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Cloud Gate

Ubicato tra il lago Michigan ad est e il "Chicago Loop" ad ovest, il Grant Park è stato dal diciannovesimo secolo il giardino di Chicago. È racchiuso tra la Monroe Street , Michigan Avenue , Randolph Street  e Columbus Drive . Nel 2007, il parco è stata l'attrazione più visitata di Chicago dopo il "Navy Pier".Nel 1999 i funzionari del Millennium Park ed un gruppo di collezionisti d'arte, curatori ed architetti analizzarono le opere artistiche di 30 differenti artisti e chiesero due proposte. L'artista americano Jeff Koons propose di erigere una scultura permanente di uno scivolo alto 46 metri;  commissione scelse invece la seconda proposta, fatta da parte di Anish Kapoor, artista internazionalmente apprezzato. Con le misure 10 m x 20 m x 13 m e con il peso di quasi 100 tonnellate, la proposta era rappresentata da una superficie liscia e senza saldature, fatta di acciaio inossidabile ispirata al mercurio liquido. Questa superficie, molto simile ad uno specchio, avrebbe riflettuto lo skyline di Chicago, ma la sua forma ellittica avrebbe distorto e piegato l'immagine riflessa. Quando i visitatori camminano intorno alla struttura, la sua superficie si comporta come uno specchio curvato e quindi distorce la loro immagine riflessa.Sulla parte inferiore della scultura, si trova l'omphalos, una dentellatura la cui superficie a specchio crea molteplici riflessi di qualsiasi soggetto si trovi al di sotto di esso. L'apice dell'omphalos è a 8,2 metri dal terreno e la forma concava del Cloud Gate permette ai visitatori di camminare al di sotto di esso per vedere l'increspatura; durante la prima esposizione nel luglio 2004, la stampa descrisse l'omphalos come un "ventre dalla forma di cucchiaio".  scultura di acciaio inossidabile fu originariamente prevista come centro del "Lurie Garden", situato nella parte sud-est del parco, ma i funzionari del parco credevano che la scultura fosse troppo grande per quel posto e decisero di sistemarla nella "AT&T Plaza", nonostante le obiezioni di Kapoor. I grattacieli a nord lungo Randolph Street, inclusi "The Heritage", il "Smurfit-Stone Building", il "Two Prudential Plaza", il "One Prudential Plaza" e lo "Aon Center" sono visibili riflessi su entrambe le facce est ed ovest della scultura.leftSebbene Kapoor non disegni con l'ausilio del computer, il modellamento computerizzato fu essenziale per il processo di analisi delle complesse forme della scultura che crearono non pochi problemi.In particolare, crebbero le preoccupazioni che, stando all'esterno, la struttura avrebbe sofferto degli sbalzi termici stagionali, diventando d'estate rovente per il troppo calore e d'inverno così fredda che la lingua di qualcuno avrebbe potuto appiccicarvisi. Inoltre, si temeva che le importanti escursioni termiche avrebbero potuto indebolire la struttura. Altri potenziali problemi erano rappresentati dai graffiti, gli escrementi di uccelli e le impronte lasciate dalle persone, che avrebbero potuto intaccare l'estetica della superficie. Il problema più pressante era però l'esigenza di creare un'unica lamina esterna senza saldature per l'involucro esterno, una caratteristica che Norman Foster non credeva fosse facilmente realizzabile.Mentre la scultura veniva costruita, è stata soprannominata dalla gente e dai media "The Bean"  a causa della sua forma di legume, un nome che lo stesso Kapoor definì "completamente stupido". Mesi dopo, Kapoor intitolò ufficialmente la scultura Cloud Gate. Tre quarti della superficie esterna della scultura riflette il cielo ed il nome si riferisce ad essa come se fosse un tipo di passaggio che serve da ponte collegando lo spazio tra cielo e l'osservatore. A volte, viene fatto riferimento alla scultura ed alla piazza unitamente come il Cloud Gate sulla AT&T Plaza. È la prima opera pubblica all'aperto di Kapoor negli Stati Uniti, ed è, secondo il "Financial Times", il lavoro grazie al quale è più conosciuto nel paese.

Prompt: Focus on Cloud Gate and explain the Design.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Venere e Amore spiati da un satiro

Venere e il figlio, incarnazioni dell'erotismo, si sono assopiti totalmente nudi - appena sopravvelati dall'ampio drappo azzurro - e tali appaiono non appena il satiro voglioso  silentemente li scopre.Il soggetto era piuttosto comune nel Cinquecento, probabilmente derivava dalla descrizione di un bassorilievo che ornava una fontana presente nella Hypnerotomachia Poliphili di Francesco Colonna e dall'incisione che accompagnava quel testo.L'atmosfera innegabilmente lasciva inviterebbe a lèggere la scena come un'allegoria delle potenze progenitrici della natura e dei piaceri dell'amore carnale. L'idea della forza terrestre onnipervasiva sembra essere il soggetto principale del dipinto. Infatti da sotto il lenzuolo, sul quale sono sdraiati Venere e Cupido, spunta una torcia accesa, le cui fiamme sono rivolte verso l'alto: simbolo dell'amore non sopito, e assai temibile.  pelle del gran leone sulla quale dormono Venere e Cupido può rappresentare - al contrario - il concetto astratto della fortezza temperante, anche perché le frecce della faretra pericolosa sono immobili, e l'arco è ben custodito dalla dea madre.E se l'Educazione di Amore si riferiva alla fulgida dea come portatrice di alti sentimenti positivi , così questa tela affiancante - quale imprescindibile compimento di una cultura tutta rinascimentale, pienamente vissuta dal Maffei - è dedicata all'insorgere dell'eros come dono universale, egualmente offerto dalla Venere Pandemia, ossia da una potenza divina che non dimentica alcuno.Rispetto ai possibili modelli, il dipinto del Louvre spicca per essere al tempo stesso meno volgare e più seducente.  sensualità della Venere addormentata è valorizzata dalla posa arcuata del suo corpo su cui si riverbera la calda luce del crepuscolo, ma la presenza del paffuto cupido che riposa sereno al suo fianco, sfiorandole una coscia, così come l'espressione dolce del satiro-fanciullo che spia la scena, rendono l'immagine molto più fresca e dolce rispetto a lavori simili che forse il Correggio poté aver conosciuto.Al modo del Correggio maturo la composizione è apparentemente semplice, ma in realtà estremamente complessa, continuamente ingegnata su diagonali, scorci e rimandi , e impostata per la visione dall'alto, quella del satiro.

Prompt: How does Venus and Cupid with a Satyr explain its Description and style?Please output in Italian.


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Madama Lucrezia

scultura, di monumentali dimensioni , raffigura il busto di una donna, colta probabilmente nell'atto di fare un'offerta o di porgere un oggetto col braccio destro; la spalla sinistra è lievemente alzata, come per lo sforzo di reggere un peso. I suoi capelli sono raccolti in un'elaborata acconciatura a onde; i tratti somatici sono indiscernibili poiché erosi, a eccezione delle labbra che appaiono socchiuse. Il basamento su cui poggia la statua è un'aggiunta posteriore: probabilmente si tratta del reimpiego di un elemento scultoreo o architettonico di epoca più tarda.Come per le altre statue parlanti, non si è potuta assegnare una identificazione certa al personaggio raffigurato, ma sono state avanzate molteplici ipotesi: la più accreditata sembra essere la dea Iside nella sua forma sothis, perché il nodo della veste sul petto è un attributo iconografico tipico di questa manifestazione. Accettando questa ipotesi, in origine la statua avrebbe dovuto stringere un sistro nella mano destra e un Tiet o un'anfora nella sinistra. Altre ipotesi la vogliono una raffigurazione di Faustina Minore nelle vesti di sacerdotessa isiaca.Secondo alcune teorie, il famoso Pie' di marmo sito nella via che da esso prende il nome , avrebbe in origine fatto parte della statua la cui parte superiore è appunto Madama Lucrezia: anche il sandalo oggi appena visibile sul Piede farebbe parte del corredo delle sacerdotesse isiache; le dimensioni e la qualità del marmo, inoltre, sarebbero compatibili.  scultura proverrebbe dall'Iseo Campense.

Prompt: Focus on Madama Lucrezia and explain the Description.Please output in Italian.


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Democrito

Prompt: Focus on Democritus (Ribera) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Cupido slaccia la cintura di Venere

Cupido slaccia la cintura di Venere  è un dipinto di Joshua Reynolds realizzato nel 1784 e conservato alla Tate Britain di Londra.

Prompt: In Cupid Untying the Zone of Venus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Cupido
Joshua Reynolds
Londra
Tate Britain
Tate


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Cristo legato

L'opera è stata realizzata dal Duquesnoy nei suoi anni giovanili, quando si trovava a Roma: il Fiammingo, infatti, vi si era stabilito nel 1618, su iniziativa di Alberto d'Austria, che, in qualità di mecenate, lo aveva mandato a studiare in Italia.Dopo la morte del suo patrono nel 1621, Duquesnoy fu costretto a intagliare legno e avorio per dei lavori grazie ai quali riusciva a mantenersi.Negli anni venti del XVII secolo, l'artista realizzò un crocifisso in avorio che diede in dono al papa Urbano VIII. È plausibile che abbia prodotto il Cristo legato in questo stesso periodo.

Prompt: In Christ Bound, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Miravan apre la tomba dei suoi antenati

MCategoria:Dipinti nel Derby Museum and Art GalleryCategoria:Dipinti a soggetto storico

Prompt: In Miravan Breaking Open the Tomb of his Ancestors, how is the Note. Please output **only words**, not sentences. discussed?Please output in Italian.


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Bonjour monsieur Courbet

Bonjour monsieur Courbet  è un dipinto di Gustave Courbet del 1854. Esso rappresenta l'autore stesso in un incontro con un amico.

Prompt: How does La rencontre explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna Stroganoff

Madonna col Bambino di Duccio, o  Madonna Stroganoff, è stata ampiamente riconosciuta come opera di Duccio nel secolo scorso. A partire dalla semplicità dell'immagine, si possono intuire i cambiamenti, che Duccio applica alla raffigurazione di figure religiose nella pittura all'inizio del XIV secolo. In ciò, Duccio segue altri artisti italiani innovativi del tempo come Giotto.Entrambi si sforzano di andare oltre il canone puramente iconico bizantino, al fine di creare un legame più tangibile tra lo spettatore e gli oggetti nel dipinto. Ad esempio, il parapetto nella parte inferiore del dipinto funziona come un invito visivo per lo spettatore a guardare oltre le figure della Vergine e di Gesù bambino. Allo stesso tempo, però, il parapetto funge anche da barriera tra il mondo vernacolare e quello sacro. Queste qualità distinte plasmeranno la sensibilità della successiva pittura Senese, conferendo alla Madonna e al Bambino di Duccio una meritata attenzione e credibilità nella Storia dell'Arte. Altri dettagli in questa rappresentazione restano, invece, legati alla tradizione Bizantina, come in opere precedenti di Duccio.I dettagli sullo sfondo dorato sono minuti e difficili da notare a un primo sguardo, ma aggiungono un elemento importante all'iconicismo dell'immagine. Disegni perforati sono stati impiegati per gli aloni e il disegno del bordo, tutti incisi a mano.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna and Child (Duccio, Metropolitan).Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Location of the Last Supper of the New Testament explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Saffo a Leucade

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Sappho at Leucate.Please output in Italian.


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Epifania

Nella Chiesa ortodossa etiope e nella Chiesa ortodossa eritrea, la festa è conosciuta come Timkat e si celebra il 19 gennaio del calendario gregoriano; si celebra il 20 gennaio negli anni in cui il Timket del calendario etiope cade nel 12 settembre gregoriano .  celebrazione di questa festa prevede la benedizione dell'acqua e solenni processioni con il sacro Tabot.

Prompt: In Epifania, how is the Ethiopia and Eritrea of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

12
19 gennaio
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa eritrea
Chiesa ortodossa etiope
Tabot


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David-Apollo

statua venne commissionata per il palazzo privato di Baccio Valori, il feroce governatore imposto a Firenze da Clemente VII dopo la ripresa della città in seguito all'assedio. L'opera finì poco dopo nelle collezioni del duca Cosimo I, come corredo della sua camera privata assieme a un Bacco di Baccio Bandinelli, a quello di Andrea Sansovino e ad un Ganimede antico che era stato restaurato da Benvenuto Cellini. statua, incompiuta, non permette di identificare con esattezza il soggetto, anche per via delle fonti antiche che sono discordanti: se per Vasari è un Apollo nell'atto di prendere una freccia dalla faretra, nell'inventario di Cosimo I del 1553 è ricordata come un David, per cui la critica le ha assegnato unanimemente il titolo bivalente.Non è improbabile che lo stesso scultore avesse iniziato l'opera come David, magari verso il 1525, e rifinita come Apollo in seguito. Non manca chi ha tentato di identificare l'opera come il perduto Cupido-Apollo , scolpito nel 1497 per Jacopo Galli a Roma.Quando nelle collezioni di Cosimo arrivarono statue di maggiore importanza di Michelangelo , il David-Apollo venne collocato nel giardino di Boboli, dove decorò a lungo una nicchia dell'anfiteatro. Nel 1824 venne poi trasportata agli Uffizi e in seguito al Bargello.

Prompt: Explain the History of this artwork, Apollo (Michelangelo).Please output in Italian.

1497
1525
1553
1824
Andrea Sansovino
Baccio Bandinelli
Baccio Valori
Benvenuto Cellini
Cupido-Apollo
Firenze
Jacopo Galli
Roma


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Bottega del fabbro

bottega del fabbro è un tema ricorrente nell'opera di Joseph Wright of Derby, che nella sua vita dipinse cinque versioni diverse di questo quadro tra il 1771 ed il 1773.Nella versione posseduta dal Derby Museum and Art Gallery ci sono tre uomini che lavorano nella fucina intenti a forgiare un componente di ferro o di acciaio. Il motivo di un tale lavoro nel cuore della notte è resa chiara all'osservatore dalla presenza all'esterno del fabbro e di un visitatore: Wright ha immaginato che un viaggiatore abbia avuto dei problemi durante il suo percorso, come la rottura di un ferro di cavallo o di qualche componente di una carrozza, e che quindi il fabbro ed i suoi uomini stiano lavorando alla luce di una candela per offrirgli o riparargli ciò che gli serve. Questo stratagemma permette a Wright di mostrare la sua abilità ed il suo interesse per gli effetti della luce e dell'ombra. Alla destra del quadro c'è un uomo inattivo che si appoggia ad un bastone: Nicholson osserva che questa persona non è trattata duramente ma con rispetto; l'uomo sembra troppo vecchio per lavorare, ma emana gravitas a quelli che gli sono intorno.

Prompt: How does The Blacksmith's Shop explain its Abstract?Please output in Italian.

Derby Museum and Art Gallery
Joseph Wright of Derby


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Allegoria

L'interpretazione del simbolo è intuitiva, mentre quella dell'allegoria comporta uno sforzo intellettuale.Il contesto è basilare nell'interpretazione dell'allegoria: un'aquila che all'interno di una narrazione scenda dal cielo e compia una serie di azioni significative può rappresentare un'immagine complessa . Spesso l'allegoria, al massimo grado di complessità, ha un'interpretazione "soggettiva", cioè legata al tipo di lettura che se ne fa.In altre parole, si può dire che il legame tra oggetto significato e immagine significante nell'allegoria sia arbitrario e intenzionale, mentre nel simbolo è "naturale". L'allegoria è comunque sempre "relativa", nel senso che è suscettibile di una discussione critica nella fase di interpretazione e si presta quindi a diverse letture.Nell'Alto Medioevo, l'interpretazione simbolica era prevalente, essendo quella allegorica riservata alla Bibbia e ai documenti storici e letterari. Il Vecchio Testamento veniva letto alla luce del Nuovo Testamento; avvenimenti della storia antica venivano riletti e attualizzati in chiave cristiana . I versi pagani sono letti come "belle menzogne", dietro il cui senso letterale si nasconde un senso profondo, cristiano in ultima istanza.Nel Basso Medioevo, l'interpretazione simbolica viene via via sostituita da quella allegorica, che non riguarda più solo la Bibbia e altri testi, ma l'intera visione del mondo. Questo passaggio determina una rivalutazione dell'esistenza concreta dell'uomo nel mondo. L'arte romanica, squisitamente simbolica, entra in crisi e viene progressivamente sostituita dall'arte gotica . In filosofia, la scolastica esalta la razionalità umana e il processo di formazione della verità.

Prompt: In the context of Allegory (Filippino Lippi), explain the Compared to the symbol and the Characteristics.Please output in Italian.

Alto Medioevo
Basso Medioevo
Bibbia
Nuovo Testamento


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Allegoria

L'interpretazione del simbolo è intuitiva, mentre quella dell'allegoria comporta uno sforzo intellettuale.Il contesto è basilare nell'interpretazione dell'allegoria: un'aquila che all'interno di una narrazione scenda dal cielo e compia una serie di azioni significative può rappresentare un'immagine complessa . Spesso l'allegoria, al massimo grado di complessità, ha un'interpretazione "soggettiva", cioè legata al tipo di lettura che se ne fa.In altre parole, si può dire che il legame tra oggetto significato e immagine significante nell'allegoria sia arbitrario e intenzionale, mentre nel simbolo è "naturale". L'allegoria è comunque sempre "relativa", nel senso che è suscettibile di una discussione critica nella fase di interpretazione e si presta quindi a diverse letture.Nell'Alto Medioevo, l'interpretazione simbolica era prevalente, essendo quella allegorica riservata alla Bibbia e ai documenti storici e letterari. Il Vecchio Testamento veniva letto alla luce del Nuovo Testamento; avvenimenti della storia antica venivano riletti e attualizzati in chiave cristiana . I versi pagani sono letti come "belle menzogne", dietro il cui senso letterale si nasconde un senso profondo, cristiano in ultima istanza.Nel Basso Medioevo, l'interpretazione simbolica viene via via sostituita da quella allegorica, che non riguarda più solo la Bibbia e altri testi, ma l'intera visione del mondo. Questo passaggio determina una rivalutazione dell'esistenza concreta dell'uomo nel mondo. L'arte romanica, squisitamente simbolica, entra in crisi e viene progressivamente sostituita dall'arte gotica . In filosofia, la scolastica esalta la razionalità umana e il processo di formazione della verità.

Prompt: In the context of Allegory (Filippino Lippi), explain the Compared to the symbol and the Characteristics.Please output in Italian.

Alto Medioevo
Basso Medioevo
Bibbia
Nuovo Testamento


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Ritrovamento del corpo di san Marco

Il soggetto è tradizionalmente noto come Il ritrovamento del corpo di san Marco, a causa di un errore di interpretazione di Carlo Ridolfi nel suo Le meraviglie nell’arte , in cui ci vede «il modo tenuto nel levare il corpo di San Marco» fino a individuarlo in quello ai piedi del santo, in realtà solo uno dei cadaveri che i vari personaggi, come quelli sullo sfondo, si affrettano a dissotterrare sperando in ulteriori miracoli del patrono di Venezia. Marco è sull’estrema sinistra e impone le mani guarendo malati, resuscitando morti ed esorcizzando un uomo, dalla cui bocca esce lo spirito demoniaco che l’invenzione di Tintoretto trasforma in volute di fumo evanescente che si disperde lungo la navata della chiesa.Il dipinto, infatti, che ha un suo precedente diretto nei rilievi di Jacopo Sansovino nella basilica di San Marco, raffigura I miracoli di san Marco nella chiesa di Boucolis ad Alessandria d’Egitto che, a differenza del miracoloso e inesistente ritrovamento del proprio corpo compiuto dal santo stesso, è un episodio presente nella Legenda Aurea di Jacopo da Varagine, la fonte di Tintoretto per i suoi dipinti su san Marco. Il santo vi è rappresentato vivo, con i piedi a terra, secondo la consuetudine iconografica, che invece per gli episodi post-mortem prevede la raffigurazione in volo del santo, come del resto accade in altri episodi del ciclo marciano quali Il miracolo dello schiavo e San Marco salva un saraceno.Peraltro, un’altra fonte più antica di Ridolfi, cioè Il riposo di Raffaello Borghini , aveva letto correttamente il soggetto scrivendo che «nella Scuola di S. Marco quattro quadri de’ miracoli di detto dove si veggono diverse belle attitudini, risuscitar morti, liberare spiritati. Fuggire i Mori, venir pioggia dal cielo, e spegnere il fuoco, in cui doveva essere abbruciato un martire».A conferma della lettura taumaturgica del soggetto, al centro della composizione, al cospetto di san Marco, è inginocchiato e vestito con una toga patrizia il committente e medico Tommaso Rangone da Ravenna, Guardian Grande della Scuola di San Marco  Il punto di fuga non è al centro ma in fondo a sinistra, come anche il personaggio principale si trova sulla sinistra anziché al centro. Tintoretto era infatti uno dei principali esponenti del Manierismo Veneto e nelle sue opere si nota tutto ciò che caratterizza questa corrente: soggetti religiosi, uso di colore scuro percorso da improvvisi bagliori e lampi di luce, nessun ordine nella composizione e nessuna simmetria.  luce assume un ruolo fondamentale diventando strumento espressivo che crea dinamicità.

Prompt: In Finding of the Body of Saint Mark, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione di Ascoli

Il tema dell'annuncio, oltre che legato al giorno dell'evento cittadino, ricordava in via simbolica la "buona novella" ricevuta: tale significato è evidenziato dall'iscrizione e soprattutto dalla presenza degli stemmi della città, del vescovo e del pontefice, riuniti nella somma concordia.  stessa presenza di sant'Emidio, patrono di Ascoli Piceno, che offre un modellino della città all'Arcangelo Gabriele è di per sé un unicuum ed esplicita i legami dell'opera con gli avvenimenti contemporanei. scena è ambientata in una via cittadina, nella quale è appena planato l'angelo a sulla quale si affaccia l'abitazione di Maria, che occupa la metà destra. Il precedente più vicino a quest'opera è lAnnunciazione di Girolamo di Giovanni di Camerino nella Pinacoteca civica di Camerino .Come accade in altre opere del Crivelli, anche nellAnnunciazione sono presenti alcuni elementi di virtuosismo prospettico e illusionistico ispirate alla cultura figurativa dell'arte padovana: in particolare si riconoscono il cetriolo che sporge in primo piano verso lo spettatore, quasi a invitarlo a raccoglierlo, e la mela ombreggiata con cura che si nota lì accanto. Si tratta anche di elementi simbolici, che ricordano la fecondità di Maria  e del Peccato originale che verrà "lavato" dall'incarnazione e dal sacrificio di Cristo . ricchezza dei dettagli fa sì che, quasi come in un'opera fiamminga, ciascuno di essi abbia quasi una vita indipendente, una spiccata singolarità, sebbene tutto partecipi all'unità formale e sostanziale della pala.

Prompt: In The Annunciation, with Saint Emidius, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Annunciazione
Ascoli Piceno
Camerino
Girolamo di Giovanni di Camerino
Peccato originale


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Resurrezione di San Francesco al Prato

Resurrezione di San Francesco al Prato è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1499 circa e conservato nella Pinacoteca Vaticana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, San Francesco al Prato Resurrection.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: In the context of The Sacrament of the Last Supper, explain the Location of the Last Supper and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

LAdorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo  nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene  e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere.  storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

Prompt: How does Adoration of the Magi (Stefano da Verona) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Dipinti segreti

Questa serie di dipinti monocromi si differenzia dai monocromi solitamente prodotti nel campo delle arti plastiche dal blocco di testo che li accompagna. Questo testo menziona: "Il contenuto di questo dipinto non è visibile: il soggetto e la dimensione del contenuto devono essere mantenuti permanentemente segreti, noti solo all'artista  ». È allo stesso tempo un riferimento alla storia della pittura monocroma e al Quadro nero di Malevich , e una risposta data da Mel Ramsden ai dipinti di Ad Reinhardt , pittore e teorico americano, precursore dell'arte concettuale e dell'arte minimale.

Prompt: Focus on Secret Painting and explain the Laseriedei Dipinti Segreti.Please output in Italian.


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Mangiafagioli

sinistraCome in altri dipinti di tema feriale del Carracci – e segnatamente le sue macellerie – il Mangiafagioli mostra affinità stilistiche e formali con opere di altri maestri attivi nello stesso campo, discostandosene però, in modo decisivo, quanto al significato complessivo dell'opera.Con ogni probabilità, infatti, si coglie nel Mangiafagioli l'influenza di alcuni precedenti del Passarotti, che forse fu per un breve periodo maestro di Annibale, ma che in ogni caso è tra i pittori bolognesi cui il giovane Carracci guardò con maggiore interesse.In questo senso era già stato colto il legame tra il dipinto della Galleria Colonna ed opere del Passarotti quali la Bottega del macellaio e l’Allegra compagnia, ove parimenti i protagonisti della scena si confrontano con l'osservatore seduti dietro un banco o alla tavola di un'umile locanda. Tra il Mangiafagioli e quest'ultimo quadro del Passarotti non solo vi è un'ovvia sovrapponibilità compositiva, ma alcuni dettagli coincidono quasi letteralmente .Anche l'esempio di Vincenzo Campi, e in particolare dei suoi Pescivendoli intenti a consumare con gusto il loro pasto è stato avvicinato al dipinto di Annibale.Ma pur nella continuità figurativa con questi precedenti, l'innovazione introdotta da Annibale è profonda. Egli non edulcora il tema – anche il suo è un rozzo contadino che trangugia un pasto umile – ma è del tutto assente nel suo Mangiafagioli  ogni deformazione grottesca e triviale che invece è parossistica nei protagonisti delle scene di osteria del Passarotti e del Campi , talora non priva anche di grevi allusioni sessuali e postribolari .Il Mangiafagioli di Annibale, invece, restituisce, quale essa appariva nella realtà, una scena di vita quotidiana. Marca questa differenza anche l'atteggiamento ben diverso del villano di Annibale rispetto ai protagonisti dei dipinti di Passarotti e di Campi. Questi si protendono esplicitamente e quasi sguaiatamente verso il riguardante che evidentemente vogliono impressionare e divertire.Il Mangiafagioli di Annibale, viceversa, è chiaramente sorpreso dalla comparsa dell'osservatore, come dimostrano lo sguardo attonito e la sospensione del gesto di portarsi il cucchiaio alla bocca, che rimane spalancata mentre alcune gocce della zuppa ricadono nella scodella.Pur con la sua forte carica realistica non è escluso che il Mangiafagioli possa avere qualche significato di rimando. In questo senso, le ipotesi più spesso suggerite identificano il contadino di Annibale con Zanni, personaggio della Commedia dell’Arte, o con Bertoldo.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Beaneater.Please output in Italian.

Bottega del macellaio
Vincenzo Campi
Zanni


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Fin dall'inizio il Ritratto del cardinale Cristoforo Madruzzo è stato considerato tra i capolavori di Tiziano e la ritrattistica della pittura veneta essendo molto frequenti le analisi superlative del dipinto nel corso della storia. Il primo riferimento al quadro venuto da Giorgio Vasari il quale nel suo celebre Le vite del 1568 un'opera che ha inaugurato il genere della storiografia dell'arte, elencando biografie e commenti critici sui principali artisti e opere del rinascimento.Nel XIX secolo Giovanni Battista Cavalcaselle definisce l'opera "una delle più importanti ritratti della scuola veneta" e nella seconda metà del XX secolo Rodolfo Pallucchini osserva che il ritratto ha "una pasta cromatica degna di Renoir". Secondo Pallucchini:

Prompt: Focus on Portrait of Cardinal Cristoforo Madruzzo and explain the Art critic.Please output in Italian.

1568
Cristoforo Madruzzo
Giorgio Vasari
Giovanni Battista Cavalcaselle
Ritratto
Rodolfo Pallucchini
XIX secolo
XX secolo


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Velo della Veronica

Ci sono due tradizioni principali per l'iconografia del volto dipinto sul velo. Una tradizione , comune nell'arte italiana, mostra il volto di Cristo con la barba, doloroso, flagellato e spesso coronato di spine. Un'altra , comune nell'arte russa e spagnola, mostra il volto di Cristo più spesso rilassato, con i capelli lunghi fino alle spalle, con una barba spartita in due punte, spesso circondato da un'aureola in cui è inscritta la croce.;Tipo I:Velo di Veronica Domenico Fetti, circa 1620.Santo Volto di Giambono, XV secolo. Museo civico, Pavia, Italia.Santo Volto sorretto da due angeli di Juan Sánchez Cotan, 1620-1625. Monastero di Cartuja, Granada.Santo Volto di Domenikos Theotokopoulos . Convento delle suore cappuccine, Toledo.Velo di Veronica di Francisco de Zurbarán, XVII secolo. Chiesa parrocchiale di S. Pietro, Siviglia.;Tipo II:Sudario di santa Veronica di Claude Mellan, 1649.Dittico di santa Veronica con Cristo e la Vergine Maria di Bernardo Martorelli, XV secolo. Museo di Mallorca.Santo volto, anonimo, inizi del XVII secolo. Galleria Tret'jakov, Mosca.Santo volto di Simon Ušakov, 1678. Galleria Tret'jakov, Mosca.Miracolo della lacrima di Juan Conchillos, 1680. Cappella della Vergine del monastero del Santo volto, Alicante.Miracolo dei tre volti di Juan de Miranda, 1767. Alicante.Santa Veronica di Antonio Castillo strucci, 1946. Basilica di S. Maria, Alicante.

Prompt: Explain the Representative art of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.

1649
Alicante
Claude Mellan
Cristo
Italia
Santa Veronica
Veronica


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Prometeo incatenato

Eschilo, Supplici - Prometeo Incatenato, a cura di L. Medda, Oscar Mondadori, 2009, ISBN 978-88-04-55144-7. Giulio Guidorizzi, Letteratura greca, da Omero al secolo VI d.C., Mondadori, 2002, ISBN 88-882-4210-4. Vincenzo Di Benedetto ed Enrico Medda,  tragedia sulla scena, Einaudi, 2002, ISBN 978-88-06-16379-2. Guido Avezzù, Il mito sulla scena, Marsilio, 2003, ISBN 88-317-8070-0.

Prompt: In Prometheus Bound (Rubens), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Il dipinto raffigura un episodio storico, la battaglia tra fiorentini e senesi combattuta a San Romano il 1º giugno 1432.I senesi, guidati da Bernardino Ubaldini della Carda, erano in netta superiorità, ma i fiorentini, comandati da Niccolò da Tolentino, dopo essersi spinti per una ricognizione presso la torre di San Romano , nei pressi di Montopoli in Val d'Arno, decisero di attaccare improvvisamente. Quando lo scontro volgeva ormai a sfavore di Firenze, ecco che dall'altra parte del fiume sopraggiunse la colonna dei rinforzi del capitano generale delle milizie fiorentine Micheletto da Cotignola. I senesi allora, ormai stremati dalla battaglia, si diedero precipitosamente alla fuga.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the historical event of the Description and style explained?Please output in Italian.

1432
Bernardino Ubaldini
Firenze
Montopoli in Val d'Arno


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Pala di Perugia

I pannelli della predella sono composti con figure piuttosto piccole e ritraggono le scene della Vita di san Nicola. Il primo pannello presenta un triplo episodio, la Nascita di san Nicola, Educazione di san Nicola attraverso il vescovo e San Nicola che dona tre palle d'oro a tre fanciulle povere per farle maritare, costruite con un ardito scorcio prospettico unificato, che mostra due interni ai lati e una strada all'aperto al centro. Alcuni hanno rilevato alcune incertezze nell'effetto di insieme, mentre nel pannello successivo, San Nicola salva la nave, sembra una citazione dei giochi di linee del gotico internazionale alla Gentile da Fabriano. terza scena infine, San Nicola salva tre uomini condannati alla decapitazione e Morte del santo, è la più notevole, con una doppia rappresentazione , trattate con un medesimo punto di fuga che cade su particolari significativi . Unificata è anche la luce, che irradia le figure da sinistra, filtrando, con un'efficace ombra della parete, anche nella stanza.

Prompt: Explain the Predella of this artwork, Perugia Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: How does Self-portrait (Thomas Eakins) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna di San Girolamo

Lucia Fornari Schianchi  Correggio, catalogo della mostra Parma 2008-2009, Skira, Milano 2008, con bibliografia precedente David Ekserdjan, Correggio, Amilcare Pizzi, Milano 1997M. Spagnolo, Correggio. Geografia e storia della fortuna , Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo , 2005 Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: How does Madonna of St. Jerome (Correggio) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Armatura

In Giappone, l'uso dell'armatura sviluppò relativamente tardi: nel IV secolo. Ciò non di meno, le peculiarità tecniche ed estetiche delle armature prodotte nel Sol Levante, utilizzate sia dalla casta guerriera per eccellenza, i samurai, sia dalle milizie , le rende ad oggi uno dei settori più studiati della tradizione bellica nipponica.<br />

Prompt: Describe the characteristics of the Japan in O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji's Description and use.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Francesco Solimena)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Battaglia di San Romano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Battle of San Romano.Please output in Italian.


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Donna al Cafè Le Tambourin

Agostina Segatori era una donna nativa delle Marche che, una volta trasferitosi a Parigi, fece fortuna posando per Corot, Degas e Gérôme e aprendo un apprezzato cabaret, il Cafè Le Tambourin: con lei van Gogh avrebbe avuto una relazione di breve durata, terminata tumultuosamente. Sempre il Cafè Le Tambourin, poi, fu il teatro di un'esposizione organizzata da Vincent e da altri pittori, i «peintres du petit Boulevard», in opposizione a quel «Grand Boulevard» dove esponevano Monet, Sisley, Pissarro, Degas ed altri impressionisti che, nonostante le frizioni iniziali, iniziavano gradualmente ad acquistare notorietà nel bel mondo parigino.Van Gogh raffigura la Segatori seduta ad un tavolo del caffè, con una sigaretta abbandonata tra le dita, un boccale di birra davanti e lo sguardo perso nel vuoto, malinconico come non mai. L'atmosfera triste del quadro è accentuata dal copricapo pateticamente vistoso della donna, nonché dallo sfondo cupo ancora legato al precedente periodo olandese del pittore. L'opera, in un certo senso, sembra quasi voler comunicare la sensazione di abbandono e di confusione di numerose donne che, arrivate nella capitale con effimeri sogni di successo, si ritrovavano perse nella prostituzione o nell'alcool.L'opera ha un importante precedente figurativo: si tratta, ovviamente, de L'assenzio di Edgar Degas, altro dipinto che denunciava la piaga dell'alcolismo. Se, tuttavia, nel capolavoro di Degas il senso di isolamento silenzioso che opprime le due figure è pronunciatissimo, van Gogh preferisce ricolmare la sua tela di una tristezza flebile e vaporosa, calcata dall'atmosfera annebbiata e fumosa che avvolge il locale. Van Gogh, poi, in questo quadro ribadisce l'amore che lo legava all'arte dell'Estremo Oriente, meritevole di aver rivoluzionato la percezione delle prospettive e dei colori nella pittura occidentale.  portata di quell'evento è qui ribadito dalle xilografie giapponesi che abbelliscono il tavolato della parete. L'opera, assumendo i toni di una vera e propria dichiarazione d'intenti, rimanda a un altro episodio iconografico fondamentale, il Ritratto di Émile Zola di Édouard Manet. Fra le due opere, tuttavia, corre una discrepanza sostanziale, come evidenziato dal critico Rainer Metzger:</ref>}}

Prompt: Focus on Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin and explain the Description.Please output in Italian.

Agostina Segatori
Edgar Degas
L'assenzio
Parigi
Ritratto di Émile Zola
Édouard Manet


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Garzone con flauto

Alessandra Fregolent, Giorgione, Electa, Milano 2001. ISBN 88-8310-184-7

Prompt: Focus on Shepherd with a Flute and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

leftuprightFucina di VulcanoIl tema del grande affresco venne steso dal poeta ed erudito Francesco Bracciolini, un altro toscano  molto vicino al papa, segretario particolare del cardinal nipote Antonio Barberini, che scrisse un poema proprio in occasione dell'elezione pontificia del Barberini, L'elettione di Urbano Papa VIII .

Prompt: In the context of Allegory of Divine Providence and Barberini Power, explain the The iconographic theme of Francesco Bracciolini and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Venere che benda amore

Il dipinto ha avuto diverse copie totali o parziali. Una copia seicentesca su tela, di alta qualità e probabilmente realizzata a Roma, è ospitata al Museo del Prado di Madrid.Il dipinto è stato ripreso anche da incisioni come Omnia Vincit Amor di Hendrick Danckerts e da un'acquaforte di Louis de Boulogne, basata sulla tela del Prado.

Prompt: How does Venus Blindfolding Cupid explain its Heritage?Please output in Italian.

Hendrick Danckerts
Madrid
Museo del Prado
Roma


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait with Palette (Manet)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Explain the The Eucharistic institution about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Vocazione dei primi apostoli

Nel 1481, su suggerimento di Lorenzo il Magnifico, un gruppo di artisti fiorentini venne convocato a Roma da papa Sisto IV per eseguire gli affreschi del grandioso progetto della Cappella Sistina, suggellando inoltre la riconciliazione del papa con Firenze e i Medici. Con Ghirlandaio partirono Sandro Botticelli, Cosimo Rosselli e il Perugino, ormai fiorentino d'adozione, che forse si trovava però già a Roma. Ciascun artista era seguito da un cospicuo numero di aiuti, tra cui anche artisti che si sarebbero affermati di lì a poco, come Luca Signorelli, il Pinturicchio, Filippino Lippi, Piero di Cosimo. Il tema degli affreschi era una celebrazione del papato attraverso le Storie di Mosè e le Storie di Cristo, messe in parallelismo per sottolineare la continuità del messaggio divino, che dalla legge giudaica viene ripreso nella figura di Cristo e da questi trasmessa a Pietro e quindi ai pontefici suoi successori. L'impresa, per quanto riguarda il primo gruppo di pittori, venne portata a termine rapidamente, nel 1482.A Ghirlandaio vennero affidati due affreschi, la Vocazione degli apostoli e la Resurrezione, quest'ultima molto danneggiata già ai tempi di Vasari e in seguito ridipinta nel tardo XVI secolo. Incerta è invece l'attribuzione del Passaggio del Mar Rosso. Inoltre gli artisti dipinsero la serie dei primi trenta papi sopra i riquadri delle grandi storie di Mosè e di Gesù, alcuni dei quali sono attribuiti al Ghirlandaio, ma le successive ridipinture permettono solo valutazioni generali.

Prompt: How does Vocation of the Apostles explain its History?Please output in Italian.

1481
1482
Cappella Sistina
Cosimo Rosselli
Filippino Lippi
Firenze
Luca Signorelli
Medici
Perugino
Piero di Cosimo
Perugino
Pinturicchio
Sandro Botticelli


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Bambini dell'Olocausto

Epstein, Helen. Children of the Holocaust: Conversations with Sons and Daughters of the Survivors. New York: G.P. Putnam, 1979.Living After the Holocaust: Reflections by Children of Survivors in America. New York: Bloch Publishing, 1979.Bergmann, Martin S., and Milton E. Jucovy, editors. Generations of the Holocaust. New York: Columbia University Press, 1990.Wardi, Dina. Nośʾe ha-ḥotam. Jerusalem: Keter, 1990 .Wiseman, Hadas, and Jacques P. Barber. Echoes of the Trauma: Relational Themes and Emotions in Children of Holocaust Survivors. Cambridge: Cambridge University Press, 2008.

Prompt: Focus on Children in the Holocaust and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico della Certosa di Pavia

Lo scomparto centrale mostra una Madonna in adorazione del Bambino, che viene tenuto su da un angelo; in alto volano tre angeli che cantano leggendo le parole su cartigli, e al centro si dispiega un magistrale paesaggio lacustre, con colline punteggiate da alberelli sottili che digradano in lontananza, grazie ai passaggi tonali che schiariscono in toni azzurrini via via che ci si allontana per effetto della foschia.  stessa composizione venne anche usata qualche anno dopo per la Madonna del Sacco oggi alla Galleria Palatina di Firenze. Nella tavola della Certosa le ginocchia della Vergine sono state evidentemente tagliate via e quindi anche il "sacco" su cui doveva poggiare il Bambino.Gli scomparti laterali mostrano rispettivamente lArcangelo Michele e lArcangelo Raffaele con Tobiolo. Michele in particolare indossa una scintillante armatura e ha uno scudo decorato da grottesche "all'antica", simile ad altre effigi del santo dipinte da Perugino in altre pale e polittici. tavola con il Padre Eterno presenta un'iconografia spesso ripetuta dal Perugino nelle sue opere, il motivo della mandorla con teste di cherubini. L'impostazione frontale della figura, benedicente con il globo nella sinistra, tende a conferirle un aspetto sostanzialmente bidimensionale.Il polittico non ha le dimensioni originali, essendo evidenti tagli, come alla base dello scomparto di Raffaele e Tobiolo dove il cagnolino, che nella leggenda accompagnò i due nel loro viaggio, è visibile solo per una parte della testa. Anche la linea dell'orizzonte non è alla stessa altezza negli scomparti, cosa che sicuramente non era così nell'opera originale. In foto degli anni cinquanta si vedono gli scomparti laterali che avevano anticamente una forma centinata con un arco sulla sommità, dovuta a un reintegro non originale, perciò oggi rimossa.

Prompt: How does Certosa di Pavia Altarpiece explain its Description?Please output in Italian.

Firenze
Galleria Palatina
Perugino
Perugino


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Explain the The adoration of the shepherds in art of this artwork, Adoration of the Shepherds (Mantegna).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Perseo e Andromeda

Perseo salva Andromeda in una  del Questo tema artistico raffigura il salvataggio di Andromeda, figlia di Cefeo e Cassiopea e principessa d'Etiopia, da parte dell'eroe Perseo in groppa a Pegaso, il cavallo alato. Secondo il mito, raccontato anche da Publio Ovidio Nasone nelle sue Metamorfosi, Andromeda venne incatenata ad uno scoglio per essere offerta in pasto ad un mostro marino chiamato Ceto: questo mostro devastava le coste del regno d'Etiopia perché la regina Cassiopea aveva sostenuto di essere più bella delle Nereidi, provocando così l'ira di Poseidone, che inviò il mostro come punizione. L'eroe Perseo, di ritorno dalla sua impresa precedente, ovvero l'uccisione di Medusa, notò la donna incatenata ad uno scoglio e il mostro pronto a divorarla, perciò decise di intervenire. Alla fine, Perseo uccise il mostro e salvò Andromeda, da lui sposata in seguito. Il tema raffigura proprio il salvataggio di Andromeda, incatenata allo scoglio.Nelle raffigurazioni di epoca classica e medioevale Andromeda appare perlopiù vestita mentre è incatenata allo scoglio. È a partire dall'epoca rinascimentale che la donna viene mostrata nuda, secondo quando raccontato nel quarto libro delle Metamorfosi di Ovidio.Nonostante Andromeda sia etiope, la donna viene quasi sempre raffigurata con la carnagione chiara. Una delle poche raffigurazioni del personaggio con la pelle scura è una stampa, conservata al Rijksmuseum, tratta da un'illustrazione del fiammingo Abraham van Diepenbeeck.Il tema ebbe un grande impatto sulla letteratura postclassica, a tal punto da ispirare altre storie nelle quali una fanciulla rischia di essere divorata da una creatura mostruosa, con relative rappresentazioni artistiche: la lotta di san Giorgio contro un drago per salvare una principessa, e la liberazione di Angelica e Olimpia rispettivamente salvate da parte da Ruggiero e Orlando, come si legge nellOrlando furioso di Ludovico Ariosto. Gli episodi con Angelica e Olimpia sono quelli più vicini al mito classico, dato che la creatura mostruosa è una bestia marina, nota come Orca di Ebuda, molto simile a Ceto; inoltre entrambe le donne sono incatenate a uno scoglio, proprio come Andromeda.

Prompt: How does Perseus and Andromeda (Rubens) explain its Description?Please output in Italian.

Abraham van Diepenbeeck
Ludovico Ariosto
Nereidi
Orca di Ebuda
Orlando furioso
Publio Ovidio Nasone
Perseo
Poseidone
Publio Ovidio Nasone


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient  Rome in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.


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Visione della croce

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Vision of the Cross.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ecce Homo (Sodoma)

Ecce Homo è un dipinto ad olio su tela realizzato intorno alla metà del XVI secolo dal Sodoma e conservato presso il Metropolitan Museum of Art di New York. L'opera raffigura il momento in cui Gesù viene presentato alla folla da Ponzio Pilato .

Prompt: In Christ Presented to the People (Il Sodoma), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Ecce Homo
Gesù
Metropolitan Museum of Art
New York
Ponzio Pilato


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David-Apollo

Prompt: How does Apollo (Michelangelo) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: How does Crucifixion with Pietà (Lotto) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Annunciazione di Fano

LAnnunciazione di Fano è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1488-1490 circa e conservato nella chiesa di Santa Maria Nuova a Fano. Per il successo dell'opera qualche anno dopo al pittore venne commissionata un'altra opera, la Pala di Fano.Oggi tuttavia è stata messa in dubbio da alcuni studiosi l'attribuzione al Perugino, ritenendo questo dipinto una possibile opera giovanile di Raffaello Sanzio.

Prompt: Focus on Annunciation of Fano and explain the Abstract.Please output in Italian.

1488
1490
Fano
Pala di Fano
Perugino
Raffaello Sanzio


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La sepoltura del conte di Orgaz

Sepoltura del conte di Orgaz  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1586 dal pittore El Greco. È conservato nella Chiesa di San Tommaso .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Burial of the Count of Orgaz.Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Pontormo).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Describe the characteristics of the History, culture, Sociology in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nella primavera 1506 Michelangelo ebbe una clamorosa rottura con papa Giulio II, in occasione della sospensione del grandioso progetto della tomba papale, cui l'artista aveva dedicato numerose energie e aspettative. Giulio II, consigliato forse dall'architetto Bramante che non nascondeva la sua rivalità con Michelangelo, era infatti venuto alla conclusione che occuparsi della propria sepoltura fosse di cattivo auspicio.Probabilmente in quell'occasione il papa, personalità ambiziosa e amante dell'arte in funzione della politica, aveva già in mente un'altra grandiosa opera da affidare all'artista fiorentino, cioè la ridipintura della volta della Cappella Sistina, già affrescata da Piermatteo d'Amelia con un cielo stellato, all'epoca del suo parente e predecessore Sisto IV. Nel maggio del 1504 infatti una minacciosa crepa nel soffitto, aveva reso inutilizzabile per molti mesi la cappella, in cui si svolgevano le più importanti e solenni celebrazioni della corte papale.Ma Michelangelo, che ignorava ancora la nuova proposta, appena saputa l'interruzione dei lavori al monumento sepolcrale causata da intrighi tra gli artisti di corte, fuggì da Roma in tutta fretta , riparando a Firenze, dove restò quasi un anno, nonostante i ripetuti richiami del pontefice. Ci vollero ben tre brevi del papa inviate alla Signoria di Firenze e le continue insistenze del gonfaloniere Pier Soderini , perché Michelangelo prendesse infine in considerazione l'ipotesi della riconciliazione, cogliendo l'occasione del passaggio del pontefice a Bologna , impegnato nella campagna militare contro i Bentivoglio.

Prompt: Describe the characteristics of the The plans of Julius II in Sistine Chapel ceiling's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1504
1506
Bologna
Bramante
Cappella Sistina
Firenze
Pier Soderini
Piermatteo d'Amelia
Roma


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Pala di Brera

tavola è composta da ben nove assi lignee affiancate in orizzontale e tenute insieme da bacchette saldate negli scassi rinforzate da anelli metallici, secondo uno schema di carpenteria che era in uso a Urbino, utilizzato ad esempio anche nella Pala del Corpus Domini di Giusto di Gand o nel ciclo degli Uomini Illustri per lo Studiolo.L'imprimitura chiara, stesa prima del disegno e del colore, appare, secondo una tecnica appresa dai fiamminghi, in sottili porzioni lungo i perimetri delle forme, lasciati liberi dalle velature pittoriche, con l'effetto di creare una luminosità vibrante che accentua la tridimensionalità.I colori usati non sono moltissimi, ma gli effetti cromatici sono moltiplicati dall'uso di diversi leganti, a seconda delle superfici. Se nello sfondo architettonico viene usata la tempera all'uovo, gli incarnati sono resi con un'emulsione di uovo e olio, mentre alcuni dettagli, come gli abiti, presentano una serie di velature a olio stese sopra una base a tempera, o viceversa. Il variare delle superfici e i diversi tipi di brillantezza vengono così resi in maniera eccellente.Non è chiaro perché le mani del duca vennero ridipinte: forse il committente ne era insoddisfatto, desiderando un effetto più veristico, oppure si era reso necessario di aggiungere l'anello vedovile al dito, necessitando una nuova predisposizione dell'intero dettaglio. Durante tali interventi venne anche probabilmente soppresso il gioiello profano sul capo della Vergine, come hanno rivelato le radiografie, poiché giudicato sconveniente.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, Brera Madonna.Please output in Italian.

Giusto di Gand
Pala del Corpus Domini
Urbino


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Cacciata di Eliodoro dal tempio

Cacciata di Eliodoro dal tempio è un affresco  di Raffaello e aiuti, databile al 1511-1512 e situato nella Stanza di Eliodoro, una delle Stanze Vaticane.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Expulsion of Heliodorus from the Temple.Please output in Italian.


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Piccola Madonna Cowper

L'opera venne acquistata presso una collezione privata a Urbino o a Firenze da lord George Nassau Clavering-Cowper, conte di Cowper, verso il 1780, assieme all'altra Madonna "Grande", che oggi si trova nello stesso museo. Dal castello di Panshanger, nell'Hertford venne venduta molti anni dopo, nel 1913, ai mercanti d'arte Duveen, dai quali la acquistò Joseph Widener, le cui collezioni furono donate al museo statunitense nel 1942.

Prompt: Focus on Small Cowper Madonna and explain the History.Please output in Italian.

1780
1913
1942
Cowper
Firenze
Hertford
Joseph Widener
Panshanger
Urbino


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Madonna della Melagrana

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze, 2001. ISBN 8881170914

Prompt: In Madonna of the Pomegranate, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Marte disarmato da Venere

David iniziò il dipinto nel 1822 all'età di settantatré anni, durante il suo esilio a Bruxelles, e lo completò tre anni dopo, prima di morire nel 1825. L'artista inviò l'opera a Parigi per una mostra, sapendo che il Romanticismo, in quegli anni, fosse in ascesa al Salon. Nel 2007 è stato esposto nel salone principale del Museo Reale delle Belle Arti del Belgio, a Bruxelles, vicino all'entrata.

Prompt: Explain the History of this artwork, Mars Being Disarmed by Venus.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Epifania

In Grecia, a Cipro e nella diaspora greca in tutto il mondo, la festa è chiamata Teofania o colloquialmente Phōta . È la "Grande Festa" o Theotromi. In alcune regioni della Macedonia occidentale, è la più grande festa dell'anno. Il Battesimo di Cristo simboleggia la rinascita dell'uomo: la sua importanza è tale che fino al IV secolo i cristiani festeggiavano il capodanno in questo giorno. Le usanze ruotano attorno alla Grande Benedizione delle Acque. Essa segna la fine del tradizionale divieto di navigazione, poiché i tumultuosi mari invernali vengono ripuliti dai malvagi ‘’kalikántzaroi’’, i goblin che cercano di tormentare i cristiani timorati di Dio durante le feste. Durante questa cerimonia, una croce viene gettata in acqua e gli uomini gareggiano per recuperarla come portafortuna.  ‘’Fota’’ forma il centro di un altro triduo festivo che comprende la Vigilia dell'Epifania, quando i bambini intonano i canti dell'evento, e la grande festa di San Giovanni il Battista , quando i numerosi Giovanni e Giovanne celebrano il loro onomastico.L’Epifania il tempo della santificazione, che in Grecia significa espiazione, purificazione del popolo e protezione contro l'influenza dei demoni. Questo concetto non è certo strettamente cristiano, ma ha radici nel culto antico. Nella maggior parte della Grecia, alla vigilia dell'Epifania, viene praticato un rituale chiamato "piccola santificazione", Protagiasi o "Illuminazione": il sacerdote va di porta in porta con la croce e un ramo di basilico per "santificare" o "illuminare" le stanze e le famiglie aspergendole con l'acqua benedetta. Il protagiasi scaccia i folletti; in alcuni luoghi vengono accesi anche falò a tale scopo.  "Grande Benedizione" avviene in chiesa il giorno dell'Epifania.Quindi, viene eseguito il "Tuffo della Croce": una croce viene lanciata dal sacerdote nel mare, in un fiume vicino, in un lago o in un'antica cisterna romana . Secondo la credenza popolare, questo rituale conferisce all'acqua il potere di purificare e igienizzare. In molti luoghi, dopo l'immersione della croce, la gente del posto corre sulle spiagge o sulle rive di fiumi o laghi per lavare gli attrezzi agricoli e persino le icone. Infatti, secondo la credenza popolare comune, le icone perdono la loro forza e potenza originali con il passare del tempo, virtù che possono essere ripristinate immergendole nell'acqua purificata dalla croce. Questa usanza deriva probabilmente da antiche credenze.Gli ateniesi tenevano una cerimonia chiamata "lavaggio": la statua di Atena veniva portata in processione fino alla costa di Faliro dove veniva lavata con acqua salata per purificarla e rinnovarne i sacri poteri. Oggi le donne in molte parti ripetono questa antica usanza di lavare le immagini, unitamente ad altri costumi di magia medievale e antica.

Prompt: Describe the characteristics of the Greece Cyprus in Epifania's History.Please output in Italian.

Atena
Cipro
Cristo
Dio
Grecia
IV secolo
Teofania


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Pala di Londra

Pala di Londra è un dipinto a olio su tela  del Moretto, databile al 1540 circa e conservato nella National Gallery di Londra, nella Central Hall.L'opera, di provenienza ignota, fu dipinta molto probabilmente per una chiesa fuori dal contesto bresciano, ripetendo, per la raffigurazione dei santi, alcuni modelli già utilizzati in opere precedenti.  tela, oltretutto, è composta da ben sette pezzi, uniti tra loro in modo molto insolito. Il dipinto è databile a dopo il 1540, ma è costruito su un'impostazione ormai molto collaudata nel Moretto e legata alla produzione giovanile. Sono inoltre riscontrabili vari interventi di bottega, soprattutto nella metà superiore.

Prompt: In Madonna and Child with Saints (Moretto, London), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Miracolo del marito geloso

Il Miracolo del marito geloso è un affresco  di Tiziano, databile al 1511 e facente parte del ciclo dei Miracoli di sant'Antonio da Padova nella Scuola del Santo a Padova.

Prompt: In Miracle of the Jealous Husband, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di dama con ventaglio

Se l'editto cittadino del 1540 nella parte dedicata ai Capitoli prehibenti le pompe della città di Bergamo vietava il lusso e l'uso di ori e ornamenti preziosi, con una specifica sui ventagli che dovevano avere solo impugnature in osso, in questo dipinto il Moroni non sembra seguire le ordinanze cittadine. <br />Il ritratto raffigura una dama a mezzo busto riccamente ornata nell'abito e nella capigliatura. Una grande cintura le cade sulla vita, medaglione legato su raso rosa e una collana intrecciata in oro e il ventaglio che ha un nastrino rosa legato ad una grossa catena in oro. Sicuramente è la dama più riccamente vestita dipinta dal pittore albinese. Anche la sopravveste in broccato rosso che si stacca con il bianco del colletto inamidato, ha ricami in oro, così come le maniche dell'abito che sfuggono dal taglio del soprabito sono lavorate a filo d'oro.Questa ricchezza d'abbigliamento e di colore riporterebbe il dipinto agli anni giovanili del Moroni, contrariamente la perfezione della luce dell'incarnato, pallido e perfetto nel viso come nelle mani e l'abilità pittorica in tratti veloci e sicuri lo daterebbero in età successiva. Lo sfondo in grigio sfumato, riporta infatti al dipinto raffigurante Vincenzo Guarinoni datato 1572, quindi in questi anni viene identificato il quadro.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Portrait of a Lady Holding a Fan.Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

In ordine cronologico, i primi dieci Paesi a votarsi al Sacro Cuore di Gesù in virtù della popolarità del culto, seguita da una legge statale e/o dalla consacrazione da parte di un'autorità apostolica, furono i seguenti:  1874  1875  1895  1900  1902   1919   1920  1920  1921  1922  1924   1925 da confermare}}   1946 da confermare}}   2016{ class="wikitable"  cellspacing="0" cellpadding="6" style="float:right; margin-left:15px;"-+style="padding-left: 1.5em;"align=centerSolennità del Sacro Cuore ! Anno liturgico !! Data -! scope="row" 2015 12 giugno-! scope="row" 2016 3 giugno-!  scope="row" 2017 23 giugno-! scope="row" 2018 8 giugno-! scope="row" 2019 28 giugno-! scope="row" 2020 19 giugno-! scope="row" 2021 11 giugno-! scope="row" 2022 24 giugno-! scope="row" 2023 16 giugno-! scope="row" 2024 7 giugno-! scope="row" 2025 27 giugno-! scope="row" 2026 12 giugno-! scope="row" 2027 4 giugno-! scope="row" 2028 23 giugno-! scope="row" 2029 8 giugno-! scope="row" 2030 28 giugno}Forte del sostegno della Corona e del Sommo Pontefice, Bernardo de Hoyos fu il principale promotore del culto al Sacro Cuore di Gesù in Spagna, Francia e nei Paesi latinoamericani. Nel 1734, scrisse il libro Tesoro escondido en el Sacratísimo Corazón de Jesús, tradotto postumo in tutto il mondo.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Countries consecrated devoted to the Sacred Heart of Jesus.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Madonna dei Pellegrini

Ferdinando Bologna, L'incredulità di Caravaggio, Torino, Bollati Boringhieri, 1992  Maurizio Marini, Caravaggio pictor praestantissimus, Roma, Newton Compton, 1987   Giovan Pietro Bellori, Le vite de' pittori, scultori et architetti moderni, 1672, ed a c. Borea, Milano, 1976 Jacob Hess, Modelli e modelle del Caravaggio, 1955, ampliato in AA. VV. Kunstgeschichliche Studien zu Renaissance und Barock, ed. di Storia e Letteratura, Roma, 1967  Giovanni Baglione, Vite de' pittori, scultori, architetti dal tempo di Gregorio XIII del 1572 infino a tempi di Urbano VIII del 1642, Roma, 1642.  Alessandro Zuccari, Caravaggio su comitent y el culto lauretano, in AA.VV., Caravaggio, Madrid, 1999, pp.63-71  S. Sameck Lodovici, Vita del Caravaggio attraverso le testimonianze del suo tempo, Milano 1956  Mia Cinotti, Alessandro dell'Acqua, Caravaggio e le sue grandi opere in S. Luigi de'Francesi, appendice documentaria, Milano 1971 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1983Riccardo Bassani, Fiora Bellini, Caravaggio assassino.  carriera di un «valentuomo» fazioso nella Roma della Controriforma, Roma, Donzelli, 1994 ISBN 88-7989-100-6 Stefania Macioce, Michelangelo Merisi da Caravaggio la vita attraverso i documenti, Roma, Borli, 2003 Riccardo Bassani,  donna del Caravaggio. Vita e peripezie di Maddalena Antognetti, Roma, Donzelli, 2021 ISBN 978-88-5522-238-9 Fiora Bellini,  modella e il «pittor celebre»: una storia in sette quadri, postfazione a Riccardo Bassani,  donna del Caravaggio. Vita e peripezie di Maddalena Antognetti, Roma, Donzelli, 2021, pp. 199-235 ISBN 978-88-5522-238-9

Prompt: In Madonna di Loreto (Caravaggio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Lotta tra Carnevale e Quaresima

L'opera è citata per la prima volta da van Mander nel 1604 e nel 1614 risultava tra i beni di Philips van Valckenisee; nel 1642 era di proprietà di Herman de Neyt e nel 1748 venne documentato nella Weltliche Schatzkammer di Vienna; dopo aver subito alcuni trasferimenti nei palazzi imperiali di Graz e Praga, tornò infine a Vienna nel 1765 e qui rimase

Prompt: In The Fight Between Carnival and Lent, how is the History discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Lo stemma del "13th Infantry Regiment".Era già stato nominato colonnello e assegnato al 13º reggimento fanteria, effettivo dal 14 maggio; si trattava in realtà di un reggimento nuovo e ancora da formare e il primo comando fu quello di una brigata di volontari arruolati per tre mesi: il massimo periodo di tempo che ci si attendeva dovesse durare il conflitto.Alla sua testa, fu uno dei pochi ufficiali dell'Unione capace di distinguersi nella prima battaglia di Bull Run avvenuta il 21 luglio, dove venne ferito lievemente dalle pallottole al ginocchio e a una spalla; la disastrosa sconfitta lo portò a mettere in discussione sia le proprie capacità come ufficiale sia il grado di preparazione delle truppe.Il presidente Lincoln tuttavia lo promosse a brigadier generale  dei volontari, effettivo dal giorno 17 maggio, con anzianità di grado rispetto a Ulysses S. Grant, il suo futuro comandante; fu assegnato al "Dipartimento di Cumberland" a Louisville nel Kentucky sotto la guida di Robert Anderson, e a ottobre dello stesso anno gli succedette al comando.Pensò che il suo nuovo incarico contraddicesse la promessa fattagli da Lincoln di non ricevere troppo presto una posizione così importante e impegnativa.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the FirstbattleBullRun and the Youth.Please output in Italian.


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Pala Nerli

Pala Nerli  è un dipinto a olio su tavola di Filippino Lippi, databile al 1485-1488 circa e conservata nella basilica di Santo Spirito a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna with Child and Saints (Filippino Lippi).Please output in Italian.