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Madonna del Padiglione

L'opera, che prende il nome dal baldacchino che sovrasta la scena sacra, è segnalata per la prima nell'inventario della collezione Ambrosiana del 1837 come dono della marchesa Fiorenza Talenti, la nobildonna milanese benefattrice del Collegio Oblati di Rho deceduta nel 1813. Potrebbe trattarsi di un lascito testamentario o comunque vicino alla morte poiché l'opera non figura nell'inventario del 1798.Forse si tratta del “picciol tondo” citato da Vasari nella vita di Botticelli come presente nella camera del Priore del monastero di Santa Maria degli Angeli a Firenze, forse Guido di Lorenzo di Antonio . datazione si basa su considerazioni stilistiche, per analogie con la Pala di San Marco  e le illustrazioni della Divina Commedia commentata da Cristoforo ndino .Un recente restauro ha ridato alla cromia i toni luminosi e trasparenti, permettendo di apprezzare appieno la grande raffinatezza pittorica, quasi a livello di .

Prompt: In Madonna del Padiglione (Botticelli), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è molto venerata ad Avellino e viene festeggiata i giorni 1 e 2 luglio.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Avellino of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Omaggio prussiano

upright=1.7LOmaggio prussiano o Tributo prussiano  fu l'investitura formale di Alberto di Prussia come duca del feudo polacco della Prussia ducale.All'indomani dell'armistizio che pose fine alla Guerra polacco-teutonica Alberto, Gran maestro dell'Ordine teutonico e membro del casato di Hohenzollern, visitò Martin Lutero a Wittenberg e subito dopo divenne favorevole verso il Protestantesimo. Il 10 aprile 1525, due giorni dopo la firma del Trattato di Cracovia che mise ufficialmente fine alla Guerra polacco-teutonica , nella piazza principale della capitale polacca di Cracovia, Alberto si dimise dalla sua posizione di Gran maestro dell'Ordine teutonico e ricevette il titolo di "Duca di Prussia" da re Sigismondo I il Vecchio di Polonia. Nell'accordo, parzialmente mediato da Lutero, il Ducato di Prussia divenne il primo stato protestante, anticipando la Pace di Augusta del 1555. L'investitura di un feudo protestante del Ducato di Prussia era per la Polonia, per ragioni strategiche, migliore di un feudo cattolico dello Stato dell'Ordine teutonico in Prussia, formalmente soggetto al Sacro Romano Impero e al Papato. Come simbolo di vassallaggio, Alberto ricevette dal re polacco uno stendardo con lo stemma prussiano. L'aquila nera prussiana sulla bandiera era ingrandita con una lettera "S"  e aveva una corona posta intorno al collo come simbolo di sottomissione alla Polonia.

Prompt: Focus on Prussian Homage (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Ordine teutonico
Cracovia
Ducato di Prussia
Gran maestro dell'Ordine teutonico
Martin Lutero
Ordine teutonico
Pace di Augusta
Papa
Papa
Polonia
Protestantesimo
Sacro Romano Impero
Trattato di Cracovia
Wittenberg


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Monumento equestre al Gattamelata

Donatello Rinascimento padovano Monumento equestre a Bartolomeo Colleoni

Prompt: Focus on Equestrian statue of Gattamelata and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Prigioniero

sindrome psicologica conosciuta come sindrome di Stoccolma descrive un fenomeno paradossale in cui, nel tempo, gli ostaggi sviluppano sentimenti positivi nei confronti dei loro rapitori. L'ego della vittima sviluppa una serie di meccanismi di difesa per sopravvivere e far fronte allo stress in una situazione traumatica.

Prompt: In the context of The Captive (painting), explain the Stockholm syndrome and the Culture of the detainee.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The influence of photography of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Madonna in trono col Bambino e angeli musicanti è una tempera su tavola  di Gentile da Fabriano, conservata alla Galleria nazionale dell'Umbria di Perugia e databile al 1403-1410 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child (Gentile da Fabriano, Perugia).Please output in Italian.

1403
1410
Galleria nazionale dell'Umbria
Gentile da Fabriano
Perugia
Umbria


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Ritratto del cardinale Niccolò Albergati è un dipinto olio su tavola  di Jan van Eyck, databile al 1431 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Cardinal Niccolò Albergati.Please output in Italian.

1431
Jan van Eyck
Kunsthistorisches Museum
Niccolò Albergati
Vienna


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Madonna Tempi

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Tempi Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Giudizio di Paride

Il giudizio di Paride fu un motivo molto amato nel Medioevo perché permetteva una interpretazione morale o tropologica delle diverse opzioni che si presentano all'uomo nella sua entrata nell'età adulta: la saggezza di Atena-Minerva rappresentava la vita contemplativa, le ricchezze di Era-Giunone la vita attiva, e l'amore di Afrodite-Venere la vita di piaceri.  È con questa funzione che l'episodio è raccolto, per esempio, nello Speculum doctrinale di Vincenzo di Beauvais.Anche Raimondo Lullo riprende questo esempio, nellArbre exemplifical, ma lo rilegge in chiave completamente diversa e metafisica, parlando di come «il Cerchio, il Quadrato e il Triangolo si incontrarono in Quantità, che era la loro madre, la quale aveva un pomo d'oro e domandò ai suoi figli se sapevano a quale dovesse dare quel pomo d'oro».

Prompt: In Judgment of Paris (Cranach, New York), how is the Allegorical rereading in the Middle Ages discussed?Please output in Italian.

Afrodite
Atena
Medioevo
Paride
Raimondo Lullo
Vincenzo di Beauvais


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Monumento a France Prešeren

Il monumento a France Prešeren  è un monumento storico realizzato in bronzo del poeta nazionale sloveno France Prešeren, situato in Piazza Prešeren a Lubiana, capitale della Slovenia. È uno tra i monumenti storici sloveni più famosi.

Prompt: How does Prešeren Monument (Ljubljana) explain its Abstract?Please output in Italian.

France Prešeren
Lubiana
Piazza Prešeren
Slovenia


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La vigna rossa

vigna rossa è un olio su tela del pittore olandese Vincent van Gogh, eseguito ad Arles nel novembre 1888. È l'unico dipinto che riuscì certamente a vendere durante la sua vita. Tuttavia, è probabile che lo stesso pittore fosse riuscito a vendere almeno un'altra delle sue tele, in quanto, come affermato nella lettera al fratello n° 506, afferma di aver ricevuto 20 franchi per il ritratto di un amico di padre Tanguy, probabilmente agli inizi del 1888.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Red Vineyard.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Describe the characteristics of the Other cultures and deities in Love & Loss's Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

Nella seconda metà del III secolo a.C. la lupa diventa uno dei motivi decorativi nei medaglioni in rilievo, inseriti al centro dei vasi aperti della ceramica calena. I medaglioni riproducono meccanicamente i modelli metallici, identificabili con le didramme  d'argento romano-campane; in secondo piano, alle volte, compare il fico ruminale su cui talvolta sono appollaiati uno o due uccelli. Accanto al nucleo centrale, con l'immagine della lupa e i gemelli, trovarono posto scene figurate più complesse in cui vanno sommandosi altri elementi del racconto mitico: ad esempio la presenza di due pastori, o del solo Faustolo: come riporta il denario del triumviro monetale Sesto Pompeo Faustolo databile al 133-126 a.C.; Faustolo rappresentato come un viaggiatore, a braccia incrociate e con il pedum, ha il braccio sollevato in segno di meraviglia, gesto che sottolinea il significato miracoloso dell'allattamento, secondo uno schema che avrà larga fortuna in seguito.In età tardo repubblicana, con il denario detto dellAugurium romuli, datato al 110 a.C., la raffigurazione della Roma Victrix, associata al "Lupercale" , entrò a far parte del repertorio figurativo delle gemme; contemporaneamente i pastori diventarono due e si perse la specifica connotazione di Faustolo.Con la fine dell'età Repubblicana la tradizione iconografica narrativa cede il posto a raffigurazioni isolate, privilegiate per il loro carattere drammatico o per l'importanza acquisita dalla scena nella propaganda personale dell'imperatore; in particolare la lupa romana diventa uno dei motivi decorativi adoperati su urne e altari funerari della prima età imperiale.Nell'età Augustea, l'immagine dell'allattamento dei gemelli, allude ad una vita felice che richiama l'avvento dellaura aetas celebrata nei ludi saeculares del 17 a.C. Dopo una lunga assenza dai coni monetali per tutta l'età giulio-claudia, la lupa che allatta i gemelli ricompare sui rovesci degli aurei di Tito e dei denari coniati a Roma da Diocleziano, poco tempo prima della morte di Vespasiano nel 79 d.C. In esergo è raffigurata una barchetta, che richiama la cesta nella quale furono ritrovati i due fanciulli; la piccola imbarcazione diventa il simbolo del salvataggio miracoloso, poiché solo grazie ad essa Romolo e Remo giunsero sulla riva del Tevere.Con l'età adrianea la lupa con i gemelli diventa un attributo caratterizzante della personificazione del fiume Tevere, accompagnato precedentemente dalla palma o dall'idria rovesciata. Sulla monetazione di questo imperatore la lupa compare con un atteggiamento nuovo: non più rivolta interamente verso i gemelli, ma con la testa girata di tre quarti. Il significato della nuova immagine va compreso in relazione alle effigi della lupa che mostrano una diversa postura e che rimandano ad un diverso atteggiamento programmatico della politica imperiale:l'animale accovacciato , richiama la mansuetudine ottenuta grazie all'intervento divino;l'animale rivolto verso i gemelli richiama la protezione accordata dall'imperatore al popolo romano;l'animale con la testa fieramente alzata richiama la predestinazione della grandezza dell'Impero.Il motivo della lupa avrà larga diffusione, con ampie e numerose varianti, anche nella monetazione e nei medaglioni bronzei di Antonino Pio, il quale riprende il programma del suo predecessore e recupera, con le medesime motivazioni ideologiche, l'intero repertorio relativo al passato leggendario di Roma. Dopo Adriano, l'immagine della lupa nutrice, si diffonde nella monetazione provinciale; ben tre legioni hanno adoperato la lupa romana come insegna militare: la II legione Italica , la VI legione Ferrata  e l'XI legione Claudia .Con il III secolo d.C., il tema dell'allattamento miracoloso scompare dai monumenti pubblici e dalla monetazione di Roma e fa la sua apparizione solo in particolari occasioni legate a ricorrenze eccezionali; come i giochi secolari celebrati da Filippo l'Arabo nel 248 d.C., che secondo il computo verroniano, coincideva con il millesimo anniversario di Roma e nei successivi anniversari festeggiati da Gallieno, da Probo e da Carusio con cadenza decennale.Nel IV secolo d.C. la veneranda immagine della lupa torna in voga con Massenzio, l'ultimo vero imperatore romano, che tentò di restituire a Roma la centralità perduta rinnovandone i monumenti e dando al proprio figlio il nome del suo fondatore: Romolo. statua che conosciamo venne quasi sicuramente realizzata tra il X e il XIV secolo, grazie alle recenti analisi condotte sulle terre di fusione usate nella lega bronzea. Fino a pochi anni fa la si riteneva invece un originale datato, con esiti diversi, dagli inizi del V secolo a.C. al III secolo a.C., che non era mai finito sotto terra. Ciò testimonia, comunque, la prova della continuità dello spirito romano dall'antichità attraverso il medioevo e oltre.

Prompt: Explain the La Lupa the coinage about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Capitoline Wolf.Please output in Italian.

110 a.C.
126 a.C.
17 a.C.
248
79
Adriano
Antonino Pio
Carusio
Diocleziano
Faustolo
Filippo l'Arabo
Gallieno
III secolo
III secolo a.C.
IV secolo
Lupercale
Massenzio
Roma
Romolo e Remo
Sesto Pompeo Faustolo
Tevere
V secolo a.C.
Vespasiano
XIV secolo


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La danza tra le spade

Un dettaglio dei fiori e della fontanella in primo piano.Il dipinto raffigura una donna nuda  che esegue una danza fra sei spade corte romane per terra.  danzatrice si erge in punta di piedi mentre tre donne accanto a lei suonano.  danza è assistita da sei uomini che si riposano mentre si godono del vino fresco. In basso a destra c'è una fontanella.  scena si svolge sulla terrazza alberata di una villa romana che si affaccia su una baia semicircolare circondata dalle montagne che vanno dissolvendosi dolcemente. Il paesaggio immortalato nel quadro potrebbe mostrare i dintorni di Taormina, in Sicilia, dove i Siemiradzki passavano spesso le vacanze estive.Anche Stanisław Ignacy Witkiewicz, che non era a favore degli altri quadri di Siemiradzki, apprezzò questa tela.

Prompt: Focus on The Sword Dance and explain the Description.Please output in Italian.

Sicilia
Stanisław Ignacy Witkiewicz
Taormina


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I Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa è un dipinto a olio su tavola  di Giovanni Bellini, firmata e datata 1513, e conservato nella chiesa di San Giovanni Crisostomo a Venezia.

Prompt: Focus on Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse and explain the Abstract.Please output in Italian.

1513
Giovanni Bellini
Ludovico di Tolosa
Venezia


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Maja desnuda

Malgrado sia difficile schematizzare il genio di Goya entro i ristretti orizzonti di una determinata corrente artistica, è possibile collocare il quadro nell'ambito del Romanticismo. Ciononostante quest'opera, come altre dello stesso autore, risulta audace e singolare per l'epoca, come parimenti audace è lo sguardo malizioso e ammiccante della modella, che trasmette all'osservatore un certo turbamento a causa della sua disinibizione, e il suo atteggiamento conturbante. Ella, sembra sorridere soddisfatta e contenta delle sue grazie: è la prima opera d'arte a noi pervenuta nel quale vengono dipinti i peli pubici, che risaltano nel complessivo erotismo della composizione. Vi è inoltre un altro dettaglio raro e sottilmente erotico, nella presenza evidente della linea nigra che collega la vulva all'ombelico.Oltre agli altri nudi che si trovavano nel gabinetto segreto di Godoy, gli studiosi hanno individuato altre possibili fonti iconografiche, in particolar modo Tiziano e le sue opere presenti nelle collezioni reali: il Baccanale degli Andrii, la Danae, Venere e Adone. Tiziano doveva avere comunque un ruolo importante se, come nota Pérez Sánchez, nello stesso periodo anche Füssli prende a riferimento per un suo nudo il maestro veneziano.Nella cultura occidentale, fino a Goya, la rappresentazione del corpo nudo femminile ha sempre dovuto ricorrere a vari sotterfugi ; in questo dipinto, al contrario, la donna è reale, carne e sangue. È cioè il ritratto sconcertante e preciso di una donna nuda sdraiata fra lenzuola stropicciate che espone la propria sessualità per attrarre lo spettatore: si comprende come dovette essere celata sotto l'immagine ben più rassicurante e generica della Vestida. Il volto è affilato, sottile, gli occhi senza trucco ma vivi e mobili, i capelli sono neri, morbidi e arricciati. Il corpo, di orgogliosa naturalezza, dalle minute proporzioni, è particolarmente luminoso. luce emanata del corpo della donna e l'espressività dei suoi occhi creano un forte contrasto con il resto dell'ambiente. Brani di particolare virtuosismo pittorico sono anche l'incarnato ambrato della modella e il damasco dell'alcova, attraversato da un sottile reticolo: la sua coloritura deriva da un minuzioso gioco di verdi che contrasta col bianco rosato dell'incarnato, ed è in questo modo che la Maja sembra brillare di luce propria, sospesa nello spazio oscuro che la circonda.

Prompt: Explain the Description of this artwork, La maja desnuda.Please output in Italian.

Baccanale degli Andrii
Roma
Romanticismo


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Oscar Wilde Memorial Sculpture.Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini  è un piccolo altarolo portatile dotato di quattro scomparti dipinti fronte-retro . Dipinto da Simone Martini intorno al 1333-1337, raffigura l'Annunciazione , Scene della Passione di Gesù Cristo  e gli stemmi della famiglia del committente . Tutti gli scomparti sono circa 29,5x21,5 cm . Oggi si trova disperso in musei di Anversa, Parigi e Berlino.

Prompt: Focus on Orsini Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.

1333
1337
Anversa
Berlino
Parigi
Simone Martini


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Madonna Chellini

Nel 1456 il medico Giovanni Chellini annotò nel suo Libro di debitori creditori e ricordanze di aver curato, il 27 agosto, l"uomo grande" Donatello e di averne ricevuto in segno di gratitudine e pagamento un piccolo tondo di bronzo, raffigurante "la Vergine Maria col Bambino in collo e due angeli da lato, tutto di bronzo e dal lato di fuori cavato". Chellini, che aveva assai gradito il dono, avrebbe in seguito riprodotto l'opera dopo aver versato vetro fuso dall'altra parte del tondo. data segna il termine ante quem per l'opera, che potrebbe essere stata fusa in un periodo antecedente imprecisato. Chellini apprezzò il lavoro degli scultori: di lui resta anche un busto di Antonio Rossellino pure al Victoria and Albert Museum di Londra, e la sua tomba, scolpita da Bernardo Rossellino, si trova nella chiesa di San Domenico a San Miniato.

Prompt: Focus on Chellini Madonna and explain the History.Please output in Italian.

1456
Antonio Rossellino
Bernardo Rossellino
Donatello
Giovanni Chellini
Londra
San Miniato
Victoria and Albert Museum


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Pigmalione e Galatea

versione scultorea, oggi al castello HearstNel 1891, Gérôme realizzò una statua di marmo sullo stesso soggetto , forse basata su una versione in gesso usata come modello del dipinto.Le due versioni del dipinto appaiono sullo sfondo di due dipinti dove l'artista si autorappresentò mentre scolpiva Tanagra, un'opera realizzata lo stesso anno del dipinto Pigmalione e Galatea. Il primo, L'artiste et son modèle, oggi si trova al museo Haggin, mentre il secondo, Travail du marbre, è conservato al museo d'arte Dahesh. Le due tele sono molto simili e differiscono solo per alcuni particolari: la riproduzione di Pigmalione e Galatea si trova appesa alla parete, a sinistra dell'artista. Gérôme s'immedesimava così in Pigmalione mentre cercava di scolpire la sua donna perfetta.

Prompt: How does Pygmalion and Galatea (Girodet) explain its ''Pigmalion and Galatea'' in the subsequent works of Gérôme?Please output in Italian.


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Autoritratto come una tahitiana

Il nipote di Amrita Sher-Gil, l'artista indiano Vivan Sundaram, realizzò una serie di fotomontaggi digitali in bianco e nero chiamata Re-take of Amrita, nella quale vari dipinti di Amrita venivano uniti a delle foto scattate da suo padre Umrao Singh Sher-Gil. Tra questi fotomontaggi ce n'è uno che unisce lAutoritratto come una tahitiana ad una fotografia di Amrita in costume da bagno.  foto in questione venne scattata nel 1938 dall'ungherese Victor Egan.

Prompt: Focus on Self-Portrait as a Tahitian and explain the Welcome.Please output in Italian.

Amrita Sher-Gil
Autoritratto
Vivan Sundaram


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Giornata buia

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: How does The Gloomy Day explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Odalisca con schiava

Dettaglio della suonatrice di tanbur dalla seconda versione dell'opera.Dato che Ingres non visitò mai il Medio Oriente, la scena rappresentata è puramente immaginaria, basata sulla percezione europea degli harem del mondo arabo . Il dipinto raffigura un'odalisca seminuda sdraiata per terra, mentre appoggia la testa su un cuscino, accanto alla quale si trova una schiava che suona un tanbur o un dutar. In secondo piano si trova un eunuco dalla pelle scura. L'ambientazione è costituita da una stanza chiusa, i cui muri sono decorati con decorazioni geometriche, che presenta dei tappeti grigi e con delle tende rosse ai lati del quadro. Accanto all'odalisca sono presenti un narghilè e un ventaglio.  musicista venne dipinta partendo da una modella in studio e molti dettagli come il tanbur derivano dalle incisioni.Ingres fu aiutato da alcuni suoi studenti che gli fecero da assistenti. Tra questi c'era Raymond Balze, che descrisse così la sua esperienza: "Ingres iniziò i suoi studi partendo dalla natura e preparò il bozzetto sulla sua tela, poi fece realizzare ai suoi studenti le parti meno importanti, molto rifinite, come la struttura, i mosaici, i tappeti, i mobili, gli strumenti.  Poi, quando tutto era rifinito, egli si impegnò da solo ad armonizzare il tutto con degli strati di colore."

Prompt: How does Odalisque with Slave explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Ritratto della famiglia di Ferdinando IV

Prompt: Focus on Telemachus and the Nymphs of Calypso and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the The Twentieth Century.Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (Lorenzetti)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait with Palette (Manet), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia di Francesco I

composizione è particolarmente affollata, con la Madonna che afferra il bambino da un cesto ricoperto di cuscini, al centro, mentre Giuseppe sorveglia da dietro e da sinistra sant'Elisabetta aiuta il giovane Giovanni Battista a fare un gesto di preghiera. Più dietro si vedono due figure angeliche, una delle quali si allunga per mettere una corona di fiori in testa a Maria. Più sintetica è la descrizione del paesaggio, visibile sulla sinistra attraverso un'apertura di quella che sembra una capanna.Il maestro sperimentò in quest'opera inediti effetti cromatici e luminosi, ispirandosi allo sfumato leonardesco ed alla plasticità dirompente alla Michelangelo; Sebastiano del Piombo, in una lettera al Buonarroti stesso, criticò l'opera parlando di "figure di ferro che luceano" e parevano state "al fumo".

Prompt: Focus on Holy Family of Francis I and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Tormento di sant'Antonio

Ascanio Condivi, Giorgio Vasari e Benedetto Varchi sono concordi nel menzionare una copia dell'incisione di Martin Schongauer  delle Tentazioni  di sant'Antonio, eseguita dal giovanissimo Michelangelo  su suggerimento del compagno di bottega Francesco Granacci, di qualche anno più grande. Varchi ricordò come l'opera fosse il primo dipinto del futuro grande maestro e Condivi, in particolare, si dilungò a ricordare come l'opera fosse su "legno" e come "oltre all'effigie del santo, c'erano molte strane forme e mostrosità di demoni", nei quali Michelangelo dimostrò una particolare curiosità sul colore  "che nessuna parte coloriva, ch'egli prima col naturale non avesse conferita, si che andatosene in pescheria, considerava di che forma et colore fossero l'ali dei pesci, di che colore gli occhi, e ogn'altra parte, rappresentandole nel suo quadro". L'opera avrebbe anche destato l'invidia del Ghirlandaio, presso cui i due ragazzini erano a bottega.I biografi antichi però tralasciano di menzionare dove la tavola si trovi, facendo pensare che all'epoca se ne fossero già perse le tracce.  critica moderna, già del XIX secolo, ha cercato di ritrovare il dipinto. Un primo tentativo spetta a G. Bianconi che trovò un dipinto col medesimo soggetto, proponendolo come autografo, ma venendo poi respinto dagli altri studiosi.Il dipinto presente fu invece pubblicato da Clément nel 1861. Esso è segnalato per la prima volta nella collezione Scorzi a Pisa nel 1837, quando venne ceduto al barone Triqueti; nel 1886 fu dei Lee-Child e nel 1905 circa di sir Paul Harwey, che nel 1960 lo mise in vendita a un'asta di Sotheby's. Prima di allora la possibile autografia era stata sostenuta da altri, come Montaiglon , ma messa anche in dubbio .

Prompt: Focus on The Torment of Saint Anthony and explain the History.Please output in Italian.

Ascanio Condivi
Benedetto Varchi
Francesco Granacci
Giorgio Vasari
Martin Schongauer
Paul Harwey
Pisa
Sotheby's


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Dinosauri di Crystal Palace

Il romanzo di Charles Dickens del 1853, Casa Desolata, inizia con una descrizione di strade fangose, il cui carattere primordiale è enfatizzato dalla prima menzione in assoluto di qualsiasi dinosauro in un'opera popolare:</ref>}}Nel romanzo di H.G. Wells del 1905, Kipps, Kipps ed Ann visitano il Crystal Palace e siedono "alla presenza del byrinthodon verde e oro che incombe così magnificamente sul lago" per discutere del loro futuro. C'è una breve descrizione dei dinosauri e dei loro dintorni e dell'impatto che hanno sui personaggi.[41] Molti libri per bambini di E. Nesbit mostrano le sculture dei dinosauri del Crystal Palace che prendono vita, tra cui The Enchanted Castle . Nel romanzo del 1932, Have His Carcase, di Dorothy L. Sayers, il personaggio di Lord Peter Wimsey menziona i "mostri antidiluviani" del Crystal Palace.[42] Il libro per bambini di Ann Coates, Dinosaurs Don't Die, del 1970, illustrato da John Vernon Lord, racconta la storia di un ragazzo che vive vicino a Crystal Palace Park e scopre che i modelli di Hawkins prendono vita; fa amicizia con uno degli Iguanodon e lo chiama "Rock" e visitano insieme il Museo di storia naturale.[43]Lo scrittore di viaggi Paul Theroux menziona i dinosauri nel suo romanzo del 1989, My Secret History. Il narratore del romanzo, Andre Parent, viene a sapere per caso dell'infedeltà della moglie quando il suo giovane figlio, Jack, rivela di aver visitato i dinosauri in compagnia dell'amico di sua madre durante la prolungata assenza di Andre per raccogliere materiale per un diario di viaggio.  storia del titolo nel romanzo di Penelope Lively del 1991, Fanny and the Monsters, parla di una ragazza vittoriana che visita i dinosauri del Crystal Palace e rimane affascinata dalle creature preistoriche. The Lie Tree, un mistero-fantasy per bambini del 2015 di Frances Hardinge presenta una scena in un sogno con alcuni dei modelli dei dinosauri che prendono vita.George Baxter, un pioniere della stampa a colori, realizzò una nota incisione che immagina Crystal Palace, incastonata nel suo parco paesaggistico con alte fontane e i dinosauri in primo piano, prima dell'apertura del 1854.I dinosauri sono stati anche presenti in molti programmi televisivi, di recente in Good Omens su Amazon Prime.

Prompt: How does Crystal Palace Dinosaurs explain its In mass culture?Please output in Italian.

Amazon Prime
Charles Dickens
Dorothy L. Sayers
Frances Hardinge
George Baxter
Iguanodon
Kipps
Paul Theroux
Penelope Lively


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Bellini, Pavia)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Busto di Gabriele Fonseca

Fu eseguito tra il 1668 e il 1674. Si trova nella parrocchia di San Lorenzo in Lucina a Roma, in Italia. Il soggetto ritratto, Gabriele Fonseca, era il medico  di papa Innocenzo X.  scultura del defunto orna la cappella Fonseca.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Bust of Gabriele Fonseca.Please output in Italian.


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Ninfe e satiro

Considerato esser come l'artista archetipo della lussuria della pittura ottocentesca, anche se dal punto di vista dell'erotismo non è uno dei pittori più interessati di quegli anni: ciò che vediamo pare difatti essere una continuazione del barocco, senza l'apertura nei confronti del desiderio di un Peter Paul Rubens. "Ninfe e satiro" è pertanto un esempio di stile in cui la maestria tecnica riesce a far visualizzare la scena energica che è raffigurata. In Bouguereau, così come in Jean-Baptiste Greuze, vi è una combinazione inquietante di innocenza e di malizia.L'autore, che ha fatto tutta una serie di disegni preparatori, pone le figure umane in pose interconnesse complicate, che le collegano insieme in una composizione meravigliosamente ritmica.Il suo lavoro è divenuto sempre più popolare negli Stati Uniti, fino ad essere riprodotto più e più volte in tutto il paese, con grande scandalo dei moralisti.

Prompt: Explain the Criticize of this artwork, Nymphs and Satyr.Please output in Italian.


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Colonna di Cristo

Colonna di Bernoardo venne realizzata per chiesa di San Michele a Hildesheim, luogo di fondazione e di sepoltura del vescovo Bernoardo. Inizialmente si trovava nel coro orientale, dietro l'altare, sormontata da una croce trionfale. Questa collocazione sotto l'arco di trionfo è stata proposta da Gallistl utilizzando le fonti letterarie e confermata nel 2006 da scavi. Inoltre, una colonna di marmo rivestita di rame si trovava davanti all'altare, la cui pietra proveniva dal Mediterraneo orientale e, secondo fonti successive, era un dono dell'imperatore Ottone III a Bernoardo.L'altare era equiparato alla tavola delle offerte nella sala anteriore del Tempio di Salomone, anch'essa posta tra due colonne . Un grande lampadario a ruota, forse ulteriore dono di Ottone III a Bernoardo, era sospeso sopra la colonna fino al 1662, con una brocca di porfido al centro che si diceva provenisse dal banchetto delle Nozze di Cana. Questa disposizione di una colonna sormontata da una croce, un altare e un lampadario a ruota è stata modellata sulla chiesa del Santo Sepolcro, che era anche equiparata alla sala anteriore del Tempio di Salomone. Inoltre, la distanza di circa 42 metri tra la posizione originale della colonna e la tomba di Bernoardo nella cripta occidentale di San Michele corrispondeva alla distanza tra la Rotonda della Resurrezione e il Golgota nella chiesa del Santo Sepolcro, secondo i rapporti dei pellegrini.Nel 1544, durante il caos della Riforma protestante a Hildesheim, la croce in cima alla colonna fu rimossa dagli iconoclasti. Il crocifisso venne fuso e il materiale riutilizzato per realizzare un cannone, il che fa pensare che fosse di dimensioni considerevoli. Dopo la demolizione del coro est di San Michele nel 1650 e il conseguente crollo della crociera est, anche il capitello della colonna, che "pesava circa cento libbre", venne fuso e sostituito da un capitello in legno di identica forma e dimensione, destinato a nascondere la sostituzione. Un'incisione di Johann Ludwig Brandes  indica che era decorato con figure. Poiché i capitelli figurativi di questo tipo sono attestati solo a partire dal XII secolo, è stato suggerito che neppure il capitello fuso nel Seicento fosse l'originale bernoardiano, e che questo originale venne sostituito durante i lavori di ristrutturazione della chiesa del chiostro nella seconda metà del XII secolo. Il resto della colonna non venne negli anni successivi, nonostante il suo valore come materia prima, a causa del suo antico significato come reliquia di contatto, poiché si credeva fosse stata realizzata personalmente da san Bernoardo.Nel 1810, dopo la secolarizzazione del chiostro cattolico  e l'abolizione della parrocchia protestante di San Michele , la colonna fu rimossa su iniziativa privata dei funzionari della diocesi e installata a nord del Domhof, il cortile tra la cattedrale e la casa del vescovo. Nel 1870 lo scultore locale Karl Küsthardt realizzò per la colonna un nuovo capitello in bronzo, che doveva imitare il precedente in legno o un'illustrazione di esso e indirettamente mantenere l'aspetto del vecchio capitello di bronzo. Nel 1893 la colonna fu trasferita all'interno della cattedrale.Il 30 settembre 2009 è stata ricollocata in San Michele per i lavori di ristrutturazione della cattedrale, che si sono protratti fino all'agosto 2014, quando gli è stata restituita.

Prompt: How does Bernward Column explain its History original exhibition?Please output in Italian.

Hildesheim
Riforma protestante
Tempio di Salomone


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Madonna delle Grazie

left penultima domenica di settembre, a Catenanuova si festeggia la compatrona Madonna delle Grazie. Alle ore 11:00 la prima messa, e in serata dopo la messa delle ore 19:00, il simulacro ligneo di autore ignoto del 1750 viene portato in processione per le vie principali, con giochi pirotecnici, banda musicale; e con la partecipazione del popolo e delle autorità. Questo simulacro è stato donato dal principe Andrea Riggio, fondatore di Catenanuova, tanto che alla sua base vi è dipinto lo stemma che racchiude gli emblemi delle quattro famiglie, paterna e materna del Principe, e cioè: Riggio Saladino  e Statella Paternò . Inoltre Maria Santissima delle Grazie nel corso dei secoli è stata sempre la più venerata dai catenanuovesi, e ne danno testimonianza gli ori votivi che ha ricevuto ininterrottamente dal 1750 a oggi. Fra di essi, si trovano pure dei preziosi appartenuti alla famiglia dei Principi fondatori di Catenanuova.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Catenanuova of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Dopo l'inizio della predicazione degli apostoli, iniziarono le persecuzioni da parte del Sinedrio. zzaro, Maria Salome, Marta di Betania, Maria Jacobé e Maria Maddalena, assieme alla serva Sara la Nera, furono gettati in mare su una barca dagli ebrei, perché morissero. Vagarono per lungo tempo in mare su una barca priva di remi e nocchiero, finché dalla Terra Santa giunsero in Provenza, nel territorio la Couronne, dove dopo lungo peregrinare trovarono finalmente un pozzo di acqua potabile: per tal motivo il luogo d'approdo è chiamato ancora oggi Santo Terro, "santa terra"[2], dove vi è una cappella dedicata alla Santa Croce, la chiesetta della Sainte-Croix, il famoso pozzo e la presunta impronta di un piede di zzaro. Due volte l'anno vi è una processione alla cappella. Da qui, imbarcata l'acqua potabile necessaria, i santi personaggi avrebbero proseguito per la Camargue, per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer.Dall'abitato di Saintes-Maries-de-la-Mer, mentre Maddalena si sarebbe diretta verso Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, zzaro a Marsiglia, Marta a Tarascona, Maria Salomé, Maria Jacobé e Sara si sarebbero stabilite vicino alloppidum, evangelizzando la regione. Maddalena si ritirò a fare vita eremitica in una grotta, dove visse senza curarsi di cibo e vestiti. Le crebbero allora i capelli a coprire tutto il corpo e vennero degli angeli per trasportarla in cielo in estasi ogni giorno,  fino alla morte. Una famosa versione di questa storia è contenuta nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze .

Prompt: In Mary Magdalene (Perugino), how is the Golden Legend of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.

Betania
Camargue
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Legenda Aurea
Maria Jacobé
Marsiglia
Marta di Betania
Provenza
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Santo
Sara la Nera
Tarascona


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Sacra Famiglia Canigiani

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.Alessandro Conti, Storia del restauro e della conservazione delle opere d'arte, Electa, Milano 2002. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In Canigiani Holy Family, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel Comune di Casteltermini, la prima domenica di settembre culminano i festeggiamenti di Maria SS. della Grazia, al termine di un novenario di funzioni religiose, tra rosari e celebrazioni eucaristiche, che si svolgono nel piazzale antistante la chiesa seicentesca della "Madonna della Grazia", da cui prende il nome, appunto "Grazia", il quartiere circostante. Nella domenica della festa si svolgono due celebrazioni eucaristiche: quella diurna, durante la quale avviene, come da tradizione, la benedizione e distribuzione dei melograni locali; quella serale, al cui termine, accompagnata dalle marce della banda musicale, prende avvio la processione del simulacro di Maria SS. della Grazia, che percorrendo la cd. "sciata di santi" si snoda per le vie principali del paese per poi ritornare nuovamente nel quartiere di provenienza, il cui rientro in chiesa viene sancito da uno spettacolo pirotecnico.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Casteltermini of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Sebastian de Morra

Sebastian de Morra è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1644 circa dal pittore Diego Velázquez.È conservato nel Museo del Prado.Sebastian de Morra era un nano buffone di corte, storpio dalla nascita. Velázquez lo ritrasse seduto, in una posizione che ricorda i burattini, con un'espressione severa e triste che contrasta con la sua professione, quasi a voler dar voce al tormento dell'uomo.

Prompt: How does Portrait of Sebastián de Morra explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Lepenski Vir

Il sito principale consiste di diverse fasi archeologiche, denominate proto-Lepenski Vir, Lepenski Vir Ia-e, Lepenski Vir II e Lepenski Vir III, che coprono oltre un millennio di storia dal mesolitico al neolitico. Numerosi altri villaggi appartenenti alla stessa civiltà e risalenti allo stesso periodo vennero scoperti nelle vicinanze. Tali siti includono, tra gli altri Hajducka Vodenica, Padina, Vlasac, Ikaona e Kladovska Skela. Gli artefatti ritrovati consistono di utensili di pietra e ossa, resti di abitazioni e oggetti rituali tra cui particolari sculture di pietra.Si presume che gli abitanti di Lepenski Vir rappresentino i discendenti delle prime popolazioni europee della civiltà dei cacciatori-raccoglitori di Brno-Předmost dalla fine dell'ultima glaciazione. L'evidenza archeologica di abitazioni nelle vicinanze di caverne risale al 20000 a.C. Il primo insediamento sul plateau inferiore a Lepenski Vir risale invece al 7000 a.C., un periodo in cui il clima si è già notevolmente riscaldato.Lo sviluppo dell'insediamento fu fortemente influenzato dalla topologia dell'area, al centro della regione in cui il Danubio apre un varco attraverso i Carpazi, dopo aver lasciato la pianura pannonica.  Si trovava infatti su un sottile plateau sulle rive del Danubio, tra le scoscese pendici dei monti e la corrente del fiume, e forniva per questo motivo, limitate risorse in termini di cibo, materiali da costruzione e spazi abitativi. I ritrovamenti dello strato più antico, proto-Lepenski Vir, consistono infatti di un insediamento di forse solo quattro o cinque famiglie con meno di cento abitanti.  fonte di alimentazione primaria fu probabilmente la pesca. Comunità di pescatori di questo tipo erano tipiche della regione della più larga valle del Danubio in questo periodo.In un secondo tempo, il problema del sovrappopolamento dell'insediamento originale si fa evidente. In questo periodo si verificarono importanti cambiamento che fanno di Lebensky Vir una cultura veramente d'eccezione nell'era del Mesolitico.Reperti archeologici nella zona circostante danno l'evidenza di insediamenti costruiti ai fini della caccia e la raccolta di alimenti e di materie prime. Questo suggerisce una complessa economia semi-nomade basata sullo sfruttamento delle risorse nella zona immediatamente circostante il paese, qualcosa di straordinario per la visione tradizionale del Mesolitico in Europa. Una maggiore complessità in una economia porta alla specializzazione professionale e quindi di differenziazione sociale.Ciò è particolarmente evidente nella struttura di Lepenski Vir-bis. Il villaggio è ben pianificato. Tutte le case sono costruite in base ad una complessa struttura geometrica. I resti di abitazioni costituiscono esempi chiari della architettura di Lepenski Vir, uno degli importanti risultati di questa cultura.  disposizione principale del paese è chiaramente visibile. I morti sono stati sepolti al di fuori del villaggio in un elaborato cimitero. Apparentemente le uniche eccezioni sono relative alla cremazione di anziani notabili che sono state effettuate dietro il camino delle case, secondo un rito religioso.

Prompt: Explain the History of this artwork, Lepenski Vir.Please output in Italian.

7000 a.C.
Brno
Carpazi
Danubio
Europa
Mesolitico
Předmost


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Abaporu

Nonostante sia uno dei simboli del modernismo brasiliano, Abaporu non era presente alla Settimana d'Arte Moderna del 1922, perché il quadro sarebbe stato dipinto solamente nel 1928. Nel 1922, nei giorni della Settimana , Tarsila stava a Parigi in cerca di un'identità artistica e sarebbe tornata nel suo paese alla fine di quell'anno.

Prompt: In Abaporu, how is the Abaporu in Brazil of the History explained?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane con lucerna

Il Ritratto di giovane con lucerna è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1506 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum a Vienna.

Prompt: In Portrait of a Young Man with a Lamp, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1506
Kunsthistorisches Museum
Lorenzo Lotto
Vienna


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Madonna delle Grazie

statua della Madonna delle Grazie viene venerata anche a Roccavivi, un paese in provincia dell'Aquila. Alle pendici del monte Pizzo Deta è collocato l'antico santuario dedicato alla Madonna, dove il 13 agosto di ogni anno la statua viene portata in processione per circa tre chilometri fino a raggiungere il paese sottostante. Il giorno successivo la statua della Madonna viene portata in processione per le strade del centro.  venerata immagine della Madonna delle Grazie rimane nella chiesa madre di Santa Maria Assunta fino alla prima settimana di ottobre quando la statua viene trasportata in corteo al santuario.Il 2 luglio viene celebrata una messa in onore della Madonna. Il sabato e la domenica successivi si dà il via ai festeggiamenti, quando la processione con fiaccolata raggiunge la piccola chiesa  dove viene celebrata la messa.

Prompt: Describe the characteristics of the Roccavivi in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: How does Annunciation Diptych explain its Abstract?Please output in Italian.


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Natività mistica

Prompt: Focus on The Mystical Nativity and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Trionfo di Galatea

Margherita Luti  Fornarina  Velata Villa Farnesina Agostino Chigi

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Galatea (Raphael).Please output in Italian.

Agostino Chigi
Margherita Luti
Villa Farnesina


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Allegoria sacra

LAllegoria sacra è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile tra il 1490 e il 1500 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. È una delle opere più enigmatiche e misteriose dell'artista e del Rinascimento in generale, a causa delle difficoltà nell'assegnare un significato esatto al soggetto.

Prompt: Focus on Holy Allegory and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Amore e dolore

Vampiro nella foresta Una versione del dipinto è stata rubata dal Museo Munch il 23 febbraio 1988. È stata recuperata più tardi nello stesso anno, quando il ladro ha contattato la polizia.Nel 2008, a un'asta di Sotheby's, una versione del dipinto del 1894 è stata venduta per 38,2 milioni di dollari e ha stabilito il record mondiale per asta di un dipinto di Munch Nel 1895, Munch creò una xilografia con un tema e una composizione molto simili, nota come Vampyr II.Nel 1916-1918, Munch riutilizzò la composizione in un ambiente diverso per due dipinti chiamati Vampire in the Forest e Vampire, attualmente nella collezione del Munch Museum ad Oslo.

Prompt: Describe the characteristics of the Versions in Love and Pain (Munch)'s Description.Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Riguardo al ritratto del giovane suonatore di liuto, oltre alla proposta che si tratti del castrato Pedro de Montoya e all'amico di Caravaggio, il pittore siciliano Mario Minniti, dei quali si è sopra detto, si è pensato a un'altra possibilità: A. Corboz lo considera un autoritratto , da mettere accanto a quello molto verosimile dei Musici o Concerto, ma dopo questo e accanto a quello, altrettanto certo, del Ragazzo morso da un ramarro, ma prima di questo. Alcuni, come Julian, pensano che si tratti di un ragazzo abbigliato da donna, ma non il pittore travestito. Non è compreso fra gli autoritratti di Caravaggio giovane nello studio di fisiognomica dell'autoritratto di Caravaggio nei suoi dipinti di Mauro de Vito, che invece comprendono quelli del Bacco, del Bacchino malato, della Musica, del  Ragazzo morso da un ramarro e del Fruttarolo. L'uso dell'autoritratto si rende necessario quando non si hanno modelli a disposizione da poter pagare per le pose e nei suoi inizi era certo questa la condizione del pittore che, per autoritrarsi, aveva usato uno specchio. Nel dipinto dell'Ermitage, che sembra conforme alla descrizione del Baglione , il vaso di fiori mostra un rapporto di corrispondenza con la figura del giovane suonatore di liuto e a questo proposito, Hermann Fiore cita un noto passo del Giustiniani nella lettera a Dirck van Amayden:" Il Caravaggio disse, che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure". Dare pari dignità, dunque tanto alla natura morta quanto alla viva e in questo senso la frase del Moir, dopo un'attenta osservazione dei fiori sul modello della tradizione di uno specialista come Jan Bruegel, ci sembra piuttosto convincente: " I fiori di Caravaggio hanno meno l'aspetto di esemplari conservati , sono più vitali, come creature vive che ancora reagiscono crescendo al sole, nella terra, alla luce". In ambedue i dipinti, quello di Leningrado e quello di New York si nota il virtuosismo prospettico della disposizione dei tavoli e degli oggetti e la resa naturalistica dei due piani, uno di marmo, l'altro con una coperta damascata; di pari virtuosismo è la resa della" natura morta", dei fiori e della frutta . Il mazzo di fiori è composto da iris bianchi e boccioli, una rosa, margherite, anemoni, garofani e altri fiori comuni, collocati in un vaso di cristallo che riflette la luce della finestra. Il ragazzo, sorpreso mentre sta per cantare, offre il suo canto d'amore, ma nello stesso tempo determina un " paragone" con" il potere universale della pittura...teorizzato dal più grande dei maestri lombardi, Leonardo da Vinci, del quale le fonti riferiscono anche la pittura di un magnifico vaso di fiori bagnati dalla rugiada" . Un rapporto simbolico può trovarsi con i cinque sensi, vista, olfatto, udito, tatto e gusto, infatti le corrispondenze possono essere con le figure offerte in primo piano , i fiori , il gusto , gli strumenti musicali .Oltre ai sensi, anche l'armonia è alla base del soggetto. Il Moir, citato da Marini, si chiede se " non potrebbe indicare che l'amore è finito e che il musicista è abbandonato alla solitudine? Non è forse tutto il dipinto un tema della vanitas, un lamento malinconico per la transitorietà delle cose e delle esperienze di questo mondo temporale e fisico?". Tanto Del Monte che il Giustiniani erano appassionati di musica, possedevano collezioni di strumenti musicali, libri, dipinti, partecipavano attivamente a concerti, anche organizzati nelle proprie dimore; il Giustiniani era anche teorico musicale e alla pari del Del Monte e, forse dello stesso Caravaggio , manca delle fenditure e ha sulla tastiera un fiore stilizzato che potrebbe essere il marchio del costruttore di inizio secolo XVI ; vi è poi un flauto dolce, forse tedesco e uno spinettino forse anch'esso tedesco, Christiansen ritiene che gli strumenti dovevano far parte della collezione del Monte, compreso il tappeto orientale , o della collezione Barberini, mentre il violino a 7 corde è lo stesso che appare nella Musica o Concerto sempre del Metropolitan che doveva fare da pendant con il Ragazzo che suona il liuto nella medesima stanza.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, The Lute Player (Cariani).Please output in Italian.

Bacchino malato
Mario Minniti
Ermitage
Ragazzo morso da un ramarro


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Pala Nerli

L'opera venne commissionata da Tanai, diminutivo francesizzato di Jacopo, de' Nerli, per collocarla sull'altare di famiglia dove si trova tuttora. Mancando una documentazione certa sulla tavola, nel tempo sono state formulate varie ipotesi di datazione, che divergono soprattutto sulla questione se il dipinto sia stato eseguito prima o dopo il viaggio a Roma di Filippino . Berenson e Adolfo Venturi leggevano dettagli classici nell'architettura e in alcuni particolari che facevano pensare a una conoscenza diretta dei modelli antichi visti nella città eterna. Altri , la ritengono invece anteriore, legandola ad altre importanti opere di rinnovo degli altari di Santo Spirito, come la commissione della Madonna Bardi a Botticelli, databile al 1485. Ricerche recenti su documenti conservati presso l'Archivio di Stato di Firenze avvalorano l'ipotesi che il dipinto sia stato commissionato ed eseguito da Filippino prima del sul viaggio a Roma, proponendo una datazione tra il 1485 e il 1488.

Prompt: Focus on Madonna with Child and Saints (Filippino Lippi) and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Madonna della Loggia

Al di sotto di una loggia aperta su un sintetico paesaggio collinare, Gesù Bambino ha uno slancio verso la Madre che lo tiene in grembo, facendo per abbracciarla. Si tratta di un'antica iconografia di origine bizantina, la Glykophilousa, che, risalente all'VIII-IX secolo, conobbe un rinnovato successo fra gli artisti fiorentini rinascimentali. Evolvendo da questa, l'opera mostra nell'impostazione della composizione l'influenza di Donatello filtrato da Filippo Lippi, dal quale derivano anche il predominio della linea di contorno e il panneggio vibrante, anche se le forme appaiono ormai più dolcemente fuse, con atteggiamenti più complessi delle opere del Lippi. Il colore acceso  dal chiaroscuro incisivo e dal tono bronzeo deriva dall'esempio di Antonio del Pollaiolo, mentre la fisionomia del Bambino venne indicata da Lighbown come il primo esempio di assonanza con le fisionomie del Verrocchio, che però furono di lì a poco abbandonate in favore di uno stile più personale.Il tono dei personaggi è serio, pensoso, assorto nella propria bellezza e venato di malinconia, come tipico della produzione botticelliana.

Prompt: Focus on Madonna della Loggia (Botticelli) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Antonio del Pollaiolo
Donatello
Filippo Lippi
IX secolo


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Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

Carl Gustav Jung ha criticato l'interpretazione di Freud, in merito alla rappresentazione di Maria e Sant'Anna assieme. Egli associa l'ipotesi della doppia madre come un archetipo che alluderebbe alla rinascita e nulla avrebbe a che fare col passato dell'artista.

Prompt: Describe the characteristics of the The criticism of Jung in The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo)'s Freud's interpretation.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Siddi  la festa patronale della Vergine delle Grazie si svolge dal 29 giugno con l'inizio del Triduo, sino al 2 Luglio dove si svolge la Santa Messa con panegirico e la solenne processione per le vie del paese con il simulacro trasportato con il giogo dei buoi e con gli abiti tradizionali sardi. Nella sera i festeggiamenti proseguono in piazza con spettacoli, concerti e fuochi artificiali.

Prompt: Describe the characteristics of the Siddi in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna dei Consiglieri

Alcoy i Pedrós, Rosa . Art de Catalunya, Pintura antiga i medieval:  Pintura gótica. Barcelona, Edicions L'isard. Barral i Altet, Xavier . Museu Nacional d'Art de Catalunya Prefiguración. Barcelona, Lunwerg Editores. ISBN 84-8043-004-4. Catasús, Aleix . Barcelona  Casa de la Ciutat. Barcelona, Lunwerg Editores. ISBN 84-9785-227-3. Gómez Moreno, María Elena . Mil Joyas del Arte Español: Tomo primero. Barcelona, Instituto Gallach. Sureda i Pons, Joan y Carbonell i Esteller, Eduard . Tresors medievals del Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona, Lunwerg Editores. ISBN 84-7782-462-2.

Prompt: Focus on Virgin of the Councillors and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Polittico Orsini

Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2007.

Prompt: In Orsini Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Chiesa cattolica non ha nel proprio anno liturgico una festa specifica per la Madonna delle Grazie: questo titolo è associato a diverse feste mariane in base alle consuetudini locali e alla storia dei singoli santuari.Molti luoghi associano questo titolo alla data tradizionale della festa della Visitazione di Maria a Elisabetta, il 2 luglio o all'ultimo giorno del mese di maggio. Anticamente la festa si svolgeva il lunedì in Albis, poi fu spostata al 2 luglio, e ancora oggi in quest'ultima data la si continua a festeggiare nella maggior parte delle località nelle quali è venerata la Madonna delle Grazie. Altrove la festività ricorre il 26 agosto, il 9 maggio  oppure, con data mobile, la terza domenica dopo Pentecoste.In alcuni luoghi il titolo di Madonna delle Grazie è associato alla festa della Natività di Maria, l'8 settembre; così è a Udine, a Pordenone, a Contursi Terme  e in altre località italiane.L'onomastico si festeggia il 2 luglio e lo festeggiano le persone che portano il nome di: Grazia, Graziella, Maria Grazia, Grazia Maria, Anna Grazia, Grazia Anna,Orazio,  Graziana e Graziano .

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the Liturgical feast.Please output in Italian.

26 agosto
2 luglio
8 settembre
9 maggio
Chiesa cattolica
Contursi Terme
Pentecoste
Pordenone
Udine


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La grande onda di Kanagawa

Ne  grande onda di Kanagawa compaiono due scritte.  prima, il titolo dell'opera, si trova all'interno di un riquadro rettangolare in alto a sinistra in cui si legge: , che significa "Trentasei vedute del Monte Fuji / al largo di Kanagawa / sotto un'onda".  seconda scritta è posta alla sinistra del riquadro e si tratta della firma dell'artista:  che può essere tradotto come "Dal pennello di Hokusai, che cambiò il nome in Iitsu".Hokusai è noto per aver utilizzato durante la sua esistenza almeno una trentina di pseudonimi. Sebbene l'uso di nomi diversi fosse una pratica comune tra gli artisti giapponesi del tempo, il numero che egli utilizzò supera di gran lunga quello di qualsiasi altro grande artista giapponese.  scelta di cambiare il proprio pseudonimo così frequentemente è spesso legata ai cambiamenti nella sua produzione artistica e nello stile, ed è utilizzata dagli storici d'arte per suddividere la sua vita in determinati periodi. Nella serie Trentasei vedute del Monte Fuji Hokusai usa quattro differenti firme, cambiandole a seconda delle diverse fasi del lavoro: Hokusai aratame Iitsu hitsu, Zen Hokusai Iitsu hitsu, Hokusai Iitsu hitsu e Zen saki no Hokusai Iitsu hitsu.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Thefirm of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Washington attraversa il fiume Delaware

Leutze crebbe negli Stati Uniti e tornò in Germania da adulto, dove concepì l'idea del dipinto durante la rivoluzione del 1848. Sperando così di incoraggiare le rivoluzioni liberali europee attraverso l'esempio americano, e usando i turisti americani e gli studenti di arte come modelli e assistenti, tra di essi Worthington Whittredge e Andreas Achenbach, terminò il suo primo quadro nel 1850. Dopo che fu completato, l'opera fu danneggiata dal fuoco nel suo studio, quindi restaurata e acquistata dalla Kunsthalle di Brema. Nel 1942, durante la seconda guerra mondiale, fu distrutto durante un raid inglese della RAF .Il secondo dipinto, una replica dello stesso ordine di grandezza del primo, fu iniziato nel 1850 e posto in un'esposizione a New York nell'ottobre del 1851. In tale occasione fu visto da più di 50.000 persone. In origine fu acquistato per 10.000 dollari, per il tempo una somma elevata, dal maresciallo O. Roberts. Dopo vari passaggi di proprietà, fu infine donato al museo d'arte moderna di New York dal filantropo John Stewart Kennedy  nel 1897.Il dipinto fu preso in prestito almeno due volte nel corso della storia. All'inizio degli anni cinquanta fu parte di una mostra a Dallas in Texas. Dal 1952 per molti anni a Washington Crossing in Pennsylvania nella Chiesa Metodista, non lontano dal luogo dove si svolse la scena dipinta. Oggi si trova al museo di arte moderna di New York.Nel 2003 è stato deturpato quando una ex guardia del Museo vi ha incollato sopra una foto degli attacchi terroristici dell'11 settembre 2001. Nessun danno permanente è stato causato.

Prompt: Explain the History of this artwork, Washington Crossing the Delaware (1851 paintings).Please output in Italian.

1850
1851
1897
1942
2003
Andreas Achenbach
Brema
Dallas
Germania
Kunsthalle
New York
Pennsylvania
Texas
Washington
Washington Crossing
Worthington Whittredge


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Battaglia di Isso

Nel novembre del 333 a.C. Alessandro venne informato che l'esercito persiano era giunto presso la città siriana di Sochi , situata nell'interno, al di là della catena montuosa degli Amanos. Decise quindi di lasciare Isso, dove si era acquartierato, e marciare verso sud fino al passo Beylan; Dario, per parte sua, scoprì che Parmenione controllava le porte dell'Assiria e decise di proseguire verso nord, costeggiando la catena degli Amanos invece che attraversarla a sud come si aspettava Alessandro.Il sovrano macedone, infatti, si era attestato verso sud presso la città fenicia di Miriandro, a circa quindici miglia ad ovest del passo Beylan. Poiché la gola costituiva il più rapido accesso alla Cilicia per un esercito proveniente da Sochi, Alessandro si aspettava che Dario scegliesse quella via, oppure tentasse il tortuoso passaggio della stretta valle del Payas .Dario tentò invece di aggirare le forze macedoni ed entrare in Cilicia da nord, attraversando le strette vallate degli affluenti del fiume Ceyhan, il quale scorre a est dei contrafforti del Tauro. manovra d'aggiramento riuscì e l'esercito persiano occupò Isso senza incontrare alcuna resistenza. Dario ordinò di tagliare le mani a tutti i soldati feriti o malati che il sovrano macedone aveva lasciato in città per potersi riprendere. Ora il suo esercito non solo si trovava alle spalle dei macedoni, ma ne controllava pure le retrovie bloccando i rifornimenti da Tarso.I Persiani, venendo a conoscenza dell'avvicinamento macedone a Isso, avanzarono brevemente verso sud fino alla riva destra del fiume Pinarus, prima di arrestarsi e disporsi sulla stretta pianura costiera di Isso.

Prompt: Focus on Alexander Mosaic and explain the LapresadiIsso is not a recognizable word or phrase in any language I am familiar with. It appears to be a combination of letters that does not form a coherent sentence or phrase. If you have more context or if it is a specific term from a particular language or dialect, please provide additional information..Please output in Italian.

333 a.C.
Cilicia
Miriandro
Parmenione
Payas
Persia
Pinarus


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La città che sale

Boccioni prese spunto dalla vista di Milano che si vedeva dal balcone della casa dove abitava. Il titolo originale era IL LAVORO  così come apparve alla Mostra d'arte libera di Milano del 1911. Nonostante la presenza di elementi realistici come il cantiere o la costruzione, ed ancora la resa dello spazio in maniera prospettica, il dipinto viene considerato la prima opera veramente futurista del pittore reggino, pur non discostandosi molto dai quadri analoghi degli anni precedenti, nei quali le periferie urbane erano il soggetto principale. In questo dipinto viene parzialmente abbandonata la visione naturalistica dei quadri precedenti, per lasciare il posto ad una visione più movimentata e dinamica.Si coglie la visione di palazzi in costruzione in una periferia urbana, mentre compaiono ciminiere e impalcature solo nella parte superiore. Gran parte dello spazio è invece occupato da uomini e da cavalli, fusi esasperatamente insieme in uno sforzo dinamico. In tal modo Boccioni mette in risalto alcuni tra gli elementi più tipici del futurismo, quali l'esaltazione del lavoro dell'uomo e l'importanza della città moderna plasmata sulle esigenze del nuovo concetto di uomo del futuro.Ciò che mette il quadro perfettamente in linea con lo spirito futurista è però l'esaltazione visiva della forza e del movimento, della quale sono protagonisti uomini e cavalli e non macchine. Questo è ritenuto un particolare che attesta come Boccioni si muova ancora nel simbolismo, rendendo visibile il mito attraverso l'immagine. Ed è proprio il "mito" ciò che l'artista modifica, dunque non più arcaico legato all'esplorazione del mondo psicologico dell'uomo, ma mito dell'uomo moderno, artefice di un nuovo mondo. In parole povere l'intento dell'artista è di dipingere il frutto del nostro tempo industriale.Il soggetto dunque, da raffigurazione di un normale momento di lavoro in un qualunque cantiere, si trasforma nella celebrazione dell'idea del progresso industriale con la sua inarrestabile avanzata. Sintesi di ciò ne è il cavallo inutilmente trattenuto dagli uomini attaccati alle sue briglie.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The City Rises.Please output in Italian.


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San Girolamo in preghiera

L'opera è conosciuta da quando Hulin de Loo la acquistò nel 1908 per il museo. Come per il resto delle opere di Bosch, la datazione non è accettata unanimente. È stata tradizionalmente considerata un'opera di transizione tra la gioventù e la maturità: Baldass la collocò tra il 1490-1500 mentre rsen tra il 1495 e il 1505; Combe la poneva leggermente successiva al Trittico delle Delizie, la Cinotti al 1505. Analisi dendrocronologiche l'hanno invece fatta risalire, come termine post quem, all'anno 1482.

Prompt: Focus on St. Jerome at Prayer (Bosch) and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila