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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Assunta Panciatichi

L'opera rinnovò il tema dell'Assunzione della Vergine, con forme più monumentali e un migliore legamento tra metà inferiore, terrestre, e quella superiore, celeste. In basso si vedono infatti gli apostoli che, assiepati attorno al sepolcro vuoto di Maria, ne guardano sorpresi l'ascesa, in alto, su una nube circondata da putti festosi. L'artista collocò due apostoli inginocchiati l centro, riprendendo il tradizionale schema piramidale delle sacre conversazioni, unita a una disposizione a semicerchio degli apostoli già usata, ad esempio, da Raffaello nella Pala degli Oddi.  presenza della grotta del sepolcro a destra però, inusuale in questo soggetto, crea una quinta che guida lo sguardo dello spettatore verso la metà superiore, che appare così meno slegata e lontana. L'attenzione di chi osserva è così in primo luogo attratta dallo sguardo dell'apostolo girato a sinistra e poi dalla macchia rossa del mantello di quello in piedi al centro, per poi essere direzionato, da gesti e sguardi che creano linee di forza, in alto.I colori sono forti e volutamente stridenti, con effetti ora cangianti, ora smorti, in alcuni punti accesi di riflessi quasi cromati, come nel Tondo Doni di Michelangelo, in altri dolcemente modulati dallo sfumato leonardesco, declinato nell'accezione "sartesca", cioè sabbioso nella consistenza e intenso nel colore.Maria ha lo sguardo rivolto verso l'alto, verso i bagliori che simboleggiano la luce divina, ed è plasticamente disposta tridimensionalmente, con gambe e braccia liberamente scorciate quasi a sondare lo spazio attorno. Un angioletto lungo l'asse centrale si protende virtuosisticamente verso lo spettatore, indicando agli apostoli la meta dell'ascesa di Maria, mentre ai lati della Vergine si trovano due gruppi simmetrici di giovani angeli tra cui due reggi-tabella alle estremità, dove forse dovevano essere collocate la firma dell'artista e il ricordo del committente e dell'anno di realizzazione, secondo una pratica frequente per opere che venivano inviate altrove, dove la mancata presenza dell'artista non poteva garantire l'"autenticità". Tra questi due putti soprattutto quello di destra mostra un evidente debito con le fisionomie infantili di Pontormo, l'altro artista di spicco nella Firenze dell'epoca. forte caratterizzazione delle fisionomie è tipica dell'artista e in anticipo sugli sviluppi dell'arte del XVI secolo. Ciò fa a volte supporre che nei vari personaggi sacri si trovino dei ritratti nascosti: ad esempio l'apostolo inginocchiato che si rivolge verso lo spettatore è stato letto come un possibile autoritratto del pittore.

Prompt: How does Panciatichi Assumption explain its Description and style?Please output in Italian.

Firenze
Pala degli Oddi
Pontormo
Tondo Doni


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Lorenzetti).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Monna Lisa di Isleworth

Negli ultimi quarant’anni, la Monna Lisa di Isleworth è stata sottoposta a una serie di test scientifici e misurativi. costruzione geometrica della Earlier Mona Lisa e quella della Gioconda del Louvre concordano con la regola aurea e con la tesi di Goldblatt, pur nella diversità delle dimensioni. In particolare le proporzioni sul piano orizzontale sono identiche, mentre quelle verticali divergono.Secondo Albert Sauteur, la differenza di proporzioni a livello verticale sarebbe dovuta al fatto che Leonardo avrebbe dipinto la prima in «visione monoculare» e la seconda in «visione binoculare».Gli esami scientifici sulla Earlier Mona Lisa  confermano che il dipinto fu realizzato molto probabilmente nei primi anni del XVI secolo e che tutti i pigmenti sono compatibili con questa datazione. Inoltre sotto lo strato pittorico furono scoperti alcuni disegni. Gioconda del Louvre presenta una vernice che Leonardo avrebbe sviluppato solo dopo il 1508, e ciò indica che molto probabilmente non si tratta della Mona Lisa del 1503 descritta da Vespucci e Vasari, mentre la Earlier Mona Lisa non contiene questa vernice.Su parti importanti della Earlier Mona Lisa sono state individuate pennellate date con la sinistra e, come è noto, Leonardo era mancino.

Prompt: In Isleworth Mona Lisa, how is the Scientific analyses of the Attribution to Leonardo da Vinci explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait (Chassériau)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Epifania

Nella Chiesa ortodossa etiope e nella Chiesa ortodossa eritrea, la festa è conosciuta come Timkat e si celebra il 19 gennaio del calendario gregoriano; si celebra il 20 gennaio negli anni in cui il Timket del calendario etiope cade nel 12 settembre gregoriano .  celebrazione di questa festa prevede la benedizione dell'acqua e solenni processioni con il sacro Tabot.

Prompt: Describe the characteristics of the Ethiopia and Eritrea in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

12
19 gennaio
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa eritrea
Chiesa ortodossa etiope
Tabot


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Ritratto di Dona Isabel de Requesens

Il Ritratto di Dona Isabel de Requesens  è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, databile al 1518 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on Portrait of Doña Isabel de Requesens y Enríquez de Cardona-Anglesola and explain the Abstract.Please output in Italian.


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divisionismo

Giuseppe Pellizza da Volpedo Giovanni Segantini Emilio Longoni Gaetano Previati

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Divisionism.Please output in Italian.

Emilio Longoni
Gaetano Previati
Giovanni Segantini
Giuseppe Pellizza da Volpedo


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Nostra Signora della Porta dell'Aurora

Oggi questa immagine sacra è venerata dai fedeli cattolici e ortodossi di molti paesi le cui origini risiedono nell'antica Confederazione polacco-lituana, che comprende Lituania, Polonia, Bielorussia, Ucraina e le loro diaspore in tutto il mondo. Ci sono 15 chiese nella stessa Lituania, come pure delle parrocchie lituane a Montréal e Buenos Aires, dedicate alla Beata Vergine Maria della Porta dell'Aurora. Il 26 febbraio 2007, la Parrocchia di Nostra Signora di Vilnius  fu chiusa dall'Arcidiocesi di New York. Il santuario aveva esposto un'icona di Nostra Signora, dipinta dall'artista Tadas Sviderskis negli anni 1980.In Polonia la più grande chiesa dedicata a Nostra Signora è la Basilica Mariana a Danzica. Altri santuari dell'icona sacra si trovano in Polonia , nel Regno Unito , negli Stati Uniti ) e in Australia. Copie del dipinto si possono trovare anche nella Chiesa di Saint-Séverin a Parigi e nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

Prompt: Explain the Sanctuary other locations about the History of this artwork, Our Lady of the Gate of Dawn.Please output in Italian.

Arcidiocesi di New York
Australia
Basilica di San Pietro in Vaticano
Bielorussia
Buenos Aires
Chiesa di Saint-Séverin
Confederazione polacco-lituana
Danzica
Lituania
Montréal
Parigi
Polonia
Porta dell'Aurora
Regno Unito
Tadas Sviderskis
Ucraina
Vilnius


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La danza della vita

sinistra300pxSkid, artista di varietà, e Bonny, una ballerina, si incontrano, si innamorano e si sposano. Formato un duo, lavorano nel circuito teatrale insieme fino a quando lui non riceve un'offerta da un talent scout di Broadway. Il duo si scioglie e Bonny rimane da sola, mentre Skid diventa ben presto una star del teatro di rivista. Nel suo stesso spettacolo lavora anche Sylvia Marco, una sua vecchia fiamma, e i due riprendono nuovamente la loro relazione. Venuta a sapere che Skid le è infedele, Bonny decide di divorziare e di sposare Harvey Howell, ricco proprietario di un ranch. Incapace di continuare la sua vita senza la moglie, Skid comincia a bere e viene licenziato. Il ritorno di Bonny lo aiuterà a venire fuori dal suo stato e ad affrontare la prima del suo nuovo spettacolo.

Prompt: How does The Dance of Life (Munch) explain its Plot?Please output in Italian.


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San Francesco nel deserto

San Francesco nel deserto è un dipinto a olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile al 1480 circa e conservato nella Frick Collection di New York. L'opera è firmata "" sul cartellino appeso ad un arbusto in basso a sinistra.

Prompt: In St. Francis in Ecstasy (Bellini), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1480
Frick Collection
Giovanni Bellini
New York


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Deposizione di Volterra

Cappella della Croce di Giorno, Volterra Deposizione di Sansepolcro Deposizione  San Giovannino

Prompt: How does Volterra Deposition explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cappella della Croce di Giorno
Deposizione di Sansepolcro
Volterra


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marmi di Elgin

Le altre sculture ancora esistenti dell'Acropoli che non si trovano in loco sono collocati in vari musei di tutta Europa. Il British Museum possiede anche altri frammenti delle sculture del Partenone che non hanno collegamenti con lord Elgin.Le sculture dell'Acropoli che si trovano nel British Museum sono: 75 metri  del fregio del Partenone 15 delle 92 metope del Partenone 17 figure frontonali e vari elementi architettonici del Partenone  una Cariatide, una colonna e altri elementi architettonici dell'Eretteo elementi architettonici dei Propilei quattro lastre del fregio ed elementi architettonici del tempio di Atena Nike

Prompt: Explain the Other decorations Parthenon located of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.

British Museum
Cariatide
Eretteo
Partenone
Propilei


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Pala Barbarigo

Pala Barbarigo  è un dipinto olio su tela  di Giovanni Bellini, datato 1488 e conservato nella chiesa di San Pietro Martire a Murano.

Prompt: How does Barbarigo Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Cloud Gate

Kapoor spesso parla di rimuovere, dalle opere di ogni artista, sia la firma che ogni traccia lasciata durante la fabbricazione, o come lui preferisce chiamarle, le "tracce della mano".Il Cloud Gate è descritto come un lavoro trasformativo e convenzionale. È simile a molti altri precedenti lavori dello stesso Kapoor nei temi e nelle questioni riportate. Mentre gli effetti specchio della scultura sono reminiscenze degli specchi presenti nei parchi giochi, in realtà hanno anche un intento molto più serio: aiutano a dematerilizzare questo grosso oggetto, facendolo sembrare leggero e quasi senza peso. Il Cloud Gate è considerato inoltre il più ambizioso uso, da parte dell'artista, di specchi complessi. Kapoor sfida i propri visitatori ad internalizzare il proprio lavoro attraverso esercizi intellettuali e teorici: riflettendo il cielo, riflettendo le persone  e riflettendo le architetture intorno, il Cloud Gate limita i propri visitatori ad una parziale comprensione in ogni momento. L'interazione con lo spettatore che si muove per creare la propria personale visione dà l'idea di una dimensione spirituale.  scultura è inoltre descritta come una luminosa forma senza corpo,.Il visitatore entra fisicamente nell'arte quando cammina al di sotto della struttura dentro il suo "ombelico". L'omphalos è una "dimensione raggrinzita di spazio fluido". Nella sua dimensione, il solido viene trasformato nel fluido in una maniera disorientativamente moltiplicativa che intensifica l'esperienza vissuta. È emblematico del lavoro di Kapoor il modo di destrutturare lo spazio empirico ed avventurarsi nelle varie possibilità dello spazio astratto.Secondo quanto dichiarato dal project manager Lou Cerny delle MTH Industries, "quando la luce è quella giusta, non si riesce a capire dove finisca la scultura e dove inizi il cielo."  scultura sfida la percezione distorcendo e deformando le architetture che vi stanno attorno. I grattacieli lungo la East Randolph Street fino al limite nord-est della Two Prudential Plaza e Aon Center, a nord la One Prudential Plaza e a nord-ovest il The Heritage, Smurfit-Stone Building sono riflessi sulla superficie del Cloud Gate quando visti da est o da ovest.  scultura distorce inoltre la percezione del tempo del visitatore in quanto cambia la velocità di movimento, come accade ad esempio con le nuvole.Sebbene nel senso convenzionale il Cloud Gate non sia un'apertura che porta dovunque nello stesso modo in cui fanno le porte monumentali, esso incornicia una visuale e la celebra come se fosse un posto cerimoniale. L'opera è accreditata della realizzazione di un nuovo livello come una transustanziazione della materia, reminiscenza di quello che l'artista ha provato durante il viaggio in India del 1979.  raccolta "1000 Names" di Kapoor si evolve immediatamente dopo questo viaggio e, 25 anni più tardi, l'artista creerà il Cloud Gate, un oggetto che emerge da forme materiali per diventare immateriale.Spesso, Kapoor si affida a canoni dell'induismo per la realizzazione della sua arte e dice che "l'esperienza degli opposti permette l'espressione della totalità".  dualità primitive, come ad esempio il lingam e lo yoni, sono importanti nell'ambito della cultura indiana ed il Cloud Gate rappresenta proprio entrambe le doppia valenza maschile e femminile di un'entità che simboleggia sia la vagina che i testicoli, rappresentando, quindi, la tensione tra la mascolinità e la femminilità.

Prompt: In the context of Cloud Gate, explain the CloudGate and the Audience reception.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Bril)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Deposizione di Volterra

Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8 Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0 Antonio Paolucci,  Pinacoteca di Volterra, Firenze 1989, pp. 156-163. Franco Lessi , Volterra e la Val di Cecina, collana I Luoghi della Fede, Mondadori, Milano 1999, p. 65. ISBN 88-04-46773-8

Prompt: Focus on Volterra Deposition and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Antonio Natali
Antonio Paolucci
Pontormo
Rosso Fiorentino
Volterra


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Group self-portraits and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Due donne tahitiane

Due donne tahitiane è un dipinto del pittore francese Paul Gauguin, esponente del post-impressionismo, realizzato nel 1891 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: Focus on Tahitian Women on the Beach and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The self-portrait of the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Explain the Location of the Last Supper about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi degli Innocenti

LAdorazione dei Magi degli Innocenti è un dipinto a tempera su tavola  di Domenico Ghirlandaio, databile al 1485-1488 e conservato nella Galleria dello Spedale degli Innocenti a Firenze. In loco si conserva anche la predella, opera di Bartolomeo di Giovanni.

Prompt: How does Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti) explain its Abstract?Please output in Italian.

1485
1488
Bartolomeo di Giovanni
Domenico Ghirlandaio
Firenze
Spedale degli Innocenti
Spedale degli Innocenti


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Virtù e la Legge

Le Virtù e la Legge è un affresco  di Raffaello Sanzio, databile al 1511 e situato nella Stanza della Segnatura, una delle quattro Stanze Vaticane.

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1511
Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Lavanda dei piedi

Il rito della cena pasquale ebraica  prevede, al suo inizio, che il capofamiglia lavi le mani dei commensali, prima di iniziare il pasto. Gesù reinterpreta questo gesto, sostituendolo con il lavaggio dei piedi. In genere il gesto del lavare i piedi era riservato ai servi o agli schiavi, esso è un dunque un gesto di estrema umiltà ed umiliazione, il cui senso è spiegato da Gesù stesso:Il gesto è riportato dal Vangelo di Giovanni, il quale, a differenza dei cosiddetti Vangeli sinottici , non racconta l'istituzione dell'Eucaristia. Secondo molti esegeti, questa scelta del Vangelo di Giovanni è dettata dalla data di stesura del testo, scritto forse trenta anni dopo i Vangeli sinottici. Alla fine del I secolo, infatti, le comunità cristiane avevano già assimilato il rito dell'Eucaristia e lo celebravano regolarmente, secondo il comando di Gesù: "fate questo in memoria di Me". Era dunque più utile riferire il fatto della lavanda dei piedi, che offre una interpretazione forte della vita del Maestro, e una chiave di lettura della Messa, la quale non può essere una semplice parentesi culturale, ma deve essere integrata dai discepoli in una vita di autentico servizio.

Prompt: How does Christ Washing the Disciples' Feet (Tintoretto) explain its Characteristics?Please output in Italian.

Eucaristia
Gesù
I secolo
Vangeli sinottici
Vangelo


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel novembre 1970, all'interno delle manifestazioni per festeggiare i 10 anni del movimento Nouveau Réalisme, Christo e Jeanne-Claude furono incaricati dal Comune di Milano di realizzare una performance. Il 24 novembre il monumento a Vittorio Emanuele II fu impacchettato con teli e legato con corda rossa; però, a causa delle proteste, il giorno successivo fu deciso di rimuovere la copertura. Negli stessi giorni fu impacchettato anche il monumento a Leonardo da Vinci; la notte del 28 novembre alcuni giovani  diedero fuoco al telo, che fu rimosso dai vigili del fuoco intervenuti sul posto.

Prompt: In the context of Monument to Leonardo da Vinci, explain the Monument wrapped and the Interventions.Please output in Italian.

Christo e Jeanne-Claude
Leonardo da Vinci
Milano
Nouveau Réalisme


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Madonna di Manchester

Maria, su un trono roccioso, è in atto di leggere il libro profetico che le rivela la sorte del figlio mentre il Bambino, alle sue ginocchia, fa come per cercare di esserne partecipe, ma la Madonna sembra allontanare le pagine dalla sua vista, forse per un gesto protettivo. Dietro di lui si vede il piccolo Giovanni Battista, già con la veste eremitica di pelo di cammello e le braccia atteggiate in forma di croce. Ai lati del dipinto si trovano due coppie di angeli delle quali solo quella destra è completata, mentre quella a sinistra è appena delineata in una anticipazione di non - finito come mezzo di spiritualizzazione della materia.  gestualità intima e familiare tra questi gruppi angelici richiama le opere di Botticelli o di Luca della Robbia. Vergine ha un seno scoperto, un rimando all'iconografia della Madonna del tte.Richiamano il Tondo Doni, unica tavola sicuramente michelangiolesca, la smaltata cromia e alcuni dettagli originali, come il seno scoperto e turgido della Vergine, che non sta allattando. Presentano dubbi invece le fisionomie leonardesche della Madonna e degli angeli, nonché il disegno non perfettamente riuscito del Bambino e soprattutto di san Giovannino, dalla testa forse troppo grande.

Prompt: How does Manchester Madonna explain its Description?Please output in Italian.


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Dama col liocorno

Il ritratto mostra una donna a mezza figura, seduta davanti a una sorta di terrazza con colonne, della quale si intravede il parapetto che taglia a metà un paesaggio lacustre sullo sfondo.Si tratta di una ragazza seduta, col busto ruotato di tre quarti verso sinistra e il viso che guarda frontalmente verso l'osservatore. Il modello di riferimento è sicuramente Leonardo da Vinci, per la posa, lo sguardo intenso e le mani che stringono l'animale come nella Dama con l'ermellino, tuttavia al mondo simbolico e allusivo di Leonardo Raffaello sostituì un'effigie di sobria e decisa eleganza, incentrata sulla cura del dettaglio e l'armonia generale.L'abbigliamento è quello di una giovane nobildonna, con un vestito scollato dalle grandi maniche estraibili allacciate, pressoché identico a quello della Gravida di palazzo Pitti. I capelli sono biondi, lunghi e fluenti, con un piccolo diadema sulla fronte e una pettinatura che incornicia il viso, legando probabilmente alcune ciocche sul retro. Gli occhi sono azzurri e girati verso l'esterno. Il viso è ovale. Al collo indossa una catena d'oro annodata con un vistoso pendente di rubino e con una perla a goccia.In braccio tiene un piccolo liocorno, simbolo di purezza verginale poiché, nella mitologia, essi erano addomesticabili solo dalle vergini. L'animale era anche il simbolo associato alla famiglia Farnese e la giovane ritratta potrebbe essere Giulia, amante di papa Alessandro VI. Un'altra ipotesi condurrebbe a Caterina Gonzaga di Montevecchio, vedova del conte Ottaviano Gabrielli di Montevecchio .

Prompt: How does Young Woman with Unicorn explain its Description and style?Please output in Italian.

Caterina Gonzaga di Montevecchio
Dama con l'ermellino
Farnese
Gabrielli
Leonardo da Vinci
Ottaviano Gabrielli di Montevecchio


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Aerostato

Nel campo dell'esplorazione spaziale è stato ipotizzato l'utilizzo di dirigibili e palloni aerostatici per la futura colonizzazione di Venere.  densa atmosfera del pianeta dovrebbe permetterci di creare grandi basi galleggianti grazie solo alla stessa aria che respiriamo, non dovendo ricorrere a elementi leggeri come elio o il più pericoloso idrogeno. Il galleggiamento nell'atmosfera presenta inoltre il vantaggio di poter tenere la base planetaria ad una temperatura abitabile, circa 10° celsius, rispetto alle caldissime temperature superficiali che possono superare i 450° celsius.

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Hypothetical future employments of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: In Love & Loss, how is the Christianity of the In the arts explained?Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: In Christ on the Cross (Zurbarán), how is the Syria of the Description explained?Please output in Italian.


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: Explain the Europe multilingual about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Suonatore di liuto

Il dipinto ora all'Ermitage di San Pietroburgo proviene dalla collezione Giustiniani come è testimoniato dall'inventario del 1638: "Nella stanza Grande de Quadri Antichi...8 Un quadro sopraporto con una mezza figura di un giovane che suona il Leuto con diversi frutti e fiori e libri di musica dipinto in tela alto pal.8, larg. pal.5 con una cornice negra profilata e rabescata d'oro di mano di Michelang.o da Caravaggio" . Nel 1808 è acquistato a Parigi dal Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.  nota descrizione del Baglione, del 1642, si riferisce sicuramente a questo dipinto:" ...e dipinse per il Cardinale [Del Monte] anche un giovane, che sonava il uto, che vivo, e vero tutto parea con una caraffa di fiori piena d'acqua, che dentro il reflesso d'una finestra eccellentemente si scorgeva con altri ripercortimenti di quella camera dentro l'acqua, e sopra quei fiori eravi una viva rugiada con ogni esquisita diligenza finta. E questo che fu il più bel pezzo, che facesse mai".  Per Mia Cinotti tale dipinto è precedente alla versione Del Monte e databile al 1596-1597, come anche osserva Mina Gregori. Maurizio Marini  lo data al 1594-1595.

Prompt: In The Lute Player (Caravaggio), how is the Giustiniani painting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Adorazione Caprioli

Opere di Gasparo CairanoScultura rinascimentale bresciana

Prompt: How does Caprioli Adoration explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Gasparo Cairano
Opere di Gasparo Cairano
Scultura rinascimentale bresciana


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Diana e le ninfe

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi.  dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre , le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

Prompt: Focus on Diana and Her Companions and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli

Luisa Viola, Parmigianino, Grafiche Step editrice, Parma 2007. Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Portrait of a Man in Red Chalk's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Polittico dell'Annunziata

Il Polittico dell'Annunziata  è un dipinto a olio su tavola  avviato da Filippino Lippi e completato, dopo la sua morte, da Pietro Perugino, datato 1504-1507 e conservato nella Galleria dell'Accademia a Firenze  e nella basilica della Santissima Annunziata .

Prompt: Focus on Annunziata Polyptych and explain the Abstract.Please output in Italian.

1504
1507
Filippino Lippi
Firenze
Galleria dell'Accademia
Perugino
Perugino


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Maestà di Ognissanti

Madonna di Ognissanti è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Giotto, databile al 1310 circa e conservato agli Uffizi di Firenze, dove è scenograficamente collocato a poca distanza da analoghe pale di Cimabue  e Duccio di Buoninsegna . Anticamente si trovava nella chiesa di Ognissanti a Firenze, da cui il nome.

Prompt: In Ognissanti Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1310
Cimabue
Duccio di Buoninsegna
Firenze
Giotto


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Statua equestre di Juan de Oñate

Controversie su memoriali e monumenti negli Stati Uniti d'America

Prompt: Focus on Equestrian statue of Juan de Oñate and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Tre mondi

Mostra al Palazzo Blu di Pisa  Sito ufficiale creato dalla collaborazione di M. C Escher Foundation ed M. C. Escher Company http://www.mcescher.com/

Prompt: In Three Worlds (Escher), how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Fra le Preghiere a San Michele Arcangelo, lExorcismus in Satanam et angelos apostaticos , nella parte dell'esorcismo vero e proprio, afferma:Quindi, Maria intercede invocata come Madre di Dio, come Vergine e come Immacolata Concezione.
In altri punti, la stessa preghiera afferma Maria come sempre vergine, vale a dire la sua verginità perpetua, e Gesù Cristo come il germoglio di Davide, il leone di Giuda.
Appunto, in , Dio profetizza al serpente che Maria e la sua stirpe gli avrebbero schiacciato la testa.Come nell'esorcismo nella sinagoga di Cafarnao il demonio dice a Gesù che è venuto in terra per distruggerli, anche l'esorcismo afferma Maria come la donna che è nata immacolata e umile, col fine di schiacciare la testa all'angelo peccatore di orgoglio e di superbia.Il fine è comune a Maria, e alla "sua stirpe", formata da Gesù e dai suoi figli in spirito.

Prompt: Explain the Prayers about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Deposizione Borghese

{ border="1" align="center" cellspacing="0" cellpadding="5" style="text-align:center;border-collapse:collapse;margin-top:0.5em;" class="wikitable sortable"-! Img! Soggetto! Data! Tecnica! cm! Luogo! Commento- 120px  Compianto sul Cristo morto  1505 circa  Penna e inchiostro su tracce a stilo e gesso nero  33,9x39,1  Parigi, Cabinet des Dessins , n. 3865  style="text-align:left;" L'idea iniziale per la pala era quella di un Compianto, che mostrasse il corpo sdraiato del Cristo circondato da personaggi dolenti, ispirato a quello di Perugino. Di questo spunto resta un primo disegno al Cabinet des Dessins del Louvre , databile al 1505 circa e probabilmente da riconoscere nella prima ipotesi ad essere mostrata alla committente, con il corpo del Cristo disteso sul terreno, circondato dai dolenti, tra i quali spiccano le figure della Vergine e della Maddalena; rispetto al modello di Perugino Raffaello sviluppò maggiormente il tono drammatico della scena, come è evidente in gesti come quello della donna che scosta il velo di Maria svenuta o quello della Maddalena che stringe le ginocchia di Cristo.- 120px  Pietà: composizione di dieci figure  1505-1506 circa  Penna e inchiostro bruno su carta bianca avorio  17,9x20,6  Oxford, Ashmolean Museum, P II 529  style="text-align:left;" Più o meno contemporaneo è considerato il disegno all'Ashmolean Museum , in cui si legge un progressivo interesse verso un'azione piuttosto che la statica contemplazione dei personaggi di Perugino.  pia donna a sinistra di Maria infatti sembra essersi appena arrestata dopo essere accorsa, mentre la Maddalena si protende maggiormente, con le mani giunte, verso il centro della scena. Alcune figure del disegno del Louvre sono state eliminate e altre hanno un atteggiamento diverso, all'insegna di una maggiore concentrazione psicologica.  composizione si assesta su una forma a "V", indirizzando maggiormente l'attenzione dello spettatore verso il Cristo. - 120px  Studi per la Deposizione  1506 circa  Penna e inchiostro bruno su carta  21,8x30,7  Oxford, Ashmolean Museum, P II 531  style="text-align:left;" A partire da questo disegno l'azione inizia a concentrarsi sull'azione di tre figure: Cristo morto e due uomini che lo sorreggono: si tratta della prima traccia di un cambiamento radicale, dove al posto del Compianto si opta per una composizione dinamica. Il foglio comprende anche lo studio di tre teste maschili e una femminile, già elaborate fin nei dettagli; l'uomo a destra sembra derivare direttamente dal San Matteo di Michelangelo.- 120px  Gruppo di figure per un compianto sul Cristo morto  1506 circa  Penna e inchiostro  25x16,9  Londra, British Museum, 1895.9.15.636  style="text-align:left;" Si tratta di un primo studio per i personaggi poi collocati a destra della rappresentazione. Essi sono di sesso maschile, a giudicare dall'abbigliamento, tranne la figura dai capelli lunghi e sciolti a destra e quella inginocchiata e con le mani giunte, rivolta a sinistra. - 120px  Quattro figure di discepoli nudi  1506 circa  Penna e inchiostro bruno  32,2x19,8  Oxford, Ashmolean Museum, 530 recto  style="text-align:left;" Questo disegno mostra un altro studio per le figure a destra, simile al precedente. Esse sono ritratte attentamente come nude e senza copricapi. Nella metà sinistra del foglio si vede in trasparenza il verso - 120px  Studio anatomico per la figura di Cristo  1506 circa  Penna e inchiostro bruno  32,2x19,8  Oxford, Ashmolean Museum, 530 verso  style="text-align:left;" Il verso del precedente foglio mostra uno studio del corpo di Cristo morto, completamente nudo. I contorni sono punzonati per riportare la figura su un altro supporto. Il braccio abbandonato rimanda alla Pietà vaticana- 120px  Frammento di una Deposizione  1506 circa  Punta d'argento su carta preparata rosa  9,5x12,1  Parigi, École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, inv. EBA 318  style="text-align:left;" Si tratta di frammento di un probabile studio a figura intera di Cristo, in cui si riconosce uno studio della spalla e del braccio cadente di Gesù morto, simile a quello nella Pietà vaticana, aggiornato a studi dal vero. - 120px  Studio per la Deposizione  1506-1507 circa  Penna  21,3x32  Londra, British Museum, inv 1963.12.16.1r  style="text-align:left;" Da questo studio in poi si assiste al passaggio definitivo al tema del Trasporto al sepolcro, con Cristo tenuto da due personaggi. Alcuni personaggi hanno già la forma che figurerà nella composizione definitiva: la figura maschile di destra, che poi verrà "specchiata", e la donna inginocchiata, che per il velo è già riconoscibile come Maria Vergine. A sinistra si trova un folto gruppo di personaggi, disposti in maniera diversa nella redazione finale, tra cui la Maddalena con i capelli raccolti in un turbante, che si piega in avanti sul corpo del Cristo. - 120px  Studio per il corpo di Cristo e di un portatore  1506-1507 circa  Penna e inchiostro bruno  23,2x18,5  Oxford, Ashmolean Museum, P II 525 verso  style="text-align:left;" Lo studio riguarda i personaggi a sinistra della Deposizione, col corpo del defunto dal braccio mollemente lasciato penzolare. Del portatore si vedono le gambe.- 120px  Studio per i trasportatori della Deposizione   1507 circa  Penna e inchiostro bruno su contorni in gesso grigio, gesso rosso su carta bianca  27,9x16,9  Oxford, Ashmolean Museum, P.II.532  style="text-align:left;" Sono studiate le tre figure, nude, dei trasportatori di Cristo, senza il corpo di Gesù. Più che a uno studio sulla composizione sembra un'analisi della dinamica delle pose in condizione di trasporto di un peso, forse studiate dal vero. Rispetto alla versione definitiva la figura di destra è qui più arretrata. È già presente il dettaglio del gradino.- 120px  Vergine sorretta dalle pie donne  1507 circa  Penna e inchiostro bruno  28,9x20,1  Londra, British Museum, 1895.9.15.616  Si tratta dello studio più avanzato delle figure sulla destra delle pie donne, con Maria svenuta sostenuta dalle compagne.  figura inginocchiata mostra già la torsione indietro, ispirata forse alla "linea serpentina" del Tondo Doni di Michelangelo e presente nella redazione definitiva. - 120px  Vergine sorretta dalle pie donne  1507 circa  Penna e inchiostro bruno con leggere tracce di matita nera  30,7x20,2  Londra, British Museum, 1895.9.15.617 style="text-align:left;" Come il foglio precedente, mostra uno studio su Maria e le pie donne, analizzato però più dal punto di vista anatomico, con la rappresentazione dello scheletro di due figure. A sinistra si vedono studi sulle acconciature femminili, in diverse posizioni. - 120px  Studio per la Deposizione Borghese  1507 circa  Penna e inchiostro bruno su gesso nero  22,8x31,8  Londra, British Museum, inv. 1855-2-14-1 recto  style="text-align:left;"  scelta della disposizione finale delle figure è quasi ultimata. Al centro, al posto di Maria, si trova la Maddalena e il gruppo dei portatori ormai mostra un evidente moto verso sinistra, soprattutto grazie all'espediente dei gradini che vengono scesi. Il contrasto tra personaggi maschili e femminili evidenza il pathos maggiormente.  posa del Cristo morto ricorda da vicino la Pietà vaticana di Michelangelo.- 120px  Mezza figura di giovane donna di profilo a sinistra  1507 circa  Penna, lievi tracce di matita nera su carta bianca  26,2x18,9  Firenze, Gabinetto dei Disegni e delle Stampe , inv. 1477 E  style="text-align:left;" Si tratta di un disegno preparatorio per la figura della Maddalena, piuttosto pacato rispetto alla versione definitiva, con i capelli sciolti sulla spalla e un'espressione maggiormente tragica. - 120px  Studio per il gruppo centrale della Deposizione  1507 circa  Penna e inchiostro bruno, tracce di matita nera su carta bianca  28,9x29,8  Firenze, Gabinetto dei Disegni e delle Stampe, inv. 538E  style="text-align:left;" Si tratta della versione più vicina all'opera finale. Ritrae la parte centrale del dipinto, già quadrettata per essere riportata sul cartone a grandezza naturale. Alcuni cambiamenti vennero comunque eseguiti anche successivamente, come la Maddalena che sopraggiunge di fretta. Ormai è comunque evidente come il tema predominante sia passato dal dolore della Vergine e delle pie donne a quello del trasporto.  figura femminile dietro la Maddalena, sebbene incisa anche sulla tavola, venne poi eliminata e spostata a destra in corso d'opera: ciò amplificò la separazione tra i due gruppi, esaltando il giovane in tensione al centro del dipinto.- 120px  Studio di testa  1507 circa Penna o gesso nero lumeggiato di biacca? 16x11  Chantilly, Musée Condé, LA 92112 style="text-align:left;" Si tratta di uno studio per la testa di Nicodemo, di tre quarti. L'intera figura si ispira al San Matteo di Michelangelo. }

Prompt: Explain the The evolution of preparatory drawings about the History of this artwork, The Deposition (Raphael).Please output in Italian.

1507
Compianto sul Cristo morto
Firenze
Gesù
Perugino
Pietà vaticana
Tondo Doni


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Armadio degli Argenti

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: How does Armadio degli Argenti explain its Bibliography?Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy


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La danza della vita

Distribuito dalla Paramount Pictures, il film - presentato da Jesse L. sky e da Adolph Zukor - uscì nelle sale cinematografiche statunitensi il 7 settembre 1929 dopo essere stato presentato in prima a New York il 16 agosto 1929. Il copyright del film, richiesto dalla Paramount Famous sky Corp, fu registrato il 7 settembre 1929 con il numero LP672. In Italia, dove uscì nel 1931 distribuito dalla Paramount con il visto numero 26417, la censura approvò il film "con riserva", segnalando di "Togliere ogni scena dialogata o comunque parlata in lingua straniera. ".

Prompt: In The Dance of Life (Munch), how is the Distribution discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Salvation Mountain

Salvation Mountain  è una colorata montagna artificiale che si trova a Slab City, una comunità libera dal sistema capitalista, a sud del deserto della California ed a nord di Calipatria. montagna è realizzata con ogni tipo di materiale, come paglia, mattoni, pneumatici scartati, parti di automobile e migliaia di litri di vernice. È decorata con fiori, cuori e simboli religiosi. Leonard Knight, autore dell'opera, decise di dedicare la sua vita a Dio, ergendo una sorta di totem dedicato all'Amore e a Gesù. Knight risiedeva ai piedi della montagna, vivendo nella sua macchina a fianco di un villaggio costituito da camper, roulotte e autobus; accogliendo turisti provenienti da tutto il mondo. Folk Art Society of America lo ha dichiarato "un sito di arte popolare degno di conservazione e protezione" nell’anno 2000. In un discorso al Congresso degli Stati Uniti del 15 maggio 2002, la senatrice della California Barbara Boxer lo ha descritto come "una scultura unica e visionaria... un tesoro nazionale... profondamente strano e meravigliosamente accessibile, degno del riconoscimento internazionale che riceve".Nel dicembre 2011, l'ottantenne Knight è stato ricoverato per demenza in una struttura di assistenza a lungo termine a El Cajon. Leonard Knight è morto il 10 febbraio 2014 a El Cajon. Ha potuto visitare Salvation Mountain per l'ultima volta nel maggio 2013; la visita è stata registrata da KPBS .Nel 2012 sono state sollevate delle preoccupazioni per il futuro del sito, che richiede una manutenzione costante a causa del rigido ambiente desertico. Molti visitatori hanno donato vernice al progetto e un gruppo di volontari ha lavorato per proteggere e mantenere il sito. Nel febbraio 2011, una fondazione di beneficenza pubblica, Salvation Mountain Inc., è stata istituita per sostenere il progetto. Nel 2013, la Fondazione Annenberg ha donato 32.000 dollari alla Salvation Mountain Inc. per materiali e attrezzature per "migliorare la sicurezza e rafforzare le operazioni". Un articolo del 2014 affermava che Salvation Mountain Inc. era gestita dai nove volontari membri del suo consiglio. A partire dal 2020, l'ente di beneficenza è ancora attivo e ha disposto la chiusura della Salvation Mountain per alcuni mesi durante la Pandemia di COVID-19.

Prompt: How does Salvation Mountain explain its Abstract?Please output in Italian.

Amore
California
Calipatria
Dio
Gesù
Leonard Knight
Slab City


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Musica

terminologia musicale è molto ampia.I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono: la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione ; la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente; l'accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali; l'armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi; il contrappunto, dal lat. punctum contra punctum, punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie; il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica  in un brano; il tempo, che determina la durata di ogni battuta in unità musicali; gli armonici, ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota . Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento. il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro; la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Common terms and the Opera, lyric.Please output in Italian.


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Crocifisso tra i santi Girolamo e Cristoforo

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In Crucifixion between Sts. Jerome and Christopher, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Sibilla e profeta

Davanti a una sorta di portale su una stanza buia, del quale si intravedono gli stipiti, dibattono un profeta, con la lunga barba e un curioso abito esotico, e una sibilla, vestita di corona con una toga all'antica e uno svolazzante mantello. Essi reggono un rotolo di scritture, che sembra l'argomento della loro diatriba. Forse si tratta di un frammento di un'opera di dimensioni più grandi.L'imitazione del finto bronzo dorato raggiunge qui un notevole vertice, con le figure principali che sembrano emergere grazie al poderoso chiaroscuro dei toni bruni e dorati. Il taglio netto delle pieghe dei panneggi rivela un confronto diretto con la scultura, che in quegli anni avveniva proprio per la presenza a Mantova dell'Antico. Tra i virtuosismi spiccano i riflessi brillanti dei cristalli di rocca sulla corona della sibilla.Il capriccioso incresparsi dei panneggi nei manti riecheggia altre opere della fase tarda dell'artista, come la Madonna della Vittoria  o lIntroduzione del culto di Cibele a Roma .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Sibyl and Prophet.Please output in Italian.

Introduzione del culto di Cibele a Roma
Madonna della Vittoria


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Ritratto di un certosino

Ainsworth, Maryan W., ed. Petrus Christus in Renaissance Bruges: An Interdisciplinary Approach. New York: Metropolitan Museum of Art, 1995.

Prompt: In Portrait of a Carthusian, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
New York
Petrus Christus


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto di Agnolo Doni

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: Focus on Portrait of Agnolo Doni and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La morte di Sardanapalo

morte di Sardanapalo  è un dipinto a olio su tela  del pittore francese Eugène Delacroix, realizzato nel 1827 e conservato nel museo del Louvre a Parigi.

Prompt: In The Death of Sardanapalus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Apocalisse

qualità apocalittica si nota ancora  nell'uso frequente di un simbolismo mistificatore. Questo aspetto viene illustrato in modo notevole nei ben noti casi in cui si impiega la Ghematriah per oscurare l'opinione o il senso dello scrivente; quindi, il misterioso nome "Taxo", Assumptio Mosis, ix. 1; il "numero della bestia", 666, di Ap. 13:18; il numero 888 , Sibillini, i.326-330. Simile a questo aspetto è la profezia, spesso enigmatica, del tempo che dovrà passare prima dell'accadere degli eventi predetti; quindi il "fra un tempo, tempi e la metà di un tempo" Dan. 12:7; i "quaranta e otto tempi" di Enoch, xc.5, Assumptio Mosis, x.11; l'annuncio di un certo numero di "settimane" o "giorni" , Dan. 9:24 segg, 12:11, 12; Enoch xciii.3-10; 2 Esd. 14:11, 12; Apoc. di Bar. xxvi-xxviii; Ap. 11:3, 12:6; si confronti Assumptio Mosis, vii.1.  stessa tendenza si nota anche nell'impiego di linguaggio simbolico nel parlare di determinate persone, cose o eventi; quindi, le "corna" di Dan. 7 e 8; Ap. 17 e segg; le "teste" e "ali" di 2 Esd. xi e segg; i sette sigilli del cap. 6 delle Rivelazioni; trombe, 8; ciotole, 16; il dragone, Ap. 12:3-17, 20:1-3; l'aquila, Assumptio Mosis, x.8; eccetera.Un primo significato del già citato 666 potrebbe essere strettamente simbolico: il numero 6 infatti, è visto già nell'ebraismo come "il numero dell'uomo" . Da questo punto di vista, la ripetizione ternaria del 6 può indicare che l'anticristo rappresenterà il tentativo di instaurare il dominio dell'uomo - e dell'arbitrio umano - su quelli che nella tradizione sono visti come i tre livelli della creazione: corpo/anima/spirito, cielo/terra/inferi ecc. Una volta rifiutato Dio, infatti, è l'uomo-anticristo ad ergersi a pseudo-divinità nel tentativo di sostituirsi alla signoria divina sul mondo creato.Come esempi tipici di allegorie più elaborate, a parte quelle di Dan. 7, 8 e 2 Esd. 11, 12, già ricordate, si possono menzionare: la visione del toro e della pecora, Enoch, lxxxv segg; la foresta, la vigna, la fontana, il cedro, Apoc. di Bar. xxxvi segg.; la acque chiare e scure, ibid. liii segg; il salice e i suoi rami, Hermas, "Similitudini", viii. A questa descrizione delle peculiarità letterarie dell'apocalisse ebraica si può aggiungere che, nelle sue parti chiaramente escatologiche, mostra con notevole uniformità la dizione e il simbolismo dei passaggi classici del Vecchio Testamento. Benché ciò sia corretto, comunque, la maggior parte della letteratura escatologica tardo-ebraica e protocristiana  può difficilmente essere considerata simile a livello di caratteristiche a quella sopra descritta.

Prompt: Explain the Mystical symbolism about the Representations of the Apocalypse of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Nascita di Venere

L'opera nasconde un'allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.Sicuramente la nudità della dea non rappresentava per i contemporanei una pagana esaltazione della bellezza femminile, piuttosto il concetto di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che rappresenta la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un parallelismo tra Venere e l'anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. Sarebbe dunque un'allegoria dell'amore inteso come forza motrice della Natura e la figura della dea e la posa di Venus pudica  rappresenterebbe la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima.Un'altra interpretazione associa il quadro alla necessità di rappresentare la nascita di una Medici appena nata: Maria Margherita.Tra le varie interpretazioni recenti, sta emergendo l'idea che la rappresentazione sia interpretabile attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche derivate dall'influente accademia fiorentina, che rimanderebbero ad un pensiero di matrice geografica, che a sua volta, si collega agli avvenimenti preparatori della scoperta-disvelamento del Nuovo Mondo. .Questo era del resto uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche negli altri dipinti a soggetto mitologico realizzati dal Botticelli all'incirca nello stesso periodo.Anche Giulio Carlo Argan evidenzia, tra i significati impliciti del dipinto, la corrispondenza fra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo.  nudità di Venere significa semplicità, bellezza, purezza: è un bello spirituale.  natura è espressa nei suoi elementi ; simbolica è anche la conchiglia. Il ritmo che permea l'opera è governato dal dèmone platonico, il furor che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, in quanto generato dall'aspirazione a qualcosa che non si ha o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.

Prompt: Explain the Interpretation about the Style of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.

Giulio Carlo Argan
Marsilio Ficino
Medici


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Cento vedute famose di Edo

I meisho zue  si diffusero alla fine del periodo Edo e comunicavano in modo più "visuale" dei meisho ki : a differenza di questi ultimi, essi erano principalmente composti dalle immagini dei luoghi famosi. I meisho zue segnarono la transizione tra i meisho ki, le guide dei viaggi dove predominava il testo, e le serie di stampe che i pittori paesaggisti come Hokusai e Hiroshige pubblicarono più tardi. Hiroshige produsse d'altronde una serie direttamente ispirata dalle guide illustrate, le , in cui sono mostrati i numerosi luoghi famosi di Edo per i pellegrinaggi sacri del Giappone. Al termine, i meisho zue diedoro un posto molto più importante alle illustrazioni dei luoghi famosi che i meisho ki, in uno stile realistico vicino allukiyo-e. Quando i talenti paesaggisti di Hokusai e Hiroshige arrivarono a piena maturità, intorno al 1830, l'immagine s'impose finalmente con le serie di meisho-e .Più in generale, numerosi altri libri illustrati sui luoghi famosi di Edo videro la luce nei secoli XVIII e XIX, spesso con la partecipazione di artisti ukiyo-e della scuola Utagawa o di poeti kyōka . Edo era in effetti il centro artistico dellukiyo-e, dove la produzione era sostenuta sia dall'afflusso di turisti che dalla richiesta degli abitanti della città, i borghesi e mercanti chōnin.

Prompt: In the context of One Hundred Famous Views of Edo, explain the Meishozue, Edo and the Evolution Hiroshige work.Please output in Italian.


section

Margherita la pazza

Margherita la pazza  è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1563 e conservato nel Museo Mayer van den Bergh di Anversa. Fino al restauro del 2018, in cui è emersa la data autografa, il dipinto si riteneva del 1561 .

Prompt: Focus on Dull Gret and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto con cane nero

Hélène Toussaint, in Courbet , catalogo della mostra, Parigi, RMN, 1977. Petra Ten-Doesschate Chu, Correspondance de Courbet, Parigi, Flammarion, 2007.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Self-Portrait with a Black Dog.Please output in Italian.


section

Polittico della Certosa di Pavia

Lo scomparto centrale mostra una Madonna in adorazione del Bambino, che viene tenuto su da un angelo; in alto volano tre angeli che cantano leggendo le parole su cartigli, e al centro si dispiega un magistrale paesaggio lacustre, con colline punteggiate da alberelli sottili che digradano in lontananza, grazie ai passaggi tonali che schiariscono in toni azzurrini via via che ci si allontana per effetto della foschia.  stessa composizione venne anche usata qualche anno dopo per la Madonna del Sacco oggi alla Galleria Palatina di Firenze. Nella tavola della Certosa le ginocchia della Vergine sono state evidentemente tagliate via e quindi anche il "sacco" su cui doveva poggiare il Bambino.Gli scomparti laterali mostrano rispettivamente lArcangelo Michele e lArcangelo Raffaele con Tobiolo. Michele in particolare indossa una scintillante armatura e ha uno scudo decorato da grottesche "all'antica", simile ad altre effigi del santo dipinte da Perugino in altre pale e polittici. tavola con il Padre Eterno presenta un'iconografia spesso ripetuta dal Perugino nelle sue opere, il motivo della mandorla con teste di cherubini. L'impostazione frontale della figura, benedicente con il globo nella sinistra, tende a conferirle un aspetto sostanzialmente bidimensionale.Il polittico non ha le dimensioni originali, essendo evidenti tagli, come alla base dello scomparto di Raffaele e Tobiolo dove il cagnolino, che nella leggenda accompagnò i due nel loro viaggio, è visibile solo per una parte della testa. Anche la linea dell'orizzonte non è alla stessa altezza negli scomparti, cosa che sicuramente non era così nell'opera originale. In foto degli anni cinquanta si vedono gli scomparti laterali che avevano anticamente una forma centinata con un arco sulla sommità, dovuta a un reintegro non originale, perciò oggi rimossa.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Certosa di Pavia Altarpiece.Please output in Italian.

Firenze
Galleria Palatina
Perugino
Perugino


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Battesimo di Costantino

Il soggetto del dipinto è il battesimo che Costantino I avrebbe ricevuto da papa Silvestro I, un evento storicamente mai accaduto in quanto Costantino fu battezzato poco prima di morire dal vescovo ariano Eusebio di Nicomedia. scena è ambientata in un edificio a pianta centrale che ricorda il Battistero lateranense, nonché altri progetti di Raffaello di quegli anni.Silvestro, raffigurato con le sembianze di Clemente VII, si trova al centro dell'edificio tra alcuni assistenti e sta versando l'acqua sul capo dell'imperatore inginocchiato e seminudo. Sul libro che regge il sacerdote si legge «Hodie salus Urbi et Imperio facta est». Assistono due personaggi contemporanei ai lati, Carlo V e Francesco I di Francia. Sotto di essi si leggono le iscrizioni «vacrum Renascentis Vitae C. Val. Constantini»  e «Clemens VII Pont. max. a Leone X Coeptum Consumavit MDXXIIII» .

Prompt: Focus on The Baptism of Constantine and explain the Description.Please output in Italian.

Battistero lateranense
Costantino I
Eusebio di Nicomedia
Francesco I di Francia


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San Girolamo

), noto anche come san Girolamo, Gerolamo o Geronimo,Sesso = MLuogoNascita = StridoneGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 347LuogoMorte = BetlemmeGiornoMeseMorte = 30 settembreAnnoMorte = 420Epoca = 300Epoca2 = 400Attività = biblistaAttività2 = traduttoreAttività3 = teologoAttivitàAltre = e monaco cristianoNazionalità = romano}}Padre e Dottore della Chiesa, tradusse in latino parte dell'Antico Testamento greco  e, successivamente, l'intera Scrittura ebraica.

Prompt: Focus on St. Jerome in the Wilderness (Mantegna) and explain the Abstract.Please output in Italian.

30 settembre
347
420
Antico Testamento
Betlemme
Dottore della Chiesa
Stridone


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Cultural reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


section

Corteo funebre di Carlo XII

L’opera fu concepita per partecipare all’Exposition Universelle di Parigi del Maggio del 1878.Cederström era un grande ammiratore di Carlo XII e decise di prenderlo come soggetto dell'opera. Si era trasferito a Parigi anni prima per studiare dal maestro Léon Bonnat, il quale inizialmente si mostrò scettico sul soggetto scelto dall'allievo ma successivamente, vedendone l'entusiasmo, lo incoraggiò a provare, ammonendolo al tempo stesso di non aspettarsi un riscontro positivo dalla critica:Cederström era dunque determinato a rendere il quadro il più realistico possibile. Fece numerosi schizzi preliminari  e non badò a spese per ricreare la scena dal vivo prima di ritrarla: acquistò un’enorme quantità di sale per simulare la neve , fece costruire una barella su cui far distendere il modello del re e fece inoltre arrivare dalla Svezia delle uniformi ordinate all’uopo, da far indossare ai modelli dei soldati, firmò la tela e la consegnò al museo di Stoccolma.Non è chiaro come il quadro originale sia sopravvissuto agli sconvolgimenti della Rivoluzione d'ottobre, ma nel 1923 fu acquistato al prezzo di 7.500 rubli d'oro e riportato in Svezia dal mercante d'arte Max Molvidson. Questi lo vendette poi a Gustaf Werner, che a sua volta nel 1939 lo donò al museo di Göteborg, dove è tuttora esposto.

Prompt: Explain the History of this artwork, Bringing Home the Body of King Charles XII.Please output in Italian.

Göteborg
Léon Bonnat
Max Molvidson
Parigi
Rivoluzione d'ottobre
Stoccolma
Svezia


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Madonna Sistina

datazione dell'opera risale alla prima metà degli anni '10 del XVI secolo, si basa su dati stilistici ed è in genere legata al periodo fra gli ultimi anni di pontificato di Giulio II e i primi di Leone X, prima della Estasi di Santa Cecilia. Secondo Moses Sweetser l'opera è fra le ultime dipinte da Raffaello interamente di suo pugno.Giorgio Vasari non specifica l'anno di realizzazione, ma racconta che l'opera è stata dipinta da Raffaello per la chiesa del convento di San Sisto a Piacenza, come conferma la presenza dei due santi Sisto e Barbara, le cui spoglie sono conservate nella chiesa e ivi venerate.L'uso del supporto su tela invece che su tavola, insolito per Raffaello in quegli anni, ha dato adito a varie ipotesi non confermabili. Secondo Rumohr l'opera era destinata a essere usata anche come stendardo processionale. Un'altra ipotesi è quella che vuole il dipinto eseguito non per la chiesa di Piacenza, ma come velarium sulla bara di Giulio II o come pala d'altare per la sua tomba, come farebbero pensare i santi Sisto, protettore di Sisto IV e quindi dei della Rovere, e Barbara, confortatrice nell'estrema ora, e i due angioletti spiegati come genietti funerari; i monaci piacentini avrebbero poi acquisito la tela dalla vendita dei beni di papa Giulio II dopo la sua morte, come tramandato da una tradizione tardo-settecentesca , riconducono la figura della Vergine al ritratto della Velata.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the From the 16th to the 18th century and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Giorgio Vasari
Moses Sweetser
Piacenza
XVI secolo


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Primavera

Autunno Equinozio Estate Inverno Solstizio Stagione

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Spring (painting).Please output in Italian.

Autunno Equinozio Est Estate Inverno Solstizio Stagione


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Ultima Cena

Il luogo dove oggi si ricorda l'Ultima Cena è il Santo Cenacolo, situato sul Monte Sion, oltre le mura dell'odierna città vecchia di Gerusalemme. Il Santuario ha ospitato per diversi secoli un convento dei Frati Minori della Custodia di Terra Santa.Tradizione vuole che la tavola sopra cui Gesù fece l'ultima cena con gli Apostoli sia conservata nella cappella della Casa Colonna, presso la Basilica di San Giovanni in terano .Il Sacro Catino, secondo la tradizione cattolica, sarebbe invece il piatto usato da Cristo, conservato a Genova nel Museo del tesoro della cattedrale di San Lorenzo.

Prompt: How does Last Supper (Rosselli) explain its The  Holy  Cenacle  and  the  relics  of  the  Last  Supper?Please output in Italian.


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The Floating Piers

The Floating Piers è stata un'installazione di land art degli artisti Christo e Jeanne-Claude.Consisteva in una rete di pontili galleggianti aperti al pubblico, messi in opera sul lago d'Iseo, tra Sulzano, Montisola e l'isola di San Paolo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Floating Piers.Please output in Italian.


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Studi anatomici di feto nell'utero

Gli Studi anatomici di feto nell'utero sono due schizzi a colori realizzati da Leonardo da Vinci intorno al 1511 e attualmente parte della Royal Collection.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Studies of the Fetus in the Womb.Please output in Italian.