subsection

William Tecumseh Sherman

Il 17 febbraio 1865 Sherman conquistò Columbia, la capitale del Sud Carolina.  zona centrale della città venne distrutta da incendi che durarono tutta la notte; ci furono molte polemiche riguardo all'incendio della città, con alcuni che sostenevano che il fuoco fosse un fatto accidentale, mentre altri affermavano che fosse stato un deliberato atto di vendetta, mentre una terza ipotesi attribuiva l'incendio alla ritirata dei Confederati che avrebbero bruciato le balle di cotone al momento della fuga dalla città.Sherman continuò a marciare attraverso il Nord Carolina, e le sue truppe causarono pochi danni rispetto a quelli causati nel Sud perché il nord era considerato uno stato che aveva aderito alla causa confederata in maniera più riluttante. Nel suo ultimo combattimento significativo Sherman sconfisse l'esercito del generale Johnston nella battaglia di Bentonville.A fine marzo lasciò per poco tempo le sue forze per andare a City Point, Virginia, e incontrare Grant. Anche Lincoln si trovava lì, e questo permise l'unico incontro dei tre insieme durante la guerra.Sherman si incontrò con Johnston a Bennett Place nella contea di Durham nel Nord Carolina per negoziare la resa Confederata. Alle richieste di Johnston e del presidente confederato Jefferson Davis, Sherman offrì condizioni che riguardavano sia l'aspetto politico che quello militare, malgrado non avesse alcuna autorizzazione per dettare queste condizioni né dal generale Grant, né dal governo degli Stati Uniti.Washington si rifiutò di riconoscere il trattato di resa, cosa che causò una lunga ed aspra polemica tra Sherman e il Segretario alla guerra Edwin McMsters Stanton.  confusione su questa questione durò fino al 26 aprile quando Johnston, ignorando le istruzioni del presidente Davis, accettò i termini della resa che si riferivano alla situazione militare, e formalmente fece arrendere il suo esercito e tutte le forze confederate della Carolina , della Georgia e della Florida.

Prompt: Describe the characteristics of the Confederate meeting in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Youth.Please output in Italian.

1865
Bennett Place
Durham
Edwin McMsters Stanton
Florida
Jefferson Davis


section

Roma vista dal Vaticano

monumentale opera, realizzata da Turner dopo il viaggio del 1819-1820 in Italia, non intende tanto ricercare la veridicità storica, bensì si propone come un omaggio a Raffaello Sanzio in occasione del tricentenario della sua morte, che ricorreva proprio nel 1820. L'Urbinate, infatti, è ritratto in primo piano, in basso a destra, mentre prepara i dipinti per la decorazione della loggia vaticana: alla sua sinistra troviamo la sua leggendaria amante, la Fornarina, mentre tutt'intorno a loro sono cosparsi numerosissimi quadri. Tra le due ali dell'edificio vaticano si inserisce una veduta di piazza San Pietro, delimitato dal colonnato berniniano e da un palazzo dorato sulla sinistra, e ancora oltre vi è la Città Eterna che si distende a perdita d'occhio, sfumando progressivamente in toni giallo-rosati e azzurri.Con quest'opera Turner non solo opera un parallelismo tra sé stesso e Raffaello, artista universale, bensì intende anche dare una prova del suo virtuosismo pittorico, definendo i vari spazi con la forma geometrica dell'ellissi . Fondamentale in questo quadro è anche l'intervento del ricordo: l'opera, infatti, fu realizzata solo dopo il ritorno di Turner a Londra, anche se dopo due disegni preparatori, alcuni schizzi delle Logge e un disegno a penna e inchiostro. È proprio rielaborando a distanza di tempo queste annotazioni che Turner si anima di un nuovo vigore creativo, in quanto «implicava la creazione di un'immagine che non era soltanto vista, ma anche ricordata». In questo dipinto, infatti, l'Urbe sembra quasi uno scenario fantastico, ed è come se riaffiorasse lentamente dalla nebbia romantica dei ricordi: a creare quest'effetto concorrono soprattutto la luminosità diffusa, che inonda uniformemente la città con una luce gialla, calda e intensa, e il cielo di un azzurro liquido che si fa sempre più latteo quanto più s'approssima all'orizzonte.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Rome, from the Vatican.Please output in Italian.


section

Croce degli Angeli

Croce degli Angeli è una croce-reliquiario in forma di croce greca, che si trova nella Camera Santa della Cattedrale del Santo Salvatore di Oviedo, nel Principato delle Asturie in Spagna.Fu realizzata agli inizi del IX secolo e, secondo un'iscrizione presente sul retro della stessa, nell'anno 808 venne donata alla cattedrale di Oviedo da Alfonso II il Casto, re delle Asturie. Croce degli Angeli appare nello scudo di Oviedo e in quelli di altri municipii asturiani come ngreo, San Martín del Rey Aurelio, Boal e Quirós.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Cross of the Angels.Please output in Italian.

808
Asturie
Boal
IX secolo
Oviedo
Quirós
San Martín del Rey Aurelio
Spagna


section

Monumento equestre al Gattamelata

Il monumento equestre del Gattamelata è una statua in bronzo realizzata da Donatello e situata in piazza del Santo a Padova. Eretta in onore del condottiero della Repubblica di Venezia Erasmo da Narni, detto il Gattamelata, risale al periodo tra il 1446 e il 1453. Misura 340x390 cm, con lo zoccolo di base di 780x410 cm.Si tratta della prima statua equestre di grandi dimensioni fusa dai tempi dell'antichità ed una delle prime opere scultoree dell'epoca moderna svincolate da un'integrazione architettonica : l'opera si propone infatti come forma autonoma, che si rapporta nello spazio solo con il suo volume, senza altri limiti.

Prompt: In Equestrian statue of Gattamelata, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1446
1453
Donatello
Gattamelata
Padova
Repubblica di Venezia
Repubblica di Venezia


section

Al Moulin Rouge

Al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1892-93 e conservato all'Art Institute di Chicago.

Prompt: Focus on At the Moulin Rouge and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Venere allo specchio

sinistraVenere de' Medici, Firenze, Galleria degli Uffizi: un esemplare della Venus pudica che potrebbe aver ispirato TizianoTiziano, già aduso nel dipingere Venere, soprattutto mollemente distesa, s'ingegnò di adattarne la figura in una scena di toeletta, un tipo di situazione che aveva già sperimentato ritraendo alcune anonime donne.In questo caso la posa della dea riprende il modello di una "Venere pudica", probabilmente la Venere de' Medici, allora a Roma, che il pittore ebbe modo di vedere durante il soggiorno in quella città nel 1545-1546 «imparando dalle meravigliose pietre antiche». Ma potrebbe essere stata anche un'altra Venere pudica già nella collezione Grimani e ora nel museo archeologico di Venezia.Pieter Paul Rubens, Venere e Cupido, 1606/1611, olio su tela, 137x111 cm, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza prima notizia di una Venere allo specchio di Tiziano si riferisce all'opera che aveva promesso in dono all'imperatore Carlo V e che finalmente convocato riuscì a consegnarla in Augusta nel 1548. Purtroppo l'originale, prelevato nel 1813 da Giuseppe Bonaparte, è andato perduto ma ne rimane una pregevole replica realizzata da Rubens. In realtà secondo alcuni documenti appare che Tiziano inviò un'altra versione a Filippo II, che egli stesso descriveva come «Venere ignuda». Non è chiaro se le due tele avessero la medesima impostazione, comunque nel 1666 risultavano esposte assieme nella galleria tizianesca del Prado.Tuttavia già nel 1934 uno studio di Stephan Poglayen-Neuwall incentrato sulle copie e repliche allora visibili aveva dimostrato che dovevano essere esistite tre redazioni autografe, ognuna distinta nelle proprie varianti.Infatti Ridolfi ci ricorda un'altra «Venere rarissima, che si mira nello specchio con due amori» nella collezione creata dall'avvocato e poi mercante Nicolò Crasso . Anche questo dipinto perduto ci è tramandato soltanto da un abbozzo nel quaderno che van Dyck schizzò in Italia e confermata dalla copia presente all'Ermitage.Antoon van Dyck , Toeletta di Venere in Quaderno italiano di schizzi, 1614/1641, penna su carta, 200x150 mm circa, Londra, L'unica Venere allo specchio che ci è giunta è l'esemplare di Washington. Un tempo si pensava che il dipinto consegnato all'imperatore fosse una replica proprio di questo, ignorando peraltro l'esemplare già Crasso. Un accurato studio di Peter Humfrey ha dimostrato invece che questa unica versione pervenutaci sia successiva e databile 1552-1553.Le copie tuttora esistenti ci rendono note le variazioni introdotte da Tiziano nei vari esemplari. Non sono comunque queste da rilevarsi nei minuti dettagli, come le collane ed i braccialetti, spesso dovuti alla fantasia, al gusto o all'abilità dei copisti. Gli elementi rilevanti sono la camicia che le copre parzialmente il petto ma rivela le gambe e la presenza di un unico cupido nel dipinto inviato in Spagna. Negli altri due invece il busto di Venere viene presentato nudo e la dea è accompagnata da due eroti. Nell'esemplare Crasso ambedue reggono lo specchio e il primo rivolge lo sguardo verso gli osservatori. Nell'esemplare della National Gallery solo il primo amorino regge lo specchio e vi guarda dentro, l'altro porge una ghirlanda a Venere.sinistraRadiografia del dipinto di Washington radiografia pubblicata da Shapley nel 1972 rivelò che l'esemplare di Washington era stato dipinto su una tela precedentemente impiegata per un doppio ritratto: un'elegante donna e un uomo in armatura. Probabilmente, secondo Tagliaferro, il dipinto originario era opera del giovane allievo Paris Bordon data l'impostazione più riferibile ai modi di questi; un'ipotesi comunque ritenuta scarsamente difendibile secondo Humfrey. Tiziano poi ruotò la tela portandola in verticale e vi dipinse sopra la sua nuova Venere riutilizzando il manto dell'uomo come copertura delle gambe della dea.Venere allo specchio, particolare Venere di Washington, nel trattamento accurato della tessitura delle superfici e nella loro tattile sensualità, tipico specialmente nel Tiziano degli anni cinquanta, incarna l'ideale di bellezza di quell'epoca mentre rivela, più che coprirla, morbidezza delle candide carni della dea avvolte nel drappo rosso contornato da ricami d'oro e d'argento e foderato di morbida pelliccia.Tuttavia è stato rilevato come la parte destra del quadro non sia altrettanto curata, per esempio nell'anatomia generale del primo cupido in cui inoltre l'ala sinistra appare troppo piatta e spunta dalla spalla a differenza dell'altra attaccata alla scapola. Diversi studiosi hanno quindi supposto che la metà destra del quadro sia stata dipinta da un seguace, forse anche dopo il decesso del maestro, magari allo scopo di rendere più vendibile l'opera. A confermare l'inserimento tardivo degli amorini Tamara Fomichova ha osservato inoltre che il cupido offerente una ghirlanda fiorita è un motivo che appare nelle opere di Tiziano solo dalla metà degli anni sessanta con le due versioni di Venere e Cupido con un suonatore di liuto, ora al Fitzwilliam e al Met.Il motivo di Venere con lo specchio risulta frequente per tutto il Medioevo come allegoria moralizzante della vanità e voluttuosità, ma sopravvisse in questo senso anche più tardi, un esempio di questa durevolezza potrebbe essere l'allegoria della Vanitas di Bellini. Ma pochi anni dopo con la Nuda allo specchio, che per certi versi anticipa l'iconografia della Venere allo specchio, Giovanni rispose alla Donna allo specchio di Tiziano. Sebbene ambedue i dipinti non siano dichiaratamente riferiti alla dea, alcuni storici li hanno inquadrati come precursori della Venere: per esempio Elise Goodman-Soellner ha individuato nella Donna una rappresentazione dell'ideale di bellezza petrarchesco e nelle armonie cromatiche della Venere una corrispondenza con gli elogi dei poeti alle loro signore; Cathy Santore, che vede nella Donna una cortigiana e nella Venere ugualmente una cortigiana negli  della dea, ritorna al concetto della rappresentazione della lascivia. Rona Goffen interpreta i due dipinti del Tiziano come icone dell'equilibrarsi della potenza erotica nel rapporto uomo/donna e vede la presenza del maschio intimamente surrogata dal mantello rosso nella Venere. In ogni modo il contatto dello spettatore con gli occhi della dea attraverso lo specchio rafforza la sensazione erotica del dipinto. Allo stesso tempo molti storici hanno inquadrato anche questo dipinto nel dibattito sul paragone. Irina Artemieva ha sviluppato questa interpretazione riferendo la Venere non solo al dibattito sul paragone tra pittura e scultura ma anche a quello tra disegno e colorito espresso nel Dialogo della pittura di Ludovico Dolce: insomma un dichiarato manifesto di Tiziano sulla propria arte.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Venus with a Mirror.Please output in Italian.

Donna allo specchio
Ermitage
Giuseppe Bonaparte
Ludovico Dolce
Paris Bordon
Roma
Venere de' Medici
Washington


section

Consacrazione di san Luigi Gonzaga come patrono della gioventù

Mostra san Luigi Gonzaga consacrato come patrono dei giovani da papa Benedetto XIII, che insegnò ai giovani italiani a prendere il santo come loro esempio, come indicato dalle parole latine sul fumetto del papa "Inspice, FAC ET secundum EXEMPLAR " . Il papa indica il santo, che appare in gloria in abiti gesuiti tra gli angeli e recante un mazzo di gigli, alludendo alla sua purezza.Goya fu probabilmente influenzato dal suo tutore José Luzán. Il dipinto è in linea con la scuola rococò italiana e dove si vede nella mancanza di abilità nel disegno di alcuni personaggi.

Prompt: Focus on Consecration of Aloysius Gonzaga as patron saint of youth and explain the Description.Please output in Italian.


section

Autoritratto all'età di 63 anni

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: In Self-Portrait at the Age of 63, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Il sogno della moglie del pescatore

Prompt: Focus on The Dream of the Fisherman's Wife and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Ladro di nidi

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Peasant and the Nest Robber.Please output in Italian.


subsection

Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: In the context of Apocalypse (Dürer), explain the Theangelsbringtherevelation and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


subsection

Polittico di san Luca

Nella fascia inferiore, la figura centrale è quella di san Luca evangelista , seduto su uno scranno marmoreo che sembra un trono  e concentrato nella scrittura del Vangelo, che è appoggiato su un piano inclinato ligneo a sua volta retto da un tavolo marmoreo circolare su un'alta colonnina. Tra il piano dello scrittoio e la base marmorea si trova una natura morta con due libri, una lucerna rossa e due calamai infilati in due buchi nel legno, contenenti inchiostro rosso e nero. Evidente è anche qui lo scorcio dal basso verso l'alto e curatissima è la raffigurazione dei marmi policromi, derivata dall'esempio del maestro di Mantegna, Francesco Squarcione.  scelta di raffigurare Luca come un amanuense, con un'estrema cura nella descrizione degli strumenti del mestiere, è legata senz'altro anche alla presenza di un importante scriptorium in Santa Giustina.Da sinistra verso destra si riconoscono santa Felicita; san Prosdocimo, in abiti vescovili, con il pastorale e la brocca, simbolo del Battesimo; san Benedetto da Norcia, in abito scuro, con il libro della Regola e un fascio di verghe, che indicano le norme della Regola; santa Giustina, con la palma del martirio e un pugnale nel cuore, variazione della spada che la decapitò. Santa Scolastica era sorella di san Benedetto, mentre santa Giustina venne battezzata da san Prosdocimo: la loro disposizione crea una preziosa alternanza cromatica tra gli abiti neri dei religiosi regolari e gli abiti chiari e rosati dei due protettori di Padova. Ciascuna di queste tavole laterali misura 118x42 cm.

Prompt: Describe the characteristics of the Lower band in San Luca Altarpiece's History.Please output in Italian.

Battesimo
Benedetto da Norcia
Francesco Squarcione
Padova


subsection

monumento a Leonardo da Vinci

Nel novembre 1970, all'interno delle manifestazioni per festeggiare i 10 anni del movimento Nouveau Réalisme, Christo e Jeanne-Claude furono incaricati dal Comune di Milano di realizzare una performance. Il 24 novembre il monumento a Vittorio Emanuele II fu impacchettato con teli e legato con corda rossa; però, a causa delle proteste, il giorno successivo fu deciso di rimuovere la copertura. Negli stessi giorni fu impacchettato anche il monumento a Leonardo da Vinci; la notte del 28 novembre alcuni giovani  diedero fuoco al telo, che fu rimosso dai vigili del fuoco intervenuti sul posto.

Prompt: In Monument to Leonardo da Vinci, how is the Monument wrapped of the Interventions explained?Please output in Italian.

Christo e Jeanne-Claude
Leonardo da Vinci
Milano
Nouveau Réalisme


section

Maria Maddalena

Maria Maddalena, regia di Raffaele Mertes . Maddalena - Ciò che i suoi occhi hanno visto . Maria Maddalena , regia di Garth Davis . Il codice da Vinci, regia di Ron Howard .

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Stevens) and explain the Filmography.Please output in Italian.


section

Venere di Urbino

Quest'opera d'arte fu d'ispirazione per il personaggio di Fiammetta Bianchini nel libro  Cortigiana  del 2006 di Sarah Dunant. È citata anche nel racconto Naked Nude di Bernard Malamud, in cui il personaggio principale viene ricattato a eseguire un falso del dipinto.

Prompt: Explain the Gifts of this artwork, Venus of Urbino.Please output in Italian.


subsection

Madonna di Darmstadt

Il motivo che diede all'ex sindaco di Basilea, Jakob Meyer, l'opportunità di commissionare il grande dipinto della Madonna di Darmstadt  non ci è noto. Una delle motivazioni più plausibili è certamente la strenua fede cattolica di Meyer e la sua volontà di manifestarla. Al momento della creazione dell'opera, infatti, la Riforma protestante aveva prevalso a Basilea e Meyer era probabilmente inclinato a manifestare la sua opposizione al nuovo movimento religioso in città. Un'altra possibile ragione è che Meyer era stato in quel periodo accusato dal consiglio comunale della città, di fede calvinista, di essersi indebitamente appropriato di fondi pubblici; è di fronte a tale pericolo che Meyer avrebbe potuto voler ostentare la protezione di Maria o esprimere la sua gratitudine alla Madre di Dio per lo scampato pericolo di un'infamante accusa. L'anno di realizzazione si presume attorno al 1526/1528. forma della cornice insolita della pittura suggerisce il fatto che la pittura fosse inserita in un'architettura, come ad esempio la cappella del patrono presso il castello di Gundeldingen, alle porte di Basilea, ma non vi sono prove che il dipinto sia mai stato in quel luogo. Stephan Kemperdick presuppone che il dipinto sia stato concepito come parte di un monumento funebre della famiglia di Jakob Meyer all'interno di una chiesa di Basilea, forse la chiesa di San Martino. Questo dato sembra essere supportato dal fatto che effettivamente nella Martinskirche vennero sepolti dapprima la moglie di Jakob Meyer e poi sua figlia Anna e suo genero. Sembra quindi ragionevole ritenere che Meyer stesse progettando una tomba di famiglia in quel luogo. Questo dipinto fu tra quelli che scamparono all'iconoclastia voluta dalla Riforma protestante perché venne restituito ai proprietari dal delegato alla sicurezza cittadina Johannes Gerster nel 1528.Un gruppo di fotografie a raggi infrarossi e a raggi X del dipinto realizzate nel 1999 dal laboratorio del museo del castello di Darmstadt, hanno potuto dimostrare che solo la figura della Madonna col Bambino venne eseguita esattamente secondo quanto rilevato nel disegno preliminare. Su tutte le altre figure si sono trovate infatti correzioni della postura e del punto di vista, rifacimenti e migliorie. Queste indagini hanno inoltre dimostrato che i disegni del ritratti dei protagonisti della scena non vennero eseguiti prima dell'inizio dei lavori sul dipinto, come si pensava in precedenza, bensì in corso d'opera.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Thecommission. and the Style.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


section

La punizione di Tizio

punizione di Tizio è un disegno su carta dell'artista rinascimentale italiano Michelangelo.

Prompt: How does The Punishment of Tityus (Michelangelo) explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Sacrificio di Isacco

Sacrificio di Isacco di Raffaello  Sacrificio di Isacco di Andrea del Sarto  Sacrificio di Isacco di Tiziano  Sacrificio di Isacco dell'Empoli  Sacrificio di Isacco di Jacopo Ligozzi  Sacrificio di Isacco di Caravaggio  Sacrificio di Isacco di Domenichino Sacrificio di Isacco del Cigoli  Sacrificio di Isacco di Giovanni nfranco Sacrificio di Isacco di Andrea nzani  Sacrificio di Isacco di Rembrandt  Sacrificio di Isacco di Tiepolo  Sacrificio di Isacco di Marc Chagall

Prompt: In the context of Abraham and Isaac (Titian), explain the Paintings and the The ethical problem of the sacrifice of Isaac in the philosophy of Kierkegaard.Please output in Italian.

Andrea del Sarto
Caravaggio
Domenichino
Sacrificio di Isacco
Isacco
Jacopo Ligozzi
Marc Chagall


subsection

amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: Describe the characteristics of the Judaism in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Orologio astronomico di Praga

Lo sfondo rappresenta la Terra e l'aspetto del cielo locale. Il cerchio azzurro al centro simboleggia appunto la Terra, la zona superiore colorata di blu è la porzione di cielo situata sopra l'orizzonte. Le zone rosse e nera, viceversa, rappresentano il cielo sotto l'orizzonte. Durante l'arco delle ventiquattr'ore il meccanismo sposta il simbolo del Sole nella zona blu , nella zona nera  o in quelle rosse .Nella parte sinistra dello sfondo si possono leggere le scritte latine aurora  e ortus , in quella destra occasus  e crepusculum I numeri romani dorati posti sul bordo del quadrante indicano la normale ora locale di Praga . Le linee curve dorate, invece, dividono la zona blu del quadrante in dodici parti  e segnano le ore intese come 1/12 del tempo che intercorre tra l'alba ed il tramonto di ogni giorno, chiamate anche "ore planetarie".  lunghezza delle ore così calcolate varia a seconda delle stagioni, con l'allungarsi o l'accorciarsi delle giornate nel corso dell'anno.

Prompt: In Prague astronomical clock, how is the Background of the quadrant of the Astronomical quadrant explained?Please output in Italian.


subsection

monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1856 tra i concorsi dell'Accademia di Belle Arti di Milano venne richiesto il progetto di un monumento a Leonardo in forma di fonte da porre sempre nel cortile di Brera. Una medaglia d'oro del valore intrinseco di venti zecchini.}}L'8 febbraio 1857 l'imperatore Francesco Giuseppe stabilì la realizzazione di un vero e proprio monumento da porre in piazza San Fedele con una statua in marmo alta 3,60 metri. Venne perciò stabilito un nuovo programma il 1º ottobre 1857, con scadenza il 31 ottobre 1858.Il 22 dicembre 1858 la commissione stabilì all'unanimità la scelta del modello «Pensa nel marmo» presentato dallo scultore Pietro Magni; si fece però anche presente che sarebbe stata necessaria una spesa maggiore delle 60.000 lire austriache previste dal bando di concorso. Venne anche stabilito di destinare il monumento alla piazza della Scala.

Prompt: Explain the The contest of 1857 about the Interventions of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Fontana Maggiore

fontana, predisposta in bottega e poi montata al centro della piazza, fu realizzata in pietra di Assisi. È costituita da due vasche marmoree poligonali concentriche sormontate da una tazza bronzea  ornata da un gruppo bronzeo di figure femminili  dal quale sgorga l'acqua. vasca inferiore è costituita di 25 specchi ciascuno suddiviso in 2 formelle che descrivono i 12 mesi dell'anno, ognuno dei quali è accompagnato dal simbolo zodiacale. Ad ogni mese sono associati momenti della vita quotidiana e il lavoro agricolo che lo contraddistingue. Come in altre sculture coeve d'Europa che rappresentano i mesi, il lavoro materiale acquista dignità, e in questa vasca viene rappresentato insieme alle arti liberali, alla Filosofia, ai personaggi della Bibbia e della storia di Roma, in quest'ordine: il mese di gennaio  il mese di febbraio  il mese di marzo  il mese di aprile  il mese di maggio  il mese di giugno  il mese di luglio  il mese di agosto  il mese di settembre  il mese di ottobre  il mese di novembre  il mese di dicembre  il Leone guelfo e il Grifo perugino la Grammatica e la Dialettica la Retorica e lAritmetica la Geometria e la Musica lAstronomia e la Filosofia due Aquile, su quella di destra c'è la firma di Giovanni Pisano. il Peccato originale e la Cacciata dall'Eden Sansone smascella il leone e Sansone e Dalila il Leone intimorito e la Punizione del cagnolino Davide vittorioso e Golia abbattuto Romolo e Remo   Lupa allatta Romolo e Remo e la madre Rea Silvia due favole di Esopo Nella vasca superiore, sono 24 statue poste agli spigoli, che rappresentano santi e personaggi mitologici e biblici, del nuovo e vecchio testamento.. Poi seguono tutti i personaggi legati alla città. Nel punto cardinale opposto a Nord è Euliste , il mitico fondatore di Perugia. Ad ovest è Roma , in relazione alla rappresentazione della romana Chiesa e della Divinitas Excelsa  e dei Santi Pietro - Paolo. Un altro personaggio cardine posto ad est, è S. Giovanni Battista, per il ruolo dell'acqua non solo come elemento vitale, ma al contempo sacrale, è abbinato a Salomè e altri personaggi biblici.Queste sono le rappresentazioni delle 24 statue: San Pietro la Chiesa romana Roma caput mundi la Divinitas Excelsa San Paolo un Chierico di San Lorenzo San Lorenzo patrono della città. la Ninfa del territorio chiusino o Domina Clusi Augusta Perusia la Ninfa del Trasimeno o Domina cus che dona i pesci a Perugia Sant'Ercolano patrono della città. il Chierico traditore di S. Ercolano San Benedetto San Giovanni Battista Salomone Davide Salomè Mosè Matteo da Correggio, podestà di Perugia lArcangelo Michele Euliste, il mitico fondatore di Perugia Melchisedec Ermanno da Sassoferrato, capitano del Popolo la VittoriaNella cornice inferiore della seconda vasca sono scolpiti dei versi latini con abbreviazioni epigrafiche che, oltre a fornire informazioni sugli autori e sulla data dell'opera, sono un invito a scoprirla e a interpretarla: “Guarda tu che passi questa fontana dal lieto mormorio, se osservi bene puoi vedere cose mirabili….”

Prompt: Focus on Fontana Maggiore and explain the Description.Please output in Italian.

Aritmetica
Assisi
Astronomia
Bibbia
Dalila
Davide
Dialettica
Esopo
Euliste
Filosofia
Geometria
Giovanni Pisano
Golia
Grammatica
Melchisedec
Mosè
Musica
Perugia
Rea Silvia
Retorica
Romolo e Remo
Salomone
Giovanni Battista
San Lorenzo
Sansone


section

La pubertà

Tra la fine del 1894 e il 1895 Munch, a soli venticinque anni, aveva cominciato a creare serie di quadri raffiguranti pubertà. In questo momento Munch si era già affermato come artista di considerevole notorietà a Berlino. Durante questo periodo della sua vita, Munch spesso risiedeva a Berlino, dove si trovava la sua cerchia di amici ed era molto famoso. Il suo nuovo gruppo di amici lo portò ulteriormente nel suo stato d'animo depresso. Munch filtra la sua depressione sessuale in Pubertà e come altri quadri che ha creato più tardi questo è intriso di simbolismo che riflette i sentimenti che hanno continuato a crescere nei dieci anni successivi.

Prompt: In Puberty (Munch), how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

La grande onda di Kanagawa

grande onda di Kanagawa può essere considerata l'immagine iconica della moderna contrapposizione tra forza della natura e fragilità dell'uomo: l'abilità di Hokusai in questa stampa risiede infatti nella raffigurazione della natura, rappresentata dall'onda gigante, che appare come una forza violenta pronta a inghiottire gli uomini, i quali a loro volta rappresentano la secolarità della vita che si contrappone all'indifferenza e alla religiosità del Monte Fuji.Attraverso la rappresentazione dell'onda in modo così drammatico l'autore intendeva, secondo alcune ipotesi, catturare il sentimento di disagio di una nazione costretta a vivere circondata dall'acqua, così come il primordiale terrore dell'uomo per il mare.  storica di arte giapponese Christine Guth e l'esperto di cultura giapponese Donald Keene sostengono che l'opera risenta dell'influenza del periodo storico in cui questa fu realizzata e suggeriscono che l'onda potrebbe rappresentare una sorta di barriera simbolica posta a protezione del Giappone, in un momento della storia in cui i giapponesi iniziavano a preoccuparsi delle possibili incursioni straniere , ma allo stesso tempo potrebbe simboleggiare il desiderio incombente degli stessi di viaggiare e spostarsi all'estero. Essa viene rappresentata come un'onda mostruosa e fantasmagorica, come uno scheletro bianco che minaccia i pescatori con i suoi "artigli" di spuma. Difatti se si esamina la parte sinistra della schiuma dell'onda essa evoca più una mano artigliata pronta ad afferrare i pescatori che non la schiuma di una normale onda. Questa visione fantastica dell'onda ricorda che Hokusai fu un maestro del genere fantastico giapponese, come dimostrato dai fantasmi disegnati nei suoi Hokusai manga. Tra il 1831 e il 1832 egli iniziò a trattare il tema del soprannaturale in modo più esplicito con la pubblicazione di .L'immagine ricorda molte altre opere dell'artista: la silhouette dell'onda evoca un drago gigante, drago che Hokusai era solito disegnare spesso, anche affiancato al Fuji. L'onda può essere considerata altresì come la rappresentazione spettrale della morte che, arroccata sopra i marinai condannati, allunga e ritrae le sue braccia come fa il polipo con i suoi tentacoli, un animale che compare sovente nei suoi manga e nelle sue opere erotiche.In quest'opera tuttavia la sacralità della montagna e la forza prorompente dell'onda possono essere poste sullo stesso piano: entrambe sono caratterizzate dall'uso dei colori bianco e blu, i quali sono simbolicamente legati alle forze elementali del fuoco e dell'acqua, in una trasposizione del potenziale delle eruzioni vulcaniche e dei conseguenti tsunami. Va altresì osservato che la forma del Fuji viene riproposta all'interno delle onde stesse.  ripetizione delle forme è ancora più evidente nella superficie dell'acqua, la quale presenta una fitta trama di piccoli riccioli. Questi, presenti in gran numero nella spuma della grande onda, generano altri riccioli che si ripresentano anche nelle onde più piccole, riprendendo l'immagine dell'onda madre, ricordano da vicino il simbolo dei principi yin e yang della concezione taoista del cosmo, con l'uomo impotente che lotta nel mezzo, ma è possibile osservare anche un'allusione al buddhismo  e allo shintoismo . Il concetto alla base di yin e yang viene usato anche per descrivere il contrasto tra la violenza dell'onda e la calma apparente dei pescatori davanti al pericolo. Inoltre, la curvilineità delle forme delle onde, del Fuji e anche delle barche trasmette all'osservatore una sensazione di fluidità e continuo movimento che accomuna l'intera immagine, alludendo alla fondamentale idea taoista del mutamento responsabile degli andamenti del mondo.

Prompt: Explain the Expressions of the artist about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


section

Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Perugino, Trevi) and explain the Iconography.Please output in Italian.


section

Amor sacro e Amor profano

Lo stemma sulla fronte del sarcofago ha permesso di legare l'opera alle nozze avvenute nel maggio del 1514, tra il veneziano Niccolò Aurelio, segretario del Consiglio dei Dieci, che nel 1523 sarebbe diventato gran cancelliere di Venezia, e ura Bagarotto, figlia del giureconsulto patavino Bertuccio Bagarotto, giustiziato il primo dicembre 1509 in piazza san Marco con l'accusa di aver tradito la Serenissima al tempo della conquista di Padova da parte dell'imperatore Massimiliano I d'Asburgo nel giugno del 1509.Pervenne nelle collezioni Borghesi   probabilmente attraverso l'acquisto di sessantun dipinti del cardinal Paolo Emilio Sfondrati da parte di Scipione Borghese, nel 1608, con l'intermediazione del tesoriere, il cardinale Pallavicini.Il soggetto del dipinto, nella sua ricchezza di elementi criptici, è tra i più studiati dell'intera storia dell'arte, e presuppone molteplici livelli di lettura. Ad esso hanno dedicato interi saggi De Logu e Argan.

Prompt: Explain the History of this artwork, Sacred and Profane Love.Please output in Italian.

1514
1608
Bertuccio Bagarotto
Massimiliano I d'Asburgo
Paolo Emilio Sfondrati
Venezia


section

Dubbio di Giuseppe

Il Dubbio di San Giuseppe di autore anonimo è un dipinto a tempera su tavola  del 1410-1420 circa, conservato nel Museo dell'Opera di Notre-Dame di Strasburgo. Il pannello fa pendant con un altro simile raffigurante la Natività delle Vergine e forse era inserito in un più grande retablo d'altare andato perduto.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Nativity of the Virgin/Doubt of Saint Joseph.Please output in Italian.


subsection

Monna Lisa di Isleworth

Negli ultimi quarant’anni, la Monna Lisa di Isleworth è stata sottoposta a una serie di test scientifici e misurativi. costruzione geometrica della Earlier Mona Lisa e quella della Gioconda del Louvre concordano con la regola aurea e con la tesi di Goldblatt, pur nella diversità delle dimensioni. In particolare le proporzioni sul piano orizzontale sono identiche, mentre quelle verticali divergono.Secondo Albert Sauteur, la differenza di proporzioni a livello verticale sarebbe dovuta al fatto che Leonardo avrebbe dipinto la prima in «visione monoculare» e la seconda in «visione binoculare».Gli esami scientifici sulla Earlier Mona Lisa  confermano che il dipinto fu realizzato molto probabilmente nei primi anni del XVI secolo e che tutti i pigmenti sono compatibili con questa datazione. Inoltre sotto lo strato pittorico furono scoperti alcuni disegni. Gioconda del Louvre presenta una vernice che Leonardo avrebbe sviluppato solo dopo il 1508, e ciò indica che molto probabilmente non si tratta della Mona Lisa del 1503 descritta da Vespucci e Vasari, mentre la Earlier Mona Lisa non contiene questa vernice.Su parti importanti della Earlier Mona Lisa sono state individuate pennellate date con la sinistra e, come è noto, Leonardo era mancino.

Prompt: Describe the characteristics of the Scientific analyses in Isleworth Mona Lisa's Attribution to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


subsection

Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: Explain the In the ancient Church about the Maria Maddalena in the Pistis Sophia of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


section

Madonna col Bambino degli Innocenti

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Virgin and Child with an Angel (Botticelli, Florence).Please output in Italian.


subsection

Immacolata Concezione

Il cattolicesimo vede in alcuni testi biblici non una prova, quanto un'avvisaglia di quella che sarà la dottrina del magistero. Bisogna ricordare che, secondo la teologia cattolica, la scrittura non è l'unica fonte della fede: anche la Tradizione della Chiesa è luogo teologico.Nell'Antico Testamento, il cosiddetto Protovangelo della salvezza presenta la donna  come prefigurazione di Maria:Immacolata francescana secondo Genesi 3,15 - Terni - Maria ponendosi al servizio di Dio, permette l'entrata del Salvatore nel mondo . Maria quindi, nella lettura tradizionale della Chiesa, partecipa, anche se in forma subordinata, alla vittoria di Cristo sul peccato.Altre indicazioni veterotestamentarie del dogma sono, secondo l'insegnamento della Chiesa, ravvisabili nel Cantico dei Cantici e nei Proverbi:Nel Nuovo Testamento il passo principale che la tradizione cattolica ritiene spiegabile soltanto ammettendo l'Immacolata Concezione è il saluto rivolto dall'arcangelo Gabriele a Maria:

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Biblical foundations and the liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Antico Testamento
Dio
Genesi
Nuovo Testamento
Protovangelo
Protovangelo
Salvatore


section

The Life Electric

Veduta area sulla diga foranea e sulla scultura durante il passaggio di un battelloAlta circa 13,75 metri , The Life Electric ha la forma di due sinusoidi contrapposte. Pesa 29 tonnellate ed è stata realizzata in acciaio e rivestita di acciaio inossidabile.

Prompt: In Life Electric, how is the Description discussed?Please output in Italian.


section

Goethe nella campagna romana

Ovviamente la rappresentazione di Goethe presenta notevoli difetti anatomici.  gamba sinistra del poeta sembra innaturalmente lunga, le proporzioni tra gambe e busto sono irritanti quanto la posizione delle spalle rispetto alle gambe, ovviamente sono raffigurati due piedi sinistri con le scarpe corrispondenti. Il motivo della strana anatomia non è l'inettitudine artistica, ma la storia di come è stata creata: Tischbein non riuscì a completare il dipinto, iniziato nel 1786, prima di dover lasciare Napoli nel 1799. Quindi non l'ha nemmeno firmato.Le indagini sull'applicazione della pittura hanno mostrato che presumibilmente solo la testa, il cappello e il mantello di Goethe, così come il suo piede sinistro, furono eseguiti in dettaglio. Apparentemente un artista dilettante sconosciuto ha aggiunto le superfici mancanti e ha copiato il piede sinistro dipinto da Tischbein riproducendo il piede destro effettivo. Uno sguardo alla scarpa destra goffamente dipinta lo conferma: a differenza di quella sinistra, non si vede un fiocco elegante, come mostrato da Tischbein, ma lacci piuttosto disordinati. Secondo il Museo Städel, le aggiunte successive non possono essere viste ai raggi X perché sono state realizzate solo pochi anni dopo il frammento originale. Si dice che né Tischbein né Goethe abbiano mai visto il quadro "finito".

Prompt: How does Goethe in the Roman Campagna explain its Discussions anatomical features?Please output in Italian.


section

I mucchi di fieno

Claude Monet Impressionismo Serie dei Pioppi Cattedrale di Rouen

Prompt: How does Haystacks (Monet series) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Nel paese di Carruba, la Madonna delle Grazie, patrona del paesino, si festeggia il 2 luglio e la domenica seguente, la festa grande è ogni dieci anni.Il 2 luglio, al mattino, i colpi a cannone e il suono delle campane annunciano il giorno di festa, intorno alle 7:30 la pregevole statua viene svelata tra i canti, le acclamazioni dei devoti, lo sparo dei fuochi d'artificio e il suono a festa delle campane; durante il giorno vi sono varie celebrazioni eucaristiche. domenica seguente, nel mattino vi sono le varie celebrazioni eucaristiche; nel pomeriggio, la banda suonando festosamente gira per il paese. Dopo la messa vespertina, la statua, posta sul fercolo, esce in processione, girando per le vie del paese: il giro è diviso in due anni, un anno la processione percorre il paese superiore del comune di Giarre e l'altro anno il paese inferiore del comune di Riposto. A tarda sera, prima del rientro della processione in chiesa, i fuochi pirotecnici salutano festosamente la Madonna che rientra. Durante la settimana, la statua è esposta alla venerazione dei fedeli.  domenica seguente, dopo le celebrazioni eucaristiche svoltesi durante la giornata, l'immagine viene chiusa nella cappella, tra la commozione dei fedeli e il grido incessante di "Viva a Maronna a razzia!" .

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Carruba of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


subsection

Prometeo incatenato

In tutta l'opera è costante la centralità del personaggio di Prometeo, un ribelle incapace di accettare l'ordine imposto da Zeus e dai nuovi dei, che pretendono di piegare ogni cosa alla loro volontà, ignorando la infelice condizione dei mortali, che spinge invece Prometeo, di origini divine, a dare loro aiuto. Nell'opera è presentato il solo punto di vista del protagonista, che ripete la propria avversione per Zeus di fronte a numerosi personaggi, ma che appare portatore di un valore che non può non suscitare simpatia nello spettatore: la solidarietà verso gli uomini e la volontà di aiutarli a progredire facendo loro conoscere il fuoco.Prometeo, dunque, si presenta come portatore di luce e di progresso, anche a costo di sfidare la volontà di Zeus: una figura ben diversa da quella che appare nella Teogonia di Esiodo, in cui il titano è presentato come un briccone che sfida gli dei in una gara d'astuzia nella quale ad uscire perdente sarà proprio il genere umano. L'identificazione dello spettatore in Prometeo avviene in quanto il titano, come l'uomo aspira ad un di più che non gli è concesso; Prometeo appare così come un eroe confinato in un sistema di valori arcaico, dove l'ambizione a un di più è considerata un atto di tracotanza .

Prompt: In the context of Prometheus Bound and the Oceanids, explain the Prometheus  the  rebel and the Plot.Please output in Italian.


section

Trittico di san Pietro martire

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: Focus on San Pietro Martire Triptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy


section

Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: In Annunciation (Fra Angelico, Madrid), how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


section

Allegra coppia

L'Allegra coppia  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1636 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nella Gemäldegalerie Alte Meister facente parte della Staatliche Kunstsammlungen Dresden.L'opera è firmata REMBRANDT F.Si suppone che i personaggi rappresentati siano lo stesso Rembrandt assieme alla moglie Saskia, per un riferimento a un quadro simile citato in un testamento del 1677. Tuttavia, soprattutto in ambito Protestante, il tema del figliol prodigo era molto citato, per la morale di redenzione cui sottintende: qui si può riconoscere il momento della vicenda in cui il giovane dilapida il patrimonio paterno. A questa iconografia, si legano alcuni disegni dell'autore, con i quali si nota una certa corrispondenza al quadro: le radiografie eseguite sembrano confermare questa conformità. tela venne tagliata lungo il lato sinistro, forse anche dall'artista stesso, come era già successo negli anni '30, per eliminare alcuni personaggi secondari e accentrare l'attenzione solo sulla coppia.

Prompt: In The Prodigal Son in the Brothel, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


section

Peste di Azoth

Il dipinto rappresenta un passo del primo libro di Samuele, nel quale Dio accusa i Filistei di aver rubato l'Arca dell'Alleanza, inviandogli la tremenda piaga della peste.L'arca è raffigurata alla sinistra del dipinto, nei pressi del tempio di Dagon ormai in rovina; frammenti della statua della divinità sono visibili ai piedi di una colonna vicino. Tutto attorno, circondata da uno sfondo di numerose architetture classiche, si trova una folla di persone terrorizzate, ritratte il più delle volte in fuga tra i cadaveri degli appestati che coprono il terreno; a terra abbondano anche i topi e gli uomini si tappano il naso per il fetore dei corpi. I colori sono tetri e gli edifici incombenti rendono la scena oppressiva. Questa rappresentazione tanto cruda della piaga fu ispirata all'autore dall'epidemia di peste scoppiata a Milano nel 1630. composizione generale dell'opera ha portato alcuni studiosi ad accostarla allIncendio di Borgo di Raffaello.Ulteriori riferimenti seguiti da Poussin si trovano in due incisioni.  prima è la Peste di Frigia , eseguita da Marcantonio Raimondi su disegno di Raffaello, la seconda - da cui deriva l'ambientazione della Peste di Azoth - è il fondale per una Scena tragica dell'architetto Sebastiano Serlio.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Plague of Ashdod (Poussin).Please output in Italian.

1630
Arca dell'Alleanza
Dagon
Filistei
Incendio di Borgo
Marcantonio Raimondi
Peste
Sebastiano Serlio


section

Pietà Bandini

serie delle Pietà senili di Michelangelo fu avviata in un periodo di grande sconforto dell'artista, dopo la scomparsa dell'amica Vittoria Colonna nel 1547, quando ormai settantenne sente avvicinarsi la morte e inizia a fare progetti per la propria sepoltura. Sebbene già celebrato come maggior artista vivente, nonché molto ricco, viveva poveramente in una piccola casa nel centro della città, spinto alla semplicità dal suo profondo senso religioso e forse da un'avarizia compulsiva. Alla scultura si dedicava sempre più sporadicamente, e quasi esclusivamente a titolo personale, non per opere commissionate.Il tema ricorrente era, appunto, quello della Pietà, destinato alla propria tomba che inizialmente avrebbe dovuto essere collocata in Santa Maria Maggiore a Roma. Questo blocco, come ricorda anche Vasari, era pieno di impurezze ed estremamente duro, tanto che al contatto con lo scalpello emetteva nugoli di scintille. Tentando in seguito di variare la posizione delle gambe di Cristo, una venatura nel marmo ne provocò la rottura, suscitando una grande frustrazione nell'artista, aggravata dalle continue sollecitazioni dell'Urbino a finire la scultura, tanto che Michelangelo, ormai fuori di sé, la prese a martellate, rompendola in più punti: segni di rottura si vedono ancora oggi sul gomito, sul petto, sulla spalla di Gesù e sulla mano di Maria; la gamba sinistra di Gesù, che avrebbe dovuto accavallarsi a quella di Maria, è completamente assente. Una parte della gamba mutila si trova menzionata nell'inventario dei beni di Daniele da Volterra , ma da allora se ne perdono le tracce. data del 1545 è tuttavia ottenuta in base induttiva: prendendo per buono l'aneddoto del servo impaziente, egli morì il 3 dicembre di quell'anno, per cui l'episodio dovette collocarsi prima.L'opera, ormai inutilizzabile, venne venduta nel 1561 allo scultore e architetto fiorentino Francesco Bandini per duecento scudi, tramite l'intermediazione dell'allievo Tiberio Calcagni, che si offrì di restaurarla e integrarla con la Maria Maddalena alla sinistra, di evidente scarto qualitativo inferiore e sproporzionata.Alla morte dell'artista nel 1564, si provò senza successo a portare la statua a Firenze per la sepoltura di Michelangelo in Santa Croce. Restò invece nella vigna dei Bandini a Montecavallo ben oltre la morte di Francesco , dove la vide anche Gian Lorenzo Bernini. Nel 1674 venne poi acquistata dal granduca Cosimo III de' Medici e portata a Firenze. Egli la destinò ai sotterranei di San Lorenzo, luogo di sepoltura di casa Medici. Nel 1722 venne poi trasportata in Santa Maria del Fiore, per decorare lo spazio dietro l'altare maggiore. Dal 1933 venne posta nella prima cappella di destra della tribuna nord e nel 1981 fu infine destinata al Museo dell'Opera del Duomo.

Prompt: In The Deposition (Michelangelo), how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

Lucifero

All'interno di tradizioni cristiane più propriamente esoteriche, Lucifero è un essere differente da Satana, sebbene entrambi rappresentino due aspetti diversi di uno stesso principio del Male. Mentre Satana è una potenza più antica identificabile piuttosto con Arimane o Mefistofele, che cerca di degradare l'uomo trascinandolo nella materialità e inducendolo a riconoscersi soltanto nella natura e negli aspetti più bassi della creazione, Lucifero sarebbe il «Diavolo» in senso letterale , il quale opera per risvegliare nell'uomo il suo libero arbitrio, conducendolo però in tal modo a esaltare la sua superbia e il suo egoismo. Lucifero sarebbe cioè il Tentatore per eccellenza che agisce nell'interiorità dell'uomo per destarvi passioni malsane, mentre Satana lavorerebbe dall'esterno per vincolare l'umanità alla Terra, sovrintendendo allo sviluppo di mezzi mondani e tecnologici al fine di occultare le sue origini spirituali.Analogamente Rudolf Steiner distingue Arimane da Lucifero, sostenendo come «gli spiriti arimanici, o spiriti mefistofelici, sono quelli che propriamente  vengono chiamati dalla concezione medioevale gli spiriti di Satana, da non confondersi con Lucifero». Una forza malefica ancora più antica di Arimane è infine quella degli Asura, che comincerebbe a far sentire i suoi influssi solo a partire dall'epoca attuale e sempre più in avvenire. Sempre Steiner afferma che ciò che induce al ritrarsi di Lucifero sono i principi di moralità. Lucifero agirebbe sul corpo astrale, sede dei sentimenti e delle passioni.

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Differences with Satan of the TheLuciferGnostic explained?Please output in Italian.

Asura
Diavolo
Male
Mefistofele
Rudolf Steiner
Satana


section

Deposizione Borghese

Pala BaglioniFede Grifonetto BaglioniSperanza Carità Perugino, Compianto sul Cristo morto

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Deposition (Raphael).Please output in Italian.

Compianto sul Cristo morto
Grifonetto Baglioni
Pala Baglioni
Perugino


subsection

Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

chiesa di Sant’Andrea a Divina era strapiena durante la messa tenutasi il 2 giugno 2017. Dopo la messa è stata inaugurata la statua con un nuovo piedistallo da Joachim Bleicker, ambasciatore della Repubblica Federale di Germania in Slovacchia, insieme a Emil Molko, sindaco di Divina, e Marek Sobola, autore del progetto. Successivamente e’sata benedetta dal Monsignore Tomáš Galis, Vescovo diocesano di Žilina. Il tutto è avvenuto a 190 anni dalla sua prima ristrutturazione dopo l’alluvione. Alla festa d’inaugurazione hanno partecipato, oltre al Vescovo diocesano, all’ambasciatore tedesco ed al Cancelliere della dimora di Žilina, anche vari partners invitati.

Prompt: In Statue of St. John of Nepomuk in Divina, how is the Blessing ceremony of the International project explained?Please output in Italian.

2017
Divina
Germania
Marek Sobola
Slovacchia
Tomáš Galis
Žilina


section

Polittico dell'Intercessione

AA.VV., Il Gentile risorto. Il polittico dell'Intercessione di Gentile da Fabriano, a cura di M. Ciatti e C. Frosinini, Edifir, Firenze 2006.

Prompt: In Intercession Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Cacciata dei mercanti dal tempio (El Greco Madrid)

José Álvarez Lopera, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-955034-4-1 Michael Scholz-Hänsel, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 3-8228-3173-5.

Prompt: How does Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Madrid) explain its Bibliography?Please output in Italian.


section

Presentazione al Tempio

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Presentation of Christ in the Temple (Fra Bartolomeo).Please output in Italian.


section

Assedio di Asola

Asola Assedio di Asola Gian Francesco Daina

Prompt: How does The Siege of Asola explain its Voice correlate?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


section

Deposizione di Volterra

Cappella della Croce di Giorno, Volterra Deposizione di Sansepolcro Deposizione  San Giovannino

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Volterra Deposition.Please output in Italian.

Cappella della Croce di Giorno
Deposizione di Sansepolcro
Volterra


section

La buona ventura

buona ventura è un dipinto del pittore francese Georges de  Tour, realizzato nel 1630 e conservato presso il Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Fortune Teller (La Tour).Please output in Italian.

1630
Metropolitan Museum of Art
New York


subsection

San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: In the context of Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), explain the Operatic, historiographic, and hagiographic works and the Iconography.Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


section

Adorazione dei re Magi alla presenza di sant'Elena

tela raffigura i classici personaggi dell'adorazione dei magi, con san Giuseppe posto a sinistra della tela a fianco della Madonna col Bambino, mentre sul lato destro vi sono i magi raffigurati nei classici tre personaggi di cui uno di colore e uno più anziano, accompagnati da un esercito di soldati e di cortigiani, che compongono il corteo umano che si snoda in quella che pare essere una valle. Il lontananza un pastore pascola il suo gregge di pecore, mentre sul monte posto sul lato opposto è inserito un castello e in lontananza montagne azzurre.  parte superiore raffigura sul lato sinistro un'architettura classica diroccata, come la comunità dei credenti che aveva bisogno di una importante ricostruzione, e la nascita del piccolo doveva portare l'umanità alla redenzione con la sua resurrezione e morte.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi with Saint Helena and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: In Annunciation Diptych, how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Group self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


subsection

Natività mistica

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Prompt: In the context of The Mystical Nativity, explain the Theangelsinthelowerhalf and the Description.Please output in Italian.


subsection

Jacopo de' Barbari

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco . Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

Prompt: In the context of Jacopo de' Barbari, explain the Meetings with Dürer and the Biography.Please output in Italian.

Germania
Italia
Margherita d'Asburgo
Veduta di Venezia
Venezia


section

Ruggiero e Angelica

Alla fine del diciannovesimo secolo, nei paesi europei di area franco-tedesca nacque il simbolismo, un movimento artistico legato al mondo letterario e poetico. I pittori simbolisti, tra i quali figurava Arnold Böcklin, sceglievano spesso i loro temi artistici dalla letteratura, e Böcklin dipinse ben sei dipinti basati sullOrlando furioso dell'Ariosto, due dei quali raffiguranti l'episodio di Ruggiero e Angelica.

Prompt: In Roger Freeing Angelica (Böcklin), how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Pala Pucci

L'opera risale al 1518 quando venne eseguita su commissione di Francesco di Giovanni Pucci, uomo di fiducia dei Medici e Gonfaloniere di Giustizia.  data si trova impressa sul libro aperto sulle ginocchia di san Giovanni Evangelista. Da allora la chiesa ha sempre mantenuto la sua collocazione ed è uno dei rari capolavori dell'artista che ancora si trovano nella cappella per cui furono dipinti, anche se all'epoca la chiesa aveva le forme gotiche che vennero cambiate dal restauro settecentesco, che diede l'aspetto architettonico attuale. pala fu lodatissima dal Vasari che la considerava "la più bella tavola che mai facesse questo rarissimo pittore".

Prompt: Explain the History of this artwork, Pucci Altarpiece.Please output in Italian.


section

Pietà di Palestrina

Pietà di Palestrina è una scultura marmorea  incertamente attribuita a Michelangelo Buonarroti, databile forse al 1555 circa e conservata nella Galleria dell'Accademia a Firenze.

Prompt: How does Palestrina Pietà explain its Abstract?Please output in Italian.

1555
Firenze
Galleria dell'Accademia
Michelangelo Buonarroti
Palestrina


section

Cristo benedicente (Giovanni Bellini Fort Worth)

benedizione di Cristo è una figura dell'iconografia cristiana tradizionale: Gesù, dalla parte anteriore, nel piede o nel busto, alza la mano destra con due dita alzate, in segno di benedizione per i protagonisti presenti o più in generale nel mondo.Cristo è rappresentato nel busto, dalla parte anteriore, con la testa diritta; è semplicemente vestito con una cintura di lino bianco attorno alla schiena e copre la spalla destra; le sue ferite sono visibili ma chiuse, una nel palmo della mano destra sollevata, due dita erette in segno di benedizione; solo un'altra delle sue ferite è visibile, quella sul fianco destro; i raggi emanano dalla sua testa in alto e ai lati ma senza la forma di un'aureola.Con la mano sinistra, Cristo porta un palo rosso eretto.Alle sue spalle, a destra del dipinto, due conigli, uno bianco, uno rosso, tra la sua mano sollevata e la sua spalla destra, si alza un albero a cui si appoggia un uccello su uno dei suoi rami secchi.Un paesaggio occupa lo sfondo della composizione, rivelando colline ed edifici a destra e a sinistra con un campanile molto alto e sottile a destra. In un pascolo, a sinistra, un pastore raccoglie il suo gregge. Su un sentiero puoi indovinare sulla destra, tre personaggi, uno giallo, rosso e uno bianco, tornano dalla chiesa.Il cielo, che trasporta le nuvole, va dal dorato all'orizzonte, al blu chiaro in alto.

Prompt: In Christ Blessing (Bellini, 1500), how is the Description discussed?Please output in Italian.


subsection

Morte di Cleopatra

Nella sua opera Notes isiaques I del 1989, l'archeologo francese Jean-Claude Grenier notò come un'antica statua romana con indosso il nodo di Iside, conservata ai Musei Vaticani, potrebbe raffigurare Cleopatra in veste della dea Iside mentre si suicida, in quanto un serpente striscia lungo il suo seno destro. L'associazione di Cleopatra alla dea Iside continuò in Egitto almeno fino al 373 d.C., quando lo scriba Petesenufe compilò un libro su Iside e spiegò come decorasse le immagini della regina tolemaica.A Pompei venne scoperto un affresco che potrebbe raffigurare la morte della regina tolemaica: Cleopatra tiene in mano un recipiente dal quale sta per bere il veleno e alle sue spalle si trova il figlio Cesarione, che come la madre indossa il diadema reale. Insieme ai due sono presenti anche dei servitori. In precedenza si riteneva che la scena raffigurasse il suicidio di Sofonisba, la moglie del re numida Siface.Al contrario delle statue di Marco Antonio, le quali vennero distrutte a causa della damnatio memoriae, quelle di Cleopatra vennero per lo più lasciate intatte, inclusa quella eretta da Cesare nel tempio di Venere Genitrice al foro di Cesare.Nell'ambito della letteratura latina, il poeta Quinto Orazio Flacco scrisse una celebre ode basata sulla morte dell'ultima regina d'Egitto che inizia con il verso "Nunc est bibendum".

Prompt: In Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), how is the Greco-Roman era of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Cleopatra
Iside
Jean-Claude Grenier
Marco Antonio
Musei Vaticani
Nunc est bibendum
Quinto Orazio Flacco
Siface
Sofonisba


subsection

Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait with Skeleton's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


section

Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: In Nativity (Correggio), how is the The adoration of the shepherds in art discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


section

Polittico Albani Torlonia

Il polittico è organizzato su due registri: quello inferiore, il principale, ha al centro un riquadro con la Natività e ai lati due pannelli ad arco con i Santi Michele e Giovanni Battista e i Santi Girolamo e Giorgio, tutti ambientati sotto un medesimo sfondo; quello superiore mostra al centro una lunetta con la Crocifisisione affiancata da due piccoli spicchi con la continuazione del paesaggio che le danno una forma rettangolare, e altre due tavolette ai lati, che assecondano la forma dell'arco sottostante, con lAngelo annunciante e la Vergine annunciata, a loro volta ambientati in un altro doppio portico. scena principale della Natività pare che si ispirasse a quella perduta nella Cappella Sistina, con l'evento sacro che ha luogo in primo piano. Il Bambino si trova su un lembo della veste di Maria e appoggiato a un cuscino rosso, mentre Maria e san Giuseppe lo adorano, affiancati da due angeli inginocchiati e, più indietro, dal bue e l'asinello. Tutto si svolge al di sotto di un portico in prospettiva, scorciato sapientemente e dalle formi semplici ma solenni, che lasciano intravedere sullo sfondo un paesaggio collinare che si perde a vista d'occhio, grazie all'accorgimento di sfumare con toni azzurrini i dettagli più lontano, poiché velati dalla foschia. Come al solito, come si vede anche nella Crocifissione, l'apertura paesistica ha la forma di una valle che ha al centro la scena sacra, in modo da aiutare l'occhio dello spettatore a dirigersi verso la scena principale al centro. L'innovativa spazialità unifica tutta la rappresentazione, nonostante l'impostazione tradizionale in scomparti, e amplifica il respiro dell'opera.

Prompt: In Albani Torlonia Polyptych, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-portrait (van Dyck, Vienna) and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Ritratto di Francesco delle Opere

prima menzione del dipinto è nell'inventario delle opere del cardinale Leopoldo de' Medici, come  opera di "Raffaello seconda maniera". Nel XIX secolo venne attribuita al Perugino e a Jacopo Francia, poi di nuovo al Perugino da Antonio Ramirez de Montalvo, che scoprì una scritta sul retro del dipinto, decifrandone tra l'altro solo una parte. Oggi essa è stata letta come: " DEL LOPRE PEYNAGA</small>".Per molto tempo venne anche considerato un autoritratto dell'artista, infatti quando nel 1883 pervenne agli Uffizi fu esposto nella galleria degli autoritratti del Corridoio vasariano. L'opera proveniva da Pitti, dove era arrivata nel 1799 dalla Guardaroba Medicea. Solo nel 1881 fu finalmente letta correttamente l'iscrizione riconoscendo l'effigiato in Francesco delle Opere , intagliatore di gemme e amico del Perugino, nonché fratello del più celebre Giovanni delle Opere, detto Giovanni delle Corniole.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Francesco delle Opere.Please output in Italian.


section

Una sirena

serie di dipinti non venne ben accolta dai critici d'arte dell'epoca. D'altro canto, Lucie Ingemann, vedova di B.S. Ingemann e anch'essa una pittrice, espresse la sua grande ammirazione dopo aver visto le sirene di Elisabeth Jerichau-Baumann.

Prompt: Explain the Welcome of this artwork, Mermaid (Jerichau-Baumann).Please output in Italian.


section

Fauno Barberini

Sebbene a prima vista sembri un semplice giovane, la statua in realtà rappresenta un satiro: ha un pene di sostenute dimensioni, delle orecchie appuntite, la coda, una corona di edera e una pelle di pantera, tutte caratteristiche tipiche di queste figure mitiche dionisiache. figura è sdraiata su una roccia, il che farebbe pensare agli effetti del vino e quindi all'ebbrezza. Le gambe divaricate, la testa rivolta verso il giaciglio e le braccia riverse a fare da cuscino danno abilmente l'impressione di una posa complessa, esempio di virtuosismo in scultura.

Prompt: In Barberini Faun, how is the Description discussed?Please output in Italian.