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Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano

L'opera ha apparentemente un tipico schema devozionale, con i personaggi a mezza figura allineati su un campo lungo orizzontale, la Madonna col Bambino al centro e due santi ai lati, su un modello ampiamente usato a Venezia da Giovanni Bellini e altri. In questo caso però Maria è disallineata, sedendo su un trono di nuda pietra, coperto solo da un telo verde, dove deve appoggiare anche le gambe, sul modello delle Madonne dell'Umiltà, ed è affiancata dai santi Rocco e Sebastiano  che stanno invece in piedi, su un livello più basso, e con una rotazione del busto complementare di tre quarti . Rocco mostra la sua ferita nella coscia, che è miracolosamente risanata dal gesto benedicente del Bambino, Sebastiano invece compie una torsione in avanti per vedere, con espressione stupita, il prodigio. costruzione della composizione ha un gusto squisitamente proto-manierista, con l'uso di linee diagonali e un sostanziale disinteresse verso la prospettiva . luce è morbida e avvolgente, la stesura dà effetto setosi, come nella capigliatura bionda di Sebastiano, oppure lanosi, come nel cappello di Rocco, legato dietro le spalle. Straordinario il concerto di colori squillanti, evidenziato dallo sfondo grigio, e che ha il suo culmine nel rosso intenso della veste di Maria.Nei primi anni del XVII secolo Enea Salmeggia ne fece una copia di ottima qualità conservata a Costa Mezzate nel castello dei Camozzi Vertova..

Prompt: Focus on Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Costa Mezzate
Enea Salmeggia
Giovanni Bellini
XVII secolo


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Busto di Gabriele Fonseca

Fu eseguito tra il 1668 e il 1674. Si trova nella parrocchia di San Lorenzo in Lucina a Roma, in Italia. Il soggetto ritratto, Gabriele Fonseca, era il medico  di papa Innocenzo X.  scultura del defunto orna la cappella Fonseca.

Prompt: Focus on Bust of Gabriele Fonseca and explain the Description.Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Nella parte superiore, su uno zoccolo o di un parapetto, stanno tre figure femminili simboleggianti le virtù. Da sinistra si riconoscono la Fortezza, con l'elmo in testa e con un ramo di rovere , la Prudenza, vestita di verde e bianco e provvista anche di un secondo volto, quello virile di un anziano che le guarda le spalle tra i capelli, e la Temperanza, che impugna le redini.  Giustizia, quarta Virtù cardinale, è raffigurata nel medaglio corrispondente sulla volta. Essa, secondo la dottrina platonica elaborata da sant'Agostino, è gerarchicamente superiore alle altre.Alla scena prendono parte anche cinque putti, alati e non, che collegano con movimenti armoniosi le figure principali. Tre di essi impersonano le Virtù teologali: quello che coglie i frutti dal ramo della Fortezza rappresenta la Carità, quello con la fiaccola la Speranza , e quello che addita il cielo la Fede.Le forme ampie e monumentali dimostrano l'influenza di Michelangelo, che nell'agosto del 1511 aveva rivelato gli affreschi della volta della Cappella Sistina. Il ritmo però è reso misurato e composto, di impianto classico, da Raffaello, avvicinandosi già agli sviluppi della Stanza di Eliodoro.

Prompt: In Cardinal and Theological Virtues (Raphael), how is the Virtues of the Description and style explained?Please output in Italian.

1511
Carità
Fede
Prudenza
Speranza
Stanza di Eliodoro
Temperanza
Virtù teologali


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Ritratto di don Ferdinando di Borbone

Nicoletta Moretti, Scheda dell'opera; in Lucia Fornari Schianchi  Galleria Nazionale di Parma. Catalogo delle opere, il Seicento, Milano, 1999 Bodoni, Principe dei Tipografi nell'Europa dei Lumi e di Napoleone, De Pasquale , Parma, 2013

Prompt: Focus on Portrait of Ferdinand I, Duke of Parma and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Il Tempo che ordina alla Vecchiaia di distruggere la Bellezza

Il dipinto fu commissionato a Batoni da Bartolomeo Talenti, collezionista lucchese, come pendant de  lascivia, ora conservato all'Ermitage di San Pietroburgo. Entrato nella collezione del conte russo Nikolai Alexandrovich Kushelev-Bezborodko, fu infine acquisito dalla National Gallery nel 1961.

Prompt: How does Time Orders Old Age to Destroy Beauty explain its History?Please output in Italian.


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Tondo Doni

Nonostante alcune analogie compositive con opere di Leonardo da Vinci , quali il forte legame e l'accentuata interazione tra le figure, la stesura pittorica denuncia invece un'esplicita e polemica opposizione allo sfumato del pittore di Vinci. Nonostante ciò Michelangelo riesce lo stesso a raggiungere effetti atmosferici, velando ove necessario la cromia, che arriva a ricordare la lucentezza dell'acquerello.

Prompt: In Doni Tondo, how is the Leonardism hypothesis of the History explained?Please output in Italian.


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: Focus on The Last Supper (Leonardo) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ragazza in un bosco

Ragazza in un bosco  è un dipinto a olio su tela di Vincent van Gogh, di 39x59 cm, eseguito nell'agosto 1882 a L'Aia, e conservato nel museo Kröller-Müller di Otterlo. Il dipinto non è firmato.

Prompt: In Girl in White in the Woods, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto virile a figura intera

Ritratto virile a figura intera è un dipinto a olio su tela  del Moretto, datato 1526 e conservato nella National Gallery di Londra.Il dipinto è, quasi sicuramente, il primo ritratto in piedi e a grandezza naturale nella storia dell'arte e, risalendo al 1526 come dimostra l'inequivocabile datazione, si pone molto prima dei ritratti di questo genere eseguiti da Tiziano, che condizioneranno poi il nuovo filone artistico. Confluito nella galleria londinese nel 1876 dalla Collezione Fenaroli Avogadro di Brescia, il ritratto è anche testimonianza dell'ormai raggiunta maturità artistica del Moretto, in grado di utilizzare luci e ombre per rendere al meglio il contenuto delle sue opere.

Prompt: Focus on Portrait of a Man (Moretto) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1526
1876
Brescia
Fenaroli Avogadro
Londra
Ritratto


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Mezzana

Lo stemma e il gonfalone sono sttai approvati con deliberazione della Giunta provinciale n. 10597 del 19 ottobre 1984.;Stemma;Gonfalone

Prompt: Describe the characteristics of the Symbols in The Procuress (Vermeer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Il dio  serie delle Cento vedute fu realizzata da Hiroshige tra il 1856 e 1858. Essa differisce dalle precedenti per vari aspetti, in particolare per il ricorso a incisioni squadrate in verticale, e non più esclusivamente in orizzontale. Essa comprende un totale di 119 stampe di paesaggi e monumenti di Edo. Il progetto è uno dei più ambiziosi e iconici della produzione dell'artista. Per mezzo di esso, il celebre esponente della scuola ukiyo-e si propone di riflettere sui cambiamenti verificatisi nella capitale giapponese nel corso degli ultimi anni, quando il progresso e la modernità si diffusero rapidamente, soppiantando costumi e traduzioni più antiche del Giappone. Nel 1853, il blocco navale del commodoro americano Matthew Perry costrinse l'imperatore ad aprire il Giappone all'Occidente. Due anni più tardi, nel 1855, Edo subì un sisma di forte intensità , che provocò enormi distruzioni, causò la morte di 10000 persone e la devastazione di 16000 edifici. Tali sono i mutamenti nell'aspetto della città che Hiroshige vuole rappresentare nella sua serie. Tuttavia, l'artista morì prima di assistere al declino di Edo, dovuto alla fine dello shogunato Tokugawa, e la sua opera appare pertanto come una delle «ultime grandi testimonianze di Edo al suo apogeo».Al momento di intraprendere l'opera, Hiroshige era al vertice della sua carriera. Nel 1856, ricevette un'ordinazione da Sakanaya Eikichi, un editore che voleva riflettere i cambiamenti di Edo dopo il terremoto. Hiroshige realizzò questa idea in oltre un centinaio dei punti di vista più celebri e pittoreschi della città.  serie fu accolta da grande successo, sicché ogni incisione conobbe una tiratura dai 10000 ai 15000 esemplari. L'opera venne improvvisamente interrotta dalla morte dell'autore nel corso di un'epidemia di colera nel 1858. Nondimeno, alcune stampe rimaste inconcluse furono portate a termine dall'allievo del maestro, Utagawa Hiroshige II. serie è realizzata nel formato ōban, piuttosto grande, tra i 36,5 cm e i 26,8 cm, e utilizza la tecnica nishiki-e, un tipo di cromoxilografia, introdotto nel 1765, che permetta di colorare l'incisione. Dunque la raccolta è composta da 115 impressioni su legno realizzate entro l'ottobre 1858 e da tre nuove stampe - approvate dai censori - successive alla morte di Hiroshige, verosimilmente completate da Hirsoshige II su domanda dell'editore.  realizzazione dell'indice fu invece affidata a Baisotei Gengyo , rinomato disegnatore. Infine, nel 1859 Hiroshige II completò un ultimo foglio per celebrare la sua promozione al grado di maestro, con il sigillo della censura nell'aprile 1859.

Prompt: Explain the Processing, editing about the Evolution Hiroshige work of this artwork, One Hundred Famous Views of Edo.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Madonna col Bambino degli Innocenti

Madonna col Bambino degli Innocenti  è un dipinto a tempera su tavola  realizzato da Sandro Botticelli, databile tra il 1465 e il 1467 e conservato nella Galleria dello Spedale degli Innocenti a Firenze.

Prompt: Focus on Virgin and Child with an Angel (Botticelli, Florence) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Il Ritratto di giovane uomo è un dipinto olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile tra il 1516 e 1517 circa e già conservato presso il Museo Czartoryski a Cracovia.

Prompt: How does Portrait of a Young Man (Raphael) explain its Abstract?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Shiloh of the Strategy explained?Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Storie di Virginia

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze .

Prompt: Focus on The Story of Virginia (Botticelli) and explain the History.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the In France of the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner explained?Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Pala di San Marco

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: Focus on San Marco Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy


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Pala Pucci

L'opera risale al 1518 quando venne eseguita su commissione di Francesco di Giovanni Pucci, uomo di fiducia dei Medici e Gonfaloniere di Giustizia.  data si trova impressa sul libro aperto sulle ginocchia di san Giovanni Evangelista. Da allora la chiesa ha sempre mantenuto la sua collocazione ed è uno dei rari capolavori dell'artista che ancora si trovano nella cappella per cui furono dipinti, anche se all'epoca la chiesa aveva le forme gotiche che vennero cambiate dal restauro settecentesco, che diede l'aspetto architettonico attuale. pala fu lodatissima dal Vasari che la considerava "la più bella tavola che mai facesse questo rarissimo pittore".

Prompt: How does Pucci Altarpiece explain its History?Please output in Italian.


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Quadrato nero

L'opera viene frequentemente evocata da critici, storici, curatori e artisti come il “punto zero della pittura", facendo riferimento al valore storico del dipinto come una parafrasi di alcuni commenti che Malevič fece riguardo al Quadrato nero in lettere ai suoi colleghi e fornitori.Malevič fece qualche osservazione riguardo al suo dipinto: “È da zero, nello zero, che il reale movimento dell'essere comincia.” "Ho trasformato me stesso nello zero della forma e sono emerso dal nulla alla creazione, cioè, per il Suprematismo, al nuovo realismo nella pittura - alla creazione non-oggettiva." "[Il Quadrato Nero vuole evocare] l'esperienza della pura non-oggetività nel bianco vuoto di un nulla libero."Fotografia di MalevičPeter Schjeldahl scrisse:

Prompt: Focus on Black Square and explain the Perception.Please output in Italian.


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Ritorno all'ovile

1866, Mostra della Società Promotrice delle Belle Arti, Torino 1991, Il lavoro e l'uomo Il lavoro dell'uomo da Goya a Kandinskij, Braccio di Carlo Magno, Città del Vaticano 2019-2020, " fiera di Saluzzo", mostra alla Galleria di Arte Moderna, Torino.

Prompt: Describe the characteristics of the Exhibitions of the painting in Return to the Sheepfold's History and description.Please output in Italian.


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Castrovalva

L'antico borgo fortificato che dominava l'alta valle del Sagittario controllava uno degli accessi della Valle Peligna. Il borgo fortificato di Castrovalva ha le caratteristiche di un insediamento su di un crinale dove prevale l'utilizzo della pietra. In alcuni casi gli edifici versano uno stato di semi-abbandono tuttavia si può riconoscere l'architettura tradizionale. L'edificio posto sull'estremità dello sperone roccioso parrebbe essere, a prima vista, la residenza del signore feudale, ma mancano studi a prova di ciò.

Prompt: Explain the The fortified village about the History of this artwork, Castrovalva (M. C. Escher).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pellegrinaggio mariano di Neviges, Germania Santuario di Nostra Signora di Lourdes, Francia

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Pilgrimages of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

Nostra Signora di Lourdes
Lourdes
Nostra Signora di Lourdes
Pellegrinaggio mariano di Neviges
Santuario di Nostra Signora di Lourdes


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La tomba di Hutten

tomba di Hutten  è un dipinto di Caspar David Friedrich realizzato nel 1823-1824. L'opera è esposta nel castello della città di Weimar, che a sua volta rientra nell'istituzione culturale Klassik Stiftung Weimar.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Hutten's Grave.Please output in Italian.

Caspar David Friedrich
Klassik Stiftung Weimar
Weimar


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La Gravida

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, La donna gravida.Please output in Italian.


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: Describe the characteristics of the Jazz Blues in Music (Matisse)'s Opera, lyric.Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: In Flight into Egypt (Titian), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Telemaco e le Ninfe di Calipso

Nel 1689 Fénelon, segnalato da Madame de Maintenon, era stato nominato consigliere spirituale e precettore di Luigi, duca di Borgogna , figlio ed erede di Luigi, il Gran Delfino e nipote di Luigi XIV. Ad usum Delphini Fénelon scrisse il romanzo piacevole, utopico e didattico Les avantures de Telemaque. Nel lungo viaggio alla ricerca del padre Ulisse, attraverso paesi spesso infestati da guerre, causate da cattivi consigli dati ai governanti, Telemaco è accompagnato e protetto da Atena, celata sotto le spoglie di Mentore, la figura in cui è riconoscibile il precettore Fénelon. Nell'isola di Calipso Telemaco si innamorerà di una Ninfa; ma sarà un amore non felice, perché Calipso si innamorerà di lui, tanto che Telemaco e Mentore dovranno fuggire e tornare ad Itaca.Les avantures de Telemaque hanno avuto decine di edizioni in lingua originale, nel Settecento e nell'Ottocento. Il romanzo, considerato un testo di contenuto letterario e anche didattico, è stato tradotto in italiano e ristampato più volte, da vari editori e in vari luoghi.

Prompt: Describe the characteristics of the Telemachus  novel  by  Fénelon in Telemachus and the Nymphs of Calypso's History and description.Please output in Italian.

Atena
Fénelon
Luigi, il Gran Delfino
Madame de Maintenon
Mentore
Ulisse


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Focus on Annunciation Diptych and explain the Liturgical celebration.Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Jazz Blues of the The studio explained?Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Nudo che scende le scale n. 2

Nudo che scende le scale n. 2 è un dipinto verticale che raffigura una figura ocra e marrone ripresa nell'atto di compiere un movimento astratto. Le "parti del corpo" discernibili della figura sono composte da elementi astratti annidati, conici e cilindrici assemblati insieme in modo da suggerire un senso di ritmo e trasmettere il senso di movimento della figura che sembra fondersi in se stessa. I contorni scuri limitano i contorni del corpo e fungono da linee di movimento che enfatizzano la dinamica della figura colta nell'atto di muoversi in avanti, mentre gli archi accentati delle linee tratteggiate sembrano suggerire una spinta pelvica. Il movimento della figura sembra ruotare in senso antiorario dall'angolo in alto a sinistra verso l'angolo in basso a destra, dove il gradiente della sequenza appare congelato. Man mano che la sequenza in movimento si allontana dalla parte in basso a destra e si avvicina a quella in alto a destra, il soggetto ritratto diventa più cupo e trasparente, quasi come per raffigurare un movimento avvenuto in passato che è però rimasto "congelato" nel tempo. Il centro dell'immagine è un amalgama di luci e ombre, che diventa più taglienti avvicinandosi ai bordi.  palette di colori caldi e monocromatici varia dagli ocra gialli a tonalità scure e quasi nere. In basso a sinistra, Duchamp inserì il titolo in stampatello "NU DESCENDANT UN ESCALIER", che sembra essere correlato all'opera. Tuttavia, non è certo che quella raffigurata sia una figura umana in quanto priva di identità, età, carattere e individualità, anche se alcuni abbiano presunto che fosse un soggetto maschile. Lo sfondo è dipinto con colori scuri che fanno risaltare il soggetto dell'opera.Il nudo di Duchamp combina elementi cubisti e futuristi. Nella composizione, l'artista ritrae il movimento attraverso immagini sovrapposte in sequenza, simili alla fotografia stroboscopica. Duchamp asserì anche di essersi ispirato alla tecnica passo uno di Étienne-Jules Marey e in particolare a quella di Woman Walking Downstairs di Eadweard Muybridge della sua serie The Human Figure in Motion .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Nude Descending a Staircase, No. 2.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Lungo i secoli la posizione del magistero è stata prudente: per quanto il chiaro e definitivo pronunciamento pontificio si ebbe solo nel 1854, furono diversi gli interventi a favore della posizione immacolista.Papa Sisto IV  introdusse a Roma la festa liturgica della Concezione. Sul piano dogmatico non si pronunciò, ma con le bolle Cum Praeexcelsa  e Grave Nimis  proibì a macolisti e immacolisti di accusarsi vicendevolmente di eresia. Il 7 marzo 1632 nella cattedrale di Cagliari il parlamento del Regno di Sardegna giurò solennemente di difendere la dottrina della Purissima Concezione. Papa Alessandro VII emanò nel 1661 la bolla  Sollicitudo, dove si dice a favore dell'Immacolata Concezione. Clemente XI nel 1708 rende universale la festa dell'Immacolata, già localmente celebrata a Roma e in altre zone della cristianità.Nel 1848 Pio IX mostra l'intenzione di chiudere la questione in maniera autorevole e definitiva. Istituisce una commissione di teologi e una di cardinali, dalle quali però emerge il parere contrastante circa l'Immacolata. Anche Rosmini, pur ritenendola "moralmente sicura", sconsiglia di definirla dogmaticamente. Il Papa decide allora di valutare il parere collegiale dei vescovi, che nella tradizione cattolica ha valore magisteriale subordinato a quello pontificio, e lo fa con l'enciclica Ubi Primum del 1849. 546 dei 603 vescovi consultati si dichiarano a favore del dogma. Il Papa fa preparare la bozza dell'enciclica, che dopo 8 redazioni viene promulgata l'8 dicembre 1854 col nome Ineffabilis Deus.Queste sono le parole che concludono l'enciclica e proclamano solennemente il dogma:Il dogma non afferma solamente che Maria è l'unica creatura a essere nata priva del peccato originale - e ciò fin da 40 settimane prima della sua nascita, e cioè dal momento del suo concepimento da parte dei genitori, Anna e Gioacchino - ma aggiunge altresì che Maria, in quanto ritenuta madre di Dio, per speciale privilegio non ha commesso nessun peccato, né mortale né veniale, in tutta la sua vita. dottrina attuale della Chiesa è che Dio conferisca l'anima alla persona umana non appena essa si forma, nel suo primissimo istante, e cioè al momento del concepimento.  dottrina sull'Immacolata Concezione di Maria dà forza, nella visione cattolica, al pensiero della Chiesa sugli embrioni, ritenuti persone umane a tutti gli effetti, dotati di anima.Il convincimento della Chiesa in ordine alla preservazione di Maria dalla macchia del peccato originale è in relazione a questa riflessione: non sarebbe stato "conveniente" che il Figlio di Dio si incarnasse nel grembo di una donna se questa non fosse stata perfettamente monda da qualsiasi peccato.A differenza dell'apertura verso la dottrina dell'Assunzione, questo dogma non è condiviso dalle altre confessioni cristiane  in quanto da queste considerato in disaccordo con le Scritture e non supportato dalla Tradizione.

Prompt: Explain the The Catholic schoolteacher about the liturgy solemnity Immaculate Conception of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Cum Praeexcelsa
Dio
Figlio di Dio
Grave Nimis
Ineffabilis Deus
Papa
Papa Alessandro VII
Papa Sisto IV
Roma
Sollicitudo


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Trittico degli Uffizi

Dei tre dipinti, lAscensione è quello con uno schema più rigido e severo, che esalta però il senso mistico della scena. Diviso in due fasce orizzontali, in quella inferiore mostra la Vergine e gli apostoli che, in cerchio attorno al sepolcro, guardano con gesti di sorpresa il Cristo che ascende nella metà superiore, poggiante su una nuvola e circondato da una mandorla celeste dove si trovano i serafini , mentre fa un gesto di benedizione e regge nella mano sinistra la bandiera crociata, segno di trionfo.Il paesaggio è brullo e pietroso, simile a quello della Crocifissione del Louvre , con un cielo terso, punteggiato di nuvole e digradante di tonalità, via via più chiare all'avvicinarsi all'orizzonte.Esiste un disegno preparatorio in carta grigio-verde con lumeggiature bianche delle teste degli apostoli, conservato nel Fogg Art Museum di Cambridge .

Prompt: In Adoration of the Magi (Mantegna), how is the Ascension of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Tra le figure più enigmatiche dell'intera composizione vi sono quelle del ragazzo e del bambino presenti nella parte sinistra del dipinto. Il ragazzo più grande si comporta "fisicamente come un fratello minore della Madre di Dio", di cui sembra imitare l'atteggiamento. Jochen Sander ha suggerito come il ragazzo sostituisca qui la figura dell'angelo che si trova nel quadro  Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, una pittura che Holbein probabilmente conosceva o aveva avuto modo di vedere personalmente. Il ragazzo, vestito alla moda dell'epoca, porta alla cintura una borsa con cintura verde, un attributo comune di san Giacomo e del pellegrino in genere, nonché una probabile allusione al santo patrono del committente dell'opera. Il ragazzo si distingue anche dalla famiglia dei fondatori per la sua veste ornamentale, che in quella forma era riservata unicamente alla nobiltà e che quindi ravvicinerebbe l'idea di un personaggio "al di sopra degli altri personaggi" e quindi legato al mondo spirituale . Si distingue anche per il fatto che egli non si inginocchia né tiene le mani giunte in preghiera.In epoche precedenti, il ragazzo ed il bambino erano stati interpretati come possibili figli defunti di Meyer. Nella letteratura più recente, tuttavia, il bambino nudo è interpretato come san Giovanni Battista da bambino, figura assieme a quella di Gesù Bambino presente nel quadro di Leonardo. Supponendo che il dipinto fosse concepito come una pala d'altare, posto quindi sopra il tabernacolo, il gesto di Giovanni Battista bambino alluderebbe significativamente ai doni dell'eucaristia sulla mensa dell'altare. Il bambino, come del resto la Madonna e Gesù, sono idealizzati. Ancora una volta, è plausibile ricercare nel lavoro di Holbein un riferimento alla Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, dove anche Gesù e san Giovanni sono rappresentati come ragazzi. Il dipinto di Holbein sarebbe quindi inoltre la prima rappresentazione dipinta del motivo della Madonna con Gesù e san Giovanni a nord delle Alpi, mentre tale schema era già comune in Italia.Un altro approccio presuppone invece che i due ragazzi ritratti siano effettivamente dei figli di Meyer in quanto dipinti come controparte di Anna Meyer, rimandando così all'interpretazione. Dai documenti della gilda dei mercanti risulterebbe che Meyer avesse effettivamente registrato un suo figlio nato ne 1504, ma poiché alla morte dello stesso Meyer come unica erede venne chiamata a disporre dei beni di casa la moglie Dorothea Kannengießer con la figlia Anna Meyer, probabilmente tale figlio sarebbe nato da Magdalena Baer e doveva essere all'epoca già defunto, come del resto il bambino più piccolo, forse morto poco dopo la nascita. Quest'ultima interpretazione rafforzerebbe inoltre l'idea che il dipinto andasse a completare un sacello funerario: col gesto della mano, il bambino potrebbe indicare una tomba sottostante.

Prompt: Explain the The boy and the child about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: Focus on Lamentation (Correggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Trittico di san Pietro martire

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: In San Pietro Martire Triptych, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in spirituality in Annunciation (Artemisia Gentileschi)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Abaporu

L'opera raffigura una figura umana estremamente stilizzata che occupa quasi tutto lo spazio: questa creatura ha una testa piccolissima e priva di naso e bocca, il corpo allungato e un piede gigantesco. L'Abaporu porta una mano al mento come se stesse meditando. Il paesaggio è composto da un prato, un sole e un cactus molto semplificati. Il quadro fa parte della fase antropofaga di Tarsila che, così come la sua fase pau-brasil, è considerata una delle più importanti nella vita della pittrice. Influenzata dal cubismo, questo periodo della carriera dell'artista le permise di dare una lettura visuale delle strutture dalla società brasiliana.Alcuni studiosi collegano la posa di Abaporu al Pensatore di Rodin. Nella sua tesi A tessitura da textualidade em Abaporu, Nádia Regina Maffi Reckel afferma che in Abaporu la riscrittura del Pensatore non si deve soltanto dalla posizione del corpo del personaggio, ma anche dall'estetica del frammento e del blocco. E, se a questo si aggiunge la riscrittura della brasilianità, si può capire il soggetto non soltanto dalla sua forma o dal contenuto, come è letto comunemente dai critici d'arte e dagli educatori.Un altro legame tra le opere è esemplificato dal piccolo sole. Nella composizione, la luce è esterna e si riflette sul corpo del personaggio e sul cactus. Il sole è un riferimento al sole brasiliano, alla brasilianità dell'opera.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Abaporu.Please output in Italian.


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Polittico Quaratesi

Probabilmente Gentile mise mano all'opera non molto tempo dopo il completamento della Pala Strozzi.Il polittico grande era firmato e datato nella perduta cornice come "". Nel testamento del committente Bernardo di Castello Quaratesi, datato 1422, si trova un codicillo che ordinava l'esecuzione di una tabulam per l'altare maggiore della chiesa, da compiersi entro tre anni dalla morte.

Prompt: Focus on Quaratesi Polyptych and explain the History.Please output in Italian.


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Epifania

Nello stato della Louisiana l'Epifania segna l'inizio del Carnevale durante il quale è consuetudine cuocere i King Cakes, simili ai Rosca di cui sopra, dolci di forma rotonda, farciti con cannella, glassata di bianco e ricoperta di tradizionale zucchero abrasivo color carnevale.  persona che trova la bambola  deve fornire la prossima torta del re. L'intervallo tra l'Epifania e il Mardi Gras è talvolta noto come "stagione delle torte del re" e numerose di queste possono essere consumate in tale periodo.  stagione del carnevale inizia il King's Day , giorno a cui sono associate molte tradizioni in Louisiana e lungo le coste cattoliche del Mississippi, dell'Alabama e della Florida.Nella Virginia coloniale, l'Epifania o dodicesima notte era considerata come occasione particolarmente appropriata come data per danze e balli, oltreché per matrimoni. In tale occasione, era preparata Grande Torta, composta da due strati giganti di frutta, ricoperti e farciti con ghiaccia reale. L'usanza imponeva che il bambino più piccolo presente tagliasse e servisse la torta e chiunque trovasse il fagiolo o il premio venisse incoronato "Re del fagiolo" in modo simile all'usanza della torta del re europeo.A Erye, nello stato della Pennsylvania, è usanza che un re si nasconda nella torta e che il bambino che lo trovi diventi a sua volta re per una giornata.Tarpon Springs, in Florida, è nota per le elaborate cerimonie religiose legate alla Chiesa greco-ortodossa, la più importante delle quali è la celebrazione dell'Epifania. Il metropolita di Atlanta di solito presiede alle benedizioni, a volte affiancato dall'arcivescovo d'America. Le benedizioni si concludono con il lancio cerimoniale di una croce di legno nello Spring Bayou della città, mentre i ragazzi dai 16 ai 18 anni si tuffano per recuperarla. Si dice che chi recupera la croce sia benedetto per un anno intero. Dopo le benedizioni, la celebrazione si sposta agli Sponge Docks, dove viene servito il cibo e l’accompagnamento musicale Tarpon Springs è stata soprannominata Epiphany City.  celebrazione attira greci americani da tutto il paeseA Manitou Springs, nel Colorado, l'Epifania è segnata dalla gara a lanciare la torta di frutta il più lontano possibile, mentre i partecipanti si vestono da re e pagliacci.  manifestazione ha luogo dalle vacanze di Natale fino all’anno successivo con risvolti umoristici, visto che la torta di frutta è considerata con un certo grado di derisione nella maggior parte degli Stati Uniti ed è fonte di molti scherzi.

Prompt: Explain the United States about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Alabama
Atlanta
Colorado
Florida
Louisiana
Manitou Springs
Natale
Tarpon Springs


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: In Annunciation (Botticelli, Glasgow), how is the Congregation orders Annunciation discussed?Please output in Italian.


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Statua di Stalin (Berlino Est)

Anche in altre città della DDR furono erette statue in onore di Stalin, che fino all'inizio della destalinizzazione furono luogo di celebrazioni statali e proclamazioni. I monumenti furono rimossi di nascosto senza una discussione pubblica, in maniera simile a quanto avvenuto a Berlino Est.

Prompt: Explain the Monuments Stalin other cities GDR of this artwork, Statue of Joseph Stalin, Berlin.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Self-portrait (Thomas Eakins) and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Il generale Johnson che salva un ufficiale francese ferito

Mostrando Johnson frenare le azioni aggressive di un ausiliario, il dipinto promuove gli standard "civilizzati" basati sull'onore e sulle leggi guerresche non scritte di matrice europea, in contrasto con la ferocia di "selvaggi". Il quadro è collegato alle preoccupazioni e ai dibattiti che l'impiego di alleati indiani suscitò tra gli europei per tutto il conflitto in Nord America .All'inizio della guerra franco-indiana, il giovane George Washington disse di aver lasciato che il capo indiano Tanaghrisson sigillasse la loro alleanza fracassando il cranio di Joseph Coulon de Villiers, un ufficiale francese morto, per poi lavarsi le mani del cervello dell'uomo.  vicenda di Jumonville fece scandalo in Europa, dove accelerò l'espansione della Guerra dei sette anni .Le stesse domande durarono ancora ai tempi della Rivoluzione americana. Nel 1777, entrambe le Camere del Parlamento britannico dibatterono circa l'uso degli ausiliari indiani. Il discorso di William Pitt il Vecchio alla Camera dei Lord , che denuncia atti di violenza perpetrati contro "innocenti" e la pratica del cannibalismo, è indicativo di ritrosie che sembrano essere state largamente condivise.

Prompt: Focus on General Johnson Saving a Wounded French Officer from the Tomahawk of a North American Indian and explain the Historical context.Please output in Italian.

George Washington
Guerra dei sette anni
Guerra dei sette anni
Joseph Coulon de Villiers
Rivoluzione americana
William Pitt il Vecchio


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Madonna Chellini

Il tondo rappresenta la Vergine nell'atto di reclinare il capo sul piccolo Bambino, sorridente in primo piano. Ai lati dell'opera compaiono quattro angioletti in venerazione.Donatello curò non solo il recto, ma anche il verso dell'opera, che si poteva usare, cosa assai rara per l'epoca, anche come stampo, per ottenere copie successive in vari materiali .  Madonna Chellini era quindi sia un originale, sia uno stampo per copie, e anticipava le idee di una produzione artistica serializzata.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Chellini Madonna.Please output in Italian.


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Religion and the Contemporary political perspective.Please output in Italian.


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Pietà Rondanini

Nel 1652 l'opera si trovava in una bottega romana, dove venne vista da Gian Domenico Ottonelli e da Pietro da Cortona. Nel 1744 fu acquistata dai marchesi Rondanini , da cui il nome attuale, che la collocarono in una nicchia della biblioteca di palazzo Rondanini a Roma in via del Corso. Il palazzo nel 1904 fu acquistato dal conte Roberto Vimercati-Sanseverino e l'opera, rimasta nell'edificio , fu collocata su una base costituita da un'ara funeraria romana di epoca traianea, raffigurante i coniugi Marco Antonio e Giulia Filumena Asclepiade, sopra la quale è rimasta fino al 2015. Tra la base e il gruppo marmoreo di Michelangelo non vi erano perni di posizionamento, ma solo alcune sottili lamelle di piombo poste ai lati della base per migliorare la stabilità del gruppo. Alla morte del conte, occorsa nel 1945, la Pietà fu spostata dagli eredi in una villa romana di loro proprietà, dove era possibile visitarla. Nel 1952 su pressione di Fernanda Wittgens fu acquistata dal Comune di Milano che la destinò alle Raccolte Civiche del Castello Sforzesco, in un saggio pubblicato nel 1973 lo aveva attribuito a Michelangelo, ritenendo che si trattasse della testa di Cristo della prima versione della Pietà. In occasione del termine dei lavori di restauro le due opere sono state esposte insieme, ma le indagini condotte sul marmo hanno permesso di escludere l'appartenenza del frammento allo stesso blocco della Pietà Rondanini.

Prompt: Describe the characteristics of the Successive events in Rondanini Pietà's History.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Describe the characteristics of the Historicity theological significance in Adoration of the Shepherds (Rubens)'s Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Describe the characteristics of the Apocryphal  Gospels in Annunciation (Lorenzetti)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ebbrezza di Noè

Storie della GenesiVolta della Cappella Sistina

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Drunkenness of Noah.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Genesi
Storie della Genesi
Volta della Cappella Sistina


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Gruppo di sant'Ildefonso

Il momento esatto e il luogo del ritrovamento originario rimane sconosciuto, ma si sa che nel 1623 faceva già parte della collezione Ludovisi a Villa Ludovisi a Roma: in quell'anno viene restaurata da Ippolito Buzzi il quale vi aggiunge la testa mancante. Nicolas Poussin deve averla veduta in quel periodo o in un momento immediatamente successivo quando si trovava già in possesso di Camillo Massimo; lo schizzo che in quell'occasione il pittore francese fece non era inteso essere una rappresentazione fedele, piuttosto uno spunto d'ispirazione da conservare come parte del suo repertorio visivo dell'antichità classica.Ispirazione questa che ha fatto sentire ampiamente la propria presenza nella maggior parte dei dipinti dell'artista d'oltralpe. Nel suo disegno Poussin a apportato lievi modifiche alle posture della coppia di ragazzi, ma il cambiamento più grande è stato quello i trasformare gli adolescenti in agili eroi più simili ad atleti muscolosi. sua fama si diffuse ben presto nella maggioranza delle corti europee e poco dopo il 1664 la regina Cristina di Svezia riesce ad acquisirla e così riunirla all'ampia collezione d'arte che aveva finito col creare durante il periodo della propria permanenza a Roma. Le antiche sculture della raccolta sono state in seguito trasferite nella proprietà degli Odescalchi come eredità e lì rimasero fino al 1724 quando vennero offerte a Filippo V di Spagna. seconda moglie di Filippo era Elisabetta Farnese, della famiglia Farnese di Parma la quale ha avuto parte nella storia della costituzione della collezione scultorea al museo archeologico nazionale di Napoli; acquistata ad alto prezzo venne inviata al Palazzo Reale della Granja de San Ildefonso a Segovia. Da lì poi giunse a quella che è la sua attuale collocazione, il museo del Prado a Madrid.

Prompt: In Castor and Pollux (Prado), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Aerostato

Quando si utilizzano gas leggeri, gli aerostati possono venir suddivisi in due ampie categorie a seconda della pressione utilizzata per il riempimento del pallone sostentatore:Pressione zero: il gas viene pompato nel pallone, che è elastico e in grado di dilatarsi, raggiungendo una pressione simile a quella dell'atmosfera che lo circonda. Quando sale in quota, un pallone a pressione zero si dilata  e la pressione interna rimane a valori simili rispetto a quella circostante.<br />Durante la notte, quando la temperatura cala, il gas si contrae e il pallone perde quota. L'unico mezzo che un pallone a pressione zero ha per regolare la propria quota è quello di espellere parte del gas  per scendere oppure di liberarsi di parte della zavorra per salire. Le quantità di gas e zavorra costituiscono quindi il limite temporale alla durata del volo di un aerostato a gas .Iperbarico: un pallone iperbarico, invece, è un contenitore ben più rigido e inelastico rispetto al precedente. Il gas leggero pompato a una pressione maggiore rispetto a quella atmosferica e sigillato al suo interno. Questo consente che un pallone iperbarico mantenga molto a più a lungo la sua leggerezza e la durata del volo è limitata soltanto dalle eventuali perdite di gas . In pratica, la maggior parte degli aerostati iperbarici utilizzati per le missioni scientifiche sono dotati di un telecomando  che consente la espulsione del gas e decreta la fine della missione stessa.

Prompt: Explain the Pressure filling about the Use aerostats of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Explain the Vangelicanonici about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Botticelli, Glasgow).Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (David)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in theology in Annunciation (Antonello da Messina)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Consummatum est

A volte la frase può essere usata con intenzione opposta, per commentare la rovina o la fine di un nemico, rallegrandosene. In quest'ultima accezione l'uso è fatto risalire, in un aneddoto, al medico e astrologo Angelo Catone di Supino, futuro arcivescovo di Vienne, che la pronunciò durante la messa il 15 gennaio 1477, rivolgendosi a Luigi XII per rivelargli la morte di Carlo il Temerario, suo nemico, quello stesso giorno: secondo tradizione, l'evento della morte sarebbe avvenuto nell'attimo stesso in cui le parole furono proferite.

Prompt: Explain the Anecdotes of this artwork, Jerusalem (painting).Please output in Italian.


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Ia Orana Maria

Ia Orana Maria  è un dipinto del pittore francese Paul Gauguin, realizzato nel 1891 e conservato al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: How does Ia Orana Maria explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Alvise Cornaro

L'opera venne acquistata da Leopoldo de' Medici.Fin dall'inventario del 1698 e,  fino a quello del 1829, l'opera venne creduta di Tiziano, per poi essere assegnata a Tintoretto. In palazzo Pitti si possono tracciare gli spostamenti in varie sale degli appartamenti granducali. Durante uno di questi spostamenti andò perduta la cornice originale, che gli inventari ricordano dorata e intagliata, mentre quella odierna, ancorché antica, apparteneva a una tela un po' più grande.

Prompt: In Portrait of Alvise Cornaro, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Il dipinto prima entra a far parte della raccolta "John T. Johnston Collection", successivamente Johnston il 20 dicembre 1876 lo vende a William T. Walters di Baltimora, in un lotto di sei dipinti, pagati 10.110 dollari, di cui il Vernet costituiva il pezzo più prezioso. Il quadro passa nel 1894 per eredità a Henry Walters e, nel 1931, un suo erede con un legato lo trasmette al Walters Art Museum di Baltimora

Prompt: In Italian Brigands Surprised by Papal Troops, how is the Property transfers of the History explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Morte di Cleopatra

leftDato che le truppe di Ottaviano si trovavano ad Alessandria d'Egitto, Cleopatra si ritirò presso la propria tomba  e inviò un messaggio ad Antonio nel quale veniva detto che la regina era morta per suicidio. Disperato, Marco Antonio si pugnalò allo stomaco con una spada. Plutarco racconta che quando Antonio venne portato alla tomba di Cleopatra egli era ancora vivo e le parlò prima di spirare. Cleopatra riuscì a far imbalsamare il suo amante e venne portata al palazzo, dove dovette incontrarsi con Ottaviano, il quale teneva con sé tre dei suoi figli: Alessandro Elio, Cleopatra Selene II e Tolomeo Filadelfo.Come racconta Tito Livio, durante l'incontro Cleopatra disse al triumviro che ella non sarebbe stata esibita in trionfo come un trofeo . Egli, d'altro canto, non lasciò trapelare le sue intenzioni sul destino della regina e del regno egizio. Quando una spia informò Cleopatra che Ottaviano intendeva portarla a Roma come una prigioniera di guerra, ella decise di suicidarsi per non essere soggetta a una tale umiliazione. Secondo Plutarco la regina si preparò al suicidio con un processo quasi rituale, chiedendo che le venissero preparati un bagno caldo e un pasto che includeva dei fichi, portati in un cesto.Secondo Plutarco, Ottaviano ordinò al suo liberto Epafrodito di tenere d'occhio Cleopatra per evitare che ella si uccidesse, ma fu tutto inutile. In una prima visita la regina tentò di discolparsi, adducendole a Marco Antonio la responsabilità delle proprie azioni. All'ostinata opposizione di Ottaviano, che non credeva a tali parole, la regina cambiò atteggiamento e decise di offrire il suo tesoro personale al futuro imperatore. Fu una schiava della regina a far notare, volontariamente o meno, che mancava una cospicua parte dei gioielli personali di Cleopatra alla lista fornita ai Romani. Dopo aver affermato di voler donare tali gioielli alla moglie di Ottaviano, questi, compiaciuto dell'incontro, si allontanò, rassicurando che avrebbe riservato alla regina un trattamento migliore di quando lei stessa avrebbe potuto aspettarsi. Avendo saputo da un certo Dolabella le vere intenzioni di Ottaviano, ovvero di portarla a Roma come "trofeo di guerra", la regina decise di suicidarsi: fece imbalsamare il marito e si avvelenò, dopo aver compiuto un complesso rituale. Quando Ottaviano ricevette una lettera nella quale la sovrana chiedeva di essere sepolta accanto ad Antonio, egli mandò i suoi uomini da lei, ma questi arrivarono troppo tardi: la regina del Nilo era già morta e ai suoi piedi giaceva l'ancella Ira , mentre l'ancella Carmione sistemava il diadema della sua sovrana prima di morire anche lei..</ref>"Καλὰ ταῦτα Χάρμιον;""Κάλλιστα μὲν οὖν" ἔφη "καὶ πρέποντα τῇ τοσούτων ἀπογόνῳ βασιλέων."Πλέον δ᾽ οὐδὲν εἶπεν, ἀλλ᾽ αὐτοῦ παρὰ τὴν κλίνην ἔπεσε.lingua=greco anticolingua2=italiano}}Nonostante Ottaviano fosse oltraggiato da questi eventi, decise di soddisfare la richiesta di Cleopatra e la seppellì insieme a Marco Antonio.  tomba di Antonio e Cleopatra probabilmente era situata all'interno del grandioso mausoleo reale dei Tolomei ad Alessandria. Nonostante numerose ricerche, il sito della tomba reale non è mai stato ritrovato.

Prompt: In the context of Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), explain the Suicide of Antony and Cleopatra and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Alessandro Elio
Carmione
Cleopatra
Marco Antonio
Plutarco
Tito Livio


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Antonello da Messina).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Notte stellata sul Rodano

Van Gogh, in quest'opera, sembra rispondere indirettamente a una celebre frase del filosofo tedesco Immanuel Kant:</ref>}}Di seguito, invece, si fornisce la descrizione che Vincent van Gogh fornì dell'opera, come di consueto in una lettera indirizzata al fratello Théo:Anche van Gogh, come si è già detto, sentì con vivo trasporto la fascinazione del cielo notturno, e lo immortalò in diverse opere, come in questa Notte stellata sul Rodano, oggi esposta al museo d'Orsay di Parigi, e nel più tardo e celebre capolavoro del Museum of Modern Art di New York, Notte stellata. Questa tela, infatti, concede un'ampia rilevanza alla magnifica visione del cielo notturno, reso con una sensibilità quasi romantica: quella fede e quel sentimento che il Positivismo aveva condannato e bandito, declassando gli astri a meri oggetti di indagine scientifica, nella Notte stellata sul Rodano riaffiorano in maniera particolarmente misteriosa ed affascinante. Nel dipinto quest'idillio notturno avvolge anche due innamorati, visibili in basso, oltre che le città addormentate di Arles e Trinquetaille .Facendo ricorso all'intera tastiera atmosferica del Romanticismo, in quest'opera van Gogh coglie «l'universo [che] riposa nella luminosità tranquilla di una luce naturale e scintillante» : il cielo appare infatti rischiarato da una moltitudine di stelle, che brillando si riflettono sui flutti del Rodano, visibile in basso. Alla naturalezza degli astri, poi, fa da contrappunto l'artificialità dei lampioni a gas del lungofiume di Arles, che vomitano sulle acque appena increspate del fiume dei fasci luminosi fuggevolissimi ma violenti: è la volta celeste, tuttavia, la vera protagonista del dipinto, con la matassa stellare che si dipana come una costellazione di pietre preziose. Nell'opera, inoltre, van Gogh utilizza una sola tinta e la sviluppa in tutte le sue possibili sfumature, orchestrando una raffinata sinfonia di blu di Prussia, blu oltremare e cobalto, in maniera analoga ad un musicista che rielabora più volte il medesimo tema musicale per enfatizzarne le qualità espressive.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Starry Night Over the Rhône.Please output in Italian.

Immanuel Kant
Museum of Modern Art
New York
Notte stellata
Parigi
Rodano
Romanticismo
Vincent van Gogh