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Morte di Cleopatra

Il suicidio di Cleopatra venne rappresentato spesso in epoca medioevale e rinascimentale. Nel 1409, il miniaturista noto come maestro di Boucicaut realizzò una , tratta dall'opera De casibus virorum illustrium di Giovanni Boccaccio, raffigurante i cadaveri di Cleopatra Tea Filopatore e di Marco Antonio nella loro tomba: avvolto al braccio di Cleopatra c'è un serpente, mentre il petto di Antonio è trafitto da un pugnale. Anche se questa  non raffigura l'esatto momento della morte della regina, la presenza del serpente lascia intendere che ella si sia fatta mordere dal rettile. Un'altra illustrazione del De casibus virorum illustrium raffigura Cleopatra che si fa mordere entrambi i seni da due serpenti. Il poeta inglese Geoffrey Chaucer, che al contrario del Boccaccio vedeva Cleopatra in una luce migliore e meno misogina, descrisse un pozzo di serpenti al posto dell'aspide nella sua opera  leggenda delle donne eccellenti.sinistraUn'incisione di Le raffigurazioni della morte di Cleopatra dovuta al morso dell'aspide furono molto frequenti durante il Rinascimento italiano. L'artista veneziano Giovanni Maria Padovano scolpì due statue raffiguranti il suicidio di Antonio e Cleopatra, oltre a varie sculture di quest'ultima che veniva morsa dall'aspide, basate su delle opere antiche simili alla Venere esquilina: questa statua venne ritrovata nel 1874 e si pensa che possa ritrarre proprio la regina d'Egitto. Un'incisione di Agostino Veneziano da un disegno di Raffaello ritraente la regina morente sdraiata è ispirata allArianna dormiente, una scultura greco-romana che all'epoca si riteneva ritraesse Cleopatra VII. Anche alcune opere del Rinascimento francese raffigurano la donna che si addormenta mentre il serpente le morde il seno.Michelangelo è autore di un disegno a carboncino del 1535 circa che raffigura Cleopatra e l'aspide, quest'ultimo molto più grande del normale; al contrario, l'artista barocco Guido Reni, che realizzò più dipinti su questo tema artistico, dipinse il rettile di dimensioni più piccole rispetto a un vero cobra egiziano. Altri celebri quadri che raffigurano gli ultimi istanti di vita della sovrana sono la Morte di Cleopatra di Rosso Fiorentino e la Morte di Cleopatra di Guido Cagnacci, del quale esistono due versioni. scultura dellArianna dormiente allora identificata con Cleopatra, acquistata dal pontefice Giulio II nel 1512, ispirò una poesia di Baldassarre Castiglione, scritta in lingua latina, sulla morte della regina del Nilo. Anche Bernardino Baldi e Agostino Favoriti realizzarono delle poesie ispirandosi a quella statua. morte di Cleopatra costituì un elemento presente anche nel teatro. Nell'opera teatrale The Devil's Charter di Barnabe Barnes, composta nel 1607, un addestratore di serpenti porta alla sovrana due aspidi affinché questi le mordano entrambi i seni in maniera salace. Nella tragedia Antonio e Cleopatra di William Shakespeare, messa in scena nel 1609, la serpe rappresenta sia il decesso, sia un amante desiderato dalla moritura, che si arrende al morso del rettile. Per costruire questa scena della tragedia, il bardo dell'Avon si ispirò alla traduzione del 1579 di Thomas North del testo plutarcheo. Nell'opera teatrale anche il personaggio dell'ancella Carmione  si suicida facendosi mordere dalla serpe.

Prompt: Describe the characteristics of the Middle Ages, Renaissance, Baroque period in Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Agostino Favoriti
Agostino Veneziano
Arianna dormiente
Baldassarre Castiglione
Barnabe Barnes
Bernardino Baldi
Carmione
Cleopatra
De casibus virorum illustrium
Geoffrey Chaucer
Giovanni Boccaccio
Guido Cagnacci
Guido Reni
Marco Antonio
Ra
Rinascimento francese
Rinascimento italiano
Rosso Fiorentino
The Devil's Charter
Thomas North
Venere esquilina
William Shakespeare


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Actea, la ninfa della spiaggia

Actea, la ninfa della spiaggia  è un dipinto a olio su tela del pittore inglese Frederic Leighton, realizzato ed esposto per la prima volta nel 1868. È conservato alla galleria nazionale del Canada.

Prompt: In Actaea, the Nymph of the Shore, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

L'Imperatore è la figura con maggiore completezza architettonica, che Niki de Saint Phalle ha studiato a lungo e modificato dove pare raccolta l'eredità di Gaudí. Rappresenta la carta del maschile, fisico e psichico , dell'ambizione, del potere consolidato simboleggiato anche dal ricco repertorio materico - «una onirica rievocazione del ready-made degli anni Sessanta» - che comprende «vetri di Murano e murrine, specchi di Francia, cecoslovacchi e di Boemia, rilievi decorativi  e tasselli di un puzzle senza eguali», richiamando «oggetti ed elementi dei più vari o ne sono dei calchi fino ai volti di tutti coloro che hanno collaborato alla creazione del Giardino dei Tarocchi, i cui nomi sono anche riprodotti in murrine tutto attorno ad una delle colone del loggiato».Al centro del cortile racchiuso da questo ondeggiante, polimaterico loggiato, è ritagliata una vasca circolare nella quale quattro felici, coloratissime nanas fanno il bagno, schizzando dai seni getti d'acqua.Sul retro del Castello, staccata ma incombente, si eleva la Torre, simbolo delle costruzioni mentali non fondate su basi solide, interamente rivestita di specchi e decapitata dalla violenza del fulmine-macchina-ferraglia concepita da Jean Tinguely.Dalle finestre rettangolari ritagliate lungo le pareti della Torre si può avere una visione dell'interno dell'edificio, le cui strette stanze erano state adibite ad ufficio, oggi non accessibile.

Prompt: Describe the characteristics of the The Emperor The Tower in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.

Francia
Giardino
Jean Tinguely
L'Imperatore
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Tarocchi


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L'entrata di Cristo a Bruxelles nel 1889

Come annunciato dal titolo, il disegno raffigura un ipotetico ingresso trionfale di Gesù nella capitale del Belgio, in onore del quale viene realizzata un'immensa parata, talmente sgargiante e carnevalesca da apparire ridicola e quasi sinistra.  cittadinanza è accorsa in massa all'evento, tuttavia nessuno dei partecipanti ha lo sguardo rivolto verso il Cristo: c'è chi chiacchiera, chi giudica, chi critica, chi si diverte, chi si fa largo, addirittura chi si bacia. Questa circostanza è fortemente simbolica: rappresenta l'allontanamento del popolo dai valori del Vangelo.Circondato da un'anacronistica aureola, il Cristo ignorato da tutti è entrato umilmente a Bruxelles a dorso di mulo e sembra salutare  qualcuno ma è praticamente oscurato dalla moltitudine che arrogantemente si mette in primo piano; inoltre il Messia ha i tratti somatici del pittore ed è l'unica figura che non indossa una maschera: ciò avviene perché Ensor voleva raffigurare la propria emarginazione e il rifiuto della sua funzione moralizzatrice da parte della società. Il quadro è quindi una denuncia della società formata da uomini privi di personalità e facilmente strumentalizzabili: non a caso la gente è trascinata da un gendarme  e più indietro, alla destra del Cristo, è evidente la scritta Fanfara dottrinaria, che ribadisce il vuoto indottrinamento della massa circostante.L'impostazione prospettica del dipinto secondo un punto di vista centrale focalizza l'attenzione sul Cristo che avanza, mentre due blocchi laterali di figure in primo piano incanalano la processione entro una profondità spaziale affollata ma ben chiaramente strutturata; il disegno è intenzionalmente grossolano, affidato a linee spezzate di grande potere emotivo, con deformazioni di stampo espressionista, autonome rispetto al colore, con una loro precisa valenza segnica, mentre il colore - che gioca un ruolo determinante in dialogo paritario con il segno, violento ed acceso nel trionfo dei rossi stesi in pennellate brevi e nervose - anticipa il fauvismo nel libero antinaturalismo e nelle controllate dissonanze.

Prompt: Explain the Analysis of this artwork, Christ's Entry Into Brussels in 1889.Please output in Italian.


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Northeaster

Northeaster è uno dei diversi dipinti con soggetto marino della fine del XIX secolo del pittore americano Winslow Homer. Come The Fog Warning e Breezing Up, lo dipinse durante il suo soggiorno nel Maine. È esposto nel Metropolitan Museum of Art di New York. Nel quadro è rappresentato il contrasto tra il mare e gli scogli. Winslow Homer eccelle nella rappresentazione di paesaggi marini e montuosi.

Prompt: Focus on Northeaster (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Maine
Metropolitan Museum of Art
Winslow Homer


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Palude

go Bacino  mineto Stagno  Palude salmastra Elenco delle zone umide italiane Palude portatile Sabbie mobili Marcita guna Torbiera

Prompt: How does A Wooded Marsh explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Marcita
Palude portatile
Palude salmastra
Sabbie mobili
Torbiera


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William Tecumseh Sherman

Sherman morì il 14 febbraio 1891 a New York; ci fu un grande funerale nella sua casa. Poi il corpo fu trasportato a Saint Louis dove, il 21 febbraio, si svolse un altro servizio funebre celebrato da suo figlio, Thomas Ewing Sherman, sacerdote gesuita. Il presidente degli Stati Uniti Benjamin Harrison mandò un telegramma alla famiglia e ordinò che le bandiere nazionali fossero tenute a mezz'asta.Uno degli uomini che trasportò la bara in chiesa fu l'ex generale confederato Joseph E. Johnston che, forse per essere stato sotto la pioggia nel corso della cerimonia, contrasse una polmonite che lo portò alla morte. Sherman oggi riposa nel cimitero del Calvario a Saint Louis.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Death and the Youth.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portrait distinctive professional sign of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Describe the characteristics of the One God will betray you in The Sacrament of the Last Supper's Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: How does Madonna and Child (Bellini, Pavia) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Prigioniero

sindrome psicologica conosciuta come sindrome di Stoccolma descrive un fenomeno paradossale in cui, nel tempo, gli ostaggi sviluppano sentimenti positivi nei confronti dei loro rapitori. L'ego della vittima sviluppa una serie di meccanismi di difesa per sopravvivere e far fronte allo stress in una situazione traumatica.

Prompt: Describe the characteristics of the Stockholm syndrome in The Captive (painting)'s Types.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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marmi di Elgin

Quando i marmi giunsero in Inghilterra ebbero un successo immediato tra i tanti Egli, però, contestò fortemente la loro rimozione dalla Grecia, trattando Elgin come un vandalo si dichiararono contrari ad essa. Newport, in particolare, scrisse:Lo scrittore Edward Daniel Clarke, che assistette alla rimozione delle metope, chiamò quel gesto una "spoliazione" e affermò che in tal modo il tempio subì un danno maggiore di quello infertogli dall'artiglieria veneziana e che non ci fu operaio che si oppose all'impresa di rimozione dei marmi.Le iniziative di Lord Egin vennero replicate nel 1823 quando due architetti inglesi, Samuel Angell e William Harris, iniziarono a scavare a Selinunte nel corso del loro tour in Sicilia e si imbatterono in diversi frammenti delle metope dal tempio arcaico oggi chiamato come “Tempio C.” Benché le autorità borboniche avessero cercato di fermarli, costoro continuarono il loro lavoro e cercarono di spedire i loro reperti in Inghilterra, per il British Museum. Nell'ombra delle attività di Lord Elgin, le spedizioni di Angell e Harris furono bloccate e dirottate a Palermo dove da allora si conservano nel Museo archeologico di Palermo

Prompt: Explain the Reaction of contemporaries of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.

British Museum
Edward Daniel Clarke
Grecia
Palermo
Selinunte
Sicilia


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Lucifero

Lucifero o Lucifer è una divinità della luce e del mattino della mitologia romana, corrispondente alla divinità greca della luce: Eosforo  o Fosforo , nome dato alla "Stella del mattino", era figlio di Eos  e del Titano Astreo e fu padre di Ceice , re di Tessaglia, e di Dedalione.

Prompt: How does Lucifer (Stuck) explain its Lucifer in the Greco-Roman mythology?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Chiesa cattolica non ha nel proprio anno liturgico una festa specifica per la Madonna delle Grazie: questo titolo è associato a diverse feste mariane in base alle consuetudini locali e alla storia dei singoli santuari.Molti luoghi associano questo titolo alla data tradizionale della festa della Visitazione di Maria a Elisabetta, il 2 luglio o all'ultimo giorno del mese di maggio. Anticamente la festa si svolgeva il lunedì in Albis, poi fu spostata al 2 luglio, e ancora oggi in quest'ultima data la si continua a festeggiare nella maggior parte delle località nelle quali è venerata la Madonna delle Grazie. Altrove la festività ricorre il 26 agosto, il 9 maggio  oppure, con data mobile, la terza domenica dopo Pentecoste.In alcuni luoghi il titolo di Madonna delle Grazie è associato alla festa della Natività di Maria, l'8 settembre; così è a Udine, a Pordenone, a Contursi Terme  e in altre località italiane.L'onomastico si festeggia il 2 luglio e lo festeggiano le persone che portano il nome di: Grazia, Graziella, Maria Grazia, Grazia Maria, Anna Grazia, Grazia Anna,Orazio,  Graziana e Graziano .

Prompt: How does Madonna delle Grazie (Botticelli) explain its Liturgical feast?Please output in Italian.

26 agosto
2 luglio
8 settembre
9 maggio
Chiesa cattolica
Contursi Terme
Pentecoste
Pordenone
Udine


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Morte di un avaro

Il trittico originale doveva essere composto dalla Nave dei folli a sinistra con lAllegoria dei piaceri nella parte inferiore e la Morte di un avaro a destra. Ignota è la pala centrale, se esisteva , mentre il Venditore ambulante si doveva trovare sul retro dello sportello sinistro, tagliato nel senso della lunghezza per ricavarne due tavole. In una stanza, dipinta con una prospettiva grandangolare che ricorda i Primitivi fiamminghi, un anziano piuttosto magro, l'avaro, sta per essere visitato dalla morte, che si affaccia dall'uscio, impugnando già una freccia che mira all'uomo. Nel momento estremo è confortato da un angelo che gli indica la via della Salvezza, il crocifisso che emana un raggio dalla finestra, mentre un diavolo lo tenta offrendogli un sacco di monete d'oro.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Death and the Miser.Please output in Italian.

Allegoria dei piaceri
Primitivi fiamminghi


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Giovane donna assopita

Giovane donna assopita è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657 circa e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York. È firmato in alto a sinistra "IV Meer".

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, A Girl Asleep.Please output in Italian.

1657
Jan Vermeer
Metropolitan Museum of Art
New York


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Adorazione Caprioli

Il rilievo faceva parte del monumento funebre di Luigi Caprioli conservato nella cappella di famiglia all'interno della chiesa di San Giorgio a Brescia. Da Bernardino Faino, Francesco Paglia e altri studiosi sei-settecenteschi sappiamo che il rilievo era inserito entro un qualche apparato architettonico, al quale doveva appartenere anche una pala figurata, eseguita forse per mano dello stesso autore, della quale si sono perse le tracce. In particolare, il Faino scrive che la pala raffigurava una Madonna col Bambino tra i santi Giuseppe e Caterina. Dell'originale apparato architettonico rimane solamente una cornice che fa da stipite esterno al fornice della cappella, con decorazioni molto raffinate. Un'annotazione a penna, resa nota da Vito Zani nel 2010 e in seguito trasmessa da altre fonti successive, principalmente repertori di epigrafi bresciane. Anche di questa lapide, comunque, si sono perse le tracce, sebbene in un manoscritto del 1880 circa ancora si parli di una "lapide spezzata esistente nella corticella adiacente all'abitazione del R.do Vicario" di San Giorgio.Il rilievo, prima di approdare nella collocazione definitiva, entra anche nella collezione dell'erudito Paolo Brognoli, che ha modo di confrontarlo criticamente con l'arca di sant'Apollonio, come spiegato successivamente. L'opera perviene infine in San Francesco nel 1841 per essere impiegata come paliotto dell'altare maggiore, nell'ambito delle ricostruzioni in chiave neoclassica operate da Rodolfo Vantini nello stesso periodo.

Prompt: In Caprioli Adoration, how is the History discussed?Please output in Italian.

Bernardino Faino
Brescia
Francesco Paglia
Rodolfo Vantini


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Madonna Litta

Il periodo di realizzazione della Madonna Litta, relativamente alla biografia di Leonardo da Vinci, corrisponderebbe al suo primo soggiorno in Lombardia, alla corte degli Sforza.Secondo il professor Carlo Pedretti, proprio nella Madonna Litta si vedono le prime tracce del cosiddetto leonardismo, cioè di una vera e propria scuola lombarda di pittura diretta dallo stesso da Vinci e caratterizzata da un modo di rappresentare le figure molto nitide e con colori vivaci rispetto al passato. Della Madonna Litta esistono due bozzetti a mano di Leonardo oggi esposti al museo del Louvre ed al Städel Museum di Francoforte. storia del dipinto è tracciabile a ritroso fino al 1784, quando fu acquistato da Alberico XII Barbiano di Belgioioso d’Este  il 21 gennaio 1784, da Giuseppe Rho.Secondo alcuni la tavola era precedentemente conservata presso il Santuario della Madonna di Campagna di Piacenza.Entrò a far parte della collezione Litta nel 1814, quando fu scelto in legato da Alberto Litta Visconti Arese , a compenso per il suo ruolo di esecutore testamentario dello stesso Alberico XII.Nel 1865 Antonio II Litta Visconti Arese  lo vendette allo zar Alessandro II di Russia, che lo pagò una cifra paragonabile a 2,5 milioni di euro. Inizialmente l'opera fu posta a Mosca, per poi passare all'Ermitage che decise di esporla solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale.

Prompt: In Madonna Litta, how is the History discussed?Please output in Italian.

Alberto Litta Visconti Arese
Alessandro II di Russia
Antonio II Litta Visconti Arese
Carlo Pedretti
Ermitage
Leonardo da Vinci
Lombardia
Ermitage
Piacenza
Sforza


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Madonna di Darmstadt

Dopo la morte di Jakob Meyer, sua figlia Anna ereditò il dipinto. L'immagine rimase di proprietà della famiglia fino al 1606, quando i discendenti di Anna Meyer vendettero il dipinto per 100 corone d'oro al diplomatico di Basilea Johann Lukas Iselin. Dopo la morte di questi nel 1626, il dipinto venne acquisito dal mercante d'arte di Amsterdam Michel Le Blon, che già possedeva diverse opere di Holbein, per la somma di 1000 lire imperiali. Presumibilmente per innalzare i propri profitti sul mercato dell'arte, Le Blon fece realizzare le prime copie del dipinto da Bartholomäus Sarburgh. Remigius Faesch II, un discendente di Anna Meyer, chiese a Sarburgh stesso di realizzare anche delle copie in particolare di Anna Meyer e del ragazzo. L'intento di Faesch era forse quello di completare una galleria di antenati per la propria casa. Le Blon vendette quindi l'originale per 3000 fiorini al banchiere Johannes Lössert di Amsterdam. Una copia del dipinto originale venne venduta anch'essa ad un banchiere di Amsterdam, il quale poi a sua volta la cedette ad un veneziano attorno al 1690; questo a sua volta lo lasciò in eredità a Giovanni Dolfin che lo espose nella propria galleria e dove diversi personaggi ebbero modo di testimoniarne la presenza nel corso dei loro Grand Tour. Nel 1743 il dipinto venne acquisito da re Augusto III di Polonia che lo pose nella Gemäldegalerie a Dresda.L'originale passò da Lössert a Jacob Cromhout e venne messo all'asta nel 1709 insieme al suo palazzo. Successivamente il dipinto passò nelle mani dei duchi di Lorena e da lì al commerciante d'arte Alexis Delahante. Nel 1822 Delahante espose il dipinto nel salone di suo cognato, il compositore Gaspare Spontini, a Berlino. Il principe Federico Guglielmo Carlo, fratello del re Federico Guglielmo III di Prussia, decise di acquistare il dipinto come regalo di compleanno per sua moglie, la principessa Marianna d'Assia-Homburg. Il dipinto venne quindi dapprima trasferito nel palazzo della coppia a Berlino dove rimase appeso nel "Salone Verde" sino al suo trasferimento definitivo a Darmastadt nel 1852, dopo che la principessa Elisabetta di Prussia, che aveva sposato il principe Carlo d'Assia-Darmstadt, aveva ereditato l'opera d'arte, che quindi passò tra i possedimenti della famiglia dei granduchi d'Assia e del Reno.Il dipinto venne rimosso dalla sua collocazione durante la seconda guerra mondiale nel 1943 e trasportato al castello di Fischbach, in Slesia, preservato fortunatamente dall'incendio del castello di Darmastadt del 1944. Nel febbraio del 1945, l'opera d'arte venne spostata a Coburgo appena prima dei raid aerei che colpirono l'area e poi venne riportata al castello di Wolfsgarten, nei pressi di Darmastadt.Nel 1967, una riproduzione della copia di Dresda del dipinto era posta a decorazione delle stanze private del cattivo Blofeld nel film Agente 007 - Si vive solo due volte.

Prompt: Describe the characteristics of the Art market painting in Darmstadt Madonna's Style.Please output in Italian.

1943
Agente 007 - Si vive solo due volte
Amsterdam
Augusto III di Polonia
Basilea
Berlino
Coburgo
Darmstadt
Federico Guglielmo III di Prussia
Gaspare Spontini


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Majas al balcone

J. Chastenet,  vie quotidienne en Espagne au temps de Goya, 1966, ParigiPierre Gassier, Goya, 1989, Roma, New ComptonA. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990F. Calvo Serraler, Goya, Milano, 1996Renato Barilli, L'alba del contemporaneo: l'arte europea da Füssli a Delacroix, 1996, FeltrinelliJanis Tomlinson, Goya, 2002, PhaidonR. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'EspressoR. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, RizzoliGiuliano Serafini, Francisco Goya, 2004, Giunti

Prompt: In Majas on a Balcony, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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La cugina Argia

cugina Argia è un dipinto a olio su cartone di Giovanni Fattori, realizzato nel 1861 e conservato alla Galleria d'Arte Moderna presso palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: In Cousin Argia, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra le sante Caterina e Maria Maddalena

L'opera, che ha un parallelo con una Sacra conversazione al Prado probabilmente pure autografa, segna una maturazione nello stile dell'artista legata a una stesura del colore sfumata, alla Leonardo da Vinci.  luce cade di lato, avanzando morbidamente sulle vesti e sugli incarnati delle sante, in un'atmosfera silente e assorta, evidenziata dall'innovativo sfondo scuro, privo di qualsiasi connotazione.  composizione è simmetrica, come in tutte le sacre conversazioni di Giovanni, e sviluppa l'organizzazione di tipo triangolare importata a Venezia da Antonello da Messina.  profondità è suggerita solo dalle posizioni in tralice delle due sante, che creano una sorta di ali diagonali direzionate sul gruppo sacro centrale.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Madonna and Child with Saint Catherine and Saint Mary Magdalene.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Leonardo da Vinci
Venezia


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San Giorgio a cavallo

Il San giorgio a cavallo è un olio su tela realizzato da Mattia Preti nel 1658 su commissione di Martin de Redin, Gran Maestro dell'Ordine dei Cavalieri di Malta.È considerata dai critici come uno dei capolavori del Preti e come uno dei più illustri esempi dello stile barocco napoletano.

Prompt: Focus on Saint George on Horseback and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia e famiglia del Battista

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878 Ettore Camesasca, Mantegna, in AA. VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Focus on The Holy Family and the Family of Saint John the Baptist and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Sotto i tre pannelli principali si trovano altrettanti riquadri con medaglioni al centro, ma solo quelli alle estremità sono decorati da pitture, poiché quello centrale, adibito a contenere il Santissimo Sacramento, è stato rovinato e usurato col tempo andandosi a sbiadire e poi a scomparire la pittura. A sinistra si trova la mezza figura di Santa Chiara, con l'abito delle Clarisse, il libro e il giglio della purezza, a destra Sant'Agata, con in mano un piatto coi seni che le vennero amputati durante il martirio, simboleggiato dal ramo di palma che tiene nell'altra mano.

Prompt: In Polyptych of Perugia, how is the Four-wheeled of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Abaporu

L'opera raffigura una figura umana estremamente stilizzata che occupa quasi tutto lo spazio: questa creatura ha una testa piccolissima e priva di naso e bocca, il corpo allungato e un piede gigantesco. L'Abaporu porta una mano al mento come se stesse meditando. Il paesaggio è composto da un prato, un sole e un cactus molto semplificati. Il quadro fa parte della fase antropofaga di Tarsila che, così come la sua fase pau-brasil, è considerata una delle più importanti nella vita della pittrice. Influenzata dal cubismo, questo periodo della carriera dell'artista le permise di dare una lettura visuale delle strutture dalla società brasiliana.Alcuni studiosi collegano la posa di Abaporu al Pensatore di Rodin. Nella sua tesi A tessitura da textualidade em Abaporu, Nádia Regina Maffi Reckel afferma che in Abaporu la riscrittura del Pensatore non si deve soltanto dalla posizione del corpo del personaggio, ma anche dall'estetica del frammento e del blocco. E, se a questo si aggiunge la riscrittura della brasilianità, si può capire il soggetto non soltanto dalla sua forma o dal contenuto, come è letto comunemente dai critici d'arte e dagli educatori.Un altro legame tra le opere è esemplificato dal piccolo sole. Nella composizione, la luce è esterna e si riflette sul corpo del personaggio e sul cactus. Il sole è un riferimento al sole brasiliano, alla brasilianità dell'opera.

Prompt: How does Abaporu explain its Description?Please output in Italian.


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Pia de' Tolomei

upright=0.5 sua biografia è stata ricostruita per chiarire la vicenda misteriosa del personaggio del passo dantesco, tramite l'integrazione delle varie informazioni archivistiche disponibili. Essa culminò col presumibile omicidio della nobildonna, scandaloso al tempo della scrittura della Commedia e lungamente restato oscuro, sino a tempi molto recenti.

Prompt: In Pia de' Tolomei (Rossetti), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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The Old Plantation

The Old Plantation è un'opera d'arte popolare realizzata su acquerello. L'opera fu realizzata verso la fine del diciottesimo secolo in una non meglio specificata piantagione di cotone della Carolina del Sud.Il quadro ritrae schiavi afroamericani tra due piccoli edifici, mentre sullo sondo è possibile vedere un campo. Si tratta dell'unica opera della fine del diciottesimo secolo che ritrae esclusivamente afroamericani. Nonostante il quadro sia stato per molto tempo al centro delle attenzioni di studiosi e critici d'arte, l'attività che svolgono le persone ritratte in questo dipinto rimane ancora ignota. Secondo alcuni il quadro ritrae una festa di matrimonio mentre secondo altri i soggetti ritratti sul dipinto svolgono delle danze cerimoniali probabilmente originarie dell'Africa occidentale. Si possono scorgere inoltre due musicisti uno dei quali suona un molo, mentre il secondo sembra suonare una gudugudu.Il quadro fu acquistato per Abby Aldrich Rockefeller da parte di Mary E. Lyles originaria della Carolina del Sud, che affermò che il quadro fosse stato dipinto in una piantagione che si trovava tra Charleston e Orangeburg, da uno dei suoi antenati.

Prompt: How does The Old Plantation explain its Abstract?Please output in Italian.

Abby Aldrich Rockefeller
Africa occidentale
Carolina del Sud


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Martirio di sant'Erasmo

Il dipinto fu commissionato in data 5 febbraio 1628 dalla Fabbrica di San Pietro per adornare uno dei tre altari - quello dedicato a Erasmo di Formia - ricavati dalle nicchie del transetto settentrionale della Basilica di San Pietro. In particolare, era pensato per essere posizionato nella parte sinistra del transetto, accanto alla tela del Martirio dei santi Processo e Martiniano di Valentin de Boulogne.  Congregazione richiese a Poussin di adottare la stessa composizione del dipinto che già stava elaborando il Cortona, eccezion fatta per il sacerdote pagano vestito di bianco, che andava spostato lateralmente. Papa Urbano VIII aveva inizialmente considerato Pietro da Cortona per l'incarico, ma alla fine fu scelto Poussin grazie all'intervento del protettore di quest'ultimo, Cassiano dal Pozzo, segretario del cardinale Francesco Barberini . Proprio il cardinale Barberini aveva già commissionato al pittore francese altre due tele, la Distruzione del Tempio di Gerusalemme nel 1626 e la Morte di Germanico nel 1627, consolidando la reputazione di Poussin a Roma, dove era giunto quattro anni prima.

Prompt: In the context of The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), explain the Commission and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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La punizione di Tizio

Il disegno di Tizio è uno dei numerosi disegni di presentazione che Michelangelo diede a Tommaso de' Cavalieri. De' Cavalieri era un giovane nobile romano che divenne molto amico di Michelangelo, dal 1532 fino alla morte dell'artista nel 1564.Il rapporto tra i due uomini è stato scrutato dagli studiosi a causa del grande volume di corrispondenza intercorsa tra di loro. Michelangelo scrisse molte lettere al de' Cavalieri, insieme a poesie e ai disegni già citati. Nei numerosi sonetti che scrisse al de' Cavalieri, Michelangelo si riferiva all'«amore smisurato» che portava per il giovane nobile. Usò persino il nome Cavalieri in un gioco di parole per descrivere il suo affetto, affermando: «Sono tenuto prigioniero da un Cavalier armato».

Prompt: Explain the Tommaso de' Cavalieri of this artwork, The Punishment of Tityus (Michelangelo).Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Explain the The adoration of the shepherds in art of this artwork, Adoration of the Shepherds (Crivelli).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Il sacrificio di Isacco  è un episodio del libro biblico della Genesi. Il suo racconto si trova in .Dio, per mettere alla prova la fede di Abramo, gli ordina di sacrificare il proprio figlio Isacco. Abramo si reca senza esitazioni sul monte Moriah e mentre sta per compiere diligentemente il sacrificio, impugnando già il coltello, un angelo del Signore scende a bloccarlo e gli mostra un ariete da immolare come sacrificio sostitutivo. scena, interpretata come prefigurazione del sacrificio di Cristo, è uno degli episodi salienti del Pentateuco.

Prompt: In Sacrifice of Isaac (Caravaggio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Abramo Cristo Genesi Genesi Genesi Isacco Moriah


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Ritratto di Minerva Anguissola

</ref> opera = dipinto tecnica = olio su tela altezza=36 larghezza=29 città=Milano ubicazione=Pinacoteca di Brera}}Ritratto di Minerva Anguissola è un dipinto a olio su tela di Sofonisba Anguissola, databile al 1564 circa e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano.

Prompt: Focus on Portrait of Minerva Anguissola (Milan) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1564
Milano
Pinacoteca di Brera
Sofonisba Anguissola


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini è firmato da Simone Martini.  firma corre sulle 4 ante del verso, raffiguranti le 4 scene della Passione di Cristo. Sulle prime 3 ante della sequenza leggiamo, rispettivamente, “HOC OPUS”, “PINXIT” e “SYMON”. Il quarto ed ultimo pannello è più rovinato all'estremità e la scritta si è persa. È probabile che recasse “DE SENIS”.Più dibattuta è stata la datazione dell'opera. Per tutta la seconda metà del secolo scorso le opinioni si sono susseguite con un pendolo attributivo che andava dai primi anni dieci ai primi anni quaranta del Trecento, praticamente spaziando su tutto il periodo di attività del pittore senese. Dopo ulteriori analisi e confronti tra gli esperti, oggi la maggior parte degli studiosi ritiene che il Polittico Orsini fu realizzato tra il 1333 e il 1337, a cavallo del trasferimento di Simone Martini da Siena ad Avignone, avvenuto nel 1335-1336. Può quindi essere considerato una delle ultime opere del periodo senese o una delle prime del periodo avignonese. Elementi che fanno protendere per questa datazione sono i seguenti:#Le scene si articolano su uno spazio poco profondo, quasi alluso e comunque sviluppati più in verticale che in profondità. Tale sviluppo si colloca come situazione intermedia tra la profonda tridimensionalità, quasi giottesca, del Beato Agostino Novello  e gli spazi estremamente verticalizzati del Frontespizio del Commento di Servio a Virgilio , avvicinando piuttosto l'opera alla simile Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita .#Le figure sono allungate, solo occasionalmente volumetriche , ponendo l'opera a mezzo tra le figure corpose degli anni venti e quelle più slanciate del periodo avignonese.#Esiste nei volti dei veri personaggi rappresentati, dalla Vergine Annunciata agli spettatori delle scene della Passione, quell'inquietudine psicologica tipica dell'ultimo Simone Martini Avignonese , e più marcata dell'Annunciazione degli Uffizi , escludendo quindi una datazione troppo precoce dell'opera.#Sono presenti caratteristiche puramente gotiche, quali l'eccessiva sinuosità del bordo del manto della Vergine Annunciata o della veste broccata oro dellAngelo Annunciante, a mostrare più volte il diritto e il rovescio del tessuto; anche questi tratti sono tipici dell'ultimo Simone Martini.#L'opera è di piccolo formato, portatile e commissionata da un membro di quella familia cardinalizia per cui Simone lavorava ad Avignone. Questa tipologia di formato e committenza erano tipiche del periodo avignoneseIn sostanza quindi un periodo compreso tra la realizzazione dell'Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita che si trova oggi agli Uffizi e i primi anni del periodo avignonese sembrano costituire una finestra di tempo adeguata in cui collocare temporalmente l'opera .

Prompt: In Orsini Altarpiece, how is the Attribution dating of the History explained?Please output in Italian.


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Autoritratto con la Morte che suona il violino

In quest'opera eloquente e dal forte impatto emotivo Böcklin approfondisce la sua visione sulla morte, tematica che aveva tinto con le sue ombre la sua intera produzione pittorica  ma anche la stessa tradizione figurativa svizzera, assai sensibile  alla raffigurazione di danze macabre. In primo piano è raffigurato ovviamente Arnold Böcklin, dai capelli bruni e scarmigliati, mentre osserva la sua immagine riflettersi sullo specchio: ha in mano gli strumenti del lavoro  con i quali sta consegnando alla riflessiva immobilità dell'arte la sua fisionomia. Ma osserviamo meglio: il capo leggermente voltato, il collo torto, lo sguardo sagace, scrutatore e al contempo sgomento sono tutte spie che comunicano all'osservatore l'imminenza di un evento misterioso e imprevedibile.leftDietro Böcklin, infatti, una sconvolgente presenza sorprende l'osservatore: si tratta nientedimeno della Morte, qui personificata com'è tradizione da uno scheletro, in riferimento alla consunzione delle carni alla quale il corpo di ogni essere umano tende inesorabilmente. Böcklin reinventa genialmente le codificazioni estetiche del memento mori: il tema dell'ineluttabilità della morte, infatti, era da secoli radicato nella storia dell'arte, che tuttavia tentò di esorcizzarlo  con l'inserimento nella composizione di simboli che però non erano che meri moniti, volti a rammentare all'osservatore la perpetua fugacità dei piaceri mondani e pertanto estranei alla vicenda narrata. Nell'opera Böcklin, invece, «la presenza della morte non è il frutto di una maturata consapevolezza, ma l'amaro esito di un fortuito, accidentale apprendimento» .Ebbene, qui la Nera Signora è colta mentre suona un violino dove, tuttavia, le tre corde più alte sono saltate. L'unica corda superstite è proprio la quarta, il Sol, quella che - come hanno osservato numerosissimi critici - se suonata da sola produce un suono misterioso e penetrante, simile ad una campana.  presenza di queste tre corde spezzate rende inevitabile un confronto simbolico con il mito delle Tre Parche, mitiche filatrici che presiedevano al destino dell'uomo dalla nascita alla morte, rispettivamente filando, svolgendo e tagliando il filo della vita. Neanche le divinità del consesso olimpico potevano frenare l'ineluttabilità cieca delle Parche: né può, d'altronde, Böcklin, pienamente consapevole che se pure quell'ultima corda sarà recisa, anche la sua vita avrà fine.  Morte, d'altronde, è pienamente consapevole di avere in pugno la situazione e appare in preda a un'estatica gioia: la chiostra dei suoi denti scoperti, orribilmente ghignante, simula un sorriso quasi demoniaco e tradisce un'eccitazione palpabile.  Morte sa di aver vinto. Böcklin, dal suo canto, non può fare a meno di ascoltare quella melodia letale: si tratta di una commistione tra suoni e colori squisitamente simbolista, con il pittore che esita a guardare l'osservatore negli occhi, ma preferisce ascoltare in modo concentrato il suono monocorde prodotto dal violino, fino a quando l'ultima nota non sarà suonata, con il definitivo sopraggiungere dell'Eterna Vincitrice.Le esegesi che sono state fornite di quest'opera, tuttavia, sono disparatissime, tanto che è lecito parlare di una vera e propria polimorfia interpretativa. Alcuni critici vi hanno ravvisato chiari spunti autobiografici, interpretando quest'immagine così macabra come una proiezione figurativa delle sue miserie economiche e della morte di cinque dei suoi bambini . Altri, invece, preferiscono pensare che una simile raffigurazione alluda al contrasto vigente tra l'esuberanza artistica di Böcklin e la sterilità della tradizione accademica. Hermann Beenken, invece, sostiene che in questo quadro così realistico «la morte non è pensata come limite, bensì, al contrario, come esaltazione della vita, proprio come nei versi finali della poesia di Hebbel», che riportiamo di seguito: «"Alla Morte": Ancora sfiorami o Morte / quando in me mi disperdo / finché risovvenga a me stesso / me stesso al pensiero di te».

Prompt: In Self-Portrait with Death Playing the Fiddle, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Monumento al Leone di Giuda

Il monumento al Leone di Giuda è una statua del Leone di Giuda, simbolo degli imperatori etiopi e dell'Etiopia, posta di fronte alla stazione ferroviaria di Addis Abeba, capitale dell'Etiopia . statua è particolarmente nota in Etiopia per un episodio di protesta contro il colonialismo italiano avvenuto nel 1938 a Roma  per mano di Zerai Deres, che per tale gesto è celebrato dalla storiografia etiope quale patriota ed eroe nazionale.

Prompt: Focus on Monument to the Lion of Judah and explain the Abstract.Please output in Italian.

Addis Abeba
Etiopia
Leone di Giuda
Roma
Zerai Deres


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Angels Unawares

Angels Unawares  è una scultura in bronzo di Timothy Schmalz installata in piazza San Pietro, nella Città del Vaticano. scultura lunga sei metri mostra un gruppo di 140 migranti e rifugiati su una barca. Gli abiti che indossano indicano la loro origine da diverse culture e momenti storici. Ad esempio, c'è un ebreo che fugge dalla Germania nazista, un siriano che abbandona la guerra civile siriana e un polacco che sfugge allo stato socialista. L'autore dell'opera ha dichiarato che "voleva mostrare i diversi stati d'animo ed emozioni coinvolti nel viaggio di un migrante". In precedenza, l'artista aveva già realizzato sculture di un tema simile come Gesù senza casa. Ci sono due ali d'angelo, con le quali l'autore suggerisce che aiutare un migrante è come aiutare un angelo. L'ispirazione dell'artista è stata una citazione dalla Bibbia, in particolare Ebrei 13: 2, in cui dice: «Non dimenticate l'ospitalità; perché alcuni praticandola, senza saperlo, hanno ospitato angeli».L'idea della scultura, avuta nel 2016, è stata del cardinale Michael Czerny, canadese e sottosegretario della Sezione migranti e rifugiati del Dicastero per il servizio dello sviluppo umano integrale. Proprio tra le persone rappresentate sulla nave vi sono i genitori del cardinale, emigrati in Canada dalla Cecoslovacchia.  scultura è stata finanziata da una famiglia di immigrati del nord Italia, la famiglia Rudolph P. Bratty.Il 29 settembre 2019, 105ª Giornata mondiale dei migranti e dei rifugiati, papa Francesco e quattro rifugiati provenienti da varie parti del mondo hanno inaugurato la scultura. In quell'occasione il pontefice ha affermato che la scultura dovrebbe servire «a ricordare a tutti la sfida evangelica dell'ospitalità».Vi è una riproduzione più piccola di circa un metro e mezzo, che sarà installata in modo permanente nella basilica di San Paolo fuori le mura di Roma.

Prompt: Focus on Angels Unawares and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Festa Patronale di Maria SS. delle Grazie si celebra a Bompietro, piccolo paese nella città metropolitana di Palermo, nei giorni 25 e 26 di agosto.  festa è preceduta dalla tradizionale quindicina, in cui viene portata in processione, su una piccola vara, la statua della Madonna delle Grazie, che per quindici giorni viene ospitata nelle case dei fedeli, con la recita del Santo Rosario. Giorno 25 agosto " Vigilia della Festa" il simulacro della Madre delle Grazie viene portato in processione per le vie principali del suggestivo paesino,con la presenza delle confraternite e delle autorità civili e religiose, insieme con il simulacro del Patriarca San Giuseppe, che gode di una profonda devozione e del simulacro del SS. Crocifisso.Il 26 agosto, giorno della festa, si svolge nuovamente la solenne processione della Madonna, in cui il simulacro percorre la maggior parte delle vie cittadine. Vari gli intrattenimenti e le manifestazioni, con giochi pirotecnici, banda musicale e spettacoli.

Prompt: Describe the characteristics of the Bompietro in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

26 agosto
5 agosto
Bompietro
San Giuseppe


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La Gioconda

14 Scena ed Aria Scena Sì, morir ella de  Aria Alvise Là turbini e farnetichi  15 Scena e Duetto Scena Qui chiamata m'avete?  Duetto ura Alvise Morir! è troppo orribile  16 Scena e Serenata Scena E già che ai nuovi imeni  Serenata  gaia canzone  [Scena] O madre mia  17 Scena, Ingresso dei Cavalieri e Coro Scena e Ingresso dei Cavalieri Benvenuti, messeri  Coro S'inneggi alla Ca' d'oro  18 Recitativo e Danza delle Ore Recitativo Grazie vi rendo  Danza delle Ore  Sortono le ore dell'Aurora  Le Ore dell'Aurora  Sortono le Ore del giorno Danza delle Ore del giorno  Sortono le Ore della sera Sortono le Ore della notte (Moderato, Andante poco mosso, Allegro vivacissimo 19 Scena e finale III - Pezzo concertato Scena Vieni! - sciami!  Pezzo concertato D'un vampiro fatale

Prompt: Explain the Act III: The Golden House about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: Explain the In modern philosophy about the In the arts of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Fontana dei Tre Fiumi carniolani

Dettaglio della fontana fontana dei Tre Fiumi carniolani , conosciuta anche come fontana del Robba , è una fontana della città di Lubiana situata in piazza Civica, vicino al municipio della città. Fu realizzata nel 1751 ad opera dello scultore Francesco Robba ed è uno dei simboli della capitale slovena.

Prompt: How does Robba Fountain explain its Abstract?Please output in Italian.


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Gioele

Aragonese: ChoelBasco: Yoel, JoelCatalano: JoelFinlandese: JoelGaliziano: XoelFemminili: Joelle, Joellatino: Iohel, IoelOlandese: JoëlPolacco: JoelRusso: Иоиль Serbo: Јоил , Јоиљ Spagnolo: JoelSvedese: JoelUcraino: Йоіл Ungherese: Jóel

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Variantsinotherlanguages and the People.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

Nella seconda metà del III secolo a.C. la lupa diventa uno dei motivi decorativi nei medaglioni in rilievo, inseriti al centro dei vasi aperti della ceramica calena. I medaglioni riproducono meccanicamente i modelli metallici, identificabili con le didramme  d'argento romano-campane; in secondo piano, alle volte, compare il fico ruminale su cui talvolta sono appollaiati uno o due uccelli. Accanto al nucleo centrale, con l'immagine della lupa e i gemelli, trovarono posto scene figurate più complesse in cui vanno sommandosi altri elementi del racconto mitico: ad esempio la presenza di due pastori, o del solo Faustolo: come riporta il denario del triumviro monetale Sesto Pompeo Faustolo databile al 133-126 a.C.; Faustolo rappresentato come un viaggiatore, a braccia incrociate e con il pedum, ha il braccio sollevato in segno di meraviglia, gesto che sottolinea il significato miracoloso dell'allattamento, secondo uno schema che avrà larga fortuna in seguito.In età tardo repubblicana, con il denario detto dellAugurium romuli, datato al 110 a.C., la raffigurazione della Roma Victrix, associata al "Lupercale" , entrò a far parte del repertorio figurativo delle gemme; contemporaneamente i pastori diventarono due e si perse la specifica connotazione di Faustolo.Con la fine dell'età Repubblicana la tradizione iconografica narrativa cede il posto a raffigurazioni isolate, privilegiate per il loro carattere drammatico o per l'importanza acquisita dalla scena nella propaganda personale dell'imperatore; in particolare la lupa romana diventa uno dei motivi decorativi adoperati su urne e altari funerari della prima età imperiale.Nell'età Augustea, l'immagine dell'allattamento dei gemelli, allude ad una vita felice che richiama l'avvento dellaura aetas celebrata nei ludi saeculares del 17 a.C. Dopo una lunga assenza dai coni monetali per tutta l'età giulio-claudia, la lupa che allatta i gemelli ricompare sui rovesci degli aurei di Tito e dei denari coniati a Roma da Diocleziano, poco tempo prima della morte di Vespasiano nel 79 d.C. In esergo è raffigurata una barchetta, che richiama la cesta nella quale furono ritrovati i due fanciulli; la piccola imbarcazione diventa il simbolo del salvataggio miracoloso, poiché solo grazie ad essa Romolo e Remo giunsero sulla riva del Tevere.Con l'età adrianea la lupa con i gemelli diventa un attributo caratterizzante della personificazione del fiume Tevere, accompagnato precedentemente dalla palma o dall'idria rovesciata. Sulla monetazione di questo imperatore la lupa compare con un atteggiamento nuovo: non più rivolta interamente verso i gemelli, ma con la testa girata di tre quarti. Il significato della nuova immagine va compreso in relazione alle effigi della lupa che mostrano una diversa postura e che rimandano ad un diverso atteggiamento programmatico della politica imperiale:l'animale accovacciato , richiama la mansuetudine ottenuta grazie all'intervento divino;l'animale rivolto verso i gemelli richiama la protezione accordata dall'imperatore al popolo romano;l'animale con la testa fieramente alzata richiama la predestinazione della grandezza dell'Impero.Il motivo della lupa avrà larga diffusione, con ampie e numerose varianti, anche nella monetazione e nei medaglioni bronzei di Antonino Pio, il quale riprende il programma del suo predecessore e recupera, con le medesime motivazioni ideologiche, l'intero repertorio relativo al passato leggendario di Roma. Dopo Adriano, l'immagine della lupa nutrice, si diffonde nella monetazione provinciale; ben tre legioni hanno adoperato la lupa romana come insegna militare: la II legione Italica , la VI legione Ferrata  e l'XI legione Claudia .Con il III secolo d.C., il tema dell'allattamento miracoloso scompare dai monumenti pubblici e dalla monetazione di Roma e fa la sua apparizione solo in particolari occasioni legate a ricorrenze eccezionali; come i giochi secolari celebrati da Filippo l'Arabo nel 248 d.C., che secondo il computo verroniano, coincideva con il millesimo anniversario di Roma e nei successivi anniversari festeggiati da Gallieno, da Probo e da Carusio con cadenza decennale.Nel IV secolo d.C. la veneranda immagine della lupa torna in voga con Massenzio, l'ultimo vero imperatore romano, che tentò di restituire a Roma la centralità perduta rinnovandone i monumenti e dando al proprio figlio il nome del suo fondatore: Romolo. statua che conosciamo venne quasi sicuramente realizzata tra il X e il XIV secolo, grazie alle recenti analisi condotte sulle terre di fusione usate nella lega bronzea. Fino a pochi anni fa la si riteneva invece un originale datato, con esiti diversi, dagli inizi del V secolo a.C. al III secolo a.C., che non era mai finito sotto terra. Ciò testimonia, comunque, la prova della continuità dello spirito romano dall'antichità attraverso il medioevo e oltre.

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the La Lupa the coinage of the Description explained?Please output in Italian.

110 a.C.
126 a.C.
17 a.C.
248
79
Adriano
Antonino Pio
Carusio
Diocleziano
Faustolo
Filippo l'Arabo
Gallieno
III secolo
III secolo a.C.
IV secolo
Lupercale
Massenzio
Roma
Romolo e Remo
Sesto Pompeo Faustolo
Tevere
V secolo a.C.
Vespasiano
XIV secolo


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Explain the Congregation orders Annunciation of this artwork, Annunciation (Correggio).Please output in Italian.


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Pala degli Oddi

L'opera venne commissionata nel 1502 da Alessandra Baglioni, moglie di Simone degli Oddi detto “il Grande” come pala d’altare nella cappella gentilizia di famiglia nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. Nel 1797 fu requisita dai Francesi e trasferita a Parigi, dove venne trasportata su tela. Nel 1815 fece ritorno in Italia e, come molte opere recuperate, finì in Vaticano, dove restò a disposizione di papa Pio VII che decise di inserirla nella Pinacoteca vaticana.Dell'opera si conoscono vari disegni preparatori: due degli angeli musicanti , uno per l'apostolo in primo piano a destra , e uno per l'apostolo al centro, san Tommaso,

Prompt: Explain the History of this artwork, Oddi Altarpiece (Raphael).Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ecce Homo

Ecce homo  è la frase che secondo la Vulgata Ponzio Pilato, allora governatore romano della Giudea, pronunciò mostrando alla folla Gesù flagellato.

Prompt: Focus on Ecce Homo (Bosch, Indianapolis) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In the context of Annunciation (Antonello da Messina), explain the Apocryphal  Gospels and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Giove e Io

Prompt: In Jupiter and Io, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: Describe the characteristics of the Malta in Epifania's History.Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait with Palette (Manet)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Musica

I generi musicali sono categorie entro le quali vengono raggruppate, indipendentemente dalla loro forma, composizioni musicali aventi caratteristiche generali comuni, quali l'organico strumentale, il destinatario e il contesto in cui sono eseguite.Il grado di omogeneità formale e stilistica di tali raggruppamenti è molto variabile e diviene addirittura nullo nel caso di generi con alle spalle una lunga storia, quali la musica sinfonica o l'opera lirica.  loro identità si fonda piuttosto sul contesto sociale e ambientale a cui le composizioni sono destinate  e sulle diverse modalità con cui la musica si coniuga di volta in volta ad altre forme di spettacolo, arte o letteratura, quali la danza, il teatro, l'immagine, la poesia, il racconto.

Prompt: How does Music (Matisse) explain its Music genres?Please output in Italian.


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Pesca delle anime

Pesca delle anime è un dipinto a olio su tela di Adriaen van de Venne del 1614 realizzato durante il Secolo d'oro olandese e conservato presso il Rijksmuseum.

Prompt: How does Fishing for Souls explain its Abstract?Please output in Italian.

Adriaen van de Venne
Secolo d'oro olandese


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Madame Moitessier

Madame Moitessier è un dipinto a olio su tela  di Jean-Auguste-Dominique Ingres, databile al 1856 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Portrait of Madame Moitessier explain its Abstract?Please output in Italian.

1856
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Londra


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: Describe the characteristics of the Psychology in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Aerostato

I palloni aerostatici sono impiegati attualmente soprattutto per missioni scientifiche di tipo astronomico e meteorologico. L'utilizzo in astronomia permette di eliminare almeno parzialmente l'influsso deleterio dell'atmosfera sulla qualità delle osservazioni. Per alcune bande spettrali inaccessibili da terra, ad esempio l'ultravioletto, l'uso di un pallone può essere sufficiente a tale scopo senza che sia necessaria una missione satellitare, significativamente più dispendiosa.Gli aerostati giocarono anche un ruolo chiave nelle prime esperienze che misero in luce l'esistenza dei raggi cosmici e ne studiarono l'intensità in funzione dell'altitudine portando in quota strumenti quali elettroscopi, lastre fotografiche e contatori di vario genere.Da non sottovalutare è anche l'utilizzo in campo archeologico. Infatti questi palloni possono essere utilizzati per la fotografia a bassa quota di siti e aree di interesse archeologico.

Prompt: Describe the characteristics of the Scientific activity in Balloon (Merse)'s Used gases.Please output in Italian.


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La tomba di Hutten

scultura di Fede di Agen senza testa ha un significato simbolico forte.  martire aveva tredici anni quando, all'epoca delle persecuzioni dei cristiani sotto il regno dell'imperatore romano Massimino II Daia, si rifiutò di pregare per le divinità pagane, e pertanto venne decapitata nel 303. I nomi di Jahn, Arndt, Stein, Görres e Scharnhorst sono stati raggruppati sotto la scultura per deplorare il tradimento dei loro ideali con la Restaurazione.

Prompt: In Hutten's Grave, how is the The culture of Faith of Agen of the Interpretation explained?Please output in Italian.


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Epifania

Johann Sebastian Bach compose due cantate che concludevano il periodo di Natale: Sie werden aus Saba alle kommen  Liebster Immanuel, Herzog der Frommen Inoltre, per il servizio liturgico dell'Epifania fu pubblicata la Parte VI dell'oratorio Herr, wenn die stolzen Feinde schnauben .Nel poema sinfonico di Ottorino Respighi intitolato Feste romane il movimento finale si chiama "Bofana" e ha luogo nell'Epifania.

Prompt: Explain the Classical music about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Johann Sebastian Bach
Liebster Immanuel, Herzog der Frommen
Natale
Ottorino Respighi
Sie werden aus Saba alle kommen


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Abaporu

L'opera raffigura una figura umana estremamente stilizzata che occupa quasi tutto lo spazio: questa creatura ha una testa piccolissima e priva di naso e bocca, il corpo allungato e un piede gigantesco. L'Abaporu porta una mano al mento come se stesse meditando. Il paesaggio è composto da un prato, un sole e un cactus molto semplificati. Il quadro fa parte della fase antropofaga di Tarsila che, così come la sua fase pau-brasil, è considerata una delle più importanti nella vita della pittrice. Influenzata dal cubismo, questo periodo della carriera dell'artista le permise di dare una lettura visuale delle strutture dalla società brasiliana.Alcuni studiosi collegano la posa di Abaporu al Pensatore di Rodin. Nella sua tesi A tessitura da textualidade em Abaporu, Nádia Regina Maffi Reckel afferma che in Abaporu la riscrittura del Pensatore non si deve soltanto dalla posizione del corpo del personaggio, ma anche dall'estetica del frammento e del blocco. E, se a questo si aggiunge la riscrittura della brasilianità, si può capire il soggetto non soltanto dalla sua forma o dal contenuto, come è letto comunemente dai critici d'arte e dagli educatori.Un altro legame tra le opere è esemplificato dal piccolo sole. Nella composizione, la luce è esterna e si riflette sul corpo del personaggio e sul cactus. Il sole è un riferimento al sole brasiliano, alla brasilianità dell'opera.

Prompt: How does Abaporu explain its Description?Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Plutarco, Vita di Alessandro Magno in Vite parallele Diodoro Siculo, Bibliotheca historica XVII Arriano, Anabasi di Alessandro Quinto Curzio Rufo, Historiae Alexandri Magni  Callistene, Gesta di Alessandro

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Primary sources of the Consequences of the battle explained?Please output in Italian.

Alessandro Magno
Arriano
Bibliotheca historica
Callistene
Quinto Curzio Rufo
Diodoro Siculo
Quinto Curzio Rufo
Plutarco
Quinto Curzio Rufo


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: Explain the Hidden  children  in  clandestinity about the Inappropriate for children of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Pietà Rondanini

Pietà Rondanini è un'opera marmorea  di Michelangelo Buonarroti, scolpita nel 1552-1553  e rilavorata dal 1555 circa al 1564; è conservata nel Museo del Castello Sforzesco a Milano. Si tratta dell'ultima opera dell'autore, che secondo le fonti vi lavorò fino a pochi giorni prima di morire.Dal 2 maggio 2015 si può vedere la Pietà nel nuovo museo, allestito nell'antico Ospedale Spagnolo nel Cortile delle Armi del Castello Sforzesco.

Prompt: In Rondanini Pietà, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Madonna del Latte

Madonna del tte , in latino Maria lactans o Virgo ctans, è un'iconografia cristiana ricorrente in arte, talora accompagnato dall'espressione monstra te esse matrem. Questa iconografia è presente anche in ambito ortodosso con la definizione greca Παναγία Γαλακτοτροφοῦσα . Nel rito romano la festa liturgica della Madonna del tte non ha una data precisa ma spesso coincide con altre feste mariane  o cade nei mesi mariani per eccellenza .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio).Please output in Italian.

1536
Firenze
Galleria degli Uffizi
Hans Holbein il Giovane
Richard Southwell
Galleria degli Uffizi


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Self-portrait environment autonomy of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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La toilette di Ester

Il dipinto non venne compreso del tutto quando venne esposto per la prima volta al Salone di Parigi del 1842. In seguito, ispirò dei pittori come François-Léon Benouville e Gustave Moreau.Nel 1934,  toilette di Ester venne lasciata in eredità al museo del Louvre dal barone Arthur Chassériau, un lontano parente dell'artista, così come la maggior parte delle opere del pittore in suo possesso.

Prompt: Focus on The Toilette of Esther and explain the History.Please output in Italian.

Arthur Chassériau
François-Léon Benouville
Gustave Moreau
Parigi


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Pagamento del tributo

Importantissima è anche la costruzione scenica entro la quale si svolgono i tre tempi della scena. Tutto è regolato dalla prospettiva e dall'osservazione naturalistica, il paesaggio è descritto in modo sommario ed essenziale, ma realistico. A destra si trovano le articolate mura della città composte con giochi di contrasto tra vuoto e pieno, e le scene sono vivacizzate dal concatenamento dei gesti ; questa impostazione risente una certa influenza del rilievo di San Giorgio libera la principessa di Donatello . Le figure umane si dispongono a semicerchio attorno a Cristo.Il punto di fuga a cui convergono le linee si trova esattamente dietro la testa di Cristo, che diventa così il fulcro di tutta la rappresentazione. Lo stesso schema prospettico si trova anche sulla parete opposta, dove Masolino dipinse la Guarigione dello storpio e resurrezione di Tabita, ma in quel caso nel punto di fuga non si trova nessun elemento significativo, infatti le varie scene appaiono disperse, con raccordi molto blandi.Nel Tributo una serie di tronchi e varie montagne erbose che sfumano all'orizzonte, così come le nuvole in cielo, estremamente più realistiche di quelle che Masolino era solito dipingere . Gli stessi monti rompono fortemente la tradizione delle rocce aguzze, usate da Giotto e dai suoi continuatori seguendo la tradizione bizantina.Oltre che un'unificazione spaziale, è presente anche una precisa unificazione luminosa, con la fonte di luce da destra , che determina l'inclinazione delle ombre.

Prompt: Explain the The setting about the Description of this artwork, The Tribute Money (Masaccio).Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

Quella di san Giorgio e il drago è una leggenda medievale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint George (Raphael, Louvre).Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftDato che le truppe di Ottaviano si trovavano ad Alessandria d'Egitto, Cleopatra si ritirò presso la propria tomba  e inviò un messaggio ad Antonio nel quale veniva detto che la regina era morta per suicidio. Disperato, Marco Antonio si pugnalò allo stomaco con una spada. Plutarco racconta che quando Antonio venne portato alla tomba di Cleopatra egli era ancora vivo e le parlò prima di spirare. Cleopatra riuscì a far imbalsamare il suo amante e venne portata al palazzo, dove dovette incontrarsi con Ottaviano, il quale teneva con sé tre dei suoi figli: Alessandro Elio, Cleopatra Selene II e Tolomeo Filadelfo.Come racconta Tito Livio, durante l'incontro Cleopatra disse al triumviro che ella non sarebbe stata esibita in trionfo come un trofeo . Egli, d'altro canto, non lasciò trapelare le sue intenzioni sul destino della regina e del regno egizio. Quando una spia informò Cleopatra che Ottaviano intendeva portarla a Roma come una prigioniera di guerra, ella decise di suicidarsi per non essere soggetta a una tale umiliazione. Secondo Plutarco la regina si preparò al suicidio con un processo quasi rituale, chiedendo che le venissero preparati un bagno caldo e un pasto che includeva dei fichi, portati in un cesto.Secondo Plutarco, Ottaviano ordinò al suo liberto Epafrodito di tenere d'occhio Cleopatra per evitare che ella si uccidesse, ma fu tutto inutile. In una prima visita la regina tentò di discolparsi, adducendole a Marco Antonio la responsabilità delle proprie azioni. All'ostinata opposizione di Ottaviano, che non credeva a tali parole, la regina cambiò atteggiamento e decise di offrire il suo tesoro personale al futuro imperatore. Fu una schiava della regina a far notare, volontariamente o meno, che mancava una cospicua parte dei gioielli personali di Cleopatra alla lista fornita ai Romani. Dopo aver affermato di voler donare tali gioielli alla moglie di Ottaviano, questi, compiaciuto dell'incontro, si allontanò, rassicurando che avrebbe riservato alla regina un trattamento migliore di quando lei stessa avrebbe potuto aspettarsi. Avendo saputo da un certo Dolabella le vere intenzioni di Ottaviano, ovvero di portarla a Roma come "trofeo di guerra", la regina decise di suicidarsi: fece imbalsamare il marito e si avvelenò, dopo aver compiuto un complesso rituale. Quando Ottaviano ricevette una lettera nella quale la sovrana chiedeva di essere sepolta accanto ad Antonio, egli mandò i suoi uomini da lei, ma questi arrivarono troppo tardi: la regina del Nilo era già morta e ai suoi piedi giaceva l'ancella Ira , mentre l'ancella Carmione sistemava il diadema della sua sovrana prima di morire anche lei..</ref>"Καλὰ ταῦτα Χάρμιον;""Κάλλιστα μὲν οὖν" ἔφη "καὶ πρέποντα τῇ τοσούτων ἀπογόνῳ βασιλέων."Πλέον δ᾽ οὐδὲν εἶπεν, ἀλλ᾽ αὐτοῦ παρὰ τὴν κλίνην ἔπεσε.lingua=greco anticolingua2=italiano}}Nonostante Ottaviano fosse oltraggiato da questi eventi, decise di soddisfare la richiesta di Cleopatra e la seppellì insieme a Marco Antonio.  tomba di Antonio e Cleopatra probabilmente era situata all'interno del grandioso mausoleo reale dei Tolomei ad Alessandria. Nonostante numerose ricerche, il sito della tomba reale non è mai stato ritrovato.

Prompt: In the context of Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), explain the Suicide of Antony and Cleopatra and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Alessandria d'Egitto
Alessandro Elio
Carmione
Cleopatra
Marco Antonio
Plutarco
Tito Livio


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Ritratto di Agnolo Doni

Il ritratto venne commissionato dallo stesso Agnolo Doni, ricco mercante e mecenate fiorentino, assieme a un ritratto della moglie Maddalena Strozzi, dopo il matrimonio nel 1503. Lo stesso Doni aveva commissionato a Michelangelo il famoso Tondo Doni, oggi agli Uffizi.I due ritratti, conservati a palazzo Doni, grazie alla straordinaria introspezione che fece scuola, ebbero un duraturo successo: tra i numerosi che Raffaello dovette eseguire a Firenze sono gli unici di cui si sia tramandato il nome, fin dai tempi di Vasari.L'opera rimase in possesso dei discendenti fino al 1826, quando fu ceduta al granduca Leopoldo II di Toscana. Rispetto al ritratto della moglie, il ritratto di Agnolo è lievemente anteriore.Con l'unione di Uffizi e Galleria Palatina, il direttore Eike Schmidt ha portato avanti un riordino alla luce dell'allestimento delle sale dei "Grandi Uffizi", e ha riunito questo dipinto e il suo pendant al Tondo Doni in una nuova sala al secondo piano di quest'ultima galleria.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Agnolo Doni.Please output in Italian.

1503
Agnolo Doni
Eike Schmidt
Firenze
Galleria Palatina
Leopoldo II di Toscana
Tondo Doni


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Majas al balcone

Majas al balcone è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1808 e il 1814 dal pittore spagnolo Francisco Goya e appartiene a una collezione privata del barone Rothschild in Svizzera. Una copia precedentemente considerata autentica è conservata nel Metropolitan Museum of Art di New York.Due majas affacciate al balcone con i volti talmente somiglianti da far sembrare simmetrica l'immagine; anche i colori sono invertiti. Dietro le ragazze si stagliano le  siluettes di due non tranquillizzanti ceffi.

Prompt: How does Majas on a Balcony explain its Abstract?Please output in Italian.

1808
1814
Francisco Goya
Francisco Goya
Metropolitan Museum of Art
New York
Svizzera


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Uomo vitruviano

Alfonso Rubino - http://www.slideshare.net/alfonsorubino/dall-uomo-vitruviano-alle-donne-vitruviane-di-leonardo2

Prompt: How does Vitruvian Man explain its External links?Please output in Italian.


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Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: Describe the characteristics of the Benelux in Epifania's History.Please output in Italian.