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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Shiloh and the Strategy.Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Spasimo di Sicilia

tavola fu commissionata dal monastero olivetano di Santa Maria dello Spasimo  di Palermo. Dipinta a Roma entro il 1517  venne inviata per mare, ma la nave subì un viaggio avventuroso, riportato dal Vasari e da Vincenzo Borghini, finendo per naufragare. Le onde portarono la tavola verso le coste nei dintorni di Genova, dove fu "ripescata e tirata in terra, fu veduta essere cosa divina e per questo messa in custodia, essendosi mantenuta illesa e senza macchia o difetto alcuno, percioché sino alla furia de' venti e l'onde del mare ebbono rispetto alla bellezza di tale opera". Mentre la fama del ripescaggio miracoloso si spandeva, i siciliani dovettero ricorrere al favore del papa per riaverla: di nuovo imbarcata arrivò finalmente a destinazione a Palermo.Le condizioni della pala, anche a causa del cambio di supporto, non sono buone, per cui è stata rimossa per il restauro fino alla sua nuova presentazione alla mostra El último Rafael nel 2012.

Prompt: Focus on Christ Falling on the Way to Calvary and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Focus on Self-portrait (Giorgione) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

left raffigurazione della Madonna di Holbein è mancante della classica aureola, sostituita invece da una pesante corona.  rappresentazione di una corona su Maria rappresenta simbolicamente la Chiesa. Tuttavia, la presenza di una corona a placche o pannelli, non si trova in nessun'altra rappresentazione di Maria. Lo storico dell'arte Nikolaus Meier ha sottolineato che la corona della Madonna di Holbein riflette importanti caratteristiche della corona del Sacro Romano Impero.  corona mariana è adornata di perle e porta al centro una grande gemma rossa. Il gioiello di perle riprende la simbolica dichiarazione del ruolo di Maria come "conchiglia" della perla del Salvatore. I dodici pannelli della corona raffigurano dodici re, un riferimento alle dodici tribù di Israele e, nella forma, alle mura e alle porte della Gerusalemme celeste. L'accostamento nella forma e nello stile alla corona imperiale, non solo rappresenta la sacralità della Chiesa come potere superiore anche all'impero, ma anche e soprattutto una dichiarazione dell'atteggiamento politico di fedeltà all'impero manifestata da Jakob Meyer.

Prompt: Explain the Thecrown about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Describe the characteristics of the Composers in Music (Matisse)'s The relationship with singing.Please output in Italian.


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Natività mistica

Il soggetto della tela è la natività di Cristo, interpretata come un'adorazione del Bambino da parte di Maria con Giuseppe, dei pastori e dei Magi tra cori angelici. Al centro si trova la grotta della natività, forata sul dietro per lasciar intravedere il bosco e coperta da una tettoia di paglia retta da tronchi, con il Bambino al centro su un giaciglio coperto da un telo bianco, la giganteggiante Vergine a destra e l'adorante e meditante Giuseppe a sinistra; dietro si vedono il bue e l'asinello, simboli tradizionali di ebrei e pagani che assistettero all'evento senza prendervi parte.

Prompt: Explain the TheCaveofSandRobots about the Description of this artwork, The Mystical Nativity.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

L'immagine della lupa nel Medioevo fu adottata dal Comune di Siena, che la ripropose come Lupa senese in diverse piazze e monumenti. Siena infatti, secondo il mito, era stata fondata da Senus, figlio di Remo e quindi ambiva ad essere una seconda Roma.L'immagine era una delle preferite di Benito Mussolini, che voleva accreditarsi come il fondatore della "Nuova Roma". Per favorire la benevolenza statunitense, inviò diverse copie della Lupa capitolina a città americane. Nel 1929 ne inviò una copia alla convenzione nazionale della società "Sons of Italy" a Cincinnati . Nel 1931 fu cambiata con una di maggiori dimensioni che si trova ancora all'Eden Park di Cincinnati. Un'altra replica fu inviata alla città di Rome in Georgia nello stesso anno. Una terza copia fu inviata a New York. lupa capitolina fu usata sia come emblema che nei manifesti della Olimpiade romana del 1960.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the Propagandistic use Middle Ages Siena 20th century and the Description.Please output in Italian.

1929
1931
1960
Benito Mussolini
Cincinnati
Eden Park
Lupa senese
New York
Roma
Siena


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Madonna del Latte

Però è nel primo Trecento che la rappresentazione iconografica della "Madonna del latte" perde le proprie caratteristiche stilizzate a favore di una rappresentazione più realistica. Da alcuni critici l'opera di Ambrogio Lorenzetti è considerate ai vertici di questo periodo. L'umanizzazione della Madonna e del Bambino incontrò il favore dei fedeli e la sacralizzazione dell'atto di allattare un bambino convinse le donne a identificarsi maggiormente coinvolgendole anche emotivamente. Il culto della Madonna del tte si diffuse in tutta Europa e soprattutto nelle campagne dove i contadini le attribuirono una forte valenza simbolico-taumaturgica attribuendole anche svariati miracoli. Per circa due secoli numerosi furono gli artisti famosi che si cimentarono nella sacra rappresentazione, sono esempi le seguenti opere:  Sconosciuto, Madonna del tte Frei Carlos, Madonna del tte Leonardo da Vinci, Madonna Litta Jean Fouquet, Dittico di Melun Robert Campin, Madonna del parafuoco Jan van Eyck, Madonna di Lucca Gerolamo Giovenone, Trittico Raspa Andrea Pisano e Nino Pisano, Madonna del tte Correggio, Madonna del tte e un angelo Jaume Serra, Madonna di Tobet Civico di Rieti, Madonna del tteIn altri casi la Vergine è rappresentata assieme a personaggi della religione cristiana differenti da Gesù Bambino, come santi o alti prelati.In queste composizioni il latte fuoriesce dal seno della Madonna nella forma di un unico getto o di singole gocce riversandosi direttamente nella bocca del personaggio.Ne sono esempio: Pedro Machuco, Vergine e le anime del Purgatorio, 1517, Museo del Prado Alonzo Cano, Visione di san Bernardo, 1650, Museo del PradoPresso il Santuario della Madonna del Sangue in quel di Re, comune della provincia del Verbano-Cusio-Ossola, è conservato un dipinto della Madonna del latte, che fu oggetto di un evento miracoloso nel 1494: un piccolo affresco della Madonna del tte, colpito da una pietra, iniziò a sanguinare.

Prompt: Describe the characteristics of the All the search for realistic representations in Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio)'s Meaning of iconography.Please output in Italian.

1494
1517
1650
Ambrogio Lorenzetti
Andrea Pisano
Dittico di Melun
Frei Carlos
Gerolamo Giovenone
Jan van Eyck
Jaume Serra
Jean Fouquet
Leonardo da Vinci
Madonna Litta
Madonna di Lucca
Madonna di Tobet
Museo del Prado
Nino Pisano
Pedro Machuco
Robert Campin
Santuario della Madonna del Sangue
Trittico Raspa


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Ruby, Gold and Malachite

Con "Oro, rubino e malachite" ci si riferisce ai toni rossi, gialli e verdi utilizzati nel lavoro; ma è anche eco di un saggio di John Addington Symonds e può far inoltre riferimento ai versi d'apertura della poesia di Algernon Swinburne intitolata "The Sundew" : "A little marsh-plant, yellow-green, / And pricked at lip with tender red". Viene qui descritto un appuntamento amoroso all'interno d'una palude, fatto che è testimoniato da una solitaria drosera; la stessa poesia era stata l'ispirazione anche per un'altra delle opere marine di Tuke, August Blue  del 1894, il cui titolo è una citazione presa dai versi di chiusura.

Prompt: Explain the Title about the Description and style of this artwork, Ruby, Gold and Malachite.Please output in Italian.

Algernon Swinburne
August Blue
John Addington Symonds


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

scena è ambientata nella camera che, con la presenza del letto nuziale e lo scranno sullo sfondo, è il luogo dell'unione matrimoniale.Il letto ha relazione soprattutto con la regalità e la nobiltà, con la continuità del lignaggio e del cognome. Rappresenta il posto dove si nasce e si muore. I tessuti rossi simboleggiano la passione oltre a creare un forte contrasto cromatico col verde del vestiario della donna. In ogni caso, era abitudine dell'epoca, nelle case della Borgogna, collocare un letto nel salone dove si ricevevano le visite. Benché, generalmente, si usasse per sedersi, occasionalmente, era anche il posto dove le madri, appena partorito, ricevevano con il loro neonato le congratulazioni di familiari ed amici.Nella testiera del letto si vede intagliata una donna, con ai piedi un dragone. È probabile che sia santa Margherita, patrona delle partorienti, il cui attributo è il drago; ma per la spazzola che è al suo fianco, sullo schienale del letto, potrebbe essere Santa Marta, patrona della casa con la quale condivide l'identico attributo.

Prompt: Explain the Thecamera about the Details symbolism of this artwork, Arnolfini Portrait.Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il soprannome del monumento "un litro in quattro" , diffuso alla fine dell'Ottocento, era dovuto alla rassomiglianza tra le cinque statue del monumento a una bottiglia di vino con quattro bicchieri intorno. Diverse fonti dell'epoca attribuiscono allo scapigliato Giuseppe Rovani la creazione di tale soprannome..</ref>}}

Prompt: In the context of Monument to Leonardo da Vinci, explain the One liter in four and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Group self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Arringatore

Sulla toga della statua si legge la seguente iscrizione in caratteri etruschi del II sec. a.C.:"auleśi meteliś ve vesial clenśi cen flereś tece sanśl terine tuθineś χisvlicś".Romolo Augusto Staccioli riporta la traduzione delle prime sette parole ed è incerto sull'ottava:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi questa statua pose ……… ".Piero Bernardini Marzolla, basandosi su presunte corrispondenze col sanscrito, ha integrato la traduzione comunemente accettata, come segue:"Ad Aulo Metello figlio di Vel e di Vesi, l'assemblea eresse questa statua, grazie al versamento di pubblico contributo".

Prompt: Focus on The Orator and explain the Registration.Please output in Italian.

Piero Bernardini Marzolla
Romolo Augusto Staccioli


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Polittico Quaratesi

I cinque scomparti della predella, conservati nella Pinacoteca Vaticana e alla National Gallery of Art, mostrano le storie di san Nicola di Bari.  predella risultava separata dal polittico già alla fine del XVIII secolo, quando confluirono verso Roma, mentre il quinto venne messo più tardi all'asta, finendo a Pistoia  e poi venendo immesso sul mercato antiquario nel 1928, finendo nella collezione Kress e da qui a Washington. Quasi tutti gli scomparti della predella sono ridipinti in alto per nascondere la forma originale, dove in alto c'era una teoria di archetti. prima storia è quella della Nascita, ambientata in un delizioso ambiente domestico, con uno scorcio di due stanze inesatto, che dà all'insieme un'aria irreale e fiabesca, ma anche intimamente familiare. Molti sono i dettagli di minuta osservazione, come l'arredamento della stanza dove dorme la puerpera, lo sgabello con le fasce messe ad asciugare davanti al camino, il catino col santo bambino, la sorpresa delle levatrici che lo vedono alzarsi e pregare. scena successiva mostra la benevolenza di Nicola che donò tre palle d'oro a tre ragazze povere per permettere loro di maritarsi. Anche qui viene mostrato un interno familiare, dove le tre ragazze sono intente ad attività domestiche . L'effetto notturno è dato dai dettagli più che dalla luce, come lo scuretto della finestra già chiuso. Il santo si trova all'esterno, arrampicato alla finestra, mentre ha già lanciato due palle e sta per tirare la terza, reggendosi alla grata.  scena centrale doveva essere quella del miracolo di San Nicola che salva una nave dalla tempesta, che è l'unica ad aver mantenuto la forma originale con le tracce degli archetti .  leggenda a cui si riferisce è quella di una nave colta da una tempesta in mezzo al mare, che viene salvata dall'apparizione provvidenziale del santo. Lo stesso soggetto era stato dipinto da Gentile in larga scala nel palazzo Ducale di Venezia, che tanto aveva impressionato Bartolomeo Facio per la sua terribilità. In questa piccola scena in realtà gli unici dettagli sull'atmosfera sono le vele strappate dal vento, per il resto sia il mare che il cielo appaiono calmi. Più concitati sono gli uomini sulla nave, che sono presi dall'agitazione e cercano di alleggerire la nave scaricando la stiva in mare o pregando il santo. Anche in questo caso grande è l'attenzione ai dettagli reali, dalle funi alle scalette, dall'ancora alla scialuppa, fino al ballatoio sull'albero maestro con la sua bandierina. Inoltre il pittore vi inserì elementi fantastici di pura poesia, come la sirena, la stella marina o l'ombra di alcuni pesci.  quarta scena è San Nicola che salva tre giovani messi in salamoia. Secondo la leggenda tre ragazzi si fermarono in una locanda di un oste malvagio, che li derubò, li uccise e li fece a pezzi nascondendoli in botti nella salamoia. Il vescovo li riportò allora in vita. Anche qui la scena è ambientata in una stanza, una dispensa dove si vedono vari oggetti stoccati . Dietro il santo si trovano l'albergatore e sua moglie pentiti, mentre all'estremità destra si scorge un avventore che sta ignaro al tavolo a bere, tagliato a metà in maniera apparentemente casuale da un pezzo di edificio. Gentile inoltre aggiunse alcuni dettagli aneddotici ed enigmatici, che rendessero l'osservazione dello spettatore più gustosa, in questo caso l'insegna con la luna dorata e i geroglifici appesi alla parete.L'ultimo pannello è il Miracolo dei pellegrini alla tomba di san Nicola, cioè il prodigio per il quale chi si reca alla tomba del santo trova guarigione.  scena è ambientata all'interno di una basilica al centro della cui navata mediana si trova il sarcofago rialzato verso il quale convergono le persone che lo toccano. Molti sono i malati e si vede anche un'ossessa sorretta da una donna; in primo piano invece si vede un uomo guarito, che se ne va con le proprie gambe tenendo ormai le stampelle sulla spalla. L'ambientazione della scena è minuziosamente descritta: della chiesa si vedono i mosaici del catino absidale , la fascia sottostante con cinque storie di san Nicola , le decorazioni delle navate laterali . Lo spazio è reso efficacemente dalla successione delle colonne in profondità, con lo scorcio delle volte e delle lunette con le finestre circolari. I punti più lontani sono più bui e ombrosi e vi si distinguono appena le sagome, come quella di un monaco che avanza.

Prompt: In Quaratesi Polyptych, how is the Predella discussed?Please output in Italian.

1928
Bartolomeo Facio
National Gallery of Art
Pistoia
Venezia
Washington


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Caino e Abele

Nella Bibbia ebraica Caino e Abele  sono due figli di Adamo ed Eva.

Prompt: How does Cain and Abel (Tintoretto) explain its Abstract?Please output in Italian.


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La Schiavona

Schiavona è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In La Schiavona, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto della contessina Antonietta Negroni Prati Morosini bambina è un dipinto di Francesco Hayez del 1858 conservato a Milano presso la Galleria d'arte moderna di Villa Reale Belgioioso. Il dipinto, commissionato al pittore veneziano da Alessandro Negroni Prati Morosini , è entrato a far parte delle collezioni civiche milanesi nel 1935 grazie alla sua donazione da parte di Anna Cristina del Mayno Casati.

Prompt: Focus on Portrait of Countess Antonietta Negroni Prati Morosini as a Child and explain the Abstract.Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Contemporary political perspective.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Sacrificio di Isacco

Secondo l'esegesi ebraica, Isacco aveva 37 anni al momento del sacrificio. Con questo espediente i midrashim spiegano che:# Isacco, quando capì che stava venendo sacrificato, pensò a quanto avrebbe giovato e non reagì.# Isacco, pur essendo forte e vigoroso preferì non reagire al padre per rispetto.Secondo i midrashim quando gli Angeli fermarono Abramo, Isacco aveva già un taglio sulla gola. Isacco fu portato a Gan Eden per guarire ma dovette aspettare molto per la completa guarigione.Alcuni esegeti affermano che la vita di Isacco fu “silenziosa” a causa del trauma per il sacrificio, ma altri hanno cercato altre ragioni tra le più varie.

Prompt: Explain the Esegesiebraica of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.


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Il quarto stato

Pellizza incominciò a lavorare a un bozzetto degli Ambasciatori della fame nel 1891, dopo aver assistito a una manifestazione di protesta di un gruppo di operai. L'artista rimase molto impressionato dalla scena, tanto che annotò nel suo diario:L'abbozzo venne completato nell'aprile del 1894. Il soggetto è una rivolta operaia nella piazza Malaspina a Volpedo, in provincia di Alessandria, con tre soggetti posti davanti alla folla in protesta: la scena è vista dall'alto, e le figure sono distribuite su linee ortogonali. Nonostante la composizione ancora «embrionale» dell'opera, com'ebbe ad affermare lo stesso artista più tardi, Ambasciatori della fame si imposta già come caposaldo per le successive redazioni dell'opera, che pure presenteranno come peculiarità il terzetto posto dinanzi alla massa di gente sullo sfondo e lo stacco d'ombra in primo piano. e, in effetti, di versioni degli Ambasciatori della fame ve ne furono altre due, una datata 1892 e l'altra del 1895. Lo schizzo del 1892 è molto simile a quelli precedenti: viene tuttavia aggiunto un gruppo di donne, figure antitetiche rispetto ai lavoratori uomini, che in questo modo vengono sia motivati sia sedati dalla presenza femminile. Ultima tappa del percorso verso la Fiumana è la versione degli Ambasciatori del 1895, realizzata dopo tre anni di quiescenza su carta marroncino, sotto forma di disegno carboncino e gesso. Scrisse Pellizza:Nel succitato passo l'artista sottolinea la sua volontà di eseguire un quadro generalizzante: a esser rappresentati non sono solo i contadini di Volpedo, bensì un'intera parte della società che ha «sofferto assai» e che intende rivendicare i propri diritti mediante una lotta «serena, calma e ragionata».

Prompt: In the context of The Fourth Estate (painting), explain the Ambassadors of Hunger and the Description.Please output in Italian.


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Cavaliere ridente

Il cavaliere anonimo, ritratto nel tipico abbigliamento di ventura seicentesco, viene raffigurato di tre quarti e con la mano sinistra poggiata sul fianco, con lo sguardo rivolto direttamente verso l'osservatore. Sono particolarmente degni di nota gli intarsi, gli elementi decorativi e floreali e i ghirigori del vestito stesso, messi ulteriormente in risalto dallo sfondo grigio e inerte.Dettaglio della manicaIl nome è stato coniato ai tempi dell'esposizione negli anni '70-'80 dell'Ottocento presso un padiglione del Victoria and Albert Museum di Londra: di fatto il soggetto ritratto non sta ridendo, ma sembra avere più un'espressione neutrale, per cui il pubblico potrebbe essere inizialmente tratto in inganno dai lunghi baffi rivolti all'insù e dal pizzetto. Tale esposizione rese il dipinto uno dei più celebri nel Regno Unito dell'arte barocca del centro-nord Europa.Il dipinto è custodito da oltre un secolo a Londra, nella Wallace Collection.

Prompt: In Laughing Cavalier, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Londra
Victoria and Albert Museum
Wallace Collection


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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La Mousmé seduta

Nel 1888 van Gogh si era trasferito ad Arles, nel Meridione francese, alla ricerca di una realtà cromaticamente più ricca, coerente con la sua ardente passione per il Giappone e la sua arte: «Non ho più bisogno di stampe giapponesi» scrisse Vincent alla sorella, una volta giunto in Provenza «infatti mi dico sempre che qui sono in Giappone. Che mi basta aprire gli occhi e dipingere quello che ho davanti e che dà delle impressioni». Sotto il cielo del Sud van Gogh, preso da un vigorosissimo slancio, dipinse circa cento disegni e più di duecento quadri: di particolare interesse è proprio  Mousmè seduta, olio su tela eseguito nel luglio del 1888. Ce ne parla lo stesso Vincent in una lettera del 29 luglio 1888 indirizzata al fratello Théo:</ref>}}Lo spunto realizzativo di quest'opera, dunque, è prettamente letterario e proviene dal racconto Madame Chrysanthème di Pierre Loti, particolarmente apprezzato da Vincent per le sue suggestive, anche se spesso imprecise, descrizioni del Giappone.  mousmè qui è ripresa di tre quarti e veste una giubba a righe verticali blu e rosse, oltre che una vaporosa gonna a pois. In mano regge un ramo di oleandro, arbusto associato da Vincent all'amore, alla regione del Midi e, con tutta probabilità, anche alla verginità della ragazza, coerente con l'innocente semplicità della vita giapponese.  ricchezza cromatica degli abiti della mousmè viene controbilanciata dallo sfondo, monumentale e monocromo, tinto di un verde pallido: l'effetto che ne deriva è quello di un'esaltata luminosità, resa particolarmente vibrante da Vincent grazie a un opportuno dosaggio dei colori complementari . Significativa anche la presenza del rosa dell'incarnato, visibile sul volto della mousmè e nelle sue mani affusolate, e il marrone ligneo della sedia, che con le sue forme curvilinee amplia la spazialità del dipinto, chiudendo uno spazio a destra che sarebbe altrimenti rimasto vuoto.

Prompt: Explain the Description of this artwork, La Mousmé.Please output in Italian.


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Mezzana

Situato in Val di Sole lungo le sponde del torrente Noce, deve il suo nome alla posizione centrale che occupa nella valle. Giace adagiato sul versante Sud di questa opposto al centro sciistico di Marilleva nato alla fine degli anni '60 del secolo scorso. Nel suo territorio si trovano i laghi del Malghetto.Lo sviluppo di questo centro di sport invernali ha influito in modo significativo sull'economia della zona determinando notevoli cambiamenti socio economici e agendo anche sull'aspetto del paese.

Prompt: Explain the Territory about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Procuress (Vermeer).Please output in Italian.


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Epifania

Migliaia di cristiani giordani, turisti e pellegrini affollano ogni anno a gennaio il sito di Al-Maghtas, sulla riva orientale del fiume Giordano, per celebrare l'Epifania, dove si tengono grandi messe e celebrazioni. "Al-Maghtas", che significa "battesimo" o "immersione" in arabo, è un sito archeologico del patrimonio mondiale in Giordania, ufficialmente noto come "Sito del battesimo "Betania oltre il Giordano" ". È considerato il luogo originario del Battesimo di Gesù e del ministero di Giovanni Battista ed è stato venerato come tale almeno dal periodo bizantino.: Queste cose avvennero in Betania al di là del Giordano, dove Giovanni stava battezzando.Il sito è stato poi oggetto di diversi scavi archeologici, quattro visite papali e visite di stato e attrae turisti e attività di pellegrinaggio. Circa 81.000 persone hanno visitato il sito nel 2016, per lo più turisti europei, americani e arabi.

Prompt: Describe the characteristics of the Jordan in Epifania's Theology.Please output in Italian.

Al-Maghtas
Battesimo di Gesù
Betania
Gesù
Gesù
Giovanni Battista
Giovanni Battista


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I mucchi di fieno

prima volta, in cui Monet erigerà i covoni di grano come soggetto principale di una serie di cinque dipinti nella stagione 1888-1889. I primi tre  presentano, in un campo mietuto, due covoni allineati fianco a fianco, quello di destra molto più alto rispetto a quello di sinistra, mentre sullo sfondo si notano alcune case di Giverny. Per gli altri due , Monet si girò verso sinistra, e scelse di rappresentare solo un covone, mentre sullo sfondo spiccano i pioppi. Tuttavia, il maltempo e problemi di salute lo costrinsero a fermarsi.

Prompt: Describe the characteristics of the First match of the series of Covoni in the season 1888-1889 in Haystacks (Monet series)'s ThemotifofthecowsinGivernyintheworkofClaudeMonet.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Magi (Botticelli, 1475), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Leone che attacca un dromedario

Il gruppo nel 2018, dopo il restauro.Leone che attacca un dromedario  è un diorama orientalista del tassidermista francese Édouard Verreaux, facente parte della collezione del museo di storia naturale Carnegie. Il soggetto è una scena fittizia che ritrae un uomo su un dromedario che prova a difendersi dall'attacco di un leone berbero.Il diorarama venne creato per l'esposizione universale di Parigi del 1867 e in seguito venne esposto al museo americano di storia naturale, all'esposizione centennale di Filadelfia e al museo Carnegie: il diorama venne acquistato da quest'ultimo nel 1898 e da quel momento fa parte delle sue collezioni. Nel 2016, durante un restauro, è stato scoperto un cranio umano all'interno dell'opera. Nel 2020, il diorama venne rimosso temporaneamente in risposta alle proteste del movimento Black Lives Matter, per poi essere reinstallato alla fine dell'anno.Dagli anni Novanta del diciannovesimo secolo, il Leone che attacca un Dromedario venne criticato per il suo sensazionalismo e la mancanza di accuratezza.  figura maschile, definita un arabo dal Verreaux, è un'unione immaginaria di cinque culture nordafricane. Nonostante le critiche, il diorama è considerato il capolavoro di Verreaux.

Prompt: In Lion Attacking a Dromedary, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

Il dramma della dannazione raggiunge poi il suo apice nella tavola seguente, lInferno, dove la rappresentazione è ancora ridotta all’essenziale, con poche figure in primo piano torturate dai demoni sullo sfondo di un antro oscuro, rischiarato solo dai fumi e dalle fiamme dell’incendio perpetuo, che rifulge dietro una minacciosa rupe aguzza.  composizione è organizzata secondo un modulo "a piani rialzati zigzaganti" il cui asse mediano coincide con il livello del fiume o lago infernale.  riva destra  è dominata da un albero secco leggermente piegato verso l'acqua e su cui poggia un grosso uccello. Dirimpetto, la riva sinistra è dominata da un promontorio da cui si erge un'alta rupe, sormontata da un cratere in fiamme e che essendo posta in controluce maschera una fonte sfavillante di luce giallo-verde che irradia tutta la parte mediana del paesaggio. Sul promontorio sosta un altro uccello, mentre un diavolo, visto da tergo, sale a riva precedendone un altro che pare urlare nella corrente che intanto trascina con sé un dannato, mani e testa a fior d’acqua, forse inseguito dal diavolo. Tra le due rive, a metà dello stretto, affiora il braccio destro di un dannato che affonda. In primo piano sulla riva destra si nota una figura maschile, ignuda, che si tiene il capo in atto di totale scoramento mentre un mostro diabolico di color verde la tiene per il braccio avvinghiandosi nel contempo con la coda alla gamba sinistra del dannato. Più in là, un altro diavolo colpisce con un lungo pugnale un dannato. In secondo piano due dannati piangenti, rimangono rannicchiati in acqua al riparo della corrente.

Prompt: Describe the characteristics of the Hell in Ascent of the Blessed's History.Please output in Italian.


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Nostra Signora della Porta dell'Aurora

Oggi questa immagine sacra è venerata dai fedeli cattolici e ortodossi di molti paesi le cui origini risiedono nell'antica Confederazione polacco-lituana, che comprende Lituania, Polonia, Bielorussia, Ucraina e le loro diaspore in tutto il mondo. Ci sono 15 chiese nella stessa Lituania, come pure delle parrocchie lituane a Montréal e Buenos Aires, dedicate alla Beata Vergine Maria della Porta dell'Aurora. Il 26 febbraio 2007, la Parrocchia di Nostra Signora di Vilnius  fu chiusa dall'Arcidiocesi di New York. Il santuario aveva esposto un'icona di Nostra Signora, dipinta dall'artista Tadas Sviderskis negli anni 1980.In Polonia la più grande chiesa dedicata a Nostra Signora è la Basilica Mariana a Danzica. Altri santuari dell'icona sacra si trovano in Polonia , nel Regno Unito , negli Stati Uniti ) e in Australia. Copie del dipinto si possono trovare anche nella Chiesa di Saint-Séverin a Parigi e nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

Prompt: In Our Lady of the Gate of Dawn, how is the Sanctuary other locations of the History explained?Please output in Italian.

Arcidiocesi di New York
Australia
Basilica di San Pietro in Vaticano
Bielorussia
Buenos Aires
Chiesa di Saint-Séverin
Confederazione polacco-lituana
Danzica
Lituania
Montréal
Parigi
Polonia
Porta dell'Aurora
Regno Unito
Tadas Sviderskis
Ucraina
Vilnius


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: In Triptych of the Temptation of St. Anthony, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Esistono numerose congregazioni intitolate alla Sacra Famiglia:  le Ancelle della Sacra Famiglia, fondate nel 1933 a Cagliari; le Apostole della Sacra Famiglia, fondate a Messina nel 1890; la Congregazione della Sacra Famiglia di Bergamo, fondata nel 1856 a Martinengo  da Paola Elisabetta Cerioli per la cura e la formazione professionale degli orfani; la Congregazione della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate da Giovanni Battista Piamarta a Brescia nel 1900; i Figli della Sacra Famiglia, fondati nel 1864 a Barcellona da Josep Manyanet y Vives per l'educazione della gioventù; i Fratelli della Sacra Famiglia di Belley, fondati nel 1835 a Belley  da Gabriel Taborin per l'istruzione della gioventù; i Missionari della Sacra Famiglia, fondati nel 1895 a Grave da Jean-Baptiste Berthier.Tra le femminili: la congregazione delle Suore Collegine della Sacra Famiglia, derivata da una comunità fondata da Pier Marcellino Corradini nel 1717. le Francescane della Sacra Famiglia, fondate a Eupen nel 1857 da Josephine Koch; le Missionarie Figlie della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate a Barcellona nel 1884 da Josep Manyanet y Vives; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1892 a Castelletto di Brenzone  da Giuseppe Nascimbeni per l'istruzione della gioventù e l'assistenza agli infermi; le Piccole Suore della Sacra Famiglia, fondate nel 1880 in Canada da Camille Lefebvre e Marie-Léonie Paradis; le Pie Figlie della Sacra Famiglia, di Mese; le Religiose della Sacra Famiglia, di Helmet, fondate nelle Fiandre nel 1856; le Sorelle Terziarie Cappuccine della Sacra Famiglia, fondate da Luis Amigó Ferrer nel 1878; le Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin; le Suore della Sacra Famiglia di Amiens, fondate nel 1817 da Marie-Joseph Jacouet; le Suore della Sacra Famiglia di Bergamo, fondate a Comonte da Paola Elisabetta Cerioli; le Suore della Sacra Famiglia di Bordeaux, fondate a Bordeaux nel 1820 da Pierre-Bienvenu Noailles, dedite alla cura degli orfani e all'istruzione; le Suore della Sacra Famiglia di Manizales, fondate nel 1910 a Santa Rosa de Cabal da Jesús Antonio Molina Mejía e María de Jesús Mejía Jaramillo; le Suore della Sacra Famiglia di Mission San José, fondate nel 1872 a San Francisco; le Suore della Sacra Famiglia di Nazareth, fondate nel 1875 a Roma dalla religiosa polacca Franciszka Siedliska per l'educazione delle fanciulle e la cura dei malati; le Suore della Sacra Famiglia di Savigliano, fondate dalla beata Giuseppina Bonino; le Suore della Sacra Famiglia di Spoleto, fondate nel 1888 da Pietro Bonilli; le Suore della Sacra Famiglia di Thrissur, fondate in India da Mariam Thresia Chiramel Mankidyan; le Suore della Sacra Famiglia di Villefranche, fondate da sant'Emilia di Rodat nel 1816; le Suore Missionarie della Sacra Famiglia, fondate a Mohylew nel 1905 dalla religiosa polacca Bolesława ment; le Suore Orsoline della Sacra Famiglia, fondate nell'arcidiocesi di Siracusa nel 1908.

Prompt: Describe the characteristics of the Congregation of the Holy Family in The Holy Family (Collinson painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Cristo Redentore

L'idea di costruire una statua in cima al monte Corcovado nacque intorno al 1850, quando il prete cattolico Pedro Maria Boss chiese alla principessa Isabella dei fondi per la costruzione di un grande monumento religioso. Quest'ultima non era molto d'accordo con questa idea, che fu completamente abbandonata nel 1889 quando il Brasile divenne una repubblica e si ebbe la separazione tra Stato e Chiesa.Una seconda proposta per la costruzione della statua fu lanciata dall'arcidiocesi di Rio de Janeiro nel 1921. Si organizzò un evento chiamato Settimana del monumento per la raccolta dei fondi necessari alla sua costruzione, i quali giunsero in larghissima parte da cattolici brasiliani. Il progetto di questa costruzione doveva contenere una rappresentazione del simbolo cristiano della croce e il Cristo doveva avere nelle mani un globo ed essere situato su un basamento rappresentante il mondo. Tuttavia fu scelto il progetto del Cristo con le braccia aperte.Il monumento fu progettato dallo scultore francese Paul ndowski e come supervisore alla costruzione fu scelto l'ingegnere locale Heitor da Silva Costa. Un gruppo di tecnici studiò il progetto di ndowski e decise di sviluppare la struttura in calcestruzzo e pietra saponaria anziché in acciaio perché questo materiale è più adatto a strutture a forma di croce. Si decise, inoltre, di ricoprire lo strato esterno di un materiale al tempo stesso malleabile e resistente a condizioni climatiche estreme. Il volto della statua è opera dello scultore rumeno Gheorghe Leonida.Il monumento fu inaugurato il 12 ottobre 1931 dal presidente Getúlio Vargas in una grande e sontuosa cerimonia. Il segnale per l'illuminazione della statua arrivò dalla potente stazione radio di Coltano, frazione di Pisa, ad opera di Guglielmo Marconi.Nell'ottobre del 2009, in occasione del 78º anniversario della statua, l'arcivescovo di Rio de Janeiro Eusébio Oscar Scheid consacrò una cappella sotto la statua.

Prompt: Explain the History of this artwork, Christ the Redeemer (Mantegna).Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

Limbo Storicità della BibbiaCappella della Grotta del tte

Prompt: How does Massacre of the Innocents (Reni) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Dama con l'ermellino

L'opera è uno dei dipinti più belli di sempre di Leonardo Da Vinci, simbolo dello straordinario livello artistico raggiunto da lui durante il suo primo soggiorno milanese, tra il 1482 e il 1499. L'opera, della quale si ignorano le circostanze della commissione, viene di solito datata a poco dopo il 1488, quando Ludovico il Moro ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell'Ordine dell'Ermellino dal re di Napoli Ferdinando I di Aragona.L'identificazione con la giovane amante del Moro Cecilia Gallerani si basa sul sottile rimando che rappresenterebbe, ancora una volta, l'animale: l'ermellino infatti, oltre che simbolo di purezza e di incorruttibilità , si chiama in greco galḗ , che alluderebbe al cognome della fanciulla. scritta apocrifa nell'angolo in alto a sinistra  ha anche fatto ipotizzare che l'opera raffiguri Madame Ferron, amante di Francesco I di Francia, ipotesi oggi superata.Esiste un'interpretazione secondo cui l'opera sarebbe una memoria della congiura contro Galeazzo Maria Sforza: la donna effigiata sarebbe sua figlia Caterina Sforza, con la collana di perle nere al collo della dama che alludono al lutto, e l'ermellino un richiamo allo stemma araldico di Giovanni Andrea mpugnani, sicario e uccisore nel 1476 dello Sforza.Il dipinto, col Ritratto di musico e la cosiddetta Belle Ferronnière del Louvre, rinnovò profondamente l'ambiente artistico milanese, segnando nuovi vertici nella tradizione ritrattistica locale. Dell'opera si sa che ebbe subito un notevole successo. Immortalato da un sonetto di Bernardo Bellincioni , venne mostrata dalla stessa Cecilia alla marchesa di Mantova Isabella d'Este che cercò di farsi ritrarre a sua volta da Leonardo, pur senza successo .Le tracce del dipinto nei secoli successivi sono più confuse. Dimenticata l'attribuzione a Leonardo, l'opera venne riassegnata al maestro solo alla fine del XVIII secolo. Durante la seconda guerra mondiale venne nascosto nei sotterranei del castello del Wawel, dove fu trovato dai nazisti che avevano invaso la Polonia; quando fu ritrovato recava nell'angolo inferiore destro l'impronta di un tallone, cui pose rimedio un intervento di restauro.

Prompt: How does Lady with an Ermine explain its History?Please output in Italian.

1476
1482
1488
1499
Belle Ferronnière
Bernardo Bellincioni
Caterina Sforza
Cecilia Gallerani
Francesco I di Francia
Galeazzo Maria Sforza
Isabella d'Este
Ludovico il Moro
Polonia
Ritratto di musico
XVIII secolo


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Ritratto di Madame de Pompadour

Raffigura Madame de Pompadour, favorita del re Luigi XV di Francia.  donna è ritratta secondo il gusto raffinatissimo dell'epoca incarnando quei canoni di bellezza ed eleganza assoluti che le genti colte e facoltose cercavano spasmodicamente di raggiungere. L'abito, ricchissimo e leggero in taffetà di seta con profusione di merletti è come una nuvola spumeggiante serrato attorno al corsetto. Madame de Pompadour appare in un'aria colta e raffinata, vera prima donna della grande corte francese che col suo gusto sublime influenzò le arti  del tempo contribuendo allo sviluppo dello stile Rococò e a fare della Francia il vero faro dell'Europa del tempo.Sullo sfondo è dipinta una scultura che rappresenta l'amore e l'amicizia. Sulla panchina è seduto un cane, identificato come Inès, nei ritratti femminili la presenza di un cane  era spesso simbolo di fedeltà coniugale.

Prompt: How does Portrait of Madame de Pompadour explain its Description?Please output in Italian.

Francia
Luigi XV di Francia
Madame de Pompadour
Rococò


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Pietà di Palestrina

;Le Pietà di MichelangeloPietà Vaticana, San Pietro, Roma, Galleria dell'Accademia, FirenzePietà per Vittoria Colonna, Isabella Stewart-Gardner Museum, BostonPietà Bandini, Museo dell'Opera del Duomo, FirenzePietà Rondanini, Castello Sforzesco, Milano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Palestrina Pietà.Please output in Italian.

Boston
Castello Sforzesco
Firenze
Galleria dell'Accademia
Isabella Stewart-Gardner Museum
Milano
Pietà Bandini
Pietà Rondanini
Pietà per Vittoria Colonna
Roma
Vittoria Colonna


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Festino degli dei

Il Festino degli dei è un dipinto a olio su tela  di Giovanni Bellini, databile al 1514 e conservato nella National Gallery of Art di Washington. È firmato e datato: «», sul cartiglio appeso al tino di legno, in basso a destra. L'opera venne poi ritoccata da Dosso Dossi e da Tiziano nel paesaggio.

Prompt: In The Feast of the Gods, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1514
Dosso Dossi
Giovanni Bellini
National Gallery of Art
Washington


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Strage degli innocenti

Nel IV secolo il poeta latino Prudenzio, impegnato a "cristianizzare" la poetica classica mettendola al servizio dell'opera didattica di evangelizzazione, descrive nellHymnus Epiphaniae, la Strage degli Innocenti in toni fortemente drammatici:Nella descrizione che segue i versi si fanno truculenti, parlano dei corpicini orrendamente mutilati, mentre i piccoli sventurati vengono chiamati flores martyrum e prima Christi victima.I versi di Prudenzio sono stati sicuramente un'importante fonte di ispirazione per i tanti artisti che hanno lavorato, in ogni genere espressivo, per rappresentare la scena del massacro.Tra le miniature alto medievali che riportano la rappresentazione della Strage va menzionato almeno il Codex Egberti, risalente al X secolo, esempio prezioso di arte ottoniana.  scena in esso raffigurata da un ignoto maestro nordico richiama prepotentemente la nostra attenzione sulla moltitudine della vittime che si accatastano al suolo e sulla inconciliabilità tra le spietate ragioni del potere da un lato, impersonato da Erode a dai suoi accoliti, e le ragioni dell'amore materno, che si esprimono nei gesti disperati del cordoglio funebre.Lo stesso contrasto tra la ferocia del potere politico e la tenerezza degli affetti delle madri, dà forma alla scena raffigurata nell'affresco di Giotto presso la Cappella degli Scrovegni a Padova. In alto, su una tribuna, Erode ordina il massacro che i suoi sicari intabarrati eseguono con freddo scrupolo; a fronte di essi, una moltitudine di madri dolenti invoca pietà, ma sembra anche volere coraggiosamente opporre i propri corpi all'eccidio, formando una scena nella quale risalta quella che oggi chiameremmo "contrapposizione di genere".L'affresco, nella studiata disposizione degli episodi del racconto evangelico che coprono le pareti della cappella, è posto di fronte alla scena della Crocifissione di Gesù: l'infante che, con il sacrificio dei piccoli martiri, si era salvato dal massacro e che muore ora, innocente e martirizzato, per la salvezza dell'umanità.Sono ancora le madri le protagoniste della scena che Duccio di Buoninsegna ci consegna nella tavola del Museo dell'Opera del Duomo in Siena: esse stanno ammassata in disparte, affrante dal dolore e stringono al petto i corpicini martoriati, come tante icone della Madonna col Bambino.Nel campo della scultura vanno almeno citate, per la loro drammatica essenzialità, la rappresentazione della Strage di Giovanni Pisano, che troviamo in uno dei pannelli in marmo che formano il pulpito della chiesa di Sant'Andrea di Pistoia e quella di Lorenzo Maitani, posta tra i bassorilievi del terzo pilastro del Duomo di Orvieto.

Prompt: In Massacre of the Innocents (Reni), how is the The Middle Ages of the Weariness  in  art explained?Please output in Italian.

Cappella degli Scrovegni
Codex Egberti
Crocifissione di Gesù
Duccio di Buoninsegna
Gesù
Giotto
Giovanni Pisano
IV secolo
Lorenzo Maitani
Padova
Pistoia
Siena
Strage
X secolo


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La fidanzata di Belus

Il dipinto si basa su un rituale babilonese di fantasia associato al dio Bēl, noto in latino come Belus. Motte dipinse questa tela basandosi su una frase che lui attribuiva allo storico greco Erodoto, È probabile che la figura vestita di bianco sullo sfondo sia la "sposa" precedente che ha finito il suo "turno". fidanzata di Belus è dipinto in uno stile accademico sovradimensionato Per ricreare l'interno del tempio babilonese, Motte copiò quello di un tempio greco di Olimpia, mentre la scultura è ispirata ai lamassù, anche se in quel caso si tratta di tori alati con una testa umana.

Prompt: In The Fiancée of Belus, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano

L'opera ha apparentemente un tipico schema devozionale, con i personaggi a mezza figura allineati su un campo lungo orizzontale, la Madonna col Bambino al centro e due santi ai lati, su un modello ampiamente usato a Venezia da Giovanni Bellini e altri. In questo caso però Maria è disallineata, sedendo su un trono di nuda pietra, coperto solo da un telo verde, dove deve appoggiare anche le gambe, sul modello delle Madonne dell'Umiltà, ed è affiancata dai santi Rocco e Sebastiano  che stanno invece in piedi, su un livello più basso, e con una rotazione del busto complementare di tre quarti . Rocco mostra la sua ferita nella coscia, che è miracolosamente risanata dal gesto benedicente del Bambino, Sebastiano invece compie una torsione in avanti per vedere, con espressione stupita, il prodigio. costruzione della composizione ha un gusto squisitamente proto-manierista, con l'uso di linee diagonali e un sostanziale disinteresse verso la prospettiva . luce è morbida e avvolgente, la stesura dà effetto setosi, come nella capigliatura bionda di Sebastiano, oppure lanosi, come nel cappello di Rocco, legato dietro le spalle. Straordinario il concerto di colori squillanti, evidenziato dallo sfondo grigio, e che ha il suo culmine nel rosso intenso della veste di Maria.Nei primi anni del XVII secolo Enea Salmeggia ne fece una copia di ottima qualità conservata a Costa Mezzate nel castello dei Camozzi Vertova..

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto).Please output in Italian.

Costa Mezzate
Enea Salmeggia
Giovanni Bellini
XVII secolo


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Venere di Galgenberg

Il reperto è stato rinvenuto, nel 1988, nei dintorni della città austriaca di Stratzing. Nel momento della scoperta, l'opera era frantumata in otto pezzi. Il materiale utilizzato per realizzare la scultura è presente nelle vicinanze del sito dove è stata rinvenuta, ciò è di supporto all'ipotesi che il reperto sia stato creato non lontano da Stratzing.

Prompt: Explain the History of this artwork, Venus of Galgenberg.Please output in Italian.


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La Muta

Patrizia Baldi, L'abito civile nei ritratti di Raffaello quale segno estetico-culturale dell'artista e della società del suo tempo, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 237-242 Comando Carabinieri - Tutela Patrimonio Culturale, Anno Operativo 2001, Edizioni De Luca, Roma 2001. Philippe Costamagna; Anne Fabre, Les portraits florentins du début du XVIe siècle à l'avènement de Cosimo Ier: catalogue raisonné d'Albertinelli à Pontormo, Paris, Ecole du Louvre, 1986. Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Francesco Filippini, Raffaello a Bologna, "Cronache d'Arte", II/5, 1925, pagg. 201-234 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Enzo Gualazzi, Vita di Raffaello da Urbino, MIlano, Rusconi, 1984 Dora Liscia Bemporad, Il rinnovamento dei gioielli nei ritratti fiorentini di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 233-236 ura Pagnotta, Giuliano Bugiardini, Torino, Umberto Allemandi & C., 1987 Fert Sangiorgi, " Muta" di Raffaello : considerazioni storico-iconografiche, "Commentari", XXIV/1-2, 1973, pagg. 90-97 Maurizio Seracini, Indagine diagnostica-conoscitiva su " Muta" di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 228-232 Emanuela Sesti,  "Muta" di Raffaello, in: Maria Grazia Ciardi Duprè; Paolo Dal Poggetto , Urbino e le Marche prima e dopo Raffaello, Firenze, Salani, 1983, pagg. 227-228 Agnese Vastano, Ritratto di gentildonna , in: Lorenza Mochi Onori , Raffaello e Urbino.  formazione giovanile e i rapporti con la città natale, Milano, Electa, 2009, pag. 184.

Prompt: In Portrait of a Young Woman (La Muta), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Allegoria della Virtù e del Vizio

Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi Allegoria della Castità

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Allegory of Virtue and Vice (Veronese).Please output in Italian.

Allegoria della Castità
Bernardo de' Rossi
Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi


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Dama con scoiattolo e storno

L'evidenza dell'identificazione del personaggio con Anne Lovell venne sollevata per la prima volta dallo storico esperto di vetrate istoriate David J. King mentre studiava le finestre della chiesa parrocchiale di East Harling, Norfolk, sede della famiglia Lovell. King notò come lo stemma della famiglia Lovell dipinto sulla vetrata includesse degli scoiattoli. Quella dello storno era una figura diffusa nell'area dove la famiglia viveva ed inoltre il luogo all'epoca era detto Estharlyng, molto simile alla parola starling che significa appunto storno in inglese.

Prompt: In the context of Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling, explain the Identification and the History.Please output in Italian.


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La grande odalisca

grande odalisca  è un dipinto a olio su tela  di Jean-Auguste-Dominique Ingres, realizzato nel 1814 e conservato dal 1899 nel museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Grande Odalisque.Please output in Italian.

1814
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Parigi


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Cristo dodicenne tra i dottori

Cristo dodicenne tra i dottori è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Albrecht Dürer, datato 1506 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid. L'opera contiene il monogramma di Dürer e l'iscrizione "Opus Quinque Dierum", cioè fatto in cinque giorni, sul foglietto che esce dal tomo in basso a sinistra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Christ Among the Doctors (Dürer).Please output in Italian.

1506
Albrecht Dürer
Madrid
Museo Thyssen-Bornemisza


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Madonna col Bambino tra i santi Giovanni Battista e Caterina d'Alessandria è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1500 circa e conservata nel Louvre a Parigi.

Prompt: Focus on Madonna and Child with St John the Baptist and St Catherine of Alexandria (Perugino) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pala di Conegliano

Duomo di ConeglianoRinascimento venetoConegliano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Conegliano Altarpiece.Please output in Italian.

Conegliano
Duomo di Conegliano
Rinascimento veneto


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Dinosauri di Crystal Palace

In seguito alla chiusura della Grande Esposizione nell'ottobre 1851, il Crystal Palace di Joseph Paxton fu acquistato e trasferito a Penge Place in cima a Sydenham Hill, a sud di Londra, dalla appena formata Crystal Palace Company. I terreni che lo circondavano furono poi ampiamente rinnovati e trasformati in un parco pubblico con giardini ornamentali, repliche delle statue e due nuovi laghi artificiali. Come parte di questa ristrutturazione, Benjamin Waterhouse Hawkins fu incaricato di costruire i primi modelli a grandezza naturale di animali estinti. Inizialmente era stato pianificato di ricreare solo mammiferi estinti, per poi decidere di costruire anche ricostruzioni di dinosauri, sotto consiglio di Sir Richard Owen, un celebre biologo e paleontologo dell'epoca. Hawkins allestì un laboratorio sul posto dove costruì i modelli. I dinosauri vennero costruiti a grandezza naturale in argilla, da cui è stato poi preso uno stampo in cui era possibile versare il cemento. Le sculture più grandi sono vuote con un interno in mattoni.I modelli sono stati esposti su tre isole che fungono da linea temporale approssimativa, la prima isola per l'era paleozoica, una seconda per il mesozoico e una terza per il cenozoico. Ai modelli è stato dato più realismo facendo salire e scendere il livello dell'acqua del lago, rivelando diverse statue dei dinosauri altrimenti sommerse. Per celebrare l'inaugurazione dei modelli, Hawkins tenne una cena alla vigilia di Capodanno 1853 all'interno dello stampo di uno dei modelli degli Iguanodon.Hawkins beneficiò notevolmente della reazione del pubblico ai dinosauri, così forte da consentire la vendita di set di versioni più piccole dei modelli dei dinosauri, al prezzo di £ 30 per uso didattico. Ma la costruzione dei modelli fu costosa  e nel 1855 la Crystal Palace Company tagliò i finanziamenti di Hawkins. Diversi modelli pianificati non furono mai realizzati, mentre quelli a metà lavorazione furono demoliti, nonostante le proteste dei media, come il quotidiano The Observer.Hawkins in seguito lavorò al "Paleozoic Museum" nel Central Park di New York, una sorta di equivalente americano dei dinosauri di Crystal Palace. Nel maggio 1871 molte delle opere nella bottega di Hawkins furono distrutte dai vandali e i loro frammenti furono sepolti, forse, inclusi elementi dello scheletro originale di Elasmosaurus, che il paleontologo americano Edward Drinker Cope aveva prestato a Hawkins per la preparazione di una ricostruzione.Con i progressi della paleontologia e nuove scoperte scientifiche, la reputazione dei modelli di Crystal Palace diminuì. Nel 1895, il cacciatore di fossili americano Othniel Charles Marsh disprezzava chi tentava di difendere le sculture ormai obsoleti ed inaccurati, e parlava con rabbia dei modelli. I modelli e il parco caddero in rovina con il passare degli anni, un processo aiutato dal fuoco che distrusse il Crystal Palace stesso nel 1936, e i modelli furono oscurati dal fogliame e ricoperto di vegetazione. Un restauro completo degli animali fu eseguito nel 1952 da Victor HC Martin,, quando i mammiferi della terza isola furono spostati in posizioni meno protette del parco, dove furono esposti all'usura e alle intemperie.  scogliera calcarea fu fatta saltare in aria negli anni '60.Nel 2002, la mostra venne completamente rinnovata.  scogliera di calcare distrutta è stata completamente sostituita con 130 grandi blocchi di calcare del Derbyshire, molti del peso di oltre 1 tonnellata , ricostruiti secondo un piccolo modello realizzato con lo stesso numero di blocchi di polistirolo.Nel 2018, l'associazione "Amici dei dinosauri di Crystal Palace", che aiuta a mantenere e restaurare le sculture, ha iniziato una campagna di finanziamento per raccogliere £ 70.000 per costruire un ponte permanente in modo che i visitatori possano visitare le isole su cui sono sparse le sculture. Il chitarrista Slash ha appoggiato la raccolta fondi, affermando che questi dinosauri hanno un "posto speciale" nel suo cuore e ha donato un oggetto per la loro asta di beneficenza. Il sindaco di Londra in seguito donò £ 30.000 per la campagna.

Prompt: Focus on Crystal Palace Dinosaurs and explain the History.Please output in Italian.

Benjamin Waterhouse Hawkins
Central Park
Derbyshire
Edward Drinker Cope
Iguanodon
Joseph Paxton
Londra
New York
Othniel Charles Marsh
Paleozoic Museum
Penge
Richard Owen
Slash
The Observer


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Altare Monforte

LAltare Monforte è un dipinto a olio su tavola  di Hugo van der Goes, databile al 1470 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: How does Monforte Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Immacolata Concezione

Agostino Maria De Carlo, "Theotocologia seu Institutio de V. Dei Genitrice M. Scholastica Methodo IV Libris Concinnata" -Napoli, Cirillo, 1845 - [opac SBN] [Testo a stampa] [Monografia] [IT\ICCU\BVE\0346282] SBN LIAN025513 Agostino Maria De Carlo, "Dialoghi istruttivi su pregi, misteri e titoli di Maria SS." pubblicati per cura e divozione del canonico don Luigi Monforte, Napoli, Stabilimento Tipografico del Dante, 1855 - SBN LIAN040723 Cecchin Stefano M., L'Immacolata Concezione. Breve storia del dogma, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2003, ISBN 88-900609-5-6 Tommaso Campanella , Apologia dell'Immacolata Concezione, L'epos 2004, ISBN 88-8302-270-X Congresso Mariologico francescano,  Scuola Francescana e l'Immacolata Concezione, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2005, ISBN 88-89681-01-2 Vincenzo Sansonetti, L'Immacolata Concezione: dal dogma di Pio IX a Medjugorje, Piemme 2004, ISBN 88-384-8410-4 Giovanni Morello, Vincenzo Francia, Roberto Fusco, Una donna vestita di sole: l'Immacolata Concezione nelle opere dei grandi maestri, F. Motta, 2005 ISBN 88-7179-468-0 Diego Ciccarelli, Marisa Dora Valenza ,  Sicilia e l'Immacolata: non solo 150 anni, Biblioteca Francescana 2004, ISBN 88-88615-96-2 Michel Jean Claude, Immacolata Concezione, promessa di purezza, Libreria Editrice Vaticana 2001

Prompt: Explain the Monograph on the Immaculate Conception about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Amore e Psiche

In un regno lontano, un re e una regina hanno tre bellissime figlie.  più giovane di esse, Psiche, è di una bellezza così eccezionale che la gente si prostra davanti a lei come se fosse la dea Venere.  devozione per la ragazza suscita la collera della dea, che chiede a suo figlio Amore di punire Psiche facendo in modo che si innamori di un mostro. Mentre sta per colpire la fanciulla con una delle sue frecce, però, il dio sbaglia mira e la freccia d'amore colpisce invece il proprio piede, cosicché egli si innamora perdutamente di lei. Intanto, i genitori di Psiche consultano un oracolo che risponde:Psiche viene così portata a malincuore sulla cima di una rupe e lì viene lasciata sola. Con l'aiuto di Zefiro, Amore la trasporta al suo palazzo, dove la giovane viene accudita da servitori invisibili che provvedono a ogni sua necessità. Alla notte, Psiche viene raggiunta da Amore che si dimostra uno sposo innamorato, ma non le rivela la propria identità: dopo aver trascorso la notte con lei, la saluta avvertendola che anche in futuro i loro incontri avverranno sempre al buio, e che la ragazza non dovrà mai cercare di vederlo né conoscerne il nome.Passano così parecchi giorni: Psiche è felice e innamorata del misterioso sposo, ma desidera rivedere le sue sorelle. Amore, per quanto malvolentieri, acconsente a invitare le due donne nel palazzo. Qui le sorelle, colpite dal lusso in cui vive Psiche, concepiscono un’invidia bieca nei suoi confronti: insinuano così in lei il sospetto che lo sposo misterioso sia in realtà un mostro che prima o poi la ucciderà; le suggeriscono perciò di attendere la notte per trafiggerlo con un pugnale. Dopo molte riluttanze, una notte Psiche decide di agire. Armandosi con il pugnale ed una lampada ad olio, decide pertanto di scoprire chi realmente sia il suo amante, ma proprio quando sta per uccidere lo sposo, alla luce della lanterna le appare il bellissimo dio dell’amore. Mentre Psiche ne contempla l’abbagliante bellezza, una goccia d’olio cade sulla spalla del dio e lo scotta, svegliandolo:Fallito il tentativo di aggrapparsi alla sua gamba, una Psiche straziata dal dolore tenta più volte il suicidio, ma gli dei glielo impediscono.  ragazza inizia così a vagare per diverse città alla ricerca del suo sposo, si vendica delle avare sorelle e cerca di procurarsi la benevolenza degli dei, dedicando le sue cure a qualunque tempio incontri sul suo cammino. Arriva però al tempio di Venere e a questa si consegna, sperando di placarne l'ira per aver disonorato il nome del figlio.Venere sottopone Psiche a diverse prove: nella prima, deve suddividere un mucchio di granaglie con diverse dimensioni in tanti mucchietti uguali; disperata, non prova nemmeno ad assolvere il compito che le è stato assegnato, ma riceve un aiuto inaspettato da un gruppo di formiche, che provano pena per l'amata di Cupido.  seconda prova consiste nel raccogliere la lana d'oro di un gruppo di pecore. Ingenua, Psiche fa per avvicinarsi alle pecore, ma una verde canna la avverte e la mette in guardia: le pecore diventano infatti molto aggressive con il sole e lei dovrà aspettare la sera per raccogliere la lana rimasta tra i cespugli.  terza prova consiste nel raccogliere acqua da una sorgente che si trova nel mezzo di una cima tutta liscia e a strapiombo. Qui viene però aiutata dall'aquila di Giove.L'ultima e più difficile prova consiste nel discendere negli Inferi e chiedere alla dea Proserpina un po' della sua bellezza. Psiche medita addirittura il suicidio tentando di gettarsi dalla cima di una torre; improvvisamente però la torre si anima e le indica come assolvere la sua missione. Durante il ritorno, mossa ancora una volta dalla curiosità, apre l'ampolla  contenente il dono di Proserpina, che in realtà altro non è che il sonno più profondo. A correre in suo soccorso stavolta è lo stesso Amore, che pungendola lievemente con una freccia, la risveglia dal sonno infernale.Il dio poi corre da suo padre Giove, pregandolo di convincere Venere ad acconsentire al matrimonio. Giove, commosso, persuade Venere ad accettare le nozze, che vengono celebrate alla presenza di tutti gli dèi. Psiche diviene così la dea protettrice delle fanciulle e dell'anima, sposando Amore. Il racconto termina con un grande banchetto al quale partecipano tutti gli dei, alcuni anche in funzioni inusuali: per esempio Bacco fa da coppiere, le tre Grazie suonano e il dio Vulcano si occupa di cucinare il ricco pranzo.Più tardi nasce una figlia, concepita da Psiche durante una delle tante notti d'amore dei due amanti prima della fuga dal castello. Questa viene chiamata Voluttà, ovvero Piacere.

Prompt: How does Psyche Revived by Cupid's Kiss explain its History?Please output in Italian.

Amore Bacco Cupido Piacere Proserpina Zefiro


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Baccanale degli Andrii

Il Baccanale degli Andrii è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1523–1526 e conservato nel Museo del Prado di Madrid. È firmato ".[aciebat]".

Prompt: Focus on The Bacchanal of the Andrians and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Omaggio prussiano

Adam Vetulani, Lenno pruskie od traktatu krakowskiego do śmierci księcia Albrechta 1525-1568. Studium historyczno-prawne, Cracovia, 1930.  Marian Biskup, Geneza i znaczenie hołdu pruskiego 1525 roku, Komunikaty Mazursko-Warmińskie, 1975, n. 4.  Maria Bogucka, Hołd Pruski, Varsavia, 1982;  Hartmut Boockman, Zakon krzyżacki. Dwanaście rozdziałów jego historii, Oficyna Wydawnicza, Varsavia, 1998, ISBN 83-7233-048-4.  Bogdan Wachowiak e Andrzej Kamieński, Dzieje Brandenburgii-Prus. Na progu czasów nowożytnych . ISBN 83-7177-195-9.

Prompt: In Prussian Homage (painting), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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La strada entra nella casa

Visioni simultanee Il Mattino  Stati d'animo

Prompt: Focus on The Street Enters the House and explain the Connections.Please output in Italian.


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Bellezza

Il bello per Aristotele e Platone è il "Vero". Nell'età moderna, Giambattista Vico afferma un altro criterio, secondo cui il vero è il "fatto" . Unificando questi due criteri ricaviamo la forma occidentale della bellezza, che è inevitabilmente l'arte. Il bello è nell'arte e la possibilità che la bellezza sia propria della natura è esplicitamente ammessa da Kant nella Critica del Giudizio dove definisce il bello naturale come "bello d'arte" e il "bello d'arte" come il bello di natura. Essenzialmente, nella cultura filosofica dell'Occidente il bello si definisce in funzione del giudizio che lo esprime, mentre il "bello in sé" è assolutamente chimerico.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Aristotelian concept "Beautiful" corresponds "True" and the Beauty Christianity.Please output in Italian.

Aristotele
Critica
Giambattista Vico
Platone


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Battaglia di San Romano

Battaglia di San Romano è un trittico di Paolo Uccello, commissionato da Lionardo di Bartolomeo Bartolini Salimbeni, a tecnica mista su tavola, databile al 1438 circa. battaglia è rappresentata in tre episodi su altrettanti pannelli, oggi divisi in tre musei: Niccolò da Tolentino alla testa dei fiorentini alla National Gallery di Londra ; Disarcionamento di Bernardino della Carda  agli Uffizi di Firenze; Intervento decisivo a fianco dei fiorentini di Michele Attendolo  al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on The Battle of San Romano and explain the Abstract.Please output in Italian.

1438
Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Museo del Louvre
Paolo Uccello
Parigi


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Ritratto di Francesco delle Opere

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-XAA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: How does Portrait of Francesco delle Opere explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Passaggio agli Inferi

Il Passaggio agli Inferi è un dipinto a olio su tavola  di Joachim Patinir, databile al 1515-1524 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Landscape with Charon Crossing the Styx.Please output in Italian.


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San Giorgio e il drago

leggenda di san Giorgio ha una valenza simbolica. Il santo e il suo cavallo rappresentano la santità mentre il drago è simbolo del diavolo. Pertanto, la trama simboleggia la vittoria della santità sulle forze del male.

Prompt: Focus on Saint George and the Dragon (Raphael) and explain the In the symbology.Please output in Italian.


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Madame Récamier

Il pittore belga René Magritte parodierà l'opera nel 1951 nel quadro Prospettiva: Madame Récamier di David , esposto al museo d'arte moderna e contemporanea di Strasburgo  e al museo di belle arti del Canada, dove ha sostituito la modella con una bara.

Prompt: Explain the Cultural heritage of this artwork, Portrait of Madame Récamier.Please output in Italian.


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Il quarto stato

Il quarto stato fu mostrato al pubblico per la prima volta alla Quadriennale di Torino nel 1902, insieme con un'altra importante tela pellizziana, Il tramonto. L'opera non ebbe alcun riconoscimento ; altra cocente delusione fu il mancato acquisto della tela da parte di un museo, di Casa Savoia o di un qualche ente pubblico, così da poter porre rimedio alla situazione economica ormai fattasi disastrosa. Ciò malgrado, l'ideazione del Quarto stato è stata assolutamente esemplare: ne era consapevole Giovanni Cena, che all'indomani della Quadriennale scrisse che «è una cosa che resterà e che non ha paura del tempo, perché il tempo le gioverà».Il successo del Quarto stato presso il pubblico incominciò non tra le mura delle sale espositive - come si augurava il Pellizza - bensì mediante la stampa socialista e le innumerevoli riproduzioni.Nonostante le censure della critica, già nel 1903 il quadro venne ristampato nella rivista milanese Leggetemi! Almanacco per la pace, facendo da cornice artistica a un articolo di Edmondo De Amicis; analogamente, il 1º maggio 1903 venne riprodotto nel giornale Unione, mentre il 1º maggio dell'anno successivo fu il turno del periodico L'Avanguardia socialista. E ancora, nel 1905 assurse a simbolo della classe dei lavoratori comparendo sullAvanti! della domenica, rivista settimanale del quotidiano del Partito Socialista Italiano; nel 1906, invece, divenne cartoncino-strenna del giornale vogherese L'uomo che ride, diretto da un altro amico del Pellizza, Ernesto Majocchi, con il consenso «gratissimo» dell'artista.Frattanto, Pellizza - forte dell'alto medium di diffusione raggiunto dall'opera - tentò varie volte di esibire Il quarto stato presso altre mostre, ma invano: i comitati espositivi, temendo la pericolosità del soggetto, rifiutarono sempre di esporlo. Pellizza riuscì a vedere la propria opera d'arte esposta in una mostra solo una volta, nel 1907, a Roma presso la Società promotrice di Belle Arti: l'artista si suicidò, non ancora quarantenne, il 14 giugno dello stesso anno.Dopo un periodo di stasi , Il quarto stato fu esposto nel 1920, in pieno biennio rosso, in una retrospettiva monografica dedicata all'artista presso la Galleria Pesaro di Milano. Si trattò di una mostra decisiva per il futuro fisico dell'opera: all'antologica, infatti, partecipò anche il critico d'arte e soprintendente del Castello Sforzesco Guido Marangoni che, rimasto impressionato dall'imponenza del quadro pellizziano, decise di promuovere una sottoscrizione pubblica per acquistare la tela dagli eredi, insieme con il consigliere comunale Fausto Costa.Dopo l'acquisto , il dipinto nel 1921 entrò a far parte del patrimonio della Galleria d'Arte Moderna trovando collocazione nel Castello Sforzesco, nella sala della Balla. L'opera rimase visibile in quel luogo fino agli anni trenta quando, durante la riorganizzazione fascista degli allestimenti del museo, venne confinata in un deposito, donde riemergerà solo nella metà degli anni cinquanta, quando venne collocata nella sala della Giunta di Palazzo Marino, appena ricostruito dopo i bombardamenti bellici del 1943.Schermata iniziale del film Fu durante la permanenza al Palazzo Marino, luogo dall'alta valenza simbolica , che il culto del Quarto stato venne ravvivato; ciò avvenne soprattutto grazie al magistero critico di Corrado Maltese, che consacrò il dipinto quale «monumento più alto che il movimento operaio abbia mai potuto vantare in Italia». Grazie al giudizio di Maltese, il dipinto fu oggetto di una grande riscoperta da parte della critica contemporanea, divenendo protagonista di innumerevoli mostre e lavori di ricerca, di cui si segnalano le monografie di Aurora Scotti  e di Gabriella Pelissero . Con lo sviluppo dei mezzi di comunicazione, Il quarto stato è stato divulgato anche al di fuori degli ambienti artistici e letterari, approdando nel cinema: in tal senso, fondamentale fu Novecento, film del 1976 diretto da Bernardo Bertolucci ove il quadro pellizziano fa da sfondo ai titoli di testa.Il quarto stato rimase a Palazzo Marino fino al 1980, quando fu trasferito nella Galleria d’arte moderna di Milano, in una sala interamente dedicata al divisionismo; dal dicembre 2010 venne spostato nel Museo del Novecento, di cui costituiva la prima opera esposta, a testimonianza del riconoscimento del suo valore artistico. Dal luglio 2022 è ritornato nella Galleria d'arte moderna di Milano, , cui era stato originariamente assegnato nel 1921.

Prompt: Explain the Welcome history museum about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Fourth Estate (painting).Please output in Italian.