pittore e caricaturista Pier Leone Ghezzi, amico di Antonio Corradini, ipotizzò una spiegazione: "I signori romani" non l'hanno apprezzata "per invidia".

Prompt: How does Vestal Virgin Tuccia (Corradini sculpture) explain its History and description?Please output in Italian.

Antonio Corradini
Cappella Sansevero
Dresda
Napoli
Palazzo Barberini
Papa Benedetto XIV
Pier Leone Ghezzi
Repubblica romana
Roma
Skulpturensammlung
Tempio di Vesta
Tevere
Tuccia
Vesta
Vienna


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San Francesco abbraccia Cristo crocifisso

Il quadro faceva parte di un ciclo commissionato a Murillo dai cappuccini per una cappella della chiesa del loro convento a Siviglia: tali opere, realizzate a partire dal 1668 circa, dovevano esaltare gli elementi distintivi della spiritualità francescana.Il soggetto  era già stato realizzato da altri pittori e tra le versioni più celebri era quella di Francisco Ribalta realizzata circa un decennio prima per i cappuccini di Valencia: pertanto furono probabilmente i frati valenciani, che avevano contribuito alla fondazione del convento di Siviglia, che suggerirono a Murillo di riproporre tale motivo nella sua tela.

Prompt: How does Saint Francis Embracing Christ on the Cross explain its History?Please output in Italian.

1668
Francisco Ribalta
Siviglia
Valencia


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: In Love & Loss, how is the Other cultures and deities of the Religion explained?Please output in Italian.


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Mademoiselle La La al Circo Fernando

Il circo Fernando, di impianto stabile, era frequentato dalla classe media parigina e amato dai giovani pittori dell'epoca: la sua popolarità era tale che in breve tempo divenne oggetto di rappresentazione pittorica in Pierre-Auguste Renoir e Henri de Toulouse-utrec , oltre che in Degas. Tra le sue attrazioni più amate vi era una donna mulatta, Mademoiselle  , acrobata, trapezista e donna forzuta di fama europea. Nota a Parigi come  femme canon, essa si faceva issare reggendosi solo coi denti e come finale dondolava sul trapezio appesa per i piedi reggendo coi denti un cannone che sparava un colpo. Il dipinto, presentato alla quinta esposizione impressionista del 1879, fu acquistato dalla National Gallery di Londra con il contributo del Courtauld Fund nel 1925. Uno studio a pastello della figura di Mademoiselle   è oggi esposto nella Tate Gallery, sempre a Londra.

Prompt: In Miss La La at the Cirque Fernando, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Manchester

Madonna di Manchester è un dipinto incompiuto a tempera su tavola  attribuito al giovane Michelangelo Buonarroti, databile al 1495-1497 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Manchester Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.

1495
1497
Londra
Manchester
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: In The Sacrament of the Last Supper, how is the Location of the Last Supper of the New Testament explained?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Klaus Reichold, König Ludwig II. von Bayern - zwischen Mythos und Wirklichkeit, Märchen und Alptraum; Stationen eines schlaflosen Lebens; München, Süddt. Verl., 1996. Anita Schäffler, Sandra Borkowsky, Erich Adami, König Ludwig II. von Bayern und seine Reisen in die Schweiz - 20. Oktober - 2. November 1865, 22. Mai - 24. Mai 1866, 27. Juni - 14. Juli 1881; eine Dokumentation, Füssen, 2005.  Helena Flensburg, Gemmer Franz: Ludwig II di Baviera, Torino, Edizioni MEB, 1973. Julius Desing, König Ludwig II. Sein Leben - Sein Ende, Lechbruck, Verlag Kienberger, 1976. Julius Desing, Wahnsinn oder Verrat - war König Ludwig II. von Bayern geisteskrank?, Lechbruck, Verlag Kienberger, 1996. Aldo Oberdorfer, Il re folle. Luigi II di Baviera, Milano, Mondadori, 1973.   Luc Roger, Des fleurs pour le Roi Louis II de Bavière, BoD, 2019, ISBN 978-2-322-13475-5.

Prompt: How does Ludwig II (sculpture) explain its Bibliography?Please output in Italian.

1865
1973
Baviera
Füssen
ISBN
Ludwig II.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (Raphael)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

studiosa Carla Glori lo ha invece identificato nella figura di Galeazzo Sanseverino, genero e carissimo amico del Moro, figura di primo piano alla corte di Milano, nonché protettore dello stesso fra' Luca Pacioli. L'ipotesi è basata anche sulla comparazione con un altro ritratto, il cosiddetto Musico di Leonardo, anch'esso identificato con Galeazzo Sanseverimo, in cui si notano elementi ricorrenti, quali la folta capigliatura riccia e la fenditura centrale del farsetto in forma di lancia, simboleggiante la potenza virile di Galeazzo nelle giostre. ricostruzione storica relativa all'anno 1495 evidenzia inoltre i contatti tra Luca Pacioli, i suoi due mecenati milanesi  e Leonardo. Il frate matematico risultava ospite nell'abitazione di Porta Vercellina di Galeazzo . Si assume inoltre che già nel febbraio 1496 fosse in atto la collaborazione tra Pacioli e Leonardo per la realizzazione del “De Divina Proportione”.

Prompt: In the context of Portrait of Luca Pacioli, explain the Galeazzo Sanseverino and the Author's identity.Please output in Italian.


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Pala di San Cassiano

Della grande pala d'altare, una Sacra conversazione, restano oggi solo la Vergine sul trono rialzato e quattro santi a mezzo busto: san Nicola di Bari, santa Maria Maddalena, sant'Orsola e san Domenico. In origine ve ne erano quattro per parte, tra cui san Giorgio e san Sebastiano.Derivata pare da un'altra pala d'altare di Giovanni Bellini nella chiesa dei Santi Giovanni e Paolo , l'opera era caratterizzata da un maggior respiro compositivo, calibrato con grande cura, con i santi meno serrati e disposti a semicerchio attorno all'alto seggio della Vergine, inserito a sua volta in una sobria ambientazione architettonica. Si creava così un andamento di tipo piramidale in cui le figure appaiono perfettamente a loro agio con grande naturalezza.  novità più stupefacente era data però dagli effetti atmosferici creati dalla luce, che unificano l'opera con toni caldi e rendono più naturale la rappresentazione: il lume dorato inonda le figure, restituendo con scioltezza i vari dettagli e i rapporti spaziali tra le figure.Accanto a una sintesi geometrica di alcuni brani, come il corpo della Vergine, si incontrano virtuosismi prospettici, come il volto della Vergine e il libro con tre palle d'oro retto da san Nicola , e si sposano inoltre con sottigliezze ottiche della pittura fiamminga.

Prompt: In San Cassiano Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

festa del Sacratissimo Cuore fu celebrata per la prima volta in Francia probabilmente nel 1672 e divenne universale per tutta la Chiesa cattolica solo nel 1856. Cade il venerdì dopo la seconda domenica dopo Pentecoste e coincide pertanto con l'ottavo giorno dopo il Corpus Domini se quest'ultimo si festeggia di giovedì. Si tratta perciò di una festa mobile, la cui data, che dipende dalla data della Pasqua, può variare tra il 29 maggio e il 2 luglio.Il giorno seguente, di sabato, si celebra la festa del Cuore Immacolato di Maria , che in alcuni anni risulta impedita da un altro ufficio concomitante, sebbene di differente "priorità" e classe liturgica: ciò si è verificato o si verificherà negli anni 2017, 2019, 2022, 2028 e 2030.

Prompt: In Sacred Heart of Jesus (Batoni), how is the Holidays discussed?Please output in Italian.


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Congedo di san Floriano

San Floriano, un soldato romano di Enns che aveva difeso i cristiani nell'Alta Austria nel 304, venne martirizzato legandogli una pietra al collo e gettandolo nell'Inn. Poiché in una leggenda si ricorda come avesse spento un incendio con un solo secchio d'acqua, era spesso raffigurato come protettore dal fuoco.Nella tavoletta del congedo, il giovane santo, vestito da pellegrino, abbandona la propria città, congedandosi con i dignitari. Una processione lo accompagna. Ardito è il grandangolo visto dal basso dell'arco cittadino, con un forte scorcio in profondità verso un lontano paesaggio montano, rischiarato da una straordinaria luce.  narrazione, ispirandosi alle direttive di Paracelso, è facilmente leggibile, grazie allo stile popolaresco e accattivante.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Saint Florian Taking Leave of the Monastery.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

festa della Santa Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe nel rito latino cade nel tempo di Natale nella domenica che intercorre tra il Natale e il Capodanno; in assenza della domenica la si festeggia il 30 dicembre. Nel Messale del 1962, invece, tale solennità cade nella prima domenica dopo l'Epifania.Nel rito ambrosiano la ricorrenza viene celebrata nell'ultima domenica di gennaio, quindi nella terza o quarta domenica successiva all’Epifania.

Prompt: Describe the characteristics of the Feast  Holy  Family in The Holy Family (Collinson painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In Annunciation (Leonardo), how is the The Annunciation in spirituality of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: In The Beauty, how is the Objective criteria in the evaluation of a work of art of the Beauty Christianity explained?Please output in Italian.


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Storie della Vera Croce

Basilica di San Francesco  Leggenda della Vera Croce

Prompt: Focus on The Legend of the True Cross and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Polittico Quaratesi

L'opera è caratterizzata da colori chiari e brillanti e da una profusione di ori e dettagli preziosi che avevano reso celebre lo stile opulento di Gentile. All'altissima qualità degli ornati  corrisponde una grazia carezzevole dei personaggi. I pannelli sono inoltre caratterizzati da una maggiore sintesi nell'accostamento dei personaggi, che appaiono più monumentali e isolati rispetto allAdorazione dei Magi. In ciò è stata letta un'influenza del rinnovamento pittorico fiorentino che si avviava proprio in quegli anni e che aveva Masaccio come principale esponente. A differenza di altre opere precedenti di Gentile infatti, qui la percezione dello spazio non è annullata dalle decorazioni, anzi resta misurabile, come nel trono della Vergine, con i gradini che procedono dal primo piano in profondità.Nei pannelli dei santi si dispiega una magnifica resa dei dettagli, con punte di virtuosismo nella fascia del piviale di san Nicola, titolare della chiesa effigiato in posizione frontale subito a sinistra della Madonna, dove si trovano entro le falde modulate sette quadri dentro il quadro con Storie dell'infanzia di Cristo: Natività, Adorazione dei Magi, Fuga in Egitto, Strage degli Innocenti, Presentazione al Tempio e Battesimo.Finissima è la tecnica, che rende la morbidezza degli incarnati e la consistenza materica dei tessuti con pennellate finissime, arrivando fino al più curato pointillisme nella ghiaia delle viuzze delle Storie o nella mitria del santo. Gli altri santi erano ruotati con diverse gradazioni, che creavano una sorta di consesso semicircolare attorno alla Vergine. Per esempio la Maddalena, all'estremità sinistra, è quasi di profilo. Quest'ultima santa si può confrontare con quella del Polittico di Valleromita, di circa vent'anni prima, per comprendere quanto lo stile di Gentile si sia nel frattempo evoluto verso una maggiore compostezza e solidità, rinunciando alle onde più eteree degli orli ed alle pose astratte: se nel polittico di Valleromita essa teneva il calice con la sola punta delle dita, qui lo afferra saldamente con i palmi.

Prompt: How does Quaratesi Polyptych explain its Style?Please output in Italian.


subsection

Allegoria

L'interpretazione del simbolo è intuitiva, mentre quella dell'allegoria comporta uno sforzo intellettuale.Il contesto è basilare nell'interpretazione dell'allegoria: un'aquila che all'interno di una narrazione scenda dal cielo e compia una serie di azioni significative può rappresentare un'immagine complessa . Spesso l'allegoria, al massimo grado di complessità, ha un'interpretazione "soggettiva", cioè legata al tipo di lettura che se ne fa.In altre parole, si può dire che il legame tra oggetto significato e immagine significante nell'allegoria sia arbitrario e intenzionale, mentre nel simbolo è "naturale". L'allegoria è comunque sempre "relativa", nel senso che è suscettibile di una discussione critica nella fase di interpretazione e si presta quindi a diverse letture.Nell'Alto Medioevo, l'interpretazione simbolica era prevalente, essendo quella allegorica riservata alla Bibbia e ai documenti storici e letterari. Il Vecchio Testamento veniva letto alla luce del Nuovo Testamento; avvenimenti della storia antica venivano riletti e attualizzati in chiave cristiana . I versi pagani sono letti come "belle menzogne", dietro il cui senso letterale si nasconde un senso profondo, cristiano in ultima istanza.Nel Basso Medioevo, l'interpretazione simbolica viene via via sostituita da quella allegorica, che non riguarda più solo la Bibbia e altri testi, ma l'intera visione del mondo. Questo passaggio determina una rivalutazione dell'esistenza concreta dell'uomo nel mondo. L'arte romanica, squisitamente simbolica, entra in crisi e viene progressivamente sostituita dall'arte gotica . In filosofia, la scolastica esalta la razionalità umana e il processo di formazione della verità.

Prompt: In Allegory (Filippino Lippi), how is the Compared to the symbol of the Characteristics explained?Please output in Italian.

Alto Medioevo
Basso Medioevo
Bibbia
Nuovo Testamento


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I mucchi di fieno

prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre  presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due , Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

Prompt: Describe the characteristics of the First match of the series of Covoni in the season 1888-1889 in Haystacks (Monet series)'s Interpretation.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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San Bernardino da Siena tra due angeli

San Bernardino da Siena tra due angeli è un dipinto tempera su tela  attribuito ad Andrea Mantegna e collaboratori, databile al 1460 circa e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano.

Prompt: Focus on St. Bernardino of Siena between Two Angels and explain the Abstract.Please output in Italian.

1460
Andrea Mantegna
Milano
Pinacoteca di Brera
Bernardino da Siena


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Battaglia di San Romano

Battaglia di San Romano è un trittico di Paolo Uccello, commissionato da Lionardo di Bartolomeo Bartolini Salimbeni, a tecnica mista su tavola, databile al 1438 circa. battaglia è rappresentata in tre episodi su altrettanti pannelli, oggi divisi in tre musei: Niccolò da Tolentino alla testa dei fiorentini alla National Gallery di Londra ; Disarcionamento di Bernardino della Carda  agli Uffizi di Firenze; Intervento decisivo a fianco dei fiorentini di Michele Attendolo  al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1438
Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Museo del Louvre
Paolo Uccello
Parigi


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Predica di san Marco ad Alessandria d'Egitto

L'opera è un telero destinato originariamente al salone della Scuola Grande di San Marco, una delle più potenti e prestigiose di Venezia. Si tratta di uno dei teleri più grandi che esistano, di ben ventisei metri quadrati di superficie, nonché uno dei più ricchi di spunti narrativi e iconografici. Il ciclo dei teleri con storie della vita di san Marco venne completato molto più tardi, quasi sessant'anni dopo, da Giorgione e Tintoretto, ed è oggi diviso tra la Pinacoteca di Brera a Milano e le Gallerie dell'Accademia a Venezia. tela venne iniziata da Gentile nel luglio del 1504, ma dopo la sua morte , quando era già "fatto in buona parte", passò al fratello Giovanni, come indicato nel testamento, che la completò, operando anche alcune modifiche. Probabilmente l'invito a terminarla doveva essere stato fatto dal fratello già prima di morire, ottenendo probabilmente risposte negative, che giustificano l'inserimento nel testamento della clausola secondo la quale a Giovanni sarebbe stato consegnato il prezioso taccuino di disegni paterni, tenuto fino ad allora da Gentile, solo a condizione di incaricarsi del completamento del dipinto.  commissione venne confermata a Giovanni dalla Scuola Grande il 7 marzo 1507. scena è ricca di spunti tratti dal vero, anche esotici, che Gentile ebbe modo di studiare di persona durante il suo viaggio a Costantinopoli del 1479-1480. Richiami all'architettura mamelucca, e all'ottomana, hanno fatto pensare a un prolungamento fino a Gerusalemme del viaggio dell'artista.Non è chiarito con certezza quali parti spettino a l'uno o l'altro fratello: Giorgio Vasari riferì l'opera solo a Gentile nell'edizione del 1550 delle Vite, per poi dimenticarsene nell'edizione del 1568.  critica moderna riferisce a Gentile lo sfondo, tranne per le parti ritoccate, e dubitativamente la metà destra dei personaggi, mentre a Giovanni sono assegnati con una certa sicurezza i ritratti dei personaggi di sinistra e alcuni del gruppo centrale, tra cui alcuni con impostazione di tre quarti . Arlsan  riferì a Giovanni san Marco e il senatore in ascolto a destra, Bottari  gli assegnò, oltre a vari personaggi, l'apertura luminosa, confermato anche da Gamba, che riconobbe il merito del fratello più giovane nell'aver fatto "circolare aria e luce tra i gruppi e intorno agli edifici [...] alleggerendo ombre e intonando contrasti crudi di colore". tela venne ridotta in un periodo imprecisato, tagliando via una striscia superiore, dove terminavano le architetture che oggi sono inconsuetamente mozze. L'opera arrivò a Brera nel 1809, in seguito alle soppressioni napoleoniche.

Prompt: Focus on St. Mark Preaching in Alexandria and explain the History.Please output in Italian.


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Betsabea

storia di Betsabea è stata una fonte di ispirazione anche per il mondo cinematografico. Il suo ruolo è stato affidato a:  Susan Hayward in David e Betsabea ; Jane Seymour nel film per la televisione The Story of David ; Alice Krige in King David ; Melia Kreiling nella miniserie televisiva  Bibbia .

Prompt: Describe the characteristics of the Movies in Bathsheba (Gentileschi)'s Biblical story.Please output in Italian.

Alice Krige
Bibbia
David e Betsabea
Jane Seymour
King David
Melia Kreiling
Susan Hayward
The Story of David


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Abbazia nel querceto

Abbazia nel querceto  è un dipinto a olio su tela del pittore romantico tedesco Caspar David Friedrich, realizzato nel 1810 e conservato all'Alte Nationalgalerie di Berlino.Nel 1810 Abbazia nel querceto fu esposto insieme a Monaco in riva al mare all'Accademia d'Arte di Berlino ed entrambi i dipinti furono acquistati dal re di Prussia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Abbey in the Oakwood.Please output in Italian.

Abbazia
Alte Nationalgalerie
Berlino
Caspar David Friedrich
Monaco in riva al mare


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Galleria di vedute di Roma antica

prima versione  è alla Staatsgalerie di Stoccarda  seconda versione  è al Metropolitan Museum of Art di New York  terza versione  è al museo del Louvre

Prompt: Describe the characteristics of the Localization in Ancient Rome (painting)'s Description.Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
New York
Stoccarda


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Altare di Dresda

LAltare di Dresda è un dipinto a tempera su tela  di Albrecht Dürer, databile al 1496-1497 e forse ripreso nel 1503-1504, conservato nella Gemäldegalerie a Dresda.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Dresden Altarpiece.Please output in Italian.


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Pala di Santa Cristina al Tiverone

tavola principale, di forma rettangolare, mostra una sacra conversazione con la Madonna col Bambino in grembo su un alto trono, tra i santi Pietro, Cristina, Liberale e Girolamo.  derivazione dalla Pala di San Zaccaria di Giovanni Bellini è evidente, con la nicchia del trono coperta da mosaici secondo la tradizione bizantina, e un grande tappeto esotico ai piedi di Maria. Alla Pala di Castelfranco di Giorgione sembra invece ispirarsi la figura del santo cavaliere Liberale, patrono di Treviso, che tiene un modellino della città in mano. A ben guardare però l'artista si allontanò dai modelli conferendo una maggiore saldezza al gruppo dei santi e movimentandoli con gesti e sguardi concatenati, che danno alla composizione un tono più inquieto e variato, all'insegna dell'asimmetria e non più all'insegna unicamente della serena e silenziosa contemplazione.  luce inoltre è fredda e incidente, distante dalla calda e avvolgente atmosfera dei tonalisti.  monumentalità forte delle figure rimanda all'esempio di Antonello da Messina e la sua Pala di San Cassiano, con contorni però resi più taglienti dall'illuminazione forteIl Bambino tiene in mano un cardellino, simbolo della sua futura Passione. Il lato destro dell'architettura classicheggiante mostra una veduta esterna, che dà su un muretto coperto da erbe.  Pietà, di struggente emotività, pure si rifà a modelli belliniani, con il Cristo morto sorretto da due angeli, seduto su un ripiano su uno sfondo scuro. Anche in questo caso la sensibilità luminosa è diversa dal modello, con colori più freddi e cangianti, che generano un panneggio dal profilo tagliente.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Santa Cristina al Tiverone Altarpiece.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Giorgione
Giovanni Bellini
Pala di Castelfranco
Pala di San Cassiano
Pala di San Zaccaria


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Caino e Abele

Per aver ucciso il fratello, Caino è stato condannato da Dio a viaggiare sulla terra per sempre, in maniera molto simile alle più recenti leggende dell'Olandese volante e dell'Ebreo errante.Il tema del Caino viandante è apparso anche nel folclore mormone, nel quale viene narrato che uno dei primi leader mormoni, David W. Patten, incontrò nel Tennessee un uomo alto, dai lunghi capelli e di pelle scura, che diceva di essere Caino. Il racconto narra che Caino aveva ardentemente desiderato di morire, ma gli era stato negato questo suo desiderio, e che il suo scopo è quello di distruggere le anime degli uomini.Nel Libro dei Giubilei è scritto che Caino si stabilì, sposò sua sorella Awan e generò un figlio, Enoch , approssimativamente 196 anni dopo la creazione di Adamo. Caino fondò una prima città, e la chiamò Enoch, come suo figlio, costruì una casa e visse lì, finché la casa non gli crollò addosso e morì nello stesso anno della morte di Adamo.Una leggenda medievale narra che Caino viaggiò fino ad arrivare alla Luna e si stabilì lì con una fascina di spine sulla schiena. Questa storia ebbe origine grazie alla fantasia popolare riguardo alle ombre sulla faccia della luna . Un riferimento a questa credenza lo si può trovare nella Divina Commedia  dove l'espressione "Caino e gli stecchi" viene usata come sinonimo di "luna". A questa credenza è probabilmente legata la filastrocca infantile che così viene recitata :

Prompt: In the context of Cain and Abel (Tintoretto), explain the The wanderer and the Cain..Please output in Italian.

Adamo
Caino
David W. Patten
Dio
Divina Commedia
Ebreo errante
Libro dei Giubilei
Luna
Tennessee


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Copy of the work of the Description explained?Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Polittico di San Gregorio

Sopravvivono del polittico cinque tavole su due registri: quello inferiore, principale, mostra al centro la Madonna del Rosario in trono, affiancata a sinistra da San Gregorio Magno e a destra da San Benedetto; nel registro superiore si vedono un Angelo annunciante e la Vergine annunciata, mentre è perduto il pannello centrale, forse un Cristo in pietà sostenuto da angeli o una Deposizione.L'impostazione generale del polittico è tradizionale, come la presenza ancora del fondo oro, ma numerosi dettagli dimostrano l'aggiornamento dell'artista alle novità della penisola italiana, a partire dall'unificazione spaziale delle tavole , dall'uso del colore grasso, imparato dai pittori fiamminghi e catalani attivi nel Regno di Napoli, e dall'intensa caratterizzazione psicologica dei personaggi.Esso doveva essere collocato in una parete laterale, come dimostrerebbe la visione ottimale da verso destra, e il telo dietro al trono, che non è in posizione centrale; il registro superiore è invece ottimizzato per una visione dal basso, come dimostrano gli scorci "da sott'in su" dei libri poggiati sul parapetto della Vergine annunciata. Alcuni dettagli illusionistici poi, come i piedi dei santi che "sporgono" verso lo spettatore oltre il confine del gradino, derivano dalle ricerche spaziali nord-italiane, come quelle di Andrea Mantegna. verità ottica è inseguita con caparbietà fin nei dettagli più minuti, come nelle perline sulla mitria di Benedetto, nelle ciliegie brillanti come gemme che il Bambino prende dalle mani della madre, o nelle perle del rosario ai piedi della Vergine.Il significato della frutta tra le mani del Bambino rimanda al Peccato originale  e alla Passione . Inoltre il Bambino ha al collo un pendente di corallo rosso, antichissimo amuleto apotropaico per i bambini, che si ritrova anche nelle opere di Piero della Francesca e di altri artisti del XV secolo. Anche le rose bianche e rosse della corona, che due angioletti stanno posando sulla testa della Vergine, hanno un significato simbolico e rimandano rispettivamente alla purezza verginale e al martirio di Cristo. mano offerente della Vergine è il centro di tutta la composizione e l'apertura a corolla delle dita e la flessione del pollice suggeriscono un moto rotatorio che rompe la staticità della scena, coinvolgendo lo spettatore. Il gesto inoltre si lega perfettamente con quello del Bambino, sincronizzando le due figure  in un affettuoso dialogo madre-figlio. figura della Vergine, con il pesante mantello che avvolge lei e il figlio, crea una massa di volume semplificato geometricamente che, sebbene riprenda esempi fiamminghi come Jan van Eyck, rimanda alla spazialità italiana dei grandi maestri del Rinascimento, come Masaccio filtrato da Piero della Francesca. L'ovale creato dal manto venne definito da Roberto Longhi una "finissima campana di cristallo terso".

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, San Gregorio Polyptych.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Jan van Eyck
Masaccio
Peccato originale
Piero della Francesca
Regno di Napoli
Rosario


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Flora (Melzi)

Flora appare sulla copertina dell'album Gli amori son finestre, pubblicato nel 2009 da Mango.

Prompt: Focus on Flora (Francesco Melzi) and explain the In mass culture.Please output in Italian.


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Senecio

Il genere di questa voce appartiene alla sottotribù Senecioninae della tribù Senecioneae . In base ai dati filogenetici la sottotribù, all'interno della tribù, occupa il "core" della tribù e insieme alla sottotribù Othonninae forma un "gruppo fratello".I seguenti caratteri sono indicativi per la sottotribù:: il portamento è molto vario ;: le foglie sono sia basali che cauline disposte in modo alternato;: sono presenti capolini sia radiati, disciformi o discoidi;: le antere sono tetrasporangiate, raramente bisporangiate. struttura della sottotribù è molto complessa e articolata  e al suo interno sono raccolti molti sottogruppi caratteristici le cui analisi sono ancora da completare. Quello di questa voce è il genere principale della sottotribù con quasi  specie. Nell'ambito della filogenesi delle Senecioninae Senecio è polifiletico e molti sue specie sono attualmente "sparse" tra gli oltre 100 generi della sotttoribù. Senecio s.str. è posizionato più o meno alla base della sottotribù   insieme ai generi Arrhenechthites, Crassocephalum, Dendrocacalia e Erechtites. A questo clade fa parte anche la specie Senecio thapsoides che quindi dovrebbe essere esclusa da Senecio.Il cladogramma seguente  mostra l'attuale conoscenza filogenetica di questo gruppo.     3=     }}}}I caratteri distintivi per le specie del genere  Senecio sono:: le foglie cauline superiori sono sessili;: le sinflorescenze sono composte da molti capolini raccolti in formazioni corimbose;: i capolini sono del tipo radiato ;: le brattee dell'involucro sono più o meno uniseriate;: le pareti dell'ovario sono dei cristalli prismatici o piatti o aghiformi;: gli acheni sono omomorfici  e con forme affusolate.Il numero cromosomico delle specie è: 2n = principalmente da 20 a 40, ma anche valori fino a 182. circoscrizione di Senecio deriva dalle concezioni floristiche tradizionali che vedevano il genere come un insieme eterogeneo tenuto insieme da una morfologie simile dei capolini e dei fiori. Studi recenti hanno dimostrato che Senecio in senso lato è una raccolta di lignaggi separati; si può ottenere una tassonomia migliore trattando i lignaggi come generi indipendenti. In effetti alcuni dei lignaggi sono stati riconosciuti in passato come concatenamenti infragenerici. Altri gruppi rappresentano alleanze evolutive naturali, che restano da chiarire. Trattamenti migliori si stanno ottenendo con le analisi filogenetiche del DNA.

Prompt: Explain the Phylogenesis about the Taxonomy of this artwork, Senecio (Klee).Please output in Italian.

Arrhenechthites Crassocephalum Erechtites Othonninae Senecioneae Senecioninae


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amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: In Love & Loss, how is the Artivisive of the Etymology explained?Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Giove, Nettuno e Plutone

Giovan Pietro Bellori, Le vite de'pittori, scultori et architetti moderni, a cura di Evelina Borea, Torino, Einaudi, 1976. Maurizio Calvesi,  realtà del Caravaggio, Torino, Einaudi, 1990. Maurizio Calvesi, Caravaggio, in "Art e Dossier", 1999, pp. 30–31. Andrew Graham Dixon, Caravaggio, Milano, Mondadori, 2014. Roberta pucci, Caravaggio e i quadretti nello specchi ritratti, in "Paragone Arte",  44-46, pp. 16–170. Maurizio Marini, Michelangelo Merisi da Caravaggio, «pictor praestantissimus», Roma, Newton Compton, 2005. Rossella Vodret, Caravaggio a Roma, Milano, Silvana, 2010. Giuliana Zandri, Un probabile dipinto murale di Caravaggio per il Cardinal del Monte, in "Storia dell'Arte" , n. 3, p. 338-343. Ludwing Frommel, Caravaggios Fruhwerk und der kardinal Francesco Maria del Monte, in "Storia dell'Arte", 1971 , 9-10, pp. 53–56. Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, Bolis, 1991. Lorenza Rossi, Riflessioni e proposte per una nuova lettura del dipinto su muro eseguito da Caravaggio nel Casino Del Monte, in Arte Documento, n. 8, 1994, pp. 181–184. Mina Gregori, Caravaggio, Milano, Electa, 1994. Maurizio Calvesi, Arte e Alchimia, in "Art e Dossier", n. 4, 1986. AA.VV., Giulio Romano pinxit et delineavit, Roma, Fratelli Palombi, 1993. Cristina Galasso, Niccolò Circignani "pratico" e "spedito" pittore, Petruzzi, Perugia, 1993. Maria Grazia Bernardini, Il dipinto di Caravaggio nel Casino Ludovisi: i risultati del restauro, in AA. VV., Come dipingeva il Caravaggio, "Atti della giornata di studio", Roma, 1996, pp. 102–105. Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio, Torino, Bollati, Boringhieri, 2006. M. Gabriele, Caravaggio e i quattro elementi, in Alchimia e iconologia, Udine, 2008 , 2008, pp. 121–126. E. ngdon, Caravaggio. A life, Londra, 2012. E. Zolla, Le meraviglie della natura. Introduzione all'alchimia, Marsilio, Venezia, 1998. David Hockney, Secret knowledge rediscovering the last techniques of the old masters, Londra, 2006. Maurizio Fagiolo Dell'Arco, Maurizio Marini, Rassegna degli studi caravaggeschi, in "L'Arte" , nn. 11-12, pp. 117–128.  N. Cole Wallach, An iconographic interpretation of ceiling painting attributed to Caravaggio, in Marsyas, 1974-1975, pp. 101–112. Z. Wazbinski, Il cardinal Francesco Maria del Monte, Firenze, Olschki, 1994. Luigi Spezzaferro, Caravaggio, Milano, Silvana, 2010.

Prompt: How does Jupiter, Neptune and Pluto explain its Bibliography?Please output in Italian.

Alchimia
Andrew Graham Dixon
Art e Dossier
Caravaggio
Ferdinando Bologna
Giulio Romano
Caravaggio
Roma


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Polittico Averoldi

Il Polittico Averoldi è un dipinto a olio su tavola  di Tiziano, databile al 1520-1522 e conservato nella collegiata dei Santi Nazaro e Celso a Brescia. È firmato e datato "Ticianus Faciebat / MDXXII" sulla colonna nel pannello di San Sebastiano. Un altro San Sebastiano di Tiziano si trova al museo dell'Ermitage di San Pietroburgo. Definita come uno dei più grandi capolavori della storia della pittura, in quest'opera spicca la figura di San Sebastiano, considerata come uno dei nudi maschili più perfetti della storia dell'arte.

Prompt: Focus on Averoldi Polyptych and explain the Abstract.Please output in Italian.

1520
1522
Brescia
Ermitage
Polittico
San Pietroburgo


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Amore e dolore

Amore e dolore è un dipinto del 1895 di Edvard Munch chiamato spesso anche Il vampiro, anche se non da Munch. Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si abbracciano, con la donna che sembra baciare o mordere l'uomo sul collo. Munch dipinse sei diverse versioni dello stesso soggetto tra il 1893 e il 1895. Tre sono nella collezione del Museo Munch di Oslo, una è esposta nel Museo d'arte di Göteborg, una è di proprietà di un collezionista privato e l'opera finale è dispersa. Munch dipinse diverse versioni aggiuntive e derivate dell'opera più avanti nel corso della sua carriera.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Love and Pain (Munch).Please output in Italian.

Edvard Munch
Museo Munch
Museo d'arte di Göteborg
Oslo


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Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita

LAnnunciazione tra i santi Ansano e Massima  è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Simone Martini e Lippo Memmi, firmata e datata al 1333, e conservato negli Uffizi a Firenze. Si tratta di un trittico ligneo dipinto a tempera, con la parte centrale ampia il triplo dei due scomparti laterali. Considerato il capolavoro di Simone Martini, della scuola senese e della pittura gotica in generale, venne realizzato per un altare laterale del Duomo di Siena.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus.Please output in Italian.

1333
Duomo di Siena
Firenze
Lippo Memmi
Siena
Simone Martini


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Martirio di San Sebastiano

Claudio Bellinati, Le tavolette del Semitecolo  nella Pinacoteca dei Canonici di Padova, Atti e memorie dell’Accademia Patavina di Scienze, Lettere ed Arti, 104, 1991–92. Sergio Bettini, Contributo al Semitecolo; and L. Coletti, “Studi alla pittura del Trecento a Padova,” Rivista d’arte, 12, 1930, pp.323–80. Ashley Elston, Pain, Plague, and Power in Niccolò Semitecolo's Reliquary Cupboard for Padua Cathedral, Gesta, Vol. 51, No. 2, September 2012, pp. 111-127. Ashley Elston, Storing Sanctity: Sacristy Reliquary Cupboards in te Medieval and Renaissance Italy, Dissertation, University of Kansas, wrence, 2011, pp. 73–158. Cristina Guarnieri, Una pala ribaltabile per l’esposizione delle reliquie: le storie di Santa Lucia di Jacobello del Fiore a Fermo, in Arte Veneta 73, 2016. Giulia Rossi Scarpa, Nicoletto Semitecolo nel Duomo di Padova, in Dipinti veneti: Collezione Luciano Sorlini, ed. R. Polacco, Carzago di Calvagese della Riviera, 2000, pp,385-388. Evelyn Sandberg Vavala, Semitecolo and Guariento, Art in America and Elsewhere, 22/1, 1933, pp.2-3.

Prompt: In Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: In the context of Epifania, explain the North Macedonia and the Theology.Please output in Italian.


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Triplice ritratto di orefice

L'opera venne in passato attribuita a vari artisti, tra cui Tiziano, finché non ne vennero ricostruite le tracce documentarie, grazie anche alla singolarità del soggetto che permise di riconoscerlo negli antichi inventari. Si scoprì così che la tela era nel 1627 nelle collezioni di Vincenzo II Gonzaga, acquistate poi, nei pezzi più pregiati, da Carlo I d'Inghilterra. Con la morte del sovrano inglese le sue raccolte vennero messe all'asta e il triplice ritratto fu acquistato da Filippo IV di Spagna, finendo poi per via ereditaria nelle raccolte imperiali austriache, venendo registrato a Vienna almeno dal 1733.

Prompt: How does Triple Portrait of a Goldsmith explain its History?Please output in Italian.

1627
1733
Carlo I d'Inghilterra
Filippo IV di Spagna
Vienna
Vincenzo II Gonzaga


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Maria Maddalena

L'aggettivo "Maddalena" viene accompagnato in qualche passo dei vangeli dalla precisazione "detta": per esempio in Lc 8,2 il testo originale riporta "" . In Mc 16,9 questa precisazione non è presente .Si è posta così la domanda se il soprannome "Maddalena" indichi che la donna proveniva da Magdala — una piccola cittadina sulla sponda occidentale del go di Tiberiade, detto anche "di Genezaret" — o abbia un altro significato.Anche se molti studiosi ritengono valido il senso di semplice riferimento alla città d'origine, qualcuno ritiene che esso si scontri con problemi oggettivi legati alla toponomastica del I secolo  e all'identificazione della località, resa difficile dalla presenza di diverse località denominate Magdala e dall'assenza nei testi evangelici di riferimenti precisi che consentano di identificare la città natale di Maria Maddalena.L'appellativo "Maddalena" potrebbe avere invece una suggestiva valenza simbolica derivata dal termine ebraico/aramaico migdal / magdal =Torre, usato per sottolineare l'importanza di questa donna all'interno della comunità dei discepoli di Gesù. Già San Girolamo adottò questa interpretazione quando, in una sua lettera, scrisse di Maria Maddalena come di colei che «per il suo zelo e per l’ardore della sua fede ricevette il nome di "turrita" ed ebbe il privilegio di vedere Cristo risorto prima degli apostoli».

Prompt: Explain the Nickname of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.