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William Tecumseh Sherman

Il generale Sherman nel 1864 in una foto di Per tutti i mesi di settembre e ottobre Sherman tentò di attaccare sia nella Georgia del nord che in Alabama le forze di John Bell Hood, il quale però cercò sempre di evitare in tutti i modi lo scontro, mentre nel contempo arrivò a minacciare seriamente le linee di comunicazioni unioniste verso Nord.Alla fine il generale ottenne dai suoi superiori l'approvazione di un piano per cui si sarebbe staccato dalle sue linee di rifornimento e avrebbe iniziato a marciare verso Sud; questo dopo aver informato Grant che avrebbe potuto "far gridare di dolore la Georgia". Ciò contribuì ad aumentare la minaccia di un trasferimento in massa delle truppe sudiste di Hood in direzione del Tennessee. Minimizzando questa minaccia, Sherman avrebbe detto che sarebbe riuscito a "dare anche a [Hood] le sue razioni" se solo si fosse azzardato ad andare in quella direzione: "i miei interessi principali ora sono al sud"; lasciò le forze di George H. Thomas e John Schofield ad occuparsi dell'avversario; queste sbaragliarono l'esercito nemico prima nella battaglia di Franklin  e poi anche nella battaglia di Nashville .Nel frattempo, dopo le elezioni di novembre, iniziò la marcia con  uomini al seguito con l'obiettivo di raggiungere il porto di Savannah, vivendo in larga parte di quello che la terra offriva al loro passaggio e causando, secondo la sua stessa stima, oltre 100 milioni di dollari in danni alle proprietà.Le devastazioni furono spiegate come una nuova tattica messa a punto dallo stesso Sherman per demoralizzare il nemico e ridurre la sua capacità combattiva. Alla fine di questa campagna, conosciuta come la Marcia verso il mare di Sherman, le sue truppe conquistarono Savannah il 21 dicembre 1864; il generale quindi inviò un famoso messaggio a Lincoln, offrendogli la città come fosse un dono di Natale.Il successo conseguito ricevette un'ampia copertura sulla stampa nordista in un momento in cui Grant sembrava fare ben pochi progressi nella sua lotta contro l'Armata Confederata della Virginia Settentrionale di Robert Edward Lee. Al Congresso venne presentato un disegno di legge per promuovere Sherman al grado militare di tenente generale, probabilmente con l'intenzione di sostituirlo a Grant come comandante dell'Union Army.Sherman scrisse sia al collega che a suo fratello, il senatore John Sherman, respingendo con veemenza qualsiasi promozione del genere. Secondo un resoconto del tempo fu intorno a quell'epoca che il generale fece la sua memorabile dichiarazione di lealtà a Grant: "egli è un grande generale. Lo conosco molto bene. Era vicino a me quando ero pazzo e stavo vicino a lui quando era ubriaco; e ora, signore, ci sosteniamo sempre".Mentre si trovava a Savannah apprese da un giornale che il proprio figlioletto di pochi mesi Charles Celestine era morto proprio mentre lui si trovava in marcia; non aveva ancora mai avuto l'occasione di vederlo.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the March towards the sea and the Youth.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In the context of Annunciation (Correggio), explain the The Annunciation in theology and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Una donna nera

Il dipinto a olio su tela venne realizzato a Parigi nel 1884 , Dopo la morte dell'artista, probabilmente l'opera venne portata in Polonia dal marito, il dottor Antoni Bohdanowicz, nel 1893. All'inizio il dipinto appartenne al collezionista Dominik Witke-Jeżewski, che depositò la tela al museo nazionale varsaviano nel 1933 assieme al resto della sua collezione.Nel 1939 il dipinto venne acquistato dal museo per 700 sloti. Durante la seconda guerra mondiale, il quadro venne rubato in circostanze sconosciute e dopo la fine del conflitto venne ricercato dai polacchi.

Prompt: Focus on A Negress and explain the History.Please output in Italian.


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Pala di Fiesole

pala è una delle più antiche opere dell'Angelico che ci siano pervenute. Destinata originariamente all'altare maggiore della chiesa del convento, venne in seguito spostata su un altare laterale dove si trova tutt'oggi. Nel 1501 Lorenzo di Credi ridipinse lo sfondo, che era probabilmente dorato, creando una veduta più moderna, con un trono decorato da baldacchino e finti rilievi classicheggianti e due scorci paesaggistici racchiusi da pilastri. In quell'occasione vennero anche eliminate le tracce delle cuspidi goticheggianti in voga all'epoca della creazione dell'opera.

Prompt: Explain the History of this artwork, Fiesole Altarpiece.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

In Matteo  è citato un verso del Libro di Osea dell'Antico Testamento , che secondo l'autore del vangelo era una profezia soddisfatta dal ritorno di Gesù dall'Egitto: «Là rimase fino alla morte di Erode, affinché si adempisse quello che fu detto dal Signore per mezzo del profeta: "Fuori d'Egitto chiamai mio figlio"». Si tratta di un verso che fa riferimento all'esodo degli Ebrei dall'Egitto, in cui il popolo di Israele è chiamato da Dio "mio figlio", come nel Libro dell'Esodo , «[...] Israele è mio figlio [...] lascia andare mio figlio». migrazione in Egitto in Matteo 2:15 richiama la profezia di Osea 11:1 , con un parallelismo fra Gesù e Mosè: Gesù in ebraico significa "YHWH è salvezza", Mosè significa "salvato dalle acque" ; per la nascita di Mosè : sono le uniche due personalità bibliche aventi un padre adottivo . Per entrambi, scarse notizie sulla vita precedente il periodo adulto;  Gesù sostituisce il sacerdozio levitico con l'ordine secondo Melchisedek , uno straniero; mentre Mosè nomina suo figlio primogenito Ghersom , come il primigenito di Levi  che era la tribù dei sommi sacerdoti. Dio riserva a Sebuel, nipote di Mosè, l'importante carica di sovrintendente dei tesori consacrati , e a Gionatan, figlio di Ghersom, coi suoi discendenti, la carica di sommo sacerdote della tribù di Dan, a Silo ; con le parole ed opere: Mosè Pasqua di Liberazione di Israele dalla schiavitù di Egitto, Gesù Pasqua di Resurrezione del genere umano dalla schiavitù del peccato e della morte.  differenza fra cristiani e giudei permane nelle festività, la Pasqua ebraica è una Pasqua di Liberazione; Mosè appare insieme ad Elia nella Trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor.

Prompt: In The Flight into Egypt (El Greco), how is the Prophecy of Hosea of the Story Gospel according Matthew explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Elia
Gesù
Libro dell'Esodo
Libro di Osea
Mosè
Silo
Trasfigurazione di Gesù


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Giudizio universale

Il Giudizio universale è un soggetto tradizionale nell'iconografia dell'arte sacra cristiana e tra le opere che lo raffigurano vi sono alcuni veri e propri capolavori; presenti in Italia: Giudizio universale, affresco di Michelangelo nella Cappella Sistina  Giudizio universale di Giotto, affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova Giudizio finale e Inferno, affresco di Buonamico Buffalmacco a Pisa Giudizio universale di Franco e Filippolo de Veris a Campione d'Italia  Giudizio Universale di Luca Signorelli a Orvieto  Giudizio universale della basilica di Santa Maria Assunta a Torcello, capolavoro musivo Giudizio universale nell'abbazia di Pomposa in provincia di Ferrara Giudizio universale nell'Abbazia di Sant'Angelo in Formis presso Capua Rappresentazione di Inferno e Paradiso nella Basilica di San Petronio a Bologna Rappresentazione di Inferno e Paradiso nel Battistero di San Giovanni , capolavoro musivo. Giudizio Universale di Taddeo di Bartolo in San Gimignano. Giudizio universale del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze. Giudizio Universale attribuito a Maestro Cicogna, XIV secolo, Pieve di Sant'Andrea a Sommacampagna. Giudizio Universale nella Chiesa di Santa Maria del Casale a BrindisiTra i dipinti del Giudizio universale che si trovano al di fuori dell'Italia, vanno ricordati: Il Giudizio universale di John Martin  Il Giudizio universale, affresco di artisti armeni nella Cattedrale di Vank a Esfahan, in Iran  Il Grande Giudizio universale di Rubens alla Alte Pinakothek di Monaco di Baviera  Il Trittico del Giudizio di Vienna di Hieronymus Bosch  Il Giudizio universale di Stephan Lochner

Prompt: How does Last Judgement (Fra Bartolomeo) explain its Iconography?Please output in Italian.

Abbazia di Sant'Angelo in Formis
Alte Pinakothek
Basilica di San Petronio
Beato Angelico
Bologna
Brindisi
Buonamico Buffalmacco
Campione d'Italia
Cappella Sistina
Cappella degli Scrovegni
Capua
Cattedrale di Vank
Chiesa di Santa Maria del Casale
Esfahan
Firenze
Franco e Filippolo de Veris
Giotto
Giudizio universale
Giudizio finale e Inferno
Grande Giudizio universale
Hieronymus Bosch
Inferno
Iran
Luca Signorelli
Maestro Cicogna
Monaco di Baviera
Museo di San Marco
Orvieto
Padova
Paradiso
Pisa
San Gimignano
Sommacampagna
Stephan Lochner
Taddeo di Bartolo
Torcello
Trittico del Giudizio di Vienna


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Perseo e la Gorgone

sinistra versione marmorea copenaghense.Marqueste si ispirò al nudo antico e al Perseo con la testa di Medusa celliniano, aggiungendo il movimento della lotta, ma "uno sguardo femminista aggiunto sull'opera non può che registrare con una certa inquietudine il contrasto tra la maestria virile e la gesticolazione sconfitta del corpo femminile". L'unico punto in comune che si può trovare con la statua Gilliatt e la piovra di Joseph Carlier, che si rifà al libro I lavoratori del mare di Victor Hugo e non alla mitologia, è lo stile neo-barocco.Egli donò al viso della gorgone un'aria spaventosa che richiama la Medusa caravaggesca, al contrario della Medusa Ludovisi che sembra addormentata, ma probabilmente prese come modello il volto della Marsigliese nel rilievo  partenza dei volontari del 1792 situato sull'arco di Trionfo a Parigi.Nel 1890, il critico Maurice Albert fece notare come Marqueste avesse donato alla gorgone un corpo grazioso che contrasta con le rappresentazioni antiche, di solito ripugnanti e massicce: come fonte di ispirazione ipotizza il volto decollato della Medusa Ludovisi che evoca la sua bellezza prima di essere trasformata in un mostro da Atena. Al contrario, Louis de Fourcaud qualifica il gruppo come "molto robusto, ma molto noioso e parecchio da premio di Roma" per la sua influenza troppo classica e non abbastanza avanguardista, secondo lui. L'opera venne ben accolta dai suoi contemporanei e venne giudicata come rappresentativa della scuola tolosana.

Prompt: How does Perseus and the Gorgon (Marqueste) explain its Style?Please output in Italian.

Atena
I lavoratori del mare
Louis de Fourcaud
Parigi
Perseo
Perseo con la testa di Medusa
Victor Hugo


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Pugile in riposo

Lisippo Scultura greca Museo nazionale romano

Prompt: How does Boxer at Rest explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the New Testament of this artwork, Last Supper (Rubens).Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ritratto di giovane dama

Il Ritratto di giovane dama  è un dipinto a tecnica mista su tavola  variamente attribuito a Piero del Pollaiolo o a suo fratello Antonio, databile al 1470-1472 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano, dove è utilizzato come simbolo stesso del museo.

Prompt: In Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

upright=1.6Madonna delle Grazie  è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, la madre di Gesù, nel culto liturgico e nella pietà popolare.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Estasi di santa Margherita da Cortona

Categoria:Dipinti di Giovanni nfrancoCategoria:Dipinti nella Galleria PalatinaCategoria:Dipinti su santa Margherita da Cortona

Prompt: How does Ecstasy of St Margaret of Cortona explain its Note. Please output **only words**, not sentences.?Please output in Italian.

Cortona
Galleria Palatina
Margherita da Cortona


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Battaglia di Isso

cavalleria persiana aprì le ostilità caricando le truppe di Parmenione e la cavalleria tessalica, le quali si trovavano oltre il fiume. L'ala destra macedone, composta dalla cavalleria pesante degli eteri, fu decisiva per le sorti della battaglia. Mentre la falange macedone reggeva l'urto della cavalleria persiana e i tessali arretravano impegnandola, Alessandro ordinò ai suoi cavalieri di caricare il fianco sinistro dello schieramento avversario, proprio ai piedi delle montagne, e dopo averlo indebolito si aprì un varco tra le linee nemiche, al comando degli ipaspisti. L'attacco di Alessandro superò gli sbarramenti posti da arcieri, fanteria leggera e cavalleria pesante, separando l'ala sinistra dal centro dello schieramento. Nel frattempo, la falange, meno veloce nei movimenti, cedeva lentamente di fronte ai Persiani che l'attaccavano da ogni parte, mentre i cavalieri tenevano a bada i mercenari greci. Alessandro raggiunse quasi il sovrano persiano e si dice che cercò di colpirlo con una lancia, non riuscendoci. Dario decise di ritirarsi, costretto a lasciare il suo carro e a darsi alla fuga su un cavallo, abbandonando anche lo scudo, mentre suo fratello Ossatre rimase a combattere sino alla morte.Montato a cavallo, lo stesso sovrano macedone condusse gli eteri in un nuovo assalto contro il centro dello schieramento persiano, mettendolo in fuga; la falange di Parmenione e la cavalleria tessalica stavano oramai per cedere, per cui Alessandro non inseguì Dario, ma attaccò alle spalle la falange dei mercenari greci.<br />Alla vista del loro re costretto alla fuga, i soldati persiani si ritirarono e vennero falcidiati dalla cavalleria macedone che li inseguì fino al tramonto.Per la Persia si trattava della prima sconfitta militare di un esercito comandato da un loro sovrano, mentre per i Macedoni si apriva la strada per la conquista dell'impero.

Prompt: Explain the The assault of the cavalry about the Thebattle of this artwork, Alexander Mosaic.Please output in Italian.


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: Explain the Syria about the Description of this artwork, Crucifixion (Antonello da Messina).Please output in Italian.


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Et in Arcadia ego

Et in Arcadia ego è un'iscrizione che si può leggere in alcuni importanti dipinti del Seicento, fra cui uno del Guercino, realizzato fra il 1618 ed il 1622.Essa appare anche come iscrizione tombale nel dipinto "I pastori di Arcadia" , del pittore francese Nicolas Poussin.  frase può tradursi letteralmente: "Anche in Arcadia io", dove Et sta per etiam , viene sottinteso: sum  o eram .Sembra quindi volersi intendere con l'iscrizione: sia l'onnipresenza della morte nel tempo e nello spazio ; sia la transitorietà, di fronte alla morte, della gloria letteraria del defunto .

Prompt: How does Et in Arcadia ego (Guercino) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Il calice del Titano

Cole ha spesso fornito del testo per accompagnare i suoi dipinti, ma non nel caso de Il calice del Titano, lasciando aperte al dibattito le sue intenzioni. Nel 1880, un'interpretazione collegava tale dipinto all'albero del mondo e in particolare all'Yggdrasill nella mitologia norrena. Un catalogo d'asta del 1904 si ricollegava a questo tema, scrivendo che "l'idea spirituale al centro del dipinto, che trasmette la bella teoria norrena che la vita e il mondo non sono altro che un albero con rami ramificati, è accuratamente eseguita dal pittore". Non è scontato, tuttavia, che Cole avesse familiarità con questo concetto, e il critico Elwood C. Parry suggerisce che l'analogia con qualsiasi albero mitologico si limiti alla somiglianza del gambo del calice con un tronco d'albero; non c'è nient'altro nel calice di analogo a rami o radici.L'imponenza del grande calice di pietra contrasta con lo scenario tradizionale del paesaggio circostante, invitando alla comparazione con i grandi oggetti di pietra lasciati dalle gare dei giganti nella mitologia greca . Il titolo del quadro - dato da Cole stesso e scritto sul retro della tela - sembra supportare questa idea, come se sia trascorso molto tempo tra la creazione del calice e lo svolgersi della scena corrente. Il sole calante, un simbolo romantico, evoca anch'esso il passare del tempo. predominanza del calice nel quadro può suggerire un'interpretazione cosmologica. Il critico Parry prende in considerazione, ma respinge, un paragone con il pannello esterno del Trittico del Giardino delle delizie  di Hieronymus Bosch, generalmente considerato una raffigurazione della creazione della Terra. Entrambe le immagini rappresentano un mondo circoscritto, ma usano l’acqua e il suolo in proporzioni differenti. Il Calice di Cole non offre né iscrizioni né iconografie che possano confermare un'interpretazione religiosa del dipinto; inoltre il pittore ha messo il calice lontano dal centro della tela, il che minimizza il suo significato emblematico.L’acqua del calice, effettivamente, potrebbe essere vista come l'influenza della civilizzazione. Gli abitanti del Calice vivono un’esistenza utopica, l'ozio, il piacere di veleggiare sulle tranquille acque e vivere tra templi e boschi fogliosi. Dove l’acqua fuoriesce sul paesaggio sottostante – e sono i punti in cui i due mondi interagiscono – appaiono segni di vita; invece sul fondo, lontano dall’influenza dell’acqua del Calice, le montagne sono rocciose e desolate. Una rappresentazione simile di civilizzazione ai bordi dell'acqua si può notare nell’opera di Cole Una serata all’Arcadia .Louis Legrand Noble fu amico e biografo di Cole, e sarebbe plausibile che sapesse qualcosa in più riguardo tale lavoro. Nella sua testimonianza, tuttavia, non ci sono menzioni a queste idee; anzi, scrisse solamente: “Là [il calice] si erge, anzi riposa sul suo fusto, una struttura muschiosa simile a una torre, leggera come una bolla, eppure una sezione di un globo consistente. Mentre l'occhio circonda la sua ampia falda ondulata, una circonferenza di molte miglia, esso si trova nella terra delle fate; in accordo però con la natura nella sua più ampia scala... I turisti potrebbero viaggiare nei paesi di questo anello imperiale, e rintracciare le loro fantasie su molte pagine romantiche. Qui, immerso negli splendori dorati di un tramonto estivo, vi è un piccolo mare dalla Grecia, o Terra Santa, con la vita greca e siriana, la natura greca e siriana che si affaccia sulle sue acque tranquille.“.Invece, un articolo di Parry del 1971 riguardante il quadro collega l'immaginario di Cole al primo suo viaggio in Europa . Cole visitò l'Inghilterra e il suo maggiore pittore di paesaggi, William Turner, sul cui lavoro nutriva sentimenti diversi; era tuttavia interessato al dipinto di Turner Ulisse deride Polifemo , di cui fece due schizzi e un altro studio per un possibile utilizzo per sé stesso, che però non venne poi usato. Il ciclope Polifemo è un punto cardine dell'antico racconto epico greco dell'Odissea, e l’interesse di Cole per questo soggetto dimostrò la sua apertura alla “possibilità creativa alle scene mediterranee”. Nel frattempo, mentre Cole ricercava temi per la sua saga di quadri Corso dell'Impero, si imbatté nella storia del Monte Athos nei Dieci Libri di architettura di Vitruvio. L’antico scrittore romano racconta delle suggestioni dell’architetto Dinocrate ad Alessandro, racconta che la montagna venne modellata nella “statua di un uomo che deteneva una vasta città nella sua mano sinistra, e un’enorme coppa nella mano destra, nella quale sarebbero affluiti tutti i ruscelli della montagna, che sarebbero sfociati, poi, in mare“. Questa fantasiosa immagine, che Cole avrebbe plausibilmente potuto vedere, apparve in alcune illustrazioni del XVIII e del XIX secolo. Come scrisse Parry, “la precedente fantasia classica di architettura ridimensionata suggerisce un’alternativa alla deduzione che Il calice del Titano venne costruito da un gigante che semplicemente lo lasciò lì”. Tuttavia, un’interpretazione letteraria di questa immagine non avrebbe potuto adattarsi all’arte di Cole: essendo egli un artista di paesaggi, potrebbe essersi sentito più a suo agio esprimendola solo topograficamente, evitando il desiderio di trasformare un masso in una forma umana.Uno schizzo fantasioso di una fontana con vaschette, a cura di Cole, c. 1832 - 33I disegni di Cole dal suo viaggio in Europa prefigurano lievemente il Calice, in quanto essi esprimono il suo interesse per fontane e vasche. Egli venne influenzato da quelle viste durante la parte del viaggio in Italia a Firenze, Roma e Tivoli. In uno dei suoi disegni, è illustrata una serie di grandi vasche adornate con vegetazione che scende nel mare; un altro raffigura una vasca di dimensione normale con il bordo coperto di muschio, ma la vista dal livello terra lo fa sembrare monumentale. I disegni di Cole dei laghi vulcanici di Nemi e Albano sono pure reminiscenze delle acque e del bordo del Calice; suggeriscono che: “vi fu un’analoga visione operativa nei pensieri di Cole; un’uguaglianza tra questi attuali paesaggi che lui osservò e la forma del bacino di acqua che immaginò."Parry suggerì anche l’“inusuale ma non impossibile” idea che il Calice di Cole fu una risposta paesaggistica dell’artista al genere della natura morta. Visitando la casa del suo padrone Luman Reed, un avido collezionista di arte, Cole potrebbe aver visto una pittura di vita tranquilla Con Calice e Limone dell’artista olandese Willem van Aelst: il soggetto evidenziato in quel quadro è un calice di vetro traslucido.  similarità è essenziale, avendo entrambi i dipinti un formato verticale e un fuoco centrale nella coppa.

Prompt: Explain the Interpretations of this artwork, The Titan's Goblet.Please output in Italian.

Corso dell'Impero
Dieci Libri di architettura
Elwood C. Parry
Hieronymus Bosch
Luman Reed
Monte Athos
Odissea
Polifemo
Trittico del Giardino delle delizie
Ulisse deride Polifemo
Una serata all’Arcadia
Willem van Aelst
William Turner
Yggdrasill


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Pietà Rondanini

nuova composizione in verticale fu altamente innovativa e dimostrò le capacità inventive dell'artista ormai ottantenne.Nel gruppo si alternano parti condotte a termine, riferibili alla prima stesura, e parti non finite, legate ai ripensamenti della seconda versione mai compiuta. Le parti condotte a termine sono un braccio destro di Cristo, staccato dal resto del corpo e rotto a un'altezza poco sopra il gomito, le gambe del Redentore e tracce di un diverso orientamento del volto della Vergine. Le parti relative alla nuova elaborazione sono invece il nuovo volto e il corpo della Vergine, il torso magrissimo e la testa di Cristo. Maria infatti non sembra più reggere il figlio, ma i due sembrano piuttosto unirsi in un abbraccio che comunque non riesce a trattenere il corpo di Cristo, il quale sembra scivolare via inerme, come rivela la progressiva e inevitabile piega delle gambe.  stessa Maria mostra una figura aerea e senza peso, che non si sforza di trattenere il corpo del figlio.Se guardata di lato, la statua appare curva in avanti. Questa curvatura dà un senso di slancio verso l'alto come forse è dato intendere da un episodio come la morte di Cristo prossimo alla Resurrezione.

Prompt: Focus on Rondanini Pietà and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Arrivo degli ungheresi

Il dipinto è alto quasi 15 metri e lungo quasi 120 metri. È stato realizzato con la tecnica della pittura a olio e raffigura, con un paesaggio montuoso alle spalle, circa 2.000 persone.L'opera immortala l'arrivo delle tribù ungare nel bacino dei Carpazi, conquistato dagli antenati degli odierni magiari intorno alla fine del IX secolo .

Prompt: Focus on Arrival of the Hungarians and explain the Description.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pontificia accademia mariana internazionale: Studi sull'Immacolata Concezione. Nascita verginale Maria  Cuore Immacolato di Maria Apparizioni di Lourdes Protovangelo Radio Maria

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Sant'Agostino tra i flagellanti

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In St Augustine (Pinturicchio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Il dipinto raffigura un episodio storico, la battaglia tra fiorentini e senesi combattuta a San Romano il 1º giugno 1432.I senesi, guidati da Bernardino Ubaldini della Carda, erano in netta superiorità, ma i fiorentini, comandati da Niccolò da Tolentino, dopo essersi spinti per una ricognizione presso la torre di San Romano , nei pressi di Montopoli in Val d'Arno, decisero di attaccare improvvisamente. Quando lo scontro volgeva ormai a sfavore di Firenze, ecco che dall'altra parte del fiume sopraggiunse la colonna dei rinforzi del capitano generale delle milizie fiorentine Micheletto da Cotignola. I senesi allora, ormai stremati dalla battaglia, si diedero precipitosamente alla fuga.

Prompt: In the context of The Battle of San Romano, explain the historical event and the Description and style.Please output in Italian.

1432
Bernardino Ubaldini
Firenze
Montopoli in Val d'Arno


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Madonna col Bambino e un coro di cherubini

nella visita virtuale alla Pinacoteca di Brera

Prompt: Explain the External links of this artwork, Madonna of the Cherubim.Please output in Italian.


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Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina

Carlo Pirovano, Lotto, Electa, Milano 2002. ISBN 88-435-7550-3 Roberta D'Adda, Lotto, Skira, Milano 2004.

Prompt: In Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Tra le sculture moderne raffiguranti questo tema artistico si citano la Cleopatra di Alfonso Balzico  e  morte di Cleopatra dell'artista afroamericana Edmonia Lewis : nonostante la Lewis raffigurasse molto spesso gente di etnia non caucasica, quest'opera raffigura Cleopatra con dei tratti somatici caucasici.  scultura neoclassica di Edmonia Lewis raffigura la sovrana morta, vestita con gli abiti regali e seduta sul suo trono, decorato da due teste di sfinge che simboleggiano i gemelli che ebbe da Marco Antonio: Alessandro Elio e Cleopatra Selene II. Una statua di gesso del 1880 raffigurante Cleopatra che si suicida, oggi a Lilla, venne per lungo tempo attribuita ad Albert Darcq, ma un restauro rivelò la firma dello scultore Charles Gauthier.Nel dipinto di Jean-André Rixens  morte di Cleopatra, realizzato nel 1874, Cleopatra è ritratta con una pelle molto chiara, mentre le sue servitrici hanno la pelle più scura: questo "contrasto" si ritrova in altre opere raffiguranti la morte della sovrana. poesia Cleopatra della poetessa russa Anna Andreevna Achmatova, scritta nel 1940, descrive proprio la fine della vita della sovrana. Una poesia di Ted Hughes del 1960 rappresenta un monologo tra Cleopatra e l'aspide che la sta per uccidere.

Prompt: Explain the Modern era about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Death of Cleopatra.Please output in Italian.

Albert Darcq
Alessandro Elio
Alfonso Balzico
Anna Andreevna Achmatova
Charles Gauthier
Cleopatra
Edmonia Lewis
Jean-André Rixens
Marco Antonio
Ted Hughes


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Monumento equestre al Gattamelata

statua venne fusa con la tecnica della cera persa, una tecnica antica riscoperta su dimensioni monumentali da Ghiberti, nel suo San Giovanni Battista , ma che viene qui utilizzata per la prima volta dopo la classicità per un monumento equestre. Vasari lodò molto l'impresa anche dal punto di vista tecnico, sottolineando la "grandezza del getto in proporzioni et in bontà", paragonando Donatello agli antichi artefici che era riuscito ad uguagliare.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, Equestrian statue of Gattamelata.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Oggi vari studiosi mettono in dubbio la storicità della fuga in Egitto - peraltro assente negli altri Vangeli canonici - viste anche le incongruenze sia tra i vangeli di Matteo e Luca sia all'interno della stessa narrazione matteana, oltre che per il mancato riscontro negli archivi ebraici, nel Nuovo Testamento e nelle opere di Giuseppe Flavio, fonte principale della storia giudaica del I secolo. Il racconto sarebbe servito anzitutto a spiegare come mai Gesù sia nato a Betlemme e cresciuto a Nazaret; la famiglia di Gesù si sarebbe stabilita in Galilea per ispirazione divina. Inoltre avrebbe avuto una funzione teologica, quella di dimostrare agli Ebrei, a cui il Vangelo secondo Matteo era diretto, che Gesù era il nuovo Mosè e che in lui si era avverata la profezia di Osea.
Secondo alcuni critici, il racconto di Matteo sarebbe una versione cristiana dell'haggadah di Mosè, che racconta come Mosè sia scampato alla morte dei neonati ebrei maschi decretata dal faraone. Gli studiosi più legati alla tradizione ritengono che le analogie esistenti tra Mosè e Gesù non siano un motivo sufficiente per negare la storicità dell'avvenimento raccontato da Matteo
Comunque, anche esegeti cristiani come Raymond Brown, John Dominic Crossan e Rudolf Bultmann sostengono che tradizioni preesistenti siano state la fonte del racconto matteano; il sacerdote cattolico Raymond Brown ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi, mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù - legata alla fuga in Egitto - e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Il teologo Raymond Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth".
 Secondo molti studiosi, infatti, le contraddizioni tra i due resoconti evangelici della Natività renderebbero storicamente inconciliabile la fuga in Egitto e la concomitante strage degli innocenti, descritte da Matteo, con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la partenza dei Magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia si stabilì subito a Nazaret: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la fuga in Egitto - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, avvenuto nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".
Secondo lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio della fuga in Egitto, per come è narrato da Matteo, desta perplessità: ad esempio, per sfuggire alla persecuzione di Erode sarebbe stato più semplice rientrare subito a Nazaret, evitando di passare per Gerusalemme come avevano fatto i magi. Il forte significato teologico e simbolico dell'episodio porta a dubitare della sua realtà, anche se non ci sarebbero elementi sufficienti per negarla o per accreditarla. Non si tratterebbe tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se non fosse realmente avvenuto nulla sarebbe compromesso.
Il teologo cattolico Raymond Brown nota, infine, come nel racconto matteano "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui (14:,1-2)?"; lo studioso osserva anche - in merito alla possibilità di fuggire in Egitto per Giuseppe, Maria e Gesù - che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non ci fossero magi venuti dall'Oriente e se avesse avuto solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".

Prompt: Explain the Historicity of this artwork, The Flight into Egypt (El Greco).Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Il santuario di Santa Maria delle Grazie a Sansepolcro, città situata all'estremità orientale della Toscana, poco distante dalle sorgenti del Tevere, risale al 1518, quando venne fondata l'omonima confraternita che provvide alla costruzione di una chiesa con oratorio. Nel 1555 il pittore locale Raffaellino del Colle dipinse l'immagine della Madonna delle Grazie, molto venerata fin dall'inizio. Nel 1732 il vescovo di Sansepolcro Raimondo Pecchioli dispone un'indagine sul culto, che risulta prestato da tempo immemorabile, almeno dagli inizi del XVII secolo.  festa è celebrata la terza domenica dopo Pentecoste per disposizione di papa Leone XIII del 26 novembre 1898, che la estese a tutta la diocesi.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Sansepolcro and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Prompt: Focus on The Battle of San Romano and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Cristo risorto in gloria

Il 1º luglio 1528 Rosso si trovava Città di Castello, alla firma del contratto per una grande pala per la locale Compagni dal Corpus Domini. Si legge che erano previsti un Cristo "resuscitato e glorioso", quattro sante e, in basso, "più e diverse figure che denotino, representino il populo, con quelli angeli che a lui [al pittore] parerà di acomodare". Come termine di consegna si stabiliva un anno, ma l'opera ebbe una gestazione più lunga e travagliata: il tetto della sala data al pittore come laboratorio crollò infatti danneggiando il supporto , poi al Rosso venne una tale febbre che lo fece tornare al più presto nella più familiare Sansepolcro. Qui però si ammalò ulteriormente di quartana, per cui si trasferì a Pieve Santo Stefano "a pigliare aria". Ripassò da Arezzo e infine si stabilì di nuovo a Sansepolcro, da dove completò la tavola di Città di Castello, senza mai farla vedere ai committenti durante l'esecuzione, come ricorda Vasari: tale precauzione fu forse dettata dalla paura dell'ennesimo rifiuto dell'opera, vista lo stato semifinito di molti personaggi e la variazione di alcuni termini previsti dal contratto, come la mancanza degli angeli nell'opera finita.L'opera venne decurtata agli angoli nel XVII secolo. Da sempre conservata in duomo, è stata musealizzata in anni recenti.

Prompt: In The Risen Christ in Glory, how is the History discussed?Please output in Italian.

1528
Città di Castello
Pieve Santo Stefano
Sansepolcro


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Lupa capitolina

L'immagine della lupa nel Medioevo fu adottata dal Comune di Siena, che la ripropose come Lupa senese in diverse piazze e monumenti. Siena infatti, secondo il mito, era stata fondata da Senus, figlio di Remo e quindi ambiva ad essere una seconda Roma.L'immagine era una delle preferite di Benito Mussolini, che voleva accreditarsi come il fondatore della "Nuova Roma". Per favorire la benevolenza statunitense, inviò diverse copie della Lupa capitolina a città americane. Nel 1929 ne inviò una copia alla convenzione nazionale della società "Sons of Italy" a Cincinnati . Nel 1931 fu cambiata con una di maggiori dimensioni che si trova ancora all'Eden Park di Cincinnati. Un'altra replica fu inviata alla città di Rome in Georgia nello stesso anno. Una terza copia fu inviata a New York. lupa capitolina fu usata sia come emblema che nei manifesti della Olimpiade romana del 1960.

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the Propagandistic use Middle Ages Siena 20th century of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1929
1931
1960
Benito Mussolini
Cincinnati
Eden Park
Lupa senese
New York
Roma
Siena


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Venere di Milo

Giuliano A., Storia dell'arte greca, Carocci, Roma 1998 ISBN 88-430-1096-4 Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: How does Venus de Milo explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Estasi di santa Cecilia

LEstasi di santa Cecilia è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, conservato nella Pinacoteca Nazionale di Bologna e databile al 1514 circa, ma forse posteriore di uno o due anni, stando alla datazione al 1515-1516 del disegno preparatorio a sanguigna con la figura di san Paolo conservato nel Museo Teylers di Haarlem e della datazione al 1514 del modello di Giovan Francesco Penni, ripreso nell'incisione dello stesso anno di Marcantonio Raimondi, che attestano entrambi dello stadio iniziale della composizione da cui il dipinto finale si discosta in maniera anche notevole.

Prompt: How does The Ecstasy of Saint Cecilia explain its Abstract?Please output in Italian.

1514
Bologna
Giovan Francesco Penni
Haarlem
Marcantonio Raimondi
Museo Teylers


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Basci-buzuk

Prompt: How does Bashi-Bazouk (Jean-Léon Gérôme) explain its External links?Please output in Italian.


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Allegoria

Un dipinto dalla complessa allegoria: Apoteosi dei soldati francesi caduti nella guerra di liberazione,  llegoria è una figura retorica, già usata nell'antichità classica, con la quale si esprime un concetto astratto nascondendolo dietro un'immagine,  un'azione o una cosa che sembra dire altro.Il termine deriva , con il significato di 'dire qualcosa di bello e diverso dal senso letterale'.

Prompt: In Allegory (Filippino Lippi), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: In Lamentation (The Mourning of Christ), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Aerostato

I palloni aerostatici sono impiegati attualmente soprattutto per missioni scientifiche di tipo astronomico e meteorologico. L'utilizzo in astronomia permette di eliminare almeno parzialmente l'influsso deleterio dell'atmosfera sulla qualità delle osservazioni. Per alcune bande spettrali inaccessibili da terra, ad esempio l'ultravioletto, l'uso di un pallone può essere sufficiente a tale scopo senza che sia necessaria una missione satellitare, significativamente più dispendiosa.Gli aerostati giocarono anche un ruolo chiave nelle prime esperienze che misero in luce l'esistenza dei raggi cosmici e ne studiarono l'intensità in funzione dell'altitudine portando in quota strumenti quali elettroscopi, lastre fotografiche e contatori di vario genere.Da non sottovalutare è anche l'utilizzo in campo archeologico. Infatti questi palloni possono essere utilizzati per la fotografia a bassa quota di siti e aree di interesse archeologico.

Prompt: In the context of Balloon (Merse), explain the Scientific activity and the Use aerostats.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Il suo secondo nome contribuì sempre ad attirare curiosità. Egli diceva che suo padre aveva "avuto un momento di stravaganza quando aveva preso la decisione di affibbiargli il nome del grande capo Shawnee, Tecumseh".Secondo una biografia del 1932 sul generale, da bambino Sherman sarebbe stato chiamato semplicemente "Tecumseh". Egli avrebbe acquisito il nome "William" solo dopo essere stato accolto nella famiglia Ewing. madre adottiva Maria Willis Boyle Ewing era di origini irlandesi e fervente cattolica.Secondo un aneddoto, Sherman sarebbe stato battezzato, forse il 25 giugno, nella casa di Ewing da un domenicano di origine italiana, che lo chiamò "William" in onore del santo del giorno.Sherman scrisse nelle sue memorie che il padre lo aveva chiamato "William Tecumseh" e di essere stato battezzato così, appena nato, da un pastore presbiteriano. Da adulto firmò tutta la sua corrispondenza, anche quella privata con la moglie, "W.T. Sherman". I suoi amici più stretti e la famiglia lo chiamavano sempre col soprannome di "Cump".

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Name baptism and the Strategy.Please output in Italian.


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La tomba di Hutten

tomba di Hutten  è un dipinto di Caspar David Friedrich realizzato nel 1823-1824. L'opera è esposta nel castello della città di Weimar, che a sua volta rientra nell'istituzione culturale Klassik Stiftung Weimar.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Hutten's Grave.Please output in Italian.

Caspar David Friedrich
Klassik Stiftung Weimar
Weimar


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Resa di Breda

Per comprendere il lavoro di Velázquez da un punto di vista storico, bisogna tornare a quello che stava accadendo dalla fine del XVI secolo e l'inizio del XVII. I Paesi Bassi  furono immersi nella guerra degli ottant'anni o nella guerra delle Fiandre, in cui combatterono per l'indipendenza dalla Spagna. Nel 1590, con Maurice de Nassau-Orange  come cittadino delle Province Unite dei Paesi Bassi, la città di Breda fu presa dagli olandesi.  tregua di dodici anni mantenne il paese calmo tra il 1609 e il 1621. Quando il re di Spagna Filippo IV salì al trono nel 1621, la tregua cessò e la guerra riprese. L'intenzione di Felipe IV era quella di recuperare quel posto importante da cui si poteva fare manovra per altre conquiste. Velázquez è stato anche ispirato da alcuni passaggi della commedia El sitio de Breda, di Calderón de la Barca.

Prompt: In The Surrender of Breda, how is the Historical context discussed?Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

Un'ulteriore copia è la statua che venne posta il 17 settembre 1972 nel lago Palù, in Val Malenco, in modo da contrastare lo svuotamento indiscriminato del bacino idrico.

Prompt: Explain the The shores of Lake Palù about the Reproductions of this artwork, Christ of the Abyss.Please output in Italian.


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Ritratto di Sigismondo Pandolfo Malatesta

Prompt: Focus on Portrait of Sigismondo Pandolfo Malatesta and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Tuttomondo

</ref>Keith Haring, 19 giugno 1989}}Tuttomondo è un grande murale realizzato da Keith Haring nel 1989 sulla parete esterna della canonica della chiesa di Sant'Antonio Abate a Pisa. superficie della parete misura circa 180 metri quadri ; si tratta dell'ultima opera pubblica dell'artista statunitense prima della sua morte, nonché l'unica pensata per essere permanente.

Prompt: In Tuttomondo, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Vocazione dei primi apostoli

Nel 1481, su suggerimento di Lorenzo il Magnifico, un gruppo di artisti fiorentini venne convocato a Roma da papa Sisto IV per eseguire gli affreschi del grandioso progetto della Cappella Sistina, suggellando inoltre la riconciliazione del papa con Firenze e i Medici. Con Ghirlandaio partirono Sandro Botticelli, Cosimo Rosselli e il Perugino, ormai fiorentino d'adozione, che forse si trovava però già a Roma. Ciascun artista era seguito da un cospicuo numero di aiuti, tra cui anche artisti che si sarebbero affermati di lì a poco, come Luca Signorelli, il Pinturicchio, Filippino Lippi, Piero di Cosimo. Il tema degli affreschi era una celebrazione del papato attraverso le Storie di Mosè e le Storie di Cristo, messe in parallelismo per sottolineare la continuità del messaggio divino, che dalla legge giudaica viene ripreso nella figura di Cristo e da questi trasmessa a Pietro e quindi ai pontefici suoi successori. L'impresa, per quanto riguarda il primo gruppo di pittori, venne portata a termine rapidamente, nel 1482.A Ghirlandaio vennero affidati due affreschi, la Vocazione degli apostoli e la Resurrezione, quest'ultima molto danneggiata già ai tempi di Vasari e in seguito ridipinta nel tardo XVI secolo. Incerta è invece l'attribuzione del Passaggio del Mar Rosso. Inoltre gli artisti dipinsero la serie dei primi trenta papi sopra i riquadri delle grandi storie di Mosè e di Gesù, alcuni dei quali sono attribuiti al Ghirlandaio, ma le successive ridipinture permettono solo valutazioni generali.

Prompt: How does Vocation of the Apostles explain its History?Please output in Italian.

1481
1482
Cappella Sistina
Cosimo Rosselli
Filippino Lippi
Firenze
Luca Signorelli
Medici
Perugino
Piero di Cosimo
Perugino
Pinturicchio
Sandro Botticelli


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Monumento a Giordano Bruno

Subito dopo l'inaugurazione, papa Leone XIII rimase l'intero giorno digiuno e inginocchiato davanti alla statua di San Pietro, pregando contro «la lotta ad oltranza contro la religione cattolica». Poco prima dell'inaugurazione, il papa minacciò di abbandonare Roma per rifugiarsi in Austria qualora la statua fosse stata scoperta al pubblico. Crispi avrebbe fatto rispondere al papa: «Se Sua Santità dovesse andare via dall'Italia non potrà più tornare».  Chiesa, comunque, non riuscì a digerire la questione e all'epoca dei Patti teranensi, siglati l'11 febbraio 1929 dal Presidente del Consiglio Benito Mussolini e papa Pio XI, i cattolici chiesero la rimozione della statua e l’erezione al suo posto di una cappella di espiazione al Sacro Cuore di Gesù. Mussolini però non accettò, probabilmente perché ricordava i disordini accaduti non molti anni prima; inoltre l'ideologo del fascismo, il filosofo Giovanni Gentile, era un estimatore di Bruno. Nonostante ciò comunque il dittatore garantì che non si sarebbero più tenute manifestazioni per commemorare Bruno e al riguardo pronunciò anche un discorso alla Camera dei deputati il 13 maggio 1929:Dopo la caduta del fascismo, gruppi di laici e di militanti presero a darsi appuntamento ogni 17 febbraio sotto la statua per ribadire l'ideale di lotta per libertà.

Prompt: Explain the After inauguration about the Description of this artwork, Monument to Giordano Bruno.Please output in Italian.

Benito Mussolini
Giovanni Gentile
Roma
Sacro Cuore di Gesù


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Les demoiselles d'Avignon

Il dipinto raffigura cinque prostitute in una casa di tolleranza situata nel Carrer d'Avinyó  a Barcellona, che Picasso frequentava. Picasso dipinse ciascun personaggio rappresentandolo simultaneamente da punti di vista differenti, privando la composizione di una veduta unitaria e cercando di riprodurre a livello bidimensionale una visione multipla degli individui e degli oggetti raffigurati. Infatti le cinque figure femminili sono liberamente disposte in uno spazio in cui gli essenziali volumi e i piani vengono incastrati uno nell'altro, scomposti in facce e ricomposti in modo bidimensionale sulla tela, creando così varie soluzioni spaziali. Picasso in questo momento comincia a concepire lo spazio in modo non più visivo, ma mentale, dando così inizio al processo di avviamento che di lì a poco condusse alla nascita dell'innovativa sintassi cubista, che avrebbe stravolto i canoni della tradizionale impostazione pittorica. L'artista attua una schematizzazione geometrica delle forme, definite da contorni spigolosi, con volti stilizzati, innaturali e sfigurati, corpi taglienti e lineamenti acuminati e asimmetrici. Si tratta di una composizione con personaggi contorti e scomposti, in cui i piani e gli oggetti sembrano ribaltarsi verso gli spettatori. In questa tela non vi è sfondo né illusione spaziale, alcune linee chiare e scure segnano i contorni di queste forme essenziali mediante uno stile sintetico.  stessa semplificazione è applicata anche per il tavolino in basso con sopra una natura morta di frutta e un tovagliolo. Picasso nella rappresentazione della scena rinuncia alla componente narrativa, infatti tranne il tavolino con natura morta in basso e la tenda rosa a sinistra, tutta l'attenzione è concentrata sui nudi femminili.Le ragazze sembrano essere inserite all'interno di una scena teatrale, per via della tenda-sipario sulla sinistra, rappresentate così come si pongono dinanzi ai clienti prima di essere scelte. Le fonti figurative che dimostrarono l'interesse dell'artista per il primitivismo nell'arte furono numerose: la ragazza sulla sinistra che scosta la tenda rosa ricorda le sculture primitiviste di Gauguin per il suo profilo esotico con l'occhio frontale e l'arte egizia per il suo profilo duro, le due al centro con i volti asimmetrici suggeriscono un riferimento all'arte iberica preromana, agli affreschi medievali della Catalogna, mentre la figura in alto a destra e quella in basso accovacciata, che nonostante sia posta di schiena volge lo sguardo in avanti, sono un chiaro rimando allo stile delle maschere tradizionali africane. Nel quadro si può notare, infatti, la conoscenza, la rivalutazione e l'influenza della cosiddetta "arte negra" da parte di Picasso, di moda in quegli anni a Parigi, e contraddistinta da un forte linguaggio espressivo conferito soprattutto dalla sintesi visiva tra le diverse parti della figura e con forme geometriche elementari estranee ai modelli classici.  semplificazione e la squadratura dei volumi rappresentano la sintesi formale della scultura africana. Lo spazio, attraverso il superamento della prospettiva classica, si solidifica annullando la differenza tra pieni e vuoti, tra personaggi e spazio, tramite la compenetrazione di figure e sfondo.  gamma cromatica si basa fondamentalmente su una tricromia, visto che i colori essendo variazioni degli ocra, dei rosa e dei blu, sono ridotti a tre. Il colore non è modulato da alcuna incidenza luminosa, ma nella stesura segue l'inclinazione dei piani.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Les Demoiselles d'Avignon.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Nei ghetti in cui la popolazione ebraica fu progressivamente confinata dai nazisti dopo l'inizio della seconda guerra mondiale, i bambini  furono i primi a soccombere, a causa della fame, delle malattie e delle durissime condizioni di vita. Le immagini giunteci dai ghetti della Polonia ci mostrano le strade piene di bambini denutriti, malati o morenti, una realtà che i Diari dell'Olocausto scritti da bambini nei ghetti esprimono in maniera drammatica. Fino all'ultimo i genitori e gli educatori cercarono di garantire ai bambini un'apparenza di normalità, attraverso l'organizzazione di attività scolastiche, culturali e ricreative. Ogni tentativo da parte delle autorità ebraiche di autogoverno, di organizzazioni politiche e filantropiche e di singoli individui fu però presto sopraffatto di fronte alle tragiche dimensioni dei problemi e alla mancanza di cibo e di risorse. E quando cominciarono le deportazioni i bambini furono i primi a partire per i campi di sterminio, a cominciare dai numerosi bambini ospitati negli orfanotrofi. Nel ghetto di Lublino essi furono uccisi a colpi di mitragliatrice e sepolti in una fossa comune già nell'aprile 1942. Anche i bambini dell'orfanotrofio di Varsavia furono nell'agosto 1942 tra le prime vittime della liquidazione del ghetto con uno speciale trasporto al Treblinka; il direttore, il famoso pedagogo Janusz Korczak non volle abbandonarli e condivise con loro lo stesso destino di morte. Lo stesso destino fu riservato agli orfani del ghetto di Cracovia inviati il 28 ottobre 1942 a morire al campo di sterminio di Bełżec. Presto non si fece alcuna differenza tra orfani o meno. Emblematico fra tutti è il caso del ghetto di Łódź dove nel settembre 1942 la  sopravvivenza degli adulti fu garantita a condizione del sacrificio di tutti i bambini di età inferiore ai 10 anni e degli anziani.Anche per i bambini che in qualche modo riuscissero almeno temporaneamente a sfuggire ai rastrellamenti e alle deportazioni, ciò significava il più delle volte trovarsi in una condizione disperata, abbandonati a se stessi, senza più il supporto di familiari o amici. Sono i sentimenti che il quattordicenne Abram Bajler esprime in una cartolina postale che il 24 aprile 1942 riesce ad inviare dal ghetto di Zamość rispondendo a chi gli chiedeva notizie di un suo zio.:Zamość, 24 aprile 1942. Mio zio non è più a Zamość. Sono già passate due settimane da quando ha lasciato la città insieme al resto della nostra famiglia. Per ora non sappiamo dove siano. Sono stato lasciato con mio fratello minore perché all'epoca eravamo al lavoro. Provate a immaginare la nostra situazione con me stesso, un ragazzo di 14 anni lasciato solo senza cure o supervisione, e reso responsabile del benessere del mio fratellino; ma in qualche modo ci riusciamo, perché non abbiamo scelta. Dobbiamo accettare ciò che ci viene dato.L'accanimento dei nazisti contro i bambini non si allentò neppure quando fu chiaro che la guerra era perduta. A Theresienstadt , il "ghetto modello" a lungo usato dai nazisti a scopo propagandistico, per qualche tempo i bambini poterono godere di condizioni di vita migliori. Fu tollerato che essi frequentassero programmi scolastici, dove i loro insegnanti  li incoraggiarono a praticare le arti e la musica. Nel 1943-44 Friedl Dicker-Brandeis diresse un programma d'arte per bambini, i cui oltre 4000 disegni sono oggi esposti all'ammirazione dei visitatori alla Sinagoga Pinkas nel Quartiere-Museo ebraico di Praga. Il 23 settembre 1943 i bambini di Terezín misero in scena l'opera Brundibar di Hans Krása, di cui fu protagonista il tredicenne Honza Treichlinger; nei mesi successivi l'opera conobbe un totale di ben 55 repliche. A 14 anni Petr Ginz fondò e diresse dal 1942 al 1944 una rivista autogestita per bambini, Vadem, che è una delle più straordinarie produzioni letterarie di Terezín.  percentuale di mortalità tra i 15.000 bambini di Terezín non fu inferiore che altrove: ben oltre il 90% di essi sotto i 16 anni perì nell'Olocausto, inclusi la maggior parte degli autori dei disegni, degli interpreti dell'opera Brundibar e dei lettori e collaboratori di Vadem. Essi continuarono ad affollare gli ultimi treni della morte in partenza per Auschwitz nel settembre-ottobre 1944.

Prompt: Describe the characteristics of the Life death spaghetti in Children in the Holocaust's Inappropriate for children.Please output in Italian.

Brundibar
Cracovia
Diari dell'Olocausto
Friedl Dicker-Brandeis
Hans Krása
Honza Treichlinger
Janusz Korczak
Olocausto


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Apollo di Veio

Fu rinvenuto quasi integro nel 1916, negli scavi di Giulio Quirino Giglioli  del Santuario di Portonaccio presso Veio. Alto circa 1,80 m, faceva parte delle sculture in terracotta in dimensioni naturali, modellate tra il 510 e il 490 a.C., che ornavano il colmo del tetto del tempio tuscanico dedicato a Minerva, a circa 12 m di altezza. Insieme alla statua fu trovato anche il piedistallo a sella su cui essa poggiava.Insieme all'Apollo fu rinvenuta la parte inferiore di una statua di "Ercole con la cerva", il cui torso venne riportato alla luce nel 1944 e un frammento della testa nel 1949, e un frammento con la testa di una statua di Hermes. Le tre sculture formavano un gruppo raffigurante la contesa tra Apollo ed Ercole per il possesso della cerva cerinite dalle corna d'oro, sacra ad Artemide. Un'altra statua che apparteneva anch'essa alla decorazione del santuario, ma è forse di mano diversa, rappresenta tona con in braccio Apollo bambino, nell'atto di tirare frecce al serpente Pitone. È curata nei minimi dettagli, a testimonianza dell'abilità artistica di Vulca.Negli anni venti la statua fu restaurata una prima volta mediante l'assemblaggio delle parti e il risarcimento di alcune lacune.Un nuovo importante intervento di restauro conservativo è stato effettuato negli anni 2002-2004 a cura della Soprintendenza Archeologica dell'Etruria Meridionale.

Prompt: Focus on Apollo of Veii and explain the History.Please output in Italian.


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Il parasole

Il parasole è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1777 e conservato al museo del Prado di Madrid.

Prompt: How does The Parasol explain its Abstract?Please output in Italian.


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Annunciazione di San Giovanni Valdarno

Nel 1432 un documento testimonia come l'Angelico stesse lavorando a un'Annunciazione per la chiesa di Sant'Alessandro a Brescia, della quale non resta alcun'altra traccia. Poiché pochi anni dopo la medesima chiesa commissionava un'altra pala dell'Annunciazione, questa volta al veneziano Jacopo Bellini , si è ipotizzato che l'opera a cui l'Angelico lavorava non arrivasse mai a Brescia e che, per motivi sconosciuti, prendesse altre strade. Alcuni hanno ipotizzato che tale opera sia l'Annunciazione di Cortona, altri quella di San Giovanni.Non è sicuro che l'opera fosse destinata in origine alla chiesa francescana di Montecarlo presso San Giovanni, terminata nel 1438, ma qui restò fino alla fine del XX secolo. Non tutta la critica è concorde sull'autografia e sulla collocazione nel percorso artistico dell'Angelico. Alcuni vi leggono un'influenza delle opere di Filippo Lippi.

Prompt: How does Annunciation of San Giovanni Valdarno explain its History?Please output in Italian.

1432
1438
Annunciazione
Annunciazione di Cortona
Brescia
Filippo Lippi
Jacopo Bellini


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: In Lamentation (The Mourning of Christ), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Trionfo della Morte

Trionfo della Morte di Buffalmacco nel Camposanto di Pisa Trionfo della Morte di Palazzo Abatellis a Palermo Oratorio dei Disciplini a Clusone  Il trionfo della Morte di Pieter Bruegel il Vecchio

Prompt: How does The Triumph of Death explain its Examples?Please output in Italian.

Clusone
Morte
Palazzo Abatellis
Palermo
Pieter Bruegel il Vecchio


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Pia de' Tolomei

Prompt: In Pia de' Tolomei (Rossetti), how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Lampadario Hezilo

L'idea del lampadario è l'immagine di una città galleggiante: secondo l'iscrizione, la Gerusalemme celeste come meta dell'antica e della nuova alleanza, profumata del profumo delle virtù, popolata dai santi, illuminata da Dio stesso, la fonte di tutta la luce. Il modello del lampadario a ruota è derivato dal grande lampadario sopra il Golgota della basilica del Santo Sepolcro di Gerusalemme. Gli elementi islamici che si possono trovare negli ornamenti del lampadario Hezilo portano anche un riferimento diretto a Gerusalemme. Il lampadario Hezilo è stato fino al XIX secolo il centro liturgico della cattedrale: le funzioni si tenevano sotto la sua corona illuminata e la sua posizione segnava la fine e la meta delle grandi processioni del capitolo della cattedrale, la domenica e nei giorni festivi. Il lampadario Hezilo fungeva anche da Rechtssymbol, ossia un simbolo, un punto di riferimento per lo svolgimento di azioni legali: le violazioni della sovranità della diocesi furono risolte solennemente sotto di lui.

Prompt: In Hezilo chandelier, how is the Meaning symbolism discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: How does Self-Portrait (Chassériau) explain its The self-portrait in ancient art?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Cento vedute famose di Edo

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 . Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō  e crearono uno Stato centralizzato.  capitale fu fissata ad , l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km².  città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese  sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione .

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Edo of the Evolution Hiroshige work explained?Please output in Italian.


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Caccia al leone

Caccia al leone dei  Empikas  pianifica in anticipo una caccia al leone in segreto. Solo i guerrieri possono conoscere il giorno della caccia. Il segreto è considerato così importante che a Ilbarnot  della stessa età vengono negate le informazioni sulla caccia, a causa del timore dei guerrieri più anziani di essere scoperti da gruppi anti-caccia. Se un guerriero viene ritenuto colpevole di aver diffuso voci, viene punito picchiando. Inoltre, il guerriero colpevole sarà disprezzato durante tutto il ciclo della sua età.

Prompt: Describe the characteristics of the Group hunting in The Lion Hunt (Delacroix)'s History.Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

quarta tavola mostra lAscesa all'Empireo, in cui una serie di anime nude, trasportate da coppie di angeli, vengono condotte verso un tunnel con in fondo una grande luce, quella del Paradiso. Si tratta di un'invenzione di grande efficacia, resa con la semplice giustapposizione di cerchi non concentrici scalati nella tonalità dal blu più scuro all'azzurro chiaro, forse ispirata a miniature tardo-medievali. Le anime appaiono come attratte e risucchiate dalla luce e dal colore, presentandosi in ginocchio e senza peso verso il varco, con un andamento ascendente a zig-zag di notevole efficacia. In fondo al tunnel le aspetta un personaggio, forse un angelo o san Pietro, immerso nella luce assoluta.

Prompt: Explain the Ascent to the Empyrean about the Description and style of this artwork, Ascent of the Blessed.Please output in Italian.


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Maestà del Louvre

Eugenio Battisti, Cimabue, Milano, Istituto Editoriale Italiano, 1963. Enio Sindona, Cimabue e il momento figurativo pregiottesco, Rizzoli Editore, Milano, 1975.  Luciano Bellosi, Cimabue, Milano, Federico Motta Editore, 2004. ISBN 88-7179-452-4

Prompt: Focus on Maestà (Cimabue) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Allegoria della Prudenza

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo  espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland.  luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto  diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA ACTIONE DETVRPET .Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio : «Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo.  popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta  degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili , negli Emblemata di Andrea Alciati  ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda lAllegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata  per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano , opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa , ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con lAutoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso.  funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky,  hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto lIdea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Prompt: In Allegory of Prudence, how is the Aletterfromthepainting discussed?Please output in Italian.

1926
Allegoria
Apollo
Aristotele
Cesare Ripa
Convivio
Edipo
Egitto
Emblema
Emblemata
Erwin Panofsky
Giulio Camillo Delminio
Hans Holbein il Giovane
Hypnerotomachia Poliphili
Pierio Valeriano
Serapide
Sfinge
Umanesimo
XVI secolo