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Bambini dell'Olocausto

Con l'ascesa al potere di Hitler, le leggi razziali e soprattutto dopo le violenze della notte dei cristalli , molte famiglie di ebrei decisero di emigrare dai territori del Terzo Reich. Le opzioni tuttavia erano limitate, dovute alle ferree leggi e quote che regolavano i flussi migratori. Molti cercarono rifugio in paesi limitrofi, come la Polonia, i Paesi Bassi, il Belgio, la Francia, l'Italia, soltanto per trovarsi poi nuovamente sotto il regime nazista nel corso della seconda guerra mondiale. Le mete più ambite e sicure ma anche quelle più difficili da ottenere restavano l'Inghilterra, gli Stati Uniti e la Palestina, ma all'occasione ci si trasferì anche in Sud America, Africa o in Cina. Quando alla fine del 1938 la situazione ormai apparve disperata, le famiglie si risolsero anche a far partire i loro figli da soli, pur di garantire loro un futuro.Fin dal 1933 l'organizzazione sionistica Youth Aliya, fondata e diretta da Recha Freier, si prodigò per far emigrare bambini ebrei dalla Germania. Furono 5.012 i bambini  che giunsero in Palestina prima della guerra. Gruppi numerosi di bambini non accompagnati giunsero anche in Francia, Belgio e Olanda, dove furono ospitati in istituti, orfanotrofi o presso famiglia affidatarie. Anche gli Stati Uniti accolsero nel maggio 1939 un gruppo di 50 bambini ebrei austriaci, grazie all'iniziativa dei coniugi Gilbert e Eleanor Kraus.Tra i 963 profughi ebrei che nell'estate del 1939 lasciarono il porto di Amburgo a bordo della St. Louis con la speranza di sbarcare a Cuba  c'erano anche circa 150 bambini o adolescenti con le loro famiglie. Se anche nessuno di loro dovette rientrare in Germania, solo per i 5 che sbarcarono a Cuba, i 39 che furono accolti in Inghilterra e i pochi altri che riuscirono a seguirli nei mesi successivi ciò significò la fine immediata delle persecuzioni.  maggior parte di quanti furono accolti in Belgio , Olanda  e Francia  si ritrovarono da lì a poco sotto occupazione nazista: alcuni riusciranno a mettersi in salvo in Spagna o Svizzera, per gli altri furono anni difficili trascorsi in clandestinità, spesso separati dai loro stessi genitori, 32 di loro periranno , undici sopravviveranno all'arresto e alle deportazioni.Il flusso dei rifugiati non si interruppe del tutto neppure durante la guerra. 9.342 bambini ebrei giunsero in Palestina tra il 1939 e il 1945. Tra di essi vi furono anche i cosiddetti bambini di Teheran, un gruppo di 861 bambini ebrei polacchi rimasti orfani, i quali rifugiatisi in Unione Sovietica furono radunati nel 1942 in un orfanotrofio a Teheran in Iran per giungere quindi l'anno successivo in Palestina. Oltre che in Unione Sovietica, molti rifugiati ebrei si diressero verso i paesi neutrali: Svezia, Svizzera e Spagna.In Svezia giunsero migliaia di bambini ebrei provenienti dalla Norvegia ma soprattutto dalla Danimarca, quando nell'ottobre 1943 la quasi totalità degli 8000 ebrei danesi vi furono segretamente trasferiti per sfuggire alle deportazioni. In Svezia essi poterono vivere con i loro familiari e con loro tornare in patria alla fine del conflitto.Anche la Svizzera fu luogo di rifugio per migliaia di bambini ebrei che vi giunsero legalmente o clandestinamente con le loro famiglie dai paesi confinanti. Nonostante le molte restrizioni  furono 21.000 gli ebrei accolti nel territorio elvetico durante la guerra. In Svizzera giunsero anche tre trasporti di ebrei, sottratti ai campi di concentramento per speciali accordi con le autorità naziste, sostanzialmente in cambio di denaro. I circa 1.670 ebrei ungheresi del treno di Kastner arrivarono in Svizzera dal campo di concentramento di Bergen-Belsen in due gruppi, uno nell'agosto e uno nel dicembre 1944 . Un terzo treno portò in Svizzera il 5 febbraio 1945 un gruppo di 1.210 ebrei proveniente dal campo di concentramento di Theresienstadt .Nonostante le moltissime restrizioni, migliaia di ebrei attraversarono il confine francese con la Spagna e vi trovarono rifugio o temporanea accoglienza verso altri paesi. I rifugiati ebrei  furono 20/30.000 nei primi anni di guerra, quando la Francia fu occupata dai nazisti, cui ne seguirono altri 7.500 tra l'estate del 1942 e l'autunno del 1944. Per alcune centinaia di bambini ebrei tedeschi e austriaci profughi in Francia e affidati alle cure dello "U.S. Committee for the Care of European Children", la Spagna fu paese di passaggio per il Portogallo, da dove nell'estate del 1941 essi poterono imbarcarsi per gli Stati Uniti.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Refugees and the Historical research.Please output in Italian.

Belgio
Cina
Francia
Germania
Gilbert e Eleanor Kraus
Italia
Paesi Bassi


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Il quarto stato

Pellizza incominciò a lavorare a un bozzetto degli Ambasciatori della fame nel 1891, dopo aver assistito a una manifestazione di protesta di un gruppo di operai. L'artista rimase molto impressionato dalla scena, tanto che annotò nel suo diario:L'abbozzo venne completato nell'aprile del 1894. Il soggetto è una rivolta operaia nella piazza Malaspina a Volpedo, in provincia di Alessandria, con tre soggetti posti davanti alla folla in protesta: la scena è vista dall'alto, e le figure sono distribuite su linee ortogonali. Nonostante la composizione ancora «embrionale» dell'opera, com'ebbe ad affermare lo stesso artista più tardi, Ambasciatori della fame si imposta già come caposaldo per le successive redazioni dell'opera, che pure presenteranno come peculiarità il terzetto posto dinanzi alla massa di gente sullo sfondo e lo stacco d'ombra in primo piano. e, in effetti, di versioni degli Ambasciatori della fame ve ne furono altre due, una datata 1892 e l'altra del 1895. Lo schizzo del 1892 è molto simile a quelli precedenti: viene tuttavia aggiunto un gruppo di donne, figure antitetiche rispetto ai lavoratori uomini, che in questo modo vengono sia motivati sia sedati dalla presenza femminile. Ultima tappa del percorso verso la Fiumana è la versione degli Ambasciatori del 1895, realizzata dopo tre anni di quiescenza su carta marroncino, sotto forma di disegno carboncino e gesso. Scrisse Pellizza:Nel succitato passo l'artista sottolinea la sua volontà di eseguire un quadro generalizzante: a esser rappresentati non sono solo i contadini di Volpedo, bensì un'intera parte della società che ha «sofferto assai» e che intende rivendicare i propri diritti mediante una lotta «serena, calma e ragionata».

Prompt: In The Fourth Estate (painting), how is the Ambassadors of Hunger of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Eva

Con Adamo ebbe Caino, Abele, Set e generò ancora altri figli e figlie .  tradizione biblica narra che i figli furono tra 14 e 140 .

Prompt: How does Eve (Rodin) explain its Children?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ermes di Andro

statua fu ritrovata nel 1832 da un uomo, Demetrios Loukrezis, che si trovava a scavare in un appezzamento di terreno di sua proprietà, in corrispondenza del sito dell'antica agorà di Andro; in contemporanea allErmes, fu rinvenuta anche la statua acefala di una donna riccamente vestita. L'anno seguente il primo ministro Spiridon Trikoupis annunciò la scoperta delle statue sul periodico settoriale Bullettino dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica. Nel 1841, durante la sua visita ad Andro, il re Ottone di Grecia ordinò che le sculture fossero collocate nel neocostituito Museo nazionale , dopo aver pagato una somma di denaro a Loukrezis.Nelle vicinanze del sito dove furono trovati l'<nowiki/>Ermes e la statua di donna sorgeva un santuario, probabilmente dedicato al culto degli eroi; lì fu anche scoperta un'iscrizione onorifica, databile intorno al 65, in cui venivano menzionati Egnatia Maximilla e Publius Glitius Gallus, benefattori della città durante l'impero di Nerone.  presenza dell'iscrizione è sufficiente a far associare le due sculture a tali soggetti. Sebbene la datazione corrisponda pressoché all'anno di realizzazione della statua femminile , lErmes di Andro è presumibilmente una produzione precedente. Si è ipotizzato che la statua della divinità sia stata riutilizzata solo in un secondo momento congiuntamente all'altra statua .Nel 1981, la statua fu riportata ad Andro, dove è conservata presso il museo archeologico dell'isola.

Prompt: How does Hermes of Andros explain its History?Please output in Italian.

Ermes
Nerone
Ottone di Grecia
Spiridon Trikoupis


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Cupido dormiente

prima descrizione nota dell'opera è contenuta in una lettera datata 27 giugno 1496 e scritta da Antonio Maria Pico della Mirandola alla marchesa di Mantova Isabella d'Este:I biografi di Michelangelo Paolo Giovio , Ascanio Condivi  e Giorgio Vasari , segnalano la statua di un Dio d'amore, d'età di sei anni in sette, à iacere in guisa d'huom che dorma, fatta su commissione di Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici dopo il ritorno dell'artista da Bologna. Si trattava di un'opera  che si rifaceva all'arte antica, ma filologicamente slegata da essa.Su suggerimento forse dello stesso Lorenzo e probabilmente all'insaputa di Michelangelo per la somma di duecento ducati, molto cospicua soprattutto se confrontata con i trenta che aveva incassato Michelangelo per l'esecuzione.Tuttavia, poco tempo dopo, le voci del fruttuoso inganno si sparsero fino ad arrivare alle orecchie del cardinale, che per avere conferma e richiedere indietro i soldi spedì a Firenze un suo intermediario, Jacopo Galli, che risalì a Michelangelo con una scusa e riuscì ad avere conferma della truffa. Il cardinale andò su tutte le furie, ma volle anche conoscere l'artefice capace di emulare gli antichi: se lo fece inviare a Roma, introducendolo poco dopo all'ambiente cardinalizio nel quale il giovane scultore avrebbe presto conosciuto alcuni dei suoi grandi committenti.Esiste uno schizzo al Castello di Windsor che riproduce quattro puttini arrivati nel 1630 da Mantova: tra questi quello di Michelangelo sarebbe forse quello in alto a destra o quello sottostante, dall'energia più pronunciata.Nel 1632 l'opera, con numerosi pezzi pregiati delle collezioni Gonzaga, venne acquistata da Carlo I d'Inghilterra e trasportata a Londra.  statua si trovava probabilmente nel palazzo di Whitehall nel 1698, quando venne distrutta da un incendio, andando perduta definitivamente.

Prompt: How does Sleeping Cupid (Michelangelo) explain its History?Please output in Italian.

1496
1630
1632
1698
Antonio Maria Pico della Mirandola
Ascanio Condivi
Bologna
Carlo I d'Inghilterra
Castello di Windsor
Firenze
Giorgio Vasari
Gonzaga
Isabella d'Este
Jacopo Galli
Londra
Mantova
Paolo Giovio
Roma


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Mrs. Cecil Wade

Il ritratto della signora Cecil Wade dimostra quanto Sargent sapesse dipingere bene sia i ritratti che gli interni, così come la sua volontà di sperimentare audacemente con la luce e l'oscurità. Il dipinto ritrae l'effigiata a figura intera, di profilo, mentre guarda la sua destra con una luce brillante che bagna il suo vestito di raso bianco e la sua pelle chiara. Ella si siede su una panca di legno lucido ricoperta da un cuscino rosso con delle decorazioni floreali, e indossa dei braccialetti e una collanina con un ciondolo, oltre a tenere tra le mani un ventaglio bianco.Nello sfondo poco illuminato, la luce del mezzodì filtra attraverso una finestra coperta da una tenda gialla e illumina un tavolino e una sedia con una pianta lì vicino, riflettendosi sul pavimento cerato che non è coperto da un tappeto.

Prompt: How does Portrait of Mrs. Cecil Wade explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Explain the Variants about the History of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Milan, 1460–1465).Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Funerale a Ornans

Il dipinto raffigura un anonimo funerale di Ornans  del quale sono visibili una trentina di partecipanti: vi riconosciamo, in particolare, il sindaco, i sagrestani con l'abito rosso da cerimonia, i chierichetti, il giudice, i contadini, alcune donne, il padre di Courbet, il notaio, e il becchino in attesa. Tutte persone comuni dunque, perlopiù sconosciute e anonime, compresse e appiattite sullo sfondo, disposte come se fossero in un fregio antico. In primo piano troviamo infine l'apertura della fossa, sul bordo della quale vi sono alcuni teschi, che invitano lo spettatore a riflettere sulla caducità della vita e sulla tragica condizione umana.I colori sono bruni, terrosi e spaziano dall'austerità dei verdi scuri e dei grigi spenti alla solennità dei neri, passando per la vivacità dei bianchi e dei rossi. Le pennellate, invece, sono pesanti e pastose e mettono ben in evidenza la fisicità dei personaggi. Nel dipinto, inoltre, non c'è una costruzione prospettica rinascimentale e volumetrica, mentre sono evidenti i tagli fotografici laterali, tipici dell'epoca a causa dello sviluppo della fotografia.

Prompt: In A Burial at Ornans, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Trinità

In ambito teologico trinitario viene fatta una distinzione fra la Trinità da un punto di vista "ontologico"  e da un punto di vista "ergonomico" . Secondo il primo punto di vista le persone della Trinità sono uguali, mentre non lo sono dall'altro punto di vista, cioè hanno ruoli e funzioni differenti.L'affermazione "figlio di", "Padre di" e anche "spirito di" implica una dipendenza, cioè una subordinazione delle persone. Il trinitarismo ortodosso rifiuta il "subordinazionismo ontologico", esso afferma che il Padre, essendo la fonte di tutto, ha una relazione monarchica con il Figlio e lo Spirito. Ireneo di Lione, il più importante teologo del II secolo, scrive: "Il Padre è Dio, e il Figlio è Dio, poiché tutto ciò che è nato da Dio è Dio."Simili affermazioni sono presenti in altri scrittori pre-niceni, cioè prima dello scoppio della controversia ariana:Immagine ripresa anche da scrittori successivi:Se Gesù Cristo nel vangelo di Giovanni viene chiamato l'"unigenito" Figlio di Dio, evidenziando con questa affermazione il suo essere ontologicamente in Dio, secondo la dottrina ortodossa Gesù è anche diventato una creatura con l'incarnazione, svolgendo un ruolo "ministeriale", e in un certo senso subordinato in relazione a Dio, nei confronti dell'umanità.Viene pertanto chiamato "primogenito" in altri passi, in riferimento alla creazione e redenzione, ad esempio è detto "immagine del Dio invisibile, primogenito di tutta la creazione... egli è principio, primogenito dei risuscitati".  distinzione è ripresa nell'affermazione che Gesù fa quando dice che dovrà "ascendere al Padre mio e Padre vostro, Iddio mio e Iddio vostro", distinguendo così fra l'essere figlio di Dio in senso proprio  e in senso figurato .Atanasio di Alessandria sviluppa questa distinzione commentando il passo evangelico in cui Gesù dichiara di non conoscere il giorno e l'ora della fine del mondo:Altri riferimenti biblici all'Unigenito nato prima di tutti i secoli sono: ;  e .

Prompt: In the context of Holy Trinity (Masaccio), explain the Natural evolution of Jesus and the Development notion theologies confrontations conciliar fourth fifth century.Please output in Italian.

Atanasio di Alessandria
Cristo
Dio
Figlio di Dio
Gesù
Gesù
II secolo
Ireneo di Lione
Padre


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Madonna degli Alberetti

Madonna degli Alberetti è un dipinto olio su tavola , di Giovanni Bellini, datato al 1487 e conservato nelle Gallerie dell'Accademia di Venezia.

Prompt: Focus on Madonna of the Small Trees and explain the Abstract.Please output in Italian.

1487
Gallerie dell'Accademia
Giovanni Bellini
Venezia


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Yankee Doodle

Yankee Doodle è una nota canzone patriottica americana che trae le proprie origini dalla guerra franco-indiana, anche se molta della sua popolarità la guadagnò nel corso della guerra d'indipendenza americana e successivamente durante la guerra di secessione americana. In seguito la canzone divenne l'inno dello stato del Connecticut.

Prompt: How does Yankee Doodle explain its Abstract?Please output in Italian.


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Il Grand Canyon di Yellowstone

Il Grand Canyon di Yellowstone  è un dipinto a olio su tela creato dall'artista anglo-statunitense Thomas Moran nel 1872. È noto per aver fatto aumentare l'interesse del pubblico americano negli sforzi di conservazione del patrimonio paesaggistico. Il dipinto si trova al museo del Dipartimento degli Interni degli Stati Uniti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Grand Canyon of the Yellowstone (1872).Please output in Italian.


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Sogno del cavaliere

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Sylvia Ferino Pagden, M. Antonietta Zancan, Raffaello. Catalogo completo, Firenze 1989. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: How does Vision of a Knight (Raphael) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Isabella d'Este nel regno di Armonia

Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006.

Prompt: How does Allegory of Isabella d'Este's Coronation explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Ritratto di Beatrice Cenci

L'identificazione dell'artista che ha dipinto l'opera è stata ampiamente dibattuta, con la sua attribuzione in passato, da parte di molti critici, ad Elisabetta Sirani, con conseguente sua classificazione come affermazione da parte di una femminista del XVII secolo. Si è anche fatto il nome della pittrice bolognese Ginevra Cantofoli. Il soggetto dell'opera, Beatrice Cenci, è raffigurata con indosso una veste bianca, riconducibile alla Sibilla oppure ad una vergine vestale, in grado di evocare compassione. Il suo sguardo melanconico è rivolto indietro, ad un angolo.Tradizionalmente si ritiene che il dipinto sia stato realizzato per il cardinale Ascanio Colonna. L'opera è stata capace di ispirare molti artisti, soprattutto romantici, tra cui Stendhal, Percy Shelley, Alexandre Dumas, Antonin Artaud e Francesco Domenico Guerrazzi.  disputa sulla sua attribuzione e la sua influenza sono state particolarmente accese, in grado di suscitare interesse tanto quanto la tela stessa. Senza alcuna documentazione, si sostiene che Reni sia entrato nella cella della donna il giorno prima dell'esecuzione, o forse fu in grado di vederla mentre lei si dirigeva al patibolo. Altri sostengono che l'artista non fosse neanche a Roma all'epoca dei fatti. Il primo catalogo della collezione Barberini definisce la tela raffigurante la Cenci come opera di un artista ignoto; soltanto successivamente sarà ricondotta al Reni.

Prompt: In Portrait of Beatrice Cenci, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

Antonin Artaud
Beatrice Cenci
Elisabetta Sirani
Francesco Domenico Guerrazzi
Ginevra Cantofoli
Roma
Sibilla
Stendhal


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Donna davanti allo specchio

curva della schiena della donna richiama quella della Venere di Milo.Il dipinto mostra una donna girata di schiena, a torso nudo, davanti a uno specchio ovale che riflette il suo volto e la parte superiore del petto.  sua mano sinistra poggia su un tavolo verde, dove c'è una scatola con il coperchio aperto, mentre con la destra sistema i capelli castani, i quali sono ben raccolti in un cignone. Per questo il dipinto è stato anche soprannominato "Venere di Hirschsprung".  Venere di Milo venne trovata nel 1820 e i membri dell'accademia danese ne avevano acquistato un calco alla fine del decennio.Il soggetto, ritraente una donna con la schiena girata durante una faccenda quotidiana, ispirò altri pittori danesi, come Vilhelm Hammershøi, il quale dipinse una donna di schiena vestita.

Prompt: In A Nude Woman Doing Her Hair Before a Mirror, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Uomo vitruviano

L'opera viene realizzata verso giugno 1490, quando Leonardo ebbe modo di conoscere Francesco di Giorgio Martini durante un viaggio da Milano a Pavia. Francesco di Giorgio lo rese partecipe del suo Trattato di architettura e della lezione di Vitruvio del cui trattato De architectura Martini aveva iniziato a tradurre alcune parti. Leonardo infatti si definiva "omo sanza lettere" , poiché non aveva avuto un'educazione che gli permettesse di comprendere il testo latino; per questo la rielaborazione in volgare dei concetti vitruviani dovette risultargli particolarmente stimolante, come risulta anche dal cosiddetto Manoscritto B , dedicato all'urbanistica e all'architettura religiosa e militare.Il disegno è conservato alle Gallerie dell'Accademia dal 1822, quando il governo austriaco lo acquistò  dagli eredi del collezionista milanese Giuseppe Bossi. Come per la maggior parte delle opere in carta, per motivi conservativi è raramente esposto al pubblico e quindi non è inserito nel percorso abituale di visita del museo.

Prompt: How does Vitruvian Man explain its History?Please output in Italian.

1822
De architectura
Francesco di Giorgio Martini
Gallerie dell'Accademia
Giuseppe Bossi
Manoscritto B
Milano
Pavia


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Crocifisso di San Domenico ad Arezzo

croce riporta l'iconografia del Christus patiens, cioè un Cristo morente sulla croce, con gli occhi chiusi, la testa appoggiata sulla spalla e il corpo inarcato a sinistra.Il torace è segnato da una muscolatura tripartita, le mani appiattite sulla croce e i colori preziosi, sia per l'uso dell'oro che del rosso.I lati della croce sono decorati con figure geometriche che imitano una stoffa. Ai lati del braccio orizzontale della croce sono presenti i due dolenti a mezzo busto in posizione di compianto, che guardando lo spettatore piegano la testa e l'appoggiano a una mano. Sono la Vergine e san Giovanni evangelista a sinistra e destra rispettivamente, entrambi vestiti con l'agemina. In alto è presente la scritta I.N.R.I. per esteso . Nel tondo in alto è raffigurato il Cristo benedicente.

Prompt: Focus on Crucifix (Cimabue, Arezzo) and explain the Description.Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

Prompt: How does Sacred and Profane Love explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Hypnerotomachia Poliphili
Opere di Tiziano
Hypnerotomachia Poliphili


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Pala di San Marco

In un periodo imprecisato tra il XVIII e il XIX secolo la Pala di San Marco venne sottoposta a un restauro improprio, a base di soda caustica, facendone uno dei casi più eclatanti dei danni irreversibili che tali interventi abrasivi hanno causato.  soda infatti permetteva una veloce ed efficace pulitura rimuovendo gli stati di sporco e facendo riaffiorare i colori originali. Si tratta però di una sostanza che è molto difficile rimuovere e che continua a scavare sulla superficie pittorica per anni, "mangiando" gli strati superiori del colore e facendo perdere tutti quei dettagli che, secondo la tecnica a tempera, venivano aggiunti tramite velature successive che schiarivano la base, di solito verdastra.Per questo la pala di San Marco aveva perso tutti quei delicati effetti di luce e di chiaroscuro che caratterizzano la pittura dell'Angelico, consegnandoci un capolavoro imbrunito, alterato nei colori e senza le finiture. I danni erano particolarmente evidenti nelle figure di alcuni santi o del Bambino, che sembrano slavate, oppure nello sfondo che invece presentare un paesaggio rischiarato dal cielo cristallino, appariva una massa pressoché informe di toni cupi e bui.Per fortuna il trattamento non venne applicato anche alle tavole della predella, che oggi sono la migliore testimonianza dell'arte dell'Angelico su tavola in questo periodo della piena maturità artistica.Nel 2019 è stato realizzato sul pannello centrale un sapiente restauro che ha in parte mitigato gli effetti "devastanti" dei precedenti resturi e che, come ha dichiarato il Soprintendente dell'Opificio delle Pietre Dure, Marco Ciatti, “ha costituito una sfida complessa per la gravità dei problemi conservativi presenti sia nel supporto ligneo, sia sulla superficie pittorica. E' stato perciò affrontato e risolto come un progetto di ricerca con soluzioni innovative per entrambi gli aspetti”“ pittura dell'Angelico è fatta di velature sottilissime. Da un punto di vista tecnico è una tecnica quasi da . Abbiamo dovuto capire come procedere per liberare il dipinto da tutta quella serie di incrostazioni che erano state aggiunte negli anni passati e che lo avevano reso quasi inguardabile. Altro grosso problema è stato quello del supporto ligneo, che era stato creato con una tecnica particolarissima, quasi sperimentale. Il dipinto è venuto da noi proprio perché quel supporto si stava spaccando”.

Prompt: Describe the characteristics of the Improper restoration 2019 restoration in San Marco Altarpiece's History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (Bol)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Polittico di Santa Barbara

Prompt: How does Saint Barbara Altarpiece (Master Francke) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Il falconiere

Il falconiere  è un'opera in bronzo realizzata con la tecnica di fusione a cera persa dallo scultore inglese George Blackall Simonds , posta nel Central Park di New York City, donata dal mercante irlandese George Kemp .

Prompt: How does The Falconer (Simonds) explain its Abstract?Please output in Italian.

Central Park
George Blackall Simonds
New York


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Madonna di Manchester

Maria, su un trono roccioso, è in atto di leggere il libro profetico che le rivela la sorte del figlio mentre il Bambino, alle sue ginocchia, fa come per cercare di esserne partecipe, ma la Madonna sembra allontanare le pagine dalla sua vista, forse per un gesto protettivo. Dietro di lui si vede il piccolo Giovanni Battista, già con la veste eremitica di pelo di cammello e le braccia atteggiate in forma di croce. Ai lati del dipinto si trovano due coppie di angeli delle quali solo quella destra è completata, mentre quella a sinistra è appena delineata in una anticipazione di non - finito come mezzo di spiritualizzazione della materia.  gestualità intima e familiare tra questi gruppi angelici richiama le opere di Botticelli o di Luca della Robbia. Vergine ha un seno scoperto, un rimando all'iconografia della Madonna del tte.Richiamano il Tondo Doni, unica tavola sicuramente michelangiolesca, la smaltata cromia e alcuni dettagli originali, come il seno scoperto e turgido della Vergine, che non sta allattando. Presentano dubbi invece le fisionomie leonardesche della Madonna e degli angeli, nonché il disegno non perfettamente riuscito del Bambino e soprattutto di san Giovannino, dalla testa forse troppo grande.

Prompt: In Manchester Madonna, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento fu inaugurato il 4 settembre 1872 alla presenza del principe Umberto in concomitanza con l'apertura a Milano del primo congresso degli ingegneri e degli architetti. Era in corso anche l'Esposizione nazionale di Belle Arti..</ref>}}Alla sera si svolsero anche festeggiamenti nella piazza del Duomo con razzi di bengala. Da una finestra del Teatro alla Scala fu proiettata una luce elettrica che illuminò il monumento di vari colori.Nelle raffigurazioni realizzate in occasione dell'inaugurazione i quattro piedistalli con le statue degli allievi non erano più separati , ma uniti al basamento ottagonale centrale.

Prompt: Explain the Inauguration about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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Il canal Grande

Il canal Grande è un olio su tela del pittore impressionista francese Claude Monet . Il dipinto fa parte di una serie, dedicata a Venezia, dipinta da Monet nel 1908. Questa serie di quadri en plein air, è una visione classica del Canal Grande, un tentativo di catturare il volto mutevole di Venezia, come si vede dal Palazzo Barbaro, dove il pittore risiedette. Venne dipinto durante un periodo che viene generalmente considerato dagli storici dell'arte come l'apice della sua carriera.Uno dei dipinti della serie è stato venduto per più di 35 milioni di dollari, in un'asta di Sotheby, nel 2005, dove il quadro venne definito "uno dei più celebri dipinti di Venezia".

Prompt: How does Le Grand Canal explain its Abstract?Please output in Italian.


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Pala Tezi

pala mostra la Madonna in cielo col bambino sulle ginocchia, affiancata sulle nubi dai santi Nicola da Tolentino e Bernardino da Siena, mentre nel registro inferiore, sullo sfondo di un dolce paesaggio boscoso, si vedono i santi Girolamo col leone e Sebastiano trafitto da frecce. Al centro in basso si trova l'apertura per un piccolo tabernacolo, che doveva contenere il Santissimo Sacramento. Nonostante la grande finezza pittorica, l'opera presenta vari elementi di repertorio, come la Madonna col Bambino proveniente da un cartone da cui fu tratta anche, in quegli stessi anni, la Madonna della Consolazione. Il modo di stendere i colori non è tipico del Perugino, con forti chiaroscuri e con le ombre stese tramite toni bruni e terrosi che ricordano piuttosto lo stile di Luca Signorelli. Probabilmente si tratta di un'opera di bottega, in cui il maestro intervenne solo per alcuni brani.</div>

Prompt: In Tezi Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Bernardino da Siena
Luca Signorelli
Nicola da Tolentino
Perugino
Santissimo Sacramento


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Nafea faa ipoipo

Nafea faa ipoipo  è un dipinto di Paul Gauguin del 1892; olio su tela di dimensioni 2x 4 cm.Gauguin, giunto a Tahiti nel 1891 ma deluso dall'operato colonialista francese che, nella capitale Papeete aveva già esercitato una forte influenza, si era stabilito in un villaggio interno in cui il progresso e la civiltà occidentale si faceva sentire meno.

Prompt: How does When Will You Marry? explain its Abstract?Please output in Italian.


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Salvatore

Prompt: How does The Saviour (El Greco) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Musica

L'Ars antiqua fu un fenomeno musicale che si formò a Parigi nel 1150 e che terminò nel 1320. Nasce in contrapposizione allArs nova, che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nel XIV secolo.Dal punto di vista della notazione musicale, la Scuola di Notre Dame introdusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note  in modo simile a quello che avviene nella scrittura musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.L'Ars nova sviluppò ulteriormente il concetto di notazione mensurale, aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni  rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell'Ars antiqua .

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Ancient Art New Art and the Opera, lyric.Please output in Italian.

1150
1320
Ars antiqua
Ars nova
Parigi
XIV secolo


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: In Monument to Giordano Bruno, how is the Medallions and brooches of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


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Polittico della Certosa di Pavia

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-XPaola Bernardi,  Certosa di Pavia, Novara, De Agostini, 1980, p. 36.

Prompt: Focus on Certosa di Pavia Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Certosa di Pavia
Firenze
Perugino
Perugino


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Madonna del Calamaio

Madonna del Calamaio si trovava originariamente nella sala capitolare del capitolo della cattedrale di Hildesheim. Successivamente è stata spostata nella chiesa, sul pilastro sud-occidentale della crociera della cattedrale, come immagine prominente della Madre di Dio nella cattedrale.Nel 2010, la scultura è stata trasferita al Niedersächsisches ndesmuseum di Hannover, mentre la cattedrale era in fase di ristrutturazione. Dall'ottobre 2012 è stata restaurato nell'officina della Klosterkammer di Hannover da Roksana Jachim. L'indagine con la tomografia computerizzata ha rivelato problemi di conservazione del legno e degli strati di vernice. Dopo il restauro sia della scultura che della cattedrale, la scultura è stata restituita il 15 agosto 2014 in una posizione di rilievo nella cattedrale, sul pilastro opposto della crociera.

Prompt: Focus on Inkpot Madonna and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Self-portraitsset of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Visione fantastica

Il dipinto era situato a destra della porta al piano superiore della Quinta del Sordo. Nel 1873 la casa fu comprata dal banchiere franco-tedesco Émile Baron d'Erlanger  che ordinò quindi a Salvador Martínez Cubells di trasportarne su tela tutte le pitture. Nel 1881 l'opera venne donata al museo del Prado.

Prompt: How does Asmodea explain its History?Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Nelle 4 scene della Passione di Cristo si osserva una massa urlante di personaggi, differenziata nelle posture, gesti, vesti e partecipazione emotiva. Notevole è la capacità del maestro senese di rendere efficacemente emozioni e volti, con risultati quasi ritrattistici.  pennellata è raffinata, delicata e particolareggiata.Rispetto a tutti i dipinti del periodo senese fino al 1330, e similmente all'Annunciazione tra i Santi Ansano e Margherita , lo spazio è volutamente poco profondo, sviluppato quasi in verticale e dominato dalla tensione narrativa. Le due ante dell'Annunciazione sono percorse da un'inquietudine psicologica che appare qui meno scontata e più marcata della precedente Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita , sia nellAngelo che nella Vergine. Le figure di tutte le ante sono allungate e i carnati chiari. Infine colpiscono i bordi dorati del mantello della Vergine Annunciata o il tessuto svolazzante dellAngelo Annunciante, caratterizzati entrambi da una sinuosità che porta a rivelare il diritto e il rovescio dei tessuti stessi, caratteristica questa dell'arte gotica transalpina. Queste caratteristiche di prospettiva verticalizzata, di inquietudine psicologica, di snellezza delle figure e di rovello gotico delle vesti sono nuove rispetto al Simone Martini senese e saranno riscontrabili anche nelle opere tarde del periodo avignonese.

Prompt: Focus on Orsini Altarpiece and explain the Style.Please output in Italian.


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Romolo e Remo

Prompt: How does Romulus and Remus (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Lampadario Hezilo

Il vescovo Bernward  aveva già donato un grande lampadario per la cattedrale, e ne avrebbe in seguito donato uno anche alla chiesa di San Michele. Dopo l'incendio nella cattedrale di Altfrid, il vescovo Hezilo fece ricostruire l'edificio con modifiche, rifiutando i nuovi piani della cattedrale del suo predecessore Azelin e appendendo una "corona di candelabri scintillante d'oro" nella sua navata.

Prompt: How does Hezilo chandelier explain its History?Please output in Italian.


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Kryptos

Prompt: Explain the Transcription of this artwork, Kryptos.Please output in Italian.


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Madonna Salting

L'opera era considerata di un allievo di Antonello, anche se oggi si tende a ritenerla opera autografa della fase giovanile dell'artista, legata al 1460 circa, quando l'autore si trova a Messina. Probabilmente si tratta di un'opera nata per la devozione privata.Entrò nel museo nel 1910 con il lascito Salting.

Prompt: Explain the History of this artwork, Salting Madonna.Please output in Italian.


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Isabella

Isabella è la protagonista dell'opera lirica L'italiana in Algeri, di Gioachino Rossini.Isabella "Bella" è un personaggio della serie televisiva Quelli dell'intervallo.Isabella "Bella" Hartley è un personaggio televisiva H2O Isabella è un personaggio della serie a fumetti erotica omonima.Izzy è un personaggio della serie animata A tutto reality.Isabel Archer è un personaggio del romanzo di Henry James Ritratto di signora.Isabella Bosco è un personaggio della serie a fumetti Isa & Bea - Streghe tra noi.Isabella Candeloro è la protagonista nel film del 1967 C'era una volta, diretto da Francesco Rosi.Isabel Evans è un personaggio della serie di romanzi Roswell High, scritta da Melinda Metz, e della serie televisiva da essa tratta Roswell.Isabelle usten è un personaggio della serie animata Isabelle de Paris.Isabelle Lightwood è una dei co-protagonisti dei romanzi Shadowhunters di Cassandra Clare, nonché degli omonimi film e serie tv.Isabella Linton è un personaggio del romanzo di Emily Brontë Cime tempestose.Isabella Spinola è un personaggio dell'omonima opera di Pietro Abbà Cornaglia.Isobel Stevens è un personaggio della serie televisiva Grey's Anatomy.Isabella "Bella" Swan è un personaggio della serie di romanzi e film Twilight, creata da Stephenie Meyer.Isabella Trao è un personaggio del romanzo di Giovanni Verga Mastro-don Gesualdo.Isabelle "Belle" è il nome della principessa di  bella e la bestia.Isabella è un personaggio dellOrlando Furioso di Ludovico Ariosto. Isabella è uno dei personaggi nella commedia  donna di garbo di Carlo Goldoni.Isabella è la protagonista del romanzo Cioccolata da Hanselmann di Rosetta Loy.Isabella è un personaggio della serie animata Phineas e Ferb.Isabella è un personaggio della serie animata The Promised Neverland.Isabella "Bella" Baxter è un personaggio del film Povere creature!

Prompt: Focus on Isabella (Millais painting) and explain the The beautiful art..Please output in Italian.

A tutto reality
Carlo Goldoni
Cioccolata da Hanselmann
Emily Brontë
Francesco Rosi
Gioachino Rossini
Giovanni Verga
Grey's Anatomy
Henry James
Isa & Bea - Streghe tra noi
Isabella Spinola
Isabelle de Paris
Isobel Stevens
L'italiana in Algeri
Ludovico Ariosto
Mastro-don Gesualdo
Melinda Metz
Phineas e Ferb
Pietro Abbà Cornaglia
Povere creature!
Quelli dell'intervallo
Rosetta Loy
Roswell High
Stephenie Meyer
The Promised Neverland


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Flagellazione

flagellazione è un atto di punizione corporale .  flagellazione è eseguita su soggetti restii, come strumento di tortura o come pena corporale; tuttavia, la flagellazione è anche utilizzata in modo consenziente nell'ambito BDSM, o compiuta su sé stessi , durante pratiche religiose o sadomasochiste.

Prompt: How does The Flagellation of Christ (Cimabue) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Mae West

Marzia Ubaldi in dy Lou , Non sono un angeloLola Braccini in dy Lou

Prompt: How does Mae West (sculpture) explain its Italian dubbers?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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San Girolamo

Legenda Aurea, di Jacopo da Varazze, narra, nel capitolo dedicato a San Girolamo, la leggenda del leone.Un giorno un leone ferito si sarebbe presentato zoppicando nel monastero ove risiedeva San Girolamo. I confratelli fuggirono spaventati ma San Girolamo gli si avvicinò accogliendo l'animale ferito. Egli ordinò ai confratelli di lavare le zampe al leone e curarle. Essi scoprirono che i rovi gli avevano dilaniato le piante delle zampe. Quando il leone fu guarito, rimase nel monastero. Su di esso i monaci confidarono per garantirsi la custodia dell'asino del convento. Un giorno, mentre l'asino stava pascolando, il leone si addormentò. Alcuni mercanti, visto il quadrupede da soma privo di custodi, se ne appropriarono. Tornato solo al monastero, il leone venne accusato dai monaci di aver divorato l'asino, cosicché gli vennero affidati tutti i lavori che normalmente venivano svolti da quest'ultimo. Un giorno egli incrociò sul suo cammino la carovana dei mercanti che avevano portato via l'asino affidatogli in custodia dai monaci e riconobbe nella carovana il medesimo asino. Egli si precipitò verso di loro ruggendo terribilmente e mettendoli in fuga. Dopo di che condusse l'asino ed i cammelli, carichi di mercanzia, al convento. Quando i mercanti tornarono, si recarono al convento a chiedere a San Girolamo il perdono e la restituzione delle loro mercanzie, cosa che San Girolamo fece, raccomandando loro di non rubare più le proprietà altrui. Tuttavia questa leggenda fu impropriamente acquisita dalla figura di San Girolamo, poiché originariamente questa storia vedeva come protagonista San Gerasimo, anacoreta e abate della Chiesa cristiana, che a causa della similitudine dei nomi latini dei due santi: Gerasimo Hierasimus e Girolamo Hieronimus vennero scambiati.

Prompt: How does Saint Jerome Writing explain its Legend, lion?Please output in Italian.

Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
San Gerasimo


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: In Love & Loss, how is the In modern philosophy of the Religion explained?Please output in Italian.


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Unione di Lublino

Polonia offrì subito il proprio aiuto militare alla Lituania, alle prese con la guerra di Livonia, ma non restituì i territori annessi prima dell'unione, malgrado la confederazione sfumasse di molto il significato dei confini fra i due stati.  Lituania fu comunque costretta a riconoscere alla Polonia l'annessione di Podlachia, Volinia, Podolia e Kiev.

Prompt: Describe the characteristics of the Military consequences in Union of Lublin (painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Kiev Livonia Podlachia Podolia Polonia Volinia


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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La sepoltura del conte di Orgaz

In un perfetto equilibrio tra cielo e terra, vengono raffigurati, in forma molto allegorica, i funerali di Gonzalo Ruiz de Toledo , notario mayor di Castiglia, mayordomo mayor di Ferdinando IV di Castiglia, precettore di Alfonso XI di Castiglia. Il dignitario, noto per la sua grande devozione religiosa e benefattore della parrocchia di San Tommaso, nella quale promosse nel 1300 la riedificazione della chiesa di San Tommaso, è raffigurato con Santo Stefano e Sant'Agostino, mentre il vescovo all'estrema destra sfoglia il Libro dei Morti per impartirgli l'estrema unzione ed il diacono ha lo sguardo rivolto al cielo. Dietro di essi sono gli astanti, quasi tutti anch'essi cavalieri , o frati; il personaggio al centro che ha lo sguardo rivolto allo spettatore sarebbe lo stesso El Greco, mentre il ragazzino a sinistra vestito di nero ed indicante la scena sarebbe il di lui figlio . Sono gli unici a volgere lo sguardo di fronte.Un angelo al centro della tela, invece, trasporta l'anima del Conte al cielo, che è interamente occupato dal Paradiso: Cristo è seduto in trono, e davanti a lui sono la Madonna e San Giovanni Battista; in secondo piano a sinistra è San Pietro  e vari altri Santi ; sulla destra, alcune anime beate, tra le quali si riconosce quella di Filippo II benché questi fosse ancora in vita all'epoca dell'esecuzione del dipinto. L'opera è firmata in caratteri greci minuscoli: “Doménikos Theotokópolis [sic] Epoíei”.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Burial of the Count of Orgaz.Please output in Italian.

Alfonso XI di Castiglia
Cristo
El Greco
Ferdinando IV di Castiglia
Paradiso
Giovanni Battista
Toledo


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Jacopo de' Barbari

sua prima opera documentata è l'immensa  e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città.  matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro  e la Battaglia fra uomini e satiri , entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

Prompt: Explain the "Views of Venice" and other engravings about the Biography of this artwork, Jacopo de' Barbari.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Museo Correr
Repubblica di Venezia
Veduta di Venezia
Venezia


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William Tecumseh Sherman

resa di Vicksburg avvenne il 4 luglio 1863, Giorno dell'Indipendenza, in perfetta sintonia con la parallela vittoria conseguita nella battaglia di Gettysburg, e Sherman si guadagnò il rango di Brigadier generale dell'esercito regolare, insieme a quello che già deteneva di Maggior Generale dei volontari. Quando la famiglia giunse dall'Ohio per visitare il suo campo nei pressi della città, suo figlio di nove anni, Willie, il "piccolo sergente", morì per la febbre tifoide contratta durante il viaggio.Il comando delle forze operanti nell'Ovest venne quindi unificato sotto la direzione di Grant  e Sherman gli succedette alla guida dell'Armata del Tennessee. A seguito della sconfitta dell'Armata del Cumberland nella battaglia di Chickamauga da parte dell'Armata confederata del Tennessee diretta da Braxton Bragg, questa si venne a trovare sotto uno stretto assedio a Chattanooga.upright=1.8Mappa della Le truppe di Sherman furono inviate in soccorso; durante il viaggio da Memphis il treno in cui si trovava arrivò alla prima battaglia di Collierville proprio mentre la guarnigione unionista si trovava sotto attacco, l'11 ottobre 1863. Sherman prese il comando dei 550 soldati di guarnigione e riuscì a resistere e respingere i  uomini della cavalleria confederata.Nel mese di novembre, durante le fasi finali della campagna di Chattanooga, le forze affidategli riuscirono a conquistare velocemente l'obiettivo prefissato, la collinetta di "Billy Goat", a Nord della cresta montuosa , solo per scoprire che in realtà non faceva parte di essa, ma si trattava piuttosto di uno "sperone" distaccato e separato dalla dorsale principale da un burrone totalmente cosparso di rocce.Quando tentò di attaccare a "Tunnel Hill" le sue truppe furono ripetutamente respinte dalla Divisione di Patrick Cleburne, la migliore unità dell'esercito di Bragg; gli sforzi di Sherman furono assistiti dal successo dell'attacco portato avanti da George H. Thomas il quale sfondò al centro la linea nemica, un movimento originariamente inteso come semplice diversivo.Successivamente guidò una colonna per soccorrere le forze al comando di Ambrose Burnside, che si pensava fossero in difficoltà nella Campagna di Knoxville; nel febbraio del 1864 infine condusse la spedizione di Meridian per distruggere alcune infrastrutture confederate.

Prompt: Describe the characteristics of the Chattanooga campaign in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Service  civil  war.Please output in Italian.

Ambrose Burnside
Armata confederata del Tennessee
Armata del Cumberland
Armata del Tennessee
Braxton Bragg
Brigadier generale
Campagna di Knoxville
Chattanooga
Generale
George H. Thomas
Indipendenza


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Apollo Chatsworth

Nel 1834 il Louvre decise di acquistare la prima grande statua di bronzo rinvenuta in periodo moderno, dopo la sua scoperta in Italia, vicino all'Isola d'Elba. Due anni dopo una statua completa fu scoperta vicino Tamassos a Cipro e fu immediatamente recuperata dagli abitanti che la scavarono dalla sua posizione usando un carro di buoi. Durante il viaggio la statua crollò perdendo gambe, braccia e torso.

Prompt: How does Chatsworth Head explain its Discovery?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraitsset and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Nel 305 un imperatore romano tenne grandi festeggiamenti in proprio onore ad Alessandria. Anche se la Leggenda Aurea parla di Massenzio, molti ritengono che si tratti di un errore di trascrizione e che l'imperatore in questione fosse invece Massimino Daia, che proprio nel 305 fu proclamato Cesare per l'oriente nell'ambito della tetrarchia . Ricordiamo inoltre che la data del 305 non è stabilita con certezza.Caterina si presentò a palazzo nel bel mezzo dei festeggiamenti, nel corso dei quali si celebravano riti pagani con sacrifici di animali e accadeva anche che molti cristiani, per paura delle persecuzioni, accettassero di adorare gli dei. Caterina rifiutò i sacrifici e chiese all'imperatore di riconoscere Gesù Cristo come redentore dell'umanità, argomentando il suo invito con profondità filosofica.L'imperatore, che secondo la Leggenda Aurea sarebbe stato colpito sia dalla bellezza sia dalla cultura della giovane nobile, convocò un gruppo di retori affinché la convincessero a onorare gli dei e la chiese in sposa. I retori non solo non riuscirono a convertirla, ma essi stessi, per l'eloquenza di Caterina, furono convertiti al Cristianesimo.L'imperatore ordinò la condanna a morte dei retori e dopo l'ennesimo rifiuto di Caterina la condannò a morire con il supplizio della ruota dentata. Dopo che Caterina venne messa sulla ruota dentata, il cielo prima limpido, si riempì di nuvoloni neri. Dal cielo scese un fulmine che spacco a metà la ruota dentata. Massimino fu obbligato a far decapitare la santa, dal cui collo mozzato non sgorgò sangue bensì latte, simbolo della sua purezza.

Prompt: Explain the The tradition of martyrdom about the Iconography of this artwork, Catherine of Alexandria (Palladas).Please output in Italian.

305
Cristianesimo
Cristo
Gesù
Leggenda
Massenzio
Massimino Daia


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Venere di Urbino

pesante tenda verde che separa l'alcova dal resto della stanza è scostata e mostra un interno rinascimentale, con una stanza dal pavimento a riquadri, in cui due ancelle stanno frugando in un cassone i vestiti da far indossare alla dea. Una è infatti inginocchiata a rovistare e l'altra, con un vestito rosso e un'elegante acconciatura, tiene già un ricco vestito sulla spalla.Candelabre dorate decorano le pareti, mentre le cassapanche hanno girali all'antica con elementi antropomorfi, segno di un arredamento aggiornatissimo alle tendenze più recenti.  luce, oltre che da davanti, entra dalla finestra sullo sfondo, dotata di colonna al centro e dalla quale si vede, oltre al vaso di mirto, un cielo rischiarato dalla luce dorata e un albero, che allude all'esistenza di un giardino. Inoltre l'illuminazione nella stanza proviene da sinistra e getta una netta ombra della serva in piedi sulla parete dietro di essa.

Prompt: In the context of Venus of Urbino, explain the The setting and the Description and style.Please output in Italian.


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Madonna Contarini

Maria tiene in braccio Gesù Bambino che sta eretto su una balaustra in primo piano, dove si trova appeso un cartiglio con la firma dell'artista . Il Bambino benedicente ricorda nella fisionomia quello della Pala di San Giobbe, databile a quegli stessi anni.  sua figura ha un che di fissità iconica che rimanda alla pittura bizantina, alla radice della scuola veneziana. Gli sguardi di madre e figlio non si incontrano, come di consueto, ma il tenero abbraccio tra i due esprime la familiarità della scena.Lo sfondo è costituito da un dolce paesaggio, con colli che si perdono in lontananza a una città turrita. Notevole è l'uso del colore, che modella figure al contempo monumentali e caldamente umane, grazie al ricco impasto cromatico.

Prompt: In Contarini Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Explain the Literature about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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David con la testa di Golia

Il David con la testa di Golia è un dipinto tempera su pelle su tavola  di Andrea del Castagno, databile al 1450-1457 circa e conservato oggi nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: How does David with the Head of Goliath (Castagno) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto con sigaretta

L'artista è circondato da un'ombra scura mentre tiene in mano una sigaretta fumante. John Ravenal paragona l'illuminazione drammatica del dipinto a quella di un palcoscenico. Sue Prideaux scrive che "Munch appare dal fumo di sigaretta come un genio da una bottiglia".  sigaretta, che la storica dell'arte Patricia Berman definisce "un nesso per identità sociali marginali negli anni 1890, era un simbolo della "devianza" e della "dissoluzione sociale" tra i confini di classe e di genere. Pertanto, la sua inclusione nell'autoritratto rifiuta i valori tradizionali e associa Munch al bohémien e alla decadenza. Berman crede anche che la rappresentazione di se stesso da parte dell'artista con un "corpo magro che si dissolve" e una "pelle giallastra" impieghi il decadimento fisico per sfidare le norme sociali e sanitarie.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Cigarette and explain the Composition.Please output in Italian.


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Separazione della luce dalle tenebre

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. Gli affreschi vennero eseguiti in due metà, divise all'altezza della transenna nella sua posizione originale, più o meno sopra la Creazione di Eva. Ciò fu necessario poiché il ponteggio copriva solo metà della cappella e dovette essere smontato e rimontato dall'altra parte tra una fase e l'altra.  Separazione della luce dalle tenebre  fu quindi l'ultima delle scene principali ad essere dipinta, pur essendo la prima in ordine di lettura.Michelangelo, pressato dalle richieste papali sempre più esigenti per un rapido completamento, arrivò a ultimare il ciclo in sorprendente rapidità.  Separazione della luce dalle tenebre venne ad esempio realizzata in appena una "giornata" d'affresco, sintetizzando al massimo lo stile pittorico senza però per questo compromettere la riuscita del prorompente effetto dinamico dell'insieme. Il disegno venne trasferito dal cartone con l'incisione diretta.

Prompt: Explain the History of this artwork, Separation of Light from Darkness.Please output in Italian.


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: Explain the Variant Danny about the People of this artwork, Prophet Daniel (Michelangelo).Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Giudizio di Paride

Il soggetto mitologico ha ispirato, fin dall'antichità, innumerevoli opere d'arte, tra le quali : Olpe Chigi, ceramica greca policroma di Corinto di artista anonimo . Museo nazionale etrusco di Villa Giulia, Roma. Il giudizio di Paride, anfora etrusca del Pittore di Paride , Staatliche Antikensammlungen, Monaco di Baviera. Bassorilievi del pulpitum, nello teatro di Sabratha, al fine del II secolo Il giudizio di Paride, dipinto di Sandro Botticelli . Fondazione Giorgio Cini, Venezia. Giudizio di Paride, opera perduta di Raffaello , nota tramite un'incisione di Marcantonio Raimondi. Il giudizio di Paride, dipinto di Lucas Cranach il Vecchio . Il giudizio di Paride, dipinto di Michiel van Mierevelt , Stoccolma. Giudizio di Paride, dipinto di Peter Paul Rubens . Paesaggio classico montuoso con il giudizio di Paride, dipinto di Johannes Glauber . Il giudizio di Paride, dipinto di Anton Raphael Mengs , San Pietroburgo. Giudizio di Paride, scultura in porcellana di Filippo Tagliolini , di cui si conoscono più esemplari. Il giudizio di Paride, dipinto di Enrique Simonet .

Prompt: In The Judgement of Paris (Rubens), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.


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La cantante di strada

cantante di strada  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1862 dal pittore pre impressionista francese Édouard Manet.  tela è conservata al Museum of Fine Arts di Boston.Nell'opera, la modella preferita dell'artista, Victorine Meurent, è raffigurata nei panni di una cantante che esce da un locale di cabaret a notte fonda, mentre mangia delle ciliegie. scena è stata ispirata a Manet direttamente da un incontro che fece di notte con una donna che corrispondeva esattamente a tale descrizione. Chiedendole immediatamente di posare per lui, la giovane donna rifiutò, e si dice che Manet abbia esclamato: «Se lei non vuole, vorrà Victorine!»

Prompt: In The Street Singer (Manet), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1862
Boston
Victorine Meurent
Édouard Manet


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (Pontormo) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ritratto di Bartolomeo Bonghi

Il ritratto di Bartolomeo Bonghi  è un dipinto a olio su tela realizzato da Giovan Battista Moroni e conservato presso il Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Bartolomeo Bonghi.Please output in Italian.

Giovan Battista Moroni
Metropolitan Museum of Art
New York


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Quattro visioni dell'Aldilà

Jacques Combe, Jérôme Bosch, Paris, Ed. Pierre Tisné, 1957 . Albert Châtelet, Sur un jugement dernier de Dieric Bouts, "Nederlands Kunsthistorisch Jaarboek / Netherlands Yearbook for History of Art", vol. 16, 1965, pagg. 17-42 Mia Cinotti, L'opera completa di Bosch, Milano, Rizzoli, 1966. Charles de Tolnay, Jérôme Bosch, Paris, Robert ffont, 1967 Walter S. Gibson, Hieronymus Bosch, New York, Oxford University Press, 1973 ISBN 0-19-519945-6 Lorne Campbell, Notes on Netherlandish Pictures in the Veneto in the Fifteenth and Sixteenth Centuries, "The Burlington Magazine", vol. 123, n°941, 1981, pagg. 467-473 Patrick Reuterswärd, Hieronymus Bosch's Four "Afterlife" Panels in Venice, "Artibus et Historiae", vol. 12, n°24, 1991, pagg. 29-35  Caterina Limentani Virdis , Le delizie dell'inferno. Dipinti di Jheronimus Bosch e altri fiamminghi restaurati. , Venezia, il Cardo, 1992 Walter S. Gibson, Bosch's Dreams: A Response to the Art of Bosch in the Sixteenth Century, "Art Bulletin", vol. 74, n°2, 1992, pagg. 205-218 Bernard Aikema; Beverly Louise Brown , Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di Bellini, Dürer, Tiziano, Milano, Bompiani, 1999 ISBN 88-452-4303-6 Jos Koldeweij, Bernard Vermet, Barbera van Kooij , Hieronymus Bosch. New Insights Into His Life and Work, Ludion, Museum Boijmans Van Beuningen/Nai Publishers, 2001 ISBN 90-5662-214-5 urinda Dixon, Bosch, London, Phaidon, 2003 ISBN 978-0-7148-3974-5 Frédéric Elsig, Jheronimus Bosch.  question de la chronologie, Genève, Droz, 2004 ISBN 2-600-00938-8 Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004. Roger Van Schoute; Monique Verboomen, Jérôme Bosch, Bruxelles,  Renaissance du Livre, 2007 ISBN 978-2-87415-860-5 Hans Belting, Hieronymus Bosch. Garden of Earthly Delights, Munich, Prestel, 2012 ISBN 3-7913-3320-8

Prompt: Focus on Ascent of the Blessed and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Charles de Tolnay
Dieric Bouts
Hieronymus Bosch
Lorne Campbell
Venezia


subsection

Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Describe the characteristics of the Apocryphal  Gospels in Annunciation (Antonello da Messina)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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I giocatori di carte

Uno studio preparatorio dell'opera è stato venduto il primo maggio 2012 al valore di 19.122.500 dollari. Una delle versioni, invece, risulterebbe essere il quadro più pagato al mondo: come detto in precedenza, nel 2011 la famiglia reale del Qatar avrebbe acquistato una versione dagli eredi dell'armatore greco George Embricos per la cifra di 250 milioni di dollari, battendo il precedente record di 140 milioni detenuto da Numero 5 di Jackson Pollock.

Prompt: How does The Card Players explain its History?Please output in Italian.


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Ingresso dei crociati a Costantinopoli

Ingresso dei crociati a Costantinopoli è un dipinto ad olio su tela eseguito da Eugène Delacroix nel 1840: misura cm 410 x 498. Fu commissionato da Luigi Filippo nel 1838 e completato nel 1840. Si trova a Parigi, nel Musée du Louvre.

Prompt: In Entry of the Crusaders in Constantinople, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1840
Costantinopoli
Eugène Delacroix
Parigi