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Suonatrice di chitarra

tecnica utilizzata è certamente quella che caratterizza le tarde opere dell'artista. Si veda, per esempio, il particolare della mano sinistra, dove piuttosto che modellare i volumi si procede a una forte stilizzazione attraverso una serie di tratti di colore di tono diverso, che tuttavia non mancano di restituire i delicati giochi di luce che si formano sulle dita della ragazza. Tale perfetta padronanza si riscontra anche nella resa dell'ermellino e della gonna di seta. Per la parete invece usò una grana più rugosa, apparentemente semplice, ma in realtà assai complessa, capace di rendere superbamente la ruvidità dell'intonaco leggermente grezzo.Per la collana di perle l'artista dapprima ha tracciato colpi di colore grigio chiaro, come base per il filo di perle; successivamente ha applicato una sequenza di bianco sottolineando la sfericità e i riflessi delle perle.Perché Vermeer abbia a un certo punto schematizzato la sua tecnica è tutt'oggi una questione aperta. Se questo sia avvenuto  a causa del peso delle vicende personali, ovvero per un semplice cambiamento di moda,  inseguendo l'influenza francese che si andava affermando in quel periodo, ovvero ancora per abbreviare i tempi,  e quindi produrre di più, non è dato sapere. Quel che è certo è che le tarde opere sono con tutta evidenza stilisticamente e tecnicamente diverse dalle precedenti.

Prompt: How does The Guitar Player (Vermeer) explain its Technique?Please output in Italian.


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Trittico della Madonna

I tre scomparti inferiori mostrano altrettanti santi a piena figura: la Madonna col Bambino, san Girolamo e san Ludovico di Tolosa. In alto, nella lunetta, si trova una Pietà tra due angeli volanti, con un lungo sarcofago da cui si leva il Cristo.Questi trittici, ideati probabilmente da Jacopo Bellini, vennero realizzati a più mani, tra cui quella di Giovanni su solo una. Il contributo di quest'ultimo si rileva soprattutto nei santi del polittico di San Sebastiano e sono un importante precedente per quello che sarà la sua prima grande prova individuale, il polittico di San Vincenzo Ferrer.

Prompt: Focus on Triptych of the Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftSecondo lo storico Plutarco, Olimpo, il medico personale di Cleopatra, affermò in un commentario che la causa della morte della regina non era dovuta al morso di un serpente: ciononostante, lo storico greco riportò la morte dovuta al morso dell'aspide, oltre a fornire un'altra versione del suicidio attraverso un oggetto appuntito. Strabone, che riportò per primo il racconto della morte, scrisse che era probabile che Cleopatra si fosse suicidata facendosi mordere da un aspide o bevendo del veleno. Secondo Cassio Dione furono trovati dei piccoli segni sul braccio di Cleopatra, L'egittologo Wilhelm Spiegelberg affermò che la scelta di Cleopatra di suicidarsi con un aspide richiamava il suo status reale, in quanto l'aspide, in realtà il cobra egiziano, rappresentava l'ureo, il serpente sacro del dio del sole Ra. Il professore universitario statunitense Robert A. Gurval fece notare come lo stratego ateniese Demetrio di Falero, relegato in Egitto dal faraone Tolomeo II Filadelfo, si fosse suicidato in una maniera molto simile. François Pieter Retief, preside della facoltà di medicina all'Università dello Stato Libero, in Sudafrica, e Louise Cilliers, ricercatrice onoraria del dipartimento di studi di lettere classiche della stessa università, affermano come sia improbabile che un serpente uccida tre donne adulte  così rapidamente. Quanto alla teoria della forcina per capelli e a quella del veleno, Cilliers e Retief fanno notare come altre figure del mondo antico si siano suicidate in modi simili, come Demostene, Annibale Barca e Mitridate VI del Ponto. Nel suo libro The Murder of Cleopatra: History's Greatest Cold Case, la scrittrice Pat Brown avanza l'ipotesi che la regina sia stata assassinata e i dettagli dell'accaduto siano stati nascosti dalle autorità romane. Questo stravolgerebbe la maggioranza delle fonti primarie sull'accaduto, che concordano nell'affermare che la sovrana sia morta suicida.  storica Patricia Southern ipotizza che sia stato Ottaviano stesso a lasciare che Cleopatra morisse di sua mano invece di ucciderla.

Prompt: Explain the Cause of death about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.

Annibale
Cassio Dione
Cleopatra
Demostene
Mitridate VI del Ponto
Patricia Southern
Plutarco
Ra
Strabone
Sudafrica
Tolomeo II
Università dello Stato Libero
Wilhelm Spiegelberg


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Suonatore di liuto

Suonatore di liuto è il soggetto di due dipinti realizzati tra il 1595 e il 1597 dal pittore italiano Caravaggio. Tra i due esemplari simili di questo soggetto, uno è in prestito al Metropolitan Museum di New York , un altro è al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il palco

Il palco  è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1874 conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Prompt: In La Loge, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1874
Courtauld Gallery
Londra
Pierre-Auguste Renoir


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Suonatore di liuto

Giovanni Baglione, Le vite de' pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a' tempi di Papa Urbano Ottavo nel 1642, Roma: Stamperia d'Andrea Fei, 1642. Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio e l'esperienza delle "cose naturali", Torino: Bollati Boringhieri, 1992. Keith Christiansen, "Some observations on the relationship between Caravaggio's two treatments of the 'Lute-player'", in The Burlington Magazine, 132 , pp. 21–26. Keith Christiansen, Caravaggio, New York, Metropolitan Museum, 2000 R. Julian, Caravage, Paris, 1961 Christoph Luitpold Frommel, "Caravaggios Frühwerk und der Kardinal Francesco Maria del Monte", in Storia dell'Arte, 9/10 , pp. 5–52. Denis Mahon, "The singing 'Lute-player' by Caravaggio from the Barberini collection, painted for cardinal Del Monte, The Burlington magazine, 132 , pp. 5-20. Memorie dei pittori messinesi, Messina: presso Giuseppe Pappalardo, 1821. Franca Trincheri Camiz, "The castrato Singer: from informal to formal portraiture", Artibus et historiae, vol. IX, 18 , pp. 171–186.  Franca Trinchieri Camiz, " 'Musica' nei quadri del Caravaggio", in Caravaggio: nuove riflessioni, Quaderni di Palazzo Venezia, 6 , Roma: Palombini, 1989, pp. 199–220. Franca Trinchieri Camiz, "Music and Painting by Caravaggio's in Cardinal del Monte's Household", in Metropolitan Museum journal, 26 , pp. 213–226. Karin Wolfe, "Caravaggio: another 'Lute player'", in The Burlington Magazine, 127 , pp. 451–452 Sybille Ebert-Shiffer, Caravaggio dilettante di musica? in AA. VV.  musica al tempo di Caravaggio, a c. di Stefania Macioce ed Enrico de Pascale, Roma, Gangemi, 2010, pp.29-40 K. Hermann- Fiore, Il suonatore di Liuto, in www.Pierreci,com/album/caravaggio/2010 A. Moir, Caravaggio, New York, 1982 Maurizio Marini, Caravaggio pictor praestantissimus, Roma, Newton Compton, ed. 2005 A. Czbor, Autoritratti del giovane Caravaggio in Acta Historiae Artium Acadamiae Scientiarum Hungaricae, II, 1955, pp. 201-213 Mina Gregori, Caravaggio, Bergamo, 1994 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1991 Giacomo Berra, il musico" augellin", in  musica al tempo di Caravaggio, cit., pp. 41-74

Prompt: In The Lute Player (Caravaggio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the The self-portrait of the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Crocifisso di Santa Croce

Danni dopo l'inondazioneIl Crocifisso di Santa Croce è un'opera di Cimabue, dipinta per la basilica di Santa Croce a Firenze dove tuttora è conservata. È databile al 1272-1280 circa ed è alto 4,48 metri e largo 3,90. È tristemente noto per aver subito danni importanti durante l'alluvione del 4 novembre 1966.

Prompt: In Crucifix (Cimabue, Santa Croce), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Quest'opera appartiene alla corrente pittorica conosciuta come barocco spagnolo, un movimento strettamente legato alle idee della Controriforma ed in parte influenzato da una certa tendenza mistica. Il naturalismo presente è tipico della pittura ControriformistaFrancisco de Zurbarán combina "il realismo della controriforma con un sentimento mistico di ispirazione gesuita" Zurbarán mostra l'influenza di Caravaggio nel modo in cui illumina le sue composizioni. Il suo stile assimilerà gradualmente elementi del manierismo italiano.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Immaculate Conception (Zurbarán).Please output in Italian.

Caravaggio
Controriforma
Francisco de Zurbarán


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Allegoria del trionfo di Venere

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Venus, Cupid, Folly and Time.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Madonna delle Cave

Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1 Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: In Madonna of the Caves, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Polittico della Misericordia

Al centro si trova la Madonna della Misericordia, una rappresentazione della Vergine Maria che apre il mantello per dare riparo e protezione alle persone che la venerano, derivata dalla consuetudine medievale della "protezione del mantello", che le nobildonne altolocate potevano concedere a perseguitati e bisognosi d'aiuto. I fedeli sono gerarchicamente più piccoli e sono disposti a semicerchi, quattro per parte , lasciando un ideale posto al centro per l'osservatore. Tra di essi si vede un confratello incappucciato, un ricco notabile vestito di rosso e, secondo una lunga e plausibile tradizione, l'uomo voltato verso lo spettatore accanto alla veste di Maria sarebbe un autoritratto del pittore. Madonna poggia su una base scura organizzata prospetticamente, che richiama l'attenzione sulla figura centrale. Ben evidente è l'interesse di Piero per la geometria, nell'accumularsi di forme regolari, quali il cilindro del mantello, il tronco di cono dell'aureola e la corona della Vergine, le forme ovali dei visi.  cintura di Maria è annodata in modo da formare una croce.

Prompt: Describe the characteristics of the The Madonna of Mercy in Polyptych of the Misericordia's Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-Portrait (David) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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San Sebastiano e l'angelo

Il dipinto presenta una raffigurazione inusuale del martirio di san Sebastiano, in cui il giovane cristiano non è rappresentato al culmine della sofferenza  né trasportato da un'estati mistica , bensì con un atteggiamento quasi noncurante nei confronti del martirio perché impegnato in una conversazione con un angelo. Nonostante le numerose frecce che gli penetrano nelle gambe e nel petto, il santo sembra nel pieno di una normale conversazione con l'angelo, come dimostra anche la posizione delle mani, occupate in una gestualità quotidiana ed interlocutoria. L'opera presenta alcune somiglianze con lAngelo custode, generalmente ritenuto il capolavoro di Bononi, il che ha spinto diversi critici a ritenere che le due opere siano state dipinte nello stesso periodo, sul finire del secondo decennio del XVII secolo. Non era la prima volta che Bononi dipingeva questo soggetto, avendo già dipinto il martirio di San Sebastiano all'inizio del decennio in maniera più convenzionale e chiaramente influenzata dall'opera di Guido Reni; la tela si trova nella cattedrale di Reggio Emilia.

Prompt: Focus on Saint Sebastian and the Angel and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Paesaggio montano con arcobaleno

Paesaggio montano con arcobaleno  è un dipinto a olio dell'artista romantico tedesco Caspar David Friedrich. È conservato presso il Museum Folkwang di Essen. L'autore trasse ispirazione per quest'opera dal suo viaggio del 1809 attraverso la Germania e lungo le coste del Mar Baltico. L'osservazione della natura durante i suoi viaggi ha permesso a Friedrich di comporre un paesaggio universale e idilliaco .

Prompt: In Mountain Landscape with Rainbow, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1809
Caspar David Friedrich
Essen
Germania
Mar Baltico
Museum Folkwang


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Sacra Parentela

Nel corso del XV secolo il culto di Sant'Anna  crebbe impetuosamente.Nell'arte sacra numerosi furono i temi iconografici volti a celebrare la santa, a cominciare dalla celebre raffigurazione, molto diffusa in Italia, della cosiddetta Sant'Anna metterza .leftTra le raffigurazioni che trovarono notevole popolarità, soprattutto nel Nord Europa, va senz'altro menzionata quella della Sacra Parentela, basata sulla raffigurazione della famiglia estesa, connessa ai tre matrimoni di Sant'Anna e delle relative discendenze, così come esse sono narrate dalla Legenda Aurea, libro a quel tempo molto diffuso.Tra gli esempi più notevoli dal punto di vista artistico, in area fiamminga, troviamo il pannello centrale del trittico realizzato da Quentin Massys per la Confraternita di Sant'Anna a Lovanio, conservato ora a Bruxelles nei Musées royaux des Beaux-Arts Nella tavola di Massys il gruppo familiare vede al centro la Madonna e Sant'Anna, sedute l'una accanto all'altra e intente a vezzeggiare il Bambino, mentre, ai loro lati, sedute un po' più in basso, stanno rispettivamente Maria Cleofe con i suoi quattro figli  e Maria Salomè con i suoi due pargoletti. Al di là di una balaustra, stanno i componenti maschili del gruppo, Gioacchino, primo sposo di Sant'Anna, e i suoi tre generi: Giuseppe, Alfeo e Zebedeo. iconografia della Sacra Parentela  trovò forse la sua massima diffusione in alcune regioni tedesche. Tra i dipinti realizzati da artisti di area germanica spicca la quieta e gioviale rappresentazione del gruppo familiare che occupa i tre pannelli del Torgau Altar realizzato nel 1509 da Lucas Cranach, conservato allo Städelsches Kunstinstitut di Francoforte leftTra le raffigurazioni di gusto ancora decisamente gotico merita una citazione quella dovuta al Meister des Ortenberger Altars. L'artista di Magonza amplia, oltre alla stretta Discendenza di Sant'Anna sopra citata, le figure che compaiono nel ritratto ; attraverso la preminenza di figure femminili attorniate dai loro bambini la tavola esalta il ruolo della madre educatrice. Ad Anna, intenta a leggere un libro sacro, si riserva con evidenza il ruolo preminente di figura educatrice, ruolo che si estende all'intera famiglia.
Si tratta di una connotazione iconografica che si ritrova con grande frequenza nella rappresentazione della Sacra ParentelaTra i numerosi altri esemplari che si sono conservati possiamo menzionare il trittico del cosiddetto Meister des Heilige Sippe nel Wallraf-Richartz-Museum a Colonia Oltre che attraverso dipinti, il tema iconografico della Sacra Parentela è espresso in sculture lignee policrome che componevano altrettanti Flügelaltar dedicati a Sant'Anna Tra le incisioni dedicate al tema si deve menzionare almeno quella realizzata nel 1511 da Albrecht Dürer In Italia troviamo rappresentazioni della Sacra Parentela in Trentino-Alto Adige, regione in cui, nei secoli XV e XVI fu rilevantissima l'influenza dell'arte germanica. Notevole è, ad esempio, la tavola centrale del flügelaltar conservato nel Museo Diocesano di Trento, opera di ignoto artista gotico, in cui la figura della donatrice trova spazio nella scena già affollata dai numerosi personaggi della Sacra Parentela.Singolare è la attenzione riservata alla iconografia della Genealogia della Vergine dal pittore astigiano Gandolfino da Roreto documentato tra il 1493 e il 1518, influenzato dapprima dalla scuola ligure e provenzale, poi da quella cremonese.
Nel catalogo delle opere che gli sono state assegnate compaiono ben cinque raffigurazioni della Sacra Parentela; in esse la posizione "in verticale" di Sant'Anna, della Madonna e del Bambino riflette abbastanza da vicino l'iconografia della Sant'Anna metterza.Oltre alle opere di Gandolfino, troviamo nel contesto del Rinascimento italiano un'altra raffigurazione della Sacra Parentela assai prossima per stile a quella del pittore astigiano. Si tratta di una tavola del 1513 firmata dal pittore pavese Lorenzo Fasolo, conservata al Museo del Louvre.

Prompt: How does The Holy Kinship (Geertgen tot Sint Jans) explain its Thematic iconography Holy Kinship?Please output in Italian.

1493
1509
1511
1518
Albrecht Dürer
Bruxelles
Gandolfino da Roreto
Italia
Legenda Aurea
Lorenzo Fasolo
Lovanio
Magonza
Museo del Louvre
Quentin Massys
Rinascimento
Trentino-Alto Adige
Trento
XV secolo
Zebedeo


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: Focus on Last Judgement (Fra Bartolomeo) and explain the Music.Please output in Italian.


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vaso del Dipylon

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: In Dipylon Amphora, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Gelosia

gelosia è un sentimento di ansia, sospetto, possessività, umiliazione e incertezza dell'essere umano, causata dal timore di perdere o non ottenere l'affetto della persona amata.

Prompt: Describe the characteristics of the Causes consequences in Jealousy (Munch)'s Theories.Please output in Italian.


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Madonna Benois

L'opera, di sicura autografia leonardesca, mostra la Madonna col Bambino sullo sfondo di una stanza scura, rischiarata sul fondo da una bifora aperta sul cielo. Maria sta seduta, regge in una mano un fiore e tiene sulle ginocchia il figlio che prova ad afferrarlo, cercando di coordinare i movimenti e con lo sguardo concentrato, come tipico dei bambini piccoli. Secondo taluni, i quattro petali del fiore sarebbero un'allegoria della futura crocifissione. Il modello iconografico più immediato è la Madonna di Domenico Veneziano nella collezione Berenson. Maria è particolarmente giovane e, contrariamente alla tradizione iconografica, sorride guardando la tenera goffaggine del figlio e instaurando con lui un rapporto di serena familiarità. Il gruppo sacro mostra quindi una svolta stilistica nel soggetto, che evita di ricalcare gli schemi tradizionali affidandosi piuttosto a un accurato studio dal vero, particolarmente evidente nella realistica fisionomia del Bambino. Mancano gli abbellimenti delle proporzioni che ritraevano i fanciulli come uomini in  ed estremamente naturale appare la gestualità o il tenero incarnato infantile.Con quest'opera appare evidente come la strada artistica di Leonardo inizi a divergere da quella dei pittori fiorentini di spicco, come Botticelli, Ghirlandaio e Perugino: per lui infatti il dipinto non è più un "esercizio di maestria", tanto più apprezzabile quanto più si riconosca la tecnica, l'abilità e lo stile del pittore, ma piuttosto un modo per interpretare e conoscere la natura. Al posto del nitido disegno dei fiorentini, prezioso ma innaturale, Leonardo contrappone un delicatissimo "sfumato", con cui l'artista coglie i valori atmosferici e la mutevolezza dei lineamenti e dei contorni, soggetti alla mutevolezza delle psicologie e del cosmo.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Benois Madonna.Please output in Italian.


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: In Love & Loss, how is the Philosophy of the In the arts explained?Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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La grande onda di Kanagawa

Alla metà del XIX secolo il Giappone uscì finalmente dal suo periodo di autoisolazionismo e permise alla sua arte di giungere in Europa.  visione artistica dell'Estremo Oriente era totalmente differente e andava in contrasto con le convenzioni della pittura europea dell'epoca: fu così che fiorì il giapponismo. Tra gli artisti più importanti che influenzarono maggiormente l'arte occidentale vi furono Hokusai, Hiroshige e Utamaro.Le prime mostre di arte giapponese ebbero luogo in Francia, dove piccoli gruppi di appassionati  esponevano al pubblico le loro opere acquistate in quel di Parigi. Poi, durante l'Esposizione universale del 1867, la prima a cui il Giappone partecipò ufficialmente, si vendettero opere d'arte giapponesi per 1.300 pezzi, lanciando definitivamente la moda dell'arte del Sol Levante in Europa. Dato che gli intellettuali statunitensi non condividevano il gusto per l'arte degli europei, in particolare dei francesi, i quali vedevano nello stile ukiyo-e la manifestazione suprema dell'arte giapponese, questo movimento artistico si diffuse soprattutto nel Vecchio continente, trasformandosi in una nuova forma di ispirazione per gli artisti impressionisti. Nel 1872, Philippe Burty fu il primo a riconoscere l'esistenza di un nuovo movimento artistico e a identificarlo con il termine "giapponismo" in alcuni articoli della rivista Renaissance litteraire et artistique.Considerata l'opera più famosa del suo genere,  grande onda di Kanagawa finì per influenzarne altre di pari importanza: nel 1871 Claude Monet iniziò a collezionare stampe giapponesi, fino a raccogliere duecentotrentuno opere di trentasei artisti differenti, tra cui Hiroshige, Utamaro e lo stesso Hokusai. Di quest'ultimo possedeva nove stampe della serie Trentasei vedute del Monte Fuji, inclusa  grande onda. È probabile che egli sia stato influenzato da queste stampe soprattutto nella scelta di alcuni motivi, nella composizione e nella luce dei suoi dipinti, come è possibile osservare nella serie Le Ninfee. Henri Rivière, disegnatore, incisore e acquarellista, nonché uno degli animatori de Le Chat noir, fu uno degli artisti che più risentì dell'influenza di Hokusai: egli pubblicò nel 1902 una serie di litografie intitolata Les 36 vues de la Tour Eiffel, in omaggio alla serie di Hokusai. Grande collezionista di stampe giapponesi, acquistò numerose opere da Bing, Tadamasa e Florine ngweil, riuscendo a procurarsi anche una copia de  grande onda, da cui trasse ispirazione per la realizzazione di due serie di xilografie raffiguranti paesaggi della Gran Bretagna, luogo in cui viveva al tempo. Una di queste stampe, Vague frappant le rocher et retombant en arceau, parte della serie  Mer, études de vagues, raffigura la schiuma della cresta di un'onda in un modo molto simile alla composizione di Hokusai.Da  grande onda trassero ispirazione altresì Rainer Maria Rilke, con la sua Der Berg.L'arte di Hokusai, nonostante fosse stata fortemente influenzata dall'arte e dalla tecnica occidentali, riuscì a sua volta a diventare una fonte di ringiovanimento per l'arte occidentale grazie all'ammirazione che seppe suscitare negli astisti impressionisti e post-impressionisti.

Prompt: Focus on The Great Wave off Kanagawa and explain the Influence of opera on Western art.Please output in Italian.

Claude Monet
Estremo Oriente
Europa
Francia
Giappone
Gran Bretagna
Henri Rivière
Le Chat noir
Parigi
Philippe Burty
Rainer Maria Rilke
Trentasei vedute del Monte Fuji


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Torre di Babele

right torre di Babele  è la leggendaria costruzione di una torre, o un edificio elevato in qualche modo assimilabile ad essa, di cui narra la Bibbia nel libro della Genesi: , la cui costruzione avrebbe rappresentato una sfida a Dio e causato la diversità linguistica fra i popoli del mondo. Il racconto della sua costruzione ha un parallelo in un poema sumerico, Enmerkar e il signore di Aratta, e nel Libro dei Giubilei . Riferimenti più o meno ampi ad essa si trovano anche nelle opere di scrittori d'età ellenistica e romana: nei frammenti di Alessandro Poliistore e di Eupolemo , negli Oracoli sibillini , in Flavio Giuseppe . storia biblica della Torre di Babele  deriva probabilmente dalla principale ziqqurat di Babilonia, l'Etemenanki.

Prompt: How does The Tower of Babel (Bruegel) explain its Abstract?Please output in Italian.

Alessandro Poliistore
Bibbia
Dio
Enmerkar e il signore di Aratta
Etemenanki
Flavio Giuseppe
Genesi
Genesi
Libro dei Giubilei
Oracoli sibillini
Torre


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La Sacra Famiglia

Die heilige Familie oder Kritik der kritischen Kritik,   Sainte famille,  The Holy Family,

Prompt: How does Holy Family (El Greco, Hospital de Tavera) explain its External links?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Hans Holbeins Madonna im Städel. Der Bürgermeister, sein Maler und seine Familie. Exhibit Catalog, Petersberg 2004, .  Oskar Bätschmann, Pascal Griener: Hans Holbein d. J. Die Darmstädter Madonna. Original gegen Fälschung. Fischer, Frankfurt am Main 1998.  Christl Auge: Zur Deutung der Darmstädter Madonna. ng, Frankfurt am Main 1993.  Günther Grundmann: Die Darmstädter Madonna. Eduard Roether, Darmstadt 1959. Theodor Gaedertz: Hans Holbein der Jüngere und seine Madonna des Bürgermeisters Meyer. Mit den Abbildungen der Darmstädter und der Dresdener Madonna. Bolhoevener, Lübeck 1872. Gustav Theodor Fechner: Ueber die Aechtheitsfrage der Holbein’schen Madonna: Discussion und Acten. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1871. Dr. Georg Haupt: Der Darmstadter Museumsstreit. Eine Verteidigungsschrift, Jena, Diederichs 1904.

Prompt: How does Darmstadt Madonna explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Disputa del Sacramento è un affresco  di Raffaello Sanzio, databile al 1509 e situato nella Stanza della Segnatura, una delle quattro Stanze Vaticane.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Disputation of the Holy Sacrament.Please output in Italian.

1509
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Orologio astronomico di Praga

All'orologio astronomico di Praga è titolato il quarto episodio della seconda stagione della serie televisiva Lore : Prague Clock: The Curse of the Orloj.

Prompt: Explain the Curiosity of this artwork, Prague astronomical clock.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: In Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano), how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Armatura

In Giappone, l'uso dell'armatura sviluppò relativamente tardi: nel IV secolo. Ciò non di meno, le peculiarità tecniche ed estetiche delle armature prodotte nel Sol Levante, utilizzate sia dalla casta guerriera per eccellenza, i samurai, sia dalle milizie , le rende ad oggi uno dei settori più studiati della tradizione bellica nipponica.<br />

Prompt: In O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, how is the Japan of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Vergine velata

Vestale TucciaCristo velatoPudiciziaSuora velataRebecca velata

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Veiled Virgin.Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Suora velata
Vestale Tuccia


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Polittico di San Gregorio

Il polittico, che è firmato e datato sul cartiglio sul gradino dello scomparto centrale, venne commissionato nel 1473 per i convento annesso alla chiesa di Santa Maria extra moenia, detta anche di San Gregorio. Originariamente le tavole erano unite da una cornice intagliata e dorata di gusto tardogotico, che forse venne rimossa già nel XVI secolo.L'opera è in un cattivo stato di conservazione a causa degli eventi di estrema gravità che subì nella sua storia. Dopo lo smembramento e la dispersione di almeno una delle tavole, forse già nel Cinquecento, venne restaurata drasticamente nel 1842, utilizzando sostanze abrasive per la pulitura. Ma l'evento più catastrofico fu il terremoto di Messina del 1908, che rase al suolo l'ex-convento di San Gregorio, dove aveva sede il "Museo civico peloritano", lasciando le opere ivi conservate, compreso il Polittico, alla pioggia che si abbatté sulla città nei giorni immediatamente successivi alla catastrofe. In quell'occasione andarono perdute ampie porzioni del manto della Madonna e del San Gregorio.Gli interventi di recupero del polittico iniziarono nel 1912, con il restauro di Luigi Cavenaghi nelle tavole laterali, che comprese un disegno delle parti perdute sulla base di antiche fotografie ; la tavola centrale venne restaurata da Tito Venturini Papari. Un nuovo restauro si ebbe nel 1940-1942 all'Istituto Centrale del Restauro di Roma, seguito poi da un intervento sulla tavola dellAngelo annunciante del 1981 da parte di Ernesto Geraci e da un check completo del Polittico nel 2005-2006, in occasione di una mostra monografica sull'autore alle Scuderie del Quirinale. In quest'ultima occasione vennero riportati alla luce alcuni brani occultati da vernici successive e restauri, come la decorazione originaria del manto della Vergine a motivi vegetali , e fu riequilibrata la tonalità delle lacune per facilitare la lettura.

Prompt: How does San Gregorio Polyptych explain its History?Please output in Italian.


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Pala di Sansepolcro

L'opera riprese fedelmente lo schema dello scomparto centrale del Polittico di San Pietro, cioè lAscensione di Lione, con poche variazioni e con un notevole intervento della bottega. In particolare, viste le dimensioni maggiori, vennero amplificati alcuni elementi decorativi, come i nastri svolazzanti tenuti dagli angeli, o la resa morbida e sfumata degli incarnati. Lo schema della composizione è impostato su due registri paralleli quasi non comunicanti, con Cristo che ascende in una mandorla tra angeli  nella parte superiore, e un gruppo inferiore della Madonna tra gli Apostoli immersi nel paesaggio umbro, punteggiato da esili alberelli. Perugino ricorse con sicurezza a uno schema misurato e piacevole, impostato sulle simmetrie e sulla pacatezza dei sentimenti, con colori brillanti ma sfumati con dolcezza e con un'attenzione ai particolari decorativi.

Prompt: Focus on Sansepolcro Altarpiece and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Ritratto di Lucrezia Panciatichi

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004, pag. 112. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: In Portrait of Lucrezia Panciatichi, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Donna che scrive una lettera

Donna che scrive una lettera è un dipinto olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1665 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Focus on A Lady Writing a Letter and explain the Abstract.Please output in Italian.

1665
Jan Vermeer
National Gallery of Art
Washington


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Fontana di Cibele

fontana di Cibele  si trova nella città di Madrid, in Spagna, in Plaza de Cibeles.

Prompt: How does Fountain of Cybele explain its Abstract?Please output in Italian.


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Atleta di Lussino

LAtleta di Lussino  è un'antica opera scultorea greca in bronzo, databile tra il I secolo a.C. e il II secolo d.C. Fu rinvenuta per caso nel 1996 da un turista belga durante un'immersione subacquea nel mare presso Lussino, ma il suo recupero fu possibile solo nel 1999. Alta circa 192 cm, essa si inquadra nella ben nota tipologia dellApoxyómenos, ovvero la rappresentazione di un atleta colto nell'atto di detergersi il corpo da polvere e sudore per mezzo di uno strigile.Secondo l'accademico Nenad Cambi, dell'Università di Spalato, l'opera sarebbe una copia di bottega ellenistica del II-I secolo a.C., risalente a un originale scultoreo greco della metà del IV secolo a.C., «artista di scuola policletea di terza generazione».

Prompt: Focus on Croatian Apoxyomenos and explain the Abstract.Please output in Italian.

Apoxyómenos
II secolo
IV secolo a.C.
I secolo
I secolo a.C.
Lussino
Università di Spalato


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: Explain the Italy about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Madonna di Darmstadt

All'arrivo di Holbein a Basilea nel 1515, esisteva ancora un mercato fiorente di ritratti religiosi cattolici. Con l'avvento della Riforma in città nel 1520, le domande di opere di carattere religioso diminuì significativamente e lo stesso Holbein accettò commissioni sia da parte dei cattolici che da parte dei riformati. Molte opere andarono distrutte nel corso dell'ondata iconoclastica del 1529, ma opere di Holbein come la Madonna di Soletta, la Madonna di Darmstadt ed il Cristo morto nella tomba sono sopravvissute sino ai nostri giorni, lasciando un alone di mistero sulla loro funzione originaria. Madonna di Darmstadt del resto presenta molte similitudini con la Madonna di Soletta realizzata dallo stesso Holbein nel 1522. Entrambi i dipinti sono molto simili nelle loro dimensioni e nel particolare della forma arrotondata nella parte superiore e rettangolare in quella inferiore. A differenza però del dipinto successivo commissionato da Jacob Meyer, nella Madonna di Soletta Maria si trova seduta in trono con in braccio il Bambino, tra i santi Martino e Orso. I donatori sono presenti in quest'opera unicamente tramite i loro stemmi che sono "ricamati" sul tappeto, steso anche in questo caso sotto i piedi della Madonna. Il dipinto corrisponde in questo caso ad una Sacra Conversazione.  Madonna di Darmstadt, d'altra parte, si presenta molto più complessa nei suoi molteplici riferimenti iconografici.Con il trasferimento definitivo in Inghilterra nel 1532, l'attenzione di Holbein si spostò verso la ritrattistica privata, lasciando i temi religiosi di sfondo.

Prompt: Describe the characteristics of the Classification in the work of Holbein in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Primavera

Il termine viene dal latino «vēr», riconducibile al termine sanscrito «vas», cioè «splendere».

Prompt: In Spring (painting), how is the Etymology discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Bruges

Prompt: How does Madonna of Bruges explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Mantegna) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Allegoria ed effetti del Buono e del Cattivo Governo

Si trova sulla parete laterale sinistra, più precisamente nella zona destra della parete. Dipinto in maniera speculare Allegoria del Buon Governo, doveva permettere il diretto confronto didascalico con quell'affresco. Al centro siede in trono la personificazione della Tirannide , figura mostruosa con le zanne, le corna, una capigliatura demoniaca, gli occhi strabici e i piedi artigliati, in decisa contrapposizione con il Comune Allegoria del Buon Governo.  tirannide non ha alcuna corda vincolante e ai suoi piedi è accasciata una capra nera demoniaca, antitesi della lupa allattatrice dei gemelli. Sopra di lei volano tre vizi alati, sostituitisi alle tre virtù teologali dell'altro affresco. Questi sono Avarizia , con un lungo uncino per arpionare avidamente le ricchezze e due borse le cui aperture sono strette in una morsa, la Superbia , con la spada e un giogo, e la Vanagloria , con uno specchio per ammirare la propria bellezza materiale e una fronda secca, segno di volubilità.Accanto alla Tirannide siedono invece le personificazioni delle varie sfaccettature del Male, opposti alle virtù cardinali, alla Pace e alla Magnanimità Allegoria del Buon Governo. A partire da sinistra troviamo la Crudeltà , intenta a mostrare un serpente ad un neonato; il Tradimento , con un agnellino tramutato in scorpione a livello della coda, simbolo di falsità; la Frode , con le ali e i piedi artigliati; il Furore , con la testa di cinghiale, il torso di uomo, il corpo di cavallo e la coda di cane, simbolo di ira bestiale; la Divisione , con il vestito a bande bianche e nere verticali  e con la sega, antitesi della pialla livellatrice di contrasti della Concordia Allegoria del Buon Governo; la Guerra , con la spada, lo scudo e la veste nera.Sotto la Tirannide troviamo invece la Giustizia, che era assisa in trono nellAllegoria del Buon Governo, ma che adesso è a terra, soggiogata, spogliata del mantello e della corona, con le mani legate, i piatti della bilancia rovesciati per terra e l'aria mesta. È tenuta con una corda da un individuo solo piuttosto che dalla comunità intera. Accanto a lei ci sono le vittime del malgoverno, cioè i cittadini. Questa è anche la parte più lacunosa dell'affresco: a destra della Giustizia soggiogata vediamo due individui contendersi un neonato con la violenza e, ancora più a destra, altri individui lasciare con le mani mozze due cadaveri a terra; la scena alla sinistra della Giustizia risulta di difficile interpretazione, mentre siamo del tutto impossibilitati a cogliere i personaggi rappresentati sotto l'arco all'estrema destra dell'affresco, una porta cittadina dove doveva avvenire qualche misfatto.Superbia, Avarizia e Vanagloria, che come detto fanno da contorno al tiranno, sono tre peccati capitali già presenti nella Divina Commedia dantesca. Nel canto VI dell'inferno si trova il concetto dell'avarizia, dove il peccatore Ciacco chiede a Dante informazioni sull'andamento socio-politico della sua terra, Firenze. Un altro riferimento alla massima opera dantesca, è relativo alla vanagloria, che è possibile ricercare nel XIII canto del Purgatorio, ove i condannati sono, in buona parte, provenienti dalla città di Siena: un luogo dove prevale il clima di guerra, suscitato dalle raffigurazioni di strade e ponti percorsi solamente da soldati. Le tre allegorie dei peccati possono simboleggiare le tre famiglie principali di Firenze, che erano in lotta per il potere. Nell'Allegoria è possibile notare la scena di un delitto. Qui viene presentato un corpo inerte per terra, con due soldati che arrestano l'accusato, vestito di porpora, colore che rievoca i tratti dell'innocenza morale della persona nel Cattivo Governo. L'affresco, sebbene diviso in tre registri al pari Allegoria del Buon Governo, ha una complessità inferiore rispetto a quest'ultimo: i cittadini appaiono in numero minore nel terzo registro e l'apparato della Giustizia è ridotto ad una figura spoglia, oltretutto declassata al terzo registro essendo de-istituzionalizzata.

Prompt: In the context of The Allegory of Good and Bad Government, explain the Allegory of the Bad Government and the Description.Please output in Italian.

Divina Commedia
Magnanimità
Male
Pace
Siena
Superbia


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Estasi di santa Teresa d'Avila

Gian Lorenzo Bernini Santa Teresa d'Avila

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Ecstasy of Saint Teresa.Please output in Italian.

Gian Lorenzo Bernini
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila


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Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: Explain the Portugal about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Musica

Nel Cristianesimo ebbe grande diffusione il canto, perché lo stesso "Cristo" veniva descritto come un cantore insieme ai suoi discepoli: "E dopo aver cantato l'inno uscirono verso il monte degli Ulivi . musica nel cristianesimo si sviluppò molto nel luogo di culto, la chiesa: si trattava della musica che veniva eseguita nella liturgia celebrativa della messa.Si può ipotizzare che la forma iniziale della musica liturgica fosse monodica  e basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale , variazione che era dettata dalla prosodia  delle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose col tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'offertorio, in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile detto melismatico. trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'uso liturgico.Agli inizi del VI secolo, esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato, associato ad uno specifico cantus planus, ovvero un tipo di canto liturgico monodico .   tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato di Gregorio Magno  si sia avuta la spinta decisiva all'unificazione dei riti e della musica ad essi soggiacente.In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione avvenisse quasi due secoli più tardi, ad opera di Carlo Magno e sotto l'impulso della unificazione politica che portò alla nascita del Sacro Romano Impero. L'attribuzione a Gregorio Magno sarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambienti ecclesiastici, costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddetto antifonario gregoriano, che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - ai modi della tradizione greca .Il repertorio del canto gregoriano è molto vasto e viene differenziato per epoca di composizione, regione di provenienza, forma e stile.Esso è costituito dai canti dell'Ufficio  e dai canti della Messa. Nei canti dell'Ufficio si riscontrano le seguenti forme liturgico-musicali: le Antifone, i Responsori  i "cantica"  e gli Inni ; Nei canti della Messa vi sono forme legate alle parti dell'Ordinario o Ordinarium Missæ  e del Proprio o Proprium Missæ .Sia nei canti dell'Ufficio come in quelli della Messa si riscontrano tutti i generi-stili compositivi del repertorio gregoriano; essi si possono classificare in tre grandi famiglie: I canti di genere sillabico  come ad esempio le più semplici Antifone dell'Ufficio, le melodie semplici dell'Ordinario e i recitativi del Celebrante; I canti di genere semisillabico o neumatico  come ad esempio gli Introiti e i Communio della Messa o alcune antifone più ampie dell'Ufficio; I canti di genere melismatico  come ad esempio alcuni Graduali e Offertori o i responsori prolissi dell'Ufficio O il più importante lo jubilus dell'Alleluia. riforma gregoriana sostituì lo studio dei testi alla trasmissione orale delle scuole di canto delle origini, sacrificando, oltre alle particolarità regionali  e all'intonazione micro-tonale  anche il ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire le musiche sempre nello stesso modo, con una linea melodica che indicava la sua direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari  che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, .  scrittura neumatica divenne così la prima "notazione", da cui poi la parola "nota", musicale moderna.

Prompt: Explain the Medieval sacred music about the The relationship with singing of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Alleluia
Carlo Magno
Cristianesimo
Messa
Sacro Romano Impero
VI secolo


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Tre arcangeli e Tobiolo

Giulia Cosmo, Filippino Lippi, serie Art dossier, Giunti, Firenze 2001. ISBN 88-09-02031-6

Prompt: Focus on Three Angels and Young Tobias and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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amore

De amore, di Andrea Cappellano Dall'arte della guerra all'arte dell'amore, di Giulietta Bandiera, Xenia edizioni, 2003 Ti amerò per sempre.  scienza dell'amore, di Piero Angela, Mondadori, 2005

Prompt: Explain the Other about the Religion of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


section

Tramonto a Montmajour

Prompt: Focus on Sunset at Montmajour and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Abbazia di Montmajour
Opere di Vincent van Gogh
Vincent van Gogh


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Statua equestre di Marco Aurelio

statua fu eretta nel 176 d.C o nel 180 d.C., subito dopo la morte di Marco Aurelio, e sulla sua originaria collocazione ci sono varie ipotesi: alcuni dicono si trovasse nel Foro Romano, altri a piazza Colonna, dove si trovava il tempio dinastico che circondava la colonna Antonina.

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient Age in Equestrian Statue of Marcus Aurelius's Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Visione di san Girolamo

Visione di san Girolamo è un dipinto a olio su tavola  del Parmigianino, databile al 1526-1527 e conservato nella National Gallery a Londra.

Prompt: In Vision of Saint Jerome, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Leone che attacca un dromedario

Un dettaglio dell'arabo, la cui testa contiene un teschio vero.Nel 2016, il Leone che attacca un Dromedario fu restaurato nuovamente. Durante questo secondo restauro, il museo esaminò gli animali impagliati attraverso i raggi X e l'analisi del DNA per verificarne l'autenticità: Si pensava che la figura umana fosse per lo più sintetica, ma i raggi X rivelarono che la testa conteneva un vero teschio umano, sorprendendo il personale del museo. Non si sa a chi appartenga il cranio, né da dove Verreaux l'abbia preso. Nel frattempo, venne cambiato il nome inglese dell'opera per contestualizzarla meglio: in precedenza era nota come Arab Courier Attacked by Lions . Alla cerimonia per celebrare la fine del restauro, il personale del museo di Pittsburgh ospitò un simposio avente come temi il restauro, il diorama e la sua rappresentazione distorta del Nordafrica.

Prompt: Explain the Restoration of 2016 about the History of this artwork, Lion Attacking a Dromedary.Please output in Italian.


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Madame Oudiné

Madame Oudiné  è un dipinto a olio su tela del pittore francese Hippolyte Flandrin, realizzato nel 1840 e conservato nel museo di belle arti di Lione.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Madame Oudiné.Please output in Italian.


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Madonna dei Candelabri

Il tondo, in uno stato di conservazione non eccelso, mostra la Madonna col Bambino tra due angeli reggifiaccola, da cui il nome. Maria è seduta a mezza figura, col Bambino sulle ginocchia. Le due figure principali, aggraziate e unite da amorevoli gesti, sono ruotate l'una verso l'altra, riempiendo un'ellissi centrale di grande effetto monumentale, che sembra preannunciare la Madonna della Seggiola.Il motivo dei candelabri è una colta citazione antiquaria, derivata da rappresentazioni imperiali dell'antica Roma e che qualifica Cristo e Maria come re e regina del cielo.

Prompt: In Madonna of the Candelabra, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Musica

leftupright=0.8Nel secolo d'oro della musica classica occidentale, gli anni che vanno dal 1750 al 1850, essa si esprime in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale  che in campo operistico, sfruttando sempre più estesamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli passati.Durante questo periodo, per la prima volta, si manifestò un sentimento storico dell'esperienza musicale; la musica acquisì una coscienza storica al pari delle altre arti grazie agli studi e le pubblicazioni che riguardarono il passato; fra i trattatisti notevoli, ricordiamo il maestro Ant. Reicha, autore d'un Trattato di Melodia, un Trattato di Armonia e un Nuovo Metodo per la Fuga, nonché di numerose  opere minori. Questo nuovo fenomeno consentì di creare una saldatura tra il presente ed il passato e di dare continuità al percorso evolutivo musicale.Nel XVIII secolo vi fu la grande presenza di Mozart. Senza dubbio fu uno, tra i grandi, e sono tanti; e grazie a lui l'evoluzione della musica poggiò su un grande pilastro creato, che si estese in tutti i campi, sinfonia, opera, musica da camera, serenate, e che rappresentò il legame, possiamo dire, tra la musica del Settecento  e quella romantica del XIX secolo.Agli inizi del XIX secolo giganteggiò la figura di Ludwig van Beethoven, che prese le mosse dall'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la sinfonia e la sonata, creando al contempo il concetto di musica assoluta, cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assistette alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. In seguito, oltre a lui, artisti come Johannes Brahms, Anton Bruckner e Gustav Mahler ottennero grandi risultati specialmente in campo sinfonico, per questo si parla di "Stagione del grande sinfonismo tedesco".In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del romanticismo musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann. In Francia operano invece Berlioz e il polacco Chopin che in molte sue composizioni inserì innovazioni armoniche che facevano già presagire l'Impressionismo.Con Richard Wagner vennero introdotte nuove sonorità con passaggi armonici innovativi e un esasperato cromatismo che misero in crisi il sistema tonale tradizionale.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Classicism and Romantic music of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.

1750
1850
Anton Bruckner
Armonia
Francia
Gustav Mahler
Johannes Brahms
Ludwig van Beethoven
Melodia
Richard Wagner
XIX secolo
XVIII secolo


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Madonna delle Arpie

Il 14 maggio 1515 le monache di San Francesco de' Macci a Firenze stipularono il contratto di allogazione con Andrea del Sarto per la pala d'altare della loro piccola chiesa, che avrebbe dovuto rappresentare una Madonna con Bambino incoronata da due angeli con ai lati san Giovanni evangelista e san Bonaventura. Il programma iconografico venne mutato forse per l'interessamento di fra' Antonio di Ludovico Sassolini, importante esponente del vicino convento di Santa Croce, sostituendo Francesco d'Assisi a Bonaventura e facendo mettere i putti a reggere le gambe di Maria sul piedistallo.Nel 1703 si interessò dell'opera il gran principe Ferdinando de' Medici, appassionato collezionista d'arte. Egli scrisse di essersi "invaghito" della pala, bisognosa di "una cordiale premura della buona conservazione di sì bell'opera", che aveva iniziato a rovinarsi nella chiesa ormai "bisognosa di risarcimento". Si offrì allora di restaurare la chiesa in cambio della pala, che venne così trasportata a palazzo Pitti. In cambio le monache ottennero una ristrutturazione da parte dell'architetto granducale, Giovan Battista Foggini, con una ridecorazione da parte del pittore Vincenzo Dandini, oltre che una copia del dipinto. Madonna delle Arpie fu a lungo ammirata, venendo trasferita nel 1795 agli Uffizi.Ne esistono numerosi disegni preparatori, alla Kunstakademie di Düsseldorf , al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe di Firenze  e al Cabinet des Dessins di Parigi .

Prompt: In Madonna of the Harpies, how is the History discussed?Please output in Italian.

1515
1703
1795
Andrea del Sarto
Cabinet des Dessins
Düsseldorf
Ferdinando de' Medici
Firenze
Francesco d'Assisi
Giovan Battista Foggini
Kunstakademie
Vincenzo Dandini


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Ritratto Droeshout

alt=Le due versioni dell'incisione di DroeshoutLe due versioni dell'incisione di DroeshoutcentroL'incisione è una dei due soli artefatti che possono essere ricondotti con totale certezza al drammaturgo, unitamente alla statua fatta erigere come suo monumento funebre nella sua città natale di Stratford-upon-Avon; ambedue, tuttavia, sono postumi. L'incisione fu realizzata sette anni dopo la morte di Shakespeare e non esistono prove che dimostrino che l'incisore Martin Droeshout abbia mai incontrato Shakespeare in vita. Ciò nonostante Ben Jonson nel presentare l'incisione afferma che essa ha una buona somiglianza con il volto del poeta.Dell'incisione esistono due stati. Nella prima versione, oggi conservata solo in quattro copie, la testa di Shakespeare sembra galleggiare sopra la gorgiera. Durante la stampa delle prime copie del volume, Droeshout si rese conto del problema e apportò dei miglioramenti all'incisione intensificando l'ombreggiatura.

Prompt: Focus on Droeshout portrait and explain the History.Please output in Italian.


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Statua di Diego de Vargas

Fin dalla sua installazione, la statua fu imbrattata e vandalizzata più volte. Nel dicembre del 2013 la statua venne vandalizzata e dovette essere rimossa, in quanto venne quasi abbattuta e la spada era stata spezzata. Dopo essere stata riparata per un costo di quasi 2000 dollari, un mese dopo la statua ritornò al suo posto, su un piedistallo rinforzato.Nel 2020, nel mezzo delle proteste per la morte di George Floyd, la scultura fu rimossa e messa in deposito, Ciò portò a temere che la scultura fosse a rischio di venire danneggiata o vandalizzata.I sostenitori della rimozione vedono nella statua una celebrazione della colonizzazione spagnola, mentre coloro che la sostengono ci vedono una celebrazione della Spagna e dell'eredità ispanica nella regione. Ronald Trujillo, un ex-candidato sindaco di Santa Fe, espresse interesse nel donare la statua all'associazione dei Caballeros De Vargas, i quali in seguito l'avrebbero riesposta nella loro proprietà. Questa richiesta venne sostenuta da molti membri del consiglio cittadino. Uno di loro, Christopher Rivera, dichiarò: "Sarei a favore di ciò, soprattutto se non possiamo prendercene cura".

Prompt: In Statue of Diego de Vargas, how is the History discussed?Please output in Italian.


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La lampada del diavolo

Vi è una fonte letteraria specifica per questo dipinto che va rintracciata nellEl Hechizado por fuerza , dramma di Antonio de Zamora che al tempo di Goya godeva di una grandissima popolarità. Nella sua opera Zamora narra le sfortunate vicende di Don Claudio, sacerdote credulone e codardo, in occasione delle sue nozze con donna Lucia. Degli amici buontemponi avrebbero fatto credere a don Claudio di essere caduto vittima di un potente maleficio, in ragione del quale egli avrebbe continuato a vivere solo se la candela nella sua camera da letto non si fosse mai spenta.Goya era un pittore notoriamente avverso alle follie delle superstizioni popolari, fatto che doveva essere evidentemente gradito ai duchi di Osuna, suoi affezionati committenti, per i quali nel 1798 realizzò una serie di «stregonerie» per la loro casa di campagna, l'Alameda [Pioppeto], frequentata da numerosi nobili locali. Tra le varie opere eseguite per gli Osuna figura proprio  lampada del diavolo, dipinto caratterizzato da una grammatica figurativa spiccatamente demoniaca che, tuttavia, non era frutto di un impulso visionario, bensì prendeva le mosse dal pensiero dei filosofi tardo-illuministi , pienamente in grado di afferrare le citazioni ed i doppi sensi proposti dal dipinto. Dal 1896 l'opera è esposta nella National Gallery di Londra, nella sala n. 38.

Prompt: How does The Bewitched Man explain its History?Please output in Italian.


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Giona (Lorenzetto)

statua di Giona che esce dalla balena è una scultura in marmo realizzata dal Lorenzetto, ubicata all'interno della Cappella Chigi, nella Basilica di Santa Maria del Popolo a Roma. L'opera fu compiuta dall'artista seguendo i disegni originali del suo maestro Raffaello, il quale aveva già disegnato l'architettura della cappella. Giona che esce dalla balena è stata l'unica scultura che ha ideato Raffaello e che è stata scolpita seguendo le sue intenzioni.

Prompt: In Jonah (Lorenzetto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria del Popolo
Cappella Chigi
Roma


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Immacolata Concezione

Agostino Maria De Carlo, "Theotocologia seu Institutio de V. Dei Genitrice M. Scholastica Methodo IV Libris Concinnata" -Napoli, Cirillo, 1845 - [opac SBN] [Testo a stampa] [Monografia] [IT\ICCU\BVE\0346282] SBN LIAN025513 Agostino Maria De Carlo, "Dialoghi istruttivi su pregi, misteri e titoli di Maria SS." pubblicati per cura e divozione del canonico don Luigi Monforte, Napoli, Stabilimento Tipografico del Dante, 1855 - SBN LIAN040723 Cecchin Stefano M., L'Immacolata Concezione. Breve storia del dogma, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2003, ISBN 88-900609-5-6 Tommaso Campanella , Apologia dell'Immacolata Concezione, L'epos 2004, ISBN 88-8302-270-X Congresso Mariologico francescano,  Scuola Francescana e l'Immacolata Concezione, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2005, ISBN 88-89681-01-2 Vincenzo Sansonetti, L'Immacolata Concezione: dal dogma di Pio IX a Medjugorje, Piemme 2004, ISBN 88-384-8410-4 Giovanni Morello, Vincenzo Francia, Roberto Fusco, Una donna vestita di sole: l'Immacolata Concezione nelle opere dei grandi maestri, F. Motta, 2005 ISBN 88-7179-468-0 Diego Ciccarelli, Marisa Dora Valenza ,  Sicilia e l'Immacolata: non solo 150 anni, Biblioteca Francescana 2004, ISBN 88-88615-96-2 Michel Jean Claude, Immacolata Concezione, promessa di purezza, Libreria Editrice Vaticana 2001

Prompt: Explain the Monograph on the Immaculate Conception about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Lavanda dei piedi

Durante la sera gli apostoli e il loro Maestro si riunirono nel luogo scelto da Gesù stesso. I Vangeli divergono riguardo agli avvenimenti succedutisi durante il pasto, in particolare quelli precedenti all'istituzione eucaristica. Giovanni ci rivela già da principio lo stato d'animo di Gesù: "Sapendo che era giunta la Sua ora di passare da questo mondo al Padre, dopo aver amato i Suoi che erano nel mondo, li amò sino alla fine".I discepoli, ignari degli eventi che sarebbero presto accaduti, da uomini del loro tempo erano in contraddizione a causa dei posti : ognuno di loro desiderava un posto più onorifico e già nascevano le lamentele su chi di loro fosse il più grande fra i dodici. Gesù aveva già precedentemente sedato una discussione simile con una parabola e con la celebre frase: "Gli ultimi saranno i primi".Ora a quell'umiliante scenata Gesù risponde, secondo Giovanni, con i fatti. Dopo avergli espresso come sia il più grande colui che si renderà schiavo dei suoi fratelli, Egli Si alza dal tavolo, Si cinge al fianco un asciugatoio e, preso un catino, comincia a lavare i piedi ai Suoi discepoli dimostrando come Lui, che era il Maestro, Si era reso il più umile fra loro. Solo Pietro tentò di fermare il gesto del Maestro, dicendo: "Signore, Tu lavi i piedi a me?" e ricevendo come risposta il fatto che, se non avesse accettato questo servigio, non sarebbe stato partecipe con Lui nel Regno dei cieli.

Prompt: Focus on The Washing of the Feet and explain the Gospel story.Please output in Italian.


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Gabrielle Cot

Sarah Williams, William Bouguereau: Paintings, 2015.

Prompt: In Gabrielle Cot, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Quest'opera appartiene alla corrente pittorica conosciuta come barocco spagnolo, un movimento strettamente legato alle idee della Controriforma ed in parte influenzato da una certa tendenza mistica. Il naturalismo presente è tipico della pittura ControriformistaFrancisco de Zurbarán combina "il realismo della controriforma con un sentimento mistico di ispirazione gesuita" Zurbarán mostra l'influenza di Caravaggio nel modo in cui illumina le sue composizioni. Il suo stile assimilerà gradualmente elementi del manierismo italiano.

Prompt: Focus on Immaculate Conception (Zurbarán) and explain the Style.Please output in Italian.

Caravaggio
Controriforma
Francisco de Zurbarán


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Daniele e il leone

L'opera mostra il caratteristico allungamento del corpo tipico dell'ultimo Bernini. Il giovane profeta si sta inginocchiando e il suo piede destro è leccato dal leone addomesticato. Daniele prega con fervore, tendendo la sua figura verso destra dalla nicchia, mentre il suo volto si volge a Dio, rappresentato sul mosaico della cupola. Il drappeggio della veste ondeggia dalle spalle all'area lombare, per arrivare fino ai lati della base.Vi sono presenti parallelismi tematici e visivi con la statua di Giona di Lorenzetto. Entrambe le storie sono la vittoria sulla morte per grazia di Dio, e la morte minaccia ambedue i profeti, assumendo le sembianze di una belva pericolosa, la balena nel caso di Giona, e il leone per quanto riguarda Daniele. I profeti sono rappresentati con aspetto giovane, atletico ed eroico, più vicini alle raffigurazioni degli antichi dei, rispetto agli uomini barbuti descritti nell'Antico testamento. Mentre la testa di Giona fu ispirata dal volto delle antiche statue dell'Antinoo, per il Daniele Bernini trasse ispirazione da Alessandro Magno.

Prompt: How does Daniel and the Lion (Bernini) explain its Description?Please output in Italian.


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Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: Explain the Contemporary Age about the The  lion  hunt  of  the  Masai of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Il Santuario mariano di Ardesio fu edificato sul luogo dove la tradizione narra l'apparizione di Maria a due sorelle, Maria e Caterina Salera, il 23 giugno del 1607. L'anno successivo ebbe inizio la costruzione del Santuario, mentre il campanile in marmo grigio di Ardesio venne costruito nel 1645. Il pulpito e l'altare maggiore son opera fantoniana mentre l'organo è opera di Giovanni Rogantino da Morbegno.Nella cripta posta sotto l'altare maggiore vengono conservati gli ex voto, ancora oggi donati dai fedeli per grazia ricevuta.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Ardesio of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Natività mistica

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Prompt: Describe the characteristics of the Theangelsinthelowerhalf in The Mystical Nativity's Description.Please output in Italian.


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Apollo dell'Omphalos

LApollo dell'Omphalos  è una statua romana in marmo e datata al II secolo, copia di un originale greco bronzeo del 460-450 a.C.. L'opera raffigura Apollo, dio della musica, della medicina e della profezia, ed è caratterizzata dallo stile tipico della scultura greca arcaica. Attualmente si trova al Museo archeologico nazionale di Atene.

Prompt: Focus on Apollo Omphalos (Athens) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Apollo
Atene
Museo archeologico nazionale di Atene


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Adorazione dei Magi di Città della Pieve

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 9788881170999

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Perugino, Città della Pieve) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: In Adoration of the Kings (Bruegel), how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa o Jaffa  è un dipinto di Antoine-Jean Gros datato al 1804, commissionato da Napoleone Bonaparte per rappresentare un episodio della campagna d'Egitto.  realtà storica della scena raffigurata nel dipinto, ed in particolare il gesto del Bonaparte, sono oggetto di contesa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Giaffa
Napoleone Bonaparte


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Les demoiselles d'Avignon

gestazione delle Demoiselles d'Avignon fu davvero lunga, Picasso realizzò oltre duecento schizzi e disegni prima di giungere alla versione finale dell'opera, che rimase nell'atelier dell'artista fino al 1916, anno in cui venne esposta per la prima volta. Va precisato che l'esecuzione di tali bozzetti preparatori comincia subito dopo la separazione da Fernande Olivier, un evento traumatico per l'artista, che coincide con un periodo in cui egli era dedito alle ricerche formali. Dopo aver mostrato il quadro agli amici dovette affrontare numerose critiche, poiché il dipinto fu tacciato di immoralità. Matisse, Braque, Derain, vari collezionisti tra cui Gertrude Stein, Leo Stein, Sergej Ščukin, il gallerista Kahnweiler e il pittore Uhde non compresero immediatamente le innovazioni di Picasso. Matisse, che fu tra i più sdegnati, definì il dipinto addirittura come un oltraggio per il movimento artistico moderno. Il punto di partenza per la realizzazione di quest'opera è ancora segnato dalla malinconica predilizione di squallidi ambienti, che contraddistinguono la sua produzione precedente.Si pensa che Maurice Vlaminck abbia introdotto Picasso all'antica scultura africana di tipo Fang nel 1904.  scultura Fang del XIX secolo è simile nello stile a ciò che Picasso vide a Parigi poco prima de Les Demoiselles d'Avignon.  maggior parte del dibattito critico negli anni si è concentrato sul tentativo di identificare la molteplicità di stili all'interno dell'opera: l'opinione dominante per oltre cinque decenni, esposta in particolare da Alfred Barr  è stata che l'opera si può interpretare come una prova del periodo di transizione nell'arte di Picasso, uno sforzo di connettere i suoi primi lavori al cubismo, uno stile a cui avrebbe collaborato e sviluppato per i seguenti cinque o sei anni.Nel 1974, tuttavia, il critico Leo Steinberg, nel proprio saggio The Philosophical Brothel, propose una spiegazione completamente diversa per il gran numero di attributi stilistici. Basandosi su precedenti studi preparatori, ignorati completamente da molti critici, sostenne che la varietà di stili può essere vista come un deliberato tentativo, finemente pianificato, di catturare lo sguardo di colui che guarda. Scrutò che le cinque donne sembrano ignorarsi l'un l'altra. Piuttosto, si focalizzano solo su chi osserva e gli stili divergenti coi quali furono realizzate, collaborano a renderle più facilmente notabili. Secondo Steinberg, lo sguardo obliquo, ovvero il fatto che le figure guardino direttamente l'osservatore, così come l'idea della donna così padrona di sé, che non è presente solo per il piacere maschile, possono essere fatti risalire allOlympia di Manet.I primi disegni di quest'opera, rappresentano, appunto, anche due uomini, un marinaio e uno studente di medicina con un libro o un teschio in mano, cosa che portò Barr e altri ad interpretare il dipinto come un memento mori. Rimane traccia della loro presenza in un tavolo al centro: lo spigolo sporgente vicino al fondo della tela. L'osservatore, secondo Steinberg, sta ora al posto dei due uomini seduti, obbligato ad affrontare la vista delle prostitute dritto di fronte a sé, evocando così letture molto più complesse di una semplice allegoria o di un'interpretazione autobiografica che tenta di comprendere l'opera in relazione alla storia di Picasso con le donne. Un mondo di significati diviene quindi possibile, proponendo l'opera come una meditazione sui pericoli del sesso, il "trauma dello sguardo", secondo una definizione di Rosalind Krauss, e la minaccia della violenza inerente alla scena e al rapporto sessuale in generale.

Prompt: Focus on Les Demoiselles d'Avignon and explain the History analysis.Please output in Italian.

1974
Fernande Olivier
Gertrude Stein
Leo Steinberg
Parigi
Rosalind Krauss
Sergej Ščukin


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Madonna di Darmstadt

Tra le figure più enigmatiche dell'intera composizione vi sono quelle del ragazzo e del bambino presenti nella parte sinistra del dipinto. Il ragazzo più grande si comporta "fisicamente come un fratello minore della Madre di Dio", di cui sembra imitare l'atteggiamento. Jochen Sander ha suggerito come il ragazzo sostituisca qui la figura dell'angelo che si trova nel quadro  Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, una pittura che Holbein probabilmente conosceva o aveva avuto modo di vedere personalmente. Il ragazzo, vestito alla moda dell'epoca, porta alla cintura una borsa con cintura verde, un attributo comune di san Giacomo e del pellegrino in genere, nonché una probabile allusione al santo patrono del committente dell'opera. Il ragazzo si distingue anche dalla famiglia dei fondatori per la sua veste ornamentale, che in quella forma era riservata unicamente alla nobiltà e che quindi ravvicinerebbe l'idea di un personaggio "al di sopra degli altri personaggi" e quindi legato al mondo spirituale . Si distingue anche per il fatto che egli non si inginocchia né tiene le mani giunte in preghiera.In epoche precedenti, il ragazzo ed il bambino erano stati interpretati come possibili figli defunti di Meyer. Nella letteratura più recente, tuttavia, il bambino nudo è interpretato come san Giovanni Battista da bambino, figura assieme a quella di Gesù Bambino presente nel quadro di Leonardo. Supponendo che il dipinto fosse concepito come una pala d'altare, posto quindi sopra il tabernacolo, il gesto di Giovanni Battista bambino alluderebbe significativamente ai doni dell'eucaristia sulla mensa dell'altare. Il bambino, come del resto la Madonna e Gesù, sono idealizzati. Ancora una volta, è plausibile ricercare nel lavoro di Holbein un riferimento alla Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, dove anche Gesù e san Giovanni sono rappresentati come ragazzi. Il dipinto di Holbein sarebbe quindi inoltre la prima rappresentazione dipinta del motivo della Madonna con Gesù e san Giovanni a nord delle Alpi, mentre tale schema era già comune in Italia.Un altro approccio presuppone invece che i due ragazzi ritratti siano effettivamente dei figli di Meyer in quanto dipinti come controparte di Anna Meyer, rimandando così all'interpretazione. Dai documenti della gilda dei mercanti risulterebbe che Meyer avesse effettivamente registrato un suo figlio nato ne 1504, ma poiché alla morte dello stesso Meyer come unica erede venne chiamata a disporre dei beni di casa la moglie Dorothea Kannengießer con la figlia Anna Meyer, probabilmente tale figlio sarebbe nato da Magdalena Baer e doveva essere all'epoca già defunto, come del resto il bambino più piccolo, forse morto poco dopo la nascita. Quest'ultima interpretazione rafforzerebbe inoltre l'idea che il dipinto andasse a completare un sacello funerario: col gesto della mano, il bambino potrebbe indicare una tomba sottostante.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the The boy and the child of the Style explained?Please output in Italian.