subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


subsection

William Tecumseh Sherman

Come Grant, Sherman era convinto che fosse necessario abbattere la capacità strategica, economica e psicologica confederata di raccogliere risorse per finanziare la guerra. Per far questo non esitò a mettere in pratica tattiche di terra bruciata.L'avanzata delle truppe di Sherman furono caratterizzate da enormi devastazioni che riguardarono sia risorse civili sia infrastrutture militari e non. Anche se il saccheggio era ufficialmente proibito, gli storici sono in disaccordo su quanto bene questa proibizione fosse fatta rispettare.L'efficienza con cui l'armata di Sherman portò avanti la devastazione fu impressionante. Diventarono famose le cosiddette "cravatte di Sherman", ovvero la pratica messa in atto dalle forze unioniste di scaldare le rotaie dei treni fino a che non era possibile intrecciarle intorno a tronchi d'albero. Sherman divenne una figura controversa in seguito ad accuse di crimini di guerra.I danni procurati dalle forze di Sherman riguardarono solo le proprietà, e sembra che le perdite civili fossero state molto poche. base della

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Total war of the Youth explained?Please output in Italian.


section

La morte di Sardanapalo

Il compositore Franz Liszt s'ispirò al dipinto di Delacroix e alla tragedia di Byron per comporre un'opera lirica all'italiana , raccontando alla principessa Cristina Trivulzio di Belgiojoso che, in previsione dell'autoimmolazione del re, il finale avrebbe "infiammato tutto il pubblico". Completò il primo atto solo nel 1852 e successivamente abbandonò il progetto.  prima rappresentazione del primo atto avvenne solo nel 2018.Una versione del dipinto compare in diversi episodi della serie televisiva The Royals, nella quale il volto del sovrano è raffigurato con le fattezze del personaggio del principe Cyrus, interpretato da Jake Maskall.

Prompt: In The Death of Sardanapalus, how is the Cultural influence discussed?Please output in Italian.

1852
Cristina Trivulzio di Belgiojoso
Franz Liszt
Jake Maskall


section

Monumento a Lessing

Vista laterale della statua statua in marmo bianco del poeta è alta tre metri. Il piedistallo in granito grigio e la base in granito rossastro raggiungono un'altezza di quattro metri. Le sculture e le iscrizioni sulla base sono in bronzo. Nella parte centrale della base sono visibili quattro cartigli incorniciati asimmetricamente: sulla parte anteriore del monumento il nome Gotthold Ephraim Lessing, sugli altri rilievi delle teste di Moses Mendelssohn, Ewald Christian von Kleist e Friedrich Nicolai. Questi tre, il filosofo, il poeta e lo scrittore ed editore, erano amici e alleati intellettuali di Lessing.Sul fronte e sul retro, sotto i cartigli, si notano figure allegoriche interamente scolpite con aggiunte simboliche: nel fronte sotto la targa la figura di un giovane come genio dell'umanità con una ciotola sacrificale fiammeggiante, un'arpa e una corona d'alloro, più un'iscrizione con le frasi essenziali della parabola dell'anello dall'opera teatrale di Lessing Nathan il saggio; corrispondentemente, sul rovescio, lallegoria della Critica rappresentata da un ragazzo alato che brandisce un flagello, circondato da libri, pergamene e pelle di leone, e accompagnato da un gufo, simbolo di saggezza. A sinistra e a destra del monumento c'erano teste di delfino in bronzo disegnate come grottesche e gargoyle sopra un piccolo bacino di fontana.

Prompt: In Lessing Monument, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Ewald Christian von Kleist
Gotthold Ephraim Lessing
Moses Mendelssohn
Nathan il saggio


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Ritratto di Sir Richard Southwell

Con una lettera del 12 settembre 1620 Cosimo II de' Medici chiese al duca di Arundel Thomas Howard un ritratto del grande pittore tedesco, per colmare una lacuna delle proprie collezioni d'arte. L'opera venne concessa ed arrivò a Firenze nell'aprile 1621, quando Cosimo era già morto da due mesi.Si tratta di un'opera della fase matura del pittore, di cui esiste un disegno preparatorio con l'iscrizione "Southwell Knight" nelle collezioni reali del castello di Windsor. Al Louvre ne esiste poi una copia portata a Parigi all'epoca di Napoleone Bonaparte, con sul retro un sigillo della famiglia Newton.

Prompt: How does Portrait of Sir Richard Southwell explain its History?Please output in Italian.

1620
1621
Cosimo II de' Medici
Firenze
Napoleone Bonaparte
Parigi


section

Madonna in gloria di serafini

Madonna, dall'atteggiamento pensoso, tiene il Bambino sulle ginocchia circondata da una "gloria" di serafini tra i quali spuntano vari raggi dorati.L'opera è caratterizzata da un chiaroscuro incisivo, non esente da passaggi grafici, che dimostra l'adesione temporanea del giovane artista ai modi del Verrocchio, di cui fu forse aiuto di bottega durante la formazione.  tipologia del Bambino però è già pienamente botticelliana, a differenza della stilisticamente vicina Madonna del Roseto, con forme ben tornite e con un'espressione di lieve malinconia, che sembra renderlo conscio della sua sacralità .  figura di Maria è allungata e sciolta nelle articolazioni, ben più che nelle opere di Filippo Lippi, altro modello del giovane pittore. Al Lippi rimanda il delicato ovale del volto di Maria, di una rarefatta bellezza ideale in cui predomina la linea di contorno.

Prompt: How does Madonna in Glory with Seraphim (Botticelli) explain its Description and style?Please output in Italian.


section

Inger sulla spiaggia

Il dipinto raffigura Inger, la giovane sorella di Munch, mentre siede da sola sulle rocce granitiche della scogliera di Åsgårdstrand, in Norvegia.  sua veste bianca diafana è in netto contrasto con il grigiore delle pietre e con i toni blu e violacei dell'acqua marina alle sue spalle.  scena è ambientata in estate, come suggerito dal titolo originario del dipinto e dalla luce calda e diffusa che pervade la scena, tipica delle sere di luglio del Nord.

Prompt: How does Inger on the Beach explain its Description?Please output in Italian.


section

Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


subsection

amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Describe the characteristics of the History, culture, Sociology in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.


subsection

Lucrezia

Basco: LukertzeMaschili: LukertzaMaschile: LucrèceInglese: LucretiaMaschili: LucretiusPolacco: LukrecjaMaschili: LukrecjuszPortoghese: LucréciaMaschili: LucrécioRomena: LucrețiaMaschili: LucrețiuRusso: Лукреция Maschili: Лукреций Spagnolo: LucreciaMaschili: LucrecioUngherese: Lukrécia

Prompt: In the context of Lucretia (Veronese), explain the Variantsinotherlanguages and the People.Please output in Italian.


section

Actea, la ninfa della spiaggia

Nella mitologia greca Actea era una delle Nereidi, le cinquanta figlie del dio marino Nereo che vivevano nel mar Egeo.  spiaggia rappresentata nel dipinto era familiare a Leighton dalla sua visita a Rodi nel 1867. Il paesaggio con il mare, dove nuota un gruppo di delfini, è una visione di una delle isole dei mari greci. Secondo Edgcumbe Staley "è un'opera bella, piena di grazia ideale e raffinatezza". D'altro canto, alcuni critici ritennero che la donna sembrava "una figura di legno e articolata rigidamente, che non sembra trarre alcun godimento dal paesaggio che la circonda".

Prompt: In Actaea, the Nymph of the Shore, how is the Description discussed?Please output in Italian.


section

Crocifissione Gavari

Crocifissione Mond o Gavari è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservata nella National Gallery di Londra, con due scomparti di predella al Museo nazionale d'arte antica a Lisbona e in collezione privata. L'opera è firmata alla base della croce: [inxit]».

Prompt: Focus on Mond Crucifixion and explain the Abstract.Please output in Italian.

1502
1503
Lisbona
Londra
Museo nazionale d'arte antica
Museo nazionale d'arte antica
Raffaello Sanzio


subsection

Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: Explain the India about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


subsection

Monumento a Goethe e Schiller

Tra il 1830 e il 1900, circa 4 milioni di immigrati arrivarono negli Stati Uniti dai paesi tedeschi d'Europa; ciò equivaleva a circa il 7% di emigrazione dai paesi tedeschi e un 7% di immigrazione negli Stati Uniti. Negli Stati Uniti, gli immigrati tedeschi si stabilirono spesso in aree abbastanza disabitate vicino ai Grandi ghi e la percentuale di immigrati tedeschi e dei loro figli raggiunse il 40% in alcune regioni. Ad esempio, nel 1885 circa il 17% della popolazione del Wisconsin, di circa 1,6 milioni di persone, era nata in Germania. Con i loro figli, una stima era che il 31% della popolazione dello stato fosse di origine tedesca o figli di due genitori nati in Germania.  principale città del Wisconsin, Milwaukee, era stata soprannominata "l'Atene tedesca in America".Molte di queste comunità tedesco-americane lavorarono assiduamente per preservare la lingua e la cultura tedesca, e Schiller "era la migliore espressione di quel lato del carattere tedesco che più qualificava il tedesco, nonostante la sua particolarità, per diventare un vero cittadino statunitense". Phyllida Lloyd, una recente regista delle opere di Schiller, ha detto: "Durante la guerra civile, e questa era una notizia completa per me, 250.000 soldati di origine tedesca stavano combattendo per Lincoln. Molti di loro trasportavano Schiller negli zaini."Alla fine del XIX secolo, i tedeschi-americani partecipavano al movimento per la costruzione di monumenti dell'Europa di lingua tedesca. Alla dedica del 1901 del primo monumento americano a Goethe e Schiller, CM Richter osservò:Il discorso di Richter e molti altri alla dedica vennero pronunciati in tedesco.Nel 1901 erano già stati eretti monumenti a Schiller a New York , Filadelfia , Chicago , Columbus  e St. Louis . I monumenti di Chicago e St. Louis erano rifusioni del bronzo di Ernst Rau del 1876 situato a Marbach, in Germania, dove Schiller era nato nel 1759. Un monumento a Goethe era stato eretto anche a Filadelfia . Entro il 1914 e lo scoppio della prima guerra mondiale, negli Stati Uniti erano stati eretti altri otto monumenti a Schiller. Quattro erano i doppi monumenti a Goethe e a Schiller. Furono innalzati quattro monumenti al solo Schiller , St. Paul , Rochester  e Detroit ). Questo monumento, di Hermann Hahn, mostra una figura idealizzata spesso identificata con Zeus; segnò un profondo allontanamento dalle sculture che erano ritratti riconoscibili dei poeti. Nel complesso, l'entusiasmo per la costruzione di monumenti nell'America tedesca era stato almeno grande quanto nell'Europa di lingua tedesca. Tredici monumenti a Schiller erano stati eretti negli Stati Uniti e 24 furono eretti dalla popolazione di lingua tedesca, molto più numerosa, in Europa.

Prompt: In Goethe–Schiller Monument, how is the German-American of the American monuments explained?Please output in Italian.

Chicago
Detroit
Europa
Filadelfia
Germania
Milwaukee
New York
Phyllida Lloyd
Wisconsin
XIX secolo
Zeus


section

Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


section

Fedra

Come rappresentato anche in una tragedia di Euripide, s'innamorò follemente di Ippolito, un figlio nato dal marito Teseo nel precedente matrimonio con una Amazzone (Antiope o Melanippe

Prompt: Explain the Mythology of this artwork, Phaedra (Cabanel).Please output in Italian.


section

Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Ritratto di gentiluomo con zampino di leone

Sullo sfondo di un tendaggio rosso e uno verde, un gentiluomo, vestito di un sontuoso robone nero con guarnizioni di pelliccia, sta in piedi, porta una mano al petto e con l'altra mostra allo spettatore uno zampino leonino dorato.  posa leggermente di tre quarti, l'inquadratura fino al ginocchio, l'abito scuro, rimandano alla ritrattistica di Tiziano Vecellio, senz'altro l'artista allora più influente a Venezia.Il significato simbolico dello zampino è un tipico calembour lottesco - si pensi ad esempio ai "tre visi" dell'orefice trevigiano - che identifica il personaggio come Leonino Brembati, marito peraltro di quella Lucina Brembati, il cui ritratto conservato nella pinacoteca dell'Accademia Carrara presenta l'ennesimo gioco di parole visivo del pittore: sulla luna sono inserite le lettere "ci" in una sorta di rebus che va sciolto chiaramente in "luna".I due ritratti presentano un'ulteriore prova a conferma dell'identificazione: sulle dita dei due nobili bergamaschi compare l'anello con lo stemma di famiglia, troncato bianco e nero con una banda rossa, ancora ben visibile nell'opera di Bergamo, e ravvisabile ormai solo in antiche foto su quella di Vienna.

Prompt: Focus on Portrait of a Gentleman with a Lion Paw and explain the Description and style.Please output in Italian.

Accademia Carrara
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


section

Testamento e morte di Mosè

Il Testamento e morte di Mosè è un affresco  attribuito a Bartolomeo della Gatta e Luca Signorelli, realizzato verso il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Testament and Death of Moses.Please output in Italian.

1482
Bartolomeo della Gatta
Cappella Sistina
Luca Signorelli
Mosè


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.


subsection

Maja vestida

Il quadro trovò collocazione alla Real Academia de San Fernando, dove venne regolarmente esposto. Dal 1910 invece l'opera si trova custodita al Museo del Prado di Madrid.

Prompt: In La maja vestida, how is the Placement of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


section

Allocuzione di Alfonso d'Avalos

Il dipinto fu richiesto a Tiziano nel 1539 da Alfonso III d'Avalos, uno dei più importanti generali di Carlo V. In quell'anno il marchese, portò alla vittoria gli spagnoli contro i turchi a Tunisi e fu nominato governatore dall'imperatore a Milano. In quegli anni in Italia, incontrò più volte Tiziano, il quale lo ritrasse in armatura.

Prompt: In Alfonso d'Avalos Addressing his Troops, how is the History discussed?Please output in Italian.

1539
Alfonso III d'Avalos
Italia
Milano
Tunisi


subsection

Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: In the context of Epifania, explain the In the Latin Church and the Theology.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


subsection

Epifania

In Bulgaria l'Epifania si celebra il 6 gennaio ed è conosciuta come Bogoyavlenie , Кръщение Господне  o Yordanovden . In questo giorno, una croce di legno viene gettata da un sacerdote in mare, fiume o lago e i giovani corrono a recuperarla. Poiché le acque hanno una temperatura prossima allo zero, questo atto è considerato onorevole e si ritiene che la casa del nuotatore che per primo raggiunge la croce sia premiata dalla buona salute.Nella città di Kalofer, viene suonato un tradizionale coro con tamburi e cornamuse nelle gelide acque del fiume Tundzha prima del lancio della croce.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Bulgaria and the Theology.Please output in Italian.


section

tavole di Pitsà

Le tavole di Pitsà sono un gruppo di tavolette votive in legno risalenti al VI secolo a.C. trovate in una caverna nei pressi del villaggio di Pitsà, nelle vicinanze di Sicione in Grecia, nel 1935. Mentre sono stati trovati numerosi esemplari di pinakes in altri materiali, principalmente terracotta, ma anche in bronzo e oro, queste sono un esempio unico di pittura su tavolette in legno della Grecia antica.Sono conservate presso il Museo archeologico nazionale di Atene.

Prompt: Focus on Pitsa panels and explain the Abstract.Please output in Italian.

Grecia
Museo archeologico nazionale di Atene
Sicione


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

Abate Luigi

Pasquino statua parlante di C. Rendina, in “ROMA ieri, oggi, domani”, n. 20 – febbraio 1990

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Abbot Luigi.Please output in Italian.


section

Arringatore

Sulla toga della statua si legge la seguente iscrizione in caratteri etruschi del II sec. a.C.:"auleśi meteliś ve vesial clenśi cen flereś tece sanśl terine tuθineś χisvlicś".Romolo Augusto Staccioli riporta la traduzione delle prime sette parole ed è incerto sull'ottava:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi questa statua pose ……… ".Piero Bernardini Marzolla, basandosi su presunte corrispondenze col sanscrito, ha integrato la traduzione comunemente accettata, come segue:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi, l'assemblea eresse questa statua, grazie al versamento di pubblico contributo".

Prompt: In The Orator, how is the Registration discussed?Please output in Italian.

Piero Bernardini Marzolla
Romolo Augusto Staccioli


section

Giudizio di Paride

Il soggetto mitologico ha ispirato, fin dall'antichità, innumerevoli opere d'arte, tra le quali : Olpe Chigi, ceramica greca policroma di Corinto di artista anonimo . Museo nazionale etrusco di Villa Giulia, Roma. Il giudizio di Paride, anfora etrusca del Pittore di Paride , Staatliche Antikensammlungen, Monaco di Baviera. Bassorilievi del pulpitum, nello teatro di Sabratha, al fine del II secolo Il giudizio di Paride, dipinto di Sandro Botticelli . Fondazione Giorgio Cini, Venezia. Giudizio di Paride, opera perduta di Raffaello , nota tramite un'incisione di Marcantonio Raimondi. Il giudizio di Paride, dipinto di Lucas Cranach il Vecchio . Il giudizio di Paride, dipinto di Michiel van Mierevelt , Stoccolma. Giudizio di Paride, dipinto di Peter Paul Rubens . Paesaggio classico montuoso con il giudizio di Paride, dipinto di Johannes Glauber . Il giudizio di Paride, dipinto di Anton Raphael Mengs , San Pietroburgo. Giudizio di Paride, scultura in porcellana di Filippo Tagliolini , di cui si conoscono più esemplari. Il giudizio di Paride, dipinto di Enrique Simonet .

Prompt: Focus on Judgment of Paris (Cranach, New York) and explain the Iconography.Please output in Italian.


section

Ritratto di giovane uomo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Man (Raphael).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


section

Pala di Fano

Per la chiesa di Fano il Perugino aveva già realizzato unAnnunciazione nel 1497, pure in loco. Alcuni hanno ipotizzato che alla stesura pittorica abbia contribuito anche il giovane Raffaello.

Prompt: Explain the History of this artwork, Fano Altarpiece.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Giove e Io

Il dipinto è dedicato alla vicenda di Io, sacerdotessa di Era, così come narrata nelle Metamorfosi, il poema epico-mitologico di Ovidio: invaghitosi di lei ma timoroso della gelosia di sua moglie, Giove fece calare una fitta nebbia sulla terra e sedusse l'affascinante fanciulla.Il taglio così simile col Ganimede farebbe pensare che le due tele fossero impostate per costituire un pendant ed essere viste appaiate. Tuttavia ogni ipotesi sulla destinazione degli Amori di Giove, commissionati da Federico II Gonzaga non ha ancora ricevuto sostegno documentario.Per la posa arcuata della ninfa Io, rappresentata di schiena, il Correggio si ispirò a prototipi antichi, quali il celebre bassorilievo ellenistico dell'Ara Grimani dove è rappresentato Cupido che bacia Psiche. Più in generale la raffigurazione di tergo di una figura femminile in atteggiamento erotico appartiene alla cultura artistica antica.Ciò detto, i possibili modelli antichi furono sapientemente trasfigurati dal Correggio per creare questa immagine splendida dove l'abbandono della ninfa è funzionale ad accogliere quella che è una delle rappresentazioni più virtuosistiche della pittura del Cinquecento: la nuvola soffice ed eterea in cui si era mutato Giove per sedurre la bellissima Io. rappresentazione delle nuvole aveva interessato il Correggio fin dagli anni degli affreschi della cupola di San Giovanni Evangelista e da qui in poi era divenuta quasi una cifra sitilistica della sua ricerca. Rappresentare le nuvole, come del resto la pioggia, l'acqua, i fulmini, era considerata una delle più ambite difficoltà dell'arte.Alla fine della sua carriera, per quella che forse è in assoluto la sua ultima opera, il Correggio si impegnò ad offrire un saggio della sua maestria. Non solo la nuvola perlacea ed evanescente in cui si intravede un volto umano, ma anche un ruscello di acqua limpida in primissimo piano, per circondare il gesto voluttuoso della ninfa di un riverbero di luci crepuscolari.Particolare di "Giove e Io",1860, M.Dombrowski.L'opera del Correggio fu di ispirazione nei secoli successivi, ed il tema di "Io e Giove" fu ripreso da artisti romantici dell'800, tra i quali Dombrowsky e altri.

Prompt: In Jupiter and Io, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Dittico di Boezio

Wolfgang Kermer: Studien zum Diptychon in der sakralen Malerei: von den Anfängen bis zur Mitte des sechzehnten Jahrhunderts: mit einem Katalog. Düsseldorf: Dr. Stehle, 1967 , I. Teil:  pp. 6–11; II. Teil: pp. 5–7, Kat.-Nr. 1, Abb. 1, 2.Eugenio  Rocca,

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Diptych of Boethius.Please output in Italian.


section

Ritratto del cardinale Niccolò Albergati

Niccolò Albergati fu un importante protagonista della politica pontificia sotto Martino V. Durante un congresso di pace ad Arras incontrò van Eyck, che lo ritrasse su un disegno dove erano appuntati anche note per la colorazione in previsione di effettuarne il ritratto, che venne concluso negli anni immediatamente successivi.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Cardinal Niccolò Albergati.Please output in Italian.


section

Dinos del Pittore della Gorgone

Il vaso apparteneva alla collezione Campana, acquistata dal museo del Louvre nel 1861.  provenienza dalla collezione Campana rende probabile che fosse stato rinvenuto in Etruria.

Prompt: In Dinos of the Gorgon Painter, how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Artivisive and the Etymology.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


section

Donna con brocca d'acqua

Donna con brocca d'acqua è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer. databile al 1664-1665 circa e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: In Woman with a Water Jug, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In Madonna and Child (Artemisia Gentileschi), how is the Variants of the History explained?Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


section

La nave negriera

nave negriera prende spunto, nel suo soggetto, non solo da Summer di James Thomson, opera letteraria in cui si narra di un timone e di una nave negriera, bensì anche da un fatto di cronaca accaduto cinquant'anni prima: si tratta dell'epidemia scoppiata sulla nave negriera Zong. Turner presumibilmente venne a sapere dell'evento leggendo History of the Abolition of the Slave Trade di T. Clarkson o Walks in a Forest di Thomas Gisbourne e, probabilmente, con questo quadro volle denunciare la tratta degli schiavi africani, la quale continuava a prosperare negli Stati Uniti e in molti altri paesi, nonostante in Inghilterra la schiavitù fosse già stata abolita da tempo. nave negriera, venduta a un collezionista statunitense nel 1872, peregrinò per le collezioni private di J.T. Johnston , A. Hooper  e infine W.H.S. Lothrop , per poi giungere nel 1899 nel museo di Boston, dove è tuttora esposto.

Prompt: How does The Slave Ship explain its History?Please output in Italian.


section

Ritratto di Eleonora d'Aragona

Il Ritratto di Eleonora d'Aragona è una scultura marmorea , realizzata da Francesco urana intorno al 1468 e custodita nella Galleria regionale di Palazzo Abatellis a Palermo.

Prompt: In Portrait of Eleanor of Aragon, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Lupa capitolina

Nella seconda metà del III secolo a.C. la lupa diventa uno dei motivi decorativi nei medaglioni in rilievo, inseriti al centro dei vasi aperti della ceramica calena. I medaglioni riproducono meccanicamente i modelli metallici, identificabili con le didramme  d'argento romano-campane; in secondo piano, alle volte, compare il fico ruminale su cui talvolta sono appollaiati uno o due uccelli. Accanto al nucleo centrale, con l'immagine della lupa e i gemelli, trovarono posto scene figurate più complesse in cui vanno sommandosi altri elementi del racconto mitico: ad esempio la presenza di due pastori, o del solo Faustolo: come riporta il denario del triumviro monetale Sesto Pompeo Faustolo databile al 133-126 a.C.; Faustolo rappresentato come un viaggiatore, a braccia incrociate e con il pedum, ha il braccio sollevato in segno di meraviglia, gesto che sottolinea il significato miracoloso dell'allattamento, secondo uno schema che avrà larga fortuna in seguito.In età tardo repubblicana, con il denario detto dellAugurium romuli, datato al 110 a.C., la raffigurazione della Roma Victrix, associata al "Lupercale" , entrò a far parte del repertorio figurativo delle gemme; contemporaneamente i pastori diventarono due e si perse la specifica connotazione di Faustolo.Con la fine dell'età Repubblicana la tradizione iconografica narrativa cede il posto a raffigurazioni isolate, privilegiate per il loro carattere drammatico o per l'importanza acquisita dalla scena nella propaganda personale dell'imperatore; in particolare la lupa romana diventa uno dei motivi decorativi adoperati su urne e altari funerari della prima età imperiale.Nell'età Augustea, l'immagine dell'allattamento dei gemelli, allude ad una vita felice che richiama l'avvento dellaura aetas celebrata nei ludi saeculares del 17 a.C. Dopo una lunga assenza dai coni monetali per tutta l'età giulio-claudia, la lupa che allatta i gemelli ricompare sui rovesci degli aurei di Tito e dei denari coniati a Roma da Diocleziano, poco tempo prima della morte di Vespasiano nel 79 d.C. In esergo è raffigurata una barchetta, che richiama la cesta nella quale furono ritrovati i due fanciulli; la piccola imbarcazione diventa il simbolo del salvataggio miracoloso, poiché solo grazie ad essa Romolo e Remo giunsero sulla riva del Tevere.Con l'età adrianea la lupa con i gemelli diventa un attributo caratterizzante della personificazione del fiume Tevere, accompagnato precedentemente dalla palma o dall'idria rovesciata. Sulla monetazione di questo imperatore la lupa compare con un atteggiamento nuovo: non più rivolta interamente verso i gemelli, ma con la testa girata di tre quarti. Il significato della nuova immagine va compreso in relazione alle effigi della lupa che mostrano una diversa postura e che rimandano ad un diverso atteggiamento programmatico della politica imperiale:l'animale accovacciato , richiama la mansuetudine ottenuta grazie all'intervento divino;l'animale rivolto verso i gemelli richiama la protezione accordata dall'imperatore al popolo romano;l'animale con la testa fieramente alzata richiama la predestinazione della grandezza dell'Impero.Il motivo della lupa avrà larga diffusione, con ampie e numerose varianti, anche nella monetazione e nei medaglioni bronzei di Antonino Pio, il quale riprende il programma del suo predecessore e recupera, con le medesime motivazioni ideologiche, l'intero repertorio relativo al passato leggendario di Roma. Dopo Adriano, l'immagine della lupa nutrice, si diffonde nella monetazione provinciale; ben tre legioni hanno adoperato la lupa romana come insegna militare: la II legione Italica , la VI legione Ferrata  e l'XI legione Claudia .Con il III secolo d.C., il tema dell'allattamento miracoloso scompare dai monumenti pubblici e dalla monetazione di Roma e fa la sua apparizione solo in particolari occasioni legate a ricorrenze eccezionali; come i giochi secolari celebrati da Filippo l'Arabo nel 248 d.C., che secondo il computo verroniano, coincideva con il millesimo anniversario di Roma e nei successivi anniversari festeggiati da Gallieno, da Probo e da Carusio con cadenza decennale.Nel IV secolo d.C. la veneranda immagine della lupa torna in voga con Massenzio, l'ultimo vero imperatore romano, che tentò di restituire a Roma la centralità perduta rinnovandone i monumenti e dando al proprio figlio il nome del suo fondatore: Romolo. statua che conosciamo venne quasi sicuramente realizzata tra il X e il XIV secolo, grazie alle recenti analisi condotte sulle terre di fusione usate nella lega bronzea. Fino a pochi anni fa la si riteneva invece un originale datato, con esiti diversi, dagli inizi del V secolo a.C. al III secolo a.C., che non era mai finito sotto terra. Ciò testimonia, comunque, la prova della continuità dello spirito romano dall'antichità attraverso il medioevo e oltre.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the La Lupa the coinage and the Description.Please output in Italian.

110 a.C.
126 a.C.
17 a.C.
248
79
Adriano
Antonino Pio
Carusio
Diocleziano
Faustolo
Filippo l'Arabo
Gallieno
III secolo
III secolo a.C.
IV secolo
Lupercale
Massenzio
Roma
Romolo e Remo
Sesto Pompeo Faustolo
Tevere
V secolo a.C.
Vespasiano
XIV secolo


section

Madonna e santi nel giardino del Paradiso

In un giardino fiorito cinto da alte mura merlate, la regina Vergine è seduta presso un tavolo esagonale con cibi e bevande, mentre sfoglia un libro d'ore; sulla sinistra una delle Pie Donne coglie frutti da un albero, in primo piano un'altra attinge acqua, con un mestolo d'oro, alla fontana di vita e la terza, forse Santa Caterina d'Alessandria, regge un salterio dinanzi al Bambino, che lo suona. In primo piano sulla destra sorvegliano la scena amena tre cavalieri, che tengono una sorta di antesignana sacra conversazione: sono san Giorgio, identificabile dal drago morto riverso sotto di lui, san Michele arcangelo, con accanto una scimmia incatenata simbolo del demonio domato e san Sebastiano, quest'ultimo addossato a un albero.L'opera è tra le realizzazioni più significative della pittura tardogotica europea, che ben esemplifica l'attenzione verso i dettagli più minuti degli artisti dell'epoca, sacrificando magari la coerenza spaziale e la corretta disposizione compositiva delle figure. scena sacra qui è solo un pretesto per mostrare un gruppo di giovani intenti alle più varie occupazioni: la lettura , la musica, la raccolta di frutti, la conversazione, l'abbeverarsi a una fresca fonte. Il giardino murato pullula di fiori e uccelli rappresentati con notevole realismo ed è ricco di dettagli ameni ispirati al mondo cortese: la scimmietta, la tavola imbandita, il giardino recintato coi giaggioli e altre piante da fiore.

Prompt: How does Paradiesgärtlein explain its Description and style?Please output in Italian.


section

L'entrata di Cristo a Bruxelles nel 1889

Per la sua natura, considerata blasfema, il dipinto fu rifiutato dai Les XX ed Ensor fu costretto nel corso della sua vita ad esporlo nel proprio studio. Fu esibito dal Koninklijk Museum voor Schone Kunsten dal 1947 al 1983 e dal Kunsthaus di Zurigo dal 1983 al 1987; nel 1976 venne spostato temporaneamente all'Art Institute of Chicago e al Museo Guggenheim di New York per una retrospettiva.Il dipinto si trova attualmente in mostra permanente presso il Getty Center di Los Angeles. L'opera è una delle tre realizzazioni artistiche scelte da Stefan Jonsson per spiegare la storia della democrazia e del socialismo nel periodo a cavallo tra i secoli XIX e XX e come "le masse" erano percepite in questa fase storica.

Prompt: Focus on Christ's Entry Into Brussels in 1889 and explain the History.Please output in Italian.


section

Arazzo dell'Apocalisse

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Apocalypse Tapestry.Please output in Italian.


subsection

Virtù e la Legge

upright=1.4Copia da Al Louvre si conserva la copia di un abbozzo preliminare destinata a una delle stanze con l'Apocalisse come soggetto. Tale rappresentazione veniva di solito associata a un mancato progetto per la Stanza di Eliodoro , forse destinato alla parete nord, al posto della Liberazione di san Pietro , o alla parete sud, quella della Messa di Bolsena , anche in virtù della posizione decentrata della finestra. presenza però del ritratto di Giulio II senza barba, anteriore al voto del 17 agosto 1510, assieme alla scarsa presa degli elementi che collegano questo progetto alla Stanza di Eliodoro, farebbero piuttosto pensare a un mancato progetto per la parete su della Stanza della Segnatura. L'Apocalisse dopotutto sarebbe il più importante giudizio, quello Universale, legato quindi al tema della legge , ed avrebbe bilanciato le pareti con una doppia contrapposizione tra temi religiosi  e profani . Il tema potrebbe essere stato abbandonato dopo la sconfitta del papa dai francesi.

Prompt: Explain the Studies about the History of this artwork, Cardinal and Theological Virtues (Raphael).Please output in Italian.

1510
Apocalisse
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura
Stanza di Eliodoro


section

Donna nuda seduta

Donna nuda seduta è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato intorno al 1876 e conservato al Museo Puškin di Mosca.

Prompt: In Female Nude (Renoir, 1876), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

neoimpressionismo

Durante l'emergere del neoimpressionismo, Seurat e i suoi seguaci si sforzarono di superare in senso scientifico l'arte impressionista fatta di modi impulsivi e intuitivi. I neoimpressionisti usarono reti disciplinate di punti e blocchi di colore per concretizzare il loro desiderio di infondere un senso di organizzazione e permanenza. Mentre la miscela del primi dava vita a un colore bianco o grigio , quella del secondo produce un colore scuro e torbido . Come pittori, i neoimpressionisti fecero i conti con pigmenti colorati. Per evitare di ottenere un effetto opaco dovuto alla miscela dei pigmenti, escogitarono un sistema di giustapposizione di colori puri senza ricorrere alla loro reciproca mescolanza. L'uso efficace della tecnica puntinista facilitò l'ottenimento di un effetto luminoso particolare e, da lontano, i punti si fondevano mostrando la massima brillantezza e una maggiore aderenza alle condizioni di luce reali. I caratteri del neoimpressionismo furono codificati da Fénéon, confermati da Signac sul suo Journal e da Seurat in una lettera a Maurice Beaubourg del 1890. Questi sono:#massima luminosità coloristica in ogni quadro, secondo l'idea impressionista;#per ottenere la massima luminosità di cui sopra, si procede alla giustapposizione sistematica e alla mescolanza ottica dei toni, delle tinte e dei pigmenti unici puri; la mescolanza dei colori sulla tavolozza, invece, va nettamente rifiutata;#i diversi elementi vanno equilibrati fra loro secondo le leggi dellirradiamento, del contrasto e della degradazione;#la dimensione del quadro determina anche la scelta del tocco;#i vari elementi del dipinto  devono essere in armonia tra loro;#il pittore deve puntare allemozione ottica e non a quella soggettiva.I punti elencati costituiscono la tecnica della division, con i benefici della colorazione, della luminosità e dell'armonia, ma differiscono dagli elementi costitutivi della vituperata - da parte dei neoimpressionisti - tecnica pointilliste, la quale difetta di equilibrio e di contrasto.

Prompt: Explain the Aesthetic principles of this artwork, Neo-Impressionism.Please output in Italian.


subsection

Unione di Lublino

Il parlamento  si riunì nel gennaio 1569 presso la città polacca di Lublino, ma non raggiunse alcun accordo. In segno di protesta contro le pressioni polacche a favore della firma del trattato, i Lituani, guidati da Mikolaj "Rudy" Radziwill, voivoda di Vilna, lasciarono Lublino il 1º marzo, temendo che Sigismondo avrebbe concluso da sé la trattativa.Il 26 marzo il re assecondò le pressioni della szlachta e ordinò l'annessione alla Polonia delle regioni di Podlachia, Volinia, Podolia e Kiev, territori della Lituania meridionale già controllati dalla corona polacca. Si trattava di una porzione significativa del territorio lituano, corrispondente ad oltre metà dell'odierna Ucraina. I Lituani dovettero tornare sotto il comando di Jan Hieronimowicz Chodkiewicz  e portarono avanti i negoziati continuando a opporsi fermamente all'ipotesi di annessione totale del granducato alla corona polacca, come voleva la szlachta, e sostenendo il progetto di uno stato federale. Il 28 giugno le ultime resistenze furono vinte e il trattato fu firmato dal re il 4 luglio successivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Theparliamentof1569 in Union of Lublin (painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1569
Jan Hieronimowicz Chodkiewicz
Kiev
Lublino
Podlachia
Podolia
Polonia
Ucraina
Volinia


section

Annunciazione di palazzo Barberini

tavola, secondo quanto ricostruito da Cavalcaselle nel 1892, proviene dal territorio di Bagno a Ripoli. In particolare il Supino scoprì, nel 1902, che l'opera decorava anticamente l'oratorio della famiglia Bardi-rioni di Pian di Ripoli e che i due committenti inginocchiati erano Alessandro di Andrea de' Bardi e Lorenzo di Ilarione de' Bardi.

Prompt: How does Annunciation with Two Kneeling Donors explain its History?Please output in Italian.


section

L'aria

L'aria  è un'opera dello scultore francese Aristide Maillol. Si tratta di una scultura creata nel 1938 e ne esistono varie versioni, realizzate in pietra o in piombo.

Prompt: How does Air (Maillol) explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Madonna Sciarra

L'opera proviene da palazzo Sciarra a Ferrara e fu acquistata a Roma nel 1834 da Francis Cowper, dai cui discendenti pervenne poi alla collezione Thyssen.L'attribuzione a Tiziano, accolta da Cavalcaselle, fu poi messa in disparte dalla critica successiva e riaccolta da Suida, che notò come la posizione della Madonna ricordasse quella del Riposo durante la fuga in Egitto oggi a Warminster. Rifiutarono invece l'attribuzione al maestro Tietze e Berenson, propensi piuttosto a un'opera di scuola.Davanti a una tenda verde scostata Maria stringe dolcemente a sé il Bambino, sorridendo allo spettatore. Essa siede su un letto con coperta blu intenso e indossa un vestito rosso fiammeggiante.  ricchezza cromatica, la pennellata pastosa e dai contorni sfumati, l'atteggiamento pensoso del Bambino sono tutti elementi che rimandano allo stile di Tiziano, sebbene alcuni dettagli appaiano di qualità meno alta del solito. Possibile è che le piccole dimensioni e la commissione secondaria, destinata alla devozione privata, abbiano suggerito l'intervento di aiuti nella stesura.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Sciarra Madonna.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


section

Dinosauri di Crystal Palace

Il romanzo di Charles Dickens del 1853, Casa Desolata, inizia con una descrizione di strade fangose, il cui carattere primordiale è enfatizzato dalla prima menzione in assoluto di qualsiasi dinosauro in un'opera popolare:</ref>}}Nel romanzo di H.G. Wells del 1905, Kipps, Kipps ed Ann visitano il Crystal Palace e siedono "alla presenza del byrinthodon verde e oro che incombe così magnificamente sul lago" per discutere del loro futuro. C'è una breve descrizione dei dinosauri e dei loro dintorni e dell'impatto che hanno sui personaggi.[41] Molti libri per bambini di E. Nesbit mostrano le sculture dei dinosauri del Crystal Palace che prendono vita, tra cui The Enchanted Castle . Nel romanzo del 1932, Have His Carcase, di Dorothy L. Sayers, il personaggio di Lord Peter Wimsey menziona i "mostri antidiluviani" del Crystal Palace.[42] Il libro per bambini di Ann Coates, Dinosaurs Don't Die, del 1970, illustrato da John Vernon Lord, racconta la storia di un ragazzo che vive vicino a Crystal Palace Park e scopre che i modelli di Hawkins prendono vita; fa amicizia con uno degli Iguanodon e lo chiama "Rock" e visitano insieme il Museo di storia naturale.[43]Lo scrittore di viaggi Paul Theroux menziona i dinosauri nel suo romanzo del 1989, My Secret History. Il narratore del romanzo, Andre Parent, viene a sapere per caso dell'infedeltà della moglie quando il suo giovane figlio, Jack, rivela di aver visitato i dinosauri in compagnia dell'amico di sua madre durante la prolungata assenza di Andre per raccogliere materiale per un diario di viaggio.  storia del titolo nel romanzo di Penelope Lively del 1991, Fanny and the Monsters, parla di una ragazza vittoriana che visita i dinosauri del Crystal Palace e rimane affascinata dalle creature preistoriche. The Lie Tree, un mistero-fantasy per bambini del 2015 di Frances Hardinge presenta una scena in un sogno con alcuni dei modelli dei dinosauri che prendono vita.George Baxter, un pioniere della stampa a colori, realizzò una nota incisione che immagina Crystal Palace, incastonata nel suo parco paesaggistico con alte fontane e i dinosauri in primo piano, prima dell'apertura del 1854.I dinosauri sono stati anche presenti in molti programmi televisivi, di recente in Good Omens su Amazon Prime.

Prompt: Focus on Crystal Palace Dinosaurs and explain the In mass culture.Please output in Italian.

Amazon Prime
Charles Dickens
Dorothy L. Sayers
Frances Hardinge
George Baxter
Iguanodon
Kipps
Paul Theroux
Penelope Lively


subsection

Apocalisse

L'elemento del misterioso, evidente sia nell'oggetto che nelle modalità della narrazione, è una delle caratteristiche salienti di ogni tipica apocalisse.  letteratura delle visioni e dei sogni ha le sue tradizioni, che sono particolarmente persistenti; e questo aspetto inusuale è ben illustrato nelle composizioni giudaiche, o meglio giudaico-cristiane, prese in considerazione.Tale qualità apocalittica appare in maniera molto evidente  nell'uso dell'immaginario fantastico. Le migliori illustrazioni sono complete delle strane creature che appaiono in moltissime visioni; "bestie" nelle quali le proprietà di uomini, mammiferi, uccelli, rettili o di esseri meramente immaginari sono combinate in modi stupefacenti e spesso grotteschi. Quanto tali figure siano caratteristiche lo si può vedere dalla seguente lista di passaggi in cui le suddette creature sono presentate: Dan. 7:1-8, 8:3-12 ; Enoch, lxxxv.-xc.; 2 Esd. 11:1-12:3, 11-32; Apoc. greca di Bar. ii, iii; Testamento ebraico di Naphtali, iii.; Ap. 6:6ff , ix.7-10, 17-19, xiii.1-18, xvii.3, 12; Pastore di Erma, "Visione", iv.1. Alcuni esseri mitici o semi-mitici che appaiono nel Vecchio Testamento giocano altresì un ruolo di importanza saliente in questi testi. Così il "Leviatano" e "Behemoth" ; "Gog e Magog" . Come ci si potrebbe aspettare, anche le mitologie straniere apportano talvolta un contributo .

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the The mysterious fantastic of the Description explained?Please output in Italian.

Behemoth
Gog e Magog
Leviatano
Pastore di Erma


section

Madonna delle Grazie

Chiesa cattolica non ha nel proprio anno liturgico una festa specifica per la Madonna delle Grazie: questo titolo è associato a diverse feste mariane in base alle consuetudini locali e alla storia dei singoli santuari.Molti luoghi associano questo titolo alla data tradizionale della festa della Visitazione di Maria a Elisabetta, il 2 luglio o all'ultimo giorno del mese di maggio. Anticamente la festa si svolgeva il lunedì in Albis, poi fu spostata al 2 luglio, e ancora oggi in quest'ultima data la si continua a festeggiare nella maggior parte delle località nelle quali è venerata la Madonna delle Grazie. Altrove la festività ricorre il 26 agosto, il 9 maggio  oppure, con data mobile, la terza domenica dopo Pentecoste.In alcuni luoghi il titolo di Madonna delle Grazie è associato alla festa della Natività di Maria, l'8 settembre; così è a Udine, a Pordenone, a Contursi Terme  e in altre località italiane.L'onomastico si festeggia il 2 luglio e lo festeggiano le persone che portano il nome di: Grazia, Graziella, Maria Grazia, Grazia Maria, Anna Grazia, Grazia Anna,Orazio,  Graziana e Graziano .

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the Liturgical feast.Please output in Italian.

26 agosto
2 luglio
8 settembre
9 maggio
Chiesa cattolica
Contursi Terme
Pentecoste
Pordenone
Udine


section

San Giorgio a cavallo

Sorpreso dal risultato artistico, Redin affidò a Preti l'affrescatura della volta con le scene di vita del Santo Precursore. volta era realizzata secondo lo stile gotico antico, divisa in sei arcate, ciascuna delle quali con due spazi quadrangolari ai lati e uno tondo al centro. Lo stile gotico era presente anche nei dipinti di Napoli, dove il Preti, già chiamato a Malta, era stato lasciato fino al completamento del ciclo decorativo della Chiesa di San Pietro a Majella.L'opera maltese del pittore proseguì sotto la direzione dei fratelli Rapahel e Nicolas Cotoner, maestri dell'ordine cavalleresco rispettivamente dal 1660 al 1663, e dal 1663 al 1680.

Prompt: Explain the Successive operations of this artwork, Saint George on Horseback.Please output in Italian.

Chiesa di San Pietro a Majella
Nicolas Cotoner


subsection

Augusto di Prima Porta

Un restauro all'inizio del XXI secolo eseguito nei Musei Vaticani, al quale è seguita una serie di analisi , hanno permesso di determinare i colori utilizzati nella policromia della statua. I colori non erano più di 6 o 7: azzurro  rosso carminio  rosso ocra bruno  bruno chiaro gialloIl colore era servito a mettere in risalto il ruolo di Augusto, evidenziando il suo status imperiale con il rosso del manto e della tunica.  corazza anche era colorata, coi i suoi numerosi dettagli in rilievo sottolineati dal colore.

Prompt: In Augustus of Prima Porta, how is the Polychromy of the Style explained?Please output in Italian.


section

Scipione l'Africano libera Massiva

Federico Zeri Italian paintings in the Walters Art Gallery, Baltimore: Walters Art Gallery, no. 449, pp. 559-560 -1976

Prompt: How does Scipio Africanus Freeing Massiva (painting) explain its Bibliography?Please output in Italian.


section

Maestà del Louvre

Maria sta seduta in trono avvolta in un fasciante manto blu caratterizzato da numerose pieghettine a sottosquadri. Poggia fiaccamente la mano destra sulla gamba del bambino, mentre lo cinge con l'altra, infilando le lunghe dita affusolate nella sua veste e alzando il ginocchio sinistro per sostenerne la figura. Il volto di Maria pare estraneo a quel misto di serenità e dolcezza delle successive Maestà di Cimabue.Gesù Bambino è in grembo alla madre, raffigurato come un piccolo filosofo vestito togato all'antica, con il rotolo delle Sacre scritture saldamente in una mano  e facendo il segno della benedizione con l'altro, come fosse un adulto. Nella composizione ci sono sei angeli a figura piena ed ali dispiegate, che accarezzano il trono e disposti uno sopra l'altro, dando il senso di scansione spaziale. Sullo sfondo domina un fondo oro.I sei angeli hanno disposizioni e colorazioni simmetriche ed ali dispiegate, con penne brune sulle parti superiori delle ali e colorate nella parte inferiore. I loro volti sono scuri, seriosi, quasi imbronciati, facendo eco alla stessa aria mesta del volto della Vergine. Gli angeli sono icona del Paradiso e sono vestiti all'antica.Il trono ligneo ha una decorazione complessa che lo fa apparire come assemblato da vimini piuttosto che da assi solide. È pieno di intagli, torniture, ageminature, trafori, sagomature, piroli, che nel loro sovrapporsi e moltiplicarsi creano un congegno di un'eccezionale complessità. Inoltre ha una prospettiva latero-frontale per fare in modo che la parte anteriore sia vista lateralmente. Quanto al significato simbolico, il trono rappresenta la Chiesa. Appaiono curati tutti i dettagli, non solo la decorazione del trono, ma anche la pieghettatura della veste di Maria, del bambino, degli angeli e perfino le penne delle loro ali. I chiaroscuri degli incarnati sono modulati. pala è incorniciata da un nastro di fitte decorazioni fitomorfe, intervallato da ventisei tondi bordati d'oro, con busti di Cristo , di quattro angeli , dei quattro evangelisti  dei dodici apostoli  e di cinque santi .

Prompt: How does Maestà (Cimabue) explain its Description?Please output in Italian.


section

Maestà di Ognissanti

Madonna di Ognissanti è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Giotto, databile al 1310 circa e conservato agli Uffizi di Firenze, dove è scenograficamente collocato a poca distanza da analoghe pale di Cimabue  e Duccio di Buoninsegna . Anticamente si trovava nella chiesa di Ognissanti a Firenze, da cui il nome.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ognissanti Madonna.Please output in Italian.

1310
Cimabue
Duccio di Buoninsegna
Firenze
Giotto


section

statua equestre di Carlo IV

statua equestre di Carlo IV  è una statua in bronzo costruita in onore di Carlo IV di Spagna. Fu progettata dallo scultore e architetto Manuel Tolsa e si trova a Città del Messico, in piazza Manuel Tolsa.L'iniziativa del progetto fu di Miguel de la Grúa Talamanca, marchese di Branciforte che era viceré della Nuova Spagna. Una volta che si ottenne il permesso per il monumento si nominarono i responsabili dell'opera e si mise in moto la sua costruzione. Per questo si pulì la Zocalo e si collocò una balaustra ellittica con quattro cancelli di'ingresso.Il piedistallo per la statua fu inaugurato con grandi festeggiamenti popolari e corride di tori l'8 dicembre 1796. Sopra di questo fu collocata una statua provvisoria in legno e stucco dorato che rappresentava il monarca spagnolo.El Caballito fu fuso in una sola volta sotto la supervisione di Tolsa. Ci vollero 450 quintali di bronzo, e l'operazione si svolse vicino al tempio dei Santi Pietro e Paolo. Per il cavallo lo scultore prese spunto da un cavallo del marchese del Jaral del Berrio, chiamato tambor. Dopo essere stato pulito e levigato fu portato al suo posto e si inaugurò l'8 dicembre 1803. Le celebrazioni e corride si ripeterono con grande giubilo. Il barone Alexander von Humboldt era presente all'inaugurazione; secondo la sua opinione la statua di Tolsa era inferiore solamente al Marco Aurelio di Roma.Con motivo del sentimento antispagnolo manifestato dall'indipendenza del Messico, sorse il desiderio di distruggere la statua. Fu salvata da don Lucas Alamán che convinse Guadalupe Victoria a conservarla in virtù delle sue qualità estetiche. Come risultato la statua fu posta nel 1824 nel cortile dell'antica Università. Calmati gli animi, si trasferì nell'incrocio tra il Paseo de la Reforma e il Paseo de Bucareli. Nel 1979 fu collocata nella sua attuale posizione, di fronte al palazzo di Mineria. Attualmente, per testimoniare l'antica polemica, la statua reca una targa che ricorda che il Messico la conserva solo come monumento di arte.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Equestrian statue of Charles IV of Spain.Please output in Italian.

1796
1803
1824
1979
Alexander von Humboldt
Carlo IV di Spagna
Città del Messico
Guadalupe Victoria
Lucas Alamán
Manuel Tolsa
Miguel de la Grúa Talamanca
Paseo de Bucareli
Paseo de la Reforma
Roma


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

Suora velata

Pudicizia  Cristo velatoVergine velataVestale TucciaRebecca velata

Prompt: How does The Veiled Nun explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Vergine velata
Vestale Tuccia


subsection

Giardino dei Tarocchi

Ritornando indietro fino alla scultura del Sole, un altro piccolo sentiero sterrato conduce scendendo all'ultimo, selvaggio settore del Giardino, un solitario itinerario composto di tre piccole radure vicine in cui si ergono, isolate, le sculture della Morte, posta su un basamento di specchi e simboleggiata da una ghignante figura dorata in sella ad un cavallo blu che falcia uomini e animali ai suoi piedi; del Diavolo, in agguato sul fondo di una nicchia vegetale, con le ali di pipistrello spiegate, il corpo coloratissimo, il sesso incerto, le due figure umane - femminile e maschile - ai lati; del Matto, filiforme scultura skinny in cui il giovane vagabondo, nel quale l'artista si identifica, è il simbolo del caos, dello spirito e dell'entusiasmo ed infine del Mondo, eseguita insieme a Tinguely che ha creato la macchina ferrosa alla base che fa ruotare ad intervalli regolari di 43 secondi , illuminando magicamente con minuscole particelle di luce il verde circostante, la sfera di specchi stretta tra le spire di un serpente e sovrastata da una figura di donna a braccia aperte.

Prompt: In Tarot Garden, how is the Death, Devil, Fool, World of the Criticism explained?Please output in Italian.


section

Atleta di Lussino

Paolo Moreno, Croazia: Il tassello fantasma, in Il Giornale dell'Arte, 19, n. 222, giugno 2003

Prompt: How does Croatian Apoxyomenos explain its External links?Please output in Italian.


section

Majas al balcone

Francisco GoyaMaja e Celestina al balconeIl balcone

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Majas on a Balcony.Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Maja e Celestina al balcone


section

Bacco e Arianna

Bacco e Arianna è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1520-1523 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Bacchus and Ariadne explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Tanaquil

</ref>, anche Gaia Caecilia, Gaia Cyrilla, Caia Caecilia o Caia CyrillaSesso = FAnnoMorte = ?Epoca = -500Epoca2 = -600Attività = nobileNazionalità = etruscaFineIncipit = è stata la moglie di Lucumone, che poi cambiò nome in Lucius Tarquinius Priscus, meglio noto come Tarquinio Prisco, quinto re di Roma che governò tra 616 a.C. e 579 a.C.Immagine = Domenico Beccafumi - Tanaquil - WGA1539.jpgDidascalia = Tanaquil, dipinto di Domenico Beccafumi, }}

Prompt: How does Tanaquil (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.

579 a.C.
616 a.C.
Roma
Tarquini
Tarquinio Prisco


section

L'ultima resistenza a Isandlwana

L'ultima resistenza a Isandlwana  è una pittura a olio di Charles Edwin Fripp, esposta per la prima volta nel 1885. È una reinterpretazione artistica della battaglia di Isandlwana del 1879, ed è considerata l'opera più rappresentativa a livello iconografico della guerra anglo-zulu.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Last Stand at Isandlwana.Please output in Italian.


section

Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: Focus on Ecce Homo (Mantegna) and explain the Iconography.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


section

Polittico di Recanati

Il Polittico di Recanati è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1506-1508 e conservato nel Museo civico Villa Colloredo Mels a Recanati. L'opera è firmata e datata "urent[ius] Lotus MDVIII".

Prompt: How does Recanati Polyptych explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Cultural reasons of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

Volta della Cappella Sistina

Confronto tra lo schizzo di Michelangelo del profilo architettonico della Volta Sistina  e una veduta dal basso della volta tratto da un recente studio. In quell'occasione papa Giulio II avrebbe rivelato a Bramante e ad altri convitati l'intenzione di affidare a Michelangelo la ridipintura della volta della Sistina, ma l'architetto urbinate aveva risposto sollevando dubbi sulle reali capacità del fiorentino, scarsamente esperto nell'affresco. Rosselli scattò allora in una difesa del conterraneo Michelangelo, avvisandolo poi e raccomandandosi di accettare la commissione.  lettera, che smentisce le voci secondo cui fu lo stesso Bramante a suggerire al papa il progetto per Michelangelo cercando di screditarlo , testimonia però come effettivamente esistesse la rivalità tra gli artisti della corte pontificia, i quali, sempre alla ricerca del favore del pontefice, non volevano perdere occasioni per arricchirsi lavorando in progetti grandiosi che rivaleggiavano l'uno con l'altro, essendo la disponibilità di fondi, per quanto immensa, non infinita.Inoltre dalla lettera si immaginano i dubbi e le difficoltà paventate da Michelangelo nell'imbarcarsi in un'opera che non gli era congeniale, in quanto non molto avvezzo alla tecnica dell'affresco: egli aveva sì potuto ben osservarla durante il suo apprendistato nella bottega del Ghirlandaio , ma non la praticava da anni, ritenendosi a pieno titolo uno scultore, piuttosto che un pittoreTutti gli indizi paiono confermare la tesi che l'artista accettò l'incarico non tanto malvolentieri come i suoi biografi  lasciano immaginare, mossi piuttosto da intenti di autodifesa dettati dallo stesso Michelangelo, desideroso innanzitutto di discolparsi dalle accuse e le polemiche relative ai ritardi nella creazione della tomba di Giulio II, nonché di avallare il proprio mito di artista capace di trionfare contro le più difficili avversità.L'incarico venne formalizzato a Roma tra il marzo e l'aprile 1508.

Prompt: Explain the Thecommission. about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.


section

L'angelo ferito

Il quadro, molto famoso, è diventato con il tempo una sorta di icona nazionale della cultura finlandese. Nel 2007 si sono ispirati a quest'opera i Nightwish nel loro video Amaranth e gli Uniklubi nel loro video Luotisade. L'opera viene mostrata anche nel film Calamari Union del finnico Aki Kaurismäki.

Prompt: Focus on The Wounded Angel and explain the The work in mass culture.Please output in Italian.

2007
Aki Kaurismäki
Amaranth
Calamari Union
Nightwish


section

Saffo a Leucade

Il dipinto rappresenta il suicidio di Saffo da una rupe di Leucade, accogliendo pertanto l'ipotesi leggendaria che la poetessa si sia tolta la vita a seguito di un amore non corrisposto che nutriva nei confronti del giovane Faone, che in realtà è un personaggio mitologico. figura di Saffo risalta ai margini di una scogliera, in un paesaggio notturno rischiarato da raggi di luna, che sembra anticipare quello illustrato da Giacomo Leopardi nella lirica Ultimo canto di Saffo del 1822.In antitesi ad una visione statica dell'ideale classico, Gros delinea pertanto i tratti di una figura romantica, che affida alla natura la fine del proprio amore.Charles Blanc nel 1845 commentò che «intraprendere la rappresentazione pittorica della disperazione rappresentò una deviazione fondamentale dai principi dell'arte greca» . Sulla linea indicata da Charles Le Brun quando afferma che «un quadro non potrebbe essere perfetto senza l'Espressione», « Saffo di Gros è la dimostrazione di come un effetto di carattere emotivo possa essere trasmesso facendo ricorso alla precisione non meno che alla bravura».

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Sappho at Leucate.Please output in Italian.

1822
Charles Blanc
Charles Le Brun
Faone
Giacomo Leopardi
Saffo
Ultimo canto di Saffo


section

La perla e l'onda

perla e l'onda ritrae una donna nuda sdraiata sul fianco destro presso una spiaggia rocciosa, con la testa girata per guardare lo spettatore da sopra la spalla.  donna sembra sorridere e ha le labbra semiaperte.  figura è illuminata con tocchi perlati ed è contornata di azzurro. Sullo sfondo le onde si infrangono sulla costa. tela attirò l'attenzione dei contemporanei, anche per il sottotitolo con il quale venne presentata, Racconto persiano . Il dipinto venne accolto con elogi dai critici d'arte per la sua tecnica e la sua qualità distintiva. L'artista Kenyon Cox lo descrisse come "il dipinto migliore di nudo" del diciannovesimo secolo, e identificò alcune caratteristiche che descrisse, come "la grazia dell'atteggiamento", il corpo curvo ma snello di una donna giovane, la fossetta visibile nella spalla, il "sapore della linea sottile", la "bellezza del colore", la modellazione solida ma misteriosa e la "perfezione della superficie delicata". Cox credeva che queste caratteristiche facevano di questo dipinto un vero capolavoro.

Prompt: In The Pearl and the Wave, how is the Description discussed?Please output in Italian.