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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Titian, Berlin)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Lippina

AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Focus on Madonna and Child (Lippi) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: In Last Supper (Rubens), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

</ref>titolo =  grande onda di Kanagawaartista = Katsushika Hokusaiartista2 = data = 1830-1831 circaopera = dipintotecnica = xilografia in stile ukiyo-emateriale = altezza = 25,7larghezza = 37,9profondità = città = ubicazione = varie copie conservate in diversi musei}}}} è una xilografia in stile ukiyo-e del pittore giapponese Hokusai pubblicata la prima volta tra il 1830 e il 1831.È la prima e più celebre opera della serie intitolata , oltre a essere la più famosa nel suo genere e una delle immagini più conosciute al mondo.Di dimensioni 25,7 × 37,9 cm, raffigura un'onda tempestosa che minaccia alcune imbarcazioni al largo di una zona corrispondente all'odierna prefettura di Kanagawa; come in tutte le altre rappresentazioni di questa serie sullo sfondo compare il Fuji. Sebbene venga vista come l'opera più rappresentativa dell'arte giapponese, in realtà essa combina in egual misura elementi tradizionali della pittura orientale e caratteristiche tipiche dello stile occidentale. Ottenne immediato successo sia in patria che in Europa, contribuendo alla nascita del giapponismo nella seconda metà del XIX secolo. Dal XX secolo in poi la sua popolarità crebbe ancora, diffondendosi molto anche nella cultura di massa, venendo spesso copiata e parodiata.È possibile trovare diverse copie dell'opera conservate in svariati musei del mondo tra cui il Metropolitan Museum of Art di New York, il British Museum di Londra, l'Art Institute of Chicago, la National Gallery of Victoria di Melbourne, la Biblioteca nazionale di Francia di Parigi, la Casa Museo Palazzo Maffei di Verona, il Civico Museo d'Arte Orientale di Trieste, il Museo d'arte orientale di Torino e il Museo d'arte orientale Edoardo Chiossone di Genova.

Prompt: Focus on The Great Wave off Kanagawa and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Trittico Portinari

I pannelli laterali continuano spazialmente quello centrale, con la prosecuzione del paesaggio in quello di destra e dell'arco dell'edificio in quello di sinistra. Vi sono raffigurati i membri della famiglia Portinari inginocchiati in preghiera presentati dai rispettivi santi protettori. Le figure dei committenti sono rimpicciolite dalle proporzioni gerarchiche.Il pannello di sinistra è dedicato agli uomini e vi si vede Tommaso Portinari con i due figli Antonio e Pigello, presentati da san Tommaso , e sant'Antonio Abate ; il pannello di destra mostra le donne: Maria di Francesco Baroncelli, moglie di Tommaso, e la figlia Margherita, accompagnate da santa Maria Maddalena  e santa Margherita .  Maddalena in particolare è sontuosamente abbigliata ed ha un'acconciatura tipica del Quattrocento, con i capelli rasati sulla fronte e raccolti in un'ampia ed elaborata crocchia.Le scene di corredo sullo sfondo sono a sinistra la fuga in Egitto e a destra i Re Magi sulla via di Betlemme.

Prompt: In Portinari Altarpiece, how is the Side panels of the History explained?Please output in Italian.


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Il mare di ghiaccio

Il tema della navigazione proviene da un'antichissima tradizione allegorica risalente alla cultura greca, ed è sempre stato visto come l'immagine dell'ossessiva e continua peregrinazione dell'uomo sulla terra in cerca di qualcosa, attraverso le avversità del mondo e della vita. Tale motivo, trasposto poi in quello del naufragio, diviene incarnazione della fragilità dell'uomo in balia degli elementi. Ed è proprio in questo ambito che si muove Il mare di ghiaccio.Il sottotitolo dell'opera Naufragio della Speranza, tradisce la rappresentazione di quella che si pone, a tutti gli effetti, come una parabola religiosa. Il Polo Nord è inteso come un luogo nel quale il succedersi di cicli vitali rimane sempre uguale e qui l'infinito ripetersi di giorni, stagioni, anni e secoli diventa metafora dell'eternità di Dio, perché tutto resta identico e dove la nave, simbolo della vita umana, è imprigionata e non può sfuggire a quell'eternità che è la stessa di Dio. Il tentativo umano di penetrarne il mistero, quindi, è destinato a fallire. esattamente come, nel 1815, la Zattera della Medusa di Géricault stava ad indicare il naufragio della Francia napoleonica.

Prompt: How does The Sea of Ice explain its Meaning?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Sacra Famiglia con san Giuseppe imberbe

Sacra Famiglia con san Giuseppe imberbe è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1506 circa e conservato nell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna with Beardless Saint Joseph.Please output in Italian.

1506
Ermitage
Raffaello Sanzio
San Pietroburgo


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William Tecumseh Sherman

Un giovane Sherman in uniforme militareIl senatore Ewing fece in modo di assicurare un posto al sedicenne Sherman come cadetto nell'accademia di West Point , dove strinse amicizia con un altro futuro generale della guerra civile, George H. Thomas. Sherman eccelleva nell'ambito accademico e si distinse come uno degli allievi più brillanti, anche se era alquanto intollerante alla ferrea disciplina e trattava il sistema dei demeriti con malcelata indifferenza.Il collega William Starke Rosecrans avrebbe in seguito ricordato Sherman a West Point come "uno dei compagni più brillanti e maggiormente popolari" e "un tipo dagli occhi luminosi, con una testa sfolgorante dai folti capelli rossi, che era sempre pronto a uno scherzo di qualsiasi tipo, proprio come un bambino". A proposito del periodo trascorso in Accademia Sherman stesso dice solo quanto segue nelle sue Memorie:Dopo il diploma, conseguito nel 1840, entrò nell'esercito come sottotenente, nel 3º Corpo d'artiglieria, di stanza nel sud; il suo "battesimo del fuoco" avvenne nel Territorio della Florida negli ultimi anni della seconda guerra seminole .Più tardi fu dislocato in Georgia e nella Carolina del Sud dove venne promosso al grado di tenente. In quanto figlio adottivo di un importante politico Whig, a Charleston cominciò a frequentare i circoli più in vista della società del profondo Sud.Mentre molti dei suoi colleghi dovettero sperimentare come coscritti la guerra con il Messico, fortemente voluta dal presidente Polk, Sherman svolse invece compiti amministrativi nel territorio appena acquisito della repubblica della California. Insieme ai commilitoni luogotenenti Henry Halleck ed Edward Ord si imbarcò da New York per il viaggio di 198 giorni intorno a Capo Horn a bordo dello sloop convertito USS Lexington. A causa degli spazi limitati a bordo Sherman si avvicinò notevolmente sia a Halleck sia a Ord e nelle sue Memorie fa riferimento a un'escursione compiuta con Halleck fino alla cima del Corcovado, che domina Rio de Janeiro.Nel 1848 accompagnò il governatore militare della California, il colonnello Richard Barnes Mason, nel sopralluogo che confermò ufficialmente che era stato scoperto l'oro nella regione, inaugurando così la grande corsa all'oro californiana. Sherman, sempre insieme con Ord, assistette anche alle ispezioni di sondaggio per creare le sottodivisioni della città che sarebbe diventata Sacramento.Ottenne una promozione temporanea al grado di capitano per i suoi "servizi meritori", ma il fatto di non essere stato assegnato in una zona militare attiva e, quindi, la mancanza di un incarico di combattimento lo scoraggiò e ciò potrebbe aver contribuito alla sua decisione di rassegnare le dimissioni dall'esercito. Fu uno dei pochi ufficiali di alto rango durante la guerra civile a non aver mai combattuto nel conflitto contro i messicani.

Prompt: Describe the characteristics of the Training and military service in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.

California
Capo Horn
Carolina del Sud
Edward Ord
Florida
George H. Thomas
Henry Halleck


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Detroit), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Il vangelo gnostico di Filippo dice che Gesù baciava Maria Maddalena. Da questo particolare, alcuni racconti moderni a esso ispirati sottolineano l'intimità fra Gesù e Maria Maddalena. Secondo le scuole gnostiche il bacio rituale non aveva un significato erotico, ma era espressione della comunione, della fratellanza e della certezza della redenzione degli eletti.  stessa espressione si ritrova nel Nuovo Testamento, nelle epistole di Paolo e di Pietro: «salutatevi gli uni gli altri con un santo bacio» .Nei frammenti del testo apocrifo ritrovati fra i Codici di Nag Hammadi si legge che «la compagna del Salvatore è Maria Maddalena, Cristo la amava più di tutti gli altri discepoli e soleva spesso darle dei baci».  frase sarebbe comunque una ricostruzione perché nel manoscritto ci sarebbero in realtà degli spazi vuoti, evidenziati di seguito con delle parentesi:  compagna del  Maria Maddalena  più di  discepoli  baciarla  sulla . parola usata per "compagna" nel testo copto del vangelo di Filippo è inoltre un prestito dall'originale greco koinônós. Questo termine non significa "sposa" o "amante", bensì "compagna" ed è comunemente usata per indicare rapporti di amicizia e fratellanza. Ma in quello stesso vangelo, che secondo gli studiosi non risale a prima della seconda metà del II secolo, il bacio è un segno rituale comune anche agli altri personaggi. Secondo gli gnostici inoltre, Gesù e Maria Maddalena erano le incarnazioni umane degli eoni Cristo e Sophia. Il passo non va dunque inteso come una prova storica del matrimonio tra Gesù e la Maddalena, ma secondo le affermazioni gnostiche sull'incoronamento sulla terra del legame celeste degli eoni, dunque come allegoria.Maria Maddalena è comunque rappresentata nei Vangeli canonici come un personaggio importante: la sua presenza alla Crocifissione la fa ritenere come una seguace che era stata molto vicina a Cristo e a sua madre Maria.

Prompt: Explain the Friendship between Maddalena and Jesus about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Codici di Nag Hammadi
Cristo
Crocifissione
Gesù
I secolo
Nag Hammadi
Nuovo Testamento


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Autoritratto con tavolozza e pennelli

Autoritratto con tavolozza e pennelli è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1665 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato a Kenwood House, Londra.L'artista ormai sessantenne si ritrae al lavoro, nel suo studio: le radiografie eseguite mostrano che inizialmente la mano che regge la tavolozza e i pennelli era invece colta nell'atto di dipingere.I cerchi presenti sullo sfondo hanno dato adito a diverse interpretazioni, da simboli cabalistici a mappamondi stilizzati, al concetto di universalità della pittura, ma nessuna ha trovato finora riscontri certi.

Prompt: How does Self-Portrait with Two Circles explain its Abstract?Please output in Italian.

1665
Kenwood House
Londra
Rembrandt
Rembrandt


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Studi anatomici di feto nell'utero

Gli Studi anatomici di feto nell'utero sono due schizzi a colori realizzati da Leonardo da Vinci intorno al 1511 e attualmente parte della Royal Collection.

Prompt: Focus on Studies of the Fetus in the Womb and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-portrait (Giorgione) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ritratto di Vincenzo Mosti

Il Ritratto di Vincenzo Mosti è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1520 circa e conservato nella Galleria Palatina di Firenze.

Prompt: Focus on Portrait of Vincenzo Mosti and explain the Abstract.Please output in Italian.

1520
Firenze
Galleria Palatina
Vincenzo Mosti


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Lampadario Azelin

Il lampadario Azelin  è un lampadario a ruota romanico, realizzato nell'XI secolo per la cattedrale di Hildesheim a Hildesheim, in Germania, patrimonio culturale mondiale dell'UNESCO dal 1985. È il più antico dei quattro lampadari a ruota esistenti di quel periodo, insieme al lampadario Hezilo, nello stesso edificio, al lampadario Barbarossa nella cattedrale di Aquisgrana e al lampadario Hartwig nell'abbazia di Comburg. Tradizionalmente creduto donazione del vescovo Azelin, è più probabile che sia stato fabbricato per conto del suo predecessore Thietmar. Pertanto, il lampadario talvolta chiamato lampadario Thietmar .

Prompt: How does Azelin chandelier explain its Abstract?Please output in Italian.


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Polittico di Ponteranica

pala, destinata alla parrocchiale del piccolo centro all'imbocco della Val Brembana, venne commissionata a Lotto dalla Scuola del Corpo di Cristo, patrona dell'altare a cui era destinato. Non era certo facile avere un lavoro eseguito dal Lotto quando a Bergamo era tanto desiderato, ma l'artista aveva conosciuto Giovanni Belli che lavorando per il consorzio della Misericordia Maggiore, aveva firmato il suo contratto per le tarsie in santa Maria Maggiore di Bergamo, ed era anche eletto tra i sindaci della parrocchia di Ponteranica,  del 15 aprile 1520. Il Belli aveva quindi conosciuto Lorenzo Lotto durante la commissione delle tarsie, e il pittore aveva preso il figlio Giuseppe a lavorare presso la sua bottega. Tutto questo favorì l'incarico del polittico al pittore veneziano. L'intagliatore di Ponteranica seguirà l'artista anche nella realizzazione degli ultimi suoi lavori.Non si conosce la documentazione sulla commissione, ma si sa che lavori preliminari di carpenteria per la realizzazione della struttura lignea vennero avviati nel 1518, e che nel 1521 venne commissionata la doratura della cornice a Pietro de Maffeis di Zogno, che doveva essere ultimata per la Pasqua dell'anno successivo, rimane quindi confermata la data della realizzazione del polittico, la cui forma un poco antiquata, dovette essere richiesta esplicitamente dai confratelli. Per molto tempo si è ritento che la parte superiore fosse stata eseguita in un periodo successivo, ma non vi è documentazione ne motivo di pensare che l'ancora finita e posizionata fosse mancante della sua parte superiore. L'ancona originaria è stata perduta, quella nuova ha misure differenti, che purtroppo hanno richiesto un adattamento dei diversi pannelli non più corrispondenti alla loro posizione originale.Non si sa se a quella data i contatti con Lotto fossero già stati presi. Un'ipotesi credibile è che l'artista, già a Bergamo fino al 1526, dovette entrare in contatto con la confraternita, forse fornendo qualche tavola. Gli anni successivi alla realizzazione del polittico lo videro impegnato in altri impegni cittadini  e la realizzazione dei disegni per le Tarsie del coro di Santa Maria Maggiore di Bergamo e per la partenza per Venezia , e che forse solo dalla città lagunare, inattivo per l'ostilità della cultura ufficiale, completò il lavoro spedendo via via i disegni di queste ultime.

Prompt: In Ponteranica Altarpiece, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

datazione delle opere del Bosch è notoriamente problematica. In assenza di elementi certi, capaci di sostenere una datazione assoluta, gli studiosi elaborano una disposizione diacronica basata essenzialmente su criteri stilistici e quindi sul presupposto implicito di uno sviluppo nella maniera dell’artista che dà luogo ad una datazione relativa articolata intorno ad una selezione di opere cardine, rispetto alle quali s’intende misurare il progresso stilistico del pittore. Il dibattito sui pannelli veneziani offre un’illustrazione delle difficoltà di metodo che affronta la critica d’arte.In merito è pertanto utile accennare aulla polemica a distanza che ha opposto il Tolnay al Combe. Il primo situava il dipinto tra la Tentazione di sant’Antonio di Lisbona e il Giardino delle delizie del Prado. Il secondo e con lui l’attuale critica moderna, sottolineava le somiglianze con il trittico del Carro di fieno e tendeva pertanto ad interpretare le composizioni di Venezia come archetipi della produzione successiva piuttosto che come sviluppo intermedio a partire dalle premesse di Lisbona verso l’apice madrileno.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Dating and the Description and style.Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Focus on Crucifixion (Mantegna) and explain the Historical crucifixions.Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Madonna di San Francesco

Il contratto per la pala venne siglato il 30 agosto 1514 dal pittore venticinquenne, col consenso del padre non essendo ancora sposato, e dal Guardiano del convento dei Frati minori di Correggio, dedicato a san Francesco, fra Girolamo Cattania. Il pagamento per l'opera è registrato al 4 aprile 1515, testimoniando l'alacrità con cui il pittore si dedicò a questa sua prima importante commissione, la prima documentata precisamente nel suo percorso artistico. Probabilmente la pala doveva decorare l'altare maggiore della chiesa di San Francesco, che era il luogo di sepoltura dei signori locali, i Da Correggio.Poco prima del 1638 la pala venne confiscata da Francesco I d'Este e fatta trasportare a Modena, a Palazzo Ducale, assieme a un gruppo di altre cinque opere del Correggio rastrellate nel territorio del ducato. Nel 1746 Francesco III, in cerca di modi per far cassa, con un episodio noto come uno dei più importanti depauperamenti d'arte italiana, vendette all'elettore di Sassonia Augusto III le cento più celebri opere della Galleria Estense, comprese le opere di Correggio, che da allora sono conservate a Dresda.

Prompt: In Madonna and Child with St Francis, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Incendio nella foresta

serie è dedicata alle storie dell'umanità prima della scoperta del fuoco, senza la conoscenza dei metalli e quindi della armi. In questo pannello, il terzo delle storie, l'umanità ha già fatto decisivi passi avanti verso il progresso. Di nuovo scoppia un incendio in una foresta e gli animali fuggono spaventati, allineandosi ad arte sul primo piano: camosci, leoni, scrofe, una famiglia di orsi, un bue, un leone e un airone, mentre in alto volano stormi di uccelli disparati. Alcuni di questi animali hanno un volto umano, perché si riteneva che mostri del genere potessero nascere da incroci bestiali con l'uomo.Le figure umane compaiono in secondo piano: a destra un uomo, già ricoperto di vestiti , non è spaventato dal fuoco, come le bestie, anzi approfitta del trambusto per catturare dei bovini. Sullo sfondo si vedono una capanna e alcune rozze forme di recipienti, che testimoniano i progressi fatti dalla tecnologia.Ai lati le vedute di paesaggio sono meno brulle e più verdi, rese con acuta sensibilità atmosferica: l'opera è ritenuta una delle prime in cui il paesaggio ha un ruolo preminente nel Rinascimento.

Prompt: How does The Forest Fire explain its Description and style?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Le tre tavole,  che rappresentano tre momenti salienti della giornata di battaglia, figuravano nell'inventario redatto subito dopo la morte di Lorenzo il Magnifico , come esposte "nella camera grande terrena, detta  camera di Lorenzo", con riferimento al palazzo Medici di via rga a Firenze. Per tutto il XX secolo si è creduto che le tre tavole fossero arrivate a Lorenzo in via ereditaria, tramite la commissione diretta di suo nonno Cosimo il Vecchio..

Prompt: Describe the characteristics of the Bartolini Salimbeni Medici in The Battle of San Romano's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna del Bordone

Madonna del Bordone è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Coppo di Marcovaldo, datata 1261, come attesta al centro del margine inferiore dell'immagine l'iscrizione MCCLXI Coppus de Florentia me pinxit, ovvero  1261 mi ha dipinto Coppo da Firenze e conservata nella basilica di Santa Maria dei Servi a Siena. I volti di Maria e di Gesù attualmente risultano essere in uno stile manifestamente diverso dal resto dell'opera, a causa dell'azione di un pittore locale senese, che li ridipinse nel XIV secolo, anche se lo strato pittorico originale ancora permane intatto sotto il rifacimento.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna del Bordone.Please output in Italian.


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Nel pannello di destra è la Meditazione di sant'Antonio: in cielo le due figure che volano sopra un pesce, secondo la credenza, avevano ricevuto dal diavolo la facoltà di volare per raggiungere i sabba alle streghe; in primo piano una donna nuda, simbolo della lussuria, si affaccia da un tronco cavo attraverso una tenda scostata da un rospo, ed offre il suo corpo tentatore al santo, sulla destra, intento alla meditazione, che si rivolge allo spettatore con uno sguardo sconsolato. Vicino a lui un nano con un mantello rosso con girello e girandola è simbolo dell'incoscienza dell'umanità; in primo piano una tavola con il pane e la brocca di vino, ultima tentazione del santo, è sostenuta da demoni nudi.Nello sfondo una città turrita, mulini a vento e un lago.

Prompt: In Triptych of the Temptation of St. Anthony, how is the Left-handed of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Crocifisso di Santa Croce

croce viene datata a poco dopo il viaggio a Roma dell'artista nel 1272 e comunque prima del 1280.  forte somiglianza con il crocifisso di Deodato Orlandi conservato al Museo di Villa Guinigi a Lucca, firmato e datato 1288 e anche tra le affinità del volto di Cristo con quello di alcuni personaggi di Corso di Buono nella chiesa di san Lorenzo a Montelupo fiorentino  stabiliscono dei termini ante-quem per il crocifisso cimabuesco di Santa Croce.Ma è stata soprattutto l'analisi stilistica ad essere rivelatrice. Si sono confrontati soprattutto il volto di Maria dolente con quelli delle Maestà, delle tavole con la Madonna e il Bambino e del crocifisso di Arezzo. Il volto di Maria ha ancora quella striatura bianca a delimitare il labbro superiore e quella spaccatura profonda, a forma di cuneo, nel punto in cui il sopracciglio incontra la radice del naso, che sono considerati tratti bizantini arcaicizzanti e che troviamo nella Vergine dolente del Crocifisso di San Domenico ad Arezzo , ma che non troviamo più nelle opere successive, dalla Maestà del Louvre e da quella della National Gallery londinese  in poi. Il caratteristico solco che parte dall'angolo dell'occhio e che attraversa tutta la guancia che Cimabue ha ereditato dal crocifisso bolognese di San Domenico di Giunta Pisano, è ben visibile nel crocifisso aretino di San Domenico, appena accennato qui e del tutto assente in seguito. Questi confronti collocano la croce tra il crocifisso di Arezzo e le due Maestà del Louvre e della National Gallery, tra il 1272 e il 1280.Anche la nuova modalità descritta sopra con cui l'artista usa la punta del pennello per le modulazioni chiaroscurali avvicina l'opera alla Maestà del Louvre e alle opere successive, post-datando l'opera rispetto al crocifisso aretino. Il superamento di altri retaggi dell'arte bizantina, come la separazione netta tra i muscoli di braccio e avambraccio e la linea continua a dividere il palmo della mano e l'avambraccio, contribuiscono a post-datare l'opera rispetto al crocifisso aretino.Indicative sono anche le vesti dei tre personaggi raffigurati: nessuno ha abiti con l'agemina, ampiamente utilizzata nel crocifisso di Arezzo e mai più usata in tutte le opere successive del maestro.

Prompt: In the context of Crucifix (Cimabue, Santa Croce), explain the Dating and the Style.Please output in Italian.

1272
1280
1288
Arezzo
Cimabue
Corso di Buono
Crocifisso di San Domenico ad Arezzo
Deodato Orlandi
Giunta Pisano
Lucca
Maestà del Louvre
Roma


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Pala Bentivoglio

Pala Bentivoglio  è un dipinto olio su tavola di Lorenzo Costa, realizzato nell'agosto del 1488 e conservato nella Cappella Bentivoglio nella chiesa di San Giacomo Maggiore a Bologna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bentivoglio Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto come una tahitiana

Amrita Sher-Gil nacque a Budapest nel 1913, da un aristocratico sikh del Pangiab e una cantante lirica ebreo-ungherese. Dopo un soggiorno in India, a Shimla, tra il 1929 e il 1934, Sher-Gil visse a Parigi con la famiglia per studiare alla scuola di belle arti, dove rimase colpita dall'arte di Paul Gauguin, soprattutto per i suoi nudi tahitiani. Durante questo periodo, oltre ai ritratti, ella dipinse diciannove autoritratti, l'ultimo dei quali fu lAutoritratto come una tahitiana. Quello stesso anno tornò in India, dove si concentrò sulla rappresentazione della popolazione locale. L'autoritratto segna così il passaggio nella sua carriera tra la rappresentazione di soggetti europei a quella di soggetti indiani.

Prompt: Focus on Self-Portrait as a Tahitian and explain the History.Please output in Italian.

Amrita Sher-Gil
Autoritratto
India
Parigi
Paul Gauguin
Shimla


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Madonna dei Palafrenieri

tela raffigura l'Immacolata Concezione secondo il passo del Genesi : Io porrò inimicizia fra te e la donna, tra la tua stirpe e la sua stirpe: questa ti schiaccerà la testa e tu le insidierai il calcagno. Tre personaggi sono presenti: la Madonna, Gesù bambino e sant'Anna. I primi due personaggi appaiono molto più dinamici rispetto a sant'Anna.  santa segue solo con lo sguardo l'azione e sembra una "enorme bronzea figura". C'è un ottimo gioco di volumi e un'armonia di solidi a contrasto  che conferiscono un’estrema verosimiglianza al dipinto. Infine, la luce gioca un ruolo fondamentale nel dipinto: una proviene da sinistra ed ha il ruolo di formare le immagini ed il volume, l'altra proviene dall'alto e potrebbe simboleggiare, secondo il Brandi, il lume della Grazia divina. Per rappresentare il serpente, le cui spire ricordano il serpente di bronzo sulla colonna in Sant'Ambrogio a Milano, il pittore si è evidentemente ispirato a un cervone.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri).Please output in Italian.


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Il pastore mercenario

Dopo che fu esposto, i detrattori di Hunt condannarono il dipinto per la sua volgarità, opponendosi alla sua rappresentazione della gente della campagna con la faccia rossa e sessualmente disinibita, mentre civetta. The Illustrated London News si oppose alla "pelle color rosso fuoco" e ai "capelli ispidi" dei contadini di Hunt . LAthenaeum si offese particolarmente a causa di questi "rustici della razza più rozza... arrossati e rubicondi" per aver bevuto troppo sidro. L'articolo insisteva che "il divertimento e la rubicondità di questa coppia contrastano con il pallore e il pathos del quadro del signor Millais [Ofelia] .I sostenitori dell'artista insisterono che il quadro era un'immagine priva di abbellimenti di un fatto sociale. Tuttavia lo stesso Hunt, il più religioso e conservatore dei preraffaelliti, insinuò che aveva in mente un significato nascosto, un'affermazione che elaborò in una lettera quando la galleria d'arte mancuniana acquistò il quadro. Hunt affermò che la sua intenzione era che la coppia simboleggiasse i dibattiti teologici senza senso degli ecclesiastici cristiani, mentre il loro "gregge" si smarriva a causa della mancanza di una guida morale adeguata. Ciò farebbe del titolo un'allusione biblica; nella storia del Buon Pastore , al buon pastore fa contrasto esplicitamente un pastore "mercenario", che non si preoccupa delle pecore .Secondo la tradizione, la sfinge testa di morto è considerata un simbolo di morte, dato che sul dorso presenta una macchia che assomiglia a un teschio umano. Dato che due delle pecore del gregge sono sdraiate per terra, potrebbe darsi che la falena simboleggi la morte ventura del gregge a causa della negligenza del pastore. Può anche darsi che l'insetto che il pastore fa vedere alla contadina possa simboleggiare la morte dell'innocenza di quest'ultima, dato che egli intende sedurla, se non possederla carnalmente. L'agnello sulle sue ginocchia ha dato un morso a una mela, che potrebbe richiamare il frutto proibito mangiato da Eva nel libro della Genesi.

Prompt: Explain the Interpretation of this artwork, The Hireling Shepherd.Please output in Italian.


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Musica

Nell'antica Grecia Pitagora intuì la stretta relazione tra musica e matematica, per la relazione intercorrente tra rapporti frazionari e suono.Platone affermò che, come la ginnastica serviva ad irrobustire il corpo, la musica doveva arricchire l'animo. Attribuiva alla musica una funzione educativa, come la matematica. Secondo lui bisognava saper scegliere fra tanto e poco, fra più o meno, fra bene o male, per arrivare all'obiettivo finale.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music antiquity of the Opera, lyric explained?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Gesù Maria, madre di Gesù Giuseppe  Madonna col Bambino Sacra Parentela Metterza

Prompt: In Holy Family (El Greco, Museo de Santa Cruz), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Gesù
Madonna col Bambino
Metterza
Sacra Parentela


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Cloud Gate

Il Cloud Gate è una scultura pubblica dell'artista britannico di origini indiane Anish Kapoor e si trova al centro della AT&T Plaza nel Millennium Park a Chicago, Illinois, USA.  scultura e la AT&T Plaza si trovano tra il "Park Grill" ed il "Jay Pritzker Pavilion".Costruito tra il 2004 ed il 2006, la scultura è soprannominata "The Bean"  per via della sua forma. Fatto di 168 lastre di acciaio inossidabile saldate insieme, la sua lucidissima superficie esteriore non ha saldature visibili; le sue dimensioni sono 10 m × 20 m × 13 m e pesa circa 100 tonnellate.Il design di Kapoor è stato ispirato dal mercurio liquido e la superficie della scultura riflette distorcendo lo skyline della città. I visitatori possono passeggiare sia intorno alla scultura che sotto il suo arco di 3,7 metri, sotto cui si trova l' "omphalos" , una camera concava che curva e moltiplica i riflessi.  scultura racchiude molti dei temi artistici di Kapoor ed è popolare tra i turisti per l'opportunità di fare foto uniche grazie ai suoi particolari riflessi. scultura venne selezionata durante una competizione di design: dopo aver scelto il design di Kapoor, vennero a galla numerose preoccupazioni tecnologiche circa la difficoltà di costruzione e di assemblaggio, senza contare quelle riguardanti il mantenimento. Furono quindi consultati diversi esperti, alcuni dei quali credevano che la scultura non potesse essere assolutamente costruita. Alla fine, un metodo fattibile venne trovato, ma la costruzione della scultura rimase indietro.  scultura venne poi svelata ancora incompleta nel 2004, durante i festeggiamenti per l'apertura del Millennium Park, prima di essere nuovamente nascosta per il completamento. Il Cloud Gate fu infine inaugurato ufficialmente il 15 maggio 2006 e da allora ha guadagnato sempre più popolarità, sia a livello locale che internazionale.

Prompt: How does Cloud Gate explain its Abstract?Please output in Italian.

2004
2006
Anish Kapoor
Chicago
Illinois
Millennium Park


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Dama con scoiattolo e storno

Bätschmann, Oskar & Griener, Pascal. Hans Holbein. Reaktion Books, 1999.

Prompt: How does Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Totem

Palo totemico Totemismo Animismo Tribù Tjurunga Tonal Mascotte

Prompt: How does Totem (Paluzzi) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Animismo
Mascotte
Palo totemico
Tjurunga
Tonal
Totemismo
Tribù


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Peine del viento

Il Peine del Viento  di San Sebastián è una scultura di Eduardo Chillida, sita a San Sebastián, in Spagna, realizzata nel 1977. L'opera è collocata all'estremità occidentale della baia di  Concha, oltre la spiaggia di Ondarreta, ai piedi del Monte Igueldo, da cui all'orizzonte l'unico elemento visibile rimane il mare.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Comb of the Wind.Please output in Italian.

1977
Eduardo Chillida
San Sebastián
Spagna


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Milan, 1460–1465), how is the Origins discussed?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Donna seduta alla spinetta

Donna seduta alla spinetta  è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1674-1675 circa e conservato nella National Gallery di Londra. È firmato "IVMeer" a destra della testa della donna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Lady Seated at a Virginal.Please output in Italian.


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Crocifissione

Il 30 aprile 2014 gli estremisti islamici effettuarono sette esecuzioni pubbliche a Raqqa, nella Siria settentrionale. Le immagini, originariamente pubblicate su Twitter da uno studente dell'Università di Oxford, furono nuovamente pubblicate dall'account Twitter di un noto membro dello Stato Islamico dell'Iraq e del Levante  cagionando nella maggioranza dei media l'incorretta attribuzione di crocifissioni al gruppo militante. Nella maggior parte dei casi di "crocifissione" le vittime venivano uccise prima di mostrare i corpi ma ci sono segnalazioni di "crocifissioni" effettuate su persone ancora in vita e il caso di un uomo in cui fu detto di essere stato "crocifisso per otto ore" senza indicazioni sulla morte.

Prompt: Describe the characteristics of the Syria in Crucifixion (Tintoretto)'s Description.Please output in Italian.


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Aerostato

L'ascensione per mezzo di mongolfiere è uno sport ancora poco diffuso in Italia, che conta tra i suoi cittadini circa un centinaio di appassionati dotati dell'apposito brevetto.

Prompt: Describe the characteristics of the Amateur sports activity in Balloon (Merse)'s Used gases.Please output in Italian.


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Separazione della luce dalle tenebre

Separazione della luce dalle tenebre è un affresco  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1512 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Separation of Light from Darkness.Please output in Italian.

1512
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Roma


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Gabrielle Cot

Gabrielle Cot  è un dipinto ad olio su tela del pittore francese William-Adolphe Bouguereau, realizzato nel 1890. Il quadro ritrae Gabrielle Cot, la figlia del pittore francese Pierre Auguste Cot, l'allievo più illustre del Bouguereau. Quest'opera è tra le pochissime che Bouguereau non dipinse su commissione.

Prompt: In Gabrielle Cot, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Pierre Auguste Cot
William-Adolphe Bouguereau


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Cento vedute famose di Edo

In Giappone, le Cento di vedute famose di Edo ottennero un importante successo, come testimoniano le innumerevoli reimpressioni effettuate dall'editore, spesso di assai minore qualità rispetto ai primi tiraggi. Quattro artisti copiarono o imitarono la serie, ma senza grandi risultati: Hiroshige II, Utagawa Hirokage, Shōsai Ikkei et Kobayashi Kiyochika. Dopo i paesaggi monumentali e analitici di Hokusai e le vedute liriche di Hisohige all'inizio della sua carriera, le Cento vedute illustrano l'ultimo stadio della stampa paesaggistica in Giappone, caratterizzato da un approccio simbolico, intimo ed emotivo. Le scene di Parigi di Henri Rivière o Pierre Bonnard riprendono idee o costruzioni geometriche dalle Cento veduto di Edo. Furono essenzialmente le composizioni audaci che oppongono primo piano e fondo a ispirare gli artisti francesi, in primo luogo le Les Trente-six Vues de la Tour Eiffel di Henri Rivière, ma anche Georges Seurat, Toulouse-utrec o Édouard Vuillard. Claude Monet s'interessò all'opera di Hiroshige, traendo ispirazione dalla stampa 65, All'interno del santuario Kameido Tenjin, per il suo Stagno delle ninfee, armonia verde del 1899; alla stessa stampa, per il trattamento dei giardini e degli specchi d'acqua, si ispirò anche Paul Cézanne nel realizzare Il ponte di Maincy. Camille Pissarro ebbe a dire di Hiroshige:Vincent van Gogh era molto colpito da queste stampe e ne realizzò delle copie mentre soggiornava a Parigi nel 1887: Giapponeseria: Ponte sotto la pioggia che è tratto dal Acquazzone sul ponte Shin-Ōhashi ad Atake , e Giapponeseria: pruno in fiore, una copia del Giardino dei pruni di Kameido ; tuttavia, egli faticò a riprodurre la sensibilità e le tematiche espresse dall'artista giapponese. Nel 1887, Van Gogh cercò di ridefinire la sua arte e queste copie mostrano il suo interesse per l'uso decorativo e non più solo descrittivo dei colori e delle linee, come un cielo rosso in un paesaggio. Van Gogh, nel 1888 ad Arles, scrisse, circa i colori della Provenza, che "si vede con un occhio più giapponese, si sente diversamente il colore".L'impressionista americano Theodore Robinson elogiò i Fuochi d'artificio sul ponte Ryōgoku . Anche la Fabbrica imperiale di Porcellana di San Pietroburgo riprese l'aquila che plana dall'alto della stampa 107, Fukagawa Susaki e Jūmantsubo, sopra una porcellana del 1913, a testimonianza della circolazione dei motivi giapponesi in tutto l'Occidente.

Prompt: Focus on One Hundred Famous Views of Edo and explain the Fortune of the work.Please output in Italian.

1887
1888
1899
1913
Arles
Camille Pissarro
Claude Monet
Fuochi d'artificio
Georges Seurat
Giappone
Henri Rivière
Hiroshige II
Il ponte di Maincy
Kobayashi Kiyochika
Paul Cézanne
Pierre Bonnard
Porcellana di San Pietroburgo
Provenza
San Pietroburgo
Theodore Robinson
Utagawa Hirokage
Hiroshige II
Vincent van Gogh
Édouard Vuillard


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Epifania

comparsa alla fine dei tempi di persone chiamate da Allah , mettendo fine alle ingiustizie e alle inadeguatezze umane, è un concetto presente sia nel pensiero escatologico sunnita sia in quello sciita. Nel primo caso si parla del Mahdi, nel secondo della manifestazione dell'ultimo Imam, il dodicesimo per i duodecimani , il settimo per i settimani , entrato in "occultamento"  per sfuggire alle persecuzioni degli stessi governanti musulmani ostili alla gestione del potere politico e spirituale dell'Ahl al-Bayt. Con tutti costoro l'ingiustizia dei tempi umani cederà il posto a un Islam perfetto, giusto, solidale e devoto in perfetta attuazione dei teorici canoni stabiliti dalla fede islamica.

Prompt: Explain the Theophany in Islam of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: How does Self-Portrait with Palette (Manet) explain its The self-portrait in ancient art?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Maja desnuda

proprietà del quadro potrebbe svelare il mistero dell'identità della modella: vista l'amicizia, probabilmente intima, che Goya nutriva per la duchessa d'Alba, di cui ha lasciato vari ritratti, e di una qualche somiglianza con la Maja Desnuda, si pensò a lei come misteriosa modella del dipinto. Nel 1843 Louis Viardot sostenne in Les musées de Espagne che la modella fosse appunto la duchessa. Oggi molti studiosi ritengono tuttavia che la modella della Maja desnuda fosse l'amante di Godoy, Pepita Tudó. In ogni caso, date certe somiglianze fisiche tra le due donne, è probabile che Goya abbia ritratto Pepita evocando in qualche modo la Cayetana, immortalando dunque quest'ultima. Resta il fatto che la disarmonia potrebbe derivare dal fatto che diverse modelle fossero usate per il corpo e per il volto.Manuel Godoy collocò la Maja desnuda con la Maja vestida nel gabinetto privato dove già erano presenti numerosi altri nudi: quando arrivò la Vestida, Godoy aveva probabilmente già ereditato anche la Venere allo specchio di Velázquez dalla duchessa de Alba. Questo può aver prodotto l'erronea convinzione presso gli studiosi che la Venere di spalle di Velázquez fosse in qualche modo complementare a una delle Veneri  viste di fronte, e che quindi anche le duplici Maja fossero state concepite in modalità complementare. Joaquín Ezquerra del Bayo, nel suo libro  Duquesa de Alba y Goya afferma, basandosi sulla somiglianza della postura e sulle dimensioni delle Maja, che si sarebbe potuto, mediante un ingegnoso meccanismo, far sostituire la Vestida con la Desnuda in un gioco erotico svolto nell'alcova più segreta di Godoy. Si sa che il Duca di Osuna, nel XIX secolo, utilizzò questo procedimento con un quadro che lasciava la vista ad un nudo.

Prompt: In La maja desnuda, how is the The  subject  of  the  painting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Duca di Osuna
Louis Viardot
Maja vestida
Manuel Godoy
Pepita Tudó
XIX secolo


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Lettera d'amore

Una lettera d'amore è una missiva indirizzata a una persona amata con l'espressione dei sentimenti d'amore che il mittente prova  verso la persona in questione. Può essere un elemento del corteggiamento oppure una delle modalità attraverso cui viene alimentato un rapporto amoroso.  loro diffusione è stata massima durante e dopo il periodo del Romanticismo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Love Letter (Vermeer).Please output in Italian.


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Epifania

Johann Sebastian Bach compose due cantate che concludevano il periodo di Natale: Sie werden aus Saba alle kommen  Liebster Immanuel, Herzog der Frommen Inoltre, per il servizio liturgico dell'Epifania fu pubblicata la Parte VI dell'oratorio Herr, wenn die stolzen Feinde schnauben .Nel poema sinfonico di Ottorino Respighi intitolato Feste romane il movimento finale si chiama "Bofana" e ha luogo nell'Epifania.

Prompt: Describe the characteristics of the Classical music in Epifania's History.Please output in Italian.

Johann Sebastian Bach
Liebster Immanuel, Herzog der Frommen
Natale
Ottorino Respighi
Sie werden aus Saba alle kommen


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Trittico Portinari

I pannelli laterali sono chiudibili, come tipico nelle pale d'altare nordiche, e sono dipinti con unAnnunciazione a monocromo. Rispetto ai modelli a sua disposizione, l'artista ritrasse Maria e l'angelo in nicchie particolarmente profonde, creando un effetto spaziale mai così accentuato.  figura della Vergine è abbastanza convenzionale, con la colomba dello Spirito Santo che le sta per discendere sul capo, mentre quella dell'angelo è assai più originale, presa in una posa vacillante con tutti gli arti piegati, come se stesse per cadere in ginocchio.

Prompt: Explain the External panels about the History of this artwork, Portinari Altarpiece.Please output in Italian.


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San Michele sconfigge gli angeli ribelli

Prompt: How does The Fall of the Rebel Angels (Giordano) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Dal momento che l'Acropoli era ancora una fortezza ottomana, Elgin richiese il permesso di entrare nel sito, che comprendeva il Partenone e gli edifici circostanti; tale autorizzazione venne concessa a lui e agli artisti al suo seguito dal Sultano. Il documento originale è andato perduto, esiste ancora una copia del tempo tradotta in italiano. Vassilis Demetriades, professore presso l'Università di Creta, sostiene che "qualsiasi esperto in linguaggio diplomatico ottomano può facilmente capire che l'originale del documento che è sopravvissuto non è un'autorizzazione", e la sua autenticità è stata messa in discussione. Il documento è stato inserito in un allegato del 1816 ad un rapporto di una commissione parlamentare. Tale comitato era stato convocato per valutare l'offerta di Elgin dell'acquisto dei marmi. Il rapporto sosteneva che il documento in allegato era una traduzione accurata in italiano di un permesso ottomano datato luglio 1801. Secondo Elgin ciò equivaleva ad un'autorizzazione a rimuovere le sculture. Al comitato fu detto che il documento originale era stato consegnato ai funzionari ottomani ad Atene, ma, nonostante gli archivi ottomani ancora esistenti presentino un numero eccezionale di documenti analoghi risalenti allo stesso periodo, l'originale non sarebbe ancora stato rinvenuto. e non poteva avere né sigillo né firma, come confermò St. Clair. e ci si soffermò soprattutto sulla parola "qualche", cioè "pochi". Secondo alcuni la vera autorizzazione all'acquisizione dei marmi venne dalle autorità ottomane solo con un secondo documento, in cui si permetteva di spedire i marmi al Pireo.Anche in considerazione della controversa autorizzazione, molti hanno messo in dubbio la legalità dell'operato di Elgin. Uno studio condotto dal professor David Rudenstine afferma che tale documento potrebbe benissimo essere falso. Rudenstine si basa in parte su una divergenza di traduzione tra l'autorizzazione in italiano e quella in inglese presentata da Hunt alla commissione parlamentare. Nel testo del rapporto parlamentare si legge "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi, e inviata tramite il signor Philip Hunt, gentiluomo inglese, Segretario del suddetto ambasciatore", ma secondo St. Clair il documento in italiano dice "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi e inviata tramite N.N.". Secondo Rudenstine questa sostituzione di "Mr. Philip Hunt" con le iniziali "N.N." difficilmente può essere un semplice errore. Egli sostiene inoltre che il documento è stato presentato solo dopo che il comitato insistette per ottenere una qualche forma di autorizzazione scritta ottomana per la rimozione dei marmi. Così, secondo Rudenstine, "Hunt si mise in una posizione in cui avrebbe potuto contemporaneamente garantire l'autenticità del documento e spiegare il motivo per cui lui solo aveva una copia di esso quindici anni dopo che fu presentato agli ufficiali ottomani ad Atene". In due occasioni precedenti Elgin dichiarò che gli Ottomani gli concedettero permessi più di una volta, ma che non aveva tenuto nessuno di essi. Hunt testimoniò il 13 marzo, e una delle domande che gli furono poste fu "Ha mai visto una qualsiasi delle autorizzazioni scritte che sono state concesse a [Lord Elgin] per la rimozione dei marmi dal Tempio di Atena?", a cui Hunt rispose di sì, aggiungendo che egli possedeva una traduzione italiana dell'autorizzazione originale. Tuttavia egli non spiegò perché aveva conservato la traduzione per quindici anni, mentre Elgin, che aveva testimoniato due settimane prima, non sapeva nulla circa l'esistenza di un tale documento.Al contrario il professor John Merryman, in opposizione a Rudenstine, afferma che, poiché gli Ottomani controllavano Atene dal 1460, le richieste delle sculture erano legali. Il sultano ottomano sarebbe stato grato agli Inglesi per aver respinto l'espansione napoleonica, e i marmi del Partenone non avevano alcun valore per lui. Inoltre tale autorizzazione scritta esiste nella forma di firmano, il tipo più formale di autorizzazione dell'epoca, che permise ad Elgin di portare via i marmi e legalizza le sue azioni. Merryman nota, comunque, che la frase che permetteva ad Elgin di sottrarre le sculture era ambigua e aggiunge che il documento è piuttosto spiccio e la suddetta clausola lasciava ampie possibilità di interpretazione: gli scavi e la conseguente esportazione dei marmi, quindi, iniziarono, ma nell'opera Elgin danneggiò le sculture e la struttura del Partenone, lasciando il tempio denudato e per di più rovinato. Quindi anche Merryman afferma che Elgin superò nei fatti ciò che gli era stato permesso sulla carta.

Prompt: How does Elgin Marbles explain its Removal of the Elgin Marbles?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (Raphael)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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L'odalisca bruna

Storia culturale dei glutei Storia del nudo artistico

Prompt: In The Brunette Odalisque, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Dona Isabel de Requesens

Il Ritratto di Dona Isabel de Requesens  è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, databile al 1518 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: In Portrait of Doña Isabel de Requesens y Enríquez de Cardona-Anglesola, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Focus on Annunciation (Lorenzetti) and explain the Congregation orders Annunciation.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rubens).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Monumento equestre al Gattamelata

figura del Gattamelata è infatti fiera e severa, e reca in mano il bastone del comando, probabilmente quello che gli offrì effettivamente la Repubblica di Venezia nel 1438.  sua armatura, elegantemente decorata, fu reinventata da Donatello, parafrasando liberamente un'armatura "all'antica", che non corrisponde assolutamente alle armature in uso ai tempi della realizzazione dell'opera. Il condottiero, con le gambe tese sulle staffe, fissa un punto lontano e tiene in mano il bastone del comando in posizione obliqua che con la spada nel fodero, sempre in posizione obliqua, fanno da contrappunto alle linee orizzontali del cavallo e alla verticale del condottiero accentuandone il movimento in avanti.

Prompt: In Equestrian statue of Gattamelata, how is the The leader of the Description explained?Please output in Italian.

1438
Donatello
Gattamelata
Repubblica di Venezia
Repubblica di Venezia


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Bottega del fabbro

Le versioni successive, centrate su una fucina piuttosto che sulla più tradizionale ambientazione dell'officina del fabbro ferraio, sono oggi esposte al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo e alla Tate Gallery di Londra.Nel 1772 Wright dipinse una variazione sul tema dalle dimensioni di quarantaquattro per cinquantadue pollici intitolata  fucina che venne venduta a Lord Palmerston per 200 sterline; questa versione è ancora proprietà della famiglia Palmerstone. Un'altra versione da quarantuno per cinquantacinque pollici intitolata Una fucina vista da fuori fu venduta all'Imperatrice Caterina II di Russia. Un'altra versione del 1771 intitolata  bottega del fabbro venne venduta al primo Lord Melbourne e rimase di proprietà della sua famiglia fino a quando non venne acquistata e donata a Down House, dove si unì alla raccolta in memoria di Charles Darwin; questa versione è esposta nella collezione Mellon.In queste opere la figura principale è al lavoro con una potente fucina mentre intorno a lui la sua famiglia lo osserva. Nonostante il notturno fosse un tipo di quadro ben noto da secoli, quelli di Wright erano percepiti come ben diversi dai suoi contemporanei, dal momento che la vera rivoluzione consisteva nella materia trattata dall'opera. Le fucine alimentate dalla potenza dell'acqua alimentato non erano invenzioni recenti, ma ciò che rendeva Wright innovativo era il suo proporre queste scene che si evolvevano fino a diventare soggetto artistico. Per questo motivo i dipinti di Wright sono stati spesso utilizzati come simbolo della rivoluzione industriale e dell'Illuminismo, tenuto anche conto dell'appartenenza del pittore stesso alle avanguardie intellettuali dell'epoca: Wright fu infatti una figura importante all'interno della Lunar Society e della Derby Philosophical Society, i cui membri erano attivi per lo sviluppo delle scienze e dell'ingegneria in Inghilterra.

Prompt: Focus on The Blacksmith's Shop and explain the Other versions.Please output in Italian.

Caterina II di Russia
Charles Darwin
Derby Philosophical Society
Ermitage
Illuminismo
Londra
Lunar Society
San Pietroburgo
Tate


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Chloé

Chloé è una casa di moda francese fondata nel 1952 da Gaby Aghion. È stata la prima azienda di abbigliamento a realizzare prêt-à-porter di lusso.

Prompt: Focus on Chloé (Lefebvre) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: Focus on Lamentation over the Dead Christ (Bellini, Florence) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Canestra di frutta

Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio, Torino, Boringhieri, 2006, II ed. Maurizio Marini, Caravaggio pictor Praestantissimus, Roma, Newton Compton, 2005, ult. ed. Roberto Longhi, Me pinxit e Quesiti caravaggeschi, Firenze, Sansoni, 1968 e Caravaggio a c. di Giovanni Previtali, Milano, 1985  Pamela J. Jones, Federico Borromeso e l'Ambrosiana: arte e riforma cattolica a Milano nel XVII secolo, Milano, Vita e Pensiero, 1997 Z. Wanzbinski, Il cardinal Francesco Maria Del Monte, Firenze, Olschkj, 1990 Maria Cristina Terzaghi, Per la canestra e Federico Borromeo a Roma, in Studia Borromaica, 18, 2004, pp. 263-293 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1991 Stefano Zuffi, Caravaggio. Simboli e segreti, Milano, Rizzoli, 2010 Kristina Hermann Fiore,  madonna del gruccione indiano. Restauro del 2007, in Perin del Vaga, Giovanni da Udine, Marcello Venusti. Storia e restauri, a c. di Kristina Hermann Fiore, Roma, Gangemi, 2014. Pinacoteca Ambrosiana, dipinti del Cinquecento e del Seicento, Milano, Electa, 2007.  Alberto Veca,  natura morta, Firenze, Giunti, 1990  Luca Bortolotti,  natura morta, Firenze, Giunti, 2003.Alberto Cottino, Ancora sulla canestra del Monte/Borromeo: il punto di vista dello studioso di natura morta, in “Atti della Giornata di Studi Francesco Maria del Monte e Caravaggio. Roma, Siena, Bologna opera biografia documenti”, a cura di P. Carofano, Pontedera 2011, pp. 145-159. Caravaggio.  Canestra e i suoi frutti, film d'arte di Fabiola Giancotti con Gualtiero Scola, Milano 2023

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Basket of Fruit (Caravaggio).Please output in Italian.

Caravaggio
Federico Borromeo
Giovanni da Udine
Milano
Perin del Vaga
Pinacoteca Ambrosiana


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Giuseppe e la moglie di Putifarre

sinistraIl capitolo 39 del libro della Genesi è stato rappresentato da molti maestri dell'arte cristiana, almeno dalla Genesi di Vienna  fino alla Cronaca di Norimberga . Sculture, affreschi, vetrate e luminarie evocano il tema nelle cattedrali di Bourges, Tours, Rouen e Chartres. In quest'ultimo caso, la moglie di Putifarre, sullo zoccolo della statua di Giuseppe sul portale a nord, tende l'orecchio verso un drago che le predica l'infedeltà.Nel campo della pittura e dell'incisione, oltre alla scuola di Fontainebleau, si possono citare Luca da Leida, il Tintoretto, Ludovico Cigoli, Lionello Spada, Orazio Gentileschi, Guido Reni, Gauguin, Properzia Dè Rossi  Alcuni di loro  hanno affrontato più volte questo soggetto, che è uno dei classici dell'arte erotica.

Prompt: Describe the characteristics of the Painting sculpture in Joseph and Potiphar's Wife (Finoglia)'s Interpretations.Please output in Italian.

Bourges
Chartres
Genesi di Vienna
Guido Reni
Lionello Spada
Luca da Leida
Orazio Gentileschi
Putifarre
Rouen
Tintoretto
Tours


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Ritratto di giovane uomo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Man (Barocci).Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

scena centrale della Resurrezione rinnova l'iconografia tradizionale combinandosi con quella dell'Ascensione. Un Cristo trionfante si manifesta sfolgorante in cielo, impugnando il vessillo crociato come emblema del Cristianesimo.  sua figura, di straordinaria forza espressiva e bellezza anatomica, si erge inondata dalla luce, soprattutto per contrasto con lo sfondo delle prime ore del mattino e con i soldati nell'ombra in basso, rischiarati appena da qualche riflesso sull'armatura di uno di essi.Nell'opera Tiziano dimostrò di aver assimilato e rielaborato le recentissime innovazioni romane di Raffaello: in particolare la Trasfigurazione per la posa e il ruolo centripeto giocato dal Cristo, e l'affresco della Liberazione di san Pietro, come le atmosfere notturne. Il gesto di Cristo che spalanca le braccia può anche essere letto come una citazione colta del Gruppo del ocoonte, e il suo modellato anatomico come un omaggio alla perfezione della statuaria antica. Lo sfondo poi, rigato dai riflessi arancio che rievocano l'alba della nuova era cristiana inaugurata dalla Resurrezione, rimandano al sentire atmosferico e paesistico delle opere della scuola danubiana, alla quale fa pensare anche l'architettura nordica della Gerusalemme ideale sullo sfondo.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Resurrection of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Giovane donna assopita

Nei dubbi attributivi che coinvolgono le prime opere di Vermeer, la Giovane assopita è considerata il primo dato pressoché certo. È infatti quasi certamente il dipinto descritto come "Ragazza ubriaca addormentata a una tavola" nel catalogo dell'asta Dissius  in cui passò la maggior parte delle opere conosciute dell'artista. Associata al n. 8, la tela venne venduta per 62 fiorini.Finita in Francia, nel corso del XIX passò per varie collezioni. Nel 1907-1909 fu acquistata da Benjamin Altman e portata a New York, dove fu poi donata al museo, con lascito testamentario, nel 1913. datazione si basa su confronti stilistici con opere di Nicolaes Maes: la Serva addormentata della National Gallery di Londra, datata 1655 e con una figura molto simile, speculare, e la Vecchia appisolata nei Musées des Beaux-Arts di Bruxelles, dall'iconografia simile. È possibile che tra i due artisti, attivi a Delft fin dal 1653, possano esserci stati scambi di idee e motivi.

Prompt: Focus on A Girl Asleep and explain the History.Please output in Italian.

1907
1909
Benjamin Altman
Bruxelles
Delft
New York
Nicolaes Maes


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Morte di Cleopatra

Tra le sculture moderne raffiguranti questo tema artistico si citano la Cleopatra di Alfonso Balzico  e  morte di Cleopatra dell'artista afroamericana Edmonia Lewis : nonostante la Lewis raffigurasse molto spesso gente di etnia non caucasica, quest'opera raffigura Cleopatra con dei tratti somatici caucasici.  scultura neoclassica di Edmonia Lewis raffigura la sovrana morta, vestita con gli abiti regali e seduta sul suo trono, decorato da due teste di sfinge che simboleggiano i gemelli che ebbe da Marco Antonio: Alessandro Elio e Cleopatra Selene II. Una statua di gesso del 1880 raffigurante Cleopatra che si suicida, oggi a Lilla, venne per lungo tempo attribuita ad Albert Darcq, ma un restauro rivelò la firma dello scultore Charles Gauthier.Nel dipinto di Jean-André Rixens  morte di Cleopatra, realizzato nel 1874, Cleopatra è ritratta con una pelle molto chiara, mentre le sue servitrici hanno la pelle più scura: questo "contrasto" si ritrova in altre opere raffiguranti la morte della sovrana. poesia Cleopatra della poetessa russa Anna Andreevna Achmatova, scritta nel 1940, descrive proprio la fine della vita della sovrana. Una poesia di Ted Hughes del 1960 rappresenta un monologo tra Cleopatra e l'aspide che la sta per uccidere.

Prompt: Describe the characteristics of the Modern era in Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Albert Darcq
Alessandro Elio
Alfonso Balzico
Anna Andreevna Achmatova
Charles Gauthier
Cleopatra
Edmonia Lewis
Jean-André Rixens
Marco Antonio
Ted Hughes


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Immacolata Concezione

Nei primi decenni del XIV secolo le controversie si erano ormai accese.Tra il 1320 e il 1321 ebbe luogo alla Sorbona una disputa tra uno dei discepoli di Scoto, Francesco de Mayronis , e il benedettino Pietro Roger, che sarebbe poi divenuto papa con il nome di Clemente VI . Gli animi si scaldavano tra chi difendeva Scoto e chi lo accusava di eresia.Così un carmelitano, Giovanni Baconthorpe , scriveva:Nel 1387 il domenicano Juan de Monzón, noto anche come Giovanni da Montesono  cominciò a insegnare alla Sorbona che la tesi sull'Immacolata Concezione era nettamente contraria alla fede della Chiesa. Ciò diede vita a una disputa con il francescano Andrea di Novocastro  e suscitò l'opera del suo confratello Giovanni Vidal, Defensorium Beatae Mariae Virginis Adversus Joannem de Montesono, che causò l'intervento di trenta teologi della Sorbona; costoro, dopo aver preso in considerazioni gli argomenti dei due maestri, giudicarono la tesi del domenicano «scandalosa, presuntuosa e offensiva», obbligandolo a ritrattare.Ma né la condanna, né la minaccia di scomunica da parte di Pietro d'Orgemont, vescovo di Parigi, riuscirono a far ritrattare il Monzón, che, pur ricorrendo a papa Clemente VII , ottenne solo condanne.In ogni caso, i trenta teologi parigini, che sostenevano come "possibile" l'opinione immacolatista, riconoscevano anche l'autorevolezza che si deve avere nei confronti della teologia dell'Aquinate. Questa prudente posizione cercava di tutelare la libertà di pensiero di fronte a un argomento non ancora definito dalla Chiesa, ma contemporaneamente ammetteva l'importanza del pensiero di San Tommaso. In effetti, è da questo momento che l'Aquinate divenne il "maestro" degli avversari dell'Immacolata Concezione, e sembra anche che si possa far risalire a questo evento la nascita ufficiale della "scuola scotista dell'Immacolata"; ebbero cioè inizio le due correnti teologiche degli Scotisti e dei Tomisti.Le discussioni continuarono nel 1400, inaugurando tra i teologi cattolici un periodo di discussioni tanto intense e durature da ispirare artisti del secolo successivo  per la rappresentazione di quadri allegorici nominati, appunto, Disputa sull'Immacolata Concezione. Nel 1566 lo stesso Carlo Portelli dipinse una chiara Immacolata Concezione per ribadire il concetto teologico, che però non trovò conferma ufficiale per altri tre secoli.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the The disputes of the 14th century of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

Andrea di Novocastro
Carlo Portelli
Giovanni Baconthorpe
Giovanni Vidal
Giovanni da Montesono
Parigi
Pietro d'Orgemont


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Maria Maddalena

diffusione del culto in Occidente avvenne soprattutto grazie all'Ordine dei Frati Predicatori, secondo la testimonianza di Umberto de Romans: "Dopo che la Maddalena si è data alla penitenza, è stata resa dal Signore così grande per grazia, che dopo la Beata Vergine non si trova donna alla quale nel mondo non si renda maggior riverenza e non si dia maggior gloria in cielo". I domenicani la considerano una delle loro patrone. Varie congregazioni di frati e di suore le attribuirono il titolo di "apostola degli apostoli", come viene celebrata nella liturgia bizantina, e paragonarono la missione di Maddalena, di annunciare la risurrezione, al loro ufficio apostolico.Nel calendario romano generale la sua celebrazione è fissata al 22 luglio, senza alcun cenno alla supposta identificazione con la peccatrice.  sua memoria è stata elevata a festa da papa Francesco al 3 giugno 2016 per sottolineare il compito di evangelizzatrice degli apostoli della santa, il ruolo della donna nella Chiesa e l'azione della misericordia di Dio.Una tradizione riportata nella Legenda aurea racconta che la Maddalena, con i fratelli e altri discepoli, sia partita dalla Palestina per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer dopo un viaggio periglioso, nonostante la barca fosse ingovernabile; una variante della leggenda, attestata anche da un affresco di Giotto nella cappella della Maddalena della basilica inferiore di Assisi, vuole che l'approdo sia avvenuto a Marsiglia.destraGiotto,  Maddalena approda a Marsiglia, affrescoIl culto di Maddalena si diffuse in Europa e i suoi devoti costruirono numerose chiese in suo onore: la più nota è quella gotica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume , dove è conservato quello che si dice sia il teschio della santa. Fu Carlo II d'Angiò ad effettuare linventio di tale reliquie nel 1279, convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295. "Sainte Baume" in antico provenzale significa "santa grotta": a Plan-d'Aups-Sainte-Baume, sotto la cima più alta del massiccio montagnoso, c'è una grotta dove la tradizione vuole che sia morta la Santa, oggi sede di una chiesa, che accoglie una fonte di acqua e un convento domenicano. In tale chiesa è presente una reliquia della Maddalena. Il luogo, conosciuto nel Cinquecento come Nanse o Nanze , era allora meta di frequenti pellegrinaggi da tutta Europa, soprattutto dalle corti italiane. Il cardinale Luigi d'Aragona ha lasciato un diario redatto dal chierico molfettese Antonio De Beatis con dettagli sui luoghi della Maddalena in Provenza, così come l'alvitano Mario Equicola nel suo Iter in Narbonensem Galliam, che riporta il viaggio per un pellegrinaggio di Isabella d'Este, marchesa di Mantova.In ogni modo, ben prima di Saint Maximin, il culto di Maria Maddalena si era formato presso l'abbazia borgognona di Vezelay, dove già nel 1050 si diceva fosse conservato il corpo.Il culto della Maddalena, peraltro, non è una prerogativa esclusiva della Francia, come dimostra l'esistenza di molti edifici a lei dedicati ad esempio in Italia , fra cui le principali come la Chiesa di Santa Maria Maddalena in Campo Marzio in Roma, la chiesa parrocchiale dell'isola della Maddalena, la basilica di Santa Maria Maddalena Penitente in Casamicciola Terme , unica chiesa in Italia che conserva il titolo di "Maria Maddalena Penitente", la chiesa arcipretale di Longare e quella di verda nel vicentino, la chiesa parrocchiale di Bordighera, il duomo di Desenzano, la Collegiata di Atrani  dedicata alla Santa dal 1274, l'abbazia di Sant'Egidio del Monte Albino , la chiesa della Maddalena di Alba, la chiesa di Santa Maddalena a Bolzano, la chiesa madre di Ciminna  e Sciacca , quella parrocchiale di Uggiano la Chiesa , Corbola , la Chiesa Madre di Santa Maria Maddalena in Casalanguida  e molti altri luoghi di culto.

Prompt: Describe the characteristics of the In the West in Mary Magdalene (Perugino)'s Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.

2016
22 luglio
Atrani
Bolzano
Bordighera
Casamicciola Terme
Ciminna
Corbola
Francia
Giotto
Isabella d'Este
Longare
Mario Equicola
Marsiglia
Plan-d'Aups-Sainte-Baume
Provenza
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Sant'Egidio del Monte Albino
Uggiano la Chiesa


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Describe the characteristics of the History, culture, Sociology in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.


section

William Tecumseh Sherman

figura del generale Sherman è al centro o appare in numerose opere, tra le quali si possono ricordare: la canzone della guerra civile americana Marching Through Georgia di Henry Clay Work, il poema di Herman Melville The March to the Sea, nel documentario Sherman's March di Ross McElwee, nel romanzo  marcia di E. L. Doctorow.Il generale Sherman appare in vari episodi della serie western a fumetti Magico Vento.Il berretto utilizzato nel corso della Un I 500 dollari in una serie del 1891 con il volto di Sherman.Uno degli Uno degli edifici di Fort Sherman nella zona del Primo piano del Il busto di William Tecumseh Sherman all'interno del

Prompt: How does William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens) explain its Mass culture?Please output in Italian.

1891
Henry Clay
Henry Clay Work
Herman Melville


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Suonatore di liuto

Giovanni Baglione, Le vite de' pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a' tempi di Papa Urbano Ottavo nel 1642, Roma: Stamperia d'Andrea Fei, 1642. Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio e l'esperienza delle "cose naturali", Torino: Bollati Boringhieri, 1992. Keith Christiansen, "Some observations on the relationship between Caravaggio's two treatments of the 'Lute-player'", in The Burlington Magazine, 132 , pp. 21–26. Keith Christiansen, Caravaggio, New York, Metropolitan Museum, 2000 R. Julian, Caravage, Paris, 1961 Christoph Luitpold Frommel, "Caravaggios Frühwerk und der Kardinal Francesco Maria del Monte", in Storia dell'Arte, 9/10 , pp. 5–52. Denis Mahon, "The singing 'Lute-player' by Caravaggio from the Barberini collection, painted for cardinal Del Monte, The Burlington magazine, 132 , pp. 5-20. Memorie dei pittori messinesi, Messina: presso Giuseppe Pappalardo, 1821. Franca Trincheri Camiz, "The castrato Singer: from informal to formal portraiture", Artibus et historiae, vol. IX, 18 , pp. 171–186.  Franca Trinchieri Camiz, " 'Musica' nei quadri del Caravaggio", in Caravaggio: nuove riflessioni, Quaderni di Palazzo Venezia, 6 , Roma: Palombini, 1989, pp. 199–220. Franca Trinchieri Camiz, "Music and Painting by Caravaggio's in Cardinal del Monte's Household", in Metropolitan Museum journal, 26 , pp. 213–226. Karin Wolfe, "Caravaggio: another 'Lute player'", in The Burlington Magazine, 127 , pp. 451–452 Sybille Ebert-Shiffer, Caravaggio dilettante di musica? in AA. VV.  musica al tempo di Caravaggio, a c. di Stefania Macioce ed Enrico de Pascale, Roma, Gangemi, 2010, pp.29-40 K. Hermann- Fiore, Il suonatore di Liuto, in www.Pierreci,com/album/caravaggio/2010 A. Moir, Caravaggio, New York, 1982 Maurizio Marini, Caravaggio pictor praestantissimus, Roma, Newton Compton, ed. 2005 A. Czbor, Autoritratti del giovane Caravaggio in Acta Historiae Artium Acadamiae Scientiarum Hungaricae, II, 1955, pp. 201-213 Mina Gregori, Caravaggio, Bergamo, 1994 Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, 1991 Giacomo Berra, il musico" augellin", in  musica al tempo di Caravaggio, cit., pp. 41-74

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Lute Player (Cariani).Please output in Italian.


section

Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: Focus on The Last Supper (Leonardo) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


section

Ritratto d'uomo con medaglia di Cosimo il Vecchio

Bruno Santi, Botticelli, ne I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 88-8117-091-4Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Focus on Portrait of a Man with a Medal of Cosimo the Elder and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

L'odalisca bruna

Esiste una seconda versione dell'opera, oggi conservata in una collezione privata, nella quale la parte interiore del corpo della giovane è coperta da un vestito.François Boucher dipinse qualche anno dopo  due quadri simili, chiamati L'odalisca bionda o Ragazza distesa. Quello conservato nella pinacoteca antica  di Monaco mostra un'odalisca più giovane, dai capelli biondi e dall'atteggiamento leggermente meno esposto, sopra un divano. Raffigura Marie-Louise O'Murphy, un'amante del re Luigi XV. Un'altra versione molto simile si trova nel museo Wallraf-Richartz di Colonia. Nella parte inferiore, al posto di un incensiere si trova un libro aperto, a indicare che l'effigiata non è una prostituta volgare o una plebea, bensì una dama istruita. Il libro, in quel periodo dominato dall'Illuminismo, può essere visto anche come un simbolo della razionalità e della sensibilità femminili, il che ne accresce il mistero.

Prompt: Focus on The Brunette Odalisque and explain the Other versions.Please output in Italian.

François Boucher
Illuminismo
Marie-Louise O'Murphy
Ragazza distesa


section

Pala del cardinale del Portogallo

Pala del cardinale del Portogallo  è un dipinto a olio su tavola  di Antonio del Pollaiolo, databile al 1466-1467 circa. Proviene dalla Cappella del Cardinale del Portogallo in San Miniato al Monte ed oggi è conservata agli Uffizi di Firenze.

Prompt: In Cardinal of Portugal's Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1466
1467
Antonio del Pollaiolo
Cappella del Cardinale del Portogallo
Cardinale
Firenze
Portogallo


section

Gioele

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Prophet Joel (Michelangelo).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Rembrandt's self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Mademoiselle La La al Circo Fernando

In quest'opera Degas non è affatto interessato a raccontare l'audacia del numero interpretato da Mademoiselle  , bensì intende raffigura il momento in cui ella si libra in aria, con le architetture circensi sullo sfondo: quanto risulta superfluo per questa narrazione, come il pubblico, il trapezio o la sagoma rotonda del circo, viene opportunamente eliminato. Il pittore rappresenta l'acrobata con un ardito scorcio dal basso, come se la stessimo osservando piegando il collo in su mentre ella si fa sollevare.  donna piega con eleganza le gambe e le braccia, richiamando le linee del soffitto e legando, da un punto di vista compositivo, la figura con lo sfondo. Per realizzare il giusto scorcio Degas faticò parecchio, come hanno dimostrato i raggi X, arrivando poi a farsi aiutare da un disegnatore professionista . Altri pentimenti si notano nelle gambe della donna, che hanno striature come se indossasse delle calze: in realtà essa si esibiva a gambe scoperte e i segni non sono altro che le tracce dell'abitudine di Degas di cancellare e rifare in continuazione. L'artista infatti, a differenza dei suoi colleghi impressionisti, non cercava mai di eseguire i dipinti in un'unica seduta, né dipinse all'aria aperta. Creava in loco schizzi con carboncini o pastelli e successivamente realizzava le sue scene in studio. Nonostante l'impressione proposta dall'opera sia quella di una visione fuggevolissima e irripetibile, Degas ha meditato a lungo sulle energie spaziali e compositive dell'opera. donna è scarsamente caratterizzata e, a parte i capelli, è difficile stabilirne l'etnia, anche perché la luce scura sotto il tendone ne confonde il colore della pelle. Dopotutto quello che interessava all'artista era la rappresentazione del corpo femminile in movimento, come dimostrava nei suoi ritratti di ballerine e di donne che si asciugano o si pettinano i capelli. Pennellate veloci danno un senso di fresca immediatezza e si confanno al senso di velocità e movimento con cui la donna volteggia in aria.  posizione decentrata della protagonista dichiara apertamente l'influenza delle stampe giapponesi in quei tempi popolari tra la nuova generazione di artisti.

Prompt: Focus on Miss La La at the Cirque Fernando and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Torre di Babele

Arno Borst, Der Turmbau von Babel. Geschichte der Meinungen ūber den Ursprung und Vielfalt der Sprachen und Vōlker, Hiersemann 1957-59 . Phillip Michael Sherman, Babel’s Tower Translated: Genesis 11 and Ancient Jewish Interpretation, Leiden, Brill, 2013.

Prompt: How does The Tower of Babel (Bruegel) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Danza nuziale

Nel 1930 l'opera, in cattive condizioni, passò sul mercato antiquario inglese. Fu considerata una copia da un originale perduto finché il restauro del 1941 non ne confermò l'autografia.Stando alla data, l'opera procede di poco altre due tavole a soggetto nuziale: il Corteo, il Banchetto e la Danza di contadini, la prima a Bruxelles, le seconde a Vienna. Il lavoro inaugurò quindi probabilmente la serie sulla vita contadina, ed ebbe un notevole successo, come testimoniano le numerose copie conosciute.

Prompt: In The Wedding Dance, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Madonna Aldobrandini

L'opera si trovava nelle collezioni Aldobrandini a Roma, da dove passò in quelle Borghese. Alla fine del Settecento fu acquistata dal Day, che la portò in Inghilterra, finendo nel 1824 nella raccolta di Lord Garvagh, prima di passare nella sede odierna, nel 1865, tramite acquisto. datazione è di solito riferita ai primi anni del soggiorno romano, verso il 1510, con oscillazioni di uno o due anni. Essa appare infatti in un taccuino detto "dei Garofani" assieme alla Madonna Mackintosh, che dovette essere elaborata in un periodo molto vicino.

Prompt: In Garvagh Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Monumento al Leone di Giuda

Il monumento al Leone di Giuda è una statua del Leone di Giuda, simbolo degli imperatori etiopi e dell'Etiopia, posta di fronte alla stazione ferroviaria di Addis Abeba, capitale dell'Etiopia . statua è particolarmente nota in Etiopia per un episodio di protesta contro il colonialismo italiano avvenuto nel 1938 a Roma  per mano di Zerai Deres, che per tale gesto è celebrato dalla storiografia etiope quale patriota ed eroe nazionale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Monument to the Lion of Judah.Please output in Italian.

Addis Abeba
Etiopia
Leone di Giuda
Roma
Zerai Deres


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Santa Bibiana

Prompt: Focus on Saint Bibiana (Bernini) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.