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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: In Epifania, how is the Giovanni Chrysostom of the Theology explained?Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

LOscar Wilde Memorial Sculpture è una collezione di tre statue in Merrion Square a Dublino, in Irlanda, che commemora il poeta e drammaturgo irlandese Oscar Wilde. Le sculture sono state progettate e realizzate da Danny Osborne e sono state presentate nel 1997.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Oscar Wilde Memorial Sculpture.Please output in Italian.

1997
Danny Osborne
Dublino
Irlanda
Merrion Square
Oscar Wilde


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Describe the characteristics of the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels in Last Supper (Tintoretto)'s New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Nascita di Venere

spazialità sostanzialmente è piatta o comunque poco accennata e dimostra l'allora nascente crisi degli ideali prospettici e razionali del primo Quattrocento, che ebbe il suo culmine in epoca savonaroliana  ed ebbe radicali sviluppi nell'arte del XVI secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Spatiality in The Birth of Venus (Bouguereau)'s Style.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: Describe the characteristics of the Subject in Portrait of a Young Man (Raphael)'s Description.Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Atleta di Lussino

Paolo Moreno, Croazia: Il tassello fantasma, in Il Giornale dell'Arte, 19, n. 222, giugno 2003

Prompt: In Croatian Apoxyomenos, how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In The Beauty, how is the Art beauty of the Beauty Christianity explained?Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Adoration of the Magi (Perugino, Trevi).Please output in Italian.


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Apocalisse

L'uso trova la sua origine nel titolo dato al Libro dellApocalisse di Giovanni , nel Nuovo Testamento; il titolo proviene dalle parole di apertura del libro apōkalýpsis Iesōû kristōû  in cui il termine "rivelazione" è usato solo per descrivere i contenuti del libro stesso, e non come designazione letteraria. Il nome Apocalisse venne poi attribuito a ulteriori scritture dello stesso genere, molte delle quali apparvero in quel periodo.A partire dal II secolo il nome venne usato per diversi libri, sia cristiani che ebraici, che mostrano gli stessi tratti caratteristici. Oltre all'Apocalisse di Giovanni , il Canone muratoriano, Clemente di Alessandria ed altri menzionano una Apocalisse di Pietro. Vengono inoltre ricordate apocalissi di Adamo e di Abramo nonché di Elia. L'uso del termine greco per definire opere appartenenti ad una determinata classe letteraria è quindi di origine cristiana, derivato dalla rivelazione del Nuovo Testamento.Nel linguaggio comune il termine ha perso il significato originario di "rivelazione" e, fuori dell'ambiente religioso, è passato a indicare qualsiasi evento di grande calamità ovvero un succedersi di eventi disastrosi.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Use the term of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Abramo
Adamo
Apocalisse di Giovanni
Canone muratoriano
II secolo
Nuovo Testamento


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: Explain the Technique of singing about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Leone che attacca un dromedario

Alison Griffiths, Wondrous Difference: Cinema, Anthropology, and Turn-of-the-Century Visual Culture, New York, Columbia University Press, 2002. Louise Lippincott, "One Object, Three Histories: Provenancing the Dromedary" in Collecting and Provenance: A Multidisciplinary Approach, nham, Rowman & Littlefield, 2019. Peta Tait, "War with animals". Fighting nature: Travelling menageries, animal acts and war shows, Sydney, Sydney University Press, 2016, pp. 37–66.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Lion Attacking a Dromedary.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Ballo al Moulin Rouge

Toulouse-utrec amava intensamente la vita ed era affascinato dallo spettacolo umano che, ogni sera, gli ferveva intorno al Moulin Rouge, celebre locale notturno del quartiere di Montmartre inaugurato nel 1890 e universalmente apprezzato dai parigini. I maggiori artefici del successo di questo tempio dell'eccesso e della lussuria furono, in particolare, la Goulue e Valentin le Désossé.  prima era una contadina di origini alsaziane che, giunta a Parigi alla ricerca di notorietà, si lasciò suggestionare dalle luci di Montmartre e si ingaggiò come ballerina presso il Moulin Rouge. Il successo che ebbe fu sfolgorante: illuminata da «quel poco di bruttezza, che la salva[va] dalla perfezione», per usare le parole dello stesso pittore, Louis Weber  sapeva combinare mirabilmente la sua eccentricità e la sua sfrontatezza con una grazia quasi fanciullesca. L'impressione che gli indiavolati can-can intrapresi dalla Goulue avevano sui parigini si può facilmente intuire dal seguente commento, pubblicato sul Figaro illustré del 1891:</ref>}} carriera della Goulue fu sì intensa, ma meteorica.  sua proverbiale golosità, infatti, le stroncò prematuramente la linea: questo ingrassamento le fu fatale, siccome erano molte le giovani ballerine pronte a rimpiazzare una star dalla bellezza sfiorita che faticava ormai ad attrarre il pubblico.  stessa Goulue, dopo aver tentato una carriera nel mondo circense, si lasciò vincere dall'alcolismo e morì di stenti. Altro celebre protagonista della folle vita notturna del Moulin Rouge era Valentin le désossé, un gentiluomo della Terza Repubblica che, ogni notte, ballava gratuitamente sotto i riflettori del locale, riscuotendo applausi furiosi: il soprannome  derivava dalla sua fisionomia dinoccolata e longilinea.

Prompt: Describe the characteristics of the TheGluttonandValentin in At the Moulin Rouge, The Dance's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1890
Montmartre
Moulin Rouge
Valentin le Désossé


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Ebbrezza di Noè

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. LEbbrezza di Noè  fa quindi parte del primo blocco, completato entro il 1510.

Prompt: Focus on Drunkenness of Noah and explain the History.Please output in Italian.


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Donna seduta alla spinetta

Donna seduta alla spinetta  è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1674-1675 circa e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato "IVMeer" a destra della testa della donna.

Prompt: In Lady Seated at a Virginal, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Sentiero di notte in Provenza

Il Sentiero di notte in Provenza, conosciuto anche come  Strada con cipressi e cielo stellato, è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh realizzato nel 1890 e conservato nel Museo Kröller-Müller a Otterlo nei Paesi Bassi.Il cielo notturno e la Luna in particolare sono in grado di impressionare persino un impressionista. Vincent van Gogh è rimasto molte volte a bocca aperta davanti alle stelle, e non ha esitato a rappresentarle in molte sue opere. Una di queste, anche se meno celeberrima della "Notte stellata", si intitola "Sentiero di notte in Provenza".

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Road with Cypress and Star.Please output in Italian.

1890
Luna
Museo Kröller-Müller
Notte stellata
Otterlo
Paesi Bassi
Vincent van Gogh


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: In Last Supper (Tintoretto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Durante il periodo Edo  in Giappone vigeva una politica di isolazionismo  voluta dallo shogunato Tokugawa che inibiva qualsiasi contatto con l'esterno ad eccezione di pochi scambi commerciali con cinesi, coreani e olandesi. L'accordo con questi ultimi per il Paese asiatico costituiva l'unico accesso verso l'Occidente, ma garantiva comunque la possibilità di trarre beneficio da culture differenti, le quali finirono per avere un profondo effetto su molti aspetti della vita giapponese, comprese le arti. Nel campo della pittura erano molto apprezzati la precisione e il realismo caratteristici dello stile occidentale, che andarono a influenzare diversi artisti nipponici del tempo, tra i quali il più noto è Shiba Kōkan . Egli, a sua volta, fu fonte di grande ispirazione per Hokusai, il quale pubblicò nel 1797 , un'immagine con gli stessi elementi che compongono l'opera di Kōkan , pubblicata nel 1796. Entrambe le opere ricorrono alla tecnica europea dell'uso della prospettiva per tradurre sul foglio la profondità degli spazi, con i pescatori sulla spiaggia di Enoshima in primo piano e il Fuji sullo sfondo: in passato quest'ultimo era stato sempre raffigurato in primo piano dando risalto al suo significato religioso, ma nel periodo Edo si assistette per la prima volta a un'inversione di tendenza, determinata dall'influenza che la pittura europea stava avendo su quella giapponese in quegli anni.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the The importance of European style and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Estasi di santa Teresa d'Avila

L'interpretazione che studiosi della psicoanalisi come Marie Bonaparte hanno dato  all'esperienza dell'estasi mistica in termini di pulsione erotica che si esprime sublimandosi nel deliquio dell'afflato spirituale, ha condotto la critica a sottolineare in quest'opera di Bernini la bellezza sensuale e ambigua dei protagonisti, avvalorando così la possibilità di una sua lettura in termini psicoanalitici. Lo psicologo italiano Enzo Bonaventura fa riferimento a Cupido, evidenziando, a livello simbolico, un nesso tra la figurazione greca e la trasfigurazione religiosa nell'arte cristiana. Per provarne la legittimità, occorre solo richiamare la parola di Renan in viaggio a Roma, davanti a questo stesso gruppo statuario: «Si c'est cela l'extase mystique, je connais bien des femmes qui l'ont éprouvée». Si potrebbe comunque ulteriormente citare il conte de Brosses, il Marchese de Sade o lo scrittore Veuillot.Collateralmente a quest'interpretazione che considera l'esperienza di Teresa, e la scultura che la ritrae, nei termini di quello che  potremmo chiamare «erotismo sacro», si deve tuttavia osservare che l'approfondimento della biografia dell'artista napoletano ha recentemente messo nella giusta luce la sua religiosità; una religiosità che in quel periodo della sua vita  si era rafforzata attraverso la pratica degli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, eseguiti sotto la guida dei padri gesuiti che egli frequentava. Verosimilmente la lettura della vita di santa Teresa non dovette essere un fatto occasionale, limitato a singoli passi, segnalati magari dal committente. Al contrario, alcuni studiosi hanno letto nellEstasi di santa Teresa anche l'eco del racconto di altre esperienze mistiche, come quella della santa genovese Caterina Fieschi Adorno. straordinaria qualità estetica e l'intensa drammaticità del gruppo marmoreo è dunque da collegare alla personale ricerca spirituale di Bernini, al suo impegno a scoprire per sé stesso, per poi mostrare a tutta la comunità dei fedeli il senso di quell'amore espresso oltre ogni misura verso il Redentore, che trova esempio nella vita dei santi.L'influenza dell'opera di Bernini fu enorme non solo sui contemporanei, ma anche su molti artisti dei secoli successivi. Il famoso compositore Pietro Mascagni, ad esempio, nel 1923 compose una visione lirica per orchestra dal titolo Contemplando la santa Teresa del Bernini, un brano della breve durata di appena quattro minuti.  scultura è altresì il soggetto della canzone “The Lie”, contenuta nell'album del cantautore inglese Peter Hammill The Silent Corner and the Empty Stage.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychoanalytic interpretation in Ecstasy of Saint Teresa's Description.Please output in Italian.

Cupido
Enzo Bonaventura
Estasi
Ignazio di Loyola
Marchese de Sade
Marie Bonaparte
Peter Hammill
Pietro Mascagni
Roma
The Silent Corner and the Empty Stage


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Battaglia di Ostia

Nell'estate dell'849 una flotta costituita dalle navi dei ducati di Napoli, Amalfi, Gaeta e Sorrento riunite nella Lega campana, sotto la guida del console Cesario di Napoli , sbaragliò una flotta di navi saracene che si apprestava a sbarcare presso Ostia con l'intento di operare l'invasione e la devastazione di Roma.Il console Cesario, giunto in soccorso, si presentò a Roma; si fece annunziare al pontefice Leone IV, che lo accolse in terano e che riaccompagnatolo a Ostia benedisse i guerrieri della Lega campana con una preghiera ch'è rimasta nella storia della liturgia cattolica.Quando, la mattina seguente, s'appressarono le navi africane, Cesario le investì vigorosamente, affondandone parte. Lo scontro tra le due flotte fu violentissimo e durò un'intera giornata con esito incerto, fin quando un'improvvisa tempesta non sopravvenne creando lo scompiglio tra le navi saracene. I più esperti marinai campani ebbero allora il sopravvento infliggendo al nemico gravi perdite e catturando numerosi prigionieri.Fu, secondo vari storici, la più insigne vittoria navale dei cristiani sui musulmani prima della battaglia di Lepanto.

Prompt: Explain the Thebattle of this artwork, Battle of Ostia (painting).Please output in Italian.


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Donna morsa da un serpente

</ref>}}Un dettaglio del serpente. scultura ritrae una donna nuda , sdraiata al suolo, mentre si contorce dopo essere stata morsa da un serpente, che si è attorcigliato attorno al polso come se fosse un braccialetto. Intorno a lei sono presenti molti fiori e petali su una roccia. Il volto della donna non è idealizzato, anzi, è molto realistico. Il pittore Ferdinand Victor Eugène Delacroix definì l'opera un "dagherrotipo scolpito".

Prompt: How does Woman Bitten by a Serpent explain its Description?Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of Crucifixion (Tintoretto), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Ritratto di Bartolomeo Bonghi

tela che raffigura il prelato Bartolomeo Bonghi, ha avuto numerosi rimaneggiamenti è però da considerarsi una delle migliori opere ritrattistiche dell'artista albinese, ed è un omaggio alla carica di rettore del soggetto del 1563 evidenziato in ogni particolare, dal libro che tiene in mano, alla configurazione del paesaggio alla finestra, all'età che il personaggio raffigura sicuramente sufficientemente giovanile.Bartoloneo Bonghi è raffigurato di tre quarti, seduto su una dantesca, ma con lo sguardo frontale, rivolto all'osservatore, nell'atto di aver temporaneamente abbandonato la lettura del libro che tiene in mano e di cui tiene indice con il dito medio, perché disturbato da una presenza.  capigliatura riccia sfugge dal copricapo, e la barba rossiccia è folta e ben curata. Il soggetto è sicuramente un uomo di particolare rilievo pubblico. <br>Sul frontespizio del libro è leggibile la scritta PLAV I. sup.I. / I.ff.si q[ui]s Ius / dic[enti]. non obtempe[raverit]; indicherebbe l'opera di Camillo Plauzio Pezone, docente ordinario di diritto civile a Pavia, opera pubblicata nel 1553, anno in cui il Bonghi era rettore universitario. Il Moroni fa quindi omaggio alla sua carica, anche se con datazione precedente la realizzazione del dipinto. Questo particolare creerà difficoltà nella giusta collocazione temporale del dipinto, che però, per le sue caratteristiche di materiale e di qualità è conferibile al 1561-1562.Il Moroni cura moltissimo i particolari dell'abbigliamento del prelato. Indossa una ricca zimarra nera di raso, ornata con un'ampia pelliccia da dove compaiono i profili bianchi del colletto e della camicia arricciati. Sul capo porta un berretto piuttosto floscio a forma di tricorno di vellutoA destra del soggetto si apre una luminosa finestra dove è visibile la torre del palazzo del comune e i fabbricati vicini.  torre è raffigurata in uno stato di abbandono, cresce infatti una pianta sulla sua cima. Sicuramente al tempo della realizzazione dell'opera la torre non aveva più queste caratteristiche, ma il Moroni volle identificare il tempo di quando il Bonghi era rettore a Pavia, tutta la tela è quindi un rendere omaggio al prelato bergamasco, probabilmente molto considerato al tempo dell'artista.

Prompt: How does Portrait of Bartolomeo Bonghi explain its Description?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Nei primi decenni del XIV secolo le controversie si erano ormai accese.Tra il 1320 e il 1321 ebbe luogo alla Sorbona una disputa tra uno dei discepoli di Scoto, Francesco de Mayronis , e il benedettino Pietro Roger, che sarebbe poi divenuto papa con il nome di Clemente VI . Gli animi si scaldavano tra chi difendeva Scoto e chi lo accusava di eresia.Così un carmelitano, Giovanni Baconthorpe , scriveva:Nel 1387 il domenicano Juan de Monzón, noto anche come Giovanni da Montesono  cominciò a insegnare alla Sorbona che la tesi sull'Immacolata Concezione era nettamente contraria alla fede della Chiesa. Ciò diede vita a una disputa con il francescano Andrea di Novocastro  e suscitò l'opera del suo confratello Giovanni Vidal, Defensorium Beatae Mariae Virginis Adversus Joannem de Montesono, che causò l'intervento di trenta teologi della Sorbona; costoro, dopo aver preso in considerazioni gli argomenti dei due maestri, giudicarono la tesi del domenicano «scandalosa, presuntuosa e offensiva», obbligandolo a ritrattare.Ma né la condanna, né la minaccia di scomunica da parte di Pietro d'Orgemont, vescovo di Parigi, riuscirono a far ritrattare il Monzón, che, pur ricorrendo a papa Clemente VII , ottenne solo condanne.In ogni caso, i trenta teologi parigini, che sostenevano come "possibile" l'opinione immacolatista, riconoscevano anche l'autorevolezza che si deve avere nei confronti della teologia dell'Aquinate. Questa prudente posizione cercava di tutelare la libertà di pensiero di fronte a un argomento non ancora definito dalla Chiesa, ma contemporaneamente ammetteva l'importanza del pensiero di San Tommaso. In effetti, è da questo momento che l'Aquinate divenne il "maestro" degli avversari dell'Immacolata Concezione, e sembra anche che si possa far risalire a questo evento la nascita ufficiale della "scuola scotista dell'Immacolata"; ebbero cioè inizio le due correnti teologiche degli Scotisti e dei Tomisti.Le discussioni continuarono nel 1400, inaugurando tra i teologi cattolici un periodo di discussioni tanto intense e durature da ispirare artisti del secolo successivo  per la rappresentazione di quadri allegorici nominati, appunto, Disputa sull'Immacolata Concezione. Nel 1566 lo stesso Carlo Portelli dipinse una chiara Immacolata Concezione per ribadire il concetto teologico, che però non trovò conferma ufficiale per altri tre secoli.

Prompt: Describe the characteristics of the The disputes of the 14th century in The Immaculate Conception of Los Venerables's liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Andrea di Novocastro
Carlo Portelli
Giovanni Baconthorpe
Giovanni Vidal
Giovanni da Montesono
Parigi
Pietro d'Orgemont


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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statua colossale di Costantino I

Una ricostruzione a grandezza naturale della statua è stata realizzata nel 2022 ed esposta a Milano in occasione della mostra Recycling Beauty curata da Salvatore Settis, Anna Anguissola e Denise  Monica presso la Fondazione Prada.  medesima ricostruzione è stata in seguito riproposta ai Musei Capitolini, nel giardino di Palazzo Caffarelli.

Prompt: In the context of Colossus of Constantine, explain the Reconstructions and the History.Please output in Italian.

Fondazione Prada
Musei Capitolini
Salvatore Settis


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Perseo e Andromeda

Prompt: In Perseus and Andromeda (Rubens), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Martirio di sant'Orsola

Opere di Caravaggio Caravaggismo Pittura napoletana del Seicento Gallerie d'Italia di Napoli

Prompt: In The Martyrdom of Saint Ursula (Caravaggio), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Caravaggio
Caravaggismo
Gallerie d'Italia
Gallerie d'Italia di Napoli
Napoli
Opere di Caravaggio
Pittura napoletana del Seicento


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Pala di Santa Maria dei Fossi

Dal prototipo della Madonna di Santa Maria dei Fossi derivano altre Madonne considerate più o meno autografe ma più semplici, spesso destinate alla devozione privata. Tra queste spiccano la Madonna col Bambino della Huntington Library di San Marino , fedele riproduzione del 1498 circa, la Madonna del Davanzale della Pinacoteca Vaticana, il Tondo Visconti-Venosta a Roma, la piccola tavola centinata del Fitzwilliam Museum di Cambridge ed altre opere all'Ashmolean Museum di Oxford, alla National Gallery of Scotland di Edimburgo, all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston, ecc.

Prompt: Explain the Derivations of this artwork, Santa Maria dei Fossi Altarpiece.Please output in Italian.

1498
Ashmolean Museum
Boston
Cambridge
Edimburgo
Fitzwilliam Museum
Huntington Library
Oxford


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Busto di Gabriele Fonseca

Fu eseguito tra il 1668 e il 1674. Si trova nella parrocchia di San Lorenzo in Lucina a Roma, in Italia. Il soggetto ritratto, Gabriele Fonseca, era il medico  di papa Innocenzo X.  scultura del defunto orna la cappella Fonseca.

Prompt: How does Bust of Gabriele Fonseca explain its Description?Please output in Italian.


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Visione di sant'Eustachio

Sant'Eustachio era un cavaliere romano che si convertì al Cristianesimo dopo aver assistito, durante la caccia, alla visione del Cristo tra le corna di un cervo.Il dipinto mostra un cavaliere sontuosamente vestito da parata, su un cavallo bianco dalla ricca bardatura, accompagnato da più cani da caccia; egli si trova in una foresta ricchissima di animali e davanti a lui si trova un cervo, nelle cui corna appare il Crocifisso di Cristo, alla cui visione il santo si arresta ed alza una mano in un composto gesto di sorpresa.Il tema sacro è un pretesto per rappresentare una foresta fiabesca brulicante di animali, colti nei più vari atteggiamenti: cani che puntano, raspano o inseguono; la lepre che fugge; i cervi e cerbiatti; l'orso in una grotta in alto a destra; le gru; i cigni nello stagno; gli uccellini nei cespugli. Un sinuoso cartiglio, destinato forse a contenere un'iscrizione, si trova in basso a destra. ricchezza dei dettagli, più curati singolarmente che nell'insieme della composizione, le incongruenze spaziali, i contrasti tra le ombre dello sfondo e la luce sui dettagli, sono tutti elementi che concorrono a creare un ambiente irreale e di favola, secondo gli stilemi dell'arte di Pisanello e del tardogotico in generale.Gli animali qui non hanno valenze primariamente simboliche, come nella pittura gotica o in quella rinascimentale, ma la loro presenza serve più che altro a comporre un campionario, privo di volontà classificatoria o ordinatrice. Essi sono dipinti a partire dai dettagli, i più analitici possibili, per poi venire accostati agli altri nella composizione dell'immagine: l'effetto che ne scaturisce nell'osservatore è quello di una superficie vibrante, di difficile percezione nell'insieme, che invita continuamente a indagare ogni singolo dettaglio.

Prompt: In The Vision of Saint Eustace, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Abaporu

Nonostante sia uno dei simboli del modernismo brasiliano, Abaporu non era presente alla Settimana d'Arte Moderna del 1922, perché il quadro sarebbe stato dipinto solamente nel 1928. Nel 1922, nei giorni della Settimana , Tarsila stava a Parigi in cerca di un'identità artistica e sarebbe tornata nel suo paese alla fine di quell'anno.

Prompt: Describe the characteristics of the Abaporu in Brazil in Abaporu's History.Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma moderna

Giovanni Paolo Pannini Galleria di vedute di Roma antica Galleria del cardinale Silvio Valenti Gonzaga Carlo di Borbone in visita alla basilica di San Pietro Carlo di Borbone visita il papa Benedetto XIV nella coffee-house del Quirinale Coffee House del Quirinale

Prompt: In Modern Rome, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Affreschi da villa La Pelucca

AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: Focus on Villa La Pelucca frescoes and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ritratto di Andrea Odoni

Il Ritratto di Andrea Odoni è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, datato 1527 e conservato nella Royal Collection di Buckingham Palace. È firmato "urentius Lotus / 1527".

Prompt: In Portrait of Andrea Odoni, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1527
Andrea Odoni
Buckingham Palace
Lorenzo Lotto
Royal Collection


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Flora (Melzi)

Flora appare sulla copertina dell'album Gli amori son finestre, pubblicato nel 2009 da Mango.

Prompt: Focus on Flora (Francesco Melzi) and explain the In mass culture.Please output in Italian.


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In The Beauty, how is the Art beauty of the Introduction explained?Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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medaglia di Giovanni VIII Paleologo

medaglia di Giovanni VIII Paleologo fu realizzata in bronzo dall'artista italiano Pisanello nel 1438 e misura 10,2 cm di diametro. Fu la prima medaglia moderna in assoluto. Se ne conservano diversi esemplari in vari musei e collezioni.

Prompt: In Medal of John VIII Palaeologus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Shiloh and the Service  civil  war.Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Tavola Strozzi

Benedetto Croce, "Veduta della città di Napoli nel 1479 col trionfo navale per l'arrivo di Lorenzo dei Medici", in Napoli nobilissima, XIII , pp. 56–57.Vittorio Spinazzola, "Di Napoli antica e della sua topografia in una tavola del XV secolo rappresentante il trionfo navale di Ferrante d'Aragona dopo la battaglia d'Ischia", in Bollettino d'Arte, IV , pp. 125–143.Roberto Pane, " Tavola Strozzi tra Firenze e Napoli", in Napoli nobilissima, XVIII , pp. 3–12.Dino Catalano, "Riparliamo della Tavola Strozzi", in Napoli nobilissima, XXI , pp. 57–64.Cesare De Seta, "L'immagine di Napoli dalla Tavola Strozzi a E. G. Papworth", in All'Ombra del Vesuvio, Napoli, 1990, pp. 27–44.Leonardo Di Mauro,  Tavola Strozzi , Napoli 1992.Mario Del Treppo, "Le avventure storiografiche della Tavola Strozzi", in Fra storia e storiografia. Scritti in onore di Pasquale Villani, Bologna, 1994, pp. 483–515.Giulio Pane,  Tavola Strozzi tra Napoli e Fiorenze. Un'immagine della città nel Quattrocento, Napoli 2009. ISBN 9788889879368.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Tavola Strozzi.Please output in Italian.

1479
Benedetto Croce
Firenze
Giulio Pane
Mario Del Treppo
Napoli
XV secolo
Roberto Pane
XV secolo


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Polittico di Recanati

Il Polittico di Recanati è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1506-1508 e conservato nel Museo civico Villa Colloredo Mels a Recanati. L'opera è firmata e datata "urent[ius] Lotus MDVIII".

Prompt: In Recanati Polyptych, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Conductors and the The relationship with singing.Please output in Italian.


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Atleta di Fano

Paolo Moreno. Il Bronzo Getty, in Storia e Civiltà dei Greci, 6. Milano, Bompiani, 1979. Paolo Moreno. Tornerà l'eroe?, in  Antonietta Viacava. L'atleta di Fano. Roma, Edizioni L'Erma di Bretschneider, 1994. ISBN 88-7062-868-X.  Alfredo Chiappori, Il Porto della Fortuna, Rizzoli, 1997, ISBN 88-17-66423-5. Carol C. Mattusch. The Victorious Youth, in Getty Museum Studies on Art. Los Angeles, The J. Paul Getty Museum, 1997.  Peter Watson, Cecilia Todeschini. The Medici Conspiracy: The Illicit Journey of Looted Antiquities--From Italy's Tomb Raiders to the World's Greatest Museums. PublicAffairs, 2006, ISBN 1-58648-402-8

Prompt: Focus on Victorious Youth and explain the Bibliography.Please output in Italian.

1979
2006
Alfredo Chiappori
Bompiani
Bronzo
Fano
Getty Museum
ISBN
Getty Museum
Los Angeles
Milano
Paolo Moreno
PublicAffairs
Roma


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Polittico del 1476

I santi a tutta figura sono trattati col consueto realismo accompagnato da una vivissima vena descrittiva, che si sofferma ora a rendere gli effetti più ricercati, come la pelliccia del Battista, ora lo sfarzo più squillante, come nei damaschi della veste di Caterina o nei gioielli della tiara e della pianeta papale di Pietro. Spesso si ricorre ad effetti a rilievo, come nel bastone pastorale, nelle chiavi e in altri dettagli dello stesso Pietro.Fulcro ottico delle imagini sono le mani, spesso contratte in gesti caricati di intensità, e i volti, ruotati e variati in una vasta gamma di espressioni. Giovanni è concentrato nello srotolamento del cartiglio con lEcce Agnus Dei, Pietro sembra affossato nel peso della decoratissima veste, Domenico, straordinariamente anziano e veritiero, abbassa il capo con un gesto di umile deferenza rivolto a Maria, Caterina, dal profilo purissimo, guarda in alto nell'atteggiamento tipico dei martiri.Spesso i piedi delle figure sono in scorcio ed escono dal gradino su cui poggiano, nel tentativo di uno sfondamento verso lo spettatore molto frequente in Crivelli, derivato dagli esperimenti di Mantegna che fu uno dei suoi maestri, se non diretto almeno ideale. Lo sfondo della figura del Battista è diverso da quello delle altre e rappresenta il deserto: si tratta di un modo tipico di rappresentare il santo ben documentato in area veneta , che lo stesso Crivelli aveva già utilizzato, ad esempio nel Polittico di Massa Fermana .

Prompt: Explain the They are not from the first record about the Description and style of this artwork, 1476 Altarpiece.Please output in Italian.


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Cupido che fabbrica l'arco

Luisa Viola, Parmigianino, Grafiche Step editrice, Parma 2007. Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9

Prompt: Focus on Cupid Making His Bow and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico di Zara

Il polittico, composto da sei pannelli principali su due ordini, mostra al centro San Martino e il povero  e San Girolamo e il donatore. L'opera, della fase giovanile dell'artista, mostra attinenza con la prima opera datata, lArrivo dei pellegrini a Colonia  delle Storie di sant'Orsola, come il trattamento di alcuni dettagli del paesaggio, e una certa ruvidezza che tradisce un impaccio giovanile.Il pittore tentò un accordo tra figure e sfondo attraverso la luce, di ascendenza antonelliana, legata a un uso naturale del colore, come Giovanni Bellini. Le figure grandeggiano sullo sfondo di colline petrose, senza una gestione unitaria dello spazio legata alle regole della prospettiva, ma piuttosto organizzata per blocchi separati, come avveniva nelle opere di Gentile Bellini.

Prompt: In Zadar Polyptych, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Arrivo dei pellegrini a Colonia
Gentile Bellini
Giovanni Bellini
Storie di sant'Orsola


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Il mercato del cotone a New Orleans

Il dipinto, anche noto come Ritratti in un ufficio, è l'opera più incisiva realizzata durante il soggiorno di Degas negli Stati Uniti. Recatosi nel 1872 a New Orleans, città presso la quale la madre aveva avuto i natali, il pittore ne rimase profondamente entusiasta. Di quest'ardore ci rimane una testimonianza letteraria nella lettera che il pittore indirizzò all'amico Lorentz Frölich, cui confidò:</ref>}}Il mercato del cotone a New Orleans, tuttavia, non va assolutamente inteso come una «foto-ricordo» , bensì come una speculazione meramente commerciale di cui Degas si proponeva di realizzare un forte utile: egli, infatti, intendeva rivendere il dipinto a un mercante inglese di tessuti: Quest'operazione, tuttavia, non ebbe successo, e il dipinto probabilmente non piacque neanche ai parenti americani del pittore, che si ritrovò costretto a portare l'opera con sé in patria. Presentato alla seconda mostra impressionista del 1876, dove disorientò non poco il pubblico, il dipinto è esposto dal 1878 presso il museo di Belle Arti di Pau, in Francia: era il primo dipinto di Degas  ad essere stato acquistato da un'istituzione pubblica.

Prompt: In A Cotton Office in New Orleans, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Garzone con flauto

Il ritratto, attribuito al maestro di Castelfranco dal XVIII secolo, mostra evidenti reminiscenze leonardesche, legate soprattutto allo stile sfumato che fa emergere il soggetto dallo sfondo scuro tramite toni smorzati e una linea di contorno assente.Ritrae un giovinetto che, vestito con una semplice camicia bianca slacciata e con un telo azzurro sopra la spalla, tiene in mano un flauto, e con un atteggiamento malinconico guarda davanti a sé, reclinando leggermente la testa, senza però incontrare direttamente lo sguardo dello spettatore. Si tratta dello stesso giovane ritratto in altre opere del maestro, come il Ragazzo con la freccia o il David con la testa di Golia.Sebbene lo stile del dipinto richiami da vicino quello di Giorgione, analisi radiografiche sul disegno sottostante farebbero piuttosto pensare alla mano di Tiziano: non è escluso che i due pittori vi abbiano collaborato insieme.

Prompt: Focus on Shepherd with a Flute and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto a Roma con il Colosseo

Autoritratto a Roma con il Colosseo è un dipinto su tavola dell'artista olandese Maarten van Heemskerck.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-portrait with the Colosseum.Please output in Italian.

Colosseo
Autoritratto
Maarten van Heemskerck
Roma


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Mattinata settembrina

Mattinata settembrina  è un dipinto del pittore francese Paul Chabas.Opera di nudo sottilmente erotico, Mattinata settembrina fu dipinta in tre estati: terminata e presentata nel Salon del 1912, fu premiata senza suscitare alcuna particolare sensazione, malgrado l'evidente erotismo del soggetto: una giovane nuda che rabbrividisce nelle fredde acque di settembre del lago di Annecy nell'Alta Savoia.  modella era una donna del luogo e Chabas vi aveva adattato il volto di una giovane americana, Julie Phillips, conosciuta con sua madre a Parigi.Il dipinto fu mandato l'anno dopo ad un'esposizione che si teneva a Chicago, dove il sindaco accusò il gallerista di indecenza, citandolo in tribunale, che gli diede però torto. Questa vicenda giudiziaria rese famoso il quadro che, passato in esposizione a New York, fu visto dal presidente della Society for the Suppression of Vice, Anthony Comstock, il quale ne rimase scandalizzato, reclamandone invano la rimozione dalla mostra.A questo punto la fama del quadro raggiunse il massimo: in tutto il paese imperversavano vignette satiriche su giornali e riviste, la folla si accalcava per vedere l'opera che fu riprodotta rapidamente in calendari, cartoline e sulle scatole dei più diversi prodotti commerciali.Paul Chabas lo vendette per 10.000 dollari a un collezionista russo ma, dopo la Rivoluzione russa, il quadro ricomparve a Parigi nella collezione Gulbenkian: di qui passò in una collezione di Filadelfia e infine, nel 1957, al Metropolitan Museum di New York, che lo conserva tuttora. Dato il successo del quadro, Chabas ne dipinse ancora alcune varianti.

Prompt: Focus on September Morn and explain the Abstract.Please output in Italian.

1912
1957
Alta Savoia
Annecy
Chicago
Filadelfia
New York
Parigi
Paul Chabas
Rivoluzione russa


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Cacciata dei mercanti dal tempio (El Greco Madrid)

Cacciata dei mercanti dal tempio, chiamato anche Espulsione dei mercanti dal Tempio o Purificazione del Tempio è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato nel suo ultimo periodo a Toledo circa nel 1610-1614 e conservato nella Chiesa di San Genesio a Madrid in Spagna.

Prompt: How does Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Madrid) explain its Abstract?Please output in Italian.

1610
1614
El Greco
Madrid
Purificazione del Tempio
Spagna
Toledo


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Autoritratto con camicia ricamata

L'artista trentaquattrenne si raffigura di tre quarti, vestito di un ricco giubbone di velluto nero foderato di pelliccia che lascia intravedere una camicia finemente ricamata, abbigliamento tipico del Cinquecento: sovente Rembrandt si ritraeva con vesti di altre epoche. In questo caso può darsi che l'artista volesse citare il clima di un celebre ritratto di Tiziano, in quegli anni ad Amsterdam e oggi nello stesso museo londinese: il cosiddetto Ritratto di Ariosto, già nella collezione di Alfonso López. Altre celebri opere a cui il pittore si ispirò sono il Ritratto di Baldassarre Castiglione di Raffaello, pure in quei tempi in Olanda, e lAutoritratto con fiore d'eringio di Dürer.Il ritratto trasmette tutta la fierezza della gioventù, incontrando con sicurezza lo sguardo dell'osservatore. L'artista, emergente e ambizioso, si paragona idealmente ai grandi maestri italiani come Raffaello e Tiziano. stesura del colore è ancora uniforme e ben rifinita, con toni morbidi, ma a differenza dei pittori rinascimentali Rembrandt, che viveva nell'Olanda puritana, usava una gamma di colori molto ridotta, che però non lo limitava nel raggiungere importanti vette artistiche. I colori  usati sono quasi tutti "poveri", quali il nero d'osso, le terre e il bianco di piombo. Ciò genera un insieme per lo più scuro, smorzato, con l'eccezione del volto più chiaro e roseo, che spicca come illuminato da un faretto. Effetti virtuosistici sono utilizzati nel rendere la diversa consistenza dei materiali, dal cotone della camicia al velluto della manica, alla pelliccia del colletto.L'anno prima, nel 1639, l'artista si era ritratto in un'acquaforte con la stessa posa.L'opera fu acquistata dal museo nel 1861.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Self-Portrait at the Age of 34.Please output in Italian.

1861
Autoritratto con fiore d'eringio
Rembrandt
Rembrandt
Ritratto di Ariosto
Ritratto di Baldassarre Castiglione


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Pesatrice di perle

In una stanza illuminata da sinistra attraverso una finestra, una donna in piedi presso un tavolino tiene in equilibrio un bilancino. Sebbene sul tavolo sia presente un cofanetto aperto con dei fili di perle che escono, non c'è evidenza che la donna stia pesando proprio delle perle. Secondo Arthur K. Wheelock Jr infatti il titolo tradizionale è infondato, poiché i piatti della bilancia sono vuoti: invisibile è anche l'oro a cui si riferisce la descrizione del 1696. Il soggetto era comunque comune nella pittura di genere dell'epoca: esiste una Pesatrice d'oro di Gabriel Metsu in collezione privata e una Donna che pesa l'oro di Pieter de Hooch nella Gemäldegalerie di Berlino.Come in altre opere nello stile più tipico del pittore, una cascata di luce cattura immediatamente l'attenzione sul soggetto principale, in questo caso la donna, per poi lasciare l'occhio libero di esplorare tutti gli altri dettagli in penombra.  protagonista ha il capo velato e indossa una mantella azzurra bordata di pelliccia bianca , sopra un abito giallo. Dall'apertura della casacca sporge un ventre prominente, che fa pensare all'avanzato stato di gravidanza della donna: forse è la stessa moglie del pittore Catharina, come ha ipotizzato André Malraux, che partorì più volte.Davanti a lei si vede uno specchio appeso alla parete e sul tavolo un drappo blu che crea una macchia di colore che riprende il colore della mantella e contrasta col giallo del vestito e della tenda scostata. Sulla parete di fondo si vede un dipinto con il Giudizio universale: forse un'allusione moraleggiante a non occuparsi troppo dei beni terreni e a conservare un'anima candida, come quelle che san Michele è solito soppesare con una bilancia proprio al centro di molti dipinti del Giudizio. Il candore delle perle potrebbe e il tema della bilancia potrebbe simboleggiare la purezza della donna, oppure richiamare il tema della temperanza, ovvero la necessità di soppesare le proprie azioni. Lo stesso specchio di fronte alla donna simboleggerebbe il bisogno, in tale processo, di tenere coscienza di sé. Questioni simili sono infatti contenute negli Esercizi spirituali di sant'Ignazio di Loyola.

Prompt: How does Woman Holding a Balance explain its Description and style?Please output in Italian.

André Malraux
Esercizi spirituali
Gabriel Metsu
Pieter de Hooch


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Cloud Gate

Il Cloud Gate è una scultura pubblica dell'artista britannico di origini indiane Anish Kapoor e si trova al centro della AT&T Plaza nel Millennium Park a Chicago, Illinois, USA.  scultura e la AT&T Plaza si trovano tra il "Park Grill" ed il "Jay Pritzker Pavilion".Costruito tra il 2004 ed il 2006, la scultura è soprannominata "The Bean"  per via della sua forma. Fatto di 168 lastre di acciaio inossidabile saldate insieme, la sua lucidissima superficie esteriore non ha saldature visibili; le sue dimensioni sono 10 m × 20 m × 13 m e pesa circa 100 tonnellate.Il design di Kapoor è stato ispirato dal mercurio liquido e la superficie della scultura riflette distorcendo lo skyline della città. I visitatori possono passeggiare sia intorno alla scultura che sotto il suo arco di 3,7 metri, sotto cui si trova l' "omphalos" , una camera concava che curva e moltiplica i riflessi.  scultura racchiude molti dei temi artistici di Kapoor ed è popolare tra i turisti per l'opportunità di fare foto uniche grazie ai suoi particolari riflessi. scultura venne selezionata durante una competizione di design: dopo aver scelto il design di Kapoor, vennero a galla numerose preoccupazioni tecnologiche circa la difficoltà di costruzione e di assemblaggio, senza contare quelle riguardanti il mantenimento. Furono quindi consultati diversi esperti, alcuni dei quali credevano che la scultura non potesse essere assolutamente costruita. Alla fine, un metodo fattibile venne trovato, ma la costruzione della scultura rimase indietro.  scultura venne poi svelata ancora incompleta nel 2004, durante i festeggiamenti per l'apertura del Millennium Park, prima di essere nuovamente nascosta per il completamento. Il Cloud Gate fu infine inaugurato ufficialmente il 15 maggio 2006 e da allora ha guadagnato sempre più popolarità, sia a livello locale che internazionale.

Prompt: Focus on Cloud Gate and explain the Abstract.Please output in Italian.

2004
2006
Anish Kapoor
Chicago
Illinois
Millennium Park


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Ritratto di principessa estense

Ritratto di Lionello d'EstePisanelloGotico internazionale in ItaliaRinascimento ferrarese

Prompt: How does Portrait of a Princess (Pisanello) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Este
Gotico internazionale in Italia
Pisanello
Rinascimento ferrarese


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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La Bella

Bella è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1536 e conservato nella Galleria Palatina di Firenze.Il dipinto mostra il soggetto con le proporzioni ideali per le donne del Rinascimento ed è considerato il suo capolavoro riguardo alla ritrattistica femminile. In parallelo, la composizione corrisponde ai ritratti di corte degli anni Trenta del Cinquecento. L'opera può essere datata da una lettera su «quel ritratto di quella Donna che ha la veste azurra» del maggio 1536.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, La Bella.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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madre

Il cattivo o il buon rapporto con la madre nasce dalle qualità presenti nel neonato e nella madre stessa, ma anche dall'aiuto e dal sostegno che questi possono avere da parte del padre del bambino e dalle due reti familiari . Da questo rapporto felice o infelice possono nascere incontri e scontri, accordi e disaccordi emotivi, gratificazioni e frustrazioni per l'uno o per l'altra. Per la Klein: "[...] è inevitabile che delusioni ed esperienze piacevoli si presentino insieme e rafforzino il conflitto innato tra amore e odio, e cioè tra gli istinti di vita e di morte; ciò porta il bambino a sentire che esiste un seno buono e uno cattivo".Per il bambino, una madre è buona quando: sa leggere nel suo animo e nel suo volto in ogni momento ciò di cui ha bisogno, le sue necessità, i suoi desideri, le sue speranze; sa soddisfare questi bisogni attivandosi in favore del piccolo nel modo più rapido, consono e opportuno; sa adattarsi rapidamente alle sue caratteristiche e alle sue necessità peculiari; sa attivarsi prontamente con piacere e disponibilità sia per i suoi bisogni fisici che per quelli affettivi; gioca e si trastulla frequentemente con il proprio piccolo; riesce a dare fiducia al suo piccolo così che questa possa essere per lui una figura di attaccamento sicuro, stabile e sereno. L'attaccamento tra la madre e il bambino, che per Bowlby avviene entro i primi nove mesi di vita, permette al bambino di avere una base sicura dalla quale muoversi per scoprire, esplorare e interagire con l'ambiente circostante per poi tornare verso la madre che sa infondere fiducia e serenità, specialmente all'insorgere di stanchezza e timore. È importante che si instauri un attaccamento sicuro tra la madre e il figlio poiché questo legame speciale permette al bambino di crescere sia sul piano affettivo-relazionale che sul versante cognitivo e verbale. Quando ciò non avviene, quando l'attaccamento non è stabile e sicuro  il bambino avrà difficoltà ad affrontare situazioni nuove, difficili o traumatiche, nonché sarà facile preda di paure e ansie.

Prompt: In the context of Mother & Child (Etrog), explain the Mother–son relationship and the Psychology.Please output in Italian.


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Headington Shark

Lo squalo è nominato in numerose riviste, perlopiù locali; si citano a tale proposito lOxford Mail o lOxford Times.Alcune volte la scultura è stato menzionata persino in notissimi quotidiani britannici, quali il Guardian oppure il Times.

Prompt: Describe the characteristics of the In journalism in Headington Shark's Meaning.Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: Explain the Italy about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: In Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), how is the Controversial works of the Biography explained?Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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amore

Nel Corano c'è scritto "Chi non prova affetto non riceverà affetto".Ishq, o amore divino, è parola d'ordine del sufismo nella tradizione islamica. I praticanti del Sufismo credono che l'amore sia una proiezione dell'essenza di Dio con l'universo; Dio desidera riconoscere la bellezza, è come quando ci si guarda in uno specchio per vedere sé stessi.

Prompt: In Love & Loss, how is the Islam of the Religion explained?Please output in Italian.


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Busto del Salvatore

L'opera, secondo i biografi, fu eseguita negli ultimi anni di vita dell'artista. Fu notata da Nicodemus Tessin il giovane durante il suo soggiorno romano del 1687-1688 nel palazzo abitato dalla regina Cristina di Svezia; quando la regina morì, nel 1689, lasciò il busto a papa Innocenzo XI.Il Salvator Mundi del Nel 1972 lo studioso americano Irving vin, professore di Storia dell'arte presso l'Institute for Advanced Studies di Princeton, in un saggio apparso sulla rivista Art Bulletin, riferisce della presenza del busto presso il Chrysler Museum di Norfolk. Egli scrive: «un busto in marmo raffigurante il Cristo benedicente che corrisponde così perfettamente alle descrizioni delle fonti e al disegno Corsini che potrebbe essere identificato sia con la copia di Cureau sia con l'originale». Lo studioso ammette una certa goffaggine dell'opera rispetto alle caratteristiche berniniane, definendola «sbagliata», ma ne giustifica i difetti sia con la tarda età dell'artista sia con i problemi al braccio destro che afflissero il Bernini nell'ultimo parte della sua vita. vin conclude: «questi elementi, che apparentemente la farebbero escludere, testimoniano l'autenticità della scultura di Norfolk, se consideriamo il soggetto e le particolari circostanze nelle quali il Salvatore è stato creato».Il busto della cattedrale di SéesL'anno dopo, nel 1973, pare essere individuata anche la copia del busto custodita nella cattedrale di Sées, a Orne in Normandia. Agli inizi degli anni 1970, dunque, si era ragionevolmente certi di aver individuato negli Stati Uniti il Salvator mundi originale e in Francia una sua copia. Il riconoscimento dell'opera in fotografia si deve a Francesco Petrucci, che la studiò poi nel 2002 insieme a Maurizio Fagiolo dell'Arco; nel 2003 l'attribuzione fu accettata dal vin, che rivide dunque quella da lui avanzata trent'anni prima, e negli anni successivi da molti altri specialisti del settore.  scultura in San Sebastiano presenta i caratteri stilistici barocchi propri della tarda produzione di Bernini e corrisponde pienamente alle antiche descrizioni, sia nelle dimensioni  sia nella materia del piedistallo, in diaspro di Sicilia. Sulla provenienza, anche se le notizie sulla Basilica di San Sebastiano dall'Ottocento ad oggi sono molto lacunose, è sicuro che prima del 1960 l'opera si trovava nella sagrestia della Cappella Albani e non nel convento annesso. Un'importante traccia su come possa esservi giunta è costituita da un inventario di Palazzo Albani a Roma del 1851 circa, ove si cita un busto del Salvatore che per dimensioni e materia sembra essere quello di Bernini. Le parentele strette tra le famiglie papali romane potrebbero spiegare il passaggio da Palazzo Odescalchi a Palazzo Albani.Dal 12 aprile al 31 agosto 2023 è stato esposto all'interno della sala partenze del terminal 1 dell'aeroporto di Roma-Fiumicino.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bust of the Saviour.Please output in Italian.

12 aprile
1689
1851
1960
1973
2023
31 agosto
Cristina di Svezia
Francesco Petrucci
Francia
Maurizio Fagiolo dell'Arco
Odescalchi
Orne
Princeton
Roma
Salvator mundi
Sicilia