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Polittico Averoldi

{align=right}Il Martirio di san Sebastiano, rappresentato nel pannello destro, mostra il santo in una complicata posizione, caratterizzata da un gusto per la torsione di derivazione michelangiolesca, che esalta l'eroica anatomia scultorea. Il modello è da ricercare probabilmente nei Prigioni , nel personaggio in scorcio trasversale nella Punizione di Aman della volta della Cappella Sistina o nei personaggi concitati degli affreschi della Stanza dell'Incendio di Borgo. Le braccia sono infatti legate ad altezze diverse a un tronco, mentre in basso una colonna crollata fa da appoggio per il piede destro, variando la disposizione delle gambe. Il corpo appare fiaccato dal martirio, con la freccia che trafigge il petto, ma la sua prorompente muscolatura e la testa che sembra rialzarsi ne preannunciano già il trionfo.Singolare è la somiglianza tra Sebastiano e il Cristo, sovrapponibile anche alle fattezze di Tiziano, allora trentenne.Nel paesaggio sullo sfondo un angelo, che indica Sebastiano, dialoga con san Rocco, il santo che con Sebastiano era evocato per proteggersi dalle pestilenze: le sue gambe sono infatti scoperte, come dall'iconografia tradizionale, per mostrare le piaghe del morbo. presenza della firma, elemento tipico di quando un dipinto veniva spedito lontano dalla città in cui era attiva la bottega dell'artista, è stata anche letta, da Rona Goffen, come una sorta di guanto sfida lanciato dal pittore ai maestri che allora raccoglievano i maggiori consensi, cioè Michelangelo e Raffaello: non a caso si troverebbe sul rocchio marmoreo della colonna, materiale delle sculture del Buonarroti.

Prompt: Describe the characteristics of the SanSebastiano in Averoldi Polyptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Prigioni
Punizione di Aman
Stanza dell'Incendio di Borgo


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: Explain the Philosophy about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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Pala di San Zeno

verticalesinistra lucernaL'architettura dipinta, che appare come un prolungamento di quella della cornice, mostra una sorta di loggiato a base quadrata con pilastri, aperto su tutti i lati, con soffitto a cassettoni con luminosi "bottoni" d'oro, e ricco di elementi "all'antica", come il fregio con finto bassorilievo in grisaille di coppie di putti reggi-festoni o i medaglioni con scene mitologiche. L'insieme pare che riprenda molto fedelmente l'aspetto originario dell'altare del Santo di Donatello, l'opera fondamentale per la diffusione dell'arte rinascimentale nell'Italia settentrionale.Al di fuori si trova un rigoglioso giardino fiorito, mentre in alto, sul lato principale, corrono alcuni festoni di frutta e foglie, un motivo tipico di Squarcione e dei suoi allievi, tra cui Mantegna stesso. Sopra la testa della Vergine, incorniciata da un magnifico rosone ingioiellato del trono, stanno appesi tra i festoni una lucerna a cesendello in un bicchiere di vetro sostenuto e  decorato da un bordo d'oro con pietre preziose, alcuni fili di corallo lavorato e un uovo di struzzo. Quest'ultimo è simbolo della fecondità di Maria e al tempo stesso della sua verginità, con un richiamo erudito, ma ben comprensibile per gli umanisti del XV secolo, alla leggenda di Leda, sposa del re di Sparta; in un tempio della città si trovava appeso un analogo uovo, e Leda venne fecondata da Zeus sotto forma di cigno, precorrendo la fecondazione di Maria tramite i raggi divini emanati dalla colomba dello Spirito Santo.Le colonne sembrano separare i dipinti ma non interrompono lo spazio che il Mantegna ha concepito come unico, profondo, percorribile. L'unicità dello spazio è sottolineata dal pavimento a scacchiera bianca e nera, dal giardino di rose fiorite insinuantesi dietro il trono e a fianco dei santi, e dall'unico cielo dello sfondo, percorso nei tre pannelli da nuvolette bianche in strati orizzontali. Le colonne dipinte sono quindi come proiettate all'interno del quadro. Lo spazio è determinato logicamente attraverso la prospettiva scientifica, la luce è descritta attraverso il colore e le forme sono costruite in modo proporzionato.

Prompt: In the context of San Zeno Altarpiece (Mantegna), explain the Setting and the History.Please output in Italian.

Donatello
Italia settentrionale
Leda
Zeus


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il combattimento tra il Kearsarge e l'Alabama

Operazioni navali nella guerra di secessione americana

Prompt: In The Battle of the Kearsarge and the Alabama, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino scrivente e san Girolamo

Il dipinto mostra un'iconografia poco frequente, in cui la Madonna tiene in braccio il Bambino il quale sta scrivendo su un libro, allusione al suo intervento nelle Sacre Scritture. A destra appare san Girolamo nell'abito cardinalizio e recante in mano un libro, suo attributo tipico in quanto uomo di cultura, che appoggia con naturalezza sullo scranno marmoreo su cui è seduta la Vergine. Il Bambino indossa una cuffietta bordata di perle che si vede anche in un'altra opera di quegli anni, il Crocifisso tra i santi Girolamo e Cristoforo  della Galleria Borghese. Si tratta di un motivo prezioso che era usato in quegli anni anche da Fiorenzo di Lorenzo, che poi Pinturicchio abbandonò in favore della capigliatura libera e riccia del Bambino. A destra si apre un ampio paesaggio che sfuma in lontananza, elemento tipico della scuola umbra.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna and Child with St Jerome.Please output in Italian.


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Epifania

In Brasile il giorno si chiama Dia dos Reis , mentre nel resto dell'America tina Día de Reyes e commemora l'arrivo dei Magi per adorare Gesù Bambino.  notte dal 5 è conosciuta come "Notte dei Re"  ed è festeggiata con musica, dolci e piatti regionali. Il 6 gennaio le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: Explain the Brazil about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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tomba di Giulio II

tomba di Giulio II, che in realtà è un cenotafio, è un progetto architettonico e scultoreo di Michelangelo Buonarroti che, nella sua versione definitiva ma ridotta, è collocato nella basilica di San Pietro in Vincoli a Roma. Lo scultore viene incaricato dal Papa stesso della costruzione del proprio monumento sepolcrale nel 1505, data che vede il rinvio dell'inizio dei lavori fino al 1544: in tutto questo periodo di "stallo artistico", Michelangelo vive una profonda sensazione di irrequietezza, delusione ed avvilimento, che fece seguito alla forte esaltazione del periodo romano del primo commissionamento. Lui stesso non esitò a riferirsi a questo progetto come la "tragedia della sepoltura", un autentico calvario che fino agli ultimi giorni della sua vita fu fonte di inesauribili accuse, tormenti e rimorsi. Scrisse il suo biografo ufficiale, Ascanio Condivi, che l'impresa gli arrecò «infiniti impacci, dispiaceri e travagli e, quel ch'è peggio, per la malizia di certi uomini, infamia, della quale appena dopo molti anni s'è purgato».Da un monumentale mausoleo a pianta rettangolare con più di quaranta statue  si finì per arrivare a un monumento addossato a una parete di una basilica secondaria romana , con appena sette statue di cui solo tre di Michelangelo e una sola  degna della sua fama: l'artista, ormai estenuato, avrebbe poi fatto scrivere al suo biografo che «questa sola statua è bastante a far onore alla sepoltura di Papa Giulio II».

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Tomb of Pope Julius II.Please output in Italian.

1505
Ascanio Condivi
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti
Papa Giulio II
Roma


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Vertumno

Tempio di Vertumno Vertumnalia Voltumna Fanum Voltumnae Vicus Tuscus Vertumno e Pomona

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Vertumnus (Arcimboldo).Please output in Italian.

Fanum Voltumnae
Tempio di Vertumno
Vertumnalia
Vertumno e Pomona
Vicus Tuscus
Voltumna


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Battaglia di San Romano

Il dipinto raffigura un episodio storico, la battaglia tra fiorentini e senesi combattuta a San Romano il 1º giugno 1432.I senesi, guidati da Bernardino Ubaldini della Carda, erano in netta superiorità, ma i fiorentini, comandati da Niccolò da Tolentino, dopo essersi spinti per una ricognizione presso la torre di San Romano , nei pressi di Montopoli in Val d'Arno, decisero di attaccare improvvisamente. Quando lo scontro volgeva ormai a sfavore di Firenze, ecco che dall'altra parte del fiume sopraggiunse la colonna dei rinforzi del capitano generale delle milizie fiorentine Micheletto da Cotignola. I senesi allora, ormai stremati dalla battaglia, si diedero precipitosamente alla fuga.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the historical event of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1432
Bernardino Ubaldini
Firenze
Montopoli in Val d'Arno


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è venerata anche a Stefanaconi nel vibonese e dagli abitanti del vicino comune di Sant'Onofrio il 2 luglio, la scultura è stata incoronata per la prima volta nel 1989 e nel 2014 in occasione del 25º anno, la chiesetta è situata in località Pajeradi luogo in cui la Madonna apparì secondo la leggenda a un sordomuto guarendolo, chiedendo in cambio la costruzione di un santuario in suo onore a pochi metri dall'apparizione. Nel passato era parrocchia degli stefanaconesi soprattutto per i contadini del posto.

Prompt: Explain the Stefanaconi about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Vito Martinelli, Toccare Dio.  Maddalena e il Risorto,  Cittadella Editrice, Assisi 2018.   Il romanzo riporta uno stralcio di quello che si dice sia il Vangelo di Maria Maddalena andato perduto. Maura Del Serra,  Maddalena: eros e agape, in "Sapienza", 40, fasc. 3, luglio-settembre 1987, pp. 333–337. Mario Arturo Iannaccone, Maria Maddalena e la dea dell'ombra. Il sacro femminile, la spiritualità della dea e l'immaginario contemporaneo, SugarCo, Milano, 2006. Ann Graham Brock, "Mary Magdalene, The First Apostle: The Struggle for Authority", Harvard University Press, 2003:  discusses issues of apostolic authority in the gospels and the Gospel of Peter the competition between Peter and Mary, especially in ch. 7 "The Replacement of Mary Magdalene: A Strategy for Eliminating the Competition". Birger A. Pearson, Did Jesus Marry?, Bible Review, Spring 2005, pp. 32–39 & 47. Discussion of complete texts. Bart Ehrman,  verità sul codice da Vinci, Oxford University Press Inc. 2004, edito per l'Italia da Mondadori, ISBN 88-04-54792-8. Paolo Riberi, Maria Maddalena e le altre. Le figure femminili dimenticate degli gnostici, L'età dell'acquario, Torino 2015. Bettye Johnson, I Segreti Rivelati nei Rotoli di Maria Maddalena, Macro Edizioni, 2006. Paolo Furia, Dizionario iconografico dei Santi, Edizioni ARES, 2002. Cesare Violini, Maria di Màgdala, Società Subalpina Editrice, Torino, 1945. Marianne Fredriksson,  Prescelta, Longanesi, 2004 .

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Bart Ehrman
ISBN
Vangelo
Vangelo di Maria


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: Describe the characteristics of the Sweden in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Prova di Mosè

L'iniquo faraone d'Egitto mise alla prova Mosè bambino, turbato da un gesto del bimbo con cui gli aveva fatto cadere la corona dalla testa, e timoroso che in futuro gli avrebbe potuto usurpare la ricchezza e il potere.Il faraone si trova su un alto trono a sinistra, circondato da vari personaggi; davanti a lui si vede sua figlia con Mosé bambino, da lei adottato,  in braccio, che si protende verso uno dei due contenitori portati da due paggi. Dietro si trovano altre figure in abiti dalle fogge esotiche, tipiche dell'arte veneziana che era abituata alle popolazioni straniere. Essi sono rappresentati per lo più in isocefalia, cioè con le teste alla stessa altezza.  figura femminile voltata verso l'esterno sembra anticipare la Giuditta con la testa di Oloferne dell'Ermitage, mentre le altre fisionomie corrispondono alle tipologie ideali del maestro.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Test of Fire of Moses (Giorgione).Please output in Italian.


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Continenza di Scipione

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Continence of Scipio (Bellini).Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Yad Vashem United States Holocaust Memorial Museum Museum of Tolerance, LA

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Museography and the Victims survivors.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

I primi bambini ad essere vittime dell'Olocausto furono i minori disabili , i quali furono eliminati in Aktion T4, il programma di eutanasia del Terzo Reich volto a forgiare la "razza ariana", purificandola da ogni debolezza genetica. Tutti coloro che avevano un qualche malattia ereditaria  o che erano gravemente malati fisici o mentali  furono classificati come esempi di "vita indegna di essere vissuta" . Già nel 1929 Adolf Hitler aveva affermato di fronte al congresso del Partito Nazionalsocialista Tedesco dei voratori svoltosi a Norimberga che "la rimozione dei bambini più deboli significava un aumento del potere della nazione e non un suo indebolimento"..Fu nei programmi di eutanasia che si sperimentarono per la prima volta quei metodi di sterminio di massa  che furono poi applicati su larga scala nei confronti degli ebrei e altri gruppi ritenuti razzialmente inferiori o socialmente indesiderabili. L'ambiguo confine tra malattia mentale e "disadattamento" sociale portava ad allargare il numero di quanti potessero essere considerati suscettibili di "rimozione". Tra il 1939 e il 1945, furono 5000-7000 i bambini soppressi nelle cliniche e nei riformatori tedeschi perché affetti da malattie genetiche o mentali o, come nel caso di Ernst Lossa, semplicemente perché ritenuti socialmente e "razzialmente" "disadattati" e irriformabili.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Programmed euthanasia of the Historical research explained?Please output in Italian.

Adolf Hitler
Aktion T4
Ernst Lossa
Norimberga
Olocausto


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Disputa del Sacramento

Raffaello trasformò la parata di teologi da una semplice galleria di ritratti, come avevano fatto prima di lui ad esempio Perugino e Pinturicchio, a un vero e proprio consesso, in cui i personaggi sono colti in un'azione generale. Lo studio dei numerosi disegni preparatori permette infatti di osservare una progressiva accentuazione della gestualità e del calore emozionale dei personaggi, coordinati comunque da un punto focale, che è rappresentato dall'ostia consacrata sopra l'altare, verso cui convergono tutte le linee prospettiche. Il mistero dell'eucaristia è infatti il miracolo per eccellenza, che lega cielo e terra. struttura è semplice e armonica, a cui Raffaello arrivò dopo numerosi studi, con riflessioni ed esitazioni, come testimoniano gli studi. Nel dipinto domina la circolarità: dalla particola e nell'ostensorio, che è punto di fuga prospettico, oggetto della disputa e fulcro del mistero eucaristico, si spande una serie di cerchi concentrici che ordina la disposizione dei due gruppi. Il cerchio, forma divina per eccellenza, appare inoltre lungo l'asse centrale del dipinto, quella dove si allinea la Trinità e l'ostia: si vede nel nimbo della colomba, nel trono su cui siede Cristo e nell'aura attorno a Dio Padre. metà superiore è più tranquilla e serena, impostata a quella solennità di forme grandiose e possenti, quasi immote, già usate dall'artista nell'affresco della cappella di San Severo a Perugia e a loro volta derivate probabilmente da Fra Bartolomeo e l'esempio del suo Giudizio Universale, ripreso però con maggiore monumentalità. Più animata è la parte inferiore. È chiaro che santi e apostoli, che sono saliti in cielo e stanno alla presenza di Dio, siano illuminati e rasserenati dalla sua presenza, a differenza di coloro che, ancora in vita, seppure vivano da buoni cristiani, hanno ancora viva sete di conoscenza e quella inquietudo che è di ogni essere umano non ricongiuntosi a Dio. A tale proposito Raffaello riprese idee già proprie della filosofia platonica ma soprattutto neoplatonica ; spesso il pittore si era confrontato con il pensiero di queste scuole filosofiche durante la sua formazione giovanile, soprattutto a Firenze.Echi leonardeschi sono ravvisabili in più figure, sia come atteggiamenti che come tipi fisici, come il presunto Francesco Maria della Rovere  o il motivo ornamentale a nodi del paliotto dell'altare, che ricorda gli intrecci vegetali della Sala delle Asse a Milano.Le singole figure sono rigorosamente subordinate all'insieme, sia per rispettare il bilanciamento simmetrico dei gruppi, sia per rappresentare l'universo gerarchicamente ordinato della Chiesa e la coralità dello slancio verso l'adorazione. L'affresco diventa così la rappresentazione palpitante della Civitas Dei, alla presenza dei fondatori divini e umani della Chiesa.

Prompt: In Disputation of the Holy Sacrament, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Firenze
Fra Bartolomeo
Milano
Perugia
Perugino
Pinturicchio
Sala delle Asse


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Uomo vitruviano

Canone di Policleto Modulor Monete euro italiane Marco Vitruvio Pollione

Prompt: How does Vitruvian Man explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Canone di Policleto
Marco Vitruvio Pollione
Modulor
Monete euro italiane
Marco Vitruvio Pollione


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Galleria di vedute di Roma moderna

Galleria di vedute di Roma moderna è stata quindi dipinta da Pannini in tre versioni:  prima versione  è al Museum of Fine Arts . Firma: I. Paul Pannini Romae 1757.  seconda versione  è a New York, al Metropolitan Museum of Art.  terza versione  è al Louvre.

Prompt: Describe the characteristics of the Localization in Modern Rome's History.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nel 1534 Michelangelo tornò a lavorare nella Sistina con un'altra impresa colossale, il Giudizio Universale che occupa l'intera parete dietro l'altare. Per realizzarlo vennero sacrificate due storie quattrocentesche, lAssunta del Perugino e due lunette di Michelangelo.Nel 1543 venne istituito un "pulitore" ufficiale degli affreschi della Sistina e nel 1565, in seguito a dei cedimenti, si registrarono i primi interventi di restauro. Di nuovo si ebbero interventi nel 1625, nel 1710, nel 1903-1905 e nel 1935-1936. In occasione di uno di questi lavori, molto probabilmente quello del 1710, si stese sulla volta una vernicetta a base di colla animale, che presto finì per appannare gravemente l'intero ciclo, compromesso anche dalle infiltrazioni d'acqua, dal fumo delle candele e da altre cause vennero influenzate dal sudiciume, arrivando a far parlare di "monotonia marmorea", ripresa dalla scultura, e artista "tenebroso". In realtà, come ha dimostrato il restauro concluso nel 1994, le tinte sono cristalline e gioiose, con impressionante anticipo rispetto ai migliori pittori del manierismo.

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Successive events of the Description explained?Please output in Italian.


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El jaleo

Il dipino Capri di Sargent  ritrae Con quasi 3,7 metri di larghezza, El jaleo è dipinto con una paletta quasi monocromatica, però con dei tocchi rossi negli scialli delle ballerine sedute sulla destra e un'arancia alla sinistra su una sedia, che ricorda i limoni che Édouard Manet aggiunse in alcuni dei suoi grandi dipinti. In disaccordo con la pratica accademica di modulare accuratamente i toni, Sargent drammatizza il contrasto tra i neri ricchi e la gonna bianca della ballerina, catturata con una luce forte che brilla ai suoi piedi e dipinta energicamente allo scopo di suggerire il movimento. Anche la penombra dell'interno della taverna o del café cantante crea delle ombre larghe nella parete posteriore imbiancata che occupa quasi la metà del quadro. ballerina, inclinata asimmetricamente, suggerisce un movimento in avanti, da sinistra a destra attraverso la tela.  posa della ballerina, con il braccio sinistro esteso, è una rappresentazione della tecnica e dello stile canonico del flamenco.  carenza di una barriera tra lo spettatore e la ballerina crea l'illusione di essere presenti nella vicenda reale; la manipolazione dello spazio e la luce comunicano i ritmi energetici del ballo, del suono e del movimento.El jaleo è un esempio di ispanismo, il fenomeno del fascino generalizzato per la cultura spagnola in tutta l'Europa e in America nel XIX secolo e agli inizi del XX. quanto come uno della sua affinità con il movimento realista.

Prompt: How does El Jaleo explain its Description?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Lungo i secoli la posizione del magistero è stata prudente: per quanto il chiaro e definitivo pronunciamento pontificio si ebbe solo nel 1854, furono diversi gli interventi a favore della posizione immacolista.Papa Sisto IV  introdusse a Roma la festa liturgica della Concezione. Sul piano dogmatico non si pronunciò, ma con le bolle Cum Praeexcelsa  e Grave Nimis  proibì a macolisti e immacolisti di accusarsi vicendevolmente di eresia. Il 7 marzo 1632 nella cattedrale di Cagliari il parlamento del Regno di Sardegna giurò solennemente di difendere la dottrina della Purissima Concezione. Papa Alessandro VII emanò nel 1661 la bolla  Sollicitudo, dove si dice a favore dell'Immacolata Concezione. Clemente XI nel 1708 rende universale la festa dell'Immacolata, già localmente celebrata a Roma e in altre zone della cristianità.Nel 1848 Pio IX mostra l'intenzione di chiudere la questione in maniera autorevole e definitiva. Istituisce una commissione di teologi e una di cardinali, dalle quali però emerge il parere contrastante circa l'Immacolata. Anche Rosmini, pur ritenendola "moralmente sicura", sconsiglia di definirla dogmaticamente. Il Papa decide allora di valutare il parere collegiale dei vescovi, che nella tradizione cattolica ha valore magisteriale subordinato a quello pontificio, e lo fa con l'enciclica Ubi Primum del 1849. 546 dei 603 vescovi consultati si dichiarano a favore del dogma. Il Papa fa preparare la bozza dell'enciclica, che dopo 8 redazioni viene promulgata l'8 dicembre 1854 col nome Ineffabilis Deus.Queste sono le parole che concludono l'enciclica e proclamano solennemente il dogma:Il dogma non afferma solamente che Maria è l'unica creatura a essere nata priva del peccato originale - e ciò fin da 40 settimane prima della sua nascita, e cioè dal momento del suo concepimento da parte dei genitori, Anna e Gioacchino - ma aggiunge altresì che Maria, in quanto ritenuta madre di Dio, per speciale privilegio non ha commesso nessun peccato, né mortale né veniale, in tutta la sua vita. dottrina attuale della Chiesa è che Dio conferisca l'anima alla persona umana non appena essa si forma, nel suo primissimo istante, e cioè al momento del concepimento.  dottrina sull'Immacolata Concezione di Maria dà forza, nella visione cattolica, al pensiero della Chiesa sugli embrioni, ritenuti persone umane a tutti gli effetti, dotati di anima.Il convincimento della Chiesa in ordine alla preservazione di Maria dalla macchia del peccato originale è in relazione a questa riflessione: non sarebbe stato "conveniente" che il Figlio di Dio si incarnasse nel grembo di una donna se questa non fosse stata perfettamente monda da qualsiasi peccato.A differenza dell'apertura verso la dottrina dell'Assunzione, questo dogma non è condiviso dalle altre confessioni cristiane  in quanto da queste considerato in disaccordo con le Scritture e non supportato dalla Tradizione.

Prompt: Describe the characteristics of the The Catholic schoolteacher in The Immaculate Conception of Los Venerables's liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Cum Praeexcelsa
Dio
Figlio di Dio
Grave Nimis
Ineffabilis Deus
Papa
Papa Alessandro VII
Papa Sisto IV
Roma
Sollicitudo


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Crocifissione Gavari

predella della tavola è composta da due tavolette: San Girolamo resuscita tre morti, 23x41 cm, Lisbona, Museu Nacional de Arte Antiga Miracolo di san Girolamo, 23x41 cm, Raleigh, North Carolina Museum of Art prima delle due tavolette venne documentata per la prima volta dal Passavant a Roma nel 1845, che l'attribuì a Perugino. Gronau la collegò per la prima volta alla Crocifissione Gavari. seconda mostra san Girolamo nell'atto di trattenere il braccio del carnefice che sta per decapitare il vescovo Silvano; altrettanto miracolosamente cade nel frattempo la testa dell'eretico Sabiniano. L'opera si trovava già nella collezione Coork a Richmond.Le due tavolette mostrano una narrazione vivacissima, che ben si sposa con i ritmi accentuati della pala principale.</div>

Prompt: Explain the Predella about the Description and style of this artwork, Mond Crucifixion.Please output in Italian.

Crocifissione Gavari
Lisbona
Perugino
San Girolamo


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Immacolata Concezione

I nomi propri Immacolata e Concetta sottolineano la devozione a Maria Immacolata.

Prompt: Explain the No one about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Forme uniche della continuità nello spazio

Il movimento futurista si prefiggeva di rappresentare la velocità e la forza del dinamismo nell'arte. Boccioni, anche se formatosi come pittore, iniziò la propria carriera di scultore nel 1912. Scrisse a un amico: "In questi giorni sono ossessionato dalla scultura! Credo di aver visto una completa rinnovazione di quest'arte mummificata." Un anno dopo, Boccioni completò la scultura . L'obiettivo della sua opera era quello di rappresentare un "continuum sintetico" del movimento, invece di una "discontinuità analitica" che egli vedeva raffigurata da altri artisti come František Kupka e Marcel Duchamp.L'opera originale di Boccioni è in gesso e nel corso della vita dell'autore non venne mai prodotta la rispettiva fusione in bronzo. Il gesso è in mostra al Museo di Arte Contemporanea, a San Paolo del Brasile. Ulteriori fusioni furono prodotte nei decenni successivi: due nel 1931, di cui una in mostra al Museum of Modern Art di New York, la seconda presso il Museo del Novecento di Milano due nel 1949, una in mostra alla Metropolitan Museum of Art otto nel 1972, ricavati da un calco del 1949Boccioni, nato a Reggio Calabria da genitori romagnoli, desiderava essere presente in Calabria con una scultura. Dopo la sua scomparsa, Filippo Tommaso Marinetti volle dar seguito al desiderio dell'artista promuovendo una fusione apposita di Forme uniche nella continuità dello spazio. L'iniziativa di Marinetti è documentata da una sua lettera del 23 novembre 1933 al podestà di Milano Visconti, al quale prospettava la fusione da destinare alla Calabria. Dopo ottant'anni il progetto Boccioni-Marinetti si è concretizzato con la donazione del bronzo della collezione Bilotti alla Galleria Nazionale di Cosenza.

Prompt: Explain the History of this artwork, Unique Forms of Continuity in Space.Please output in Italian.

Calabria
Cosenza
Filippo Tommaso Marinetti
František Kupka
Marcel Duchamp
Metropolitan Museum of Art
Metropolitan Museum of Art
Milano
Museum of Modern Art
Museo del Novecento
Museum of Modern Art
New York
Reggio Calabria


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Polittico Averoldi

Il pannello sinistro mostra i Santi Nazario e Celso con donatore. I due titolari della chiesa sono rappresentati sullo sfondo di un cielo cupo, con Nazario in particolare, vestito di un'armatura pure accesa di riflessi, che indica al committente inginocchiato la figura di Cristo, seguito dal discepolo Celso.  scena è la più tradizionale e la meno dinamica del polittico, ma vi spicca comunque l'inteso ritratto del committente, inginocchiato di profilo come consueto. Il volto solcato dai segni dell'età, reso con precisione ma senza intaccare la dignità dell'individuo, ricorda il ritratto di Sigismondo de' Conti nella Madonna di Foligno di Raffaello.L'atmosfera pacata e i toni smorzati dei colori sarebbero un estremo omaggio all'antico maestro Giorgione.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Santi Nazario e Celso col committente of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Giorgione
Madonna di Foligno
Nazario e Celso
Sigismondo de' Conti


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I fortunati casi dell'altalena

Allen Farber. Fragonard's The Happy Accidents of the Swing. State University of New York at Oneonta, 2006.

Prompt: How does The Swing (Fragonard) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Pigmalione e Galatea

sinistra seconda versione dell'operaQuesto quadro è tratto dal mito greco di Pigmalione e Galatea, raccontato nelle Metamorfosi di Ovidio. Secondo il mito, lo scultore Pigmalione realizzò una statua ritraente una donna e se ne innamorò, a tal punto che desiderò che la statua fosse viva.  dea Afrodite, alla quale egli si era ispirato per la scultura, decise di accontentarlo e diede vita alla statua. Il dipinto raffigura proprio la trasformazione di Galatea in una donna in carne e ossa, mentre viene baciata da Pigmalione.Appena la statua nuda si trasforma in una donna vera e si china per baciare lo scultore, Cupido è pronto a scoccare la sua freccia per far innamorare i due amanti. Nella prima versione Galatea è vista di spalle, mentre nella seconda è vista frontalmente. Inoltre, nella seconda versione Cupido è assente e Galatea indossa un diadema.Gérôme raffigura un cambiamento progressivo del colore della pelle di Galatea: i piedi sono ancora in marmo bianco, mentre le cosce, i glutei e il corpo piegato assumono una tinta rosea e i capelli si fanno marrone. Ai suoi piedi si nota un pesce di marmo.Lo studio di Pigmalione è decorato da varie piccole sculture, delle maschere teatrali e qualche dipinto alla parete.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Pygmalion and Galatea (Gérôme painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Salvatore

Letteralmente "salvatore", "colui che salva"; propriamente, il nome nasce da una traduzione del greco Σωτήρ , a sua volta traduzione dell'ebraico יְהוֹשֻׁעַ . Nei paesi baschi, il nome Gaizka funge da equivalente di Salvatore.

Prompt: Explain the Origin diffusion of this artwork, The Saviour (El Greco).Please output in Italian.


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San Girolamo leggente nel deserto

L'opera riprende una composizione pressoché analoga databile al 1480 circa del San Girolamo Contini Bonacossi oggi agli Uffizi. Il santo è raffigurato nel deserto, vestito dei poveri stracci da eremita, mentre è dedito alla lettura, un richiamo al suo lavoro di studio per la traduzione della Vulgata. Tra rocce spigolose, piante ed animali descritti con amorevole cura , un arco si apre rivelando un dolce paesaggio, punteggiato da rovine antiche  e una città murata in lontananza. Oltre uno scorcio marino si vede un'altra città, magari su un'isola o una penisola.  tavola è densa di metafore religiose ritratte con grande cura . Manca però quella fusione atmosferica che si trova negli sfondi dipinti dal pittore dopo il 1500.Un intervento di bottega è ravvisabile in qualche brano del paesaggio che appare più rigido e schematico, come una parte delle rovine in alto a sinistra.

Prompt: Focus on St. Jerome in the Desert (Bellini, Washington) and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Madonna di Raffaello è stata omaggiata da Andy Warhol in una sua rivisitazione intitolata Raphael Madonna - $6.99 del 1985. Il dipinto testimonia non solo l'amore di Warhol per l'urbinate, ma anche il suo complesso rapporto con la religione cattolica.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the Artivisive of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: Explain the Sweden about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Circoncisione di Gesù

Il Libro della preghiera comune riporta questo giorno come "Circoncisione di Cristo".  nuova liturgia osserva questo giorno come "Imposizione del nome e Circoncisione di Gesù".

Prompt: In The Circumcision (Parmigianino), how is the Church of England discussed?Please output in Italian.


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Nascita di Venere

composizione è estremamente bilanciata e simmetrica: il soffio vitale offerto dai due venti e la ninfa sono i due lati ideali di un triangolo al vertice del quale si pone Venere che diviene quindi l'elemento mediano dell'intera scena. Ciò può anche sottintendere la necessità di equilibrio nell'esperienza amorosa, tra passione fisica e purezza spirituale, tra esaltazione dei sensi e elevazione dell'animo. Le figure ai lati di Venere compiono infatti azioni contrapposte, ma equilibrate nell'insieme.Botticelli, seguendo probabilmente le istruzioni del De pictura di Leon Battista Alberti, limitò il numero delle figure e rese autonomi tutti gli elementi della composizione, quasi come semplicemente giustapposti.

Prompt: Explain the Composition about the Description of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.


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I mucchi di fieno

, Richard Thomson, « Un naturalisme d’émotivité, 1881-1891 »isbn = 978-2-7118-5687-9

Prompt: In the context of Haystacks (Monet series), explain the Catalogs and the Interpretation.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In Last Supper (Tintoretto), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music Humanism Renaissance of the Opera, lyric explained?Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Conseguenze della guerra

Marte va travolgendo anche una donna che stringe al suo seno il figlioletto, come a cercare di sottrarlo al pericolo. Nell'arte figurativa spesso gli artisti hanno proposto il tema della violenza sugli infanti, rifacendosi al noto episodio evangelico della Strage degli Innocenti. Anche Rubens, in questo dipinto, si rifà all'iconografia classica della madre e del sentimento materno come naturale istinto di protezione, che traduce nel topos della donna caritatevole e, per estensione, della Carità. Essa è quindi un chiaro riferimento alla crudeltà dei conflitti che non risparmiano innocenti e indifesi.Le frecce sciolte, in basso a sinistra, rappresentano la rottura dell'emblema della Concordia, e sono vicine al caduceo, simbolo dei commerci, gettato a terra.

Prompt: In the context of Consequences of War, explain the Charity and the Description.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino e un coro di cherubini

nella visita virtuale alla Pinacoteca di Brera

Prompt: Focus on Madonna of the Cherubim and explain the External links.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto di Federico il Saggio

Il Ritratto di Federico il Saggio è un dipinto a tempera su tela  di Albrecht Dürer, databile al 1496 e conservato nella Gemäldegalerie a Berlino. L'opera è siglata col celebre monogramma dell'artista, in basso a sinistra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Frederick III of Saxony.Please output in Italian.

1496
Albrecht Dürer
Berlino
Federico il Saggio


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portrait environment autonomy of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

dipinti su santa Caterina d'Alessandria}}Giudizio universale parete di fondo della cappella Sistina di Michelangelo Buonarroti,. Mistico sposalizio di S. Caterina d'Alessandria di Antonio Sarnelli  Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria tra santi, di Spinello Aretino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Lorenzo Salimbeni ; Sposalizio mistico di Santa Caterina, di Michelino da Besozzo ; Trittico del matrimonio mistico di Santa Caterina, di Hans Memling ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Bergognone ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria e santi, di Correggio  Pala di Bardi, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, di Andrea Vaccaro  Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Paolo Veronese ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Mattia Preti ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, di Orazio Jacobotta  Acerenza. Santa Caterina d'Alessandria di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio  Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria di Artemisia Gentileschi  Affresco del XIV secolo nella chiesa di Capo di Serra a Barisciano con Santa Caterina d'Alessandria e San Giovanni Affresco di Bernardino Luini nella chiesa di San Maurizio maggiore a Milano Ciclo di affreschi del XVIII secolo di Giovanni Lo Coco nell'altare maggiore della Basilica di S. Caterina d'Alessandria a Pedara . Ciclo di affreschi nella Cappella Branda Castiglione, nella Basilica minore di San Clemente a Roma. Ancona del martirio di santa Caterina, Collegiata di San Biagio, Finalborgo , di Pascale Oddone  Martirio di Santa Caterina d'Alessandria, del Guercino

Prompt: In the context of Catherine of Alexandria (Palladas), explain the Paintings and the Biography.Please output in Italian.

Acerenza
Andrea Vaccaro
Antonio Sarnelli
Artemisia Gentileschi
Bergognone
Bernardino Luini
Caravaggio
Giudizio universale
Guercino
Hans Memling
Lorenzo Salimbeni
Mattia Preti
Michelangelo Buonarroti
Michelino da Besozzo
Orazio Jacobotta
Pala di Bardi
Paolo Veronese
Parmigianino
Pedara
Spinello Aretino
XVIII secolo


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Statua di Stalin (Berlino Est)

I governi di altri paesi del blocco orientale, inclusa la DDR, rinunciarono al culto di Stalin. Nella notte tra il 13 e il 14 novembre 1961, tutta la segnaletica stradale sulla Stalinallee fu rimossa in un'operazione clandestina.  sezione occidentale tra Alexanderplatz e Frankfurter Tor fu rinominata Karl-Marx-Allee, mentre alla sezione orientale tra Frankfurter Tor e il viadotto Lichtenberg fu dato il nome di Frankfurter Allee. In quella stessa notte, la statua di Stalin fu rimossa dal suo piedistallo con un bulldozer e trasportata su un autocarro verso l'impianto industriale della Bauunion, una compagnia di costruzioni. Diversi membri di un gruppo per la costruzione nella Stalinallee, guidato da Gerhard Wolf, ebbero il compito di ridurre la statua in piccoli pezzi sotto la sorveglianza delle forze di sicurezza. Il membro della Stasi diede le seguenti istruzioni: "Il monumento deve essere ridotto in pezzi irriconoscibili. Nessun resto deve essere portato via. Non deve essere fatta parola riguardo l'intera faccenda". Il piedistallo della statua fu rimosso la mattina seguente dai soldati della Nationale Volksarmee.Un pezzo originale della statua di Stalin  in mostra al Café Sibylle.Alcuni dei lavoratori ai quali era stato assegnato il compito di distruggere la statua si appropriarono di nascosto di alcuni frammenti. Dopo la caduta del Muro di Berlino e la riunificazione tedesca, il leader del gruppo responsabile della distruzione della testa diede altri due pezzi rimanenti, un orecchio e parte del baffo, alla Geschichtswerkstatt Stalinallee, un gruppo di ricerca sulla storia della Stalinallee. Fornì anche un resoconto sui dettagli dell'operazione di rimozione del monumento: la scultura era stata ridotta in piccoli pezzi, fusa e utilizzata per forgiare altre opere artistiche, probabilmente le statue degli animali per lo zoo di Berlino Est.Il 14 novembre 1961, le autorità cittadine  diedero ai giornali il seguente annuncio su quanto accaduto in quella notte:

Prompt: Explain the Clandestine removal of this artwork, Statue of Joseph Stalin, Berlin.Please output in Italian.

Alexanderplatz
Berlino Est
Frankfurter Tor
Karl-Marx-Allee
Muro di Berlino
Nationale Volksarmee


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Madonna della Scodella

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori. Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe.  posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna della Scodella.Please output in Italian.

Albrecht Altdorfer
Gesù
Madonna della Cesta
Palestina
Parma


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Lotta tra Carnevale e Quaresima

L'opera è citata per la prima volta da van Mander nel 1604 e nel 1614 risultava tra i beni di Philips van Valckenisee; nel 1642 era di proprietà di Herman de Neyt e nel 1748 venne documentato nella Weltliche Schatzkammer di Vienna; dopo aver subito alcuni trasferimenti nei palazzi imperiali di Graz e Praga, tornò infine a Vienna nel 1765 e qui rimase

Prompt: Explain the History of this artwork, The Fight Between Carnival and Lent.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia con sant'Anna e san Giovannino è un dipinto tempera su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1495-1505 e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Holy Family with Saints Anne and John the Baptist (Mantegna).Please output in Italian.


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In Annunciation (Artemisia Gentileschi), how is the The Annunciation in theology of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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La grande onda di Kanagawa

Durante il periodo Edo  in Giappone vigeva una politica di isolazionismo  voluta dallo shogunato Tokugawa che inibiva qualsiasi contatto con l'esterno ad eccezione di pochi scambi commerciali con cinesi, coreani e olandesi. L'accordo con questi ultimi per il Paese asiatico costituiva l'unico accesso verso l'Occidente, ma garantiva comunque la possibilità di trarre beneficio da culture differenti, le quali finirono per avere un profondo effetto su molti aspetti della vita giapponese, comprese le arti. Nel campo della pittura erano molto apprezzati la precisione e il realismo caratteristici dello stile occidentale, che andarono a influenzare diversi artisti nipponici del tempo, tra i quali il più noto è Shiba Kōkan . Egli, a sua volta, fu fonte di grande ispirazione per Hokusai, il quale pubblicò nel 1797 , un'immagine con gli stessi elementi che compongono l'opera di Kōkan , pubblicata nel 1796. Entrambe le opere ricorrono alla tecnica europea dell'uso della prospettiva per tradurre sul foglio la profondità degli spazi, con i pescatori sulla spiaggia di Enoshima in primo piano e il Fuji sullo sfondo: in passato quest'ultimo era stato sempre raffigurato in primo piano dando risalto al suo significato religioso, ma nel periodo Edo si assistette per la prima volta a un'inversione di tendenza, determinata dall'influenza che la pittura europea stava avendo su quella giapponese in quegli anni.

Prompt: Describe the characteristics of the The importance of European style in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Daniele e il leone

Daniele e il leone è una scultura realizzata da Gian Lorenzo Bernini tra il 1655 e il 1657 circa. Si trova collocata all'interno di una nicchia della Cappella Chigi, nella Basilica di Santa Maria del Popolo a Roma; mostra il profeta Daniele nella fossa dei leoni. Assieme alla statua di Abacuc e l'angelo, diagonalmente opposta, forma una più grande composizione.

Prompt: How does Daniel and the Lion (Bernini) explain its Abstract?Please output in Italian.

Abacuc e l'angelo
Basilica di Santa Maria del Popolo
Cappella Chigi
Gian Lorenzo Bernini
Roma


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Madonna del Cardellino

Marco Ciatti e Antonio Natali, L'amore, l'arte e la grazia. Raffaello: la "Madonna del Cardellino" restaurata, catalogo della mostra, Firenze, Palazzo Medici Riccardi, 23 novembre 2008-1º marzo 2009, Mandragora, Firenze 2008. ISBN 978-88-7461-125-6 Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.

Prompt: How does Madonna del Cardellino explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Apollo e Dafni

In un sereno paesaggio campestre, tra dolci colline che sfumano in lontananza punteggiate da segni della presenza umana, sono ritratti in primo piano Apollo stante a destra, col bastone e, appoggiata vicino a lui, la lira, suo tipico strumento, e un ragazzo seduto che suona il flauto a sinistra. Tradizionalmente il ragazzo è identificato con Marsia, ma studi più accurati, visto che il personaggio non è un satiro, hanno concluso che si tratti di Dafni, il giovane pastore inventore della zampogna e del canto bucolico che morì d'amore per Apollo."Dafni" infatti è simile per significato a Lorenzo , e la sua passione per Apollo è un'allusione alla vocazione per le arti, la bellezza e la poesia.  figura di Apollo cita la posa dellHermes di Prassitele, mentre Dafni riprende un Hermes a riposo di Lisippo. Queste citazioni dell'antico omaggiano la cultura umanistica e accrescono il carattere elitario dell'opera, capace di essere pienamente letta solo dalla ristretta cerchia degli accademici fiorentini e dei loro associati, con l'ambientazione naturale che diventa simbolo di un nuovo hortus conclusus, inteso come paradiso intellettuale.  composizione è bilanciata accuratamente, con una luce che modella dolcemente i corpi dei protagonisti, secondo un ideale di pacata armonia tipica delle corte medicea del tempo, che sottintende l'allegoria dell'armonia e della pace di Firenze sotto il Magnifico. Il paesaggio è privo di asperità in favore di dolci colline ondulate, senza né tempo né luogo.

Prompt: Focus on Apollo and Daphnis and explain the Description and style.Please output in Italian.

Apollo Firenze Lisippo Lorenzo Marsia Prassitele


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El jaleo

Il quadro esposto al museo bostoniano, dentro l'arco moresco.Sargent espose El jaleo al Salone di Parigi del 1882, dove il quadro fu acquistato da uno sponsorizzatore di Boston, Thomas Jefferson Coolidge. Fu l'ultimo dipinto di genere che Sargent espose al Salone, e fu il suo più grande successo lì. Coolidge allora diede il quadro a Gardner, e Sargent le regalò pure un album di disegni a matita che aveva fatto come bozzetti preparatori per l'opera.

Prompt: In El Jaleo, how is the Origin of the History explained?Please output in Italian.


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San Sebastiano curato da santa Irene

figura ricurva di Irene guarda in direzione opposta rispetto all'albero, controbilanciando la schiena inarcata di Sebastiano.  contrapposizione di queste due figure è rafforzata dalla freccia che spunta dalla gamba del santo, che siede sull'elemento dai colori più vividi e accesi nel quadro, un tessuto rosso con decorazioni in oro. Questo tipo di drappo viene usato spesso da ter Brugghen, così come da Caravaggio, per simboleggiare non solo il martirio in generale, ma il sangue di Cristo in particolare. Lo stesso albero richiama gli eventi del venerdì santo perché ad esso Sebastiano era legato come a una croce. Di grande interesse sono anche le mani dei personaggi.  mano sinistra di Sebastiano, libera da vincoli, pende abbandonata nell'oscurità a simboleggiare l'impossibilità di un sollievo davanti al dolore e alla mancanza di libertà.  sinistra di Irene, invece, è appoggiata sul petto del moribondo, poco sopra il cuore, e lo sostiene come in un abbraccio per sorreggerlo e confortarlo mentre estrae una freccia con la mano libera. Alla mano inerme di Sebastiano si contrappone quella operosa della serva, che si accinge a liberare il santo dai lacci che lo legavano all'albero del suo supplizio. Le due donne sono operose, entrambe intente ad alleviare le sofferenze di Sebastiano.

Prompt: Describe the characteristics of the Iconography in Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre)'s History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Natura morta

Prompt: Focus on Still Life (Claesz) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Porta, costruita in granito, ha cinque campate: tre con archi a tutto sesto, con chiavi a forma di testa di leone, e due laterali con arco dentellato, con alcune coppie di cornucopie intagliate su di essi da Roberto Michel. Queste campate disponevano in origine di inferriate che venivano chiuse tutti i giorni al tramonto. facciata esterna, quella che guarda ad est, presenta dieci colonne di granito addossate. Nell'interna, quella che guarda verso il centro della città, si sostituiscono le sei esterne per pilastri e solo due coppie assieme all'arco centrale continuano ad essere colonne. Tutte loro appoggiano su basamenti. I capitelli sono di ordine ionico e su di essi appoggia una cornice.Sulla campata centrale, da ambo le parti, figura un'iscrizione latina: Rege Carolo III. Anno MDCCLXXVIII . Sull'iscrizione esterna figura uno scudo sostenuto da Fama e da Genio. Da ambo le parti, quattro sculture di bambini.Nella facciata interna, sopra gli archi laterali, figurano le quattro virtù cardinali: Prudenza, Giustizia, Temperanza e Fortezza. Tutti questi motivi ornamentali furono scolpiti in pietra calcarea di Colmenar, come le cornucopie, da Francisco Gutiérrez Arribas e dal suo stile più barocco, che contrasta con il resto dell'architettura.

Prompt: How does Puerta de Alcalá explain its Description?Please output in Italian.

Fama
Francisco Gutiérrez Arribas
Roberto Michel


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Corsia dell'ospedale di Arles

Due file di letti riparati da tendine, corrono tristi lungo le pareti, chiuse in fondo da una porticina e un grande Crocifisso . Mentre alcune suore addette all'assistenza percorrono la corsia, i malati si raccolgono attorno alla stufa al centro del corridoio, chi per scaldarsi, chi per fumare o leggere il giornale. Solo una sedia a sinistra  è vuota: il pittore sembra quasi volerci così suggerire la sua presenza-assenza, come se si fosse alzato un attimo per dipingere il quadro, o come se volesse testimoniare il suo internamento forzato e il conseguente autoisolamento dagli altri pazienti. Non bisogna dimenticarsi infatti che, accettando il mestiere di pazzo, da questo momento fino alla morte il pittore vivrà in una solitudine in parte volontaria, in parte forzata.

Prompt: How does Hospital in Arles explain its Description?Please output in Italian.


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Saffo a Leucade

Biografia universale antica e moderna, vol. IX, Venezia 1841, p. 597.M. Formica, A. Postigliola, Diversità e minoranze nel Settecento, Roma 2006, p. 25.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Sappho at Leucate.Please output in Italian.


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Bellezza

Anche le formule matematiche possono essere considerate belle .  formula di Eulero:  è comunemente considerata uno dei più bei teoremi della matematica .<br /> poetessa Edna St. Vincent Millay scrisse che "soltanto Euclide ha guardato nella nuda bellezza", alludendo all'austera bellezza che molte persone trovano nel ragionamento matematico connesso alla geometria euclidea.Altro legame tra matematica e bellezza che ha giocato un ruolo prominente nella filosofia di Pitagora era la possibilità di disporre e arrangiare i toni musicali in sequenze matematiche, che si ripetono a intervalli regolari chiamati "ottave". cosiddetta "proporzione aurea", rappresentata dalla lettera greca Phi, e approssimativamente uguale a 1,618, è stata considerata da molti "bella". Viene anche chiamata la "divina proporzione" ed è spesso riscontrata in natura. Per esempio, nella conchiglia di un nautilus, il rapporto tra sezioni successive è circa 1,618.: Possiamo trovare parallelismo tra la bellezza matematica e le altre: Corrispondenza al vero, p. es. nelle equazioni che descrivono accuratamente un fenomeno fisico. Per le equazioni di Benoît Mandelbrot si è visto che spesso determinano grafici con proporzioni di tipo vitruviano, oppure si possono rappresentare graficamente in forme simili a generici alberi, montagne, nubi, ecc. Perfezione , come nel quadrato panmagico di Nasik o nel Cubo magico 5x5x5.

Prompt: Explain the Objective criteria in the evaluation of mathematical beauty about the Irish  aesthetic  radically  empiricist of this artwork, The Beauty.Please output in Italian.

Benoît Mandelbrot
Cubo magico 5x5x5
Edna St. Vincent Millay
Euclide
Perfezione
Pitagora


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Ritratto del sultano Mehmet II

Tra le opere realizzate  da Gentile Bellini nel corso del suo soggiorno ad Istanbul, dal settembre 1479 sino al gennaio 1481, il Ritratto del sultano Maometto II è quella più conosciuta. Inviato presso la corte ottomana dalla Serenissima per soddisfare ad una precisa richiesta di Maometto II il Conquistatore, che ammirava l'arte occidentale, Gentile Bellini fu impegnato per diciotto mesi nella realizzazione di numerose opere artistiche: tra esse dovevano esservi anche un certo numero di ritratti, a cominciare proprio da quello del sultano. Non sono documentate le circostanze in cui fu realizzato il ritratto ora alla National Gallery di Londra.In merito alla storia del dipinto, si sa che esso venne ceduto alla National Gallery dalla vedova di Austen Henry yard, il famoso archeologo, collezionista e uomo di affari inglese che negli ultimi anni della sua vita soggiornò a Venezia, studiando l'arte italiana. Proprio a Venezia, nel 1865, yard aveva acquistato il dipinto da un collezionista locale. Non si sa come il quadro sia arrivato da Istanbul a Venezia. Sono state avanzate varie congetture: che Gentile lo avesse portato con sé quando fece ritorno in patria, oppure che i discendenti del sultano, meno entusiasti di lui per l'arte occidentale, avessero deciso di disfarsi del dipinto fornendo ad un mercante veneziano la possibilità di venirne in possesso.Non sono mancate da parte della critica forti riserve sulla assegnazione del dipinto alla mano di Gentile. Le due iscrizioni poste sulla balaustra in basso nel quadro - in corrispondenza dei piedritti reggenti l'arco che inquadra la figura del sultano - ricordano la data, il soggetto e l'autore dell'opera . Si tratta tuttavia di iscrizioni non originali, ma apposte  in epoca successiva.Nel corso del XIX secolo il dipinto è stato trasportato dal legno alla tela, e sappiamo da un'analisi ai raggi X eseguita nel 1930 che il ritratto è stato pesantemente restaurato: l'alterazione della superficie pittorica originale impedisce di riconoscere la delicatezza del tratto che si può osservare in altri ritratti eseguiti da Gentile.Nonostante i dubbi ricordati, gran parte della critica propende per l'assegnazione dell'opera al catalogo di Bellini. Con tale attribuzione il dipinto è stato presentato nella mostra "Ressam Sultan ve Portresi -Gentile Bellini ye Göre Fatih Sultan Mehmet"  organizzata a Istanbul nel 1999-2000, alla mostra "Gentile Bellini and the East" tenutasi tra il 2005 e il 2006 a Boston e a Londra, e ancora alla mostra "Venezia e l'Islam. 828-1797" tenutasi a Venezia nel 2007.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Mehmet II.Please output in Italian.


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Norham Castle: alba

L'opera fu realizzata nel 1835-1840 sulla base di una tavola del Liber Studiorum  e di due acquarelli presentati alla Royal Academy nel 1798 con il titolo Il castello di Norham al Tweed, una mattina d'estate. Con questi due lavori Turner riscosse uno sfolgorante successo, a tal punto che negli anni successivi ogni qual volta si recava al castello di Norham si sentiva in dovere di levarsi il cappello in segno di rispetto. A un astante stupito di tale gesto Turner spiegò:Il castello di Norham, in effetti, fu un soggetto che Turner ritrasse in numerosissimi schizzi, a partire dai venti disegni matita e penna, dai quali vennero tratte altrettante incisioni, o le due versioni ad acquerello  oggi custodite al British Museum.  presente opera, in ogni caso, fu inclusa nel scito Turner 1856 e nel 1914 venne trasferita nella Tate Britain, a Londra, dove si trova tuttora.

Prompt: Explain the History of this artwork, Norham Castle, Sunrise.Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

Elenco delle opere d'arte visibili nel dipinto:  Dipinti: Arco di Settimio Severo  Arco di Costantino Arco di Gallieno Arco di Giano Arco di Tito Colonna di Antonino Pio Colonna di Marco Aurelio Colonna Traiana Piramide di Caio Cestio Trofei di Mario Pantheon esterno Pantheon interno  Tempio di Antonino e Faustina Tempio dei Dioscuri Tempio di Ercole Vincitore Tempio di Marte Ultore Tempio di  Minerva Medica Tempio di Portuno Tempio di Saturno Tempio di Venere e Roma Tempio di Vespasiano Tempio di Vesta  Tempio di Vesta  Basilica di Massenzio Colosseo Ponte Milvio Chiesa di Santa Costanza Foro di Nerva Mercati di Traiano Colle Palatino Teatro Marcello Terme di Diocleziano Tomba di Cecilia Metella Villa Gregoriana a Tivoli Nozze Aldobrandini Sculture: Arianna dormiente  Flora Farnese  Statua equestre di Marco Aurelio Antinoo del Belvedere Apollo del Belvedere Bocca della Verità Galata morente Gladiatore Borghese Gruppo del ocoonte Ercole Farnese Leone egizio Sarcofago  Satiro con flauto  Sileno con in braccio Dioniso bambino Spinario Vaso Borghese Vaso MediciI personaggi sono presenti in piccolo numero sulla scena. Alcuni osservano attentamente il quadro con l'incisione acquerellata delle Nozze Aldobrandini, di Pietro Santi Bartoli.Nella prima e nella seconda versione del dipinto al centro si vede il conte Étienne François de Choiseul che tiene in mano un libro. Pannini si è autoritratto, in piedi, alle spalle del conte. Nella terza versione invece, alla figura del conte è sostituita quella di un ecclesiastico: l'abbate François-Claude de Montboissier.

Prompt: In the context of Ancient Rome (painting), explain the Paintings culture and the History.Please output in Italian.

Apollo del Belvedere
Arco di Costantino
Arco di Giano
Arco di Settimio Severo
Arco di Tito
Arianna dormiente
Basilica di Massenzio
Bocca della Verità
Palatino
Colonna Traiana
Colonna di Antonino Pio
Colonna di Marco Aurelio
Colosseo
Ercole Farnese
Flora Farnese
Foro di Nerva
Galata morente
Gladiatore Borghese
Leone egizio
Mercati di Traiano
Nozze Aldobrandini
Pantheon
Pietro Santi Bartoli
Ponte Milvio
Sarcofago
Satiro con flauto
Sileno con in braccio Dioniso bambino
Spinario
Statua equestre di Marco Aurelio
Tempio dei Dioscuri
Tempio di Antonino e Faustina
Tempio di Ercole Vincitore
Tempio di Marte Ultore
Tempio di Portuno
Tempio di Saturno
Tempio di Venere e Roma
Tempio di Vespasiano
Tempio di Vesta
Terme di Diocleziano
Tivoli
Vaso Borghese
Vaso Medici
Villa Gregoriana
Étienne François de Choiseul


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: In Love & Loss, how is the Inclusion of the other in the self of the Etymology explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma