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Castrovalva

Chiesa della Madonna della Neve , la chiesa di Santa Maria delle Grazie, la chiesa di San Michele Arcangelo (del XII secolo.;Chiesa della Madonna delle Grazie: è sede della parrocchia di Castrovalva, fu eretta sopra l'antica cappella di , già citata da Clemente III nel 1188. L'edificio sacro ha un aspetto rinascimentale, con facciata semplice, in cui unico elemento decorativo è il portale con cornice modanata in tardo stile romanico, al centro dell'architrave, sostenuto da mensole a volute, due angioletti reggono uno scudo a forma di muso di cavallo, con giglio, stemma della famiglia Belprato. Il fregio soprastante è ornato da una testina di putto affiancata da tralci vegetali, e concluso da una cornice a mensola su cui poggia il piccolo archivolto.  lunetta è affrescata, anche se il disegno è lacunoso, ed è ritratto Cristo benedicente.  chiesa ha navata unica, sulle pareti laterali sono poste delle nicchie come altarini, uno dei quali accoglie la statua policroma di Santa Lucia del XX secolo, che secondo i locali, mostra gli occhi ai fedeli in qualunque punto la si guardi, e sorregge una palma e gli occhi del martirio. Nell'altra nicchia è collocata una scultura della Madonna col Bambino del XVI secolo, in stucco e stoffa su base lignea.  Vergine è rappresentata seduta e tiene il Bambino con il braccio sinistro, la veste di color rosso e manto azzurro sono punteggiati da stelle dorate. L'altare maggiore è contornato da due ovali dipinti con raffigurazioni della Santa Vergine col Bambino e San Giuseppe sposo con Gesù Bambino, entrambi del XVIII secolo. Il paliotto d'altare del 1729 da De Mancino ha una decorazione in stucco di polvere di marmo colorato, che riproduce un effetto a intarsio, sopra l'altare c'è il tabernacolo ligneo dorato del XVII secolo con la Deposizione di Cristo.;Chiesa di Santa Maria ad Nives: sorge nella piazza principale di Castrovalva. Risalirebbe al Medioevo, ma fu ricostruita nel XVI secolo; la facciata ha coronamento curvilineo barocco, doppiamente inflesso, al centro il portale liscio architravato è coronato da un affresco rinascimentale della Madonna col Bambino entro cornice trapezoidale, dai fianchi concavi e profilo superiore convesso, sormontato da una modanatura. Nella parte alta del fronte c'è un orologio centrale, ai lati due specchiature ellittiche con figure di santi su fondo azzurro. L'interno settecentesco è a tre navate, scandite da pilastri in finto marmo venato, che sostengono archi a tutto sesto.  navata centrale ha volte a crociera, mentre una piccola volta a botte precede la cupole emisferica su pennacchi che sovrasta il presbiterio. Alle pareti laterali sono addossati altari in stucco, nella navata destra è presente una tela del Settecento opera ex voto, ridipinta nel 1924 da Alfredo Gentile, con Apparizione della Madonna dell'Incoronata di Foggia ad un pastore. Tale devozione è legata al fenomeno abruzzese della transumanza, e la devozione si estende anche a San Michele, dato che i tratturi transitano anche per Monte Sant'Angelo. In segno di tale fedeltà, nel XVIII secolo è stata realizzata una statua del santo Michele, conservata nella sagrestia, proveniente dalla piccola cappella di San Michele di Castrovalva.  statua è molto ben realizzata, con ricchi particolari, mostrante il santo con la spada che sconfigge il demonio e con la bilancia per pesare le anime.;Chiesetta di San Michele: sorge appena fuori Castrovalva, dedicata al patrono, presso Monte Sant'Angelo.  costruzione attuale è sovrapposta a quella originale del XII secolo, nota come Sancti Angeli in Castro. Le uniche tracce medievali sono visibili nell'ossario della cripta, prima del restauro corposo del XVI-XVII secolo.  cappella antica era a navata unica, con abside semicircolare scavata nella roccia della grotta rupestre dedicata al santo, presbiterio rialzato rivolto verso la torre di guardia di Castrovalva, già citata nel 1079.  struttura attuale ottocentesca ha mantenuto la pianta a sala, scandita da una sequenza di tre archi a tutto sesto all'interno che sostengono la copertura a spioventi. Lungo i muri perimetrali corre un sedile in pietra, interrotto dai pilastri delle arcate. In fondo l'alttare maggiore è sormontato da un'edicola con la statua in gesso di San Michele, del XX secolo, perché quella originale del XVIII secolo è custodita nella sacrestia della chiesa parrocchia di Santa Maria delle Grazie.

Prompt: In Castrovalva (M. C. Escher), how is the Churches of the History explained?Please output in Italian.

1079
XVI secolo
Cristo
Madonna col Bambino
Monte Sant'Angelo
Santa Lucia
XVII secolo
XII secolo
XVIII secolo
XVII secolo
XVI secolo
XX secolo


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the In the ancient Church of the Maria Maddalena in the Pistis Sophia explained?Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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Prove di Mosè

Le Prove di Mosè sono un affresco  di Sandro Botticelli e aiuti, realizzato tra il 1481 e il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

Prompt: Focus on Youth of Moses and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

In Matteo  è citato un verso del Libro di Osea dell'Antico Testamento , che secondo l'autore del vangelo era una profezia soddisfatta dal ritorno di Gesù dall'Egitto: «Là rimase fino alla morte di Erode, affinché si adempisse quello che fu detto dal Signore per mezzo del profeta: "Fuori d'Egitto chiamai mio figlio"». Si tratta di un verso che fa riferimento all'esodo degli Ebrei dall'Egitto, in cui il popolo di Israele è chiamato da Dio "mio figlio", come nel Libro dell'Esodo , «[...] Israele è mio figlio [...] lascia andare mio figlio». migrazione in Egitto in Matteo 2:15 richiama la profezia di Osea 11:1 , con un parallelismo fra Gesù e Mosè: Gesù in ebraico significa "YHWH è salvezza", Mosè significa "salvato dalle acque" ; per la nascita di Mosè : sono le uniche due personalità bibliche aventi un padre adottivo . Per entrambi, scarse notizie sulla vita precedente il periodo adulto;  Gesù sostituisce il sacerdozio levitico con l'ordine secondo Melchisedek , uno straniero; mentre Mosè nomina suo figlio primogenito Ghersom , come il primigenito di Levi  che era la tribù dei sommi sacerdoti. Dio riserva a Sebuel, nipote di Mosè, l'importante carica di sovrintendente dei tesori consacrati , e a Gionatan, figlio di Ghersom, coi suoi discendenti, la carica di sommo sacerdote della tribù di Dan, a Silo ; con le parole ed opere: Mosè Pasqua di Liberazione di Israele dalla schiavitù di Egitto, Gesù Pasqua di Resurrezione del genere umano dalla schiavitù del peccato e della morte.  differenza fra cristiani e giudei permane nelle festività, la Pasqua ebraica è una Pasqua di Liberazione; Mosè appare insieme ad Elia nella Trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor.

Prompt: In the context of The Flight into Egypt (Poussin), explain the Prophecy of Hosea and the Story Gospel according Matthew.Please output in Italian.

Antico Testamento
Elia
Gesù
Libro dell'Esodo
Libro di Osea
Mosè
Silo
Trasfigurazione di Gesù


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Nudo disteso con cuscino blu

Nudo disteso con cuscino blu è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1916 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fa parte di una collezione privata. È uno dei numerosi nudi che hanno caratterizzato la produzione di Modigliani.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Reclining Nude on Blue Cushion.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the New Testament of this artwork, Last Supper (Tintoretto).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Il quarto stato

Pellizza, prima di dipingere la grande tela del Quarto stato, decise nell'agosto 1895 di realizzarne uno studio in olio preliminare: questa redazione rappresenta di fatto un punto di rottura con gli antecedenti Ambasciatori della fame. Rispetto ai bozzetti precedenti, la massa di gente qui è vastissima, tale da formare - come suggerisce il titolo - una vera e propria fiumana umana; cambia anche la gamma luminosa, stavolta giocata con l'utilizzo di «contrasti dal giallo al rosso, con dominanti sulfuree nelle figure e su toni dal blu al verde nello sfondo, dove il cielo è di forte intensità blu azzurrata e verdi delle piante si riflettono nel terreno». Contestualmente, l'ombra in primo piano viene abolita e viene prediletto un punto di vista meno alto, in modo da dare maggiore enfasi alla folla, stavolta portata più in avanti. Viene inoltre aggiunta una nuova figura femminile con un bimbo in braccio; quest'ultima, posta in posizione subordinata rispetto al resto dei riottosi, viene intesa passivamente come allegoria dell'umanità. Altra peculiarità della Fiumana è il suo valore universale, cristallizzato in un poema scritto sul margine della tela da Pellizza stesso:

Prompt: Explain the 1895-1898: "Fiumana". about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Fourth Estate (painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Contursi Terme, in provincia di Salerno, la Madonna delle Grazie è venerata come protettrice e patrona. Sulla cima del centro abitato sorge un Santuario ad essa dedicato che venne costruito nella seconda metà del Seicento a seguito della liberazione del paese dalla peste, attribuita proprio a Maria Santissima. Si narra che negli ultimi giorni del mese di Giugno 1657 una processione penitenziale si recò presso la preesistente cappella dedicata alla Natività di Maria per chiedere la liberazione dalla peste. Si portò in processione la statua della Vergine Maria che era lì posta e, non appena la stessa varcò le soglie del paese, la peste cessò. Si decise così, con solenne giuramento, di celebrare ogni anno la festa della Madonna delle Grazie il 2 Luglio e l'8 Settembre, date ancora oggi fedelmente mantenute.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Contursi Terme of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Pala degli Oddi

Pala degli Oddi è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

Prompt: How does Oddi Altarpiece (Raphael) explain its Abstract?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman nel 1888, fotografato da Napoleon Sarony, usata nella seconda edizione delle Memorie del 1889. Questa foto è servita come modello per il primo francobollo raffigurante Sherman del 1893.Il 25 luglio 1866 il Congresso creò il rango di General of the army   per il Generale Grant e promosse Sherman al grado di lieutenant general .Quando Grant divenne presidente degli Stati Uniti, nel 1869, Sherman fu nominato comandante generale dell'esercito degli Stati Uniti e, dopo la morte di John Aaron Rawlins, Sherman lo sostituì per un mese come Segretario della guerra ad interim.Uno dei suoi più significativi contributi come capo dell'esercito fu la creazione della Scuola di comando, l'attuale Command and General Staff College, a Fort Leavenworth nel Kansas. In questo periodo si segnalano parecchie divergenze con il Segretario della guerra William W. Belknap perché a suo parere si era impossessato di molti dei poteri del Comandante generale, rendendo il suo un ruolo privo di veri poteri.Sherman inoltre si scontrò con coloro che criticavano la condotta dell'esercito e i massacri degli indiani. Per sfuggire a queste difficoltà dal 1874 al 1876 trasferì il suo quartier generale da Washington a Saint Louis, e ritornò a Washington solo dopo la nomina di Alphonso Taft a Segretario della guerra e la promessa di maggiori poteri. preoccupazione principale di Sherman nel periodo dell'incarico a Comandante Generale fu quella di proteggere l'opera di costruzione delle linee ferroviarie dagli attacchi degli Nativi americani degli Stati Uniti d'America ostili; si dedicò principalmente a rendere sicuri i territori del West, soprattutto per facilitare il passaggio e lo stanziamento di nuovi coloni, attraverso la continuazione delle guerre indiane. Tre campagne significative di questa fase furono la guerra modoc, la grande guerra Sioux del 1876 e la guerra dei Nasi Forati.Nelle sue campagne contro le tribù indiane, Sherman utilizzò la stessa strategia usata durante la Guerra civile che prevedeva non soltanto la sconfitta dei soldati nemici, ma anche la distruzione delle risorse materiali che avrebbero potuto essere d'aiuto agli indiani.  strategia che attuò incluse la decimazione dei bufali che rappresentavano la risorsa di cibo primaria per gli indiani del Nord America.Nel 1875 Sherman pubblicò le sue memorie in due volumi.Durante le elezioni del 1876, i democratici del sud che appoggiavano Wade Hampton in Sud Carolina usarono la violenza per intimidire gli elettori afroamericani. Il governatore repubblicano Daniel Chamberlain chiese al presidente Grant l'intervento dell'esercito per fermare i tumulti. Nell'ottobre del 1876 incaricò Sherman di riunire tutte le forze disponibili nella regione atlantica e di mandarli in Sud Carolina per fermare le sommosse.Sherman si dimise dall'incarico di comandante generale il 1º novembre 1883, e si ritirò definitivamente dall'esercito l'8 febbraio 1884.

Prompt: Describe the characteristics of the General of the Army in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.

1869
1883
8 febbraio
Alphonso Taft
Daniel Chamberlain
Fort Leavenworth
Generale
John Aaron Rawlins
Kansas


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Giovane donna assopita

Costituisce la prima di una serie di opere che Vermeer dedicherà agli interni borghesi, popolati di figure femminili atte a svolgere le più diverse mansioni: dalla lettura all'esecuzione di brani musicali o semplicemente in posa all'interno delle loro abitazioni, più raramente mentre svolgono veri e propri lavori.Il soggetto in questo caso è una donna, certamente una domestica, che si è addormentata, forse dopo aver bevuto del vino dalla brocca in primo piano  attraverso il bicchiere di cristallo posato vicino. Un secondo bevitore assente deve aver usato il bicchiere capovolto vicino alla brocca. Se questa lettura è corretta, il dipinto potrebbe sottintendere un richiamo moraleggiante alla temperanza e alla moderazione. ragazza, posta a metà della stanza, appoggia la testa al polso col gomito puntellato su un tavolo coperto da un tappeto orientale in lana: si tratta di una posa tipica delle rappresentazioni della Melanconia, forse dovuta a una delusione amorosa, ma vi è stata letta anche un'allegoria della pigrizia. In primo piano il tavolo prosegue, ma la composizione è movimentata dal sollevarsi di un lembo del tappeto, vicino a una notevole natura morta con la citata brocca e bicchiere, un telo e un bacile in ceramica di Delft con frutta. Accanto sta una sedia elegantemente foderata in cuoio, intagliata e borchiata . Gli oggetti in primo piano non sono in rapporti coerenti con la protagonista a metà piano, denunciando un certo impaccio prospettico .Sulla parete a metà si vedono appesi una carta , un telo  e un dipinto in cui si riconosce una maschera appoggiata in terra, che richiama le allegorie del sonno, ma anche dell'amore, ispirate all'arte italiana. Probabilmente si tratta dellAmorino che compare anche nella Donna in piedi alla spinetta, che potrebbe rafforzare l'idea del tema amoroso della tela. Dietro la donna una porta dischiusa rivela un corridoio e un'altra stanza, ben rischiarata dalla luce, con un tavolino, uno specchio appeso e una finestra. Qui, rivelano le radiografie, era stata inizialmente prevista la figura di un uomo, poi eliminata.L'abbigliamento della donna, con la cuffia scesa sulle spalle, è tipico delle domestiche, sebbene il dettaglio dei costosi orecchini di perla sia incongruente: furono forse inseriti per dare un vivido tocco di luce al volto.Il taglio obliquo e profondo, che si può trovare anche nelle opere di Pieter de Hooch e Nicolaes Maes, mostra qualche incertezza prospettica, soprattutto tra tavolo e sedia in primo piano, che sarebbe indizio di una fattura giovanile, assieme ai numerosi pentimenti visibili attraverso le radiografie.

Prompt: Focus on A Girl Asleep and explain the History and description.Please output in Italian.

Delft
Donna in piedi alla spinetta
Nicolaes Maes
Pieter de Hooch


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Monumento equestre al Gattamelata

figura del Gattamelata è infatti fiera e severa, e reca in mano il bastone del comando, probabilmente quello che gli offrì effettivamente la Repubblica di Venezia nel 1438.  sua armatura, elegantemente decorata, fu reinventata da Donatello, parafrasando liberamente un'armatura "all'antica", che non corrisponde assolutamente alle armature in uso ai tempi della realizzazione dell'opera. Il condottiero, con le gambe tese sulle staffe, fissa un punto lontano e tiene in mano il bastone del comando in posizione obliqua che con la spada nel fodero, sempre in posizione obliqua, fanno da contrappunto alle linee orizzontali del cavallo e alla verticale del condottiero accentuandone il movimento in avanti.

Prompt: In the context of Equestrian statue of Gattamelata, explain the The leader and the Description.Please output in Italian.

1438
Donatello
Gattamelata
Repubblica di Venezia
Repubblica di Venezia


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Betsabea

Betsabea o Bersabea  era dapprima la moglie di Uria l'Ittita e più tardi del re Davide, cui partorì tre figli, il secondo dei quali fu Salomone e il terzo Natan.  Bibbia parla di lei soprattutto nel Secondo libro di Samuele e nel Primo libro dei Re.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bathsheba (Gentileschi).Please output in Italian.

Bibbia
Davide
Natan
Davide
Uria l'Ittita


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Babuino

alt=Fontana del Babuino, 2002Il Babuino  è una delle sei statue parlanti di Roma.È la raffigurazione di un “sileno giacente” su una base rocciosa, chiamato dal popolo di Roma “babbuino” perché così brutto e deforme da poter essere paragonato ad una scimmia. Una tesi interessante, ma non dimostrata, vuole che in realtà il termine "babbuino" non sia altro che una variante fonetica del diffuso termine popolare "babbione". Questo, a sua volta, deriverebbe dal latino "bambalio, bambalionis" avente significato di "vecchio svanito e cialtrone; imbecille": la posa e l'espressione del Sileno, in effetti, potrebbero indurre un tale caustico giudizio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Babuino.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Man (Barocci).Please output in Italian.


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Mae West

Night After Night, regia di Archie Mayo dy Lou , regia di Lowell Sherman Non sono un angelo , regia di Wesley Ruggles Belle of the Nineties, regia di Leo McCarey Goin' To Town, regia di Alexander Hall Annie del Klondike , regia di Raoul Walsh Fashions in Love cortometraggio Go West Young Man, regia di Henry Hathaway Every Day's A Holiday, regia di A. Edward Sutherland Mia bella pollastrella , regia di Edward F. Cline The Heat's On, regia di Gregory Ratoff Il caso Myra Breckinridge , regia di Michael Sarne Sextette, regia di Ken Hughes

Prompt: In Mae West (sculpture), how is the Actress of the Quotes explained?Please output in Italian.

A. Edward Sutherland
Alexander Hall
Annie del Klondike
Archie Mayo
Belle of the Nineties
Edward F. Cline
Every Day's A Holiday
Fashions in Love
Go West Young Man
Goin' To Town
Gregory Ratoff
Henry Hathaway
Il caso Myra Breckinridge
Ken Hughes
Leo McCarey
Lowell Sherman
Mia bella pollastrella
Michael Sarne
Raoul Walsh
Sextette
The Heat's On
Wesley Ruggles


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Pesca delle anime

Pesca delle anime è un'allegoria della gelosia tra le diverse dominazioni religiose esistenti durante tregua dei dodici anni tra la Repubblica delle Sette Province Unite e la Spagna. Il fiume rappresenta la divisione tra il nord e i sud dei Paesi Bassi occorsa con il Beeldenstorm. Nell'opera originale i pescatori protestanti hanno pescato con successo alcuni credenti utilizzando delle reti mentre quelle dei cattolici sono vuote. Le anime vicino alle imbarcazioni cattoliche sono state aggiunte successivamente. Sulla riva di sinistra ci sono due principi d'Orange dietro ad un ramo di albero di arancio; Maurizio di Nassau and Federico Enrico d'Orange. Essi sono accompagnati da Federico V del Palatinato, Giacomo I d'Inghilterra e il giovane Luigi XIII di Francia con la madre Maria de' Medici. Sulla riva sinistra troviamo i cardinali cattolici trasportando il Papa e accompagnati da Alberto d'Austria e Isabella Clara Eugenia d'Asburgo. I vari appellativi attribuiti ai pescatori  sono riportati con testi in latino per rendere chiaro il concetto. Una grand mosca è dipinta con la tecnica del trompe l'oeil attribuita a Jan Brueghel il Vecchio celebre per questa tecnica allegorica con un fine ironico.

Prompt: Explain the The work of this artwork, Fishing for Souls.Please output in Italian.

Alberto d'Austria
Beeldenstorm
Federico Enrico d'Orange
Federico V del Palatinato
Giacomo I d'Inghilterra
Isabella Clara Eugenia d'Asburgo
Jan Brueghel il Vecchio
Luigi XIII di Francia
Maria de' Medici
Maurizio di Nassau
Repubblica delle Sette Province Unite


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Cento vedute famose di Edo

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Atleta di Lussino

LAtleta di Lussino  è un'antica opera scultorea greca in bronzo, databile tra il I secolo a.C. e il II secolo d.C. Fu rinvenuta per caso nel 1996 da un turista belga durante un'immersione subacquea nel mare presso Lussino, ma il suo recupero fu possibile solo nel 1999. Alta circa 192 cm, essa si inquadra nella ben nota tipologia dellApoxyómenos, ovvero la rappresentazione di un atleta colto nell'atto di detergersi il corpo da polvere e sudore per mezzo di uno strigile.Secondo l'accademico Nenad Cambi, dell'Università di Spalato, l'opera sarebbe una copia di bottega ellenistica del II-I secolo a.C., risalente a un originale scultoreo greco della metà del IV secolo a.C., «artista di scuola policletea di terza generazione».

Prompt: How does Croatian Apoxyomenos explain its Abstract?Please output in Italian.

Apoxyómenos
II secolo
IV secolo a.C.
I secolo
I secolo a.C.
Lussino
Università di Spalato


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Maria Maddalena nel deserto

Il dipinto ritrae la discepola di Gesù Maria Maddalena assorta nella lettura dei testi sacri in mezzo a un ambiente naturale in ombra, come dimostra la parete di roccia nel lato destro della tela.  donna è distesa su una veste poggiata su una roccia e assume una posa languida e voluttuosa.  sua pelle liscia e perlata risalta su uno sfondo scuro, accentuando la forma e la sensualità del suo corpo senza veli. Solo il cranio in basso a sinistra rimanda alla vanità dei piaceri terreni e alla meditazione della Maddalena.

Prompt: How does Mary Magdalene in the Desert explain its Description?Please output in Italian.


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Al Moulin Rouge

Quando Toulouse-utrec giunse a Parigi, nel 1882, la grande stagione dell'Impressionismo era ormai tramontata. Se l'Impressionismo aveva potuto tanto, grazie al fondamentale contributo di artisti come Monet o Renoir che avevano restituito nelle loro tele l'abbacinante luminosità delle visioni en plein air, Toulouse-utrec sapeva che occorreva andare oltre, e lo fece inseguendo non la luce delle campagne francesi, bensì le ombre della città, a Montmartre.Alla fine del XIX secolo Montmartre aveva consolidato il proprio aspetto festaiolo e gaudente con l'apertura di innumerevoli cabaret, circhi, café-chantants, locali notturni e case di tolleranza. In questo sobborgo brioso e incontenibile, dunque, si consumavano eccitanti stravaganze sessuali e notti folli e lussuriose dove l'alcol scorreva a fiumi, al ritmo indiavolato di danze come il can-can o lo chahut: erano moltissimi i parigini che, varcando le soglie di questa «zona franca», si lasciavano trascinare nella vorticosità di questo quartiere dove «tutto gira, gira, gira ... tutto danza, danza, danza», per citare le parole di un'operetta di Offenbach, e dove i continui stimoli edonistici erano talmente vigorosi da giustificare la sospensione, anche se per una sola notte, degli ipocriti costumi borghesi.Di Montmartre, tuttavia, Toulouse-utrec esplorò non solo le luci, ma anche le ombre: come osservato dai critici Giorgio Cricco e Francesco di Teodoro, «i lustrini dei cabaret e le luci delle ribalte spesso nascondevano un'umanità dolente e sfruttata», siccome «la vita notturna dei locali alla moda [...] è anche quello dei lenoni, delle ballerine che all'occasione si trasformano anche in prostitute, dei personaggi equivoci, dei ricchi borghesi alla ricerca di avventure a pagamento, di esseri soli che restano tali anche in mezzo alle danze vorticose, alle risate e alla musica assordante».

Prompt: Explain the Lucie, shadow, of, Montmartre about the The word "null" in English is "null." of this artwork, At the Moulin Rouge.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Incile del Fucino

LIncile del Fucino è un'infrastruttura realizzata all'imbocco dell'emissario ipogeo del Fucino. È costituita dalla testata dell'emissario, dal bacino di accumulo delle acque e dal ponte delle paratoie. Il corpo di fabbrica è sovrastato dalla statua dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria, alta circa sette metri, detta Madonna dell'Incile. L'opera è situata in località Borgo Incile, a sud di Avezzano in Abruzzo.  sua realizzazione, unitamente al canale collettore, all'emissario e ai cunicoli di Claudio, consentì il prosciugamento del lago Fucino avvenuto parzialmente in epoca romana e totalmente nella seconda metà dell'Ottocento. monumentalizzazione in stile neoclassico, datata 1876, è opera dell'architetto di casa Torlonia, Carlo Nicola Carnevali.  statua della Madonna dell'Incile è la copia identica di quella crollata con il terremoto della Marsica del 1915.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Fucine Inlet.Please output in Italian.

1876
Abruzzo
Avezzano
Carlo Nicola Carnevali
Claudio
Fucino
Immacolata Concezione
Incile
Marsi
Marsica
Torlonia


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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: Explain the Christianity about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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Pala di Fano

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Fano Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: Describe the characteristics of the Hinduism in Love & Loss's In the arts.Please output in Italian.


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: Focus on Triptych of the Temptation of St. Anthony and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Educazione di Cupido

Insieme alla Venere, Cupido e un satiro oggi al Louvre, quest'opera si trovava nel secondo Cinquecento nella collezione privata del nobile mantovano Nicola Maffei. È molto probabile che uno dei membri della famiglia Maffei avesse commissionato i due dipinti che giunsero poi, entro il primo Seicento, presso la famiglia Gonzaga, con cui i Maffei erano in stretti rapporti.Nel 1628 il dipinto lasciò l'Italia per entrare nelle collezioni di Carlo I d'Inghilterra.Un disegno preparatorio per il giovane dio intento ad imparare a leggere si conserva al British Museum.Una copia eseguita da Girolamo Mazzola Bedoli dimostra la precoce fortuna del dipinto ma nelle evidenti differenze fra copia e originale si avverte come il lavoro del Correggio, pervaso di quella sua felice vena narrativa capace di rendere semplici e quotidiane le storie della mitologia classica, appartenesse a una stagione già passata, a quel soave rinascimento padano di cui Mantova era uno dei centri più vivaci e innovativi.

Prompt: How does Venus with Mercury and Cupid explain its History?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal XX secolo l'immagine de  grande onda, grazie alla sua enorme popolarità e al fatto che si trovi nel pubblico dominio, si è diffusa prorompentemente nella cultura di massa, diventando oggetto di numerose riproduzioni utilizzate nella pubblicità, nell'arte o per oggetti di uso quotidiano.Nel campo dell'arte i più famosi riferimenti all'opera si trovano nelle sculture Die Woge di Tobias Stengel  e Hokusai 20 ft. di Jeffery udenslager . L'artista giapponese Nana Shiomi creò due xilografie ispirandosi all'opera di Hokusai intitolandole Hokusai's Wave : Happy Dog e Hokusai's Wave : Happy Carp, mentre la coppia di artisti noti come Kozyndan realizzarono una versione dell'opera intitolata Uprisings, la cui particolarità sta nella cresta dell'onda formata da conigli bianchi. Questa venne utilizzata nella copertina dell'album discografico As/Is di John Mayer, pubblicato nel 2004. Una versione dell'onda appare altresì sulla copertina dell'album del 1991 Strange Free World della band Kitchens of Distinction.Nella moda l'immagine dell'onda è stata utilizzata dall'azienda di abbigliamento Quiksilver come fonte d'ispirazione per il logo, mentre la fashion designer Hanae Mori la utilizzò nel 2003 per la sua linea di abbigliamento personalizzata, oltre a essere una delle emoji disponibili per i sistemi operativi macOS e iOS della Apple. Alla grande onda di Hokusai si ispirano anche i fondelli di molti degli orologi sub prodotti da Seiko, sui quali, compare in forma stilizzata e spesso in rilievo.Sull'opera sono stati girati anche diversi documentari e speciali televisivi, come per esempio  menace suspendue: " Vague", documentario in francese del 2000 a cura di Alain Jaubert, una puntata della serie di documentari della BBC The Private Life of a Masterpiece, andata in onda il 17 aprile 2004, e una puntata della serie di documentari radiofonici A History of the World in 100 Objects, trasmessa da BBC Radio 4 nel settembre 2010 in collaborazione con il British Museum.

Prompt: How does The Great Wave off Kanagawa explain its The work in mass culture?Please output in Italian.

A History of the World in 100 Objects
Apple
As/Is
BBC
BBC Radio 4
British Museum
Hanae Mori
John Mayer
Kitchens of Distinction
Kozyndan
Quiksilver
Seiko
Strange Free World
The Private Life of a Masterpiece


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Leonida alle Termopili

Nel 480 a.C., i persiani tentarono di invadere la Grecia ma vennero obbligati a passare attraverso la stretta gola delle Termopili. Dopo due giorni di combattimenti, i persiani disperavano ormai di riuscire a passare quando Efialte, un traditore greco, indicò loro un sentiero per cogliere i greci alle spalle. Leonida, capo dell'esercito spartano, sbarrò la strada coi suoi 300 uomini all'ondata persiana che avanzava. I 300 spartani si batterono contro 1000 persiani e vennero completamente massacrati ma il loro sacrificio consentì agli ateniesi di preparare un contrattacco adeguato.Il quadro rappresenta al centro la figura di Leonida, nudo ed armato  seduto su una roccia, con una gamba ripiegata; a destra, Agide, suo fratellastro, depone una corona di fiori che riporta al tema del sacrificio ; Eurito conduce un ilota  che brandisce una lancia. All'estrema destra, un gruppo di spartiati avanza al suono di tromba. I soldati si rivestono delle loro armi e dei loro scudi. A sinistra, un soldato sta incidendo sulla roccia la frase «passant qui va à Sparte, va dire que nous sommes morts pour obéir à ses lois», "Oh tu che passi per andare a Sparta, dì loro che siamo morti per obbedire alle sue leggi" .Le decorazioni sono limitate ad elementi naturali  ed umani . Il cielo è scuro in alto e più chiaro in basso.Leonida è la controparte greca delle Sabine, dipinto delle medesime dimensioni, che presenta una celebre battaglia della leggenda romana, dove la figura di Romolo è disposta esattamente come Leonida con un'armatura leggera. Altro punto in comune tra le due opere è che i dipinti non rappresentano il momento dello scontro, ma un momento precedente di preparazione.

Prompt: How does Leonidas at Thermopylae explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Chassériau)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Giovani spartani che si esercitano

Crisci-Richardson, Roberta, The Unmarriageable Artist: the History Paintings of Edgar Degas, Electronic Melbourne Art Journal, p; Melbourne 6 : 1-2.

Prompt: In Young Spartans Exercising, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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La bagnante di Valpinçon

bagnante di Valpinçon , noto anche come  grande bagnante , è un dipinto di Jean-Auguste-Dominique Ingres , probabilmente fra i più noti del pittore, realizzato nel 1808.

Prompt: In The Valpinçon Bather, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Goya curato dal dottor Arrieta

Goya curato dal dottor Arrieta  è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1820 e conservato al Minneapolis Institute of Art.

Prompt: Focus on Self-portrait with Dr Arrieta and explain the Abstract.Please output in Italian.

1820
Francisco Goya
Minneapolis
Minneapolis Institute of Art


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Persefone

Persefone è la principale antagonista del videogioco God of War: Chains of Olympus, in cui vuole far crollare i pilastri che sostengono il mondo, causando la distruzione di tutto e di tutti, incluso degli dei e degli inferi, così da liberarsi per sempre del marito Ade. Persefone fa una breve apparizione nella saga Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo. Persefone compare come antagonista nel videogioco Assassin's Creed: Odyssey nel primo episodio "Campi Elisi" del DLC "Il destino di Atlantide".Persefone è un personaggio chiave nel videogioco Hades, in questo titolo viene presentata come la madre del protagonista Zagreus.Persefone compare anche come personaggio nel musical Hadestown.Persefone è la protagonista femminile del webcomic

Prompt: Focus on Proserpine (Rossetti) and explain the In mass culture.Please output in Italian.

Assassin's Creed: Odyssey
Atlantide
Campi Elisi
God of War: Chains of Olympus
Olimpo
Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo
Persefone


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Ritratto di Giulio Clovio

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola  di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Prompt: Focus on Portrait of Giulio Clovio and explain the Abstract.Please output in Italian.

1498
1571
1734
Alessandro Farnese
Croazia
El Greco
Giorgio Vasari
Giulio Clovio
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Ragazzo che soffia su un tizzone acceso
Roma


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La Gravida

donna è ritratta a mezza figura su sfondo scuro, seduta e con una mano sul ventre gonfio, da cui il soprannome ottocentesco, e l'altra sul bordo dove si troverebbe un invisibile parapetto. Ha il busto rotato di tre quarti verso destra, così come il volto, mentre gli occhi sono girati direttamente verso lo spettatore, a stabilire un contatto psicologico.  luce la colpisce dall'alto a sinistra, schiarendone il volto e accentuando, con gli effetti chiaroscurali, i lineamenti un po' tondeggianti.Indossa un vestito scollato con bordature in velluti e ampie maniche staccabili rosse, pressoché identico a quello della Dama col liocorno alla Galleria Borghese. L'acconciatura è finemente raccolta da una retina, con bordo prezioso. Al collo pende un'elaborata catena d'oro, che si infila nello scollo, senza mostrare il pendente. Le mani sono adornate da anelli e la sinistra, che sta appoggiata in primo piano, regge un fazzoletto e tocca forse un libretto con coperta in cuoio. Notevole è il realismo della mano sinistra  che, con tono semplice e quotidiano, tocca il grembo e smuove leggermente la stoffa, gettandovi ombra.Che la donna ritratta sia effettivamente incinta non è detto. Forse la curva del grembiule increspato è dovuta alle forme opulente del corpo seduto e la posizione della mano vuole forse più evidenziare lo status sociale, con la presenza degli anelli, piuttosto che alludere a una prossima maternità. complessità formale e la padronanza del colore anticipano già le opere romane: il corsetto giallo-arancio e le maniche rosse sono accostati al bianco brillante e il nero della veste, creando ricchi contrasti. Ciò deriverebbe dall'assimilazione della lezione di Domenico Ghirlandaio e di Fra Bartolomeo, che aveva recentemente visitato Venezia.

Prompt: How does La donna gravida explain its Description and style?Please output in Italian.

Dama col liocorno
Domenico Ghirlandaio
Fra Bartolomeo
Galleria Borghese
Venezia


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Ritratto di musico

Nel XIX secolo venne interpretato come ritratto di Ludovico il Moro, in dittico con quello  di Beatrice d'Este . Con la pulitura del 1904 si riscoprì lo spartito musicale, coperto da una ridipintura, che contiene la scritta "Cant... Ang...", seguita da una partitura musicale. Da questo indizio si è risaliti all'identificazione con Franchino Gaffurio, maestro di cappella del Duomo di Milano dal 1484 nonché compositore di un "Cantum Angelicum", cioè lAngelicum ad divinum opus.Altre ricerche hanno ipotizzato che il soggetto del quadro possa essere il compositore franco-fiammingo Josquin Desprez, contemporaneo di Leonardo e attivo a Milano.sinistraConfronto fra il ritratto di Il soggetto del ritratto è stato altrove identificato con Galeazzo Sanseverino, genero di Ludovico il Moro e capitano generale delle milizie sforzesche, per le notevoli somiglianze riscontrate con quello nel Ritratto di Luca Pacioli , dove possiamo notare corrispondenze nella folta capigliatura riccia, nei tratti del viso e nell'apertura del farsetto dal quale sbuffa un tratto di camicia che richiama una lancia, a simboleggiare la potenza virile di Galeazzo nelle giostre. Altri studiosi hanno puntato invece sulla stretta somiglianza coi ritratti certi del padre di Galeazzo, Roberto Sanseverino, i cui lineamenti del viso mostrano parecchi tratti in comune. L'identificazione era già stata proposta alla fine del XIX secolo da studiosi tedeschi come Paul Müller-Walde, avendo forse maggiore familiarità con le fattezze di Roberto, la cui lastra tombale trovasi nel Duomo di Trento. A sostegno di questa tesi, Piero Misciatelli ricorda che Galeazzo fu in effetti grande amico e protettore sia di Leonardo sia di fra' Luca Pacioli e che, proprio come Ludovico e Beatrice, doveva certamente essere appassionato di musica. Altri, come Robert de la Sizèranne, vi riconobbero anche i tratti del padre Roberto, prima che critici d'arte italiani proponessero invece l'identificazione con Franchino Gaffurio.

Prompt: Explain the Identification of this artwork, Portrait of a Musician.Please output in Italian.

1484
1904
Beatrice d'Este
Duomo di Milano
Duomo di Trento
Franchino Gaffurio
Galeazzo Sanseverino
Josquin Desprez
Luca Pacioli
Ludovico il Moro
Milano
Ritratto di Luca Pacioli


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Il cortile dei folli

Connell, Evan S. Francisco Goya: A Life. New York: Counterpoint, 2004.  Hagen, Rose-Marie & Hagen, Rainer. Francisco Goya, 1746-1828. Taschen, 2003.  Hughes, Robert. Goya. New York: Alfred A. Knopf, 2004.

Prompt: How does Yard with Lunatics explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Le Défenseur du Temps

Il Difensore del Tempo è un orologio monumentale con automi. In prossimità del quadrante, un uomo appollaiato su una roccia con una spada e uno scudo combatte contro un uccello, un dragone e un granchio, che rappresentano rispettivamente il cielo, la Terra e il mare.A tutte le ore, dalle 9 alle 22, l'uomo lotta contro ciascuno dei tre animali, scelti dal programmatore: in corrispondenza delle ore 12, 18 e 22, i tre animali attaccano contemporaneamente.L'ora viene annunciata da tre rintocchi. Nel corso dei combattimenti, si odono i rombo della Terra, suoni di onde che si infrangono o soffi del vento, a seconda dell'animale scelto.L'opera scultorea misura quattro metri di altezza e pesa una tonnellata circa. Il personaggio, gli animali e il quadrante dell'orologio sono realizzati in ottone lavorato e dorato a caldo, mentre la roccia che funge da sfondo è in ottone ossidato.Nella configurazione d'origine, un orologio elettronico al quarzo coordinava il programmatore casuale, sei programmatori a camme e cinque registratori a nastro.

Prompt: How does Le Défenseur du Temps explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Cultural reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Galata suicida

Galata morenteDonario di AttaloScuola di PergamoScultura ellenistica

Prompt: How does Ludovisi Gaul explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Donario di Attalo
Galata morente
Pergamo
Scultura ellenistica
Scuola di Pergamo


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Giudizio universale

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Last Judgment (Michelangelo).Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Focus on Crucifixion with Pietà (Lotto) and explain the Historical crucifixions.Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Busto di Nicolas Poussin

Duquesnoy si trovò a stretto contatto con un notevole numero di artisti presenti nel contesto romano; tra questi, in particolar modo, proprio Poussin. I due condivisero persino la dimora nel 1626.Duquesnoy produsse un piccolo busto per Poussin, dai dettagli finemente lavorati.  figura ha un'espressione melanconica, mentre l'elegante resa dei baffi e la composizione stessa rimandano fortemente al Nano di Crequi e al busto del cardinale Maurizio di Savoia, entrambi opera del Fiammingo.  fisionomia e la superficie della pelle sono rese con grande delicatezza, che quasi contrasta con i lunghi e ondulati capelli che incorniciano il viso del Poussin.

Prompt: How does Bust of Nicolas Poussin explain its Description?Please output in Italian.


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Robert Gould Shaw Memorial

Abraham Lincoln: The Head of State Abraham Lincoln: The Man Memoriali e monumenti unionisti William Tecumseh Sherman

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Robert Gould Shaw Memorial.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Tuttomondo

url 2 non funzionante, url 3 rediretto su altra pagina comune di Pisa

Prompt: Focus on Tuttomondo and explain the Note. Please output **only words**, not sentences..Please output in Italian.


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Il grande caprone

Il grande caprone fa parte della serie di Stregonerie destinate al despacho  dell'Alameda, residenza di campagna dei duchi di Osuna, suoi affezionati committenti. L'opera, completata nel 1798 , presenta un codice figurativo demoniaco che non era frutto dell'impeto visionario di Goya, bensì era molto di moda tra gli intellettuali del tempo. Successivamente l'opera giunse nelle collezioni del finanziere José Lázaro Galdiano, il quale alla sua morte ne fece dono allo Stato Spagnolo. Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel Museo Lázaro Galdiano.Il dipinto raffigura un caprone con ramoscelli di quercia intrecciati tra le sue corna ed occhi fiammeggianti, palese simbolo diabolico, che officia un rito di streghe. Una delle fattucchiere, per tributargli omaggio, gli sta offrendo un corpulento bambino, probabilmente rapito quel giorno stesso ; la scena, tuttavia, è disseminata di cadaveri di fanciulli già sacrificati al demonio.

Prompt: Focus on Witches' Sabbath (Goya, 1798) and explain the Description.Please output in Italian.


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La bella addormentata (Sussmann-Hellborn)

Louis Sussmann-Hellborn  bella addormentata nel bosco

Prompt: In Dornröschen (Sussmann-Hellborn), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Tre mondi

Tre mondi è una litografia dell'incisore e grafico olandese Maurits Cornelis Escher, pubblicata nel 1955.L'opera appartiene alla collezione permanente del Gemeentemuseum Den Haag.

Prompt: How does Three Worlds (Escher) explain its Abstract?Please output in Italian.

1955
Gemeentemuseum Den Haag
Maurits Cornelis Escher


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Giudizio di Paride

Il soggetto mitologico ha ispirato, fin dall'antichità, innumerevoli opere d'arte, tra le quali : Olpe Chigi, ceramica greca policroma di Corinto di artista anonimo . Museo nazionale etrusco di Villa Giulia, Roma. Il giudizio di Paride, anfora etrusca del Pittore di Paride , Staatliche Antikensammlungen, Monaco di Baviera. Bassorilievi del pulpitum, nello teatro di Sabratha, al fine del II secolo Il giudizio di Paride, dipinto di Sandro Botticelli . Fondazione Giorgio Cini, Venezia. Giudizio di Paride, opera perduta di Raffaello , nota tramite un'incisione di Marcantonio Raimondi. Il giudizio di Paride, dipinto di Lucas Cranach il Vecchio . Il giudizio di Paride, dipinto di Michiel van Mierevelt , Stoccolma. Giudizio di Paride, dipinto di Peter Paul Rubens . Paesaggio classico montuoso con il giudizio di Paride, dipinto di Johannes Glauber . Il giudizio di Paride, dipinto di Anton Raphael Mengs , San Pietroburgo. Giudizio di Paride, scultura in porcellana di Filippo Tagliolini , di cui si conoscono più esemplari. Il giudizio di Paride, dipinto di Enrique Simonet .

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Judgment of Paris (Cranach, New York).Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Flight into Egypt (Titian).Please output in Italian.


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Consummatum est

A volte la frase può essere usata con intenzione opposta, per commentare la rovina o la fine di un nemico, rallegrandosene. In quest'ultima accezione l'uso è fatto risalire, in un aneddoto, al medico e astrologo Angelo Catone di Supino, futuro arcivescovo di Vienne, che la pronunciò durante la messa il 15 gennaio 1477, rivolgendosi a Luigi XII per rivelargli la morte di Carlo il Temerario, suo nemico, quello stesso giorno: secondo tradizione, l'evento della morte sarebbe avvenuto nell'attimo stesso in cui le parole furono proferite.

Prompt: Focus on Jerusalem (painting) and explain the Anecdotes.Please output in Italian.


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Apocalisse

rivelazione dei misteri svela cose che vanno oltre la normale portata dell'umana conoscenza. Dio concede a profeti selezionati le istruzioni al riguardo, sia per aspetti estranei all'esperienza umana o per vicende che l'umanità non ha ancora affrontato.Vengono svelate alcune informazioni sul paradiso, in misura minore o maggiore: gli scopi di Dio; i fatti e le caratteristiche relative agli angeli e agli spiriti malvagi; la spiegazione di alcuni fenomeni naturali; la storia della creazione e dei periodi iniziali dell'umanità; gli eventi in corso, in special modo quelli relativi al futuro di Israele; la fine del mondo; il giudizio universale e il destino dell'umanità; l'epoca messianica; immagini del paradiso e dell'inferno. Nel Libro di Enoch, la più ampia delle apocalissi ebraiche, la rivelazione comprende tutti gli elementi suddetti.

Prompt: Describe the characteristics of the Revelation of mysteries in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Veduta di Delft

Il quadro raffigura la zona del porto della città di Delft sul fiume Schia; sono riconoscibili: le mura, la porta di Schiedam con l'orologio, la porta di Rotterdam con le due torri gemelle e, al centro, il campanile della Chiesa Nuova.Il tema della veduta cittadina non era insolito nell'arte olandese del Seicento, e compariva spesso a margine delle grandi carte geografiche, famose in tutta Europa e riprodotte in numerosi dipinti dello stesso Vermeer. In questo caso però, nonostante alcuni edifici riconoscibili, non si tratta di una veduta precisa e oggettiva. L'artista infatti integrò la realtà modificandola con la fantasia e la memoria. Più che mosso da un interesse topografico, di riconoscibilità dello scorcio, il pittore desiderava qui rappresentare la città come luogo di incontro e di vita dei suoi abitanti, avvalendosi di effetti atmosferici che rendono la veduta palpitante. È per questo che la critica moderna lo ha spesso considerato il primo quadro "impressionista", non una "veduta", bensì "un raggio di luce sulla città dopo un temporale", e la magia del quadro è tutta nell'interazione tra le varie luci ed ombre. L'effetto di illuminazione della Nieuwe Kerk, tra l'altro, è stato interpretato anche in senso politico: dal 1622 vi era sepolto Guglielmo I d'Orange, caduto vittima di un attentato nel 1584, durante la guerra di indipendenza dei Paesi Bassi, proprio a Delft, città in cui era considerato un eroe nazionale.  Gli edifici finiscono così per essere raggruppati in una fascia sotto il centro , creando una sorta di fregio che si contrappone alla vastità del cielo. I colori caldi della città illuminata dal sole contrastano infatti con quelli freddi del cielo nuvoloso, via via più scuro. Di nuovo colori caldi e freddi si alternano nella fascia del canale, in cui si rispecchiano gli edifici, e nella lingua di sabbia in primo piano, dove passeggiano alcuni cittadini.Variando la stesura pittorica e la grumosità del colore , Vermeer ottenne una vivida rappresentazione dei vari materiali, dai mattoni e le tegole alla pietra, dalla consistenza delle nuvole a quella dell'acqua.Analoghi effetti si possono ottenere con la camera oscura, molto probabilmente utilizzata in questo caso da Vermeer: in numerosi punti il quadro riproduce il fenomeno ottico dello strumento, tramite i riflessi, le rifrazioni e le imprecisioni, che sono una sua caratteristica.

Prompt: In View of Delft, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The Twentieth Century discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

A destra ed a sinistra della composizione si trova un muro, sullo sfondo, dietro il quale si suggerisce la presenza di un giardino con alberi di fico, che può essere considerato un hortus conclusus come metafora del Giardino dell'Eden, il Paradiso. A differenza di altri ritratti di Maria, come nel caso de  Madonna delle rose di Stefan Lochner, qui la Madonna si trova posta fuori dal giardino del Paradiso ed è inquadrata in una struttura che la qualifica come porta coeli, la porta del Paradiso.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Lemur Jerusalem celestial and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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San Girolamo

De viris illustribus De Virginitate Beatae Mariae. Adversus Helvidium Ordine di San Girolamo Scripturae sacrae affectus

Prompt: In Saint Jerome Writing, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Diana di Gabi

sinistra Il volto. giovane donna è rappresentata a grandezza maggiore di quella naturale. Il peso del corpo è scaricato sulla gamba destra, rinforzata con un ceppo d'albero; la gamba sinistra, invece, non contribuisce in alcun modo a sostenere la figura: il piede sinistro, infatti, ha il tallone rialzato e le dita rivolte verso l'esterno. statua è generalmente identificata come Artemide, dea della verginità, della caccia e delle selve, esclusivamente per via delle sue vesti. Indossa, difatti, un chitone non particolarmente lungo con ampie maniche, tipico della dea. Il chitone è legato da due cinturini, uno visibile attorno alla sua vita, l'altro invece nascosto, i quali trattengono parte del tessuto, accorciando il chitone e mostrando le ginocchia.  dea è rappresentata nell'atto di fissare con una spilla il suo mantello: la mano destra stringe una fibula e tiene sollevata una piega del vestito sulla spalla destra, mentre quella sinistra trattiene un'altra piega del vestito all'altezza del petto. Il movimento fa cadere il colletto del chitone, lasciando scoperta la spalla sinistra. testa è lievemente rivolta a destra, ma la dea non presa attenzione su ciò che sta facendo. Al contrario, il suo sguardo volge all'ambiente che la circonda, caratteristica tipica delle statue classiche.  sua chioma fluente è tirata indietro da una fascia legata al di sopra del collo, poi raccolti in una crocchia contenuta da un secondo nastro non visibile.

Prompt: Focus on Diana of Gabii and explain the Description.Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

Claire Barbillon, Catherine Chevillot, Stéphane Paccoud, Ludmila Virassamynaïken e Ophélie Ferlier-Bouat, Catalogue raisonné des sculptures : du xviie au xxe siècle, Parigi/Lione, Musée des Beaux-Arts de Lyon, Somogy, 2017. Emmanuelle Héran, « Perseus Slaying Medusa » in: Anne-Birgitte Fonsmark, French sculpture 2 , Copenaghen, Ny Carlsberg Glyptotek, 1999, p. 210-212. Bo Wennberg, French and Scandinavian Sculpture in the Nineteenth Century : A Study of Trends and Innovations, Stoccolma, Amqvist & Wiksell, 1978, p. 213.

Prompt: Focus on Perseus and the Gorgon (Marqueste) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Copenaghen
Lione
Ny Carlsberg Glyptotek
Parigi


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Ritratto di Bindo Altoviti

Bindo Altoviti era un ricco banchiere di una prestigiosa famiglia fiorentina, gli Altoviti appunto, ma era nato nel 1491 a Roma, dove la sua famiglia aveva trovato rifugio dopo la cacciata da Firenze per via dell'opposizione al dominio dei Medici. L'Altoviti fu un importante mecenate del Rinascimento, colto ed amico di numerosi artisti.Il ritratto, eseguito a Roma, venne visto e citato dal Vasari nelle Vite e passò in seguito nel palazzo familiare a Firenze. Restò nelle collezioni private di famiglia fino al 1808, quando finì a Monaco in seguito all'acquisto da parte del re Ludovico I di Baviera. Nel 1936 venne ceduto a Samuel Kress, che lo donò al museo statunitense nel 1943. menzione ambigua di Vasari  ha fatto in passato credere che l'opera fosse un autoritratto, ipotesi oggi scartata. Alcuni studiosi hanno rilevato un possibile intervento di Giulio Romano in alcuni punti.

Prompt: How does Portrait of Bindo Altoviti explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Amor sacro e Amor profano

Un altro fiorente non è legato alle dottrine dell'Accademia neoplatonica di Marsilio Ficino, soprattutto riguardo alla contrapposizione tra la Venere terrena e la Venere celeste figura della donna nuda è spiegata come Venere Celeste, cioè immagine della bellezza universale e spirituale, che solleva un braciere acceso, variamente leggibile come simbolo di carità, di conoscenza o di illuminazione spirituale. Al contrario dell'interpretazione moralistica che ispirò i curatori seicenteschi della galleria, da cui deriva il titolo tradizionale dell'opera, essa non è una donna scollacciata, dedita all'amore carnale, ma è un ideale di bellezza classico, simbolo di semplicità e purezza, infatti ha come sfondo un paesaggio aperto, immerso nella luce . donna vestita invece, per contrapposizione, sarebbe la Venere Terrena, simbolo degli impulsi umani e della forza generatrice della Natura, che è posta su uno sfondo ombroso.  posizione di Eros, al centro delle due, sarebbe quindi il punto di mediazione tra aspirazioni spirituali e carnali, tra il cielo e la terra.Anche lo sfondo contribuisce a esprimere i diversi concetti legati alle allegorie: a sinistra, dietro all'Amor profano, si nota un paesaggio montuoso, con un sentiero in salita percorso da un cavaliere diretto al castello, leggibile come metafora di un percorso da compiere per giungere alla virtù, che si conquista con fatiche e rinunce o, alternativamente, come allusione al carattere "secolare" e "civile" dell'Amor profano; a destra il paesaggio è pianeggiante, disteso, punteggiato da greggi al pascolo che evocano le utopie bucoliche e in lontananza si scorge una chiesa, legandosi alla sfera religiosa e spirituale. Cantelupe si applicò poi a un esauriente esame iconologico elencando la molteplicità di spunti cristiani e pagani.L'opera sarebbe così l'unica di Tiziano interpretabile in chiave neoplatonica, corrente caratteristica dell'ambiente toscano, cui si contrapponeva l'aristotelismo tipico di Venezia.

Prompt: Explain the Philosophical interpretation about the Interpretation of this artwork, Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione).Please output in Italian.

Accademia neoplatonica
Eros
Marsilio Ficino
Venere celeste
Venere terrena
Venezia


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Caccia al leone

Raffigurazione di una scena di caccia al leone su una lama di pugnale - Una caccia al leone mostrata in oro su una placca di cintura, I leoni erano presenti nella penisola greca fino all'epoca classica. Il prestigio della caccia al leone è ben dimostrato nella mitologia greca: la prima fatica di Eracle fu l'uccisione del leone di Nemea. I leoni sono stati raffigurati come simboli di spicco della regalità, come ad esempio nella Porta dei Leoni alla cittadella di Micene.Rispettato per la sua ferocia, il leone era estremamente popolare durante le venationes e gli spettacoli gladiatori nell'Antica Roma. Durante la sua dittatura, Cesare sbalordì tutti utilizzando circa 400 leoni nel Circo , la cui inusuale presenza aggiunse dell'emozione ai suoi spettacoli. Pompeo stabilì un macabro record facendo uccidere ben 600 leoni. L'utilizzo del leone, fiera amata per gli spettacoli, era anche una questione di immagine: Cesare confiscò a Cassio i leoni che intendeva usare per uno spettacolo in Grecia, evento che spinse Cassio ad allearsi con Bruto nella rivolta finale contro il dittatore. Questi leoni, tuttavia, non restarono a lungo nelle mani di Cesare: quando la città di Megara fu occupata dagli uomini di Cesare, i cittadini liberarono i leoni sperando che attaccassero gli invasori. Invece i leoni sbranarono i cittadini per poi sparire nella foresta.

Prompt: Explain the Greece Rome about the History of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.


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Martirio di sant'Erasmo

Il Martirio di sant'Erasmo è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1628 e il 1629, custodito nella Pinacoteca vaticana.

Prompt: In The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Austria -- Greta Klingsberg  / Ruth Klüger . Belgio -- François Englert  / Simon Gronowski  / Bettina Le Beau . Cecoslovacchia -- Yehuda Bacon  / George Brady  / Thomas Buergenthal  / David Weiss Halivni  / Ivan Klíma  Michal Kraus  / Arnošt Lustig  / Zdeněk Ornest  / Tomi Reichental  / Zuzana Růžičková  / Jan Saudek  / Felix Weinberg  / Ela Weissberger  / Zoltan Zinn-Collis . Francia -- Gérard Avran  / Fanny Ben-Ami  / Robert Clary  / Saul Friedländer  / Alexander Grothendieck  / Simon Jeruchim  / Joseph Joffo  / Jean Kahn  / Daniel Kahneman  / Serge Klarsfeld  / Jean-Marie Lustiger  / Annette Muller  / Jacques Saurel  Germania -- Inge Auerbacher  / Walter Zwi Bacharach  / Hans Frankenthal  / Thomas Geve  / Bill Graham  / Sonia Levitin  / Helga Newmark  / Paul Spiegel  / Beni Virtzberg  / Ruth Westheimer  / Eddie Willner . Italia  -- Andra Bucci  / Tatiana Bucci  / Enzo Camerino  / Luigi Ferri  / Hanna Kugler Weiss  / Lia Levi  / Ida Marcheria  / Marcello Martini  / Sami Modiano  / Emanuele Pacifici  / Alberto Sed  / Liliana Segre  / Arianna Szörényi  / Piero Terracina  / Aldo Zargani . Sylva Sabbadini  Jugoslavia -- Lustig Branko  / Yehuda Elkana  / Shaul dany  / Itzchak Tarkay . Lituania -- Alexander Tamir  Paesi Bassi -- Gerhard Durlacher  / Bloeme Evers-Emden  / Jona Oberski  / Eva Schloss . Polonia -- Alicia Appleman-Jurman  / Jurek Becker  / Louis Begley  / Nelly Ben-Or  / Halina Birenbaum  / Victor Breitburg  / Zahava Burack  / Élie Buzyn  / David Faber  / Abraham Foxman  / Roman Frister  / Bronisław Geremek  / Marek Halter  / Marek Herman  / Kitty Hart-Moxon  / Anna Heilman  / Ben Helfgott  / Yidele Henechowicz  / Aleksander Henryk ks  / Arek Hersh  / Roald Hoffmann  / Jerzy Kosinski  / Jack Kuper  / Yisrael Meir u  / Anita Lobel  / Coby Lubliner  / Jack Mandelbaum  / Uri Orlev  / David Perlmutter  / Sam Pivnik  / Roman Polański  / Ruth Posner  / Israel Shahak  / Szymon Srebrnik  / Alina Szapocznikow  / Emanuel Tanay  / Jack Tramiel  / Meir Wilchek  / Miriam Winter  / Sabina Wolanski . Romania -- Aharon Appelfeld  / Edith Balas  / Magda Herzberger  / Liviu Librescu  / Dan Pagis  / Kati Preston  / Elie Wiesel . Ucraina -- Janina Altman  / Martin Greenfield . Ungheria -- Iván T. Berend  / Edith Bruck  / John Chillag  / Peter Fischl  / Yosef Goldman  / Miklos Kanitz  / Imre Kertész  / Tom ntos  / dislaus Löb  / Nicholas Nagy-Talavera  / Tibor Rubin  / Péter Szondi  / Irene Zisblatt .

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Survivors and the Historical research.Please output in Italian.

Abraham Foxman
Aharon Appelfeld
Alberto Sed
Aldo Zargani
Alexander Grothendieck
Alexander Tamir
Alicia Appleman-Jurman
Alina Szapocznikow
Anita Lobel
Anna Heilman
Annette Muller
Arek Hersh
Arianna Szörényi
Arnošt Lustig
Austria
Belgio
Ben Helfgott
Beni Virtzberg
Bettina Le Beau
Bill Graham
Bloeme Evers-Emden
Bronisław Geremek
Cecoslovacchia
Coby Lubliner
Dan Pagis
Daniel Kahneman
David Faber
David Perlmutter
David Weiss Halivni
Eddie Willner
Edith Balas
Edith Bruck
Elie Wiesel
Emanuel Tanay
Emanuele Pacifici
Enzo Camerino
Eva Schloss
Fanny Ben-Ami
Felix Weinberg
Francia
François Englert
George Brady
Gerhard Durlacher
Germania
Gérard Avran
Halina Birenbaum
Hanna Kugler Weiss
Hans Frankenthal
Helga Newmark
Ida Marcheria
Imre Kertész
Inge Auerbacher
Irene Zisblatt
Israel Shahak
Italia
Itzchak Tarkay
Ivan Klíma
Iván T. Berend
Jack Kuper
Jack Mandelbaum
Jack Tramiel
Jacques Saurel
Jan Saudek
Janina Altman
Jean-Marie Lustiger
Jean Kahn
Jerzy Kosinski
John Chillag
Jona Oberski
Joseph Joffo
Jugoslavia
Jurek Becker
Kati Preston
Kitty Hart-Moxon
Lia Levi
Liliana Segre
Lituania
Liviu Librescu
Louis Begley
Lustig Branko
Magda Herzberger
Marek Halter
Marek Herman
Martin Greenfield
Meir Wilchek
Michal Kraus
Miklos Kanitz
Miriam Winter
Nelly Ben-Or
Nicholas Nagy-Talavera
Paesi Bassi
Paul Spiegel


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Madonna di Darmstadt

Tra le figure più enigmatiche dell'intera composizione vi sono quelle del ragazzo e del bambino presenti nella parte sinistra del dipinto. Il ragazzo più grande si comporta "fisicamente come un fratello minore della Madre di Dio", di cui sembra imitare l'atteggiamento. Jochen Sander ha suggerito come il ragazzo sostituisca qui la figura dell'angelo che si trova nel quadro  Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, una pittura che Holbein probabilmente conosceva o aveva avuto modo di vedere personalmente. Il ragazzo, vestito alla moda dell'epoca, porta alla cintura una borsa con cintura verde, un attributo comune di san Giacomo e del pellegrino in genere, nonché una probabile allusione al santo patrono del committente dell'opera. Il ragazzo si distingue anche dalla famiglia dei fondatori per la sua veste ornamentale, che in quella forma era riservata unicamente alla nobiltà e che quindi ravvicinerebbe l'idea di un personaggio "al di sopra degli altri personaggi" e quindi legato al mondo spirituale . Si distingue anche per il fatto che egli non si inginocchia né tiene le mani giunte in preghiera.In epoche precedenti, il ragazzo ed il bambino erano stati interpretati come possibili figli defunti di Meyer. Nella letteratura più recente, tuttavia, il bambino nudo è interpretato come san Giovanni Battista da bambino, figura assieme a quella di Gesù Bambino presente nel quadro di Leonardo. Supponendo che il dipinto fosse concepito come una pala d'altare, posto quindi sopra il tabernacolo, il gesto di Giovanni Battista bambino alluderebbe significativamente ai doni dell'eucaristia sulla mensa dell'altare. Il bambino, come del resto la Madonna e Gesù, sono idealizzati. Ancora una volta, è plausibile ricercare nel lavoro di Holbein un riferimento alla Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, dove anche Gesù e san Giovanni sono rappresentati come ragazzi. Il dipinto di Holbein sarebbe quindi inoltre la prima rappresentazione dipinta del motivo della Madonna con Gesù e san Giovanni a nord delle Alpi, mentre tale schema era già comune in Italia.Un altro approccio presuppone invece che i due ragazzi ritratti siano effettivamente dei figli di Meyer in quanto dipinti come controparte di Anna Meyer, rimandando così all'interpretazione. Dai documenti della gilda dei mercanti risulterebbe che Meyer avesse effettivamente registrato un suo figlio nato ne 1504, ma poiché alla morte dello stesso Meyer come unica erede venne chiamata a disporre dei beni di casa la moglie Dorothea Kannengießer con la figlia Anna Meyer, probabilmente tale figlio sarebbe nato da Magdalena Baer e doveva essere all'epoca già defunto, come del resto il bambino più piccolo, forse morto poco dopo la nascita. Quest'ultima interpretazione rafforzerebbe inoltre l'idea che il dipinto andasse a completare un sacello funerario: col gesto della mano, il bambino potrebbe indicare una tomba sottostante.

Prompt: Describe the characteristics of the The boy and the child in Darmstadt Madonna's Style.Please output in Italian.


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Fattorie vicino a Auvers

Fattorie vicino a Auvers è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh realizzato nel 1890 durante la sua permanenza ad Auvers-sur-Oise.Il dipinto è un esempio di "tele a doppio quadrato" che impiegò nei suoi ultimi paesaggi.Van Gogh trascorse gli ultimi mesi della sua vita ad Auvers-sur-Oise, una piccola città a nord di Parigi, dopo aver lasciato il manicomio di Saint-Rémy nel maggio 1890. Nel 1933 il dipinto fu lasciato in eredità da C. Frank Stoop alla Tate Collection di Londra, dove attualmente è esposto. Fu uno degli ultimi dipinto di Van Gogh.

Prompt: Focus on Farms near Auvers and explain the Abstract.Please output in Italian.

1890
Auvers-sur-Oise
Londra
Vincent van Gogh


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Il sogno della moglie del pescatore

Il sogno della moglie del pescatore è il titolo con cui è nota in Occidente una xilografia in stile ukiyo-e, realizzata dall'artista giapponese Hokusai, conosciuta in patria come Tako to ama , ossia, in giapponese: "I polpi e la ama".  xilografia è inclusa all'interno dell'opera Kinoe no Komatsu , costituita da tre volumi di shunga, ossia di stampe erotiche, e pubblicata per la prima volta nel 1814, ed è diventata lo shunga più famoso di tutti quelli realizzati da Hokusai. Giocando con molti temi propri dell'arte giapponese popolare, l'artista ha ritratto una giovane ama, ossia una pescatrice subacquea , intenta in un rapporto sessuale con due polpi.

Prompt: How does The Dream of the Fisherman's Wife explain its Abstract?Please output in Italian.