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Lavanda dei piedi

Il rito della cena pasquale ebraica  prevede, al suo inizio, che il capofamiglia lavi le mani dei commensali, prima di iniziare il pasto. Gesù reinterpreta questo gesto, sostituendolo con il lavaggio dei piedi. In genere il gesto del lavare i piedi era riservato ai servi o agli schiavi, esso è un dunque un gesto di estrema umiltà ed umiliazione, il cui senso è spiegato da Gesù stesso:Il gesto è riportato dal Vangelo di Giovanni, il quale, a differenza dei cosiddetti Vangeli sinottici , non racconta l'istituzione dell'Eucaristia. Secondo molti esegeti, questa scelta del Vangelo di Giovanni è dettata dalla data di stesura del testo, scritto forse trenta anni dopo i Vangeli sinottici. Alla fine del I secolo, infatti, le comunità cristiane avevano già assimilato il rito dell'Eucaristia e lo celebravano regolarmente, secondo il comando di Gesù: "fate questo in memoria di Me". Era dunque più utile riferire il fatto della lavanda dei piedi, che offre una interpretazione forte della vita del Maestro, e una chiave di lettura della Messa, la quale non può essere una semplice parentesi culturale, ma deve essere integrata dai discepoli in una vita di autentico servizio.

Prompt: Explain the Characteristics of this artwork, Christ Washing the Disciples' Feet (Tintoretto).Please output in Italian.

Eucaristia
Gesù
I secolo
Vangeli sinottici
Vangelo


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Portrait of a Man in Red Chalk and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Conseguenze della guerra

Marte va travolgendo anche una donna che stringe al suo seno il figlioletto, come a cercare di sottrarlo al pericolo. Nell'arte figurativa spesso gli artisti hanno proposto il tema della violenza sugli infanti, rifacendosi al noto episodio evangelico della Strage degli Innocenti. Anche Rubens, in questo dipinto, si rifà all'iconografia classica della madre e del sentimento materno come naturale istinto di protezione, che traduce nel topos della donna caritatevole e, per estensione, della Carità. Essa è quindi un chiaro riferimento alla crudeltà dei conflitti che non risparmiano innocenti e indifesi.Le frecce sciolte, in basso a sinistra, rappresentano la rottura dell'emblema della Concordia, e sono vicine al caduceo, simbolo dei commerci, gettato a terra.

Prompt: Explain the Charity about the Description of this artwork, Consequences of War.Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: Explain the North Macedonia about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Ritratto di Maddalena Strozzi

Il ritratto raffigura la donna seduta su un balcone che rivela, oltre il parapetto, un magnifico panorama, che nel progetto originario era invece un interno. Il taglio è estremamente monumentale e il personaggio, ritratto col busto di tre quarti verso sinistra e la testa girata verso lo spettatore, è caratterizzato da una sciolta naturalezza.L'opera, nell'impostazione generale, è palesemente ispirata alla Gioconda  ma sicuramente manca di ogni evocazione allusiva o misteriosa tipica della ritrattistica di Leonardo da Vinci, prediligendo la rappresentazione fedele delle caratteristiche umane: infatti la figura si impone come presenza fisica, col viso pieno, con lo sguardo rivolto all'esterno, ben consapevole del prestigio del suo rango sociale.Raffigurata in sontuose vesti, indossa preziosi gioielli che attestano le sue virtù.  collana portata con fierezza è un gioiello in cui incastonate tre pietre differenti, ognuna con un suo preciso significato: lo smeraldo indica la castità, il rubino indica la carità, lo zaffiro indica la purezza; la grossa perla della collana, a forma di goccia, è infine simbolo di fedeltà matrimoniale. Il vestito è tipico della moda dell'epoca, con ampie maniche estraibili, di colore azzurro e con damascature visibili in controluce: esempi pressoché identici si trovano anche nei ritratti raffaelleschi della Gravida e della Dama col liocorno. Quest'ultima è stata identificata da qualche storico come la vera Maddalena Strozzi, ipotesi per lo più scartata. Sulle spalle indossa un sottile velo trasparente.Il dipinto, pur inserendosi nel preciso contesto della ritrattistica rinascimentale, rinuncia a raffigurare i "moti dell'animo", le caratteristiche spirituali e della personalità della donna raffigurata, per dare spazio a una figura più idealizzata e meno realistica rispetto a quella del ritratto del marito Agnolo Doni, come si conveniva ai ritratti femminili, evidenziando l'elevato status sociale.Il paesaggio collinare è tipico della scuola umbra, con dolci colline che sfumano in lontananza, punteggiate da segni della presenza umana e da alberelli fronzuti.I colori, sia nella figura che nello sfondo, sono esemplari delle ricerche di Raffaello in quegli anni, intonandosi a gradazioni sempre più corpose e d'effetto.Sul retro dei due ritratti si trova una rappresentazione a monocromo del mito di Deucalione e Pirra, attribuito a un tardo seguace del Sanzio; in particolare in questa tavola si vede il salvataggio dei due dal diluvio inviato dagli dei.

Prompt: In Portrait of Maddalena Doni, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Agnolo Doni
Dama col liocorno
Deucalione e Pirra
Gioconda
Leonardo da Vinci


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: Explain the Hidden  children  in  clandestinity about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: In the context of Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid), explain the Historicity theological significance and the Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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La Gioconda

I marinai dell'Hècate attendono ai loro compiti cantando una marinaresca. Intanto Barnaba, fingendosi un pescatore , spia la nave di Enzo dopo aver inviato Isépo ad avvertire il naviglio veneziano. Entra in scena il principe Enzo e manda sotto coperta i marinai perché resterà lui a vegliare durante la notte. Rimasto solo, attende trepidante l'arrivo di ura . È Barnaba a condurre da lui l'amante, accostandone la barca al brigantino. ura sale a bordo, ma appare allarmata per il sinistro augurio del falso pescatore. Eppure – ribatte Enzo – quello «è l'uomo che ci aperse il paradiso!». I due amanti si scambiano dolci parole, fino a che non tramonta completamente la luna, al che Enzo si allontana sotto coperta per cercare qualcuno che conduca la donna di nuovo a casa.Rimasta sola nella notte, ura confida alla Madonna il suo turbamento e la sua paura . Sulle ultime parole della preghiera , Gioconda esce dall'oscurità  e aggredisce la rivale, minacciandola di ucciderla se non fuggirà. Ma ura reagisce rivendicando la forza del suo amore . Gioconda allora minaccia di consegnarla al marito, che sta giungendo su una barca . Ma quando ura, spaventata, alza il rosario, Gioconda la riconosce come la donna che ha salvato sua madre, e la aiuta a fuggire. ura, confusa, domanda il nome della salvatrice , «Son la Gioconda», risponde l'altra.Barnaba per un attimo ricompare in scena , consigliando ad Alvise di seguire la barca sulla quale fugge ura. Tornato Enzo, Gioconda gli dice che ura è fuggita per paura . Enzo, sdegnato , corre verso la riva per seguire la donna amata , ma Gioconda lo ferma e lo avverte del pericolo delle galee veneziane . Il genovese, pur di non farsi prendere, dà fuoco alla nave .

Prompt: Explain the Act II The rosary about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.


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Madonna Esterhazy

Prompt: Focus on Esterhazy Madonna and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Budapest
Madonne di Raffaello
Operazione Budapest


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Landscape with the Flight into Egypt (Patinir).Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Il Grand Canyon di Yellowstone

Il Grand Canyon di Yellowstone venne accolto con favore dalla critica. Il poeta ed editore Richard Watson Gilder la definì "l'opera d'arte più notevole che sia mai stata esposta in questo paese da molto tempo." Il dipinto catturò inoltre l'immaginazione del pubblico, e influenzò la decisione di preservare il parco nazionale dello Yellowstone per le generazioni future.

Prompt: In The Grand Canyon of the Yellowstone (1872), how is the Welcome discussed?Please output in Italian.


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Altare Heller

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: How does Heller Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Schiavo barbuto

Lo Schiavo barbuto è il più finito dei prigioni fiorentini e deve il suo nome alla folta barba ricciuta. Il torso muscoloso in torsione denota un approfondito studio anatomico, tipico delle migliori opere di Michelangelo; le gambe, leggermente piegate e divaricate, sono tenute da una fascia, e per quanto riguarda le braccia, il destro è sollevato a reggere la testa reclinata, il secondo, con la mano da scolpire, sembra che dovesse reggere la fascia.Tutta la superficie è resa vibrante dalle tracce dei diversi scalpelli e raschietti usati nella scolpitura. Lungo i fianchi si nota una frattura sanata di cui non si conosce la causa.Proprio lo stato non-finito è all'origine della straordinaria energia , che coglie la figura in una sorta di atto primordiale nel liberarsi dal carcere della pietra grezza, un'epica lotta contro il caos. Il significato iconologico delle figure era probabilmente legato al motivo dei Captivi nell'arte romana, infatti Vasari li identificò come personificazioni delle province controllate da Giulio II; per il Condivi invece avrebbero simboleggiato le Arti rese "prigioniere" dopo la morte del pontefice. Altre letture sono state proposte di carattere filosofico-simbolico o legate alla vita personale dell'artista e i suoi "tormenti".

Prompt: How does Bearded Slave explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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La sepoltura della sardina

sepoltura della sardina è un dipinto a olio su tavola  di Francisco Goya, databile al 1812-1814 circa e conservato nella Real Academia de Bellas Artes de San Fernando di Madrid.

Prompt: Focus on The Burial of the Sardine and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Il canale del Loing a Moret

Il canale del Loing a Monet  è un dipinto del pittore inglese Alfred Sisley, realizzato nel 1892 e conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Focus on The Canal du Loing (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Atleta di Fano

LAtleta di Fano, Atleta vittorioso, Atleta che si incorona o Lisippo di Fano, conosciuto negli Stati Uniti anche come Victorious Youth , è una scultura bronzea, datata tra il IV e il II secolo a.C., attribuita, su base esclusivamente stilistica, allo scultore greco Lisippo o a un suo allievo.

Prompt: In Victorious Youth, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Pagamento del tributo

Importantissima è anche la costruzione scenica entro la quale si svolgono i tre tempi della scena. Tutto è regolato dalla prospettiva e dall'osservazione naturalistica, il paesaggio è descritto in modo sommario ed essenziale, ma realistico. A destra si trovano le articolate mura della città composte con giochi di contrasto tra vuoto e pieno, e le scene sono vivacizzate dal concatenamento dei gesti ; questa impostazione risente una certa influenza del rilievo di San Giorgio libera la principessa di Donatello . Le figure umane si dispongono a semicerchio attorno a Cristo.Il punto di fuga a cui convergono le linee si trova esattamente dietro la testa di Cristo, che diventa così il fulcro di tutta la rappresentazione. Lo stesso schema prospettico si trova anche sulla parete opposta, dove Masolino dipinse la Guarigione dello storpio e resurrezione di Tabita, ma in quel caso nel punto di fuga non si trova nessun elemento significativo, infatti le varie scene appaiono disperse, con raccordi molto blandi.Nel Tributo una serie di tronchi e varie montagne erbose che sfumano all'orizzonte, così come le nuvole in cielo, estremamente più realistiche di quelle che Masolino era solito dipingere . Gli stessi monti rompono fortemente la tradizione delle rocce aguzze, usate da Giotto e dai suoi continuatori seguendo la tradizione bizantina.Oltre che un'unificazione spaziale, è presente anche una precisa unificazione luminosa, con la fonte di luce da destra , che determina l'inclinazione delle ombre.

Prompt: In the context of The Tribute Money (Masaccio), explain the The setting and the Description.Please output in Italian.


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Le signorine Vickers

The Times del 22 maggio del 1886 recensì il dipinto con le parole seguenti:

Prompt: In The Misses Vickers, how is the Welcome discussed?Please output in Italian.


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La Gioconda

14 Scena ed Aria Scena Sì, morir ella de  Aria Alvise Là turbini e farnetichi  15 Scena e Duetto Scena Qui chiamata m'avete?  Duetto ura Alvise Morir! è troppo orribile  16 Scena e Serenata Scena E già che ai nuovi imeni  Serenata  gaia canzone  [Scena] O madre mia  17 Scena, Ingresso dei Cavalieri e Coro Scena e Ingresso dei Cavalieri Benvenuti, messeri  Coro S'inneggi alla Ca' d'oro  18 Recitativo e Danza delle Ore Recitativo Grazie vi rendo  Danza delle Ore  Sortono le ore dell'Aurora  Le Ore dell'Aurora  Sortono le Ore del giorno Danza delle Ore del giorno  Sortono le Ore della sera Sortono le Ore della notte (Moderato, Andante poco mosso, Allegro vivacissimo 19 Scena e finale III - Pezzo concertato Scena Vieni! - sciami!  Pezzo concertato D'un vampiro fatale

Prompt: In Mona Lisa, how is the Act III: The Golden House of the Plot explained?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Il luogo dove oggi si ricorda l'Ultima Cena è il Santo Cenacolo, situato sul Monte Sion, oltre le mura dell'odierna città vecchia di Gerusalemme. Il Santuario ha ospitato per diversi secoli un convento dei Frati Minori della Custodia di Terra Santa.Tradizione vuole che la tavola sopra cui Gesù fece l'ultima cena con gli Apostoli sia conservata nella cappella della Casa Colonna, presso la Basilica di San Giovanni in terano .Il Sacro Catino, secondo la tradizione cattolica, sarebbe invece il piatto usato da Cristo, conservato a Genova nel Museo del tesoro della cattedrale di San Lorenzo.

Prompt: Focus on Last Supper (Rubens) and explain the The  Holy  Cenacle  and  the  relics  of  the  Last  Supper.Please output in Italian.


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Schiavo morente

Schiavo ribelle Prigioni Tomba di Giulio II Opere di Michelangelo

Prompt: How does Dying Slave explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Opere di Michelangelo
Prigioni
Schiavo ribelle
Tomba di Giulio II


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Madonna di Darmstadt

L'interpretazione delle singole figure che compongono la composizione di Holbein non è ancora chiara. Tuttavia, vi è un ampio consenso relativo al fatto che il dipinto sia da intendersi come un'esaltazione del cattolicesimo di Meyers a fronte della Riforma a Basilea, sottolineando con particolare enfasi il ruolo di Maria nella salvezza dell'uomo, ruolo contestato dai riformati. Holbein, molto probabilmente, non solo rappresentò quanto il suo committente gli aveva commissionato, ma nel dipinto espresse anche le proprie convinzioni religiose.Il dipinto unisce le caratteristiche dei diversi tipi di immagine che si compenetrano: il ritratto di famiglia, l'immagine del committente, l'immagine devozionale sul tipo della Sacra Conversazione, una scena non italiana con Maria inserita in un'architettura. Tuttavia la composizione, con la piega del tappeto, presenta già degli elementi di movimento, un evento questo che manca nelle opere più tradizionali dell'epoca, contraddistinte ancora da una sostanziale e medievale staticità.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Symbols and the Style.Please output in Italian.


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Sentiero di notte in Provenza

Su questa tela è rappresentato, come suggerisce il nome, un sentiero in mezzo ai campi della Provenza. Lo percorrono una coppia di pedoni ed un carrettino trainato da un cavallo che ospita un piccolo gruppo di persone. In fondo a destra è visibile una casa dai tetti spioventi che sorge al limitare di un boschetto di cipressi. Il paesaggio è diviso da uno di questi alberi, situato lungo il sentiero, che si staglia nel cielo bluastro. Le macchie gialle a sinistra rappresentano probabilmente spighe di grano, che nel mese di maggio, in cui è stato dipinto il quadro, è quasi al culmine della sua crescita. All'orizzonte si scorgono della montagne, sormontate da nuvole basse e rade. Tutto il paesaggio è illuminato dalla luce delle stelle e della Luna, nella fase di falce crescente.

Prompt: In the context of Road with Cypress and Star, explain the Subject and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Danza di contadini

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Peasant Dance.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: Describe the characteristics of the Composition in Immaculate Conception (Zurbarán)'s History.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Storia dell'Egitto greco e romano Storia dell'Egitto tolemaico

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.

Egitto tolemaico
Storia dell'Egitto greco e romano


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Predica di santo Stefano

confraternita era una delle Scuole minori di Venezia. Ampliata nel 1476 e accresciuta da un massiccio numero di adesioni dal 1506, fu decorata dal ciclo di teleri di Carpaccio, specialista del genere, che vi lavorò dal 1511 al 1520.Con la soppressione della confraternita nel 1806 tutte le decorazioni e gli arredi vennero venduti e dispersi; i teleri in particolare finirono, dopo vari passaggi, in più musei e uno di essi  andò perduto.Si tratta di opere della fase discendente dell'artista, chiuso in sé stesso e fedele al suo attardato stile quattrocentesco mentre la pittura veneziana veniva rivoluzionata da Giorgione e da altri artisti.  data del 1514 si trovava sulla perduta cornice della tela ed è rilevata dalla testimonianza dello Zanetti del 1771.

Prompt: In The Sermon of St. Stephen (Carpaccio), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Castello di Neuschwanstein – fortezza di architettura romanica con interni bizantini e gotici, che venne costruita vicino al castello del padre, Hohenschwangau. Numerosi affreschi ritraggono scene dalle opere di Wagner, in particolare ad opera dell'artista Moritz von Schwind.  gloria cristiana e l'amore casto figurano predominanti nell'iconografia. A causa della morte di Ludovico, il castello non è stato completato. Neuschwanstein avrebbe fornito l'ispirazione per il castello de  bella addormentata nel bosco di Disney.Castello di Herrenchiemsee – una replica della reggia di Versailles che, nei progetti, l'avrebbe dovuta superare in dimensioni e fastosità. È situata sull'omonima isola al centro del lago Chiemsee. Buona parte del palazzo è rimasta incompiuta e Ludovico vi soggiornò solo una volta.Castello di Linderhof – un palazzo ornato in stile neo-rococò, con bei giardini curati. Il parco contiene una grotta artificiale dove cantanti d'opera si esibivano su un lago sotterraneo illuminato con l'elettricità, una novità per quel tempo, e la capanna di Hunding, ricostruzione della scena tratta dall'opera  Valchiria di Richard Wagner. All'interno del palazzo l'iconografia riflette l'ammirazione di Ludovico per l'Antico Regime francese. Egli si riteneva il "Re Luna", in analogia con il "Re Sole", Luigi XIV di Francia.Ludovico fece decorare la residenza reale di Schachen con interni in stile arabico, con anche una replica del "Trono del Pavone". Fece inoltre progettare il castello di Falkenstein, che non venne però mai realizzato. Un dipinto dell'architetto Christian Jank mostra l'edificio come una versione ancora più fiabesca ed elaborata di Neuschwanstein, arroccato su uno sperone roccioso.

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Castles and the Ludovico and the arts.Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Castello di Linderhof
Castello di Neuschwanstein
Chiemsee
Christian Jank
Hohenschwangau
Luigi XIV di Francia
Moritz von Schwind
Richard Wagner
Trono del Pavone


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Passio musicae

Passio musicae  è un monumento dedicato al compositore finlandese Jean Sibelius . Il monumento si trova nel Parco Sibelius  nel distretto di Taka-Töölö ad Helsinki, la capitale della Finlandia.

Prompt: In Sibelius Monument, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Finlandia
Helsinki
Jean Sibelius
Parco Sibelius
Taka-Töölö


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Allegoria del Vizio

Fu probabilmente la seconda delle due tele che il Correggio eseguì. Le due tele sono ricordate insieme, nel 1542, dopo la morte di Isabella “in Corte Vecchia appresso la grotta”, collocate ai due lati della porta di ingresso . Si trattava di una commissione molto prestigiosa, per il suo studiolo di Isabella aveva chiamato artisti come Perugino, Giovanni Bellini e Andrea Mantegna, vale a dire i più celebri maestri della stagione artistica precedente al Correggio. E la marchesa era nota per le sue pedanti e instancabili richieste iconografiche che avevano messo in seria difficoltà gli artisti precedentemente coinvolti. Mentre per l'Allegoria della Virtù esistono molti studi preparatori e un abbozzo quasi finito su tavola, per l'Allegoria del Vizio si conosce solo un rifinito disegno non da tutti considerato autografo. Pertanto si pensa che questa, fra le due opere, fosse la seconda ad essere eseguita, quando il Correggio aveva superato le prime comprensibili perplessità consone alla progettazione di due lavori tanto importanti.Dopo lo smantellamneto dello studiolo Si trovavano ancora a Mantova nel 1627 ma passarono a Londra nel 1628 presso Carlo I d'Inghilterra. Da qui, attraverso un passaggio presso il banchiere Jabach, l’Allegoria del Vizio entrò nelle collezioni reali di Luigi XIV a Parigi, riunendosi alla Virtù che era invece transitata per le collezioni del cardinale Mazarino.

Prompt: In Allegory of Vice (Correggio), how is the History discussed?Please output in Italian.

1542
1628
Allegoria della Virtù
Carlo I d'Inghilterra
Jabach
Parigi


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Statua di Stalin (Berlino Est)

Günter Feist , Kunstdokumentation SBZ, DDR 1945–1990: Aufsätze, Berichte, Materialien, Berlin 1996, p. 414  Berlinische Reminiszenzen, Vol. 64, pp. 105–117: Das längste Baudenkmal Deutschlands – Durch die ehemalige Stalinallee. Jan Feustel, Verschwundenes Friedrichshain: Bauten und Denkmale im Berliner Osten, Berlin 2001, p. 79 Achim Hilzheimer, Von der Frankfurter zur Stalinallee: Geschichte einer Straße, Berlin 1997, pp. 19–22, 29 B. Kohlenbach u.a. , Denkmale in Berlin: Bezirk Friedrichshain, Berlin, 1996, p. 42

Prompt: How does Statue of Joseph Stalin, Berlin explain its Bibliography?Please output in Italian.


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La Grenouillère

Il dipinto risale alla fine degli anni 1860, quando il sodalizio artistico tra Renoir e l'amico Claude Monet è quasi simbiotico e di grande fecondità. Una prova di quest'intesa fervida e vitale ci è data proprio dalla serie di dipinti dedicati alla Grenouillère. Si tratta di un celebre stabilimento balneare collocato sull'isolotto di Croissy, una piccola emergenza insulare che, collocata nel bel mezzo della Senna, ne divide il corso in due rami. Il complesso della Grenouillère era frequentato dalla crème della borghesia francese, che qui trascorreva pomeriggi felici e spensierati, nuotando, remando sulla barca o godendosi la leggera freschezza dell'aria. Lo stesso toponimo «Grenouillère», che letteralmente significa «stagno delle rane», riflette scherzosamente la mondanità di questo tempio dellamusement moderno, tanto che nel francese parlato allude a un rendez vous di ragazze desiderose di divertirsi. Ebbene, Renoir e Monet nel 1869 si recarono a Bougival, dinanzi allo stabilimento, collocarono i propri cavalletti l'uno di fronte all'altro e, in poche ore, ciascuno portò a termine la propria versione de  Grenouillère, in maniera squisitamente en plein air.Con questo dipinto Renoir dimostra la propria devozione alle prescrizioni del poeta Baudelaire, il quale nel 1846 scrisse che: «L'eroismo della vita moderna ci circonda e ci avvolge [...] Modernità è tutto quanto è transitorio, fugace, contingente; una metà dell'arte, l'altra metà è l'eterno, l'immutabile», aggiungendo che «un artista, un vero artista sarà quello che riuscirà a strappare alla vita moderna il suo lato epico, e ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide». Pittore magistrale della vie moderne, Renoir avrebbe dedicato alla modernità un consistente numero di tele, fra le quali spiccano senz'ombra di dubbio i celeberrimi Bal au moulin de la Galette, Ballo in città e Ballo in campagna. Come abbiamo già accennato, il soggetto dell'opera è la Grenouillère: in primo piano, infatti, vi troviamo delle imbarcazioni che galleggiano placidamente sul fiume, mentre al centro della composizione è raffigurato un isolotto artificiale affollato da vari parigini in vacanza. Renoir, inoltre, dà particolare risalto ai riverberi prodotti dalla luce solare che, penetrando tra le fronde palpitanti degli alberi, si rifrange sulle acque scure della Senna. Questi fugaci riflessi vengono catturati con una frammentazione delle pennellate in tocchi tremolanti di colore, che rendono perfettamente l'instabilità e la mobilità delle acque fluviali. L'atmosfera che si respira in questo dipinto, insomma, è squillante e vacanziera, in pieno accordo con la poetica renoiriana della joie de vivre . Risulta utile, in tal senso, confrontare il dipinto di Renoir con l'interpretazione che Monet diede della Grenouillère, così da mettere a fuoco i loro diversi modi di essere impressionisti. Renoir, pur essendo animato dalla volontà di descrivere accuratamente la percezione visiva della luce, dà infatti molta rilevanza alle figure dei parigini assiepati sotto all'albero, i quali nonostante la loro vaporosa indeterminatezza sono meglio tratteggiati che nel dipinto di Monet, che al contrario impiega una fattura decisamente più sintetica. Mentre inoltre il dipinto di Renoir preferisce cogliere la vivacità della scena, Monet dà vita a una composizione forse poco appariscente, ma decisamente più strutturata e rigorosa sotto il profilo analitico: eppure, come già abbiamo accennato, il punto di vista dei due dipinti è il medesimo.

Prompt: How does La Grenouillère explain its Description?Please output in Italian.

1869
Bal au moulin de la Galette
Claude Monet


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Crocifissione di Berlino

I primi studi sull'opera di Wilhelm von Bode la riferirono a Giotto, ma la critica successiva fu più perplessa e tendente a respingere l'attribuzione. Di diverso parere furono Roberto Longhi, nel 1948, che la restituì al maestro, e Gnudi che la descrisse come esempio dello stile tardo del maestro. Suida, Toesca e Offner parlarono di un "Maestro della Crocifissione di Strasburgo", mettendola in relazione con un'altra opera simile di piccolo formato. Salvini invece la riferì a un seguace di Giotto. In ogni caso si tratta di opera della fase tarda, come dimostrano i panneggi ampi e voluminosi, come si incontrano anche nelle Cappelle Peruzzi e Bardi.  scena è svolta secondo l'iconografia tradizionale, con le innovazioni già sperimentate nella Crocifissione degli Scrovegni.  croce di Cristo si leva al centro del dipinto nello splendore ieratico del fondo oro uniforme. Angeli dolenti si accalcano attorno alla figura di Cristo, mentre in basso abbraccia la croce la Maddalena vestita di rosso. Due gruppi di astanti si accalcano ai lati, lasciando la parte centrale con la santa isolata. A sinistra il gruppo delle pie donne con Maria che sviene e una bambina che la guarda preoccupata; a sinistra san Giovanni e, tra gli altri, l'uomo a cavallo che solleva il braccio, figura tradizionale che simboleggia coloro che, allo scatenarsi della natura nel momento della morte di Cristo, lo riconobbero come figlio di Dio.Il Cristo è magro più che mai, quasi filiforme, lontano ormai dal senso di pesantezza, calcato in maniera quasi "polemica", nella Croce di Santa Maria Novella. Originale è il modo di tagliare le figure dai lati del dipinto, dando l'impressione di un asserragliamento di personaggi molto più ampio di quello rappresentato.

Prompt: How does Berlin Crucifixion explain its History and description?Please output in Italian.

1948
Crocifissione di Strasburgo
Giotto
Wilhelm von Bode


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Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli

Luisa Viola, Parmigianino, Grafiche Step editrice, Parma 2007. Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9

Prompt: In Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra le sante Caterina e Maria Maddalena

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna and Child with Saint Catherine and Saint Mary Magdalene.Please output in Italian.


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Onfale

Figlia di Iardano, Agelao  e Tirreno.Pausania parla di un figlio di Eracle di nome Tirseno ed avuto con "la donna della Lidia" che presumibilmente corrisponde ad Onfale.

Prompt: In Omphale (Gérôme sculpture), how is the Genealogy discussed?Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Hinduism and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: Describe the characteristics of the France in Epifania's Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Circe

Calco  Parco nazionale del Circeo Als   maga Circe, dramma giocoso per musica di Pasquale Anfossi Circe , romanzo di Madeline Miller Cassifone Telegono

Prompt: Focus on The Sorceress (Waterhouse) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cassifone
Madeline Miller
Parco nazionale del Circeo
Pasquale Anfossi
Telegono


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Atleta di Fano

Paolo Moreno. Il Bronzo Getty, in Storia e Civiltà dei Greci, 6. Milano, Bompiani, 1979. Paolo Moreno. Tornerà l'eroe?, in  Antonietta Viacava. L'atleta di Fano. Roma, Edizioni L'Erma di Bretschneider, 1994. ISBN 88-7062-868-X.  Alfredo Chiappori, Il Porto della Fortuna, Rizzoli, 1997, ISBN 88-17-66423-5. Carol C. Mattusch. The Victorious Youth, in Getty Museum Studies on Art. Los Angeles, The J. Paul Getty Museum, 1997.  Peter Watson, Cecilia Todeschini. The Medici Conspiracy: The Illicit Journey of Looted Antiquities--From Italy's Tomb Raiders to the World's Greatest Museums. PublicAffairs, 2006, ISBN 1-58648-402-8

Prompt: How does Victorious Youth explain its Bibliography?Please output in Italian.

1979
2006
Alfredo Chiappori
Bompiani
Bronzo
Fano
Getty Museum
ISBN
Getty Museum
Los Angeles
Milano
Paolo Moreno
PublicAffairs
Roma


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La verità, il tempo e la storia

GLENDINNING, Nigel, Francisco Goya, Madrid, quaderni di storia 16, 1993 , pag. 80 - 84. D.L. 34276-1993.

Prompt: In Truth, Time and History, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Viaggio di Mosè in Egitto

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 888117099XCristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In Moses Leaving for Egypt, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

I primi bambini ad essere vittime dell'Olocausto furono i minori disabili , i quali furono eliminati in Aktion T4, il programma di eutanasia del Terzo Reich volto a forgiare la "razza ariana", purificandola da ogni debolezza genetica. Tutti coloro che avevano un qualche malattia ereditaria  o che erano gravemente malati fisici o mentali  furono classificati come esempi di "vita indegna di essere vissuta" . Già nel 1929 Adolf Hitler aveva affermato di fronte al congresso del Partito Nazionalsocialista Tedesco dei voratori svoltosi a Norimberga che "la rimozione dei bambini più deboli significava un aumento del potere della nazione e non un suo indebolimento"..Fu nei programmi di eutanasia che si sperimentarono per la prima volta quei metodi di sterminio di massa  che furono poi applicati su larga scala nei confronti degli ebrei e altri gruppi ritenuti razzialmente inferiori o socialmente indesiderabili. L'ambiguo confine tra malattia mentale e "disadattamento" sociale portava ad allargare il numero di quanti potessero essere considerati suscettibili di "rimozione". Tra il 1939 e il 1945, furono 5000-7000 i bambini soppressi nelle cliniche e nei riformatori tedeschi perché affetti da malattie genetiche o mentali o, come nel caso di Ernst Lossa, semplicemente perché ritenuti socialmente e "razzialmente" "disadattati" e irriformabili.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Programmed euthanasia and the Losterminio.Please output in Italian.

Adolf Hitler
Aktion T4
Ernst Lossa
Norimberga
Olocausto


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Fontana di Cibele

Venne installata nel 1782 nel Paseo del Prado, assieme al Palacio de Buenavista, di fronte alla fontana di Nettuno . Comprende la dea Cibele, , simbolo della terra, dell'agricoltura e della fecondità, su di un carro tirato da leoni. L'attuale piazza si chiamò al principio Plaza de Madrid e nell'anno 1900 prese il nome di plaza de Castelar. Oggigiorno è delimitata dai grandi edifici del Palacio de Buenavista , Palacio de Linares , Palacio de Comunicaciones  e del Banco de España.Gli incaricati della realizzazione furono Francisco Gutiérrez , Roberto Michel  e il decoratore Miguel Ximénez, d'accordo con il progetto di Ventura Rodríguez.  dea e i leoni furono scolpiti in marmo cárdeno del paese di Montesclaros , e il resto in pietra di Redueña, località situata a 53 km a nord di Madrid, vicino alla sierra de  Cabrera.Il fatto che si trovi in un luogo così centrale, la sua movimentata storia, e perfino tradizioni recenti come luogo di celebrazioni sportive hanno contribuito a far sì che sia uno dei più conosciuti simboli di Madrid.

Prompt: How does Fountain of Cybele explain its History?Please output in Italian.

1782
1900
Banco de España
Cibele
Madrid
Miguel Ximénez
Montesclaros
Palacio de Linares
Paseo del Prado
Redueña
Roberto Michel
Ventura Rodríguez


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Mae West

Night After Night, regia di Archie Mayo - dialogo addizionale, non accreditata Non sono un angelo , regia di Wesley Ruggles - storia, sceneggiatura, dialoghi Belle of the Nineties, regia di Leo McCarey - storia It Ain't No Sin Goin' To Town, regia di Alexander Hall - sceneggiatura Annie del Klondike , regia di Raoul Walsh - lavoro teatrale, sceneggiatura Go West Young Man, regia di Henry Hathaway - lavoro teatrale, sceneggiatura Every Day's A Holiday, regia di A. Edward Sutherland - sceneggiatura Mia bella pollastrella , regia di Edward F. Cline - sceneggiatura originale Sextette, regia di Ken Hughes - lavoro teatrale Sextet

Prompt: Explain the Screenwriter about the Quotes of this artwork, Mae West (sculpture).Please output in Italian.

A. Edward Sutherland
Alexander Hall
Annie del Klondike
Archie Mayo
Belle of the Nineties
Edward F. Cline
Every Day's A Holiday
Go West Young Man
Goin' To Town
Henry Hathaway
Ken Hughes
Leo McCarey
Mia bella pollastrella
Raoul Walsh
Sextette
Wesley Ruggles


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La Bella

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. isbn 978-88-86392-48-8 Mario Ciatti, Fausta Navarro, Patrizia Riitano: Titian’s  Bella: Woman in a Blue Dress. Edifir, Florence 2011.  Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. isbn 3-8290-4553-0 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Focus on Portrait of a Young Woman Known as "La Bella" and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna delle Arpie

Il 14 maggio 1515 le monache di San Francesco de' Macci a Firenze stipularono il contratto di allogazione con Andrea del Sarto per la pala d'altare della loro piccola chiesa, che avrebbe dovuto rappresentare una Madonna con Bambino incoronata da due angeli con ai lati san Giovanni evangelista e san Bonaventura. Il programma iconografico venne mutato forse per l'interessamento di fra' Antonio di Ludovico Sassolini, importante esponente del vicino convento di Santa Croce, sostituendo Francesco d'Assisi a Bonaventura e facendo mettere i putti a reggere le gambe di Maria sul piedistallo.Nel 1703 si interessò dell'opera il gran principe Ferdinando de' Medici, appassionato collezionista d'arte. Egli scrisse di essersi "invaghito" della pala, bisognosa di "una cordiale premura della buona conservazione di sì bell'opera", che aveva iniziato a rovinarsi nella chiesa ormai "bisognosa di risarcimento". Si offrì allora di restaurare la chiesa in cambio della pala, che venne così trasportata a palazzo Pitti. In cambio le monache ottennero una ristrutturazione da parte dell'architetto granducale, Giovan Battista Foggini, con una ridecorazione da parte del pittore Vincenzo Dandini, oltre che una copia del dipinto. Madonna delle Arpie fu a lungo ammirata, venendo trasferita nel 1795 agli Uffizi.Ne esistono numerosi disegni preparatori, alla Kunstakademie di Düsseldorf , al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe di Firenze  e al Cabinet des Dessins di Parigi .

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna of the Harpies.Please output in Italian.

1515
1703
1795
Andrea del Sarto
Cabinet des Dessins
Düsseldorf
Ferdinando de' Medici
Firenze
Francesco d'Assisi
Giovan Battista Foggini
Kunstakademie
Vincenzo Dandini


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Adele Bloch-Bauer II

O'Connor, Anne-Marie. The dy in Gold, The Extraordinary Tale of Gustav Klimt's Masterpiece, Portrait of Adele Bloch-Bauer. New York: Alfred A. Knopf.

Prompt: How does Portrait of Adele Bloch-Bauer II explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Bandiera bianca

Venne utilizzata come simbolo per la capitolazione durante la Dinastia Han orientale . Durante l'Impero romano, lo storico Publio Cornelio Tacito menzionò l'utilizzo della bandiera bianca in segno di resa dei legionari nelle sue Historiae pubblicate per la prima volta nel 109 d.C. Il suo riferimento riguarda la seconda battaglia di Cremona, combattuta tra Vitelliani e Vespasiani nel 69 d.C.; a quel tempo, il segno di resa romano più comune era che i soldati tenessero gli scudi sopra le loro teste. Si ritiene che la tradizione si sia sviluppata indipendentemente in Oriente e in Occidente. Il suo utilizzo fu diverso nei vari continenti. Ad esempio l'esploratore portoghese Gaspar Correia sostenne che nel 1502  il principe indiano Zamorin di Kozhikode inviò alcuni negoziatori muniti di un panno bianco legato ad un bastone, come segno di pace al suo nemico Vasco da Gama.Nel 1625, il giurista Ugo Grozio nel De iure belli ac pacis , uno dei testi fondamentali di diritto internazionale, ha riconosciuto la bandiera bianca come un "segno, per cui l'uso ha dato un significato," era "un segno tacito di chiedere al parlamento, e sarà come obbligatorio, come se espresso dalle parole."Con l'età moderna e la nascita degli Stati nazionali il simbolo divenne una consuetudine di diritto internazionale.Un primo riconoscimento internazionale avvenne successivamente con la convenzione dell'Aia del 1899 che ha stabilito il diritto all'inviolabilità di chi la porti.Nel 2024 papa Francesco ha citato  questo simbolo per sostenere la necessità per l'Ucraina di «negoziare» per far finire la guerra con la Russia,

Prompt: In White Flag (painting), how is the History discussed?Please output in Italian.

109
69
De iure belli ac pacis
Dinastia Han
Gaspar Correia
Impero romano
Kozhikode
Publio Cornelio Tacito
Ugo Grozio
Vasco da Gama
Zamorin


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Visione fantastica

A sinistra appaiono due figure, una maschile e una femminile, sospese in volo su un paesaggio dominato da una grande montagna. I due guardano in direzioni diverse, con espressione spaventata: la donna si copre in parte il volto con la propria veste. In primo piano sulla destra, invece, una fila di soldati francesi punta i fucili contro un folto gruppo di uomini che ignari viaggiano con cavalli e carri: questi ultimi potrebbero essere dunque spagnoli fuggiti dalle loro terre durante il conflitto con la Francia, un tema già affrontato da Goya nella serie di incisioni I disastri della guerra.

Prompt: In Asmodea, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Maestà del Louvre

Maestà è collocata temporalmente intorno al 1280. Al fine di datare la tavola si sono confrontati soprattutto il volto di Maria con quelli delle simili Maestà, delle tavole con la Madonna e il Bambino e dei crocifissi . Il volto di Maria in questa Maestà non ha più quella spaccatura profonda, a forma di cuneo, nel punto in cui il sopracciglio incontra la radice del naso, che è considerato un tratto bizantino arcaicizzante e che troviamo nella Vergine dolente sia del Crocifisso di San Domenico ad Arezzo  che del Crocifisso di Santa Croce . È scomparsa anche la linea bianca sopra il labbro superiore che produce un "effetto di sdoppiamento" e che ancora troviamo nelle due precedenti opere. Il caratteristico solco che parte dall'angolo dell'occhio e che attraversa tutta la guancia che Cimabue ha ereditato dal crocifisso bolognese di San Domenico di Giunta Pisano, è ben visibile nel crocifisso aretino di San Domenico, accennato in quello di Santa Croce e qui del tutto assente. Questi confronti collocano la Maestà del Louvre dopo queste due opere e quindi al 1280 o oltre.Molti tratti bizantini però permangono.  canna del naso ha contorni netti su due lati contribuendo a squadrarla, come invece non avverrà nella Maestà di Santa Trinita . Il trono è in tralice e non ha quella visione frontale con i fianchi aperti come fossero le pagine di un libro che Cimabue e i suoi allievi introdurranno solo dopo il 1290 . Le pieghe del manto sopra la testa sono curve. Nella Maestà di Assisi  e nella Maestà di Santa Trinita  cadono invece in maniera verticale, più libera e realistica. Anche la narice, che dal soggiorno assisiate in poi  sarà dipinta come un'incisione nella pinna laterale del naso, è qui dipinta come un semplice ispessimento scuro, alla maniera antica. Il volto di Maria è serioso e non ha nulla della distensione che Cimabue imprimerà alle figure mariane della Maestà di Santa Maria dei Servi a Bologna , della Maestà di Assisi  e della Maestà di Santa Trinita . Questi confronti permettono di pre-datare la Maestà del Louvre rispetto a tutte queste opere.Una datazione intorno al 1280 sembra quindi la più ragionevole.

Prompt: In Maestà (Cimabue), how is the Dating of the Style explained?Please output in Italian.

1280
1290
Assisi
Cimabue
Crocifisso di San Domenico ad Arezzo
Crocifisso di Santa Croce
Giunta Pisano
Maestà di Assisi
Maestà di Santa Maria dei Servi
Maestà di Santa Trinita
Pisa


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Disputa del Sacramento

Della Disputa esiste un primo abbozzo, definito Disputa I da John Shearman, conservato al Castello di Windsor presso la Royal Library, la cui autografia è indiscussa. Si tratta di un acquerello con lumeggiature a biacca e qualche tratteggio a penna, e ritrae la metà sinistra dell'affresco.Rispetto alla versione definitiva si vede uno schema più semplice, meno affollato, con una diversa disposizione dei santi , e senza l'altare con l'ostia al centro.Una prima idea per i personaggi celesti si trova all'Ashmolean Museum di Oxford, che riprende da vicino la Trinità e santi a Perugia, e un altro foglio è al Museo Condé di Chantilly; uno schizzo preliminare per le figure a destra dell'altare è al British Museum e uno per la figura di Cristo è al Musée des Beaux-Arts di Lilla; uno per il personaggio che si sporge dal parapetto a destra al Musée Fabre di Montpellier.

Prompt: Describe the characteristics of the Studies in Disputation of the Holy Sacrament's History.Please output in Italian.

Ashmolean Museum
British Museum
Castello di Windsor
Chantilly
John Shearman
Montpellier
Museo Condé
Oxford
Perugia


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

leggenda di san Giorgio ha una valenza simbolica. Il santo e il suo cavallo rappresentano la santità mentre il drago è simbolo del diavolo. Pertanto, la trama simboleggia la vittoria della santità sulle forze del male.

Prompt: In Saint George and the Dragon (Raphael), how is the In the symbology discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

L'opera venne dipinta in stretta sintonia con gli affreschi della cappella, integrandosi sia da un punto di vista figurativo, tramite un riquadro appositamente lasciato vuoto in corrispondenza della pala, sia iconografico, presentando le storie legate alla vita della Vergine dall'Annunciazione alla Fuga in Egitto, non contemplate negli affreschi. datazione della pala è quindi coeva alle pitture murarie, con un possibile scarto che farebbe pensare al completamento dopo la morte del maestro da parte di un allievo. Durante il restauro del 1997-1999 infatti Marco Ciatti dell'Opificio delle Pietre Dure rilevò una diversa tecnica di esecuzione nel manto blu della Vergine, ottenuto in maniera più schematica tramite la stesura del blu d'azzurrite su campiture nere per le ombreggiature, ben diversa dall'accuratezza più rifinita degli altri panneggi. pala occupa un posto particolare nel passaggio dal polittico di stampo medievale alla pala rinascimentale: viene in genere indicata come la prima opera dove il soggetto rappresentato è messo in diretta relazione con la reale architettura circostante, dove lo spazio pittorico è unico e le figure sono concepite, per quanto riguarda dimensioni e colori, per armonizzarsi con gli affreschi, che ne rappresentavano in un certo senso gli scomparti laterali. Innovativa, per quanto ne sappiamo, fu anche la scelta di intelaiare la tavola su tutti i lati disponibili, con una prima testimonianza di pilastrini decorati da figurette di santi, ripresa poi da Masaccio e da Beato Angelico.

Prompt: Focus on Bartolini Salimbeni Annunciation and explain the History.Please output in Italian.

Annunciazione
Beato Angelico
Fuga in Egitto
Marco Ciatti
Masaccio


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Velo della Veronica

cattedrale di Jaén nella Spagna meridionale ha una copia della Veronica che probabilmente risale al XIV secolo e ha origine a Siena. È conservata in una teca accanto all'altar maggiore ed è messa in mostra annualmente il venerdì Santo e nella Festa dell'Assunzione.È nota come il Santo Rostro e fu acquistata dal vescovo Nicola de Biedma nel XIV secolo..

Prompt: Explain the Cathedral of Jaén, Jaén, Spain about the TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.


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Cristo Redentore

Il Cristo Redentore  è una statua in stile decò rappresentante Gesù Cristo che si trova nella città brasiliana di Rio de Janeiro, collocata sulla cima del monte Corcovado.  statua è alta 38 metri di cui 8 fanno parte del basamento.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ the Redeemer (Mantegna).Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Filippine, l'Epifania è conosciuta come "Giornata dei Tre Re" e anche come Pasko ng Matatanda . Segna la chiusura ufficiale del periodo natalizio e, come giorno di festa, i filippini lo festeggiano con lo scambio di regali e il saluto di "Buona [festa dei] Tre Re!".

Prompt: In the context of Epifania, explain the Philippines and the History.Please output in Italian.


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Lattaia

L'opera è certamente quella inventariata nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam  come: «una cameriera che travasa il latte, estremamente ben fatto, dello stesso [Vermeer]; fiorini 175.0». L'alta quotazione raggiunta in quella vendita  testimonia come già all'epoca fosse apprezzata l'opera, oggi ritenuta uno dei capolavori dell'artista e dell'arte dei Seicento europeo in generale.Il dipinto passò per varie collezioni private olandesi, tutte documentate, finché dalla raccolta Six di Amsterdam non fu acquistato dallo Stato nel 1907, arrivando nel museo nel 1908.

Prompt: Focus on The Milkmaid (Vermeer) and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Ludovico II di Baviera

{ class="wikitable" style="text-align:center"-! Anno! Film! Attore! Note-  1920 Das Schweigen am Starnbergersee Ferdinand Bonn
 Martin Wilhelm  -  1920 Ludwig II. Olaf Fjord -  1930 Ludwig der Zweite, König von Bayern William Dieterle -  1955 Ludwig II: Glanz und Ende eines Königs O.W. Fischer - 1972 Ludwig - Requiem per un re vergine
  Harry Baer
 Balthasar Thomass  -  1973 Ludwig Helmut Berger - 1983 Wagner László Gálffi Miniserie televisiva- 1993 Ludwig 1881 Helmut Berger - 1999 Ludwig II - Die volle Wahrheit Georg Ringsgwandl Uscito in home video- 2011 Celles qui aimaient Richard Wagner Stéphane Bern - 2012 Ludwig II Sabin Tambrea
 Sebastian Schipper  }

Prompt: Describe the characteristics of the New movie in Ludwig II (sculpture)'s Ludovico in the mass culture.Please output in Italian.

1973
Helmut Berger
Ludwig II.
Richard Wagner


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Assunzione della Vergine tra i santi Miniato e Giuliano

Un'iscrizione citata dal Baldinucci, recante la data 20 novembre 1449, ricorda la commissione da parte del rettore della chiesa di San Miniato tra le torri di Firenze, Lionardo di Francesco di Nardo de' Falladanzi da Orte, della pala d'altare, che venne pagata 104 lire nell'aprile del 1450. chiesa venne demolita verso il 1888 nell'ambito del Risanamento del Mercato Vecchio e il suo patrimonio disperso.

Prompt: How does Assumption of the Virgin Between St Minias and St Julian explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto come una tahitiana

Autoritratto come una tahitiana è un dipinto dell'artista indo-ungherese Amrita Sher-Gil, realizzato nel 1934. Attualmente l'opera di proprietà di Navina e Vivan Sundaram, i nipoti dell'artista.

Prompt: Focus on Self-Portrait as a Tahitian and explain the Abstract.Please output in Italian.

Amrita Sher-Gil
Autoritratto
Vivan Sundaram


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Velo della Veronica

Si è spesso ipotizzato che la Veronica fosse presente nella vecchia chiesa di San Pietro durante il papato di Giovanni VII , dato che la cappella conosciuta come la cappella della Veronica fu costruita durante il suo regno, e questa sembra essere stata l'opinione di scrittori più tardi. Tutto questo è ben lontano dall'essere certo, comunque, dato che i mosaici che adornano questa cappella non si riferiscono in alcun modo alla storia della Veronica. Inoltre, gli scrittori contemporanei non fanno riferimento al Velo in questo periodo. Sembrerebbe comunque che la Veronica si trovasse sul posto per il 1011, quando uno scriba fu identificato come custode del panno. Altri scrittori testimoniano della continuità della sua presenza nel Vaticano: un testimone del saccheggio dice che la Veronica non fu trovata dai saccheggiatori.Molti artisti dell'epoca crearono riproduzioni del velo, ma nel 1616, papa Paolo V proibì la produzione di copie del velo della Veronica a meno che non fossero eseguite da un canonico della basilica di San Pietro. Nel 1629, papa Urbano VIII non solo proibì che si facessero riproduzioni del velo della Veronica, ma ordinò anche la distruzione di tutte le copie esistenti. Il suo editto dichiarò che chiunque avesse accesso ad una copia doveva portarla al Vaticano, pena la scomunica.Dopo, il velo scomparve quasi totalmente dalla vista pubblica, e la sua storia dopo quella data non è documentata. Esiste la possibilità che sia rimasta in San Pietro fino a oggi; questo sarebbe coerente con le limitate informazioni che il Vaticano ha fornito nei secoli recenti.

Prompt: Focus on Head of Christ (Correggio) and explain the Story of the Veil.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Dopo l'inizio della predicazione degli apostoli, iniziarono le persecuzioni da parte del Sinedrio. zzaro, Maria Salome, Marta di Betania, Maria Jacobé e Maria Maddalena, assieme alla serva Sara la Nera, furono gettati in mare su una barca dagli ebrei, perché morissero. Vagarono per lungo tempo in mare su una barca priva di remi e nocchiero, finché dalla Terra Santa giunsero in Provenza, nel territorio la Couronne, dove dopo lungo peregrinare trovarono finalmente un pozzo di acqua potabile: per tal motivo il luogo d'approdo è chiamato ancora oggi Santo Terro, "santa terra"[2], dove vi è una cappella dedicata alla Santa Croce, la chiesetta della Sainte-Croix, il famoso pozzo e la presunta impronta di un piede di zzaro. Due volte l'anno vi è una processione alla cappella. Da qui, imbarcata l'acqua potabile necessaria, i santi personaggi avrebbero proseguito per la Camargue, per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer.Dall'abitato di Saintes-Maries-de-la-Mer, mentre Maddalena si sarebbe diretta verso Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, zzaro a Marsiglia, Marta a Tarascona, Maria Salomé, Maria Jacobé e Sara si sarebbero stabilite vicino alloppidum, evangelizzando la regione. Maddalena si ritirò a fare vita eremitica in una grotta, dove visse senza curarsi di cibo e vestiti. Le crebbero allora i capelli a coprire tutto il corpo e vennero degli angeli per trasportarla in cielo in estasi ogni giorno,  fino alla morte. Una famosa versione di questa storia è contenuta nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze .

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the Golden Legend and the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.

Betania
Camargue
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Legenda Aurea
Maria Jacobé
Marsiglia
Marta di Betania
Provenza
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Santo
Sara la Nera
Tarascona


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Ritratto virile a figura intera

Il dipinto si trovava in origine nella Collezione Fenaroli di Brescia, dalla quale fu acquistato nel 1876 dal collezionista milanese Giuseppe Basilini. Già pochi mesi dopo, però, figura in possesso della National Gallery di Londra: il "National Gallery Report" del 1876 lo segnala come proveniente da Casa Fenaroli su vendita del Basilini assieme ad altre tre opere, il tutto acquistato per 5000 sterline.Prima di queste vicende si ha un solo documento che parli del dipinto, cioè un'annotazione nei manoscritti di Karl Friedrich von Rumohr, che visitò la Collezione Fenaroli prima del 1832: all'inizio dell'Ottocento la Collezione Avogadro confluì, per eredità, nella Fenaroli e, difatti, in questa il ritratto è inventariato per la prima volta nel 1820.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of a Man (Moretto).Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: Explain the Shiloh about the Strategy of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Madonna dei Consiglieri

Prompt: Focus on Virgin of the Councillors and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Pala Ansidei

Sempre nella National Gallery si conserva un elemento della predella originale, la Predica di san Giovanni Battista . Le altre due tavolette che costituivano la predella, lo Sposalizio della Vergine e il Miracolo di san Nicola, sono andate disperse.

Prompt: Explain the Predella of this artwork, Ansidei Madonna.Please output in Italian.


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Incoronazione della Vergine (El Greco Illescas)

È una delle preferite dal cretese. Ce ne sono diversi che sono conservati ma, senza dubbio, questa di Illescas è considerata la più bella di tutte le Incoronazioni di Maria che il pittore fece. Questa volta sceglie un formato ovale per individuare la scena che sarebbe stato posto sul tetto della volta quindi ci sono anche forti sproporzioni al corpo dei personaggi di Dio Padre, la Vergine Maria e Dio Figlio con grandi gambe scorciate in primo piano e piccole teste che distanziano e danno profondità al dipinto. Segue una composizione triangolare con il vertice in basso in cui colloca le tre persone della Santissima Trinità alla Vergine che ascende al cielo accompagnata o aiutata da un gruppo di angeli  Si tratta di una scena che l'atmosfera celeste diventa protagonista, in cui El Greco crea cascate nubi sui lati che fanno di un trono in cui i personaggi si siedono, il tutto punteggiato da grappoli di cherubini ed angeli bambini che passano velocemente intorno e dare movimento la scena.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Coronation of the Virgin (El Greco, Illescas).Please output in Italian.


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Madonna Davis

L'opera proviene dal mercato antiquario e la sua collocazione originaria è ignota. Acquistata da Theodore M. Davis agli inizi del Novecento a Firenze, venne donata al museo col suo lascito nel 1915.Essendo una variante della Madonna in trono col Bambino e angeli musicanti oggi alla Galleria nazionale dell'Umbria a Perugia, è datata da Keith Christiansen  ad un periodo immediatamente successivo e prima del polittico di Valleromita, al 1410 circa. Andrea De Marchi  la colloca invece ad un periodo più tardo, dopo il polittico di Valleromita, intorno al 1410-1414. Luigi Grassi  e Luciano Bellosi  videro invece in essa la monumentalita' dell'arte Toscana e proposero quindi una datazione intorno al 1420-1425. In assenza di documentazione scritta, precisi riferimenti stilistici e mancanza di consenso l'opera rimane di datazione incerta.

Prompt: In Davis Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto dell'imperatore Massimiliano I

Il Ritratto dell'imperatore Massimiliano I è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, siglato e datato 1519, e conservato nel Kunsthistorisches Museum a Vienna.

Prompt: In Portrait of Emperor Maximilian I, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1519
Albrecht Dürer
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Cento vedute famose di Edo

Il dio  serie delle Cento vedute fu realizzata da Hiroshige tra il 1856 e 1858. Essa differisce dalle precedenti per vari aspetti, in particolare per il ricorso a incisioni squadrate in verticale, e non più esclusivamente in orizzontale. Essa comprende un totale di 119 stampe di paesaggi e monumenti di Edo. Il progetto è uno dei più ambiziosi e iconici della produzione dell'artista. Per mezzo di esso, il celebre esponente della scuola ukiyo-e si propone di riflettere sui cambiamenti verificatisi nella capitale giapponese nel corso degli ultimi anni, quando il progresso e la modernità si diffusero rapidamente, soppiantando costumi e traduzioni più antiche del Giappone. Nel 1853, il blocco navale del commodoro americano Matthew Perry costrinse l'imperatore ad aprire il Giappone all'Occidente. Due anni più tardi, nel 1855, Edo subì un sisma di forte intensità , che provocò enormi distruzioni, causò la morte di 10000 persone e la devastazione di 16000 edifici. Tali sono i mutamenti nell'aspetto della città che Hiroshige vuole rappresentare nella sua serie. Tuttavia, l'artista morì prima di assistere al declino di Edo, dovuto alla fine dello shogunato Tokugawa, e la sua opera appare pertanto come una delle «ultime grandi testimonianze di Edo al suo apogeo».Al momento di intraprendere l'opera, Hiroshige era al vertice della sua carriera. Nel 1856, ricevette un'ordinazione da Sakanaya Eikichi, un editore che voleva riflettere i cambiamenti di Edo dopo il terremoto. Hiroshige realizzò questa idea in oltre un centinaio dei punti di vista più celebri e pittoreschi della città.  serie fu accolta da grande successo, sicché ogni incisione conobbe una tiratura dai 10000 ai 15000 esemplari. L'opera venne improvvisamente interrotta dalla morte dell'autore nel corso di un'epidemia di colera nel 1858. Nondimeno, alcune stampe rimaste inconcluse furono portate a termine dall'allievo del maestro, Utagawa Hiroshige II. serie è realizzata nel formato ōban, piuttosto grande, tra i 36,5 cm e i 26,8 cm, e utilizza la tecnica nishiki-e, un tipo di cromoxilografia, introdotto nel 1765, che permetta di colorare l'incisione. Dunque la raccolta è composta da 115 impressioni su legno realizzate entro l'ottobre 1858 e da tre nuove stampe - approvate dai censori - successive alla morte di Hiroshige, verosimilmente completate da Hirsoshige II su domanda dell'editore.  realizzazione dell'indice fu invece affidata a Baisotei Gengyo , rinomato disegnatore. Infine, nel 1859 Hiroshige II completò un ultimo foglio per celebrare la sua promozione al grado di maestro, con il sigillo della censura nell'aprile 1859.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Processing, editing of the Evolution Hiroshige work explained?Please output in Italian.


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Martirio di San Sebastiano

San Sebastiano Museo diocesano  Duomo di Padova Pala d'altare Nicolò Semitecolo Da Carrara

Prompt: In Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Da Carrara
Duomo di Padova
Nicolò Semitecolo
Pala d'altare
San Sebastiano


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Altare Heller

Nei pannelli esterni, dipinti a monocromo, pare che lavorò anche il giovane Matthias Grünewald. Si tratta di otto scomparti con altrettanti santi:# San Ciriaco guarisce la figlia di Diocleziano dall'ossessione # San Lorenzo # Santa Elisanetta di Turingia # Santa martire  # San Pietro # San Paolo # San Cristoforo # San Tommaso d'Aquino e due re santi Il san Lorenzo è firmato MGN e sul retro reca tracce di una colonna avvolta dall'edera, identificata come riferimento alle colonne del tempio di Gerusalemme. Sopra la figura appare una pianta di luppolo. Notevoli pezzi di bravura sono il disegno del libro e l'ampio e soffice panneggio, ricco di pieghe, della veste che s'impiglia nella graticola - lo strumento del martirio del santo - che sembra voler richiamare i panneggi dei Quattro Apostoli di Dürer a Monaco.Il san Ciriaco, che viene rappresentato mentre esorcizza, ai suoi piedi, la principessa Artemia, figlia di Diocleziano, regge nella mano un libro che reca la formula dell'esorcismo: . Legato il collo della ragazza con la stola, le tiene aperta la bocca con il pollice in modo che il demonio possa fuoruscire. Sopra la figura appaiono foglie di fico; sul petto porta due preziosi contenitori, probabilmente di olii, di profumi o comunque di sostanze che scongiurino i demoni. santa Elisabetta è rappresentata dentro una nicchia, sopra la quale corre un ramo di fico; ai suoi piedi si riconosce una varietà di erbe, fra le quali la malva.Non vi è certezza che il quarto pannello rappresenti effettivamente santa Lucia: sono stati proposti anche i nomi di sant'Antonia, santa Dorotea e santa Caterina. Un tralcio di vite si inanella sopra la nicchia, mentre ai piedi della santa si sono riconosciute piante di celidonia e di pilosella.

Prompt: Explain the The  external  panels about the Description and style of this artwork, Heller Altarpiece.Please output in Italian.

Diocleziano
Matthias Grünewald
Quattro Apostoli


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Madonna col Bambino, due santi e una santa è un dipinto tempera su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1490-1500 circa e conservato nel Museo Jacquemart-André di Parigi.

Prompt: How does Madonna and Child with Three Saints (Mantegna) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Polittico del 1476

Il Polittico del 1476  è un dipinto a tempera e oro su tavola di Carlo Crivelli, datato al 1476 su pannello centrale e oggi smembrato tra la National Gallery di Londra e il Metropolitan Museum di New York.

Prompt: How does 1476 Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.