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Pala di Sant'Onofrio

L'iconografia è quella della sacra conversazione, con un alto trono della Vergine col Bambino, posto su un piedistallo classicheggiante e coronato da un archetto intagliato, decorato da un festone vegetale. Maria è intenta alla lettura del libro delle Sacre Scritture e anche il bambino sembra esservi interessato, sporgendosi verso di esso come andando incontro alle profezie sulla sua sorte. Egli tiene in mano un giglio bianco, tipico tributo alla verginità e purezza della madre.Sul primo gradino dorato stanno i santi Giovanni Battista e Lorenzo, sormontati da due angioletti volanti che, in ossequio a un certo horror vacui, riempiono i due angoli superiori. Sul gradino marmoreo sottostante sta seduto al centro un angelo che accorda un liuto, omaggio alle composizioni allora in voga nell'area veneta ; sul pavimento infine stanno in posizione simmetrica i santi Onofrio ed Ercolano, protettori di Perugia.  figura dell'angelo, che ascolta il suono della cetra, è molto simile a uno spicchio sopra San Luca della Sagrestia della Cura a Loreto, dipinta pochi anni prima dal Signorelli. Lo sfondo è un semplice cielo che schiarisce verso la linea dell'orizzonte, come all'alba.  scansione su più livelli, con l'effetto trasparenza del trono, rimanda ai modelli veneto-padovani e ferraresi, in particolare sembra un omaggio a Ercole de' Roberti e alla Pala di Santa Maria in Porto : dopotutto l'artista ferrarese poteva aver incontrato Luca a Urbino, dove è documentato sebbene le opere lì prodotte siano andate perdute.  fiera fisionomia del san Lorenzo ricorda opere di scuola fiorentina, come di Donatello  e di Filippo Lippi . Sant'Ercolano invece appare come una citazione piuttosto fedele del Sant'Agostino di Piero della Francesca , con un piviale ricamato pressoché identico, e il sant'Onofrio riprende invece la fisionomia scarna e debilitata di tanti San Girolamo nel deserto. A Piero rimanda anche la monumentalità della Vergine, mentre il gesto patetico di Giovanni Battista è un'evidente citazione del Perugino. All'arte fiamminga, in particolare al Trittico Portinari di Hugo van der Goes  rimanda infine la semplice ma toccante natura morta del vaso di vetro in primo piano, con un po' d'acqua e qualche semplice fiorellino.

Prompt: Focus on Sant'Onofrio Altarpiece and explain the Description and style.Please output in Italian.

Donatello
Ercole de' Roberti
Filippo Lippi
Giovanni Battista
Hugo van der Goes
Loreto
Pala di Santa Maria in Porto
Perugia
Perugino
Piero della Francesca
Trittico Portinari
Urbino


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Flagellazione

flagellazione è un atto di punizione corporale .  flagellazione è eseguita su soggetti restii, come strumento di tortura o come pena corporale; tuttavia, la flagellazione è anche utilizzata in modo consenziente nell'ambito BDSM, o compiuta su sé stessi , durante pratiche religiose o sadomasochiste.

Prompt: In The Flagellation of Christ (Cimabue), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Il Giardino sorge sul versante meridionale della collina di Garavicchio, nella Maremma toscana.L'opera, dilatata su circa 2 ettari di terreno, costituisce una vera e propria «città» in cui le sculture-case segnano le tappe del percorso spiccando coloratissime già dalla strada nel selvaggio paesaggio naturale.Ai piedi della collina di Garavicchio, l'accesso al Giardino è letteralmente sbarrato dalla lunga muraglia del padiglione d'ingresso creato da Mario Botta, costituito da un doppio muro di recinzione in tufo con una sola grande apertura circolare al centro, chiusa da una cancellata. Lo stesso Botta ha dichiarato che nel disegno dell'ingresso ha cercato di interpretare il sentimento di «separazione» tra il Giardino ed il mondo esterno che Niki de Saint Phalle chiedeva: il muro è inteso quindi come una «soglia», da varcare per entrare in una «pausa magica» nettamente divisa dalla realtà di tutti i giorni.Nel progetto, il muro ha preso sempre più spessore per essere attrezzato, all'interno, con i servizi richiesti da un'attività di transito; i due lunghi setti murari paralleli sono così separati da uno spazio, pavimentato in porfido, che accoglie, ai lati dell'apertura circolare, i gabbiotti in metallo e vetro per la biglietteria ed il piccolo negozio.

Prompt: In Tarot Garden, how is the Location of the Criticism explained?Please output in Italian.

Giardino
Maremma
Mario Botta
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle


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Miravan apre la tomba dei suoi antenati

Miravan apre la tomba dei suoi antenati è un dipinto di Joseph Wright of Derby, terminato  nel 1772.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Miravan Breaking Open the Tomb of his Ancestors.Please output in Italian.


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Monumento equestre al Gattamelata

Le statue equestri del Trecento, nessuna in bronzo, sormontavano di solito le tombe ; si hanno precedenti in pittura, tra questi il Guidoriccio da Fogliano di Simone Martini e il Giovanni Acuto di Paolo Uccello, ma Donatello probabilmente non si ispirò a questi modelli. L'ispirazione decisiva per la progettazione della scultura fu piuttosto l'arte antica, con evidenti rimandi alla statua equestre di Marco Aurelio a Roma o al Regisole di Pavia . Nel cavallo si scorge l'influenza della quadriga di San Marco , la cui reminiscenza fu sicuramente un omaggio alla Serenissima che non dovette sfuggire ai veneziani. Ma Donatello si spinse oltre, traendo l'ispirazione anche dalla semplice realtà, aggiornando i modelli e sfuggendo le citazioni più sterilmente antiquarie. Per esempio il cavaliere cavalca alla moderna, con sella e staffe, non alla maniera degli antichi romani.

Prompt: In Equestrian statue of Gattamelata, how is the Models discussed?Please output in Italian.

Donatello
Paolo Uccello
Pavia
Regisole
Roma
Simone Martini


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Ritorno all'ovile

1866, Mostra della Società Promotrice delle Belle Arti, Torino 1991, Il lavoro e l'uomo Il lavoro dell'uomo da Goya a Kandinskij, Braccio di Carlo Magno, Città del Vaticano 2019-2020, " fiera di Saluzzo", mostra alla Galleria di Arte Moderna, Torino.

Prompt: In Return to the Sheepfold, how is the Exhibitions of the painting of the History and description explained?Please output in Italian.


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Isabella d'Este nel regno di Armonia

L'interpretazione più accettata del complesso dipinto allegorico/mitologico è legata a un'esaltazione di Isabella d'Este, del suo governo e della sua protezione delle arti, che genera armonia.Isabella sarebbe la figura femminile al centro, incoronata d'alloro da Anteros infante, retto dalla madre Venere vestita, simboleggianti l'amore celeste e virtuoso, in contrapposizione a quello terrestre e carnale.  scena sarebbe ambientata nel giardino dell'Armonia, dove è possibile coltivare serenamente la Musica, le Arti e la Poesia, alle quali si riferiscono i personaggi in cerchio attorno all'incoronazione. In primo piano, oltre i confini del giardino, si trovano Diana , simbolo di castità, e Cadmo , protettori delle arti al pari di Mercurio.  sua identificazione è facilitata dalla scena di battaglia che si svolge dietro di lui, nella parte sinistra del dipinto. Egli infatti vinse il serpente generato da Marte e ne seppellì i denti dai quali si originò una stirpe che immediatamente intraprese una guerra civile. Le due figure femminili sedute in terra rappresenterebbero infine due Virtù che sorvegliano il mondo di Isabella, vegliando l'ingresso del giardino: quella che incorona il bue sarebbe la Perseveranza e quella che incorona l'agnello la Purezza o Innocenza.Un'interpretazione diversa è data da Campbell , che basandosi sul testo greco della Tabula Cebetis, in voga nel Rinascimento, vi ha letto una rappresentazione dei diversi generi della poesia, tra i quali primeggia quella lirica, rappresentata dalla Venere al centro che farebbe incoronare dall'Amore la poetessa Saffo, mentre tutt'intorno si troverebbero le personificazioni dei primi esponenti di questo genere poetico: Callimaco, Properzio, Ovidio e Tibullo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Allegory of Isabella d'Este's Coronation.Please output in Italian.

Anteros
Cadmo
Callimaco
Diana
Isabella d'Este
Saffo


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Musica

Musica e informatica Musica e diritto Musica e matematica Musica e sport Musica e medicina Musica e neuroscienze Musica e fisica Filosofia della musica

Prompt: Focus on Music (Matisse) and explain the Reports with other disciplines.Please output in Italian.


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Monumento a France Prešeren

statua si erge su un piedistallo e rappresenta una scultura del poeta. Sopra di lui si trova una musa con in mano un ramo di alloro. Il poeta è vestito negli abiti tipici del XVII secolo ed in mano tiene un libro che simboleggia le sue poesie.  statua del poeta è alta 3.5 metri a fronte dell'intero monumento che è alto 9.6 metri.Il piedistallo ha 3 gradini, sopra si trova un blocco di pietra con la scritta Prešeren.  base della musa è realizzata con granito tirolese, da Alojzij Vodnik da un progetto di Max FabianiSul piedistallo si trovano inoltre dei rilievi in bronzo raffiguranti alcune delle poesie romantiche del poeta.

Prompt: Focus on Prešeren Monument (Ljubljana) and explain the Statue.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Mae West

Hollywood on Parade No. A-9, regia di Louis Lewyn Hollywood on Parade No. B-5, regia di Louis Lewyn The Fashion Side of Hollywood, regia di Josef von Sternberg Hollywood Without Make-Up documentario, regia di Rudy Behlmer, Loring d'Usseau Mae West, episodio tv Wayne and Shuster Take an Affectionate Look At... Le dee dell'amore  documentario di Saul J. Turell - filmati di repertorio The Best of urel and Hardy, regia di James L. Wolcott The Casting Couch, regia di John Sealey - video con filmati di repertorio

Prompt: Describe the characteristics of the Documentary film on Mae West (partial) in Mae West (sculpture)'s Quotes.Please output in Italian.

Hollywood Without Make-Up
Hollywood on Parade No. A-9
Hollywood on Parade No. B-5
James L. Wolcott
John Sealey
Josef von Sternberg
Le dee dell'amore
Loring d'Usseau
Louis Lewyn
Rudy Behlmer
Saul J. Turell
The Fashion Side of Hollywood


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Cima, Saint Petersburg), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the One God will betray you of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Epifania

Johann Sebastian Bach compose due cantate che concludevano il periodo di Natale: Sie werden aus Saba alle kommen  Liebster Immanuel, Herzog der Frommen Inoltre, per il servizio liturgico dell'Epifania fu pubblicata la Parte VI dell'oratorio Herr, wenn die stolzen Feinde schnauben .Nel poema sinfonico di Ottorino Respighi intitolato Feste romane il movimento finale si chiama "Bofana" e ha luogo nell'Epifania.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Classical music and the History.Please output in Italian.

Johann Sebastian Bach
Liebster Immanuel, Herzog der Frommen
Natale
Ottorino Respighi
Sie werden aus Saba alle kommen


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Virtù e la Legge

upright=1.4Copia da Al Louvre si conserva la copia di un abbozzo preliminare destinata a una delle stanze con l'Apocalisse come soggetto. Tale rappresentazione veniva di solito associata a un mancato progetto per la Stanza di Eliodoro , forse destinato alla parete nord, al posto della Liberazione di san Pietro , o alla parete sud, quella della Messa di Bolsena , anche in virtù della posizione decentrata della finestra. presenza però del ritratto di Giulio II senza barba, anteriore al voto del 17 agosto 1510, assieme alla scarsa presa degli elementi che collegano questo progetto alla Stanza di Eliodoro, farebbero piuttosto pensare a un mancato progetto per la parete su della Stanza della Segnatura. L'Apocalisse dopotutto sarebbe il più importante giudizio, quello Universale, legato quindi al tema della legge , ed avrebbe bilanciato le pareti con una doppia contrapposizione tra temi religiosi  e profani . Il tema potrebbe essere stato abbandonato dopo la sconfitta del papa dai francesi.

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Studies of the History explained?Please output in Italian.

1510
Apocalisse
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura
Stanza di Eliodoro


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Amor sacro e Amor profano

Lo stemma sulla fronte del sarcofago ha permesso di legare l'opera alle nozze avvenute nel maggio del 1514, tra il veneziano Niccolò Aurelio, segretario del Consiglio dei Dieci, che nel 1523 sarebbe diventato gran cancelliere di Venezia, e ura Bagarotto, figlia del giureconsulto patavino Bertuccio Bagarotto, giustiziato il primo dicembre 1509 in piazza san Marco con l'accusa di aver tradito la Serenissima al tempo della conquista di Padova da parte dell'imperatore Massimiliano I d'Asburgo nel giugno del 1509.Pervenne nelle collezioni Borghesi   probabilmente attraverso l'acquisto di sessantun dipinti del cardinal Paolo Emilio Sfondrati da parte di Scipione Borghese, nel 1608, con l'intermediazione del tesoriere, il cardinale Pallavicini.Il soggetto del dipinto, nella sua ricchezza di elementi criptici, è tra i più studiati dell'intera storia dell'arte, e presuppone molteplici livelli di lettura. Ad esso hanno dedicato interi saggi De Logu e Argan.

Prompt: In Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione), how is the History discussed?Please output in Italian.

1514
1608
Bertuccio Bagarotto
Massimiliano I d'Asburgo
Paolo Emilio Sfondrati
Venezia


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La giovane martire

Il quadro raffigura in primo piano una giovane con le mani legate, alla deriva, nelle acque di un fiume identificato con il Tevere. Sullo sfondo, nella penombra, si distinguono una barca e due figure raggruppate in atteggiamento lacrimoso  che osservano dalla riva il corpo senza vita della giovane martire.  scena si svolge al crepuscolo e la penombra avvolge tutto lo sfondo. Una luce bianca illumina la parte superiore del corpo della giovane e pone così un contrasto potente che rafforza il dramma della scena.  sua origine deriva sicuramente dall'aureola che aleggia sopra il volto della martire. Théophile Gautier definì il quadro "un'Ofelia cristiana" e ammirò il viso della fanciulla, che per lui era di una "purezza verginale" e di una "bellezza divina".

Prompt: How does The Young Martyr explain its Description?Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

All'interno del santuario Kameido Tenjin (Le  costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia .  serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo . Più precisamente, essa appartiene al genere  che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie..</ref>}}

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1855
1856
1858
Cinquantatré stazioni del Tōkaidō
Giappone
Utagawa Hiroshige
Hiroshige II
Utagawa Hiroshige
Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō
Trentasei vedute del Monte Fuji
Hiroshige II
Vincent van Gogh


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Presentazione al Tempio

Prompt: In Presentation at the Temple (Mantegna), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Ariosto

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5 Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. ISBN 3-8290-4553-0 Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Focus on A Man with a Quilted Sleeve and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Cultural reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Adone (Duquesnoy)

Il soggetto raffigurato è Adone, frutto dell'amore incestuoso tra Mirra e suo padre, Cinira, re di Cipro.  fanciulla, infatti, era innamorata del padre e per giacere con lui decise di ingannarlo, con l'aiuto della nutrice Ippolita; quando Cinira riconobbe la figlia, infuriato, la inseguì con una spada. Fu in quel momento che Mirra, affinché le fosse risparmiata la vita, pregò gli dei, i quali la trasformarono in un albero di mirra. Con le sembianze di albero, quindi, diede alla luce Adone.Afrodite, trovato il bambino, rimase incantata dalla sua bellezza e, adagiato in una cassa, lo consegnò a Persefone. Adone crebbe e divenne un giovane straordinariamente bello, conteso da entrambe le dee, nessuna delle due disposta a lasciarlo andare. Zeus  decise di tripartire l'anno di Adone: un terzo con Afrodite, un terzo con Persefone e un terzo con chiunque egli desiderasse.Secondo il mito di Ovidio, Adone fu ferito mentre cacciava da un cinghiale e morì dissanguato tra le braccia di Afrodite. In alcune versioni della storia, a mandare il cinghiale ad uccidere il ragazzo fu Ares, geloso perché Afrodite trascorreva troppo tempo con il mortale; in altre, tra cui quella di Euripide, fu Artemide la responsabile della sua morte, voluta per vendicare il suo prediletto Ippolito, ucciso da Afrodite .

Prompt: In Adonis (Duquesnoy), how is the Description discussed?Please output in Italian.

Afrodite Ares Artemide Cipro Euripide Mirra Persefone Zeus


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Conseguenze della guerra

Nell'andare alla battaglia Marte calpesta dei libri, distruggendo con essi simbolicamente ogni forma di espressione intellettuale, e travolge le personificazioni dell Arti, quali la musica e l'architettura, personificate rispettivamente dalla donna e dall'uomo abbattuti in basso a destra: la donna, raffigurata di spalle, ha un liuto rotto in mano e mostra che l'armonia non può sopravvivere accanto al disordine della guerra; l'uomo, un architetto, impugna i suoi strumenti, a significare che ciò che si costruisce in tempo di pace è poi distrutto in tempo di guerra. Nel raffigurare la donna, il pittore si rifece probabilmente all'iconografia della mousiké, il complesso delle arti presiedute dalle Muse che comprendeva la poesia, la letteratura, la musica in senso stretto, il teatro, il canto, la danza; comprendeva, in particolare, la poesia come veniva "rappresentata" nel mondo greco, ossia per mezzo del canto accompagnato da uno strumento musicale.Le Arti sono quindi travolte e annientate, a indicare che la guerra non solo causa morte e distruzione ma spezza la civiltà, intesa come patrimonio culturale umano.

Prompt: In the context of Consequences of War, explain the TheArticleSummer and the Description.Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Prompt: How does Cardinal and Theological Virtues (Raphael) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Stanza della Segnatura
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Il sogno di Ossian

Il sogno di Ossian è considerato un dipinto di storia, un genere nel quale il giovane Ingres desiderava dedicare la propria carriera. Ossian consentì di staccarsi dal classicismo greco-romano che dominava l'arte francese all'inizio dell'Ottocento.Gli studiosi hanno tracciato una serie di collegamenti tra Il sogno di Ossian ingresiano e Ossian che evoca i fantasmi di Gérard. Lo storico dell'arte Robert Rosenblum nota inoltre come il primo sia "chiaramente indebitato" con l'ultimo. Nei due dipinti, il bardo gaelico evoca degli spiriti e le memorie del passato che torreggiano su di lui. C'è anche un parallelo potenziale tra la figura di Malvina  nel dipinto ingresiano e il fantasma di un vecchio bardo nell'opera di Gérard, in quanto entrambe le figure cercano di avvicinarsi a Ossian. Delle altre somiglianze sono il vestito del poeta, le divinità con l'arpa e gli amanti che si abbracciano. Al contrario, sono presenti degli elementi di contrasto, come il fatto che l'Ossian di Gérard richiama gli spiriti di sua volontà, mentre quello ingresiano li sogna. Per giunta, lo scrittore d'arte Henry Okun descrive il quadro di Gérard come una "frenesia romantica" e quello di Jean-Auguste-Dominique Ingres "pieno di una calma neoclassica", con delle nuvole che hanno una "consistenza come quella del cemento". Nel suo articolo del 1968 su una mostra su Ingres al Petit Palais, la storica dell'arte inglese Anita Brookner non vedeva in modo propizio il quadro. Ella descrisse la rappresentazione del sogno com una "grisaglia" e il quadro come un'opera ingresiana che deve essere "cancellata". Nel 2018,  l'antropologo Peter Gow scrisse che questo era un "quadro molto strano" e spiegò che il giovane Ingres che l'aveva dipinto era "bizzarramente reazionario o bizzarramente profetico".

Prompt: How does The Dream of Ossian explain its Interpretation?Please output in Italian.

Anita Brookner
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Ossian
Petit Palais
Robert Rosenblum


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The self-portrait of the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Cristo risorto in gloria

Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8 Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0

Prompt: Focus on The Risen Christ in Glory and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In the context of The Last Supper (Ghirlandaio), explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels and the New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Focus on Annunciation Diptych and explain the Congregation orders Annunciation.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Bellezza

passione di Giovanna d'Arco  E Dio creò la donna , con Brigitte Bardot. 8½, . Il banchetto di Platone , con Irene Papas e Philippe Léotard American Beauty , copione di Alan Ball. Premio Oscar.  grande bellezza , con Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Carlo Buccirosso.

Prompt: In The Beauty, how is the Movie discussed?Please output in Italian.

8½
Alan Ball
American Beauty
Brigitte Bardot
Carlo Buccirosso
Carlo Verdone
Il banchetto di Platone
Irene Papas
Philippe Léotard
Platone
Premio Oscar
Sabrina Ferilli
Toni Servillo


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ritratto di Émile Zola

leftÉmile Zola, oltre a essere un celebre romanziere realista, si occupò di critica d'arte con grande intuito e sensibilità. Per questo motivo, quando vide i giurati dei Salon respingere i vari quadri di Manet, egli non esitò a scrivere un infuocato articolo in difesa del pittore,  Revue du XX siècle, dove affermò con veemenza che «il posto di Manet al Louvre è segnato, come quello di Courbet». Zola, che dopo la pubblicazione di questo scritto fu licenziato dal giornale presso il quale lavorava, poté in ogni caso godere dell'amicizia di Manet, del quale divenne uno degli ammiratori più ferventi.Come segno della sua gratitudine Manet decise di omaggiare Zola con un ritratto: le sedute di posa avvennero nello studio del pittore, in rue Guyot. Lo scenario retrostante, ricostruito per l'occasione, sottolinea il mestiere, la personalità e gli interessi di Zola, a tal punto che lo stesso ritratto si può considerare una dichiarazione d'intenti, se non un manifesto. Per ribadire che Zola era uno scrittore Manet sceglie di collocare sullo scrittoio un calamaio, una penna e vari libri, fra i quali fa bella mostra il piccolo opuscolo dalla copertina azzurra, intitolato non a caso «Manet», e altri oggetti ammucchiati, come carte varie e una pipa in un vaso laccato. Sopra è riconoscibile una bacheca, sulla quale troviamo una riproduzione di  Olympia, quadro che suscitò critiche velenose da parte del pubblico ma che Zola difese energicamente. Sempre sulla stessa bacheca sono affisse un'incisione tratta dal Trionfo di Bacco di Velázquez, così da mettere in evidenza la comune passione di entrambi per l'arte spagnola, e infine una stampa giapponese di Utagawa Kuniaki II raffigurante un lottatore. Quest'ultimo dettaglio, insieme al paravento serico con rami fioriti che chiude lo spazio a sinistra, intende ribadire l'influenza esercitata sull'Impressionismo dalle stampe giapponesi, opere d'arte dal grande rigore compositivo che stendevano il colore in campiture omogenee e smaglianti, senza ricorrere al chiaroscuro.Zola è ritratto di tre quarti, seduto su una poltroncina imbottita con le gambe accavallate; ha uno sguardo pensieroso e deciso ed un libro in mano . Presenta un volto esangue e barbuto, che per contrasto si distingue nettamente dalla giacca di velluto nero e dai pantaloni grigi. Così come le altre opere manetiane del periodo, qui viene abbandonato l'effetto chiaroscurale e per diffondere i colori si ricorre alla giustapposizione di colori puri, senza alcuna gerarchia, fatto che destò molta indignazione nel pubblico. Pur sembrando sommaria, quasi abbozzata, la pittura è stata realizzata con grande accuratezza e impegno, a tal punto che lo stesso Manet costringeva Zola a continuare a posare anche quando lavorava a dettagli secondari, nella prospettiva di non inventare e di non «fare nulla senza la natura». Lo stesso Théophile Gautier, generalmente critico nei confronti di Manet, lodò questo approccio, e consacrò il pittore come il nuovo caposcuola del Realismo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Portrait of Emile Zola.Please output in Italian.

Théophile Gautier
Utagawa Kuniaki II
Émile Zola


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Consegna della regola francescana

Colantonio operò a Napoli tra il 1440 e il 1460 circa, e visse sia la stagione di re Renato , il colto ammiratore dell'arte fiamminga, borgognona e provenzale, sia quella di Alfonso I d'Aragona , legato agli altri territori della corona aragonese, in particolare la Catalogna, a sua volta ispirata ai modi fiamminghi.Le diversità di questi due momenti di influenza franco-fiamminga sono ben visibili nei due pannelli principali dell'ancóna per la chiesa francescana di San Lorenzo, dipinta tra il 1444 e il 1446 circa in momenti diversi, e completata in seguito da Antonello da Messina con le tavolette laterali dei Beati francescani. Il tema generale dell'ancona era la celebrazione del pensiero francescano, di cui san Girolamo era stato, secondo le teorie di san Bernardino, uno degli ispiratori alla radice.

Prompt: In Delivery of the Franciscan Rule, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Vanità

Egoismo Falò delle vanità Hýbris Io  Narcisismo Narciso  Superbia Vanitas vanitatum Vanitas

Prompt: How does Vanity (Titian) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Egoismo
Falò delle vanità
Narcisismo
Superbia
Vanitas


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Il genio del male

realizzazione dell'opera era stata inizialmente affidata a Joseph Gees, che aveva completato la statua nel 1842, per poi collocarla nella cattedrale l'anno successivo. Ha subito suscitato polemiche per non rappresentare un ideale cristiano; d'altro canto, dall'ambiente della cattedrale arrivavano pareri opposti, come si leggeva anche sul giornale belga L'Émancipation, il 4 agosto 1844: "Questo diavolo è sublime".  stampa locale ha lasciato intendere che la scultura fosse un motivo di distrazione per le "belle ragazze pentite", che invece avrebbero dovuto ascoltare il sermone. Immediatamente, il vescovo van Bommel ordinò la rimozione e al suo posto fu commissionata un'opera al fratello di Joseph Gees, Guillaume, la cui versione è stata definitivamente posizionata nella nicchia nel 1848. Rimossa dalla cattedrale, Joseph espose l'opera ad Anversa, insieme ad altre quattro: un gruppo scultoreo, il Sogno, e le statue di Santa Filomena, L'amore fedele e L'orfanello del pescatore. Conosciuto sia come lAngelo del Male, sia come il Genio del Male, la controversa opera è stata esposta, fino al 2009, al Museo reale delle belle arti del Belgio.  Malgrado fosse stato causa di controversie, la statua di Joseph fu apprezzata, soprattutto dalle classi agiate della società: difatti, Carlo Federico di Sassonia-Weimar-Einsenach, granduca di Sassonia-Weimar-Einsenach, ne commissionò una riproduzione in marmo nel 1842. L'originale fu acquistato da Guglielmo II, re dei Paesi Bassi, e venduto all'asta, assieme all'intera collezione, in seguito alla sua morte, avvenuta nel 1849. Nel 1854 l'artista riuscì a vendere un modello in gesso della scultura all'astronomo, politico e collezionista d'arte tedesco Bernard von Lindenau.Il successo dell'opera fece sì che Joseph Geefs fosse considerato uno dei più grandi scultori della sua epoca.  Il Genio del Male, insieme ad Amore e malizia del fratello di Joseph e Guillaume, Jean Geefs, anch'egli scultore, furono tra le sei sculture raffigurate in un dipinto di Pierre nglet. Il Lucifero, però, non sempre è stato ammirato come opera d'arte: durante un'esposizione internazionale del 1862, l'esaminatore ha criticato l'opera, ritenendola "molle e languida", priva di "muscoli" , "un diavolo malato: il pungiglione di Satana è stato tirato fuori".

Prompt: In Le génie du mal, how is the Welcome discussed?Please output in Italian.

1848
Amore e malizia
Anversa
Jean Geefs
Joseph Geefs
L'amore fedele
L'orfanello del pescatore
Lucifero
Museo reale delle belle arti del Belgio


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Madonna di Piazza

Madonna di Piazza è un dipinto a tempera su tavola di Andrea del Verrocchio e Lorenzo di Credi, databile al 1474-1486 circa e conservato nella Cattedrale di San Zeno a Pistoia.

Prompt: Focus on Piazza Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.

1474
1486
Andrea del Verrocchio
Cattedrale di San Zeno
Lorenzo di Credi
Pistoia


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Dittico dei Lampadi

Jaś Elsner, Imperial Rome and Christian triumph: the art of the Roman Empire AD 100-450, Oxford University Press, 1998, ISBN 9780192842015Renata Stradiotti , San Salvatore - Santa Giulia a Brescia. Il monastero nella storia, Skira, Milano 2001

Prompt: Focus on Diptych of the Lampadii and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La prugna

leftMoltissimi furono gli scrittori e, soprattutto, gli artisti, che si cimentarono nella descrizione  del vibrante mondo dei caffè di Parigi. Oltre a essere il luogo privilegiato di incontro di molti parigini del tempo, i caffè erano anche un foro di discussione e di circolazione di idee e teorie nuove. Non vi è sorpresa, dunque, che i caffè furono ritratti anche dal pittore francese Édouard Manet, che arrivò persino ad acquistare un tavolino di marmo e a collocarlo nel proprio laboratorio, così da ricreare artificialmente la loro atmosfera.L'opera, oggi custodita alla National Gallery of Art di Washington, sembra rispondere indirettamente a una celebre tela di Edgar Degas denominata L'assenzio, realizzata appena due anni prima. Degas, nel suo dipinto, ritrae un uomo e una donna raccolti nella loro totale emarginazione, a cui nulla è rimasto nella vita se non lo stordimento che l'assenzio è in grado di offrire a poco prezzo. Manet, assiduo frequentatore dei caffè parigini, rinuncia tuttavia all'interpretazione solitaria di Degas, e preferisce restituire un'immagine meno aspra e più poetica. A essere raffigurata è sempre una donna, ammantata in un delicatissimo abito rosa, che assume un'aria sognatrice e malinconica, tanto che presenta lo sguardo perso nel vuoto, come se stesse inseguendo il filo invisibile dei suoi pensieri. I critici hanno dibattuto molto sull'identità di un simile personaggio: molti nel passato vi individuavano una prostituta d'élite in attesa del cliente, anche se un'ipotesi più moderna e comunemente accettata suggerisce che raffiguri piuttosto una comune donna mondana, sognatrice e persa nelle proprie fantasticherie. Ella è infatti totalmente chiusa nei propri pensieri, a tal punto che ha dimenticato persino la prugna glassata che gli inservienti del Café de la Nouvelle Athènes le hanno lasciato sul tavolino di marmo.Le tangenze con il dipinto di Degas, in effetti, sono molto decise. Così come Degas, infatti, Manet dà l'idea di una visione improvvisa e casuale, adottando una composizione che coglie il personaggio da vicinissimo. Da L'assenzio, inoltre, Manet prende ispirazione per il titolo del dipinto  e per l'inquadratura del tavolino di marmo, che sembra quasi sospeso in aria, lasciandoci anzi l'impressione di continuare oltre la cornice .

Prompt: Focus on Plum Brandy and explain the Description.Please output in Italian.

Café de la Nouvelle Athènes
Edgar Degas
L'assenzio
National Gallery of Art
Édouard Manet


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Memoria Urbana Berlin

Memoria Urbana Berlin  è una scultura pubblica opera dell'artista spagnolo Juan Garaizabal che occupa il centro della piazza denominata Bethlehemkirchplatz nel Distretto di Mitte, Berlino, Germania. Fu eretta nel giugno del 2012 sul mosaico che comprendeva il luogo esatto nel quale si trovava la scomparsa Chiesa Boema di Betlemme nelle sue dimensioni originali. Per la sua costruzione furono impiegati 800 metri  lineali di tubo d'acciaio di sezione quadrata  e 300 metri  lineali di sistema d'illuminazione LED.  sua struttura disegna nell'aria le linee della siluetta della costruzione scomparsa, ricreando un volume esatto in forma di bozzetto. Di notte l'illuminazione risalta specifiche zone dove entrava la luce. Misura 25 metri  x 15 metri  x 31 metri d'altezza  e pesa 40 tonnellate .

Prompt: How does Memoria Urbana Berlin explain its Abstract?Please output in Italian.

2012
Berlino
Distretto di Mitte
Germania
Juan Garaizabal
LED


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Gassed

Harris, James C. MD . "Gassed". Art and Images in Psychiatry. 62 : 15–18.  Willsdon, Clare A. P. . Mural painting in Britain 1840–1940: image and meaning . Oxford University Press. ISBN 978-0-19-817515-5. - Total pages: 431 Herdrich, Stephanie L; Weinberg, H. Barbara . American drawings and watercolors in the Metropolitan Museum of Art: John Singer Sargent. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 0870999524.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Gassed (painting).Please output in Italian.


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Sacra Famiglia Barberini

Sacra Famiglia Barberini è un dipinto a olio su tavola  di Andrea del Sarto, databile al 1528 circa e conservato nella Galleria nazionale d'arte antica di Palazzo Barberini a Roma.

Prompt: In Holy Family (Andrea del Sarto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1528
Andrea del Sarto
Barberini
Palazzo Barberini
Roma


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Togato Barberini

Il Togato Barberini è una scultura romana in marmo risalente al I secolo a.C. che rappresenta un patrizio romano in toga, ritratto a figura intera, mentre tiene nelle mani i busti dei propri antenati defunti.  scultura si trova presso la Centrale Montemartini. Si sa molto poco riguardo a questa scultura, in particolare riguardo a chi essa rappresenti, ma si suppone possa trattarsi di una semplice rappresentazione dell'usanza romana di scolpire busti e maschere mortuarie di personaggi deceduti, specialmente antenati illustri delle famiglie patrizie.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Togatus Barberini.Please output in Italian.

Centrale Montemartini
I secolo a.C.
Toga


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Incubo

ricerca scientifica mostra che gli incubi possono avere molte cause. In uno studio focalizzato sui bambini, i ricercatori sono riusciti a concludere che gli incubi sono direttamente correlati allo stress nella vita dei bambini. I bambini che hanno vissuto la morte di un familiare o di un amico intimo o che conoscono qualcuno con una malattia cronica hanno incubi più frequenti rispetto a quelli che devono affrontare solo lo stress scolastico o lo stress derivante dagli aspetti sociali della vita quotidiana. Uno studio che ricerca le cause degli incubi si concentra sui pazienti che soffrono di apnea notturna. Lo studio è stato condotto per determinare se gli incubi possono essere causati o meno dall'apnea notturna o dall'incapacità di respirare. Nel diciannovesimo secolo gli autori credevano che gli incubi fossero causati dalla mancanza di ossigeno, quindi si credeva che chi soffriva di apnea notturna avesse incubi più frequenti rispetto a chi ne era privo. I risultati hanno effettivamente mostrato che le persone sane hanno meno incubi rispetto ai pazienti con apnea notturna. Un altro studio supporta l'ipotesi. In questo studio, 48 pazienti  con malattia ostruttiva delle vie aeree , di cui 21 con e 27 senza asma, sono stati confrontati con 149 controlli abbinati per sesso ed età senza malattia respiratoria. I soggetti OAD  con asma hanno riportato circa 3 volte più incubi rispetto ai controlli o ai soggetti OAD senza asma. Lo scopo evolutivo degli incubi quindi potrebbe essere un meccanismo per risvegliare una persona che è in pericolo.Il sostenitore dei sogni lucidi Stephen Berge ha delineato una possibile ragione per cui vengono formulati i sogni e perché si verificano gli incubi. Per Berge, un sogno inizia con un pensiero o una scena individuale, come camminare lungo una strada poco illuminata. Poiché i sogni non sono predeterminati, il cervello risponde alla situazione formulando un pensiero buono o cattivo, e da lì segue la struttura del sogno. Se in un sogno i cattivi pensieri sono più importanti dei buoni pensieri, il sogno potrebbe trasformarsi in un incubo.C'è un'opinione, forse contenuta nel racconto A Christmas Carol, secondo cui mangiare formaggio prima di dormire può causare incubi, ma ci sono poche prove scientifiche a riguardo.È probabile che si verifichino incubi gravi anche quando una persona ha la febbre; questi incubi vengono spesso definiti sogni febbrili.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the Cause.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Galata suicida

Il Galata suicida, noto anche come Galata Ludovisi, è una copia romana in marmo  del I secolo a.C. di una statua in bronzo di Epìgono realizzata intorno al 230-220 a.C., oggi conservata al Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps di Roma. L'opera originale, assieme al Galata morente, faceva parte del Donario di Attalo, un perduto monumento trionfale sull'acropoli di Pergamo commissionato da Attalo I per celebrare la propria vittoria sui Galati.

Prompt: Focus on Ludovisi Gaul and explain the Abstract.Please output in Italian.

220 a.C.
Attalo I
Donario di Attalo
Galata morente
Galati
I secolo a.C.
Museo Nazionale Romano
Palazzo Altemps
Pergamo
Roma


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, Come santa cattolica, le reliquie di Maria Maddalena furono venerate a Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, Provenza, attraendo una tale folla di pellegrini che venne eretta una grande basilica verso la metà del XIII secolo, una delle più famose chiese gotiche del sud della Francia. Linventio delle reliquie è attribuita a Carlo II d'Angiò, detto "lo zoppo", fatta nel 1279. Le reliquie furono convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295 e custodite nella basilica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume.Benché le sue ossa siano state disperse durante la Rivoluzione francese, si disse che la sua testa fosse rimasta nel suo sacrario in una caverna a  Sainte-Baume vicino a Marsiglia, dove la santa si sarebbe ritirata; si racconta anche di grandi miracoli e benedizioni ricevute da chi si recasse al sacrario per venerare Maddalena. Il piede della santa, custodito in un prezioso reliquiario dell'ambito di Benvenuto Cellini è stato venerato per secoli a Roma in una cappella posta all'ingresso di Ponte Sant'Angelo, ultima delle reliquie maggiori prima di giungere sulla tomba di San Pietro. Il piede è oggi conservato nella Basilica di San Giovanni de' Fiorentini. Altre reliquie consistenti in filamenti di capelli, stralci di camicie e piccoli resti ossei, sono custodite nella Collegiata di Atrani , in Costiera Amalfitana.

Prompt: Describe the characteristics of the Relics in Mary Magdalene (Perugino)'s Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.

Atrani
Benvenuto Cellini
Francia
III secolo
I secolo
Marsiglia
Ponte Sant'Angelo
Provenza
Rivoluzione francese
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume


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Festa degli amorini

Festa degli amorini o Omaggio a Venere è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1518-1519 e conservato nel Museo del Prado a Madrid.

Prompt: Focus on The Worship of Venus and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crocifisso di Santo Spirito

Michelangelo fu ospitato nel convento di Santo Spirito nel 1492, a diciassette anni, dopo la morte del suo protettore Lorenzo il Magnifico, che lo aveva ospitato durante i suoi studi artistici nel grande palazzo di famiglia in Via rga . In questo convento, grazie all'intercessione di Piero de' Medici e con l'autorizzazione del priore, ebbe la possibilità di analizzare i cadaveri provenienti dall'ospedale del convento per studiarne l'anatomia, ed è anche grazie a questa esperienza che Michelangelo divenne tra i più capaci nel rappresentare il corpo umano in ogni suo più piccolo dettaglio.Come ringraziamento dell'ospitalità il giovane artista scolpì per il priore Niccolò di po Bichiellini, il crocifisso ligneo, che venne collocato sopra l'altare maggiore, dove lo vide verso il 1510 l'Albertini, finché, durante l'occupazione francese della fine del XVIII secolo, con la soppressione del convento venne registrato come perduto. In realtà l'opera non si era mossa da Santo Spirito, come sostenne Margrit Lisner, che nel 1962, durante una catalogazione dei crocifissi toscani, lo riscoprì sotto una spessa ridipintura che alterava la forma e il carattere dell'opera. L'opera dopotutto confermava alcune informazioni tratte dalle fonti antiche .Venne destinato, dopo l'immediato restauro, al museo di Casa Buonarroti, dove rimase fino al 2000 quando si decise di riesporlo nella sagrestia di Santo Spirito. In seguito allo studio di due medici nel 1999 è stata riconosciuta la stretta aderenza del crocifisso alla realtà, ritraente un giovane quattordicenne morto da poche ore: il profondo studio anatomico del corpo ha reso ancora più probabile l'attribuzione del legno al maestro fiorentino.Un altro piccolo crocifisso in legno di tiglio, facente parte di una collezione privata ed esposto temporaneamente nel 2004 nel piccolo Museo Horne è stato attribuito a Michelangelo attraverso il confronto col crocifisso di Santo Spirito, specie in dettagli difficili come i tendini dei piedi o l'articolazione del ginocchio. Michelangelo infatti era tra i pochi a poter vantare conoscenza "scientifica" del corpo umano da poterlo raffigurare tanto realisticamente.

Prompt: Focus on Crucifix (Michelangelo) and explain the History.Please output in Italian.


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Cleopatra e Cesare

sinistraUno Il soggetto del dipinto venne suggerito a Gérôme dallo scrittore francese Prosper Mérimée nel dicembre del 1860. L'opera venne commissionata dalla "cortigiana" Esther chmann, meglio nota come  Païva, per decorare l'Hôtel de la Païva, il suo hôtel particulier a Parigi, ma il dipinto non le piacque e lo restituì a Gérôme, che nel 1866 lo espose al Salone di Parigi  e nel 1871 alla Royal Academy of Arts di Londra . Il quadro fu di proprietà del banchiere californiano Darius Ogden Mills e rimase nella collezione d’arte della famiglia Mills per oltre un secolo fino al 1990, quando venne venduto ad un acquirente privato.

Prompt: In Cleopatra and Caesar (painting), how is the History discussed?Please output in Italian.

Hôtel de la Païva
Londra
Parigi
Prosper Mérimée
Royal Academy of Arts


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Sacra Famiglia

festa della Santa Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe nel rito latino cade nel tempo di Natale nella domenica che intercorre tra il Natale e il Capodanno; in assenza della domenica la si festeggia il 30 dicembre. Nel Messale del 1962, invece, tale solennità cade nella prima domenica dopo l'Epifania.Nel rito ambrosiano la ricorrenza viene celebrata nell'ultima domenica di gennaio, quindi nella terza o quarta domenica successiva all’Epifania.

Prompt: Explain the Feast  Holy  Family about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Holy Family (Collinson painting).Please output in Italian.


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Senecio

Impollinazione: l'impollinazione avviene tramite insetti .Riproduzione: la fecondazione avviene fondamentalmente tramite l'impollinazione dei fiori .Dispersione: i semi  cadendo a terra sono successivamente dispersi soprattutto da insetti tipo formiche . In questo tipo di piante avviene anche un altro tipo di dispersione: zoocoria. Infatti gli uncini delle brattee dell'involucro  si agganciano ai peli degli animali di passaggio disperdendo così anche su lunghe distanze i semi della pianta. Inoltre per merito del pappo il vento può trasportare i semi anche a distanza di alcuni chilometri .

Prompt: In Senecio (Klee), how is the Biology discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Musica

Arrangiamento Battiti per minuto Canto Cadenza Genere musicale Glossario musicale Melodia Musica da camera Musica strumentale Musica dei nativi americani Musicologia Musicista Intervallo  Notazione musicale Note musicali Ottava  Pentagramma  Pausa  Registro  Registrazione sonora Suono Setticlavio Storia della musica Strumento musicale Teoria musicale Tempo  Tonalità

Prompt: Focus on Music (Matisse) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Apollo del Belvedere

Fu ritrovato ad Anzio verso la fine del XV secolo, durante il Rinascimento. .A partire dalla metà del XVIII secolo, venne considerata come uno dei supremi capolavori dell'arte mondiale, nonché come modello assoluto di perfezione estetica. L'opera, databile entro la metà del II secolo d.C., è oggi considerata la replica di un bronzo eseguito tra il 330 e il 320 a.C. dallo scultore greco Leocare, uno degli artisti che lavorarono al Mausoleo di Alicarnasso.Prima della collocazione nel Cortile del Belvedere, l'Apollo, che sembra sia stato scoperto nel 1489 a Grottaferrata, dove Giuliano Della Rovere era abate commendatario, ricevette solo poche attenzioni dagli artisti, benché esso fosse stato abbozzato due volte nel libro dei disegni di un allievo del Ghirlandaio durante l'ultima decade del XV secolo. Benché si sia sempre pensato che la statua appartenesse a Giuliano Della Rovere prima che egli venisse eletto pontefice, col nome di Giulio II, il suo collocamento appariva confuso fino al 1986: il cardinale Della Rovere, che portava il titolo di San Pietro in Vincoli si spostò da Roma durante il papato di Alessandro VI ; Deborah Brown ha dimostrato che frattanto l'Apollo soggiornò nel giardino dei Santi Apostoli e non nella chiesa titolare, come presunto. Venne descritto da Johann Joachim Winckelmann nel suo trattato sulla storia dell'arte nel 1763, l'Apollo venne considerato anche all'epoca del neoclassicismo un'opera di maestosa importanza. Secondo lo storico dell'arte Ernst Gombrich, per Hegel e i suoi contemporanei non si trattava solo di un simbolo della divinità solare, bensì di una rappresentazione del dio stesso in forma umana in un'adeguata forma sensibile. fama dell'Apollo era realmente europea e andava incarnando valori di rinnovamento politico, etico e sociale; a tal proposito vale la pena ricordare un aneddoto avvenuto durante il periodo della rivoluzione francese e delle spoliazioni napoleoniche. ll vescovo Henri Gregoire davanti alla Convenzione del 1794: "Se le nostre armate vittoriose penetrassero in Italia, l'asportazione dellApollo del Belvedere e dellErcole Farnese sarebbe la più brillante delle conquiste. È la Grecia che ha ornato Roma: ma i capolavori delle repubbliche greche dovrebbero forse ornare il paese degli schiavi ?  Repubblica Francese dovrebbe essere la loro sede definitiva". L'opera fu oggetto in effetti delle spoliazioni napoleoniche durante l'occupazione francese attuate col Trattato di Tolentino. Il Papa commissionò allora allo scultore Canova, per rimpiazzare la grave perdita nel Cortile del Belvedere, la statua neoclassica di Perseo vincitore di Medusa, che riprende l'atteggiamento dell'Apollo. Dopo la caduta di Napoleone la statua dell'Apollo venne restituita allo Stato della Chiesa e ricollocata nella sua sede originaria, grazie all'opera dello stesso Antonio Canova nel 1816.

Prompt: Focus on Apollo Belvedere and explain the History.Please output in Italian.

1489
1986
Antonio Canova
Anzio
Apollo
Cortile del Belvedere
Deborah Brown
Ercole Farnese
Ernst Gombrich
Grottaferrata
Italia
Johann Joachim Winckelmann
Leocare
Mausoleo di Alicarnasso
Rinascimento
Trattato di Tolentino
XVIII secolo
XV secolo


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Portrait of a Man in Red Chalk's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Incoronazione Maringhi

Miracolo di sant'Ambrogio, dalla predella

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Coronation of the Virgin (Filippo Lippi).Please output in Italian.


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Democrito

Il nome di Democrito è rimasto legato alla sua celebre teoria atomista considerata, anche a distanza di secoli, una delle visioni più "scientifiche" dell'antichità: l'atomismo democriteo infatti fu ripreso non solo da altri pensatori greci, come Epicuro, ma anche da filosofi e poeti romani  nonché da filosofi del tardo medioevo, dell'età rinascimentale e del mondo moderno . Come è stato rilevato da Theodor Gomperz e da altri studiosi, Democrito può essere considerato il "padre della fisica", così come Empedocle lo era stato per la chimica. Ludovico Geymonat afferma che «l'atomismo di Democrito […] ebbe una funzione determinante, nel XVI e XVII secolo, per la formazione della scienza moderna».Alla base dell'ontologia di Democrito c'erano i due concetti di atomo e di vuoto: infiniti atomi in infinito vuoto. ddove le filosofie precedenti cercavano nellarchè un principio unitario a fondamento del tutto, come notavano Platone e Aristotele, la sua filosofia culminava in due principi irriducibili tra loro.Democrito per certi aspetti sostituì l'opposizione logica eleatica tra essere e non essere con l'opposizione fisica tra atomo e vuoto: l'atomo costituiva l'essere, il vuoto rimandava in un certo senso al non essere. Per Democrito un atomo costituiva l'elemento originario e fondamentale dell'universo, nonché il fondamento metafisico della realtà fisica; ciò significava che gli atomi non venivano percepiti a livello sensibile  ma solo su un piano intelligibile, ossia attraverso un procedimento intellettuale che scomponeva e superava il mondo fisico-corporeo. C'è da precisare che l'atomo democriteo non costituiva in sé un'intelligibilità pura, come sarà l'idea di Platone, in quanto esso possedeva un'essenziale consistenza materiale: tuttavia era pur sempre una realtà intelligibile poiché sfuggiva ai sensi e si coglieva solo mediante l'intelletto.  realtà degli atomi costituiva per Democrito l'archè, quindi l'essere immutabile ed eterno. Gli atomi erano concepiti come particelle originarie indivisibili: essi cioè erano quantità o grandezze primitive e semplici , omogenee e compatte, la cui caratteristica principale è l'indivisibilità.Democrito, quindi, contrappose alla divisibilità infinita dello spazio geometrico, sostenuta da Zenone di Elea con i suoi paradossi , l'indivisibilità dello spazio fisico, che trovava appunto nell'atomo un limite invalicabile. Gli atomi dunque, in quanto principio primo di ogni realtà, erano eterni ed immutabili: essi non erano stati generati né potevano essere distrutti, ma esistevano da sempre e sempre sarebbero esistiti. Gli atomi, però, in quanto particelle quantitative , costituivano il pieno, che rimandava necessariamente alla realtà di un vuoto in cui potersi collocare, in cui poter esistere. Il vuoto infinito costituiva quindi anch'esso una realtà originaria analoga a quella degli atomi, poiché rendeva possibile la loro esistenza: infatti gli atomi non sarebbero stati nemmeno pensabili senza uno spazio vuoto infinito entro cui potersi muovere incessantemente. In questo illimitato vuoto spaziale non esistevano più punti di riferimento, tanto è vero che il filosofo greco, quasi anticipando il moderno concetto di infinito fisico, così affermò: «non esiste basso né alto, né centro né ultimo, né estremo». Fin da Aristotele, atomi e vuoto sono stati variamente interpretati; infatti, lo stesso Aristotele così si espresse nella sua Metafisica: «Leucippo e il suo discepolo Democrito pongono come elementi il pieno e il vuoto, chiamando l'uno essere e l'altro non essere».Di fronte alla realtà di qualcosa , Democrito avrebbe ammesso l'esistenza di un "non qualcosa", il vuoto appunto, il nulla inteso come spazio. Quindi il vuoto di Democrito non stava ad indicare l'esistenza del non essere ma più semplicemente la mancanza di materia, coincidente appunto con lo spazio. Pieno e vuoto costituivano pertanto i due principi originari a cui ricondurre l'esistenza di tutte le cose: l'uno rimandava all'altro, lo implicava necessariamente, poiché la realtà era il risultato della loro sintesi. Gli atomi possedevano il movimento come loro caratteristica intrinseca: essi infatti si muovevano eternamente e spontaneamente nel vuoto, incontrandosi e scontrandosi. Il divenire del cosmo e della natura e la molteplicità degli enti erano dovuti proprio a questo incessante movimento da cui tutto si formava per poi disgregarsi. Il movimento quindi costituiva una proprietà intrinseca e spontanea degli atomi e, come tale, non era generato da una causa esterna ad essi: spontaneamente, per loro natura, essi si muovevano.In questo eterno e naturale movimento degli atomi di Democrito alcuni studiosi hanno visto una sorta di primitiva intuizione del principio di inerzia. È stato notato che «il principio di inerzia, fondamento della dinamica galileiana, dice pressappoco la stessa cosa: afferma infatti che il moto rettilineo uniforme non richiede la presenza di alcuna causa che lo provochi; solo dove si ha accelerazione deve esserci una causa che lo produce»In Democrito, come osservò Aristotele, era assente il concetto di una causa del movimento; non era chiaro «il perché del movimento, né di quale specie esso sia né la causa per cui il movimento avviene in un modo o in un altro».Gli atomi democritei, essendo definiti come quantità infinitesime, erano del tutto privi di determinazioni qualitative: sono fatti tutti della medesima materia, ma differiscono per quanto riguarda gli aspetti quantitativi, vale a dire forma, ordine e posizione. Dal punto di vista della forma, ad esempio, l'atomo A era diverso dall'atomo B .  posizione indicava il fatto che l'atomo A occupasse un posto diverso da quello di B; infine l'ordine  indicava l'esistenza di una relazione AB che era diversa da BA. Utilizzando l'esempio di Aristotele, le differenze tra gli atomi possono essere spiegate al pari delle differenze che costituiscono le lettere dell'alfabeto: A differisce da N per la forma, AN da NA per l'ordine, mentre Z differisce da N per la posizione. Tutte queste differenze, come si vede, erano di natura geometrico-quantitativa e davano luogo ad una realtà caratterizzata esclusivamente da rapporti quantitativi, secondo quell'idea che era stata già intuita dalla scuola pitagorica.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the The theory of atoms of the Opponents explained?Please output in Italian.

Aristotele
Empedocle
Epicuro
Leucippo
Ludovico Geymonat
Platone
Theodor Gomperz
Zenone di Elea


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ on the Cross (Zurbarán).Please output in Italian.


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Estrazione della pietra della follia

LEstrazione della pietra della follia, noto anche come Cura della follia, è un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1494 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Prompt: How does Cutting the Stone explain its Abstract?Please output in Italian.

1494
Hieronymus Bosch
Madrid
Museo del Prado


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Ritratto di Clarissa Strozzi

Nel dipinto viene raffigurato una fanciulla dell'antica famiglia fiorentina Strozzi; essa sembra leggermente spaventata e si avvicina vicino al cagnolino come per proteggersi.  Da alcuni è considerato un esempio di uno dei ritratti di bambini più belli del mondo grazie alla colorazione e in particolare alla combinazione di colori rosso carminio, blu e giallo dorato. Questa tela è considerata un'ispirazione per i dipinti di Antoon van Dyck.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Clarissa Strozzi.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The influence of photography of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: Explain the Operatic, historiographic, and hagiographic works about the Biography of this artwork, Saint Jerome Writing.Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait with Two Pupils's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.