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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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La tinozza

È ancora una volta Huysmans a descriverci  tinozza: .</ref>}}In quest'opera il pennello di Degas occhieggia nell'interno di un'abitazione privata, dove una giovane e fragile donna è raffigurata chinata di spalle mentre si lava il collo: è completamente svestita, ma elude l'oscenità e, anzi, restituisce un'impressione di delicatezza e pudicizia . Sotto i suoi piedi vi è infine la tinozza di ferro che dà il nome al dipinto. Anche in questo pastello Degas si concede ampie libertà compositive e decide audacemente di falsare la prospettiva ricorrendo alla tecnica dello «strapiombo». Nella porzione destra della scena, infatti, interviene una mensola biancastra sulla quale è disposta l'oggettistica da bagno, che nel suo complesso va a costituire uno splendido brano di natura morta: vi troviamo, infatti, un paio di forbici, una spazzola, una massa di capelli posticcia e due brocche di grandi dimensioni, di cui la prima è in rame e l'altra è bianca e finemente decorata. L'inserimento della mensola genera una morbida  cesura dello spazio pittorico e giustifica la rappresentazione dall'alto dell'attività della donna, della quale maschera così il volto. Gli altri dettagli che completano il pastello ribadiscono invece l'indigenza della donna: il pavimento, infatti, è logoro e malandato, e la stessa donna si sta lavando in una tinozza, non potendosi evidentemente permettere una vasca da bagno. Sullo sfondo si scorge infine un letto sfatto.

Prompt: Focus on The Tub and explain the Description.Please output in Italian.


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Statua di Robert Milligan

scultura raffigura Robert Milligan in piedi, appoggiato a una colonna avvolta alla sommità da un velo che scende fino ai suoi piedi. Il mercante scozzese indossa degli abiti tipici della sua epoca e regge un cartiglio con una mano. Sotto è riportato il suo nome, anche se "Robert" viene abbreviato in "Robt". Sul basamento erano presenti delle targhe bronzee, delle quali quella situata sul retro della scultura costituiva una dedica a Milligan e spiegava come fosse stato eretto il monumento, mentre quella davanti  mostrava Britannia, la personificazione femminile del Regno Unito, che riceveva il commercio  da una donna e tre bimbi, che dovrebbero rappresentare il triangolo del commercio.

Prompt: Focus on Statue of Robert Milligan and explain the Description.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

I primi mesi vennero occupati dai disegni preparatori , la costruzione del ponte e la preparazione delle superfici da affrescare, della quale si occupò il maestro Piero Rosselli, già autore della citata lettera del 10 maggio 1506. Il 10 giugno 1508 i lavori dovevano già procedere, poiché il cerimoniere pontificio Paris de Grassis registrò come le cerimonie liturgiche nella cappella erano state disturbate dalla caduta di polvere causata da costruzioni nella parte alta della cappella. Il 27 luglio il Rosselli era pagato a saldo.Per essere in grado di raggiungere il soffitto, Michelangelo necessitava di un'impalcatura, che permettesse anche il contemporaneo svolgersi delle attività religiose e cerimoniali nella cappella. I primi ponteggi vennero ideati proprio dal rivale Bramante, che ideò una speciale impalcatura, sospesa in aria per mezzo di funi. Michelangelo, che nelle sue lettere e negli scritti dei biografi non manca occasione per screditare e mettere in dubbio le capacità artistiche dei suoi rivali , giudicò la struttura del tutto inadeguata, poiché avrebbe lasciato dei buchi nel soffitto una volta completato il lavoro, rifacendo completamente il ponteggio di mano sua]]Ricostruì così un'impalcatura da sé, in legno. Il ponteggio di Michelangelo, tanto lodato da Vasari, in realtà si basava su un adattamento di un sistema già in uso per la gittata delle volte: sei coppie di capriate reggevano un'impalcatura pensile a "gradoni", appesa a sostegni ricavati da fori nei muri della parte alta, vicino alle finestre, che permetteva di lavorare alle varie superfici ora in posizione orizzontale, ora verticale, ora trasversale. Annotò polemicamente il Condivi che l'esempio di Michelangelo «fu cagione d'aprir gli occhi a Bramante et di imparar il modo di far un ponte; il che poi nella fabrica di San Pietro molto gli giovò»In pratica, con questa struttura Michelangelo risolse il problema dell'altezza e della mobilità, ma non quello della comodità: lo testimoniò lui stesso raffigurandosi nell'atto di dipingere la volta, accanto ad un componimento in versi che, "tradotto" in italiano moderno, recita:Sono teso come un arco.Mi è già venuto il gozzo, il ventre me lo sento in gola, i, lombi mi sono entrati nella pancia, non vedo dove metto i piedie il pennello mi gocciola sul viso.Tra la fine d'agosto e i primi di settembre del 1508 Michelangelo fece arrivare da Firenze una serie di aiuti, tra i quali l'amico Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Aristotile da Sangallo e altri i cui nomi si incontrano solo in quest'occasione, elencati da Vasari: si tratta di aiuti provenienti dalle botteghe fiorentine di Ghirlandaio o di Cosimo Rosselli. Secondo lo storico aretino, Michelangelo ebbe con loro contrasti poiché insoddisfatto del loro lavoro, licenziandoli in maniera brusca. In realtà pare che se un certo Jacopo di Sandro se ne andò contrariato da Roma nel gennaio del 1509, altri arrivarono successivamente, come Jacopo di zzaro detto l'Indaco Vecchio, mentre dal carteggio e dai Ricordi di Michelangelo pare che rimase Aristotile da Sangallo, pratico anche in architettura e prospettiva. Inoltre con alcuni di loro, quali il Bugiardini e il Granacci, l'artista mantenne buoni rapporti anche in seguito, impensabili se il racconto vasariano della "cacciata" fosse vero. Studi stilistici hanno riscontrato la presenza di interventi collaborativi almeno fino al gennaio del 1511, dopodiché l'artista pare che continuò in solitaria. In ogni caso essi lavorarono in assoluto subordine rispetto a Michelangelo, senza libertà d'azione rispetto alle scene da rappresentare, con cartoni molto dettagliati da seguire. Già dalle scene del Peccato originale e cacciata dal paradiso terrestre e della Creazione di Eva si nota una drastica riduzione del numero delle giornate  e gli Ignudi, anziché dopo le scene centrali, iniziarono ad essere dipinti per primi: sono chiari indizi della drastica riduzione degli aiuti. In quel momento gli aiuti fiorentini dovettero essere licenziati, lasciando il posto ad altri dediti alle incombenze più modeste come la preparazione dei colori e degli intonaci.Le prime fasi della decorazione furono rese difficoltose anche da inconvenienti di ordine tecnico, legati alla comparsa di muffe, ricordate da Condivi e Vasari e comprovate in occasione del restauro. sensazione di essersi cimentato in un'impresa in cui non era sufficientemente esperto e le difficoltà iniziali portarono l'artista a una profonda scontentezza, che manifestò in una lettera al padre del 27 gennaio 1509: «Questa è la dificultà del lavoro, e ancora el non esser mia professione. E pur perdo il tempo mio senza fructo. Idio m'aiuti».Se il fatto che l'artista dovette lavorare sdraiato è forse una leggenda, sicuramente le sue condizioni di lavoro dovettero essere molto dure: la poca luce che filtrava attraverso le finestre e le impalcature era incrementata dall'illuminazione incerta e poco omogenea di candele e lampade; il capo doveva essere tenuto all'indietro, causando "grandissimo disagio", tanto che quando scese Michelangelo "non poteva leggere né guardar disegni se non all'insù, che gli durò parecchi mesi".

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Initial phases and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Arringatore

Le fonti rinascimentali non concordano sul luogo del rinvenimento dell'opera: secondo alcune fu rinvenuta nel 1566 a Sanguineto, frazione di Tuoro sul Trasimeno, e secondo altre a Pila, frazione di Perugia. Uno studio del 2019 dell’Archivio di Stato di Perugia e basato sulla lettura e trascrizione di alcune carte di un processo civile negli anni 1567-1574 relativo al ritrovamento e legittimo possesso della statua, attesta ormai in maniera incontrovertibile il ritrovamento presso Pila.Dalla iscrizione incisa sulla toga  si sa che la statua era dedicata, forse dalla comunità, a un notabile etrusco di nome Aulo Metello, originario di Perugia o Cortona. Doveva trovarsi presso un santuario o, con meno probabilità, presso la tomba del personaggio.Essendo un pezzo pressoché unico, la datazione si è basata su confronti con statue romane tardo-repubblicane, riferibili agli ultimi decenni del II secolo a.C., come l'ara di Domizio Enobarbo o i frontoni di via San Gregorio. Il ritratto è pure paragonabile a lavori romani, come la Statua di personaggio da Delos, con la quale ha in comune il verismo derivato dal tardo ritratto ellenistico.  presenza dell'iscrizione etrusca anticipa poi la datazione al 100 a.C. o poco prima, altamente improbabile dopo la concessione della cittadinanza optimo iure agli Italici. L'opera, comunque, conferma la matrice espressiva etrusca del realismo romano.

Prompt: In The Orator, how is the History discussed?Please output in Italian.

1566
Archivio di Stato di Perugia
Cortona
II secolo a.C.
I secolo a.C.
Perugia
Tuoro sul Trasimeno


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: In the context of St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), explain the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome and the Biography.Please output in Italian.


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Schiavo barbuto

Lo Schiavo barbuto è il più finito dei prigioni fiorentini e deve il suo nome alla folta barba ricciuta. Il torso muscoloso in torsione denota un approfondito studio anatomico, tipico delle migliori opere di Michelangelo; le gambe, leggermente piegate e divaricate, sono tenute da una fascia, e per quanto riguarda le braccia, il destro è sollevato a reggere la testa reclinata, il secondo, con la mano da scolpire, sembra che dovesse reggere la fascia.Tutta la superficie è resa vibrante dalle tracce dei diversi scalpelli e raschietti usati nella scolpitura. Lungo i fianchi si nota una frattura sanata di cui non si conosce la causa.Proprio lo stato non-finito è all'origine della straordinaria energia , che coglie la figura in una sorta di atto primordiale nel liberarsi dal carcere della pietra grezza, un'epica lotta contro il caos. Il significato iconologico delle figure era probabilmente legato al motivo dei Captivi nell'arte romana, infatti Vasari li identificò come personificazioni delle province controllate da Giulio II; per il Condivi invece avrebbero simboleggiato le Arti rese "prigioniere" dopo la morte del pontefice. Altre letture sono state proposte di carattere filosofico-simbolico o legate alla vita personale dell'artista e i suoi "tormenti".

Prompt: Focus on Bearded Slave and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Nel 1966 le Poste sovietiche hanno dedicato al dipinto dell'Ermitage un francobollo da 16 copechi.

Prompt: In The Lute Player (Caravaggio), how is the Curiosity discussed?Please output in Italian.


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neoimpressionismo

tecnica divisionista e l'approccio scientifico alla pittura di Seurat e Signac ebbe grande influenza anche su alcuni pittori italiani e questo divenne evidente nella Prima Triennale di Milano tenutasi nel 1891. Guidati da Vittore Grubicy de Dragon e codificati poi da Gaetano Previati nel suo saggio Principi scientifici del divisionismo del 1906, alcuni pittori principalmente del nord Italia sperimentarono a vario titolo queste tecniche.Pellizza da Volpedo applicò la tecnica a soggetti sociali ; in tal senso si mossero anche Morbelli e Longoni. Fu però in materia di paesaggi che il divisionismo trovò forti sostenitori tra cui Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli e Matteo Olivero. Ulteriori sostenitori al genere pittorico furono Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Camillo Innocenti, Enrico Lionne, Eugenio Cecconi e Arturo Noci. Il divisionismo ebbe anche un'influenza importante nell'opera dei futuristi, soprattutto nel primo periodo. Tra questi vi erano Gino Severini , Giacomo Balla , Carlo Carrà  e Umberto Boccioni .

Prompt: In Neo-Impressionism, how is the Italy of the You have to study science. explained?Please output in Italian.

Angelo Morbelli
Arturo Noci
Camillo Innocenti
Carlo Carrà
Enrico Lionne
Eugenio Cecconi
Gaetano Previati
Giacomo Balla
Gino Severini
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Italia
Matteo Olivero
Plinio Nomellini
Rubaldo Merello
Triennale di Milano
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Religion and the In the arts.Please output in Italian.


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Caccia al leone

caccia al leone in solitaria richiede sicurezza e abilità di caccia avanzate, che richiedono un guerriero dedicato. A differenza della caccia di gruppo, la caccia al leone in solitaria non è un evento organizzato ma si verifica per caso, spesso quando un guerriero è fuori a pascolare il bestiame.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Lone hunter of the History explained?Please output in Italian.


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Madonnina

Alla Madonnina è dedicata la celeberrima canzone in dialetto milanese O mia bella Madonnina, scritta nel 1935 da Giovanni D'Anzi.

Prompt: Explain the Music about the Height of this artwork, Madonnina (statue).Please output in Italian.


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Madonna della Loggia

Madonna della Loggia è un dipinto a tempera su tavola  attribuito a Sandro Botticelli, databile al 1467 circa, e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna della Loggia (Botticelli).Please output in Italian.

1467
Firenze
Galleria degli Uffizi
Sandro Botticelli


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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La fattoria

prima edizione italiana ha avuto come location la Toscana ed era ambientata nel 1870 , mentre la seconda si è svolta in un'ipotetica fazenda in Brasile. Invece, la terza edizione, si è svolta in una kasbah nell'arabeggiante atmosfera del Marocco, mentre la quarta si è svolta di nuovo in Brasile.

Prompt: Focus on The Farm (Miró) and explain the History.Please output in Italian.


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Isabella

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Isabella (Millais painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portrait environment autonomy of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Fontana Maggiore

Prompt: How does Fontana Maggiore explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: In the context of Portrait of a Young Man (Barocci), explain the Subject and the Description.Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Nascita di Venere

L'opera nasconde un'allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.Sicuramente la nudità della dea non rappresentava per i contemporanei una pagana esaltazione della bellezza femminile, piuttosto il concetto di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che rappresenta la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un parallelismo tra Venere e l'anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. Sarebbe dunque un'allegoria dell'amore inteso come forza motrice della Natura e la figura della dea e la posa di Venus pudica  rappresenterebbe la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima.Un'altra interpretazione associa il quadro alla necessità di rappresentare la nascita di una Medici appena nata: Maria Margherita.Tra le varie interpretazioni recenti, sta emergendo l'idea che la rappresentazione sia interpretabile attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche derivate dall'influente accademia fiorentina, che rimanderebbero ad un pensiero di matrice geografica, che a sua volta, si collega agli avvenimenti preparatori della scoperta-disvelamento del Nuovo Mondo. .Questo era del resto uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche negli altri dipinti a soggetto mitologico realizzati dal Botticelli all'incirca nello stesso periodo.Anche Giulio Carlo Argan evidenzia, tra i significati impliciti del dipinto, la corrispondenza fra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo.  nudità di Venere significa semplicità, bellezza, purezza: è un bello spirituale.  natura è espressa nei suoi elementi ; simbolica è anche la conchiglia. Il ritmo che permea l'opera è governato dal dèmone platonico, il furor che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, in quanto generato dall'aspirazione a qualcosa che non si ha o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.

Prompt: Explain the Interpretation about the Description of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.

Giulio Carlo Argan
Marsilio Ficino
Medici


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Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae

Mademoiselle nge nelle vesti di Danae  è un dipinto del pittore francese Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Questo quadro satirico ritraente l'attrice Anne-Françoise Elisabeth nge come Danae rimpiazzò una Venere durante gli ultimi due giorni del Salone parigino del 1799, dopo una disputa tra l'artista e la modella. Attualmente fa parte della collezione dell'istituto d'arte di Minneapolis.

Prompt: Focus on Portrait of Mlle. Lange as Danae and explain the Abstract.Please output in Italian.

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson
Danae
Minneapolis


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Crocifissione Gavari

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Mond Crucifixion and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico dei Sette Dolori

A Dürer si tende oggi ad attribuire la sola tavola centrale, mentre le sette tavolette dei Dolori sarebbero state realizzate su suo disegno da assistenti.  Mater Dolorosa, ridotta di circa 18 cm alle estremità, arrivò nel museo bavarese dal convento di Benediktbeuren di Monaco ai primi dell'Ottocento. Venne accuratamente restaurata negli anni trenta del Novecento e in quell'occasione si chiarì l'origine della tavola, che prima si riteneva una Vergine annunciata facente parte di un presunto dittico con un Angelo dell'annunciazione perduto. Una volta rimosse infatti le ridipinture e scritte apocrife si riscoprì la nicchia a conchiglia , l'aureola e la spada che spunta a destra, simbolo appunto della Mater Dolorosa.

Prompt: Describe the characteristics of the Mother Sorrowful in Seven Sorrows Polyptych's History and description.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi nella neve

L'opera si trovava nella collezione del banchiere francese Eberhard Jabach alla sua morte , come testimonia l'inventario: "Inverno, con molte figurette; in primo piano i tre re che adorano Nostro Signore; cade fitta la neve, un ragazzino si diverte con la slitta sul ghiaccio: del Vecchio Bruegel".

Prompt: Explain the History of this artwork, Adoration of the Magi in a Winter Landscape.Please output in Italian.


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Declaration of Independence

Il dipinto è basato su una versione precedente e ridotta, attualmente esposta a New Haven, nel Connecticut, e dopo che l'autore aveva già fatto l'esperienza di visitare la sala dove ebbe luogo il Congresso nella Independence Hall a Filadelfia e di ritrarre alcuni dei personaggi lì presenti. Viene spesso erroneamente interpretato come il momento della firma della dichiarazione d'indipendenza, quando, in realtà, rappresenta il momento della consegna del documento e in cui, tra l'altro, non erano presenti tutte queste personalità. Sono presenti in totale 47 figure, di cui 42 facenti parte dei 56 firmatari, mentre le altre 5 non si trovavano lì in quell'occasione.Affascinato dall'idea di John Trumbull di raffigurare eventi della storia americana, Thomas Jefferson invitò l'artista dove stava lui a Parigi. Lì Trumbull scrisse: "I began the composition of the Declaration of Independence, with the assistance of [Jefferson’s] information and advice" . Consapevole di creare una testimonianza per le generazioni future, l'artista raffigura l'intero comitato  nel presentare il documento a John Hancock, piuttosto che Jefferson da solo, come effettivamente avvenne. Trumbull consultò Adams e Jefferson su chi raffigurare nella scena e fu incitato a raffigurare anche personaggi non presenti, che non avevano firmato, o che erano contrari, perché comunque con il merito di aver contribuito alla Rivoluzione Americana. Il pittore lavorò su questo quadro per oltre trent'anni, sperando di arrivare a includere tutte le 56 figure, ma senza riuscire a ottenerne tutte le effigi. Dei 47 personaggi presenti, ne sono stati raffigurati ancora in vita 36, mentre i restanti sono stati presi da altri ritratti o da parenti.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Declaration of Independence (painting).Please output in Italian.

Connecticut
Filadelfia
Independence Hall
John Hancock
John Trumbull
New Haven
Thomas Jefferson


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Statua di Millicent Fawcett

Il redattore artistico della BBC News Will Gompertz ha assegnato alla statua cinque stelle nella sua recensione, affermando che prima dell'inaugurazione, le uniche statue che spiccavano nella piazza erano quelle di Winston Churchill e di David Lloyd George. Ha elogiato la concezione generale del progetto e ha definito lo striscione convincente, ipotizzando che il design fosse stato influenzato dall'opera di Wearing dei primi anni '90 Signs That Say What You Want Them To Say And Not Signs That Say What Someone Else Wants You To Say in cui aveva scattato una serie di fotografie di estranei che mostrano i loro pensieri personali sui pezzi di cartoncino bianco. Nel complesso, ha ritenuto che la statua avesse un tale impatto da cambiare il contesto di Parliament Square affermando che "la statua di Fawcett fa sembrare ridicola la maggior parte delle altre, o pomposa o entrambe le cose"  e che ha dato all'area un punto focale che mancava dalla fine della protesta per la pace di Brian Haw.

Prompt: Focus on Statue of Millicent Fawcett and explain the Reactions  Comments.Please output in Italian.


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Annunciazione Martelli

Christa Gardner von Teuffel e Ciro Castelli,  tavola dell'Annunciazione Martelli nella basilica di San Lorenzo a Firenze, con uno studio tecnico sulle modalità costruttive del supporto, in "OPD Restauro", No. 26 , pp. 35-52

Prompt: In Martelli Annunciation, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Monumento a Giordano Bruno

scultura bronzea ha un'impostazione solo apparentemente statica: il piede destro, infatti, è spostato in avanti imprimendo vita e movimento all'intero corpo statuario.  composizione del monumento è carica di significati simbolici. Tra questi è emblematica la posizione, che corrisponde al luogo in cui Bruno fu arso sul rogo. È da quel punto che la statua volge lo sguardo severo e austero in direzione del Vaticano, il suo accusatore. Le mani sono incrociate sul grande libro, come se una catena ne legasse i polsi e rendesse impossibile aprirlo. Il cappuccio del mantello, poi, mette in ombra il viso conferendogli un'aura di mistero.

Prompt: Explain the Statue about the Description of this artwork, Monument to Giordano Bruno.Please output in Italian.


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Madonna di Foligno

Oltre alla consolidata interpretazione del dipinto come ex voto, l'iconografia della pala è stata messa in relazione con un preesistente affresco  di Pietro Cavallini nella stessa basilica di Santa Maria in Aracoeli, che rappresentava l'apparizione di Maria con Bambino avvolta in un cerchio di luce sul Campidoglio a Roma all'imperatore Augusto nel giorno della nascita di Gesù, secondo la storia narrata nella Leggenda aurea di Jacopo da Varagine. Il dipinto, posizionato originariamente sotto questo affresco, ne riprenderebbe il tema adattandolo a epitaffio sepolcrale del committente, morto a circa 80 anni, prima del completamento della pala. Questo giustificherebbe il volto scavato dell'anziano committente, che appare come una sorta di maschera funeraria; così come la tabula ansata priva di iscrizioni tenuta dall'angioletto, riproporrebbe un'iconografia sepolcrale di origine paleocristiana, ma presente anche nei monumenti funebri del XV secolo come la tomba del papa Sisto IV.

Prompt: Explain the Interpretative hypothesis of this artwork, Madonna of Foligno.Please output in Italian.

Augusto
Campidoglio
Pietro Cavallini
Roma
XV secolo


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Uomo di pietra

Sotto il rilievo è incisa un'epigrafe in latino.  prima parola, il verbo Carere , è all'origine del nome popolare Scior Carera.Sul piedistallo, una seconda iscrizione ricorda la precedente collocazione in via San Pietro all'Orto.Secondo la tradizione, alla statua sarebbe stato affisso il manifesto per lo "sciopero del fumo" del gennaio 1848 che portò alle Cinque giornate di Milano. In realtà la posizione elevata avrebbe reso difficile l'affissione di manifesti.

Prompt: In the context of Scior Carera, explain the Registrations and the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Armatura

Durante il basso medioevo la base dell'armatura era generalmente costituita da una maglia di metallo detta "Usbergo", alla quale furono gradualmente aggiunte piccole piastre o dischi addizionali per difendere aree vulnerabili. Nel XIV secolo le ginocchia furono coperte con acciaio e due dischi circolari furono applicati alle giunture delle braccia per fornire protezione in assetto da guerra.  piccola protezione del cranio si evolse in un grosso elmo: la parte posteriore fu infatti allungata per coprire il retro del collo e i lati della testa. Ulteriori piastre di acciaio furono poi sviluppate per proteggere stinchi, piedi, gola e il torace, e presto  molte parti della maglia furono coperte da queste piastre protettive.  fase successiva vide le piastre coprire tutte le parti della maglia. Nella seconda metà del XIV secolo furono inoltre introdotti svariati tipi di elmo.Nel XV secolo, quasi ogni parte del corpo era ricoperta da piastre d'acciaio specifiche, tipicamente portate sopra vestiti di lino o lana e attaccati tramite cinghie e fibbie. Nelle zone in cui applicare un'armatura rigida era impossibile  si utilizzavano maglie  di acciaio costituite da anelli fissati tra loro. Altri famosi componenti dell'armatura a piastre sono l'elmo, i mitteni , la gorgiera, la piastra frontale, i cosciali e gli schinieri.Normalmente l'armatura completa era confezionata su misura. Spesso l'armatura recava, all'interno, mostrine militari, visibili al solo cavaliere. Chiaramente richiedeva molte ore di lavoro e grosse spese: costava, in proporzione, circa quanto una casa o una macchina di lusso del giorno d'oggi. Solo i nobili e i proprietari terrieri potevano quindi permettersela, mentre i soldati di basso rango utilizzavano corazze più economiche . Di solito esse comprendevano un elmo e una piastra frontale.L'armatura completa rendeva il soldato quasi inattaccabile dai colpi di spada, fornendo inoltre una discreta protezione contro frecce, mazze e colpi dei primi moschetti. Anche se le lame delle spade non erano in grado di penetrare la piastra , i colpi potevano causare seri danni da concussione.  tattica che si utilizzò per contrastare i cavalieri sempre più corazzati consistette infatti nell'utilizzo di armi da impatto, come mazze e martelli da guerra. Esse erano in grado di infliggere fratture, emorragie, e traumi cranici. Un'altra tattica consisteva nel mirare agli interstizi tra le piastre, usando daghe per attaccare gli occhi o le giunture del cavaliere.Al contrario di quanto spesso si crede, un'armatura da battaglia medievale  non ingombrava il cavaliere più delle protezioni che si utilizzano oggi. Un cavaliere corazzato  poteva facilmente correre, strisciare, salire scale, montare e smontare da cavallo senza ricorrere ad argani . Si stima che una corazza completa a piastre medievale pesasse mediamente poco più di 27 kg, considerevolmente più leggera dell'equipaggiamento portato dalle truppe d'élite degli eserciti contemporanei . In media negli eserciti contemporanei i soldati portano 30 kg di bagaglio in combattimento.Anche per i cavalli furono sviluppate delle bardature a piastre d'acciaio allo scopo di ripararli dalle lance e dalle armi della fanteria. Oltre a fornire protezione, ciò rendeva più impressionante e intimidatorio il cavaliere. Bardature elaborate erano anche utilizzate come corazze da parata. In Italia le principali collezioni pubbliche d'arme, sono oggi visitabili presso il museo Stibbert di Firenze, o l'armeria reale di Torino, mentre alcune collezioni private minori, si trovano presso castello Coira, castello di Bracciano, o castello Gallelli.

Prompt: Explain the Middle Ages about the The word "null" in English is "null." of this artwork, O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji.Please output in Italian.

Barda
IV secolo
Usbergo
XIV secolo
XV secolo


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio

Prompt: Explain the Work of art of this artwork, Presentation at the Temple (Mantegna).Please output in Italian.


section

Introduzione del culto di Cibele a Roma

Prompt: How does The Introduction of the Cult of Cybele at Rome explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Persefone

Nella tradizione orfica e in quella dei misteri eleusini, Persefone è madre di alcuni figli, in genere avuti da Zeus, ma in qualche caso anche dal marito Ade ; in tali tradizioni i figli di Persefone sono Dioniso, Iacco, Melinoe, Zagreo, e in alcune versioni Pluto e le Erinni.

Prompt: In the context of Proserpine (Rossetti), explain the Children of Persephone and the Persephone'smyth.Please output in Italian.

Dioniso Erinni Iacco Melinoe Persefone Zagreo Zeus


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Ritratto di musico

Il soggetto, un giovane dalla folta capigliatura, è ritratto a mezzo busto di tre quarti, girato verso destra. Lo sguardo è distante, ma vivo e intelligente, trattato con un forte chiaroscuro che lo fa emergere in tutta la sua plasticità.

Prompt: How does Portrait of a Musician explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (Giorgione)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Concerto campestre

Il Concerto campestre è un dipinto a olio su tela  di Giorgione o Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on Pastoral Concert and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Portrait of a Man in Red Chalk's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Epifania

In Brasile il giorno si chiama Dia dos Reis , mentre nel resto dell'America tina Día de Reyes e commemora l'arrivo dei Magi per adorare Gesù Bambino.  notte dal 5 è conosciuta come "Notte dei Re"  ed è festeggiata con musica, dolci e piatti regionali. Il 6 gennaio le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: In Epifania, how is the Brazil of the Artistic theme explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Il campo italiano alla battaglia di Magenta è un dipinto a olio su tela di Giovanni Fattori, realizzato nel 1862 e conservato alla Galleria d'arte moderna presso palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: Focus on The Italian Camp at the Battle of Magenta and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Cultural reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Pala di Corciano

tavola principale mostra l'Assunzione della Vergine entro una mandorla tra angeli oranti, musicanti, cherubini e serafini, mentre in basso, secondo uno schema ampimanete collaudato fin dagli anni '80 dal pittore, si trovano gli apostoli staccati dal gruppo superiore e immersi nel dolce paesaggio collinare che sfuma in lontananza. Ampio è il ricorso a disegni di repertorio, come negli angeli in alto  e nella disposizione degli apostoli, simili ad esempio a quelli della Pala dell'Annunziata. Dopotutto l'artista non dava importanza alla ripetitività di una composizione di successo, concentrandosi piuttosto sulla resa pittorica, sempre di altissima qualità. L'opera è particolarmente significativa per rappresentare la fase tarda dell'artista, indirizzata verso un più dolce sfumato leonardesco, rielaborato secondo il proprio sentire all'insegna di figure aggraziate ed eleganti, pacatamente sospese in toni aulici. Il disegno è sottile e preciso, inciso in fase preparatoria forse con la punta d'argento, visibile solo tramite riflettografie all'infrarosso; il colore a olio è corposo e spesso, pur senza venir meno la tipica delicatezza dell'artista. Ogni dettaglio è reso con grande cura ed attentamente studiata è la direzione della luce, con gli effetti che genera nello spessore dei panneggi e nella rifrazione dei colori cangianti.Ancora più originale è la predella, con lAnnunciazione e lAdorazione del Bambino, dove il Perugino usò una pennellata veloce e sfilacciata, tipica delle opere di piccole dimensioni del primo Cinquecento.</div>

Prompt: In Corciano Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Venere Anadiomene

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: How does Venus Anadyomene (Titian) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Palude

Caddo ke, USA Great Black Swamp, Ohio, USA Great Dismal Swamp, USA Okefenokee Swamp, USA Reelfoot ke, USA Riserva nazionale di Big Cypress, Florida, USA Limberlost, Indiana, USA Honey Island Swamp, Louisiana, USA Meadowlands del New Jersey, USA

Prompt: In the context of A Wooded Marsh, explain the North America and the Reclamation.Please output in Italian.

Florida
Great Black Swamp
Great Dismal Swamp
Honey Island Swamp
Indiana
Limberlost
Louisiana
Meadowlands del New Jersey
Ohio
Okefenokee Swamp
Riserva nazionale di Big Cypress


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A Conversation with Oscar Wilde

Il memoriale è stato inizialmente proposto durante gli anni '80 e l'inizio degli anni '90 dai cultori di Wilde, tra cui Derek Jarman. Dopo la morte di Jarman nel 1994, è stato creato un comitato chiamato "Una statua per Oscar Wilde" guidato da Jeremy Isaacs, che comprendeva gli attori Judi Dench e Ian McKellen e il poeta Seamus Heaney.Dagli schizzi presentati da dodici artisti, sono stati creati sei modelli in scala e tra questi è stato scelto il lavoro "spiritoso e divertente" di Maggi Hambling. L'opera ha un'iscrizione di una citazione da Il ventaglio di dy Windermere: "Siamo tutti nella fogna ma alcuni di noi stanno guardando le stelle". Centinaia di singoli donatori e fondazioni hanno contribuito al finanziamento del progetto.  scultura londinese è stata di poco anticipata dal memoriale di Dublino Oscar Wilde Memorial Sculpture, progettato e realizzato da Danny Osborne e svelato nel luogo di nascita di Wilde, Merrion Square.

Prompt: Explain the Creation and presentation of this artwork, A Conversation with Oscar Wilde.Please output in Italian.

1994
Derek Jarman
Dublino
Ian McKellen
Jeremy Isaacs
Judi Dench
Maggi Hambling
Merrion Square
Oscar Wilde
Oscar Wilde Memorial Sculpture


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Madonna delle Grazie

Il Santuario di Santa Maria delle Grazie si trova sul colle di Covignano, a tre km di distanza dalla città.Alla sua origine vi sarebbero alcune apparizioni della Madonna, presso un convento francescano in cui soggiornò, giovane frate, Elia Facchini poi martire in Cina e diventato santo. Da segnalare la via Crucis monumentale, probabilmente la più antica del mondo, che sale verso il santuario con 14 cappelle-stazioni in terracotta policroma. Le antiche formelle furono in gran parte distrutte dalle bombe durante la seconda guerra mondiale; quelle rimaste integre si possono ammirare nel santuario. Le formelle odierne sono opera del famoso scultore riminese Elio Morri.

Prompt: Describe the characteristics of the Rimini in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Vendita di una schiava romana

Gerald Ackerman, The life and work of Jean-Léon Gérôme; catalogue raisonné, Sotheby's Publications, 1986, .

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Slave Market in Ancient Rome.Please output in Italian.


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Apocalisse

upright=1.6In epoche recenti il termine "letteratura apocalittica", o "apocalittico", è stato usato comunemente per descrivere le varie parti delle scritture ebraiche o cristiane, sia canoniche che apocrife, in cui si forniscono predizioni escatologiche in forma di rivelazione. Che il termine sia attualmente usato in maniera blanda, e comprenda spesso cose non propriamente apocalittiche, è dovuto al fatto che lo studio di questa letteratura come classe a sé stante è piuttosto recente.Nell'uso comune delle lingue occidentali, il termine apocalisse si riferisce alla fine del mondo. Il significato corrente può essere un'ellisse della frase apōkalýpsis éschaton, che significa "rivelazione degli eventi della fine dei tempi". Tale ellisse nell'uso corrente riecheggia quella nel titolo dell'ultimo libro della Bibbia, il Libro della Rivelazione o Apocalisse di San Giovanni apostolo, che è normalmente interpretato come la profezia della fine del mondo, con numerosi dettagli visuali. Si veda anche escatologia e millenarismo. fine escatologica del mondo nella letteratura apocalittica era spesso accompagnata da immagini di resurrezione, giudizio dei morti e dalla pena dell'inferno per i peccatori. È interessante notare che tali idee non erano esplicitamente sviluppate nei libri pre-apocalittici della Bibbia ebraica, quindi l'esistenza di tali credo nell'ebraismo, nel cristianesimo e nell'Islam può essere ricondotta ai testi apocalittici. storia della cristianità è punteggiata di gruppi religiosi millennialisti, quasi fin dalle origini. I movimenti cristiani moderni sono concentrati nel XVIII e XIX secolo e comprendono l'ascesa di religioni apocalittiche come gli Avventisti, i Davidiani, la House of Yahweh, i Cristadelfiani, i Mormoni e i Testimoni di Geova.<br />L'Islam possiede i propri movimenti, in particolare la fede nell'Imam "atteso" o "nascosto" della comunità sciita. Nel XIV secolo dell'Islam  si riporta un credo che aveva preso a circolare presso la comunità sunnita, per il quale sarebbe presto giunto il Messia promesso, sia per i cristiani, sia per i musulmani. Molti di questi furono fondamentalisti, come Muhammad al-Mahdi, Muhammad Ahmad del Sudan e Usman dan Fodio dell'Africa occidentale, che coniugarono la pratica politica alle loro convinzioni mahdistiche. Mahdi successivi, compresi Mirza Ghulam Ahmad e l'Ayatollah Seyyed Ruhollah Khomeini, furono principalmente riformatori religiosi. Di recente si è assistito a una ripresa del movimento dei Jihādisti, come Osama bin den di al-Qā'ida, quasi esclusivamente politici.  profezia del Messia promesso all'inizio del XIV secolo per la maggior parte dei musulmani è stata sostenuta solo da Mirza Ghulam Ahmad, ma il punto di vista della maggioranza venne raccolto dall'Università di al-Azhar del Cairo e dalla Scuola Deobandi di Scienze Islamiche in India, che rifiutarono Mirza Ghulam Ahmad perché eretico, dato che si definiva profeta  e messia .

Prompt: Explain the The end of the world about the Representations of the Apocalypse of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.

Bibbia
Cristadelfiani
Davidiani
Deobandi
House of Yahweh
Imam
India
Islam
Mahdi
Messia
Mirza Ghulam Ahmad
Muhammad Ahmad
Muhammad al-Mahdi
Rivelazione
Sudan
Testimoni di Geova
Usman dan Fodio
XIV secolo
XIX secolo
X secolo


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Didone

leftGià gli storiografi romani Ennio e Nevio rielaborarono il mito di Didone, alla ricerca di una giustificazione mitica all'origine delle guerre tra Roma e Cartagine e al presunto "odio atavico" tra i due popoli. Pertanto il poeta Virgilio non fu il primo a impossessarsene, nonostante la sua versione del mito sia rimasta nei secoli di gran lunga la più celebre.Nella versione virgiliana, Didone è la regina di Cartagine, la città che ha da poco fondato, grazie alla sua astuzia e che è ancora in costruzione.  regina appare giovane e bella, ricordando nell'aspetto la dea Artemide. Enea, giunto naufrago sulla costa di Cartagine con i suoi seguaci, parte in esplorazione e ammira i lavori di  costruzione della nuova città. Grazie a una nube creata da Venere, Enea appare all'improvviso alla regina, chiedendo ospitalità.  regina ospita generosamente i naufraghi e durante un banchetto chiede notizie della caduta della famosa Troia. L'eroe troiano, seppur a malincuore, racconta le vicende vissute a partire dalla fine di Troia , suscitando la commozione di Didone. Sotto l'influenza di Cupido, istigato da Venere alleata di Giunone, Didone si innamora di Enea  . Malconsigliata dalla sorella Anna, che la vuole felice e spera che l'unione con i Troiani assicuri stabilità a Cartagine, Didone pur volendo rimanere fedele al defunto marito accetta di procedere secondo il sentimento e di proporre a Enea di sposarla. Frattanto rallenta i lavori di costruzione della città.Durante una caccia, a causa di un temporale Enea e Didone si riparano in una grotta e iniziano un rapporto amoroso. Anche Enea inizia a disinteressarsi della sorte dei suoi compagni.  Fama diffonde fino a Iarba, re dei Getuli, notizie del loro amore; Iarba invoca suo padre Giove Ammone, perché fermi il "Paride effeminato" che insidia la sua regina, o piuttosto le sue mire su Cartagine.Tramite Mercurio, Giove impone la nuova partenza all'eroe troiano, che lascia Didone dopo un ultimo terribile incontro, in cui lei prima lo supplica di non partire, e poi lo maledice e prevede eterna inimicizia tra i popoli e un "vendicatore" che sorgerà dalle sue ossa , con un discorso che ricorda in parte la maledizione di Polifemo su Odisseo, ma su scala temporale ben più lunga:Poi, sviata Anna e la nutrice Barce  con delle scuse, disperata si uccide con la stessa spada che Enea le aveva donato, gettandosi poi nel fuoco di una pira sacrificale.Enea incontrerà poi di nuovo la regina nell'Ade, nel bosco del pianto , e manifesterà sincero dolore per la sua repentina fine, non meno, forse, che immutata incapacità di comprenderne e ricambiarne l'amore e la dedizione; ma l'ombra di Didone non lo guarderà neppure negli occhi e resterà gelida, rifugiandosi poi dal marito Sicheo, con cui si era ricongiunta nell'oltretomba . Il silenzio finale di Didone è, secondo Eliot, un riflesso del senso di impossibilità di amare dello stesso Enea, schiavo del fato.

Prompt: How does Dido (Fuseli) explain its Didone, Aeneid?Please output in Italian.

Cartagine Enea Getuli Giunone Iarba Roma


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Pala di Vallombrosa

Il dipinto venne commissionato al Perugino per l'altare maggiore dell'abbazia di Vallombrosa nei dintorni di Firenze nel 1498 e consegnato entro il luglio 1500. Con la soppressione napoleonica del 1810 la pala venne trasportata a Parigi nell'antenato del Museo del Louvre, ma con la Restaurazione, nel 1817, fu riportata in Italia, venendo destinata alla galleria fiorentina. forma originaria della pala e le vicende della committenza sono testimoniate dalla biografia di don Biagio Milanesi , abate di Vallombrosa e generale dell'Ordine dal 1480, scritta da don Bernardo del Serra all'inizio del XVI secolo. critica si espresse in maniera contrastante sull'opera: Adolfo Venturi la considerò un'opera di scarsa originalità, con uno schema simile a molte altre opere peruginesche, mentre Cavalcaselle vi lesse un influsso del giovane Raffaello che avrebbe provocato un "ringiovanimento" nell'arte del maestro; Becherucci addirittura ipotizzò che le figure di san Benedetto, san Michele e alcuni angeli fossero di mano dell'illustre allievo. In ogni caso la luminosità e la chiarezza degli incarnati avvicina l'opera ad altre uscite dalla bottega fiorentina di Perugino in quegli anni, quali il Compianto della Galleria Palatina e la Pietà agli Uffizi.Quanto alla fortuna della pala, si può citare l'opera Incoronazione della Vergine e i santi Benedetto, Mercuriale, Giovanni Gualberto e Bernardo Uberti di Baldassarre Carrari, che direttamente le si ispira.

Prompt: Explain the History of this artwork, Vallombrosa Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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La punizione di Tizio

Il disegno di Tizio è uno dei numerosi disegni di presentazione che Michelangelo diede a Tommaso de' Cavalieri. De' Cavalieri era un giovane nobile romano che divenne molto amico di Michelangelo, dal 1532 fino alla morte dell'artista nel 1564.Il rapporto tra i due uomini è stato scrutato dagli studiosi a causa del grande volume di corrispondenza intercorsa tra di loro. Michelangelo scrisse molte lettere al de' Cavalieri, insieme a poesie e ai disegni già citati. Nei numerosi sonetti che scrisse al de' Cavalieri, Michelangelo si riferiva all'«amore smisurato» che portava per il giovane nobile. Usò persino il nome Cavalieri in un gioco di parole per descrivere il suo affetto, affermando: «Sono tenuto prigioniero da un Cavalier armato».

Prompt: Focus on The Punishment of Tityus (Michelangelo) and explain the Tommaso de' Cavalieri.Please output in Italian.


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Circe offre la coppa a Ulisse

Il quadro è tratto da una scena descritta ne l’Odissea di Omero, nella quale Circe offre a Ulisse  una pozione che lo avrebbe trasformato in animale . Questo specifico momento viene narrato nel Canto X ai versi 312-315:</blockquote>Ulisse e la sua nave sono visibili nel riflesso dello specchio posto dietro il trono di Circe, mentre uno dei membri del suo equipaggio, trasformato in un cinghiale, è sdraiato accanto ai piedi della dea. Circe siede su un trono scolpito con due leoni scolpiti nei manici, regge una bacchetta magica nella mano sinistra e una coppa di veleno nella mano destra. I fiori viola dell'incenso che brucia sul treppiede sono sparsi sul pavimento, dove è disegnato un rospo.

Prompt: How does Circe Offering the Cup to Ulysses explain its Description?Please output in Italian.


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Statua di Robert Milligan

Nel 2007, quando il museo di London Docklands aprì la mostra London, Sugar and Slavery, la connessione tra il West India Dock, il magazzino di zucchero che oggi ospita il museo e lo sfruttamento di africani schiavizzati nelle piantagioni di zucchero delle Indie Occidentali venne resa esplicita. Il ritratto di George Hibbert dipinto da Thomas wrence nel 1811 venne spostato da un luogo nel quale era stato venerato per aver svolto un ruolo eroico nella creazione del molo a una posizione nella nuova galleria con una didascalia che chiariva il suo ruolo come politico e proprietario di schiavi che resistette all'abolizione dello schiavismo. A novembre, al momento dell'inaugurazione della mostra, la Statua di Robert Milligan fu ricoperta con un velo nero e legata con una corda . Inoltre il museo suscitò le riflessioni del pubblico riguardo alla statua in relazione al coinvolgimento di Milligan con la schiavitù degli africani.

Prompt: Describe the characteristics of the Velamentonel2007 in Statue of Robert Milligan's History.Please output in Italian.


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Salvatore

Basco: XalbaCatalano: SalvadorGreco: SotirisIngleseIpocoristici: Saltino: SalvatorFemminili: SalvatrixPolacco: SalwatorPortoghese: SalvadorFrancese: Sauveur, XavierSiciliano:  Sarbaturi;  Varianti dialettali: Sarvaturi, Savvaturi, Sabbaturi;  Ipocoristici: Sarbu, Sabbu, Sarvu, Savvu, Rinu, Toti, Totò, Turi, Turiḍḍu, Turuzzu.Spagnolo: SalvadorTedesco: SalvatorUngherese: Szalvátor

Prompt: In The Saviour (El Greco), how is the Variantsinotherlanguages of the People explained?Please output in Italian.


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Martirio di San Sebastiano

BastonaturaPer comprendere la scelta del soggetto e le scelte iconografiche di queste tavole si deve prendere in considerazione il contesto storico della Padova del secondo ‘300. Il XIV secolo è stato caratterizzato dal passaggio fra il potere comunale e il potere signorile della famiglia Carrara, che ha causato conflitti politici con gli Stati confinanti e lotte interne alla città. A questo panorama politico molto complicato si sono sommate diverse ondate di peste che hanno colpito soprattutto la popolazione giovane che non era ancora immune alla malattia, causando circa 40.000 morti. Questo contesto spiega la scelta di San Sebastiano, protettore dalle malattie infettive, per il reliquiario. San Sebastiano è il santo protettore dalle malattie infettive dal VII secolo, quando la città di Ravenna, colpita dalla peste, ricevette dalla città di Roma una reliquia del Santo che ha protetto e salvato la città dalla malattia. Sembra inoltre che la scelta di San Sebastiano sia dovuta alla similitudine fra i segni del suo martirio e le piaghe della peste.  scelta iconografica di rappresentare il Santo sofferente dello stesso dolore del popolazione padovana permetteva di identificarsi con qualcuno che avrebbe potuto intercedere e proteggere la città in un momento così delicato. Non ci sono notizie certe sul committente, ma il contesto politico suggerisce che potrebbe essere la famiglia Carrarese, la famiglia signorile infatti avrebbe potuto utilizzare questa donazione sia per assicurarsi un posto in paradiso, sia come dimostrazione di ricchezza all’interno della classe dirigente padovana, sia per stringere e rinsaldare il legame di potere fra la famiglia e il potere ecclesiastico. sinistraInsieme delle tavole poste sul frontale dell’altare chiuso

Prompt: In Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), how is the Iconography of the Description explained?Please output in Italian.


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Il giuramento degli Orazi

Lo schema geometrico e prospettico de Il giuramento degli Orazi è impostato su una serie di diagonali che, seguendo l'andamento delle fughe del pavimento, convergono nel centro del quadro, costituito dal pugno sinistro del vecchio padre, quello che regge le spade: gli sguardi dei quattro uomini, e anche dell'osservatore, sono guidati proprio verso quel punto. L'impianto delle diagonali forma inoltre numerosi triangoli, con il vertice corrispondente al pugno con le spade; questa figura geometrica è ripresa anche dalle solenni pose dei tre giovani e del padre.Molto studiato è anche il gioco di luci e ombre. Memore della lezione italiana di Caravaggio, David sceglie in quest'opera di lasciare lo sfondo in penombra, così da sottolineare la drammaticità del giuramento e, al contempo, dare particolare risalto all'azione che si sta svolgendo in primo piano. Quest'ultimo è inondato con omogeneità da una luce fredda, intensa, che mette in rilievo l'essenzialità degli spazi ed illumina i corpi dei personaggi, descrivendoli analiticamente. Si tratta di un netto rifiuto alla frivolezza del rococò, associato all'Ancien Régime, che invece era dominato da luci calde e accoglienti e da una gradazione tonale dei colori.David usa sapientemente le luci anche per sottolineare il contrasto tra il gruppo degli uomini e quello delle donne: «spezzate, contrastate e tormentate» quelle che illuminano gli uomini, più tenui e soffuse quelle che rischiarano le donne.  netta separazione dei due sessi è evidenziata anche dal codice grafico che consta di linee rigide e dritte per gli uomini, e di sinuose curve per le donne.L'apparato cromatico serve invece ad aumentare la tensione drammatica del giuramento: la tavolozza di David è composta prevalentemente da bruni e grigi che dominano la scena, e da alcune note squillanti costituite dai rossi, dagli azzurri, dai bianchi e dai gialli.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Oath of the Horatii.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

resa di Vicksburg avvenne il 4 luglio 1863, Giorno dell'Indipendenza, in perfetta sintonia con la parallela vittoria conseguita nella battaglia di Gettysburg, e Sherman si guadagnò il rango di Brigadier generale dell'esercito regolare, insieme a quello che già deteneva di Maggior Generale dei volontari. Quando la famiglia giunse dall'Ohio per visitare il suo campo nei pressi della città, suo figlio di nove anni, Willie, il "piccolo sergente", morì per la febbre tifoide contratta durante il viaggio.Il comando delle forze operanti nell'Ovest venne quindi unificato sotto la direzione di Grant  e Sherman gli succedette alla guida dell'Armata del Tennessee. A seguito della sconfitta dell'Armata del Cumberland nella battaglia di Chickamauga da parte dell'Armata confederata del Tennessee diretta da Braxton Bragg, questa si venne a trovare sotto uno stretto assedio a Chattanooga.upright=1.8Mappa della Le truppe di Sherman furono inviate in soccorso; durante il viaggio da Memphis il treno in cui si trovava arrivò alla prima battaglia di Collierville proprio mentre la guarnigione unionista si trovava sotto attacco, l'11 ottobre 1863. Sherman prese il comando dei 550 soldati di guarnigione e riuscì a resistere e respingere i  uomini della cavalleria confederata.Nel mese di novembre, durante le fasi finali della campagna di Chattanooga, le forze affidategli riuscirono a conquistare velocemente l'obiettivo prefissato, la collinetta di "Billy Goat", a Nord della cresta montuosa , solo per scoprire che in realtà non faceva parte di essa, ma si trattava piuttosto di uno "sperone" distaccato e separato dalla dorsale principale da un burrone totalmente cosparso di rocce.Quando tentò di attaccare a "Tunnel Hill" le sue truppe furono ripetutamente respinte dalla Divisione di Patrick Cleburne, la migliore unità dell'esercito di Bragg; gli sforzi di Sherman furono assistiti dal successo dell'attacco portato avanti da George H. Thomas il quale sfondò al centro la linea nemica, un movimento originariamente inteso come semplice diversivo.Successivamente guidò una colonna per soccorrere le forze al comando di Ambrose Burnside, che si pensava fossero in difficoltà nella Campagna di Knoxville; nel febbraio del 1864 infine condusse la spedizione di Meridian per distruggere alcune infrastrutture confederate.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Chattanooga campaign of the Strategy explained?Please output in Italian.

Ambrose Burnside
Armata confederata del Tennessee
Armata del Cumberland
Armata del Tennessee
Braxton Bragg
Brigadier generale
Campagna di Knoxville
Chattanooga
Generale
George H. Thomas
Indipendenza


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Galleria di vedute di Roma moderna

Giovanni Paolo Pannini Galleria di vedute di Roma antica Galleria del cardinale Silvio Valenti Gonzaga Carlo di Borbone in visita alla basilica di San Pietro Carlo di Borbone visita il papa Benedetto XIV nella coffee-house del Quirinale Coffee House del Quirinale

Prompt: Focus on Modern Rome and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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La Velata

Da un punto di vista stilistico, Con questo ritratto Raffaello segnò il superamento delle esperienze fiorentine, dove si poteva ancora cogliere l'influenza di Leonardo e una marcata plasticità. Nella Velata infatti la luminosità è più diffusa e maggiore è la libertà tecnica, verso un traguardo di perfezione formale assoluta. L'idea del volto incorniciato, come nelle Annunciate, evidenzia l'intensità dello sguardo e la bellezza del volto della modella, per poi spostare l'attenzione, tramite giochi di linee di forza, verso l'incomparabile brano della manica.

Prompt: In La velata, how is the Style discussed?Please output in Italian.


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Deposizione Borghese

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on The Deposition (Raphael) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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L'aria

L'aria  è un'opera dello scultore francese Aristide Maillol. Si tratta di una scultura creata nel 1938 e ne esistono varie versioni, realizzate in pietra o in piombo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Air (Maillol).Please output in Italian.


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Dama con scoiattolo e storno

L'evidenza dell'identificazione del personaggio con Anne Lovell venne sollevata per la prima volta dallo storico esperto di vetrate istoriate David J. King mentre studiava le finestre della chiesa parrocchiale di East Harling, Norfolk, sede della famiglia Lovell. King notò come lo stemma della famiglia Lovell dipinto sulla vetrata includesse degli scoiattoli. Quella dello storno era una figura diffusa nell'area dove la famiglia viveva ed inoltre il luogo all'epoca era detto Estharlyng, molto simile alla parola starling che significa appunto storno in inglese.

Prompt: In the context of Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling, explain the Identification and the History.Please output in Italian.


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Abaporu

L'opera raffigura una figura umana estremamente stilizzata che occupa quasi tutto lo spazio: questa creatura ha una testa piccolissima e priva di naso e bocca, il corpo allungato e un piede gigantesco. L'Abaporu porta una mano al mento come se stesse meditando. Il paesaggio è composto da un prato, un sole e un cactus molto semplificati. Il quadro fa parte della fase antropofaga di Tarsila che, così come la sua fase pau-brasil, è considerata una delle più importanti nella vita della pittrice. Influenzata dal cubismo, questo periodo della carriera dell'artista le permise di dare una lettura visuale delle strutture dalla società brasiliana.Alcuni studiosi collegano la posa di Abaporu al Pensatore di Rodin. Nella sua tesi A tessitura da textualidade em Abaporu, Nádia Regina Maffi Reckel afferma che in Abaporu la riscrittura del Pensatore non si deve soltanto dalla posizione del corpo del personaggio, ma anche dall'estetica del frammento e del blocco. E, se a questo si aggiunge la riscrittura della brasilianità, si può capire il soggetto non soltanto dalla sua forma o dal contenuto, come è letto comunemente dai critici d'arte e dagli educatori.Un altro legame tra le opere è esemplificato dal piccolo sole. Nella composizione, la luce è esterna e si riflette sul corpo del personaggio e sul cactus. Il sole è un riferimento al sole brasiliano, alla brasilianità dell'opera.

Prompt: Focus on Abaporu and explain the Description.Please output in Italian.