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Epifania

In Slovenia, soprattutto nella parte occidentale del Paese, durante il primo giorno dell'anno e l'Epifania, i bambini vanno di casa in casa perché i paesani regalano loro mandorle, fichi secchi, noci o biscotti che hanno nelle proprie dimore.

Prompt: Explain the Slovenia about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: Focus on St. John the Evangelist on Patmos and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Crocifisso di San Domenico ad Arezzo

Quest'opera di Cimabue è fortemente ispirata al Christus patiens di Giunta Pisano nella basilica di san Domenico a Bologna. Il corpo di Cristo, il tipo di panneggio e la decorazione della croce derivano da Giunta e la croce aretina potrebbe apparire come una semplice imitazione se non fosse per la particolare flessione, che si sforza di trovare un equilibrio fra realismo e intellettualismo, con effetto più dinamico ed espressivo, ma anche di geometrica purezza. Cimabue infatti arcuò ancora maggiormente il corpo di Cristo, che ormai deborda occupando tutta la fascia alla sinistra della croce. Inoltre Cimabue riesce ad imprimere maggiore volumetria all'intera figura e alle singole parti del corpo, dotando i muscoli di un vigore ed una possanza solo parzialmente raggiunti prima. Ciò è conseguito grazie ad un pittoricismo che fa uso di righe scure molto sottili, parallele e concentriche, tracciate con la punta del pennello, la cui densità si fa più alta nelle zone scure e più rada nelle zone chiare del corpo. Il corpo è diviso in aree circoscritte e ben distinte, quasi come i pezzi di un'armatura scomponibile. Nelle zone di contatto tra zone diverse, per esempio al confine tra i muscoli pettorali e il costato, si passa improvvisamente da un'alta ad una bassa frequenza di righe sottili, mentre all'interno della stessa area, per esempio entro il muscolo pettorale, si ha un gradiente, un passaggio graduale che crea una modulazione chiaroscurale ben precisa e autonoma. Questo pittoricismo crea una pittura densa e pastosa, un corpo bronzeo, come una lamina a sbalzo su una superficie piana, raggiungendo una tensione muscolare e una volumetria ancora più marcate rispetto alla croce di Giunta a Bologna.Anche il volto e la capigliatura non sono risparmiati da questo pittoricismo esasperato. I peli della barba, riuniti in tante ciocchettine sottili in Giunta, sono qui così fini da essere dipinti singolarmente e fondersi con le linee dei chiaroscuri degli zigomi. Le ciocche dei capelli si sfrangiano in ciocchettine sempre più minute, un effetto ben più marcato rispetto alla precedente croce giuntesca.Più dolce è il volto di Cristo, anche se ottenuto con uno stile ancora asciutto, quasi "calligrafico".  smorfia di dolore è più realistica, in ossequio alle richieste degli ordini mendicanti. il colore è steso in un tratteggio sottile che imprime al volto uno stacco dalla tavola.Lo studio recente, rigoroso e dettagliato di Luciano Bellosi, ha permesso di stabilire come il crocifisso sia da ricondurre alla fase giovanile del pittore, sia da considerare la primissima opera tra quelle sopravvissute ed attribuite oggi a Cimabue e databile quindi attorno al 1270. A rivelare una datazione così precoce sono le crisografie bizantine presenti nel perizoma di Cristo e nelle vesti dei due dolenti, motivi che Cimabue non adotterà più nelle opere successive, a partire già dal crocifisso di Santa Croce che è considerata la sua seconda opera, di poco anteriore al 1280. Anche il pittoricismo summenzionato ereditato da Giunta Pisano diventa più fluido nelle opere immediatamente successive, con passaggi chiaroscurali sempre più morbidi. Questo già a partire dal Crocifisso di Santa Croce.Sui volti di tutte le figure sono presenti una cavità profonda a forma di cuneo, nel punto in cui il sopracciglio incontra la base del naso e sopra il labbro superiore della Vergine è presente una striscia bianca che produce l'effetto di uno sdoppiamento. Questi tratti bizantineggianti, che Cimabue ha ereditato dal maestro o artista ispiratore Giunta Pisano, sono ancora presenti nel Crocifisso di Santa Croce, ma scompariranno nelle opere successive. Ma è soprattutto il profondo solco che dall'angolo dell'occhio attraversa tutta la guancia ad essere rivelatore in questo senso: questo tratto arcaico è presente su tutti i volti di questo crocifisso, solo accennato sul volto della Madonna dolente  nel crocifisso fiorentino e del tutto assente a partire dalla Maestà del Louvre, collocabile intorno al 1280.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Crucifix (Cimabue, Arezzo).Please output in Italian.

1270
1280
Bologna
Cimabue
Crocifisso di Santa Croce
Giunta Pisano
Luciano Bellosi
Maestà del Louvre


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Orologio astronomico di Praga

L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

Prompt: Explain the History of this artwork, Prague astronomical clock.Please output in Italian.


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Musica

terminologia musicale è molto ampia.I termini usati per parlare di un particolare brano musicale includono: la nota che è il simbolo utilizzato per indicare una specifica intonazione ; la melodia che è una successione di suoni percepita come un percorso coerente; l'accordo nella musica tonale che è il risultato della combinazione simultanea di più suoni, sottoposta a vincoli e regole tradizionali; l'armonia che è lo studio della classificazione e delle concatenazioni di accordi; il contrappunto, dal lat. punctum contra punctum, punto contro punto, nota contro nota, è la simultanea organizzazione di differenti melodie; il ritmo che è l'organizzazione dalla metrica  in un brano; il tempo, che determina la durata di ogni battuta in unità musicali; gli armonici, ovvero l'insieme delle note che, unite, compongono una stessa nota . Gli armonici possono essere naturali o artificiali, a seconda di come vengono ottenuti mediante lo strumento. il timbro è la caratteristica che differenzia ogni strumento, e dipende dalla forma dell'onda sonora prodotta dallo stesso. Solo nel Romanticismo si cominciarono ad intuire ed utilizzare le diverse potenzialità espressive di ogni strumento, le quali dipendono appunto dal timbro; la pausa è l'intervallo che si interpone tra una nota ed un'altra.

Prompt: Explain the Common terms about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Lupa capitolina

, nel sito dei Musei Capitolini  Musei Capitolini, giugno - ottobre 2000

Prompt: How does Capitoline Wolf explain its External links?Please output in Italian.


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Antigrazioso

Dell'opera esiste una fusione in bronzo del 1950-1951, conservata presso il Metropolitan Museum di New York.

Prompt: In Antigrazioso, how is the Bronze casting discussed?Please output in Italian.


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Resurrezione di San Francesco al Prato

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In San Francesco al Prato Resurrection, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Torre di Babele

tradizione esegetica ebraica spiega che alcune delle cause che comportarono la punizione per la sfida a Dio avvenuta con la costruzione della torre di Babele furono le seguenti.Compreso il segreto delle lettere dell'alfabeto ebraico, sino a quel momento la sola lingua parlata e conosciuta, alcuni uomini dell'epoca utilizzarono il potere dei nomi di Dio tramite la stregoneria, cosa non ammessa, per governare gli angeli che, ministri divini, dovevano unicamente sottostare alla Volontà divina: infatti normalmente alcuni uomini vengono considerati superiori a certi angeli proprio per l'entità e la natura della propria anima ma, per questo peccato, vi fu una discesa morale e spirituale dovuta ad un precedente allontanamento da Dio.Quegli uomini che commisero questa trasgressione vollero poi attaccarsi al potere delle stelle e delle costellazioni per dirigerlo verso il Mondo Inferiore ed utilizzarlo a proprio piacimento senza alcuna adesione all'Onnipotenza divina.Essi vollero inoltre canalizzare l'energia divina del Nome eccelso nel Mondo e Dio impedì questo perché essi non avrebbero accettato le regole del Tiqqun nella Torah cercando così di compiere trasgressioni come se si fosse trattato di cose permesse. Se Adamo avesse mangiato dell'albero della vita dopo il frutto dell'albero della conoscenza del bene e del male avrebbe permesso che il male, anche nel suo mischiarsi con il bene, fosse stabile e duraturo; allo stesso modo i peccatori della torre di Babele avrebbero reso la trasgressione ambito di quanto permesso perciò Dio impedì che ciò accadesse.I maestri commentano infatti dicendo che è bene per loro e per il Mondo che vi sia disunione sui malvagi mentre è buono per gli Zaddiqim e per il Mondo che su di loro  vi sia unità.Un Midrash, nel testo di Bereshit Rabbah, racconta che tutti gli uomini colpevoli del peccato di sfida nei confronti di Dio con la Torre di Babele vennero trasformati [quasi] in "scimmie", spiriti e demoni.Per gli altri peccati compiuti in quell'episodio Dio aveva punito facendo ritornare al luogo da cui arrivarono coloro che si erano riuniti nella valle di Babel: questi, con l'intenzione di rifugiarsi sulla cima della torre, avevano pensato di poter scampare ad un diluvio che temevano potesse ritornare; altri con la confusione del linguaggio: quelli che avevo progettato di compiere e poi fecero idolatria.<br />Con l'episodio della torre di Babele chi di questa trasgressione si rese colpevole smise di seguire il monoteismo ed invero la radice di essa fu anche l'idolatria.Nimrod fu l'ideatore e l'architetto della torre di Babele. Ad est venne costruita la parte per salire, ad ovest per discendere, il primo pilastro, questa torre, eretta ad est, nella valle di Babel... la parte centrale rimase [diritta] sul suolo...Dio non punì sterminando tutti gli individui colpevoli di questi peccati, benché siano stati peggiori di quelli puniti con il diluvio universale, per l'amicizia presente tra loro.Sem ammoniva i suoi figli dicendo loro di tenersi lontani persino dalla sola costruzione ed anche Avraham, quando camminava presso il cantiere, ammoniva i peccatori che ne irridevano l'apparente, ma non reale, sterilità: prima che il peccato venisse compiuto, Dio attese anche la Teshuvah.

Prompt: In the context of The Tower of Babel (Bruegel), explain the Esegesiebraica and the The episode of Genesis 11, 1-9.Please output in Italian.

Adamo
Dio
Midrash
Mondo Inferiore
Onnipotenza
Teshuvah
Torre
Zaddiq


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Ritratto della famiglia di Filippo V di Spagna (1743)

Il ritratto della Famiglia di Filippo V di Spagna è un dipinto a olio su tela  di Louis-Michel van Loo, eseguito nel 1743  e conservato nel Museo del Prado, a Madrid. Lo stile del dipinto è Barocco francese e Rococò.

Prompt: How does The Family of Philip V (1743) explain its Abstract?Please output in Italian.

1743
Barocco
Filippo V di Spagna
Louis-Michel van Loo
Madrid
Museo del Prado
Spagna
Rococò
Spagna


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Sant'Andrea (Duquesnoy)

Vi sono dubbi riguardo a quale opera sia stata commissionata prima al Duquesnoy tra il Sant'Andrea e il suo altro capolavoro, la Santa Susanna, e se il successo della seconda abbia assicurato al Duquesnoy la commissione per il primo, o viceversa, con gli studiosi moderni inclini all'ipotesi che il Sant'Andrea sia stato commissionato per primo, sulla base dei documenti pervenuti.In una lettera a Duquesnoy di Peter Paul Rubens, che quest'ultimo gli scrisse per ringraziarlo per i modelli dei putti di van den Eynde, Rubens loda la bellezza dei putti di van den Eynde, e si riferisce alla fama del Sant'Andrea, ma non fa menzione della Santa Susanna.I pagamenti rateizzati per il lavoro del Duquesnoy sul Sant'Andrea furono interrotti nell'estate del 1633, così come quelli per il suo lavoro concomitante sulla Santa Susanna. Duquesnoy ricevette i suoi ultimi blocchi di marmo per il Sant'Andrea nell'aprile del 1633. Altri pagamenti furono emessi in aprile e maggio, ma questi furono poi interrotti fino al marzo del 1634. I pagamenti furono quindi ripresi, e continuarono ad intervalli mensili per alcuni anni. Secondo Sandrart, a causa degli "intrighi contro il Duquesnoy", i pagamenti allo scultore per il suo lavoro sul Sant'Andrea furono così tanto ritardati che il Fiammingo divenne disperato. Duquesnoy riuscì a terminare il Sant'Andrea grazie a Vincenzo Giustiniani, che gli avanzò 300 scudi per una scultura della Vergine che gli commissionò in quel momento.

Prompt: In Saint Andrew (Duquesnoy), how is the Thecommission. discussed?Please output in Italian.


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Crocifisso con la Maddalena

L'opera proviene da una collocazione imprecisata ed è inventariata per la prima volta nella Galleria dell'Accademia a Firenze, dove si andavano raccogliendo, tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo, tutte le opere d'arte provenienti dalle soppressione di monasteri e  conventi fiorentini. L'attribuzione a Signorelli ha subito varie vicissitudini: riferita inizialmente ad Andrea del Castagno , nel 1889 venne assegnata ad un allievo di Signorelli dalla Cruttwell, confermata da Adolfo Venturi. Vischer , Berenson, Salmi e la Moriondo la ritennero invece opera autografa, secondo una posizione che è in genere accettata dalla critica moderna. L'opera viene riferita alla fase tarda dell'autore, in cui si nota un certo impoverimento dei valori pittorici, ma con un ancora alto tenore inventivo. Durante il restauro del 1953 venne rinvenuto sul retro della tela un disegno di San Girolamo secondo l'iconografia tradizionale, che è stato protetto da una seconda tela che sostiene il dipinto e, all'occorrenza, può essere rimossa per vedere il disegno.

Prompt: Focus on Crucifixion with Saint Mary Magdalene (Signorelli) and explain the History.Please output in Italian.


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Fontana Stravinsky

Fontana Stravinsky  è una particolare fontana pubblica che si trova in Piazza Igor Stravinsky a Parigi, vicino al Centro Pompidou. fontana è un bacino di 580 metri quadrati ed è stata creata nel 1983 dagli scultori Jean Tinguely e Niki de Saint Phalle, i pezzi meccanici sono di Jean Tinguely, mentre le opere colorate e le sculture sono di Niki de Saint Phalle. fontana è decorata con sedici sculture in movimento che spruzzano acqua di cui alcune rappresentano le opere del compositore Igor Stravinskij:Le rossignolL'Oiseau de feuPetrushkaRenard Clef de Sol Spirale L'ElephantLe Serpent Grenouille  Diagonale  Mort Sirène L'Amour VieLe CœurRagtime

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Stravinsky Fountain.Please output in Italian.

Jean Tinguely
Le rossignol
Niki de Saint Phalle
Parigi


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Trittico di Modena

Salas, Xavier de; Frati, Tiziana, 1970.  obra pictórica completa de El Greco. Barcelona: Noguer. Scholz-Hänsel, Michael, 2014. El Greco. Köln: Taschen. ISBN 978-3-8365-4982-0.

Prompt: Focus on Modena Triptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Il canal Grande

Il dipinto raffigura il canale, visto dal Palazzo Barbaro.  serie di Monet ha introdotto un nuovo approccio a un tema che era stato raffigurato innumerevoli volte da molti grandi artisti prima di lui. Le serie è un'esplorazione pittorico della luce sull'antica città. Il pittore ha catturato il mutare dell'aspetto del paesaggio, al cambiare della luce e dei suoi riflessi sull'acqua e nei dintorni. Il pittore ha usato la verticalità dei pali d'ormeggio per controbilanciare gli edifici dello sfondo e la chiesa barocca della Salute. Monet era più preoccupato di catturare la luce sull'acqua e i riflessi dei raggi del sole, che i panorami e i ben noti edifici di Venezia.

Prompt: Focus on Le Grand Canal and explain the Description.Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

L'elemento più antico dell'orologio è il meccanismo del quadrante astronomico, costruito nel 1410 dal maestro d'orologeria Nikolas zu Kadaň e da Jan Šindel, quest'ultimo professore di matematica e astronomia nell'Università Carlo di Praga. L'Orologio di Praga è uno dei primi orologi astronomici progettati e costruiti durante il XIV e il XV secolo. Altri ne furono costruiti nelle città di Norwich, St Albans, Wells, Lund, Strasburgo e Padova.Successivamente, intorno al 1490, vennero aggiunti il quadrante del calendario e le sculture gotiche che decorano la facciata. Nel 1552 il meccanismo fu riparato da Jan Taborský, il quale scrisse un rapporto nel quale menzionava il mastro orologiaio Hanuš zu Růže come realizzatore dell'orologio, cosa poi rivelatasi falsa da studi seguenti.L'orologio si fermò varie volte dopo il 1552 e furono necessarie parecchie riparazioni. Nel XVII secolo vennero aggiunte le statue mobili. Le figure in legno degli apostoli, invece, furono installate durante la riparazione del 1865-1866.Tra il 7 e l'8 maggio 1945 l'orologio venne seriamente danneggiato a causa delle bombe incendiarie dirette verso il lato sud-est della Piazza Vecchia sparate dagli autoblindo tedeschi che tentavano, in questo modo, di interrompere le trasmissioni radio della resistenza ceca. Il municipio prese fuoco, e con esso le sculture lignee dell'orologio. Il meccanismo venne riparato grazie allo sforzo della popolazione locale, e l'orologio tornò a funzionare nel 1948.Esiste una leggenda relativa alla costruzione dell'orologio della Città Vecchia. Come s'è accennato, si pensava che l'orologio fosse stato costruito nel 1490 da Hanuš di Růže e dal suo assistente Jakub Čech. Secondo la leggenda Hanuš sarebbe stato accecato per ordine dei consiglieri della città di Praga per impedirgli di costruirne un altro simile. Per vendicarsi dell'accecamento, mastro Hanuš fermò l'orologio e lo riattivò soltanto quando il consiglio della città lo supplicò di farlo, e come ricompensa gli permise di continuare il mestiere di orologiaio.Agli inizi del 2018 l'orologio fu sottoposto a lavori di restauro che terminarono alla fine di settembre dello stesso anno.

Prompt: Focus on Prague astronomical clock and explain the History.Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Niki de Saint Phalle, Collaborazioni, in Jean Tinguely. Una magia più forte della morte, Catalogo della Mostra Venezia, Palazzo Grassi, Venezia 1987Niki de Saint Phalle. Bilder-Figuren-Phantastische Garten, Catalogo della Mostra a cura di C. Schulz Hoffman, Bonn 1987B, Catalani Il Giardino dei Tarocchi, di Niki de Saint Phalle, "Architettura e Arte", n¡ 1, gennaio - marzo 1998Nathalie de Saint Phalle Niki da Saint Phalle e Jean Tinguely , "Galeries Magazine", n. 31, giugno-luglio 1989Le jardin des tarots, in Niki de Saint Phalle. Oevres des annés 80, Catalogo della Mostra a cura di P. Hulten P., Parigi, Galerie de France 1989P. Braff Nanas, Guns and Gardens "Art in America", 12 dicembre 1992Alberto Giorgio Cassani, "Garavicchio , il giardino dei Tarocchi ", in "'ANAGKH", II, n° 5, marzo 1994, pp. 50–59.B. Graziani, Niki de Saint Phalle colossal, colossal!, "Paris Match", 24 giugno 1993Niki de Saint Phalle, A little of my story with you Jean, in Museum Jean Tinguely Basel. The collection, 1996 Niki de Saint Phalle, Catalogo della mostra a cura di A. Mazzanti, Orbetello Polveriera Guzman, 1997A Mazzanti Niki de Saint Phalle a Orbetello: quando l gioco si fa duro, "ART e Dossier", n¡ 125, luglio-agosto, pp. 12–16 1997,E. Morelli, Introduzione alla sezione spazi per l'arte, Il giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle in G. G. Rizzo, A. Valentini , Luoghi e paesaggi in Italia, Firenze University Press, Firenze 2004.R. Aureli Niki de Saint Phalle a Capalbio Catalogo della mostra a cura di Roberto Aureli, Palazzo Collacchioni estate 2006, AION edizioni .Silvia Bottinelli, Claudia mberti, Matteo Mattei, Progettare lo spazio onirico: il "Giardino dei Tarocchi" a Capalbio, tra arte e architettura, in "Bollettino ingegneri", n° 10, 2007, pp. 10–20.R. Trapani, Il Giardino dei Tarocchi di Niki de Saint Phalle: un'opera d'arte totale nella campagna toscana, in Echi d'arte, Anno 2, n° 10 .L. Agostini, Il Giardino dei Tarocchi, Ed. Lulu.com, Anno 2007, 136 pagine, ISBN 978-1-84799-344-1.

Prompt: In Tarot Garden, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

1996
1997
1998
2006
Arte
Bonn
Capalbio
Giardino
ISBN
Italia
Jean Tinguely
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Orbetello
Palazzo Grassi
Parigi
Tarocchi
Venezia


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Statua della Bavaria

statua venne commissionata da re Ludovico I di Baviera ed il disegno venne scelto dopo una competizione di artisti. Quando l'architetto Leo von Klenze costruì la Ruhmeshalle  decise di porre la statua della Baviera proprio dinanzia a tale edificio, dando ordine al vincitore del progetto di realizzarla in stile greco, come l'Atena del Partenone. Lo scultore Ludwig von Schwanthaler cambiò però il proprio disegno con delle fattezze maggiormente "germaniche" nel pieno dello stile romantico ottocentesco. Essa diede ad ogni modo il medesimo risultato: mostrare il vero carattere della Baviera, forza e gloria. statua venne costruita nella fonderia di Johann Baptist Stiglmaier dal 1844 al 1850, in gran parte dal nipote di Stiglmaier, Ferdinand von Miller.  Baviera è ancora oggi una delle sculture bronzee più grandi al mondo dal momento che venne costruita in quattro grandi parti e molte più piccole che vennero successivamente assemblate. Essa è alta 18,52 metri e pesa 87,36 tonnellate. All'interno della statua, una scala di 66 scalini consente ai turisti di salire sino in cima alla statua da cui ammirare il panorama della città di Monaco.

Prompt: Explain the Statue of this artwork, Bavaria statue.Please output in Italian.

1844
1850
Ferdinand von Miller
Leo von Klenze
Ludwig von Schwanthaler
Ruhmeshalle


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Polittico di San Vincenzo Ferrer

Il polittico di San Vincenzo Ferrer è un dipinto tempera su tavola  di Giovanni Bellini, databile al 1464-1470 e conservato nella collocazione originale nella basilica di San Zanipolo a Venezia.

Prompt: How does Saint Vincent Ferrer Altarpiece explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Prigioniero

Il codice carcerario era teorizzato come un insieme di norme comportamentali tacite che esercitavano un impatto pervasivo sulla condotta dei detenuti.  competenza nel seguire le routine richieste dal codice determinava in parte l'identità del detenuto. Come insieme di valori e linee guida comportamentali, il codice della pena faceva riferimento al comportamento dei detenuti nell'antagonizzare il personale e alla solidarietà reciproca tra detenuti nonché alla tendenza alla non divulgazione alle autorità penitenziarie delle attività dei detenuti e alla resistenza al programmatore di riabilitazione. Pertanto, è stato visto come un'espressione e una forma di resistenza comunitaria e ha consentito la sopravvivenza psicologica dell'individuo sotto sistemi di controllo carcerario estremamente repressivi e irreggimentati.Sykes ha delineato alcuni dei punti più salienti di questo codice così come applicato nel dopoguerra negli Stati Uniti: Non interferire con gli interessi dei detenuti. Mai denunciare una truffa. Non essere invadenti. Tenere lontana la schiena da un uomo. Non mettere un ragazzo in difficoltà. Essere fedele alla tua classe. Essere calmi. Prendersi il proprio tempo. Non portare calore. Non sfruttare i detenuti. Non scappare. Essere difficile. Essere cauto e cercare di essere un uomo. Non parlare mai di rapporti sessuali. Avere una connessione. Essere acuti.

Prompt: In the context of The Captive (painting), explain the Sentence of condemnation and the Culture of the detainee.Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

urent Marqueste presentò un gesso di Perseo e la Gorgone nel 1875, nel suo secondo anno da pensionario all'accademia di Francia a Roma. Egli ottenne una medaglia di prima classe dopo la sua mostra al Salone di pittura e di scultura del 1876.Lo stato francese acquistò il gesso di Marqueste dopo il Salone, poi l'amministrazione delle belle arti ordinò una copia in bronzo nel 1877 a Thiébaut & Fils. Messa in deposito dal centro nazionale delle arti plastiche nel vecchio museo di belle arti di Niort, questa venne rifusa dalle truppe tedesche nel 1942. Le due statue vennero esposte al museo del Lussemburgo di Parigi fino al 4 marzo 1931, poi vennero messe nel deposito dei marmi al museo del Louvre.Nel 1933, le due opere furono messe in deposito al municipio di Villeurbanne e poi vennero installate negli anni 1970 all'entrata del centro nautico Étienne Gagnaire, situato nella stessa città. Questo passaggio al di fuori degli ambienti accademici è dovuto a un periodo nel quale lo stile neobarocco cadde in disuso, pertanto la statua venne esposta senza un base protettiva. Nel 1986, l'opera di Marqueste venne assegnata al museo d'Orsay, a Parigi. In seguito le due sculture vennero trasferite nel museo lionese grazie al direttore di allora, Philippe Durey.Una seconda versione in marmo venne scolpita nel 1903 e ora si trova nella gliptoteca copenaghense.

Prompt: Explain the History of this artwork, Perseus and the Gorgon.Please output in Italian.

Niort
Parigi
Perseo
Philippe Durey
Villeurbanne


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San Girolamo

Vulgata, prima traduzione completa in lingua latina della Bibbia, rappresenta lo sforzo più impegnativo affrontato da Girolamo. Nel 382, su incarico di papa Damaso I, affrontò il compito di rivedere la traduzione dei Vangeli e successivamente, nel 390, passò all'antico testamento in ebraico, concludendo l'opera dopo ben 23 anni. Nelle Quaestiones hebraicae in Genesim, composte a sostegno della sua attività pluridecennale, anzi, si confronta il testo della Genesi nella traduzione Vetus latina con il testo ebraico a lui accessibile e con la LXX a giustificazione delle scelte operate nella Vulgata.Il testo di Girolamo è stato la base per molte delle successive traduzioni della Bibbia, fino al XX secolo, quando per l'antico testamento si è cominciato ad utilizzare direttamente il testo masoretico ebraico e la Septuaginta, mentre per il Nuovo Testamento si sono utilizzati direttamente i testi greci. Dalla Vulgata sono tratte le pericopi per l'epistola e il Vangelo della Messa tridentina.Girolamo fu un celebre studioso del latino in un'epoca in cui questo implicava una perfetta conoscenza del greco. Fu battezzato all'età di venticinque anni e divenne sacerdote a trentotto anni. Quando cominciò la sua opera di traduzione non aveva grandi conoscenze dell'ebraico, perciò si trasferì a Betlemme per perfezionarne lo studio.Girolamo utilizzò un concetto moderno di traduzione che attirò le accuse da parte dei suoi contemporanei; in una lettera indirizzata a Pammachio, genero della nobildonna romana Paola, scrisse:Economico di Senofonte e le due bellissime orazioni che Eschine e Demostene scrissero l'uno contro l'altro […]. Anche Orazio poi, uomo acuto e dotto, nellArs poetica dà questi stessi precetti al traduttore colto: "Non ti curerai di rendere parola per parola, come un traduttore fedele"Epistulae 57, 5, trad. R. Palla}}Nonostante la fierezza riportata all'interno di questa missiva, San Girolamo visse a pieno il tipico dissidio degli umanisti medievali: tesi tra l'amore per le lettere e l'amore per Dio.  soluzione a questo contrasto interiore fu espressa dallo studioso sempre all'interno di una lettera, ovvero lEpistula ad Magnum, all'interno della quale sono citati numerose testimonianze della possibilità di un uso quanto meno strumentale dei testi classici. A tal proposito, ad esempio, Eli si propose di fare come David il quale uccise Golia con la sua stessa arma.

Prompt: In Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), how is the Vulgate of the Biography explained?Please output in Italian.

382
Betlemme
Bibbia
Dio
Genesi
Messa tridentina
Nuovo Testamento
Quaestiones hebraicae in Genesim
Septuaginta
Vangelo
Vetus latina
Vulgata
XX secolo


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L'età matura

scena rappresentata mostra una giovane  inginocchiata e supplicante, che tenta di trattenere il suo amante più anziano . "Rodin", intanto, viene allontanato da una vecchia che cammina molto vicina a lui, che è una rappresentazione caricaturale della sua compagna di lunga data Rose Beuret, dalla quale non poté mai separarsi veramente. Il personaggio è circondato da delle vesti che svolazzano e avvolge le braccia al corpo nudo di Rodin. L'uomo già segnato dall'età sembra ancora esitare, ma le mani tese di Claudel non toccano più il suo braccio sinistro leggermente indietro, a simboleggiare la relazione che si è definitivamente infranta. Nella prima versione della scultura del 1894, conservata sotto forma di bozzetto in gesso, le mani dei personaggi si toccavano ancora e le posture del vecchio e della sua compagna erano girate verso la giovane inginocchiata, ma nella seconda versione la distanza è aumentata, non c'è più un contatto e Rodin e la sua compagna tendono ad allontanarsi da Claudel. Questo gruppo di figure è un'opera molto simbolica che incita lo spettatore a riflettere sulle relazioni umani nell'erotismo, l'amore, la vecchiaia e il decadimento. Nel personaggio inginocchiato, tutta la tragedia del destino di Camille Claudel appare chiaramente.L'opera comprende tre personaggi nudi con dei drappi svolazzanti: una giovane ragazza inginocchiata ha appena lasciato andare la mano del secondo personaggio, un uomo più anziano in piedi, che è attirato nell'abbraccio del terzo personaggio, una donna più anziana.  figura della donna inginocchiata venne poi isolata e divenne un'opera a sé stante, chiamata L'implorante. L'opera può essere vista come un'allegoria dell'invecchiamento, con l'uomo che si lascia alle spalle la giovinezza e prosegue verso la maturità ed eventualmente verso la morte; ma può si può anche vedere il riflesso dell'abbandono di Claudel da parte di Rodin: ella implora Rodin, ma questi si gira verso Rose Beuret. Claudel spiegò questo significato simbolico nelle lettere a suo fratello Paul, allora console a New York. Secondo lei, il gruppo rappresenta il destino. Basandosi su queste lettere, L'età matura può essere considerata un'opera autobiografica.

Prompt: Focus on The Mature Age and explain the Description.Please output in Italian.

Camille Claudel
L'implorante
New York
Rose Beuret


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Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Theangelsbringtherevelation of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Nel XIX secolo si giunse ad una prima grande disputa sulle due versioni della Madonna di Dresda, quella conservata presso la Gemäldegalerie di Dresda e quella conservata al palazzo reale di Darmstadt, per stabilire quale effettivamente fosse l'opera originale. Durante il processo di riconoscimento, la pittura di Dresda, che in seguito si rivelò essere una copia, fu spesso considerata dai suoi contemporanei e dagli artisti come la più bella e compiuta e quindi l'originale. Copiando la pittura di Holbein nel XVII secolo, il copista apportò alcune modifiche che sembravano corrispondere più al gusto dell'epoca che all'originale di Holbein.  disputa interessò artisti, storici dell'arte e soprattutto una gran parte del pubblico tedesco interessato all'arte. Nel 1871 venne appositamente progettata a Dresda una mostra di Holbein per offrire al pubblico l'opportunità di esprimere la propria opinione e scriverla negli album appositamente forniti per l'occasione. Sebbene la partecipazione sia stata bassa in quanto a pubblico, questo è ancora oggi considerato il primo studio empirico nel campo dell'estetica psicologica, dal momento che contrariamente all'opinione del pubblico e degli artisti, gli storici dell'arte alla fine prevalsero nella scelta del dipinto di Darmstadt come originale. Le indagini a raggi X e infrarossi più moderne hanno confermato i risultati già visibili a occhio nudo sul dipinto di Darmstadt, mentre l'immagine di Dresda ne è la copia. Di conseguenza, come scrisse Emil Major nel 1910, il dipinto di Dresda è a tutti gli effetti quello del pittore Bartholomäus Sarburgh, databile al 1635/1637.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Original and copy: the dispute of Holbein in Dresden and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Natura morta con limoni, arance e una rosa

Questo raro bodegón di Zurbaran faceva parte della collezione Contini Bonacossi, acquistato probabilmente da Alessandro Contini in uno dei suoi viaggi in Spagna. Alla morte di quest'ultimo, fu tra le opere scartate dalla commissione ministeriale per gli Uffizi e fu quindi messa sul mercato con permesso di esportazione.

Prompt: Explain the History of this artwork, Still Life with Lemons, Oranges and a Rose.Please output in Italian.


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Lampade di Dendera

R. T. Rundle Clark, Mito e Simbolo nell'Antico Egitto, Londra 1997 Irene Bellini; Danilo Grossi, Atlante dei Misteri, Milano, Giunti, 2006. ISBN 9788809049130

Prompt: How does Dendera light explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Le Cento vedute sono l'estensione dell'interesse per i meisho, i luoghi ed i paesaggi celebri, temi tradizionali della poesia e della pittura giapponesi dal periodo Heian .All'inizio del periodo Edo, era fortemente presente la moda del meisho ki, le «guide dei luoghi celebri», di cui una delle prime rappresentazioni fu il Kyō warabe di Nakagawa Kiun, pubblicato nel 1658. Fiorirono parecchie guide di Edo: nel 1662 fu pubblicata una guida composta da sette volumi di Asai Ryōi, lEdo meisho ki, che fece un inventario estremamente dettagliato della capitale e dei dintorni; l'insieme è da disegni in bianco e nero. Nel 1677 fu ugualmente pubblicato lEdo suzume  in dodici volumi; le illustrazione furono realizzate da amici dell'autore, Hishikawa Moronobu, originario di Tokyo.

Prompt: In the context of One Hundred Famous Views of Edo, explain the I am a guide of famous places. and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Focus on The Crucifixion (Cranach) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: Describe the characteristics of the nineteenth-century intervention in Averoldi Polyptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: Explain the Peru about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita

AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1Giorgio Cricco, Francesco Paolo Di Teodoro, Itinerario nell'arte, seconda edizione, Zanichelli, Bologna 2004. ISBN 978-88-08-10877-7

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Annunciation with St. Margaret and St. Ansanus.Please output in Italian.


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Ritratto di Ippolito de' Medici

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8 Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. ISBN 3-8290-4553-0 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: How does Portrait of Ippolito de' Medici explain its Bibliography?Please output in Italian.


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San Michele e il drago

San Michele e il drago è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1505 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Prompt: How does Saint Michael (Raphael) explain its Abstract?Please output in Italian.

1505
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Raffaello Sanzio


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Pala di Nailloux

Cheetham Francis, English medieval alabaster : with a catalogue of the collection in the Victoria and Albert Museum, Woodbridge, UK New York, Boydell Press in association with the Association for Cultural Exchange, 2005, 2nd édition.Gorguet Pascale, Répertoire des albâtres anglais du XIVe au XVe siècle dans le Sud-Ouest, mémoire de maîtrise présenté sous la direction des professeurs Yves Bruand et Michèle Pradalier, Université Toulouse Le Mirail, 1984.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Nailloux Altarpiece.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Alcuni come la principessa Izabela Czartoryska, fondatrice della collezione d'arte Czartoryski e David Passavant hanno ipotizzato in passato che potesse essere un autoritratto di Raffaello, per somiglianza con il dipinto degli Uffizi o l'autoritratto come Apelle ne  scuola di Atene.; il soggetto indossa un'ampia camicia bianca e una pelliccia adagiata sulla spalla, che tuttavia si rifanno all'iconografia di un giovane nobile più che di un pittore, segno di una possibile modifica del soggetto a lavoro in corso o un'idealizzazione della figura di Raffaello. Altri hanno avvicinato l'opera ai cosiddetti ritratti giovanili di Francesco Maria I Della Rovere, forse effigiato negli affreschi raffaelliani della Stanza della Segnatura , o nel Giovane con la mela, simile al ritratto di Francesco Maria eseguito da Bartolomeo Veneto.Autoritratto di Raffaello agli Uffizi di Firenze File:Portrait of a Young Man  - copy in Canterbury Museum.jpgRiproduzione con tratti leggermente femminilizzati, CanterburyFile:Sanzio 01 Hypatia.jpg Kalokagathia rappresentata da Raffaello nella Scuola di Atene, con le presunte sembianze del giovane Della RovereFile:Young Man Apple.jpgRaffaello, il Ritratto di giovane con la mela, identificato con l'adolescente Francesco Maria della Rovere </gallery>

Prompt: Explain the Subject about the Description of this artwork, Portrait of a Young Man (Raphael).Please output in Italian.

Apelle
Bartolomeo Veneto
Canterbury
David Passavant
Ritratto di giovane con la mela
Kalokagathia
Scuola di Atene
Stanza della Segnatura


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Ritratto di principessa estense

Inizialmente l'opera era ritenuta il quadro di fidanzamento della moglie di Lionello, quel ritratto cioè inviato nelle corti per siglare i patti di matrimonio , facendo conoscere l'aspetto degli interessati. Nella botanica rappresentata però non è presente alcun simbolo della casata dei Gonzaga , mentre è raffigurato invece il vaso simbolo della casata d'Este, inoltre la presenza dell'aquilegia  fa pensare a una persona deceduta nell'età ritratta, mentre la Gonzaga era vissuta fino a quasi cent'anni di età.Dopo vari studi si riuscì a capire che molto probabilmente si trattava di Ginevra d'Este, che sposò Sigismondo Malatesta all'età di quattordici anni e che morì a ventuno in seguito ad una forma depressiva che la colpì dopo la morte del figlioletto Roberto Novello avvenuta nel novembre del 1438. Quindi, considerati i presagi di morte ravvisabili nell'opera, si intende come Pisanello volesse far capire che l'opera fu realizzata dopo la morte di Ginevra, avvenuta nel 1440, che coincide con un soggiorno dell'artista a Ferrara.

Prompt: Explain the Identification about the Description and style of this artwork, Portrait of a Princess (Pisanello).Please output in Italian.

1440
Este
Ginevra d'Este
Gonzaga
Pisanello


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Trinità

A tale proposito è interessante leggere quanto scritto da sant'Agostino nel De Trinitate e in altre opere per tentare una chiarificazione del concetto di unica Sostanza e tre Persone. Nell'uomo, ragiona Agostino, si può distinguere la sua realtà corporale , la sua intelligenza  e la sua volontà . Se Dio ha creato l'uomo a propria immagine e somiglianza è allora necessario che questi tre aspetti appartengano anche alla Divinità, anche se in modo perfetto e divino, non imperfetto e umano: così Dio è Essere , Verità  e Amore .Ecco alcune citazioni bibliche al riguardo:

Prompt: Explain the The Trinity and Augustine about the Development notion theologies confrontations conciliar fourth fifth century of this artwork, Holy Trinity (Masaccio).Please output in Italian.


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Gruppo di sant'Ildefonso

Il momento esatto e il luogo del ritrovamento originario rimane sconosciuto, ma si sa che nel 1623 faceva già parte della collezione Ludovisi a Villa Ludovisi a Roma: in quell'anno viene restaurata da Ippolito Buzzi il quale vi aggiunge la testa mancante. Nicolas Poussin deve averla veduta in quel periodo o in un momento immediatamente successivo quando si trovava già in possesso di Camillo Massimo; lo schizzo che in quell'occasione il pittore francese fece non era inteso essere una rappresentazione fedele, piuttosto uno spunto d'ispirazione da conservare come parte del suo repertorio visivo dell'antichità classica.Ispirazione questa che ha fatto sentire ampiamente la propria presenza nella maggior parte dei dipinti dell'artista d'oltralpe. Nel suo disegno Poussin a apportato lievi modifiche alle posture della coppia di ragazzi, ma il cambiamento più grande è stato quello i trasformare gli adolescenti in agili eroi più simili ad atleti muscolosi. sua fama si diffuse ben presto nella maggioranza delle corti europee e poco dopo il 1664 la regina Cristina di Svezia riesce ad acquisirla e così riunirla all'ampia collezione d'arte che aveva finito col creare durante il periodo della propria permanenza a Roma. Le antiche sculture della raccolta sono state in seguito trasferite nella proprietà degli Odescalchi come eredità e lì rimasero fino al 1724 quando vennero offerte a Filippo V di Spagna. seconda moglie di Filippo era Elisabetta Farnese, della famiglia Farnese di Parma la quale ha avuto parte nella storia della costituzione della collezione scultorea al museo archeologico nazionale di Napoli; acquistata ad alto prezzo venne inviata al Palazzo Reale della Granja de San Ildefonso a Segovia. Da lì poi giunse a quella che è la sua attuale collocazione, il museo del Prado a Madrid.

Prompt: How does Castor and Pollux (Prado) explain its History?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait with Palette (Manet)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Amor sacro e Amor profano

L'opera risente profondamente dell'influenza di Giorgione, soprattutto nell'uso dello sfondo bucolico e nel colore steso secondo la tecnica del tonalismo: si può quindi considerare un'opera di transizione nella maturazione artistica del pittore. fisionomia delle donne si ritrova in numerose opere di Tiziano dell'epoca, dalla santa Caterina nella Sacra conversazione Balbi alla Donna allo specchio del Louvre, dalla Vanità alla Flora.

Prompt: How does Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione) explain its Style?Please output in Italian.

Donna allo specchio
Giorgione
Sacra conversazione Balbi


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Santa Caterina leggente

Santa Caterina leggente è un dipinto a olio  su tela  attribuito al Correggio, databile al 1530 circa e conservato nella Royal collection di Castello di Windsor.

Prompt: In Saint Catherine Reading, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Ritratto del sultano Mehmet II

Il Ritratto del sultano Mehmet II è un olio su tela  appartenente alla National Gallery di Londra e conservato in deposito al Victoria and Albert Museum, che raffigura, in posizione di tre quarti, il celebre sultano e reca la data 1480. Secondo la maggior parte della critica esso fu eseguito da Gentile Bellini durante la sua permanenza presso la corte ottomana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Mehmet II.Please output in Italian.

1480
Gentile Bellini
Londra
Victoria and Albert Museum


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Immacolata Concezione

René urentin, Breve mariologia, Edizioni Paoline, 1964 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Incipiunt Cantica canticorum: allegorice super Matrem Dei, ed moraliter super animam", Editrice Messaggero S. Antonio, Padova, 1986 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Ecce nubecula, parva...", Edizioni del Comitato di Promozione Culturale "Padre Maestro", Lucera, 1998 Roberto Coggi,  beata Vergine. Trattato di mariologia, Edizioni Studio Domenicano, 2004, ISBN 88-7094-533-2 Valeria Ferrari Schiefer, Stefano De Fiores, Salvatore M. Perrella, Mariologia, San Paolo, 2009 ISBN 88-215-6341-3 Bruno Forte, Maria - la donna icona del Mistero, San Paolo, 2011 ISBN 88-215-7035-5

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Treatises  of  Mariology and the liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Bruno Forte
Francesco Antonio Fasani
ISBN
Mariologia
Salvatore
Francesco Antonio Fasani


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Cristo della moneta

È molto probabile che la tavola fosse quella vista da Vasari su una porta di uno studio di Alfonso I d'Este a Ferrara. Seguendo le vicende della dinastia estense finì a Modena e nel 1746 venne venduta con la grande maggioranza delle collezioni artistiche al principe di Sassonia, confluendo successivamente nel museo di Dresda.Una copia antica all'Accademia di San Luca a Roma mostra l'opera di dimensioni maggiori, prima che venissero decurtate due ali ai lati. Un'altra copia, attribuita al Garofalo, è nelle collezioni degli Uffizi e mostra pure un formato più ampio.

Prompt: Focus on The Tribute Money (Titian) and explain the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-portrait (Raphael) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Nel 1834 vi fu un secondo restauro ad opera di Carlo Fea, il quale praticò un'incisione nel cavallo per togliere l'acqua infiltrata al suo interno che, con il suo peso, poneva in serio pericolo la stabilità del monumento. Egli inoltre rinforzò i sostegni corrosi dall'acqua e colò del metallo nelle zampe del cavallo per fissarlo meglio alla base. notte del 29 novembre 1849, durante il periodo della Repubblica Romana, un corteo di popolo mise una bandiera tricolore nelle mani di Marco Aurelio a cavallo.Nel 1912 la statua fu sottoposta ad un lavaggio interno ed esterno e furono otturati con piombo dei fori, dovuti a colpi di fucile che avevano colpito collo, mento e naso.Nel 1940, in occasione della Seconda Guerra Mondiale, la statua fu protetta dalle incursioni aeree e nel 1943 fu spostata in luogo sicuro per proteggerla da eventuali bombardamenti. Fu ricollocata nella piazza solo alla fine del conflitto, al che si decise che la statua andava restaurata e preservata per le future generazioni. I lavori di restauro iniziarono nel gennaio del 1981 presso l'Istituto centrale per il restauro ed ebbero tempi molto lunghi, tanto che furono completati solo nel 1990. Al termine del restauro si decise, per preservare la statua dagli agenti atmosferici, di non ricollocarla nella piazza, ma di custodirla nei Musei Capitolini, in un ambiente progettato ex-novo dall'architetto Carlo Aymonino: l'Esedra di Marco Aurelio.Il 28 aprile 1996 venne collocata sul piedistallo la copia in resina bianca che era stata utilizzata come modello per quella in bronzo, ancora in lavorazione da parte dei tecnici della Zecca dello Stato. copia definitiva fu terminata nel 1997 e fu posta in opera sul basamento al centro della piazza il 19 aprile dello stesso anno. A causa della fragilità della doratura, per la sua scarsa adesione al bronzo e per la difficoltà di riprodurre fedelmente tutte le peculiarità del modellato plastico, non è stato possibile adottare le due tecniche tradizionali del calco diretto o della riproduzione per punti mediante il compasso o il pantografo. Si è utilizzata così una tecnica indiretta all'avanguardia, che comprende due fasi: l'utilizzo del laser per la ricostruzione dei volumi e una rifinitura artigianale.  copia realizzata non riproduce la doratura ancora esistente sull’originale.

Prompt: In the context of Equestrian Statue of Marcus Aurelius, explain the Contemporary Age and the Description.Please output in Italian.

1834
1996
Carlo Aymonino
Carlo Fea
Marco Aurelio
Musei Capitolini
Roma


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Resa di Breda

Per comprendere il lavoro di Velázquez da un punto di vista storico, bisogna tornare a quello che stava accadendo dalla fine del XVI secolo e l'inizio del XVII. I Paesi Bassi  furono immersi nella guerra degli ottant'anni o nella guerra delle Fiandre, in cui combatterono per l'indipendenza dalla Spagna. Nel 1590, con Maurice de Nassau-Orange  come cittadino delle Province Unite dei Paesi Bassi, la città di Breda fu presa dagli olandesi.  tregua di dodici anni mantenne il paese calmo tra il 1609 e il 1621. Quando il re di Spagna Filippo IV salì al trono nel 1621, la tregua cessò e la guerra riprese. L'intenzione di Felipe IV era quella di recuperare quel posto importante da cui si poteva fare manovra per altre conquiste. Velázquez è stato anche ispirato da alcuni passaggi della commedia El sitio de Breda, di Calderón de la Barca.

Prompt: Explain the Historical context of this artwork, The Surrender of Breda.Please output in Italian.


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Madonna della Cesta

Madonna della Cesta è un dipinto a olio su tela  del Correggio, databile al 1525 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Madonna of the Basket (Correggio) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Festino degli dei

Tiziano VecellioPriapoCamerini d'alabastroAlfonso I d'Este

Prompt: How does The Feast of the Gods explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Priapo
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Tre studi di Lucian Freud

Prompt: Focus on Three Studies of Lucian Freud and explain the External links.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-Portrait with Skeleton's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Crocifissione Gavari

Crocifissione Mond o Gavari è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1502-1503 e conservata nella National Gallery di Londra, con due scomparti di predella al Museo nazionale d'arte antica a Lisbona e in collezione privata. L'opera è firmata alla base della croce: [inxit]».

Prompt: In Mond Crucifixion, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1502
1503
Lisbona
Londra
Museo nazionale d'arte antica
Museo nazionale d'arte antica
Raffaello Sanzio


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Madonna Frizzoni

Madonna col Bambino  o Madonna Frizzoni è un dipinto del pittore veneziano Giovanni Bellini realizzato circa nel 1470 e conservato al Museo Correr a Venezia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Frizzoni Madonna.Please output in Italian.

1470
Giovanni Bellini
Museo Correr
Venezia


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Prompt: Focus on The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Hokusai manga

Nel 1981 è uscito l'omonimo film, dedicato alla vita di Katsushika Hokusai, diretto da Kaneto Shindō.

Prompt: Explain the Hokusai manga in mass culture of this artwork, Hokusai Manga.Please output in Italian.


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Antinoo delfico

LAntinoo di Delfi  è una statua antica che è stata rinvenuta nel sacrario di Apollo delfico durante un'operazione di scavo.Antinoo era un giovane greco di straordinaria bellezza proveniente dalla Bitinia che divenne l'amato compagno e amante dell'imperatore romano Adriano, ma in seguito morì nel corso di un viaggio lungo il fiume Nilo in circostanze misteriose.Costernato per la morte di Antinoo, Adriano, che era sempre stato un ammiratore e sostenitore appassionato dell'antichità classica greca, così come un benefattore dell'Oracolo di Delfi, fece ordinare che tutta una serie di statue del bellissimo giovane, che aveva amato così appassionatamente, fossero erette in tutti i santuari e le città del suo vasto impero. Inoltre, ordinò l'istituzione e la creazione di giochi in onore di Antinoo, che da allora in poi è stato onorato e adorato come un dio.Così, una statua di Antinoo venne fatta erigere anche all'interno del santuario di Delfi, dopo la sua morte avvenuta nel 130 d.C. Durante gli scavi, la statua è stata scoperta in posizione verticale sul suo piedistallo, accanto alla parete di una camera in mattoni, a fianco del tempio santo. Dalle monete romane coniate per onorare Αntinous veniamo informati che la rappresentazione della statua è stata accompagnata dall'epiteto "Propylaeus". Quindi è legittimo supporre che essa sia stata originariamente collocata all'ingresso del santuario.In seguito subì parecchi danni e si ruppe all'altezza del ginocchio, di modo che dovette essere spostata più vicino al tempio di Apollo, in una sorta di cappella, dove è stata ritrovata durante gli scavi, in condizioni relativamente buone. Le sue caratteristiche idealizzate così come la lucidatura intensa della sua superficie in marmo con un olio speciale , è indicativo del tempo di Adriano.Se diamo uno sguardo più da vicino alla statua si vede che la testa del giovane Antinoo è inclinata da un lato come se lui stesso fosse in uno stato di profonda riflessione. Intorno alla sua folta capigliatura e magistralmente scolpita, che circonda il suo volto e cade sulla fronte e sulle guance, possiamo vedere diversi fori che sono stati utilizzati per fissare una corona in bronzo di alloro. Il suo corpo è scolpito in un modo che gli conferisce quel tratto di nudo eroico che ha caratterizzato le statue di dei ed eroi dell'antichità classica.

Prompt: How does Statue of Antinous (Delphi) explain its Abstract?Please output in Italian.

130
Adriano
Antinoo
Apollo
Bitinia
Delfi
Nilo
Oracolo di Delfi


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Pala di San Marco

I pilastrini laterali della cornice della Pala di San Marco erano originariamente decorati, si suppone, da sedici figurette di santi a tutta figura, disposti in quattro file di quattro ciascuna, che si trovavano due sul lato frontale e due su quelli laterali. Di questi santi ad oggi se ne conoscono otto:San Tommaso d'Aquino, alla Fondazione Cini di VeneziaSan Bernardo, al Lindenau Museum di AltenburgSan Girolamo, al Lindenau Museum di AltenburgSan Rocco, al Lindenau Museum di AltenburgSan Romualdo, al Minneapolis Institute of ArtsSan Pietro Martire, alla Royal Collection di Hampton CourtSant'Antonio Abate, all'Art Institute of ChicagoBeato Vincenzo Ferrer, al Museo nazionale di San MarcoBeato domenicano, forse Giordano di Sassonia, al Museo nazionale di San MarcoGli ultimi due sono stati riconosciuti solo nel novembre 2006 in una collezione privata di una bibliotecaria inglese di Oxford e dopo essere stati messi all'asta nel marzo 2007, sono stati acquistati da un antiquario fiorentino che li ha poi venduti alla Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino e all'Ente Cassa di Risparmio di Firenze, con la prospettiva di esporli, dopo un restauro, nel Museo di San Marco.Ciascuno di questi pannelli è orientato in accordo con la posizione che occupa: le figure in alto hanno il bordo dell'abito scorciato "da sott'in su", che mostra l'orlo posteriore, quelle in basso invece seguono una normale curvatura convessa. Ciascun pannello misura circa 39x14 cm. Pannelli simili si trovano anche nel trittico di Perugia  e nella pala della Deposizione.

Prompt: How does San Marco Altarpiece explain its Isantineipilastrini?Please output in Italian.

2006
2007
Altenburg
Art Institute of Chicago
Firenze
Giordano di Sassonia
Hampton Court
Minneapolis Institute of Art
Museo di San Marco
Museo di San Marco
Oxford
Royal Collection
Venezia


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Skeleton's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Giovane donna con veste nera

Giovane donna con veste nera è un dipinto a olio su tavola  di Tiziano, databile al 1515 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: Focus on Young Woman in a Black Dress and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Aerostato

Il primo impiego militare degli aerostati avvenne nella Battaglia di Fleurus nel 1794, quando le truppe rivoluzionarie francesi li usarono per osservare dall'alto i movimento del nemico.Un impiego simile avvenne durante la Guerra di secessione americana 1861-1865: il caso più noto riguarda Thaddeus Lowe, che guidò le truppe trasportate da pallone  nei primi tre anni di guerra. Tali truppe conferirono un notevole vantaggio e inaugurarono la possibilità di colpire il nemico anche senza che questo fosse visibile da terra.<br />Tale impiego venne ripreso durante la prima guerra mondiale per individuare i movimento del nemico e per inviare all'artiglieria  le coordinate su cui fare fuoco.D'altro canto, proprio durante tale guerra, i palloni divennero un obbiettivo primario dell'artiglieria nemica e, benché venissero attentamente protetti da postazioni antiaeree e da aerei da ricognizione "amici", il loro abbattimento era piuttosto frequente, proprio per la scarsa mobilità di tali mezzi.In quel periodo, negli Stati Uniti venne istituito il "tesserino aeronautico", che distingueva i militari in grado di pilotare tali nuovi mezzi. I "palloni da osservazione", come venivano chiamati, restarono in uso anche dopo la Grande Guerra, venendo utilizzati anche nei conflitti Russo-Finnici .Il Giappone utilizzò migliaia di bombe frenate da palloni, sganciandole sugli Stati Uniti e sul Canada; tra il 1942 e il 1944 anche l'esercito britannico li utilizzò per rilasciare bombe incendiare sulla Germania .

Prompt: Describe the characteristics of the Military employment in Balloon (Merse)'s Used gases.Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Focus on Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

Un'ulteriore copia è la statua che venne posta il 17 settembre 1972 nel lago Palù, in Val Malenco, in modo da contrastare lo svuotamento indiscriminato del bacino idrico.

Prompt: In Christ of the Abyss, how is the The shores of Lake Palù of the Reproductions explained?Please output in Italian.


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La regina di Saba visita il re Salomone

regina di Saba visita il re Salomone, noto anche come Salomone e la regina di Saba, è un dipinto del pittore fiammingo Lucas de Heere. Risalente al 1559, presenta un'interpretazione contemporanea della nota storia biblica della visita di stato della regina di Saba al re Salomone . Scritta nell'immagine, in basso a destra: "Lvcas Derys inv. Fecit 1559".

Prompt: In The Queen of Sheba visits King Solomon, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Natura morta

Durante il XVII secolo si conosce un notevole sviluppo delle opere raffiguranti natura morta. Fra i numerosi pittori italiani che vi si dedicano con particolare fortuna, possiamo ricordare: Caravaggio Fede Galizia Giovanna Garzoni Giovanni Antonio Nessoli Michele Pace  Paolo Porpora Giuseppe ReccoAntonio Paolucci considera fra le più belle nature morte del Seicento un quadro anonimo, realista ma non iperrealista: la Fiasca con fiori, attualmente conservata nella Pinacoteca civica di Forlì.Nel Seicento, fra gli altri, opera Evaristo Baschenis, di cui alcune opere sono esposte all'Accademia Carrara di Bergamo. Principalmente i suoi soggetti sono gli strumenti musicali che riflettono l'importanza del legame fra musica e spiritualità. Dipinge con grande attenzione per il vero, creando dei trompe-l'œil che non riguardano più solo i soggetti del dipinto: in un caso particolare dipinge uno strato di polvere che sembra rivestire il quadro, creando così concettualmente un trompe l'œil sul dipinto anziché nel dipinto. Propone un modo nuovo di vivere l'esperienza della percezione, può dipingere una mosca come se facesse parte del quadro oppure come se si trovasse accidentalmente sul quadro, sono livelli diversi della stessa finzione.Nel Seicento la natura morta si sviluppa in tutta l'Europa, anzitutto in Fiandra ed in Olanda ma anche in Spagna  e in Francia. Alcuni dei pittori più famosi di nature morte dell'epoca sono Pieter Claesz, Willem Kalf, Abraham van Beyeren, Jacob van Es, Ludovico de Susio, Juan Sánchez Cotán, Francisco de Zurbarán, Sebastian Stoskopff e Jean-Baptiste Belin.

Prompt: Focus on Still Life (Claesz) and explain the Still life in the seventeenth century.Please output in Italian.

Abraham van Beyeren
Accademia Carrara
Antonio Paolucci
Caravaggio
Evaristo Baschenis
Fede Galizia
Francisco de Zurbarán
Giovanna Garzoni
Giovanni Antonio Nessoli
Giuseppe Recco
Jacob van Es
Jean-Baptiste Belin
Juan Sánchez Cotán
Ludovico de Susio
Michele Pace
Paolo Porpora
Pieter Claesz
Pinacoteca civica di Forlì
Sebastian Stoskopff
Willem Kalf
XVII secolo


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Lucrezia

Deriva dal gentilizio Lucretia, forma femminile di Lucretius, portato da una gens romana. Secondo altre fonti invece l'origine è indubbiamente etrusca, e tuttavia indecifrabile.In epoca romana, il nome era utilizzato sia al maschile , sia al femminile; si ricorda, in quest'ultimo caso, la leggendaria figura di Lucrezia, moglie di Collatino, che venne violentata dal figlio di Tarquinio il Superbo e si uccise per la vergogna, scandalo che causò la cacciata del re stesso. Proprio grazie a questo personaggio il femminile conobbe nuova diffusione in periodo rinascimentale, che venne ulteriormente aiutata nell'Ottocento da alcune opere basate sulla vita di Lucrezia Borgia.

Prompt: In Lucretia (Veronese), how is the Origin diffusion discussed?Please output in Italian.


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Madonna della Cesta

Madonna della Cesta è un dipinto a olio su tela  del Correggio, databile al 1525 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: How does Madonna of the Basket (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

statua di San Giovanni Nepomuceno è un monumento culturale nazionale della Slovacchia.Il progetto di rinnovamento nasce dall'iniziativa dell'architetto Marek Sobola, PhD. e viene realizzato sotto gli auspici dell’Ambasciata della Repubblica Federale di Germania in Slovacchia.  statua si trova nel villaggio di Divina. Il villaggio, di circa  abitanti e si trova nel distretto di Žilina. Giovanni  Nepomuceno, ovvero di Nepomuk , è stato un presbitero boemo, canonico nella cattedrale di Praga e predicatore alla corte di re Venceslao, il quale lo fece uccidere per annegamento. Proclamato santo da papa Benedetto XIII nel 1729, è patrono della Boemia, dei confessori e di tutte le persone in pericolo di annegamento.  sua festa cade il 16 maggio. San Giovanni Nepomuceno è uno dei santi più esposti nel territorio della ex monarchia asburgica. Quasi in ogni villaggio della Slovacchia e della Repubblica Ceca si è conservata qualche opera d’arte dedicata al Santo. San Giovanni Nepomuceno, patrono della Boemia, fu torturato, messo in catene e gettato nella Moldava.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Statue of St. John of Nepomuk in Divina.Please output in Italian.

16 maggio
1729
Boemia
Divina
Germania
Giovanni Nepomuceno
Marek Sobola
Praga
Repubblica Ceca
Santo
Slovacchia
Žilina


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Feste veneziane

Feste veneziane  è un dipinto di Antoine Watteau, realizzato nel 1719 con la tecnica dell'olio su tela.Il titolo deriva dalla copia di un'incisione dovuta a urent Cars.

Prompt: How does Fêtes Vénitiennes explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto lucano

Il dipinto raffigura il volto e il busto di un uomo, di circa 45 anni, ritratto di tre quarti. L'uomo viene rappresentato con una barba fluente e indossa un cappello nero. Lo sfondo dell'opera è indefinito; i capelli e la barba vengono resi soffici e dinamici grazie a pennellate decise e sottili.  parte sinistra del volto è interessata da fratture e cadute di colore. Il disegno di preparazione è assente e non sono presenti correzioni, se non una piccola modifica sul bordo del cappello.L'opera è stata dipinta su una tavola rettangolare in legno di pioppo caratterizzata da pannelli di legno verticali con il supporto di lesene poste in orizzontale; per facilitare la stesura dei pigmenti, il pannello è stato ricoperto di gesso ed è stato sottoposto ad un'imprimitura a biacca.Sul retro del ritratto, è tracciata la scritta in latino "PINXIT MEA". L'iscrizione è stata eseguita al contrario e in maiuscolo ed è stato utilizzato un pigmento nero a base di ferro gallico.Le due parti del viso appaiono come se fossero state realizzate da due diversi punti di vista. Questo genera delle leggere deformazioni della bocca, del naso e della fronte che vengono attenuate dallo sguardo intenso dell'uomo. piuma sul cappello dell'uomo è un'aggiunta successiva in quanto per realizzarla è stato utilizzato un pigmento a base di titanio, non presente in nessun'altra parte del dipinto.

Prompt: In Lucan portrait of Leonardo da Vinci, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Il sonno della ragione genera mostri

Il Capriccio n. 43, in particolare, sembra direttamente provenire dall'immaginifica fantasia del Goya: si tratta proprio de Il sonno della ragione genera mostri, una formula figurativa abile ed erudita che, essendo vincolata direttamente al vissuto esistenziale dell'artista, si presenta all'osservatore con un'estetica diretta ed intellegibile, in grado di agire sulla sua memoria iconografica conscia e inconscia.verticale=0.8 scena raffigura, proprio al centro della composizione, un uomo sprofondato nel sonno, con la testa appoggiata di lato su un tavolo; quest'ultimo è rivolto verso l'osservatore e reca una scritta in lingua spagnola, «El sueño de la razón produce monstruos» . Essendo la ragione sprofondata nel torpore del sueño, il dormiente  genera un inferno terreno di bestie mostruose, dai connotati spiccatamente negativi, secondo i dettami dell'abbondante tradizione iconografica di questi animali. Seguendo pedissequamente il titolo l'opera è appunto suddivisa in due parti: da una parte vi troviamo il sueño de la razón, mentre dall'altra sono presenti i monstruos. Il dormiente, infatti, viene oppresso come in un incubo da sinistri uccelli notturni, inquietanti volti ghignanti e da un diabolico felino , che, in posizione di sfinge, fissa l'osservatore con stupefatta incredulità: queste creature, come suggerito dal titolo, sono in realtà prodotte dalla stessa mente dell'uomo addormentato.

Prompt: How does The Sleep of Reason Produces Monsters explain its Description?Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the Vangelicanonici of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


section

San Gennaro nell'anfiteatro di Pozzuoli

Il quadro, di notevoli dimensioni, fa parte di un gruppo di tre dipinti realizzati da Artemisia Gentileschi per il duomo di Pozzuoli. Esso testimonia come, a Napoli, la pittrice romana abbia trovato un ambiente disposto a commissionarle non solo tele destinate a collezioni private, ma anche importanti opere devozionali da esporre nei luoghi di culto. scena rappresentata nel quadro si riferisce alle tormentate vicende che le fonti agiografiche narrano riguardo al martirio di San Gennaro. Dopo essere stato sottoposto ad altri tormenti, San Gennaro ed i suoi seguaci sono dati in pasto ad un branco famelico di orsi e di leoni. Le belve, anziché assalirlo, si acquietano subito e vanno a leccare i piedi del Santo . tela ci mostra l'istante in cui le belve sono ormai ammansite, mentre San Gennaro, che indossa la mitria vescovile, veste una piviale aperta su una tunica bianca e si appoggia al bastone pastorale, solleva la mano destra, quasi a voler benedire le fiere. Intorno a lui, i suoi seguaci esprimono stupore per il prodigio e venerazione per il santo vescovo. Sullo sfondo si osserva, fedelmente rappresentata, la facciata dell'anfiteatro romano ; l'anfiteatro viene rappresentato quale quinta scenografica visto però dall'esterno , in quanto quello è il suo aspetto più conosciuto che lo faceva riconoscere tale.I modi stilistici del quadro non hanno la consueta forza drammatica propria della pittrice romana, ma si adattano ad un più misurato e convenzionale linguaggio agiografico.

Prompt: How does Saint Januarius in the Amphitheatre at Pozzuoli explain its The work?Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In the context of Annunciation (Filippo Lippi, London), explain the Vangelicanonici and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Immacolata Concezione

L'Immacolata Concezione è un giorno festivo nei seguenti Paesi: Austria, Liechtenstein, nei cantoni a prevalenza cattolica della Svizzera, Argentina, Spagna, Cile, Nicaragua, Portogallo, Colombia, Italia e Malta.Nel 1646, durante la Guerra dei trent'anni, l'imperatore Ferdinando III d'Asburgo fece consacrare l'Austria all'Immacolata Concezione. In Austria l'8 dicembre viene festeggiato sin dal XVII secolo. A partire dal '95, la legge che regolamenta gli orari di apertura e di chiusura degli esercizi commerciali ha concesso a numerosi negozi e magazzini di restare aperti in tale giorno.Secondo una norma speciale del diritto canonico, l'Immacolata Concezione non è una "festività religiosa" in Germania. Fino al 1969 questo giorno era qualificato come festività religiosa tutelata dallo Stato senza essere un giorno festivo

Prompt: Describe the characteristics of the Feast of the Immaculate Conception in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.

8 dicembre
Argentina
Austria
Cile
Colombia
Ferdinando III d'Asburgo
Guerra dei trent'anni
Italia
Liechtenstein
Malta
Nicaragua
Portogallo


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William Tecumseh Sherman

Il generale Sherman nel 1864 in una foto di Per tutti i mesi di settembre e ottobre Sherman tentò di attaccare sia nella Georgia del nord che in Alabama le forze di John Bell Hood, il quale però cercò sempre di evitare in tutti i modi lo scontro, mentre nel contempo arrivò a minacciare seriamente le linee di comunicazioni unioniste verso Nord.Alla fine il generale ottenne dai suoi superiori l'approvazione di un piano per cui si sarebbe staccato dalle sue linee di rifornimento e avrebbe iniziato a marciare verso Sud; questo dopo aver informato Grant che avrebbe potuto "far gridare di dolore la Georgia". Ciò contribuì ad aumentare la minaccia di un trasferimento in massa delle truppe sudiste di Hood in direzione del Tennessee. Minimizzando questa minaccia, Sherman avrebbe detto che sarebbe riuscito a "dare anche a [Hood] le sue razioni" se solo si fosse azzardato ad andare in quella direzione: "i miei interessi principali ora sono al sud"; lasciò le forze di George H. Thomas e John Schofield ad occuparsi dell'avversario; queste sbaragliarono l'esercito nemico prima nella battaglia di Franklin  e poi anche nella battaglia di Nashville .Nel frattempo, dopo le elezioni di novembre, iniziò la marcia con  uomini al seguito con l'obiettivo di raggiungere il porto di Savannah, vivendo in larga parte di quello che la terra offriva al loro passaggio e causando, secondo la sua stessa stima, oltre 100 milioni di dollari in danni alle proprietà.Le devastazioni furono spiegate come una nuova tattica messa a punto dallo stesso Sherman per demoralizzare il nemico e ridurre la sua capacità combattiva. Alla fine di questa campagna, conosciuta come la Marcia verso il mare di Sherman, le sue truppe conquistarono Savannah il 21 dicembre 1864; il generale quindi inviò un famoso messaggio a Lincoln, offrendogli la città come fosse un dono di Natale.Il successo conseguito ricevette un'ampia copertura sulla stampa nordista in un momento in cui Grant sembrava fare ben pochi progressi nella sua lotta contro l'Armata Confederata della Virginia Settentrionale di Robert Edward Lee. Al Congresso venne presentato un disegno di legge per promuovere Sherman al grado militare di tenente generale, probabilmente con l'intenzione di sostituirlo a Grant come comandante dell'Union Army.Sherman scrisse sia al collega che a suo fratello, il senatore John Sherman, respingendo con veemenza qualsiasi promozione del genere. Secondo un resoconto del tempo fu intorno a quell'epoca che il generale fece la sua memorabile dichiarazione di lealtà a Grant: "egli è un grande generale. Lo conosco molto bene. Era vicino a me quando ero pazzo e stavo vicino a lui quando era ubriaco; e ora, signore, ci sosteniamo sempre".Mentre si trovava a Savannah apprese da un giornale che il proprio figlioletto di pochi mesi Charles Celestine era morto proprio mentre lui si trovava in marcia; non aveva ancora mai avuto l'occasione di vederlo.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the March towards the sea and the Service  civil  war.Please output in Italian.