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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Rembrandt's self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Atleta di Fano

Le dimensioni della statua sono in altezza  151,5 cm, in larghezza 70,0 cm e in profondità 28,0 cm. Quindi le dimensioni erano proporzionate al vero.Il giovane atleta è rappresentato in nudità eroica.  statua si presenta con la base mancante sino all'altezza delle caviglie, forse i piedi si sono staccati nel momento in cui la statua si è impigliata nella rete del peschereccio che ne ha effettuato il recupero, ma non è escluso che la rottura sia da ricondurre in età antica al momento del naufragio della nave che trasportava l'opera verso occidente. Gli occhi, mancanti, furono probabilmente realizzati separatamente in pietra colorata o pasta vitrea e inseriti a fusione ultimata, mentre i capezzoli sono in rame.Anche se la parte inferiore ai polpacci è mancante, dalla postura della statua si deduce che il piede ponderale, quello su cui la statua scarica il peso, è il destro. scultura avrebbe potuto far parte di un gruppo scultoreo-celebrativo di alcuni atleti vittoriosi, posto in un santuario greco-panellenico come a Delfi o Olimpia. ; .L'ipotesi dell'appartenenza della statua a un gruppo è stata avanzata anche da Antonietta Viacava che, evidenziando la minore elaborazione del lato sinistro della statua, ha immaginato la presenza di una seconda figura: un giudice, che avrebbe incoronato il giovane secondo un'iconografia diffusa, mentre quest'ultimo con la mano destra avrebbe potuto semplicemente indicare la corona o accingersi a sistemarla. Riproposizioni più tarde del tipo  mostrano anche la presenza del ramo di palma nella mano sinistra dell'atleta, attributo del quale resta traccia nell'incavo interno del braccio. Ancora a Viacava si deve l'ipotesi dell'identificazione del giovane con Seleuco Nicatore, ipotesi che concorda con una datazione al 340 a.C. e con la forte caratterizzazione del volto.

Prompt: In Victorious Youth, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Napoleone I, imperatore

Il Napoleone I, imperatore è un dipinto olio su tela di François Gérard, realizzato nel primo decennio del XIX secolo e conservato all'interno del Museo nazionale di Capodimonte, a Napoli.

Prompt: In Napoleon I as Emperor, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

François Gérard
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
XIX secolo


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Trittico Portinari

I pannelli laterali continuano spazialmente quello centrale, con la prosecuzione del paesaggio in quello di destra e dell'arco dell'edificio in quello di sinistra. Vi sono raffigurati i membri della famiglia Portinari inginocchiati in preghiera presentati dai rispettivi santi protettori. Le figure dei committenti sono rimpicciolite dalle proporzioni gerarchiche.Il pannello di sinistra è dedicato agli uomini e vi si vede Tommaso Portinari con i due figli Antonio e Pigello, presentati da san Tommaso , e sant'Antonio Abate ; il pannello di destra mostra le donne: Maria di Francesco Baroncelli, moglie di Tommaso, e la figlia Margherita, accompagnate da santa Maria Maddalena  e santa Margherita .  Maddalena in particolare è sontuosamente abbigliata ed ha un'acconciatura tipica del Quattrocento, con i capelli rasati sulla fronte e raccolti in un'ampia ed elaborata crocchia.Le scene di corredo sullo sfondo sono a sinistra la fuga in Egitto e a destra i Re Magi sulla via di Betlemme.

Prompt: In the context of Portinari Altarpiece, explain the Side panels and the History.Please output in Italian.


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Explain the Composers about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Monumento funebre di Gaspare Brunelli

Nel 1494 Gaspare Brunelli riceve dal priore del convento Francesco Sanson la conferma del patronato sulla cappella della Maddalena in San Francesco, oggi dedicata al Sacro Cuore. A partire dal medesimo anno hanno inizio alcuni lavori di abbellimento della cappella, nell'ambito di un più ampio contesto di rinnovamento dell'intera chiesa promosso dallo stesso Sanson.All'inizio del XX secolo, Paolo Guerrini recupera nell'archivio della famiglia Brunelli a Bassano Bresciano, oggi non consultabile poiché non ancora catalogato, "alcuni documenti" non meglio precisati, secondo i quali "risulta che il mausoleo fu compiuto nel 1496 da M.o Gaspare da Milano". Dato che sul sepolcro è incisa la data 1500, è verosimile che il documento reperito dal Guerrini ne costituisse il contratto di esecuzione. Lo studioso non riferisce neppure il nome del committente, ma è molto verosimile che si tratti dello stesso Gaspare, morto il 10 aprile 1497.Il monumento non ha mai mutato collocazione nel corso dei secoli, venendo tuttavia privato almeno del medaglione centrale e, probabilmente, anche della cimasa scultorea che doveva ornare il piedistallo superiore.

Prompt: How does Tomb of Gaspare Brunelli explain its History?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano) and explain the External links.Please output in Italian.


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Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Conductors of the The studio explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Venere esquilina

Venere esquilina è una scultura ellenistica in marmo pario  del I secolo a.C., conservata nei Musei Capitolini di Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Esquiline Venus.Please output in Italian.


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Caino e Abele

Nel Cristianesimo, a volte vengono fatti dei paragoni tra la morte di Abele e quella di Gesù, finora visto come il primo martire; in Matteo 23:35, Gesù parla di Abele come giusto: Nella Lettera agli Ebrei è scritto che: Il sangue di Cristo viene interpretato come portatore di misericordia e di salvezza; quello di Abele invece è considerato sinonimo di sete di vendetta . }}Il messaggio rinvia al Comandamento dell'amore, nella fede, nella giustizia e nella carità.

Prompt: In the context of Cain and Abel (Tintoretto), explain the ThedeathofAbel and the Cain..Please output in Italian.

Abele
Comandamento dell'amore
Cristianesimo
Gesù
Lettera agli Ebrei


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Maria Maddalena

Nel 1998, Ramon K. Jusino ha proposto una teoria senza precedenti secondo cui il "discepolo amato" del Vangelo di Giovanni è Maria Maddalena. Jusino ha basato la sua argomentazione in gran parte sui libri gnostici di Nag Hammadi, rifiutando il punto di vista di Raymond E. Brown secondo cui questi libri erano sviluppi successivi, e sostenendo invece che il Vangelo esistente di Giovanni è il risultato della modifica di un testo precedente che presentava Maria Maddalena come il discepolo amato. Tale opinione non ha avuto particolare successo tra gli studiosi, che continuano a considerare i vangeli gnostici come testi successivi e, pertanto, non affidabili.

Prompt: Describe the characteristics of the Author of the Fourth Gospel, the "Gospel according to John"? in Mary Magdalene (Stevens)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.


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La Primavera

Abitanti = 4517Note abitanti =  Il dato si riferisce alla popolazione effettivamente censita, in quanto in alcune zone il censimento è stato solo parziale a causa delle difficoltà di accesso. Il DANE stima una popolazione reale di 14.344 abitanti.Aggiornamento abitanti = 2005Sottodivisioni = Divisioni confinanti = Lingue = Codice postale = Prefisso = Codice statistico = Codice catastale = Targa = Nome abitanti = PrimaverensesPatrono = Festivo = Mappa = Colombia - Vichada -  Primavera.svgDidascalia mappa = }} Primavera è un comune della Colombia facente parte del dipartimento di Vichada.Il centro abitato venne fondato da Raimundo Cruz nel 1959, mentre l'istituzione del comune è del 13 aprile 1987.

Prompt: How does The Return of Spring explain its Abstract?Please output in Italian.


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Piccola Madonna Cowper

L'opera mostra la Madonna seduta a mezza figura col Bambino in grembo che fa per abbracciarla. Iconograficamente viene di solito riferita a una derivazione della Madonna del Granduca, con una vivace interazione tra madre e figlio nei gesti. Il busto di Maria è ruotato verso destra, mentre il corpo di Gesù compie una torsione in senso opposto, cingendo al collo la madre affettuosamente. Gli sguardi di entrambi sono rivolti allo spettatore e i loro volti sono creati per analogie, a partire dai morbidi capelli biondi di entrambi. Tale misurata vivacità d'azione è legata all'esempio di Leonardo da Vinci, a cui rimandano anche i dolci trapassi di colore e il dilatarsi dei piani di luce e ombra.Lo sfondo presenta un dolce paesaggio collinare, con un laghetto, in cui si specchiano il cielo e alcuni alberelli, e una chiesa sulla destra. Più in lontananza la foschia rende tutto chiarissimo, in toni azzurrini.

Prompt: Focus on Small Cowper Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Cloud Gate

ditta di costruzioni inglese Atelier One e l'ingegnere Chris Hornzee-Jones  fornirono il design della struttura della scultura e la società Performance Structures, Inc.  fu scelta per fabbricarla vista la loro abilità nel praticare saldature praticamente invisibili Inizialmente, la PSI pensava di costruire ed assemblare la scultura ad Oakland, California per poi spedirla via nave a Chicago attraverso il Canale di Panama e il Saint wrence Seaway. L'idea venne poi scartata dopo che alcuni funzionari del parco giudicarono il tutto troppo rischioso, così la decisione fu quella di trasportare ogni singolo pannello su rimorchi ed assemblare poi la struttura sul luogo, compito poi affidato alla società MTH Industries.Anche il peso della scultura sollevò diverse perplessità: stimare la densità dell'acciaio necessario per creare l'estetica desiderata prima della fabbricazione fu difficile. Il peso del Cloud Gate fu inizialmente stimato in 54 tonnellate ma il risultato finale è di quasi 100. Questo maggior peso ha costretto gli ingegneri a valutare e riconsiderare la struttura di supporto della scultura. Il tetto del Park Grill, su cui il Cloud Gate giace, è stato rinforzato per poter sopportare l'enorme peso. Il grande muro che separa la ferrovia locale di Chicago dal garage di North Grant Park sopporta gran parte del peso della scultura e forma inoltre la parte posteriore del ristorante: questo muro ha richiesto ulteriori sostegni prima che il pezzo potesse venir eretto I tubi e le strutture portanti furono presenti solo nella fase di costruzione: la scultura, una volta terminata, non aveva più rinforzi interni. I componenti della struttura di supporto furono progettati e costruiti in maniera tale che nessun punto in particolare fosse sovraccaricato, anche per evitare involontarie grinze sul guscio esterno. Inoltre, la cornice è stata ideata per potersi espandere e contrarre per via degli sbalzi termici: come risultato, i due grossi anelli che supportano la struttura si possono muovere in modo indipendente l'uno dall'altro, permettendo al guscio esterno di muoversi.. Inoltre, dei rinforzi di metallo vennero saldati all'interno di ogni singolo pannello per fornire un certo grado di rigidità. Circa un terzo dei pannelli, così come l'intera struttura interna, fu fabbricato ad Oakland. I saldatori, per questo lavoro, usarono una macchina ibrida al laser e fiamma ossidrica. I pannelli erano stati fabbricati con una precisione tale per cui non vi fu bisogno di modifiche in fase di assemblaggio.  costruzione iniziò con l'omphalos, dove i pannelli furono attaccati alla struttura di acciaio interna di supporto, dall'interno della scultura andando verso il basso alla superficie esterna. Questa sequenza, una volta completata la parte inferiore, fece assomigliare la struttura ad un grande sombrero.Il guscio fu interamente eretto per la grande manifestazione tenutasi nel Millennium Park il 15 luglio 2004, sebbene la struttura fosse non del tutto liscia e ancora da rifinire a causa di ritardi nell'assemblaggio.  scultura venne temporaneamente scoperta l'8 luglio per l'apertura, nonostante il dissenso di Kapoor per via dello stato non definitivo dell'opera. Il piano originario era quello di innalzare nuovamente il tendone per terminare la levigatura il 24 luglio, ma l'apprezzamento del pubblico per l'opera convinse i funzionari del parco a lasciarla scoperta ancora per diversi mesi.  tenda fu eretta nuovamente nel gennaio 2005 quando una squadra di 24 persone provenienti dalla International Association of Bridge, Structural, Ornamental and Reinforcing Iron Workers  levigarono ogni singola saldatura tra ogni pannello. Per poter sfregare e levigare le saldature, furono eretti sei livelli di impalcature attorno ai lati della scultura, mentre le imbragature e corde furono utilizzate per le aree difficili da raggiungere. Ogni singola saldatura ha subito un processo di cinque fasi, necessario per produrre l'effetto specchio tipico della scultura. Il costo della scultura era stato inizialmente stimato in 6 milioni di dollari, ma è presto salito a 11,5 quando il parco ha aperto nel 2004, per arrivare alla cifra definitiva di 23 milioni nel 2006. Nell'operazione non fu coinvolto alcun fondo pubblico, provenendo tutti i finanziamenti da donazioni di privati e aziende.  parte bassa del Cloud Gate  è pulita a mano due volte al giorno, mentre l'intera scultura viene pulita due volte all'anno con 150 litri di detergente. Oltre alle pulizie programmate, i lavori cancellano gli eventuali atti di vandalismo, tra cui si ricorda un incidente nel febbraio 2009 in cui due nomi furono incisi in lettere alte 25 mm sulla superficie nord-est della scultura. Il graffito è stato rimosso dalla stessa azienda che aveva eseguito la prima levigatura.

Prompt: How does Cloud Gate explain its Construction and maintenance?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Benedetto XVI ,  Sacra Famiglia, Piccola Casa Editrice, 2012Zaira Zuffetti,  Sacra Famiglia nell'arte, Àncora Editrice, 2007

Prompt: Focus on The Holy Family (Collinson painting) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Giudizio universale

Nella Fede Baha'i invece Il Giudizio Universale è già giunto e ne spiegano il motivo dividendo l'evento in tre fasi: Nella prima fase, Baha'u'llah, fondatore della Fede Baha'i, in prigionia mandò nove lettere ai Potenti dell'epoca e il semplice atto di aver mandato queste lettere criticando il Potere Temporale di queste figure viene considerato dai credenti Baha'i come l'evento burrascoso che preannuncio l'imminente arrivo di una fine simbolica, ma non letterale, dei tempi. Per la seconda fase i Baha'i fanno riferimento ai precisi eventi occorsi verso la fine della prima guerra mondiale, nella battaglia di Megiddo – una sorta di compimento letterale dove i Potenti del Mondo si combattevano. In particolare, la vittoria del generale Allenby a Megiddo, che impedì agli Ottomani di crocifiggere 'Abdu'l-Bahá, l'allora guida dei Baha'i, ed è considerata dai Baha'i inoltre come l'effettiva Battaglia di Armageddon.  terza fase rivede l'intero processo delle due Guerre Mondiali, sebbene esse possano essere considerate come un solo evento in due fasi, il loro svolgimento e il conseguente rimescolamento di mezzi e norme mondiali sia prima sia dopo le  guerre, vengono visti come una simbolica fine di tutti i tempi e rinascita di una nuova era e un nuovo mondo come preannunciato da altre Sacre Scritture.

Prompt: Explain the Eschatology of Bahá'ísm about the Other religions of this artwork, The Last Judgment (Fra Angelico, Florence).Please output in Italian.


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Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: In Ecce Homo (Caravaggio, Genoa), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


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Adorazione dei Magi nella neve

Tra le varie scene invernali di Bruegel, questa è l'unica che mostri anche l'evento atmosferico della nevicata.  scena evangelica è ambientata in un villaggio fiammingo , con la capanna del sacro evento all'estrema sinistra, tagliata dal bordo appena dopo la figura della Vergine col Bambino. Davanti ad essa si stendono due dei Magi, mentre i terzo, quello di colore, si sta avvicinando. Come in altre opere a tema sacro dell'artista, il tema principale è relegato a una posizione secondaria, mentre l'attenzione è tutta dedicata alla rappresentazione della vita quotidiana nei suoi aspetti più realistici e minuti, che anticipa la pittura di genere. Fanno da sfondo le abitazioni, coi tetti coperti di neve, e il profilo di una chiesa,a destra; in basso a sinistra si intravede un fossato ghiacciato, dove un bambino gioca con lo slittino fatto col mascellare di un cavallo macellato, spingendosi con le punte di ferro di due bastoni, e due figure si affaticano a prendere acqua con dei secchi attraverso un buco. Al centro i numerosi personaggi fanno parte del corteo dei magi e sono colti in varie attività, soprattutto vicino agli asini imbastiti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Adoration of the Magi in a Winter Landscape.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

http://www.santuariodellegraziecurtatone.it/Chiesa di Santa Maria delle Grazie nel quartiere Casa Milano di Amalfi http://www.parrocchiaamalfi.com/santa-maria-delle-grazie-e-la-famiglia-milano/

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Madame Moitessier

Uno studio a olio per l'opera.Esistono vari studi a matita per il ritratto, per lo più conservati al museo Ingres di Montauban, che iniziano delineando la posa e l'anatomia della figura per poi costruire il vestiario.  giovane amante di Picasso di allora, Marie-Thérèse Walter, imita la posa di Madame Moitessier. Il dipinto venne completato nell'agosto del 1932 e attualmente si trova al museo Norton Simon di Pasadena, in California. L'opera ingresiana e quella picassesca furono esposte insieme per la prima volta a una mostra temporanea tenutasi alla National Gallery nel 2022.

Prompt: How does Portrait of Madame Moitessier explain its Study gifts?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Adorazione dei Magi

LAdorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo  nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene  e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere.  storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

Prompt: In Adoration of the Magi (Gentile da Fabriano), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Antonio Sgamellotti, Virginia penta, Chiara Anselmi, Claudio Seccaroni , Raffaello in Villa Farnesina. Galatea e Psiche, Roma 2020. ISBN 978-88-948-1052-3

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Galatea (Raphael).Please output in Italian.


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Giasone con il vello d'oro

Giasone con il vello d'oro , o Giasone e il vello d'oro, è un dipinto del pittore fiammingo Erasmus Quellinus il Giovane che venne dipinto nel 1630 o tra il 1636 e il 1638. L'opera oggi è conservata al museo del Prado, a Madrid.L'opera deriva da un bozzetto realizzato dal maestro di Quellinus, Pietro Paolo Rubens, oggi conservato ai musei Reali di Belle Arti del Belgio, a Bruxelles.

Prompt: In Jason with the Golden Fleece (Thorvaldsen), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Bruxelles
Erasmus Quellinus il Giovane
Madrid


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: Explain the France about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Whistlejacket

Whistlejacket è un dipinto a olio su tela  di George Stubbs, databile al 1762 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Whistlejacket and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La grande zolla

grande zolla  è un acquarello e guazzo di Albrecht Dürer, datato 1503 e conservato all'Albertina di Vienna. Il disegno è considerato, insieme a Il leprotto , uno dei capolavori degli studi realistici della natura realizzati da Dürer. A volte è stato anche considerato una delle origini del genere della natura morta. L'opera fu realizzata nel suo laboratorio di Norimberga nel 1503. Si tratta di uno studio di un gruppo apparentemente disordinato di piante selvatiche, tra cui il tarassaco e la piantaggine maggiore. L'opera è considerata uno dei capolavori degli studi realistici sulla natura di Dürer.L'acquerello mostra un grande pezzo di tappeto erboso e poco altro. Vi si possono riconoscere diverse graminee , la pratolina, il tarassaco, la piantaggine. Il dipinto mostra un grande livello di realismo nella rappresentazione degli oggetti naturali. Alcune delle radici sono state spogliate della terra per essere mostrate chiaramente.  raffigurazione delle radici non è inusuale anche in altre opere di Dürer, come Il cavaliere, la morte e il diavolo .  vegetazione termina sul lato destro del pannello, mentre a sinistra sembra proseguire all'infinito. Lo sfondo è lasciato vuoto, a destra si può anche vedere una linea netta dove finisce la vegetazione.

Prompt: How does Great Piece of Turf explain its Abstract?Please output in Italian.

1503
Albrecht Dürer
Il cavaliere, la morte e il diavolo
Norimberga
Vienna


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Polittico di San Pietro

Il polittico, compiuto immediatamente prima degli affreschi della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio, dimostra il raggiungimento della pienezza di forme nell'arte del pittore, con una rotondità del modellato che preannuncia già alcuni aspetti dell'arte di Raffaello, il suo allievo più illustre. Le figure disegnate hanno una linea delicata, raffinata e leggera; il cielo è verosimile con una parte chiara  e una scura .

Prompt: Focus on San Pietro Polyptych and explain the Style.Please output in Italian.


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Cupido dormiente

Il Cupido dormiente è una statua marmorea  di Michelangelo Buonarroti, scolpita verso il 1496 circa e a oggi perduta.L'opera fu artificiosamente invecchiata e venduta al cardinale Raffaele Riario come reperto archeologico; la truffa fu in seguito scoperta dal religioso che volle conoscere personalmente l'autore, all'epoca non ancora famoso. Il cardinale, colpito dalla bravura di Michelangelo, lo introdusse nell'ambiente artistico romano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Sleeping Cupid (Michelangelo).Please output in Italian.

1496
Michelangelo Buonarroti
Raffaele Riario


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Pietà Rondanini

Tempo dopo, dal 1554 circa, Michelangelo elaborò infatti una nuova versione, rimettendo in discussione l'intera statua: dal corpo di Maria ricavò una nuova figura di Cristo , mentre dalla spalla sinistra e dal petto del vecchio corpo di Cristo trovò lo spazio per ricavare un nuovo corpo per Maria.A questa Pietà lavorò fino a pochi giorni prima di morire, come testimoniano due lettere di Daniele da Volterra scritte rispettivamente a Giorgio Vasari e a Leonardo Buonarroti. L'opera venne infatti rinvenuta nello studio di Michelangelo dopo la sua morte e inventariata così: "Statua principiata per un Cristo et un'altra figura di sopra, attaccate insieme, sbozzate e non finite".

Prompt: Describe the characteristics of the Second version in Rondanini Pietà's History.Please output in Italian.

1554
Daniele da Volterra
Giorgio Vasari
Leonardo Buonarroti


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-Portrait with Palette (Manet)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

Fonte della rappresentazione fu Teocrito  o Ovidio , magari filtrato dal Poliziano, o Apuleio . L'affresco mostra l'apoteosi della ninfa Galatea che cavalca un cocchio a forma di capasanta trainato da due delfini e guidato dal fanciullo Palemone, circondata da un festoso corteo di divinità marine  e vigilata, in cielo, da tre amorini che stanno per scagliare dardi amorosi contro di lei. Un quarto putto, a cui è rivolto il casto sguardo di Galatea, tiene un fascio di frecce nascosto dietro una nuvola, a simboleggiare la castità dell'amore platonico. posa statuaria della ninfa, in torsione verso sinistra, ricalca in un contesto laico e mitologico quella della Santa Caterina d'Alessandria, riferibile al 1508 circa. composizione è perfettamente misurata, con un ritmo danzante e vorticoso, dominato da Galatea avvitata su sé stessa. Riprendendo forse modelli antichi , Raffaello ricreò una mitica classicità, utilizzando toni cristallini e preziosi, quasi irreali, che tradiscono una conoscenza già approfondita della pittura romana antica. Sul verde marmoreo della superficie del mare spicca il rosso "pompeiano" della veste di Galatea.Il movimento del manto gonfiato dal vento, accompagnato da quello dei capelli, è ripreso dal gesto della vicina nereide, che solleva un braccio mentre è rapita da un tritone. I corpi possenti delle figure dimostrano influssi di Michelangelo, addolciti però dal senso della misura del Sanzio e dalla dolce naturalezza dei suoi personaggi, tra cui spiccano soprattutto gli amorini, ma anche la stessa Galatea, serena e aggraziata.

Prompt: How does Galatea (Raphael) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

È venerata nella Chiesa di San Michele Arcangelo, santuario mariano per la presenza dell'icona in stile bizantino di scuola romana del XIII secolo. L'icona è posta all'interno di una cornice in stucco dorato del XVII secolo: essa rappresenta la figura della Theotókos come Basilissa che sorregge il figlio benedicente.

Prompt: Describe the characteristics of the Sonnino in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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madre

Adozione Affettività Affidamento dei figli Attaccamento Genitore Matriarcato Pacco maternità Padre Principio di bigenitorialità

Prompt: How does Mother & Child (Etrog) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: Describe the characteristics of the Copy of the work in The Great Wave off Kanagawa's Description.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Apollo del Belvedere

statua di marmo bianco, alta 224 centimetri, rappresenta il dio greco Apollo, che ha appena ucciso con le frecce del suo arco il serpente Pitone, divinità ctonia originaria di Delfi.  muscolatura, ancora tesa, lascia intendere lo sforzo che segue alla battaglia contro Pitone, mentre i capelli a boccoli ricadono fluidi sul collo e raccolti elegantemente sul capo, cinto dallo strophium, una fascia ornamentale simboleggiante una divinità o un re. Il dio è interamente nudo, ad eccezione della faretra a tracolla, dei sandali e del mantello  avvinto alla spalla destra, che si rovescia sul braccio sinistro ed in parte del dorso. parte inferiore del braccio destro  e la mano sinistra, mancanti al momento del ritrovamento, vennero ricostruiti da Giovanni Angelo Montorsoli, scultore e collaboratore di Michelangelo.

Prompt: Focus on Apollo Belvedere and explain the Description.Please output in Italian.


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Mae West

sinistraMae West in Mae West iniziò prestissimo la sua carriera teatrale, quando - a soli cinque anni - si esibì in numeri di vaudeville, diventando successivamente una star del musical. Il 22 settembre 1911 è Maggie O'Hara nella prima assoluta di A  Broadway di Harold Orlob per il Broadway theatre. Nel 1912 è petite Daffy nella prima assoluta di A Winsome Widow di Raymond Hubbell prodotto da Florenz Ziegfeld con Leon Errol, le Dolly Sisters e Charles King a Broadway. Nel 1914 sposò il musicista torinese Guido Deiro, da cui divorziò nel 1920. Nel 1918 è Mayme Dean nell'anteprima di Sometime di Rudolf Friml e Rida Johnson Young diretta da Herbert Stothart con Ed Wynn ad Atlantic City e nella prima di New York. In tale film e nei primi Anni Venti lanciò un ballo chiamato "Shimmy" e iniziò a scrivere commedie che interpretò lei stessa, tra le quali Sex , che a quei tempi suscitò grande scandalo, tanto che la polizia fece irruzione a teatro e l'attrice finì addirittura in guardina.Debuttò nel cinema relativamente tardi, quando nel 1932 la Paramount la scritturò come coprotagonista di George Raft nel film Night After Night, in cui le venne data l'opportunità di riscrivere le sue battute; in tal modo Mae West riuscì ad attirare tutte le attenzioni su di sé. Grazie al successo riscosso dall'attrice in questa piccola parte, la Paramount decise di farne la protagonista di quello che sarà considerato il miglior film della West: dy Lou , per la regia di Lowell Sherman, tratto dalla commedia Diamond Lil, che la West stessa aveva scritto e rappresentato nel 1928. In questa spassosa commedia, ambientata nella New York della fine Ottocento, Mae West interpretò con irriverente disinvoltura una formosa e ironica cantante di saloon, che si trova coinvolta in un traffico di prostitute, ma che verrà però "salvata"  da un attraente agente di polizia, interpretato da un giovanissimo e quasi esordiente Cary Grant. In questo film la West ebbe ampia opportunità di dimostrare la sua inesauribile verve, esibendosi in piccanti freddure e allusioni: alla domanda «Nessun uomo l'ha mai fatta felice?», lei risponde «Sicuro. Un sacco di volte».Mae West in In seguito interpretò alcuni film di grande successo, di cui lei stessa scrisse le sceneggiature, come Non sono un angelo  di Wesley Ruggles, sempre accanto a Cary Grant, Belle of the Nineties  di Leo McCarey, e Annie del Klondike  di Raoul Walsh. Dopo la rottura del suo contratto con la Paramount, Mae West venne scritturata dalla Universal, che la affiancò al caustico commediante W. C. Fields nella commedia Mia bella pollastrella  di Edward F. Cline; l'idea di un'accoppiata del genere portò i produttori a puntare su un film che, nonostante le pessime critiche, fu la pellicola di maggior successo del 1940, seconda solo a Via col vento . I rapporti tra i due attori sul set furono comunque contrastati. Dopo il mediocre The Heat's On, girato nel 1943 per la Columbia, l'attrice decise di abbandonare il cinema.Nel 1950 le venne proposto il ruolo di Norma Desmond in Viale del tramonto, ma il regista Billy Wilder cambiò idea quando l'attrice, come sua abitudine, pretese di riscrivere la sceneggiatura.  West perse l'opportunità di affrontare un ruolo , che avrebbe potuto darle ancora grande fama. Preferì invece continuare la sua attività di attrice teatrale, riproponendo con successo a Broadway la sua commedia Diamond Lil, che andò in scena dal 1949 al 1951. Fu anche attiva come scrittrice, pubblicando nel 1953 il romanzo The constant sinner  e nel 1959 un'audace autobiografia dal titolo Goodness Had Nothing to Do With It.Nel 1970, dopo quasi trent'anni di lontananza dallo schermo, tornò al cinema interpretando nuovamente la parte di una vamp nel disastroso film Il caso Myra Breckinridge di Michael Sarne, con Raquel Welch e John Huston, tratto da un racconto satirico di Gore Vidal, ma solo perché le era stato concesso di riscriversi le battute.  sua ultima interpretazione risale al 1978 nel film Sextette di Ken Hughes, con Timothy Dalton, Tony Curtis e George Raft, dove apparve ormai ottantacinquenne.Morì nel 1980 a Los Angeles per cause naturali.

Prompt: How does Mae West (sculpture) explain its Biography?Please output in Italian.

1980
Annie del Klondike
Atlantic City
Belle of the Nineties
Billy Wilder
Broadway
Broadway theatre
Cary Grant
Dolly Sisters
Ed Wynn
Edward F. Cline
Florenz Ziegfeld
George Raft
Gore Vidal
Guido Deiro
Herbert Stothart
Il caso Myra Breckinridge
John Huston
Ken Hughes
Leo McCarey
Leon Errol
Los Angeles
Lowell Sherman
Mia bella pollastrella
Michael Sarne
New York
Raoul Walsh
Raquel Welch
Rida Johnson Young
Rudolf Friml
Sextette
The Heat's On
Timothy Dalton
Tony Curtis
Via col vento
Viale del tramonto
W. C. Fields
Wesley Ruggles


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Visione di sant'Eustachio

Sant'Eustachio era un cavaliere romano che si convertì al Cristianesimo dopo aver assistito, durante la caccia, alla visione del Cristo tra le corna di un cervo.Il dipinto mostra un cavaliere sontuosamente vestito da parata, su un cavallo bianco dalla ricca bardatura, accompagnato da più cani da caccia; egli si trova in una foresta ricchissima di animali e davanti a lui si trova un cervo, nelle cui corna appare il Crocifisso di Cristo, alla cui visione il santo si arresta ed alza una mano in un composto gesto di sorpresa.Il tema sacro è un pretesto per rappresentare una foresta fiabesca brulicante di animali, colti nei più vari atteggiamenti: cani che puntano, raspano o inseguono; la lepre che fugge; i cervi e cerbiatti; l'orso in una grotta in alto a destra; le gru; i cigni nello stagno; gli uccellini nei cespugli. Un sinuoso cartiglio, destinato forse a contenere un'iscrizione, si trova in basso a destra. ricchezza dei dettagli, più curati singolarmente che nell'insieme della composizione, le incongruenze spaziali, i contrasti tra le ombre dello sfondo e la luce sui dettagli, sono tutti elementi che concorrono a creare un ambiente irreale e di favola, secondo gli stilemi dell'arte di Pisanello e del tardogotico in generale.Gli animali qui non hanno valenze primariamente simboliche, come nella pittura gotica o in quella rinascimentale, ma la loro presenza serve più che altro a comporre un campionario, privo di volontà classificatoria o ordinatrice. Essi sono dipinti a partire dai dettagli, i più analitici possibili, per poi venire accostati agli altri nella composizione dell'immagine: l'effetto che ne scaturisce nell'osservatore è quello di una superficie vibrante, di difficile percezione nell'insieme, che invita continuamente a indagare ogni singolo dettaglio.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Vision of Saint Eustace.Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

Nel IV secolo il poeta latino Prudenzio, impegnato a "cristianizzare" la poetica classica mettendola al servizio dell'opera didattica di evangelizzazione, descrive nellHymnus Epiphaniae, la Strage degli Innocenti in toni fortemente drammatici:Nella descrizione che segue i versi si fanno truculenti, parlano dei corpicini orrendamente mutilati, mentre i piccoli sventurati vengono chiamati flores martyrum e prima Christi victima.I versi di Prudenzio sono stati sicuramente un'importante fonte di ispirazione per i tanti artisti che hanno lavorato, in ogni genere espressivo, per rappresentare la scena del massacro.Tra le miniature alto medievali che riportano la rappresentazione della Strage va menzionato almeno il Codex Egberti, risalente al X secolo, esempio prezioso di arte ottoniana.  scena in esso raffigurata da un ignoto maestro nordico richiama prepotentemente la nostra attenzione sulla moltitudine della vittime che si accatastano al suolo e sulla inconciliabilità tra le spietate ragioni del potere da un lato, impersonato da Erode a dai suoi accoliti, e le ragioni dell'amore materno, che si esprimono nei gesti disperati del cordoglio funebre.Lo stesso contrasto tra la ferocia del potere politico e la tenerezza degli affetti delle madri, dà forma alla scena raffigurata nell'affresco di Giotto presso la Cappella degli Scrovegni a Padova. In alto, su una tribuna, Erode ordina il massacro che i suoi sicari intabarrati eseguono con freddo scrupolo; a fronte di essi, una moltitudine di madri dolenti invoca pietà, ma sembra anche volere coraggiosamente opporre i propri corpi all'eccidio, formando una scena nella quale risalta quella che oggi chiameremmo "contrapposizione di genere".L'affresco, nella studiata disposizione degli episodi del racconto evangelico che coprono le pareti della cappella, è posto di fronte alla scena della Crocifissione di Gesù: l'infante che, con il sacrificio dei piccoli martiri, si era salvato dal massacro e che muore ora, innocente e martirizzato, per la salvezza dell'umanità.Sono ancora le madri le protagoniste della scena che Duccio di Buoninsegna ci consegna nella tavola del Museo dell'Opera del Duomo in Siena: esse stanno ammassata in disparte, affrante dal dolore e stringono al petto i corpicini martoriati, come tante icone della Madonna col Bambino.Nel campo della scultura vanno almeno citate, per la loro drammatica essenzialità, la rappresentazione della Strage di Giovanni Pisano, che troviamo in uno dei pannelli in marmo che formano il pulpito della chiesa di Sant'Andrea di Pistoia e quella di Lorenzo Maitani, posta tra i bassorilievi del terzo pilastro del Duomo di Orvieto.

Prompt: Explain the The Middle Ages about the Historical  narrative of this artwork, Massacre of the Innocents (Reni).Please output in Italian.

Cappella degli Scrovegni
Codex Egberti
Crocifissione di Gesù
Duccio di Buoninsegna
Gesù
Giotto
Giovanni Pisano
IV secolo
Lorenzo Maitani
Padova
Pistoia
Siena
Strage
X secolo


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Betsabea

Betsabea o Bersabea  era dapprima la moglie di Uria l'Ittita e più tardi del re Davide, cui partorì tre figli, il secondo dei quali fu Salomone e il terzo Natan.  Bibbia parla di lei soprattutto nel Secondo libro di Samuele e nel Primo libro dei Re.

Prompt: How does Bathsheba (Gérôme) explain its Abstract?Please output in Italian.

Bibbia
Davide
Natan
Davide
Uria l'Ittita


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Adorazione dei Magi di Città della Pieve

L'opera venne eseguita ricorrendo a schemi già consolidati, con una grande architettura, in questo caso la capanna, che inquadra le figure principali facendo da tramite con lo sfondo, un dolcissimo paesaggio di colline digradanti punteggiate da alberelli frondosi. Fa da perno alla composizione la Madonna col bambino, a cui i magi ai lati offrono doni, circondati dalla moltitudine del corteo esotico dei loro accompagnatori. A destra si vede san Giuseppe e dietro il bue, l'asinello e alcuni pastori. In alto vola un angelo che porta l'annuncio della stella cometa. L'opera è spesso confrontata con lAdorazione del Bambino della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia, opera del Perugino e aiuti, dove è presente una maggiore forza plastica, da alcuni attribuita alla mano del giovane Raffaello. NellAdorazione di Città della Pieve invece le figure sono meno salde e la stesura pittorica è più tenera e morbida.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Adoration of the Magi (Perugino, Città della Pieve).Please output in Italian.


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Crocifissione del Perugino

sala capitolare, coperta da volte a crociera sorrette da peducci addossati alle pareti, impose una tripartizione della decorazione in tre parti al di sotto delle arcate, dove il Perugino stesso impostò un'intelaiatura architettonica prospettica con un gradino, pilastri e semicolonne, la cui veduta è perfezionata da un punto di vista centrale sul lato opposto della stanza.  Crocifissione occupa la parete est, mentre il San Bernardo accoglie il Cristo che si stacca dalla croce si trova separato, sulla parete nord.Nonostante ciò gli affreschi sono unificati dal paesaggio continuo e rarefatto, che si dispiega nelle scene come se si trattasse di un loggiato aperto. Tra dolci colline punteggiate da esilissimi alberelli frondosi, sfumanti verso l'orizzonte tra laghetti e tonalità azzurrine schiarite dalla foschia, si svolge la scena della crocifissione. Gesù si trova nel pannello centrale e campeggia nella parte alta dell'affresco sullo sfondo del cielo dell'alba, velato da nubi rosate e schiarito in prossimità dell'orizzonte. Ai piedi della croce sta inginocchiata la Maddalena penitente, chiara allusione alle Pentite che venivano accolte nel convento. Negli affreschi laterali si vedono san Bernardo di Chiaravalle, fondatore dei Cistercensi e la Madonna , san Giovanni evangelista e san Benedetto, fondatore dei Benedettini dei quali i Cistercensi sono una congregazione .A sinistra, in un paesaggio analogo, si trova poi l'affresco di San Bernardo accoglie il Cristo che si stacca dalla croce, che testimonia il vivo misticismo del fondatore cistercense, riferibili a un assistente del Perugino.  scala dell'affresco è più piccola e contiene maggiori spunti legati alla riflessione, come la presenza delle ossa del Calvario, richiamo al memento mori. Vicino esposta si trova anche la sinopia.L'opera nel complesso è una trasposizione di un trittico su scala monumentale. L'intonazione aulica e contemplativa, con pochi, sobri personaggi e un'amplissima apertura paesistica, dimostrano la versalità dell'artista, in quegli anni all'apogeo della popolarità fiorentina, capace di creare opere molto diverse, dal vivido realismo del Ritratto di Francesco delle Opere, alla concitata azione del Compianto sul Cristo morto, fino alla solenne monumentalità delle pale d'altare come lApparizione della Vergine a san Bernardo, pure un tempo in Santa Maria Maddalena dei Pazzi.Originale è anche la scelta dei colori, più tenui e delicati, stesi con velature trasparenti sovrapposte, che si differenziano dai vividi accenti plastici delle pitture su tavola di quegli anni.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Pazzi Crucifixion.Please output in Italian.

Perugino
Ritratto di Francesco delle Opere


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Il quadro Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie, fu dipinto dal pittore francese Horace Vernet, quando costui si trovava a Roma nel 1831, ed ebbe molta risonanza a suo tempo, ora è esposto nel Walters Art Museum a Baltimora.

Prompt: Focus on Italian Brigands Surprised by Papal Troops and explain the Abstract.Please output in Italian.

Baltimora
Horace Vernet
Walters Art Museum


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos conosciuto anche come San Giovanni Evangelista a Patmos è un dipinto a olio su tavola di Tobias Verhaecht e Gillis Congnet realizzato nel 1598 e conservato nel Museo statale Ermitage a San Pietroburgo in Russia.

Prompt: How does St John the Evangelist at Patmos explain its Abstract?Please output in Italian.

1598
Ermitage
Gillis Congnet
Patmo
Russia
San Pietroburgo
Tobias Verhaecht


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Statua di Millicent Fawcett

statua di Millicent Fawcett sita in Parliament Square a Londra commemora la suffragetta britannica Millicent Fawcett. È stata realizzata nel 2018 da Gillian Wearing a seguito di una campagna e di una petizione dell'attivista Caroline Criado Perez.  sua installazione è stata approvata sia dal primo ministro del Regno Unito Theresa May, sia dal sindaco di Londra Sadiq Khan. Primo monumento dedicato a una donna in Parliament Square, l'opera è stata finanziata attraverso il Centenary Fund del governo e commemora il 100º anniversario del suffragio femminile nel Regno Unito.  sua inaugurazione si è tenuta il 24 aprile 2018.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Statue of Millicent Fawcett.Please output in Italian.

Gillian Wearing
Londra
Parliament Square
Sadiq Khan
Theresa May


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Mosaico di Zliten

Il mosaico fu scoperto nell'ottobre del 1913 tra le rovine di una villa romana in riva al mare, chiamata in seguito villa Dar Buk Ammera dal nome della zona in cui fu trovata. Dopo essere stato completamente dissotterrato e reso visibile dagli scavi condotti da Salvatore Aurigemma, dal 22 giugno al 18 agosto 1914, fu subito considerato un capolavoro dell'arte musiva, anche se aveva urgente bisogno di conservazione e restauro. Nel 1920 fu restaurato ed esposto nel museo archeologico di Tripoli. Nel 1952 venne spostato con il museo nella sua nuova sede dov'è in bella mostra vicino alla sala d'ingresso.

Prompt: Focus on Zliten mosaic and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna del Padiglione

Botticelli nelle collezioni lombarde, cat. della mostra a cura di A. Di Lorenzo, , Silvana Editoriale, Milano 2010.

Prompt: How does Madonna del Padiglione (Botticelli) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Ritratto di Bernhart von Reesen

Il personaggio è ritratto a mezzo busto girato a sinistra su sfondo rosso.  sua figura occupa tutto il dipinto, concentrandosi soprattutto sul volto, incorniciato dal cappello a larghe falde nero e dalla giubba foderata di pelliccia dello stesso colore. I capelli biondi e ondulati a caschetto coprono le orecchie; il volto, dai tratti energici, ha gli zigomi molto pronunciati, il naso robusto, le labbra carnose, il mento sporgente. L'aspetto severo degli abiti è ravvivato dalla camicia bianca, col collo finemente pieghettato.Le mani compaiono appoggiate al bordo inferiore, come nella tradizione fiamminga, e reggono un cartiglio dove è vergato, forse, l'indirizzo dell'uomo, come su una lettera. linea spiovente delle spalle ricalca quella delle falde del cappello, generando una rispondenza ritmica che si ritrova anche nel Ritratto di sconosciuto al Museo del Prado, di qualche anno dopo.

Prompt: Focus on Portrait of Bernhart von Reesen and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Amore e dolore

Amore e dolore è un dipinto del 1895 di Edvard Munch chiamato spesso anche Il vampiro, anche se non da Munch. Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si abbracciano, con la donna che sembra baciare o mordere l'uomo sul collo. Munch dipinse sei diverse versioni dello stesso soggetto tra il 1893 e il 1895. Tre sono nella collezione del Museo Munch di Oslo, una è esposta nel Museo d'arte di Göteborg, una è di proprietà di un collezionista privato e l'opera finale è dispersa. Munch dipinse diverse versioni aggiuntive e derivate dell'opera più avanti nel corso della sua carriera.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Love and Pain (Munch).Please output in Italian.

Edvard Munch
Museo Munch
Museo d'arte di Göteborg
Oslo


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Madonna delle Grazie

upright=1.6Madonna delle Grazie  è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, la madre di Gesù, nel culto liturgico e nella pietà popolare.

Prompt: How does Madonna delle Grazie (Botticelli) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Unione di Lublino

upright=1.7L'Unione di Lublino rappresentò il più grande successo di re Sigismondo, ma anche il suo più grande fallimento. Pur avendo dato vita alla più grande realtà statale di tutta l'Europa del tempo, Sigismondo fallì nell'agevolare le riforme necessarie a fondare un sistema politico efficiente. Egli sperava di rafforzare la monarchia grazie al supporto della bassa nobiltà e di bilanciare allo stesso tempo il potere di questi ultimi e dei magnati, ma non vi riuscì. Sebbene l'intera aristocrazia della Confederazione fosse dichiarata formalmente uguale in termini di legge, il potere politico restò essenzialmente nelle mani dei magnati e non fu per niente indebolito: essi riuscirono sistematicamente a corrompere o asservire i propri fratelli minori. Allo stesso tempo il potere della Corona avrebbe continuato a scemare inesorabilmente: mentre gli stati vicini si sarebbero sempre più evoluti in monarchie assolute forti e accentrate, la Confederazione sarebbe scivolata in una condizione di anarchia politica che ne avrebbe messo a rischio la stessa esistenza.L'Unione di Lublino determinò la fusione delle due entità statali di Polonia e Lituania, ma su molti fronti esse mantennero significativi livelli di autonomia: disponevano ciascuna di un proprio esercito, una tesoreria, un corpo di leggi e di organi amministrativi. Sebbene l'Unione dichiarasse i due Paesi uguali e di pari dignità, la Polonia, più vasta e culturalmente più vivace, avrebbe assunto ben presto un ruolo dominante.Una differenza che fu evidente già nella rappresentatività delle due nazioni in seno alla Camera dei deputati della Polonia: a causa dei diversi livelli di popolazione, i deputati polacchi superavano quelli lituani in rapporto di 3:1.I promotori dell'Unione di Lublino si aspettavano che Lituania e Polonia fossero legate fra loro in maniera più stretta di quanto fossero in realtà. Il Secondo statuto di Lituania, del 1566, rimaneva ancora in vigore e molte delle sue disposizioni differivano in modo sostanziale dai dettami dell'Unione di Lublino. Anche il Terzo statuto di Lituania, adottato nel 1588, contrastava con molti dei punti previsti dall'Unione. nobiltà polacca considerò gli statuti lituani incostituzionali, poiché in sede di ratifica dell'Unione di Lublino era stato stabilito che nessuna legge avrebbe potuto andare in contrasto con essa. Altrettanto dichiaravano gli Statuti, che tra l'altro continuarono ad essere adoperati anche in quelle regioni che la Polonia aveva annesso poco prima della firma dell'Unione. Questi definivano incostituzionali le leggi emanate in conflitto con essi, dando avvio a una serie di controversie giuridiche che sarebbero durate molti anni.I tentativi di limitare il potere dei magnati lituani  e di unificare il corpo di leggi della Confederazione portarono alla nascita del movimento detto koekwacja praw, che culminò nelle Riforme koekwacja alle elezioni parlamentari del maggio-giugno 1697. Queste furono confermate ad aprile del 1698 nel documento Porządek sądzenia spraw w Trybunale Wielkiego Księstwa Litewskego

Prompt: Explain the Political consequences about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Union of Lublin (painting).Please output in Italian.

Europa
Lublino
Polonia
Riforme koekwacja


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Ritratto di Carlo I a cavallo

Il Ritratto di Carlo I a cavallo è un dipinto a olio su tela  di Antoon van Dyck, databile al 1636 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Equestrian Portrait of Charles I.Please output in Italian.


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La vigna rossa

Il dipinto rappresenta la vendemmia nella campagna arlesiana, probabilmente a Trébon, a nord della città in direzione di Montmajour. L'opera è degna di nota per i suoi colori, soprattutto per l'opposizione dei complementari giallo e viola, annunciando per certi versi il fauvismo. In una lettera del 2 ottobre 1888, Vincent parlò dei suoi propositi ad Eugène Boch::« Beh, devo andare a lavorare alla vigna vicino a Mont Major. È tutto viola, giallo e verde sotto il cielo blu, un bello schema di colori. »In questo periodo del settembre-ottobre 1888, Vincent van Gogh sperimentò effettivamente vari modelli di colore; questa preoccupazione è evidente nelle sue riflessioni su alcuni lavori del periodo, come Il caffè di notte, la Notte stellata sul Rodano o la Terrazza del caffè la sera.

Prompt: How does The Red Vineyard explain its Description?Please output in Italian.

1888
Eugène Boch
Il caffè di notte
Notte stellata
Notte stellata sul Rodano
Vincent van Gogh


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Noli me tangere

L'episodio biblico del noli me tangere fu un tema ricorrente dell'iconografia dal tardo Medioevo al Rinascimento e ispirò diversi pittori, da Duccio di Buoninsegna a Paolo Veronese a Giovanni Antonio de' Sacchis in Italia, da Hans Memling a Hans Holbein il Giovane in area fiamminga e tedesca. Gesù spesso è raffigurato mentre tiene una vanga; questa iconografia vuole rappresentare l'errore di Maria Maddalena che, nel racconto biblico, non riconosce immediatamente Gesù, scambiandolo inizialmente per il "custode del giardino" o il "giardiniere".

Prompt: How does Noli me tangere (Titian) explain its Iconography?Please output in Italian.

Duccio di Buoninsegna
Gesù
Hans Holbein il Giovane
Hans Memling
Italia
Maria Maddalena
Paolo Veronese
Rinascimento


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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La pastorella

Il dipinto fece parte della collezione di ura Clubb e, nel 1947, venne donato assieme al resto della collezione al museo Philbrook .

Prompt: Explain the History of this artwork, The Shepherdess.Please output in Italian.


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Daniele

Armeno: Դանիէլ  Basco: Danel Bretone: Deniel Bulgaro: Данаил , Даниел  Ceco: Daniel Ipocoristici: Dan Croato: Daniel, Danijel, Danilo Ipocoristici: Danko Danese: Daniel Ebraico: דָּנִיֵּאל  Finlandese: Tanieli Ipocoristici: Tatu Francese: Daniel Greco biblico: Δανιηλ  Inglese: Daniel Ipocoristici: Danny, Dannie, Dan tino: Danihel Lettone: Daniils  Lituano: Danielius Macedone: Даниел  Norvegese: Daniel Olandese: Daniël Ipocoristici: Daan Polacco: Daniel Portoghese: Daniel, Danilo Rumeno: Daniel Ipocoristici: Dan, Dănuț Russo: Даниил   Serbo: Данијел , Данило  Ipocoristici: Данко  Sloveno: Daniel, Danijel, Danilo Spagnolo: Daniel, Danilo Ipocoristici: Dani, Dany Svedese: Daniel Tedesco: Daniel Ungherese: Dániel Ipocoristici: Dani

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Variantsinotherlanguages and the People.Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

LOrologio astronomico di Praga , è un monumento scientifico del periodo medioevale, situato nella capitale della Repubblica Ceca. L'orologio è montato sul lato sud del municipio della Città Vecchia, nella Piazza della Città Vecchia ed è una delle più importanti attrazioni turistiche della città.Il meccanismo è composto da tre elementi principali: il quadrante astronomico, sul quale, oltre all'ora, sono rappresentate le posizioni in cielo del Sole e della Luna, insieme ad altre informazioni astronomiche; il "Corteo degli Apostoli", un meccanismo che, allo scoccare di ogni ora, mette in movimento delle figure rappresentanti i 12 Apostoli; e un quadrante inferiore composto da 12 medaglioni raffiguranti i mesi dell'anno.

Prompt: In Prague astronomical clock, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Orologio astronomico
Praga
Repubblica Ceca


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Incoronazione di santa Rosalia

leftÈ stato osservato che nelle opere prodotte durante il suo soggiorno siciliano, ed in particolare in quelle dedicate a santa Rosalia, Van Dyck abbia più volte tratto spunto sul piano iconografico da esempi di artisti locali. Anche la tela viennese è esemplificativa di questo fenomeno.L'episodio che vi è raffigurato, cioè santa Rosalia inginocchiata al cospetto della Vergine ed incoronata dal Bambin Gesù mentre ai lati vi sono san Pietro e san Paolo, riprende in modo letterale quanto raffigurato in una delle incisioni illustrative della Vitae Sanctae Rosaliae del Cascini. Questa incisione a sua volta deriva da un perduto dipinto di Tommaso De Vigilia  che un tempo si trovava nella chiesa di Santa Rosalia di Bivona nell'agrigentino. rightAnche il dettaglio del ricchissimo manto di broccato che ricopre Rosalia - particolare che non si osserva nei precedenti dipinti del fiammingo dedicati alla vergine siciliana che è viceversa solitamente abbigliata solo di un povero saio di tipo francescano - è probabilmente una ripresa dalla stampa, anche se per tale aspetto la pala vandyckiana è stata accostata anche ad un altro precedente indigeno costituito da una tavola di Riccardo Quartararo  dove Rosalia in abiti principeschi adora la Vergine in trono col Bambino. Se questi esempi locali potevano avere interesse per Van Dyck sul piano tematico, poco invece potevano stimolarlo dal punto di vista stilistico e compositivo: a questo proposito il fiammingo guarda ad opere di altra caratura e segnatamente veneziane, tradizione artistica che fu di gran lunga l'oggetto principale delle riflessioni del pittore di Anversa durante i suoi anni italiani e il cui influsso fu decisivo per la formazione del suo stile. disposizione in diagonale della composizione e la monumentale quinta architettonica, così come le pose della Madonna, del Bambino e di santa Rosalia mostrano una significativa assonanza con il Matrimonio mistico di santa Caterina del Veronese che è chiaramente il modello seguito da Van Dyck per la pala d’altare della cappella dei Celibi. Di derivazione veneziana è anche l’acceso colore che anima il dipinto.   Completano la composizione i tipici attributi della santa palermitana: il teschio, il giglio e le rose  che si vedono nella ghirlanda con la quale essa sta per essere incoronata, nel cesto che porta la figura ancillare alle sue spalle - probabile citazione della tizianesca Salomè del Prado - e nelle mani degli angioletti in volo sulla destra della tela.   DallIncoronazione di santa Rosalia di Van Dyck trasse un'incisione Paulus Pontius e forse è proprio questa stampa, più che l'originale vandyckiano, la fonte seguita da Gaspar de Crayer per la realizzazione di una composizione di identico soggetto licenziata nel 1644, come fa pensare la specularità di questo dipinto rispetto alla tela di Vienna. È significativo che il quadro di de Crayer  fosse originariamente collocato nella chiesa gesuita di Ypres, ulteriore testimonianza degli sforzi profusi dalla Compagnia per diffondere il culto di santa Rosalia nelle Fiandre.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Coronation of Saint Rosalia.Please output in Italian.

Bivona
Gaspar de Crayer
Paulus Pontius
Riccardo Quartararo
Santa Rosalia
Tommaso De Vigilia
Ypres


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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San Sebastiano (Perugino San Paolo)

San Sebastiano conosciuto anco come San Sebastiano alla colonna è un dipinto del pittore Perugino realizzato circa nel 1500-1510 e conservato nel Museo d'arte di San Paolo in Brasile

Prompt: In St Sebastian (Perugino, São Paulo), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Atleta di Lussino

Paolo Moreno, Croazia: Il tassello fantasma, in Il Giornale dell'Arte, 19, n. 222, giugno 2003

Prompt: Focus on Croatian Apoxyomenos and explain the External links.Please output in Italian.


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La morte del giovane Barra

mort de Bara, fondation du muséum Calvet, Avignone, 1989

Prompt: In The Death of Young Bara, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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L'assenzio

L'assenzio  è un dipinto a olio su tela  di Edgar Degas, databile al 1875-1876 e conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, L'Absinthe.Please output in Italian.

1875
1876
Edgar Degas
Museo d'Orsay
Museo d'Orsay
Parigi


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Ritratto di Leone X con i cardinali Giulio de' Medici e Luigi de' Rossi

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Raffaello e il ritorno del papa Medici: restauri e scoperte sul ritratto di Leone X e dei due cardinali, a cura di M. Ciatti e E. D. Schmidt, Firenze 2021

Prompt: In Portrait of Leo X (Raphael), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
ISBN
Galleria degli Uffizi


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Pietà per Vittoria Colonna

Michelangelo conobbe Vittoria Colonna verso il 1538, stringendo con lei una vivissima amicizia e introducendosi nei suoi circoli, in cui erano familiari i temi di riforma della Chiesa. Per lei dipinse, nel quinto decennio del XVI secolo, alcuni dipinti, oggi tutti perduti o comunque di attribuzione estremamente controversa, di cui però restano disegni preparatori e copie di allievi e estimatori di Michelangelo.Oltre a una celebre Crocifissione, l'opera più nota per Vittoria Colonna è una Pietà, della quale resta un pregevole disegno a Boston. Non è chiaro se quest'opera venne effettivamente dipinta o meno dall'artista, ma è descritta da Ascanio Condivi. Sicuramente ne esistono alcune copie di allievi non particolarmente dotati, a Firenze e a Roma, oltre a una rielaborazione di Ludovico Buti.Nel 2007 il restauratore e storico dell'arte Antonio Forcellino ha reso noto di aver scoperto un'altra versione del dipinto in un'abitazione privata presso Buffalo, negli Stati Uniti, che egli ha attribuito come l'originale perduto di Michelangelo, ricostruendone la storia di come sarebbe arrivato nella collocazione attuale. In realtà la qualità oggettiva del dipinto è evidentemente bassa e la sua proposta non ha riscosso seguito.

Prompt: In Pietà for Vittoria Colonna, how is the History discussed?Please output in Italian.

1538
2007
Antonio Forcellino
Ascanio Condivi
Boston
Buffalo
Firenze
Ludovico Buti
Roma
Vittoria Colonna