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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Monumento al Leone di Giuda

sinistraIl Leone di Giuda presso l'L'opera venne realizzata dallo scultore francese Georges Gardet nel 1930, in occasione dell'incoronazione dell'imperatore Hailé Selassié avvenuta il 2 novembre 1930.Al termine della cosiddetta marcia della ferrea volontà che portò all'occupazione di Addis Abeba da parte dell'esercito italiano, la statua venne trasportata a Roma nel 1936 al termine della guerra d'Etiopia, e collocata sotto l'obelisco degli Eroi di Dogali, poco oltre piazza dei Cinquecento. Il monumento venne quindi inaugurato ufficialmente l'8 maggio 1937, in occasione dell'anniversario della proclamazione dell'Impero italiano.Il 15 giugno 1938 il giovane interprete eritreo Zerai Deres mise in atto davanti al monumento un atto di protesta contro l'occupazione italiana dell'Etiopia, ferendo diverse persone dopo essere stato interrotto in un atto di devozione al Leone di Giuda. Per tale motivo venne arrestato e in seguito internato nell'ospedale psichiatrico giudiziario di Barcellona Pozzo di Gotto, in cui rimase fino alla morte avvenuta nel 1945; tuttavia, vari storici contemporanei esprimono dubbi sull'effettiva instabilità mentale di Zerai. Per tale gesto Deres è considerato nella sua patria e in Etiopia un eroe nazionale. Il leone di Giuda rimase a Roma fino al , quando fece ritorno in Etiopia dopo i negoziati di Addis Abeba; in occasione della nuova inaugurazione il negus Hailé Selassié partecipò in divisa militare alla cerimonia, ricordando per l'occasione anche il gesto patriottico di Zerai Deres.Dopo la rivoluzione del 1974, il regime Derg pensò di rimuovere il monumento, simbolo della monarchia, ma un'associazione di veterani arbegnuoc sostenne che fosse un ricordo della resistenza etiope e simbolo dell'Etiopia. Il regime accettò di lasciare il monumento, che si trova ancora di fronte alla stazione ferroviaria di Addis Abeba.

Prompt: Focus on Monument to the Lion of Judah and explain the History.Please output in Italian.

1930
1937
8 maggio
Addis Abeba
Barcellona Pozzo di Gotto
Derg
Etiopia
Georges Gardet
Hailé Selassié
Leone di Giuda
Roma
Zerai Deres


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Cristo nella tempesta sul mare di Galilea

Il 18 marzo 1990 due persone vestite da agenti di polizia riuscirono a entrare nell'Isabella Stewart Gardner Museum, legare le guardie e rubare il Rembrandt insieme con altre 12 opere d'arte per un valore stimato approssimativamente in 500 milioni di dollari, compiendo di fatto il più importante furto di opere d'arte della storia degli Stati Uniti.

Prompt: Focus on The Storm on the Sea of Galilee and explain the Theft.Please output in Italian.


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Ugolino e i suoi figli

L'artista surrealista Max Ernst adoperò una xilografia di Ugolino, ricavando l'immagine, con molta probabilità, dal catalogo dell'esposizione universale, e la inserì nel romanzo a fumetti  femme 100 têtes . Il suo collage conserva il terrore del volto di Ugolino, ma lo giustappone a degli strumenti musicali.

Prompt: How does Ugolino and His Sons (Carpeaux) explain its Flu?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna dell'Umiltà

Madonna dell'Umiltà - dipinto del Beato Angelico del 1433-1435, che appartiene al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid ed è conservato in prestito presso il Museo nazionale d'arte della Catalogna. Madonna dell'Umiltà  - rilievo marmoreo attribuito a Donatello o alla sua bottega del 1430 circa, conservata nel  Museum of Fine Arts di Boston. Madonna dell'Umiltà  - tempera su tavola trasportato su tela di Fra Filippo Lippi, databile 1429-1432, conservata nella Pinacoteca del Castello Sforzesco a Milano. Madonna dell'Umiltà - dipinto di Gentile da Fabriano databile 1420-1423 circa, conservato nel Museo nazionale di San Matteo a Pisa. Madonna dell'Umiltà - dipinto attribuito a Masaccio , databile 1424-1425, conservato alla National Gallery of Art di Washington D.C.  Madonna dell'Umiltà  - dipinto di Masolino datato 1423 sulla base, conservato nella Kunsthalle di Brema. Madonna dell'Umiltà - dipinto attribuito a Masolino o a Pesello, databile a prima del 1423, conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.  Madonna dell'Umiltà - dipinto attribuito a Masolino databile al 1435, conservato nella Alte Pinakothek di Monaco di Baviera. Madonna dell'umiltà e angeli - dipinto di Nicola da Guardiagrele databile non oltre il secondo decennio del Quattrocento, conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. Madonna dell'Umiltà- dipinto di Giovanni di Paolo del 1435 circa, conservato nella Pinacoteca Nazionale di Siena, del quale esiste una seconda versione del 1445 circa, leggermente più piccola, ora al  Museum of Fine Arts di Boston

Prompt: In Madonna of Humility (Gentile da Fabriano), how is the Examples discussed?Please output in Italian.

1423
1430
1435
1445
Alte Pinakothek
Beato Angelico
Donatello
Filippo Lippi
Galleria degli Uffizi
Gentile da Fabriano
Giovanni di Paolo
Masaccio
Museo Thyssen-Bornemisza
Museo nazionale d'arte della Catalogna
Museo nazionale di San Matteo
National Gallery of Art
Nicola da Guardiagrele
Pesello
Pinacoteca del Castello Sforzesco


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Madonna della Scodella

tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice : .Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da nfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Prompt: How does Madonna della Scodella explain its History?Please output in Italian.

1524
1528
1530
1796
1815
1893
Carlo Maratta
Cecil Gould
Corrado Ricci
Domenichino
Federico Barocci
Giorgio Vasari
Girolamo da Carpi
Lelio Orsi
Parigi
Parma
Pompeo Batoni
Waterloo


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Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù

È il risultato di una commissione della chiesa gesuita di Santa María del Pilar di Calatayud, ora conosciuta come San Juan el Real. Dopo che i gesuiti furono espulsi dalla Spagna nel 1767, il dipinto andò al santuario della Vergine di Jaraba, dove fu riscoperto nel 1985.

Prompt: Explain the History of this artwork, Consecration of Aloysius Gonzaga as patron saint of youth.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Fra Angelico, Madrid) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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August Blue

Altre tele di Tuke sul genere sole-spiaggia-mare-ragazzi nudi includono:

Prompt: Focus on August Blue and explain the Naked boys in marine environment.Please output in Italian.


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Polittico di San Pietro

Il Polittico di San Pietro è un dipinto a olio su tavola di Pietro Perugino, databile al 1496-1500 circa e conservato, nello scomparto centrale  e nella cimasa , nel Musée des Beaux-Arts di Lione.

Prompt: How does San Pietro Polyptych explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Castello di Neuschwanstein – fortezza di architettura romanica con interni bizantini e gotici, che venne costruita vicino al castello del padre, Hohenschwangau. Numerosi affreschi ritraggono scene dalle opere di Wagner, in particolare ad opera dell'artista Moritz von Schwind.  gloria cristiana e l'amore casto figurano predominanti nell'iconografia. A causa della morte di Ludovico, il castello non è stato completato. Neuschwanstein avrebbe fornito l'ispirazione per il castello de  bella addormentata nel bosco di Disney.Castello di Herrenchiemsee – una replica della reggia di Versailles che, nei progetti, l'avrebbe dovuta superare in dimensioni e fastosità. È situata sull'omonima isola al centro del lago Chiemsee. Buona parte del palazzo è rimasta incompiuta e Ludovico vi soggiornò solo una volta.Castello di Linderhof – un palazzo ornato in stile neo-rococò, con bei giardini curati. Il parco contiene una grotta artificiale dove cantanti d'opera si esibivano su un lago sotterraneo illuminato con l'elettricità, una novità per quel tempo, e la capanna di Hunding, ricostruzione della scena tratta dall'opera  Valchiria di Richard Wagner. All'interno del palazzo l'iconografia riflette l'ammirazione di Ludovico per l'Antico Regime francese. Egli si riteneva il "Re Luna", in analogia con il "Re Sole", Luigi XIV di Francia.Ludovico fece decorare la residenza reale di Schachen con interni in stile arabico, con anche una replica del "Trono del Pavone". Fece inoltre progettare il castello di Falkenstein, che non venne però mai realizzato. Un dipinto dell'architetto Christian Jank mostra l'edificio come una versione ancora più fiabesca ed elaborata di Neuschwanstein, arroccato su uno sperone roccioso.

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Castles and the Ludovico and the arts.Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Castello di Linderhof
Castello di Neuschwanstein
Chiemsee
Christian Jank
Hohenschwangau
Luigi XIV di Francia
Moritz von Schwind
Richard Wagner
Trono del Pavone


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Velo della Veronica

Questa è una copia importante della Veronica, identificata con la firma di P. Strozzi nell'angolo destro della cornice interna. Egli era il segretario di papa Paolo V, e un uomo di cui il notaio vaticano Jacopo Grimaldi riferisce come avere eseguito una serie di sei copie meticolose del velo nel 1617.L'esterno della cornice è relativamente moderno, mentre la cornice interna è di fattura rozza e corrisponde allo schema ritagliato di copie precedenti. Il volto all'interno è molto sporco, più una serie di macchie in cui si possono identificare solo i nudi elementi di naso, occhi e bocca. È conservata nella Schatzkammer dei tesori sacri e secolari della dinastia degli Asburgo, nel palazzo di Hofburg a Vienna.

Prompt: In Head of Christ (Correggio), how is the Hofburg Palace Vienna of the TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica explained?Please output in Italian.


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Le signorine Vickers

Trevor J. Fairbrother, John Singer Sargent: The Sensualist, New Haven, Seattle Art Museum, 2000. Carter Ratcliff, John Singer Sargent, New York, Abbeville Press, 1982. Bruce Redford, John Singer Sargent and the Art of the Allusion, New Haven, Yale University Press, 2016.

Prompt: Focus on The Misses Vickers and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Hinduism and the Psychology.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Palette (Manet)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the The influence of photography and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman morì il 14 febbraio 1891 a New York; ci fu un grande funerale nella sua casa. Poi il corpo fu trasportato a Saint Louis dove, il 21 febbraio, si svolse un altro servizio funebre celebrato da suo figlio, Thomas Ewing Sherman, sacerdote gesuita. Il presidente degli Stati Uniti Benjamin Harrison mandò un telegramma alla famiglia e ordinò che le bandiere nazionali fossero tenute a mezz'asta.Uno degli uomini che trasportò la bara in chiesa fu l'ex generale confederato Joseph E. Johnston che, forse per essere stato sotto la pioggia nel corso della cerimonia, contrasse una polmonite che lo portò alla morte. Sherman oggi riposa nel cimitero del Calvario a Saint Louis.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Death of the Youth explained?Please output in Italian.


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Altare Heller

Nei pannelli esterni, dipinti a monocromo, pare che lavorò anche il giovane Matthias Grünewald. Si tratta di otto scomparti con altrettanti santi:# San Ciriaco guarisce la figlia di Diocleziano dall'ossessione # San Lorenzo # Santa Elisanetta di Turingia # Santa martire  # San Pietro # San Paolo # San Cristoforo # San Tommaso d'Aquino e due re santi Il san Lorenzo è firmato MGN e sul retro reca tracce di una colonna avvolta dall'edera, identificata come riferimento alle colonne del tempio di Gerusalemme. Sopra la figura appare una pianta di luppolo. Notevoli pezzi di bravura sono il disegno del libro e l'ampio e soffice panneggio, ricco di pieghe, della veste che s'impiglia nella graticola - lo strumento del martirio del santo - che sembra voler richiamare i panneggi dei Quattro Apostoli di Dürer a Monaco.Il san Ciriaco, che viene rappresentato mentre esorcizza, ai suoi piedi, la principessa Artemia, figlia di Diocleziano, regge nella mano un libro che reca la formula dell'esorcismo: . Legato il collo della ragazza con la stola, le tiene aperta la bocca con il pollice in modo che il demonio possa fuoruscire. Sopra la figura appaiono foglie di fico; sul petto porta due preziosi contenitori, probabilmente di olii, di profumi o comunque di sostanze che scongiurino i demoni. santa Elisabetta è rappresentata dentro una nicchia, sopra la quale corre un ramo di fico; ai suoi piedi si riconosce una varietà di erbe, fra le quali la malva.Non vi è certezza che il quarto pannello rappresenti effettivamente santa Lucia: sono stati proposti anche i nomi di sant'Antonia, santa Dorotea e santa Caterina. Un tralcio di vite si inanella sopra la nicchia, mentre ai piedi della santa si sono riconosciute piante di celidonia e di pilosella.

Prompt: In the context of Heller Altarpiece, explain the The  external  panels and the Description and style.Please output in Italian.

Diocleziano
Matthias Grünewald
Quattro Apostoli


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Statua di Stalin (Berlino Est)

I governi di altri paesi del blocco orientale, inclusa la DDR, rinunciarono al culto di Stalin. Nella notte tra il 13 e il 14 novembre 1961, tutta la segnaletica stradale sulla Stalinallee fu rimossa in un'operazione clandestina.  sezione occidentale tra Alexanderplatz e Frankfurter Tor fu rinominata Karl-Marx-Allee, mentre alla sezione orientale tra Frankfurter Tor e il viadotto Lichtenberg fu dato il nome di Frankfurter Allee. In quella stessa notte, la statua di Stalin fu rimossa dal suo piedistallo con un bulldozer e trasportata su un autocarro verso l'impianto industriale della Bauunion, una compagnia di costruzioni. Diversi membri di un gruppo per la costruzione nella Stalinallee, guidato da Gerhard Wolf, ebbero il compito di ridurre la statua in piccoli pezzi sotto la sorveglianza delle forze di sicurezza. Il membro della Stasi diede le seguenti istruzioni: "Il monumento deve essere ridotto in pezzi irriconoscibili. Nessun resto deve essere portato via. Non deve essere fatta parola riguardo l'intera faccenda". Il piedistallo della statua fu rimosso la mattina seguente dai soldati della Nationale Volksarmee.Un pezzo originale della statua di Stalin  in mostra al Café Sibylle.Alcuni dei lavoratori ai quali era stato assegnato il compito di distruggere la statua si appropriarono di nascosto di alcuni frammenti. Dopo la caduta del Muro di Berlino e la riunificazione tedesca, il leader del gruppo responsabile della distruzione della testa diede altri due pezzi rimanenti, un orecchio e parte del baffo, alla Geschichtswerkstatt Stalinallee, un gruppo di ricerca sulla storia della Stalinallee. Fornì anche un resoconto sui dettagli dell'operazione di rimozione del monumento: la scultura era stata ridotta in piccoli pezzi, fusa e utilizzata per forgiare altre opere artistiche, probabilmente le statue degli animali per lo zoo di Berlino Est.Il 14 novembre 1961, le autorità cittadine  diedero ai giornali il seguente annuncio su quanto accaduto in quella notte:

Prompt: Focus on Statue of Joseph Stalin, Berlin and explain the Clandestine removal.Please output in Italian.

Alexanderplatz
Berlino Est
Frankfurter Tor
Karl-Marx-Allee
Muro di Berlino
Nationale Volksarmee


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Austria -- Greta Klingsberg  / Ruth Klüger . Belgio -- François Englert  / Simon Gronowski  / Bettina Le Beau . Cecoslovacchia -- Yehuda Bacon  / George Brady  / Thomas Buergenthal  / David Weiss Halivni  / Ivan Klíma  Michal Kraus  / Arnošt Lustig  / Zdeněk Ornest  / Tomi Reichental  / Zuzana Růžičková  / Jan Saudek  / Felix Weinberg  / Ela Weissberger  / Zoltan Zinn-Collis . Francia -- Gérard Avran  / Fanny Ben-Ami  / Robert Clary  / Saul Friedländer  / Alexander Grothendieck  / Simon Jeruchim  / Joseph Joffo  / Jean Kahn  / Daniel Kahneman  / Serge Klarsfeld  / Jean-Marie Lustiger  / Annette Muller  / Jacques Saurel  Germania -- Inge Auerbacher  / Walter Zwi Bacharach  / Hans Frankenthal  / Thomas Geve  / Bill Graham  / Sonia Levitin  / Helga Newmark  / Paul Spiegel  / Beni Virtzberg  / Ruth Westheimer  / Eddie Willner . Italia  -- Andra Bucci  / Tatiana Bucci  / Enzo Camerino  / Luigi Ferri  / Hanna Kugler Weiss  / Lia Levi  / Ida Marcheria  / Marcello Martini  / Sami Modiano  / Emanuele Pacifici  / Alberto Sed  / Liliana Segre  / Arianna Szörényi  / Piero Terracina  / Aldo Zargani . Sylva Sabbadini  Jugoslavia -- Lustig Branko  / Yehuda Elkana  / Shaul dany  / Itzchak Tarkay . Lituania -- Alexander Tamir  Paesi Bassi -- Gerhard Durlacher  / Bloeme Evers-Emden  / Jona Oberski  / Eva Schloss . Polonia -- Alicia Appleman-Jurman  / Jurek Becker  / Louis Begley  / Nelly Ben-Or  / Halina Birenbaum  / Victor Breitburg  / Zahava Burack  / Élie Buzyn  / David Faber  / Abraham Foxman  / Roman Frister  / Bronisław Geremek  / Marek Halter  / Marek Herman  / Kitty Hart-Moxon  / Anna Heilman  / Ben Helfgott  / Yidele Henechowicz  / Aleksander Henryk ks  / Arek Hersh  / Roald Hoffmann  / Jerzy Kosinski  / Jack Kuper  / Yisrael Meir u  / Anita Lobel  / Coby Lubliner  / Jack Mandelbaum  / Uri Orlev  / David Perlmutter  / Sam Pivnik  / Roman Polański  / Ruth Posner  / Israel Shahak  / Szymon Srebrnik  / Alina Szapocznikow  / Emanuel Tanay  / Jack Tramiel  / Meir Wilchek  / Miriam Winter  / Sabina Wolanski . Romania -- Aharon Appelfeld  / Edith Balas  / Magda Herzberger  / Liviu Librescu  / Dan Pagis  / Kati Preston  / Elie Wiesel . Ucraina -- Janina Altman  / Martin Greenfield . Ungheria -- Iván T. Berend  / Edith Bruck  / John Chillag  / Peter Fischl  / Yosef Goldman  / Miklos Kanitz  / Imre Kertész  / Tom ntos  / dislaus Löb  / Nicholas Nagy-Talavera  / Tibor Rubin  / Péter Szondi  / Irene Zisblatt .

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Survivors and the Victims survivors.Please output in Italian.

Abraham Foxman
Aharon Appelfeld
Alberto Sed
Aldo Zargani
Alexander Grothendieck
Alexander Tamir
Alicia Appleman-Jurman
Alina Szapocznikow
Anita Lobel
Anna Heilman
Annette Muller
Arek Hersh
Arianna Szörényi
Arnošt Lustig
Austria
Belgio
Ben Helfgott
Beni Virtzberg
Bettina Le Beau
Bill Graham
Bloeme Evers-Emden
Bronisław Geremek
Cecoslovacchia
Coby Lubliner
Dan Pagis
Daniel Kahneman
David Faber
David Perlmutter
David Weiss Halivni
Eddie Willner
Edith Balas
Edith Bruck
Elie Wiesel
Emanuel Tanay
Emanuele Pacifici
Enzo Camerino
Eva Schloss
Fanny Ben-Ami
Felix Weinberg
Francia
François Englert
George Brady
Gerhard Durlacher
Germania
Gérard Avran
Halina Birenbaum
Hanna Kugler Weiss
Hans Frankenthal
Helga Newmark
Ida Marcheria
Imre Kertész
Inge Auerbacher
Irene Zisblatt
Israel Shahak
Italia
Itzchak Tarkay
Ivan Klíma
Iván T. Berend
Jack Kuper
Jack Mandelbaum
Jack Tramiel
Jacques Saurel
Jan Saudek
Janina Altman
Jean-Marie Lustiger
Jean Kahn
Jerzy Kosinski
John Chillag
Jona Oberski
Joseph Joffo
Jugoslavia
Jurek Becker
Kati Preston
Kitty Hart-Moxon
Lia Levi
Liliana Segre
Lituania
Liviu Librescu
Louis Begley
Lustig Branko
Magda Herzberger
Marek Halter
Marek Herman
Martin Greenfield
Meir Wilchek
Michal Kraus
Miklos Kanitz
Miriam Winter
Nelly Ben-Or
Nicholas Nagy-Talavera
Paesi Bassi
Paul Spiegel


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Ritratto di Giovanna Tornabuoni

Andreas Quermann, Ghirlandaio, serie dei Maestri dell'arte italiana, Könemann, Köln 1998. ISBN 3-8290-4558-1 Emma Micheletti, Domenico Ghirlandaio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-XGert Jan van der Sman, Lorenzo e Giovanna. Vita e arte nella Firenze del Quattrocento, Mandragora, Firenze 2010. ISBN 978-88-7461-127-0

Prompt: How does Portrait of Giovanna Tornabuoni explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Gli Antenati di Cristo si trovano lungo le sedici lunette  e le otto vele. Essi rappresentano le quaranta generazioni anteriori a Gesù secondo l'elenco del Vangelo di Matteo e simboleggiano la speranza e l'attesa dell'Incarnazione e della redenzione senza l'illuminazione divina dei Veggenti.

Prompt: Explain the Before Christ about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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Cristo benedicente (Giovanni Bellini Fort Worth)

benedizione di Cristo è una figura dell'iconografia cristiana tradizionale: Gesù, dalla parte anteriore, nel piede o nel busto, alza la mano destra con due dita alzate, in segno di benedizione per i protagonisti presenti o più in generale nel mondo.Cristo è rappresentato nel busto, dalla parte anteriore, con la testa diritta; è semplicemente vestito con una cintura di lino bianco attorno alla schiena e copre la spalla destra; le sue ferite sono visibili ma chiuse, una nel palmo della mano destra sollevata, due dita erette in segno di benedizione; solo un'altra delle sue ferite è visibile, quella sul fianco destro; i raggi emanano dalla sua testa in alto e ai lati ma senza la forma di un'aureola.Con la mano sinistra, Cristo porta un palo rosso eretto.Alle sue spalle, a destra del dipinto, due conigli, uno bianco, uno rosso, tra la sua mano sollevata e la sua spalla destra, si alza un albero a cui si appoggia un uccello su uno dei suoi rami secchi.Un paesaggio occupa lo sfondo della composizione, rivelando colline ed edifici a destra e a sinistra con un campanile molto alto e sottile a destra. In un pascolo, a sinistra, un pastore raccoglie il suo gregge. Su un sentiero puoi indovinare sulla destra, tre personaggi, uno giallo, rosso e uno bianco, tornano dalla chiesa.Il cielo, che trasporta le nuvole, va dal dorato all'orizzonte, al blu chiaro in alto.

Prompt: Focus on Christ Blessing (Bellini, 1500) and explain the Description.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Elsheimer) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Scipione l'Africano libera Massiva

Raffigura il momento in cui il generale romano Scipione l'Africano, dopo la vittoria di Baecula, libera Massiva, il nipote di Massinissa, capo dei Numidi Massili. L'episodio è ben descritto da Tito Livio.Qualche anno dopo Massinissa risulterà decisivo per la fine della seconda guerra punica e, fra l'altro, combatterà a Zama al fianco di Scipione.Il dipinto mostra il generale romano Scipione l'Africano mentre rimprovera il giovane Massiva per aver disobbedito allo zio Massinissa e, quindi, non si era mantenuto a distanza durante la battaglia. Questi non riesce a sostenere lo sguardo di Scipione a causa dell'umiliazione provata.Scipione è seduto su una posizione elevata ed indossa una armatura dorata ed è  circondato da elementi architettonici tipicamente romani.  presenza dello stato romano è confermata dallo stendardo con la sigla SPQR . Massiva indossa anch'egli armatura dorata, ma ha le catene sia ai polsi che alle caviglie ed ha le fattezze di un europeo, che era la prassi convenzionale nel corso del XVIII secolo. In questo dipinto, comunque, Tiepolo dimostra di aveva avuto l'opportunità di studiare a Venezia anche gli esotismi, come si vede nella rappresentazione di un ragazzo africano a sinistra del dipinto, identificato come un servo di Scipione, che viene raffigurato come un paggio contemporaneo.

Prompt: How does Scipio Africanus Freeing Massiva (painting) explain its Description?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Alcuni studiosi fanno rilevare che Isacco fu ubbidiente e rispettoso verso l'anziano padre. Infatti, mentre il racconto biblico asserisce che Abramo era vecchio avendo superato di gran lunga i 100 anni, Isacco non sembra essere stato un bambino, bensì un giovane vigoroso che, se non fosse stato consenziente, poteva opporsi con la forza al padre. Lo storico Giuseppe Flavio, infatti, riportando il pensiero della tradizione ebraica in Antichità giudaiche, afferma che Isacco aveva 25 anni all'epoca del suo sacrificio.Abramo d'altronde, così come fa notare il teologo cristiano Søren Kierkegaard nella sua opera Timore e tremore, ubbidì prontamente. Non si pose dubbi sulla ragione di quella richiesta di sacrificio da parte di Dio, se Egli lo richiedeva, la ragione era giusta! Abramo non avvisò né la moglie né i suoi parenti per portare a termine la sua opera, l'etica di Dio , ad avviso del filosofo e teologo danese, per Abramo veniva prima di ogni altra etica.D'altronde nel Nuovo Testamento è spiegato anche un'ulteriore ragione della fede di Abramo. Abramo era certo che il Dio di Israele che gli aveva dato Isacco e con il sacrificio glielo toglieva, in seguito l'avrebbe risuscitato dai morti. Nella  lettera agli Ebrei  si dice: Per fede Abramo, quando fu provato, fece come se offrisse Isacco, e l'uomo che aveva lietamente ricevuto le promesse, tentò di offrire il [suo] unigenito, benché gli fosse stato detto: "Quello che sarà chiamato 'tuo seme' verrà da Isacco". Ma egli riconobbe che Dio poteva destarlo dai morti, e da lì lo ricevette pure in modo illustrativo. promessa di un seme che da Abramo attraverso il figlio Isacco avrebbe condotto al Messia è uno dagli argomenti principali delle Sacre Scritture. Isacco, infatti oltre a trovarsi nella linea di ascendenza di Gesù, ne prefigura il suo sacrificio.

Prompt: How does Sacrifice of Isaac (Caravaggio) explain its Faith Abraham obedience Isaac promise seed?Please output in Italian.

Abramo
Antichità giudaiche
Isacco
Messia
Nuovo Testamento
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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Innalzamento della Croce

Innalzamento della Croce è un dipinto a olio su tavola  realizzato nel 1610 dal pittore Peter Paul Rubens, conservato nella Cattedrale di Nostra Signora di Anversa.Il dipinto era originariamente lo scomparto centrale di un trittico per una chiesa votiva di Santa Valpurga, non più esistente, che allora era la chiesa parrocchiale più antica della città. L'opera originale era costituita di tre scomparti, una predella ed un coronamento; oggi rimane solo uno dei tre pannelli della predella, raffigurante un episodio miracoloso di Santa Valpurga.

Prompt: In The Elevation of the Cross (Rubens), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Due scimmie incatenate

Due scimmie  sono incatenate a un anello fissato al davanzale di una finestra ad arco, affacciata su una veduta del porto di Anversa, chiaramente riconoscibile.  scimmia di sinistra è accovacciata nell'angolo e rivolta verso lo spettatore, chiaramente derivata da una stampa di Dürer del 1498 circa , mentre quella di destra è curva e mite, rivolta verso l'arioso paesaggio. Ma a differenza del modello dureriano, entrambe hanno espressioni tristi e malinconiche, che richiamano sentimenti umani. A destra si vede qualche guscio di noce, resti dello spuntino degli animali. Non è chiaro il significato del dipinto, forse una riflessione sulla condizione di prigionia o forse un'illustrazione del proverbio fiammingo "andare dal giudice per una nocciola", ovvero fare un'azione sconsiderata: in quel caso la noce sarebbe la ragione della prigionia, e sottintende forse la schiavitù dell'uomo nei confronti delle tentazioni e del peccato. Un'altra interpretazione lega il dipinto a un motivo politico, come un'allegoria delle province fiamminghe sotto il giogo spagnolo. In questo dipinto l'artista mette in primo piano due figure di dimensione più grande, all'italiana, accantonando temporaneamente le piccole figurette brulicanti, come avverrà poi in maniera più decisa nella sua ultima fase produttiva.

Prompt: In Two Monkeys (Bruegel), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Baldacchino di San Pietro

Touring Club Italiano, L'Italia. Roma, , Milano 2004

Prompt: In St. Peter's Baldachin, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di principessa estense

Leandro Ventura, Art dossier n° 113 Pisanello, Giunti, Torino 1996, pp. 38–41.

Prompt: In Portrait of a Princess (Pisanello), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Combattimento fra galli

Gerald M. Ackerman, Les Orientalistes.  Vie et l'oeuvre de Jean-Léon Gérôme, A.C.R. éd., Courbevoie, 1986. Robert Rosenblum, Les Peintures du Musée d'Orsay, Nathan, Parigi, 1989.

Prompt: In The Cock Fight, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione Malchiostro

Nella navata di una chiesa con un pavimento a scacchi ha luogo l'annunciazione. Invece di rappresentare come di consueto l'angelo a sinistra e Maria a destra, Tiziano rivoluzionò l'iconografia rappresentando la Madonna in primo piano rivolta verso lo spettatore e l'angelo indietro, lontano lungo una diagonale, che compie uno slancio verso Maria spinto dalla luce divina alle sue spalle. Inginocchiato al centro ma lontano da piano frontale si trova poi il committente, il canonico Broccardo Malchiostro.Se l'angelo appare un po' impacciato e l'emanazione luminosa non all'altezza dellAssunta o della Pala Gozzi di quegli stessi anni, spicca la figura di Maria, dilatata nel suo ampio mantello, pesante e setoso al tempo stesso, e colta con una maggiore naturalezza, col libro poggiato a terra per lo stupore, mentre compie il gesto di voltarsi con solennità, senza titubanza o timore.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Malchiostro Annunciation.Please output in Italian.


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Spiral Jetty

Il  Molo a spirale  è un earthwork di Robert Smithson realizzato nel 1970 sul Great Salt ke  e tuttora esistente.

Prompt: In Spiral Jetty, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Minneapolis)

José Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-955034-4-1 Michael Scholz-Hänsel, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 3-8228-3173-5.

Prompt: Focus on Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Minneapolis) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Arrivo degli ungheresi

sinistra rotonda di Negli anni '70 fu presa la decisione di istituire un parco nazionale storico commemorativo a Ópusztaszer. I gravi danni causati dalla guerra mondiale avevano costretto a convertire il dipinto, un ciclorama con una circonferenza di quasi 120 metri e un'altezza di 15 metri, e quindi una superficie di circa 1800 m², a tagliarlo in sezioni lunghi 8 metri, le quali furono arrotolate e custodite in vari magazzini del museo che aprì nell'area. Quando fu avviato il restauro del dipinto, si decise di procedere alla costruzione di una nuova rotonda che potesse ospitare il ciclorama.  realizzazione della struttura si fermò nel 1979 e parti della tela furono nuovamente immagazzinate e arrotolate. Nel 1991, un gruppo di restauratori polacchi vinse l'appalto per un nuovo restauro e si apprestò ad apportare i ritocchi necessari.

Prompt: In the context of Arrival of the Hungarians, explain the Restoration of the work and the History.Please output in Italian.


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Prompt: In The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Primavera

Autunno Equinozio Estate Inverno Solstizio Stagione

Prompt: Focus on Spring (painting) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Autunno Equinozio Est Estate Inverno Solstizio Stagione


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Tristezza

tristezza è un'esperienza comune nell'infanzia. Alcune famiglie possono avere una regola  secondo cui la tristezza è "non permessa", ma Robin Skynner ha suggerito che ciò potrebbe causare problemi, sostenendo che con la tristezza "cancellata", le persone possono diventare superficiali e maniacali. Il pediatra T. Berry Brazelton suggerisce che riconoscere la tristezza può rendere più facile per le famiglie affrontare problemi emotivi più gravi. tristezza fa parte del normale processo del bambino che si separa da una prima simbiosi con la madre e diventa più indipendente. Ogni volta che un bambino si separa un po' di più, lui o lei dovrà far fronte a una piccola perdita. Se la madre non può permettere che l'angoscia minore sia coinvolta, il bambino non può mai imparare come affrontare la tristezza da solo.Margaret Mahler ha visto la capacità di provare tristezza come un risultato emotivo, in contrasto, ad esempio, con l'iperattività irrequieta. Donald Winnicott ha visto similmente nel triste pianto la radice psicologica di preziose esperienze musicali nella vita successiva.

Prompt: Explain the In childhood of this artwork, The Sorrows of the King.Please output in Italian.

Donald Winnicott
Margaret Mahler
Robin Skynner
T. Berry Brazelton


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Pia de' Tolomei

leftNel canto V del Purgatorio, tra i morti che hanno subito violenza e si sono pentiti solo in fin di vita, appare una donna molto dolce, che scambia alcune parole con Dante assieme ad altre anime. Svela di chiamarsi Pia e vuole essere ricordata in Terra per accelerare il suo purgarsi.Ella enuncia gentilmente e brevemente al pellegrino il luogo in cui nacque, Siena, e in cui fu uccisa, la Maremma. Allude amaramente al suo assassino, il marito, come a colui che, dandole la morte, non rispettò la promessa di indissolubile fedeltà dell'anello nuziale. Pia racconta la sua storia a Dante con una concisione quasi cronachistica, a sottolineare il suo completo distacco dalla vita e dal mondo terreno: tutta l'enfasi della donna è nel suo «Ricorditi». È l'unica anima nel canto dalla quale traspare un velo di cortesia, chiedendo al poeta di ricordarla tra i vivi, solo quando si sarà riposato dal lungo viaggio. Dopo il tumultuoso crescendo del racconto dell'anima precedente, Bonconte da Montefeltro, il canto si chiude con il tono elegiaco e malinconico dell'appello di Pia.Quel «Ricorditi di me... » così struggente è diventato uno dei versi più famosi del poema  ed è permeato di femminile levità, sottolineata dall'uso dell'articolo determinativo davanti al nome , tipico del linguaggio familiare. Pia ha bisogno che Dante preghi per lei, perché sa che nessuno della sua famiglia lo farebbe: lo chiede per accelerare la sua salita verso il paradiso. celebrità di questo passo è però dovuta soprattutto all'alone di mistero che circonda la figura di Pia. L'identificazione con Pia de' Tolomei è stata sin qui accettata, anche se mai documentata in modo decisivo. I commentatori antichi del poema la indicarono subito come una donna della famiglia dei Tolomei di Siena, andata sposa a Nello dei Pannocchieschi, signore del Castel di Pietra in Maremma, podestà di Volterra e Lucca, capitano della Taglia guelfa nel 1284 e vissuto almeno fino al 1322, anno in cui fece testamento. Dallo stesso si rivela il legame politico con la città di Siena. È documentato il suo secondo matrimonio, da vedovo, con Margherita Aldobrandeschi, contessa di Sovana e Pitigliano. In questo vuoto  fu inserita, forse tendenziosamente, la figura di Pia de' Tolomei.Nello infatti possedeva il Castel di Pietra in Maremma, dove nel 1297 egli dapprima avrebbe rinchiuso la donna per poi ordinare il suo omicidio facendola gettare da una finestra, forse per la scoperta della sua mai provata infedeltà, forse per liberarsi di lei, desiderando il nuovo matrimonio.Secondo altri commentatori antichi potrebbe essere stata uccisa per aver commesso qualche fallo ; secondo altri ancora, quali Benvenuto e l'anonimo fiorentino del XIV secolo, per uno scatto di gelosia del marito.Nello di Inghiramo dei Pannocchieschi della Pietra sposò sicuramente Margherita Aldobrandeschi dalla quale ebbe anche un figlio, Binduccio o Bindoccio, che morì a tredici anni perché buttato in un pozzo a Massa Marittima per mano di sicari della famiglia Orsini. Ma non ci sono attestazioni sul matrimonio precedente del conte Pannocchieschi. Inoltre, al tempo di Nello, in casa Tolomei non esisteva nessuna figlia o nipote che si chiamasse Pia. Più recenti ipotesi identificano Pia con una Malavolti, sposatasi per procura di Nello de' Pannocchieschi con Tollo, signore di Prata, vassallo degli Aldobrandeschi, nel 1285 ucciso ignominiosamente sul sagrato della chiesa dai suoi tre stessi nipoti, per aver stretto un patto con Siena. Alla morte del marito Tollo, secondo la legge, Pia de' Malavolti sarebbe andata in sposa a Nello  quale garante delle nozze.  sorte della Pia, che seguì quella del marito, fu forse volutamente sviata dai veri esecutori e mandanti, in quanto ancora al tempo di Dante origine di scandalo, seppur misteriosa.

Prompt: Explain the Biography of this artwork, Pia de' Tolomei (Rossetti).Please output in Italian.

1284
1297
1322
Aldobrandeschi
Bonconte da Montefeltro
Castel di Pietra
Lucca
Malavolti
Maremma
Margherita Aldobrandeschi
Massa Marittima
Nello dei Pannocchieschi
Orsini
Pitigliano
Purgatorio
Siena
Sovana
Volterra
XIV secolo


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Napoleone I, imperatore

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Napoleon I as Emperor.Please output in Italian.


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Prova di Mosè

Alessandra Fregolent, Giorgione, Electa, Milano 2001. ISBN 88-8310-184-7Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Focus on The Test of Fire of Moses (Giorgione) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Altare Heller

Il dipinto fu commissionato dal ricco mercante di Francoforte Jakob Heller, per la chiesa domenicana della sua città. Nel 1615 lo scomparto centrale, l'unico completamente autografo, fu venduto a Massimiliano I di Baviera, che in quell'occasione fece fare una copia.Trasportato a Monaco di Baviera, lo scomparto con lAssunzione e incoronazione della Vergine fu distrutto da un incendio nel 1729.Per quanto riguarda gli sportelli esterni, essi vennero avviati da aiuti di Dürer e nel 1509 venne chiamato Matthias Grünewald a dipingerne altri quattro, completati nel 1510. Gli sportelli furono staccati dall'altare nel Settecento e nel 1804 furono smembrati anche i pannelli, ora conservati a coppie nelle due collezioni pubbliche di Francoforte e di Karlsruhe.L'altare doveva contenere anche una tavola - della quale però non vi è traccia nel catalogo di Grünewald - della Trasfigurazione, secondo la testimonianza del Sandrart: «pregevole è la raffigurazioni a colori all'acqua della Trasfigurazione di Cristo sul monte Tabor, e specialmente una meravigliosa nuvola nella quale appaiono Mosè ed Elia, e con quelli gli apostoli inginocchiati a terra; di invenzione, colorito e ornamenti così stupendamente raffigurati che niente la può superare, incomparabile com'è in maniera e peculiarità».

Prompt: Focus on Heller Altarpiece and explain the History.Please output in Italian.


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San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: In Saint Jerome Writing, how is the Controversial works of the Biography explained?Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: In The Last Judgment (Bosch, Munich), how is the Music discussed?Please output in Italian.


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Marta e Maria Maddalena

Il dipinto mostra le sorelle bibliche Marta e Maria Maddalena; Marta è colta nell'atto di convertire Maria dalla sua vita di peccato per condurla alla fede in Cristo.  santa, col volto oscurato dall'ombra, si appoggia in avanti, argomentando sapientemente le sue tesi di fronte alla sorella, che è raffigurata nell'atto di roteare un fiore d'arancio tra le dita, mentre con il braccio sinistro regge uno specchio, simbolo della vanità. L'effetto dell'immagine riecheggia sul volto di Maria, colta nel momento dell'inizio della conversione. Nel 2009 lo studioso Pietro Caiazza ha pubblicato un lavoro, intitolato "Caravaggio e la falsa Maddalena", in cui rimette in discussione il soggetto del dipinto, proponendo una nuova interpretazione, legata strettamente alla committenza Aldobrandini.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Martha and Mary Magdalene (Caravaggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Angelo dell'Ovest

LAngelo dell'Ovest è una scultura moderna realizzata in acciaio inossidabile dall'artista tedesco Julian Voss-Andreae nel 2008.Si trova nella città di Jupiter, nello stato della Florida negli USA.In riferimento alla scultura monumentale Angelo del Nord dello scultore inglese Antony Gormley, l'Angelo dell'Ovest è stato creato in base alla struttura di un anticorpo umano, resa nota dal biofisico filippino Eduardo Padlan, per il campus dello Scripps Research Institute in Florida.L'anticorpo è posto all'interno di un cerchio a modello dell'Uomo vitruviano di Leonardo da Vinci, evidenziando le proporzioni simili dell'anticorpo e del corpo umano.

Prompt: Focus on Angel of the West and explain the Abstract.Please output in Italian.

Angelo del Nord
Antony Gormley
Florida
Julian Voss-Andreae
Leonardo da Vinci
Scripps Research Institute
Uomo vitruviano


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Morte di Cleopatra

leftDato che le truppe di Ottaviano si trovavano ad Alessandria d'Egitto, Cleopatra si ritirò presso la propria tomba  e inviò un messaggio ad Antonio nel quale veniva detto che la regina era morta per suicidio. Disperato, Marco Antonio si pugnalò allo stomaco con una spada. Plutarco racconta che quando Antonio venne portato alla tomba di Cleopatra egli era ancora vivo e le parlò prima di spirare. Cleopatra riuscì a far imbalsamare il suo amante e venne portata al palazzo, dove dovette incontrarsi con Ottaviano, il quale teneva con sé tre dei suoi figli: Alessandro Elio, Cleopatra Selene II e Tolomeo Filadelfo.Come racconta Tito Livio, durante l'incontro Cleopatra disse al triumviro che ella non sarebbe stata esibita in trionfo come un trofeo . Egli, d'altro canto, non lasciò trapelare le sue intenzioni sul destino della regina e del regno egizio. Quando una spia informò Cleopatra che Ottaviano intendeva portarla a Roma come una prigioniera di guerra, ella decise di suicidarsi per non essere soggetta a una tale umiliazione. Secondo Plutarco la regina si preparò al suicidio con un processo quasi rituale, chiedendo che le venissero preparati un bagno caldo e un pasto che includeva dei fichi, portati in un cesto.Secondo Plutarco, Ottaviano ordinò al suo liberto Epafrodito di tenere d'occhio Cleopatra per evitare che ella si uccidesse, ma fu tutto inutile. In una prima visita la regina tentò di discolparsi, adducendole a Marco Antonio la responsabilità delle proprie azioni. All'ostinata opposizione di Ottaviano, che non credeva a tali parole, la regina cambiò atteggiamento e decise di offrire il suo tesoro personale al futuro imperatore. Fu una schiava della regina a far notare, volontariamente o meno, che mancava una cospicua parte dei gioielli personali di Cleopatra alla lista fornita ai Romani. Dopo aver affermato di voler donare tali gioielli alla moglie di Ottaviano, questi, compiaciuto dell'incontro, si allontanò, rassicurando che avrebbe riservato alla regina un trattamento migliore di quando lei stessa avrebbe potuto aspettarsi. Avendo saputo da un certo Dolabella le vere intenzioni di Ottaviano, ovvero di portarla a Roma come "trofeo di guerra", la regina decise di suicidarsi: fece imbalsamare il marito e si avvelenò, dopo aver compiuto un complesso rituale. Quando Ottaviano ricevette una lettera nella quale la sovrana chiedeva di essere sepolta accanto ad Antonio, egli mandò i suoi uomini da lei, ma questi arrivarono troppo tardi: la regina del Nilo era già morta e ai suoi piedi giaceva l'ancella Ira , mentre l'ancella Carmione sistemava il diadema della sua sovrana prima di morire anche lei..</ref>"Καλὰ ταῦτα Χάρμιον;""Κάλλιστα μὲν οὖν" ἔφη "καὶ πρέποντα τῇ τοσούτων ἀπογόνῳ βασιλέων."Πλέον δ᾽ οὐδὲν εἶπεν, ἀλλ᾽ αὐτοῦ παρὰ τὴν κλίνην ἔπεσε.lingua=greco anticolingua2=italiano}}Nonostante Ottaviano fosse oltraggiato da questi eventi, decise di soddisfare la richiesta di Cleopatra e la seppellì insieme a Marco Antonio.  tomba di Antonio e Cleopatra probabilmente era situata all'interno del grandioso mausoleo reale dei Tolomei ad Alessandria. Nonostante numerose ricerche, il sito della tomba reale non è mai stato ritrovato.

Prompt: In Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), how is the Suicide of Antony and Cleopatra of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Alessandro Elio
Carmione
Cleopatra
Marco Antonio
Plutarco
Tito Livio


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Polittico Orsini

Nelle 4 scene della Passione di Cristo si osserva una massa urlante di personaggi, differenziata nelle posture, gesti, vesti e partecipazione emotiva. Notevole è la capacità del maestro senese di rendere efficacemente emozioni e volti, con risultati quasi ritrattistici.  pennellata è raffinata, delicata e particolareggiata.Rispetto a tutti i dipinti del periodo senese fino al 1330, e similmente all'Annunciazione tra i Santi Ansano e Margherita , lo spazio è volutamente poco profondo, sviluppato quasi in verticale e dominato dalla tensione narrativa. Le due ante dell'Annunciazione sono percorse da un'inquietudine psicologica che appare qui meno scontata e più marcata della precedente Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita , sia nellAngelo che nella Vergine. Le figure di tutte le ante sono allungate e i carnati chiari. Infine colpiscono i bordi dorati del mantello della Vergine Annunciata o il tessuto svolazzante dellAngelo Annunciante, caratterizzati entrambi da una sinuosità che porta a rivelare il diritto e il rovescio dei tessuti stessi, caratteristica questa dell'arte gotica transalpina. Queste caratteristiche di prospettiva verticalizzata, di inquietudine psicologica, di snellezza delle figure e di rovello gotico delle vesti sono nuove rispetto al Simone Martini senese e saranno riscontrabili anche nelle opere tarde del periodo avignonese.

Prompt: How does Orsini Altarpiece explain its Style?Please output in Italian.


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Madonna dei Candelabri

Madonna dei Candelabri è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio con aiuti, databile al 1513-1514 circa e conservato nel Walters Art Museum di Baltimora.

Prompt: Focus on Madonna of the Candelabra and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In The Sacrament of the Last Supper, how is the One God will betray you of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Lucifero

Il diavolo e Lucifero nell'arte paleocristiana è rappresentato come un serpente in accordo con Libro della Genesi. Nel Medioevo, in seguito all'identificazione operata dai Padri della Chiesa è rappresentato come un mostro terrificante a tre teste. A partire dal secolo X si presenta con le ali spezzate, per ricordare la sua caduta dal cielo, e con le corna in testa, simboli del paganesimo sconfitto. Le ali di pipistrello, emblemi di degradazione della virtù angelica, vengono introdotte con le invasioni dei Mongoli che introducono elementi dell'iconografia orientale, come nel Lucifero dantesco nell'Inferno - Canto trentaquattresimo, vv. 16-56. Anche il dio Pan è all'origine di alcune caratteristiche del demonio: corpo peloso, zoccoli e corna di capro. L'iconografia del diavolo fissata dagli artisti tra i secoli XIII e XIV è derivata anche da testi apocalittici ed apocrifi. Tra gli esempi più famosi si ricordano il Lucifero giottesco nella Cappella degli Scrovegni e quello di Coppo di Marcovaldo nel Battistero di Firenze. Gli animali che divorano i dannati accentuano la natura insaziabile di Satana. Il motivo di Satana con la "bocca divorante" riflette un'antica concezione della divinità come principio nel contempo creatore e distruttore. Le corna di Lucifero richiamano pure quelle del dio celtico Cernunnos e sono simbolo della sconfitta del paganesimo operata dalla Chiesa.

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Luciferonell'art. discussed?Please output in Italian.

Cappella degli Scrovegni
Cernunnos
Coppo di Marcovaldo
Genesi
Inferno
Inferno - Canto trentaquattresimo
Genesi
Medioevo
Mongoli
Padri della Chiesa
Pan
Satana


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Prometeo incatenato

Eschilo, Supplici - Prometeo Incatenato, a cura di L. Medda, Oscar Mondadori, 2009, ISBN 978-88-04-55144-7. Giulio Guidorizzi, Letteratura greca, da Omero al secolo VI d.C., Mondadori, 2002, ISBN 88-882-4210-4. Vincenzo Di Benedetto ed Enrico Medda,  tragedia sulla scena, Einaudi, 2002, ISBN 978-88-06-16379-2. Guido Avezzù, Il mito sulla scena, Marsilio, 2003, ISBN 88-317-8070-0.

Prompt: How does Prometheus Bound and the Oceanids explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Tra le figure più enigmatiche dell'intera composizione vi sono quelle del ragazzo e del bambino presenti nella parte sinistra del dipinto. Il ragazzo più grande si comporta "fisicamente come un fratello minore della Madre di Dio", di cui sembra imitare l'atteggiamento. Jochen Sander ha suggerito come il ragazzo sostituisca qui la figura dell'angelo che si trova nel quadro  Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, una pittura che Holbein probabilmente conosceva o aveva avuto modo di vedere personalmente. Il ragazzo, vestito alla moda dell'epoca, porta alla cintura una borsa con cintura verde, un attributo comune di san Giacomo e del pellegrino in genere, nonché una probabile allusione al santo patrono del committente dell'opera. Il ragazzo si distingue anche dalla famiglia dei fondatori per la sua veste ornamentale, che in quella forma era riservata unicamente alla nobiltà e che quindi ravvicinerebbe l'idea di un personaggio "al di sopra degli altri personaggi" e quindi legato al mondo spirituale . Si distingue anche per il fatto che egli non si inginocchia né tiene le mani giunte in preghiera.In epoche precedenti, il ragazzo ed il bambino erano stati interpretati come possibili figli defunti di Meyer. Nella letteratura più recente, tuttavia, il bambino nudo è interpretato come san Giovanni Battista da bambino, figura assieme a quella di Gesù Bambino presente nel quadro di Leonardo. Supponendo che il dipinto fosse concepito come una pala d'altare, posto quindi sopra il tabernacolo, il gesto di Giovanni Battista bambino alluderebbe significativamente ai doni dell'eucaristia sulla mensa dell'altare. Il bambino, come del resto la Madonna e Gesù, sono idealizzati. Ancora una volta, è plausibile ricercare nel lavoro di Holbein un riferimento alla Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, dove anche Gesù e san Giovanni sono rappresentati come ragazzi. Il dipinto di Holbein sarebbe quindi inoltre la prima rappresentazione dipinta del motivo della Madonna con Gesù e san Giovanni a nord delle Alpi, mentre tale schema era già comune in Italia.Un altro approccio presuppone invece che i due ragazzi ritratti siano effettivamente dei figli di Meyer in quanto dipinti come controparte di Anna Meyer, rimandando così all'interpretazione. Dai documenti della gilda dei mercanti risulterebbe che Meyer avesse effettivamente registrato un suo figlio nato ne 1504, ma poiché alla morte dello stesso Meyer come unica erede venne chiamata a disporre dei beni di casa la moglie Dorothea Kannengießer con la figlia Anna Meyer, probabilmente tale figlio sarebbe nato da Magdalena Baer e doveva essere all'epoca già defunto, come del resto il bambino più piccolo, forse morto poco dopo la nascita. Quest'ultima interpretazione rafforzerebbe inoltre l'idea che il dipinto andasse a completare un sacello funerario: col gesto della mano, il bambino potrebbe indicare una tomba sottostante.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the The boy and the child and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Fallen Astronaut

Il Fallen Astronaut fu portato sulla Luna nel 1971 dagli astronauti della missione Apollo 15 e venne lasciato sul suolo lunare il 2 agosto EDT durante l'ultima delle tre attività extraveicolare compiute sulla Luna da David Scott e James Irwin. Durante queste ultime fasi della missione Scott aveva il compito di guidare il Rover lunare a una certa distanza dal Modulo Lunare Apollo  e di posizionare la telecamera che, comandata da terra, avrebbe permesso di registrare le immagini del distacco dalla superficie del modulo di risalita. Prima di abbandonare il rover nella sua sede definitiva, Scott vi lasciò una piccola Bibbia. Il Fallen Astronaut venne posato a circa 6 metri a nord rispetto a dove il rover era "parcheggiato", in un piccolo cratere meteoritico situato nella parte sud occidentale del Mare Imbrium. Sul suolo, vicino alla scultura, venne posata una piccola targa metallica con i nomi, in ordine rigorosamente alfabetico, di 14 astronauti deceduti, otto statunitensi e sei sovietici:Charles Bassett Pavel Beljaev Roger Chaffee Georgij Dobrovol'skij Theodore Freeman Jurij Gagarin Edward Givens Virgil Grissom Vladimir Michajlovič Komarov Viktor Ivanovič Pacaev Elliott See Vladislav Volkov Edward White C.C. Williams Dei quattordici uomini commemorati, otto erano astronauti americani e sei cosmonauti sovietici, tutti deceduti sia per cause di servizio sia in altre circostanze. Il centro di controllo missione di Houston era all'oscuro delle intenzioni dell'equipaggio dell'Apollo 15 ma, anche se privo di ufficialità, il Fallen Astronaut venne posato al suolo con deferenza. Seppure la breve commemorazione fosse priva di qualsiasi intento politico, tuttavia assunse rilievo quale gesto di deferenza di astronauti americani verso colleghi sovietici nel pieno della guerra fredda e della corsa allo spazio. Nelle intenzioni, quindi, si trattò di un evento privato e disinteressato, avvenuto durante una missione spaziale in cui ogni singola operazione, che gli astronauti dovevano eseguire, era stata accuratamente programmata.

Prompt: In Fallen Astronaut, how is the The Fallen Astronaut on the Moon discussed?Please output in Italian.

1971
Apollo 1
Apollo 15
Bibbia
Charles Bassett
David Scott
Edward White
Elliott See
James Irwin
Jurij Gagarin
Luna
Mare Imbrium
Roger Chaffee
Rover lunare
Theodore Freeman
Viktor Ivanovič Pacaev
Vladimir Michajlovič Komarov


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La Muta

Patrizia Baldi, L'abito civile nei ritratti di Raffaello quale segno estetico-culturale dell'artista e della società del suo tempo, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 237-242 Comando Carabinieri - Tutela Patrimonio Culturale, Anno Operativo 2001, Edizioni De Luca, Roma 2001. Philippe Costamagna; Anne Fabre, Les portraits florentins du début du XVIe siècle à l'avènement de Cosimo Ier: catalogue raisonné d'Albertinelli à Pontormo, Paris, Ecole du Louvre, 1986. Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Francesco Filippini, Raffaello a Bologna, "Cronache d'Arte", II/5, 1925, pagg. 201-234 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Enzo Gualazzi, Vita di Raffaello da Urbino, MIlano, Rusconi, 1984 Dora Liscia Bemporad, Il rinnovamento dei gioielli nei ritratti fiorentini di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 233-236 ura Pagnotta, Giuliano Bugiardini, Torino, Umberto Allemandi & C., 1987 Fert Sangiorgi, " Muta" di Raffaello : considerazioni storico-iconografiche, "Commentari", XXIV/1-2, 1973, pagg. 90-97 Maurizio Seracini, Indagine diagnostica-conoscitiva su " Muta" di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 228-232 Emanuela Sesti,  "Muta" di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 227-228 Agnese Vastano, Ritratto di gentildonna , in: Lorenza Mochi Onori , Raffaello e Urbino.  formazione giovanile e i rapporti con la città natale, Milano, Electa, 2009, pag. 184.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Woman (La Muta).Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the Apocryphal  Gospels of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Viandante sul mare di nebbia

Nella figura del pellegrino rapito dalla voragine brumosa Friedrich sintetizzò magistralmente idee e suggestioni tipicamente del proprio tempo, tanto che il Viandante sul mare di nebbia è considerato un'icona del Romanticismo tedesco.L'opera, infatti, irradia messaggi multiformi, glorificando i temi dell'infinito, del sublime, del divino e dell'errabondo. Attesta infatti il senso di imperfezione, di humilitas , sperimentato dall'uomo durante la contemplazione dell'Infinito, ovvero di Dio, qui rappresentato dall'immenso mare di nebbia che fa emergere la vista del paesaggio sottostante che è la vita. Il viaggiatore romantico si perde di fronte al baratro nebbioso in un atteggiamento contemplativo, visto come estrema esperienza interiore e spirituale: in questo modo, egli indaga impietosamente, nella sua nudità, la propria anima, la sua fede, con tutte le sue insicurezze, i suoi errori, i suoi dubbi e certezze.È proprio l'eroico isolamento del viandante che diventa viaggio della vita umana e che celebra una presenza onnipervasiva di Dio, il sublime, ovvero lo stato d'animo misto di sgomento e piacere percepito dall'uomo quando diviene consapevole della stupefacente grandiosità della natura. Questa potenza irresistibile non annienta il viandante, bensì lo induce a riflettere in senso filosofico sulla propria condizione, consentendogli quindi di unirsi al divino. I paesaggi di Friedrich sono infatti carichi di simbolismi religiosi, ma prigionieri di una struggente malinconia; come di una domanda su chi è l'uomo; in questo modo, il sublime nel Viandante sul mare di nebbia si manifesta nel contesto naturale, che è creazione, che accende l'animo del viandante e gli permette di arrivare fino a Dio. Scriveva Marco Bona Castellotti, in Friedrich: un viandante su un mare di luce:Alla sublimità del creato si unisce il tema dell'errabondo. L'uomo ritratto nel quadro, oltre che solitario, è infatti anche un homo viator, un pellegrino alla ricerca di spirituali risposte : questa condizione si ricollega alla figura dell'esule «bello di fama e di sventura», tipica della cultura romantica.

Prompt: Focus on Wanderer above the Sea of Fog and explain the Interpretation.Please output in Italian.


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Leone di Belfort

Bartholdi avrebbe utilizzato come modello per la sua opera il leone Brutus del domatore Jean-Baptiste Pezon.  costruzione iniziò nel 1872 e venne portata a termine nel settembre del 1879. A causa di controversie tra la città e lo scultore non ci fu all'epoca un'inaugurazione ufficiale ma Bartholdi riuscì comunque ad organizzarne, col sostegno dei cittadini, una "ufficiosa" e il 28 agosto 1880 coprì le spese per un'illuminazione dell'opera. Il 20 aprile 1930 la statua venne classificata come monumento storico e nel 1989 fu inaugurata ufficialmente da Jean-Pierre Chevènement.

Prompt: Explain the History of this artwork, Lion of Belfort.Please output in Italian.


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Polifemo

Polifemo è il protagonista dell'unico dramma satiresco a noi pervenuto, Il ciclope, di Euripide, dove viene caratterizzato in modo conforme al poema omerico, esagerando nei caratteri grotteschi e comici che già erano presenti nella Odissea.Nel III secolo a.C. Teocrito, nell'idillio XI, descrive Polifemo in un modo più amichevole e simpatico, dipingendolo con un carattere gentile, come innamorato non corrisposto di Galatea, per la quale intona un canto pastorale. Da Teocrito e dalla storia di Polifemo e Galatea riprendono lo spunto Metamorfosi di Ovidio, raccontando di Aci, un pastore siciliano innamorato della bella Nereide, ricambiati. Il ciclope Polifemo, che ama anch'egli la ninfa, venuto a sapere della storia, uccide con un grande masso Aci, dal cui sangue nascerà l'omonimo fiume siciliano.Il ciclope fa, poi, una brevissima apparizione nel terzo libro dellEneide. Enea e i suoi compagni sbarcano nell'isola dei ciclopi, dove sulla riva incontrano Achemenide, un compagno di Ulisse che non era riuscito a fuggire con lui; i Troiani fanno salire quindi Achemenide a bordo della loro flotta, proprio mentre Polifemo avverte la loro presenza.

Prompt: Explain the In ancient subsequent works of this artwork, Polyphemus (sculpture).Please output in Italian.

Eneide
Euripide
I secolo
Odissea
Teocrito
Ulisse


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Giovane donna con veste nera

Giovane donna con veste nera è un dipinto a olio su tavola  di Tiziano, databile al 1515 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Young Woman in a Black Dress.Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

Nel 1879 la prima statua equestre venne trasferita a Vysehrad. In un clima di rinnovamento del sentimento patriottico ceco e per sostituirla, le autorità comunali decisero di organizzare una raccolta di fondi per il finanziamento di un nuovo monumento all'onore del santo nella piazza ormai a lui dedicata. Raggiunti i fondi necessari solo nel 1894, il comune indì un concorso per costruire una nuova statua. Il concorso, a cui parteciparono otto artisti coi loro progetti, venne superato solo da Josef Václav Myslbek e Bohuslav Schnirch ma l'incarico venne affidato a Myslbek, fondatore della moderna scultura ceca, che ottenne quindi la facoltà di realizzazione della statua equestre, già preparata nel 1887 per il Ministero della Cultura in un clima di ostilità ceca rispetto al dominio dell'Impero austro-ungarico.Per la realizzazione del monumento Myslbek fu circondato dall'architetto Alois Dryak, autore della base del monumento, e dallo scultore Celda Kloucek, autore della decorazione della base del monumento.  statua equestre in sé venne montata nel 1912, mentre le statue di tre dei quattro santi che la circondano  vennero poste l'anno seguente, nel 1913. L'ultima statua, che rappresenta Adalberto di Praga, venne posta invece solo nel 1924.Il monumento è stata oggetto di un importante restauro nel 2004.

Prompt: In Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, how is the The second statue of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Madonna e santi nel giardino del Paradiso  è un dipinto a tecnica mista su tavola  di un ignoto "Maestro dell'alto Reno", databile al 1410 circa e conservato nello Städelsches Kunstinstitut di Francoforte.

Prompt: Focus on Paradiesgärtlein and explain the Abstract.Please output in Italian.

1410
Maestro dell'alto Reno
Städelsches Kunstinstitut


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Estasi di santa Teresa d'Avila

L'interpretazione che studiosi della psicoanalisi come Marie Bonaparte hanno dato  all'esperienza dell'estasi mistica in termini di pulsione erotica che si esprime sublimandosi nel deliquio dell'afflato spirituale, ha condotto la critica a sottolineare in quest'opera di Bernini la bellezza sensuale e ambigua dei protagonisti, avvalorando così la possibilità di una sua lettura in termini psicoanalitici. Lo psicologo italiano Enzo Bonaventura fa riferimento a Cupido, evidenziando, a livello simbolico, un nesso tra la figurazione greca e la trasfigurazione religiosa nell'arte cristiana. Per provarne la legittimità, occorre solo richiamare la parola di Renan in viaggio a Roma, davanti a questo stesso gruppo statuario: «Si c'est cela l'extase mystique, je connais bien des femmes qui l'ont éprouvée». Si potrebbe comunque ulteriormente citare il conte de Brosses, il Marchese de Sade o lo scrittore Veuillot.Collateralmente a quest'interpretazione che considera l'esperienza di Teresa, e la scultura che la ritrae, nei termini di quello che  potremmo chiamare «erotismo sacro», si deve tuttavia osservare che l'approfondimento della biografia dell'artista napoletano ha recentemente messo nella giusta luce la sua religiosità; una religiosità che in quel periodo della sua vita  si era rafforzata attraverso la pratica degli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, eseguiti sotto la guida dei padri gesuiti che egli frequentava. Verosimilmente la lettura della vita di santa Teresa non dovette essere un fatto occasionale, limitato a singoli passi, segnalati magari dal committente. Al contrario, alcuni studiosi hanno letto nellEstasi di santa Teresa anche l'eco del racconto di altre esperienze mistiche, come quella della santa genovese Caterina Fieschi Adorno. straordinaria qualità estetica e l'intensa drammaticità del gruppo marmoreo è dunque da collegare alla personale ricerca spirituale di Bernini, al suo impegno a scoprire per sé stesso, per poi mostrare a tutta la comunità dei fedeli il senso di quell'amore espresso oltre ogni misura verso il Redentore, che trova esempio nella vita dei santi.L'influenza dell'opera di Bernini fu enorme non solo sui contemporanei, ma anche su molti artisti dei secoli successivi. Il famoso compositore Pietro Mascagni, ad esempio, nel 1923 compose una visione lirica per orchestra dal titolo Contemplando la santa Teresa del Bernini, un brano della breve durata di appena quattro minuti.  scultura è altresì il soggetto della canzone “The Lie”, contenuta nell'album del cantautore inglese Peter Hammill The Silent Corner and the Empty Stage.

Prompt: Explain the Psychoanalytic interpretation about the Description of this artwork, Ecstasy of Saint Teresa.Please output in Italian.

Cupido
Enzo Bonaventura
Estasi
Ignazio di Loyola
Marchese de Sade
Marie Bonaparte
Peter Hammill
Pietro Mascagni
Roma
The Silent Corner and the Empty Stage


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Venere che benda amore

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

Prompt: Focus on Venus Blindfolding Cupid and explain the Interpretation.Please output in Italian.