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Frine davanti all'Areopago

Al Salon del 1861 l'opera ha colpito il pubblico ed i critici. È stata considerata "scabrosa" e "pornografica". Questo giudizio è dovuto all'atteggiamento dei giudici davanti all'improvvisa nudità dell'etera: la loro rappresentazione come un'assemblea in maggioranza di anziani  con lo sguardo sorpreso e concupisciente, suggerisce più dei vecchi pervertiti piuttosto che dei saggi magistrati. Per lui, la Frine di Gérôme è una finzione lontana dalla realtà, incarnata dalla posa statuaria dell'etera e che rappresenta agli occhi del letterato l'arretratezza della pittura accademica che lottava contro i nuovi movimenti artistici, per primo l'Impressionismo, al quale lo stesso Gérôme si è opposto con accanimento. Nel 1866, Zola aveva già criticato un altro quadro a tema antico di Gérôme, Cleopatra davanti a Cesare, chiamandola "Cleopatra in gesso". Per Zola, il quadro è costruito a tavolino, "un oggetto alla moda", ma Gérôme non ci mette "né carattere, né nessun tipo di personalità". Sulla stessa linea, Théophile Gautier confronta la figura centrale del quadro ad una "statua vivente" per via della sua posa e del suo biancore marmoreo. Nel quadro, infatti, Frine assume di fatto la posa di una statua: i piedi giunti, la schiena dritta e la sua posizione fra due piedistalli vuoti, uno nero in primo piano ed uno grigio, dietro. Il quadro sarà venduto alla forte somma di cinquantamila o sessantamila franchi e le sue riproduzioni avranno un successo enorme negli anni successivi in tutta la Francia, tant'è che saranno per Gérôme e la casa Goupil che pubblica le sue opere, una rendita fissa. tela ispirò con ogni probabilità la statua in marmo Frine, scolpita intorno al 1863 dal milanese Francesco Barzaghi, presentata all'Esposizione universale di Parigi del 1867.

Prompt: Explain the History of this artwork, Phryne Before the Areopagus.Please output in Italian.

Francesco Barzaghi
Francia
Frine
Impressionismo
Théophile Gautier


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sacra Famiglia

Sacra Famiglia è anche il nome di una miniserie televisiva in due puntate diretta da Raffaele Mertes e trasmessa da Mediaset nel 2006.

Prompt: Explain the Television of this artwork, Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz).Please output in Italian.


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Estasi di santa Teresa d'Avila

Nel 1645, venne commissionata allo scultore Gian Lorenzo Bernini quest’opera in onore della santa Teresa, quest’ultima fu commissionata da una famiglia nobile napoletana. Successivamente negli anni 80’ venne trasportata nella maestosa chiesa romana.Bernini, nell'eseguire la commissione, cercò una sua rivincita professionale verso l'atteggiamento tiepido che il nuovo pontefice mostrava nei suoi confronti e chiamò, per così dire, a raccolta tutta la sua inventiva di architetto e di scultore sino a giungere a realizzare uno degli esempi più elevati di arte barocca. LEstasi di santa Teresa d'Avila, eseguita tra il 1645 e il 1652, una volta portata a compimento piacque immensamente al Bernini, che con una certa modestia la definì come la sua «men cattiva opera» . Lo stesso Filippo Baldinucci, nella biografia dell'artista, riporta che:

Prompt: Explain the History of this artwork, Ecstasy of Saint Teresa.Please output in Italian.

1645
1652
Estasi
Gian Lorenzo Bernini
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila


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Apocalisse

Nelle tipiche composizioni di questa classe la maggior preoccupazione dell'autore è il mostrare la sapienza con cui Dio agisce nella storia e la organizza in tappe o fasi cronologiche. Dunque l'apocalisse non è in primo luogo una profezia, ed il suo principale interesse non è il futuro o la fine della storia, quanto semmai il suo fine. L'autore presenta, a volte in maniera molto vivida, un quadro degli eventi a venire, e in particolare di quelli al termine dell'epoca attuale. Per questo in alcune di queste composizioni il soggetto è descritto vagamente come "ciò che avverrà negli ultimi giorni" ; in maniera simile Dan. 10:14, "ora sono venuto per farti intendere ciò che avverrà al tuo popolo alla fine dei giorni"; si confronti Enoch, i.1, 2; x.2 segg. Così anche Ap. 1:1 , "Rivelazione... ciò che presto verrà ad accadere".Spesso la visione comprende anche il passato, per dare forza all'inquadramento storico, così che il panorama degli eventi successivi possa passare impercettibilmente dal noto all'ignoto. Perciò nell'undicesimo capitolo del libro di Daniele il dettagliato resoconto delle vicende dell'impero greco d'oriente, a partire dalla conquista di Alessandro fino all'ultima parte del regno di Antioco Epifane  continua, senza interruzione, con una descrizione appena meno vivida di eventi che non sono ancora accaduti , ma che lo scrittore si aspetta: le guerre che risulteranno dalla morte di Antioco e la caduta del suo regno. Tutto ciò, comunque, serve solo da introduzione alle notevoli profezie escatologiche del dodicesimo capitolo, in cui si trova lo scopo principale del libro.In maniera del tutto simile, il sogno raccontato nel secondo libro di Esdra, 11 e 12, l'aquila che rappresenta l'Impero Romano è seguita dal leone, che è il messia promesso che dovrà salvare gli eletti e stabilire un regno imperituro.  transizione fra la storia e la profezia si può vedere in xii.28, dove viene predetta l'attesa fine del regno di Domiziano, e con essa la fine del mondo. Un altro esempio dello stesso genere è negli Oracoli Sibillini, iii.608-623. Probabilmente si può paragonare anche Assumptio Mosis, vii-ix. In quasi tutte le scritture propriamente classificate come apocalittiche l'elemento escatologico è predominante. È stata proprio la crescita delle speculazioni sui tempi a venire e la speranza per gli eletti che hanno originato più di ogni altra cosa la nascita, e influenzato lo sviluppo di questo genere di scritti.

Prompt: Explain the History  Future about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Spoliazione di Cristo

leftIl tema raffigurato, cioè Cristo che viene privato della veste scarlatta che gli era stata messa per scherno prima di essere crocifisso, era molto raro in pittura nel momento in cui El Greco vi si cimentò.Inoltre, i non molti precedenti noti sono per lo più costituiti da opere medievali o dell'alto rinascimento . È improbabile che il maestro cretese ne avesse conoscenza e forse dedusse lo schema compositivo da altri momenti della Passione di Cristo, dall'iconografia più consueta.Una possibile associazione in questo senso è con l'episodio della Cattura, dove, in innumerevoli esempi pittorici sul tema, Gesù – come nell’Espolio – è al centro della composizione circondato da feroci aguzzini.Forse la scelta di un tema così insolito è connessa al luogo di collocazione del dipinto, cioè la parte della sagrestia adibita a spogliatoio . scena è dominata dalla figura di Cristo, attorniato da una massa quasi indistinta di astanti tra i quali i meglio distinguibili sono l'aguzzino sulla destra del quadro che si accinge a spogliare Gesù e il soldato sulla sinistra che indossa un'armatura contemporanea magnificamente resa da El Greco.In basso a sinistra c'è il gruppo delle Marie che volge il proprio sguardo verso la croce alla cui preparazione è intento un inserviente  ripiegato in avanti.Quest'ultima figura è derivata dal cartone dell'arazzo con la pidazione di Santo Stefano di Raffaello , opera certamente conosciuta dal Theotokopoulos che da poco aveva lasciato Roma. leftL'aguzzino al lavoro sulla croce corrisponde in particolare alla figura che nell'arazzo è intenta a raccogliere il sasso da scagliare sul protomartire. 	L'esempio raffaellesco sarà citato più volte dal pittore cretese ed in particolare nel ricamo della dalmatica di santo Stefano nell’Entierro dove è riprodotta la stessa scena di martirio del santo.Il colorismo dell'opera rimanda invece a Venezia : splendido in particolare è il rosso della tunica del Signore che guida l'occhio dell'osservatore verso il centro fisico e spirituale dell'opera.I riferimenti alla pittura italiana del suo tempo non nascondono però la radice bizantina dell'arte di Dominikos, assimilata a Creta in gioventù.L'annullamento della spazialità dovuta all'affollamento di figure, molte delle quali visibili solo per la testa, la selva di picche che impedisce di dare profondità allo sfondo, la frontalità e l'impassibilità di Cristo, sono tutti elementi che sono stati associati alla pittura bizantina di qualche secolo prima, tanto da rinvenire significative similitudini compositive tra l’Espolio e un mosaico del duomo di Monreale raffigurante il Bacio di Giuda .

Prompt: How does The Disrobing of Christ explain its Description and style?Please output in Italian.


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Sposalizio della Vergine

Lo sposalizio di Maria e Giuseppe non è descritto nella Bibbia, e vi si fa riferimento solo in alcuni vangeli apocrifi. Nella tradizione ebraica, il matrimonio era un contratto stipulato tra le famiglie dei due nubendi: il padre dello sposo si recava da quello della sposa per proporre l'unione, e se la ragazza avesse accettato i due giovani sarebbero stati "promessi", e sarebbero andati a vivere assieme dopo un anno .Liturgicamente, l'osservanza dello sposalizio della Vergine come festa nasce probabilmente intorno al XV secolo, quando Jean Gerson, Gran Cancelliere dell'Università di Parigi morto nel 1429, lascia disposizione testamentaria di far celebrare una messa ogni 23 gennaio in onore del matrimonio di Maria e Giuseppe; da qui la ricorrenza viene inserita nei calendari di diversi ordini religiosi, a partire dai francescani e proseguendo con servi di Maria, domenicani, carmelitani e stimmatini .Tuttavia la memoria non è mai entrata nel calendario ufficiale della Chiesa cattolica, specialmente perché considerata ridondante rispetto a quella della Sacra Famiglia; dal 1961 la Congregazione dei riti ha relegato lo sposalizio della Vergine alle "feste di devozione", permettendone la celebrazione solo per motivi o luoghi particolari.

Prompt: How does The Marriage of the Virgin (Raphael) explain its History?Please output in Italian.

23 gennaio
Bibbia
Chiesa cattolica
Congregazione dei riti
Jean Gerson
Sacra Famiglia
Università di Parigi
XV secolo


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Danae

immagine = Frederick Sandys - Danae in the Brazen Chamber.jpgdidascalia = Danae  di Anthony Frederick Augustus Sandys.epiteto = sesso = femminaluogo di nascita = Argoprima apparizione = professione = principessa di Argo}}Danae  è un personaggio della mitologia greca. Fu una principessa di Argo e la fondatrice della città di Ardea.A lei è dedicato il nome dell'asteroide 61 Danaë.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Danaë (Tintoretto).Please output in Italian.


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Ritratto di una Sforza

Nel settembre 2011 Martin Kemp e Pascal Cotte, basandosi sull'analisi dei fori di legatura, hanno identificato il codice da cui il foglio sarebbe stato strappato: si tratta di una copia di un incunabolo stampato a Milano presso Antonio Zarotto nel 1490, la Sforziada di Giovanni Simonetta , conservata a Varsavia presso la biblioteca nazionale polacca  con la segnatura Inc. F. 1378. Il volume reca un frontespizio miniato opera di Giovanni Pietro Birago contenente allusioni alle nozze del suo probabile possessore, Galeazzo Sanseverino, con Bianca Sforza. Sequestrato durante il sacco di Milano del 1499, l'esemplare sarebbe passato nelle collezioni reali francesi per poi essere donato da Francesco I di Francia a Sigismondo I di Polonia in occasione delle sue nozze con Bona Sforza, nel 1518.  sua collocazione attuale si deve a Jan Zamoyski. Tale ipotesi conferma, secondo i due studiosi, l'identità dell'effigiata.Nel suo studio The Illumination by Birago in the Sforziad incunabulum in Warsaw: in defence of Horodyski's thesis and a new hypothesis  la ricercatrice Carla Glori, convergendo sulle conclusioni dello "scopritore del vero nome del Birago dalla firma apposta sulla " professor Bogdan Horodyski, il quale ne assegna la proprietà alla famiglia di Gian Galeazzo Sforza, perviene alla conclusione che l'esemplare della Sforziade di Varsavia appartenesse alla sorellastra di Gian Galeazzo, Caterina Sforza. Tale teoria viene fondata sulla ricostruzione della storia dinastica e sulla considerazione delle insegne ed imprese araldiche dei Visconti-Sforza.  pubblicazione delle insegne araldiche inedite della famiglia Sanseverino, miniate nel prezioso incunabolo della Comedia di Dante impresso dal Cremonese in Venezia nel 1491 e ora alla Casa di Dante in Roma, viene addotta dalla Glori a supporto della sua tesi, in quanto non coincidenti con le imprese raffigurate sulla  del Birago.

Prompt: Explain the Rediscovery  of  the  codex about the History of this artwork, La Bella Principessa.Please output in Italian.

Antonio Zarotto
Bona Sforza
Caterina Sforza
Francesco I di Francia
Galeazzo Sanseverino
Giovanni Pietro Birago
Giovanni Simonetta
Jan Zamoyski
Pascal Cotte
Sforziada
Varsavia


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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: In Epifania, how is the India of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


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Danza alla musica del Tempo

Quattro figure che si tengono per mano danzano in cerchio, mentre il Tempo suona una lira alla loro destra.  scena è ambientata durante il mattino, dato che Aurora precede il carro solare di Apollo. Le Ore accompagnano il dio del sole, il quale regge un anello che simboleggia lo Zodiaco.Secondo Bellori, il soggetto venne definito da Rospigliosi. L'identificazione precisa dei quattro personaggi che danzano rimane incerta. Le quattro figure danzanti potrebbero rappresentare, partendo da quella vista di spalle: la Povertà, il voro, la Ricchezza e il Piacere o il Lusso. Le figure rappresenterebbero un ciclo della vita umana che inizia e si conclude con la Povertà, passando per la Ricchezza e il Lusso. Se i personaggi fossero le quattro stagioni la Povertà sarebbe l'Autunno, il voro l'Inverno e così via. L'ipotesi di Anthony Blunt, secondo la quale la Povertà/Autunno sarebbe un uomo, oggi viene accettata: il museo tuttavia lo identifica con Bacco. Questa identificazione richiama l'opera Les Dionysiaques di Boitet de Frauville, nella quale Giove, avendo ascoltato i lamenti delle Stagioni e del Tempo, diede al mondo Bacco e il suo vino per compensare le condizioni di vita miserabili dei mortali. André Félibien, amico e biografo di Poussin, descrisse il dipinto con le stesse parole, tranne per un punto: Bellori identificò l'Estate con il Lusso, mentre Félibien la identificò con il Piacere. Lo stesso Bacco, con un volto giovane ed uno anziano, appare in un erma a sinistra. Secondo Bull, il Rospigliosi, che era un intellettuale ed un autore con un certo gusto per le allegorie, inventò l'altra interpretazione durante o dopo la realizzazione dell'opera, mentre per Ingamells Poussin non era eccessivamente interessato all'identificazione precisa delle figure.Sono presenti vari pentimenti, come la rimozione di un secondo albero a destra tra l'Inverno/voro e il Tempo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, A Dance to the Music of Time (painting).Please output in Italian.

André Félibien
Anthony Blunt
Apollo
Bacco
Boitet de Frauville
Ore
Rospigliosi
Tempo
Zodiaco


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Giardino dei Tarocchi

Niki de Saint Phalle, Collaborazioni, in Jean Tinguely. Una magia più forte della morte, Catalogo della Mostra Venezia, Palazzo Grassi, Venezia 1987Niki de Saint Phalle. Bilder-Figuren-Phantastische Garten, Catalogo della Mostra a cura di C. Schulz Hoffman, Bonn 1987B, Catalani Il Giardino dei Tarocchi, di Niki de Saint Phalle, "Architettura e Arte", n¡ 1, gennaio - marzo 1998Nathalie de Saint Phalle Niki da Saint Phalle e Jean Tinguely , "Galeries Magazine", n. 31, giugno-luglio 1989Le jardin des tarots, in Niki de Saint Phalle. Oevres des annés 80, Catalogo della Mostra a cura di P. Hulten P., Parigi, Galerie de France 1989P. Braff Nanas, Guns and Gardens "Art in America", 12 dicembre 1992Alberto Giorgio Cassani, "Garavicchio , il giardino dei Tarocchi ", in "'ANAGKH", II, n° 5, marzo 1994, pp. 50–59.B. Graziani, Niki de Saint Phalle colossal, colossal!, "Paris Match", 24 giugno 1993Niki de Saint Phalle, A little of my story with you Jean, in Museum Jean Tinguely Basel. The collection, 1996 Niki de Saint Phalle, Catalogo della mostra a cura di A. Mazzanti, Orbetello Polveriera Guzman, 1997A Mazzanti Niki de Saint Phalle a Orbetello: quando l gioco si fa duro, "ART e Dossier", n¡ 125, luglio-agosto, pp. 12–16 1997,E. Morelli, Introduzione alla sezione spazi per l'arte, Il giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle in G. G. Rizzo, A. Valentini , Luoghi e paesaggi in Italia, Firenze University Press, Firenze 2004.R. Aureli Niki de Saint Phalle a Capalbio Catalogo della mostra a cura di Roberto Aureli, Palazzo Collacchioni estate 2006, AION edizioni .Silvia Bottinelli, Claudia mberti, Matteo Mattei, Progettare lo spazio onirico: il "Giardino dei Tarocchi" a Capalbio, tra arte e architettura, in "Bollettino ingegneri", n° 10, 2007, pp. 10–20.R. Trapani, Il Giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle: un'opera d'arte totale nella campagna toscana, in Echi d'arte, Anno 2, n° 10 .L. Agostini, Il Giardino dei Tarocchi, Ed. Lulu.com, Anno 2007, 136 pagine, ISBN 978-1-84799-344-1.

Prompt: How does Tarot Garden explain its Bibliography?Please output in Italian.

1996
1997
1998
2006
Arte
Bonn
Capalbio
Giardino
ISBN
Italia
Jean Tinguely
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Orbetello
Palazzo Grassi
Parigi
Tarocchi
Venezia


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Pala di Pesaro

Pala di Pesaro è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile tra il 1471 e il 1483 circa e conservata nei Musei civici di Pesaro.  pala era anticamente coronata dalla Pietà , oggi alla Pinacoteca Vaticana.

Prompt: How does Pesaro Altarpiece (Bellini) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Adele Bloch-Bauer I

Dopo che il dipinto venne realizzato a Vienna, Adele chiese al marito Ferdinand Bloch-Bauer di donarlo  alla Österreichische Galerie Belvedere dopo la sua morte. Quando i nazisti invasero l'Austria, il marito, rimasto vedovo, dovette fuggire dall'Austria per rifugiarsi in Svizzera.  sua proprietà, che comprendeva anche i suoi dipinti realizzati da Klimt, venne quindi confiscata. Nel suo testamento del 1945 Ferdinand Bloch-Bauer designò il suo patrimonio ai propri nipoti, includenti Maria Altmann.Mentre i dipinti di Bloch-Bauer rimasero in Austria, il governo austriaco sottolineò che, secondo il testamento di Adele, dovevano rimanere in quella nazione. Dopo una lunga battaglia legale avvenuta in Austria e negli Stati Uniti , una corte di giudici stabilì, nel 2006, che Maria Altmann era la legittima proprietaria del ritratto di Adele e di altre quattro opere di Klimt. Durante il mese di giugno del 2006, le opere di Klimt vennero vendute dalla Christie's a Ronald uder per 300 milioni di dollari . Un mese più tardi, il ritratto venne esposto permanentemente nella Neue Galerie di New York di uder, come richiesto da Maria Altmann. Sulla vicenda sono state tratte diverse opere cinematografiche, tra cui il film Woman in Gold , diretto da Simon Curtis, e i documentari Adele's Wish e Stealing Klimt.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Adele Bloch-Bauer I.Please output in Italian.

Christie's
Maria Altmann
Neue Galerie
New York
Woman in Gold
Österreichische Galerie Belvedere


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Pala di Vallombrosa

Pala di Vallombrosa è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, datato 1500 e conservato nella Galleria dell'Accademia a Firenze.

Prompt: In Vallombrosa Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
Firenze
Galleria dell'Accademia
Perugino


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Madonna delle Grazie

Festa Patronale di Maria SS. delle Grazie si celebra a Bompietro, piccolo paese nella città metropolitana di Palermo, nei giorni 25 e 26 di agosto.  festa è preceduta dalla tradizionale quindicina, in cui viene portata in processione, su una piccola vara, la statua della Madonna delle Grazie, che per quindici giorni viene ospitata nelle case dei fedeli, con la recita del Santo Rosario. Giorno 25 agosto " Vigilia della Festa" il simulacro della Madre delle Grazie viene portato in processione per le vie principali del suggestivo paesino,con la presenza delle confraternite e delle autorità civili e religiose, insieme con il simulacro del Patriarca San Giuseppe, che gode di una profonda devozione e del simulacro del SS. Crocifisso.Il 26 agosto, giorno della festa, si svolge nuovamente la solenne processione della Madonna, in cui il simulacro percorre la maggior parte delle vie cittadine. Vari gli intrattenimenti e le manifestazioni, con giochi pirotecnici, banda musicale e spettacoli.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Bompietro of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

26 agosto
5 agosto
Bompietro
San Giuseppe


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Battaglia di San Romano

tavola di Firenze è impostata in maniera simile alla precedente. Delle tre è l'unica che abbia conservato tracce della lamina d'argento che ricopriva le armature, le quali dovevano essere in antico lustre e scintillanti come metallo vero.  scena della battaglia occupa il primo piano, con i due eserciti schierati dalle due parti e con il punto focale sul cavallo bianco del comandante senese al centro, Bernardino della Carda, che sta per cadere, disarcionato da una lancia nemica. Il suo cavallo è esattamente simmetrico a quello del pannello precedente, per cui si pensa che nella collocazione originaria del trittico questi dovessero trovarsi ai lati, o comunque in coppia. A destra, in schieramento senese, si vedono due cavalli di spalle, uno dei quali sta scalciando, forse a suggerire l'inizio della ritirata nemica. gamba tesa di Bernardino, la lancia che lo colpisce e quella che sta trafiggendo un guerriero a terra creano un'intelaiatura geometrica a forma di triangolo, che cristallizza la concitazione della scena in una più misurata monumentalità statica. Proprio questo contrasto tra movimento e immobilità, data dall'incatenamento delle figure alla maglia prospettica, è all'origine del fascino della tavola. Le masse dei cavalli in movimento sono ridotte a volumi puri, con i colori irreali  stesi in larghe zone piatte che ricordano le tarsie. I cavalieri assomigliano più a manichini in corazza, piuttosto che ad uomini veri capaci di muoversi ed agire. Tutti questi elementi generano un effetto surreale, di sogno, dove è assente la drammaticità dello scontro.Siccome il momento della battaglia è più avanzato, questa volta Paolo Uccello compose un terreno molto più affollato, dove oltre alla griglia di lance , alle armi ed agli scudi, si trovano ormai anche dei cavalli abbattuti, scorciati in posizione ardite.Anche qui lo sfondo è disarticolato dal primo piano e si ritrovano i giovani a caccia con la balestra, di proporzioni esageratamente grandi, con una lepre inseguita da un levriero, che è inseguito a sua volta da un'altra lepre.Questa tavola è firmata  in basso a sinistra.

Prompt: Describe the characteristics of the Unseating of Bernardino della Carda in The Battle of San Romano's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Chassériau)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: Explain the Psychology about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Stradina di Delft

Stradina di Delft è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657-1658 circa e raffigurante un frammento di vita nella cittadina olandese di Delft. Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam, il dipinto è firmato a sinistra, sotto la finestra, I V Meer. Assieme alla Veduta di Delft si tratta dell'unico paesaggio riferibile con ragionevole sicurezza a Vermeer.

Prompt: Focus on The Little Street and explain the Abstract.Please output in Italian.

Amsterdam
Delft
Jan Vermeer
Veduta di Delft


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Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Minneapolis)

Cacciata dei mercanti dal tempio, chiamato anche Espulsione dei mercanti dal Tempio o Purificazione del Tempio è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1570 e conservato nel Minneapolis Institute of Art di Minneapolis negli Stati Uniti d'America.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Minneapolis).Please output in Italian.

1570
El Greco
Minneapolis
Minneapolis Institute of Art
Stati Uniti d'America


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Pala di Brera

Piero e Urbino, Piero e le corti rinascimentali, catalogo della mostra , a cura di P. Dal Poggetto, Venezia 1992, pp. 174-176. From Filippo Lippi to Piero della Francesca, ed. by K. Christiansen, , Milano-New York 2004. Sandra Marraghini, L’effetto cannocchiale tra la Flagellazione e il De Prospectiva Pingendi di Piero della Francesca, in Bollettino SSF, n. 30, Firenze, Società di Studi Fiorentini, 2021. E. Daffra, Urbino e Piero della Francesca, in Piero della Francesca e le corti italiane, catalogo della mostra a cura di C. Bertelli e A. Paolucci , Milano 2007. AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004 ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: How does Brera Madonna explain its Bibliography?Please output in Italian.


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: Describe the characteristics of the Inclusion of the other in the self in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


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Autoritratto con sette dita

LAutoritratto con sette dita  è un dipinto olio su tela  tra il 1912 e il 1913. Il quadro fu dipinto a Parigi, nello studio  Ruche di Montparnasse,

Prompt: In Self-Portrait with Seven Fingers, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Il progetto iniziale prevedeva la rappresentazione dei Dodici Apostoli sui "peducci" della volta , mentre nel campo centrale partimenti con decorazioni geometriche, e ne rimangono due disegni preparatori, uno al British Museum e uno a Detroit: il primo mostra i dodici apostoli in troni entro nicchie sui peducci dove poi vennero affrescati i Veggenti; il secondo mostra uno studio per le nicchie, che erano collegate attraverso la volta da un sistema di elementi decorativi  che simulavano degli arconi trasversali; tra questi ultimi si trovavano vasti rettangoli con cornici ottagonali.Insoddisfatto , l'artista ottenne di poter ampliare il programma iconografico, a proprio piacimento, raccontando la storia dell'umanità "ante legem" e ponendosi così in continuazione coi soggetti degli affreschi alle pareti.Il complesso progetto iconografico venne sicuramente elaborato con la collaborazione, oltre che del committente, dei consiglieri e teologi della corte papale, tra cui forse il cardinale e teologo francescano Marco Vigerio e il coltissimo vicario generale degli Agostiniani Egidio da Viterbo. Si trattava di un'elaborazione del primo schema, con l'accentuarsi del motivo degli arconi e un maggiore spazio riservato ai riquadri da essi scanditi , in cui vennero poi collocate le Storie. Al posto degli statici putti reggi-targa vennero poi sviluppati i più dinamici "Ignudi". Ciò rese una perfetta unità strutturale e una nitida articolazione delle parti, grazie sia alle architetture dipinte sia ai rapporti dimensionali, gestuali e ritmici tra le figure, soprattutto quelle non coinvolte nelle scene narrative .

Prompt: Describe the characteristics of the Definition of the subject in Sistine Chapel ceiling's Description.Please output in Italian.

British Museum
Detroit
Egidio da Viterbo
Ignudi


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Statua di Robert Milligan

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Statue of Robert Milligan.Please output in Italian.


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Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria (Parmigianino Londra)

Vasari ricordò una "Madonna dipinta volta a fianco, volta per fianco con bella attitudine, e parecchie altre figure" fatta per un suo amico sellaio a Bologna. Si tratta forse del Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria, come ipotizzò per primo l'Affò nel 1784. Tale connessione non è tuttavia accettata da tutta la critica, con alcuni che la riferiscono a qualche anno prima, durante il soggiorno romano, che si concluse nel 1527 durante il Sacco di Roma. Lo stile svelto, "stenografico"  e la pennellata nervosa farebbero però pensare piuttosto a un lavoro della fase bolognese, paragonabile a opere come la Madonna di Santa Margherita. versione londinese è ricordata per la prima volta nell'inventario della Galleria Borghese del 1693 e nel 1750, dopodiché, nel 1800, passò in proprietà a William Ottley, e in seguito alla raccolta Normanton di Somerley. Nel 1974 venne acquistato dal museo londinese.Fu incisa da Giulio Bonasone. Ne esistono numerose copie, tra cui le migliori al Wellington Museum di Londra, alla Pinacoteca Nazionale di Bologna e al Museo Davia Bargellini. Fa eccezione quella in collezione privata già citata, senza la finestrella ovale, che Mario Di Giampaolo ritiene autografa e della quale esiste a sua volta una copia di buona fattura ad Apsley House.

Prompt: Explain the History of this artwork, Mystic Marriage of Saint Catherine (Parmigianino, London).Please output in Italian.


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Busto del cardinale Richelieu

Il Busto del Cardinale Richelieu, primo ministro di Luigi XIII, di Gian Lorenzo Bernini  è conservato a Parigi all'interno del Museo del Louvre.

Prompt: How does Bust of Cardinal Richelieu explain its Abstract?Please output in Italian.

Gian Lorenzo Bernini
Museo del Louvre
Parigi


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L'urlo

L'urlo  è il nome assegnato a una serie di famosi dipinti del pittore norvegese Edvard Munch.

Prompt: How does The Scream explain its Abstract?Please output in Italian.


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: In Love & Loss, how is the History, culture, Sociology of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.


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deposizione di Cristo nel sepolcro

Madonna di ManchesterOpere di MichelangeloDeposizione di Gesù

Prompt: How does Lamentation of Christ (van der Weyden) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Deposizione di Gesù
Madonna di Manchester
Madonna di Manchester
Opere di Michelangelo


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Augusto di Prima Porta

L'iconografia della statua è spesso stata accostata a certe immagini evocate dal Carmen saeculare di Orazio. D'altronde, se prendiamo come vera l'ipotesi della realizzazione della statua durante l'impero di Augusto e non durante quella di Tiberio, le due opere sono abbastanza contemporanee. Il Carmen infatti fu letto pubblicamente per la prima volta nel 17 a.C. durante i Ludi Saeculares, voluti dall'imperatore per celebrare la venuta della nuova Pax romana e dell'età dell'oro già preannunciata da Virgilio nella IV ecloga. corazza è aderente, facendo risaltare il fisico atletico che ricorda le sculture greche di certi eroi.Grande importanza simbolica hanno i rilievi che la decorano, con particolare riferimento alla storia contemporanea e all'ideologia di Augusto. Vi sono raffigurati: in alto una personificazione di Caelum; sotto di esso vola la quadriga di Sol; procedendo verso destra si trova la Luna quasi completamente coperta da lAurora  ; al centro è raffigurata la scena del re dei Parti Fraate IV che restituisce le insegne catturate ai Romani dopo la sconfitta di Crasso; è presumibile che il generale romano raffigurato con ai piedi un cane  sia Tiberio, visto che proprio lui partecipò alla campagna partica. Ma non è da escludere che si tratti dello stesso Augusto o di un imberbe dio della guerra Marte vendicatore. Altra ipotesi lo identifica come l'incarnazione fisica delle legioni e del legionario ideale; ai due lati si trovano due donne che piangono. Quella a destra tiene in mano uno stendardo, su cui è raffigurato un cinghiale e la tipica tromba celtica a forma di drago, il carnyx. Quella a sinistra, colta in atteggiamento di sottomissione, porge un parazonium. È possibile che la prima rappresenti le tribù celtiche del Nord-Ovest della Spagna, Asturi e Cantabri, che erano state conquistate da Augusto, oppure la Gallia stessa che sempre dall'imperatore era stata riorganizzata e pacificata tra il 12 e l'8 a.C.; la seconda invece, non essendo completamente disarmata, potrebbe raffigurare le tribù germaniche situate tra il Reno e l'Elba che comunque sarebbero presto state oggetto di conquista oppure i regni dell'Oriente ellenistico, clienti di Roma; al di sotto delle due figure di donna sono Apollo e Diana, rispettivamente su di un grifone e su di un cervo; in basso si trovano la dea Tellus, simbolo di fertilità, semisdraiata e tenente un corno  colmo di frutta, e due neonati che si afferrano alla veste della dea .

Prompt: Explain the The armor about the Style of this artwork, Augustus of Prima Porta.Please output in Italian.

8 a.C.
Augusto
Carmen saeculare
Fraate IV
Ludi Saeculares
Pax romana
Roma
Tellus
Tiberio


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Perugino, Washington), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Puerta de Alcalá

Prompt: How does Puerta de Alcalá explain its Photo details?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

festa della Santa Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe nel rito latino cade nel tempo di Natale nella domenica che intercorre tra il Natale e il Capodanno; in assenza della domenica la si festeggia il 30 dicembre. Nel Messale del 1962, invece, tale solennità cade nella prima domenica dopo l'Epifania.Nel rito ambrosiano la ricorrenza viene celebrata nell'ultima domenica di gennaio, quindi nella terza o quarta domenica successiva all’Epifania.

Prompt: In Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz), how is the Feast  Holy  Family of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


subsection

Polittico della Misericordia

Al centro si trova la Madonna della Misericordia, una rappresentazione della Vergine Maria che apre il mantello per dare riparo e protezione alle persone che la venerano, derivata dalla consuetudine medievale della "protezione del mantello", che le nobildonne altolocate potevano concedere a perseguitati e bisognosi d'aiuto. I fedeli sono gerarchicamente più piccoli e sono disposti a semicerchi, quattro per parte , lasciando un ideale posto al centro per l'osservatore. Tra di essi si vede un confratello incappucciato, un ricco notabile vestito di rosso e, secondo una lunga e plausibile tradizione, l'uomo voltato verso lo spettatore accanto alla veste di Maria sarebbe un autoritratto del pittore. Madonna poggia su una base scura organizzata prospetticamente, che richiama l'attenzione sulla figura centrale. Ben evidente è l'interesse di Piero per la geometria, nell'accumularsi di forme regolari, quali il cilindro del mantello, il tronco di cono dell'aureola e la corona della Vergine, le forme ovali dei visi.  cintura di Maria è annodata in modo da formare una croce.

Prompt: In the context of Polyptych of the Misericordia, explain the The Madonna of Mercy and the Description.Please output in Italian.


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Maja desnuda

proprietà del quadro potrebbe svelare il mistero dell'identità della modella: vista l'amicizia, probabilmente intima, che Goya nutriva per la duchessa d'Alba, di cui ha lasciato vari ritratti, e di una qualche somiglianza con la Maja Desnuda, si pensò a lei come misteriosa modella del dipinto. Nel 1843 Louis Viardot sostenne in Les musées de Espagne che la modella fosse appunto la duchessa. Oggi molti studiosi ritengono tuttavia che la modella della Maja desnuda fosse l'amante di Godoy, Pepita Tudó. In ogni caso, date certe somiglianze fisiche tra le due donne, è probabile che Goya abbia ritratto Pepita evocando in qualche modo la Cayetana, immortalando dunque quest'ultima. Resta il fatto che la disarmonia potrebbe derivare dal fatto che diverse modelle fossero usate per il corpo e per il volto.Manuel Godoy collocò la Maja desnuda con la Maja vestida nel gabinetto privato dove già erano presenti numerosi altri nudi: quando arrivò la Vestida, Godoy aveva probabilmente già ereditato anche la Venere allo specchio di Velázquez dalla duchessa de Alba. Questo può aver prodotto l'erronea convinzione presso gli studiosi che la Venere di spalle di Velázquez fosse in qualche modo complementare a una delle Veneri  viste di fronte, e che quindi anche le duplici Maja fossero state concepite in modalità complementare. Joaquín Ezquerra del Bayo, nel suo libro  Duquesa de Alba y Goya afferma, basandosi sulla somiglianza della postura e sulle dimensioni delle Maja, che si sarebbe potuto, mediante un ingegnoso meccanismo, far sostituire la Vestida con la Desnuda in un gioco erotico svolto nell'alcova più segreta di Godoy. Si sa che il Duca di Osuna, nel XIX secolo, utilizzò questo procedimento con un quadro che lasciava la vista ad un nudo.

Prompt: Describe the characteristics of the The  subject  of  the  painting in La maja desnuda's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Duca di Osuna
Louis Viardot
Maja vestida
Manuel Godoy
Pepita Tudó
XIX secolo


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La Schiavona

Schiavona è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on La Schiavona and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Nel 305 un imperatore romano tenne grandi festeggiamenti in proprio onore ad Alessandria. Anche se la Leggenda Aurea parla di Massenzio, molti ritengono che si tratti di un errore di trascrizione e che l'imperatore in questione fosse invece Massimino Daia, che proprio nel 305 fu proclamato Cesare per l'oriente nell'ambito della tetrarchia . Ricordiamo inoltre che la data del 305 non è stabilita con certezza.Caterina si presentò a palazzo nel bel mezzo dei festeggiamenti, nel corso dei quali si celebravano riti pagani con sacrifici di animali e accadeva anche che molti cristiani, per paura delle persecuzioni, accettassero di adorare gli dei. Caterina rifiutò i sacrifici e chiese all'imperatore di riconoscere Gesù Cristo come redentore dell'umanità, argomentando il suo invito con profondità filosofica.L'imperatore, che secondo la Leggenda Aurea sarebbe stato colpito sia dalla bellezza sia dalla cultura della giovane nobile, convocò un gruppo di retori affinché la convincessero a onorare gli dei e la chiese in sposa. I retori non solo non riuscirono a convertirla, ma essi stessi, per l'eloquenza di Caterina, furono convertiti al Cristianesimo.L'imperatore ordinò la condanna a morte dei retori e dopo l'ennesimo rifiuto di Caterina la condannò a morire con il supplizio della ruota dentata. Dopo che Caterina venne messa sulla ruota dentata, il cielo prima limpido, si riempì di nuvoloni neri. Dal cielo scese un fulmine che spacco a metà la ruota dentata. Massimino fu obbligato a far decapitare la santa, dal cui collo mozzato non sgorgò sangue bensì latte, simbolo della sua purezza.

Prompt: In the context of Catherine of Alexandria (Palladas), explain the The tradition of martyrdom and the Biography.Please output in Italian.

305
Cristianesimo
Cristo
Gesù
Leggenda
Massenzio
Massimino Daia


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

San Giovanni a Patmos  e Storie della Passione  sono un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1489 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St. John the Evangelist on Patmos.Please output in Italian.


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Primavera

upright=1.3Le posizioni del Sole e della Nell'emisfero boreale la stagione ha inizio attorno al 20 marzo, in coincidenza dell'equinozio. Il termine indicativo è invece fissato al 21 giugno, prima che si verifichi il solstizio estivo. In senso meteorologico la stagione va dal 1º marzo al 31 maggio nella metà superiore del globo, e dal 1º settembre al 30 novembre nell'altro emisfero.

Prompt: Explain the Duration of this artwork, Primavera (Botticelli).Please output in Italian.

1º marzo
1º settembre
20 marzo
21 giugno
30 novembre
31 maggio
Sole


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La regina di Saba visita il re Salomone

Lo storico Frances Yates fa un paragone con la rappresentazione di Holbein del 1534 di Enrico VIII d'Inghilterra come Salomone. Lo storico dell'arte belga Alphonse-Jules Wauters ha dichiarato: "Se dovessimo giudicare questo artista solo dalla sua pittura a San Bavone, Salomone e la regina di Saba , dovremmo formare solo un'idea indifferente del suo talento".Dal 23 marzo 2018, l'opera è stata esposta per tre mesi alla mostra Call for Justice al Museum Hof van Busleyden.Un po' più tardi,  famiglia di Enrico VIII: un'allegoria della successione Tudor è attribuita a Lucas de Heere, che si era trasferito in Inghilterra, in base alla somiglianza nel posizionamento delle figure e alla miscela di allegoria con persone storiche.

Prompt: How does The Queen of Sheba visits King Solomon explain its Criticize?Please output in Italian.

Enrico VIII d'Inghilterra
Lucas de Heere
Salomone


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San Michele sconfigge Satana

L'opera venne commissionata nel 1517 da Lorenzo duca d'Urbino, tramite suo zio Leone X, per omaggiare l'alleato Francesco I di Francia. Fu inviata in Francia, assieme alla Sacra Famiglia, nel giugno 1518. È detta anche il Gran san Michele per distinguerla dalla tavola di analogo soggetto, anch'essa conservata al Louvre, ma di dimensioni ben più ridotte , databile al 1505 circa.  scelta del santo era legata all'Ordine di San Michele, di cui il re era Gran maestro, e l'atteggiamento battagliero alludeva alla crociata contro i Turchi che il papa tentò vanamente di organizzare.Venne restaurata più volte, dal Primaticcio, nel 1537-1540, e in seguito dal Guélin, nel 1685: tali interventi, uniti al trasporto su tela nel 1737 , hanno compromesso la superficie pittorica. Il maestro dipinse alcune parti soltanto, oltre a ideare la composizione, avvalendosi probabilmente dell'aiuto di Giulio Romano. Dell'opera esistono numerose copie antiche, a testimonianza della sua celebrità.San Michele è ritratto a piena figura, mentre incede eroico sopra il demonio schiacciandolo col piede e preparandosi a colpirlo con la lancia appuntita. I drappi svolazzanti amplificano il senso di movimento, che riecheggia esempi michelangioleschi. Satana, che regge il forcone, è rappresentato in un efficace scorcio, tra rocce in cui si vedono fiamme, quali accessi agli Inferi. Ha corna che gli spuntano dai capelli crespi e ali di uccellaccio, ben diverse da quelle col piumaggio iridescente del santo. L'orchestrazione dei colori è magistrale, così come l'uso espressivo ed incidente della luce, che faranno scuola per i classicisti del XVII secolo.

Prompt: How does Saint Michael Vanquishing Satan explain its History and description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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L'incantatore di serpenti

Il dipinto raffigura un ragazzo nudo in piedi su un piccolo tappeto al centro di una stanza con pareti piastrellate di blu, di fronte allo spettatore, con in mano un pitone che si avvolge intorno alla vita e sopra la spalla, mentre un uomo più anziano siede alla sua destra a suonare un flauto. Allo spettacolo assiste un gruppo eterogeneo di uomini armati provenienti da una varietà di tribù islamiche, con abiti e armi diversi.sinistra Un altro dipinto di Gérôme intitolato L'incantatore di serpenti, data sconosciuta, Il saggio in catalogo di Sarah Lees esamina l'ambientazione come una fusione tra la Turchia ottomana e l'Egitto, e spiega anche la nudità del giovane incantatore di serpenti, non come un'esibizione erotica, ma "per ovviare alle accuse di frode" nella sua performance:<blockquote>L'Incantatore di serpenti … mette insieme elementi ampiamente disparati, persino incompatibili, per creare una scena a cui, come nel caso di gran parte della sua opera, l'artista non avrebbe potuto essere testimone. L'incantesimo del serpente non faceva parte della cultura ottomana, ma era praticato nell'antico Egitto e continuò ad apparire in quel paese durante il XIX secolo. Maxime Du Camp, ad esempio, descrisse di aver assistito allo spettacolo di un incantatore di serpenti al Cairo durante il suo viaggio del 1849-51 con Gustave Flaubert in termini paragonabili alla rappresentazione di Gérôme, inclusa la menzione del giovane maschio che si spogliava per ovviare alle accuse di frode. L'artista ha collocato questa esibizione, tuttavia, in uno spazio ibrido e fittizio che deriva da fonti identificabili turche, oltre che egiziane.Per quanto riguarda il serpente raffigurato, Richard G. Zweifel, un erpetologo dell'American Museum of Natural History, ha commentato che "il serpente assomiglia più a un boa constrictor sudamericano che a qualsiasi altra cosa", una possibilità che aggiungerebbe un altro livello di ibridità all'immagine. Gérôme potrebbe forse aver studiato un tale animale al Jardin des Plantes di Parigi.

Prompt: How does The Snake Charmer explain its Subject and setting?Please output in Italian.

American Museum of Natural History
Egitto
Gustave Flaubert
Incantatore di serpenti
Jardin des Plantes
Maxime Du Camp
XIX secolo


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Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: Describe the characteristics of the Survivors ghettos concentration camps in Children in the Holocaust's Historical research.Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient  Rome of the Religion explained?Please output in Italian.


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Ila e le ninfe

Il soggetto del rapimento  di Ila era un tema ricorrente tra i pittori britannici del XIX e del XX secolo. Altri quadri celebri sul medesimo episodio furono realizzati da William Etty nel 1833, da Henrietta Rae nel 1910 e dallo stesso Waterhouse nel 1893.

Prompt: Focus on Hylas and the Nymphs (painting) and explain the Answer..Please output in Italian.


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Trittico di Modena

Il trittico fu realizzato durante il suo primo soggiorno veneziano quando l'artista era giovane. Non si hanno notizie successive fino a che appartenne alla collezione, nel castello del Catajo, del nobile padovano Tommaso Obizzi che alla sua morte  donò agli Este i quali, successivamente, nel 1805 a loro volta fecero dono alla Galleria Estense. Lo storico Rodolfo Pallucchini, nel 1937 diede l'attribuzione ad El Greco mediante la firma sul retro del pannello centrale: "Χείρ Δομήνιχου", creato da mano di Domenico.

Prompt: Explain the History of this artwork, Modena Triptych.Please output in Italian.

1805
1937
El Greco
Este
Galleria Estense
Rodolfo Pallucchini
Tommaso Obizzi


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Ugolino e i suoi figli

L'opera è una rappresentazione fortemente espressiva di Ugolino della Gherardesca, personaggio del XIII secolo collocato da Dante nell'Antenora, seconda zona del nono cerchio, dove sono puniti i traditori della patria.  sua vicenda è trattata nel canto XXXIII dell'Inferno.Carpeaux mostra Ugolino nel momento in cui è tormentato dalla possibilità del cannibalismo.  composizione è rappresentativa del gusto romantico di enfatizzare gli stati fisici, psicologici ed emotivi: Ugolino, infatti, sembra assorto e guarda in lontananza; come se non fosse conscio della sua condizione, non pare considerare i quattro fanciulli che lo circondano e si avvinghiano attorno a sé. Il più giovane è raggomitolato ai suoi piedi, presumibilmente morto. Nell'Inferno, Ugolino è affranto per l'agonizzante morte dei suoi figli e nipoti, ma non è chiaro al lettore se si sia cibato delle loro carni, mentre nella scultura ciò sembra più evidente. Sebbene stia patendo la fame, il corpo di Ugolino risulta muscoloso, e lo stile dell'intero gruppo scultoreo risulta influenzato da quello del ocoonte.

Prompt: Focus on Ugolino and His Sons (Carpeaux) and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Santa Susanna (Duquesnoy)

Santa Susanna è una statua in marmo realizzata dallo scultore fiammingo François Duquesnoy.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint Susanna (Duquesnoy).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna della Quaglia

Madonna della Quaglia è la prima opera attribuita con una certa sicurezza a Pisanello, facendola risalire al 1420 circa. È una tempera ed oro su tavola  conservata nel Museo di Castelvecchio a Verona, da dove fu rubata la sera del 19 novembre 2015 per essere poi recuperata l'anno successivo.

Prompt: How does Madonna of the Quail explain its Abstract?Please output in Italian.

1420
2015
Museo di Castelvecchio
Pisa
Pisanello
Verona


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Ritratto di Andrea Odoni

Henry Kaap, Lorenzo Lotto malt Andrea Odoni: Kunstschaffen und Kunstsammeln zwischen Bildverehrung, Bildskepsis, Bildwitz, Berlino, Gebr. Mann Verlag, 2021, ISBN 978-3-7861-2865-6.

Prompt: How does Portrait of Andrea Odoni explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Self-portraitsset and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Apollo dell'Omphalos

scultura fu rinvenuta nel teatro di Dioniso, all'interno dell'Acropoli di Atene, nel 1862. Fu denominata Apollo dell'Omphalos poiché si riteneva poggiasse su una base a forma di onfalo. Non fu ritrovata intera, ma in numerosi frammenti, successivamente ricomposti; presenta, inoltre numerosi segni di danneggiamenti. Si ritiene possa essere stata scolpita da Calamide o da Onata di Egina. Fu anche ipotizzata l'attribuzione a Pitagora di Reggio, ma è stata ampiamente rigettata.

Prompt: In Apollo Omphalos (Athens), how is the History discussed?Please output in Italian.

Acropoli di Atene
Apollo
Atene
Calamide
Onata di Egina
Pitagora di Reggio


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Uno squalo morto non è arte, Nel 2003, con il titolo A Dead Shark Isn't Art , la Stuckism International Gallery ha esposto uno squalo che era stato esposto per la prima volta al pubblico due anni prima di quello di Hirst da Eddie Saunders nel suo negozio di Shoreditch , JD Electrical Supplies. Gli "stucchisti" hanno ipotizzato che Hirst potrebbe aver avuto l'idea per il suo lavoro dall'esposizione del negozio di Saunders.In un discorso alla Royal Academy nel 2004, il critico d'arte Robert Hughes ha usato The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living come un ottimo esempio di come il mercato dell'arte internazionale all'epoca fosse " un'oscenità culturale". Senza nominare l'opera d'arte o l'artista, ha affermato che i segni di pennello sul colletto di pizzo di un dipinto di Velázquez potrebbero essere più radicali di uno squalo "che si disintegra oscuramente nella sua vasca dall'altra parte del Tamigi".Il film britannico-ungherese del 2009 Lo schiaccianoci in 3D presenta una scena in cui uno squalo domestico viene fulminato in una vasca d'acqua, che il regista Andrei Konchalovsky cita come riferimento all'opera d'arte di Hirst. risposta di Hirst a coloro che dicevano che chiunque avrebbe potuto realizzare quest'opera d'arte è stata: "But you didn't, did you?" .

Prompt: How does The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living explain its Reactions references?Please output in Italian.


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Peine del viento

Inizialmente doveva essere un'unica scultura a essere posizionata su un'enorme roccia , ma successivamente Chillida decise che sarebbero state tre. Il motivo per cui l'artista decise che non doveva essere solo una l'opera incastonata nella roccia, fu a causa del suo totale rispetto per quel luogo che fino dall'infanzia era stato un rifugio dove ritrovare la pace interiore. Secondo lui dovevano essere tre le sculture in modo che l'osservatore non si concentrasse solo su un'unica opera rifiutando l'intorno; lo spazio che si sarebbe creato tra le tre sculture sarebbe stato più importante delle sculture stesse. L'elemento principale quindi non erano le sculture ma il mare, le onde, le rocce, il vento e l'atmosfera che ognuno di noi si crea in quel luogo.Non ci sono rumori di auto, clacson o confusione: gli unici due rumori che si possono percepire sono quello dell'infrangersi delle onde sulle rocce e l'altro è il soffio del vento provocato da sette fori nel suolo della piazza che simbolicamente rappresentano le sette province basche.Dopo la costruzione della piazzetta per mano dell'architetto Luis Peña Ganchegui, si passo alla fase dell'installazione dell'opera scultorea, previo il riconoscimento del terreno, della costruzione dei piani regolatori, dei plastici, dei documenti burocratici e prototipi delle sculture. Si rafforzarono le rocce per sopportare il peso di 10 tonnellate di ogni scultura e si fecero i fori per incassarle nella roccia. soluzione decisiva che si adottò per collocare le tre sculture dopo vari tentativi fu quella di posizionare una passerella capace di sopportare il peso delle sculture, delle maree e delle costanti onde. Con questa tecnica furono installate tutte e tre le sculture.Per mancanza di tecnologie adatte le tre opere vennero create ognuna con due pezzi di acciaio arricciati e legati tra loro per creare l'immagine che oggi possiamo vedere.  Ma esiste una curiosità a riguardo del punto di giuntura dei due pezzi: ogni singolo individuo che prese parte al progetto scrisse il proprio nome all'interno della giuntura perché ogni singola persona che prese parte al progetto, influenzò e aiutò Eduardo Chillida nella costruzione delle tre sculture, che non potremmo mai avere immaginato che si realizzarono direttamente sul posto.Al termine dei lavori non ci fu un vero e proprio evento di inaugurazione, ma il sindaco Fernando Otazu e l'ufficiale maggiore del comune di San Sebastián Federico Lários presero parte all'avvenimento. In totale erano solo 9 i partecipanti al piccolo evento che avvenne il 3 settembre del 1977. Inizialmente l'opera non fu apprezzata dai concittadini di Chillida; preferivano un parcheggio per andare al mare o in caffetteria a un'opera d'arte moderna.”Non è propriamente una politica contro di me ma ho l'impressione che forse sia dovuto solo al fatto che le mie opere non siano ampiamente conosciute”. Chillida evitò oltretutto di dedicare l'opera: per lui il Peine del Viento era un'opera dedicata al mare, alle onde e al vento. Semplicemente si rimosse il cantiere ma le persone cominciarono a passeggiare fino a là in fondo alla baia, ad amare quelle sculture e sentendosi parte del progetto che divenne da quel momento l'emblema della città di San Sebastián.Solo il 16 settembre del 2007, anno del trentesimo anniversario della collocazione delle sculture, si celebrò l'ufficiale atto inaugurale per volontà dei figli di Chillida in memoria del padre, dedicandogli completamente il progetto.

Prompt: How does The Comb of the Wind explain its Construction work?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Milan, 1460–1465).Please output in Italian.


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Monumento a Giordano Bruno

scultura bronzea ha un'impostazione solo apparentemente statica: il piede destro, infatti, è spostato in avanti imprimendo vita e movimento all'intero corpo statuario.  composizione del monumento è carica di significati simbolici. Tra questi è emblematica la posizione, che corrisponde al luogo in cui Bruno fu arso sul rogo. È da quel punto che la statua volge lo sguardo severo e austero in direzione del Vaticano, il suo accusatore. Le mani sono incrociate sul grande libro, come se una catena ne legasse i polsi e rendesse impossibile aprirlo. Il cappuccio del mantello, poi, mette in ombra il viso conferendogli un'aura di mistero.

Prompt: In the context of Monument to Giordano Bruno, explain the Statue and the Description.Please output in Italian.


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Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Portugal and the Artistic theme.Please output in Italian.


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Crocifissione simbolica

Crocifissione simbolica è un dipinto a tempera su tela  di Sandro Botticelli, databile al 1502 circa e conservato nel Fogg Art Museum dell'Università di Harvard a Cambridge .

Prompt: Focus on Mystic Crucifixion and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: Describe the characteristics of the Copy of the work in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Mietitura

Trebbiatura Mietitrebbiatrice Mietilegatrice Falcetto

Prompt: In The Harvesters (painting), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Falcetto Mietilegatrice Mietitrebbiatrice Trebbiatura


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Ritratto di Lorenzo Cybo

Il militare è ritratto con la figura eretta tagliata alle gambe, presso un paggio che gli regge la spada, sulla cui elsa egli poggia la destra, mentre la sinistra è sulla fiasca da militare legata alla cintura. Indossa un elegante abito decorato da tagli, secondo la moda più esuberante del tempo, rosso sopra la camicia bianca bordata d'oro e con una casacca nera senza maniche. Indossa un cappello vermiglio con piuma e tagli lungo la tesa, uguale a quello del ritratto di Galeazzo Sanvitale.  barba è lunga, i capelli corti e crepi, lo sguardo intenso e diretto verso lo spettatore. Davanti a lui, su un parapetto, il paggio regge i guanti e un vassoio su cui si trovano due medaglie bronzee e un dado, forse allusione al "gioco del destino" e ai suoi interessi in campo artistico. Dietro si trova una balaustra oltre la quale un pergolato è invaso da un fittissimo fogliame. Stilisticamente l'opera è vicina al Ritratto di Galeazzo Sanvitale e al San Vitale a cavallo della chiesa di San Giovanni Evangelista a Parma, e vi si registrano influenze varie, come quella del Pordenone nella figura del paggio. Tale vicinanza con opere immediatamente precedenti al soggiorno romano ne fanno forse la prima opera ad essere stata dipinta a Roma, prima che i lavori di Michelangelo e Raffaello innescassero un nuovo influsso.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Lorenzo Cybo.Please output in Italian.


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Madonna del Rosario

Madonna del Rosario è una delle tradizionali e più celebri e importanti raffigurazioni nelle quali la Chiesa cattolica venera Maria: la Vergine è rappresentata con una veste azzurra e una corona del Rosario tra le mani. Si tratta di una rappresentazione particolarmente frequente nella devozione dopo la Controriforma, la cui iconografia è ripresa da quella, più antica, della Madonna della cintola.  Chiesa cattolica celebra la festa della Madonna del Rosario il 7 ottobre di ogni anno.

Prompt: In Madonna of the Rosary (Caravaggio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

7 ottobre
Chiesa cattolica
Controriforma
Rosario


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.