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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Explain the The Eucharistic institution about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rubens).Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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neoimpressionismo

tecnica divisionista e l'approccio scientifico alla pittura di Seurat e Signac ebbe grande influenza anche su alcuni pittori italiani e questo divenne evidente nella Prima Triennale di Milano tenutasi nel 1891. Guidati da Vittore Grubicy de Dragon e codificati poi da Gaetano Previati nel suo saggio Principi scientifici del divisionismo del 1906, alcuni pittori principalmente del nord Italia sperimentarono a vario titolo queste tecniche.Pellizza da Volpedo applicò la tecnica a soggetti sociali ; in tal senso si mossero anche Morbelli e Longoni. Fu però in materia di paesaggi che il divisionismo trovò forti sostenitori tra cui Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli e Matteo Olivero. Ulteriori sostenitori al genere pittorico furono Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Camillo Innocenti, Enrico Lionne, Eugenio Cecconi e Arturo Noci. Il divisionismo ebbe anche un'influenza importante nell'opera dei futuristi, soprattutto nel primo periodo. Tra questi vi erano Gino Severini , Giacomo Balla , Carlo Carrà  e Umberto Boccioni .

Prompt: Describe the characteristics of the Italy in Neo-Impressionism's You have to study science..Please output in Italian.

Angelo Morbelli
Arturo Noci
Camillo Innocenti
Carlo Carrà
Enrico Lionne
Eugenio Cecconi
Gaetano Previati
Giacomo Balla
Gino Severini
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Italia
Matteo Olivero
Plinio Nomellini
Rubaldo Merello
Triennale di Milano
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


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Sposa ebrea

sposa ebrea  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1666 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Jewish Bride.Please output in Italian.


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L'incantatore di serpenti

Il dipinto raffigura un ragazzo nudo in piedi su un piccolo tappeto al centro di una stanza con pareti piastrellate di blu, di fronte allo spettatore, con in mano un pitone che si avvolge intorno alla vita e sopra la spalla, mentre un uomo più anziano siede alla sua destra a suonare un flauto. Allo spettacolo assiste un gruppo eterogeneo di uomini armati provenienti da una varietà di tribù islamiche, con abiti e armi diversi.sinistra Un altro dipinto di Gérôme intitolato L'incantatore di serpenti, data sconosciuta, Il saggio in catalogo di Sarah Lees esamina l'ambientazione come una fusione tra la Turchia ottomana e l'Egitto, e spiega anche la nudità del giovane incantatore di serpenti, non come un'esibizione erotica, ma "per ovviare alle accuse di frode" nella sua performance:<blockquote>L'Incantatore di serpenti … mette insieme elementi ampiamente disparati, persino incompatibili, per creare una scena a cui, come nel caso di gran parte della sua opera, l'artista non avrebbe potuto essere testimone. L'incantesimo del serpente non faceva parte della cultura ottomana, ma era praticato nell'antico Egitto e continuò ad apparire in quel paese durante il XIX secolo. Maxime Du Camp, ad esempio, descrisse di aver assistito allo spettacolo di un incantatore di serpenti al Cairo durante il suo viaggio del 1849-51 con Gustave Flaubert in termini paragonabili alla rappresentazione di Gérôme, inclusa la menzione del giovane maschio che si spogliava per ovviare alle accuse di frode. L'artista ha collocato questa esibizione, tuttavia, in uno spazio ibrido e fittizio che deriva da fonti identificabili turche, oltre che egiziane.Per quanto riguarda il serpente raffigurato, Richard G. Zweifel, un erpetologo dell'American Museum of Natural History, ha commentato che "il serpente assomiglia più a un boa constrictor sudamericano che a qualsiasi altra cosa", una possibilità che aggiungerebbe un altro livello di ibridità all'immagine. Gérôme potrebbe forse aver studiato un tale animale al Jardin des Plantes di Parigi.

Prompt: Explain the Subject and setting of this artwork, The Snake Charmer.Please output in Italian.

American Museum of Natural History
Egitto
Gustave Flaubert
Incantatore di serpenti
Jardin des Plantes
Maxime Du Camp
XIX secolo


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Gelosia

gelosia ossessiva è una patologia mentale che porta a sospettare continuamente infedeltà fittizie del proprio partner, viene chiamata anche Sindrome di Otello.

Prompt: How does Jealousy (Munch) explain its Obsessive jealousy?Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In Annunciation (Antonello da Messina), how is the Vangelicanonici of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Vangeli di Ebbone

All'inizio del IX secolo a Reims l'abate Ebbone, consigliere di Ludovico il Pio, raccolse alcuni artisti nello scriptorium dell'Abbazia di Hautvillers, che rinnovò la  con forme decisamente originali. Con il Salterio di Utrecht sono una delle testimonianze più importanti di questo rinnovamento della  carolingia, dove si riscontra un'innovativa vitalità espressiva, con un segno grafico dinamico e virtuoso, come per esempio nelle vivide figurette dei codici di Ebbone .

Prompt: Focus on Ebbo Gospels and explain the History.Please output in Italian.

Ebbone
Ludovico il Pio
Reims
Salterio di Utrecht


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: In The Crucifixion (Paleokapas), how is the Syria of the Description explained?Please output in Italian.


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Ugolino e i suoi figli

Ugolino e i suoi figli  è un gruppo scultoreo realizzato a Parigi dallo scultore francese Jean-Baptiste Carpeaux, tra il 1857 e il 1860. Il soggetto dell'opera è Ugolino della Gherardesca, politico pisano del XIII secolo, lasciato morire d'inedia, con alcuni figli e nipoti, all'interno di una torre, a causa di contrasti con l'arcivescovo di Pisa Ruggieri degli Ubaldini.

Prompt: In Ugolino and His Sons (Carpeaux), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Jean-Baptiste Carpeaux
Parigi
Pisa
Ruggieri degli Ubaldini
Ugolino della Gherardesca


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Epifania

In Galles, l'Epifania cadeva il 6 gennaio ed era conosciuta come Ystwyll. Nel Glamorganshire era usanza preparare un'enorme pagnotta o torta, che veniva poi divisa in tre parti per rappresentare Cristo, la Vergine Maria e i Magi biblici. Un folto numero di vicini di casa veniva invitato ad assistere alla divisione della torta in cui erano nascosti gli anelli. Chi scopriva un anello nella sua fetta di torta  veniva eletto Re o Regina e presiedeva ai festeggiamenti della giornata.Il 6 gennaio era il giorno di Natale del calendario antecedente la riforma del 1752 e molte delle festività ad esso collegate durarono ben oltre il secolo successivo alla riforma stessa.Il Galles condivide altre usanze della dodicesima notte con la vicina Inghilterra, tra cui il ceppo di Yule e il wassail per propiziare agli agricoltori un buon raccolto per l'anno a venire; qui, è costume che le ceneri del ceppo di Yule siano salvate e seppelliti insieme ai semi piantati nella primavera successiva, e che la ciotola di wassail sia portata nella casa degli sposi novelli o di una famiglia da poco venuta ad abitare nel luogo, in un dialogo di recita e canti fra chi rimaneva dentro e fuori dalla porta.Un'altra usanza gallese associata all'Epifania era la caccia allo scricciolo. Un gruppo di giovani usciva in campagna per catturare uno scricciolo, che veniva quindi posto in una piccola gabbia decorata e portato in giro di casa in casa e mostrato in cambio di denaro o di cibo e bevande. Quando non si riusciva a trovare uno scricciolo, allora veniva utilizzato un passero per lo stesso rituale.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Wales and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Galles
Glamorgan
Inghilterra
Natale
Yule


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The influence of photography and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La giovane martire

giovane martire  è un dipinto a olio su tela del pittore francese Paul Delaroche. Ne esistono due versioni, una del 1853 e l'altra del 1855, e si basa sullo stile romantico dei dipinti di genere.  seconda versione si conserva al museo del Louvre di Parigi, mentre la prima fa parte delle collezioni del museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: How does The Young Martyr explain its Abstract?Please output in Italian.


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The Lady of Shalott

Il compositore inglese Cyril Rootham ha creato la prima versione musicale di questa poesia nel 1909, per mezzosoprano solista, coro e orchestra.Nel 1958, Arthur Bliss composto una suite di balletto dal titolo "The dy of Shalott" .Esiste una trasposizione musicale di questo celebre poemetto musicato dalla cantautrice canadese Loreena McKennitt, contenuto nel suo album The Visit .  cantautrice americana Emilie Autumn ha scritto un brano ispirato proprio a questo poemetto, contenuto nel suo album Opheliac. Le prime cinque canzoni dell'album di debutto della metal band olandese Autumn, When Lust Evokes The Curse, seguono un filo narrativo continuo incentrato sulla Signora di Shalott. power metal band italiana Domine ha dedicato un pezzo alla dama di Shalott nel quinto disco Ancient Spirit Rising. Nel 1977 l'israeliana progressive rock band Atmosphera ha intitolato un album "dy of Shalott".

Prompt: Focus on The Lady of Shalott (painting) and explain the Musical transpositions.Please output in Italian.

Ancient Spirit Rising
Arthur Bliss
Autumn
Cyril Rootham
Domine
Emilie Autumn
Loreena McKennitt
Opheliac


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Le muse inquietanti

L'opera raffigura uno spazio aperto sul quale sono situate in primo piano due statue classiche: una eretta, e l'altra seduta su un basamento. Entrambe le figure, che hanno la testa di un manichino da sartoria, sono circondate da diversi oggetti, mentre sullo sfondo vi è una terza statua maschile.  prospettiva è errata e converge sullo sfondo nella rappresentazione del Castello Estense di Ferrara, qui affiancato ad una fabbrica.Secondo Eugenio Borgna:

Prompt: In The Disquieting Muses, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Monumento a Lessing

Vista laterale della statua statua in marmo bianco del poeta è alta tre metri. Il piedistallo in granito grigio e la base in granito rossastro raggiungono un'altezza di quattro metri. Le sculture e le iscrizioni sulla base sono in bronzo. Nella parte centrale della base sono visibili quattro cartigli incorniciati asimmetricamente: sulla parte anteriore del monumento il nome Gotthold Ephraim Lessing, sugli altri rilievi delle teste di Moses Mendelssohn, Ewald Christian von Kleist e Friedrich Nicolai. Questi tre, il filosofo, il poeta e lo scrittore ed editore, erano amici e alleati intellettuali di Lessing.Sul fronte e sul retro, sotto i cartigli, si notano figure allegoriche interamente scolpite con aggiunte simboliche: nel fronte sotto la targa la figura di un giovane come genio dell'umanità con una ciotola sacrificale fiammeggiante, un'arpa e una corona d'alloro, più un'iscrizione con le frasi essenziali della parabola dell'anello dall'opera teatrale di Lessing Nathan il saggio; corrispondentemente, sul rovescio, lallegoria della Critica rappresentata da un ragazzo alato che brandisce un flagello, circondato da libri, pergamene e pelle di leone, e accompagnato da un gufo, simbolo di saggezza. A sinistra e a destra del monumento c'erano teste di delfino in bronzo disegnate come grottesche e gargoyle sopra un piccolo bacino di fontana.

Prompt: Focus on Lessing Monument and explain the Description.Please output in Italian.

Ewald Christian von Kleist
Gotthold Ephraim Lessing
Moses Mendelssohn
Nathan il saggio


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Pala del beato Nicola da Tolentino

Dell'opera originaria esiste una copia parziale del 1791 di Ermenegildo Costantini, conservata nella Pinacoteca comunale di Città di Castello, e alcuni disegni preparatori , che permettono di farsi un'idea della composizione originaria.Al centro si trovava Nicola da Tolentino, allora ancora beato, che schiacciava il demonio, affiancato da tre angeli con cartigli: due in coppia a destra e uno solitario a sinistra. In mano il santo reggeva un libro aperto e un lungo crocifisso.  parte superiore della pala, assente nella copia settecentesca, mostrava una triplice incoronazione del santo, da parte dell'Eterno in una mandorla di cherubini, da parte della Vergine Maria inginocchiata e da parte di sant'Agostino con gli abiti vescovili. Lo sfondo doveva essere composto da un'ampia arcata, aperta sul paesaggio. predella infine mostrava storie del santo.I frammenti conosciuti sono:Angelo, trasportato su tela, 31x27 cm, Brescia, Pinacoteca Tosio-MartinengoAngelo, 58x36 cm, Parigi, Museo del LouvreEterno tra cherubini e testa di Madonna, 112x115 cm, Napoli, Museo nazionale di CapodimonteNicola da Tolentino resuscita due colombe, 29,2x54 cm, Detroit, Detroit Institute of ArtsNicola da Tolentino soccorre un fanciullo che annega, 26,7x51,8 cm, Detroit, Detroit Institute of ArtsNicola da Tolentino e gli impiccati, Pisa, Museo nazionale di palazzo RealeL'attribuzione di questi frammenti non è però univoca e alcune parti, soprattutto quelle a Detroit e a Napoli, sono assegnate talvolta a Evangelista.  figura dell'Eterno è di impostazione peruginesca e arcaica, che si trova anche in opere del padre di Raffaello, come la Pala Buffi per la chiesa di San Francesco a Urbino. Più convincenti sono la Vergine e gli angeli, in cui si scorgono influenze dei modi contemporanei di Pinturicchio.  concezione della tavola deve comunque spettare unicamente a Raffaello, come dimostrano i disegni preparatori. Essi hanno una qualità e una scioltezza sicuramente maggiori di quelle del maestro Perugino.

Prompt: Focus on Baronci Altarpiece and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Unione di Lublino

Prompt: How does Union of Lublin (painting) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Il busto reliquiario è costituito da argento cesellato ed è in parte placcato in oro. Il reliquiario racchiude un teschio umano, secondo la tradizione quello di Carlo Magno. Esso raffigura il busto dell'imperatore con la testa ornata da una corona d'oro a giglio che, secondo un documento dal 1262, sarebbe un dono di Riccardo di Cornovaglia al Münster  di Aquisgrana, poi ampiamente restaurata dall'orafo August Witte nel 1873. Le zone dei capelli e della barba sono placcate in oro, il viso e il collo sono accentuati in argento sbalzato. Il pettorale è ornato da aquile ageminate d'argento - l'aquila imperiale sul fondo oro della veste, l'animale araldico del Sacro Romano Impero indica la dignità dell'imperatore - e da bordure in filigrana e pietre preziose. Alcune delle pietre sono cammei antichi. Il busto di Carlo Magno si erge su una base ottagonale con due aperture sui fianchi per un supporto ligneo, decorato con gigli araldici.L'uso di gemme antiche e cammei per reliquiari e corone indica un riferimento all'antichità romana, essenziale l'idea imperiale medievale, nella cui tradizione Carlo Magno e poi Carlo IV si identificavano nel loro ruolo di sovrano. Un parallelo a questa corona può essere visto nella corona di San Venceslao dei gioielli della Corona boema, che adornava la reliquia del teschio di Venceslao di Boemia ed era anche usata per le incoronazioni.Il reliquiario è nella tradizione delle raffigurazioni francesi del re del XIII secolo e rappresenta un'idealizzazione artistica dell'imperatore franco, sebbene abbia anche caratteristiche facciali individualizzanti. Queste ultime si notano in modo simile anche in un ritratto di Giovanni II di Francia. È possibile che il creatore del busto reliquiario, un orafo di Aquisgrana, fosse un artista formatosi in Francia.A partire dal busto di Carlo Magno, come punto culminante nell'oreficeria della Renania-Maasland, iniziò un periodo d'oro di busti reliquiari in argento dorato e dall'aspetto naturalistico.

Prompt: Focus on Bust of Charlemagne and explain the Description and style.Please output in Italian.

Aquisgrana
August Witte
Carlo Magno
Giovanni II di Francia
Riccardo di Cornovaglia
Sacro Romano Impero


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Ritratto di cavaliere

L'identità dell'effigiato è stata storicamente oggetto di discussione: si sono avanzati i nomi del duca di Urbino Francesco Maria I della Rovere e del re di Napoli Ferrandino. Un'ipotesi più recente suggerisce il nome di Marco Gabriel, patrizio veneziano e rettore della fortezza di Modone in Morea. Secondo quest'ultima interpretazione, l'opera sarebbe stata commissionata al Carpaccio dalla famiglia Gabriel su suggerimento di Paolo Vallaresso, rettore della fortezza di Corone e committente del ciclo della Scuola di San Giorgio degli Schiavoni; lo scopo sarebbe stato quello di riscattare l'onore di Marco Gabriel, accusato di pavidità durante l'assedio ottomano di Modone  e durante la successiva prigionia. Nessuna di queste ipotesi è stata confermata.

Prompt: How does Young Knight in a Landscape explain its Interpretation?Please output in Italian.

Corone
Francesco Maria I della Rovere
Modone
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni


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Bacco e Arianna

Bacco e Arianna è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1520-1523 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Bacchus and Ariadne and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

A differenza degli altri ritratti di Madonna di Holbein, la cintura, dipinta di rosso intenso, non ha alcuna funzione reale: non raccoglie l'ampia veste ma si stringe semplicemente attorno ad essa. Ovviamente, la rappresentazione si riferisce alla leggenda della donazione della cintura di Maria: dopo che l'apostolo Tommaso aveva espresso dei dubbi sull'Ascensione di Maria, la Madonna gli apparve e gli presentò la sua cintura come prova della sua ascensione corporale. L'enfasi sulla cintura sarebbe quindi un'affermazione dell'assunzione di Maria, la ricezione di Maria in cielo.Il colore insolito e accattivante, d'altra parte, rimanda anche al sangue ed alla passione di Cristo, così come la morte, e nel contesto della Riforma può anche indicare le lotte sanguinose per la fede. Nella Bibbia, la cintura è spesso equiparata al conferimento del potere divino. Inoltre, la forma astratta della cintura può anche essere letta come una croce a forcella. Il piccolo Gesù punta con un piede direttamente sull'inguine, indicando la futura passione della Madre in unione con la sua. Il nodo della cintura costituisce il centro ottico della composizione.  Passione e l'Ascensione diventano quindi il messaggio centrale dell'immagine.È anche concepibile, tuttavia, anche un riferimento al simbolo "Y", come simbolo dell’Ercole al bivio, un argomento di riflessione particolarmente significativo per gli umanisti e più volte utilizzato nel contesto critico della riforma.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Redbelt and the Style.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Lorenzetti).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Sarcofago Grande Ludovisi

L'opera è caratterizzata da una sapiente composizione che si avvale di linee orizzontali e verticali, che si intersecano su tutto il campo, senza "agglomerati" e zone vuote. Inoltre il rilievo delle figure crea un fittissimo chiaroscuro, con variazioni di effetti a seconda dei materiali scolpiti , con un frequente uso del trapano.Confronti si possono fare con opere attiche coeve, anche se il soggetto e la composizione può definirsi peculiarmente romana, in una sorta di preparazione alla rinascenza classicista dell'arte nell'età di Gallieno.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Ludovisi Battle sarcophagus.Please output in Italian.


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Giustizia

Il concetto di giustizia è alla base del Vangelo di Matteo. Il Battista è venuto per la via della giustizia . Gesù si sottopone al battesimo di Giovanni perché sia adempiuta ogni giustizia 3, 15). Sono beati coloro che hanno fame e sete di giustizia , cioè tutti coloro che aspirano alla giustificazione che viene da Dio. I farisei e gli scribi che credevano di essere sulla via della giustizia, sono condannati da Gesù perché essi non la ritenevano un dono della libera grazia di Dio e quindi non volevano sottoporsi al battesimo di Giovanni. Da qui il loro mormorare perché Dio chiama gratuitamente a volte senza tener conto dei meriti. Preoccupati di distinguersi dagli ingiusti, scribi e farisei separavano il mondo tra buoni e cattivi, non ammettendo che la decisione ultima è riservata al giudizio di Dio. Ma Gesù afferma: Se la vostra giustizia non supererà quella degli scribi e dei farisei, non entrerete nel regno dei cieli  ... Dio fa piovere sui giusti e sugli ingiusti  ... Cercate prima il regno di Dio e la sua giustizia . L'evangelista Luca fa apparire il cristianesimo come prosecuzione legittima del giudaismo . Riporta i nomi dei giudei osservanti della legge  e anche il centurione romano Cornelio chiamato aner dikaios .  speranza di giudei nel ritorno di Elia prepara la strada al Vangelo e Gesù riconosce l'Elia che ritorna in Giovanni Battista, dal quale si fanno battezzare i peccatori per riconoscere la giustizia di Dio. I farisei e gli scribi invece ingannano sé stessi e si esibiscono come giusti davanti agli uomini. Ci sarà più gioia in cielo per un peccatore convertito che per novantanove giusti : è la possibilità di una nuova vita per gli uomini perduti, avvolti nel peccato, gli esclusi anche dal punto di vista sociale e religioso. Gesù è il giusto per eccellenza e Dio lo risuscita prima che avvenga la resurrezione di tutti i giusti e degli ingiusti e lo investe del potere di giudicare tutti i popoli con giustizia. In Giovanni  il mondo non trova la giustizia in sé stesso e nemmeno nel più degno degli uomini: ma la giustizia proviene dal Padre e si trova presso di lui. Gesù si è separato dai discepoli perché essi non si illudessero con speranze terrene, ma sperassero unicamente nel Padre e nel Figlio, che sono una cosa sola.

Prompt: In Justice (Titian), how is the Gospels of the In philosophy explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Differenti sono le considerazioni che indicherebbero la realizzazione nella bottega veneziana di Alvise Vivarini. Questi non era certamente ventenne nel 1495, ma d'altra parte non vi è nessun elemento certo che indichi nel termine VIGENNIS del cartiglio l'età del pittore o eventualmente di un suo allievo, mentre la tecnica pittorica potrebbe essere a lui riconducibile. Nella bottega di Alvise Vivarini lavorava in quegli anni il giovane Lorenzo Lotto. Il suo dipinto Ritratto di giovane con lucerna raffigura un giovane che presenta alcune analogie, nell'impostazione del capo e dello sguardo, con il giovane allievo del Pacioli. Inoltre Lotto dipinse una mosca nel Ritratto di Giovanni Agostino della Torre con il figlio Niccolò del 1515.

Prompt: In the context of Portrait of Luca Pacioli, explain the Lorenzo Lotto and the Author's identity.Please output in Italian.


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Lucifero

Il termine "lucifero" compare nel Nuovo Testamento solo nel suo significato meramente letterale, per indicare la stella del mattino e in senso traslato Cristo, la cui futura seconda venuta in terra segnalerà l'inizio di un mondo nuovo di luce:E così abbiamo conferma migliore della parola dei profeti, alla quale fate bene a volgere l'attenzione, come a lampada che brilla in un luogo oscuro, finché non spunti il giorno e la stella del mattino si levi nei vostri cuori.Nell'Apocalisse Cristo stesso si definisce "stella radiosa del mattino"  e promette la "stella del mattino" come ricompensa per chi persevera nelle buone opere .Nei primi secoli della Chiesa, quindi, il nome Lucifer è stato considerato un titolo di Cristo: per esempio nell'inno Carmen aurorae, o come un nome adatto per i bambini cristiani. Vedi San Lucifero, il vescovo di Cagliari .D'altra parte nel nuovo testamento ci sono molti passi che confermano la crescente divergenza teologica ed interpretativa del credo che diverrà cristiano con la precedente tradizione ebraica, riconoscendo in Satana un angelo caduto. Questo a partire dal passo dell'Apocalisse ove si legge:Si pensi inoltre alle parole di Cristo stesso, che implicitamente riconosce l'identità dell'Angelo caduto come Satana quando afferma:Si potrebbero moltiplicare i riferimenti evangelici o comunque scritturali in cui Satana e il suo esercito vengono chiamati «angeli». Come culmine e compimento della tradizione patristica, anche Tommaso d'Aquino accetta l'identificazione di Lucifero con Satana e anzi dimostra che solo a partire da tale identificazione si può mostrare la chiara origine del cosiddetto mysterium iniquitatis, posto che per il Cristianesimo il nome Lucifero rimane solo indicazione di ciò che il diavolo era in origine ma che ora non è più, dato che tale nome sarebbe appunto stato cancellato dal Cielo e ora lo si dovrebbe chiamare solamente Satana o più genericamente accusatore.

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Lucifer in the New Testament discussed?Please output in Italian.

Angelo
Apocalisse
Carmen aurorae
Cristianesimo
Cristo
Satana
Tommaso d'Aquino


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-Portrait (Chassériau) and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Dinos del Pittore della Gorgone

Il dinos del Pittore della Gorgone è una ceramica a figure nere  prodotta ad Atene dal ceramografo noto come Pittore della Gorgone intorno al 580 a.C. e conservata a Parigi presso il museo del Louvre .

Prompt: Focus on Dinos of the Gorgon Painter and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pala di San Zaccaria

Pala di San Zaccaria è un dipinto a olio su tavola riportata su tela  di Giovanni Bellini, firmato e datato 1505, e conservato nella chiesa di San Zaccaria a Venezia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, San Zaccaria Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Sacra conversazione Balbi

Sacra conversazione Balbi è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1512-1514 circa e conservato nella Fondazione Magnani-Rocca a Mamiano di Traversetolo .

Prompt: Focus on Balbi Holy Conversation and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra Tea Filopatore, ultima sovrana dell'Egitto tolemaico, avvenne il 10 o il 12 agosto del 30 a.C. ad Alessandria d'Egitto, alla fine della guerra civile tra Ottaviano Augusto e Marco Antonio. Secondo la versione più famosa, la regina si sarebbe suicidata facendosi mordere da un aspide  ma secondo alcuni storici greci e romani si sarebbe uccisa bevendo una bevanda velenosa. Alcuni accademici hanno addirittura ipotizzato che la regina si sia uccisa su ordine di Ottaviano, che aveva vinto la guerra. In ogni caso, Cleopatra venne sepolta insieme al suo amante Marco Antonio e la sua morte decretò la fine della dominazione tolemaica d'Egitto, l'inizio dell'occupazione romana del paese e la fine del periodo ellenistico, in quanto l'Egitto dei Tolomei era l'ultimo regno ellenistico rimasto. morte di Cleopatra è stata raffigurata in varie opere d'arte nel corso dei secoli, inclusi dipinti, sculture, opere letterarie, opere teatrali e pellicole cinematografiche. In queste raffigurazioni prevale il suicidio dovuto al morso dell'aspide. A partire dall'Ottocento, le raffigurazioni più moderne della morte della sovrana hanno anche un tocco di orientalismo.

Prompt: How does The Death of Cleopatra explain its Abstract?Please output in Italian.

30 a.C.
Alessandria d'Egitto
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio


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Censimento di Betlemme

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: How does The Census at Bethlehem explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Cupido dormiente

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Sleeping Cupid (Michelangelo).Please output in Italian.


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Arrivo degli ungheresi

sinistra rotonda di Negli anni '70 fu presa la decisione di istituire un parco nazionale storico commemorativo a Ópusztaszer. I gravi danni causati dalla guerra mondiale avevano costretto a convertire il dipinto, un ciclorama con una circonferenza di quasi 120 metri e un'altezza di 15 metri, e quindi una superficie di circa 1800 m², a tagliarlo in sezioni lunghi 8 metri, le quali furono arrotolate e custodite in vari magazzini del museo che aprì nell'area. Quando fu avviato il restauro del dipinto, si decise di procedere alla costruzione di una nuova rotonda che potesse ospitare il ciclorama.  realizzazione della struttura si fermò nel 1979 e parti della tela furono nuovamente immagazzinate e arrotolate. Nel 1991, un gruppo di restauratori polacchi vinse l'appalto per un nuovo restauro e si apprestò ad apportare i ritocchi necessari.

Prompt: Explain the Restoration of the work about the History of this artwork, Arrival of the Hungarians.Please output in Italian.


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Polittico di Santa Barbara

Particolare importanza riveste la scena del Tradimento e punizione dei pastori , considerata uno dei capolavori del tardo gotico europeo.L'episodio narrato è quello del padre Dioscuro e dei suoi aiutanti che stanno cercando con cattive intenzioni Santa Barbara, che è fuggita; fermatisi a chiedere informazioni a due pastori, essi vengono a conoscenza della strada che essa ha preso. Per questo tradimento del volere divino i pastori ebbero le loro pecore trasformate in cavallette.Il pittore creò una scena surreale, dove qualsiasi convenzione spaziale è abolita in favore di una nuova immediatezza narrativa. Dei due piani nei quali è composta la scena, il primo piano ha figure più piccole di quelle in secondo piano, oltre la cortina di alberi e rocce, che giganteggiano con la loro mole innaturale.  santa si trova in posizione defilata, ma ben riconoscibile dall'aureola, sul lato destro, indicata sia dai pastori che dal padre.Nel registro inferiore si vedono i due piccoli pastori, rappresentati con minuzia di particolari, che tradiscono la santa.  prodigiosa punizione del gregge trasformato in cavallette è rappresentata come in divenire, con la metà destra già trasformata in insetti; anche le cavallette, per convenzione espressiva, sono raffigurate grandi quasi quanto le pecore.

Prompt: How does Saint Barbara Altarpiece (Master Francke) explain its Betrayal of the shepherds?Please output in Italian.


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Vertumno

Properzio Elegie, IV, 2 Ovidio, Le metamorfosi XIV,643 e Fasti VI,410

Prompt: Focus on Vertumnus (Arcimboldo) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La Bella

Sulla base di questa provenienza, viene identificato in una lettera di Francesco Maria I Della Rovere al suo agente a Venezia del 2 maggio 1536:«… Direte al Titiano,che noi in effetto non sappiamo pensar‘ meglio per la signora Duchessa nostra [sua moglie Eleonora Gonzaga], di quello che si è ragionato, cioè de una Resurectione, della qual‘ siam‘ certi che si contentarà, et che però metti pur‘ L‘animo e il pensier‘ suo a quest, et che attenda a quel‘altre cose, et che quel retratto di quella Donna che ha la veste azurra desideriamo che la finisca bella circa il tutto e con il timpano, perché da questo possiam‘ vedere, come siano per riuscir‘ gli altri …»

Prompt: Explain the The letter that woman who has the blue dress about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Portrait of a Young Woman Known as "La Bella".Please output in Italian.


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Bonaparte al ponte di Arcole

Bonaparte al ponte di Arcole  è un dipinto di Antoine-Jean Gros che rappresenta un episodio della battaglia del ponte di Arcole. Il generale Bonaparte è raffigurato mentre guida le sue truppe all'assalto del ponte di Arcole.

Prompt: Focus on Bonaparte at the Pont d'Arcole and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia Canigiani

Sacra Famiglia Canigiani è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1507 circa e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. L'opera è firmata "RAPHAEL URBINAS" sulla scollatura della veste della Vergine.

Prompt: How does Canigiani Holy Family explain its Abstract?Please output in Italian.

1507
Alte Pinakothek
Canigiani
Raffaello Sanzio


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Madonna Sistina

Appoggiati alla balaustra in fondo al dipinto, i due cherubini, popolarmente noti anche come "angioletti", "puttini" o "amorini", sono fra le realizzazioni più popolari del Sanzio e della cultura figurativa del Rinascimento in generale. Nel 1913 Gustav Kobbé scrisse in una guida per il grande pubblico:</ref>The most famous cherubs ever painted are those of Raphael. When "Raphael's Madonna" is spoken of only one of his many Madonnas is meant,–the "Sistine Madonna" in the Dresden gallery. Other Madonnas by him also are famous; but this so far outdoes them all in fame that it is known simply as his Madonna. […] Quite as famous as Raphael's Madonna are Raphael's Cherubs, which are a detail taken from this Madonna; and, as the "Sistine Madonna" is the most widely known picture of the Virgin, so no cherub or group of cherubs is so famous as the two that lean on the alter top indicated at the very bottom of the picture. These cherubs, however, are not just pretty cherubs: they have both artistic and allegorical meaning in the composition. The composition of this picture is not only in three planes of perspective, but also in three planes of elevation. […] The cherubs are at the bottom and very front of the picture. Despite their wings, they are intensely human little creatures, and may be said to represent humanity. […] It may be, as some people think, that the two charming infants with wings were afterthoughts. Even so, however, they are not superfluous, but, exquisite in themselves, add to the harmonious beauty of the composition.lingua=en}}Sopra i cherubini, i due santi rappresenterebbero dunque la Chiesa e la Vergine con il Bambino la sfera celeste.Oltre ai significati simbolici, la bellezza e originalità del soggetto, la posizione distanziata dal gruppo che compone la sacra conversazione più in alto, l'autosufficienza grafica e l'aspetto quotidiano e "irriverente" dei cherubini hanno donato loro una fama propria che va al di là di quella del dipinto; le possibilità di riproduzione tecnica sviluppate fra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo hanno poi consentito la loro riproduzione come soggetto indipendente dal resto del quadro.Nel corso dei cinque secoli di storia del dipinto, ed in particolare negli ultimi due dopo la rivoluzione industriale, i cherubini hanno assunto un valore fortemente iconico sia per la loro grande diffusione su opere a stampa, vestiario, cartoline, carte da regalo e prodotti commerciali vari, sia per gli omaggi resi loro dal design industriale e dalla moda.

Prompt: Describe the characteristics of the The little children in Sistine Madonna's Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ercole uccide gli uccelli di Stinfalo

Ercole uccide gli uccelli di Stinfalo è un dipinto a tempera su tela  di Albrecht Dürer, databile al 1500 e conservato nel Germanisches Nationalmuseum a Norimberga.

Prompt: In Hercules Killing the Stymphalian Birds, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
Albrecht Dürer
Ercole
Germanisches Nationalmuseum
Norimberga


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Art beauty and the Irish  aesthetic  radically  empiricist.Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: In Annunciation (van Eyck, Washington), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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Isabella

Si tratta di una forma di Elisabetta, affermando anche che l'avvicinamento a Elisabetta sarebbe frutto di una paretimologia dovuta al suono simile.Il nome è entrato in uso sin dal 1600 anche per indicare una particolare tonalità di giallo grigiastro tipica del piumaggio di alcuni uccelli o del mantello di certe razze equine, ma l'Isabella che le ha dato il nome non è stata identificata; secondo una tradizione sarebbe stata una regina spagnola che avrebbe fatto voto di non cambiarsi l'abito bianco fino a che il marito non fosse riuscito a conquistare la città di Ostenda.

Prompt: How does Isabella (Millais painting) explain its Origin diffusion?Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

faccia italiana della moneta da 50 centesimi di euro, incisa da Roberto Mauri, ritrae la statua equestre di Marco Aurelio ed il pavimento di Piazza del Campidoglio, il cui disegno fu realizzato nel 1940 da Antonio Muñoz, traendolo da un'incisione di Étienne Dupérac del 1567, basata sul progetto di Michelangelo.Nelle banconote da 10.000 lire che sono state in corso dal 1962 al 1983, era rappresentata Piazza del Campidoglio e la statua equestre di Marco Aurelio.Anche nel passaporto italiano è riprodotta l'immagine della statua di Marco Aurelio inserita nella pavimentazione della piazza, impressa in tutte le pagine pari e nella controguardia della prima di copertina.

Prompt: In Equestrian Statue of Marcus Aurelius, how is the Images, monument, coins, banknotes, passport discussed?Please output in Italian.

Antonio Muñoz
Marco Aurelio
Piazza del Campidoglio
Étienne Dupérac


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Il quarto stato

Il fumetto mensile Dylan Dog, pubblicato da Sergio Bonelli Editore, dal numero 42 al numero 336 presenta nel frontespizio un'illustrazione ispirata a Il quarto stato, in cui i personaggi del quadro sono sostituiti dai protagonisti del fumetto e da dei mostri.

Prompt: How does The Fourth Estate (painting) explain its In mass culture?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Altare Jabach

LAltare Jabach è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, databile al 1503-1504 circa. L'opera, di cui si conoscono solo i due scomparti laterali, è divisa tra lo Städel di Francoforte sul Meno  e il Wallraf-Richartz Museum di Colonia .

Prompt: Focus on Jabach Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Fontane dei mostri marini

, p. 415; , tav. XV; , p. 404; , p. 179, n. 427; , p. 72; , p. 205, n. X; , p. 193; , p. 131; , p. 227; , p. 211; , pp. 60–61; , pp. 56–61;  Piero Torriti, Pietro Tacca da Carrara, Genova, Sagep, 1984, pp. 39–44; Carlo Francini, Le fontane del Tacca, il giardino di Palazzo Grifoni e una pianta delle scuderie di San Marco, in "Bollettino della Società di Studi Fiorentini", 1997, 1, pp. 67–75; , p. 331.Luciano Artusi, Tante le acque che scorrevano a Firenze, itinarario tra i giochi d'acqua delle decorative fontane fiorentine, Semper, Firenze 2005.Elisabetta Nardinocchi, Pietro Tacca tra natura e decoro, in Pietro Tacca. Carrara, la Toscana, le grandi corti europee, catalogo della mostra  a cura di Franca Falletti, Firenze, Mandragora, 2007, pp. 102–119.Ferruccio Canali, Il "Nettuno" e le "altre" . Restauro di fontane a Firenze. Pultture e ripristini tra Otto e Novecento, in "B.S.S.F.", 32, 2023

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Fontana dei mostri marini.Please output in Italian.


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Busto di Carlo Antonio Dal Pozzo

Il Busto di Carlo Antonio del Pozzo è un'opera scultorea di Gian Lorenzo Bernini. È conservato ad Edimburgo, nella National Gallery of Scotland. Carlo Antonio Dal Pozzo era l'arcivescovo di Pisa e zio del noto collezionista d'arte Cassiano dal Pozzo; fu proprio quest'ultimo a commissionare l'opera a Bernini.Dal 1715 è stato conservato presso la casa di campagna inglese di Castle Howard. Nel 1986, la National Gallery of Scottland lo ha acquistato al prezzo di 3 milioni di sterline britanniche, sebbene il suo valore, in quel momento, fosse stimato attorno ai 7,5 milioni circa.

Prompt: Focus on Bust of Carlo Antonio del Pozzo and explain the Abstract.Please output in Italian.

Carlo Antonio Dal Pozzo
Cassiano dal Pozzo
Castle Howard
Edimburgo
Gian Lorenzo Bernini
Pisa


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Ritratto di Bindo Altoviti

Il Ritratto di Bindo Altoviti è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello, databile al 1515 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington. Beretto si Gesù

Prompt: How does Portrait of Bindo Altoviti explain its Abstract?Please output in Italian.

1515
Altoviti
Bindo Altoviti
National Gallery of Art
Washington


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Il colosso

Il regista messicano Guillermo del Toro ha affermato di essersi ispirato a questo dipinto per la realizzazione delle battaglie tra Mecha e Kaijū, presenti nel suo film Pacific Rim.

Prompt: In The Colossus (painting), how is the Flu discussed?Please output in Italian.


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Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: In Epifania, how is the Portugal of the Theology explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-portrait (van Dyck, Vienna) and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Ritratto del sultano Mehmet II

Prompt: How does Portrait of Mehmet II explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare , san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.

Prompt: In Disputation of the Holy Sacrament, how is the The militant church of the History explained?Please output in Italian.


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Polittico di Santa Caterina d'Alessandria

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. Marco Pierini, Simone Martini, Silvana Editore, Milano 2002. Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.

Prompt: How does Saint Catherine of Alexandria Polyptych explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Isabella

Di seguito si trova una lista delle varianti del nome in altre lingue:Albanese: IzabelaArmeno: Զաբել Asturiano: SabelCatalano: Isabel, Ibbie, Issy, Izzy, Izzie, Libbe, Libbie, Libby, Bella, Belle, SabellaIrlandese: Isibéal, SibéalOlandese: Isabella, IsabellePolacco: Izabela, IzabellaPortoghese: Isabela, IsabelIpocoristici: BelinhaRumeno: Isabela, Isabella, Izabela, IzabellaRusso: Изабелла Scozzese: Iseabail, Ishbel, IsobelIpocoristici: BeileagSpagnolo: Isabella, Isabela, Isabel, YsabelIpocoristici: IsaTedesco: Isabelle, Isabell, Isabel, IsabellaIpocoristici: IsaUngherese: Izabella

Prompt: Describe the characteristics of the Variantsinotherlanguages in Isabella (Millais painting)'s Variants.Please output in Italian.


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Ercole Farnese

LErcole Farnese è una scultura ellenistica in marmo alta 317 cm di Glicone di Atene databile al III secolo d.C. custodita nel Museo Archeologico Nazionale di Napoli.Essa risulta essere una copia dell'originale bronzeo creato da Lisippo nel IV secolo a.C. Sulla roccia, sotto la clava, è presente la firma del copista Glicone, scultore ateniese del II secolo d.C.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Farnese Hercules.Please output in Italian.

Atene
Ercole
III secolo
IV secolo a.C.
Lisippo


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Sei gentiluomini

Ni Zan dipinse Sei gentiluomini durante una visita ad un suo amico, il collezionista d'arte Lu Heng, nella primavera del 1345. Le iscrizioni di Ni raccontano che arrivò con una barca alla casa di Lu nel 10 maggio, e che questi prese immediatamente della carta e gli chiese di dipingere qualcosa per lui . Sebbene stanco, Ni Zan, obbligato, eseguì il dipinto alla luce d'una lampada.Il risultato fu un paesaggio rado in cui sei vecchi alberi si ereggono su un argine, nella parte inferiore del primo piano, in mezzo a una distesa d'acqua proveniente da delle colline distanti poste sullo sfondo. Le iscrizioni di Ni Zan suggeriscono che il "vecchio maestro Dachi", ovvero il più anziano artista Huang Gongwang, avrebbe riso vedendo il dipinto. È affiancata da una seconda iscrizione dello stesso Huang, che era un ospite nella casa di Lu in quel momento, il quale esaminò il dipinto dopo che fu realizzato. Il nome dell'opaera, Sei gentiluomini proviene da un'iscrizione di Huang:Un'altra iscrizione, probabilmente d'un altro ospite della casa di Lu Heng, offre il suo autore come modello nel caso in cui Ni Zan avesse mai voluto aggiungere un pescatore nel dipinto successivamente. L'ultima iscrizione, aggiunta dopo la morte di Huang, fa notare che lui e Ni Zan continueranno a vivere sotto la forma del dipinto.

Prompt: In Six Gentlemen (painting), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Botticelli, Avignon) and explain the Origins.Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Two Pupils and explain the The Twentieth Century.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Elsheimer) and explain the Other narratives.Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Dinos del Pittore della Gorgone

Ceramica a figure nere Pittore della Gorgone

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Dinos of the Gorgon Painter.Please output in Italian.


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L'assenzio

A differenza degli altri Impressionisti, che dipingono esclusivamente en plein air  e considerano la natura come unico tema ed esempio da seguire, Degas non disegna l'esempio degli antichi maestri  e preferisce dare immagine alla vita urbana parigina, con i suoi riti e i suoi miti, privilegiando segnatamente la raffigurazione di luoghi chiusi come i caffè che, nell'epoca impressionista, giocano un ruolo preminente come luoghi di riunione per gruppi di pensatori e artisti. I caffè affascinano numerosi pittori del gruppo di Batignolles, in particolare i più «cittadini», ovvero Manet e Degas. Se il primo, tuttavia, fornisce ne  prugna un'interpretazione più vivace e poetica del festoso mondo dei cabarets parigini, Degas ritrae in maniera impietosamente realistica la società a lui contemporanea. Di questa visione della realtà disincantata e disincantevole L'assenzio è un esempio emblematico: si tratta di una tela realizzata tra il 1875 e il 1876 ed esposta nel corso della seconda mostra impressionista, tenutasi nel 1876, con il titolo Dans un café .A Parigi la tela attira l'attenzione di Henry Hill, un capitano inglese che, mosso da un sincero entusiasmo, decide di acquistarla per esibirla nella propria residenza di Brighton. Nel 1892, alla morte di quest'ultimo, L'assenzio è battuto all'asta da Christie's e venduto a un collezionista per sole centocinquanta sterline: il più conosciuto nome L'assenzio è attribuito al dipinto proprio in quest'occasione dai galleristi londinesi, così da dare maggiore rilievo anche gli aspetti più problematici e tristi della Belle Époque. L'eco dell'opera, dunque, giunge anche a Londra, dove tuttavia suscita subito scandalo a causa del suo contenuto spietatamente realistico. Quando le feroci polemiche si fanno ancora più accese, il collezionista cede l'opera al conte Isaac de Camondo, il quale nel 1911 la destinerebbe al museo del Louvre. Dopo quest'articolato percorso collezionistico L'assenzio perviene alla sua sede attuale nel 1986, quando è trasferito al museo d'Orsay di Parigi, dove si trova tuttora sotto il numero d'inventario RF 1984.

Prompt: How does L'Absinthe explain its History?Please output in Italian.

1875
1876
Belle Époque
Brighton
Christie's
Parigi


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Frine alle feste di Poseidone a Eleusi

E. Zorina, Semiradskij, Mosca, Belyj gorod, 2008. Tat'jana L'vovna Karpova, Genrich Semiradskij: Al'bom, San Pietroburgo, Zolotoj bek, 2008. D. Lebedeva, Genrich Semiradskij, Mosca, Art-Rodnik, 2006. E. Petinova, Russkie chudožniki XVIII — načala XX veka, San Pietroburgo, Avrora, 2001. Vitalij Serafimovič Manin, Šedevry russkoj žipovisi, Mosca, Belyj gorod, 2000. Elena Nesterova, Podznij akademizm i Salon: Al'bom, San Pietroburgo, Avrora; Zolotoj bek, 2000.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Phryne at the Festival of Poseidon in Eleusis.Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

leggenda getta le sue radici in epoca paleocristiana Nel XII secolo la leggenda e l'iconografia raggiunsero la tradizione cristiana occidentale attraverso le crociate e si diffusero rapidamente nell'ambito culturale bizantino. I cavalieri della prima crociata credevano che san Giorgio e i santi guerrieri Demetrio, Maurizio, Teodoro e Mercurio avessero combattuto al loro fianco ad Antiochia e Gerusalemme.  leggenda si diffuse nella tradizione cristiana occidentale sulla base delle sue versioni latine dello Speculum historiale e nella Legenda aurea. Divenne anche uno dei più ricorrenti soggetti letterari e pittorico nel tardo Medioevo e nel Rinascimento, nonché parte integrante delle tradizioni cristiane relative a san Giorgio, tanto nella tradizione orientale che in quella occidentale.

Prompt: Explain the Story of the myth of this artwork, St. George and the Dragon (Carpaccio).Please output in Italian.

Antiochia Gerusalemme Medioevo Rinascimento


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait (Bril)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: In Love & Loss, how is the In modern philosophy of the In the arts explained?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Nel giugno 1865, due mesi dopo la resa di Appomattox, ricevette il suo primo incarico dopo la guerra. Fu posto al comando della Divisione Militare del Mississippi, poi divenuta Divisione Militare del Missouri, che comprendeva un territorio che partiva dal fiume Mississippi alle Montagne Rocciose. I suoi sforzi si concentrarono sul proteggere le principali vie di comunicazione, in particolare le ferrovie, dagli attacchi delle forze indiane ostili.Pochissime furono le azioni militari contro gli indiani durante il mandato di Sherman.  sua strategia infatti consisteva nell'allungare i tempi delle trattative per raccogliere risorse e truppe e per permettere il completamento delle ferrovie Union Pacific e Kansas Pacific. Durante questo periodo fece parte della Commissione per la Pace con gli Indiani. Sebbene la commissione fosse responsabile per le trattative che portarono al Trattato di Medicine Lodge e del Trattato di Fort ramie, Sherman non fu direttamente coinvolto in esse perché richiamato a Washington. Fu comunque decisivo nelle negoziazioni di altri trattati, come quello che ha portato l'allontanamento dei Navajo da Bosque Redondo. Quando nel 1868 il Trattato di Medicine Lodge fu rotto, Sherman autorizzò il suo subordinato a condurre una campagna invernale . Sherman fu coinvolto nel processo a Satanta e Grande Albero: ordinò infatti che i due capi indiani fossero trattati come comuni criminali per il loro ruolo nell'assalto al treno di Henry Warren.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Commander Department Reconstruction of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.


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America (Cattelan)

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, America (Cattelan).Please output in Italian.


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Estrazione della pietra della follia

L'opera, secondo una ricostruzione di Charles de Tolnay, è forse quel tondo che si trova menzionato in un inventario del 1524 come di proprietà del vescovo di Utrecht, Filippo di Borgogna, e situato nella sala da pranzo del castello di Duurstede. Presumibilmente dovette essere poi acquistato da don Felipe de Guevara che poi lo cedette a Filippo II di Spagna nel 1570. Negli inventari successivi alla morte del sovrano però l'opera non è più identificabile , per cui altri hanno invece sostenuto che l'opera in questione provenga dalla Quinta del Duque del Arco, dove sarebbe citata in un inventario del 1794. critica tendeva a riconoscervi un'opera della fase giovanile, verso il 1480, ma l'analisi dendrocronologica ha spostato la datazione della tavola a dopo il 1494. Ciò ha confermato l'ipotesi di Vermet, che vi aveva scorto la grande modernità del paesaggio.

Prompt: In Cutting the Stone, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Durante i suoi cinque secoli di esistenza la Madonna Sistina è passata attraverso almeno nove cornici note.# 1599-1698, cornice di Giuseppe Grattoni . Nel 1544 la chiesa fu ristrutturata e in quell'occasione alla Madonna Sistina venne abbinata una lunetta, ma non è noto se quest'ultima avesse una sua cornice indipendente o se l'aggiunta comportò la realizzazione di una nuova cornice che includesse pala e lunetta. In ogni caso, se anche fosse esistita questa ipotetica seconda cornice è stata certamente rimpiazzata da quella realizzata nel 1599 dallo scultore Giuseppe Grattoni. Poiché non si conoscono le misure né della prima cornice né di quella di Grattoni, né tantomeno dell'ipotetica cornice intermedia, non è noto se queste cornici lasciassero la parte alta della tela con l'asta e i montanti della tenda verde a vista o nascosti; non è inoltre noto dove si trovasse effettivamente l'opera dalla sua collocazione nel 1514 fino al 1698, se sospesa in un punto dell'abside o se appoggiata al muro in fondo.#
1698-1753, cornice di Giovanni Setti. Nel 1697-1698 lo scultore Giovanni Setti realizzò una nuova cornice in stile barocco per la pala e la lunetta. Poiché le opere furono collocate in fondo all'abside, a forte distanza dai fedeli, per evidenziarle adeguatamente Setti realizzò una cornice molto vistosa e ricoperta in foglia d'oro.  cornice copre la parte superiore dell'opera con l'asta, ma nell'architrave fra la pala e la lunetta è installata una vera asta per una tenda che veniva usata a scopo liturgico; la parte della tela nascosta alla vista era ripiegata all'indietro.  cornice è sopravvissuta ed è tuttora in sede nella chiesa di San Sisto a Piacenza, dove conserva la copia Settecentesca del dipinto di Raffaello, forse realizzata da Giuseppe Nogari. Nel 1843 fu aggiunto il vetro protettivo, chiuso in una cornice d'acciaio nascosta nella cornice, e nel 1855 l'opera venne spostata dalla galleria alla nuova apposita ala museale Sempergalerie.# 1856-1939, tabernacolo . Nella Sempergalerie la Madonna Sistina non era esposta insieme alle altre opere, bensì da sola in una stanza d'angolo allestita come fosse la cappella di una chiesa: per questo motivo l'opera venne posta in una nuova cornice nello stile di un tabernacolo sopra a una base simile a una mensa sacra, il tutto a imitazione di un altare cattolico. L'allestimento fu disegnato dall'architetto di corte Bernhard Krüger e la mensa sottostante riportava in italiano e tedesco le parole di Giorgio Vasari a proposito dell'opera. L'atmosfera "sacrale" dell'allestimento era rafforzata dal divieto ai copisti di riprodurre l'opera.#
2012-oggi, cornice di Wener Murrer. In occasione del 500º anniversario della Madonna Sistina, il direttore del museo Bernhard Maaz giudicò l'opera rischiosa da restaurare e commissionò invece all'ebanista Warren Murrer di Monaco di Baviera una nuova cornice stilisticamente più coerente con l'opera rispetto a quella di Heybey, e tecnicamente affidabile sia per proteggere la tela sia per rimuoverla velocemente e facilmente in caso di emergenze. Il 23 agosto 2022 due attivisti ecologisti del gruppo Letzte Generation, in una manifestazione di protesta contro l'abuso di fonti fossili, hanno incollato le loro mani alla cornice: nello staccarle hanno provocato piccoli danni e rimosso parti della doratura.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the The frames of the Description and style explained?Please output in Italian.

1514
1753
Bernhard Krüger
Giorgio Vasari
Giuseppe Grattoni
Giuseppe Nogari
Piacenza
Sempergalerie


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Madonna di Tarquinia

L'opera è datata con un cartiglio sul trono "" ed è uno dei pochi punti fermi nella cronologia delle opere del Lippi. Risale al rientro a Firenze del pittore dopo il soggiorno padovano e fu commissionata da Giovanni Vitelleschi, capitano militare dell'esercito papale e arcivescovo di Firenze dal 1435 al 1437, che in quegli anni tornava alla sua città natale, Tarquinia, per farsi costruire un palazzo a cui forse era destinata la tavola. pala venne portata a Roma nel 1943, per essere sottoposta a restauro e preservata durante il periodo bellico, ma non ha fatto ritorno alla sua sede originaria in palazzo Vitelleschi.

Prompt: Explain the History of this artwork, Enthroned Madonna and Child (Filippo Lippi).Please output in Italian.