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Sacro Cuore di Gesù

Il Sacro Cuore di Gesù è il cuore di Gesù a cui i cristiani della Chiesa cattolica rendono culto.<br />Al Sacro Cuore di Gesù, la Chiesa Cattolica rende culto di latria , intendendo onorare: la causa materiale della corporeità umana, che ha diritto all'adorazione, in quanto indissolubilmente unita da sempre con la Divinità;  l'amore del Salvatore per gli uomini, di cui è simbolo il suo cuore.Per tali ragioni, esso è rappresentato incoronato di spine, sovrastato dalla croce e ferito dalla lancia in eterna memoria del più alto gesto d'amore: il sacrificio di Gesù per la salvezza dell'uomo; è infine circondato dalle fiamme in riferimento all'ardore misericordioso che Cristo prova per i peccatori.Come la maggioranza delle Chiese Cristiane, la Chiesa Cattolica afferma il mistero della Santissima Trinità, di cui Gesù è la seconda divina persona. Parte integrante di questo dogma della fede, è la dottrina diofisita, che riconosce Gesù come vero Dio e vero uomo.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Polittico dei Sette Dolori

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: In Seven Sorrows Polyptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Flora (Melzi)

Il dipinto fu originariamente realizzato su tavola, successivamente trasportato su tela nel XIX secolo. Ciononostante, gli strati di pittura risultano essere in buone condizioni con il disegno sottostante ben preservato e piccole perdite e abrasioni sulla superficie.Nel 2019 la tela è stata sottoposta ad un intervento di conservazione e restauro da parte di Maria Vyacheslavovna Shulepova dell'Ermitage. Prima del restauro l'opera era ricoperta da uno strato di vernice ingiallita che oscurava i dettagli e appiattiva l'aspetto dello sfondo.  vernice peraltro faceva sì che il tessuto blu oltremare apparisse di colore verde. Le analisi condotte sugli strati pittorici hanno in seguito rivelato che Melzi non utilizzò lo stratagemma di smaltare l'oltremare con la meno costosa azzurrite; al contrario Melzi, essendo benestante, poté permettersi di dipingere l'intera parte con puro blu oltremare.

Prompt: In Flora (Francesco Melzi), how is the Conditions of the History explained?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: In the context of Portrait of a Young Man (Raphael), explain the Subject and the Description.Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Tre filosofi

I Tre filosofi è un dipinto a olio su tela  di Giorgione, databile tra il 1506 e il 1508.

Prompt: In The Three Philosophers, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: In the context of Immaculate Conception (Zurbarán), explain the Composition and the Description.Please output in Italian.


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Il dipinto è un ritratto alla francese di grandi dimensioni, rappresentante Napoleone a grandezza naturale, in piedi. Porta l'uniforme da ufficiale dei granatieri a piedi, blu foderata di bianco con le maniche rosse, con un gilet bianco, decorato delle decorazioni imperiali della Legion d'onore e dell'Ordine della Corona ferrea oltre a due spalline dorate. Indossa una culotte alla francese di colore bianco, oltre a due scarpe nere con fibbie oro.  figura è presentata di tre quarti, con una gamba posta in avanti, il viso rivolto verso lo spettatore, la mano destra nascosta sotto il gilet. Tra i mobili presenti nello studio si riconosce una sedia con una spada appoggiata.  scrivania è di stile imperiale, coi piedi scolpiti a rappresentare la testa di un leone. Tra le sue carte si trova uno scritto dove si legge la parola "CODE" in riferimento appunto al codice legislativo napoleonico. Il pavimento è ricoperto da un tappeto verde sul quale si trovano altri fogli arrotolati, sul primo dei quali si legge la firma del pittore LVD DAVID OPVS 1812. In secondo piano si trova un grande pendolo che indica le quattro e dieci. seconda versione differisce per l'uniforme che è appunto quella dei cacciatori a cavallo della guardia e per l'orologio che segna le quattro precise.

Prompt: Focus on The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries and explain the Description.Please output in Italian.

Legion d'onore
Ordine della Corona ferrea


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La barca di Dante

leftIl soggetto del dipinto è tratto dall'ottavo canto dellInferno dantesco. In primo piano sono ritratti Dante, che indossa un cappuccio rosso e un abito verde e bianco, e il maestro Virgilio mentre attraversano il largo fossato del fiume Stige su un'imbarcazione pilotata da Flegias, il custode del quinto cerchio. Ebbene, mentre il demone nocchiero traghetta Virgilio e il suo discepolo al di là delle acque melmose, dove si ergono le mura della città di Dite, la navicella viene attaccata dai dannati della palude stigia, dove iracondi e accidiosi scontano la loro pena eterna.Dante, preso da un sentimento di sgomento e raccapriccio, alla vista degli spiriti leva il braccio in alto come per allontanarsene. Virgilio, avvolto in un mantello marrone e con la testa cinta da una corona d'alloro, riesce invece a dominare le forze sotterranee e, mosso a pietà, cerca di infondere coraggio nel discepolo tenendogli la mano; Flegias, visto di tergo, è ammantato solo in un drappo azzurro. Alla stagnante immobilità dello Stige si oppone la furia imponente degli iracondi, collocati al di sotto dei due pellegrini e del demonio. I dannati, immersi nell'acqua fangosa, si dimenano contro loro stessi, mordendosi a vicenda, preda della loro stessa rabbia; tra le fangose genti  si scorge il fiorentino Filippo Argenti, che furibondo tenta di rovesciare la barca. Dall'ambientazione buia e tenebrosa, infine, emergono in fondo le mura di ferro incandescenti che cingono la città di Dite, circondata dalla palude.Dal punto di vista stilistico, tra i punti di riferimento più evidenti appaiono Michelangelo, per la trattazione chiaroscurale dei corpi dei dannati, e  zattera della Medusa di Théodore Géricault, dal quale riprende lo stile fortemente emotivo e la costruzione piramidale. Il perimetro di questa piramide, in particolare, è definito dalle masse imponenti dei passeggeri della barca, con la diagonale principale della tela impostata lungo il braccio alzato di Dante. I corpi dei dannati, invece, disegnano forme concave che, amplificando e riproponendo il moto ondoso della palude, enfatizzano l'instabilità dell'imbarcazione.

Prompt: In The Barque of Dante, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Filippo Argenti
Flegias
Théodore Géricault


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La Gioconda

partitura di Ponchielli prevede l'utilizzo di: ottavino, 2 flauti, 2 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, 2 fagotti 4 corni, 2 cornette 2 trombe, 3 tromboni, bombardone oppure trombone basso timpani, grancassa e piatti, tamburo, triangolo, tam-tam, campane, glockenspiel 2 arpe, organo archiDa suonare sul palco: 3 clarinetti, 2 clarinetti bassi, 2 fagotti, 3 corni, 3 trombe, 2 tromboni cannone arpa banda

Prompt: How does Mona Lisa explain its Organic orchestral?Please output in Italian.


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Storie di Virginia

Le Storie di Virginia sono un dipinto a tempera su tavola  di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Accademia Carrara di Bergamo.  tavola fa coppia con le Storie di Lucrezia all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston.

Prompt: How does The Story of Virginia (Botticelli) explain its Abstract?Please output in Italian.

1498
Accademia Carrara
Bergamo
Boston
Sandro Botticelli
Storie di Lucrezia


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V

{ class=wikitable style="text-align:center"+ Probabile evoluzione del grafemax50pxx50pxx50px-L'origine della lettera V, la lettera Waw. lettera greca Ypsilon, con pronuncia antica [u]Lettera V latina.} lettera V ha origine nella lettera fenicia waw, affine alla lettera Y greca, pronunciata in origine sia [w]  che [ʊ] .In origine, sia nella lingua latina e nell'italiano arcaico la v come lettera distinta non esisteva. Per distinguere i due suoni si diceva u vocale e u consonante .Nel periodo medioevale, la pronuncia semivocalica [w] della lettera V mutò nella fricativa labiodentale sonora [v]Nel basso medioevo vennero realizzate le lettere U e W, quest'ultima tramite legatura di due V  nelle lingue germaniche per distinguere la V semivocalica e la V vocalica, mentre la lettera U, in origine usata solo come variante grafica minuscola della V, venne usata infine per assegnarle il suono vocalico che originariamente apparteneva alla V. distinzione grafica fra u e v, introdotta dall'umanista Gian Giorgio Trissino  nel 1524, divenne di uso comune solo alla fine del XVII secolo e definitiva alla fine del XVIII secolo. Ancora nel XXI secolo, nelle epigrafi, si preferisce V invece di U maiuscola, negli edifici pubblici, come la scritta SCVOLA oppure QVESTVRA, in questo caso la V ritiene la sua pronuncia originale [u].Nella pronuncia restaurata del latino, la V corrisponde in pronuncia alla lettera U italiana semivocalica e vocalica.

Prompt: How does V&A Rotunda Chandelier explain its History?Please output in Italian.

A
C
E
G
Gian Giorgio Trissino
I
L
N
O
P
Q
R
S
T
U
W
X
XVIII secolo
XVII secolo
Y


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Bambini dell'Olocausto

Alcuni bambini e adolescenti si trovarono subito proiettati nel ruolo pubblico di testimoni già nel corso della seconda guerra mondiale, come i 73 bambini di Teheran provenienti dalla Polonia, la cui testimonianza fu raccolta in Israele nel 1943, o Mary Berg giunta negli Stati Uniti dal ghetto di Varsavia per uno scambio di prigionieri nel marzo 1944. Anche in Polonia, nei mesi successivi alla liberazione dei campi, bambini come Szymon Srebrnik o Luigi Ferri furono chiamati formalmente nel 1945 a testimoniare di fronte alla prime commissioni di inchiesta sui crimini nazisti. Altri, come Thomas Geve e Michal Kraus, fissarono i loro ricordi in disegni e illustrazioni annotate. Una ventina sono i racconti di bambini e adolescenti tra i 10 e i 19 anni che si possono ascoltare in registrazione tra le 130 interviste di sopravvissuti effettuate dallo psicologo David P. Boder nel 1946. Alcuni bambini  furono intervistati da giornalisti o alla radio . Sono queste le uniche voci di bambini che si siano conservate dai tempi dell'Olocausto.Cessata la lotta quotidiana per la sopravvivenza, per i bambini superstiti cominciò la faticosa e lunga ricerca dei familiari o venne la realizzazione di essere rimasti soli. Per molti ci vollero mesi di ospedale e di cure per riprendere le forze. Il riadattamento fu in ogni caso complesso. Se per gli adulti significava il ritorno ad una vita "normale", di essa la maggior parte dei bambini cresciuti nei ghetti o nei campi non aveva alcuna esperienza.Nell'immediato dopoguerra l'opinione pubblica mondiale guardò con sgomento e compassione ai bambini dell'Olocausto. Vi si dedicarono film di successo come Unzere Kinder  e Odissea tragica . Le organizzazioni umanitarie si mobilitarono per soddisfare i loro bisogni immediati, offrire loro un alloggio e un'educazione, ricongiungerli se possible ai loro genitori o parenti. Per i numerosi orfani le organizzazioni sioniste organizzarono centri di accoglienza per prepararli all'emigrazione in Israele, come la colonia di Sciesopoli in Italia per i circa 800 bambini di Selvino. L'idea era che si dovesse creare per loro un ambiente tale da far loro dimenticare il prima possibile le traumatiche esperienze vissute. Il Diario di Anna Frank commosse il mondo e la bambina di Amsterdam divenne il simbolo dell'Olocausto, ma la specificità dell'esperienza dei bambini sopravvissuti venne scarsamente riconosciuta e approfondita. Molti di loro ricorderanno di non aver trovato in quegli anni orecchie disposte ad ascoltarli. Così fu per Liliana Segre di ritorno da Auschwitz::"Era molto difficile per i miei parenti convivere con un animale ferito come ero io: una ragazzina reduce dall'inferno, dalla quale si pretendeva docilità e rassegnazione. Imparai ben presto a tenere per me i miei ricordi tragici e la mia profonda tristezza. Nessuno mi capiva, ero io che dovevo adeguarmi ad un mondo che voleva dimenticare gli eventi dolorosi appena passati, che voleva ricominciare, avido di divertimenti e spensieratezza."L'interesse per l'esperienza dei bambini si riaccese a partire dagli anni ottanta. Fu una corsa contro il tempo per raccogliere quante più testimonianze possibili e  la maggioranza dei testimoni ancora in vita erano bambini o adolescenti al tempo dell'Olocausto. Si cominciò anche a studiare la specificità dell'esperienza dei bambini nell'Olocausto che si sviluppa come un campo autonomo di studio.A questa crescita di interesse i bambini dell'Olocausto reagirono in modo diverso. Molti trovano nel ruolo pubblico di testimoni una ragione di vita e di riscatto e una liberazione dai propri traumi, tenuti lungamente repressi. Si moltiplicarono i Libri di memorie sull'Olocausto scritti da persone che al tempo erano bambini. Altri mantennero un profilo più sfumato, lontano dai riflettori, consegnando la loro testimonianza a studiosi e istituti di ricerca specializzati. Altri ancora come Mary Berg o Luigi Ferri  si resero irreperibili ad ogni ulteriore coinvolgimento, ritenendo di aver ormai chiuso completamente i conti con il proprio passato.

Prompt: How does Children in the Holocaust explain its Witnesses?Please output in Italian.

Anna Frank
David P. Boder
Diario di Anna Frank
Italia
Libri di memorie sull'Olocausto
Liliana Segre
Mary Berg
Michal Kraus
Odissea tragica
Olocausto


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: Explain the Shiloh about the Youth of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Uomo vitruviano

Canone di Policleto Modulor Monete euro italiane Marco Vitruvio Pollione

Prompt: Focus on Vitruvian Man and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Canone di Policleto
Marco Vitruvio Pollione
Modulor
Monete euro italiane
Marco Vitruvio Pollione


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Ecce Homo

Ecce homo  è la frase che secondo la Vulgata Ponzio Pilato, allora governatore romano della Giudea, pronunciò mostrando alla folla Gesù flagellato.

Prompt: In Ecce Homo (Caravaggio, Genoa), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

{ class="wikitable sortable" style="width:100%; margin-top:0.5em;"! class="unsortable" scope="col" width="100px"  Illus.! scope="col"  Titolo! scope="col"  Museo! scope="col"  Città! scope="col"  Paese! scope="col"  Dimensioni ! scope="col"  Anno! scope="col"  #- 200x200px Covoni, fine dell'estate Musée d'Orsay Paris Francia 60,5 × 100,5 1891 W1266- 200x200px Covoni, grande sole Hill Stead Museum Farmington  USA 60 × 100 1890 W1267- 200x200px Covoni al sole, effetto di mattino  collezione privata 65 × 100 1891 W1268- 200x200px Covoni  Institut d'art de Chicago Chicago USA 60 × 100 1891 W1269- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,8 × 101 1891 W1270- 200x200px Covoni al sole, mezzogiorno National Gallery of Australia Canberra Australia 65,6 × 100,6 1890-91 W1271 - Covoni, ultimi raggi del sole collezione privata 73 × 92 1890 W1272-  200x200px Covoni  collezione privata USA 73 × 92 1891 W1273- 200x200px Covoni, effetto di neve Shelburne Museum Shelburne USA 60 × 100 1891 W1274- I Covoni, inverno collezione privata Svizzera 65 × 100 1890-1891 W1275- 200x200px Covoni, effetto di neve, il mattino J. Paul Getty Museum Los Angeles USA 65 × 100 1891 W1276- 200x200px  Covoni, effetto di neve National Gallery of Scotland Edimburgo Scozia 65 × 92 1891 W1277- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,3 × 100,4 1890-91 W1278- 200x200px Covoni, effetto d'inverno Metropolitan Museum of Art New York USA 65 × 92 1891 W1279- 200x200px Covone, effetto di neve, il mattino Museum of Fine Arts  Boston USA 65,4 × 92,4 1891 W1280- 200x200px Covone, effetto de neve, tempo coperto Art Institute of Chicago Chicago USA 66 × 93 1890-91 W1281- 200x200px Covone, tramonto, inverno collezione privata Gran Bretagna 65 × 82 1891 W1282- 200x200px Covone Art Institute of Chicago Chicago USA 65,6 × 92 1890-91 W1283- 200x200px Covone, disgelo, crepuscolo Art Institute of Chicago Chicago USA 64,9 × 92,3 1890-91 W1284- 200x200px Il Covone 65 × 92 W1285- 200x200px Covone  Minneapolis Institute of Art Minneapolis USA 65 × 100 1891 W1286- Covone, effetto di neve, sole collezione privata Francia 65 × 92 W1287- 200x200px Covone al sole Kunsthaus di Zurigo Zurigo Svizzera 60 × 100 1891 W1288- 200x200px Covone, crepuscolo Museum of Fine Arts  Boston USA 73,3 × 92,7 1890-91 W1289- 200x200px Covone al sole collezione privata Svizzera 73 × 92 1891 W1290}

Prompt: Describe the characteristics of the Laserie dei Covoni della stagione 1890-1891 in Haystacks (Monet series)'s Interpretation.Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

I primi impulsi alla devozione del Sacro Cuore di Gesù provengono dalla mistica tedesca del tardo medioevo, in modo particolare da Matilde di Magdeburgo , Matilde di Hackeborn , Gertrude di Helfta  ed Enrico Suso . Tuttavia la grande fioritura della devozione si ebbe nel corso del XVII secolo, prima ad opera di Giovanni Eudes , poi per le rivelazioni private della visitandina Margherita Maria Alacoque, diffuse da Claudio de  Colombière  e dai suoi confratelli della Compagnia di Gesù.  beata Maria del Divin Cuore, contessa Droste zu Vischering, dotata di doni mistici, ispirò il Papa Leone XIII a promulgare nel 1899 l'enciclica Annum Sacrum, con cui si effettuava la consacrazione del genere umano al Sacro Cuore di Gesù.Durante il XVIII secolo si accese un forte dibattito circa l'oggetto di questo culto: nel 1765 la Congregazione dei riti affermò essere il cuore carneo, simbolo dell'amore. I giansenisti interpretarono questo come atto di idolatria, ritenendo essere possibile un culto solo al cuore non reale, ma metaforico; papa Pio VI, nella bolla Auctorem Fidei, confermò la dichiarazione della Congregazione notando che si adora il cuore "inseparabilmente unito con la Persona del Verbo".Importanti nello sviluppo della devozione al Sacro Cuore sono tre encicliche: Annum Sacrum  di Leone XIII, Miserentissimus Redemptor di Pio XI e soprattutto Haurietis Aquas di Pio XII.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Development of devotion.Please output in Italian.

1765
1899
Annum Sacrum
Compagnia di Gesù
Congregazione dei riti
Cuore
Enrico Suso
Gertrude di Helfta
Gesù
Giovanni Eudes
Margherita Maria Alacoque
Maria del Divin Cuore
Matilde di Hackeborn
Matilde di Magdeburgo
Miserentissimus Redemptor
Papa Leone XIII
XVIII secolo
XVII secolo


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Garofano, giglio, giglio, rosa

Garofano, giglio, giglio, rosa  è un dipinto di John Singer Sargent, realizzato tra il 1885 e il 1886 e conservato nella Tate Britain di Londra.

Prompt: Focus on Carnation, Lily, Lily, Rose and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Sei sindaci dei drappieri di Amsterdam

Wolfgang Kosack: A second Rembrandt www.the-staalmeesters.com

Prompt: In Syndics of the Drapers' Guild, how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: How does Annunciation (Antonello da Messina) explain its Liturgical celebration?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

LAnnunciazione Bartolini Salimbeni è un'opera a tempera su tavola di Lorenzo Monaco, databile all'ultima fase della sua produzione prima della morte  e conservata nella collocazione originaria sull'altare della cappella Bartolini Salimbeni nella basilica di Santa Trinita a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bartolini Salimbeni Annunciation.Please output in Italian.

Annunciazione
Bartolini Salimbeni
Firenze
Lorenzo Monaco


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: Describe the characteristics of the Philosophy in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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Polittico di Sant'Antonio

cimasa è occupata dalla straordinaria Annunciazione, ambientata in una magnifica scatola prospettica. A sinistra si trova l'Angelo e a destra la Vergine al di sotto di un loggiato, mentre tra i due si aprono gli archi di un altro braccio del loggiato, che fuggono in prospettiva centrale, creando un lontano sfondamento prospettico che calamita l'occhio dello spettatore.  Vergine è colta nel momento dellhumiliatio, quando accetta il compito divino, mentre i raggi stanno raggiungendola dalla colomba dello Spirito Santo, posta in un quadrato di cielo in alto a sinistra.  sua collocazione nello spazio è molto complicata: guardando la sua testa essa sembra di fronte all'arco che la inquadra, guardando ai piedi invece si scopre come in realtà sia sotto la loggia; inoltre una ricostruzione in pianta dell'ambiente architettonico della scena ha dimostrato come sulla linea visuale tra l'Angelo e Maria si trovi una colonna .  scena è inoltre inondata di una luce ultraterrena, direzionata da sinistra a destra, ma che assorbe incomprensibilmente le ombre delle colonne del loggiato al centro, le quali sfumano sul pavimento come mozziconi.  parte sinistra dell'ambientazione mostra un giardino al centro di un chiostro conventuale, una citazione dellhortus conclusus che simboleggia la verginità di Maria.Il salto stilistico tra lAnnunciazione e i pannelli inferiori ha fatto anche pensare che la prima sia frutto di un'aggiunta successiva.

Prompt: Explain the Annunciation about the Description and style of this artwork, Polyptych of Perugia.Please output in Italian.


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Memoria a Maria Raggi

Maria Raggi  fu una suora dell'isola di Chio. Obbligata a sposarsi in giovane età, rimase vedova quando suo marito fu catturato dalle forze turche nel 1570. Divenne suora l'anno successivo e partì per Roma nel 1584. dove fu residente presso il palazzo della famiglia De Marini, nei pressi della basilica di Santa Maria sopra Minerva. Fu considerata una donna estremamente pia, trascorrendo la maggior parte della sua vita pregando e, secondo quanto riferito, compiendo miracoli. Dopo la sua morte nel 1600, si ipotizzò la sua canonizzazione, ma la vicenda non ebbe seguito.L'opera fu commissionata da tre discendenti di Maria, ossia Ottaviano, Tommaso e Lorenzo Raggi, i cui nomi risultano presenti nella metà inferiore del monumento commemorativo.

Prompt: Focus on Memorial to Maria Raggi and explain the History.Please output in Italian.


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Giovane donna con veste nera

L'opera venne già attribuita a Palma il Vecchio, poi a Giovanni Cariani, finché Roberto Longhi non la assegnò a Tiziano, ipotesi per lo più accettata dalla critica successiva.Su uno sfondo scuro una giovane donna è ritratta a mezza figura, rivolta frontalmente verso lo spettatore, con una leggera torsione del busto verso destra che annulla ogni staticità. Una mano regge il mantello aperto sulla camicia bianca, con una generosa scollatura. Il tipo fisico della donna, forse l'amante di Tiziano, ricorda numerose altre opere dell'epoca, come ad esempio la Flora degli Uffizi o la Donna allo specchio del Louvre.

Prompt: Focus on Young Woman in a Black Dress and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Abaporu

Nel suo articolo O Abaporu, de Tarsila do Amaral: saberes do pé, menzionato nel libro Antropofagia hoje? Oswald de Andrade em Cena di Jorge Ruffinelli e João Cezar de Castro Rocha, Gonzalo Aguillar ritiene che Abaporu appartenga al genere del ritratto anti-umano, poiché il volto è cancellato, il corpo è animalesco, ma i piedi sono abbastanza umani e dettagliati. Per Aguillar, la gestualità umana del quadro è parodiata. L'uomo del quadro è sprovvisto di identità, quasi disumanizzato.Per Deleuze e Guattari, nellAno-zero Rostidade dal libro Mil Platôs: capitalismo e esquizofrenia, il volto dell'uomo è una superficie e una mappa, che nasce dall'incrociarsi degli assi del significato e della soggettivazione, che prende il nome di "muro del buco bianco-nero". Secondo gli studiosi, anche se è umana, la testa non è per forza un volto. Il volto si crea solo quando la testa cessa di far parte del corpo, quando cessa di essere codificata dal corpo. L'inversione della gerarchia tra la faccia e il resto del corpo nell'opera di Tarsila sovverte la valorizzazione nella cultura occidentale della parte superiore del corpo, soprattutto la testa, in una specie di provocazione estetica.Bachtin tratta del materiale corporeo basso e alto nel suo libro L'opera di Rabelais e la cultura popolare. Riso, carnevale e festa nella tradizione medievale e rinascimentale. Per lui, la parte sorprendente del realismo grottesco è l'abbassamento, ossia il trasferimento sul piano materiale e corporeo, quello della terra e del corpo nella sua unità indissolubile, di tutto ciò che è elevato, spirituale, ideale e astratto.Un'altra interpretazione della pittura solleva la questione del lavoro. Per Nádia Battella Gotlib, il tema si manifesta nella rappresentazione dei piedi e delle mani della figura, che appaiono sproporzionatamente grandi, simboleggiando il lavoro manuale di gran parte della popolazione brasiliana. Frattanto, la testa, messa in secondo piano, rappresenta il lavoro intellettuale, relegato a una ridotta élite economica e accademica.

Prompt: Focus on Abaporu and explain the Interpretation.Please output in Italian.


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Ruby, Gold and Malachite

Le immagini di giovani maschi nudi al di fuori di un contesto classico non erano generalmente considerate come accettabili in questo periodo, con l'eccezione notevole data proprio dalle rappresentazioni di balneazione; un altro esempio di rilievo è dato da The Swimming Hole  dello statunitense Thomas Eakins. Eletto nel 1900 come associato alla Royal Academy of Arts, ne divenne membro a pieno titolo nel 1914. sua opera rimase popolare e relativamente conosciuta per tutta l'età edoardiana e fino alla prima guerra mondiale; quasi completamente dimenticato morì nel 1929. Il suo lavoro ha riconquistato popolarità e fama dopo esser stata riscoperto negli anni '70 da quegli appassionati d'arte appartenenti alla prima generazione che poteva professarsi apertamente gay, questo grazie soprattutto al movimento di liberazione omosessuale.

Prompt: Explain the Welcome and posthumous fame about the History of this artwork, Ruby, Gold and Malachite.Please output in Italian.

Royal Academy of Arts
The Swimming Hole
Thomas Eakins


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Rembrandt's self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il pastore mercenario

Dopo che fu esposto, i detrattori di Hunt condannarono il dipinto per la sua volgarità, opponendosi alla sua rappresentazione della gente della campagna con la faccia rossa e sessualmente disinibita, mentre civetta. The Illustrated London News si oppose alla "pelle color rosso fuoco" e ai "capelli ispidi" dei contadini di Hunt . LAthenaeum si offese particolarmente a causa di questi "rustici della razza più rozza... arrossati e rubicondi" per aver bevuto troppo sidro. L'articolo insisteva che "il divertimento e la rubicondità di questa coppia contrastano con il pallore e il pathos del quadro del signor Millais [Ofelia] .I sostenitori dell'artista insisterono che il quadro era un'immagine priva di abbellimenti di un fatto sociale. Tuttavia lo stesso Hunt, il più religioso e conservatore dei preraffaelliti, insinuò che aveva in mente un significato nascosto, un'affermazione che elaborò in una lettera quando la galleria d'arte mancuniana acquistò il quadro. Hunt affermò che la sua intenzione era che la coppia simboleggiasse i dibattiti teologici senza senso degli ecclesiastici cristiani, mentre il loro "gregge" si smarriva a causa della mancanza di una guida morale adeguata. Ciò farebbe del titolo un'allusione biblica; nella storia del Buon Pastore , al buon pastore fa contrasto esplicitamente un pastore "mercenario", che non si preoccupa delle pecore .Secondo la tradizione, la sfinge testa di morto è considerata un simbolo di morte, dato che sul dorso presenta una macchia che assomiglia a un teschio umano. Dato che due delle pecore del gregge sono sdraiate per terra, potrebbe darsi che la falena simboleggi la morte ventura del gregge a causa della negligenza del pastore. Può anche darsi che l'insetto che il pastore fa vedere alla contadina possa simboleggiare la morte dell'innocenza di quest'ultima, dato che egli intende sedurla, se non possederla carnalmente. L'agnello sulle sue ginocchia ha dato un morso a una mela, che potrebbe richiamare il frutto proibito mangiato da Eva nel libro della Genesi.

Prompt: In The Hireling Shepherd, how is the Interpretation discussed?Please output in Italian.


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Busto del cardinale Richelieu

L'opera in marmo bianco viene scolpita nel 1641 e fa parte di una lunga tradizione di busti rappresentanti personaggi celebri come quelli di Francesco I d'Este, Alessandro VII, Luigi XIV, Paolo V, Urbano VIII, Carlo I. scultura si presenta ben scolpita nei particolari  e nell'espressione del volto, caratterizzato da un'aria nobile.

Prompt: How does Bust of Cardinal Richelieu explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Madonna di Foligno

Nel paesaggio, dall'atmosfera umida e trepidante, con effetti luminosi di grande originalità, sono leggibili influenze del tonalismo veneto, nonché di autori ferraresi quali Dosso Dossi.Il collegamento tra le due parti della pala è intensificato dall'orchestrazione cromatico-luminosa e dai numerosi rimandi di gesti e sguardi: Giovanni, Francesco adorante e l'angioletto indirizzano l'occhio dello spettatore verso Maria, che si rivolge al donatore, ricambiata. Il gruppo della Madonna col Bambino è raccolto in un ovale sotto il mantello protettivo di Maria e, come nelle migliori opere del Sanzio, ha quella viva naturalezza che rende l'ideale bellezza estremamente familiare allo spettatore. Il Bambino ad esempio non è ritratto come il dio benedicente conscio della sua missione, ma come un vero e proprio fanciullo che sembra divincolarsi dall'abbraccio della madre per coprirsi sotto il velo. Il figlio, bellissimo, sereno, sonnolento, è in posizione speculare: appoggia la gamba sinistra piegata sulla coscia della madre, mentre con la destra,  diritta, si regge su una nuvola, con analogo effetto longitudinale. Maria sostiene col braccio sinistro l'infante, che si divincola graziosamente o meglio subisce uno di quei guizzi torsionali che sono provocati dal solletico. Infatti, il medio della mano destra della madre giocherellona sembra titillare il bimbo sotto l'ascella con ludica affettuosità.Straordinariamente acuto è il ritratto del committente, spesso giudicato una delle migliori prove in assoluto del Sanzio in questo genere.

Prompt: Focus on Madonna of Foligno and explain the Style.Please output in Italian.


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Ruby, Gold and Malachite

Con "Oro, rubino e malachite" ci si riferisce ai toni rossi, gialli e verdi utilizzati nel lavoro; ma è anche eco di un saggio di John Addington Symonds e può far inoltre riferimento ai versi d'apertura della poesia di Algernon Swinburne intitolata "The Sundew" : "A little marsh-plant, yellow-green, / And pricked at lip with tender red". Viene qui descritto un appuntamento amoroso all'interno d'una palude, fatto che è testimoniato da una solitaria drosera; la stessa poesia era stata l'ispirazione anche per un'altra delle opere marine di Tuke, August Blue  del 1894, il cui titolo è una citazione presa dai versi di chiusura.

Prompt: In Ruby, Gold and Malachite, how is the Title of the Description and style explained?Please output in Italian.

Algernon Swinburne
August Blue
John Addington Symonds


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Santi Girolamo e Maria Maddalena

I Santi Girolamo e Maria Maddalena sono due sculture realizzate da Gian Lorenzo Bernini, attualmente collocate nella Cappella Chigi del duomo di Siena. Furono commissionate da Fabio Chigi, ovvero papa Alessandro VII.Bernini cominciò a lavorare sulle opere nel 1661 e furono trasportate da Roma a Siena nel 1663. L'artista ricevette il pagamento di 2128 scudi, sebbene le opere non siano state scolpite esclusivamente da Bernini, ma con molta probabilità vi è stato un grande aiuto della sua bottega. cappella, nella sua concezione architettonica globale, è stata elaborata dal Bernini; all'interno della stessa, inoltre, sono presenti altre due statue, oltre al San Girolamo e alla Santa Maria Maddalena, attribuibili alla bottega di Bernini: si tratta della Santa Caterina di Ercole Ferrata e del San Bernardino da Siena, realizzato da Antonio Raggi. Howard Hibbard, conformemente a quanto afferma Wittwoker, dimostra come le due statue fuoriescano dalla nicchia stessa, a dimostrazione del fatto che Girolamo e Maria Maddalena non siano vincolati alla dimensione terrena, ma facciano riferimento a qualcosa di più alto, trascendente.Al museo di belle arti di Lipsia vi è un disegno preparatorio di Maria Maddalena, mentre un bozzetto scultoreo della testa di Geremia è conservato al Fogg Art Museum dell'Università di Harvard.

Prompt: Focus on Saints Jerome and Mary Magdalen (Bernini) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Antonio Raggi
Ercole Ferrata
Fogg Art Museum
Gian Lorenzo Bernini
Maria Maddalena
Roma
San Girolamo
Siena


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Jean-Philippe Postel, Il mistero Arnolfini. Indagine su un dipinto di Van Eyck, Ginevra-Milano, Skira, 2017.

Prompt: How does Arnolfini Portrait explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto come martire

Conosciamo solo due dipinti su tavola di Artemisia Gentileschi, di formato ridotto, anche se i quadri di piccole dimensioni non dovevano essere occasionali nella sua attività, dal momento anche alla fine della sua carriera la pittrice si propone di far vedere ad un suo importante committente una "Madonina in piccolo".
Chi è la graziosa fanciulla raffigurata in questa tavola che tiene nella mano destra la "palma del martirio", indossa un civettuolo turbante color lapislazzuli e porta una sorta di peplo di seta rosa fermato sulla spalla?
Osserviamo come essa abbia le guance pienotte, la mascella un po' pronunciata, i capelli ramati raccolti in forma un po' scomposta, come quelli della Allegoria dell'Inclinazione in Casa Buonarroti: tutto lascia dunque credere che si tratti di un autoritratto di Artemisia all'età di circa 22 anni.
Non sappiamo per chi sia stata dipinta questa graziosa tavoletta, né quale fosse l'intesa con la pittrice che ha portato Artemisia a ritrarsi - secondo una forma di gioco abbastanza diffusa nel Seicento - "in veste di martire".

Prompt: Focus on Self-Portrait as a Female Martyr and explain the The work.Please output in Italian.

Allegoria dell'Inclinazione
Artemisia Gentileschi


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Explain the Historicity theological significance about the Luca's story of this artwork, Adoration of the Shepherds (Ribera, Castellammare di Stabia).Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Volta della Cappella Sistina

I primi mesi vennero occupati dai disegni preparatori , la costruzione del ponte e la preparazione delle superfici da affrescare, della quale si occupò il maestro Piero Rosselli, già autore della citata lettera del 10 maggio 1506. Il 10 giugno 1508 i lavori dovevano già procedere, poiché il cerimoniere pontificio Paris de Grassis registrò come le cerimonie liturgiche nella cappella erano state disturbate dalla caduta di polvere causata da costruzioni nella parte alta della cappella. Il 27 luglio il Rosselli era pagato a saldo.Per essere in grado di raggiungere il soffitto, Michelangelo necessitava di un'impalcatura, che permettesse anche il contemporaneo svolgersi delle attività religiose e cerimoniali nella cappella. I primi ponteggi vennero ideati proprio dal rivale Bramante, che ideò una speciale impalcatura, sospesa in aria per mezzo di funi. Michelangelo, che nelle sue lettere e negli scritti dei biografi non manca occasione per screditare e mettere in dubbio le capacità artistiche dei suoi rivali , giudicò la struttura del tutto inadeguata, poiché avrebbe lasciato dei buchi nel soffitto una volta completato il lavoro, rifacendo completamente il ponteggio di mano sua]]Ricostruì così un'impalcatura da sé, in legno. Il ponteggio di Michelangelo, tanto lodato da Vasari, in realtà si basava su un adattamento di un sistema già in uso per la gittata delle volte: sei coppie di capriate reggevano un'impalcatura pensile a "gradoni", appesa a sostegni ricavati da fori nei muri della parte alta, vicino alle finestre, che permetteva di lavorare alle varie superfici ora in posizione orizzontale, ora verticale, ora trasversale. Annotò polemicamente il Condivi che l'esempio di Michelangelo «fu cagione d'aprir gli occhi a Bramante et di imparar il modo di far un ponte; il che poi nella fabrica di San Pietro molto gli giovò»In pratica, con questa struttura Michelangelo risolse il problema dell'altezza e della mobilità, ma non quello della comodità: lo testimoniò lui stesso raffigurandosi nell'atto di dipingere la volta, accanto ad un componimento in versi che, "tradotto" in italiano moderno, recita:Sono teso come un arco.Mi è già venuto il gozzo, il ventre me lo sento in gola, i, lombi mi sono entrati nella pancia, non vedo dove metto i piedie il pennello mi gocciola sul viso.Tra la fine d'agosto e i primi di settembre del 1508 Michelangelo fece arrivare da Firenze una serie di aiuti, tra i quali l'amico Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Aristotile da Sangallo e altri i cui nomi si incontrano solo in quest'occasione, elencati da Vasari: si tratta di aiuti provenienti dalle botteghe fiorentine di Ghirlandaio o di Cosimo Rosselli. Secondo lo storico aretino, Michelangelo ebbe con loro contrasti poiché insoddisfatto del loro lavoro, licenziandoli in maniera brusca. In realtà pare che se un certo Jacopo di Sandro se ne andò contrariato da Roma nel gennaio del 1509, altri arrivarono successivamente, come Jacopo di zzaro detto l'Indaco Vecchio, mentre dal carteggio e dai Ricordi di Michelangelo pare che rimase Aristotile da Sangallo, pratico anche in architettura e prospettiva. Inoltre con alcuni di loro, quali il Bugiardini e il Granacci, l'artista mantenne buoni rapporti anche in seguito, impensabili se il racconto vasariano della "cacciata" fosse vero. Studi stilistici hanno riscontrato la presenza di interventi collaborativi almeno fino al gennaio del 1511, dopodiché l'artista pare che continuò in solitaria. In ogni caso essi lavorarono in assoluto subordine rispetto a Michelangelo, senza libertà d'azione rispetto alle scene da rappresentare, con cartoni molto dettagliati da seguire. Già dalle scene del Peccato originale e cacciata dal paradiso terrestre e della Creazione di Eva si nota una drastica riduzione del numero delle giornate  e gli Ignudi, anziché dopo le scene centrali, iniziarono ad essere dipinti per primi: sono chiari indizi della drastica riduzione degli aiuti. In quel momento gli aiuti fiorentini dovettero essere licenziati, lasciando il posto ad altri dediti alle incombenze più modeste come la preparazione dei colori e degli intonaci.Le prime fasi della decorazione furono rese difficoltose anche da inconvenienti di ordine tecnico, legati alla comparsa di muffe, ricordate da Condivi e Vasari e comprovate in occasione del restauro. sensazione di essersi cimentato in un'impresa in cui non era sufficientemente esperto e le difficoltà iniziali portarono l'artista a una profonda scontentezza, che manifestò in una lettera al padre del 27 gennaio 1509: «Questa è la dificultà del lavoro, e ancora el non esser mia professione. E pur perdo il tempo mio senza fructo. Idio m'aiuti».Se il fatto che l'artista dovette lavorare sdraiato è forse una leggenda, sicuramente le sue condizioni di lavoro dovettero essere molto dure: la poca luce che filtrava attraverso le finestre e le impalcature era incrementata dall'illuminazione incerta e poco omogenea di candele e lampade; il capo doveva essere tenuto all'indietro, causando "grandissimo disagio", tanto che quando scese Michelangelo "non poteva leggere né guardar disegni se non all'insù, che gli durò parecchi mesi".

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Initial phases of the Description explained?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Antonio Paolucci, Raffaello in Vaticano, Giunti, Firenze 2013

Prompt: How does Disputation of the Holy Sacrament explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Trono Ludovisi

Il Trono Ludovisi è un trittico in marmo tasio databile al 460-450 a.C.  e conservato nel Museo nazionale romano di palazzo Altemps a Roma.

Prompt: Focus on Ludovisi Throne and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The self-portrait of the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Abramo Isacco Sara  Messia Timore e tremore Søren Kierkegaard

Prompt: In Abraham and Isaac (Titian), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Abramo
Isacco
Messia
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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Svetlana allo specchio

Svetlana allo specchio  è un dipinto dell'artista russo Karl Pavlovič Brjullov, realizzato nel 1836 e basato sulla ballata Svetlana di Vasilij Žukovskij. Si tratta dell'unico dipinto dell'artista creato sul tema della vita nazionale russa. Attualmente si trova al museo d'arte statale di Nižnij Novgorod.

Prompt: Focus on Fortuneteller Svetlana and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna Lehman

Madonna Lehman o Madonna col Bambino è un dipinto del pittore veneziano Giovanni Bellini realizzato circa nel 1470 e conservato al Metropolitan Museum of Art  di New York  negli Stati Uniti d'America.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lehman Madonna.Please output in Italian.

1470
Giovanni Bellini
Madonna col Bambino
Metropolitan Museum of Art
New York
Stati Uniti d'America


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La vendemmia

L'opera, destinata alla produzione di arazzi per la sala da pranzo del re Carlo III al palazzo del Pardo, raffigura senza la minima fatica retorica l'autunno. In primo piano troviamo una ieratica e graziosa campesina con un cesto colmo d'uva sul capo: accanto a lei siede un elegante popolano che le offre un grappolo d'uva, oggetto delle attenzioni del goffo fanciullo ai suoi piedi che tenta invano di rubarlo. A sinistra, invece, siede un'elegante fanciulla ammantata in un abito color nero prugna.Lo stacco tra il primo e il secondo piano viene sottolineato dal muretto su cui siedono il majo e la donna di sinistra. Dietro di esso, in particolare, scorgiamo due vendemmiatori al lavoro e i vari filari delle viti; nello sfondo, invece, si erge maestosa una catena di montagne che ricorda quelle della sierra spagnola. Molto raffinato è il dinamismo cromatico del dipinto che, oltre nella consueta ricchezza coloristica offertaci dalle vesti dei quattro personaggi in primo piano, si concretizza anche nel «cielo azzurro chiaro, quasi bianco, [dove] la nube gialla apre i suoi contorni che virano al rosa» e nel «verde delle vigne [che] si fa argenteo e poi svapora in una nebbiolina che risale al piede delle montagne» .  scena, infatti, è omogeneamente illuminata dallo straripante sole castigliano, i cui raggi dorati si diffondono e si mescolano in tutta la composizione, saturandone le tonalità.

Prompt: How does The Harvest (Daubigny) explain its Description?Please output in Italian.


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Cupido slaccia la cintura di Venere

Il dipinto mostra la dea Venere, rappresentata come una giovane ragazza dai capelli neri, sdraiata sul letto parzialmente svestita, con il seno in vista e con la mano destra che copre parzialmente il viso. Cupido è intento a slacciare la cintura che la dea indossa. Venere ha le fattezze di Emma Hamilton, musa e modella di Reynolds.

Prompt: In Cupid Untying the Zone of Venus, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Saturno che divora i suoi figli

Saturno che divora i suoi figli  è un dipinto a olio su intonaco trasportato su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1820-1823 e conservato al Museo del Prado di Madrid.

Prompt: Focus on Saturn Devouring His Son and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ladro di nidi

L'opera si trova nelle collezioni dell'arciduca Leopoldo Guglielmo d'Asburgo già dal 1569; confluita nelle collezioni imperiali, divenne parte delle raccolte del museo viennese alla sua apertura. Una breve parentesi a Parigi si ebbe durante il periodo delle spoliazioni napoleoniche.Un tema simile appare anche nel disegno a penna degli Apicoltori .

Prompt: In The Peasant and the Nest Robber, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Alfonso I d'Este

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Focus on Portrait of Alfonso I d'Este and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La casa dell'impiccato

casa dell'impiccato, Auvers-Sur-Oise  è un dipinto del pittore francese Paul Cézanne, realizzato nel 1873 e conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: How does The Hanged Man's House explain its Abstract?Please output in Italian.

1873
Museo d'Orsay
Museo d'Orsay
Parigi
Paul Cézanne


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Madonna di Pasadena

Madonne di Raffaello Madonna leggente Madonna Solly Madonna Connestabile

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Madonna and Child with the Book.Please output in Italian.

Madonna Solly
Madonna leggente
Madonne di Raffaello


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Il busto di Carlo Magno è un reliquiario creato intorno al 1350 a forma di ritratto ideale del busto dell'imperatore Carlo Magno, cui è conservato il suo cranio come reliquia. Il reliquiario appartiene agli arredi tardo medievali della cattedrale di Aquisgrana ed è oggi elemento di spicco del tesoro della cattedrale. Il busto di Carlo Magno è considerato uno dei più importanti esempi di oreficeria gotica e uno dei busti reliquiario più famosi del mondo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bust of Charlemagne.Please output in Italian.


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Lucifero

Lucifero o Lucifer è una divinità della luce e del mattino della mitologia romana, corrispondente alla divinità greca della luce: Eosforo  o Fosforo , nome dato alla "Stella del mattino", era figlio di Eos  e del Titano Astreo e fu padre di Ceice , re di Tessaglia, e di Dedalione.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the Lucifer in the Greco-Roman mythology.Please output in Italian.


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Ritratto di principessa estense

Ritratto di Lionello d'EstePisanelloGotico internazionale in ItaliaRinascimento ferrarese

Prompt: How does Portrait of a Princess (Pisanello) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Este
Gotico internazionale in Italia
Pisanello
Rinascimento ferrarese


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Basci-buzuk

Un basci-buzuk o bashi-bazouk o bashibazouk  era un soldato irregolare dell'esercito ottomano. Erano armati con una sciabola e formavano una potente e poco costosa unità di fanteria. Le formazioni di basci-buzuk furono ereditate anche dal Chedivato d'Egitto e infine dal Regno d'Italia.

Prompt: How does Bashi-Bazouk (Jean-Léon Gérôme) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Fra le Preghiere a San Michele Arcangelo, lExorcismus in Satanam et angelos apostaticos , nella parte dell'esorcismo vero e proprio, afferma:Quindi, Maria intercede invocata come Madre di Dio, come Vergine e come Immacolata Concezione.
In altri punti, la stessa preghiera afferma Maria come sempre vergine, vale a dire la sua verginità perpetua, e Gesù Cristo come il germoglio di Davide, il leone di Giuda.
Appunto, in , Dio profetizza al serpente che Maria e la sua stirpe gli avrebbero schiacciato la testa.Come nell'esorcismo nella sinagoga di Cafarnao il demonio dice a Gesù che è venuto in terra per distruggerli, anche l'esorcismo afferma Maria come la donna che è nata immacolata e umile, col fine di schiacciare la testa all'angelo peccatore di orgoglio e di superbia.Il fine è comune a Maria, e alla "sua stirpe", formata da Gesù e dai suoi figli in spirito.

Prompt: Explain the Prayers about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Mademoiselle Lange nelle vesti di Danae

Anche se la Danae venne esposta solo per pochi giorni, venne mostrata al Louvre nel culmine del Direttorio francese. Desiderando essere dimenticata, Mademoiselle nge lasciò la Francia per l'Italia, dove trovò un nuovo appiglio. Alcuni anni dopo, tornò in Francia per visitare e vedere come era cambiata la città. Lì vide una stampa dalla Danae di Girodet, al che osservò che quel ritratto "l'avrebbe fatta morire di dolore" . Mademoiselle nge rimase a Firenze fino alla sua morte nel 1816.In seguito, lo stesso Girodet espresse del rimorso nell'aver creato il quadro, e non volle mostrarlo ai suoi amici.

Prompt: In Portrait of Mlle. Lange as Danae, how is the Impact discussed?Please output in Italian.


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Adone (Duquesnoy)

Il perfezionamento di sculture antiche da parte di Duquesnoy fu considerato dai suoi contemporanei come "assolutamente perfetto"; un altro pregevole esempio delle sue abilità è il Fauno Rondanini. Le statue dell'antichità erano spesso riprese nello stile barocco dall'artista che portava a termine il lavoro.Nel caso dellAdone, scolpito, al pari del Fauno, partendo da un torso antico, la posizione chiastica della figura ricorda quella della scultura bronzea del Mercurio, sempre del Duquesnoy, e ciò mostra come lo scultore fondesse il gusto greco con l'influenza barocca dei suoi giorni.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Adonis (Duquesnoy).Please output in Italian.


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Porto marino con l'imbarco di sant'Orsola

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Focus on Seaport with the Embarkation of Saint Ursula and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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L'ultima preghiera dei martiri cristiani

L'opera di Gérôme ricorda il dipinto Le fiaccole di Nerone , realizzato da Henryk Siemiradzki nel 1876, avente come tema principale il rogo dei cristiani nei giardini dell'imperatore Nerone.

Prompt: Focus on The Christian Martyrs' Last Prayer and explain the Curiosity.Please output in Italian.

Henryk Siemiradzki
Le fiaccole di Nerone
Nerone


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Saffo a Leucade

Biografia universale antica e moderna, vol. IX, Venezia 1841, p. 597.M. Formica, A. Postigliola, Diversità e minoranze nel Settecento, Roma 2006, p. 25.

Prompt: Focus on Sappho at Leucate and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Omaggio prussiano

Adam Vetulani, Lenno pruskie od traktatu krakowskiego do śmierci księcia Albrechta 1525-1568. Studium historyczno-prawne, Cracovia, 1930.  Marian Biskup, Geneza i znaczenie hołdu pruskiego 1525 roku, Komunikaty Mazursko-Warmińskie, 1975, n. 4.  Maria Bogucka, Hołd Pruski, Varsavia, 1982;  Hartmut Boockman, Zakon krzyżacki. Dwanaście rozdziałów jego historii, Oficyna Wydawnicza, Varsavia, 1998, ISBN 83-7233-048-4.  Bogdan Wachowiak e Andrzej Kamieński, Dzieje Brandenburgii-Prus. Na progu czasów nowożytnych . ISBN 83-7177-195-9.

Prompt: How does Prussian Homage (painting) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Epifania

In Argentina, Paraguay, Uruguay e in altri paesi dell'America tina, il giorno dell'Epifania è chiamato Día de Reyes , che commemora l'arrivo dei Magi per venerare Gesù come figlio di Dio.  notte del 5 gennaio è conosciuta come la Noche de Reyes  durante la quale i bambini lasciano le scarpe vicino alla porta, insieme all'erba e all'acqua per i cammelli.  mattina seguente si alzano presto e corrono a vedere le loro scarpe, dove aspettano di trovare i doni lasciati dai "Reyes" che, secondo la tradizione, visitano le case dei bambini svegli. Il 6 gennaio si mangia una Rosca de Reyes  e tutte le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: In Epifania, how is the Argentina, Paraguay, Uruguay of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Argentina
Dio
Gesù
Gesù
Paraguay
Uruguay


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Caterina d'Alessandria

Santa Caterina d'Alessandria d'Egitto è identificata, insieme a Santa Margherita d'Antiochia e all'Arcangelo Michele, come una delle Voci che ispirarono Santa Giovanna d'Arco. È ritenuta una dei quattordici Santi ausiliatori.Santa Caterina è anche patrona dello "studio dei legisti"  dell'Università di Padova e dell'Università di Siena. È inoltre la patrona dei cavalieri italiani del Sovrano Militare Ordine di Malta. sua è vissuta come la festa dei giovani. In Francia è patrona degli studenti di teologia e protettrice delle apprendiste sarte.Da Caterina di Alessandria deriva il termine francese catherinette  che in origine indicava una giovane donna da marito.  tradizione torinese, invece, indicava con il termine "caterinette" le giovani sartine e le modiste che svolgevano il loro apprendistato nei laboratori di confezioni della città, e che assai sovente diventavano oggetto di corteggiamento da parte degli studenti universitari. Nella città di Ravenna il 25 novembre  è tradizione regalare dei biscotti a forma di bambola alle bambine, chiamate "caterine". Il corrispettivo per i bambini è un biscotto a forma di galletto.Una canzoncina popolare, ancora cantata nell'ultimo dopoguerra dai bambini nell'ora di religione in alcune parti d'Italia, parla di Caterina d'Alessandria. Il testo, che inizia con "Santa Caterina era figlia di un re...", è ispirato a una versione della leggenda in cui il padre uccide personalmente Caterina dopo averla scoperta a pregare Dio e dopo che la figlia si rifiutò di rinnegare la sua fede.  canzone venne interpretata anche da I Gufi.

Prompt: Focus on Catherine of Alexandria (Palladas) and explain the Devotion.Please output in Italian.

25 novembre
Alessandria d'Egitto
Francia
Giovanna d'Arco
I Gufi
Ravenna
Santi ausiliatori


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Morte di Cleopatra

leftDato che le truppe di Ottaviano si trovavano ad Alessandria d'Egitto, Cleopatra si ritirò presso la propria tomba  e inviò un messaggio ad Antonio nel quale veniva detto che la regina era morta per suicidio. Disperato, Marco Antonio si pugnalò allo stomaco con una spada. Plutarco racconta che quando Antonio venne portato alla tomba di Cleopatra egli era ancora vivo e le parlò prima di spirare. Cleopatra riuscì a far imbalsamare il suo amante e venne portata al palazzo, dove dovette incontrarsi con Ottaviano, il quale teneva con sé tre dei suoi figli: Alessandro Elio, Cleopatra Selene II e Tolomeo Filadelfo.Come racconta Tito Livio, durante l'incontro Cleopatra disse al triumviro che ella non sarebbe stata esibita in trionfo come un trofeo . Egli, d'altro canto, non lasciò trapelare le sue intenzioni sul destino della regina e del regno egizio. Quando una spia informò Cleopatra che Ottaviano intendeva portarla a Roma come una prigioniera di guerra, ella decise di suicidarsi per non essere soggetta a una tale umiliazione. Secondo Plutarco la regina si preparò al suicidio con un processo quasi rituale, chiedendo che le venissero preparati un bagno caldo e un pasto che includeva dei fichi, portati in un cesto.Secondo Plutarco, Ottaviano ordinò al suo liberto Epafrodito di tenere d'occhio Cleopatra per evitare che ella si uccidesse, ma fu tutto inutile. In una prima visita la regina tentò di discolparsi, adducendole a Marco Antonio la responsabilità delle proprie azioni. All'ostinata opposizione di Ottaviano, che non credeva a tali parole, la regina cambiò atteggiamento e decise di offrire il suo tesoro personale al futuro imperatore. Fu una schiava della regina a far notare, volontariamente o meno, che mancava una cospicua parte dei gioielli personali di Cleopatra alla lista fornita ai Romani. Dopo aver affermato di voler donare tali gioielli alla moglie di Ottaviano, questi, compiaciuto dell'incontro, si allontanò, rassicurando che avrebbe riservato alla regina un trattamento migliore di quando lei stessa avrebbe potuto aspettarsi. Avendo saputo da un certo Dolabella le vere intenzioni di Ottaviano, ovvero di portarla a Roma come "trofeo di guerra", la regina decise di suicidarsi: fece imbalsamare il marito e si avvelenò, dopo aver compiuto un complesso rituale. Quando Ottaviano ricevette una lettera nella quale la sovrana chiedeva di essere sepolta accanto ad Antonio, egli mandò i suoi uomini da lei, ma questi arrivarono troppo tardi: la regina del Nilo era già morta e ai suoi piedi giaceva l'ancella Ira , mentre l'ancella Carmione sistemava il diadema della sua sovrana prima di morire anche lei..</ref>"Καλὰ ταῦτα Χάρμιον;""Κάλλιστα μὲν οὖν" ἔφη "καὶ πρέποντα τῇ τοσούτων ἀπογόνῳ βασιλέων."Πλέον δ᾽ οὐδὲν εἶπεν, ἀλλ᾽ αὐτοῦ παρὰ τὴν κλίνην ἔπεσε.lingua=greco anticolingua2=italiano}}Nonostante Ottaviano fosse oltraggiato da questi eventi, decise di soddisfare la richiesta di Cleopatra e la seppellì insieme a Marco Antonio.  tomba di Antonio e Cleopatra probabilmente era situata all'interno del grandioso mausoleo reale dei Tolomei ad Alessandria. Nonostante numerose ricerche, il sito della tomba reale non è mai stato ritrovato.

Prompt: Explain the Suicide of Antony and Cleopatra about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Death of Cleopatra.Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Alessandro Elio
Carmione
Cleopatra
Marco Antonio
Plutarco
Tito Livio


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San Martino e il mendicante

San Martino e il mendicante è un dipinto del pittore El Greco realizzato nel suo ultimo periodo a Toledo intorno al 1597 - 1599 e conservato nella National Gallery of Art  di Washington negli Stati Uniti d'America.

Prompt: In Saint Martin and the Beggar (El Greco), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1597
1599
El Greco
National Gallery of Art
Stati Uniti d'America
Toledo
Washington


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Fontes Tamarici

È noto che i tamáricos Cantabri che abitavano la zona dal III secolo a.C. adorato acque e le fonti sacre. Non è noto l'anno esatto della sua costruzione, ma è chiaro che quando i Impero romano conquistarono Cantabria , Ha trovato queste fonti che hanno attirato l'attenzione di larghezza. Lo scoppio irregolare svuotamento le sue acque e inaspettato, accompagnato dal rumore che precede il riempimento sottoterra, doveva essere in quel momento questione di rispetto e di adorazione. Forse essi sono stati utilizzati come bagni, lavanderia e augurio. È stato anche suggerito che il gruppo potrebbe essere dedicato a un dio delle acque, in cui sono state effettuate le previsioni in base al loro riempimento irregolare e lo svuotamento del ciclo. Nel XIII secolo è stato costruito accanto a una eremo dedicata a Giovanni Battista, per cristianizzare il luogo ed eliminare tutti i rapporti con riti pagani.

Prompt: Explain the History of this artwork, Fontes Tamarici.Please output in Italian.

Cantabri
Cantabria
Giovanni Battista
III secolo a.C.
I secolo a.C.
Impero romano
XIII secolo


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Musica

Con musica popolare o musica folk  e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia, popolazione, ambito geografico o culturale.Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare.  musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Song music folk tradition and the Opera, lyric.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Nel 305 un imperatore romano tenne grandi festeggiamenti in proprio onore ad Alessandria. Anche se la Leggenda Aurea parla di Massenzio, molti ritengono che si tratti di un errore di trascrizione e che l'imperatore in questione fosse invece Massimino Daia, che proprio nel 305 fu proclamato Cesare per l'oriente nell'ambito della tetrarchia . Ricordiamo inoltre che la data del 305 non è stabilita con certezza.Caterina si presentò a palazzo nel bel mezzo dei festeggiamenti, nel corso dei quali si celebravano riti pagani con sacrifici di animali e accadeva anche che molti cristiani, per paura delle persecuzioni, accettassero di adorare gli dei. Caterina rifiutò i sacrifici e chiese all'imperatore di riconoscere Gesù Cristo come redentore dell'umanità, argomentando il suo invito con profondità filosofica.L'imperatore, che secondo la Leggenda Aurea sarebbe stato colpito sia dalla bellezza sia dalla cultura della giovane nobile, convocò un gruppo di retori affinché la convincessero a onorare gli dei e la chiese in sposa. I retori non solo non riuscirono a convertirla, ma essi stessi, per l'eloquenza di Caterina, furono convertiti al Cristianesimo.L'imperatore ordinò la condanna a morte dei retori e dopo l'ennesimo rifiuto di Caterina la condannò a morire con il supplizio della ruota dentata. Dopo che Caterina venne messa sulla ruota dentata, il cielo prima limpido, si riempì di nuvoloni neri. Dal cielo scese un fulmine che spacco a metà la ruota dentata. Massimino fu obbligato a far decapitare la santa, dal cui collo mozzato non sgorgò sangue bensì latte, simbolo della sua purezza.

Prompt: In Catherine of Alexandria (Palladas), how is the The tradition of martyrdom of the Iconography explained?Please output in Italian.

305
Cristianesimo
Cristo
Gesù
Leggenda
Massenzio
Massimino Daia