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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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I lottatori

Secondo Sarah Victoria Turner, Etty avrebbe realizzato il dipinto nell'arco di tre sessioni di disegno dal vero con gli studenti della Royal Academy of Arts. Durante la prima sessione avrebbe realizzato il disegno preparatorio con gesso o carboncino, per poi rifinire i bordi con inchiostro. Durante la seconda sessione avrebbe dipinto con colori ad olio il cartoncino, mentre nell'ultima seduta avrebbe effettuato la velatura. documentazione riguardante il quadro durante il primo secolo dalla sua creazione è praticamente inesistente e le difficoltà nel ricostruire la storia del dipinto è esacerbata dal fatto che Etty dipinse tre opere distinte intitolate The Wrestlers. Si presume che l'opera sia stata esposta alla Royal Society of Arts nel 1849 in occasione di una grande retrospettiva dedicata ad Etty che includeva oltre centotrenta dei suoi dipinti. Il quadro compare in un documento legale per la prima volta il 31 ottobre 1947, quando fu acquistato per trenta ghinee dal York Civic Trust, che lo donò alla York Art Gallery. Il quadro è rimasto a York da allora, con l'eccezione di alcuni prestiti per mostre e retrospettive, incluso Exposed: The Victorian Nude alla Tate Britain nel 2002.

Prompt: How does The Wrestlers (Courbet) explain its History?Please output in Italian.

Royal Academy of Arts
Royal Society of Arts
Tate Britain
York
York Art Gallery
York Civic Trust


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Self-portrait environment autonomy of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ritratto di Luca Pacioli

Il dipinto raffigura il francescano Luca Pacioli, matematico e teologo, amico di Piero della Francesca e di Leonardo da Vinci, all'età di circa cinquant'anni. Il frate è raffigurato mentre dimostra l’ottava proposizione dal libro XIII degli Elementi di Euclide a un discepolo, vestito secondo la moda aristocratica del tempo. Con la mano destra esegue dei disegni geometrici mediante una virgula su di una lavagna che riporta la scritta EVCLIDES, mentre con la sinistra segue le formule riportate nel libro aperto. Sta quindi facendo lezione sulla costruzione dei cinque poliedri regolari. Indossa l'abito francescano color cenere azzurra, stretto in vita dal cingolo. Il giovane allievo è raffigurato di tre quarti, il volto racchiuso nella frangia con lo sguardo diretto all'osservatore. Ha un portamento elegante ed indossa una camicia rossa con sbuffi, coperta da un mantello dalle ampie maniche da cui traspare la fodera in pelliccia di lupo cerviero.Entrambi si pongono di fronte ad un tavolo coperto da un tappeto verde dove sono disposti vari strumenti della professione di insegnante: libri, lavagna, gesso e spugna, un goniometro e un calamaio con calamo e relativo astuccio e un compasso. Sulla tavola compare un cartellino con la scritta IACO.BAR.VIGEN/NIS. P. 149 e una mosca che si posa sopra l'ultima cifra della data. Sul tavolo vi è anche una copia della sua opera più celebre , e un dodecaedro di legno. Un rombicubottaedro  di vetro contenente acqua è sul lato sinistro della tela, sospeso a una cordicella. Nel solido appeso si specchia una finestra aperta che si apre su di un lembo di cielo azzurro e dei fabbricati, dando la percezione di un centro urbano.Riferimenti storici e contenutistici - a cominciare dalla raffigurazione nel quadro del solido archimedeo noto come rombicubottaedro - rinviano alla coeva collaborazione tra Leonardo e Pacioli nella redazione del "De Divina Proportione" dal 1496.Il disegno preparatorio, rilevato dalle indagini radiografiche, presenta una grande diversità rispetto alla sua esecuzione, come molta diversità è rilevabile nella stesura pittorica dei due soggetti.  definizione di ventenne nel cartiglio è importante, perché a quel tempo l'autonomia si raggiungeva solo nel venticinquesimo anno di età, e trovare un artista emancipato in età tanto giovane che firmi un'opera di rilevante valore è un fatto che richiama l'attenzione.

Prompt: Focus on Portrait of Luca Pacioli and explain the Description.Please output in Italian.

Leonardo da Vinci
Luca Pacioli
Piero della Francesca


subsection

William Tecumseh Sherman

resa di Vicksburg avvenne il 4 luglio 1863, Giorno dell'Indipendenza, in perfetta sintonia con la parallela vittoria conseguita nella battaglia di Gettysburg, e Sherman si guadagnò il rango di Brigadier generale dell'esercito regolare, insieme a quello che già deteneva di Maggior Generale dei volontari. Quando la famiglia giunse dall'Ohio per visitare il suo campo nei pressi della città, suo figlio di nove anni, Willie, il "piccolo sergente", morì per la febbre tifoide contratta durante il viaggio.Il comando delle forze operanti nell'Ovest venne quindi unificato sotto la direzione di Grant  e Sherman gli succedette alla guida dell'Armata del Tennessee. A seguito della sconfitta dell'Armata del Cumberland nella battaglia di Chickamauga da parte dell'Armata confederata del Tennessee diretta da Braxton Bragg, questa si venne a trovare sotto uno stretto assedio a Chattanooga.upright=1.8Mappa della Le truppe di Sherman furono inviate in soccorso; durante il viaggio da Memphis il treno in cui si trovava arrivò alla prima battaglia di Collierville proprio mentre la guarnigione unionista si trovava sotto attacco, l'11 ottobre 1863. Sherman prese il comando dei 550 soldati di guarnigione e riuscì a resistere e respingere i  uomini della cavalleria confederata.Nel mese di novembre, durante le fasi finali della campagna di Chattanooga, le forze affidategli riuscirono a conquistare velocemente l'obiettivo prefissato, la collinetta di "Billy Goat", a Nord della cresta montuosa , solo per scoprire che in realtà non faceva parte di essa, ma si trattava piuttosto di uno "sperone" distaccato e separato dalla dorsale principale da un burrone totalmente cosparso di rocce.Quando tentò di attaccare a "Tunnel Hill" le sue truppe furono ripetutamente respinte dalla Divisione di Patrick Cleburne, la migliore unità dell'esercito di Bragg; gli sforzi di Sherman furono assistiti dal successo dell'attacco portato avanti da George H. Thomas il quale sfondò al centro la linea nemica, un movimento originariamente inteso come semplice diversivo.Successivamente guidò una colonna per soccorrere le forze al comando di Ambrose Burnside, che si pensava fossero in difficoltà nella Campagna di Knoxville; nel febbraio del 1864 infine condusse la spedizione di Meridian per distruggere alcune infrastrutture confederate.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Chattanooga campaign of the Youth explained?Please output in Italian.

Ambrose Burnside
Armata confederata del Tennessee
Armata del Cumberland
Armata del Tennessee
Braxton Bragg
Brigadier generale
Campagna di Knoxville
Chattanooga
Generale
George H. Thomas
Indipendenza


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Battaglia di Costantino contro Massenzio

Prompt: How does The Battle of the Milvian Bridge (Giulio Romano) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Sala di Costantino
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Madonna del Latte

rightIl Concilio di Trento, iniziato nel 1543, con il decreto: "De invocatione, veneratione, et reliquiis sanctorum et sacris imaginibus" definì la posizione della Chiesa riguardo alle iconografie devozionali.Tra gli scopi di questo decreto vi era il voler evitare immagini di natura sensuale o percepite come tali dalla morale dell'epoca.  Riforma cattolica tridentina annoverò tra queste immagini sconvenienti, che si riteneva potessero fuorviare il fedele, le rappresentazioni di Maria a seno scoperto poiché accusate di distogliere i fedeli dalla preghiera. Fu demandato ai vescovi il compito di valutare le varie rappresentazioni e di decidere se queste dovessero essere ritoccate, oppure rimosse. Nella diocesi di Milano fu in particolare Carlo Borromeo a trovare sconvenienti tali immagini molto diffuse in Brianza, facendo provvedere in molti casi a coprirle con ritocchi. Alcune chiese intitolate alla "Madonna del latte" mutarono denominazione.Mentre l'iconografia della "Madonna del tte" decadeva, per contro la venerazione popolare delle antiche immagini continuò legata al desiderio di maternità.

Prompt: In Nursing Madonna (Andrea Pisano), how is the The Counter-Reformation and the decline of iconography of the Meaning of iconography explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Self-portraitsset of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (Correggio).Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: How does Deposition (Bellini) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Il Tempo che ordina alla Vecchiaia di distruggere la Bellezza è un dipinto di Pompeo Batoni. Eseguito nel 1746, è conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Time Orders Old Age to Destroy Beauty explain its Abstract?Please output in Italian.

1746
Bellezza
Londra
Pompeo Batoni
Tempo


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Guerrillero Heroico

fotografia fu subito pubblicata su qualche giornale cubano, ma poi rimase praticamente semisconosciuta per i successivi sette anni.Nel giugno 1967 l'editore milanese Giangiacomo Feltrinelli si recò a L'Avana, di ritorno dalla Bolivia: fu proprio a Cuba che incontrò Alberto Korda, con il quale si fermò nel suo studio a parlare del "Che".Lo scatto di Korda da allora è divenuto una delle fotografie più celebri e più riprodotte della storia. Diffusa dapprima in ambito politico e successivamente nel circuito artistico, nel corso degli anni l'immagine è stata reinterpretata e riprodotta nei più vari settori: design, moda, cinema, pubblicità.Nonostante questo, il suo autore non ha mai reclamato i diritti né ha ricevuto alcun compenso.Nel 2000 Korda intraprese una battaglia legale contro l'azienda russa Smirnoff, rea di aver utilizzato la foto del Che per pubblicizzare la propria vodka.  vicenda si è conclusa con un accordo extra-giudiziale, che ha comportato l'esborso di 50 000 dollari da parte dell'azienda, che il fotografo ha utilizzato per l'acquisto di medicinali in favore dei bambini cubani.

Prompt: How does Guerrillero Heroico explain its Successive events?Please output in Italian.

1967
2000
Alberto Korda
Bolivia
Cuba
Giangiacomo Feltrinelli
L'Avana


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Focus on The Crucifixion (Cranach) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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L'orchestra dell'Opéra

A partire dalla fine degli anni sessanta del XIX secolo Degas spostò i propri interessi dalla pittura storica a episodi di vita contemporanea: è normale, dunque, che egli si sentisse stimolato dal tema del teatro e dell'orchestra, reso magistralmente in questo dipinto. Il pittore, infatti, risolve l'impianto compositivo dell'opera in maniera molto originale, proponendo una soluzione visiva nuova e dinamica che si sostituisce alla visione frontale e immobile generalmente adottata in questo genere di rappresentazioni. Anche se realizzato in studio, il dipinto conserva la freschezza delle opere realizzate sur le motif e restituisce un effetto di palpitante realismo, al punto da sembrare un'istantanea fotografica. Studi radiografici, inoltre, hanno accertato che Degas è intervenuto dopo il completamento dell'opera accorciando la parte superiore della tela, sollevando così l'orizzonte della scena, e aggiungendo l'arpa, il palco ed il contrabbasso: quest'audace inquadratura coinvolge attivamente l'osservatore del dipinto, situato idealmente in basso, nella parte del teatro riservata al pubblico.Al di là della balaustra che cinge il teatro si situa l'orchestra. L'opera, in effetti, è impostata come un ritratto collettivo «in situazione»: memore della lezione di Van Dyck, visto a Genova, Degas sceglie di ritrarre personaggi facilmente conoscibili, come il violoncellista Pillet, il compositore Emmanuel Chabrier ed il suonatore di contrabbasso Désiré Dihau . Al di là della fossa degli orchestrali si apre il palcoscenico, dove troviamo un gruppo di ballerine: le loro teste, come osservato dalla critica d'arte Giovanna Rocchi, «sono tagliate dall'inquadratura per rendere esplicita la rigida consequenzialità della lettura del testo pittorico». Molto particolare è il trattamento cromatico differenziato delle varie parti: mentre la zona mediana del dipinto è dominata da toni molto cupi, come neri, bianchi e marroni, quella relativa alle ballerine è inondata da una luce violenta e sfolgorante, modulata con scaltrezza da Degas che in questo modo riesce a rendere la scena ritratta maggiormente mondana e festaiola.È come se la prima cosa che Edgar Degas ha voluto rappresentare in questo dipinto fosse proprio la pura potenza dell’occhio. In questo dipinto così duramente, arbitrariamente “tagliato”, Degas mette in atto una composizione movimentata, drammatica.  sproporzione prende il posto della proporzione, l’asimmetria quello della simmetria. Non si dà un centro, quanto piuttosto forze che fluiscono.

Prompt: Focus on The Orchestra at the Opera and explain the Description.Please output in Italian.


section

Il soggetto del dipinto è la battaglia di Ponte Milvio, quando Costantino sconfisse Massenzio.  convulsa scena di battaglia è ispirata ai rilievi sui sarcofagi romani e su altri monumenti, con l'imperatore che ad esempio è plasmato su quello del fregio traianeo nell'Arco di Costantino.Al centro incede trionfante Costantino su un cavallo bianco, che macina i nemici sotto gli zoccoli. Gli si parano davanti le truppe avversarie, che si piegano però alla sua inarrestabile avanzata. A destra si vede il ponte Milvio, strapieno di soldati; nel fiume le barche dell'esercito di Massenzio vengono colpite e fatte rovesciare dagli arcieri, mentre altri soldati vi cadono per la spinta della zuffa; tra questi, in basso a sinistra, si trova anche Massenzio a cavallo, riconoscibile per la corona in testa, che è ormai inevitabilmente destinato alla sconfitta. In alto tre apparizioni angeliche confermano l'esito divino della battaglia.Nello sfondo, in alto a sinistra, un edificio rappresenta probabilmente villa Madama, allora in costruzione secondo i progetti del Sanzio.

Prompt: How does The Battle of the Milvian Bridge (Giulio Romano) explain its Description and style?Please output in Italian.

Arco di Costantino
Massenzio
Ponte Milvio


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


section

Concerto a tre

L'opera è ricordata nel 1780 in un'asta tenutasi ad Amsterdam, già con attribuzione corretta a "Jan van der Meer di Delft". Dopo vari passaggi, tra cui quello nella collezione Thoré-Burger, fu acquistato da Isabella Stewart Gardner nel 1892. Come accennato, fu rubato il 18 marzo 1990 assieme ad altre quattro opere nella sala degli olandesi al museo Isabella Stewart Gardner e ad altri dipinti, ancora non ritrovati. In ossequio ai desideri della fondatrice del museo, che desiderò come tutto fosse lasciato come essa aveva deciso, la sala che ospitava i quadri rubati espone oggi le sole cornici vuote.

Prompt: In The Concert (Vermeer), how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1834 si trovano riferimenti a un «nobile e coltissimo nostro concittadino» milanese che intendeva realizzare a proprie spese un monumento in bronzo a Leonardo. L'anonimo aveva anche ottenuto l'autorizzazione del governo austriaco per posizionare il monumento nel cortile di Brera, decorando l'accesso al doppio scalone. All'epoca per lo scalone richiniano erano in preparazione anche i monumenti a Cesare Beccaria e a Giuseppe Parini..</ref>}} base in granito avrebbe dovuto essere di circa 2 metri con figure in bronzo alte circa 3 metri, raffigurando la personificazione dell'Immortalità nell'atto del porgere una corona d'alloro a Leonardo, intento in profonde meditazioni sui propri libri. Un bassorilievo sulla base avrebbe riprodotto l'Ultima Cena. Questo progetto non fu però completato.

Prompt: In the context of Monument to Leonardo da Vinci, explain the First project and the Interventions.Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Non ci sono riferimenti alla storia di Veronica e del suo velo nei Vangeli canonici. Il più vicino è il miracolo della donna che fu curata toccando l'orlo della tunica di Gesù ; il suo nome è più tardi identificato con Veronica dagli apocrifi "Atti di Pilato".  storia fu in seguito elaborata nell'XI secolo aggiungendo che Cristo le diede un ritratto di se stesso su un panno, con cui lei più tardi curò Tiberio. Il collegamento di ciò con la Via Crucis nella Passione, e l'apparizione miracolosa dell'immagine avviene solo intorno al 1380, nel libro internazionalmente popolare, Meditazioni sulla vita di Cristo. È anche a questo punto che altri dipinti dell'immagine cambiano fino a comprendere una corona di spine, sangue, e l'espressione di un uomo sofferente.Sulla via Dolorosa a Gerusalemme c'è una piccola cappella, nota come la cappella del Volto santo.Tradizionalmente, questa è considerata la casa di Santa Veronica e luogo del miracolo.Secondo l'Enciclopedia Cattolica, il nome "Veronica" è una parola composta popolare con la parola latina Vera, che significa vera, e la parola greca icon che significa "immagine"; il velo di Veronica pertanto fu ampiamente considerato, nel Medioevo, come la "vera immagine" e la veridica rappresentazione di Gesù, precedente alla sindone di Torino.

Prompt: How does Head of Christ (Correggio) explain its History?Please output in Italian.

Atti di Pilato
Cristo
Gerusalemme
Gesù
Santa Veronica
Tiberio
Veronica
Via Crucis


section

Trittico degli Uffizi

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: In Adoration of the Magi (Mantegna), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Il cardellino

ricezione critica del romanzo è stata polarizzata. Booklist ha scritto: "Inzuppato di dettagli sensoriali, intriso dei pensieri e dei sentimenti ribollenti di Theo, innescato da agili dialoghi e spinto dall'escalation dell'angoscia cosmica e dall'azione da thriller, il romanzo di Trincant, ribelle, avvincente e lancinante conduce una grande indagine su il mistero e il dolore della sopravvivenza, della bellezza e dell'ossessione e la promessa dell'arte."Stephen King ha elogiato il romanzo e ha definito la Tartt "una scrittrice straordinariamente brava." Sul New York Times, Michiko Kakutani ha sottolineato ciò che ha visto come elementi Dickensiani del romanzo, scrivendo: " signora Tartt ha fatto dell'uccello di Fabritius il MacGuffin al centro del suo glorioso romanzo Dickensiano, un romanzo che mette insieme tutti i suoi notevoli talenti narrativi in un insieme estatico e sinfonico e ricordano al lettore i piaceri della lettura coinvolgenti e stabili per tutta la notte." Woody Brown, scrivendo in Art Voice, ha descritto Il cardellino come "una meravigliosa, epica storia, una delle cui 773 belle pagine dicono, in breve: 'Come possiamo? Eppure, lo facciamo.'"A metà del 2014, Vanity Fair ha riferito che il libro aveva ricevuto "alcune delle più severe stroncature a memoria d'uomo da parte dei più importanti critici del Paese e ha scatenato un vero e proprio dibattito in cui i detrattori ritengono che sia in gioco niente di meno che il futuro della lettura stessa". Sia James Wood del The New Yorker che la London Review of Books hanno affermato che il libro fosse di genere giovanile, il primo sostenendo che "il tono, il linguaggio e la storia del romanzo appartengono alla letteratura per bambini", mentre il secondo ha definito Il cardellino un "libro per bambini" per adulti. Il Sunday Times di Londra ha affermato che "nessun sforzo per elevarsi può mascherare il fatto che Il cardellino è un tacchino", e  The Paris Review ha dichiarato: "Un libro come Il cardellino non annulla alcun cliché, ma li sfrutta."

Prompt: Focus on The Goldfinch (painting) and explain the Welcome.Please output in Italian.

2014
Booklist
London Review of Books
MacGuffin
Michiko Kakutani
New York
Stephen King
The New Yorker
The Paris Review


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Battaglia di Ostia

Repubbliche marinare Battaglia del Garigliano  Battaglia di Licosa Storia dell'Islam nell'Italia medievale

Prompt: Focus on Battle of Ostia (painting) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Battaglia di Licosa
Repubbliche marinare


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Dama con scoiattolo e storno

L'evidenza dell'identificazione del personaggio con Anne Lovell venne sollevata per la prima volta dallo storico esperto di vetrate istoriate David J. King mentre studiava le finestre della chiesa parrocchiale di East Harling, Norfolk, sede della famiglia Lovell. King notò come lo stemma della famiglia Lovell dipinto sulla vetrata includesse degli scoiattoli. Quella dello storno era una figura diffusa nell'area dove la famiglia viveva ed inoltre il luogo all'epoca era detto Estharlyng, molto simile alla parola starling che significa appunto storno in inglese.

Prompt: In Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling, how is the Identification of the History explained?Please output in Italian.


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Angelus Novus

Riviste letterarie italiane del XX secolo

Prompt: How does Angelus Novus explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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L'eterna primavera

Quest'opera che celebra l'amore e la primavera venne creata nel lungo periodo nel quale Rodin lavorò alla sua Porta dell'inferno . All'inizio l'opera venne concepita per fare parte di questo progetto, rappresentando Paolo Malatesta e Francesca da Polenta, ma alla fine non venne inclusa nel gruppo per il sentimento di felicità espresso dagli amanti che non sembrava appropriato con il tema dellInferno dantesco. figura femminile dell'opera riprende il Torso di Adele del 1882 ispirato ad Adele Abruzzesi, una delle modelle preferite di Rodin. Diversamente dal Bacio, nellEterna primavera è l'uomo che domina la composizione sostenendo il corpo arcuato della sua amante. Probabilmente l'opera si ispira alla relazione appassionata che era iniziata nel 1883 tra lo scultore e la sua studente Camille Claudel, e che sarebbe durata per una decina d'anni.Esposta al Salone degli artisti francesi del 1898, l'opera conobbe un successo importante e venne replicata in numerosi esemplari di bronzo in quattro dimensioni diverse, oltre a sei esemplari in marmo. Rodin realizzò una versione in marmo  nella quale scolpì un tronco sul quale sul quale appoggiare il braccio dell'uomo, mentre il suo piede destro si trova su una roccia.

Prompt: How does Eternal Springtime explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La marchesa di Santa Cruz

J. Chastenet,  vie quotidienne en Espagne au temps de Goya, 1966, ParigiPierre Gassier, Goya, 1989, Roma, New ComptonA. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990F. Calvo Serraler, Goya, Milano, 1996Renato Barilli, L'alba del contemporaneo: l'arte europea da Füssli a Delacroix, 1996, FeltrinelliJanis Tomlinson, Goya, 2002, PhaidonR. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'EspressoR. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, RizzoliGiuliano Serafini, Francisco Goya, 2004, Giunti

Prompt: In Portrait of the Marchioness of Santa Cruz, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Assedio di Asola

L'assedio di Asola, conosciuto anche come Battaglia di Asola, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1544-1545 da Jacopo Tintoretto.

Prompt: How does The Siege of Asola explain its Abstract?Please output in Italian.


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Paesaggio montano con arcobaleno

In primo piano un viandante si è fermato a riposare. Egli volge lo sguardo verso lo sfondo dove si apre un oscuro abisso. In quelle profondità si intravedono alcune montagne, mentre, al di sopra del paesaggio, nella luce che sta scomparendo, si forma un arcobaleno . Nei lavori di Friedrich, i dipinti che presentano un netto contrasto tra primo piano e sfondo sono comuni; questa separazione simboleggia il piano fisico e quello spirituale dell'esistenza. Ciò avviene anche in questo dipinto: in primo piano il sole illumina il fogliame e gli abiti del viaggiatore, mentre l'oscurità della notte riempie il resto dell'immagine. Il giorno e la notte, lo spirito e la materia, sono unificati dall'arcobaleno, che nel racconto della Genesi dell'Arca di Noè simboleggia l'alleanza tra Dio e l'umanità.

Prompt: Explain the Description and analysis of this artwork, Mountain Landscape with Rainbow.Please output in Italian.


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Ritratto di Jacopo Dolfin

Jacopo Dolfin fu un ambasciatore e politico della Repubblica di Venezia. In quest'opera, attribuita a Tiziano, è ritratto a mezza figura su uno sfondo scuro neutro, mentre regge una lettera che ne chiarisce l'identità. Il busto è ruotato di tre quarti verso destra, ma il volto guarda lo spettatore e le braccia amplificano lo spazio protendendosi sulla diagonale. Il grande cappotto, foderato di pelliccia, dà l'effetto del velluto con abile maestrìa e una pennellata ruvida, tipica dell'artista e della sua cerchia. Le linee delle spalle dirigono lo sguardo dello spettatore verso il  volto, che è anche la parte più in luce dell'intero dipinto.L'effigiato è calvo e porta la barba lunga secondo la moda di quegli anni.  mano sinistra, che sporge sotto la pesante manica, ha al dito un anello, che ne certifica l'alto stato sociale.

Prompt: In Portrait of Giacomo di Andrea Dolfin, how is the History and description discussed?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Il Nato a Nymphenburg , era figlio di Massimiliano II di Baviera e di Maria di Prussia. Da bambino gli venivano continuamente ricordate le sue prerogative reali e, benché estremamente viziato in alcune occasioni, fu anche severamente controllato dai suoi precettori e sottoposto a un duro regime di studio ed esercitazioni.L'infanzia di Ludovico ebbe momenti lieti, come le visite con la famiglia a Hohenschwangau e al lago di Starnberg. Da adolescente divenne molto amico del suo aiutante di campo, Paul Maximilian moral von Thurn und Taxis, della facoltosa famiglia bavarese dei Thurn und Taxis. I due giovani andavano a cavallo insieme, leggevano poesie e allestivano scene delle opere romantiche di Richard Wagner.  relazione si infranse quando Paul divenne più interessato alle ragazze.Durante la sua gioventù, Ludovico incominciò anche una lunga amicizia con la procugina Elisabetta, imperatrice d'Austria. Entrambi amavano la natura e l'arte. Come la biografia dell'imperatrice d'Austria e regina di Ungheria, scritta da Nicole Avril, testimonia, Sissi era una cultrice di Heinrich Heine e, sull'esempio del celebre poeta di Düsseldorf, chiamava se stessa, nelle sue poesie, "gabbiano", per il suo amore mistico e travolgente per il mare e al cugino riservava, sempre nei sonetti scritti di suo pugno, l'epiteto di "aquila" .

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Childhood, youth and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Baviera
Düsseldorf
Heinrich Heine
Hohenschwangau
Massimiliano II di Baviera
Nicole Avril
Richard Wagner
Thurn und Taxis


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel novembre 1970, all'interno delle manifestazioni per festeggiare i 10 anni del movimento Nouveau Réalisme, Christo e Jeanne-Claude furono incaricati dal Comune di Milano di realizzare una performance. Il 24 novembre il monumento a Vittorio Emanuele II fu impacchettato con teli e legato con corda rossa; però, a causa delle proteste, il giorno successivo fu deciso di rimuovere la copertura. Negli stessi giorni fu impacchettato anche il monumento a Leonardo da Vinci; la notte del 28 novembre alcuni giovani  diedero fuoco al telo, che fu rimosso dai vigili del fuoco intervenuti sul posto.

Prompt: Explain the Monument wrapped about the Criticisms of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.

Christo e Jeanne-Claude
Leonardo da Vinci
Milano
Nouveau Réalisme


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In Last Supper (Rosselli), how is the One God will betray you of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: How does Annunciation (van Eyck, Washington) explain its Liturgical celebration?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Battaglia di Isso

Per quanto riguarda l'entità delle forze in campo, le fonti letterarie di epoca classica greco-romana concordano nell'indicare una cifra di circa 40.000 soldati macedoni , ma esagerano e sono discordanti sull'ammontare delle forze persiane: secondo Arriano e Plutarco erano 600.000 uomini, secondo Diodoro Siculo e Giustino 400.000, secondo Curzio Rufo 250.000. storiografia moderna si attesta su cifre inferiori: tra i 100.000 e 120.000 uomini per i Persiani e circa 30.000 per i Macedoni.Alessandro era schierato alla destra, all'uscita della valle del Pinarus, al comando della cavalleria pesante degli eteri . Alla sua sinistra si trovava la falange e la fanteria leggera macedone  sotto la guida di Parmenione, il cui fianco sinistro era protetto da un contingente di cavalieri alleati provenienti dalla Tessaglia. Il comandante Cratero era sull'ala sinistra comandata da Parmenione, a cui era stato dato l'ordine tattico di non allontanarsi dal mare. Erano inoltre presenti come supporto le unità comandate da Sitalce, mentre alla destra si trovavano Aristone, Protomarco, gli arcieri di Antioco, gli hetaîroi e all'estrema destra presiedeva Attalo. Alessandro arringò i suoi uomini, incitandoli affermando che dopo questa vittoria non ci sarebbero stati altri ostacoli alla conquista dell'intera Asia.I Persiani concentrarono la cavalleria sul loro fianco destro, in prossimità della costa, a supporto di una falange di opliti costituita da mercenari provenienti dalla Grecia. Dario aveva disposto la fanteria pesante  lungo il fiume e un gruppo sulle colline, per minacciare il fianco destro macedone . Al centro della formazione si trovava il re con le truppe migliori: gli immortali  e la cavalleria reale. Secondo alcuni storici, come Leon Stratikis, Dario stava cercando di copiare la formazione che l'esercito macedone utilizzò durante la battaglia del Granico.

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Strengths in the field of the Consequences of the battle explained?Please output in Italian.

Aristone
Arriano
Cratero
Diodoro Siculo
Grecia
Parmenione
Persia
Pinarus
Plutarco
Protomarco
Sitalce
Tessaglia


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Il colosso

Il colosso è uno dei quadri goyeschi più enigmatici. Raffigura un intero popolo che fugge in modo frenetico e vorticoso da un pericolo imminente e mortale: a far parte di questo esodo improvviso vi sono un branco di grosse bestie che, ormai non più impedite dal recinto, fuggono dai mandriani, ma anche una colonia di sfollati alla deriva con masserizie al seguito, e altre persone che implorano aiuto, consapevoli che ogni attimo per sfuggire da quel rischio immane potrebbe rivelarsi vitale. C'è chi, colto da un improvviso malessere fisico, tracolla, e vi è persino un cavaliere disarcionato. A destra, infine, notiamo un piccolo villaggio addormentato, ormai inadatto per proteggere i suoi abitanti. L'unico essere vivente a non curarsi del pericolo imminente è un asino, simbolo dell'ignoranza e caparbietà umana.Le cause di quest'apocalisse, tuttavia, sono ignote. Nel cielo, tuttavia, possiamo notare una figura improvvisa e abnorme: si tratta di un colosso nudo, barbuto e devastato dalla furia, come si può notare dagli occhi chiusi per la collera e dai pugni chiusi in modo minaccioso. Si potrebbe rintracciare proprio nel gigante il motivo di tanta disperazione, e in questo caso vi andrebbe letta una metafora del potere assolutista, del conflitto bellico scoppiato con la Francia o anche dell'insensibilità dell'uomo moderno verso la natura. Potrebbe darsi, tuttavia, che il colosso in realtà stia proteggendo la popolazione in fuga da un nemico che non riusciamo a vedere, situato oltre le colline: ad avallare questa tesi vi è la posizione stessa del gigante, che non attacca il popolo inerme bensì gli dà le spalle, o meglio lo protegge, e l'esistenza di un poema di Juan Bautista Arriaza, Profecía del Pirineo . dove si narra proprio di un colosso di statura e forza straordinaria, vero e proprio nume tutelare della Spagna, che emerge dalle montagne e si confronta con l'invasione napoleonica.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Colossus (painting).Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

Elenco delle opere d'arte visibili nel dipinto:  Dipinti: Arco di Settimio Severo  Arco di Costantino Arco di Gallieno Arco di Giano Arco di Tito Colonna di Antonino Pio Colonna di Marco Aurelio Colonna Traiana Piramide di Caio Cestio Trofei di Mario Pantheon esterno Pantheon interno  Tempio di Antonino e Faustina Tempio dei Dioscuri Tempio di Ercole Vincitore Tempio di Marte Ultore Tempio di  Minerva Medica Tempio di Portuno Tempio di Saturno Tempio di Venere e Roma Tempio di Vespasiano Tempio di Vesta  Tempio di Vesta  Basilica di Massenzio Colosseo Ponte Milvio Chiesa di Santa Costanza Foro di Nerva Mercati di Traiano Colle Palatino Teatro Marcello Terme di Diocleziano Tomba di Cecilia Metella Villa Gregoriana a Tivoli Nozze Aldobrandini Sculture: Arianna dormiente  Flora Farnese  Statua equestre di Marco Aurelio Antinoo del Belvedere Apollo del Belvedere Bocca della Verità Galata morente Gladiatore Borghese Gruppo del ocoonte Ercole Farnese Leone egizio Sarcofago  Satiro con flauto  Sileno con in braccio Dioniso bambino Spinario Vaso Borghese Vaso MediciI personaggi sono presenti in piccolo numero sulla scena. Alcuni osservano attentamente il quadro con l'incisione acquerellata delle Nozze Aldobrandini, di Pietro Santi Bartoli.Nella prima e nella seconda versione del dipinto al centro si vede il conte Étienne François de Choiseul che tiene in mano un libro. Pannini si è autoritratto, in piedi, alle spalle del conte. Nella terza versione invece, alla figura del conte è sostituita quella di un ecclesiastico: l'abbate François-Claude de Montboissier.

Prompt: In Ancient Rome (painting), how is the Paintings culture of the Description explained?Please output in Italian.

Apollo del Belvedere
Arco di Costantino
Arco di Giano
Arco di Settimio Severo
Arco di Tito
Arianna dormiente
Basilica di Massenzio
Bocca della Verità
Palatino
Colonna Traiana
Colonna di Antonino Pio
Colonna di Marco Aurelio
Colosseo
Ercole Farnese
Flora Farnese
Foro di Nerva
Galata morente
Gladiatore Borghese
Leone egizio
Mercati di Traiano
Nozze Aldobrandini
Pantheon
Pietro Santi Bartoli
Ponte Milvio
Sarcofago
Satiro con flauto
Sileno con in braccio Dioniso bambino
Spinario
Statua equestre di Marco Aurelio
Tempio dei Dioscuri
Tempio di Antonino e Faustina
Tempio di Ercole Vincitore
Tempio di Marte Ultore
Tempio di Portuno
Tempio di Saturno
Tempio di Venere e Roma
Tempio di Vespasiano
Tempio di Vesta
Terme di Diocleziano
Tivoli
Vaso Borghese
Vaso Medici
Villa Gregoriana
Étienne François de Choiseul


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Il sonno della ragione genera mostri

Esistono tre manoscritti contemporanei che spiegano il soggetto dell'opera. Uno di questi, conservato nel Museo del Prado è ritenuto autografo di Goya ed esprime un parere sul ruolo dell'arte. È lo stesso Goya ad indicarci il significato della sua opera in questo scritto detto Commento di Alaya:Secondo Goya, dunque, la fantasia è alla base di tutte le creazioni. Se questa è lasciata delirare in maniera incontrollata, senza il supporto della ragione, condurrà ai mostri e a tanti elementi inesistenti; se, invece, la ragione è sveglia e si unisce alla fantasia, in un intimo connubio tra regola e genio, si dà vita a uno strumento dalla potenza inesauribile. I mostri, infatti, simboleggiano proprio quelle forme e quei processi mentali che, relegati negli abissi del subconscio, dopo il sonno della ragione hanno potuto finalmente palesarsi: l'uomo, in questo modo, non è oppresso da forze esterne, bensì è in conflitto con sé stesso, travagliato da queste orribili visioni scaturite dalla sua anima.Gli altri due manoscritti  sono anonimi e suggeriscono un'interpretazione più scomoda per l'epoca dell'artista, che può riferirsi alle dottrine razionaliste dell'illuminismo diffuse dalla Rivoluzione francese.

Prompt: Focus on The Sleep of Reason Produces Monsters and explain the Meaning.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

L'Immacolata Concezione è un giorno festivo nei seguenti Paesi: Austria, Liechtenstein, nei cantoni a prevalenza cattolica della Svizzera, Argentina, Spagna, Cile, Nicaragua, Portogallo, Colombia, Italia e Malta.Nel 1646, durante la Guerra dei trent'anni, l'imperatore Ferdinando III d'Asburgo fece consacrare l'Austria all'Immacolata Concezione. In Austria l'8 dicembre viene festeggiato sin dal XVII secolo. A partire dal '95, la legge che regolamenta gli orari di apertura e di chiusura degli esercizi commerciali ha concesso a numerosi negozi e magazzini di restare aperti in tale giorno.Secondo una norma speciale del diritto canonico, l'Immacolata Concezione non è una "festività religiosa" in Germania. Fino al 1969 questo giorno era qualificato come festività religiosa tutelata dallo Stato senza essere un giorno festivo

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Feast of the Immaculate Conception of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

8 dicembre
Argentina
Austria
Cile
Colombia
Ferdinando III d'Asburgo
Guerra dei trent'anni
Italia
Liechtenstein
Malta
Nicaragua
Portogallo


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Ritratto di Minerva Anguissola

</ref> opera = dipinto tecnica = olio su tela altezza=36 larghezza=29 città=Milano ubicazione=Pinacoteca di Brera}}Ritratto di Minerva Anguissola è un dipinto a olio su tela di Sofonisba Anguissola, databile al 1564 circa e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano.

Prompt: In Portrait of Minerva Anguissola (Milan), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1564
Milano
Pinacoteca di Brera
Sofonisba Anguissola


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Perseo e Andromeda

Perseo salva Andromeda in una  del Questo tema artistico raffigura il salvataggio di Andromeda, figlia di Cefeo e Cassiopea e principessa d'Etiopia, da parte dell'eroe Perseo in groppa a Pegaso, il cavallo alato. Secondo il mito, raccontato anche da Publio Ovidio Nasone nelle sue Metamorfosi, Andromeda venne incatenata ad uno scoglio per essere offerta in pasto ad un mostro marino chiamato Ceto: questo mostro devastava le coste del regno d'Etiopia perché la regina Cassiopea aveva sostenuto di essere più bella delle Nereidi, provocando così l'ira di Poseidone, che inviò il mostro come punizione. L'eroe Perseo, di ritorno dalla sua impresa precedente, ovvero l'uccisione di Medusa, notò la donna incatenata ad uno scoglio e il mostro pronto a divorarla, perciò decise di intervenire. Alla fine, Perseo uccise il mostro e salvò Andromeda, da lui sposata in seguito. Il tema raffigura proprio il salvataggio di Andromeda, incatenata allo scoglio.Nelle raffigurazioni di epoca classica e medioevale Andromeda appare perlopiù vestita mentre è incatenata allo scoglio. È a partire dall'epoca rinascimentale che la donna viene mostrata nuda, secondo quando raccontato nel quarto libro delle Metamorfosi di Ovidio.Nonostante Andromeda sia etiope, la donna viene quasi sempre raffigurata con la carnagione chiara. Una delle poche raffigurazioni del personaggio con la pelle scura è una stampa, conservata al Rijksmuseum, tratta da un'illustrazione del fiammingo Abraham van Diepenbeeck.Il tema ebbe un grande impatto sulla letteratura postclassica, a tal punto da ispirare altre storie nelle quali una fanciulla rischia di essere divorata da una creatura mostruosa, con relative rappresentazioni artistiche: la lotta di san Giorgio contro un drago per salvare una principessa, e la liberazione di Angelica e Olimpia rispettivamente salvate da parte da Ruggiero e Orlando, come si legge nellOrlando furioso di Ludovico Ariosto. Gli episodi con Angelica e Olimpia sono quelli più vicini al mito classico, dato che la creatura mostruosa è una bestia marina, nota come Orca di Ebuda, molto simile a Ceto; inoltre entrambe le donne sono incatenate a uno scoglio, proprio come Andromeda.

Prompt: Focus on Perseus and Andromeda (Rubens) and explain the Description.Please output in Italian.

Abraham van Diepenbeeck
Ludovico Ariosto
Nereidi
Orca di Ebuda
Orlando furioso
Publio Ovidio Nasone
Perseo
Poseidone
Publio Ovidio Nasone


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Viaggio di Mosè in Egitto

scena del Viaggio di Mosè in Egitto è la prima della parete a destra dell'altare, guardando verso di esso, ed è in parallelo con il Battesimo di Cristo sul lato opposto. C'era infatti un preciso parallelismo tra le cerimonie della circoncisione e del battesimo rispettivamente nel mondo ebraico e cristiano, sottintendendo anche la dimensione più profonda e spirituale del secondo. In tale senso il battesimo, come scritto anche da sant'Agostino e molti dei Padri della Chiesa, era una sorta di "circoncisione spirituale" per i fanciulli. storia narrata nell'affresco mostra la partenza di Mosè  per l'Egitto dopo l'esilio nella terra di Madian. Al centro un angelo lo ferma chiedendogli di circoncidere il suo secondo figlio, Eliezer , come segno fisico dell'Alleanza stipulata da Dio con la stirpe di Abramo. Della cerimonia si occupa la madre Zippora.Anche in questo caso la scena è composta secondo principi di equilibrio e simmetria, coi due gruppi in primo piano che fanno perno sull'angelo al centro e sullo sperone roccioso che si leva su di lui. Su questo asse, in secondo piano si vede anche il congedo di Mosè e di sua moglie da Ietro. Ai lati si distende un dolce paesaggio collinare, punteggiato di sottili alberelli , che sfuma in lontananza secondo le regole della prospettiva aerea, rischiarato da lumeggiature dorate. Molti uccelli solcano il cielo, tra cui due che si accoppiano in volo, alludendo ai cicli della natura che si rinnovano. Questo clima bucolico è richiamato anche dal gruppo di pastori danzanti in secondo piano a sinistra, legati dopotutto alle storie di Mosè, che era diventato pastore al servizio di Ietro. Le figure delle donne con vesti svolazzanti, che tengono in testa vasi e altro, sono una citazione di un motivo tipicamente fiorentino, usato ad esempio sia da Botticelli che da Ghirlandaio.

Prompt: In Moses Leaving for Egypt, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Battesimo
Egitto
Eliezer
Ietro
Madian
Mosè
Padri della Chiesa


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Il bevitore di assenzio

Il bevitore d'assenzio  è un dipinto a olio su tela  del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1858-1859 e conservato alla Ny Carlsberg Glyptotek di Copenaghen.

Prompt: How does The Absinthe Drinker (Manet) explain its Abstract?Please output in Italian.

Copenaghen
Ny Carlsberg Glyptotek
Édouard Manet


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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Ritratto votivo della famiglia Vendramin è un dipinto di Tiziano, a olio su tela , quest'opera fu realizzata tra il 1543 e il 1547. Quest'opera è conservata alla National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of the Vendramin Family.Please output in Italian.


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Circe

Madeline Miller, Circe , traduzione di  Marilù Oliva, L'ODISSEA raccontata da Penelope, Circe, Calipso e le altre, Solferino, 2020, ISBN 978-8828203612

Prompt: Focus on The Sorceress (Waterhouse) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Calipso
ISBN
Madeline Miller
Marilù Oliva
Penelope


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La preghiera nella moschea

preghiera nella moschea  è un dipinto a olio su tela dell'artista francese Jean-Léon Gérôme, realizzato nel 1871. L'opera è conservata al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Prayer in the Mosque.Please output in Italian.

Jean-Léon Gérôme
Metropolitan Museum of Art
New York


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Leonida alle Termopili

Leonida alle Termopili è un dipinto di Jacques-Louis David . Iniziato nel 1800, la sua realizzazione venne interrotta dalle commissioni pittoriche del regime napoleonico per poi essere ripreso infine nel 1814. Il dipinto è attualmente parte delle collezioni del museo del Louvre.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Leonidas at Thermopylae.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Bambini dell'Olocausto

Dal dicembre 1941 lo sterminio procedette in appositi campi apertisi allo scopo , dove ad essere usato fu principalmente lo strumento della gassazione.I bambini ebrei e quelli Rom furono condotti nei campi per nessun altro fine se non quello di morire. Troppo piccoli per lavorare, non erano di alcuna utilità per la macchina bellica nazista, anche laddove  si operava di regola all'arrivo una selezione per il lavoro coatto. Come confermato da Rudolf Höß, comandante di Auschwitz, nella sua deposizione di fronte al Tribunale di Norimberga nel 1946, le modalità della selezione erano tali da non lasciare alcuno scampo ai più piccoli::«Il modo in cui avveniva la selezione era la seguente: i due dottori che avevamo ad Auschwitz esaminavano i prigionieri che arrivavano con il treno, li facevano camminare di fronte a loro e prendevano subito una decisione sul loro destino. Chi veniva ritenuto abile al lavoro veniva inviato al campo, gli altri direttamente alle camere a gas. I bambini più piccoli venivano sterminati perché non potevano essere adibiti ad alcun lavoro».Il processo di selezione è documentato in una serie di fotografie scattate ad Auschwitz-Birkenau da un militare SS nel maggio-giugno 1944 all'arrivo di un trasporto di ebrei ungheresi. Le foto  mostrano numerosi bambini che con le loro madri vengono separati dalle persone abili al lavoro e quindi vengono fatti incamminare verso le camere a gas. Stessa sorte fu riservata ai bambini Rom; ne morirono nei campi o in esecuzioni sommarie tra il 40% e il 50% del totale delle 200.-250.000, vittime del "Porajmos" .Anche tra le poche migliaia di adolescenti che per il loro precoce sviluppo poterono mentire sulla loro età e superare le selezioni  e tra i pochissimi bambini occasionalmente scelti con mansioni di tuttofare, le percentuali di sopravvivenza furono bassissime. Nei campi bambini e adulti erano soggetti alle stesse regole e allo stesso trattamento. In una famosa pagina de  notte Elie Wiesel ricorda di un altro bambino, ancora più piccolo di lui, torturato e impiccato pubblicamente con due adulti con l'accusa di sabotaggio. A 14 anni Franco Cetrelli viene fucilato dalle SS assieme ad altri compagni al campo di concentramento di Mauthausen per rappresaglia ad un tentativo di rivolta.Numerosi furono i bambini  che perirono dopo essere stati usati come cavie viventi per esperimenti medici, ad Auschwitz-Birkenau ed altrove. Ricorda Primo Levi::"I bambini erano a Birkenau come uccelli di passo: dopo pochi giorni, erano trasferiti al Block delle esperienze, o direttamente alle camere a gas".Primo Levi si riferisce qui specificamente ai quasi tremila bambini di Mengele che occupavano a Birkenau una speciale baracca , dove numerosi bambini  erano selezionati come animali da laboratorio per le sperimentazioni  del dott. Josef Mengele. Talora Mengele metteva a disposizione le proprie "cavie" anche per altri laboratori di ricerca come nel caso dei venti bambini di Bullenhuser Damm inviati al campo di concentramento di Neuengamme presso Amburgo per essere sottoposti agli esperimenti sulla tubercolosi del dottor Kurt Heissmeyer. Tra di essi trovò la morte anche il piccolo Sergio De Simone. Solo duecento dei bambini di Mengele erano ancora vivi nel gennaio 1945 quando il campo di Auschwitz-Birkenau fu liberato dalle truppe sovietiche, tra cui anche le piccole Andra e Tatiana Bucci.

Prompt: Explain the This appears to be a single word in Italian, and it seems to be a compound or a concatenation of multiple words. However, it is not a standard Italian word. If you can provide more context or check the spelling, I might be able to help further. about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Andra e Tatiana Bucci
Elie Wiesel
Franco Cetrelli
Josef Mengele
Josef Mengele
Kurt Heissmeyer
Norimberga


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Il mare di ghiaccio

Schmied, Wieland . Caspar David Friedrich. Cologne: DuMont. ISBN 3-8321-7207-6

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Sea of Ice.Please output in Italian.


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Ritratto di Giulio Clovio

Il Ritratto di Giulio Clovio è un dipinto olio su tavola  di El Greco realizzato nel 1571 circa e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.L'opera, commissionata dal cardinale Alessandro Farnese, fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma, avvenuto intorno al 1571. Facente parte della collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il soggetto rappresenta il celebre Giulio Clovio miniaturista, chiamato da Giorgio Vasari: "il Michelangelo delle miniature".Giulio Clovio, miniaturista nato in Croazia nel 1498, è stato uno degli artisti che ha contribuito a far sì che El Greco si stabilisse a Roma. In questo ritratto l'artista viene raffigurato con il suo testo più famoso: il Libro d'Ore della Vergine.Sullo sfondo si vede un paesaggio con un cielo tempestoso. Il volto dell'artista ed i particolari dell'abito e di altri elementi della scena evidenziano l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come per il dipinto coevo Ragazzo che soffia su un tizzone acceso, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.Infine, si tratta del più antico ritratto realizzato da El Greco giunto fino a noi.

Prompt: How does Portrait of Giulio Clovio explain its Abstract?Please output in Italian.

1498
1571
1734
Alessandro Farnese
Croazia
El Greco
Giorgio Vasari
Giulio Clovio
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Ragazzo che soffia su un tizzone acceso
Roma


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Conversazione al caffè

Conversazione al caffè è un dipinto a olio su tavola di Giovanni Boldini, databile al 1879 circa e conservato in una collezione privata.

Prompt: In Conversation at the Café, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Storie della Vera Croce

R. Longhi, Piero della Francesca, 1927, con aggiunte fino al 1962, Sansoni, Firenze, 1980 M. Salmi, Piero della Francesca. Le storie della Croce, in «Forma e Colore: i grandi cicli dell’arte», 14, Sadea Sansoni Editori, Firenze,1965 Battisti, Eugenio, Piero della Francesca  A. Paolucci, Piero della Francesca, Cantini, Firenze, 1989 Bertelli, Carlo, Piero della Francesca  A.M. Maetzke, Introduzione ai capolavori di Piero della Francesca, Silvana Editoriale, Milano, 1998 Bertelli, Carlo , Piero della Francesca e le corti italiane  Fabrizio Falconi, In hoc vinces : la notte che cambiò la storia dell'Occidente, Mediterranee, 2011, , OCLC 752061813 Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: In The Legend of the True Cross, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Venere di Urbino

Il dipinto fu commissionato dal rampollo del Ducato di Urbino Guidobaldo II della Rovere, che nel marzo 1538 sollecitava con insistenza il suo agente a Venezia per l'acquisto di una "donna nuda" di Tiziano e al tempo stesso chiedeva più volte il denaro necessario alla madre, Eleonora Gonzaga. Quest'ultima, da parte sua, non doveva vedere di buon occhio il capriccio del figlio e non sborsò neanche un ducato, così il dipinto restò nella bottega del pittore e Guidobaldo, preoccupato che fosse venduto ad altri, assicurò che avrebbe pagato anche a costo di impegnare qualcosa di suo.Qualche mese dopo l'opera riuscì finalmente a prendere la strada per Urbino: il dipinto era inteso come "modello" educativo per Giulia da Varano, la moglie estremamente giovane del duca sposata nel 1534 per ragioni politiche, al fine di persuaderla al connubio amoroso in maniera allegorica e culturalmente prestigiosa.  Venere conquistò una larga fama, che fruttò a Tiziano e ad altri artisti veneziani numerose richieste di repliche e varianti.Nei secoli il dipinto ebbe una straordinaria fortuna, venendo citata in innumerevoli guide e nei ricordi dei viaggiatori e ricevendo numerosissime richieste di copie. Ingres ad esempio la copiò nel 1821 .In Vagabondo in Italia  del 1880, Mark Twain definì la Venere di Urbino «il quadro più indecente, il più vile, il più osceno che il mondo possiede». Egli ipotizzava che «venne dipinta per un bagnio  e che probabilmente venne respinta», aggiungendo umoristicamente che «in verità, è una sciocchezza troppo forte per qualsiasi posto se non per una galleria d'arte pubblica».Versione più provocante ed esplicita della Venere di Dresda di Giorgione , la Venere di Urbino ebbe una duratura fama nel mondo dell'arte, sviluppando il tema della Venere distesa, che fu portato avanti per tutto il XIX secolo, fino allOlympia di Édouard Manet, che ne citò con precisione l'ambientazione. Quest'ultimo ne aveva infatti eseguita una copia nel 1856 .Con il riallestimento delle sale degli Uffizi, nel 2013 la Venere è stata spostata temporaneamente in una sala in fondo al corridoio di Ponente e in seguito prestata, in via del tutto eccezionale, alla mostra Manet, ritorno a Venezia, tenutasi a Palazzo Ducale a Venezia, appunto. Al suo rientro è stata collocata in una nuova, grande sala dedicata esclusivamente a Tiziano al primo piano del museo, lungo l'"infilata" del corridoio di Ponente.

Prompt: Focus on Venus of Urbino and explain the History.Please output in Italian.

Ducato di Urbino
Giorgione
Giulia da Varano
Guidobaldo II della Rovere
Édouard Manet
Mark Twain
Édouard Manet


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Madonna della Loggia

Madonna della Loggia è un dipinto a tempera su tavola  attribuito a Sandro Botticelli, databile al 1467 circa, e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: How does Madonna della Loggia (Botticelli) explain its Abstract?Please output in Italian.

1467
Firenze
Galleria degli Uffizi
Sandro Botticelli


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tomba di Oscar Wilde

scelta del monumento di Oscar Wilde creò diverse polemiche. I sostenitori di Wilde avrebbero voluto che il monumento si ispirasse alle opere di Wilde, come "Il giovane Re" dell'opera " casa dei melograni", invocando l'omoerotismo con figure di giovani greci abbandonati, mentre i detrattori di Wilde credevano che non meritasse alcun monumento. Si possono vedere le influenze delle opere di Wilde negli schizzi originali di Epstein per la tomba, che comprendono due giovani uomini, a testa in giù in un'immagine di dolore su una stele di pietra vuota. Tuttavia, Epstein, rivolgendosi agli schizzi per la tomba, aveva detto che "era insoddisfatto e ha abbandonato il lavoro sebbene quasi completato". Pennington si riferisce a questo periodo nel lavoro di Epstein come periodo del "Tempio del Sole" e afferma che, non essendo stato in grado di seguire questo percorso con alcune delle sue opere in Gran Bretagna, Epstein trasferì la sua nuova passione sulla tomba di Wilde.Il monumento era in origine un blocco da 20 tonnellate di pietra Hopton Wood  nel Derbyshire, in Inghilterra, svelato alla stampa londinese nel giugno del 1912. Epstein ideò una vasta figura alata, un messaggero che si muoveva rapidamente con le ali verticali, dando la sensazione di volo in avanti; la concezione era puramente simbolica in cui un poeta era come un messaggero, ma molte persone provarono a leggere in esso un ritratto di Oscar Wilde.Negli schizzi originali le influenze sono state collegate ai lamassu assiri del British Museum.  piccola figura angelica dietro l'orecchio della Sfinge potrebbe essere stata un riferimento deliberato di Epstein al versetto del poema di Wilde  sfinge senza enigma "cantami tutti i tuoi ricordi". Nei disegni originali di Epstein c'è una lista di dieci peccati, tuttavia nessuno è chiaramente riconoscibile sul monumento finale, a parte i tagli di capelli a casco egiziani sulle donne.Sul monumento finito il piccolo angelo dietro l'orecchio è stato rimosso e sostituito da un elaborato copricapo, la figura crocifissa e la sfinge fallica sono state rimosse e al loro posto è stata inserita una personificazione della fama.Mentre trasportava il monumento al cimitero in Francia dai suoi studi di Cheyne Walk a Londra, Epstein si trovò nei guai con la polizia - avendo rifiutato il suo status di opera d'arte, la dogana francese impose un gravoso dazio d'importazione di 120 sterline sul monumento per il valore della pietra. Una volta pagato il conto  il monumento era coperto da teloni a causa della reazione dei funzionari parigini alla nudità del monumento. Una sera Epstein tornò al cimitero e scoprì che i testicoli sulla statua erano stati coperti da intonaco poiché la dimensione dei testicoli era considerata inusuale. Alla fine, come compromesso, sotto l'istruzione di Robert Ross, una lapide in bronzo simile alla forma di una farfalla fu posta sui testicoli del monumento e fu svelata all'inizio dell'agosto del 1914 dall'occultista e poeta Aleister Crowley. Epstein era furioso che il suo lavoro fosse stato modificato senza il suo consenso e si rifiutò di partecipare alla presentazione. Qualche settimana dopo Crowley si avvicinò a Epstein in un caffè a Parigi con al collo una farfalla di bronzo e informò Epstein che il suo lavoro era ora in esposizione nel modo che lui desiderava.Nel 1950 nella tomba vengono riposte le ceneri di Robert Ross, grande amico di WildeI testicoli vennero rimossi in un atto di vandalismo nel 1961. Si dice che il direttore del cimitero li usasse come fermacarte. Ora sono dispersi. Nel 2000, Leon Johnso ha installato una protesi d'argento per sostituirli.L'epitaffio è un verso di " ballata del carcere di Reading":</ref>And alien tears will fill for him
Pity's long-broken urn,
For his mourners will be outcast men,
And outcasts always mournlingua=en}}Oggi, il monumento viene visto da migliaia di visitatori ogni anno. Nel tempo nacque una tradizione nella quale i visitatori baciavano la tomba dopo aver applicato un rossetto alla bocca

Prompt: Explain the Latomba of this artwork, Oscar Wilde's tomb.Please output in Italian.

1912
1914
1950
1961
2000
Aleister Crowley
British Museum
Derbyshire
Francia
Gran Bretagna
Inghilterra
Londra
Oscar Wilde
Parigi
Robert Ross


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Lupa capitolina

Stemma di Roma Fasti consulares Statue della lupa capitolina per città

Prompt: Focus on Capitoline Wolf and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Fasti consulares
Roma
Statue della lupa capitolina per città
Stemma di Roma


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: Explain the Inclusion of the other in the self about the In the arts of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait with Skeleton's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-Portrait with Palette (Manet)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: In Music (Matisse), how is the The birth of the notation of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


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Busto di Ankhhaf

sinistraDettaglio del volto.Il busto, probabilmente realizzato durante il regno di Chefren , nonché di uno dei più raffinati, con un grado di individualizzazione notevole; non si conoscono esempi anteriori di ritratti non idealizzati a tal punto. Le sculture riproducenti il reale aspetto degli individui, anziché una fisionomia altamente idealizzata, sono rare nella antica statuaria egizia - sia nelle epoche precedenti che in quelle successive alla realizzazione di questo busto. L'anima in pietra calcarea è coperto di vari strati di stucco, a sua volta dipinto di colore rosso-ocra, che nelle statue e nei rilievi contraddistingue le figure maschili . Il volto ha un'espressione severa e tranquilla, piuttosto distaccata e impersonale, anche se la bocca sembra sul punto di abbozzare un lieve sorriso.  palpebre sembrano leggermente appesantite, mentre gli occhi erano originariamente dipinti di bianco, con pupille marroni.  barba, le orecchie e la punta del naso sono mancanti.

Prompt: How does Ankhhaf (sculpture) explain its Description?Please output in Italian.


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Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Minneapolis)

Questo lavoro è uno dei primi esempi della maturità di El Greco. Il pittore ha mantenuto le linee di base della sua prima versione e riesce a creare due gruppi opposti.El Greco userà questo tema più volte nella sua carriera, quindi è uno dei modi più studiati per apprezzare l'evoluzione del suo stile artistico. figura di Cristo, simbolo del martirio e dell'eternità, presiede la scena nel mezzo di una complessa struttura architettonica. Le figure della composizione sono perfettamente trattate. L'opera ha una grande influenza sulla scuola veneziana, in particolare di Tiziano e i da Correggio che compaiono nell'angolo in basso a destra con Michelangelo, Raffaello e Clovio.Questo lavoro consente al pittore di unirsi al linguaggio pittorico del rinascimento e di lasciarsi alle spalle le sue radici come pittore di icone bizantine.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Minneapolis).Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini