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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Bufera di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi

Prompt: In Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Annibale
Passaggio delle Alpi di Annibale


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William Tecumseh Sherman

Nel giugno 1865, due mesi dopo la resa di Appomattox, ricevette il suo primo incarico dopo la guerra. Fu posto al comando della Divisione Militare del Mississippi, poi divenuta Divisione Militare del Missouri, che comprendeva un territorio che partiva dal fiume Mississippi alle Montagne Rocciose. I suoi sforzi si concentrarono sul proteggere le principali vie di comunicazione, in particolare le ferrovie, dagli attacchi delle forze indiane ostili.Pochissime furono le azioni militari contro gli indiani durante il mandato di Sherman.  sua strategia infatti consisteva nell'allungare i tempi delle trattative per raccogliere risorse e truppe e per permettere il completamento delle ferrovie Union Pacific e Kansas Pacific. Durante questo periodo fece parte della Commissione per la Pace con gli Indiani. Sebbene la commissione fosse responsabile per le trattative che portarono al Trattato di Medicine Lodge e del Trattato di Fort ramie, Sherman non fu direttamente coinvolto in esse perché richiamato a Washington. Fu comunque decisivo nelle negoziazioni di altri trattati, come quello che ha portato l'allontanamento dei Navajo da Bosque Redondo. Quando nel 1868 il Trattato di Medicine Lodge fu rotto, Sherman autorizzò il suo subordinato a condurre una campagna invernale . Sherman fu coinvolto nel processo a Satanta e Grande Albero: ordinò infatti che i due capi indiani fossero trattati come comuni criminali per il loro ruolo nell'assalto al treno di Henry Warren.

Prompt: Describe the characteristics of the Commander Department Reconstruction in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

Marco Carminati, Il polittico Averoldi visto da vicino, Il sole 24 ore, 29 maggio 2022.

Prompt: Focus on Averoldi Polyptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ritratto di Jacopo Dolfin

Jacopo Dolfin fu un ambasciatore e politico della Repubblica di Venezia. In quest'opera, attribuita a Tiziano, è ritratto a mezza figura su uno sfondo scuro neutro, mentre regge una lettera che ne chiarisce l'identità. Il busto è ruotato di tre quarti verso destra, ma il volto guarda lo spettatore e le braccia amplificano lo spazio protendendosi sulla diagonale. Il grande cappotto, foderato di pelliccia, dà l'effetto del velluto con abile maestrìa e una pennellata ruvida, tipica dell'artista e della sua cerchia. Le linee delle spalle dirigono lo sguardo dello spettatore verso il  volto, che è anche la parte più in luce dell'intero dipinto.L'effigiato è calvo e porta la barba lunga secondo la moda di quegli anni.  mano sinistra, che sporge sotto la pesante manica, ha al dito un anello, che ne certifica l'alto stato sociale.

Prompt: Focus on Portrait of Giacomo di Andrea Dolfin and explain the History and description.Please output in Italian.


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Madonna dei Candelabri

Il tondo, in uno stato di conservazione non eccelso, mostra la Madonna col Bambino tra due angeli reggifiaccola, da cui il nome. Maria è seduta a mezza figura, col Bambino sulle ginocchia. Le due figure principali, aggraziate e unite da amorevoli gesti, sono ruotate l'una verso l'altra, riempiendo un'ellissi centrale di grande effetto monumentale, che sembra preannunciare la Madonna della Seggiola.Il motivo dei candelabri è una colta citazione antiquaria, derivata da rappresentazioni imperiali dell'antica Roma e che qualifica Cristo e Maria come re e regina del cielo.

Prompt: Focus on Madonna of the Candelabra and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra le sante Caterina e Maria Maddalena

Il dipinto si trovava anticamente nelle Collezioni Renier a Venezia. Viene in genere datato di poco posteriore alla Pala Barbarigo.  composizione ebbe un notevole successo, testimoniato da numerose repliche e varianti, in gran parte dovute alla bottega o solo parzialmente autografe, tra cui spiccano le sacre conversazioni di Urbino e della Pierpoint Morgan Library di New York.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna and Child with Saint Catherine and Saint Mary Magdalene.Please output in Italian.


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Gioele

Joël Bats, calciatore franceseJoël Bouzou, pentatleta franceseJoël Cantona, calciatore franceseJoël Chenal, sciatore alpino franceseJoël Corminbœuf, calciatore svizzeroJoël Curbelo, cestista portoricanoJoël de Oliveira Monteiro, calciatore brasilianoJoël Egloff, scrittore e sceneggiatore franceseJoël Epalle, calciatore cameruneseJoël Gaspoz, sciatore alpino svizzeroJoël Jutge, arbitro di rugby e dirigente sportivo franceseJoël Kimwaki, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël utier, scacchista franceseJoël Le Theule, politico franceseJoël Matip, calciatore tedesco naturalizzato cameruneseJoël Muller, calciatore, allenatore di calcio e dirigente sportivo franceseJoël Quiniou, arbitro di calcio franceseJoël Retornaz, giocatore di curling italianoJoël Robert, pilota motociclistico belgaJoël Sami, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël Smets, pilota motociclistico belgaJoël Stransky, rugbista a 15, imprenditore e dirigente d'azienda sudafricanoJoël Tanter, calciatore franceseJoël Tshibamba, calciatore della Repubblica Democratica del Congo

Prompt: Explain the Variant Joël about the People of this artwork, Prophet Joel (Michelangelo).Please output in Italian.

Joël Bats
Joël Bouzou
Joël Cantona
Joël Chenal
Joël Corminbœuf
Joël Curbelo
Joël Egloff
Joël Epalle
Joël Gaspoz
Joël Jutge
Joël Kimwaki
Joël Le Theule
Joël Matip
Joël Muller
Joël Quiniou
Joël Retornaz
Joël Robert
Joël Sami
Joël Smets
Joël Stransky
Joël Tanter
Joël Tshibamba
Joël de Oliveira Monteiro


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Madonna delle Grazie

A Masullas  la festa patronale della Vergine delle Grazie si svolge a inizio luglio per una durata di tre giorni. Durante il secondo giorno si svolge la solenne processione per le vie del paese con gli abiti tradizionali sardi. Nella sera i festeggiamenti proseguono in piazza con spettacoli e concerti.

Prompt: Describe the characteristics of the Masullas in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Polifemo

Sin dall'antichità, i Greci situavano il paese dei Ciclopi in Sicilia, ai piedi dell'Etna, così come del resto attesta lo stesso Tucidide: « più antica popolazione che la tradizione riconosce come aver vissuto una parte della Sicilia sono i Ciclopi». In effetti lo storico non fece altro che riprendere le conoscenze diffuse dai navigatori greci sin dai tempi delle prime spedizioni coloniali nell'VIII secolo a.C., conoscenze che riflettono la loro rappresentazione dei mari e delle terre occidentali.Di fronte alla "terra dei Ciclopi" Ulisse ed i suoi uomini sbarcano su un'isola disabitata ma peraltro ricca di risorse: terre fertili, pascoli per il bestiame, colline per i vigneti, sorgenti di acqua limpida, porto naturale dal facile ancoraggio, senza ormeggio difficoltoso né manovre lunghe e delicate. Tutto questo sviluppo del poema dell'Odissea sembra progettato per suggerire come l'isola offra ogni possibile vantaggio per mercanti in cerca di approdi e punti vendita. Ellenisti e studiosi hanno dunque cercato di individuare quale fosse effettivamente il paese dei Ciclopi.I nomi che appaiono su tutte le carte marine ed i dati di navigazione situano il paese dei Ciclopi alle pendici dell'Etna, di fronte ai Faraglioni dei Ciclopi presso Aci Trezza. Molti studi permettono di assimilare il ciclope Polifemo ad un vulcano dall'unico cratere tondeggiante, l'Etna: del resto, come il vulcano, Polifemo sprofonda nel sonno dopo un'eruzione e nei suoi terribili risvegli erutta e scaglia lontano massi e rocce.A sua volta Victor Berard, basandosi su una breve indicazione di Tucidide, situa la terra dei Ciclopi lievemente a nord di Napoli, laddove si trova l'isola di Nisida e, fra le scogliere di Posillipo, molte grotte servirono come abitazioni rupestri sino al ventesimo secolo. Una di queste grotte, particolarmente grande, erroneamente chiamata Grotta di Seiano, potrebbe essere, secondo l'ellenista, la grotta di Polifemo.Infine, fra le varie ipotesi, Ernie Bradford opta per l'arcipelago delle Egadi, composto da Marettimo, Favignana e Levanzo; su quest'ultima isola si trova la Grotta dei Genovesi, abitata sin dal Paleolitico e dal Neolitico. L'isola montagnosa di Marettimo in particolare, costellata di grotte, ha un aspetto piuttosto impressionante. Dinnanzi, sulla costa della Sicilia, le rovine dell'antica città di Erice attestano peraltro una presenza greca molto antica.Nessuna di queste tre differenti ipotesi si è tuttora affermata definitivamente. Vi sono però dei dati certi: dei navigatori Greci provenienti da Eubea, Calcide ed Aulide in Beozia dall'VIII secolo a.C. promuovono spedizioni coloniali verso le terre d'Occidente ed arricchiscono il mito arcaico tramite le proprie effettive esperienze marittime; nel suo racconto, l'autore dell'Odissea arricchisce questa materia tramite una forma epica. Nella vicenda di Ulisse in quanto navigatore e del ciclope Polifemo in quanto luogo e popolazione locale si ritrova dunque una rappresentazione del mondo Mediterraneo e dei suoi confini, limiti e rischi, quali i Greci conoscevano nei secoli VII secolo a.C. e VI secolo a.C.

Prompt: Explain the Location of the land of the Cyclopes of this artwork, Polyphemus (sculpture).Please output in Italian.

Aci Trezza
Beozia
Ciclopi
Etna
Eubea
I secolo
Napoli
Odissea
Posillipo
Sicilia
Tucidide
Ulisse
VII secolo a.C.
VI secolo a.C.


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Atleta di Lussino

A causa della lunga permanenza in acqua di mare, l'Apoxyomenos di Lussino, al momento del ripescaggio, si presentava ricoperto da una spessa patina di concrezioni minerali di origine organica, che ne aveva protetto la lega da fenomeni di corrosioni di origine galvano-chimica. Per la rimozione di tali incrostazioni non si è fatto alcun uso di prodotti chimici. Tutto l'intervento di conservazione e restauro infatti, il primo nel suo genere mai posto in essere in Croazia, si è servito di metodologie esclusivamente meccaniche con l'uso di utensili di precisione manovrati manualmente o, talvolta, con l'aiuto della macchina. statua presentava una serie di grandi fessurazioni e danni nell'area ischiatica della gamba destra, che hanno richiesto un intervento di ricomposizione; si è resa necessaria anche la realizzazione di una speciale struttura in grado di sorreggere l'intera statua all'interno.Il piedistallo originale della statua si presenta decorato da ornamenti quadrati e da svastiche.Nella cavità interna della statua sono stati trovati diversi materiali organici, come pezzi di legno, rami, semi, pezzi di frutta, noccioli di olive e ciliegie, e un nido di piccoli roditori, che, studiati da esperti dei Musei civici di Como e dell'Università di Zagabria, hanno fornito importanti informazioni sulle vicende e sulla datazione dell'opera.Fin dalla scoperta della statua, gli archeologi sono divisi sulla questione se il modello utilizzato dallo scultore fosse mancino o destrorso. Il Ministro della pubblica istruzione italiano Giuseppe Fioroni, medico per professione, durante una visita alla statua all'epoca dell'esposizione fiorentina, ha notato un più accentuato trofismo dei muscoli della spalla sinistra rispetto a quelli della destra, una circostanza che farebbe supporre un modello mancino.L'intervento di restauro sull'Apoxyomenos ha ricevuto dall'Unione europea il premio Europa Nostra per la tutela del patrimonio culturale.

Prompt: Explain the Restoration of this artwork, Croatian Apoxyomenos.Please output in Italian.

Europa Nostra
Giuseppe Fioroni
Lussino
Unione europea
Università di Zagabria


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Il voto di Luigi XIII

</ref>}}Uno schizzo per le braccia di Luigi XIII, oggi al museo Ingres.Il dipinto raffigura il re di Francia Luigi XIII mentre sta consacrando il suo regno alla Vergine dell'Assunzione: tale evento avvenne nel febbraio del 1638. Luigi, infatti, non aveva avuto alcun erede dopo 23 anni di matrimonio, perciò decise di consacrare il regno di Francia alla Vergine Maria se questa gli avesse fatto nascere un figlio. Il re si trova in basso a sinistra, ai piedi di un altare, ed è raffigurato mentre alza le braccia in atto di offrire il proprio scettro e la propria corona alla Madonna al centro della scena. Maria tiene tra le braccia il Bambino Gesù, si trova sopra una nuvola ed è circondata da due angeli che scostano due tendaggi. In basso a destra sono presenti due putti che reggono una tabella con la seguente scritta in latino: "VIRG. DEIP. REGN. VOV LUDOV. XIII A.R.S.H. MDCXXXVIII X. FEB." devozione del sovrano nei confronti della Madonna sarà ricompensata dalla nascita dell'erede Luigi XIV, avvenuta il 5 settembre 1638.

Prompt: In The Vow of Louis XIII, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Madonna di San Giorgio

pala, probabilmente l'ultima realizzata dal Correggio, venne commissionata per l'altare maggiore dell'oratorio della confraternita di San Pietro Martire di Modena ed era completata nel 1530.  commissione venne sicuramente assegnata alla luce del successo ottenuto intorno alla metà degli anni venti dall'altra imponente ancona che l'artista dipinse a Modena, la Madonna di San Sebastiano. Nella storia professionale dell'autore è considerata la sua ultima opera religiosa, terminata in concomitanza con le finali presenze del Correggio sui ponteggi del Duomo di Parma. tavola, ricordata anche da Giorgio Vasari, nel 1649 venne acquisita dal duca Francesco I d'Este che risarcì i congregati con una libera copia del dipinto fatta realizzare dal Guercino. Nel 1746 venne ceduta, insieme a numerosi altri pregevolissimi dipinti, da Francesco III d'Este all'elettore Federico Augusto II, passando alle raccolte d'arte della casa di Sassonia a Dresda.Per quanto calibrata e limpidamente esposta la retorica di gesti e di sguardi, la Madonna di San Giorgio non fu facilmente compresa. Lo attesta, all'indomani del suo completamento, una copia eseguita nel 1530 da un pittore modenese, Girolamo Conti, in cui la splendida invenzione del Correggio diviene una statica e convenzionale Sacra conversazione. Né riuscì a coglierne il sofisticato impianto emotivo-spaziale, il pittore Bartolomeo Passerotti che pure volle renderle omaggio in un suo dipinto per Bologna.Fu invece uno degli artisti barocchi per eccellenza, Peter Paul Rubens, a comprendere e valorizzare le potenzialità offerte da questo modello del Correggio da lui studiato in un disegno a matita rossa.  tela fu oggetto di lodi anche da parte di Padre Ottonelli e di Francesco Scannelli nel pieno Seicento quando era stata da poco nelle collezioni di Francesco I d'Este.Popham ha catalogato due disegni preparatori per l'opera.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint George and explain the History.Please output in Italian.

1530
1649
Dresda
Francesco III d'Este
Francesco I d'Este
Francesco Scannelli
Giorgio Vasari
Girolamo Conti
Guercino
Madonna di San Sebastiano
Modena
Padre Ottonelli
Peter Paul Rubens
Sacra conversazione
San Giorgio
Sassonia


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Madonna col Bambino degli Innocenti

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 88-8117-091-4

Prompt: How does Virgin and Child with an Angel (Botticelli, Florence) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Ritratto di Lorenzo di Credi

Il Ritratto di Lorenzo di Credi è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela  di Pietro Vannucci detto il Perugino, databile al 1488 e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Lorenzo di Credi.Please output in Italian.

1488
Lorenzo di Credi
National Gallery of Art
Perugino
Washington


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Madonna di Darmstadt

Madonna di Dresda divenne nel XIX secolo oggetto di confronto con la Madonna Sistina di Raffaello Sanzio dopo un'esibizione di questa alla Gemaldgalerie di Dresda. Proprio il direttore del museo di Dresda, Julius Schnorr von Carolsfeld, aveva sostenuto nel 1855 l'uguaglianza tra scuole artistiche italiane e tedesche dell'epoca sulla base delle somiglianze tra l'opera di Holbein e quella di Raffaello. Holbein venne definito il "Raffaello del nord" da Albrecht Dürer Dopo che la Madonna di Dresda fu riconosciuta come una copia, il confronto ad ogni modo continuò a rimanere acceso. Sigmund Freud visitò la Gemäldegalerie di Dresda nel dicembre del 1883 e trasse le seguenti conclusioni:Dal commento di Freud apprendiamo anche una delle interpretazioni fantasiose date al quadro nel XIX secolo e cioè che, secondo una leggenda, vi sarebbe stato un miracolo con uno scambio di figli: i due genitori raffigurati, che pregavano per il figlio malato, ottengono da Maria il dono di Gesù Bambino, prendendo in grembo il bambino malato della coppia. Questa interpretazione è dovuta principalmente al contrasto tra il volto sofferente del bambino Gesù e il bambino più felice in primo piano.

Prompt: Describe the characteristics of the Raffaello Holbein comparison in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Sigmund Freud


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Effetti dell'intemperanza

Gli Effetti dell'intemperanza sono un dipinto a olio su tavola  di Jan Steen, databile al 1663-1665 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on The Effects of Intemperance and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Adoration of the Shepherds (Mantegna).Please output in Italian.


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Giudizio di Paride

250pxIl Giudizio di Paride è un episodio nella mitologia greca e una delle cause della guerra di Troia.

Prompt: How does The Judgement of Paris (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto con camicia ricamata

LAutoritratto con camicia ricamata è un dipinto a olio su tela  di Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, datato 1640 e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato e datato ""; la parola "conterfeycel"  è un termine olandese arcaico per ritratto.

Prompt: In Self-Portrait at the Age of 34, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

leggenda getta le sue radici in epoca paleocristiana Nel XII secolo la leggenda e l'iconografia raggiunsero la tradizione cristiana occidentale attraverso le crociate e si diffusero rapidamente nell'ambito culturale bizantino. I cavalieri della prima crociata credevano che san Giorgio e i santi guerrieri Demetrio, Maurizio, Teodoro e Mercurio avessero combattuto al loro fianco ad Antiochia e Gerusalemme.  leggenda si diffuse nella tradizione cristiana occidentale sulla base delle sue versioni latine dello Speculum historiale e nella Legenda aurea. Divenne anche uno dei più ricorrenti soggetti letterari e pittorico nel tardo Medioevo e nel Rinascimento, nonché parte integrante delle tradizioni cristiane relative a san Giorgio, tanto nella tradizione orientale che in quella occidentale.

Prompt: Focus on Saint George and the Dragon (Tintoretto) and explain the Story of the myth.Please output in Italian.

Antiochia Gerusalemme Medioevo Rinascimento


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In the context of Annunciation (Artemisia Gentileschi), explain the Vangelicanonici and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Tre mondi

Escher crea un rapporto di bidimensionalità nella tridimensionalità, dal momento che la superficie dell'acqua funge da "mondo intermedio" tra quello sopra, che si vede solo grazie al riflesso e si intuisce dalla presenza delle foglie, e quello sotto la superficie stessa. L'acqua dello stagno ha dunque funzione di essenza, riflesso e profondità del mondo soprastante, creando un gioco di specchi tra ciò che è reale e ciò che è solo riflesso, tra il mondo "vero" e quello "falso". L'inserimento di mondi che si compenetrano tra loro è una costante nelle opere di Escher; l'uso di superfici riflettenti gli permette infatti di esplorare nuovi punti di vista e nuove angolature, aumentando la spazialità dell'opera. In questo modo l'autore impone all'osservatore uno sforzo cognitivo, in quanto deve riuscire a destreggiarsi nell'intricato insieme di mondi simultanei. Inoltre, Escher usa il riflesso come una "protesi" dell'occhio, al fine di avvicinare situazioni tra loro diverse ma contemporanee, allargando lo sguardo ma restringendo la dimensione temporale a un momento, quasi congelandola; infatti, in Tre mondi si ha l'impressione di assistere a una scena eterna, silenziosa, fuori dal tempo.  </ref>}}}}

Prompt: Explain the Simultaneous worlds about the Description of this artwork, Three Worlds (Escher).Please output in Italian.


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Venere esquilina

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: In Esquiline Venus, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, Come santa cattolica, le reliquie di Maria Maddalena furono venerate a Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, Provenza, attraendo una tale folla di pellegrini che venne eretta una grande basilica verso la metà del XIII secolo, una delle più famose chiese gotiche del sud della Francia. Linventio delle reliquie è attribuita a Carlo II d'Angiò, detto "lo zoppo", fatta nel 1279. Le reliquie furono convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295 e custodite nella basilica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume.Benché le sue ossa siano state disperse durante la Rivoluzione francese, si disse che la sua testa fosse rimasta nel suo sacrario in una caverna a  Sainte-Baume vicino a Marsiglia, dove la santa si sarebbe ritirata; si racconta anche di grandi miracoli e benedizioni ricevute da chi si recasse al sacrario per venerare Maddalena. Il piede della santa, custodito in un prezioso reliquiario dell'ambito di Benvenuto Cellini è stato venerato per secoli a Roma in una cappella posta all'ingresso di Ponte Sant'Angelo, ultima delle reliquie maggiori prima di giungere sulla tomba di San Pietro. Il piede è oggi conservato nella Basilica di San Giovanni de' Fiorentini. Altre reliquie consistenti in filamenti di capelli, stralci di camicie e piccoli resti ossei, sono custodite nella Collegiata di Atrani , in Costiera Amalfitana.

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the Relics of the Maria Maddalena in the Pistis Sophia explained?Please output in Italian.

Atrani
Benvenuto Cellini
Francia
III secolo
I secolo
Marsiglia
Ponte Sant'Angelo
Provenza
Rivoluzione francese
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume


subsection

amore

lingua greca distingue vari significati differenti in cui può venir utilizzata la parola "amore". Ad esempio, il greco antico possiede i termini philia, eros, agape, storge e xenia. Tuttavia, con il greco , può risultare alquanto difficoltoso separare storicamente i significati di queste parole in un modo univoco e totale. Allo stesso tempo, il testo greco della Bibbia riporta esempi del verbo "agapo" avente lo stesso significato di "phileo".Agape  significa specificamente amore nel greco moderno. Il termine "S'agapo" vuol dire "ti amo" in greco; la parola agapo corrisponde al verbo amore. Esso si riferisce generalmente ad un tipo ideale di amore "puro", piuttosto che all'attrazione fisica suggerita da eros. Tuttavia, ci sono alcuni esempi in cui si utilizza agape per indicare lo stesso significato dato da eros. È stato infine anche tradotto come "l'amore dell'anima."In senso più eminentemente religioso-spirituale è l'amore nei confronti del prossimo, un concetto vicino all'attuale idea di altruismo; si caratterizza per la sua spontaneità, non è perciò un atto intenzionale o una forma di cortesia superficiale proveniente dalla buona educazione, ma una vera e propria empatia per gli altri, vicini o sconosciuti che siano. Nella tradizione cristiana dei Padri della Chiesa, la parola è identificata con il concetto di beneficenza, anche se è più vicino ad un rapporto fisico instaurato con le persone che soffrono.Eros   è l'amore passionale, che conduce ed accompagna il desiderio sensuale.  parola greca erota significa innamorato. Platone ha affinato la sua propria definizione: anche se l'eros inizialmente è sentito per una persona, con la contemplazione diventa un apprezzamento della bellezza che è presente e vivente all'interno di quella persona, o addirittura diventa apprezzamento della bellezza stessa. Eros aiuta l'anima a riconoscere il richiamo della bellezza e contribuisce alla comprensione della verità spirituale. Amanti e filosofi sono entrambi, pertanto, ispirati a cercare la verità che proviene dall'eros. In alcune traduzioni può anche venir inteso come "amore per il corpo".A volte intesa come passione negativa prodotta da épithumia-appetito, ma anche come una forma di "pazzia divina" causa delle più grandi benedizioni per gli uomini. Esso tuttavia può mescolarsi con philia tramite la pederastia - nella sua accezione di pederastia greca - che lega un uomo maturo-erastès che ama ad uno più giovane-eromenos che viene amato.Philia , un amore spassionato e virtuoso , è stato un concetto affrontato ed ampiamente sviluppato da Aristotele. Comprende la lealtà rivolta agli amici, ai parenti e alla comunità di appartenenza; essa richiede la virtù, l'uguaglianza, e la familiarità. Philia è motivato da ragioni pratiche; una o entrambe le parti beneficiano del rapporto. Può anche significare "l'amore della mente"; è un concetto estensivo di amicizia che non poteva esistere altro che tra persone dello stesso sesso, a causa della forte disuguaglianza tra i sessi esistente.Storge  è un affetto naturale, come quello sentito dai genitori per i figli.Xenia , l'ospitalità, era una pratica estremamente importante nella Grecia antica. Era un'amicizia quasi ritualizzata formata tra un ospitante e dal suo ospite, che potrebbero anche esser stati in precedenza dei perfetti estranei. L'ospitante offre il vitto e fornisce un alloggio per gli ospiti, aspettandosi di essere rimborsati solamente con un senso di gratitudine e riconoscenza. L'importanza di questo istituto può essere veduto bene in tutta la mitologia greca e nella letteratura a partire da Omero in poi.

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient Greece in Love & Loss's In the arts.Please output in Italian.

Agape
Aristotele
Eros
Omero
Padri della Chiesa
Philia
Platone


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Cloud Gate

Il Cloud Gate è una scultura pubblica dell'artista britannico di origini indiane Anish Kapoor e si trova al centro della AT&T Plaza nel Millennium Park a Chicago, Illinois, USA.  scultura e la AT&T Plaza si trovano tra il "Park Grill" ed il "Jay Pritzker Pavilion".Costruito tra il 2004 ed il 2006, la scultura è soprannominata "The Bean"  per via della sua forma. Fatto di 168 lastre di acciaio inossidabile saldate insieme, la sua lucidissima superficie esteriore non ha saldature visibili; le sue dimensioni sono 10 m × 20 m × 13 m e pesa circa 100 tonnellate.Il design di Kapoor è stato ispirato dal mercurio liquido e la superficie della scultura riflette distorcendo lo skyline della città. I visitatori possono passeggiare sia intorno alla scultura che sotto il suo arco di 3,7 metri, sotto cui si trova l' "omphalos" , una camera concava che curva e moltiplica i riflessi.  scultura racchiude molti dei temi artistici di Kapoor ed è popolare tra i turisti per l'opportunità di fare foto uniche grazie ai suoi particolari riflessi. scultura venne selezionata durante una competizione di design: dopo aver scelto il design di Kapoor, vennero a galla numerose preoccupazioni tecnologiche circa la difficoltà di costruzione e di assemblaggio, senza contare quelle riguardanti il mantenimento. Furono quindi consultati diversi esperti, alcuni dei quali credevano che la scultura non potesse essere assolutamente costruita. Alla fine, un metodo fattibile venne trovato, ma la costruzione della scultura rimase indietro.  scultura venne poi svelata ancora incompleta nel 2004, durante i festeggiamenti per l'apertura del Millennium Park, prima di essere nuovamente nascosta per il completamento. Il Cloud Gate fu infine inaugurato ufficialmente il 15 maggio 2006 e da allora ha guadagnato sempre più popolarità, sia a livello locale che internazionale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cloud Gate.Please output in Italian.

2004
2006
Anish Kapoor
Chicago
Illinois
Millennium Park


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marmi di Elgin

Dal momento che l'Acropoli era ancora una fortezza ottomana, Elgin richiese il permesso di entrare nel sito, che comprendeva il Partenone e gli edifici circostanti; tale autorizzazione venne concessa a lui e agli artisti al suo seguito dal Sultano. Il documento originale è andato perduto, esiste ancora una copia del tempo tradotta in italiano. Vassilis Demetriades, professore presso l'Università di Creta, sostiene che "qualsiasi esperto in linguaggio diplomatico ottomano può facilmente capire che l'originale del documento che è sopravvissuto non è un'autorizzazione", e la sua autenticità è stata messa in discussione. Il documento è stato inserito in un allegato del 1816 ad un rapporto di una commissione parlamentare. Tale comitato era stato convocato per valutare l'offerta di Elgin dell'acquisto dei marmi. Il rapporto sosteneva che il documento in allegato era una traduzione accurata in italiano di un permesso ottomano datato luglio 1801. Secondo Elgin ciò equivaleva ad un'autorizzazione a rimuovere le sculture. Al comitato fu detto che il documento originale era stato consegnato ai funzionari ottomani ad Atene, ma, nonostante gli archivi ottomani ancora esistenti presentino un numero eccezionale di documenti analoghi risalenti allo stesso periodo, l'originale non sarebbe ancora stato rinvenuto. e non poteva avere né sigillo né firma, come confermò St. Clair. e ci si soffermò soprattutto sulla parola "qualche", cioè "pochi". Secondo alcuni la vera autorizzazione all'acquisizione dei marmi venne dalle autorità ottomane solo con un secondo documento, in cui si permetteva di spedire i marmi al Pireo.Anche in considerazione della controversa autorizzazione, molti hanno messo in dubbio la legalità dell'operato di Elgin. Uno studio condotto dal professor David Rudenstine afferma che tale documento potrebbe benissimo essere falso. Rudenstine si basa in parte su una divergenza di traduzione tra l'autorizzazione in italiano e quella in inglese presentata da Hunt alla commissione parlamentare. Nel testo del rapporto parlamentare si legge "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi, e inviata tramite il signor Philip Hunt, gentiluomo inglese, Segretario del suddetto ambasciatore", ma secondo St. Clair il documento in italiano dice "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi e inviata tramite N.N.". Secondo Rudenstine questa sostituzione di "Mr. Philip Hunt" con le iniziali "N.N." difficilmente può essere un semplice errore. Egli sostiene inoltre che il documento è stato presentato solo dopo che il comitato insistette per ottenere una qualche forma di autorizzazione scritta ottomana per la rimozione dei marmi. Così, secondo Rudenstine, "Hunt si mise in una posizione in cui avrebbe potuto contemporaneamente garantire l'autenticità del documento e spiegare il motivo per cui lui solo aveva una copia di esso quindici anni dopo che fu presentato agli ufficiali ottomani ad Atene". In due occasioni precedenti Elgin dichiarò che gli Ottomani gli concedettero permessi più di una volta, ma che non aveva tenuto nessuno di essi. Hunt testimoniò il 13 marzo, e una delle domande che gli furono poste fu "Ha mai visto una qualsiasi delle autorizzazioni scritte che sono state concesse a [Lord Elgin] per la rimozione dei marmi dal Tempio di Atena?", a cui Hunt rispose di sì, aggiungendo che egli possedeva una traduzione italiana dell'autorizzazione originale. Tuttavia egli non spiegò perché aveva conservato la traduzione per quindici anni, mentre Elgin, che aveva testimoniato due settimane prima, non sapeva nulla circa l'esistenza di un tale documento.Al contrario il professor John Merryman, in opposizione a Rudenstine, afferma che, poiché gli Ottomani controllavano Atene dal 1460, le richieste delle sculture erano legali. Il sultano ottomano sarebbe stato grato agli Inglesi per aver respinto l'espansione napoleonica, e i marmi del Partenone non avevano alcun valore per lui. Inoltre tale autorizzazione scritta esiste nella forma di firmano, il tipo più formale di autorizzazione dell'epoca, che permise ad Elgin di portare via i marmi e legalizza le sue azioni. Merryman nota, comunque, che la frase che permetteva ad Elgin di sottrarre le sculture era ambigua e aggiunge che il documento è piuttosto spiccio e la suddetta clausola lasciava ampie possibilità di interpretazione: gli scavi e la conseguente esportazione dei marmi, quindi, iniziarono, ma nell'opera Elgin danneggiò le sculture e la struttura del Partenone, lasciando il tempio denudato e per di più rovinato. Quindi anche Merryman afferma che Elgin superò nei fatti ciò che gli era stato permesso sulla carta.

Prompt: Explain the Removal of the Elgin Marbles of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

leftL'impressione suscitata dai massacri che hanno luogo nel dramma degli eventi bellici, e che vede scorrere il sangue di bambini, trova eco nelle rappresentazioni della Strage. pittura rinascimentale sviluppa ulteriormente la "attualizzazione" dell'evento e del messaggio che ne deriva.Domenico Ghirlandaio, sulle pareti di Santa Maria Novella in Firenze, affresca la scena della Strage ambientandola emblematicamente di fronte all'arco di trionfo di un imperatore romano, quasi a voler ricordare "di che lacrime grondi e di che sangue" la gloria dei potenti. scena del massacro è convulsa; le madri sono intente a fuggire di fronte alla carica dei soldati a cavallo, cercando di porre in salvo i loro bimbi. Una di esse, in primo piano, vestita di rosso, reagisce rabbiosa al sopruso subito abbrancandosi ai capelli di un soldato romano che le ha strappato la creatura.Giorgio Vasari, nelle sue Vite, inizia a descrivere l'affresco del Ghirlandaio definendo la scena come "una baruffa bellissima di femmine e di soldati e cavalli", analizzando poi in questi termini  il particolare di quella che potremmo oggi chiamare la "madre coraggio"::Èvvi ancora un soldato che ha tolto per forza un putto, e mentre correndo con quello se lo stringe in sul petto per amazzarlo, se li vede appiccata a' capegli la madre di quello con grandissima rabbia; e facendoli fare arco della schiena, fa che si conosca in loro tre effetti bellissimi: uno è la morte del putto che si vede crepare, l'altro l'impietà del soldato che per sentirsi tirare sì stranamente mostra l'affetto del vendicarsi di esso putto, il terzo è che la madre, nel veder la morte del figliuolo, con furia e dolore e sdegno cerca che quel traditore non parta senza vendetta: cosa veramente più da filosofo mirabile di giudizio che da pittore.Il pittore senese Matteo di Giovanni dipinse - assieme ad altre numerose varianti - la Strage degli innocenti oggi conservata al museo nazionale di Capodimonte a Napoli.  tavola venne probabilmente commissionata da Alfonso d'Aragona, duca di Calabria, per ricordare la strage eseguita dai Turchi ad Otranto nel luglio 1480.L'autore sceglie come ambientazione del massacro la sala delle udienze di un ricco palazzo rinascimentale, decorato da fregi che evocano battaglie di antichi eroi mitologici. Da un imponente trono marmoreo Erode, vestito come un ricco satrapo orientale, dà ordini ad un manipolo di soldati vestiti in differenti fogge strane perché eseguano prontamente il massacro. Colpisce nella caotica e drammatica concitazione dei gesti che popolano la scena, l'immagine di un vecchio con la barba bianca - simbolo della saggezza calpestata - che, accanto al trono di Erode, guarda accorato ed impotente il tiranno mentre dirige la sua codarda impresa.Un ancor più marcato intento "attualizzante" è quello che guida la rappresentazione della Strage nel quadro di Pieter Bruegel il Vecchio conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna. scena si svolge nel paesaggio invernale di un villaggio fiammingo, con gli aguzzini che giungono a cavallo e, come in un saccheggio, perlustrano le case ad una ad una. Difficile pensare che l'artista non avesse in mente gli orrori commessi contro la popolazione inerme da quei soldati, al comando del Duca d'Alba, che la cattolicissima maestà spagnola di Filippo II aveva scatenato contro la nobiltà calvinista che reclamava l'autonomia dei Paesi Bassi. Qualcuno, anzi, ha creduto di riconoscere nel barbuto comandante che appare nel quadro alla guida di uno squadrone di cavalieri, fieri nelle loro armature, il ritratto del terribile Duca.Il pathos insostenibile dei bimbi strappati dalla culla o dai loro giochi innocenti per essere massacrati, trova espressione anche in forme artistiche "dialettali" che spesso definiamo affrettatamente come arte "minore". È questo il caso delle statue in terracotta della XI cappella del Sacro Monte di Varallo realizzate nel 1588-89 da un poco noto "plasticatore": Giacomo Paracca di Valsolda detto "il Bargnola".Giovanni Testori ha dedicato a quest'opera un saggio di grande forza espressiva:  cappella della Strage. Basta leggere qualche brano per veder restituito al Paracca, oltre al suo indubbio talento di scultore, il sigillo di "artista maledetto"::Ma il coacervo di corpi, nel suo insieme da "teatro della crudeltà" [..] quel coacervo, dicevo, sembra giungerci da molto lontano, attraverso pesti, insanguinarsi nei lutti di guerre e invasioni, per passarci accanto e, ahinoi, preannunciarci chissà che stragi e orrori a venire.Poi ancora:: […] non possiamo negare come anche nel Paracca aggalli la rogna della perversità e del sadismo; anzi, per essere sinceri, in lui quella rogna più che aggallare si scatena e si fa orchestra...Si avverte in talune crude rappresentazioni della Strage il rischio di un compiacimento per il macabro, per i particolari da macelleria, come nei fotogrammi che oggi i "media" talvolta diffondono.Se – come dice Testori - nella Cappella di Varallo si ode un "coro atroce da stalla", in talune raffigurazioni manieriste della Strage – come in quella di Callisto Piazza nel polittico della Basilica Cattedrale della Vergine Assunta di Lodi - si sente il suono stucchevole di un troppo lezioso madrigale. Difficile dire quale dei due sia più insostenibile; se il primo per essere troppo vero, o il secondo per esser troppo edulcorato.Su un altro e diverso versante, quello del "manierismo fiammingo" rappresentato da Cornelis van Haarlem, autore della tela al Rijksmuseum di Amsterdam, si odono invece le urla bestiali dell'orgia, con gli osceni corpi nudi dei carnefici messi in primo piano e la poco edificante scena della vendetta delle madri su un sicario caduto.

Prompt: In Massacre of the Innocents (Reni), how is the The Renaissance of the Historical  narrative explained?Please output in Italian.

1480
1588
Amsterdam
Callisto Piazza
Cornelis van Haarlem
Domenico Ghirlandaio
Firenze
Giacomo Paracca
Giorgio Vasari
Giovanni Testori
Kunsthistorisches Museum
Matteo di Giovanni
Napoli
Otranto
Pieter Bruegel il Vecchio
Rijksmuseum
Sacro Monte di Varallo
Strage
Valsolda
Vienna


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Autoritratto all'età di 63 anni

A pochi mesi prima della morte, in un periodo reso amaro, oltre che dalla tarda età, dalla morte della moglie, dell'amato figlio e del socio di vecchia data, Rembrandt si autoritrasse per l'ennesima volta, in un dipinto dal fondo scuro con il busto di tre quarti, il volto ruotato verso lo spettatore e un gomito poggiato idealmente sul bordo inferiore della tela, autocitandosi da opere giovanili quali l'incisione del 1639 e lAutoritratto con camicia ricamata del 1640.Nonostante il periodo difficile l'artista dimostrò di non aver certo appannato la sua straordinaria capacità di rendere le emozioni in pittura, pur con economia di mezzi, usando pigmenti semplici. Un raggio di luce colpisce l'artista in pieno volto, rischiarando anche lo sfondo in corrispondenza, e facendo del viso il fulcro incontrastato dell'opera. Con una pennellata ruvida e grezza, con strati di colori spessi e pastosi, che rendono con espressività e suggestione la pelle di una persona anziana, Rembrandt si autoritrasse con uno sguardo ancora sicuro e orgoglioso, indirizzato direttamente verso chi guarda, ma con un senso di mestizia e spossatezza.  particolare tecnica dimostra tutto lo sperimentalismo che l'artista non smise mai di ricercare, pur in tarda età, capace anzi di ottenere effetti ancora più moderni e struggenti.Indossa un cappotto rosso/bruno bordato di pelliccia, un berretto, e incrocia le mani. I raggi X mostrano che nel disegno originale aveva previsto di tenere le mani separate e impugnare un pennello, ma poi questo dettaglio fu eliminato, forse per sottolineare la rappresentazione di se stesso come uomo, più che come artista, o forse semplicemente per non distrarre l'attenzione dal volto. Un altro pentimento sta nella foggia del berretto, inizialmente pensato più ampio e interamente bianco.L'opera entrò nel museo nel 1851.

Prompt: In Self-Portrait at the Age of 63, how is the History and description discussed?Please output in Italian.


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Schiavo barbuto

Pare che fin dal primo progetto per la tomba di Giulio II  nel registro inferiore del mauseoleo fossero previsti una serie di "Prigioni", cioè una serie di statue a grandezza superiore al naturale di figure incatenate in varie pose come prigionieri, appunto, da addossare ai pilastri che inquadravano nicchie e sormontati da erme. Accoppiati quindi ai lati di ciascuna nicchia  dovevano essere inizialmente sedici o venti, venendo via via ridotti nei progetti che si succedettero, a dodici , otto  e infine forse solo quattro , per poi essere definitivamente eliminati nel progetto definitivo del 1542.I primi della serie, di cui si trovano tracce nel carteggio di Michelangelo, sono i due Prigioni di Parigi, detti dal XIX secolo "Schiavi": lo Schiavo morente e lo Schiavo ribelle. Essi vennero scolpiti a Roma verso il 1513.I Prigioni fiorentini  invece potrebbero essere stati scolpiti nella seconda metà degli anni venti, mentre il maestro era impegnato a San Lorenzo a Firenze . Si sa che si trovavano nella bottega dell'artista in via Mozza ancora nel 1544, quando il nipote di Michelangelo, Leonardo Buonarroti, chiese il permesso di venderli . Il permesso fu negato e solo nel 1564 essi vennero donati, col Genio della Vittoria, al granduca Cosimo I che poi li collocò ai quattro angoli della Grotta del Buontalenti, entro il 1591.Da lì vennero rimossi nel 1908 per radunarli al corpus michelangiolesco che si andava formando nella Galleria fiorentina.Per quanto riguarda la datazione Justi  proposero il 1519 sulla base di una lettera del 13 febbraio in cui Jacopo Salviati prometteva al cardinale Aginesis, erede di Giulio II, che lo scultore avrebbe eseguito quattro figure per la tomba entro l'estate di quell'anno; Wilde il 1523, riferendosi a un accenno del cardinale Giulio de' Medici  che li avrebbe visti prima di partire per Roma in tale data; infine de Tolnay li datò al 1530-1534, basandosi sullo stile, sui frequenti accenni a sculture incompiute per la tomba di papa Giulio nel carteggio del 1531-1532 e sulla scorta della menzione vasarina secondo cui vennero realizzate mentre l'artista preparava il cartone del Giudizio Universale.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bearded Slave.Please output in Italian.


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Vanità

Egoismo Falò delle vanità Hýbris Io  Narcisismo Narciso  Superbia Vanitas vanitatum Vanitas

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Vanity (Titian).Please output in Italian.

Egoismo
Falò delle vanità
Narcisismo
Superbia
Vanitas


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Musica

upright=1.3Un musicista è una persona che esegue o che compone musica per professione. Si possono classificare secondo questo schema, che li suddivide in base al loro ruolo nella categoria professionale: L'arrangiatore modifica una canzone secondo le esigenze di spettacolo. Il cantante usa la propria voce nei brani musicali. Il cantautore scrive le canzoni e le esegue con la propria voce, insieme ad altri musicisti, utilizzando talvolta un proprio strumento di accompagnamento. Il compositore crea la musica e trascrive dalla partitura le parti che i musicisti suoneranno. Il direttore d'orchestra coordina gli elementi di una orchestra. Il direttore di coro coordina gli elementi di un coro. Lo strumentista suona uno strumento musicale del quale è un profondo conoscitore.

Prompt: Describe the characteristics of the Musicians in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.


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Ritratto di Giuliano de' Medici duca di Nemours

Il ritratto di Giuliano dovette essere iniziato verso il 1526, dopo il ritratto di Lorenzo. Si sa che nel 1533 venne affidato al Montorsoli per le rifiniture e in ogni caso doveva essere completato al 1534, anno della partenza definitiva di Michelangelo da Firenze.Esistono quattro disegni del Tintoretto  che mostrano alcune differenze con la statua conosciuta e che sono stati interpretati come copie del progetto originale di Michelangelo, magari a partire da un bozzetto. In essi la figura è nuda, come di solito si faceva in fase di studio, col torso più girato verso sinistra e col piede destro che poggia su un oggetto poi eliminato. Alcuni pensano però che i disegni siano tratti da una copia imprecisa della metà del XVI secolo, come sembrerebbero confermare, secondo alcuni studiosi, l'eccessiva muscolatura e la posa delle gambe.left

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Giuliano de' Medici, Duke of Nemours.Please output in Italian.


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Antigrazioso

LAntigrazioso o  madre è una scultura in gesso patinato di Umberto Boccioni realizzata tra 1912 e 1913 e conservata presso la Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea di Roma.Il busto è uno dei pochi esempi superstiti delle sculture futuriste eseguite da Boccioni nel 1912 e 1913 ed esposte alla Galerie 23 di Parigi nel 1913.

Prompt: In Antigrazioso, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Canestra di frutta

Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio, Torino, Boringhieri, 2006, II ed. Maurizio Marini, Caravaggio pictor Praestantissimus, Roma, Newton Compton, 2005, ult. ed. Roberto Longhi, Me pinxit e Quesiti caravaggeschi, Firenze, Sansoni, 1968 e Caravaggio a c. di Giovanni Previtali, Milano, 1985  Pamela J. Jones, Federico Borromeso e l'Ambrosiana: arte e riforma cattolica a Milano nel XVII secolo, Milano, Vita e Pensiero, 1997 Z. Wanzbinski, Il cardinal Francesco Maria Del Monte, Firenze, Olschkj, 1990 Maria Cristina Terzaghi, Per la canestra e Federico Borromeo a Roma, in Studia Borromaica, 18, 2004, pp. 263-293 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1991 Stefano Zuffi, Caravaggio. Simboli e segreti, Milano, Rizzoli, 2010 Kristina Hermann Fiore,  madonna del gruccione indiano. Restauro del 2007, in Perin del Vaga, Giovanni da Udine, Marcello Venusti. Storia e restauri, a c. di Kristina Hermann Fiore, Roma, Gangemi, 2014. Pinacoteca Ambrosiana, dipinti del Cinquecento e del Seicento, Milano, Electa, 2007.  Alberto Veca,  natura morta, Firenze, Giunti, 1990  Luca Bortolotti,  natura morta, Firenze, Giunti, 2003.Alberto Cottino, Ancora sulla canestra del Monte/Borromeo: il punto di vista dello studioso di natura morta, in “Atti della Giornata di Studi Francesco Maria del Monte e Caravaggio. Roma, Siena, Bologna opera biografia documenti”, a cura di P. Carofano, Pontedera 2011, pp. 145-159. Caravaggio.  Canestra e i suoi frutti, film d'arte di Fabiola Giancotti con Gualtiero Scola, Milano 2023

Prompt: How does Basket of Fruit (Caravaggio) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Caravaggio
Federico Borromeo
Giovanni da Udine
Milano
Perin del Vaga
Pinacoteca Ambrosiana


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Dama col mazzolino

Dama col Mazzolino fu un'opera innovativa nel panorama della scultura italiana dell'epoca, per il taglio della figura all'altezza dell'ombelico e per la presenza delle mani, che sono atteggiate con estrema naturalezza nel gesto della donna di stringere un mazzolino di fiori a sé. Tali elementi si riscontrano solo nella pittura nordica coeva, che a quell'epoca godeva di una larga diffusione anche a Firenze, con una minuziosa descrizione dell'abito e dell'acconciatura.L'opera è lavorata su tutti i lati, il che fa pensare a una fruizione originaria a tutto tondo, con una particolare attenzione riservata alla gestualità delle mani, di grande impatto comunicativo. Venne evitata una rigida visione frontale e con il volto della donna leggermente girato.

Prompt: How does Dama col mazzolino explain its Description and style?Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: In Epifania, how is the Russia of the Theology explained?Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


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Gli storpi

Quattro mendicanti in primo piano e un quinto di spalle si offrono alla visione dello spettatore in tutta la deformità della loro condizione di storpi. Privi di gambe e afflitti da deformazioni fisiche, si muovono animatamente tramite stampelle e parastinchi di vario genere. Essi hanno sonagli e indossano code di volpe sui grembiuli: quest'ultima usanza non è di chiara rintracciabilità, forse legata al riconoscimento dei lebbrosi, forse dei mendicanti o straccioni.L'uso di figure grottesche fa parte della volontà dell'artista di rappresentare tutti gli aspetti della vita quotidiana, anche i meno nobili e piacevoli, come si vede anche in opere quali la Lotta tra Carnevale e Quaresima, in cui compare un gruppo simile di personaggi. Un sesto personaggio passa a destra: si tratta di una donna, forse, avvolta da un mantello e una cuffia bianca, con in testa un capello-parasole da contadino e in mano una ciotola di metallo. tecnica pittorica è finissima, con un calcolato contrasto cromatico tra il rosso dei mattoni del muro sullo sfondo, il verde dell'erba e i bianchi delle mantellione degli storpi.Sul retro della tavoletta si trovano due distici latini che compongono un tipico elogio umanistico del pittore che sorprende la Natura stessa dimostrandosi capace di ricrearla: "Nemmeno la natura possiede ciò che manca alla nostra arte, tanto grande è il privilegio concesso al pittore; qui la natura, tradotta in immagini dipinte, e vista nei suoi storpi, stupisce rendendosi conto che il Bruegel le è pari".e un'altra che recita «o storpi che i vostri affari possano prosperare».Sul significato ultimo della tavola si sono fatte altre varie ipotesi: critica anti-spagnola, satira sociale o più semplicemente segnalazione di una determinata categoria, quella dei mendicanti storpi.Secondo la prima ipotesi nella Fiandra passata al calvinismo, il 5 aprile 1566 il "compromesso dei nobili" chiese a Filippo II l'abolizione dell'editto che condannava a morte 60.000 uomini: in quell'occasione i nobili convitati a un banchetto si presentarono travestiti da mendicanti e inneggiarono all'insurrezione nazionale chiamando tutti alla lotta comune al grido di «Viva i pitocchi». Un'interpretazione del dipinto di Bruegel è legata quindi a questo episodio, come rappresentazione di una corte dei miracoli: un principe, un vescovo, un soldato, un contadino e un borghese che indossano una casacca con code di volpi il segno distintivo dei mendicanti poi divenuto simbolo della resistenza nazionale.

Prompt: In The Beggars, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Saliera di Francesco I di Francia

Saliera di Francesco I è un'opera scultorea in ebano, oro e smalto, realizzata da Benvenuto Cellini al tempo del suo soggiorno in Francia, tra il 1540 e il 1543. Di piccolo formato , è considerato universalmente il capolavoro d'oreficeria dell'artista e uno degli oggetti più significativi del Manierismo europeo.È custodita all'interno del Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: In Cellini Salt Cellar, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1540
1543
Benvenuto Cellini
Francia
Kunsthistorisches Museum
Manierismo
Vienna


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Ritratto di Jakob Fugger il Ricco

Il Ritratto di Jacob Fugger il Ricco è un dipinto a olio su tela applicata su tavola  di Albrecht Dürer, databile al 1520 circa, è conservato nella Staatsgalerie di Augusta.

Prompt: Focus on Portrait of Jakob Fugger and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Pietro Allegretti , Piero della Francesca, collana "I Classici dell'Arte", Milano, Rizzoli - Skira, 2003, pp. 102 - 103Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: Focus on Polyptych of Perugia and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Nel 1998, Ramon K. Jusino ha proposto una teoria senza precedenti secondo cui il "discepolo amato" del Vangelo di Giovanni è Maria Maddalena. Jusino ha basato la sua argomentazione in gran parte sui libri gnostici di Nag Hammadi, rifiutando il punto di vista di Raymond E. Brown secondo cui questi libri erano sviluppi successivi, e sostenendo invece che il Vangelo esistente di Giovanni è il risultato della modifica di un testo precedente che presentava Maria Maddalena come il discepolo amato. Tale opinione non ha avuto particolare successo tra gli studiosi, che continuano a considerare i vangeli gnostici come testi successivi e, pertanto, non affidabili.

Prompt: Describe the characteristics of the Author of the Fourth Gospel, the "Gospel according to John"? in Mary Magdalene (Stevens)'s Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.


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Fontana dei Tre Fiumi carniolani

fontana venne commissionata al Robba nel 1743 ispirandosi alla fontana dei Quattro Fiumi del Bernini di piazza Navona, durante un suo viaggio nella città di Roma. Nel 2006 venne restaurata e trasferita alla galleria nazionale della Slovenia, nella piazza è presente una copia.A seguito dell'indipendenza della Slovenia dalla Jugoslavia, essa fu rappresentata nella banconota da 5000 talleri e fu in circolazione dal 1993 fino al 2007, anno in cui la Slovenia ha adottato l'euro. Dal 2001 è protetta come monumento di importanza nazionale sloveno.

Prompt: Focus on Robba Fountain and explain the History.Please output in Italian.


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San Girolamo in preghiera

L'opera è conosciuta da quando Hulin de Loo la acquistò nel 1908 per il museo. Come per il resto delle opere di Bosch, la datazione non è accettata unanimente. È stata tradizionalmente considerata un'opera di transizione tra la gioventù e la maturità: Baldass la collocò tra il 1490-1500 mentre rsen tra il 1495 e il 1505; Combe la poneva leggermente successiva al Trittico delle Delizie, la Cinotti al 1505. Analisi dendrocronologiche l'hanno invece fatta risalire, come termine post quem, all'anno 1482.

Prompt: In St. Jerome at Prayer (Bosch), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Allegoria coniugale

LAllegoria coniugale è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1528 circa e conservato nel Louvre a Parigi.

Prompt: Focus on Allegory of Marriage and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Patristics of the liturgy solemnity Immaculate Conception explained?Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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La morte di Marat

morte di Marat, anche noto come Marat assassinato , è un dipinto a olio su tela  di Jacques-Louis David, realizzato nel 1793 e conservato nel museo reale delle belle arti del Belgio di Bruxelles.

Prompt: Focus on The Death of Marat and explain the Abstract.Please output in Italian.

1793
Bruxelles
Jacques-Louis David
Jacques-Louis David


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna del Ceppo

Madonna del Ceppo è un dipinto, tempera su tavola  di Filippo Lippi, databile al 1452-1453 e conservato nel Museo civico di Prato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna del Ceppo.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Luca PacioliDodecaedroJacopo de' BarbariLeonardo da VinciGaleazzo SanseverinoLudovico il Moro

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.

Dodecaedro
Galeazzo Sanseverino
Jacopo de' Barbari
Leonardo da Vinci
Luca Pacioli
Ludovico il Moro


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: In Love & Loss, how is the Philosophy of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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Vanità

Nel comportamento umano, la vanità viene vista come futile e puerile compiacimento di sé; assenza di valori morali; superficialità, mancanza di serietà.Il Dizionario analogico della lingua italiana spiega la voce "vanità" con: «immodestia, civetteria; spocchia; narcisismo, egocentrismo", da cui discendono le "Azioni: farsi bello, pavoneggiarsi, fare il pavone, fare il gallo; fare la ruota, darsi importanza, mettersi in evidenza, mettersi in mostra». Gli aggettivi applicabili alle persone sono in questo caso "vanesio, vanitoso, fatuo, tronfio; pavone, Narciso; smorfiosa, civetta."Nel suo Dizionario dei sinonimi della lingua italiana, Niccolò Tommaseo pone il termine "vanità"  nell'area semantica della superbia insieme ad alterigia, orgoglio, disdegno, presunzione. « vanità è vana opinione del proprio merito, congiunta alla smania di mettere il proprio merito in cose vane e dappoco.  vanità ha più del ridicolo che i vizii notati [...] viene da leggerezza di mente [...]. Tanto la vanità si distingue dai vizii notati, che in luogo d'essere arrogante, ambiziosa, presuntuosa, altera, superba, la si collega, talvolta, a certa semplicità, a certa grazia; in specialità nelle donne».Comunemente la vanità è definita come l'eccessivo desiderio di attuare una propria perfetta immagine  da esporre al pubblico, al prossimo o al mondo. Nel parlare popolare, alcuni confondono la vanità con l'orgoglio e l'egoismo o la superbia. Ma appartiene più all'area della superficialità che del male.  religione cattolica, ad esempio, non la vanità, bensì la superbia annovera tra i vizi capitali.Il concetto della vanità si esprime nella mitologia greca, in modo sintetico e preciso, attraverso la figura di Narciso. Egli, giovane innamorato dell'immagine di sé riflessa nell'acqua del fiume, non può più allontanarsene:«Contempla gli occhi che sembrano stelle, contempla le chiome degne di Bacco e di Apollo, e le guance levigate, le labbra scarlatte, il collo d'avorio, il candore del volto soffuso di rossore [...] Oh quanti inutili baci diede alla fonte ingannatrice! [...] Ignorava cosa fosse quel che vedeva, ma ardeva per quell'immagine [...]» finendo, in tal modo, di morire d'amore.

Prompt: In Vanity (Titian), how is the human behavior of the In psychology explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il General William Tecumseh Sherman Monument è una statua equestre ritraente il generale unionista William Tecumseh Sherman; si trova nella Sherman Plaza, che fa parte del President's Park a Washington, capitale federale degli Stati Uniti d'America. selezione di un artista avvenuta nel 1896 per realizzare il monumento fu altamente soggetta a controversie. Durante la fase di progettazione l'artista Carl Rohl-Smith morì, pertanto il suo memoriale venne portato a termine da un certo numero di altri scultori.  statua sarà quindi inaugurata nel 1903.È un elemento che fa parte dei monumenti della guerra di secessione americana a Washington  e contribuisce al President's Park South , entrambi siti storici protetti elencati nel National Register of Historic Places.

Prompt: In General William Tecumseh Sherman Monument, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Carl Rohl-Smith
National Register of Historic Places
President's Park
Stati Uniti d'America
Washington
William Tecumseh Sherman


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Elemosina di sant'Antonino

LElemosina di sant'Antonino è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1540-1542 circa e conservato nella basilica dei Santi Giovanni e Paolo a Venezia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St Antoninus Giving Alms.Please output in Italian.


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Minerva protegge la Pace da Marte

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Minerva Protecting Peace from Mars.Please output in Italian.


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Il mare di ghiaccio

Il mare di ghiaccio , conosciuto anche come Il naufragio della speranza, è un dipinto di Caspar David Friedrich la cui composizione si situa tra il 1823 ed il 1824. Attualmente è custodito presso la Kunsthalle di Amburgo.

Prompt: Focus on The Sea of Ice and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Festino degli dei

Passata Ferrara sotto il dominio dello Stato Pontificio, il legato di Papa Clemente VIII, il cardinale Aldobrandini, si impadronì delle opere del "camerino", fra cui il Festino. Il dipinto rimase proprietà degli Aldobrandini fino al 1796-1797, quando fu venduto a Vincenzo Camuccini, il cui nipote, Giovanni Battista, lo vendette all'estero nel 1855.

Prompt: In the context of The Feast of the Gods, explain the Successive events and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Dama con ventaglio

Dama con ventaglio è un dipinto di Gustav Klimt, inno all'Art Nouveau, al Giapponismo e al Simbolismo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lady with a Fan (Klimt).Please output in Italian.

Art Nouveau
Giapponismo
Gustav Klimt
Simbolismo


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Notte stellata

Dopo l'episodio di auto mutilazione dell'orecchio, Van Gogh attraversò vari episodi e alla fine accettò di farsi ricoverare nella clinica per alienati mentali di Saint-Rémy-de-Provence. Durante l'internamento, preso da un vero e proprio furore creativo, van Gogh eseguì una notevole mole di dipinti, nei quali si emancipò dalle imposizioni impressioniste e approdò a uno stile simbolico che, partendo dalla sua alienazione, rielaborava la realtà in quadri che concedevano ampio spazio alla sua immaginazione.Per quanto concerne la data esatta dell'esecuzione della Notte stellata la maggior parte degli esperti sono concordi nel sostenere che sia stata dipinta poco prima dell'alba del 19 giugno 1889, durante l'anno di permanenza nella clinica psichiatrica di Saint-Rémy-de-Provence: questa datazione sarebbe avallata da una lettera di pugno dello stesso Vincent, desideroso di comunicare al fratello di aver realizzato «un paesaggio con gli ulivi e anche uno studio di un cielo stellato». Anche su tale cronologia, tuttavia, non mancano le controversie. L'artista, infatti, fa esplicito riferimento all'opera in una lettera risalente al 30 maggio  e l'esistenza di due lettere successive  ci porta a quasi un mese prima del 19 giugno 1889:Alla datazione dell'opera contribuiscono anche ragionamenti di natura astronomica e cosmografica. Venere alla fine di maggio e ai primi di giugno 1889 era effettivamente al massimo di luminosità , oltreché osservabile prima dell'alba. Per determinare la data di esecuzione dell'opera c'è anche da considerare che il 19 giugno 1889 la Luna era ai tre quarti primo quarto, come invece appare nel dipinto. Per individuare una data plausibile occorre quindi risalire al 23 maggio 1889, quando la Luna era al primo quarto e le stelle corrispondevano maggiormente a quelle dipinte. Quindi le probabili date oscillerebbero tra il 19 giugno o il 23 maggio, unici giorni in cui l'allineamento era perfetto.Dopo averlo mantenuto inizialmente con sé, van Gogh mandò la Notte stellata al fratello Théo, residente in quei tempi a Parigi, in data 28 settembre 1889, insieme ad altri nove dipinti. Vincent si uccise un anno dopo, sparandosi con una rivoltellata in un campo di grano maturo, e Théo lo avrebbe seguito nella tomba nel gennaio 1891: la Notte stellata passò sotto la custodia della vedova di Théo, Jo. Nel 1900 l'opera entrò nelle collezioni del poeta Julien Leclercq per poi divenire nel 1907 proprietà di Émile Schuffenecker, un vecchio amico di Gauguin. Jo ricomprò il dipinto da Schuffenecker per poi venderlo alla galleria Oldenzeel nel 1906. Nello stesso anno l'opera fu acquistata da una donna di Rotterdam, per poi arrivare nel 1938 alle collezioni del gallerista francese Paul Rosenberg. Nel 1941 la Notte stellata trovò la sua collocazione definitiva con l'acquisto da parte del Museum of Modern Art, a New York, dove si trova tuttora.

Prompt: Focus on Starry Night (Munch) and explain the History.Please output in Italian.

1889
Luna
Museum of Modern Art
New York
Paul Rosenberg
Saint-Rémy-de-Provence


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La toilette di Ester

Il soggetto, biblico, è un pretesto per evocare un Oriente mitico e colorato. Ester è raffigurata seduta al centro della tela, con le braccia sopra la testa che si stanno sistemano i capelli biondi. È una donna orientale, tutta curve e arabesca, e la sua posa è "profondamente erotica nel suo trattamento pittorico". L'amante di Chassériau, Clémence Monnerot, disse che "Adèle ha delle braccia sbalorditive; nei suoi quadri appaiono ovunque". Jean-Louis Vaudoyer pensava che la bellezza della sorella maggiore dell'artista potrebbe ritrovarsi nelle braccia "muscolose, quasi maschili, di Ester".

Prompt: In The Toilette of Esther, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Uomo dal guanto

Da uno sfondo scuro emerge un personaggio maschile a mezza figura, col busto posto frontalmente e il volto piegato verso destra. Lo sguardo fissa un punto indefinito, lontano dallo spettatore. Il braccio sinistro è visto appoggiato, tramite un lembo del mantello, sopra un blocco di marmo, dando alla figura nel complesso un tono sciolto e colloquiale. Indossa un'ampia casacca nera e una camicia bianca, con la foggia tipica di quegli anni. Un guanto di pelle, accessorio dei più raffinati gentiluomini dell'epoca, è sfilato a tenuto con la sinistra , mentre la destra è appoggiata in grembo e mostra con discreta evidenza un anello dorato, simbolo di ricchezza. Altrettanto ricorda la catena con lo zaffiro e la perla. giovane età dell'effigiato è testimoniata dalla barba e i baffetti appena accennati, come tipico degli adolescenti. Il volto delicato e inquieto, il carattere schivo che evita il contatto visivo con lo spettatore, sono tutti elementi psicologici che traspaiono dall'immagine. Anche il diverso atteggiamento delle mani, una che regge l'abito, l'altra mollemente abbandonata, allude forse al carattere ora vigoroso, ora dolce del giovane.Rispetto alle opere di Giorgione, Tiziano ha ormai eliminato il diaframma del parapetto.È firmato  sul blocco di marmo, simulando un'incisione.

Prompt: How does Man with a Glove explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1834 si trovano riferimenti a un «nobile e coltissimo nostro concittadino» milanese che intendeva realizzare a proprie spese un monumento in bronzo a Leonardo. L'anonimo aveva anche ottenuto l'autorizzazione del governo austriaco per posizionare il monumento nel cortile di Brera, decorando l'accesso al doppio scalone. All'epoca per lo scalone richiniano erano in preparazione anche i monumenti a Cesare Beccaria e a Giuseppe Parini..</ref>}} base in granito avrebbe dovuto essere di circa 2 metri con figure in bronzo alte circa 3 metri, raffigurando la personificazione dell'Immortalità nell'atto del porgere una corona d'alloro a Leonardo, intento in profonde meditazioni sui propri libri. Un bassorilievo sulla base avrebbe riprodotto l'Ultima Cena. Questo progetto non fu però completato.

Prompt: In Monument to Leonardo da Vinci, how is the First project of the Interventions explained?Please output in Italian.