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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Tavola Strozzi

tavola era stata rinvenuta nel 1901 a Palazzo Strozzi di Firenze da Corrado Ricci. Benedetto Croce, nel 1904, la interpretò come una rappresentazione del trionfo navale per Lorenzo de' Medici, giunto a Napoli nel 1479 per stipulare un trattato di pace con Ferrante d'Aragona, grazie anche alla mediazione offerta da Filippo Strozzi il Vecchio.Sebbene molti elementi sembrassero suffragare la ricostruzione crociana, Vittorio Spinazzola  fornì, nel 1910, un'altra interpretazione, storicamente più attendibile, accolta dalla maggior parte degli studiosi : si tratterebbe del rientro trionfale della flotta aragonese dopo la vittoria riportata contro il pretendente al trono Giovanni d'Angiò, avvenuta al largo di Ischia il 7 luglio 1465. sua attribuzione è dubbia: sono stati fatti i nomi di Francesco Pagano da parte di Ferdinando Bologna e di Colantonio, secondo Raffaello Causa. Tuttavia, l'ipotesi più accreditata è stata avanzata da Cesare De Seta, il quale ha indicato come artefice dell'opera Francesco Rosselli, già autore di una veduta di Firenze, incisa in metallo, del settimo decennio del Quattrocento e dal quale deriva la xilografia con la Veduta di Firenze, detta della Catena, di Lucantonio degli Uberti , e di quella di Roma dipinta a olio su tela tra il 1478 ed il 1490, ora perduta ma nota grazie ad una replica cinquecentesca al Palazzo Ducale di Mantova.Inoltre, in anni recenti, un documento rinvenuto tra le carte dell'Archivio Strozzi di Firenze da parte di Mario del Treppo testimonia che la tavola, in origine la spalliera di un letto disegnato da Benedetto da Maiano, venne realizzata nel 1472-1473, giungendo a Napoli il 15 aprile del 1473 insieme ad altri doni di Filippo Strozzi per il re Ferrante d'Aragona. L'opera sembrerebbe essere stata commissionata dallo stesso Benedetto da Maiano ad un pittore della sua cerchia, sempre come indicato dal documento.Qualche studioso ha identificato l'autore con Leonardo Da Vinci - di cui la forma del molo del Porto di Napoli, al centro dell'immagine, sarebbe la firma - ma senza un reale seguito, visto lo stile completamente diverso da quello delle opere del maestro.

Prompt: Explain the History of this artwork, Tavola Strozzi.Please output in Italian.

1465
1472
1473
1479
1901
1904
1910
Benedetto Croce
Benedetto da Maiano
Colantonio
Corrado Ricci
Ferdinando Bologna
Filippo Strozzi il Vecchio
Firenze
Francesco Pagano
Francesco Rosselli
Lorenzo de' Medici
Lucantonio degli Uberti
Napoli
Palazzo Strozzi
Porto di Napoli


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Immacolata Concezione

Fra le Preghiere a San Michele Arcangelo, lExorcismus in Satanam et angelos apostaticos , nella parte dell'esorcismo vero e proprio, afferma:Quindi, Maria intercede invocata come Madre di Dio, come Vergine e come Immacolata Concezione.
In altri punti, la stessa preghiera afferma Maria come sempre vergine, vale a dire la sua verginità perpetua, e Gesù Cristo come il germoglio di Davide, il leone di Giuda.
Appunto, in , Dio profetizza al serpente che Maria e la sua stirpe gli avrebbero schiacciato la testa.Come nell'esorcismo nella sinagoga di Cafarnao il demonio dice a Gesù che è venuto in terra per distruggerli, anche l'esorcismo afferma Maria come la donna che è nata immacolata e umile, col fine di schiacciare la testa all'angelo peccatore di orgoglio e di superbia.Il fine è comune a Maria, e alla "sua stirpe", formata da Gesù e dai suoi figli in spirito.

Prompt: Describe the characteristics of the Prayers in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.


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Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: Describe the characteristics of the Benelux in Epifania's Theology.Please output in Italian.


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Atleta di Fano

L'ipotesi più accreditata è che in antichità la statua sia naufragata nel medio Adriatico insieme alla nave che la stava trasportando dalla Grecia verso la penisola italiana, probabilmente puntava al porto di Ancona. Essa fu rinvenuta nell'estate del 1964 nel mare Adriatico al largo di Fano catturata dalle reti del peschereccio italiano "Ferruccio Ferri".<br />Il luogo del ritrovamento del bronzo, a sentire le testimonianze dei pescatori, è una zona del mar Adriatico chiamata "Scogli di Pedaso", ma di questo non c'è stata certezza per molti anni: in particolare, si è molto discusso se l'oggetto fosse stato ritrovato in acque italiane o internazionali.Comunque sia l'esportazione è stata illegale secondo le leggi dell'epoca, in particolare la legge 1089/39, che stabilisce che i beni archeologici ritrovati sono di proprietà dello Stato italiano. Infatti, nel primo caso il reperto apparterrebbe allo Stato italiano, nel secondo caso essendo l'Atleta issato su un'imbarcazione battente bandiera italiana e successivamente sbarcato a Fano, in Italia, sarebbe dovuto ricadere sotto la legislazione italiana che impedisce l'esportazione di opere archeologiche e avrebbe dovuto essere soggetto all'obbligo di notifica al ministero competente .Sul motopesca italiano si trovavano il capobarca Romeo Pirani, i tre marinai Derno Ferri , Athos Rosato  e Durante Romagnoli , inoltre Valentino Caprara, Nello Ragaini e Benito Burasca. L'armatrice era la signora Valentina Magi.Athos Rosato ha confermato quanto sempre sostenuto dal capobarca Pirani, cioè che la statua è stata ritrovata a «circa 43 miglia a levante del monte Conero e circa 27 miglia dalla costa croata, un punto di mare chiamato "Scogli di Pedaso"» . «In quel tratto, secondo il mozzo, la profondità del mare era circa di 43-44 braccia», cioè a circa 75 metri di profondità. rete si è impigliata nelle braccia della statua, che è stata sollevata dal fondo del mare; probabilmente i piedi, verosimilmente incastrati o insabbiati, si sono staccati in quest'occasione per lo strattone ricevuto.

Prompt: In Victorious Youth, how is the Discovery and exportation of the Voice correlate explained?Please output in Italian.

1964
Fano
Grecia
Italia
Roma
Scogli di Pedaso


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Secondo il racconto biblico, al primo patriarca biblico Abramo , figlio di Tiriḫ e discendente di Šem, venne fatta da Dio la promessa che la sua progenie sarebbe stata numerosa come le stelle del cielo , nonostante lui fosse molto vecchio e sua moglie Sara  vecchia e sterile.Secondo la cronologia biblica, Abramo aveva 100 anni e Sara 90 quando Dio strinse con Abramo quel patto. Un patto tramite il quale dal seme di Abramo si sarebbe giunti al Messia e tutte le nazioni della terra sarebbero state benedette , , .Abramo, uomo giusto e devoto, fino a quella promessa era stato al centro di avvenimenti che avevano rafforzato la sua fede incondizionata verso Dio. Aveva visto come il Dio della Bibbia aveva liberato e protetto le persone giuste e fedeli liberandole da oppressori pagani, non ultima la liberazione e la salvezza per suo nipote Lot e le sue figlie da Sodoma e Gomorra. fede si contrapponeva ai fatti, come poteva Sara generare un figlio ad Abramo visto che era non solo avanti negli anni, ma sterile? Quando uno degli angeli disse ad Abramo che dopo non molto tempo Sara avrebbe avuto un figlio, Sara rise.  Ma c'era forse qualcosa di troppo straordinario per Dio? .Infatti, mesi dopo, il racconto biblico asserisce che Dio rivolse la sua attenzione a Sara proprio come aveva detto, e Dio fece ora a Sara proprio come aveva parlato. E Sara rimase incinta e partorì quindi un figlio ad Abramo nella vecchiaia di lui, al tempo fissato di cui Dio gli aveva parlato [......] e gli mise nome Isacco . Isacco quindi crebbe con le amorevoli cure dei due genitori che avevano visto la miracolosa potenza di Dio manifestarsi su di loro con un figlio che sarebbe stato, secondo le Scritture, addirittura il precursore dello stesso Messia.Dopo altri avvenimenti che dimostrarono l'ubbidienza e la fedeltà di Abramo verso il vero Dio, il racconto della Bibbia prosegue che Dio mise alla prova Abramo: Prendi suvvia, tuo figlio, il tuo figlio unico che ami tanto, Isacco, e fa un viaggio nel paese di Moria e là offrilo come olocausto su uno dei monti che io ti designerò.Il racconto biblico dimostra che Abramo non ebbe esitazioni. Genesi 22:3 infatti dice che Abramo si alzò dunque la mattina di buon'ora, sellò il suo asino e prese con sé due dei suoi servitori e Isacco suo figlio, quindi spaccò la legna per l'olocausto e si mise in viaggio per il luogo designato da Dio.Il viaggio durò tre giorni: appena Abramo sopraggiunse nelle vicinanze del luogo designato, lasciò i suoi servitori e l'asino proseguendo a piedi con il solo Isacco che trasportava intanto la legna per l'olocausto. Giunti al luogo dell'olocausto Abramo dispose un altare su cui mettere la legna, quindi legò suo figlio Isacco mani e piedi ponendolo sull'altare al di sopra della legna. Il racconto biblico prosegue dicendoci che cosa accadde:

Prompt: How does Abraham and Isaac (Titian) explain its TheSacredScriptures?Please output in Italian.

Abramo Bibbia Genesi Genesi Genesi Isacco Lot Messia Sodoma


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San Giorgio e il drago

leggenda di san Giorgio ha una valenza simbolica. Il santo e il suo cavallo rappresentano la santità mentre il drago è simbolo del diavolo. Pertanto, la trama simboleggia la vittoria della santità sulle forze del male.

Prompt: Focus on Saint George and the Dragon (Tintoretto) and explain the In the symbology.Please output in Italian.


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Venere allo specchio

Venere allo specchio è un dipinto realizzato da Tiziano intorno al 1555, conservato alla National Gallery of Art di Washington.

Prompt: How does Venus with a Mirror explain its Abstract?Please output in Italian.


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Dama col mazzolino

L'opera è un esempio emblematico del busto-ritratto che si sviluppò a Firenze nella seconda metà del XV secolo, riprendendo la tradizione medievale delle effigi devozionali in cera. Non si conosce l'identità della donna ritratta né la circostanza della committenza. A lungo l'opera è stata indicata come di provenienza medicea, identificandola con quel ritratto di Lucrezia citato nell'inventario redatto alla morte di Lorenzo de' Medici nel 1492.  Lucrezia veniva identificata con quella Lucrezia Donati, amata platonicamente da Lorenzo stesso, anche se forse la menzione era più probabilmente riferita a un ritratto di Lucrezia Tornabuoni, madre di Lorenzo. Potrebbe anche trattarsi di Fioretta Gorini, amante di Giuliano de' Medici.In ogni caso studi più accurati sembrano oggi escludere la committenza medicea seguendo le tracce documentarie della statua, che viene menzionata per la prima volta nel testamento del nobiluomo fiorentino Francesco Ceccherini del 1822, come opera di Donatello. Nel 1825 gli eredi Ceccherini trattavano per la vendita del busto alle collezioni granducali, segnalandolo come acquistato a suo tempo da un'altra famiglia fiorentina, peraltro sconosciuta. Acquistato dalla Galleria degli Uffizi quello stesso anno da Leopoldo II, passò al Bargello con la risistemazione delle collezioni del 1873.Nel 1882 Wilhelm Bode fu il primo a mettere in dubbio l'attribuzione donatelliana, assegnandolo a Verrocchio in base a confronti con le Virtù del Cenotafio Forteguerri a Pistoia. L'assegnazione è oggi universalmente accettata, sebbene qualcuno vi abbia voluto scorgere una possibile collaborazione di Leonardo in base alle affinità con il Ritratto di Ginevra de' Benci , somigliante nell'acconciatura e, presumibilmente, anche nei connotati. Esiste inoltre uno Studio di mani leonardesco di notevole affinità.

Prompt: Focus on Dama col mazzolino and explain the History.Please output in Italian.

1492
1822
1825
1873
1882
Cenotafio Forteguerri
Donatello
Fioretta Gorini
Firenze
Galleria degli Uffizi
Giuliano de' Medici
Lorenzo de' Medici
Lucrezia Donati
Lucrezia Tornabuoni
Medici
Pistoia
Ritratto di Ginevra de' Benci
Studio di mani


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Apocalisse

upright=1.6In epoche recenti il termine "letteratura apocalittica", o "apocalittico", è stato usato comunemente per descrivere le varie parti delle scritture ebraiche o cristiane, sia canoniche che apocrife, in cui si forniscono predizioni escatologiche in forma di rivelazione. Che il termine sia attualmente usato in maniera blanda, e comprenda spesso cose non propriamente apocalittiche, è dovuto al fatto che lo studio di questa letteratura come classe a sé stante è piuttosto recente.Nell'uso comune delle lingue occidentali, il termine apocalisse si riferisce alla fine del mondo. Il significato corrente può essere un'ellisse della frase apōkalýpsis éschaton, che significa "rivelazione degli eventi della fine dei tempi". Tale ellisse nell'uso corrente riecheggia quella nel titolo dell'ultimo libro della Bibbia, il Libro della Rivelazione o Apocalisse di San Giovanni apostolo, che è normalmente interpretato come la profezia della fine del mondo, con numerosi dettagli visuali. Si veda anche escatologia e millenarismo. fine escatologica del mondo nella letteratura apocalittica era spesso accompagnata da immagini di resurrezione, giudizio dei morti e dalla pena dell'inferno per i peccatori. È interessante notare che tali idee non erano esplicitamente sviluppate nei libri pre-apocalittici della Bibbia ebraica, quindi l'esistenza di tali credo nell'ebraismo, nel cristianesimo e nell'Islam può essere ricondotta ai testi apocalittici. storia della cristianità è punteggiata di gruppi religiosi millennialisti, quasi fin dalle origini. I movimenti cristiani moderni sono concentrati nel XVIII e XIX secolo e comprendono l'ascesa di religioni apocalittiche come gli Avventisti, i Davidiani, la House of Yahweh, i Cristadelfiani, i Mormoni e i Testimoni di Geova.<br />L'Islam possiede i propri movimenti, in particolare la fede nell'Imam "atteso" o "nascosto" della comunità sciita. Nel XIV secolo dell'Islam  si riporta un credo che aveva preso a circolare presso la comunità sunnita, per il quale sarebbe presto giunto il Messia promesso, sia per i cristiani, sia per i musulmani. Molti di questi furono fondamentalisti, come Muhammad al-Mahdi, Muhammad Ahmad del Sudan e Usman dan Fodio dell'Africa occidentale, che coniugarono la pratica politica alle loro convinzioni mahdistiche. Mahdi successivi, compresi Mirza Ghulam Ahmad e l'Ayatollah Seyyed Ruhollah Khomeini, furono principalmente riformatori religiosi. Di recente si è assistito a una ripresa del movimento dei Jihādisti, come Osama bin den di al-Qā'ida, quasi esclusivamente politici.  profezia del Messia promesso all'inizio del XIV secolo per la maggior parte dei musulmani è stata sostenuta solo da Mirza Ghulam Ahmad, ma il punto di vista della maggioranza venne raccolto dall'Università di al-Azhar del Cairo e dalla Scuola Deobandi di Scienze Islamiche in India, che rifiutarono Mirza Ghulam Ahmad perché eretico, dato che si definiva profeta  e messia .

Prompt: Describe the characteristics of the The end of the world in Apocalypse (Dürer)'s Representations of the Apocalypse.Please output in Italian.

Bibbia
Cristadelfiani
Davidiani
Deobandi
House of Yahweh
Imam
India
Islam
Mahdi
Messia
Mirza Ghulam Ahmad
Muhammad Ahmad
Muhammad al-Mahdi
Rivelazione
Sudan
Testimoni di Geova
Usman dan Fodio
XIV secolo
XIX secolo
X secolo


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Ritratto del conte Antonio Porcia

AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004 ISBN 978-88-370-2835-0

Prompt: Focus on Portrait of Count Antonio Porcia and Brugnera and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Musica

I cantanti, e i ruoli che essi interpretano, sono distinti in rapporto al registro vocale.Le voci maschili sono denominate, dalla più grave alla più acuta, basso, baritono, tenore. A essi si possono aggiungere le voci di controtenore, sopranista o contraltista, che utilizzano un'impostazione in falsetto o falsettone, cioè senza appoggiatura. Esse eseguono ruoli un tempo affidati ai castrati.Le voci femminili sono classificate, dalla più grave alla più acuta, come contralto, mezzosoprano e soprano. Anch'esse eseguono oggi, molto di più frequente delle corrispondenti voci maschili, i ruoli sopranili e/o contraltili scritti per le voci dei castrati.

Prompt: Explain the Opera singers about the The relationship with singing of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Monolite dello Utah

struttura, alta 3 metri, era costituita da lamiere rivettate insieme a forma di prisma triangolare. Illegalmente collocato su un terreno pubblico tra luglio e ottobre 2016, nel novembre 2020 i biologi statali lo hanno scoperto durante un'indagine in elicottero sulle pecore delle Montagne Rocciose. In pochi giorni, l'opinione pubblica si è appassionata alla storia e varie persone hanno trovato il monolite utilizzando un software di mappatura GPS, dirigendosi verso la posizione remota. L'identità e gli obiettivi di chi ha realizzato il monolite rimangono sconosciuti, anche se non senza speculazioni.In seguito alla copertura mediatica del monolite il cui "mistero ha affascinato il paese", è stato segretamente rimosso giorni dopo da un gruppo composto da quattro uomini. Subito dopo la rimozione del monolite dello Utah, sono iniziati a comparire , in molti diversi luoghi, numerosi altri manufatti analoghi.

Prompt: How does Utah monolith explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Explain the The Annunciation in the prayer about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Antonello da Messina).Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: Explain the In modern philosophy about the Religion of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Magi (Stefano da Verona), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Chassériau)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Antigrazioso

Il gesso originale, presente dal 1938 nella Galleria nazionale d'arte moderna, fu acquistato dal museo nel 1950 da Benedetta Marinetti.

Prompt: How does Antigrazioso explain its History?Please output in Italian.


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La morte di Marat

morte di Marat si può suddividere in due parti. Quella superiore è vuota e scura, fa emergere la figura di Marat comprimendola verso il basso e creando un’atmosfera di angosciosa immobilità, animata esclusivamente da una leggera vibrazione luminosa, ottenuta grazie all'impiego di fitte pennellate gialle; quella inferiore, invece, è dominata dal corpo esanime di Marat, eroicamente isolato nel silenzio della morte.

Prompt: How does The Death of Marat explain its Style?Please output in Italian.


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Madonna della Seggiola

Secondo una curiosa leggenda, il quadro raffigurerebbe la figlia di un vinaio ed i suoi figli. Si narra che la ragazza, che viveva in una località sperduta dell' Appennino, soccorse un eremita che si era rifugiato su una quercia lì vicino per sfuggire ad un branco di  lupi, riuscendo a metterli in fuga. Il sant'uomo, grato per la salvezza, benedisse sia lei che la quercia, predicendo che entrambe avrebbero, un giorno, conquistato l'immortalità. Alcuni anni dopo, la ragazza si sposò e divenne madre di due bimbi, e la quercia fu abbattuta dal vinaio che se ne servì per fabbricare  botti e  barili. Un giorno passò di lì Raffaello che, rimasto colpito dalla bellezza della madre e dei figli che giocavano con lei sulla porta di casa, e non avendo con sè tela e pennelli per ritrarli, li disegnò alla meglio con un carboncino sul fondo di una delle botti che si trovavano lì accanto -e che fu, quindi, il motivo della composizione "a tondo". Così, secondo la predizione dell'eremita, tanto la giovane come la quercia, da cui era stata ricavata la botte, raggiunsero l'immortalità attraverso l'opera del grande pittore.

Prompt: Explain the Anecdotes of this artwork, Madonna della Seggiola.Please output in Italian.


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Jeanneke Pis

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Jeanneke Pis.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Sogno del cavaliere

composizione, apparentemente semplice, è il risultato di una ricerca sottile di equilibrio delle masse in primo piano e dei piani che digradano nel fondo, su un tema gradito agli ambienti intellettuali fiorentini, impregnati di neoplatonismo: quello dell'esortazione al bene, alla scelta dei piaceri dell'anima piuttosto che di quelli del corpo. L'interpretazione del quadro è controversa. Si è parlato un Ercole al bivio o di un Ercole tra le Esperidi o il Sonno di Scipione l'Africano. Secondo André Chastel l'iconografia del dipinto trae le sue fonti nel poema di Silio Italico Punica, ritrovato dall'umanista Poggio Bracciolini nel 1417, e dal ciceroniano Somnium Scipionis nel commento di Macrobio. Scipione infatti, sostituito a Ercole nell'apologo di Prodico, è al centro di una storia moralizzata, davanti alla scelta tra Pallade e Venere, simboli rispettivamente di conoscenza superiore e di piacere terreno.Le due figure femminili sono infatti proiezioni del sogno del cavaliere al centro, addormentato sullo scudo: la Virtù , davanti a un passo montano impervio, e il Piacere , con gli abiti più sciolti. Esse gli offrono gli attributi ideali del suo compiti: la spada , il libro  e il fiore . Le due figure allegoriche non sembrano però essere contrapposte, con una bilanciata simmetria tra le due figure, evidenziata dall'asse dell'alberello al centro: potrebbe essere un riferimento alle teorie neoplatoniche, che implicano l'armonizzazione delle due inclinazioni.Le Grazie rappresenterebbero la conclusione della scelta del cavaliere, con i pomi delle Esperidi offerti come ricompensa.Il fascino dell'opera risiede nell'apparente spontaneità e semplicità della composizione, in realtà giocata su un delicato equilibrio di linee e piani, col fondale che emerge, le colline che hanno la stessa inclinazione del corpo del cavaliere dormiente, la leggiadra apparizione delle due personificazioni.

Prompt: Focus on Vision of a Knight (Raphael) and explain the Description and style.Please output in Italian.

1417
Ercole
Esperidi
Poggio Bracciolini
Prodico
Silio Italico
Somnium Scipionis


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Morte di Cleopatra

Nella sua opera Notes isiaques I del 1989, l'archeologo francese Jean-Claude Grenier notò come un'antica statua romana con indosso il nodo di Iside, conservata ai Musei Vaticani, potrebbe raffigurare Cleopatra in veste della dea Iside mentre si suicida, in quanto un serpente striscia lungo il suo seno destro. L'associazione di Cleopatra alla dea Iside continuò in Egitto almeno fino al 373 d.C., quando lo scriba Petesenufe compilò un libro su Iside e spiegò come decorasse le immagini della regina tolemaica.A Pompei venne scoperto un affresco che potrebbe raffigurare la morte della regina tolemaica: Cleopatra tiene in mano un recipiente dal quale sta per bere il veleno e alle sue spalle si trova il figlio Cesarione, che come la madre indossa il diadema reale. Insieme ai due sono presenti anche dei servitori. In precedenza si riteneva che la scena raffigurasse il suicidio di Sofonisba, la moglie del re numida Siface.Al contrario delle statue di Marco Antonio, le quali vennero distrutte a causa della damnatio memoriae, quelle di Cleopatra vennero per lo più lasciate intatte, inclusa quella eretta da Cesare nel tempio di Venere Genitrice al foro di Cesare.Nell'ambito della letteratura latina, il poeta Quinto Orazio Flacco scrisse una celebre ode basata sulla morte dell'ultima regina d'Egitto che inizia con il verso "Nunc est bibendum".

Prompt: Describe the characteristics of the Greco-Roman era in Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Iside
Jean-Claude Grenier
Marco Antonio
Musei Vaticani
Nunc est bibendum
Quinto Orazio Flacco
Siface
Sofonisba


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Il lancio della rete

L'opera fu esposta per la prima volta il 1º marzo del 1914 al Salon des Indépendants, dove rimase in mostra fino al 30 aprile. Le grandi dimensioni e il soggetto diedero grandi visibilità al dipinto, che ottenne recensioni contrastanti. Una critica particolarmente veemente e misogina fu scritta da Arthur Cravan, ma i termini scurrili e le insinuazioni contenute dalla recensioni gli costarono una denuncia per diffamazione, tanto che dovette pubblicare una versione meno aspra della recensione con tanto di scuse e rettifica sulla condotta sessuale della Valadon.L'opera fu acquistata dal Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi nel 1937 e poi spostata al Museo dei Belle Arti di Nancy nel 1998.

Prompt: In Casting the Net, how is the History discussed?Please output in Italian.

1914
Arthur Cravan
Nancy
Salon des Indépendants


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Madonna Altman

Madonna Altman  è un dipinto tempera a colla e oro su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1495-1505 e conservato nel Metropolitan Museum di New York.

Prompt: How does Altman Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.


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Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita

Il pubblico al quale era destinato il trittico erano i frequentatori del Duomo di Siena, che si recavano alle funzioni. Essi appartenevano per lo più alla classe popolare, analfabeta, che necessitava di queste illustrazioni degli episodi biblici per integrare le conoscenze dottrinali, non acquisite attraverso la lettura dei testi.Dell'opera si conosce una documentazione che conferma la firma e la data apposta sulla cornice, visibile nell'unico frammento antico inserito nell'attuale ensemble ottocentesco. Vi sono riportati i nomi di Simone e del cognato Lippo Memmi , ma quali parti spetti a ciascun pittore è sconosciuto. Solo in base a considerazioni stilistiche si è ipotizzato che la parte centrale con lAnnunciazione sia riferibile a Simone e i due santi e i tondi dei profeti a Lippo.Un'opera del genere, dalla straordinaria raffinatezza lineare, non ha modelli coevi in Italia, ma va semmai confrontata con i manoscritti miniati per la corte francese o con le pitture più fantasiose prodotte in Germania o in Inghilterra. Questa "maniera" nordeuropea spianò la strada per l'arruolamento di Simone Martini nellentourage dei pittori italiani alla corte papale di Avignone, dove erano presenti altri italiani, ma nessun fiorentino, in quanto la classica monumentalità di scuola giottesca non trovava consensi nella gotica società francese.Il dipinto era stato commissionato per l'altare di sant'Ansano, uno dei protettori di Siena, nella cattedrale senese, dove rimase fino al 1799, quando il Granduca Ferdinando III lo fece trasportare a Firenze, scambiandolo con due tele di Luca Giordano. Qui venne esposto lo stesso anno agli Uffizi.  cornice originale, intagliata dal Maestro Paolo di Camporegio e dorata da Lippo Memmi, fu rinnovata nel 1420 circa e sostituita nel XIX secolo.L'opera è stata restaurata nel 2001

Prompt: Focus on Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus and explain the History.Please output in Italian.

1420
1799
2001
Avignone
Duomo di Siena
Firenze
Lippo Memmi
Luca Giordano
Siena
Simone Martini


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Polittico di Santa Barbara

Il Polittico di Santa Barbara è un'opera del Maestro Francke del 1415, tempera su tavola, conservata al museo nazionale della Finlandia  di Helsinki.L'opera venne realizzata probabilmente per la cattedrale del porto anseatico di Turku in Finlandia, con parti scolpite al centro, probabilmente opera della bottega del pittore o comunque scolpite su suo disegno, con il gruppo con la Morte di Maria e due rilievi in ciascuno dei lati interni degli sportelli con scene tratte dalla vita della Vergine. Nelle doppie ante dipinte si trovano otto scene della vita di santa Barbara.Per quest'altare le fonti possono essere individuate sia nelle  francesi, sia per quanto riguarda la plasticità delle figure nella pittura della Borgogna e nell’Altare di Wildung di Konrad von Soest.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint Barbara Altarpiece (Master Francke).Please output in Italian.

1415
Borgogna
Finlandia
Helsinki
Konrad von Soest
Maestro Francke
Santa Barbara
Turku


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Stradina di Delft

Opera assai ammirata fin dal passato, rappresenta una strada della nativa città di Delft, così come appariva nel diciassettesimo secolo: due case, le cui facciate sono rappresentate solo parzialmente secondo un taglio di estrema modernità  e sono unite da due passaggi. Nello sfondo si apre una veduta dei tetti di altre case e un cielo chiaro velato da nubi, che bucano la profondità. Accurata e di notevole maestria è la descrizione degli edifici, coi mattoncini rossi qua e là consunti, l'intonaco di calce chiaro tirato solo fino al piano terra, le finestre coi vetri piombati, le imposte di legno, il marciapiede quadrettato a fianco della strada di ciottoli. Qui scorre una canalina che, ancora una volta, accentua il senso prospettico.Quattro figure umane compaiono in scala ridotta e in atteggiamenti schiettamente quotidiani: due donne alla presa coi lavori domestici  e due bambini accovacciati per giocare in terra. Le donne offrono un ideale di virtù domestica: occuparsi della propria casa era di fondamentale importanza per le donne olandesi.Più che la rappresentazione dell'architettura cittadina, al pittore interessava immortalare la tranquilla quotidianità di un giorno qualunque, dove anche una scopa appoggiata o un rivolo di acqua saponata contribuiscono a creare un'atmosfera sospesa di sottile poesia. A differenza dei suoi contemporanei , Vermeer appare anche in questa tela il "pittore del silenzio".

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Little Street.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Pala di San Giacomo da l'Orio

Pala di San Giacomo da l'Orio è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1546 e conservato nella chiesa di San Giacomo da l'Orio a Venezia. È firmato e datato sul cartiglio appeso alla base del trono "In tempo de Maistro Defendi de Federigo et compagni 1546 Lor. Lot".

Prompt: Focus on San Giacomo dell'Orio Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La fattoria

Nel 2002 su Rete 4 era andato in onda il programma C'era una volta la fattoria condotto da Rita dalla Chiesa in onda il sabato in fascia preserale: il programma vedeva una comune famiglia romana che, per un mese, abbandonava la moderna vita di città per vivere in una fattoria toscana come se si trovasse non più nel 2002, bensì alla fine dell'Ottocento; tale formula verrà poi ripresa per la prima edizione de  Fattoria  e la dalla Chiesa non mancherà di rilasciare interviste velatamente polemiche ai giornali sulle incredibili somiglianze che c'erano tra il reality di Italia 1 e la trasmissione da lei condotta due anni prima.

Prompt: In The Farm (Miró), how is the Controversies discussed?Please output in Italian.

2002
C'era una volta la fattoria
Italia
Italia 1
Rete 4
Rita dalla Chiesa


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Natura morta

natura morta 'moderna' trova un preciso campo di sperimentazione nelle tarsie lignee quattrocentesche. Ambito prediletto per le stupefacenti esercitazioni dei pionieri della prospettiva, i pannelli lignei simulano frequentemente ante di armadi e scansie in cui sono collocati gli oggetti più diversi, anticipando soluzioni e soggetti che verranno adottati nel Seicento.Nel XV secolo le origini del genere vanno collegate alla pittura fiamminga e a quella di Antonio Leonelli da Crevalcore, dove appaiono nel particolare di San Paolo nel trittico di Étrepy e in altre sue opere una serie di nature morte. Particolare il ruolo delle tarsie lignee, che sperimentano soluzioni adottate più tardi nella pittura.Nel XVI secolo cresce l'attenzione verso la rappresentazione di oggetti e forme del mondo naturale. Si può ricordare ad esempio l'opera di Giovanni da Udine di cui rimane famosa la rappresentazione di strumenti musicali ai piedi di Santa Cecilia  rappresentata in un quadro di Raffaello e le grottesche e ghirlande della Villa Farnesina ricca di innumerevoli forme vegetali.

Prompt: How does Still Life (Claesz) explain its Still life in the Renaissance?Please output in Italian.

Antonio Leonelli
Crevalcore
Giovanni da Udine
Villa Farnesina
XVI secolo
XV secolo
Étrepy


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Apollo di Veio

Mauro Cristofani, L'Arte degli Etruschi, Produzione e consumo, Torino, 1978, pp. 100-102.   Radio3rai Museo Nazionale, trasmissione radiofonica del 27 febbraio 2016.

Prompt: How does Apollo of Veii explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: Describe the characteristics of the Art beauty in The Beauty's Introduction.Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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Cristo di San Giovanni della Croce

Il quadro e i suoi diritti di proprietà intellettuale furono acquisiti dal consiglio di Glasgow nel 1952 grazie a Tom Honeyman, l'allora direttore dei musei di Glasgow, in Scozia. Honeyman comprò il dipinto per 8200 lire sterline, un prezzo alto per l'epoca, che includeva i suoi diritti d'autore, che hanno restituito al museo di Glasgow il suo prezzo moltiplicato per varie volte. Ciononostante, la controversia fece sì che Honeyman e Salvador Dalí divenissero amici, scrivendosi per anni dopo l'acquisto. tela venne esposta per la prima volta al museo Kelvingrove il 23 giugno del 1952. Nel 1961, un visitatore lanciò una pietra contro il dipinto e lacerò la tela con le sue mani. L'opera venne restaurata con successo sei mesi dopo dai conservatori del museo e si poté essere riesposta al pubblico. Nel 1993, il quadro fu trasferito al museo d'arte e della vita religiosa di San Mungo, anche se tornò al museo Kelvingrove prima della sua riapertura nel luglio del 2006. mentre due anni dopo venne esposto nella chiesa di San Marcello al Corso, a Roma, assieme al disegno del santo carmelitano che lo ispirò.

Prompt: Focus on Christ of Saint John of the Cross and explain the History.Please output in Italian.

Salvador Dalí
Glasgow
Roma
Salvador Dalí
Scozia
Tom Honeyman


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Epifania

In Bulgaria l'Epifania si celebra il 6 gennaio ed è conosciuta come Bogoyavlenie , Кръщение Господне  o Yordanovden . In questo giorno, una croce di legno viene gettata da un sacerdote in mare, fiume o lago e i giovani corrono a recuperarla. Poiché le acque hanno una temperatura prossima allo zero, questo atto è considerato onorevole e si ritiene che la casa del nuotatore che per primo raggiunge la croce sia premiata dalla buona salute.Nella città di Kalofer, viene suonato un tradizionale coro con tamburi e cornamuse nelle gelide acque del fiume Tundzha prima del lancio della croce.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Bulgaria and the History.Please output in Italian.


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Leonida alle Termopili

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Leonidas at Thermopylae.Please output in Italian.


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Filatrici

Le filatrici  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1657 circa dal pittore Diego Velázquez.È conservato nel Museo del Prado.Fino alla metà del XX secolo il dipinto era intitolato  fabbrica di arazzi di Santa Isabella in Madrid: solo nel 1948, infatti, gli studi dello storico e critico d'arte Diego Angulo Íñiguez permisero di ravvisare una relazione tra il dipinto ed l'antico mito greco di Aracne.

Prompt: How does Las Hilanderas explain its Abstract?Please output in Italian.

1657
1948
Aracne
Diego Angulo Íñiguez
Diego Velázquez
Madrid
Museo del Prado
XX secolo


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La vittoria della fede

regista Leni Riefenstahl al raduno di Norimberga durante le riprese del film.Come nel cortometraggio del 1935 I giorni della libertà - Il nostro esercito  e nel celebre lungometraggio Il trionfo della volontà, entrambi diretti da Riefenstahl,  vittoria della fede documenta un raduno del partito nazista in ordine approssimativamente cronologico. Nella pellicola non vi è alcuna voce fuori campo.Tra le attività documentate sono presenti l'incontro con dei diplomatici stranieri e altri politici e membri del partito, come Franz von Papen, alla stazione di Norimberga; l'arrivo di Adolf Hitler all'aeroporto e l'incontro con vari membri importanti del partito nazista, come Joseph Goebbels ed Hermann Göring; le parate delle camicie brune ; il discorso di Hitler sulla presa del potere da parte del partito e il decimo anniversario del movimento nazionalsocialista tedesco.Gli eventi sono narrati in ordine approssimativamente cronologico, a partire dall'arrivo di Hitler a Norimberga e il benvenuto datogli dal gauleiter Julius Streicher. Hitler viene poi mostrato insieme a Rudolf Hess ed Ernst Röhm, allora capo delle SA. Nella cerimonia di apertura è presente anche un discorso di Arturo Marpicati, vice segretario del Partito Nazionale Fascista, con tanto di congratulazioni da parte del dittatore Benito Mussolini. Più avanti è inoltre presente un cameo di Heinrich Himmler, che sarà presente nel film successivo della regista, Il trionfo della volontà. Il film si conclude con delle sequenze che mostrano una parata delle SA e delle SS.

Prompt: In The Victory of Faith (painting), how is the Plot discussed?Please output in Italian.


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Democrito

Democrito, Raccolta dei frammenti. Interpretazione e commentario di Salomon Luria, introduzione di Giovanni Reale. bio-bibliografia di S. Luria di Svetlana Maltseva, Milano: Bompiani, 2007. Andolfo, Matteo. Atomisti antichi: testimonianze e frammenti, testo greco e traduzione italiana, Milano: Bompaini, 2001. Walter Leszl , I primi atomisti. Raccolta dei testi che riguardano Leucippo e Democrito, Firenze: Olschki, 2009. Vittorio Enzo Alfieri, Gli atomisti, Bari: terza, 1936. I presocratici. Prima traduzione integrale con testi originali a fronte delle testimonianze e dei frammenti di Hermann Diels e Walther Kranz, a cura di Giovanni Reale, Milano: Bompiani, 2006. C. C. W. Taylor, The Atomists, Leucippus and Democritus. Fragments, testo greco, traduzione inglese e commento, Toronto: University of Toronto Press, 1999.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Editions of texts of the Opponents explained?Please output in Italian.

Giovanni Reale
Hermann Diels
Leucippo
Walther Kranz


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Gioiello di Vicenza

Il 15 giugno 2012 in Piazza dei Signori si è tenuta la presentazione ufficiale, dopodiché i lavori sono iniziati unendo la parte artigianale dell'argentiere Carlo Rossi ad una sofisticata tecnologia laser offerta da un'azienda di Bressanvido. Nell'estate 2013 il Gioiello è stato completato; è stato restituito alla cittadinanza per la festa patronale cittadina il 7 settembre, unendosi alla consueta processione al Santuario della Madonna di Monte Berico, in una cerimonia ufficiale che ha avuto 30.000 partecipanti.Il Gioiello è stato accolto presso il Museo Diocesano e posto a fianco alla tela del Maffei San Vincenzo col modello della città di Vicenza. L'esposizione del Gioiello al Museo Diocesano ha ricevuto Medaglia di Rappresentanza del Presidente della Repubblica Italiana.Nel 2015, il Gioiello è stato esposto a Milano, ad Expo 2015. All'interno della manifestazione internazionale, l'argentiere Carlo Rossi è stato premiato con il Confartigianato Design Award 2015 per la realizzazione dell'opera.

Prompt: In Jewel of Vicenza, how is the Exhibition of the Reconstruction explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (Masolino), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Cloud Gate

Kapoor spesso parla di rimuovere, dalle opere di ogni artista, sia la firma che ogni traccia lasciata durante la fabbricazione, o come lui preferisce chiamarle, le "tracce della mano".Il Cloud Gate è descritto come un lavoro trasformativo e convenzionale. È simile a molti altri precedenti lavori dello stesso Kapoor nei temi e nelle questioni riportate. Mentre gli effetti specchio della scultura sono reminiscenze degli specchi presenti nei parchi giochi, in realtà hanno anche un intento molto più serio: aiutano a dematerilizzare questo grosso oggetto, facendolo sembrare leggero e quasi senza peso. Il Cloud Gate è considerato inoltre il più ambizioso uso, da parte dell'artista, di specchi complessi. Kapoor sfida i propri visitatori ad internalizzare il proprio lavoro attraverso esercizi intellettuali e teorici: riflettendo il cielo, riflettendo le persone  e riflettendo le architetture intorno, il Cloud Gate limita i propri visitatori ad una parziale comprensione in ogni momento. L'interazione con lo spettatore che si muove per creare la propria personale visione dà l'idea di una dimensione spirituale.  scultura è inoltre descritta come una luminosa forma senza corpo,.Il visitatore entra fisicamente nell'arte quando cammina al di sotto della struttura dentro il suo "ombelico". L'omphalos è una "dimensione raggrinzita di spazio fluido". Nella sua dimensione, il solido viene trasformato nel fluido in una maniera disorientativamente moltiplicativa che intensifica l'esperienza vissuta. È emblematico del lavoro di Kapoor il modo di destrutturare lo spazio empirico ed avventurarsi nelle varie possibilità dello spazio astratto.Secondo quanto dichiarato dal project manager Lou Cerny delle MTH Industries, "quando la luce è quella giusta, non si riesce a capire dove finisca la scultura e dove inizi il cielo."  scultura sfida la percezione distorcendo e deformando le architetture che vi stanno attorno. I grattacieli lungo la East Randolph Street fino al limite nord-est della Two Prudential Plaza e Aon Center, a nord la One Prudential Plaza e a nord-ovest il The Heritage, Smurfit-Stone Building sono riflessi sulla superficie del Cloud Gate quando visti da est o da ovest.  scultura distorce inoltre la percezione del tempo del visitatore in quanto cambia la velocità di movimento, come accade ad esempio con le nuvole.Sebbene nel senso convenzionale il Cloud Gate non sia un'apertura che porta dovunque nello stesso modo in cui fanno le porte monumentali, esso incornicia una visuale e la celebra come se fosse un posto cerimoniale. L'opera è accreditata della realizzazione di un nuovo livello come una transustanziazione della materia, reminiscenza di quello che l'artista ha provato durante il viaggio in India del 1979.  raccolta "1000 Names" di Kapoor si evolve immediatamente dopo questo viaggio e, 25 anni più tardi, l'artista creerà il Cloud Gate, un oggetto che emerge da forme materiali per diventare immateriale.Spesso, Kapoor si affida a canoni dell'induismo per la realizzazione della sua arte e dice che "l'esperienza degli opposti permette l'espressione della totalità".  dualità primitive, come ad esempio il lingam e lo yoni, sono importanti nell'ambito della cultura indiana ed il Cloud Gate rappresenta proprio entrambe le doppia valenza maschile e femminile di un'entità che simboleggia sia la vagina che i testicoli, rappresentando, quindi, la tensione tra la mascolinità e la femminilità.

Prompt: Explain the CloudGate about the Audience reception of this artwork, Cloud Gate.Please output in Italian.


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Ritratto di gonfaloniere

Ritratto di gonfaloniere è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1622 dalla pittrice italiana Artemisia Gentileschi. Si trova nelle Collezioni comunali d'arte di Palazzo d'Accursio a Bologna.

Prompt: Focus on Portrait of a Gonfaloniere and explain the Abstract.Please output in Italian.

1622
Artemisia Gentileschi
Bologna
Collezioni comunali d'arte
Palazzo d'Accursio


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Pietà Rondanini

Pietà Rondanini è un'opera marmorea  di Michelangelo Buonarroti, scolpita nel 1552-1553  e rilavorata dal 1555 circa al 1564; è conservata nel Museo del Castello Sforzesco a Milano. Si tratta dell'ultima opera dell'autore, che secondo le fonti vi lavorò fino a pochi giorni prima di morire.Dal 2 maggio 2015 si può vedere la Pietà nel nuovo museo, allestito nell'antico Ospedale Spagnolo nel Cortile delle Armi del Castello Sforzesco.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Rondanini Pietà.Please output in Italian.


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Ritratto di Maddalena Strozzi

Ritratto di Agnolo Doni Dama col liocorno

Prompt: In Portrait of Maddalena Doni, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Agnolo Doni
Dama col liocorno
Ritratto di Agnolo Doni


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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La Fornarina

Il ritratto, di discinta seminudità, doveva essere destinato a una collocazione privata, lontana da sguardi indiscreti.  donna è infatti ritratta a seno scoperto, coperta appena da un velo che regge al petto con la mano destra e da un manto rosso che copre le gambe. Ritratta di tre quarti verso sinistra, la donna guarda a destra, oltre lo spettatore, e il bracciale con la firma dell'artista che porta sul braccio sembra un suggello d'amore.In testa porta un turbante fatto di una seta dorata a righe verdi e azzurre annodata tra i capelli, con una spilla composta di due pietre incastonate con perla pendente, non insolito nella moda dell'epoca. Il gioiello è già documentato nell'opera di Raffaello nel Ritratto di Maddalena Strozzi  e ne  Velata . Il turbante si ritrova nella Sacra Famiglia di Francesco I .Lo sfondo è costituito da un folto cespuglio di mirto, pianta dedicata a Venere.L'effigie è di fresca immediatezza, con una sensualità dolce e rotonda, amplificata dalla luce diretta e fredda che proviene da sinistra, inondandola, e risaltata dallo sfondo scuro.

Prompt: Focus on La Fornarina and explain the Description.Please output in Italian.

Ritratto di Maddalena Strozzi
Sacra Famiglia di Francesco I


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Musica

Per musica corale si intende l'insieme delle discipline artistiche  che riguardano quell'importantissimo "strumento musicale" che si chiama coro.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Choral music and the The relationship with singing.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

terza domenica di maggio il popolo di Casalvecchio eleva alla sua santa patrona il suo inno d'amore e di devozione "Salve Eccelsa Imperatrice, Salve oh fonte di pietà, tu sei l'arca salvatrice dell'afflitta umanità; Salve oh Madre delle Grazie, dei tuoi figli abbi pietà". Una solenne processione dell'effigie della Madonna attraversa le strade del paese addobbato in festa, con musiche, luci e spari pirotecnici. In suo onore dal 1870 è nata la confraternita spirituale della Madonna delle Grazie. Una leggenda vuole che un quadro miracoloso della Madonna proveniente da Gildone  sia stato ritrovato in un pozzo del paese, da allora tra i due paesi è sorto un legame di fede, che ancor oggi è nutrita dalle reciproche visite dei paesi nelle rispettive feste in onore della Madonna delle Grazie.

Prompt: Describe the characteristics of the Casalvecchio di Puglia in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Palude

Esistono paludi d'acqua dolce o salata , a seconda che esse si formino vicino ai laghi e ai corsi dei fiumi o nelle vicinanze delle pianure costiere. Quando la palude è originata dall'accumulo di acqua di piena in zone basse, prende il nome di lama, mentre quando questa zona bassa si trova tra l'argine e il corso naturale del fiume si parla di golena.Le paludi si distinguono anche in paludi basse, alte o intermedie:Le paludi basse  sono caratterizzate da un eccesso d'acqua a causa di inondazioni temporanee o di un livello elevato della falda freatica. Tali paludi mantengono il contatto con acqua ricca di minerali e rappresentano l'ambiente adatto per la vegetazione palustre.Le paludi alte  sono caratterizzate dalla mancanza di accesso all'acqua freatica, ricca di sostanze nutrienti. Esse sono alimentate prevalentemente dalle precipitazioni meteoriche che, praticamente prive di nutrimenti, determinano una situazione di carenza di nutrienti minerali. Ciò determina un ambiente con forte acidità e scarsa presenza di sostanze nutrienti e ossigeno, al quale si adattano solo poche specie vegetali, e in particolare gli sfagni.Le paludi di transizione  presentano caratteristiche ecologiche e una vegetazione con aspetti comuni sia con le paludi basse che con le paludi alte.

Prompt: How does A Wooded Marsh explain its Typology?Please output in Italian.


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Battaglia dei centauri

Battaglia dei centauri o Centauromachia è un altorilievo marmoreo  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1492 circa e conservato nella casa Buonarroti a Firenze.

Prompt: Focus on Battle of the Centaurs (Michelangelo) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1492
Centauro
Firenze
Michelangelo Buonarroti


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Polittico della Certosa di Pavia

Il Polittico della Certosa di Pavia è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1499 circa e di cui si conservano le tre tavole inferiori nella National Gallery di Londra, e la tavola superiore presso la Certosa di Pavia.

Prompt: How does Certosa di Pavia Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.

1499
Certosa di Pavia
Londra
Perugino
Perugino


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Quadrato nero

Molti storici dell'arte, curatori e critici fanno riferimento al Quadrato Nero come una delle opere fondamentali dell'arte moderna e dell'astrattismo nella generale tradizione occidentale della pittura.Malevič dichiarò il quadrato un'opera del Suprematismo, un movimento da lui proclamato ma il quale è associato quasi esclusivamente con il lavoro di Malevič e del suo apprendista Lissitzky oggi.  Il movimento ebbe una manciata di sostenitori tra l'avanguardia russa, ma venne sovrastato dal fratello costruttivismo il cui manifesto si armonizzava meglio con le concezioni ideologiche del governo rivoluzionario comunista, durante i primi giorni dell'Unione Sovietica. Il Suprematismo potrebbe essere compreso come una fase di transizione nell'evoluzione dell'arte russa, coprendo il buco evoluzionistico fra il futurismo e il costruttivismo.Il balzo in avanti più largo e universale rappresentato dal dipinto, tuttavia, è la frattura fra il dipinto rappresentativo e quello astratto — una transizione complicata con la quale il Quadrato Nero venne identificato e per il quale è divenuto una delle chiavi di abbreviazioni, riferimenti o simboli.

Prompt: In Black Square, how is the Historical context discussed?Please output in Italian.


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Flagellazione

Nel caso di pena corporale, la persona che dà le frustate, nei Paesi islamici, deve tenere un Corano sotto l'ascella del braccio con cui utilizza la frusta: ciò ha l'effetto di limitare la potenza del colpo, ma anche gli atti compassionevoli nell'esecuzione.Invece, per il caso di autoflagellazione mistica, sono stati indicati anche ulteriori moventi, come quello di identità comunitaria o tradizionalista.

Prompt: In the context of The Flagellation of Christ (Cimabue), explain the Islam and the History.Please output in Italian.


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La pastorella

Il dipinto è ambientato in una scena idilliaca e pastorale e raffigura una ragazza solitaria in abiti da contadina, scalza, mentre tiene in equilibrio un bastone sulle spalle. Sullo sfondo si notano un paesaggio rustico collinare e un campo con dei buoi al pascolo.Questo quadro è uno dei tanti dipinti di Bouguereau che raffigurano delle pastorelle o delle giovani ragazze immerse in un ambiente pastorale, mentre osservano curiosamente lo spettatore.  modella di questo quadro posò anche per il dipinto  Bohémienne, realizzato nel 1890.L'opera attualmente è in mostra permanente al museo d'arte Philbrook di Tulsa ed è divenuta un'immagine emblematica del museo. Il dipinto fu al centro di una mostra itinerante su Bouguereau e sui suoi studenti svoltasi nel museo di Tulsa nel 2006.

Prompt: Focus on The Shepherdess and explain the Description.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Le decorazioni del Partenone subirono numerosi danni durante le varie guerre che vennero combattute nel territorio di Atene. In particolare il tempio fu seriamente danneggiato da un'esplosione provocata dai bombardamenti veneziani del 1687: il Partenone infatti era utilizzato dagli Ottomani come deposito di munizioni. Questa esplosione rovinò il tetto di marmo, la maggior parte delle pareti della cella, 14 colonne dei versanti nord e sud e varie metope, cadendo a terra insieme a parti del fregio, finirono in pezzi. Un ulteriore danno è stato provocato dal generale veneziano Francesco Morosini, che successivamente rimosse dal luogo alcune delle sculture più grandi.  sua attrezzatura, che era difettosa e artigianale, fece cadere dal frontone occidentale Poseidone e i cavalli del carro di Atena, che precipitarono giù dall'Acropoli per quaranta metri.

Prompt: Describe the characteristics of the Morosini in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Apollo Chatsworth

Una piccola sezione laterale nel retro della testa, al livello degli occhi, è stata rimossa in un modo che implica che fosse stato fatto per permettere alla luce di illuminare gli occhi della statua.  Può darsi che la testa fosse posizionata in modo da sfruttare questa caratteristica in un tempio, o la posizione del sole in un dato periodo dell'anno, ma questa è una ipotesi.

Prompt: In Chatsworth Head, how is the Particular characteristics discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna Sistina

Appoggiati alla balaustra in fondo al dipinto, i due cherubini, popolarmente noti anche come "angioletti", "puttini" o "amorini", sono fra le realizzazioni più popolari del Sanzio e della cultura figurativa del Rinascimento in generale. Nel 1913 Gustav Kobbé scrisse in una guida per il grande pubblico:</ref>The most famous cherubs ever painted are those of Raphael. When "Raphael's Madonna" is spoken of only one of his many Madonnas is meant,–the "Sistine Madonna" in the Dresden gallery. Other Madonnas by him also are famous; but this so far outdoes them all in fame that it is known simply as his Madonna. […] Quite as famous as Raphael's Madonna are Raphael's Cherubs, which are a detail taken from this Madonna; and, as the "Sistine Madonna" is the most widely known picture of the Virgin, so no cherub or group of cherubs is so famous as the two that lean on the alter top indicated at the very bottom of the picture. These cherubs, however, are not just pretty cherubs: they have both artistic and allegorical meaning in the composition. The composition of this picture is not only in three planes of perspective, but also in three planes of elevation. […] The cherubs are at the bottom and very front of the picture. Despite their wings, they are intensely human little creatures, and may be said to represent humanity. […] It may be, as some people think, that the two charming infants with wings were afterthoughts. Even so, however, they are not superfluous, but, exquisite in themselves, add to the harmonious beauty of the composition.lingua=en}}Sopra i cherubini, i due santi rappresenterebbero dunque la Chiesa e la Vergine con il Bambino la sfera celeste.Oltre ai significati simbolici, la bellezza e originalità del soggetto, la posizione distanziata dal gruppo che compone la sacra conversazione più in alto, l'autosufficienza grafica e l'aspetto quotidiano e "irriverente" dei cherubini hanno donato loro una fama propria che va al di là di quella del dipinto; le possibilità di riproduzione tecnica sviluppate fra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo hanno poi consentito la loro riproduzione come soggetto indipendente dal resto del quadro.Nel corso dei cinque secoli di storia del dipinto, ed in particolare negli ultimi due dopo la rivoluzione industriale, i cherubini hanno assunto un valore fortemente iconico sia per la loro grande diffusione su opere a stampa, vestiario, cartoline, carte da regalo e prodotti commerciali vari, sia per gli omaggi resi loro dal design industriale e dalla moda.

Prompt: Explain the The little children about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Sistine Madonna.Please output in Italian.


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Madonna Tempi

Madonna è ritratta a mezza figura col Bambino in braccio, sullo sfondo di un paesaggio delineato sinteticamente, che evidenzia, per contrasto, la monumentalità delle figure. I due protagonisti appoggiano i volti l'un l'altro citando la Madonna Pazzi di Donatello, ma soprattutto il piccolo tondo che lo scultore inserì nello sfondo del Miracolo del neonato che parla nell'altare di Sant'Antonio da Padova. Tutto il gruppo è percorso da un'unica sensazione di moto, leggermente spiraliforme, che va dall'ampio giro di manto in basso, fino all'abbraccio e al tenero gesto dei volti, così intimo e familiare.Straordinario è l'equilibrio raggiunto tra l'ideale di perfezione artistica e la naturalezza delle figure.

Prompt: In Tempi Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Donatello
Madonna Pazzi
Miracolo del neonato che parla


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Trittico di san Pietro martire

Il Trittico di san Pietro martire è una pala di Beato Angelico, tempera su tavola , databile al 1428-1429 e conservato nel Museo nazionale di San Marco a Firenze.

Prompt: In San Pietro Martire Triptych, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il sogno di Ossian

Uno studio a matita del bardo celtico, oggi al museo Ingres.Ossian è seduto al centro in primo piano, mentre si appoggia alla sua arpa e sogna. Il poeta è accompagnato da un segugio nel paesaggio roccioso.  visione è incorniciata a destra dal figlio di Ossian, Oscar, che impugna una lancia e uno scudo, e a sinistra da una donna che tiene un arco con una mano e tende verso l'altra verso Ossian.  figura è stata interpretata da alcuni come la moglie di Ossian, Evirallina, Dietro a questa figura femminile si trova Fingal, il padre di Ossian, che guida un gruppo di guerrieri, alcuni dei quali sono abbracciati da delle donne nude. Al centro del sogno, quattro deesuonano l'arpa nelle nuvole davanti al dio Starno, seduto e con la barba lunga. L'atmosfera lunare si adatta alla camera da letto dove si trovava originariamente la tela. L'inclusione delle quattro dee che suonano l'arpa dentro le nuvole potrebbe essere un altro riferimento all'opera lirica.

Prompt: How does The Dream of Ossian explain its Description?Please output in Italian.


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Polittico della Misericordia

Pietro Allegretti, Piero della Francesca, Milano 2003 Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: Focus on Polyptych of the Misericordia and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Describe the characteristics of the Location of the Last Supper in The Sacrament of the Last Supper's New Testament.Please output in Italian.