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The Floating Piers

Nel 1969, lo storico dell'arte argentino Jorge Romero Brest, in un incontro avuto a New York, suggerì a Christo e Jeanne-Claude di realizzare un progetto in Argentina.  coppia propose di costruire Wrapped Inflated Piers, un pontile lungo 2 chilometri sul delta del Río de la Plata a Buenos Aires, costituito da elementi gonfiati con aria e ricoperti da tessuto, un progetto che non fu mai eseguito.Nel 1996 Christo e Jeanne-Claude proposero The Daiba Project, un sistema di pontili galleggianti che avrebbe dovuto collegare l'Odaiba Park a due isole artificiali nella baia di Tokyo. Non avendo ottenuto i permessi necessari, l'opera non fu realizzata.Nell'aprile del 2014, vedendo che Over the River e The Mastaba stavano richiedendo più tempo del previsto, Christo decise di occuparsi di un progetto da realizzare in breve tempo. Dopo aver analizzato più possibilità, decise di riprendere il tema del pontile galleggiante e riproporlo in Italia. Fra la primavera e l'estate del 2014, Christo, Vladimir Yavachev , Wolfgang Wolz , Germano Celant  e Josy Kraft , hanno fatto una ricognizione sui laghi del Nord Italia alla ricerca dello scenario più suggestivo per la realizzazione del progetto. presenza di Monte Isola e dell'Isola di San Paolo rendeva il lago d'Iseo il luogo ideale per installare The Floating Piers. L'opera avrebbe collegato il comune di Sulzano sulla terraferma a Peschiera Maraglio su Monte Isola e da lì altri due ramificazioni avrebbero congiunto Monte Isola all'Isola di San Paolo.

Prompt: Explain the Premises of this artwork, The Floating Piers.Please output in Italian.

2014
Argentina
Buenos Aires
Christo e Jeanne-Claude
Germano Celant
Isola
Italia
Jorge Romero Brest
Monte Isola
Peschiera Maraglio
Río de la Plata
Sulzano


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Madonna di Darmstadt

Madonna di Darmstadt  è un dipinto di Hans Holbein il Giovane del 1526-28.L'opera, completata a Basilea, mostra la figura del borgomastro di Basilea, Jakob Meyer zum Hasen, la sua prima moglie , la sua moglie attuale e le sue figlie attorno ad una composizione di Madonna con Bambino. Il significato delle due altre figure maschili presenti a sinistra, come del resto l'iconografia generale del dipinto, non appaiono ancora oggi interamente chiare. L'immagine testimonia l'assoluta fede cattolica del borgomastro, apertamente opposto alla Riforma protestante.Il dipinto di Holbein fu certamente influenzato dalla pittura religiosa rinascimentale italiana, con elementi tipici della ritrattistica olandese dell'epoca. Già collocata a Darmstadt, da cui il nome, l'opera venne temporaneamente prestata allo Städelschen Kunstinstitut di Francoforte sul Meno dal 2004 al 2011. Dal 2012 si trova nella Johanniterkirche di Schwäbisch Hall.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1526
Basilea
Darmstadt
Francoforte sul Meno
Hans Holbein il Giovane
Jakob Meyer zum Hasen
Riforma protestante
Schwäbisch Hall


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Tristezza

tristezza è un'esperienza comune nell'infanzia. Alcune famiglie possono avere una regola  secondo cui la tristezza è "non permessa", ma Robin Skynner ha suggerito che ciò potrebbe causare problemi, sostenendo che con la tristezza "cancellata", le persone possono diventare superficiali e maniacali. Il pediatra T. Berry Brazelton suggerisce che riconoscere la tristezza può rendere più facile per le famiglie affrontare problemi emotivi più gravi. tristezza fa parte del normale processo del bambino che si separa da una prima simbiosi con la madre e diventa più indipendente. Ogni volta che un bambino si separa un po' di più, lui o lei dovrà far fronte a una piccola perdita. Se la madre non può permettere che l'angoscia minore sia coinvolta, il bambino non può mai imparare come affrontare la tristezza da solo.Margaret Mahler ha visto la capacità di provare tristezza come un risultato emotivo, in contrasto, ad esempio, con l'iperattività irrequieta. Donald Winnicott ha visto similmente nel triste pianto la radice psicologica di preziose esperienze musicali nella vita successiva.

Prompt: Focus on The Sorrows of the King and explain the In childhood.Please output in Italian.

Donald Winnicott
Margaret Mahler
Robin Skynner
T. Berry Brazelton


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Violante

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Violante (Titian).Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: Describe the characteristics of the Italy in Epifania's Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Epifania

In Brasile il giorno si chiama Dia dos Reis , mentre nel resto dell'America tina Día de Reyes e commemora l'arrivo dei Magi per adorare Gesù Bambino.  notte dal 5 è conosciuta come "Notte dei Re"  ed è festeggiata con musica, dolci e piatti regionali. Il 6 gennaio le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: Explain the Brazil about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è molto venerata ad Avellino e viene festeggiata i giorni 1 e 2 luglio.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Avellino and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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San Girolamo

Il Martirologio romano ricorda san Girolamo il 30 settembre.Per la sua attività di traduttore della Bibbia viene considerato santo protettore dei traduttori e per i suoi studi legati all'antichità è considerato il patrono degli archeologi.Numerose chiese storiche sono state dedicate a san Girolamo. Vari ordini religiosi e congregazioni si sono ispirati esplicitamente al santo. Tra questi: Gesuati, sorti a metà del XIV secolo come fraternità di laici ispirata alla spiritualità del santo : trasformatisi in congregazione religiosa nel 1606  e soppressi da papa Clemente IX nel 1668. Eremiti di San Girolamo, congregazione religiosa attiva tra il 1405 e il 1668. Congregazione dei Gerolimini, fondata da Pietro Gambacorta e Nicola da Forca Palena agli inizi del XV secolo e soppressa da Pio XI nel 1933. Ordine di San Girolamo , ordine monastico tuttora esistente. figura di san Girolamo fu commemorata da papa Benedetto XV con l'enciclica Spiritus Paraclitus, scritta il 15 settembre 1920 in occasione del XV centenario della morte. presunta reliquia del suo cranio si conserva all'interno del Duomo di Nepi.

Prompt: Explain the Worship. of this artwork, St. Jerome in the Wilderness (Mantegna).Please output in Italian.

1405
1606
1668
1920
1933
30 settembre
Bibbia
Duomo di Nepi
Eremiti di San Girolamo
Gesuati
IV secolo
Nicola da Forca Palena
Ordine di San Girolamo
Pietro Gambacorta
Spiritus Paraclitus
XIV secolo


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Sentiero di notte in Provenza

Secondo Kathleen Powers Erikson, Vincent Van Gogh potrebbe essere stato consapevole di essere prossimo alla morte. Per questo potrebbe aver dipinto la stella della sera e la Luna crescente in quanto simboli del vecchio e del nuovo che vengono separati dall'Obelisco della morte: il cipresso. Naomi Maurer, che concorda parzialmente con l'ipotesi prima citata, aggiunge che l'autore potrebbe aver rappresentato la vita degli uomini, identificabile con coppia di viandanti, "nel contesto dell'infinito e dell'eternità".  Luna crescente e la stella della sera potrebbero essere definite, invece, come il volto di un "Universo senziente e pieno di amore" che guarda alla Terra ed ai suoi abitanti dando a loro ed ai loro sentimenti una "Prospettiva cosmica" della vita.

Prompt: Describe the characteristics of the Meaning in Road with Cypress and Star's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The influence of photography and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Cristo dodicenne tra i dottori

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: In Christ Among the Doctors (Dürer), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna Gualino

L'opera non è firmata dall'artista. Né esistono documenti scritti che aiutano a farla risalire a Duccio di Buoninsegna. Attribuita per anni a Cimabue, la prima attribuzione a Duccio fu di Gustave Soulier, poi sostenuta da Roberto Longhi, Carlo Volpe, Ferdinando Bologna, Miklos Boskovitz, Luciano Bellosi. L'attribuzione a Duccio è basata su pochi ma significativi dettagli presenti sull'opera, quali il naso a patatina del Bambino, la fitta fasciatura a crisografie della veste di Maria, l'uso dei colori di derivazione senese . Tale attribuzione trova oggi il consenso unanime degli studiosi. tavola è di impostazione e stile tipicamente cimabueschi, a tal punto che fu attribuita a lungo al maestro fiorentino. Ciò fa risalire il dipinto ai primi anni di attività del pittore senese, quando questi non aveva ancora uno stile autonomo e seguiva quasi alla lettera i dettami del maestro Cimabue.  tavola non possiede ancora la gentilezza nel volto della Maestà Rucellai dello stesso Duccio . Non vi compare neppure nessuna delle caratteristiche gotiche della Maestà Rucellai, quali il trono con bifore gotiche o il bordo dorato del manto della Vergine, confermando una datazione precedente al 1285. Le pieghe del manto che copre la testa della Madonna si dispongono secondo cerchi concentrici, una disposizione che risulta ammorbidita nella Maestà Rucellai. Il volto della Madonna non ha neppure la dolcezza della Madonna di Crevole , per cui si tende a collocarla in un periodo molto precoce dell'attività dell'artista senese, intorno al 1280-1283. Di fatto è ritenuta la prima opera di Duccio tra quelle che appartengono stabilmente al suo catalogo.

Prompt: In Gualino Madonna, how is the Attribution dating of the History explained?Please output in Italian.


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Persefone

Nella tradizione orfica e in quella dei misteri eleusini, Persefone è madre di alcuni figli, in genere avuti da Zeus, ma in qualche caso anche dal marito Ade ; in tali tradizioni i figli di Persefone sono Dioniso, Iacco, Melinoe, Zagreo, e in alcune versioni Pluto e le Erinni.

Prompt: In Proserpine (Rossetti), how is the Children of Persephone of the Persephone'smyth explained?Please output in Italian.

Dioniso Erinni Iacco Melinoe Persefone Zagreo Zeus


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Musica

Queste innovazioni in campo tonale vennero radicalmente modificati dalla musica del XX secolo, che esplorò le nuove forme dell'atonalità. Con questa tecnica il singolo compositore definì autonomamente le regole per la realizzazione del brano, dando maggiore importanza all'effetto prodotto dai suoni piuttosto che alla loro appartenenza ad un assegnato sistema tonale: per apprezzare un brano di musica composto secondo questi canoni, però, il solo ascolto non è sufficiente, ma deve essere integrato da un attento studio dello spartito.upright=0.8In particolare, nel secondo decennio Arnold Schönberg, assieme agli allievi, tra cui ricordiamo Alban Berg e Anton Webern, giunse a delineare un nuovo sistema, la dodecafonia, basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio della musica contemporanea, spesso identificata con la musica d'avanguardia: altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo, il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage.Altri musicisti - fra cui anche Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri. Igor' Fëdorovič Stravinskij dopo un primo periodo di ispirazione russa, si accostò al Neoclassicismo e quindi alla musica seriale.A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni , lo studio della teoria musicale, lo studio pratico, la musicologia, l'etnomusicologia, lo studio della storia della musica.

Prompt: Describe the characteristics of the Modern contemporary music in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.

Alban Berg
Anton Webern
Arnold Schönberg
Béla Bartók
Igor' Fëdorovič Stravinskij
John Cage
Maurice Ravel
Pierre Boulez
XX secolo


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: How does Christ on the Cross (Zurbarán) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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I Musici

Antonio Vivaldi: Four Seasons, con Federico Agostini

Prompt: Explain the Video of this artwork, The Musicians (Caravaggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Portrait of a Man in Red Chalk's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

leftGéricault fu affascinato dai racconti del tragico naufragio e capì ben presto come la messa su tela dell'avvenimento avrebbe potuto costituire l'opportunità di affermare la sua reputazione come pittore. All'inizio del 1818, incontrò i sopravvissuti Henri Savigny e Alexandre Corréard, i quali fornirono la descrizione emotiva della loro esperienza, ispirando l'intenso tono tragico del dipinto. vorò a fianco di Corréard, Savigny e il falegname della Medusa, villette, per costruire un dettagliato modello in scala della zattera, usata come modello dal vero nella fase finale. Tra i momenti presi in considerazione ci fu l'ammutinamento contro gli ufficiali il secondo giorno sulla zattera, le scene di cannibalismo e il salvataggio finale. Infine, Géricault scelse di rappresentare l'episodio finale, in cui i sopravvissuti vedono all'orizzonte una nave.

Prompt: In The Raft of the Medusa, how is the Research, studies, preparatory of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Annunciazione di palazzo Barberini

Vergine, perno della composizione, è al centro della scena, secondo una composizione replicata poi dal Lippi in numerose varianti. Essa, incorniciata da un arco che si apre su un paesaggio esterno, sta ricevendo dall'Angelo inginocchiato l'omaggio del giglio bianco, simbolo della sua purezza.  sua figura è collocata in posizione rialzata su un gradino, davanti a uno scranno dove stava dedicandosi alla lettura, con il libro aperto appoggiato sopra, simbolo teologico delle Scritture che si avverano col suo atto di accettazione. In basso a destra, inginocchiati oltre la continuazione della balaustra, stanno i due committenti che gesticolano, raffigurati a dimensione naturale  ed abbigliati secondo la moda dell'epoca.Più complesso è lo sfondo, dove si vede un ambiente tripartito da archi, un richiamo alla tradizionale forma dei trittici. A sinistra si trova il letto, fortemente scorciato in grandangolo, come nei pittori fiamminghi, al centro l'arco e a destra si intravede una scaletta dove due donne si stanno affannando a salire o a scendere.Il dipinto presenta alcune incertezze nella prospettiva e nelle figure accessorie, per cui ha fatto pensare all'intervento di aiuti di bottega. L'elemento dominante è in questo caso il colore e la ricca ornamentazione, che ricorda le Annunciazioni di Beato Angelico degli anni trenta, pure impostate a una preziosità esteriore retaggio della tradizione tardogotica.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Annunciation with Two Kneeling Donors.Please output in Italian.


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Crocifisso di Santa Maria Novella

Il Crocifisso di Santa Maria Novella è una delle croci sagomate  di Giotto, databile al 1290-1295 circa e conservato nella navata centrale della basilica di Santa Maria Novella a Firenze. Si tratta di una delle prime opere note nel catalogo dell'artista, allora circa ventenne.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Giotto's Crucifix at Santa Maria Novella.Please output in Italian.


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Assunta Passerini

Rispetto alla prima versione furono poche le varianti, legate soprattutto a un diverso sfondo, scuro anziché paesistico, alla diversa posizione di Maria e degli angeli attorno a lei, alla sostituzione dell'apostolo inginocchiato a destra con la beata Margherita da Cortona  e protettrice della committente; l'apostolo a sinistra venne invece trasformato in un san Nicola, patrono del padre o del figlio morto della committente. figura di Maria, protesa verso lo spettatore e in atteggiamento di preghiera, mostra una migliore padronanza dei virtuosismi visivi, con la proiezione della nuvola retta dagli angeli in avanti, anziché in alto come di consueto. A quell'epoca il pittore era già sposato, per cui, come ricorda Vasari, sua moglie si prestò spesso da modella, infatti il suo ritratto appare nel volto di Maria.Più forti sono i contrasti di colori, coi panneggi che si accendono di tonalità forti e cangianti, e una pieghettatura di sapore nordico, derivata dall'esempio delle stampe di Dürer. Maggiormente complessa è inoltre la componente luminosa: al posto dei mezzi toni dello sfumato l'artista fece qui risplendere una luce incidente sul cerchio dei santi, ponendoli sullo sfondo di una parete rocciosa appena visibile, che si chiude nel buio. Unendo chiarezza e penombra, sostanza e scioglimento, realtà e visione, vengono così suggerite alcune linee che saranno sviluppate dal barocco italiano nel XVII secolo.

Prompt: How does Passerini Assumption explain its Description and style?Please output in Italian.


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tomba di Giulio II

tomba di Giulio II, che in realtà è un cenotafio, è un progetto architettonico e scultoreo di Michelangelo Buonarroti che, nella sua versione definitiva ma ridotta, è collocato nella basilica di San Pietro in Vincoli a Roma. Lo scultore viene incaricato dal Papa stesso della costruzione del proprio monumento sepolcrale nel 1505, data che vede il rinvio dell'inizio dei lavori fino al 1544: in tutto questo periodo di "stallo artistico", Michelangelo vive una profonda sensazione di irrequietezza, delusione ed avvilimento, che fece seguito alla forte esaltazione del periodo romano del primo commissionamento. Lui stesso non esitò a riferirsi a questo progetto come la "tragedia della sepoltura", un autentico calvario che fino agli ultimi giorni della sua vita fu fonte di inesauribili accuse, tormenti e rimorsi. Scrisse il suo biografo ufficiale, Ascanio Condivi, che l'impresa gli arrecò «infiniti impacci, dispiaceri e travagli e, quel ch'è peggio, per la malizia di certi uomini, infamia, della quale appena dopo molti anni s'è purgato».Da un monumentale mausoleo a pianta rettangolare con più di quaranta statue  si finì per arrivare a un monumento addossato a una parete di una basilica secondaria romana , con appena sette statue di cui solo tre di Michelangelo e una sola  degna della sua fama: l'artista, ormai estenuato, avrebbe poi fatto scrivere al suo biografo che «questa sola statua è bastante a far onore alla sepoltura di Papa Giulio II».

Prompt: Focus on Tomb of Pope Julius II and explain the Abstract.Please output in Italian.

1505
Ascanio Condivi
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti
Papa Giulio II
Roma


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Cacciatori nella neve

Si tratta di una scena invernale, simbolo forse di dicembre/gennaio. In una pungente giornata in cui la neve ha coperto tutto il paesaggio, un gruppo di cacciatori in primo piano a sinistra si appresta a rientrare al villaggio coi cani al seguito e con qualche uccello come preda. Il loro passo è pesante e silenzioso. Uno dei tre trasporta una volpe uccisa, un altro un carniere contenente un bottino che si intuisce piuttosto esiguo.Attenta è l'analisi delle attività umane in questo periodo dell'anno: a sinistra alcuni contadini, davanti alla locanda Al cervo , stanno strinando il maiale appena ucciso; anche se l'animale non si vede, la circostanza è chiarita dalla presenza del mastello di legno usato durante la macellazione.L'osservatore è invitato a spaziare visualmente in direzione delle lontananze ghiacciate ed il cielo grigio-azzurro, immergendosi in una immobilità silenziosa, turbata appena dall'elegante volo dell'uccello nero che si staglia sulle cime innevate; si tratterebbe di un gheppio . discesa conduce lo sguardo in lontananza, verso la spianata ghiacciata dove piccole figure di adulti e bambini sono alle prese con giochi e corse su pattini e slittini. Lo sfondo è occupato da una distesa di campi resi candidi dalla neve, punteggiati da casolari e chiesette, che arrivano fino ai piedi delle montagne innevate, un elemento estraneo al paesaggio fiammingo, ma che Bruegel aveva visto anni prima in un viaggio in Italia, attraversando le Alpi. Al centro la pianura si estende a perdita d'occhio, fino alla riva marina, velata dai rami degli alberi in primo piano, spogli e carichi di neve.I colori dominanti sono freddi , perfetti per rendere il gelo dell'atmosfera invernale, e su di essi risaltano i dettagli di colore bruno, come i cacciatori e la muta dei cani, il cotto delle abitazioni, il fuoco a sinistra.L'opera fu dipinta verosimilmente durante il gelido inverno del 1564-65, ricordato dalle cronache come uno dei più rigidi della storia, con temperature polari in Russia, nelle Fiandre, in Germania ed in quasi tutta Europa.

Prompt: Focus on The Hunters in the Snow and explain the Description and style.Please output in Italian.


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La fattoria

Conduttrice: Barbara D'Urso - Inizio trasmissione: 16 marzo 2005 - Fine trasmissione: 29 maggio 2005 - Puntate: 12 - Giorni: 72 - Numero di partecipanti: 14 - Montepremi:  - Opinioniste: Barbara Alberti, Simona Izzo - Inviato: Pupo - Location: Itaipava  seconda edizione de  fattoria, è andata in onda dal 16 marzo al 29 maggio 2005 su Canale 5, con la conduzione di Barbara D'Urso, affiancata dalle opinioniste Barbara Alberti e Simona Izzo e con la partecipazione dell'inviato Pupo.I 14 concorrenti sono stati in Itaipava  per 72 giorni, e Raffaello Tonon vinse il montepremi finale di 200.000 euro.{ class="wikitable" style="text-align:center;"!Concorrente !!Età !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Raffaello Tonon 25 anni Personaggio TV  Italia Vincitore-Mal 61 anni Cantante  Regno Unito Secondo classificato-Patrizia Rossetti 45 anni Conduttrice TV  Italia Terza classificata-Giulia Montanarini 29 anni Showgirl  Italia Eliminata-Éva Henger 32 anni Showgirl, ex attrice pornografica  Ungheria Eliminata-Ugo Conti 49 anni Attore  Italia Eliminato-Marco Basile 30 anni Attore  Italia Eliminato-Clayton Norcross 50 anni Attore  Stati Uniti d'America Eliminato-Ramona Badescu 36 anni Showgirl  Romania Eliminata-Edoardo Costa 37 anni Attore  Italia Eliminato-Francesca Lodo 22 anni Modella, showgirl  Italia Eliminata-Francesco Benigno 37 anni Attore  Italia Eliminato-Cristel Carrisi 19 anni Cantautrice  Italia Ritirata-Jo Squillo 42 anni Cantante, conduttrice TV  Italia Espulsa}

Prompt: In the context of The Farm (Miró), explain the ''Thefarm2'' and the Editions.Please output in Italian.

2005
Barbara Alberti
Barbara D'Urso
Canale 5
Italia
Raffaello Tonon
Simona Izzo


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Venere, Cupido e Marte

Il Venere, Cupido e Marte è un dipinto olio su tela  di Luca Giordano databile al 1663 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.Il dipinto, di discreta fattura, non costituisce un'opera di primaria importanza del Giordano. L'artista napoletano, infatti, vede la sua vita artistica caratterizzata dall'altalenante qualità delle produzioni, queste ultime numerosissime e, molto probabilmente, di fattura dipendente dallo "spessore" del relativo committente. I contorni delle figure del dipinto risultano molto approssimative all'impaginazione della scena e la stessa risulta compressa e non perfettamente equilibrata. Inoltre la tela presenta punti di luce eccessivi che ne disarmonizzano la composizione.

Prompt: In Mars and Venus with Cupid, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1663
Luca Giordano
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


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Morte di Cleopatra

Un Dopo il primo triumvirato e l'assassinio di Giulio Cesare, avvenuto nel 44 a.C., i politici romani Ottaviano, Marco Antonio e Marco Emilio Lepido vennero eletti come triumviri per combattere gli assassini di Cesare, formando il secondo triumvirato. Dato che nel 36 a.C. Lepido finì per essere esautorato dalla vita politica e scelse di esiliarsi al Circeo, Ottaviano finì per controllare i territori romani in Europa occidentale, mentre Antonio governava quelli orientali. Cleopatra Tea Filopatore era la sovrana dell'Egitto tolemaico e aveva avuto una relazione con Giulio Cesare, dal quale ebbe Tolomeo XV, detto Cesarione. Dopo la morte di Cesare, Cleopatra iniziò una relazione con Antonio.Nel 32 a.C., incoraggiato da Cleopatra, Marco Antonio divorziò ufficialmente da Ottavia minore, la sorella di Ottaviano. Tale divorzio fu, insieme alla scoperta delle donazioni di Alessandria, uno dei fattori che spinsero il senato romano, ora sotto il controllo di Ottaviano, a dichiarare guerra alla regina del Nilo.Nel 31 a.C., dopo la disastrosa sconfitta nella battaglia navale di Azio, presso il golfo di Ambracia, Antonio e Cleopatra si ritirarono in Egitto per riprendersi e prepararsi per un eventuale assalto di Ottaviano, le cui forze erano aumentate di numero grazie alla resa di molti generali e soldati di Antonio in Grecia. Dopo un lungo periodo di diplomazia inutile, l'esercito di Ottaviano invase l'Egitto nella primavera dell'anno seguente. Dopo la conquista di Pelusio, ai confini orientali del regno dei Tolomei, da parte di Ottaviano, il suo generale Cornelio Gallo marciò da Cirene ed espugnò Paretonio, una città situata nell'Egitto occidentale. Anche se Antonio avrebbe potuto sconfiggere le truppe nemiche, che il 1 agosto del 30 a.C. avevano raggiunto l'ippodromo di Alessandria, la sua flotta e la sua cavalleria si unirono dalla parte di Ottaviano.

Prompt: Describe the characteristics of the Backgrounds in Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

30 a.C.
Cirene
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio
Marco Emilio Lepido
Ottavia minore
Pelusio
Tolomeo XV


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

L'ultima scena, quella di Parigi, fu pure ritoccata agli angoli superiori e in basso a sinistra. È composta in maniera completamente diversa, con un unico fronte di cavalieri che occupa l'intera scena, senza lo sfondo irreale e senza la griglia prospettica al suolo, anche perché si tratta dell'arrivo delle truppe di Michele Attendolo che non sono ancora in battaglia, quindi il pittore non poteva disporre di lance e corpi caduti per allinearli. Alcuni ipotizzano che questa scena sia stata realizzata in un secondo momento, ossia qualche anno più tardi. Storicamente l'intervento del condottiero fu decisivo: nonostante i primi successi dei fiorentini la battaglia infatti volgeva per essi ormai al peggio . composizione dei cavalieri è molto complessa, con un gioco di linee tra le lance issate per la battaglia, gli stendardi al vento e i corpi dei cavalli scalpitanti. Sebbene ne siano sparite le tracce, anche qui le armature dovevano sicuramente essere ricoperte dalla lamina d'argento, che creava un effetto a specchio, con effetti di riflessione che ricordassero il metallo vero e che aumentassero il senso di affascinante irrealtà della scena.

Prompt: In the context of The Battle of San Romano, explain the Decisive intervention of Michele Attendolo alongside the Florentines and the Description and style.Please output in Italian.

Michele Attendolo
Michele Attendolo
Parigi


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Veronese, Uffizi) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Focus on Self-portrait (van Dyck, Vienna) and explain the The Twentieth Century.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Vergine della Carità

Dovrebbe essere uno dei dipinti più importanti della composizione, dove El Greco cerca di esibire la virtù della Carità attraverso un'iconografia tradizionale medievale sulla Vergine della misericordia.  Al centro della composizione c'è l'imponente Maria Vergine apre il suo manto e protegge un gruppo di fedeli vestiti in gorgiera castigliano, seguendo la moda del tempo; essendo alcune di queste figure ritratti di cavalieri appartenenti alla nobiltà di Toledo del XVI secolo .  In questa tela vediamo che El Greco utilizza la sproporzione tipica del suo stile finale, tenuemente accusato perché questo dipinto è stato progettato per essere visto dal basso verso l'alto. Ora disponibile per gli occhi dello spettatore, sembra troppo sproporzionato, soprattutto il corpo di Maria con le gambe monumentali in primo piano che termina in una minuscola testa.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Virgin of Charity (El Greco).Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia e famiglia del Battista

Cappella funeraria di Andrea MantegnaMadonne di Andrea Mantegna

Prompt: Focus on The Holy Family and the Family of Saint John the Baptist and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Cappella funeraria di Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


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Filatrici

luce solare entra soffusa in una stanza disadorna in cui lavorano alcune filatrici.  scena ricorda da vicino i famosi Bodegones, genere nel quale Velázquez si era già cimentato in passato raggiungendo risultati d'eccellenza : ritroviamo le figure del popolo ed il contrasto tra questa semplice realtà, banale solo all'apparenza, ed una serie di richiami dotti ed allegorici tipici della pittura dello spagnolo.Tra le cinque donne della scena in primo piano, due sono quelle che catturano l'attenzione dell'osservatore raccontando la loro storia: la donna di sinistra, più anziana ed in penombra, aziona la ruota della spolatrice mentre, in fronte a lei, in piena luce, una giovane ragazza raccoglie il filo nell'aspa; gli sguardi delle due donne non si incontrano, sono concentrate sul loro lavoro entrambe in una posa plastica che ricorda in modo sensibile il particolare di un affresco che colpì davvero molto Velazquez durante una sua visita in Italia: l'affresco è quello che rende unica la Cappella Sistina e nello specifico il riferimento è agli Ignudi .

Prompt: Explain the Close-up scene about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Las Hilanderas.Please output in Italian.

Bodegones
Cappella Sistina
Ignudi
Italia


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Ritratto del sultano Mehmet II

Nella rappresentazione del busto del sultano Gentile Bellini adotta la posizione a tre quarti, che consente una più attenta analisi fisica e psicologica del personaggio.  figura del sultano è racchiusa, in guisa di cornice, entro un'elegante arcata ornata con motivi a fogliami, con i piedritti decorati a candelabre. Il sultano dà l'impressione di affacciarsi da una finestra con il davanzale ornato da un drappo elegantemente ricamato e impreziosito di gemme. Ai lati del davanzale sono dipinte le già ricordate iscrizioni. Sopra l'arcata, ai due lati della figura, troviamo file di tre corone, mentre una settima corona è ricamata sul drappo sottostante. Il significato simbolico delle sette corone non è chiaro.Il sultano è vestito con abiti appropriati al suo rango: indossa un caffettano rosso con stola di pelliccia e porta in capo il turbante a "bulbo" tipico degli ʿulamāʾ. Il viso è ritratto con grande cura: i tratti fisionomici sono marcati, con la fiera barba rossiccia, il profilo affilato, il naso aquilino e gli zigomi pronunciati, elementi che contrastano con la sua espressione pensosa e vagamente assente.È stato osservato come il meccanismo spaziale illusionistico creato dalla finestra ad arco abbia la funzione di separare lo spazio abitato dal sultano da quello dello spettatore: i due spazi distinti fanno sì che chi guarda vede l'illustre personaggio, ma non ha l'impressione di poter rivolgersi a lui.In un saggio di commento alla mostra londinese "Gentile Bellini and the east", Orhan Pamuk, dopo aver spiegato come il quadro costituisca, per il popolo turco, una specie di icona eroica, commenta in questi termini le ragioni della popolarità di tale immagine:Tra le curiosità relative al quadro vi è da menzionare l'ammirazione che per esso nutriva Marcel Proust, testimoniata dal fatto che egli fa pronunciare a Swann queste parole:Inoltre è stata notata la somiglianza del sultano con uno dei personaggi della lunetta Gesù fra i dottori nel tempio di Marco Palmezzano, conservata a Brisighella .

Prompt: Focus on Portrait of Mehmet II and explain the Description and style.Please output in Italian.

Brisighella
Gentile Bellini
Marcel Proust
Marco Palmezzano
Orhan Pamuk


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: Describe the characteristics of the Patristics in The Immaculate Conception of Los Venerables's liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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Dama con l'ermellino

Leonardo da Vinci Cecilia Gallerani Ludovico il Moro Bernardo Bellincioni Ordine dell'ermellino Coazzone

Prompt: Focus on Lady with an Ermine and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Bernardo Bellincioni
Cecilia Gallerani
Coazzone
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù è un dipinto a olio su tela  realizzato da Francisco Goya, databile al 1763 e conservato nel Museo di Saragozza a Saragozza.

Prompt: In Consecration of Aloysius Gonzaga as patron saint of youth, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1763
Francisco Goya
Luigi Gonzaga
Museo di Saragozza
Saragozza


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La zattera della Medusa

L'opera, interamente originale, è in buono stato di conservazione. Tuttavia, a causa della sperimentazione dell'autore con il bitume, una sostanza che decade rapidamente diventando una melassa nera e creando una superficie lucida e grinzosa che non può essere rinnovata o restaurata, zattera della Medusa rappresenta il momento in cui, dopo tredici giorni alla deriva, i quindici sopravvissuti scorgono una nave, la Argus, giungere dall'orizzonte. Secondo una recensione dell'epoca, l'opera coglie «Il momento in cui la rovina della zattera può dirsi completa». mentre quelle in primissimo piano fossero il doppio della loro grandezza naturale, dando quindi il senso di spinta verso l'esterno e verso lo spettatore, che viene trascinato di peso direttamente nell'azione. si erge su una botte vuota, sventolando freneticamente il suo fazzoletto nel tentativo di attirare l'attenzione della nave. composizione pittorica del quadro è costruita su due strutture piramidali. Il perimetro della prima e più larga piramide, a sinistra, è costituito dalla base stessa della zattera, mentre la seconda, di misura minore, si sviluppa dal gruppo di sagome morte in primo piano, che formano anche la base da cui emergono i sopravvissuti, intenti a stagliarsi il più alto possibile per richiamare la nave, convogliano verso il picco emotivo costituito dalla figura centrale che sventola il panno. L'attenzione dell'osservatore è dapprima catturata dal centro della tela, per poi seguire il flusso dei corpi dei sopravvissuti, inquadrati di schiena e tendenti verso destra. Altre due linee diagonali furono usate per aumentare la tensione drammatica. Una, infatti, segue l'albero maestro e i tiranti, spostando l'attenzione dell'osservatore verso le minacciose onde della tempesta, l'altra, composta dai corpi dei naufraghi ancora vivi, si protrae verso la silhouette della Argus. All'orizzonte la Argus, la nave che trarrà in salvo i superstiti, è illuminata da una luce più chiara e questo fornisce all'intera scena una luminosità che rinvigorisce e accende l'occhio dello spettatore, altrimenti offuscato dai vari toni del marrone.

Prompt: In The Raft of the Medusa, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Morte di un avaro

Nave dei folli Allegoria dei piaceriVenditore ambulante

Prompt: Focus on Death and the Miser and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Lo spirito dei morti veglia

Sentendosi nauseato dal decadente scalpitio della vie moderne Gauguin nel 1891 abbandonò la mondanità scatenata di Parigi e si rifugiò a Tahiti, in Polinesia, alla ricerca di luoghi dalla bellezza paradisiaca e dal primitivismo mistico ed esotico. Nel felice e fecondo primo soggiorno tahitiano il pittore ebbe una relazione sentimentale con Teha'amana, una giovane ragazza dalla «bellezza animale del primo giorno» e dagli occhi teneri e ingenui animata anche da una brillante intelligenza.L'opera raffigura proprio Teha'amana distesa prona su un letto disfatto, terrorizzata dall'oscurità che la avvolge. È nuda: la sua carnagione morbida e ambrata rifulge con una gamma di colori caldi e mediterranei, e il suo abito adamitico rinvia a gloriosi modelli dell'arte occidentale, primi fra tutti la Venere di Giorgione e, soprattutto, lOlympia di Manet. Lo stesso Gauguin aveva potuto ammirare « Belle Olympia che tanto scandalo causò negli anni passati» allExposition Universelle del 1889: mentre, tuttavia, Manet intendeva dipingere una prostituta con crudo realismo, Gauguin con Manao tupapau volle «collaudare una pratica artistica visceralmente fondata sul colore evocativo di sentimenti puri, e su un sintetismo formale frutto non più di un'estemporanea impressione della realtà, ma di una meditata, visionaria, fantastica e iperdecorativa figurazione» . Non vi è nulla di erotico in questo nudo femminile, tanto che gli attributi della sua femminilità - il pube e il seno - sono preclusi alla vista dell'osservatore, schiacciati come sono sul lenzuolo.Con questa «Olympia oceanica», poi, Gauguin intende anche documentare i culti e i costumi tahitiani in un'epoca in cui tale società era avvelenata dall'annessione alla Francia e dall'ingerenza del cattolicesimo, religione secondo il pittore improntata a una tavola di valori antivitale e antitetica allo stato di natura. Stando al giudizio di Gauguin, infatti, il cattolicesimo mediante la nozione di «peccato» avrebbe inibito la danza, la musica e gli altri impulsi primari del popolo tahitiano, nonché corrotto le sorgenti naturali della gioia e del piacere. «Teha’amana non conosce più la storia della sua gente né i suoi dèi» osserva Melania Mazzucco «solo gli spiriti malvagi, che brulicano ovunque e possono manifestarsi in ogni istante». Teha'amana, infatti, non riusciva a dormire a luci spente senza che la sua immaginazione prendesse il sopravvento. Il ventaglio di interpretazioni veicolate dal quadro, dunque, si allarga, e comprende anche le irrazionali paure sofferte dalla ragazza. Non a caso, sulla sinistra, incombe un demone minaccioso circondato da un'aureola che sprigiona tenui fasci di luce, che si irradiano riverberando sui fosforescenti fiori di anona e illuminando l'interno della stanza: è un tupapau, uno spirito dei morti.  fisionomia del tupapau ricorda gli idoli incas, giavanesi e cambogiani o, magari, gli ermetici tiki polinesiani scolpiti in legno e pietra che tanto lo avevano affascinato.Con la sua presenza intimidatoria, pertanto, il demone sembra alludere all'ineluttabilità della morte e, contemporaneamente, all'inconoscibilità del momento in cui essa giungerà, nonché al peso opprimente con cui essa incombe sulla vita umana. Quest'interpretazione è favorita dal titolo tahitiano del dipinto, Manao tupapau, il quale è volutamente ambiguo e si può tradurre sia in «Lei pensa allo spirito dei morti» che in «Lo spirito dei morti pensa a [veglia su di] lei». Di seguito riportiamo la descrizione che Gauguin fornì dell'opera in Genesi di un quadro:</ref>}}

Prompt: In Spirit of the Dead Watching, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Ragazzo che soffia bolle di sapone

L'opera rappresenta il figlio naturale dell'artista, Léon Koelin-Leenhoff, all'epoca quindicenne, e si inserisce pertanto nella serie di ritratti che lo rappresentano, come Ragazzo con spada e Colazione nell'atelier.Il giovinetto è qui effigiato mentre si diverte a formare bolle da una scodella contenente acqua e sapone.

Prompt: In Boy Blowing Bubbles, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Colazione nell'atelier
Léon Koelin-Leenhoff
Ragazzo con spada


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Bambini dell'Olocausto

The Pied Piper, regia di Irving Picher  Unzere Kinder, regia di Nathan Gross  Border Street , regia di Aleksander Ford  Odissea tragica , regia di Fred Zinnemann  Il diario di Anna Frank, regia di George Stevens  Nackt unter Wölfen, regia di Georg Leopold  Il diario di Anna Frank, regia di Alex Segal  Il vecchio e il bambino , regia di Claude Berri  Sie sind frei, Doktor Korczak, regia di Aleksander Ford  Un sacchetto di biglie , regia di Jacques Doillon   linea del fiume, regia di Aldo Scavarda  David, regia di Peter Lilienthal  Il diario di Anna Frank, regia di Boris Sagal  Va' e vedi , regia di Elem Klimov  Arrivederci ragazzi , regia di Louis Malle  Il diario di Anna Frank, regia di Gareth Davies  Lena: My 100 Children, regia di Edwin Sherin  The Attic: The Hiding of Anne Frank, regia di Joh Erman  A Friendship in Vienna, regia di Arthur Allan Seidelman  Europa Europa, regia di Agnieszka Holland  Alan & Naomi, regia di Sterling Van Wagenen  Jona che visse nella balena, regia di Roberto Faenza   vita è bella, regia di Roberto Benigni  L'isola in Via degli Uccelli, regia di Søren Kragh-Jacobsen  A Call to Remember, regia di Jack Bender  All My Loved Ones , regia di Matej Minac   storia di Anna Frank, regia di Robert Dornhelm  Monsieur Batignole, regia di Gérard Jugnot  Senza destino, regia di jos Koltai  Fugitive Pieces, regia di Jeremy Podeswa  Il bambino con il pigiama a righe , regia di Mark Herman  Nicky's Family , film, regia di Matej Mináč  Wunderkinder, regia di Markus Rosenmüller   fuga degli innocenti, regia di Leone Pompucci  Corri ragazzo corri, regia di Pepe Danquart  Nackt unter Wölfen, regia di Philipp Kadelbach  Die Kinder der Villa Emma, regia di Nikolaus Leytner  Le voyage de Fanny, regia di Lola Doillon  Un sacchetto di biglie , regia di Christian Duguay  Kinderblock - L'ultimo inganno, regia di Ruggero Gabbai, un film di Marcello Pezzetti,

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Filmography discussed?Please output in Italian.

A Call to Remember
A Friendship in Vienna
Agnieszka Holland
Alan & Naomi
Aldo Scavarda
Aleksander Ford
Alex Segal
All My Loved Ones
Anna Frank
Arthur Allan Seidelman
Boris Sagal
Christian Duguay
Claude Berri
Edwin Sherin
Fred Zinnemann
Georg Leopold
George Stevens
Gérard Jugnot
Il vecchio e il bambino
Irving Picher
Jack Bender
Jacques Doillon
Jeremy Podeswa
Joh Erman
Jona che visse nella balena
Kinderblock - L'ultimo inganno
Le voyage de Fanny
Lena: My 100 Children
Leone Pompucci
Lola Doillon
Louis Malle
Marcello Pezzetti
Mark Herman
Markus Rosenmüller
Matej Minac
Matej Mináč
Monsieur Batignole
Nackt unter Wölfen
Nathan Gross
Nicky's Family
Odissea tragica


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Prova di Mosè

Prova di Mosè è un dipinto a olio su tavola  di Giorgione, databile al 1502-1505 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. L'opera fa pendant con il Giudizio di Salomone nello stesso museo.

Prompt: In The Test of Fire of Moses (Giorgione), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1502
1505
Firenze
Galleria degli Uffizi
Giorgione
Galleria degli Uffizi


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Sacra Famiglia Barberini

Sacra Famiglia Barberini è un dipinto a olio su tavola  di Andrea del Sarto, databile al 1528 circa e conservato nella Galleria nazionale d'arte antica di Palazzo Barberini a Roma.

Prompt: How does Holy Family (Andrea del Sarto) explain its Abstract?Please output in Italian.

1528
Andrea del Sarto
Barberini
Palazzo Barberini
Roma


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I lottatori

Secondo Sarah Victoria Turner, Etty avrebbe realizzato il dipinto nell'arco di tre sessioni di disegno dal vero con gli studenti della Royal Academy of Arts. Durante la prima sessione avrebbe realizzato il disegno preparatorio con gesso o carboncino, per poi rifinire i bordi con inchiostro. Durante la seconda sessione avrebbe dipinto con colori ad olio il cartoncino, mentre nell'ultima seduta avrebbe effettuato la velatura. documentazione riguardante il quadro durante il primo secolo dalla sua creazione è praticamente inesistente e le difficoltà nel ricostruire la storia del dipinto è esacerbata dal fatto che Etty dipinse tre opere distinte intitolate The Wrestlers. Si presume che l'opera sia stata esposta alla Royal Society of Arts nel 1849 in occasione di una grande retrospettiva dedicata ad Etty che includeva oltre centotrenta dei suoi dipinti. Il quadro compare in un documento legale per la prima volta il 31 ottobre 1947, quando fu acquistato per trenta ghinee dal York Civic Trust, che lo donò alla York Art Gallery. Il quadro è rimasto a York da allora, con l'eccezione di alcuni prestiti per mostre e retrospettive, incluso Exposed: The Victorian Nude alla Tate Britain nel 2002.

Prompt: Focus on The Wrestlers (Courbet) and explain the History.Please output in Italian.

Royal Academy of Arts
Royal Society of Arts
Tate Britain
York
York Art Gallery
York Civic Trust


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the The popular song and the Opera, lyric.Please output in Italian.


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Ragazzo che soffia bolle di sapone

L'opera rappresenta il figlio naturale dell'artista, Léon Koelin-Leenhoff, all'epoca quindicenne, e si inserisce pertanto nella serie di ritratti che lo rappresentano, come Ragazzo con spada e Colazione nell'atelier.Il giovinetto è qui effigiato mentre si diverte a formare bolle da una scodella contenente acqua e sapone.

Prompt: How does Boy Blowing Bubbles explain its Description?Please output in Italian.

Colazione nell'atelier
Léon Koelin-Leenhoff
Ragazzo con spada


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Autoritratto con un amico

Non si conosce l'identità dell'uomo ritratto davanti a Raffaello con una sua mano sulla spalla.  tradizione indica il suo maestro di scherma, perché appoggia la mano sull'elsa di una spada, mentre la critica vi ha letto la rappresentazione di un allievo  o di un amico e committente, come Giovanni Battista Branconio per il quale Raffaello aveva progettato in Borgo il distrutto Palazzo Branconio dell'Aquila, o ancora Pietro Aretino, Baldassarre Peruzzi o Antonio da Sangallo il Giovane. Gli inventari sei-settecenteschi si sbizzarriscono facendo i nomi del Pordenone o del Pontormo, ma tali ipotesi sono smentite da altre effigi note e meglio documentate.Si ignora la provenienza del dipinto e se appartenne a Francesco I di Francia; la sua presenza nel castello di Fontainebleau è documentata solo agli inizi del Seicento. L'attribuzione a Raffaello è ormai consolidata , ma in passato si fece il nome anche di Sebastiano del Piombo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Self-Portrait with a Friend.Please output in Italian.

Antonio da Sangallo il Giovane
Baldassarre Peruzzi
Francesco I di Francia
Palazzo Branconio dell'Aquila
Pietro Aretino
Pontormo
Sebastiano del Piombo


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Pia de' Tolomei

pidi della Divina Commedia di Siena Pia de' Tolomei

Prompt: In Pia de' Tolomei (Rossetti), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Diana e Atteone

Diana e Atteone è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1556 e il 1559 dal pittore italiano Tiziano.È conservato nella National Gallery of Scotland ad Edimburgo e nella National Gallery di Londra.Il quadro fa parte di una serie di sette tele raffiguranti scene mitologiche tratte dalle Metamorfosi di Ovidio dipinte per Filippo II di Spagna. In questa opera, è raffigurato il momento in cui Atteone vede la nudità di Diana, episodio che provocherà la tremenda vendetta della dea.Il quadro rimase nella collezione reale spagnola fino al 1704, quando venne regalato da Filippo V all'ambasciatore francese. I duchi d'Orléans presto lo acquistarono per la loro prestigiosa collezione, che tennero fino al 1791, quando la cedettero a un mercante di Bruxelles durante gli eventi della Rivoluzione francese. Dopo alcuni altri rapidi passaggi di proprietà, parte dei dipinti fu esposta a Londra. Gran parte della collezione, comprendente Diana e Atteone, venne comperata nel 1798 da lord Francis Egerton, terzo duca di Bridgewater, dal quale passò in eredità ai duchi di Sutherland. Ad essi rimase in proprietà fino al 2009; dal 1946, però, era stato dato in prestito alla National Gallery of Scotland. Nel 2009 il settimo duca di Sutherland vendette il dipinto, a circa un terzo del prezzo di mercato, alla National Gallery of Scotland e alla National Gallery di Londra, presso le quali è ora esposto, alternativamente, per cinque anni.

Prompt: In Diana and Actaeon (Titian), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Andrea Odoni

L'opera è nota fin dall'antico. Nel 1532 Marcantonio Michiel la segnalò nella collezione di Andrea Odoni, mercante lombardo residente a Venezia, permettendone poi il riconoscimento in epoca moderna.  vide anche Vasari e nel 1660 entrò nelle collezioni reali inglesi, acquistata sulla piazza di Amsterdam. In passato venne attribuita anche a Tiziano e a Correggio.Lo stile è tipico del soggiorno veneziano dell'artista, con toni più densi e pastosi, una gamma cromatica addolcita ed effetti atmosferici che sfocano i contorni.Il quadro costituisce anche la più antica rappresentazione di un uomo accanto a elementi della propria collezione artistica, tale da figurare come una primissima attestazione pittorica di un interesse o di un intento di raccolta museale nella storia del Rinascimento.

Prompt: In Portrait of Andrea Odoni, how is the History discussed?Please output in Italian.

1532
1660
Amsterdam
Andrea Odoni
Marcantonio Michiel
Rinascimento
Venezia


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Morte di Procri

Melania Mazzucco, Bellezza e fragilità secondo Piero di Cosimo, il pittore dimenticato che amava gli animali, Repubblica, 24 febbraio 2013

Prompt: How does The Death of Procris explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Maestà di Ognissanti

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Ognissanti Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi

Rappresentato a mezza figura, col busto di tre quarti e il volto girato verso lo spettatore, il giovane vescovo è ritratto con un vivo realismo, che si sofferma su particolari come l'incarnato rubicondo, le occhiaie appena accennate, le leggere imperfezioni della pelle. Dalla berretta nera sporgono alcuni riccioli castano chiaro, che evidenziano il fisiotipo nordico, così come gli occhi azzurri ed espressivi.  mantella rossa spicca sullo sfondo scuro, una tenda verde qua e là increspata, tipica dell'arte veneziana a cavallo tra Quattro e Cinquecento. mano destra, vicino al bordo, è ornata da un anello su cui è inciso lo stemma di famiglia, il leone, e stringe con fermezza un rotolo manoscritto, un gesto rivelatore dell'energia e determinazione del soggetto. Ciò riecheggia le suggestioni psicologiche di Antonello da Messina, mentre la saldezza plastica della figura, la luce forte e incidente, che crea ombre profonde, e l'attenzione al dettaglio sono legati alle suggestioni dell'arte nordica, in particolare Dürer, che forse Lotto aveva conosciuto in maniera indiretta, tramite disegni. Il rotolo forse contiene la condanna verso la congiura organizzata nei suoi confronti nel 1503.Il vescovo appare anagraficamente in linea con quello presente nella scena dellIncredulità di san Tommaso della chiesa di San Nicolò di Treviso, databile ai primi anni del Cinquecento e assegnato all'anonimo Maestro veneto dell'Incredulità, seguace di Giovanni Bellini.Il dipinto napoletano costituisce uno dei capolavori della ritrattistica del Cinquecento italiano, nonché il primo in assoluto del giovane pittore .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Bishop Bernardo de' Rossi.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Giovanni Bellini
Treviso


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait with Skeleton's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Filatrici

Ogni grande quadro di Velázquez è costruito attorno ad un enigma, un gioco di riflessi che, così come accade per l'osservatore, interessa affascina e talvolta divide gli storici dell'arte alla ricerca del significato recondito dell'opera.In s hilanderas possiamo affermare con sicurezza che il pittore lega strettamente le due scene: le donne in primo piano, Atena  ed Aracne che lavorano assieme prima che la dea riveli la sua natura e la scena alle spalle che mostra il momento della furibonda rivelazione.Come già detto il pittore evita di posare l'attenzione sulla punizione, la scena culminante della leggenda di Ovidio, ma pone anzi l'accento sulla parità tra le due donne concorrenti tanto irrimediabilmente diverse quanto unite però dal loro lavoro e passione.Arte che torna prepotentemente protagonista se vediamo come in primo piano la celebre scena mitologica venga tradotta, elevata e quasi resa monumentale nella semplice bellezza della realtà quotidiana.Spingendosi poco oltre si può anche leggere nel pensiero del pittore il fatto che, senza la dedizione e la tecnica, neppure la dea potrebbe praticare la sua arte così come viceversa, passione, dedizione e capacità tecniche possono spingere l'uomo sorprendentemente vicino all'atto creativo della divinità.

Prompt: In Las Hilanderas, how is the Interpretation discussed?Please output in Italian.


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Apocalisse

Prompt: Explain the External links of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Madame Moitessier

protagonista è ritratta seduta su una poltrona imbottita, al ginocchio, mentre guarda lo spettatore. Ha un gomito piegato e la mano appoggiata con un dito sopra l'orecchio, citando l'affresco antico.L'elemento considerato più bello dell'opera è lo sfarzoso abito intessuto a fiori . Si tratta di boccato di Lione, un particolare tessuto in seta che Napoleone III promosse per sostenerne le industrie, facendolo indossare alla moglie, ovvero l'imperatrice Eugenia. I colori pastello poi sono legati al revival rococò che l'imperatrice aveva lanciato, ispirandosi alla figura di Maria Antonietta che essa ammirava. Madame Moitessier inoltre indossa un guardinfante, ovvero un telaio rigido che gonfia la gonna.L'artista usò una stesura molto levigata nell'incarnato che ricorda il marmo, mentre il vestito, per ottenere la consistenza del tessuto, è fatto con una tecnica più ruvida.  bellezza ideale della donna è esaltata anche dal motivo dello specchio; sebbene l'angolatura che rimanda sia improbabile, esso offre una diversa veduta della donna, di profilo, e cita il tema delle Veneri allo specchio dei pittori rinascimentali e barocchi . Sebbene Ingres ammirasse le braccia carnose della donna, essa chiese di snellirle.Alle spalle della donna, come tipico del genere ritrattistico, si trovano alcuni oggetti che richiamano l'intelligenza e la cultura dell'effigiata: in questo caso un vaso giapponese Imari e un paravento di seta intessuto a mano, usato per proteggere la pelle dal calore del fuoco nei caminetti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Madame Moitessier.Please output in Italian.


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Morte di Socrate

leftSussistono alcune controversie riguardo alle origini della Morte di Socrate. Presumibilmente, il dipinto è stato commissionato nel marzo 1786 da Trudaine de la Sablière, il più giovane dell'influente circolo dei Trudaine; a questa tesi, tuttavia, si oppone Philippe Bordes, che ricorda che il disegno preparativo per Socrate risale al 1782. Può darsi, tuttavia, che la commissione del 1786 riguardava un dipinto che David aveva iniziato già nel 1782; a prescindere dall'inizio dell'esecuzione dell'opera, comunque, la Morte di Socrate è stata completata a Parigi nel 1787.Per conferire verità storica all'opera David consultò il Fedone, dialogo di Platone nel quale si racconta dell'ultimo giorno di vita di Socrate , trascorso a parlare con i suoi scolari dell'immortalità dell'anima. Ciò malgrado, il dipinto presenta alcune inesattezze rispetto alla storia narrata nel dialogo platonico. Platone, all'epoca un giovinetto, è raffigurato con la barba e appare manifestamente più vecchio di Socrate, benché quest'ultimo fosse suo maestro; c'è poi un altro errore, costituito dalla presenza stessa di Platone, in realtà assente all'ultimo dialogo con il maestro. Analogamente, Socrate è reso con un «fisico giovanile»  volutamente idealizzato, tanto che le diverse fonti non lo descrivono muscoloso e bello, bensì talmente di brutto aspetto da somigliare a un sileno.Significativa fu la consulenza di Père Adry, studioso che malgrado la suddetta difficoltà gli suggerì di includere Platone e di rappresentarlo «immobile», e quella di André Chénier, amico del David conosciuto al circolo del Trudaine, il quale gli suggerì di non raffigurare Socrate mentre regge la coppa di cicuta.}}

Prompt: In The Death of Socrates, how is the History discussed?Please output in Italian.

André Chénier
Fedone
Parigi
Platone
Socrate


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Madonna della Cesta

Madonna della Cesta è un dipinto a olio su tela  del Correggio, databile al 1525 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Madonna of the Basket (Rubens) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Apollo Chatsworth

D.E.L. Haynes, The technique of Greek Bronze C.C. Mattusch, Greek Bronze statuary L. Burn, The British Museum book of G-1, revised edition Dafas, K. A., 2019. Greek rge-Scale Bronze Statuary: The te Archaic and Classical Periods, Institute of Classical Studies, School of Advanced Study, University of London, Bulletin of the Institute of Classical Studies, Monograph, BICS Supplement 138 .

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Chatsworth Head.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Democrito

Nella sua lunga esistenza Democrito scrisse anche opere di etica, in cui affermava che l'interesse maggiore dell'Uomo deve essere la felicità, che si ricerca attraverso una moderata cancellazione della paura: per questo egli divenne noto come il "filosofo del riso", a differenza del triste e pessimista Eraclito che venne definito il "filosofo del pianto".Tuttavia, per Democrito la felicità non è da identificarsi nel possesso di beni materiali, nel prestigio o nel potere, ma nell'essere moderati e nel condurre una vita giusta. È necessario essere coraggiosi non in guerra, bensì contro i piaceri sensibili che rendono l'uomo schiavo dei sensi. Il razionalismo etico di Democrito assume come concetto guida il raggiungimento dell'eutimia , ossia della tranquillità, della serenità dell'animo. Vero saggio dunque è colui che impronta la sua vita a regole di moderazione, di accorta misura e di equilibrio, rifuggendo i turbamenti e le passioni. Il discorso morale di Democrito ha un carattere prevalentemente personale e privato, in quanto si rivolge al singolo e alla sua ricerca della felicità e del bene più che alla comunità sociale e politica.  tranquillità interiore d'altro canto non implica affatto la passività e l'ozio, anzi Democrito apprezza la vita attiva e produttiva, affermando tra l'altro che: Le fatiche sono più piacevoli dell'inerzia. Secondo l'autore l'anima e le idee possono essere ricondotte al materiale e ai sensi.Inoltre Democrito elegge la ragione a giudice e guida dell'esistenza e fa dell'equilibrio e della misura il supremo ideale di condotta.Questa morale mette a capo a un'etica del dovere fondata sul rispetto verso se stessi: non si deve aver rispetto per gli altri più che per sé.Secondo Democrito, Atena, intesa come saggezza, è chiamata tritogena, perché dal ragionare con saggezza derivano tre facoltà: il retto volere, il retto parlare e il retto agire.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Ethics of the Opponents explained?Please output in Italian.


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Trittico di san Pietro martire

Il Trittico di san Pietro martire è una pala di Beato Angelico, tempera su tavola , databile al 1428-1429 e conservato nel Museo nazionale di San Marco a Firenze.

Prompt: How does San Pietro Martire Triptych explain its Abstract?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

LImmacolata Concezione è un dipinto del pittore spagnolo Francisco de Zurbarán realizzato nel 1632 e conservato nel Museo nazionale d'arte della Catalogna a Barcellona.Francisco de Zurbarán dipinse numerose Immacolate Concezioni in difesa di questo dogma del cattolicesimo, spesso rappresentando la Vergine come una giovane ragazza.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Immaculate Conception (Zurbarán).Please output in Italian.

1632
Barcellona
Francisco de Zurbarán
Immacolata Concezione
Museo nazionale d'arte della Catalogna