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Musica

leftupright=0.8Nel secolo d'oro della musica classica occidentale, gli anni che vanno dal 1750 al 1850, essa si esprime in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale  che in campo operistico, sfruttando sempre più estesamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli passati.Durante questo periodo, per la prima volta, si manifestò un sentimento storico dell'esperienza musicale; la musica acquisì una coscienza storica al pari delle altre arti grazie agli studi e le pubblicazioni che riguardarono il passato; fra i trattatisti notevoli, ricordiamo il maestro Ant. Reicha, autore d'un Trattato di Melodia, un Trattato di Armonia e un Nuovo Metodo per la Fuga, nonché di numerose  opere minori. Questo nuovo fenomeno consentì di creare una saldatura tra il presente ed il passato e di dare continuità al percorso evolutivo musicale.Nel XVIII secolo vi fu la grande presenza di Mozart. Senza dubbio fu uno, tra i grandi, e sono tanti; e grazie a lui l'evoluzione della musica poggiò su un grande pilastro creato, che si estese in tutti i campi, sinfonia, opera, musica da camera, serenate, e che rappresentò il legame, possiamo dire, tra la musica del Settecento  e quella romantica del XIX secolo.Agli inizi del XIX secolo giganteggiò la figura di Ludwig van Beethoven, che prese le mosse dall'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la sinfonia e la sonata, creando al contempo il concetto di musica assoluta, cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assistette alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. In seguito, oltre a lui, artisti come Johannes Brahms, Anton Bruckner e Gustav Mahler ottennero grandi risultati specialmente in campo sinfonico, per questo si parla di "Stagione del grande sinfonismo tedesco".In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del romanticismo musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann. In Francia operano invece Berlioz e il polacco Chopin che in molte sue composizioni inserì innovazioni armoniche che facevano già presagire l'Impressionismo.Con Richard Wagner vennero introdotte nuove sonorità con passaggi armonici innovativi e un esasperato cromatismo che misero in crisi il sistema tonale tradizionale.

Prompt: Describe the characteristics of the Classicism and Romantic music in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.

1750
1850
Anton Bruckner
Armonia
Francia
Gustav Mahler
Johannes Brahms
Ludwig van Beethoven
Melodia
Richard Wagner
XIX secolo
XVIII secolo


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Il Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo è un dipinto tempera su tela  di Gentile Bellini, databile al 1500 e conservato nelle Gallerie dell'Accademia a Venezia.

Prompt: In Miracle of the Cross at the Bridge of S. Lorenzo, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
Gallerie dell'Accademia
Gentile Bellini
Miracolo
Venezia


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In Epifania, how is the Italy of the Theology explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Natività mistica

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Prompt: In the context of The Mystical Nativity, explain the TheCaveofSandRobots and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Van Gogh self-portrait (1889)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Edmonia Lewis

figura di fanu Brown nel romanzo  linea del colore  di Igiaba Scego è ispirata in parte a Lewis, in parte a Sarah Parker Remond, ostetrica afro-americana che visse a Roma nello stesso periodo.

Prompt: How does Edmonia Lewis explain its In mass culture?Please output in Italian.


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Giovani spartani che si esercitano

Il dipinto coglie un gioco sintonizzato di lancio e accettazione della sfida che coinvolge un gruppo di ragazze e di ragazzi. A sinistra troviamo quattro giovani donne spartane, dai tratti lievemente androgini, colte mentre incitano i ragazzi alla lotta sfida con un «contegno più parigino che spartano» : i loro gesti, infatti, non sono per nulla aggressivi, bensì si impaginano con un'armonia e un ritmo che ricordano le movenze delle ballerine, le grandi protagoniste dei dipinti degassiani a venire. I ragazzi, delegati nella parte destra del dipinto, presentano tratti dolcemente effeminati e raccolgono la sfida. Sullo sfondo, infine, troviamo le madri dei lottatori, che osservano divertite il certame.In quest'opera Degas favorisce un andamento paratattico, rapido e concitato, che con la sua simmetria sembra quasi riallacciarsi al rigore della pittura neoclassica, e dirige una sapiente coreografia, dove alla serrata coesione del gruppo delle ragazze viene contrapposta la formazione tutt'altro che compatta dei ragazzi. Notevole anche l'impianto compositivo dell'opera, il cui centro focale è fissato esattamente sul palmo della mano della giovane spartana che lancia la sfida, la quale sembra quasi «gelidificata» in primo piano. Nonostante il chiaro intento didascalico dell'opera, che si propone l'ammaestramento morale con il ricorso a illustri esempi del passato, Degas asciuga la retorica della «grande maniera» accademica e non ricorre a inventio particolari per fissare i contenuti dell'opera in stereotipi precisi. Quest'operazione di azzeramento dei referenti storici è così intensa che il riferimento a Sparta sopravvive nel solo titolo: l'opera sembra quasi raffigurare una semplice lotta tra giovani senza tempo.Riprendendo il commento della critica d'arte Giovanna Rocchi, i nudi «sono trattati in maniera naturalistica e i volti non sono il frutto della ripetizione di un tipo fisionomico, ma sono ritratti eseguiti sul modello, ognuno dei quali si definisce in una differente espressione». Già durante gli anni giovanili Degas era già sensibile alle istanze del realismo, pur essendo ancora fortemente legato agli studi sui primitivi condotti in Italia . In quest'opera l'artista cerca di riproporre i due elementi, quello classicheggiante e quello realistico, in una fusione che tuttavia è subito oggetto di scherno dalla critica del tempo, prodiga di insulti verso il graffiante realismo di quelle «ossute monelle di periferia» .

Prompt: In Young Spartans Exercising, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Caccia al leone

Nel corso della storia, ogni sorta di cane è stato usato dall'uomo per la caccia al leone in Africa e  in Medio Oriente. In particolare tra questi cani da caccia al leone c'è il Rhodesian Ridgeback.  caccia al leone  ha visto la sua massima popolarità e livelli di partecipazione durante il periodo del "Grande cacciatore bianco", essenzialmente la seconda metà del XIX secolo e i primi decenni del XX secolo. Poiché da allora la caccia al leone è in declino, la caccia al leopardo ha visto un aumento inversamente proporzionale della popolarità. Questa transizione può essere dovuta almeno in parte alla crescente popolarità dei segugi da profumo americani e continentali tra i segugi africani e i PH, poiché è molto meno probabile che il leopardo si posizioni su un terreno solido , e sono molto di più probabile che abbaia all'albero. Sebbene, in proporzione alla loro crescente popolarità, diversi branchi di questi segugi siano oggi utilizzati regolarmente da PH e guide come cacciatori di leoni in tutta l'Africa meridionale.Questo metodo di caccia al leone prevede che il cacciatore rilasci un branco di cani allevati a questo scopo in un'area nota per gli alti livelli di attività dei leoni o su tracce fresche. Il branco seguirà il leone e poi terrà a bada il leone finché il cacciatore non sarà in grado di chiudere la distanza e uccidere il leone a distanza ravvicinata.

Prompt: In the context of The Lion Hunt (Delacroix), explain the They bite. and the History.Please output in Italian.

Africa
Medio Oriente
XIX secolo
XX secolo
X secolo


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: In Epifania, how is the Peru of the Theology explained?Please output in Italian.


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Prometeo incatenato

In tutta l'opera è costante la centralità del personaggio di Prometeo, un ribelle incapace di accettare l'ordine imposto da Zeus e dai nuovi dei, che pretendono di piegare ogni cosa alla loro volontà, ignorando la infelice condizione dei mortali, che spinge invece Prometeo, di origini divine, a dare loro aiuto. Nell'opera è presentato il solo punto di vista del protagonista, che ripete la propria avversione per Zeus di fronte a numerosi personaggi, ma che appare portatore di un valore che non può non suscitare simpatia nello spettatore: la solidarietà verso gli uomini e la volontà di aiutarli a progredire facendo loro conoscere il fuoco.Prometeo, dunque, si presenta come portatore di luce e di progresso, anche a costo di sfidare la volontà di Zeus: una figura ben diversa da quella che appare nella Teogonia di Esiodo, in cui il titano è presentato come un briccone che sfida gli dei in una gara d'astuzia nella quale ad uscire perdente sarà proprio il genere umano. L'identificazione dello spettatore in Prometeo avviene in quanto il titano, come l'uomo aspira ad un di più che non gli è concesso; Prometeo appare così come un eroe confinato in un sistema di valori arcaico, dove l'ambizione a un di più è considerata un atto di tracotanza .

Prompt: In the context of Prometheus Bound (Rubens), explain the Prometheus  the  rebel and the Plot.Please output in Italian.


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Lotta tra Amore e Castità

Il dipinto fu il terzo ad essere commissionato da Isabella d'Este per il suo studiolo, dopo le due tele di Mantegna, il Parnaso e il Trionfo della Virtù, rispettivamente del 1497 e del 1499-1502.Il soggetto venne fornito forse dal poeta e consigliere di Isabella Paride da Ceresara e ne resta una corposa documentazione tramite la fitta corrispondenza tra Isabella e il Perugino, attivo allora alla bottega di Firenze. Il tema letterario, specificato in tutte le parti, era incluso nel contratto notarile e comprendeva un disegno su cui il pittore doveva basarsi. Il pittore poteva omettere qualche episodio secondario nel dettagliatissimo programma, ma gli era assolutamente proibito di aggiungere figure di sua invenzione o di fare modifiche: quando dipinse una Venere nuda anziché vestita la marchesa, tramite i suoi consulenti che continuamente visitavano lo studio dell'artista, protestò vigorosamente.Nel 1505, alla consegna del dipinto, Isabella non ne rimase pienamente soddisfatta: disse che le sarebbe piaciuto di più se fosse stato a olio, quando invece era stato fatto a tempera su sue esplicite istruzioni per seguire lo stile di Mantegna. Inoltre il pittore si era trovato probabilmente a disagio nel dipingere la composizione di contenuto intimista piuttosto che un'opera di grande formato come al suo solito.  composizione risulta infatti un po' farraginosa, carente nel disegno rispetto ai precedenti di Mantegna. Il tutto fruttò a Perugino la non alta cifra di 100 ducati.Il dipinto venne regalato, con tutti gli altri dello studiolo, da Carlo I Nevers al cardinale Richelieu, venendo trasferito a Parigi. Qui seguì le vicende di molte collezioni artistiche di pregio, finendo nel patrimonio statale e poi al nascente Museo del Louvre.

Prompt: How does The Battle Between Love and Chastity explain its History?Please output in Italian.

1497
1499
1502
1505
Firenze
Isabella d'Este
Museo del Louvre
Paride da Ceresara
Parigi
Perugino
Perugino
Trionfo della Virtù


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Madonna delle Grazie

Paese in provincia di Foggia a nord del Tavoliere delle Puglie; la festa viene celebrata il 2 luglio nel Convento dei Frati Cappuccini intitolato a Maria SS. delle Grazie e Padre Pio Giovane. Festa caduta in disuso per circa 10 anni a causa di varie vicissitudini, è stata ripristinata nel 2010 da un gruppo di persone del paese devote al culto della Madonna delle Grazie che, organizzatisi in Comitato Permanente, hanno ridato lustro e dignità a questa solennità. Dal 23 giugno al 1º luglio si svolge la novena alla Vergine con Coroncina, Vespri Solenni e Santa Messa vespertina preceduta, quotidianamente, dallo sparo in aria di mortaretti che annunciano l'inizio della novena. Particolarmente suggestiva è la tradizione che lega Serracapriola a Chieuti, paese limitrofo, in cui forte e molto sentita è la devozione alla Madonna delle Grazie, dovuta a un miracolo avvenuto al tempo dell'invasione dei Turchi ; la Madonna avrebbe salvato con un prodigio, ricordato da un affresco nella navata centrale del Convento di Serracapriola, la cittadina di Chieuti dall'invasione e dal saccheggio; pertanto la prima messa delle ore 6:00 del 2 luglio è riservata al popolo di Chieuti che, in solenne processione, accompagna il simulacro della Vergine, da Chieuti a Serracapriola per una distanza di circa 4 km, trasportato su un cocchio trainato da un pony a cui fanno corolla vari fedeli a cavallo. Il pomeriggio del 2 luglio si svolge la Solenne Peregrinatio, durante la quale il Sacro Simulacro della Vergine sfila per le vie del paese, trasportato a spalla da fedeli cosiddetti "portatori", in camice bianco e mozzetta celeste, fino alla Piazza Castello, dove avviene la Consacrazione delle cittadine di Serracapriola e Chieuti alla Madonna delle Grazie. Al rientro viene celebrata, all'interno del vasto giardino del Convento, la Messa Solenne, presieduta dal Vescovo Diocesano o dal Guardiano Provinciale dei Cappuccini, a cui partecipano autorità civili e militari dei due paesi limitrofi.  festa si conclude, dopo un concerto di musica leggera tenuto da artisti di chiara fama nazionale, con lo spettacolo di fuochi pirotecnici.

Prompt: Describe the characteristics of the Serracapriola in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

2 luglio
Chieuti
Serracapriola
Tavoliere delle Puglie


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Earthstopper sulle rive del Derwent

Il dipinto raffigura un uomo che tappa la tana di una volpe in modo che nella successiva battuta di caccia l'animale possa essere ucciso senza avere la possibilità di nascondersi sottoterra; l'uomo che svolgeva questo compito era conosciuto come Earthstopper.Joseph Wright era noto per i suoi quadri illuminati da luce insolita, ma qui vediamo questo tema combinato con il paesaggio. Wright completò alcuni dipinti di notevole importanza che comprendevano paesaggi prima di compiere il Grand Tour in Italia, dove ne creò un gran numero, compresi quelli mostrano l'eruzione del Vesuvio. Benedict Nicholson, un'autorità nello studio di Joseph Wright, ritiene questo dipinto sia ispirato ad una poesia scritta da Francis Noel Clarke in una raccolta dal nome e in aiuto della conservazione della Needwood Forest; il poeta in seguito avrebbe commissionato sei ritratti a Wright, tra cui uno di se stesso.Il quadro fu esposto nel 1773 ed è ora nella collezione del Derby Museum and Art Gallery .

Prompt: How does The Earthstopper explain its Description?Please output in Italian.

Derby Museum and Art Gallery
Francis Noel Clarke
Needwood Forest
Vesuvio


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Visione di sant'Eustachio

Visione di sant'Eustachio è un dipinto, tempera su tavola  di Pisanello, databile al 1436-1438 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does The Vision of Saint Eustace (Carracci) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

città di Centuripe venera la Vergine delle Grazie l'otto di settembre. Il culto nasce quando nel 1534 il francescano Andrea del Guasto fondò la congregazione dei monaci di Sant'Agostino di Centorbi e fece costruire una specie di grotta dove andavano proprio i monaci a pregare. L'idea gli venne dopo che un giorno, camminando tra i ruderi della vecchia Kentoripa con il suo asino, vide qualcosa luccicare tra le rovine: si avvicinò e vide che era un quadro raffigurante Maria con il bambino. Il francescano lo prese con sé e a esso diede l'appellativo di "Madonna di Chiarastella", successivamente venerato come la Madonna delle Grazie. Lì dove lo trovò, il monaco decise di costruire una chiesetta in onore alla Madonna e lo stesso quartiere dove ora si trova la chiesetta si chiama proprio "la Madonna".

Prompt: Explain the Centuripe about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, per la Chiesa romana l'Epifania è la festività che ricorda la visita dei Magi; nella Chiesa maronita, secondo l'antica tradizione, rappresenta l'annuncio pubblico della missione di Gesù quando fu battezzato nel Giordano da Giovanni il Precursore, detto anche "Giovanni Battista". In tale occasione i cristiani libanesi pregano per i loro defunti.I Maroniti si recano generalmente alla Messa di mezzanotte quando Cristo  passa per benedire le case, mentre i cristiani libanesi riuniti per la Messa si congratulano a vicenda dicendo "El Deyim Deyim" . Si prepara un impasto fatto solo di acqua e farina  che lievita all'aperto grazie alla benedizione.

Prompt: Explain the Lebanon about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Battista
Giovanni Battista
Chiesa maronita


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Il giuramento del Grütli

Il giuramento del Grütli o Il giuramento dei tre confederati sul Rütli  è un dipinto dell'artista svizzero Johann Heinrich Füssli, realizzato tra il 1779 e il 1781. Commissionata dalla città di Zurigo, l'opera oggi è conservata nella sua Kunsthaus. Esistono inoltre diversi schizzi e studi preparatori conservati in vari musei del mondo.

Prompt: Focus on The Oath on the Grütli and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Triplo ritratto di Carlo I

Il Ritratto di Carlo I in tre posizioni è uno dei ritratti che Antoon van Dyck eseguì per il re d'Inghilterra Carlo I. Da quando era passato al servizio della corona inglese, il pittore fiammingo aveva eseguito numerosi ritratti del sovrano. Questo caso rappresenta una eccezione: il suo primo scopo non fu quello di ritrarre il re in modo da celebrare la potenza della monarchia o da esaltare la figura di Carlo I. Il quadro fu infatti inviato a Roma, dove lo attendeva Gian Lorenzo Bernini. Il celebre scultore, che non si mosse dall'Italia che una volta soltanto, per recarsi in Francia, nelle città di Parigi e Versailles, dove dimorava la corte del re di Francia Luigi XIV, il Re sole, aveva ricevuto la richiesta da parte di Carlo di eseguire un suo busto. Bernini accettò, ma dovendo avere un modello a disposizione, chiese che gli fosse inviato un ritratto del sovrano.Van Dyck, per facilitare e rendere più preciso il lavoro di Bernini, ritrasse il re in tre posizioni, facendone un quadro molto ammirato ed ora conservato nel castello di Windsor vicino a Londra. Il busto di Bernini invece venne distrutto in seguito all'incendio che colpì il Palazzo di Whitehall.Sempre nelle collezioni reali del Castello di Windsor si conserva un busto in marmo dello scultore olandese Jan Blommendael che parte della critica indica come una possibile copia del perduto ritratto del Bernini.Con lo stesso procedimento Bernini avrebbe dovuto eseguire il ritratto anche della moglie del sovrano inglese, Enrichetta Maria di Borbone. Allo stesso scopo Van Dyck realizzò - questa volta su tele distinte - tre ritratti della regina, due di profilo e uno frontale. Bernini tuttavia non eseguì questo secondo busto.Alcuni anni dopo, nel 1641, avvalendosi di un ulteriore triplo ritratto del pittore francese Philippe de Champaigne - compositivamente simile a quello di Van Dyck e forse da questo esemplato - Bernini scolpì il busto del cardinale Richelieu, ora conservato al Louvre.

Prompt: In Charles I in Three Positions, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Antoon van Dyck
Castello di Windsor
Francia
Gian Lorenzo Bernini
Londra
Palazzo di Whitehall
Parigi
Philippe de Champaigne
Roma


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Madonna col Bambino tra i santi Giovannino e Caterina

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. ISBN 3-8290-4553-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Aldobrandini Madonna (Titian).Please output in Italian.


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Uguaglianza davanti alla morte

Uguaglianza davanti alla morte  è un dipinto a olio su tela realizzato dall'artista francese William-Adolphe Bouguereau nel 1848. Di dimensioni 141x269 cm, è conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Prompt: How does Equality Before Death explain its Abstract?Please output in Italian.

1848
William-Adolphe Bouguereau
Parigi
William-Adolphe Bouguereau


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Al Moulin Rouge

Al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1892-93 e conservato all'Art Institute di Chicago.

Prompt: In At the Moulin Rouge, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La preghiera nella moschea

Il quadro, tipicamente orientalista, rappresenta l'interno della moschea di ‘Amr al Cairo, risalente al VII secolo d.C., nella quale alcuni fedeli pregano. Alcuni piccioni svolazzano per aria, attorno a un candeliere, mentre altri si raggruppano per terra, probabilmente per beccare del cibo. In primo piano sono presenti un dignitario e i suoi assistenti, mentre sullo sfondo si trovano i fedeli, incluso uno che indossa solo un perizoma, che pregano rivolti verso la Mecca. Tuttavia, è improbabile che Jean-Léon Gérôme abbia realmente assistito a una celebrazione nella moschea durante il suo viaggio in Egitto nel 1868, poiché il luogo di culto era caduto in disuso. Il dipinto, piuttosto è probabilmente l'unione di schizzi e fotografie di vari luoghi egiziani.L'artista riuscì a dare enfasi all'architettura della moschea tramite la ripetizione e la giustapposizione degli archi bianchi e rossi, che rappresentano una sorta di reverenza silenziosa situata sopra i fedeli.

Prompt: How does Prayer in the Mosque explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

leftA occhio nudo si può vedere da subito come il disegno sia stato mutato dopo un suo primo completamento: in origine la figura di Anna Meyers si presentava coi capelli lunghi, come testimoniato da un disegno preparatorio eseguito dallo stesso Holbein. Il motivo del cambiamento di acconciatura è dato non solo dall'aspetto di maggiore eleganza e compostezza della figura, ma anche dal ruolo che essa rivestiva come ragazza da marito. Alle spalle della ragazza si trova la madre Dorothea Kannengießer e la defunta Magdalena Bär. Le due mogli del borgomastro sono rappresentate in maniera diversa, con la seconda moglie in origine contraddistinta da un ampio sottogola che le copriva gran parte del viso, ma che nel 1528 al ritorno di Holbein dal suo primo viaggio in Inghilterra, venne mutato con un più moderno costume che lasciava vedere più apertamente la bellezza delle fattezze del viso della nuova consorte del committente. L'aspetto della prima consorte venne lasciato immutato per sottolineare l'idea di vecchio, di sorpassato, per quanto ancora presente nella memoria e nel cuore di quanti l'avevano amata.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Corrections, remakes and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: In Annunciation (Lorenzetti), how is the Congregation orders Annunciation discussed?Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

sinistraIl 16 giugno 1875 viene onorata la seconda richiesta riportata da Margherita Maria Alacoque. L'arcivescovo di Parigi pone la prima pietra della Basilica del Sacro Cuore di Montmartre.  terza richiesta di Margherita Maria Alacoque è istituita durante l'inaugurazione del Memoriale Heiho Niten Ichi Ryu l'8 dicembre 2014, ufficializzato da Francia, Giappone, Cambogia, ASEAN e Russia, presso cui sventolano le bandiere del Sacro Cuore reale e del Sacro Cuore repubblicano.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Promises of the Sacred Heart.Please output in Italian.

16 giugno
1875
2014
Basilica del Sacro Cuore
Cambogia
Cuore
Francia
Giappone
Margherita Maria Alacoque
Montmartre
Russia


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Giove e Io

serie degli Amori di Giove venne concepita dopo il successo riscosso dalla tela di Venere e Amore spiati da un satiro. L'artista fece in tempo ad eseguire quattro tele, accoppiabili a due a due per le dimensioni, e forse altre ne erano state programmate.  cronologia delle quattro tele è argomento alquanto controverso. Ciò che importa, però, è soprattutto il fondamentale contributo che diedero allo sviluppo della pittura a soggetto mitologico e profano, grazie al nuovo e straordinario equilibrio tra resa naturalistica e trasfigurazione poetica.Dipinte per Mantova, forse per Palazzo Te, pervennero poi a Carlo V: Vasari, che aveva sentito parlare del ciclo da Giulio Romano, citò solo due dei dipinti, tralasciando Giove e Io e il Ratto di Ganimede .Gould cercò di spiegare l'omissione ipotizzando che Io e Ganimede fossero state fatte realizzare da Federico II per sé, che le avesse donate all'imperatore durante la sua visita del 1532 e che avesse poi commissionato Leda e Danae espressamente per Carlo V; per Verheyen i quattro dipinti sarebbero stati realizzati per la sala di Ovidio in palazzo Te e sarebbero passati a Carlo solo dopo la morte del duca Federico , forse in occasione delle nozze di suo figlio, l'infante Filippo.Conservata nelle raccolte reali spagnole, la tela passò poi, insieme alla Danae, nella collezione dello scultore milanese Leone Leoni, presso la quale è ricordata da Giovanni Paolo Lomazzo nel suo Trattato dell'arte de la pittura del 1584. Entrambe vennero acquistate tra il 1601 e il 1603 da un intermediario Rodolfo II d'Asburgo, insieme al Cupido che fabbrica l'arco del Parmigianino, e vennero portate a Praga, ma già negli anni '10 del '600 era presente, insieme al Ratto di Ganimede, nelle raccolte imperiali di Vienna.L'opera ha affascinato moltissimi artisti, soprattutto settecenteschi. Avendo abbandonato l'Italia nel Cinquecento è interessante ricordare come doveva comunque esserne rimasta una memoria se il pittore Pier Francesco Mola ne trasse un disegno.

Prompt: Focus on Jupiter and Io and explain the History.Please output in Italian.

1532
1584
1601
1603
Cupido che fabbrica l'arco
Giovanni Paolo Lomazzo
Giulio Romano
Leone Leoni
Palazzo Te
Parmigianino
Pier Francesco Mola
Praga
Rodolfo II d'Asburgo
Venere e Amore spiati da un satiro
Vienna


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Il quarto stato

Il quarto stato fu mostrato al pubblico per la prima volta alla Quadriennale di Torino nel 1902, insieme con un'altra importante tela pellizziana, Il tramonto. L'opera non ebbe alcun riconoscimento ; altra cocente delusione fu il mancato acquisto della tela da parte di un museo, di Casa Savoia o di un qualche ente pubblico, così da poter porre rimedio alla situazione economica ormai fattasi disastrosa. Ciò malgrado, l'ideazione del Quarto stato è stata assolutamente esemplare: ne era consapevole Giovanni Cena, che all'indomani della Quadriennale scrisse che «è una cosa che resterà e che non ha paura del tempo, perché il tempo le gioverà».Il successo del Quarto stato presso il pubblico incominciò non tra le mura delle sale espositive - come si augurava il Pellizza - bensì mediante la stampa socialista e le innumerevoli riproduzioni.Nonostante le censure della critica, già nel 1903 il quadro venne ristampato nella rivista milanese Leggetemi! Almanacco per la pace, facendo da cornice artistica a un articolo di Edmondo De Amicis; analogamente, il 1º maggio 1903 venne riprodotto nel giornale Unione, mentre il 1º maggio dell'anno successivo fu il turno del periodico L'Avanguardia socialista. E ancora, nel 1905 assurse a simbolo della classe dei lavoratori comparendo sullAvanti! della domenica, rivista settimanale del quotidiano del Partito Socialista Italiano; nel 1906, invece, divenne cartoncino-strenna del giornale vogherese L'uomo che ride, diretto da un altro amico del Pellizza, Ernesto Majocchi, con il consenso «gratissimo» dell'artista.Frattanto, Pellizza - forte dell'alto medium di diffusione raggiunto dall'opera - tentò varie volte di esibire Il quarto stato presso altre mostre, ma invano: i comitati espositivi, temendo la pericolosità del soggetto, rifiutarono sempre di esporlo. Pellizza riuscì a vedere la propria opera d'arte esposta in una mostra solo una volta, nel 1907, a Roma presso la Società promotrice di Belle Arti: l'artista si suicidò, non ancora quarantenne, il 14 giugno dello stesso anno.Dopo un periodo di stasi , Il quarto stato fu esposto nel 1920, in pieno biennio rosso, in una retrospettiva monografica dedicata all'artista presso la Galleria Pesaro di Milano. Si trattò di una mostra decisiva per il futuro fisico dell'opera: all'antologica, infatti, partecipò anche il critico d'arte e soprintendente del Castello Sforzesco Guido Marangoni che, rimasto impressionato dall'imponenza del quadro pellizziano, decise di promuovere una sottoscrizione pubblica per acquistare la tela dagli eredi, insieme con il consigliere comunale Fausto Costa.Dopo l'acquisto , il dipinto nel 1921 entrò a far parte del patrimonio della Galleria d'Arte Moderna trovando collocazione nel Castello Sforzesco, nella sala della Balla. L'opera rimase visibile in quel luogo fino agli anni trenta quando, durante la riorganizzazione fascista degli allestimenti del museo, venne confinata in un deposito, donde riemergerà solo nella metà degli anni cinquanta, quando venne collocata nella sala della Giunta di Palazzo Marino, appena ricostruito dopo i bombardamenti bellici del 1943.Schermata iniziale del film Fu durante la permanenza al Palazzo Marino, luogo dall'alta valenza simbolica , che il culto del Quarto stato venne ravvivato; ciò avvenne soprattutto grazie al magistero critico di Corrado Maltese, che consacrò il dipinto quale «monumento più alto che il movimento operaio abbia mai potuto vantare in Italia». Grazie al giudizio di Maltese, il dipinto fu oggetto di una grande riscoperta da parte della critica contemporanea, divenendo protagonista di innumerevoli mostre e lavori di ricerca, di cui si segnalano le monografie di Aurora Scotti  e di Gabriella Pelissero . Con lo sviluppo dei mezzi di comunicazione, Il quarto stato è stato divulgato anche al di fuori degli ambienti artistici e letterari, approdando nel cinema: in tal senso, fondamentale fu Novecento, film del 1976 diretto da Bernardo Bertolucci ove il quadro pellizziano fa da sfondo ai titoli di testa.Il quarto stato rimase a Palazzo Marino fino al 1980, quando fu trasferito nella Galleria d’arte moderna di Milano, in una sala interamente dedicata al divisionismo; dal dicembre 2010 venne spostato nel Museo del Novecento, di cui costituiva la prima opera esposta, a testimonianza del riconoscimento del suo valore artistico. Dal luglio 2022 è ritornato nella Galleria d'arte moderna di Milano, , cui era stato originariamente assegnato nel 1921.

Prompt: In The Fourth Estate (painting), how is the Welcome history museum of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Ritratto di Giovanni Arnolfini Primitivi fiamminghi

Prompt: In Arnolfini Portrait, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Giovanni Arnolfini
Primitivi fiamminghi
Ritratto di Giovanni Arnolfini


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Ritratto del cardinal Bibbiena

Su uno sfondo scuro il cardinale è ritratto a mezza figura, seduto di tre quarti e girato a sinistra. Indossa la berretta e la mantella cardinalizia, rosse e ravvivate da riflessi setosi. Le due masse di colore fanno stagliare la testa, leggermente rimpicciolita per una visione ottimizzata dal basso, che dà maggiore monumentalità all'insieme. Le braccia coperte dall'ampia tunica bianca sono piegate; nella mano destra regge una lettera, che porta al petto. Il volto è intenso ed espressivo, rivolto direttamente verso lo spettatore con il quale sembra instaurare un intenso confronto psicologico.

Prompt: Focus on Portrait of Cardinal Bibbiena (Raphael) and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Monaco in riva al mare

Il Monaco in riva al mare  è un dipinto a olio su tela del pittore romantico tedesco  Caspar David Friedrich realizzato tra il 1808 e il 1810 e conservato all'Alte Nationalgalerie di Berlino.

Prompt: Focus on The Monk by the Sea and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Barrocci romani

Realizzata durante il soggiorno romano del 1873, la tela rappresenta un ambiente in cui vi sono quattro cavalli esausti e ansimanti, dopo aver portato in groppa i loro padroni. Dei vari equini uno è seduto a terra, un altro ha la sella e gli ultimi due stanno ancora trainando il barroccio, ovvero un veicolo a due ruote impiegato per il trasporto di merce. Vi è un unico uomo nella scena, ritratto sullo sfondo: si tratta del padrone dei cavalli ed è colto mentre si sta riposando, sfiancato come le bestie.Sullo sfondo si profila un muro giallastro calcinato dal sole, visto in prospettiva trasversale, che taglia schematicamente l'orizzonte e mette in rilievo la vastità dello spazio. Il muro, caratterizzato da una perfetta geometria, presenta una grandissima tensione volumetrica e interrompendosi di colpo restituisce l’idea di un tempo bloccato.Dal punto di vista tecnico i personaggi, descritti con tonalità chiare e uniformi, sono messi volumetricamente in risalto dal rapporto fra il disegno e la pennellata a macchie.  scena è giocata su una luce molto intensa e la sensazione che ne deriva è quella, immobile e triste, del sospendersi della vita durante un'afosa gionata d'estate.

Prompt: How does Roman Carts explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Milan, 1510).Please output in Italian.


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Seppellimento di santa Lucia

leftParticolare del dipinto: la martire LuciaFra i dipinti realizzati in Sicilia, secondo Roberto Longhi, è il più antico, ma anche quello più rovinato, più facilmente leggibile grazie alle copie, come quella del Collegio dei Gesuiti a Siracusa e della chiesa di San Pietro a Palestrina.  scena sembra ambientata all'ingresso delle latomie  o, più verosimilmente, negli ambienti sotterranei e bui delle catacombe sottostanti la chiesa di Santa Lucia al Sepolcro per la quale il dipinto fu eseguito, e nelle quali si trova il sepolcro della martire. Due enormi becchini in primo piano stanno cominciando a scavare la fossa, mentre, rimpiccioliti e quasi stampati sullo sfondo rotto solo da un arco cieco , stanno gli astanti al funerale, con il vescovo che benedice la santa morta. santa presenta una ferita da taglio sul collo, ma se si osserva da vicino la trama della pittura, in un primo momento la testa appariva staccata.  drammaticità della scena è conferita, oltre che dalla riduzione delle dimensioni dei personaggi, dalla luce: non più orientata e uniforme come nelle opere del periodo romano, ma più drammatica, del colore del sangue e assumente tragici guizzi che quasi cancellano le figure; la parete di fondo solcata dall'arco cieco, poi, rende il tutto ancora più opprimente. Il pensiero di ridurre nello spazio rappresentato le misure degli uomini che vengono sovrastati dalle gigantesche mura è per Longhi un rapporto inedito nella pittura italiana" già pronto per il Rembrandt incisore".Sembra quasi che il pittore non voglia far sovvenire in chi guarda il martirio glorioso, ma solo la cupa realtà di un funerale, di cui i becchini sono i veri protagonisti. Secondo Lionello Venturi i due " enormi becchini in primo piano" servono per concentrare lo sguardo dello spettatore sul volto della morta che ricorda quello livido della Madonna nella grande Pala poi rifiutata di San Maria della ScalaIl motivo, poi, per cui Caravaggio scelga questo tema è semplice: su di lui pesava il bando capitale ed era in continua fuga per sfuggirne, ma l'incubo di finire giustiziato faceva sì che egli dipingesse, ossessivamente, scene di morte violenta.

Prompt: How does The Burial of Saint Lucy explain its Description?Please output in Italian.


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Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Technique of singing and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Crucifixion Roman Emperor in Christ on the Cross (Zurbarán)'s Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna del Pesce

Si tratta di una sacra conversazione con al centro la Madonna col Bambino su un trono rialzato e ornato da intagli, tra l'arcangelo Raffaele con Tobiolo e san Girolamo col leone addomesticato. Il nome dell'opera deriva dal pesce che Tobiolo tiene in mano, parte integrante della sua leggenda  secondo la quale Raffaele l'aveva aiutato a catturare un pesce velenoso, con la cui bile il giovane avrebbe poi guarito il padre dalla cecità.Lo sfondo è una tenda verde scostata su un cielo cupo e un sintetico paesaggio collinare, come nella Madonna della Tenda, datata a quegli stessi anni.  composizione è particolarmente ricca di gesti e sguardi che rimandano da un estremo all'altro della pala. Emblematica è la figura del Bambino che guarda verso Tobiolo benedicendolo, mentre con la sinistra tiene il segno al libro retto da Girolamo. Il gesto ha forse un significato dottrinale, e allude all'inserimento del Libro di Tobia nella Vulgata a opera proprio di Girolamo.L'uso magistrale del colore e della composizione, la cui apparente semplicità nasconde complesse forme triangolari, rettangolari e diagonali, richiamano la Stanza di Eliodoro dipinta da Raffaello in Vaticano. Una teoria di sguardi teneri caratterizza il dipinto, instaurando un'armoniosa unità emotiva, in cui lo spettatore non è escluso, grazie al taglio stretto della composizione e al dettaglio del gradino in prospettiva, che sembra quasi invitarlo a partecipare.

Prompt: In Madonna with the Fish, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Libro di Tobia
Madonna della Tenda
Stanza di Eliodoro
Libro di Tobia
Vulgata


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The self-portrait of the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Sovrani di Baviera Wittelsbach Richard Wagner

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.

Baviera
Sovrani di Baviera
Richard Wagner
Sovrani di Baviera


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (David)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Gregorio IX approva le DecretaliIl lato destro è occupato dalla scena di Gregorio IX che approva le Decretali. Ambientato davanti a una nicchia con cassettoni a losanga analoga a quella dell'altra scena, vi è legata da un sistema di corrispondenze: un papa contrapposto a un imperatore e il diritto canonico contrapposto a quello civile.Il maggiore spazio permise una rappresentazione più articolata, con il trono del papa che si articola plasticamente in prospettiva, scorciato secondo un punto di fuga che si trova nel centro ideale della parete, quindi a sinistra dell'affresco. Il papa benedicente, indossante il triregno e un sontuoso piviale, ha le fattezze di Giulio II, mentre il cardinale che gli regge il manto a sinistra potrebbe essere Giovanni de' Medici, futuro Leone X, con alle spalle il cardinale Bibbiena e Antonio Del Monte; il porporato di destra è invece identificabile con il cardinale Giulio de' Medici futuro papa Clemente VII, affiancato da Alessandro Farnese, futuro Paolo III barba del pontefice induce a datare l'opera a dopo il giugno 1511, quando il pontefice tornò a Roma dopo aver fatto voto di non radersela più finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri.L'opera è generalmente riferita ad aiuti, su disegno del Sanzio, forse Baldassarre Peruzzi o Guglielmo di Marcillat.

Prompt: In the context of Cardinal and Theological Virtues (Raphael), explain the Gregory IX approves Decretals and the Description and style.Please output in Italian.


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The Sphere

The Sphere  è una scultura in metallo costruita dallo scultore tedesco Fritz Koenig, che attualmente si trova a Liberty Park. Tuttavia, era originariamente situata nel centro di Austin Tobin Plaza come fonte d'acqua, che a sua volta era l'area centrale delle Torri Gemelle del World Trade Center a Manhattan. Dopo gli attentati dell'11 settembre 2001 la sua posizione era incerta, poiché era stata smantellata dalla sua base. Sebbene fosse rimasta intatta, era infatti stata sommersa dai detriti dopo il crollo delle torri. Sei mesi dopo gli attentati, a marzo 2002, e in seguito di un documentario sulla scultura, fu temporaneamente trasferita a Battery Park - senza alcuna riparazione - e dedicata alle vittime dell'11 settembre, diventando un'attrazione turistica.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Sphere.Please output in Italian.

Austin Tobin Plaza
Battery Park
Fritz Koenig
Liberty Park
Manhattan


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

LOscar Wilde Memorial Sculpture è una collezione di tre statue in Merrion Square a Dublino, in Irlanda, che commemora il poeta e drammaturgo irlandese Oscar Wilde. Le sculture sono state progettate e realizzate da Danny Osborne e sono state presentate nel 1997.

Prompt: In Oscar Wilde Memorial Sculpture, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1997
Danny Osborne
Dublino
Irlanda
Merrion Square
Oscar Wilde


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Madonna dei Palafrenieri

contesa intorno al tema iconografico dell'Immacolata Concezione nasceva dall'interpretazione da dare al passo del Genesi : Ipsa conteret caput tuum. I cattolici leggevano Ipsa, la Vergine, colei che dunque aveva il merito di schiacciare col piede il capo del serpente; i luterani, invece, leggevano Ipse e dunque per loro era il Figlio a sconfiggere il Maligno. Emile Male sostenne che la scelta di Caravaggio era eretica perché più vicina a ciò che pensavano i luterani: l'iconografia era motivo di contrasto fra cattolici e luterani e si rifaceva alla bolla di Pio V del 1569.  bolla di Paolo V però non sosteneva che fosse stato Gesù a schiacciare la serpe, bensì Maria per mezzo del suo frutto, vale a dire Gesù Cristo stesso. Il Ficino, che a sua volta aveva sviluppato un tema già figurato dal Lomazzo, nel 1571, l'anno dopo la Bolla del papa, aveva realizzato una Madonna della serpe fra San Paolo e San Michele già dipinta per S. Romano a Lodi, in cui Gesù aiuta la Vergine a schiacciare con il piede il serpente. L'opera era stata commissionata a Ficino dai Gesuiti forse per S. Fedele a Milano e sviluppava un'iconografia che trovava consensi in Italia e si pensi a due pale simili come quella del Barocci, proveniente da S. Francesco di Urbino, ora nella Galleria Nazionale delle Marche e di Ludovico Carracci, già in una chiesa dei Servi ad Urbino ed ora a Bologna; quindi non vi erano problemi nella raffigurazione iconografica. I Gesuiti, che sostenevano il ruolo salvifico del Figlio, non gradendo la prima versione della pala ne commissionarono una seconda: ma anche questa, dopo due anni dalla collocazione, venne rimossa evidentemente per l'intervento di qualche autorità esterna all'ordine, forse lo stesso cardinale Federico Borromeo. È evidente che, quindi, l'iconografia in ambito strettamente riformato non accontentava tutti e destava sospetti. Probabilmente la soluzione di Caravaggio, che riprendeva l'iconografia del Ficino, spiazzò i Palafrenieri che avevano commissionato non propriamente una Immacolata Concezione ma una versione più elaborata della tradizionale S. Anna Metterza. Il pittore invece preferì seguire l'iconografia del Ficino  che aveva portato all'esclusione del dipinto e quindi anche la sua concezione del ruolo salvifico di Cristo nella redenzione dal peccato originale, evidenziando il carattere più umano della Vergine. Va pure ricordato che l'umanissima Morte della Vergine di Santa Maria della Scala venne anch'essa, poco dopo, rifiutata. Come sostiene Pierguidi, richiamandosi a quanto detto da Ferdinando Bologna, Caravaggio non si era per nulla allineato alle direttive della Controriforma senza per questo seguire concezioni luterane, ma sostenendo una visione diversa proprio a proposito dell'umanità della Vergine e dell'Immacolata Concezione e della sua iconografia, il tema specifico della pala del Ficino alla quale aveva voluto richiamarsi.. Come abbiamo detto sopra S. Anna, secondo Salvatore Settis, è ripresa dalla statua di Demostene in meditazione, secondo Friedlaender anche la posa della Vergine e del Bambino derivano dalla statuaria antica, esattamente dalle figure scolpite in un sarcofago romano con Bacco e Arianna oggi a Baltimora Naturalmente il pittore, che poteva aver visto le opere d'arte antica nelle ricche collezioni romane di Villa Medici, riprese dal naturale le due immagini della Madonna e del Bambino, poteva aver dato loro pose statuarie, come era il caso della S. Anna, che però sembra molto più convincente nella ripresa del modello antico.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri) and explain the Iconography Iconology.Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

</ref>lingua=enlingua2=itThe raft carried the survivors to the frontiers of human experience. Crazed, parched and starved, they slaughtered mutineers, ate their dead companions and killed the weakest.}}Nel giugno del 1816, la fregata francese Méduse partì da Rochefort in direzione del porto di Saint-Louis, sulle coste del Senegal; con essa viaggiavano altre tre navi, la Loire, la Argus e la corvetta Écho. Hugues Duroy de Chaumareys era stato nominato capitano della fregata nonostante la scarsa esperienza di navigazione.  missione della fregata era quella di accertarsi che l'Inghilterra avesse tenuto fede al trattato di Parigi e avesse abbandonato la colonia del Senegal restituendola alla Francia. Julien-Désiré Schmaltz, insieme alla moglie Reine, era tra i passeggeri della fregata, in qualità di governatore della colonia.Per ammortizzare i tempi e i costi, la Medusa distaccò le navi compagne e aumentò la sua velocità. A causa di ciò, il 2 luglio, si incagliò su un banco di sabbia, 160 chilometri al largo della attuale Mauritania. Furono fatti dei tentativi per disincagliare la nave, ma nessuno andò a buon fine e così, il 5 luglio, i quattrocento superstiti iniziarono il viaggio verso la costa sulle sei scialuppe della fregata. Alcuni ufficiali rimasero sulla nave,

Prompt: In the context of The Raft of the Medusa, explain the Historical context and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Hugues Duroy de Chaumareys
Inghilterra
Mauritania
Méduse
Parigi
Senegal


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: In the context of Epifania, explain the North Macedonia and the Theology.Please output in Italian.


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Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: In the context of Apocalypse (Dürer), explain the Modern representations of the Apocalypse and the Description.Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


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Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: In The Flight into Egypt (El Greco), how is the Other narratives discussed?Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Lorenzetti) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

Categoria:Oscar Wilde nella cultura di massaCategoria:Monumenti e memoriali LGBTCategoria:Sculture bronzeeCategoria:Memoria collettivaCategoria:Dioniso nelle artiCategoria:Opere d'arte a Dublino

Prompt: Explain the Other projects of this artwork, Oscar Wilde Memorial Sculpture.Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Ernst Günther Grimme , Ann Bredol-Lepper , Aachener Goldschmiedekunst im Mittelalter Seemann, Köln 1957, p. 69–72. Ernst Günther Grimme , Ann Bredol-Lepper , Die großen Jahrhunderte der Aachener Goldschmiedekunst . Verlag des Aachener Museumsvereins, Aachen 1962, p. 65, 74–75. Ernst Günther Grimme , Ann Münchow , Der Aachener Domschatz . Schwann, Düsseldorf 1973, Nr. 69, p. 88–90. Birgitta Falk, Bildnisreliquiare. Zur Entstehung und Entwicklung der metallenen Kopf-, Büsten- und Halbfigurenreliquiare im Mittelalter in Aachener Kunstblätter Bd. 59, DuMont Schauberg, Köln 1991–93, p. 99–238. Ernst Günther Grimme , Ann Münchow , Der Dom zu Aachen. Architektur und Ausstattung Einhard, Aachen 1994, ISBN 978-3-920284-87-3, p. 165, 215–218. Herta Lepie, Georg Minkenberg: Die Schatzkammer des Aachener Domes, Brimberg, Aachen 1995, ISBN 3-923773-16-1, p. 27. Ernst Günther Grimme: Der Dom zu Aachen Einhard, Aachen 2000, ISBN 978-3-930701-75-9, p. 95–97. Herta Lepie: Der Domschatz zu Aachen in Clemens M. M. Bayer, Dominik MeieringDominik M. Meiering, Martin Seidler, Martin Struck , Schatzkunst in Rheinischen Kirchen und Museen Schnell & Steiner, Regensburg 2013, ISBN 978-3-7954-2827-3, p. 121–137, hier p. 127–128. Walter Maas, Pit Siebigs: Der Aachener Dom Schnell & Steiner, Regensburg 2013, ISBN 978-3-7954-2445-9, p. 158–160.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Bust of Charlemagne.Please output in Italian.


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Sposalizio mistico di san Francesco

Stefano Zuffi, Il Quattrocento, Electa, Milano 2004. ISBN 8837023154

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Mystic Marriage of St. Francis (Sassetta).Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Prompt: Focus on Presentation at the Temple (Mantegna) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Nel novembre del 333 a.C. Alessandro venne informato che l'esercito persiano era giunto presso la città siriana di Sochi , situata nell'interno, al di là della catena montuosa degli Amanos. Decise quindi di lasciare Isso, dove si era acquartierato, e marciare verso sud fino al passo Beylan; Dario, per parte sua, scoprì che Parmenione controllava le porte dell'Assiria e decise di proseguire verso nord, costeggiando la catena degli Amanos invece che attraversarla a sud come si aspettava Alessandro.Il sovrano macedone, infatti, si era attestato verso sud presso la città fenicia di Miriandro, a circa quindici miglia ad ovest del passo Beylan. Poiché la gola costituiva il più rapido accesso alla Cilicia per un esercito proveniente da Sochi, Alessandro si aspettava che Dario scegliesse quella via, oppure tentasse il tortuoso passaggio della stretta valle del Payas .Dario tentò invece di aggirare le forze macedoni ed entrare in Cilicia da nord, attraversando le strette vallate degli affluenti del fiume Ceyhan, il quale scorre a est dei contrafforti del Tauro. manovra d'aggiramento riuscì e l'esercito persiano occupò Isso senza incontrare alcuna resistenza. Dario ordinò di tagliare le mani a tutti i soldati feriti o malati che il sovrano macedone aveva lasciato in città per potersi riprendere. Ora il suo esercito non solo si trovava alle spalle dei macedoni, ma ne controllava pure le retrovie bloccando i rifornimenti da Tarso.I Persiani, venendo a conoscenza dell'avvicinamento macedone a Isso, avanzarono brevemente verso sud fino alla riva destra del fiume Pinarus, prima di arrestarsi e disporsi sulla stretta pianura costiera di Isso.

Prompt: Explain the LapresadiIsso is not a recognizable word or phrase in any language I am familiar with. It appears to be a combination of letters that does not form a coherent sentence or phrase. If you have more context or if it is a specific term from a particular language or dialect, please provide additional information. of this artwork, Alexander Mosaic.Please output in Italian.

333 a.C.
Cilicia
Miriandro
Parmenione
Payas
Persia
Pinarus


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Rubens) explain its The adoration of the shepherds in art?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Madonna di Macerata

L'opera è stata messa in relazione con una pala d'altare o un polittico già nella chiesa dei Minori Osservanti di Macerata, di cui fa cenno il nzi . Nel 1835 Amico Ricci ricordò come nel 1799 la chiesa era stata danneggiata da un incendio che aveva distrutto il dipinto.  Madonna maceratese e una Pietà nel Fogg Art Museum di Cambridge   dovrebbero quindi essere gli unici frammenti salvati, anche se più recenti studi assegnano la Pietà, realizzata peraltro su tavola, e non su tela, come la Madonna con il Bambino di Macerata, ad un altro polittico smembrato del pittore veneziano, già a Force. Sia la qualità della fibra che le sgranature del colore testimoniano l'autenticità del frammento con la firma sul retro, anche se c'è chi ha ipotizzato che possa provenire da un'altra opera perduta. Da questa Madonna Girolamo di Giovanni trasse una copia nella cappella della frazione montana di Malvezzi presso Bolognola, in provincia di Macerata, oggi alla Pinacoteca civica di Camerino.

Prompt: Focus on Madonna with Child (Crivelli) and explain the History.Please output in Italian.

1799
1835
Bolognola
Camerino
Fogg Art Museum
Force
Girolamo di Giovanni
Macerata


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Prime opere di Vincent van Gogh

Nel luglio 1869, lo zio di Van Gogh, Philip James Quinlan, lo aiutò a trovare lavoro presso un mercante d'arte de L'Aia, Goupil & Cie.  Dopo un periodo di apprendistato,  nel giugno 1873, Goupil lo inviò presso la sua sede di Londra, dove alloggiò all'87 Hackford Road a Brixton, lavorando a Messrs. Goupil & Co., 17 Southampton Street. Questo fu un periodo fortunato per lui; aveva successo nel lavoro e all'età di 20 anni guadagnava già più di suo padre.  Si innamorò della figlia della sua padrona di casa, Eugénie Loyer, che lo respinse ed egli andò isolandosi per rifugiarsi nella religione. Il padre e lo zio lo fecero trasferire a Parigi impiegandolo nel settore del commercio delle opere d'arte. Egli non si trovò d'accordo a che le opere d'arte venissero trattate come una merce e il 1º aprile 1876 lasciò il lavoro.Si dedicò quindi, per un breve tempo, al popolo lavoratore come ministro del culto e predicatore, studiando per breve tempo nei Paesi Bassi, ma il suo zelo e l'auto-imposizione di una vita fortemente dedicata all'ascetismo gli costò il proseguimento della carriera religiosa. Venne respinto dall'apparato ecclesiastico e si rifugiò in una spiritualità personale nella quale ottenne il ricercato conforto.

Prompt: In Early works of Vincent van Gogh, how is the First time of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Brixton
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia
Londra
Paesi Bassi
Parigi


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Velo della Veronica

Questa immagine è conservata nella modesta chiesa di S. Bartolomeo degli Armeni, Genova, dove fu donata, nel XIV secolo, al doge Leonardo Montaldo dall'imperatore bizantino Giovanni V Paleologo.È stato oggetto di uno studio dettagliato del 1969 di Colette Dufour Bozzo, che datò la cornice esterna al tardo XIV secolo, mentre la cornice interna e l'immagine stessa si crede siano state originate più tardi. Bozzo trovò che l'immagine era impressa su di un panno che era stato incollato a una tavola di legno. somiglianza dell'immagine con il velo della Veronica suggerisce un collegamento tra le due tradizioni.

Prompt: Describe the characteristics of the Sacro Vault of Genoa in Head of Christ (Correggio)'s TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica.Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Si è spesso ipotizzato che la Veronica fosse presente nella vecchia chiesa di San Pietro durante il papato di Giovanni VII , dato che la cappella conosciuta come la cappella della Veronica fu costruita durante il suo regno, e questa sembra essere stata l'opinione di scrittori più tardi. Tutto questo è ben lontano dall'essere certo, comunque, dato che i mosaici che adornano questa cappella non si riferiscono in alcun modo alla storia della Veronica. Inoltre, gli scrittori contemporanei non fanno riferimento al Velo in questo periodo. Sembrerebbe comunque che la Veronica si trovasse sul posto per il 1011, quando uno scriba fu identificato come custode del panno. Altri scrittori testimoniano della continuità della sua presenza nel Vaticano: un testimone del saccheggio dice che la Veronica non fu trovata dai saccheggiatori.Molti artisti dell'epoca crearono riproduzioni del velo, ma nel 1616, papa Paolo V proibì la produzione di copie del velo della Veronica a meno che non fossero eseguite da un canonico della basilica di San Pietro. Nel 1629, papa Urbano VIII non solo proibì che si facessero riproduzioni del velo della Veronica, ma ordinò anche la distruzione di tutte le copie esistenti. Il suo editto dichiarò che chiunque avesse accesso ad una copia doveva portarla al Vaticano, pena la scomunica.Dopo, il velo scomparve quasi totalmente dalla vista pubblica, e la sua storia dopo quella data non è documentata. Esiste la possibilità che sia rimasta in San Pietro fino a oggi; questo sarebbe coerente con le limitate informazioni che il Vaticano ha fornito nei secoli recenti.

Prompt: In Head of Christ (Correggio), how is the Story of the Veil discussed?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Nella Fede Baha'i invece Il Giudizio Universale è già giunto e ne spiegano il motivo dividendo l'evento in tre fasi: Nella prima fase, Baha'u'llah, fondatore della Fede Baha'i, in prigionia mandò nove lettere ai Potenti dell'epoca e il semplice atto di aver mandato queste lettere criticando il Potere Temporale di queste figure viene considerato dai credenti Baha'i come l'evento burrascoso che preannuncio l'imminente arrivo di una fine simbolica, ma non letterale, dei tempi. Per la seconda fase i Baha'i fanno riferimento ai precisi eventi occorsi verso la fine della prima guerra mondiale, nella battaglia di Megiddo – una sorta di compimento letterale dove i Potenti del Mondo si combattevano. In particolare, la vittoria del generale Allenby a Megiddo, che impedì agli Ottomani di crocifiggere 'Abdu'l-Bahá, l'allora guida dei Baha'i, ed è considerata dai Baha'i inoltre come l'effettiva Battaglia di Armageddon.  terza fase rivede l'intero processo delle due Guerre Mondiali, sebbene esse possano essere considerate come un solo evento in due fasi, il loro svolgimento e il conseguente rimescolamento di mezzi e norme mondiali sia prima sia dopo le  guerre, vengono visti come una simbolica fine di tutti i tempi e rinascita di una nuova era e un nuovo mondo come preannunciato da altre Sacre Scritture.

Prompt: Explain the Eschatology of Bahá'ísm about the Other religions of this artwork, The Last Judgment (Bosch, Munich).Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III con il camauro

Il Ritratto di Paolo III con il camauro è un dipinto olio su tela  di Tiziano Vecellio eseguito tra il 1545 e il 1546 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.

Prompt: In Portrait of Pope Paul III with camauro, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Ritratto di Paolo III
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Crocifisso di Santa Croce

prima menzione scritta della croce risale al Memoriale di Francesco Albertini , che la considerava da sempre esistente in chiesa. Tutte le fonti antiche  lo attribuiscono concordemente a Cimabue, ricordandolo nella basilica. Nel 1948 fu musealizzato agli Uffizi, ma dieci anni dopo, con la sistemazione del museo di Santa Croce, fece il suo ritorno al complesso francescano. Qui fu purtroppo semidistrutta durante l'alluvione di Firenze del 1966, venendo travolta dalle acque, che staccarono irrimediabilmente gran parte della superficie dipinta. Restaurata con la massima cura possibile, la superficie pittorica appare oggi perduta per amplissime porzioni. Nonostante ciò restano le fotografie a testimoniare lo straordinario valore dell'opera.Nella sua storia critica recente l'opera suscitò numerosi dubbi, anche per le difficoltà di stabilire esattamente i contorni stilistici del corpus di Cimabue in generale. Alessandro Da Morrona negò l'autografia di Cimabue. Gaetano Milanesi, nel monumentale commento alle Vite del Vasari , ritenendo di Cimabue la Madonna Rucellai non ne trovava convergenze stilistiche nella croce, che quindi non gli attribuì. Dubbi ebbero anche Cavalcaselle , Thode, Venturi, Zimmermann , Wackernagel , van Marle, Sandberg Vavalà, Weigelt e Offner . Garrison vi ha ravvistato la presenza di aiuti e White lo ha ritenuto opera di bottega. Senza dubbi fu l'attribuzione di Suida  Aubert , confermata poi da tutti gli altri studiosi. Oggi, per l'altissima qualità pittorica, la Croce è senza dubbio riferita al maestro, al massimo ammettendo una partecipazione della bottega in alcuni brani .

Prompt: Explain the History of this artwork, Crucifix (Cimabue, Santa Croce).Please output in Italian.

1948
Cimabue
Firenze
Francesco Albertini
Gaetano Milanesi
Madonna Rucellai


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the Congregation orders Annunciation discussed?Please output in Italian.


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Venere che benda amore

L'identità del committente e la data di inizio realizzazione dell'opera non sono note; è stato ipotizzato che il committente fosse Antonio Pérez, segretario di stato di Filippo II di Spagna, ma il rapporto non è dimostrato con sicurezza.  L'opera può comunque essere datata al periodo compreso tra il 1560 e il 1565, in quanto presenta i tratti distintivi di questa fase del lavoro di Tiziano.

Prompt: Focus on Venus Blindfolding Cupid and explain the History.Please output in Italian.


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Diana di Gabi

Aileen Ajootian, «Praxiteles», Personal Styles in Greek Sculpture , Cambridge University Press, 1998  , pagg.   124-126.  Francis Haskell e Nicholas Penny, "Taste and the Antique. The Lure of Classical Sculpture, 1500-1900, " Bibliothèque d'archéologie, 1981 , n. 101, pagg.   218-219.  Jean-Luc Martinez, «Praxitèle après Praxitèle», in Praxitèle, catalogo della mostra del Louvre, 23 marzo-18 giugno 2007, éditions du Louvre & Somogy, 2007 , n. 73, pagg.   312-314.  Brunilde Sismondo Ridgway, stili del IV secolo nella scultura greca, Madison, University of Wisconsin Press, 1997 , p.   329.  Claude Rolley,  Sculpture grecque, vol. II   :  période classique, Manuels d'art et d'archéologie antiquariato, Picard, 1999 , pag.   262.

Prompt: Focus on Diana of Gabii and explain the Bibliography.Please output in Italian.