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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La barca di Dante

leftIl soggetto del dipinto è tratto dall'ottavo canto dellInferno dantesco. In primo piano sono ritratti Dante, che indossa un cappuccio rosso e un abito verde e bianco, e il maestro Virgilio mentre attraversano il largo fossato del fiume Stige su un'imbarcazione pilotata da Flegias, il custode del quinto cerchio. Ebbene, mentre il demone nocchiero traghetta Virgilio e il suo discepolo al di là delle acque melmose, dove si ergono le mura della città di Dite, la navicella viene attaccata dai dannati della palude stigia, dove iracondi e accidiosi scontano la loro pena eterna.Dante, preso da un sentimento di sgomento e raccapriccio, alla vista degli spiriti leva il braccio in alto come per allontanarsene. Virgilio, avvolto in un mantello marrone e con la testa cinta da una corona d'alloro, riesce invece a dominare le forze sotterranee e, mosso a pietà, cerca di infondere coraggio nel discepolo tenendogli la mano; Flegias, visto di tergo, è ammantato solo in un drappo azzurro. Alla stagnante immobilità dello Stige si oppone la furia imponente degli iracondi, collocati al di sotto dei due pellegrini e del demonio. I dannati, immersi nell'acqua fangosa, si dimenano contro loro stessi, mordendosi a vicenda, preda della loro stessa rabbia; tra le fangose genti  si scorge il fiorentino Filippo Argenti, che furibondo tenta di rovesciare la barca. Dall'ambientazione buia e tenebrosa, infine, emergono in fondo le mura di ferro incandescenti che cingono la città di Dite, circondata dalla palude.Dal punto di vista stilistico, tra i punti di riferimento più evidenti appaiono Michelangelo, per la trattazione chiaroscurale dei corpi dei dannati, e  zattera della Medusa di Théodore Géricault, dal quale riprende lo stile fortemente emotivo e la costruzione piramidale. Il perimetro di questa piramide, in particolare, è definito dalle masse imponenti dei passeggeri della barca, con la diagonale principale della tela impostata lungo il braccio alzato di Dante. I corpi dei dannati, invece, disegnano forme concave che, amplificando e riproponendo il moto ondoso della palude, enfatizzano l'instabilità dell'imbarcazione.

Prompt: Focus on The Barque of Dante and explain the Description.Please output in Italian.

Filippo Argenti
Flegias
Théodore Géricault


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Giochi di bambini

L'opera, citata da van Mander nel 1604, venne acquistata nel 1594 dall'arciduca Ernesto d'Asburgo. Nel 1784 comparì nel catalogo di Chrétien de Mechel.

Prompt: Explain the History of this artwork, Children's Games (Bruegel).Please output in Italian.


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La grande odalisca

Sebbene sia stata pesantemente criticata per le sue fattezze sproporzionate al Salon del 1819, anno della sua prima esposizione, l'opera ricevette un consenso unanime positivo dopo un arco di tempo di circa dieci anni. Charles Lenormant dichiarò invece:

Prompt: Focus on Grande Odalisque and explain the History.Please output in Italian.


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Madonna della Quaglia

Prompt: Focus on Madonna of the Quail and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: In the context of Epifania, explain the France and the History.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Consegna della regola francescana

Prompt: In Delivery of the Franciscan Rule, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: Describe the characteristics of the Modern representations of the Apocalypse in Apocalypse (Dürer)'s Description.Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


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La morte di Marat

Jean-Paul Marat era un uomo politico e giornalista francese, nato nel 1743 a Boudry, in Svizzera. Dopo aver esercitato per un periodo la professione medica, si interessò alla rivoluzione francese, scoppiata nel 1789; nel settembre dello stesso anno fondò inoltre il giornale L'Ami du peuple [L'amico del popolo], con il quale ribadì le proprie posizioni radicali. Divenuto presidente del Club dei Giacobini, Marat in questi anni pubblicò articoli profondi e sferzanti, imbevuti di un fanatismo sanguinario, con i quali incitò il popolo francese a ribellarsi contro i girondini dominanti. Gli esiti di questa lotta si ebbero il 2 giugno 1793, quando la Convenzione  epurò ventitré girondini, portando alla formazione di un potente governo giacobino.Nello stesso anno Charlotte Corday, una giovane donna di Caen , si recò a Parigi con l'obiettivo di uccidere Marat; la Corday, infatti, riteneva che Marat stesse tradendo gli ideali della Rivoluzione fomentando una guerra civile, e vedeva in lui una personificazione del Terrore. Fu il 13 luglio 1793 che la giovane si recò a casa dell'uomo, che la accolse immerso in una tinozza d'acqua medicamentosa . Dopo una breve conversazione la Corday gli trafisse il petto con un coltello e lo uccise, mentre egli stava leggendo la falsa lettera di supplica utilizzata dalla donna come pretesto per farsi ricevere.

Prompt: In The Death of Marat, how is the LavitadiMarat of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1793
Boudry
Caen
Charlotte Corday
Jean-Paul Marat
L'Ami du peuple
Parigi
Svizzera


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Nascita di Venere

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 88-8117-091-4AA. VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003Claudio Piani - Diego Baratono " I segreti delle antiche carte geografiche. Simbologie mariane e cartografie per il Nuovo Mondo" Albatros, Roma 2011, ISBN 978-88-567-4784-3Ilaria Sabbatini, Conchiglia storia e simbolo in Rivista Antiquarium, maggio 2014.Sandra Marraghini, Piero della terra Francesca. Il sole sorge a Firenze e tramonta a New York, Edizioni FirenzeLibri, Firenze 2015, ISBN 9788876222559

Prompt: In The Birth of Venus (Bouguereau), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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La marchesa di Santa Cruz

È uno dei quadri in cui maggiormente Goya subisce l'influenza neoclassica del tempo, soprattutto dei contemporanei David o di Canova, ma anche l'influenza dei più lontani Guercino o Rembrandt.Si noti, comunque, come la postura della marchesa risulti la stessa della Maja desnuda e della Maja vestida, ma in questo caso, in obbedienza ai canoni prima rinascimentali e poi accademici, il componimento è inserito nel grande filone dei riferimenti iconografici mitologici: le fogli di vite e i grappoli d'uva, la cetra attributo della Musa, sono tutti elementi di scuola classica che Goya sta per abbandonare definitivamente.Tuttavia nella rappresentazione della donna Goya è ancora una volta insuperato maestro: la posa seducente e sensuale colpisce ancora oggi e lo sguardo trasognato conserva un che di infantile e di affettuoso, come se un filo invisibile unisse questo ritratto a quello della bambina di anni prima e, insieme, al pittore, che a quella famiglia portava sincero affetto.

Prompt: How does Portrait of the Marchioness of Santa Cruz explain its Analysis?Please output in Italian.


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Concerto interrotto

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta . Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi  e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza. tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer.  gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

Prompt: How does Girl Interrupted at Her Music explain its Description and style?Please output in Italian.

Bicchiere di vino
Cupido
Donna in piedi alla spinetta


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Bol)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Il sogno della moglie del pescatore

Prompt: In The Dream of the Fisherman's Wife, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Aerostato

I palloni aerostatici sono impiegati attualmente soprattutto per missioni scientifiche di tipo astronomico e meteorologico. L'utilizzo in astronomia permette di eliminare almeno parzialmente l'influsso deleterio dell'atmosfera sulla qualità delle osservazioni. Per alcune bande spettrali inaccessibili da terra, ad esempio l'ultravioletto, l'uso di un pallone può essere sufficiente a tale scopo senza che sia necessaria una missione satellitare, significativamente più dispendiosa.Gli aerostati giocarono anche un ruolo chiave nelle prime esperienze che misero in luce l'esistenza dei raggi cosmici e ne studiarono l'intensità in funzione dell'altitudine portando in quota strumenti quali elettroscopi, lastre fotografiche e contatori di vario genere.Da non sottovalutare è anche l'utilizzo in campo archeologico. Infatti questi palloni possono essere utilizzati per la fotografia a bassa quota di siti e aree di interesse archeologico.

Prompt: In the context of Balloon (Merse), explain the Scientific activity and the Use aerostats.Please output in Italian.


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Ritratto di donna Franca Florio

Magistrale cantore della «Palermo felicissima» della Belle Époque, qui Boldini sembra rispondere alla sognante definizione che il poeta Gabriele D'Annunzio diede di donna Franca Florio: «È unica. Una creatura che svela in ogni suo movimento un ritmo divino». Nel Ritratto di donna Franca Florio, infatti, si riconosce pienamente la poetica della femminilità boldiniana, tanto è vero che l'opera non esita ad esaltare lo stupefacente charme della ritrattata, ma introduce anche elementi di antesignana modernità, liberando senza falsi pudori una femminilità che emerge in maniera forse civettuola, ma per nulla volgare.A seconda della tecnica, a tratti sommaria, altre volte invece descrittiva e attenta ai dettagli, Boldini sembra inoltre indicare all'osservatore quei brani pittorici che hanno particolarmente catturato la sua attenzione: è il caso del viso, di un candore perlaceo, dove risaltano le labbra vermiglie percorse da un impercettibile sorriso e i profondi occhi grigi, e della pesante e imponente collana, lunga ben sette metri e contenente 365 perle, una per ogni giorno dell'anno o - come riportano le leggende - per ogni lacrima versata dalla donna a causa dei libertinaggi del marito.Il corpo di Franca, avvolto nelle pieghe vorticistiche dell'abito di velluto nero, viene invece delineato da pennellate lunghe e scattanti, a ragione definite dai critici come «sciabolate», con le quali Boldini sembra «cristallizzare» nel tempo la splendida apparizione della sua musa. L'eleganza elettrica delle pennellate boldiniane, che con il loro rapido succedersi ricolmano la tela di una grande carica energetica, è oggetto di una meditata e profonda dichiarazione di Gaetano Boldini, fratello del pittore, rilasciata nel 1926 per un'intervista giornalistica: «Molto strano era il suo modo di dipingere giacché egli non faceva posare il modello ma voleva che si muovesse dinanzi a lui per imprimere i tratti vitali con maggiore evidenza sulla tela».

Prompt: Explain the Description of this artwork, Portrait of Donna Franca Florio.Please output in Italian.

Belle Époque
Florio
Franca Florio
Gabriele D'Annunzio
Palermo


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Madonna di Crevole

tavola raffigura la Madonna con la testa reclinata a tre quarti e un Bambino che allunga il braccio destro per toccare teneramente il velo della madre. Due piccoli angeli compaiono negli angoli superiori della tavola. L'impostazione è quella della Madonna Odigitria della tradizione bizantina, con la variante del tenero gesto del figlio che accarezza la madre, la cui espressione triste è dovuta alla premonizione del destino di sacrificio e morte di Gesù, simboleggiata dall'apparizione degli angeli.  tavola è molto simile, nell'impostazione generale, alla Madonna esposta nel Museo di Santa Verdiana a Castelfiorentino  ed attribuita a Cimabue. Tale somiglianza suffraga la teoria, formulata anche sulla base di altri indizi ben più solidi, che il giovane Duccio di questi anni fosse un allievo del più anziano Cimabue.Al di là di questa somiglianza, i volti della Madonna e del Bambino sono molto più delicati ed umanizzati nella tavola di Duccio. Il volto di Maria è più allungato e ha gli occhi più vicini tra loro, ma è anche la maggior delicatezza pittorica a fare la differenza . Anche il volto di Gesù è più morbido e meno spigoloso, con un caratteristico naso a patatina.  velata trasparenza della sua veste e l'intimo gesto con il braccio destro verso la madre, ben diverso dallo sgarbato smanacciare di quello di Cimabue, contribuiscono a rendere la sua figura più delicata. Questa percettibili differenze mostrano il progressivo distacco dello stile di Duccio da quello di Cimabue in questi anni, distacco che appariva quasi impercettibile nella precedente Madonna Gualino di Duccio  di carattere decisamente cimabuesco. Un ulteriore distacco dal maestro Cimabue avverrà con la successiva Madonna Rucellai  dove Duccio introdurrà elementi gotici che mai caratterizzeranno invece l'opera di Cimabue.Tornando alla Madonna di Crevole, le sfumature chiaroscurali dei volti hanno invece risultati analoghi a quelli raggiunti da Cimabue, anche se l'esecuzione basata sui sottili filamenti cimabueschi è qui di una finezza tale da far apparire una patinatura omogenea sulla pelle dei due personaggi. Se questa raffinatezza figurativa esalta l'opera di Duccio, ben diverso è il discorso se si valuta il panneggio, che appare qui meno curato. Se da una parte i manti di Maria sono identici, tale da far supporre che l'allievo Duccio sia intervenuto per dipingere anche quello di Cimabue, il confronto tra i panneggi di Gesù pone gli autori molto più in contrasto. Le numerosissime pieghe sono qui rese senza alcuna attenzione per la provenienza delle fonti di luce e conseguentemente la figura ha una minore rotondità volumetrica.Come nella Madonna Gualino dello stesso Duccio, gli angeli negli angoli superiori della tavola sono minuscoli, sproporzionatamente piccoli e senza corrispondenza spaziale rispetto alle due figure centrali. Ben diverso era il discorso per gli angeli di Cimabue, quando presenti, come nella Maestà del Louvre del 1280 circa.  ricerca di un'adeguata volumetria delle figure e di una profondità spaziale non erano ancora caratteristiche di Duccio. Ma è piuttosto la sua dolcezza figurativa che stava emergendo in questi anni. Duccio stava ancora seguendo gli insegnamenti del maestro, ma il suo stile andava ormai diversificandosi, acquisendo una raffinatezza unica nel panorama artistico del tempo e che contraddistinguerà sempre Duccio rispetto ai suoi contemporanei.

Prompt: Focus on Crevole Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.

1280
Castelfiorentino
Cimabue
Crevole
Madonna Gualino
Madonna Rucellai
Maestà del Louvre
Museo di Santa Verdiana
Odigitria


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Madonna di Macerata

Su un astratto fondo oro, il frammento mostra la Madonna a mezza figura che avvicina a sé il Bambino, seduto sulle braccia, portandoselo al viso mentre lancia un intenso sguardo verso lo spettatore. Sul manto di broccato scorrono motivi decorativi dorati e si trova appuntata la stella, tradizionale attributo che ricorda la cometa di Betlemme. Le figure e i panneggi sono sbalzati dal chiaroscuro con intensità, ma la loro iconica plasticità è addolcita dalla tenerezza dei volti e delle espressioni.

Prompt: How does Madonna with Child (Crivelli) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Ritratto di Ippolito de' Medici

Il Ritratto di Ippolito de' Medici è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1532-1534 circa e conservato nella Galleria Palatina di Firenze.

Prompt: How does Portrait of Ippolito de' Medici explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: In Annunciation (Veronese, Uffizi), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Santa VeronicaReliquie attribuite a GesùSindone di TorinoSudario di OviedoAcheropitaMandylionVolto Santo di Manoppello

Prompt: In Head of Christ (Correggio), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Acheropita
Gesù
Mandylion
Manoppello
Reliquie attribuite a Gesù
Santa Veronica
Sindone di Torino
Sudario di Oviedo
Veronica
Volto Santo di Manoppello


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel novembre 1970, all'interno delle manifestazioni per festeggiare i 10 anni del movimento Nouveau Réalisme, Christo e Jeanne-Claude furono incaricati dal Comune di Milano di realizzare una performance. Il 24 novembre il monumento a Vittorio Emanuele II fu impacchettato con teli e legato con corda rossa; però, a causa delle proteste, il giorno successivo fu deciso di rimuovere la copertura. Negli stessi giorni fu impacchettato anche il monumento a Leonardo da Vinci; la notte del 28 novembre alcuni giovani  diedero fuoco al telo, che fu rimosso dai vigili del fuoco intervenuti sul posto.

Prompt: Explain the Monument wrapped about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.

Christo e Jeanne-Claude
Leonardo da Vinci
Milano
Nouveau Réalisme


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Democrito

Democrito fu anche un pioniere nei campi della matematica e della geometria. Scrisse molte opere di matematica e geometria, nessuna delle quali è giunta fino a noi; si conoscono solo i titoli di alcune delle sue opere  citati in altre opere, dal momento che nessuna delle sue opere sopravvisse al Medioevo.Secondo Archimede, Democrito fu tra i primi a osservare che un cono o una piramide con le stesse area di base e altezza hanno un volume pari a un terzo del volume rispettivamente di un cilindro o di un prisma. Democrito non ne fornì una dimostrazione  ma si limitò ad asserirne la veridicità.Inoltre in un noto passo, Plutarco  riporta che Democrito si sarebbe posto la seguente questione: la superficie data dall'intersezione di un cono con un piano parallelo alla sua base può essere uguale oppure diversa dalla superficie della base del cono. Se le due superfici sono uguali, il cono è in realtà un cilindro, mentre se sono diverse il cono è in realtà un cono circolare a gradini .  questione posta da Democrito viene risolta sulla base di considerazioni di infinitesimi, e pertanto, sulla base di quanto riportato da Plutarco, è stato ipotizzato che Democrito fosse un precursore del concetto di infinitesimo e del calcolo integrale.

Prompt: Explain the Mathematics about the Biography of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: Explain the Bahá'í Faith about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Natività mistica

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Prompt: Explain the TheCaveofSandRobots about the Description of this artwork, The Mystical Nativity.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

tavola di Firenze è impostata in maniera simile alla precedente. Delle tre è l'unica che abbia conservato tracce della lamina d'argento che ricopriva le armature, le quali dovevano essere in antico lustre e scintillanti come metallo vero.  scena della battaglia occupa il primo piano, con i due eserciti schierati dalle due parti e con il punto focale sul cavallo bianco del comandante senese al centro, Bernardino della Carda, che sta per cadere, disarcionato da una lancia nemica. Il suo cavallo è esattamente simmetrico a quello del pannello precedente, per cui si pensa che nella collocazione originaria del trittico questi dovessero trovarsi ai lati, o comunque in coppia. A destra, in schieramento senese, si vedono due cavalli di spalle, uno dei quali sta scalciando, forse a suggerire l'inizio della ritirata nemica. gamba tesa di Bernardino, la lancia che lo colpisce e quella che sta trafiggendo un guerriero a terra creano un'intelaiatura geometrica a forma di triangolo, che cristallizza la concitazione della scena in una più misurata monumentalità statica. Proprio questo contrasto tra movimento e immobilità, data dall'incatenamento delle figure alla maglia prospettica, è all'origine del fascino della tavola. Le masse dei cavalli in movimento sono ridotte a volumi puri, con i colori irreali  stesi in larghe zone piatte che ricordano le tarsie. I cavalieri assomigliano più a manichini in corazza, piuttosto che ad uomini veri capaci di muoversi ed agire. Tutti questi elementi generano un effetto surreale, di sogno, dove è assente la drammaticità dello scontro.Siccome il momento della battaglia è più avanzato, questa volta Paolo Uccello compose un terreno molto più affollato, dove oltre alla griglia di lance , alle armi ed agli scudi, si trovano ormai anche dei cavalli abbattuti, scorciati in posizione ardite.Anche qui lo sfondo è disarticolato dal primo piano e si ritrovano i giovani a caccia con la balestra, di proporzioni esageratamente grandi, con una lepre inseguita da un levriero, che è inseguito a sua volta da un'altra lepre.Questa tavola è firmata  in basso a sinistra.

Prompt: Explain the Unseating of Bernardino della Carda about the Description and style of this artwork, The Battle of San Romano.Please output in Italian.


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La toilette di Ester

toilette di Ester , anche noto come Ester al bagno, è un dipinto a olio su tela a tema orientalista del pittore romantico francese Théodore Chassériau. Realizzato nel 1841, rappresenta un episodio del libro di Ester, quando Ester si prepara a incontrare il re Assuero, il sovrano della Persia, che in seguito la prenderà in moglie. Il dipinto è conservato al museo del Louvre. Vincent Pomarède, un ex responsabile del dipartimento di pittura del museo, lo descrisse come "uno dei quadri più celebri del Louvre".

Prompt: Focus on The Toilette of Esther and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Il 10 giugno 1886, Ludovico venne ufficialmente dichiarato pazzo dal governo e incapace di esercitare i suoi poteri governativi. Il principe Luitpold venne dichiarato reggente. Il professor Bernhard von Gudden, nonostante non avesse mai visitato Ludovico, lo dichiarò folle sulla base del materiale da lui prodotto, che era ritenuto molto più che sufficiente per lo scopo. D'altra parte è un fatto che egli si disinteressasse totalmente del governo e che le casse della casa reale fossero state da lui totalmente prosciugate per la costruzione dei suoi castelli. Alcuni storici ritengono che Ludovico fosse sano, ma vittima di un intrigo. L'imperatrice Elisabetta sostenne che «il re non era matto; era solo un eccentrico che viveva in un mondo di sogni. Avrebbero potuto trattarlo più gentilmente, e risparmiargli con ciò una fine così terribile.» presa in custodia del popolare capo di Stato fu fatta in segreto, ma l'evento fu inusuale come la vita stessa di Ludovico. Un'eccentrica ma leale baronessa arrivò ai cancelli della residenza agitando il suo ombrello e redarguendo gli uomini che erano andati a prendere Ludovico. Un nutrito gruppo di contadini si affollò a Hohenschwangau per proteggere il sovrano; essi intendevano scortare Ludovico fino alla frontiera per salvarlo dalla cattura, ma il re rifiutò. Un battaglione di soldati di stanza nella vicina cittadina di Kempten era stato richiamato a Neuschwanstein dal monarca, ma fu trattenuto dal governo.Ludovico tentò di rendere pubblico il seguente proclama: «Il principe Luitpold intende salire al potere come reggente della nazione senza la mia volontà. I miei attuali ministri hanno falsificato le informazioni sul mio stato di salute e stanno preparando atti di alto tradimento nei confronti del mio amato popolo [...] Chiedo a ogni fedele bavarese di aiutare i miei seguaci nell'ostruzione di questo tradimento pianificato del re e della patria». Tale proclama fu stampato da un quotidiano di Bamberga l'11 giugno 1886, ma le copie vennero tutte sequestrate dal governo per evitarne la diffusione. Molti dei telegrammi di Ludovico ai giornali e ai suoi amici furono intercettati. Il sovrano ricevette anche un messaggio da Bismarck, che lo invitava ad andare a Monaco e mostrarsi al popolo, ma Ludovico rifiutò di lasciare Neuschwanstein.  mattina del 12, una seconda commissione si recò al castello. Il re fu arrestato alle ore 4:00 e trasferito al castello di Berg, a sud di Monaco. morte di Ludovico, avvenuta al lago di Starnberg, è avvolta nel mistero. Il 13 giugno alle 18:30 egli chiese di poter fare una passeggiata con il dottor Bernhard von Gudden e questi accettò, dicendo alle guardie di non seguirli. I due uomini non fecero più ritorno: furono ritrovati entrambi morti nelle acque del lago alle 23:30 del giorno stesso. Nei pressi del punto del ritrovamento fu in seguito costruita una piccola cappella in cui ogni anno, il 13 giugno, si tiene una cerimonia commemorativa. Nel luogo esatto delle acque in cui fu ritrovato il corpo di Ludovico fu eretta una croce in suo ricordo.Il decesso del deposto monarca fu classificato come suicidio per annegamento, ma esistono numerose teorie alternative, in quanto secondo l'autopsia non c'era acqua nei polmoni. Ludovico era un buon nuotatore e l'acqua gli arrivava alla cintola, escludendo un incidente. Nonostante non siano emerse valide prove di violenza, alcuni ritengono che Ludovico sia stato assassinato dai suoi avversari politici o mentre tentava di fuggire da Berg. Un'altra ipotesi è quella che l'ex-sovrano sia morto per cause naturali  durante un tentativo di fuga. Alcune leggende narrano addirittura che sia stato sbranato da un licantropo e che il dottor Gudden fosse in realtà il suo amante.Ludovico fu seppellito nella cripta della Michaelskirche di Monaco di Baviera, ma il suo cuore è conservato in una teca argentata presso la Gnadenkapelle di Altötting.

Prompt: In Ludwig II (sculpture), how is the Deposition, arrest, death of the Ludovico and the arts explained?Please output in Italian.

13 giugno
1886
Altötting
Bamberga
Baviera
Bernhard von Gudden
Hohenschwangau
Monaco di Baviera


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vaso del Dipylon

Arte geometrica Ceramica geometrica Maestro del Dipylon

Prompt: Focus on Dipylon Amphora and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Arte geometrica
Ceramica geometrica
Dipylon
Maestro del Dipylon


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I Musici

Remy Prìncipe  Felix Ayo	 		 Roberto Michelucci 		 Salvatore Accardo  Pina Carmirelli 		 Federico Agostini 		 Mariana Sirbu 		 Antonio Salvatore  Antonio Anselmi  Marco Fiorini

Prompt: Explain the Chronology shoulder Musicians about the History of this artwork, The Musicians (Caravaggio).Please output in Italian.

Antonio Anselmi
Antonio Salvatore
Federico Agostini
Felix Ayo
Marco Fiorini
Mariana Sirbu
Pina Carmirelli
Remy Prìncipe
Roberto Michelucci
Salvatore Accardo


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Polittico di Recanati

Il 20 giugno 1506 Lorenzo Lotto era a Recanati per firmare il contratto per un grande polittico per la chiesa di San Domenico. I lavori iniziarono a ottobre e si conclusero nel 1508, quando venne apposta la firma sulla tavola.Nel 1861 lo videro nella chiesa Cavalcaselle e Morelli, registrando come fosse già smembrato e privo della cornice originale e della predella. In seguito venne ricomposto in una cornice in stile e collocato nel palazzo comunale.

Prompt: Focus on Recanati Polyptych and explain the History.Please output in Italian.


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Ermafrodito dormiente

Un esemplare risalente al II secolo fu ritrovata nel 1781 e ha in seguito preso il posto, all'interno della Galleria Borghese, della prima versione rinvenuta. Una terza variante in marmo è stata scoperta nel 1880, durante i lavori di costruzione per fare di Roma la nuova capitale dell'Italia unita; questa si trova oggi in mostra al Museo nazionale romano di Palazzo Massimo, situato nel palazzo Massimo alle Terme.Ulteriori esemplari antichi si possono ammirare presso la galleria degli Uffizi a Firenze, al Louvre-Lens e all'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: How does Sleeping Hermaphroditus explain its Ancient examples?Please output in Italian.

Ermitage
Firenze
Galleria Borghese
Italia
Louvre-Lens
Roma
San Pietroburgo


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Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Objective criteria in the evaluation of a work of art and the Introduction.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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L'orchestra dell'Opéra

A partire dalla fine degli anni sessanta del XIX secolo Degas spostò i propri interessi dalla pittura storica a episodi di vita contemporanea: è normale, dunque, che egli si sentisse stimolato dal tema del teatro e dell'orchestra, reso magistralmente in questo dipinto. Il pittore, infatti, risolve l'impianto compositivo dell'opera in maniera molto originale, proponendo una soluzione visiva nuova e dinamica che si sostituisce alla visione frontale e immobile generalmente adottata in questo genere di rappresentazioni. Anche se realizzato in studio, il dipinto conserva la freschezza delle opere realizzate sur le motif e restituisce un effetto di palpitante realismo, al punto da sembrare un'istantanea fotografica. Studi radiografici, inoltre, hanno accertato che Degas è intervenuto dopo il completamento dell'opera accorciando la parte superiore della tela, sollevando così l'orizzonte della scena, e aggiungendo l'arpa, il palco ed il contrabbasso: quest'audace inquadratura coinvolge attivamente l'osservatore del dipinto, situato idealmente in basso, nella parte del teatro riservata al pubblico.Al di là della balaustra che cinge il teatro si situa l'orchestra. L'opera, in effetti, è impostata come un ritratto collettivo «in situazione»: memore della lezione di Van Dyck, visto a Genova, Degas sceglie di ritrarre personaggi facilmente conoscibili, come il violoncellista Pillet, il compositore Emmanuel Chabrier ed il suonatore di contrabbasso Désiré Dihau . Al di là della fossa degli orchestrali si apre il palcoscenico, dove troviamo un gruppo di ballerine: le loro teste, come osservato dalla critica d'arte Giovanna Rocchi, «sono tagliate dall'inquadratura per rendere esplicita la rigida consequenzialità della lettura del testo pittorico». Molto particolare è il trattamento cromatico differenziato delle varie parti: mentre la zona mediana del dipinto è dominata da toni molto cupi, come neri, bianchi e marroni, quella relativa alle ballerine è inondata da una luce violenta e sfolgorante, modulata con scaltrezza da Degas che in questo modo riesce a rendere la scena ritratta maggiormente mondana e festaiola.È come se la prima cosa che Edgar Degas ha voluto rappresentare in questo dipinto fosse proprio la pura potenza dell’occhio. In questo dipinto così duramente, arbitrariamente “tagliato”, Degas mette in atto una composizione movimentata, drammatica.  sproporzione prende il posto della proporzione, l’asimmetria quello della simmetria. Non si dà un centro, quanto piuttosto forze che fluiscono.

Prompt: In The Orchestra at the Opera, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Agostino Maria De Carlo, "Theotocologia seu Institutio de V. Dei Genitrice M. Scholastica Methodo IV Libris Concinnata" -Napoli, Cirillo, 1845 - [opac SBN] [Testo a stampa] [Monografia] [IT\ICCU\BVE\0346282] SBN LIAN025513 Agostino Maria De Carlo, "Dialoghi istruttivi su pregi, misteri e titoli di Maria SS." pubblicati per cura e divozione del canonico don Luigi Monforte, Napoli, Stabilimento Tipografico del Dante, 1855 - SBN LIAN040723 Cecchin Stefano M., L'Immacolata Concezione. Breve storia del dogma, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2003, ISBN 88-900609-5-6 Tommaso Campanella , Apologia dell'Immacolata Concezione, L'epos 2004, ISBN 88-8302-270-X Congresso Mariologico francescano,  Scuola Francescana e l'Immacolata Concezione, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2005, ISBN 88-89681-01-2 Vincenzo Sansonetti, L'Immacolata Concezione: dal dogma di Pio IX a Medjugorje, Piemme 2004, ISBN 88-384-8410-4 Giovanni Morello, Vincenzo Francia, Roberto Fusco, Una donna vestita di sole: l'Immacolata Concezione nelle opere dei grandi maestri, F. Motta, 2005 ISBN 88-7179-468-0 Diego Ciccarelli, Marisa Dora Valenza ,  Sicilia e l'Immacolata: non solo 150 anni, Biblioteca Francescana 2004, ISBN 88-88615-96-2 Michel Jean Claude, Immacolata Concezione, promessa di purezza, Libreria Editrice Vaticana 2001

Prompt: Describe the characteristics of the Monograph on the Immaculate Conception in The Immaculate Conception of Los Venerables's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Apollo dell'Omphalos

LApollo dell'Omphalos  è una statua romana in marmo e datata al II secolo, copia di un originale greco bronzeo del 460-450 a.C.. L'opera raffigura Apollo, dio della musica, della medicina e della profezia, ed è caratterizzata dallo stile tipico della scultura greca arcaica. Attualmente si trova al Museo archeologico nazionale di Atene.

Prompt: How does Apollo Omphalos (Athens) explain its Abstract?Please output in Italian.

Apollo
Atene
Museo archeologico nazionale di Atene


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Musica

Con musica popolare o musica folk  e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia, popolazione, ambito geografico o culturale.Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare.  musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Song music folk tradition of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Caravaggio), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Europe multilingual and the Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Focus on Nativity (Correggio) and explain the The adoration of the shepherds in art.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Duello tra donne

Il Duello tra donne è un dipinto di Jusepe de Ribera, noto come lo Spagnoletto, realizzato a olio su tela 235 × 212 cm. È conservata al Museo del Prado di Madrid.Il quadro, firmato e datato, venne realizzato a Napoli nel 1636.

Prompt: How does Women Gladiators (Ribera) explain its Abstract?Please output in Italian.

1636
Jusepe de Ribera
Madrid
Museo del Prado
Napoli
Jusepe de Ribera


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

presa di Giaffa, il 7 marzo 1799, ed il suo violento saccheggio da parte dell'armata francese, venne ad aggravarsi rapidamente a causa dello scoppio di un'epidemia di peste bubbonica che andò a decimare l'armata comandata da Napoleone Bonaparte. L'11 marzo, Bonaparte fece una visita ai malati, toccando le loro ferite come nello stile dei re taumaturgi, fatto considerato al limite del miracoloso che contribuì ad alimentare la leggenda napoleonica.Il malato con gli occhi bendati che si trova a destra soffre di oftalmia oltre alla peste. Dopo il loro arrivo in Egitto nel luglio del 1798, i francesi vennero colpiti da diverse pestilenze e malattie, e persino dall'intolleranza alla luce del sole.Nel 1804, quando la scena viene rappresentata, era impensabile che un soldato potesse impedire a Bonaparte di fare un'azione che stava compiendo, ma nella scena si vede un soldato che cerca di fermare la mano del generale che tocca il bubbone del malato. I meccanismi di contagio della peste bubbonica erano ancora sconosciuti all'inizio del XIX secolo e si ignorava completamente il ruolo delle pulci nella trasmissione del morbo sino agli studi di Paul-Louis Simond nel 1898. In realtà quindi toccare con mano il bubbone di un malato non era un fatto particolarmente rischioso in quanto quello non era veicolo principale del contagio. L'ufficiale poi che si protegge la bocca con un fazzoletto risponde ad un'attitudine completamente infondata: secondo alcune tradizioni popolari, infatti, la peste bubbonica poteva evolversi in peste polmonare, con un rischio notevole per a causa della tosse dei malati.Il gesto del medico sulla destra della tela è immutato dal medioevo: l'incisione dei bubboni per farne fuoriuscire il pus per quanto diffuso era un metodo sostanzialmente inefficace che non faceva altro che indebolire l'ammalato. L'aiutante del medico cerca di sostenere e bloccare nel contempo il malato durante l'operazione.Quando Napoleone venne proclamato imperatore, questo episodio serviva però ormai da rimando alle guarigioni taumaturgiche dei re di Francia, i quali toccavano gli scrofolosi guarendoli. In realtà dopo la prima visita, il Bonaparte suggerì al medico della spedizione, Desgenettes, di somministrare ai malati dell'oppio per alleviarne i dolori. Desgenettes si rifiutò. Il 27 maggio del medesimo anno, Bonaparte fece una seconda visita agli appestati di Giaffa. peste del 1799 colpì più di 1500 soldati sui 13.000 impegnati con l'armata bonapartista. Prima di partire da Giaffa, Bonaparte chiese ai medici che li curavano di somministrare del veleno a quei malati che sapevano che non sarebbero sopravvissuti a lungo. Quando gli inglesi, che erano in guerra con la Francia, giunsero sul posto dopo la partenza dei francesi, sfruttarono questo eccidio di massa per una propaganda anti-napoleonica il cui eco giunse sino in Francia . Ne emerse uno scandalo che minacciò di danneggiare l'immagine di Napoleone e le sue ambizioni.Ecco quindi a distanza di qualche anno la necessità di Gros di rappresentare un Bonaparte circondato da un'aura di salvatore.  posizione centrale, la convergenza delle linee dominanti su Napoleone, la luce ed i colori, tutto nel dipinto è proteso ad esaltare il valore del generale. Il contrasto tra gli appestati e le decorazioni orientali e l'uniforme francese del generale sono un altro modo per porre in luce particolare il generale. Gros rappresentò qui ed in altri punti il Bonaparte come un Cristo guaritore o un re taumaturgo .  postura del generale è ravvicinabile inoltre a quella dell'Apollo del Belvedere. È interessante notare come Apollo sia la divinità che dona la legge agli uomini ma nel contempo era il dio che anticamente veniva invocato per far cessare la peste dai greci. rappresentazione inoltre di Napoleone tra i suoi uomini da parte di Gros era un modo per far vedere come il generale non abbandonasse mai il suo esercito, nemmeno in terra straniera. Inoltre, il coraggio e la calma del Bonaparte in rapporto agli altri soldati  lo presentano come un capo attento ai suoi soldati, pronto a riconfortare i suoi uomini sui pericoli che trovano per la strada.

Prompt: How does Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa explain its Scene analysis?Please output in Italian.

Giaffa
Napoleone Bonaparte
Paul-Louis Simond


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Il mare di ghiaccio

Il mare di ghiaccio , conosciuto anche come Il naufragio della speranza, è un dipinto di Caspar David Friedrich la cui composizione si situa tra il 1823 ed il 1824. Attualmente è custodito presso la Kunsthalle di Amburgo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Sea of Ice.Please output in Italian.


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Madonna Colonna

Su uno sfondo paesistico, la Madonna è rappresentata a mezza figura, col Bambino sulle ginocchia.  composizione, inscrivibile sommamente in un ovale, riprende quella della Madonna Bridgewater semplificandola e rendendola più naturale con una torsione meno complessa di Gesù.  stessa Madonna Bridgewater dopotutto aveva originariamente uno sfondo paesistico. Anche in questo caso è evidente la memoria del Tondo Taddei di Michelangelo. Maria tiene in mano un libro e indossa un vestito contemporaneo, in cui si vede il dettaglio delle maniche estraibili.I colori sono intensi e brillanti, un po' evanescenti per le condizioni non ottimali della superficie pittorica.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Colonna Madonna.Please output in Italian.


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Donna in azzurro che legge una lettera

Il dipinto rappresenta una donna, presumibilmente incinta data la forma delle vesti, intenta a leggere una lettera davanti a una finestra, di cui si intuisce la presenza a sinistra grazie alla luce. Forse l'arrivo della missiva ha interrotto le sue attività quotidiane, come farebbe pensare la collana di perle posata sul tavolo che stava magari per indossare.Sono state notate le analogie con il dipinto della ttaia, nello stesso museo: la figura statuaria della protagonista è inondata dalla luce mentre compie un'azione quotidiana, in un'atmosfera silenziosa e concentrata, di quieta immobilità. Assenti sono implicazioni sentimentali, senza alcun suggerimento sullo stato d'animo della donna, sebben alcuni abbiano voluto leggere, nella carta geografica e nella sedia vuota, un riferimento a qualcuno di assente e lontano. ragazza è in piedi vicino a un tavolo, parzialmente coperto da un drappo, e due sedie con borchie, sullo sfondo di una parete su cui è appesa una grande carta geografica: si tratta della descrizione della Frisia e dell'Olanda occidentale realmente esistita , che compare anche nel Soldato con ragazza sorridente.Sul tavolo la ragazza ha appoggiato un libro e la collana di perle, per dedicarsi interamente alla lettura. Temi simili si trovano in altri lavori di artisti dell'epoca , senza tuttavia arrivare alle raffinatezze tecniche e psicologiche di Vermeer, che è stato capace di creare un equilibrio perfetto tra l'ambiente e la figura.Gli accordi cromatici sono tutti giocati su un ristretto numero di colori, sui toni dell'azzurro, del giallo e dell'ocra: anche le ombre sulla parete hanno toni bluastri, che dimostrano l'accuratissimo studio ottico.

Prompt: In Woman Reading a Letter (Vermeer), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia con sant'Anna e san Giovannino è un dipinto tempera su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1495-1505 e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.

Prompt: In Holy Family with Saints Anne and John the Baptist (Mantegna), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto della signorina Lieser

Klimt dipinse il ritratto nel 1917. L'anno seguente l'artista morì e l'opera, rimasta non firmata e incompiuta nel suo studio, fu donata ai suoi familiari. l'unica testimonianza del ritratto era una fotografia in bianco e nero, scattata nel 1925 e risalente all'incirca al periodo della mostra. l'altra tesi è quella perorata dal massimo esperto di Klimt in Austria, Tobias G. Natter, il quale non ha dubbi sul fatto che si tratti di Margarethe Constance Lieser, sua cugina. Secondo Natter fondamentali sono le testimonianze del figlio di uno dei maggiori collezionisti di opere di Klimt , Erich Lederer, e quella della cognata di Margarethe, la quale, nel 1984 disse di essere certa che la "signorina del ritratto" fosse Margarethe.

Prompt: In Portrait of Fräulein Lieser, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Persefone

Il pittore preraffaellita Dante Gabriel Rossetti dipinse Persefone in diversi quadri, uno dei quali è assai celebre, mentre il suo amico Algernon Swinburne dedicò alla dea due liriche: lInno a Proserpina e Il giardino di Proserpina. Igor' Stravinskij dedicò al mito di Persefone una composizione musicale, scritta fra 1933 e il 1934, dal titolo Perséphone. Il cantante belga di origini egiziane Tamino ha dedicato al mito una canzone, intitolata Persephone presente nell'album di esordio.

Prompt: Explain the In  art,  literature,  and  music of this artwork, Proserpine (Rossetti).Please output in Italian.

Algernon Swinburne
Dante Gabriel Rossetti
Persefone
Perséphone
Proserpina
Tamino


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Adorazione dei Magi

LAdorazione dei Magi è un tema artistico biblico, che raffigura i Re Magi presso la grotta di Betlemme con Gesù bambino, Maria e Giuseppe. L'episodio compare nel Vangelo di Matteo  nel libro del Nuovo Testamento.Matteo fa un resoconto molto conciso in cui non compare né il numero né il nome di questi maghi. Da Origene  e con i Vangeli apocrifi si aggiungono dati e dettagli che la Chiesa accetta e di cui gli artisti approfittano nelle loro opere.  storia dei Magi ha sempre avuto una grande attrazione per le narrazioni artistiche.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Perugino, Perugia) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Trittico di San Sebastiano

I tre scomparti inferiori mostrano altrettanti santi a piena figura: san Giovanni Battista, san Sebastiano e sant'Antonio Abate. In alto, nella lunetta, si trova un'Annunciazione con al centro il Padre Eterno benedicente.Questi trittici, ideati probabilmente da Jacopo Bellini, vennero realizzati a più mani, tra cui quella di Giovanni su solo una. Il contributo di quest'ultimo si rileva soprattutto nei santi del polittico di San Sebastiano e sono un importante precedente per quello che sarà la sua prima grande prova individuale, il polittico di San Vincenzo Ferrer.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, San Sebastiano Triptych.Please output in Italian.


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Aerostato

L'ascensione per mezzo di mongolfiere è uno sport ancora poco diffuso in Italia, che conta tra i suoi cittadini circa un centinaio di appassionati dotati dell'apposito brevetto.

Prompt: In the context of Balloon (Merse), explain the Amateur sports activity and the Used gases.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

nusei , Provincia dell'Ogliastra, Cattedrale di Santa Maria Maddalena. Castiglione del go , provincia di Perugia, chiesa di Santa Maria Maddalena. Capua, Provincia di Caserta, Chiesa di Santa Maria Maddalena. Castel Goffredo, provincia di Mantova, oratorio di Santa Maria Maddalena. Novi Ligure, provincia di Alessandria, oratorio di Santa Maria Maddalena. Pescia, diocesi di Pescia, provincia di Pistoia, chiesa di Santa Maria Maddalena. ri, diocesi di San Miniato, provincia di Pisa, oratorio di Santa Maria Maddalena. Roma, chiesa di Santa Maria Maddalena. Atrani, diocesi di Amalfi - Cava de' Tirreni, provincia di Salerno, collegiata di Santa Maria Maddalena. Fabriano, provincia di Ancona, Chiesa di Santa Maria Maddalena. Sant'Egidio del Monte Albino, provincia di Salerno, Abbazia di Santa Maria Maddalena in Armillis Campo Ligure , provincia di Genova, chiesa di Santa Maria Maddalena Treviso, provincia di Treviso, Chiesa di Santa Maria Maddalena Isola de  Maddalena provincia di Olbia Tempio. Chiesa Parrocchiale di Santa Maria Maddalena Ponte Valleceppi, provincia di Perugia, chiesa di Santa Maria Maddalena

Prompt: Explain the In Italy about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.


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Casa lungo la ferrovia

L'opera fu acquistata da Stephen Carlton Clark che nel 1930 la donò al MoMA di Manhattan, entrando così a far parte permanentemente della collezione del museo.

Prompt: Explain the History of this artwork, House by the Railroad.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: How does Self-Portrait with Skeleton explain its TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset.?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Ebbrezza di Noè

scena è inserita in uno dei riquadri minori della volta, incorniciati da paramenti architettonici su cui sono affacciate due coppie di "Ignudi" e due medaglioni. Essi siedono su plinti che, a differenza della cornice superiore dei troni dei Veggenti, non sono scorciati dal basso, assecondando l'andamento curvilineo della volta.Gli Ignudi sostengono festoni con foglie di quercia, allusive allo stemma dei Della Rovere, e dei nastri che reggono i medaglioni che simulano l'effetto del bronzo, con un uso dell'ocra e della terra bruciata di Siena come toni medi, il tratteggio nero a tempera per le ombre e l'oro zecchino per le lumeggiature, applicato a secco tramite un mordente a base di resine naturali. Essi rappresentano scene bibliche, in particolare Bidgar che getta il corpo del deposto re Ioram nella vigna di Nabat e lUccisione di Abner .Gli Ignudi invece sono forse figure angeliche. In queste prime due coppie, probabilmente le prime che dipinse Michelangelo, venne usato uno schema simmetrico, ricorrendo quasi sicuramente a un medesimo cartone ribaltato. Uno di quelli sopra la Sibilla delfica è oggi quasi perduto a parte la testa, una spalla, e la parte terminale delle gambe, per via di un crollo dell'intonaco avvenuto nel 1797, quando esplose la polveriera del vicino Castel Sant'Angelo.  sua figura è comunque nota tramite un'incisione del XVI secolo, che conferma la forma speculare del suo corpo rispetto al compagno. Essi hanno il busto frontale verso lo spettatore ma inclinato obliquamente, le braccia mollemente adagiate, la testa di tre quarti un po' reclinata; le gambe sono piegate e con un forte scorcio soprattutto del ginocchio sul lato esterno.I due sopra Gioele sono seduti di profilo con una gamba piegata in primo piano e la schiena rivolta allo spettatore in una torsione; un braccio è appoggiato sul plinto su cui sono seduti e la rispettiva spalla è roteata avanzando verso lo spettatore.Rispetto agli Ignudi delle successive campate, questi quattro hanno passaggi chiaroscurali dai toni più accesi, che danno loro una certa durezza.  ricchezza delle torsioni e l'indiscutibile bellezza fisica e anatomica sono invece comuni a tutta la serie.

Prompt: In the context of Drunkenness of Noah, explain the Nudes medallions and the Description and style.Please output in Italian.

1797
Abner
Bidgar
Castel Sant'Angelo
Della Rovere
Ignudi
Nabat


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I mucchi di fieno

{ class="wikitable sortable" style="width:100%; margin-top:0.5em;"! class="unsortable" scope="col" width="100px"  Illus.! scope="col"  Titolo! scope="col"  Museo! scope="col"  Città! scope="col"  Paese! scope="col"  Dimensioni ! scope="col"  Anno! scope="col"  #- 200x200px Covoni, fine dell'estate Musée d'Orsay Paris Francia 60,5 × 100,5 1891 W1266- 200x200px Covoni, grande sole Hill Stead Museum Farmington  USA 60 × 100 1890 W1267- 200x200px Covoni al sole, effetto di mattino  collezione privata 65 × 100 1891 W1268- 200x200px Covoni  Institut d'art de Chicago Chicago USA 60 × 100 1891 W1269- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,8 × 101 1891 W1270- 200x200px Covoni al sole, mezzogiorno National Gallery of Australia Canberra Australia 65,6 × 100,6 1890-91 W1271 - Covoni, ultimi raggi del sole collezione privata 73 × 92 1890 W1272-  200x200px Covoni  collezione privata USA 73 × 92 1891 W1273- 200x200px Covoni, effetto di neve Shelburne Museum Shelburne USA 60 × 100 1891 W1274- I Covoni, inverno collezione privata Svizzera 65 × 100 1890-1891 W1275- 200x200px Covoni, effetto di neve, il mattino J. Paul Getty Museum Los Angeles USA 65 × 100 1891 W1276- 200x200px  Covoni, effetto di neve National Gallery of Scotland Edimburgo Scozia 65 × 92 1891 W1277- 200x200px Covoni  Art Institute of Chicago Chicago USA 65,3 × 100,4 1890-91 W1278- 200x200px Covoni, effetto d'inverno Metropolitan Museum of Art New York USA 65 × 92 1891 W1279- 200x200px Covone, effetto di neve, il mattino Museum of Fine Arts  Boston USA 65,4 × 92,4 1891 W1280- 200x200px Covone, effetto de neve, tempo coperto Art Institute of Chicago Chicago USA 66 × 93 1890-91 W1281- 200x200px Covone, tramonto, inverno collezione privata Gran Bretagna 65 × 82 1891 W1282- 200x200px Covone Art Institute of Chicago Chicago USA 65,6 × 92 1890-91 W1283- 200x200px Covone, disgelo, crepuscolo Art Institute of Chicago Chicago USA 64,9 × 92,3 1890-91 W1284- 200x200px Il Covone 65 × 92 W1285- 200x200px Covone  Minneapolis Institute of Art Minneapolis USA 65 × 100 1891 W1286- Covone, effetto di neve, sole collezione privata Francia 65 × 92 W1287- 200x200px Covone al sole Kunsthaus di Zurigo Zurigo Svizzera 60 × 100 1891 W1288- 200x200px Covone, crepuscolo Museum of Fine Arts  Boston USA 73,3 × 92,7 1890-91 W1289- 200x200px Covone al sole collezione privata Svizzera 73 × 92 1891 W1290}

Prompt: In Haystacks (Monet series), how is the Laserie dei Covoni della stagione 1890-1891 of the Interpretation explained?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel paese di Carruba, la Madonna delle Grazie, patrona del paesino, si festeggia il 2 luglio e la domenica seguente, la festa grande è ogni dieci anni.Il 2 luglio, al mattino, i colpi a cannone e il suono delle campane annunciano il giorno di festa, intorno alle 7:30 la pregevole statua viene svelata tra i canti, le acclamazioni dei devoti, lo sparo dei fuochi d'artificio e il suono a festa delle campane; durante il giorno vi sono varie celebrazioni eucaristiche. domenica seguente, nel mattino vi sono le varie celebrazioni eucaristiche; nel pomeriggio, la banda suonando festosamente gira per il paese. Dopo la messa vespertina, la statua, posta sul fercolo, esce in processione, girando per le vie del paese: il giro è diviso in due anni, un anno la processione percorre il paese superiore del comune di Giarre e l'altro anno il paese inferiore del comune di Riposto. A tarda sera, prima del rientro della processione in chiesa, i fuochi pirotecnici salutano festosamente la Madonna che rientra. Durante la settimana, la statua è esposta alla venerazione dei fedeli.  domenica seguente, dopo le celebrazioni eucaristiche svoltesi durante la giornata, l'immagine viene chiusa nella cappella, tra la commozione dei fedeli e il grido incessante di "Viva a Maronna a razzia!" .

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Carruba and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Self-Portrait (Annibale Carracci) explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.


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Piccola Sacra Famiglia

Piccola Sacra Famiglia  è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello e aiuti, databile al 1518-1519 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi. L'opera è firmata e datata sull'orlo della veste della Vergine: "".

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Small Holy Family.Please output in Italian.


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Fregio di Beethoven

Il fregio è dipinto con colori alla caseina su intonaco applicato a incannucciato e con inserimento di pietre dure e madreperla.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, Beethoven Frieze.Please output in Italian.


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Genio della Vittoria

Non si sa di preciso quando la statua venne scolpita, ma essa è in genere riferita al progetto per la tomba di Giulio II, destinata a decorare una delle nicchie inferiori di uno degli ultimi progetti, magari quello del 1532 a cui sono riferiti anche i Prigioni della Galleria dell'Accademia. Forse nel monumento era accoppiato, sull'altro lato, a una figura di lottatori simile, di cui esiste un bozzetto a Casa Buonarroti: il cosiddetto Ercole-Sansone.Con le celebri statue non-finite, il Genio ha infatti in comune una parte della storia nota: rimaste nello studio dell'artista in via Mozza dopo la sua definitiva partenza da Firenze nel 1534, divennero di proprietà di suo nipote Leonardo Buonarroti, il quale provò prima a venderle nel 1544 , poi, su suggerimento di Daniele da Volterra, a farle collocare sulla tomba di Michelangelo in Santa Croce , ma Giorgio Vasari espresse un parere negativo, suggerendo piuttosto di regalarle al duca Cosimo I de' Medici, come di fatto avvenne quello stesso anno. Se i Prigioni vennero destinati alla Grotta del Buontalenti nel Giardino di Boboli, il Genio finì per decorare il Salone dei Cinquecento, lungo le pareti, mischiato tra le statue delle Fatiche di Ercole di Vincenzo de' Rossi e altre.Nel 1868, tre anni dopo l'apertura del Museo nazionale del Bargello, la statua venne destinata alle raccolte di statuaria fiorentina che allora si andavano radunando nel museo. Tornò a Palazzo Vecchio solo il 6 novembre 1921, venendo però collocata nella nicchia moderna al centro della parete posteriore della sala, dove era stata ospitata al tempo di Firenze capitale la statua di Girolamo Savonarola, oggi in piazza Savonarola. Solo in anni recenti si è preferito riportarla alla sua collocazione antica lungo la parete destra.

Prompt: How does The Genius of Victory explain its History?Please output in Italian.

1532
1534
1544
1868
1921
Casa Buonarroti
Cosimo I de' Medici
Daniele da Volterra
Firenze
Galleria dell'Accademia
Giardino di Boboli
Giorgio Vasari
Girolamo Savonarola
Grotta del Buontalenti
Museo nazionale del Bargello
Palazzo Vecchio
Prigioni
Salone dei Cinquecento
Vincenzo de' Rossi


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La verità, il tempo e la storia

GLENDINNING, Nigel, Francisco Goya, Madrid, quaderni di storia 16, 1993 , pag. 80 - 84. D.L. 34276-1993.

Prompt: How does Truth, Time and History explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Eco e Narciso

Eco e Narciso è un dipinto del 1903 di John William Waterhouse, che Illustra l'episodio omonimo narrato dal poeta latino Publio Ovidio Nasone ne Le metamorfosi.Waterhouse  è stato un pittore inglese il quale, a causa dello stile e dei temi trattati, è stato classificato come un preraffaellita, ma è più accuratamente inscrivibile come un esponente del neoclassicismo. Con oltre 200 opere al suo attivo, soprattutto nel genere della mitologia classica, ma anche di soggetti storici o letterari, uno dei suoi temi comuni è la femme fatale, ossia la donna che irretisce un uomo."Eco e Narciso" è uno dei quadri appartenente alla serie del genere mitologico. Il dipinto è un olio su tela e misura 109,2 cm per 189,2. Fa parte della collezione d'epoca vittoriana del Walker Art Gallery di Liverpool, essendo stato acquistato dal museo nel 1903

Prompt: How does Echo and Narcissus (Waterhouse painting) explain its Abstract?Please output in Italian.

Eco
John William Waterhouse
Liverpool
Publio Ovidio Nasone
Walker Art Gallery


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Annunciazione di Recanati

In una stanza, la camera da letto della Vergine, l'Annunciazione è risolta con una composizione di grande novità: a destra l'angelo, reggente il giglio bianco, è entrato da una loggia aperta su un giardino  e con il braccio destro, in un gesto un po' innaturale, indica Dio Padre che si è manifestato in una nuvola e da sotto la loggia sembra che si stia letteralmente tuffando verso Maria, alludendo all'Incarnazione. Quest'ultima è in primo piano a sinistra e, con una certa spregiudicatezza compositiva, si volge verso lo spettatore, dando le spalle all'annuncio, e solleva le mani sorpresa, infossando la testa tra le spalle con un'espressione tra l'umile, il turbato e il succube.Stilisticamente le teste sono leggermente sottodimensionate e le figure appaiono bloccate in gesti rigidi, anche se altamente espressivi. Colpisce l'amorevole descrizione dei dettagli della stanza, di matrice nordica, come il letto a baldacchino, la finestrella coi vetri piombati, la mensola con la piccola natura morta , l'appendiabiti, lo sgabello con la clessidra, l'inginocchiatoio e soprattutto il gatto che fugge spaventato inarcando la schiena, un simbolo della sconfitta del male ma anche un garbato elemento di ironia.Tra le fonti a cui Lotto si ispirò si indica un rilievo di Andrea Sansovino a Loreto , e lAnnunciazione di Dirk Bouts, che fece da modello anche a Tiziano per un'opera destinata alla cattedrale di Treviso. Da Tiziano in particolare riprese la Madonna voltata verso lo spettatore e l'Angelo dietro che cerca la sua attenzione con un gesto eloquente del braccio. A partire da questi spunti Lotto elaborò l'originalissimo sviluppo dell'azione dallo sfondo verso il primo piano.Scrisse Argan: «la Vergine di Tiziano è una regina in preghiera che si volge nobilmente a ricevere nel suo palazzo il messaggero divino.  Vergine del Lotto è una brava ragazza; il messaggio la coglie di sorpresa mentre prega nella sua stanza; non osa neppure volgere il capo; il suo gesto, quasi di difesa, è quello di chi si sente colpito alle spalle da un richiamo improvviso».

Prompt: In Recanati Annunciation, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Abaporu

Dipinto inizialmente come regalo di compleanno per l'allora marito Oswald de Andrade, quando Tarsila e lui si separarono, lo scrittore accettò di scambiare il quadro per uno con un valore più alto all'epoca, L'enigma di un giorno di Giorgio de Chirico. Abaporu rimase con la sua autrice. tela fu esposta pubblicamente varie volte negli anni seguenti: la prima volta nel 1928, a Parigi, l'anno successivo, fu esposto nelle due prime mostre individuali di Tarsila, una a San Paolo e l'altra a Rio. Di nuovo, nel 1933, a Rio de Janeiro, nel 1950 e nel 1952 al museo d'arte moderna  di San Paolo. Abaporu fu esposto anche alla settima Biennale Internazionale d'Arte di San Paolo nel 1963, e alla ventiduesima Biennale di Venezia nel 1964. Nel 1969, l'opera venne esposto in un tour in varie città brasiliane nella mostra "Tarsila: 50 Anos de Pintura". Nel 1972, fu esposto alla commemorazione dei 50 anni della Settimana d'Arte Moderna del 1922.Negli anni 1960, Tarsila aveva venduto il quadro al collezionista, fondatore e direttore del museo d'arte di San Paolo , Pietro Maria Bardi. Tarsila sperava che il quadro entrasse nella collezione del museo, data la sua importanza come opera capitale dell'arte brasiliana.Bardi, tuttavia, rivendette l'opera al collezionista Érico Stickel. Nel 1984, il gallerista Raul Forbes comprò il quadro per 250 mila dollari statunitensi, allora il valore più alto mai pagato per un dipinto brasiliano. Nel 1995, Forbes decise di mettere all'asta Abaporu presso la casa d'aste Christie's, a Nuova York. L'opera fu comprata dall'uomo d'affari argentino Eduardo F. Costantini per 1,35 milioni di dollari statunitensi, di nuovo un primato mondiale.Costantini creò il Museo d'Arte tinoamericana bonaerense, il MALBA, al quale donò la collezione. Abaporu verrà esposto nuovamente in Brasile nel 2008, nella mostra della pinacoteca dello stato di San Paolo, nel 2011, al palazzo Planalto, a Brasilia, e nel 2016, a Rio de Janeiro. Nell'aprile del 2019, l'opera fu esposta finalmente al MASP, nella mostra retrospettiva "Tarsila Popular".

Prompt: In the context of Abaporu, explain the Itinerary work and the History.Please output in Italian.

Biennale di Venezia
Brasile
Christie's
Giorgio de Chirico
Oswald de Andrade
Parigi
Pietro Maria Bardi
Rio de Janeiro
Settimana d'Arte Moderna
Érico Stickel


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Vertumno e Pomona

Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0

Prompt: In Vertumnus and Pomona (Melzi), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Focus on Annunciation (Caravaggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.