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Marte disarmato da Venere

Posta davanti ad un tempio che fluttua nelle nuvole, Venere, la dea dell'amore e della bellezza, con le Tre Grazie e Cupido, sta portando via le armi, l'elmo, lo scudo e l'armatura a Marte, dio della guerra. Egli permette di farsi disarmare, cedendo al fascino di Venere.  maggior parte dei modelli di David per l'opera furono figuranti del Teatro  Monnaie: la modella per Venere fu l'attrice Marie Lesueur, per Cupido Lucien Petipa, Marte fu ispirato da un iscritto o "abonné" e una delle Grazie dalla madama di Guglielmo II.

Prompt: In Mars Being Disarmed by Venus, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Ecce Homo

Ecce homo  è la frase che secondo la Vulgata Ponzio Pilato, allora governatore romano della Giudea, pronunciò mostrando alla folla Gesù flagellato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ecce Homo (Titian, Vienna).Please output in Italian.


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Gelosia

Emozione Amore Sindrome di Otello Femminicidio

Prompt: How does Jealousy (Munch) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Amore
Emozione
Femminicidio
Otello
Sindrome di Otello


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Cacciata di Eliodoro dal tempio

scena è tratta dal Libro dei Maccabei  e simboleggia la protezione offerta da Dio alla Chiesa rispetto ai suoi nemici. Eliodoro di Antiochia era un ministro di Seleuco IV, re di Siria, incaricato di profanare il tempio di Gerusalemme. Ecco che però la preghiera del sacerdote Ania, al centro della composizione, evoca un messo divino a cavallo, seguito da due aiutanti a piedi, che travolge il profanatore nell'angolo destro della scena. scena ha luogo in un grandioso edificio classico, con lo scorcio di una navata dai soffitti dorati, aperta sullo sfondo del cielo. Al centro, il sacerdote Ania in preghiera di fronte al candelabro acceso. Nonostante le similitudini dello sfondo con la Scuola di Atene, la luce radente sull'architettura genera un'accentuazione drammatica del tutto nuova.L'azione si svolge prevalentemente a destra, dove il cavallo travolge Eliodoro steso a terra. Il moto dei personaggi è legato da un ritmo rapido, ma perfettamente scandito, come se ciascuno si muovesse lungo un tracciato prescritto, una coreografia. Sono state notate analogie tra l'animale e gli studi leonardeschi per il monumento Trivulzio. Il pathos è michelangiolesco, ma Raffaello cerca anche di mantenere un distacco, l'obiettività della rappresentazione.A sinistra assiste impassibile Giulio II portato dai sediari, ribadendo l'inviolabilità dei possedimenti della Chiesa e la sua volontà di cacciarne gli usurpatori. Si tratta di un inserimento "teatrale", con cui l'artista riafferma, contro la concezione michelangiolesca della storia come tragedia in atto, la sua concezione della storia come exemplum: la stessa rapida prospettiva che affretta il movimento delle figure mette in rapporto diretto il Papa in primo piano con il sacerdote orante in fondo. I due sediari del Papa hanno rispettivamente, quello di sinistra, i tratti di Marcantonio Raimondi, incisore e amico di Raffaello, mentre quello di destra di Raffaello .  terza figura, ritratta di profilo, a sinistra dei sediari, si ritiene essere Baldassarre Peruzzi.Il dettaglio del personaggio issato su una colonna che la abbraccia per osservare meglio la scena venne ripreso più volte, anche negli affreschi della Sala di Costantino.

Prompt: Focus on The Expulsion of Heliodorus from the Temple and explain the Description and style.Please output in Italian.

Baldassarre Peruzzi
Eliodoro di Antiochia
Marcantonio Raimondi
Sala di Costantino
Scuola di Atene
Seleuco IV
Siria


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Aerostato

Quando si utilizzano gas leggeri, gli aerostati possono venir suddivisi in due ampie categorie a seconda della pressione utilizzata per il riempimento del pallone sostentatore:Pressione zero: il gas viene pompato nel pallone, che è elastico e in grado di dilatarsi, raggiungendo una pressione simile a quella dell'atmosfera che lo circonda. Quando sale in quota, un pallone a pressione zero si dilata  e la pressione interna rimane a valori simili rispetto a quella circostante.<br />Durante la notte, quando la temperatura cala, il gas si contrae e il pallone perde quota. L'unico mezzo che un pallone a pressione zero ha per regolare la propria quota è quello di espellere parte del gas  per scendere oppure di liberarsi di parte della zavorra per salire. Le quantità di gas e zavorra costituiscono quindi il limite temporale alla durata del volo di un aerostato a gas .Iperbarico: un pallone iperbarico, invece, è un contenitore ben più rigido e inelastico rispetto al precedente. Il gas leggero pompato a una pressione maggiore rispetto a quella atmosferica e sigillato al suo interno. Questo consente che un pallone iperbarico mantenga molto a più a lungo la sua leggerezza e la durata del volo è limitata soltanto dalle eventuali perdite di gas . In pratica, la maggior parte degli aerostati iperbarici utilizzati per le missioni scientifiche sono dotati di un telecomando  che consente la espulsione del gas e decreta la fine della missione stessa.

Prompt: Explain the Pressure filling about the Use aerostats of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Monumento equestre al Gattamelata

figura massiccia dell'animale è fremente ed attraversata da un'evidente tensione, nonostante il movimento trattenuto, che sembra corrispondere a un'andatura lenta ma dritta, senza esitazioni. Le proporzioni del cavallo sono leggermente superiori di quelle del cavaliere e ciò è stato interpretato come un effetto voluto per accentuare l'impresa del comando del condottiero, capace di cavalcare un animale di tale stazza. L'imbrigliatura, la sella e le decorazioni ornamentali sono moderne e dimostrano come lo scultore non citò pedissequamente i modelli antichi, dove si cavalcava con un semplice cuscino allacciato sulla pancia dell'animale. L'espediente di appoggiare lo zoccolo alzato su una sfera  serve per garantire un equilibrio statico all'opera. testa del cavallo è fremente e testimonia un temperamento selvaggio. Nonostante ciò il condottiero domina l'animale con calma sovranità, senza fatica apparente, come testimonia la mano leggera che non ha bisogno nemmeno di tirare le redini. Il messaggio che si trasmette allo spettatore è quello della vittoria del Gattamelata, che è la vittoria di un uomo grazie alla sua intelligenza.

Prompt: Explain the horse about the Description of this artwork, Equestrian statue of Gattamelata.Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

Il 5 dicembre 1639 papa Urbano VIII, che secondo lo storico Joachim von Sandrart si recava quotidianamente in loco per vedere lo stato di avanzamento del cantiere, visita l'affresco terminato. Appena scoperto il successo fu straordinario, come testimoniano le numerosissime incisioni, copie e descrizioni.  sua influenza ebbe eco internazionale, con un'intera generazione di artisti che, formandosi a Roma, ne riproposero e divulgarono le soluzioni in molte imprese.Compiuta quando il Cortona aveva 36 anni, quest'opera risulterà essere la più notevole della Roma del Seicento, capofila della grande decorazione barocca a fresco, che si sarebbe poi protratta da quel momento fino alla fine del Settecento, degna di "rivaleggiare" nel campo delle arti con gli altri grandi cicli del passato, quindi con quello dei Carracci nel palazzo Farnese, o quelli vaticani di Raffaello e Michelangelo, a cui il papa stesso paragonò la "sua" opera.Il compenso per il lavoro svolto dal Cortona non fu elargito con uno stipendio mensile, come invece avvenne per i collaboratori, ma fu liquidato a conclusione dell'opera, per un totale di 3.910 scudiIl ciclo ha ricevuto nel 1971, 1981 e 1993, diversi interventi di restauro che hanno riguardato la rimozione di ridipinture precedenti eccessivamente invasive nonché di svariati fenomeni del bottaccioli.

Prompt: In Allegory of Divine Providence and Barberini Power, how is the The inauguration of the great Baroque decoration of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Busto del cardinale Richelieu

Nel 1640 Richelieu voleva inizialmente commissionare a Bernini una statua a tutto tondo rappresentante la sua persona.Le trattative furono affidate a Mazarino, fidato del cardinale e suo successore, e al maréchal François-Annibal d'Estrées, ambasciatore di Francia a Roma. Essi non dovevano ottenere solo l'assenso dell'artista, bensì anche dei suoi "protettori": il cardinale Barberini e il papa Urbano VIII. Visto il dissenso da parte del papa verso il progetto di una statua a figura intera, Bernini ripiegò verso il mezzobusto. Il celebre artista incominciò l'opera nel novembre del 1640 e la completò a metà gennaio dell'anno successivo. In agosto il busto fu portato a Parigi, dove non riscontrò un grande successo. Ciò nonostante Mazarino ringraziò vivamente il cardinale Barberini. In realtà, il busto non piacque ai committenti perché, sebbene molto curato nei particolari, non rispecchiava i reali tratti somatici del cardinale Richelieu. Ciò si può dedurre dalla successiva richiesta da parte del cardinale in questione di un altro busto allo scultore Jean Warin.

Prompt: In Bust of Cardinal Richelieu, how is the History discussed?Please output in Italian.

1640
Francia
François-Annibal d'Estrées
Parigi
Roma


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Masolino).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Due Trinità

Il dipinto è citato per la prima volta da Antonio Palomino, il principale biografo di Murillo, che lo vide nel 1708 a Cadice tra le opere di Carlos Francisco Colarte, marchese di Pedroso; era ancora nelle collezioni dei Pedroso agli inizi del XIX secolo e venne acquistato a Siviglia da James Campbell per conto del mercante d'arte William Buchanan.  tela giunse in Inghilterra nel gennaio 1810.Il quadro divenne poi proprietà di Thomas Bulkeley Owen e nel 1837 venne acquistato dalla National Gallery di Londra insieme al Serpente di bronzo di Peter Paul Rubens.

Prompt: In The Heavenly and Earthly Trinities, how is the History discussed?Please output in Italian.

1708
1810
1837
Antonio Palomino
Cadice
Inghilterra
Londra
Pedroso
Peter Paul Rubens
Siviglia
XIX secolo


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Pala di Conegliano

Pala di Conegliano  è un dipinto olio su tavola trasportato su tela  del pittore italiano Cima da Conegliano, realizzato intorno al 1492 e conservato nel duomo di Conegliano.

Prompt: How does Conegliano Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Allegoria dell'Umana Fragilità

L'ideazione e completamento dell'opera si inserisce nel più grande quadro dell'epidemia di peste del 1656, che colpì il Viceregno di Napoli giungendo dalla Sardegna, dove era arrivata nel 1652 dalla Spagna.L'epidemia in breve tempo si portò via diversi famigliari di Salvator Rosa, compresi suo figlio, Rosalvo, un suo fratello e una sua sorella con buona parte della famiglia di lei. In una lettera destinata al filosofo ed amico Giovan Battista Ricciardi, Salvator Rosa esprime come questi lutti in rapida successione lo colpirono e divennero lo stimolo dietro la creazione di quest'opera.

Prompt: How does Human Fragility (painting) explain its History?Please output in Italian.

Giovan Battista Ricciardi
Salvator Rosa
Spagna


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Belisario chiede l'elemosina

L'opera è incentrata sul generale bizantino Belisario, rappresentato ormai in disgrazia, vecchio, cieco ed in compagnia di un bambino, mentre protende l'antico elmo chiedendo l'elemosina. Lo riconosce solo un soldato, che aveva militato ai suoi ordini. Il messaggio morale dell'opera è la caducità della gloria.Ispirato a un popolare romanzo di Marmontel, l'opera testimonia il nuovo orientamento davidiano, indirizzato al neoclassicismo. Il dipinto fu accolto con favore dall'Accademia e, presentato al Salon, ottenne anche gli elogi di Diderot.

Prompt: Focus on Belisarius Begging for Alms and explain the Description.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: In Lament over the Dead Christ (Moretto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Botticelli, Glasgow).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Giuseppe e la moglie di Putifarre

Il racconto biblico  parla di Giuseppe , venduto come schiavo in Egitto, dove ha come padrone un ufficiale del faraone chiamato Putifarre. Tuttavia, la moglie di Putifarre tenta di sedurre Giuseppe, che rifiuta le sue proposte. Ella allora lo accusa di tentata violenza. Putifarre, che le crede sulla parola, fa imprigionare Giuseppe. Questi rimarrà in prigione per due anni, fino a che il faraone non riconoscerà il suo valore e gli darà il comando dell'Egitto . Questo intrigo sembra ispirato a quello del celebre racconto dell'Egitto antico intitolato "Storia dei due fratelli", dove una donna prova a sedurre un uomo e in seguito al suo rifiuto lo ferisce, sostenendo che lui avrebbe tentato di avere un rapporto con lei. Sono presenti delle somiglianze anche nella mitologia greca con la storia di Stenebea che si invaghisce di Bellerofonte.

Prompt: Focus on Joseph and Potiphar's Wife (Finoglia) and explain the Topic.Please output in Italian.

Bellerofonte
Putifarre
Stenebea
Storia dei due fratelli


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: How does Adoration of the Magi (Perugino, Perugia) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In Annunciation (Artemisia Gentileschi), how is the Vangelicanonici of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In the context of The Sacrament of the Last Supper, explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels and the New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Madonna delle Grazie

Il paese Le Grazie prende il nome da colei che è la prima cittadina: la Madonna. Questa pagina è l'espressione della riconoscenza più viva del dono della fede e dell'amore che il Signore ci offre ogni giorno attraverso l'intercessione della Madonna delle Grazie.;Arte e storia del Santuario[...]"Nel 1432 il papa Eugenio IV concesse alla Congregazione di Monte Oliveto, presente in Liguria dal 1388, l'abbazia benedettina del Tino, priva ormai di monaci; nella stessa occasione agli olivetani fu assegnato un heremitorium cum eius ecclesia sine cura posto nel territorio di Portovenere ed intitolato alla Vergine delle Grazie"[...].; storia data 1424 che assieme alla firma ANDREAS DE ASTE si legge nel bordo inferiore della Madonna col Bambino di Quarto, sita nel Santuario della Madonna della castagna a Quarto , non può costituire un "utile punto di riferimento", almeno fino a quando non sarà stato provato che la scritta in questione, palesemente non originale, è tuttavia veridica. Il che, del resto, è verosimile se non altro perché alla mano dello stesso pittore si può oggi attribuire con certezza un dipinto per il quale esiste un ante quem sicuro.Ci riferiamo proprio alla tavola della Madonna delle Grazie, di cui è ragionevole ipotizzare, per le ragioni esposte nell'introduzione, la presenza nella piccola ecclesia sine cura menzionata nella bolla papale del 1432.

Prompt: Describe the characteristics of the Le Grazie, Portovenere - La Spezia in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Il dipinto venne venduto nel 1753 dai benedettini, in gravi difficoltà economiche, ad Augusto III di Polonia dopo due anni di trattative. A Piacenza, il dipinto di Raffaello venne sostituito con una copia di autore ignoto  dipinta circa un secolo prima della vendita e identica all'originale nella dimensione, ma leggermente più bassa perché manca la fascia superiore con l'asta che regge la tenda verde: questa parte del dipinto era infatti ripiegata dietro il telaio e nascosta dalla cornice, e quindi invisibile al copista.

Prompt: Describe the characteristics of the From the 18th to the 20th century in Sistine Madonna's Description and style.Please output in Italian.


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Passio musicae

Passio musicae  è un monumento dedicato al compositore finlandese Jean Sibelius . Il monumento si trova nel Parco Sibelius  nel distretto di Taka-Töölö ad Helsinki, la capitale della Finlandia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Sibelius Monument.Please output in Italian.

Finlandia
Helsinki
Jean Sibelius
Parco Sibelius
Taka-Töölö


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Donazione di Roma

decorazione della Sala di Costantino, l'ultima delle Stanze, venne commissionata da Leone X nel 1517. Il Sanzio, preso da mille impegni, fece appena in tempo a disegnare i cartoni e avviare una sorta di arriccio per la prima parete, prima di morire improvvisamente il 6 aprile 1520. L'opera venne allora continuata dai suoi allievi, tra cui spiccavano soprattutto Giulio Romano e Giovan Francesco Penni.Nel 1524, all'epoca di Clemente VII, la decorazione doveva essere già terminata, quando il Romano partì per Mantova. Sviluppando i temi della Stanza di Eliodoro e di quella dell'Incendio di Borgo, la Sala di Costantino è dedicata alla vittoria del cristianesimo sul paganesimo e all'affermazione ed il primato della Chiesa romana, con evidenti richiami alla delicata situazione contemporanea. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. In fatti, venne espressero il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musee Napoleon delle spoliazioni napoleoniche, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma. L'esecuzione della Donazione di Roma è di solito riferita a Giulio Romano , forse con l'aiuto del Penni e di Raffaellino del Colle.

Prompt: In The Donation of Constantine (painting), how is the History discussed?Please output in Italian.

1517
1520
1524
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Giovan Francesco Penni
Giulio Romano
Incendio di Borgo
Mantova
Raffaellino del Colle
Roma
Sala di Costantino
Stanza di Eliodoro


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La chiesa di Auvers

Quando nel maggio 1890 Van Gogh lasciò l'ospedale di Saint-Rémy-de-Provence egli decise di abbandonare definitivamente il Meridione francese e di fare visita al fratello Théo van Gogh a Parigi, per poi recarsi ad Auvers-sur-Oise, su consiglio dell'amico Camille Pissarro, in modo tale da essere sottoposto alle cure del dottor Paul Gachet. Qui van Gogh trascorse le ultime dieci settimane della sua vita e in questo breve lasso di tempo dipinse oltre cento quadri, compreso  chiesa di Auvers.Van Gogh si era cimentato nella raffigurazione di luoghi di culto già nel giugno 1885, quando eseguì la Chiesa di Nuenen con i fedeli: il soggetto di tale opera era il servizio liturgico domenicale alla chiesa di Nuenen, con i vari fedeli accalcati intorno all'edificio sacro, ripreso dal lato absidale.  chiesa di Auvers, realizzata un mese prima del suicidio dell'artista, «sembra quasi colloquiare con la vecchia opera, riprendendola e trasformandola, gettando un arco ideale tra l'esordio e la conclusione della fulminante evoluzione artistica di van Gogh» .

Prompt: Explain the History of this artwork, The Church at Auvers.Please output in Italian.

Auvers-sur-Oise
Camille Pissarro
Parigi
Saint-Rémy-de-Provence


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: In The Last Judgment (Michelangelo), how is the Music discussed?Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

decorazione della volta è completata da alcuni soggetti minori, che, pur nella loro secondarietà, sono sempre di mano del maestro o, nel caso di ricorso ad allievi nella prima fase del ciclo, vennero comunque disegnati da lui. Tra questi soggetti riempitivi si contano i medaglioni con storie bibliche, retti dagli Ignudi, i nudi bronzei, che riempiono gli spazi triangolari tra le vele e i riquadri principali, i putti-cariatide, sui troni dei Veggenti, e i putti reggitarga, sotto ciascun profeta o sibilla .

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Other and the Description.Please output in Italian.


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Crocifissione di Strasburgo

Crocifissione di Strasburgo è un dipinto a tempera e oro su tavola  attribuita a Giotto, databile al 1320 circa e conservato nel Musée des Beaux-Arts di Strasburgo.

Prompt: Focus on Strasbourg Crucifixion and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Paesaggio con la fuga in Egitto

leftQuesto dipinto, per la sua interpretazione bilanciata e razionale e per l'idealizzazione della natura,  rappresenta una pietra miliare, un archetipo, della pittura di paesaggio del seicento, a Roma prima e per il resto della pittura europea poi. Per questo motivo verrà preso a modello da vari artisti successivi, specialisti nella pittura di paesaggio, quali il Domenichino, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Herman van Swanevelt, Gaspard Dughet, per citare solo i più noti.Si tratta del più tipico esempio di paesaggio ideale in cui ogni singolo elemento naturale viene inserito in una composizione perfettamente calibrata e bilanciata, alla ricerca dell'equilibrio formale e della bellezza idilliaca.L'effetto ricercato è quello della perfetta fusione sentimentale tra i personaggi sacri, la loro storia e il paesaggio circostante che per questo viene ricreato e ricostruito idealmente anche se mantiene una verità di visione, per la luce, il colore e gli effetti atmosferici.rightUna serie di diagonali compositive formano una griglia entro la quale si dispongono come quinte prospettiche di una scenografia teatrale i singoli elementi del paesaggio, per dare profondità e leggibilità alla scena e concentrare l'attenzione sulle tre piccole figure , ad esempio quella su cui si dispone il pastore con le pecore.I personaggi sacri si evidenziano anche per la loro posizione rialzata rispetto allo sfondo.Gli alberi sulla sinistra sono in penombra e sottolineano le loro sagome tramite un effetto di controluce che permette di vedere oltre in profondità lo specchio d'acqua e l'atmosfera circostante, la loro presenza è perfettamente bilanciata dai due alberi il lontananza sulla destra.Questo metodo che procede tramite il bilanciamento di singoli elementi lungo le diagonali compositive ricrea artificiosamente il paesaggio secondo l'ideale classicheggiante in voga al tempo.A chiudere la visione è l'immagine di una città con edifici all'antica, tra i quali si scorge anche una citazione della cupola del  Pantheon.Come è tipico della pittura di Annibale Carracci, anche in questo caso l'invenzione non è priva di riferimenti alla grande tradizione rinascimentale. In questo senso è stato colto sul Paesaggio con la fuga in Egitto l'influsso dei bellissimi affreschi di Polidoro da Caravaggio realizzati per la chiesa di San Silvestro al Quirinale, a Roma .

Prompt: Focus on Landscape with the Flight into Egypt (Carracci) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Annibale Carracci
Claude Lorrain
Domenichino
Gaspard Dughet
Herman van Swanevelt
Nicolas Poussin
Polidoro da Caravaggio
Roma


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Il lamento per Icaro

Il lamento per Icaro  è un dipinto a olio su tela , realizzato nel 1898 dal pittore inglese Herbert James Draper, e conservato alla Tate Britain di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Lament for Icarus.Please output in Italian.

1898
Herbert James Draper
Icaro
Londra
Tate Britain


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Crocifissione con donatore

L'opera è conosciuta da quando era nella collezione Fétis di Bruxelles, per poi passare alla collezione Franchomme prima di approdare al museo. Generalmente ritenuta opera giovanile, ha subito varie oscillazioni di datazione nella critica, dal 1475-1477  al 1480-1485 . L'analisi dendrocronologica ha confermato una datazione successiva al 1483.Alcuni hanno messo in relazione la Crocifissione con l'affresco nella cattedrale di San Giovanni di 's-Hertogenbosch , attribuiti al nonno del pittore.

Prompt: How does Crucifixion with a Donor (Bosch) explain its History?Please output in Italian.


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Ritratto di Francesco Gonzaga

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano, 2001, ISBN 978-88-8310-187-8.

Prompt: In Portrait of Francesco Gonzaga, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Epifania

In Lettonia l'Epifania è conosciuta come Trijkungu diena  dai cattolici o Zvaigznes diena  dai luterani in ricordo della Stella di Betlemme che condusse i Magi a Gesù Bambino. In passato, stelle luminose di tessuto venivano cucite sullo sfondo di trapunte di colore scuro, che rappresentavano il cielo notturno. L'Epifania era un giorno di divertimento, trascorso in slitte scoperte trainate da cavalli, sulle quali queste trapunte venivano usate per coprire le ginocchia degli allegri cavalieri.Se il giorno dell'Epifania era luminoso e mite e il sole "riscaldava la schiena dei cavalli" si diceva che l'anno a venire avrebbe portato solo pace. Se la notte prima dell'Epifania aveva un cielo stellato e limpido, significava che la Lettonia poteva aspettarsi un buon raccolto nella prossima estate. Se all'Epifania si sentiva abbaiare un cane bisognava cercare il proprio futuro sposo in quella stessa direzione. In questo giorno si mangiano speciali torte di mele a tre angoli e, come in altri paesi, sono popolari da secoli il canto delle stelle, le visite e le benedizioni della casa.

Prompt: Describe the characteristics of the Latvia in Epifania's Theology.Please output in Italian.

Betlemme
Gesù
Gesù
Lettonia
Stella di Betlemme


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, The Sacrament of the Last Supper.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Soldato con ragazza sorridente

Il Soldato con ragazza sorridente è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1658 circa e conservato nella Frick Collection di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Officer and Laughing Girl.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: In Abraham and Isaac (Titian), how is the Parallel with Islam discussed?Please output in Italian.


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altare di san Girolamo

L'origine e l'attribuzione di questo complesso scultoreo costituiscono uno dei problemi più intricati della scultura rinascimentale bresciana. Come osservato per primo da Antonio Morassi nel 1939, l'unico elemento utile a indicare una qualche datazione precisa è l'effigie di papa Giulio II scolpita sul lato interno del basamento della colonna sinistra, la quale rappresenta un sicuro post quem poiché è desunta dal recto di una delle medaglie che il Caradosso e Gian Cristoforo Romano realizzarono in onore del papa a partire dal 1506. Sei anni dopo, nel 1527, il prevosto della chiesa di San Lorenzo Alessandro Averoldi, in una scrittura privata, concede una stanza in affitto al pittore Callisto Piazza in cambio, oltre al denaro della locazione, di una pala "qual sia de bontà a similitudine del quadro lui ha fato per domino Simon de Roado posto in Sancto Francescho". Questo dipinto del Piazza è stato in seguito individuato nella Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Girolamo, registrato fin dalle prime guide bresciane del XVII secolo, passato quindi nella prima metà del XIX secolo alla Collezione Lechi e infine alla Pinacoteca di Brera a Milano, dalla quale fu acquistato nel 1829 e dove ancora oggi si trova.Bisogna attendere la visita apostolica di san Carlo Borromeo del 1580 per rendersi finalmente conto che è proprio il primo altare destro della chiesa di San Francesco, quello in oggetto, ad essere sotto il patronato acquisito decenni prima da Simone Rovati, con l'intitolazione a san Marco e con anche una dotazione, stabilita dal Rovati nel suo non pervenuto testamento, datato al 1522 dalle annotazioni della visita apostolica. Stupisce, a questo punto, non trovare alcun San Marco nella pala del Piazza commissionata all'epoca da Simone Rovati per il suo altare, il che lascia supporre che, dagli anni 1520 al 1580, l'intitolazione fosse cambiata.Federico Odorici, nel 1853, è il primo a segnalare a questo altare la Santa Margherita d'Antiochia tra i santi Girolamo e Francesco d'Assisi del Moretto, storicamente indicata nella quinta cappella sinistra della chiesa.

Prompt: In Altar of San Girolamo, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Allegoria del Vizio

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772 Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006

Prompt: How does Allegory of Vice (Correggio) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Alchimista che scopre il fosforo

L'immagine mostra l'alchimista che cercando di produrre la pietra filosofale, mitica materia che potrebbe trasformare il volgare metallo in oro, con sua grande sorpresa scopre il fosforo. Wright non dipinge l'alchimista in uno sfondo del XVII secolo ma romanticizza l'immagine della stanza immaginando un ambiente medievale con alte volte gotiche e finestre a sesto acuto, come se si trovasse in una chiesa.Ha inoltre reso in maniera molto efficace il processo chimico necessario, che si basa sull'ebollizione dell'urina; una descrizione del 1730 della produzione del fosforo parla della necessità sia di 50 o 60 secchi di urina putrida che di "vermi allevati".Wright dà anche connotazioni religiose al dipinto: l'alchimista si inginocchia di fronte alla luminosa ampolla, stendendo le mani in un gesto simile a quello utilizzato da El Greco quando dipinse Stimmate di san Francesco e San Gerolamo in preghiera. Benedict Nicolson paragona il suo atteggiamento a quello di uno dei discepoli di Cristo che ricevono la comunione e ritiene che la disposizione del dipinto potrebbe essere stata ispirata dal dipinto di Thomas Wijck L'alchimista, che era in mostra a Londra durante la vita di Wright, è che è similare per le volte, la confusione degli oggetti nella stanza e per la presenza dell'assistente investito dalla luce.In ogni caso è chiaro che ebbe una forte influenza sul disegno il compagno di Wright, Peter Perez Burdett: esiste uno schizzo dell'uomo, datato 4 febbraio 1771, in cui già si vedono la volta, l'impostazione del disegno ed il contenitore di vetro al centro della scena. è Burdett che dice dove posizionare la figura nel dipinto e sempre Burdett aveva già fatto parlato a Wright di Matthew Turner in modo che il pittore potesse comprendere appieno la scienza alla base del fenomeno rappresentato nel dipinto.

Prompt: Focus on The Alchemist Discovering Phosphorus and explain the Description.Please output in Italian.

El Greco
Matthew Turner
Peter Perez Burdett
Thomas Wijck


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Danza di contadini

Il tema del ballo dei contadini, già rappresentato ad esempio nella Danza nuziale di Detroit, è qui trattato con maggiore maturità: al brulicare di figure l'artista ha ormai sostituito la preferenza per grandi personaggi nel primo piano, in questo caso scomponibili in due metà: a sinistra una tavola imbandita dove stanno seduti anche il suonatore di zampogna e un suo amico rubicondo che gli porge una brocca di vino; a destra una coppia che prende parte alle danze, rappresentata con qualche tono grottesco  e con grande cura dei dettagli, come il brosello della donna che pende con le chiavi, o il cucchiaio appuntato in testa al berretto dell'uomo, dimostrando la sua intenzione di non arrivare impreparato al banchetto. In primissimo piano a destra si vedono poi una ragazzina che insegna a ballare a una bambina: si tratta di figure fuori scala rispetto al corpulento suonatore che sta loro dietro, ma di grande indagine descrittiva e psicologica. Al tavolo alcuni personaggi sembrano inebetiti dal bere  e un mendicante si avvicina  per chiedere l'elemosina, ma viene scacciato bruscamente dall'uomo a capotavola; dietro di loro una coppia si bacia.Sullo sfondo altre coppie prendono parte alle danze, compresa quella che sta uscendo dalla casa col vessillo rosso, in cui il marito sembra trascinare controvoglia la moglie. Più che a una danza nuziale, la scena farebbe pensare a uno di quei festeggiamenti speciali, magari con l'occasione della consacrazione della chiesa che si vede sul fondale.In primo piano, sul suolo, si vedono alcuni gusci di noce, il manico di una brocca rotta e alcuni fuscelli di paglia.  descrizione è quindi arricchita da molti dettagli quotidiani, che fanno dell'opera un prototipo per la pittura di genere.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Peasant Dance.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Terme Vigliatore, nella città metropolitana di Messina, la patrona Santa Maria delle Grazie viene festeggiata il 15 settembre di ogni anno con liturgie ecclesiali e con la solenne processione cui partecipano moltissimi fedeli devoti. festa patronale ha luogo nell'antica chiesa dei Benedettini e nel parco omonimo. Durante la solenne processione per le vie del paese, la statua raffigurante Santa Maria delle Grazie sosta per qualche minuto davanti alla chiesa a lei dedicata in via del Mare.

Prompt: Describe the characteristics of the Terme Vigliatore in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Cloud Gate

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Cloud Gate.Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Hibbard sosteneva che tanto il Baglione, quanto il Bellori, in realtà ignorassero il Suonatore presso il Giustiniani  e dunque si riferiscono ad una sola redazione per Del Monte. Nel 1985 il Wolfe rende noto un documento, del passaggio da Del Monte al Barberini per arrivare a dimostrare con certezza la presenza di una duplice redazione iconografica del dipinto, senza poter escludere che, molto copiato e le copie talvolta trattate alla stregua di originali, fosse proprio l'autografo Del Monte a pervenire al Giustiniani. Christiansen, in uno studio del 1990, considera autografo il dipinto del Metropolitan, museo del quale è curatore, ma precedente alla versione Giustiniani. Come detto sopra, la Cinotti e la Gregori, sono invece dell'idea che il dipinto di New York sia posteriore a quello Giustiniani-Ermitage e che pertanto si attesti al 1597 . Nella Collezione di Alessandro Vittrice, ecclesiastico figlio di Girolamo ed Orizia di Lucio Orsi, sorella di Prospero, propagandista  del Caravaggio, esisteva un dipinto di simile iconografia non identificato e probabilmente perduto curiosamente descritto come "un quadro grande di una donna vestita di Diana, che suona il Cimbalo cornice arabescata m del Caravaggio". Maurizio Marini , riteneva che l'estensore dell'inventario fosse stato tratto in inganno dalla evidente androginia del musico e dal ricciolo piegato a virgola sulla fronte, come una mezza luna, noto attributo simbolico della dea Diana. Il Marini riteneva che questo dipinto potesse essere quello in collezione privata a Roma .Secondo Maurizio Marini  Caravaggio non era solito - una volta eseguito un dipinto  - eseguirne altri con varianti sostanziali, formandone una nuova stesura che cedeva poi ad altro collezionista, come invece avvenne per la Buona Ventura o, meno convincentemente, nelle due versioni delle " Stimmate di San Francesco". Dalla recente scoperta da parte del giovane ricercatore Riccardo Gandolfi di un manoscritto di Gaspare Celio contenente con altre Vite, la inedita Vita di Caravaggio , apprendiamo che Il suonatore di liuto era stato dipinto da Caravaggio nella casa di Prospero Orsi, suo amico e propagandista che avendo saputo che il Cardinal Del Monte cercava un bravo pittore per eseguire delle copie per la sua collezione, presentò il Merisi e, probabilmente, gli mostrò anche il dipinto che con altri del pittore lombardo servì a convincere Del Monte a prenderlo presso di sé.

Prompt: Describe the characteristics of the The hypothesis of the unique original in The Lute Player (Cariani)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Gruppo del Laocoonte

Il gruppo scultoreo di ocoonte e i suoi figli, noto anche semplicemente come Gruppo del ocoonte, è una copia romana in marmo di una scultura ellenistica della scuola rodia,  conservata, nel Museo Pio-Clementino dei Musei Vaticani, nella Città del Vaticano. Raffigura il famoso episodio narrato nellEneide che mostra il sacerdote troiano ocoonte e i suoi figli assaliti da serpenti marini.

Prompt: How does Laocoön and His Sons explain its Abstract?Please output in Italian.

Città del Vaticano
Eneide
Musei Vaticani
Museo Pio-Clementino
Città del Vaticano


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Democrito

Federico Enriques e Manlio Mazziotti, Le dottrine di Democrito d'Abdera, Bologna: Zanichelli, 1948. Francesco Romano , Democrito e l'atomismo antico. Atti del convegno internazionale, Catania 18-21 aprile 1979, Catania: Università di Catania. Facoltà di lettere e filosofia, 1980. Maria Luisa Silvestre, Democrito e Epicuro : il senso di una polemica. Testi e commenti, Napoli: Loffredo, 1985. Maria Luisa Silvestre, Democritea : i documenti da Epicuro ad Aezio, Roma: Cadmo, 1990. M. ura Gemelli Marciano, Democrito e l'Accademia. Studi sulla trasmissione dell'atomismo antico da Aristotele a Simplicio, Berlino: Walter de Gruyter, 2007. Giuseppe Solaro, Il mistero Democrito, Roma: Aracne, 2012.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the Studies and the Biography.Please output in Italian.


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Giasone con il vello d'oro

Prompt: Focus on Jason with the Golden Fleece (Thorvaldsen) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the Collections, exhibitions, self-portraits.Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Martirio di san Matteo

Roberto Longhi, Quesiti caravaggeschi - II, I precedenti, in "Pinacotheca", anno 1, numeri 5-6, marzo-giugno 1929Pier Virgilio Begni Redona, Alessandro Bonvicino - Il Moretto da Brescia, Editrice  Scuola, Brescia 1988

Prompt: In The Martyrdom of Saint Matthew (Caravaggio), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Apoteosi di Palermo

LApoteosi di Palermo è un dipinto a fresco di Vito D'Anna, datato 1760. Si trova nel salone da ballo di Palazzo Isnello a Palermo.L'opera è una delle otto rappresentazioni monumentali del Genio di Palermo ed è considerato uno dei capolavori di Vito D'Anna e della pittura barocca siciliana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Apotheosis of Palermo.Please output in Italian.

1760
Genio di Palermo
Palazzo Isnello
Palermo
Vito D'Anna


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Il giuramento del Grütli

Peter Tomory, The Life and Art of Henry Fuseli, Londra, Thames & Hudson, 1972, n. 7, p. 50. Gert Schiff, Johann Heinrich Füssli 1741-1825, Vol. II, Abbildungen, Zurigo, Berichthaus, 1973, n. 366, p. 81. Orietta Rossi Pinelli,  Valentina Anker, Der Schweizer Symbolismus und seine Verflechtungen mit der europäischen Kunst, Berna, Benteli, 2009, p. 44. Stefan Müller, Der Nachtmahr. Eine Ikone des Albtraums, Lipsia, Taurus-Verlag, 2013, p. 80.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Oath on the Grütli.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

I nove riquadri centrali mostrano Storie della Genesi, disposte in ordine cronologico partendo dalla parete dell'altare.  scelta degli episodi venne forse ispirata  alle dodici "profezie" intonate dal coro della cappella nel Sabato Santo.Esse sono anche da leggere come prefigurazione del Nuovo Testamento, come suggerisce la presenza dei Veggenti: ad esempio lEbbrezza di Noè prefigura il Cristo schernito, il Diluvio il Battesimo, il Sacrificio di Noè la Passione e così via fino alla Separazione della luce dalle tenebre che simboleggia il Giudizio Universale.

Prompt: Explain the The Stories of Genesis about the Description of this artwork, Sistine Chapel ceiling.Please output in Italian.

Cristo
Ebbrezza di Noè
Genesi
Noè
Nuovo Testamento
Sacrificio di Noè
Separazione della luce dalle tenebre
Storie della Genesi


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Jacopo de' Barbari

Dipinse dal vivo Uno sparviero , probabilmente facente parte di un'opera di dimensioni maggiori.Del primo periodo berlinese vi è la tavola con Ritratto d'uomo da un lato e Coppia di nudi in un interno sul lato inverso, considerato lavoro realizzato tra il 1500 e il 1502.   giovanile opera natura morta con pernice, guanti di ferro e dardo di balestra datata 1504, è spesso chiamata "il primo dipinto trompe l'oeil su piccola scala dell'antichità", nonostante Due dame veneziane di un altro veneziano, Vittore Carpaccio abbia sul retro un trompe l'oeil raffigurante una rastrelliera per lettere, datato 1490. Un'opera famosa ma controversa, il Ritratto di Luca Pacioli ed il suo studente, , si trova presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Raffigura il matematico Francescano ed esperto di prospettiva che dimostra teoremi di geometria in un tavolo sul quale giace la sua Summa de arithmetica, geometria, proportioni e proportionalità ed uno scritto di Euclide. Il suo allievo, vestito elegantemente, volge lo sguardo verso l'osservatore. L'opera è firmata "IACO. BAR VIGEN/NIS 1495".Fra i vari capolavori sparsi per il mondo, il Louvre possiede la Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Antonio Abate e Filadelfia custodisce il dipinto Il vecchio amoroso della giovane.

Prompt: Describe the characteristics of the Paintings in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.


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Donna che legge una lettera davanti alla finestra

destraIl dipinto in seguito al restauroIn una stanza illuminata da una finestra sulla sinistra una donna in secondo piano sta leggendo una lettera in piedi. Il suo volto, che è assorto nella lettura, si riflette nel vetro della finestra aperta, sul quale è scostata anche una tenda rossa. Forse la donna raffigurata è la moglie dell'artista Chatarine Bolnes. In primissimo piano una tenda verdognola corre retta da anelli infilati a un'asta, separando idealmente la scena dallo spettatore, secondo un'impostazione "teatrale" che ha antica origine nei Paesi Bassi: si trova ad esempio, tra i tanti dipinti, nellAdorazione dei pastori di Hugo van der Goes, ma fu usata anche da Rembrandt. Tra la tenda e la ragazza sta un tavolo coperto da un pesante tappeto orientale di lana, in parte scostato per movimentare la composizione , così anche da ribaltare parzialmente la ciotola, probabilmente in maiolica di Delft, con la frutta che vi è poggiato sopra. Nell'angolo, infine, si vede una sedia con schienale coperto di cuoio, fissata da piccole borchie e con elementi leonini intagliati, un oggetto di casa Vermeer che si trova, con qualche variante, in numerosi altri dipinti dell'artista, tra cui la Ragazza assopita. Con quest'ultimo dipinto sono molti gli oggetti in comune, tanto che potrebbe trattarsi della stessa stanza ritratta da una prospettiva diversa. Lo sfondo è una parete chiara illuminata dalla luce della finestra, su cui si proiettano le ombre della donna e della vetrata . Sulla parete si trovava un dipinto con Cupido - di cui si nota un alone - successivamente coperto. Per lungo tempo si è ritenuto che la rimozione fosse opera dell'autore stesso, ma recenti restauri hanno invece rivelato che la modifica avvenne molti anni dopo la sua morte.Molti elementi, in questa che è considerato il primo dipinto nello stile più tipico di Vermeer, saranno poi ripresi nella sua produzione futura: dallo schema della stanza agli effetti di luce, che ricreano con meticolosità la consistenza dei vari materiali. L'illuminazione concentra tutta l'attenzione sulla protagonista e sulle sue emozioni, che sembrano affiorare in un impercettibile sorriso, svelandone i sentimenti con garbata finezza. L'atmosfera sospesa e silenziosa è già quella tipica poesia dei capolavori dell'artista. Probabilmente questa svolta maturò attraverso i contatti con Gerard ter Borch e lo studio delle opere di Carel Fabritius. Anche la tecnica appare più avanzata, con piccoli tocchi puntiformi di colore chiaro, anche molto corposi, che rendono i più delicati rialzi di luce.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Girl Reading a Letter at an Open Window.Please output in Italian.

Carel Fabritius
Gerard ter Borch
Hugo van der Goes
Rembrandt


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Pala di Perugia

L'opera è composta da tre pannelli principali: un grande pannello centrale, con la Madonna in trono col Bambino e Angeli , e due pannelli laterali divisi in alto a formare due scomparti ciascuno, per un totale di quattro scomparti con altrettanti santi. A sinistra si trovano i santi Domenico e Nicola di Bari, considerati autografi dell'autore, mentre a destra si trovano i santi Giovanni Battista e Caterina d'Alessandria, considerati in gran parte opera di collaboratori di bottega.

Prompt: In Perugia Altarpiece, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Caterina d'Alessandria
Giovanni Battista


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Sacra conversazione Balbi

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: How does Balbi Holy Conversation explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

L'immagine del dipinto mostra nel dettaglio Maria inserita in una nicchia di pietra che si chiude sopra la sua testa con una conchiglia marmorea che poggia su due sostegni ornati sporgenti. Su entrambi i lati si lascia spazio ad un piccolo pezzo di cielo e rami di alberi di fico.I capelli dorati di Maria ricadono ondeggianti sulle sue spalle sotto la corona dorata tempestata di perle. Indossa un abito plissettato blu scuro, raccolto sotto il seno, con ampie maniche a due pezzi.  cintura di tessuto scarlatto e annodato, scende liberamente. Una fascia, anch'essa scarlatta, è fissata a grandi bottoni d'oro rotondi e regge l'ampio mantello grigio scuro attorno alle spalle di Maria e attorno ai personaggi inginocchiati accanto e davanti a lei. Sugli avambracci si notano delle parti del tessuto sottostante dorato lucido. Ai polsi sono visibili le cuciture delle maniche della biancheria intima. Nella scollatura, la delicata sottoveste è tenuta insieme da un'unica perla centrale, incastonata in una spilla.Gesù Bambino, nudo, siede sul braccio sinistro piegato di Maria, poggiando il proprio braccio destro alla spalla della Madonna e protendendo il sinistro verso il davanti. Il viso, incorniciato da riccioli biondi, ha un'espressione seria, quasi sofferente.  testa di Maria si piega verso il Bambino con uno sguardo introspettivo, diretto verso il basso, sotto le palpebre semichiuse. Le sue mani sono sciolte l'una sull'altra.A destra della figura della Madonna, si trova raffigurato Jakob Meyer, inginocchiato, con le mani giunte al petto in atteggiamento di preghiera, avendo di fronte a sé un ragazzo di circa dodici anni, che sta per alzarsi. Meyer indossa un cappotto nero foderato di pelliccia su una camicia bianca, a pieghe fini. I suoi occhi sono fissi sulla mano tesa del piccolo Gesù. Il ragazzo indossa un'elaborata tunica marrone con una bordatura di velluto scuro sulla scollatura e sugli orli. Le maniche a croce sono inoltre decorate con bottoni dorati. Sulla gamba tesa indossa una calza rossa e una scarpa nera. Dalla sua cintura pende una borsa verde decorata. Il suo sguardo è diretto verso un punto sotto il bordo dell'immagine. Con le sue mani, il ragazzo cerca di trattenere un bambino nudo che volta le spalle all'intera scena. Il bambino, in piedi, tiene la mano destra appoggiata al ragazzo e punta la mano sinistra su una piega del tappeto.I personaggi femminili principali, la defunta moglie di Meyer, Magdalena Bär, e la sua seconda moglie Dorothea Kannengießer, si trovano di fronte a Jakob Meyer. Magdalena Bär sembra guardarlo direttamente negli occhi. Indossa un velo bianco che le giunge sin sotto il mento e un ampio cappotto nero a pieghe da cui si intravede solo la punta delle dita della mano sinistra che spuntano. Il suo volto è appena visibile, seminascosto tra il proprio copricapo ed il mantello della Madonna. Dorothea Kannengießer, per contro, è rappresentata di tre quarti come suo marito. Indossa anch'essa un velo bianco, che però lascia scoperto il volto. Indossa un abito damascato nero foderato di pelliccia con finiture in velluto sulle maniche e sul colletto e trattiene sotto le dita un rosario marrone.  figlia di Dorothea Kannengießers, Anna Meyer, mostrata di profilo, appare inginocchiata con un abito bianco decorato con ricami scuri e bordi dorati. I capelli appaiono intrecciati con larghi nastri e sono decorati con rametti di rosmarino, garofani e frange rosse. Tra le mani tiene un rosario rosso.Colpisce il fatto che delle otto figure mostrate nella composizione, quasi nessuna abbia un contatto visivo con la Madonna e alcune sembrano addirittura guardar fuori dallo spazio pittorico. Solo Jakob Meyer sembra avere una relazione cosciente con Maria e il Bambino.Sotto il piedistallo su cui poggiano le figure, si trova un prezioso tappeto a motivi geometrici. Ai piedi della Madonna, il tappeto forma una piega impressionante che sale a sinistra verso il bordo inferiore del dipinto e sottolinea il modo realistico di dipingere di Holbein.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Characters objects represented and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Ritratto di Simonetta Vespucci come Cleopatra

ragazza è effigiata a mezza figura di profilo, voltata verso sinistra e sullo sfondo di un paesaggio aperto, arido a sinistra e rigoglioso a destra. Una nube scura esalta per contrasto il profilo purissimo del volto, dalla carnagione chiarissima. Tradizionalmente viene identificato come un ritratto nelle vesti di Cleopatra, per il seno scoperto e l'aspide attorcigliato al collo con il quale essa morì. Studi più recenti hanno però anche ipotizzato che la donna simboleggi Proserpina, col serpente che simboleggerebbe la speranza di resurrezione in chiave pagana. Un'altra ipotesi è che il ritratto  raffiguri la vanità , con il serpente che l'avvolge come simbolo di peccato.Stupisce la purezza dei lineamenti e la ricchezza dell'acconciatura, elaborata con treccine, nastri e perline.  fronte è altissima, secondo la moda del tempo che prevedeva la rasatura dell'attaccatura dei capelli. Il busto, secondo una tipologia quattrocentesca, è leggermente ruotato verso lo spettatore, in modo da favorire la visuale, ed è avvolto da un panno riccamente ricamato e intarsiato. Sul parapetto dipinto si legge un'iscrizione che imita lettere intagliate, uno stratagemma già usato nell'arte fiamminga sin da Jan van Eyck. Vi si legge: .

Prompt: Explain the Composition about the History of this artwork, Portrait of Simonetta Vespucci.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Stufetta del cardinal Bibbiena

Si tratta di un ambiente a pianta quadrata  coperta da volta a crociera, decorata a fresco e a stucco su modello della Domus Aurea. Sulla parete orientale si apre la porta e su quella opposta una finestra; le altre due hanno al centro una nicchia sopra una lastra di marmo e un riquadro con mascherone. volta e le lunette sono decorate da esili grottesche su sfondo bianco e rosso, mentre ai lati della porta, della finestra e delle nicchie si trovano otto riquadri  con "storiette" mitologiche: a settentrione Venere e Adone e uno scomparto illeggibile; a oriente la Nascita di Erittonio e la Nascita di Venere; a sud Venere e Amore condotti dai delfini e Venere ferita da Amore; a ovest Pan e Siringa e uno scomparto distrutto, probabilmente già decorato con Venere che si cava una spina, come si evince da un'incisione del Dente.Sotto ciascuno di queste scene si trovano riquadri minori a fondo nero, con puttini alati su piccoli carrelli trainati da tartarughe, chiocciole, draghi e farfalle. capacità straordinaria di ricreare l'antica decorazione si inquadra negli interessi archeologici del Sanzio e della corte pontificia di quegli anni: non a caso l'artista si era imbarcato nell'impresa di ricreare una pianta della Roma imperiale.

Prompt: How does Stufetta del cardinal Bibbiena explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna di Bagnacavallo

Prompt: How does Bagnacavallo Madonna explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Secondo l'escatologia ebraica esso sarà preceduto dall'avvento del Messia .Per l'Islam, invece, sarà proprio Gesù a tornare. L'equivalente del giudizio universale nell'escatologia islamica è il Giorno del giudizio  o qiyama .

Prompt: In The Last Judgment (Michelangelo), how is the Jewish Islamic eschatology of the Other religions explained?Please output in Italian.


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Madonna Sciarra

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: In Sciarra Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione (El Greco Illescas)

ÁLVAREZ LOPERA, José, El Greco, Madrid, Arlanza, 2005, Biblioteca «Descubrir el Arte», . ISBN 84-9550-344-1  SCHOLZ-HÄNSEL, Michael, El Greco, Colonia, Taschen, 2003. ISBN 978-3-8228-3173-1.

Prompt: In Annunciation (El Greco, Illescas), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Statua di Stalin (Berlino Est)

Il monumento di Stalin nell'aprile del 1953 inserito nel contesto urbano della Stalinalleealt=sinistra Stalinallee, inizialmente chiamata Große Frankfurter Straße, fu gravemente danneggiata durante la seconda guerra mondiale e rinominata il giorno del compleanno di Stalin, ovvero il 21 dicembre 1949, in onore al leader sovietico. Il nuovo viale rappresentò un'affermazione politica all'interno dello sforzo di ricostruzione postbellico iniziato nel 1951 ed era costituito da un imponente strada con negozi, intrattenimenti, ristoranti e nuovi blocchi di appartamenti monumentali. Questi ultimi dovevano essere costruiti da e per i lavoratori e contenevano dei lussi sconosciuti nelle precedenti abitazioni operaie negli edifici distrutti durante la guerra. statua di bronzo, alta 4,80 metri, mostrava il leader sovietico in una tipica posa militare con una uniforme e delle medaglie e nella mano destra un rotolo di pergamena. Il piedistallo di 3 m, leggermente conico, descritto spesso come di marmo, calcestruzzo o arenaria, fu posizionato su una piattaforma in muratura.  collocazione temporanea tra la Andreasstraße e la Koppenstraße era lungo la via che iniziava da un palasport costruito nel 1951 per il Festival mondiale della gioventù e degli studenti, demolito successivamente nel 1972.L'autore sovietico della statua è oggetto di dibattiti tra gli esperti. Secondo una fonte, l'opera era stata realizzata nella bottega dello scultore Grigorij Postnikov . Altre fonti citano Nikolaj Tomskij e Sergej Merkurov, quest'ultimo noto per una simile statua eretta nel 1937 a Mosca. Una fonte russa vede Tomskij come l'autore originale.Contrariamente all'intenzione originale di spostare la statua in Strausberger Platz sulla Stalinallee non appena il luogo chiave fosse stato pronto per l'abbellimento verso la fine degli anni cinquanta, la statua fu lasciata nella sua collocazione originale.

Prompt: How does Statue of Joseph Stalin, Berlin explain its Position and description?Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Poussin) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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cappella Niccolina

Gli affreschi della cappella Niccolina sono caratterizzati da figure solide, gesti pacati e solenni, e un tono generale più aulico dell'abituale sinteticità meditativa dell'artista. Essi sono profondamente diversi da quelli del convento di San Marco a Firenze , per via della ricchezza di dettagli, di citazioni colte e di motivi più vari ispirati a principi di ricchezza, complessità compositiva e varietà. C’è sia una volontà di descrivere l’ambiente che la capacità di fermare l’immagine, quasi in maniera astratta. È un linguaggio posato, chiaro e maestoso con una componente che risente del rimescolamento culturale avvenuto per il Giubileo del 1450 e dunque della presenza a Roma di artisti fiamminghi. Un esempio può essere Jean Fouquet da Tours che realizzò il “Dittico di Etienne Chevalier” proprio negli stessi anni, impressionando molto la cultura del tempo, Piero della Francesco sulle sue opere lasciate a Roma costruì il suo universo artistico.  Come è stato acutamente fatto notare da studiosi come Pope-Hennessy, le differenze non sono però da imputare a uno sviluppo nello stile dell'autore, quanto piuttosto alla diversa destinazione della decorazione: in San Marco gli affreschi dovevano accompagnare ed aiutare la meditazione dei frati, mentre in Vaticano essi dovevano celebrare la potenza e la vastità degli orizzonti intellettuali del papato, nell'impresa di rinnovare i fasti dell'antica Roma dopo il disastroso abbandono della città durante la cattività avignonese. Lo stile della cappella Niccolina sembra dopotutto preannunciarsi nelle vivaci narrazioni della predella della Pala di San Marco  o in altre opere anteriori, magari predelle o opere minori, dove l'artista aveva potuto dare un più libero sfogo al proprio estro creativo.

Prompt: Focus on Niccoline Chapel and explain the Style.Please output in Italian.


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Tuttomondo

Omar Calabrese, Roberta Cecchi, Piergiorgio Castellani, Keith Haring a Pisa. Cronaca di un murale, Edizioni ETS, Pisa, 2003 2012; Gregorio Rossi con l'introduzione di Andrea Benetti, Keith Haring ...disegnare sulla neve, Edizioni Carlo Cambi, Siena, 2011.

Prompt: In Tuttomondo, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

2011
2012
Gregorio Rossi
Keith Haring
Omar Calabrese
Pisa
Siena


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Visitazione di Carmignano

In una scura via cittadina, dove si riconoscono alcuni scarni edifici non in scala con la rappresentazione in primo piano , è ambientata la Visitazione di Maria a sant'Elisabetta, con le due donne che si scambiano un abbraccio e un intensissimo sguardo alla presenza di due spettatrici dietro di esse. Una di queste è un’anziana che guarda diretta negli occhi dello spettatore, come fa anche la seconda, più giovane e a sinistra, ma con uno sguardo più vacuo. Le donne formano quindi i quattro pilastri di una sorta di parallelepipedo, illuminate con forza  e ammantate di vesti dai colori estremamente intensi e corposi: verdi petrolio, rosa e arancione. Originalissimo è l'intreccio di membra e di stoffe, lungo linee arcuate di grande eleganza, e amplificate nei volumi.

Prompt: In Carmignano Visitation, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Il bar delle Folies-Bergère

verticale=1.3 vera protagonista del quadro è la cameriera che si erge al di là del bancone. Sappiamo che il suo nome è Suzon, e che prestava servizio alle Folies-Bergère intorno al 1880, proprio quando Manet eseguì l'opera. Suzon ha i propri capelli biondicci pettinati à la chien, il suo volto è ovale e lievemente arrossato ed è vestita molto elegantemente, con una mise tipicamente femminile.  donna, infatti, indossa due piccoli orecchini un raffinato abito nero dotato di un'ampia scollatura, incorniciata da merletti nivei lavorati a uncinetto e da un malizioso bouquet di fiori. Al collo ha un appariscente collarino con nastro e cammeo, di fine fattura, e all'avambraccio destro sfoggia un braccialetto dorato. Il suo completo di lavoro è così ricercato che Suzon si potrebbe quasi scambiare per una dama del bel mondo parigino, se non fosse per la sgraziataggine con cui si appoggia al balcone: in questo modo comprendiamo che «c'è, quindi, una familiarità tra quelle mani e quel marmo» e che, terminato questo fugace momento di inattività, con tutta probabilità «si muoveranno da lì a poco per prendere una di quelle bottiglie e versare» il contenuto in un bicchiere. L'immagine frontale di Suzon, che nella sua monumentalità appare come una «maestà laica e contemporanea» , si risolve poi in una massa fortemente centralizzata e piramidale che indirizza lo sguardo dello spettatore verso il suo volto. Con il suo sguardo Suzon sembra quasi voler dialogare e intessere una relazione con chi sta osservando la scena, ed è in questo modo che le Folies-Bergère, luogo mondano e chiassoso, diventano irrimediabilmente un luogo agitato dalla solitudine e dal silenzio. Citando nuovamente l'analisi di RaiArte, «non sapremo mai se, un secondo dopo questo ovattato fermo immagine, Suzanne piangerà, né sapremo mai cosa sarà stato, poi, di lei, né il nome delle tante donne che prenderanno il suo posto nel tempo».

Prompt: In the context of A Bar at the Folies-Bergère, explain the Protagonist, Suzon and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: Explain the Russia about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero