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Natività mistica

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 8881170914

Prompt: How does The Mystical Nativity explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Battaglia di Ostia

battaglia è stata immortalata da Raffaello con un celebre affresco in una delle Stanze Vaticane; segnatamente nella "Stanza dell'Incendio di Borgo": Raffaello Battaglia di Ostia .

Prompt: How does Battle of Ostia (painting) explain its In the arts?Please output in Italian.


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Dama col mazzolino

L'opera è un esempio emblematico del busto-ritratto che si sviluppò a Firenze nella seconda metà del XV secolo, riprendendo la tradizione medievale delle effigi devozionali in cera. Non si conosce l'identità della donna ritratta né la circostanza della committenza. A lungo l'opera è stata indicata come di provenienza medicea, identificandola con quel ritratto di Lucrezia citato nell'inventario redatto alla morte di Lorenzo de' Medici nel 1492.  Lucrezia veniva identificata con quella Lucrezia Donati, amata platonicamente da Lorenzo stesso, anche se forse la menzione era più probabilmente riferita a un ritratto di Lucrezia Tornabuoni, madre di Lorenzo. Potrebbe anche trattarsi di Fioretta Gorini, amante di Giuliano de' Medici.In ogni caso studi più accurati sembrano oggi escludere la committenza medicea seguendo le tracce documentarie della statua, che viene menzionata per la prima volta nel testamento del nobiluomo fiorentino Francesco Ceccherini del 1822, come opera di Donatello. Nel 1825 gli eredi Ceccherini trattavano per la vendita del busto alle collezioni granducali, segnalandolo come acquistato a suo tempo da un'altra famiglia fiorentina, peraltro sconosciuta. Acquistato dalla Galleria degli Uffizi quello stesso anno da Leopoldo II, passò al Bargello con la risistemazione delle collezioni del 1873.Nel 1882 Wilhelm Bode fu il primo a mettere in dubbio l'attribuzione donatelliana, assegnandolo a Verrocchio in base a confronti con le Virtù del Cenotafio Forteguerri a Pistoia. L'assegnazione è oggi universalmente accettata, sebbene qualcuno vi abbia voluto scorgere una possibile collaborazione di Leonardo in base alle affinità con il Ritratto di Ginevra de' Benci , somigliante nell'acconciatura e, presumibilmente, anche nei connotati. Esiste inoltre uno Studio di mani leonardesco di notevole affinità.

Prompt: In Dama col mazzolino, how is the History discussed?Please output in Italian.

1492
1822
1825
1873
1882
Cenotafio Forteguerri
Donatello
Fioretta Gorini
Firenze
Galleria degli Uffizi
Giuliano de' Medici
Lorenzo de' Medici
Lucrezia Donati
Lucrezia Tornabuoni
Medici
Pistoia
Ritratto di Ginevra de' Benci
Studio di mani


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Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: Explain the Other narratives of this artwork, The Flight into Egypt (Murillo).Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Rembrandt's self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

I sostenitori della necessità della restituzione dei marmi affermano che quest'operazione deve essere compiuta per motivi morali e artistici. Inoltre la Grecia è intenzionata a riunire le sculture del Partenone dislocate in tutto il mondo al fine di ripristinare degli elementi organici che al momento rimangono senza la coesione, l'omogeneità e il contesto storico del monumento a cui appartengono, per permettere ai visitatori di apprezzare al meglio il complesso dell'Acropoli: la coesistenza di tutti i frammenti rimanenti dei marmi del Partenone nel loro ambiente storico e culturale originale permetterebbe una loro comprensione e interpretazione più approfondita. dall'Università di Heidelberg, in Germania, dal Getty Museum di Los Angeles inoltre molto probabilmente i marmi di Elgin sono stati portati in Inghilterra illegalmente e, quindi, dovrebbero essere restituiti al loro legittimo proprietario. Con il ritorno delle sculture del Partenone, le uniche che reclama la Grecia, non si verrebbe a costituire un precedente per altre richieste di restituzione dal momento che il Partenone ha un "valore universale" caratteristico, che lo distingue da altri monumenti.I Greci sostengono inoltre che tutte le sculture e i bassorilievi che ornavano il Partenone sono da considerarsi come un'unica opera d'arte, quindi non avrebbe senso che i frammenti di quest'opera siano sparsi in luoghi diversi.Oltre a ciò, se venissero lasciati al British Museum dei calchi dei marmi questi potrebbero dimostrare tanto bene quanto gli originali l'influenza culturale che hanno avuto sull'arte europea; inoltre il contesto in cui si trovavano i marmi originariamente non può essere ricreato nel Museo londinese.    Infine, come rivelano alcuni sondaggi, anche la popolazione britannica sarebbe a favore della restituzione dei marmi alla Grecia.

Prompt: Describe the characteristics of the Return to Athens in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.

British Museum
Getty Museum
Grecia
Partenone


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Bellini, Rome)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Campbell's Soup Cans

</ref>altezza = 51larghezza = 41città = New Yorkubicazione = Museum of Modern Art}}Campbell's Soup Cans, anche conosciuta come 132 Campbell's Soup Cans, è un'opera d'arte realizzata nel 1962 da Andy Warhol. Consiste in trentadue tele in polimero sintetico su tela, ciascuna grande 51 cm × 41 cm, raffiguranti tutte le varietà dei barattoli di zuppa Campbell allora in commercio. nella Ferus Gallery di Los Angeles segnando il debutto della pop art nella West Coast americana. Il processo semi-meccanizzato usato per la sua realizzazione, l'esecuzione non pittorica e il soggetto commerciale vennero inizialmente criticati in quanto il mercantilismo palesemente banale del lavoro rappresentava un affronto diretto alla tecnica e alla filosofia dell'espressionismo astratto, movimento all'epoca dominante negli Stati Uniti che non si limitava solo ai valori e all'estetica delle belle arti ma anche a un'inclinazione mistica. Nonostante questa controversia sui meriti e sull'etica dell'opera, essa divenne, secondo molti, fra le più rappresentative dell'artista. A causa della popolarità della serie di opere che scaturì da questo primo esemplare, la reputazione di Warhol crebbe al punto da renderlo l'artista pop più noto e costoso negli USA.

Prompt: How does Campbell's Soup Cans explain its Abstract?Please output in Italian.

Andy Warhol
Campbell's
Ferus Gallery
Los Angeles
Museum of Modern Art
New York


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Prigioniero

Alcuni dei più gravi danni psicologici vengono subiti dai prigionieri quando sono costretti all'isolamento nelle celle di massima sicurezza per lunghi periodi poiché sottoposti a deprivazione sensoriale e impossibilitati a entrare in contatto con terzi. Questi periodi di tempo molto lunghi trascorsi in quasi totale solitudine possono portare alla depressione, disturbi del controllo degli impulsi, problemi di concentrazione e memoria, distorsioni della percezione, allucinazioni, forte ansia generalizzata, disturbi di panico, amnesia e a cambiamenti della fisiologia del cervello. In assenza di un contesto sociale che sia necessario per convalidare le percezioni del loro ambiente, i prigionieri diventano facilmente manipolabili, anormalmente sensibili ed eccessivamente vulnerabili all'influenza esercitata da coloro che li tengono sotto custodia.  connessione sociale e il supporto fornito dall'interazione con altri sono prerequisiti fondamentali per permettere al prigioniero di adattarsi in contesti in cui la reclusione dura a lungo. Chi vive in tali situazioni, tende a evitare il contatto con il prossimo: spesso i prigionieri, che sono inizialmente riluttanti all'idea di vivere in totale solitudine, iniziano a provare paura all'idea di entrare in relazione con gli altri. Possono diventare letargici e apatici e non essere più in grado di controllare la propria condotta quando vengono rilasciati dall'isolamento. Possono diventare in un certo modo succubi della struttura carceraria, che diventa per loro l'unico luogo in cui riescono a rimanere mentalmente stabili.I prigionieri isolati che hanno malattie mentali pre-esistenti sono più suscettibili a tali danni. Questi possono degenerare in comportamenti autolesionisti, o a tendenze suicide e alla psicosi.

Prompt: Describe the characteristics of the Isolation in The Captive (painting)'s Types.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Il suo secondo nome contribuì sempre ad attirare curiosità. Egli diceva che suo padre aveva "avuto un momento di stravaganza quando aveva preso la decisione di affibbiargli il nome del grande capo Shawnee, Tecumseh".Secondo una biografia del 1932 sul generale, da bambino Sherman sarebbe stato chiamato semplicemente "Tecumseh". Egli avrebbe acquisito il nome "William" solo dopo essere stato accolto nella famiglia Ewing. madre adottiva Maria Willis Boyle Ewing era di origini irlandesi e fervente cattolica.Secondo un aneddoto, Sherman sarebbe stato battezzato, forse il 25 giugno, nella casa di Ewing da un domenicano di origine italiana, che lo chiamò "William" in onore del santo del giorno.Sherman scrisse nelle sue memorie che il padre lo aveva chiamato "William Tecumseh" e di essere stato battezzato così, appena nato, da un pastore presbiteriano. Da adulto firmò tutta la sua corrispondenza, anche quella privata con la moglie, "W.T. Sherman". I suoi amici più stretti e la famiglia lo chiamavano sempre col soprannome di "Cump".

Prompt: Describe the characteristics of the Name baptism in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Hidden  children  in  clandestinity of the Historical research explained?Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Filippo Lippi, London) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Gabrielle d'Estrées e sua sorella

Il dipinto esposto al Louvre.Anche se questo quadro erotico è tanto più sconvolgente quanto è più misterioso, il capezzolo pizzicato di Gabrielle d'Estrées viene spesso interpretato come un segno della sua gravidanza o al fatto che ha appena fatto nascere un bambino. Infatti, ella partorì nel giugno del 1594 Cesare di Vendôme, un bambino presentato come il figlio che avrebbe avuto con Enrico IV. Secondo questa interpretazione, la sarta sta preparando dei vestiti per il bambino e il ritratto del camino potrebbe essere quello del padre. Inoltre il pizzicotto sul capezzolo attira l'attenzione sulla fonte del latte materno per il nascituro o il neonato. L'anello è un regalo di fidanzamento che richiama la promessa di matrimonio di Enrico IV. Lo sfondo presenta un interno sinistro che potrebbe evocare la morte ventura di Gabrielle attraverso la tenda rosso sangue, il camino con una fiamma fioca, lo specchio scuro che non riflette più niente e il mobile ricoperto di velluto verde, il colore preferito di Gabrielle.Un'altra interpretazione sostiene che il quadro è l'ultimo di una serie che rappresenta la successione delle amanti di Enrico IV sul tema identico della "signora al bagno". Dato che l'uomo rappresentato nel quadro al di sopra del camino non sarebbe Enrico IV, solo la parte inferiore del corpo viene mostrata. È in ques'ottica che lo scrittore Wolfram Fleischhauer avanza l'ipotesi nel suo romanzo Un enigma color porpora  che la donna a sinistra non sia la sorella di Gabrielle, bensì Henriette d'Entragues, la favorita successiva di Enrico IV alla quale anche questi promise il matrimonio.

Prompt: How does Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs explain its Meaning?Please output in Italian.

Gabrielle d'Estrées
Wolfram Fleischhauer


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea viene citata nel brano Giuseppe cantato da Georges Moustaki Nella celebre canzone Hallelujah del cantante Leonard Cohen si cita Betsabea, anche se non viene nominata, nel verso "You saw her bathing on the roof / Her beauty and the moonlight overthrew ya" .  canzone Dead dall'album Doolittle dei Pixies  raffigura la lussuria di Davide nei confronti di Betsabea, la gravidanza causata dal loro adulterio e il decesso di Uria. Betsabea e Uria sono citati per nome. Mad About You, una canzone dall'album di Sting del 1991 The Soul Cages, esplora l'ossessione di Davide per Betsabea dal punto di vista del primo. David and Bethsheba dall'album Bottom of the Sea dei Brown Bird è una riscrittura della storia dal punto di vista di Davide.

Prompt: Describe the characteristics of the Music in Bathsheba (Gérôme)'s Biblical story.Please output in Italian.

Brown Bird
Davide
Leonard Cohen
Pixies
Davide
Sting
The Soul Cages


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Pala di Santa Maria in Porto

Pala di Santa Maria in Porto  è un dipinto olio su tela  di Ercole de' Roberti, datato 1479-1481 e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano.

Prompt: Focus on Santa Maria in Porto Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Tristezza

tristezza è un'emozione caratterizzata da sentimenti di perdita, disperazione, dolore, impotenza e delusione. È contraria alla gioia e alla felicità. Essa può essere provata in condizioni normali, durante la vita di tutti i giorni, oppure a causa di un evento particolarmente drammatico, come una perdita, un lutto o una scomparsa. È una delle "sei emozioni fondamentali" descritte da Paul Ekman, insieme a felicità, rabbia, sorpresa, paura e disgusto. tristezza è una emozione fisiologica se limitata a occasioni circoscritte. Quando tale vissuto dovesse perdurare per lunghi periodi , si parla di depressione.  tristezza non è però necessariamente  collegata alla depressione; può essere intesa come l'inizio di un male fisico e mentale quale la depressione, ma può essere anche determinata dall'insoddisfazione o dal non aver effettuato o portato avanti nella propria vita scelte e decisioni ritenute significative. Una tristezza perdurante che non ha alla radice traumi psichici ma più in generale un senso di inadeguatezza della propria condizione, è nota come depressione esistenziale.Il momento della tristezza rappresenta l'incontro tra il desiderio e i suoi limiti propri. Non è l'esterno che in qualche modo delimita il desiderio, bensì questi sono da considerarsi costitutivi del desiderio stesso. Accettare pertanto la propria limitatezza potrebbe aiutare a fronteggiare la tristezza stessa.Questa emozione è spesso descritta da diversi artisti in relazione al continuo tentativo di superare sé stessi. Molti pittori, poeti, musicisti hanno prodotto le loro migliori opere in momenti di grande tristezza se non di malinconia.Nel Vangelo di Luca  alcuni discepoli dormivano per la tristezza; questo esempio può evidenziare il potere in un certo senso invalidante di tale emozione, che da semplice conseguenza di un particolare evento può divenire causa di impotenza operativa innestando, in questo senso, una condizione ricorsiva .

Prompt: In The Sorrows of the King, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Gelosia

gelosia comporta un intero "episodio emotivo", compresa una complessa "narrazione": le circostanze che portano alla gelosia, la gelosia stessa come emozione, qualsiasi tentativo di autoregolamentazione, azioni ed eventi successivi e la risoluzione dell'episodio.  narrazione può provenire da fatti, pensieri, percezioni, ricordi, ma anche immaginazione, assunti e ipotesi. Più la società e la cultura contano nella formazione di questi fattori, più la gelosia può avere un'origine sociale e culturale. Al contrario, Goldie mostra come la gelosia possa essere uno "stato cognitivamente impenetrabile", in cui l'educazione e la credenza razionale sono molto poco importanti.Una possibile spiegazione dell'origine della gelosia proviene dalla psicologia evoluzionista. Secondo questa prospettiva, l'emozione si è evoluta al fine di massimizzare il successo dei nostri geni: la gelosia sarebbe un'emozione basata biologicamente, selezionata per favorire la certezza sulla paternità della propria progenie. Un comportamento geloso, negli uomini, è diretto ad evitare il tradimento sessuale e un conseguente spreco di risorse e sforzi nel prendersi cura della prole di qualcun altro. Ci sono, in aggiunta, spiegazioni culturali o sociali sull'origine della gelosia. Secondo uno, la narrazione da cui deriva la gelosia può essere in gran parte prodotta dall'immaginazione. L'immaginazione è fortemente influenzata dall'ambiente culturale di una persona. Lo schema del ragionamento, il modo in cui si percepiscono le situazioni, dipende fortemente dal contesto culturale. È stato suggerito altrove che la gelosia sia in realtà un'emozione secondaria in reazione ai propri bisogni non soddisfatti, ovvero quei bisogni di attaccamento, attenzione, rassicurazione o qualsiasi altra forma di cura che altrimenti si supponeva sorgesse da quella relazione romantica primaria.Mentre la psicologia mainstream considera l'eccitazione sessuale attraverso la gelosia una parafilia, alcuni autori sulla sessualità  hanno sostenuto che la gelosia in dimensioni gestibili può avere un effetto decisamente positivo sulla funzione sessuale e la soddisfazione sessuale. Gli studi hanno anche dimostrato che la gelosia a volte accresce la passione verso i partner e aumenta l'intensità del sesso appassionato. gelosia nei bambini e negli adolescenti è stata osservata più spesso in coloro che presentano bassa autostima, e può evocare reazioni aggressive. Uno di questi studi ha suggerito che lo sviluppo di amici intimi può essere seguito da insicurezza emotiva e solitudine in alcuni bambini, quando questi amici intimi interagiscono con gli altri.  ricerca di Sybil Hart, Ph.D., presso la Texas Tech University, indica che i bambini sono in grado di provare e manifestare la loro gelosia a sei mesi. I bambini hanno mostrato segni di sofferenza quando le loro madri hanno focalizzato la loro attenzione su una bambola realistica. Questa ricerca potrebbe spiegare perché i bambini  mostrano angoscia quando nasce un fratello, creando le basi per la rivalità tra fratelli.

Prompt: In the context of Jealousy (Munch), explain the In psychology and the Theories.Please output in Italian.


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Pala di San Domenico di Pesaro

AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004. ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: How does San Domenico di Pesaro Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Giona (Lorenzetto)

sinistra statua di Giona, disegno,  statua del profeta Giona era parte dello schema decorativo originale pensato da Raffaello per la cappella. Uno dei temi iconografici principali presenti all'interno della cappella funeraria commissionata da Agostino Chigi era la resurrezione dei morti. Strettamente correlata a questo tema e simbolo della vittoria sulla morte, pertanto, fu la storia di Giona, inghiottito da un "grande pesce" e sputato indenne tre giorni dopo, dietro comando divino. Gesù stesso parla dell'episodio miracoloso presente nell'Antico Testamento, alludendo alla sua stessa resurrezione.Lo storico dell'arte John Shearman ha ipotizzato che l'opera fosse originariamente pensata per la nicchia a destra dell'altare, dove l'opera poteva essere osservata da una angolazione migliore.  statua fu scolpita da Lorenzo Lotti, detto Lorenzetto, uno dei migliori allievi di Raffaello, con l'aiuto proprio del maestro ed essa risultava quasi completata quando morirono nel 1520 sia Agostino Chigi che Raffaello. Lorenzetto, come scrive Vasari, "si mise con grande amore a fatiche impossibili, per riuscire con lode e per piacere a Raffaello". Ciononostante, la statua del profeta Giona ed un'altra a questa opposta raffigurante il profeta Elia rimasero nella sua bottega. Vasari scrisse, nelle sue Vite, di questa vicenda delle statue:Lorenzo Lotti morì nel 1541 ma diversi anni dopo, nel 1552 circa, Lorenzo Leone Chigi, figlio di Agostino, pagò il debito agli eredi di Lorenzetto e le due statue furono collocate nella cappella. Presumibilmente erano posizionate ai lati dell'entrata, o per lo meno questa era la collocazione che aveva avuto modo di osservare Fabio Chigi quando visitò la cappella nel 1626. Tra il 1652 e il 1656 Gian Lorenzo Bernini restaurò la cappella, realizzando altre due statue  che presero posto nelle nicchie vuote. In quell'occasione la statua di Giona fu spostata nella sua collocazione attuale, alla sinistra dell'altare principale.

Prompt: Focus on Jonah (Lorenzetto) and explain the History.Please output in Italian.

Agostino Chigi
Antico Testamento
Elia
Gesù
Gian Lorenzo Bernini
Lorenzo Lotti


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Maria Maddalena

diffusione del culto in Occidente avvenne soprattutto grazie all'Ordine dei Frati Predicatori, secondo la testimonianza di Umberto de Romans: "Dopo che la Maddalena si è data alla penitenza, è stata resa dal Signore così grande per grazia, che dopo la Beata Vergine non si trova donna alla quale nel mondo non si renda maggior riverenza e non si dia maggior gloria in cielo". I domenicani la considerano una delle loro patrone. Varie congregazioni di frati e di suore le attribuirono il titolo di "apostola degli apostoli", come viene celebrata nella liturgia bizantina, e paragonarono la missione di Maddalena, di annunciare la risurrezione, al loro ufficio apostolico.Nel calendario romano generale la sua celebrazione è fissata al 22 luglio, senza alcun cenno alla supposta identificazione con la peccatrice.  sua memoria è stata elevata a festa da papa Francesco al 3 giugno 2016 per sottolineare il compito di evangelizzatrice degli apostoli della santa, il ruolo della donna nella Chiesa e l'azione della misericordia di Dio.Una tradizione riportata nella Legenda aurea racconta che la Maddalena, con i fratelli e altri discepoli, sia partita dalla Palestina per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer dopo un viaggio periglioso, nonostante la barca fosse ingovernabile; una variante della leggenda, attestata anche da un affresco di Giotto nella cappella della Maddalena della basilica inferiore di Assisi, vuole che l'approdo sia avvenuto a Marsiglia.destraGiotto,  Maddalena approda a Marsiglia, affrescoIl culto di Maddalena si diffuse in Europa e i suoi devoti costruirono numerose chiese in suo onore: la più nota è quella gotica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume , dove è conservato quello che si dice sia il teschio della santa. Fu Carlo II d'Angiò ad effettuare linventio di tale reliquie nel 1279, convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295. "Sainte Baume" in antico provenzale significa "santa grotta": a Plan-d'Aups-Sainte-Baume, sotto la cima più alta del massiccio montagnoso, c'è una grotta dove la tradizione vuole che sia morta la Santa, oggi sede di una chiesa, che accoglie una fonte di acqua e un convento domenicano. In tale chiesa è presente una reliquia della Maddalena. Il luogo, conosciuto nel Cinquecento come Nanse o Nanze , era allora meta di frequenti pellegrinaggi da tutta Europa, soprattutto dalle corti italiane. Il cardinale Luigi d'Aragona ha lasciato un diario redatto dal chierico molfettese Antonio De Beatis con dettagli sui luoghi della Maddalena in Provenza, così come l'alvitano Mario Equicola nel suo Iter in Narbonensem Galliam, che riporta il viaggio per un pellegrinaggio di Isabella d'Este, marchesa di Mantova.In ogni modo, ben prima di Saint Maximin, il culto di Maria Maddalena si era formato presso l'abbazia borgognona di Vezelay, dove già nel 1050 si diceva fosse conservato il corpo.Il culto della Maddalena, peraltro, non è una prerogativa esclusiva della Francia, come dimostra l'esistenza di molti edifici a lei dedicati ad esempio in Italia , fra cui le principali come la Chiesa di Santa Maria Maddalena in Campo Marzio in Roma, la chiesa parrocchiale dell'isola della Maddalena, la basilica di Santa Maria Maddalena Penitente in Casamicciola Terme , unica chiesa in Italia che conserva il titolo di "Maria Maddalena Penitente", la chiesa arcipretale di Longare e quella di verda nel vicentino, la chiesa parrocchiale di Bordighera, il duomo di Desenzano, la Collegiata di Atrani  dedicata alla Santa dal 1274, l'abbazia di Sant'Egidio del Monte Albino , la chiesa della Maddalena di Alba, la chiesa di Santa Maddalena a Bolzano, la chiesa madre di Ciminna  e Sciacca , quella parrocchiale di Uggiano la Chiesa , Corbola , la Chiesa Madre di Santa Maria Maddalena in Casalanguida  e molti altri luoghi di culto.

Prompt: Describe the characteristics of the In the West in Mary Magdalene (Stevens)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

2016
22 luglio
Atrani
Bolzano
Bordighera
Casamicciola Terme
Ciminna
Corbola
Francia
Giotto
Isabella d'Este
Longare
Mario Equicola
Marsiglia
Plan-d'Aups-Sainte-Baume
Provenza
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Sant'Egidio del Monte Albino
Uggiano la Chiesa


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Pala di Santa Lucia de' Magnoli

grande pala adornava l'altare maggiore della chiesa di Santa Lucia dei Magnoli a Firenze ed era originariamente completata dalla predella, oggi è conservata nella sala 8 del primo rinascimento della Galleria degli Uffizi.

Prompt: Focus on Santa Lucia de' Magnoli Altarpiece and explain the History.Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Santa Lucia


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Suonatrice di chitarra

Suonatrice di chitarra è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1672 circa e conservato a Kenwood House a Londra. È firmato a destra , sul lato inferiore della tendaÈ uno dei migliori dipinti della fase tarda di Vermeer, e si distingue fra tutti per la libertà compositiva ed espressiva.

Prompt: In The Guitar Player (Vermeer), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: Describe the characteristics of the Religion in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.


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Ritratto di don Ferdinando di Borbone

Inserito in una splendida cornice originale, il dipinto raffigura don Ferdinando di Borbone, duca di Parma e Piacenza dal 1765 al 1802. Seduto su un'elegante poltrona in stile Luigi XV, il sovrano è effigiato a tre quarti di figura con il cane a fianco, sullo sfondo di un paesaggio che lascia scorgere chiaramente la reggia di Colorno, sua residenza prediletta; indossa un elegante abito ufficiale, con calze bianche, pantaloni al ginocchio e marsina rossa di velluto dove sono appuntate le onorificenze più prestigiose  e un'elegante panciotto in teletta d'argento ricamato a motivi floreali, su cui è appuntata la croce dell'Ordine Costantiniano di San Giorgio, di squisita ed elegante fattura, particolarmente ammirevole per la raffinata resa dei tessuti.

Prompt: In Portrait of Ferdinand I, Duke of Parma, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Gabrielle d'Estrées e sua sorella

Il tema della "signora al bagno" venne ripreso in una serie di quadri che rappresentano Gabrielle d'Estrées e che si ispirano a quello di François Clouet realizzato nel 1571 circa. Nella prima variazione Gabrielle indossa una collana di perle che ricade sul petto a mo' di rosario e rivolge lo sguardo altrove, mentre la duchessa di Villars è ritratta di schiena, mentre si gira verso lo spettatore. Dietro di loro è inoltre presente la stessa balia del quadro di Clouet del 1571. Nella seconda variazione le tende in secondo piano sono chiuse, cancellando lo sfondo. Gli sguardi di Gabrielle e della sorella sono identici a quelli del dipinto precedente, e sono i gesti che cambiano: Gabrielle d'Estrées tiene tra le dita l'anulare della mano sinistra della sorella,

Prompt: How does Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs explain its Operation derivatives?Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Santa Caterina d'Alessandria d'Egitto è identificata, insieme a Santa Margherita d'Antiochia e all'Arcangelo Michele, come una delle Voci che ispirarono Santa Giovanna d'Arco. È ritenuta una dei quattordici Santi ausiliatori.Santa Caterina è anche patrona dello "studio dei legisti"  dell'Università di Padova e dell'Università di Siena. È inoltre la patrona dei cavalieri italiani del Sovrano Militare Ordine di Malta. sua è vissuta come la festa dei giovani. In Francia è patrona degli studenti di teologia e protettrice delle apprendiste sarte.Da Caterina di Alessandria deriva il termine francese catherinette  che in origine indicava una giovane donna da marito.  tradizione torinese, invece, indicava con il termine "caterinette" le giovani sartine e le modiste che svolgevano il loro apprendistato nei laboratori di confezioni della città, e che assai sovente diventavano oggetto di corteggiamento da parte degli studenti universitari. Nella città di Ravenna il 25 novembre  è tradizione regalare dei biscotti a forma di bambola alle bambine, chiamate "caterine". Il corrispettivo per i bambini è un biscotto a forma di galletto.Una canzoncina popolare, ancora cantata nell'ultimo dopoguerra dai bambini nell'ora di religione in alcune parti d'Italia, parla di Caterina d'Alessandria. Il testo, che inizia con "Santa Caterina era figlia di un re...", è ispirato a una versione della leggenda in cui il padre uccide personalmente Caterina dopo averla scoperta a pregare Dio e dopo che la figlia si rifiutò di rinnegare la sua fede.  canzone venne interpretata anche da I Gufi.

Prompt: In Catherine of Alexandria (Palladas), how is the Devotion discussed?Please output in Italian.

25 novembre
Alessandria d'Egitto
Francia
Giovanna d'Arco
I Gufi
Ravenna
Santi ausiliatori


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In Last Supper (Rubens), how is the The Eucharistic institution of the New Testament explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Ispirato chiaramente al quadro di Raffaello Sanzio del Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi, l'opera è una fotografia impietosa da parte di Tiziano della controversa politica nepotistica dei pontefici di quel tempo.  scena ritrae il vecchio papa Paolo III, settantasettenne, assiso su una sedia, con il nipote Ottavio, inchinato come fosse in procinto di dover attendere un comando o un richiamo; dietro c'è invece l'altro nipote, Alessandro, in posa ufficiale con l'abito cardinalizio.Il ritratto, oltre a rappresentare in maniera celata quelle che erano le trame e gli intrighi di casa Farnese, mette in evidenza anche i caratteri attraverso le pose e i gesti i caratteri psicologici dei tre soggetti raffigurati. Il papa, curvo, appare debole e malaticcio, ma comunque non privo d'energia, come mostrano sia l'ossuta mano sinistra che stringe il bracciolo della sedia, su cui rimane ancorato, lasciando intendere che non vuole lasciare il potere conferitogli, sia gli occhi vivi e attenti, che si concretizzano con la mano destra che si nasconde dietro al tavolo, quasi a voler celare qualcosa o una "mossa" spiazzante che ha in atto per Ottavio, mentre con lo sguardo sembra voler anticipare il rimprovero che sta per avviare proprio verso il nipote. Quest'ultimo, personalità subdola e ambigua, viene raffigurato nell'atto d'inchinarsi per dovere formale dinanzi al pontefice, pronto a sentire le sue parole. Il cardinale Alessandro, invece, viene raffigurato con una mano ben salda sulla sedia papale e lo sguardo rivolto verso l'osservatore, dando l'impressione che non stia partecipando al colloquio tra gli altri due personaggi.Lo sfondo e la tovaglia sono scuri e l'uso di colori pastosi e di pennellate poco definite, perché rapide ed abbozzate, lascia un senso di oppressione e di tetraggine alla composizione. Si riscontra nella cromia una netta predominanza dell'uso del rosso/scarlatto, delle quali si distinguono almeno quattro tonalità diverse  nonché una rara capacità di introspezione psicologica dei personaggi, che daranno modo alla critica successiva di utilizzare come termine di confronto di questi ultimi elementi le opere shakespeariane.Nella figura del nipote Ottavio, di cui è caratteristico il naso adunco, è evidente il richiamo alla posa del discobolo, caratteristica del manierismo nota come figura serpentinata. Una copia antica della tela, per la porzione riguardante la figura di Alessandro, è nella Galleria Corsini di Roma.

Prompt: In Pope Paul III and His Grandsons, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Cacciatori nella neve

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Hunters in the Snow.Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

20 corone ceche in monetaIl monumento è ricordato, nella sua statua equestre, nella moneta da 20 della valuta nazionale, la corona ceca, dal 1993.

Prompt: Explain the Numismatics of this artwork, Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square.Please output in Italian.


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Polittico di Ponteranica

pala, destinata alla parrocchiale del piccolo centro all'imbocco della Val Brembana, venne commissionata a Lotto dalla Scuola del Corpo di Cristo, patrona dell'altare a cui era destinato. Non era certo facile avere un lavoro eseguito dal Lotto quando a Bergamo era tanto desiderato, ma l'artista aveva conosciuto Giovanni Belli che lavorando per il consorzio della Misericordia Maggiore, aveva firmato il suo contratto per le tarsie in santa Maria Maggiore di Bergamo, ed era anche eletto tra i sindaci della parrocchia di Ponteranica,  del 15 aprile 1520. Il Belli aveva quindi conosciuto Lorenzo Lotto durante la commissione delle tarsie, e il pittore aveva preso il figlio Giuseppe a lavorare presso la sua bottega. Tutto questo favorì l'incarico del polittico al pittore veneziano. L'intagliatore di Ponteranica seguirà l'artista anche nella realizzazione degli ultimi suoi lavori.Non si conosce la documentazione sulla commissione, ma si sa che lavori preliminari di carpenteria per la realizzazione della struttura lignea vennero avviati nel 1518, e che nel 1521 venne commissionata la doratura della cornice a Pietro de Maffeis di Zogno, che doveva essere ultimata per la Pasqua dell'anno successivo, rimane quindi confermata la data della realizzazione del polittico, la cui forma un poco antiquata, dovette essere richiesta esplicitamente dai confratelli. Per molto tempo si è ritento che la parte superiore fosse stata eseguita in un periodo successivo, ma non vi è documentazione ne motivo di pensare che l'ancora finita e posizionata fosse mancante della sua parte superiore. L'ancona originaria è stata perduta, quella nuova ha misure differenti, che purtroppo hanno richiesto un adattamento dei diversi pannelli non più corrispondenti alla loro posizione originale.Non si sa se a quella data i contatti con Lotto fossero già stati presi. Un'ipotesi credibile è che l'artista, già a Bergamo fino al 1526, dovette entrare in contatto con la confraternita, forse fornendo qualche tavola. Gli anni successivi alla realizzazione del polittico lo videro impegnato in altri impegni cittadini  e la realizzazione dei disegni per le Tarsie del coro di Santa Maria Maggiore di Bergamo e per la partenza per Venezia , e che forse solo dalla città lagunare, inattivo per l'ostilità della cultura ufficiale, completò il lavoro spedendo via via i disegni di queste ultime.

Prompt: How does Ponteranica Altarpiece explain its History?Please output in Italian.


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Estasi di santa Teresa d'Avila

L'interpretazione che studiosi della psicoanalisi come Marie Bonaparte hanno dato  all'esperienza dell'estasi mistica in termini di pulsione erotica che si esprime sublimandosi nel deliquio dell'afflato spirituale, ha condotto la critica a sottolineare in quest'opera di Bernini la bellezza sensuale e ambigua dei protagonisti, avvalorando così la possibilità di una sua lettura in termini psicoanalitici. Lo psicologo italiano Enzo Bonaventura fa riferimento a Cupido, evidenziando, a livello simbolico, un nesso tra la figurazione greca e la trasfigurazione religiosa nell'arte cristiana. Per provarne la legittimità, occorre solo richiamare la parola di Renan in viaggio a Roma, davanti a questo stesso gruppo statuario: «Si c'est cela l'extase mystique, je connais bien des femmes qui l'ont éprouvée». Si potrebbe comunque ulteriormente citare il conte de Brosses, il Marchese de Sade o lo scrittore Veuillot.Collateralmente a quest'interpretazione che considera l'esperienza di Teresa, e la scultura che la ritrae, nei termini di quello che  potremmo chiamare «erotismo sacro», si deve tuttavia osservare che l'approfondimento della biografia dell'artista napoletano ha recentemente messo nella giusta luce la sua religiosità; una religiosità che in quel periodo della sua vita  si era rafforzata attraverso la pratica degli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, eseguiti sotto la guida dei padri gesuiti che egli frequentava. Verosimilmente la lettura della vita di santa Teresa non dovette essere un fatto occasionale, limitato a singoli passi, segnalati magari dal committente. Al contrario, alcuni studiosi hanno letto nellEstasi di santa Teresa anche l'eco del racconto di altre esperienze mistiche, come quella della santa genovese Caterina Fieschi Adorno. straordinaria qualità estetica e l'intensa drammaticità del gruppo marmoreo è dunque da collegare alla personale ricerca spirituale di Bernini, al suo impegno a scoprire per sé stesso, per poi mostrare a tutta la comunità dei fedeli il senso di quell'amore espresso oltre ogni misura verso il Redentore, che trova esempio nella vita dei santi.L'influenza dell'opera di Bernini fu enorme non solo sui contemporanei, ma anche su molti artisti dei secoli successivi. Il famoso compositore Pietro Mascagni, ad esempio, nel 1923 compose una visione lirica per orchestra dal titolo Contemplando la santa Teresa del Bernini, un brano della breve durata di appena quattro minuti.  scultura è altresì il soggetto della canzone “The Lie”, contenuta nell'album del cantautore inglese Peter Hammill The Silent Corner and the Empty Stage.

Prompt: In Ecstasy of Saint Teresa, how is the Psychoanalytic interpretation of the Description explained?Please output in Italian.

Cupido
Enzo Bonaventura
Estasi
Ignazio di Loyola
Marchese de Sade
Marie Bonaparte
Peter Hammill
Pietro Mascagni
Roma
The Silent Corner and the Empty Stage


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Ritratto del cardinale Ludovico Trevisan

Bernard Berenson, I pittori italiani del rinascimento, traduzione di Emilio Cecchi, Milano, Rizzoli, 2001, pp. 34-35.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878 Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.

Prompt: In Portrait of Cardinal Ludovico Trevisan, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Sant'Agostino tra i flagellanti

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on St Augustine (Pinturicchio) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Dopo l'inizio della predicazione degli apostoli, iniziarono le persecuzioni da parte del Sinedrio. zzaro, Maria Salome, Marta di Betania, Maria Jacobé e Maria Maddalena, assieme alla serva Sara la Nera, furono gettati in mare su una barca dagli ebrei, perché morissero. Vagarono per lungo tempo in mare su una barca priva di remi e nocchiero, finché dalla Terra Santa giunsero in Provenza, nel territorio la Couronne, dove dopo lungo peregrinare trovarono finalmente un pozzo di acqua potabile: per tal motivo il luogo d'approdo è chiamato ancora oggi Santo Terro, "santa terra"[2], dove vi è una cappella dedicata alla Santa Croce, la chiesetta della Sainte-Croix, il famoso pozzo e la presunta impronta di un piede di zzaro. Due volte l'anno vi è una processione alla cappella. Da qui, imbarcata l'acqua potabile necessaria, i santi personaggi avrebbero proseguito per la Camargue, per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer.Dall'abitato di Saintes-Maries-de-la-Mer, mentre Maddalena si sarebbe diretta verso Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, zzaro a Marsiglia, Marta a Tarascona, Maria Salomé, Maria Jacobé e Sara si sarebbero stabilite vicino alloppidum, evangelizzando la regione. Maddalena si ritirò a fare vita eremitica in una grotta, dove visse senza curarsi di cibo e vestiti. Le crebbero allora i capelli a coprire tutto il corpo e vennero degli angeli per trasportarla in cielo in estasi ogni giorno,  fino alla morte. Una famosa versione di questa storia è contenuta nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze .

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the Golden Legend of the Maria Maddalena in the Pistis Sophia explained?Please output in Italian.

Betania
Camargue
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Legenda Aurea
Maria Jacobé
Marsiglia
Marta di Betania
Provenza
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Santo
Sara la Nera
Tarascona


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (Giorgione)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Santi Giovanni Evangelista e Francesco

Il dipinto su tela Santi Giovanni Evangelista e Francesco è opera del pittore, scultore e architetto El Greco .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint John the Evangelist and Saint Francis.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Focus on Nativity (Correggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait with Palette (Manet)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna della Tenda

Una tenda scostata sullo sfondo, che dà il nome al dipinto, mostra un piccolo brano di cielo su cui si staglia la figura di san Giovannino. Esso si rivolge, con un gesto di preghiera, ai protagonisti della scena, Maria e Gesù Bambino, che si girano per guardarlo. posa di Maria ricalca quella della Madonna della Seggiola, con l'analoga posa del braccio che abbraccia Gesù e delle gambe semisollevate e scivolanti in avanti. Il Bambino abbraccia teneramente la madre ma, a differenza della tavola di palazzo Pitti, il tono di intima familiarità è rotto dal coinvolgimento di san Giovannino, evitando quell'isolamento sentimentale dell'altra Madonna. Anche il coinvolgimento dello spettatore appare ridimensionato, poiché nessuno cerca il suo sguardo. Nonostante ciò l'opera appare come un interessante documento della continua ricerca di Raffaello verso forme rinnovate di armonia e bellezza sempre maggiore, variando gli elementi compositivi e formali anche in base alla committenza.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Madonna della Tenda.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: How does Last Supper (Rubens) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


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amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: Describe the characteristics of the Buddhism in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.


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Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: In Epifania, how is the Benelux of the Theology explained?Please output in Italian.


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Ago, filo e nodo

Ago, filo e nodo è una scultura in due parti creata dai coniugi Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen. L'opera è posta in piazzale Cadorna, punto cruciale del trasporto milanese per la presenza sia della stazione di Milano Nord Cadorna sia dell'omonima fermata della metropolitana.

Prompt: How does Needle, Thread and Knot explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Vincenzo Mosti

L'opera è citata in un inventario del 1687 come "copia di Tiziano creduta originale". In quello del 1815 è riferito alla "scuola veneziana" e in quello del 1829 a un autore ignoto.  valutazione si basava anche sullo stato della tela, peggiorato da ridipinture, dopo la cui pulitura si è potuta riscoprire la piena autografia tizianesca.L'identificazione tradizionale fa il nome di Tommaso Mosti, esponente di una famiglia legata agli Este di Ferrara, sulla base di un'iscrizione sul retro, con caratteri seicenteschi: "Di Thomaso Mosti in età di anni XXV l'anno MDXXVI. Thitiano de Cadore pittore". In realtà Tommaso, secondogenito, intraprese la carriera ecclesiastica, per cui l'abito con cui è ritratto non sarebbe stato adeguato. Si tende piuttosto a riferire l'opera a suo fratello maggiore Vincenzo, conte dal 1526 e morto nel 1536, o tutt'al più ad Agostino, anticipandone la datazione al 1520 circa, compatibilmente anche con fattori stilistici. Secondo Robertson l'errore di datazione fu causato da un errore nel trascrivere uno zero chiuso male con un sei, e forse a quella data Tommaso non era ancora entrato nella condizione sacerdotale, anche se l'assenza di qualsiasi riferimento religioso rende più difficile sostenere questa seconda ipotesi.Vincenzo Mosti fu consigliere personale di Alfonso I d'Este, che gli lasciò in eredità la propria tenuta di caccia presso Fossadalbero. Sempre a Ferrara si trova una casa gentilizia della nobile famiglia Mosti.E al tempo del soggiorno alla corte estense del poeta Torquato Tasso, fu attivo tale Giulio Mosti, cui il poeta dedicò un suo componimento.

Prompt: How does Portrait of Vincenzo Mosti explain its History?Please output in Italian.

1520
Alfonso I d'Este
Este
Ferrara
Fossadalbero
Tommaso Mosti
Torquato Tasso
Vincenzo Mosti


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Maria Maddalena

Nel 1998, Ramon K. Jusino ha proposto una teoria senza precedenti secondo cui il "discepolo amato" del Vangelo di Giovanni è Maria Maddalena. Jusino ha basato la sua argomentazione in gran parte sui libri gnostici di Nag Hammadi, rifiutando il punto di vista di Raymond E. Brown secondo cui questi libri erano sviluppi successivi, e sostenendo invece che il Vangelo esistente di Giovanni è il risultato della modifica di un testo precedente che presentava Maria Maddalena come il discepolo amato. Tale opinione non ha avuto particolare successo tra gli studiosi, che continuano a considerare i vangeli gnostici come testi successivi e, pertanto, non affidabili.

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the Author of the Fourth Gospel, the "Gospel according to John"? of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.


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Bellezza

È peraltro la sintesi di quel processo d'intellettualizzazione dell'opera d'arte che rappresenta la più cospicua novità nell'arte di questi ultimi due secoli, dal Romanticismo in poi. L'arte moderna e contemporanea, la hegeliana arte romantica, è segnata dal confronto con l'osservatore - critico in modo profondissimo, tale da non consentire più in alcun modo la spontaneità creativa, l'innocenza primaria del dipinto di Gustave Courbet, L'origine del mondo - innocenza peraltro sapientissima - se non nel ghetto/riserva/colonia penale del genere naïf. Da quel momento l'opera d'arte è "operazione" sul corpo dell'arte; ogni nuova opera è osservatrice della totalità della tradizione artistica; chiama in causa la filosofia dell'arte; si fa meta-arte e in molteplici correnti si traduce in una discesa agli inferi dei materiali dell'arte, fino a congiungersi con il residuale, con l'immondizia.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Intellectualization of the work of art and the Introduction.Please output in Italian.

Gustave Courbet
L'origine del mondo
Romanticismo


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Madonna di Bagnacavallo

Madonna di Bagnacavallo è un dipinto a olio su tavola  di Albrecht Dürer, databile a prima del 1505 circa e conservato nella Fondazione Magnani-Rocca di Traversetolo .

Prompt: In Bagnacavallo Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1505
Albrecht Dürer
Bagnacavallo
Albrecht Dürer
Fondazione Magnani-Rocca
Traversetolo


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Madame Oudiné

Questo quadro ritrae la giovane moglie di uno dei compagni del pittore alla villa Medici, Eugène Oudiné. È il primo ritratto che Flandrin realizzò dopo il suo ritorno da Roma, e l'opera venne realizzata in un lasso di tempo abbastanza breve. Quest'opera ebbe un grande successo al Salone del 1840. tela simboleggia la virtù borghese: tutta la vita sembra assente perché la posa della donna appare rigida e ogni elemento evidenzia il pudore e la castità, e, secondo Patrice Béghain, qui tutto non è "che ordine, rigidità e simmetria".

Prompt: Focus on Portrait of Madame Oudiné and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna del Latte

rightIl Concilio di Trento, iniziato nel 1543, con il decreto: "De invocatione, veneratione, et reliquiis sanctorum et sacris imaginibus" definì la posizione della Chiesa riguardo alle iconografie devozionali.Tra gli scopi di questo decreto vi era il voler evitare immagini di natura sensuale o percepite come tali dalla morale dell'epoca.  Riforma cattolica tridentina annoverò tra queste immagini sconvenienti, che si riteneva potessero fuorviare il fedele, le rappresentazioni di Maria a seno scoperto poiché accusate di distogliere i fedeli dalla preghiera. Fu demandato ai vescovi il compito di valutare le varie rappresentazioni e di decidere se queste dovessero essere ritoccate, oppure rimosse. Nella diocesi di Milano fu in particolare Carlo Borromeo a trovare sconvenienti tali immagini molto diffuse in Brianza, facendo provvedere in molti casi a coprirle con ritocchi. Alcune chiese intitolate alla "Madonna del latte" mutarono denominazione.Mentre l'iconografia della "Madonna del tte" decadeva, per contro la venerazione popolare delle antiche immagini continuò legata al desiderio di maternità.

Prompt: Describe the characteristics of the The Counter-Reformation and the decline of iconography in Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio)'s Meaning of iconography.Please output in Italian.


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Pietà di Palestrina

Pietà di Palestrina è una scultura marmorea  incertamente attribuita a Michelangelo Buonarroti, databile forse al 1555 circa e conservata nella Galleria dell'Accademia a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Palestrina Pietà.Please output in Italian.

1555
Firenze
Galleria dell'Accademia
Michelangelo Buonarroti
Palestrina


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Il combattimento tra il Kearsarge e l'Alabama  è un dipinto a olio su tela del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1864 e conservato al Philadelphia Museum of Art.

Prompt: In The Battle of the Kearsarge and the Alabama, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1864
Philadelphia Museum of Art
Édouard Manet


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait (Bril)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ragazza al pianoforte

Ragazza al pianoforte  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1869 circa dal pittore Paul Cézanne. È conservato nel Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.Il quadro raffigura una ragazza seduta al pianoforte ed una donna più anziana intenta a cucire.Il pittore vuole qui rendere omaggio a Richard Wagner, che ammirava profondamente, citando il Tannhäuser, opera del compositore tedesco rappresentata a Parigi per la prima volta nel 1861.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Overture to Tannhäuser.Please output in Italian.

1861
1869
Ermitage
Parigi
Paul Cézanne
Richard Wagner
San Pietroburgo


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Circe e i suoi amanti in un paesaggio

Il dipinto non faceva parte del fregio delle storie di Enea nei Camerini d'alabastro, per via delle dimensioni diverse, ma non è improbabile che fosse nato, se non proprio per Alfonso I d'Este, sicuramente per qualcuno della corte ferrarese o comunque che ne apprezzava i particolari indirizzi artistici legati all'evocazione fantastica. Non a caso quel periodo coincide anche con la presenza a corte dell'Ariosto.Per avere notizie ufficiali sull'opera si deve risalire fino al XIX secolo, quando si trovava nelle collezioni londinesi di William Graham, prima di passare in vendita da Colnaghi. Finì in una nuova collezione privata e nel 1927 fu acquistato dai Duveen Brothers che lo portarono negli Stati Uniti, dove fu, nel 1942, di Samuel H. Kress, che appena un anno dopo lo donò alla galleria nazionale.

Prompt: In Circe and Her Lovers in a Landscape, how is the History discussed?Please output in Italian.

1927
1942
Alfonso I d'Este
Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Camerini d'alabastro
Duveen Brothers
Enea


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Miracolo del marito geloso

L'affresco mostra la vicenda di una donna, ingiustamente accusata di adulterio, che viene accoltellata dal marito geloso; quando l'uomo scopre la verità, chiede perdono a sant'Antonio il quale resuscita la donna. L'opera mostra nei paesaggi un tono idilliaco, vicino a quello espresso nei dipinti di Giorgione, che però contrasta con il fulcro della scena: l'atto dell'omicidio, dove in una visione drammatica un uomo pugnala a morte una donna accasciata a terra, già ferita.  posa della donna pugnalata è di estrema complessità, ma riesce ad esprimere in maniera travolgente la drammaticità dell'avvenimento. Nell'ampia veste della donna si ha una saldezza plastica nuova, evidenziata anche dalla tinta brillante della sottana, mentre nelle gambe che scalciano, perfettamente scorciate, si coglie tutta la concitazione della scena.Sorprendentemente, un attento esame della descrizione pittorica dell'affresco rivela un passaggio in cui il volume è in realtà scolpito dal giovane Tiziano, a rilievo, piuttosto che descritto illusionisticamente. Chiaramente visibile in una fotografia scattata in luce radente, il braccio destro della figura della sposa è modellato da una concrezione dell'intonaco fino a cinque cm dalla superficie della parete, tanto da provocare una vera ombra nei suoi dintorni. Oltre a descrivere il volume della parte cilindrica del braccio, la modellazione dettaglia anche il leggero rigonfiamento delle ossa del gomito e del polso.L'attenta osservazione di questa zona dell'affresco non rivela alcuna sutura nell'intonaco là dove il braccio incontra il tronco, indicando che il braccio modellato in tre dimensioni e la testa e il tronco della figura costituiscono uno strato continuo di intonaco applicato in una giornata.Dietro lo sperone di roccia si svolge la seconda parte dell'episodio, posta volutamente in secondo piano; il marito implora perdono al santo, in un momento che assume appunto un'importanza minore nel dipinto.  vistosa veste dell'uomo rende estremamente esplicito lo svolgersi della scena con la doppia rappresentazione. L'effetto è altamente realistico e credibile, privo di riferimenti artificiosi all'evento miracoloso, come apparizioni divine o soprannaturali, in accordo con il programma che doveva essere stato concordato con l'arciconfraternita.Il distacco da Giorgione è dato dall'immediatezza narrativa, dalla drammaticità accesa e da una scelta cromatica molto più incisiva, abbandonando i toni più leggeri ed evanescenti.  descrizione della natura però, con i valori atmosferici e la dolcezza tonale, deriva dal modello giorgionesco ed è qui raffigurata tra le prime volte in affresco.

Prompt: Focus on Miracle of the Jealous Husband and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia di Francesco I

composizione è particolarmente affollata, con la Madonna che afferra il bambino da un cesto ricoperto di cuscini, al centro, mentre Giuseppe sorveglia da dietro e da sinistra sant'Elisabetta aiuta il giovane Giovanni Battista a fare un gesto di preghiera. Più dietro si vedono due figure angeliche, una delle quali si allunga per mettere una corona di fiori in testa a Maria. Più sintetica è la descrizione del paesaggio, visibile sulla sinistra attraverso un'apertura di quella che sembra una capanna.Il maestro sperimentò in quest'opera inediti effetti cromatici e luminosi, ispirandosi allo sfumato leonardesco ed alla plasticità dirompente alla Michelangelo; Sebastiano del Piombo, in una lettera al Buonarroti stesso, criticò l'opera parlando di "figure di ferro che luceano" e parevano state "al fumo".

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Holy Family of Francis I.Please output in Italian.


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Annunciazione Martelli

Non si conoscono le vicende della commissione del dipinto, ma la collocazione dovrebbe essere quella originale, in quella che all'epoca era detta cappella "degli Operai".  pala viene datata al 1440 su base stilistica e secondo alcuni indizi, come la presenza delle Storie di san Nicola nella predella, che farebbe pensare a una commissione da parte di Niccolò Martelli, ricco cittadino che fu tra i finanziatori della ricostruzione basilicale di San Lorenzo all'epoca dei Medici. Forse la pala venne commissionata dai suoi figli, in sua memoria.

Prompt: Explain the History of this artwork, Martelli Annunciation.Please output in Italian.


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L'Été sans bras

L'Été sans bras  è una scultura in bronzo dello scultore francese Aristide Maillol. Venne creata nel 1911 come studio preparatorio della sua opera L'estate, dalla quale si differenzia per l'assenza degli arti superiori. Ne esistono alcune versioni, la più celebre delle quali si trova in un viale dedicato a Maillol di Perpignano, nella Francia meridionale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, L'Été sans bras.Please output in Italian.


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Cane interrato nella rena

L'opera è caratterizzata da una composizione estremamente semplice, dove Goya - con grande audacia - sceglie di eliminare il superfluo e di avventurarsi verso l'astrazione pura: il Cane interrato nella sabbia, infatti, presenta un'estrema sobrietà nella selezione degli elementi pittorici e del colore, con la tavolozza arpeggiata sulle sfumature del giallo e dell'ocra. L'immagine non fa che rappresentare una porzione esigua del visibile, e ci è impossibile riconoscere se questo mare di giallo intende rappresentare una duna desertica e sabbiosa, la corrente fangosa di un fiume o di un terreno sprofondato in una voragine, o forse devastato da una frana. Questo dibattito è stato alimentato da Charles Yriarte, critico d'arte che per primo si occupò del dipinto ma che lo menzionò nel 1867 come «un cane che nuota contro corrente», ipotesi che potrebbe far pensare che il cane stia in realtà annegando tra i flutti melmosi di un fiume, malgrado la compattezza della superficie gialla ricordi piuttosto una voragine sabbiosa.

Prompt: Focus on The Dog (Goya) and explain the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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marmi di Elgin

Le decorazioni del Partenone subirono numerosi danni durante le varie guerre che vennero combattute nel territorio di Atene. In particolare il tempio fu seriamente danneggiato da un'esplosione provocata dai bombardamenti veneziani del 1687: il Partenone infatti era utilizzato dagli Ottomani come deposito di munizioni. Questa esplosione rovinò il tetto di marmo, la maggior parte delle pareti della cella, 14 colonne dei versanti nord e sud e varie metope, cadendo a terra insieme a parti del fregio, finirono in pezzi. Un ulteriore danno è stato provocato dal generale veneziano Francesco Morosini, che successivamente rimosse dal luogo alcune delle sculture più grandi.  sua attrezzatura, che era difettosa e artigianale, fece cadere dal frontone occidentale Poseidone e i cavalli del carro di Atena, che precipitarono giù dall'Acropoli per quaranta metri.

Prompt: In the context of Elgin Marbles, explain the Morosini and the Damages.Please output in Italian.


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In St Sebastian between St Roch and St Peter, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Pigmalione e Galatea

Jean-Léon Gérôme dipinse Pigmalione e Galatea nell'estate del 1890, basandosi su un tema artistico che divenne popolare nella seconda metà dell'Ottocento.  prima versione venne acquistata da Boussod, Valadon & Cie il 22 marzo 1892 e il 7 aprile venne rivenduta a Charles T. Yerkes. Dopo la sua morte l'opera venne venduta varie volte finché non venne donata al museo nuovaiorchese da Louis C. Raegner nel 1927.

Prompt: Explain the History of this artwork, Pygmalion and Galatea (Gérôme painting).Please output in Italian.

Charles T. Yerkes
Jean-Léon Gérôme
Pigmalione


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Ritratto di Agnolo Doni

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Agnolo Doni.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

Il monumento era in ultimazione all'onore del santo patrono ceco in un clima di grande tensione rispetto al dominio dell'Impero Austro-Ungarico sui territori cechi ed, in seguito all'indipendenza ceca dall'Austria-Ungheria avvenuta il 28 ottobre del 1918 con la dissoluzione dell'Impero Austro-Ungarico e la fine della Grande Guerra, venne posta ai piedi del monumento una scritta recante la storica data dell'indipendenza a ricordo perenne dei ribelli cechi da sempre ostili agli austro-ungarici.

Prompt: In Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, how is the Memory of independence of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.