subsection

Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In the context of Annunciation (Caravaggio), explain the The Annunciation in theology and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


section

Madonna di Tarquinia

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: How does Enthroned Madonna and Child (Filippo Lippi) explain its Bibliography?Please output in Italian.


section

Dama con scoiattolo e storno

Il dipinto mostra una giovane donna vestita pudicamente seduta, attorniata da uno sfondo blu che porta in grembo uno scoiattolo alla catena mentre mangia una noce; uno storno siede su un ramo dell'albero di fico sullo sfondo e punta il suo becco al suo orecchio destro.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling.Please output in Italian.


section

Il giardino dell'artista a Giverny

Il giardino dell'artista a Giverny è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1900 dal pittore francese Claude Monet. È conservato nel Musée d'Orsay di Parigi. È uno dei dipinti più famosi del pittore francese, che lo realizzò con il suo tipico stile impressionista, molto attento ai colori, a come interagiscono tra loro e mutano con la luce.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Artist's Garden at Giverny.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Lampadario Hezilo

Willmuth Arenhövel: il lampadario a ruota Hezilo nella cattedrale di Hildesheim: contributi all'arte di Hildesheim dell'XI secolo. Secolo con particolare attenzione alla decorazione. Mann, Berlino 1975, ISBN 3-7861-4099-5. Norbert Bergmann: Il lampadario Hezilo: un'analisi del sistema e le sue conseguenze. In: Ursula Schädler-Saub : Patrimonio dell'umanità in Germania. Preventive Conservation and Prospects for Conservation, simposio internazionale del Comitato nazionale tedesco dell'ICOMOS. Hildesheim, 23-25. Novembre 2006. Ratisbona 2008 Adolf Bertram : Storia della diocesi di Hildesheim. Volume I, Hildesheim 1899, pagg. 116f e 120 f. Bernhard Gallistl: significato e uso della grande corona di luci nella cattedrale di Hildesheim. In: Concilium medii aevi 12, 2009, pp. 43–88, disponibile online come file PDF:  Bernhard Gallistl:  danza nella cattedrale di Hildesheim. In: Concilium medii aevi 19. 2016, pp. 53–69, disponibile online come file PDF:  Ch.Wulf : Le iscrizioni della città di Hildesheim. Ges. E modifica. di Ch. Wulf. Wiesbaden 2003, . Volume 2. pp. 213–216

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Hezilo chandelier.Please output in Italian.


section

Ritratto di Commodo come Ercole

Il ritratto di Commodo in figura d'Ercole è un busto marmoreo conservato ai Musei Capitolini a Roma.Proviene tradizionalmente dai praedia imperiali sull'Esquilino ed è contemporaneamente sia un ritratto, sia l'effigie di un preciso programma politico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Commodus as Hercules.Please output in Italian.

Commodo
Ercole
Esquilino
Musei Capitolini
Roma


subsection

Daniele

Dan Aykroyd, attore, sceneggiatore, musicista e cantante canadese naturalizzato statunitense Dan Bălan, cantante, produttore discografico e compositore moldavo Dan Brown, scrittore statunitense Dan Deacon, musicista statunitense Dan Peterson, allenatore di pallacanestro, giornalista e telecronista sportivo statunitense Dan Stevens, attore britannico

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the VariantDan and the Variants.Please output in Italian.

Dan Aykroyd
Dan Brown
Dan Bălan
Dan Deacon
Dan Peterson
Dan Stevens


section

Dante e Virgilio

Prompt: How does Dante and Virgil explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Inferno - Canto trentesimo
Opere di William-Adolphe Bouguereau
William-Adolphe Bouguereau


section

Pala di Conegliano

Pala di Conegliano  è un dipinto olio su tavola trasportato su tela  del pittore italiano Cima da Conegliano, realizzato intorno al 1492 e conservato nel duomo di Conegliano.

Prompt: In Conegliano Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Caterina d'Alessandria

Secondo un'altra leggenda, il corpo di Caterina fu trasportato dagli angeli sul monte Sinai. In questo luogo, nel VI secolo, l'imperatore Giustiniano fondò il monastero, originariamente chiamato «monastero della Trasfigurazione», e successivamente dedicato alla santa .

Prompt: How does Catherine of Alexandria (Palladas) explain its Themonastery?Please output in Italian.


section

La danza tra le spade

Nel 2011, a un'asta russa organizzata dalla casa d'aste nuovaiorchese Sotheby's, una delle versioni dipinta nel 1887 a Roma, proveniente dalla collezione di Eugene Slotowski, venne venduta per 2 milioni 98mila 500 dollari. Originariamente il quadro apparteneva a Francis O. Matthiessen, un industriale e collezionista d'arte novaiorchese. Nel 1901, dopo la morte del mecenate, la tela venne messa all'asta e venduta. Nel 1968 Eugene Slotkowski la acquistò a Scicago. Il dipinto era stato nuovamente messo all'asta nel 2009, ma non era stato acquistato.Un'altra versione doveva essere messa all'asta sempre da Sotheby's, ma all'ultimo momento il governo polacco chiese di annullare la vendita.

Prompt: How does The Sword Dance explain its History?Please output in Italian.


section

Natura morta

L'attenzione per la raffigurazione dell'oggetto si ripresenta solo dopo secoli, a partire dal 1300 quando la cultura presta attenzione al valore simbolico degli oggetti, come ad esempio i teschi che rappresentano il memento mori e la vanitas, o i fiori appassiti che ricordano all'uomo che la bellezza è effimera e passeggera. Spesso si tratta di moniti. L'oggetto è simbolo di un messaggio e non fine a se stesso.Anche nella cultura trecentesca italiana possiamo rintracciare degli antecedenti della "natura morta", nel ruolo di Giotto e dei seguaci e di altri maestri toscani del Trecento nella rappresentazione di ambienti senza figure. Significativo anche quanto narra Vasari su Giotto ancora allievo di Cimabue un giorno dipinse una mosca su un affresco e Cimabue vedendola cercò di scacciarla per poi accorgersi dello scherzo e di come l'allievo fosse stato abile.

Prompt: In Still Life (Claesz), how is the Still life in the Middle Ages discussed?Please output in Italian.


section

Composizione X

Ultima grande composizione prima dello scoppio della guerra, in cui su uno sfondo nero Kandinskij crea un mondo fatto di forme favolose che nulla fa presagire delle imminenti catastrofi che si sarebbero abbattute sull'Europa. In quest'opera Kandinskij crea un equilibrio formale e cromatico perfetto e assolutamente armonioso, tanto da poter essere considerato come il culmine della sua ricerca sulla purezza della forma. Le molteplici strutture, che sembrano fluttuare senza peso in un profondo universo silenzioso, hanno perso ogni regolarità geometrica e tendono a trasformarsi in forme organiche. Una tendenza ascensionale domina la composizione della tela, mentre i colori valorizzati dallo sfondo scuro, che evoca non solo lo spazio, ma anche il buio alla fine della vita, paiono brillare e farsi ancora più luminosi. Nel dipinto sono presenti, accanto a elementi che richiamano alla mente organismi microscopici, anche alcune forme che derivano dal patrimonio decorativo della tradizione popolare russa, come ad esempio la forma irregolare di colore bruno in alto a sinistra, ornata con una serie di simboli, che è stata interpretata come un riferimento al tamburo sciamanico. Tale strumento era già comparso in Composizione V e sottolinea la profonda continuità che lega le opere dell'artista.

Prompt: Focus on Composition X and explain the Description.Please output in Italian.


section

Incoronazione Maringhi

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.Giuliana Grillotti,  Cappella del Miracolo a Sant'Ambrogio, in AA.VV., Cappelle del Rinascimento a Firenze, Editrice Giusti, Firenze 1998. ISBN 88-8200-017-6

Prompt: In Coronation of the Virgin (Filippo Lippi), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
ISBN
Sant'Ambrogio
Galleria degli Uffizi


section

Il generale Johnson che salva un ufficiale francese ferito

Il dipinto è importante in quanto si tratta di una visione contemporanea che mostra tutte e tre le potenze in gioco durante la guerra franco-indiana ). Esso raffigura il generale Sir William Johnson impedire ad un guerriero indiano di prendere lo scalpo del barone Jean Erdman von Dieskau .Questo dipinto ha buoni dettagli della figura dell'indiano, ed il suo scalpo ed i tatuaggi vengono raffigurati in modo più dettagliato rispetto alle uniformi europee. West era noto per avere posseduto una collezione di manufatti del Nord America che ha impiegato nei suoi dipinti .Benjamin West era uno dei primi pittori americani. Egli affermò di avere ricevuto i rudimenti della pittura da un amico d'infanzia indiano che gli mostrò come potesse dipingere miscelando argilla al grasso d'orso. Probabilmente iniziò il dipinto poco dopo il suo arrivo a Londra, nel 1763, quando era tornato dall'Italia dove aveva trascorso tre anni. Proprio come con il precedente  famiglia indiana, un dipinto di circa il 1761, qui dimostra la stessa volontà di illustrare "i giusti vestiti ed equipaggiamento".  Inoltre fornisce una delle due immagini note contemporanee della fanteria leggera britannica nel periodo delle guerre indiane.  Mentre nella pittura italiana l'accuratezza e l'autenticità avevano lo scopo di dare una rappresentazione generica della vita indiana, qui principia un nuovo modo di utilizzare l'arte, quello di lasciare un resoconto di un recente evento storico , il dipinto è generalmente ritenuto ritrarre un incidente accaduto durante la campagna del 1755. Presso il lago George erano schierati i francesi comandati dal barone Jean Erdman von Dieskau, con i loro alleati indiani, e una truppa mista composta da Mohawk e milizia del New England, guidata da Johnson. Dopo aver respinto un attacco contro il loro campo, gli inglesi ed i loro ausiliari prese il sopravvento: Dieskau, ferito tre volte, ebbe la vita salva da Johnson, che lo protesse dalla vendetta dei Mohawk per i loro parenti uccisi. West ritornò sul tema della guerra americana con il suo  morte del generale Wolfe esposto nel 1771, opera molto più grande che consolidò la sua reputazione ma creò scalpore, per l'uso di vestiti contemporanei.

Prompt: Focus on General Johnson Saving a Wounded French Officer from the Tomahawk of a North American Indian and explain the Description.Please output in Italian.

1771
Benjamin West
Jean Erdman
William Johnson


section

Cristo con l'animula della Madonna

Jadranka Bentini ,  Pinacoteca Nazionale di Ferrara. Catalogo generale, Bologna, Nuova Alfa editoriale, 1992, pp. 65–67. ISBN 8877792922Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878

Prompt: Focus on Christ Bearing the Soul of the Virgin and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

Crocifisso di Santa Croce

prima menzione scritta della croce risale al Memoriale di Francesco Albertini , che la considerava da sempre esistente in chiesa. Tutte le fonti antiche  lo attribuiscono concordemente a Cimabue, ricordandolo nella basilica. Nel 1948 fu musealizzato agli Uffizi, ma dieci anni dopo, con la sistemazione del museo di Santa Croce, fece il suo ritorno al complesso francescano. Qui fu purtroppo semidistrutta durante l'alluvione di Firenze del 1966, venendo travolta dalle acque, che staccarono irrimediabilmente gran parte della superficie dipinta. Restaurata con la massima cura possibile, la superficie pittorica appare oggi perduta per amplissime porzioni. Nonostante ciò restano le fotografie a testimoniare lo straordinario valore dell'opera.Nella sua storia critica recente l'opera suscitò numerosi dubbi, anche per le difficoltà di stabilire esattamente i contorni stilistici del corpus di Cimabue in generale. Alessandro Da Morrona negò l'autografia di Cimabue. Gaetano Milanesi, nel monumentale commento alle Vite del Vasari , ritenendo di Cimabue la Madonna Rucellai non ne trovava convergenze stilistiche nella croce, che quindi non gli attribuì. Dubbi ebbero anche Cavalcaselle , Thode, Venturi, Zimmermann , Wackernagel , van Marle, Sandberg Vavalà, Weigelt e Offner . Garrison vi ha ravvistato la presenza di aiuti e White lo ha ritenuto opera di bottega. Senza dubbi fu l'attribuzione di Suida  Aubert , confermata poi da tutti gli altri studiosi. Oggi, per l'altissima qualità pittorica, la Croce è senza dubbio riferita al maestro, al massimo ammettendo una partecipazione della bottega in alcuni brani .

Prompt: Focus on Crucifix (Cimabue, Santa Croce) and explain the History.Please output in Italian.

1948
Cimabue
Firenze
Francesco Albertini
Gaetano Milanesi
Madonna Rucellai


section

Madonna col Bambino tra i santi Flaviano e Onofrio

Lo schema è quello tipico della Sacra conversazione a mezze figure su sfondo scuro, in cui è raffigurata la Madonna col Bambino al centro tra due santi, ampiamente usato da Giovanni Bellini e altri pittori veneziani. Madonna, dallo sguardo pensoso, tiene in braccio il Bambino corpulento, che, cercando di divincolarsi, si protende verso il santo vescovo a sinistra, identificato come martire dalla presenza della palma nella mano destra, che gli mostra un cuore. L'identità di questo personaggio non è certa. È stato interpretato inizialmente come san Flaviano vescovo,  patrono di Recanati, che offre a Gesù un cuore trafitto, a prefigurarne la futura Passione. Più di recente si è ipotizzato che sia sant'Ignazio di Antiochia, molto venerato a Roma, a cui, secondo la leggenda, dopo la morte fu aperto il cuore e ne uscì il nome di Gesù a lettere d'oro. Osservando il dettaglio del dipinto, infatti, si nota che sopra il taglio sul cuore è presente il monogramma YHS.A destra è raffigurato l'eremita sant'Onofrio la cui fisionomia calva e barbuta si ispira a un personaggio del Cristo dodicenne tra i dottori di Albrecht Dürer, tavola dipinta a Venezia nel 1506. A Dürer rimandano anche la movimentata asimmetria e l'ardente intensità coloristica dell'opera, nonché il modo di creare i panneggi, non più tesi come carta accartocciata nelle opere precedenti, ma morbidi e densamente coloriti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna with Child between Sts. Flavian and Onuphrius.Please output in Italian.

1506
Albrecht Dürer
Cristo dodicenne tra i dottori
Giovanni Bellini
Recanati
Roma
Sacra conversazione
Venezia


section

Crocifisso di San Domenico ad Arezzo

croce è affine al Crocifisso della basilica di San Domenico di Giunta Pisano sia perché Giunta Pisano era stato l'artista più stimato e di riferimento alla metà del secolo sia perché la chiesa domenicana aretina non poteva non dipendere dalla chiesa principale dell'ordine, la basilica di San Domenico a Bologna.Da sempre conservato nella chiesa, il Crocifisso di Cimabue fu restaurato una prima volta nel 1917 e, più recentemente, nel 2005. Non è ricordato dalle fonti antiche e il primo a pubblicarlo fu Cavalcaselle nel 1875, che però lo attribuì a Margaritone d'Arezzo. Adolfo Venturi  fu il primo a fare il nome di Cimabue, seguito con decisione dal Toesca , che fu confermato da quasi tutti gli studiosi successivi. Lo hanno attribuito ad altri artisti pochi studiosi quali van Marle, Del Vita, Sirèn, vagnino, Garryson e Nyholm.

Prompt: How does Crucifix (Cimabue, Arezzo) explain its History?Please output in Italian.


section

Pala Chigi

Pala Chigi è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, commissionata al pittore nell’agosto del 1502 da Mariano Chigi per l’omonima cappella di famiglia nella chiesa senese di Sant’Agostino. Realizzata qualche anno dopo, tra il 1506 e il 1507, era dotata in origine di una predella con Storie di Cristo, oggi divisa tra il Metropolitan Museum di New York e l'Art Institute of Chicago.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Chigi Altarpiece.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Chigi
New York
Perugino


subsection

San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: In St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), how is the Controversial works of the Iconography explained?Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


section

Ritratto di gonfaloniere

Dal 1849 al 1910 il dipinto faceva parte della collezione privata di Agostino Pepoli, a Bologna. In seguito alla sua morte, è stato donato dagli eredi nel 1920 alla Pinacoteca Nazionale di Bologna. Dal 1934 da parte della collezione d'arte del Palazzo d'Accursio.Nel 2021 l'opera è tornata nella sua sede bolognese dopo il prestito concesso alla National Gallery di Londra in occasione della prima mostra in Gran Bretagna dedicata all'autrice.

Prompt: How does Portrait of a Gonfaloniere explain its History?Please output in Italian.

Agostino Pepoli
Bologna
Palazzo d'Accursio


section

Unione di Lublino

Regno di PoloniaParte2 =  Granducato di LituaniaParten = Parti = Mediatori = Negoziatori = Firmatari originali = Firmatari = Ratificatori = Depositario = Lingue = UNTC = }}LUnione di Lublino fu un atto politico siglato a Lublino, in Polonia, il 4 luglio 1569, con il quale fu sancita la fusione del Regno di Polonia e del Granducato di Lituania in un'unica realtà statale che prese il nome di Repubblica dei due Popoli o Confederazione polacco-lituana. Il nuovo stato fu governato da un monarca elettivo che assunse l'eredità dei sovrani polacchi e dei granduchi lituani, affiancato da un Senato e un parlamento detto Camera dei deputati della Polonia. L'Unione di Lublino rappresentò l'evoluzione della precedente unione personale fra domini polacchi e lituani e fu resa necessaria dalla pericolosa posizione della Lituania nelle guerre con la Russia.Riconosciuta come evento cruciale nella storia di molte nazioni, l'Unione di Lublino è stata osservata e valutata in maniera diversa da molti storici. Alcuni studiosi polacchi hanno esaltato i suoi aspetti positivi, enfatizzandone i tratti di creazione politica volontaria e pacifica e il ruolo fondamentale nella diffusione dell'avanzata cultura polacca. Altri, come Paweł Jasienica, hanno messo in rilievo come l'Unione abbia distolto la Polonia dal consolidamento ad occidente della propria influenza  rivolgendosi a oriente per difendere la debole situazione della Lituania su quel fronte. Gli storici lituani sono stati invece più critici nei confronti di questo atto, sottolineando la posizione predominante della Polonia all'interno dell'Unione.  storiografia ufficiale sovietica, per mezzo dei suoi storici inclini a seguire le direttive politiche, allo scopo di giustificare, l'invasione della Polonia nel 1939 a fianco della Germania nazista e la conseguente occupazione dei territori orientali, ha cercato di accreditare la versione secondo la quale la Confederazione non fosse altro che oppressione per le vaste masse di contadini e classi più povere. È anche vero che le condizioni di questi ceti non erano poi peggiori di quelle dei contadini del principato di Moscovia. Va comunque ricordato che con tutti i limiti e le critiche possibili, la Confederazione fu il primo tentativo riuscito di unione tra popoli slavi. In un certo momento della sua storia venne considerata la possibilità di far assurgere l'Ucraina a stato confederato con il nuovo nome di Repubblica dei tre Popoli.

Prompt: How does Union of Lublin (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.

1569
Confederazione polacco-lituana
Germania nazista
Granducato di Lituania
Lublino
Paweł Jasienica
Polonia
Russia
Ucraina


section

Apollo e Cupido

Il soggetto dell'opera è stato identificato in Apollo che insegna a Cupido come scoccare una freccia .  divinità è appoggiata ad un ceppo, "in un grazioso contrapposto che fa eco al Mercurio, ma senza la sua inclinazione all'indietro". Apollo originariamente teneva nella mano sinistra un arco. Con la destra, insegna a Cupido come estrarre la freccia dalla faretra e scoccarla con l'arco. Secondo la stampa del Liechtenstein Museum "Duquesnoy ha dato alle sue figure una superficie morbidamente cesellata e una delicata modulazione che crea un gentile gioco di luci e di ombre."

Prompt: Focus on Apollo and Cupid and explain the Description.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

L'ultima preghiera dei martiri cristiani

L'opera di Gérôme ricorda il dipinto Le fiaccole di Nerone , realizzato da Henryk Siemiradzki nel 1876, avente come tema principale il rogo dei cristiani nei giardini dell'imperatore Nerone.

Prompt: How does The Christian Martyrs' Last Prayer explain its Curiosity?Please output in Italian.

Henryk Siemiradzki
Le fiaccole di Nerone
Nerone


subsection

Monumento equestre al Gattamelata

Gattamelata avanza a volto scoperto: la presenza di un elmo a coprirne i lineamenti avrebbe reso il guerriero nulla più di una macchina da guerra, governata da una volontà superiore come quella divina caratterizzante il Medioevo. Il volto concentrato del Gattamelata esprime invece la determinazione di chi affronta la battaglia seguendo uno schema mentale vittorioso perché lungamente meditato.Il volto è quello di un uomo ormai avanti con gli anni, ma non è l'uomo anziano e ammalato dei suoi ultimi giorni, morto poco prima dell'arrivo di Donatello a Padova. Ma ciò non toglie che il ritratto sia somigliante al vero condottiero, vista la profonda caratterizzazione espressiva dei lineamenti. L'effigie, che si ispira innegabilmente alla ritrattistica romana, raggiunge quindi un equilibrio tra realismo fisionomico e idealizzazione psicologica. Soprattutto lo sguardo fisso e fiero trasmette caratteristiche quali la determinazione, la potenza, la forza di volontà, l'attitudine al comando, la concentrazione militare, la lealtà, l'integrità morale. Al giovane eroe bello e fisicamente perfetto dell'antichità classica, si sostituisce ora la rappresentazione dell'uomo razionale: l'eroe moderno, rappresentato nel suo essere uomo.

Prompt: In the context of Equestrian statue of Gattamelata, explain the Theportrait and the Description.Please output in Italian.


section

David con la testa di Golia

Il dipinto, che rappresenta l'unico esempio di scudo rinascimentale dipinto da un grande maestro che ci sia pervenuto, venne acquistato in Italia dall'inglese William Drury-Lowe nel 1852 e, dopo essere passato ai suoi discendenti, fu ceduto all'americano Peter A.B. Widener nel 1913, i cui eredi lo regalarono al Museo nazionale di Washington nel 1942.

Prompt: Focus on David (Verrocchio) and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Virtù e la Legge

Nella parte superiore, su uno zoccolo o di un parapetto, stanno tre figure femminili simboleggianti le virtù. Da sinistra si riconoscono la Fortezza, con l'elmo in testa e con un ramo di rovere , la Prudenza, vestita di verde e bianco e provvista anche di un secondo volto, quello virile di un anziano che le guarda le spalle tra i capelli, e la Temperanza, che impugna le redini.  Giustizia, quarta Virtù cardinale, è raffigurata nel medaglio corrispondente sulla volta. Essa, secondo la dottrina platonica elaborata da sant'Agostino, è gerarchicamente superiore alle altre.Alla scena prendono parte anche cinque putti, alati e non, che collegano con movimenti armoniosi le figure principali. Tre di essi impersonano le Virtù teologali: quello che coglie i frutti dal ramo della Fortezza rappresenta la Carità, quello con la fiaccola la Speranza , e quello che addita il cielo la Fede.Le forme ampie e monumentali dimostrano l'influenza di Michelangelo, che nell'agosto del 1511 aveva rivelato gli affreschi della volta della Cappella Sistina. Il ritmo però è reso misurato e composto, di impianto classico, da Raffaello, avvicinandosi già agli sviluppi della Stanza di Eliodoro.

Prompt: Explain the Virtues about the Description and style of this artwork, Cardinal and Theological Virtues (Raphael).Please output in Italian.

1511
Carità
Fede
Prudenza
Speranza
Stanza di Eliodoro
Temperanza
Virtù teologali


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Busto di Ankhhaf

Il busto fu scoperto nella tomba del principe Ankhhaf, figlio del faraone Snefru e fratello  di Cheope, la mastaba G 7510 nella necropoli di Giza, piuttosto danneggiata. Le braccia del busto potrebbe essere state realizzate sui braccioli di un seggio oggi perduto. Sembra evidente che fu al centro di un culto funerario siccome, cadendo dal luogo in cui si trovava, infranse alcuni vasetti di ceramica del tipo utilizzato per le offerte ai defunti .

Prompt: Focus on Ankhhaf (sculpture) and explain the Discovery site.Please output in Italian.


section

La cavallerizza

Dopo aver conseguito il diploma all'Accademia Imperiale di Belle Arti nel 1821 e aver ricevuto la gran medaglia d'oro, nel 1822 Karl Pavlovič Brjullov fece un viaggio all'estero con il fratello architetto Aleksandr Pavlovič Brjullov. I due godevano dello status di pensionati della società imperiale di incoraggiamento alle belle arti e in primo luogo visitarono la Germania, dopodiché giunsero in Italia nel 1823, dove si stabilirono a Roma.Nei primi anni del suo soggiorno in Italia, Karl Brjullov realizzò delle scene di genere della vita italiana, creando delle tele come Mattino italiano , Mezzogiorno italiano  e Fanciulla che coglie l’uva nei dintorni di Napoli . Dal 1825 al 1828, su richiesta dell'ambasciata russa a Roma, lavorò a una copia dell'opera  scuola di Atene di Raffaello Sanzio. Nel 1827, Karl Brjullov visitò gli scavi di Pompei, dove gli venne l'idea di dipingere un quadro dedicato alla catastrofe sofferta da questa città. A partire dal 1827 lavorò a dei bozzetti e studi, e nel 1830 cominciò a creare la versione finale della grande tela con figure multiple, Gli ultimi giorni di Pompei, il cui lavoro continuò fino al 1833.sinistra cavallerizza e altri dipinti esposti alla Galleria Tret'jakov .Nel 1827, a Roma, Brjullov conobbe la contessa Julija Samojlova al salone d'arte della principessa Zinaida Aleksandrovna Volkonskaja. In seguito, Samojlova e Brjullov rimasero legati per molti anni da un'amicizia molto stretta.L'opera nella galleria moscovita.In seguito, la tela si trovava nella collezione della contessa Samojlova. A quanto pare, adornava l'interno della sua villa italiana, e alcuni contemporanei  informano che doveva trovarsi nel soggiorno. Per quasi quarant'anni non si seppe nulla sul dipinto.  menzione successiva risale al 1872, quando a Parigi, tre anni prima della morte della Samojlova, si organizzò la vendita della sua proprietà. Nell'asta,  cavallerizza venne acquistata dall'agente Jules-Philippe Duloup, che, oltre alla tela di Brjullov, comprò anche un'opera di Vladimir Borovikovskij. Si diceva che egli l'avesse preso su richiesta di Pavel Michajlovič Tret'jakov; alcune fonti citano il testo di un foglio ricevuto da Tret'jakov da uno sconosciuto, che recita: "L'altro giorno sono arrivato da Parigi. Nel partire, ero all'asta della contessa Samojlova, dove Doulop avrebbe comprato per lei due dipinti: un Brjullov per 4050 franchi e Borovikovskij per 3400 franchi." Nel 1893, il quadro fu acquistato dalla galleria Tret'jakov attraverso la Società pietroburghese, per 2000 rubli.

Prompt: In Horsewoman (Bryullov), how is the History discussed?Please output in Italian.

Aleksandr Pavlovič Brjullov
Germania
Italia
Karl Pavlovič Brjullov
Mattino italiano
Parigi
Pavel Michajlovič Tret'jakov
Raffaello Sanzio
Roma


section

La camera di Vincent ad Arles

Il soggetto del dipinto è la camera da letto di Vincent nella «casa gialla» di Arles, dove l'artista si era rifugiato con la speranza di insediarvi un atelier di pittori avanguardisti. Dell'opera esistono tre versioni: la prima, oggi esposta ad Amsterdam, fu eseguita nell'ottobre 1888, mentre le seconde sono particolarmente interessanti perché van Gogh le realizzò durante il volontario ricovero al manicomio di Saint-Rémy-de-Provence, quasi come se egli volesse recuperare e aggrapparsi a quei ricordi felici, quali erano quelli arlesiani.I vari oggetti ritratti raccontano l'usuale quotidianità della mattina di van Gogh. Il primo oggetto che colpisce lo sguardo dell'osservatore è il letto di legno, a destra, appena rimesso a posto dopo il sonno notturno: «ed ecco la tua arca, come una sontuosa cuccia di cane randagio, dove ti vedo posarti esausto, con la pelle bruciata dalle intemperie dopo una giornata in un campo di girasoli, o chissà, dove il tuo irrequieto vagabondare ti porta», mormora un critico di Rai Arte in un immaginario colloquio con il pittore. Alle spalle di questo vi è un attaccapanni, sul quale troviamo appesi alcuni indumenti di uso quotidiano e il celebre cappello di paglia con cui van Gogh si era ritratto un anno prima, nel 1887. Dalla parete contigua al letto, invece, incombono un autoritratto del pittore, il ritratto di una sconosciuta e due stampe giapponesi, genere di cui Vincent era un ardente appassionato: le loro «tinte piatte che armonizzano», splendenti di una luce endogena, ebbero un'eco duratura sulla sua arte. Sulla parete di fondo, poi, è distrattamente appeso un ulteriore quadro, stavolta un paesaggio.Proseguendo la visione verso sinistra troviamo una finestra: Vincent la lascia semiaperta, in modo tale da lasciar intuire l'esistenza di altri spazi, estranei per forza di cose alla superficie pittorica, e soprattutto per lasciar «respirare» il dipinto, «eliminando qualsiasi rischio di claustrofobia percettiva» . Ancora a sinistra vi è uno specchio sporco e bianco appeso alla parete, e al di sotto di questo si erge un tavolino recante l'oggettistica da bagno, con una bacinella, una brocca, un bicchiere, una bottiglia, un piatto e una spazzola al di sopra di esso. Sempre a sinistra, infine, vi sono un asciugamano penzolante da un chiodo e una porta lasciata semichiusa.  visione viene infine completata da due sedie di vimini, l'una posta accanto al letto  e l'altra accostata alla parete. Sono vuote: sono, infatti, una metafora ossessiva dell’assenza, forse dell'amico Gauguin, forse della donna della sua vita, così a lungo favoleggiata, ma mai incontrata.

Prompt: Focus on Bedroom in Arles and explain the Description.Please output in Italian.


section

Statua di Franz Kafka

statua di Franz Kafka è una scultura dell'artista Jaroslav Róna installata nel dicembre 2003 nella via Vězeňská nel quartiere ebraico di Praga.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Statue of Franz Kafka.Please output in Italian.


subsection

La grande onda di Kanagawa

Nell'immagine vi sono tre imbarcazioni chiamate , veloci chiatte lunghe circa 12-15 metri utilizzate per il trasporto del pesce ancora vivo dalle penisole di Izu e Bōsō ai mercati della baia di Edo. Come suggerisce il nome dell'opera, le imbarcazioni si trovano al largo del porto di Kanagawa, a sua volta adiacente alla Kanagawa-juku , in passato importante punto di scalo nella strada che collegava Edo a Kyoto. Se ambientata ai giorni nostri, la scena si svolgerebbe a circa 30 chilometri a sud di Tokyo, con il Monte Fuji distante approssimativamente 90 chilometri dagli occhi dell'osservatore.Vi sono otto vogatori per barca, afferrati ai loro remi. Altri due passeggeri stanno posizionati a prua di ciascuna barca, portando il numero totale di uomini presenti nell'immagine a trenta. Indossano una veste color indaco chiamata , da cui si può presumere che la scena sia ambientata in una giornata primaverile, in quanto tali abiti da lavoro erano indossati solitamente in primavera e in autunno, con la differenza che nella stagione autunnale le vesti erano di colore marrone.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the The boat. and the Description.Please output in Italian.


section

Vertumno

Properzio Elegie, IV, 2 Ovidio, Le metamorfosi XIV,643 e Fasti VI,410

Prompt: In Vertumnus (Arcimboldo), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Ludovico II di Baviera

in inglese: Blunt, Wilfred and Michael Petzet. The Dream King: Ludwig II of Bavaria. 1973. ISBN 0-14-003606-7. Chapman-Huston, Desmond. Bavarian Fantasy: The Story of Ludwig II. 1955. King, Greg. The Mad King: The Life and Times of Ludwig II of Bavaria. 1996. ISBN 1-55972-362-9 McIntosh, Christopher. The Swan King: Ludwig II of Bavaria. 1982. ISBN 1-86064-892-4

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Source of quotes and the Ludovico in the mass culture.Please output in Italian.


section

Corazziere ferito che abbandona il campo di battaglia

È stato scritto, in una monografia su Gericault, che l'armonia delle varie parti risulta imperfetta. Il cavaliere  è sproporzionato rispetto alla corporatura epica del cavallo del quale si vede soltanto la testa e sembra non avere il corpo. L'artista fu ancora più severo verso sé stesso asserendo che il cavallo ha una testa di vitello con un grande occhio stupido. In ogni caso, malgrado questi verificabili difetti, nell'insieme l'opera risulta interessante per la sincerità d'esecuzione e per la vitalità che lascia intravedere.

Prompt: How does The Wounded Cuirassier explain its Imperfection vitality?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Tre età dell'uomo

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8

Prompt: In The Three Ages of Man (Titian), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


section

Onfale

Prompt: How does Omphale (Gérôme sculpture) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


section

Cristo morto compianto da quattro angeli

Cristo morto, col costato ferito, è raffigurato nella sua nudità, seduto sul sepolcro-altare su un sudario blu intenso e retto da quattro angeli. Due di essi, quelli in primo piano, illuminati più fortemente, tengono in mano due grossi ceri: in quello di destra la veste assume originalissimi toni cangianti, tra il rosso e l'azzurro. In terra si trovano gli strumenti della Passione , mentre in testa Cristo ha ancora la corona di spine. tavola, sebbene si ispiri alla tradizione quattrocentesca delle Pietà in cui il Cristo morto è tenuto col busto eretto da angeli o dai dolenti, presenta molti elementi innovativi, a partire proprio dalla figura del Cristo, dalla posa serpentinata, precariamente scivolosa, e mai così possente e sensuale, che dimostra sia l'assimilazione di Michelangelo , sia della statuaria antica: per il torso di Cristo è stato ipotizzato come modello il Torso Gaddi, all'epoca a Roma e oggi agli Uffizi, ma è stato citato anche il Cristo della Minerva; molto scultoreo è anche il braccio destro pendente, così simile a quello della Pietà vaticana. Più che richiamare un modello all'artista doveva però interessare l'esaltazione del corpo umano, accuratamente descritto fino all'ultimo dettaglio nella sua nudità , per certi versi conturbante. Il plasticismo del corpo raggiunge infatti vertici di straordinaria morbidezza, sotto una luce calda e intensa, con il piede e le sue dita inarcati, che fanno pensare a un corpo quasi ancora in vita.Se non fosse per i pochi attributi religiosi, la scena potrebbe essere scambiata per una morte di Adone, restando in bilico tra il tema religioso e il trattamento squisitamente profano e languido di esso, anche in termini sensuali, in accordo con le tendenze dell'arte nell'epoca clementina. Gli angeli, proprio come quelli di Pontormo, lo reggono senza sforzo, con una presa leggera delle mani.Antonio Natali ha proposto una lettura simile alla Deposizione di Pontormo della Cappella Capponi a Firenze, cioè legata al tema del corpo eucaristico di Cristo che viene deposto sulla mensa d'altare, ipotizzando quindi una destinazione chiesastica della pala, magari all'interno della cappella Cesi in Santa Maria della Pace pure affrescata dal Rosso all'inizio del suo soggiorno romano. Al tema eucaristico richiamerebbero la forma del sepolcro, così simile a un gradino d'altare, e la presenza dei ceri, come se fossero poggiati idealmente sulla mensa.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Dead Christ with Angels (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.

Antonio Natali
Cappella Capponi
Cristo della Minerva
Firenze
Pietà vaticana
Pontormo
Torso Gaddi


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Self-portrait environment autonomy of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


section

Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano

L'opera ha apparentemente un tipico schema devozionale, con i personaggi a mezza figura allineati su un campo lungo orizzontale, la Madonna col Bambino al centro e due santi ai lati, su un modello ampiamente usato a Venezia da Giovanni Bellini e altri. In questo caso però Maria è disallineata, sedendo su un trono di nuda pietra, coperto solo da un telo verde, dove deve appoggiare anche le gambe, sul modello delle Madonne dell'Umiltà, ed è affiancata dai santi Rocco e Sebastiano  che stanno invece in piedi, su un livello più basso, e con una rotazione del busto complementare di tre quarti . Rocco mostra la sua ferita nella coscia, che è miracolosamente risanata dal gesto benedicente del Bambino, Sebastiano invece compie una torsione in avanti per vedere, con espressione stupita, il prodigio. costruzione della composizione ha un gusto squisitamente proto-manierista, con l'uso di linee diagonali e un sostanziale disinteresse verso la prospettiva . luce è morbida e avvolgente, la stesura dà effetto setosi, come nella capigliatura bionda di Sebastiano, oppure lanosi, come nel cappello di Rocco, legato dietro le spalle. Straordinario il concerto di colori squillanti, evidenziato dallo sfondo grigio, e che ha il suo culmine nel rosso intenso della veste di Maria.Nei primi anni del XVII secolo Enea Salmeggia ne fece una copia di ottima qualità conservata a Costa Mezzate nel castello dei Camozzi Vertova..

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Costa Mezzate
Enea Salmeggia
Giovanni Bellini
XVII secolo


section

Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Explain the The adoration of the shepherds in art of this artwork, Adoration of the Shepherds (Rubens).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


subsection

Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: In Music (Matisse), how is the The popular song of the Opera, lyric explained?Please output in Italian.


subsection

Lucrezia

Lucretia Garfield, first lady statunitenseLucrecia Martel, regista e sceneggiatrice argentinaLucretia Mott, attivista statunitenseLucrecia Pérez, attrice e cantante cubana

Prompt: In the context of Lucretia (Veronese), explain the Female variants and the Variants.Please output in Italian.

Lucrecia Martel
Lucrecia Pérez
Lucretia Garfield
Lucretia Mott


section

Peine del viento

Inizialmente doveva essere un'unica scultura a essere posizionata su un'enorme roccia , ma successivamente Chillida decise che sarebbero state tre. Il motivo per cui l'artista decise che non doveva essere solo una l'opera incastonata nella roccia, fu a causa del suo totale rispetto per quel luogo che fino dall'infanzia era stato un rifugio dove ritrovare la pace interiore. Secondo lui dovevano essere tre le sculture in modo che l'osservatore non si concentrasse solo su un'unica opera rifiutando l'intorno; lo spazio che si sarebbe creato tra le tre sculture sarebbe stato più importante delle sculture stesse. L'elemento principale quindi non erano le sculture ma il mare, le onde, le rocce, il vento e l'atmosfera che ognuno di noi si crea in quel luogo.Non ci sono rumori di auto, clacson o confusione: gli unici due rumori che si possono percepire sono quello dell'infrangersi delle onde sulle rocce e l'altro è il soffio del vento provocato da sette fori nel suolo della piazza che simbolicamente rappresentano le sette province basche.Dopo la costruzione della piazzetta per mano dell'architetto Luis Peña Ganchegui, si passo alla fase dell'installazione dell'opera scultorea, previo il riconoscimento del terreno, della costruzione dei piani regolatori, dei plastici, dei documenti burocratici e prototipi delle sculture. Si rafforzarono le rocce per sopportare il peso di 10 tonnellate di ogni scultura e si fecero i fori per incassarle nella roccia. soluzione decisiva che si adottò per collocare le tre sculture dopo vari tentativi fu quella di posizionare una passerella capace di sopportare il peso delle sculture, delle maree e delle costanti onde. Con questa tecnica furono installate tutte e tre le sculture.Per mancanza di tecnologie adatte le tre opere vennero create ognuna con due pezzi di acciaio arricciati e legati tra loro per creare l'immagine che oggi possiamo vedere.  Ma esiste una curiosità a riguardo del punto di giuntura dei due pezzi: ogni singolo individuo che prese parte al progetto scrisse il proprio nome all'interno della giuntura perché ogni singola persona che prese parte al progetto, influenzò e aiutò Eduardo Chillida nella costruzione delle tre sculture, che non potremmo mai avere immaginato che si realizzarono direttamente sul posto.Al termine dei lavori non ci fu un vero e proprio evento di inaugurazione, ma il sindaco Fernando Otazu e l'ufficiale maggiore del comune di San Sebastián Federico Lários presero parte all'avvenimento. In totale erano solo 9 i partecipanti al piccolo evento che avvenne il 3 settembre del 1977. Inizialmente l'opera non fu apprezzata dai concittadini di Chillida; preferivano un parcheggio per andare al mare o in caffetteria a un'opera d'arte moderna.”Non è propriamente una politica contro di me ma ho l'impressione che forse sia dovuto solo al fatto che le mie opere non siano ampiamente conosciute”. Chillida evitò oltretutto di dedicare l'opera: per lui il Peine del Viento era un'opera dedicata al mare, alle onde e al vento. Semplicemente si rimosse il cantiere ma le persone cominciarono a passeggiare fino a là in fondo alla baia, ad amare quelle sculture e sentendosi parte del progetto che divenne da quel momento l'emblema della città di San Sebastián.Solo il 16 settembre del 2007, anno del trentesimo anniversario della collocazione delle sculture, si celebrò l'ufficiale atto inaugurale per volontà dei figli di Chillida in memoria del padre, dedicandogli completamente il progetto.

Prompt: Explain the Construction work of this artwork, The Comb of the Wind.Please output in Italian.


subsection

Ritratto di donna Franca Florio

pennellata rapida ed eccentrica di Giovanni Boldini qui immortala donna Franca Florio, altrimenti nota come «regina di Sicilia». Discendente di una famiglia dell'aristocrazia siciliana ed entrata per matrimonio nella più ricca famiglia dell'imprenditoria dell'isola, donna Franca era l'indiscussa regina di tutti gli appuntamenti del bel mondo palermitano: parlava fluentemente quattro lingue e la sua intrigante bellezza ed eleganza avevano sedotto centinaia di uomini, primi tra tutti Gabriele D'Annunzio e Guglielmo II di Germania, per i quali era rispettivamente l'«Unica» e la «Stella d'Italia». Affascinante icona della Belle Époque, donna Franca era anche un'abile imprenditrice e, aiutando il marito Ignazio negli affari di famiglia, contribuì ad accrescere lo splendore del casato Florio e ad aumentare il prestigio internazionale della sua regione natia, la Sicilia.Nel 1901 Ignazio Florio commissionò a Giovanni Boldini, il pittore ferrarese che si era dedicato con successo crescente a ritrarre la mondanità parigina, un dipinto che immortalasse degnamente la radiosa bellezza ed eleganza della moglie. Boldini, artista animato da un'effervescente vocazione alla mondanità, non se lo fece ripetere due volte e nello stesso anno si trasferì da Parigi a Palermo, dove fu ospite dei Florio, realizzando così il ritratto.  versione originale dell'opera raffigurava donna Franca fasciata da un regale abito da sera nero impreziosito da vari ricami dorati, munito anche di maniche lunghe con intarsi ai polsi. In seguito a vari ripensamenti, Boldini sarebbe intervenuto sulla tela altre due volte, inserendovi una seggiola e scoprendo le braccia della nobildonna, aggiornando il vestiario alla moda degli anni venti.Le analisi a raggi X hanno accertato che del dipinto esiste una sola versione, rinnegando così una certa aneddotica secondo cui Ignazio Florio, oltraggiato dalla valenza osé della tela attuale , commissionò all'artista un altro dipinto, stavolta meno provocante, con l'allungamento della veste e l'alzata della spallina. Questa «seconda versione», esposta a Venezia e documentata da un'unica foto superstite, stando alla biografia tradizionale sarebbe poi andata misteriosamente perduta. In seguito ad alcuni accertamenti condotti nel 2017 dagli studiosi dell'università  Sapienza, tuttavia, è stato possibile smentire definitivamente questa versione dei fatti, accertando che in realtà il Ritratto di donna Franca Florio non è altro che una stratificazione di tre versioni diverse sullo stesso supporto:</ref>}}

Prompt: Describe the characteristics of the Under the aegis of the Florio in Portrait of Donna Franca Florio's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1901
Belle Époque
Florio
Franca Florio
Gabriele D'Annunzio
Giovanni Boldini
Guglielmo II di Germania
Palermo
Venezia


subsection

marmi di Elgin

Elgin consultò nel 1803 lo scultore Antonio Canova per individuare il modo migliore con cui trattare i marmi, infatti Canova era considerato il miglior restauratore di sculture del tempo; Elgin tuttavia ottenne il rifiuto dello scultore, che temeva di danneggiare ulteriormente i marmi. Inoltre un carico di marmi a bordo del brigantino britannico Mentor incappò in una tempesta al largo di capo Matapan e affondò nei pressi di Citera, ma venne recuperato a spese del conte dopo due anni di lavoro.

Prompt: In Elgin Marbles, how is the Elgin of the Damages explained?Please output in Italian.


section

Lucifero

Della visione patristica riguardo Satana/Lucifero risente tutta la letteratura e la filosofia cristiana almeno fino al XVIII secolo . Ciò portò Dante Alighieri, Joost van den Vondel e John Milton  a dare una rappresentazione di Lucifero che ben palesava la sua totale identificazione con lorigine prima del Male . Alla fine del secondo atto di Lucifero  come nel canto primo di Paradiso Perduto  il fruitore ha la possibilità di comprendere che uno dei motivi che muovono Lucifero sia la volontà di opporsi alla subordinazione. Per Lucifero anche il governo di un regno di natura inferiore rispetto a quella celeste  è di gran lunga migliore rispetto alla condizione di subalternità in Paradiso.  Nella Divina Commedia viene spiegato che la sede di Lucifero è il fiume infernale "Cocito", ma la mitologia greco-romana vuole che la dimora terrestre dell'angelo caduto sia il go d'Averno. Celebre è inoltre il verso con cui Dante preannuncia al lettore la sua presenza, "Vexilla regis prodeunt inferni".

Prompt: Explain the Lucifer in literature of this artwork, Lucifer (Stuck).Please output in Italian.

Cocito
Dante Alighieri
Dante Alighieri
Divina Commedia
John Milton
Joost van den Vondel
Male
Satana
Vexilla regis prodeunt inferni
XVIII secolo


section

Madonna del Coniglio

Una donna abbigliata da dama di compagnia, santa Caterina d'Alessandria , sta porgendo il Bambino a Maria seduta in un prato, vicino a un cestino con frutta. Sullo sfondo osserva un pastore, un motivo di origine giorgionesca che contiene forse il ritratto di Federico Gonzaga, come farebbe pensare anche la prima stesura dell'opera, visibile con radiografie, in cui Maria volgeva lo sguardo verso di lui. Altri invece hanno pensato a un autoritratto del pittore, che si dipinse triste e in disparte, per via delle recenti vicende familiari. Le mele e l'uva nel cesto richiamano simbolicamente il peccato originale e il vino eucaristico, quindi la redenzione dei peccati.In primo piano, i fiori selvatici rievocano il locus amoenus dell'idillio della poesia classica, così come il paesaggio arcadico, che si riscontra anche in opere come il Concerto campestre o la serie dei Baccanali di Ferrara.Notevole è il fascino dei colori scelti e la sensibilità verso il paesaggio, con le striature arancio e azzurro che velano il cielo crepuscolare, tipiche della fase del pittore della prima maturità.

Prompt: In Madonna of the Rabbit, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Sacro Cuore di Gesù

festa del Sacratissimo Cuore fu celebrata per la prima volta in Francia probabilmente nel 1672 e divenne universale per tutta la Chiesa cattolica solo nel 1856. Cade il venerdì dopo la seconda domenica dopo Pentecoste e coincide pertanto con l'ottavo giorno dopo il Corpus Domini se quest'ultimo si festeggia di giovedì. Si tratta perciò di una festa mobile, la cui data, che dipende dalla data della Pasqua, può variare tra il 29 maggio e il 2 luglio.Il giorno seguente, di sabato, si celebra la festa del Cuore Immacolato di Maria , che in alcuni anni risulta impedita da un altro ufficio concomitante, sebbene di differente "priorità" e classe liturgica: ciò si è verificato o si verificherà negli anni 2017, 2019, 2022, 2028 e 2030.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Holidays.Please output in Italian.


section

Natività mistica

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 8881170914

Prompt: In The Mystical Nativity, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Croce della Camargue

croce della Camargue è detta anche croix "gardiane"  dal nome dei gardians, lavoranti degli allevamenti bradi di tori e cavalli della regione. Essa infatti ha i due bracci e la sommità ornata da un tridente a mezzaluna, che è lo strumento  con cui i  gardians stimolano il bestiame allevato allo stato brado. Croce della Camargue riunisce i simboli delle tre virtù teologali, Fede , Speranza  e Carità, rappresentata dal cuore.Essa è stata creata dallo scultore, pittore e illustratore francese Hermann-Paul nel 1924. Ne aveva avuto l'incarico dal marchese Folco de Baroncelli-Javon, pittoresco personaggio della Camargue all'inizio del XX secolo.Il marchese voleva creare un simbolo per la regione, che ne ricordasse la religiosità e l'operosità. Vi sono raccolti, oltre ai simboli delle virtù, anche quelli delle attività lavorative del delta del Rodano: l'allevamento  e la pesca .Il primo esemplare fu forgiato nel 1927 da un fabbro di Saintes-Maries-de-la-Mer, Joseph Barbanson, e posto al centro del paese. È stato poi rubato e ora è sostituito da una copia. Un altro esemplare decora la facciata laterale della chiesa fortificata del villaggio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cross of Camargue.Please output in Italian.

1924
1927
Camargue
Carità
Croce
Fede
Folco de Baroncelli-Javon
Hermann-Paul
Rodano
Saintes-Maries-de-la-Mer
Speranza


section

Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: In Annunciation (Pontormo), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Epifania

In Romania e Moldavia, l'Epifania si chiama Boboteaza. Nel sud-est della Romania, dopo le funzioni religiose, gli uomini partecipano alle corse invernali dei cavalli. Prima della corsa, gli uomini si mettono in fila con i loro cavalli davanti al sacerdote, che li benedirà aspergendoli con rami verdi che sono stati precedentemente immersi nell'acqua santa dell'Epifania. A volte le persone desiderano avere questa benedizione anche per se stesse. Vincere la corsa dell'Epifania è un grande onore sia per il cavallo che per il cavaliere, mentre i festeggiamenti post-gara, sia in caso di vittoria che di perdita, sono comunque molto festosi. Come in altri paesi del mondo ortodosso orientale, i riti dell'acqua svolgono un ruolo speciale in questo giorno. Un detto della saggezza popolare rumena sostiene che se una ragazza scivola sul ghiaccio o, meglio ancora, cade nell'acqua durante l'Epifania, si sposerà sicuramente prima della fine dell'anno.In Transilvania , i cristiani luterani e riformati di origine ungherese e sassone celebrano l'Epifania con il canto delle stelle e la benedizione delle case, come nell'Europa centrale. L'usanza del canto delle stelle si era diffusa molto tempo addietro in tutta la Romania e nella Repubblica di Moldavia. Qui la stella, chiamata Steaua, oggi assomiglia a una lanterna di vetro colorato e presenta al centro un'icona ortodossa, una tradizione che indica la fusione tra Oriente e Occidente che caratterizza le due nazioni affacciate sul fiume Prut.

Prompt: In Epifania, how is the Romania Moldova of the Theology explained?Please output in Italian.

Transilvania Moldavia Prut Romania Transilvania Transilvania


section

Combattimento fra galli

Gérôme dipinse quest'opera quando era alunno di Paul Delaroche, il quale lo incoraggiò ad esporre il quadro al Salone del 1847, dove venne apprezzato  e fu premiato con una medaglia d'oro. Dopo l'esposizione al Salon il dipinto venne venduto al signor Roux-borie ed entrò a far parte della sua collezione privata. Nel 1873 il dipinto venne acquistato dallo stato francese grazie all'intervento di Adolphe Goupil, suocero dell'artista. Il dipinto venne quindi esposto nel museo del Lussemburgo, poi nel 1920 venne trasferito nel museo del Louvre e nel 1986 venne esposto nel museo d'Orsay, dove si trova tuttora.

Prompt: In The Cock Fight, how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

Sacra Famiglia

Nella dottrina cristiana la Sacra Famiglia è stata sempre ritenuta un modello fondamentale della famiglia umana. I legami di affetto, di amore, di comprensione che le famiglie umane sono chiamate a rinnovare continuamente, sono particolarmente espressi e vissuti nella Sacra Famiglia.

Prompt: In Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz), how is the Example for the human family of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


section

Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Focus on Annunciation (Correggio) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


section

Ebbrezza di Noè

LEbbrezza di Noè è un affresco  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1508-1510 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: Focus on Drunkenness of Noah and explain the Abstract.Please output in Italian.

1508
1510
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Noè
Roma


section

Ritratto di Paolo III

Opere di Tiziano Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte Collezione Farnese

Prompt: Focus on Portrait of Pope Paul III (Titian) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The self-portrait of the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

William Tecumseh Sherman

Il 17 febbraio 1865 Sherman conquistò Columbia, la capitale del Sud Carolina.  zona centrale della città venne distrutta da incendi che durarono tutta la notte; ci furono molte polemiche riguardo all'incendio della città, con alcuni che sostenevano che il fuoco fosse un fatto accidentale, mentre altri affermavano che fosse stato un deliberato atto di vendetta, mentre una terza ipotesi attribuiva l'incendio alla ritirata dei Confederati che avrebbero bruciato le balle di cotone al momento della fuga dalla città.Sherman continuò a marciare attraverso il Nord Carolina, e le sue truppe causarono pochi danni rispetto a quelli causati nel Sud perché il nord era considerato uno stato che aveva aderito alla causa confederata in maniera più riluttante. Nel suo ultimo combattimento significativo Sherman sconfisse l'esercito del generale Johnston nella battaglia di Bentonville.A fine marzo lasciò per poco tempo le sue forze per andare a City Point, Virginia, e incontrare Grant. Anche Lincoln si trovava lì, e questo permise l'unico incontro dei tre insieme durante la guerra.Sherman si incontrò con Johnston a Bennett Place nella contea di Durham nel Nord Carolina per negoziare la resa Confederata. Alle richieste di Johnston e del presidente confederato Jefferson Davis, Sherman offrì condizioni che riguardavano sia l'aspetto politico che quello militare, malgrado non avesse alcuna autorizzazione per dettare queste condizioni né dal generale Grant, né dal governo degli Stati Uniti.Washington si rifiutò di riconoscere il trattato di resa, cosa che causò una lunga ed aspra polemica tra Sherman e il Segretario alla guerra Edwin McMsters Stanton.  confusione su questa questione durò fino al 26 aprile quando Johnston, ignorando le istruzioni del presidente Davis, accettò i termini della resa che si riferivano alla situazione militare, e formalmente fece arrendere il suo esercito e tutte le forze confederate della Carolina , della Georgia e della Florida.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Confederate meeting and the Service  civil  war.Please output in Italian.

1865
Bennett Place
Durham
Edwin McMsters Stanton
Florida
Jefferson Davis


section

Ritratto di Luigi XIV

Ritratto di Luigi XIV  venne dipinto nel 1701 dal pittore di corte Hyacinthe Rigaud. Il dipinto venne commissionato a Rigaud dallo stesso Luigi XIV per soddisfare una richiesta di suo nipote, Filippo V di Spagna, di avere un ritratto del sovrano francese. Dopo l'esecuzione del quadro, ad ogni modo, Luigi XIV lo trovò così bello da tenerlo per sé a Versailles e da far realizzare una copia per il nipote. Divenne il ritratto ufficiale di Luigi XIV e la sua immagine si diffuse rapidamente non solo in Francia, ma anche in tutte quelle parti del mondo con le quali il regno francese fosse entrato in rapporti.

Prompt: How does Portrait of Louis XIV explain its Abstract?Please output in Italian.

1701
Filippo V di Spagna
Hyacinthe Rigaud


section

Ritratto di Eleonora Gonzaga della Rovere

Grazie a una lettera di Pietro Aretino a Veronica Gambara del 7 novembre 1537 sappiamo che, in quel periodo, Tiziano stava ultimando il ritratto della duchessa e del marito. Nel gennaio del 1536 la duchessa scriveva al proprio ambasciatore a Venezia il desiderio di essere ritratta da Tiziano qualora questi si trovasse a passare per Pesaro dove la donna risiedeva. L'artista doveva essersi già impegnato per un ritratto anche col marito di lei, Francesco Maria della Rovere, durante i giorni dell'incoronazione di Carlo V a Bologna nel 1530.Col soggiorno della duchessa a Venezia dal settembre 1536, l'idea del pendant di coppia dovette farsi strada, facendo abbandonare l'idea, per il ritratto di Francesco Maria, di un ritratto a figura intera . In Italia, infatti, a quegli anni, non si era ancora diffusa l'usanza di ritrarre le donne per intero. Il ritratto di Eleonora fu dunque realizzato poco prima di quello del marito, nell'autunno-inverno del 1536-1537.L'Aretino elogiò l'opera con un sonetto, che omaggiava la duchessa e le sue virtù, tanto con la poesia che con quanto realizzato dal pennello, creando così un esempio di "ut pictura poësis" popolare nella precettistica contemporanea. Ne rimarcò, in particolare, «l'unione dei colori che lo stile di Tiziano ha distesi», la «concordia», lo «spirito gentile», «l'onestà» e la «modestia» della duchessa.L'opera arrivò alla villa Imperiale di Pesaro nel 1538, e vi restò fino all'estinzione della casata, quando fu portato a Firenze con la dote di Vittoria della Rovere, maritata a Ferdinando II de' Medici.Nel Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi si conserva una copia ottocentesca dell'opera .

Prompt: In Portrait of Eleonora Gonzaga della Rovere, how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto di Ariosto

Il cosiddetto Ritratto di Ariosto è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In A Man with a Quilted Sleeve, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Ballo a Bougival

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Dance at Bougival.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Tre età dell'uomo

Le Tre età dell'uomo  è un dipinto a olio su tavola  di Giorgione, databile al 1500-1501 circa e custodito nella Galleria Palatina a Firenze.

Prompt: In The Three Ages of Man (Titian), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
1501
Firenze
Galleria Palatina
Galleria Palatina
Giorgione


subsection

Ritratto dei coniugi Arnolfini

In primo luogo troviamo la rappresentazione della coppia formata da Giovanni Arnolfini e Costanza Trenta, che è antagonistica e simboleggia i differenti ruoli che ognuno ricopre nel matrimonio. L'uomo appare severo, con la mano sinistra abbassata, che tiene la mano della coniuge  e quella destra sollevata  che simboleggia l'unione spirituale: quest'ultimo gesto, in ogni caso, può essere variamente interpretato, poiché può darsi anche di un segno di benedizione o di saluto. Egli ostenta il potere morale della casa , sostenendo con autorità la mano di sua moglie , che china il capo in atteggiamento sottomesso. Le loro fattezze sono realistiche e individuali e non risparmiano alcune imperfezioni, come le larghe narici di lui, il suo ovale del viso troppo lungo, gli occhi globosi e senza ciglia, mentre lei appare acerba e un po' paffutella.Molto eloquenti sono le vesti che, malgrado l'ambientazione suggerisca un tempo estivo o almeno primaverile, sono pesanti e ricercate. Lui ha una tunica scura e sobria, coperta da un mantello con le falde foderate di pelliccia di marmotta, particolarmente costosa, e indossa un ampio cappello di spesso feltro nero. Il cappello a larghe falde testimonia l'occasione solenne, oltre che rappresentare un espediente per incorniciare di nero il suo volto, facendolo spiccare nella luce chiara che lo investe.Lei indossa un vestito ampolloso e alla moda nell'epoca fiamminga, con guarnizioni di pelliccia d'ermellino. Secondo Waldemar Januszczak si tratta di un vestito in lana  e di una pelliccia di scoiattolo rosso . Si è stimato che per realizzare un indumento del genere occorrano almeno 2.000 scoiattoli. Ha un'acconciatura elaborata trattenuta in due cornetti di seta e coperta da un velo finemente guarnito di più strati di volant, ed indossa una collana, vari anelli e una cintura broccata d'oro. Il colore verde all'epoca simboleggiava la fertilità. Ella non è incinta: è il tipo di vestito, infatti, a renderle la pancia gonfia, e la sua posizione si limita a essere un gesto rituale, una promessa di fertilità evidenziata tramite la cintura particolarmente alta, la piega del tessuto e l'esagerata curvatura del corpo.

Prompt: Describe the characteristics of the Protagonists in Arnolfini Portrait's Details symbolism.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In The Beauty, how is the Art beauty of the Introduction explained?Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


subsection

William Tecumseh Sherman

Come Grant, Sherman era convinto che fosse necessario abbattere la capacità strategica, economica e psicologica confederata di raccogliere risorse per finanziare la guerra. Per far questo non esitò a mettere in pratica tattiche di terra bruciata.L'avanzata delle truppe di Sherman furono caratterizzate da enormi devastazioni che riguardarono sia risorse civili sia infrastrutture militari e non. Anche se il saccheggio era ufficialmente proibito, gli storici sono in disaccordo su quanto bene questa proibizione fosse fatta rispettare.L'efficienza con cui l'armata di Sherman portò avanti la devastazione fu impressionante. Diventarono famose le cosiddette "cravatte di Sherman", ovvero la pratica messa in atto dalle forze unioniste di scaldare le rotaie dei treni fino a che non era possibile intrecciarle intorno a tronchi d'albero. Sherman divenne una figura controversa in seguito ad accuse di crimini di guerra.I danni procurati dalle forze di Sherman riguardarono solo le proprietà, e sembra che le perdite civili fossero state molto poche. base della

Prompt: Describe the characteristics of the Total war in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.


section

Noli me tangere

Noli me tàngere  è il nome con cui è noto l'episodio biblico dell'apparizione di Gesù risorto a Maria Maddalena, narrato nel vangelo di Giovanni, versetti .

Prompt: In Noli me tangere (Titian), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Campbell's Soup Cans

Angell, Callie, Andy Warhol Screen Tests: The Films of Andy Warhol Catalogue Raissonné, Abrams Books in Association With The Whitney Museum of American Art, New York, 2006,  Archer, Michael, Art Since 1960, Thames and Hudson Ltd., 1997,  Baal-Teshuva, Jacob , Andy Warhol: 1928–1987, Prutestel, 2004,  Bourdon, David, Warhol, Harry N. Abrams, Inc. Publishing, 1989.   Faerna, Jose Maria , Warhol, Henry N. Abrams, Inc., Publishers,  Frazier, Nancy, The Penguin Concise Dictionary of Art History, Penguin Group, 2000,  Harrison, Charles and Paul Wood , Art Theory 1900–1990: An Anthology of Changing Ideas, Blackwell Publishers, 1993,  Lippard, Lucy R., Pop Art, Thames and Hudson, 1970 ,  Livingstone, Marco , Pop Art: An International Perspective, The Royal Academy of Arts, London, 1991,  Lucie-Smith, Edward, Artoday, Phaidon,  Marcade, Bernard and Freddy De Vree, Andy Warhol, Galerie Isy Brachot, 1989. Random House Library of Painting and Sculpture Volume 4, Dictionary of Artists and Art Terms, 1981, Random House, . Stokstad, Marilyn, Art History, 1995, Prentice Hall, Inc., and Harry N. Abrams, Inc., Publishers,  Sylvester, David, About Modern Art: Critical Essays 1948–1997, Henry Holt and Company, 1997,   Vaughan, William , The Encyclopedia of Artists, Vol 5., Oxford University Press, Inc., 2000. Warin, Jean , The Dictionary of Art, Vol 32, Macmillan Publishers Limited, 1996 . Warhol, Andy and Pat Hackett, Popism: The Warhol Sixties, Harcourt Books, 1980,  Watson, Steven, Factory Made:Warhol and the Sixties, Pantheon Books, 2003.

Prompt: How does Campbell's Soup Cans explain its Bibliography?Please output in Italian.

Andy Warhol
New York
Whitney Museum of American Art