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Madonna della Melagrana

Maria si trova seduta al centro della composizione, con una figura pressoché piramidale, dilatata nell'ampio manto azzurro, bloccata dalla posa arcuata del Bambino in basso. Attorno a lei si dispongono sei angeli, occupati in veri gesti simmetrici e con gli sguardi indirizzati a vari punti diversi. Quelli ai lati, appoggiati su un festone di rose bianche e rosse , recano i gigli bianchi, attribuito verginale di Maria, seguiti da angeli leggenti e da due, ai lati della Vergine, di cui si vedono le sole teste in espressioni varie. All'annunciazione rimandano anche le parole ricamate sulla stola dell'angelo a sinistra: .Il repertorio fanciullesco dei vari atteggiamenti, come quello dell'angelo di destra che sbircia nel libro del vicino, o quello che sembra bisbigliare qualcosa all'orecchio del compagno, richiama l'esempio dei primi maestri fiorentini come Donatello e Luca della Robbia filtrati da Filippo Lippi, che traevano ispirazione direttamente dall'osservazione quotidiana. Quello che guarda lo spettatore ha la funzione di richiamare l'attenzione verso il centro della composizione e veniva detto "festaiuolo", dal nome del narratore nel teatro rinascimentale. percezione di spazialità è affidata unicamente alla disposizione a semicerchio degli angeli, con una netta prevalenza del dato umano su tutti gli altri.  melagrana che la Madonna e il bambino tengono in mano è invece simbolo di fecondità, abbondanza e regalità , nonché dotato di grani rossi che, simili a goccioline di sangue, prefigurano il sacrificio di Gesù; inoltre simboleggia l'unità della Chiesa, per i chicchi che stanno tutti uniti nel guscio. L'ovale del volto idealizzato della Vergine rimanda ad altri capolavori dell'artista, come la Madonna del Libro o i ritratti di Simonetta Vespucci.

Prompt: How does Madonna of the Pomegranate explain its Description and style?Please output in Italian.

Donatello
Filippo Lippi
Luca della Robbia
Simonetta Vespucci


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Assunzione della Madonna

LAssunzione della Madonna è un affresco realizzato da Aurelio Luini, figlio di Bernardino Luini, intorno al 1560 all'interno della chiesa del monastero di Santa Maria Assunta a Cairate, in provincia di Varese.L'opera occupa l'intera parete della parte riservata alle monache della chiesa del monastero ed è composta da più scene. Nel registro inferiore si trovano due dipinti separati da una parete in muratura con apertura che collega l'antico abside della chiesa, di cui oggi sono visibili solo le basi delle pareti, e l'aula della chiesa riservata alle monache: a sinistra è raffigurata una nicchia a trompe-l'œil contenente alcuni libri, mentre a destra è rappresentato un tendone in velluto sorretto da due putti. fascia intermedia, che occupa l'intera lunghezza della parete, è suddivisa in tre scene che narrano la vita della Vergine e sono scandite da due pilastri dipinti che sorreggono un arco centrale e due travi laterali . Al centro è raffigurata lAssunzione della Vergine con Maria in cielo circondata da una luce dorata, angeli e nuvole e sovrastata dalla luce divina; sotto alla Vergine sono raffigurati gli apostoli alle spalle dei quali è raffigurato un paesaggio con un'architettura sullo sfondo. Nel riquadro di sinistra si trova la Nascita della Vergine, mentre quello di destra illustra la Morte della Vergine: entrambe le scene sono ambientate in una stanza con pareti azzurre coperta da un soffitto a cassettoni.Nel registro superiore, sopra le due scene laterali, si trovano dei festoni dipinti che racchiudono dei finti riquadri marmorei all'interno dei quali si aprono due oculi dipinti con all'interno le raffigurazioni di re Davide  e re Salomone, a destra. Su questi due riquadri e sul finto arco che sovrasta lAssunzione della Vergine si trova la lunetta che chiude la parete: qui è raffigurato Dio Padre in gloria circondato da nuvole e angeli musicanti.

Prompt: In Assumption of the Virgin (Cerasi Chapel), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Al centro dell'immagine si trova Maria, la cui figura è posta in trono.  cornice attuale, rettangolare nella parte inferiore della composizione, posiziona invece nella parte superiore un semicerchio il cui diametro corrisponde approssimativamente alla metà della larghezza del rettangolo sottostante. Il manto della Madonna forma i contorni esterni di una piramide immaginaria. Visivamente, l'immagine è divisa longitudinalmente dalla cintura rossa di Maria. Le tre donne sulla destra occupano poco più di un terzo della composizione, mentre le tre figure maschili sulla sinistra quasi i due terzi dello spazio dell'immagine. I personaggi maschili, inginocchiati, sono sfalsati rispetto al centro del quadro. L'osservatore vede le figure dal davanti, i volti di Meyer e il ragazzo nel profilo di tre quarti, il bambino è dal davanti. Dal lato degli uomini, le figure seguono quasi la diagonale dello schermo. D'altra parte, sul lato più stretto delle donne, la svolta verso il centro è solo accennata dalla figura centrale spostata leggermente a destra. Le tre donne sono tutte e tre di profilo e si presentano come in fila, una a fianco all'altra. Solo Dorothea Kannengießer rivolge parte dello sguardo verso lo spettatore. A causa del vestito bianco di Anna Meyer e dei cappucci bianchi delle due mogli di Meyer, la parte destra del dipinto sembra in generale più luminosa. Su entrambi i lati, tuttavia, la figura più rilevante nella composizione appare anche come la più luminosa, migliorando l'effetto di profondità dell'immagine. Il colore rosso colpisce nella cintura della Vergine, nella calzamaglia rossa portata dal ragazzo e nel rosario di Anna Meyer. Questi oggetti scarlatti descrivono un triangolo che collega entrambi i lati dell'immagine con la figura centrale della Madonna. testa e le braccia della Madonna, che reggono il piccolo Gesù, occupano uno spazio quasi separato al di sopra del ginocchio. Se si completa il semicerchio della conchiglia che si trova dietro la testa di Maria con un cerchio, si crea un medaglione circolare con Maria e il bambino. Il centro di questo cerchio è formato da una singola perla che tiene insieme il delicato indumento della Vergine all'interno di una spilla d'oro.

Prompt: Describe the characteristics of the Composition in Darmstadt Madonna's Style.Please output in Italian.


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La Bohémienne

Bohémienne  è un dipinto di William-Adolphe Bouguereau, risalente al 1890. Fino al 2004 l'opera si trovava all'istituto d'arte di Minneapolis, ma poi venne messa all'asta da Christie's.

Prompt: In The Bohemian (Bouguereau), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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San Giovannino nel deserto

L'opera venne eseguita per il cardinale Adrien Gouffier de Boissy, il cui stemma è presente sullo sfondo, accanto a quello dei  Tremouille. Il de Boissy era Grande elemosiniere di Francia sotto Francesco I. Dal 1532 si trova nella collegiata di Saint-Maurice a Oiron da suo nipote Claude Gouffier, maritato appunto a una  Tremoille: gli stemmi dovettero essere aggiunti a quell'epoca. Nel 1660 il conte di la Feuillade offrì il dipinto a Luigi XIV, che le destinò alle collezioni reali. Il passaggio da tavola a tela, pratica assai diffusa in Francia per i dipinti antichi, risale al 1777.Il giovane san Giovanni Battista è raffigurato vestito della sola pelliccia di cammello, adagiata sulla spalla, mentre, a cavalcioni di un tronco, compie il suo gesto tipico di indicare il cielo, cioè Gesù, di cui fu il Precursore.  forma atletica e mossa del corpo deriva dall'esempio degli Ignudi di Michelangelo sulla volta della Cappella Sistina.Evidente è la presenza di aiuti per la qualità non eccelsa, dovuta anche al cattivo stato di conservazione. Il disegno sembra comunque da riferirsi al Sanzio, che forse partecipò anche alla stesura di alcune parti.

Prompt: In Saint John the Baptist in the Desert (Raphael), how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1532
1660
1777
Adrien Gouffier de Boissy
Claude Gouffier
Giovanni Battista
Grande elemosiniere di Francia
Ignudi
Oiron


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La grande onda di Kanagawa

Alla metà del XIX secolo il Giappone uscì finalmente dal suo periodo di autoisolazionismo e permise alla sua arte di giungere in Europa.  visione artistica dell'Estremo Oriente era totalmente differente e andava in contrasto con le convenzioni della pittura europea dell'epoca: fu così che fiorì il giapponismo. Tra gli artisti più importanti che influenzarono maggiormente l'arte occidentale vi furono Hokusai, Hiroshige e Utamaro.Le prime mostre di arte giapponese ebbero luogo in Francia, dove piccoli gruppi di appassionati  esponevano al pubblico le loro opere acquistate in quel di Parigi. Poi, durante l'Esposizione universale del 1867, la prima a cui il Giappone partecipò ufficialmente, si vendettero opere d'arte giapponesi per 1.300 pezzi, lanciando definitivamente la moda dell'arte del Sol Levante in Europa. Dato che gli intellettuali statunitensi non condividevano il gusto per l'arte degli europei, in particolare dei francesi, i quali vedevano nello stile ukiyo-e la manifestazione suprema dell'arte giapponese, questo movimento artistico si diffuse soprattutto nel Vecchio continente, trasformandosi in una nuova forma di ispirazione per gli artisti impressionisti. Nel 1872, Philippe Burty fu il primo a riconoscere l'esistenza di un nuovo movimento artistico e a identificarlo con il termine "giapponismo" in alcuni articoli della rivista Renaissance litteraire et artistique.Considerata l'opera più famosa del suo genere,  grande onda di Kanagawa finì per influenzarne altre di pari importanza: nel 1871 Claude Monet iniziò a collezionare stampe giapponesi, fino a raccogliere duecentotrentuno opere di trentasei artisti differenti, tra cui Hiroshige, Utamaro e lo stesso Hokusai. Di quest'ultimo possedeva nove stampe della serie Trentasei vedute del Monte Fuji, inclusa  grande onda. È probabile che egli sia stato influenzato da queste stampe soprattutto nella scelta di alcuni motivi, nella composizione e nella luce dei suoi dipinti, come è possibile osservare nella serie Le Ninfee. Henri Rivière, disegnatore, incisore e acquarellista, nonché uno degli animatori de Le Chat noir, fu uno degli artisti che più risentì dell'influenza di Hokusai: egli pubblicò nel 1902 una serie di litografie intitolata Les 36 vues de la Tour Eiffel, in omaggio alla serie di Hokusai. Grande collezionista di stampe giapponesi, acquistò numerose opere da Bing, Tadamasa e Florine ngweil, riuscendo a procurarsi anche una copia de  grande onda, da cui trasse ispirazione per la realizzazione di due serie di xilografie raffiguranti paesaggi della Gran Bretagna, luogo in cui viveva al tempo. Una di queste stampe, Vague frappant le rocher et retombant en arceau, parte della serie  Mer, études de vagues, raffigura la schiuma della cresta di un'onda in un modo molto simile alla composizione di Hokusai.Da  grande onda trassero ispirazione altresì Rainer Maria Rilke, con la sua Der Berg.L'arte di Hokusai, nonostante fosse stata fortemente influenzata dall'arte e dalla tecnica occidentali, riuscì a sua volta a diventare una fonte di ringiovanimento per l'arte occidentale grazie all'ammirazione che seppe suscitare negli astisti impressionisti e post-impressionisti.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Influence of opera on Western art discussed?Please output in Italian.

Claude Monet
Estremo Oriente
Europa
Francia
Giappone
Gran Bretagna
Henri Rivière
Le Chat noir
Parigi
Philippe Burty
Rainer Maria Rilke
Trentasei vedute del Monte Fuji


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Cacciatori nella neve

L'opera fa parte della serie dei Mesi, completata con sole cinque tavole e già in possesso di Niclaes Jonghelinck di Anversa. Appena un anno dopo, nel 1566, venne ceduta all'amministrazione cittadina e nel 1594 fu l'oggetto di un dono a Ernesto d'Asburgo.

Prompt: How does The Hunters in the Snow explain its History?Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

sinistraTriboniano consegna le Pandette a GiustinianoIn basso a sinistra, a lato della finestra, si trova la scena di Triboniano che consegna le Pandette a Giustiniano, che celebra il diritto naturale e civile. L'imperatore è seduto di profilo, con i segni del potere ben in vista , mentre riceve da Triboniano inginocchiato un libro; assistono una serie di dignitari con cappelli esotici, ispirati a fogge bizantine.L'opera subì gravi danni che ne peggiorarono la leggibilità. L'esecuzione dell'affresco è di solito riferita ad aiuti del Sanzio, che operarono su suo disegno, probabilmente il Sodoma. Ludovico Dolce, nel Dialogo della pittura  accennò a un restauro degli affreschi delle Stanze da parte di Sebastiano del Piombo, che Pallucchini  ipotizza dubitativamente relativo a questa scena. Nel 2000 la scena è stata invece ritenuta uno dei segni della documentata presenza di Lorenzo Lotto nel cantiere delle stanze.

Prompt: Explain the Tribonian handed Pandects to Justinian about the Description and style of this artwork, Cardinal and Theological Virtues (Raphael).Please output in Italian.

Ludovico Dolce
Sebastiano del Piombo
Triboniano


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Meishozue, Edo of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-portrait (van Dyck, New York) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Mae West

Sex The Drag Diamond Lil Pleasure Man The Constant Sinner Catherine Was Great Come On Up

Prompt: Focus on Mae West (sculpture) and explain the Operatic theater.Please output in Italian.


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Ritratto di Giulio Clovio

J. Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza , Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-95503-44-1 M. Scholz-Hanzsel, El Greco, Colonia, Taschen . ISBN 978-3-8228-3173-1

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Giulio Clovio.Please output in Italian.


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La tomba di Hutten

sinistraUno schizzo ad Dipinto con delle tonalità marroni, il quadro mostra un sarcofago di pietra nelle rovine del coro di una chiesa gotica . Accanto al sarcofago, un uomo in uniforme con un berretto tipico del Rinascimento tedesco si appoggia alla sua spada. Le pareti delle rovine sono ricoperte dalla vegetazione. All'interno del coro crescono dei fiori bianchi, dei cespugli, un cardo e, in primo piano a destra, si erge un albero secco.Il coperchio del sarcofago è rotto. Attraverso la crepa volano delle farfalle. Di fronte all'uomo, su una mensola, si trova una scultura della santa francese Fede di Agen, senza testa. Il piedistallo con un elmo sopra il sarcofago reca l'iscrizione "Hutten“. Sulla parte anteriore del sarcofago, in caratteri piccoli, si leggono i nomi di alcune figure della cultura e della politica tedesche: "Jahn 1813“, "Arndt 1813“, "Stein 1813“, "Görres 1821“, "D… 1821“ e "F.  Scharnhorst“. È probabile che la "F" accanto al nome di Gerhard von Scharnhorst sia da intendere come Freiheitkrieger, ossia "cavaliere della Libertà".Le aperture alte e vuote dell'abside consentono di vedere i colori dell'alba, che vanno dal blu chiaro al giallo dorato .

Prompt: In Hutten's Grave, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Fede di Agen
Gerhard von Scharnhorst
Rinascimento tedesco


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Trittico della Madonna

Quattro trittici , vennero realizzati tra il 1464 e il 1470 circa per la chiesa di Santa Maria della Carità a Venezia, che era stata ricostruita a metà del secolo e i cui altari erano stati eretti tra il 1460 e il 1464.Le opere vennero smontate e ricomposte in epoca napoleonica, venendo destinati alle Gallerie dell'Accademia, con attribuzione originaria ai Vivarini.

Prompt: In Triptych of the Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Danny in Prophet Daniel (Michelangelo)'s Variants.Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Visione di sant'Eustachio

Sant'Eustachio era un cavaliere romano che si convertì al Cristianesimo dopo aver assistito, durante la caccia, alla visione del Cristo tra le corna di un cervo.Il dipinto mostra un cavaliere sontuosamente vestito da parata, su un cavallo bianco dalla ricca bardatura, accompagnato da più cani da caccia; egli si trova in una foresta ricchissima di animali e davanti a lui si trova un cervo, nelle cui corna appare il Crocifisso di Cristo, alla cui visione il santo si arresta ed alza una mano in un composto gesto di sorpresa.Il tema sacro è un pretesto per rappresentare una foresta fiabesca brulicante di animali, colti nei più vari atteggiamenti: cani che puntano, raspano o inseguono; la lepre che fugge; i cervi e cerbiatti; l'orso in una grotta in alto a destra; le gru; i cigni nello stagno; gli uccellini nei cespugli. Un sinuoso cartiglio, destinato forse a contenere un'iscrizione, si trova in basso a destra. ricchezza dei dettagli, più curati singolarmente che nell'insieme della composizione, le incongruenze spaziali, i contrasti tra le ombre dello sfondo e la luce sui dettagli, sono tutti elementi che concorrono a creare un ambiente irreale e di favola, secondo gli stilemi dell'arte di Pisanello e del tardogotico in generale.Gli animali qui non hanno valenze primariamente simboliche, come nella pittura gotica o in quella rinascimentale, ma la loro presenza serve più che altro a comporre un campionario, privo di volontà classificatoria o ordinatrice. Essi sono dipinti a partire dai dettagli, i più analitici possibili, per poi venire accostati agli altri nella composizione dell'immagine: l'effetto che ne scaturisce nell'osservatore è quello di una superficie vibrante, di difficile percezione nell'insieme, che invita continuamente a indagare ogni singolo dettaglio.

Prompt: In The Vision of Saint Eustace (Carracci), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Vergine in trono e santi

Nel 1490-1491 Signorelli, protetto dei Medici, si trovava a Volterra, città sotto il dominio fiorentino al centro di importanti interessi strategici per la vicinanza a Pisa e a Siena. Qui l'artista firmò, oltre alla Vergine in trono e santi, unAnnunciazione, dipingendo anche una pregevole Circoncisione di Cristo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Virgin Enthroned with Saints (Signorelli).Please output in Italian.


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Musica

Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni, poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:     # Idiofoni: il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.# Membranofoni: il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore .# Cordofoni: il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore. # Aerofoni: in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità .# Elettrofoni: il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.

Prompt: Focus on Music (Matisse) and explain the Musical instruments.Please output in Italian.

Aerofoni Cordofoni Elettrofoni Idiofoni Membranofoni


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Adorazione dei pastori Allendale

L'opera era nelle collezioni del cardinale Fesch a Roma, che vennero messe all'asta nel 1845.  tavola di Giorgione finì a Parigi e poi in Inghilterra, dove entrò nelle collezioni dei baroni di Allendale a Bretton Hall, nello Yorkshire. Nel 1937 fu di nuovo messa in vendita e, acquistata dai Duveen Brothers, fu comprata da Samuel H. Kress, che nel 1939 ne fece dono alla nascente galleria nazionale americana.Lo scenario venne ripreso dalla Pala di Asolo di Lorenzo Lotto nel 1506, per cui si è soliti datare l'opera al 1500-1505, vicino alla Sacra Famiglia Benson della quale riprende alcuni elementi compositivi. Come molte delle opere di Giorgione l'attribuzione è ormai consolidata, ma talvolta messa in dubbio, proponendo i nomi di Giovanni Bellini o del giovane Tiziano.

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (Giorgione) and explain the History.Please output in Italian.


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Dinos del Pittore della Gorgone

Ceramica a figure nere Pittore della Gorgone

Prompt: Focus on Dinos of the Gorgon Painter and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Venere esquilina

Rappresenta una donna nell'atto di legarsi i capelli  prima di immergersi nel bagno.  figura è nuda ad eccezione dei sandali .  scultura si appoggia ad un sostegno che raffigura un vaso intorno al quale si arrotola un cobra, sul quale è poggiato un panno: la presenza dell'animale ha fatto pensare a una rappresentazione romana di Cleopatra . statua rielabora per il volto e la capigliatura modelli di stile severo, mentre per il corpo riprende modelli ellenistici e in particolare l'iconografia della Afrodite Anadiomene.Evidente è la ricerca di una resa naturalistica del corpo femminile, indifferente ai canoni della bellezza applicati alla figura della dea nelle rappresentazioni tradizionali.

Prompt: How does Esquiline Venus explain its Description and style?Please output in Italian.


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La Bella

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. isbn 978-88-86392-48-8 Mario Ciatti, Fausta Navarro, Patrizia Riitano: Titian’s  Bella: Woman in a Blue Dress. Edifir, Florence 2011.  Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. isbn 3-8290-4553-0 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Woman Known as "La Bella".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Adoration of the Shepherds (Ribera, Castellammare di Stabia).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-portrait (Raphael) and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Arringatore

L'uomo, vestito della toga exigua e di alti calzari, è rappresentato mentre compie un gesto volto a catturare l'attenzione degli astanti e accingersi a compiere l'arringa. L'artista non ha voluto fissarne il carattere psicologico, quanto piuttosto sottolinearne la volontà persuasiva col braccio teso e la partecipazione di tutto il corpo con la flessione del busto. Manca, pertanto, qualsiasi volontà celebrativa. Il braccio sinistro è rilassato lungo il corpo e avvolto nel panneggio, mentre il destro è appunto teso verso l'alto col palmo della mano in avanti.  mano destra, che si spezzò nel momento in cui la statua fu rinvenuta, è di dimensioni maggiori rispetto al resto del corpo per dare maggiore risalto al gesto.. Tali accorgimenti generano una visuale preferenziale da una posizione leggermente sfasata verso destra, verso la gamba flessa in avanti.  resa del panneggio dimostra una certa abilità, sebbene sia presente qualche incertezza anatomica, soprattutto nel raccordo della spalla destra al tronco. Il moto ascensionale delle pieghe e l'andamento obliquo della posa indirizza tutta l'attenzione dello spettatore sul gesto e sul volto, appoggiato su un alto collo e mosso da lunghe rughe incavate sulla fronte e da incisioni più sottili ai lati degli occhi, per rendere la senilità del soggetto. Le guance sono appiattite, le labbra ferme e disegnate abilmente, le cavità degli occhi, un tempo riempite probabilmente da inserti di pasta vitrea, sono di notevole espressività.  capigliatura, lavorata a ciocche regolari eseguite col cesello, è aderente al cranio e solo nella bassa frangia mostra un piccolo rialzo.

Prompt: Focus on The Orator and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Corteo funebre di Carlo XII

Chi posava come figurante, veniva sempre ingaggiato localmente per ovvie ragioni di praticità.Nella prima versione del quadro, eseguito interamente a Parigi, i modelli erano quindi tutti francesi.  seconda versione, invece, fu iniziata in Francia ma continuata in Italia e terminata in Svezia con modelli svedesi, motivo per cui nella seconda versione del quadro molti personaggi hanno capelli e occhi più chiari delle loro controparti parigine.Nella seconda versione, inoltre, Cederström decise di ritrarre anche amici e parenti.Il re è rappresentato da Raffaele Fusco , il soldato con la testa bendata ha il volto di Carl Cedeström mentre la bambina accanto al cacciatore ha quello di Carola Cedeström, rispettivamente il fratello maggiore e la figlia dell’autore.Il soldato alla testa del corteo ha invece il volto di Gustaf Cederström stesso in entrambe le versioni.

Prompt: How does Bringing Home the Body of King Charles XII explain its Differences between the two versions?Please output in Italian.

Carola Cedeström
Francia
Gustaf Cederström
Italia
Parigi
Raffaele Fusco
Svezia


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Fanciulle sulla riva della Senna

Signorine in riva alla Senna, è un dipinto di dimensioni 174x200 realizzato da Gustave Courbet del 1857. È esposto al Museo del Petit Palais di Parigi. Courbet appartiene alla corrente del realismo francese, un movimento artistico che nasce in Francia a metà Ottocento portavoce di una realtà borghese ormai declinata al fascino e alla compostezza che caratterizzava le corti di fine Settecento e primo Ottocento.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Young Ladies Beside the Seine (Summer).Please output in Italian.

Francia
Gustave Courbet
Parigi
Petit Palais


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Deposizione di Sansepolcro

E. Bonaiuti, Vicende storiche della chiesa di San Lorenzo  a Sansepolcro, in «Quaderni dell’Archivio Storico Diocesano di Sansepolcro», 1, 2021, pp. 29-64. Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8 A. Brilli – F. Chieli, Sansepolcro e i suoi musei, Arti Grafiche Motta, Milano 2004, pp. 32-36.  Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0

Prompt: How does Sansepolcro Deposition explain its Bibliography?Please output in Italian.

Antonio Natali
Rosso Fiorentino
Sansepolcro


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Madame Oudiné

Sébastien Allard, urence des Cars, L’Art français, le XIXe siècle : 1819-1905, Parigi, Flammarion, 2006, pp. 120-121. Jacques Foucart, Les Œuvres des frères Flandrin : au musée des Beaux-Arts de Lyon, Lione, Musée des Beaux-Arts, 1987, pp. 28 e 39-41. Élisabeth Hardouin-Fugier, Étienne Grafe,  Peinture lyonnaise au XIXe siècle, Parigi, Éditions de l'Amateur, 1995, pp. 152 e 155. René Jullian, Le musée de Lyon : peintures, coll. "Collections publiques de France", Parigi, H. urens, 1960, p. 16. Sylvie Ramond , Le Musée des Beaux-Arts de Lyon, Bruxelles, Ludion, 2021, p. 96. Daniel Ternois, Ingres : Lettres de France et d’Italie 1804-1841, Parigi, Honoré Champion, 2011, p. 907.

Prompt: In Portrait of Madame Oudiné, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

Galleria di vedute di Roma antica è un dipinto di Giovanni Paolo Pannini.

Prompt: How does Ancient Rome (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Lavanda dei piedi

Il rito della cena pasquale ebraica  prevede, al suo inizio, che il capofamiglia lavi le mani dei commensali, prima di iniziare il pasto. Gesù reinterpreta questo gesto, sostituendolo con il lavaggio dei piedi. In genere il gesto del lavare i piedi era riservato ai servi o agli schiavi, esso è un dunque un gesto di estrema umiltà ed umiliazione, il cui senso è spiegato da Gesù stesso:Il gesto è riportato dal Vangelo di Giovanni, il quale, a differenza dei cosiddetti Vangeli sinottici , non racconta l'istituzione dell'Eucaristia. Secondo molti esegeti, questa scelta del Vangelo di Giovanni è dettata dalla data di stesura del testo, scritto forse trenta anni dopo i Vangeli sinottici. Alla fine del I secolo, infatti, le comunità cristiane avevano già assimilato il rito dell'Eucaristia e lo celebravano regolarmente, secondo il comando di Gesù: "fate questo in memoria di Me". Era dunque più utile riferire il fatto della lavanda dei piedi, che offre una interpretazione forte della vita del Maestro, e una chiave di lettura della Messa, la quale non può essere una semplice parentesi culturale, ma deve essere integrata dai discepoli in una vita di autentico servizio.

Prompt: Focus on The Washing of the Feet and explain the Characteristics.Please output in Italian.

Eucaristia
Gesù
I secolo
Vangeli sinottici
Vangelo


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Allegoria della Virtù e del Vizio

Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi Allegoria della Castità

Prompt: How does Allegory of Virtue and Vice (Lotto) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Allegoria della Castità
Bernardo de' Rossi
Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi


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Dante e Virgilio

I colori utilizzati sono scuri sullo sfondo, con un misto di rosso e marrone che si ricollega così all'ambientazione infernale; al contrario, i due dannati sono raffigurati usando colori luminosi, cosicché risaltino maggiormente.Caratteristica dell'opera  è lo straordinario realismo nel dipingere i personaggi, come si può notare dalla muscolatura estremamente precisa e dettagliata di Schicchi e del Capocchio.

Prompt: Explain the Color realism about the Story of the opera of this artwork, Dante and Virgil.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: Explain the Artivisive about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


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Sacra Famiglia Canigiani

composizione ha una forma piramidale ispirata alle opere di Leonardo da Vinci, con l'accento sulla plasticità delle figure e l'articolazione di esse nello spazio. Al vertice san Giuseppe, appoggiato al bastone, sorveglia serenamente la Madonna e sant'Elisabetta, sedute su un prato e con in grembo i rispettivi figli, Gesù e Giovanni Battista. Gambe e braccia di Maria ed Elisabetta, Gesù e Giovannino creano un movimento avvolgente, di memoria classica, armonizzato dalla figura di Giuseppe stante, che chiude il cerchio con un'organicità che è degna dell'architettura.  predominanza di Giuseppe è giustificata dall'incremento che il suo culto andava subendo nel XVI secolo; la sua figura richiama da vicino il san Giuseppe del Tondo Doni di Michelangelo. Raffaello aumentò il numero dei personaggi, ricercando nelle pose raffinate corrispondenze formali, con ritmi curvilinei che si annodano e si sciolgono continuamente, sia in superficie che in profondità.L'impostazione semplice ma eloquente ricorda Fra Bartolomeo, all'insegna di una solennità composta che però il Sanzio addolcì con i gesti intimi e familiari dei personaggi. Sguardi e gesti infatti si intrecciano sapientemente, in un complesso studiatissimo ma dall'effetto estremamente semplice e naturale, con un tono sereno e pacato, ben diverso dalle inquietudini di Leonardo.Il paesaggio che si perde in profondità ha caratteri veneti di compenetrazione atmosferica, così come rimanda a Giorgione la ricca tavolozza, dei toni brillanti.

Prompt: In Canigiani Holy Family, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Fra Bartolomeo
Giorgione
Leonardo da Vinci
Tondo Doni


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Madonna delle Grazie

alt= Mazzarrà Sant'Andrea festa patronale di Mazzarrà Sant'Andrea si svolge l'ultima domenica di agosto, e incomincia 15 giorni prima con la funzione "a scinduta Da Madonna" giorno in cui l'artistico simulacro viene posto sul fercolo. Nove giorni prima ha inizio la novena in onore di Maria SS. delle Grazie. I giorni più sentiti sono i tre prima della festa. Per le funzioni religiose la sera del sabato incominciano i vespri solenni. Tutto e tutti si preparano al grande giorno, la mattina alle ore 11:00 comincia la Santa Messa Solenne. Alle ore 18:0, al secondo colpo di martello e al grido di "evviva la gran Signora Maria SS. delle Grazie!! e chiamamula mi 'ndaiuta" i portatori conducono il fercolo fuori dalla Chiesa Madre al lancio di mortai e carte multicolori. L'uscita della Madonna viene accolta dallo sventolio dei fazzoletti bianchi e il battito delle mani, quindi ha inizio la processione con il simulacro adornato con molto oro, per le vie del paese dove in ogni quartiere vengono sparati fuochi artificiali.  varetta si ferma ogni qualvolta la gente vuole fare un'offerta, quando si ferma il martello tuona due volte e tuona anche quando riparte. Dopo una processione di 4 ore, alle 22:00 circa si assiste ai fuochi artificiali e il fercolo fa il suo ritorno in Chiesa Madre.  leggenda narra che in un'afosa giornata di agosto del 1706 un carro trainato da buoi con una bellissima statua della Madonna, risaliva il torrente Mazzarrà diretto a Roccella Valdemone. Giunti nei pressi di Mazzarrà i buoi si fermarono rifiutandosi di procedere. Inutili furono gli sforzi sia del conducente sia di alcuni contadini intenti al lavoro nei campi. Poi il vecchio prete di Mazzarrà asperse con acqua benedetta la statua, di colpo i buoi ripresero il cammino andandosi a fermare davanti alla piccola chiesetta di Mazzarrà. Si gridò al miracolo, la statua della Madonna venne portata all'interno della chiesa e il principe decise di costruire sul posto una nuova chiesa dedicata a Maria SS. delle Grazie.

Prompt: Explain the Mazzarrà Sant'Andrea about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Caccia al leone

I Maasai non mangiano carne di selvaggina e usano i corpi dei loro leoni uccisi per tre prodotti; la criniera, la coda e gli artigli.  criniera viene bordata dalle donne della comunità e restituita al cacciatore che la indossa sopra la testa in occasioni speciali. Dopo la cerimonia della carne, quando un guerriero diventa un giovane anziano, la criniera viene gettata via e unta con una miscela di olio di pecora e ocra. Questo evento sacrificale viene fatto per evitare gli spiriti maligni.

Prompt: Describe the characteristics of the Trophies in The Lion Hunt (Delacroix)'s The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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Altare Jabach

Il pannello destro mostra due suonatori in piedi, con quello di destra, il tamburino, che contiene probabilmente un autoritratto di Dürer. Il loro significato non è stato pienamente chiarito. Forse essi simboleggiano l'estrema derisione verso il profeta ormai completamente in disgrazia, malato e abbandonato da tutti, oppure tentano di consolarlo con la musica.

Prompt: Describe the characteristics of the Piper drummer in Jabach Altarpiece's History.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino scrivente e un vescovo inginocchiato  è un dipinto a olio e oro su tavola  di Pinturicchio, databile al 1495 circa e conservato nel Museo de Bellas Artes di Valencia.

Prompt: Focus on Madonna and Child with a Bishop and explain the Abstract.Please output in Italian.

1495
Madonna col Bambino scrivente
Pinturicchio
Valencia


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Separazione della luce dalle tenebre

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. Gli affreschi vennero eseguiti in due metà, divise all'altezza della transenna nella sua posizione originale, più o meno sopra la Creazione di Eva. Ciò fu necessario poiché il ponteggio copriva solo metà della cappella e dovette essere smontato e rimontato dall'altra parte tra una fase e l'altra.  Separazione della luce dalle tenebre  fu quindi l'ultima delle scene principali ad essere dipinta, pur essendo la prima in ordine di lettura.Michelangelo, pressato dalle richieste papali sempre più esigenti per un rapido completamento, arrivò a ultimare il ciclo in sorprendente rapidità.  Separazione della luce dalle tenebre venne ad esempio realizzata in appena una "giornata" d'affresco, sintetizzando al massimo lo stile pittorico senza però per questo compromettere la riuscita del prorompente effetto dinamico dell'insieme. Il disegno venne trasferito dal cartone con l'incisione diretta.

Prompt: How does Separation of Light from Darkness explain its History?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Da secoli, è costume di molti Cristiani ortodossi orientali terminare la celebrazione pasquale dipingendo uova e proclamando "Cristo è risorto!". Le uova simboleggiano la nuova vita, e Cristo che risorge dalla morte. Da questo nacque la tradizione di colorare le uova di Pasqua.Una tradizione riguardante Maria Maddalena dice che dopo la morte di Gesù Cristo, usò la sua posizione per ottenere un invito a un banchetto dato dall'imperatore Tiberio. Quando lei lo incontrò, teneva un uovo puro nelle sue mani ed esclamò "Cristo è risorto!" Tiberio rise, e disse che la resurrezione di Gesù Cristo dalla morte era probabile quanto l'uovo nella sua mano diventasse rosso mentre lo teneva. Secondo la leggenda, prima che finisse di parlare, l'uovo nella sua mano diventò rosso e lei continuò a proclamare il Vangelo in tutta la casa imperiale.

Prompt: Explain the Easter egg tradition about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.


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La Velata

L'opera si trovava a Firenze in casa del mercante Matteo Botti, dove la videro Giorgio Vasari , Vincenzo Borghini  e il Bocchi . Nel 1619 raggiunse la collezione dei Medici per lascito dell'ultimo erede della famiglia Botti.  data indicativa del 1516 circa corrisponde alla datazione sottoscritta dalla Galleria Palatina che conserva l'opera. Tuttavia la forchetta temporale su cui vertono le discussioni degli studiosi è più ampia poiché si situa tra il 1512 e il 1518, vale a dire dopo la Madonna Sistina e la Dorotea di Sebastiano del Piombo e prima della Fornarina.Entrato a Palazzo Pitti nel 1622 il dipinto è inventariato in forma dubitativa, "dicono di Mano di Raffaello d'Urbino", e di lì a poco il nome di Raffaello verrà abbandonato. Ai tempi del Granduca Pietro Leopoldo venne attribuito al Justus Sustermans, ed è solo nel 1839 che il Passavant, notando la somiglianza della protagonista con la Vergine della Madonna Sistina e con una delle Sibille di Santa Maria della Pace, lo attribuisce a Raffaello. Egli ipotizzò anche che potesse trattarsi di un ritratto della Fornarina, l'amante di Raffaello. Dello stesso parere furono Morelli, Cavalcaselle, Gruyer e Ridolfi, mentre di parere contrario furono Springer, e Filippini . Gli studiosi ottocenteschi assegnarono l'opera alla bottega del Sanzio, per le molte ridipinture che impedivano una valutazione precisa, ma dopo il restauro la smagliante brillantezza dell'opera ha fatto ritenere l'opera pienamente autografa, ipotesi oggi pressoché indiscussa.

Prompt: Explain the History of this artwork, La velata.Please output in Italian.

1516
1619
Firenze
Galleria Palatina
Giorgio Vasari
Justus Sustermans
Madonna Sistina
Matteo Botti
Medici
Palazzo Pitti
Sebastiano del Piombo


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Sacra Famiglia

Gesù Maria, madre di Gesù Giuseppe  Madonna col Bambino Sacra Parentela Metterza

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Holy Family (Collinson painting).Please output in Italian.

Gesù
Madonna col Bambino
Metterza
Sacra Parentela


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Bambini dell'Olocausto

mortalità fu elevatissima anche tra le migliaia e migliaia di bambini soggetti alle politiche di pulizia etnica: bambini polacchi nei territori della Polonia annessi alla Germania ed inviati ad Auschwitz; bambini serbi nel campo di concentramento di Jasenovac in Croazia; bambini slavi nei campi di concentramento italiani di Arbe e Gonars.In Polonia e in Croazia si crearono anche speciali campi di concentramento riservati esclusivamente a bambini, orfani o sottratti alle loro famiglie. Il regime di vita in questi campi fu durissimo e numerose furono le vittime. In Polonia migliaia di bambini polacchi non-ebrei furono rinchiusi nel campo di concentramento di Potulice o nel campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź  e sottoposti a lavoro coatto o a programmi di germanizzazione. In Croazia stessa sorte fu riservata a migliaia di bambini serbi nel campo di concentramento per bambini di Sisak  e in quello di Jastrebarsko.Bambini di varia nazionalità morirono nei campi di concentramento dopo esservi stati deportati con le loro famiglie come "politici" o furono oggetto privilegiato di rappresaglie e stragi. Il caso più famoso è quello dei bambini del villaggio di Lidice in Cecoslovacchia, raso al suolo nel giugno 1942 come rappresaglia per l'uccisione del governatore nazista Reinhard Heydrich ad opera della resistenza. I 105 bambini del villaggio furono deportati nel ghetto di Łódź. 23 di loro furono selezionati per essere dati in adozione a famiglie "ariane" tedesche nell'ambito del Progetto Lebensborn. I rimanenti 82 furono assassinati nel campo di sterminio di Chełmno. Anche in Italia numerosi bambini furono uccisi in stragi e rappresaglie, da Marzabotto a Stazzema. Tra le vittime dell'eccidio delle Fosse Ardeatine vi furono anche due quindicenni: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli .

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Ethnic cleansing, reprisals, concentration camps for children and the Victims survivors.Please output in Italian.

Cecoslovacchia
Duilio Cibei
Germania
Italia
Lidice
Michele Di Veroli


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: Describe the characteristics of the The birth of the notation in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

il 29 settembre 1519 Alfonso I d'Este, duca di Ferrara, invia una lettera perentoria a Jacopo Tebaldi, suo ambasciatore a Venezia, perché sia sollecitato a Tiziano il compimento dei Baccanali per i Camerini d'alabastro, ovvero Bacco e Arianna, il Baccanale degli Andrii e la Festa degli amorini. Nella lettera di risposta, datata 10 ottobre, il Tebaldi informa che il ritardo è dovuto al fatto che il prelato Altobello Averoldi, da lui indicato solamente con il rispettoso titolo di "Reverentissimo", «qui vol far fare una opera de pictura, et magistro Titiano è stato seco in longa praticha sopra ciò, secundo ch'io ho inteso da amici mei, et magistro Titiano non me l'ha negato».Cioè, il ritardo nella consegna dei Baccanali è stato causato dalla "longa praticha" che ha impegnato Tiziano su una "opera de pictura" commissionatagli da Altobello Averoldi.  notizia è di notevole importanza, poiché contribuisce a fissare al 1519 l'anno della commissione, da parte dell'Averoldi, del polittico da collocare nel coro della chiesa dei Santi Nazaro e Celso a Brescia. In quell'anno, l'Averoldi risiedeva a Venezia in qualità di nunzio apostolico presso la Serenissima, carica che deteneva dal 1517 e manterrà fino al 1523, per poi riottenerla dal 1526 al 1530. In questo periodo, nel suo studio presso la chiesa di San Samuele, Tiziano sta lavorando, oltre ai Baccanali del duca di Ferrara, alla Pala Pesaro, alla Pala Gozzi e al polittico di Brescia: il Tebaldi, però, nella sua lettera di risposta sembra far capire che il ritardo nella consegna dei dipinti sia imputabile unicamente all'impegno contratto con l'Averoldi.Nella successiva lettera dell'ambasciatore al duca, datata 1º dicembre 1520, emerge senza mezzi termini la pianificazione di un vero e proprio furto del San Sebastiano, organizzato completamente dal Tebaldi ai danni dell'Averoldi.}}Diminuita la folla nello studio, il Tebaldi prosegue raccontando di aver preso "in discosto" Tiziano e di avergli detto "ch'el era gettato via questa pictura, a darla a prete, et ch'el la porti a Brixia, [...] confortandolo a darla a Excellentia Vostra, quando a quella gli piacesse de haverla". Tiziano risponde di non sapere "qual partito pigliare per fare questo furto" ma, prontamente, il Tebaldi ribatte che avrebbe pensato a tutto il duca e che, d'altronde, "se potria subito dare principio ad una altra simile, et poi uno giorno voltarli il capo, una gamba, on brazo etc". Il pittore finisce per accettare la truffa: Tebaldi lo dice "paratissimo per far ogni cosa, pur ch'el possa, et sapia, che sia grata alla Excellentia Vostra".}} risposta da Alfonso I d'Este, datata al 17 dicembre, dimostra un interesse secondario sulla questione dell'aggiunta e una preoccupazione maggiore, invece, per il prezzo dell'opera:.}}Entro tre giorni arriva la risposta definitiva del duca che, improvvisamente, lascia cadere l'intera trattativa per non commettere "ingiuria" verso Altobello Averoldi, probabilmente intimorito anche dalla carica di nunzio apostolico che il prelato, come detto, aveva presso la Serenissima:}}Secondo Francesco Valcanover, che scrive nel 1969, la prima versione del San Sebastiano, legato a una colonna come negli schizzi preparatori e non a un albero, potrebbe comunque aver lasciato precocemente lo studio di Tiziano per essere inviata alla corte di Mantova dopo il rifiuto di Alfonso I d'Este. Un San Sebastiano alla colonna è infatti citato tra i dipinti venduti dai Gonzaga a Carlo I d'Inghilterra, ma da allora se ne sono perdute le tracce. In ogni caso, venuta meno la truffa ai danni dell'Averoldi, che verosimilmente non ne verrà mai a conoscenza, il polittico viene completato nelle parti ancora mancanti entro il 1522, data riportata, insieme alla firma dell'autore, sul rocchio di colonna a terra nel San Sebastiano, in basso a sinistra: "Ticianvs faciebat / M.D.XXII".

Prompt: Explain the Theft attempt San Sebastiano about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Averoldi Polyptych.Please output in Italian.

1519
1520
1522
Alfonso I d'Este
Altobello Averoldi
Baccanale degli Andrii
Bacco e Arianna
Brescia
Camerini d'alabastro
Carlo I d'Inghilterra
Festa degli amorini
Gonzaga
Mantova
Pala Gozzi
Pala Pesaro
Venezia


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Pietà vaticana

Il fatto che la Madonna fosse molto giovane suscitò delle critiche, registrate dal Vasari, nell'incapacità ormai di riconoscere la tradizione medievale di Maria vista come sposa di Cristo e simbolo della Chiesa: tali iconografie, spesso antichissime, vennero abbandonate in seguito alla Controriforma, interrompendo tradizioni secolari che vennero presto dimenticate dai contemporanei. Una Madonna giovanissima si trova ad esempio, per restare in ambito romano, nel mosaico di Jacopo Torriti in Santa Maria Maggiore. Per tutto il Quattrocento si continuò a ripetere tali schemi, con una conoscenza più o meno consapevole degli scritti teologici medievali, spesso mediata dagli ordini religiosi committenti.Inoltre Michelangelo, come scrisse il suo biografo Ascanio Condivi, sostenne che " castità, la santità e l'incorruzione preservano la giovinezza". Lo stesso Vasari riporta questa opinione nel confutare le critiche alla scelta dell'artista: «Se bene alcuni, anzi goffi che no, dicono che egli abbia fatto la Nostra Donna troppo giovane, non s'accorgono e non sanno eglino che le persone vergini senza essere contaminate si mantengono e conservano l'aria de 'l viso loro gran tempo, senza alcuna macchia, e che gli afflitti come fu Cristo fanno il contrario? Onde tal cosa accrebbe assai più gloria e fama alla virtù sua che tutte l'altre dinanzi». Michelangelo inoltre non voleva rappresentare la scena con lo scopo di narrare un episodio  ma era principalmente interessato all'aspetto simbolico: Maria è rappresentata giovane come quando concepì Gesù Cristo.

Prompt: How does Pietà (Michelangelo) explain its Interpretations?Please output in Italian.

Ascanio Condivi
Controriforma
Cristo
Jacopo Torriti


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Madonna delle Grazie

Solennità di Maria Santissima delle Grazie è festeggiata ad Andrano il 5 di agosto. Precedentemente la festa era stata istituita il 17 ottobre, data con la quale veniva ricordato un miracolo per intercessione della Beata Vergine grazie al quale una famiglia andranese ha trovato la salvezza in seguito al crollo di un campanile sulla loro casa, avvenuto la notte del 17 ottobre 1819 a causa di una tromba d'aria. Fu Papa Pio VII a riconoscere il miracolo di Maria Santissima delle Grazie e ad accordare questa data.  Chiesa dei Domenicani presente nel centro storico del paese fu eretta e consacrata alla Santa Patrona prima di assumere nuova denominazione in segno di ringraziamento per la grazia ricevuta nel 1480, anno in cui il territorio salentino era oggetto di invasioni da parte dei Saraceni. Il barone di Andrano era Giovanni Antonio Saraceno, il quale, partito per combattere i nemici, trovò la morte. Quando la notizia arrivò in paese, la popolazione, disperata, chiese aiuto alla Madonna delle Grazie e, insperatamente, una volta arrivati i nemici furono respinti. Le spoglie del barone morto furono seppellite nel sottosuolo della chiesa e la costruzione fu denominata Chiesa di S. Maria delle Grazie. Nello stesso edificio religioso è presente un affresco raffigurante la Madre di Dio intenta a proteggere il paese dagli invasori saraceni. Anche il dipinto sembra risalire al 1480. Le celebrazioni sono tenute nella chiesa omonima del paese.  festa è anticipata da quella della Madonna dell'Attarico il giorno antecedente la vigilia presso una grotta rupestre, lontana dal centro abitato.

Prompt: Describe the characteristics of the [[They go]]. in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

Andrano
Giovanni Antonio Saraceno
Madonna dell'Attarico
Papa Pio VII
Saraceni


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Musica

leftupright=0.8Nel secolo d'oro della musica classica occidentale, gli anni che vanno dal 1750 al 1850, essa si esprime in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale  che in campo operistico, sfruttando sempre più estesamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli passati.Durante questo periodo, per la prima volta, si manifestò un sentimento storico dell'esperienza musicale; la musica acquisì una coscienza storica al pari delle altre arti grazie agli studi e le pubblicazioni che riguardarono il passato; fra i trattatisti notevoli, ricordiamo il maestro Ant. Reicha, autore d'un Trattato di Melodia, un Trattato di Armonia e un Nuovo Metodo per la Fuga, nonché di numerose  opere minori. Questo nuovo fenomeno consentì di creare una saldatura tra il presente ed il passato e di dare continuità al percorso evolutivo musicale.Nel XVIII secolo vi fu la grande presenza di Mozart. Senza dubbio fu uno, tra i grandi, e sono tanti; e grazie a lui l'evoluzione della musica poggiò su un grande pilastro creato, che si estese in tutti i campi, sinfonia, opera, musica da camera, serenate, e che rappresentò il legame, possiamo dire, tra la musica del Settecento  e quella romantica del XIX secolo.Agli inizi del XIX secolo giganteggiò la figura di Ludwig van Beethoven, che prese le mosse dall'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la sinfonia e la sonata, creando al contempo il concetto di musica assoluta, cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assistette alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. In seguito, oltre a lui, artisti come Johannes Brahms, Anton Bruckner e Gustav Mahler ottennero grandi risultati specialmente in campo sinfonico, per questo si parla di "Stagione del grande sinfonismo tedesco".In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del romanticismo musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann. In Francia operano invece Berlioz e il polacco Chopin che in molte sue composizioni inserì innovazioni armoniche che facevano già presagire l'Impressionismo.Con Richard Wagner vennero introdotte nuove sonorità con passaggi armonici innovativi e un esasperato cromatismo che misero in crisi il sistema tonale tradizionale.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Classicism and Romantic music of the The studio explained?Please output in Italian.

1750
1850
Anton Bruckner
Armonia
Francia
Gustav Mahler
Johannes Brahms
Ludwig van Beethoven
Melodia
Richard Wagner
XIX secolo
XVIII secolo


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Fontana Maggiore

fontana, predisposta in bottega e poi montata al centro della piazza, fu realizzata in pietra di Assisi. È costituita da due vasche marmoree poligonali concentriche sormontate da una tazza bronzea  ornata da un gruppo bronzeo di figure femminili  dal quale sgorga l'acqua. vasca inferiore è costituita di 25 specchi ciascuno suddiviso in 2 formelle che descrivono i 12 mesi dell'anno, ognuno dei quali è accompagnato dal simbolo zodiacale. Ad ogni mese sono associati momenti della vita quotidiana e il lavoro agricolo che lo contraddistingue. Come in altre sculture coeve d'Europa che rappresentano i mesi, il lavoro materiale acquista dignità, e in questa vasca viene rappresentato insieme alle arti liberali, alla Filosofia, ai personaggi della Bibbia e della storia di Roma, in quest'ordine: il mese di gennaio  il mese di febbraio  il mese di marzo  il mese di aprile  il mese di maggio  il mese di giugno  il mese di luglio  il mese di agosto  il mese di settembre  il mese di ottobre  il mese di novembre  il mese di dicembre  il Leone guelfo e il Grifo perugino la Grammatica e la Dialettica la Retorica e lAritmetica la Geometria e la Musica lAstronomia e la Filosofia due Aquile, su quella di destra c'è la firma di Giovanni Pisano. il Peccato originale e la Cacciata dall'Eden Sansone smascella il leone e Sansone e Dalila il Leone intimorito e la Punizione del cagnolino Davide vittorioso e Golia abbattuto Romolo e Remo   Lupa allatta Romolo e Remo e la madre Rea Silvia due favole di Esopo Nella vasca superiore, sono 24 statue poste agli spigoli, che rappresentano santi e personaggi mitologici e biblici, del nuovo e vecchio testamento.. Poi seguono tutti i personaggi legati alla città. Nel punto cardinale opposto a Nord è Euliste , il mitico fondatore di Perugia. Ad ovest è Roma , in relazione alla rappresentazione della romana Chiesa e della Divinitas Excelsa  e dei Santi Pietro - Paolo. Un altro personaggio cardine posto ad est, è S. Giovanni Battista, per il ruolo dell'acqua non solo come elemento vitale, ma al contempo sacrale, è abbinato a Salomè e altri personaggi biblici.Queste sono le rappresentazioni delle 24 statue: San Pietro la Chiesa romana Roma caput mundi la Divinitas Excelsa San Paolo un Chierico di San Lorenzo San Lorenzo patrono della città. la Ninfa del territorio chiusino o Domina Clusi Augusta Perusia la Ninfa del Trasimeno o Domina cus che dona i pesci a Perugia Sant'Ercolano patrono della città. il Chierico traditore di S. Ercolano San Benedetto San Giovanni Battista Salomone Davide Salomè Mosè Matteo da Correggio, podestà di Perugia lArcangelo Michele Euliste, il mitico fondatore di Perugia Melchisedec Ermanno da Sassoferrato, capitano del Popolo la VittoriaNella cornice inferiore della seconda vasca sono scolpiti dei versi latini con abbreviazioni epigrafiche che, oltre a fornire informazioni sugli autori e sulla data dell'opera, sono un invito a scoprirla e a interpretarla: “Guarda tu che passi questa fontana dal lieto mormorio, se osservi bene puoi vedere cose mirabili….”

Prompt: In Fontana Maggiore, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Aritmetica
Assisi
Astronomia
Bibbia
Dalila
Davide
Dialettica
Esopo
Euliste
Filosofia
Geometria
Giovanni Pisano
Golia
Grammatica
Melchisedec
Mosè
Musica
Perugia
Rea Silvia
Retorica
Romolo e Remo
Salomone
Giovanni Battista
San Lorenzo
Sansone


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Antigrazioso

Forme uniche della continuità nello spazio

Prompt: Focus on Antigrazioso and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Pala di San Zeno

verticalesinistra lucernaL'architettura dipinta, che appare come un prolungamento di quella della cornice, mostra una sorta di loggiato a base quadrata con pilastri, aperto su tutti i lati, con soffitto a cassettoni con luminosi "bottoni" d'oro, e ricco di elementi "all'antica", come il fregio con finto bassorilievo in grisaille di coppie di putti reggi-festoni o i medaglioni con scene mitologiche. L'insieme pare che riprenda molto fedelmente l'aspetto originario dell'altare del Santo di Donatello, l'opera fondamentale per la diffusione dell'arte rinascimentale nell'Italia settentrionale.Al di fuori si trova un rigoglioso giardino fiorito, mentre in alto, sul lato principale, corrono alcuni festoni di frutta e foglie, un motivo tipico di Squarcione e dei suoi allievi, tra cui Mantegna stesso. Sopra la testa della Vergine, incorniciata da un magnifico rosone ingioiellato del trono, stanno appesi tra i festoni una lucerna a cesendello in un bicchiere di vetro sostenuto e  decorato da un bordo d'oro con pietre preziose, alcuni fili di corallo lavorato e un uovo di struzzo. Quest'ultimo è simbolo della fecondità di Maria e al tempo stesso della sua verginità, con un richiamo erudito, ma ben comprensibile per gli umanisti del XV secolo, alla leggenda di Leda, sposa del re di Sparta; in un tempio della città si trovava appeso un analogo uovo, e Leda venne fecondata da Zeus sotto forma di cigno, precorrendo la fecondazione di Maria tramite i raggi divini emanati dalla colomba dello Spirito Santo.Le colonne sembrano separare i dipinti ma non interrompono lo spazio che il Mantegna ha concepito come unico, profondo, percorribile. L'unicità dello spazio è sottolineata dal pavimento a scacchiera bianca e nera, dal giardino di rose fiorite insinuantesi dietro il trono e a fianco dei santi, e dall'unico cielo dello sfondo, percorso nei tre pannelli da nuvolette bianche in strati orizzontali. Le colonne dipinte sono quindi come proiettate all'interno del quadro. Lo spazio è determinato logicamente attraverso la prospettiva scientifica, la luce è descritta attraverso il colore e le forme sono costruite in modo proporzionato.

Prompt: In San Zeno Altarpiece (Mantegna), how is the Setting of the History explained?Please output in Italian.

Donatello
Italia settentrionale
Leda
Zeus


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Betsabea

Betsabea in un dipinto realizzato da Assieme ad Eva, Betsabea era quasi l'unica donna la cui immagine in stato di nudità poteva essere giustificata facilmente e abitualmente nell'arte cristiana, e pertanto è una figura importante nello sviluppo del nudo nell'arte medioevale. Anche se a volte è raffigurata vestita in altri punti della sua storia, la raffigurazione più comune, sia nell'arte medioevale che in quella successiva, era quella di Betsabea al bagno, come è chiamato formalmente il tema artistico che mostra Betsabea che si fa il bagno, osservata dal re Davide. Questo poteva essere mostrato con vari gradi di nudità, a seconda della posa e della posizione di vesti o asciugamani. Una delle collocazioni più comuni nel quindicesimo secolo, forse sorprendentemente, era nelle miniature che illustravano un libro delle ore, un libro di preghiere personale, che aveva superato il salterio come tipo di libro di devozione più popolare per i laici. In particolare, questo era il caso in Francia.Nell'arte il soggetto è uno dei più comuni del topos del "Potere delle donne". Essendo un'opportunità per presentare un gran nudo femminile come fulcro di un dipinto di storia, il soggetto era popolare dal Rinascimento in poi. Talvolta sono rappresentate le domestiche di Betsabea o i "messaggeri" inviati da Davide, e spesso un Davide in lontananza che guarda dal suo tetto. A volte i messaggeri sono confusi con lo stesso Davide, ma la maggior parte degli artisti seguono la Bibbia e tengono Davide a distanza in questo episodio. Non sono rare le opere nelle quali la donna viene presentata come una seduttrice, consapevole di essere osservata.Tra gli artisti che hanno dipinto questo episodio si citano Hans Memling, Rembrandt van Rijn , Artemisia Gentileschi, Sebastiano Ricci e Jean-Léon Gérôme. Esiste inoltre un quadro di Paolo Veronese che potrebbe ritrarre Betsabea, anche se si è pensato che questa scena possa essere tratta piuttosto dalla storia di Susanna, narrata nel Libro di Daniele .

Prompt: In Bathsheba (Gentileschi), how is the Art of the Biblical story explained?Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Bibbia
Davide
Eva
Hans Memling
Jean-Léon Gérôme
Libro di Daniele
Paolo Veronese
Potere delle donne
Davide
Rembrandt
Sebastiano Ricci


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Circe e i suoi amanti in un paesaggio

Circe e i suoi amanti in un paesaggio è un dipinto a olio su tela  di Dosso Dossi, databile al 1525 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington. Faceva parte della decorazione dei Camerini d'Alabastro di Alfonso d'Este a Ferrara.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Circe and Her Lovers in a Landscape.Please output in Italian.

1525
Circe
Dosso Dossi
Ferrara
National Gallery of Art
Washington


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Epifania

In Polonia, l'Epifania o "Trzech Króli"  viene celebrata in grande stile, con enormi cortei che danno il benvenuto ai Re Magi, spesso a cavallo di cammelli o altri animali dello zoo, a Varsavia, Poznań e in oltre 2.000 altre città. I Re Magi distribuiscono dolci ai bambini, si cantano canti natalizi e si mettono in scena presepi viventi, tutti simili alle celebrazioni dell’Italia o della Spagna, che indicano l'eredità cattolica del paese. I bambini possono anche vestirsi con colori che simboleggiano l'Europa, l'Asia e l'Africa  e alla fine del percorso del corteo, i capi della chiesa spesso predicano intorno al significato spirituale dell'Epifania. Nel 2011, con un atto del Parlamento, l'Epifania è stata ripristinata come festa nazionale e giorno non lavorativa dopo la cancellazione operata dal regime comunista cinquant'anni prima.I polacchi portano piccole in chiesa a far benedire scatole contenenti gesso, un anello d'oro, incenso e un pezzo di ambra, in memoria dei doni dei Magi. Una volta a casa, inscrivono "K+M+B+" e l'anno con il gesso benedetto sopra ogni porta della casa, secondo la tradizione, per fornire protezione contro malattie e sventure ai dimoranti. Le lettere, ciascuna seguita da una croce, stanno per i nomi dei tre Re Magi in polacco - Kacper, Melchior e Baltazar – e anche per un'iscrizione latina che significa "Cristo benedica questa casa". Le scritte rimangono sopra le porte tutto l'anno fino a quando non vengono inavvertitamente rispolverati o sostituiti da nuovi segni l'anno successivo. Il 6 gennaio, come in gran parte dell'Europa, viene servita una torta dei Tre Re in stile polacco con una moneta o una mandorla cotta all'interno. Colui che lo riceve è il re o la regina del giorno, che dovrà indossare la corona di carta che decora la torta. Secondo la tradizione polacca questa persona sarà fortunata nell’anno appena iniziato. Le ricette variano in base alla regione. Alcuni servono una torta di pasta sfoglia di tipo francese con ripieno di pasta di mandorle, mentre altri prediligono un pan di spagna con ripieno di crema di mandorle, e altri ancora gustano una torta di frutta leggera.L'Epifania in Polonia segna anche l'inizio dello zapusty o del Carnevale, quando vengono serviti pączki  e chrust .

Prompt: In Epifania, how is the Poland of the History explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Italia
Polonia
Poznań
Spagna
Varsavia


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Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina.Please output in Italian.


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro

Su di un basamento all'antica in finto marmo, si erge la colonna a cui è legato san Sebastiano, il militare romano condannato per via della sua fede cristiana al martirio tramite crivellatura di frecce. Il soggetto, dalla metà del Quattrocento in poi, permetteva agli artisti di cimentarsi nella rappresentazione anatomica di un nudo secondo i canoni dell'arte classica, che ebbe un notevole successo. Per Perugino si tratta del primo esempio di tale soggetto, caratterizzato da una figura esile e languida soffusamente illuminata, che venne poi replicata in numerosi altri dipinti: se ne conoscono uno al National Museum di Stoccolma, uno frammentario all'Ermitage di San Pietroburgo, uno al Louvre , con una derivazione al Museo d'Arte di San Paolo, uno nella chiesa di San Sebastiano a Panicale  e uno nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia . Il giovane martirizzato non esprime alcun dolore, ma una vaga malinconia nello sguardo trasognato, con un'elegante postura accuratamente bilanciata tra gli scarti a destra  e a sinistra .Accanto a lui si vedono alcuni frammenti di altri santi, riconoscibili però per la presenza degli attributi tipici: san Rocco, che mostra la ferita nella gamba, e san Pietro, col tipico manto giallo e un pezzo delle chiavi del Paradiso. Lo sfondo mostra una cornice marmorea oltre una specchiatura in finto marmo verde.I santi sono rappresentati con una forte valenza plastica, sottolineata dai piedi che sporgono, gettando ombra, dal cornicione della base. Il san Pietro ha un panneggio modellato con vigore dalla luce tagliente, che dà l'effetto "bagnato" appreso alla bottega del Verrocchio, ma sicuramente più originale è la figura di Sebastiano, che guarda in alto, con quella posa languida e sospesa che divenne, proprio a partire da quegli anni, una delle caratteristiche più tipiche dell'arte di Perugino. I giochi lineari appresi a Firenze, ben visibili nel panneggio svolazzante del perizoma di Sebastiano, sono inoltre fusi con una luce tersa derivata da Piero della Francesca.

Prompt: Focus on St Sebastian between St Roch and St Peter and explain the Description and style.Please output in Italian.

Ermitage
Firenze
Panicale
Perugia
Piero della Francesca
Perugino
San Pietroburgo
San Sebastiano
Stoccolma


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Arazzi di caccia del Devonshire

Gli arazzi di caccia del Devonshire è un ciclo di arazzi fiamminghi della prima metà del XV secolo.

Prompt: In Devonshire Hunting Tapestries, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

sinistraTriboniano consegna le Pandette a GiustinianoIn basso a sinistra, a lato della finestra, si trova la scena di Triboniano che consegna le Pandette a Giustiniano, che celebra il diritto naturale e civile. L'imperatore è seduto di profilo, con i segni del potere ben in vista , mentre riceve da Triboniano inginocchiato un libro; assistono una serie di dignitari con cappelli esotici, ispirati a fogge bizantine.L'opera subì gravi danni che ne peggiorarono la leggibilità. L'esecuzione dell'affresco è di solito riferita ad aiuti del Sanzio, che operarono su suo disegno, probabilmente il Sodoma. Ludovico Dolce, nel Dialogo della pittura  accennò a un restauro degli affreschi delle Stanze da parte di Sebastiano del Piombo, che Pallucchini  ipotizza dubitativamente relativo a questa scena. Nel 2000 la scena è stata invece ritenuta uno dei segni della documentata presenza di Lorenzo Lotto nel cantiere delle stanze.

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Tribonian handed Pandects to Justinian of the Description and style explained?Please output in Italian.

Ludovico Dolce
Sebastiano del Piombo
Triboniano


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Madonna delle Grazie

festa in onore della Santa Patrona di Presa, frazione di Piedimonte Etneo nel catanese, ha inizio la prima domenica di agosto e culmina la domenica successiva. I festeggiamenti si aprono con la S. Messa del mattino nella Chiesa parrocchiale alla Vergine intitolata e la sera nella piazza si svolge la tradizionale Asta dei prodotti tipici locali. Nei pomeriggi successivi si svolgeranno altre celebrazioni eucaristiche rispettivamente alla cappella del cimitero, all'edicola votiva di San Giuseppe in Piazza Giovanni XXIII e a quella della Madonna del Carmelo in Piazza Aldo Moro. Il giovedì avrà inizio il triduo di preparazione predicato da un sacerdote di un paese limitrofo presso la Chiesa; questo avrà termine il sabato, giorno della Vigilia dei festeggiamenti in cui verrà svelata l'immagine statuaria della Madonna delle Grazie. Nelle serate del giovedì, venerdì e sabato si alterneranno momenti di intrattenimento in piazza tra musica, ballo e teatro. Si giunge poi al giorno clou dei festeggiamenti: la domenica. Alle 7 del mattino i colpi dei mortaretti e lo scampanio solenne dei sacri bronzi segnano l'inizio del giorno festivo. Nella mattinata si susseguiranno delle celebrazioni eucaristiche e alle ore 11 la S. Messa solenne con la presenza di un'alta autorità religiosa, oltre a quelle delle autorità civili e militari del luogo. Nel pomeriggio alle ore 17 l'immagine di Maria viene traslata dalla cappella posta sull'altare al fercolo. Alle ore 18 la Madonna delle Grazie uscirà dalla porta principale della chiesa tra le acclamazioni di "Viva Maria!" e lo sparo di mortaretti unito allo scampanio delle campane. Seguirà la processione per le vie del paese. Al rientra il fercolo sosterà nella piazza principale per assistere all'ultima celebrazione eucaristica, e poi rientrerà in chiesa dove, riposto il simulacro nella cappella, questo verrà velato.

Prompt: Explain the Presa (Piedimonte Etneo) about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Deposizione Borghese

Il Trasporto si ispirò alle scene antiche del Trasporto di Melagro e alla scena nello sfondo della Cappellina dei Corpi Santi nel Duomo di Orvieto, affrescata da Luca Signorelli. Altri modelli furono una Deposizione a stampa di Andrea Mantegna e alcune opere di Michelangelo, per gli atteggiamenti di alcune figure.Tre uomini stanno portando il corpo morto di Gesù nel sepolcro a sinistra. Essi sono rappresentati inarcati dallo sforzo di trascinare il pesante corpo senza vita e sono ritratti con espedienti che amplificano il senso del movimento  e le espressioni concitate. In particolare spicca il giovane al centro della composizione, assente nei Vangeli, che è un ritratto del defunto Grifonetto Baglioni. Dietro spunta San Giovanni Evangelista con le mani giunte , mentre al centro di questo gruppo spicca Maria Maddalena dolente, con i capelli al vento, colta nel pietoso gesto di tenere la mano di Gesù accompagnandolo al sepolcro. Il suo volto è quello di Zenobia Sforza, moglie di Grifonetto. Gli altri due uomini sono Giuseppe d'Arimatea a sinistra e Nicodemo tra San Giovanni e Maria Maddalena che guarda lo spettatore.A destra si trova il gruppo delle pie donne che sostengono la Vergine Maria svenuta, tenuta alla vita dalla donna dietro di lei, mentre una le regge il capo reclinato sulla spalla e l'altra inginocchiata allunga le braccia per sostenerla. Il volto della Madonna è quello di Atalanta Baglioni, la madre di Grifonetto, che commissionò questo dipinto a Raffaello.  donna in ginocchio ha un movimento "a serpentina", ispirato al Tondo Doni di Michelangelo. Altri echi michelangioleschi si colgono nel corpo abbandonato di Gesù, simile a quello della Pietà vaticana e nel vestito giallo e verde di Nicodemo, che si ispirò alla torsione dell'incompiuto San Matteo del Buonarroti.I due gruppi principali sono raccordati dal giovane trasportatore con il volto di Grifonetto, che si proietta all'indietro.Lo straordinario paesaggio asseconda ritmicamente la composizione: se l'oscuro sepolcro nella roccia aiuta a stagliare i personaggi a sinistra, a destra le figure sono davanti alla collina del Golgota, mentre al centro la veduta si apre con ampio respiro su una veduta di colline punteggiate dalla presenza umana, con l'immancabile specchio d'acqua e con lontane montagne azzurrine, velate di foschia. In primo piano le pianticelle rappresentate con cura rimandano all'esempio di Leonardo da Vinci.Straordinaria è la ricchezza dei colori, quasi smaltati, così come la plasticità data dal forte chiaroscuro, che dà alle figure una monumentalità statuaria, e la concatenazione di gesti, sguardi e attitudini, che ne fanno uno dei capolavori dell'artista. Di grande effetto è la resa dei corpi umani nelle svariate posizioni, con attenzione alla resa anatomica, ma anche all'armonia e alla varietà.

Prompt: How does The Deposition (Raphael) explain its Description and analysis?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Duomo di Orvieto
Gesù
Grifonetto Baglioni
Leonardo da Vinci
Luca Signorelli
Maria Maddalena
Pietà vaticana
Sforza
Tondo Doni


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Vangeli di Ebbone

All'inizio del IX secolo a Reims l'abate Ebbone, consigliere di Ludovico il Pio, raccolse alcuni artisti nello scriptorium dell'Abbazia di Hautvillers, che rinnovò la  con forme decisamente originali. Con il Salterio di Utrecht sono una delle testimonianze più importanti di questo rinnovamento della  carolingia, dove si riscontra un'innovativa vitalità espressiva, con un segno grafico dinamico e virtuoso, come per esempio nelle vivide figurette dei codici di Ebbone .

Prompt: Explain the History of this artwork, Ebbo Gospels.Please output in Italian.

Ebbone
Ludovico il Pio
Reims
Salterio di Utrecht


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Onfale

Prompt: Explain the Sculpture about the Mythology of this artwork, Omphale (Gérôme sculpture).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Bellezza

Nel tardo Impero romano, il filosofo Plotino, ristabilendo il collegamento tra opera d'arte e regno delle idee, espone ampiamente il concetto di "visione interiore" già proposto da Platone, che permette all'artista di attingere da una forma ideale del bello, non esistente nella res extensa  ma soltanto nella res cogitans , e che presto o tardi sfocerà in una rappresentazione materiale. Si può applicare a mai creati dipinti, architetture, forme di governo, sculture, strategie, modelli matematici, ecc. oppure a un ipotetico essere umano: "il più bello nella storia" ancora non nato.

Prompt: Explain the The beautiful as corresponding to the realm of ideas about the Irish  aesthetic  radically  empiricist of this artwork, The Beauty.Please output in Italian.