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L'ultima resistenza a Isandlwana

L'ultima resistenza a Isandlwana è una pittura a olio di grandi dimensioni, che immagina lo svolgimento della battaglia di Isandlwana, risoltasi nel massacro della colonna britannica che aveva invaso lo Zululand senza le dovute precauzioni.  confusione dei violentissimi scontri pervade tutto il dipinto: mentre sullo sfondo si staglia il monte Isandlwana, e il fumo delle scariche di fucile copre in parte l'orda dei guerrieri zulu e le poche giubbe rosse che ancora resistono alla loro avanzata, in primo piano una compagnia di soldati britannici tenta di formare un quadrato per opporre un'ultima resistenza all'attacco zulu prima del proprio totale annientamento.  sconfitta è ormai imminente e il tentativo destinato al fallimento, come testimoniano alcuni zulu che già attaccano i soldati e i numerosi cadaveri che disseminano il terreno.Notevole è l'assenza nel dipinto di alcun ufficiale, probabile critica mossa da Fripp all'incapacità dei comandanti britannici, ritenuti i principali responsabili della disfatta a fronte dell'eroismo dei semplici soldati.  rappresentazione di Fripp è probabilmente non rispondente al reale andamento della battaglia, poiché i pochi sopravvissuti la descrissero come una disordinata rotta nella quale mancò del tutto una resistenza organizzata da parte dei britannici, come invece suggerisce il dipinto.Il lavoro di Fripp si distingue comunque per l'accuratezza e la dovizia di particolari con cui sono rappresentati i guerrieri zulu, che l'autore aveva osservato di persona e che gli altri artisti del periodo dipingevano invece in maniera assai più approssimata e stereotipica. Come testimoniato dagli appunti di Fripp, l'eroica resistenza zulu alla battaglia di Ulundi lo impressionò favorevolmente, spingendolo così a riprodurne le gesta con la massima aderenza alla realtà nei suoi lavori seguenti.

Prompt: Focus on The Last Stand at Isandlwana and explain the Description.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

tavola di Firenze è impostata in maniera simile alla precedente. Delle tre è l'unica che abbia conservato tracce della lamina d'argento che ricopriva le armature, le quali dovevano essere in antico lustre e scintillanti come metallo vero.  scena della battaglia occupa il primo piano, con i due eserciti schierati dalle due parti e con il punto focale sul cavallo bianco del comandante senese al centro, Bernardino della Carda, che sta per cadere, disarcionato da una lancia nemica. Il suo cavallo è esattamente simmetrico a quello del pannello precedente, per cui si pensa che nella collocazione originaria del trittico questi dovessero trovarsi ai lati, o comunque in coppia. A destra, in schieramento senese, si vedono due cavalli di spalle, uno dei quali sta scalciando, forse a suggerire l'inizio della ritirata nemica. gamba tesa di Bernardino, la lancia che lo colpisce e quella che sta trafiggendo un guerriero a terra creano un'intelaiatura geometrica a forma di triangolo, che cristallizza la concitazione della scena in una più misurata monumentalità statica. Proprio questo contrasto tra movimento e immobilità, data dall'incatenamento delle figure alla maglia prospettica, è all'origine del fascino della tavola. Le masse dei cavalli in movimento sono ridotte a volumi puri, con i colori irreali  stesi in larghe zone piatte che ricordano le tarsie. I cavalieri assomigliano più a manichini in corazza, piuttosto che ad uomini veri capaci di muoversi ed agire. Tutti questi elementi generano un effetto surreale, di sogno, dove è assente la drammaticità dello scontro.Siccome il momento della battaglia è più avanzato, questa volta Paolo Uccello compose un terreno molto più affollato, dove oltre alla griglia di lance , alle armi ed agli scudi, si trovano ormai anche dei cavalli abbattuti, scorciati in posizione ardite.Anche qui lo sfondo è disarticolato dal primo piano e si ritrovano i giovani a caccia con la balestra, di proporzioni esageratamente grandi, con una lepre inseguita da un levriero, che è inseguito a sua volta da un'altra lepre.Questa tavola è firmata  in basso a sinistra.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Unseating of Bernardino della Carda of the Description and style explained?Please output in Italian.


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San Girolamo

Altercatio Luciferiani et Orthodoxi, composta nel 378 circa, rappresenta un dialogo tra Lucifero da Cagliari, un antiariano, e un ortodosso anonimo. Cinque anni dopo, nello Adversus Helvidium, scritto nel 383, Girolamo polemizza contro Elvidio, che dichiarava che la Vergine Maria dopo aver generato Gesù avesse partorito altri figli. Nella seconda parte del testo Gerolamo esalta con lodi la verginità della Madonna.Ancora di polemica teologico-liturgica trattano Adversus Vigilantium, in cui si attacca spietatamente Vigilanzio e il suo pensiero, secondo cui la vita dedita al culto dei martiri e del rispetto delle regole di Dio fosse sbagliata e noiosa; Contra Ioannem Hierosolymitanum, una polemica contro i sostenitori di Origene, in cui Girolamo sostiene che il dotto di Cesarea, sebbene buon traduttore della Bibbia, avesse posizioni eretiche e che quindi non poteva far parte del mondo di Dio. Di conseguenza Girolamo accusa anche un vescovo chiamato Giovanni, che appoggiava le teorie origeniane. Di simile stampo è il Contra Rufinum, in cui si attacca l'origeniano Rufino. Facendo, anzi, appello ad un'operetta comica chiamata "Testamento di Grugno Corocotta Porcello", Gerolamo usa un ampio lessico dispregiativo contro Rufino, denigrandolo nella sua cerchia di amici intimi.Notevolissimo, tra le opere polemiche, è il trattato Adversus Jovinianum, scritto nel 393 in due libri, in cui l'autore esalta la verginità e l'ascetismo, spesso derivando le sue argomentazioni da autori classici come Teofrasto, Seneca, Porfirio.Tra gli altri argomenti, in esso Girolamo difende strenuamente l'astinenza dalla carne:</ref>}}Nello specifico, all'interno del trattato, la parte relativa all'alimentazione corrisponde alla terza sezione [PL 23,303-326]. In essa Gerolamo per controbattere alla tesi di Gioviniano, secondo la quale "l'astinenza non è migliore dell'assunzione riconoscente del cibo", ribadisce l'importanza del digiuno non solo nella tradizione della Chiesa ma anche nella storia della filosofia.

Prompt: In Saint Jerome Writing, how is the Controversial works of the Biography explained?Please output in Italian.

378
383
393
Adversus Jovinianum
Bibbia
Dio
Elvidio
Gesù
Gioviniano
Origene
Porfirio
Teofrasto


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Betsabea

Betsabea o Bersabea  era dapprima la moglie di Uria l'Ittita e più tardi del re Davide, cui partorì tre figli, il secondo dei quali fu Salomone e il terzo Natan.  Bibbia parla di lei soprattutto nel Secondo libro di Samuele e nel Primo libro dei Re.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Bathsheba (Gérôme).Please output in Italian.

Bibbia
Davide
Natan
Davide
Uria l'Ittita


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Sinfonia in bianco, ritratto n. 1

Nato in America nel 1834, James Abbott McNeill Whistler si trasferì a Parigi nel 1855, animato dal desiderio di diventare un pittore abile e di successo. Trasferitosi nel 1860 a Londra, dove gravitò naturalmente verso le neonate avanguardie artistiche, Whistler vi fece la conoscenza di Joanna Hiffernan, una modella con la quale intrecciò sin da subito un'infuocata storia d'amore. Donna dalla splendida avvenenza e dalle grandi capacità intellettuali, Joanna Hiffernan sarebbe stata descritta dai biografi e amici di Whistler in questi termini: «Non era solo bella. Era intelligente e simpatica. Ha dato a Whistler una costante compagnia di cui non poteva fare a meno».Fu proprio la Hiffernan a posare per questo dipinto, portato a compimento nell'aprile 1862 dopo una gestazione durata circa cinque mesi. Whistler sottopose l'opera al giudizio della giuria della Royal Academy di Londra, dove tuttavia fu respinta a causa di uno scandalo scoppiato proprio un anno prima per via di un dipinto del tutto simile,  bisbetica domata di Edwin Henry ndseer. Per nulla scoraggiato, Whistler espose la tela presso una piccola galleria privata di Berners Street, dove fu titolata  donna in bianco, in omaggio a un romanzo omonimo di Wilkie Collins che a quei tempi godeva di una grandissima popolarità. Proprio in virtù di quest'analogia l'opera attrasse folle e commenti considerevoli, e furono in molti a individuare un parallelismo tra la musa ritratta da Whistler e il romanzo del Collins. Du Maurier era categorico in tal senso: ancora più rilevante, tuttavia, fu il commento di un critico dellAthenaeum, il quale recriminò alcune sostanziali dissomiglianze tra  donna in bianco di Whistler e il personaggio dell'opera di Collins. Whistler, ormai esasperato, indirizzò poi una lettera dove spiegò le sue primitive intenzioni: «Non avevo assolutamente intenzione di dare vita artistica al romanzo del signor Wilkie Collins. Il mio quadro rappresenta semplicemente una ragazza in bianco in piedi di fronte ad una tenda bianca».Nel 1863, in forma di monito verso il giudizio della Royal Academy, Whistler decise di inviare il dipinto al Salon di Parigi, dove però fu nuovamente respinto. Whistler, tuttavia, non fu l'unica vittima dell'implacabile ostracismo della giuria, e pertanto su volere dell'imperatore Napoleone III venne istituito un salon des refusés [Salon dei rifiutati] per esporvi le varie opere d'arte rifiutate dalla giuria.  critica, spaventata dalla spregiudicatezza delle opere ivi esposte, si scatenò: nell'occhio del ciclone vi furono ovviamente Whistler, con la sua Donna in bianco che suscitava le risa maligne dei curiosi, e soprattutto la Colazione sull'erba di Manet, il quale scandalizzò per il soggetto e lo stile. Nonostante la virulenza di certe critiche, l'opera non mancò di attirarsi entusiasti ammiratori: fra questi il critico Thoré-Bürger, che vi vide una ripresa della tradizione di Goya e Velázquez, ma anche lo stesso Manet, il pittore Gustave Courbet e il poeta Charles Baudelaire.L'opera, rimasta in possesso dei Whistler sino al 1896, fu dunque venduta dal nipote dell'artista al collezionista Harris Whittemore. Fu nel 1943 che l'opera, mediante un generoso lascito da parte del Whittemore, pervenne alla sua sede attuale, venendo finalmente esposta alla National Gallery of Art di Washington D.C.

Prompt: Focus on Symphony in White, No. 1: The White Girl and explain the History.Please output in Italian.

Charles Baudelaire
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Joanna Hiffernan
National Gallery of Art
Washington
Wilkie Collins


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La Gravida

Gravida è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1505-1506 circa e conservato nella Galleria Palatina a Firenze.

Prompt: How does La donna gravida explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Vanità

Vanità è una particolare specie di natura morta in cui la composizione allegorica suggerisce l'idea che l'esistenza è vuota, inutile, la vita umana è precaria e di scarsa importanza. Molto in voga nel Barocco specialmente nei Paesi Bassi, il tema della vanità venne esteso a composizioni pittoriche in cui si trovavano rappresentati anche personaggi ancora viventi, come nel caso de "Gli Ambasciatori" di Holbein.Il titolo e la concezione di base sono presi da un versetto del Qoelet , libro dell'Antico Testamento: «הֲבֵל הֲבָלִים הַכֹּל הָֽבֶל » . Ciò che viene tradotto con la parola vanità, significa letteralmente "alito leggero, soffio effimero». Il messaggio è l'invito a meditare sulla natura precaria e vuota della vita umana, sull'inutilità dei piaceri terreni di fronte alla morte sempre in agguato.

Prompt: Focus on Vanity (Titian) and explain the Painting.Please output in Italian.


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Oscar Wilde Memorial Sculpture

Categoria:Oscar Wilde nella cultura di massaCategoria:Monumenti e memoriali LGBTCategoria:Sculture bronzeeCategoria:Memoria collettivaCategoria:Dioniso nelle artiCategoria:Opere d'arte a Dublino

Prompt: Explain the Other projects of this artwork, Oscar Wilde Memorial Sculpture.Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

All'interno del santuario Kameido Tenjin (Le  costituiscono, con le Cinquantatré stazioni del Tōkaidō, le Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō e le Trentasei vedute del Monte Fuji, una delle principali stampe che rappresentano l'opera molto abbondante del pittore Hiroshige Utagawa. Malgrado il titolo dell'opera, realizzata tra il 1856 ed il 1858, ci sono in realtà 119 stampe che utilizzano tutte la tecnica della xilografia .  serie appartiene allo stile ukiyo-e, movimento artistico che si basa su soggetti popolari e destinato alla classe media urbana giapponese, che si sviluppò durante il periodo Edo . Più precisamente, essa appartiene al genere  che celebra i paesaggi giapponesi, un tema classico nella storia della pittura giapponese. Alcune delle incisioni sono state realizzate dall'alunno e figlio adottivo dell'autore, Utagawa Hiroshige II, che per una volta utilizza questo pseudonimo per firmare certe sue opere.Hiroshige è un grande paesaggista, uno dei migliori del suo tempo, che raffigura con immagini liriche ed emozionali i siti più belli e rinomati del Giappone e particolarmente della sua capitale Edo, poi ribattezzata Tōkyō. In questa serie sono rappresentati i luoghi più emblematici della città, allora da poco ricostruita dopo un devastante sisma avvenuto nel 1855. Hiroshige non mostra tuttavia gli effetti della distruzione, ma una città idealizzata, cercando di trasmettere allo spettatore la bellezza e la vita di Edo, con una tonalità tendenzialmente nostalgica. Nello stesso tempo, la serie offre al pubblico una forma di rivista d'attualità, simile ad un giornale che fornisce una panoramica dello sviluppo delle ricostruzioni della città. Le stampe presentano anche scene sociali, riti e costumi della società locale, che combinano con una grande diversità il paesaggio, insieme ad una descrizione dettagliata delle persone e degli ambienti.Le Cento vedute famose di Edo illustrano l'ultima fase dell'arte di Hiroshige, dove la sensibilità ed il lirismo quasi poetico dei suoi paesaggi lasciano il posto ad una composizione più astratta ed audace. Adottando il formato verticale, raramente utilizzato per le serie paesaggistiche, egli innova il primo piano, amplia notevolmente lo sfondo e così pure aumenta la vivacità dei colori. Alcuni capolavori della serie sono stati assai studiati in Occidente da impressionisti e postimpressionisti, specialmente da Vincent van Gogh, che ne ha disegnato due copie..</ref>}}

Prompt: Focus on One Hundred Famous Views of Edo and explain the Abstract.Please output in Italian.

1855
1856
1858
Cinquantatré stazioni del Tōkaidō
Giappone
Utagawa Hiroshige
Hiroshige II
Utagawa Hiroshige
Sessantanove stazioni del Kiso Kaidō
Trentasei vedute del Monte Fuji
Hiroshige II
Vincent van Gogh


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Romolo e Remo

Prompt: In Romulus and Remus (Rubens), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Il sacrificio di Isacco  è un episodio del libro biblico della Genesi. Il suo racconto si trova in .Dio, per mettere alla prova la fede di Abramo, gli ordina di sacrificare il proprio figlio Isacco. Abramo si reca senza esitazioni sul monte Moriah e mentre sta per compiere diligentemente il sacrificio, impugnando già il coltello, un angelo del Signore scende a bloccarlo e gli mostra un ariete da immolare come sacrificio sostitutivo. scena, interpretata come prefigurazione del sacrificio di Cristo, è uno degli episodi salienti del Pentateuco.

Prompt: Focus on Sacrifice of Isaac (Caravaggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Abramo Cristo Genesi Genesi Genesi Isacco Moriah


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Caterina d'Alessandria

Caterine Caterinetta Confraternita di san Cataldo eretta in Santa Caterina Donne in filosofia

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Catherine of Alexandria (Palladas).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Dante e Virgilio

Il soggetto è tratto da un episodio del canto XXX dellInferno di Dante Alighieri: Dante e Virgilio sono nella decima bolgia dell'ottavo cerchio, ove sono puniti i falsari.Al centro, in primo piano, si trovano due dannati che lottano selvaggiamente, Gianni Schicchi e Capocchio: stando al racconto dantesco , Gianni Schicchi, punito con una smania furiosa in quanto falsario di persone, sopraggiunge e addenta il collo di Capocchio, l'alchimista con cui Dante ha parlato al termine del canto precedente . Schicchi, sulla sinistra coi capelli rossi, sta violentemente mordendo il collo del Capocchio e gli sta dando una ginocchiata alla schiena, facendolo piegare e cadere. Dietro di loro, a sinistra, i due poeti guardano con espressione terrorizzata, mentre sulla destra un demone sogghigna.

Prompt: In Dante and Virgil, how is the Subject of the Story of the opera explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Mattino in una pineta

Mattino in una pineta  è un dipinto a olio su tela  dei pittori russi Ivan Ivanovič Šiškin e Konstantin Apollonovič Savickij databile al 1889. Il dipinto è attualmente conservato alla Galleria Tret'jakov, a Mosca.

Prompt: In Morning in a Pine Forest, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Galleria Tret'jakov
Ivan Ivanovič Šiškin
Konstantin Apollonovič Savickij


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: Describe the characteristics of the Copy of the work in The Great Wave off Kanagawa's Description.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Self-portrait environment autonomy of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Pietà vaticana

Il soggetto del gruppo scultoreo è definito nel contratto: «Una Pietà di marmo, cioè una Vergine Maria vestita con un Cristo morto nudo in braccio». I gruppi scultorei della Pietà, prima di Michelangelo, erano su supporto essenzialmente ligneo e diffusi soprattutto in area nordica , dove erano collegati alla liturgia del Venerdì Santo, ma piuttosto rari in Italia, tutt'al più presenti in area ferrarese: ciò fa pensare a un'esplicita richiesta "speciale" del committente, da cui anche la chiarificazione del soggetto nel contratto.L'iconografia della Pietà veniva tradizionalmente risolta in uno schema piuttosto rigido, con la contrapposizione tra il busto eretto e verticale di Maria e il corpo irrigidito in posizione orizzontale di Gesù: tale organizzazione influenzava anche la pittura, come si vede ad esempio nella Pietà di Pietro Perugino .Michelangelo innovò invece la tradizione concependo il corpo di Cristo come mollemente adagiato sulle gambe di Maria con straordinaria naturalezza, privo della rigidità delle rappresentazioni precedenti e con un'inedita compostezza di sentimenti. Le due figure sembrano fondersi in un momento di toccante intimità, dando origine a un'originale composizione piramidale, raccordate dall'ampio panneggio sulle gambe di Maria, dalle pieghe pesanti e frastagliate, generanti profondi effetti di chiaroscuro. Fortemente espressivo è anche il gesto della mano sinistra, che pare invitare lo spettatore a meditare sulla rappresentazione davanti ai suoi occhi, secondo le pratiche di meditazione concentrata e dolente di ispirazione savonaroliana. Vergine siede su una sporgenza rocciosa, qui ben finita con piccole fessure ad arte , che simboleggia la sommità del monte Calvario.Il livello di finitezza dell'opera è estremo, soprattutto nel modellato anatomico del corpo di Cristo, con effetti di levigatura e morbidezza degni della statuaria in cera, come il dettaglio della carne tra il braccio e il costato, modificata dalla salda presa di Maria opposta al peso del corpo abbandonato.  bellezza della statua risiede forse proprio nel naturalismo straordinariamente virtuoso della scena, fuso con un'idealizzazione e una ricerca formale tipica del Rinascimento, e un notevole spessore psicologico e morale.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Pietà (Michelangelo).Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

20 corone ceche in monetaIl monumento è ricordato, nella sua statua equestre, nella moneta da 20 della valuta nazionale, la corona ceca, dal 1993.

Prompt: How does Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square explain its Numismatics?Please output in Italian.


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Atleta di Fano

LAtleta di Fano è stato rappresentato nel carro allegorico "Sotto l'Adriatico dipinto di blu" in occasione del Carnevale di Fano del 1990.

Prompt: In Victorious Youth, how is the Curiosity discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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La morte del giovane Barra

Il dipinto non è che un abbozzo che rappresenta un ragazzo nudo e androgino. È appena stato ferito e agonizza, giacendo in una posizione languida. Al petto stringe una coccarda tricolore e una lettera, che rievoca senza dubbio una lettera indirizzata a sua madre, citata nella lettera del suo capo Desmarres alla Convenzione.Talvolta la sua nudità è stata giustificata come il risultato della rimozione delle sue vesti da parte dei suoi assassini. Per la storica Raymonde Monnier, introdurre l'aneddoto all'opera in questo modo è di scarso interesse, vedendoci piuttosto uno "schizzo simbolico". Per altri questa scelta accosta il tamburino agli eroi dell'arte classica greca.Lo storico Jean-Clément Martin, uno specialista della rivoluzione francese e della sua memoria descrisse così l'emozione che lo colse di fronte a questo dipinto e il senso che gli diede:Con la posa del corpo e la rappresentazione androgina, quest'opera si oppone ai dipinti storici relativi alla morte di Bara dipinti dagli artisti repubblicani negli anni 1880.Nel suo libro del 1989 Il ratto di Ganimede, Dominique Fernandez ne fa una delle testimonianze del nudo maschile omosessuale con un pretesto eroico nell'arte neoclassica, assieme ai Funerali di Patroclo e Il compianto di Andromaca sul corpo di Ettore.

Prompt: How does The Death of Young Bara explain its Description?Please output in Italian.


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Ritratto di Bartolomeo Bonghi

tela che raffigura il prelato Bartolomeo Bonghi, ha avuto numerosi rimaneggiamenti è però da considerarsi una delle migliori opere ritrattistiche dell'artista albinese, ed è un omaggio alla carica di rettore del soggetto del 1563 evidenziato in ogni particolare, dal libro che tiene in mano, alla configurazione del paesaggio alla finestra, all'età che il personaggio raffigura sicuramente sufficientemente giovanile.Bartoloneo Bonghi è raffigurato di tre quarti, seduto su una dantesca, ma con lo sguardo frontale, rivolto all'osservatore, nell'atto di aver temporaneamente abbandonato la lettura del libro che tiene in mano e di cui tiene indice con il dito medio, perché disturbato da una presenza.  capigliatura riccia sfugge dal copricapo, e la barba rossiccia è folta e ben curata. Il soggetto è sicuramente un uomo di particolare rilievo pubblico. <br>Sul frontespizio del libro è leggibile la scritta PLAV I. sup.I. / I.ff.si q[ui]s Ius / dic[enti]. non obtempe[raverit]; indicherebbe l'opera di Camillo Plauzio Pezone, docente ordinario di diritto civile a Pavia, opera pubblicata nel 1553, anno in cui il Bonghi era rettore universitario. Il Moroni fa quindi omaggio alla sua carica, anche se con datazione precedente la realizzazione del dipinto. Questo particolare creerà difficoltà nella giusta collocazione temporale del dipinto, che però, per le sue caratteristiche di materiale e di qualità è conferibile al 1561-1562.Il Moroni cura moltissimo i particolari dell'abbigliamento del prelato. Indossa una ricca zimarra nera di raso, ornata con un'ampia pelliccia da dove compaiono i profili bianchi del colletto e della camicia arricciati. Sul capo porta un berretto piuttosto floscio a forma di tricorno di vellutoA destra del soggetto si apre una luminosa finestra dove è visibile la torre del palazzo del comune e i fabbricati vicini.  torre è raffigurata in uno stato di abbandono, cresce infatti una pianta sulla sua cima. Sicuramente al tempo della realizzazione dell'opera la torre non aveva più queste caratteristiche, ma il Moroni volle identificare il tempo di quando il Bonghi era rettore a Pavia, tutta la tela è quindi un rendere omaggio al prelato bergamasco, probabilmente molto considerato al tempo dell'artista.

Prompt: Focus on Portrait of Bartolomeo Bonghi and explain the Description.Please output in Italian.


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Polittico dei Sette Dolori

Le altre tavolette si trovavano a Wittenberg, sede del castello di Federico il Saggio, finendo nel 1640 nella Kunstkammer del principe di Sassonia. Vennero restaurate a metà del Novecento, migliorandone le condizioni generali, pur senza però risolvere i dubbi attributivi. { border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! # !! Immagine !! Soggetto !! # !! Immagine !! Soggetto- 1 150px  Circoncisione di Gesù  5 150px  Cristo inchiodato sulla croce- 2 150px  Fuga in Egitto 6 150px  Crocifissione- 3 150px  Cristo tra i dottori 7 150px  Deposizione- 4 150px  Via Crucis   }

Prompt: Describe the characteristics of the Seven Sorrows of Mary in Seven Sorrows Polyptych's History and description.Please output in Italian.

1640
Federico il Saggio
Sassonia
Wittenberg


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Madonna della Cesta

Il fulcro del dipinto è rappresentato dal rapporto affettuoso che lega la Vergine al Bambino, dal suo dolce provare a vestirlo della piccola camicia azzurra che ha appena finito di cucire. Il cesto del cucito con le forbici ben visibili sta ad aprire il dipinto sulla sinistra e per quanto sia possibile leggervi allusioni simboliche il suo ruolo è soprattutto quello di dotare l'immagine di un convincente "effetto di reale". Rappresentando la Vergine giovanissima, quasi adolescente, mentre ha appena accantonato gli strumenti del lavoro di cucito, il Correggio riesce a calare la storia sacra in una cornice di semplice e accattivante quotidianità. Gesù è vero uomo, secondo l'evidenza maschile del corpo, eppure la madre gli ha preparato un doppio vestimento in segno delle due nature, umana e divina, che egli porta in sé.  verità del suo destino viene espressa dal suo aprire le braccia in croce, mentre la piccola mano destra benedice col simbolo trinitario.Particolarmente per lo sfondo, dove si intravede san Giuseppe, è possibile far riferimento ai modelli nordici, segnatamente a un'incisione di Dürer che forse il Correggio ebbe modo di conoscere, la Sacra Famiglia in Egitto.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna of the Basket (Correggio).Please output in Italian.


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Tre filosofi

Stefano Zuffi, Grande atlante del Rinascimento, Electa, Milano 2007. ISBN 978-88-370-4898-3 Alessandra Fregolent, Giorgion, Anna Sara the best, Electa, Milano 2001. ISBN 88-8310-184-7 Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0Augusto Gentili, Giorgione, Firenze, Giunti, 1999 .

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Three Philosophers.Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: In the context of Epifania, explain the In  the  Eastern  Churches and the Theology.Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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Ritratto di Maria Antonietta con la rosa

Maria Antonietta d'Asburgo-Lorena Élisabeth Vigée Le Brun Reggia di Versailles

Prompt: How does Marie Antoinette with a Rose explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Maria Antonietta d'Asburgo-Lorena
Reggia di Versailles
Reggia di Versailles
Élisabeth Vigée Le Brun


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Vertumno

Il nome Vortumnus deriva molto probabilmente dall'etrusco Voltumna.  sua formazione in latino è stata probabilmente influenzata dal verbo latino vertere che significa "cambiare", da cui la forma alternativa Vertumnus. Le etimologie antiche si basavano su somiglianze sonore spesso superficiali piuttosto che sui principi della moderna linguistica scientifica, ma riflettono le antiche interpretazioni della funzione di una divinità. Scrivendo della festa di Vesta nel suo poema sul calendario romano, Ovidio ricorda un tempo in cui il foro era ancora una palude e "quel dio, Vertumno, il cui nome si adatta a molte forme, / non era ancora chiamato dall'arginare il fiume" .Il culto di Vertumno arrivò a Roma intorno al 300 a.C. e un tempio a lui dedicato fu costruito sull'Aventino nel 264 a.C., data in cui Volsinii  cadde sotto i Romani, cosicché il dio protettore di Volsinii fu "trasferito" . Anche Properzio, la principale fonte letteraria per il dio, afferma che il dio era etrusco e proveniva da Volsinii.Properzio fa riferimento a una statua di bronzo di Vortumno realizzata dal leggendario Mamurio Veturio, a cui si attribuiscono anche i dodici scudi rituali  dei sacerdoti di Marte, i Salii.  statua di bronzo sostituì un'antica statua di acero che si supponeva fosse stata portata a Roma ai tempi di Romolo.  statua di Vortumnus  si trovava in un semplice santuario situato presso il Vicus Tuscus, vicino al Foro Romano, ed era decorata in base all'alternarsi delle stagioni. Nel suo poema sul dio, Properzio fa parlare la statua di Vortumno in prima persona come se fosse un passante. base della statua fu scoperta nel 1549, forse ancora in situ, ma da allora è andata perduta. Un'iscrizione commemora un restauro della statua sotto Diocleziano e Massimiano all'inizio del IV secolo.

Prompt: In Vertumnus (Arcimboldo), how is the Worship origin discussed?Please output in Italian.

264 a.C.
300 a.C.
Aventino
Diocleziano
IV secolo
Mamurio Veturio
Massimiano
Salii
Vicus Tuscus
Volsinii
Voltumna


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Il valzer

Vista posteriore della versione in gesso del 1893 .L'opera, come concepita originariamente, raffigura due figure nude, un uomo e una donna, che ballano, congelati nel tempo in un abbraccio amoroso.  testa della donna poggia teneramente sulla spalla destra dell'uomo, con i loro corpi che si uniscono fluidamente in una forma unica mentre l'uomo gira la testa verso il volto della donna come per baciarla.Claudel continuò a lavorare a questo soggetto per molti anni, cercando infine una commissione pubblica per creare una versione marmorea. Il suo modello in gesso venne visto dal Armand Dayot nel 1892, che ne ammirò la sensualità e la modellazione delle figure ma lo definì inaccettabile per una mostra a causa dell'indecenza dei due danzatori nudi. Nonostante il sostegno di Rodin, il ministero rifiutò la commissione di una versione in marmo. Imitando il riuso di figure da sculture precedenti nelle opere tardive di Rodin, Claudel adattò la figura femminile dal Valzer nella figura della Fortuna di una sua fusione in bronzo del 1904.

Prompt: In The Waltz (Claudel), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Nascita di Venere

composizione è estremamente bilanciata e simmetrica: il soffio vitale offerto dai due venti e la ninfa sono i due lati ideali di un triangolo al vertice del quale si pone Venere che diviene quindi l'elemento mediano dell'intera scena. Ciò può anche sottintendere la necessità di equilibrio nell'esperienza amorosa, tra passione fisica e purezza spirituale, tra esaltazione dei sensi e elevazione dell'animo. Le figure ai lati di Venere compiono infatti azioni contrapposte, ma equilibrate nell'insieme.Botticelli, seguendo probabilmente le istruzioni del De pictura di Leon Battista Alberti, limitò il numero delle figure e rese autonomi tutti gli elementi della composizione, quasi come semplicemente giustapposti.

Prompt: In The Birth of Venus (Bouguereau), how is the Composition of the Description explained?Please output in Italian.


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San Girolamo leggente in un paesaggio

Il dipinto, attribuito a volte a un seguace, raffigura san Girolamo nel suo ritiro nel deserto siriano, durante il quale tradusse la Bibbia in latino. In sua compagnia è mostrato il leone dalla cui zampa il santo estrasse una spina. In lontananza si intravede una città simile per aspetto alle città murate dell'entroterra veneto.Sono note anche altre versioni dell'opera.

Prompt: In Saint Jerome Reading in a Landscape, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia con le tre lepri

Prompt: Focus on The Holy Family with Three Hares and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: How does Triptych of the Temptation of St. Anthony explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Ritratto d'uomo Grimani

Da uno sfondo scuro emerge il busto di un personaggio maschile, col busto ruotato a destra e la testa, sovrappensiero, che ruota verso lo spettatore, sebbene lo sguardo sia abbassato e non cerchi un contatto. L'immediatezza della rappresentazione, ottenuta facendo sfilare al giovane il guanto, è tipica della ritrattistica di Tiziano. L'abbigliamento del giovane  e la sua capigliatura , rimandano alla moda degli anni dieci/venti del Cinquecento.Le condizioni conservative della tela non sono buone, per le abrasioni; inoltre è stata decurtata nella parte inferiore: probabilmente il gomito sinistro poggiava su un parapetto, dando ancora maggiore enfasi al gesto di sfilare il guanto.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of a Man (Titian, New York).Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the New Testament of this artwork, The Last Supper (Ghirlandaio).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Madonna zingarella

Madonna "zingarella" è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1512 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Gypsy Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the The influence of photography and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Battaglia di Cascina

Da Luglio 2004 a Luglio 2019 si è svolta annualmente una due giorni per rievocare la Famosa battaglia di Càscina del 1364 tra Pisani e Fiorentini, riportando così il borgo di Càscina al tempo del 1364, vivendo durante l'iniziativa il passato che fu, e consentendo anche ai visitatori di immergersi nell'atmosfera della battaglia.Ogni anno il centro storico di Càscina si è popolato di artigiani, mercanti, armati, giullari, cavalieri, dame e contadini, tutti collocati in uno scenario storico di suggestive ambientazioni, musiche, cibi e bevande del tempo. Fu ricostruito anche il campo dove alloggiavano i cavalieri con i loro scudieri. Durante la due giorni si sono svolti tornei di tiro con l'arco, duelli di scherma medievale, sfilate, evoluzioni di bandiere ed uno spettacolo interattivo.

Prompt: Focus on Battle of Cascina (Michelangelo) and explain the Reenactment of "The Battle of Cascina - A.D. 1364" (2004-2019).Please output in Italian.


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Statua di Millicent Fawcett

Il redattore artistico della BBC News Will Gompertz ha assegnato alla statua cinque stelle nella sua recensione, affermando che prima dell'inaugurazione, le uniche statue che spiccavano nella piazza erano quelle di Winston Churchill e di David Lloyd George. Ha elogiato la concezione generale del progetto e ha definito lo striscione convincente, ipotizzando che il design fosse stato influenzato dall'opera di Wearing dei primi anni '90 Signs That Say What You Want Them To Say And Not Signs That Say What Someone Else Wants You To Say in cui aveva scattato una serie di fotografie di estranei che mostrano i loro pensieri personali sui pezzi di cartoncino bianco. Nel complesso, ha ritenuto che la statua avesse un tale impatto da cambiare il contesto di Parliament Square affermando che "la statua di Fawcett fa sembrare ridicola la maggior parte delle altre, o pomposa o entrambe le cose"  e che ha dato all'area un punto focale che mancava dalla fine della protesta per la pace di Brian Haw.

Prompt: In Statue of Millicent Fawcett, how is the Reactions  Comments discussed?Please output in Italian.


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La vittoria della fede

Dopo la Seconda guerra mondiale, si pensava che tutte le copie della pellicola, inclusa quella personale di Riefenstahl, fossero andate distrutte. Negli anni Ottanta, tuttavia, venne trovata una copia negli archivi cinematografici della Repubblica Democratica Tedesca.  copia personale di Leni Riefenstahl venne poi ritrovata in Regno Unito e in seguito venne rimasterizzata.

Prompt: Focus on The Victory of Faith (painting) and explain the Conservation.Please output in Italian.

Repubblica Democratica Tedesca
Leni Riefenstahl
Regno Unito
Repubblica Democratica Tedesca
Seconda guerra mondiale


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Focus on Crucifixion (Antonello da Messina) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Didone

Dante nella Divina Commedia colloca Didone nel Canto V dell'Inferno, in compagnia dei celebri Paolo e Francesca, nella schiera degli spiriti lussuriosi. Nel canto Dante inizialmente non cita per nome Didone, ma la descrive mediante una perifrasi che ne indica i peccati e il nome del marito ; successivamente, sempre nello stesso canto, viene nominata esplicitamente da Virgilio . Didone, infatti, legandosi a Enea si rese colpevole del tradimento della memoria del marito morto Sicheo, e infine si tolse la vita una volta che Enea l'abbandonò per continuare il viaggio indicatogli dagli dèi.Al contrario San Girolamo nellAdversus Jovinianum, in particolare nel cap. 43 del primo libro intitolato Viduae gentiles, aveva esaltato l'immagine di una Didone fedele a Sicheo; Petrarca e Boccaccio si riallacciarono a tale rielaborazione patristica del mito della regina fenicia, e la dipinsero anche loro come una casta vedova.Il topos letterario della donna abbandonata, di cui Didone fa parte, ha viaggiato nella letteratura fino ad Ungaretti in età moderna. Dalla Medea di Euripide, e Apollonio Rodio , fino allArianna di Catullo del carme LXIV e alla Didone virgiliana e a quella ovidiana della VII epistola, a tutti gli effetti più donna che regina.Come sopradetto, la tradizione romana ha successivamente indicato Didone come antenata di Annibale Barca, tuttavia, l'ipotesi più accettata dagli storici contemporanei, invece, afferma che la famiglia di Annibale fosse di umili origini. Molto più tardi, anche la regina Zenobia di Palmira si proclamò discendente ed erede politica di Didone, ponendosi in una prospettiva anti-romani.

Prompt: In Dido (Fuseli), how is the Subsequent reworkings of the myth discussed?Please output in Italian.

Annibale
Annibale
Divina Commedia
Enea
Euripide
Medea
Palmira
Paolo e Francesca
San Girolamo
Zenobia


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Gelosia

Emozione Amore Sindrome di Otello Femminicidio

Prompt: Focus on Jealousy (Munch) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Amore
Emozione
Femminicidio
Otello
Sindrome di Otello


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Madonna delle Grazie

città di Centuripe venera la Vergine delle Grazie l'otto di settembre. Il culto nasce quando nel 1534 il francescano Andrea del Guasto fondò la congregazione dei monaci di Sant'Agostino di Centorbi e fece costruire una specie di grotta dove andavano proprio i monaci a pregare. L'idea gli venne dopo che un giorno, camminando tra i ruderi della vecchia Kentoripa con il suo asino, vide qualcosa luccicare tra le rovine: si avvicinò e vide che era un quadro raffigurante Maria con il bambino. Il francescano lo prese con sé e a esso diede l'appellativo di "Madonna di Chiarastella", successivamente venerato come la Madonna delle Grazie. Lì dove lo trovò, il monaco decise di costruire una chiesetta in onore alla Madonna e lo stesso quartiere dove ora si trova la chiesetta si chiama proprio "la Madonna".

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Centuripe of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi nella neve

Prompt: Focus on Adoration of the Magi in a Winter Landscape and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Incile del Fucino

statua della Madonna dell'Incile è un'opera in stile neoclassico progettata dall'architetto Carlo Nicola Carnevali, realizzata con blocchi di pietra locale prelevati dalle cave situate nel monte Salviano sul versante di Capistrello. Si tratta delle stesse rocce utilizzate per le infrastrutture dell'incile e del nuovo emissario.  statua sovrasta il corpo di fabbrica dell'incile. Innalzata su un piedistallo è alta circa sette metri e raffigura l'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria. Alla base della statua è stato fissato uno spicchio di luna, mentre sul capo della Vergine si trova una corona di dodici stelle. Questi elementi in bronzo richiamano l'apocalisse biblica. In basso, sulla facciata del corpo di fabbrica rivolta verso il Fucino, è incisa l'iscrizione latina con le date di inizio e fine dei lavori .   statua presente è la copia identica di quella originale che crollò nel sottostante gorgo delle acque in seguito al terremoto del 1915. Di questa restano alcuni frammenti esposti nel parco circostante e in quello di Villa Torlonia ad Avezzano.

Prompt: In the context of Fucine Inlet, explain the Madonna of the Incile and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Avezzano
Capistrello
Carlo Nicola Carnevali
Fucino
Immacolata Concezione
Incile
Torlonia


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In barca ad Argenteuil

Argenteuil era un ridente sobborgo di campagna sulle rive della Senna assiduamente frequentato sia da Claude Monet, che vi si stabilì, che da Pierre-Auguste Renoir. Anche Manet si recò spesso in questo villaggio a partire dal 1874, approfondendo in questo modo la sua relazione con l'Impressionismo: fu in quell'anno, non a caso, che realizzò In barca ad Argenteuil, tela particolarmente pregevole perché pulsante di una luminosità inedita, forte, come mai era successo nella oeuvre del pittore.Nell'opera, costruita con rapida disinvoltura, si respira un'aria nuova, reale. Il soggetto è una coppia di borghesi di Parigi che, fuggiti dall'effervescente caos della metropoli, si sono lasciati conquistare dagli ozi campagnoli della bella stagione. Al timone c'è lui, un uomo impersonato dal fratello della moglie Suzanne che veste un cappello adornato da un flessuoso nastro blu ed una fresca camicia alla marinaia: della compagna, che per l'occasione è abbigliata con un panneggio leggero dalle tinte piacevolmente fredde, non conosciamo invece l'identità. I due sono ritratti con vivace naturalezza, senza filtri e senza pose, così come l'imbarcazione, che fuoriesce dai bordi del quadro, secondo un'impostazione compositiva che denuncia l'influenza della nascente fotografia e delle stampe giapponesi . Il punto d'osservazione cade particolarmente in alto, tanto che il fiume si disperde con disinvoltura verso l'orizzonte, «assume[ndo] la sconfinata vastità di un mare» .L'eccezionalità tecnica della tela è ravvisabile soprattutto nella veste azzurra della donna, dove il tocco sintetico di Manet rinuncia ai forti contrasti chiaroscurali e assume una vibrazione senza precedenti grazie al sapiente intreccio di virgolettature azzurre, blu, violette, ocra e bianche. I due personaggi, poi, sono completamente immersi nella natura e assecondano i più rigorosi dettami della pittura en plein air. Peculiare risulta essere anche la schiena dell'uomo, quasi abbagliante per la sua luminosità. Nonostante queste significative aperture alla tecnica impressionista Manet non rinuncia però a una propria autonomia stilistica, ravvisabile soprattutto nelle campiture estese e compatte di colore. Ciò, tuttavia, sfuggì ai detrattori che, quando l'opera fu esposta al Salon del 1879, rimproverarono Monet di utilizzare gli occhi a scapito del cervello. Ad apprezzare il dipinto all'epoca vi fu solo Joris-Karl Huysmans, letterato naturalista che difese il diritto del pittore di dipingere quel che vedeva: anche Manet approvava questa tesi, affettuosamente insegnata già dieci anni addietro all'allieva Eva Gonzalès.

Prompt: In Boating (Manet), how is the Description discussed?Please output in Italian.

1874
Claude Monet
Eva Gonzalès
Joris-Karl Huysmans
Pierre-Auguste Renoir


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Apollo dell'Omphalos

statua è stata ritrovata in vari frammenti, come nel caso dei piedi dalle caviglie in giù e delle braccia al di sotto dei gomiti. Il naso e la bocca sono mancanti, mentre parti delle cosce e della parte superiore del braccio sinistro necessitarono di un restauro.

Prompt: Explain the Conditions about the Description of this artwork, Apollo Omphalos (Athens).Please output in Italian.


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Conseguenze della guerra

Sullo sfondo, a sinistra, l'edificio con le porte spalancate è il tempio di Giano, inaugurato secondo il mito dal re Numa Pompilio: il tempio veniva lasciato aperto in tempo di guerra per permettere al dio di uscire ed assistere i suoi soldati, mentre restava chiuso in tempo di pace perché il protettore dell'Urbe non potesse uscirne. Le porte aperte significano quindi che il quadro è stato dipinto in occasione di un periodo bellico.

Prompt: Describe the characteristics of the Background in Consequences of War's Description.Please output in Italian.


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Ritratto del cardinale Cristoforo Madruzzo

Di ritorno del un secondo soggiorno ad Augusta nel 1551 Tiziano è chiamato a Trento per realizzare il ritratto del cardinale Cristoforo Madruzzo che fu membro del Concilio di Trento il più lungo e storico della Chiesa. Madruzzo commissionò all'artista un imponente quadro dell'intera sua figura con aspirazioni politiche ed ecclesiastiche che furono concretizzate.Di particolare attenzione è rivolta dal fatto che Madruzzo non indossava l'abbigliamento da cardinale sebbene fosse stato nominato nella carica nel 1542. Probabilmente fu il Madruzzo a decidere un ritratto con un abito nero invece di cardinale poiché aveva il ruolo di mediatore tra la Chiesa cattolica e il Re di Spagna i cui interessi erano allora in conflitto.Ecco perché ha deciso di non utilizzare l'abito religioso in modo da non favorire controversie tra il clero e l'imperatore Carlo I.Un altro punto saliente del ritratto è l'orologio, una posizione dominante nell'opera, alla fine della diagonale tracciata dal braccio destro dell'immagine. L'orologio è stato oggetto di varie interpretazioni. Dovrebbe simboleggiare, in modo generico, un memento mori, un avvertimento sulla transitorietà della gloria e il bisogno di temperanza. In questo senso l'oggetto è un elemento comune della pittura veneta che appare in diversi altri ritratti di questa scuola .Secondo Harold Wethey il lavoro era in origine più grande essendo stato ridotto in basso e sul lato destro. Nella parte superiore dell'opera, sul lato destro, c'è l'indicazione della data , l'età della persona ritratta  oltre alla firma di Tiziano . Un restauro infruttuoso, compiuto intorno al 1907, ne compromise la piena visibilità, mitigato da un recente restauro effettuato tra il 1992 e il 1995 e realizzato dal Getty Museum di Los Angeles.

Prompt: Focus on Portrait of Cardinal Cristoforo Madruzzo and explain the Description and style.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio di Trento
Cristoforo Madruzzo
Getty Museum
Harold Wethey
Los Angeles
Trento


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Madonna di Darmstadt

A destra ed a sinistra della composizione si trova un muro, sullo sfondo, dietro il quale si suggerisce la presenza di un giardino con alberi di fico, che può essere considerato un hortus conclusus come metafora del Giardino dell'Eden, il Paradiso. A differenza di altri ritratti di Maria, come nel caso de  Madonna delle rose di Stefan Lochner, qui la Madonna si trova posta fuori dal giardino del Paradiso ed è inquadrata in una struttura che la qualifica come porta coeli, la porta del Paradiso.

Prompt: Explain the Lemur Jerusalem celestial about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Les demoiselles d'Avignon

gestazione delle Demoiselles d'Avignon fu davvero lunga, Picasso realizzò oltre duecento schizzi e disegni prima di giungere alla versione finale dell'opera, che rimase nell'atelier dell'artista fino al 1916, anno in cui venne esposta per la prima volta. Va precisato che l'esecuzione di tali bozzetti preparatori comincia subito dopo la separazione da Fernande Olivier, un evento traumatico per l'artista, che coincide con un periodo in cui egli era dedito alle ricerche formali. Dopo aver mostrato il quadro agli amici dovette affrontare numerose critiche, poiché il dipinto fu tacciato di immoralità. Matisse, Braque, Derain, vari collezionisti tra cui Gertrude Stein, Leo Stein, Sergej Ščukin, il gallerista Kahnweiler e il pittore Uhde non compresero immediatamente le innovazioni di Picasso. Matisse, che fu tra i più sdegnati, definì il dipinto addirittura come un oltraggio per il movimento artistico moderno. Il punto di partenza per la realizzazione di quest'opera è ancora segnato dalla malinconica predilizione di squallidi ambienti, che contraddistinguono la sua produzione precedente.Si pensa che Maurice Vlaminck abbia introdotto Picasso all'antica scultura africana di tipo Fang nel 1904.  scultura Fang del XIX secolo è simile nello stile a ciò che Picasso vide a Parigi poco prima de Les Demoiselles d'Avignon.  maggior parte del dibattito critico negli anni si è concentrato sul tentativo di identificare la molteplicità di stili all'interno dell'opera: l'opinione dominante per oltre cinque decenni, esposta in particolare da Alfred Barr  è stata che l'opera si può interpretare come una prova del periodo di transizione nell'arte di Picasso, uno sforzo di connettere i suoi primi lavori al cubismo, uno stile a cui avrebbe collaborato e sviluppato per i seguenti cinque o sei anni.Nel 1974, tuttavia, il critico Leo Steinberg, nel proprio saggio The Philosophical Brothel, propose una spiegazione completamente diversa per il gran numero di attributi stilistici. Basandosi su precedenti studi preparatori, ignorati completamente da molti critici, sostenne che la varietà di stili può essere vista come un deliberato tentativo, finemente pianificato, di catturare lo sguardo di colui che guarda. Scrutò che le cinque donne sembrano ignorarsi l'un l'altra. Piuttosto, si focalizzano solo su chi osserva e gli stili divergenti coi quali furono realizzate, collaborano a renderle più facilmente notabili. Secondo Steinberg, lo sguardo obliquo, ovvero il fatto che le figure guardino direttamente l'osservatore, così come l'idea della donna così padrona di sé, che non è presente solo per il piacere maschile, possono essere fatti risalire allOlympia di Manet.I primi disegni di quest'opera, rappresentano, appunto, anche due uomini, un marinaio e uno studente di medicina con un libro o un teschio in mano, cosa che portò Barr e altri ad interpretare il dipinto come un memento mori. Rimane traccia della loro presenza in un tavolo al centro: lo spigolo sporgente vicino al fondo della tela. L'osservatore, secondo Steinberg, sta ora al posto dei due uomini seduti, obbligato ad affrontare la vista delle prostitute dritto di fronte a sé, evocando così letture molto più complesse di una semplice allegoria o di un'interpretazione autobiografica che tenta di comprendere l'opera in relazione alla storia di Picasso con le donne. Un mondo di significati diviene quindi possibile, proponendo l'opera come una meditazione sui pericoli del sesso, il "trauma dello sguardo", secondo una definizione di Rosalind Krauss, e la minaccia della violenza inerente alla scena e al rapporto sessuale in generale.

Prompt: How does Les Demoiselles d'Avignon explain its History analysis?Please output in Italian.

1974
Fernande Olivier
Gertrude Stein
Leo Steinberg
Parigi
Rosalind Krauss
Sergej Ščukin


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Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: Explain the Medallions and brooches about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Monument to Giordano Bruno.Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna del Granduca

Non è nota la provenienza originaria del dipinto, eseguito probabilmente per una destinazione privata dal giovane Raffaello, giunto da poco a Firenze, verso il 1504. Fu acquistata alla fine del Settecento da Ferdinando III di Lorena, granduca di Toscana, su segnalazione del direttore delle Gallerie Fiorentine Tommaso Puccini. Nel 1799 è ricordata per la prima volta con certezza, quando Ferdinando, che era attaccatissimo all'opera tanto da portarla con sé anche in viaggio, se la fece spedire a Vienna, dove era riparato durante l'invasione napoleonica. L'opera ha assunto il suo nome proprio dalla predilezione che Ferdinando III aveva per essa.Nel 1800 è ricordato un restauro di Vittorio Sampieri e dal 1815 fu sistemata a Palazzo Pitti nell'appartamento granducale, nella camera da letto, e poi in una delle sale affrescate da Pietro da Cortona, dove oggi si trova nella Galleria. Nel 1821 fu trasferita temporaneamente agli Uffizi, dove Luisa Seedler ebbe l'autorizzazione di copiarla. Nel 1830 è di nuovo a Pitti, prima nella camera dell'arciduchessa Maria Luisa, poi in quella della granduchessa Maria Antonia. Negli inventari successivi è ricordata nella Sala di Apollo, nella Sala dell'Educazione di Giove  e infine nella Sala di Saturno dalla fine del XIX secolo, dove si trova tutt'oggi.L'attribuzione a Raffaello non è mai stata messa in dubbio, anzi è una delle più famose Madonne dipinte dal pittore. Si è dibattuto però sull'autografia dello sfondo scuro, che gli studi più recenti sembrano attribuire a un ripensamento dell'artista, assieme ad alcune pennellate scure che modellano il velo e i capelli. Una radiografia ha infatti svelato un diverso fondale originario, con una finestra ad arco sul lato destro e, poco sotto, un gradino o un sedile che attraversava orizzontalmente tutto il dipinto.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna del Granduca.Please output in Italian.


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Ugolino e i suoi figli

Il Carpeaux vinse il Prix de Rome nel 1854. Durante il suo soggiorno a Roma, si stabilì all'Accademia di Francia a Roma, istituzione ospitata a Villa Medici, e analizzò le opere di Michelangelo. LUgolino di Carpeaux ha come riferimento la fisicità delle figure michelangiolesche, in particolare si rifa al Giudizio Universale della Cappella Sistina. L'anatomia dei bambini si basa su osservazioni naturalistiche, abbozzando bambini morenti per la preparazione dell'opera. Carpeaux concluse il gruppo nell'ultimo periodo di residenza all'accademia a Roma. scultura fu fusa nel bronzo nel 1863, da parte del Ministero della cultura francese ed esposto nel Palazzo delle Tuileries, assieme ad una replica del ocoonte. Una versione in marmo è stata completata a Parigi sotto la supervisione dell'artista affinché il proprietario della cava di marmo di Saint-Béat potesse esibirla all'Esposizione universale del 1867. Tale versione è stata in seguito acquistata dal Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: How does Ugolino and His Sons (Carpeaux) explain its Version of the work?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Metropolitan Museum of Art
New York
Palazzo delle Tuileries
Parigi
Prix de Rome
Roma
Saint-Béat
Villa Medici


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Tristezza

Tutta la muscolatura facciale è coinvolta durante un'espressione di tristezza: i muscoli perdono di rigidità, talvolta manifestando inespressività, la fronte tende a corrugarsi, gli angoli della bocca sono rivolti verso il basso.

Prompt: In the context of The Sorrows of the King, explain the Facial muscles and the Neuroanatomy.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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August Blue

Il quadro raffigura quattro maschi adolescenti mentre stanno facendo il bagno nel porto cittadino; uno si trova immerso fino alla vita nell'acqua marina e sta aggrappato ad un lato della barca a remi in cui si trovano gli altri tre suoi amici. Il primo di loro sta in piedi nella barca con in mano un panno od asciugamano; gli altri due stanno seduti, uno appoggiato allo schienale a poppa a prendere il sole e l'altro sporgendosi con i remi stretti in pugno.I primi tre appaiono come completamente nudi, mentre il quarto di loro indossa una camicia blu e un gilet di colore marrone. Il colore dominante, che si riflette nel titolo stesso dell'opera, è il blu-azzurro: il cielo che sta sopra i ragazzi, con una luce dorata atta a creare coloriture luminose; vi sono poi le acque azzurro cristalline del mare, con solamente un'ombra verdastra prodotta dall'imbarcazione. Altre barche con le vele quadre o ammainate o ancorate sullo sfondo. composizione è molto accurata nel mostrare i corpi sani e giovani dei protagonisti, in uno stile fresco e tutto moderno, che può essere sicuramente contrapposto ai modelli del neoclassicismo del tutto privi di vitalità e ancora ampiamente raffigurati nei dipinti accademici dell'epoca, ma anche nel precedente primissimo lavoro dello stesso Tuke.Il dipinto è percorso da un senso di ambiguità e può essere letto in odi differenti: come una celebrazione della mascolinità atletica, o come una rappresentazione della purezza ed innocenza intrinseche alla giovinezza - la nudità inconsapevole immersa in un ambiente naturale - che ricorda un mondo idilliaco rurale perduto in stile Arcadia. Tutto ciò, sommato in uno, favorisce anche una forte carica espressiva di omoerotismo sentimentale-romantico.Il titolo della tela è tratto dall'ultimo verso di "The Sundew, una poesia di Algernon Swinburne pubblicata nel 1866, che descrive un appuntamento amoroso avvenuto all'interno di una palude, testimoniato solamente da una drosera: "Thou wert not worth green midsummer / Nor fit to live to August blue, / O Sundew, not remembering her."È difficile identificare i modelli, a causa dell'abitudine del pittore d'intercambiare teste e corpi nei suoi quadri, ma uno si sa esser stato Maurice Clift, nipote d'un amico i famiglia e finito ucciso sul fronte francese durante la prima guerra mondiale; un altro è il futuro artista Lindsay Symington, che ha modellato il ragazzo che si trova immerso in acqua tenendosi aggrappato alla barca.

Prompt: How does August Blue explain its Description and style?Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Explain the Other cultures and deities about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Madonna Butler

Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: In Butler Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Schiavo giovane

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1 AA.VV., Galleria dell'Accademia, Giunti, Firenze 1999. ISBN 88-09-04880-6

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Young Slave.Please output in Italian.


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Pala dei Decemviri

L'opera, commissionata dai Decemviri di Perugia per la cappella nel Palazzo dei Priori, venne realizzata tra la fine del 1495 e il 1496 ma ebbe una storia travagliata: la pala fu inizialmente commissionata a Pietro di Galeotto, pittore locale, che abbozzò solamente l'opera e morì nel 1483. Il 28 novembre dello stesso anno la commissione fu data al Perugino che però si rese irreperibile tanto che i priori diedero l'incarico a Sante di Apollonio, che però non terminò l'opera e nel 1485 fu di nuovo Perugino a essere richiamato. Il pittore però tardò ancora e nel 6 marzo 1495 fu stipulato un nuovo contratto. Originariamente la pala era coronata da una cimasa col Cristo in pietà  oggi alla Galleria nazionale dell'Umbria.Oggetto di spoliazioni napoleoniche, venne esportato in Francia col Trattato di Tolentino per poi essere rimpatriato dopo la Restaurazione da Antonio Canova nel 1816, il quale riuscì a riportare a Roma la tavola, che — nonostante le proteste dei perugini — venne destinata dallo stesso pontefice alle collezioni del Vaticano.

Prompt: Explain the History of this artwork, Decemviri Altarpiece.Please output in Italian.

1495
1496
Antonio Canova
Galleria nazionale dell'Umbria
Perugino
Roma
Trattato di Tolentino


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neoimpressionismo

tecnica divisionista e l'approccio scientifico alla pittura di Seurat e Signac ebbe grande influenza anche su alcuni pittori italiani e questo divenne evidente nella Prima Triennale di Milano tenutasi nel 1891. Guidati da Vittore Grubicy de Dragon e codificati poi da Gaetano Previati nel suo saggio Principi scientifici del divisionismo del 1906, alcuni pittori principalmente del nord Italia sperimentarono a vario titolo queste tecniche.Pellizza da Volpedo applicò la tecnica a soggetti sociali ; in tal senso si mossero anche Morbelli e Longoni. Fu però in materia di paesaggi che il divisionismo trovò forti sostenitori tra cui Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli e Matteo Olivero. Ulteriori sostenitori al genere pittorico furono Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Camillo Innocenti, Enrico Lionne, Eugenio Cecconi e Arturo Noci. Il divisionismo ebbe anche un'influenza importante nell'opera dei futuristi, soprattutto nel primo periodo. Tra questi vi erano Gino Severini , Giacomo Balla , Carlo Carrà  e Umberto Boccioni .

Prompt: In Neo-Impressionism, how is the Italy of the Diffusion technique divisionist explained?Please output in Italian.

Angelo Morbelli
Arturo Noci
Camillo Innocenti
Carlo Carrà
Enrico Lionne
Eugenio Cecconi
Gaetano Previati
Giacomo Balla
Gino Severini
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Italia
Matteo Olivero
Plinio Nomellini
Rubaldo Merello
Triennale di Milano
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The portrait the self-portrait the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


subsection

Statua di Millicent Fawcett

destra Il memoriale di Emmeline e Christabel Pankhurst nei Victoria Tower Gardens nel 2015Nel 2014 venne intrapresa una campagna rivale che sostenne l'installazione di una statua di Emmeline Pankhurst in Parliament Square. Essa fu sostenuta dall'ex primo ministro David Cameron, dall'ex deputato Neil Thorne, dalla leader della Camera dei comuni Andrea Leadsom e dalla prima presidente donna della Camera dei comuni Betty Boothroyd. tuttavia l'iniziativa venne abbandonata poiché la statua venne ritenuta troppo piccola. I sostenitori di questa campagna commissionarono alla scultrice Angela Conner la realizzazione di una statua di Pankhurst alta 3,7 m. Si discusse inoltre dell'installazione di due statue raffiguranti sia Fawcett che Pankhurst.Gli attivisti di ambo le parti si incontrarono, ma appena dopo che Thorne ottenne l'accordo iniziale del Westminster City Council i sostenitori della statua di Fawcett si ritirarono dall'accordo. Criado Perez affermò di "non essere disposta a scendere a compromessi sul punto centrale della campagna, che era avere una statua per una nuova donna e avere una parte anteriore e centrale". Il Westminster City Council si espresse a favore della statua di Fawcett, affermando comunque che una futura statua di Pankhurst nella piazza non sarebbe stata rinviata, ma che il memoriale già presente nei Victoria Tower Gardens avrebbe dovuto essere spostato altrove.Thorne affermò che la statua di Pankhurst destinata a Parliament Square sarebbe stata invece collocata momentaneamente nel Brompton Cemetery, luogo della sua sepoltura. Oltre alla discussione sulla statua delle suffragette era in corso un'ulteriore campagna per far erigere una statua dell'ex primo ministro Margaret Thatcher nella medesima piazza. Il Consiglio respinse la proposta in quanto non soddisfaceva la regola dei 10 anni  e perché la famiglia Thatcher si era opposta al progetto.

Prompt: Describe the characteristics of the Campaign rivals in Statue of Millicent Fawcett's Description.Please output in Italian.

Andrea Leadsom
Angela Conner
Betty Boothroyd
Brompton Cemetery
Christabel Pankhurst
David Cameron
Emmeline Pankhurst
Margaret Thatcher
Neil Thorne
Parliament Square
Victoria Tower Gardens


section

Santi Giovanni Evangelista e Francesco

Leticia Ruiz Gomez, El Greco en el Museo Nacional del Prado: catálogo razonado, Museo Nacional del Prado, Madrid, 2007, pp. 226-228. ASIN: B0063U42YG

Prompt: How does Saint John the Evangelist and Saint Francis explain its Bibliography?Please output in Italian.