section

Dittico dei Lampadi

valva superstite presenta una figurazione nettamente divisa in due parti.Nel registro superiore è posto un personaggio di spicco, verosimilmente il senatore mpadio, che regge in una mano lo scettro sormontato da una doppia effigie imperiale di cui si è persa una testa  e nell'altra la cd. "mappa", il panno che veniva gettato dall'alto del podio dal senatore per dare inizio alle gare. Ai suoi lati, raffigurati in dimensioni decisamente inferiori, sono due altri funzionari, forse i due figli del senatore. I tre personaggi si trovano all'interno della tribuna d'onore del circo, riccamente decorata con teste a rilievo e pannelli istoriati a motivi geometrici.  raffigurazione è simile a quella presente sulla base dell'obelisco di Teodosio. Alle loro spalle, una cornice architettonica sostiene un architrave curvilineo, sopra il quale si sviluppa l'iscrizione frammentaria. Nel registro inferiore della valva è stilizzata una corsa di cavalli in un circo, con le quattro  quadrighe, ognuna condotta dall' auriga della rispettiva fazione, che corrono attorno alla "spina".  Gli aurighi sono vestiti con protezioni sul corpo, indossano un casco e hanno in mano delle aste che terminano in fruste; sappiamo dalle fonti antiche che le fazioni erano oggetto di tifo appassionato e si distinguevano per i diversi colori: blu, rosso, bianco e verde.  Al centro del circo si eleva un obelisco ricoperto da interessanti semplificazioni di geroglifici egizi, cosa che potrebbe ricondurre al Circo Massimo, dove erano presenti ben due obelischi egizi. Intorno all'obelisco vi sono dei trofei d'armi. Alle due estremità della spina sono inoltre riportati due gruppi statuari con dei coni cilindrici, che servivano come protezione durante le curve.  rappresentazione della corsa dei cavalli si dimostra molto interessante sia per il soggetto, sia per la tecnica di esecuzione, che stilizza la corsa "di scorcio" e tutti i suoi particolari in modo molto efficace all'interno del ristretto spazio della valva, ricorrendo a viste alternatamente laterali, frontali e di spalle.

Prompt: In Diptych of the Lampadii, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Madonna Colonna

L'opera, databile agli ultimi anni del soggiorno fiorentino del pittore, venne identificata dal Rumohr con la Madonna citata da Vasari come terminata da Ridolfo del Ghirlandaio, ma tale notizia è di solito associata alla Bella giardiniera.Già nelle collezioni Salviati e Colonna a Roma, venne poi acquistata dal governo di Prussia, finendo nelle collezioni statali di Berlino. L'attribuzione a Raffaello è indiscussa, con la partecipazione di un aiuto, forse l'Alfani , o un fiorentino generico  o uno dei giovani artisti attivi al Chiostrino dei Voti dell'Annunziata .

Prompt: How does Colonna Madonna explain its History?Please output in Italian.

Berlino
Chiostrino dei Voti
Ridolfo del Ghirlandaio
Roma


section

Pala di Conegliano

Duomo di ConeglianoRinascimento venetoConegliano

Prompt: Focus on Conegliano Altarpiece and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Conegliano
Duomo di Conegliano
Rinascimento veneto


section

Sepoltura e gloria di santa Petronilla

Il dipinto fu commissionato al Guercino da papa Gregorio XV nel dicembre del 1621 per adornare l'altare dedicato a santa Petronilla posto all'interno della basilica di San Pietro, ove la grande tela fu collocata nel 1623. pala d'altare, proprio per la quanto mai prestigiosa destinazione, è senza dubbio la commissione più importante cui attese il Guercino negli anni che trascorse a Roma, città presso la quale si trasferì per volere dello stesso cardinale Alessandro Ludovisi, mecenate e mentore del Barbieri già in Emilia, allorché questi ascese al soglio pontificio. tela rimase nella sua originaria collocazione fino al 1730, quando fu sostituita da una copia in mosaico. Il quadro fu quindi portato al Quirinale ove nel 1797 le truppe d'occupazione napoleoniche lo requisirono e, con varie altre opere d'arte prese a Roma, lo inviarono al Louvre.Dopo la Restaurazione il dipinto fu restituito allo Stato Pontificio e collocato nel 1818 nelle raccolte capitoline ove ancora si trova .Già le antiche biografie del Guercino danno conto della grande ammirazione che riscosse la sua santa Petronilla, così come anche ampia parte della critica moderna vede in questo dipinto uno dei capolavori del maestro di Cento.

Prompt: In The Burial of St. Petronilla, how is the History discussed?Please output in Italian.

Guercino
Restaurazione
Roma
Stato Pontificio


subsection

Musica

leftupright=0.8Nel secolo d'oro della musica classica occidentale, gli anni che vanno dal 1750 al 1850, essa si esprime in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale  che in campo operistico, sfruttando sempre più estesamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli passati.Durante questo periodo, per la prima volta, si manifestò un sentimento storico dell'esperienza musicale; la musica acquisì una coscienza storica al pari delle altre arti grazie agli studi e le pubblicazioni che riguardarono il passato; fra i trattatisti notevoli, ricordiamo il maestro Ant. Reicha, autore d'un Trattato di Melodia, un Trattato di Armonia e un Nuovo Metodo per la Fuga, nonché di numerose  opere minori. Questo nuovo fenomeno consentì di creare una saldatura tra il presente ed il passato e di dare continuità al percorso evolutivo musicale.Nel XVIII secolo vi fu la grande presenza di Mozart. Senza dubbio fu uno, tra i grandi, e sono tanti; e grazie a lui l'evoluzione della musica poggiò su un grande pilastro creato, che si estese in tutti i campi, sinfonia, opera, musica da camera, serenate, e che rappresentò il legame, possiamo dire, tra la musica del Settecento  e quella romantica del XIX secolo.Agli inizi del XIX secolo giganteggiò la figura di Ludwig van Beethoven, che prese le mosse dall'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la sinfonia e la sonata, creando al contempo il concetto di musica assoluta, cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assistette alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. In seguito, oltre a lui, artisti come Johannes Brahms, Anton Bruckner e Gustav Mahler ottennero grandi risultati specialmente in campo sinfonico, per questo si parla di "Stagione del grande sinfonismo tedesco".In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del romanticismo musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann. In Francia operano invece Berlioz e il polacco Chopin che in molte sue composizioni inserì innovazioni armoniche che facevano già presagire l'Impressionismo.Con Richard Wagner vennero introdotte nuove sonorità con passaggi armonici innovativi e un esasperato cromatismo che misero in crisi il sistema tonale tradizionale.

Prompt: Describe the characteristics of the Classicism and Romantic music in Music (Matisse)'s The relationship with singing.Please output in Italian.

1750
1850
Anton Bruckner
Armonia
Francia
Gustav Mahler
Johannes Brahms
Ludwig van Beethoven
Melodia
Richard Wagner
XIX secolo
XVIII secolo


section

Adorazione dei Magi degli Innocenti

Il 28 ottobre 1485 Francesco di Giovanni Tesori, priore dello Spedale degli Innocenti, l'orfanotrofio fiorentino, firmò col pittore un dettagliato contratto per la commissione di una pala per l'altare maggiore della chiesa di Santa Maria degli Innocenti, annessa all'ospedale.  tavola doveva avere come soggetto lAdorazione dei Magi, un soggetto molto frequente nell'arte fiorentina del XV secolo, ed era previsto che a dipingerla, usando colori pregiati, fosse il maestro stesso, limitando cioè l'intervento della bottega e restando fedele a un disegno, probabilmente un bozzetto, che l'artista aveva sottoposto all'approvazione del committente. L'opera doveva essere terminata in trenta mesi, per un compenso di 115 fiorini grandi in caso di piena soddisfazione del committente, cosa che puntualmente avvenne. pala è sempre rimasta nel patrimonio dell'istituzione, superando le spoliazioni e dispersioni, forse proprio perché considerata opera indissolubilmente legata allo "Spedale".  cornice originale, commissionata nel 1486 ad Antonio di Francesco di Bartolo su disegno di Giuliano da Sangallo, venne distrutta nel 1786, quando fu rifatto l'interno della chiesa e rimossa la pala dall'altare, sistemandola sulla parete dietro di esso. Nel 1917 trovò collocazione nella nascente galleria al secondo piano dell'edificio verso la piazza, e dal 1971 vi venne riaccostata la predella, che era stata smembrata nel 1615 in occasione di un rifacimento dell'altare maggiore.

Prompt: Explain the History of this artwork, Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti).Please output in Italian.


section

Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Danny in Prophet Daniel (Michelangelo)'s People.Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


section

Atleta di Fano

LAtleta di Fano, Atleta vittorioso, Atleta che si incorona o Lisippo di Fano, conosciuto negli Stati Uniti anche come Victorious Youth , è una scultura bronzea, datata tra il IV e il II secolo a.C., attribuita, su base esclusivamente stilistica, allo scultore greco Lisippo o a un suo allievo.

Prompt: How does Victorious Youth explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Pala dei Decemviri

L'opera, commissionata dai Decemviri di Perugia per la cappella nel Palazzo dei Priori, venne realizzata tra la fine del 1495 e il 1496 ma ebbe una storia travagliata: la pala fu inizialmente commissionata a Pietro di Galeotto, pittore locale, che abbozzò solamente l'opera e morì nel 1483. Il 28 novembre dello stesso anno la commissione fu data al Perugino che però si rese irreperibile tanto che i priori diedero l'incarico a Sante di Apollonio, che però non terminò l'opera e nel 1485 fu di nuovo Perugino a essere richiamato. Il pittore però tardò ancora e nel 6 marzo 1495 fu stipulato un nuovo contratto. Originariamente la pala era coronata da una cimasa col Cristo in pietà  oggi alla Galleria nazionale dell'Umbria.Oggetto di spoliazioni napoleoniche, venne esportato in Francia col Trattato di Tolentino per poi essere rimpatriato dopo la Restaurazione da Antonio Canova nel 1816, il quale riuscì a riportare a Roma la tavola, che — nonostante le proteste dei perugini — venne destinata dallo stesso pontefice alle collezioni del Vaticano.

Prompt: Focus on Decemviri Altarpiece and explain the History.Please output in Italian.

1495
1496
Antonio Canova
Galleria nazionale dell'Umbria
Perugino
Roma
Trattato di Tolentino


section

Venere Callipigia

Rinvenuta nei pressi della domus aurea, la storia della scultura è pressoché ignota. Di certo si sa che risale all'epoca dell'imperatore Adriano e che al momento del ritrovamento era priva di testa. Nel 1594 così fu acquistata dalla famiglia Farnese, restaurata  e collocata al palazzo omonimo di Roma, inserendola così nella collezione di sculture archeologiche. Successivamente, nel 1786, fu trasferita nella città partenopea sotto il regno di Ferdinando IV di Borbone a seguito dell'eredità dell'intera raccolta farnesiana ottenuta qualche decennio prima da Carlo, figlio dell'ultima discendente della famiglia: Elisabetta Farnese.In occasione di quest'ultimo spostamento, vi furono altri lavori di restauro eseguiti da Carlo Albacini. Fu sostituita nuovamente la testa, poi le braccia e una gamba; reagendo alle critiche contemporanee su alcune caratteristiche della statua, Albacini seguì comunque abbastanza fedelmente il restauro precedente facendo in modo che la figura guardasse all'indietro, sopra la sua spalla. Nel 1792 la scultura si registra alla reggia di Capodimonte, e successivamente è al palazzo degli Studi , dove rimane esposta.Durante l'occupazione francese e nell'ambito delle spoliazioni napoleoniche, la Venere viene individuata dal generale Jean Étienne Championnet per essere inviata in Francia, come risulta da una missiva inviata al direttorio il 7 ventoso anno VII :

Prompt: Explain the History of this artwork, Venus Callipyge.Please output in Italian.

1594
1786
1792
Adriano
Carlo Albacini
Elisabetta Farnese
Farnese
Jean Étienne Championnet
Roma


section

Madonna Stroganoff

Madonna col Bambino  Iconografia di Maria

Prompt: How does Madonna and Child (Duccio, Metropolitan) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Iconografia di Maria
Madonna col Bambino


section

Cacciatori nella neve

Si tratta di una scena invernale, simbolo forse di dicembre/gennaio. In una pungente giornata in cui la neve ha coperto tutto il paesaggio, un gruppo di cacciatori in primo piano a sinistra si appresta a rientrare al villaggio coi cani al seguito e con qualche uccello come preda. Il loro passo è pesante e silenzioso. Uno dei tre trasporta una volpe uccisa, un altro un carniere contenente un bottino che si intuisce piuttosto esiguo.Attenta è l'analisi delle attività umane in questo periodo dell'anno: a sinistra alcuni contadini, davanti alla locanda Al cervo , stanno strinando il maiale appena ucciso; anche se l'animale non si vede, la circostanza è chiarita dalla presenza del mastello di legno usato durante la macellazione.L'osservatore è invitato a spaziare visualmente in direzione delle lontananze ghiacciate ed il cielo grigio-azzurro, immergendosi in una immobilità silenziosa, turbata appena dall'elegante volo dell'uccello nero che si staglia sulle cime innevate; si tratterebbe di un gheppio . discesa conduce lo sguardo in lontananza, verso la spianata ghiacciata dove piccole figure di adulti e bambini sono alle prese con giochi e corse su pattini e slittini. Lo sfondo è occupato da una distesa di campi resi candidi dalla neve, punteggiati da casolari e chiesette, che arrivano fino ai piedi delle montagne innevate, un elemento estraneo al paesaggio fiammingo, ma che Bruegel aveva visto anni prima in un viaggio in Italia, attraversando le Alpi. Al centro la pianura si estende a perdita d'occhio, fino alla riva marina, velata dai rami degli alberi in primo piano, spogli e carichi di neve.I colori dominanti sono freddi , perfetti per rendere il gelo dell'atmosfera invernale, e su di essi risaltano i dettagli di colore bruno, come i cacciatori e la muta dei cani, il cotto delle abitazioni, il fuoco a sinistra.L'opera fu dipinta verosimilmente durante il gelido inverno del 1564-65, ricordato dalle cronache come uno dei più rigidi della storia, con temperature polari in Russia, nelle Fiandre, in Germania ed in quasi tutta Europa.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Hunters in the Snow.Please output in Italian.


section

Apollo del Belvedere

statua di marmo bianco, alta 224 centimetri, rappresenta il dio greco Apollo, che ha appena ucciso con le frecce del suo arco il serpente Pitone, divinità ctonia originaria di Delfi.  muscolatura, ancora tesa, lascia intendere lo sforzo che segue alla battaglia contro Pitone, mentre i capelli a boccoli ricadono fluidi sul collo e raccolti elegantemente sul capo, cinto dallo strophium, una fascia ornamentale simboleggiante una divinità o un re. Il dio è interamente nudo, ad eccezione della faretra a tracolla, dei sandali e del mantello  avvinto alla spalla destra, che si rovescia sul braccio sinistro ed in parte del dorso. parte inferiore del braccio destro  e la mano sinistra, mancanti al momento del ritrovamento, vennero ricostruiti da Giovanni Angelo Montorsoli, scultore e collaboratore di Michelangelo.

Prompt: How does Apollo Belvedere explain its Description?Please output in Italian.


section

Allegoria dei piaceri

Nave dei folli  Morte di un avaro Venditore ambulante

Prompt: Focus on Allegory of Gluttony and Lust and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Sherman nel 1888, fotografato da Napoleon Sarony, usata nella seconda edizione delle Memorie del 1889. Questa foto è servita come modello per il primo francobollo raffigurante Sherman del 1893.Il 25 luglio 1866 il Congresso creò il rango di General of the army   per il Generale Grant e promosse Sherman al grado di lieutenant general .Quando Grant divenne presidente degli Stati Uniti, nel 1869, Sherman fu nominato comandante generale dell'esercito degli Stati Uniti e, dopo la morte di John Aaron Rawlins, Sherman lo sostituì per un mese come Segretario della guerra ad interim.Uno dei suoi più significativi contributi come capo dell'esercito fu la creazione della Scuola di comando, l'attuale Command and General Staff College, a Fort Leavenworth nel Kansas. In questo periodo si segnalano parecchie divergenze con il Segretario della guerra William W. Belknap perché a suo parere si era impossessato di molti dei poteri del Comandante generale, rendendo il suo un ruolo privo di veri poteri.Sherman inoltre si scontrò con coloro che criticavano la condotta dell'esercito e i massacri degli indiani. Per sfuggire a queste difficoltà dal 1874 al 1876 trasferì il suo quartier generale da Washington a Saint Louis, e ritornò a Washington solo dopo la nomina di Alphonso Taft a Segretario della guerra e la promessa di maggiori poteri. preoccupazione principale di Sherman nel periodo dell'incarico a Comandante Generale fu quella di proteggere l'opera di costruzione delle linee ferroviarie dagli attacchi degli Nativi americani degli Stati Uniti d'America ostili; si dedicò principalmente a rendere sicuri i territori del West, soprattutto per facilitare il passaggio e lo stanziamento di nuovi coloni, attraverso la continuazione delle guerre indiane. Tre campagne significative di questa fase furono la guerra modoc, la grande guerra Sioux del 1876 e la guerra dei Nasi Forati.Nelle sue campagne contro le tribù indiane, Sherman utilizzò la stessa strategia usata durante la Guerra civile che prevedeva non soltanto la sconfitta dei soldati nemici, ma anche la distruzione delle risorse materiali che avrebbero potuto essere d'aiuto agli indiani.  strategia che attuò incluse la decimazione dei bufali che rappresentavano la risorsa di cibo primaria per gli indiani del Nord America.Nel 1875 Sherman pubblicò le sue memorie in due volumi.Durante le elezioni del 1876, i democratici del sud che appoggiavano Wade Hampton in Sud Carolina usarono la violenza per intimidire gli elettori afroamericani. Il governatore repubblicano Daniel Chamberlain chiese al presidente Grant l'intervento dell'esercito per fermare i tumulti. Nell'ottobre del 1876 incaricò Sherman di riunire tutte le forze disponibili nella regione atlantica e di mandarli in Sud Carolina per fermare le sommosse.Sherman si dimise dall'incarico di comandante generale il 1º novembre 1883, e si ritirò definitivamente dall'esercito l'8 febbraio 1884.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the General of the Army of the Youth explained?Please output in Italian.

1869
1883
8 febbraio
Alphonso Taft
Daniel Chamberlain
Fort Leavenworth
Generale
John Aaron Rawlins
Kansas


section

Isabella

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Isabella (Millais painting).Please output in Italian.


subsection

Conseguenze della guerra

Sullo sfondo, a sinistra, l'edificio con le porte spalancate è il tempio di Giano, inaugurato secondo il mito dal re Numa Pompilio: il tempio veniva lasciato aperto in tempo di guerra per permettere al dio di uscire ed assistere i suoi soldati, mentre restava chiuso in tempo di pace perché il protettore dell'Urbe non potesse uscirne. Le porte aperte significano quindi che il quadro è stato dipinto in occasione di un periodo bellico.

Prompt: Explain the Background about the Description of this artwork, Consequences of War.Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Caroline's campaign and the Youth.Please output in Italian.


section

Madonna del Cardellino

Madonna del Belvedere Belle Jardinière Madonne di Raffaello

Prompt: How does Madonna del Cardellino explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Belle Jardinière
Madonna del Belvedere
Madonne di Raffaello


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


section

Adorazione dei Magi degli Innocenti

scena dell'Adorazione dei Magi venne interpretata in chiave moderna, all'avanguardia rispetto alle recenti innovazioni introdotte da Sandro Botticelli  e Leonardo da Vinci . la Madonna si trova infatti al centro di una composizione piramidale col Bambino mostrato ai Magi e agli astanti. Alla base della piramide si trovano due dei Magi, uno nell'atto di baciare un piedino del bimbo, uno inginocchiato con una mano sul petto, mentre il terzo si trova in piedi sulla sinistra, caratterizzato da un manto giallo e rosso, e ritratto mentre porge in dono un ricco calice. Essi, come di solito, rappresentano tre diverse età dell'uomo: giovinezza, maturità e vecchiaia. Ai loro lati stanno, in posizione accovacciata, san Giovanni Battista, che guarda lo spettatore e, come di consueto, indica il Bambino, e san Giovanni Evangelista, che presenta un fanciullo ferito alla Madonna; un altro fanciullino, evidente richiamo agli orfani "innocenti" dell'istituzione, si trova sul lato opposto. A essi fa riferimento anche la strage degli innocenti rappresentata sullo sfondo, a sinistra. Le loro figure sono delicate e poetiche, cariche del senso infantile del loro semplice omaggio al santo Bambino.Attorno alla Vergine si trovano il bue e l'asinello, oltre a san Giuseppe, che veglia sul bambino, guardandolo.  capanna è composta da un muro in mattoni incompiuto, simboleggiante il paganesimo in declino da cui nacque il cristianesimo; da essa si levano quattro pilastri all'antica decorati da candelabre e capitelli corinzi dorati, che reggono un semplice tetto di paglia a spioventi. Su di esso quattro angeli reggono un cartiglio con un tetragramma che riporta le note e le prime parole del Gloria, come a invitare lo spettatore a unirsi nel canto.Sempre in primo piano si trovano a sinistra alcuni astanti, tra cui in secondo piano si riconoscono il committente, vestito di nero, e l'artista, che guarda verso lo spettatore. A destra invece si trovano tre personaggi del corteo dei Magi riccamente abbigliati, che dovrebbero rappresentare i membri della potente Arte della Seta, finanziatrice principale dell'Istituto. Sopra di loro il corteo si dispiega in lontananza, passando sotto un arco, altro riferimento alla transizione dal mondo pagano, sul cui fregio è riportata la data MCCCCLXXXVIII . A un esame attento si nota che i cinque cavalli sono stati realizzati a partire da due soli cartoni, poi colorati diversamente e con qualche piccola variante: uno con al testa girata a sinistra  e uno con la testa girata a destra . Sullo sfondo, da questa parte, si vede poi l'annuncio ai pastori da parte di un angelo che vola in un nimbo luminoso. Dietro la Vergine infine, stagliati sullo sfondo di un paesaggio lacustre solcato da navi tra svettanti colline e montagne, si affacciano a contemplare la scena un personaggio laico e uno religioso, simboleggianti i principali artefici dell'opera assistenziale dell'orfanotrofio. Sull'estrema sinistra assistiamo alla strage degli Innocenti, chiaro riferimento biblico alla missione dello Spedale. città sullo sfondo è una rappresentazione simbolica di Roma: si riconoscono infatti il Colosseo, la Colonna Traiana, la Torre delle Milizie e la Piramide Cestia.

Prompt: In Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti), how is the Description discussed?Please output in Italian.

Arte della Seta
Colonna Traiana
Colosseo
Leonardo da Vinci
Piramide Cestia
Sandro Botticelli
Torre delle Milizie


section

Tondo Taddei

Il Tondo Taddei è un bassorilievo marmoreo  di Michelangelo, eseguito tra il 1504 e il 1506 circa e collocato nella Royal Academy a Londra.

Prompt: How does Taddei Tondo explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Madonna dei Pellegrini

tradizione iconografica vedeva la Vergine col bambino in trono dentro un'edicola oppure seduta sul tetto della Santa Casa, che gli angeli sorreggono e portano in volo verso Loreto . Caravaggio abolisce questo tradizionale immaginario della devozione popolare e sostituisce alla casa in volo l'apparizione del tutto naturale della Madonna sullo stipo della porta della Santa Casa, che è una povera casa di mattoni, stabile al suolo, ma adorna di una pregiata soglia di marmo: forse si tratta di una riproduzione di come appariva nel 1500 la Santa Casa, prima di essere nascosta dal rivestimento marmoreo esterno.L'unico accenno al volo può magari essere intravisto, come affermava il Sameck Lodovici, nella levità dello sforzo con la quale la Vergine sorregge il Bambino già abbastanza grandicello e nel piede appena sollevato da terra. Jacob Hess precisa che l'atteggiamento della Madonna deriva da uno dei rari ricordi di scultura antica del Caravaggio la donna barbara o Thusnelda, che al tempo del pittore si trovava a Villa Medici dove poteva averla vista. Lo stesso studioso riporta che la modella fu una certa Lena, in seguito identificata in Maddalena Antognetti, cortigiana nota nella Roma del tempo. Lena era una cortigiana d'alto bordo che faceva parte di un'élite che si divideva fra cardinali e ricchi mercanti comprendente anche Fillide Melandroni e Menica o Domenica Calvi; Lena era in stretto rapporto con Caravaggio per il quale fungeva da modella e per lei il pittore aggredì il notaio Mariano Pasqualone una sera d'estate del 1605. Non era solo il fatto che Lena fosse nota in città, ma anche che si mostrasse in modo prosperoso nel ritratto e che comparisse come figura viva  in un dipinto. Il Concilio di Trento aveva bandito" tutte le lascivie di una sfacciata bellezza dalle sacre figure"; pertanto si può pensare che Lena nel dipinto potesse fare scandalo e che potesse essere rifiutata dal committente, ma ciò non accadde; né poteva essere fonte di preoccupazione la presenza dei piedi nudi e sporchi  in quanto il pellegrinaggio si faceva a piedi nudi e nel Giubileo del 1600 Caravaggio aveva avuto modo di osservare la grande moltitudini di pellegrini poveri e laceri venuti a Roma; ancora una volta, invece, il problema era di coloro che ragionavano in termini di decoro secondo i dettami controriformisti come il cardinal Borromeo: "queste cose piacciono alla moltitudine, la quale purtroppo si compiace delle cose peggiori...il volgo ignorante in simili pittori ammira soltanto gli errori, e non si sa comprendere l'arte e vedere se àvvi qualcosa di veramente bello". Friedlaender ritiene il carattere statuario della Madonna in rapporto ad una statua lignea che si trovava per devozione dei pellegrini all'interno della Sacra Casa di Loreto. Maurizio Marini a tal proposito precisa che il carattere statuario è nell'opera rielaborato dall'esempio antico al naturale e in questo senso dovrebbe essere anche considerato lo stipite della porta e l'intonaco della casa rielaborato su qualche esempio di dimora romana ancora in uso nella Roma del pittore.

Prompt: Focus on Madonna di Loreto (Caravaggio) and explain the Iconography Iconology.Please output in Italian.

Fillide Melandroni
Loreto
Maddalena Antognetti
Caravaggio
Roma


section

Canestra di frutta

L'opera venne forse commissionata dal cardinale Borromeo, mentre quest'ultimo soggiornava a Roma. Infatti il dipinto è presente nella collezione del cardinale Federico Borromeo già dal 1607, come documenta lo stesso cardinale in un codicillo del 17 di settembre di quell'anno: "Un quadro di lunghezza di un braccio, et di tre quarti all' incirca di altezza, dove in campo bianco è dipinto un Canestro di frutti parte ne rami con lor foglie, et parte spiccati da essi/fra questi vi sono due grappoli di uva, uno di bianca, et / l'altro di nera, fichi, mele, et altri di mano di Michele/ Agnolo da Caravaggio". Il Borromeo fu a Roma una prima volta dall'ottobre 1580 al luglio 1595 e vi tornò nel 1599 sino all'autunno del 1601.  È in questo periodo che Borromeo potrebbe aver conosciuto personalmente il Caravaggio . Nel 1618 Borromeo, divenuto cardinale arcivescovo di Milano, decise di far costruire un edificio destinato alla futura Pinacoteca Ambrosiana, accanto alla preesistente struttura della Biblioteca Ambrosiana, attiva dal 1609.  Canestra venne donata alla Pinacoteca Ambrosiana dal Borromeo a lavori ultimati, unitamente a tutte le opere della sua collezione privata.  tela è menzionata anche nel Musaeum, un volumetto scritto da Federico Borromeo sulla sua collezione privata; tuttavia in quest'opera il cardinale commette l'errore di indicare come il dipinto raffiguri una canestra di fiori e non di frutti. Si tratta di una semplice distrazione, per altro presente in altri passi del volume e la dimostrazione che il cardinale non aveva uno specifico interesse per la fiscella: Cinotti e Calvesi hanno preferito considerare come Federico avesse deliberatamente voluto intendere l'aspetto simbolico e sacrale dello scambio fiori-frutti; Ferdinando Bologna, invece, segnalando come il cardinale indicasse normalmente, senza simbolismi, i dipinti dove comparivano fiori e frutti, precisa come si trattasse di una svista compilativa. Tuttavia nello stesso passo Borromeo elogia la fiscella precisando "Io avrei voluto porgli accanto un altro canestro simile, ma non potendo alcuno raggiungere la bellezza ed eccellenza incomparabile di questo, rimase solo", che però può anche essere indicazione che il mercato dell'arte non era allora in grado di soddisfare, ad un tale livello di mimesis, le richieste della committenza.Indagini radiografiche hanno confermato che il dipinto è stato realizzato su una tela di recupero, secondo una consuetudine del periodo romano, quando il Caravaggio dipingeva direttamente su precedenti stesure pittoriche, fattore che testimonia la povertà di mezzi che caratterizza la giovinezza del pittore ; non è stato dimostrato che il dipinto  nel sostrato della tela sia dello stesso Caravaggio, possibile invece che sia del suo amico Prospero Orsi . Le indagini radiografiche hanno dato modo a Roberto Longhi di poter dire che il dipinto non era in alcun modo il ritaglio di uno più grande e con un soggetto di figura come si riteneva all'epoca della grande mostra milanese del 1951. In questo senso dunque Caravaggio, considerato come ampiamente dimostrato che nature morte autonome già esistevano prima che il pittore realizzasse la fiscella, Ferdinando Bologna ritiene che egli ne fu il promotore convinto e la praticò .

Prompt: In Basket of Fruit (Caravaggio), how is the History discussed?Please output in Italian.

1609
1618
Biblioteca Ambrosiana
Caravaggio
Federico Borromeo
Milano
Pinacoteca Ambrosiana
Prospero Orsi


subsection

Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: Describe the characteristics of the Malta in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


section

Diana e Callisto

Diana e Callisto è un olio su tela eseguito da Peter Paul Rubens, dipinto in un periodo non precisato tra il 1635 e il 1640. È realizzato a olio su tela ed è ampio cm 202,6x305,5. Viene custodito a Madrid, nel Museo del Prado. realizzazione del quadro fu chiesta insieme ad altre dal re Filippo IV di Spagna per il suo nuovo baldacchino di caccia, la Torre de la Parada.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Diana and Callisto.Please output in Italian.

1635
1640
Callisto
Filippo IV di Spagna
Madrid
Museo del Prado
Peter Paul Rubens


section

Norham Castle: alba

In Norham Castle: alba Turner si avventura nell'astrazione pura, a tal punto che la scena ritratta non sembra reale, come se piuttosto fosse l'immagine di un sogno, o come se magari riemergesse lentamente dalla nebbia dei ricordi.  materia stessa del dipinto è impalpabile, aerea, e analogamente le immagini sono evanescenti, quasi spettrali, mentre il colore è ricco di suggestioni luminose ed è candido, puro, privo di toni scuri.In questo dipinto Turner rinuncia a raffigurare la terra e le piante, elementi convenzionali del paesaggio, e spoglia la scena di tutti quegli elementi superflui e inutili alla narrazione, meritandosi così le lodi di Paul Signac, prodigo di plausi verso questa audace scelta figurativa. Lo splendore abbagliante della luce, infatti, smaterializza tutte le forme presenti, che di fatto si dissolvono in vapore, fumo e nebbia,  veri e propri mezzi immateriali di propagazione del colore. Riscontriamo una massima sobrietà anche nella selezione dei colori, arpeggiata sulle sfumature e sulle armonie dei gialli e dei grigio-azzurri. Ormai assurto a poeta degli effetti cromatici, Turner in quest'opera utilizza prevalentemente colori rarefatti, che con la loro trasparenza restituiscono una luminosità equiparabile a quella dei lavori ad acquarello: speciale menzione meritano il blu liquido del castello al centro della scena e il bestiame errante costruito con tocchi di rosso.

Prompt: In Norham Castle, Sunrise, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Volta della Cappella Sistina

volta della Cappella Sistina contiene un celeberrimo ciclo di affreschi di Michelangelo Buonarroti, realizzato nel 1508-1512 e considerato uno dei capolavori assoluti e più importanti dell'arte occidentale. Commissionato da papa Giulio II fu un'immane sfida per l'artista che, sebbene non sentisse la pittura come la forma d'arte a lui più congeniale, terminò la complessa decorazione di quasi 550 m² in soli quattro anni e senza aiuti.Il ciclo di affreschi completava iconologicamente le Storie di Gesù e di Mosè realizzate da una squadra di pittori  nel 1481-1482, al tempo di Sisto IV; Michelangelo dipinse infatti sulla volta le storie dell'umanità "ante legem", cioè prima che Dio inviasse le Tavole della Legge a Mosè.

Prompt: Focus on Sistine Chapel ceiling and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


section

Madonna Huldschinsky

Una serie di Madonne a mezza figura in terracotta del primo Quattrocento, dalla fisicità particolarmente pronunciata, sono oggetto di oscillazioni attributive che oggi propendono soprattutto verso il giovane Donatello. Oltre alla Madonna del museo berlinese, donata da Oscar Huldschinsky nel 1892, fanno parte di questa serie anche due Madonne al Museo nazionale di Villa Guinigi a Lucca. Tra gli altri nomi fatti ci sono anche Jacopo della Quercia e Lorenzo Ghiberti. L'ipotesi donatelliana si basa sulla struttura del panneggio, che non è più mezzo di espressione e decorazione, come nell'arte gotica, ma dialoga strettamente con le forme anatomiche sottostanti, soggiacendo alla forza di gravità osservata dal vivo. Le forme presentano una levigatura quasi metallica, e l'attenzione al dettaglio, come nel bordo frangiato delle vesti, richiamano opere come il celebre David. Anche l'amorevole abbraccio del Bambino alla madre e il suo sorriso accennato richiamano un interesse diretto verso i fanciulli che si ritrova spiccato nei numerosi putti della produzione donatelliana di quegli anni.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Huldschinsky Madonna (painting).Please output in Italian.

1892
Donatello
Jacopo della Quercia
Lorenzo Ghiberti
Lucca
Museo nazionale di Villa Guinigi


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


subsection

Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

La grande onda di Kanagawa

grande onda di Kanagawa può essere considerata l'immagine iconica della moderna contrapposizione tra forza della natura e fragilità dell'uomo: l'abilità di Hokusai in questa stampa risiede infatti nella raffigurazione della natura, rappresentata dall'onda gigante, che appare come una forza violenta pronta a inghiottire gli uomini, i quali a loro volta rappresentano la secolarità della vita che si contrappone all'indifferenza e alla religiosità del Monte Fuji.Attraverso la rappresentazione dell'onda in modo così drammatico l'autore intendeva, secondo alcune ipotesi, catturare il sentimento di disagio di una nazione costretta a vivere circondata dall'acqua, così come il primordiale terrore dell'uomo per il mare.  storica di arte giapponese Christine Guth e l'esperto di cultura giapponese Donald Keene sostengono che l'opera risenta dell'influenza del periodo storico in cui questa fu realizzata e suggeriscono che l'onda potrebbe rappresentare una sorta di barriera simbolica posta a protezione del Giappone, in un momento della storia in cui i giapponesi iniziavano a preoccuparsi delle possibili incursioni straniere , ma allo stesso tempo potrebbe simboleggiare il desiderio incombente degli stessi di viaggiare e spostarsi all'estero. Essa viene rappresentata come un'onda mostruosa e fantasmagorica, come uno scheletro bianco che minaccia i pescatori con i suoi "artigli" di spuma. Difatti se si esamina la parte sinistra della schiuma dell'onda essa evoca più una mano artigliata pronta ad afferrare i pescatori che non la schiuma di una normale onda. Questa visione fantastica dell'onda ricorda che Hokusai fu un maestro del genere fantastico giapponese, come dimostrato dai fantasmi disegnati nei suoi Hokusai manga. Tra il 1831 e il 1832 egli iniziò a trattare il tema del soprannaturale in modo più esplicito con la pubblicazione di .L'immagine ricorda molte altre opere dell'artista: la silhouette dell'onda evoca un drago gigante, drago che Hokusai era solito disegnare spesso, anche affiancato al Fuji. L'onda può essere considerata altresì come la rappresentazione spettrale della morte che, arroccata sopra i marinai condannati, allunga e ritrae le sue braccia come fa il polipo con i suoi tentacoli, un animale che compare sovente nei suoi manga e nelle sue opere erotiche.In quest'opera tuttavia la sacralità della montagna e la forza prorompente dell'onda possono essere poste sullo stesso piano: entrambe sono caratterizzate dall'uso dei colori bianco e blu, i quali sono simbolicamente legati alle forze elementali del fuoco e dell'acqua, in una trasposizione del potenziale delle eruzioni vulcaniche e dei conseguenti tsunami. Va altresì osservato che la forma del Fuji viene riproposta all'interno delle onde stesse.  ripetizione delle forme è ancora più evidente nella superficie dell'acqua, la quale presenta una fitta trama di piccoli riccioli. Questi, presenti in gran numero nella spuma della grande onda, generano altri riccioli che si ripresentano anche nelle onde più piccole, riprendendo l'immagine dell'onda madre, ricordano da vicino il simbolo dei principi yin e yang della concezione taoista del cosmo, con l'uomo impotente che lotta nel mezzo, ma è possibile osservare anche un'allusione al buddhismo  e allo shintoismo . Il concetto alla base di yin e yang viene usato anche per descrivere il contrasto tra la violenza dell'onda e la calma apparente dei pescatori davanti al pericolo. Inoltre, la curvilineità delle forme delle onde, del Fuji e anche delle barche trasmette all'osservatore una sensazione di fluidità e continuo movimento che accomuna l'intera immagine, alludendo alla fondamentale idea taoista del mutamento responsabile degli andamenti del mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the Expressions of the artist in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Madonna della Seggiola

Attorno a questo dipinto ruota la vicenda del racconto breve di Henry James " Madonna del futuro" .

Prompt: How does Madonna della Seggiola explain its References in literature?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


section

Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (Fra Angelico, Madrid).Please output in Italian.


section

Busto di Francesco Barberini

scultura è stata donata alla National Gallery of Art di Washington D.C. nel 1961 come parte della donazione della Collezione Kress.  Kress Foundation aveva precedentemente acquistato l'opera, con precisione nel 1950, dal conte Alessandro Contini-Bonacossi, insieme ad una collezione di 125 dipinti.

Prompt: In Bust of Francesco Barberini, how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Bellezza

bellezza è un concetto astratto, generalmente definita come la qualità di una cosa che viene percepita  e che fornisce una sensazione duratura di piacere, significato o soddisfazione.  cosa può essere un luogo, un paesaggio, una persona, un essere vivente, un oggetto, un'idea o un'opera d'arte. È considerata una parte dell'estetica, della cultura, della psicologia sociale, della filosofia e della sociologia. Il suo concetto opposto è la bruttezza.  bellezza, insieme alla verità e alla bontà, è uno dei trascendentali, che sono spesso considerati i tre concetti fondamentali della comprensione umana.

Prompt: How does The Beauty explain its Abstract?Please output in Italian.


section

San Francesco in estasi (El Greco 1600)

José Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», , 2007, ISBN 978-84-9550-344-2 Michael Scholz-Hänsel, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 978-3-8228-3173-1.

Prompt: How does Saint Francis of Assisi in Ecstasy (El Greco, 1600) explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Le carriere di entrambi gli ufficiali progredirono considerevolmente dopo quel periodo. Nel caso di Sherman, ciò fu almeno in parte dovuto al fatto che sviluppò stretti legami personali con Grant durante i due anni in cui prestarono servizio insieme nel Teatro Occidentale.Nel corso della lunga e complicata campagna di Vicksburg un giornale si lamentò del fatto che "l'Union Army si stava rovinando nelle spedizioni da tartarughe del fango sotto la guida di un ubriacone [Grant] il cui consigliere segreto [Sherman] era invece un pazzo". I risultati militari conseguiti nel biennio 1862-63 rimasero alquanto altalenanti. Nel dicembre 1862 le forze sotto il suo comando subirono una severa sconfitta nella battaglia di Chickasaw Bluffs, appena a nord di VicksburgStemma del XV Corpo.Poco dopo fu ordinato al suo XV Corpo di unirsi a John Alexander McClernand nel suo riuscito assalto nella battaglia di Fort Hindman, generalmente considerato come un'operazione motivata da ragioni politiche, che distrasse preziose risorse dallo sforzo congiunto di conquistare l'importante snodo urbano del Mississippi.Nella primavera del 1863, nell'assedio di Vicksburg, Sherman espresse serie perplessità nei riguardi della saggezza della strategia militare poco ortodossa approntata di Grant; ma nonostante ciò continuò ad operare al meglio in quella campagna, sotto la diretta supervisione del proprio superiore.Lo storico John D. Winters in The Civil War in Louisiana  lo descrive nella maniera seguente:, p. 176</ref>.}}

Prompt: Describe the characteristics of the Vicksburg campaign in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Service  civil  war.Please output in Italian.

1862
John Alexander McClernand
John D. Winters


section

Pala Montini

Pala Montini è un dipinto a olio su tavola di Cima da Conegliano, databile al 1506-1507 circa e conservato presso la Galleria nazionale di Parma ma dipinta originariamente per il Duomo di Parma.

Prompt: How does Montini Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.

1506
1507
Cima da Conegliano
Duomo di Parma
Galleria nazionale di Parma
Parma


subsection

Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra VII portò alla fine dell'ultima guerra civile della Roma repubblicana, combattuta tra Ottaviano e Marco Antonio. Suicidandosi, Cleopatra sfuggì alla possibilità di essere portata a Roma ed essere esibita come un "trofeo di guerra" di Ottaviano, il quale nel 27 a.C. sarebbe divenuto imperatore col nome di Augusto. Ottaviano fece uccidere Cesarione, ma risparmiò i figli che Cleopatra aveva avuto da Marco Antonio e li portò a Roma: una delle figlie di Antonio, Cleopatra Selene II, avrebbe sposato il re Giuba II di Numidia. Con la fine della dinastia tolemaica l'Egitto divenne una provincia romana  e così rimase fino alla conquista musulmana dell'Egitto, avvenuta tra il 641 e il 654.

Prompt: In the context of Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), explain the Consequences and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Giuba II
Marco Antonio
Numidia


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Cultural reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1518 circa e conservato nella National Gallery of Canada di Ottawa.

Prompt: In Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1518
Lorenzo Lotto
National Gallery of Canada
Ottawa


subsection

Volta della Cappella Sistina

Nei pennacchi angolari si trovano quattro scene bibliche, che si riferiscono ad altrettanti eventi miracolosi a favore del popolo eletto:

Prompt: Explain the Stories of the Old Testament about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


section

Natura morta

Stefano Zuffi, Lucia Impelluso, Matilde Battistini.  Natura Morta,  storia, gli sviluppi internazionali, i capolavori. Giorgio Vasari. Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architetti. Alberto Veca Natura morta collana Art dossier Giunti editrice

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Still Life (Claesz).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Testamento e morte di Mosè

Né Bartolomeo della Gatta né il trentenne Luca Signorelli compaiono tra i nomi dei titolari dell'impresa fiorentina che venne incaricata da Sisto IV, su consiglio di Lorenzo il Magnifico di affrescare la Cappella. Essi dovevano essere al seguito di Pietro Perugino il quale era probabilmente il soprintendente generale dell'opera, accanto ai maestri Botticelli, Ghirlandaio e Cosimo Rosselli. Essi sono i firmatari del contratto ufficiale, datato 27 ottobre 1481.L'ipotesi di un disegno peruginesco dell'affresco è possibile, mentre la stesura pittorica è stata tradizionalmente attribuita al Signorelli, in base alla menzione di Giorgio Vasari. L'artista cortonese dopotutto è documentato nel cantiere dopo la partenza di Perugino , autore della Disputa sul corpo di Mosè sulla parete della porta che, disastrata già al volgere della metà del Cinquecento, venne poi ridipinta nel 1574 da Matteo da Lecce, un allievo di Michelangelo.Studi più recenti  hanno ridimensionato la presenza di Signorelli nell'affresco, rilevando come la stesura pittorica, dalle sottigliezze luministiche e dai vibranti contrasti, sia piuttosto da ascrivere in massima parte a Bartolomeo della Gatta, pittore influenzato dalla purezza pittorica di Piero della Francesca e del primo Perugino. Innegabile è tuttavia la presenza di Signorelli in alcuni personaggi dall'energetica resa anatomica e calibrati a un certo patetismo nelle espressioni.

Prompt: How does Testament and Death of Moses explain its History?Please output in Italian.

1481
1574
Bartolomeo della Gatta
Cosimo Rosselli
Giorgio Vasari
Luca Signorelli
Mosè
Perugino
Piero della Francesca
Perugino


subsection

Aerostato

Il primo impiego militare degli aerostati avvenne nella Battaglia di Fleurus nel 1794, quando le truppe rivoluzionarie francesi li usarono per osservare dall'alto i movimento del nemico.Un impiego simile avvenne durante la Guerra di secessione americana 1861-1865: il caso più noto riguarda Thaddeus Lowe, che guidò le truppe trasportate da pallone  nei primi tre anni di guerra. Tali truppe conferirono un notevole vantaggio e inaugurarono la possibilità di colpire il nemico anche senza che questo fosse visibile da terra.<br />Tale impiego venne ripreso durante la prima guerra mondiale per individuare i movimento del nemico e per inviare all'artiglieria  le coordinate su cui fare fuoco.D'altro canto, proprio durante tale guerra, i palloni divennero un obbiettivo primario dell'artiglieria nemica e, benché venissero attentamente protetti da postazioni antiaeree e da aerei da ricognizione "amici", il loro abbattimento era piuttosto frequente, proprio per la scarsa mobilità di tali mezzi.In quel periodo, negli Stati Uniti venne istituito il "tesserino aeronautico", che distingueva i militari in grado di pilotare tali nuovi mezzi. I "palloni da osservazione", come venivano chiamati, restarono in uso anche dopo la Grande Guerra, venendo utilizzati anche nei conflitti Russo-Finnici .Il Giappone utilizzò migliaia di bombe frenate da palloni, sganciandole sugli Stati Uniti e sul Canada; tra il 1942 e il 1944 anche l'esercito britannico li utilizzò per rilasciare bombe incendiare sulla Germania .

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Military employment of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


section

La tomba di Hutten

tomba di Hutten  è un dipinto di Caspar David Friedrich realizzato nel 1823-1824. L'opera è esposta nel castello della città di Weimar, che a sua volta rientra nell'istituzione culturale Klassik Stiftung Weimar.

Prompt: How does Hutten's Grave explain its Abstract?Please output in Italian.

Caspar David Friedrich
Klassik Stiftung Weimar
Weimar


section

La grande onda di Kanagawa

</ref>titolo =  grande onda di Kanagawaartista = Katsushika Hokusaiartista2 = data = 1830-1831 circaopera = dipintotecnica = xilografia in stile ukiyo-emateriale = altezza = 25,7larghezza = 37,9profondità = città = ubicazione = varie copie conservate in diversi musei}}}} è una xilografia in stile ukiyo-e del pittore giapponese Hokusai pubblicata la prima volta tra il 1830 e il 1831.È la prima e più celebre opera della serie intitolata , oltre a essere la più famosa nel suo genere e una delle immagini più conosciute al mondo.Di dimensioni 25,7 × 37,9 cm, raffigura un'onda tempestosa che minaccia alcune imbarcazioni al largo di una zona corrispondente all'odierna prefettura di Kanagawa; come in tutte le altre rappresentazioni di questa serie sullo sfondo compare il Fuji. Sebbene venga vista come l'opera più rappresentativa dell'arte giapponese, in realtà essa combina in egual misura elementi tradizionali della pittura orientale e caratteristiche tipiche dello stile occidentale. Ottenne immediato successo sia in patria che in Europa, contribuendo alla nascita del giapponismo nella seconda metà del XIX secolo. Dal XX secolo in poi la sua popolarità crebbe ancora, diffondendosi molto anche nella cultura di massa, venendo spesso copiata e parodiata.È possibile trovare diverse copie dell'opera conservate in svariati musei del mondo tra cui il Metropolitan Museum of Art di New York, il British Museum di Londra, l'Art Institute of Chicago, la National Gallery of Victoria di Melbourne, la Biblioteca nazionale di Francia di Parigi, la Casa Museo Palazzo Maffei di Verona, il Civico Museo d'Arte Orientale di Trieste, il Museo d'arte orientale di Torino e il Museo d'arte orientale Edoardo Chiossone di Genova.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Explain the Composers about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


section

Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Poussin) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


section

Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio di Gesù era una festa celebrata fin dal IV secolo dalla Chiesa orientale il 2 febbraio. Nel VII secolo, anche la Chiesa cattolica di rito romano adottò il 2 febbraio come festa liturgica della Presentazione al Tempio, che prese poi il nome di Candelora.

Prompt: In Presentation at the Temple (Mantegna), how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

2 febbraio
Candelora
Chiesa cattolica
Gesù


subsection

La grande onda di Kanagawa

montagna con la vetta innevata raffigurata nell'opera è il Fuji, che in Giappone è considerato alla stregua di un simbolo nazionale e rappresenta uno dei più importanti simboli religiosi del Paese. Il Fuji è un soggetto ricorrente nell'arte giapponese poiché da sempre associato alla bellezza, e occupa un ruolo centrale in molte rappresentazioni artistiche appartenenti allo stile , come nel caso della serie Trentasei vedute del Monte Fuji di Hokusai, di cui  grande onda di Kanagawa è l'opera più celebre.Il colore scuro attorno al Monte Fuji sembra indicare che la scena sia ambientata alle prime ore del mattino, con il sole che sorge da dietro l'osservatore, illuminando la cima innevata della montagna. Benché il cumulonembo sospeso tra l'osservatore e la montagna faccia presagire l'arrivo di una tempesta, non vi è alcuna traccia di pioggia né nella scena in primo piano né in prossimità del Fuji, che a sua volta è raffigurato completamente senza nuvole.

Prompt: Describe the characteristics of the Themountain in The Great Wave off Kanagawa's Description.Please output in Italian.

Giappone
Trentasei vedute del Monte Fuji


section

Sibille e angeli

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: How does Sibyls (Raphael) explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

terza domenica di maggio, a Modica si festeggia la compatrona Madonna delle Grazie.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Modica and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


subsection

Democrito

conoscenza sensibile si basava sulla meccanica atomistica: ogni oggetto, anche se appariva immobile e statico, era costituito da atomi, intervallati dal vuoto, i quali si muovevano continuamente. In particolare la superficie dei corpi era formata da uno strato di atomi più leggeri che si staccavano dal corpo stesso, di cui conservavano però la configurazione esteriore, producendo delle "emissioni atomiche", ossia degli "idoli"  che, attraversando l'aria, colpivano gli organi sensoriali degli animali e degli uomini: l'urto tra gli idoli e gli organi di senso giungeva, attraverso il corpo, fino all'anima, generando la cosiddetta immagine sensibile, che veniva poi trasformata in un contenuto logico.  conoscenza sensibile tuttavia forniva informazioni piuttosto superficiali e spesso ingannevoli sulle qualità degli oggetti percepiti : essa non era in grado né di cogliere la struttura profonda degli enti, quindi la loro natura atomica, né i rapporti causali esistenti tra essi. Pertanto anche Democrito, come Parmenide, svalutò la sensibilità, anche se, diversamente dal filosofo di Elea, gli riconobbe un valore reale, mentre Parmenide la considerò solo un'illusione. Sicuramente superiore ai sensi era la conoscenza logica e razionale, in quanto con il pensiero era possibile raggiungere la realtà metafisica degli atomi ed era possibile comprendere le leggi meccaniche e necessarie della natura.Da questo punto di vista la gnoseologia democritea può essere senz'altro definita razionalistica, dove per razionalismo s'intende in questo caso che le verità fondamentali sul mondo, sia quelle che riguardavano la natura fisica sia quelle concernenti la metafisica, si potevano raggiungere soltanto tramite un procedimento intellettuale e razionale e non sulla base delle semplici percezioni sensibili: solo la ragione logica, il logos, consentiva di comprendere le leggi e i principi della realtà attraverso l'"empeiria". Strettamente collegata a questa teoria fu la distinzione tra "qualità soggettive"  e "qualità oggettive" : distinzione fondamentale, che sarà poi ripresa da molti filosofi, anche in Epoca moderna. Democrito ritenne che alcune qualità fossero oggettive, ossia realmente presenti nelle cose, e altre invece fossero soltanto soggettive o sensibili, dovute cioè alla struttura e alla natura degli organi di senso umani.

Prompt: Describe the characteristics of the Knowledge in Democritus (Ribera)'s Biography.Please output in Italian.


section

V

V o v  è la ventesima lettera dell'alfabeto italiano e la ventiduesima dell'alfabeto latino.Il grafema v indica normalmente in italiano una consonante fricativa labiodentale sonora nell'alfabeto fonetico internazionale .

Prompt: In V&A Rotunda Chandelier, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Technique of singing and the The studio.Please output in Italian.


section

deposizione di Cristo nel sepolcro

Deposizione di Cristo nel sepolcro è un dipinto a tempera con riprese a olio su tavola  attribuito a Michelangelo Buonarroti, databile al 1500-1501 circa e conservata nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Lamentation of Christ (van der Weyden) explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Caccia al leone

caccia al leone in solitaria richiede sicurezza e abilità di caccia avanzate, che richiedono un guerriero dedicato. A differenza della caccia di gruppo, la caccia al leone in solitaria non è un evento organizzato ma si verifica per caso, spesso quando un guerriero è fuori a pascolare il bestiame.

Prompt: Explain the Lone hunter about the History of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


subsection

Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: In Epifania, how is the Europe multilingual of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


section

Censimento di Betlemme

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In The Census at Bethlehem, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto di Carlo V a cavallo

Ritratto di Carlo V a cavallo è un dipinto di Tiziano realizzato nel 1548. È un quadro di straordinario valore storico che esercitò una grande influenza sulla pittura barocca del secolo successivo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Equestrian Portrait of Charles V.Please output in Italian.


section

Noli me tangere

L'episodio biblico del noli me tangere fu un tema ricorrente dell'iconografia dal tardo Medioevo al Rinascimento e ispirò diversi pittori, da Duccio di Buoninsegna a Paolo Veronese a Giovanni Antonio de' Sacchis in Italia, da Hans Memling a Hans Holbein il Giovane in area fiamminga e tedesca. Gesù spesso è raffigurato mentre tiene una vanga; questa iconografia vuole rappresentare l'errore di Maria Maddalena che, nel racconto biblico, non riconosce immediatamente Gesù, scambiandolo inizialmente per il "custode del giardino" o il "giardiniere".

Prompt: In Noli me tangere (Titian), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Duccio di Buoninsegna
Gesù
Hans Holbein il Giovane
Hans Memling
Italia
Maria Maddalena
Paolo Veronese
Rinascimento


subsection

Epifania

Gli irlandesi chiamano il giorno la festa dell'Epifania Piccolo Natale o "Natale delle donne" . Al Nollaig na mBan, le donne tradizionalmente si riposavano e festeggiavano per se stesse dopo la cucina e il lavoro delle vacanze di Natale. Era usanza che le donne si riunissero in questo giorno per un pranzo speciale, accompagnato dal vino per onorare il miracolo delle Nozze di Cana.L’usanza odierna è che le donne cenino in un ristorante o si riuniscano in un pub la sera. In questo giorno possono anche ricevere regali da figli, nipoti o altri membri della famiglia. Un'altra usanza popolari che simboleggiano la fine del periodo natalizio nell’Epifania è quella di bruciare nel camino i rametti di agrifoglio natalizio che sono stati usati come decorazioni negli ultimi dodici giorni. celebrazione dell'Epifania funge da ambientazione iniziale per - e fissa l'azione, il tema e il climax - del racconto di James Joyce I morti, appartenente alla sua raccolta del 1914 Gente di Dublino.

Prompt: Describe the characteristics of the Ireland in Epifania's History.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.