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Polittico Averoldi

{align=right}Il Martirio di san Sebastiano, rappresentato nel pannello destro, mostra il santo in una complicata posizione, caratterizzata da un gusto per la torsione di derivazione michelangiolesca, che esalta l'eroica anatomia scultorea. Il modello è da ricercare probabilmente nei Prigioni , nel personaggio in scorcio trasversale nella Punizione di Aman della volta della Cappella Sistina o nei personaggi concitati degli affreschi della Stanza dell'Incendio di Borgo. Le braccia sono infatti legate ad altezze diverse a un tronco, mentre in basso una colonna crollata fa da appoggio per il piede destro, variando la disposizione delle gambe. Il corpo appare fiaccato dal martirio, con la freccia che trafigge il petto, ma la sua prorompente muscolatura e la testa che sembra rialzarsi ne preannunciano già il trionfo.Singolare è la somiglianza tra Sebastiano e il Cristo, sovrapponibile anche alle fattezze di Tiziano, allora trentenne.Nel paesaggio sullo sfondo un angelo, che indica Sebastiano, dialoga con san Rocco, il santo che con Sebastiano era evocato per proteggersi dalle pestilenze: le sue gambe sono infatti scoperte, come dall'iconografia tradizionale, per mostrare le piaghe del morbo. presenza della firma, elemento tipico di quando un dipinto veniva spedito lontano dalla città in cui era attiva la bottega dell'artista, è stata anche letta, da Rona Goffen, come una sorta di guanto sfida lanciato dal pittore ai maestri che allora raccoglievano i maggiori consensi, cioè Michelangelo e Raffaello: non a caso si troverebbe sul rocchio marmoreo della colonna, materiale delle sculture del Buonarroti.

Prompt: Describe the characteristics of the SanSebastiano in Averoldi Polyptych's Description and style.Please output in Italian.

Prigioni
Punizione di Aman
Stanza dell'Incendio di Borgo


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, The Sacrament of the Last Supper.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Madonna di Foligno

Prompt: In Madonna of Foligno, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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La nave negriera

nave negriera prende spunto, nel suo soggetto, non solo da Summer di James Thomson, opera letteraria in cui si narra di un timone e di una nave negriera, bensì anche da un fatto di cronaca accaduto cinquant'anni prima: si tratta dell'epidemia scoppiata sulla nave negriera Zong. Turner presumibilmente venne a sapere dell'evento leggendo History of the Abolition of the Slave Trade di T. Clarkson o Walks in a Forest di Thomas Gisbourne e, probabilmente, con questo quadro volle denunciare la tratta degli schiavi africani, la quale continuava a prosperare negli Stati Uniti e in molti altri paesi, nonostante in Inghilterra la schiavitù fosse già stata abolita da tempo. nave negriera, venduta a un collezionista statunitense nel 1872, peregrinò per le collezioni private di J.T. Johnston , A. Hooper  e infine W.H.S. Lothrop , per poi giungere nel 1899 nel museo di Boston, dove è tuttora esposto.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Slave Ship.Please output in Italian.


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Ritratto della duchessa de Alba

Si racconta che la duchessa de Alba un giorno visitò Goya nel suo studio e chiese al pittore di truccarla. Successivamente Goya confidò ad un amico che quell'operazione era stata certamente un piacere più grande che non dipingere una tela. L'episodio è certamente emblematico del carattere dei personaggi in questione. duchessa, nella scala gerarchica della società spagnola del tempo, veniva subito dopo la regina, mentre le umili origini di Goya, benché fosse in quel momento ricco e famoso, lo collocavano su uno degli ultimi gradini. Si trattava dunque di una richiesta insolita, se non addirittura di una provocazione, da parte di una donna che aveva reputazione di grande fascino ma anche di vizio, capriccio, egocentrismo.Come notò un francese: "Quando passa tutti corrono alla finestra...!".  regina, con una punta di malizia osservava che ella fosse "... ancora splendida come nel rigoglio della giovinezza".L'episodio del trucco risale probabilmente al 1795. Goya, che ormai è un celebre ritrattista e direttore di pittura alla Real Academia de San Fernando, conosce don José Alvarez de Toledo, marchese di Villafranca, che gli commissiona il proprio ritratto e quello della moglie. Maria Teresa Cayetana de Silva ha trentatré anni, si era sposata quando ne aveva tredici e non ha figli. Secondo i più, la passione con Goya comincia in quei giorni, posando per questo ritratto.Due anni dopo, alla morte del duca, Goya la raggiungerà a Sanlúcar, e un nuovo ritratto, così simile a questo, eppure così diverso, testimonierà l'evoluzione del loro rapporto.

Prompt: Focus on The White Duchess and explain the History.Please output in Italian.

1795
Maria Teresa Cayetana de Silva
Maria Teresa Cayetana de Silva


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Cristo con l'animula della Madonna

Il soggetto della Morte della Vergine era spesso accompagnato da un'esplicita rappresentazione della sua ascensione spirituale e assunzione in cielo, talvolta rappresentata come figura intera, altre come anima. Per definire il carattere puro e spirituale dell'anima si sceglieva spesso di dipingerla come una bambina, accompagnata da Cristo nel regno dei cieli. In questo caso l'anima è rappresentata come una statuetta chiara, che Cristo tiene in mano mentre ascende in una mandorla di nuvole accompagnato da cherubini.Alla base della nuvola si intravedono i profili degli archi che originariamente costituivano l'intelaiatura architettonica della pala e che hanno permesso la ricostruzione.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Christ Bearing the Soul of the Virgin.Please output in Italian.


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Gelosia

Willy Pasini, Gelosia. L'altra faccia dell'amore, Oscar Mondadori, 2013 Marcianne Blevis, Gelosia.  malattia del desiderio, Castelvecchi, 2015 Giulia Sissa , gelosia:una passione inconfessabile . trad di Carlo de Nonno , terza , Roma Bari , 2015

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Jealousy (Munch).Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Nella primavera 1506 Michelangelo ebbe una clamorosa rottura con papa Giulio II, in occasione della sospensione del grandioso progetto della tomba papale, cui l'artista aveva dedicato numerose energie e aspettative. Giulio II, consigliato forse dall'architetto Bramante che non nascondeva la sua rivalità con Michelangelo, era infatti venuto alla conclusione che occuparsi della propria sepoltura fosse di cattivo auspicio.Probabilmente in quell'occasione il papa, personalità ambiziosa e amante dell'arte in funzione della politica, aveva già in mente un'altra grandiosa opera da affidare all'artista fiorentino, cioè la ridipintura della volta della Cappella Sistina, già affrescata da Piermatteo d'Amelia con un cielo stellato, all'epoca del suo parente e predecessore Sisto IV. Nel maggio del 1504 infatti una minacciosa crepa nel soffitto, aveva reso inutilizzabile per molti mesi la cappella, in cui si svolgevano le più importanti e solenni celebrazioni della corte papale.Ma Michelangelo, che ignorava ancora la nuova proposta, appena saputa l'interruzione dei lavori al monumento sepolcrale causata da intrighi tra gli artisti di corte, fuggì da Roma in tutta fretta , riparando a Firenze, dove restò quasi un anno, nonostante i ripetuti richiami del pontefice. Ci vollero ben tre brevi del papa inviate alla Signoria di Firenze e le continue insistenze del gonfaloniere Pier Soderini , perché Michelangelo prendesse infine in considerazione l'ipotesi della riconciliazione, cogliendo l'occasione del passaggio del pontefice a Bologna , impegnato nella campagna militare contro i Bentivoglio.

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the The plans of Julius II of the Description explained?Please output in Italian.

1504
1506
Bologna
Bramante
Cappella Sistina
Firenze
Pier Soderini
Piermatteo d'Amelia
Roma


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Explain the The Annunciation in theology about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Lorenzetti).Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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La morte di Marat

leftSe Il giuramento degli Orazi, altra celebre tela di David, viene assunta come modello di virtù civiche,  morte di Marat è l'immagine del dramma della rivoluzione francese, raffigurando una delle conseguenze più estreme dell'eroismo: la morte. Questo dipinto è da considerarsi infatti la santificazione di un rivoluzionario che, per tenere fede ai propri ideali, ha scelto di sacrificare la propria vita, assurgendo a dignità di martire.Per suscitare l'immagine ideale dell'eroismo, e in conformità all'estetica neoclassica, in questo quadro David non mostra i particolari più raccapriccianti della morte di Marat, scegliendo di raffigurare il momento successivo all'assassinio. Analogamente, il luogo del delitto è rigorosamente spogliato da tutti quegli oggetti che avrebbero fatto apparire la morte di Marat come un ordinario fatto di cronaca, sviandone pertanto l'intento glorificativo.David, in questo modo, sceglie di non riprodurre né la tappezzeria in carta da parati né la cartina geografica della Francia e le pistole affisse alla parete: si viene così a creare una scena estremamente sobria, dove il secondo piano è costituito da un fondo verdastro monocromo, stemperato solo da un pulviscolo dorato in alto a destra che sembra voler investire Marat. Manca anche il cesto che fungeva da tavolino, e in sua presenza David inserisce una cassa in legno grezzo dalle linee semplici, sulla quale è scritta la laconica dedica dell'artista: «À MARAT, DAVID. 1793. L’AN DEUX» .Come già accennato, l'omicidio è avvenuto da poco, tanto che la ferita aperta sul costato gronda ancora sangue: il volto di Marat è sereno e disteso ed è appoggiato sul bordo della vasca, mentre il braccio destro è abbandonato a terra e regge ancora la penna che probabilmente stava usando prima di essere ucciso. Si tratta questa di una citazione quasi letterale del braccio pendulo del Cristo nella Deposizione di Caravaggio, come di quello raffaellesco della Deposizione Borghese: riprendendo l'iconografia del Cristo portato in croce David sceglie deliberatamente di compiere un'operazione di sacralizzazione del defunto.

Prompt: How does The Death of Marat explain its Description?Please output in Italian.

1793
Caravaggio
Cristo
Deposizione Borghese
Il giuramento degli Orazi


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Isabella

Isabella è la protagonista dell'opera lirica L'italiana in Algeri, di Gioachino Rossini.Isabella "Bella" è un personaggio della serie televisiva Quelli dell'intervallo.Isabella "Bella" Hartley è un personaggio televisiva H2O Isabella è un personaggio della serie a fumetti erotica omonima.Izzy è un personaggio della serie animata A tutto reality.Isabel Archer è un personaggio del romanzo di Henry James Ritratto di signora.Isabella Bosco è un personaggio della serie a fumetti Isa & Bea - Streghe tra noi.Isabella Candeloro è la protagonista nel film del 1967 C'era una volta, diretto da Francesco Rosi.Isabel Evans è un personaggio della serie di romanzi Roswell High, scritta da Melinda Metz, e della serie televisiva da essa tratta Roswell.Isabelle usten è un personaggio della serie animata Isabelle de Paris.Isabelle Lightwood è una dei co-protagonisti dei romanzi Shadowhunters di Cassandra Clare, nonché degli omonimi film e serie tv.Isabella Linton è un personaggio del romanzo di Emily Brontë Cime tempestose.Isabella Spinola è un personaggio dell'omonima opera di Pietro Abbà Cornaglia.Isobel Stevens è un personaggio della serie televisiva Grey's Anatomy.Isabella "Bella" Swan è un personaggio della serie di romanzi e film Twilight, creata da Stephenie Meyer.Isabella Trao è un personaggio del romanzo di Giovanni Verga Mastro-don Gesualdo.Isabelle "Belle" è il nome della principessa di  bella e la bestia.Isabella è un personaggio dellOrlando Furioso di Ludovico Ariosto. Isabella è uno dei personaggi nella commedia  donna di garbo di Carlo Goldoni.Isabella è la protagonista del romanzo Cioccolata da Hanselmann di Rosetta Loy.Isabella è un personaggio della serie animata Phineas e Ferb.Isabella è un personaggio della serie animata The Promised Neverland.Isabella "Bella" Baxter è un personaggio del film Povere creature!

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the The beautiful art. discussed?Please output in Italian.

A tutto reality
Carlo Goldoni
Cioccolata da Hanselmann
Emily Brontë
Francesco Rosi
Gioachino Rossini
Giovanni Verga
Grey's Anatomy
Henry James
Isa & Bea - Streghe tra noi
Isabella Spinola
Isabelle de Paris
Isobel Stevens
L'italiana in Algeri
Ludovico Ariosto
Mastro-don Gesualdo
Melinda Metz
Phineas e Ferb
Pietro Abbà Cornaglia
Povere creature!
Quelli dell'intervallo
Rosetta Loy
Roswell High
Stephenie Meyer
The Promised Neverland


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Venere che benda amore

tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori.  scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura.  padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

Prompt: In Venus Blindfolding Cupid, how is the Technique discussed?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea viene citata nel brano Giuseppe cantato da Georges Moustaki Nella celebre canzone Hallelujah del cantante Leonard Cohen si cita Betsabea, anche se non viene nominata, nel verso "You saw her bathing on the roof / Her beauty and the moonlight overthrew ya" .  canzone Dead dall'album Doolittle dei Pixies  raffigura la lussuria di Davide nei confronti di Betsabea, la gravidanza causata dal loro adulterio e il decesso di Uria. Betsabea e Uria sono citati per nome. Mad About You, una canzone dall'album di Sting del 1991 The Soul Cages, esplora l'ossessione di Davide per Betsabea dal punto di vista del primo. David and Bethsheba dall'album Bottom of the Sea dei Brown Bird è una riscrittura della storia dal punto di vista di Davide.

Prompt: Describe the characteristics of the Music in Bathsheba (Gérôme)'s Biblical story.Please output in Italian.

Brown Bird
Davide
Leonard Cohen
Pixies
Davide
Sting
The Soul Cages


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Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: Describe the characteristics of the Survivors ghettos concentration camps in Children in the Holocaust's Inappropriate for children.Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


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Leonida alle Termopili

Il titolo Leonida alle Termopili, rimanda alla celebre battaglia delle guerre persiane. David ideò l'opera nel 1799 o nel 1800, ma poté dedicarvisi seriamente solo nel 1812 dal momento che le richieste di Napoleone ebbero la priorità su tutto; il quadro venne completato nell'ottobre del 1814. Inizialmente destinata a un privato, il conte Sommariva, l'opera rimase infine nell'atelier dell'artista. Il Louvre l'acquisì nel 1826 , dopo la morte del pittore.

Prompt: Explain the History of this artwork, Leonidas at Thermopylae.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Dinosauri di Crystal Palace

I dinosauri di Crystal Palace sono una serie di sculture di dinosauri e altri animali preistorici, scientificamente inaccurate per gli standard moderni, esposte presso il Crystal Palace Park di Londra. Queste ricostruzioni vennero commissionate nel 1852 per accompagnare Crystal Palace dopo il suo passaggio dalla Grande Esposizione di Hyde Park, furono svelati nel 1854 come le prime ricostruzioni a grandezza naturale di dinosauri al mondo. I modelli sono stati progettati e scolpiti da Benjamin Waterhouse Hawkins sotto la direzione scientifica di Sir Richard Owen, per rappresentare le ultime conoscenze scientifiche dell'epoca. I modelli, noti anche come la Corte dei dinosauri, è stata classificata come edificio di Grado II dal 1973, ampiamente restaurato nel 2002 e aggiornato al Grado I nel 2007.I modelli rappresentano 15 generi di animali estinti, non tutti dinosauri. Gli animali rappresentati provengono da una vasta gamma di epoche geologiche e comprendono dinosauri, ittiosauri e plesiosauri principalmente dell'era mesozoica e alcuni mammiferi dell'era cenozoica più recente.

Prompt: In Crystal Palace Dinosaurs, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Benjamin Waterhouse Hawkins
Hyde Park
Londra
Richard Owen


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Polittico di Valle Romita

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004 ISBN 978-88-370-2835-0Mauro Minardi, Gentile da Fabriano, Skira, Milano 2005.

Prompt: Focus on Valle Romita Polyptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Sacro Cuore di Gesù

Nel territorio del Tirolo e Trentino - Alto Adige/Südtirol è da lungo tempo radicata la tradizione di accendere dei falò, i cosiddetti Herz-Jesu-Feuer, sulle principali cime montuose della regione, durante la notte della domenica della festa, in onore del Sacro Cuore di Gesù.

Prompt: Focus on Sacred Heart of Jesus (Batoni) and explain the Traditions.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Nel 1998, Ramon K. Jusino ha proposto una teoria senza precedenti secondo cui il "discepolo amato" del Vangelo di Giovanni è Maria Maddalena. Jusino ha basato la sua argomentazione in gran parte sui libri gnostici di Nag Hammadi, rifiutando il punto di vista di Raymond E. Brown secondo cui questi libri erano sviluppi successivi, e sostenendo invece che il Vangelo esistente di Giovanni è il risultato della modifica di un testo precedente che presentava Maria Maddalena come il discepolo amato. Tale opinione non ha avuto particolare successo tra gli studiosi, che continuano a considerare i vangeli gnostici come testi successivi e, pertanto, non affidabili.

Prompt: Explain the Author of the Fourth Gospel, the "Gospel according to John"? about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.


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Chiaro di luna sul porto di Boulogne

Chiaro di luna sul porto di Boulogne  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1869 dal pittore impressionista francese Édouard Manet, in occasione di uno dei soggiorni che era solito compiere in estate a Boulogne-sur-Mer.  tela è conservata al Musée d'Orsay di Parigi.L'opera raffigura il ritorno di un peschereccio a notte fonda e l'attesa delle mogli dei marinai, sotto la luce lattescente della luna. L'opera, ricca di ombre e di luci, è un omaggio alla pittura di Rembrandt.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Port of Boulogne by Moonlight.Please output in Italian.

1869
Boulogne-sur-Mer
Parigi
Rembrandt
Édouard Manet


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Polittico di San Pietro

Il polittico era originariamente collocato nell'abbazia di San Pietro a Perugia. Il contratto venne firmato da Perugino e l'abate ttanzio di Giuliano da Firenze in data 8 marzo 1495, e comprendeva vari pannelli da inserire in una grandiosa macchina d'altare, con una cornice lignea architettonica predisposta da Giovanni Domenico da Verona.  tavola principale doveva essere dedicata allAscensione di Cristo, con una lunetta con lEterno in gloria tra angeli, mentre la predella non era ancora esattamente definita, il tutto per un compenso di 500 ducati d'oro e un termine di consegna massimo di due anni e mezzo.I vari pannelli vennero dipinti tra il gennaio 1496 e la fine del 1499, con una solenne inaugurazione dell'altare il 13 gennaio 1500. Del polittico, Giorgio Vasari lodò soprattutto la predella, che descrisse come la migliore opera esistente dell'artista a Perugia.Nel 1591 si ebbe una radicale ristrutturazione del coro della chiesa, che necessitò lo smantellamento dell'altare. Perduta la cornice originaria, le tavole vennero destinate a vari ambienti della chiesa e della sagrestia. Con le soppressioni seguite alle spoliazioni napoleoniche del 1797 l'opera venne trafugata, finendo divisa tra più musei francesi, mentre alcuni pannelli rimasero a Perugia o confluirono, grazie al recupero che ne fece Antonio Canova dalla Francia, nelle raccolte papali a Roma.  parte centrale in particolare finì a Rouen per concessione di Pio VII nel 1816.

Prompt: Focus on San Pietro Polyptych and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-portrait (Giorgione) and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna di Darmstadt

leftA occhio nudo si può vedere da subito come il disegno sia stato mutato dopo un suo primo completamento: in origine la figura di Anna Meyers si presentava coi capelli lunghi, come testimoniato da un disegno preparatorio eseguito dallo stesso Holbein. Il motivo del cambiamento di acconciatura è dato non solo dall'aspetto di maggiore eleganza e compostezza della figura, ma anche dal ruolo che essa rivestiva come ragazza da marito. Alle spalle della ragazza si trova la madre Dorothea Kannengießer e la defunta Magdalena Bär. Le due mogli del borgomastro sono rappresentate in maniera diversa, con la seconda moglie in origine contraddistinta da un ampio sottogola che le copriva gran parte del viso, ma che nel 1528 al ritorno di Holbein dal suo primo viaggio in Inghilterra, venne mutato con un più moderno costume che lasciava vedere più apertamente la bellezza delle fattezze del viso della nuova consorte del committente. L'aspetto della prima consorte venne lasciato immutato per sottolineare l'idea di vecchio, di sorpassato, per quanto ancora presente nella memoria e nel cuore di quanti l'avevano amata.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Corrections, remakes and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Ritratto del principe Baltasar Carlos a cavallo

Il principe Baltasar Carlos a cavallo è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1635 circa dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il dipinto fu realizzato intorno al 1635 per il Salón de Reinos nel Palazzo Reale del Buen Retiro.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Equestrian Portrait of Prince Balthasar Charles.Please output in Italian.

1635
Buen Retiro
Diego Velázquez
Museo del Prado


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Statua equestre di San Venceslao

statua equestre di San Venceslao , è un monumento bronzeo, dedicato principalmente al santo protettore della Repubblica Ceca il duca di Boemia Venceslao I. È situato nell'importante omonima piazza del quartiere di Nové Město a Praga.Il complesso è riconosciuto come monumento di importanza culturale per la Repubblica Ceca , con la sigla 39814/1-1042, e dal 1995 anche come monumento storico nazionale con la sigla 176.

Prompt: How does Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Il Ritratto di giovane uomo è un dipinto olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile tra il 1516 e 1517 circa e già conservato presso il Museo Czartoryski a Cracovia.

Prompt: How does Portrait of a Young Man (Barocci) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Tuttomondo

Il dipinto ritrae 30 figure dinamiche e di grande vitalità, concatenate e incastrate tra loro a simboleggiare la pace e l'armonia del mondo. Al centro del murale si trova la "croce pisana", rappresentata con quattro figure umane unite all'altezza della vita. Più in alto, un uomo sorregge sulle spalle un delfino, a sinistra compaiono un cane, una scimmia e un volatile: il legame dell'uomo con la natura è indispensabile per l'armonia del mondo. In alto a destra un paio di forbici, a simboleggiare il bene, rappresentate come l'unione di due figure umane, tagliano in due un serpente, a simboleggiare il male. Una donna con in braccio un bambino e un uomo con un televisore al posto della testa rappresentano il contrasto tra la naturalità della vita e la tecnologia che ne stravolge i ritmi. Si può notare in alto a sinistra una persona gialla, come una matriosca, a simboleggiare che anche una persona con chili di peso in eccesso, nei diritti e nei doveri dal suo interno, è uguale a tutti gli altri. Due gemelli siamesi al centro, uniti nel tronco, e altri due a destra uniti all'altezza delle spalle, sono probabilmente una condanna ai disastri nucleari. In basso, al livello della strada, è stata raffigurata una figura gialla che cammina: rappresenta il pubblico, un passante o un turista, che dedica un momento di riflessione all'opera, prima di proseguire in direzione della Torre di Pisa.

Prompt: Focus on Tuttomondo and explain the Description.Please output in Italian.


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Maria Maddalena in estasi

Secondo alcune fonti, il dipinto venne realizzato alcuni mesi dopo la fuga di Caravaggio da Roma in seguito all'omicidio di Ranuccio Tomassoni, e in particolare durante il suo soggiorno presso i suoi protettori, membri della famiglia Colonna di Paliano. Durante questo suo breve trasferimento, il pittore realizzò almeno due tele: la Cena in Emmaus e una Madalena.

Prompt: In Mary Magdalen in Ecstasy, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Caravaggio
Caravaggio
Ranuccio Tomassoni


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Lucifero

Mentre di Lucifero come divinità legata a Venere non abbiamo traccia, esistevano culti dedicati a divinità definite "Lucifere" .Oltre a queste, tra le Divinità Maschili Solari più conosciute che ritroviamo nel pantheon greco-romano vi è Apollo, un cui epiteto era Phosphoros , che tradotto in latino è Lucifer, Lucifero appunto.

Prompt: How does Lucifer (Stuck) explain its In the Greek-Roman religion?Please output in Italian.


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Madonna Davis

Madonna Davis è una tempera su tavola  di Gentile da Fabriano, di incerta datazione e conservata nel Metropolitan Museum di New York.

Prompt: In Davis Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna e santi nel giardino del Paradiso

Stefano Zuffi, Il Quattrocento, Electa, Milano 2004.

Prompt: How does Paradiesgärtlein explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Pugile in riposo

Lo scrittore americano Thom Jones ha pubblicato una serie di racconti intitolata Il pugile a riposo in omaggio alla celebre opera, tradotta in italiano da Minimum Fax.Nel 2013 la scultura è stata esposta per la prima volta negli Stati Uniti d'America con una grande mostra al Metropolitan Museum di New York durante la quale è stata raccontata da Gay Talese oltre che dai maggiori quotidiani e studiosi d'oltreoceano.Due anni dopo, nel 2015, l'opera viene esposta al Getty Museum di Los Angeles. Durante la mostra l'attore Robert Davi ha letto una serie di poesie dello scrittore e poeta Gabriele Tinti ispirate al capolavoro del Museo Nazionale Romano.Nel 2019 il due volte premio Oscar Kevin Spacey legge le poesie di Gabriele Tinti al Museo Nazionale Romano. L'evento ha segnato il ritorno alle scene dell'attore ed è stato riportato dalla stampa di tutto il mondo.

Prompt: Focus on Boxer at Rest and explain the Literature.Please output in Italian.

Gay Talese
Getty Museum
Kevin Spacey
Los Angeles
Metro
Museo Nazionale Romano
Museo Nazionale Romano
New York
Robert Davi
Roma
Stati Uniti d'America
Thom Jones


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Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Theangelsbringtherevelation of the Representations of the Apocalypse explained?Please output in Italian.


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Epifania

Nello stato della Louisiana l'Epifania segna l'inizio del Carnevale durante il quale è consuetudine cuocere i King Cakes, simili ai Rosca di cui sopra, dolci di forma rotonda, farciti con cannella, glassata di bianco e ricoperta di tradizionale zucchero abrasivo color carnevale.  persona che trova la bambola  deve fornire la prossima torta del re. L'intervallo tra l'Epifania e il Mardi Gras è talvolta noto come "stagione delle torte del re" e numerose di queste possono essere consumate in tale periodo.  stagione del carnevale inizia il King's Day , giorno a cui sono associate molte tradizioni in Louisiana e lungo le coste cattoliche del Mississippi, dell'Alabama e della Florida.Nella Virginia coloniale, l'Epifania o dodicesima notte era considerata come occasione particolarmente appropriata come data per danze e balli, oltreché per matrimoni. In tale occasione, era preparata Grande Torta, composta da due strati giganti di frutta, ricoperti e farciti con ghiaccia reale. L'usanza imponeva che il bambino più piccolo presente tagliasse e servisse la torta e chiunque trovasse il fagiolo o il premio venisse incoronato "Re del fagiolo" in modo simile all'usanza della torta del re europeo.A Erye, nello stato della Pennsylvania, è usanza che un re si nasconda nella torta e che il bambino che lo trovi diventi a sua volta re per una giornata.Tarpon Springs, in Florida, è nota per le elaborate cerimonie religiose legate alla Chiesa greco-ortodossa, la più importante delle quali è la celebrazione dell'Epifania. Il metropolita di Atlanta di solito presiede alle benedizioni, a volte affiancato dall'arcivescovo d'America. Le benedizioni si concludono con il lancio cerimoniale di una croce di legno nello Spring Bayou della città, mentre i ragazzi dai 16 ai 18 anni si tuffano per recuperarla. Si dice che chi recupera la croce sia benedetto per un anno intero. Dopo le benedizioni, la celebrazione si sposta agli Sponge Docks, dove viene servito il cibo e l’accompagnamento musicale Tarpon Springs è stata soprannominata Epiphany City.  celebrazione attira greci americani da tutto il paeseA Manitou Springs, nel Colorado, l'Epifania è segnata dalla gara a lanciare la torta di frutta il più lontano possibile, mentre i partecipanti si vestono da re e pagliacci.  manifestazione ha luogo dalle vacanze di Natale fino all’anno successivo con risvolti umoristici, visto che la torta di frutta è considerata con un certo grado di derisione nella maggior parte degli Stati Uniti ed è fonte di molti scherzi.

Prompt: Describe the characteristics of the United States in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

Alabama
Atlanta
Colorado
Florida
Louisiana
Manitou Springs
Natale
Tarpon Springs


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Madonna delle Grazie

Il santuario della Madonna delle Grazie si trova nel rione San Giacomo, che occupa la parte settentrionale del centro storico della città.  costruzione venne avviata nel 1306 per opera dei frati Servi di Maria e la chiesa fu consacrata il 16 novembre 1381. Nel 1456 Giovanni di Piamonte, allievo di Piero della Francesca e suo collaboratore nei celebri affreschi in San Francesco di Arezzo, dipinse una tavola raffigurante la Madonna in trono con il Bambino tra i santi Filippo Benizi e Florido. Attorno a questa immagine, inizialmente esposta entro una nicchia esterna, si venne rapidamente sviluppando una devozione popolare, tanto che negli anni '80 del XV secolo il comune mise a disposizione il terreno per la costruzione di una cappella, attigua alla chiesa. Nel 1518 si costituì una confraternita laicale per la gestione del culto alla sacra immagine, che nel 1783 è stata proclamata dal comune patrona della città. Nel 1620 l'immagine della Madonna, che nel frattempo si era cominciata a chiamare Madonna delle Grazie, fu coronata. Attualmente la chiesa è santuario mariano cittadino e diocesano; la festività liturgica si celebra il 26 agosto, con il grado di solennità in quanto patrona della città e della diocesi.

Prompt: Explain the City of Castello about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Cena in casa di Simone il fariseo

Cena in casa di Simone il fariseo è un dipinto a olio su tela  del Moretto, datato 1544 e conservato nel Chiesa della Pietà di Venezia.Il dipinto è la più grande tela del Moretto che sia giunta fino a noi ed è una delle opere più celebri della sua intera produzione.  monumentale trattazione del soggetto è ispirata agli stilemi della scuola veronese ed è stata letta dalla critica come una delle principali fonti di ispirazione per l'arte di Paolo Veronese. Il Moretto non manca però di esporre il tema arricchendolo di particolari minori ma genuini, probabilmente forzato dalla grande ricchezza impostagli dalla committenza, estranea al suo stile di esecuzione.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Feast in the House of Simon the Pharisee (Veronese, Turin).Please output in Italian.

1544
Cena in casa di Simone
Il Moretto
Paolo Veronese
Venezia


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Tre filosofi

Giorgione dipinse direttamente sulla preparazione della tela, senza ricorso al disegno preparatorio, confermando così la descrizione vasariana secondo cui egli era pittore "senza disegno". Per il modo di procedere così diretto, furono necessari alcuni pentimenti in corso d'esecuzione, evidenziati recentemente da radiografia e riflettografie.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, The Three Philosophers.Please output in Italian.


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the New Testament of this artwork, The Last Supper (Leonardo).Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Madonna Rucellai

pala venne commissionata a Duccio il 15 aprile 1285 dalla Compagnia dei udesi per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze. Anticamente si trovava nella cappella di questa compagnia, chiamata poi Cappella Bardi, dove alcuni affreschi tardo-duecenteschi, attribuiti allo stesso Duccio e riscoperti da poco sotto altri trecenteschi, furono probabilmente dipinti a suo coronamento.Già un commentatore trecentesco della Divina Commedia la riferiva però a Cimabue. Vasari confermò questa tradizione locale e descrisse un aneddoto che sviò per secoli la corretta attribuzione: quando Carlo d'Angiò era a Firenze, decise di visitare la casa-bottega del maggiore artista cittadino, Cimabue, situata nell'attuale piazza dei Ciompi, e che la scoperta della tavola ormai quasi ultimata provocò una tale allegria tra i vicini da far prendere alla zona il nome di Borgo Allegri.Nel 1591 venne spostata nella vicina Cappella Rucellai, dalla quale prese il nome correntemente usato. Qui la vide nel 1750 Giuseppe Richa, autore di una monumentale descrizione delle chiese fiorentine. L'equivoco sull'attribuzione a Cimabue si trova ancora negli scritti della fine del XIX secolo , finché Wickoff, nel 1899, non la riferì per primo a Duccio riscoprendo il documento del 1285, che tra l'altro era stato già pubblicato da Vincenzo Fineschi nel 1790 e rimasto ignorato fino ad allora. Ancora negli anni venti vari studiosi cercarono di conciliare la tradizione con l'evidenza ammettendo una collaborazione, più o meno spinta, da i due artisti . alcuni parlarono anche di un maestro indipendente . Oggi, dopo aver meglio chiarito il confine tra i due artisti, soprattutto riguardo agli anni giovanili del senese, l'attribuzione è riferita unanimemente a Duccio. pala rimase nella stessa collocazione fino al 1937, quando venne esposta in una grande mostra su Giotto a Firenze; nel 1948 venne trasferita agli Uffizi, dove si trova ancora oggi.L'opera fu revisionata nel 1947-1948 e restaurata nel 1989 da Alfio Del Serra.

Prompt: Focus on Rucellai Madonna and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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Armatura

Le prime significative tracce di armatura sul territorio della Cina datano al tempo della Dinastia Zhou. Si trattava di primitive corazze prive di manica, realizzate con materiale di provenienza animale: cuoio di rinoceronte o bufalo  o pelle bollita . Spesso, la pelle veniva ricoperta con della lacca per aumentarne la resistenza ai colpi ed alle intemperie.

Prompt: Explain the China about the The word "null" in English is "null." of this artwork, O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji.Please output in Italian.


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Madonna della Quaglia

Prompt: In Madonna of the Quail, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (Geertgen tot Sint Jans Amsterdam)

Questo dipinto è uno dei tre dipinti dellAdorazione dei Magi di Geertgen che gli sono stati attribuiti sulla base di somiglianze stilistiche. provenienza di questo dipinto risale solo al suo acquisto nel 1904. Insieme alle altre due versioni, è basato su un'opera di Hugo van der Goes a Berlino.

Prompt: Explain the Origin about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Adoration of the Magi (Geertgen tot Sint Jans).Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

prima versione  è alla Staatsgalerie di Stoccarda  seconda versione  è al Metropolitan Museum of Art di New York  terza versione  è al museo del Louvre

Prompt: Explain the Localization about the History of this artwork, Ancient Rome (painting).Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
New York
Stoccarda


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Il cardellino

Categoria:Romanzi di Donna TarttCategoria:Romanzi ambientati a New Yorkcategoria:Romanzi di formazione

Prompt: In The Goldfinch (painting), how is the Note. Please output **only words**, not sentences. discussed?Please output in Italian.


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Mosè difende le figlie di Jetro

Vi è rappresentato l'episodio biblico dell'Esodo  in cui le sette figlie di Ietro, un sacerdote della terra di Madian, vengono importunate da un gruppo di pastori madianiti mentre attingono l'acqua a un pozzo per abbeverare il gregge del padre. I malfattori vorrebbero approfittarsi delle fatiche delle giovani per dare invece da bere ai propri animali, ma l'intervento con minacce del giovane Mosè, seduto lì vicino, li fa desistere. In ricompensa Mosè riceverà poi in moglie una delle fanciulle, Sefora.Le storie di Mosè erano popolari a Firenze anche per il circolo, in ambiente umanistico, della Vita di Mosè scritta da Filone Ebreo nel I secolo: Rosso doveva conoscere il testo, conservandone la connotazione filosofico moraleggiante.L'opera presenta un impianto compositivo originalissimo, in cui il profeta ha un ruolo pienamente attivo e violento nello scacciare i pastori. Mosè appare infatti furioso e seminudo al centro, mentre infierisce sui corpi dei rivali. Secondo Mugnaini , il dipinto includerebbe altri due avvenimenti del giovane Mosè, ovvero l'uccisione di un egizio che aveva assalito un ebreo suo fratello  e Mosé che seda una rissa tra due ebrei .Il primo piano è un groviglio di corpi nudi arditamente scorciati, in cui spiccano la smorfia di dolore dell'uomo a destra, o quella di rabbia dell'uomo che sta accorrendo a sinistra con un velo gonfiato dal vento attorno al proprio corpo, una citazione dell'arte classica. Probabilmente è lo stesso Mosè, ancora, che si accingerebbe verso Sephora  annunciandole la cacciata dei pastori, mentre altre donne scappano ignorando l'accaduto. Vicino si vedono le pecore e il bordo del pozzo, raggiungibile da alcuni gradini appena accennati. In alto a destra, davanti a un lembo di cielo, si riconosce una fila di case.  figura sdraiata in primo piano, con il violento scorcio, sarà un'importante fonte di ispirazione per i manieristi fiorentini, come Bronzino. scena è sostanzialmente tripartita su tre livelli, ma la complessità dell'articolazione lega i piani con continui rimandi, sovvertendo i tradizionali equilibri rinascimentali. Colori complementari sono spesso giustapposti e varie sono le forme geometriche impiegate nelle superfici pittoriche: ciò contribuisce ad annullare il senso di profondità spaziale e di plasticità dei volumi, in direzione decisamente anticlassica.Nell'opera sono comunque presenti mani non riferibili direttamente all'artista, forse necessarie per completare zone incompiute, forse autrici di una vera e propria copia dall'originale perduto del Rosso.

Prompt: Focus on Moses Defends Jethro's Daughters and explain the Description and style.Please output in Italian.

Filone Ebreo
Firenze
I secolo
Ietro
Madian
Mosè
Sefora


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Melencolia I

L'incisione fa parte del trittico detto Meisterstiche, con il San Girolamo nella cella e Il cavaliere, la morte e il diavolo, realizzato tra il 1513 e il 1514. Sebbene non legate dal punto di vista compositivo, le tre incisioni rappresentano tre esempi diversi di vita, legati rispettivamente alle virtù morali, teologiche e intellettuali.Ritrae una figura alata seduta con aria pensosa davanti a una costruzione di pietra circondata da strani oggetti, simboli appartenenti al mondo dell'alchimia: una bilancia, un cane scheletrico, attrezzi da falegname, una clessidra, un solido geometrico , un putto, una campana, un coltello, una scala a pioli. L'opera simbolicamente rappresenta, in termini alchemici, le difficoltà che si incontrano nel tentativo di tramutare il piombo  in oro .Secondo la tradizione astrologica l'ambito alchemico era dominato dal pianeta Saturno, ed era legato al sentimento della malinconia, quindi al temperamento melanconico. Altri elementi che suscitano tale emozione sono l'arcobaleno e la cometa. Le chiavi rappresentano la conoscenza, in grado di liberare l'uomo dal suo stato melanconico. Altro simbolo di speranza è il pipistrello, che viene rischiarato dalla luce che spazza le tenebre.Si tratta quindi di un vero e proprio compendio del pensiero dell'artista sull'arte e sull'animo umano.Esiste un raro primo stato della stampa in cui la cifra "9" del quadrato magico risulta disegnata a rovescio.

Prompt: How does Melencolia I explain its Description and style?Please output in Italian.

1514
Il cavaliere, la morte e il diavolo
San Girolamo nella cella


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Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: Explain the In the Latin Church about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In the context of Annunciation Diptych, explain the Apocryphal  Gospels and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Polittico di Ponteranica

cornice che accoglie i pannelli non è quella originale ormai persa, ma è stata realizzata da Giacomo Manzoni su disegno di Virginio Muzio nel 1902. Le dimensioni sono leggermente variate, questo non permette ai dipinti di collegarsi perfettamente come doveva essere la realizzazione originale del Lotto.Il pannello centrale dove è raffigurato san Giovanni Battista, è sicuramente stato abbassato, eliminando parte della pietra su cui posta i piedi il santo, il paesaggio sullo sfondo non è più continuativo con i dipinti laterali. Questa nuova soluzione ha sicuramente tolto quell'immagine di grandezza che doveva avere il Giovanni Battista rispetto ai due santi laterali. Scuola del corpo di Cristo che aveva commissionato il polittico, voleva che venisse rappresentato il Corpo di Cristo come mezzo per la redenzione attraverso la passione, la scelta di raffigurare il Cristo dalle cui piaghe, frutto del martirio, versa il sangue nel calice era già stata ripresa da Giovanni Bellini nel 1460, e da Vittore Carpaccio nel 1496, ma il Lotto ci raffigura un Cristo risorto, dove la croce non è altro che un segno luminoso posto sul suo capo, e che versa il frutto del suo martirio come unico mezzo per la redenzione degli uomini.Il polittico è composto da sei scomparti, tre superiori e tre inferiori, con un'impostazione non molto dissimile dal Polittico Averoldi di Tiziano. Nel primo registro si trovano i seguenti pannelli:San Pietro, 118x57 cmSan Giovanni Battista, 135x70 cmSan Paolo, 118x57 cmIn quello superiore:Angelo annunciante, 75x35 cmCristo Redentore, 135x70 cmVergine annunciata, 75x35 cmIl Battista, titolare dell'altare, si trova al centro in posizione preminente nella parte inferiore, con due vistosi cartigli che riportano alcune tipiche frasi che lo identificano: "Ego Vox clamantis in deserto / Parate Viam Domini" e "Ecce Agnus Dei".  roccia su cui è posizionato presenta la datazione e la firma del Lotto, purtroppo l'anno termina in una fenditura del legno, risultando per tanto tempo di incerta interpretazione, fino ai restauri del 2011 che hanno confermato l'anno 1522. <br /> Tiene tra le braccia l'agnello e porge la mano destra a San Pietro posto nella dipinto alla sua destra.Ai lati i pannelli laterali sono uniti spazialmente, con un medesimo paesaggio e con due tende che si aprono teatralmente: la cornice originale, perduta, doveva evidenziare maggiormente l'effetto di sfondamento prospettico. Nel velluto del pesante tendaggio si notano gli influssi della scuola bresciana, in particolare del Savoldo. I pannello al centro in alto è un esplicito riferimento alla devozione della confraternita, con Cristo in piedi su una nuvola, coperto da un vaporoso perizoma bianco, il cui sangue delle ferite finisce dentro un calice dell'eucaristia. Il tipo fisico di Gesù ricorda da vicino il Cristo-vite dell'Oratorio Suardi. Ai lati si trova una toccante Annunciazione, divisa sui due pannelli minori e scorciata per una vista dal basso. Su uno sfondo scuro, appena rischiarato dall'apparizione della colomba dello Spirito Santo, le due figure si stagliano luminose e vibranti.Il polittico termina con una predella che comprende cinque tavole raffiguranti Cristo risorto, Cristo nel limbo tra due angeli, una apparizione di Cristo tra i discepoli. Erano state attribuite al Lotto fino al 1895 quando vennero assegnate a Giovanni Cariani. Risulta che tale predella venne allegata al polittico solo nel 1816 e che faceva parte di un tabernacolo, questo esclude che ci fossero rapporti diretti tra i due pittori che operarono in Bergamo nel medesimo periodo ma che eseguirono lavori di fattura molto differente.

Prompt: Focus on Ponteranica Altarpiece and explain the Description and style.Please output in Italian.

1522
2011
Bergamo
Agnus Dei
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Giovanni Cariani
Polittico Averoldi
Virginio Muzio
Vittore Carpaccio
Vox clamantis in deserto


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in spirituality in Annunciation (Botticelli, Glasgow)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Giovane donna seduta al virginale

Giovane donna seduta al virginale è un dipinto a olio su tela  attribuito a Jan Vermeer, databile al 1670-1672 circa e conservato in collezione privata Leiden a New York. Sconosciuta fino al 2004, è stata presentata all'interno di alcune rassegne in Italia  e nel Regno Unito , oltre che essere esposta tra le opere della collezione permanente del Philadelphia Museum of Art: sebbene suffragata da alcuni spunti interessanti, l'attribuzione al maestro olandese non è stata accettata unanimemente e resta ancora oggi dibattuta.

Prompt: How does A Young Woman Seated at the Virginals explain its Abstract?Please output in Italian.

2004
Jan Vermeer
New York
Philadelphia Museum of Art


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Ritratto del duca di Wellington

storia del furto e del successivo processo di Bunton è stata riportata nel film Il ritratto del duca, diretto da Roger Michell e interpretato da Jim Broadbent e Helen Mirren, uscito nei cinema nel 2022.

Prompt: Focus on Portrait of the Duke of Wellington and explain the In mass culture.Please output in Italian.

Helen Mirren
Il ritratto del duca
Jim Broadbent
Roger Michell


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Scena del Diluvio

Scena del Diluvio  è un dipinto a olio su tela dipinto da Anne-Louis Girodet, presentato al Salone del 1806 e conservato al museo del Louvre.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Scene from a Deluge.Please output in Italian.


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Il carro da fieno

Gli entusiastici commenti di Géricault, Pichot e Nodier sollecitarono John Arrowsmith  a tentare di acquistare Il carro da fieno per settanta ghinee, senza riuscirci perché Constable ne voleva almeno centocinquanta. L'obiettivo di Arrowsmith era quello di far esporre la tela al Salon di Parigi dell'estate 1824: pertanto, si dimostrò disposto a spendere duecentocinquanta ghinee a patto che Constable gli cedesse un altro quadro, Veduta della Stour. L'accordo fu sottoscritto il 15 aprile 1824:Appena giunta a Parigi l'opera fu esposta presso la galleria personale di Arrowsmith al n. 1 di rue de la Grange-aux-Belles: tra i primi ad ammirarla vi fu Eugène Delacroix che arrivò a commentare: «Constable mi fa un gran bene». Venne infine ammessa nel Salon, aperto il 24 agosto 1824: il successo che riscosse fu sfolgorante, anche se fu accompagnato dalle virulente critiche degli artisti classicisti, i quali biasimarono la preminenza del colore rispetto al disegno, le modalità di applicazione del colore con la giustapposizione di tocchi e la presenza di forme abbozzate e non definite. Stendhal, invece, raccomandò a Constable di immortalare «uno scenario splendido, come l’imboccatura della valle della Grande-Chartreuse, vicino a Grenoble, e non [...] un carro da fieno che attraversa a guado un canale d’acqua stagnante»: ciò malgrado, fu anche egli prodigo di plausi, tanto che nel Journal de Paris 16 ottobre scrisse:Il Salon si chiuse nel gennaio 1825 con la visita regia di Carlo X di Borbone, re di Francia, il quale assegnò a Constable una medaglia d’oro in virtù del pregio artistico del Carro da fieno. Ciò malgrado, dopo la chiusura del Salon la tela rimase invenduta nella galleria di Arrowsmith per tre anni: fu solo nel 1828 che fu acquistata da Jean-François Boursault-Malherbe, direttore di teatro e amante di fiori e giardini. Alla sua morte l'opera passò intorno al 1838 a Edmund Higginson, per poi trovare la sua collocazione definitiva nella National Gallery di Londra, ove giunse nel 1886 dopo vari passaggi di proprietà.

Prompt: In the context of The Hay Wain, explain the At the Paris Salon and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Eugène Delacroix
Jean-François Boursault-Malherbe
John Arrowsmith
Stendhal


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L'albero dei corvi

L'albero dei corvi  è un dipinto a olio del 1822 del pittore romantico Caspar David Friedrich. È attualmente conservato presso il Museo del Louvre, a Parigi.

Prompt: In The Tree of Crows, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1822
Caspar David Friedrich
Museo del Louvre
Parigi


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Tre filosofi

Prompt: Focus on The Three Philosophers and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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San Marco in trono

Su un alto trono, ispirato alla Pala di Castelfranco di Giorgione, san Marco si erge statuario, vangelo alla mano appoggiato scenograficamente sul ginocchio, ricordando la maestosità di sculture coeve. In basso stanno i santi Cosma e Damiano, due medici, san Sebastiano e san Rocco, patrono degli appestati che mostra, come al solito, la sua piaga aperta sulla gamba. Nel volto di san Rocco è stato individuato un possibile autoritratto giovanile dell'artista, mentre altri ipotizzano che nei santi, così individualizzati, siano nascoste le fisionomie di personaggi contemporanei, magari personalità di spicco nell'assistenza ai concittadini. Il pavimento a scacchi chiarisce la collocazione dei santi nello spazio, ben riuscita e generante una sicura circolazione di forme e masse. plastica monumentalità e l'elemento asimmetrico del fondale architettonico a destra derivano invece dalla Pala di San Giovanni Crisostomo di Sebastiano del Piombo. Molto originale è poi l'illuminazione, che accende i colori delle vesti, ma lascia spregiudicatamente in ombra il volto del santo: si tratta di un dinamismo definito "meteorologico", che anticipa le innovazioni della Pala Pesaro.  gamma di colori è limpida e squillante, con una predilezione per le tinte pure, quelle che assicuravano la maggior brillantezza: blu, giallo, rosso, verde. In questa scelta si può notare un'influenza della tavolozza delle opere di Dürer, a Venezia nel 1506.

Prompt: Focus on St. Mark Enthroned and explain the Description and style.Please output in Italian.

1506
Cosma e Damiano
Giorgione
Pala Pesaro
Pala di Castelfranco
Pala di San Giovanni Crisostomo
Sebastiano del Piombo
Venezia


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Il sogno di Ossian

Il sogno di Ossian è considerato un dipinto di storia, un genere nel quale il giovane Ingres desiderava dedicare la propria carriera. Ossian consentì di staccarsi dal classicismo greco-romano che dominava l'arte francese all'inizio dell'Ottocento.Gli studiosi hanno tracciato una serie di collegamenti tra Il sogno di Ossian ingresiano e Ossian che evoca i fantasmi di Gérard. Lo storico dell'arte Robert Rosenblum nota inoltre come il primo sia "chiaramente indebitato" con l'ultimo. Nei due dipinti, il bardo gaelico evoca degli spiriti e le memorie del passato che torreggiano su di lui. C'è anche un parallelo potenziale tra la figura di Malvina  nel dipinto ingresiano e il fantasma di un vecchio bardo nell'opera di Gérard, in quanto entrambe le figure cercano di avvicinarsi a Ossian. Delle altre somiglianze sono il vestito del poeta, le divinità con l'arpa e gli amanti che si abbracciano. Al contrario, sono presenti degli elementi di contrasto, come il fatto che l'Ossian di Gérard richiama gli spiriti di sua volontà, mentre quello ingresiano li sogna. Per giunta, lo scrittore d'arte Henry Okun descrive il quadro di Gérard come una "frenesia romantica" e quello di Jean-Auguste-Dominique Ingres "pieno di una calma neoclassica", con delle nuvole che hanno una "consistenza come quella del cemento". Nel suo articolo del 1968 su una mostra su Ingres al Petit Palais, la storica dell'arte inglese Anita Brookner non vedeva in modo propizio il quadro. Ella descrisse la rappresentazione del sogno com una "grisaglia" e il quadro come un'opera ingresiana che deve essere "cancellata". Nel 2018,  l'antropologo Peter Gow scrisse che questo era un "quadro molto strano" e spiegò che il giovane Ingres che l'aveva dipinto era "bizzarramente reazionario o bizzarramente profetico".

Prompt: Focus on The Dream of Ossian and explain the Interpretation.Please output in Italian.

Anita Brookner
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Ossian
Petit Palais
Robert Rosenblum


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Apocalisse

Molte religioni trattano il tema dell'allontanamento dell'uomo dalla sua originaria comunione con l'Assoluto, il Divino.Le culture orientali e quelle indoeuropee precristiane  rappresentano il tempo ciclicamente, secondo una scansione in quattro cicli che la tradizione classica greco-romana chiama età dell'oro, dell'argento, del bronzo e del ferro. L'uomo, al termine di ognuna delle quattro fasi, si allontana progressivamente dalla virtù e dal bene. Nelle religioni fondate sul monoteismo  il punto di partenza è la caduta di Adamo in seguito alla quale l'uomo realizzerà sulla Terra un Regno delle Tenebre.Tuttavia, nell'escatologia e soteriologia delle religioni, a questa caduta seguirà l'intervento divino, l'arrivo di un Redentore dell'umanità: il Gesù Cristo del Secondo Avvento nel Cristianesimo; il Messia annunciato dai Profeti nell'Ebraismo; il profeta Gesù che affiancherà il Mahdi  nell'Islam; il Kalki Avatara, ultima manifestazione di Visnù, nell'Induismo; il Maitreya nel Buddhismo; il Saoshyant o "Redentore universale" nell'Iran di Zoroastro.I miti antichi parlano della redenzione del mondo che avverrà attraverso la redenzione dell'umanità. Vaticinano il ritorno dell'età primordiale caratterizzata dalla pietas, dalla pace, da una saggia frugalità, espressione di ricchezza interiore, dalla prosperità della terra e dalla letizia dell'uomo e del creato. Profetizzano una renovatio preceduta da uno sconvolgimento: la grande dissoluzione del cosmo, il mahāpralaya indiano; il mare di metallo fuso, dal quale, nella tradizione iranica, i giusti emergeranno indenni; lekpýrosis dei presocratici e degli stoici; la concussio mundi di Seneca; il ragnarökkr germanico, lestate senza fiori e il mare senza vita dei druidi; lollin dei testi profetici aztechi che, come il pachakuti andino, connota il sommovimento ciclico del tempo e il capovolgimento dello spazio".Esiste però un disegno divino di redenzione nelle antiche tradizioni di molte civiltà. Esse "consegnano un messaggio di speranza espresso in India dalla discesa dellavatāra, divino giudice e rinnovatore. Per bocca di Zarathustra, dopo la conflagrazione, Ahura Mazdā promette il frashkart, il rinnovamento nella luce del mondo e dell'umanità. Platone, attingendo a una speranza remota, annuncia "nuova vita e immortalità rinnovata". Virgilio e le Sibille cantano il ritorno della Vergine Astrea e del regno di Saturno. Seneca, dopo la concussio mundi, saluta il ripristino dellantiquus ordo, il ritorno dell'era in cui pace, pietas e giustizia regnavano sulla terra. "Pace fino al cielo e dal cielo fino in terra", profetizza la celtica Mórrígain e, dopo la distruzione del mondo, dinanzi alla sibilla germanica si dispiega la visione della jörð iðjagröna, la terra di nuovo verdeggiante che emerge dal mare. Secondo le religioni orientali cosmocentriche il Mondo Nuovo sarà l'inizio di un nuovo ciclo cosmico, mentre secondo le religioni monoteiste verrà instaurato un Regno di Dio di cui faranno parte i giusti risorti .Lo schema escatologico delle religioni monoteistiche è simile: decadenza spirituale dell'umanità - l'esilio da Dio -, la perversione dell'umanità ultima e le "doglie" della fine, la battaglia finale - Armagheddon - tra i figli della luce e i figli delle tenebre; la restaurazione finale con l'arrivo del Redentore tanto atteso e il Giudizio divino. Tuttavia vi sono delle differenze. Nell'Ebraismo l'attesa del Giorno del Signore con le sue elaborazioni dottrinarie, escatologiche e messianiche, appare nei momenti più convulsi e drammatici della storia di Israele, mentre nel Cristianesimo e nell'Islam il messaggio apocalittico costituisce una parte fondamentale della struttura di queste religioni. I miti dei Tempi Ultimi descrivono dunque le modalità dell'intervento divino nella storia universale al suo tramonto, intervento ripristinatore dell'ordine cosmico nella creazione con cui la realtà tutta riacquista il proprio autentico significato iniziale.Nei Tempi Ultimi saranno beati gli uomini di quell'epoca: è un concetto contemplato dai miti apocalittici. San Paolo scrive nella Lettera ai Romani : «Dove ha abbondato il peccato ha sovrabbondato la Grazia.». Questo "paradosso della Grazia" è presente nella tradizione ebraica, islamica ed induista. Mosè, dopo aver visto in visione l'oscurità dei Tempi Ultimi, si è sentito "inferiore" a coloro i quali, pur in mezzo a tali tribolazioni, conserveranno la fede nella Torah. Maometto in un ḥadīth  afferma: «All'inizio dell'islam colui che mette un decimo della Legge è dannato; ma negli ultimi tempi, colui che ne compirà un decimo sarà salvato». Nel testo induista Bhāgavata Purāṇa si cantano le lodi paradossali dell'età ultima : «Gli errori commessi dagli uomini nell'Età di Kālī, per quanto abbiano origine nelle cose, nei luoghi o in loro stessi, sono interamente cancellati da Bhagavad, il supremo Puruṣa, quando egli risiede nel cuore.  L'Età di Kali, abisso di vizi, possiede un vantaggio unico ma prezioso: è sufficiente celebrare le lodi di Khrisna [il Signore Supremo] affinché, liberi da ogni legame, ci si possa riunire all'Essere Supremo». Nel Vangelo di Matteo  c'è la Parabola dei lavoratori della vigna o dei voratori dell'Undicesima Ora che riprende questo tema: i lavoratori dell'ultima ora che hanno lavorato solo un'ora sono equiparati a tutti gli altri. E per questo, molti fra «gli ultimi saranno i primi e i primi gli ultimi» .

Prompt: Focus on Apocalypse (Dürer) and explain the Apocalypse in religions.Please output in Italian.

Adamo
Ahura Mazdā
Bhāgavata Purāṇa
Cristianesimo
Dio
Ebraismo
Gesù
Gesù
India
Induismo
Induismo
Iran
Islam
Kālī
Lettera ai Romani
Mahdi
Maitreya
Maometto
Messia
Mondo
Mosè
Parabola dei lavoratori della vigna
Platone
Puruṣa
Terra
Visnù


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Arca di san Tiziano

Nella parte inferiore del sepolcro quattro lesene, riccamente scolpite con racemi vegetali, fiori ed uccelli, delimitano tre nicchie con copertura a conchiglia, entro le quali sono raffigurati, da destra a sinistra, San Damiano, una Madonna col Bambino e San Cosma. Al di sopra si sviluppa l'elaborato coperchio, con una serie di modanature rastremate fino alla cimasa superiore, che fa da piedistallo alla raffigurazione di San Tiziano. Il retro non presenta sculture figurate, bensì una ripartizione a pannelli con specchiature, dove sono ripresi gli stessi ornamenti del fronte. Una raffinata e precisa doratura riveste molte parti dell'arca, in particolare le quattro sculture con una resa efficace ed elegante dei tessuti delle vesti.

Prompt: In Ark of San Tiziano, how is the Description discussed?Please output in Italian.