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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Ritratto di Paolo III con il camauro

L'opera fu eseguita da Tiziano in un periodo immediatamente successivo alla prima versione ufficiale, il Ritratto di Paolo III del 1543 e comunque prima del Ritratto del papa con i nipoti Alessandro e Ottavio. Successivamente il dipinto passa dapprima alla prestigiosa raccolta di Fulvio Orsini, collezionista e bibliotecario di casa Farnese, poi a quella di Odoardo Farnese, che la detiene assieme a tutti gli altri ritratti di famiglia di Tiziano nel palazzo di Roma, mentre nella metà del Seicento fu trasferito, assieme a tutte le altre tele romane, nelle collezioni di Parma. Giunto in Emilia il ritratto ebbe le medesime sorti che interessarono tutti gli altri capolavori della collezione, ossia fu prima esposto nel palazzo del Giardino, collocato in una sala assieme al Ritratto del cardinale Alessandro e al Ritratto di Pier Luigi Farnese, e poi in quello della Pilotta. Con la successione al trono di Carlo di Borbone, primo figlio maschio dell'ultima discendente farnesiana Elisabetta, l'opera con tutta la collezione passò a Napoli intorno al 1734. Fu quindi prima esposta a Capodimonte, poi al Palazzo Reale, poi in quello dei Regi Studi, fino a ritornare definitivamente a Capodimonte, dove tuttora è conservata.Così come avvenne per il Ritratto di Pier Luigi Farnese, una volta giunta a Napoli la tela, causa anche il cattivo stato di conservazione, fu "declassata" da alcuni storici alla bottega del Tiziano. Intorno alla metà del Novecento studi e indagini sul dipinto, cui fu sottoposto a importanti lavori di restauro che hanno consentito il trasporto del colore su supporti nuovi, hanno ripristinato l'autografia al maestro veneziano.Il dipinto si discosta dalla prima versione per alcuni particolari, su tutti la presenza del camauro sul capo, che ne contraddistingue le redazioni, ma anche il cartiglio sulla mano, dove in questa versione successiva non compare l'anello, e un paesaggio che si apre su un lato nello sfondo. Le pennellate risultano più rapide rispetto al ritratto a capo scoperto del papa, quest'ultimo che nel suo insieme appare decisamente più incisivo rispetto alla seconda riedizione.Esistono altre versioni poi successive a questa del 1545-46, di discussa autografia, conservate una al Kunsthistorisches Museum di Vienna e un'altra all'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, Portrait of Pope Paul III with camauro.Please output in Italian.

Ermitage
Farnese
Fulvio Orsini
Kunsthistorisches Museum
Napoli
Parma
Ritratto di Paolo III
Ritratto di Pier Luigi Farnese
San Pietroburgo
Vienna


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marmi di Elgin

Le organizzazioni internazionali come l'UNESCO e l'Associazione internazionale per la riunificazione delle sculture del Partenone, così come altri gruppi minori e alcuni attori di Hollywood, come George Clooney e Matt Damon, hanno espresso il loro forte sostegno per il rientro in Grecia delle decorazioni del Partenone.George Clooney ha affermato di essere favorevole alla riunificazione dei marmi del Partenone in Grecia durante la sua campagna promozionale per il film Monuments Men, che racconta la storia degli sforzi degli Alleati per salvare importanti capolavori artistici e culturali dalla distruzione ad opera dei nazisti nella seconda guerra mondiale. Il suo intervento riguardo ai marmi ha riacceso il dibattito nel Regno Unito circa il destino delle sculture: sono stati effettuati numerosi sondaggi da alcuni giornali.Un apposito sito internet, in parte sponsorizzato da Metaxa, mira a raccogliere consenso per la restituzione dei marmi del Partenone alla Grecia e per la collocazione al nuovo Museo dell'Acropoli di Atene.

Prompt: Explain the Popular support for restitution about the Damages of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Caravaggio).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Castrovalva

Chiesa della Madonna della Neve , la chiesa di Santa Maria delle Grazie, la chiesa di San Michele Arcangelo (del XII secolo.;Chiesa della Madonna delle Grazie: è sede della parrocchia di Castrovalva, fu eretta sopra l'antica cappella di , già citata da Clemente III nel 1188. L'edificio sacro ha un aspetto rinascimentale, con facciata semplice, in cui unico elemento decorativo è il portale con cornice modanata in tardo stile romanico, al centro dell'architrave, sostenuto da mensole a volute, due angioletti reggono uno scudo a forma di muso di cavallo, con giglio, stemma della famiglia Belprato. Il fregio soprastante è ornato da una testina di putto affiancata da tralci vegetali, e concluso da una cornice a mensola su cui poggia il piccolo archivolto.  lunetta è affrescata, anche se il disegno è lacunoso, ed è ritratto Cristo benedicente.  chiesa ha navata unica, sulle pareti laterali sono poste delle nicchie come altarini, uno dei quali accoglie la statua policroma di Santa Lucia del XX secolo, che secondo i locali, mostra gli occhi ai fedeli in qualunque punto la si guardi, e sorregge una palma e gli occhi del martirio. Nell'altra nicchia è collocata una scultura della Madonna col Bambino del XVI secolo, in stucco e stoffa su base lignea.  Vergine è rappresentata seduta e tiene il Bambino con il braccio sinistro, la veste di color rosso e manto azzurro sono punteggiati da stelle dorate. L'altare maggiore è contornato da due ovali dipinti con raffigurazioni della Santa Vergine col Bambino e San Giuseppe sposo con Gesù Bambino, entrambi del XVIII secolo. Il paliotto d'altare del 1729 da De Mancino ha una decorazione in stucco di polvere di marmo colorato, che riproduce un effetto a intarsio, sopra l'altare c'è il tabernacolo ligneo dorato del XVII secolo con la Deposizione di Cristo.;Chiesa di Santa Maria ad Nives: sorge nella piazza principale di Castrovalva. Risalirebbe al Medioevo, ma fu ricostruita nel XVI secolo; la facciata ha coronamento curvilineo barocco, doppiamente inflesso, al centro il portale liscio architravato è coronato da un affresco rinascimentale della Madonna col Bambino entro cornice trapezoidale, dai fianchi concavi e profilo superiore convesso, sormontato da una modanatura. Nella parte alta del fronte c'è un orologio centrale, ai lati due specchiature ellittiche con figure di santi su fondo azzurro. L'interno settecentesco è a tre navate, scandite da pilastri in finto marmo venato, che sostengono archi a tutto sesto.  navata centrale ha volte a crociera, mentre una piccola volta a botte precede la cupole emisferica su pennacchi che sovrasta il presbiterio. Alle pareti laterali sono addossati altari in stucco, nella navata destra è presente una tela del Settecento opera ex voto, ridipinta nel 1924 da Alfredo Gentile, con Apparizione della Madonna dell'Incoronata di Foggia ad un pastore. Tale devozione è legata al fenomeno abruzzese della transumanza, e la devozione si estende anche a San Michele, dato che i tratturi transitano anche per Monte Sant'Angelo. In segno di tale fedeltà, nel XVIII secolo è stata realizzata una statua del santo Michele, conservata nella sagrestia, proveniente dalla piccola cappella di San Michele di Castrovalva.  statua è molto ben realizzata, con ricchi particolari, mostrante il santo con la spada che sconfigge il demonio e con la bilancia per pesare le anime.;Chiesetta di San Michele: sorge appena fuori Castrovalva, dedicata al patrono, presso Monte Sant'Angelo.  costruzione attuale è sovrapposta a quella originale del XII secolo, nota come Sancti Angeli in Castro. Le uniche tracce medievali sono visibili nell'ossario della cripta, prima del restauro corposo del XVI-XVII secolo.  cappella antica era a navata unica, con abside semicircolare scavata nella roccia della grotta rupestre dedicata al santo, presbiterio rialzato rivolto verso la torre di guardia di Castrovalva, già citata nel 1079.  struttura attuale ottocentesca ha mantenuto la pianta a sala, scandita da una sequenza di tre archi a tutto sesto all'interno che sostengono la copertura a spioventi. Lungo i muri perimetrali corre un sedile in pietra, interrotto dai pilastri delle arcate. In fondo l'alttare maggiore è sormontato da un'edicola con la statua in gesso di San Michele, del XX secolo, perché quella originale del XVIII secolo è custodita nella sacrestia della chiesa parrocchia di Santa Maria delle Grazie.

Prompt: Describe the characteristics of the Churches in Castrovalva (M. C. Escher)'s History.Please output in Italian.

1079
XVI secolo
Cristo
Madonna col Bambino
Monte Sant'Angelo
Santa Lucia
XVII secolo
XII secolo
XVIII secolo
XVII secolo
XVI secolo
XX secolo


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Madonna Stroganoff

Madonna Stroganoff o Stoclet  è un dipinto di Duccio di Buoninsegna realizzato circa nel 1300 e conservato nel Metropolitan Museum of Art a New York.

Prompt: In Madonna and Child (Duccio, Metropolitan), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1300
Duccio di Buoninsegna
Metropolitan Museum of Art
New York


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Adorazione dei pastori

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Rubens) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro

Il soggetto è ritratto a mezza figura e di fronte, sullo sfondo di una stanza con a destra una finestra aperta sul paesaggio. Porta una berretta nera con ampie falde girate in alto, e indossa una camicia pure nera con sopra una voluminosa casacca dello stesso colore impannata al rovescio da un tessuto ricamato in argento con piccoli motivi geometrici o floreali. posa arcaica, statica e un po' impacciata, è uno degli argomenti citati da quanti non hanno riconosciuto l'attribuzione all'Urbinate.

Prompt: How does Portrait of Guidobaldo da Montefeltro explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: In the context of Immaculate Conception (Zurbarán), explain the Composition and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Bahá'í Faith and the Religion.Please output in Italian.


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La lite di Oberon e Titania

lite di Oberon e Titania  è un dipinto ad olio su tela realizzato nel 1849 da Joseph Noel Paton e conservato alla Scottish National Gallery di Edimburgo.

Prompt: Focus on The Quarrel of Oberon and Titania and explain the Abstract.Please output in Italian.

1849
Edimburgo
Joseph Noel Paton
Scottish National Gallery


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Deposizione Borghese

Il Trasporto si ispirò alle scene antiche del Trasporto di Melagro e alla scena nello sfondo della Cappellina dei Corpi Santi nel Duomo di Orvieto, affrescata da Luca Signorelli. Altri modelli furono una Deposizione a stampa di Andrea Mantegna e alcune opere di Michelangelo, per gli atteggiamenti di alcune figure.Tre uomini stanno portando il corpo morto di Gesù nel sepolcro a sinistra. Essi sono rappresentati inarcati dallo sforzo di trascinare il pesante corpo senza vita e sono ritratti con espedienti che amplificano il senso del movimento  e le espressioni concitate. In particolare spicca il giovane al centro della composizione, assente nei Vangeli, che è un ritratto del defunto Grifonetto Baglioni. Dietro spunta San Giovanni Evangelista con le mani giunte , mentre al centro di questo gruppo spicca Maria Maddalena dolente, con i capelli al vento, colta nel pietoso gesto di tenere la mano di Gesù accompagnandolo al sepolcro. Il suo volto è quello di Zenobia Sforza, moglie di Grifonetto. Gli altri due uomini sono Giuseppe d'Arimatea a sinistra e Nicodemo tra San Giovanni e Maria Maddalena che guarda lo spettatore.A destra si trova il gruppo delle pie donne che sostengono la Vergine Maria svenuta, tenuta alla vita dalla donna dietro di lei, mentre una le regge il capo reclinato sulla spalla e l'altra inginocchiata allunga le braccia per sostenerla. Il volto della Madonna è quello di Atalanta Baglioni, la madre di Grifonetto, che commissionò questo dipinto a Raffaello.  donna in ginocchio ha un movimento "a serpentina", ispirato al Tondo Doni di Michelangelo. Altri echi michelangioleschi si colgono nel corpo abbandonato di Gesù, simile a quello della Pietà vaticana e nel vestito giallo e verde di Nicodemo, che si ispirò alla torsione dell'incompiuto San Matteo del Buonarroti.I due gruppi principali sono raccordati dal giovane trasportatore con il volto di Grifonetto, che si proietta all'indietro.Lo straordinario paesaggio asseconda ritmicamente la composizione: se l'oscuro sepolcro nella roccia aiuta a stagliare i personaggi a sinistra, a destra le figure sono davanti alla collina del Golgota, mentre al centro la veduta si apre con ampio respiro su una veduta di colline punteggiate dalla presenza umana, con l'immancabile specchio d'acqua e con lontane montagne azzurrine, velate di foschia. In primo piano le pianticelle rappresentate con cura rimandano all'esempio di Leonardo da Vinci.Straordinaria è la ricchezza dei colori, quasi smaltati, così come la plasticità data dal forte chiaroscuro, che dà alle figure una monumentalità statuaria, e la concatenazione di gesti, sguardi e attitudini, che ne fanno uno dei capolavori dell'artista. Di grande effetto è la resa dei corpi umani nelle svariate posizioni, con attenzione alla resa anatomica, ma anche all'armonia e alla varietà.

Prompt: Focus on The Deposition (Raphael) and explain the Description and analysis.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Duomo di Orvieto
Gesù
Grifonetto Baglioni
Leonardo da Vinci
Luca Signorelli
Maria Maddalena
Pietà vaticana
Sforza
Tondo Doni


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Madonna Aldobrandini

Madonna Aldobrandini o Madonna Garvagh è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In Garvagh Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

I bari

Bovi A., Caravaggio, Edizioni d'arte il Fiorino, Firenze 1975 p. 188Cinotti M., Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, Tutte le opere, in I pittori Bergamaschi dal XIII al XIX secolo, 4. Il seicento, Poligrafiche Bolis, Bergamo 1983. pp. 554 – 556Christiansen K., Technical report on “The Cardsharps”, in “The Burlington Magazine”, CXXX, nº 1018, 1988, pp. 26 – 27.Christiansen K.,  Pittori della realtà le ragioni di una rivoluzione. Da Foppa e Leonardo a Caravaggio e Ceruti, catalogo della mostra a cura di Gregori M. e Bayer A. 2004, Electa Ed Milano, p. 245Friedlaender W., Caravaggio Studies, Princeton University Press, New Jersey 1955, pp. 153 – 154.Frommel Ch. L., Caravaggio's Fruhwerk und der Kardinal Francesco Maria del Monte, in Storia dell'arte, Firenze 1971, n°. 9 – 10 pp. 5 – 52Mina Gregori, un altro autografo dei “Bari” di Caravaggio, in I “Bari” della collezione Mahon, catalogo della mostra, a cura di D. Benati A. Paolucci , Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo 2008 pp. 20– 48Mina Gregori, Un altro autografo dei “Bari” del Caravaggio in Caravaggio: l'immagine del divino, catalogo della mostra a cura di D. Mahon , RomArtificio, Roma 2007.Mina Gregori, Come nascono i capolavori, catalogo della mostra del Caravaggio, Firenze 12/ XII/ 1991 - 15 / III / 1992 Electa Milano pp. 96 – 103Roberto Longhi, Mostra del Caravaggio e dei caravaggeschi, catalogo della mostra a cura di C. Baroni, G. A. Dell'Acqua, M. Gregori, F.Mazzini , Sansoni Firenze 1951Marghetich T, Per una rilettura critica del “musaeum” di Federico Borromeo, in “Arte Lombarda”, nº 84 – 85, 1988, pp. 102 – 118.Mahon D., Freshlight on Caravaggio's earliest period: his “Cardships”, The Burlington Magazine, CXXX, nº 1018, 1988, pp. 10 – 25Marini M., Caravaggio pictor praestantissimus, Newton Compton Ed. 1987 p. 136, pp. 386 – 389Marini M., Io Michelangelo da Caravaggio, Bestetti & Bozzi Ed, Roma 1974, pp. 347 – 350Vicchi L., Dieci quadri della galleria Sciarra. Cenni storici e critici raccolti da L. Vicchi, Tipografia Tribuna, Roma 1889 pp. 43 – 44, tav. IX.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Cardsharps.Please output in Italian.

Caravaggio
Mina Gregori
The Burlington Magazine


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Madonna dei Palafrenieri

Madonna dei palafrenieri, anche detta Madonna della Serpe, è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1606 dal pittore italiano Caravaggio. È conservato nella Galleria Borghese di Roma.Il quadro mostra Maria e il Bambino mentre schiacciano il serpente del peccato originale, alla presenza di sant'Anna.

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1606
Galleria Borghese
Galleria Borghese
Roma


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Majas al balcone

Francisco GoyaMaja e Celestina al balconeIl balcone

Prompt: Focus on Majas on a Balcony and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Maja e Celestina al balcone


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Edmonia Lewis

Di padre di discendenza afro-haitiana e madre di Mississauga Ojibwe , l'artista rimase orfana nella sua prima infanzia e andò a vivere con le sue zie materne. Suo fratello lasciò la tribù nomade di sua madre e divenne un minatore d'oro in California durante la Febbre dell'oro. All'età di 15 anni, Lewis si iscrisse all'Oberlin College, dove si appassionò all'arte. In Italia, Edmonia Lewis si unì a una cerchia di artisti espatriati e aprì il suo studio. Durante questo periodo, iniziò a scolpire nel marmo, concentrandosi sul naturalismo e sui temi relativi agli afro-americani e ai nativi americani. Un altro punto culminante della sua carriera fu la sua partecipazione nel 1876 alla "Centennial Exposition" di Philadelphia, per la quale creò un pezzo monumentale di circa 1400 kg, che intitolò " Morte di Cleopatra". Edmonia Lewis scrisse nel 1864: "Non c'è nulla di così bello come la foresta libera: prendi un pesce quando hai fame, tagli i rami di un albero, fai un fuoco per arrostirlo e mangiarlo all'aperto, è il più grande di tutti i lussi. Non starei una settimana rinchiusa nelle città, se non fosse per la mia passione per l'arte" .

Prompt: How does Edmonia Lewis explain its Biography?Please output in Italian.


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Gonfalone con la Pietà

Il dipinto mostra il Cristo in pietà in grembo a Maria, circondato ai lati da san Girolamo  e Maria Maddalena. Le figure laterali sono sapientemente inserite davanti a due quinte rocciose, mentre il gruppo sacro centrale è posto su una vasta apertura del paesaggio. Non casuale è anche il ricorso a contrasti di colore per far risaltare le figure, come le rocce in ombra dietro Girolamo, che fanno spiccare la sua veste bianca.Alla fase giovanile dell'artista rimandano una serie di durezze e grafismi derivanti dall'esempio di Verrocchio, come nel secco corpo di Cristo, nei panneggi simili a fogli accartocciati dei santi  e nell'intenso sentimento espresso dalla Vergine dolente. Ciò crea un forte tensione plastica nelle linee di contorno, tipica dell'arte fiorentina dell'epoca. D'altra parte questa è anche una delle prime opere in cui si assiste all'avvio di addolcimenti che portarono, nel giro di pochi anni, allo stile morbido e soffuso per cui il pittore divenne celebre: ciò si nota nel volto della Maddalena, incorniciato da eleganti riccioli biondi, e nello scorcio paesistico, con le dolci colline e gli alberelli isolati che richiamano il paesaggio umbro.

Prompt: How does Pietà Gonfalon explain its Description and style?Please output in Italian.


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Betsabea

storia di Betsabea è stata una fonte di ispirazione anche per il mondo cinematografico. Il suo ruolo è stato affidato a:  Susan Hayward in David e Betsabea ; Jane Seymour nel film per la televisione The Story of David ; Alice Krige in King David ; Melia Kreiling nella miniserie televisiva  Bibbia .

Prompt: Explain the Movies about the Biblical story of this artwork, Bathsheba (Gentileschi).Please output in Italian.

Alice Krige
Bibbia
David e Betsabea
Jane Seymour
King David
Melia Kreiling
Susan Hayward
The Story of David


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Giustizia

Per San Paolo l'opera divina e la giustizia divina si realizzano nonostante il peccato degli uomini e degli Israeliti. Sorge così un nuovo popolo di Dio malgrado la maledizione del peccato.  parusia porterà il giudizio che giustifica , la dichiarazione che proclama giusta la nuova umanità . Pertanto: Nessun uomo potrà essere giustificato sulla base della legge, sulla perfetta ubbidienza. Non ci sarebbe stato bisogno della morte del Cristo se fosse bastata la legge a produrre la perfetta giustizia. Il peccato è la ricerca di una propria giustizia e giustificazione, non della giustizia di Dio. L'uomo può essere giustificato per la fede in Cristo cioè sulla grazia che Dio concede gratuitamente . Il credente giustificato vive solo per Dio...liberati dal peccato, gli uomini sono diventati servi della giustizia .  resurrezione è l'anticipazione della signoria pubblica e universale di Dio alla fine dei tempi, e pertanto anche la giustizia di ora è l'anticipazione della giustizia di Dio alla fine dei tempi. Noi non possiamo avere la giustizia, ma è la giustizia che ci possiede, al contrario del giudaismo la cui dottrina sulla salvezza poggiava sull'idea che l'uomo che osserva la legge è giusto e la giustizia deve ritenersi opera e merito dell'uomo.

Prompt: In Justice (Titian), how is the In San Paolo of the In philosophy explained?Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

Stando alle prime fonti che la descrivono, ovvero quelle del XI e XII secolo, la vicenda si svolge in Cappadocia. Nella Legenda Aurea del XIII secolo, la trama è invece ambientata in Libia.Un drago estorceva dei tributi agli abitanti di un villaggio. Quando finirono il bestiame e le altre risorse da dare al mostro, essi iniziarono a dare in sacrificio un di loro una volta all'anno. Ciò continuò fino a quando non venne scelta come tributo sacrificale una principessa. Onde evitare che ciò accadesse, il santo combatté il drago e lo sconfisse, liberando così la principessa.

Prompt: In Saint George (Raphael, Louvre), how is the Plot discussed?Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Il busto reliquiario è costituito da argento cesellato ed è in parte placcato in oro. Il reliquiario racchiude un teschio umano, secondo la tradizione quello di Carlo Magno. Esso raffigura il busto dell'imperatore con la testa ornata da una corona d'oro a giglio che, secondo un documento dal 1262, sarebbe un dono di Riccardo di Cornovaglia al Münster  di Aquisgrana, poi ampiamente restaurata dall'orafo August Witte nel 1873. Le zone dei capelli e della barba sono placcate in oro, il viso e il collo sono accentuati in argento sbalzato. Il pettorale è ornato da aquile ageminate d'argento - l'aquila imperiale sul fondo oro della veste, l'animale araldico del Sacro Romano Impero indica la dignità dell'imperatore - e da bordure in filigrana e pietre preziose. Alcune delle pietre sono cammei antichi. Il busto di Carlo Magno si erge su una base ottagonale con due aperture sui fianchi per un supporto ligneo, decorato con gigli araldici.L'uso di gemme antiche e cammei per reliquiari e corone indica un riferimento all'antichità romana, essenziale l'idea imperiale medievale, nella cui tradizione Carlo Magno e poi Carlo IV si identificavano nel loro ruolo di sovrano. Un parallelo a questa corona può essere visto nella corona di San Venceslao dei gioielli della Corona boema, che adornava la reliquia del teschio di Venceslao di Boemia ed era anche usata per le incoronazioni.Il reliquiario è nella tradizione delle raffigurazioni francesi del re del XIII secolo e rappresenta un'idealizzazione artistica dell'imperatore franco, sebbene abbia anche caratteristiche facciali individualizzanti. Queste ultime si notano in modo simile anche in un ritratto di Giovanni II di Francia. È possibile che il creatore del busto reliquiario, un orafo di Aquisgrana, fosse un artista formatosi in Francia.A partire dal busto di Carlo Magno, come punto culminante nell'oreficeria della Renania-Maasland, iniziò un periodo d'oro di busti reliquiari in argento dorato e dall'aspetto naturalistico.

Prompt: How does Bust of Charlemagne explain its Description and style?Please output in Italian.

Aquisgrana
August Witte
Carlo Magno
Giovanni II di Francia
Riccardo di Cornovaglia
Sacro Romano Impero


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L'insegna di Gersaint

Il quadro era stato dipinto in origine su di una sola tela, in seguito divisa in due parti; gli studiosi ritengono che sia la forma sia le parti scenografiche originali del dipinto siano state modificate più tardi da altre mani, forse a causa della ricostruzione della facciata del negozio di Gersaint.Il dipinto di Watteau ritrae clienti e personale del negozio di Gersaint visti dalla strada che è ritratta in primo piano. Nel dipinto risultano accresciute le dimensioni del piccolo negozio, posto sul medievale Pont Notre-Dame nel cuore di Parigi, in cui Gersaint insieme creava e seguiva le mode procurando opere d'arte e oggetti di lusso alla clientela aristocratica.Sulle pareti del negozio sono appesi quadri in stile barocco, che non riproducono opere esistenti ma riprendono iconografie riconoscibili: da sinistra a destra un ritratto del re Filippo IV di Spagna, Venere e Amore, Venere e Marte, un satiro che rincorre una ninfa, una natura morta, un monaco in preghiera, un giullare,  un sileno ubriaco, una Leda con il cigno, una Sacra Famiglia e un paesaggio.  disposizione dei quadri richiama quella utilizzata nelle gallerie del secolo precedente, da poco concluso, in cui "il sistema espositivo en tapisserie, cioè con le tele appese dal soffitto al pavimento, favoriva in realtà una visione generalmente collettiva e d'insieme delle opere e l'ostentazione della ricchezza delle cornici e della quantità delle pitture offriva al pubblico ammesso nelle sale una prova di superiorità culturale e sociale".Anche l'ambientazione richiama le gallerie dell'epoca: "gli inventari topografici delle gallerie del Seicento e del Settecento indicano sovente l'esistenza di seggiole o di poltrone accostate alle pareti: una presenza certo funzionale per dare sollievo alla fatica fisica della visita, ma tale da consentire anche un più comodo dialogo tra il pubblico sull'opera d'arte". In particolare, infatti, "nella città del Settecento lo spettatore era coinvolto in pratiche che non erano più soltanto di contemplazione, ma anche di partecipazione, che implicavano una serie di esercizi del corpo e della mente in spazi sempre più specializzati allo scopo".Sia per il soggetto che per le alterne vicende, L'Enseigne de Gersaint illustra l'importanza della diffusione dell'arte nel periodo dell'Illuminismo. Infatti "la celeberrima insegna del negozio dipinta da Watteau è ormai considerata il simbolo dei nuovi destini dell'arte nel XVIII secolo quando un 'pubblico privato' si impose con una committenza alternativa a quella delle istituzioni". All'epoca infatti "le gerarchie sociali, che conservavano codici forse meno rigidi rispetto al secolo precedente ma certamente ben definiti, si sfumano, benché in modo effimero, all'interno di quella 'distinzione intellettuale' dell'uomo di mondo che aveva sostituito i valori delle corti".

Prompt: In L'Enseigne de Gersaint, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Filippo IV di Spagna
Illuminismo
Leda
Parigi
Pont Notre-Dame
Sacra Famiglia
XVIII secolo


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In the context of Last Supper (Rubens), explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Morte di Germanico

Poussin fu probabilmente il primo pittore a raffigurare questo soggetto. Questo episodio di storia dell'antica Roma è tratto dagli Annales di Tacito. In esso vengono descritti i successi militari di Germanico, fratello maggiore del futuro imperatore Claudio e generale romano al servizio dell'imperatore Tiberio . Il cognomen Germanicus fu attribuito al padre, Druso Maggiore, e ai suoi discendenti proprio grazie ai trionfi di quest'ultimo in Germania. Nel 18 Tiberio decise di inviare il figlio adottivo in Siria, a causa dell'instabilità politica che caratterizzava in quegli anni le province orientali e i vassalli di Roma; tuttavia, non fidandosi completamente di Germanico, l'imperatore decise di farlo accompagnare da un suo uomo di fiducia, l'aspro Gneo Calpurnio Pisone. Germanico morì nel 19 ad Antiochia di Siria, e negli ultimi istanti della sua vita accusò Pisone di averlo avvelenato per ordine di Tiberio. Fece giurare a sua moglie Agrippina maggiore e alla sua famiglia di vendicare la sua morte, godendo di grande popolarità tra la popolazione romana. Poussin indubbiamente lesse Tacito attraverso una delle numerose traduzioni italiane che circolavano a Roma.

Prompt: In the context of The Death of Germanicus, explain the Subject and the History.Please output in Italian.

Agrippina maggiore
Antiochia di Siria
Claudio
Gneo Calpurnio Pisone
Roma
Tiberio


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Quattro filosofi

I Quattro filosofi è un dipinto a olio su tavola  di Peter Paul Rubens, databile al 1611-1612 e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.

Prompt: How does The Four Philosophers explain its Abstract?Please output in Italian.

1611
1612
Firenze
Galleria Palatina
Palazzo Pitti
Peter Paul Rubens


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Crocifissione Gavari

L'opera fu realizzata per la Chiesa di San Domenico di Città di Castello, su commissione della famiglia Gavari. Sulla cornice in pietra originale dell'altare a cui era destinata si legge la data 1503.Si trattava di una delle almeno quattro opere realizzata dal Sanzio a Città di Castello, assieme allo stendardo della Santissima Trinità, la Pala Baronci e il celebre Sposalizio della Vergine. Venne vista dal Vasari e dal zzari , prima di essere venduta a un francese. Fece parte della raccolta Fesch  e di quella del principe di Canino , prima di passare per varie collezioni inglesi. Infine appartenne alla collezione Mond, che venne lasciata in eredità al museo londinese nel 1924.

Prompt: Focus on Mond Crucifixion and explain the History.Please output in Italian.


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Esequie di san Girolamo

L'opera è ricca di personaggi ritratti in vari atteggiamenti. Al centro si trova disteso sul catafalco, sopra una preziosa stoffa decorata a melograni, il corpo di san Girolamo, circondato da un gruppo di monaci dolenti che, con vari stati d'animo dal dolore silenzioso al pianto e alla disperazione, gli stanno attorno.  stoffa a melograni del catafalco venne ripresa anche nel monumento funebre di Geminiano Inghirami già in San Francesco, opera di Desiderio da Settignano .  I dolenti dimostrano la conoscenza degli affreschi della cappella Bardi di Giotto, con alcuni gesti ripresi abbastanza fedelmente, come il monaco che bacia i piedi del santo  oppure quello che alza le mani. Anche la posizione del santo di profilo riecheggia Giotto, ma anche la numismatica antica, a quei tempi molto in voga.In primo piano si trova il prelato Inghirami inginocchiato, con un fanciullo storpio davanti, che con il suo gesto di indicare il santo dirige l'occhio dello spettatore sul nodo della scena sacra, evitando che la ricca veste rossa del Preposto distragga troppo.  notazione realistica di usare uno storpio, ritratto fedelmente, venne ispirata dagli affreschi di Masaccio e Masolino nella Cappella Brancacci , che il Lippi conosceva bene per essere stato monaco in gioventù proprio nel convento fiorentino del Carmine dove si trova la cappella. parte superiore della tavola, oltre alcune montagne rocciose dove sono ambientate tre scenette , è occupata da schiere angeliche, probabilmente della mano di Fra Diamante o di un altro collaboratore anonimo, tra cui si riconoscono i cerchi che alludono ai Cieli del Paradiso, il Redentore in alto , la colomba dello Spirito Santo e Gesù a braccia aperte.In basso si trova uno stemma della famiglia Inghirami.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Funeral of Saint Jerome (Filippo Lippi).Please output in Italian.

Cappella Brancacci
Cieli del Paradiso
Desiderio da Settignano
Fra Diamante
Geminiano Inghirami
Giotto
Masaccio


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Barrocci romani

Barrocci romani è un dipinto a tempera su tela di Giovanni Fattori, realizzato nel 1872-73 e conservato alla Galleria d'Arte Moderna presso palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: Focus on Roman Carts and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

Baccanale degli Andrii

Tietze H., Titian. Leben und Werk, Vienna, 1936 Wind E., Bellini's Feast of the Gods. A Study in Venetian Humanism, Cambridge, 1948 Walker J., Bellini and Titian at Ferrara, Londra, 1956 Erwin Panofsky, Problems in Titians, Londra, 1969 Hope C., The 'Camerini d'Alabastro' of Alfonso d'Este I in The Burlington Magazine, 820, 1971 Fehl P. The Worship of Bacchus and Venus in Bellini's and Titian's Bacchanals for Alfonso d'Este. in Studies in the History of Art, 6, 1974 Murutes H., Personifications of ughter and Drunken Sleep in Titians Andrians in The Burlington magazine, 115 Lowinsky E. E., Music in Titian's Bacchanal of the Andrians: Origin and History of the Canon per Tonos in Titian, His World and His Legacy, New York, 1982 Emiliani A.,  leggenda del collezionismo, in Ferrara, voci di una città, n. 3, 1995 Gentili A., Tiziano, Milano, 1998 Pedrocco F., Tiziano, Milano, 2000 Gibellini C., Tiziano, Milano, 2003 Mannini L., Prado, Madrid in I grandi musei del mondo, Roma, 2004 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5

Prompt: How does The Bacchanal of the Andrians explain its Bibliography?Please output in Italian.

1974
1982
Cambridge
Erwin Panofsky
Este
Ferrara
Londra
Madrid
Milano
New York
Roma
Stefano Zuffi
The Burlington Magazine
Vienna


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Veronese, Uffizi).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Allegoria sacra

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003. Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: In Holy Allegory, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Giovanni Bellini


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Vergine in trono e santi

tavola è una sacra conversazione, ispirata da analoghe opere di area veneziana, come la Pala di San Cassiano di Antonello da Messina e le sue derivazioni di Giovanni Bellini e altri, come dimostra il telo verde appeso dietro al trono di Maria, al posto della spalliera, che ha una continuazione nel tappeto di broccato ai piedi della Vergine. Stessa origine ha il cartellino appeso al centro con la firma dell'artista, un motivo derivato dall'arte fiamminga reso popolare dagli artisti padovani e da quelli dell'ampia area da essi influenzata. scena è organizzata su due registri: quello superiore, attorno alla Vergine col bambino benedicente, coi santi Giovanni Battista, Pietro, due francescani  e due piccoli angeli ai lati. I santi della parte superiore sono dipinti in maniera piuttosto sbrigativa, forse con l'intervento della bottega o comunque senza grande impegno. Fa eccezione san Pietro, monumentale al pari di una scultura, con un ampio e pesante panneggio dall'effetto "bagnato", alla Verrocchio.Più curati sono quelli in primo piano, nel registro inferiore, accovacciati e dediti alla scrittura: un vescovo e san Girolamo. Girolamo in particolare assomiglia molto, nella fisionomia e nell'abito, a quello del Ghirlandaio in Ognissanti a Firenze. Le due figure creano una piramide che ha come vertice la testa di Maria.Di notevole suggestione archeologica è il fregio con la Centauromachia alla base del trono, che cita un celebre sarcofago romano rinvenuto ai primi del Quattrocento a Cortona e oggi custodito nel Museo diocesano.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Virgin Enthroned with Saints (Signorelli).Please output in Italian.

Antonello da Messina
Cortona
Firenze
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Pala di San Cassiano


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Describe the characteristics of the The Eucharistic institution in The Last Supper (Ghirlandaio)'s Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Bonaparte al ponte di Arcole

Bonaparte al ponte di Arcole  è un dipinto di Antoine-Jean Gros che rappresenta un episodio della battaglia del ponte di Arcole. Il generale Bonaparte è raffigurato mentre guida le sue truppe all'assalto del ponte di Arcole.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bonaparte at the Pont d'Arcole.Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

I pochi dati disponibili non forniscono notizie circa l'autore e l'originaria destinazione del dipinto.Le prime notizie documentali risalgono a un inventario del 1631, senza indicare tempi e modalità d'acquisizione, collocazione e conservazione nel palazzo Ducale di Urbino. Il dipinto risulta incluso in un elenco di beni della dinastia dei Della Rovere, ma il primo inventario reca solo mere ipotesi attributive. Anche i successivi documenti non sono più precisi, riguardando soltanto il trasferimento del dipinto, a metà del XVII secolo, da Urbino a Firenze e dalla stirpe urbinate a quella medicea fiorentina, tramite Vittoria della Rovere.Eclissato per secoli, il dipinto ricompare a inizio del Novecento a Napoli, sempre in possesso della famiglia De' Medici, nel ramo cadetto di Ottaviano. Giunge a destinazione museale in seguito alla prelazione esercitata dello Stato italiano nel 1903 sulla vendita destinata all'estero, in Inghilterra. Il dipinto fu esposto nel Museo nazionale di Napoli , ed è esposto dal 1957 al Museo nazionale di Capodimonte, tra i dipinti provenienti dalla collezione Farnese.

Prompt: Focus on Portrait of Luca Pacioli and explain the History.Please output in Italian.

1631
Medici
Della Rovere
Firenze
Inghilterra
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Urbino
Vittoria della Rovere
XVII secolo


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Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Giovanni Chrysostom and the History.Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


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Ritratto di Hieronymus Holzschuher

Il Ritratto di Hieronymus Holzschuher è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, siglato e datato 1526, e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. In alto si legge l'iscrizione .

Prompt: Focus on Portrait of Hieronymus Holzschuher and explain the Abstract.Please output in Italian.

1526
Albrecht Dürer
Berlino
Hieronymus Holzschuher


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Raffaello e la Fornarina

Raffaello e la Fornarina  è un dipinto di Jean-Auguste-Dominique Ingres. Rappresenta Raffaello Sanzio, il massimo artista ispiratore di Ingres, nel proprio studio con Margherita Luti, la più famosa delle sue modelle, soprannominata " Fornarina" e da lui immortalata in un celebre ritratto, che si intravede - appena completato - all'estrema destra della composizione. In secondo piano, collocata su un mobile appoggiato alla parete di fondo, si trova invece un'altra opera del maestro italiano, la Madonna della Seggiola.Il dipinto è conservato al Fogg Art Museum di Cambridge nel Massachusetts. Ingres eseguì anche quattro varianti dell'opera, o più probabilmente suoi modelli preparatori: una si trova al Columbus Museum of Art, altre due in collezioni private, mentre la quarta, custodita per molto tempo a Riga, è andata dispersa durante la seconda guerra mondiale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Raphael and La Fornarina.Please output in Italian.

Fogg Art Museum
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madonna della Seggiola
Margherita Luti
Raffaello Sanzio


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Ragazzo che soffia su un tizzone acceso

tela fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma; forse si trattò di un incarico ducale, sebbene non si sappia per certo la sua origine. Facente parte della Collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il pittore ripeterà questo tema diverse volte durante la sua carriera. Il dipinto si ispirò ad un passo della Naturalis historia di Plinio il Vecchio, quest'ultimo menzionante vari pittori e scultori che rappresentano ragazzi nell'atto di accendere il fuoco.Tradizionalmente si è considerata questa scena come un prodotto dell'influenza di Jacopo Bassano, sebbene studi recenti abbiano stabilito che il soggetto è un tentativo di riproduzione di un quadro dell'antichità classica andato perduto. Nell'opera, concepita forse durante il soggiorno di El Greco e altri intellettuali nel palazzo Farnese di Roma, un ragazzo tenta di accendere una candela valendosi di un tizzone. Il ragazzo protagonista della scena evidenzia l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come il coevo Ritratto di Giulio Clovio, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.

Prompt: Focus on El Soplón and explain the History and description.Please output in Italian.

1734
Collezione Farnese
El Greco
Jacopo Bassano
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Naturalis historia
Plinio il Vecchio
Ritratto di Giulio Clovio
Roma


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Composizione VI

gigantesca Composizione VI è una delle opere più significative del periodo monacense, un dipinto che impegnò a lungo l'artista il quale l'8 marzo del 1913 scriveva all'amico Franz Marc: «Ho portato in me questo quadro per un anno e mezzo e spesso ho dovuto pensare che non lo avrei mai condotto a termine».  complicata genesi, testimoniata anche dai numerosi schizzi e progetti preliminari, è inoltre descritta in maniera dettagliata nell'articolo pubblicato nel 1913 sulla rivista Der Sturm. Punto di partenza dell'opera fu il quadro su vetro del Diluvio Universale di un anno precedente e oggi perduto. Ma se là ancora sopravvivevano elementi figurativi e narrativi, come animali, persone, piante, lampi e la pioggia, qui ogni ricordo di mimetismo si perde in forme frantumate, lunghe strisce, linee, forme scure e colori, rendendo il dipinto la prima opera astratta in senso stretto della serie delle Composizioni nella quale «il motivo originario del quadro si dissolve e si trasforma in un'essenza interiore puramente pittorica, autonoma e oggettiva». Dai due centri principali del dipinto - a sinistra un nucleo che Kandinskij definisce «dolce, rosaceo» e a destra un nucleo «grossolano, rosso-azzurro, dissonante» - ne scaturisce un terzo al centro che «determina il suono interiore dell'intero quadro», dove i colori rosa e bianco sembrano galleggiare sulla tela.

Prompt: How does Composition VI explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico della Cervara

C. Di Fabio , Il Polittico della Cervara di Gerard David, catalogo della mostra , Cinisello Balsamo, 2005.

Prompt: In Cervara Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1834 si trovano riferimenti a un «nobile e coltissimo nostro concittadino» milanese che intendeva realizzare a proprie spese un monumento in bronzo a Leonardo. L'anonimo aveva anche ottenuto l'autorizzazione del governo austriaco per posizionare il monumento nel cortile di Brera, decorando l'accesso al doppio scalone. All'epoca per lo scalone richiniano erano in preparazione anche i monumenti a Cesare Beccaria e a Giuseppe Parini..</ref>}} base in granito avrebbe dovuto essere di circa 2 metri con figure in bronzo alte circa 3 metri, raffigurando la personificazione dell'Immortalità nell'atto del porgere una corona d'alloro a Leonardo, intento in profonde meditazioni sui propri libri. Un bassorilievo sulla base avrebbe riprodotto l'Ultima Cena. Questo progetto non fu però completato.

Prompt: Describe the characteristics of the First project in Monument to Leonardo da Vinci's Criticisms.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

Marco Carminati, Il polittico Averoldi visto da vicino, Il sole 24 ore, 29 maggio 2022.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Focus on Christ on the Cross (Zurbarán) and explain the Historical crucifixions.Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Autoritratto con sigaretta

L'artista è circondato da un'ombra scura mentre tiene in mano una sigaretta fumante. John Ravenal paragona l'illuminazione drammatica del dipinto a quella di un palcoscenico. Sue Prideaux scrive che "Munch appare dal fumo di sigaretta come un genio da una bottiglia".  sigaretta, che la storica dell'arte Patricia Berman definisce "un nesso per identità sociali marginali negli anni 1890, era un simbolo della "devianza" e della "dissoluzione sociale" tra i confini di classe e di genere. Pertanto, la sua inclusione nell'autoritratto rifiuta i valori tradizionali e associa Munch al bohémien e alla decadenza. Berman crede anche che la rappresentazione di se stesso da parte dell'artista con un "corpo magro che si dissolve" e una "pelle giallastra" impieghi il decadimento fisico per sfidare le norme sociali e sanitarie.

Prompt: In Self-Portrait with Cigarette, how is the Composition discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nella Repubblica Dominicana, il Día de los Tres Reyes Magos  è il giorno in cui i bambini ricevono regali sull'albero di Natale. I bambini, accompagnati dai genitori, provano i loro nuovi giocattoli nelle aree pubbliche.Una pratica comune è lasciare i giocattoli sotto i letti dei bambini il 5 gennaio; quando si svegliano la mattina del 6 gennaio, gli viene fatto credere che i regali e i giocattoli siano stati lasciati da Babbo Natale o dai Re Magi.

Prompt: Explain the Dominican Republic about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Babbo Natale
Natale
Repubblica Dominicana


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Il combattimento tra il Kearsarge e l'Alabama

Nel corso della sua lunga e feconda vicenda artistica Manet si confrontò pochissimo con i soggetti storici. Due eventi, tuttavia, destarono la sua attenzione: innanzitutto la cattura e la fucilazione di Massimiliano I del Messico, da lui raffigurata nell'opera L'esecuzione dell'imperatore Massimiliano, e poi la battaglia di Cherbourg del 1864. Si trattò questa di un'operazione navale avvenuta al largo di Cherbourg, nella bassa Normandia, dove una corvetta nordista dell'Unione, l'USS Kearsarge, affondò la CSS Alabama, nave da guerra delle forze confederate. e attirò a Cherbourg folle di curiosi. Non sappiamo se anche Manet fu testimone di questa battaglia navale, anche se riuscì comunque a dipingerla con grande vigore creativo, a tal punto da meritarsi le lodi di Barbey d'Aurevilly, che nel 1872 affermò: «È un quadro a soggetto marino meraviglioso [...] Il mare ... è ancora più terrificante della battaglia». Nel dipinto, che risente molto dei quadri marinareschi dipinti in Olanda nel Seicento, non è rappresentata l'idealistica esaltazione dei valori eroici, bensì la cruda realtà di una battaglia, descritta con una resa pittorica del tutto angosciosa e anticonvenzionale.

Prompt: How does The Battle of the Kearsarge and the Alabama explain its Description?Please output in Italian.


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Daniele

Daniil Varfolomeevič Avdeev, militare e partigiano sovietico Daniil Čërnyj, pittore russo Daniil Charms, scrittore, poeta e drammaturgo sovietico Daniil Semënovič Ėl'men', imprenditore, economista e politico russo Daniil Aleksandrovič Granin, scrittore russo Daniil Nikitič Kašin, compositore russo Daniil Sobčenko, hockeista su ghiaccio ucraino Daniil Trifonov, pianista russo Daniil Kvjat, pilota automobilistico russo

Prompt: Describe the characteristics of the Daniil's variant in Prophet Daniel (Michelangelo)'s Variants.Please output in Italian.

Daniil Aleksandrovič Granin
Daniil Charms
Daniil Kvjat
Daniil Nikitič Kašin
Daniil Semënovič Ėl'men'
Daniil Sobčenko
Daniil Trifonov
Daniil Varfolomeevič Avdeev
Daniil Čërnyj


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Colosso dell'Appennino

Il colosso dell'Appennino è una statua in pietra alta circa 14 metri,

Prompt: Focus on Apennine Colossus and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Saffo a Leucade

Il dipinto rappresenta il suicidio di Saffo da una rupe di Leucade, accogliendo pertanto l'ipotesi leggendaria che la poetessa si sia tolta la vita a seguito di un amore non corrisposto che nutriva nei confronti del giovane Faone, che in realtà è un personaggio mitologico. figura di Saffo risalta ai margini di una scogliera, in un paesaggio notturno rischiarato da raggi di luna, che sembra anticipare quello illustrato da Giacomo Leopardi nella lirica Ultimo canto di Saffo del 1822.In antitesi ad una visione statica dell'ideale classico, Gros delinea pertanto i tratti di una figura romantica, che affida alla natura la fine del proprio amore.Charles Blanc nel 1845 commentò che «intraprendere la rappresentazione pittorica della disperazione rappresentò una deviazione fondamentale dai principi dell'arte greca» . Sulla linea indicata da Charles Le Brun quando afferma che «un quadro non potrebbe essere perfetto senza l'Espressione», « Saffo di Gros è la dimostrazione di come un effetto di carattere emotivo possa essere trasmesso facendo ricorso alla precisione non meno che alla bravura».

Prompt: Focus on Sappho at Leucate and explain the Description and style.Please output in Italian.

1822
Charles Blanc
Charles Le Brun
Faone
Giacomo Leopardi
Saffo
Ultimo canto di Saffo


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Bottega del macellaio

Benché la Grande macelleria di Annibale abbia dei punti di contatto con i precedenti di analogo contenuto fiamminghi ed italiani, rispetto a questi presenta delle rilevanti discontinuità.In primo luogo, nella tela ora ad Oxford Annibale omette ogni elemento di trivialità, o di greve comicità, non di rado riscontrabili nei dipinti di genere dedicati alla raffigurazione di mestieri umili; al contrario egli descrive con assoluta chiarezza e spregiudicata verosimiglianza – quasi documentaristica – le attività che si svolgono in una macelleria .Circa la composizione, la Grande macelleria ha vari elementi di originalità: i bottegai all'opera sono raffigurati a figura intera  e sono disposti ordinatamente nello spazio della bottega , è sottolineata la nobiltà del lavoro degli umili. Tesi forse affascinante, ma, pur sostenuta da uno studioso di grande valore come Martin, probabilmente priva fondamento.

Prompt: Focus on Butcher's Shop and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Notturno in nero e oro - Il razzo cadente

L'opera, in effetti, si svincola deliberatamente dall'esigenza di narrazione e dalle costrizioni della forma e assume un'espressività decisamente protoastrattista. Non per questo, tuttavia, bisogna pensare che la stesura del Notturno sia stata dozzinale. Whistler, anzi, medita assai profondamente sulle pennellate, talvolta più calligrafiche talvolta più fluide, a seconda dell'entità rappresentata.  stessa ponderatezza si riscontra negli equilibri cromatici dell'opera: Whistler, infatti, per raggiungere quel senso di mistero di cui si è già parlato, non esita a orchestrare preziosi accordi di colore, restringendo la sua tavolozza a tonalità di ocra, vermiglio, rosso veneziano, terra d'ombra, cobalto e nero d'avorio. Così facendo, Whistler mostra di prediligere una pittura sottile ed aerea, con i colori che aspirano a rievocare ritmi musicali, nel segno di una nuova sintesi estetica, artistica e sensoriale. Ce lo testimonia proprio il titolo del quadro, Notturno, termine musicologico che si riferisce a composizioni destinate all'esecuzione all'aperto e di notte:{ class="toccolours" style="float: right; margin-left: 1em; margin-right: 2em; font-size: 85%; background:#FFFFCC; color:black; width:22em; max-width: 45%;" cellspacing="5" style="text-align: left;"  «[Era] ben più di una secchiata di colore gettata in faccia a un pubblico non recettivo. Era il cocktail incendiario di un terrorista estetico. Il termine musicale adeguato per questo dipinto non è tanto "armonia", quanto "battaglia"»- style="text-align: left;"  — David Park Curry: Uneasy Pieces, S. 184}</ref>By using the word ‘nocturne’ I wished to indicate an artistic interest alone, divesting the picture of any outside anecdotal interest which might have been otherwise attached to it. A nocturne is an arrangement of line, form and colour firstlingua=en}}Questa sofisticata concezione dell'arte risponde pienamente alle prescrizioni dell'Estetismo, atteggiamento del gusto e del pensiero per il quale le opere d'arte non vanno inquinate con finalità di tipo utilitaristico o didascalico, bensì devono esclusivamente ricercare la pura bellezza. Il Notturno in nero e oro, infatti, rispecchia fedelmente la mentalità degli esteti più convinti, primo fra tutti Walter Pater, strenuo sostenitore del motto «l'arte per l'arte» e promotore di una mistica coincidenza di pittura e musica: «L'intera arte aspira costantemente alla condizione della musica», avrebbe affermato ne  scuola di Giorgione. Pur rifacendosi a modelli colti, tuttavia, l'opera fu giudicata assai negativamente dal pubblico. Tra i critici più virulenti vi furono Edward Burne-Jones, secondo il quale «il dipinto non è che una delle migliaia di tentativi non riusciti di rappresentare la notte», e in particolar modo John Ruskin, che paragonò il dipinto a «una secchiata di colori gettata in faccia al pubblico». Whistler, oltraggiato da quest'ultimo affronto, avrebbe trascinato Ruskin nelle aule del tribunale e inscenato un processo, dal quale derivò esclusivamente un indennizzo simbolico di uno scellino. Per maggiori dettagli si consulti il paragrafo James Abbott McNeill Whistler § Whistler contro Ruskin.

Prompt: In the context of Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket, explain the A symphony of colors and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Edward Burne-Jones
James Abbott McNeill Whistler
John Ruskin
Walter Pater


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Re Candaule mostra sua moglie a Gige

Re Candaule mostra sua moglie a Gige è il soggetto di un dipinto di Jacob Jordaens, conservato al museo nazionale di Stoccolma.

Prompt: How does Candaules Showing His Wife to Gyges explain its Abstract?Please output in Italian.


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Epifania

In Inghilterra, la vigilia dell'Epifania è conosciuta come la dodicesima notte , ed era associato al gioco dei mummers  e al consumo dei wassail . Il ceppo di Natale si lascia bruciare fino al 6 gennaio, mentre il carbone residuo si conserva fino al Natale successivo per accendere il ceppo dell’anno seguente e per proteggere la casa dal fuoco e dai fulmini.In passato, l'Epifania era anche un giorno di scherzi, simile al primo di aprile. Oggi in Inghilterra, la dodicesima notte è ancora un giorno popolare per le rappresentazioni teatrali come quando  dodicesima notte di Shakespeare fu eseguita per la prima volta nel 1601 e le celebrazioni annuali che coinvolgono l'Uomo verde si tengono a Londra.Un piatto tradizionale per l'Epifania era la Twelfth Cake , una torta di frutta densa, tipicamente inglese. Come ne nord Europa, chiunque trovasse il fagiolo nero cotto al forno era re per un giorno. Tuttavia, a volte altri elementi venivano inclusi nella torta: ad esempio, chi trovava il chiodo di garofano era il cattivo, chi trovava il ramoscello era lo sciocco e lo straccio, ecc. Qualsiasi cibo piccante, come i biscotti allo zenzero e la birra speziata, era considerato un vero piatto della dodicesima notte, che ricordava le costose spezie portate dai Re Magi. Un altro dolce dell'Epifania inglese era la tradizionale crostata di marmellata, resa adatta all'occasione dalla forma a stella a sei punte che simboleggiava la stella di Betlemme. I cuochi più esigenti cercavano di usare marmellate di tredici colori diversi come portafortuna, creando una pasta che ricordava il vetro colorato.

Prompt: In the context of Epifania, explain the England and the Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Betlemme
Inghilterra
Londra
Natale