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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Altare Jabach

LAltare Jabach è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, databile al 1503-1504 circa. L'opera, di cui si conoscono solo i due scomparti laterali, è divisa tra lo Städel di Francoforte sul Meno  e il Wallraf-Richartz Museum di Colonia .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Jabach Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Giustizia

giustizia è la virtù morale che consiste nella costante e ferma volontà di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.  giustizia verso Dio è chiamata « virtù di religione ».  giustizia verso gli uomini dispone a rispettare i diritti di ciascuno e a stabilire nelle relazioni umane l'armonia che promuove l'equità nei confronti delle persone e del bene comune. L'uomo giusto, di cui spesso si fa parola nei Libri Sacri, si distingue per l'abituale dirittura dei propri pensieri e per la rettitudine della propria condotta verso il prossimo. « Non tratterai con parzialità il povero, né userai preferenze verso il potente; ma giudicherai il tuo prossimo con giustizia » . « Voi, padroni, date ai vostri servi ciò che è giusto ed equo, sapendo che anche voi avete un padrone in cielo » .In sintesi : la giustizia consiste nella volontà costante e ferma di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.

Prompt: Explain the Second oil Catechism of the Catholic Church (par. 1807). about the In philosophy of this artwork, Justice (Titian).Please output in Italian.


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Variant Danny and the People.Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Giudizio universale

Nell'escatologia dello zoroastrismo dopo la morte corporale, l'anima della persona attraversa un ponte  sul quale le sue buone azioni sono pesate con quelle cattive. Il risultato decide il destino dell'anima: Paradiso o Inferno, che tuttavia non sono eterni. Alla fine dei tempi una figura messianica, il Saoshyant, guiderà le forze del Bene alla vittoria e quindi alla redenzione del cosmo.Quando, alla fine dei giorni, il male sarà definitivamente sconfitto, una conflagrazione cosmica causata dal fuoco porterà ad una palingenesi universale. Anche le anime dei peccatori saranno purificate dal fuoco e riscattate dall'inferno. Tutte le anime, allora, si ricongiungeranno con i propri corpi per vivere in eterno, entro corpi incorruttibili, alla presenza di Ahura Mazdā.Nell'Induismo, Garuda Purana tratta diffusamente dei giudizi e delle punizioni dopo la morte.

Prompt: In The Last Judgment (Fra Angelico, Florence), how is the Other scatologies of the Other religions explained?Please output in Italian.

Ahura Mazdā
Garuda Purana
Induismo
Inferno
Paradiso


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Polittico del 1476

Maria sta seduta su un trono marmoreo riccamente decorato, di stampo tipicamente padovano, come dimostrano le decorazioni in frutta, foglie e verdura. Veneziano  è però l'espediente di calare un telo lungo lo schienale, che isoli la figura sacra rispetto allo sfondo.  Vergine, dai delicatissimi lineamenti, solleva in punta di dita un velo sul figlio che dorme in grembo, reggendole teneramente un dito con la manina. Si tratta quindi di una Madonna del Velo, un'iconografia legata al preannuncio della Passione attraverso, che Maria riconobbe alzando un velo sul figlio dormiente che le ricordò un sudario su un corpo senza vita. Il ricchissimo ornato e lo sfarzo si sposano col realismo tenero e delicato dei volti, delle mani e dei gesti.Sul gradino decorato da finti rilievi all'antica, dove cade oltre il limite immaginario del dipinto la gonna di Maria, si trova la firma dell'artista e la data.

Prompt: Explain the Madonna with Child about the Description and style of this artwork, 1476 Altarpiece.Please output in Italian.


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La Danaide

Una versione in bronzo conservata al Delle versioni bronzee della Danaide cominciarono a essere realizzate nel 1891 e si trovano in delle collezioni in Francia, al museo Rodin di Filadelfia o al museo Soumaya di Città del Messico.Una riproduzione moderna si trova nella collezione permanente del museo Riverfront di Peoria, nell'Illinois, negli Stati Uniti. Si tratta di un regalo fatto nel 1987 da un grande collezionista di Rodin, B. Gerald Cantor, in onore di Carlotta e Gary Bielfeldt nel 1987.

Prompt: Explain the Versions of this artwork, Danaid (Rodin).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di Massimiliano II Stampa

Un tempo attribuito a Giovan Battista Moroni , la tela è una delle più importanti commissioni ricevute da Sofonisba Anguissola, una delle prime donne pittrici del manierismo italiano. Il quadro raffigura Massimiliano II Stampa, III marchese di Soncino. Il ragazzo ha circa nove anni ed in lui si vedono chiaramente tutte le influenze di costume e ritrattistiche della dominazione spagnola in Lombardia. oltre alla posa, aristocraticamente fredda, con segni allegorici di successo sociale, ricchezza e inaccessibilità.Il ragazzo è ritratto qui per la prima volta nella sua vita ed in una situazione insolita: l'artista, per quanto si tratti di un ragazzo giovanissimo, lo ritrae in una maestosa postura da adulto, nell'atto di appoggiarsi ad una colonna. È ritratto in abito nero con una spada al fianco.  colorazione degli abiti è dovuta probabilmente al lutto per la morte del padre Ermes I, avvenuta solo l'anno precedente all'esecuzione del ritratto. Nell'espressione del giovane, tesa ed artificiale, con gli occhi sbarrati, vi è tutto il carico di improvvise responsabilità che egli si troverà da quel momento ad affrontare, ma anche il dolore e la paura per ritrovarsi improvvisamente privo del genitore.  presenza simbolica del cane ai piedi poi è un chiaro rimando al tema della fedeltà.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Massimiliano II Stampa.Please output in Italian.

Giovan Battista Moroni
Lombardia
Massimiliano II Stampa
Sofonisba Anguissola


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Danae

immagine = Frederick Sandys - Danae in the Brazen Chamber.jpgdidascalia = Danae  di Anthony Frederick Augustus Sandys.epiteto = sesso = femminaluogo di nascita = Argoprima apparizione = professione = principessa di Argo}}Danae  è un personaggio della mitologia greca. Fu una principessa di Argo e la fondatrice della città di Ardea.A lei è dedicato il nome dell'asteroide 61 Danaë.

Prompt: How does Danaë (Correggio) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Washington attraversa il fiume Delaware

Anne Hawkes Hutton, Ritratto del Patriottismo: Washington attraversa il fiume Delaware. Chilton Editore, 1975. ISBN 0-8019-6418-0. Una storia dettagliata del dipinto, dell'attraversamento bellico, e una descrizione della vita di Emanuel Gottlieb Leutze. David Hackett Fischer, L'attraversamento di Washington. Giornale dell'università di Oxford, 2004. ISBN 0-19-517034-2. Un dettagliato resoconto della storia militare dell'attacco di George Washington a Trenton; l'introduzione offre uno sguardo ravvicinato al dipinto di Leutze.

Prompt: How does Washington Crossing the Delaware (1851 paintings) explain its Bibliography?Please output in Italian.

David Hackett Fischer
Delaware
George Washington
Washington


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Polittico della Misericordia

Pietro Allegretti, Piero della Francesca, Milano 2003 Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Polyptych of the Misericordia.Please output in Italian.


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Ritratto di principessa estense

Ritratto di Lionello d'EstePisanelloGotico internazionale in ItaliaRinascimento ferrarese

Prompt: Focus on Portrait of a Princess (Pisanello) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Este
Gotico internazionale in Italia
Pisanello
Rinascimento ferrarese


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Violante

Violante è una delle tre principesse sorelle del romanzo di Gabriele D'Annunzio Le vergini delle rocce.Violante è un personaggio del romanzo di Italo Calvino Il barone rampante.Violante è un personaggio creato da Grazia Nidasio nei primi anni 1960.Violante è il nome dell'amante del brigante Musolino.Violante è la donna amata dal pittore Tiziano, forse modella del dipinto chiamato ViolanteViolante è un antagonista serie Pokémon ma, a dispetto del nome, è un maschio.

Prompt: In Violante (Titian), how is the The beautiful art. discussed?Please output in Italian.

Gabriele D'Annunzio
Grazia Nidasio
Il barone rampante
Italo Calvino
Le vergini delle rocce
Pokémon


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

upright=1.4upright=1.4 scena è resa con toni drammatici, e seguendo la tradizione pittorica dell'accademia con una particolare attenzione ai dettagli resi con sfumature di colori rese col pennello. vasca della fontana in primo piano ricorda un sarcofago in pietra del periodo classico, dettaglio che rimanda ai temi neoclassici che costituivano un delle ricerche pittorici della scuola francese romana del periodo.

Prompt: In the context of Italian Brigands Surprised by Papal Troops, explain the Interpretation and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Epifania

In Cile l'Epifania è nota come il Día de los Tres Reyes Magos  o  Pascua de los Negros . Sebbene quest'ultimo fosse raramente sentito come una festività, era comunque il giorno in cui agli schiavi era permesso di non lavorare.

Prompt: In Epifania, how is the Chile of the History explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: How does Self-portrait at 69 years explain its TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset.?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Expressions of love and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (Crivelli), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giuditta I

Quest'opera rappresenta una delle prime esperienze del pittore austriaco dove mostra tutta la sua spontaneità e la mancanza di artifici retorici: è considerata come significativa anticipatrice del periodo aureo - contraddistinto da un linguaggio di forte astrazione simbolica e dall'uso massiccio dell'oro - nelle preziosità del fondo, della collana e delle decorazioni tondeggianti del melo, elementi che verranno ripresi anche nella Giurisprudenza e in Danae.Racchiusa in una cornice di rame sbalzato , Klimt dipinge per la prima volta la bella eroina biblica; una seconda versione, Giuditta II, del 1909, è esposta nel Museo di Ca' Pesaro a Venezia. Entrambe le versioni sono note anche come Salomè..</ref>}}Il pittore raffigura la protagonista come una donna moderna, con il volto di Adele Bloch-Bauer, esponente dell'alta società viennese.

Prompt: How does Judith and the Head of Holofernes explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna della Scodella

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Madonna della Scodella.Please output in Italian.


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Viaggio di Mosè in Egitto

Il Viaggio di Mosè in Egitto è un affresco  di Pietro Perugino e aiuti, realizzato verso il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

Prompt: Focus on Moses Leaving for Egypt and explain the Abstract.Please output in Italian.

1482
Cappella Sistina
Egitto
Mosè
Perugino
Perugino


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Tormento di sant'Antonio

Ascanio Condivi, Giorgio Vasari e Benedetto Varchi sono concordi nel menzionare una copia dell'incisione di Martin Schongauer  delle Tentazioni  di sant'Antonio, eseguita dal giovanissimo Michelangelo  su suggerimento del compagno di bottega Francesco Granacci, di qualche anno più grande. Varchi ricordò come l'opera fosse il primo dipinto del futuro grande maestro e Condivi, in particolare, si dilungò a ricordare come l'opera fosse su "legno" e come "oltre all'effigie del santo, c'erano molte strane forme e mostrosità di demoni", nei quali Michelangelo dimostrò una particolare curiosità sul colore  "che nessuna parte coloriva, ch'egli prima col naturale non avesse conferita, si che andatosene in pescheria, considerava di che forma et colore fossero l'ali dei pesci, di che colore gli occhi, e ogn'altra parte, rappresentandole nel suo quadro". L'opera avrebbe anche destato l'invidia del Ghirlandaio, presso cui i due ragazzini erano a bottega.I biografi antichi però tralasciano di menzionare dove la tavola si trovi, facendo pensare che all'epoca se ne fossero già perse le tracce.  critica moderna, già del XIX secolo, ha cercato di ritrovare il dipinto. Un primo tentativo spetta a G. Bianconi che trovò un dipinto col medesimo soggetto, proponendolo come autografo, ma venendo poi respinto dagli altri studiosi.Il dipinto presente fu invece pubblicato da Clément nel 1861. Esso è segnalato per la prima volta nella collezione Scorzi a Pisa nel 1837, quando venne ceduto al barone Triqueti; nel 1886 fu dei Lee-Child e nel 1905 circa di sir Paul Harwey, che nel 1960 lo mise in vendita a un'asta di Sotheby's. Prima di allora la possibile autografia era stata sostenuta da altri, come Montaiglon , ma messa anche in dubbio .

Prompt: How does The Torment of Saint Anthony explain its History?Please output in Italian.

Ascanio Condivi
Benedetto Varchi
Francesco Granacci
Giorgio Vasari
Martin Schongauer
Paul Harwey
Pisa
Sotheby's


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: In Love & Loss, how is the Religion of the Philosophy explained?Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Nell'aprile del 1881, Van Gogh ritornò a Etten, dove vivevano i suoi genitori, continuando a disegnare, spesso utilizzando i vicini di casa come modelli. Nel corso dell'estate passò molto tempo passeggiando e parlando con sua cugina Kee Vos-Stricker rimasta vedova da poco. Ella era la figlia della sorella anziana di sua madre e di Johannes Stricker.  Nonostante Van Gogh avesse voluto sposare la Stricker, le disse che non l'avrebbe sposata: "No, mai, mai"  per il semplice fatto che non avrebbe potuto mantenerla, il matrimonio era fuori discussione. In occasione del Natale litigò violentemente con il padre, al punto da rifiutare un'offerta di denaro, e partì per L'Aia.Nel gennaio 1882 si stabilì a L'Aia presso il cugino acquisito, il pittore Anton Mauve .  Mauve gli insegnò la tecnica della pittura ad olio e dell'acquerello facendogli un prestito per consentirgli di approntarsi uno studio; tuttavia il sodalizio durò poco, probabilmente per discussioni su questioni tecniche. Mauve però a breve gli diede l'impressione di un raffreddamento dei rapporti nei suoi confronti non rispondendo ad alcune lettere, e Vincent suppose che Mauve non approvasse la sua convivenza con una prostituta, Clasina Maria "Sien" Hoornik  e la sua giovane figlia. Egli aveva incontrato Sien verso la fine di gennaio, quando questa aveva una figlia di cinque anni ed era incinta. Il 2 luglio, Sien diede alla luce un bambino, Willem. Il padre di Van Gogh esercitò pressioni sul figlio affinché abbandonasse Sien e i suoi figli. Vincent assunse in un primo momento un atteggiamento di sfida contro la decisione paterna.Lo zio di Van Gogh, Cornelis, gli commissionò 20 disegni ad inchiostro della città, che l'artista approntò per la fine di maggio Nel giugno, venne ricoverato per tre settimane in ospedale a causa di una infezione da gonorrea e in estate iniziò a dipingere ad olio. Nell'autunno 1883, dopo un a convivenza di un anno, lasciò Sien e i suoi due bambini, trasferendosi nella provincia di Drenthe, nel nord dei Paesi Bassi. Nel dicembre successivo, spinto dalla solitudine, andò ad abitare con i suoi genitori che si erano trasferiti a Nuenen, nel Brabante Settentrionale.

Prompt: Explain the Etten, Drenthe, The Hague about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Early works of Vincent van Gogh.Please output in Italian.

1881
Anton Mauve
Brabante Settentrionale
Drenthe
L'Aia
L'Aia
Natale
Paesi Bassi


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Martirio di San Sebastiano

Claudio Bellinati, Le tavolette del Semitecolo  nella Pinacoteca dei Canonici di Padova, Atti e memorie dell’Accademia Patavina di Scienze, Lettere ed Arti, 104, 1991–92. Sergio Bettini, Contributo al Semitecolo; and L. Coletti, “Studi alla pittura del Trecento a Padova,” Rivista d’arte, 12, 1930, pp.323–80. Ashley Elston, Pain, Plague, and Power in Niccolò Semitecolo's Reliquary Cupboard for Padua Cathedral, Gesta, Vol. 51, No. 2, September 2012, pp. 111-127. Ashley Elston, Storing Sanctity: Sacristy Reliquary Cupboards in te Medieval and Renaissance Italy, Dissertation, University of Kansas, wrence, 2011, pp. 73–158. Cristina Guarnieri, Una pala ribaltabile per l’esposizione delle reliquie: le storie di Santa Lucia di Jacobello del Fiore a Fermo, in Arte Veneta 73, 2016. Giulia Rossi Scarpa, Nicoletto Semitecolo nel Duomo di Padova, in Dipinti veneti: Collezione Luciano Sorlini, ed. R. Polacco, Carzago di Calvagese della Riviera, 2000, pp,385-388. Evelyn Sandberg Vavala, Semitecolo and Guariento, Art in America and Elsewhere, 22/1, 1933, pp.2-3.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo).Please output in Italian.


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Apollo e Dafni

Apollo e Dafni  è un dipinto a olio su tavola  del Perugino, databile al 1483 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: How does Apollo and Daphnis explain its Abstract?Please output in Italian.

1483
Apollo
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Perugino


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Allocuzione di Alfonso d'Avalos

Prompt: How does Alfonso d'Avalos Addressing his Troops explain its Abstract?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Un giovane Sherman in uniforme militareIl senatore Ewing fece in modo di assicurare un posto al sedicenne Sherman come cadetto nell'accademia di West Point , dove strinse amicizia con un altro futuro generale della guerra civile, George H. Thomas. Sherman eccelleva nell'ambito accademico e si distinse come uno degli allievi più brillanti, anche se era alquanto intollerante alla ferrea disciplina e trattava il sistema dei demeriti con malcelata indifferenza.Il collega William Starke Rosecrans avrebbe in seguito ricordato Sherman a West Point come "uno dei compagni più brillanti e maggiormente popolari" e "un tipo dagli occhi luminosi, con una testa sfolgorante dai folti capelli rossi, che era sempre pronto a uno scherzo di qualsiasi tipo, proprio come un bambino". A proposito del periodo trascorso in Accademia Sherman stesso dice solo quanto segue nelle sue Memorie:Dopo il diploma, conseguito nel 1840, entrò nell'esercito come sottotenente, nel 3º Corpo d'artiglieria, di stanza nel sud; il suo "battesimo del fuoco" avvenne nel Territorio della Florida negli ultimi anni della seconda guerra seminole .Più tardi fu dislocato in Georgia e nella Carolina del Sud dove venne promosso al grado di tenente. In quanto figlio adottivo di un importante politico Whig, a Charleston cominciò a frequentare i circoli più in vista della società del profondo Sud.Mentre molti dei suoi colleghi dovettero sperimentare come coscritti la guerra con il Messico, fortemente voluta dal presidente Polk, Sherman svolse invece compiti amministrativi nel territorio appena acquisito della repubblica della California. Insieme ai commilitoni luogotenenti Henry Halleck ed Edward Ord si imbarcò da New York per il viaggio di 198 giorni intorno a Capo Horn a bordo dello sloop convertito USS Lexington. A causa degli spazi limitati a bordo Sherman si avvicinò notevolmente sia a Halleck sia a Ord e nelle sue Memorie fa riferimento a un'escursione compiuta con Halleck fino alla cima del Corcovado, che domina Rio de Janeiro.Nel 1848 accompagnò il governatore militare della California, il colonnello Richard Barnes Mason, nel sopralluogo che confermò ufficialmente che era stato scoperto l'oro nella regione, inaugurando così la grande corsa all'oro californiana. Sherman, sempre insieme con Ord, assistette anche alle ispezioni di sondaggio per creare le sottodivisioni della città che sarebbe diventata Sacramento.Ottenne una promozione temporanea al grado di capitano per i suoi "servizi meritori", ma il fatto di non essere stato assegnato in una zona militare attiva e, quindi, la mancanza di un incarico di combattimento lo scoraggiò e ciò potrebbe aver contribuito alla sua decisione di rassegnare le dimissioni dall'esercito. Fu uno dei pochi ufficiali di alto rango durante la guerra civile a non aver mai combattuto nel conflitto contro i messicani.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Training and military service and the Service  civil  war.Please output in Italian.

California
Capo Horn
Carolina del Sud
Edward Ord
Florida
George H. Thomas
Henry Halleck


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Cristo risorto in gloria

Il Rosso in generale si attenne abbastanza fedelmente al contratto. Al centro si trova il Cristo risorto in gloria, affiancato da quattro sante, due per lato, in posizioni simmetriche complementari, a formare la tradizionale piramide compositiva. Le più vicine dovrebbero essere la Vergine Maria  e una sant'Anna dal volto molto danneggiato; alle estremità la Maddalena vestita di rosso e Maria Egiziaca. I santi sono sullo sfondo di un cielo plumbeo, in cui risaltano i raggi argentei che emette Cristo, nella tipica posizione stante e con le mani sollevate.Nella parte inferiore, in cui sono evidenti zone non finite, si accalcano vari personaggi che rappresentano le varie popolazioni del mondo destinatarie del messaggio di Cristo, come ricordò anche Vasari: vi «fece mori, zingani e le più strane cose del mondo». Si riconoscono una donna di colore accovacciata, una in piedi che tiene una conocchia e regge la mano di un fanciullino erculeo, dalla muscolatura fin troppo accentuata, derivata dalla cultura antiquaria dell'epoca che traeva ispirazione dalle statue romane; poi un uomo seminudo con l'elmo, una donna accovacciata vicino a una cesta, una di spalle che tiene un bambino, due figure che conversano, tra cui una vestita di verde. È evidente l'intento di mettere in scena molti personaggi con pose spesso complementare e un complesso gioco di rimandi e simboli, non ancora appieno spiegati e forse non spiegabili.L'opera non godette in passato di giudizi unanimemente positivi, ma oggi si tende a elogiarne le preziosità cromatiche , e per la complessa iconologia, in cui trova spazio anche il recupero di modi arcaici o arcaizzanti, come il Cristo nella mandorla, delimitata in questo caso dai profili delle due Marie più vicine, oppure nella metà inferiore dove è stata notata una forte assonanza con il gruppo dellElemosina di Pietro di Masaccio nella Cappella Brancacci.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Risen Christ in Glory.Please output in Italian.

Cappella Brancacci
Maria Egiziaca
Masaccio


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Madonna di Darmstadt

Il motivo che diede all'ex sindaco di Basilea, Jakob Meyer, l'opportunità di commissionare il grande dipinto della Madonna di Darmstadt  non ci è noto. Una delle motivazioni più plausibili è certamente la strenua fede cattolica di Meyer e la sua volontà di manifestarla. Al momento della creazione dell'opera, infatti, la Riforma protestante aveva prevalso a Basilea e Meyer era probabilmente inclinato a manifestare la sua opposizione al nuovo movimento religioso in città. Un'altra possibile ragione è che Meyer era stato in quel periodo accusato dal consiglio comunale della città, di fede calvinista, di essersi indebitamente appropriato di fondi pubblici; è di fronte a tale pericolo che Meyer avrebbe potuto voler ostentare la protezione di Maria o esprimere la sua gratitudine alla Madre di Dio per lo scampato pericolo di un'infamante accusa. L'anno di realizzazione si presume attorno al 1526/1528. forma della cornice insolita della pittura suggerisce il fatto che la pittura fosse inserita in un'architettura, come ad esempio la cappella del patrono presso il castello di Gundeldingen, alle porte di Basilea, ma non vi sono prove che il dipinto sia mai stato in quel luogo. Stephan Kemperdick presuppone che il dipinto sia stato concepito come parte di un monumento funebre della famiglia di Jakob Meyer all'interno di una chiesa di Basilea, forse la chiesa di San Martino. Questo dato sembra essere supportato dal fatto che effettivamente nella Martinskirche vennero sepolti dapprima la moglie di Jakob Meyer e poi sua figlia Anna e suo genero. Sembra quindi ragionevole ritenere che Meyer stesse progettando una tomba di famiglia in quel luogo. Questo dipinto fu tra quelli che scamparono all'iconoclastia voluta dalla Riforma protestante perché venne restituito ai proprietari dal delegato alla sicurezza cittadina Johannes Gerster nel 1528.Un gruppo di fotografie a raggi infrarossi e a raggi X del dipinto realizzate nel 1999 dal laboratorio del museo del castello di Darmstadt, hanno potuto dimostrare che solo la figura della Madonna col Bambino venne eseguita esattamente secondo quanto rilevato nel disegno preliminare. Su tutte le altre figure si sono trovate infatti correzioni della postura e del punto di vista, rifacimenti e migliorie. Queste indagini hanno inoltre dimostrato che i disegni del ritratti dei protagonisti della scena non vennero eseguiti prima dell'inizio dei lavori sul dipinto, come si pensava in precedenza, bensì in corso d'opera.

Prompt: Explain the Thecommission. about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane in pelliccia

Il Ritratto di giovane in pelliccia è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1515 circa e conservato nella Frick Collection di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Man in a Red Cap.Please output in Italian.


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Senecio

Impollinazione: l'impollinazione avviene tramite insetti .Riproduzione: la fecondazione avviene fondamentalmente tramite l'impollinazione dei fiori .Dispersione: i semi  cadendo a terra sono successivamente dispersi soprattutto da insetti tipo formiche . In questo tipo di piante avviene anche un altro tipo di dispersione: zoocoria. Infatti gli uncini delle brattee dell'involucro  si agganciano ai peli degli animali di passaggio disperdendo così anche su lunghe distanze i semi della pianta. Inoltre per merito del pappo il vento può trasportare i semi anche a distanza di alcuni chilometri .

Prompt: Focus on Senecio (Klee) and explain the Biology.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Le Cento vedute sono l'estensione dell'interesse per i meisho, i luoghi ed i paesaggi celebri, temi tradizionali della poesia e della pittura giapponesi dal periodo Heian .All'inizio del periodo Edo, era fortemente presente la moda del meisho ki, le «guide dei luoghi celebri», di cui una delle prime rappresentazioni fu il Kyō warabe di Nakagawa Kiun, pubblicato nel 1658. Fiorirono parecchie guide di Edo: nel 1662 fu pubblicata una guida composta da sette volumi di Asai Ryōi, lEdo meisho ki, che fece un inventario estremamente dettagliato della capitale e dei dintorni; l'insieme è da disegni in bianco e nero. Nel 1677 fu ugualmente pubblicato lEdo suzume  in dodici volumi; le illustrazione furono realizzate da amici dell'autore, Hishikawa Moronobu, originario di Tokyo.

Prompt: Explain the I am a guide of famous places. about the Evolution Hiroshige work of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Pala di Fiesole

predella della pala, composta da cinque pannelli, si trova oggi alla National Gallery di Londra. Al centro, è raffigurato Cristo risorto adorato dagli Angeli; poi, da Profeti biblici e Santi; infine, all'estremità dei due lati, da membri dell'Ordine domenicano. Qui è conservato anche un tondo, che doveva trovarsi nella cimasa, con San Romolo.Inoltre i pilastrini laterali erano decorati da dieci piccoli pannelli con figure di santi e beati, delle quali se ne conoscono solo quattro: due al Museo Condé di Chantilly e due in una collezione privata.</div>

Prompt: In Fiesole Altarpiece, how is the Predella, other, compartments discussed?Please output in Italian.


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Madonna Stroganoff

Il compianto James Beck, professore di Storia dell'Arte alla Columbia University di New York, riteneva che la Madonna col Bambino di Duccio fosse in realtà opera di un artista o un falsificatore del XIX secolo, basando questa sua posizione su motivi prettamente stilistici, tra cui la bassa qualità generale del dipinto e gli elementi di specificamente di contenuto, che - a suo dire - non erano ancora apparsi in opere d'arte di quel periodo . Il professor Beck scrisse: "Ci viene richiesto di credere che questa piccola modesta immagine rappresenti un salto nel futuro della pittura Occidentale, stabilendo un piano davanti a Maria e il Bambino. Questa caratteristica, propria delle immagini Rinascimentali non più "Medievali", appare solo cento anni dopo la data presunta dell'opera ... ". Le conclusioni di Beck sono state pubblicate nel 2007 nel suo libro "From Duccio to Raphael: Connoisseurship in Crisis", in cui si contesta anche l'attribuzione a Raffaello della Madonna dei Garofani, conservata presso la National Gallery of London.Keith Christiansen non è d'accordo con la tesi del Beck. Christiansen fa notare come, oltre all'analisi stilistica del dipinto in relazione ad altre opere note del pittore, sia stato portato avanti un esame approfondito del dipinto, compresa la costruzione del pannello di legno, la composizione del dipinto e dei pigmenti utilizzati.Christiansen valuta tutte queste informazioni coerenti con un'attribuzione a Duccio e una data intorno al 1300: "Quello che tutti gli altri interpretano come un segno di qualità e innovazione, Beck lo vede come una debolezza, ma non esiste motivo di dubitare del periodo e dell'autenticità del quadro.

Prompt: Describe the characteristics of the Attribution in Madonna and Child (Duccio, Metropolitan)'s History.Please output in Italian.

1300
Columbia University
Madonna col Bambino
New York


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Madonna di Darmstadt

Nel XIX secolo si giunse ad una prima grande disputa sulle due versioni della Madonna di Dresda, quella conservata presso la Gemäldegalerie di Dresda e quella conservata al palazzo reale di Darmstadt, per stabilire quale effettivamente fosse l'opera originale. Durante il processo di riconoscimento, la pittura di Dresda, che in seguito si rivelò essere una copia, fu spesso considerata dai suoi contemporanei e dagli artisti come la più bella e compiuta e quindi l'originale. Copiando la pittura di Holbein nel XVII secolo, il copista apportò alcune modifiche che sembravano corrispondere più al gusto dell'epoca che all'originale di Holbein.  disputa interessò artisti, storici dell'arte e soprattutto una gran parte del pubblico tedesco interessato all'arte. Nel 1871 venne appositamente progettata a Dresda una mostra di Holbein per offrire al pubblico l'opportunità di esprimere la propria opinione e scriverla negli album appositamente forniti per l'occasione. Sebbene la partecipazione sia stata bassa in quanto a pubblico, questo è ancora oggi considerato il primo studio empirico nel campo dell'estetica psicologica, dal momento che contrariamente all'opinione del pubblico e degli artisti, gli storici dell'arte alla fine prevalsero nella scelta del dipinto di Darmstadt come originale. Le indagini a raggi X e infrarossi più moderne hanno confermato i risultati già visibili a occhio nudo sul dipinto di Darmstadt, mentre l'immagine di Dresda ne è la copia. Di conseguenza, come scrisse Emil Major nel 1910, il dipinto di Dresda è a tutti gli effetti quello del pittore Bartholomäus Sarburgh, databile al 1635/1637.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Original and copy: the dispute of Holbein in Dresden of the Style explained?Please output in Italian.


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Pietà per Vittoria Colonna

Michelangelo conobbe Vittoria Colonna verso il 1538, stringendo con lei una vivissima amicizia e introducendosi nei suoi circoli, in cui erano familiari i temi di riforma della Chiesa. Per lei dipinse, nel quinto decennio del XVI secolo, alcuni dipinti, oggi tutti perduti o comunque di attribuzione estremamente controversa, di cui però restano disegni preparatori e copie di allievi e estimatori di Michelangelo.Oltre a una celebre Crocifissione, l'opera più nota per Vittoria Colonna è una Pietà, della quale resta un pregevole disegno a Boston. Non è chiaro se quest'opera venne effettivamente dipinta o meno dall'artista, ma è descritta da Ascanio Condivi. Sicuramente ne esistono alcune copie di allievi non particolarmente dotati, a Firenze e a Roma, oltre a una rielaborazione di Ludovico Buti.Nel 2007 il restauratore e storico dell'arte Antonio Forcellino ha reso noto di aver scoperto un'altra versione del dipinto in un'abitazione privata presso Buffalo, negli Stati Uniti, che egli ha attribuito come l'originale perduto di Michelangelo, ricostruendone la storia di come sarebbe arrivato nella collocazione attuale. In realtà la qualità oggettiva del dipinto è evidentemente bassa e la sua proposta non ha riscosso seguito.

Prompt: Explain the History of this artwork, Pietà for Vittoria Colonna.Please output in Italian.

1538
2007
Antonio Forcellino
Ascanio Condivi
Boston
Buffalo
Firenze
Ludovico Buti
Roma
Vittoria Colonna


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Allegoria sacra

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003. Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: In Holy Allegory, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Giovanni Bellini


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Pala di San Giacomo da l'Orio

Si sa, grazie all'iscrizione, che l'opera venne commissionata da una confraternita che organizzava la devozione popolare e si tratta di una delle ultime pale dipinte da Lotto a Venezia prima di partire definitivamente per le Marche.  composizione richiama gli schemi classici della sacra conversazione, con la Madonna su un alto trono davanti a una tenda verde e circondata da un gruppo di santi, in questo caso Cosma e Damiano, alle estremità, Giacomo maggiore e Andrea apostolo. In alto due angioletti in volo tengono la corona di Maria.  Rispetto alla Pala dell'Alabarda di Ancona, di qualche anno prima, la struttura appare ancora più semplificata: ad esempio i due santi laterali sono poco più di un inserto giustapposto, e anche il sentimentalismo tipico delle opere dell'artista appare acquietato.  stesura pittorica è magra e corsiva  e ha il punto più alto probabilmente nella piccola natura morta al centro, composta dagli attributi da pellegrino di Giacomo: il cappello a larghe tese con la capasanta, la bisaccia.

Prompt: In San Giacomo dell'Orio Altarpiece, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

Ancona
Cosma e Damiano
Pala dell'Alabarda
Venezia


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Daniele

Dan Aykroyd, attore, sceneggiatore, musicista e cantante canadese naturalizzato statunitense Dan Bălan, cantante, produttore discografico e compositore moldavo Dan Brown, scrittore statunitense Dan Deacon, musicista statunitense Dan Peterson, allenatore di pallacanestro, giornalista e telecronista sportivo statunitense Dan Stevens, attore britannico

Prompt: In Prophet Daniel (Michelangelo), how is the VariantDan of the People explained?Please output in Italian.

Dan Aykroyd
Dan Brown
Dan Bălan
Dan Deacon
Dan Peterson
Dan Stevens


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Immacolata Concezione

I nomi propri Immacolata e Concetta sottolineano la devozione a Maria Immacolata.

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the No one and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Arca di san Domenico

Angelo reggicandelabroSan Petronio San Procolo

Prompt: How does Arca di San Domenico explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Technique of singing of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Olocausto Vittime dell'Olocausto Superstiti dell'Olocausto Porajmos  Diari dell'Olocausto Libri di memorie sull'Olocausto Campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź Bambini del ghetto di Varsavia Bambini di Auschwitz Bambini di Bergen-Belsen Bambini di Białystok Bambini di Buchenwald Bambini di Łódź Bambini di Mengele Bambini di Selvino Bambini di Teheran Bambini di Terezín

Prompt: Focus on Children in the Holocaust and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Bambini di Auschwitz
Bambini di Bergen-Belsen
Bambini di Buchenwald
Bambini di Terezín
Diari dell'Olocausto
Libri di memorie sull'Olocausto
Olocausto


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Santa Caterina leggente

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: Focus on Saint Catherine Reading and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Tempesta sul mare

Tempesta sul mare è un dipinto a olio dell'artista olandese Pieter Bruegel il Vecchio. Realizzato nel 1563, è esposto nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.In passato sono stati sollevati dubbi sull'attribuzione di questo dipinto a Bruegel: per alcuni critici l'opera sarebbe stata eseguita da Joos de Momper, un pittore paesaggista fiammingo che divenne maestro nella gilda di Anversa. Tuttavia l'originalità della composizione e la delicatezza di esecuzione sono gli elementi che oggi fanno propendere per l'ipotesi di un lavoro tardivo di Bruegel, forse lasciato incompiuto a causa della sua morte. presenza della canna e della balena ha portato il dipinto ad essere associato al detto fiammingo "Se la balena gioca con la canna che le è stata gettata e dà alla nave il tempo di fuggire, allora rappresenta l'uomo che manca il vero bene per il gusto di futili sciocchezze".   chiesa delineata all'orizzonte simboleggerebbe invece il porto sicuro in mezzo alle tempeste della vita.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Storm at Sea.Please output in Italian.

1563
Anversa
Kunsthistorisches Museum
Pieter Bruegel il Vecchio
Vienna


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Strage degli innocenti

Nigel Spivey, Le Stragi degli Innocenti. Il problema di rappresentare artisticamente l'atrocità di un topos inventato ma molto diffuso, Prometeo, Anno 20, Numero 78. Giovanni Testori,  Cappella della Strage. Il dialetto «strangosciato» del Paracca, Vercelli, 1969  Leslaw Daniel Chrupcala, Betlemme culla del Messia, Edizioni Terra Santa, Milano, 2009.

Prompt: In Massacre of the Innocents (Reni), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Betlemme
Giovanni Testori
Messia
Nigel Spivey
Strage


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La verità, il tempo e la storia

GLENDINNING, Nigel, Francisco Goya, Madrid, quaderni di storia 16, 1993 , pag. 80 - 84. D.L. 34276-1993.

Prompt: Focus on Truth, Time and History and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Sebastiano curato da santa Irene

Non è noto quale fosse l'ubicazione originale del dipinto, anche se alcuni critici affermano che diversi indizi all'interno dell'opera suggeriscono che San Sebastiano curato da Santa Irene fosse stato commissionato da un ospedale o un altro luogo di cura. Le luci delicate dall'alto e la croce sullo sfondo  ricordano allo spettatore della presenza di Dio che veglia dall'alto. Inoltre l'attività delle due donne contrapposta al corpo incosciente del santo e il loro colorito acceso contrapposto al suo pallore mortale suggeriscono una contrapposizione tra la malattia e la salute, e la speranza del passaggio dalla prima situazione alla seconda. Anche qualora la guarigione fisica non fosse possibile, il dipinto ricorda allo spettatore la possibilità di una guarigione spirituale nella salvezza e nell'ingresso nel regno dei cieli dopo la morte, ancora una volta suggeriti dalla luce e dalla croce. Il malato che guardava il dipinto poteva quindi identificarsi con Sebastiano e vedere nell'opera la possibilità di guarigione fisica o salvezza spirituale.

Prompt: Explain the The placement about the History of this artwork, Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre).Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Explain the Location of the Last Supper about the New Testament of this artwork, Last Supper (Tintoretto).Please output in Italian.


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Mae West

Hollywood on Parade No. A-9, regia di Louis Lewyn Hollywood on Parade No. B-5, regia di Louis Lewyn The Fashion Side of Hollywood, regia di Josef von Sternberg Hollywood Without Make-Up documentario, regia di Rudy Behlmer, Loring d'Usseau Mae West, episodio tv Wayne and Shuster Take an Affectionate Look At... Le dee dell'amore  documentario di Saul J. Turell - filmati di repertorio The Best of urel and Hardy, regia di James L. Wolcott The Casting Couch, regia di John Sealey - video con filmati di repertorio

Prompt: In the context of Mae West (sculpture), explain the Documentary film on Mae West (partial) and the Quotes.Please output in Italian.

Hollywood Without Make-Up
Hollywood on Parade No. A-9
Hollywood on Parade No. B-5
James L. Wolcott
John Sealey
Josef von Sternberg
Le dee dell'amore
Loring d'Usseau
Louis Lewyn
Rudy Behlmer
Saul J. Turell
The Fashion Side of Hollywood


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Expressions of love and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Il canal Grande

Questo dipinto venne eseguito durante un viaggio di Monet a Venezia, nell'autunno del 1908, quando l'artista rispose all'invito di Mary Young Hunter, una ricca americana amica della moglie Alice, che aveva affittato Palazzo Barbaro a San Vidal. Inizialmente Monet non era molto entusiasta, ma alla fine accettò. Monet e la moglie arrivarono in Italia il 1 ° ottobre.Monet aveva l'abitudine di studiare lo stesso soggetto al variare della luce, nei vari momenti della giornata, infatti, nel corso della sua carriera, ha realizzato molte serie, come ad esempio, la serie delle ninfee, la serie dei pioppi, la celeberrima serie della cattedrale di Rouen, i covoni di fieno e la serie del ponte di Charing Cross a Londra. Monet dipinse 37 opere durante il suo soggiorno in Italia, che durò tre mesi da ottobre a dicembre, tra queste c'erano pure le sei tele che hanno come tema il Canale Grande.

Prompt: Explain the History of this artwork, Le Grand Canal.Please output in Italian.

1908
Italia
Londra
Palazzo Barbaro a San Vidal
Venezia


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Describe the characteristics of the History, culture, Sociology in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.


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Washington attraversa il fiume Delaware

Leutze crebbe negli Stati Uniti e tornò in Germania da adulto, dove concepì l'idea del dipinto durante la rivoluzione del 1848. Sperando così di incoraggiare le rivoluzioni liberali europee attraverso l'esempio americano, e usando i turisti americani e gli studenti di arte come modelli e assistenti, tra di essi Worthington Whittredge e Andreas Achenbach, terminò il suo primo quadro nel 1850. Dopo che fu completato, l'opera fu danneggiata dal fuoco nel suo studio, quindi restaurata e acquistata dalla Kunsthalle di Brema. Nel 1942, durante la seconda guerra mondiale, fu distrutto durante un raid inglese della RAF .Il secondo dipinto, una replica dello stesso ordine di grandezza del primo, fu iniziato nel 1850 e posto in un'esposizione a New York nell'ottobre del 1851. In tale occasione fu visto da più di 50.000 persone. In origine fu acquistato per 10.000 dollari, per il tempo una somma elevata, dal maresciallo O. Roberts. Dopo vari passaggi di proprietà, fu infine donato al museo d'arte moderna di New York dal filantropo John Stewart Kennedy  nel 1897.Il dipinto fu preso in prestito almeno due volte nel corso della storia. All'inizio degli anni cinquanta fu parte di una mostra a Dallas in Texas. Dal 1952 per molti anni a Washington Crossing in Pennsylvania nella Chiesa Metodista, non lontano dal luogo dove si svolse la scena dipinta. Oggi si trova al museo di arte moderna di New York.Nel 2003 è stato deturpato quando una ex guardia del Museo vi ha incollato sopra una foto degli attacchi terroristici dell'11 settembre 2001. Nessun danno permanente è stato causato.

Prompt: Focus on Washington Crossing the Delaware (1851 paintings) and explain the History.Please output in Italian.

1850
1851
1897
1942
2003
Andreas Achenbach
Brema
Dallas
Germania
Kunsthalle
New York
Pennsylvania
Texas
Washington
Washington Crossing
Worthington Whittredge


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: Explain the Jazz Blues about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Pala di Perugia

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Perugia Altarpiece.Please output in Italian.


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Ritratto di Vincenzo Mosti

Da uno sfondo scuro emerge un personaggio maschile a mezza figura, girato di tre quarti verso destra, con lo sguardo rivolto allo spettatore. Indossa un'ampia casacca bordata di pelliccia, una berretta scura e una camicia bianca increspata al collo.  voporosa manica è posta in primo piano tramite il gesto di appoggiare il gomito su un parapetto immaginario che coincide col bordo inferiore del dipinto, su cui l'uomo, appoggiandovi la mano guantata, tiene un libro, simbolo della sua cultura.Particolarmente efficace è la resa estetica del soggetto e le componenti psicologiche che trasmette: dignità, nobiltà d'animo, risolutezza, intelligenza. Nel rendere i diversi dettagli l'artista usò diversi tipi di pennellata: sfumata e delicata sul volto, marezzata di luce nel colletto della camicia, pastosa e visibile per la pelliccia.  modernità degli accordi cromatici e l'eleganza della composizione avvicinano l'opera a lavori come lUomo dal guanto del Louvre.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Vincenzo Mosti.Please output in Italian.


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Eva

Eva viene estratta già formata dal fianco di Adamo (Secondo una prima versione della Genesi, Eva fu l'ultima creatura di Dio, contemporaneamente ad Adamo, il sesto giorno, dopo che erano stati creati piante, animali e uccelli e prima che il Signore si riposasse il settimo giorno.<br>Nel racconto del secondo capitolo, invece, Dio crea Eva per ultima, dopo Adamo, piante, animali e uccelli, estraendola dal fianco dell'uomo stesso. Il racconto ha lo scopo di affermare la consustanzialità dell'uomo e della donna  e l'indispensabilità della donna per l'uomo nel piano di Dio .

Prompt: Explain the Creation of Eve of this artwork, Eve (Rodin).Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto dell'infanta Margherita in azzurro

Conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna, il dipinto ritrae l'infanta Margherita Teresa di Spagna  all'età di otto anni.Si tratta di uno dei molteplici ritratti dell'infanta, che venivano inviati a Vienna per mostrarne la maturazione, di anno in anno, allo zio Leopoldo I d'Asburgo, a cui era stata promessa in sposa.Il quadro ritrae, su uno sfondo appena abbozzato, l'infanta Margherita in un ampio abito azzurro cupo decorato in oro, la cui luminosità cangiante viene resa tramite brevi pennellate di colore puro.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress.Please output in Italian.

Kunsthistorisches Museum
Leopoldo I d'Asburgo
Vienna


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monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento fu inaugurato il 4 settembre 1872 alla presenza del principe Umberto in concomitanza con l'apertura a Milano del primo congresso degli ingegneri e degli architetti. Era in corso anche l'Esposizione nazionale di Belle Arti..</ref>}}Alla sera si svolsero anche festeggiamenti nella piazza del Duomo con razzi di bengala. Da una finestra del Teatro alla Scala fu proiettata una luce elettrica che illuminò il monumento di vari colori.Nelle raffigurazioni realizzate in occasione dell'inaugurazione i quattro piedistalli con le statue degli allievi non erano più separati , ma uniti al basamento ottagonale centrale.

Prompt: Describe the characteristics of the Inauguration in Monument to Leonardo da Vinci's Criticisms.Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2007.

Prompt: How does Orsini Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Lupa capitolina

statua è l'icona stessa della fondazione della città. Le fonti antiche parlano di due statue bronzee della Lupa, una nel Lupercale, l'altra nel Campidoglio.  prima statua, quella del Palatino, è citata nel 295 a.C., quando i due edili, Quinto Fabio Pittore e Quinto Ogulnio Gallo, le aggiunsero una coppia di gemelli. L'avvenimento, in base al racconto di Tito Livio, risale al 296 a.C. e si rese possibile grazie al denaro che gli stessi edili curuli confiscarono agli usurai. Non possediamo alcun indizio sicuro sul gruppo degli OGNUNI, anzi il passo di Livio ha dato il via a due diverse interpretazioni, che considerano i gemelli come parte di un gruppo unitario o come un'aggiunta successiva ad un'immagine più antica della lupa. Cicerone riporta come il simulacro capitolino venne colpito da un fulmine nel 65 a.C. e da allora non venne riparato.Le raffigurazioni di epoca classica della lupa con i gemelli sono abbastanza diverse dalla statua della lupa capitolina, che ha certa rigidità, tipica della statuaria arcaica o medievale. Il dinamismo della posa della lupa che lecca uno dei gemelli e il diverso atteggiamento dei gemelli raffigurati nei bassorilievi marmorei e sulle monete d'argento indicano invece un elevato naturalismo e sono stati considerati testimonianza del carattere ellenico o ellenistico del modello. Ciò che colpisce è il carattere emblematico dell'immagine concepita come allegoria di un intero racconto di fondazione.Le prime notizie sicure su questa statua risalgono al X secolo, quando si trovava incatenata sulla facciata o all'interno del palazzo del terano: nel Chronicon di Benedetto da Soracte risalente appunto al X secolo, il monaco descrive l'istituzione di una suprema corte di giustizia "nel palazzo del terano, nel posto chiamato ...[graffiti]..., cioè la madre dei Romani." Processi ed esecuzioni "alla lupa" sono registrate di tanto in tanto fino al 1450.  Lupa era conservata con altri monumenti, come l'iscrizione bronzea della lex de imperio Vespasiani, che venivano esposti come cimeli per attestare la continuità tra Impero romano e papato, tra antichità e medioevo. statua venne poi ospitata fino al 1471 nella chiesa di San Teodoro, che si trova tra il Palatino ed il Campidoglio. In quell'anno fu donata da Sisto IV della Rovere  al "popolo romano" e da allora si trova nei Musei Capitolini, nella Sala della Lupa. scultura rappresenta una lupa che allatta una coppia di piccoli gemelli, che rappresentano i leggendari fondatori della città, Romolo e Remo. Queste ultime due figure furono aggiunte nel tardo XV secolo, forse da Antonio del Pollaiolo, in accordo con la storia di Romolo e Remo: in un'incisione su legno delle Mirabilia Urbis Romae , appare già con i due gemelli

Prompt: Describe the characteristics of the Injured in Capitoline Wolf's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1450
1471
295 a.C.
296 a.C.
65 a.C.
Antonio del Pollaiolo
Benedetto da Soracte
Campidoglio
Impero romano
Lupercale
Mirabilia Urbis Romae
Musei Capitolini
Palatino
Quinto Fabio Pittore
Quinto Ogulnio Gallo
Roma
Romolo e Remo
Tito Livio
XV secolo
X secolo


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Martirio di sant'Erasmo

Il Martirio fu concepito come pala per l'altare sinistro del transetto settentrionale della nuova Basilica. Il culto di sant'Erasmo era celebrato nell'antica basilica di San Pietro già dal 1119. Nel 1605, all'interno della nuova costruzione, al santo fu consacrato un altare, dopo che le sue reliquie furono traslate dall'antica basilica alla nuova; tuttavia, tale spazio va considerato scarsamente appropriato e non all'altezza del culto, che pure risultò sempre fervente da parte dei fedeli .  Prima dell'opera di Poussin, già era presente una decorazione, risalente ai tempi di papa Clemente VIII e realizzata in stucco dorato e marmi policromi.  precedente pala era un dipinto, attualmente noto soltanto grazie ad un'incisione di Jacques Callot, datato al 1575 e attribuito ad un oscuro pittore manierista polacco, Thomas Treter. Nondimeno, l'attribuzione e la datazione sono contestate. Presumibilmente, il dipinto del Treter non è stato trasferito dall'altare tra il 1605 e il 1627, ossia nel periodo che va dalla consacrazione dell'altare nella nuova basilica alla realizzazione della tela da parte di Poussin.

Prompt: Describe the characteristics of the Original location in The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Describe the characteristics of the Apocryphal  Gospels in Annunciation (Pontormo)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: Explain the Variant Danny about the Variants of this artwork, Prophet Daniel (Michelangelo).Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Portrait of a Man in Red Chalk explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Arca di san Tiziano

Storicamente attribuita a più o meno anonimi scultori bresciani o lombardi tra la fine del XV secolo e l'inizio del successivo, nel 2007 Vito Zani ha proposto di ricondurre l'arca alla bottega dei Sanmicheli, nell'ambito di una serie di lavori di scultura che la famiglia di artisti originari di Porlezza avrebbero realizzato tra gli anni 1480 e i primi del XVI secolo, tra cui si contano opere fondamentali per rilevanza e importanza quali la facciata della chiesa di Santa Maria dei Miracoli, molte opere lapidee per il palazzo della Loggia, gran parte delle opere di scultura nella chiesa di San Pietro in Oliveto e altri manufatti minori ma significativi tra cui le membrature architettoniche all'esterno della cappella Caprioli nella chiesa di San Giorgio.L'arca di san Tiziano risalta evidentemente per la raffinata impronta ornamentale che caratterizza la trattazione delle superfici, esaltata oltretutto dalle dorature. In particolare, però, è tra le rarissime opere bresciane in marmo con componenti figurate che può essere collocata completamente al di fuori della cerchia di Gasparo Cairano, massimo esponente della scultura rinascimentale bresciana tra gli anni 1490 e il primo quindicennio del XVI secolo. Tra l'altro, non casualmente, le specchiature sul retro del sepolcro costituiscono una riproposizione letterale, ma in chiave semplificata, del pronao del santuario dei Miracoli, ricondotto come detto sempre ai Sanmicheli. Lo studioso ha inoltre rilevato una certa affinità tra le statue dell'arca e i volti di alcuni esemplari tra gli Apostoli lungo la navata della chiesa di San Pietro in Oliveto. Questo ciclo di dodici sculture, verosimilmente compiuto entro il 1507, è in gran parte riconducibile a Gasparo Cairano e collaboratori, pertanto bisogna pensare all'esistenza di un contratto societario o a un subappalto.  stessa cappella, a sua volta, è riconducibile, in molti dettagli compositivi e tecnici delle decorazioni, ancora alla facciata del santuario dei Miracoli, dettagli che saranno a lungo reiterati dal Sanmicheli nelle opere piemontesi. Proprio attorno a questi anni, e forse proprio a causa della presentazione sulla scena bresciana di questo grande, definitivo lavoro del Cairano, i Sanmicheli abbandonano Brescia, dove non vi faranno più ritorno, diretti a Casale Monferrato, dove Bartolomeo muore due anni dopo, lasciando al figlio Matteo il nuovo capitolo della carriera artistica di famiglia.Nel 2010, tuttavia, Giuseppe Sava pubblica su "Arte Veneta" un articolo che ricostruisce la figura di Antonio Medaglia, il misconosciuto architetto della chiesa di San Pietro in Oliveto, proponendone un catalogo di opere. In aggiunta a questo, riconosce un artista ancora differente in un piccolo gruppo di opere, identificate nelle statuette dell'arca di san Tiziano, in due tondi figurati negli interni di Santa Maria dei Miracoli e nei piccoli busti di vescovi e della Maddalena entro gli oculi sul prospetto della cappella dedicata alla medesima santa in San Pietro in Oliveto. Lo studioso colloca quindi il tutto nella mano di uno scultore influenzato da Stefano mberti, errando nella lettura della data sulla cimasa dell'arca e leggendovi 1519 anziché 1529.  questione rimane quindi parzialmente aperta, nel senso che queste opere potrebbero essere effettivamente postdatate, anche se non alla fine degli anni 1520, per ricondurle all'ambito del mberti, il che toglierebbe almeno le statue dell'arca di san Tiziano dalla mano di Matteo Sanmicheli, così come era stato proposto dallo Zani nel 2010.  datazione delle altre opere, ossia i due tondi e le figure della cappella della Maddalena, è comunque controversa e ciò contribuisce a lasciare la questione ancora oggi poco chiara.

Prompt: How does Ark of San Tiziano explain its Style?Please output in Italian.

Brescia
Casale Monferrato
Gasparo Cairano
Matteo Sanmicheli
Porlezza


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pontificia accademia mariana internazionale: Studi sull'Immacolata Concezione. Nascita verginale Maria  Cuore Immacolato di Maria Apparizioni di Lourdes Protovangelo Radio Maria

Prompt: How does The Immaculate Conception of Los Venerables explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nella primavera 1506 Michelangelo ebbe una clamorosa rottura con papa Giulio II, in occasione della sospensione del grandioso progetto della tomba papale, cui l'artista aveva dedicato numerose energie e aspettative. Giulio II, consigliato forse dall'architetto Bramante che non nascondeva la sua rivalità con Michelangelo, era infatti venuto alla conclusione che occuparsi della propria sepoltura fosse di cattivo auspicio.Probabilmente in quell'occasione il papa, personalità ambiziosa e amante dell'arte in funzione della politica, aveva già in mente un'altra grandiosa opera da affidare all'artista fiorentino, cioè la ridipintura della volta della Cappella Sistina, già affrescata da Piermatteo d'Amelia con un cielo stellato, all'epoca del suo parente e predecessore Sisto IV. Nel maggio del 1504 infatti una minacciosa crepa nel soffitto, aveva reso inutilizzabile per molti mesi la cappella, in cui si svolgevano le più importanti e solenni celebrazioni della corte papale.Ma Michelangelo, che ignorava ancora la nuova proposta, appena saputa l'interruzione dei lavori al monumento sepolcrale causata da intrighi tra gli artisti di corte, fuggì da Roma in tutta fretta , riparando a Firenze, dove restò quasi un anno, nonostante i ripetuti richiami del pontefice. Ci vollero ben tre brevi del papa inviate alla Signoria di Firenze e le continue insistenze del gonfaloniere Pier Soderini , perché Michelangelo prendesse infine in considerazione l'ipotesi della riconciliazione, cogliendo l'occasione del passaggio del pontefice a Bologna , impegnato nella campagna militare contro i Bentivoglio.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the The plans of Julius II and the Description.Please output in Italian.

1504
1506
Bologna
Bramante
Cappella Sistina
Firenze
Pier Soderini
Piermatteo d'Amelia
Roma