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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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William Tecumseh Sherman

Il generale Sherman nel 1864 in una foto di Per tutti i mesi di settembre e ottobre Sherman tentò di attaccare sia nella Georgia del nord che in Alabama le forze di John Bell Hood, il quale però cercò sempre di evitare in tutti i modi lo scontro, mentre nel contempo arrivò a minacciare seriamente le linee di comunicazioni unioniste verso Nord.Alla fine il generale ottenne dai suoi superiori l'approvazione di un piano per cui si sarebbe staccato dalle sue linee di rifornimento e avrebbe iniziato a marciare verso Sud; questo dopo aver informato Grant che avrebbe potuto "far gridare di dolore la Georgia". Ciò contribuì ad aumentare la minaccia di un trasferimento in massa delle truppe sudiste di Hood in direzione del Tennessee. Minimizzando questa minaccia, Sherman avrebbe detto che sarebbe riuscito a "dare anche a [Hood] le sue razioni" se solo si fosse azzardato ad andare in quella direzione: "i miei interessi principali ora sono al sud"; lasciò le forze di George H. Thomas e John Schofield ad occuparsi dell'avversario; queste sbaragliarono l'esercito nemico prima nella battaglia di Franklin  e poi anche nella battaglia di Nashville .Nel frattempo, dopo le elezioni di novembre, iniziò la marcia con  uomini al seguito con l'obiettivo di raggiungere il porto di Savannah, vivendo in larga parte di quello che la terra offriva al loro passaggio e causando, secondo la sua stessa stima, oltre 100 milioni di dollari in danni alle proprietà.Le devastazioni furono spiegate come una nuova tattica messa a punto dallo stesso Sherman per demoralizzare il nemico e ridurre la sua capacità combattiva. Alla fine di questa campagna, conosciuta come la Marcia verso il mare di Sherman, le sue truppe conquistarono Savannah il 21 dicembre 1864; il generale quindi inviò un famoso messaggio a Lincoln, offrendogli la città come fosse un dono di Natale.Il successo conseguito ricevette un'ampia copertura sulla stampa nordista in un momento in cui Grant sembrava fare ben pochi progressi nella sua lotta contro l'Armata Confederata della Virginia Settentrionale di Robert Edward Lee. Al Congresso venne presentato un disegno di legge per promuovere Sherman al grado militare di tenente generale, probabilmente con l'intenzione di sostituirlo a Grant come comandante dell'Union Army.Sherman scrisse sia al collega che a suo fratello, il senatore John Sherman, respingendo con veemenza qualsiasi promozione del genere. Secondo un resoconto del tempo fu intorno a quell'epoca che il generale fece la sua memorabile dichiarazione di lealtà a Grant: "egli è un grande generale. Lo conosco molto bene. Era vicino a me quando ero pazzo e stavo vicino a lui quando era ubriaco; e ora, signore, ci sosteniamo sempre".Mentre si trovava a Savannah apprese da un giornale che il proprio figlioletto di pochi mesi Charles Celestine era morto proprio mentre lui si trovava in marcia; non aveva ancora mai avuto l'occasione di vederlo.

Prompt: Describe the characteristics of the March towards the sea in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Youth.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Allegra coppia

L'Allegra coppia  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1636 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nella Gemäldegalerie Alte Meister facente parte della Staatliche Kunstsammlungen Dresden.L'opera è firmata REMBRANDT F.Si suppone che i personaggi rappresentati siano lo stesso Rembrandt assieme alla moglie Saskia, per un riferimento a un quadro simile citato in un testamento del 1677. Tuttavia, soprattutto in ambito Protestante, il tema del figliol prodigo era molto citato, per la morale di redenzione cui sottintende: qui si può riconoscere il momento della vicenda in cui il giovane dilapida il patrimonio paterno. A questa iconografia, si legano alcuni disegni dell'autore, con i quali si nota una certa corrispondenza al quadro: le radiografie eseguite sembrano confermare questa conformità. tela venne tagliata lungo il lato sinistro, forse anche dall'artista stesso, come era già successo negli anni '30, per eliminare alcuni personaggi secondari e accentrare l'attenzione solo sulla coppia.

Prompt: How does The Prodigal Son in the Brothel explain its Abstract?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Con l'ascesa al potere di Hitler, le leggi razziali e soprattutto dopo le violenze della notte dei cristalli , molte famiglie di ebrei decisero di emigrare dai territori del Terzo Reich. Le opzioni tuttavia erano limitate, dovute alle ferree leggi e quote che regolavano i flussi migratori. Molti cercarono rifugio in paesi limitrofi, come la Polonia, i Paesi Bassi, il Belgio, la Francia, l'Italia, soltanto per trovarsi poi nuovamente sotto il regime nazista nel corso della seconda guerra mondiale. Le mete più ambite e sicure ma anche quelle più difficili da ottenere restavano l'Inghilterra, gli Stati Uniti e la Palestina, ma all'occasione ci si trasferì anche in Sud America, Africa o in Cina. Quando alla fine del 1938 la situazione ormai apparve disperata, le famiglie si risolsero anche a far partire i loro figli da soli, pur di garantire loro un futuro.Fin dal 1933 l'organizzazione sionistica Youth Aliya, fondata e diretta da Recha Freier, si prodigò per far emigrare bambini ebrei dalla Germania. Furono 5.012 i bambini  che giunsero in Palestina prima della guerra. Gruppi numerosi di bambini non accompagnati giunsero anche in Francia, Belgio e Olanda, dove furono ospitati in istituti, orfanotrofi o presso famiglia affidatarie. Anche gli Stati Uniti accolsero nel maggio 1939 un gruppo di 50 bambini ebrei austriaci, grazie all'iniziativa dei coniugi Gilbert e Eleanor Kraus.Tra i 963 profughi ebrei che nell'estate del 1939 lasciarono il porto di Amburgo a bordo della St. Louis con la speranza di sbarcare a Cuba  c'erano anche circa 150 bambini o adolescenti con le loro famiglie. Se anche nessuno di loro dovette rientrare in Germania, solo per i 5 che sbarcarono a Cuba, i 39 che furono accolti in Inghilterra e i pochi altri che riuscirono a seguirli nei mesi successivi ciò significò la fine immediata delle persecuzioni.  maggior parte di quanti furono accolti in Belgio , Olanda  e Francia  si ritrovarono da lì a poco sotto occupazione nazista: alcuni riusciranno a mettersi in salvo in Spagna o Svizzera, per gli altri furono anni difficili trascorsi in clandestinità, spesso separati dai loro stessi genitori, 32 di loro periranno , undici sopravviveranno all'arresto e alle deportazioni.Il flusso dei rifugiati non si interruppe del tutto neppure durante la guerra. 9.342 bambini ebrei giunsero in Palestina tra il 1939 e il 1945. Tra di essi vi furono anche i cosiddetti bambini di Teheran, un gruppo di 861 bambini ebrei polacchi rimasti orfani, i quali rifugiatisi in Unione Sovietica furono radunati nel 1942 in un orfanotrofio a Teheran in Iran per giungere quindi l'anno successivo in Palestina. Oltre che in Unione Sovietica, molti rifugiati ebrei si diressero verso i paesi neutrali: Svezia, Svizzera e Spagna.In Svezia giunsero migliaia di bambini ebrei provenienti dalla Norvegia ma soprattutto dalla Danimarca, quando nell'ottobre 1943 la quasi totalità degli 8000 ebrei danesi vi furono segretamente trasferiti per sfuggire alle deportazioni. In Svezia essi poterono vivere con i loro familiari e con loro tornare in patria alla fine del conflitto.Anche la Svizzera fu luogo di rifugio per migliaia di bambini ebrei che vi giunsero legalmente o clandestinamente con le loro famiglie dai paesi confinanti. Nonostante le molte restrizioni  furono 21.000 gli ebrei accolti nel territorio elvetico durante la guerra. In Svizzera giunsero anche tre trasporti di ebrei, sottratti ai campi di concentramento per speciali accordi con le autorità naziste, sostanzialmente in cambio di denaro. I circa 1.670 ebrei ungheresi del treno di Kastner arrivarono in Svizzera dal campo di concentramento di Bergen-Belsen in due gruppi, uno nell'agosto e uno nel dicembre 1944 . Un terzo treno portò in Svizzera il 5 febbraio 1945 un gruppo di 1.210 ebrei proveniente dal campo di concentramento di Theresienstadt .Nonostante le moltissime restrizioni, migliaia di ebrei attraversarono il confine francese con la Spagna e vi trovarono rifugio o temporanea accoglienza verso altri paesi. I rifugiati ebrei  furono 20/30.000 nei primi anni di guerra, quando la Francia fu occupata dai nazisti, cui ne seguirono altri 7.500 tra l'estate del 1942 e l'autunno del 1944. Per alcune centinaia di bambini ebrei tedeschi e austriaci profughi in Francia e affidati alle cure dello "U.S. Committee for the Care of European Children", la Spagna fu paese di passaggio per il Portogallo, da dove nell'estate del 1941 essi poterono imbarcarsi per gli Stati Uniti.

Prompt: Explain the Refugees about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Belgio
Cina
Francia
Germania
Gilbert e Eleanor Kraus
Italia
Paesi Bassi


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: Explain the Composition about the History of this artwork, Immaculate Conception (Zurbarán).Please output in Italian.


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Danae

immagine = Frederick Sandys - Danae in the Brazen Chamber.jpgdidascalia = Danae  di Anthony Frederick Augustus Sandys.epiteto = sesso = femminaluogo di nascita = Argoprima apparizione = professione = principessa di Argo}}Danae  è un personaggio della mitologia greca. Fu una principessa di Argo e la fondatrice della città di Ardea.A lei è dedicato il nome dell'asteroide 61 Danaë.

Prompt: In Danaë (Klimt), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: Explain the Malta about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


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Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

Milena Magnano, Leonardo, collana I Geni dell'arte, Mondadori Arte, Milano 2007, pag. 112. ISBN 978-88-370-6432-7

Prompt: Focus on The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Isabella

Si tratta di una forma di Elisabetta, affermando anche che l'avvicinamento a Elisabetta sarebbe frutto di una paretimologia dovuta al suono simile.Il nome è entrato in uso sin dal 1600 anche per indicare una particolare tonalità di giallo grigiastro tipica del piumaggio di alcuni uccelli o del mantello di certe razze equine, ma l'Isabella che le ha dato il nome non è stata identificata; secondo una tradizione sarebbe stata una regina spagnola che avrebbe fatto voto di non cambiarsi l'abito bianco fino a che il marito non fosse riuscito a conquistare la città di Ostenda.

Prompt: How does Isabella (Millais painting) explain its Origin diffusion?Please output in Italian.


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Ragazzo che soffia su un tizzone acceso

J. Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza , Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-95503-44-1 M. Scholz-Hanzsel, El Greco, Colonia, Taschen . ISBN 978-3-8228-3173-1

Prompt: How does El Soplón explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Madonna Sistina è il dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1513-1514 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.Il dipinto è considerato unanimemente uno dei massimi capolavori dell'arte occidentale per numerose ragioni, prime fra tutte la complessità concettuale e simbolica nascosta dietro l'apparente semplicità dell'immagine e l'unione armonica fra l'ideale di bellezza greco-romana e il sentimento religioso cristiano.I numerosi spostamenti subiti dall'opera fra Italia, Germania e Russia, testimoniano inoltre vari importanti eventi sociali e politici della storia dell'Europa, in particolare durante il XX secolo.Infine, il dipinto è considerato cruciale per l'evoluzione dei legami fra arte, commercio e industria.  sua alienazione dalla sede sacra per cui era stato realizzato  e il trasporto nella galleria profana di Augusto III di Polonia ha infatti suscitato negli intellettuali del XVIII secolo una profonda riflessione sulla mutazione della funzione dell'opera, passata da immagine devozionale a manufatto estetico, generando di fatto la discrepanza che ha portato alla nascita dei concetti distinti, e fino a quel momento inesistenti, di "artigianato"  e "belle arti" . Madonna Sistina è una delle due sole Madonne di Raffaello in cui Maria guarda direttamente negli occhi lo spettatore insieme alla successiva Madonna della seggiola.

Prompt: Focus on Sistine Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.

1513
1514
Augusto III di Polonia
Dresda
Germania
Italia
Madonne di Raffaello
Russia
XVIII secolo
XVIII secolo
XX secolo


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: How does Self-Portrait (Bril) explain its TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset.?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Bambini dell'Olocausto

L'interesse sui bambini italiani dell'Olocausto all'inizio si concentrò quasi esclusivamente sui deportati ad Auschwitz e sui pochi sopravvissuti. Già nell'aprile 1945 Luigi Ferri testimoniò  davanti ad una Commissione d'inchiesta sui crimini nazisti a Cracovia. In Italia la prima a far sentire la sua voce fu Arianna Szörényi con un articolo comparso sullUnità dell'11 marzo 1976, in occasione del processo per i crimini alla Risiera di San Sabba. Numerosi furono poi coloro che da anziani fecero da testimoni nelle scuole e nei mezzi di informazione . Tra le vittime il caso che ha ricevuto maggior attenzione è quello di Sergio De Simone, morto ad Amburgo dopo essere stato usato con altri 19 bambini di varia nazionalità come cavia per esperimenti sulla tubercolosi. Talora essi erano parte di gruppi organizzati di profughi, come coloro che nel maggio 1940 da Trieste si erano recati a Bengasi nella speranza di un passaggio per la Palestina o i passeggeri della nave Pentcho partita da Bratislava e naufragata vicino a Rodi nell'ottobre 1940. Non tutti i bambini rifugiati arrivarono in Italia accompagnati da familiari, molti vi giunsero ormai orfani, come i bambini di Nonantola sfuggiti agli eccidi nei Balcani nel 1942. Dopo l'8 settembre 1943 tutti i bambini ebrei che si trovarono nei territori sotto occupazione tedesca per evitare le deportazioni dovettero vivere in clandestinità o affrontare la fuga in Svizzera, spesso separati dalle loro famiglie. Alcuni furono vittime di eccidi come l'Olocausto del go Maggiore o l'eccidio delle Fosse Ardeatine. Oltre ai deportati ad Auschwitz, molti furono i bambini di origine italo-libica che furono trasferiti a Bergen-Belsen. Tutti gli ebrei italiani che furono bambini in quegli anni e sopravvissero alla guerra sono in una forma o nell'altra superstiti dell'Olocausto.Tra le prime persone che nelle loro memorie attirarono l'attenzione sulla loro esperienza di bambini sopravvissuti alla Shoah italiana ci sono Emanuele Pacifici, Lia Levi, Aldo Zargani, e altri. Nel 2013 lo storico Bruno Maida pubblicò uno studio generale sulla Shoah dei bambini in Italia, che per la prima volta analizzò il fenomeno nella sua globalità.Dopo l'8 settembre 1943, l'Olocausto in Italia non interessò soltanto i bambini ebrei ma anche un largo numero di bambini non ebrei perseguitati per motivi politici in quanto direttamente o indirettamente coinvolti nella lotta di liberazione. Molti bambini e adolescenti - tra cui anche ebrei - si unirono giovanissimi alle formazioni partigiane o ai movimenti clandestini di resistenza. Alcuni di loro caddero in azioni di combattimento: Gennaro Capuozzo e Filippo Illuminato durante le Quattro giornate di Napoli; Ugo Forno a Roma; Franco Cesana e Luciano Domenico nel Nord-Italia. Altri pagarono il loro impegno con la vita o la deportazione: Duilio Cibei, vittima a 15 anni dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine a Roma; Franco Centro, Beniamino Cobianchi, e Roberto Di Ferro, fucilati; Marcello Martini e Franco Cetrelli, deportati al campo di concentramento di Mauthausen. Oltre 1.500 bambini furono vittime di stragi e rappresaglie: 130 nell'eccidio di Sant'Anna di Stazzema, più di 200 nella strage di Marzabotto, gli altri nei numerosi eccidi cosiddetti "minori". Bambini furono anche molti dei pochi testimoni diretti di quelle stragi, come Leopolda Bartolucci a Sant'Anna di Stazzema.Se i bambini italiani superstiti dell'Olocausto poterono generalmente trovare una famiglia, parenti o amici che li accogliessero, nell'immediato dopoguerra l'Italia divenne un importante luogo di transito per centinaia di bambini ebrei rimasti orfani e completamente soli, che dai paesi dell'Est europeo cercavano di raggiungere la Palestina. Le organizzazioni ebraiche istituirono delle colonie, dove essi potessero essere raccolti e preparati per l'emigrazione. Il nucleo più importante fu quello degli 800 bambini di Selvino radunati dalla Brigata ebraica nell'ex-colonia di Sciesopoli a Selvino nel bergamasco.

Prompt: Focus on Children in the Holocaust and explain the The Holocaust in Italy.Please output in Italian.

Aldo Zargani
Arianna Szörényi
Beniamino Cobianchi
Cracovia
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Emanuele Pacifici
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
Gennaro Capuozzo
Italia
Leopolda Bartolucci
Lia Levi
Luciano Domenico
Olocausto
Olocausto in Italia


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Dama con l'ermellino

L'opera è uno dei dipinti più belli di sempre di Leonardo Da Vinci, simbolo dello straordinario livello artistico raggiunto da lui durante il suo primo soggiorno milanese, tra il 1482 e il 1499. L'opera, della quale si ignorano le circostanze della commissione, viene di solito datata a poco dopo il 1488, quando Ludovico il Moro ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell'Ordine dell'Ermellino dal re di Napoli Ferdinando I di Aragona.L'identificazione con la giovane amante del Moro Cecilia Gallerani si basa sul sottile rimando che rappresenterebbe, ancora una volta, l'animale: l'ermellino infatti, oltre che simbolo di purezza e di incorruttibilità , si chiama in greco galḗ , che alluderebbe al cognome della fanciulla. scritta apocrifa nell'angolo in alto a sinistra  ha anche fatto ipotizzare che l'opera raffiguri Madame Ferron, amante di Francesco I di Francia, ipotesi oggi superata.Esiste un'interpretazione secondo cui l'opera sarebbe una memoria della congiura contro Galeazzo Maria Sforza: la donna effigiata sarebbe sua figlia Caterina Sforza, con la collana di perle nere al collo della dama che alludono al lutto, e l'ermellino un richiamo allo stemma araldico di Giovanni Andrea mpugnani, sicario e uccisore nel 1476 dello Sforza.Il dipinto, col Ritratto di musico e la cosiddetta Belle Ferronnière del Louvre, rinnovò profondamente l'ambiente artistico milanese, segnando nuovi vertici nella tradizione ritrattistica locale. Dell'opera si sa che ebbe subito un notevole successo. Immortalato da un sonetto di Bernardo Bellincioni , venne mostrata dalla stessa Cecilia alla marchesa di Mantova Isabella d'Este che cercò di farsi ritrarre a sua volta da Leonardo, pur senza successo .Le tracce del dipinto nei secoli successivi sono più confuse. Dimenticata l'attribuzione a Leonardo, l'opera venne riassegnata al maestro solo alla fine del XVIII secolo. Durante la seconda guerra mondiale venne nascosto nei sotterranei del castello del Wawel, dove fu trovato dai nazisti che avevano invaso la Polonia; quando fu ritrovato recava nell'angolo inferiore destro l'impronta di un tallone, cui pose rimedio un intervento di restauro.

Prompt: Focus on Lady with an Ermine and explain the History.Please output in Italian.

1476
1482
1488
1499
Belle Ferronnière
Bernardo Bellincioni
Caterina Sforza
Cecilia Gallerani
Francesco I di Francia
Galeazzo Maria Sforza
Isabella d'Este
Ludovico il Moro
Polonia
Ritratto di musico
XVIII secolo


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Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria (Lotto Bergamo)

Poco prima di lasciare Bergamo per Trescore, il 22 giugno 1523 Lotto saldò il conto col proprietario dell'abitazione in cui aveva vissuto, lasciandogli il presente dipinto come pagamento per un anno di affitto. Stimato da altri pittori, venne prezzato una cifra superiore all'importo dovuto, per cui il padrone di casa, Niccolò Bonghi, dovette lasciare un conguaglio in denaro all'artista. L'opera, nonostante le dimensioni "da altare", era destinata alla devozione privata nel palazzo familiare. Dorotea Bonghi, nel 1528, preoccupata di possibili saccheggi delle truppe francesi che minacciavano Bergamo, decise di trasferire il dipinto  nella chiesa di San Michele al Pozzo Bianco, che riteneva più sicura in quanto luogo consacrato.  precauzione non fu però sufficiente, infatti un mercenario tagliò via il paesaggio che si vedeva da una finestra, raffigurante, secondo le testimonianze, una veduta ideale del monte Sinai.Il Lotto dipinse una precedente quadro raffigurante  il matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessadria ora conservato all'Alte Pinakothek di Monaco datato 1506, dove viene raffigurata la ruota, attributo iconografico della santa d'Alessandria, probabilmente eseguito nel periodi in cui il pittore si trovava a Recanati.

Prompt: In Mystical Marriage of St Catherine of Alexandria with Niccoló Bonghi, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di donna Franca Florio

tela, esposta alla Biennale di Venezia nel 1903, fu dunque portata a compimento solo nel 1924: in quell'anno, tuttavia, il casato dei Florio stava soffrendo un atroce tracollo economico ed era perciò impossibilitata all'acquisto. Boldini, pertanto, si ritrovò costretto a vendere la tela nel 1927-28 al Barone Rothschild, che la porto con sé in America. L'opera fu dunque rimessa in vendita da Christie's dai discendenti di Rothschild il 1º novembre 1995, per poi ricomparire sulle aste il 25 ottobre 2005, quando fu battuta da Sotheby's a New York e acquistata per la bella cifra di ottocentomila euro dalla Società Acqua Marcia di Francesco Bellavista Caltagirone, titolare di diversi alberghi di lusso in Sicilia. Fu in questo modo che il Ritratto di donna Franca Florio — anche se precluso al pubblico — ritornò a Palermo, essendo esposto in una sala del Grand Hotel Villa Igea, antica residenza dei Florio.Nel 2017 il Ritratto di donna Franca Florio venne stato nuovamente messo all'asta, nell'ambito delle procedure di liquidazione degli arredi artistici e antiquariali degli alberghi della società di Caltagirone, fallita in quell'anno. Furono promosse numerose campagne di sensibilizzazione e crowdfunding, promosse anche da personalità come Nello Musumeci e Vittorio Sgarbi, per acquistare il Ritratto di donna Franca Florio e ricondurlo a Palermo, evitando che l'opera finisse in una collezione privata.Il 30 aprile l'offerta vincente di 1.133.000 euro fu effettuata dai marchesi Marida e Annibale Berlingieri e la tela è stata così esposta presso Palazzo Mazzarino, a Palermo.

Prompt: Describe the characteristics of the Collecting path in Portrait of Donna Franca Florio's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1903
1924
America
Christie's
Florio
Franca Florio
Francesco Bellavista Caltagirone
Nello Musumeci
New York
Palazzo Mazzarino
Palermo
Sotheby's
Venezia
Vittorio Sgarbi


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (Mantegna), how is the Historicity theological significance of the Luca's story explained?Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Lotto) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Vocazione di san Matteo

Vocazione di san Matteo è un dipinto realizzato tra il 1599 ed il 1600 dal pittore italiano Michelangelo Merisi detto Caravaggio, ispirato all'episodio raccontato in . Si trova nella Cappella Contarelli, nella chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Calling of Saint Matthew.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: Explain the Caroline's campaign about the Service  civil  war of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.


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Sansone e un filisteo

Sansone che uccide un filisteo è un gruppo scultoreo in marmo realizzato da Giambologna, scultore fiammingo particolarmente attivo nella Firenze medicea. È l'unica tra le opere principali dell'artista ad aver lasciato l'Italia. Fu commissionata nel 1562 da Francesco I de' Medici, originariamente come parte di una fontana ubicata presso il Casino di San Marco a Firenze. Fu successivamente trasferita in Spagna come dono e posizionata al Palacio de la Ribera di Valladolid. Il gruppo fu poi presentato nel 1623 al principe di Galles, divenuto poi Carlo I d'Inghilterra, che si trovava in Spagna per negoziare un contratto di matrimonio. : appena vi fu trasferita, fu consegnata al prediletto del re, il duca di Buckingham, e in seguito cambiò proprietario per altre tre volte fino ad entrare a far parte delle collezioni del Victoria and Albert Museum nel 1954.

Prompt: In Samson Slaying a Philistine, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Carlo I d'Inghilterra
Firenze
Francesco I de' Medici
Giambologna
Italia
Medici
Palacio de la Ribera
Sansone
Spagna
Valladolid
Victoria and Albert Museum


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (Rubens), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna del Latte

Madonna del tte , in latino Maria lactans o Virgo ctans, è un'iconografia cristiana ricorrente in arte, talora accompagnato dall'espressione monstra te esse matrem. Questa iconografia è presente anche in ambito ortodosso con la definizione greca Παναγία Γαλακτοτροφοῦσα . Nel rito romano la festa liturgica della Madonna del tte non ha una data precisa ma spesso coincide con altre feste mariane  o cade nei mesi mariani per eccellenza .

Prompt: How does Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Mano con sfera riflettente

Mano con sfera riflettente, nota anche come Autoritratto nello specchio sferico, è una litografia dell'artista olandese M.C. Escher, stampata per la prima volta nel gennaio 1935.

Prompt: In Hand with Reflecting Sphere, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La marchesa di Santa Cruz

Francisco GoyaMaja vestidaMaja desnudaNeoclassicismo

Prompt: How does Portrait of the Marchioness of Santa Cruz explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Maja desnuda
Maja vestida
Neoclassicismo


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema , Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi . Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann  parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

Prompt: How does The Blind Leading the Blind explain its Heritage?Please output in Italian.

1562
1600
1616
Charles Baudelaire
Claude-Henri Rocquet
David Vinckboons
Gert Hofmann
Hieronymus Wierix
Jacob Savery
Josef Weinheber
Maurice Maeterlinck
Pieter Brueghel il Giovane
William Carlos Williams


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Madonna di Crevole

Sulla base di una serie di indizi Vittorio Lusini afferma che la tavola fu probabilmente realizzata per la chiesa dei Santi Pietro e Paolo di Montepescini per poi passare all'eremo agostiniano di Montespecchio. Con la soppressione dell'eremo e il trasferimento dei monaci nel XVII secolo, la tavola fu trasportata presso la pieve di Santa Cecilia a Crevole, dove si trasferirono anche gli stessi monaci di Montespecchio. In tempi recenti fu trasferita al Museo dell'Opera metropolitana del Duomo di Siena in cui si trova ancora oggi. Fu restaurata nel 1929-1930. Lo stato di conservazione è più che soddisfacente.L'opera non è firmata dall'artista, né esistono documenti scritti che aiutano nell'attribuzione. Tuttavia gli esperti la attribuiscono, senza pareri discordi, al giovane Duccio.Per quanto riguarda gli elementi che hanno portato alla sua datazione, la tavola non contiene nessuna delle novità gotiche riscontrabili nella Madonna Rucellai , ma il volto della Madonna e del Bambino sono già caratterizzati da una dolcezza e raffinatezza figurativa che sono ancora assenti nella primissima opera di Duccio, ovvero la Madonna Gualino .  datazione più corretta sembra quindi essere agli anni intorno al 1283-1284.

Prompt: In Crevole Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Con Gustave Caillebotte la zattera di luce impressionista, dopo aver navigato per anni attraverso le verdeggianti campagne dell'Île-de-France, si è pienamente immersa nella realtà urbana della grande Parigi. I contenuti di Strada di Parigi in un giorno di pioggia sono icasticamente riassunti dal titolo stesso: è un freddo pomeriggio invernale e la haute bourgeoisie è in transito nella giungla urbana parigina.Si tratta questo di un dipinto pregevole per molteplici motivi. Partiamo dal contesto urbanistico: a essere raffigurato, infatti, è l'incrocio tra rue de Moscou, rue Clapeyron e rue de Turin - la strada che, partendo dal primo piano, si disperde nello sfondo. Oggi quest'intersezione viaria, collocata a pochissima distanza dalla stazione di Saint zare, altro luogo assiduamente dipinto dagli Impressionisti, prende il nome di place de Dublin.  È importante osservare come le sopraccitate arterie stradali siano il frutto delle imponenti innovazioni del tessuto cittadino volute da Napoleone III e orchestrate da Georges Eugène Haussmann, il barone che al labirintico intrico di strade medievali ha sovrapposto un'efficiente maglia di viali larghi e rettilinei, i boulevard, per l'appunto. Pur suscitando lo sdegno di molti pensatori ed intellettuali  l'intervento haussmanniano seppe conferire a Parigi una fisionomia più compiuta e monumentale, con la costruzione di strade e piazze piene di luce, di aria, di lampioni elettrici , di modernità: sono gli spazi urbani visibili proprio in questo dipinto, che in questo modo si configura come una preziosa «fotografia» del tumultuoso riassetto metropolitano che, nell'Ottocento, aveva coinvolto non solo Parigi, ma tutte le maggiori città europee. Strada di Parigi in un giorno di pioggia, in effetti, concede ampi spazi all'acciottolato umido della carreggiata, o alla lanterna che, divampando nel cielo foriero di burrasca, divide la composizione geometricamente, in due parti uguali. Le qualità fotografiche dell'opera, che come già accennato è un eccezionale documento figurativo della vita parigina di fine Ottocento, sono notevoli: si osservi il taglio compositivo, con i soggetti che fuoriescono dallo spazio pittorico.Questa tela, tuttavia, non vuole limitarsi a decantare il vestito scintillante, severo e signorile assunto da Parigi dopo la riorganizzazione urbanistica promossa da Haussmann: con il suo pennello, infatti, Caillebotte intende anche descrivere, senza ometterne le luci e le ombre, la progressiva affermazione sociale della borghesia, quella stessa borghesia alla quale egli apparteneva di diritto. L'idillio metropolitano nel quale il pittore sarebbe potuto precipitare stucchevolmente, tuttavia, in quest'opera si esaurisce in un'immagine che è tutt'altro che è conviviale: la quasi totalità dei borghesi ritratti nell'opera infatti è freneticamente isolata in sé stessa e conserva gli atteggiamenti del passante, con il naso rivolto verso il basso, immersi come sono nei loro pensieri, tutti diretti verso casa o al lavoro. Sembrerebbe quasi che gli ombrelli sono aperti non solo per ripararsi dalla pioggia, ma anche dagli sguardi della folla che corre.  place de Dublin, nonostante il suo aspetto patinato, non è dunque uno spazio di aggregazione e di socializzazione: la vita non si insinua negli angoli, nei marciapiedi di questa Parigi piovosa, dove milioni di individualità solitarie s'incontrano precariamente senza entrare in relazione tra di loro. Caillebotte, in un certo senso, inventa pittoricamente quei «non-luoghi» che, nella fine del Novecento, saranno oggetto di una profonda formulazione filosofica da parte dell'antropologo francese Marc Augé.  vera protagonista del dipinto è insomma la solitudine urbana del borghese, il quale, essendo «costretto nelle maglie rigide delle regole che gli impone il suo status sociale» , è oppresso da un profondo sconforto e avvilimento psicologico e perciò si sente disgustato dalla sua esistenza: prova, in altre parole, quello spleen che Charles Baudelaire aveva genialmente cantato in una poesia omonima de I fiori del male.Ad apprezzare il fascino piovoso di questa Parigi invernale sembra esserci solo la coppia in primo piano: lei indossa un cappellino à la page, un luminosissimo orecchino di perla, una giacca guarnita con l'ermellino  e un pudico velo che la distanzia dall'osservatore, mentre lui calza un'elegante tuba, un cappotto a tunica, dei pantaloni grigio tortora e l'immancabile papillon.  loro attenzione è catturata da un evento che si svolge al di fuori dello spazio pittorico, e i due non fanno affatto attenzione a quello che succede intorno a loro: se il punto di vista del dipinto corrispondesse ad un ulteriore passante, poi, lo scontro sarebbe quasi inevitabile!

Prompt: In Paris Street; Rainy Day, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Charles Baudelaire
Gustave Caillebotte
I fiori del male
Marc Augé
Parigi


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Madonna delle Grazie

A Valsorda, in comune di Garessio  è dedicato alla Madonna delle Grazie un complesso di edifici a scopo devozionale dove ad una primitiva cappella si è affiancata una casa del pellegrino ed una massiccia chiesa della prima metà del XX secolo.

Prompt: Explain the Garessio about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Victory Boogie Woogie

Prompt: Focus on Victory Boogie Woogie and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Epifania

L'“Epifania” intesa come solo Battesimo di Gesù fu riconfermata dal teologo Epifanio di Salamina, uno dei Padri della chiesa. Essa doveva ricadere 12 giorni dopo la ricorrenza del Natale, questo probabilmente per assorbire gli antichi simbolismi del numero 12 nei precedenti riti pagani del Sol Invictus.Il problema delle date si restrinse solo più nell'adattamento ai vari tipi di calendari; un antico documento, il Cronografo del 354 di Furio Dionisio Filocalo, citava tutte le ricorrenze romano-cristiane dopo il Concilio di Nicea del 325 d.C., compresa l'Epifania; nel 46 però, Giulio Cesare aveva introdotto il calendario giuliano e, a causa di complessi calcoli, quello giuliano risultava sfasato esattamente di 13 giorni più avanti rispetto a quello più recente gregoriano, adottato nel mondo occidentale cattolico dall'anno 1582.Invece, gli Ortodossi della Chiesa d'Oriente di rito Bizantino, chiamati anche “Cristiani Ortodossi di Vecchio Calendario ”, celebrano l'Epifania il 19 gennaio del nostro calendario, e la chiamano Teofania , mentre il "loro" Natale cade il 7 gennaio. Inoltre, la suddetta Teofania di Calendario Giuliano viene celebrata come la sola Commemorazione del Battesimo di Gesù nel Fiume Giordano. Per la Chiesa di rito romano, madre dell'attuale Cattolicesimo, l'Epifania doveva cadere il 6 gennaio del calendario gregoriano, commemorando la "manifestazione" del Signore attraverso il segno rivelatore dell'adorazione dei Magi a Betlemme, mentre il Battesimo di Gesù, invece, doveva essere separato, e cadere quindi nella domenica immediatamente successiva al 6 gennaio. Fu sempre nello stesso periodo che, per le sole Chiese romane, l'adorazione dei Magi fu fatta coincidere col 6 gennaio piuttosto che col 25 dicembre, sebbene le due ricorrenze commemorino sempre la stessa manifestazione di Betlemme.Per alcuni paesi cristiani in cui l'Epifania non era istituita come festa di precetto, questa veniva celebrata il lunedì coincidente o successivo al 6 gennaio; nella messa tridentina, invece, il Battesimo di Gesù viene celebrato in un giorno fisso, detto l'“ottava di Epifania”  e cioè 8 giorni dopo l'Epifania.  ricorrenza del Battesimo di Gesù conclude tutto il periodo natalizio dell'anno liturgico cattolico romano.

Prompt: Explain the Epiphany of Salamis about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

12
1582
19 gennaio
25 dicembre
325
6 gennaio
Battesimo di Gesù
Betlemme
Cronografo del 354
Dio
Epifanio di Salamina
Furio Dionisio Filocalo
Gesù
Gesù
Natale
Sol Invictus
Teofania


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Bonaparte valica le Alpi

Il lavoro, malgrado il suo estremo realismo nella raffigurazione di Napoleone, venne criticato da molte autorità in campo artistico, per ragioni differenti. Alcuni disapprovavano la scelta del soggetto del dipinto di Delaroche, mentre altri erano contrari allo stesso pittore. Il commento della rivista all'opera indica che, per quanto apprezzabile, Delaroche venne criticato per diverse ragioni:Alcuni si dimostrarono scontenti dei lavori di Delaroche in generale, ed in particolare del Bonaparte valica le Alpi, criticando le opere del pittore francese come "opere di basso standard". Tra i più critici citiamo il The Gentleman's Magazine, che così scrisse di Delaroche:

Prompt: Focus on Bonaparte Crossing the Alps and explain the Criticize.Please output in Italian.


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Democrito

Il nome di Democrito è rimasto legato alla sua celebre teoria atomista considerata, anche a distanza di secoli, una delle visioni più "scientifiche" dell'antichità: l'atomismo democriteo infatti fu ripreso non solo da altri pensatori greci, come Epicuro, ma anche da filosofi e poeti romani  nonché da filosofi del tardo medioevo, dell'età rinascimentale e del mondo moderno . Come è stato rilevato da Theodor Gomperz e da altri studiosi, Democrito può essere considerato il "padre della fisica", così come Empedocle lo era stato per la chimica. Ludovico Geymonat afferma che «l'atomismo di Democrito […] ebbe una funzione determinante, nel XVI e XVII secolo, per la formazione della scienza moderna».Alla base dell'ontologia di Democrito c'erano i due concetti di atomo e di vuoto: infiniti atomi in infinito vuoto. ddove le filosofie precedenti cercavano nellarchè un principio unitario a fondamento del tutto, come notavano Platone e Aristotele, la sua filosofia culminava in due principi irriducibili tra loro.Democrito per certi aspetti sostituì l'opposizione logica eleatica tra essere e non essere con l'opposizione fisica tra atomo e vuoto: l'atomo costituiva l'essere, il vuoto rimandava in un certo senso al non essere. Per Democrito un atomo costituiva l'elemento originario e fondamentale dell'universo, nonché il fondamento metafisico della realtà fisica; ciò significava che gli atomi non venivano percepiti a livello sensibile  ma solo su un piano intelligibile, ossia attraverso un procedimento intellettuale che scomponeva e superava il mondo fisico-corporeo. C'è da precisare che l'atomo democriteo non costituiva in sé un'intelligibilità pura, come sarà l'idea di Platone, in quanto esso possedeva un'essenziale consistenza materiale: tuttavia era pur sempre una realtà intelligibile poiché sfuggiva ai sensi e si coglieva solo mediante l'intelletto.  realtà degli atomi costituiva per Democrito l'archè, quindi l'essere immutabile ed eterno. Gli atomi erano concepiti come particelle originarie indivisibili: essi cioè erano quantità o grandezze primitive e semplici , omogenee e compatte, la cui caratteristica principale è l'indivisibilità.Democrito, quindi, contrappose alla divisibilità infinita dello spazio geometrico, sostenuta da Zenone di Elea con i suoi paradossi , l'indivisibilità dello spazio fisico, che trovava appunto nell'atomo un limite invalicabile. Gli atomi dunque, in quanto principio primo di ogni realtà, erano eterni ed immutabili: essi non erano stati generati né potevano essere distrutti, ma esistevano da sempre e sempre sarebbero esistiti. Gli atomi, però, in quanto particelle quantitative , costituivano il pieno, che rimandava necessariamente alla realtà di un vuoto in cui potersi collocare, in cui poter esistere. Il vuoto infinito costituiva quindi anch'esso una realtà originaria analoga a quella degli atomi, poiché rendeva possibile la loro esistenza: infatti gli atomi non sarebbero stati nemmeno pensabili senza uno spazio vuoto infinito entro cui potersi muovere incessantemente. In questo illimitato vuoto spaziale non esistevano più punti di riferimento, tanto è vero che il filosofo greco, quasi anticipando il moderno concetto di infinito fisico, così affermò: «non esiste basso né alto, né centro né ultimo, né estremo». Fin da Aristotele, atomi e vuoto sono stati variamente interpretati; infatti, lo stesso Aristotele così si espresse nella sua Metafisica: «Leucippo e il suo discepolo Democrito pongono come elementi il pieno e il vuoto, chiamando l'uno essere e l'altro non essere».Di fronte alla realtà di qualcosa , Democrito avrebbe ammesso l'esistenza di un "non qualcosa", il vuoto appunto, il nulla inteso come spazio. Quindi il vuoto di Democrito non stava ad indicare l'esistenza del non essere ma più semplicemente la mancanza di materia, coincidente appunto con lo spazio. Pieno e vuoto costituivano pertanto i due principi originari a cui ricondurre l'esistenza di tutte le cose: l'uno rimandava all'altro, lo implicava necessariamente, poiché la realtà era il risultato della loro sintesi. Gli atomi possedevano il movimento come loro caratteristica intrinseca: essi infatti si muovevano eternamente e spontaneamente nel vuoto, incontrandosi e scontrandosi. Il divenire del cosmo e della natura e la molteplicità degli enti erano dovuti proprio a questo incessante movimento da cui tutto si formava per poi disgregarsi. Il movimento quindi costituiva una proprietà intrinseca e spontanea degli atomi e, come tale, non era generato da una causa esterna ad essi: spontaneamente, per loro natura, essi si muovevano.In questo eterno e naturale movimento degli atomi di Democrito alcuni studiosi hanno visto una sorta di primitiva intuizione del principio di inerzia. È stato notato che «il principio di inerzia, fondamento della dinamica galileiana, dice pressappoco la stessa cosa: afferma infatti che il moto rettilineo uniforme non richiede la presenza di alcuna causa che lo provochi; solo dove si ha accelerazione deve esserci una causa che lo produce»In Democrito, come osservò Aristotele, era assente il concetto di una causa del movimento; non era chiaro «il perché del movimento, né di quale specie esso sia né la causa per cui il movimento avviene in un modo o in un altro».Gli atomi democritei, essendo definiti come quantità infinitesime, erano del tutto privi di determinazioni qualitative: sono fatti tutti della medesima materia, ma differiscono per quanto riguarda gli aspetti quantitativi, vale a dire forma, ordine e posizione. Dal punto di vista della forma, ad esempio, l'atomo A era diverso dall'atomo B .  posizione indicava il fatto che l'atomo A occupasse un posto diverso da quello di B; infine l'ordine  indicava l'esistenza di una relazione AB che era diversa da BA. Utilizzando l'esempio di Aristotele, le differenze tra gli atomi possono essere spiegate al pari delle differenze che costituiscono le lettere dell'alfabeto: A differisce da N per la forma, AN da NA per l'ordine, mentre Z differisce da N per la posizione. Tutte queste differenze, come si vede, erano di natura geometrico-quantitativa e davano luogo ad una realtà caratterizzata esclusivamente da rapporti quantitativi, secondo quell'idea che era stata già intuita dalla scuola pitagorica.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the The theory of atoms and the Opponents.Please output in Italian.

Aristotele
Empedocle
Epicuro
Leucippo
Ludovico Geymonat
Platone
Theodor Gomperz
Zenone di Elea


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Hallali del cervo

Hallali del cervo è un dipinto a olio su tela realizzato nel 1867 dal pittore francese Gustave Courbet. È conservato nel Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie nella Besançon. È di buona qualità, 355×505 cm. Della tabella rappresenta una scena di caccia, un cervo viene ucciso da un branco di cani, in un paesaggio innevato.

Prompt: Focus on Killing a Deer and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (El Greco Benaki)

Non si sa esattamente dove sia stato realizzato questa tavola, anche se molti specialisti ipotizzano che sia stato dipinto a Venezia, durante il primo viaggio dell'artista. Un'altra possibile ipotesi è che sia stata dipinta per un cliente italiano con sede a Creta, il luogo di residenza del pittore.È una delle opere più significative di El Greco, in quanto mostra la transizione tra «maniera greca» e l'arte rinascimentale.L'influenza del Parmigianino è nota, sebbene l'artista non abbandoni l'uso della foglia d'oro. Tuttavia, le figure sono più naturali, perdono l'aura di spiritualità e santità tipica dell'arte bizantina. Inoltre introduce prospettiva e movimento nella composizione.

Prompt: In Adoration of the Magi (El Greco), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Madonna della Seggiola

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola.  presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove  e poi in quella di Marte . Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo. datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.Una  del dipinto.

Prompt: How does Madonna della Seggiola explain its History?Please output in Italian.


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Isabella

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Prigioniero

Il codice carcerario era teorizzato come un insieme di norme comportamentali tacite che esercitavano un impatto pervasivo sulla condotta dei detenuti.  competenza nel seguire le routine richieste dal codice determinava in parte l'identità del detenuto. Come insieme di valori e linee guida comportamentali, il codice della pena faceva riferimento al comportamento dei detenuti nell'antagonizzare il personale e alla solidarietà reciproca tra detenuti nonché alla tendenza alla non divulgazione alle autorità penitenziarie delle attività dei detenuti e alla resistenza al programmatore di riabilitazione. Pertanto, è stato visto come un'espressione e una forma di resistenza comunitaria e ha consentito la sopravvivenza psicologica dell'individuo sotto sistemi di controllo carcerario estremamente repressivi e irreggimentati.Sykes ha delineato alcuni dei punti più salienti di questo codice così come applicato nel dopoguerra negli Stati Uniti: Non interferire con gli interessi dei detenuti. Mai denunciare una truffa. Non essere invadenti. Tenere lontana la schiena da un uomo. Non mettere un ragazzo in difficoltà. Essere fedele alla tua classe. Essere calmi. Prendersi il proprio tempo. Non portare calore. Non sfruttare i detenuti. Non scappare. Essere difficile. Essere cauto e cercare di essere un uomo. Non parlare mai di rapporti sessuali. Avere una connessione. Essere acuti.

Prompt: In the context of The Captive (painting), explain the Sentence of condemnation and the Culture of the detainee.Please output in Italian.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: Describe the characteristics of the Hinduism in Love & Loss's Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Ritratto del cardinal Bibbiena

Su uno sfondo scuro il cardinale è ritratto a mezza figura, seduto di tre quarti e girato a sinistra. Indossa la berretta e la mantella cardinalizia, rosse e ravvivate da riflessi setosi. Le due masse di colore fanno stagliare la testa, leggermente rimpicciolita per una visione ottimizzata dal basso, che dà maggiore monumentalità all'insieme. Le braccia coperte dall'ampia tunica bianca sono piegate; nella mano destra regge una lettera, che porta al petto. Il volto è intenso ed espressivo, rivolto direttamente verso lo spettatore con il quale sembra instaurare un intenso confronto psicologico.

Prompt: How does Portrait of Cardinal Bibbiena (Raphael) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, Come santa cattolica, le reliquie di Maria Maddalena furono venerate a Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, Provenza, attraendo una tale folla di pellegrini che venne eretta una grande basilica verso la metà del XIII secolo, una delle più famose chiese gotiche del sud della Francia. Linventio delle reliquie è attribuita a Carlo II d'Angiò, detto "lo zoppo", fatta nel 1279. Le reliquie furono convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295 e custodite nella basilica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume.Benché le sue ossa siano state disperse durante la Rivoluzione francese, si disse che la sua testa fosse rimasta nel suo sacrario in una caverna a  Sainte-Baume vicino a Marsiglia, dove la santa si sarebbe ritirata; si racconta anche di grandi miracoli e benedizioni ricevute da chi si recasse al sacrario per venerare Maddalena. Il piede della santa, custodito in un prezioso reliquiario dell'ambito di Benvenuto Cellini è stato venerato per secoli a Roma in una cappella posta all'ingresso di Ponte Sant'Angelo, ultima delle reliquie maggiori prima di giungere sulla tomba di San Pietro. Il piede è oggi conservato nella Basilica di San Giovanni de' Fiorentini. Altre reliquie consistenti in filamenti di capelli, stralci di camicie e piccoli resti ossei, sono custodite nella Collegiata di Atrani , in Costiera Amalfitana.

Prompt: Explain the Relics about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Atrani
Benvenuto Cellini
Francia
III secolo
I secolo
Marsiglia
Ponte Sant'Angelo
Provenza
Rivoluzione francese
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume


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Statua equestre di San Venceslao

Il monumento è in realtà un complesso di cinque statue bronzee: nel posto più importante, centrale e più alto, è posta la statua di un cavaliere montato a cavallo, Venceslao I, dominante nell'effetto le statue degli altri quattro santi patroni della Repubblica Ceca insieme a San Venceslao, San Procopio di Sázava, Santa Ludmilla di Boemia, Sant'Agnese di Boemia e Sant'Adalberto di Praga, posti in un livello inferiore del basamento, ai quattro vertici della base centrale, da sinistra a destra con vista dalla facciata del complesso; nella facciata Santa Ludmilla e San Procopio mentre nel retro Sant'Agnese e Sant'Adalberto.Sul basamento della statua equestre è posta la scritta, in lingua ceca, "SVATÝ VÁCLAVE VÉVODO ČESKÉ ZEMĚ KNÍŽE NÁŠ NEDEJ ZAHYNOUT NÁM NI BUDOUCÍM" a significare, in italiano, ""SAN VENCESLAO, DUCA DI TERRE CECHE, NOSTRO PRINCIPE, NON PERMETTERE IL PERIRE NOSTRO O DEI NOSTRI FIGLI". È inoltre presente uno scudo con l'aquila, simbolo del santo.Il monumento, circondato e protetto da una spessa recinzione, ospita nella sua area anche il ricordo dell'indipendenza ceca dall'Austria-Ungheria, formulato con la scritta posta sul pavimento davanti al complesso, in caratteri dorati, "28 X 1918" ossia 28 ottobre 1918, data dell'indipendenza.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square.Please output in Italian.

1918
28 ottobre
Adalberto di Praga
Agnese di Boemia
Ludmilla di Boemia
Praga
Procopio di Sázava
Repubblica Ceca


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Madonna delle Grazie

upright=1.6Madonna delle Grazie  è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, la madre di Gesù, nel culto liturgico e nella pietà popolare.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Notte stellata

Nel 1888, prima dell'internamento a Saint-Rémy, van Gogh scrisse: Notte stellata, certamente una delle opere vangoghiane più celebri, risponde perfettamente a quest'esigenza. In questo dipinto, infatti, il pittore ha certamente cercato il contatto diretto con la realtà, dipingendo quello che si poteva vedere dalla finestra della sua stanza nel manicomio di Saint-Rémy. Van Gogh, tuttavia, non ha ripreso fedelmente questa veduta notturna, bensì l'ha manipolata con mezzi plastici, interiorizzandola fino allo spasimo e trasformandola in una potente visione onirica in cui poter fare affiorare le sue emozioni, le sue paure, i suoi viaggi dell'anima.  Notte stellata, pertanto, non offre all'osservatore un'immagine fedele della realtà, quanto una forma di «espressione» di quest'ultima.L'immagine possiede una forza straordinaria. A sinistra la scena è chiusa da un cipresso alto e severo che, stagliandosi contro il cielo notturno, agisce come un intermediario vegetale tra la terra e il cielo, tra la vita e la morte: più che un albero sembrerebbe quasi una fiamma scura che divampa all'improvviso alla ricerca dell'infinito. A fianco del solitario cipresso troviamo un piccolo paesino - forse è Saint-Rémy, forse Nuenen, forse una reminiscenza del villaggio natio - che, disperdendosi su una vallata, sembra perduto nell'immensità del movimento cosmico che fluisce sopra di esso: i caseggiati sono generalmente bassi, fatta eccezione per l'acuminata cuspide di un campanile, che riprende la statuaria verticalità del cipresso e «sfida le forze della natura: è un'antenna e un parafulmine insieme, una sorta di Tour Eiffel, la cui fascinazione è sempre presente nelle vedute notturne dell'artista [...] sembra crepitare, carica di elettricità». A destra vigoreggia la ricca vegetazione degli ulivi, mentre sullo sfondo si estende il profilo diagonale e ondulato delle Alpilles, importante catena montuosa del Meridione francese.Il villaggio è avvolto dal buio e dal sonno e rimanda nel suo complesso a un ideale di placida quiete. Il paesaggio, al contrario, rinvia esplicitamente alla grandiosa natura decantata a inizio secolo dal romantico Caspar David Friedrich, soprattutto con i monti retrostanti, come osservato dai critici d'arte Giorgio Cricco e Francesco di Teodoro:</ref>}}L'inquietudine dell'artista, poi, esplode nella porzione superiore della tela, quella relativa al cielo. Questi spazi cosmici sono rischiarati dalla luce aranciata della falce lunare, visibile in alto a destra, e dal quieto pulsare del pianeta Venere, anche conosciuto come «stella del mattino». Ma a catturare l'attenzione dell'osservatore sono soprattutto le stelle, che sembrano ruotare pericolosamente su sé stesse in gorghi titanici e vorticosi, come se fossero meteore impazzite: ciò è particolarmente evidente nel vortice centrale, dove l'intervento di pennellate che cambiano ripetutamente direzione ne trasforma il romantico pulsare in uno spasmodico turbinio. Il movimento arcano degli astri, nonostante la sua tumultuosità, è infatti guidato da pennellate che, raggrumandosi e ispessendosi, distribuiscono la materia pittorica secondo irradiazioni circolari.  visione, poi, viene resa armoniosa dal mirabile contrasto presente tra l'ultramarino, i blu cobalto  e i gialli indiano e di zinco . «Il colore, di consistenza molto fluida» osservano ancora Cricco e di Teodoro «è steso con uno spessore minimo, a piccoli tocchi ravvicinati, lasciando qua e là spazi vuoti, dai quali si intravede anche la trama della tela sottostante che, in corrispondenza delle stelle, ne simula il tremolio. In questo modo il dipinto assume un tono brillante ma freddo allo stesso tempo, che restituisce l’atmosfera rarefatta e quasi lattiginosa della notte stellata». Così, in questo capolavoro dell'arte ottocentesca, i vertiginosi e drammatici tormenti di van Gogh trovano una delle loro più belle e potenti raffigurazioni.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Starry Night.Please output in Italian.


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Lotta tra Amore e Castità

Prompt: How does The Battle Between Love and Chastity explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Isabella d'Este
Studiolo
Studiolo di Isabella d'Este


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Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù è un dipinto a olio su tela  realizzato da Francisco Goya, databile al 1763 e conservato nel Museo di Saragozza a Saragozza.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Consecration of Aloysius Gonzaga as patron saint of youth.Please output in Italian.

1763
Francisco Goya
Luigi Gonzaga
Museo di Saragozza
Saragozza


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Belle Ferronnière

Portrait de femme, dit à tort  Belle Ferronnière - Louvre Collection

Prompt: Focus on La Belle Ferronnière and explain the External links.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Lungo i secoli la posizione del magistero è stata prudente: per quanto il chiaro e definitivo pronunciamento pontificio si ebbe solo nel 1854, furono diversi gli interventi a favore della posizione immacolista.Papa Sisto IV  introdusse a Roma la festa liturgica della Concezione. Sul piano dogmatico non si pronunciò, ma con le bolle Cum Praeexcelsa  e Grave Nimis  proibì a macolisti e immacolisti di accusarsi vicendevolmente di eresia. Il 7 marzo 1632 nella cattedrale di Cagliari il parlamento del Regno di Sardegna giurò solennemente di difendere la dottrina della Purissima Concezione. Papa Alessandro VII emanò nel 1661 la bolla  Sollicitudo, dove si dice a favore dell'Immacolata Concezione. Clemente XI nel 1708 rende universale la festa dell'Immacolata, già localmente celebrata a Roma e in altre zone della cristianità.Nel 1848 Pio IX mostra l'intenzione di chiudere la questione in maniera autorevole e definitiva. Istituisce una commissione di teologi e una di cardinali, dalle quali però emerge il parere contrastante circa l'Immacolata. Anche Rosmini, pur ritenendola "moralmente sicura", sconsiglia di definirla dogmaticamente. Il Papa decide allora di valutare il parere collegiale dei vescovi, che nella tradizione cattolica ha valore magisteriale subordinato a quello pontificio, e lo fa con l'enciclica Ubi Primum del 1849. 546 dei 603 vescovi consultati si dichiarano a favore del dogma. Il Papa fa preparare la bozza dell'enciclica, che dopo 8 redazioni viene promulgata l'8 dicembre 1854 col nome Ineffabilis Deus.Queste sono le parole che concludono l'enciclica e proclamano solennemente il dogma:Il dogma non afferma solamente che Maria è l'unica creatura a essere nata priva del peccato originale - e ciò fin da 40 settimane prima della sua nascita, e cioè dal momento del suo concepimento da parte dei genitori, Anna e Gioacchino - ma aggiunge altresì che Maria, in quanto ritenuta madre di Dio, per speciale privilegio non ha commesso nessun peccato, né mortale né veniale, in tutta la sua vita. dottrina attuale della Chiesa è che Dio conferisca l'anima alla persona umana non appena essa si forma, nel suo primissimo istante, e cioè al momento del concepimento.  dottrina sull'Immacolata Concezione di Maria dà forza, nella visione cattolica, al pensiero della Chiesa sugli embrioni, ritenuti persone umane a tutti gli effetti, dotati di anima.Il convincimento della Chiesa in ordine alla preservazione di Maria dalla macchia del peccato originale è in relazione a questa riflessione: non sarebbe stato "conveniente" che il Figlio di Dio si incarnasse nel grembo di una donna se questa non fosse stata perfettamente monda da qualsiasi peccato.A differenza dell'apertura verso la dottrina dell'Assunzione, questo dogma non è condiviso dalle altre confessioni cristiane  in quanto da queste considerato in disaccordo con le Scritture e non supportato dalla Tradizione.

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the The Catholic schoolteacher and the Oppositional dogma.Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Cum Praeexcelsa
Dio
Figlio di Dio
Grave Nimis
Ineffabilis Deus
Papa
Papa Alessandro VII
Papa Sisto IV
Roma
Sollicitudo


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Storie di Virginia

Le Storie di Virginia sono un dipinto a tempera su tavola  di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Accademia Carrara di Bergamo.  tavola fa coppia con le Storie di Lucrezia all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston.

Prompt: In The Story of Virginia (Botticelli), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1498
Accademia Carrara
Bergamo
Boston
Sandro Botticelli
Storie di Lucrezia


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Cristo degli abissi

Il Cristo degli abissi è una statua bronzea posta nel 1954 sul fondale della baia di San Fruttuoso, tra Camogli e Portofino all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino, a 17 metri di profondità.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ of the Abyss.Please output in Italian.

1954
Area naturale marina protetta Portofino
Camogli
Portofino


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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marmi di Elgin

Le decorazioni del Partenone subirono numerosi danni durante le varie guerre che vennero combattute nel territorio di Atene. In particolare il tempio fu seriamente danneggiato da un'esplosione provocata dai bombardamenti veneziani del 1687: il Partenone infatti era utilizzato dagli Ottomani come deposito di munizioni. Questa esplosione rovinò il tetto di marmo, la maggior parte delle pareti della cella, 14 colonne dei versanti nord e sud e varie metope, cadendo a terra insieme a parti del fregio, finirono in pezzi. Un ulteriore danno è stato provocato dal generale veneziano Francesco Morosini, che successivamente rimosse dal luogo alcune delle sculture più grandi.  sua attrezzatura, che era difettosa e artigianale, fece cadere dal frontone occidentale Poseidone e i cavalli del carro di Atena, che precipitarono giù dall'Acropoli per quaranta metri.

Prompt: Describe the characteristics of the Morosini in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


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Cleopatra e Cesare

Cleopatra e Cesare o Cleopatra davanti a Cesare  è un dipinto a olio su tela del pittore francese Jean-Léon Gérôme, completato nel 1866.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cleopatra and Caesar (painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Cultural reasons and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Conductors of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


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Assedio di Asola

Asola Assedio di Asola Gian Francesco Daina

Prompt: In The Siege of Asola, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ebbrezza di Noè

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. LEbbrezza di Noè  fa quindi parte del primo blocco, completato entro il 1510.

Prompt: Focus on Drunkenness of Noah and explain the History.Please output in Italian.


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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: In the context of Epifania, explain the India and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim