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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Cristo velato

magistrale resa del velo, «fatto con tanta arte da lasciare stupiti i più abili osservatori» , ha nel corso dei secoli dato adito a una leggenda secondo cui il committente, il famoso scienziato e alchimista Raimondo di Sangro, avrebbe insegnato allo scultore la calcificazione del tessuto in cristalli di marmo. Da circa tre secoli, infatti, molti visitatori della Cappella, colpiti dal mirabile velo scolpito, lo ritengono erroneamente esito di una "marmorizzazione" alchemica effettuata dal principe, il quale avrebbe adagiato sulla statua un vero e proprio velo, e che questo si sia nel tempo marmorizzato attraverso un processo chimico.In realtà una attenta analisi non lascia dubbi sul fatto che l'opera sia stata realizzata interamente in marmo, e questo è anche confermato da alcune lettere dell'epoca. Una ricevuta di pagamento a Sanmartino in data 16 dicembre 1752, firmata dal Principe e conservata presso l'Archivio Storico del Banco di Napoli, recita infatti:Lo stesso di Sangro, in alcune lettere, descrive il velo come realizzato dallo stesso blocco della statua, senza l'utilizzo di alcun espediente alchemico.

Prompt: How does Veiled Christ explain its Legend of the veil?Please output in Italian.


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Astronomo

Un astronomo è uno scienziato che si occupa dello studio dei corpi e dei fenomeni esterni all'atmosfera terrestre. Per le sue ricerche egli si avvale principalmente della matematica e della fisica, ma anche di altre discipline a seconda del suo campo specifico di studi.Dal punto di vista dell'apparato strumentale, il telescopio ottico ha accompagnato dai tempi di Galileo il lavoro di ogni astronomo: prima del XVII secolo l'osservazione era praticata a occhio nudo, e ci si avvaleva perlopiù di strumenti che permettessero l'orientamento sulla volta celeste e una corretta previsione dei fenomeni celesti, come l'astrolabio.Nel XX secolo ad un continuo perfezionamento dei telescopi ottici si è affiancato lo sviluppo di altre strumentazioni, come la spettroscopia ed il radiotelescopio, che ha aperto la porta dell'osservazione alle lunghezze d'onda diverse dal visibile, mentre la nascita dell'astronautica ha permesso agli astronomi di studiare dettagliatamente i corpi del Sistema Solare  e di osservare l'Universo con l'accuratezza permessa dall'assenza dell'atmosfera .

Prompt: How does The Astronomer (Vermeer) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Tanaquil

Etrusca di nobile discendenza, fu una delle donne più influenti nella storia politica romana.Tanaquil incoraggiò il marito Lucumone a lasciare la loro città, Tarquinia, per emigrare a Roma, vista l'ostilità di cui era fatto oggetto Lucumone in patria.Fu sempre Tanaquil, profonda conoscitrice delle cose religiose, ad interpretare l'evento di cui fu protagonista Lucio Tarquinio al loro arrivo a Roma  come segno del favore degli dei verso il marito.Ancora lei aiutò il marito a inserirsi nella vita sociale e politica di Roma fino alla sua elezione a re. Dopo l’uccisione di Tarquinio Prisco da due sicari prezzolati dei figli di Anco Marzio, Tanaquil, nascondendo l’uccisione del marito al popolo romano, annunciò ad arte che «lui era sopravvissuto all'attentato e che aveva designato come suo successore temporale Servio Tullio.» e le promise che avrebbe dato il regno al suo figlio quando questi avesse raggiunto la maggiore età, ma non lo fece.

Prompt: In Tanaquil (painting), how is the Biography discussed?Please output in Italian.

Anco Marzio
Roma
Servio Tullio
Tarquini
Tarquinia
Tarquinio Prisco


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Leonessa di Guennol

Sotheby's la descrisse come "uno degli ultimi capolavori conosciuti che ci viene dall'alba della civiltà rimasti in mani private". Il giorno prima dell'asta, gli esperti avevano stimato che l'offerta più alta sarebbe stata compresa tra 14 milioni e i 18 milioni di dollari. Il prezzo di vendita  ha superato i 28,6 milioni di dollari, che costituivano allora il record pagato per una statua antica in un'asta; si trattava di Artemide e il cervo, una figura di bronzo di epoca ellenistica venduta da Sotheby's nel giugno del 2007. Al momento della sua vendita nel 2007, il prezzo pagato all'asta per la Leonessa di Guennol è stato il più alto pagato per una scultura fino a quella data, superando facilmente il record di Tête de femme  di Pablo Picasso. Il prezzo è stato poi superato il 3 febbraio 2010 dagli oltre 104 milioni di dollari per la scultura L'Homme qui marche I  di Alberto Giacometti.

Prompt: Explain the Astadi Sotheby's about the Story of the opera of this artwork, Guennol Lioness.Please output in Italian.

Alberto Giacometti
Artemide e il cervo
Pablo Picasso
Sotheby's


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Ragazzo morso da un ramarro

Volendo approfondire gli argomenti interpretativi occorre fare alcune osservazioni aggiuntive rispetto a quanto già detto. "Fece anche un fanciullo che da una lucerta, la quale usciva da fiori e da frutti, era morso; e parea quella testa veramente stridere, ed il tutto con diligenza lavorato". Così Giovanni Baglione , nella biografia dell'artista descrive l'opera, precisando, poco sopra che dopo aver lasciato il D'Arpino" provò a stare da se stesso"; il dipinto, secondo Baglione, venne realizzato in questo periodo . L'opera venne venduta, secondo Giulio Mancini per 25 Giulii, ma non si sa chi fosse stato l'acquirente. Il dipinto dovrebbe essere quello della Fondazione Longhi piuttosto che quello di Londra, ma è difficile parteggiare per l'una o l'altra opera: in ogni caso il dipinto è noto in 4 versioni di cui 2 copie; ma anche qui è difficile distinguerle dall'originale.  versione Longhi è più dura, si nota una tensione maggiore nella mano che viene morsa e una più evidente smorfia di dolore nel volto. Sembra dunque essere quella più rispondente alla descrizione di Baglione che tiene a sottolineare proprio questa dolorosa repulsione. Presso l'archivio Altemps, investigato da Luigi Spezzaferro è interessante una nota concernente proprio il quadro in questione. " Il retrato di Caravaggio dove gli morsica una lucerta, di p [ piedi ] 3, 1/2, con cornice nero rabescato d'oro" . Si tratta del dipinto dell'inventario Altemps del 1620, n. 122. Per l'influente famiglia lavorava il "Turcimanno" di Caravaggio Prospero Orsi, che faceva da tramite fra il pittore, i venditori e gli acquirenti. A questa data, dunque, si sapeva che si trattava del ritratto del pittore e che a mordere il suo dito era stata una lucertola. Il pittore è abbigliato teatralmente , è come uno dei giovani travestiti, anche da donna, della corte Del Monte, il suo compito è quello di mostrare come la " follia" d'amore venga aggredita, o meglio, iniettata dal male , però dimostra come questa storiella del ramarro disturbatore era comune a vari aspetti letterari, drammaturgici ed artistici e come potesse essere resa in modo tanto drammatico quanto parodistico e comico. Caravaggio fissa il momento di una scenetta di genere trasformando il morbido efebico e imperturbabile Apollo sauroctono di Prassitele, che come precisa Di Vito, si libera del simbolo infestante della natura fertile che deprivata dal male può risorgere, in un giovane che diviene vittima di quello stesso simbolo: il serpentello si ribella e morde il suo persecutore. Un altro filone di ricerca è legato alle supposte cognizioni di magia naturale del pittore, alle sue condizioni di malinconico ed epilettico, allo studio della fitopatologia vegetale, di questi si è interessato il Di Vito e se ne stanno interessando studiosi americani.

Prompt: How does Boy Bitten by a Lizard explain its Iconography iconology?Please output in Italian.

Apollo sauroctono
Caravaggio
Giovanni Baglione
Giulio Mancini
Londra
Caravaggio


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Tre filosofi

Come riporta Marcantonio Michiel nella Notizia d'opere del disegno  l'opera venne eseguita per Taddeo Contarini. Lo storico veneziano la descrive come: «tela a olio delli tre philosophi nel paese, due riti e uno sentado che contempla i raggi solari con quel saxo finto così mirabilmente, fu cominciata da Zorzo da Castelfranco et finita da Sebastiano Vinitiano».Nel 1636 il dipinto si trovava presso Bartolomeo della Nave, ancora a Venezia; venduto nel 1638 a Hamilton, venne infine ceduto nel 1649 a Leopoldo Guglielmo d'Austria ; da allora ha seguito le sorti delle raccolte asburgiche.

Prompt: In The Three Philosophers, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Polittico della Cervara

Il Polittico della Cervara è un dipinto a olio su tavola in quattro scomparti  di Gerard David, databile al 1506-1510 e conservato a Palazzo Bianco dei Musei di Strada Nuova a Genova.Si tratta di una delle molte opere richieste da committenti genovesi a pittori fiamminghi, esportate in Genova, e disperse a partire dalle soppressioni dei conventi in epoca napoleonica e poi per tutto l'Ottocento dalle vendite private. Pertanto è opera interessante anche nell'insieme delle opere fiamminghe richieste da committenti genovesi nonché dei rapporti tra Genova e le Fiandre.

Prompt: In Cervara Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1506
1510
Palazzo Bianco
Genova
Gerard David
Musei di Strada Nuova
Palazzo Bianco


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Volta della Cappella Sistina

I venti Ignudi contornano i riquadri minori delle Storie.  loro posizione di risalto, benché contenuta nella struttura architettonica dipinta, travalica il semplice ruolo di figure decorative, tanto più la funzione araldica segnalata da Vasari . Essi piuttosto appaiono come figure angeliche, nell'accezione di figure intermedie "tra gli uomini e la divinità" .

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Nudes of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema , Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi . Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann  parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

Prompt: Focus on The Blind Leading the Blind and explain the Heritage.Please output in Italian.

1562
1600
1616
Charles Baudelaire
Claude-Henri Rocquet
David Vinckboons
Gert Hofmann
Hieronymus Wierix
Jacob Savery
Josef Weinheber
Maurice Maeterlinck
Pieter Brueghel il Giovane
William Carlos Williams


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: How does Presentation at the Temple (Mantegna) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Hieronymus Holzschuher

Il protagonista è ritratto a mezzo busto di tre quarti voltato a sinistra con gli occhi che guardano verso lo spettatore, su uno sfondo neutro, di colore grigio. Il carattere ufficiale dell'opera è sottolineato dal taglio statuario e dai bordi che lasciano poco spazio attorno all'effigie.Indossa un ampio collo di pelliccia su una giubba scura ed ha uno sguardo orgoglioso e sicuro, a differenza di quello distaccato e perso nel vuoto di Jakob Muffel: il contrasto fu sicuramente voluto poiché Dürer conosceva bene i due personaggi, suoi concittadini, ed essi erano anche amici tra loro. L'accuratezza della resa dei dettagli non compromette comunque il vigore dell'insieme, né l'energià psicologica che scaturisce dalla figura.Sul resto della tavola si trovano gli stemmi delle famiglie Holzschuher e Münzer entro un'elaborata composizione araldica tra due rami di alloro, secondo le consuetudini dell'epoca.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Hieronymus Holzschuher.Please output in Italian.


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La prima messa in Brasile

sinistraPer realizzare il dipinto, Victor Meirelles ricevette dei consigli da parte del direttore dell'accademia imperiale brasiliana e di Ferdinand Denis, direttore della biblioteca Santa Genoveffa a Parigi, dove fece delle ricerche sull'iconografia relativa agli indigeni. Per la scena centrale egli si ispirò ai dipinti  prima messa in Cabilia del pittore francese Horace Vernet  e Una messa durante il Terrore di François Marius Granet .L'opera venne dipinta a Parigi tra il 1858 e il 1861, durante il suo secondo soggiorno come borsista dell'accademia imperiale di belle arti.  tela venne esposta al prestigioso Salone di Parigi del 1861, dove ottenne il plauso della giuria, un'impresa senza precedenti per un artista brasiliano, che ebbe una risonanza positiva nel suo paese. Al suo ritorno in Brasile, egli venne nominato cavaliere dell'ordine Imperiale della Rosa dall'imperatore Pietro II.Nel 1876, il quadro venne esposto all'esposizione universale di Filadelfia, negli Stati Uniti. A causa di alcuni problemi durante il viaggio di ritorno, la tela dovette essere restaurata nel 1878, perché si era rovinata a causa di una perdita d'acqua nella stiva della nave nella quale era stata depositata. Nel 1921, in occasione dell'esposizione che celebrava il centenario dell'indipendenza brasiliana, l'opera era in uno stato pietoso e si dovette restaurare nuovamente. Degli altri restauri avvennero nel 1969 e nel 2000.

Prompt: In The First Mass in Brazil (Victor Meirelles), how is the History discussed?Please output in Italian.

Brasile
Ferdinand Denis
François Marius Granet
Horace Vernet
Victor Meirelles


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Bahá'í Faith and the Psychology.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa o Jaffa  è un dipinto di Antoine-Jean Gros datato al 1804, commissionato da Napoleone Bonaparte per rappresentare un episodio della campagna d'Egitto.  realtà storica della scena raffigurata nel dipinto, ed in particolare il gesto del Bonaparte, sono oggetto di contesa.

Prompt: How does Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa explain its Abstract?Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Giaffa
Napoleone Bonaparte


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La Gioconda

I marinai dell'Hècate attendono ai loro compiti cantando una marinaresca. Intanto Barnaba, fingendosi un pescatore , spia la nave di Enzo dopo aver inviato Isépo ad avvertire il naviglio veneziano. Entra in scena il principe Enzo e manda sotto coperta i marinai perché resterà lui a vegliare durante la notte. Rimasto solo, attende trepidante l'arrivo di ura . È Barnaba a condurre da lui l'amante, accostandone la barca al brigantino. ura sale a bordo, ma appare allarmata per il sinistro augurio del falso pescatore. Eppure – ribatte Enzo – quello «è l'uomo che ci aperse il paradiso!». I due amanti si scambiano dolci parole, fino a che non tramonta completamente la luna, al che Enzo si allontana sotto coperta per cercare qualcuno che conduca la donna di nuovo a casa.Rimasta sola nella notte, ura confida alla Madonna il suo turbamento e la sua paura . Sulle ultime parole della preghiera , Gioconda esce dall'oscurità  e aggredisce la rivale, minacciandola di ucciderla se non fuggirà. Ma ura reagisce rivendicando la forza del suo amore . Gioconda allora minaccia di consegnarla al marito, che sta giungendo su una barca . Ma quando ura, spaventata, alza il rosario, Gioconda la riconosce come la donna che ha salvato sua madre, e la aiuta a fuggire. ura, confusa, domanda il nome della salvatrice , «Son la Gioconda», risponde l'altra.Barnaba per un attimo ricompare in scena , consigliando ad Alvise di seguire la barca sulla quale fugge ura. Tornato Enzo, Gioconda gli dice che ura è fuggita per paura . Enzo, sdegnato , corre verso la riva per seguire la donna amata , ma Gioconda lo ferma e lo avverte del pericolo delle galee veneziane . Il genovese, pur di non farsi prendere, dà fuoco alla nave .

Prompt: Describe the characteristics of the Act II The rosary in Mona Lisa's Plot.Please output in Italian.


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Musica

terminologia musicale è molto ampia.I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono: la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione ; la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente; l'accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali; l'armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi; il contrappunto, dal lat. punctum contra punctum, punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie; il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica  in un brano; il tempo, che determina la durata di ogni battuta in unità musicali; gli armonici, ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota . Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento. il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro; la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Common terms and the The studio.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Masullas  la festa patronale della Vergine delle Grazie si svolge a inizio luglio per una durata di tre giorni. Durante il secondo giorno si svolge la solenne processione per le vie del paese con gli abiti tradizionali sardi. Nella sera i festeggiamenti proseguono in piazza con spettacoli e concerti.

Prompt: Explain the Masullas about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Giovane donna che si incipria

Giovane donna che si incipria è un'opera realizzata tra il 1889 ed il 1890 circa dal pittore francese Georges-Pierre Seurat.
È conservata nella Courtauld Gallery di Londra.
 Il dipinto raffigura Madeleine Knobloch, amante di Seurat. Inizialmente Seurat voleva inserire un suo ritratto nella finestra a sinistra, intento ad osservare Madeleine, ma quando un amico gli fece notare che ciò poteva destare scalpore, optò per inserire al suo posto il vaso di fiori attualmente visibile.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Young Woman Powdering Herself (Seurat).Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Explain the The Annunciation in theology about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Madonna col Bambino e una figura maschile è un dipinto a olio su tavola  di Bramantino, databile al 1503-1504 circa e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano.

Prompt: How does Madonna and Child with a Man explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Antonio Martelli

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Fra Antonio Martelli (Caravaggio).Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori Allendale

L'opera era nelle collezioni del cardinale Fesch a Roma, che vennero messe all'asta nel 1845.  tavola di Giorgione finì a Parigi e poi in Inghilterra, dove entrò nelle collezioni dei baroni di Allendale a Bretton Hall, nello Yorkshire. Nel 1937 fu di nuovo messa in vendita e, acquistata dai Duveen Brothers, fu comprata da Samuel H. Kress, che nel 1939 ne fece dono alla nascente galleria nazionale americana.Lo scenario venne ripreso dalla Pala di Asolo di Lorenzo Lotto nel 1506, per cui si è soliti datare l'opera al 1500-1505, vicino alla Sacra Famiglia Benson della quale riprende alcuni elementi compositivi. Come molte delle opere di Giorgione l'attribuzione è ormai consolidata, ma talvolta messa in dubbio, proponendo i nomi di Giovanni Bellini o del giovane Tiziano.

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Giorgione) explain its History?Please output in Italian.


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Epifania

In Slovenia, soprattutto nella parte occidentale del Paese, durante il primo giorno dell'anno e l'Epifania, i bambini vanno di casa in casa perché i paesani regalano loro mandorle, fichi secchi, noci o biscotti che hanno nelle proprie dimore.

Prompt: Explain the Slovenia about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Dama con l'ermellino

L'opera è uno dei dipinti più belli di sempre di Leonardo Da Vinci, simbolo dello straordinario livello artistico raggiunto da lui durante il suo primo soggiorno milanese, tra il 1482 e il 1499. L'opera, della quale si ignorano le circostanze della commissione, viene di solito datata a poco dopo il 1488, quando Ludovico il Moro ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell'Ordine dell'Ermellino dal re di Napoli Ferdinando I di Aragona.L'identificazione con la giovane amante del Moro Cecilia Gallerani si basa sul sottile rimando che rappresenterebbe, ancora una volta, l'animale: l'ermellino infatti, oltre che simbolo di purezza e di incorruttibilità , si chiama in greco galḗ , che alluderebbe al cognome della fanciulla. scritta apocrifa nell'angolo in alto a sinistra  ha anche fatto ipotizzare che l'opera raffiguri Madame Ferron, amante di Francesco I di Francia, ipotesi oggi superata.Esiste un'interpretazione secondo cui l'opera sarebbe una memoria della congiura contro Galeazzo Maria Sforza: la donna effigiata sarebbe sua figlia Caterina Sforza, con la collana di perle nere al collo della dama che alludono al lutto, e l'ermellino un richiamo allo stemma araldico di Giovanni Andrea mpugnani, sicario e uccisore nel 1476 dello Sforza.Il dipinto, col Ritratto di musico e la cosiddetta Belle Ferronnière del Louvre, rinnovò profondamente l'ambiente artistico milanese, segnando nuovi vertici nella tradizione ritrattistica locale. Dell'opera si sa che ebbe subito un notevole successo. Immortalato da un sonetto di Bernardo Bellincioni , venne mostrata dalla stessa Cecilia alla marchesa di Mantova Isabella d'Este che cercò di farsi ritrarre a sua volta da Leonardo, pur senza successo .Le tracce del dipinto nei secoli successivi sono più confuse. Dimenticata l'attribuzione a Leonardo, l'opera venne riassegnata al maestro solo alla fine del XVIII secolo. Durante la seconda guerra mondiale venne nascosto nei sotterranei del castello del Wawel, dove fu trovato dai nazisti che avevano invaso la Polonia; quando fu ritrovato recava nell'angolo inferiore destro l'impronta di un tallone, cui pose rimedio un intervento di restauro.

Prompt: Explain the History of this artwork, Lady with an Ermine.Please output in Italian.

1476
1482
1488
1499
Belle Ferronnière
Bernardo Bellincioni
Caterina Sforza
Cecilia Gallerani
Francesco I di Francia
Galeazzo Maria Sforza
Isabella d'Este
Ludovico il Moro
Polonia
Ritratto di musico
XVIII secolo


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Primavera

Secondo la tradizione marinaresca toscana, per le forme di vita marine, come i pesci, la primavera arriva un mese prima rispetto agli esseri viventi terrestri, iniziando il 21 febbraio. Questo presunto fenomeno prende il nome di primavera a mare . Corrado Govoni ha scritto una poesia sulla primavera a mare.

Prompt: Explain the Spring love of this artwork, Primavera (Botticelli).Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il Concilio di Trento stabilì il peccato originale come un dogma di fede e consacrò la credenza dell'Immacolata Concezione, sebbene quest'ultima non costituisse ancora propriamente un dogma autonomo. In Spagna molti si infervorano per la festa celebrata l'8 dicembre e che viene sentita come obbligatoria a partire dal 1644. A quel tempo la devozione alla Vergine Maria era enorme.L'Immacolata Concezione presenta la Vergine come l'unico essere mortale, che è stato liberato dal Peccato Originale: una tesi dottrinale Cattolica di lunga tradizione, molto rappresentata nella pittura spagnola dell'età del secolo d'oro.Zurbarán sceglie il colore rosa, per le vesti della Vergine.Francisco Pacheco nel 1649 definisce il suo canone di estetica per la tipologia dell'Immacolata Concezione, su suggestione della suora Beatrice de Silva, la quale trent'anni prima aveva sperimentato una visione della Vergine vestita di bianco e blu cielo.

Prompt: In Immaculate Conception (Zurbarán), how is the Topic of the History explained?Please output in Italian.

8 dicembre
Beatrice de Silva
Concilio di Trento
Immacolata Concezione
Spagna


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Lorenzo Monaco) and explain the Iconography.Please output in Italian.


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Epifania

sera del 5 gennaio segna la dodicesima notte di Natale ed è l'occasione in cui le statuette dei tre Magi biblici vengono aggiunte al presepe. Tradizionalmente in Messico, come in molti altri paesi dell'America tina, Babbo Natale non detiene lo stesso prestigio che ha negli Stati Uniti. Sono piuttosto i Magi i portatori di doni, che lasciano doni dentro o vicino alle scarpe dei bambini piccoli. Anche le famiglie messicane commemorano la data mangiando Rosca de reyes. Nel Messico moderno, tuttavia, e in particolare nelle città più grandi e nel nord, le tradizioni locali vengono ora osservate e intrecciate con la grande tradizione nordamericana di Babbo Natale, nonché con altre festività come Halloween, a causa dell'americanizzazione indotta da film e televisione, fatto che un'economia legata alla tradizione dei regali che va dal giorno di Natale fino al 6 gennaio.

Prompt: In Epifania, how is the Mexico of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Alla fine del ventesimo secolo, in seguito al successo del libro Il santo Graal di Baigent, Leigh e Lincoln, è diventata famosa la chiesa di Santa Maria Maddalena di Rennes-le-Château nella regione dell'Aude.

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the Recent narrative discussed?Please output in Italian.


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A Conversation with Oscar Wilde

Il memoriale è stato inizialmente proposto durante gli anni '80 e l'inizio degli anni '90 dai cultori di Wilde, tra cui Derek Jarman. Dopo la morte di Jarman nel 1994, è stato creato un comitato chiamato "Una statua per Oscar Wilde" guidato da Jeremy Isaacs, che comprendeva gli attori Judi Dench e Ian McKellen e il poeta Seamus Heaney.Dagli schizzi presentati da dodici artisti, sono stati creati sei modelli in scala e tra questi è stato scelto il lavoro "spiritoso e divertente" di Maggi Hambling. L'opera ha un'iscrizione di una citazione da Il ventaglio di dy Windermere: "Siamo tutti nella fogna ma alcuni di noi stanno guardando le stelle". Centinaia di singoli donatori e fondazioni hanno contribuito al finanziamento del progetto.  scultura londinese è stata di poco anticipata dal memoriale di Dublino Oscar Wilde Memorial Sculpture, progettato e realizzato da Danny Osborne e svelato nel luogo di nascita di Wilde, Merrion Square.

Prompt: Focus on A Conversation with Oscar Wilde and explain the Creation and presentation.Please output in Italian.

1994
Derek Jarman
Dublino
Ian McKellen
Jeremy Isaacs
Judi Dench
Maggi Hambling
Merrion Square
Oscar Wilde
Oscar Wilde Memorial Sculpture


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divisionismo

Il Divisionismo trae dal Simbolismo la rivalutazione dei miti, il misticismo, il rapporto tra musica e pittura propria dell'estetica wagneriana e soprattutto per la corrispondenza tra essi ed il mondo interiore, ma si caratterizza per l'impegno sociale e politico dei suoi aderenti. Scapigliatura lombarda di metà dell'Ottocento provoca la perdita l'interesse antiaccademico che contrasta l'arte consacrata dalla tradizione, il contenuto mitologico e storico, le forme classicheggianti o puriste, privilegiando invece il ritratto di introspezione psichica o sentimentale comuni anche al Realismo. Per la tecnica pittorica, caratterizzata da contorni sfumati, colore spumoso, forte contrasto chiaroscurale, la Scapigliatura viene accostata all'Impressionismo, ma se ne diversifica per l'acuta sensibilità e l'intimismo dell'interpretazione.Verso la fine del secolo, l'aggravarsi dei problemi sociali viene registrato dagli artisti i cui contenuti pittorici si fanno più tragici, la scienza, invece che sanare la triste condizione delle masse, diventa mezzo per accrescerne lo sfruttamento. L'arte è ora interpretata come una via di salvezza, per cui si estende ad ogni aspetto della vita .Contro il Positivismo si assiste alla rivalutazione della filosofia di Schopenhauer, anche attraverso il pensiero di Nietzsche, secondo la quale il mondo fenomenico è ritenuto pura apparenza, mentre solo la contemplazione artistica consente il contatto con la verità. Secondo lo Spiritualismo di fine secolo, la natura è percorsa da forze vitali, identificate nella forma artistica della linea curva, serpentina.L'artista si rifugia nell'interiorizzazione del rapporto arte/natura, che interpreta con sottolineature diverse, accentuandone il significato simbolico evocativo, che si concretizza nel divisionismo. In questo senso, se il pointillisme si ricollega al Positivismo, la teoria divisionista ne diventa una sorta di antitesi. Per Previati: sinistraStile divisionista a confronto con lo stile a macchia dei macchiaioli.Il tratteggio, già adottato nei disegni e nelle incisioni, diventa pennellata direzionale, che spesso si avvolge su se stessa, filamento arabescato, che asseconda le forme, si piega in matasse di luce/colore, dall'andamento spesso circolare, a spirale, a sezione di cerchio, perché la luce è vita. Nell'interpretazione di Previati si ravvisano più esplicitamente, sia nel valore di segno dei soggetti, sia nell'uso della linea curva, i caratteri propri del Simbolismo .Segantini, in Così penso e sento la pittura per "Cronaca d'arte" di Milano del 1º febbraio 1891, attribuisce all'arte un valore religioso: "Letteratura, musica, pittura, ...formeranno la trinità dello spirito. Un forte sentire, a contatto della natura..." Le tematiche si differenziano dalla corrente francese puntinista: sebbene in un primo periodo venissero riproposti paesaggi e scenari all'aria aperta, questi lasciarono posto a problematiche sociali e vita quotidiana  in particolare nel caso di Pellizza e Plinio Nomellini i cui interessi artistici si intrecciarono all'attivismo socialista. Nel caso di Previati invece profonde riflessioni su temi religiosi.

Prompt: Explain the Aesthetic concepts of this artwork, Divisionism.Please output in Italian.

1891
Impressionismo
Plinio Nomellini
Positivismo
Scapigliatura
Simbolismo
Spiritualismo


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Trittico dei Frari

Il Trittico dei Frari è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, datato 1488 e conservato nella basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari a Venezia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Frari Triptych.Please output in Italian.


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Polittico di San Pietro

Il polittico era originariamente collocato nell'abbazia di San Pietro a Perugia. Il contratto venne firmato da Perugino e l'abate ttanzio di Giuliano da Firenze in data 8 marzo 1495, e comprendeva vari pannelli da inserire in una grandiosa macchina d'altare, con una cornice lignea architettonica predisposta da Giovanni Domenico da Verona.  tavola principale doveva essere dedicata allAscensione di Cristo, con una lunetta con lEterno in gloria tra angeli, mentre la predella non era ancora esattamente definita, il tutto per un compenso di 500 ducati d'oro e un termine di consegna massimo di due anni e mezzo.I vari pannelli vennero dipinti tra il gennaio 1496 e la fine del 1499, con una solenne inaugurazione dell'altare il 13 gennaio 1500. Del polittico, Giorgio Vasari lodò soprattutto la predella, che descrisse come la migliore opera esistente dell'artista a Perugia.Nel 1591 si ebbe una radicale ristrutturazione del coro della chiesa, che necessitò lo smantellamento dell'altare. Perduta la cornice originaria, le tavole vennero destinate a vari ambienti della chiesa e della sagrestia. Con le soppressioni seguite alle spoliazioni napoleoniche del 1797 l'opera venne trafugata, finendo divisa tra più musei francesi, mentre alcuni pannelli rimasero a Perugia o confluirono, grazie al recupero che ne fece Antonio Canova dalla Francia, nelle raccolte papali a Roma.  parte centrale in particolare finì a Rouen per concessione di Pio VII nel 1816.

Prompt: Explain the History of this artwork, San Pietro Polyptych.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Secondo l'esegesi ebraica, Isacco aveva 37 anni al momento del sacrificio. Con questo espediente i midrashim spiegano che:# Isacco, quando capì che stava venendo sacrificato, pensò a quanto avrebbe giovato e non reagì.# Isacco, pur essendo forte e vigoroso preferì non reagire al padre per rispetto.Secondo i midrashim quando gli Angeli fermarono Abramo, Isacco aveva già un taglio sulla gola. Isacco fu portato a Gan Eden per guarire ma dovette aspettare molto per la completa guarigione.Alcuni esegeti affermano che la vita di Isacco fu “silenziosa” a causa del trauma per il sacrificio, ma altri hanno cercato altre ragioni tra le più varie.

Prompt: How does Abraham and Isaac (Titian) explain its Esegesiebraica?Please output in Italian.


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Incoronazione di Carlo Magno

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In The Coronation of Charlemagne, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Yad Vashem United States Holocaust Memorial Museum Museum of Tolerance, LA

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Museography and the Inappropriate for children.Please output in Italian.


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Gioele

Joël Bats, calciatore franceseJoël Bouzou, pentatleta franceseJoël Cantona, calciatore franceseJoël Chenal, sciatore alpino franceseJoël Corminbœuf, calciatore svizzeroJoël Curbelo, cestista portoricanoJoël de Oliveira Monteiro, calciatore brasilianoJoël Egloff, scrittore e sceneggiatore franceseJoël Epalle, calciatore cameruneseJoël Gaspoz, sciatore alpino svizzeroJoël Jutge, arbitro di rugby e dirigente sportivo franceseJoël Kimwaki, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël utier, scacchista franceseJoël Le Theule, politico franceseJoël Matip, calciatore tedesco naturalizzato cameruneseJoël Muller, calciatore, allenatore di calcio e dirigente sportivo franceseJoël Quiniou, arbitro di calcio franceseJoël Retornaz, giocatore di curling italianoJoël Robert, pilota motociclistico belgaJoël Sami, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël Smets, pilota motociclistico belgaJoël Stransky, rugbista a 15, imprenditore e dirigente d'azienda sudafricanoJoël Tanter, calciatore franceseJoël Tshibamba, calciatore della Repubblica Democratica del Congo

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Joël in Prophet Joel (Michelangelo)'s Variants.Please output in Italian.

Joël Bats
Joël Bouzou
Joël Cantona
Joël Chenal
Joël Corminbœuf
Joël Curbelo
Joël Egloff
Joël Epalle
Joël Gaspoz
Joël Jutge
Joël Kimwaki
Joël Le Theule
Joël Matip
Joël Muller
Joël Quiniou
Joël Retornaz
Joël Robert
Joël Sami
Joël Smets
Joël Stransky
Joël Tanter
Joël Tshibamba
Joël de Oliveira Monteiro


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: In Adoration of the Shepherds (der Goes), how is the The adoration of the shepherds in art discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Ritratto di una Sforza

Restano molte possibili interpretazioni che riconducono l'opera all'ambito della produzione dei Nazareni, nella Roma o nella Germania del XIX secolo. Fra gli argomenti addotti, quello che Leonardo non usò mai la pergamena per nessuno dei suoi 4.000 disegni sopravvissuti, e che vecchie pergamene fossero facilmente acquistabili dai falsari .Lo studioso di Leonardo, Pietro C. Marani, stima di poco valore il fatto che il disegno sia stato tracciato da un mancino, poiché molti imitatori del maestro hanno simulato questa caratteristica in passato. Marani non è convinto nemmeno dell'utilizzo della pergamena, un dettaglio "di poco conto", dell'uso di pigmenti in certe aree, della poca sicurezza del tocco e della mancanza di craquelure. Un direttore di museo che desidera conservare l'anonimato crede che il disegno  "gridi a voce alta la sua qualità di falso del XIX secolo", e considera sospetti sia i danni che i loro restauri. L'opera non venne inclusa nella mostra del 2011–2012 alla National Gallery di Londra, dedicata al periodo milanese della carriera di Leonardo; Nicholas Penny, direttore della National Gallery, disse semplicemente «Non ne abbiamo richiesto il prestito».Una forte somiglianza stilistica è poi stata notata fra la Bella Principessa e la Young Fiancée, un'opera grafica di Julius Schnorr von Carolsfeld che si ritiene abbia utilizzato la stessa modella. Klaus Albrecht Schröder, direttore dell'Albertina di Vienna, disse «Nessuno è convinto che sia un Leonardo», e David Ekserdjian, studioso del disegno italiano del XVI secolo, scrisse che sospetta che l'opera sia una  "contraffazione". Nemmeno Carmen Bambach del Metropolitan Museum of Art, una delle studiose di primo piano dei disegni di Leonardo, né Everett Fahy, suo collega al Metropolitan, accettano l'attribuzione a Leonardo.Molti esperti di tribunale nel settore delle impronte digitali hanno rifiutato le conclusioni sulle impronte digitali di Biro, considerando l'impronta parziale trovata sul disegno troppo generica e di insufficiente dettaglio per condurre ad una prova certa. Le affermazioni di Biro sono state rifiutate come troppo basate sulla sua personale convinzione di essere una autorità in materia. In un'altra occasione, di fronte alla domanda se poteva essersi sbagliato, Biro rispose di sì, che poteva essere.Nel novembre 2015, un noto falsario britannico, Shaun Greenhalgh, ha assicurato di essere l'autore del disegno, asserendo di aver realizzato l'opera nel 1978, utilizzando un'antica pergamena risalente al 1587 che era stata fabbricata con lo stesso tipo di materiali che utilizzava Leonardo.

Prompt: Explain the Leipotes contrary about the History of this artwork, La Bella Principessa.Please output in Italian.

Julius Schnorr von Carolsfeld
Metropolitan Museum of Art,


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Ritratto di Beatrice Cenci

Il Ritratto di Beatrice Cenci è un dipinto attribuito a Guido Reni , attualmente conservato alla Gallerie nazionali d'arte antica, presso il Palazzo Barberini di Roma. Il soggetto dell'opera è Beatrice Cenci, nobildonna romana che fu giustiziata per parricidio all'epoca del papato di Papa Clemente VIII.

Prompt: In Portrait of Beatrice Cenci, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Beatrice Cenci
Gallerie nazionali d'arte antica
Guido Reni
Palazzo Barberini
Papa Clemente VIII
Roma


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Crocifissione Gavari

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Mond Crucifixion and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

mortalità fu elevatissima anche tra le migliaia e migliaia di bambini soggetti alle politiche di pulizia etnica: bambini polacchi nei territori della Polonia annessi alla Germania ed inviati ad Auschwitz; bambini serbi nel campo di concentramento di Jasenovac in Croazia; bambini slavi nei campi di concentramento italiani di Arbe e Gonars.In Polonia e in Croazia si crearono anche speciali campi di concentramento riservati esclusivamente a bambini, orfani o sottratti alle loro famiglie. Il regime di vita in questi campi fu durissimo e numerose furono le vittime. In Polonia migliaia di bambini polacchi non-ebrei furono rinchiusi nel campo di concentramento di Potulice o nel campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź  e sottoposti a lavoro coatto o a programmi di germanizzazione. In Croazia stessa sorte fu riservata a migliaia di bambini serbi nel campo di concentramento per bambini di Sisak  e in quello di Jastrebarsko.Bambini di varia nazionalità morirono nei campi di concentramento dopo esservi stati deportati con le loro famiglie come "politici" o furono oggetto privilegiato di rappresaglie e stragi. Il caso più famoso è quello dei bambini del villaggio di Lidice in Cecoslovacchia, raso al suolo nel giugno 1942 come rappresaglia per l'uccisione del governatore nazista Reinhard Heydrich ad opera della resistenza. I 105 bambini del villaggio furono deportati nel ghetto di Łódź. 23 di loro furono selezionati per essere dati in adozione a famiglie "ariane" tedesche nell'ambito del Progetto Lebensborn. I rimanenti 82 furono assassinati nel campo di sterminio di Chełmno. Anche in Italia numerosi bambini furono uccisi in stragi e rappresaglie, da Marzabotto a Stazzema. Tra le vittime dell'eccidio delle Fosse Ardeatine vi furono anche due quindicenni: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli .

Prompt: Explain the Ethnic cleansing, reprisals, concentration camps for children about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Cecoslovacchia
Duilio Cibei
Germania
Italia
Lidice
Michele Di Veroli


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Madonna Pazzi

Madonna è raffigurata a mezzobusto col Bambino in braccio, entrambi privi di aureola. Essi si avvicinano teneramente e con intensa intimità fino a comporre con i loro due visi una cosa sola , sottolineato anche dall'ovale generato dal braccio del Bambino, proteso affettuosamente verso la madre. Nel gruppo si percepisce anche una sorta di pathos e malinconia, dati dall'assenza di espressioni di gioia o allegria: si tratta probabilmente di un riflesso consapevole della sorte del figlio, destinato alla Passione e al martirio.Il rilievo "stiacciato" è trattato con straordinario virtuosismo, come dimostra la morbidezza così tridimensionale delle mani , con la sinistra rappresentata in scorcio.  tridimensionalità è anche accentuata dalla cornice che ha la forma di una finestra prospetticamente schiacciata: questo dettaglio rivela anche l'accorgimento ottico per una perfezionata visione dal basso, a riconferma che doveva trattarsi di oggetto devozionale privato davanti al quale inginocchiarsi.È evidente una spiccata sensibilità per la linea, che anima il panneggio e i contorni delle figure, e con un'attenzione sia alla classicità, soprattutto nel perfetto profilo di Maria, sia alla scultura trecentesca, nella sua monumentalità severa, quasi arcaica. Donatello raggiunse un notevole risultato riuscendo a fondere due aspetti apparentemente contraddittori come la monumentalità e l'intimità.

Prompt: In Pazzi Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Epifania

In Cile l'Epifania è nota come il Día de los Tres Reyes Magos  o  Pascua de los Negros . Sebbene quest'ultimo fosse raramente sentito come una festività, era comunque il giorno in cui agli schiavi era permesso di non lavorare.

Prompt: In Epifania, how is the Chile of the Artistic theme explained?Please output in Italian.


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Autoritratto all'età di 63 anni

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Focus on Self-Portrait at the Age of 63 and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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La Grenouillère

Il dipinto risale alla fine degli anni 1860, quando il sodalizio artistico tra Renoir e l'amico Claude Monet è quasi simbiotico e di grande fecondità. Una prova di quest'intesa fervida e vitale ci è data proprio dalla serie di dipinti dedicati alla Grenouillère. Si tratta di un celebre stabilimento balneare collocato sull'isolotto di Croissy, una piccola emergenza insulare che, collocata nel bel mezzo della Senna, ne divide il corso in due rami. Il complesso della Grenouillère era frequentato dalla crème della borghesia francese, che qui trascorreva pomeriggi felici e spensierati, nuotando, remando sulla barca o godendosi la leggera freschezza dell'aria. Lo stesso toponimo «Grenouillère», che letteralmente significa «stagno delle rane», riflette scherzosamente la mondanità di questo tempio dellamusement moderno, tanto che nel francese parlato allude a un rendez vous di ragazze desiderose di divertirsi. Ebbene, Renoir e Monet nel 1869 si recarono a Bougival, dinanzi allo stabilimento, collocarono i propri cavalletti l'uno di fronte all'altro e, in poche ore, ciascuno portò a termine la propria versione de  Grenouillère, in maniera squisitamente en plein air.Con questo dipinto Renoir dimostra la propria devozione alle prescrizioni del poeta Baudelaire, il quale nel 1846 scrisse che: «L'eroismo della vita moderna ci circonda e ci avvolge [...] Modernità è tutto quanto è transitorio, fugace, contingente; una metà dell'arte, l'altra metà è l'eterno, l'immutabile», aggiungendo che «un artista, un vero artista sarà quello che riuscirà a strappare alla vita moderna il suo lato epico, e ci farà vedere e sentire quanto siamo grandi e poetici nelle nostre cravatte e nelle nostre scarpe lucide». Pittore magistrale della vie moderne, Renoir avrebbe dedicato alla modernità un consistente numero di tele, fra le quali spiccano senz'ombra di dubbio i celeberrimi Bal au moulin de la Galette, Ballo in città e Ballo in campagna. Come abbiamo già accennato, il soggetto dell'opera è la Grenouillère: in primo piano, infatti, vi troviamo delle imbarcazioni che galleggiano placidamente sul fiume, mentre al centro della composizione è raffigurato un isolotto artificiale affollato da vari parigini in vacanza. Renoir, inoltre, dà particolare risalto ai riverberi prodotti dalla luce solare che, penetrando tra le fronde palpitanti degli alberi, si rifrange sulle acque scure della Senna. Questi fugaci riflessi vengono catturati con una frammentazione delle pennellate in tocchi tremolanti di colore, che rendono perfettamente l'instabilità e la mobilità delle acque fluviali. L'atmosfera che si respira in questo dipinto, insomma, è squillante e vacanziera, in pieno accordo con la poetica renoiriana della joie de vivre . Risulta utile, in tal senso, confrontare il dipinto di Renoir con l'interpretazione che Monet diede della Grenouillère, così da mettere a fuoco i loro diversi modi di essere impressionisti. Renoir, pur essendo animato dalla volontà di descrivere accuratamente la percezione visiva della luce, dà infatti molta rilevanza alle figure dei parigini assiepati sotto all'albero, i quali nonostante la loro vaporosa indeterminatezza sono meglio tratteggiati che nel dipinto di Monet, che al contrario impiega una fattura decisamente più sintetica. Mentre inoltre il dipinto di Renoir preferisce cogliere la vivacità della scena, Monet dà vita a una composizione forse poco appariscente, ma decisamente più strutturata e rigorosa sotto il profilo analitico: eppure, come già abbiamo accennato, il punto di vista dei due dipinti è il medesimo.

Prompt: In La Grenouillère, how is the Description discussed?Please output in Italian.

1869
Bal au moulin de la Galette
Claude Monet


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Capriccio con edifici palladiani

Beltramini Guido – Burns Howard, Palladio, Royal Academy of Arts, Londra 2008,   ISBN 9781905711253

Prompt: In Capriccio with Palladian buildings, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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L'Été sans bras

Nel 1911, Aristide Maillol iniziò a lavorare allEstate, un'opera facente parte di una serie commissionata dal collezionista russo Ivan Morozov. Il progetto iniziò con un torso acefalo e senza braccia o gambe, che con il proseguire dei lavori divenne L’Été sans bras, finché l'artista non vi aggiunse le braccia e concluse l'opera. L'Été sans bras rispecchia il pensiero di Maillol, secondo il quale "le braccia nascondono i profili" . Il modello in gesso senza braccia rimase nello studio dell'artista per molto tempo, almeno fino al 1934, poi ne vennero tratte delle fusioni in bronzo, inclusa quella perpignanese, che venne acquistata dalla città nel 2004.

Prompt: How does L'Été sans bras explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Pia de' Tolomei

upright=0.5 sua biografia è stata ricostruita per chiarire la vicenda misteriosa del personaggio del passo dantesco, tramite l'integrazione delle varie informazioni archivistiche disponibili. Essa culminò col presumibile omicidio della nobildonna, scandaloso al tempo della scrittura della Commedia e lungamente restato oscuro, sino a tempi molto recenti.

Prompt: How does Pia de' Tolomei (Rossetti) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Pala delle Convertite

predella della pala, dedicata alle Storie di Maria Maddalena, era anticamente un unico pannello, che venne segato in più parti all'epoca della dispersione:Maddalena che ascolta la predica di Cristo, 18x42 cm, Filadelfia, Philadelphia Museum of ArtFesta in casa di Simone, 18x42 cm, Filadelfia, Philadelphia Museum of ArtNoli me tangere, 18x42 cm, Filadelfia, Philadelphia Museum of ArtComunione e assunzione della Maddalena, 18x42 cm, Filadelfia, Philadelphia Museum of Art</div>

Prompt: In the context of Pala delle Convertite, explain the Predella and the Description and style.Please output in Italian.


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Pala di Monteripido

L'opera è dipinta su entrambi i lati. Sul recto, attorno al Crocifisso mostra Angeli e Dolenti, sul verso lIncoronazione della Vergine.Come tipico di questa fase dell'artista in cui, all'apogeo del successo, teneva contemporaneamente bottega a Perugia e a Firenze, l'opera è impostata con un largo utilizzo di disegni e cartoni di repertorio, già sfruttato in altre opere. Ad esempio i personaggi attorno al crocifisso ricordano quelli della Crocifissione di Santa Maria Maddalena de' Pazzi a Firenze , mentre i due angeli simmetrici in volo, con le coppe con cui raccolgono il sangue dalla ferite di Cristo, derivano dalle rappresentazioni dellOrazione nell'orto, come quella degli Uffizi . Il tono aulico delle figure di Perugino contrasta col vigore espressivo del crocifisso ligneo, con i segni della sofferenza di Cristo ben evidenti. I santi rappresentati sono, da sinistra, Maria, la Maddalena, san Francesco  e san Giovanni evangelista.Ancora più evidenti sono i richiami ad opere precedenti nellIncoronazione della Vergine, impostata  come un doppio registro con una mandorla superiore e un gruppo di astanti inferiore, risalente addirittura ai perduti affreschi della Sistina  e con il gruppo di apostoli già usato ad esempio con varianti nel Polittico di San Pietro  e nella Pala dell'Annunziata . Più originale è invece la teoria di angeli con ghirlanda.Il pittore più che all'originalità della composizione puntava soprattutto a un'esecuzione impeccabile e di altissima qualità, come è dimostrato dal disegno sottile e preciso, inciso in fase preparatoria forse con la punta d'argento, visibile solo tramite riflettografie all'infrarosso; il colore a olio è corposo e spesso, pur senza venir meno la tipica delicatezza dell'artista. Ogni dettaglio è reso con grande cura ed attentamente studiata è la direzione della luce, con gli effetti che genera nello spessore dei panneggi e nella rifrazione dei colori cangianti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Monteripido Altarpiece.Please output in Italian.

Firenze
Maria Maddalena
Perugia
Perugino
Polittico di San Pietro


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Botticelli, Glasgow).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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San Girolamo in preghiera

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: Focus on St. Jerome at Prayer (Bosch) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Guarigione del nato cieco

L'opera ritraente l'episodio biblico della Guarigione del nato cieco è stata realizzata da Dominikos Theotokopoulos detto El Greco, come riporta la firma in basso a destra. Si tratta di un dipinto ad olio su tela  eseguito attorno al 1573 e conservato presso la Galleria nazionale di Parma.

Prompt: Focus on Healing of the Man Born Blind (El Greco, Parma) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1573
El Greco
Galleria nazionale di Parma
Parma


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Ludovico II di Baviera

{ class="wikitable" style="text-align:center"-! Anno! Film! Attore! Note-  1920 Das Schweigen am Starnbergersee Ferdinand Bonn
 Martin Wilhelm  -  1920 Ludwig II. Olaf Fjord -  1930 Ludwig der Zweite, König von Bayern William Dieterle -  1955 Ludwig II: Glanz und Ende eines Königs O.W. Fischer - 1972 Ludwig - Requiem per un re vergine
  Harry Baer
 Balthasar Thomass  -  1973 Ludwig Helmut Berger - 1983 Wagner László Gálffi Miniserie televisiva- 1993 Ludwig 1881 Helmut Berger - 1999 Ludwig II - Die volle Wahrheit Georg Ringsgwandl Uscito in home video- 2011 Celles qui aimaient Richard Wagner Stéphane Bern - 2012 Ludwig II Sabin Tambrea
 Sebastian Schipper  }

Prompt: Explain the New movie about the Ludovico and the arts of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.

1973
Helmut Berger
Ludwig II.
Richard Wagner


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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amore

Nel Corano c'è scritto "Chi non prova affetto non riceverà affetto".Ishq, o amore divino, è parola d'ordine del sufismo nella tradizione islamica. I praticanti del Sufismo credono che l'amore sia una proiezione dell'essenza di Dio con l'universo; Dio desidera riconoscere la bellezza, è come quando ci si guarda in uno specchio per vedere sé stessi.

Prompt: Describe the characteristics of the Islam in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


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Le signorine Vickers

Le signorine Vickers raccontano una storia attraverso l'uso delle pennellate delicate e dei contrasti sfacciati di Sargent. Le tre figure sono tutte sedute in primo piano, due su un sofà e l'altra leggermente dietro di loro, seduta su una sedia. Le due sorelle sul sofà sono occupate a leggere un libro, all'apparenza ignare di Sargent o dello spettatore, mentre la terza sorella, benché sia di spalle rispetto allo spettatore, guarda direttamente fuori dal dipinto. Sargent fa sì che le sorelle siano messe in evidenza rispetto al fondo scuro, e la loro posizione è equilibrata e naturale. È stato notato come Le signorine Vickers sia molto simile a Le figlie di Edward Darley Boit, un altro ritratto di gruppo dipinto da Sargent nel 1882. Ci sono anche delle somiglianze con  Hearts are Trumps, un altro ritratto di un gruppo di sorelle, le signorine Armstrong, dipinto da sir John Everett Millais nel 1872.

Prompt: In The Misses Vickers, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Ragazzo accovacciato

Il Ragazzo accovacciato  è una scultura marmorea  attribuita a Michelangelo Buonarroti, databile al 1524 circa e custodita nel Museo dell'Ermitage di San Pietroburgs.

Prompt: Focus on Crouching Boy and explain the Abstract.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

È stato chiamato col suo nome il più grande essere vivente, una sequoia gigante nel Parco nazionale di Sequoia in California.Un altro omaggio al suo nome è stato dato al carro armato medio M4 Sherman della seconda guerra mondiale.Il General William Tecumseh Sherman Monument è una statua equestre ritraente Sherman; si trova nella Sherman Plaza, che fa parte del President's Park a Washington.Una statua di Sherman, opera di Augustus Saint-Gaudens, si trova al centro della Grand Army Plaza di Manhattan, a New York.

Prompt: Focus on William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens) and explain the Monuments.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portrait environment autonomy and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Arazzi di caccia del Devonshire

Questi quattro enormi lavori, ciascuno di 3 metri di larghezza, rappresentano uomini e donne vestiti alla moda della prima metà del XV secolo mentre sono intenti a cacciare in una foresta. Le antiche tappezzerie vennero fatte realizzare in ambito borgognone e successivamente pervennero ai duchi di Devonshire tramite la contessa Bess di Hardwick. Notizie di questi arazzi ci pervengono proprio dal VI duca il quale riporta che questi arazzi si trovavano ancora nella prima metà dell'Ottocento nella Long Gallery di Hardwick Hall e che venivano utilizzati per isolare dal freddo le gelide pareti, salvando così questi rari arazzi dalla dispersione o dalla distruzione. Gli arazzi rappresentano la caccia al cervo, la caccia col falcone, la caccia al cigno , alla lontra , al cinghiale ed all'orso.  caccia era un tema particolarmente caro all'epoca medievale presso le famiglie aristocratiche e quindi anche presso coloro che commissionarono gli arazzi ed il pubblico che li ammirava. Lo stesso Enrico VIII pare avesse oltre 200 arazzi di sua proprietà che trattavano di questo tema.  caccia, oltre ad uno sport, era considerato anche un'importante forma di procacciamento del cibo.Nell'arazzo raffigurante la caccia al cinghiale ed all'orso si trovano delle figure di uomini che portano speciali lance da cinghiali ideate per bloccare le mortali zanne del cinghiale durante la sua cattura. Il punto focale di maggior interesse nella composizione è però certamente quello relativo ai costumi che presentano un elaborato scorcio sul panorama della moda dell'epoca. Nella scena della caccia al cinghiale ed all'orso, inoltre, la donna che si trova sulla destra riporta ricamate sul vestito delle lettere a formare la frase Monte le Desire, canzone popolare in quel periodo.I vestiti dei partecipanti alla caccia sono però ascrivibili all'ambiente borgognone più che a quello inglese dell'epoca, sintomo della provenienza della commissione , per quanto nessuna caccia dell'epoca sarebbe stata probabilmente condotta con vesti tanto ricche ed elaborate.

Prompt: In Devonshire Hunting Tapestries, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Bess di Hardwick
Hardwick Hall
XV secolo


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Statua di Bafometto

L'opera venne mostrata in pubblico per la prima volta il 25 luglio 2015 a un evento realizzato dalla sezione di Detroit del Tempio Satanico, nonostante le proteste di molti religiosi: i 700 partecipanti alla cerimonia di inaugurazione dovettero "vendere la loro anima a Satana" per ricevere un biglietto e questa tattica venne messa in atto "per allontanare alcune delle persone più superstiziose che avrebbero provato a rovinare l'evento", secondo i rappresentanti del gruppo.Un giornalista del Time notò che il gruppo non stava "promuovendo una fede in un Satana personale". Secondo la loro logica, Satana è un'astrazione, "una figura letteraria, non una divinità, che rappresenta lo scetticismo, colui che dice la verità in faccia al potere, anche pagando un prezzo personale".  cerimonia di inaugurazione venne definita "gotico libertaria" e una "permutazione più oscura della crociata di Ayn Rand per il libero arbitrio.

Prompt: In Statue of Baphomet, how is the Inauguration ceremony of the History explained?Please output in Italian.


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Castrovalva

Nel territorio sono presenti il panorama sulle Gole del Sagittario, la Riserva delle Gole del Sagittario e il giardino botanico Gole del Sagittario.

Prompt: In the context of Castrovalva (M. C. Escher), explain the Sagittario Gorges Nature Reserve and the History.Please output in Italian.


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Aerostato

principale caratteristica delle mongolfiere ad aria calda è la possibilità di regolare la spinta ascensionale .  durata del volo è tuttavia limitata dalla quantità di carburante che la mongolfiera stessa può trasportare, e che viene consumato per il riscaldamento dell'aria.D'altro canto l'impiego di gas leggeri conferisce all'aerostato una capacità di sollevamento e un'autonomia molto maggiori rispetto a quelli ad aria calda. Per tale ragione, la maggior parte degli aerostati per l'impiego scientifico utilizzano gas leggeri, potendo raggiungere quote anche molto elevate per lunghi periodi. Tali palloni sono riempiti di elio, più costoso ma anche più sicuro rispetto all'idrogeno .Nel tentativo di sommare i vantaggi, le mongolfiere di Rozier hanno un pallone dotato di due distinte camere: la prima contenente un gas leggero e chiusa; la seconda, simile a quella delle normali mongolfiere, viene alimentata con aria riscaldata. Tali mongolfiere vengono utilizzate per effettuare voli record .

Prompt: Describe the characteristics of the Considerations related to the type of gas used in Balloon (Merse)'s Used gases.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In The Sacrament of the Last Supper, how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco