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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Mosè difende le figlie di Jetro

L'opera venne descritta da Vasari come realizzata per Giovanni Bandini: «un quadro d'alcuni ignudi bellissimi in una storia di Mosè, quando ammazza l'Egizio [...] e credo che in Francia fosse mandato»; infatti l'opera è poi ricordata come inviata a Francesco I di Francia verso il 1530.  tela degli Uffizi è ricordata al Casino di San Marco già dal 1587, tra i beni di don Antonio de' Medici, nel 1632 pervenne in galleria. Venne associata alla menzione vasariana per la prima volta da Gaetano Milanesi. Non è chiaro però se sia l'originale tornato presto di Francia o una copia fedele, come ipotizzò Antonio Natali. Non è escluso infatti che l'originale sia perduto: le riflettografie del 1995 hanno infatti rinvenuto un disegno sottostante non eccelso, inoltre alcuni passaggi rivelano una certa sommarietà , se non una fattura dozzinale  e con passaggi rimasti irrisolti . Lo stesso supporto su tela, mai usato dal pittore prima del soggiorno in Francia, fa sorgere dubbi. datazione al 1523 circa è legata alle affinità coloristiche con lo Sposalizio della Vergine nella basilica di San Lorenzo, anche se Goldschmidt e Pevsner suggerirono una datazione leggermente più tarda, magari del periodo romano. Sicuramente l'ideazione del dipinto fu influenzata dalla ricchezza di spunti per le figure nude in movimento del cartone di Michelangelo della Battaglia di Cascina, e dalla forza espressiva della Battaglia di Anghiari di Leonardo, opere entrambe destinate alla Sala del Maggior Consiglio in palazzo Vecchio a Firenze.Ne esiste un pendant, quasi certamente copia da Rosso attribuita a Giovanni Antonio ppoli, nel Museo nazionale di Palazzo Reale a Pisa, Rebecca al pozzo, già dipinta per Giovanni Cavalcanti e forse inviata alla corte di Enrico VIII d'Inghilterra: prima che partisse ne eseguì uno studio Francesco Salviati, oggi al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi .

Prompt: Explain the History of this artwork, Moses Defends Jethro's Daughters.Please output in Italian.

1523
1530
1587
1632
1995
Antonio Natali
Cavalcanti
Enrico VIII d'Inghilterra
Firenze
Francesco I di Francia
Francesco Salviati
Gaetano Milanesi
Giovanni Bandini
Mosè
Pisa


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In the context of Annunciation (Leonardo), explain the The Annunciation in theology and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Discesa dal monte Sinai

Arthur R. Blumenthal e AA.VV.,  Cosimo Rosselli Painter of the Sistine Chapel, Cornell Fine Arts Museum, Winter Park FL 2001 ISBN 0-9615828-2-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Descent from Mount Sinai (Sistine Chapel).Please output in Italian.


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La Fuensanta

Fuensanta è un dipinto a olio e tempera su tela del pittore spagnolo Julio Romero de Torres. Oggi l'opera è conservata in una collezione privata.  modella del quadro fu María Teresa López, la stessa che avrebbe posato per l'opera  piccola carbonaia dello stesso artista.

Prompt: In La Fuensanta, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il tema scelto da Seurat è sicuramente impressionista: nella tela, infatti, sono presenti circa quaranta figure, una folla non proprio tranquilla e intensa nello svago, al gioco, alla pesca, al riposo, alla lettura e alla passeggiata. Ciò malgrado, Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte si discosta dalla tecnica impressionista per vari motivi.Come gli Impressionisti, infatti, Seurat in questo dipinto persegue la luminosità naturale mediante l'utilizzo di pochi colori puri. Se, tuttavia, pittori come Monet e Renoir davano le pennellate per veloci tocchi virgolati, Seurat in Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte preferisce depositare i colori sulla tela in forma di tocchi separati minutissimi, spesso puntiformi, basandosi sulla legge della complementarità cromatica teorizzata dal chimico Michel-Eugène Chevreul. In questo modo, a una visione distanziata, i vari puntini di colore puro tendono a fondersi e a restituire un colore diverso, ricomponendosi non per via di un intervento meccanico del pittore, bensì grazie alla retina dell'occhio dell'osservatore. Seurat, in questo modo, riesce un secolo dopo, tecnica e storia fanno ancora emozionare e ottenere la maggiore luminosità e brillantezza cromatica senza ricorrere a impasti, velature o mescolanze chimiche, bensì semplicemente sfruttando le dinamiche percettive dell'occhio umano. Si può dire, in un certo senso, che Seurat ha anticipato il procedimento dell'immagine a colori del «pennello elettronico», ponendosi così come progenitore del moderno pixel. Vale la pena ricordare come Seurat, in questo modo, sia riuscito a conferire dignità scientifica a quei processi ottico-visuali che erano già stati perseguiti empiricamente dagli Impressionisti. Esplicito è il rimando alla cultura positivista, tanto che il critico Félix Fénéon, fiero di come Seurat avesse conciliato le intuizioni impressioniste con la sicurezza della scienza, osservò come Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte fosse un quadro «neo-impressionista». Così il Fénéon: sfolgorante veste cromatica del dipinto, tuttavia, non riesce a cogliere con freschezza e immediatezza tutti quegli effetti luministici forniti dalla visione diretta della realtà: a differenza dei dipinti impressionisti Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte è immersa in un'atmosfera immobile, silenziosissima, astraente e assolutamente priva di svolgimento temporale. Le figure sono talmente ben fissate nell'impasto pittorico da sembrare quasi pietrificate, colte come sono in una posa statica che oltre a ricordare dei manichini inseriti all'interno di uno scenario teatrale richiamano anche le figure ieratiche egiziane. Se quest'immobilità disincantata urtò la sensibilità dei critici ottocenteschi, «a noi pare piuttosto umoristico [...] sembra che un pubblico da caffè-concerto sia entrato nella casa di Dio, ed è evidente che per quel pubblico il pittore non ha alcuna simpatia e profitta del suo senso delle forme regolari per sottolineare il ridicolo della moda», osserva il Venturi.Alle innovazioni coloristiche Seurat qui affiancò poi uno spazio fortemente geometrizzato che risente dell'influenza dei grandi maestri del passato, come Piero della Francesca: è su questo fortunato binomio che si innesta Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte, opera che ha vissuto l'esperienza impressionista e che la ha aggiornata con cognizioni più scientifiche e rigorose, e che in questo senso acquista anche maggiore verosimiglianza intellettuale e visiva, ma che riceve pure il sostegno di una struttura dalla penetrante impronta classica. Memore della lezione del fisico Odgen Rood, per il quale «a mancanza di un disegno preciso, netto e sostanzialmente esatto è una delle ragioni che più spesso rovinano il colore di un quadro», Seurat disciplina il caos apparente di questo dipinto curando attentamente l'armonia geometrica tra le linee orizzontali, verticali, oblique e curve.  transitorietà che connotava la disciplina impressionista in quest'opera si dissolve in un mirabile rigore costruttivo, sorretto dalle varie figure che si concatenano tra loro in modo preciso e armonioso. Si noti, ad esempio, come l'intera composizione sia divisa in due porzioni uguali dall'asse che corre al centro dell'opera, in corrispondenza della donna che cammina frontalmente insieme alla bambina: altri due assi sono tracciati a destra e a sinistra dell'opera rispettivamente dal tronco di un albero e dal panno sorretto dall'uomo in primo piano. A sinistra, infine, le persone sono disposte sullo spazio pittorico seguendo altre due diagonali minori.I corpi, mostrati solo di fronte o di profilo, sono impostati secondo le forme geometriche del cilindro e del cono, sono privi di plasticità, «hanno uno sviluppo volumetrico a cui non corrisponde un peso di massa; sono fatti dello stesso pulviscolo multicolore che pervade lo spazio; non interrompono la vibrazione della luce».  profondità non è ottenuta col solito effetto illusionistico, operando con la prospettiva, bensì con un attento lavoro cromatico per il quale l'occhio dell'osservatore, distratto inizialmente dalla zona in ombra in primo piano, scava la composizione sino a giungere nell'area dello sfondo, luminosissima, secondo una norma che neanche è immune dall'influenza di Piero della Francesca. Non solo non viene rispettata la prospettiva tradizionale, ma non si mostra interesse neanche per l'esattezza logica di alcuni particolari: il vento, sulla Senna, sembra soffiare contemporaneamente da due direzioni opposte, come mostra il rigonfiamento delle vele delle imbarcazioni. Ma è la luce sprigionata dal colore l'elemento essenziale della composizione, mediante una tecnica mista di stesura: l'acqua è rappresentata con piccole pennellate lineari, mentre l'erba è ottenuta con lievi tocchi incrociati.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte.Please output in Italian.

Félix Fénéon
Odgen Rood
Piero della Francesca


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Pala di San Domenico di Pesaro

Nel 1524 i domenicani del convento di San Domenico di Pesaro commissionarono al Savoldo, stabilitosi da qualche anno a Venezia, una grande pala per l'altare maggiore della chiesa. Il contratto venne firmato il 15 giugno col priore Innocenzo da Pesaro. commissione comprendeva anche l'esecuzione di una cimasa con una "Pietà di Nostro Signore Yhesu Cristo", identificata con il Cristo morto sorretto da Giuseppe d'Arimatea, conservato nel Museum of Art di Cleveland, e una predella, ora perduta, costituita da due "quadricti" e da uno sportello per il Santissimo Sacramento con dipinta una Testa di san Pietro Martire. Coevo è anche il Riposo durante la fuga in Egitto della collezione Castelbarco Albani di Milano, già nella stessa chiesa di San Domenico a Pesaro.L'enorme complesso era stato già smembrato nel XVII secolo e le singole parti si erano fin da allora disperse. Probabilmente ciò avvenne verso il 1646, quando la pala venne spostata per il rifacimento in forme barocche della chiesa. Un'iscrizione sulla carprenteria ricorda ancora come il dipinto fu di nuovo "levato" nel 1797.Con la soppressione del convento, nel 1808, i napoleonici la destinarono a Brera. Per le sue dimensioni, l'opera ha lasciato la sala solo due volte, in occasione dei conflitti mondiali. Anche per il restauro, concluso nel 2005, venne tenuta in una teca trasparente in policarbonato con una piattaforma mobile, usata dalle restauratrici all'interno del museo.

Prompt: In San Domenico di Pesaro Altarpiece, how is the History discussed?Please output in Italian.


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: In Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), how is the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome of the Biography explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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The Floating Piers

Nel 1969, lo storico dell'arte argentino Jorge Romero Brest, in un incontro avuto a New York, suggerì a Christo e Jeanne-Claude di realizzare un progetto in Argentina.  coppia propose di costruire Wrapped Inflated Piers, un pontile lungo 2 chilometri sul delta del Río de la Plata a Buenos Aires, costituito da elementi gonfiati con aria e ricoperti da tessuto, un progetto che non fu mai eseguito.Nel 1996 Christo e Jeanne-Claude proposero The Daiba Project, un sistema di pontili galleggianti che avrebbe dovuto collegare l'Odaiba Park a due isole artificiali nella baia di Tokyo. Non avendo ottenuto i permessi necessari, l'opera non fu realizzata.Nell'aprile del 2014, vedendo che Over the River e The Mastaba stavano richiedendo più tempo del previsto, Christo decise di occuparsi di un progetto da realizzare in breve tempo. Dopo aver analizzato più possibilità, decise di riprendere il tema del pontile galleggiante e riproporlo in Italia. Fra la primavera e l'estate del 2014, Christo, Vladimir Yavachev , Wolfgang Wolz , Germano Celant  e Josy Kraft , hanno fatto una ricognizione sui laghi del Nord Italia alla ricerca dello scenario più suggestivo per la realizzazione del progetto. presenza di Monte Isola e dell'Isola di San Paolo rendeva il lago d'Iseo il luogo ideale per installare The Floating Piers. L'opera avrebbe collegato il comune di Sulzano sulla terraferma a Peschiera Maraglio su Monte Isola e da lì altri due ramificazioni avrebbero congiunto Monte Isola all'Isola di San Paolo.

Prompt: In The Floating Piers, how is the Premises discussed?Please output in Italian.

2014
Argentina
Buenos Aires
Christo e Jeanne-Claude
Germano Celant
Isola
Italia
Jorge Romero Brest
Monte Isola
Peschiera Maraglio
Río de la Plata
Sulzano


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San Giorgio e il drago

Quella di san Giorgio e il drago è una leggenda medievale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint George and the Dragon (Uccello).Please output in Italian.


subsection

Jacopo de' Barbari

De' Barbari trascorse un anno a Norimberga, dove viveva Dürer, tra il 1500 e il 1501, e i due artisti si influenzarono vicendevolmente anche per numerosi anni a seguire. Nessuna delle sue incisioni è datata, per cui la loro datazione viene attribuita a somiglianze con opere datate di Dürer; procedimento complicato ed incerto, considerata anche l'impossibilità di stabilire chi dei due influenzava l'opera dell'altro. Cinque delle sue incisioni si trovavano in una raccolta di Hartmann Schedel, che fu rilegata nel dicembre del 1504, fatto che fornì maggiori informazioni sulle datazioni successive. De' Barbari realizzò probabilmente qualche incisione prima di lasciare l'Italia, ma le sue migliori incisioni furono generalmente realizzate dopo il suo trasferimento in Germania nel 1500.Alcuni dei suoi dipinti sono datati come: 1500, 1503, 1504, 1508. Documenti relativi al suo ingaggio da parte di Massimiliano I, suggeriscono che le sue opere dovevano includere qualche manoscritto illuminante, sebbene nessuna opera di questo tipo gli sia stata finora attribuita. L'unico disegno attribuitogli con buona certezza è una Cleopatra esposta al British Museum, apparentemente realizzata come studio per un'incisione che però non ci è pervenuta.

Prompt: Explain the Dating works about the Biography of this artwork, Jacopo de' Barbari.Please output in Italian.

British Museum
Cleopatra
Germania
Hartmann Schedel
Italia


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Disputa del Sacramento

Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture , vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati , in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nellIncoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni.

Prompt: In the context of Disputation of the Holy Sacrament, explain the TheTriumphantChurch and the History.Please output in Italian.


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Democrito

, "giudice del popolo"Sesso = MLuogoNascita = AbderaLuogoNascitaLink = Abdera GiornoMeseNascita = AnnoNascita = tra il 470 e il 457 a.C.LuogoMorte = GiornoMeseMorte = AnnoMorte = tra il 360 e il 350 a.C.Epoca = -400Epoca2 = -300Attività = filosofoNazionalità = greco anticoImmagine = Bust of an unknown Greek - Museo archeologico nazionale di Napoli.jpgDidascalia = Busto di filosofo greco, ritrovato nella Villa dei papiri a Ercolano e identificato con Democrito }}Allievo di Leucippo, fu tra i fondatori dell'atomismo. È praticamente impossibile distinguere le idee attribuibili a Democrito da quelle del suo maestro. Democrito fu il più prolifico scrittore tra i presocratici, considerato uno di loro anche se, effettivamente, nacque dopo Socrate, per morire, forse centenario, durante la vita di Platone e Aristotele. Tra gli allievi di Democrito vi fu Nausifane, maestro di Epicuro.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Aristotele Epicuro Leucippo Nausifane Platone Socrate


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Velo della Veronica

storia del velo della Veronica si è progressivamente sviluppata lungo i secoli.Nei Vangeli sinottici, composti entro il I secolo, è presente il racconto di una donna anonima che viene miracolosamente guarita da un flusso di sangue toccando Gesù . A parte questo accenno, l'emorroissa non viene citata altrove nel Nuovo Testamento.Nell'apocrifo Vangelo di Nicodemo, scritto originariamente in greco nel II secolo e pervenutoci in diverse redazioni o recensioni, l'emorroissa ricompare durante il processo di Gesù testimoniando inutilmente a suo favore. Nella recensione greca A , l'emorroissa è anonima, mentre nel papiro copto di Torino  e nella recensione latina  la donna è chiamata Veronica. Il nome è l'adattamento del greco "Berenice" , forma macedone corrispondente al greco classico "Ferenice" , significante "portatrice di vittoria" .È probabile che nel passaggio dal greco al latino l'assonanza del nome "Veronica" con vera icona  abbia progressivamente generato nella fantasia popolare la leggenda della "Vera icona" della "Veronica".In passato, si riteneva al contrario che il nome della donna fosse derivato dall'immagine. leggenda fa la sua prima comparsa in alcuni scritti apocrifi tardi appartenenti al Ciclo di Pilato : Guarigione di Tiberio, Vendetta del Salvatore e Morte di Pilato.I tre scritti ci sono pervenuti in autonome redazioni latine medievali  che derivano da una versione precedente andata perduta, probabilmente del VI secolo.  trama dei tre apocrifi è sostanzialmente la stessa: l'imperatore Tiberio gravemente ammalato invia a Gerusalemme Volusiano che punisce i responsabili della morte di Gesù, trova una sua immagine in possesso della Veronica , la conduce a Roma e grazie a lei l'imperatore è guarito.Nella Guarigione di Tiberio , il testo più antico, l'immagine di Gesù era usata dalla Veronica come cuscino e ciò le procurava una buona salute. Aveva fatto dipingere l'immagine "per amor suo". Dopo la guarigione, Tiberio adora l'immagine di Gesù e ordina che "fosse circondata di oro e di pietre preziose".Nella Vendetta del Salvatore  non è specificato se l'origine dell'immagine sul panno di lino sia miracolosa o dipinta. Il panno è conservato avvolto in un tessuto d'oro riposto in uno scrigno, è oggetto di venerazione ed è causa di miracoli. Morte di Pilato , il testo più recente, specifica invece l'origine miracolosa dell'immagine in possesso della Veronica: "Quando il mio Signore girava predicando, io con molto dispiacere ero privata della sua presenza; volli perciò dipingermi un'immagine affinché, privata della sua presenza, avessi un sollievo almeno con la rappresentazione della sua immagine. Mentre stavo portando un panno da dipingere al pittore, mi venne incontro il mio Signore e mi domandò dove andavo. Avendogli manifestato il motivo del mio viaggio, egli mi richiese il panno e me lo restituì insignito della sua venerabile faccia".Nel rito popolare della Via Crucis, sviluppato e consolidato nel basso medioevo, è presente una diversa versione della leggenda: la Veronica incontrò Gesù durante la sua salita al Calvario e gli asciugò il volto con un panno di lino, dove sarebbe rimasta impressa la sua immagine.

Prompt: How does Head of Christ (Correggio) explain its Origins of the story?Please output in Italian.

Calvario
Ciclo di Pilato
Gerusalemme
Gesù
Guarigione di Tiberio
Morte di Pilato
Nuovo Testamento
Roma
Tiberio
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo
Vangelo di Nicodemo
Vendetta del Salvatore
Veronica
Via Crucis


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The self-portrait of the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait (Chassériau)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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The Lady of Shalott

Il compositore inglese Cyril Rootham ha creato la prima versione musicale di questa poesia nel 1909, per mezzosoprano solista, coro e orchestra.Nel 1958, Arthur Bliss composto una suite di balletto dal titolo "The dy of Shalott" .Esiste una trasposizione musicale di questo celebre poemetto musicato dalla cantautrice canadese Loreena McKennitt, contenuto nel suo album The Visit .  cantautrice americana Emilie Autumn ha scritto un brano ispirato proprio a questo poemetto, contenuto nel suo album Opheliac. Le prime cinque canzoni dell'album di debutto della metal band olandese Autumn, When Lust Evokes The Curse, seguono un filo narrativo continuo incentrato sulla Signora di Shalott. power metal band italiana Domine ha dedicato un pezzo alla dama di Shalott nel quinto disco Ancient Spirit Rising. Nel 1977 l'israeliana progressive rock band Atmosphera ha intitolato un album "dy of Shalott".

Prompt: How does The Lady of Shalott (painting) explain its Musical transpositions?Please output in Italian.

Ancient Spirit Rising
Arthur Bliss
Autumn
Cyril Rootham
Domine
Emilie Autumn
Loreena McKennitt
Opheliac


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Madonna di Darmstadt

conchiglia che costituisce l'estremità superiore del dipinto, incastonata in un'edicola muraria, incornicia la figura di Maria in piedi e si trova spesso nella pittura rinascimentale italiana, di solito come citazione antica. Holbein ha anche usato questo motivo diverse volte prima  e in Madonna con Bambino e cavaliere . Tuttavia, la conchiglia è molto più evidente nella Madonna di Darmstadt. Simbolicamente, la conchiglia si rifà al mito della nascita di Venere dalla schiuma del mare, un mito originariamente pagano, in seguito reinterpretato in chiave cristiana: Maria è infatti "la conchiglia nel cui corpo terreno si sviluppa la perla nobile del Salvatore Gesù che si è fatto carne dallo Spirito Santo".  conchiglia incarna quindi sia la perfezione di Cristo ed il ruolo di Maria sia la nascita virginale in quanto la perla cresce nel guscio e lo lascia senza mutare il guscio stesso.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the The shell and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna del Garofano

Madonna del Garofano è un dipinto a olio su tavola  di Leonardo da Vinci, databile al 1473 circa e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco.

Prompt: In Madonna of the Carnation, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino (Rogier van der Weyden Houston)

Madonna col Bambino è un dipinto del pittore fiammingo Rogier van der Weyden realizzato circa nel 1454 e conservato nel Houston Museum of Fine Arts di Houston negli Stati Uniti d'America.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Virgin and Child (van der Weyden).Please output in Italian.

1454
Houston
Houston Museum of Fine Arts
Rogier van der Weyden
Stati Uniti d'America


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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L'incoronazione di Napoleone

L'incoronazione di Napoleone  è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1805 e il 1807 dal pittore Jacques-Louis David. È conservato nel museo del Louvre di Parigi. Una copia è conservata anche alla Reggia di Versailles, un'altra copia è conservata nella Oldway Mansion di Paignton nel Devon.Il dipinto rappresenta l'incoronazione di Napoleone Bonaparte e di Giuseppina di Beauharnais il 2 dicembre 1804.David qui ritrae il momento dell'incoronazione di Napoleone, con ben 190 altri spettatori raffigurati nell’opera, tutte persone realmente esistite. Tutti gli sguardi si concentrano sulla corona, che Napoleone tiene alta nelle mani, per incoronarsi davanti alla moglie Giuseppina. C'è una grande attenzione e minuzia nella realizzazione di tutti i particolari e nella esaltazione dei simboli imperiali.

Prompt: Focus on The Coronation of Napoleon and explain the Abstract.Please output in Italian.

1804
1805
1807
Devon
Giuseppina di Beauharnais
Jacques-Louis David
Napoleone Bonaparte
Napoleone Bonaparte
Paignton
Parigi
Reggia di Versailles
Reggia di Versailles


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Bambini dell'Olocausto

Molti bambini sopravvissero, in varie parti dell'Europa, protetti dai partigiani, in zone da essi controllate. Due unità partigiane in Bielorussia, quelle guidate rispettivamente dai Fratelli Bielski e da Shalom Zorin, si distinsero in particolare per aver stabilito nella foresta dei campi dove erano accolte anche famiglie ebree con donne, anziani e bambini.Per un bambino, specie se ebreo, non era semplice unirsi alle unità partigiane combattenti.  maggior parte delle unità partigiane non accettava bambini o civili inermi, ed episodi di antisemitismo non furono infrequenti anche in alcune formazioni partigiane dell'Est europeo. Tra i 20/30.000 ebrei che combatterono come partigiani in tutta Europa vi furono tuttavia molti adolescenti . Diventare partigiani significava prendere parte direttamente alle azioni di guerriglia, spionaggio e sabotaggio condotte dal proprio gruppo ed essere sottoposti senza alcuno sconto alla brutalità della lotta. È il caso di Nathan Schacht, sopravvissuto per 18 mesi  con i partigiani nella foresta in Ucraina, o di Marek Herman che giunto orfano dalla Polonia si unisce in Italia alla resistenza nel Canavese, o del dodicenne Franco Cesana, il più giovane partigiano caduto in un'azione di combattimento nella Resistenza italiana.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Three partisans and the Inappropriate for children.Please output in Italian.

Franco Cesana
Fratelli Bielski
Italia
Marek Herman
Nathan Schacht


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Madonna dell'Umiltà

Madonna dell'Umiltà è un tema iconografico mariano in uso dall'inizio del XIV secolo.Mostra la Vergine seduta in terra col Bambino, a differenza della Maestà che la raffigura in trono. All'inizio tali scelte iconografiche erano legate al ruolo della Chiesa , che gli ordini mendicanti volevano umile e al livello della gente.

Prompt: How does Madonna of Humility (Fra Angelico) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Sacra Famiglia

Nella dottrina cristiana la Sacra Famiglia è stata sempre ritenuta un modello fondamentale della famiglia umana. I legami di affetto, di amore, di comprensione che le famiglie umane sono chiamate a rinnovare continuamente, sono particolarmente espressi e vissuti nella Sacra Famiglia.

Prompt: In The Holy Family (Collinson painting), how is the Example for the human family of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Pietà Rondanini

Pietà vaticana Pietà di Palestrina Pietà per Vittoria Colonna Pietà Bandini

Prompt: Focus on Rondanini Pietà and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Pietà Bandini
Pietà di Palestrina
Pietà per Vittoria Colonna
Pietà vaticana


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Alcuni hanno indicato l'opera come una delle tre Tentazioni registrate negli inventari delle opere inviate da Filippo II di Spagna all'Escorial nel 1574. In realtà una tale ipotesi è scarsamente compatibile con la storia successiva del dipinto, per cui si tende oggi a ipotizzare che il trittico fosse stato acquistato nelle Fiandre dall'umanista portoghese Damiao de Góis tra il 1523 e il 1545.Se l'autografia dell'opera è indiscussa, la datazione, come per tutte le opere di Bosch, è stata oggetto di svariate ipotesi nella critica, anche contrastanti.  maggior parte degli studiosi comunque la collocava al 1490-1500, mentre l'analisi dendrocronologica l'ha leggermente spostata in avanti, a dopo il 1501. Negli studi l'opera ha goduto sempre di una certa fama, indicandola spesso come uno dei capolavori dell'artista, sia per la fantasia visionaria, ricca e strabiliante, sia per l'efficacia compositiva e la sintesi della narrazione. Notevolissima è anche la qualità pittorica, capace di modulare i colori secondo le esigenze, ora espressivi, ora leggeri, ora sfumati per ampliare la scansione spaziale in profondità.Il trittico, firmato nello scomparto centrale a sinistra, dovette godere di una fama estremamente ampia, come testimoniano le circa quindici copie note, totali o parziali. Tra queste ben quattro sono firmate , tra cui quella di Bruxelles rappresenta la migliore qualitativamente, oltre che l'unica nelle dimensioni identiche all'originale.

Prompt: Focus on Triptych of the Temptation of St. Anthony and explain the History.Please output in Italian.


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Fontana del Garraffo

Barocco sicilianoFontana del GarraffelloGenio del GarraffoMonumenti di PalermoPalermo

Prompt: How does Fontana del Garraffo explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Barocco
Barocco siciliano
Fontana del Garraffello
Genio del Garraffo
Monumenti di Palermo
Palermo


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait environment autonomy and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna del Rosario

Madonna del Rosario è una delle tradizionali e più celebri e importanti raffigurazioni nelle quali la Chiesa cattolica venera Maria: la Vergine è rappresentata con una veste azzurra e una corona del Rosario tra le mani. Si tratta di una rappresentazione particolarmente frequente nella devozione dopo la Controriforma, la cui iconografia è ripresa da quella, più antica, della Madonna della cintola.  Chiesa cattolica celebra la festa della Madonna del Rosario il 7 ottobre di ogni anno.

Prompt: How does Madonna of the Rosary (Caravaggio) explain its Abstract?Please output in Italian.

7 ottobre
Chiesa cattolica
Controriforma
Rosario


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Aerostato

Quando si utilizzano gas leggeri, gli aerostati possono venir suddivisi in due ampie categorie a seconda della pressione utilizzata per il riempimento del pallone sostentatore:Pressione zero: il gas viene pompato nel pallone, che è elastico e in grado di dilatarsi, raggiungendo una pressione simile a quella dell'atmosfera che lo circonda. Quando sale in quota, un pallone a pressione zero si dilata  e la pressione interna rimane a valori simili rispetto a quella circostante.<br />Durante la notte, quando la temperatura cala, il gas si contrae e il pallone perde quota. L'unico mezzo che un pallone a pressione zero ha per regolare la propria quota è quello di espellere parte del gas  per scendere oppure di liberarsi di parte della zavorra per salire. Le quantità di gas e zavorra costituiscono quindi il limite temporale alla durata del volo di un aerostato a gas .Iperbarico: un pallone iperbarico, invece, è un contenitore ben più rigido e inelastico rispetto al precedente. Il gas leggero pompato a una pressione maggiore rispetto a quella atmosferica e sigillato al suo interno. Questo consente che un pallone iperbarico mantenga molto a più a lungo la sua leggerezza e la durata del volo è limitata soltanto dalle eventuali perdite di gas . In pratica, la maggior parte degli aerostati iperbarici utilizzati per le missioni scientifiche sono dotati di un telecomando  che consente la espulsione del gas e decreta la fine della missione stessa.

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Pressure filling of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (van Dyck, New York)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Lo stile utilizzato nella realizzazione della Grande onda di Kanagawa è l', un genere di stampa artistica giapponese su blocchi di legno fiorita nel periodo Edo, tra il XVII e il XX secolo. Tale tecnica fu introdotta in Giappone dalla Cina nell'VIII secolo, venendo utilizzata a partire da questo periodo per l'illustrazione di testi buddhisti e, dal XVII secolo, per la raffigurazione artistica di poemi e romanzi.Lo stile ukiyo-e conobbe la sua consacrazione proprio nel XVII secolo attraverso la rappresentazione della vita della città, in particolare delle attività degli strati più bassi della società quali mercanti, artisti, rōnin e cortigiane, che andavano sviluppando una propria cultura e arte nelle città di Edo , Osaka e Kyoto, in un movimento che a posteriori avrebbe preso il nome di ukiyo, il "mondo fluttuante". Nel 1661 lo scrittore Asai Ryōi nel suo libro  descrisse per la prima volta tale movimento come il saper «vivere momento per momento, volgersi interamente alla luna, alla neve, ai fiori di ciliegio e alle foglie rosse degli aceri, cantare canzoni, bere sakè, consolarsi dimenticando la realtà, non preoccuparsi della miseria che ci sta di fronte, non farsi scoraggiare, essere come una zucca vuota che galleggia sulla corrente dell'acqua». Nella sua connotazione antica la parola è invece carica dei concetti buddhisti che sottolineano la realtà di un mondo in cui l'unica cosa certa è l'impermanenza di tutte le cose, oltre a essere un'allusione ironica al termine omofono , il ciclo continuo di morte e rinascita al quale i buddhisti cercavano di sottrarsi.Grazie al successo della letteratura ukiyo e delle stampe, la popolazione iniziò a prendere sempre più confidenza con i movimenti artistici. Attorno alla metà del XVII secolo gli artisti iniziarono a riprodurre nelle opere ciò che accadeva all'interno dei quartieri del piacere e dei teatri kabuki, o durante i matsuri e i viaggi. Ciò contribuì a rendere particolarmente popolari guide turistiche e altri manuali, al cui interno era mostrato il meglio delle città e delle campagne circostanti grazie all'ausilio delle stampe.Il procedimento che portava alla creazione delle stampe vedeva la collaborazione di diversi specialisti, ciascuno dei quali aveva un compito specifico: per prima cosa il  creava l' in  direttamente su un sottile strato di carta fatta a mano. Dopodiché un  incollava il disegno a faccia in giù su un blocco di legno, intagliando le parti in cui la carta era bianca, lasciando così il disegno in evidenza sul blocco. Tale sistema permetteva di aggiungere diverse tonalità di colori alle stampe. Ciò nonostante il suo nome e quello dell' erano gli unici a essere accreditati come autori nell'opera finita.Benché in Giappone non esistesse nessuna legge sulla proprietà intellettuale prima del periodo Meiji , vi era comunque un senso di appartenenza e dei diritti da parte di coloro che producevano le stampe. Piuttosto che appartenere agli artisti, i blocchi erano da considerarsi di proprietà degli editori, che potevano fare di essi ciò che volevano. Gli editori possedevano anche il diritto di vendere ad altri editori i propri blocchi.

Prompt: Focus on The Great Wave off Kanagawa and explain the Technique.Please output in Italian.

1661
Asai Ryōi
Cina
Giappone
Kyoto
Osaka


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Pala di Castelfranco

Fu commissionata dal cavaliere di Rodi e condottiero della Repubblica Veneta, Tuzio Costanzo, per la cappella di famiglia nel duomo di Santa Maria Assunta e Liberale a Castelfranco, in occasione della morte del figlio Matteo a Ravenna, accaduta tra la primavera del 1504 e l'estate del 1505 nel corso di una campagna militare per conto della Repubblica di Venezia. Il defunto si trova ancora oggi raffigurato in un bassorilievo sulla lapide tombale, ora posta ai piedi dell'altare, ma originariamente murata al lato della cappella.Come tutte le altre opere di Giorgione, anche questa è stata realizzata per una famiglia dalla classe sociale elevata: non si tratta di una committenza ecclesiastica.Il 10 dicembre 1972 la pala fu trafugata dal duomo di Castelfranco Veneto e ritrovata dopo circa tre settimane in un casolare abbandonato, sembra dopo il pagamento di un riscatto. Dal 2006 è stata riportata, dopo aver subito un lungo restauro, al luogo d'origine.

Prompt: In Castelfranco Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Describe the characteristics of the Historicity theological significance in Nativity (Correggio)'s Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Virtù e la Legge

sinistraTriboniano consegna le Pandette a GiustinianoIn basso a sinistra, a lato della finestra, si trova la scena di Triboniano che consegna le Pandette a Giustiniano, che celebra il diritto naturale e civile. L'imperatore è seduto di profilo, con i segni del potere ben in vista , mentre riceve da Triboniano inginocchiato un libro; assistono una serie di dignitari con cappelli esotici, ispirati a fogge bizantine.L'opera subì gravi danni che ne peggiorarono la leggibilità. L'esecuzione dell'affresco è di solito riferita ad aiuti del Sanzio, che operarono su suo disegno, probabilmente il Sodoma. Ludovico Dolce, nel Dialogo della pittura  accennò a un restauro degli affreschi delle Stanze da parte di Sebastiano del Piombo, che Pallucchini  ipotizza dubitativamente relativo a questa scena. Nel 2000 la scena è stata invece ritenuta uno dei segni della documentata presenza di Lorenzo Lotto nel cantiere delle stanze.

Prompt: Explain the Tribonian handed Pandects to Justinian about the History of this artwork, Cardinal and Theological Virtues (Raphael).Please output in Italian.

Ludovico Dolce
Sebastiano del Piombo
Triboniano


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Natività mistica

Il cerchio degli angeli rappresenta la danza della vita, simbolo di fecondità e rigenerazione spirituale. Il motivo della caverna è strettamente correlato alla missione terrena di Cristo, il Salvatore delle anime dei giusti. Alla vista del Redentore i demoni fuggono dalla superficie terrestre per rifugiarsi nell'oscurità degli Inferi. In basso, il ramoscello di olivo e l'abbraccio degli angeli simboleggiano la pace universale, che si diffonderà sulla terra dopo la venuta del Salvatore.

Prompt: Focus on The Mystical Nativity and explain the Symbols.Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

Viktor Kubík, Prague : partie historique de la ville, monuments, culture, Unios CB, 2002. ISBN 80-86141-24-1 Bernard Michel, Histoire de Prague, Fayard, 1998. ISBN 2-213-60269-7

Prompt: In Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Chorus and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Pala di Fano

Pala di Fano è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, datata 1497 e conservata nella chiesa di Santa Maria Nuova a Fano.

Prompt: In Fano Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto del Perugino

Il protagonista è ritratto a metà figura mentre fissa lo spettatore e tiene le mani poggiate su una balaustra in primo piano, con un foglietto arrotolato nel pugno destro come il personaggio nel Ritratto di giovane, sempre attribuito a Raffaello).  scena è ambientata in una stanza con una finestra aperta sul paesaggio a sinistra. Il motivo del parapetto e della finestra sono un'evidente derivazione da opere fiamminghe, in particolare i ritratti di Hans Memling. L'uomo è vestito di nero, con una camicia bianca che sporge dal colletto e una berretta pure scura. Curiosamente si tratta dello stesso abbigliamento del Ritratto di Lorenzo di Credi attribuito al Perugino, che dimostra quello che doveva essere il modo comune di vestirsi tra gli artisti della cerchia peruginesca.

Prompt: Focus on Portrait of Perugino and explain the Description and style.Please output in Italian.

Hans Memling
Lorenzo di Credi
Perugino
Ritratto di Lorenzo di Credi


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The Lady of Shalott

The dy of Shalott, regia di C.J. Williams

Prompt: Focus on The Lady of Shalott (painting) and explain the Cinematic transpositions.Please output in Italian.


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Trinità

dottrina del Dio Uno e Trino non è accettata al di fuori del cristianesimo, dato che afferma la divinità di Gesù Cristo, che è caratteristica delle maggiori confessioni di questa religione. Ebraismo ed Islam rifiutano questo aspetto, e nel Corano in particolare questo punto dottrinale viene esplicitamente negato.Anche nell'ambito del cristianesimo vi sono movimenti religiosi e diramazioni anti-trinitarie; fra queste le più note a partire dall'età moderna e contemporanea sono i testimoni di Geova, la House of Yahweh, i cristadelfiani, gli antoinisti, i mormoni, la Chiesa del Regno di Dio, la Chiesa cristiana millenarista, il cristianesimo scientista, la Chiesa dell'unificazione e le chiese odierne che si rifanno all'unitarianismo.

Prompt: In Holy Trinity (Masaccio), how is the Antitrinitarian positions discussed?Please output in Italian.

Chiesa cristiana millenarista
Chiesa del Regno di Dio
Chiesa dell'unificazione
Corano
Cristo
Dio
Ebraismo
Gesù
Gesù
House of Yahweh
Islam
Yahweh


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Viandante sul mare di nebbia

Nella figura del pellegrino rapito dalla voragine brumosa Friedrich sintetizzò magistralmente idee e suggestioni tipicamente del proprio tempo, tanto che il Viandante sul mare di nebbia è considerato un'icona del Romanticismo tedesco.L'opera, infatti, irradia messaggi multiformi, glorificando i temi dell'infinito, del sublime, del divino e dell'errabondo. Attesta infatti il senso di imperfezione, di humilitas , sperimentato dall'uomo durante la contemplazione dell'Infinito, ovvero di Dio, qui rappresentato dall'immenso mare di nebbia che fa emergere la vista del paesaggio sottostante che è la vita. Il viaggiatore romantico si perde di fronte al baratro nebbioso in un atteggiamento contemplativo, visto come estrema esperienza interiore e spirituale: in questo modo, egli indaga impietosamente, nella sua nudità, la propria anima, la sua fede, con tutte le sue insicurezze, i suoi errori, i suoi dubbi e certezze.È proprio l'eroico isolamento del viandante che diventa viaggio della vita umana e che celebra una presenza onnipervasiva di Dio, il sublime, ovvero lo stato d'animo misto di sgomento e piacere percepito dall'uomo quando diviene consapevole della stupefacente grandiosità della natura. Questa potenza irresistibile non annienta il viandante, bensì lo induce a riflettere in senso filosofico sulla propria condizione, consentendogli quindi di unirsi al divino. I paesaggi di Friedrich sono infatti carichi di simbolismi religiosi, ma prigionieri di una struggente malinconia; come di una domanda su chi è l'uomo; in questo modo, il sublime nel Viandante sul mare di nebbia si manifesta nel contesto naturale, che è creazione, che accende l'animo del viandante e gli permette di arrivare fino a Dio. Scriveva Marco Bona Castellotti, in Friedrich: un viandante su un mare di luce:Alla sublimità del creato si unisce il tema dell'errabondo. L'uomo ritratto nel quadro, oltre che solitario, è infatti anche un homo viator, un pellegrino alla ricerca di spirituali risposte : questa condizione si ricollega alla figura dell'esule «bello di fama e di sventura», tipica della cultura romantica.

Prompt: Explain the Interpretation of this artwork, Wanderer above the Sea of Fog.Please output in Italian.


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Epifania

In Slovenia, soprattutto nella parte occidentale del Paese, durante il primo giorno dell'anno e l'Epifania, i bambini vanno di casa in casa perché i paesani regalano loro mandorle, fichi secchi, noci o biscotti che hanno nelle proprie dimore.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Slovenia and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


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Polittico di Ponteranica

cornice che accoglie i pannelli non è quella originale ormai persa, ma è stata realizzata da Giacomo Manzoni su disegno di Virginio Muzio nel 1902. Le dimensioni sono leggermente variate, questo non permette ai dipinti di collegarsi perfettamente come doveva essere la realizzazione originale del Lotto.Il pannello centrale dove è raffigurato san Giovanni Battista, è sicuramente stato abbassato, eliminando parte della pietra su cui posta i piedi il santo, il paesaggio sullo sfondo non è più continuativo con i dipinti laterali. Questa nuova soluzione ha sicuramente tolto quell'immagine di grandezza che doveva avere il Giovanni Battista rispetto ai due santi laterali. Scuola del corpo di Cristo che aveva commissionato il polittico, voleva che venisse rappresentato il Corpo di Cristo come mezzo per la redenzione attraverso la passione, la scelta di raffigurare il Cristo dalle cui piaghe, frutto del martirio, versa il sangue nel calice era già stata ripresa da Giovanni Bellini nel 1460, e da Vittore Carpaccio nel 1496, ma il Lotto ci raffigura un Cristo risorto, dove la croce non è altro che un segno luminoso posto sul suo capo, e che versa il frutto del suo martirio come unico mezzo per la redenzione degli uomini.Il polittico è composto da sei scomparti, tre superiori e tre inferiori, con un'impostazione non molto dissimile dal Polittico Averoldi di Tiziano. Nel primo registro si trovano i seguenti pannelli:San Pietro, 118x57 cmSan Giovanni Battista, 135x70 cmSan Paolo, 118x57 cmIn quello superiore:Angelo annunciante, 75x35 cmCristo Redentore, 135x70 cmVergine annunciata, 75x35 cmIl Battista, titolare dell'altare, si trova al centro in posizione preminente nella parte inferiore, con due vistosi cartigli che riportano alcune tipiche frasi che lo identificano: "Ego Vox clamantis in deserto / Parate Viam Domini" e "Ecce Agnus Dei".  roccia su cui è posizionato presenta la datazione e la firma del Lotto, purtroppo l'anno termina in una fenditura del legno, risultando per tanto tempo di incerta interpretazione, fino ai restauri del 2011 che hanno confermato l'anno 1522. <br /> Tiene tra le braccia l'agnello e porge la mano destra a San Pietro posto nella dipinto alla sua destra.Ai lati i pannelli laterali sono uniti spazialmente, con un medesimo paesaggio e con due tende che si aprono teatralmente: la cornice originale, perduta, doveva evidenziare maggiormente l'effetto di sfondamento prospettico. Nel velluto del pesante tendaggio si notano gli influssi della scuola bresciana, in particolare del Savoldo. I pannello al centro in alto è un esplicito riferimento alla devozione della confraternita, con Cristo in piedi su una nuvola, coperto da un vaporoso perizoma bianco, il cui sangue delle ferite finisce dentro un calice dell'eucaristia. Il tipo fisico di Gesù ricorda da vicino il Cristo-vite dell'Oratorio Suardi. Ai lati si trova una toccante Annunciazione, divisa sui due pannelli minori e scorciata per una vista dal basso. Su uno sfondo scuro, appena rischiarato dall'apparizione della colomba dello Spirito Santo, le due figure si stagliano luminose e vibranti.Il polittico termina con una predella che comprende cinque tavole raffiguranti Cristo risorto, Cristo nel limbo tra due angeli, una apparizione di Cristo tra i discepoli. Erano state attribuite al Lotto fino al 1895 quando vennero assegnate a Giovanni Cariani. Risulta che tale predella venne allegata al polittico solo nel 1816 e che faceva parte di un tabernacolo, questo esclude che ci fossero rapporti diretti tra i due pittori che operarono in Bergamo nel medesimo periodo ma che eseguirono lavori di fattura molto differente.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Ponteranica Altarpiece.Please output in Italian.

1522
2011
Bergamo
Agnus Dei
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Giovanni Cariani
Polittico Averoldi
Virginio Muzio
Vittore Carpaccio
Vox clamantis in deserto


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Volta della Cappella Sistina

L'impalcatura doveva coprire solo metà della cappella, quindi quando il lavoro nella parte iniziale fu terminato occorreva smontarla e ricostruirla nell'altra metà. E in tale occasione si procedette a una prima osservazione del risultato, quindi relativa alle ultime storie della Genesi in ordine di lettura, quelle con le tre storie di Noè. L'agosto del 1510 segnava inoltre un periodo di ristrettezze economiche per le casse papali, vessate dalla campagna militare del papa contro i Francesi: a settembre Michelangelo scriveva al padre come il papa è lontano e non ha lasciato ordine a nessuno né di pagarlo per la metà fatta, né di dargli l'anticipo per la seconda parte.

Prompt: Explain the Partial discovery about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


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Caccia al leone

Nel corso della storia, ogni sorta di cane è stato usato dall'uomo per la caccia al leone in Africa e  in Medio Oriente. In particolare tra questi cani da caccia al leone c'è il Rhodesian Ridgeback.  caccia al leone  ha visto la sua massima popolarità e livelli di partecipazione durante il periodo del "Grande cacciatore bianco", essenzialmente la seconda metà del XIX secolo e i primi decenni del XX secolo. Poiché da allora la caccia al leone è in declino, la caccia al leopardo ha visto un aumento inversamente proporzionale della popolarità. Questa transizione può essere dovuta almeno in parte alla crescente popolarità dei segugi da profumo americani e continentali tra i segugi africani e i PH, poiché è molto meno probabile che il leopardo si posizioni su un terreno solido , e sono molto di più probabile che abbaia all'albero. Sebbene, in proporzione alla loro crescente popolarità, diversi branchi di questi segugi siano oggi utilizzati regolarmente da PH e guide come cacciatori di leoni in tutta l'Africa meridionale.Questo metodo di caccia al leone prevede che il cacciatore rilasci un branco di cani allevati a questo scopo in un'area nota per gli alti livelli di attività dei leoni o su tracce fresche. Il branco seguirà il leone e poi terrà a bada il leone finché il cacciatore non sarà in grado di chiudere la distanza e uccidere il leone a distanza ravvicinata.

Prompt: Explain the They bite. about the History of this artwork, The Lion Hunt (Delacroix).Please output in Italian.

Africa
Medio Oriente
XIX secolo
XX secolo
X secolo


section

Cristo in trono tra la Vergine e san Giovanni è il mosaico  del catino absidale del Duomo di Pisa. Si tratta dell'unica opera documentata di Cimabue, che vi lavorò dal 1301, prima di morire l'anno successivo; lo seguirono Francesco da Pisa e Vincino da Pistoia, che lo completarono nel 1320.

Prompt: How does Christ enthroned with the Virgin and St John explain its Abstract?Please output in Italian.

1301
1320
Cimabue
Duomo di Pisa
Francesco da Pisa
Pisa
Vincino da Pistoia


section

Madonna del Garofano

Milena Magnano, Leonardo, collana I Geni dell'arte, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6432-7

Prompt: In Madonna of the Carnation, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Caccia al leone

caccia al leone inizia all'alba, quando gli anziani e le donne dormono ancora. I guerrieri si incontrano discretamente in un punto di riferimento vicino da dove partono per aree predeterminate. Prima di partire, gli Ilmorijo  filtrano il gruppo in modo che solo i guerrieri più coraggiosi e forti prendano parte. Il gruppo risultante è noto come Ilmeluaya . I giovani guerrieri rifiutati sono comandati dai guerrieri più anziani di mantenere riservate le informazioni della caccia, fino al ritorno dei loro colleghi preferiti. Ci sono stati casi in cui i guerrieri più anziani hanno costretto i guerrieri a rinunciare alle loro armi in eccesso, visto che è considerato un insulto portare più di una lancia che è sufficiente per uccidere un leone.Dopo una caccia di successo, si svolge una festa di una settimana in tutta la comunità. Il guerriero che ha sferrato il primo colpo viene corteggiato dalle donne e riceve un Imporro, una tracolla con perline a doppia faccia. Il guerriero indossa questo ornamento durante le cerimonie.  comunità onorerà Olmurani lolowuaru  con molto rispetto per tutta la sua vita.

Prompt: Describe the characteristics of the The trip in The Lion Hunt (Delacroix)'s The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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Ecce Homo

Ecce homo  è la frase che secondo la Vulgata Ponzio Pilato, allora governatore romano della Giudea, pronunciò mostrando alla folla Gesù flagellato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ecce Homo (Correggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Maja desnuda

Louis Viardot, Les musées d'Espagne, d'Angleterre et de Belgique, 1843, Parigi, Paulin Joaquín Ezquerra del Bayo,  Duquesa de Alba y Goya, 1959, Madrid, Aguilar A. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990 Juan J. Luna,   R. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'Espresso R. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, Rizzoli V. Ballardini,

Prompt: Focus on La maja desnuda and explain the Bibliography.Please output in Italian.

2003
Francisco Goya
Francisco Goya
Louis Viardot
Madrid
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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Bagnanti ad Asnières

Bagnanti ad Asnières  è un dipinto del pittore francese Georges Seurat, realizzato nel 1884 e conservato alla National Gallery di Londra.

Prompt: How does Bathers at Asnières explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Lo stemma del "13th Infantry Regiment".Era già stato nominato colonnello e assegnato al 13º reggimento fanteria, effettivo dal 14 maggio; si trattava in realtà di un reggimento nuovo e ancora da formare e il primo comando fu quello di una brigata di volontari arruolati per tre mesi: il massimo periodo di tempo che ci si attendeva dovesse durare il conflitto.Alla sua testa, fu uno dei pochi ufficiali dell'Unione capace di distinguersi nella prima battaglia di Bull Run avvenuta il 21 luglio, dove venne ferito lievemente dalle pallottole al ginocchio e a una spalla; la disastrosa sconfitta lo portò a mettere in discussione sia le proprie capacità come ufficiale sia il grado di preparazione delle truppe.Il presidente Lincoln tuttavia lo promosse a brigadier generale  dei volontari, effettivo dal giorno 17 maggio, con anzianità di grado rispetto a Ulysses S. Grant, il suo futuro comandante; fu assegnato al "Dipartimento di Cumberland" a Louisville nel Kentucky sotto la guida di Robert Anderson, e a ottobre dello stesso anno gli succedette al comando.Pensò che il suo nuovo incarico contraddicesse la promessa fattagli da Lincoln di non ricevere troppo presto una posizione così importante e impegnativa.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the FirstbattleBullRun of the Strategy explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Trionfo della Morte

Questa iconografia macabra in alcuni casi anticipa la peste nera del 1348, che decimò la popolazione europea riempiendo le città di cadaveri, in altri ne è una conseguenza diretta. Se nelle opere prima della fatidica peste il trionfo della morte è più che altro connesso con il tema del Giudizio universale, talvolta correlato da una rappresentazione del Paradiso e dell'Inferno legata alla descrizione dantesca, nelle opere più tarde inizia a comparire la morte stessa che decima "gratuitamente" la popolazione, in una visione desolata non necessariamente connessa con il tema della salvezza, ma piuttosto si tratta di rielaborazioni fantasiose di quella che fu una tremenda esperienza collettiva.Nei trionfi vi è rappresentata solitamente la morte, come uno scheletro armato di falce che colpisce diverse categorie di persone, sottolineando in particolare come Re, papi e gente comune siano uguali dinanzi ad essa, che viene talvolta aiutata da altri scheletri o da demoni.

Prompt: How does The Triumph of Death (Palermo) explain its Iconographic description?Please output in Italian.

1348
Giudizio universale
Inferno
Paradiso