subsection

Epifania

A Malta, l'Epifania è comunemente nota come It-Tre Re . Fino agli anni '80, il 6 gennaio era un giorno festivo, ma oggi i maltesi festeggiano l'Epifania la prima domenica dell'anno, sebbene il 6 gennaio sia ancora vacanza scolastica. Le decorazioni natalizie vengono illuminate durante questo giorno nella maggior parte delle strade pubbliche.I maltesi hanno anche una consuetudine di lunga data di presentare concerti in onore dell'Epifania, tra cui il prestigioso concerto annuale dell'Epifania organizzato dal Malta Council for Culture and Arts, eseguito dall'Orchestra Nazionale. Nel 2010 il Concerto dell'Epifania, che si svolgeva davanti a un pubblico selezionato, è stato aperto al pubblico su decisione del Presidente. Il Ministero dell'Istruzione e della Cultura si è quindi trasferito dalla sede del Palazzo alla storica Sacra Infermeria. ‘’Qagħaq tal-Għasel’’ o ‘’tal-Qastanija’’  sono tipicamente serviti durante l'Epifania a Malta.

Prompt: In Epifania, how is the Malta of the History explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Malta Council for Culture and Arts


section

L'albero dei corvi

L'albero dei corvi  è un dipinto a olio del 1822 del pittore romantico Caspar David Friedrich. È attualmente conservato presso il Museo del Louvre, a Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Tree of Crows.Please output in Italian.

1822
Caspar David Friedrich
Museo del Louvre
Parigi


section

Battaglia delle Amazzoni

Battaglia delle Amazzoni  è un dipinto a olio su tavola  realizzato intorno al 1615 dal pittore fiammingo Peter Paul Rubens. Viene considerata una delle opere che esprime con maggiore intensità l'ammirazione di Rubens per Leonardo.

Prompt: How does The Battle of the Amazons (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: Describe the characteristics of the Portugal in Epifania's Theology.Please output in Italian.


subsection

Astronomo

Mentre c'è un numero relativamente basso di astronomi professionisti, numerosi sono i dilettanti, chiamati anche astrofili. Diversi centri abitati del mondo hanno gruppi di astrofili che si riuniscono tra loro per le osservazioni e programmano conferenze e visite divulgative negli osservatori, collaborando anche coi professionisti. Diversi astrofili hanno scoperto numerose comete, asteroidi, supernovae, stelle variabili e possono monitorare diversi oggetti collaborando con i professionisti, che però non avrebbero il tempo per sorvegliare tutto il cielo notturno.

Prompt: Describe the characteristics of the The amateur astronomer in The Astronomer (Vermeer)'s The astronomer in history.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Polittico di Badia

Fonti attendibili quali Commentari di Lorenzo Ghiberti e Le Vite di Vasari concordano nel riferire la presenza di un polittico di Giotto sull'altare maggiore della Badia Fiorentina, dove l'artista aveva anche affrescato la cappella Maggiore e la parete sopra il portale originario. Dell'opera, spostata nel monastero nel 1568, si persero le tracce e Gaetano Milanesi, nel noto commento all'opera vasariana , la ritenne perduta. Solo nel XX secolo Ugo Procacci rinvenne il polittico nel museo di Santa Croce, grazie a un cartellino apporto sul retro che riportava "Badia di Firenze", apposto all'epoca delle soppressioni napoleoniche , quando l'opera venne verosimilmente radunata con altre in un deposito nel convento di San Marco e poi finì in un momento imprecisato nella basilica fiorentina. In quell'occasione vennero sciolti i dubbi circa l'attribuzione dell'opera, che aveva subito molteplici ipotesi attributive. Già Thode  aveva infatti fatto il nome di Giotto, confermato poi da Ugo Procacci nel 1962.Restano tuttavia aperte le questioni relative all'autografia della pala e delle sue parti. Ugo Procacci assegnò infatti i tondi nelle cuspidi alla bottega, mentre Silvia Meloni Trkulja ipotizzò che i santi Nicola e Giovanni evangelista fossero pertinenti al Maestro della Santa Cecilia. Anche sulla datazione la critica non è concorde: riferita da quasi tutti gli studiosi ai primi anni del Trecento, alcuni hanno ipotizzato una datazione più tarda, dopo la Cappella degli Scrovegni. Oggi si lega soprattutto a una fase vicina agli affreschi di Assisi, in particolare sono state registrate stringenti affinità con le decorazioni della Cappella di San Nicola nella Basilica inferiore.Nel 1451-1453 la tavola era stata attualizzata aggiungendo degli scomparti che dessero una forma rettangolare, con quattro cherubini eseguiti da Jacopo d'Antonio, rimossi nel restauro del 1958 e oggi conservati nei depositi. pala non si è conservata in condizioni ottimali. Venne restaurata una prima volta nel 1958 e si salvò fortunosamente dall'alluvione di Firenze. Nel 2000 ha subito un nuovo restauro.

Prompt: In Badia Polyptych, how is the History discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Bellini, Rome) and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

La città che sale

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The City Rises.Please output in Italian.


subsection

Cento vedute famose di Edo

Un esempio della Le stampe sono raggruppate secondo le stagioni dell'anno, come segnala lo stesso indice: 42 stampe per la primavera, 30 per l'estate, 26 per l'autunno e 20 per l'inverno. L'ordine delle immagini venne fissato da Baisotei Gengyo, l'autore dell'indice, cominciando dai 118 disegni di Hiroshige. In seguito, la centodiciannovesima incisione di Hiroshige II fu aggiunga ma non rientra nell'ordine delle stagioni.  serie, colorata con intensità e sensibilità mostra il legame speciale che univa Hiroshige con il paesaggio della sua città natale. Nelle diverse stampe, l'autore è ricorso a numerose tecniche apprese nel corso di tutta la sua vita: karazuri, tecnica d'impressione "a vuoto", dove si imprime a rilievo un foglio di carta sfregando con un tampone baren su di una tavola incisa ma non inchiostrata; atenashi-bokashi, una variante del bokashi che consiste nel mescolare un liquido con l'inchiostro per poi spalmarlo sull'intera superficie, ideale per rappresentare l'acque e le nuvole; kimekomi, tecnica in cui si pressa una tavoletta sulla carta per determinare le linee e i contorni; kirakake, incisione brillante, realizzata con due tavolette, una spalmata di colore e l'altra di colla di osso, posta sulla carta che è successivamente spolverizzata di mica.  vivacità dei colori testimonia la qualità della serie. Nonostante un desiderio di precisione topografica, l'artista non esita ad alterare i dettagli secondari della realtà per ragioni artistiche; fedele alla sua ricerca dell'emozione, egli modifica un poco l'approccio tradizionale giapponese verso la natura, adottando il punto di vista emotivo di chi contempla il paesaggio. Ogni stampa comprende generalmente delle piccole figure umane immerse nella grandiosità del loro ambiente, così come animali o semplici oggetti aneddotici.  pittura mescola pertanto il paesaggio, la natura morta e scene di vita quotidiana al fine di disporre meglio lo spettatore a comprendere la scena. Un terzo circa delle stampe sono concepite secondo questa procedura,  mentre gli altri paesaggi conservano la prospettiva tradizionale giapponese, detta "a volo d'uccello", vista cioè da un punto alto e lontano.. Si crea in questo modo una , una profondità che aiuta a leggere il paesaggio. Secondo Henry Smith, Hiroshige cerca di compensare la mancanza di lirismo di alcuni soggetti con questa innovazione, sorprendente in materia di composizione.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Style expression of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


section

Palude

Una palude è un terreno coperto d'acqua stagnante, caratterizzato dallo sviluppo di una particolare vegetazione e fauna che si è adattata all'elevata umidità ambientale e all'imbibizione dei terreni.

Prompt: How does A Wooded Marsh explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: Describe the characteristics of the North Macedonia in Epifania's Theology.Please output in Italian.


subsection

monumento a Leonardo da Vinci

Il monumento fu inaugurato il 4 settembre 1872 alla presenza del principe Umberto in concomitanza con l'apertura a Milano del primo congresso degli ingegneri e degli architetti. Era in corso anche l'Esposizione nazionale di Belle Arti..</ref>}}Alla sera si svolsero anche festeggiamenti nella piazza del Duomo con razzi di bengala. Da una finestra del Teatro alla Scala fu proiettata una luce elettrica che illuminò il monumento di vari colori.Nelle raffigurazioni realizzate in occasione dell'inaugurazione i quattro piedistalli con le statue degli allievi non erano più separati , ma uniti al basamento ottagonale centrale.

Prompt: Explain the Inauguration about the Criticisms of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


section

Pala del cardinale del Portogallo

I santi Vincenzo, Giacomo Maggiore ed Eustachio sono rappresentati allineati sul primo piano. Il primo era patrono di Lisbona e del Portogallo, Giacomo era omonimo del cardinale e Eustachio alludeva al suo titolo. San Giacomo guarda verso destra, poiché verso quel lato si trovava la tomba del cardinale.Il paesaggio retrostante è visto a volo d'uccello e ricorda la pittura fiamminga coeva. Il santo centrale, Giacomo, è leggermente avanzato e colto con naturalezza mentre si mette la mano al petto e guarda verso destra, verso la tomba del cardinale, indirizzando quindi lo sguardo dell'osservatore. Energica è la linea del complesso panneggio di velluto che si increspa sul corpo del santo creando una densa macchia di colore cangiante, sotto la quale emerge il damasco finissimo della veste. I santi laterali sono da alcuni attribuiti alla mano di Piero, in particolare Eustachio, privo della drammaticità data dalla linea tipica di Antonio.  varietà e ricercatezza dei dettagli, tipica dell'epoca, ha il culmine nelle vesti intessute di gioielli o nello straordinario cappello di san Giacomo con la conchiglia del pellegrino, poggiato sul pavimento in marmi policromi. cornice  è antica, intagliata da Giuliano da Maiano, e recante iscrizioni e lo stemma in ottone smaltato del cardinale. Sul fregio superiore si legge ; in basso i nomi dei tre santi: .

Prompt: How does Cardinal of Portugal's Altarpiece explain its Description and style?Please output in Italian.


section

Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: How does Self-Portrait (Bril) explain its Collections, exhibitions, self-portraits?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


section

Le signorine Vickers

Le signorine Vickers  è un dipinto a olio su tela di John Singer Sargent. L'opera raffigura tre giovani della famiglia Vickers nella loro villa a Bolsover Hill ed è conservata al museo di Sheffield, in Inghilterra.

Prompt: Focus on The Misses Vickers and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bolsover Hill
Inghilterra
John Singer Sargent
Sheffield


subsection

Ritratto di Luca Pacioli

Differenti sono le considerazioni che indicherebbero la realizzazione nella bottega veneziana di Alvise Vivarini. Questi non era certamente ventenne nel 1495, ma d'altra parte non vi è nessun elemento certo che indichi nel termine VIGENNIS del cartiglio l'età del pittore o eventualmente di un suo allievo, mentre la tecnica pittorica potrebbe essere a lui riconducibile. Nella bottega di Alvise Vivarini lavorava in quegli anni il giovane Lorenzo Lotto. Il suo dipinto Ritratto di giovane con lucerna raffigura un giovane che presenta alcune analogie, nell'impostazione del capo e dello sguardo, con il giovane allievo del Pacioli. Inoltre Lotto dipinse una mosca nel Ritratto di Giovanni Agostino della Torre con il figlio Niccolò del 1515.

Prompt: Describe the characteristics of the Lorenzo Lotto in Portrait of Luca Pacioli's Author's identity.Please output in Italian.


section

Ritratto della duchessa de Alba in nero

Il paesaggio è sgombro di orpelli e serve solo da sfondo per la figura che si staglia regalmente altezzosa, avvolta nel panno nero come una vera maja.  donna sembra quasi inarcare le reni per slanciare la figura. Più che una vera trasgressione – era una moda ormai diffusa tra la nobiltà – l'abito sembra invece simbolo di un gioco estremo, il travestimento come nuova arma di seduzione.  duchessa è ritratta mentre si staglia impettita sotto un cielo gravido di pioggia, davanti a un fiume dove si riflette la luce dorata della Spagna, con il piede sinistro leggermente avanzato e la mano sinistra adagiata sul fianco; Goya le disegna al dito un anello gentilizio dove è inciso «Alba». «Solo Goya» – è inciso sulla sabbia, a poca distanza dai piedi della duchessa . E ce lo indica, quel nome, ci ordina di leggerlo, mentre il volto, come quello degli dei, è austeramente inespressivo.Se non furono amanti – si veda la malcelata delusione del rifiuto nella lettera a Zapater in cui chiede all'amico di «aiutarlo a dipingere la d'Alba» - tuttavia la donna fu certamente la sua musa che alimenterà passioni fertilissime: l'estate di Sanlúcar e la sua assorta felicità avrebbero generato il buio, nella sua vita e nella storia di Spagna e d'Europa. Dice Pierre Gassier che «tutto quello che fino ad allora gli era sembrato solido e gradevole sembra come disgregarsi intorno a lui. Tutto questo, insieme alla delusione d'amore, turbina nel cervello di Goya e affolla la sua solitaria sordità di riflessioni e di sdegno non ben definiti».

Prompt: Focus on The Black Duchess and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Una donna nera

Il dipinto a olio su tela venne realizzato a Parigi nel 1884 , Dopo la morte dell'artista, probabilmente l'opera venne portata in Polonia dal marito, il dottor Antoni Bohdanowicz, nel 1893. All'inizio il dipinto appartenne al collezionista Dominik Witke-Jeżewski, che depositò la tela al museo nazionale varsaviano nel 1933 assieme al resto della sua collezione.Nel 1939 il dipinto venne acquistato dal museo per 700 sloti. Durante la seconda guerra mondiale, il quadro venne rubato in circostanze sconosciute e dopo la fine del conflitto venne ricercato dai polacchi.

Prompt: How does A Negress explain its History?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Composers and the Opera, lyric.Please output in Italian.


subsection

Il quarto stato

Insoddisfatto del risultato tecnico-artistico della Fiumana, ma soprattutto alla luce del brutale massacro di Bava-Beccaris a Milano, Pellizza decise nel 1898 di riprendere per la terza volta il lavoro sul «più grande manifesto che il proletariato italiano possa vantare fra l'Otto e il Novecento». Suoi obiettivi erano quelli di rendere la fiumana più tumultuosa e irruente, facendola «avanzare a cuneo verso l'osservatore», e di perfezionare i valori cromatici: è su queste basi che nel 1898 egli stese Il cammino dei lavoratori. In questo bozzetto propedeutico viene dato maggior rilievo alla gestualità dei lavoratori, arricchendoli quindi di notazioni realistiche; le prime file sono inoltre delineate con maggiore plasticità, «pur infossare come fiumana la parte finale della schiera, sotto un cielo articolato in spazi sereni e in turbinose nuvole». Questo dinamismo si traduce anche nella modulazione delle immagini, riassunte in una gamma di cromie calde, tendenti all'ocra-rosato, disposte con pennellate fatte di lineette e puntini.  tecnica pittorica è spiegata dallo stesso artista in una lettera del 18 maggio 1898 indirizzata all'amico Mucchi:Con Il cammino dei lavoratori, inoltre, cambia lo scopo sociale della pittura di Pellizza, passato alla temperie socio-proletaria. A esser raffigurata non è più una «fiumana umana», bensì «uomini del lavoro» che fanno della lotta per il diritto universale una lotta di classe: il loro incedere verso l'osservatore non è violento, bensì lento, fermo, con una pacatezza tale da richiamare alla mente un'ineluttabile sensazione di invincibilità. in riferimento al Quarto Stato.

Prompt: Explain the 1898-1901: "The Fourth Estate" about the Description of this artwork, The Fourth Estate (painting).Please output in Italian.


section

La persistenza della memoria

persistenza della memoria raffigura un paesaggio costiero della Costa Brava, in Catalogna, nei pressi di Port Lligat, dominato da un cielo con delle sfumature gialle e celesti.  scena, disabitata e scevra di ogni vegetazione, è popolata da diversi oggetti: un parallelepipedo color terra, un ulivo senza foglie  che sorge su quest'ultimo, un occhio dalle lunghe ciglia addormentato e un plinto blu sullo sfondo, che fa pendant con il mare retrostante.L'attenzione dell'osservatore, tuttavia, è catturata dai tre orologi molli, quasi liquefatti, che di fatto sono i protagonisti della scena. Squagliandosi, questi assumono la foggia dei loro sostegni: il primo ha una mosca su di esso e scivola oltre il bordo del volume squadrato collocato in primo piano, il secondo è sospeso sull'unico ramo dell'albero secco appoggiato sul parallelepipedo, e il terzo è avvolto a spirale sulla timida figura embrionale colante sul suolo. Un quarto orologio, l'unico ad essere rimasto allo stato solido, è collocato sempre sul parallelepipedo ed è ricoperto di formiche nere brulicanti; l'artista catalano ha da sempre nutrito una fobia verso questi insetti, sin da quando ancora bambino li vide divorare un coleottero.

Prompt: How does The Persistence of Memory explain its Description?Please output in Italian.


section

Immacolata Concezione

Immacolata concezione, di Guido Reni, 1627tipo = religiosadata = 8 dicembre religione = Cristiana cattolicaoggetto della celebrazione = Concepimento di Mariaricorrenze correlate =tradizioni =tradizioni religiose =tradizioni profane =tradizioni culinarie =data d'istituzione = 8 dicembre 1854chiamata anche =patrono di = città di Palermo, arcidiocesi di Palermo, patrona massima della Regione Sicilia, Portogallo, Spagna}}LImmacolata Concezione è un dogma della Chiesa cattolica, proclamato da papa Pio IX l'8 dicembre 1854 con la bolla Ineffabilis Deus, che sancisce come la Vergine Maria sia stata preservata dal peccato originale fin dal primo istante del suo concepimento. Esso dunque va distinto dal concepimento verginale di Gesù, nel momento dell'Annunciazione.Il dogma dell'Immacolata Concezione trae fondamento dalla questione biblica del peccato originale: infatti, ogni essere umano nasce con il peccato originale, ma secondo la Chiesa cattolica, solo la Madre di Cristo ne fu esente, poiché in vista della venuta e della missione sulla Terra del Messia, a Dio piacque che la Vergine dovesse essere il grembo puro e senza peccato per accogliere in modo degno e perfetto il Figlio divino incarnato. Chiesa cattolica celebra la solennità dellImmacolata Concezione della Beata Vergine Maria l'8 dicembre . Nella devozione cattolica l'Immacolata è collegata con le apparizioni di Lourdes  e iconograficamente con le precedenti apparizioni di Rue du Bac a Parigi . festa dell'Immacolata Concezione è una delle feste mariane più importanti nel calendario liturgico della Chiesa cattolica, celebrata in tutto il mondo. Per decreto reale, è designata come il giorno in onore della patrona del Portogallo. È celebrata dalla Chiesa cattolica e da alcune denominazioni cristiane protestanti.  festa fu solennizzata per la prima volta come giorno di precetto il 6 dicembre 1708 con la bolla pontificia Commissi Nobis Divinitus di papa Clemente XI ed è spesso celebrata con parate, fuochi d'artificio, processioni.In modo ancora più esteso del dogma, la Chiesa cattolica insegna non solo che la Vergine fu concepita senza il peccato di Adamo ed Eva, ma anche che ella rimase per tutta la vita priva di qualsiasi macchia di peccato, anche veniale.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Adamo ed Eva
Annunciazione
Chiesa cattolica
Concepimento
Dio
Eva
Gesù
Ineffabilis Deus
Lourdes
Parigi
Portogallo


section

Dinosauri di Crystal Palace

Prompt: Explain the External links of this artwork, Crystal Palace Dinosaurs.Please output in Italian.


section

The Chicago Lincoln

statua mostra Lincoln quando apparve durante una visita per vari discorsi ed eventi come la Convention River and Harbor o quando incontrò il Vicepresidente degli Stati Uniti d'America Hannibal Hamlin per discutere dell'organizzazione del suo Gabinetto .L'opera d'arte venne destinata a simboleggiare la libertà e mostra Lincoln con una serie di libri e il suo cilindro  nella mano sinistra, mentre la destra poggia su un podio. Sulla faccia meridionale del piedistallo l'iscrizione recita: "LA SOCIETÀ LIBERA NON È, E NON SARÀ UN DIFETTO. Abraham Lincoln. Chicago, 10 dicembre 1856". scultura in bronzo è una rappresentazione più ampia della vita di Lincoln; la sua altezza misura 7 piedi e 6 pollici .

Prompt: Focus on The Chicago Lincoln and explain the Description.Please output in Italian.


subsection

Giardino dei Tarocchi

scultura della Forza rappresenta l'undicesimo Arcano dei Tarocchi e mostra una donna che tiene sotto controllo un drago, legato a lei da un filo invisibile. Si tratta di una originale interpretazione di questo Arcano, che, dai mazzi Visconti-Sforza del 1450, raffigura una donna che apre le fauci ad un leone. L'introduzione della figura del drago mostra anche i debiti iconografici che l'artista ha verso le sculture del Bosco Sacro di Bomarzo, dove è presente un drago che ricorda molto quello di Niki de Saint Phalle.

Prompt: Describe the characteristics of the The Force in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.

Bomarzo
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Tarocchi


section

Madonna della Cesta

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: Focus on Madonna of the Basket (Correggio) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

Trionfo della Morte

Questa iconografia macabra in alcuni casi anticipa la peste nera del 1348, che decimò la popolazione europea riempiendo le città di cadaveri, in altri ne è una conseguenza diretta. Se nelle opere prima della fatidica peste il trionfo della morte è più che altro connesso con il tema del Giudizio universale, talvolta correlato da una rappresentazione del Paradiso e dell'Inferno legata alla descrizione dantesca, nelle opere più tarde inizia a comparire la morte stessa che decima "gratuitamente" la popolazione, in una visione desolata non necessariamente connessa con il tema della salvezza, ma piuttosto si tratta di rielaborazioni fantasiose di quella che fu una tremenda esperienza collettiva.Nei trionfi vi è rappresentata solitamente la morte, come uno scheletro armato di falce che colpisce diverse categorie di persone, sottolineando in particolare come Re, papi e gente comune siano uguali dinanzi ad essa, che viene talvolta aiutata da altri scheletri o da demoni.

Prompt: How does The Triumph of Death explain its Iconographic description?Please output in Italian.

1348
Giudizio universale
Inferno
Paradiso


section

Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: How does Adoration of the Shepherds (der Goes) explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Colonna di Sant'Anna

Colonna di Sant'Anna  è una colonna trionfale situata nel centro storico di Innsbruck, in Maria-Theresien-Straße. Inaugurata nel 1706, è collegata agli eventi della Guerra di successione spagnola.

Prompt: Focus on St. Anne's Column and explain the Abstract.Please output in Italian.

1706
Guerra di successione spagnola
Innsbruck
Sant'Anna


subsection

Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Betsabea

storia biblica ha altresì ispirato delle opere letterarie, come l'opera teatrale David and Bethsabe dello scrittore teatrale inglese George Peele . Il racconto è citato nel romanzo Via dalla pazza folla di Thomas Hardy , la cui protagonista si chiama proprio Bathsheba Everdene. Esistono poi molti romanzi storici sulla storia di Davide che raccontano anche questa vicenda, come L'armonia segreta di Geraldine Brooks.

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Bathsheba (Gérôme)'s Biblical story.Please output in Italian.

David and Bethsabe
Davide
George Peele
Davide
Thomas Hardy
Via dalla pazza folla


subsection

Tondo Doni

cornice originale venne forse disegnata dallo stesso Michelangelo. Il raffinato intaglio è attribuito a Marco e Francesco del Tasso.Tra racemi vegetali intrecciati e composti in una sorta di candelabra continua, emergono cinque testine stiacciate, che guardano verso il dipinto, raffiguranti Cristo in alto al centro, profeti e sibille. Esse citano le porte del Battistero di Firenze del Ghiberti. Nel settore in alto a sinistra si riconoscono i tre crescenti dello stemma Strozzi, tra racemi, animali e maschere di satiri.

Prompt: Describe the characteristics of the Cornice in Doni Tondo's History.Please output in Italian.


section

Ritratto di Lucrezia Panciatichi

donna è rappresentata con un sontuoso vestito rosso, ornato da pizzi nella parte superiore e da una cintura con pietre preziose. Le maniche hanno un gonfio sbuffo arricciato nella parte superiore e in quella inferiore sono invece aderenti e, come di consueto, estraibili, tenute da lacci .Indossa inoltre due collane: una di queste reca la scritta amour dure sans fin, le cui parole si rincorrono in maniera che possono essere lette da una parte all'altra, senza interruzioni, amplificando il significato di continuità del motto. Dure sans fin amour e Sans fin amour dure sono infatti altrettanto significative.

Prompt: How does Portrait of Lucrezia Panciatichi explain its Description and style?Please output in Italian.


subsection

Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In Epifania, how is the Italy of the History explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


section

Amor sacro e Amor profano

Giulio Carlo Argan, L'Amor sacro e l'Amor profano di Tiziano Vecellio. Milano: Bompiani, 1950.   Mario Calvesi, Un amore per Venere e Proserpina in Art e Dossier numero 39, 1989. G.P. Clerici, Tiziano e l'Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese  in Bibliofilia XX numero 19, 1918 G. Cozzi,  donna, l'amore e Tiziano in Tiziano e Venezia. Atti del Convegno di Studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. Wilhelm Friedländer,  tintura delle rose in The Art Bulletin XVI 1938.320-324   U. Gnoli, Amor Sacro e Profano? in Rassegna d'Arte II, 1902. R. Goffen, Titian's ‘Sacred and Profane Love’ and Marriage in The Expanding Discourse: Feminism and Art. New York: Harper Collins, 1992. Titian's Sacred and Profane Love: Individuality and Sexulity in a Renaissance Marriage Picture in Studies of History of Art XXV, 1993. C. Hope, Problems of interpretations in Titian's erotic paintings in Tiziano e Venezia. Atti del convegno di studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. L. Hourticq,  Fontaine d'amour de Titien in Gazette des Beaux-Arts XII, 1917. A.L. Mayer, Aurelio Nicolò: the Commissioner of Titian's Sacred and Profane Love in The Art Bulletin XXI, 1939. L. Ozzola, Venere e Elena. L'amor sacro e l'amor profano. in L'Arte IX, 1906. Erwin Panofsky, Immagini simboliche. Studi sull'arte del Rinascimento. Milano: Feltrinelli, 1978. E. Petersen, Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung in Die Galerien Europas 2, 1907. J. Poppelreuter, Sappho und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe in Repertorium für Kunstwissenschaft XXXVI, 1913. M.L. Ricciardi, L'Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l'enigma in Notizie da Palazzo Albani XV, 1986. G. Robertson, Honour, Love and Truth: An Alternative Reading of Titian's Sacred and Profane Love in Renaissance Studies 2, 1988. Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. H.E. Wethey, The paintings of Titians. New York: Renaissance Society of America, 1975. F. Wickhoff, Giorgione's Bilder zu Römischen Heldengedichten in Jarbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen XVI, 1895. E.P. Wind, Misteri pagani nel rinascimento. Milano: Adelphi, 1971. Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5Giuliano Pisani, Le Veneri di Raffaello , Studi di Storia dell'Arte 26, Ediart 2015, pp. 97-122

Prompt: Focus on Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Galleria Borghese
Giorgione
Giuliano Pisani
Hypnerotomachia Poliphili
Erwin Panofsky
Proserpina
Hypnerotomachia Poliphili
Tiziano Vecellio
Venezia


section

Sacrificio di Isacco

Secondo il racconto biblico, al primo patriarca biblico Abramo , figlio di Tiriḫ e discendente di Šem, venne fatta da Dio la promessa che la sua progenie sarebbe stata numerosa come le stelle del cielo , nonostante lui fosse molto vecchio e sua moglie Sara  vecchia e sterile.Secondo la cronologia biblica, Abramo aveva 100 anni e Sara 90 quando Dio strinse con Abramo quel patto. Un patto tramite il quale dal seme di Abramo si sarebbe giunti al Messia e tutte le nazioni della terra sarebbero state benedette , , .Abramo, uomo giusto e devoto, fino a quella promessa era stato al centro di avvenimenti che avevano rafforzato la sua fede incondizionata verso Dio. Aveva visto come il Dio della Bibbia aveva liberato e protetto le persone giuste e fedeli liberandole da oppressori pagani, non ultima la liberazione e la salvezza per suo nipote Lot e le sue figlie da Sodoma e Gomorra. fede si contrapponeva ai fatti, come poteva Sara generare un figlio ad Abramo visto che era non solo avanti negli anni, ma sterile? Quando uno degli angeli disse ad Abramo che dopo non molto tempo Sara avrebbe avuto un figlio, Sara rise.  Ma c'era forse qualcosa di troppo straordinario per Dio? .Infatti, mesi dopo, il racconto biblico asserisce che Dio rivolse la sua attenzione a Sara proprio come aveva detto, e Dio fece ora a Sara proprio come aveva parlato. E Sara rimase incinta e partorì quindi un figlio ad Abramo nella vecchiaia di lui, al tempo fissato di cui Dio gli aveva parlato [......] e gli mise nome Isacco . Isacco quindi crebbe con le amorevoli cure dei due genitori che avevano visto la miracolosa potenza di Dio manifestarsi su di loro con un figlio che sarebbe stato, secondo le Scritture, addirittura il precursore dello stesso Messia.Dopo altri avvenimenti che dimostrarono l'ubbidienza e la fedeltà di Abramo verso il vero Dio, il racconto della Bibbia prosegue che Dio mise alla prova Abramo: Prendi suvvia, tuo figlio, il tuo figlio unico che ami tanto, Isacco, e fa un viaggio nel paese di Moria e là offrilo come olocausto su uno dei monti che io ti designerò.Il racconto biblico dimostra che Abramo non ebbe esitazioni. Genesi 22:3 infatti dice che Abramo si alzò dunque la mattina di buon'ora, sellò il suo asino e prese con sé due dei suoi servitori e Isacco suo figlio, quindi spaccò la legna per l'olocausto e si mise in viaggio per il luogo designato da Dio.Il viaggio durò tre giorni: appena Abramo sopraggiunse nelle vicinanze del luogo designato, lasciò i suoi servitori e l'asino proseguendo a piedi con il solo Isacco che trasportava intanto la legna per l'olocausto. Giunti al luogo dell'olocausto Abramo dispose un altare su cui mettere la legna, quindi legò suo figlio Isacco mani e piedi ponendolo sull'altare al di sopra della legna. Il racconto biblico prosegue dicendoci che cosa accadde:

Prompt: Explain the TheSacredScriptures of this artwork, The Sacrifice of Isaac (Rembrandt).Please output in Italian.

Abramo Bibbia Genesi Genesi Genesi Isacco Lot Messia Sodoma


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bril)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


section

Busto di Ankhhaf

Il Busto del principe Ankhhaf è un'antica scultura egizia in calcare stuccato e dipinto, risalente all'Antico Regno. È considerato opera di un maestro dell'arte egizia ed è esposto al Museum of Fine Arts di Boston, con il numero d'inventario 27.442.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ankhhaf (sculpture).Please output in Italian.


section

Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.


section

Sacra Famiglia con le tre lepri

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: How does The Holy Family with Three Hares explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Caterina d'Alessandria

Nel 305 un imperatore romano tenne grandi festeggiamenti in proprio onore ad Alessandria. Anche se la Leggenda Aurea parla di Massenzio, molti ritengono che si tratti di un errore di trascrizione e che l'imperatore in questione fosse invece Massimino Daia, che proprio nel 305 fu proclamato Cesare per l'oriente nell'ambito della tetrarchia . Ricordiamo inoltre che la data del 305 non è stabilita con certezza.Caterina si presentò a palazzo nel bel mezzo dei festeggiamenti, nel corso dei quali si celebravano riti pagani con sacrifici di animali e accadeva anche che molti cristiani, per paura delle persecuzioni, accettassero di adorare gli dei. Caterina rifiutò i sacrifici e chiese all'imperatore di riconoscere Gesù Cristo come redentore dell'umanità, argomentando il suo invito con profondità filosofica.L'imperatore, che secondo la Leggenda Aurea sarebbe stato colpito sia dalla bellezza sia dalla cultura della giovane nobile, convocò un gruppo di retori affinché la convincessero a onorare gli dei e la chiese in sposa. I retori non solo non riuscirono a convertirla, ma essi stessi, per l'eloquenza di Caterina, furono convertiti al Cristianesimo.L'imperatore ordinò la condanna a morte dei retori e dopo l'ennesimo rifiuto di Caterina la condannò a morire con il supplizio della ruota dentata. Dopo che Caterina venne messa sulla ruota dentata, il cielo prima limpido, si riempì di nuvoloni neri. Dal cielo scese un fulmine che spacco a metà la ruota dentata. Massimino fu obbligato a far decapitare la santa, dal cui collo mozzato non sgorgò sangue bensì latte, simbolo della sua purezza.

Prompt: In the context of Catherine of Alexandria (Palladas), explain the The tradition of martyrdom and the Iconography.Please output in Italian.

305
Cristianesimo
Cristo
Gesù
Leggenda
Massenzio
Massimino Daia


subsection

Battaglia di San Romano

scena di Londra è quella pervenutaci nelle condizioni più scadenti, che rivelano una parte della preparazione bianca sottostante, soprattutto al suolo. Originariamente la tavola era arcuata, ma venne tagliata probabilmente quando il lavoro passò dai Bartolini Salimbeni ai Medici per essere adattato alla nuova collocazione.Tutto è incentrato sulla figura di Niccolò da Tolentino, con un vistoso cappello e su un cavallo bianco, che sprona le truppe fiorentine all'attacco. I fiorentini hanno infatti da poco iniziato a sorpresa la battaglia e stanno caricando i senesi. I colori dei cavalieri, in questa come nelle altre tavole, corrispondono da un lato a quelli di Firenze  e dall'altro a quelli di Siena . Sulla sinistra si vedono le lance dell'esercito di Firenze pronte all'offesa, i vessilliferi e i trombicini che dirigono le forze e le prime vittime del campo distese a terra. Il suolo è composto come una sofisticata griglia prospettica, con le lance cadute che disegnano le maglie di una rete, punteggiata di armi e scudi perduti e col cadavere di un guerriero in armatura, che è visto in un ardito scorcio.Una siepe di arbusti fioriti, trattati con grande attenzione al dettaglio naturalistico, divide la scena della battaglia dallo sfondo irreale, dove dei giovani, completamente ignari di quello che sta avvenendo, si esercitano a cacciare con la balestra e con i giavellotti. Questi elementi sono legati al gusto cortese del gotico internazionale e dimostrano come l'arte fiorentina del primo Quattrocento vivesse in un clima di transizione, che non escludeva necessariamente un linguaggio figurativo dall'altro. Due cavalieri che si allontanano però ricordano il fatto storico: essi sono andati a chiamare i rinforzi di Michele Attendolo, ciò che determinerà la vittoria.In questa, come nelle altre scene, compaiono numerosi personaggi che indossano il mazzocchio, un copricapo a forma di toro sfaccettato, sulla cui forma Paolo Uccello eseguì numerosi studi prospettici, in parte pervenutici.

Prompt: Explain the Niccolò da Tolentino at the head of the Florentines about the Description and style of this artwork, The Battle of San Romano.Please output in Italian.

Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Paolo Uccello


subsection

Polittico Averoldi

I due pannelli superiori mostrano l'Annunciazione, divisa tra l'Angelo, a sinistra, e la Vergine a destra, secondo uno schema esistente fin dal medioevo. Tiziano inondò le due figure di una luce vibrante, soprattutto l'Angelo che è investito da dietro e le cui pieghe della veste bianca generano un vivace contrasto tra luci e ombre.  sua figura compie il gesto dinamico, sviluppato in profondità lungo la diagonale, come il San Sebastiano, di srotolare un cartiglio dove si leggono le parole evangeliche "Ave Maria Gratia Plena". Maria è colpita da una luce più soffusa, che meglio si adatta al carattere intimo dell'ambientazione domestica in cui ricevette l'annuncio.L'atmosfera è assorta, con una pacata ma poetica intensità di sentimento.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Annunciation of the Description and style explained?Please output in Italian.


section

Apollo dell'Omphalos

scultura fu rinvenuta nel teatro di Dioniso, all'interno dell'Acropoli di Atene, nel 1862. Fu denominata Apollo dell'Omphalos poiché si riteneva poggiasse su una base a forma di onfalo. Non fu ritrovata intera, ma in numerosi frammenti, successivamente ricomposti; presenta, inoltre numerosi segni di danneggiamenti. Si ritiene possa essere stata scolpita da Calamide o da Onata di Egina. Fu anche ipotizzata l'attribuzione a Pitagora di Reggio, ma è stata ampiamente rigettata.

Prompt: In Apollo Omphalos (Athens), how is the History discussed?Please output in Italian.

Acropoli di Atene
Apollo
Atene
Calamide
Onata di Egina
Pitagora di Reggio


section

The Chicago Lincoln

Prompt: In The Chicago Lincoln, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Abraham Lincoln
Memoriali e monumenti unionisti
Presidenza di Abraham Lincoln


section

Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

LImmacolata Concezione è un dipinto del pittore spagnolo Francisco de Zurbarán realizzato nel 1632 e conservato nel Museo nazionale d'arte della Catalogna a Barcellona.Francisco de Zurbarán dipinse numerose Immacolate Concezioni in difesa di questo dogma del cattolicesimo, spesso rappresentando la Vergine come una giovane ragazza.

Prompt: How does Immaculate Conception (Zurbarán) explain its Abstract?Please output in Italian.

1632
Barcellona
Francisco de Zurbarán
Immacolata Concezione
Museo nazionale d'arte della Catalogna


subsection

Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In Crucifixion (Antonello da Messina), how is the Crucifixion Roman Emperor of the Description explained?Please output in Italian.


section

Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: How does Annunciation Diptych explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Gruppo del Laocoonte

Il gruppo statuario raffigura la morte di ocoonte e dei suoi due figli Antifate e Timbreo mentre sono stritolati da due serpenti marini, come narrato nel ciclo epico della guerra di Troia, ripreso successivamente nellEneide da Virgilio, in cui è descritto l'episodio della vendetta di Atena, che desiderava la vittoria degli Achèi, sul sacerdote troiano di Apollo, che cercò di opporsi all'ingresso del cavallo di Troia nella città.  sua posa è instabile perché nel tentativo di liberarsi dalla morsa dei serpenti, ocoonte richiama tutta la sua forza, manifestando con la più alta intensità drammatica la sua sofferenza fisica e spirituale. I suoi arti e il suo corpo assumono una posa pluridirezionale e in torsione, che si slancia nello spazio. L'espressione dolorosa del suo viso unita al contesto e la scena danno una resa psicologica caricata, quasi teatrale, come tipico delle opere del "barocco ellenistico".  resa del nudo mostra una consumata abilità, con l'enfatica torsione del busto che sottolinea lo sforzo e la tensione del protagonista. Il volto è tormentato da un'espressione pateticamente corrucciata. Il ritmo concitato si trasmette poi alle figure dei figli. I lineamenti stravolti del viso di ocoonte, la sua corporatura massiccia si contrappongono alla fragilità e alla debolezza dei fanciulli che implorano, impotenti, l'aiuto paterno: la scena suscita commozione ed empatia nell'animo di chi guarda. statua è composta da più parti distinte, mentre Plinio, in effetti, descrisse una scultura ricavata da un unico blocco marmoreo . Tale circostanza ha creato sempre molti dubbi di identificazione e attribuzione.

Prompt: Focus on Laocoön and His Sons and explain the Description and style.Please output in Italian.


section

Suonatore di liuto

Riguardo al ritratto del giovane suonatore di liuto, oltre alla proposta che si tratti del castrato Pedro de Montoya e all'amico di Caravaggio, il pittore siciliano Mario Minniti, dei quali si è sopra detto, si è pensato a un'altra possibilità: A. Corboz lo considera un autoritratto , da mettere accanto a quello molto verosimile dei Musici o Concerto, ma dopo questo e accanto a quello, altrettanto certo, del Ragazzo morso da un ramarro, ma prima di questo. Alcuni, come Julian, pensano che si tratti di un ragazzo abbigliato da donna, ma non il pittore travestito. Non è compreso fra gli autoritratti di Caravaggio giovane nello studio di fisiognomica dell'autoritratto di Caravaggio nei suoi dipinti di Mauro de Vito, che invece comprendono quelli del Bacco, del Bacchino malato, della Musica, del  Ragazzo morso da un ramarro e del Fruttarolo. L'uso dell'autoritratto si rende necessario quando non si hanno modelli a disposizione da poter pagare per le pose e nei suoi inizi era certo questa la condizione del pittore che, per autoritrarsi, aveva usato uno specchio. Nel dipinto dell'Ermitage, che sembra conforme alla descrizione del Baglione , il vaso di fiori mostra un rapporto di corrispondenza con la figura del giovane suonatore di liuto e a questo proposito, Hermann Fiore cita un noto passo del Giustiniani nella lettera a Dirck van Amayden:" Il Caravaggio disse, che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure". Dare pari dignità, dunque tanto alla natura morta quanto alla viva e in questo senso la frase del Moir, dopo un'attenta osservazione dei fiori sul modello della tradizione di uno specialista come Jan Bruegel, ci sembra piuttosto convincente: " I fiori di Caravaggio hanno meno l'aspetto di esemplari conservati , sono più vitali, come creature vive che ancora reagiscono crescendo al sole, nella terra, alla luce". In ambedue i dipinti, quello di Leningrado e quello di New York si nota il virtuosismo prospettico della disposizione dei tavoli e degli oggetti e la resa naturalistica dei due piani, uno di marmo, l'altro con una coperta damascata; di pari virtuosismo è la resa della" natura morta", dei fiori e della frutta . Il mazzo di fiori è composto da iris bianchi e boccioli, una rosa, margherite, anemoni, garofani e altri fiori comuni, collocati in un vaso di cristallo che riflette la luce della finestra. Il ragazzo, sorpreso mentre sta per cantare, offre il suo canto d'amore, ma nello stesso tempo determina un " paragone" con" il potere universale della pittura...teorizzato dal più grande dei maestri lombardi, Leonardo da Vinci, del quale le fonti riferiscono anche la pittura di un magnifico vaso di fiori bagnati dalla rugiada" . Un rapporto simbolico può trovarsi con i cinque sensi, vista, olfatto, udito, tatto e gusto, infatti le corrispondenze possono essere con le figure offerte in primo piano , i fiori , il gusto , gli strumenti musicali .Oltre ai sensi, anche l'armonia è alla base del soggetto. Il Moir, citato da Marini, si chiede se " non potrebbe indicare che l'amore è finito e che il musicista è abbandonato alla solitudine? Non è forse tutto il dipinto un tema della vanitas, un lamento malinconico per la transitorietà delle cose e delle esperienze di questo mondo temporale e fisico?". Tanto Del Monte che il Giustiniani erano appassionati di musica, possedevano collezioni di strumenti musicali, libri, dipinti, partecipavano attivamente a concerti, anche organizzati nelle proprie dimore; il Giustiniani era anche teorico musicale e alla pari del Del Monte e, forse dello stesso Caravaggio , manca delle fenditure e ha sulla tastiera un fiore stilizzato che potrebbe essere il marchio del costruttore di inizio secolo XVI ; vi è poi un flauto dolce, forse tedesco e uno spinettino forse anch'esso tedesco, Christiansen ritiene che gli strumenti dovevano far parte della collezione del Monte, compreso il tappeto orientale , o della collezione Barberini, mentre il violino a 7 corde è lo stesso che appare nella Musica o Concerto sempre del Metropolitan che doveva fare da pendant con il Ragazzo che suona il liuto nella medesima stanza.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, The Lute Player (Cariani).Please output in Italian.

Bacchino malato
Mario Minniti
Ermitage
Ragazzo morso da un ramarro


section

Madonna della Cesta

Madonna della Cesta è un dipinto a olio su tela  del Correggio, databile al 1525 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna of the Basket (Correggio).Please output in Italian.


section

Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: In Flight into Egypt (Titian), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


section

Uomo di pietra

statua diede il nome al periodico satirico «L'Uomo di pietra», fondato nel 1856 da Cletto Arrighi. In un articolo pubblicato nel secondo numero della rivista le vicende della statua vennero raccontate in prima persona.. Nel romanzo Demetrio Pianelli di Emilio De Marchi uno dei personaggi principali, Cesarino Pianelli, fratello del protagonista, impiegato alle poste di Milano, giocatore e millantatore, teme di finire su lUomo di pietra per uno scandalo al Circolo Monsù Travet di cui è membro fondatore.

Prompt: In Scior Carera, how is the Referencescitations discussed?Please output in Italian.

1856
Cletto Arrighi
Demetrio Pianelli
L'Uomo di pietra
Milano


section

Predica di san Marco ad Alessandria d'Egitto

Stefano Zuffi, Grande atlante del Rinascimento, Electa, Milano 2007. ISBN 978-88-370-4898-3AA.VV., Brera, guida alla pinacoteca, Electa, Milano 2004 ISBN 978-88-370-2835-0Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on St. Mark Preaching in Alexandria and explain the Bibliography.Please output in Italian.


section

Ritratto di Jakob Muffel

Il Ritratto di Jakob Muffel è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela  di Albrecht Dürer, siglato e datato 1526, e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. In alto si legge l'iscrizione .

Prompt: Focus on Portrait of Jakob Muffel and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Rachele

Lia aveva gli occhi smorti , mentre Rachele era bella di forma ed avvenente di aspetto e fece subito colpo su Giacobbe, il quale pur di averla, si sottomise al servizio del padre Làbano per sette anni credendo alle sue parole: "Preferisco darla a te piuttosto che a un estraneo. Rimani con me". Poi Giacobbe disse a Làbano: "Dammi la mia sposa perché il mio tempo è compiuto e voglio unirmi a lei". Ma Làbano diede un banchetto e concesse a Giacobbe l'altra figlia Lia  la quale aveva occhi sofferenti, giustificandosi sul fatto che l'usanza imponeva di dare la figlia maggiore prima della più piccola e poi aggiunse: "Finisci questa settimana nuziale e ti concederò anche Rachele per altri sette anni al mio servizio". Giacobbe per amore di Rachele accettò. L'usanza del popolo non era la poligamia, ma che lo sposo prendesse in moglie la figlia maggiore , che con il tardare degli anni rischiava di non poter più avere figli e ciò era motivo di disonore .Vedendo che Lia riceveva poche attenzioni, il Signore la rese fertile e Lia concepì un figlio, mentre Rachele rimaneva sterile. Entrambi gli eventi sono attribuiti allopera mediatrice del Signore: Rachele era resa sterile , come anche Sara e Rebecca. In accordo con Tykva Frymer-Kensky, l'infertilità delle matriarche ha il duplice effetto di mostrare quanto sia importante la nascita di un figlio, e quanto siano stati speciali Abramo, Isacco, e Giuseppe; e quanto il concepimento sia opera di Dio, e della sua grazia, per quanto dopo un atto di naturale unione di carne fra due sposi. Stesse considerazioni valgono nel Nuovo Testamento per Elisabetta, che concepisce in tarda età il più grande fra i nati di donna.Lia ebbe cinque figli: Ruben, Simeone, Levi, e Giuda , e Issaccar .Solo in un secondo momento il Signore concesse a Rachele di partorire due figli: Giuseppe, e alcuni anni dopo, Beniamino .

Prompt: In the context of Rachel (sculpture), explain the Rivalry with Lia and the Meaning of the name.Please output in Italian.


section

Cacciata dei mercanti dal Tempio (El Greco Minneapolis)

Questo lavoro è uno dei primi esempi della maturità di El Greco. Il pittore ha mantenuto le linee di base della sua prima versione e riesce a creare due gruppi opposti.El Greco userà questo tema più volte nella sua carriera, quindi è uno dei modi più studiati per apprezzare l'evoluzione del suo stile artistico. figura di Cristo, simbolo del martirio e dell'eternità, presiede la scena nel mezzo di una complessa struttura architettonica. Le figure della composizione sono perfettamente trattate. L'opera ha una grande influenza sulla scuola veneziana, in particolare di Tiziano e i da Correggio che compaiono nell'angolo in basso a destra con Michelangelo, Raffaello e Clovio.Questo lavoro consente al pittore di unirsi al linguaggio pittorico del rinascimento e di lasciarsi alle spalle le sue radici come pittore di icone bizantine.

Prompt: In Christ Driving the Money Changers from the Temple (El Greco, Minneapolis), how is the Description discussed?Please output in Italian.


subsection

Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Objective criteria in the evaluation of a work of art and the Irish  aesthetic  radically  empiricist.Please output in Italian.


section

Maria Maddalena

Maria Maddalena è menzionata nel Vangelo secondo Luca , assieme a Susanna e Giovanna, come una delle donne che «assistevano Gesù con i loro beni». Secondo tale vangelo, esse erano spinte dalla gratitudine  e finanziavano personalmente la missione itinerante del Maestro.Secondo la tradizione, era una delle tre Marie che accompagnarono Gesù anche nel suo ultimo viaggio a Gerusalemme , dove furono testimoni della crocifissione. Maria rimase presente anche alla morte e alla deposizione di Gesù nella tomba per opera di Giuseppe di Arimatea.Fu ancora lei, di primo mattino nel primo giorno della settimana, assieme a Salome e a Maria di Cleofa, la madre di Giacomo il Minore , ad andare al sepolcro, portando unguenti per ungere la salma. Le donne trovarono il sepolcro vuoto ed ebbero una "visione di angeli" che annunciavano la risurrezione di Gesù .Maria Maddalena, in un primo momento corse a raccontare quanto visto a Pietro e agli altri apostoli . Ritornata al sepolcro, si soffermò piangendo davanti alla porta della tomba. Qui il "Signore risorto" le apparve, ma in un primo momento non lo riconobbe. Solo quando venne chiamata per nome fu consapevole di trovarsi davanti Gesù Cristo in persona, e la sua risposta fu nel grido di gioia e devozione, Rabbunì, cioè "maestro buono". Avrebbe voluto trattenerlo, ma Gesù le disse:Divenne così, nel Vangelo secondo Giovanni, la prima annunciatrice della resurrezione e si meritò in seguito il titolo di "apostola degli apostoli" e di "evangelista" in qualità di prima annunciatrice della buona notizia. «Il capitolo 20 di Giovanni, al versetto 17, raggiunge uno dei punti di più difficile comprensione. Ci si trova dinanzi all'ultima tappa del cammino di fede della Maddalena. Ricorre il verbo "attaccarsi", "afferrare", "toccare" . Questo termine, col valore di toccare, nei vangeli sinottici, è sempre riferito a Gesù. Egli è colui che tocca, per guarire . Viene anche riferito a Gesù, affinché egli possa essere toccato  o affinché tocchi qualcuno. L'incontro fra la Maddalena e Gesù costituisce l'unico caso in cui Gesù riferisce a se stesso il toccare. la forma è quella dell'imperativo presente medio, negativo. Si tratta, più esattamente, di un "medio di interesse". Il verbo esprime l'azione di Maria, compiuta a proprio vantaggio. Indica il trattenere per sé, che Gesù impedisce. Gesù ordina di non essere toccato. Maria, forse, ha iniziato a farlo, in un atteggiamento di prostrazione, ai piedi di Gesù. vi sarebbe collegamento, così, con il racconto di Matteo .  forma imperativa presente "non toccarmi" […] non indica  che una data azione non debba essere compiuta. Indica, invece, che quell'azione deve essere fermata. Il senso, dunque, è: "Non continuare a toccarmi. Non continuare a stringermi a te". Gesù, dunque, non vuole porre una separazione tra Sé e Maria. Il suo atteggiamento verso la Maddalena, a ogni modo, non ha paralleli. [...] Gesù impone di non essere toccato, perché indica un nuovo modo di relazione. Il Risorto non è infastidito dal comportamento di Maria. Vuole introdurla, semplicemente, dentro la piena relazione con lui. Si tratta della condizione dei risorti in Cristo .  fisicità non è stata annullata né è divenuta realtà sottile o evanescente. C'è, è la stessa, ma, dentro l'evento della risurrezione, si rivela diversa. […] Il rapporto con l'amato deve entrare, dunque, in una prospettiva nuova. Maria, invece, ha equivocato l'incontro con Gesù risorto. Pensa che Gesù sia tornato fra i vivi.  Maddalena, così, crede che la condizione sia la stessa, in cui Gesù si trovi, prima della morte. Il tentativo di Maria, di trattenere Gesù, nasce dalla speranza di ristabilire la relazione di sempre. Maria non ha capito che il modo della relazione con il Maestro si è modificato. Il testo potrebbe essere tradotto con "Non continuare a toccarmi". […] Senza toccare né afferrare, si può stare, pur sempre, con il Maestro.».

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Stevens) and explain the Maria Magdalene in the canonical gospels.Please output in Italian.

Cristo
Gerusalemme
Gesù
Giacomo il Minore
Maria di Cleofa
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Luca


section

Sacra conversazione Balbi

Sacra conversazione Balbi è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1512-1514 circa e conservato nella Fondazione Magnani-Rocca a Mamiano di Traversetolo .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Balbi Holy Conversation.Please output in Italian.


subsection

I mucchi di fieno

, Richard Thomson, « Un naturalisme d’émotivité, 1881-1891 »isbn = 978-2-7118-5687-9

Prompt: Explain the Catalogs about the Interpretation of this artwork, Haystacks (Monet series).Please output in Italian.


section

Vergine Assunta e san Michele Arcangelo

San Michele Arcangelo combatte il demonio e Vergine Assunta tra gli angeli è un dipinto a olio su tavola  di Dosso Dossi e Battista Dossi, databile al 1533-1534 circa e conservato nella Galleria nazionale di Parma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Virgin of the Assumption and St. Michael the Archangel.Please output in Italian.

1533
1534
Battista Dossi
Dosso Dossi
Galleria nazionale di Parma
Parma


subsection

Trionfo della Divina Provvidenza

Le fasi del lavoro sono ben documentate: al 1630 risale il completamento strutturale della sala; dal 25 settembre 1631 a giugno 1632 si registrano lavori di falegnameria per innalzare i ponteggi e le impalcature su cui il Cortona e i suoi collaboratori avrebbero poi lavorato; il 18 novembre 1632 iniziano i lavori ad affresco; nel 1633 avviene una breve interruzione per assolvere alla commessa dei padri filippini di Santa Maria in Vallicella, per la quale furono realizzati gli affreschi con gli Angeli che reggono i simboli della Passione in sacrestia; nel 1637 i lavori sono interrotti a causa di un soggiorno di sei mesi a Firenze del Cortona, dove si fermò in occasione del viaggio che fece al seguito di Giulio Sacchetti, che intanto si recava a Bologna dove fu nominato legato pontificio; il 12 dicembre 1637 i ponteggi vengono momentaneamente smontati per consentire la visita illustre al cantiere di Francesco I d'Este; nel 1638 i lavori continuarono con una certa speditezza, fino alla conclusione nel 1639.Alla parentesi fiorentina risalgono diverse missive che consentono di avere maggiormente delineato quello che è lo stato dell'arte: Giulio Rospigliosi, futuro papa Clemente IX, all'epoca cardinale molto vicino agli ambienti Barberini, in una lettera del 5 giugno 1637 scrive circa la speranza che aveva il Cortona di riuscire a finire il Trionfo della Divina Provvidenza per giugno dello stesso anno; tuttavia questa evenienza fu scongiurata a seguito del viaggio in Toscana che poi interessò il pittore. Raggiunto il granducato, un'ulteriore lettera del pittore trasmessa il 20 luglio del 1637 al cardinale Francesco Barberini a Roma, racconta della commessa di Ferdinando II de' Medici sullEtà dell'uomo, nonché la sua volontà di finirli entro agosto, così da ritornare poi nell'Urbe e completare il ciclo Barberini. Il Bottalla però, artista forse più docile e ossequioso, rimase tra gli aiuti del Cortona, mentre il Romanelli fu definitivamente allontanato.Il 24 settembre del 1639 in una lettera inviata al suo ospitante a Firenze, Michelangelo Buonarroti il Giovane, si evince che l'opera romana è pressoché conclusa, e quindi nel marzo dell'anno nuovo il Cortona si sarebbe recato nuovamente presso la corte medicea per completare i due cicli mancanti della sala della Stufa.

Prompt: Describe the characteristics of the Progress of the work in Allegory of Divine Providence and Barberini Power's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Barberini
Bologna
Età dell'uomo
Ferdinando II de' Medici
Firenze
Francesco I d'Este
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo Buonarroti il Giovane
Roma
Toscana


subsection

Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: In Epifania, how is the Russia of the Theology explained?Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


subsection

Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: In Music (Matisse), how is the The popular song of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.


section

Pugile in riposo

Lisippo Scultura greca Museo nazionale romano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Boxer at Rest.Please output in Italian.


subsection

Immacolata Concezione

I nomi propri Immacolata e Concetta sottolineano la devozione a Maria Immacolata.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the No one of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


section

Ritratto di dama con ventaglio

L'assegnazione del dipinto al Moroni ebbe non poche discordanze, i primi anni era presente nel mercato d'arte dei collezionisti napoletani, per divenire di proprietà del 1804 del tedesco Johann Henrich Wilhelm Tischbein che lo aveva acquistato per la pinacoteca di Oldebrug attribuendolo a Paris Bordon, è l'acquisto più antico dei dipinti dell'artista, anche se non riconosciuto come sua opera, ma era abitudine dei viaggiatori tedeschi di acquisire opere per incrementare le collezioni private e pubbliche. Solo nel 1888 Wilhelm von Bode lo attribui al Moroni anche se per molto tempo il dipinto continuò a venir catalogato come opera del Bordon.Il 1923 vide il dipinto esposto al Rijksmuseum che riuscì ad acquistarlo due anni dopo, venendo successivamente esposto nel 1930 a Londra e a Amsterdam nel 1934 con altre opere italiane. Fu Gertrude Lendorff nel 1939 a indicare l'autore come un alunno del Moroni, Giovanni Paolo Lolmo, ma questa sua identificazione venne immediatamente scartata.

Prompt: In Portrait of a Lady Holding a Fan, how is the History discussed?Please output in Italian.

1804
Amsterdam
Paris Bordon
Wilhelm von Bode


subsection

Ritratto di donna Franca Florio

pennellata rapida ed eccentrica di Giovanni Boldini qui immortala donna Franca Florio, altrimenti nota come «regina di Sicilia». Discendente di una famiglia dell'aristocrazia siciliana ed entrata per matrimonio nella più ricca famiglia dell'imprenditoria dell'isola, donna Franca era l'indiscussa regina di tutti gli appuntamenti del bel mondo palermitano: parlava fluentemente quattro lingue e la sua intrigante bellezza ed eleganza avevano sedotto centinaia di uomini, primi tra tutti Gabriele D'Annunzio e Guglielmo II di Germania, per i quali era rispettivamente l'«Unica» e la «Stella d'Italia». Affascinante icona della Belle Époque, donna Franca era anche un'abile imprenditrice e, aiutando il marito Ignazio negli affari di famiglia, contribuì ad accrescere lo splendore del casato Florio e ad aumentare il prestigio internazionale della sua regione natia, la Sicilia.Nel 1901 Ignazio Florio commissionò a Giovanni Boldini, il pittore ferrarese che si era dedicato con successo crescente a ritrarre la mondanità parigina, un dipinto che immortalasse degnamente la radiosa bellezza ed eleganza della moglie. Boldini, artista animato da un'effervescente vocazione alla mondanità, non se lo fece ripetere due volte e nello stesso anno si trasferì da Parigi a Palermo, dove fu ospite dei Florio, realizzando così il ritratto.  versione originale dell'opera raffigurava donna Franca fasciata da un regale abito da sera nero impreziosito da vari ricami dorati, munito anche di maniche lunghe con intarsi ai polsi. In seguito a vari ripensamenti, Boldini sarebbe intervenuto sulla tela altre due volte, inserendovi una seggiola e scoprendo le braccia della nobildonna, aggiornando il vestiario alla moda degli anni venti.Le analisi a raggi X hanno accertato che del dipinto esiste una sola versione, rinnegando così una certa aneddotica secondo cui Ignazio Florio, oltraggiato dalla valenza osé della tela attuale , commissionò all'artista un altro dipinto, stavolta meno provocante, con l'allungamento della veste e l'alzata della spallina. Questa «seconda versione», esposta a Venezia e documentata da un'unica foto superstite, stando alla biografia tradizionale sarebbe poi andata misteriosamente perduta. In seguito ad alcuni accertamenti condotti nel 2017 dagli studiosi dell'università  Sapienza, tuttavia, è stato possibile smentire definitivamente questa versione dei fatti, accertando che in realtà il Ritratto di donna Franca Florio non è altro che una stratificazione di tre versioni diverse sullo stesso supporto:</ref>}}

Prompt: Explain the Under the aegis of the Florio about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Portrait of Donna Franca Florio.Please output in Italian.

1901
Belle Époque
Florio
Franca Florio
Gabriele D'Annunzio
Giovanni Boldini
Guglielmo II di Germania
Palermo
Venezia


section

Giudizio di Paride

Il soggetto mitologico ha ispirato, fin dall'antichità, innumerevoli opere d'arte, tra le quali : Olpe Chigi, ceramica greca policroma di Corinto di artista anonimo . Museo nazionale etrusco di Villa Giulia, Roma. Il giudizio di Paride, anfora etrusca del Pittore di Paride , Staatliche Antikensammlungen, Monaco di Baviera. Bassorilievi del pulpitum, nello teatro di Sabratha, al fine del II secolo Il giudizio di Paride, dipinto di Sandro Botticelli . Fondazione Giorgio Cini, Venezia. Giudizio di Paride, opera perduta di Raffaello , nota tramite un'incisione di Marcantonio Raimondi. Il giudizio di Paride, dipinto di Lucas Cranach il Vecchio . Il giudizio di Paride, dipinto di Michiel van Mierevelt , Stoccolma. Giudizio di Paride, dipinto di Peter Paul Rubens . Paesaggio classico montuoso con il giudizio di Paride, dipinto di Johannes Glauber . Il giudizio di Paride, dipinto di Anton Raphael Mengs , San Pietroburgo. Giudizio di Paride, scultura in porcellana di Filippo Tagliolini , di cui si conoscono più esemplari. Il giudizio di Paride, dipinto di Enrique Simonet .

Prompt: How does Judgment of Paris (Cranach, New York) explain its Iconography?Please output in Italian.


section

I Musici

Tomaso Albinoni, Concerti a cinque, op. 5  Tomaso Albinoni, 12 Concerti for oboe, op. 7, con Heinz Holliger e Maurice Bourgue  Tomaso Albinoni, 6 concerti, op. 9  Johann Sebastian Bach, Concerti Brandeburghesi  Arcangelo Corelli, Concerti grossi, op.6  Francesco Geminiani, 12 concerti grossi  Georg Friedrich Händel, Concerti grossi, op. 6  Wolfgang Amadeus Mozart, Serenata Notturna e 3 Divertimenti  Alessandro Rolla, Concerti per viola, con Massimo Paris  Nino Rota, Concerto per archi e musiche di Barber, Respighi, Elgar  Gioachino Rossini, Sonate per archi n. 1-6  Alessandro Scarlatti, 6 sinfonie di concerto grosso  Antonio Vivaldi, Le Quattro Stagioni, con Félix Ayo  Antonio Vivaldi, Le Quattro Stagioni, con Pina Carmirelli  Antonio Vivaldi, Le Quattro Stagioni, con Federico Agostini  Antonio Vivaldi, L'estro armonico, op. 3  Antonio Vivaldi, Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, op. 8  Antonio Vivaldi,  cetra, op. 9  Antonio Vivaldi, 6 concerti per flauto, op. 10, con Severino Gazzelloni  Antonio Vivaldi, 6 concerti per flauto, op. 10, con Aurèle Nicolet   Antonio Vivaldi, 6 concerti per chitarra, con Pepe Romero  Antonio Vivaldi, 6 concerti per oboe, con Heinz Holliger  Antonio Vivaldi, 6 concerti per fagotto, con Klaus Thunemann  Antonio Vivaldi, Concerti per viola d'amore, con Massimo Paris  Musiche di Martin, Hindemith, Roussel, Nielsen, Britten  Vivaldi, Carulli, Giuliani, Altitalienische Gitarrenkonzerte  Vivaldi, Le registrazioni dei Musici per Philips - I Musici, Decca Italian trumpet concertos, con Gábor Boldoczki  Serenata Italiana  Concerts and Follies in Pergolesi's time

Prompt: Focus on The Musicians (Caravaggio) and explain the Discography.Please output in Italian.