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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Madonna Diotallevi

L'opera faceva parte della collezione del marchese Audiface Diotallevi di Rimini, finendo nella sede odierna nel 1842 in seguito all'acquisto effettuato da Gustav Friedrich Waagen. In antico venne riferita a Perugino, mentre oggi è assegnata quasi concordemente a Raffaello, con l'eccezione di Adolfo Venturi che parlò di un "Maestro della Madonna Diotallevi", a cui riferì anche alcune parti della Madonna della Consolazione di Perugino.Longhi notò la diversità di fattura della Madonna, più arcaica, rispetto al Bambino e a san Giovannino, ipotizzando una realizzazione a più riprese, avviata verso il 1500-1502 e conclusa a Firenze nel 1504-1505.

Prompt: In Diotallevi Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the The self-portrait of the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Storie della Vera Croce

Spesso Piero della Francesca unificò affreschi contigui, con il paesaggio ininterrotto  o con altri stratagemmi, come le due case scorciate tra il Ritrovamento e Verifica della Croce e la Tortura dell'ebreo, che insieme sembrano comporre un unico edificio irregolare. In generale le regole compositive degli affreschi sono le medesime, con figure in primo piano di dimensioni analoghe e con una visione leggermente adattata per uno punto di vista dal basso.A parte la scena di Adamo, i personaggi antichi sono raffigurati secondo la moda e il gusto contemporaneo all'artista: i re, le regine e il loro seguito  vestono come in una corte italiana rinascimentale, Eraclio e Costantino sono raffigurati  come imperatori bizantini; gli eserciti romani utilizzano gonfaloni medievali, i cavalieri romani indossano in parte armature "all'antica" e in parte armature complete di ferro in uso nella metà del 1400. Un elemento unificatore è la luce, modulata su quella naturale della finestra centrale della cappella. Per questo i due profeti, sulla parete centrale, sembrano illuminati da dietro, come se fossero proiettati verso lo spettatore. Di straordinario valore è la scena notturna del Sogno di Costantino, la prima veduta notturna pienamente convincente dell'arte europea prima di Caravaggio. Si scoprì poi che in realtà è un'alba. Nell'ambito dell'ultimo restauro della fine degli anni novanta, è emersa una mappa celeste con la rappresentazione di alcune costellazioni, collegata con la volta celeste della Sagrestia Vecchia di San Lorenzo a Firenze.

Prompt: Explain the Style of this artwork, The Legend of the True Cross.Please output in Italian.

Adamo
Caravaggio
Firenze
Piero della Francesca
Sagrestia Vecchia
Sogno di Costantino
Tortura dell'ebreo


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Orologio astronomico di Praga

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu , nella zona nera  o in quelle rosse .Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora  e ortus , in quella destra occasus  e crepusculum I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga . Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti  e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie".  lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

Prompt: Describe the characteristics of the Background of the quadrant in Prague astronomical clock's Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Ritratto di donna Franca Florio

Giovanni Boldini Franca Florio Franca Florio, regina di Palermo

Prompt: How does Portrait of Donna Franca Florio explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Florio
Franca Florio
Franca Florio, regina di Palermo
Giovanni Boldini
Palermo


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Salvatore

Letteralmente "salvatore", "colui che salva"; propriamente, il nome nasce da una traduzione del greco Σωτήρ , a sua volta traduzione dell'ebraico יְהוֹשֻׁעַ . Nei paesi baschi, il nome Gaizka funge da equivalente di Salvatore.

Prompt: Focus on The Saviour (El Greco) and explain the Origin diffusion.Please output in Italian.


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Bacco di Aldaia

Il Bacco di Aldaia  è una scultura di marmo del dio romano Bacco che venne ritrovata in pezzi presso  Ereta dels Moros ad Aldaia, nella provincia di Valencia, tra il 1884 e il 1924. Il dio porta una corona di fiori ed è nudo eccetto per una pelle di cervo e dei sandali.  scultura è esposta al museo archeologico nazionale di Spagna, a Madrid. Una replica si trova al museo della Preistoria di Valencia.

Prompt: How does Bacchus of Aldaia explain its Abstract?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

L'ultima scena, quella di Parigi, fu pure ritoccata agli angoli superiori e in basso a sinistra. È composta in maniera completamente diversa, con un unico fronte di cavalieri che occupa l'intera scena, senza lo sfondo irreale e senza la griglia prospettica al suolo, anche perché si tratta dell'arrivo delle truppe di Michele Attendolo che non sono ancora in battaglia, quindi il pittore non poteva disporre di lance e corpi caduti per allinearli. Alcuni ipotizzano che questa scena sia stata realizzata in un secondo momento, ossia qualche anno più tardi. Storicamente l'intervento del condottiero fu decisivo: nonostante i primi successi dei fiorentini la battaglia infatti volgeva per essi ormai al peggio . composizione dei cavalieri è molto complessa, con un gioco di linee tra le lance issate per la battaglia, gli stendardi al vento e i corpi dei cavalli scalpitanti. Sebbene ne siano sparite le tracce, anche qui le armature dovevano sicuramente essere ricoperte dalla lamina d'argento, che creava un effetto a specchio, con effetti di riflessione che ricordassero il metallo vero e che aumentassero il senso di affascinante irrealtà della scena.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Decisive intervention of Michele Attendolo alongside the Florentines of the Description and style explained?Please output in Italian.

Michele Attendolo
Michele Attendolo
Parigi


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie viene venerata anche nel Comune di Scafati nell'omonima chiesa. Il suo titolo originale è Madonna dei Muroli, insetti che originariamente infestavano le campagne circostanti la chiesa e circondavano come sciami gli edifici più alti come ad esempio il campanile.  sua memoria liturgica viene vivamente celebrata dalla devota comunità ogni 2 luglio.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Scafati of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Expressions of love and the In the arts.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Deposizione di Sansepolcro

E. Bonaiuti, Vicende storiche della chiesa di San Lorenzo  a Sansepolcro, in «Quaderni dell’Archivio Storico Diocesano di Sansepolcro», 1, 2021, pp. 29-64. Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8 A. Brilli – F. Chieli, Sansepolcro e i suoi musei, Arti Grafiche Motta, Milano 2004, pp. 32-36.  Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0

Prompt: Focus on Sansepolcro Deposition and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Antonio Natali
Rosso Fiorentino
Sansepolcro


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Orologio astronomico di Praga

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu , nella zona nera  o in quelle rosse .Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora  e ortus , in quella destra occasus  e crepusculum I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga . Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti  e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie".  lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

Prompt: Describe the characteristics of the Background of the quadrant in Prague astronomical clock's Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Flight into Egypt (Titian).Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Ritratto dei duchi di Osuna con i figli

Il Ritratto dei duchi di Osuna con i figli  è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1788 e conservato al museo del Prado di Madrid.

Prompt: Focus on The Duke and Duchess of Osuna and their Children and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Titania e Bottom

Il quadro ritrae un momento tratto dalla prima scena del quarto atto dell'opera teatrale scespiriana. Titania, la regina delle fate, è sotto l'influenza di una pozione d'amore, datagli da suo marito Oberon per punirla a causa del suo orgoglio.  pozione l'ha fatta innamorare del tessitore Nick Bottom, che a sua volta è vittima di un incantesimo che ha trasformato la sua testa in quella di un asino. Titania si trova in piedi accanto al Bottom seduto.  sua mano destra è alzata e impugna una bacchetta, mentre la sinistra è poggiata sulla testa dell'asino. Essi sono circondati da un gruppo di creature di dimensioni diverse, chiamate da Titania per occuparsi di Bottom. Un piccolo servitore fatato gratta la testa di Bottom e un altro si trova sulla sua mano, mentre cerca di aiutarlo. Una ragazza a destra ha portato un cestino di piselli secchi. Una donna incappucciata a destra regge un changeling fatto di cera, e a sinistra c'è un gruppo di bambini creato artificialmente dalle streghe.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Titania and Bottom.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The Twentieth Century discussed?Please output in Italian.


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Kryptos

parte principale dell'opera è fatta di granito rosso, ardesia rossa e verde, quarzo bianco, legno pietrificato, magnetite e rame; si trova nel lato nord-ovest del cortile della nuova sede della CIA, all'esterno della caffetteria.Il tema della scultura è intelligence gathering . forma principale è una S disposta verticalmente che evoca un tabulato che fuoriesce da una stampante oppure lo schermo di un computer su cui scorre del testo. Il contenuto è cifrato e consiste nei 26 caratteri standard dell'alfabeto latino-americano e il punto interrogativo. Il testo contiene quattro messaggi distinti, ognuno codificato con un cifrario differente.Oltre alla scultura principale, Sanborn ha disposto altre sculture minori sparse per il complesso della CIA, quali delle lastre di granito con un interstizio di rame dove sono incisi dei messaggi in codice morse; una di queste comprende anche una bussola. Altri elementi della medesima opera consistono in un giardino con un laghetto ed una serie di altre lastre prive di incisioni.Il costo della scultura è stato di .

Prompt: Focus on Kryptos and explain the Description.Please output in Italian.


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Venere di Milo

Giuliano A., Storia dell'arte greca, Carocci, Roma 1998 ISBN 88-430-1096-4 Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: Focus on Venus de Milo and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Flora (Melzi)

Melzi era pupillo di Leonardo da Vinci e la tecnica utilizzata nelle sue opere riflette quella del suo maestro al punto tale da rendere difficile la distinzione tra i due: difatti, al momento dell'acquisto da parte dello zar Nicola I, Flora fu considerata un'opera autografa di Leonardo. Giunta al museo, gli studiosi la attribuirono a diversi leonardeschi: nel 1871 Joseph Crowe e Giovanni Battista Cavalcaselle sostennero si trattasse di una tela di Andrea Solari; differentemente, nel 1892 Giovanni Morelli la ritenne del Giampietrino; nel 1899 George Charles Williamson ne ricondusse la paternità a Bernardino Luini. Claude Phillips definì Flora un vero e proprio "rompicapo" e avanzò la tesi che si trattasse comunque di un disegno sottostante di Leonardo, dipinto in seguito da un allievo. Rodman Henry ugualmente notò queste affinità, anche se affermò che non vi fossero prove che Melzi stesso fosse un artista, perciò era impossibile riconoscergliene la paternità. Nel 1963 tuttavia, tracce della firma dell'artista furono scoperte nell'angolo in basso a sinistra e ciò rafforzò l'attribuzione.Oltre ad essere noto come Flora o Colombina, nel tempo il dipinto fu denominato Vanità e perfino Gioconda; fu anche erroneamente considerato come il Ritratto di Madame Babou de  Bourdaisière, quando si pensò che il soggetto dell'opera fosse la nobildonna Françoise Babou de  Bourdaisière.

Prompt: Describe the characteristics of the Attribution in Flora (Francesco Melzi)'s Description.Please output in Italian.

Andrea Solari
Bernardino Luini
Giampietrino
Giovanni Battista Cavalcaselle
Leonardo da Vinci


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Cacciatori nella neve

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In The Hunters in the Snow, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Arte giapponese Trentasei vedute del Monte Fuji Xilografia giapponese

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Arte giapponese
Trentasei vedute del Monte Fuji
Xilografia
Xilografia giapponese


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: How does Annunciation (Masolino) explain its The house of the Annunciation?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Incubo

Lincubo è un tipo di sogno che si presenta in modo angosciante e a volte è accompagnato da una sensazione di oppressione al petto e/o da difficoltà respiratorie. È a tutti gli effetti un disturbo del sonno ed è considerato una parasonnia relativa al sonno REM.Gli incubi si mostrano con rapidi movimenti oculari , senza altri movimenti del soggetto. Eventuali movimenti involontari del corpo possono svegliare il dormiente, interrompendo così la sensazione di paura insita negli incubi. L'individuo svegliatosi da incubo tende a non riaddormentarsi, temendo, più o meno inconsciamente, di rivivere la brutta esperienza.Gli incubi sono più frequenti tra i 4 e i 12 anni di età, tendendo poi a diminuire con l'età.

Prompt: In The Nightmare, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Gonfalone con la Pietà

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Pietà Gonfalon.Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

Géricault dipinse con pennelli molto piccoli e con colori a olio particolarmente viscosi, che si asciugavano in una notte, dandogli pochissimo tempo per effettuare modifiche o ripensamenti, con una similarità assimilabile a quella dell'affresco, dove molti pochi possono essere i "pentimenti". Per mantenere le tonalità di colore il più pure possibile tenne i colori fisicamente separati l'uno dall'altro.  tavolozza consiste in tonalità intense, fortemente espressive, per la maggior parte scure; è presente, oltre ai colori, anche del bitume, che fu una sorta di esperimento per il pittore, il quale lo adoperò per la consistenza sulla tela simile al velluto. Rifiutando la tradizionale maniera di messa su tela di un dipinto, che prevede un lavoro globale sull'intera composizione, preferì posizionare i modelli e le figure una alla volta, disegnarla, dipingerla e, soltanto dopo averla ultimata, passare alla successiva.  concentrazione sui singoli elementi individuali diede così al lavoro un senso di teatralità e una fisicità scioccante.

Prompt: In The Raft of the Medusa, how is the Technique discussed?Please output in Italian.


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I quattro continenti

Lisa Rosenthal, Gender, Politics, and Allegory in the Art of Rubens, Cambridge University Press, 2005.

Prompt: How does The Four Continents explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (Lorenzetti)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Adorazione dei Magi degli Innocenti

LAdorazione dei Magi degli Innocenti è un dipinto a tempera su tavola  di Domenico Ghirlandaio, databile al 1485-1488 e conservato nella Galleria dello Spedale degli Innocenti a Firenze. In loco si conserva anche la predella, opera di Bartolomeo di Giovanni.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1485
1488
Bartolomeo di Giovanni
Domenico Ghirlandaio
Firenze
Spedale degli Innocenti
Spedale degli Innocenti


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Bambini dell'Olocausto

mortalità fu elevatissima anche tra le migliaia e migliaia di bambini soggetti alle politiche di pulizia etnica: bambini polacchi nei territori della Polonia annessi alla Germania ed inviati ad Auschwitz; bambini serbi nel campo di concentramento di Jasenovac in Croazia; bambini slavi nei campi di concentramento italiani di Arbe e Gonars.In Polonia e in Croazia si crearono anche speciali campi di concentramento riservati esclusivamente a bambini, orfani o sottratti alle loro famiglie. Il regime di vita in questi campi fu durissimo e numerose furono le vittime. In Polonia migliaia di bambini polacchi non-ebrei furono rinchiusi nel campo di concentramento di Potulice o nel campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź  e sottoposti a lavoro coatto o a programmi di germanizzazione. In Croazia stessa sorte fu riservata a migliaia di bambini serbi nel campo di concentramento per bambini di Sisak  e in quello di Jastrebarsko.Bambini di varia nazionalità morirono nei campi di concentramento dopo esservi stati deportati con le loro famiglie come "politici" o furono oggetto privilegiato di rappresaglie e stragi. Il caso più famoso è quello dei bambini del villaggio di Lidice in Cecoslovacchia, raso al suolo nel giugno 1942 come rappresaglia per l'uccisione del governatore nazista Reinhard Heydrich ad opera della resistenza. I 105 bambini del villaggio furono deportati nel ghetto di Łódź. 23 di loro furono selezionati per essere dati in adozione a famiglie "ariane" tedesche nell'ambito del Progetto Lebensborn. I rimanenti 82 furono assassinati nel campo di sterminio di Chełmno. Anche in Italia numerosi bambini furono uccisi in stragi e rappresaglie, da Marzabotto a Stazzema. Tra le vittime dell'eccidio delle Fosse Ardeatine vi furono anche due quindicenni: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli .

Prompt: Describe the characteristics of the Ethnic cleansing, reprisals, concentration camps for children in Children in the Holocaust's Historical research.Please output in Italian.

Cecoslovacchia
Duilio Cibei
Germania
Italia
Lidice
Michele Di Veroli


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Assunzione della Vergine tra i santi Miniato e Giuliano

Maria è ritratta avvolta in un ampio e voluminoso manto blu mentre ascende da un sepolcro in prospettiva, da cui escono rose, suo fiore tipico. Ella è trasportata entro una mandorla di nuvole luminose da quattro angioletti intorno, con le pose attentamente calcolate per dare l'idea del librarsi nell'aria  e con i panneggi fortemente chiaroscurati come tipico del pittore.  Vergine, mentre giunge le mani in segno di preghiera e rivolge lo sguardo al cielo ricevendo in pieno la luce, ha una libertà e una gestualità sciolta, che appaiono notevolmente singolari e innovative nel panorama della composta arte fiorentina della metà del secolo.Ai lati, con aureole rosse, assistono alla scena i santi Giuliano l'ospitaliere  e Miniato . Alla fisicità reale della Madonna, i santi contrappongono invece una presenza sospesa e astratta.I colori sono vivaci e contrastanti, fusi però dall'uso dell'oro, lavorato a fini velature in corrispondenza delle nubi rossastre del nimbo, che assomigliano quasi a marmi screziati.

Prompt: How does Assumption of the Virgin Between St Minias and St Julian explain its Description and style?Please output in Italian.


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Madonna di San Girolamo

Madonna di San Girolamo o Il Giorno  è un dipinto a pittura a olio su tavola  di Correggio, databile al 1528 circa e conservato nella Galleria Nazionale di Parma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna of St. Jerome (Correggio).Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

L'Imperatore è la figura con maggiore completezza architettonica, che Niki de Saint Phalle ha studiato a lungo e modificato dove pare raccolta l'eredità di Gaudí. Rappresenta la carta del maschile, fisico e psichico , dell'ambizione, del potere consolidato simboleggiato anche dal ricco repertorio materico - «una onirica rievocazione del ready-made degli anni Sessanta» - che comprende «vetri di Murano e murrine, specchi di Francia, cecoslovacchi e di Boemia, rilievi decorativi  e tasselli di un puzzle senza eguali», richiamando «oggetti ed elementi dei più vari o ne sono dei calchi fino ai volti di tutti coloro che hanno collaborato alla creazione del Giardino dei Tarocchi, i cui nomi sono anche riprodotti in murrine tutto attorno ad una delle colone del loggiato».Al centro del cortile racchiuso da questo ondeggiante, polimaterico loggiato, è ritagliata una vasca circolare nella quale quattro felici, coloratissime nanas fanno il bagno, schizzando dai seni getti d'acqua.Sul retro del Castello, staccata ma incombente, si eleva la Torre, simbolo delle costruzioni mentali non fondate su basi solide, interamente rivestita di specchi e decapitata dalla violenza del fulmine-macchina-ferraglia concepita da Jean Tinguely.Dalle finestre rettangolari ritagliate lungo le pareti della Torre si può avere una visione dell'interno dell'edificio, le cui strette stanze erano state adibite ad ufficio, oggi non accessibile.

Prompt: Explain the The Emperor The Tower about the Criticism of this artwork, Tarot Garden.Please output in Italian.

Francia
Giardino
Jean Tinguely
L'Imperatore
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Tarocchi


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

LOscar Wilde Memorial Sculpture è una collezione di tre statue in Merrion Square a Dublino, in Irlanda, che commemora il poeta e drammaturgo irlandese Oscar Wilde. Le sculture sono state progettate e realizzate da Danny Osborne e sono state presentate nel 1997.

Prompt: Focus on Oscar Wilde Memorial Sculpture and explain the Abstract.Please output in Italian.

1997
Danny Osborne
Dublino
Irlanda
Merrion Square
Oscar Wilde


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Sala da pranzo in campagna

Sala da pranzo in campagna è un dipinto del francese Pierre Bonnard, un olio su tela di 168 × 204 cm, realizzato nel 1913.È conservato nell'Institute of Art di Minneapolis.L'interno della sala da pranzo è arredato con un tavolo rotondo con due piatti sulla tovaglia celeste, un tavolino con un vaso di papaveri, dello stesso colore rosso delle pareti della stanza, ed una poltrona con un gatto bianco. sala da pranzo si apre, tramite una porta celeste ed una grande finestra, sul giardino, ricco di fiori e piante variopinti. Alla finestra è affacciata la moglie del pittore, ritratta con un vestito rosso acceso mentre guarda all'interno.

Prompt: In Dining Room in the Country, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Bol)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di coppia

Il Ritratto di matrimonio di Isaac Massa e Beatrix van der en, o Coppia di sposi in un paesaggio è un dipinto a olio su tela  di Frans Hals, realizzato nel 1622 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam nei Paesi Bassi.Considerato uno dei vertici artistici del Secolo d'oro olandese ed uno dei più riusciti ritratti di Hals, la coppia è stata identificata con il mercante Isaac Massa  e la neo sposa Beatrix van der en, che dai documenti sappiamo coniugati nell'aprile 1622.

Prompt: Focus on Marriage Portrait of Isaac Massa and Beatrix van der Laen and explain the Abstract.Please output in Italian.

Amsterdam
Frans Hals
Paesi Bassi
Rijksmuseum
Ritratto
Secolo d'oro olandese


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Arcadia

Accademia dell'ArcadiaArcadia  CoricoEt in Arcadia ego Regioni dell'antica Grecia

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Arcadia (painting).Please output in Italian.

Accademia dell'Arcadia
Et in Arcadia ego
Grecia
Regioni dell'antica Grecia


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In the context of Annunciation (Botticelli, Glasgow), explain the Vangelicanonici and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Prove di Mosè

Il 27 ottobre 1480 Botticelli, con altri importanti pittori fiorentini, partì alla volta di Roma dove era stato chiamato su consiglio di Lorenzo il Magnifico quale "ambasciatore" della superiorità culturale cittadina, in un progetto di riconciliazione con papa Sisto IV. I fiorentini iniziarono a lavorare alla cappella almeno dalla primavera del 1481, affiancandosi al già presente Perugino.Il tema della decorazione era il parallelismo tra le Storie di Mosè e quelle di Cristo, che evidenziasse la continuità tra Vecchio e Nuovo Testamento e la trasmissione della legge divina dalle tavole della Legge al messaggio evangelico di Gesù, il quale poi scelse san Pietro come suo successore, legittimando il potere, la supremazia e l'infallibilità dei suoi successori, cioè i pontefici stessi. Botticelli, con numerosi aiuti che richiedeva la vastità di un'opera del genere, dipinse tre scene e il 17 febbraio 1482 vide rinnovato il proprio contratto per la decorazione di altri riquadri necessari al completamento della cappella. Il 20 dello stesso mese però morì suo padre, costringendolo a tornare a Firenze, da dove in seguito non ripartì.

Prompt: Focus on Youth of Moses and explain the History.Please output in Italian.


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Ragazzo morso da un ramarro

Quest'opera raffigura un ragazzo morso da un ramarro che sbuca dai fiori e dai frutti in cui era nascosto. Il riferimento sembra essere proprio al piacere e alle pene d'amore, come la scelta del modello effeminato, con una rosa tra i capelli e la spalla destra scoperta sembrerebbero suggerire. Le ciliegie appaiate sarebbero, infatti, un simbolo sessuale, così come il gelsomino bianco alluderebbe al desiderio, mentre la rosa fra i capelli del giovane effeminato sarebbe un riferimento all'amore. Il dipinto risentirebbe, dunque, del clima culturale ed edonistico che si respirava a Palazzo Madama alla corte del cardinale Francesco Maria del Monte, che amava festini con ragazzi effeminati, vestiti all'antica, che si esibivano in rappresentazioni teatrali e musicali. Anche il ramarro e la morsicatura sono stati oggetto di molteplici letture allegoriche, talvolta piuttosto ardite e scientificamente poco motivate. Tra queste, quella del romanziere e saggista divulgativo australiano Peter Robb, secondo cui il ramarro sarebbe allegoria del pene, e quella del divulgatore storico-artistico Andrew Graham Dixon, secondo cui il dito della mano sarebbe simbolo del fallo leso, o meglio, della castrazione, procurata dalla bocca sdentata del ramarro, trasformata stavolta in una sorta di vagina dentata, che punisce l'eccesso di libidine.leftTre le fonti d'ispirazione più accreditate vi è anche lo schizzo Fanciullo morso da un gambero o Asdrubale morso da un gambero, eseguito da Sofonisba Anguissola e datato 1554, spedito a Michelangelo Buonarroti dal padre della pittrice in una delle lettere che i due artisti si scambiavano. Tra le tante ipotesi volte a chiarire come Caravaggio conoscesse questo disegno, la più plausibile è quella avanzata da Rossella Vodret Adamo, secondo cui Caravaggio potrebbe aver visto una copia del disegno in questione nella bottega del Cavalier d'Arpino. È ormai fuor di dubbio che, nonostante quanto riferito dalle fonti, Caravaggio tenesse in considerazione notevole la lezione dei grandi maestri del Cinquecento e dell'antichità. Secondo il succitato romanziere Peter Robb, per questo dipinto, Caravaggio si sarebbe ispirato all’Apollo sauroctono, copia romana di una scultura greca in cui Apollo è raffigurato come un giovane efebico, languido, dalle carni molli e acerbe che, secondo Robb, potrebbe avere alcuni collegamenti con il soggetto effigiato Caravaggio. Tuttavia, al di là degli aspetti fisici di Apollo, la scultura non presenta alcuna analogia con il dipinto di Caravaggio, né nella posa del personaggio, né nelle espressioni, né nel soggetto, poiché il giovane che, nella tela di Merisi, viene morso da un ramarro, non è intento ad uccidere la bestiola.Nel dipinto sono particolarmente curati gli effetti luministici: la luce che penetra da una finestra si riflette nel vaso e attraversa l'acqua e la boccia di cristallo. Con ogni probabilità, Caravaggio era a conoscenza degli studi di Giovanni Paolo Lomazzo, ed in particolare del suo Trattato dell'arte della pittura, nel quale vi è un fondamentale capitolo intitolato "De gli effetti che partorisce lo lume nei corpi acquei". In questo capitolo, Lomazzo esamina le diverse qualità della luce riflessa nei liquidi . Significativamente, il cardinal Del Monte condivideva con Caravaggio la passione per le lenti, i vetri, gli specchi e, più in generale, per l'ottica, di cui il fratello scienziato Guidubaldo Del Monte era uno studioso.Nel dipinto, la luce entra in campo come un lampo nel buio ed è una luce ortogonale, che non viene dall'alto, ma da una sorgente al di fuori della scena dipinta; essa colpisce la brocca d'acqua in linea retta e senza produrre deflessione, come del resto è possibile notare osservando gli steli recisi dei fiori che sono, appunto, ritti.Per ciò che riguarda la tecnica pittorica, le indagini diagnostiche sul dipinto presso la Fondazione Longhi hanno evidenziato una stesura preparatoria bruno-verdastra che è lasciata a vista lungo i contorni della spalla sporgente, intorno ai capelli neri e sul fondo in più punti; mentre sul volto si trovano le lunghe e ripetute volute del pennello alla ricerca dell'amalgama giusta per l'incarnato, secondo un sistema già sperimentato, forse all'epoca dell'apprendistato con il Peterzano. Bellissimo è l'andamento verticale delle rughe della fronte che, assieme alla tensione nervosa della mano, alla lacrima che si intravede all'angolo dell'occhio destro, alla sottile lamina umida della lingua, suggeriscono visivamente una reazione psicologica che unisce, allo stesso tempo, l'orrore, il dolore, e la sorpresa.

Prompt: In Boy Bitten by a Lizard, how is the Description discussed?Please output in Italian.

1554
Apollo sauroctono
Caravaggio
Fanciullo morso da un gambero
Giovanni Paolo Lomazzo
Michelangelo Buonarroti
Caravaggio
Sofonisba Anguissola


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Galleria di vedute di Roma antica

Galleria di vedute di Roma moderna Galleria del cardinale Silvio Valenti Gonzaga Giovanni Paolo Pannini Carlo di Borbone in visita alla basilica di San Pietro Carlo di Borbone visita il papa Benedetto XIV nella coffee-house del Quirinale

Prompt: In Ancient Rome (painting), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Giudizio di Paride

Zeus allestì un banchetto per la celebrazione del matrimonio di Peleo e Teti, futuri genitori di Achille. Eris, la dea della discordia, non fu invitata e, irritata per questo oltraggio, raggiunse il luogo del banchetto e gettò una mela d'oro con l'iscrizione "alla più bella".Le tre dee che la pretesero, scatenando litigi furibondi, furono Era, Atena e Afrodite. Esse parlarono con Zeus per convincerlo a scegliere la più bella tra loro, ma il padre degli dèi, non sapendo a chi consegnarla, stabilì che a decidere chi fosse la più bella non potesse essere che il più bello dei mortali, cioè Paride, inconsapevole principe di Troia, il quale era prediletto dal dio Ares.  Ermes fu incaricato di portare le tre dee dal giovane troiano, che ancora viveva tra i pastori e conduceva al pascolo le pecore, e ognuna di loro gli promise una ricompensa in cambio della mela: Atena lo avrebbe reso sapiente e imbattibile in guerra, consentendogli di superare ogni guerriero; Era promise ricchezza e poteri immensi, tanto che a un suo gesto interi popoli si sarebbero sottomessi, e tanta gloria che il suo nome sarebbe riecheggiato fino alle stelle; Afrodite gli avrebbe concesso l'amore della donna più bella del mondo.Paride favorì quest'ultima, scatenando l'ira delle altre due.  dea dell'amore aiutò quindi Paride a rapire Elena, moglie di Menelao, re di Sparta, e il fatto fu la causa scatenante della guerra di Troia.

Prompt: Focus on The Judgement of Paris (Rubens) and explain the Mythological episode.Please output in Italian.

Achille Afrodite Ares Atena Ermes Menelao Paride Peleo Troia Zeus


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The portrait the self-portrait the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Statua di Robert Milligan

Un dettaglio del bassorilievo della base.Nel 1998, un articolo su The Islander, un giornale comunitario sponsorizzato dalla Association of Island Communities nella isle of Dogs , pubblicò una fotografia della statua assieme a un'altra con Max Hebditch, allora codirettore esecutivo della London Docklands Development Corporation, che aveva raggiunto degli accordi per far tornare la statua nella sua ubicazione originaria. L'articolo sosteneva che Milligan era un genio che aveva persuaso i mercanti della città a costruire i West India Docks nell'isola dei Cani, piuttosto che a Wapping. Definendo Milligan "il padre dell'isola dei Cani", l'articolo chiedeva che il 12 luglio del 2000 si celebrasse il bicentenario dalla posa della prima pietra dei moli nel 1800.

Prompt: In the context of Statue of Robert Milligan, explain the Reorganization in 1998 and the History.Please output in Italian.


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Notte stellata

Dopo l'episodio di auto mutilazione dell'orecchio, Van Gogh attraversò vari episodi e alla fine accettò di farsi ricoverare nella clinica per alienati mentali di Saint-Rémy-de-Provence. Durante l'internamento, preso da un vero e proprio furore creativo, van Gogh eseguì una notevole mole di dipinti, nei quali si emancipò dalle imposizioni impressioniste e approdò a uno stile simbolico che, partendo dalla sua alienazione, rielaborava la realtà in quadri che concedevano ampio spazio alla sua immaginazione.Per quanto concerne la data esatta dell'esecuzione della Notte stellata la maggior parte degli esperti sono concordi nel sostenere che sia stata dipinta poco prima dell'alba del 19 giugno 1889, durante l'anno di permanenza nella clinica psichiatrica di Saint-Rémy-de-Provence: questa datazione sarebbe avallata da una lettera di pugno dello stesso Vincent, desideroso di comunicare al fratello di aver realizzato «un paesaggio con gli ulivi e anche uno studio di un cielo stellato». Anche su tale cronologia, tuttavia, non mancano le controversie. L'artista, infatti, fa esplicito riferimento all'opera in una lettera risalente al 30 maggio  e l'esistenza di due lettere successive  ci porta a quasi un mese prima del 19 giugno 1889:Alla datazione dell'opera contribuiscono anche ragionamenti di natura astronomica e cosmografica. Venere alla fine di maggio e ai primi di giugno 1889 era effettivamente al massimo di luminosità , oltreché osservabile prima dell'alba. Per determinare la data di esecuzione dell'opera c'è anche da considerare che il 19 giugno 1889 la Luna era ai tre quarti primo quarto, come invece appare nel dipinto. Per individuare una data plausibile occorre quindi risalire al 23 maggio 1889, quando la Luna era al primo quarto e le stelle corrispondevano maggiormente a quelle dipinte. Quindi le probabili date oscillerebbero tra il 19 giugno o il 23 maggio, unici giorni in cui l'allineamento era perfetto.Dopo averlo mantenuto inizialmente con sé, van Gogh mandò la Notte stellata al fratello Théo, residente in quei tempi a Parigi, in data 28 settembre 1889, insieme ad altri nove dipinti. Vincent si uccise un anno dopo, sparandosi con una rivoltellata in un campo di grano maturo, e Théo lo avrebbe seguito nella tomba nel gennaio 1891: la Notte stellata passò sotto la custodia della vedova di Théo, Jo. Nel 1900 l'opera entrò nelle collezioni del poeta Julien Leclercq per poi divenire nel 1907 proprietà di Émile Schuffenecker, un vecchio amico di Gauguin. Jo ricomprò il dipinto da Schuffenecker per poi venderlo alla galleria Oldenzeel nel 1906. Nello stesso anno l'opera fu acquistata da una donna di Rotterdam, per poi arrivare nel 1938 alle collezioni del gallerista francese Paul Rosenberg. Nel 1941 la Notte stellata trovò la sua collocazione definitiva con l'acquisto da parte del Museum of Modern Art, a New York, dove si trova tuttora.

Prompt: In Starry Night (Munch), how is the History discussed?Please output in Italian.

1889
Luna
Museum of Modern Art
New York
Paul Rosenberg
Saint-Rémy-de-Provence


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Prometeo incatenato

Eschilo, Supplici - Prometeo Incatenato, a cura di L. Medda, Oscar Mondadori, 2009, ISBN 978-88-04-55144-7. Giulio Guidorizzi, Letteratura greca, da Omero al secolo VI d.C., Mondadori, 2002, ISBN 88-882-4210-4. Vincenzo Di Benedetto ed Enrico Medda,  tragedia sulla scena, Einaudi, 2002, ISBN 978-88-06-16379-2. Guido Avezzù, Il mito sulla scena, Marsilio, 2003, ISBN 88-317-8070-0.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Prometheus Bound and the Oceanids.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Durante la fase di composizione dell'opera, Hokusai si trovava in un periodo della sua vita particolarmente stressante e difficoltoso. Afflitto da gravi problemi economici e tormentato da problemi di salute, dopo la morte della moglie nel 1828 fu costretto a prendersi cura del nipote e accollarsi i suoi debiti: ripercussioni finanziarie che pesarono sulla sua attività per gli anni a venire e, probabilmente, furono il motivo per cui egli decise che il tema principale della serie Trentasei vedute del Monte Fuji sarebbe stato il contrasto tra la sacralità del Fuji e la vita secolare.Hokusai prese ispirazione per la raffigurazione delle onde e del movimento dell'acqua dallo stile shan shui, forma artistica originaria della Cina i cui soggetti più ricorrenti sono montagne, fiumi e cascate. Nei dipinti shan shui, tuttavia, raramente la natura viene raffigurata come forza divina in grado di condizionare la vita umana, e per questo motivo è probabile che le prime illustrazioni di Hokusai risentano soprattutto dell'influenza dello stile giapponese , in cui la forza dell'acqua e il potere delle onde sono sovente utilizzate per dare risalto agli sforzi umani. Combinando i tratti principali di queste due forme artistiche, Hokusai pubblicò tra il 1822 e il 1823 la serie di miniature  tra le quali alcune raffigurano il Monte Fuji e le onde, sebbene non ancora in combinazione; in un'altra alcuni pescatori gettano delle reti, mentre le loro oshiokuri-bune sono in balia dei flussi delle onde.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Chinese  and  Japanese  tradition  of  landscape  painting of the Description explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Funerale a Ornans

Il Funerale a Ornans  è un dipinto a olio su tela di Gustave Courbet, realizzato nel 1849-1850 e conservato al Musée d'Orsay di Parigi.

Prompt: In A Burial at Ornans, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La regina di Saba visita il re Salomone

Il confronto tra Filippo II di Spagna e la figura biblica di Salomone fu un tema comune negli anni che precedettero il suo regno e nei suoi primi anni. Dato che suo padre, Carlo V, era visto come il più guerriero re biblico Davide, Filippo era visto come il più temperato Salomone, che trascurava la sua grave idolatria e l'uccisione del suo fratellastro Adonia, nella speranza che vedesse la prudenza nell'esercizio un grado di tolleranza religiosa. Nel suo appassionato discorso per una pacifica riconciliazione con il protestantesimo dinanzi al Parlamento inglese nel 1534, il vescovo cattolico di mentalità riformista Reginald Pole affermò che la risoluzione delle controversie sulla religione nel cristianesimo non era stata nominata per questo imperatore, ma per suo figlio.Dopo un devastante incendio a Sint Janskerk nel vicino Gouda nel 1552, Filippo fu uno dei primi a donare una vetrata per la ricostruzione, come aveva fatto a San Bavone in occasione dell'abdicazione di suo padre. Donazioni asburgiche come queste erano sia un'espressione di pietà che una dichiarazione di potere.  King's Window del 1557 di Dirck Crabeth nel transetto nord era alta 20 metri.  parte superiore raffigurava  dedicazione del tempio di Salomone. Due anni prima del dipinto, Salomone era sfilato come il predecessore biblico di Filippo, che ereditava le buone qualità e abilità di Salomone per associazione. Viglius van Aytta fu l'intermediario tra Bruxelles e Gouda per la rievocazione di San Giovanni.

Prompt: In the context of The Queen of Sheba visits King Solomon, explain the Achievement and the History.Please output in Italian.

Adonia
Davide
Filippo II di Spagna
Reginald Pole
Salomone
Viglius van Aytta


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Sacra Famiglia con le tre lepri

L'opera, siglata col monogramma dell'artista in basso al centro, risale al 1498, quando l'artista lavorava a Norimberga come incisore.

Prompt: How does The Holy Family with Three Hares explain its History?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the Maria Magdalene in the canonical gospels discussed?Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: In Crucifixion (Tintoretto), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: In Love & Loss, how is the Inclusion of the other in the self of the Religion explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Trittico di Modena

Il Trittico di Modena, noto anche come Altarolo portatile, è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1568 e conservato alla Galleria Estense del Palazzo dei musei a Modena.

Prompt: How does Modena Triptych explain its Abstract?Please output in Italian.

1568
El Greco
Este
Galleria Estense
Modena
Trittico


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Danae

Figlia di Acrisio e di Euridice, o da Preto il figlio Perseo.

Prompt: How does Danaë (Rembrandt) explain its Genealogy?Please output in Italian.


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Martirio di San Sebastiano

San Sebastiano Museo diocesano  Duomo di Padova Pala d'altare Nicolò Semitecolo Da Carrara

Prompt: In Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Da Carrara
Duomo di Padova
Nicolò Semitecolo
Pala d'altare
San Sebastiano


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Dama col mazzolino

Dama col mazzolino, talvolta indicata come Gentildonna dalle belle mani, è una scultura in marmo di 60 cm di altezza, realizzata verso il 1475 da Andrea del Verrocchio e conservata nel museo del Bargello a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Dama col mazzolino.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

1979 - Günther Schwarberg. Der SS-Arzt und die Kinder: Bericht über den Mord vom Bullenhuser Damm. Hamburg: Gruner und Jahr. ET: The Murders at Bullenhuser Damm: The SS Doctor and the Children. Bloomington: Indiana University Press, 1984. 1982 - Azriel Eisenberg . The Lost Generation: Children in the Holocaust. New York: Pilgrim Press. 1984 - Serge Klarsfeld. Les enfants d'Izieu. Paris [France]: B. Klarsfeld Foundation. ET: The Children of Izieu. New York, NY: H. Abrams, 1985. 1985 - Werner Angress. Between Fear and Hope: Jewish Youth in the Third Reich . New York: Columbia University. 1988 - George Eisen. Children Play in the Holocaust: Games among the Shadows. Alherst: University of Massachusetts Press. 1988 - Betty Jean Lifton. The King of Children: A Biography of Janusz Korczak. New York, NY: Farrar, Straus and Giroux. 1990 - Lucette gnado and Sheila Cohn Dekel. Children of the Flames: Dr. Josef Mengele and the Untold Story of the Twins of Auschwitz. New York, NY: Morrow. 1991 - Debórah Dwork. Children With A Star: Jewish Youth in Nazi Europe. New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-05054-2. Ed. it. Nascere con la stella: i bambini ebrei nell'Europa nazista . Venezia: Marsilio, 1994. 1991 - Martin Gilbert. The Boys: Triumph over Adversity. London: Weidenfeld & Nicolson. 1993 - Howard Greenfeld. The Hidden Children. New York: Ticj=knor & Fields. 1993 - Paul Valent. Child Survivors of the Holocaust. London: Routledge. Rist. New York, NY: Brunner-Routledge, 2002. 1994 - Richard C. Lukas. Did the Children Cry?: Hitler's War Against Jewish and Polish Children, 1939-45. New York, NY: Hippocrene Books. 1994 - Maxine B. Rosenberg, Hiding to Survive: Stories of Jewish Children Rescued From the Holocaust. New York: Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. 1994 - Andre Stein. Hidden Children: Forgotten Survivors of the Holocaust. Toronto: Penguin Books. 1995 - Sebastiana Papa . I bambini della Shoah, Napoli: Edizioni scientifiche, 1995. 1996 - Judith S. Kestenberg, and Ira Brenner. The st Witness: The Child Survivor of the Holocaust. American Psychiatric Press. 1997 - Lidia Beccaria Rolfi e Bruno Maida. Il futuro spezzato: i nazisti contro i bambini. Firenze: Giuntina. 1997 - Eva Kurek. Your Life Is Worth Mine: How Polish Nuns Saved Hundreds of Jewish Children in German-Occupaied Poland, 1939-1945. New York Hippocrene Books. 1998 - Judith S. Kestenberg, and Charlotte Kahn, eds. Children Surviving Persecution: An International Study of Trauma and Healing. Westport, CT: Praeger. 1998 - Viktoria Hertling . Mit den Augen eines Kindes: Children in the Holocaust, children in exile, children under fascism. Amsterdam; Atlanta, GA: Rodopi. 1999 - Barbara Bauer, Waltraud Strickhausen . "Für ein Kind war das anders": traumatische Erfahrungen jüdischer Kinder und Jugendlicher im nationalsozialistischen Deutschland. Berlin: Metropol. 1999 - Anne L. Fox and Eva Abraham-Podietz, Ten Thousand Children: True Stories Told by Children Who Escaped the Holocaust on the Kindertransport. West Orange, NJ: Behrman House. 2000 - Judith Hemmendinger and Robert Krell. The Children of Buchenwald: Child Survivors of the Holocaust and Their Post-War Lives. Jerusalem: Gefen. 2000 - Mark Jonathan Harris and Deborah Oppenheimer. Into the Arms of Strangers: Stories of the Kindertransport. London: Bloomsbury. 2000 - Helena Kubica. "Children and Adolescents in Auschwitz." In Auschwitz, 1940-1945, vol.2, ed. Tadeusz Iwasko. Oswiecim: Auschwitz-Birkenau State Museum, pp. 201–290. 2000 - Emmy Werner. Through the Eyes of Innocents: Children Witnesses of World War II. Boulder, CO: Westview Press. 2001 - Anita Brostoff, ed. Flares of Memory: Stories of Childhood during the Holocaust. New York: Oxford University Press. 2003 - Kerry Bluglass. Hidden from the Holocaust: Stories of Resilient Children Who Survived and Thrived. 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Child Holocaust Survivors: Memories and Reflections. Victoria: Trafford. 2007 - Lynn H. Nicholas. Bambini in guerra: i bambini europei nella rete nazista, Milano: Garzanti, 2007. 2008 - Suzanne Vromen. Hidden Children of the Holocaust: Belgian Nuns and their Daring Rescue of Young Jews from the Nazis. Oxford, and New York: Oxford University Press. 2011 - Patricia Heberer. Children during the Holocaust. AltaMira Press. 2011 - Stephanie Fitzgerald. Children of the Holocaust. 2012 - Umberto Gentiloni e Stefano Palermo . 16.10.1943 Li hanno portati via. Roma: Fandango Libri. 2013 - Bruno Maida.  Shoah dei bambini: la persecuzione dell'infanzia ebraica in Italia, 1938-1945. Torino: Einaudi. 2014 - Steven Pressman. 50 Children: One Ordinary American Couple's Extraordinary Rescue Mission into the Heart of Nazi Germany. New York, NY: Harper. 2016 - Simone Gigliotti and Monica Tempian, eds. The Young Victims of the Nazi Regime: Migration, the Holocaust and Postwar Displacement. London and New York: Bloomsbury Academic. 2016 - Tilar J. Mazzeo. Irena's Children: The Extraordinary Story of the Woman Who Saved 2,500 Children from the Warsaw Ghetto. New York, NY: Gallery Books. 2017 - Anne Nelson. Suzanne's Children: A Daring Rescue in Nazi Paris New York, NY: Simon & Schuster. 2018 - Beth B. Cohen. Child Survivors of the Holocaust: The Youngest Remnant and the American Experience. New Brunswick, NJ: Rutgers University Press. 2019 - Samantha Bell. Children in the Holocaust. ke Elmo, MN: Focus Readers. 2019 - Mikhal Dekel. Tehran Children: A Holocaust Refugee Odyssey. New York: W. W. Norton & Company

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Bibliography of the Inappropriate for children explained?Please output in Italian.

Italia
Janusz Korczak
Josef Mengele
Josef Mengele
Kindertransport
Mark Jonathan Harris


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


subsection

Giustizia

Nel Basso e Alto Medioevo, con le crociate, si viene creando un codice etico militare, iniziato dalla cavalleria nei tornei e dei "beaux gestes" . Si forma un ideale di cavaliere soldato, cristiano e gentiluomo, difensore dei deboli e araldo della giustizia. L'eredità contemporanea dell'etica cavalleresca trasformatasi con il tempo, è rappresentata oggi dagli ordini cavallereschi.

Prompt: In Justice (Titian), how is the Chivalric ethics of the In philosophy explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


subsection

Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: Describe the characteristics of the Modern representations of the Apocalypse in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


subsection

amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: Describe the characteristics of the Artivisive in Love & Loss's Contemporary political perspective.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


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Prova di Mosè

Le due tavolette arrivarono alla Galleria dalla villa di Poggio Imperiale nel 1795, con attribuzione a Giovanni Bellini. Lì sono note almeno dal 1692, quando vennero registrate tra i beni della granduchessa Vittoria Della Rovere: si è ipotizzato quindi che originariamente fossero ad Urbino nei patrimoni Della Rovere portati a Firenze proprio da Vittoria.Che le due tavole fossero in coppia è evidente per le dimensioni analoghe e per le analoghe scelte compositive: se in una predomina la figura del faraone in trono, nell'altra ha un posto simmetrico il re d'Israele.Come la maggior parte delle opere di Giorgione ci sono state molte discordanze attributive e di datazione. Se alcuni mettono in dubbio la sua mano nella realizzazione delle figure, i paesaggi sono invece quasi certamente di mano sua. Fiocco  cita come collaboratore possibile il Campagnola, Longhi  un ignoto ferrarese, Morassi  il Catena, Moro  Giovanni Agostino da Lodi. Secondo studi più recenti le discordanze stilistiche sarebbero piuttosto da imputare ai restauri.Le datazioni proposte oscillano tra il 1495 e il 1505, ma le più probabili sono legate ai primi anni del Cinquecento. Fu Cavalcaselle il primo a riferire le due opere a Giorgione, nel 1861.

Prompt: Focus on The Test of Fire of Moses (Giorgione) and explain the History.Please output in Italian.