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sepolcro di Alessandro VII

Il sepolcro di Alessandro VII è il monumento funebre di papa Alessandro VII Chigi , fastosa opera di Gian Lorenzo Bernini realizzata dal 1672 al 1678 sui disegni e bozzetti dell'anziano artista, con la collaborazione dei suoi allievi; si trova nell'ambulacro della basilica di San Pietro in Vaticano, superato il transetto sinistro, sopra una porta lignea che conduce verso l'esterno, nella Città del Vaticano. Il sepolcro si differenzia di quello di papa Urbano VIII, eseguito dallo stesso Bernini per la medesima basilica di S. Pietro, ma anche da altri, che mostrano il papa seduto imperiosamente sul proprio trono. Il monumento è infatti composto da una statua raffigurante il pontefice umilmente inginocchiato in preghiera, il cui basamento sovrasta un ampio ed elegante drappo in marmo rosso, sul quale si appoggiano quattro statue femminili che impersonificano le virtù praticate da papa Alessandro. In primo piano a sinistra c'è la Carità con un bambino in braccio. A destra si trova la Verità, con un piede posato sopra un globo; si ritiene che sotto l'alluce, in corrispondenza dell'Inghilterra, vi sia una spina che rappresenterebbe la sofferenza causata al papa dall'espansione dell'anglicanesimo. In secondo piano, rispettivamente a sinistra e a destra, si trovano Giustizia e Prudenza; le statue sono in marmo bianco, in netto contrasto cromatico con il rosso del panneggio realizzato in diaspro siciliano, e il verde e il nero dei marmi utilizzati per le parti architettoniche del monumento, come il basamento su cui prega Alessandro. Al centro, da sotto il drappo marmoreo emerge, con il capo ancora parzialmente celato come a volersene liberare, uno scheletro che impugna, sollevandola nella mano destra, una clessidra in bronzo dorato, simboleggiante lo scorrere lento, ma continuo, della vita; si tratta di un tema caro all'iconografia del periodo barocco, che si richiama alla «vanitas vanitatum». Il monumento è considerato come uno tra i più spettacolari esempi del Barocco romano, sia per la bellezza della composizione, articolata su più livelli, sia per l'armonioso accostamento dei marmi policromi utilizzati per le diverse parti che lo compongono. tomba viene commissionata, come era solito fare, ancora quando il papa era in vita: soltanto dopo molti anni e variazioni al progetto, il nipote del papa, Flavio Chigi, si caricò dell'onere finanziario. Sono noti solo tre disegni  e tutti prevedono l'utilizzo della porta: in origine infatti il muro era stato predisposto e considerato ad ospitare solo dipinti, ma nel 1606 Cigoli autorizza l'uso della zona per tombe papali e pensa di smantellare la porta. Nel primo disegno noto; Bernini sembra alquanto in difficoltà con la porta e tenta di coinvolgerla facendovi appoggiare un braccio di una Virtù, anche se è un'azione priva di utilità, cioè è solo un espediente per inserire la porta nella composizione.  "porta" viene così a rappresentare sempre più la porta-passaggio dell'aldilà, ma non conduce al sepolcro di Alessandro VII, nascosto sotto il diaspro rosso siciliano.  figura della Morte non è ancora presente nel primo disegno, lo sarà nei due disegni successivi. In questi due ultimi disegni l'arco "trionfale" che prima era piatto, una semplice nicchia, ora è disegnato in prospettiva. Il secondo disegno per la tomba di Alessandro VII è l'ultima approvata dal pontefice prima della sua morte.  posizione non-frontale del papa suggerisce che la tomba era originariamente destinata al posizionamento intorno a una porta più vicina all'abside, in modo che la figura potesse mostrare riverenza verso la Cattedra. C'è da notare che le Virtù dal secondo al terzo disegno divengono via via meno visibili. È possibile che il papa le volesse incluse, e Bernini no, ma deve averle incluse nella composizione finale o per guadagnare di più sul compenso o anche per onorare il mecenate a lui tanto prezioso, dato che Alessandro VII morì dopo il compimento del secondo disegno e perciò Bernini deve aver avuto un po' più di libertà rispetto al progetto della tomba di Urbano VIII.  Globo sotto il piede di VeritàLe Virtù a mezzo busto sono al di sopra del livello degli occhi di tutti gli spettatori, e di conseguenza queste figure sono quasi invisibili, al punto che Howard Hibbard le definì "ripensamenti scomodi".  Prudenza è dietro la Carità e la Giustizia è dietro la Verità, così da far intendere che la Giustizia è guidata dalla Verità e la Prudenza è guidata dalla Carità. Gli attributi di un sovrano  sono secondari, sottolineando il ruolo primario di Alessandro come capo spirituale . Giuseppe Mazzuoli ha creato la Carità seguendo i modelli di Bernini;  non è in lutto per la morte del papa, ma si muove con gioia verso la sua immagine e la sua espressione ha fatto pensare che potrebbe simboleggiare anche la Speranza, piuttosto che la Carità, anche se sembra quasi offrire il bambino alla presenza del pontefice.  Verità fu iniziata da zzaro Morelli e completata da Giulio Cartari, "con poca latitudine per invenzioni personali o idiosincrasie" dai progetti di Bernini. Bernini infatti, secondo i documenti, non deve aver mai lavorato manualmente alla tomba affidandosi alle mani di altri, che dovevano seguire i suoi modelli e disegni, senza avere da parte loro alcuna responsabilità dal punto di vista inventivo. Originariamente nuda, la Verità viene coperta da un pezzo di bronzo dipinto di bianco  per ordine di papa Innocenzo XI. Non è una Virtù paragonabile alle altre tre, ma piuttosto l'obiettivo di una Virtù.  sua inclusione è stata di notevole importanza per Alessandro VII negli ultimi anni della sua vita: aveva quasi perso il controllo religioso della Francia di re Luigi XIV e non aveva avuto successo nel tentativo di unirsi ai paesi europei in una lotta contro i turchi. Simili insuccessi portarono umiliazione negli ultimi giorni di papa Alessandro VII. Proprio come Bernini si sentì sconfitto quando i suoi campanili furono demoliti dalla facciata della Basilica di San Pietro e usò la sua Verità svelata dal Tempo come espressione della sua ingiusta vergogna, Alessandro VII sperò che Bernini potesse rettificare la sua immagine pubblica con un'altra Verità. Il suo piede poggia su un globo, in particolare sull'Inghilterra, in riferimento ai tentativi di Alessandro VII di correggere le differenze religiose con l'inglese governato dai protestanti.  Giustizia  non è in grado di reggere la bilancia, quindi guarda con speranza alla figura davanti di lei. Inoltre, la Morte scheletrica in questa composizione, con la clessidra in mano e la faccia nascosta nelle pieghe del diaspro siciliano, recita la parte del Tempo sconfitto dalla Verità , bozzetto incompiuto autografo del Correggio).Questo progetto non deve essere stato il solito processo delle botteghe d'artista , ma un più elaborato processo con molte più persone all'opera: la Morte era stata dovuta far fondere, artigiani avevano riparato il bronzo appena fuso, qualcuno venne pagato per posizionarla, un'altra venne pagata per creare i fori per le viti, l'esecuzione. Tuttavia ciò che è fuori dall'ordinario sono due fatti: Bernini viene pagato solo nel 1672, mentre la tomba viene costruita tra il 1672-1678; Bernini quindi viene pagato solo per il disegno ma segue fino al completamento il monumento. L'altro fatto è che la Verità viene scolpita per metà da zzaro Morelli e completata da Giulio Cartari : quindi gli artisti e artigiani coinvolti avevano talmente poca libertà di esecuzione da poter essere sostituiti anche a metà lavoro). Va ricordato che era perfettamente normale l'uso di assistenti, e anzi era necessario.Bozzetto di Alessandro VII, terracotta, V&A Museum Dopo  aver stabilito il disegno definitivo Bernini si è concentrato su disegni delle figure singole o in modelli di terracotta. Molto noto è il bozzetto del il papa inginocchiato. Bruce Boucher ha fatto presente che la testa venne modellata separatamente per poter individuare l'angolazione adatta. Il bozzetto è vicino alla soluzione definitiva. <br />

Prompt: How does Tomb of Pope Alexander VII explain its Abstract?Please output in Italian.

Carità
Chigi
Città del Vaticano
Gian Lorenzo Bernini
Giustizia
Prudenza
Verità


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Martirio di sant'Erasmo

Dell'opera sono conservati due disegni preparatori, conservati uno alla Biblioteca Ambrosiana di Milano e l'altro al Gabinetto dei disegni e delle stampe della Galleria degli Uffizi di Firenze. Poussin riprodusse anche una versione preparatoria del dipinto - un modello - che è attualmente conservata alla National Gallery of Canada di Ottawa.

Prompt: Describe the characteristics of the Preparatory drawings in The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Biblioteca Ambrosiana
Firenze
Gabinetto dei disegni e delle stampe
Galleria degli Uffizi
Milano
National Gallery of Canada
Ottawa


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Bonaparte valica le Alpi

Il dipinto oggi a Liverpool venne commissionato da Arthur George Onslow, III conte di Onslow, dopo che sia Delaroche che Onslow ebbero modo di visitare il Louvre di Parigi, dove videro la versione di David del famoso evento. L'opera era stata posta solo di recente nel museo dopo il ritorno di un certo interesse per Napoleone, quarant'anni dopo il suo esilio. Entrambi riconobbero che il quadro di David appariva irreale e Onslow, che era un collezionista di oggetti napoleonici, commissionò a Delaroche una raffigurazione più realistica dell'avvenimento.

Prompt: Describe the characteristics of the Commissioned painting in Bonaparte Crossing the Alps's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Yvonne e Christine Lerolle al piano

Yvonne e Christine Lerolle al piano è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1897 e conservato al Musée de l'Orangerie di Parigi.

Prompt: Focus on Yvonne and Christine Lerolle at the Piano and explain the Abstract.Please output in Italian.


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L'orchestra dell'Opéra

A partire dalla fine degli anni sessanta del XIX secolo Degas spostò i propri interessi dalla pittura storica a episodi di vita contemporanea: è normale, dunque, che egli si sentisse stimolato dal tema del teatro e dell'orchestra, reso magistralmente in questo dipinto. Il pittore, infatti, risolve l'impianto compositivo dell'opera in maniera molto originale, proponendo una soluzione visiva nuova e dinamica che si sostituisce alla visione frontale e immobile generalmente adottata in questo genere di rappresentazioni. Anche se realizzato in studio, il dipinto conserva la freschezza delle opere realizzate sur le motif e restituisce un effetto di palpitante realismo, al punto da sembrare un'istantanea fotografica. Studi radiografici, inoltre, hanno accertato che Degas è intervenuto dopo il completamento dell'opera accorciando la parte superiore della tela, sollevando così l'orizzonte della scena, e aggiungendo l'arpa, il palco ed il contrabbasso: quest'audace inquadratura coinvolge attivamente l'osservatore del dipinto, situato idealmente in basso, nella parte del teatro riservata al pubblico.Al di là della balaustra che cinge il teatro si situa l'orchestra. L'opera, in effetti, è impostata come un ritratto collettivo «in situazione»: memore della lezione di Van Dyck, visto a Genova, Degas sceglie di ritrarre personaggi facilmente conoscibili, come il violoncellista Pillet, il compositore Emmanuel Chabrier ed il suonatore di contrabbasso Désiré Dihau . Al di là della fossa degli orchestrali si apre il palcoscenico, dove troviamo un gruppo di ballerine: le loro teste, come osservato dalla critica d'arte Giovanna Rocchi, «sono tagliate dall'inquadratura per rendere esplicita la rigida consequenzialità della lettura del testo pittorico». Molto particolare è il trattamento cromatico differenziato delle varie parti: mentre la zona mediana del dipinto è dominata da toni molto cupi, come neri, bianchi e marroni, quella relativa alle ballerine è inondata da una luce violenta e sfolgorante, modulata con scaltrezza da Degas che in questo modo riesce a rendere la scena ritratta maggiormente mondana e festaiola.È come se la prima cosa che Edgar Degas ha voluto rappresentare in questo dipinto fosse proprio la pura potenza dell’occhio. In questo dipinto così duramente, arbitrariamente “tagliato”, Degas mette in atto una composizione movimentata, drammatica.  sproporzione prende il posto della proporzione, l’asimmetria quello della simmetria. Non si dà un centro, quanto piuttosto forze che fluiscono.

Prompt: How does The Orchestra at the Opera explain its Description?Please output in Italian.


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medaglia di Giovanni VIII Paleologo

Quando nel 1438 Giovanni VIII Paleologo  si recò con la sua corte a Ferrara per discutere con papa Eugenio IV  della riunificazione della chiesa cristiana, conseguente al ritorno dell'ortodossia sotto il cattolicesimo , come artista testimone fu chiamato Pisanello, all'epoca al soldo degli Este. Tutti gli storici concordano nell'attribuire la creazione della medaglia al soggiorno padovano, anche se esiste una notizia poco accreditata di Paolo Giovio, riferita dal Vasari, secondo la quale la medaglia sarebbe stata eseguita a Firenze, dopo lo spostamento della sede.Pisanello rimase molto impressionato dalla corte bizantina, per le loro vesti, per il rapporto delle ricchezze legato all'Imperatore e per l'esotismo della sua corte, restandone la sua arte profondamente influenzata. Esistono diversi disegni nel codice Vallardi che testimoniano lo studio dell'effigie dell'imperatore, delle sue vesti e di quelle della sua corte, con minuziose annotazioni sui colori. Non è escluso che la corte ferrarese avesse in programma di commissionare all'artista una serie di affreschi per celebrare lo storico evento, anche se poi lo spostamento dei lavori a Firenze dovette far abbandonare l'impresa. Nell'occasione egli fece una medaglia commemorativa, poi donata a Giovanni. Si trattava della prima effigie di persona vivente emessa su una medaglia  dai tempi dell'Impero carolingio: l'usanza, ben radicata nell'Impero romano, era stata infatti bandita nel IX secolo. Inoltre si trattava del primo caso di "medaglia" vera e propria come la intendiamo anche noi oggi, cioè un ritratto di un personaggio sul recto e un'impresa sul verso, cioè un riferimento simbolico al protagonista, ai suoi successi o alle sue aspirazioni. Esisteva già in area francese l'usanza di creare medaglioni in oro ispirati a una serie, creduta antica, che il duca di Berry aveva acquistato a Firenze nel 1402 e che rappresentava alcuni eroi della Chiesa cristiana. Tali medaglioni però, di probabile fattura parigina e ampiamente imitati in Europa, erano sovraccarichi di simbolismi in composizioni tardogotiche, prive di quell'eloquenza e quella schiettezza che fece la fortuna del modello pisanelliano. Non è escluso che Pisanello, con la sua medaglia dell'imperatore, volesse continuare idealmente la serie degli eroi della cristianità del duca di Berry. Dopo questa medaglia Pisanello ne fece molte altre, ottenendo la fama che lo accompagna tutt'oggi. Della medaglia vennero coniati più esemplari, che circolarono nelle corti italiane, innescando presto un effetto emulativo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Medal of John VIII Palaeologus.Please output in Italian.

1402
1438
Este
Ferrara
Firenze
Giovanni VIII Paleologo
IX secolo
Impero carolingio
Impero romano
Paolo Giovio
Pisanello


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Il Grand Canyon di Yellowstone

Il Grand Canyon di Yellowstone venne accolto con favore dalla critica. Il poeta ed editore Richard Watson Gilder la definì "l'opera d'arte più notevole che sia mai stata esposta in questo paese da molto tempo." Il dipinto catturò inoltre l'immaginazione del pubblico, e influenzò la decisione di preservare il parco nazionale dello Yellowstone per le generazioni future.

Prompt: Focus on The Grand Canyon of the Yellowstone (1872) and explain the Welcome.Please output in Italian.


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Epifania

Nel 1662 il compositore tedesco Georg Weissel pubblicò per la prima volta l'inno Nun liebe Seel, nun ist es Zeit.Nel 1860 William Chatterton Dix scrisse As with gladness, men of old, legato a varie leggende relative al resoconto dei Magi; intorno al 1857 il reverendo John Henry Hopkins Jr., all'epoca diacono ordinato della Chiesa Episcopale, diede alle stampe l'inno We Three Kings of Orient Are, dedicato agli studenti del Seminario Teologico Generale di New York di cui era il direttore musicale.Un altro inno popolare, meno noto come canto natalizio, è Songs of thankfulness and praise, con parole di Christopher Wordsworth e normalmente suonato sulla melodia "St. Edmund" di Charles Steggall.

Prompt: Explain the Christmas carols about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

As with gladness, men of old
Charles Steggall
Christopher Wordsworth
John Henry Hopkins Jr.
We Three Kings of Orient Are
William Chatterton Dix


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Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli

Su uno sfondo scuro si vede la contessa, ben tornita, indossante una ricca veste di velluto scarlatto, con lo scollo e il petto di mussolina pieghettata, e un ricco corredo di gioielli. Lo sguardo è rivolto verso destra, idealmente verso il ritratto del marito. Attorno ad essa stanno i tre figli Troilo, Federico e Ippolito. Tale iconografia compare per la prima volta nell'arte italiana, ispirandosi alle figure della Carità: solo Holbein aveva fatto qualcosa di simile anteriormente.Complessa appare l'attribuzione dei fanciulli, che sembrano di mani diverse, tutte di qualità,  e che forse vennero aggiunti via via. Essi infatti non interagiscono tra loro e stanno attorno alla madre guardando in direzioni diverse. Quello di sinistra nell'angolo, il più giovane, ricorda certi Gesù Bambino di pale del Parmigianino , mentre quello vicino ha l'aspetto elegantemente devitalizzato dell'arte di Bronzino

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

dipinti su santa Caterina d'Alessandria}}Giudizio universale parete di fondo della cappella Sistina di Michelangelo Buonarroti,. Mistico sposalizio di S. Caterina d'Alessandria di Antonio Sarnelli  Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria tra santi, di Spinello Aretino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Lorenzo Salimbeni ; Sposalizio mistico di Santa Caterina, di Michelino da Besozzo ; Trittico del matrimonio mistico di Santa Caterina, di Hans Memling ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Bergognone ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria e santi, di Correggio  Pala di Bardi, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, del Parmigianino ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, di Andrea Vaccaro  Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Paolo Veronese ; Matrimonio mistico di Santa Caterina, di Mattia Preti ; Matrimonio mistico di Santa Caterina d'Alessandria, di Orazio Jacobotta  Acerenza. Santa Caterina d'Alessandria di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio  Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria di Artemisia Gentileschi  Affresco del XIV secolo nella chiesa di Capo di Serra a Barisciano con Santa Caterina d'Alessandria e San Giovanni Affresco di Bernardino Luini nella chiesa di San Maurizio maggiore a Milano Ciclo di affreschi del XVIII secolo di Giovanni Lo Coco nell'altare maggiore della Basilica di S. Caterina d'Alessandria a Pedara . Ciclo di affreschi nella Cappella Branda Castiglione, nella Basilica minore di San Clemente a Roma. Ancona del martirio di santa Caterina, Collegiata di San Biagio, Finalborgo , di Pascale Oddone  Martirio di Santa Caterina d'Alessandria, del Guercino

Prompt: Describe the characteristics of the Paintings in Catherine of Alexandria (Palladas)'s Biography.Please output in Italian.

Acerenza
Andrea Vaccaro
Antonio Sarnelli
Artemisia Gentileschi
Bergognone
Bernardino Luini
Caravaggio
Giudizio universale
Guercino
Hans Memling
Lorenzo Salimbeni
Mattia Preti
Michelangelo Buonarroti
Michelino da Besozzo
Orazio Jacobotta
Pala di Bardi
Paolo Veronese
Parmigianino
Pedara
Spinello Aretino
XVIII secolo


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Giudizio universale

Giudizio universale della Nel cristianesimo questa dottrina fa riferimento ad una celebre parabola di Gesù . In essa Gesù si identifica con il sofferente e il giudizio verte di volta in volta sulla compassione concretamente dimostrata e non sulla fede professata . chiesa latina  ha sottolineato la necessità di una giustizia equilibratrice.  giustizia di Dio, fu quindi contrapposta alla sua misericordia, in quanto essa obbligherebbe Dio a un certo comportamento . Perlomeno Dio "non può dimostrare grazia nello stesso modo ai malfattori e alle vittime" ed "è sperabile che rispetterà e ristabilirà la dignità di queste ultime".Secondo i teologi alessandrini del III secolo Clemente e Origene e i loro numerosi sostenitori la misericordia di Dio deve prevalere e condurre a una riconciliazione universale . Questa dottrina fu sempre sperata nella storia della Chiesa e della teologia, in quanto "la teologia non possiede alcuna conoscenza, né alcuna competenza per decidere sulle possibilità che Dio ha di mutare positivamente le libere decisioni delle sue creature senza distruggerne la libertà".  riprende anche il teologo cattolico Hans Urs von Balthasar, che sottolinea come ad essa sembrano aderire alcuni fra i più famosi teologi cattolici, fra cui anche lo stesso Papa Benedetto XVI.Il Giudizio universale di  dottrina del giudizio finale solleva il problema dello stato delle anime fra il momento della loro morte e la seconda venuta di Cristo.  questione presenta problemi filosofici sia di antropologia  sia di ontologia del tempo . Questi problemi non hanno ancora trovato una soluzione da tutti condivisa.  dottrina che non esista alcuno stato intermedio perché alla morte ogni persona raggiunge il giudizio universale è ritenuta la più verosimile da  Karl Rahner, teologo cattolico e perito conciliare durante il Concilio Vaticano II. soluzione tradizionale mira ad affermare che i giustificati ottengono immediatamente il dono loro assegnato da Cristo e perciò ad escludere la visione beatifica differita, teoria molto diffusa fra i padri della chiesa cattolica e predicata ancora oggi da alcune frange protestanti.  maggior parte dei cristiani, infatti, ha ritenuto e ritiene inaccettabile che i martiri, la stessa Vergine Maria e gli altri santi non possano godere da subito della visione beatifica.Secondo la Chiesa cattolica e quella ortodossa gli uomini vengono giudicati subito dopo la morte , e le loro anime accedono al Paradiso o all'Inferno immediatamente o, nel caso del Paradiso, dopo una fase più o meno intensa di purificazione nel Purgatorio. Alla fine dei tempi vi sarà invece la risurrezione della carne, con la quale i corpi risusciteranno e si riuniranno alle anime per il giudizio finale , di salvezza nella comunione dei santi, oppure di condanna.Nella tradizione protestante, invece, si esclude ogni purificazione dopo la morte. Lutero non sembra aver professato una teologia dello stato intermedio coerente e costante nel tempo. Benché egli abbia talvolta affermato che le anime "dormono", nelle chiese riformate prevale l'opinione di Giovanni Calvino secondo cui le anime dei morti si trovano in uno stato vigile di felicità o di dolore che anticipa il loro destino eterno dopo il giudizio finale.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Bosch, Munich) and explain the Christianity.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio Vaticano II
Cristo
Dio
Gesù
Giovanni Calvino
Giudizio universale
Hans Urs von Balthasar
Inferno
Karl Rahner
Origene
Papa Benedetto XVI
Paradiso
Purgatorio


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Giustizia

Nel Basso e Alto Medioevo, con le crociate, si viene creando un codice etico militare, iniziato dalla cavalleria nei tornei e dei "beaux gestes" . Si forma un ideale di cavaliere soldato, cristiano e gentiluomo, difensore dei deboli e araldo della giustizia. L'eredità contemporanea dell'etica cavalleresca trasformatasi con il tempo, è rappresentata oggi dagli ordini cavallereschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Chivalric ethics in Justice (Titian)'s In philosophy.Please output in Italian.


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Sentiero di notte in Provenza

Su questa tela è rappresentato, come suggerisce il nome, un sentiero in mezzo ai campi della Provenza. Lo percorrono una coppia di pedoni ed un carrettino trainato da un cavallo che ospita un piccolo gruppo di persone. In fondo a destra è visibile una casa dai tetti spioventi che sorge al limitare di un boschetto di cipressi. Il paesaggio è diviso da uno di questi alberi, situato lungo il sentiero, che si staglia nel cielo bluastro. Le macchie gialle a sinistra rappresentano probabilmente spighe di grano, che nel mese di maggio, in cui è stato dipinto il quadro, è quasi al culmine della sua crescita. All'orizzonte si scorgono della montagne, sormontate da nuvole basse e rade. Tutto il paesaggio è illuminato dalla luce delle stelle e della Luna, nella fase di falce crescente.

Prompt: Describe the characteristics of the Subject in Road with Cypress and Star's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Focus on Annunciation (Caravaggio) and explain the Congregation orders Annunciation.Please output in Italian.


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La follia del tulipano

Uno schizzo per l'aristocratico.Su un sentiero adiacente a delle file di aiuole rettangolari piene di tulipani scarlatti, rosa, viola e di altri colori, si trova un aristocratico valoroso che indossa un cappello cilindrico in feltro grigio decorato con delle piume nere . Egli stesso indossa un farsetto marrone con delle maniche di seta blu e una gorgiera bianca, dei pantaloni marrone chiaro e un mantello di velluto nero.L'aristocratico protegge un vaso di tulipani in fiore, probabilmente di una varietà rara, e viene raggiunto da due soldati che si precipitano verso di lui. In secondo piano, degli altri soldati agli ordini di un ufficiale a cavallo calpestano i campi di tulipani. Sullo sfondo, varie case dai tetti rossi di Haarlem si intravedono piuttosto opacamente e sopra di queste si trova una torre alta e stretta coronata da una guglia: è il campanile della chiesa di San Bavone.

Prompt: Focus on The Tulip Folly and explain the Description.Please output in Italian.


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Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita

Il pubblico al quale era destinato il trittico erano i frequentatori del Duomo di Siena, che si recavano alle funzioni. Essi appartenevano per lo più alla classe popolare, analfabeta, che necessitava di queste illustrazioni degli episodi biblici per integrare le conoscenze dottrinali, non acquisite attraverso la lettura dei testi.Dell'opera si conosce una documentazione che conferma la firma e la data apposta sulla cornice, visibile nell'unico frammento antico inserito nell'attuale ensemble ottocentesco. Vi sono riportati i nomi di Simone e del cognato Lippo Memmi , ma quali parti spetti a ciascun pittore è sconosciuto. Solo in base a considerazioni stilistiche si è ipotizzato che la parte centrale con lAnnunciazione sia riferibile a Simone e i due santi e i tondi dei profeti a Lippo.Un'opera del genere, dalla straordinaria raffinatezza lineare, non ha modelli coevi in Italia, ma va semmai confrontata con i manoscritti miniati per la corte francese o con le pitture più fantasiose prodotte in Germania o in Inghilterra. Questa "maniera" nordeuropea spianò la strada per l'arruolamento di Simone Martini nellentourage dei pittori italiani alla corte papale di Avignone, dove erano presenti altri italiani, ma nessun fiorentino, in quanto la classica monumentalità di scuola giottesca non trovava consensi nella gotica società francese.Il dipinto era stato commissionato per l'altare di sant'Ansano, uno dei protettori di Siena, nella cattedrale senese, dove rimase fino al 1799, quando il Granduca Ferdinando III lo fece trasportare a Firenze, scambiandolo con due tele di Luca Giordano. Qui venne esposto lo stesso anno agli Uffizi.  cornice originale, intagliata dal Maestro Paolo di Camporegio e dorata da Lippo Memmi, fu rinnovata nel 1420 circa e sostituita nel XIX secolo.L'opera è stata restaurata nel 2001

Prompt: How does Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus explain its History?Please output in Italian.

1420
1799
2001
Avignone
Duomo di Siena
Firenze
Lippo Memmi
Luca Giordano
Siena
Simone Martini


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Morte di Adone

Al centro della tela Venere, nuda, seduta con le gambe accavallate e vicina a Cupido, è intristita per la morte di Adone, il cui corpo giace esanime a sinistra.  posa della dea cita coltamente lo Spinario, scultura ellenistica ben nota nella cerchia intellettuale romana. Compagne della dea partecipano al dolore, sulla destra, e parlano, indicandola, con una sorta di Sileno che suona il flauto.Sullo sfondo, tra le fronde, si vede una distesa d'acqua e oltre, nella luce calda del tramonto, la città di Venezia: si riconoscono infatti il palazzo Ducale, le cupole della basilica di San Marco, la torre dell'orologio, le Procuratie vecchie. Può darsi che allora il Chigi avesse richiesto un'allegoria dello stato di Venezia associandola a "Venusia" cioè Venere dolente: la città lagunare infatti, se abbandonata alla seduzione e alla sensualità, è destinata a morte e putrefazione. composizione richiama i modi di Raffaello e di Giorgione .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Death of Adonis (Mazzuoli).Please output in Italian.

Giorgione Procuratie Sileno Spinario Venezia


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Sacra Famiglia di Francesco I

composizione è particolarmente affollata, con la Madonna che afferra il bambino da un cesto ricoperto di cuscini, al centro, mentre Giuseppe sorveglia da dietro e da sinistra sant'Elisabetta aiuta il giovane Giovanni Battista a fare un gesto di preghiera. Più dietro si vedono due figure angeliche, una delle quali si allunga per mettere una corona di fiori in testa a Maria. Più sintetica è la descrizione del paesaggio, visibile sulla sinistra attraverso un'apertura di quella che sembra una capanna.Il maestro sperimentò in quest'opera inediti effetti cromatici e luminosi, ispirandosi allo sfumato leonardesco ed alla plasticità dirompente alla Michelangelo; Sebastiano del Piombo, in una lettera al Buonarroti stesso, criticò l'opera parlando di "figure di ferro che luceano" e parevano state "al fumo".

Prompt: How does Holy Family of Francis I explain its Description and style?Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

L'opera è uno dei più antichi esempi conosciuti di pittura che ha come soggetto un ritratto privato, di personaggi viventi, anziché le consuete scene religiose.Mostra la coppia in piedi, riccamente abbigliata, che si trova dentro la stanza da letto, mentre l'uomo, Giovanni Arnolfini, fa un gesto verso lo spettatore che può essere interpretato in vari modi, dalla benedizione, al saluto, al giuramento .  moglie gli offre la sua mano destra, mentre appoggia la sinistra sul proprio ventre, con un gesto che ha fatto pensare a un'allusione a una gravidanza futura o prossima.  posa dei personaggi appare piuttosto cerimoniosa, praticamente ieratica; questi atteggiamenti sono probabilmente dovuti al fatto che si sta rappresentando la celebrazione di un matrimonio o la commemorazione di una defunta, dove tale serietà è del tutto appropriata. stanza è rappresentata con estrema precisione ed è popolata da una grande varietà di oggetti, tutti raffigurati con un'attenzione estrema al dettaglio. Tra questi oggetti spicca, al centro, uno specchio convesso, dettaglio giustamente celebre ed enigmatico, dove il pittore dipinse la coppia di spalle e il rovescio della stanza, dove si vede una porta aperta con due personaggi in piedi, uno dei quali potrebbe essere il pittore stesso.Ancora oggi gli storici dell'arte discutono sul significato e lo scopo dell'opera: la tesi proposta da Erwin Panofsky nel 1934 è che si tratti della rappresentazione del matrimonio della coppia e di un'allegoria della maternità, a cui alluderebbero i numerosi simboli sparsi nella stanza. Varie altre interpretazioni hanno, tuttavia, permesso di elaborare punti di vista differenti, che hanno messo in dubbio la tesi stessa di Panofsky. soluzione che appare più probabile è che si tratti del giuramento tra gli sposi prima di presentarsi al sacerdote. Tale rituale avveniva tramite una promessa di matrimonio a mani congiunte, che aveva valore giuridico e richiedeva la presenza di due testimoni: per questo, più che al matrimonio in sé, il dipinto alluderebbe al momento del fidanzamento. In questo senso il quadro, con la sua esattezza fotografica, rappresenterebbe proprio il documento ufficiale dell'avvenuto giuramento, come sembra suggerire anche la particolare firma dell'artista , più simile, nella forma e nella disposizione, a una testimonianza notarile, piuttosto che a una certificazione autografica dell'opera . Può anche darsi che van Eyck volesse indicare come il ritratto venne preso dal vero, in sua presenza: è possibile che avesse eseguito uno schizzo dei protagonisti in una o più sessioni di posa e poi avesse realizzato il dipinto nei mesi successivi.Altra ipotesi suggestiva è che si tratti di un omaggio del mercante Arnolfini alla prima moglie, ricordando attraverso il dipinto il momento della loro promessa di matrimonio; forse la mano sul grembo testimonia l'attesa di un erede che Costanza Trenta stava per dargli o che non giunse a causa della morte di lei.Si è parlato anche di un possibile esorcismo o cerimonia per recuperare la fertilità, poiché Arnolfini e la sua  moglie non ebbero figli. In tal caso si tratterebbe non della moglie defunta ma della seconda, Giovanna Cenami. Questo tipo di cerimonie per recuperare la fertilità era abituale all'epoca. Infatti dietro le mani unite dei protagonisti vi è una gargolla sorridente che potrebbe simbolizzare il male incombente sul matrimonio, come punizione del fatto che Giovanni Arnolfini poteva essere stato un donnaiolo e un adultero.

Prompt: How does Arnolfini Portrait explain its Description?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Un'ulteriore attestazione di Maria di Magdala e del suo ruolo tra i primi cristiani è fornito dal Vangelo di Maria, uno scritto gnostico non incluso nel canone ortodosso, perduto e noto solo attraverso due frammenti in greco del III secolo e in una traduzione in lingua copta del V secolo. Anche se questi manoscritti furono scoperti e pubblicati fra la metà del XIX secolo e il 1947, . Nel testo frammentario, i discepoli fanno domande al Signore risorto e ricevono risposta:Pietro disse a Maria Maddalena:Allora racconta — alla richiesta di Pietro — di aver avuto una visione del Salvatore, e riporta il suo discorso con lui, che mostra influenze gnostiche. sua visione non fu creduta:Karen King ha osservato che «il confronto di Maria con Pietro, uno scenario trovato anche nel vangelo apocrifo di Tommaso, Pistis Sophia, e nel vangelo apocrifo degli Egiziani, riflette alcune delle tensioni nella Cristianità del II secolo. Pietro e Andrea rappresentano ortodosse posizioni che negano la validità della rivelazione esoterica e rigettano l'autorità delle donne a insegnare».Questi scritti sono inoltre in contrapposizione con l'affermazione di Gesù riportata dal Vangelo secondo Giovanni:}}

Prompt: Explain the The Gospel of Mary of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

1947
Gesù
III secolo
I secolo
Pistis Sophia
V secolo
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo di Maria
Vangelo secondo Giovanni


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Betsabea

Betsabea viene citata nel brano Giuseppe cantato da Georges Moustaki Nella celebre canzone Hallelujah del cantante Leonard Cohen si cita Betsabea, anche se non viene nominata, nel verso "You saw her bathing on the roof / Her beauty and the moonlight overthrew ya" .  canzone Dead dall'album Doolittle dei Pixies  raffigura la lussuria di Davide nei confronti di Betsabea, la gravidanza causata dal loro adulterio e il decesso di Uria. Betsabea e Uria sono citati per nome. Mad About You, una canzone dall'album di Sting del 1991 The Soul Cages, esplora l'ossessione di Davide per Betsabea dal punto di vista del primo. David and Bethsheba dall'album Bottom of the Sea dei Brown Bird è una riscrittura della storia dal punto di vista di Davide.

Prompt: Describe the characteristics of the Music in Bathsheba (Gentileschi)'s Biblical story.Please output in Italian.

Brown Bird
Davide
Leonard Cohen
Pixies
Davide
Sting
The Soul Cages


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busto di Luigi XIV

Il busto posizionato nel Salone di Diana.Scolpito nella maturità della carriera di Bernini, il busto è un esempio di drammaticità e natura regale miste insieme, nonché una continuazione dello stile impostato sul busto scolpito dieci anni prima per Francesco I d'Este ed un'anticipazione di quello che sarà il busto del Salvatore realizzato dal medesimo artista dieci anni dopo.Bernini raffigurò il Re Sole in abiti militari, ma con un riferimento agli eroi dell'antichità ed in particolare ad Alessandro Magno, di cui Luigi XIV si sentiva il continuatore spirituale nello splendore. Per quanto piccolo di statura, Luigi è raffigurato come una figura statuaria, che infonde splendore con un ricco spirito d'eleganza. Il drappeggio suggerisce un movimento animato dal vento, ma dimostra anche la grande abilità del re nel saper dominare le passioni terrene . Lo stesso Bernini in questo ritratto volle esprimere il concetto di Re Sole, tramutando i capelli del sovrano nei raggi del sole che sorgono dalle nubi del drappeggio del mantello sottostante.L'idealizzazione del sovrano francese come legato agli antichi imperatori romani era in uso all'epoca, ma il Bernini fece convergere questi tratti con le caratteristiche precise dell'individuo. Bernini tributò particolare attenzione ai capelli, agli occhi, alla forma del naso, alle vesti ed al pizzo che Luigi XIV, si disse, apprezzò particolarmente per la raffinatezza, o a dettagli specifici come la presenza di una verruca alla base del naso, alcuni peli sul mento, gli occhi serrati particolarmente incavati. Filippo Baldinucci  riportò come il Bernini avesse dovuto ad esempio ritoccare i capelli del sovrano per lasciare spazio alla sua grande fronte per avere un ritratto il più realistico possibile.  maniacalità del Bernini per il dettaglio si estese anche all'armatura che indossa Luigi XIV nel suo busto, la quale è un pezzo della collezione reale indossato a suo tempo da Francesco I e progettato dall'artista italiano Giulio Romano.Per rafforzare il concetto di grandeur militare del busto, Bernini disegnò originariamente una grande sfera come piedistallo per il busto, dando così l'impressione che la maestà di Luigi dominasse l'intero mondo, oltre all'essere posto in una posizione sopraelevata, fuori dal tocco degli spettatori. Ad ogni modo, negli anni '80 del Seicento, il busto venne trasferito dalla sua location originale al Palazzo del Louvre, a Versailles dove si trova tutt'oggi ed il basamento originario venne mutato. Il busto si trova inserito in una scena con una falsa porta che forma una nicchia centrale nel Salone di Diana della Reggia di Versailles composta da decorazioni in marmo di Sarrancolin, broccatello di Tortosa, marmo verde e rosso di Campan. Ai lati del piedistallo, sul fondo della nicchia, sono posti bassorilievi in bronzo dorato che rappresentano dei trofei realizzati da Noël Jouvenet.

Prompt: In Bust of Louis XIV (Bernini), how is the Description discussed?Please output in Italian.

Campan
Filippo Baldinucci
Francesco I d'Este
Giulio Romano
Noël Jouvenet
Palazzo del Louvre
Reggia di Versailles
Reggia di Versailles
Sarrancolin
Tortosa
Reggia di Versailles


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Madonna Pazzi

Madonna Pazzi è un'opera di Donatello, conservata nel Bode-Museum di Berlino, in particolare nella collezione di sculture . Si tratta di un rilievo marmoreo di forma rettangolare , risalente al 1425-1430 circa.

Prompt: How does Pazzi Madonna explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Apollo del Belvedere

A che serve ormai l'Apollo del Belvedere, se si hanno davanti agli occhi le forme nuove di un turboalternatore o il meccanismo di distribuzione di una locomotiva!

Prompt: Explain the Quotes in literature of this artwork, Apollo Belvedere.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Jean Massin, Almanach du Premier empire, 1988 . David O’Brien, Antoine-Jean Gros : Peintre de Napoléon, Éditions Gallimard, 2006, Sébastien Allard, Marie-Claude Chaudonneret, Le suicide de Gros. Les peintres de l’Empire et la génération romantique, Éditions Gourcuff Gradenigo, 2010 Alan Forrest, « L’armée de l’an II : la levée en masse et la création d’un mythe républicain », annales historique de la révolution Française, N°335, janvier-mars 2004, p. 111-130.

Prompt: Focus on Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Il quarto stato

Pellizza incominciò a lavorare a un bozzetto degli Ambasciatori della fame nel 1891, dopo aver assistito a una manifestazione di protesta di un gruppo di operai. L'artista rimase molto impressionato dalla scena, tanto che annotò nel suo diario:L'abbozzo venne completato nell'aprile del 1894. Il soggetto è una rivolta operaia nella piazza Malaspina a Volpedo, in provincia di Alessandria, con tre soggetti posti davanti alla folla in protesta: la scena è vista dall'alto, e le figure sono distribuite su linee ortogonali. Nonostante la composizione ancora «embrionale» dell'opera, com'ebbe ad affermare lo stesso artista più tardi, Ambasciatori della fame si imposta già come caposaldo per le successive redazioni dell'opera, che pure presenteranno come peculiarità il terzetto posto dinanzi alla massa di gente sullo sfondo e lo stacco d'ombra in primo piano. e, in effetti, di versioni degli Ambasciatori della fame ve ne furono altre due, una datata 1892 e l'altra del 1895. Lo schizzo del 1892 è molto simile a quelli precedenti: viene tuttavia aggiunto un gruppo di donne, figure antitetiche rispetto ai lavoratori uomini, che in questo modo vengono sia motivati sia sedati dalla presenza femminile. Ultima tappa del percorso verso la Fiumana è la versione degli Ambasciatori del 1895, realizzata dopo tre anni di quiescenza su carta marroncino, sotto forma di disegno carboncino e gesso. Scrisse Pellizza:Nel succitato passo l'artista sottolinea la sua volontà di eseguire un quadro generalizzante: a esser rappresentati non sono solo i contadini di Volpedo, bensì un'intera parte della società che ha «sofferto assai» e che intende rivendicare i propri diritti mediante una lotta «serena, calma e ragionata».

Prompt: In The Fourth Estate (painting), how is the Ambassadors of Hunger of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Il Giudizio universale è un soggetto tradizionale nell'iconografia dell'arte sacra cristiana e tra le opere che lo raffigurano vi sono alcuni veri e propri capolavori; presenti in Italia: Giudizio universale, affresco di Michelangelo nella Cappella Sistina  Giudizio universale di Giotto, affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova Giudizio finale e Inferno, affresco di Buonamico Buffalmacco a Pisa Giudizio universale di Franco e Filippolo de Veris a Campione d'Italia  Giudizio Universale di Luca Signorelli a Orvieto  Giudizio universale della basilica di Santa Maria Assunta a Torcello, capolavoro musivo Giudizio universale nell'abbazia di Pomposa in provincia di Ferrara Giudizio universale nell'Abbazia di Sant'Angelo in Formis presso Capua Rappresentazione di Inferno e Paradiso nella Basilica di San Petronio a Bologna Rappresentazione di Inferno e Paradiso nel Battistero di San Giovanni , capolavoro musivo. Giudizio Universale di Taddeo di Bartolo in San Gimignano. Giudizio universale del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze. Giudizio Universale attribuito a Maestro Cicogna, XIV secolo, Pieve di Sant'Andrea a Sommacampagna. Giudizio Universale nella Chiesa di Santa Maria del Casale a BrindisiTra i dipinti del Giudizio universale che si trovano al di fuori dell'Italia, vanno ricordati: Il Giudizio universale di John Martin  Il Giudizio universale, affresco di artisti armeni nella Cattedrale di Vank a Esfahan, in Iran  Il Grande Giudizio universale di Rubens alla Alte Pinakothek di Monaco di Baviera  Il Trittico del Giudizio di Vienna di Hieronymus Bosch  Il Giudizio universale di Stephan Lochner

Prompt: In The Last Judgment (Fra Angelico, Florence), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Abbazia di Sant'Angelo in Formis
Alte Pinakothek
Basilica di San Petronio
Beato Angelico
Bologna
Brindisi
Buonamico Buffalmacco
Campione d'Italia
Cappella Sistina
Cappella degli Scrovegni
Capua
Cattedrale di Vank
Chiesa di Santa Maria del Casale
Esfahan
Firenze
Franco e Filippolo de Veris
Giotto
Giudizio universale
Giudizio finale e Inferno
Grande Giudizio universale
Hieronymus Bosch
Inferno
Iran
Luca Signorelli
Maestro Cicogna
Monaco di Baviera
Museo di San Marco
Orvieto
Padova
Paradiso
Pisa
San Gimignano
Sommacampagna
Stephan Lochner
Taddeo di Bartolo
Torcello
Trittico del Giudizio di Vienna


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Robert Gould Shaw Memorial

Il Robert Gould Shaw Memorial  è una scultura in rilievo in bronzo opera di Augustus Saint-Gaudens.Situata al "24 Beacon Street" di Boston , raffigura il colonnello Robert Gould Shaw assieme al suo 54th Regiment Massachusetts Volunteer Infantry il quale marciò attraverso Beacon Street il 28 maggio del 1863. Venne inaugurato ufficialmente il 31 maggio del 1897.

Prompt: Focus on Robert Gould Shaw Memorial and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Pietro Allegretti , Piero della Francesca, collana "I Classici dell'Arte", Milano, Rizzoli - Skira, 2003, pp. 102 - 103Birgit skowski, Piero della Francesca, collana Maestri dell'arte italiana, Gribaudo, Milano 2007. ISBN 978-3-8331-3757-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Polyptych of Perugia.Please output in Italian.


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Cacciata di Eliodoro dal tempio

I primi disegni per gli affreschi della stanza ,poi detta di Eliodoro dal soggetto di questo affresco, vennero approntati da Raffaello già nell'estate del 1511, quando i lavori alla Stanza della Segnatura non erano ancora terminati. In particolare la scelta dei soggetti, legati a interventi miracolosi per la salvaguardia della Chiesa, venne suggerita dal pontefice e rifletteva il duro momento dopo le sconfitte contro i francesi, che avevano portato alla perdita di Bologna e alle minacce continue di eserciti stranieri, interni ed esterni, nella penisola. Il pontefice, tornato a Roma nel giugno di quell'anno, aveva fatto voto di non radersi più la barba finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri, infatti in tutte le nuove scene compare barbuto. scena di Eliodoro mostra uno sviluppo stilistico nei modi di Raffaello, sempre più influenzato da Michelangelo, e verso una luce e un colore sempre più forti ed espressivi, ispirati dai coloristi veneti presenti a Roma . A tale riguardo si nota come il papa sulla portantina, a sinistra, mostri già colori più caldi e densi, dimostrando come venne aggiunto in seguito agli sviluppi della situazione politica del 1512, quando il rovesciamento delle alleanze aveva portato un trionfo momentaneo del pontefice, che quindi si volle far ritrarre in maniera più evidente negli affreschi.Numerosi danni furono causati, pare, durante il Sacco di Roma del 1527: i soldati lanzichenecchi, che si erano accampati in questi ambienti, pare che avessero acceso il fuoco proprio nel camino sotto la scena di Eliodoro. Restauri scadenti furono forse eseguiti da Carlo Maratta e altri. Cavalcaselle fu il primo ad affrontare il tema degli aiuti, assegnando la parte destra a Giulio Romano e le donne a sinistra a Giovanni da Udine. In generale si ritiene come certamente autografa almeno la parte destra col corteggio papale, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.Dell'opera resta il cartone preparatorio al Louvre e alcuni studi, tra cui uno di figure femminili all'Ashmolean Museum di Oxford. Una seconda versione eseguita a tempera presumibilmente una bozza preparatoria si trova a Civitavecchia al Palazzo Manzi.

Prompt: In The Expulsion of Heliodorus from the Temple, how is the History discussed?Please output in Italian.

1511
1512
Ashmolean Museum
Bologna
Carlo Maratta
Chiesa di San Luigi dei Francesi
Giovanni da Udine
Giulio Romano
Oxford
Stanza della Segnatura


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Bellezza

Nel tardo Impero romano, il filosofo Plotino, ristabilendo il collegamento tra opera d'arte e regno delle idee, espone ampiamente il concetto di "visione interiore" già proposto da Platone, che permette all'artista di attingere da una forma ideale del bello, non esistente nella res extensa  ma soltanto nella res cogitans , e che presto o tardi sfocerà in una rappresentazione materiale. Si può applicare a mai creati dipinti, architetture, forme di governo, sculture, strategie, modelli matematici, ecc. oppure a un ipotetico essere umano: "il più bello nella storia" ancora non nato.

Prompt: Describe the characteristics of the The beautiful as corresponding to the realm of ideas in The Beauty's Beauty Christianity.Please output in Italian.


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Pala di Sant'Ambrogio

Pala di Sant'Ambrogio è un dipinto a tempera su tavola  di Sandro Botticelli, databile al 1470 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: How does Sant'Ambrogio Altarpiece (Botticelli) explain its Abstract?Please output in Italian.

1470
Firenze
Galleria degli Uffizi
Sandro Botticelli


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Gioele

Aragonese: ChoelBasco: Yoel, JoelCatalano: JoelFinlandese: JoelGaliziano: XoelFemminili: Joelle, Joellatino: Iohel, IoelOlandese: JoëlPolacco: JoelRusso: Иоиль Serbo: Јоил , Јоиљ Spagnolo: JoelSvedese: JoelUcraino: Йоіл Ungherese: Jóel

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Variantsinotherlanguages and the Variants.Please output in Italian.


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Democrito

Così come per il resto della materia, anche l'anima  per Democrito era costituita da atomi, atomi più sottili e lisci, di natura ignea.Essi penetrano tutto il corpo e gli danno vita e vengono mantenuti in esso grazie alla respirazione, inoltre grazie a questa capacità di vivificare, di render pensante l'uomo, erano considerati divini.Infine, Democrito sostiene che gli dei sono fatti di atomi proprio come gli esseri umani, ma che non interagiscono affatto con noi: questo fatto lo fece considerare come un vero e proprio anticonformista e ateo, una vera rarità ai suoi tempi.Tuttavia, stando al frammento Diels-Kranz B175, "gli dèi si interessano degli uomini dagli albori della storia a oggi donando loro ogni bene" ed evitando ogni male o possibile danno.

Prompt: Explain the Thedivine about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Monumento equestre al Gattamelata

Vasari ne Le vite descrive il Gattamelata come la prima opera padovana di Donatello, la commissione della quale lo aveva spinto a partire da Firenze nel 1443, lo stesso anno della morte del condottiero. In realtà alcuni studiosi hanno messo in dubbio questa ipotesi, collocando la commissione al 1446, quando l'artista si stava facendo un nome in città per la fusione del magnifico Crocifisso bronzeo della basilica del Santo ed era stato incaricato di fare anche l'altare maggiore. Il monumento era stato forse previsto fin dal 1443, ma Donatello dovette iniziare a lavorarvi non prima del 1446, poiché nella primavera del 1447 preparò i modelli per la fusione del cavallo e del cavaliere. L'opera permise all'artista di cimentarsi nella tipologia squisitamente classica del monumento equestre. Nonostante il rapido inizio, i lavori si protrassero poi fino al 1453, anno in cui venne collocata sul piedistallo e Donatello lasciò Padova. In quell'occasione una commissione di cinque membri stimò il valore dell'opera per saldare il pagamento all'artista e vennero decisi 1650 ducati. I costi vennero finanziati in gran parte dalla vedova del condottiero, Giacoma Bocarini Brunori, sorella di Gentile da Leonessa, ma una parte venne forse coperta anche dal Senato veneziano, che deliberò un'autorizzazione per creare il monumento a Padova, che era sotto il suo dominio dal 1405. Il monumento non nacque come cappella funebre, nonostante le porte nell'alto piedistallo. Come da sue volontà testamentarie, il condottiero venne sepolto all'interno della basilica del Santo, dal 1458. Ma l'opera, libera anche da funzioni funerarie, si manifesta così come la prima opera pubblica puramente celebrativa, dove erano sottintesi sicuramente ruoli politici che oggi appare difficile mettere a fuoco con assoluta chiarezza.

Prompt: Explain the History of this artwork, Equestrian statue of Gattamelata.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

In un classico letterario di fine Settecento, Effusioni del cuore di un monaco amante dell'arte , pubblicato nel 1796 da Wilhelm Heinrich Wackenroder e Ludwig Tieck, un celebre capitolo è dedicato a una presunta visione di Raffaello, al quale la Vergine, mostrandosi nelle sue vere fattezze, avrebbe consentito di ritrarla nella Madonna Sistina.Dostoevskij menziona la Madonna Sistina in Delitto e castigo, ne L'adolescente e ne I demoni, dove Stepan Trofimovitch è incapace di spiegare la profondità che vede nel dipinto.Vasilij Grossman venne ispirato dalla visione del dipinto, esposto per tre mesi a Mosca prima di essere restituito a Dresda, per il suo racconto  Madonna Sistina in cui si paragonano la Vergine e il Bambino raffaelleschi alle vittime del campo di sterminio di Treblinka.

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Sistine Madonna's Description and style.Please output in Italian.


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Busto del cardinale Richelieu

Nel 1640 Richelieu voleva inizialmente commissionare a Bernini una statua a tutto tondo rappresentante la sua persona.Le trattative furono affidate a Mazarino, fidato del cardinale e suo successore, e al maréchal François-Annibal d'Estrées, ambasciatore di Francia a Roma. Essi non dovevano ottenere solo l'assenso dell'artista, bensì anche dei suoi "protettori": il cardinale Barberini e il papa Urbano VIII. Visto il dissenso da parte del papa verso il progetto di una statua a figura intera, Bernini ripiegò verso il mezzobusto. Il celebre artista incominciò l'opera nel novembre del 1640 e la completò a metà gennaio dell'anno successivo. In agosto il busto fu portato a Parigi, dove non riscontrò un grande successo. Ciò nonostante Mazarino ringraziò vivamente il cardinale Barberini. In realtà, il busto non piacque ai committenti perché, sebbene molto curato nei particolari, non rispecchiava i reali tratti somatici del cardinale Richelieu. Ciò si può dedurre dalla successiva richiesta da parte del cardinale in questione di un altro busto allo scultore Jean Warin.

Prompt: How does Bust of Cardinal Richelieu explain its History?Please output in Italian.

1640
Francia
François-Annibal d'Estrées
Parigi
Roma


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Consegna della regola francescana

scena mostra, su fondo oro, san Francesco d'Assisi, in piedi al centro, dalla figura longilinea, che offre la Regola francescana ai confratelli inginocchiati attorno a lui: gli uomini a sinistra, con frate Leone che riceve il libro, e le donne a destra, con santa Chiara. In alto volano due angeli simmetrici, che reggono cartigli.In quest'opera Colantonio si mostra già aggiornato alle novità dell'ambiente di corte aragonese, con una maggiore indole "fiamminghista", filtrata però questa volta dalla scuola iberica, come dimostrano il pavimento inerpicato in verticale, le fisionomie, le aureole traforate, le pieghe rigide e geometriche delle vesti.Il di poco anteriore San Girolamo nello studio invece resta legato al gusto della precedente corte angioina di re Renato e di pittori come Barthélemy d'Eyck, come dimostrano l'attenzione alla resa dei volumi e la profondità spaziale realistica, oltre alla cura minuziosa del dettaglio e della resa realistica degli oggetti.

Prompt: In Delivery of the Franciscan Rule, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (Correggio).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Tra le figure più enigmatiche dell'intera composizione vi sono quelle del ragazzo e del bambino presenti nella parte sinistra del dipinto. Il ragazzo più grande si comporta "fisicamente come un fratello minore della Madre di Dio", di cui sembra imitare l'atteggiamento. Jochen Sander ha suggerito come il ragazzo sostituisca qui la figura dell'angelo che si trova nel quadro  Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, una pittura che Holbein probabilmente conosceva o aveva avuto modo di vedere personalmente. Il ragazzo, vestito alla moda dell'epoca, porta alla cintura una borsa con cintura verde, un attributo comune di san Giacomo e del pellegrino in genere, nonché una probabile allusione al santo patrono del committente dell'opera. Il ragazzo si distingue anche dalla famiglia dei fondatori per la sua veste ornamentale, che in quella forma era riservata unicamente alla nobiltà e che quindi ravvicinerebbe l'idea di un personaggio "al di sopra degli altri personaggi" e quindi legato al mondo spirituale . Si distingue anche per il fatto che egli non si inginocchia né tiene le mani giunte in preghiera.In epoche precedenti, il ragazzo ed il bambino erano stati interpretati come possibili figli defunti di Meyer. Nella letteratura più recente, tuttavia, il bambino nudo è interpretato come san Giovanni Battista da bambino, figura assieme a quella di Gesù Bambino presente nel quadro di Leonardo. Supponendo che il dipinto fosse concepito come una pala d'altare, posto quindi sopra il tabernacolo, il gesto di Giovanni Battista bambino alluderebbe significativamente ai doni dell'eucaristia sulla mensa dell'altare. Il bambino, come del resto la Madonna e Gesù, sono idealizzati. Ancora una volta, è plausibile ricercare nel lavoro di Holbein un riferimento alla Vergine delle rocce di Leonardo da Vinci, dove anche Gesù e san Giovanni sono rappresentati come ragazzi. Il dipinto di Holbein sarebbe quindi inoltre la prima rappresentazione dipinta del motivo della Madonna con Gesù e san Giovanni a nord delle Alpi, mentre tale schema era già comune in Italia.Un altro approccio presuppone invece che i due ragazzi ritratti siano effettivamente dei figli di Meyer in quanto dipinti come controparte di Anna Meyer, rimandando così all'interpretazione. Dai documenti della gilda dei mercanti risulterebbe che Meyer avesse effettivamente registrato un suo figlio nato ne 1504, ma poiché alla morte dello stesso Meyer come unica erede venne chiamata a disporre dei beni di casa la moglie Dorothea Kannengießer con la figlia Anna Meyer, probabilmente tale figlio sarebbe nato da Magdalena Baer e doveva essere all'epoca già defunto, come del resto il bambino più piccolo, forse morto poco dopo la nascita. Quest'ultima interpretazione rafforzerebbe inoltre l'idea che il dipinto andasse a completare un sacello funerario: col gesto della mano, il bambino potrebbe indicare una tomba sottostante.

Prompt: Describe the characteristics of the The boy and the child in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Everydays: the First 5000 Days

Everydays: the First 5000 Days è un'opera d'arte digitale creata da Mike Winkelmann, nome d'arte Beeple. L'opera è un collage di  immagini digitali create da Winkelmann per la sua serie Everydays. Il  token non fungibile  è stato venduto per 69,3 milioni di dollari dalla casa d'asta Christie's nel 2021, diventando così il primo nell'elenco dei token non fungibili più costosi. Everydays è stato acquistato dal programmatore di Singapore Vignesh Sundaresan, un investitore in criptovalute e fondatore del progetto Metapurse NFT, conosciuto anche online con lo pseudonimo di MetaKovan. Sundaresan ha pagato l'opera d'arte utilizzando  Ether. Sia l'acquirente Sundaresan che il venditore Winkelmann avevano un interesse nell'aumentare il prezzo dell'opera, al fine di attirare l'attenzione e guidare le vendite di un asset speculativo relativo ad altre venti opere di Beeple, che chiamavano "B20 tokens". Il prezzo di questi token, in cui Sundaresan deteneva una quota di maggioranza, ha raggiunto il suo picco durante la copertura mediatica dell'asta Everydays e successivamente è crollato. Per questo motivo, alcuni osservatori hanno descritto l'asta come una trovata pubblicitaria e una truffa.Sundaresan riceve i diritti per visualizzare l'opera d'arte, ma non riceve i diritti d'autore. Ha esposto l'opera in un museo digitale all'interno del metaverso e il pubblico la può visualizzare attraverso un browser web.

Prompt: In Everydays: the First 5000 Days, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

scena di Londra è quella pervenutaci nelle condizioni più scadenti, che rivelano una parte della preparazione bianca sottostante, soprattutto al suolo. Originariamente la tavola era arcuata, ma venne tagliata probabilmente quando il lavoro passò dai Bartolini Salimbeni ai Medici per essere adattato alla nuova collocazione.Tutto è incentrato sulla figura di Niccolò da Tolentino, con un vistoso cappello e su un cavallo bianco, che sprona le truppe fiorentine all'attacco. I fiorentini hanno infatti da poco iniziato a sorpresa la battaglia e stanno caricando i senesi. I colori dei cavalieri, in questa come nelle altre tavole, corrispondono da un lato a quelli di Firenze  e dall'altro a quelli di Siena . Sulla sinistra si vedono le lance dell'esercito di Firenze pronte all'offesa, i vessilliferi e i trombicini che dirigono le forze e le prime vittime del campo distese a terra. Il suolo è composto come una sofisticata griglia prospettica, con le lance cadute che disegnano le maglie di una rete, punteggiata di armi e scudi perduti e col cadavere di un guerriero in armatura, che è visto in un ardito scorcio.Una siepe di arbusti fioriti, trattati con grande attenzione al dettaglio naturalistico, divide la scena della battaglia dallo sfondo irreale, dove dei giovani, completamente ignari di quello che sta avvenendo, si esercitano a cacciare con la balestra e con i giavellotti. Questi elementi sono legati al gusto cortese del gotico internazionale e dimostrano come l'arte fiorentina del primo Quattrocento vivesse in un clima di transizione, che non escludeva necessariamente un linguaggio figurativo dall'altro. Due cavalieri che si allontanano però ricordano il fatto storico: essi sono andati a chiamare i rinforzi di Michele Attendolo, ciò che determinerà la vittoria.In questa, come nelle altre scene, compaiono numerosi personaggi che indossano il mazzocchio, un copricapo a forma di toro sfaccettato, sulla cui forma Paolo Uccello eseguì numerosi studi prospettici, in parte pervenutici.

Prompt: Describe the characteristics of the Niccolò da Tolentino at the head of the Florentines in The Battle of San Romano's Description and style.Please output in Italian.

Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Paolo Uccello


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La lattaia di Bordeaux

lattaia di Bordeaux  è un dipinto a olio su tela  del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1827-1828 e conservato al museo del Prado di Madrid.

Prompt: How does The Milkmaid of Bordeaux explain its Abstract?Please output in Italian.


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Fauno Barberini

Il Fauno Barberini, o il Satiro ubriaco, è un'antica scultura greca di epoca ellenistica che raffigura un satiro ebbro e dormiente, la cui esecuzione è collocabile al 220 a.C. circa. L'opera è conservata presso la Gliptoteca di Monaco .  statua, di scuola pergamena, è considerato un grande capolavoro della scultura ellenistica.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Barberini Faun.Please output in Italian.


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Le Défenseur du Temps

Le Défenseur du temps  è un'opera d'arte dell'artista francese Jacques Monestier, situata a Parigi, nel quartiere dell'Orologio, nel III arrondissement.

Prompt: In Le Défenseur du Temps, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Monumento a Stalin

Il monumento a Stalin è stata una statua alta 15,5 metri in granito, eretta in onore di Iosif Stalin a Praga, nell'allora Cecoslovacchia. Fu inaugurata il 1º maggio 1955 dopo oltre cinque anni e mezzo di lavori e fu la più grande rappresentazione al mondo di Stalin.  scultura venne poi demolita nel 1962.

Prompt: How does Stalin Monument (Prague) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The influence of photography of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Prompt: How does Italian Brigands Surprised by Papal Troops explain its Note. Please output **only words**, not sentences.?Please output in Italian.


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Salvatore

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Saviour (El Greco).Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

faccia italiana della moneta da 50 centesimi di euro, incisa da Roberto Mauri, ritrae la statua equestre di Marco Aurelio ed il pavimento di Piazza del Campidoglio, il cui disegno fu realizzato nel 1940 da Antonio Muñoz, traendolo da un'incisione di Étienne Dupérac del 1567, basata sul progetto di Michelangelo.Nelle banconote da 10.000 lire che sono state in corso dal 1962 al 1983, era rappresentata Piazza del Campidoglio e la statua equestre di Marco Aurelio.Anche nel passaporto italiano è riprodotta l'immagine della statua di Marco Aurelio inserita nella pavimentazione della piazza, impressa in tutte le pagine pari e nella controguardia della prima di copertina.

Prompt: Focus on Equestrian Statue of Marcus Aurelius and explain the Images, monument, coins, banknotes, passport.Please output in Italian.

Antonio Muñoz
Marco Aurelio
Piazza del Campidoglio
Étienne Dupérac


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Madonna delle Grazie

Si festeggia il martedì in Albis e il 7-8-9 agosto in memoria dell'apparizione della Vergine a una ragazza del luogo  nel 1690 circa. Presso il luogo dell'apparizione è stato edificato il Santuario di S. Maria delle Grazie aiuto e sostegno della famiglia  dove si venera, unitamente alla pregevole statua, un'icona in pietra del 1500 del peso di circa 400 kg che ogni 10 anni viene trasportata a spalle dai fedeli. Il santuario è posto in fondo a un profondo vallone circondato dalla vegetazione e immerso nel silenzio, dove ancora scorre la sorgente presso la quale, secondo la tradizione, la "dolce signora" apparve alla ragazzetta per alleviarle le fatiche dovute alle angherie della matrigna che la costringeva, tra l'altro, al bucato presso la fonte in orari notturni.Il 2010 si è festeggiato il 50º dell'Incoronazione avvenuta nel 1960: il 24 marzo si è svolto un pellegrinaggio a Roma con la statua della Vergine venerata che è stata benedetta dal papa Benedetto XVI; il 7 agosto è stata ripetuta la cerimonia dell'incoronazione dal vescovo Antonio Napoletano alla presenza dei sacerdoti della forania di Carinola e delle comunità vicine;

Prompt: Explain the Casale di Carinola about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.

Antonio Napoletano
Carinola
Roma
Santuario


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Das Flötenkonzert Friedrich des Großen in Sanssouci

Al centro: Federico il Grande. A destra: Johann Joachim Quantz, insegnante di flauto del re; alla sua sinistra, con il violino in abito scuro, František Benda; a sinistra, in primo piano, Gustav Adolf von Gotter; dietro di lui, Jakob Friedrich Freiherr von Bielfeld; dietro, che guarda in alto, Pierre-Louis Moreau de Maupertuis; sullo sfondo, sul divano rosa: Guglielmina di Prussia; alla sua destra, Anna Amalia di Prussia con una dama di corte; dietro di loro: Carl Heinrich Graun; la vecchia signora, dietro il leggio, è Sofia Carolina, contessa di Camas; dietro di lei, Egmont von Chasôt; al clavicembalo, Carl Philipp Emanuel Bach.

Prompt: Explain the Description of the painting of this artwork, Frederick the Great Playing the Flute at Sanssouci.Please output in Italian.

Anna Amalia di Prussia
Carl Heinrich Graun
Carl Philipp Emanuel Bach
Egmont von Chasôt
František Benda
Gustav Adolf von Gotter
Pierre-Louis Moreau de Maupertuis


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Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Minneapolis)

Cacciata dei mercanti dal tempio, chiamato anche Espulsione dei mercanti dal Tempio o Purificazione del Tempio è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1570 e conservato nel Minneapolis Institute of Art di Minneapolis negli Stati Uniti d'America.

Prompt: How does Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Minneapolis) explain its Abstract?Please output in Italian.

1570
El Greco
Minneapolis
Minneapolis Institute of Art
Stati Uniti d'America


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In Epifania, how is the Italy of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Amore e Psiche

;TraduzioniItalianotraduzione classica di Agnolo Firenzuola traduzione di Ettore Paratore, Firenze,  nuova Italia, 1948;traduzione di Gian Franco Pasini, Fògola, Torino, 1983;traduzione di Claudio Moreschini, Programma, Padova, 1991;traduzione di Massimo Bontempelli, Sellerio Editore, 1992;traduzione di Angela Cerinotti, Demetra, Bussolengo, 1993;traduzione di Gabriella D'Anna, Newton Compton, Roma, 1995 . Dal 2010 con premessa di Francesco Piccolo;traduzione di Daniele Piccini,  come  novella di Amore e Psiche, prefazione di Paolo gazzi, Medusa Edizioni, Milano, 2005  ;traduzione di ra Nicolini, BUR, Milano, 2005.FranceseLes Amours de Psyché et Cupidon, favola di Jean de  Fontaine Psyché, romanzo di Pierre Louÿs Apulée, Éros et Psyché, trad. di Nicolas Waquet, prefazione di Carlo Ossola , Payot & Rivages, Paris, 2006.;Letteraturala versione romanzata di Jerzy Żuławski Umberto Marchi, Amore e Psiche, Tesoretto, Milano, 1943Erich Neumann, Amore e Psiche: un'interpretazione nella psicologia del profondo, Astrolabio, Roma, 1989 C.S. Lewis, Till we have faces, romanzo Teresa Mantero, Apuleio filosofo neoplatonico, Bozzi, Genova, 1969Raffaele  Capria, Amore e psiche , poi in Tre romanzi di una giornata , e in Opere, a cura di Silvio Perrella, Mondadori, Milano 2003Teresa Mantero, Amore e psiche: struttura di una 'fiaba di magia, Istituto di Filologia Classica e Medievale, Genova, 1973Specchio doppio. Testo teatrale di Maura Del Serra dedicato al mito di Amore e Psiche,  in "Astolfo", 2, 1994, pp. 19–33 Sonia Cavicchioli, «Le metamorfosi di Psiche. L'iconografia della favola di Apuleio», Marsilio, Venezia, 2002 ;Rafael López-Pedraza, Su Amore e Psiche: una favola per l'anima, a cura di Marina Gasparini grange, postfazione di Maria Fernanda Palacios, traduzione di Giorgia Delvecchio, Moretti & Vitali, Bergamo, 2005Lionello Sozzi, Amore e Psiche: un mito dall'allegoria alla parodia , Il mulino, Bologna, 2007Ivan Bedini, Eros e Psiche. Viaggio dell'Anima nelle terre dell'amore verso la coscienza della propria assolutezza: analisi filosofica e psicologica dei simbolismi presenti nel mito di Apuleio, Edizioni Universitarie Romane, Roma, 2007Miriam Mirolla, Amore e Psiche. Storyboard di un mito, Electa, Milano, 2008Storie di Amore e Psiche, a cura di Annamaria Zesi, L'asino d'oro, Roma, 2010. 19 varianti della storia di Amore e Psiche. Con una favola tradotta da Andrea Camilleri. favola di Amore e Psiche. Il mito nell'arte dall'antichità a Canova, a cura di Maria Grazia Bernardini e con la collaborazione di Marina Mattei per la sezione archeologica, L'Erma di Bretschneider, Roma, 2012Amore e psiche.  favola dell'anima, a cura di Elena Fontanella. Saggi di Pietro Citati, Elena Fontanella, Donatella Puglia, Paolo Moreno, Loredana Mancini, Ave Appiano, Sonia Cavicchioli, Giancarlo Malacarne, Massimo Rizzardini, Mario Guderzo, Maria Fratelli e Nicoletta Serio, Miriam Mirolla, Cludio Moreschini, Stefano Salzani, Igor Candido, Elisabetta De Troja, Alessia Gennari, Giorgio Barberi Squarotti, Gian Paolo Caprettini, ura Mosco, Giovanni Reale, Giuseppe Girgenti, Giancarlo cchin, Diego Fusaro, Gianfranco Ravasi, Giuseppina Antinucci, Paolo Berruti, Gian Mario Benzing, Bompiani, Milano, 2013;AltroOltre a opere pittoriche  e scultoree , il mito ha dato argomento anche a diversi balletti, opere drammatiche e liriche . Anche Luciano De Crescenzo ne ha fatto il soggetto di uno dei suoi I miti greci , inclusa una versione a fumetti. Pietro Citati ne parla nel suo saggio  luce della notte. Nel 2016 viene pubblicata l'opera musicale per orchestra e gruppo rock "Symphony n.1: Cupid & Psyche", scritta da Fabio Zuffanti e Luca Scherani per il gruppo Hostsonaten.

Prompt: Focus on L'Amour et Psyché, enfants and explain the Bibliography.Please output in Italian.

1995
Agnolo Firenzuola
Amore
Andrea Camilleri
Anima
Apuleio
Carlo Ossola
Cupido
Diego Fusaro
Eros
Ettore Paratore
Fabio Zuffanti
Francesco Piccolo
Gianfranco Ravasi
Giorgio Barberi Squarotti
Giovanni Reale
Giuseppe Girgenti
Jerzy Żuławski
Luca Scherani
Luciano De Crescenzo
Massimo Bontempelli
Pierre Louÿs
Pietro Citati
Sellerio
Teresa Mantero


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Dama col liocorno

L'opera è citata negli inventari Borghese dal 1760, con attribuzioni varie. Nel 1916 Giulio Cantalamessa riconobbe per primo la diversa fattura di alcune parti del dipinto, che si rivelarono in effetti aggiunte successive.Prima di un restauro del 1935 l'opera presentava ridipinture, dovute probabilmente al cattivo stato di conservazione, che ritraevano la donna raffigurata con gli attributi di santa Caterina d'Alessandria: la ruota dentata e la palma. Anche le mani e il manto appartenevano a una mano diversa e successiva rispetto alla pittura originale. Per questo la critica prima del restauro era molto incerta sull'attribuzione, con ipotesi che avevano fatto i nomi del Perugino , di Ridolfo del Ghirlandaio , di Francesco Granacci , di Andrea del Sarto . Cantalamessa e poi Longhi  ribadirono invece l'attribuzione a Raffaello, sostanzialmente confermata dopo la riscoperta del disegno preparatorio raffigurante il soggetto originale.Radiografie eseguite sul dipinto hanno evidenziato che in origine al posto dell'unicorno , simbolo della purezza verginale, la donna teneva in braccio un piccolo cane, simbolo di fedeltà coniugale. Il viso regolare, i capelli biondi, gli occhi azzurri e la pelle candida ne fecero una delle più celebrate bellezze del Rinascimento, vincitrice sui tratti più tipicamente mediterranei di Giulia Farnese in una competizione tenutasi a Pesaro. Il liocorno, e precedentemente il piccolo cane tenuto in braccio, avrebbero rappresentato la purezza e la fedeltà coniugale nei confronti del marito Ottaviano Gabrielli di Gubbio, conte di Montevecchio. Dopo la morte di questi  e l'ingresso in convento, il ritratto sarebbe stato ritoccato per attribuire all'effigiata le fattezze di Santa Caterina d'Alessandria, con evidente allusione al suo nome proprio.

Prompt: How does Young Woman with Unicorn explain its History?Please output in Italian.

1760
1916
1935
Andrea del Sarto
Farnese
Francesco Granacci
Gabrielli
Giulia Farnese
Giulio Cantalamessa
Perugino
Pesaro
Ridolfo del Ghirlandaio
Caterina d'Alessandria


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Giudizio universale

Prompt: How does The Last Judgment (Fra Angelico, Florence) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (Correggio), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Roma vista dal Vaticano

monumentale opera, realizzata da Turner dopo il viaggio del 1819-1820 in Italia, non intende tanto ricercare la veridicità storica, bensì si propone come un omaggio a Raffaello Sanzio in occasione del tricentenario della sua morte, che ricorreva proprio nel 1820. L'Urbinate, infatti, è ritratto in primo piano, in basso a destra, mentre prepara i dipinti per la decorazione della loggia vaticana: alla sua sinistra troviamo la sua leggendaria amante, la Fornarina, mentre tutt'intorno a loro sono cosparsi numerosissimi quadri. Tra le due ali dell'edificio vaticano si inserisce una veduta di piazza San Pietro, delimitato dal colonnato berniniano e da un palazzo dorato sulla sinistra, e ancora oltre vi è la Città Eterna che si distende a perdita d'occhio, sfumando progressivamente in toni giallo-rosati e azzurri.Con quest'opera Turner non solo opera un parallelismo tra sé stesso e Raffaello, artista universale, bensì intende anche dare una prova del suo virtuosismo pittorico, definendo i vari spazi con la forma geometrica dell'ellissi . Fondamentale in questo quadro è anche l'intervento del ricordo: l'opera, infatti, fu realizzata solo dopo il ritorno di Turner a Londra, anche se dopo due disegni preparatori, alcuni schizzi delle Logge e un disegno a penna e inchiostro. È proprio rielaborando a distanza di tempo queste annotazioni che Turner si anima di un nuovo vigore creativo, in quanto «implicava la creazione di un'immagine che non era soltanto vista, ma anche ricordata». In questo dipinto, infatti, l'Urbe sembra quasi uno scenario fantastico, ed è come se riaffiorasse lentamente dalla nebbia romantica dei ricordi: a creare quest'effetto concorrono soprattutto la luminosità diffusa, che inonda uniformemente la città con una luce gialla, calda e intensa, e il cielo di un azzurro liquido che si fa sempre più latteo quanto più s'approssima all'orizzonte.

Prompt: Focus on Rome, from the Vatican and explain the Description.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: Explain the Maria Magdalene in the canonical gospels of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Describe the characteristics of the One God will betray you in Last Supper (Rubens)'s New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Crocifissione del Perugino

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Pazzi Crucifixion and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Compianto della Croce al Tempio

John Pope-Hennessy, Beato Angelico, Scala, Firenze 1981.Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: How does Croce al Tempio Lamentation explain its Bibliography?Please output in Italian.

Beato Angelico
Firenze
John Pope-Hennessy


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Bonaparte davanti alla Sfinge

Il tema dell'opera è tratto dalla campagna d'Egitto del generale francese Napoleone Bonaparte. Napoleone si trova a cavallo, sulla sommità di un piccolo promontorio, davanti alla grande Sfinge di Giza, semicoperta dalla sabbia del deserto. Sullo sfondo l'esercito napoleonico attraversa il deserto, e più in lontananza sono situate delle montagne aride, il tutto sotto un cielo limpido. Quest'opera di Jean-Léon Gérôme possiede una doppia interpretazione, erudita e popolare, che la rende importante per gli storici dell'arte e per il pubblico.I soldati francesi nella valle desertica sono molto lontani e per questo appaiono molti piccoli: lo stato maggiore di Napoleone può essere identificato soltanto dall'ombra dei cavalieri; d'altro canto, la Sfinge domina la scena e sembra sorridere, anche con il naso probabilmente distrutto da una cannonata.

Prompt: In Bonaparte Before the Sphinx, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Jean-Léon Gérôme
Napoleone Bonaparte
Sfinge