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Sulla terrazza

Inizialmente denominato Les Deux Sœurs [Le due sorelle] , il dipinto, secondo la ricostruzione del critico Francois Daulte, raffigura l'allora diciottenne futura attrice Jeanne Darlot e una bambina di cui si ignora l'identità, mentre si rilassano sulla terrazza della Maison Fournaise, un ristorante dell'isola di Chatou, sulle rive della Senna.  giovane donna presenta un volto sereno e spensierato: la bambina, incorniciata da un esuberante cappello fiorito, è leggermente intimidita e si avvicina impercettibilmente alla donna, lanciando all'osservatore uno sguardo incuriosito e teneramente intimidito.Oltre di loro vi è una balaustra e una fitta vegetazione fluviale, elementi con i quali il pittore separa nettamente il primo piano dallo sfondo paesaggistico. Il brano paesistico è di grande qualità e raffigura la Senna con alcuni canottieri e, sulla sponda opposta, alcune abitazioni dalle pareti chiarissime e quasi accecanti. Sulla terrazza rivela in maniera esemplare la sensibilità luministica del pittore, il quale ha offerto esempi della propria capacità di plasmare la luce già in dipinti come Colazione in riva al fiume o come il Ritratto di Alphonsine Fournaise.L'opera, iniziata nell'aprile 1881, fu acquistata il 7 luglio dello stesso anno dal noto mercante d'arte Paul Durand-Ruel per la bella cifra di 1,500 franchi. L'opera, esposta al pubblico nella primavera del 1882 alla settima mostra degli Impressionisti, giunse nel 1883 nelle mani di Charles Ephrussi, per poi fare nuovamente ritorno nel 1892 nella collezione di Durand-Ruel. Nel 1925 il dipinto fu infine venduto per centomila dollari da una collezionista di Chicago, Annie S. Coburn, e nel 1933 fu generosamente donato al museo d'arte della stessa città, dove si può ammirare tuttora.

Prompt: How does Two Sisters (On the Terrace) explain its Description?Please output in Italian.

Charles Ephrussi
Chicago
Colazione in riva al fiume
Paul Durand-Ruel
Ritratto di Alphonsine Fournaise


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Stradina di Delft

Stradina di Delft è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657-1658 circa e raffigurante un frammento di vita nella cittadina olandese di Delft. Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam, il dipinto è firmato a sinistra, sotto la finestra, I V Meer. Assieme alla Veduta di Delft si tratta dell'unico paesaggio riferibile con ragionevole sicurezza a Vermeer.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Little Street.Please output in Italian.

Amsterdam
Delft
Jan Vermeer
Veduta di Delft


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: In The Last Judgment (Michelangelo), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Volta della Cappella Sistina

Confronto tra lo schizzo di Michelangelo del profilo architettonico della Volta Sistina  e una veduta dal basso della volta tratto da un recente studio. In quell'occasione papa Giulio II avrebbe rivelato a Bramante e ad altri convitati l'intenzione di affidare a Michelangelo la ridipintura della volta della Sistina, ma l'architetto urbinate aveva risposto sollevando dubbi sulle reali capacità del fiorentino, scarsamente esperto nell'affresco. Rosselli scattò allora in una difesa del conterraneo Michelangelo, avvisandolo poi e raccomandandosi di accettare la commissione.  lettera, che smentisce le voci secondo cui fu lo stesso Bramante a suggerire al papa il progetto per Michelangelo cercando di screditarlo , testimonia però come effettivamente esistesse la rivalità tra gli artisti della corte pontificia, i quali, sempre alla ricerca del favore del pontefice, non volevano perdere occasioni per arricchirsi lavorando in progetti grandiosi che rivaleggiavano l'uno con l'altro, essendo la disponibilità di fondi, per quanto immensa, non infinita.Inoltre dalla lettera si immaginano i dubbi e le difficoltà paventate da Michelangelo nell'imbarcarsi in un'opera che non gli era congeniale, in quanto non molto avvezzo alla tecnica dell'affresco: egli aveva sì potuto ben osservarla durante il suo apprendistato nella bottega del Ghirlandaio , ma non la praticava da anni, ritenendosi a pieno titolo uno scultore, piuttosto che un pittoreTutti gli indizi paiono confermare la tesi che l'artista accettò l'incarico non tanto malvolentieri come i suoi biografi  lasciano immaginare, mossi piuttosto da intenti di autodifesa dettati dallo stesso Michelangelo, desideroso innanzitutto di discolparsi dalle accuse e le polemiche relative ai ritardi nella creazione della tomba di Giulio II, nonché di avallare il proprio mito di artista capace di trionfare contro le più difficili avversità.L'incarico venne formalizzato a Roma tra il marzo e l'aprile 1508.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Thecommission. and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: Explain the Copy of the work about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Madonna zingarella

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5 Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. ISBN 3-8290-4553-0

Prompt: How does The Gypsy Madonna explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Trittico di san Pietro martire

L'opera è la prima documentata di Angelico che ci sia pervenuta. Proviene dal monastero di monache domenicane osservanti di San Pietro Martire e un documento del 30 marzo 1429 registra un debito di queste religiose verso il convento di San Domenico  per questa pala, cioè la casa in cui l'Angelico era frate.  cifra ammonta a venti fiorini, che venivano incassati direttamente dal convento, poiché il frate non poteva possedere risorse personali.  creazione del dipinto viene quindi convenzionalmente datata all'anno precedente. Altri studiosi lo datano ad un periodo più anteriore, verso il 1424-1425, subito a ridosso della Sant'Anna Metterza di Masolino e Masaccio, anche se la forma del polittico senza scomparti, per quegli anni, sarebbe stata la più all'avanguardia pervenutaci.

Prompt: How does San Pietro Martire Triptych explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Dopo l'inizio della predicazione degli apostoli, iniziarono le persecuzioni da parte del Sinedrio. zzaro, Maria Salome, Marta di Betania, Maria Jacobé e Maria Maddalena, assieme alla serva Sara la Nera, furono gettati in mare su una barca dagli ebrei, perché morissero. Vagarono per lungo tempo in mare su una barca priva di remi e nocchiero, finché dalla Terra Santa giunsero in Provenza, nel territorio la Couronne, dove dopo lungo peregrinare trovarono finalmente un pozzo di acqua potabile: per tal motivo il luogo d'approdo è chiamato ancora oggi Santo Terro, "santa terra"[2], dove vi è una cappella dedicata alla Santa Croce, la chiesetta della Sainte-Croix, il famoso pozzo e la presunta impronta di un piede di zzaro. Due volte l'anno vi è una processione alla cappella. Da qui, imbarcata l'acqua potabile necessaria, i santi personaggi avrebbero proseguito per la Camargue, per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer.Dall'abitato di Saintes-Maries-de-la-Mer, mentre Maddalena si sarebbe diretta verso Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, zzaro a Marsiglia, Marta a Tarascona, Maria Salomé, Maria Jacobé e Sara si sarebbero stabilite vicino alloppidum, evangelizzando la regione. Maddalena si ritirò a fare vita eremitica in una grotta, dove visse senza curarsi di cibo e vestiti. Le crebbero allora i capelli a coprire tutto il corpo e vennero degli angeli per trasportarla in cielo in estasi ogni giorno,  fino alla morte. Una famosa versione di questa storia è contenuta nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze .

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the Golden Legend of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.

Betania
Camargue
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Legenda Aurea
Maria Jacobé
Marsiglia
Marta di Betania
Provenza
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Santo
Sara la Nera
Tarascona


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Ritratto del cardinal Bibbiena

Prompt: Focus on Portrait of Cardinal Bibbiena (Raphael) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Paesaggio montano con arcobaleno

In primo piano un viandante si è fermato a riposare. Egli volge lo sguardo verso lo sfondo dove si apre un oscuro abisso. In quelle profondità si intravedono alcune montagne, mentre, al di sopra del paesaggio, nella luce che sta scomparendo, si forma un arcobaleno . Nei lavori di Friedrich, i dipinti che presentano un netto contrasto tra primo piano e sfondo sono comuni; questa separazione simboleggia il piano fisico e quello spirituale dell'esistenza. Ciò avviene anche in questo dipinto: in primo piano il sole illumina il fogliame e gli abiti del viaggiatore, mentre l'oscurità della notte riempie il resto dell'immagine. Il giorno e la notte, lo spirito e la materia, sono unificati dall'arcobaleno, che nel racconto della Genesi dell'Arca di Noè simboleggia l'alleanza tra Dio e l'umanità.

Prompt: In Mountain Landscape with Rainbow, how is the Description and analysis discussed?Please output in Italian.


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Pietà Rondanini

nuova composizione in verticale fu altamente innovativa e dimostrò le capacità inventive dell'artista ormai ottantenne.Nel gruppo si alternano parti condotte a termine, riferibili alla prima stesura, e parti non finite, legate ai ripensamenti della seconda versione mai compiuta. Le parti condotte a termine sono un braccio destro di Cristo, staccato dal resto del corpo e rotto a un'altezza poco sopra il gomito, le gambe del Redentore e tracce di un diverso orientamento del volto della Vergine. Le parti relative alla nuova elaborazione sono invece il nuovo volto e il corpo della Vergine, il torso magrissimo e la testa di Cristo. Maria infatti non sembra più reggere il figlio, ma i due sembrano piuttosto unirsi in un abbraccio che comunque non riesce a trattenere il corpo di Cristo, il quale sembra scivolare via inerme, come rivela la progressiva e inevitabile piega delle gambe.  stessa Maria mostra una figura aerea e senza peso, che non si sforza di trattenere il corpo del figlio.Se guardata di lato, la statua appare curva in avanti. Questa curvatura dà un senso di slancio verso l'alto come forse è dato intendere da un episodio come la morte di Cristo prossimo alla Resurrezione.

Prompt: How does Rondanini Pietà explain its Description and style?Please output in Italian.


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Ritratto d'uomo con falcone

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Man with a Falcon.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Il Ritratto di Luca Pacioli, o Doppio ritratto noto anche come Ritratto di Luca Pacioli con un allievo, è un enigmatico dipinto, conservato nella Pinacoteca del museo nazionale di Capodimonte, raffigurante il frate matematico autore della Summa de arithmetica e del De Divina Proportione. È attribuito, in maniera controversa, al pittore rinascimentale Jacopo de' Barbari, ad Alvise Vivarini, a Lorenzo Lotto e a Leonardo da Vinci.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Jacopo de' Barbari
Leonardo da Vinci
Lorenzo Lotto
Luca Pacioli
Summa de arithmetica


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Cento vedute famose di Edo

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 . Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō  e crearono uno Stato centralizzato.  capitale fu fissata ad , l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km².  città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese  sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione .

Prompt: In the context of One Hundred Famous Views of Edo, explain the Edo and the Evolution Hiroshige work.Please output in Italian.


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Altare di Dresda

struttura del trittico è originale perché, a differenza della tradizione, gli sportelli laterali non potevano essere chiusi a serrare l'elemento centrale, non prestandosi la tela ad essere dipinta su entrambi i lati. pala centrale mostra la Madonna in adorazione del Bambino, che è appoggiato, dormiente, su un cuscino sopra un largo davanzale, forse di una finestra. Egli è vicino a un libro, simbolo delle Sacre Scritture, e a una pera, simbolo del Peccato originale.  fisionomia di Maria rimanda alle opere di Dirk Bouts, con una durezza scultorea del modellato che riecheggia Squarcione e Mantegna. Opinione corrente è che nelle fattezze di Maria l'artista riprodusse quelle della moglie Agnes Frey. Lo spazio rimanda alla scuola fiamminga o norditaliana, con una stanza alle spalle di Maria che spazia con una prospettiva grandandolare, arrivando a mostrare un'altra stanza, dove san Giuseppe ha il laboratorio di falegnameria, e una finestra con un pregevole paesaggio cittadino. Originale è poi la scelta di popolare la scena di angioletti: oltre a quelli che tipicamente reggono la corona di Maria sospesa in aria, altri muovono turiboli d'incenso, con fisionomie paffute che si distaccano dalla tradizione di Hans Memling e delle Fiandre per avvicinarsi piuttosto a Mantegna.Le figure laterali, ritratte a mezza figure oltre un parapetto che riprende la misura del davanzale dello scomparto centrale, sono invece improntate a un horror vacui con una sovrabbondante presenza di putti nello sfondo. Alcuni ipotizzano in questi scomparti una presenza abbondante di aiuti del maestro.

Prompt: How does Dresden Altarpiece explain its Description and style?Please output in Italian.


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San Giovanni Battista in meditazione

Giovanni Battista è ritratto disteso un braccio che regge la testa appoggiando il gomito su una roccia liscia, con gli occhi semichiusi in meditazione e con la destra che compie il suo gesto più tipico, quello di indicare Gesù Cristo, in questo caso il suo simbolo, cioè l'agnello pasquale. Una riflettografia ha evidenziato come in questa zona esistesse anche il committente inginocchiato, rivolto a destra, verso il centro del retablo. L'iconografia meditativa del santo è rara, e si rifà forse a un lavoro di Geertgen tot Sint Jans, ora a Berlino, o a un'incisione del "Maestro di Giovanni Battista".Spiccano poi alcune invenzioni fantasiose tipiche dell'artista, come l'ingombrante vegetale al centro, dai frutti come gusci d'uova sferiche, nei quali beccano alcuni uccelli, o le originali concrezioni di rocce e vegetali che si innalzano sullo sfondo, oltre una foresta.

Prompt: Focus on St. John the Baptist in the Wilderness and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Ritratto di Federico da Montefeltro col figlio Guidobaldo

L'opera è forse la più importante dello spagnolo Pedro Berruguete eseguita alla corte di Urbino di Federico da Montefeltro, dove era stato chiamato nel 1474 assieme a un altro pittore di scuola fiamminga: Giusto di Gand. Per entrambi fu importante, qui, l'incontro con l'opera degli italiani Piero della Francesca e Melozzo da Forlì.

Prompt: Focus on Portrait of Federico da Montefeltro with His Son Guidobaldo and explain the History.Please output in Italian.

1474
Federico da Montefeltro
Giusto di Gand
Melozzo da Forlì
Pedro Berruguete
Piero della Francesca
Urbino


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Polittico di Ponteranica

pala, destinata alla parrocchiale del piccolo centro all'imbocco della Val Brembana, venne commissionata a Lotto dalla Scuola del Corpo di Cristo, patrona dell'altare a cui era destinato. Non era certo facile avere un lavoro eseguito dal Lotto quando a Bergamo era tanto desiderato, ma l'artista aveva conosciuto Giovanni Belli che lavorando per il consorzio della Misericordia Maggiore, aveva firmato il suo contratto per le tarsie in santa Maria Maggiore di Bergamo, ed era anche eletto tra i sindaci della parrocchia di Ponteranica,  del 15 aprile 1520. Il Belli aveva quindi conosciuto Lorenzo Lotto durante la commissione delle tarsie, e il pittore aveva preso il figlio Giuseppe a lavorare presso la sua bottega. Tutto questo favorì l'incarico del polittico al pittore veneziano. L'intagliatore di Ponteranica seguirà l'artista anche nella realizzazione degli ultimi suoi lavori.Non si conosce la documentazione sulla commissione, ma si sa che lavori preliminari di carpenteria per la realizzazione della struttura lignea vennero avviati nel 1518, e che nel 1521 venne commissionata la doratura della cornice a Pietro de Maffeis di Zogno, che doveva essere ultimata per la Pasqua dell'anno successivo, rimane quindi confermata la data della realizzazione del polittico, la cui forma un poco antiquata, dovette essere richiesta esplicitamente dai confratelli. Per molto tempo si è ritento che la parte superiore fosse stata eseguita in un periodo successivo, ma non vi è documentazione ne motivo di pensare che l'ancora finita e posizionata fosse mancante della sua parte superiore. L'ancona originaria è stata perduta, quella nuova ha misure differenti, che purtroppo hanno richiesto un adattamento dei diversi pannelli non più corrispondenti alla loro posizione originale.Non si sa se a quella data i contatti con Lotto fossero già stati presi. Un'ipotesi credibile è che l'artista, già a Bergamo fino al 1526, dovette entrare in contatto con la confraternita, forse fornendo qualche tavola. Gli anni successivi alla realizzazione del polittico lo videro impegnato in altri impegni cittadini  e la realizzazione dei disegni per le Tarsie del coro di Santa Maria Maggiore di Bergamo e per la partenza per Venezia , e che forse solo dalla città lagunare, inattivo per l'ostilità della cultura ufficiale, completò il lavoro spedendo via via i disegni di queste ultime.

Prompt: Explain the History of this artwork, Ponteranica Altarpiece.Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Nel luglio 1869, lo zio di Van Gogh, Philip James Quinlan, lo aiutò a trovare lavoro presso un mercante d'arte de L'Aia, Goupil & Cie.  Dopo un periodo di apprendistato,  nel giugno 1873, Goupil lo inviò presso la sua sede di Londra, dove alloggiò all'87 Hackford Road a Brixton, lavorando a Messrs. Goupil & Co., 17 Southampton Street. Questo fu un periodo fortunato per lui; aveva successo nel lavoro e all'età di 20 anni guadagnava già più di suo padre.  Si innamorò della figlia della sua padrona di casa, Eugénie Loyer, che lo respinse ed egli andò isolandosi per rifugiarsi nella religione. Il padre e lo zio lo fecero trasferire a Parigi impiegandolo nel settore del commercio delle opere d'arte. Egli non si trovò d'accordo a che le opere d'arte venissero trattate come una merce e il 1º aprile 1876 lasciò il lavoro.Si dedicò quindi, per un breve tempo, al popolo lavoratore come ministro del culto e predicatore, studiando per breve tempo nei Paesi Bassi, ma il suo zelo e l'auto-imposizione di una vita fortemente dedicata all'ascetismo gli costò il proseguimento della carriera religiosa. Venne respinto dall'apparato ecclesiastico e si rifugiò in una spiritualità personale nella quale ottenne il ricercato conforto.

Prompt: Explain the First time about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Early works of Vincent van Gogh.Please output in Italian.

Brixton
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia
Londra
Paesi Bassi
Parigi


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Ritratto di Hieronymus Holzschuher

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: In Portrait of Hieronymus Holzschuher, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Estasi di santa Teresa d'Avila

Gian Lorenzo Bernini Santa Teresa d'Avila

Prompt: How does Ecstasy of Saint Teresa explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Gian Lorenzo Bernini
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Incendio di Borgo

Nell'847 divampò nel quartiere antistante l'antica basilica di San Pietro  un terribile incendio. Leone IV, impartendo la benedizione solenne dalla Loggia delle Benedizioni, fece spegnere miracolosamente il fuoco, il che permise la salvezza della popolazione e della basilica.Due gruppi di architetture fanno da quinte laterali, estremamente dinamiche, mentre al centro uno squarcio in lontananza rivela la figura del pontefice, di immota serenità dovuta alla consapevolezza della sua infallibilità. parte sinistra, con un tempio in rovina che ricorda il colonnato corinzio del tempio dei Dioscuri, mostra attraverso un arco un edificio in fiamme col tetto ormai scoperchiato. Un giovane ignudo si cala dalla parete con la tensione muscolare dello sforzo ben evidente, mentre una donna porge a un uomo un bambino in fasce; più avanti, una scena che evoca l'episodio di Enea che avanza trascinando sulle spalle il padre Anchise e il figlio Ascanio a lato . Dietro di essi, l'anziana nutrice del condottiero troiano, Caieta, ricorda vagamente la Sibilla Libica di Michelangelo nella volta della Cappella Sistina.A destra, un gruppo di donne, si affanna per portare contenitori colmi d'acqua per domare le fiamme in un tempio ionico, che ricorda quello di Saturno.Al centro una serie di donne con bambini si rivolge verso il pontefice, che si affaccia da un'architettura bramantesca a bugnato. Più a sinistra si intravede la facciata dell'antica basilica vaticana, ornata da mosaici. Il vuoto centrale e l'insieme dei gesti riesce a far convergere l'occhio dello spettatore sulla figura del pontefice, per quanto piccola rispetto al primo piano. Tale schema venne ampiamente ripreso dai classicisti seicenteschi.Citazioni dotte e ricercate, prese dalla classicità e dalla modernità, ben rappresentano l'ambiente evocato dai letterati della corte di Leone X.Dall'armoniosa bellezza della Stanza della Segnatura si è passati ormai a uno stile più ardito e disomogeneo, con una composizione più intensamente scenografica, senza un'articolata organizzazione strutturale degli edifici, che paiono appunto quinte teatrali o apparati effimeri predisposti durante le feste . Forte è la componente sperimentale ed è stata paragonata da alcuni, nel suo attingere ai repertori urbinate, umbro, fiorentino e veneziano, al procedimento che in quegli stessi anni coinvolgeva i letterati sulla scelta della lingua. Raffaello andava infatti rielaborando i linguaggi dei suoi predecessori per dare origine a quel classicismo che tanto influenzò le generazioni successive.

Prompt: How does The Fire in the Borgo explain its Description and style?Please output in Italian.

847
Anchise
Ascanio
Caieta
Enea
Stanza della Segnatura


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Ritratto di Francesco delle Opere

figura di Francesco delle Opere, benestante artigiano fiorentino della fine del XV secolo, è ritratta di tre quarti voltato a sinistra, con una berretta nera che raccoglie una fitta capigliatura riccioluta, una mantella dello stesso colore, una veste rossa aperta sul davanti e tenuta da lacci e una camicia bianca come sottoveste. In mano tiene un rotolo di carta da cui sporge il cartiglio "Timete Devm", inizio di una celebre predica di Savonarola che illumina sul contesto religioso e storico in cui l'opera venne prodotta. Le mani sono appoggiate su un ipotetico parapetto che coincide col bordo inferiore del dipinto, riprendendo l'esempio di pittori fiamminghi dell'epoca, come lUomo con la lettera di Hans Memling.Il personaggio è caratterizzato da una sottile vena psicologica, malinconica e assorta, in cui sono evidenziate le caratteristiche di rigore morale e di fermezza del carattere, anche per via della posa appena impettita. Nei ritratti Perugino era solito abbandonare la vena dolce e idealizzata delle opere religiose, indagando a fondo la fisionomia; anche in questo caso molti dettagli sono resi con grande cura millimetrica, dimostrando ancora una volta l'influenza fiamminga. Il gioco di luci e ombre è reso con un tratteggio sottilissimo a punta di pennello.Anche lo sfondo ha alcuni elementi in comune con quello dell'opera di Memling, come la città fortificata con alte torri coronate a punta, sulla sinistra. Le dolci colline, prive di asperità, sono punteggiate da alberelli esili e frondosi tipici della scuola umbra, e sfuma in lontananza secondo le regole della prospettiva aerea, che dilata a dismisura la profondità della veduta. Come tipico di quegli anni lo sfondo è reso più interessante dalla presenza di un lago, le cui acque azzurrine si intonano alla perfezione col verde delle colline e il celeste del cielo e delle montagne lontane, velate dalla foschia.

Prompt: Focus on Portrait of Francesco delle Opere and explain the Description and style.Please output in Italian.

Hans Memling
Perugino
Uomo con la lettera


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Lucrezia (Artemisia Gentileschi Los Angeles)

Si ritiene che il dipinto sia stato portato a termine durante il soggiorno veneziano, sul finire degli anni venti del XVII secolo. Una serie di poesie scritte da Giovan Francesco Loredan sembra si riferiscano proprio a quest'opera. Le vicende di quest'ultima non sono note fino all'identificazione della Lucrezia in una collezione privata di Cannes, negli anni Ottanta.  tela fu acquistata dal Getty Museum nel 2021: la cifra dell'operazione non è nota, ma nel 2019 il dipinto era già stato venduto da Artcurial a Parigi per la cifra record di $5,3 milioni.

Prompt: How does Lucretia (Artemisia Gentileschi, Los Angeles) explain its History?Please output in Italian.

Artcurial
Cannes
Getty Museum
Giovan Francesco Loredan
Parigi


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Caccia al leone

Nel corso della storia, ogni sorta di cane è stato usato dall'uomo per la caccia al leone in Africa e  in Medio Oriente. In particolare tra questi cani da caccia al leone c'è il Rhodesian Ridgeback.  caccia al leone  ha visto la sua massima popolarità e livelli di partecipazione durante il periodo del "Grande cacciatore bianco", essenzialmente la seconda metà del XIX secolo e i primi decenni del XX secolo. Poiché da allora la caccia al leone è in declino, la caccia al leopardo ha visto un aumento inversamente proporzionale della popolarità. Questa transizione può essere dovuta almeno in parte alla crescente popolarità dei segugi da profumo americani e continentali tra i segugi africani e i PH, poiché è molto meno probabile che il leopardo si posizioni su un terreno solido , e sono molto di più probabile che abbaia all'albero. Sebbene, in proporzione alla loro crescente popolarità, diversi branchi di questi segugi siano oggi utilizzati regolarmente da PH e guide come cacciatori di leoni in tutta l'Africa meridionale.Questo metodo di caccia al leone prevede che il cacciatore rilasci un branco di cani allevati a questo scopo in un'area nota per gli alti livelli di attività dei leoni o su tracce fresche. Il branco seguirà il leone e poi terrà a bada il leone finché il cacciatore non sarà in grado di chiudere la distanza e uccidere il leone a distanza ravvicinata.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the They bite. of the History explained?Please output in Italian.

Africa
Medio Oriente
XIX secolo
XX secolo
X secolo


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Trittico di Modena

In questo lavoro, El Greco, usa l'oro come impregnazione e non come sfondo, come era consuetudine nell'arte bizantina, e su quello strato applicava i colori in stile veneziano, con una particolare lucentezza dovuta all'uso enfatico della luce.

Prompt: How does Modena Triptych explain its Style?Please output in Italian.


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Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: In Epifania, how is the In the Latin Church of the History explained?Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


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Ugolino e i suoi figli

L'artista surrealista Max Ernst adoperò una xilografia di Ugolino, ricavando l'immagine, con molta probabilità, dal catalogo dell'esposizione universale, e la inserì nel romanzo a fumetti  femme 100 têtes . Il suo collage conserva il terrore del volto di Ugolino, ma lo giustappone a degli strumenti musicali.

Prompt: Explain the Flu of this artwork, Ugolino and His Sons (Carpeaux).Please output in Italian.


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Sacra Parentela

Ashley K., Sheingorn P. , Interpreting Cultural Symbols: Saint Anne in te Medieval Society, 1990, University of Georgia Press, Athens, Ga, ISBN 0-8203-1262-2 Baiocco S. Tra Liguria e Lombardia: l'orizzonte di Gandolfino da Roreto, in Romano G. , "Primitivi piemontesi nei musei di Torino", 1996, CRT, Torino, pag. 293 - 303

Prompt: In The Holy Kinship (Geertgen tot Sint Jans), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Apollo dell'Omphalos

statua è stata ritrovata in vari frammenti, come nel caso dei piedi dalle caviglie in giù e delle braccia al di sotto dei gomiti. Il naso e la bocca sono mancanti, mentre parti delle cosce e della parte superiore del braccio sinistro necessitarono di un restauro.

Prompt: Describe the characteristics of the Conditions in Apollo Omphalos (Athens)'s Description.Please output in Italian.


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Nostra Signora di Łukawiec

Il dipinto fu dipinto su una tela attaccata alla lavagna all'inizio del XVII secolo da un pittore italiano e collocato nel castello di Potocki nella città di Tartaków. " Immagina la Beata Vergine Maria con le mani giunte per pregare, in piedi sulla luna, sotto la quale il serpente arrotolato morde la mela. Sopra di lei, Dio Padre allarga le mani ". Dopo il grande incendio del castello, il dipinto trovò la strada per il cappellano Stanisław Potocki e il parroco locale Mikołaj Kucharski nel 1727. Dopo la sua morte, l'immagine della Beata Vergine, nel 1764 fu collocata nella chiesa cattolica locale sopra il fonte battesimale e quasi fin dall'inizio iniziò a essere famoso per i favori, il che significava che fu spostato l'anno successivo in alto altare. Nel 1765 dal 9 al 24 marzo, il dipinto, come è stato descritto, "pianse". Dagli occhi di Nostra Signora, lacrime di sangue sgorgarono, che caddero o si seccarono nell'immagine. A quei tempi, un chiaro bagliore era visibile sulla chiesa, in modo che si pensasse che un incendio sarebbe scoppiato. Molte persone hanno anche visto che l'immagine era colorata. Nel 1777, il dipinto fu considerato miracoloso e due anni dopo fu collocato in un appositamente preparato, su iniziativa del sacerdote Kostkiewicz, un nuovo enorme altare maggiore. In un libro speciale ci sono 407 casi di miracoli fatti attraverso l'immagine e un numero di oltre 300 doni per la grazia ricevuta .Nel 1944, il dipinto fu salvato con successo dalla distruzione grazie ai polacchi, attraverso la sua deportazione nella chiesa di legno dell'Epifania a Łukawiec vicino a Lubaczów. Inizialmente, nel 1963, il dipinto si trovò a Lubaczów, e anche la parrocchia di Tarnoszyn lo cercò. Alla fine, tuttavia, il dipinto, famoso per le sue grazie, fu consegnato alla parrocchia Łukawiec. A causa del numero crescente di credenti, sia di Łukawiec che di Tartaków, fu presa la decisione di costruire una nuova chiesa a Łukawiec.  chiesa della Beata Vergine Maria Regina di Polonia a Łukawiec è stata consacrata dal vescovo Marian Jaworski nel 1990. Nello stesso anno, l'immagine di Maria fu collocata nell'altare maggiore.  nuova chiesa divenne il Santuario di Nostra Signora di Łukawiec. Il 3 giugno 1991, il dipinto fu incoronato a Lubaczów da Papa Giovanni Paolo II durante uno dei suoi pellegrinaggi in Polonia. Il 15 maggio 2004, una copia dedicata e incoronata del dipinto è stata donata alla chiesa di Tartaków. Nel 2016 il dipinto è stato rinnovato a Cracovia. Il 3 giugno 2016 è caduto il 25 ° anniversario dell'incoronazione dell'immagine miracolosa di Nostra Signora di Łukawiec. In questa occasione fu realizzato un nuovo enorme altare nella chiesa parrocchiale. Il 4 giugno 2016 è stata collocata un'immagine miracolosa nel nuovo altare.  consacrazione del nuovo altare è stata fatta dall'arcivescovo Mieczysław Mokrzycki, che proviene da Łukawiec l'8 giugno 2016 durante le principali celebrazioni per l'anniversario. D'ora in poi, l'immagine è solennemente svelata e ombreggiata dal suono di una fanfara e di una canzone per la Madre di Dio.

Prompt: How does Our Lady of Łukawiec explain its History?Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In Epifania, how is the Italy of the Theology explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Uguaglianza davanti alla morte

Il soggetto del dipinto è la rappresentazione di un angelo della morte in volo, che porta con sé un lenzuolo funerario per ricoprire il corpo di un giovane uomo morto, completamente nudo.In basso, a sinistra, è possibile osservare la firma artistica di Bouguereau.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Equality Before Death.Please output in Italian.


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Theotokos di Vladimir

L'icona fu dipinta a Costantinopoli nel XII secolo, alla corte degli imperatori Comneni., quando Andrej Bogoljubskij, figlio di Dolgorukij, distrutto una parte di Vyšhorod e rubato la icona la portò nella città di Vladimir. Secondo la tradizione, i cavalli che trasportavano l'icona, si fermarono vicino alla città e si rifiutarono di andare avanti. Il popolo interpretò l'episodio come un segno secondo cui la Theotokos voleva rimanere a Vladimir. Per ospitare l'immagine, fu costruita la grande cattedrale della Dormizione, cui seguì la costruzione di altre chiese dedicate alla Madonna.Nel 1395, durante l'invasione di Tamerlano, l'icona fu trasportata fino a Mosca. Nel luogo in cui la popolazione ed il principe "incontrarono" la Theotokos fu costruito il monastero Sretenskij. Basilio I di Russia passò una notte intera nel monastero, piangendo e pregando sull'immagine; il giorno successivo l'esercito mongolo si ritirò. I moscoviti si rifiutarono di riportare l'icona a Vladimir e la collocarono nella cattedrale della Dormizione del Cremlino. Per mezzo dell'icona, fu attribuita alla Madonna la salvezza di Mosca durante gli assalti dei soldati tatari nel 1451 e nel 1480.Nel 1917, poche settimane prima dell'inizio della rivoluzione, davanti all'icona si svolse l'elezione del Patriarca di Mosca, Tichon. Poco tempo dopo, le autorità bolsceviche vietarono qualsiasi celebrazione religiosa e l'icona fu rimossa dal tabernacolo in cui si trovava, per essere restaurata e successivamente collocata nella Galleria Tret'jakov, dove è tuttora conservata.Nel dicembre 1941, quando i Tedeschi erano vicini alla capitale,

Prompt: In Virgin of Vladimir, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Cloud Gate

Ubicato tra il lago Michigan ad est e il "Chicago Loop" ad ovest, il Grant Park è stato dal diciannovesimo secolo il giardino di Chicago. È racchiuso tra la Monroe Street , Michigan Avenue , Randolph Street  e Columbus Drive . Nel 2007, il parco è stata l'attrazione più visitata di Chicago dopo il "Navy Pier".Nel 1999 i funzionari del Millennium Park ed un gruppo di collezionisti d'arte, curatori ed architetti analizzarono le opere artistiche di 30 differenti artisti e chiesero due proposte. L'artista americano Jeff Koons propose di erigere una scultura permanente di uno scivolo alto 46 metri;  commissione scelse invece la seconda proposta, fatta da parte di Anish Kapoor, artista internazionalmente apprezzato. Con le misure 10 m x 20 m x 13 m e con il peso di quasi 100 tonnellate, la proposta era rappresentata da una superficie liscia e senza saldature, fatta di acciaio inossidabile ispirata al mercurio liquido. Questa superficie, molto simile ad uno specchio, avrebbe riflettuto lo skyline di Chicago, ma la sua forma ellittica avrebbe distorto e piegato l'immagine riflessa. Quando i visitatori camminano intorno alla struttura, la sua superficie si comporta come uno specchio curvato e quindi distorce la loro immagine riflessa.Sulla parte inferiore della scultura, si trova l'omphalos, una dentellatura la cui superficie a specchio crea molteplici riflessi di qualsiasi soggetto si trovi al di sotto di esso. L'apice dell'omphalos è a 8,2 metri dal terreno e la forma concava del Cloud Gate permette ai visitatori di camminare al di sotto di esso per vedere l'increspatura; durante la prima esposizione nel luglio 2004, la stampa descrisse l'omphalos come un "ventre dalla forma di cucchiaio".  scultura di acciaio inossidabile fu originariamente prevista come centro del "Lurie Garden", situato nella parte sud-est del parco, ma i funzionari del parco credevano che la scultura fosse troppo grande per quel posto e decisero di sistemarla nella "AT&T Plaza", nonostante le obiezioni di Kapoor. I grattacieli a nord lungo Randolph Street, inclusi "The Heritage", il "Smurfit-Stone Building", il "Two Prudential Plaza", il "One Prudential Plaza" e lo "Aon Center" sono visibili riflessi su entrambe le facce est ed ovest della scultura.leftSebbene Kapoor non disegni con l'ausilio del computer, il modellamento computerizzato fu essenziale per il processo di analisi delle complesse forme della scultura che crearono non pochi problemi.In particolare, crebbero le preoccupazioni che, stando all'esterno, la struttura avrebbe sofferto degli sbalzi termici stagionali, diventando d'estate rovente per il troppo calore e d'inverno così fredda che la lingua di qualcuno avrebbe potuto appiccicarvisi. Inoltre, si temeva che le importanti escursioni termiche avrebbero potuto indebolire la struttura. Altri potenziali problemi erano rappresentati dai graffiti, gli escrementi di uccelli e le impronte lasciate dalle persone, che avrebbero potuto intaccare l'estetica della superficie. Il problema più pressante era però l'esigenza di creare un'unica lamina esterna senza saldature per l'involucro esterno, una caratteristica che Norman Foster non credeva fosse facilmente realizzabile.Mentre la scultura veniva costruita, è stata soprannominata dalla gente e dai media "The Bean"  a causa della sua forma di legume, un nome che lo stesso Kapoor definì "completamente stupido". Mesi dopo, Kapoor intitolò ufficialmente la scultura Cloud Gate. Tre quarti della superficie esterna della scultura riflette il cielo ed il nome si riferisce ad essa come se fosse un tipo di passaggio che serve da ponte collegando lo spazio tra cielo e l'osservatore. A volte, viene fatto riferimento alla scultura ed alla piazza unitamente come il Cloud Gate sulla AT&T Plaza. È la prima opera pubblica all'aperto di Kapoor negli Stati Uniti, ed è, secondo il "Financial Times", il lavoro grazie al quale è più conosciuto nel paese.

Prompt: In Cloud Gate, how is the Design discussed?Please output in Italian.


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Venere Callipigia

Collezione FarneseMuseo archeologico nazionale di NapoliArte adrianeaAnasyrmaVenere stateopigia

Prompt: In Venus Callipyge, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Anasyrma
Arte adrianea
Collezione Farnese
Farnese
Museo archeologico nazionale di Napoli
Napoli


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (La Tour), how is the Historicity theological significance of the Luca's story explained?Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (Filippo Lippi, London) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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La tinozza

tinozza è un pastello del pittore francese Edgar Degas, realizzato nel 1886 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Focus on The Tub and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: In The Last Judgment (Fra Angelico, Florence), how is the Music discussed?Please output in Italian.


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Salvation Mountain

Nel luglio 1994, la Contea Imperiale assunse uno specialista dei rifiuti tossici per testare i terreni intorno alla Salvation Mountain, con risultati che mostrarono alti livelli di tossicità da piombo. Knight e i suoi sostenitori raccolsero le firme per un secondo test da far eseguire ad un gruppo di specialisti di sua scelta. Quel test è risultato negativo, supportando l'affermazione di Knight, secondo cui ha usato vernici non tossiche e che non c'erano tossine nel terreno.

Prompt: Explain the Toxicity problems paint of this artwork, Salvation Mountain.Please output in Italian.


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Gioele

Joelle Carter, attrice statunitenseJoëlle Ursull, cantante francese

Prompt: Explain the Female variants about the People of this artwork, Prophet Joel (Michelangelo).Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait with Palette (Manet)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Busto di Ankhhaf

sinistraDettaglio del volto.Il busto, probabilmente realizzato durante il regno di Chefren , nonché di uno dei più raffinati, con un grado di individualizzazione notevole; non si conoscono esempi anteriori di ritratti non idealizzati a tal punto. Le sculture riproducenti il reale aspetto degli individui, anziché una fisionomia altamente idealizzata, sono rare nella antica statuaria egizia - sia nelle epoche precedenti che in quelle successive alla realizzazione di questo busto. L'anima in pietra calcarea è coperto di vari strati di stucco, a sua volta dipinto di colore rosso-ocra, che nelle statue e nei rilievi contraddistingue le figure maschili . Il volto ha un'espressione severa e tranquilla, piuttosto distaccata e impersonale, anche se la bocca sembra sul punto di abbozzare un lieve sorriso.  palpebre sembrano leggermente appesantite, mentre gli occhi erano originariamente dipinti di bianco, con pupille marroni.  barba, le orecchie e la punta del naso sono mancanti.

Prompt: In Ankhhaf (sculpture), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Battaglia dei centauri

lastra, inquadrata da una fascia irregolare, mostra una massa di figure impegnate in una confusa lotta. Al centro spicca un giovane con il braccio alzato, nella posizione che nei sarcofagi romani era riservata ai generali a cavallo. Attorno a lui si sviluppa un groviglio di corpi che, nelle figure più sporgenti, crea una sorta di piramide visiva che ha il vertice proprio nella sua testa. Tra questi personaggi più spiccati della fascia mediana si vedono, da sinistra, un uomo canuto che sta per scagliare una grossa pietra squadrata, un uomo raffigurato interamente mentre compie una torsione verso destra, e una zuffa di almeno cinque personaggi principali le cui braccia compongono un nodo inestricabile: uno di spalle trascina per i capelli un secondo, che è tenuto alla vita da un terzo uomo che col braccio destro afferra le spalle di un gruppo di due figure, una donna che strozza col braccio un uomo che tenta di liberarsi. Più isolata la battaglia infuria tra figure dal rilievo meno pronunciato; più in basso si scorgono i perdenti: un uomo seduto che si ripara la testa, un centauro abbattuto, un uomo che si sta accasciando e due lottatori uno sopra l'altro, in posizione pressoché identica, con quello dietro che si sta avventando su quello davanti armato di un sasso.Le figure si confondono le une con le altre, talvolta emergendo con forza dallo sfondo, talvolta appena sporgenti, con una straordinaria abilità nello sfruttare le potenzialità del marmo per creare diversi piani spaziali. A parte l'ispirazione mitologico-letteraria è chiaro che all'artista interessava soprattutto esplorare il tema del nudo umano, analizzato in pose diverse e in differenti situazioni di tensione muscolare, che divenne in seguito uno dei temi più peculiari della sua arte, basti pensare al Giudizio universale. Per questo rilievo Michelangelo si rifece sia ai sarcofagi romani, sia alle formelle dei pulpiti di Giovanni Pisano, e guardò anche al contemporaneo rilievo bronzeo di Bertoldo di Giovanni, suo maestro al giardino di San Marco con una battaglia di cavalieri , a sua volta ripreso da un sarcofago del Camposanto di Pisa. Ma appare evidente che per Michelangelo i modelli, soprattutto quelli antichi, non sono un repertorio in cui pescare per imitare, bensì il frutto di miti e passioni umane, la cui espressione, attualizzata con consapevolezza, gli permetteva di ricreare l'antico con stupefacente virtuosismo. I riferimenti sono però sorpassati dal giovane artista, che esalta il dinamismo e l'anatomia, con gesti fluidi e una notevole efficacia compositiva.

Prompt: Focus on Battle of the Centaurs (Michelangelo) and explain the Description.Please output in Italian.


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Isabella

Di seguito si trova una lista delle varianti del nome in altre lingue:Albanese: IzabelaArmeno: Զաբել Asturiano: SabelCatalano: Isabel, Ibbie, Issy, Izzy, Izzie, Libbe, Libbie, Libby, Bella, Belle, SabellaIrlandese: Isibéal, SibéalOlandese: Isabella, IsabellePolacco: Izabela, IzabellaPortoghese: Isabela, IsabelIpocoristici: BelinhaRumeno: Isabela, Isabella, Izabela, IzabellaRusso: Изабелла Scozzese: Iseabail, Ishbel, IsobelIpocoristici: BeileagSpagnolo: Isabella, Isabela, Isabel, YsabelIpocoristici: IsaTedesco: Isabelle, Isabell, Isabel, IsabellaIpocoristici: IsaUngherese: Izabella

Prompt: Describe the characteristics of the Variantsinotherlanguages in Isabella (Millais painting)'s People.Please output in Italian.


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Giochi di bambini

Iniziando dal basso a sinistra si riconoscono:{align=right{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! Numero !! Img !! Gioco !! Note-01  100px  Giocare con le bambole -02  100px  Giocare alla messa  Finti oggetti liturgici-03  100px  Pistola ad acqua e uccello  sul posatoio -04  100px  Mascherarsi -05  100px  Altalena -06  100px  Scalvalcare una recinzione -07  100px  Fare la candela -08  100px  Fare il "nodo" -09  100px  Fare le capriole -10  100px  Cavalcare la recinzione -11  100px  Il finto matrimonio  Si trova esattamente al centro delle diagonali della tavola. Forse una denuncia del sacramento o forse un riferimento all'evento cardine che permette la nascita dei bambini-12  100px  Penitenza di passare tra gambe scalcianti -13  100px  Mosca cieca -14  100px  Giocare con volatili -14b  100px  Fabbricare cappelli con gli stecchi -15  100px  Bolle di sapone -16  100px  Bobina di noci  Un mulinello fatto con gusci e gherigli di noce-17  100px  Il "Toton"  Antenato della roulette, si tratta di un gioco forse già esistente nella Roma antica, poiché il nome potrebbe derivare dal latino "tatum" dato che il vincitore prende tutto. Un dado montato su un bastoncino viene fatto ruotare, dopo aver messo una posta. Su ogni lato c'è una lettera: A , il giocatore riprende solo la sua posta; N  o R ; il giocatore perde; J , il giocatore raddoppia; F  o T , il giocatore prende l'intero piatto e finisce il gioco. -17b  100px  Finto animale al guinzaglio  Una specie di cane di pietra. -18  100px  Giocare agli aliossi -19  100px  Il finto battesimo  Rifacimento della processione che gli adulti compivano per riportare a casa un bambino appena battezzato.  parodia è resa più ridicola dal cappuccio azzurro, il colore che spesso simboleggia l'inganno .-20  100px  Morra -21  100px   pentolaccia -22  100px  I trampoli bassi -23  100px  Salto della cavallina -24  100px  Combattimento equestre -25  100px  Il "seggiolin del papa"-26  100px  Cavalcare un bastone -27  100px  Rimestare le feci con un bastone -28  100px  Suonare il flauto e il tamburo -29  100px  Il cerchio semplice -30  100px  Gridare in una botte vuota da un foro -31  100px  Il cerchio a sonagli -32  100px  Cavalcare una botte -33  100px  ncio dei cappelli  nciati attraverso le gambe aperte di un bambino, compongono forse una faccia? Oppure a chi lancia più lontano-34  100px  L'omino di pane con l'uvetta  Panetto con uvetta a forma di uomo, offerto alle veglie funebri o a Natale.-35  100px  Penitenza dell'"acculata" } { border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! Numero !! Img !! Gioco !! Note-36  100px  Pallone fatto riempiendo con acqua la vescica di un maiale o di una pecora -37  100px  Scarica barili  Una squadra sta sotto  sostenuta dal ragazzo davanti che è neutrale, i componenti dell'altra  saltano, uno dietro l'altro, sul "ponte" che devono far crollare: vince la squadra o che riesce a sostenere il peso  oppure che fa crollare i sostenitori ; chi perde sta  sotto.-38  100px  Giocare al negozio  Sul mattone rosso si trova la firma del pittore-39  100px  Giocare con le pulci -40  100px  Costruire  -41  100px  Tirare i capelli -42  100px  Catturare insetti con un retino -43  100px  Gioco del flagello -44  100px  Giocare con le biglie -45  100px  ncio delle monete al muro  Chi riesce a mettere la moneta più vicino al muro vince-45b  100px  Ruotare un cappello sull'estremità di un bastone -46  100px  Fare un corteo -47  100px  Giocare al portiere -48  100px  Chi ha la palla? -49  100px  Andare a cavallo delle spalle -50  100px  Canto da porta a porta -51  100px  Fuoco di San Giovanni -52  100px  Cavalcare una scopa -53  100px  Spingere un muro -54  100px  Cercare un nascondiglio -55  100px   "coda del diavolo" o il "serpente" -56  100px  Lotta -57  100px  Il "diavolo incatenato" -58  100px  Correre, saltare su una porta della cantina -59  100px  Bowling -60  100px  Il bastoncino -61  100px  ncio delle noci -62  100px  Trampoli alti -63  100px  Pertica fissa -64  100px  Tenere un bastone in equilibrio su un dito -65  100px  Mettere in scena uno spettacolo -66  100px  Trottole -67  100px  Il carrello -68  100px  Far volare un nastro fissato a un bastone -69  100px  Chi scelgo?  Una bambina sceglie il suo "bambino" tra un gruppo di amici sotto una coperta-70  100px  Far pipì -71  100px  Bocce -72  100px  Fare la ruota con la sottana -73  100px  Arrampicarsi su un albero -74  100px  Nuotare -75  100px  Immergersi -76  100px  Nuotare con una vescica di maiale gonfia d'aria -77  100px  Il "Re detronizzato" -78  100px  Giocare con la sabbia -79  100px  Torneo di bobine -80  100px  Il sonaglio  }}

Prompt: Explain the Games about the Description and style of this artwork, Children's Games (Bruegel).Please output in Italian.


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Tondo Doni

Spostamento del Tondo Doni alla nuova sala appositamente allestita per ospitarlo:

Prompt: Focus on Doni Tondo and explain the External links.Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Other cultures and deities and the Philosophy.Please output in Italian.


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San Sebastiano e l'angelo

San Sebastiano e l'angelo è un dipinto a olio su tela  realizzato sul finire degli anni 1620 dal pittore Carlo Bononi e conservato al Museo di Belle Arti di Strasburgo.

Prompt: Focus on Saint Sebastian and the Angel and explain the Abstract.Please output in Italian.

Carlo Bononi
Museo di Belle Arti di Strasburgo


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: In Annunciation (Fra Angelico, Madrid), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

Il dipinto presenta san Giovanni Evangelista a Patmos, dove la tradizione afferma che scrisse il Libro dell'Apocalisse.Giovanni Evangelista è raffigurato, in un contesto paesaggistico, seduto su una roccia in riva al mare, mentre sta scrivendo il Libro dell'Apocalisse. Accanto a lui siede un'aquila la quale è il suo simbolo. Oltre il mare in burrasca e in alto nel cielo si dispiegano le visioni apocalittiche che raccoglierà nel suo libro.

Prompt: How does St John the Evangelist at Patmos explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico della Misericordia

Ai lati della Vergine, nel registro principale, si trovano, da sinistra, San Sebastiano, trafitto dalle frecce, San Giovanni Battista, con la veste marrone da eremita nel deserto, la barba, il bastone e il cartiglio con Ecce Agnus Dei, Ecce qui tollit pecc[ata mundi], San Giovanni Evangelista, con il libro e la veste rossa, e San Bernardino da Siena, con l'abito francescano.  tavola con la Madonna della Misericordia che accoglie il popolo sotto il suo manto è generalmente indicata come la prima ad essere stata dipinta. Dal punto di vista iconografico si segnala come la presenza di Sebastiano sia legata alla protezione dalle pestilenze e per questo di numerose confraternite; fin dal primo Rinascimento il santo venne di preferenza raffigurato nudo e trafitto di frecce, offrendo agli artisti l'occasione per mettere in pratica gli studi di anatomia. Giovanni, protettore di Firenze e protettore delle malattie della gola, è rappresentato senza la consueta pelliccia nel gesto del predicatore, che indica la Vergine: alcuni hanno messo in relazione questo atteggiamento con una citazione del San Matteo di Ghiberti a Orsanmichele, presente ad esempio anche in un Giovanni Battista di Lorenzo Monaco. Bernardino, la cui presenza offre un punto d'appoggio per la datazione della tavola, è raffigurato con il volto scarno, ispirato a un ritratto postumo del senese Pietro di Giovanni d'Ambrogio, eseguito nel 1444.Nel secondo registro si trovano al centro la Crocifissione e ai lati San Romualdo, lAngelo annunciante, la Vergine Annunciata e San Francesco.  Crocefissione è la tavola dove si nota una maggiore dipendenza da Masaccio, con il Cristo rappresentato di scorcio ottimizzato per una veduta dal basso, migliorando il tentativo sperimentale, ma un po' goffo, della Crocifissione masaccesca di Napoli. I gesti della Vergine Maria e di Giovanni, ai lati della croce, sono ampi e drammaticamente espressivi, ricordando da vicino il pathos dell'analoga tavola masaccesca.Sopravvivono anche le fasce dipinte dei pilastri laterali, con le raffigurazioni di sei santi e di due stemmi della Confraternita della Misericordia, probabilmente opera di uno sconosciuto allievo; cinque tavolette costituiscono la predella , attribuite al pittore camaldolese Giuliano Amidei, forse anche appartenenti a un polittico diverso.  grande importanza data però alla Deposizione, posta al centro in formato maggiore, è legata però all'impegno della confraternita nella sepoltura dei morti.</div>

Prompt: Explain the Other tables about the Description of this artwork, Polyptych of the Misericordia.Please output in Italian.

1444
Bernardino da Siena
Firenze
Giuliano Amidei
Lorenzo Monaco
Masaccio
San Sebastiano


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Il bar delle Folies-Bergère

Il bar delle Folies-Bergère, l'ultimo grande quadro realizzato nel 1881-1882 da Manet prima della morte, può essere considerato il suo testamento artistico e spirituale. Esso, infatti, riunisce con grande coerenza e integrazione i vari dati stilistici che hanno caratterizzato l'universo artistico di Manet: l'utilizzo del nero, l'amore per i temi quotidiani, la composizione calibrata che ricorda i grandi maestri del passato, l'utilizzo di colori piatti e omogenei, il gusto per le nature morte.Manet, pur tra immani sofferenze fisiche, portò il dipinto a termine nel 1882 e lo espose al Salon dello stesso anno, dove conobbe un'accoglienza piuttosto tiepida. L'artista fu ancora una volta deluso da come il pubblico, ottusamente conservatore, avesse interpretato Il bar delle Folies-Bergère in maniera erronea, a tal punto che quando il critico Wolff gli comunicò le proprie perplessità, egli rispose: «Non mi spiacerebbe leggere finalmente, da vivo, l'articolo strabiliante che mi consacrerà dopo morto», probabilmente riferendosi anche al sottile gioco prospettico sviluppato nel dipinto, sfuggito alla critica per più di cent'anni. L'attività artistica di Manet, tuttavia, volgeva ormai a una fine, e l'artista sarebbe morto l'anno successivo.leftA essere ritratto nel dipinto è il bancone del bar delle Folies-Bergère, un caffè-concerto di Parigi, a pochi passi da rue la Fayette, celebre ritrovo della borghesia parigina che qui si svagava assistendo ai concerti, dimenticando la noia e le seccature quotidiane. Lo stesso Manet faceva parte del cenacolo degli habitué di questo locale, tanto che nonostante il dipinto sia stato eseguito in studio il locale è descritto a memoria con grande realismo. Il dipinto raffigura una cameriera del bar in attesa dell'ordinazione: si tratta di una tranche de vie molto moderna, nella quale Manet si mostra perfettamente abile di «strappare alla vita moderna il suo lato epico», come si auspicava il suo amico Baudelaire, il quale asseriva tra l'altro che «un vero pittore […] ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide»; a essere raffigurato, infatti, è il momento qualunque di un luogo qualunque contemporaneo al pittore, non certo uno di quegli episodi storici o mitologici tanto popolari nei Salon dell'epoca.Il ristretto spazio di rappresentazione de Il bar delle Folies-Bergère viene delimitato all'esterno dal bancone. Su di esso Manet colloca una natura morta, cui accorda notevole importanza e spazio: Manet, d'altronde, era uno specialista delle nature morte, e amava inserirle all'interno dei propri dipinti, anche se ne eseguì poche come opere indipendenti, la maggior parte delle quali  dipinte proprio nel periodo fra quest'opera e la sua morte. Sulla superficie marmorea del banco si rincorrono bottiglie di champagne e di liquori di vari i tipi, fra cui una di Bass Pale Ale66, un tipo di birra inglese molto popolare in quei tempi a Parigi, contrassegnata dal tipico triangolo rosso: si pensa che con questo particolare Manet intendesse inserire una nota di spiccato realismo nella propria opera. Molti critici notano  come il riflesso della seconda bottiglia nello specchio appaia loro alquanto impreciso, dato che secondo loro essa dovrebbe trovarsi in fila con le altre, e non in secondo piano. Sempre sul banco troviamo disposte anche una fruttiera di cristallo ricolma di arance, un calice con delicati fiori dalle tonalità rosate e aranciate, e altri banali oggetti d'uso che, pur ravvicinati, sono descritti assai sinteticamente, e intendono solo suggerirci la collocazione geografica dell'avvenimento.  trattazione pittorica della natura morta rimane in ogni caso molto interessante, poiché qui Manet impiega colori brillanti e raffinati e una luce che, colpendo le superfici scabre dei vari oggetti, si fa viva e palpitante, lasciando presagire futuri sviluppi impressionisti interrotti poi dalla morte.

Prompt: Explain the A **slice** of **life** from the **nineteenth** century and an **elegant** **still** **life**. about the The word "null" in English is "null." of this artwork, A Bar at the Folies-Bergère.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Il dipinto venne venduto nel 1753 dai benedettini, in gravi difficoltà economiche, ad Augusto III di Polonia dopo due anni di trattative. A Piacenza, il dipinto di Raffaello venne sostituito con una copia di autore ignoto  dipinta circa un secolo prima della vendita e identica all'originale nella dimensione, ma leggermente più bassa perché manca la fascia superiore con l'asta che regge la tenda verde: questa parte del dipinto era infatti ripiegata dietro il telaio e nascosta dalla cornice, e quindi invisibile al copista.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the From the 18th to the 20th century and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Perseo e Andromeda

Piero di Cosimo, Liberazione di Andromeda, 1510 circa Tiziano Vecellio, Perseo libera Andromeda, 1554-1556 Jan Keynooghe, Perseo e Andromeda , 1561 Giorgio Vasari, Perseo libera Andromeda, 1570-1572 Bartolomeo Passarotti, Perseo libera Andromeda, 1572-1575 Paolo Veronese, Perseo libera Andromeda, 1576-1578 Annibale Carracci, affresco di Perseo e Andromeda alla Palazzo Farnese, 1597 Carlo Saraceni, Andromeda incatenata liberata da Perseo, 1600-1605 circa Giuseppe Cesari, Perseo e Andromeda, 1602 Joachim Wtewael, Perseo soccorre Andromeda , 1610 Peter Paul Rubens, Perseo libera Andromeda,1620 circa Domenico Fetti, Andromeda e Perseo, 1621-1622 circa Peter Paul Rubens, Perseo e Andromeda , 1622 Thomas Willeboirts Bosschaert, Salvataggio di Andromeda , 1640 circa Guido Reni, Andromeda, prima del 1642 Theodoor van Thulden, Perseo libera Andromeda, 1646 Francesco Maffei, Perseo libera Andromeda, 1657-1658 Pierre Mignard, Cefeo, Cassiopea e Perseo , 1679 Michael Willmann, Uwolnienie Andromedy, dopo il 1682 Louis Silvestre II, Perseo e Andromeda , 1719 François Lemoyne, Perseo e Andromeda , 1723 Giambattista Tiepolo, Perseo e Andromeda, 1730-1731 Balthasar Augustin Albrecht, Befreiung der Andromeda, 1732 Charles-Amedee-Philippe van Loo, Perseo e Andromeda , prima del 1753 Ubaldino Gandolfi, Andromeda e Perseo, 1770 Karl Pavlovič Brjullov, Perseo e Andromeda , 1820 circa Eugène Delacroix, Perseo e Andromeda , 1853 circa Émile Bin, Persée délivrant Andromède, 1865 Jean-Auguste-Dominique Ingres, Perseo e Andromeda , prima del 1867 Gustave Moreau, Perseo e Andromeda , 1870 Henri-Pierre Picou, Andromède attachée à un rocher, 1874 Edward Burne-Jones, Lo scoglio del destino , 1885 Edward Burne-Jones, Perseo , 1888 Charles Napier Kennedy, Perseo e Andromeda , 1890 Frederic Leighton, Perseo e Andromeda , 1891 Félix Vallotton, Perseo che uccide il drago , 1910 Félix Vallotton, Andromeda in piedi e Perseo , 1918 Gustave Courtois, Perseo libera Andromeda , 1913

Prompt: Focus on Perseus and Andromeda (Rubens) and explain the Painting.Please output in Italian.

Andromeda in piedi e Perseo
Annibale Carracci
Balthasar Augustin Albrecht
Bartolomeo Passarotti
Carlo Saraceni
Charles Napier Kennedy
Domenico Fetti
Edward Burne-Jones
Eugène Delacroix
Francesco Maffei
François Lemoyne
Frederic Leighton
Félix Vallotton
Giambattista Tiepolo
Giorgio Vasari
Guido Reni
Gustave Courtois
Gustave Moreau
Henri-Pierre Picou
Jan Keynooghe
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Karl Pavlovič Brjullov
Liberazione di Andromeda
Louis Silvestre II
Michael Willmann
Paolo Veronese
Perseo
Perseo che uccide il drago
Perseo soccorre Andromeda
Persée délivrant Andromède
Peter Paul Rubens
Piero di Cosimo
Pierre Mignard
Theodoor van Thulden
Thomas Willeboirts Bosschaert
Tiziano Vecellio
Ubaldino Gandolfi
Émile Bin


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Giornata buia

L'opera fa parte della serie dei Mesi, completata con sole cinque tavole e già in possesso di Niclaes Jonghelinck di Anversa. Appena un anno dopo, nel 1566, venne ceduta all'amministrazione cittadina e nel 1594 fu l'oggetto di un dono a Ernesto d'Asburgo.

Prompt: Focus on The Gloomy Day and explain the History.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Durante l'emergere del neoimpressionismo, Seurat e i suoi seguaci si sforzarono di superare in senso scientifico l'arte impressionista fatta di modi impulsivi e intuitivi. I neoimpressionisti usarono reti disciplinate di punti e blocchi di colore per concretizzare il loro desiderio di infondere un senso di organizzazione e permanenza. Mentre la miscela del primi dava vita a un colore bianco o grigio , quella del secondo produce un colore scuro e torbido . Come pittori, i neoimpressionisti fecero i conti con pigmenti colorati. Per evitare di ottenere un effetto opaco dovuto alla miscela dei pigmenti, escogitarono un sistema di giustapposizione di colori puri senza ricorrere alla loro reciproca mescolanza. L'uso efficace della tecnica puntinista facilitò l'ottenimento di un effetto luminoso particolare e, da lontano, i punti si fondevano mostrando la massima brillantezza e una maggiore aderenza alle condizioni di luce reali. I caratteri del neoimpressionismo furono codificati da Fénéon, confermati da Signac sul suo Journal e da Seurat in una lettera a Maurice Beaubourg del 1890. Questi sono:#massima luminosità coloristica in ogni quadro, secondo l'idea impressionista;#per ottenere la massima luminosità di cui sopra, si procede alla giustapposizione sistematica e alla mescolanza ottica dei toni, delle tinte e dei pigmenti unici puri; la mescolanza dei colori sulla tavolozza, invece, va nettamente rifiutata;#i diversi elementi vanno equilibrati fra loro secondo le leggi dellirradiamento, del contrasto e della degradazione;#la dimensione del quadro determina anche la scelta del tocco;#i vari elementi del dipinto  devono essere in armonia tra loro;#il pittore deve puntare allemozione ottica e non a quella soggettiva.I punti elencati costituiscono la tecnica della division, con i benefici della colorazione, della luminosità e dell'armonia, ma differiscono dagli elementi costitutivi della vituperata - da parte dei neoimpressionisti - tecnica pointilliste, la quale difetta di equilibrio e di contrasto.

Prompt: Explain the Aesthetic principles of this artwork, Neo-Impressionism.Please output in Italian.


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Giovane donna con veste nera

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: Focus on Young Woman in a Black Dress and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Giovannino nel deserto

Il San Giovannino nel deserto è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, databile al 1516-1517 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: How does Saint John the Baptist in the Desert (Raphael) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Dama col liocorno

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Young Woman with Unicorn.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Il cattolicesimo vede in alcuni testi biblici non una prova, quanto un'avvisaglia di quella che sarà la dottrina del magistero. Bisogna ricordare che, secondo la teologia cattolica, la scrittura non è l'unica fonte della fede: anche la Tradizione della Chiesa è luogo teologico.Nell'Antico Testamento, il cosiddetto Protovangelo della salvezza presenta la donna  come prefigurazione di Maria:Immacolata francescana secondo Genesi 3,15 - Terni - Maria ponendosi al servizio di Dio, permette l'entrata del Salvatore nel mondo . Maria quindi, nella lettura tradizionale della Chiesa, partecipa, anche se in forma subordinata, alla vittoria di Cristo sul peccato.Altre indicazioni veterotestamentarie del dogma sono, secondo l'insegnamento della Chiesa, ravvisabili nel Cantico dei Cantici e nei Proverbi:Nel Nuovo Testamento il passo principale che la tradizione cattolica ritiene spiegabile soltanto ammettendo l'Immacolata Concezione è il saluto rivolto dall'arcangelo Gabriele a Maria:

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Biblical foundations of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Dio
Genesi
Nuovo Testamento
Protovangelo
Protovangelo
Salvatore


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Gli spaccapietre

Gli spaccapietre raffigura con crudo realismo un vecchio operaio mentre spacca le pietre a colpi di martello, così da ricavarne pietrisco, aiutato da un garzone che regge una pesante cesta di ciottoli già lavorati. Dei due uomini, quello più giovane, a sinistra, è raffigurato di spalle, mentre quello più anziano è genoflesso ed è raffigurato di profilo. Le due figure si stagliano nitide su un aspro paesaggio montano che si distribuisce uniformemente per tutto lo sfondo, venendo interrotto solo da uno scorcio del cielo, in alto a destra.  povertà dei due uomini, oltre che materiale , è anche psicologica: infatti non è mostrato il volto dei due uomini, come se queste due figure esistessero solo per il lavoro che fanno, faticoso e ripetitivo.Courbet, con l'esecuzione de Gli spaccapietre, intendeva realizzare un'opera di denuncia sociale della fatica del lavoro, introducendo nello scenario artistico francese temi come la povertà, la precarietà della vita, e soggetti fino a quel momento considerati indegni di raffigurazione; Ad esser criticati non furono solo l'inserimento di documenti etnografici nel campo dell'arte e la natura spiccatamente polemica dello stile di Courbet, bensì anche i canoni estetici dell'opera, la cui aderenza al vero trascurava le esigenze del decoro: non vi è infatti né una simmetria tra le due figure né la linea dell'orizzonte, oscurata dalle montagne, e l'asse verticale risulta troppo decentrato a destra.

Prompt: How does The Stone Breakers explain its Description?Please output in Italian.


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Maja desnuda

maja desnuda è un dipinto a olio su tela di Francisco Goya, realizzato tra il 1790 e il 1800 e conservato al Museo del Prado di Madrid.

Prompt: Focus on La maja desnuda and explain the Abstract.Please output in Italian.

1790
1800
Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid
Museo del Prado


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Tondo Doni

Spostamento del Tondo Doni alla nuova sala appositamente allestita per ospitarlo:

Prompt: Focus on Doni Tondo and explain the External links.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the In the ancient Church and the Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Triangular model of love and the Religion.Please output in Italian.