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Madonna delle Arpie

Le figure sono disposte secondo uno schema piramidale, col vertice nella testa di Maria, derivato dall'esempio dei grandi maestri attivi a Firenze quali Leonardo e Raffaello. Lo schema simmetrico, leggermente ruotante attorno all'asse della Vergine per il contrapposto nelle pose dei santi e dei putti , risulta estremamente armonico, con una piena padronanza del disegno, che valse all'artista l'appellativo di "pittore senza errori".  monumentalità delle figure riecheggia il titanismo di Michelangelo, addolcito però dal morbido sfumato alla Leonardo e dai colori brillanti, con delicate scelte cromatiche esaltate dai riflessi luminosi.  sua eccellente capacità disegnativa gli permise quindi di conciliare spunti apparentemente distanti, all'insegna di un'esecuzione impeccabile e allo stesso tempo molto libera e sciolta nel modellato. Le pose sono eloquenti, elegantemente ricercate, ma prive delle forzature anatomiche dei manieristi, rendendo il lavoro collocabile in posizione intermedia, tra il tramonto degli equilibri del Rinascimento umanistico e le tensioni della Maniera.«Il colore è come portato dalla luce, aderisce appena ai corpi. Traspare infatti il grigio della pietra e su questa tonalità di fondo si stendono velature diafane, che accompagnano la variazione chiaroscurale con un lieve mutare della tinta, come per una diversa rifrazione della luce» .

Prompt: Explain the Style of this artwork, Madonna of the Harpies.Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Filippine, l'Epifania è conosciuta come "Giornata dei Tre Re" e anche come Pasko ng Matatanda . Segna la chiusura ufficiale del periodo natalizio e, come giorno di festa, i filippini lo festeggiano con lo scambio di regali e il saluto di "Buona [festa dei] Tre Re!".

Prompt: In Epifania, how is the Philippines of the Theology explained?Please output in Italian.


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Scena di neve ad Argenteuil

Si tratta di uno dei diciotto dipinti che Monet eseguì per immortalare l'eccezionale nevicata che colpì Argenteuil nell'inverno 1874-75. Il centro della composizione è il boulevard Saint-Denis, dove il pittore viveva; l'essenzialità dell'impianto compositivo e disegnativo è motivata dalla ricerca della resa atmosferica, caratterizzata da una quasi monocromia giocata sulle sfumature dei grigi e dei blu.

Prompt: In Snow at Argenteuil, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Martirio di quattro santi

Il soggetto del dipinto, assai poco frequente, è il martirio di quattro giovani, tutti figli del patrizio romano Tertullo, vissuti nel VI secolo: Placido e Flavia, in primo piano, Eutichio e Vittorino, sulla destra. Questi ultimi due, ancora adolescenti, sono già stati uccisi, mediante decapitazione; Placido sta per subire la loro stessa sorte, mentre Flavia viene trafitta al seno. Un angelo in volo tiene in mano la palma del martirio. L'uccisione dei quatto fratelli viene attuata da pirati saraceni, sotto la guida di Manuca. Questa scelta iconografica fu fatta in omaggio al committente Placido del Bono.Data la rarità del soggetto, Correggio non ebbe a disposizione una salda tradizione iconografica a cui fare riferimento e questa libertà si tradusse in un'occasione per impostare in maniera innovativa l'immagine.Da un disegno preparatorio oggi conservato nel Louvre, si vede che l'artista aveva in un primo tempo ideato una soluzione più semplificata che prevedeva una disposizione rigorosamente simmetrica dei quattro santi, mentre al centro era collocato un piccolo putto assiso su una nuvola che portava la corona del martirio. Solo in un secondo momento Correggio dovette prestare attenzione al particolare punto di vista obliquo che avrebbe avuto lo spettatore davanti alla cappella. Ciò spinse l'artista a costruire l'immagine secondo una diagonale, collocando di spalle la figura di uno dei carnefici destinata così ad aprire, da sinistra, la scena, in un atteggiamento che incontrò grande interesse da parte di Niccolò dell'Abate, uno dei protagonisti più seducenti della “Maniera” emiliana in una pala per una chiesa di Modena, andata perduta, ma già apprezzata da Vasari.Anche la gestualità delle figure dei martiri subì un significativo cambiamento dal disegno preparatorio all'opera finita. Particolarmente santa Flavia, che dapprima era stata rappresentata con il braccio destro portato al petto e il volto di profilo, assunse nel dipinto una posizione più frontale, con le braccia dischiuse e lo sguardo rivolto al cielo in accettazione dolce e remissiva del proprio martirio. Una gestualità che Correggio stesso riprese in anni assai prossimi a questi nella figura del Cristo dellOrazione nell'orto e che affascinò, quasi un secolo più tardi, Federico Barocci.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Martyrdom of Four Saints.Please output in Italian.


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I Musici

Violini: Marco Fiorini, Ettore Pellegrino, Iuditha Hamza, Pasquale Pellegrino, Francesca Vicari, Gianluca Apostoli Viole: Massimo Paris, Silvio Di Rocco Violoncelli: Vito Paternoster, Pietro Bosna Contrabbasso: Roberto Gambioli Clavicembalo: Francesco Buccarella

Prompt: Describe the characteristics of the Current components in The Musicians (Caravaggio)'s History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Arca di san Domenico

Angelo reggicandelabroSan Petronio San Procolo

Prompt: In Arca di San Domenico, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: In Epifania, how is the In  the  Eastern  Churches of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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Giochi di bambini

L'opera, citata da van Mander nel 1604, venne acquistata nel 1594 dall'arciduca Ernesto d'Asburgo. Nel 1784 comparì nel catalogo di Chrétien de Mechel.

Prompt: How does Children's Games (Bruegel) explain its History?Please output in Italian.


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Jeunes filles au piano

Renoir, dopo aver eseguito l'opera nel 1892, la espose alla sua rassegna personale presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Da lì fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei pittori ancora viventi più celebri e riunirle in una sala al palazzo del Lussemburgo, interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare dunque palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.L'opera raffigura due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano a suonare il pianoforte. Renoir si sofferma sui vari particolari dell'abitazione familiare, restituendo un'immagine che coglie magistralmente la deliziosa immersione delle due fanciulle negli esercizi musicali: Jeunes filles au piano, in effetti, è un dipinto che riprende la maniera sciolta, immediata e spontanea di Berthe Morisot, pittrice impressionista dedita alla raffigurazione di donne che svolgono attività di vario tipo entro le mura domestiche. Brani di particolare preziosità pittorica sono il vaso posto sul pianoforte, la chioma bionda e fluente che incornicia il viso angelico della ragazza in primo piano e la sua mano destra, appoggiata sulla tastiera dello strumento come se volesse accarezzarlo.Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo stile aigre. Le forme di questo dipinto, infatti, sono descritte da linee morbide e dolci e sono irrorate di una luminosità fresca e diffusa: si avverte chiaramente, dunque, l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle precedenti opere aigre. È a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Girls at the Piano.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, regia di Raffaele Mertes . Maddalena - Ciò che i suoi occhi hanno visto . Maria Maddalena , regia di Garth Davis . Il codice da Vinci, regia di Ron Howard .

Prompt: How does Mary Magdalene (Perugino) explain its Filmography?Please output in Italian.


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Epifania

In Lettonia l'Epifania è conosciuta come Trijkungu diena  dai cattolici o Zvaigznes diena  dai luterani in ricordo della Stella di Betlemme che condusse i Magi a Gesù Bambino. In passato, stelle luminose di tessuto venivano cucite sullo sfondo di trapunte di colore scuro, che rappresentavano il cielo notturno. L'Epifania era un giorno di divertimento, trascorso in slitte scoperte trainate da cavalli, sulle quali queste trapunte venivano usate per coprire le ginocchia degli allegri cavalieri.Se il giorno dell'Epifania era luminoso e mite e il sole "riscaldava la schiena dei cavalli" si diceva che l'anno a venire avrebbe portato solo pace. Se la notte prima dell'Epifania aveva un cielo stellato e limpido, significava che la Lettonia poteva aspettarsi un buon raccolto nella prossima estate. Se all'Epifania si sentiva abbaiare un cane bisognava cercare il proprio futuro sposo in quella stessa direzione. In questo giorno si mangiano speciali torte di mele a tre angoli e, come in altri paesi, sono popolari da secoli il canto delle stelle, le visite e le benedizioni della casa.

Prompt: Explain the Latvia about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Betlemme
Gesù
Gesù
Lettonia
Stella di Betlemme


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Maja vestida

maja vestida è un dipinto a olio su tela di Francisco Goya, realizzato tra il 1800 e il 1808 e conservato al Museo del Prado di Madrid.

Prompt: Focus on La maja vestida and explain the Abstract.Please output in Italian.

1800
1808
Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid
Museo del Prado


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La fattoria

Conduttrice: Barbara D'Urso - Inizio trasmissione: 16 marzo 2005 - Fine trasmissione: 29 maggio 2005 - Puntate: 12 - Giorni: 72 - Numero di partecipanti: 14 - Montepremi:  - Opinioniste: Barbara Alberti, Simona Izzo - Inviato: Pupo - Location: Itaipava  seconda edizione de  fattoria, è andata in onda dal 16 marzo al 29 maggio 2005 su Canale 5, con la conduzione di Barbara D'Urso, affiancata dalle opinioniste Barbara Alberti e Simona Izzo e con la partecipazione dell'inviato Pupo.I 14 concorrenti sono stati in Itaipava  per 72 giorni, e Raffaello Tonon vinse il montepremi finale di 200.000 euro.{ class="wikitable" style="text-align:center;"!Concorrente !!Età !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Raffaello Tonon 25 anni Personaggio TV  Italia Vincitore-Mal 61 anni Cantante  Regno Unito Secondo classificato-Patrizia Rossetti 45 anni Conduttrice TV  Italia Terza classificata-Giulia Montanarini 29 anni Showgirl  Italia Eliminata-Éva Henger 32 anni Showgirl, ex attrice pornografica  Ungheria Eliminata-Ugo Conti 49 anni Attore  Italia Eliminato-Marco Basile 30 anni Attore  Italia Eliminato-Clayton Norcross 50 anni Attore  Stati Uniti d'America Eliminato-Ramona Badescu 36 anni Showgirl  Romania Eliminata-Edoardo Costa 37 anni Attore  Italia Eliminato-Francesca Lodo 22 anni Modella, showgirl  Italia Eliminata-Francesco Benigno 37 anni Attore  Italia Eliminato-Cristel Carrisi 19 anni Cantautrice  Italia Ritirata-Jo Squillo 42 anni Cantante, conduttrice TV  Italia Espulsa}

Prompt: Describe the characteristics of the ''Thefarm2'' in The Farm (Miró)'s Editions.Please output in Italian.

2005
Barbara Alberti
Barbara D'Urso
Canale 5
Italia
Raffaello Tonon
Simona Izzo


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La proclamazione dell'abolizione della schiavitù nelle colonie francesi il 27 aprile 1848

proclamazione dell'abolizione della schiavitù nelle colonie francesi il 27 aprile 1848  è un dipinto a olio su tela del pittore francese François-Auguste Biard. Alto 260 centimetri e largo 392, venne realizzato tra il 1848 e il 1849 e oggi è conservato nel museo di storia della Francia, alla reggia di Versailles.L'opera rappresenta una società coloniale nella quale è appena stato proclamato il decreto del 27 aprile 1848 che procede all'abolizione della schiavitù nell'impero francese. Si assiste alla scena dell'emancipazione degli ex schiavi.  scena si sofferma su due schiavi neri che si abbracciano, con le catene spezzate, un simbolo della loro libertà appena acquisita.Oltre al titolo "ufficiale", l'opera è nota in francese anche con altri tre titoli: L'Émancipation des Noirs ; Proclamation de la liberté des Noirs aux colonies ; Proclamation de la libération des Noirs aux Antilles .

Prompt: How does Proclamation of the Abolition of Slavery in the French Colonies, 27 April 1848 explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Portrait of a Man in Red Chalk's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portrait environment autonomy and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il grande masturbatore

L'opera fa parte di una serie di pezzi prodotti tra il finire degli anni venti e l'inizio degli anni trenta, fondati su "destabilizzanti deformazioni onirico-paranoiche", e fu fra i dipinti esposti alla mostra surrealista di Parigi del 1938. Caratterizzato da una complessa iconografia barocca, questo dipinto è anticipatore dell'interesse da parte di Dalí per le "strutture molli" .

Prompt: Focus on The Great Masturbator and explain the Genesis.Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Danae

immagine = Frederick Sandys - Danae in the Brazen Chamber.jpgdidascalia = Danae  di Anthony Frederick Augustus Sandys.epiteto = sesso = femminaluogo di nascita = Argoprima apparizione = professione = principessa di Argo}}Danae  è un personaggio della mitologia greca. Fu una principessa di Argo e la fondatrice della città di Ardea.A lei è dedicato il nome dell'asteroide 61 Danaë.

Prompt: How does Danaë (Rembrandt) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Salita al Calvario

vicenda è raccontata brevemente dai Vangeli e ampliata particolarmente da Luca. Dopo la sentenza di condanna, Cristo, deriso e sanguinante, venne spogliato del mantello di porpora che gli era stato posto sulle spalle per scherno, rivestito con i suoi panni e caricato della croce. Secondo l'uso romano, infatti, l'esecuzione doveva avvenire fuori città lungo una strada particolarmente frequentata e il condannato doveva portarvi la propria croce, o almeno la sua traversa orizzontale, detta patibulum. localizzazione fuori porta era ancora più significativa alla luce delle leggi ebraiche che prescrivevano l'esecuzione fuori dell'accampamento sia per i bestemmiatori sia per i violatori del sabato, due accuse spesso rivolte a Gesù dai farisei. Proprio l'accusa di bestemmia era stata utilizzata dal sinedrio per condannare a morte Gesù. Nel vangelo di Marco, il primo ad essere redatto, questa connessione sembra essere suggerita deliberatamente con la scelta del verbo greco "exago" per descrivere l'azione di "condurre fuori" Gesù. Questa è la prima e unica volta che questo verbo viene utilizzato da Marco e proprio questo è il verbo utilizzato dalla LXX, la versione greca dell'antico testamento utilizzata dagli evangelisti, quando si ordina di condurre fuori dall'accampamento i bestemmiatori e i violatori del sabato prima di lapidarli.  scelta del verbo ottiene un rilievo ancora maggiore dall'indeterminatezza del luogo da cui Gesù è allontanato: il vangelo sottolinea una espulsione, un rigetto.Il Golgota si trova a nord di Gerusalemme e vi si accedeva uscendo dalla Porta di Gennath , i cui resti sono stati ritrovati circa a metà strada fra il pretorio e il Golgota. Dalla porta passava una delle strade principali in direzione delle città di Cesarea e Giaffa e ciò garantiva la massima pubblicità dell'esecuzione.Secondo il Vangelo di Giovanni, all'uscita del tribunale Gesù si avviò, portando la croce, verso il monte Calvario , dove fu crocifisso . <br>Secondo i Vangeli sinottici, all'uscita della città, i soldati costrinsero un uomo chiamato Simone di Cirene, che rientrava casualmente in città proprio in quel momento, a caricarsi addosso la croce e a sorreggere il suo peso sulle spalle al posto dello stesso Gesù sino al luogo dell'esecuzione; grazie al suo sostegno, Gesù poté evitare che il carico del patibulum gravasse sulle spalle e sulla schiena che erano già state ferite dalla severa flagellazione che aveva subito. Marco  specifica che Simone era il padre di Alessandro e Rufo, come se i suoi figli fossero ben noti ai suoi lettori e potessero confermare i fatti. Questo dettaglio si chiarisce supponendo che il Rufo, che Paolo saluta nella Lettera ai Romani , sia proprio il figlio di Simone e tenendo presente che il vangelo di Marco, o almeno una prima bozza, potrebbe essere stato scritto a Roma. Tutta la famiglia, quindi, avrebbe aderito al cristianesimo e forse Simone non cercò di sottrarsi alla croce di Gesù perché già ne aveva ascoltato la predicazione.In mezzo alla folla che seguiva il condannato c'erano delle donne che piangevano e solo Luca riporta le parole rivolte a loro da Gesù, esortandole a versare le loro lacrime non su di lui ma sulla sorte che sarebbe capitata a loro stesse e ai loro figli. L'accenno al popolo piangente potrebbe essere una allusione di Luca alla profezia di Zaccaria , letta in riferimento a Cristo anche nel vangelo di Giovanni  e nell'Apocalisse . Le parole di Gesù, invece, alludono alle tremende sofferenze della popolazione di Gerusalemme durante l'assedio romano, raccontate da Giuseppe Flavio.Gli autori del "Nuovo Grande Commentario Biblico" sottolineano come "Giovanni non riporta nessuno degli episodi avvenuti durante il tragitto verso il luogo della crocifissione, contenuti negli altri vangeli". Dato che Giovanni descrive l'avviarsi di Gesù verso il calvario con la croce in spalla, ma non riporta l'incontro col Cireneo, gli stessi studiosi suppongono che l'evangelista non fosse a conoscenza di tale tradizione o, a livello teologico, che Giovanni "scelse di far portare la croce a Gesù per significare che egli aveva ancora il pieno controllo del proprio destino".

Prompt: How does The Procession to Calvary (Bruegel) explain its The episode?Please output in Italian.

Calvario
Cristo
Gesù
Simone di Cirene
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo


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Pagamento del tributo

scena del Tributo viene rappresentata raramente dagli artisti tra le storie di Pietro e in questo caso è in una posizione di massima preminenza, arrivando anche a rompere quella che era la sequenza cronologica delle scene quando esisteva ancora il registro superiore con le scene del Pentimento di Pietro e il Pasce oves meas.  presenza di questa scena, oltre che celebrare la sapienza divina, è stata interpretata anche legandola a eventi locali, fiorentini o romani.A Firenze ricordava probabilmente l'imminente l'istituzione del catasto, che sarebbe avvenuta di lì a poco , ma che era già nell'aria, accolto concordemente dai dirigenti fiorentini nel 1424-1425: come Cristo accetta la logica terrena di pagare un tributo, così i cittadini dovevano sottostare all'obbligo civico di versare le tasse richieste. Lo stesso Felice Brancacci aveva un importante ruolo nell'amministrazione fiscale della città.Secondo Steinbart invece l'episodio adombrerebbe anche una lettura "romana", legata all'intenzione di papa Martino V di ristabilire l'autorità della Chiesa. Per Meller ci sarebbe un richiamo al fatto che la Chiesa non deve prendere il danaro per i tributi dalle sue proprietà, ma dai beni accettati da altri.

Prompt: In The Tribute Money (Masaccio), how is the Iconographic choice discussed?Please output in Italian.

1424
1425
Brancacci
Felice Brancacci
Firenze
Pentimento di Pietro


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Washington attraversa il fiume Delaware

Washington attraversa il fiume Delaware è anche il titolo di un sonetto composto da David Shulman. Esso si riferisce alla scena dipinta e si compone di 14 righe in rima, in cui ciascuna costituisce l'anagramma del titolo. Il pittore William H. Powell  realizzò un dipinto che deve molto al lavoro Luetze: esso raffigura il comandante Oliver Perry nel suo trasferimento da una nave all'altra nel corso della battaglia del lago Erie durante la guerra anglo-americana del 1812. Il dipinto originale è ora appeso nella Ohio Statehouse, e Powell in seguito ne ha creato una versione più grande, con una maggiore luce e quindi più tonalità di colori che pende nel Campidoglio a Washington. In entrambe le opere di Powell, Perry è mostrato in piedi in una piccola barca a remi circondato da molti uomini in uniforme. Il dipinto a Washington mostra la direzione di marcia da destra a sinistra, e l'immagine di Perry mostra una direzione inversa di movimento, ma le due composizioni sono sorprendentemente simili. In entrambi i dipinti uno degli occupanti della barca ha la testa fasciata. Washington chiama a raccolta le truppe a Monmouth, lavoro collegato a quello di Leutze può essere visto negli sala di lettura della Biblioteca Doe presso l'Università della California a Berkeley. Nel 1953, l'artista di pop art rry Rivers ha dipinto la sua versione dell'opera che si trova nel Museo di arte moderna di New York. L'artista Grant Wood fece uso del quadro per comporre lo sfondo della sua opera Figlie della Rivoluzione . Esso è un colpo alle D.A.R. esaminando quello che Wood interpreta come elitarismo ingiustificato. Il dipinto è ottenibile nel videogioco Animal Crossing tra i dipinti classici.  locandina del film Winnie the Pooh - Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri del 2011 raffigura i personaggi della serie in un vaso di miele che naviga sul miele. Tigro è il rematore e Winnie assume la stessa posizione di Washington. Nella canzone "Lydia, the Tattooed dy" scritta da Yip Harburg e Harold Arlen per il film "Tre pazzi a zonzo" si fa esplicitamente riferimento a questo dipinto: "She can give you a view of the world/In tattoo if you step up and tell her where/For a dime you can see Kankakee or Paree/Or Washington crossing the Delaware".

Prompt: In Washington Crossing the Delaware (1851 paintings), how is the In mass culture discussed?Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

pala è composta da un grande pannello centrale con la scena dellIncoronazione della Vergine tra i santi Paolo, Pietro, Girolamo e Francesco. Facendo una scelta iconografica del tutto inconsueta, l'episodio è ambientato, anziché in cielo, sulla terra, entro un trono marmoreo nella cui spalliera si apre una finestra che lascia intravedere una realistica immagine di paesaggio, con una rocca. Si tratta di un vero e proprio quadro nel quadro, enfatizzato dal fatto che la spalliera ha la stessa forma di quella intagliata e dorata del dipinto, che è originale.Nel cielo terso, che schiarisce avvicinandosi all'orizzonte come all'alba, si trovano gruppi di cherubini e serafini, mentre al centro vola la colomba dello Spirito Santo. Il paesaggio appare straordinariamente vivo: non un semplice fondale, ma una presenza in cui sembra circolare liberamente l'aria e la luce. A ciò concorre l'uso della pittura a olio, che permette di fondere il vicino e il lontano grazie ai particolari effetti luminosi. composizione appare bilanciatissima e calibrata sia dal punto di vista emotivo che da quello più strettamente teologico, inteso come rapporti tra le figure.  straordinaria luminosità accende i colori e fa risaltare, tramite gli intarsi marmorei, la precisa intelaiatura prospettica della scena, sia nel pavimento quanto nel trono sfaccettato. Nella pala la lezione di Mantegna appare ormai arricchita della luce chiara e dall'armonica sintesi tra architetture, personaggi e paesaggio di Piero della Francesca  e dalla tecnica oleosa di Antonello da Messina .

Prompt: In Pesaro Altarpiece (Bellini), how is the The Coronation of the History explained?Please output in Italian.

Antonello da Messina
Piero della Francesca


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I bari

I bari è un dipinto a olio su tela di 94×131 cm realizzato nel 1594 dal pittore italiano Caravaggio.È conservato nel Kimbell Art Museum di Fort Worth, che lo ha acquistato nel 1987 a Zurigo da un collezionista privato.Il quadro godette di notevole fortuna e fu soggetto di numerose copie da parte degli artisti contemporanei, oltre a garantire notorietà a Caravaggio tra gli aristocratici romani: il committente fu infatti il cardinale Francesco Maria Del Monte, il cui stemma è dipinto sul retro.Nel 2007 è stata riconosciuta come autentica una versione precedente del dipinto , appartenuta al collezionista e storico d'arte Denis Mahon e attualmente conservata nel Museo dell'Ordine dei cavalieri di San Giovanni di Clerkenwell .

Prompt: In The Cardsharps, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Group self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna Diotallevi

Maria è raffigurata a metà figura col Bambino in grembo e san Giovannino a fianco. Fitti sono i rapporti di gesti e sguardi tra i protagonisti, con Gesù che benedice Giovanni, il quale unisce le mani al petto in segno di umiltà e accettazione, mentre Maria, col suo abbraccio, veglia su entrambi approvando l'accaduto. Sebbene la composizione e le fisionomie dei protagonisti rimandino strettamente ai modelli di Perugino, interpretato però con austera semplicità, la cromia rivela quello splendore e quella profondità di chiaroscuro imputabile a Raffaello giovane.Lo sfondo è composto da un cielo chiaro, con un paesaggio al di sotto dell'orizzonte che passa a metà della tavola. Come tipico della scuola umbra, in esso si riconoscono colline dolcemente digradanti, che si perdono in lontananza secondo le regole della prospettiva aerea.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Diotallevi Madonna.Please output in Italian.


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Pala di Brera

scena è ambientata davanti a un'abside monumentale che si trova molto indietro rispetto alle figure, come dimostra lo studio delle proporzioni architettoniche, la prospettiva dell'abside è caratterizzata da una rappresentazione apparentemente deformata della trabeazione semicircolare, si potrebbe trattare di un espediente prospettico volto a far percepire l'uovo sopra la testa della Madonna, pur essendo più arretrato. Secondo il critico Clark le strutture dipinte sarebbero ispirate dalla chiesa di Sant'Andrea di Leon Battista Alberti. L'opera venne iniziata nel 1471, ma è probabile che tra i due artisti ci sia stato uno scambio di pareri e magari di disegni progettuali durante un loro probabile incontro a Rimini e forse nella stessa Urbino.  struttura riecheggia anche lo schema dell'architettura reale della chiesa di San Bernardino, di Francesco di Giorgio Martini, anche se la chiesa è un'opera ritenuta successiva, edificata dal 1482.Entro un monumentale arco di trionfo, retto da paraste al di sopra di un'elaborata trabeazione con una fascia continua di marmo rosso, si sviluppa una volta a botte con cassettoni scolpiti con rosette. Il numero dei cassettoni su ciascuna fila è dispari, come nell'architettura classica, ma diversamente dalle opere dell'Alberti o dalla stessa Trinità di Masaccio, di brunelleschiana ispirazione. Archi analoghi sono impostati sui lati, come in un ipotetico transetto. Nella parte inferiore si trovano specchiature marmoree policrome, accordate su toni delicati che fanno risaltare le figure, amplificando la sacralità e la monumentalità. L'impianto prospettico è esaltato dai contrasti fra luce e ombra che si creano nei cassettoni della volta a botte.

Prompt: In the context of Brera Madonna, explain the Background and the Description and style.Please output in Italian.

1471
1482
Francesco di Giorgio Martini
Leon Battista Alberti
Masaccio
Rimini
Urbino


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Madonna d'Alba

Madonna d'Alba è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello Sanzio, databile al 1511 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Focus on Alba Madonna and explain the Abstract.Please output in Italian.

1511
National Gallery of Art
Raffaello Sanzio
Washington


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Volta della Cappella Sistina

I primi mesi vennero occupati dai disegni preparatori , la costruzione del ponte e la preparazione delle superfici da affrescare, della quale si occupò il maestro Piero Rosselli, già autore della citata lettera del 10 maggio 1506. Il 10 giugno 1508 i lavori dovevano già procedere, poiché il cerimoniere pontificio Paris de Grassis registrò come le cerimonie liturgiche nella cappella erano state disturbate dalla caduta di polvere causata da costruzioni nella parte alta della cappella. Il 27 luglio il Rosselli era pagato a saldo.Per essere in grado di raggiungere il soffitto, Michelangelo necessitava di un'impalcatura, che permettesse anche il contemporaneo svolgersi delle attività religiose e cerimoniali nella cappella. I primi ponteggi vennero ideati proprio dal rivale Bramante, che ideò una speciale impalcatura, sospesa in aria per mezzo di funi. Michelangelo, che nelle sue lettere e negli scritti dei biografi non manca occasione per screditare e mettere in dubbio le capacità artistiche dei suoi rivali , giudicò la struttura del tutto inadeguata, poiché avrebbe lasciato dei buchi nel soffitto una volta completato il lavoro, rifacendo completamente il ponteggio di mano sua]]Ricostruì così un'impalcatura da sé, in legno. Il ponteggio di Michelangelo, tanto lodato da Vasari, in realtà si basava su un adattamento di un sistema già in uso per la gittata delle volte: sei coppie di capriate reggevano un'impalcatura pensile a "gradoni", appesa a sostegni ricavati da fori nei muri della parte alta, vicino alle finestre, che permetteva di lavorare alle varie superfici ora in posizione orizzontale, ora verticale, ora trasversale. Annotò polemicamente il Condivi che l'esempio di Michelangelo «fu cagione d'aprir gli occhi a Bramante et di imparar il modo di far un ponte; il che poi nella fabrica di San Pietro molto gli giovò»In pratica, con questa struttura Michelangelo risolse il problema dell'altezza e della mobilità, ma non quello della comodità: lo testimoniò lui stesso raffigurandosi nell'atto di dipingere la volta, accanto ad un componimento in versi che, "tradotto" in italiano moderno, recita:Sono teso come un arco.Mi è già venuto il gozzo, il ventre me lo sento in gola, i, lombi mi sono entrati nella pancia, non vedo dove metto i piedie il pennello mi gocciola sul viso.Tra la fine d'agosto e i primi di settembre del 1508 Michelangelo fece arrivare da Firenze una serie di aiuti, tra i quali l'amico Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Aristotile da Sangallo e altri i cui nomi si incontrano solo in quest'occasione, elencati da Vasari: si tratta di aiuti provenienti dalle botteghe fiorentine di Ghirlandaio o di Cosimo Rosselli. Secondo lo storico aretino, Michelangelo ebbe con loro contrasti poiché insoddisfatto del loro lavoro, licenziandoli in maniera brusca. In realtà pare che se un certo Jacopo di Sandro se ne andò contrariato da Roma nel gennaio del 1509, altri arrivarono successivamente, come Jacopo di zzaro detto l'Indaco Vecchio, mentre dal carteggio e dai Ricordi di Michelangelo pare che rimase Aristotile da Sangallo, pratico anche in architettura e prospettiva. Inoltre con alcuni di loro, quali il Bugiardini e il Granacci, l'artista mantenne buoni rapporti anche in seguito, impensabili se il racconto vasariano della "cacciata" fosse vero. Studi stilistici hanno riscontrato la presenza di interventi collaborativi almeno fino al gennaio del 1511, dopodiché l'artista pare che continuò in solitaria. In ogni caso essi lavorarono in assoluto subordine rispetto a Michelangelo, senza libertà d'azione rispetto alle scene da rappresentare, con cartoni molto dettagliati da seguire. Già dalle scene del Peccato originale e cacciata dal paradiso terrestre e della Creazione di Eva si nota una drastica riduzione del numero delle giornate  e gli Ignudi, anziché dopo le scene centrali, iniziarono ad essere dipinti per primi: sono chiari indizi della drastica riduzione degli aiuti. In quel momento gli aiuti fiorentini dovettero essere licenziati, lasciando il posto ad altri dediti alle incombenze più modeste come la preparazione dei colori e degli intonaci.Le prime fasi della decorazione furono rese difficoltose anche da inconvenienti di ordine tecnico, legati alla comparsa di muffe, ricordate da Condivi e Vasari e comprovate in occasione del restauro. sensazione di essersi cimentato in un'impresa in cui non era sufficientemente esperto e le difficoltà iniziali portarono l'artista a una profonda scontentezza, che manifestò in una lettera al padre del 27 gennaio 1509: «Questa è la dificultà del lavoro, e ancora el non esser mia professione. E pur perdo il tempo mio senza fructo. Idio m'aiuti».Se il fatto che l'artista dovette lavorare sdraiato è forse una leggenda, sicuramente le sue condizioni di lavoro dovettero essere molto dure: la poca luce che filtrava attraverso le finestre e le impalcature era incrementata dall'illuminazione incerta e poco omogenea di candele e lampade; il capo doveva essere tenuto all'indietro, causando "grandissimo disagio", tanto che quando scese Michelangelo "non poteva leggere né guardar disegni se non all'insù, che gli durò parecchi mesi".

Prompt: Describe the characteristics of the Initial phases in Sistine Chapel ceiling's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Cupido slaccia la cintura di Venere

Cupido slaccia la cintura di Venere  è un dipinto di Joshua Reynolds realizzato nel 1784 e conservato alla Tate Britain di Londra.

Prompt: How does Cupid Untying the Zone of Venus explain its Abstract?Please output in Italian.

Cupido
Joshua Reynolds
Londra
Tate Britain
Tate


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Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: Explain the In the Latin Church about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


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Aerostato

Un pallone aerostatico è la più semplice di tutte le macchine volanti. Quando il tessuto che forma il pallone viene riempito di gas leggero o di aria calda, il pallone stesso risulta più leggero dell'atmosfera che lo circonda e pertanto la spinta di Archimede, diretta verso l'alto ed uguale al peso del volume d'aria spostato dal pallone, è maggiore del peso del pallone riempito di gas.Al pallone è fissato un cesto, all'interno del quale trova posto il carico utile .

Prompt: How does Balloon (Merse) explain its Why does a hot air balloon fly?Please output in Italian.


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La Velata

Velata è un dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1516 circa e conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.

Prompt: In La velata, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1516
Firenze
Galleria Palatina
Palazzo Pitti


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Flagellazione

Pratiche come l'inedia, il rifiuto di dormire e la flagellazione, possono indurre stati di alterazione: la fustigazione viene spesso usato per raggiungere l'estasi religiosa e mistica, come parte di pratiche rituali o cerimoniali, raggiungendo insoliti stati d'animo.Un utilizzo rituale e simbolico della flagellazione, in funzione desacralizzante, è citato da Erodoto  nell'episodio di flagellazione dell'Ellesponto messo in atto da Serse.

Prompt: In The Flagellation of Christ (Cimabue), how is the Ecstasy, mysticism, rituality of the History explained?Please output in Italian.


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statua colossale di Costantino I

Ranuccio Bianchi Bandinelli e Mario Torelli, L'arte dell'antichità classica, Etruria-Roma, Utet, Torino 1976.

Prompt: How does Colossus of Constantine explain its Bibliography?Please output in Italian.

Mario Torelli
Ranuccio Bianchi Bandinelli
Roma


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San Girolamo nella cella

San Girolamo nello studio è un'incisione a bulino  di Albrecht Dürer, siglata e datata al 1514 e conservata, tra le migliori copie esistenti, nella Staatliche Kunsthalle di Karlsruhe.

Prompt: In Saint Jerome in His Study (Dürer), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1514
Albrecht Dürer
Karlsruhe
San Girolamo


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Giudizio universale

Prompt: How does Last Judgement (Fra Bartolomeo) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Ritratto della signorina Lieser

Il ritratto verrà esposto al pubblico in Germania, ad Hong Kong, in Svizzera e nel Regno Unito.

Prompt: How does Portrait of Fräulein Lieser explain its Exhibitions?Please output in Italian.


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La fattoria

Conduttrice: Barbara D'Urso - Inizio trasmissione: 15 febbraio 2006 - Fine trasmissione: 13 maggio 2006 - Puntate: 14 - Giorni: 88 - Numero di partecipanti: 14 - Montepremi:  - Opinionisti: Barbara Alberti, Raffaello Tonon - Inviato: Francesco Salvi - Location: Ouarzazate  terza edizione de  fattoria, è andata in onda dal 15 febbraio al 13 maggio 2006 su Canale 5, con la conduzione di Barbara D'Urso, affiancata dagli opinionisti Barbara Alberti e Raffaello Tonon e con la partecipazione dell'inviato Francesco Salvi.I 17 concorrenti sono stati in Ouarzazate  per 88 giorni, e Rosario Rannisi vinse il montepremi finale di 200.000 euro.{ class="wikitable" style="text-align:center;"!Concorrente !!Età !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Rosario Rannisi 26 anni Personaggio televisivo, ex concorrente GF6  Italia Vincitore-Clemente Pernarella 34 anni Attore  Italia Secondo classificato-Justine Mattera 34 anni Showgirl, attrice  Stati Uniti d'America Terza classificata-Angela Cavagna 39 anni Showgirl  Italia Eliminata-Katia Ricciarelli 60 anni Cantante   Italia Eliminata-Selvaggia Lucarelli 31 anni Conduttrice radiofonica, opinionista TV  Italia Eliminata-Francesco Arca 26 anni Modello, personaggio TV  Italia Eliminato-Jennipher Rodriguez 27 anni Modella, showgirl  Venezuela Eliminata-Alessia Fabiani 29 anni Showgirl  Italia Eliminata-Ivano e Silvano Michetti 59 anni Cantanti e strumentisti  Italia Eliminati-Aldo Montano 27 anni Schermidore  Italia Eliminato-Leopoldo Mastelloni 60 anni Attore  Italia Eliminato-Pamela Petrarolo 29 anni Cantante, showgirl  Italia Eliminata-Marcus Schenkenberg 37 anni Modello  Svezia Eliminato-Randi Ingerman 38 anni Attrice, ex modella  Stati Uniti d'America Eliminata-Alvaro Vitali 56 anni Attore, comico  Italia Ritirato-Natalie Kriz 25 anni Modella, showgirl  Uruguay Eliminata}

Prompt: In The Farm (Miró), how is the ''Lafattoria3''(2006). of the Editions explained?Please output in Italian.

2006
Barbara Alberti
Barbara D'Urso
Canale 5
Francesco Salvi
Italia
Ouarzazate
Raffaello Tonon


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sogno del cavaliere

L'opera era, con le Tre Grazie, nella collezione Borghese a Roma, dove venne acquistato alla fine del Settecento e trasportato in Inghilterra. Già in raccolta Ottley, passò in altre collezioni private, prima di approdare al museo londinese, per acquisto, nel 1847.Proposte di datazione recenti legano l'opera al 1503 o un periodo immediatamente successivo, quando l'artista si recò probabilmente a Roma per un breve soggiorno, in occasione della consacrazione di Giulio II a nuovo papa. Chastel pensò a che il dittico potesse essere unexhortatio ad iuvenem per un giovane rampollo di una casa aristocratica romana, magari Scipione di Tommaso Borghese, nato nel 1493.Dell'opera resta un cartone preparatorio con i forellini lungo i bordi del disegno nel British Museum: anche per questo l'attribuzione è ritenuta certa.

Prompt: Explain the History of this artwork, Vision of a Knight (Raphael).Please output in Italian.


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Vento dell'Est su Weehawken

Vento dell'Est su Weehawken  è un dipinto in olio su tela di Edward Hopper del 1934.

Prompt: How does East Wind Over Weehawken explain its Abstract?Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini consta di 4 scomparti indipendenti dipinti su entrambi i lati  per un totale di 8 ante. Le 8 ante riportano le seguenti raffigurazioni:Andata al Calvario . Conservato oggi al Musée du Louvre, Parigi.Crocifissione . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Deposizione dalla Croce . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Seppellimento di Cristo . Conservato oggi allo Staatliche Museen, Gemäldegalerie, Berlino.Arcangelo Gabriele Annunciante . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Vergine Annunciata . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Stemmi della famiglia Orsini . Conservato oggi al Musée du Louvre, Parigi.Stemmi della famiglia Orsini . Conservato oggi allo Staatliche Museen, Gemäldegalerie, Berlino.Le 2 ante con gli stemmi della famiglia Orsini  sono ancora sul retro  dei corrispondenti pannelli raffiguranti lAndata al Calvario e il Seppellimento . Le 2 ante dellAnnunciazione sono invece disgiunte dai corrispondenti pannelli, ma in origine rappresentavano il retro  delle due ante raffiguranti la Crocifissione e la Deposizione dalla Croce . Quando il polittichetto era aperto, a svolgere la sua funzione di altarolo portatile in mostra, erano visibili le 4 scene della Passione di Cristo sul davanti , mentre sul retro rimanevano le restanti 4 raffigurazioni . Quando il polittichetto era invece ripiegato per favorirne il trasporto, le 4 scene della Passione di Cristo rimanevano nascoste all'interno, mentre all'esterno erano visibili le 2 ante con gli stemmi di famiglia Orsini  e le 2 ante con lAnnunciazione .

Prompt: Focus on Orsini Altarpiece and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna di Ince Hall

Alla sua acquisizione da parte della NGV nel 1922 fu considerata un'opera autografa di van Eyck. Anche così, i test di laboratorio nel 1958 di P. Coremans, A. Philippot e R.V. Sneyers all'IRPA in Belgio, uno studio di spettroscopia infrarossa nel 2003 e altre caratteristiche hanno contribuito alla sua deattribuzione.Ad esempio, la relazione spaziale tra le due figure e i mobili circostanti è solo vagamente accennata e la prospettiva e la profondità spaziale non sono così sviluppate come in opere autografe come la Madonna di Lucca e la Madonna del cancelliere Rolin.  firma compare anche sul pannello sopra il dipinto stesso, quando l'artista era noto per firmare sulla cornice; alcuni storici dell'arte sostengono che le iscrizioni fossero originariamente in una cornice firmata ma quando questa è andata perduta o sostituita sono state dipinte sul pannello stesso da una mano sconosciuta.

Prompt: In Ince Hall Madonna, how is the Attribution of the History explained?Please output in Italian.

Madonna del cancelliere Rolin
Madonna di Lucca


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Eco e Narciso

Nella versione del mito datane da Ovidio, Narciso era il figlio del dio fluviale Cefiso e della naiade Liriope. Ai suoi genitori venne predetto che egli sarebbe vissuto fino a tarda età, ma soltanto se non avesse guardato se stesso in volto. Divenuto un bellissimo ed affascinante adolescente, respinse via via non solo tutte le ninfe e le donne che si innamoravano di lui, ma anche sdegnando i giovanotti come Aminia.Una di queste era la ninfa Eco; ella rimase talmente sconvolta dal suo rifiuto, che si consumò letteralmente d'amore, annichilendo il proprio corpo fino a che non rimase altro che un sussurro, l'eco appunto. Le preghiere di vendetta e maledizione di un giovane che Narciso aveva rifiutato furono ascoltate dalla dea Nemesi la quale condannò il ragazzo ad innamorarsi di sé stesso riflesso in uno specchio d'acqua. Continuò così a rimirarsi sdraiato fino alla morte.Un fiore chiamato Narcissus crebbe nel punto esatto in cui Narciso era spirato, sulle rive del corso d'acqua.

Prompt: Focus on Echo and Narcissus (Poussin) and explain the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

diffusione del culto in Occidente avvenne soprattutto grazie all'Ordine dei Frati Predicatori, secondo la testimonianza di Umberto de Romans: "Dopo che la Maddalena si è data alla penitenza, è stata resa dal Signore così grande per grazia, che dopo la Beata Vergine non si trova donna alla quale nel mondo non si renda maggior riverenza e non si dia maggior gloria in cielo". I domenicani la considerano una delle loro patrone. Varie congregazioni di frati e di suore le attribuirono il titolo di "apostola degli apostoli", come viene celebrata nella liturgia bizantina, e paragonarono la missione di Maddalena, di annunciare la risurrezione, al loro ufficio apostolico.Nel calendario romano generale la sua celebrazione è fissata al 22 luglio, senza alcun cenno alla supposta identificazione con la peccatrice.  sua memoria è stata elevata a festa da papa Francesco al 3 giugno 2016 per sottolineare il compito di evangelizzatrice degli apostoli della santa, il ruolo della donna nella Chiesa e l'azione della misericordia di Dio.Una tradizione riportata nella Legenda aurea racconta che la Maddalena, con i fratelli e altri discepoli, sia partita dalla Palestina per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer dopo un viaggio periglioso, nonostante la barca fosse ingovernabile; una variante della leggenda, attestata anche da un affresco di Giotto nella cappella della Maddalena della basilica inferiore di Assisi, vuole che l'approdo sia avvenuto a Marsiglia.destraGiotto,  Maddalena approda a Marsiglia, affrescoIl culto di Maddalena si diffuse in Europa e i suoi devoti costruirono numerose chiese in suo onore: la più nota è quella gotica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume , dove è conservato quello che si dice sia il teschio della santa. Fu Carlo II d'Angiò ad effettuare linventio di tale reliquie nel 1279, convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295. "Sainte Baume" in antico provenzale significa "santa grotta": a Plan-d'Aups-Sainte-Baume, sotto la cima più alta del massiccio montagnoso, c'è una grotta dove la tradizione vuole che sia morta la Santa, oggi sede di una chiesa, che accoglie una fonte di acqua e un convento domenicano. In tale chiesa è presente una reliquia della Maddalena. Il luogo, conosciuto nel Cinquecento come Nanse o Nanze , era allora meta di frequenti pellegrinaggi da tutta Europa, soprattutto dalle corti italiane. Il cardinale Luigi d'Aragona ha lasciato un diario redatto dal chierico molfettese Antonio De Beatis con dettagli sui luoghi della Maddalena in Provenza, così come l'alvitano Mario Equicola nel suo Iter in Narbonensem Galliam, che riporta il viaggio per un pellegrinaggio di Isabella d'Este, marchesa di Mantova.In ogni modo, ben prima di Saint Maximin, il culto di Maria Maddalena si era formato presso l'abbazia borgognona di Vezelay, dove già nel 1050 si diceva fosse conservato il corpo.Il culto della Maddalena, peraltro, non è una prerogativa esclusiva della Francia, come dimostra l'esistenza di molti edifici a lei dedicati ad esempio in Italia , fra cui le principali come la Chiesa di Santa Maria Maddalena in Campo Marzio in Roma, la chiesa parrocchiale dell'isola della Maddalena, la basilica di Santa Maria Maddalena Penitente in Casamicciola Terme , unica chiesa in Italia che conserva il titolo di "Maria Maddalena Penitente", la chiesa arcipretale di Longare e quella di verda nel vicentino, la chiesa parrocchiale di Bordighera, il duomo di Desenzano, la Collegiata di Atrani  dedicata alla Santa dal 1274, l'abbazia di Sant'Egidio del Monte Albino , la chiesa della Maddalena di Alba, la chiesa di Santa Maddalena a Bolzano, la chiesa madre di Ciminna  e Sciacca , quella parrocchiale di Uggiano la Chiesa , Corbola , la Chiesa Madre di Santa Maria Maddalena in Casalanguida  e molti altri luoghi di culto.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the In the West and the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.

2016
22 luglio
Atrani
Bolzano
Bordighera
Casamicciola Terme
Ciminna
Corbola
Francia
Giotto
Isabella d'Este
Longare
Mario Equicola
Marsiglia
Plan-d'Aups-Sainte-Baume
Provenza
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Sant'Egidio del Monte Albino
Uggiano la Chiesa


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Italy and the History.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Allegoria della Virtù e del Vizio

Carlo Pirovano, Lotto, Electa, Milano 2002. ISBN 88-435-7550-3 Roberta D'Adda, Lotto, Skira, Milano 2004.

Prompt: How does Allegory of Virtue and Vice (Veronese) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Democrito

conoscenza sensibile si basava sulla meccanica atomistica: ogni oggetto, anche se appariva immobile e statico, era costituito da atomi, intervallati dal vuoto, i quali si muovevano continuamente. In particolare la superficie dei corpi era formata da uno strato di atomi più leggeri che si staccavano dal corpo stesso, di cui conservavano però la configurazione esteriore, producendo delle "emissioni atomiche", ossia degli "idoli"  che, attraversando l'aria, colpivano gli organi sensoriali degli animali e degli uomini: l'urto tra gli idoli e gli organi di senso giungeva, attraverso il corpo, fino all'anima, generando la cosiddetta immagine sensibile, che veniva poi trasformata in un contenuto logico.  conoscenza sensibile tuttavia forniva informazioni piuttosto superficiali e spesso ingannevoli sulle qualità degli oggetti percepiti : essa non era in grado né di cogliere la struttura profonda degli enti, quindi la loro natura atomica, né i rapporti causali esistenti tra essi. Pertanto anche Democrito, come Parmenide, svalutò la sensibilità, anche se, diversamente dal filosofo di Elea, gli riconobbe un valore reale, mentre Parmenide la considerò solo un'illusione. Sicuramente superiore ai sensi era la conoscenza logica e razionale, in quanto con il pensiero era possibile raggiungere la realtà metafisica degli atomi ed era possibile comprendere le leggi meccaniche e necessarie della natura.Da questo punto di vista la gnoseologia democritea può essere senz'altro definita razionalistica, dove per razionalismo s'intende in questo caso che le verità fondamentali sul mondo, sia quelle che riguardavano la natura fisica sia quelle concernenti la metafisica, si potevano raggiungere soltanto tramite un procedimento intellettuale e razionale e non sulla base delle semplici percezioni sensibili: solo la ragione logica, il logos, consentiva di comprendere le leggi e i principi della realtà attraverso l'"empeiria". Strettamente collegata a questa teoria fu la distinzione tra "qualità soggettive"  e "qualità oggettive" : distinzione fondamentale, che sarà poi ripresa da molti filosofi, anche in Epoca moderna. Democrito ritenne che alcune qualità fossero oggettive, ossia realmente presenti nelle cose, e altre invece fossero soltanto soggettive o sensibili, dovute cioè alla struttura e alla natura degli organi di senso umani.

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Knowledge of the Opponents explained?Please output in Italian.


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Ritratto della duchessa de Alba

Si racconta che la duchessa de Alba un giorno visitò Goya nel suo studio e chiese al pittore di truccarla. Successivamente Goya confidò ad un amico che quell'operazione era stata certamente un piacere più grande che non dipingere una tela. L'episodio è certamente emblematico del carattere dei personaggi in questione. duchessa, nella scala gerarchica della società spagnola del tempo, veniva subito dopo la regina, mentre le umili origini di Goya, benché fosse in quel momento ricco e famoso, lo collocavano su uno degli ultimi gradini. Si trattava dunque di una richiesta insolita, se non addirittura di una provocazione, da parte di una donna che aveva reputazione di grande fascino ma anche di vizio, capriccio, egocentrismo.Come notò un francese: "Quando passa tutti corrono alla finestra...!".  regina, con una punta di malizia osservava che ella fosse "... ancora splendida come nel rigoglio della giovinezza".L'episodio del trucco risale probabilmente al 1795. Goya, che ormai è un celebre ritrattista e direttore di pittura alla Real Academia de San Fernando, conosce don José Alvarez de Toledo, marchese di Villafranca, che gli commissiona il proprio ritratto e quello della moglie. Maria Teresa Cayetana de Silva ha trentatré anni, si era sposata quando ne aveva tredici e non ha figli. Secondo i più, la passione con Goya comincia in quei giorni, posando per questo ritratto.Due anni dopo, alla morte del duca, Goya la raggiungerà a Sanlúcar, e un nuovo ritratto, così simile a questo, eppure così diverso, testimonierà l'evoluzione del loro rapporto.

Prompt: In The White Duchess, how is the History discussed?Please output in Italian.

1795
Maria Teresa Cayetana de Silva
Maria Teresa Cayetana de Silva


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Giudizio universale

Prompt: In The Last Judgment (Michelangelo), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Jakob Muffel

Il protagonista è ritratto a mezzo busto di tre quarti voltato a sinistra, su uno sfondo azzurro scuro. Il carattere ufficiale dell'opera è sottolineato dal taglio statuario e dai bordi che lasciano poco spazio attorno all'effigie.Indossa un ampio collo di pelliccia maculata su una giubba scura e una camicia scura con il colletto ornato di pieghette sul bordo. Lo sguardo è distaccato e perso nel vuoto, a differenza di quello orgoglioso e sicuro di Hieronymus Holzschuher: il contrasto fu sicuramente voluto poiché Dürer conosceva bene i due personaggi, suoi concittadini, ed essi erano anche amici tra loro.L'accuratezza della resa dei dettagli, come nella pelliccia resa quasi ciuffo per ciuffo, non compromette comunque il vigore dell'insieme, né l'energià psicologica che scaturisce dalla figura. Panofsky sottolineò il confronto tra i ritratti dei due funzionari norimberghesi, con la contrapposizione tra il carattere più risoluto del secondo opposto a quello freddo e disincantato del Muffel, sottolineato dalla bocca sottile e le pupille piccole e fisse.

Prompt: How does Portrait of Jakob Muffel explain its Description and style?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Il luogo dove oggi si ricorda l'Ultima Cena è il Santo Cenacolo, situato sul Monte Sion, oltre le mura dell'odierna città vecchia di Gerusalemme. Il Santuario ha ospitato per diversi secoli un convento dei Frati Minori della Custodia di Terra Santa.Tradizione vuole che la tavola sopra cui Gesù fece l'ultima cena con gli Apostoli sia conservata nella cappella della Casa Colonna, presso la Basilica di San Giovanni in terano .Il Sacro Catino, secondo la tradizione cattolica, sarebbe invece il piatto usato da Cristo, conservato a Genova nel Museo del tesoro della cattedrale di San Lorenzo.

Prompt: How does Last Supper (Rosselli) explain its The  Holy  Cenacle  and  the  relics  of  the  Last  Supper?Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra VII portò alla fine dell'ultima guerra civile della Roma repubblicana, combattuta tra Ottaviano e Marco Antonio. Suicidandosi, Cleopatra sfuggì alla possibilità di essere portata a Roma ed essere esibita come un "trofeo di guerra" di Ottaviano, il quale nel 27 a.C. sarebbe divenuto imperatore col nome di Augusto. Ottaviano fece uccidere Cesarione, ma risparmiò i figli che Cleopatra aveva avuto da Marco Antonio e li portò a Roma: una delle figlie di Antonio, Cleopatra Selene II, avrebbe sposato il re Giuba II di Numidia. Con la fine della dinastia tolemaica l'Egitto divenne una provincia romana  e così rimase fino alla conquista musulmana dell'Egitto, avvenuta tra il 641 e il 654.

Prompt: In the context of The Death of Cleopatra, explain the Consequences and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Giuba II
Marco Antonio
Numidia


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Apocalisse

Nelle tipiche composizioni di questa classe la maggior preoccupazione dell'autore è il mostrare la sapienza con cui Dio agisce nella storia e la organizza in tappe o fasi cronologiche. Dunque l'apocalisse non è in primo luogo una profezia, ed il suo principale interesse non è il futuro o la fine della storia, quanto semmai il suo fine. L'autore presenta, a volte in maniera molto vivida, un quadro degli eventi a venire, e in particolare di quelli al termine dell'epoca attuale. Per questo in alcune di queste composizioni il soggetto è descritto vagamente come "ciò che avverrà negli ultimi giorni" ; in maniera simile Dan. 10:14, "ora sono venuto per farti intendere ciò che avverrà al tuo popolo alla fine dei giorni"; si confronti Enoch, i.1, 2; x.2 segg. Così anche Ap. 1:1 , "Rivelazione... ciò che presto verrà ad accadere".Spesso la visione comprende anche il passato, per dare forza all'inquadramento storico, così che il panorama degli eventi successivi possa passare impercettibilmente dal noto all'ignoto. Perciò nell'undicesimo capitolo del libro di Daniele il dettagliato resoconto delle vicende dell'impero greco d'oriente, a partire dalla conquista di Alessandro fino all'ultima parte del regno di Antioco Epifane  continua, senza interruzione, con una descrizione appena meno vivida di eventi che non sono ancora accaduti , ma che lo scrittore si aspetta: le guerre che risulteranno dalla morte di Antioco e la caduta del suo regno. Tutto ciò, comunque, serve solo da introduzione alle notevoli profezie escatologiche del dodicesimo capitolo, in cui si trova lo scopo principale del libro.In maniera del tutto simile, il sogno raccontato nel secondo libro di Esdra, 11 e 12, l'aquila che rappresenta l'Impero Romano è seguita dal leone, che è il messia promesso che dovrà salvare gli eletti e stabilire un regno imperituro.  transizione fra la storia e la profezia si può vedere in xii.28, dove viene predetta l'attesa fine del regno di Domiziano, e con essa la fine del mondo. Un altro esempio dello stesso genere è negli Oracoli Sibillini, iii.608-623. Probabilmente si può paragonare anche Assumptio Mosis, vii-ix. In quasi tutte le scritture propriamente classificate come apocalittiche l'elemento escatologico è predominante. È stata proprio la crescita delle speculazioni sui tempi a venire e la speranza per gli eletti che hanno originato più di ogni altra cosa la nascita, e influenzato lo sviluppo di questo genere di scritti.

Prompt: Explain the History  Future about the Representations of the Apocalypse of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Antigrazioso

LAntigrazioso o  madre è una scultura in gesso patinato di Umberto Boccioni realizzata tra 1912 e 1913 e conservata presso la Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea di Roma.Il busto è uno dei pochi esempi superstiti delle sculture futuriste eseguite da Boccioni nel 1912 e 1913 ed esposte alla Galerie 23 di Parigi nel 1913.

Prompt: Focus on Antigrazioso and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Sviluppo di una bottiglia nello spazio

Dinamismo di un cavallo in corsa + caseScultura futurista

Prompt: Focus on Development of a Bottle in Space and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Dinamismo di un cavallo in corsa + case
Scultura


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Sacro Cuore di Gesù

In ordine cronologico, i primi dieci Paesi a votarsi al Sacro Cuore di Gesù in virtù della popolarità del culto, seguita da una legge statale e/o dalla consacrazione da parte di un'autorità apostolica, furono i seguenti:  1874  1875  1895  1900  1902   1919   1920  1920  1921  1922  1924   1925 da confermare}}   1946 da confermare}}   2016{ class="wikitable"  cellspacing="0" cellpadding="6" style="float:right; margin-left:15px;"-+style="padding-left: 1.5em;"align=centerSolennità del Sacro Cuore ! Anno liturgico !! Data -! scope="row" 2015 12 giugno-! scope="row" 2016 3 giugno-!  scope="row" 2017 23 giugno-! scope="row" 2018 8 giugno-! scope="row" 2019 28 giugno-! scope="row" 2020 19 giugno-! scope="row" 2021 11 giugno-! scope="row" 2022 24 giugno-! scope="row" 2023 16 giugno-! scope="row" 2024 7 giugno-! scope="row" 2025 27 giugno-! scope="row" 2026 12 giugno-! scope="row" 2027 4 giugno-! scope="row" 2028 23 giugno-! scope="row" 2029 8 giugno-! scope="row" 2030 28 giugno}Forte del sostegno della Corona e del Sommo Pontefice, Bernardo de Hoyos fu il principale promotore del culto al Sacro Cuore di Gesù in Spagna, Francia e nei Paesi latinoamericani. Nel 1734, scrisse il libro Tesoro escondido en el Sacratísimo Corazón de Jesús, tradotto postumo in tutto il mondo.

Prompt: In Sacred Heart of Jesus (Batoni), how is the Countries consecrated devoted to the Sacred Heart of Jesus discussed?Please output in Italian.


section

Adorazione dei re Magi alla presenza di sant'Elena

L'opera fu commissionata per la chiesa veneziana di Sant'Elena da donna Orsa vedova di Simone di Malipiero aJacopo Palma il Vecchio che era nato a Serina in provincia di Bergamo, ma che fin da giovane aveva seguito la sua famiglia nella città lagunare.<br> tela raffigura l'esatto racconto evangelico dell'adorazione dei personaggi venuti dall'oriente, con la presenza di sant'ELena raffigurata con la classica iconografia che regge la croce, personaggio sicuramente non presente alla nascita di Cristo.  leggenda vuole però, che fosse proprio lei a ritrovare le reliquie della santa croce.  raffigurazione della santa conferma la sua originaria collocazione come pala dell'altare maggiore della chiesa veneziana cui era titolare. raffigurazione della santa con la croce posta alle spalla delle Madonna che tiene tra le braccia il Bambino, è un chiaro segno premonitore di quella che sarà il destino dei due protagonisti. Secondo alcuni critici la santa, presentata in forma molto importante, è la raffigurazione di donna Orsa che aveva commissionato l'opera. Con le soppressioni napoleoniche la tela, come molte altre opere, fu rimossa dalla collocazione originale e assegnata alla pinacoteca milanese. Secondo alcuni critici l'opera non fu completamente eseguita dal bergamasco ma fu completata dai sui alunni, il Morelli scrisse: «ne dovette lasciare interamente l'esecuzione ad uno dei suoi aiuti».

Prompt: How does Adoration of the Magi with Saint Helena explain its History?Please output in Italian.


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Il valzer

Claudel studiava con Alfred Boucher a Parigi quando conobbe per la prima volta Rodin nel 1883, all'età di diciannove anni. Si unì ai suoi allievi, dove lo aiutò con le opere in corso, come  porta dell'inferno e I borghesi di Calais. vorava anche alle proprie sculture sotto la guida di Rodin. I due ebbero una relazione appassionata, ma presto Claudel divenne sempre più frustrata dalla riluttanza di Rodin di separarsi con la sua amante di lunga data, Rose Beuret, e la loro relazione finì nel 1892. Claudel e Rodin continuarono a lavorare insieme fino al 1898, ma i loro rapporto si deteriorò in modo irreparabile dopo che lui vide la sua opera L'età matura, velatamente autobiografica, che raffigura una giovane che supplica il suo amante più anziano di lasciare la sua compagna. Claudel iniziò a lavorare al Valzer nel 1889, quando la sua relazione con Rodin era ancora viva, e realizzò questa scultura in più versioni nello studio  folie Payen, una villa parigina fatiscente, situata nel boulevard Auguste-Blanqui.

Prompt: In The Waltz (Claudel), how is the History discussed?Please output in Italian.

I borghesi di Calais
L'età matura
Valzer


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Apocalisse

Nelle tipiche composizioni di questa classe la maggior preoccupazione dell'autore è il mostrare la sapienza con cui Dio agisce nella storia e la organizza in tappe o fasi cronologiche. Dunque l'apocalisse non è in primo luogo una profezia, ed il suo principale interesse non è il futuro o la fine della storia, quanto semmai il suo fine. L'autore presenta, a volte in maniera molto vivida, un quadro degli eventi a venire, e in particolare di quelli al termine dell'epoca attuale. Per questo in alcune di queste composizioni il soggetto è descritto vagamente come "ciò che avverrà negli ultimi giorni" ; in maniera simile Dan. 10:14, "ora sono venuto per farti intendere ciò che avverrà al tuo popolo alla fine dei giorni"; si confronti Enoch, i.1, 2; x.2 segg. Così anche Ap. 1:1 , "Rivelazione... ciò che presto verrà ad accadere".Spesso la visione comprende anche il passato, per dare forza all'inquadramento storico, così che il panorama degli eventi successivi possa passare impercettibilmente dal noto all'ignoto. Perciò nell'undicesimo capitolo del libro di Daniele il dettagliato resoconto delle vicende dell'impero greco d'oriente, a partire dalla conquista di Alessandro fino all'ultima parte del regno di Antioco Epifane  continua, senza interruzione, con una descrizione appena meno vivida di eventi che non sono ancora accaduti , ma che lo scrittore si aspetta: le guerre che risulteranno dalla morte di Antioco e la caduta del suo regno. Tutto ciò, comunque, serve solo da introduzione alle notevoli profezie escatologiche del dodicesimo capitolo, in cui si trova lo scopo principale del libro.In maniera del tutto simile, il sogno raccontato nel secondo libro di Esdra, 11 e 12, l'aquila che rappresenta l'Impero Romano è seguita dal leone, che è il messia promesso che dovrà salvare gli eletti e stabilire un regno imperituro.  transizione fra la storia e la profezia si può vedere in xii.28, dove viene predetta l'attesa fine del regno di Domiziano, e con essa la fine del mondo. Un altro esempio dello stesso genere è negli Oracoli Sibillini, iii.608-623. Probabilmente si può paragonare anche Assumptio Mosis, vii-ix. In quasi tutte le scritture propriamente classificate come apocalittiche l'elemento escatologico è predominante. È stata proprio la crescita delle speculazioni sui tempi a venire e la speranza per gli eletti che hanno originato più di ogni altra cosa la nascita, e influenzato lo sviluppo di questo genere di scritti.

Prompt: In the context of Apocalypse (Dürer), explain the History  Future and the Description.Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Ritornando indietro fino alla scultura del Sole, un altro piccolo sentiero sterrato conduce scendendo all'ultimo, selvaggio settore del Giardino, un solitario itinerario composto di tre piccole radure vicine in cui si ergono, isolate, le sculture della Morte, posta su un basamento di specchi e simboleggiata da una ghignante figura dorata in sella ad un cavallo blu che falcia uomini e animali ai suoi piedi; del Diavolo, in agguato sul fondo di una nicchia vegetale, con le ali di pipistrello spiegate, il corpo coloratissimo, il sesso incerto, le due figure umane - femminile e maschile - ai lati; del Matto, filiforme scultura skinny in cui il giovane vagabondo, nel quale l'artista si identifica, è il simbolo del caos, dello spirito e dell'entusiasmo ed infine del Mondo, eseguita insieme a Tinguely che ha creato la macchina ferrosa alla base che fa ruotare ad intervalli regolari di 43 secondi , illuminando magicamente con minuscole particelle di luce il verde circostante, la sfera di specchi stretta tra le spire di un serpente e sovrastata da una figura di donna a braccia aperte.

Prompt: Describe the characteristics of the Death, Devil, Fool, World in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.


section

Diana e le ninfe

Il quadro non fa riferimento ad alcun episodio particolare del mito di Diana, insieme a quattro ninfe, una delle quali le lava i piedi.  dea è riconoscibile con la veste gialla in primo piano, grazie alla falce di luna in testa. Una compagna è seduta accanto con un piede sul ginocchio opposto, posa che sembra citare la statua classica dello Spinario; un'altra sta accovacciata e lava un piede della dea con una ciotola d'acqua, vicina a un bacile di metallo e un fazzoletto per asciugare. Una terza sta in piedi e osserva la scena, una quarta è seduta sulla stessa roccia ma di schiena. In basso a sinistra sta accovacciato un cane, che pure guarda la scena a profil perdu.Curata è la resa materica dei vari elementi, dalle diverse stoffe alla lucidità del metallo, fino alla pelliccia del cane.Non è chiaro il significato del dipinto: assenti i riferimenti alla caccia, o all'erotismo delle ninfe, potrebbe essere un'allegoria della notte o della morte, oppure sottintendere la tematica cristiana della lavanda dei piedi, come farebbe pensare il tono solenne, estraneo solitamente ai dipinti mitologici.Tra i riferimenti che si possono trovare in opere dell'epoca, sono stati colti quelli compositivi con un dipinto di Jacob van Loo nella Gemäldegalerie di Berlino, la resa pittorica densa legata alla scuola di Rembrandt, la posa della dea derivata dalla Betsabea sempre di Rembrandt al Louvre , le evidente ascendenze italiane. Una certa affinità cromatica si riscontra con il dipinto della Mezzana.

Prompt: In Diana and Her Companions, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto di Lucina Brembati

Il Ritratto di Lucina Brembati è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1518 circa e conservato nell'Accademia Carrara a Bergamo.

Prompt: Focus on Portrait of Lucina Brembati and explain the Abstract.Please output in Italian.

1518
Accademia Carrara
Bergamo
Brembati
Lorenzo Lotto


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Festino degli dei

Cian V., Un decennio della vita di M. Pietro Bembo . Appunti biografici e saggio di studi sul Bembo, Loescher, Torino, 1885 Wind E., Bellini's Feast of the Gods. A Study in Venetian Humanism, Cambridge, 1948 Pallucchini A., Giovanni Bellini, Garzanti, Milano, 1966 Hope C., The 'Camerini d'Alabastro' of Alfonso d'Este I in The Burlington Magazine, 820, 1971 Fehl Philipp. The Worship of Bacchus and Venus in Bellini's and Titian's Bacchanals for Alfonso d'Este. in Studies in the History of Art, 6, 1974 Watson P., Titian and Michelangelo: The Danae of 1545-1546, in Italian Renaissance Art, New Haven, London, 1978 Gentili A., Giovanni Bellini, Giunti, Firenze, 1998 Emiliani A.,  leggenda del collezionismo, in Ferrara, voci di una città, n. 3, 1995 Goffen R. e Nepi Sciré G., a cura di, Il colore ritrovato, Catalogo della mostra Bellini a Venezia, Electa, 2000 Favaretto I., Arte antica e cultura antiquaria nelle collezioni venete al tempo della Serenissima, L'Erma di Bretschneider, 2002 Gibellini C., Tiziano, Milano, 2003 Conisbee, P, The Ones That Got Away. Saved! 100 Years of the National Art Collection Fund. R. Verdi. Londra, 2003 Armiraglio F., Bellini, Rizzoli Skira, Milano, 2004 Siciliano E., Tutto diventa cantabile con le tinte color miele, in Corriere della Sera del 28 settembre 2004 Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: How does The Feast of the Gods explain its Bibliography?Please output in Italian.

1545
1948
1971
1974
Cambridge
Ferrara
Firenze
Giovanni Bellini
Londra
Milano
Pietro Bembo
The Burlington Magazine
Torino


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Jacopo de' Barbari

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

Prompt: In the context of Jacopo de' Barbari, explain the Engravings and the Biography.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Andrea Mantegna
Giovanni Bellini
J.A. Levenson
Priapo


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Amore e Psiche

In un regno lontano, un re e una regina hanno tre bellissime figlie.  più giovane di esse, Psiche, è di una bellezza così eccezionale che la gente si prostra davanti a lei come se fosse la dea Venere.  devozione per la ragazza suscita la collera della dea, che chiede a suo figlio Amore di punire Psiche facendo in modo che si innamori di un mostro. Mentre sta per colpire la fanciulla con una delle sue frecce, però, il dio sbaglia mira e la freccia d'amore colpisce invece il proprio piede, cosicché egli si innamora perdutamente di lei. Intanto, i genitori di Psiche consultano un oracolo che risponde:Psiche viene così portata a malincuore sulla cima di una rupe e lì viene lasciata sola. Con l'aiuto di Zefiro, Amore la trasporta al suo palazzo, dove la giovane viene accudita da servitori invisibili che provvedono a ogni sua necessità. Alla notte, Psiche viene raggiunta da Amore che si dimostra uno sposo innamorato, ma non le rivela la propria identità: dopo aver trascorso la notte con lei, la saluta avvertendola che anche in futuro i loro incontri avverranno sempre al buio, e che la ragazza non dovrà mai cercare di vederlo né conoscerne il nome.Passano così parecchi giorni: Psiche è felice e innamorata del misterioso sposo, ma desidera rivedere le sue sorelle. Amore, per quanto malvolentieri, acconsente a invitare le due donne nel palazzo. Qui le sorelle, colpite dal lusso in cui vive Psiche, concepiscono un’invidia bieca nei suoi confronti: insinuano così in lei il sospetto che lo sposo misterioso sia in realtà un mostro che prima o poi la ucciderà; le suggeriscono perciò di attendere la notte per trafiggerlo con un pugnale. Dopo molte riluttanze, una notte Psiche decide di agire. Armandosi con il pugnale ed una lampada ad olio, decide pertanto di scoprire chi realmente sia il suo amante, ma proprio quando sta per uccidere lo sposo, alla luce della lanterna le appare il bellissimo dio dell’amore. Mentre Psiche ne contempla l’abbagliante bellezza, una goccia d’olio cade sulla spalla del dio e lo scotta, svegliandolo:Fallito il tentativo di aggrapparsi alla sua gamba, una Psiche straziata dal dolore tenta più volte il suicidio, ma gli dei glielo impediscono.  ragazza inizia così a vagare per diverse città alla ricerca del suo sposo, si vendica delle avare sorelle e cerca di procurarsi la benevolenza degli dei, dedicando le sue cure a qualunque tempio incontri sul suo cammino. Arriva però al tempio di Venere e a questa si consegna, sperando di placarne l'ira per aver disonorato il nome del figlio.Venere sottopone Psiche a diverse prove: nella prima, deve suddividere un mucchio di granaglie con diverse dimensioni in tanti mucchietti uguali; disperata, non prova nemmeno ad assolvere il compito che le è stato assegnato, ma riceve un aiuto inaspettato da un gruppo di formiche, che provano pena per l'amata di Cupido.  seconda prova consiste nel raccogliere la lana d'oro di un gruppo di pecore. Ingenua, Psiche fa per avvicinarsi alle pecore, ma una verde canna la avverte e la mette in guardia: le pecore diventano infatti molto aggressive con il sole e lei dovrà aspettare la sera per raccogliere la lana rimasta tra i cespugli.  terza prova consiste nel raccogliere acqua da una sorgente che si trova nel mezzo di una cima tutta liscia e a strapiombo. Qui viene però aiutata dall'aquila di Giove.L'ultima e più difficile prova consiste nel discendere negli Inferi e chiedere alla dea Proserpina un po' della sua bellezza. Psiche medita addirittura il suicidio tentando di gettarsi dalla cima di una torre; improvvisamente però la torre si anima e le indica come assolvere la sua missione. Durante il ritorno, mossa ancora una volta dalla curiosità, apre l'ampolla  contenente il dono di Proserpina, che in realtà altro non è che il sonno più profondo. A correre in suo soccorso stavolta è lo stesso Amore, che pungendola lievemente con una freccia, la risveglia dal sonno infernale.Il dio poi corre da suo padre Giove, pregandolo di convincere Venere ad acconsentire al matrimonio. Giove, commosso, persuade Venere ad accettare le nozze, che vengono celebrate alla presenza di tutti gli dèi. Psiche diviene così la dea protettrice delle fanciulle e dell'anima, sposando Amore. Il racconto termina con un grande banchetto al quale partecipano tutti gli dei, alcuni anche in funzioni inusuali: per esempio Bacco fa da coppiere, le tre Grazie suonano e il dio Vulcano si occupa di cucinare il ricco pranzo.Più tardi nasce una figlia, concepita da Psiche durante una delle tante notti d'amore dei due amanti prima della fuga dal castello. Questa viene chiamata Voluttà, ovvero Piacere.

Prompt: Focus on Cupid and Psyche (Gérard) and explain the History.Please output in Italian.

Amore Bacco Cupido Piacere Proserpina Zefiro


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Giustizia

storia, la dottrina, l'ordinamento dell'amministrazione della giustizia sono oggetto di distinte materie: Ordinamento giudiziario Corte di cassazione Corte d'Appello Tribunale Giudice Competenza Incompetenza Potere giudiziario Giurisdizione Processo Sentenza

Prompt: Explain the Administration of justice of this artwork, Justice (Titian).Please output in Italian.

Competenza
Corte di cassazione
Giudice
Giurisdizione
Ordinamento giudiziario
Potere giudiziario
Sentenza
Tribunale


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Quando si diventa vecchi

1991-1992, Il lavoro dell'uomo da Goya a Kandinskij, Braccio di Carlo Magno, Città del Vaticano

Prompt: Describe the characteristics of the Exhibitions in When One Grows Old's History and description.Please output in Italian.