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Allegoria del trionfo di Venere

Essendo un quadro prodotto da una élite a beneficio di un'altra élite, il soggetto, suggerito sicuramente da qualche personaggio erudito della corte medicea, è estremamente complesso e dà la possibilità, alla mano di Bronzino, di realizzare uno dei capolavori più famosi del manierismo in auge all'epoca. Lo stile è molto sensuale ma anche freddo, quasi marmoreo, sublimemente idealizzato. tela presenta più livelli di lettura. Il soggetto in generale è quasi sicuramente un'allegoria dell'amore sensuale, del sesso. Venere in primo piano , bacia sensualmente il figlio Cupido, il quale, mostrando vistosamente la sua nudità attraverso le natiche, le solletica un capezzolo. Più complessa è l'interpretazione delle figure sul retro. Il putto con i campanelli alla caviglia, che sparge petali di rosa, ben illuminato sulla destra, simboleggia il riflesso più immediato del piacere carnale, la Gioia; ma, al contempo, si è ferito i piedi a causa delle spine. Dietro di esso una fanciulla appena in ombra si presenta con un grazioso volto, ma è una figura molto ambigua: la sua natura ingannatrice è testimoniata dall'inversione della mano destra, che sostiene un aculeo di scorpione, con quella sinistra, che invece sostiene un favo di miele, e dal corpo di serpente con zampe da leone, appena visibile in basso; è infatti l'Inganno; dopotutto anche Venere e Cupido si stanno ingannando a vicenda: lei sta rubando una freccia dalla sua faretra, lui le sta sfilando il diadema di perle. Le stesse maschere da teatro, forse un satiro e una ninfa, presenti in basso a destra sono un simbolo della realtà celata dagli inganni.Sul lato opposto le due figure grottesche sono la Disperazione e la Follia o la Malattia , che sono le conseguenze di medio e lungo periodo dell'amore sensuale. Infine un vecchio con le ali e una clessidra in alto a destra scosta un pesante velo che scopre la scena: è il Tempo accompagnato dalla Verità , che svela; infatti l'altro titolo del dipinto, e forse quello più azzeccato, è proprio la Lussuria smascherata.

Prompt: Focus on Venus, Cupid, Folly and Time and explain the Description.Please output in Italian.


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Democrito

Democrito, Raccolta dei frammenti. Interpretazione e commentario di Salomon Luria, introduzione di Giovanni Reale. bio-bibliografia di S. Luria di Svetlana Maltseva, Milano: Bompiani, 2007. Andolfo, Matteo. Atomisti antichi: testimonianze e frammenti, testo greco e traduzione italiana, Milano: Bompaini, 2001. Walter Leszl , I primi atomisti. Raccolta dei testi che riguardano Leucippo e Democrito, Firenze: Olschki, 2009. Vittorio Enzo Alfieri, Gli atomisti, Bari: terza, 1936. I presocratici. Prima traduzione integrale con testi originali a fronte delle testimonianze e dei frammenti di Hermann Diels e Walther Kranz, a cura di Giovanni Reale, Milano: Bompiani, 2006. C. C. W. Taylor, The Atomists, Leucippus and Democritus. Fragments, testo greco, traduzione inglese e commento, Toronto: University of Toronto Press, 1999.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Editions of texts of the Biography explained?Please output in Italian.

Giovanni Reale
Hermann Diels
Leucippo
Walther Kranz


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Madonna delle Grazie

Molto sentita la devozione verso la Madonna delle Grazie a Pagani,  Chiesa della Madonna delle Grazie è situata in Piazza dei Martiri D'Ungheria, processione è celebrata il 16 di luglio.  Statua va per le strade della chiesa e alle 8 di sera fa ritorno alla chiesa

Prompt: Describe the characteristics of the Pagans in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

Chiesa della Madonna delle Grazie
Pagani
Statua


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Scipione l'Africano libera Massiva

Federico Zeri Italian paintings in the Walters Art Gallery, Baltimore: Walters Art Gallery, no. 449, pp. 559-560 -1976

Prompt: Focus on Scipio Africanus Freeing Massiva (painting) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Statua di Millicent Fawcett

Il redattore artistico della BBC News Will Gompertz ha assegnato alla statua cinque stelle nella sua recensione, affermando che prima dell'inaugurazione, le uniche statue che spiccavano nella piazza erano quelle di Winston Churchill e di David Lloyd George. Ha elogiato la concezione generale del progetto e ha definito lo striscione convincente, ipotizzando che il design fosse stato influenzato dall'opera di Wearing dei primi anni '90 Signs That Say What You Want Them To Say And Not Signs That Say What Someone Else Wants You To Say in cui aveva scattato una serie di fotografie di estranei che mostrano i loro pensieri personali sui pezzi di cartoncino bianco. Nel complesso, ha ritenuto che la statua avesse un tale impatto da cambiare il contesto di Parliament Square affermando che "la statua di Fawcett fa sembrare ridicola la maggior parte delle altre, o pomposa o entrambe le cose"  e che ha dato all'area un punto focale che mancava dalla fine della protesta per la pace di Brian Haw.

Prompt: Focus on Statue of Millicent Fawcett and explain the Reactions  Comments.Please output in Italian.


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Nascita di Venere

spazialità sostanzialmente è piatta o comunque poco accennata e dimostra l'allora nascente crisi degli ideali prospettici e razionali del primo Quattrocento, che ebbe il suo culmine in epoca savonaroliana  ed ebbe radicali sviluppi nell'arte del XVI secolo.

Prompt: In The Birth of Venus (Bouguereau), how is the Spatiality of the Style explained?Please output in Italian.


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Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo

Prompt: How does Miracle of the Cross at the Bridge of S. Lorenzo explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Explain the The self-portrait in ancient art of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Shepherds (Lorenzo di Credi).Please output in Italian.


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Madonna Stroganoff

Esiste un acceso dibattito tra gli studiosi su quale sia l'esatta cronologia della Madonna con Bambino di Duccio, che molti credono sia stata portata a termine intorno al 1300. Tali dissensi nascono da alcune qualità del dipinto sono Bizantineggianti, come la forma ovale del volto della Vergine e il suo naso elegantemente lungo, e anche della fisionomia da "uomo in " di Gesù Bambino.D'altro canto sono ben riscontrabili molti elementi innovativi, tra cui i tratti realistici di Vergine e Cristo Bambino, nonché l'elegante drappeggio e il parapetto in marmo, un dettaglio - quest'ultimo - notevole nel fungere da invito visivo allo spettatore, che viene come spinto ad impegnarsi in maniera più emotiva sulla intera scena.

Prompt: Explain the Dating about the History of this artwork, Madonna and Child (Duccio, Metropolitan).Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Nella parte superiore, su uno zoccolo o di un parapetto, stanno tre figure femminili simboleggianti le virtù. Da sinistra si riconoscono la Fortezza, con l'elmo in testa e con un ramo di rovere , la Prudenza, vestita di verde e bianco e provvista anche di un secondo volto, quello virile di un anziano che le guarda le spalle tra i capelli, e la Temperanza, che impugna le redini.  Giustizia, quarta Virtù cardinale, è raffigurata nel medaglio corrispondente sulla volta. Essa, secondo la dottrina platonica elaborata da sant'Agostino, è gerarchicamente superiore alle altre.Alla scena prendono parte anche cinque putti, alati e non, che collegano con movimenti armoniosi le figure principali. Tre di essi impersonano le Virtù teologali: quello che coglie i frutti dal ramo della Fortezza rappresenta la Carità, quello con la fiaccola la Speranza , e quello che addita il cielo la Fede.Le forme ampie e monumentali dimostrano l'influenza di Michelangelo, che nell'agosto del 1511 aveva rivelato gli affreschi della volta della Cappella Sistina. Il ritmo però è reso misurato e composto, di impianto classico, da Raffaello, avvicinandosi già agli sviluppi della Stanza di Eliodoro.

Prompt: Describe the characteristics of the Virtues in Cardinal and Theological Virtues (Raphael)'s Description and style.Please output in Italian.

1511
Carità
Fede
Prudenza
Speranza
Stanza di Eliodoro
Temperanza
Virtù teologali


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San Sebastiano e l'angelo

Il dipinto era parte di un'opera più grande per l'Oratorio di San Sebastiano a Ferrara, ma dopo la sua dissoluzione nel 1772 San Sebastiano e l'angelo fu tagliato su tutti e quattro i lati e, con queste nuove dimensioni ridotte, venduto a un privato. Nel 1985 fu acquistato a Venezia da Othon Kaufmann e François Schlageter, che lo donarono al Museo di Belle Arti di Strasburgo.

Prompt: How does Saint Sebastian and the Angel explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Il caffè di notte

Il caffè di notte è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato all'Art Gallery dell'Università di Yale.

Prompt: Focus on The Night Café and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Lucrezia

Prompt: Focus on Lucretia (Veronese) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Cristo placa la tempesta sul lago di Tiberiade  o Cristo sul mare di Galilea è un dipinto del pittore veneziano Tintoretto realizzato circa nel 1570  e conservato nella National Gallery of Art  Washington negli Stati Uniti d'America.

Prompt: Focus on Christ at the Sea of Galilee and explain the Abstract.Please output in Italian.

1570
National Gallery of Art
Stati Uniti d'America
Tintoretto
Washington


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Bagnanti ad Asnières

Nel 1879, quando mancavano ormai pochi anni prima dell'esecuzione di Bagnanti ad Asnières, Seurat stava ancora perfezionando la propria tecnica pittorica sotto la guida degli insegnanti della École des Beaux-Arts. L'Accademia insegnava ai propri studenti che qualsiasi dipinto di grande formato, prima di esser portato a compimento, doveva essere preceduto da una sicura preparazione disegnativa, da predisporre con l'esecuzione di numerosissimi disegni e bozzetti preparatori.È possibile che Seurat pensasse ai Bagnanti ad Asnières già a partire dal 1882. Da quell'anno fino al 1884 si sono succeduti diversi studi a olio : si osservi, in tal senso, il bozzetto preparatorio oggi esposto a Chicago, del tutto simile alla redazione finale, fatta eccezione ovviamente per le dimensioni . Seurat era solito soprannominare affettuosamente queste minuscole tavole con il termine croquetons, oggi divenuto così popolare da potersi considerare a tutti gli effetti come un occasionalismo linguistico.Ai croquetons, volti a studiare il colore e la luce, Seurat affiancò poi ben nove disegni, sempre preparatori, eseguiti con la matita Conté, particolarmente apprezzata dal pittore per il suo tratto morbido e graduabile. È proprio dosando con grande abilità la pressione della matita Conté, e sfruttando le asperità di supporti come il cartoncino , che Seurat riesce a lumeggiare le sue figure e a conferire loro un notevole vigore plastico, senza neppure impiegare la biacca o sostanze coloranti analoghe. L'ultimo impegno consisteva infine nel sintetizzare lentamente sulla tela i risultati ottenuti, eliminando il superfluo e conservando l'indispensabile, attraverso un paziente lavoro di depurazione dell'immagine.

Prompt: In the context of Bathers at Asnières, explain the Achievement and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Ritratto di Carlo V con il cane

Il dipinto è il più antico pervenutoci dei numerosi ritratti che Tiziano eseguì per Carlo V. Un primo ritratto, in armatura e col bastone del comando, dovette essere eseguito nel 1530 . Di tale dipinto si perdono le tracce, nonostante qualche possibile citazione in inventari seicenteschi.Riguardo all'opera del Prado, stando alle fonti e alle precise descrizioni dell'abito, Tiziano la avviò a Bologna nel 1533, successivamente all'incoronazione papale e riconciliazione dell'imperatore con Clemente VII. Non è chiaro se Tiziano si ispirò al ritratto di Jakob Seisenegger, o se viceversa quest'ultimo è da ritenersi posteriore. Pare più verosimile la prima ipotesi, che dimostra anche come il cadorino seppe superare il modello, dando al soggetto un portamento più aristocratico, con una posa più sciolta e piglio sicuro di sé, nonché con una maggiore penetrazione psicologica.Si dovrebbe trattare comunque del primo ritratto a figura intera effettuato dall'artista. Non si tratta di una considerazione da poco, se si tiene conto che i dipinti venivano solitamente appesi a mezza altezza: un busto avrebbe così guardato negli occhi lo spettatore alla sua altezza, ma un ritratto intero lo avrebbe sovrastato dominandolo e marcandone la distanza fisica e sociale.L'opera si trova in Spagna almeno dal 1600, quando è ricordata negli inventari del Palazzo dell'Alcázar a Madrid. Filippo IV di Spagna lo donò poi a Carlo I d'Inghilterra, ma con l'esecuzione del re e la vendita all'asta dei suoi beni, il ritratto fece rientro in Spagna, riacquistato dai vecchi proprietari. Entrò poi nel museo del Prado nel 1821.

Prompt: In Portrait of Charles V with a Dog, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ermes di Atalanti

LErmes è conservato in maniera pressoché integra, risultando mancanti soltanto le dita della mano sinistra e l'indice della destra.  posizione della statua è chiastica e il peso viene scaricato prevalentemente sulla gamba sinistra, mentre la destra si presenta rilassata. Sul lato sinistro del corpo trattiene una clamide, che dalla spalla cade indietro, poi sul braccio e infine resta sospesa sopra al tronco d'albero, che funge da supporto; per i movimenti da cui è connotato il tessuto, la divinità resta conseguentemente nuda. Il braccio sinistro risulta piegato all'altezza del gomito, mentre quello destro pende liberamente sul lato. Probabilmente teneva degli oggetti in entrambe le mani, ma non si sono conservati . testa, leggermente rivolta a destra, presenta una folta capigliatura dalle ciocche corte e arruffate. Sebbene si tratti di una produzione del II secolo, sono visibili alcune chiare caratteristiche lisippee, perciò si può ritenere deliberatamente scolpita seguendo quello stile oppure si tratta proprio di una copia di un originale del IV secolo a.C.  statua, inoltre, ha delle affinità con altre sculture similari rinvenute ad Andro  ed Aigio ; nella versione di Atalanti si tratta di un'opera considerata precisa, ma eccessivamente severa e formale, priva della naturalezza, della delicatezza e della grazia che contraddistinguono la versione di Andro .

Prompt: How does Atalante Hermes explain its Description?Please output in Italian.


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Sposalizio mistico di san Francesco

Lo Sposalizio mistico di san Francesco è un dipinto tempera su tavola  del Sassetta, databile al 1450 circa e conservato nel Museo Condé di Chantilly.

Prompt: How does Mystic Marriage of St. Francis (Sassetta) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Atleta di Lussino

A causa della lunga permanenza in acqua di mare, l'Apoxyomenos di Lussino, al momento del ripescaggio, si presentava ricoperto da una spessa patina di concrezioni minerali di origine organica, che ne aveva protetto la lega da fenomeni di corrosioni di origine galvano-chimica. Per la rimozione di tali incrostazioni non si è fatto alcun uso di prodotti chimici. Tutto l'intervento di conservazione e restauro infatti, il primo nel suo genere mai posto in essere in Croazia, si è servito di metodologie esclusivamente meccaniche con l'uso di utensili di precisione manovrati manualmente o, talvolta, con l'aiuto della macchina. statua presentava una serie di grandi fessurazioni e danni nell'area ischiatica della gamba destra, che hanno richiesto un intervento di ricomposizione; si è resa necessaria anche la realizzazione di una speciale struttura in grado di sorreggere l'intera statua all'interno.Il piedistallo originale della statua si presenta decorato da ornamenti quadrati e da svastiche.Nella cavità interna della statua sono stati trovati diversi materiali organici, come pezzi di legno, rami, semi, pezzi di frutta, noccioli di olive e ciliegie, e un nido di piccoli roditori, che, studiati da esperti dei Musei civici di Como e dell'Università di Zagabria, hanno fornito importanti informazioni sulle vicende e sulla datazione dell'opera.Fin dalla scoperta della statua, gli archeologi sono divisi sulla questione se il modello utilizzato dallo scultore fosse mancino o destrorso. Il Ministro della pubblica istruzione italiano Giuseppe Fioroni, medico per professione, durante una visita alla statua all'epoca dell'esposizione fiorentina, ha notato un più accentuato trofismo dei muscoli della spalla sinistra rispetto a quelli della destra, una circostanza che farebbe supporre un modello mancino.L'intervento di restauro sull'Apoxyomenos ha ricevuto dall'Unione europea il premio Europa Nostra per la tutela del patrimonio culturale.

Prompt: How does Croatian Apoxyomenos explain its Restoration?Please output in Italian.

Europa Nostra
Giuseppe Fioroni
Lussino
Unione europea
Università di Zagabria


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Trittico degli Uffizi

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Mantegna) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Madonna della Scodella

tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice : .Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da nfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Prompt: Focus on Madonna della Scodella and explain the History.Please output in Italian.

1524
1528
1530
1796
1815
1893
Carlo Maratta
Cecil Gould
Corrado Ricci
Domenichino
Federico Barocci
Giorgio Vasari
Girolamo da Carpi
Lelio Orsi
Parigi
Parma
Pompeo Batoni
Waterloo


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Giovane introdotto tra le Arti Liberali

Venere e le tre Grazie offrono doni a una giovane

Prompt: How does A Young Man Being Introduced to the Seven Liberal Arts explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Group self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Giovane pastore seduto

Flandrin dipinse l'opera nel 1834 e il quadro fu realizzato in studio. Lo sfondo del dipinto è quindi immaginario, mentre il modello era un giovane italiano che aveva già posato per l'artista in diverse occasioni.Il 2 luglio 2012 il comune di Lione ha stanziato dodicimila euro per la restaurazione del dipinto.

Prompt: Focus on Seated Young Shepherd and explain the History.Please output in Italian.


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Ritratto di coppia

Il Ritratto di matrimonio di Isaac Massa e Beatrix van der en, o Coppia di sposi in un paesaggio è un dipinto a olio su tela  di Frans Hals, realizzato nel 1622 circa e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam nei Paesi Bassi.Considerato uno dei vertici artistici del Secolo d'oro olandese ed uno dei più riusciti ritratti di Hals, la coppia è stata identificata con il mercante Isaac Massa  e la neo sposa Beatrix van der en, che dai documenti sappiamo coniugati nell'aprile 1622.

Prompt: In Marriage Portrait of Isaac Massa and Beatrix van der Laen, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Amsterdam
Frans Hals
Paesi Bassi
Rijksmuseum
Ritratto
Secolo d'oro olandese


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

All'arrivo di Holbein a Basilea nel 1515, esisteva ancora un mercato fiorente di ritratti religiosi cattolici. Con l'avvento della Riforma in città nel 1520, le domande di opere di carattere religioso diminuì significativamente e lo stesso Holbein accettò commissioni sia da parte dei cattolici che da parte dei riformati. Molte opere andarono distrutte nel corso dell'ondata iconoclastica del 1529, ma opere di Holbein come la Madonna di Soletta, la Madonna di Darmstadt ed il Cristo morto nella tomba sono sopravvissute sino ai nostri giorni, lasciando un alone di mistero sulla loro funzione originaria. Madonna di Darmstadt del resto presenta molte similitudini con la Madonna di Soletta realizzata dallo stesso Holbein nel 1522. Entrambi i dipinti sono molto simili nelle loro dimensioni e nel particolare della forma arrotondata nella parte superiore e rettangolare in quella inferiore. A differenza però del dipinto successivo commissionato da Jacob Meyer, nella Madonna di Soletta Maria si trova seduta in trono con in braccio il Bambino, tra i santi Martino e Orso. I donatori sono presenti in quest'opera unicamente tramite i loro stemmi che sono "ricamati" sul tappeto, steso anche in questo caso sotto i piedi della Madonna. Il dipinto corrisponde in questo caso ad una Sacra Conversazione.  Madonna di Darmstadt, d'altra parte, si presenta molto più complessa nei suoi molteplici riferimenti iconografici.Con il trasferimento definitivo in Inghilterra nel 1532, l'attenzione di Holbein si spostò verso la ritrattistica privata, lasciando i temi religiosi di sfondo.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Classification in the work of Holbein and the Style.Please output in Italian.


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La valorosa Téméraire

Téméraire, nave da guerra a novantotto cannoni, era stata varata nel 1798 ed era stata la nave vittoriosa alla battaglia di Trafalgar, nel 1805, quella che aveva difeso dal fuoco francese la nave bandiera HMS Victory di Lord Nelson. Rimase in servizio fino al 1838, quando fu dismessa e trainata lungo il Tamigi da Sheerness a Rotherhithe, per essere demolita.Turner sceglie di raffigurare proprio il momento in cui la Temeraire, immersa nella luce intensa di un tramonto infuocato, solca lentamente e silenziosamente le acque del Tamigi, trainata da un rimorchiatore, in attesa di essere distrutta. Sappiamo che si tratta del suo ultimo viaggio grazie alla presenza del vessillo bianco, issato sul pennone in sostituzione della maestosa Union Jack: si tratta del simbolo di una resa sublime e dignitosa e, allo stesso tempo, del tramonto della gloriosa tradizione della navigazione a vela, che si apprestava a lasciare spazio alle nuove imbarcazioni a vapore. Inoltre il nome dell'imbarcazione era Saucy Temeraire , come era chiamata dal suo equipaggio: l'appellativo «Fighting»  fu scelto dall'artista proprio perché più evocativo.Ciò che colpisce è la straordinaria colorazione del cielo al tramonto, un tributo e, al tempo stesso, un parallelo al destino della vecchia nave da guerra, che appare imbiancata, come incanutita, e pallida come un fantasma, ma con tocchi dorati che ne ricordano l'eroico passato. Tali caratteristiche sono ancora più evidenti al confronto con il più scuro e «giovane» rimorchiatore a vapore, che appare come una losca e informe massa nera che traina il romantico vascello verso il suo ineluttabile destino.Numerosi bagliori accendono il cielo di rosso, in riferimento al sangue inglese versato nella battaglia di Trafalgar, mentre il sole cala all'orizzonte, creando un gorgo di nubi colorate che si specchiano nel mare. Tali effetti sono ottenuti con tocchi densi di colore, sia col pennello che col mestichino, che danno un effetto sfolgorante, soprattutto da lontano. Il mare trascolora attraverso varie gamme di blu, arancio e rosso ed è estremamente trasparente: i suoi riflessi sono accentuati dal chiarore della falce lunare che appare nel cielo. Un'altra piccola vela bianca, infine, solca lo specchio d'acqua.Al contrario nel dipingere la nave e il suo complesso sartiame l'artista usò una tecnica più tradizionale e precisa. Si tratta di uno dei dipinti meglio conservati dell'artista, grazie all'uso di una tecnica a olio tradizionale, senza effetti sperimentali che, in quanto più instabili, tendono a deteriorarsi più facilmente col tempo. Per creare il cielo l'artista fece una base con uno smalto sottile che, una volta asciutto, è stato acceso da pennellate spesse di colori opachi , in maniera irregolare e via via a intervalli maggiori rispetto all'area di maggior luce. Effetti speciali si possono poi notare nell'acqua alla base del rimorchiatore, dove piccole pennellate chiare e irregolari danno l'effetto dell'acqua increspata.Come nelle altre opere paesaggistiche di Turner qui si denota un aspetto onirico  realizzato tramite un consapevole utilizzo dei colori e della luce che sfumano la realtà facendo apparire gli elementi del quadro poco nitidi e legati piuttosto al sentimento dell'artista.

Prompt: Focus on The Fighting Temeraire and explain the Description.Please output in Italian.

1838
HMS Victory
Rotherhithe
Sheerness
Tamigi


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Durante il periodo Edo, il Giappone fu governato dallo shogunato Tokugawa, che chiuse completamente il Paese ai contatti esterni con la politica del cosiddetto sakoku. Tale periodo fu un'era di pace e di prosperità dopo le guerre civili avvenute tra il 1573 ed il 1603 . Il Paese fu unificato Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Ieyasu Tokugawa, che eliminarono i daimyō  e crearono uno Stato centralizzato.  capitale fu fissata ad , l'antico nome della città di Tokyo che si sviluppò rapidamente, dopo la sua ricostruzione in seguito grande incendio di Meireki del 1657 che la distrusse quasi interamente. Nel 1725, essa divenne la città più popolosa al mondo con oltre un milione di abitanti. All'epoca della pubblicazione della serie di Hiroshige, la sua popolazione contava quasi due milioni di abitanti per una superficie di 80 km².  città era composta da zone urbane talvolta molto dense separate da delle risaie, dei giardini o dei boschetti, offendo vari panorami cittadini o rurali.Edo permise l'emergenza di una classe media prospera, malgrado il sistema di vassallaggio. Il commercio e l'artigianato prosperavano, rendendo la classe borghese  sempre più potente ed influente, e favorendo la promozione delle arti, in particolare l'incisione, la ceramica, la lacca ed i prodotti tessili. Così, lo sviluppo dell'incisione su legno divenne un'importante industria nelle zone urbane specializzate nelle stampe e nei testi illustrati. Le stampe erano inizialmente impresse in sumi-e in inchiostro nero su carte poi colorate a mano, però a metà del XVIII secolo il colore fece la sua apparizione .

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Edo of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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L'incoronazione di Napoleone

Sylvain veissière , Le Sacre de Napoléon peint par David, Paris, Musée du Louvre, et Milan, 5 Continents, 2004: catalogue de l'exposition au musée du Louvre du 21 octobre 2004 au 17 janvier 2005 Jean Tulard, Le Sacre de l'empereur Napoléon. Histoire et légende, Paris, Fayard et Réunion des musées nationaux, 2004 Yann Deniau et Yves Moerman, Le Sacre de l'empereur Napoléon  : Paris, le 2 décembre 1804 - Boulogne, le 28 mai 2011, Paris, Mémogrames, 2011

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Coronation of Napoleon.Please output in Italian.


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Notturno in nero e oro - Il razzo cadente

Notturno in nero e oro – Il razzo cadente  è un dipinto del pittore americano James Abbott McNeill Whistler, realizzato nel 1872–1877 e conservato al Detroit Institute of Arts.

Prompt: Focus on Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket and explain the Abstract.Please output in Italian.

Detroit Institute of Arts
James Abbott McNeill Whistler


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Cento vedute famose di Edo

Il dio  serie delle Cento vedute fu realizzata da Hiroshige tra il 1856 e 1858. Essa differisce dalle precedenti per vari aspetti, in particolare per il ricorso a incisioni squadrate in verticale, e non più esclusivamente in orizzontale. Essa comprende un totale di 119 stampe di paesaggi e monumenti di Edo. Il progetto è uno dei più ambiziosi e iconici della produzione dell'artista. Per mezzo di esso, il celebre esponente della scuola ukiyo-e si propone di riflettere sui cambiamenti verificatisi nella capitale giapponese nel corso degli ultimi anni, quando il progresso e la modernità si diffusero rapidamente, soppiantando costumi e traduzioni più antiche del Giappone. Nel 1853, il blocco navale del commodoro americano Matthew Perry costrinse l'imperatore ad aprire il Giappone all'Occidente. Due anni più tardi, nel 1855, Edo subì un sisma di forte intensità , che provocò enormi distruzioni, causò la morte di 10000 persone e la devastazione di 16000 edifici. Tali sono i mutamenti nell'aspetto della città che Hiroshige vuole rappresentare nella sua serie. Tuttavia, l'artista morì prima di assistere al declino di Edo, dovuto alla fine dello shogunato Tokugawa, e la sua opera appare pertanto come una delle «ultime grandi testimonianze di Edo al suo apogeo».Al momento di intraprendere l'opera, Hiroshige era al vertice della sua carriera. Nel 1856, ricevette un'ordinazione da Sakanaya Eikichi, un editore che voleva riflettere i cambiamenti di Edo dopo il terremoto. Hiroshige realizzò questa idea in oltre un centinaio dei punti di vista più celebri e pittoreschi della città.  serie fu accolta da grande successo, sicché ogni incisione conobbe una tiratura dai 10000 ai 15000 esemplari. L'opera venne improvvisamente interrotta dalla morte dell'autore nel corso di un'epidemia di colera nel 1858. Nondimeno, alcune stampe rimaste inconcluse furono portate a termine dall'allievo del maestro, Utagawa Hiroshige II. serie è realizzata nel formato ōban, piuttosto grande, tra i 36,5 cm e i 26,8 cm, e utilizza la tecnica nishiki-e, un tipo di cromoxilografia, introdotto nel 1765, che permetta di colorare l'incisione. Dunque la raccolta è composta da 115 impressioni su legno realizzate entro l'ottobre 1858 e da tre nuove stampe - approvate dai censori - successive alla morte di Hiroshige, verosimilmente completate da Hirsoshige II su domanda dell'editore.  realizzazione dell'indice fu invece affidata a Baisotei Gengyo , rinomato disegnatore. Infine, nel 1859 Hiroshige II completò un ultimo foglio per celebrare la sua promozione al grado di maestro, con il sigillo della censura nell'aprile 1859.

Prompt: Describe the characteristics of the Processing, editing in One Hundred Famous Views of Edo's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Ritratto della duchessa de Alba

Si racconta che la duchessa de Alba un giorno visitò Goya nel suo studio e chiese al pittore di truccarla. Successivamente Goya confidò ad un amico che quell'operazione era stata certamente un piacere più grande che non dipingere una tela. L'episodio è certamente emblematico del carattere dei personaggi in questione. duchessa, nella scala gerarchica della società spagnola del tempo, veniva subito dopo la regina, mentre le umili origini di Goya, benché fosse in quel momento ricco e famoso, lo collocavano su uno degli ultimi gradini. Si trattava dunque di una richiesta insolita, se non addirittura di una provocazione, da parte di una donna che aveva reputazione di grande fascino ma anche di vizio, capriccio, egocentrismo.Come notò un francese: "Quando passa tutti corrono alla finestra...!".  regina, con una punta di malizia osservava che ella fosse "... ancora splendida come nel rigoglio della giovinezza".L'episodio del trucco risale probabilmente al 1795. Goya, che ormai è un celebre ritrattista e direttore di pittura alla Real Academia de San Fernando, conosce don José Alvarez de Toledo, marchese di Villafranca, che gli commissiona il proprio ritratto e quello della moglie. Maria Teresa Cayetana de Silva ha trentatré anni, si era sposata quando ne aveva tredici e non ha figli. Secondo i più, la passione con Goya comincia in quei giorni, posando per questo ritratto.Due anni dopo, alla morte del duca, Goya la raggiungerà a Sanlúcar, e un nuovo ritratto, così simile a questo, eppure così diverso, testimonierà l'evoluzione del loro rapporto.

Prompt: How does The White Duchess explain its History?Please output in Italian.

1795
Maria Teresa Cayetana de Silva
Maria Teresa Cayetana de Silva


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William Tecumseh Sherman

Nel 1859 accettò un incarico come primo sovrintendente all'Accademia militare statale a Pineville, in Louisiana , una posizione che trovò su suggerimento del maggiore Don Carlos Buell e dietro raccomandazione del generale George Mason Graham.Si dimostrò efficace e benvoluto in quell'istituzione, che in seguito divenne parte dell'Università della Louisiana. Joseph Pannell Taylor, il fratello del defunto presidente Zachary Taylor, dichiarò che "se aveste ricercato nell'intero esercito, da un capo all'altro del paese, non avreste potuto trovare in esso un uomo più ammirabilmente adatto alla posizione ricoperta, sotto ogni aspetto, di Sherman".Suo fratello John, deputato alla Camera dei Rappresentanti, era noto per le posizioni per l'abolizione della schiavitù. Sherman non si opponeva con nettezza all'istituto della schiavitù ed era anzi inizialmente un simpatizzante degli interessi del profondo Sud. Tuttavia, era decisamente contrario a qualsiasi tentativo di sciogliere l'Unione. Quando venne a sapere dell'"Ordinanza di Secessione" della Carolina del Sud, Sherman fu sentito dire, dal suo amico il professor David French Boyd della Virginia, secessionista entusiasta:Ebbe la capacità di descrivere molto accuratamente i quattro anni di guerra di lì a venire.Nel gennaio del 1861, poiché altri Stati meridionali stavano uscendo dall'Unione, a Sherman fu chiesto di registrare le armi che sarebbero state consegnate alla milizia di Stato dall'arsenale militare a Baton Rouge. Invece di obbedire, rassegnò le proprie dimissioni e tornò al Nord, dichiarando al governatore della Louisiana Thomas Overton Moore: "in nessuna maniera compirò un qualsiasi atto o pensiero ostile contro gli Stati Uniti d'America".

Prompt: Explain the Superintendent of the military college of this artwork, William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens).Please output in Italian.

Accademia militare
Baton Rouge
Carolina del Sud
David French Boyd
Don Carlos Buell
George Mason Graham
Joseph Pannell Taylor


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Deposizione di Volterra

Categoria:Dipinti di Rosso FiorentinoRossoCategoria:Dipinti nella Pinacoteca di Volterra

Prompt: In Volterra Deposition, how is the Other projects discussed?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Botticelli, 1475) and explain the Iconography.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia di Francesco I

L'opera venne commissionata nel 1517 da Lorenzo duca d'Urbino, tramite suo zio Leone X, per omaggiare l'alleato Francesco I di Francia. Fu inviata assieme al San Michele sconfigge Satana nel giugno 1518. È detto anche il Gran san Michele per distinguerlo dalla tavola di analogo soggetto, anch'essa conservata al Louvre, ma di dimensioni ben più ridotte , databile al 1505 circa.  scelta del santo era legata all'Ordine di San Michele, di cui il re era Gran maestro, e l'atteggiamento battagliero alludeva alla crociata contro i Turchi che il papa tentò vanamente di organizzare.Venne restaurata dal Primaticcio, nel 1537-1540, e trasportata su tela nel 1777  da J. Louis Hacquin, interventi che hanno compromesso la superficie pittorica, rendendo complessa l'attribuzione. Il maestro dipinse probabilmente solo alcune parti, oltre a ideare la composizione, avvalendosi probabilmente dell'aiuto di Giovanni da Udine. Vasari fece il nome anche di Giulio Romano, mentre alcuni critici parlarono di Raffaellino del Colle.L'opera è detta anche Grande sacra Famiglia, per distinguerla dalla Piccola Sacra Famiglia sempre al Louvre.

Prompt: How does Holy Family of Francis I explain its History?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: In Madonna and Child (Bellini, Milan, 1510), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna di Veveri

Antonín Friedl, Das Passionale der Meister von Hohenfurth, Hohenfurth, Staatsdruckerei, 1937.Romaine Berens, Le Maître de Vyšší Brod, un peintre anonyme sous l'empereur Charles IV, Luxembourg, Kremer-Müller, 1990.Hana J. Hlaváčková, Panel paintings in the cycle of the Life of Christ from Vyšší Brod , in King John of Luxembourg and the art of his era , atti del convegno  a cura di K. Benešovská, Prague, KLP - Koniasch tin Press, 1998, pp. 244–255, ill. XVIII-XXXIII.

Prompt: Focus on Madonna of Veveri and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait with Palette (Manet)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Bambini dell'Olocausto

1979 - Günther Schwarberg. Der SS-Arzt und die Kinder: Bericht über den Mord vom Bullenhuser Damm. Hamburg: Gruner und Jahr. ET: The Murders at Bullenhuser Damm: The SS Doctor and the Children. Bloomington: Indiana University Press, 1984. 1982 - Azriel Eisenberg . The Lost Generation: Children in the Holocaust. New York: Pilgrim Press. 1984 - Serge Klarsfeld. Les enfants d'Izieu. Paris [France]: B. Klarsfeld Foundation. ET: The Children of Izieu. New York, NY: H. Abrams, 1985. 1985 - Werner Angress. Between Fear and Hope: Jewish Youth in the Third Reich . New York: Columbia University. 1988 - George Eisen. Children Play in the Holocaust: Games among the Shadows. Alherst: University of Massachusetts Press. 1988 - Betty Jean Lifton. The King of Children: A Biography of Janusz Korczak. New York, NY: Farrar, Straus and Giroux. 1990 - Lucette gnado and Sheila Cohn Dekel. Children of the Flames: Dr. Josef Mengele and the Untold Story of the Twins of Auschwitz. New York, NY: Morrow. 1991 - Debórah Dwork. Children With A Star: Jewish Youth in Nazi Europe. New Haven: Yale University Press. ISBN 0-300-05054-2. Ed. it. Nascere con la stella: i bambini ebrei nell'Europa nazista . Venezia: Marsilio, 1994. 1991 - Martin Gilbert. The Boys: Triumph over Adversity. London: Weidenfeld & Nicolson. 1993 - Howard Greenfeld. The Hidden Children. New York: Ticj=knor & Fields. 1993 - Paul Valent. Child Survivors of the Holocaust. London: Routledge. Rist. New York, NY: Brunner-Routledge, 2002. 1994 - Richard C. Lukas. Did the Children Cry?: Hitler's War Against Jewish and Polish Children, 1939-45. New York, NY: Hippocrene Books. 1994 - Maxine B. Rosenberg, Hiding to Survive: Stories of Jewish Children Rescued From the Holocaust. New York: Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. 1994 - Andre Stein. Hidden Children: Forgotten Survivors of the Holocaust. Toronto: Penguin Books. 1995 - Sebastiana Papa . 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Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Bibliography and the Historical research.Please output in Italian.

Italia
Janusz Korczak
Josef Mengele
Josef Mengele
Kindertransport
Mark Jonathan Harris


subsection

Amor sacro e Amor profano

In realtà, con l'identificazione del committente e delle circostanze della creazione del dipinto, supportate da inoppugnabili prove documentarie , il campo delle interpretazioni si è oggi ristretto ai temi matrimoniali, superando in un certo senso il fiume di inchiostro versato sulle letture legate alla letteratura amorosa e alla filosofia dell'epoca.Interrompendo o per lo meno restringendo l'ormai secolare serie delle interpretazioni allegoriche, l'interpretazione che oggi va per la maggiore è legata al tema nuziale e alla celebrazione dell'amore. Le due fanciulle infatti, tanto simili da sembrare gemelle, sarebbero un'allusione alle due facce del matrimonio, una di "sessualità" , legata alla sfera privata, e una di "castità" , legata alla sfera pubblica e al decoro della sposa. Queste due facce sono legate indissolubilmente, come le acque che il putto mescola al centro. donna seduta è abbigliata come una sposa dell'epoca, con l'abito candido, i guanti, la cintura, la corona di mirto . Sul bordo della fontana essa tiene un bacile, un elemento tipico dei corredi poiché utilizzato dopo il parto, e quindi leggibile come un augurio di fertilità. Allo stesso significato allude la coppia di conigli sullo sfondo, come speranza di una copiosa prole.

Prompt: Describe the characteristics of the Nuptial interpretation in Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione)'s Interpretation.Please output in Italian.


section

Giudizio di Paride

Zeus allestì un banchetto per la celebrazione del matrimonio di Peleo e Teti, futuri genitori di Achille. Eris, la dea della discordia, non fu invitata e, irritata per questo oltraggio, raggiunse il luogo del banchetto e gettò una mela d'oro con l'iscrizione "alla più bella".Le tre dee che la pretesero, scatenando litigi furibondi, furono Era, Atena e Afrodite. Esse parlarono con Zeus per convincerlo a scegliere la più bella tra loro, ma il padre degli dèi, non sapendo a chi consegnarla, stabilì che a decidere chi fosse la più bella non potesse essere che il più bello dei mortali, cioè Paride, inconsapevole principe di Troia, il quale era prediletto dal dio Ares.  Ermes fu incaricato di portare le tre dee dal giovane troiano, che ancora viveva tra i pastori e conduceva al pascolo le pecore, e ognuna di loro gli promise una ricompensa in cambio della mela: Atena lo avrebbe reso sapiente e imbattibile in guerra, consentendogli di superare ogni guerriero; Era promise ricchezza e poteri immensi, tanto che a un suo gesto interi popoli si sarebbero sottomessi, e tanta gloria che il suo nome sarebbe riecheggiato fino alle stelle; Afrodite gli avrebbe concesso l'amore della donna più bella del mondo.Paride favorì quest'ultima, scatenando l'ira delle altre due.  dea dell'amore aiutò quindi Paride a rapire Elena, moglie di Menelao, re di Sparta, e il fatto fu la causa scatenante della guerra di Troia.

Prompt: In The Judgement of Paris (Rubens), how is the Mythological episode discussed?Please output in Italian.

Achille Afrodite Ares Atena Ermes Menelao Paride Peleo Troia Zeus


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Apocalisse

L'elemento del misterioso, evidente sia nell'oggetto che nelle modalità della narrazione, è una delle caratteristiche salienti di ogni tipica apocalisse.  letteratura delle visioni e dei sogni ha le sue tradizioni, che sono particolarmente persistenti; e questo aspetto inusuale è ben illustrato nelle composizioni giudaiche, o meglio giudaico-cristiane, prese in considerazione.Tale qualità apocalittica appare in maniera molto evidente  nell'uso dell'immaginario fantastico. Le migliori illustrazioni sono complete delle strane creature che appaiono in moltissime visioni; "bestie" nelle quali le proprietà di uomini, mammiferi, uccelli, rettili o di esseri meramente immaginari sono combinate in modi stupefacenti e spesso grotteschi. Quanto tali figure siano caratteristiche lo si può vedere dalla seguente lista di passaggi in cui le suddette creature sono presentate: Dan. 7:1-8, 8:3-12 ; Enoch, lxxxv.-xc.; 2 Esd. 11:1-12:3, 11-32; Apoc. greca di Bar. ii, iii; Testamento ebraico di Naphtali, iii.; Ap. 6:6ff , ix.7-10, 17-19, xiii.1-18, xvii.3, 12; Pastore di Erma, "Visione", iv.1. Alcuni esseri mitici o semi-mitici che appaiono nel Vecchio Testamento giocano altresì un ruolo di importanza saliente in questi testi. Così il "Leviatano" e "Behemoth" ; "Gog e Magog" . Come ci si potrebbe aspettare, anche le mitologie straniere apportano talvolta un contributo .

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious fantastic in Apocalypse (Dürer)'s Representations of the Apocalypse.Please output in Italian.

Behemoth
Gog e Magog
Leviatano
Pastore di Erma


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Immacolata Concezione

Pellegrinaggio mariano di Neviges, Germania Santuario di Nostra Signora di Lourdes, Francia

Prompt: Explain the Pilgrimages about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Nostra Signora di Lourdes
Lourdes
Nostra Signora di Lourdes
Pellegrinaggio mariano di Neviges
Santuario di Nostra Signora di Lourdes


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Melencolia I

Il cavaliere, la morte e il diavoloSan Girolamo nella cellaMelanconicoQuadrato magicoTeoria umoraleRinascimento tedesco

Prompt: In Melencolia I, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Il cavaliere, la morte e il diavolo
Melanconico
Quadrato magico
Rinascimento tedesco
San Girolamo nella cella
Teoria umorale


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Desolazione

Considerato lo scultore migliore del modernismo catalano, Josep Llimona fondò con suo fratello Joan il circolo artistico di San Luca, un'entità che riunì degli artisti con delle forti convinzioni cattoliche e conservatrici, come Antoni Gaudí. Questo gruppo si opponeva alle idee rinnovatrici dei primi modernisti con delle regole molto severe come il divieto del nudo. Quando alla fine i membri del circolo modificarono questa regola, ci fu un emergere della scultura modernista, della quale la Desolazione è divenuta un'opera paradigmatica. L'anatomia perfetta del corpo femminile e, soprattutto, il suo atteggiamento melancolico e casto contribuirono a rafforzarne l'appartenenza al simbolismo. scultura è registrata come Bene Culturale di Interesse Locale  nell'inventario del patrimonio culturale catalano con il codice 08019/527.

Prompt: In Desolation (Llimona), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Kryptos

{border="1" cellpadding="2"}Forse è una parafrasi in riferimento a una citazione attribuita a Howard Carter sulla scoperta della tomba di Tutankhamon nel 1923.

Prompt: Describe the characteristics of the Section three beginning of panel two in Kryptos's Solvers.Please output in Italian.


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Lucifero

Lucifero  è il nome classicamente assegnato a Satana dalla tradizione giudaico-cristiana in forza dell'interpretazione prima rabbinica e poi patristica di un passo di .Nella Vulgata, cioè la versione in latino della Bibbia, il termine lucifer è utilizzato nell'Antico Testamento solo quando il profeta Isaia lo applica al re di Babilonia, la cui caduta è oggetto dell'ironia del profeta. I Padri della Chiesa tennero conto del frequente accostamento di Babilonia al regno del peccato, dell'idolatria e della perdizione sia nell'Antico che nel Nuovo Testamento, nonché dei quattro sensi delle Scritture, e identificarono il Lucifero di Isaia con il Satana di Giobbe e dei Vangeli.Andando nel dettaglio, questa è la traduzione detta Nova Vulgata: Questa è invece la traduzione ufficiale cattolica CEI 2008:Mentre le traduzioni italiane precedenti hanno avuto in passato il termine esplicito Lucifero , visto come personificazione e non come appellativo, al giorno d'oggi alcuni lo considerano alla stregua di un errore di traduzione sebbene lo slittamento di senso sembri essere successivo.Questo perché, come già accennato nei paragrafi precedenti, il testo originale mostra la frase הֵילֵל בֶּן-שָׁחַר, letta come hêlel ben sahar , e il libro di Isaia mostra molti riferimenti all'epoca della sua  stesura.Infatti si parla del V secolo a.C. durante l'esilio in Babilonia e dopo il crollo della monarchia salomonica, con molte invettive contro l'idolatria, e di riflesso verso chi, come i regnanti, voleva equipararsi a divinità. Ci sono alcuni sottili riferimenti infatti alla religione cananea: ad esempio, al versetto 13, quando si parla di Nord, si legge il termine tsaphon, che è legato al nome del dio Baal-Zephon, essendo il dio della montagna eponima, la cui importanza era tale da essere un generico riferimento per il nord. Curioso notare che le due divinità montanare Shachar e Shalim sono doppie divinità dell'alba e del tramonto, rispettivamente. Shalim era legato agli inferi attraverso la stella della sera e associato con la pace. Il nome di Shachar è usato appunto nel nostro versetto 12, tradotto come "stella del mattino". Inoltre Shachar è considerato precursore del dio Attar, la cui vicenda del tentativo fallito di usurpare il trono di Baal è vista da alcuni studiosi come un parallelo evidente con la vicenda narrata nel versetto stesso.Quando nel versetto 14 viene detto "mi farò uguale all'Altissimo", il termine usato è Elyon, che è un titolo divino pre-israelitico. Il famoso versetto del  è stato interpretato come Elyon, dio supremo del pantheon cananeo, che assegna ciascuna delle 70 nazioni del mondo  ad ognuna delle 70 divinità del pantheon stesso, ed in particolare a YHWH fu assegnata la protezione di Israele . In altri passi Elyon è identificato come YHWH stesso, come in , ,  e nei .L'assemblea citata nel versetto potrebbe essere o l'assemblea degli dei cananei o l'assemblea dei protettori delle nazioni .Secondo Stephen Herbert ngdon l'invettiva di Isaia ha qualche somiglianza con lEpopea di Erra. Ne Il mulino di Amleto, di G. De Santillana e H. von Dechend, nell'ultima nota di appendice, la 42, viene citato di nuovo ngdon che anziché tradurre il termine ebraico helel, lo considera un nome proprio, come trascrizione dell'epiteto babilonese 'elil' , indirizzato a Marduk-Giove, sebbene non abbia riscontri nell'ambito accademico moderno. Quindi si riscontra un complesso gioco di riferimenti incrociati di un re a cui si rivolgono ironicamente paragoni illustri a molteplici dei, per esaltare il contrasto della sconfitta e della sua caduta nel tentativo di auto divinizzarsi.Vi è un altro passo dell'Antico Testamento, che viene tradizionalmente interpretato come un riferimento ad un angelo caduto dunque Lucifero, che ne sarebbe l'eccellenza, la cui dicitura però non compare esplicitamente. Nel libro di Ezechiele, Dio biasima la caduta del principe di Tiro dal suo originario stato di perfezione e di santità, oltre che di alleanza col popolo ebraico. Il messaggio rivolto al "re di Tiro" contiene espressioni che possono applicarsi anche a Satana: Si osservi che questo principe anonimo è chiamato cherubino, le cui attività terrene  lo hanno inviso all'altissimo, mentre in Isaia ci si chiede: "È questo l'uomo che agitava la terra?". In  "mentre tu sei un uomo e non un dio", il che esclude categoricamente ogni possibile congruenza tra questo re e qualsiasi essere spirituale.Anche il libro di Ezechiele è stato studiato nei suoi parallelismi con il poema di Erra. lettura estesa di entrambi i passi denota esseri umani illustri e superbi che nel vano tentativo di equipararsi alle divinità sono decaduti , ma l'interpretazione tradizionale è successiva.I principali fautori dell'interpretazione patristica sono Ireneo, San Girolamo, Tertulliano, Origene, nonché San Gregorio Magno, San Cipriano di Cartagine, San Bernardo di Chiaravalle e Sant'Agostino di Canterbury, che concordano tutti – almeno per quanto riguarda le linee essenziali – nell'affermare l'originario stato angelico di Satana e dei suoi demoni, la caduta dal Cielo dovuta alla loro superbia e al loro desiderio di usurpare Dio e infine la loro causalità efficiente nell'aver tentato l'uomo e nell'aver dunque introdotto la morte e il male  nella Creazione, che di per sé era perfetta.Il passaggio logico che ne emerge è che il termine Lucifero è stato usato più o meno propriamente, ma soprattutto associato a figure che hanno queste caratteristiche: superbia, tentativo di equipararsi a divinità, trasgressione, caduta dal cielo , cherubino  e vari altri. Vista la numerosa presenza di testi scritti in cui Satana, che da attributo  si è trasformato in personificazione, è identificato come: angelo, creatura di Dio, superbo, ribelle, caduto dai cieli, fautore del male e della seduzione e via dicendo; la congruenza con le due figure è venuta spontanea nei commentatori dell'AT, diventandone a tutti gli effetti un sinonimo. nozione di Satana è stata estensivamente trattata dai Padri della Chiesa come traslazione e personificazione.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the In the Old Testament.Please output in Italian.

Antico Testamento
Baal
Baal-Zephon
Bibbia
Dio
Dio
Elyon
Giobbe
Marduk
Origene
Padri della Chiesa
Bernardo di Chiaravalle
San Girolamo
Agostino di Canterbury
Satana
Shachar
Shalim
V secolo a.C.
Vulgata


section

I mucchi di fieno

Claude Monet Impressionismo Serie dei Pioppi Cattedrale di Rouen

Prompt: In Haystacks (Monet series), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


subsection

Monumento a Giordano Bruno

Manifestazione per l'inaugurazione del monumento, 9 giugno 1889sinistraUna prima statua in memoria di Giordano Bruno fu eretta nel 1849 durante il breve intervallo della Repubblica Romana di Giuseppe Mazzini, Aurelio Saffi e Carlo Armellini, ma fu poi distrutta per volontà di papa Pio IX dopo la restaurazione del potere temporale. Nel 1876, dopo l'unità d'Italia e con l'avvento della Sinistra storica al governo, alcuni studenti dell'Università di Roma guidati dai liberal-radicali Adriano Colocci e Alfredo Comandini promossero un Comitato allo scopo di edificare un monumento a Bruno. L’idea che il monumento dovesse sorgere in Campo de' Fiori, luogo del rogo del filosofo, fu di Armand Lévy, uno degli ideatori della Comune di Parigi. sottoscrizione promossa dal Comitato trovò però scarsa accoglienza da parte dei docenti universitari ad eccezione di Bertrando Spaventa e Antonio briola, che aiutarono gli studenti a portare avanti la loro battaglia. Neanche i politici aiutarono: in particolare la giunta comunale di Roma, allora guidata dai clerical-moderati, ostacolò il processo per la cessione del terreno per il monumento, anche se il 1º giugno 1877 il sindaco Pietro Venturi stanziò 200 lire all'uopo.L’ideazione del monumento venne quindi affidata allo scultore e massone Ettore Ferrari, che nel 1879 presentò una prima versione della statua raffigurante Bruno in atteggiamento di sfida davanti al tribunale dell'Inquisizione, ma il bozzetto non venne accettato. Nel 1885 fu formato un nuovo comitato per la costruzione del monumento, precursore dell'Associazione nazionale del libero pensiero "Giordano Bruno", cui aderirono alcune tra le maggiori personalità dell’epoca: Victor Hugo, Michail Bakunin, Henrik Ibsen, Herbert Spencer, Ernest Renan, Algernon Swinburne, Ernst Haeckel; fra gli italiani Giovanni Bovio, Giosuè Carducci, Roberto Ardigò, Cesare Lombroso e Pasquale Villari, oltre a politici di varia provenienza. Nel 1887 Ferrari presentò un nuovo bozzetto del monumento, meno polemico del precedente.Nel 1888 gli studenti universitari, tra i maggiori esponenti del comitato, fecero numerose manifestazioni per erigere il monumento, ma il consiglio comunale di Roma, all'epoca controllato dalla maggioranza filo-clericale, continuava di porre ostacoli. Appena un anno prima, il Presidente del Consiglio Francesco Crispi, importante esponente della Sinistra storica, aveva ottenuto da re Umberto I di Savoia la rimozione dall'incarico del sindaco Leopoldo Torlonia proprio a causa del suo attaccamento alle istituzioni ecclesiastiche, da Crispi ritenuto eccessivo. Le elezioni amministrative del giugno 1888, in cui la questione del monumento giocò un ruolo nient'affatto secondario, furono perse dai filoclericali e vinte dai liberali. Finalmente, il 9 giugno 1889, venne inaugurato a Campo de’ Fiori il monumento a Bruno.

Prompt: In Monument to Giordano Bruno, how is the The idea battles with the Church of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


section

La morte di Marat

morte di Marat, anche noto come Marat assassinato , è un dipinto a olio su tela  di Jacques-Louis David, realizzato nel 1793 e conservato nel museo reale delle belle arti del Belgio di Bruxelles.

Prompt: How does The Death of Marat explain its Abstract?Please output in Italian.

1793
Bruxelles
Jacques-Louis David
Jacques-Louis David


section

divisionismo

Giuseppe Pellizza da Volpedo Giovanni Segantini Emilio Longoni Gaetano Previati

Prompt: Focus on Divisionism and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Emilio Longoni
Gaetano Previati
Giovanni Segantini
Giuseppe Pellizza da Volpedo


subsection

Primavera

Un tono alquanto differente, aderente allo stato d'animo di Baudelaire, ritroviamo nel  Le goût du néant da I fiori del male: ... Le Printemps adorable a perdu son odeur!/Et le Temps m' engloutit minute par minute...L'immaginario collettivo riconduce alla primavera la stagione della rinascita, dopo un letargo metaforicamente rappresentato dall'inverno. Secondo ricerche e studi condotti in America, nascere in tale stagione conferirebbe un maggior benessere psicologico. L'astrologia occidentale associa alla stagione i segni di Ariete, Toro e Gemelli.Tra i quattro elementi classici la primavera corrisponde all'aria, tra le età della vita all'infanzia e all'adolescenza, tra i punti cardinali all'Est, fra i temperamenti umorali al sanguigno, tra le parti della giornata al mattino, tra le fasi dell'opera alchemica allalbedo.In Italia le principali festività della stagione sono: Pasqua, festa mobile che cade di domenica nel periodo tra il 22 marzo e 25 aprile. Alla festa sono collegate la settimana santa  e il lunedì dell'Angelo, ossia il giorno successivo.; la festa del lavoro, che ricorre il primo giorno di maggio. la festa della Repubblica Italiana, calendarizzata al 2 giugno.Durante la primavera cade anche il pesce d'aprile, celebrato il primo giorno di tale mese.

Prompt: Describe the characteristics of the In mass culture in Spring (painting)'s Season.Please output in Italian.


subsection

Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Survivors ghettos concentration camps of the Historical research explained?Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


section

La cugina Argia

cugina Argia è un dipinto a olio su cartone di Giovanni Fattori, realizzato nel 1861 e conservato alla Galleria d'Arte Moderna presso palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cousin Argia.Please output in Italian.


subsection

Madonna della Scala

Il 20 febbraio 1743, alle ore 23 avvenne uno spaventoso terremoto. Molte città della Provincia di Taranto vennero colpite. Massafra rimase illesa, e la devozione popolare attribuì lo scampato pericolo all'intercessione della Vergine. Venne così istituita una festa in ricordo, da svolgersi ogni anno in quel giorno e a quell'ora dovevano suonare le campane.Nel 1776 con la Bolla di papa Pio VI la Madonna della Scala venne nominata patrona e protettrice di Massafra, e la sua prima solenne festa venne celebrata il 20 ottobre di quello stesso anno.Poi il vescovo di Mottola, Stefano Ortiz Cortes stabilì che le feste in onore della Madonna fossero due: una religiosa il 20 febbraio, e una civile la prima domenica di maggio, mese mariano per eccellenza.Nella primavera del 1899 la Beata Vergine aiutò la popolazione massafrese, che il 5 aprile si riversò nel santuario a chiedere l'intercessione contro la siccità.

Prompt: In Madonna of the Stairs, how is the History of the cult of the TheculttoMassafra explained?Please output in Italian.


section

figlie di Lot

Lot Sodoma e Gomorra Libro della Genesi Libro di Jasher

Prompt: Focus on Lot and His Daughters (Vouet) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Genesi
Genesi
Libro di Jasher
Lot
Sodoma e Gomorra


subsection

Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: In the context of The Lion Hunt (Delacroix), explain the Contemporary Age and the The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini