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Virtù e la Legge

Gregorio IX approva le DecretaliIl lato destro è occupato dalla scena di Gregorio IX che approva le Decretali. Ambientato davanti a una nicchia con cassettoni a losanga analoga a quella dell'altra scena, vi è legata da un sistema di corrispondenze: un papa contrapposto a un imperatore e il diritto canonico contrapposto a quello civile.Il maggiore spazio permise una rappresentazione più articolata, con il trono del papa che si articola plasticamente in prospettiva, scorciato secondo un punto di fuga che si trova nel centro ideale della parete, quindi a sinistra dell'affresco. Il papa benedicente, indossante il triregno e un sontuoso piviale, ha le fattezze di Giulio II, mentre il cardinale che gli regge il manto a sinistra potrebbe essere Giovanni de' Medici, futuro Leone X, con alle spalle il cardinale Bibbiena e Antonio Del Monte; il porporato di destra è invece identificabile con il cardinale Giulio de' Medici futuro papa Clemente VII, affiancato da Alessandro Farnese, futuro Paolo III barba del pontefice induce a datare l'opera a dopo il giugno 1511, quando il pontefice tornò a Roma dopo aver fatto voto di non radersela più finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri.L'opera è generalmente riferita ad aiuti, su disegno del Sanzio, forse Baldassarre Peruzzi o Guglielmo di Marcillat.

Prompt: Describe the characteristics of the Gregory IX approves Decretals in Cardinal and Theological Virtues (Raphael)'s Description and style.Please output in Italian.


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Madonna dei Fusi

Il dipinto mostra la Madonna seduta su una roccia in una sciolta posizione con le gambe verso sinistra, il busto frontale e la testa voltata verso destra, dove si trova il Bambino che, pure semisdraiato lungo la diagonale, gioca sorridente con un aspo , tenendolo e fissandolo con intensità come se fosse una croce. Nonostante il tema che prefigura la Passione, Leonardo, rinnovando la tradizione iconografica, inserì nel soggetto una certa serenità, che sottintende la piena accettazione di Gesù del suo futuro sacrificio. Inediti sono i rapporti espressivi tra madre e figlio, con un gesto a metà tra la sorpresa e la protettività rappresentato dalla mano di Maria che, come in altri celebri capolavori vinciani, è proiettata in avanti con un ardito scorcio, quasi come a uscire dal dipinto. Il volume dei protagonisti  e reso grazie ai delicati trapassi di luci e ombre, tipici del morbido stile "sfumato" di Leonardo.Straordinaria è poi la fusione atmosferica tra le figure in primo piano e l'amplissimo paesaggio sullo sfondo, in cui si intravedono un fiume e una serie di picchi rocciosi in sequenza, da alcuni identificati con i Calanchi del Basso Valdarno, vicino alla zona di origine del pittore.Nella versione in collezione privata a New York, lo sfondo assomiglia alla valle dell'Adda, da Lecco a Vaprio.

Prompt: In Madonna of the Yarnwinder, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Esistono numerose congregazioni intitolate alla Sacra Famiglia:  le Ancelle della Sacra Famiglia, fondate nel 1933 a Cagliari; le Apostole della Sacra Famiglia, fondate a Messina nel 1890; la Congregazione della Sacra Famiglia di Bergamo, fondata nel 1856 a Martinengo  da Paola Elisabetta Cerioli per la cura e la formazione professionale degli orfani; la Congregazione della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate da Giovanni Battista Piamarta a Brescia nel 1900; i Figli della Sacra Famiglia, fondati nel 1864 a Barcellona da Josep Manyanet y Vives per l'educazione della gioventù; i Fratelli della Sacra Famiglia di Belley, fondati nel 1835 a Belley  da Gabriel Taborin per l'istruzione della gioventù; i Missionari della Sacra Famiglia, fondati nel 1895 a Grave da Jean-Baptiste Berthier.Tra le femminili: la congregazione delle Suore Collegine della Sacra Famiglia, derivata da una comunità fondata da Pier Marcellino Corradini nel 1717. le Francescane della Sacra Famiglia, fondate a Eupen nel 1857 da Josephine Koch; le Missionarie Figlie della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate a Barcellona nel 1884 da Josep Manyanet y Vives; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1892 a Castelletto di Brenzone  da Giuseppe Nascimbeni per l'istruzione della gioventù e l'assistenza agli infermi; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1880 in Canada da Camille Lefebvre e Marie-Léonie Paradis; le Pie Figlie della Sacra Famiglia, di Mese; le Religiose della Sacra Famiglia, di Helmet, fondate nelle Fiandre nel 1856; le Sorelle Terziarie Cappuccine della Sacra Famiglia, fondate da Luis Amigó Ferrer nel 1878; le Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin; le Suore della Sacra Famiglia di Amiens, fondate nel 1817 da Marie-Joseph Jacouet; le Suore della Sacra Famiglia di Bergamo, fondate a Comonte da Paola Elisabetta Cerioli; le Suore della Sacra Famiglia di Bordeaux, fondate a Bordeaux nel 1820 da Pierre-Bienvenu Noailles, dedite alla cura degli orfani e all'istruzione; le Suore della Sacra Famiglia di Manizales, fondate nel 1910 a Santa Rosa de Cabal da Jesús Antonio Molina Mejía e María de Jesús Mejía Jaramillo; le Suore della Sacra Famiglia di Mission San José, fondate nel 1872 a San Francisco; le Suore della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate nel 1875 a Roma dalla religiosa polacca Franciszka Siedliska per l'educazione delle fanciulle e la cura dei malati; le Suore della Sacra Famiglia di Savigliano, fondate dalla beata Giuseppina Bonino; le Suore della Sacra Famiglia di Spoleto, fondate nel 1888 da Pietro Bonilli; le Suore della Sacra Famiglia di Thrissur, fondate in India da Mariam Thresia Chiramel Mankidyan; le Suore della Sacra Famiglia di Villefranche, fondate da sant'Emilia di Rodat nel 1816; le Suore Missionarie della Sacra Famiglia, fondate a Mohylew nel 1905 dalla religiosa polacca Bolesława ment; le Suore Orsoline della Sacra Famiglia, fondate nell'arcidiocesi di Siracusa nel 1908.

Prompt: Explain the Congregation of the Holy Family about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Pietro Allegretti , Piero della Francesca, collana "I Classici dell'Arte", Milano, Rizzoli - Skira, 2003, pp. 102 - 103Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: In Polyptych of Perugia, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Il cortile dei folli

Connell, Evan S. Francisco Goya: A Life. New York: Counterpoint, 2004.  Hagen, Rose-Marie & Hagen, Rainer. Francisco Goya, 1746-1828. Taschen, 2003.  Hughes, Robert. Goya. New York: Alfred A. Knopf, 2004.

Prompt: Focus on Yard with Lunatics and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nell'ultimo anno Giulio II divenne sempre più impaziente, obbligando il Buonarroti a un ritmo frenetico per avvicinare la conclusione. Gli ultimi affreschi mostrano uno stile più conciso e con alcuni dettagli semplificati, ma non per questo meno efficaci. A ottobre del 1512 Michelangelo scrisse al padre che «io ò finitta la cappela che io dipignevo: el papa resta assai ben sodisfato, e l'altre cose non mi riescono a me come stimavo; incolpone  tempi, che sono molto contrari all'arte nostra».Sempre dal diario del De Grassis si apprende che, alla vigilia di Ognissanti del 1512, il 31 ottobre, gli affreschi vennero solennemente scoperti e la cappella riaperta.

Prompt: Describe the characteristics of the End work in Sistine Chapel ceiling's Description.Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

Prompt: Explain the Moon about the Astronomical quadrant of this artwork, Prague astronomical clock.Please output in Italian.


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Jacopo Pesaro presentato a san Pietro da papa Alessandro VI

Il dipinto suggerisce stilisticamente l'attività di un artista giovane, ancora in bilico tra più maestri: la figura del papa Alessandro VI ha i modi un po' antiquati  della pittura di Gentile Bellini, prima figura di riferimento di Tiziano; il san Pietro ha invece le caratteristiche di approfondimento psicologico proprie del secondo maestro dell'artista, Giovanni Bellini, all'epoca nume tutelare della pittura veneta, e quindi probabilmente la sua fattura è posteriore di alcuni mesi. Tuttavia è il terzo ritratto, quello del Pesaro, a colpire per il vigoroso realismo, inconfutabilmente di Tiziano, che dà un primo assaggio della pienezza della sua arte.Le differenze stilistiche tra le varie figure sono state interpretate quindi come frutto dell'indecisione del giovane talento su quale strada seguire, ispirandosi ora a uno, ora a un altro maestro attivo in guna.  ricchezza di spunti pone però il quesito del rapporto della tavola con altre opere simili, di Tiziano  o di altri pittori .

Prompt: How does Jacopo Pesaro being presented by Pope Alexander VI to Saint Peter explain its Style?Please output in Italian.


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Primavera

Un tono alquanto differente, aderente allo stato d'animo di Baudelaire, ritroviamo nel  Le goût du néant da I fiori del male: ... Le Printemps adorable a perdu son odeur!/Et le Temps m' engloutit minute par minute...L'immaginario collettivo riconduce alla primavera la stagione della rinascita, dopo un letargo metaforicamente rappresentato dall'inverno. Secondo ricerche e studi condotti in America, nascere in tale stagione conferirebbe un maggior benessere psicologico. L'astrologia occidentale associa alla stagione i segni di Ariete, Toro e Gemelli.Tra i quattro elementi classici la primavera corrisponde all'aria, tra le età della vita all'infanzia e all'adolescenza, tra i punti cardinali all'Est, fra i temperamenti umorali al sanguigno, tra le parti della giornata al mattino, tra le fasi dell'opera alchemica allalbedo.In Italia le principali festività della stagione sono: Pasqua, festa mobile che cade di domenica nel periodo tra il 22 marzo e 25 aprile. Alla festa sono collegate la settimana santa  e il lunedì dell'Angelo, ossia il giorno successivo.; la festa del lavoro, che ricorre il primo giorno di maggio. la festa della Repubblica Italiana, calendarizzata al 2 giugno.Durante la primavera cade anche il pesce d'aprile, celebrato il primo giorno di tale mese.

Prompt: Describe the characteristics of the In mass culture in Primavera (Botticelli)'s Season.Please output in Italian.


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Nike di Samotracia

Giuliano A., Storia dell'arte greca, Carocci, Roma, 1998, ISBN 88-430-1096-4.Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano, 1999, ISBN 88-451-7107-8.

Prompt: Focus on Winged Victory of Samothrace and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Seppellimento di santa Lucia

Il Seppellimento di santa Lucia è un dipinto di Caravaggio, a olio su tela , esposto sull'altare del Santuario di Santa Lucia al Sepolcro a Siracusa.

Prompt: Focus on The Burial of Saint Lucy and explain the Abstract.Please output in Italian.

Caravaggio
Santuario di Santa Lucia al Sepolcro
Santuario di Santa Lucia al Sepolcro
Siracusa


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In the context of Annunciation (Antonello da Messina), explain the Vangelicanonici and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Sacra Famiglia

festa della Santa Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe nel rito latino cade nel tempo di Natale nella domenica che intercorre tra il Natale e il Capodanno; in assenza della domenica la si festeggia il 30 dicembre. Nel Messale del 1962, invece, tale solennità cade nella prima domenica dopo l'Epifania.Nel rito ambrosiano la ricorrenza viene celebrata nell'ultima domenica di gennaio, quindi nella terza o quarta domenica successiva all’Epifania.

Prompt: In the context of The Holy Family (Collinson painting), explain the Feast  Holy  Family and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Titania e Bottom

Johann Heinrich Füssli aveva conosciuto le opere teatrali di William Shakespeare quando era uno studente a Zurigo e se ne ispirò per dei dipinti nel corso della sua carriera. Egli divenne famoso per la sua resa dei temi soprannaturali, che davano un fascino speciale al Sogno di una notte di mezza estate, assieme ad opere teatrali come  tempesta, Amleto e Macbeth.Titania e Bottom fu commissionato dall'editore John Boydell per la galleria Shakespeare. Füssli realizzò anche un grande pendant per la galleria di Boydell, Il risveglio di Titania, che raffigura un momento successivo della stessa scena. Esiste inoltre un terzo dipinto sul tema, ossia Titania e Bottom con la testa d'asino, realizzato tra il 1793 e il 1794. Dal 1887, il primo dipinto fa parte della collezione delle gallerie Tate.

Prompt: Explain the History of this artwork, Titania and Bottom.Please output in Italian.

Amleto
Johann Heinrich Füssli
John Boydell
Macbeth
Sogno di una notte di mezza estate
William Shakespeare
Zurigo


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Caccia al leone

caccia al leone inizia all'alba, quando gli anziani e le donne dormono ancora. I guerrieri si incontrano discretamente in un punto di riferimento vicino da dove partono per aree predeterminate. Prima di partire, gli Ilmorijo  filtrano il gruppo in modo che solo i guerrieri più coraggiosi e forti prendano parte. Il gruppo risultante è noto come Ilmeluaya . I giovani guerrieri rifiutati sono comandati dai guerrieri più anziani di mantenere riservate le informazioni della caccia, fino al ritorno dei loro colleghi preferiti. Ci sono stati casi in cui i guerrieri più anziani hanno costretto i guerrieri a rinunciare alle loro armi in eccesso, visto che è considerato un insulto portare più di una lancia che è sufficiente per uccidere un leone.Dopo una caccia di successo, si svolge una festa di una settimana in tutta la comunità. Il guerriero che ha sferrato il primo colpo viene corteggiato dalle donne e riceve un Imporro, una tracolla con perline a doppia faccia. Il guerriero indossa questo ornamento durante le cerimonie.  comunità onorerà Olmurani lolowuaru  con molto rispetto per tutta la sua vita.

Prompt: Describe the characteristics of the The trip in The Lion Hunt (Delacroix)'s The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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La verità, il tempo e la storia

Tutto sembra confluire nella rappresentazione della Storia e della Verità storica. Il Tempo, alato e con una clessidra che simbolizza il passaggio degli istanti e l'arrivo della morte, porta dal braccio alla Verità, che si raffigurava nuda per simbolizzare l'assenza di travestimento o mascheramento.  Verità regna soprattutto, è la figura centrale, e porta uno scettro e un libro, che racchiude la verità storica.Bozza, 1797 Nello schizzo preliminare si osserva questa figura centrale nuda, ed è apparsa vestita nel quadro definitivo per l'inconvenienza che potrebbe comportare un nudo in questo periodo. Seduta, appare la Storia in se stessa, scrivendo la cronaca dei fatti e, possibilmente, in continuità con un altro libro già scritto su cui poggia.  Verità, il Tempo e la Storia preservano lo spirito dell'Illuminismo dall'ignoranza e dai mali che comporta, soprattutto per il buon governo. Se questa allegoria si ricollega al palazzo di Godoy, un modello di Storia sarebbe associato al buon mandatario, come uno «specchio di principi», luogo comune abituale fin dal Medioevo. L'albero inclinato in scoglio rappresentava in questo periodo solitamente la Libertà.Tuttavia, un'altra interpretazione dell'allegoria vuole vedere nella figura centrale la Spagna e l'anziano che la porta una figura della nuova epoca che comincia. Secondo lei la Spagna, in abito bianco, porta in mano la Costituzione di Cadice del 1812 e nell'altra uno scettro, che significherebbe la superiorità della Costituzione sul regime assolutista. In primo piano si collocherebbe la Storia, anche nuda, perché la Storia deve essere vera, che annota l'evento mentre calpesta l'antico corpus giuridico esperto. Secondo questa interpretazione Goya dichiara apertamente nel 1812  come un liberale convinto e lo rende esplicito, senza paura di vedere la sua posizione come Primo Pittore della Camera del Re e scommettendo su «la Pepa» o Costituzione del 1812.Nonostante ciò, la iconografia delle figure allegoriche è neoclassica, a partire dal fatto che c'è chi vede nello stile di questo quadro aspetti simili a quelli della sua produzione del periodo della Guerra d'indipendenza spagnola, come le Majas al balcone .Bisogna ricordare che questo tipo di allegorie erano abbondanti durante la Rivoluzione francese e si riferivano agli avvenimenti politici che avrebbero imposto la sovranità nazionale, i diritti del cittadino e la Costituzione come forma di governo più o meno imperfetta. In Spagna, l'«Ode all'invenzione della tipografia», scritta nel 1798 nella sua prima redazione da Manuel José Quintana -poi pubblicata, limando i passaggi più rivoluzionari, nel 1802; uno dei cui esemplari regalò il poeta a Goya-, collegava il progresso politico e sociale al ruolo che la stampa aveva nella diffusione di queste idee. Manuel Godoy ammise e cito questa poesia nelle sue Memorie e poté ordinare un dipinto ispirato al poema tra 1802 e 1805 , il periodo delle ristrutturazioni della sua residenza palazzo. In tale «Oda» si affrontava l'inconvenienza dell'Assolutismo e delle sue istituzioni più obsolete, in particolare quella dell'Inquisizione. Lodava in questo testo i valori della Rivoluzione francese di libertà, uguaglianza e fraternità e collegava il successo di queste idee alla pubblicazione di libri che le propagassero.Quanto allo stile si apprezza la tessitura di raso della tunica della Verità, in contrasto con gli ocre e verdi delle ombre, tuttavia le figure allegoriche non sono troppo idealizzate. Si abbina anche alla sensazione tattile delle piume della figura alata.  tecnica della pennellata è energica, senza fermarsi alla minuzia del dettaglio. Le pieghe dei vestiti e delle ombre, viste da vicino, sembrano frammenti di pittura astratta.  luce, celeste, inonda i bianchi e li fa nascere, dando a tutto l'insieme una ricchezza e profondità aerea che evoca Velázquez.

Prompt: How does Truth, Time and History explain its Analysis?Please output in Italian.

Guerra d'indipendenza spagnola
Illuminismo
Majas al balcone
Manuel Godoy
Manuel José Quintana
Rivoluzione francese


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Spoliarium

thumbnailrightLo Spoliarium esposto al Lo Spoliarium è un quadro del pittore filippino Juan Luna. Fu presentato da Luna allExposición Nacional de Bellas Artes di Madrid nel 1884, dove ottenne la prima medaglia d'oro . Nel 1886, fu venduto alla Diputación Provincial de Barcelona per 20.000 pesetas. Attualmente è esposto nella galleria principale al piano terra del Museo nazionale delle belle arti di Manila, ed è la prima opera d'arte che accoglie i visitatori all'entrata nel museo. Il quadro ricrea una scena nello spoliarium, che era il luogo dell'anfiteatro dove i gladiatori morti venivano spogliati delle armi e degli indumenti.Luna, lavorando sulla tela, trascorse otto mesi completando il quadro che raffigura gladiatori morenti. Lo storico filippino Ambeth Ocampo scrive: "...rimane il fatto che quando Luna e Félix Resurrección Hidalgo vinsero i principali premi nell'Esposizione di Madrid del 1884, essi provarono al mondo che gli indios potevano, malgrado la loro supposta razza barbarica, dipingere meglio degli Spagnoli che li colonizzavano."

Prompt: In Spoliarium, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1884
Ambeth Ocampo
Félix Resurrección Hidalgo
Juan Luna
Madrid
Manila


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Trono Ludovisi

Acrolito LudovisiLocri EpizefiriMagna Grecia

Prompt: How does Ludovisi Throne explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Acrolito Ludovisi
Locri Epizefiri
Magna Grecia


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto della baronessa de Rothschild

Rothschild indossa un abito da sera di raso rosa con delle file di balze sull'orlo e delle balze in pizzo sul colletto e sulle maniche, rifinito con dei fiocchi di nastro. I suoi capelli sono lisci e coprono le orecchie ed ella indossa una toque di velluto nero decorata con delle piume di struzzo.  donna è seduta in un sofà di velluto rosso, con le braccia e le gambe incrociate in maniera rilassata: Ingres l'ha raffigurata come se ella stesse partecipando a una serata con le amiche.sinistraDettaglio dello stemma araldico.Betty si trova più in basso rispetto al piano pittorico, dandole una vulnerabilità che contrasta con la statura dell'iscrizione araldica e dello stemma in alto a destra. Il ritratto è dominato da due elementi principali: il vestito di raso color rosso vino e il fascino della sua espressione facciale e il suo volto perfettamente ovale, quasi idealizzato. Se ella guarda lo spettatore con la stessa immediatezza di Louis-François Bertin nel suo ritratto del 1832, l'immagine è ammorbidita sia dall'attrattività della sua posa che dal suo vestito.  vivacità del ritratto ingresiano è accentuata dal modo casuale con il quale la modella si sporge in avanti con le gambe incrociate. Secondo la storica dell'arte Aileen Ribiero, "la posa di Madame de Rothschild, il modo con cui incrocia le sue gambe così che si veda chiaramente la forma del ginocchio, avrebbero potuto essere ritenuti piuttosto audaci, se dobbiamo credere al galateo", secondo il quale all'epoca una donna non doveva incrociare le gambe quando era seduta.Molti critici hanno notato in quest'opera l'uso della luce, inusuale in Ingres; le ombre sul suo vestito sono rese più piatte delle aree illuminate del tessuto, ma paradossalmente giacciono appena sopra di esse sulla superficie della tela. Tipicamente, Ingres non segue una rappresentazione anatomica corretta delle parti scoperte del suo corpo, che sembrano quasi prive di ossa, piegate e incurvate insolitamente.

Prompt: How does Portrait of Baronne de Rothschild explain its Description?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Contemporary political perspective.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Portrait of a Man in Red Chalk's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La barca di Acheronte

sinistraUno studio per Caronte.Hidalgo finì di dipingere  barca di Acheronte nel 1887, all'età di 34 anni. Hidalgo aveva realizzato degli studi a carboncino di Caronte che sono rappresentativi degli eroi nudi greco-romani modellati secondo uno stile rinascimentale. Questi studi oggi si trovano nella collezione del museo López di Pasig, nelle Filippine, e della sua biblioteca.L'opera vinse la medaglia d'oro all'esposizione generale delle Filippine a Madrid. Nel 1889, una giuria internazionale aggiudicò la medaglia d'argento all'esposizione di Parigi del 1889, un riconoscimento che nessun altro filippino aveva ottenuto all'esposizione francese.

Prompt: Explain the History of this artwork, La barca de Aqueronte.Please output in Italian.


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Due dame veneziane

alt=Ricostruzione dell'opera originaleDue dame veneziane è un dipinto olio su tavola  di Vittore Carpaccio, databile al 1490-1495 circa e conservato nel Museo Correr di Venezia.

Prompt: Focus on Two Venetian Ladies and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini è firmato da Simone Martini.  firma corre sulle 4 ante del verso, raffiguranti le 4 scene della Passione di Cristo. Sulle prime 3 ante della sequenza leggiamo, rispettivamente, “HOC OPUS”, “PINXIT” e “SYMON”. Il quarto ed ultimo pannello è più rovinato all'estremità e la scritta si è persa. È probabile che recasse “DE SENIS”.Più dibattuta è stata la datazione dell'opera. Per tutta la seconda metà del secolo scorso le opinioni si sono susseguite con un pendolo attributivo che andava dai primi anni dieci ai primi anni quaranta del Trecento, praticamente spaziando su tutto il periodo di attività del pittore senese. Dopo ulteriori analisi e confronti tra gli esperti, oggi la maggior parte degli studiosi ritiene che il Polittico Orsini fu realizzato tra il 1333 e il 1337, a cavallo del trasferimento di Simone Martini da Siena ad Avignone, avvenuto nel 1335-1336. Può quindi essere considerato una delle ultime opere del periodo senese o una delle prime del periodo avignonese. Elementi che fanno protendere per questa datazione sono i seguenti:#Le scene si articolano su uno spazio poco profondo, quasi alluso e comunque sviluppati più in verticale che in profondità. Tale sviluppo si colloca come situazione intermedia tra la profonda tridimensionalità, quasi giottesca, del Beato Agostino Novello  e gli spazi estremamente verticalizzati del Frontespizio del Commento di Servio a Virgilio , avvicinando piuttosto l'opera alla simile Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita .#Le figure sono allungate, solo occasionalmente volumetriche , ponendo l'opera a mezzo tra le figure corpose degli anni venti e quelle più slanciate del periodo avignonese.#Esiste nei volti dei veri personaggi rappresentati, dalla Vergine Annunciata agli spettatori delle scene della Passione, quell'inquietudine psicologica tipica dell'ultimo Simone Martini Avignonese , e più marcata dell'Annunciazione degli Uffizi , escludendo quindi una datazione troppo precoce dell'opera.#Sono presenti caratteristiche puramente gotiche, quali l'eccessiva sinuosità del bordo del manto della Vergine Annunciata o della veste broccata oro dellAngelo Annunciante, a mostrare più volte il diritto e il rovescio del tessuto; anche questi tratti sono tipici dell'ultimo Simone Martini.#L'opera è di piccolo formato, portatile e commissionata da un membro di quella familia cardinalizia per cui Simone lavorava ad Avignone. Questa tipologia di formato e committenza erano tipiche del periodo avignoneseIn sostanza quindi un periodo compreso tra la realizzazione dell'Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita che si trova oggi agli Uffizi e i primi anni del periodo avignonese sembrano costituire una finestra di tempo adeguata in cui collocare temporalmente l'opera .

Prompt: Explain the Attribution dating about the History of this artwork, Orsini Altarpiece.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Focus on Annunciation (Leonardo) and explain the The house of the Annunciation.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Madonna zingarella

Il titolo è ottocentesco e si riferisce ai capelli scuri e ai lineamenti della Madonna, vagamente "gitani": si tratta di una definizione adottata a quell'epoca anche per molte altre Madonne e figure femminili cinquecentesche di vari pittori. Il tipo di Madonna, dagli occhi scuri, è usato da Tiziano solo in questa opera.Ispirata alle opere di Giovanni Bellini, la Madonna col Bambino è rappresentata a mezza figura sullo sfondo di un panno verde disteso , mentre a sinistra, oltre un parapetto, si intravede un paesaggio bucolico. Il Bambino si trova in piedi su una soglia marmorea appena sopra il bordo inferiore del dipinto. Gli sguardi di madre e figlio sono malinconicamente rivolti verso il basso, citando lavori di Giorgione.Il colore, steso con la tecnica tonalista, crea ampie campiture che accrescono il senso di volume delle figure.  figura di Maria appare infatti come dilatata nello spazio, con l'ampia piega del mantello che crea una sorta di manica foderata di preziose damascature. Tutt'altro che idealizzato è però il rapporto tra madre e figlio, resi con pulsante umanità, secondo una delle caratteristiche più evidenti dello stile di Tiziano.

Prompt: Focus on The Gypsy Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Annunciation (Antonello da Messina).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Ritratto di Beatrice Hastings davanti ad una porta è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1915 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.L'opera si trova a New York e fa parte di una collezione privata.È un ritratto della scrittrice Beatrice Hastings, con cui Modigliani intrattenne una relazione sentimentale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Beatrice Hastings in Front of a Door.Please output in Italian.

1915
Amedeo Modigliani
Beatrice Hastings
New York


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Sacrificio di Isacco

Secondo l'esegesi ebraica, Isacco aveva 37 anni al momento del sacrificio. Con questo espediente i midrashim spiegano che:# Isacco, quando capì che stava venendo sacrificato, pensò a quanto avrebbe giovato e non reagì.# Isacco, pur essendo forte e vigoroso preferì non reagire al padre per rispetto.Secondo i midrashim quando gli Angeli fermarono Abramo, Isacco aveva già un taglio sulla gola. Isacco fu portato a Gan Eden per guarire ma dovette aspettare molto per la completa guarigione.Alcuni esegeti affermano che la vita di Isacco fu “silenziosa” a causa del trauma per il sacrificio, ma altri hanno cercato altre ragioni tra le più varie.

Prompt: How does Sacrifice of Isaac (Caravaggio) explain its Esegesiebraica?Please output in Italian.


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LAutoritratto con la Morte che suona il violino è un dipinto del pittore svizzero Arnold Böcklin, realizzato nel 1872 e conservato all'Alte Nationalgalerie di Berlino.

Prompt: In Self-Portrait with Death Playing the Fiddle, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1872
Alte Nationalgalerie
Arnold Böcklin
Berlino


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tomba di Oscar Wilde

scelta del monumento di Oscar Wilde creò diverse polemiche. I sostenitori di Wilde avrebbero voluto che il monumento si ispirasse alle opere di Wilde, come "Il giovane Re" dell'opera " casa dei melograni", invocando l'omoerotismo con figure di giovani greci abbandonati, mentre i detrattori di Wilde credevano che non meritasse alcun monumento. Si possono vedere le influenze delle opere di Wilde negli schizzi originali di Epstein per la tomba, che comprendono due giovani uomini, a testa in giù in un'immagine di dolore su una stele di pietra vuota. Tuttavia, Epstein, rivolgendosi agli schizzi per la tomba, aveva detto che "era insoddisfatto e ha abbandonato il lavoro sebbene quasi completato". Pennington si riferisce a questo periodo nel lavoro di Epstein come periodo del "Tempio del Sole" e afferma che, non essendo stato in grado di seguire questo percorso con alcune delle sue opere in Gran Bretagna, Epstein trasferì la sua nuova passione sulla tomba di Wilde.Il monumento era in origine un blocco da 20 tonnellate di pietra Hopton Wood  nel Derbyshire, in Inghilterra, svelato alla stampa londinese nel giugno del 1912. Epstein ideò una vasta figura alata, un messaggero che si muoveva rapidamente con le ali verticali, dando la sensazione di volo in avanti; la concezione era puramente simbolica in cui un poeta era come un messaggero, ma molte persone provarono a leggere in esso un ritratto di Oscar Wilde.Negli schizzi originali le influenze sono state collegate ai lamassu assiri del British Museum.  piccola figura angelica dietro l'orecchio della Sfinge potrebbe essere stata un riferimento deliberato di Epstein al versetto del poema di Wilde  sfinge senza enigma "cantami tutti i tuoi ricordi". Nei disegni originali di Epstein c'è una lista di dieci peccati, tuttavia nessuno è chiaramente riconoscibile sul monumento finale, a parte i tagli di capelli a casco egiziani sulle donne.Sul monumento finito il piccolo angelo dietro l'orecchio è stato rimosso e sostituito da un elaborato copricapo, la figura crocifissa e la sfinge fallica sono state rimosse e al loro posto è stata inserita una personificazione della fama.Mentre trasportava il monumento al cimitero in Francia dai suoi studi di Cheyne Walk a Londra, Epstein si trovò nei guai con la polizia - avendo rifiutato il suo status di opera d'arte, la dogana francese impose un gravoso dazio d'importazione di 120 sterline sul monumento per il valore della pietra. Una volta pagato il conto  il monumento era coperto da teloni a causa della reazione dei funzionari parigini alla nudità del monumento. Una sera Epstein tornò al cimitero e scoprì che i testicoli sulla statua erano stati coperti da intonaco poiché la dimensione dei testicoli era considerata inusuale. Alla fine, come compromesso, sotto l'istruzione di Robert Ross, una lapide in bronzo simile alla forma di una farfalla fu posta sui testicoli del monumento e fu svelata all'inizio dell'agosto del 1914 dall'occultista e poeta Aleister Crowley. Epstein era furioso che il suo lavoro fosse stato modificato senza il suo consenso e si rifiutò di partecipare alla presentazione. Qualche settimana dopo Crowley si avvicinò a Epstein in un caffè a Parigi con al collo una farfalla di bronzo e informò Epstein che il suo lavoro era ora in esposizione nel modo che lui desiderava.Nel 1950 nella tomba vengono riposte le ceneri di Robert Ross, grande amico di WildeI testicoli vennero rimossi in un atto di vandalismo nel 1961. Si dice che il direttore del cimitero li usasse come fermacarte. Ora sono dispersi. Nel 2000, Leon Johnso ha installato una protesi d'argento per sostituirli.L'epitaffio è un verso di " ballata del carcere di Reading":</ref>And alien tears will fill for him
Pity's long-broken urn,
For his mourners will be outcast men,
And outcasts always mournlingua=en}}Oggi, il monumento viene visto da migliaia di visitatori ogni anno. Nel tempo nacque una tradizione nella quale i visitatori baciavano la tomba dopo aver applicato un rossetto alla bocca

Prompt: In Oscar Wilde's tomb, how is the Latomba discussed?Please output in Italian.

1912
1914
1950
1961
2000
Aleister Crowley
British Museum
Derbyshire
Francia
Gran Bretagna
Inghilterra
Londra
Oscar Wilde
Parigi
Robert Ross


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Ludovico II di Baviera

in inglese: Blunt, Wilfred and Michael Petzet. The Dream King: Ludwig II of Bavaria. 1973. ISBN 0-14-003606-7. Chapman-Huston, Desmond. Bavarian Fantasy: The Story of Ludwig II. 1955. King, Greg. The Mad King: The Life and Times of Ludwig II of Bavaria. 1996. ISBN 1-55972-362-9 McIntosh, Christopher. The Swan King: Ludwig II of Bavaria. 1982. ISBN 1-86064-892-4

Prompt: In Ludwig II (sculpture), how is the Source of quotes of the Ludovico and the arts explained?Please output in Italian.


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Cupressus

Associato al culto dei morti fin dall'antichità, il cipresso è simbolo di vita eterna in alcune civiltà orientali, specialmente in Persia, nell'area della religione di Zoroastro .Per i Greci – muovendo dal mito di Ciparisso, un giovane che per errore uccise il suo cervo molto amato e che, per liberarlo dal dolore, Apollo, movendosi a pietà, trasformò in un cipresso – l'albero era legato al lutto . I Romani e gli Etruschi riprenderanno l'eredità greca del cipresso come albero sacro, legato al lutto e al funerale, oltre che a motivi ornamentali.In ambito cristiano, il cipresso – insieme alla palma, al cedro e all'ulivo – è ritenuto uno dei quattro legni con cui furrono costruite la croci .Cipresso monumentale presso il Tra i cipressi di particolare rilevanza, in qualche caso anche individuale, nell'ambito del paesaggio italiano, si ricordano il cosiddetto Cipresso di Michelangelo, conservato forse fin dalla costruzione della Certosa delle Terme nel chiostro dell'edificio, situato di fronte alla Stazione Termini in Roma ; il "Cipresso di San Francesco" a Verucchio , monumento vegetale di oltre 800 anni situato nel chiostro di un monastero francescano; la cipresseta di Fonte greca nel Parco Regionale del Matese .Anche il viale dei Cipressi immortalato dal poeta Giosuè Carducci nell'opera Davanti San Guido, che, con uno sviluppo rettilineo di quasi 5 chilometri collega Bolgheri all'oratorio di San Guido, è soggetto a tutela nell'ambito del patrimonio storico nazionale.

Prompt: How does Cypresses (Metropolitan Museum of Art) explain its Cultural aspects?Please output in Italian.

Apollo
Bolgheri
Ciparisso
Davanti San Guido
Giosuè Carducci
Persia
Verucchio


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Violante

Prompt: Focus on Violante (Titian) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Crenaia, la ninfa del torrente Dargle

Leighton aveva visitato l'Irlanda per dipingere un paesaggio nell'estate del 1874, e forse in altre occasioni negli anni 1870. Fu durante una visita alla magione del suo amico irlandese Mervyn Wingfield, visconte di Powerscourt, che questi gli commissionò un quadro per la sua casa situata a Powerscourt, in una valle vicino a Enniskerry circondata dai monti Djouce e attraversata dal fiume Dargle, un torrente che aumenta il proprio flusso tra War Hill e Tonduff; dopo aver formato una cascata di oltre 120 metri a Powerscourt scorre fino al mare d'Irlanda, a Bray. Leighton, pensando al torrente che attraversava la temuta, lo immaginò abitato da una ninfa bellissima sempre accarezzata dalle acque del Dargle. Il dipinto, adesso noto come  ninfa del Dargle, venne esposto all'accademia reale d'arte nel 1880 con il titolo Crenaia. Frederic George Stephens, che scriveva per The Athenæum, era entusiastico sul dipinto quando venne esposto:L'opera venne acquisita assieme ad altre opere di Leighton dal visconte di Powerscourt, e attualmente è posseduta dall'impresario multimilionario di origine spagnola, ma cresciuto in Messico, Juan Antonio Pérez Simón, un collezionista che possiede una delle migliori collezioni private di arte vittoriana al mondo.

Prompt: Focus on Crenaia, the Nymph of the Dargle and explain the History.Please output in Italian.

Dargle
Enniskerry
Juan Antonio Pérez Simón
Mervyn Wingfield
Messico
The Athenæum


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ragazzo accovacciato

L'opera non è ricordata in nessuna delle fonti biografiche su Michelangelo, né in documenti della sua epoca. Appartenuta ai Medici, la scultura fu acquistata dal banchiere John Lyde Browne, un collezionista inglese incaricato dalla zarina Caterina II di procurarle in Europa delle opere da aggiungere alle sue collezioni. Pervenuta all'Accademia artistica di Pietroburgo, passò dal 1851 al museo attuale.Solo in epoca recente l'opera è stata attribuita a Michelangelo. Questo è stato possibile grazie all'intuizione della studiosa tedesca Anny E. Popp, che nel 1923 la mise in relazione con un disegno, già allegato a una lettera del 1526 di Leonardo Sellaio indirizzata a Michelangelo, e oggi conservato al British Museum di Londra: in esso si vede il primo progetto per la Sagrestia Nuova della Basilica di San Lorenzo , con due figure accovacciate, collocate di profilo all'interno di nicchie, una delle quali somiglia al Ragazzo accovacciato.Altre ipotesi legano invece l'opera alla tomba di Giulio II, in particolare a una fase vicina al Genio della Vittoria, con proposte di datazione che oscillano tra il 1524 e il 1530, con una preponderanza per il primo. Solo Frey ipotizzò di riferirlo a un periodo giovanile, verso il 1497-1500. Altri hanno espresso dubbi sull'autografia: per Charles de Tolnay è opera di allievi del maestro, per Wittkower di Pierino da Vinci.

Prompt: How does Crouching Boy explain its History?Please output in Italian.

1524
1526
1851
1923
British Museum
Charles de Tolnay
Europa
Genio della Vittoria
Londra
Medici
Pierino da Vinci
Sagrestia Nuova


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Amor sacro e Amor profano

Lo stemma sulla fronte del sarcofago ha permesso di legare l'opera alle nozze avvenute nel maggio del 1514, tra il veneziano Niccolò Aurelio, segretario del Consiglio dei Dieci, che nel 1523 sarebbe diventato gran cancelliere di Venezia, e ura Bagarotto, figlia del giureconsulto patavino Bertuccio Bagarotto, giustiziato il primo dicembre 1509 in piazza san Marco con l'accusa di aver tradito la Serenissima al tempo della conquista di Padova da parte dell'imperatore Massimiliano I d'Asburgo nel giugno del 1509.Pervenne nelle collezioni Borghesi   probabilmente attraverso l'acquisto di sessantun dipinti del cardinal Paolo Emilio Sfondrati da parte di Scipione Borghese, nel 1608, con l'intermediazione del tesoriere, il cardinale Pallavicini.Il soggetto del dipinto, nella sua ricchezza di elementi criptici, è tra i più studiati dell'intera storia dell'arte, e presuppone molteplici livelli di lettura. Ad esso hanno dedicato interi saggi De Logu e Argan.

Prompt: Focus on Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione) and explain the History.Please output in Italian.

1514
1608
Bertuccio Bagarotto
Massimiliano I d'Asburgo
Paolo Emilio Sfondrati
Venezia


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Giustizia

parola deriva dal latino iustus, che significa giusto.

Prompt: In Justice (Titian), how is the Etymology discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: In Epifania, how is the In the Latin Church of the Theology explained?Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


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Ragazzo morso da un ramarro

prima versione, realizzata su tela tra il 1595 ed il 1596 e conservata presso la Fondazione Longhi a Firenze, è senza dubbio opera autografa di Caravaggio. seconda, realizzata su tela tra il 1595 e il 1600  è conservata presso la National Gallery di Londra. Quest'ultima opera è stata acquisita dal Museo attraverso il contributo della Fondazione J. Paul Getty Jr. nel 1986.Non è ancora chiaro quando e presso chi il dipinto venne realizzato. Giulio Mancini afferma che l'opera venne realizzata quando il pittore abitava in casa di monsignor Pandolfo Pucci, mentre Giovanni Baglione precisa che fu dipinta quando Merisi lasciò la bottega di Cavalier D'Arpino, nel tentativo di “mettersi in proprio”. L'opera sarebbe dunque riconducibile al periodo precedente l'ingresso di Caravaggio in quel vasto entourage del cardinale Francesco Maria del Monte, e dunque sarebbe databile attorno al 1598, quando è documentata l'iscrizione di Caravaggio al "rolo" del cardinale. Più evidente, invece, l'interesse che in questo periodo il pittore nutre per la rappresentazione dei moti dell'animo  - i cosiddetti "affetti"-  che gli veniva direttamente dallo studio  dell'opera di Leonardo da Vinci, dei suoi schizzi e del suo Trattato di Pittura, in cui si descrivono “vari accidenti e movimenti dell'uomo e proporzioni di membra". In questo senso, avevano larga importanza gli studi di fisiognomica, il cui fine precipuo era quello di studiare i caratteri psicologici e morali di una persona analizzandone l'aspetto fisico e, in particolare, i lineamenti. Tuttavia, a orientare gli artisti nella rappresentazione degli "affetti" sono soprattutto i fogli di caricature e di raffigurazioni del grottesco: un genere praticato non solo da Leonardo, ma anche da Michelangelo e più tardi dai Carracci. Le caricature avevano il compito non solo di alterare in forma comica i connotati della persona, ma anche di mostrare emozioni e sensazioni. In quest'opera, Caravaggio mostra, come in un "fotogramma", la raffigurazione di una reazione all'orrore che un giovane prova di fronte al morso di un ramarro sbucato dai fiori e frutti.

Prompt: How does Boy Bitten by a Lizard explain its History?Please output in Italian.

1595
1596
1600
Caravaggio
Firenze
Giovanni Baglione
Giulio Mancini
Londra
Caravaggio


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Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: Explain the Theangelsbringtherevelation about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Rachele

Il personaggio biblico Rachele è divenuto il simbolo delle madri afflitte per le disgrazie che affliggono il popolo ebraico;  è citato anche nel Nuovo Testamento, come simbolo delle madri inconsolabili per la strage degli innocenti da parte di Erode che cercava di uccidere Gesù Bambino:

Prompt: Explain the In Christianity of this artwork, Rachel (sculpture).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna di Tarquinia

L'opera è datata con un cartiglio sul trono "" ed è uno dei pochi punti fermi nella cronologia delle opere del Lippi. Risale al rientro a Firenze del pittore dopo il soggiorno padovano e fu commissionata da Giovanni Vitelleschi, capitano militare dell'esercito papale e arcivescovo di Firenze dal 1435 al 1437, che in quegli anni tornava alla sua città natale, Tarquinia, per farsi costruire un palazzo a cui forse era destinata la tavola. pala venne portata a Roma nel 1943, per essere sottoposta a restauro e preservata durante il periodo bellico, ma non ha fatto ritorno alla sua sede originaria in palazzo Vitelleschi.

Prompt: How does Enthroned Madonna and Child (Filippo Lippi) explain its History?Please output in Italian.


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Epifania

In Romania e Moldavia, l'Epifania si chiama Boboteaza. Nel sud-est della Romania, dopo le funzioni religiose, gli uomini partecipano alle corse invernali dei cavalli. Prima della corsa, gli uomini si mettono in fila con i loro cavalli davanti al sacerdote, che li benedirà aspergendoli con rami verdi che sono stati precedentemente immersi nell'acqua santa dell'Epifania. A volte le persone desiderano avere questa benedizione anche per se stesse. Vincere la corsa dell'Epifania è un grande onore sia per il cavallo che per il cavaliere, mentre i festeggiamenti post-gara, sia in caso di vittoria che di perdita, sono comunque molto festosi. Come in altri paesi del mondo ortodosso orientale, i riti dell'acqua svolgono un ruolo speciale in questo giorno. Un detto della saggezza popolare rumena sostiene che se una ragazza scivola sul ghiaccio o, meglio ancora, cade nell'acqua durante l'Epifania, si sposerà sicuramente prima della fine dell'anno.In Transilvania , i cristiani luterani e riformati di origine ungherese e sassone celebrano l'Epifania con il canto delle stelle e la benedizione delle case, come nell'Europa centrale. L'usanza del canto delle stelle si era diffusa molto tempo addietro in tutta la Romania e nella Repubblica di Moldavia. Qui la stella, chiamata Steaua, oggi assomiglia a una lanterna di vetro colorato e presenta al centro un'icona ortodossa, una tradizione che indica la fusione tra Oriente e Occidente che caratterizza le due nazioni affacciate sul fiume Prut.

Prompt: Explain the Romania Moldova about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Transilvania Moldavia Prut Romania Transilvania Transilvania


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Il campo italiano alla battaglia di Magenta è un dipinto a olio su tela di Giovanni Fattori, realizzato nel 1862 e conservato alla Galleria d'arte moderna presso palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: How does The Italian Camp at the Battle of Magenta explain its Abstract?Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

In Giappone, le Cento di vedute famose di Edo ottennero un importante successo, come testimoniano le innumerevoli reimpressioni effettuate dall'editore, spesso di assai minore qualità rispetto ai primi tiraggi. Quattro artisti copiarono o imitarono la serie, ma senza grandi risultati: Hiroshige II, Utagawa Hirokage, Shōsai Ikkei et Kobayashi Kiyochika. Dopo i paesaggi monumentali e analitici di Hokusai e le vedute liriche di Hisohige all'inizio della sua carriera, le Cento vedute illustrano l'ultimo stadio della stampa paesaggistica in Giappone, caratterizzato da un approccio simbolico, intimo ed emotivo. Le scene di Parigi di Henri Rivière o Pierre Bonnard riprendono idee o costruzioni geometriche dalle Cento veduto di Edo. Furono essenzialmente le composizioni audaci che oppongono primo piano e fondo a ispirare gli artisti francesi, in primo luogo le Les Trente-six Vues de la Tour Eiffel di Henri Rivière, ma anche Georges Seurat, Toulouse-utrec o Édouard Vuillard. Claude Monet s'interessò all'opera di Hiroshige, traendo ispirazione dalla stampa 65, All'interno del santuario Kameido Tenjin, per il suo Stagno delle ninfee, armonia verde del 1899; alla stessa stampa, per il trattamento dei giardini e degli specchi d'acqua, si ispirò anche Paul Cézanne nel realizzare Il ponte di Maincy. Camille Pissarro ebbe a dire di Hiroshige:Vincent van Gogh era molto colpito da queste stampe e ne realizzò delle copie mentre soggiornava a Parigi nel 1887: Giapponeseria: Ponte sotto la pioggia che è tratto dal Acquazzone sul ponte Shin-Ōhashi ad Atake , e Giapponeseria: pruno in fiore, una copia del Giardino dei pruni di Kameido ; tuttavia, egli faticò a riprodurre la sensibilità e le tematiche espresse dall'artista giapponese. Nel 1887, Van Gogh cercò di ridefinire la sua arte e queste copie mostrano il suo interesse per l'uso decorativo e non più solo descrittivo dei colori e delle linee, come un cielo rosso in un paesaggio. Van Gogh, nel 1888 ad Arles, scrisse, circa i colori della Provenza, che "si vede con un occhio più giapponese, si sente diversamente il colore".L'impressionista americano Theodore Robinson elogiò i Fuochi d'artificio sul ponte Ryōgoku . Anche la Fabbrica imperiale di Porcellana di San Pietroburgo riprese l'aquila che plana dall'alto della stampa 107, Fukagawa Susaki e Jūmantsubo, sopra una porcellana del 1913, a testimonianza della circolazione dei motivi giapponesi in tutto l'Occidente.

Prompt: Focus on One Hundred Famous Views of Edo and explain the Fortune of the work.Please output in Italian.

1887
1888
1899
1913
Arles
Camille Pissarro
Claude Monet
Fuochi d'artificio
Georges Seurat
Giappone
Henri Rivière
Hiroshige II
Il ponte di Maincy
Kobayashi Kiyochika
Paul Cézanne
Pierre Bonnard
Porcellana di San Pietroburgo
Provenza
San Pietroburgo
Theodore Robinson
Utagawa Hirokage
Hiroshige II
Vincent van Gogh
Édouard Vuillard


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Democrito

Democrito fu anche un pioniere nei campi della matematica e della geometria. Scrisse molte opere di matematica e geometria, nessuna delle quali è giunta fino a noi; si conoscono solo i titoli di alcune delle sue opere  citati in altre opere, dal momento che nessuna delle sue opere sopravvisse al Medioevo.Secondo Archimede, Democrito fu tra i primi a osservare che un cono o una piramide con le stesse area di base e altezza hanno un volume pari a un terzo del volume rispettivamente di un cilindro o di un prisma. Democrito non ne fornì una dimostrazione  ma si limitò ad asserirne la veridicità.Inoltre in un noto passo, Plutarco  riporta che Democrito si sarebbe posto la seguente questione: la superficie data dall'intersezione di un cono con un piano parallelo alla sua base può essere uguale oppure diversa dalla superficie della base del cono. Se le due superfici sono uguali, il cono è in realtà un cilindro, mentre se sono diverse il cono è in realtà un cono circolare a gradini .  questione posta da Democrito viene risolta sulla base di considerazioni di infinitesimi, e pertanto, sulla base di quanto riportato da Plutarco, è stato ipotizzato che Democrito fosse un precursore del concetto di infinitesimo e del calcolo integrale.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Mathematics of the Opponents explained?Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Nell'aprile del 1881, Van Gogh ritornò a Etten, dove vivevano i suoi genitori, continuando a disegnare, spesso utilizzando i vicini di casa come modelli. Nel corso dell'estate passò molto tempo passeggiando e parlando con sua cugina Kee Vos-Stricker rimasta vedova da poco. Ella era la figlia della sorella anziana di sua madre e di Johannes Stricker.  Nonostante Van Gogh avesse voluto sposare la Stricker, le disse che non l'avrebbe sposata: "No, mai, mai"  per il semplice fatto che non avrebbe potuto mantenerla, il matrimonio era fuori discussione. In occasione del Natale litigò violentemente con il padre, al punto da rifiutare un'offerta di denaro, e partì per L'Aia.Nel gennaio 1882 si stabilì a L'Aia presso il cugino acquisito, il pittore Anton Mauve .  Mauve gli insegnò la tecnica della pittura ad olio e dell'acquerello facendogli un prestito per consentirgli di approntarsi uno studio; tuttavia il sodalizio durò poco, probabilmente per discussioni su questioni tecniche. Mauve però a breve gli diede l'impressione di un raffreddamento dei rapporti nei suoi confronti non rispondendo ad alcune lettere, e Vincent suppose che Mauve non approvasse la sua convivenza con una prostituta, Clasina Maria "Sien" Hoornik  e la sua giovane figlia. Egli aveva incontrato Sien verso la fine di gennaio, quando questa aveva una figlia di cinque anni ed era incinta. Il 2 luglio, Sien diede alla luce un bambino, Willem. Il padre di Van Gogh esercitò pressioni sul figlio affinché abbandonasse Sien e i suoi figli. Vincent assunse in un primo momento un atteggiamento di sfida contro la decisione paterna.Lo zio di Van Gogh, Cornelis, gli commissionò 20 disegni ad inchiostro della città, che l'artista approntò per la fine di maggio Nel giugno, venne ricoverato per tre settimane in ospedale a causa di una infezione da gonorrea e in estate iniziò a dipingere ad olio. Nell'autunno 1883, dopo un a convivenza di un anno, lasciò Sien e i suoi due bambini, trasferendosi nella provincia di Drenthe, nel nord dei Paesi Bassi. Nel dicembre successivo, spinto dalla solitudine, andò ad abitare con i suoi genitori che si erano trasferiti a Nuenen, nel Brabante Settentrionale.

Prompt: In the context of Early works of Vincent van Gogh, explain the Etten, Drenthe, The Hague and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1881
Anton Mauve
Brabante Settentrionale
Drenthe
L'Aia
L'Aia
Natale
Paesi Bassi


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Natività mistica

Prompt: In The Mystical Nativity, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Musica

leftDal punto di vista della sua conservazione la musica fu doppiamente svantaggiata. Essa da una parte soffrì, fino all'invenzione del torchio a stampa, della sorte comune a tutto il materiale che doveva essere tramandato in forma scritta, cioè della rarità del materiale, dei mezzi e delle capacità di tramandarlo. A ciò si aggiunse la mancanza di una notazione che permettesse di scrivere la musica in maniera univoca .A queste circostanze pratiche, si aggiungevano pregiudizi di carattere culturale  che individuavano nella pratica musicale una parte nobile, collegata alla parola, e una artigianale, collegata al suono strumentale.  seconda veniva relegata in secondo piano e, nella sua funzione di servizio, lasciata ai musici professionisti : questo equivale a dire che la musica popolare era affidata esclusivamente alla trasmissione orale ed è per noi completamente perduta. Le poche melodie che sono giunte fino a noi lo hanno fatto spesso intrufolandosi in composizioni considerate degne di essere tramandate : è questo il caso della melodia detta L'homme armé e   della melodia detta  Follia. Solo in epoca moderna la musica popolare inizierà ad essere considerata degna di essere tramandata.Si sa comunque che nel Medioevo si produceva molta musica di carattere non sacro: un'importante testimonianza  viene dalle composizioni dei trovatori, dei trovieri e dei Minnesanger, cantori e poeti vaganti, le cui prime testimonianze datano attorno all'XI secolo. Di provenienza linguistica diversa , essi erano accomunati dall'argomento delle loro canzoni, l'amor cortese e dalla loro frequentazione, appunto delle corti, dove era stata elaborata questa forma ritualizzata d'amore.  diffusione delle composizioni trobadoriche accompagnò anche la diffusione dell'idea che l'educazione musicale  dovesse far parte dell'educazione di un nobile. Come per il resto delle composizioni popolari però, anche la parte musicale delle composizioni trobadoriche è andata quasi completamente perduta anche a causa della distruzione causata dalla crociata contro gli albigesi.Le composizioni che ci sono pervenute  sono raccolte nei Canzoniere,  in cui sono citati nomi e vite di famosi trovatori nelle  'vidas'. Tra i nomi che compaiono maggiormente: Arnaut Daniel ; Jaufre Rudel; Bernard de Ventadorn; Bertran de Born. Grazie ai canzonieri si è a conoscenza anche dei generi, sia letterari sia musicali, composti e cantati dai menestrelli, che non trattano solo il tema amoroso.  composizione per eccellenza è la canso per I trovatori, chanson per i trovieri, lied per I minnesanger; a fianco ad essa troviamo l'alba , la pastorella ; la tenso e i sirventesi di genere satirico.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the The finders and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

L'homme armé
Minnesang
Minnesang
XI secolo


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Madonna di Ince Hall

L'iscrizione sulla parete sinistra in alto recita: "COPLETV ANO D M CCCC XXXIIJ P IOHEM DE EYC BRVGIS". Si traduce "Completato nell'anno di Nostro Signore 1433 di Jan van Eyck, Bruges". A destra dell'arazzo compare il motto personale di van Eyck in lettere greche "ALC IXH XAN" , giocando sulla somiglianza tra il suo cognome e "IXH" ..

Prompt: In Ince Hall Madonna, how is the Registration of the History explained?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Nella pittura tradizionale giapponese, e più in generale in quella dell'Estremo Oriente, la rappresentazione della prospettiva come era intesa dagli occidentali non esisteva. Come nell'Antico Egitto, le dimensioni degli oggetti o dei personaggi non dipendeva dalla loro vicinanza o lontananza, ma piuttosto dalla loro importanza all'interno del contesto dell'immagine: in un paesaggio, il rappresentare i personaggi più grandi rispetto agli alberi e le montagne intorno faceva intendere che i protagonisti dell'opera fossero i primi, oltre a far sì che l'attenzione dell'osservatore si monopolizzasse su di essi. Il concetto di punto di fuga non esisteva. tecnica della prospettiva, utilizzata nella pittura occidentale a partire dai lavori di Paolo Uccello e Piero della Francesca, arrivò in Giappone nel XVIII secolo attraverso le incisioni su rame occidentali  importate dai commercianti dal porto di Nagasaki. I primi tentativi di copiare l'uso della prospettiva occidentale furono ad opera di Okumura Masanobu e soprattutto di Utagawa Toyoharu, che nel 1750 produsse alcune incisioni in prospettiva raffiguranti i canali di Venezia o le rovine di Roma antica.Grazie ai lavori di Toyoharu, la stampa paesaggistica giapponese ne uscì profondamente influenzata, continuando a evolversi grazie alle opere di Hiroshige  e Hokusai. Quest'ultimo incominciò a prendere confidenza con la tecnica della prospettiva a partire dal decennio 1790 attraverso lo studio dei lavori di Kōkan. Tra il 1805 e il 1810 pubblicò la serie intitolata Immagini a specchio in stile olandese - Otto vedute di Edo.Alcuni studiosi sostengono che  grande Onda non rappresenti appieno la pittura giapponese in quanto risentirebbe troppo degli influssi europei.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the Influenza western on the work perspective and the Description.Please output in Italian.

Antico Egitto
Estremo Oriente
Giappone
Nagasaki
Okumura Masanobu
Paolo Uccello
Piero della Francesca
Utagawa Toyoharu
Venezia


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Il carro da fieno

Il dipinto è ambientato nella campagna inglese del Suffolk, nelle immediate vicinanze del fiume Stour, dove era collocato il mulino di Flatford, proprietà del padre di Constable, Golding. In primo piano due contadini guadano il basso corso d'acqua conducendo un carro da fieno vuoto trainato da cavalli: il carro è forse fermo nei flutti per far raffreddare i cerchioni metallici delle ruote, o magari per far riposare e abbeverare il cavallo. A lato del ruscello si scorge un cane, indeciso se raggiungere il padrone tuffandosi in acqua o rimanere prudentemente sulla sponda del fiume. In lontananza si vedono i lavoratori nei campi, piccoli come puntini, che stanno mietendo il fieno: il carro fa probabilmente la spola tra i campi e la fattoria per depositare quanto raccolto. Tra le altre figure visibili vi sono una donna che attinge acqua per una casa nelle vicinanze e un ragazzo che sta lanciando una lenza.Nella scena ritratta in questo dipinto vi è un sereno equilibrio tra gli elementi naturali e quelli artificiali: la casa, che si erge in una delle anse del ruscello, sembra infatti quasi confondersi con la cortina di alberi circostante.  parte superiore del quadro è invece occupata da un cielo solcato da nuvole violente e procellose, che in questa tela assurgono a elemento scenografico maggiore: Constable non si sofferma solo sulla loro forma evanescente, bensì ne indaga anche le qualità luministiche e i tonalismi atmosferici, così da caricare l'intero paesaggio di una notevole intensità lirica. Fu lo stesso Nodier che notò questa particolare tecnica d'esecuzione osservando il dipinto alla Royal Academy:Notevoli, infine, le qualità luministiche del dipinto, ottenute impiegando la tecnica appena descritta. L'intera scena, infatti, è valorizzata dalla luce che sembra vibrare autonomamente, accarezzando i prati, penetrando nelle frondose chiome degli alberi e riflettendosi sul velo d'acqua del ruscello.

Prompt: Focus on The Hay Wain and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Gioele

Joelle Carter, attrice statunitenseJoëlle Ursull, cantante francese

Prompt: In Prophet Joel (Michelangelo), how is the Female variants of the People explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Madonna delle Cave

Prompt: Focus on Madonna of the Caves and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


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Jacopo de' Barbari

</ref> o con i cognomi de Barbari, de Barberi, Barbaro, Barberino, Barbarigo o BarberigoSesso = MLuogoNascita = VeneziaGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 1460/70NoteNascita = LuogoMorte = GiornoMeseMorte = AnnoMorte = 1516 circaNoteMorte = Epoca = 1400Epoca2 = 1500Attività = pittoreAttività2 = incisoreNazionalità = italiano}}Nel 1500 si allontanò da Venezia per trasferirsi in Germania, diventando il primo artista rinascimentale italiano di rilievo a lavorare in Nord Europa. I suoi rari dipinti superstiti  includono Natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra, primo esempio conosciuto di trompe-l'œil dall'antichità. Di notevole influenza artistica furono anche le sue ventinove incisioni e tre grandissime xilografie, tra cui uno dei più grandi capolavori della cartografia urbana, la celebre Veduta di Venezia.alt=

Prompt: In Jacopo de' Barbari, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Explain the Origins of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Detroit).Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Democrito

Democrito, Raccolta dei frammenti. Interpretazione e commentario di Salomon Luria, introduzione di Giovanni Reale. bio-bibliografia di S. Luria di Svetlana Maltseva, Milano: Bompiani, 2007. Andolfo, Matteo. Atomisti antichi: testimonianze e frammenti, testo greco e traduzione italiana, Milano: Bompaini, 2001. Walter Leszl , I primi atomisti. Raccolta dei testi che riguardano Leucippo e Democrito, Firenze: Olschki, 2009. Vittorio Enzo Alfieri, Gli atomisti, Bari: terza, 1936. I presocratici. Prima traduzione integrale con testi originali a fronte delle testimonianze e dei frammenti di Hermann Diels e Walther Kranz, a cura di Giovanni Reale, Milano: Bompiani, 2006. C. C. W. Taylor, The Atomists, Leucippus and Democritus. Fragments, testo greco, traduzione inglese e commento, Toronto: University of Toronto Press, 1999.

Prompt: Describe the characteristics of the Editions of texts in Democritus (Ribera)'s Biography.Please output in Italian.

Giovanni Reale
Hermann Diels
Leucippo
Walther Kranz