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San Giorgio Maggiore al crepuscolo

San Giorgio Maggiore al crepuscolo  è un dipinto a olio su tela di 65,2x92,4 cm. Venne dipinto nel 1908 ed è oggi conservato al National Museum of Wales di Cardiff.Il quadro rappresenta l'isola di San Giorgio Maggiore di Venezia al crepuscolo.L'opera è stata protagonista del film statunitense Gioco a due: l'opera venne esposta al Metropolitan Museum of Art di New York

Prompt: Focus on San Giorgio Maggiore at Dusk and explain the Abstract.Please output in Italian.

1908
Cardiff
Gioco a due
Metropolitan Museum of Art
National Museum of Wales


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Bambini dell'Olocausto

František Bass , Petr Ginz , Hanuš Hachenburg , Honza Treichlinger  sono i più famosi tra i piccoli artisti, scrittori e poeti di Terezín. Muoiono tutti nelle camere a gas di Auschwitz. Gennaro Capuozzo , Franco Cesana , Luciano Domenico , Ugo Forno  e Filippo Illuminato  sono i più giovani partigiani italiani ad essere caduti in combattimento. Ad essi si aggiungono: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli , vittime dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine; Franco Centro , Beniamino Cobianchi  e Roberto Di Ferro , fucilati; e Franco Cetrelli , morto a Mauthausen. Sergio De Simone . Deportato a Auschwitz fu selezionato insieme ad altri 19 bambini di varia nazionalità per esperimenti medici sulla tubercolosi e quindi ucciso nei sotterranei della scuola amburghese di Bullenhuser Damm. Lea Deutsch . Attrice bambina ebrea croata. Muore durante il trasporto a Auschwitz. Anna Frank . Uno dei nomi e dei volti più noti dell'Olocausto. Autrice di un celeberrimo diario pubblicato nell'immediato dopoguerra e tradotto in numerose lingue. Deportata a Auschwitz. Morta nel campo di concentramento di Bergen-Belsen. Czesława Kwoka . Ragazzina polacca deportata ad Auschwitz in conseguenza dei programmi di pulizia etnica della regione di Zamosc. Tre celebri foto di Wilhelm Brasse  la ritraggono al suo arrivo al campo il 13 dicembre 1942. Muore di stenti ad Auschwitz il 12 marzo 1943. Ernst Lossa . Ragazzo Jenish, vittima dei programmi di eutanasia nazista. Dawid Rubinowicz . Autore di un celebre diario. Morto nel campo di sterminio di Treblinka. Settela Steinbach . Ragazzina olandese di etnia sinti, divenuta simbolo del genocidio dei gitani. Morta ad Auschwitz. Jerzy Feliks Urman . Autore di un diario dal ghetto di Stanisławów. Morto suicida per sfuggire alla cattura. Henio Zytomirski . Bambino ebreo polacco morto a Majdanek e divenuto simbolo dello sterminio dei bambini in Polonia.

Prompt: Explain the Victims about the Losterminio of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Anna Frank
Beniamino Cobianchi
Czesława Kwoka
Dawid Rubinowicz
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Ernst Lossa
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
František Bass
Gennaro Capuozzo
Hanuš Hachenburg
Henio Zytomirski
Honza Treichlinger
Jerzy Feliks Urman
Lea Deutsch
Luciano Domenico
Michele Di Veroli
Olocausto


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Madonna col Bambino tra le sante Maria Maddalena e Orsola

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: How does Madonna and Child with Saint Mary Magdalene and Saint Ursula explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Leonida alle Termopili

Nel 480 a.C., i persiani tentarono di invadere la Grecia ma vennero obbligati a passare attraverso la stretta gola delle Termopili. Dopo due giorni di combattimenti, i persiani disperavano ormai di riuscire a passare quando Efialte, un traditore greco, indicò loro un sentiero per cogliere i greci alle spalle. Leonida, capo dell'esercito spartano, sbarrò la strada coi suoi 300 uomini all'ondata persiana che avanzava. I 300 spartani si batterono contro 1000 persiani e vennero completamente massacrati ma il loro sacrificio consentì agli ateniesi di preparare un contrattacco adeguato.Il quadro rappresenta al centro la figura di Leonida, nudo ed armato  seduto su una roccia, con una gamba ripiegata; a destra, Agide, suo fratellastro, depone una corona di fiori che riporta al tema del sacrificio ; Eurito conduce un ilota  che brandisce una lancia. All'estrema destra, un gruppo di spartiati avanza al suono di tromba. I soldati si rivestono delle loro armi e dei loro scudi. A sinistra, un soldato sta incidendo sulla roccia la frase «passant qui va à Sparte, va dire que nous sommes morts pour obéir à ses lois», "Oh tu che passi per andare a Sparta, dì loro che siamo morti per obbedire alle sue leggi" .Le decorazioni sono limitate ad elementi naturali  ed umani . Il cielo è scuro in alto e più chiaro in basso.Leonida è la controparte greca delle Sabine, dipinto delle medesime dimensioni, che presenta una celebre battaglia della leggenda romana, dove la figura di Romolo è disposta esattamente come Leonida con un'armatura leggera. Altro punto in comune tra le due opere è che i dipinti non rappresentano il momento dello scontro, ma un momento precedente di preparazione.

Prompt: Focus on Leonidas at Thermopylae and explain the Description.Please output in Italian.


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Sette opere di Misericordia

storia critica del dipinto è un esempio di quanto la pittura di Caravaggio sia stata soggetta a fraintendimenti e letture fuorvianti. Uno dei luoghi comuni più frequenti è quello del pittore che coscientemente tradisce le volontà e le esigenze di rappresentazione dei committenti per dipingere scene di strada e popolaresche senza altre finalità.Bernard Berenson nel 1951 commentò la tela con accezione negativa: «Cosa dire di una composizione come Le Sette Opere di Misericordia dove ci vengono presentati i soli piedi di un cadavere portato a seppellire, una giovane isterica che offre il petto a un vecchio, alcune figure giorgionesche occupate in indecifrabili attività, e un uomo – c'è da supporre un medico – che guarda in controluce il contenuto di un bicchiere?».Nello stesso anno la chiave di lettura delle opere del Merisi cambiò repentinamente rotta grazie a Roberto Longhi che nella mostra da lui curata "Caravaggio e i caravaggeschi" diede rilancio a tutto il movimento artistico naturalista. Per l'evento lo storico dell'arte utilizzò come immagine di locandina il dettaglio della Madonna col Bambino della tela del Pio Monte, particolarmente apprezzato dallo storico così come tutta l'opera in generale, per la quale spese parole di importante elogio: « camera scura è trovata all'imbrunire, in un quadrivio napoletano sotto il volo degli angeli lazzari che fanno la "voltatella" all'altezza dei primi piani, nello sgocciolio delle lenzuola lavate alla peggio e sventolanti a festone sotto la finestra da cui ora si affaccia una "nostra donna col bambino", belli entrambi come un Raffaello "senza seggiola" [riferito alla Madonna della Seggiola] perché ripresi dalla verità nuda di Forcella o di Pizzofalcone.».Gli studi di Maurizio Calvesi hanno riletto le opere del Merisi evidenziando nel caso di questo dipinto napoletano la vicinanza allo spirito del Catechismo redatto dal Cardinale Roberto Bellarmino del 1597, che seguendo la corrente pauperista in seno alla Chiesa della Controriforma propugnava il ritorno ai valori più puri del Vangelo e di conseguenza la pratica delle opere di Carità come mezzo di espiazione e di elevazione spirituale. In questa direzione va interpretata anche la presenza, in alto, della figura della Madonna col Bambino attorniata da due figure angeliche: non trattandosi di un miracolo, essa alluderebbe al ruolo della Chiesa nella promozione e nella pratica delle opere, lettura questa supportata dal mantello di san Martino, dipinto come una forma elicoidale che, prolungandosi dalla figura di Maria attraverso il braccio proteso dell'angelo, giunge all'ignudo, unendo idealmente beneficatrice e beneficato.Secondo l'osservazione di John T. Spike, l'angelo sospeso al centro trasmette la grazia che ispira le opere di misericordia. Lo studioso accenna anche all'insolita selezione di Sansone come emblema del “Dar da bere agli assetati”. Diversamente dagli altri personaggi del dipinto e dai membri della Congregazione, l'eroe biblico non sta compiendo un atto di misericordia - è infatti lui stesso ad essere salvato dalla grazia di Dio.Nello stile di Caravaggio il naturalismo, la scelta di soggetti reali nelle sue pitture e l'alto livello di simbolismo sono condensati in un'unica scena. Il significato morale di fondo è il rapporto speculare tra le opere misericordiose che uomini compiono come avvicinamento a Dio e la misericordia della Grazia che Dio rende agli uomini, un tema che era logico trovare in una pala destinata ad una congregazione, come quella napoletana, dedita a questo tipo di attività assistenziale.Più recentemente Ralf van Bühren ha messo l’accento sul valore semantico dei forti contrasti nel chiaroscuro. Si potrebbe interpretare la luce luminosa nel dipinto come metafora della misericordia che “aiuta il pubblico a cercarla nella propria vita”. Così i nobili governatori, come committenti della tela, potevano comunicare visibilmente la misericordia come virtù sociale, e anche il senso proprio del suo compito caritatevole.

Prompt: Focus on The Seven Works of Mercy (Caravaggio) and explain the Critical fortune.Please output in Italian.

1951
Bernard Berenson
Caravaggio
Carità
Catechismo
Controriforma
Dio
Madonna col Bambino
Madonna della Seggiola
Misericordia
Ralf van Bühren
Roberto Bellarmino
Sansone
Vangelo


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Polifemo

A Polifemo è intitolato il cratere Polifemo su Teti. Il ciclope compare in Il mare dei mostri, secondo libro della saga Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo di Rick Riordan, del quale è l'antagonista principale, avendo catturato il satiro Grover, migliore amico del protagonista Percy.

Prompt: How does Polyphemus (sculpture) explain its Cultural influence?Please output in Italian.

Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo
Rick Riordan


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Statua equestre di San Venceslao

Il monumento era in ultimazione all'onore del santo patrono ceco in un clima di grande tensione rispetto al dominio dell'Impero Austro-Ungarico sui territori cechi ed, in seguito all'indipendenza ceca dall'Austria-Ungheria avvenuta il 28 ottobre del 1918 con la dissoluzione dell'Impero Austro-Ungarico e la fine della Grande Guerra, venne posta ai piedi del monumento una scritta recante la storica data dell'indipendenza a ricordo perenne dei ribelli cechi da sempre ostili agli austro-ungarici.

Prompt: Describe the characteristics of the Memory of independence in Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: Describe the characteristics of the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome in St. Jerome in the Wilderness (Mantegna)'s Iconography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di Luigi XIV

L'opera, come si è detto, ebbe una vastissima diffusione, non solo in Francia ma anche all'estero, divenendo l'immagine più conosciuta del Re Sole. Una copia del ritratto, realizzata da Pierre Legendre, si trova nella biblioteca del Palais Rohan di Strasburgo, di fronte al ritratto di Luigi XV in abiti dell'incoronazione.  Un'altra copia si trova presso l'Osservatorio di Parigi, tra i ritratti di Giovanni Domenico Cassini e Urbain Le Verrier. All'estero, oltre alla copia eseguita poi effettivamente per il re di Spagna, che ancora oggi si trova a Madrid, se ne trovano riproduzioni anche in altri luoghi; ancora nell'Ottocento ne venne realizzata una copia per Ludovico II di Baviera, grande estimatore del Re Sole, che egli andò a porre nel suo Castello di Herrenchiemsee.

Prompt: How does Portrait of Louis XIV explain its Copy.?Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Ludovico II di Baviera
Osservatorio di Parigi
Parigi
Urbain Le Verrier


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Concerto a tre

In un episodio della ventunesima serie dei Simpsons, dal titolo originale American History X-cellent, il signor Burns viene incarcerato, dopo che è stato trovato il quadro nella sua collezione d'arte.

Prompt: In The Concert (Vermeer), how is the In mass culture discussed?Please output in Italian.


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Angelus Novus

Angelus Novus fu una rivista nata nell'autunno del 1964 come trimestrale di estetica e critica a Firenze edita da  Nuova Italia a cura di Massimo Cacciari e Cesare De Michelis.Il titolo è un chiaro riferimento al dipinto Angelus Novus di Paul Klee. rivista attraversa fasi differenti contraddistinte da diverse periodicità, da direttori diversi e passa attraverso tre case editrici.
 Dopo l'inizio a cura di Cacciari e De Michelis, Angelus Novus passa con il n. 11 del 1968 sotto la direzione del solo De Michelis per le Edizioni Dedalo. Dalla fine del 1969 al 1970 vengono interrotte le pubblicazioni che riprendono nel 1971 con il n. 19 come "quaderni quadrimestrali di critica" a cura di De Michelis editi dall'editore Marsilio.Sul primo numero del 1964 non apparivano editoriali ma il fascicolo si apriva con un saggio di Cacciari, "Note di estetica hegeliana, I. Storia del sistema" che impostavano il lavoro del periodico. Nel n. 2 apparivano, accanto alle riflessioni di Cacciari sulla II parte di Storia del sistema, un saggio di H. M. Enzensberger dal titolo "Le aporie dell'avanguardia" che contenevano una "Postilla ad Enzensberger" di C. De Michelis e sul n. 3 gli articoli di Chiarini, Plebe, Chiaretti e Saltini su "Avanguardia e marxismo", tema che avrebbe avuto maggiore importanza con il proseguimento della rivista.Nella primavera del 1968 la rivista, con un editoriale sul n.11, cercava di rispondere al quesito sulle reali prospettive di un lavoro culturale, tale da poter esercitare una funzione critica nella società del capitalismo, e al quesito sul bilancio delle attuali proposte di analisi storico-scientifica del sistema.
 Sulla rivista apparvero così i saggi di Chiarini sulla letteratura tedesca del dopo guerra, il saggio di Adorno su "Dialettica dell'Impegno", il saggio di Giuseppe Vacca su "Althusser: materialismo storico e materialismo dialettico", lo studio di Boris Arvatov su "Utopia e scienza".Nel 1969 con il n. 15-18 la rivista sospendeva le pubblicazioni e le riprendeva nel 1971 con il n. 19 in veste graficamente rinnovata ma in sostanza con il programma precedente. Subito dopo Angelus Novus iniziò a diradare l'uscita dei fascicoli e concludeva la sua esperienza.

Prompt: How does Angelus Novus explain its Abstract?Please output in Italian.


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Dama con ventaglio

Dama con ventaglio è un dipinto di Gustav Klimt, inno all'Art Nouveau, al Giapponismo e al Simbolismo.

Prompt: How does Lady with a Fan (Klimt) explain its Abstract?Please output in Italian.

Art Nouveau
Giapponismo
Gustav Klimt
Simbolismo


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Cristo dolente

Un'anticipazione della sofferenza di Gesù è riportata in , quando Gesù pianse alla vista di Gerusalemme, sapendo che sarebbe stata l'ultima volta in cui avrebbe visto la Città Santa. Nella Vulgata è scritto flevit super illam . Sì tratta del primo passo biblico che descrive un Cristo in lacrime e sofferente.

Prompt: In Christus Dolens (Bramantino), how is the Gospels discussed?Please output in Italian.


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Les demoiselles d'Avignon

Les Demoiselles d'Avignon  è uno dei più celebri dipinti di Pablo Picasso, realizzato ad olio su tela tra la fine del 1906 e il luglio del 1907. Fu il primo quadro cubista dell'artista, appartenente al suo cosiddetto periodo africano, immediatamente successivo alla sua fase nota come periodo rosa ed è conservato al MoMA di New York. È considerato il manifesto del Cubismo, nonché l'opera che ne segnò l'avvio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Les Demoiselles d'Avignon.Please output in Italian.


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amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: In Love & Loss, how is the Buddhism of the In the arts explained?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Storia del Cristianesimo, a cura di Giovanni Filoramo e Daniele Menozzi, Roma-Bari, ed. terza, 1997. Michel Fédou, I dogmi, Brescia, Queriniana, 2024.

Prompt: Explain the Other about the liturgy solemnity Immaculate Conception of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Cristianesimo
Daniele Menozzi
Giovanni Filoramo
Roma


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Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Miracle of the Cross at the Bridge of S. Lorenzo.Please output in Italian.


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Ritorno all'ovile

1866, Mostra della Società Promotrice delle Belle Arti, Torino 1991, Il lavoro e l'uomo Il lavoro dell'uomo da Goya a Kandinskij, Braccio di Carlo Magno, Città del Vaticano 2019-2020, " fiera di Saluzzo", mostra alla Galleria di Arte Moderna, Torino.

Prompt: In Return to the Sheepfold, how is the Exhibitions of the painting of the History and description explained?Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: How does Adoration of the Magi (Perugino, Perugia) explain its External links?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia

Nella dottrina cristiana la Sacra Famiglia è stata sempre ritenuta un modello fondamentale della famiglia umana. I legami di affetto, di amore, di comprensione che le famiglie umane sono chiamate a rinnovare continuamente, sono particolarmente espressi e vissuti nella Sacra Famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Example for the human family in The Holy Family (Collinson painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Annunciazione di Cestello

commissione della pala è documentata dalla menzione nel libro dei benefattori del monastero di Cestello in Pinti, dove si ricorda l'ordine al pittore datato 14 maggio 1489 e retribuito trenta ducati. Il committente era il cambiavalute Benedetto di Ser Francesco Guardi, che nella chiesa aveva una cappella di famiglia. Nel 1550 la descrisse Vasari e verso il 1754 venne vista ancora sull'altare laterale dal Richa, anche se nel frattempo la chiesa era passata alle monache di santa Maria Maddalena de' Pazzi; di lì a poco, nella seconda metà del XVIII secolo, dovette essere trasferita nella cappellina di san Martino della villa fiesolana di Terenzano di proprietà del monastero. Lì venne rinvenuta nel 1870 e trasportata, due anni dopo, nella Galleria degli Uffizi.Un restauro concluso nel 1986 ha rimediato ai danni di un intervento ottocentesco, in cui la vernice era stata parzialmente abrasa, soprattutto nel cielo di azzurrite. Anche la cornice, originale, aveva la doratura consunta, che è stata ripristinata.

Prompt: Focus on Cestello Annunciation and explain the History.Please output in Italian.


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Kryptos

Prompt: How does Kryptos explain its Transcription?Please output in Italian.


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Busto di Giovanni Battista Santoni

Nel 1568, Santoni fu ordinato vescovo di Alife. In seguito, nel 1586, fu consacrato vescovo di Tricarico. Nel 1590, subito dopo la salita al trono papale, Papa Sisto V nominò Santoni come suo maggiordomo. Due anni dopo, Santoni morì. Nel 1610, quando fu ordinato vescovo, il nipote di Santoni commissionò il busto dello zio postumo.

Prompt: In Bust of Giovanni Battista Santoni, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Trittico Galitzin

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Galitzin Triptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Coniugi Andrews

Robert Andrews, l'uomo effigiato nel ritratto, nacque nel 1725 a Bulmer, nell'Essex e frequentò la Sudbury Grammar School negli stessi anni di Gainsborough; dopo aver terminato gli studi universitari all'University College di Oxford, il padre - un membro della landed gentry arricchitosi con oculati acquisti fondiari ma, soprattutto, facendo l'usuraio - gli avrebbe comprato una vastissima proprietà terriera, così da farlo integrare nelle classi superiori. Sua moglie, ovvero la donna che sta sedendo alla sua destra, è Frances Mary Carter, figlia di un facoltoso proprietario anch'egli nativo di Bulmer. I due convolarono a nozze il 10 novembre 1748, reduci di un matrimonio non guidato dall'amore, bensì dall'interesse di unire i terreni confinanti delle due famiglie.I Coniugi Andrews è un tipico esempio di ritratto di proprietari terrieri inglesi, sebbene reso inconsueto dalla presenza, per più di metà della tela, di una rappresentazione delle terre di proprietà, che in questo modo diventano protagoniste. I due coniugi stanno all'ombra di un albero di quercia, presso una panchina in legno dalle eleganti volute rococò. Lui sta in piedi, con il fucile al braccio e un cane da caccia ai piedi, appoggiato mollemente allo schienale del sedile su cui sta in posa la moglie. Il loro abbigliamento certifica con precisione il loro stato sociale.Mr. Andrews indossa il tricorno alla francese allora di moda, una redingote di lino mezza sbottonata e volutamente scomposta , pantaloni neri stretti al ginocchio e calze bianche ben aderenti.  sua posa sembra studiata per mettere in evidenza la forma delle gambe. Il fucile, la sacca per la polvere da sparo e il cane da caccia non sono una semplice allusione al suo passatempo, ma certificavano la sua ricchezza, essendo distribuita la licenza in Inghilterra solo a chi aveva rendite terriere di proprietà superiori alle cento sterline annue.Mrs. Andrews indossa vestiti alla moda campestre, con una cuffia sotto il copricapo alla bergère, le cui tese sono state arrotolate a imitazione di quanto facevano le mungitrici e le donne pastore. Indossa un corpino azzurro e una grande gonna sostenuta da telaio , che arriva a coprire tutta la panchina. Le sue scarpette di seta sono da casa e mai sarebbero state indossate all'aperto, in quanto si sarebbero rovinate col fango. Si tratta di uno degli indizi di come il ritratto sia frutto di una ricostruzione ideale e non di una reale ripresa dal vivo.Lo sfondo, invece, raffigura la grande tenuta su cui poggerà la fortuna della famiglia Andrews, disteso sotto un cielo plumbeo tipicamente inglese. Sono visibili diversi covoni di grano, pecore e recinti; quest'ultimi, in particolare, costituivano un'innovazione nel settore dell'agricoltura , a sottolineare la ricchezza dei due coniugi. È possibile che alcuni elementi, oltre a testimoniare la prosperità della tenuta, abbiano significati simbolici: la quercia è infatti sinonimo di stabilità, i covoni in primo piano alludono alla fecondità, intendibile come desiderio di famiglia numerosa.Sul grembo della signora Andrews, infine, Gainsborough ha lasciato una piccola superficie non dipinta; si pensa che questo spazio avrebbe dovuto successivamente accogliere un fagiano cacciato dal marito, come suggerito dalla forma dello spazio bianco e dai vaghi segni di penne timoniere, oppure una borsa per il ricamo, un libro, un ventaglio, o addirittura la raffigurazione del futuro erede .

Prompt: Focus on Mr and Mrs Andrews and explain the Description.Please output in Italian.


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Filippo Lippi, London) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Nascita di Venere

Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela di lino  di Sandro Botticelli. Realizzata per la villa medicea di Castello, l'opera è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze.Opera iconica del Rinascimento italiano, spesso assunta come simbolo della stessa Firenze e della sua arte, faceva forse anticamente collegamento con l'altrettanto celebre Primavera sempre di Botticelli, con cui condivide la provenienza storica, il formato e alcuni riferimenti filosofici. Rappresenta una delle creazioni più elevate dell'estetica del pittore fiorentino, oltre che un ideale universale di bellezza femminile. Nascita di Venere è da sempre considerata l'idea perfetta di bellezza femminile nell'arte, così come il David è considerato il canone di bellezza maschile. Poiché entrambe le opere sono conservate a Firenze, i fiorentini si vantano di possedere i canoni delle bellezze artistiche all'interno delle mura cittadine.

Prompt: How does The Birth of Venus (Bouguereau) explain its Abstract?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Rinascimento italiano
Sandro Botticelli


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Orologio astronomico di Praga

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

Prompt: In the context of Prague astronomical clock, explain the Moon and the Astronomical quadrant.Please output in Italian.


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Il colosso

È sconosciuta la data d'esecuzione de Il colosso, anche se si suppone che Goya l'abbia realizzato intorno al 1808, anno di inizio della sanguinosa guerra d'indipendenza spagnola di cui il dipinto sembra preludere le atrocità; una citazione del dipinto nell'inventario di casa Goya nel 1812, inoltre, ci indica che l'opera fu realizzata prima di tale data. Il colosso, inizialmente custodito da Javier Goya, dopo varie peregrinazioni giunse a Pedro Fernández Durán, il quale nel 1931 ne fece dono alla galleria del Prado, presso la quale l'opera trovò la sua collocazione definitiva. Persistono, tuttavia, alcuni dubbi sull'effettiva paternità del quadro, che secondo alcuni studi non sarebbe da ricondurre al Goya bensì ad un suo allievo, forse Asensio Julià, come sembrerebbe emergere dalla firma posta in basso a sinistra, «AJ».Il dibattito quindi è ancora aperto.

Prompt: In The Colossus (painting), how is the History discussed?Please output in Italian.


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San Sebastiano curato da santa Irene

San Sebastiano curato da Santa Irene è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1625 dal pittore Hendrick ter Brugghen e conservato all'Allen Memorial Art Museum di Oberlin. L'opera è un classico esempio di pittura del Secolo d'oro olandese e dell'influsso che il Barocco italiano ebbe su di esso, come evidenziato dall'uso del chiaroscuro così tipico dei Caravaggisti di Utrecht. Lo storico dell'arte Seymour Slive ha descritto l'opera come il capolavoro di Hendrick ter Brugghen.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre).Please output in Italian.

1625
Barocco
Caravaggisti di Utrecht
Hendrick ter Brugghen
Utrecht


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In Last Supper (Rosselli), how is the The Eucharistic institution of the New Testament explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: How does Self-portrait (Giorgione) explain its The Twentieth Century?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Madonna di Bruges

Nei primissimi anni del Cinquecento Michelangelo era di ritorno a Firenze dopo i successi ottenuti a Roma. L'artista era impegnato nella difficile realizzazione del "gigante" del David, opera allora avvolta dal mistero e nei confronti della quale tutta la città era in trepidante attesa. <br>L'impegno ufficiale non impediva però all'artista di dedicarsi anche a un nutrito gruppo di committenti privati, fiorentini e non, tra i quali figurava anche la famiglia dei Mouscron , mercanti fiamminghi di tessuti. Per i loro affari in Italia i Mouscron erano clienti della banca di Jacopo Galli, amico e protettore di Michelangelo e che verosimilmente fu l'intermediario per la commessa dell'opera.Essi commissionarono all'artista una Madonna col Bambino da collocare nella loro cappella di famiglia a Bruges. L'opera venne imbarcata quasi segretamente verso il 1506 probabilmente a Viareggio, o forse a Livorno, come testimoniano alcune lettere dell'artista indirizzate al padre e un certo Giovanni Balducci, incaricato della spedizione. Gli stessi biografi dell'artista sbagliarono sulla sua descrizione, dimostrando come in Italia nemmeno i collaboratori stretti del maestro ebbero probabilmente modo di vederla: Condivi e Varchi parlarono infatti di un bronzo, Vasari di un tondo. Nonostante ciò si nota un'influenza della statua nelle Madonne di un ristretto gruppo di pittori, tra cui Raffaello Sanzio, forse tramite l'intercessione del suo maestro Perugino. riservatezza, a cui si accenna anche in una lettera al padre da Roma, datata 31 gennaio 1506, era forse legata al fatto che l'artista voleva evitare il clamore legato ormai alle sue opere e non spazientire altri committenti che stavano aspettando da ben più a lungo i suoi lavori, come i Piccolomini a Siena. Nella lettera si accenna infatti che: «quella Nostra Donna di marmo vorrei la facessi portare costì in casa e non la lasciasi vedere a persona». Fu rinvenuta due anni dopo in una miniera ad Altaussee in Austria dalla spedizione del programma Monuments, Fine Arts, and Archives e nuovamente restituita, come narrato nel film Monuments Men.Al 1952 risale il suo ultimo viaggio, quando venne temporaneamente a Firenze, nel salone delle Armi al Bargello, per uno scambio con il Trittico Portinari di Hugo van der Goes.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna of Bruges.Please output in Italian.

1506
1952
Altaussee
Austria
Bruges
Firenze
Hugo van der Goes
Jacopo Galli
Livorno
Monuments, Fine Arts, and Archives
Monuments Men
Mouscron
Perugino
Piccolomini
Raffaello Sanzio
Roma
Siena
Trittico Portinari
Viareggio


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Maria Maddalena in estasi

L'opera originale è documentata da numerose fonti, che parlano di una Maddalena a mezza figura realizzata dal pittore lombardo: Bellori la collocava proprio nel 1606, quando il pittore fuggì da Roma riparando nei feudi Colonna; a suo parere, sostenuto anche dal Mancini, egli si rifugiò a Zagarolo. Baglione, invece, pensava che Caravaggio si fosse fermato a Palestrina. Anche dopo la morte di Caravaggio si continuò a parlare del quadro; qualcuno lo riteneva facente parte del bagaglio dell'artista, quando, nel tentativo di rientrare a Roma dopo il suo soggiorno napoletano, trovò la morte sulle coste laziali.Identificato per molto tempo con la Maddalena Klain, il quadro rimase in possesso della famiglia Colonna. Nel 1873 fu acquistato dal canonico napoletano Michele Blando ed ereditato da sua nipote, poi sposata Klain. In età contemporanea, nel 1976, il quadro passò ad un collezionista, i cui eredi sono agli attuali proprietari.Le molteplici copie del dipinto furono eseguite in larga parte da Louis Finson e sono da lui firmate. Non si può escludere in assoluto che lo stesso Caravaggio ne abbia realizzate, benché alcuni studiosi tendano ad escludere tale evenienza.

Prompt: Explain the History of this artwork, Mary Magdalen in Ecstasy.Please output in Italian.


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Giustizia

giustizia è la virtù morale che consiste nella costante e ferma volontà di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.  giustizia verso Dio è chiamata « virtù di religione ».  giustizia verso gli uomini dispone a rispettare i diritti di ciascuno e a stabilire nelle relazioni umane l'armonia che promuove l'equità nei confronti delle persone e del bene comune. L'uomo giusto, di cui spesso si fa parola nei Libri Sacri, si distingue per l'abituale dirittura dei propri pensieri e per la rettitudine della propria condotta verso il prossimo. « Non tratterai con parzialità il povero, né userai preferenze verso il potente; ma giudicherai il tuo prossimo con giustizia » . « Voi, padroni, date ai vostri servi ciò che è giusto ed equo, sapendo che anche voi avete un padrone in cielo » .In sintesi : la giustizia consiste nella volontà costante e ferma di dare a Dio e al prossimo ciò che è loro dovuto.

Prompt: In Justice (Titian), how is the Second oil Catechism of the Catholic Church (par. 1807). of the In philosophy explained?Please output in Italian.


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Obelisco della Minerva

tenuta statica del progetto di un elefante stiloforo fu contestata dai domenicani del vicino convento  con l'argomento secondo cui "nessun peso a piombo deve avere sotto di sé il vuoto, perché non sarebbe solido né durevole"; Bernini - che 16 anni prima aveva già realizzato la Fontana dei Quattro Fiumi di Piazza Navona con un obelisco sistemato su una roccia vuota - avrebbe reagito a questa ingerenza con una beffa, secondo un distico che circolò per Roma.Infatti Quinto Settano - pseudonimo di monsignor Sergardi - scrisse il celebre epigramma: Vertit terga Elephas, versaque proboscide clamat: Kiriaci fratres hic ego vos habeo .  sua spiegazione sarebbe riferita proprio al modo con cui il Bernini architettò la statua, "forse con il consenso di Alessandro VII: disegnò l'elefantino, eseguito nel 1667 da un suo allievo, Ercole Ferrata, in modo che voltasse le terga al convento degli ottusi frati, mentre la proboscide ne sottolineava la posizione irriverente e la coda, spostata sulla sinistra, ne accentuava l'intenzione offensiva".

Prompt: In Elephant and Obelisk, how is the In mass culture discussed?Please output in Italian.

Ercole Ferrata
Fontana dei Quattro Fiumi
Piazza Navona


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Caino e Abele

upright=1.4Sebbene la Bibbia designi l'invidia come causa del crimine commesso da Caino, il punto di vista di molti altri testi non-biblici è differente. .Secondo un testo extra-biblico della Chiesa di Gesù Cristo dei santi degli ultimi giorni, il Libro di Mosè contiene un'ampliata interpretazione della storia: Caino uccise Abele come risultato di un accordo di omicidio con Satana. In seguito, Caino esclamò: «Sono libero; sicuramente i greggi di mio fratello cadono nelle mie mani» . Questa è, secondo i mormoni, un'indicazione sul desiderio da parte di Caino della possessione dei beni di Abele, quindi le pecore, motivo del suo assassinio.

Prompt: In Cain and Abel (Tintoretto), how is the Reasons of the Cain. explained?Please output in Italian.


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Epifania

In Bulgaria l'Epifania si celebra il 6 gennaio ed è conosciuta come Bogoyavlenie , Кръщение Господне  o Yordanovden . In questo giorno, una croce di legno viene gettata da un sacerdote in mare, fiume o lago e i giovani corrono a recuperarla. Poiché le acque hanno una temperatura prossima allo zero, questo atto è considerato onorevole e si ritiene che la casa del nuotatore che per primo raggiunge la croce sia premiata dalla buona salute.Nella città di Kalofer, viene suonato un tradizionale coro con tamburi e cornamuse nelle gelide acque del fiume Tundzha prima del lancio della croce.

Prompt: Describe the characteristics of the Bulgaria in Epifania's Theology.Please output in Italian.


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Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

In occasione della benedizione ed inaugurazione della statua è stato presentato il libro sulla vita del Santo e sui monumenti dedicatigli nei intorni di Divina, “Príbeh svätojánsky, Socha svätého Jána Nepomuckého v Divine”, scritto da Marek Sobola insieme ad altri autori.

Prompt: Explain the Results about the International project of this artwork, Statue of St. John of Nepomuk in Divina.Please output in Italian.


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divisionismo

Giuseppe Pellizza da Volpedo Giovanni Segantini Emilio Longoni Gaetano Previati

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Divisionism.Please output in Italian.

Emilio Longoni
Gaetano Previati
Giovanni Segantini
Giuseppe Pellizza da Volpedo


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figlie di Lot

thumb  220x124px  rightLe figlie di Lot sono quattro personaggi descritti nella Bibbia, che secondo il testo furono figlie del patriarca Lot; due di esse sono menzionate in , ma non ne viene fornito il nome, mentre Paltith e la quarta sorella sono citate nel Libro di Jasser, che non appartiene al canone biblico, ma è ricordato da Giosuè, Re e Giudici.Secondo la narrazione biblica, Lot diede ospitalità nella propria casa a due angeli di aspetto maschile, offrì le proprie figlie vergini alla folla di Sodoma, per salvare i due angeli, e gli angeli ostacolarono la folla per dare alla famiglia di Lot il tempo di allontanarsi dalla città, prima della distruzione divina con fuoco e zolfo.  indica che Lot aveva due generi, riguardo ai quali: Secondo la Bibbia ebraica le figlie erano già sposate; la New International Version commenta che le figlie vergini erano ancora promesse spose:  afferma in tale senso che l'uomo e la donna lasciano la dimora paterna soltanto se uniti in una sola carne dal matrimonio;Inoltre, Robert Alter interpreta il seguente verso  }} come il riferimento a due coppie di figlie differenti, una che stava dietro ai due generi e un'altra che fuggì con Lot fuori da Sodoma.
Forse ignara del pericolo o, appunto, per le due figlie lasciate in città, la moglie di Lot volse lo sguardo indietro e rimase pietrificata in una statua di sale, mentre Lot e le figlie giunsero a Zoar, rifugiandosi in una grotta di montagna.Secondo , le figlie di Lot, morti i generi nell'incendio di Sodoma, fecero ubriacare il padre, unendosi a lui per due notti di seguito e a sua insaputa, pur di rimanere incinte.  primogenita partorì Moab e l'altra diede alla luce Ammon.Le figlie di Lot potrebbero aver temuto di essere gli ultimi umani sopravvissuti e aver desiderato preservare l'intera specie umana, oltreché non perdere la propria discendenza.
Robert Alter aggiunse che le figlie resero al padre un giusto castigo, commisurato alla scelta avventata di offrire le sue figlie vergini a una folla di stupratori, per dare ospitalità a degli angeli foresti.I commentatori descrivono le azioni delle figlie di Lot come stupri. In particolare, Ester Fuchs rilevò che il testo biblico presenta le figlie di Lot come «le iniziatrici e le colpevoli di uno stupro incestuoso».
 stessa colpa non viene invece attribuita dal testo biblico a Lot che pure espose le figlie vergini e promesse spose a uno stupro collettivo, ma difese gli angeli sacri ospiti contro la folla e da essi fu ricambiato, sempre contro la folla, durante la fuga da Sodoma.

Prompt: Focus on Lot and His Daughters (Vouet) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Ester Fuchs
Lot
Moab
New International Version
Robert Alter


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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: Explain the India about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna dei Palafrenieri

Sul rifiuto dell'opera da parte dei committenti si sono fatte varie ipotesi: secondo Hess, seguito dal Friedlander, nella nuova San Pietro non fu concessa ai Palafrenieri la cappella desiderata; questi furono quindi costretti ad accontentarsi di una cappella di ridotte dimensioni, dove il quadro del Caravaggio non riuscì a collocarsi. Fu quindi avanzata l'ipotesi di un trasferimento temporaneo del dipinto nella stessa Chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri. di proprietà della Confraternita. Lo Spezzaferro ritiene che l'ipotetico smantellamento dell'altare dove fu collocato il dipinto non fosse dovuto all'altare, ma al quadro che in quel luogo poteva essere esposto solo per pochi giorni e collega il rifiuto ad un altro coevo, quello della Morte della Madonna dipinto per la chiesa di Santa Maria della Scala. Di certo, il dipinto in sé presentava comunque aspetti poco digeribili dalla Confraternita dei dignitari pontifici: il Bambino completamente nudo e troppo cresciuto; una madonna-popolana che si china mostrando il petto e con un volto molto conosciuto a Roma, quello della modella e amica del pittore Maddalena Antognetti detta Lena; l'atteggiamento distaccato, dimesso di sant'Anna patrona dei Palafrenieri. Ma non vi è dubbio che il motivo più fondante che portò al netto rifiuto dell'opera vada ricercato nella mancata partecipazione nell'opera della redenzione di S. Anna, patrona dei Palafrenieri, vista in un atteggiamento estraneo, meditativo, che appare come una vecchia rugosa e infagottata. Salvatore Settis avvicina questa immagine della madre di Maria ad una statua di Demostene e la indica come iconografia della meditazione. Proprio quest’atteggiamento astratto, non partecipativo di S. Anna, che avrebbe dovuto portare alla Grazia, irritò i Confratelli e il Collegio cardinalizio, ed in particolare il cardinale di Como Tolomeo Gallio. Va ancora detto che l'immagine poteva causare altri contrasti a seguito della disputa fra cattolici e protestanti su una diversa interpretazione dell'Antico Testamento relativamente al momento in cui Maria schiaccia col piede la testa del serpente. Secondo i cattolici doveva essere Maria a schiacciare il male impersonato dal serpente-demonio; secondo i protestanti si trattava invece di Gesù. Caravaggio, dunque, avrebbe dato un eccessivo coinvolgimento a Gesù Bambino nell'uccidere il serpente e quindi per giungere alla Redenzione sarebbe stato sufficiente rivolgersi alla benevolenza divina senza che la Chiesa di Roma avesse un ruolo determinante. Pio V, però, nel 1569 aveva emesso una bolla risolutiva precisando che il serpente è schiacciato dal Figlio con l'aiuto della Vergine madre. In questo, conclude Maurizio Calvesi, Caravaggio non aveva fatto altro che riprendere ciò che aveva già proposto Ambrogio Figino in una sua opera, la Madonna della serpe dell'Oratorio di S. Antonio Abate a Milano: e dunque, secondo lo studioso, Caravaggio si era inserito in quella che era stata l'interpretazione corrente dell'arte della Controriforma e del pensiero del Borromeo. Il richiamo al motivo dell'Immacolata Concezione per  questa interpretazione iconografica e la dipendenza del Caravaggio dal Figino per quest’opera era già stato proposto dal Longhi: il Caravaggio non aveva fatto che seguire un importante esempio assimilato durante la sua formazione lombarda ed era incappato in un rifiuto simile, se, come sembra, anche l'opera di Figino, inizialmente destinata alla chiesa di S. Fedele a Milano, venne rifiutata dai Gesuiti a causa dell'ambigua iconografia. Resta comunque da considerare che nel Discorso intorno alle immagini sacre e profane, Gabriele Paleotti aveva duramente condannato per la raffigurazione della Vergine Maria ogni immagine che potesse essere solo lontanamente lasciva che " fa stomaco a vederla". E il seno di Lena offerto alla vista degli spettatori non era certo un bel vedere per la rigida posizione dei padri riformatori e urtava sicuramente contro la posizione classicista di Bellori: " L'altro quadro di Santa Anna fù tolto ancora da uno de minori altari della Basilica Vaticana, ritratti in esso vilmente la Vergine con Giesù fanciullo ignudo, come si vede nella villa Borghese". Tutti questi motivi generavano forte imbarazzo e contrarietà nei Palafrenieri del papa che non potevano permettersi di tenere un'opera quantomeno dibattuta a vessillo del loro altare in San Pietro o nella loro Chiesa confraternale. Il loro ruolo di contiguità con il Pontefice e i loro continui contatti con il Collegio cardinalizio a causa del loro Ufficio di Corte, non rendevano praticabile una sopravvivenza dell'opera in Vaticano.

Prompt: In Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri), how is the The refusal of the work of the History explained?Please output in Italian.

Ambrogio Figino
Chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri
Gabriele Paleotti
Maddalena Antognetti
Roma
Sant'Anna
Tolomeo Gallio


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Mosaico di Zliten

Il mosaico di Zliten è un mosaico pavimentale romano risalente al II secolo d.C. circa, trovato nella città di Zliten, in Libia, situata a est dell'antica città di Leptis Magna. Fu scoperto nel 1913 dall'archeologo italiano Salvatore Aurigemma ed è attualmente esposto nel Museo archeologico di Tripoli. Raffigura combattimenti di gladiatori, cacce agli animali e scene di vita quotidiana.

Prompt: In Zliten mosaic, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

II secolo
Leptis Magna
Libia
Salvatore Aurigemma
Tripoli
Zliten


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Madonna col Bambino tra i santi Michele Arcangelo e Andrea è un dipinto ad olio su tavola  di Cima da Conegliano databile alla fine del XV secolo e conservato presso la Galleria nazionale di Parma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child with Michael the Archangel and St Andrew.Please output in Italian.

Cima da Conegliano
Galleria nazionale di Parma
Parma


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Pioggia, vapore e velocità

.</ref>}}Sempre il titolo evoca un terzo elemento che rappresenta di fatto il perno tematico del dipinto: si tratta della «velocità», simbolicamente rappresentata da un elemento decisamente nuovo, il treno.  locomotiva era un mezzo di trasporto introdotto per la prima volta nel 1804 da Richard Trevithick e già nel 1825 fu inaugurata la prima ferrovia pubblica: la "Stockton & Darlington Railway". Mentre la maggior parte degli artisti, scettici verso l'era del vapore, riscoprivano la pittura del passato, Turner non si lasciò intimorire dalle locomotive: anzi, ne subì irrimediabilmente il fascino. Fu per questo motivo che egli decise di omaggiare la nuova epoca scegliendo proprio di raffigurare un treno: era la prima volta che un convoglio ferroviario era oggetto di rappresentazione pittorica ad opera di un artista affermato.Nel dipinto il treno della Great Western Railway si avventa sul ponte ferroviario di Maidenhead, precipitandosi verso lo spettatore con una velocità tale che pare voglia uscire dalla tela: a creare questa sensazione di dinamismo concorrono il taglio obliquo del ponte, la sua prospettiva e l'angolazione non frontale di ripresa. Sotto il profilo simbolico, invece, l'inarrestabile forza della locomotiva è ribadita dalla presenza della lepre, il più veloce degli animali, che corre sulle rotaie, forse per sfuggire al treno, forse per gareggiare in velocità con esso. Intuendo il potenziale artistico della modernità, inoltre, Turner riconduce il treno nella categoria estetica del sublime. Anche gli elementi artificiali, oltre a quelli naturali, possono dunque confrontarsi con il sublime, in quanto anche essi «tendono a colmare l’animo di un orrore dilettevole» , anche se i binari del treno non hanno un andamento curvilineo  bensì procede per linee rette, così come qualsiasi altro prodotto dell'uomo. In questo modo, Turner riesce a «trasferire i temi del sublime nel campo della tecnica, dipingendo la fusione del valore industriale con i fenomeni atmosferici della pioggia e della nebbia e associandoli a un nuovo parametro: la velocità» .

Prompt: Explain the speed about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway.Please output in Italian.


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Ritratto di Ginevra de' Benci

Ginevra Benci  era la figlia di Amerigo Benci, ricco banchiere amico del padre di Leonardo, ser Piero da Vinci. Andò in sposa nel 1474 a Luigi di Bernardo di po Nicolini.  sua famiglia fu a lungo legata all'attività di Leonardo a Firenze: in casa Benci fu conservata lAdorazione dei Magi, lasciata incompiuta, dopo la partenza del pittore per Milano. Tommaso de' Benci, poeta discepolo di Marsilio Ficino, fu amico di Leonardo.Ginevra, che è ricordata anche da Lorenzo il Magnifico come una delle donne più colte della società fiorentina dell'epoca, è stata identificata come la donna del ritratto grazie alla presenza, sullo sfondo, di fronde verdi di ginepro, che alludono al suo nome per paronomasia. L'opera venne vista da Vasari che nelle Vite scrisse: "[Leonardo] ritrasse la Ginevra d'Amerigo Benci cosa bellissima" . Il retro richiama l'emblema di Bernardo Bembo, con cui Ginevra ebbe uno scambio epistolare. Ciò ha anche fatto ipotizzare che il committente del ritratto fosse l'ambasciatore veneto a Firenze.L'opera, già nel Palazzo de' Benci, entrò prima del 1733 nelle collezioni dei Principi del Liechtenstein a Vienna, poi trasferite a Vaduz, come testimoniato da un sigillo in cera rossa sul retro con le armi del Liechtenstein e la data. Il 10 febbraio 1967 la galleria statunitense acquistò il quadro dal principe Francesco Giuseppe II del Liechtenstein per una somma di oltre cinque milioni di dollari, un vero record per quei tempi.

Prompt: How does Ginevra de' Benci explain its History?Please output in Italian.

1474
1733
1967
Amerigo Benci
Benci
Bernardo Bembo
Francesco Giuseppe II del Liechtenstein
Liechtenstein
Marsilio Ficino
Milano
Palazzo de' Benci
Principi del Liechtenstein
Vaduz
Vienna


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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: In Love & Loss, how is the Christianity of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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marmi di Elgin

Nonostante il British Museum abbia continuamente ribadito la sua ufficiale proprietà dei marmi, nel 1998 tutti i sondaggi effettuati da agenzie e giornali hanno mostrato il favore dell'opinione pubblica alla restituzione dei marmi di Elgin alla Grecia.Ipsos MORI ha effettuato un sondaggio con la domanda: "Se ci fosse un referendum sull'opportunità o meno che i marmi di Elgin siano restituiti alla Grecia, come voterebbe?". Le risposte, tra la popolazione inglese adulta, sono state: Quando è stato chiesto il parere del pubblico con una serie di condizioni  il numero di favorevoli alla restituzione è salito al 56% e quello dei contrari è sceso al 7%.Entrambi i risultati del sondaggio evidenziano quindi come la maggioranza della popolazione inglese sia favorevole al rientro dei marmi in Grecia, la quale supera di gran lunga la parte a favore della permanenza al British Museum.

Prompt: In Elgin Marbles, how is the Surveys of the Damages explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Rembrandt's self-portraits of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Trittico di san Pietro martire

Il Trittico di san Pietro martire è una pala di Beato Angelico, tempera su tavola , databile al 1428-1429 e conservato nel Museo nazionale di San Marco a Firenze.

Prompt: In San Pietro Martire Triptych, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Triplo ritratto di Carlo I

Il Ritratto di Carlo I in tre posizioni è uno dei ritratti che Antoon van Dyck eseguì per il re d'Inghilterra Carlo I. Da quando era passato al servizio della corona inglese, il pittore fiammingo aveva eseguito numerosi ritratti del sovrano. Questo caso rappresenta una eccezione: il suo primo scopo non fu quello di ritrarre il re in modo da celebrare la potenza della monarchia o da esaltare la figura di Carlo I. Il quadro fu infatti inviato a Roma, dove lo attendeva Gian Lorenzo Bernini. Il celebre scultore, che non si mosse dall'Italia che una volta soltanto, per recarsi in Francia, nelle città di Parigi e Versailles, dove dimorava la corte del re di Francia Luigi XIV, il Re sole, aveva ricevuto la richiesta da parte di Carlo di eseguire un suo busto. Bernini accettò, ma dovendo avere un modello a disposizione, chiese che gli fosse inviato un ritratto del sovrano.Van Dyck, per facilitare e rendere più preciso il lavoro di Bernini, ritrasse il re in tre posizioni, facendone un quadro molto ammirato ed ora conservato nel castello di Windsor vicino a Londra. Il busto di Bernini invece venne distrutto in seguito all'incendio che colpì il Palazzo di Whitehall.Sempre nelle collezioni reali del Castello di Windsor si conserva un busto in marmo dello scultore olandese Jan Blommendael che parte della critica indica come una possibile copia del perduto ritratto del Bernini.Con lo stesso procedimento Bernini avrebbe dovuto eseguire il ritratto anche della moglie del sovrano inglese, Enrichetta Maria di Borbone. Allo stesso scopo Van Dyck realizzò - questa volta su tele distinte - tre ritratti della regina, due di profilo e uno frontale. Bernini tuttavia non eseguì questo secondo busto.Alcuni anni dopo, nel 1641, avvalendosi di un ulteriore triplo ritratto del pittore francese Philippe de Champaigne - compositivamente simile a quello di Van Dyck e forse da questo esemplato - Bernini scolpì il busto del cardinale Richelieu, ora conservato al Louvre.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Charles I in Three Positions.Please output in Italian.

Antoon van Dyck
Castello di Windsor
Francia
Gian Lorenzo Bernini
Londra
Palazzo di Whitehall
Parigi
Philippe de Champaigne
Roma


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Testamento e morte di Mosè

L'affresco raffigura gli ultimi episodi della vita di Mosè, sapientemente coordinati su due piani principali: uno in primo piano, dove sono raffigurate due scene senza soluzione di continuità, e uno sullo sfondo, dove si trovano altri tre episodi e una piacevole apertura di paesaggio sulla destra. Il protagonista Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde, che ricorre in tutte le scene della cappella. L'autore inoltre si attenne alle convenzioni che danno unità all'intero ciclo: uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica, gamma cromatica simile, con una profusione di rifiniture in oro, che facevano risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Sullo sfondo si vede Mosè che, sul monte Nebo, riceve da un angelo il bastone del comando, che gli permetterà di comandare il popolo d'Israele verso la Terra promessa; l'angelo gli mostra con un gesto eloquente la sua destinazione, profetizzandogli anche che a lui, per volontà di Dio, non sarà concesso di vederla se non in quella stessa occasione. Poco sotto Mosè scende dalla montagna col bastone in mano, secondo uno schema usato anche nella scena vicina della Discesa dal monte Sinai di Cosimo Rosselli.In primo piano a destra si vede Mosè che, alla veneranda età di centoventi anni, parla alla folla tenendo il bastone e un libro di Sacre Scritture, con raggi dorati che gli escono dalla testa a rappresentare quelle "corna" frutto di un'errata traduzione del testo biblico da parte di san Girolamo, che generò un equivoco sostenuto per secoli. Ai suoi piedi si vede l'arca dell'Alleanza, aperta per mostrare le due Tavole della Legge e il vaso della manna. Al centro il corteo degli astanti prosegue con alcune belle figure, tra cui una donna con un bambino sulle spalle vestita di soffici sete, un elegante giovane di spalle, un ignudo seduto. Questi ultimi due sono attribuiti a Signorelli, come anche l'uomo che si appoggia su un bastone accanto al trono di Mosè.Più a sinistra si vede la nomina di Giosuè a successore di Mosè, con il primo riceve il bastone del comando inginocchiato davanti al profeta, che per l'occasione ha girato il suo mantello scoprendo una parte della fodera rossa, per una maggiore varietà dell'insieme.Infine sullo sfondo a sinistra, tra lo sgomento dei presenti, si vede Mosè morto, disteso già in un sudario.  morte avvenne nella terra di Moab, dove i figli d'Israele lo piansero per trenta giorni.

Prompt: Focus on Testament and Death of Moses and explain the Description and style.Please output in Italian.

Cosimo Rosselli
Discesa dal monte Sinai
Moab
Mosè
Nebo


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Il sonno della ragione genera mostri

Il sonno della ragione genera mostri  è un'acquaforte e acquatinta realizzata nel 1797 dal pittore spagnolo Francisco Goya e facente parte, come foglio n° 43, di una serie di ottanta incisioni chiamata Los caprichos, pubblicata nel 1799.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Sleep of Reason Produces Monsters.Please output in Italian.


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Pala di San Zaccaria

Carlo Ridolfi nel 1648 ricordò ne Le Maraviglie dell'arte la grande pala come commissionata in memoria di Pietro Cappello e come tenuta in grande considerazione quale "una delle più belle e delicate dell'autore".Si tratta della prima opera in cui i debiti verso l'arte di Giorgione sono innegabili e dimostra il rinnovamento intrapreso dall'artista ormai settantenne, che inaugura la sua ultima fase produttiva, quella tonalista.

Prompt: Explain the History of this artwork, San Zaccaria Altarpiece.Please output in Italian.

Carlo Ridolfi
Giorgione
Le Maraviglie dell'arte
Pietro Cappello


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Retablo dei santi Orsola, Martino e Antonio

Prompt: In Altarpiece of Saints Ursula, Martin and Anthony, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

L'Imperatore è la figura con maggiore completezza architettonica, che Niki de Saint Phalle ha studiato a lungo e modificato dove pare raccolta l'eredità di Gaudí. Rappresenta la carta del maschile, fisico e psichico , dell'ambizione, del potere consolidato simboleggiato anche dal ricco repertorio materico - «una onirica rievocazione del ready-made degli anni Sessanta» - che comprende «vetri di Murano e murrine, specchi di Francia, cecoslovacchi e di Boemia, rilievi decorativi  e tasselli di un puzzle senza eguali», richiamando «oggetti ed elementi dei più vari o ne sono dei calchi fino ai volti di tutti coloro che hanno collaborato alla creazione del Giardino dei Tarocchi, i cui nomi sono anche riprodotti in murrine tutto attorno ad una delle colone del loggiato».Al centro del cortile racchiuso da questo ondeggiante, polimaterico loggiato, è ritagliata una vasca circolare nella quale quattro felici, coloratissime nanas fanno il bagno, schizzando dai seni getti d'acqua.Sul retro del Castello, staccata ma incombente, si eleva la Torre, simbolo delle costruzioni mentali non fondate su basi solide, interamente rivestita di specchi e decapitata dalla violenza del fulmine-macchina-ferraglia concepita da Jean Tinguely.Dalle finestre rettangolari ritagliate lungo le pareti della Torre si può avere una visione dell'interno dell'edificio, le cui strette stanze erano state adibite ad ufficio, oggi non accessibile.

Prompt: Describe the characteristics of the The Emperor The Tower in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.

Francia
Giardino
Jean Tinguely
L'Imperatore
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Tarocchi


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Giuditta e l'ancella con la testa di Oloferne

piccola tavola, di attribuzione controversa, è forse un esercizio di stile del maestro, che qui diede un'interpretazione pacata del tema, usato anche, con composizioni diverse, in un'altra tavola a monocromo alla National Gallery of Ireland, in una tela nel Montreal Museum of Fine Arts  e in un disegno al Gabinetto dei disegni e delle stampe degli Uffizi. tavola di Washington è costruita su colori brillanti e variegati, quasi come una . Sotto la tenda rosea di Oloferne, di cui si intravede un piede sul giaciglio, sta in piedi Giuditta che ha appena assolto il suo compito, decapitandolo: con la mannaia ancora in mano, sta deponendo la testa del tiranno in un sacco, tenuto da un'ancella. Il pavimento è scheggiato in lastroni di terra e roccia che compongono una griglia prospettica in diagonale.

Prompt: How does Judith with the Head of Holofernes (Mantegna, Washington) explain its Description and style?Please output in Italian.

Gabinetto dei disegni e delle stampe
Giuditta
Oloferne


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Incubo

Secondo la Classificazione Internazionale dei Disturbi del Sonno - Terza Edizione , il disturbo da incubi, insieme al disturbo comportamentale del sonno REM  e alla paralisi del sonno isolata ricorrente, formano la sottocategoria delle parasonnie correlate alla fase REM del cluster delle parasonnie. Gli incubi possono essere idiopatici senza alcun segno di psicopatologia o associati a disturbi come stress, ansia, abuso di sostanze, malattie psichiatriche o disturbo da stress post-traumatico . Per quanto riguarda il contenuto onirico, i sogni di solito imprimono emozioni negative come tristezza, paura o rabbia. Secondo gli studi clinici il contenuto può includere inseguimenti, lesioni o morte di altre persone, cadute, disastri naturali o incidenti. Anche i sogni tipici o i sogni ricorrenti possono avere alcuni di questi argomenti.

Prompt: How does The Nightmare explain its Classification?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Madonna di Tarquinia

Madonna di Tarquinia è un'opera di Filippo Lippi, tempera su tavola , datata 1437 e conservata nella Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Barberini a Roma.

Prompt: In Enthroned Madonna and Child (Filippo Lippi), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1437
Filippo Lippi
Palazzo Barberini
Roma
Tarquinia


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Monumento equestre al Gattamelata

Concepito come un cenotafio, sorge in quella che all'epoca era un'area cimiteriale, in una collocazione attentamente studiata rispetto alla vicina basilica, ossia lievemente scostata rispetto alla facciata e al fianco, in asse con un importante accesso viario, garantendo la visibilità da molteplici punti di vista.

Prompt: Explain the Placement about the Description of this artwork, Equestrian statue of Gattamelata.Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

L'immersione per osservare la statua è una delle escursioni più famose del litorale ligure, e il Cristo è diventato negli anni il simbolo della passione per la subacquea e il mare. In questo contesto trova importanza l'immersione di Cristina Guidi nel 2017. L'immersione è relativamente semplice e poco profonda, e non richiede particolari accorgimenti se non la presenza degli accompagnatori iscritti alla Regione Liguria, in quanto ci si trova all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino.

Prompt: Focus on Christ of the Abyss and explain the Underwater.Please output in Italian.

Area naturale marina protetta Portofino
Liguria
Portofino
Liguria


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Il pastore mercenario

Hunt dipinse il quadro quando viveva e lavorava in stretta collaborazione con John Everett Millais, che stava dipingendo lOfelia nello stesso momento vicino il fiume Hogsmill presso Ewell, nel Surrey. Entrambe le tele rappresentano delle scene rurali inglesi, l'innocenza delle quali viene disturbata dalle violazioni sottili ma molto minacciose dell'armonia naturale. Nel dipinto di Hunt, il pastore ignora il proprio gregge; due pecore sono sdraiate sull'erba mentre quelle sullo sfondo cominciano a interessarsi al fosso fiancheggiato dai salici che separa il prato da un campo di grano, dove è già giunta una pecora. Questa violazione dei confini è parallela alle intrusioni fisiche del pastore nello spazio personale della giovane, che risponde in una maniera ambigua che potrebbe essere interpretata come una complicità o uno scetticismo consapevole. Mentre le mostra la falena che ha catturato, egli coglie l'occasione per metterle un braccio intorno alle spalle.  borraccia legata alla cintura e le guance rosse fanno capire che lui è ubriaco, ed è facile intuire come lui stia cercando di sedurre la contadina. Inoltre, sulle ginocchia della giovane si trova un agnello, che mangia delle mele acerbe, e non mature.Hunt prese come modella per la ragazza una campagnola locale, Emma Watkins. Era nota come "la copta" presso la confraternita preraffaellita, forse per i suoi tratti esotici. Watkins lavorò a Londra per fare da modella per Hunt così che questi completasse il quadro, ma tornò a casa dopo non essere riuscita ad affermarsi come una modella in modo indipendente. Si sposò, mise su una famiglia e passò il resto della sua vita come una campagnola qualunque, finché non morì in un ospedale psichiatrico nel 1914. Non è noto il modello per la figura maschile, ma probabilmente era uno professionale.Quando venne mostrato per la prima volta all'accademia reale, il quadro fu accompagnato da una citazione dal Re Lear:

Prompt: Focus on The Hireling Shepherd and explain the Description.Please output in Italian.

Ewell
Hogsmill
John Everett Millais
Londra
Re Lear
Surrey


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (Thomas Eakins)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ragazzo accovacciato

L'opera non è ricordata in nessuna delle fonti biografiche su Michelangelo, né in documenti della sua epoca. Appartenuta ai Medici, la scultura fu acquistata dal banchiere John Lyde Browne, un collezionista inglese incaricato dalla zarina Caterina II di procurarle in Europa delle opere da aggiungere alle sue collezioni. Pervenuta all'Accademia artistica di Pietroburgo, passò dal 1851 al museo attuale.Solo in epoca recente l'opera è stata attribuita a Michelangelo. Questo è stato possibile grazie all'intuizione della studiosa tedesca Anny E. Popp, che nel 1923 la mise in relazione con un disegno, già allegato a una lettera del 1526 di Leonardo Sellaio indirizzata a Michelangelo, e oggi conservato al British Museum di Londra: in esso si vede il primo progetto per la Sagrestia Nuova della Basilica di San Lorenzo , con due figure accovacciate, collocate di profilo all'interno di nicchie, una delle quali somiglia al Ragazzo accovacciato.Altre ipotesi legano invece l'opera alla tomba di Giulio II, in particolare a una fase vicina al Genio della Vittoria, con proposte di datazione che oscillano tra il 1524 e il 1530, con una preponderanza per il primo. Solo Frey ipotizzò di riferirlo a un periodo giovanile, verso il 1497-1500. Altri hanno espresso dubbi sull'autografia: per Charles de Tolnay è opera di allievi del maestro, per Wittkower di Pierino da Vinci.

Prompt: In Crouching Boy, how is the History discussed?Please output in Italian.

1524
1526
1851
1923
British Museum
Charles de Tolnay
Europa
Genio della Vittoria
Londra
Medici
Pierino da Vinci
Sagrestia Nuova


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Betsabea

Betsabea viene citata nel brano Giuseppe cantato da Georges Moustaki Nella celebre canzone Hallelujah del cantante Leonard Cohen si cita Betsabea, anche se non viene nominata, nel verso "You saw her bathing on the roof / Her beauty and the moonlight overthrew ya" .  canzone Dead dall'album Doolittle dei Pixies  raffigura la lussuria di Davide nei confronti di Betsabea, la gravidanza causata dal loro adulterio e il decesso di Uria. Betsabea e Uria sono citati per nome. Mad About You, una canzone dall'album di Sting del 1991 The Soul Cages, esplora l'ossessione di Davide per Betsabea dal punto di vista del primo. David and Bethsheba dall'album Bottom of the Sea dei Brown Bird è una riscrittura della storia dal punto di vista di Davide.

Prompt: In the context of Bathsheba (Gentileschi), explain the Music and the Biblical story.Please output in Italian.

Brown Bird
Davide
Leonard Cohen
Pixies
Davide
Sting
The Soul Cages


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amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: Explain the Buddhism about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

I due pannelli superiori mostrano l'Annunciazione, divisa tra l'Angelo, a sinistra, e la Vergine a destra, secondo uno schema esistente fin dal medioevo. Tiziano inondò le due figure di una luce vibrante, soprattutto l'Angelo che è investito da dietro e le cui pieghe della veste bianca generano un vivace contrasto tra luci e ombre.  sua figura compie il gesto dinamico, sviluppato in profondità lungo la diagonale, come il San Sebastiano, di srotolare un cartiglio dove si leggono le parole evangeliche "Ave Maria Gratia Plena". Maria è colpita da una luce più soffusa, che meglio si adatta al carattere intimo dell'ambientazione domestica in cui ricevette l'annuncio.L'atmosfera è assorta, con una pacata ma poetica intensità di sentimento.

Prompt: Describe the characteristics of the Annunciation in Averoldi Polyptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


subsection

Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the In France and the Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


section

Sacra Famiglia con i santi Elisabetta e Giovanni Battista è un dipinto tempera a colla e oro su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1490 circa e conservato nel Kimbell Art Museum di Fort Worth, Texas.

Prompt: In The Madonna and Child with Saints Joseph, Elizabeth, and John the Baptist, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1490
Andrea Mantegna
Fort Worth
Giovanni Battista
Kimbell Art Museum
Texas