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Cento vedute famose di Edo

In Giappone, le Cento di vedute famose di Edo ottennero un importante successo, come testimoniano le innumerevoli reimpressioni effettuate dall'editore, spesso di assai minore qualità rispetto ai primi tiraggi. Quattro artisti copiarono o imitarono la serie, ma senza grandi risultati: Hiroshige II, Utagawa Hirokage, Shōsai Ikkei et Kobayashi Kiyochika. Dopo i paesaggi monumentali e analitici di Hokusai e le vedute liriche di Hisohige all'inizio della sua carriera, le Cento vedute illustrano l'ultimo stadio della stampa paesaggistica in Giappone, caratterizzato da un approccio simbolico, intimo ed emotivo. Le scene di Parigi di Henri Rivière o Pierre Bonnard riprendono idee o costruzioni geometriche dalle Cento veduto di Edo. Furono essenzialmente le composizioni audaci che oppongono primo piano e fondo a ispirare gli artisti francesi, in primo luogo le Les Trente-six Vues de la Tour Eiffel di Henri Rivière, ma anche Georges Seurat, Toulouse-utrec o Édouard Vuillard. Claude Monet s'interessò all'opera di Hiroshige, traendo ispirazione dalla stampa 65, All'interno del santuario Kameido Tenjin, per il suo Stagno delle ninfee, armonia verde del 1899; alla stessa stampa, per il trattamento dei giardini e degli specchi d'acqua, si ispirò anche Paul Cézanne nel realizzare Il ponte di Maincy. Camille Pissarro ebbe a dire di Hiroshige:Vincent van Gogh era molto colpito da queste stampe e ne realizzò delle copie mentre soggiornava a Parigi nel 1887: Giapponeseria: Ponte sotto la pioggia che è tratto dal Acquazzone sul ponte Shin-Ōhashi ad Atake , e Giapponeseria: pruno in fiore, una copia del Giardino dei pruni di Kameido ; tuttavia, egli faticò a riprodurre la sensibilità e le tematiche espresse dall'artista giapponese. Nel 1887, Van Gogh cercò di ridefinire la sua arte e queste copie mostrano il suo interesse per l'uso decorativo e non più solo descrittivo dei colori e delle linee, come un cielo rosso in un paesaggio. Van Gogh, nel 1888 ad Arles, scrisse, circa i colori della Provenza, che "si vede con un occhio più giapponese, si sente diversamente il colore".L'impressionista americano Theodore Robinson elogiò i Fuochi d'artificio sul ponte Ryōgoku . Anche la Fabbrica imperiale di Porcellana di San Pietroburgo riprese l'aquila che plana dall'alto della stampa 107, Fukagawa Susaki e Jūmantsubo, sopra una porcellana del 1913, a testimonianza della circolazione dei motivi giapponesi in tutto l'Occidente.

Prompt: Explain the Fortune of the work of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.

1887
1888
1899
1913
Arles
Camille Pissarro
Claude Monet
Fuochi d'artificio
Georges Seurat
Giappone
Henri Rivière
Hiroshige II
Il ponte di Maincy
Kobayashi Kiyochika
Paul Cézanne
Pierre Bonnard
Porcellana di San Pietroburgo
Provenza
San Pietroburgo
Theodore Robinson
Utagawa Hirokage
Hiroshige II
Vincent van Gogh
Édouard Vuillard


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Antinoo Mondragone

Johann Joachim Winckelmann,  Storia delle arti del disegno presso gli antichi , p. 386

Prompt: How does Antinous Mondragone explain its Bibliography?Please output in Italian.

Johann Joachim Winckelmann
Johann Joachim Winckelmann


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Le vagliatrici di grano

Le vagliatrici di grano è un quadro di Gustave Courbet del 1854. Nel quadro Courbet ritrae la povertà di chi, con magri guadagni, lavora la terra. Eppure la calma rassegnazione delle donne non ci induce a compassione; al contrario, l'impegno espresso dona loro dignità e suscita ammirazione.L'ampio gesto della donna al centro condensa su di sé l'attenzione dell'osservatore e le fa assumere un'importanza paragonabile a quella di una figura rinascimentale. gamma dei colori è limitata, ma non priva di toni forti, come nell'ampia veste rossa della figura centrale. Il nostro sguardo si sofferma così, in particolare, su alcuni elementi visivi. Spesso le donne erano così povere che dovevano portarsi al lavoro i figli. Come si può notare sulla destra, un bambino, dovendo restare molte ore a non fare niente, incuriosito apre un armadietto per vedere cosa c'è dentro. Le vagliatrici di grano fu uno dei quaranta quadri esposti al tendone "Pavillon du réalisme" allestito da Courbet.

Prompt: Focus on The Wheat Sifters and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Gonfalone della Giustizia

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Gonfalon of Justice.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: In Adoration of the Shepherds (Lotto), how is the The adoration of the shepherds in art discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Cristo degli abissi

L'immersione per osservare la statua è una delle escursioni più famose del litorale ligure, e il Cristo è diventato negli anni il simbolo della passione per la subacquea e il mare. In questo contesto trova importanza l'immersione di Cristina Guidi nel 2017. L'immersione è relativamente semplice e poco profonda, e non richiede particolari accorgimenti se non la presenza degli accompagnatori iscritti alla Regione Liguria, in quanto ci si trova all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino.

Prompt: In Christ of the Abyss, how is the Underwater discussed?Please output in Italian.

Area naturale marina protetta Portofino
Liguria
Portofino
Liguria


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: In the context of Epifania, explain the France and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Madonna Pazzi

L'opera, proveniente in tutta probabilità dal Palazzo Pazzi della Congiura in Firenze, venne scolpita per la devozione privata all'epoca dell'inizio della collaborazione con Michelozzo.  figura ebbe uno straordinario successo, infatti se ne conoscono diverse copie.

Prompt: How does Pazzi Madonna explain its History?Please output in Italian.


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Il caffè di notte

Il locale raffigurato è il Café de la Gare, un locale ubicato presso la place martine di Arles dove van Gogh era solito pranzare o trascorrere le serate.  proprietaria di tale bar, madame Ginoux, fu ritratta in vari dipinti vangoghiani, tra cui L'Arlesiana del Metropolitan Museum of Art. Il dipinto, uno dei più riusciti a giudizio dello stesso van Gogh, fu acquistato dopo la morte dell'artista dal facoltoso mercante tessile russo Ivan Morozov: dopo varie peregrinazioni collezionistiche, per le quali nel 1933 il dipinto è stato venduto dalle autorità sovietiche a una galleria di Berlino, per poi approdare in una galleria di New York, Il caffè di notte entrò nelle collezioni del magnate americano Stephen Clark. Nel 1961, alla morte di quest'ultimo, l'opera ha trovato la sua collocazione definitiva nella galleria d'arte dell'università di Yale , sempre negli Stati Uniti.Uno stridente gioco di richiami cromatici interni carica l'opera di un'atmosfera allucinata e tremenda, di profondo disagio: van Gogh, infatti, voleva esprimere con Il caffè di notte la violenza delle passioni umane, che degeneravano soprattutto nei caffè. Lo stesso Vincent fornì una descrizione molto dettagliata dell'opera e delle sue finalità:</ref>}}I bar e i locali notturni erano un soggetto ampiamente frequentato dagli Impressionisti, che ne celebrarono lo status di luogo di ritrovo della «vita moderna»: Il caffè di notte, tuttavia, è assai lontano dalle atmosfere festose e dalle gamme cromatiche allegre di quei dipinti. Lo spazio del Café de l'Alcazar è allucinatorio, angoscioso, e sembra scivolare e dissolversi inesorabilmente. Lo stesso Vincent era soddisfatto di come quest'opera si ponesse al labile confine tra coscienza e deragliamento sensoriale, assumendo i sinistri toni di un incubo particolarmente inquietante.  marginalità delle figure in questa sorta di fornace infernale viene sottolineata dalla loro collocazione: tutti gli avventori del bar, infatti, sono imprigionati nel poco spazio tra i tavolini e le pareti, e nessun cameriere si appresta a raccogliere le ordinazioni di quest'umanità così smunta e decadente . I personaggi raffigurati, anzi, sono isolati, come chiusi in sé stessi. Si noti, in tal proposito, la coppia in fondo a sinistra, l'unica a non essere sopraffatta dall'abuso di alcolici: c'è da dire, tuttavia, che il loro atteggiamento «non è certo quello di due innamorati e dà al contrario un'impressione di brutalità» .Il padrone del locale veste un camice bianco ed è appoggiato, con una posa che denota stanchezza, al tavolo da biliardo, la cui profondità prospettica e la stecca abbandonatavi sopra concorrono a rendere l'atmosfera ancora più opprimente.  sedia vuota in primo piano, simile a quella dipinta da Van Gogh nello stesso periodo, vuole sottintendere il significato dell'assenza. Lo specchio visibile a destra è torbido, offuscato, persino sulfureo: nulla potrebbe essere più distante dalla vivace esuberanza degli specchi impressionisti . L'orologio in alto denota la tarda ora notturna e, oltre a richiamare il modello colto dei memento mori, segna le ore fuggevoli di questa notte di atroce solitudine. Persino le bottiglie di alcolici, ammassate sul bancone in fondo, sembrano soffrire della vertiginosa irruenza che distorce prospetticamente e psicologicamente questo bar, rendendolo del tutto simile a un girone dantesco.

Prompt: Focus on The Night Café and explain the Description.Please output in Italian.


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Baia di Weymouth: Bowleaze Cove e Jordon Hill è un dipinto di John Constable che misura 53 centimetri di altezza e 75 di lunghezza. Eseguito tra il 1816 e il 1817, è conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Weymouth Bay: Bowleaze Cove and Jordon Hill and explain the Abstract.Please output in Italian.

1816
1817
Baia di Weymouth
Bowleaze Cove
John Constable
Londra


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In the context of Last Supper (Rosselli), explain the The Eucharistic institution and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Negazione di san Pietro

Negazione di San Pietro è un dipinto a olio su tela di  realizzato tra il  1609 ed il 1610  dal pittore italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio. È conservato nel Metropolitan Museum of Art.

Prompt: Focus on The Denial of Saint Peter (Caravaggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Musica

voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall'aria espirata dai polmoni. Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea, della faringe e della bocca, ed eventualmente delle altre cavità  facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata, la voce impostata e il falsetto.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Emission type and the The studio.Please output in Italian.


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Quando si diventa vecchi

Il dipinto Quando si diventa vecchi   è opera del pittore olandese di origine ebraica Jozef Israëls.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, When One Grows Old.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Nei primi decenni del XIV secolo le controversie si erano ormai accese.Tra il 1320 e il 1321 ebbe luogo alla Sorbona una disputa tra uno dei discepoli di Scoto, Francesco de Mayronis , e il benedettino Pietro Roger, che sarebbe poi divenuto papa con il nome di Clemente VI . Gli animi si scaldavano tra chi difendeva Scoto e chi lo accusava di eresia.Così un carmelitano, Giovanni Baconthorpe , scriveva:Nel 1387 il domenicano Juan de Monzón, noto anche come Giovanni da Montesono  cominciò a insegnare alla Sorbona che la tesi sull'Immacolata Concezione era nettamente contraria alla fede della Chiesa. Ciò diede vita a una disputa con il francescano Andrea di Novocastro  e suscitò l'opera del suo confratello Giovanni Vidal, Defensorium Beatae Mariae Virginis Adversus Joannem de Montesono, che causò l'intervento di trenta teologi della Sorbona; costoro, dopo aver preso in considerazioni gli argomenti dei due maestri, giudicarono la tesi del domenicano «scandalosa, presuntuosa e offensiva», obbligandolo a ritrattare.Ma né la condanna, né la minaccia di scomunica da parte di Pietro d'Orgemont, vescovo di Parigi, riuscirono a far ritrattare il Monzón, che, pur ricorrendo a papa Clemente VII , ottenne solo condanne.In ogni caso, i trenta teologi parigini, che sostenevano come "possibile" l'opinione immacolatista, riconoscevano anche l'autorevolezza che si deve avere nei confronti della teologia dell'Aquinate. Questa prudente posizione cercava di tutelare la libertà di pensiero di fronte a un argomento non ancora definito dalla Chiesa, ma contemporaneamente ammetteva l'importanza del pensiero di San Tommaso. In effetti, è da questo momento che l'Aquinate divenne il "maestro" degli avversari dell'Immacolata Concezione, e sembra anche che si possa far risalire a questo evento la nascita ufficiale della "scuola scotista dell'Immacolata"; ebbero cioè inizio le due correnti teologiche degli Scotisti e dei Tomisti.Le discussioni continuarono nel 1400, inaugurando tra i teologi cattolici un periodo di discussioni tanto intense e durature da ispirare artisti del secolo successivo  per la rappresentazione di quadri allegorici nominati, appunto, Disputa sull'Immacolata Concezione. Nel 1566 lo stesso Carlo Portelli dipinse una chiara Immacolata Concezione per ribadire il concetto teologico, che però non trovò conferma ufficiale per altri tre secoli.

Prompt: Describe the characteristics of the The disputes of the 14th century in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.

Andrea di Novocastro
Carlo Portelli
Giovanni Baconthorpe
Giovanni Vidal
Giovanni da Montesono
Parigi
Pietro d'Orgemont


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Bambini dell'Olocausto

stella di Andra e Tati, il primo film di animazione europeo sull’Olocausto, regia di Rosalba Vitellaro e Alessandro Belli con un cast d'eccezione di doppiatori come ura Morante, Loretta Goggi e Leo Gullotta,

Prompt: Explain the Cartoon of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Epifania

Bernard Botte, Les origines de la Nöel et de l'Épiphanie: étude historique, Louvain, Abbaye du Mont-César, 1932 Joseph Lemarie,  manifestazione del Signore: la liturgia di Natale e dell'Epifania, Milano, Paoline 1960

Prompt: In Epifania, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Baccanale degli Andrii

Dioniso Camerini d'alabastro Alfonso I d'Este

Prompt: How does The Bacchanal of the Andrians explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Dioniso
Este


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portraitsset and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

I marmi, a Londra, furono danneggiati dall'inquinamento dal XIX secolo alla metà del XX e vennero irrimediabilmente rovinati dai rozzi metodi di pulizia adottati dal personale del British Museum.Un ulteriore tentativo di pulire i marmi avvenne nel 1858. Richard Westmacott, sovrintendente del "muovere e pulire le sculture", in una lettera approvata dal comitato permanente del British Museum il 13 marzo 1858 concluse che alcune parti erano state molto danneggiate dalle tecniche di esecuzione dei calchi con olio e strutto e dai restauri con cera e resina, che avevano provocato il cambio di tonalità dei marmi.Nel 1937-1938 si tentò di nuovo di pulire i marmi dal momento che era appena stata conclusa la nuova galleria in cui collocarli. Il marmo pentelico, con cui sono state eseguite le sculture, acquista naturalmente un colore marrone chiaro simile al miele se esposto all'aria; questa colorazione è spesso definita "patina" del marmo, ma Duveen finanziò la pulitura convinto, erroneamente, che i marmi fossero stati originariamente bianchi: organizzò quindi una squadra di esperti per rimuovere la patina da alcune delle sculture. Gli strumenti utilizzati furono sette raschietti, uno scalpello e un pezzo di pietra abrasiva; questi si trovano ora al Dipartimento di Conservazione del British Museum.  pulizia raschiò via una parte consistente delle sculture: secondo Harold Plenderleith la superficie rimossa in alcuni punti potrebbe essere stata ben un decimo di pollice .Dorothy King, nel 2004, ha affermato che tecniche simili a quelle utilizzate nel 1937-1938 sono state usate dai Greci anche nei decenni più recenti, e ha sostenuto che gli italiani le trovano ancora accettabili. è stata eseguita con tecniche simili a quelle degli anni Trenta, con scalpelli in acciaio e filo di ottone. Uno di questi avvenne nel 1961, quando due studenti fecero cadere una parte di una gamba di centauro. Nel giugno 1981 una figura del frontone occidentale venne leggermente scheggiata dalla caduta di un lucernario di vetro e nel 1966 dei vandali incisero quattro linee superficiali sul retro di una delle statue. Durante un evento simile nel 1970 vennero incise delle lettere sulla parte superiore della coscia destra di un altro personaggio. Quattro anni più tardi dei ladri cercarono di estrarre dei pezzi di piombo da una statua, rovinando il foro nello zoccolo di un centauro in cui era inserito un tassello in metallo.

Prompt: In Elgin Marbles, how is the British Museum of the Damages explained?Please output in Italian.


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Democrito

conoscenza sensibile si basava sulla meccanica atomistica: ogni oggetto, anche se appariva immobile e statico, era costituito da atomi, intervallati dal vuoto, i quali si muovevano continuamente. In particolare la superficie dei corpi era formata da uno strato di atomi più leggeri che si staccavano dal corpo stesso, di cui conservavano però la configurazione esteriore, producendo delle "emissioni atomiche", ossia degli "idoli"  che, attraversando l'aria, colpivano gli organi sensoriali degli animali e degli uomini: l'urto tra gli idoli e gli organi di senso giungeva, attraverso il corpo, fino all'anima, generando la cosiddetta immagine sensibile, che veniva poi trasformata in un contenuto logico.  conoscenza sensibile tuttavia forniva informazioni piuttosto superficiali e spesso ingannevoli sulle qualità degli oggetti percepiti : essa non era in grado né di cogliere la struttura profonda degli enti, quindi la loro natura atomica, né i rapporti causali esistenti tra essi. Pertanto anche Democrito, come Parmenide, svalutò la sensibilità, anche se, diversamente dal filosofo di Elea, gli riconobbe un valore reale, mentre Parmenide la considerò solo un'illusione. Sicuramente superiore ai sensi era la conoscenza logica e razionale, in quanto con il pensiero era possibile raggiungere la realtà metafisica degli atomi ed era possibile comprendere le leggi meccaniche e necessarie della natura.Da questo punto di vista la gnoseologia democritea può essere senz'altro definita razionalistica, dove per razionalismo s'intende in questo caso che le verità fondamentali sul mondo, sia quelle che riguardavano la natura fisica sia quelle concernenti la metafisica, si potevano raggiungere soltanto tramite un procedimento intellettuale e razionale e non sulla base delle semplici percezioni sensibili: solo la ragione logica, il logos, consentiva di comprendere le leggi e i principi della realtà attraverso l'"empeiria". Strettamente collegata a questa teoria fu la distinzione tra "qualità soggettive"  e "qualità oggettive" : distinzione fondamentale, che sarà poi ripresa da molti filosofi, anche in Epoca moderna. Democrito ritenne che alcune qualità fossero oggettive, ossia realmente presenti nelle cose, e altre invece fossero soltanto soggettive o sensibili, dovute cioè alla struttura e alla natura degli organi di senso umani.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the Knowledge and the Opponents.Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Arte dei primi Antonini Marco Aurelio Piazza del Campidoglio Statua equestre Cavalli nell'arte Monete euro italiane

Prompt: Focus on Equestrian Statue of Marcus Aurelius and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Arte dei primi Antonini
Cavalli nell'arte
Marco Aurelio
Monete euro italiane
Piazza del Campidoglio
Statua
Statua equestre


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Lotta tra Carnevale e Quaresima

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In The Fight Between Carnival and Lent, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Correggio), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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marmi di Elgin

Elgin consultò nel 1803 lo scultore Antonio Canova per individuare il modo migliore con cui trattare i marmi, infatti Canova era considerato il miglior restauratore di sculture del tempo; Elgin tuttavia ottenne il rifiuto dello scultore, che temeva di danneggiare ulteriormente i marmi. Inoltre un carico di marmi a bordo del brigantino britannico Mentor incappò in una tempesta al largo di capo Matapan e affondò nei pressi di Citera, ma venne recuperato a spese del conte dopo due anni di lavoro.

Prompt: Describe the characteristics of the Elgin in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


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Allegoria sacra

Il paesaggio riveste un ruolo importante, autentica passione della pittura veneziana da Bellini in poi. Attraverso una sapiente modulazione di luce e colore le figure sono modellate senza l'aiuto visibile del disegno. Le linee di contorno infatti scompaiono e i soggetti appaiono così come corpi fatti unicamente di luce e colore, tipici elementi della prospettiva cromatica veneta. L'atmosfera è infatti impregnata di luce dorata, il naturalismo sottile e totale, il colore ricco e sfumato. Sebbene però vi si leggano i sintomi della nuova visione paesaggistica cinquecentesca, lo schema usato dal pittore è ancora tradizionale, legato a una costruzione razionale e controllata dell'insieme di matrice quattrocentesca.

Prompt: How does Holy Allegory explain its Style?Please output in Italian.


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Trittico degli Uffizi

Circoncisione è la scena più raffinata del trittico, dove Mantegna ricrea appieno un interno classicheggiante, con una profusione di eleganti decorazioni che non si ritrova in nessuna altra sua opera di questo formato. Iconograficamente presenta una rara unione di due episodi, cioè la presentazione al Tempio e la circoncisione. L'atto del sacerdote rimanda infatti al secondo episodio, non frequentemente raffigurato nell'arte del tempo, mentre il resto della scena fa riferimento alla presentazione: vi compaiono infatti la profetessa Anna e san Giuseppe che porta in offerta due tortore, necessarie per il rito di purificazione di Maria, che avveniva, secondo il rito ebraico, dopo la nascita del primo figlio maschio.  contaminazione dei due episodi, che secondo i Vangeli avvennero rispettivamente otto e quaranta giorni dopo la nascita di Gesù, si trova unificata nel vangelo apocrifo dello Pseudo-Matteo, dove si cita una seconda circoncisione avvenuta in occasione del rito di purificazione della madre. Una copia manoscritta di tale testo è ricordata tra i libri della biblioteca dei Gonzaga nel 1407, e non è inverosimile che Mantegna potesse averla usata come fonte.Al centro della scena è collocato il vecchio sacerdote, curvo e canuto ma con un'espressione e una gestualità ferma e consapevole, che direziona lo sguardo dell'osservatore verso il Bambino tra le braccia della Vergine. Egli tiene in mano il coltellino rituale, preso da un vassoio con altri strumenti necessari al rito che gli viene offerto da un giovane inserviente di spalle, abbigliato con un'ampia tunica legata in vita e ai fianchi all'antica. A destra si trovano, oltre alla già citata Anna, l'anziana inserviente del tempio, una donna con un bambino per mano, che mangia una ciambella, che alcuni hanno voluto identificare con sant'Elisabetta e san Giovannino, anche se la mancanza delle aureole fa piuttosto pensare a figure di passaggio.{align=left }Straordinariamente sontuosa è la decorazione della stanza, con un'ornamentazione scultorea all'antica degna della sensibilità di un archeologo. Al centro, in asse con il gruppo principale di figure, campeggia una grande colonna in marmo screziato, che regge, con un capitello fantasiosamente ispirato all'ordine corinzio, due archi a tutto sesto, decorati da ghirlande che contengono medaglioni di scuro marmo serpentino, e nastri svolazzanti. Accanto alla colonna si ergono due paraste in porfido, decorate da elaborate candelabre dorate, che trovano riscontro nelle architetture in rovina del San Sebastiano di Vienna. Esse reggono due architravi nel medesimo materiale, decorate da festoni e conchiglie, sui quali poggiano due archi simili, che contengono due lunette con scene figurate in monocromo: si tratta del Sacrificio di Isacco e della Consegna delle tavole della Legge , due avvenimenti che prefigurano simboleggiano la fedeltà alla legge divina e che secondo la Legenda Aurea di Jacopo da Varagine alludono al rito della presentazione: non di rado si trovano riferimenti a Mosè nelle scene di presentazione al Tempio, come ad esempio , in quella di Ambrogio Lorenzetti del 1342. In alto lo spazio tra gli archi è occupato da un cherubino dorato. Sotto gli archi invece la decorazione è affidata a un paramento marmoreo bianco decorate da preziose specchiature marmoree: a sinistra si trova una mensola sopra un blocco scolpito a girali a bassorilievo; a destra si trova una fastosa porta, con ante decorate in maniera simile alle paraste e con l'architrave sormontata da bassorilievi di cornucopie e un vaso biansato con nastri annodati. Il pavimento è a scacchi marmorei, scorciati in prospettiva.Un termine ante-quem per questa tavola, individuato dal Longhi, è una  di Liberale da Verona datata 1473 dove viene riprodotta l'architettura del tempio. Un recente restauro ha eliminato alcune ridipinture sulla tavola ed ha evidenziato ulteriormente il divario stilistico tra questa opera e gli altri due pannelli del trittico.Esiste un disegno della Vergine col Bambino nella Hamburger Kunsthalle che è considerato uno studio autografo per la stesura finale del dipinto, oppure un lavoro derivato da un copista .

Prompt: In Adoration of the Magi (Mantegna), how is the Circumcision of the Description and style explained?Please output in Italian.

1342
1407
1473
Ambrogio Lorenzetti
Gonzaga
Hamburger Kunsthalle
Legenda Aurea
Liberale da Verona
Mosè
Sacrificio di Isacco
Vienna


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: Explain the Music Humanism Renaissance about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Musica

upright=1.3Un musicista è una persona che esegue o che compone musica per professione. Si possono classificare secondo questo schema, che li suddivide in base al loro ruolo nella categoria professionale: L'arrangiatore modifica una canzone secondo le esigenze di spettacolo. Il cantante usa la propria voce nei brani musicali. Il cantautore scrive le canzoni e le esegue con la propria voce, insieme ad altri musicisti, utilizzando talvolta un proprio strumento di accompagnamento. Il compositore crea la musica e trascrive dalla partitura le parti che i musicisti suoneranno. Il direttore d'orchestra coordina gli elementi di una orchestra. Il direttore di coro coordina gli elementi di un coro. Lo strumentista suona uno strumento musicale del quale è un profondo conoscitore.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Musicians and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel paese di Carruba, la Madonna delle Grazie, patrona del paesino, si festeggia il 2 luglio e la domenica seguente, la festa grande è ogni dieci anni.Il 2 luglio, al mattino, i colpi a cannone e il suono delle campane annunciano il giorno di festa, intorno alle 7:30 la pregevole statua viene svelata tra i canti, le acclamazioni dei devoti, lo sparo dei fuochi d'artificio e il suono a festa delle campane; durante il giorno vi sono varie celebrazioni eucaristiche. domenica seguente, nel mattino vi sono le varie celebrazioni eucaristiche; nel pomeriggio, la banda suonando festosamente gira per il paese. Dopo la messa vespertina, la statua, posta sul fercolo, esce in processione, girando per le vie del paese: il giro è diviso in due anni, un anno la processione percorre il paese superiore del comune di Giarre e l'altro anno il paese inferiore del comune di Riposto. A tarda sera, prima del rientro della processione in chiesa, i fuochi pirotecnici salutano festosamente la Madonna che rientra. Durante la settimana, la statua è esposta alla venerazione dei fedeli.  domenica seguente, dopo le celebrazioni eucaristiche svoltesi durante la giornata, l'immagine viene chiusa nella cappella, tra la commozione dei fedeli e il grido incessante di "Viva a Maronna a razzia!" .

Prompt: Describe the characteristics of the Carruba in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

{ class="wikitable"!N./Lett.!Titolo!Immagine!Descrizione!Significato allegorico!Collocazione-1Minerva trionfa sui Giganti250pxsenza_corniceAl centro è Minerva  che si imbatte sui Giganti , disposti ai lati della scena, sul lato destro in caduta.Sul registro inferiore non vi sono cartigli affrescati. giustizia che domina l'orgoglio e l'eresia.to corto sopra l'ingresso.-2Trionfo della Religione e della Sapienzasenza cornice250x250pxAl centro è la Scienza  che guarda in alto, affiancata dal Divino Aiuto, la Religione e la Purezza. A destra Sileno  porge la ciotola a un ragazzo che gli versa del vino, mentre alcune ninfe si bagnano a una fonte. A sinistra la scivia  si alza da un letto mentre Cupido viene scacciato dallAmor Celeste.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio sono le Tre api Barberini che lavorano i campi, due che tirano un aratro e una terza che le guida con la frusta. religione e la sapienza vincono sulla lussuria e sull'intemperanza.Cartiglio: le tre api sono il simbolo araldico per eccellenza dei Barberini, che in questo caso rappresentano allegoricamente la dedizione al lavoro del casato.to lungo di destra.-3Ercole allontana i Vizisenza cornice250x250pxA sinistra Ercole  allontana con la clava i Vizi e le Arpie. A destra una giovinetta con la fascia di console allude alla Giustizia, mentre la Liberalità inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia .Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è la Clava che germoglia.Le virtù e il valore che scacciano i vizi e le arpie in favore dell'abbondanza.Cartiglio: la prosperità e fertilità sotto il pontificato Barberini.to corto della parete interna della facciata principale.-4Trionfo della Pacesenza cornice250x250pxAl centro è la Pace  in trono, consigliata dalla Prudenza che invia la Podestà a chiudere le porte del tempio di Giano posto a destra. Su quest'ultimo lato giace a terra il Furore , disarmato dalla Mansuetudine e incatenato su una catasta d'armi. A sinistra i Ciclopi  lavorano nelle officine per fabbricare armi.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è il Sole Barberini. pace vince sulla guerra.Cartiglio: il sole è uno dei simboli araldici dei Barberini.to lungo di sinistra.-5Trionfo della Divina Provvidenza250pxNel registro inferiore è la Divina Provvidenza , dotata di scettro e circondata da un alone luminoso che allude alla sua emanazione divina. Dietro di essa stanno sedute Giustizia, Pietà, Potenza, Verità, Bellezza e Pudicizia, mentre poco sopra vola lImmortalità, rappresentata come Urania che regge una corona di stelle. In basso sono Crono , con la falce, mentre divora uno dei suoi figli, e le tre Parche, che filano la vita degli uomini.Nel registro superiore, al culmine della rappresentazione, sono la Fede , Speranza  e Carità  che reggono una corona d'alloro, che nella forma richiama uno stemma, entro cui volano le api Barberini, componendone appunto l'emblema familiare . Ancora più in alto sono la dea Roma col triregno e la Gloria , con le chiavi di san Pietro . Nel vertice alto a sinistra è un putto con una corona di alloro .Elezione di Urbano VIII Barberini a pontefice massimo in seno alla volontà della Divina Provvidenza.Scomparto centrale della volta.-ATelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Storia di Muzio Scevola.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Fortezza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di sinistra.-BLeonesenza cornice250x250px-CTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Temperanza di Scipione.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Temperanza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di destra.-DLiocornosenza cornice250x250px-ETelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Giustizia di Tito Manlio.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Perspicacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di destra.-FIppogrifosenza cornice250x250px-GTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Prudenza di Fabio Massimo.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Sagacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di sinistra.-HDue orsisenza cornice375x375px}

Prompt: How does Allegory of Divine Providence and Barberini Power explain its Catalog of scenes?Please output in Italian.


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Primavera

upright=1.3Un campo fiorito durante la stagione primaverile. primavera è una delle quattro stagioni in cui si divide l'anno; viene dopo l'inverno e precede l'estate.

Prompt: In Primavera (Botticelli), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid).Please output in Italian.


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Giudizio universale

Secondo l'escatologia ebraica esso sarà preceduto dall'avvento del Messia .Per l'Islam, invece, sarà proprio Gesù a tornare. L'equivalente del giudizio universale nell'escatologia islamica è il Giorno del giudizio  o qiyama .

Prompt: In The Last Judgment (Fra Angelico, Florence), how is the Jewish Islamic eschatology of the Other religions explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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William Tecumseh Sherman

Il suo secondo nome contribuì sempre ad attirare curiosità. Egli diceva che suo padre aveva "avuto un momento di stravaganza quando aveva preso la decisione di affibbiargli il nome del grande capo Shawnee, Tecumseh".Secondo una biografia del 1932 sul generale, da bambino Sherman sarebbe stato chiamato semplicemente "Tecumseh". Egli avrebbe acquisito il nome "William" solo dopo essere stato accolto nella famiglia Ewing. madre adottiva Maria Willis Boyle Ewing era di origini irlandesi e fervente cattolica.Secondo un aneddoto, Sherman sarebbe stato battezzato, forse il 25 giugno, nella casa di Ewing da un domenicano di origine italiana, che lo chiamò "William" in onore del santo del giorno.Sherman scrisse nelle sue memorie che il padre lo aveva chiamato "William Tecumseh" e di essere stato battezzato così, appena nato, da un pastore presbiteriano. Da adulto firmò tutta la sua corrispondenza, anche quella privata con la moglie, "W.T. Sherman". I suoi amici più stretti e la famiglia lo chiamavano sempre col soprannome di "Cump".

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Name baptism and the Youth.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: Explain the In France about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Trionfo della Divina Provvidenza

Il Trionfo della Divina Provvidenza e il compiersi dei suoi fini sotto il pontificato di Urbano VIII, più comunemente noto nella forma abbreviata di Trionfo della Divina Provvidenza, è un affresco di Pietro da Cortona realizzato tra il 1632 e il 1639 nella volta del salone del piano nobile di palazzo Barberini a Roma.Nato come esaltazione della famiglia Barberini, allora regnante sul soglio pontificio con Urbano VIII, il ciclo mostra tramite allegorie e temi classici-mitologici quelle che sono le virtù del casato per il buon governo.

Prompt: How does Allegory of Divine Providence and Barberini Power explain its Abstract?Please output in Italian.


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Mietitura

rightrightrightNelle scienze agrarie per mietitura si intende il processo di taglio e raccolta nei campi dei cereali maturi, che precede il processo di trebbiatura. Può essere effettuata a mano o con l'ausilio di attrezzature meccaniche, mentre nella mietitura a mano lo strumento utilizzato è il falcetto."Pittore della mietitura" fu chiamato l'artista francese Léon Lhermitte  per i suoi numerosi quadri su questo soggetto.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Harvesters (painting).Please output in Italian.


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Epifania

In Polonia, l'Epifania o "Trzech Króli"  viene celebrata in grande stile, con enormi cortei che danno il benvenuto ai Re Magi, spesso a cavallo di cammelli o altri animali dello zoo, a Varsavia, Poznań e in oltre 2.000 altre città. I Re Magi distribuiscono dolci ai bambini, si cantano canti natalizi e si mettono in scena presepi viventi, tutti simili alle celebrazioni dell’Italia o della Spagna, che indicano l'eredità cattolica del paese. I bambini possono anche vestirsi con colori che simboleggiano l'Europa, l'Asia e l'Africa  e alla fine del percorso del corteo, i capi della chiesa spesso predicano intorno al significato spirituale dell'Epifania. Nel 2011, con un atto del Parlamento, l'Epifania è stata ripristinata come festa nazionale e giorno non lavorativa dopo la cancellazione operata dal regime comunista cinquant'anni prima.I polacchi portano piccole in chiesa a far benedire scatole contenenti gesso, un anello d'oro, incenso e un pezzo di ambra, in memoria dei doni dei Magi. Una volta a casa, inscrivono "K+M+B+" e l'anno con il gesso benedetto sopra ogni porta della casa, secondo la tradizione, per fornire protezione contro malattie e sventure ai dimoranti. Le lettere, ciascuna seguita da una croce, stanno per i nomi dei tre Re Magi in polacco - Kacper, Melchior e Baltazar – e anche per un'iscrizione latina che significa "Cristo benedica questa casa". Le scritte rimangono sopra le porte tutto l'anno fino a quando non vengono inavvertitamente rispolverati o sostituiti da nuovi segni l'anno successivo. Il 6 gennaio, come in gran parte dell'Europa, viene servita una torta dei Tre Re in stile polacco con una moneta o una mandorla cotta all'interno. Colui che lo riceve è il re o la regina del giorno, che dovrà indossare la corona di carta che decora la torta. Secondo la tradizione polacca questa persona sarà fortunata nell’anno appena iniziato. Le ricette variano in base alla regione. Alcuni servono una torta di pasta sfoglia di tipo francese con ripieno di pasta di mandorle, mentre altri prediligono un pan di spagna con ripieno di crema di mandorle, e altri ancora gustano una torta di frutta leggera.L'Epifania in Polonia segna anche l'inizio dello zapusty o del Carnevale, quando vengono serviti pączki  e chrust .

Prompt: Explain the Poland about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Italia
Polonia
Poznań
Spagna
Varsavia


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Giuditta I

Giuditta IIDipinti di Gustav KlimtSimbolismo

Prompt: In Judith and the Head of Holofernes, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Dipinti di Gustav Klimt
Giuditta
Giuditta II
Gustav Klimt
Simbolismo


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Romolo e Remo

Fondazione di Roma Storia di Roma Remo  Roma Romolo

Prompt: How does Romulus and Remus (Rubens) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Fondazione di Roma
Roma
Romolo
Storia di Roma


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Crocifissione Gavari

Crocifissione Mond o Gavari è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservata nella National Gallery di Londra, con due scomparti di predella al Museo nazionale d'arte antica a Lisbona e in collezione privata. L'opera è firmata alla base della croce: [inxit]».

Prompt: How does Mond Crucifixion explain its Abstract?Please output in Italian.

1502
1503
Lisbona
Londra
Museo nazionale d'arte antica
Museo nazionale d'arte antica
Raffaello Sanzio


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Epifania

In Slovenia, soprattutto nella parte occidentale del Paese, durante il primo giorno dell'anno e l'Epifania, i bambini vanno di casa in casa perché i paesani regalano loro mandorle, fichi secchi, noci o biscotti che hanno nelle proprie dimore.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Slovenia and the Theology.Please output in Italian.


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Al Moulin Rouge

Al Moulin Rouge è, insieme a Ballo al Moulin Rouge, il risultato culminante di tutta la serie di ricerche condotte da Toulouse-utrec sulla vita dei locali di Montmartre. A essere raffigurato, come suggerisce il titolo, è proprio il promemoir del Moulin Rouge, celebre locale notturno aperto nel 1889 e particolarmente amato dai parigini e frequentato, per questo motivo, da una vasta umanità. Toulouse-utrec era particolarmente affascinato dalla comédie humaine che gravitava intorno al Moulin Rouge e, con questo dipinto, ha afferrato la rapinosità di un attimo notturno di questo locale trasgressivo, cogliendolo in tutta la sua verità istantanea.  stessa inquadratura dà il senso di una visione improvvisa e casuale: si notano, in tal senso, evidenti debiti nei confronti de L'assenzio di Edgar Degas. Tangenze tecniche con la pittura impressionista si riscontrano anche nella tessitura luministica e cromatica del dipinto, individuato da pennellate rapide e sciolte e da colori accesi e uniformi. Una balaustra taglia trasversalmente la composizione. A destra si affaccia una donna dalla capigliatura bionda, dalle labbra carnose e vistosamente scarlatte e dal volto ombreggiato di verde : la sua presenza sulla tela è fugace, come se da un momento all'altro ella potesse sottrarsi agli occhi dello spettatore e scomparire. L'identificazione degli altri personaggi che popolano questa tela è risultata abbastanza agevole. Partendo da sinistra troviamo un tavolo attorno al quale sono accerchiati il critico Edouard Dujardin, il fotografo Paul Sescau e il pittore Maurice Guibert con le relativi accompagnatrici a pagamento: la ballerina spagnola Macarona, vista frontalmente, ha il volto pesantemente truccato, a tal punto da sembrare una maschera grottesca e volgare, ed è affiancata da Jane Avril, incorniciata da capelli che fiammeggiano di un bell'arancione, colore indiscriminatamente correlato al meretricio in virtù di una soffocante uniformità che investiva tutte le filles de maison. Dietro quest'improbabile tavolata troviamo una presenza familiare: sul retro del promemoir, infatti, Toulouse-utrec raffigura proprio sé stesso in bombetta con il cugino Gabriel de Céleyran, decisamente più alto di lui . Ancora a destra troviamo altre due stelle del Moulin Rouge: Môme Fromage, dalle proverbiali pose baldanzose ed esuberanti, e la Goulue [Ingorda], così soprannominata per via del suo insaziabile appetito, che si sta aggiustando i capelli.

Prompt: In the context of At the Moulin Rouge, explain the Toulouse-Lautrec painted it and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Ballo al Moulin Rouge
Edgar Degas
Jane Avril
L'assenzio
Montmartre
Moulin Rouge


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Compianto della Croce al Tempio

Sebbene in condizioni di conservazione non ottimali , il dipinto è ben rappresentativo della "pittura di luce" sviluppata dall'Angelico negli anni trenta del Quattrocento. Vi è raffigurato il Cristo appena deposto dalla Croce, circondato dai consueti santi  e alcuni testimoni inconsueti, quali san Domenico  e la stessa Beata Villana, rappresentata in ginocchio a destra vestita di nero, con i raggi invece dell'aureola e con una frase che le esce dalla bocca, tratta dai testi delle sue visioni .Non tutte le figure vengono attribuite alla mano dell'Angelico, poiché di qualità inferiore, ma sicuramente della mano del maestro è l'elegiaco paesaggio sulla sinistra, che sporge oltre le alte mura di una città fortificata: si tratta di Gerusalemme anche se assomiglia a Firenze, ed è paragonabile a un'analoga raffigurazione nell'Arca di San Zanobi di Lorenzo Ghiberti.

Prompt: How does Croce al Tempio Lamentation explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman morì il 14 febbraio 1891 a New York; ci fu un grande funerale nella sua casa. Poi il corpo fu trasportato a Saint Louis dove, il 21 febbraio, si svolse un altro servizio funebre celebrato da suo figlio, Thomas Ewing Sherman, sacerdote gesuita. Il presidente degli Stati Uniti Benjamin Harrison mandò un telegramma alla famiglia e ordinò che le bandiere nazionali fossero tenute a mezz'asta.Uno degli uomini che trasportò la bara in chiesa fu l'ex generale confederato Joseph E. Johnston che, forse per essere stato sotto la pioggia nel corso della cerimonia, contrasse una polmonite che lo portò alla morte. Sherman oggi riposa nel cimitero del Calvario a Saint Louis.

Prompt: Describe the characteristics of the Death in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Service  civil  war.Please output in Italian.


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Assunzione di santa Maria Maddalena

L'opera si trovava originariamente nella pieve di santa Maria a Staggia, per la quale era stata commissionata al Pollaiolo dal notaio Bindo Grazzini, attivo a Firenze ma originario del piccolo borgo fortificato. Il Grazzini era particolarmente devoto alla Maddalena, a cui aveva fatto dedicare una cappella nella pieve e anche un piccolo ospedale nel paese natale. L'opera venne a lungo dimenticata e riscoperta da Guido Carocci nel 1899. Nel 1905 venne pubblicata col giusto risalto da Bernard Berenson.

Prompt: Focus on Elevation of the Magdalen and explain the History.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

nusei , Provincia dell'Ogliastra, Cattedrale di Santa Maria Maddalena. Castiglione del go , provincia di Perugia, chiesa di Santa Maria Maddalena. Capua, Provincia di Caserta, Chiesa di Santa Maria Maddalena. Castel Goffredo, provincia di Mantova, oratorio di Santa Maria Maddalena. Novi Ligure, provincia di Alessandria, oratorio di Santa Maria Maddalena. Pescia, diocesi di Pescia, provincia di Pistoia, chiesa di Santa Maria Maddalena. ri, diocesi di San Miniato, provincia di Pisa, oratorio di Santa Maria Maddalena. Roma, chiesa di Santa Maria Maddalena. Atrani, diocesi di Amalfi - Cava de' Tirreni, provincia di Salerno, collegiata di Santa Maria Maddalena. Fabriano, provincia di Ancona, Chiesa di Santa Maria Maddalena. Sant'Egidio del Monte Albino, provincia di Salerno, Abbazia di Santa Maria Maddalena in Armillis Campo Ligure , provincia di Genova, chiesa di Santa Maria Maddalena Treviso, provincia di Treviso, Chiesa di Santa Maria Maddalena Isola de  Maddalena provincia di Olbia Tempio. Chiesa Parrocchiale di Santa Maria Maddalena Ponte Valleceppi, provincia di Perugia, chiesa di Santa Maria Maddalena

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the In Italy of the Maria Maddalena in the Pistis Sophia explained?Please output in Italian.


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: Explain the The popular song about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Prompt: Explain the Note. Please output **only words**, not sentences. of this artwork, Italian Brigands Surprised by Papal Troops.Please output in Italian.


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Ritratto della famiglia di Filippo V di Spagna (1743)

# Marianna Vittoria di Borbone-Spagna , futura Regina consorte di Portogallo;# Maria Barbara di Braganza , futura Regina consorte di Spagna;# Ferdinando di Borbone-Spagna , futuro Re di Spagna;# Filippo V di Spagna , Re di Spagna;# Luigi Antonio di Borbone-Spagna , futuro Conte di Chinchón;# Elisabetta Farnese , Regina consorte di Spagna;# Filippo I di Parma , Duca di Parma, Piacenza e Guastalla;# Luisa Elisabetta di Borbone-Francia , Duchessa consorte di Parma, Piacenza e Guastalla;# Maria Teresa Raffaella di Borbone-Spagna , futura Delfina consorte di Francia;# Maria Antonia di Borbone-Spagna , futura Regina consorte di Sardegna;# Maria Amalia di Sassonia , futura Regina consorte di Napoli, di Sicilia e di Spagna;# Carlo di Borbone-Spagna, , futuro Re di Napoli, di Sicilia e di Spagna;# Isabella di Borbone-Parma, , futura Arciduchessa consorte d'Austria;# Maria Isabella Anna di Borbone-Spagna, , Infanta di Spagna.

Prompt: In The Family of Philip V (1743), how is the Characters discussed?Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftSecondo lo storico Plutarco, Olimpo, il medico personale di Cleopatra, affermò in un commentario che la causa della morte della regina non era dovuta al morso di un serpente: ciononostante, lo storico greco riportò la morte dovuta al morso dell'aspide, oltre a fornire un'altra versione del suicidio attraverso un oggetto appuntito. Strabone, che riportò per primo il racconto della morte, scrisse che era probabile che Cleopatra si fosse suicidata facendosi mordere da un aspide o bevendo del veleno. Secondo Cassio Dione furono trovati dei piccoli segni sul braccio di Cleopatra, L'egittologo Wilhelm Spiegelberg affermò che la scelta di Cleopatra di suicidarsi con un aspide richiamava il suo status reale, in quanto l'aspide, in realtà il cobra egiziano, rappresentava l'ureo, il serpente sacro del dio del sole Ra. Il professore universitario statunitense Robert A. Gurval fece notare come lo stratego ateniese Demetrio di Falero, relegato in Egitto dal faraone Tolomeo II Filadelfo, si fosse suicidato in una maniera molto simile. François Pieter Retief, preside della facoltà di medicina all'Università dello Stato Libero, in Sudafrica, e Louise Cilliers, ricercatrice onoraria del dipartimento di studi di lettere classiche della stessa università, affermano come sia improbabile che un serpente uccida tre donne adulte  così rapidamente. Quanto alla teoria della forcina per capelli e a quella del veleno, Cilliers e Retief fanno notare come altre figure del mondo antico si siano suicidate in modi simili, come Demostene, Annibale Barca e Mitridate VI del Ponto. Nel suo libro The Murder of Cleopatra: History's Greatest Cold Case, la scrittrice Pat Brown avanza l'ipotesi che la regina sia stata assassinata e i dettagli dell'accaduto siano stati nascosti dalle autorità romane. Questo stravolgerebbe la maggioranza delle fonti primarie sull'accaduto, che concordano nell'affermare che la sovrana sia morta suicida.  storica Patricia Southern ipotizza che sia stato Ottaviano stesso a lasciare che Cleopatra morisse di sua mano invece di ucciderla.

Prompt: In the context of The Death of Cleopatra, explain the Cause of death and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Annibale
Cassio Dione
Cleopatra
Demostene
Mitridate VI del Ponto
Patricia Southern
Plutarco
Ra
Strabone
Sudafrica
Tolomeo II
Università dello Stato Libero
Wilhelm Spiegelberg


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Two Pupils and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Altare Jabach

Il pannello destro mostra due suonatori in piedi, con quello di destra, il tamburino, che contiene probabilmente un autoritratto di Dürer. Il loro significato non è stato pienamente chiarito. Forse essi simboleggiano l'estrema derisione verso il profeta ormai completamente in disgrazia, malato e abbandonato da tutti, oppure tentano di consolarlo con la musica.

Prompt: In the context of Jabach Altarpiece, explain the Piper drummer and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: How does Mary Magdalene (Perugino) explain its Maria Magdalene in the canonical gospels?Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


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Northeaster

Nicolai Cikovsky, Jr., Winslow Homer, Harry N. Abrams, New York, 1990, pp. 11–13, ISBN 0-8109-1193-0. Elizabeth Johns, Winslow Homer: The Nature of Observation, University of California Press, Berkeley, 2002, p. 9, ISBN 0-520-22725-5. Randall C. Griffin, Winslow Homer: An American Vision. Phaidon Press, New York, 2006, ISBN 0-7148-3992-2.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Northeaster (painting).Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman aveva ora la principale responsabilità della condotta militare per l'intero Kentucky, uno Stato di confine in cui le truppe confederate detenevano il controllo sia di Columbus che di Bowling Green ed erano inoltre presenti anche vicino a Cumberland Gap nel confinante Tennessee.Fu colto improvvisamente da una profonda spossatezza, la tensione accumulata lo portò ad essere eccessivamente pessimista sulle prospettive del suo comando e si lamentò spesso con il Governo federale per la scarsità di uomini ed equipaggiamento, tanto da arrivare a fornire stime esagerate della forza dei ribelli.Cominciarono ad apparire anche rapporti della carta stampata assai critici nei suoi confronti, subito dopo una visita da parte del Segretario alla guerra Simon Cameron effettuata ad ottobre; all'inizio di novembre insistette fino allo stremo delle forze affinché fosse sollevato dall'incarico.Fu prontamente sostituito da Don Carlos Buell e quindi trasferito a Saint Louis. A dicembre, oramai immerso in un vero e proprio disturbo depressivo fu messo in congedo dal generale Henry Halleck, comandante del nuovo Dipartimento del Missouri, che lo considerava inadatto al compimento del dovere affidatogli. Se ne andò così a ncaster nell'Ohio per cercare di recuperare le forze e riprendersi moralmente.Mentre in questo lasso di tempo si trovava a casa, la moglie Ellen scrisse al fratello di lui, il senatore J. Sherman, chiedendo consigli sul da farsi; la donna si lamentò veementemente di "quell'insana malinconia alla quale i membri della vostra famiglia sono soggetti". Sherman in seguito scrisse che le preoccupazioni del comando "mi avevano spezzato i nervi", ed ammise di aver contemplato anche l'idea del suicidio. I suoi problemi risultarono ancor più aggravati quando il Cincinnati Commercial lo descrisse come "affetto da follia".Verso la metà di dicembre si era ristabilito a sufficienza dall'esaurimento nervoso per tornare in servizio. Nel marzo 1862 il comando di Halleck fu ridisegnato nella Divisione militare del Mississippi e ingrandito per unificare il quartier generale dell'intero Teatro Occidentale della guerra. I primi incarichi di Sherman dopo il suo ritorno riguardavano compiti di supporto nelle retrovie, inizialmente la gestione di un campo di addestramento nelle immediate vicinanze di Saint Louis e poco dopo al comando del Distretto di Cairo.Ad un certo punto Halleck suggerì al comandante generale dell'esercito statunitense George McClellan che a Sherman potesse venire affidato il comando di una spedizione sul fiume Cumberland , ma l'allora nuovo segretario alla guerra Edwin McMasters Stanton obiettò dicendo a Lincoln che qualsiasi "spedizione... si rivelerà disastrosa sotto la guida del generale Sherman".Operando dalla propria base situata a Paducah, nel Kentucky, fornì il supporto logistico per le operazioni di Grant volte a scatenare l'offensiva nella battaglia di Fort Donelson. Grant, il precedente comandante del Distretto di Cairo, aveva da poco ottenuto un pieno successo nell'importante battaglia di Fort Henry  e a seguito di ciò gli era stato conferito il comando dell'Armata del Tennessee.Sebbene Sherman fosse tecnicamente l'ufficiale superiore in quel momento, scrisse al vincitore: "mi sento ansioso nei tuoi riguardi, perché so che i confederati hanno concentrato le loro forze attraversando il fiume Tennessee, ma nonostante questo nutro fiducia in te: comandami in qualsiasi modo tu lo ritenga più opportuno".

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Antidepressants of the Strategy explained?Please output in Italian.

1862
Armata del Tennessee
Dipartimento del Missouri
Divisione militare del Mississippi
Don Carlos Buell
Edwin McMasters Stanton
Fort Donelson
Henry Halleck
Kentucky


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La morte di Giacinto

morte di Giacinto  è un olio su tela di Jean Broc del 1801. Risulta essere l'opera più famosa del pittore francese discepolo di Jacques-Louis David ed è ispirata dalla storia raccontata da Publio Ovidio Nasone nelle sue Metamorfosi. Si tratta di una rappresentazione della morte del bellissimo adolescente Giacinto cullato tra le braccia del suo amante, il dio greco Apollo: di fronte a loro, a terra, il disco che ha causato la morte del ragazzo e che è stato lanciato dal dio stesso. Acquistato dal barone Horace Demarçay ; viene donato al museo cittadino dalla vedova nel 1899, in quanto riteneva sconveniente che vi fossero in casa ritratti di maschi nudi i quali potevano essere veduti anche dalle giovani nipoti. Attualmente appartiene alla collezione della città di Poitiers ed è spesso esposto al Musée Sainte-Croix, il più grande della città.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Death of Hyacinthos.Please output in Italian.

1801
Apollo
Jacques-Louis David
Jean Broc
Poitiers
Publio Ovidio Nasone