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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Nello sportello sinistro è il Volo e caduta di sant'Antonio. In alto nel cielo il santo a mani giunte è trascinato da un nugolo di demoni; più in basso una grotta, probabilmente un bordello piuttosto che l'antro del santo, sotto una collinetta formata da un albero a forma di uomo carponi il cui posteriore forma l'ingresso, a cui è diretta una processione sacrilega guidata da un demone che indossa paramenti sacri e un cervo, di solito figura cristologica ma qui usato in senso sacrilego; in primo piano il santo sorretto dopo la caduta, esausto, da due monaci e un laico, nel quale si è voluto vedere un autoritratto dell'artista; sotto il ponte del lago ghiacciato tre figure, una delle quali in veste di monaco che legge una lettera; sul lago un demone uccello con pattini che reca sul becco un cartiglio con la scritta «grasso»: il riferimento può alludere allo scandalo della vendita delle indulgenze, la figura pattinatrice potrebbe derivare dai grylloi dell'arte di epoca alessandrina.

Prompt: Explain the On the left about the Description and style of this artwork, Triptych of the Temptation of St. Anthony.Please output in Italian.


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Tre filosofi

Taddeo Contarini fu un nobile mercante veneziano di cui si tramanda un interesse per le arti dell'occulto e l'alchimia. Augusto Gentili, analizzando l'opera ha evidenziato che il vecchio ha in mano dei fogli che raffigurerebbero l'eclissi lunare totale del 29 febbraio / 1º marzo 1504 a mezzanotte e dei numeri da uno a sette che si riferiscono all'oroscopo delle religioni; il vecchio sarebbe allora il fondatore della religione ebraica, essendo anche l'iconografia corrispondente con quella di Mosè e le tavole, ipotesi avvalorata dal fatto che la radiografia ha mostrato che sulla testa di questo c'era un diadema sacerdotale, traduzione in oggetto dei raggi dell'illuminazione celeste: l'anziano potrebbe dunque essere Mosè. Il secondo non può quindi essere un arabo qualunque, ma Maometto; egli infatti porta una mano sul suo ventre che in astrologia corrisponde al segno della bilancia, domicilio di Venere, e il gesto si rifà alla tradizione venerea attribuita agli arabi. Il vero problema sorge col terzo filosofo, egli non può essere Cristo, come può infatti essere più giovane di Maometto? Dopo Maometto c'è solo l'età della congiunzione tra Giove e Luna: l'età dell'anticristo. Nel 1504 l'eclissi, già raffigurata nelle tabelle in mano a Mosè, avrebbe infatti dovuto segnare la discesa sulla terra dell'anticristo e questo è proprio il giovane filosofo, intento a scrutare una grotta vuota dove non può esserci natività; la radiografia ha evidenziato difatti dei tratti luciferini sul volto del ragazzo poi addolciti dal pittore.In questo periodo cristiani ed ebrei dibattevano sul problema dell'anticristo; i cristiani ritenevano che egli verrà dalla stirpe ebraica e sarà il falso messia che essi aspettano; gli ebrei sostenevano invece che esso proverrà dalla stirpe cristiana. Con questo dipinto Giorgione ed il committente avrebbero potuto comunicare la seconda posizione, vista la mancanza del padre della religione cristiana e la presenza di quello ebreo.

Prompt: Explain the Interpretation of Augusto Gentili about the Description and style of this artwork, The Three Philosophers.Please output in Italian.

1504
Augusto Gentili
Cristo
Giorgione
Luna
Maometto
Mosè
Taddeo Contarini


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In the context of Last Supper (Tintoretto), explain the The Eucharistic institution and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Altare Jabach

Il pannello destro mostra due suonatori in piedi, con quello di destra, il tamburino, che contiene probabilmente un autoritratto di Dürer. Il loro significato non è stato pienamente chiarito. Forse essi simboleggiano l'estrema derisione verso il profeta ormai completamente in disgrazia, malato e abbandonato da tutti, oppure tentano di consolarlo con la musica.

Prompt: Explain the Piper drummer about the History of this artwork, Jabach Altarpiece.Please output in Italian.


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Apocalisse

upright=1.6In epoche recenti il termine "letteratura apocalittica", o "apocalittico", è stato usato comunemente per descrivere le varie parti delle scritture ebraiche o cristiane, sia canoniche che apocrife, in cui si forniscono predizioni escatologiche in forma di rivelazione. Che il termine sia attualmente usato in maniera blanda, e comprenda spesso cose non propriamente apocalittiche, è dovuto al fatto che lo studio di questa letteratura come classe a sé stante è piuttosto recente.Nell'uso comune delle lingue occidentali, il termine apocalisse si riferisce alla fine del mondo. Il significato corrente può essere un'ellisse della frase apōkalýpsis éschaton, che significa "rivelazione degli eventi della fine dei tempi". Tale ellisse nell'uso corrente riecheggia quella nel titolo dell'ultimo libro della Bibbia, il Libro della Rivelazione o Apocalisse di San Giovanni apostolo, che è normalmente interpretato come la profezia della fine del mondo, con numerosi dettagli visuali. Si veda anche escatologia e millenarismo. fine escatologica del mondo nella letteratura apocalittica era spesso accompagnata da immagini di resurrezione, giudizio dei morti e dalla pena dell'inferno per i peccatori. È interessante notare che tali idee non erano esplicitamente sviluppate nei libri pre-apocalittici della Bibbia ebraica, quindi l'esistenza di tali credo nell'ebraismo, nel cristianesimo e nell'Islam può essere ricondotta ai testi apocalittici. storia della cristianità è punteggiata di gruppi religiosi millennialisti, quasi fin dalle origini. I movimenti cristiani moderni sono concentrati nel XVIII e XIX secolo e comprendono l'ascesa di religioni apocalittiche come gli Avventisti, i Davidiani, la House of Yahweh, i Cristadelfiani, i Mormoni e i Testimoni di Geova.<br />L'Islam possiede i propri movimenti, in particolare la fede nell'Imam "atteso" o "nascosto" della comunità sciita. Nel XIV secolo dell'Islam  si riporta un credo che aveva preso a circolare presso la comunità sunnita, per il quale sarebbe presto giunto il Messia promesso, sia per i cristiani, sia per i musulmani. Molti di questi furono fondamentalisti, come Muhammad al-Mahdi, Muhammad Ahmad del Sudan e Usman dan Fodio dell'Africa occidentale, che coniugarono la pratica politica alle loro convinzioni mahdistiche. Mahdi successivi, compresi Mirza Ghulam Ahmad e l'Ayatollah Seyyed Ruhollah Khomeini, furono principalmente riformatori religiosi. Di recente si è assistito a una ripresa del movimento dei Jihādisti, come Osama bin den di al-Qā'ida, quasi esclusivamente politici.  profezia del Messia promesso all'inizio del XIV secolo per la maggior parte dei musulmani è stata sostenuta solo da Mirza Ghulam Ahmad, ma il punto di vista della maggioranza venne raccolto dall'Università di al-Azhar del Cairo e dalla Scuola Deobandi di Scienze Islamiche in India, che rifiutarono Mirza Ghulam Ahmad perché eretico, dato che si definiva profeta  e messia .

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the The end of the world of the Representations of the Apocalypse explained?Please output in Italian.

Bibbia
Cristadelfiani
Davidiani
Deobandi
House of Yahweh
Imam
India
Islam
Mahdi
Messia
Mirza Ghulam Ahmad
Muhammad Ahmad
Muhammad al-Mahdi
Rivelazione
Sudan
Testimoni di Geova
Usman dan Fodio
XIV secolo
XIX secolo
X secolo


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Sacro Cuore di Gesù

I primi impulsi alla devozione del Sacro Cuore di Gesù provengono dalla mistica tedesca del tardo medioevo, in modo particolare da Matilde di Magdeburgo , Matilde di Hackeborn , Gertrude di Helfta  ed Enrico Suso . Tuttavia la grande fioritura della devozione si ebbe nel corso del XVII secolo, prima ad opera di Giovanni Eudes , poi per le rivelazioni private della visitandina Margherita Maria Alacoque, diffuse da Claudio de  Colombière  e dai suoi confratelli della Compagnia di Gesù.  beata Maria del Divin Cuore, contessa Droste zu Vischering, dotata di doni mistici, ispirò il Papa Leone XIII a promulgare nel 1899 l'enciclica Annum Sacrum, con cui si effettuava la consacrazione del genere umano al Sacro Cuore di Gesù.Durante il XVIII secolo si accese un forte dibattito circa l'oggetto di questo culto: nel 1765 la Congregazione dei riti affermò essere il cuore carneo, simbolo dell'amore. I giansenisti interpretarono questo come atto di idolatria, ritenendo essere possibile un culto solo al cuore non reale, ma metaforico; papa Pio VI, nella bolla Auctorem Fidei, confermò la dichiarazione della Congregazione notando che si adora il cuore "inseparabilmente unito con la Persona del Verbo".Importanti nello sviluppo della devozione al Sacro Cuore sono tre encicliche: Annum Sacrum  di Leone XIII, Miserentissimus Redemptor di Pio XI e soprattutto Haurietis Aquas di Pio XII.

Prompt: In Sacred Heart of Jesus (Batoni), how is the Development of devotion discussed?Please output in Italian.

1765
1899
Annum Sacrum
Compagnia di Gesù
Congregazione dei riti
Cuore
Enrico Suso
Gertrude di Helfta
Gesù
Giovanni Eudes
Margherita Maria Alacoque
Maria del Divin Cuore
Matilde di Hackeborn
Matilde di Magdeburgo
Miserentissimus Redemptor
Papa Leone XIII
XVIII secolo
XVII secolo


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Madonna Diotallevi

Maria è raffigurata a metà figura col Bambino in grembo e san Giovannino a fianco. Fitti sono i rapporti di gesti e sguardi tra i protagonisti, con Gesù che benedice Giovanni, il quale unisce le mani al petto in segno di umiltà e accettazione, mentre Maria, col suo abbraccio, veglia su entrambi approvando l'accaduto. Sebbene la composizione e le fisionomie dei protagonisti rimandino strettamente ai modelli di Perugino, interpretato però con austera semplicità, la cromia rivela quello splendore e quella profondità di chiaroscuro imputabile a Raffaello giovane.Lo sfondo è composto da un cielo chiaro, con un paesaggio al di sotto dell'orizzonte che passa a metà della tavola. Come tipico della scuola umbra, in esso si riconoscono colline dolcemente digradanti, che si perdono in lontananza secondo le regole della prospettiva aerea.

Prompt: How does Diotallevi Madonna explain its Description and style?Please output in Italian.


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Cento vedute famose di Edo

Un esempio della Le stampe sono raggruppate secondo le stagioni dell'anno, come segnala lo stesso indice: 42 stampe per la primavera, 30 per l'estate, 26 per l'autunno e 20 per l'inverno. L'ordine delle immagini venne fissato da Baisotei Gengyo, l'autore dell'indice, cominciando dai 118 disegni di Hiroshige. In seguito, la centodiciannovesima incisione di Hiroshige II fu aggiunga ma non rientra nell'ordine delle stagioni.  serie, colorata con intensità e sensibilità mostra il legame speciale che univa Hiroshige con il paesaggio della sua città natale. Nelle diverse stampe, l'autore è ricorso a numerose tecniche apprese nel corso di tutta la sua vita: karazuri, tecnica d'impressione "a vuoto", dove si imprime a rilievo un foglio di carta sfregando con un tampone baren su di una tavola incisa ma non inchiostrata; atenashi-bokashi, una variante del bokashi che consiste nel mescolare un liquido con l'inchiostro per poi spalmarlo sull'intera superficie, ideale per rappresentare l'acque e le nuvole; kimekomi, tecnica in cui si pressa una tavoletta sulla carta per determinare le linee e i contorni; kirakake, incisione brillante, realizzata con due tavolette, una spalmata di colore e l'altra di colla di osso, posta sulla carta che è successivamente spolverizzata di mica.  vivacità dei colori testimonia la qualità della serie. Nonostante un desiderio di precisione topografica, l'artista non esita ad alterare i dettagli secondari della realtà per ragioni artistiche; fedele alla sua ricerca dell'emozione, egli modifica un poco l'approccio tradizionale giapponese verso la natura, adottando il punto di vista emotivo di chi contempla il paesaggio. Ogni stampa comprende generalmente delle piccole figure umane immerse nella grandiosità del loro ambiente, così come animali o semplici oggetti aneddotici.  pittura mescola pertanto il paesaggio, la natura morta e scene di vita quotidiana al fine di disporre meglio lo spettatore a comprendere la scena. Un terzo circa delle stampe sono concepite secondo questa procedura,  mentre gli altri paesaggi conservano la prospettiva tradizionale giapponese, detta "a volo d'uccello", vista cioè da un punto alto e lontano.. Si crea in questo modo una , una profondità che aiuta a leggere il paesaggio. Secondo Henry Smith, Hiroshige cerca di compensare la mancanza di lirismo di alcuni soggetti con questa innovazione, sorprendente in materia di composizione.

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Style expression of the Evolution Hiroshige work explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The influence of photography of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Il genio del male

Il Genio del Male , noto anche come Lucifero o Lucifero di Liegi, è una scultura di tema religioso in marmo bianco, realizzata dall'artista belga Guillaume Geefs. È situata nel pulpito della cattedrale di Liegi e raffigura Lucifero, mostrato come un giovane uomo dalla bellezza classica, seduto, incatenato, nudo se non per un drappo sulle cosce, con il corpo intero racchiuso dalla mandorla delle sue ali di pipistrello. L'opera fu scelta in sostituzione di un'altra scultura, realizzata dal fratello di Guillaume, Joseph Geefs e reputata, seppure nella sua bellezza attrattiva, malsana.Negli anni ottanta, una foto del Genio del Male è divenuta protagonista di Himmelsweg, installazione dell'artista liegese Jacques Charlier avente come temi centrali la seduzione del male e il pericolo di un eventuale oblio dell'Olocausto.

Prompt: Focus on Le génie du mal and explain the Abstract.Please output in Italian.

Guillaume Geefs
Jacques Charlier
Joseph Geefs
Liegi
Lucifero
Olocausto


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San Giorgio e il drago

Quella di san Giorgio e il drago è una leggenda medievale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St. George and the Dragon (Carpaccio).Please output in Italian.


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Deposizione di Sansepolcro

L'opera fu commissionata il 23 settembre 1527 dalla Confraternita di Santa Croce  per il loro altare sito nella chiesa di Santa Croce a Sansepolcro al Rosso arrivato da poco in città in fuga dal Sacco di Roma. L'allogazione venne ceduta volentieri dal pittore locale Raffaellino del Colle, affinché in città "rimanesse qualcosa di suo", cioè del Rosso, come ricordò Vasari. Assai probabile è che come ringraziamento il Rosso dovette donare una serie di disegni al collega, un po' come era successo a Perugia; tracce di influenza rossesca abbastanza marcata si incontrano ad esempio nellIncoronazione della Vergine di Raffaellino del Colle nel Museo civico , in cui sono presenti figure "alla romana", una Maddalena che ricorda le sante inginocchiate della Pala Dei, un inedito cangiantismo e gonfiore dei panneggi, soprattutto in quelli della santa.  commissione fu avallata e aiutata dal vescovo Leonardo Tornabuoni, già committente del Rosso a Roma e pure rientrato da poco in città in fuga dal Sacco. Al 1º luglio 1528 la pala doveva essere terminata, quando l'artista firmò un nuovo contratto per il Cristo risorto in gloria di Città di Castello. Nel 1554 la Compagnia cedette alle monache benedettine tutti i propri beni, tavola compresa: le monache eressero poi la chiesa di San Lorenzo, dove ancora oggi l'opera si trova.

Prompt: How does Sansepolcro Deposition explain its History?Please output in Italian.

1527
1528
1554
Città di Castello
Cristo risorto in gloria
Leonardo Tornabuoni
Pala Dei
Raffaellino del Colle
Sansepolcro


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Bambini dell'Olocausto

Breaking the Silence: The Generation After the Holocaust, regia di Edward A. Mason  I Was a Child of Holocaust Survivors, regia di Ann Marie Fleming  Hitler's Children, regia di Chanoch Ze'evi  What Our Fathers Did: A Nazi Legacy, regia di David Evans  #Anne Frank Vite Parallele, regia di Sabina Fedeli Anna Migotto

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Documentaries discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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Giudizio universale

Il Giudizio universale è un soggetto tradizionale nell'iconografia dell'arte sacra cristiana e tra le opere che lo raffigurano vi sono alcuni veri e propri capolavori; presenti in Italia: Giudizio universale, affresco di Michelangelo nella Cappella Sistina  Giudizio universale di Giotto, affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova Giudizio finale e Inferno, affresco di Buonamico Buffalmacco a Pisa Giudizio universale di Franco e Filippolo de Veris a Campione d'Italia  Giudizio Universale di Luca Signorelli a Orvieto  Giudizio universale della basilica di Santa Maria Assunta a Torcello, capolavoro musivo Giudizio universale nell'abbazia di Pomposa in provincia di Ferrara Giudizio universale nell'Abbazia di Sant'Angelo in Formis presso Capua Rappresentazione di Inferno e Paradiso nella Basilica di San Petronio a Bologna Rappresentazione di Inferno e Paradiso nel Battistero di San Giovanni , capolavoro musivo. Giudizio Universale di Taddeo di Bartolo in San Gimignano. Giudizio universale del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze. Giudizio Universale attribuito a Maestro Cicogna, XIV secolo, Pieve di Sant'Andrea a Sommacampagna. Giudizio Universale nella Chiesa di Santa Maria del Casale a BrindisiTra i dipinti del Giudizio universale che si trovano al di fuori dell'Italia, vanno ricordati: Il Giudizio universale di John Martin  Il Giudizio universale, affresco di artisti armeni nella Cattedrale di Vank a Esfahan, in Iran  Il Grande Giudizio universale di Rubens alla Alte Pinakothek di Monaco di Baviera  Il Trittico del Giudizio di Vienna di Hieronymus Bosch  Il Giudizio universale di Stephan Lochner

Prompt: In Last Judgement (Fra Bartolomeo), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.

Abbazia di Sant'Angelo in Formis
Alte Pinakothek
Basilica di San Petronio
Beato Angelico
Bologna
Brindisi
Buonamico Buffalmacco
Campione d'Italia
Cappella Sistina
Cappella degli Scrovegni
Capua
Cattedrale di Vank
Chiesa di Santa Maria del Casale
Esfahan
Firenze
Franco e Filippolo de Veris
Giotto
Giudizio universale
Giudizio finale e Inferno
Grande Giudizio universale
Hieronymus Bosch
Inferno
Iran
Luca Signorelli
Maestro Cicogna
Monaco di Baviera
Museo di San Marco
Orvieto
Padova
Paradiso
Pisa
San Gimignano
Sommacampagna
Stephan Lochner
Taddeo di Bartolo
Torcello
Trittico del Giudizio di Vienna


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Musica

I cantanti, e i ruoli che essi interpretano, sono distinti in rapporto al registro vocale.Le voci maschili sono denominate, dalla più grave alla più acuta, basso, baritono, tenore. A essi si possono aggiungere le voci di controtenore, sopranista o contraltista, che utilizzano un'impostazione in falsetto o falsettone, cioè senza appoggiatura. Esse eseguono ruoli un tempo affidati ai castrati.Le voci femminili sono classificate, dalla più grave alla più acuta, come contralto, mezzosoprano e soprano. Anch'esse eseguono oggi, molto di più frequente delle corrispondenti voci maschili, i ruoli sopranili e/o contraltili scritti per le voci dei castrati.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Opera singers and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonnina

Madonnina  è una statua in rame dorato, opera di Giuseppe Perego, raffigurante la Madonna Assunta e posta sulla guglia maggiore del duomo di Milano.Dal momento della sua posa, avvenuta nel 1774, è diventata il simbolo della città anche al di là della sua valenza religiosa. Frasi come all'ombra della Madonnina indicano per antonomasia la città di Milano. L'alabarda è in realtà un parafulmine "mascherato".

Prompt: Focus on Madonnina (statue) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Allegoria della Virtù

Fu probabilmente la prima delle due tele che il Correggio eseguì. Si conoscono almeno due disegni preparatori e un bozzetto conservato a Roma nella Galleria Doria Pamphilj che era già attribuito al Correggio negli inventari Aldobrandini del 1603. Le due tele sono ricordate insieme, nel 1542, dopo la morte di Isabella “in Corte Vecchia appresso la grotta”, collocate ai due lati della porta di ingresso .Dopo lo smantellamneto dello studiolo la tela, con le altre della serie, venne donata verso 1627 al cardinale Richelieu venendo trasferita a Parigi, dove al tempo di Luigi XIV entrò nelle collezioni regali. Da lì, dopo la rivoluzione francese, è confluita nel museo del Louvre.

Prompt: In Allegory of Virtue (Correggio), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Pasadena

Madonna è del tipo "leggente" e presenta numerose affinità con altre madonne della gioventù di Raffaello, derivate da prototipi di Perugino, come la Madonna Solly e la Madonna Connestabile. Rispetto alla prima mostra una certa maturazione dello stile, con fisionomie più dolci, movimenti più sciolti e un migliore inserimento della figura nel paesaggio.Maria seduta è ritratta mezza figura col bambino in grembo. A metà del dipinto una linea, probabilmente di un parapetto, lascia spazio in alto per un paesaggio lacustre, con un castello, colline e alberelli.L'opera mostra un'austera semplicità, e la cromia rivela quello splendore e quella profondità di chiaroscuro imputabile a Raffaello giovane.

Prompt: How does Madonna and Child with the Book explain its Description and style?Please output in Italian.


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Ritratto di Baldassarre Castiglione

Il Ritratto di Baldassarre Castiglione è un dipinto a olio su tela  di Raffaello, databile al 1514-1515 ed esposto al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Baldassare Castiglione.Please output in Italian.


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Crocifissione

crocifissione era, nell'Impero Romano, una modalità di esecuzione della pena di morte; si trattava di una vera e propria tortura, talmente atroce e umiliante che non poteva essere inflitta a un cittadino romano. Veniva preceduta dalla flagellazione, che rendeva questo rito ancora più straziante per il condannato. Cicerone le definì "il supplizio più crudele e il più tetro".Tale supplizio è tuttavia molto più antico dei Romani  e non sempre è legato a una struttura a croce: delle volte, il condannato era legato a un singolo palo, a volte a una struttura a V rovesciata, ma lo scopo era tuttavia sempre lo stesso ovvero provocare la morte, dopo una lenta agonia, che interveniva per soffocamento determinato dalla compressione del costato , oppure a causa di collasso cardio-circolatorio; si presume che, talvolta, la morte intervenisse a seguito della combinazione di tutti e due gli aspetti.

Prompt: Focus on Christ on the Cross (Zurbarán) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è patrona di Alia, dove la si festeggia il 2 luglio.  festa attira ogni anno molti turisti, tra cui fedeli ed emigrati che, per l'occasione, ritornano al loro paese natio. Gli emigrati aliesi negli USA hanno fatto costruire una copia identica del simulacro conservato in Alia e la festeggiano contemporaneamente alla festa paesana..Molto visitato dai fedeli, il Santuario di Maria Santissima delle Grazie  fu edificato tra il 1630 e il 1639.

Prompt: Explain the Alia about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Maria Maddalena in estasi

Maria Maddalena in estasi è un dipinto a olio su tela  di Michelangelo Merisi da Caravaggio, databile attorno al 1606, anche se alcuni studiosi e storici dell'arte, propendono per il 1610. Attualmente è presente in più versioni, alcune delle quali sono copie evidenti e firmate. Nella versione cosiddetta "Klain" , fu identificata dal prof. Maurizio Marini , che collocò la sua esecuzione nel momento della fuga di Caravaggio da Roma, dopo l'uccisione di Ranuccio Tomassoni. Secondo lo studioso, il quadro fu dipinto a Paliano, quando Caravaggio era ospite nei feudi dei Colonna, famiglia che aveva assicurato a Caravaggio la sua protezione. Ultimamente, i pareri sulla sua autenticità sono stati rafforzati da una serie di analisi non invasive, condotte fra il 2016 e il 2018 presso il fiorentino Opificio delle Pietre Dure dal prof. Roberto Bellucci.  I dettagli emersi dalle indagini assicurano dell'alta qualità della realizzazione, con elementi tecnici e stilistici tipici della manifattura caravaggesca: gli sbozzi eseguiti a biacca, alcune tracce di disegno utili a "fermare" la composizione, l'inserimento di uno sfondo paesaggistico da riferire all'ultimo stile del Caravaggio romano.Un'altra versione accreditata è quella conosciuta come "Maddalena Gregori", che prende il nome di una tra i massimi esperti mondiali del Merisi, la prof.ssa Mina Gregori, che l'ha scoperta nel 2014. Durante il primo restauro, in una "tasca" tra la tela di rifodero e la tela originale, venne alla luce un biglietto, con grafia seicentesca, che riporta la scritta "Madalena reversa di Caravaggio a Chiaia ivi da servare pel beneficio del Cardinale Borghese di Roma". Il foglietto, che era ripiegato in quattro parti, è stato analizzato sotto la guida della dott.ssa Orietta Verdi presso i laboratori dell'Università di Tor Vergata e della Sapienza di Roma. Le analisi su di esso hanno permesso di stabilire che la carta è del XVI secolo e l'inchiostro è un "Ferro-Gallico" artigianale sempre databile a quel periodo..

Prompt: Focus on Mary Magdalen in Ecstasy and explain the Abstract.Please output in Italian.

1606
2014
Caravaggio
Caravaggio
Mina Gregori
Ranuccio Tomassoni


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Conversazione al caffè

Con il trasferimento a Parigi nel 1871 Boldini ha l'opportunità di approdare a una metropoli vivace, moderna e frenetica, animata da un brulichio scoppiettante di vita: proprio in quegli anni, infatti, la ville lumière voleva lasciarsi alle spalle la sanguinosa disfatta franco-prussiana e perciò si andava popolando di teatri, musei, ristoranti e caffè alla moda. I caffè - luoghi frequentati dallélite artistica e letteraria francese, dove nuove idee e teorie estetiche venivano fervorosamente discusse - erano globalmente uno dei temi prediletti dagli Impressionisti, che vi individuavano un eccellente pretesto per raffigurare tranche de vie contemporanee, senza per questo abbandonare le vedute urbane all'aperto. Gli stessi Impressionisti, quando il sole era tramontato ed era dunque impossibile dipingere, erano d'altronde avvezzi a riunirsi in un caffè  per discutere delle loro sperimentazioni pittoriche.Giunto nel cuore della modernità, anche Boldini si votò alla raffigurazione di caffè, dando luogo a dipinti come questa Conversazione al caffè, oggi custodito in una collezione privata. Si tratta questo di un dipinto molto interessante non solo sotto il profilo artistico ma anche per quanto concerne le vicende esistenziali del pittore, legato sentimentalmente a due avvenenti donne francesi: Berthe e la contessa Gabrielle de Rasty. Berthe, non la celebre modella di Édouard Manet, corrisponde a una tipologia femminile candida, priva di malizia, a tal punto che Stile Arte parla di una «mon petit chou» o, ancora, di «una ex-educanda proiettata all'improvviso nel mondo» e di «una ragazzina-angioletto dagli occhi cerulei».  contessa Gabrielle de Rasty, al contrario, era pienamente consapevole della propria corporeità nel senso più carnale del termine e la esibiva audacemente, dando prova di una sensualità civettuola e impertinente.In questa piccola tavola Boldini si diverte a riunire, seppur in uno spazio fittizio come quello pittorico, questi due mondi così seducenti e conflagranti. Entrambe le donne, le quali come si è già visto sono incarnazioni di topoi femminili radicalmente diversi, siedono nei tavolini all'aperto di un caffè parigino. Gabrielle, a destra, domina la conversazione e sprigiona uno sguardo che intriga e irretisce l'osservatore, conquistandolo prima del volto e della sensualità carnale del corpo. Berthe, al contrario, finge disinteresse e, cedendo ad un istintivo disagio, volge lo sguardo alla sua sinistra, verso un evento che si sta svolgendo al di fuori dello spazio pittorico. Si delinea dunque un palpabile contrasto, sia dal punto di vista pittorico che da quello erotico, tra queste due varietà muliebri così distanti tra di loro. Lo stesso Boldini, d'altronde, approfondì questa divergenza in numerosissime altre opere: la Morisot, infatti, sarà sempre l'incarnazione della «giovane donna romantica che andrà incontro, attraverso la conoscenza del libertino, a un percorso di esplorazione corporea che la porterà al di là dei propri virginali presupposti» . Per quanto concerne Gabrielle de Rasty, invece, Boldini giocò con la sua conturbante sensualità in torride opere dal sapore libertino, del tutto prive di barriere moralistiche: per approfondire quest'ultimo tema si rimanda alla voce Primizie.

Prompt: In Conversation at the Café, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Gabrielle de Rasty
Primizie
Édouard Manet


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The Lady of Shalott

Il compositore inglese Cyril Rootham ha creato la prima versione musicale di questa poesia nel 1909, per mezzosoprano solista, coro e orchestra.Nel 1958, Arthur Bliss composto una suite di balletto dal titolo "The dy of Shalott" .Esiste una trasposizione musicale di questo celebre poemetto musicato dalla cantautrice canadese Loreena McKennitt, contenuto nel suo album The Visit .  cantautrice americana Emilie Autumn ha scritto un brano ispirato proprio a questo poemetto, contenuto nel suo album Opheliac. Le prime cinque canzoni dell'album di debutto della metal band olandese Autumn, When Lust Evokes The Curse, seguono un filo narrativo continuo incentrato sulla Signora di Shalott. power metal band italiana Domine ha dedicato un pezzo alla dama di Shalott nel quinto disco Ancient Spirit Rising. Nel 1977 l'israeliana progressive rock band Atmosphera ha intitolato un album "dy of Shalott".

Prompt: In The Lady of Shalott (painting), how is the Musical transpositions discussed?Please output in Italian.

Ancient Spirit Rising
Arthur Bliss
Autumn
Cyril Rootham
Domine
Emilie Autumn
Loreena McKennitt
Opheliac


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Perugino, Perugia) and explain the Iconography.Please output in Italian.


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Pala di Santa Cristina al Tiverone

grande pala d'altare, la prima di queste dimensioni dell'artista, venne forse commissionata verso il 1505, per intercessione del vescovo di Treviso Bernardo de' Rossi, nella cui piccola corte era attivo il giovane pittore veneziano. Venne consegnata entro il 14 maggio 1506, quando il tribunale trevigiano emise un arbitrato, poco prima della partenza dell'artista per Recanati. In ogni caso nel 1507 era stata posta in opera in chiesa.

Prompt: Explain the History of this artwork, Santa Cristina al Tiverone Altarpiece.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Magi (Filippino Lippi), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Epifania

In Lettonia l'Epifania è conosciuta come Trijkungu diena  dai cattolici o Zvaigznes diena  dai luterani in ricordo della Stella di Betlemme che condusse i Magi a Gesù Bambino. In passato, stelle luminose di tessuto venivano cucite sullo sfondo di trapunte di colore scuro, che rappresentavano il cielo notturno. L'Epifania era un giorno di divertimento, trascorso in slitte scoperte trainate da cavalli, sulle quali queste trapunte venivano usate per coprire le ginocchia degli allegri cavalieri.Se il giorno dell'Epifania era luminoso e mite e il sole "riscaldava la schiena dei cavalli" si diceva che l'anno a venire avrebbe portato solo pace. Se la notte prima dell'Epifania aveva un cielo stellato e limpido, significava che la Lettonia poteva aspettarsi un buon raccolto nella prossima estate. Se all'Epifania si sentiva abbaiare un cane bisognava cercare il proprio futuro sposo in quella stessa direzione. In questo giorno si mangiano speciali torte di mele a tre angoli e, come in altri paesi, sono popolari da secoli il canto delle stelle, le visite e le benedizioni della casa.

Prompt: Describe the characteristics of the Latvia in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

Betlemme
Gesù
Gesù
Lettonia
Stella di Betlemme


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Immacolata Concezione

Voce su it.cathopedia.org .    Michael Schmaus, Mariology , in Karl Rahner , Encyclopedia of theology. The concise Sacramentum mundi, Continuum International Publishing Group, 1975, p. 897.   su books.google.it.

Prompt: Explain the External links of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Un'arancia si vede appoggiata sul davanzale e altre tre su un ripiano sottostante. Tali frutti, importati dal sud, erano un lusso nel nord dell'Europa, e qui alludono forse all'origine mediterranea dei protagonisti del ritratto. Inoltre nei paesi del Nord Europa erano come «mele di Adamo» ed avevano lo stesso significato della mela nell'evocare il frutto proibito del peccato originale. I frutti esortano quindi a fuggire dai comportamenti peccaminosi, santificandosi mediante il rituale del matrimonio cristiano, nel rispetto dei comandamenti della fede. Potrebbero significare anche la fertilità dei due coniugi.Inoltre dalla finestra si intravede un ciliegio carico di frutti, un'allusione non solo all'amore tra i due coniugi e agli hortus conclusus medievali ma soprattutto al clima primaverile, in pieno contrasto con gli abiti invernali dei protagonisti. In realtà ciò che indossano è una semplice indicazione del loro status sociale, all'artista  non interessava avere un ritratto fedele, ma piuttosto evocativo.Non di meno non va sottovalutata un'ulteriore interpretazione teologica, che vede le arance a richiamo di altri quadri fiamminghi, raffiguranti scene dell'Annunciazione, e le ciliegie in altre natività, a simbolo del paradiso.

Prompt: In the context of Arnolfini Portrait, explain the Fruits and the Details symbolism.Please output in Italian.


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Lucrezia

Basco: LukertzeMaschili: LukertzaMaschile: LucrèceInglese: LucretiaMaschili: LucretiusPolacco: LukrecjaMaschili: LukrecjuszPortoghese: LucréciaMaschili: LucrécioRomena: LucrețiaMaschili: LucrețiuRusso: Лукреция Maschili: Лукреций Spagnolo: LucreciaMaschili: LucrecioUngherese: Lukrécia

Prompt: In the context of Lucretia (Veronese), explain the Variantsinotherlanguages and the Variants.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-portrait environment autonomy and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: Explain the Philosophy about the Psychology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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Epifania

Migliaia di cristiani giordani, turisti e pellegrini affollano ogni anno a gennaio il sito di Al-Maghtas, sulla riva orientale del fiume Giordano, per celebrare l'Epifania, dove si tengono grandi messe e celebrazioni. "Al-Maghtas", che significa "battesimo" o "immersione" in arabo, è un sito archeologico del patrimonio mondiale in Giordania, ufficialmente noto come "Sito del battesimo "Betania oltre il Giordano" ". È considerato il luogo originario del Battesimo di Gesù e del ministero di Giovanni Battista ed è stato venerato come tale almeno dal periodo bizantino.: Queste cose avvennero in Betania al di là del Giordano, dove Giovanni stava battezzando.Il sito è stato poi oggetto di diversi scavi archeologici, quattro visite papali e visite di stato e attrae turisti e attività di pellegrinaggio. Circa 81.000 persone hanno visitato il sito nel 2016, per lo più turisti europei, americani e arabi.

Prompt: In Epifania, how is the Jordan of the Theology explained?Please output in Italian.

Al-Maghtas
Battesimo di Gesù
Betania
Gesù
Gesù
Giovanni Battista
Giovanni Battista


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William Tecumseh Sherman

Dopo che Grant venne promosso Maggior generale, assumendo il comando del Distretto del Tennessee, il 1º marzo 1862 Sherman coronò il suo "sogno" di servire sotto di lui venendo assegnato all'Armata del Tennessee in qualità di comandante della V Divisione. Il suo primo impegno militare importante fu quindi la battaglia di Shiloh.Il massiccio attacco confederato la mattina del 6 aprile colse di sorpresa la gran parte dei comandanti unionisti; Sherman stesso aveva ignorato i rapporti informativi ricevuti dagli ufficiali della milizia, ritenuti privi di fondamento, rifiutando di credere che Albert Sidney Johnston avrebbe lasciato la sua base di Corinth  Scrisse alla moglie che, se avesse preso più precauzioni, "mi avrebbero chiamato di nuovo pazzo".Sherman si dimostrò fondamentale per il riuscito contrattacco dell'Unione del 7 aprile; rimase ferito due volte, alla mano e ad una spalla, e tre cavalli su cui montava furono colpiti uno dopo l'altro.  sua azione in combattimento fu elogiata sia da Grant sia da Halleck e dopo la battaglia fu promosso a maggior generale  dei volontari, con effetto dal 1º maggio.A luglio la situazione di Grant migliorò notevolmente quando Halleck partì per il Teatro Orientale per diventare comandante generale dell'esercito statunitense; Sherman divenne il governatore militare cittadino a seguito della battaglia di Memphis.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Shiloh of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.

1862
Albert Sidney Johnston
Armata del Tennessee


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Suonatore di liuto

Si ritiene, data l'estrema somiglianza estetica col Bacco degli Uffizi, che a posare per entrambe le opere sia stato lo stesso modello. Una parte della critica lo identifica col pittore siciliano Mario Minniti, amico di scorribande, e forse amante, di Caravaggio. Come proposto da Frommel, il modello , mostra maggiore consapevolezza e professionalità nel tenere le mani sul liuto e la sua camicia bianca ha più pieghe e ha i ricami. Scrive Frommel: la "figura rappresentata diventa più persona" favorendo maggiormente l'impressione di un "dirimpettaio animato".Altri lo identificano col castrato spagnolo Pedro Montoya, che in quegli anni era cantore nella Cappella Sistina; non a caso, il fanciullo ha le labbra dischiuse, come se stesse cantando accompagnandosi con lo strumento.Di notevole bellezza è la natura morta di strumenti musicali sul tavolo che sembra fare da contrappunto alla gestualità morbida delle mani che toccano le corde. Lo sguardo languido e la bocca socchiusa del suonatore sono un esempio della sensualità dei modelli ritratti da Caravaggio nei dipinti del suo primo periodo romano.L'elemento più pregevole del dipinto è sicuramente la doppia natura morta sul tavolo, rappresentata dai frutti , dai fiori disposti nel vaso di cristallo che riflette la luce, e dallo spartito musicale. Quest'ultimo, analogamente a quello presente nel Riposo durante la fuga in Egitto, è stato identificato dai musicologi che vi hanno ipotizzato quattro madrigali dal Primo libro di madrigali a quattro voci di Jacques Arcadelt : Chi potrà dir quanta dolcezza provo, Se la dura durezza in la mia donna, Voi sapete ch'io v'amo anzi v'adoro, Vostra fui e sarò mentre ch'io viva. Tutti i madrigali trattano di temi amorosi e passionali. Nel dipinto del Metropolitan, in alto a sinistra , sulla parete, è collocata una gabbietta con dentro un uccellino che probabilmente simboleggia il suono naturale. Tuttavia, come ha proposto di recente Giacomo Berra, esso richiama una poesia di Luigi Tansillo in cui il poeta, solitario e innamorato, si riconosce nell'uccellino in gabbia che amerebbe la libertà dall'amata, ma ne ha timore e non vorrebbe restare senza di lei. Il quadro, quindi, sarebbe un invito ai piaceri dell'amore e alle gioie della vita attraverso le arti , nonché ai piaceri terreni . "dedica" al Giustiniani è stata individuata nel solo originale nella grande "V"  dipinta come capolettera della partitura, in realtà dell'unico verso vergato "Voi sapete che v'amo", senza dimenticare che Giambattista Marino, identificandovisi, dedicò a Caravaggio e a questo dipinto almeno una sua strofa. Nel solo quadro dell'Ermitage compare il titolo della canzone "Caltus".Il dipinto del Metropolitan Museum di New York, presenta una iconografia diversa rispetto a quello dell'Ermitage, sebbene la radiografia ne abbia rivelato una originaria medesima disposizione degli oggetti poi variati in seguito: su di un tavolo coperto da un tappeto orientale che accentua lo spazio e la distanza fra il suonatore e lo spettatore, sono collocati un flauto dolce, al centro in primo piano e, a sinistra, al posto del vaso di fiori, un virginale. Una partitura raffigura un madrigale di Francesco de yolle , tratto dal suo Libro Primo dei Madrigali, dal titolo ssare il velo, l'altra è intitolata Perché non date voi.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Lute Player (Cariani).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Jacques Arcadelt
Mario Minniti
Ermitage
Pedro Montoya


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La Zingarella (scultura)

Aldo De Rinaldis, L’arte in Roma dal Seicento al Novecento, Bologna, 1948, pp. 79-80, 201. Paola Della Pergola,  galleria Borghese in Roma, Roma, 1951, p. 28. Italo Faldi, Galleria Borghese. Le sculture dal sec. XVI al XIX, Roma, 1954, pp. 48-49. Iacomo Manilli, Villa Borghese fuori di Porta Pinciana, Roma 1650. Paolo Moreno, Chiara Stefani, Galleria Borghese, Milano, 2000. Sylvie Pressouyre, Nicolas Cordier. Recherches sur la sculpture à Rome autour de 1600, Roma, 1984, II, pp. 415-417. Isabella Rossi, scheda in I Borghese e l’antico, catalogo della mostra , a cura di Anna Coliva, Marie-Lou Fabréga-Dubert, Jean-Luc Martinez, Marina Minozzi, Milano 2011, pp. 348-349, cat. 50. Adolfo Venturi, Storia dell’arte italiana, X, 2, 1936.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, La Zingarella.Please output in Italian.


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Cartone di sant'Anna

Il cartone mostra le tre generazioni della famiglia di Cristo: Sant'Anna tiene sua figlia Maria sulle sue ginocchia e quest'ultima trattiene il Figlio, che si rivolge verso san Giovannino. Anna indica con la sinistra il cielo e guarda Maria con uno sguardo festoso e familiare, come a voler chiedere conferma della sua miracolosa gravidanza.Leonardo si sforzò di riprodurre un senso policentrico di movimento, facendo in modo che i due personaggi principali, le donne, si fondessero in un unico gruppo.  struttura piramidale conferisce loro monumentalità plastica e ne sottolinea l'organicità.L'opera è inoltre uno degli esempi più convincenti dell'influenza della statuaria antica su Leonardo, forse ispirata a un gruppo di Muse di Villa Madama che l'artista avrebbe potuto osservare nel suo viaggio a Tivoli del marzo 1501. Oltre ai disegni preparatori, ciò si leggerebbe negli ampi panneggi, nell'impianto vigoroso e nella citazione piuttosto precisa contenuta nel busto della Vergine, che appare, come nelle antiche statue di Tivoli, con le braccia "tagliate" dalla strana foggia dell'abito. Anche l'uso del chiaroscuro accentuato e delle velature cromatiche sembra perlustrare nuove strade all'insegna della monumentalità, della resa atmosferica e dell'indagine psicologica, caratteristiche tipiche della sua migliore produzione della piena maturità.L'opera, custodita a Milano nel corso del Cinquecento, ebbe particolare influenza sulla scuola leonardesca. L'interpretazione più celebre resta la Sacra Famiglia con sant'Anna e san Giovannino di Bernardino Luini, cui probabilmente appartenne il cartone, documentato successivamente nella collezione del figlio Aurelio.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Virgin and Child with Saint Anne and Saint John the Baptist.Please output in Italian.

1501
Bernardino Luini
Tivoli
Villa Madama


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L'uscita dal ballo in maschera

Gerald Ackerman, The life and work of Jean-Léon Gérôme; catalogue raisonné, Sotheby's Publications, 1986, . Johnston, William R., William and Henry Walters: the Reticent Collectors, Baltimora, Johns Hopkins Univ. Press, 1999. ISBN 0801860407.

Prompt: How does The Duel After the Masquerade explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Pugile in riposo

Lo scrittore americano Thom Jones ha pubblicato una serie di racconti intitolata Il pugile a riposo in omaggio alla celebre opera, tradotta in italiano da Minimum Fax.Nel 2013 la scultura è stata esposta per la prima volta negli Stati Uniti d'America con una grande mostra al Metropolitan Museum di New York durante la quale è stata raccontata da Gay Talese oltre che dai maggiori quotidiani e studiosi d'oltreoceano.Due anni dopo, nel 2015, l'opera viene esposta al Getty Museum di Los Angeles. Durante la mostra l'attore Robert Davi ha letto una serie di poesie dello scrittore e poeta Gabriele Tinti ispirate al capolavoro del Museo Nazionale Romano.Nel 2019 il due volte premio Oscar Kevin Spacey legge le poesie di Gabriele Tinti al Museo Nazionale Romano. L'evento ha segnato il ritorno alle scene dell'attore ed è stato riportato dalla stampa di tutto il mondo.

Prompt: How does Boxer at Rest explain its Literature?Please output in Italian.

Gay Talese
Getty Museum
Kevin Spacey
Los Angeles
Metro
Museo Nazionale Romano
Museo Nazionale Romano
New York
Robert Davi
Roma
Stati Uniti d'America
Thom Jones


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Frine alle feste di Poseidone a Eleusi

sinistraUn dettaglio di Frine e delle sue servitrici.Il pittore trasse il soggetto del dipinto dal libro I sofisti a banchetto dell'autore greco Ateneo di Naucrati, che lo scrisse tra la fine del II e l'inizio del III secolo. Frine, nota per la sua bellezza, era un'etera, una cortigiana greca, che visse nel IV secolo a.C. nella città di Megara. In greco antico "Frine"  significa "rospo" ed era un soprannome che le era stato dato per la sua tinta giallastra. Ella fece da modella per lo scultore Prassitele, che realizzò lAfrodite di Cnido a sua immagine.Al centro del dipinto , si trova Frine con le sue servitrici. Ella ha già abbandonato i suoi indumenti. All'inizio l'artista la dipinse completamente nuda ,Un gruppo più piccolo di spettatori, che circonda una colonna scolpita, si trova in primo piano nel lato sinistro. Qui, apparentemente, l'approvazione e l'ammirazione sembrano unanimi. Alle loro spalle appaiono le acque del golfo Saronico e le montagne dell'isola di Salamina. Nell'angolo in basso a sinistra si trova un ragazzo che porta una scatola leggermente aperta, piena di gioielli. Una cameriera sta davanti a lui e scende verso il mare con una ciotola e un vaso sopra la testa. Il paesaggio rappresentato in questa tela è considerato come uno dei migliori realizzati dall'artista ed è la parte più riuscita della tela.

Prompt: In Phryne at the Festival of Poseidon in Eleusis, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Afrodite
Ateneo di Naucrati
Frine
Prassitele


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: How does The Flight into Egypt (Murillo) explain its Abstract?Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Statua equestre di San Venceslao

Il monumento era in ultimazione all'onore del santo patrono ceco in un clima di grande tensione rispetto al dominio dell'Impero Austro-Ungarico sui territori cechi ed, in seguito all'indipendenza ceca dall'Austria-Ungheria avvenuta il 28 ottobre del 1918 con la dissoluzione dell'Impero Austro-Ungarico e la fine della Grande Guerra, venne posta ai piedi del monumento una scritta recante la storica data dell'indipendenza a ricordo perenne dei ribelli cechi da sempre ostili agli austro-ungarici.

Prompt: In the context of Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, explain the Memory of independence and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Pala Pesaro

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5 Marion Kaminski, Tiziano, Könemann, Colonia 2000. ISBN 3-8290-4553-0

Prompt: In Pesaro Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Focus on Self-portrait at 69 years and explain the Collections, exhibitions, self-portraits.Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Altare di Dresda

LAltare di Dresda è un dipinto a tempera su tela  di Albrecht Dürer, databile al 1496-1497 e forse ripreso nel 1503-1504, conservato nella Gemäldegalerie a Dresda.

Prompt: Focus on Dresden Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Statua di Bafometto

statua di Bafometto  è una scultura bronzea raffigurante Bafometto, un idolo pagano e simbolo dell'occulto. L'opera, commissionata dal Tempio Satanico , venne inaugurata a Detroit nel 2015. Attualmente è esposta in una galleria d'arte di Salem, nel Massachusetts. Le petizioni firmate per esporre l'opera all'aperto sfociarono in dibattiti aventi come argomento la separazione tra stato e chiesa.  creazione della statua e la sua notorietà iniziale sono raccontate nel documentario Hail Satan? del 2019.

Prompt: Focus on Statue of Baphomet and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bafometto
Detroit
Hail Satan?
Massachusetts
Tempio Satanico


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Giuramento di Leone III

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: How does The Oath of Leo III explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Black Fire I

Black Fire I è un dipinto di Barnett Newman realizzato nel 1961. Fu messo all'asta al Rockefeller Plaza di New York il 13 maggio 2014 e venduto ad un collezionista privato per 84.165.000 dollari.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Black Fire I.Please output in Italian.

1961
Barnett Newman
New York
Rockefeller Plaza


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Madonna delle Grazie

A Borgo a Mozzano, in provincia di Lucca, la Festa Patronale della Madonna delle Grazie viene festeggiata ad aprile. Antonio Lunardi, durante il sedicesimo secolo, aveva costruito un piccolo tempio alla Madonna delle Grazie, dipinta sul muro del tempio stesso. L'immagine aveva riscosso un forte pellegrinaggio di tutta la popolazione di Borgo a Mozzano e dei paesi limitrofi. In seguito, quindi, per la stessa immagine fu costruito un Oratorio più decoroso e in un luogo più centrale, dove si trova attualmente. I lavori, sotto la direzione di Pellegrino Lunardi, figlio di Antonio, terminarono l'8 aprile del 1597. L'immagine della Madonna delle Grazie, secondo la tradizione, rappresenterebbe la Madonna nell'atto di spostare il Santo Bambino dalla mano destra a quella sinistra. Essa, mancante di prospettiva ed eseguita probabilmente da un pittore poco esperto, è rovinata dal tempo e dai restauri. L'oratorio, anticamente detto "del solco", prese il nome "dei ferri" da una ringhiera che vi fu posta davanti.  Madonna delle Grazie è la patrona del comune di Borgo a Mozzano e ogni tre anni in suo onore si tiene una solenne festa detta "triennale".

Prompt: Explain the Borgo a Mozzano about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: Describe the characteristics of the Objective criteria in the evaluation of a work of art in The Beauty's Irish  aesthetic  radically  empiricist.Please output in Italian.


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La danza tra le spade

danza tra le spade  è il nome di quattro dipinti del pittore polacco Henryk Siemiradzki. combinazione di elementi mitologici, di scene cesariano-cristiane e del nudo artistico nelle opere dell'artista lo resero molto popolare, pertanto Siemiradzki dipinse ben quattro versioni della Danza tra le spade.  versione più famosa risale al 1881 e si trova alla galleria Tret'jakov di Mosca. Le altre tre si trovano in delle collezioni private.

Prompt: In The Sword Dance, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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A Conversation with Oscar Wilde

Iscrizione sul memorialeA Conversation with Oscar Wilde, in cui Wilde è raffigurato ridere e fumare, ha causato diverse polemiche.Tom Lubbock, critico d'arte principale dellIndependent, pur riconoscendo la necessità di un memoriale a Londra per Wilde e lodando il progetto per il suo "vero e proprio spirito pubblico vittoriano", condannò l'opera nella progettazione e nell'esecuzione, paragonandolo ad una statua di Madame Tussauds.Ha paragonato il "groviglio maccheronico dei capelli ondeggianti" a una sorta di tomba chiamata transi, parte della scultura tombale medievale raffigurante carne putrefatta e i vermi risultanti, concludendo che, in definitiva, la scultura non riguardava Wilde o il pubblico, ma una riflessione di Hambling stessa. Isacc ha usato il suo diritto di risposta per sottolineare che la scultura "evoca già una reazione più favorevole da parte del pubblico di qualsiasi altra statua che conosco a Londra, con la possibile eccezione di Peter Pan". Charles Spencer, capo critico teatrale del Telegraph, mentre professava la sua simpatia per l'artista come persona, scrisse quanto odiasse le sue sculture. Rispetto all'opera ha scritto: scultura è stata una delle cinque opere o eventi presenti in The Resurrection di Oscar Wilde: A Cultural Afterlife.Sia Lubbock che Spencer chiedevano ai loro lettori di non vandalizzare la scultura. Tuttavia, la sigaretta è stata più volte rimossa da membri del pubblico . Secondo Philip Ardagh: "l'atto più frequente di vandalismo/venerazione fatto a una statua pubblica a Londra".

Prompt: Focus on A Conversation with Oscar Wilde and explain the Criticize.Please output in Italian.


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Lo specchio, per la prima volta, per quanto se ne sappia, mostra il retroscena del dipinto, che venne copiato più volte, da Hans Memling  a Velázquez . È uno dei migliori esempi della minuziosità microscopica ottenuta da Van Eyck: misura 5,5 centimetri, e nella sua cornice sono meticolosamente rappresentati dieci episodi della Passione di Cristo. Dal medaglione in basso in senso orario si riconoscono lOrazione nell'orto, la Cattura di Cristo, il Giudizio di Pilato, la Flagellazione di Cristo, la Salita al Calvario, la Crocefissione , la Deposizione, il Compianto, la Discesa al Limbo e infine la Resurrezione.A quell'epoca questi piccoli specchi convessi erano molto popolari: spesso si trovavano vicino alle porte o alle finestre, per cercare effetti luminosi nelle stanze, ma soprattutto si usavano in funzione apotropaica per allontanare la sfortuna e gli spiriti maligni.  sua presenza, all'interno del quadro, con il particolare tema della cornice, suggerisce che l'interpretazione dell'avvenimento deve essere cristiana e spirituale in uguale misura. Le storie della Passione erano anche un esempio di cristiana sopportazione delle tribolazioni del quotidiano. Anche il vetro dello specchio allude alla verginità di Maria, quale speculum sine macula, e quindi, per analogia, alla purezza ed alla verginità della sposa, che doveva rimanere casta anche durante il matrimonio. Inoltre il baluginio luminoso sullo specchio invita lo spettatore ad osservare le immagini riflesse.Si può notare che, oltre ai due coniugi, sono presenti altre due figure riflesse, di cui una si pensa essere il pittore stesso . Con questo espediente pittorico van Eyck riesce a restituirci due punti di vista, quello del pittore e quello  dei personaggi ritratti: si ottiene, quindi, una rappresentazione dello spazio a trecentosessanta gradi su una tela che è bidimensionale.  presenza dei testimoni serve anche a suggellare la legittimità del matrimonio, sottolineando la fede cristiana dei due coniugi.

Prompt: In the context of Arnolfini Portrait, explain the The mirror and the Details symbolism.Please output in Italian.


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Caccia al leone

Raffigurazione di una scena di caccia al leone su una lama di pugnale - Una caccia al leone mostrata in oro su una placca di cintura, I leoni erano presenti nella penisola greca fino all'epoca classica. Il prestigio della caccia al leone è ben dimostrato nella mitologia greca: la prima fatica di Eracle fu l'uccisione del leone di Nemea. I leoni sono stati raffigurati come simboli di spicco della regalità, come ad esempio nella Porta dei Leoni alla cittadella di Micene.Rispettato per la sua ferocia, il leone era estremamente popolare durante le venationes e gli spettacoli gladiatori nell'Antica Roma. Durante la sua dittatura, Cesare sbalordì tutti utilizzando circa 400 leoni nel Circo , la cui inusuale presenza aggiunse dell'emozione ai suoi spettacoli. Pompeo stabilì un macabro record facendo uccidere ben 600 leoni. L'utilizzo del leone, fiera amata per gli spettacoli, era anche una questione di immagine: Cesare confiscò a Cassio i leoni che intendeva usare per uno spettacolo in Grecia, evento che spinse Cassio ad allearsi con Bruto nella rivolta finale contro il dittatore. Questi leoni, tuttavia, non restarono a lungo nelle mani di Cesare: quando la città di Megara fu occupata dagli uomini di Cesare, i cittadini liberarono i leoni sperando che attaccassero gli invasori. Invece i leoni sbranarono i cittadini per poi sparire nella foresta.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Greece Rome of the The  lion  hunt  of  the  Masai explained?Please output in Italian.


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Madonnina

Madonnina  è una statua in rame dorato, opera di Giuseppe Perego, raffigurante la Madonna Assunta e posta sulla guglia maggiore del duomo di Milano.Dal momento della sua posa, avvenuta nel 1774, è diventata il simbolo della città anche al di là della sua valenza religiosa. Frasi come all'ombra della Madonnina indicano per antonomasia la città di Milano. L'alabarda è in realtà un parafulmine "mascherato".

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonnina (statue).Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

quarta tavola mostra lAscesa all'Empireo, in cui una serie di anime nude, trasportate da coppie di angeli, vengono condotte verso un tunnel con in fondo una grande luce, quella del Paradiso. Si tratta di un'invenzione di grande efficacia, resa con la semplice giustapposizione di cerchi non concentrici scalati nella tonalità dal blu più scuro all'azzurro chiaro, forse ispirata a miniature tardo-medievali. Le anime appaiono come attratte e risucchiate dalla luce e dal colore, presentandosi in ginocchio e senza peso verso il varco, con un andamento ascendente a zig-zag di notevole efficacia. In fondo al tunnel le aspetta un personaggio, forse un angelo o san Pietro, immerso nella luce assoluta.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Ascent to the Empyrean and the Description and style.Please output in Italian.


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Adrianus Jacobus Zuyderland

Negli ultimi mesi del 1882 e in quelli iniziali del 1883 Vincent van Gogh lo ritrasse in una serie di studi di "uomini-orfani" : Uomo orfano con il cilindro, 1882, Worcester Art Museum. Uomo orfano con cappotto ed ombrello, visto da dietro, 1882, collezione privata. Nel frutteto, 1883. Preghiera prima del pasto, 1883. Sulla soglia dell'eternità, dipinto nel 1890 ma basato su una precedente litografia del 1883, Kröller-Müller Museum. Altre bozze senza titolo datate 1882-1883.

Prompt: How does Adrianus Jacobus Zuyderland explain its Van Gogh, bachelor, draw?Please output in Italian.


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Capriccio con edifici palladiani

Il dipinto raffigura un corso d'acqua, che sembra fedelmente ripreso dalla veduta di Windsor dello stesso Canaletto, attraversato da un ponte. Le gondole, i burci e le macchiette ci dicono che siamo a Venezia, ma gli edifici, che realmente esistono, sono in realtà collocati in altre città. Si tratta, infatti, di un capriccio, un genere pittorico che ebbe grande fortuna nel Settecento. Sulla destra vi è la Basilica Palladiana, a sinistra Palazzo Chiericati, entrambi celebri architetture di Vicenza progettati da Andrea Palladio. Al centro troviamo il progetto dello stesso Palladio, mai realizzato, per il Ponte di Rialto.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Capriccio with Palladian buildings.Please output in Italian.

Andrea Palladio
Basilica Palladiana
Canaletto
Palazzo Chiericati
Ponte di Rialto
Venezia
Vicenza


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Allegoria della Prudenza

Nelle tre teste maschili riconosciamo facilmente l'allegoria delle Tre età dell'uomo  espressa in forma di triplice ritratto. Presente nel celebre enigma posto ad Edipo dalla Sfinge, la scomposizione dell'arco della vita umana in tre fasi era stata adottata da Aristotele. Il tema delle tre età dell'uomo fu molto popolare nella pittura del XVI secolo, espresso con una grande varietà di invenzioni iconografiche. Lo stesso Tiziano lo aveva trattato attraverso ben diversi richiami simbolici all'interno di una scena erotica di corteggiamento nella tela della National Gallery of Scotland.  luce del quadro serve a dar forza alla allegoria, in un attenuarsi di gradazioni che va da destra verso sinistra: colpisce in pieno il volto imberbe del giovane, poi inizia a sfumare su una parte del volto dell'uomo adulto che esibisce con una calma fierezza la sua ben curata barba scura, fino a lasciar il posto all'ombra in cui si scorge un volto di vecchio dallo sguardo arcigno, con una berretta rossa in capo e con una lunga barba canuta.Sopra il triplice ritratto Tiziano ha inserito un motto  diviso in tre parti che spiega il senso dell'allegoria: EX PRAETERITO / PRAESENS PRVDENTER AGIT / NI FVTVRA ACTIONE DETVRPET .Il passato, il presente ed il futuro sono dunque da porsi in relazione ai tre volti raffigurati e compongono un ammonimento che invita alla Prudenza, intesa come saggio agire.Secondo la tradizione classica, ripresa poi dalla Scolastica, la Prudenza è intesa come capacità di memoria, intelligenza e previsione. Dante afferma nel Convivio : «Conviensi adunque essere prudente, cioè savio: e a ciò essere si richiede buona memoria delle vedute cose, e buona conoscenza delle presenti, e buona provvedenza delle future».Le tre facoltà intellettuali necessarie alla Prudenza sono messe in correlazione con la vecchiaia, la maturità e la giovinezza.Più difficile intendere perché sotto le teste di uomo siano poste le teste di tre animali: un lupo con la testa volta indietro, un leone ripreso di fronte ed un cane che guarda in avanti.Un'accurata analisi iconografica di questo emblema tricefalo è stata svolta da Erwin Panofsky in un saggio del 1926.Secondo la testimonianza derivante dai Saturnalia di Macrobio le tre teste animali cinte da un serpente, simbolo del tempo ciclico, formavano una figura "mostruosa" raffigurata accanto Serapide, divinità dell'Egitto ellenistico, nel santuario di Alessandria. Il fascino provato per il misterioso linguaggio iconografico proveniente dall'oriente ellenistico è uno dei tratti culturali che accompagna la nascita e lo sviluppo dell'Umanesimo. Si spiega allora come, negli esametri della sua Africa, Petrarca descriva dettagliatamente le tre teste animali avvinte dal serpente facendone un simbolo di Apollo, posto in relazione con lo scorrere del tempo.  popolarità di tale enigmatica raffigurazione si diffonde con la scoperta  degli "Hieroglyphica" di Horapollo. Da allora le citazioni della misteriosa figura egizia descritta da Macrobio si moltiplicano: se ne parla nella Hypnerotomachia Poliphili , negli Emblemata di Andrea Alciati  ed altre opere ancora. Se ne diffondono altresì le raffigurazioni grafiche: si ricorda lAllegoria del Tempo, incisione di Hans Holbein il Giovane realizzata  per il frontespizio di un libro.Negli Hieroglyphica di Pierio Valeriano , opera di vasta erudizione che riprende ed amplia il testo di Horapollo, la figura tricipite, non più legata a quella del serpente, viene esplicitamente ricondotta al tema della Prudenza. Il lupo si nutre dei ricordi del passato; il leone è la forza con la quale occorre condurre le attività presenti; mentre il cane, capace di adulare, sembra guardare con spensieratezza al futuro.In questa connessione con la Prudenza, il segno tricipite lupo-leone-cane sarà accolto anche nella celebre Iconologia di Cesare Ripa , ove una delle immagini del Buon Consiglio è rappresentata con la figura tricipite nel palmo della mano sinistra.Tiziano si dimostra profondo conoscitore degli studi iconografici del tempo. Nella suggestione cromatica del "non finito" che domina la sua ultima produzione pittorica, egli lega tra loro le due diverse triadi, quella umana e quella animale, derivate dalla iconografia antica per farle diventare un emblema originale, che induce a meditare sulla parabola temporale umana e sulle virtù necessarie per affrontarne le sorti.Ma chi sono i personaggi che rappresentano nel quadro le tre età dell'uomo? Un raffronto con lAutoritratto del Prado porta subito a scorgere nella figura del vecchio le fattezze di Tiziano stesso.  funzione del quadro, destinato a stare nella casa dell'ormai anziano pittore, era dunque quella di rappresentare un emblema della sua famiglia e della saggia prudenza con la quale egli aveva provveduto al suo futuro.Analisi iconologiche successive a quelle di Panofsky,  hanno ipotizzato come verosimile fonte letteraria del dipinto lIdea del Theatro di Giulio Camillo Delminio.

Prompt: Focus on Allegory of Prudence and explain the Aletterfromthepainting.Please output in Italian.

1926
Allegoria
Apollo
Aristotele
Cesare Ripa
Convivio
Edipo
Egitto
Emblema
Emblemata
Erwin Panofsky
Giulio Camillo Delminio
Hans Holbein il Giovane
Hypnerotomachia Poliphili
Pierio Valeriano
Serapide
Sfinge
Umanesimo
XVI secolo


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Volta della Cappella Sistina

Nel 1534 Michelangelo tornò a lavorare nella Sistina con un'altra impresa colossale, il Giudizio Universale che occupa l'intera parete dietro l'altare. Per realizzarlo vennero sacrificate due storie quattrocentesche, lAssunta del Perugino e due lunette di Michelangelo.Nel 1543 venne istituito un "pulitore" ufficiale degli affreschi della Sistina e nel 1565, in seguito a dei cedimenti, si registrarono i primi interventi di restauro. Di nuovo si ebbero interventi nel 1625, nel 1710, nel 1903-1905 e nel 1935-1936. In occasione di uno di questi lavori, molto probabilmente quello del 1710, si stese sulla volta una vernicetta a base di colla animale, che presto finì per appannare gravemente l'intero ciclo, compromesso anche dalle infiltrazioni d'acqua, dal fumo delle candele e da altre cause vennero influenzate dal sudiciume, arrivando a far parlare di "monotonia marmorea", ripresa dalla scultura, e artista "tenebroso". In realtà, come ha dimostrato il restauro concluso nel 1994, le tinte sono cristalline e gioiose, con impressionante anticipo rispetto ai migliori pittori del manierismo.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Successive events and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Nel XIX secolo si giunse ad una prima grande disputa sulle due versioni della Madonna di Dresda, quella conservata presso la Gemäldegalerie di Dresda e quella conservata al palazzo reale di Darmstadt, per stabilire quale effettivamente fosse l'opera originale. Durante il processo di riconoscimento, la pittura di Dresda, che in seguito si rivelò essere una copia, fu spesso considerata dai suoi contemporanei e dagli artisti come la più bella e compiuta e quindi l'originale. Copiando la pittura di Holbein nel XVII secolo, il copista apportò alcune modifiche che sembravano corrispondere più al gusto dell'epoca che all'originale di Holbein.  disputa interessò artisti, storici dell'arte e soprattutto una gran parte del pubblico tedesco interessato all'arte. Nel 1871 venne appositamente progettata a Dresda una mostra di Holbein per offrire al pubblico l'opportunità di esprimere la propria opinione e scriverla negli album appositamente forniti per l'occasione. Sebbene la partecipazione sia stata bassa in quanto a pubblico, questo è ancora oggi considerato il primo studio empirico nel campo dell'estetica psicologica, dal momento che contrariamente all'opinione del pubblico e degli artisti, gli storici dell'arte alla fine prevalsero nella scelta del dipinto di Darmstadt come originale. Le indagini a raggi X e infrarossi più moderne hanno confermato i risultati già visibili a occhio nudo sul dipinto di Darmstadt, mentre l'immagine di Dresda ne è la copia. Di conseguenza, come scrisse Emil Major nel 1910, il dipinto di Dresda è a tutti gli effetti quello del pittore Bartholomäus Sarburgh, databile al 1635/1637.

Prompt: Explain the Original and copy: the dispute of Holbein in Dresden about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Regate ad Argenteuil

Regate ad Argenteuil è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1872 dal pittore francese Claude Monet. È custodito nel Musée d'Orsay di Parigi, che ne è in possesso dal 1986.

Prompt: How does Regatta at Argenteuil explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

studiosa Carla Glori lo ha invece identificato nella figura di Galeazzo Sanseverino, genero e carissimo amico del Moro, figura di primo piano alla corte di Milano, nonché protettore dello stesso fra' Luca Pacioli. L'ipotesi è basata anche sulla comparazione con un altro ritratto, il cosiddetto Musico di Leonardo, anch'esso identificato con Galeazzo Sanseverimo, in cui si notano elementi ricorrenti, quali la folta capigliatura riccia e la fenditura centrale del farsetto in forma di lancia, simboleggiante la potenza virile di Galeazzo nelle giostre. ricostruzione storica relativa all'anno 1495 evidenzia inoltre i contatti tra Luca Pacioli, i suoi due mecenati milanesi  e Leonardo. Il frate matematico risultava ospite nell'abitazione di Porta Vercellina di Galeazzo . Si assume inoltre che già nel febbraio 1496 fosse in atto la collaborazione tra Pacioli e Leonardo per la realizzazione del “De Divina Proportione”.

Prompt: Explain the Galeazzo Sanseverino about the Author's identity of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

L'inquinamento atmosferico e le piogge acide provocarono gravi danni al marmo del Partenone. Le parti rimanenti dalla sezione occidentale del fregio del Partenone sono state rimosse dal monumento nel 1993 per il timore di ulteriori danni e sono stati trasportati al museo dell'Acropoli. sulla superficie marmorea erano presenti croste nere. Gli esami al laser condotti sulle statue hanno rivelato la presenza di sorprendenti dettagli ora non più visibili come le scalpellate e le vene sulle pance dei cavalli. Tali dettagli sono stati eliminati dalle statue del British Museum per rendere i marmi di colore più bianco.Tra il 20 gennaio e la fine di marzo 2008 4200 oggetti  sono stati trasferiti dal vecchio museo dell'Acropoli al nuovo museo del Partenone.Nel 1975 la Grecia ha iniziato il restauro dell'Acropoli. Durante questo sono state sostituite migliaia di grappe di ferro arrugginite con barre di titanio non corrodibili; sono state trasferiti i reperti in un museo appositamente progettato; furono sostituite le decorazioni mancanti con copie di alta qualità. Tuttavia questo restauro non mancò di suscitare polemiche dovute principalmente al fatto che alcuni edifici sono stati completamente smantellati, tra cui il tempio di Atena Nike, e poiché le gru e i ponteggi necessari per il lavoro erano dannosi per il paesaggio. Il progetto era quello di riportare il sito almeno ad una parte del suo antico splendore, il che può richiedere ancora molto tempo e denaro. Il British Museum non ha escluso di poter prestare temporaneamente i marmi di Elgin al nuovo museo ateniese, ma ha ribadito la necessità da parte dei Greci di riconoscere la proprietà britannica.

Prompt: Describe the characteristics of the Athens in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

L'opera, che venne copiata anche da Antoon Van Dyck probabilmente in Italia , fu acquistata a Venezia dal principe Adamo Czartoryski nel 1807. Del dipinto si sono perse totalmente le tracce durante la seconda guerra mondiale quando fu trafugato dai tedeschi: nel 1939 Hans Frank fece infatti confiscare il dipinto. Fu visto per l'ultima volta nel 1945. Del dipinto sono visibili oggi solo fotografie in bianco e nero, colorate digitalmente, o copie eseguite da altri artisti . A Cracovia vi è un ritratto eseguito da Jan Lievens basato sul dipinto di Raffaello ma con fattezze completamente modificate in quelle dello stesso Lievens.

Prompt: Focus on Portrait of a Young Man (Barocci) and explain the History.Please output in Italian.


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Ritratto di Luigi XIV

Per Filippo V mediò a corte madame de Maintenon, che in una lettera al duca di Noailles, datata 11 marzo 1701 scriveva:Il giorno precedente, il marchese di Dangeau lasciò un'annotazione sul suo diario quasi a testimoniare ciò che riportò madame de Maintenon: Il 3 settembre 1703, in una toccante lettera che scrisse al marchese, Filippo V confessò:  grandezza e la complessità della composizione giustificava le aspettative degli sponsors che nel contempo essi spronavano l'artista a continuare nel suo lavoro.Giovedì 19 gennaio 1702, Rigaud stava ancora dipingendo secondo quanto riportato dal marchese di Dangeau: Il direttore dei palazzi reali francesi ordinò allo studio del pittore diverse copie  e diverse stampe, pagandoli il 16 settembre 1702: "A monsieur Rigaud, pittore ufficiale del re, per due grandi ritratti del re a piena figura, con lo schizzo in piccolo di uno dei detti ritratti, come pure di un ritratto a dimensione piena del ritratto fatto per il re di Spagna in quest'anno, 10.000 livres".Pierre Drevet venne incaricato della realizzazione delle stampe derivate dal dipinto e ricevette "il pagamento di 5000 livres per ogni incisione che fece del ritratto in piedi di re Luigi XIV, realizzato da monsieur Rigaud, nel periodo 1714-1715."In questo suo lavoro, Drevet venne assistito dal giovane Jean-Marc Nattier a cui il medesimo direttore fece dei pagamenti, il 20 agosto 1713:  Drevet si servì largamente della bravura di Nattier e della perizia che questi mise nel proprio lavoro per ricreare ogni minimo dettaglio del dipinto di Rigaud, riportandolo alle dimensioni richieste. Ad ogni modo, egli decise di allungare un poco la veduta della galleria di marmo visibile sullo sfondo, variazione seguita dall'incisore. Non vi è dubbio alcuno sul fatto che Rigaud in persona abbia supervisionato il lavoro di Nattier, dal momento che una di queste incisioni andò per certo al suo amico, Prevet.Mariette considerava l'opera di Drevet come "una delle meglio riuscite [dell'artista]" per aver "inciso per ordine di Sua Maestà Cristianissima." Nel 1733, già egli stesso ne indicava la rarità in una sua lettera a Francesco Maria Niccolò Gabburri: "Per parte mia vi incoraggio ad acquisire un ritratto del re e della regina regnanti, ma quello inciso da Drevet è difficile da avere, e io stesso l'ho visto in vendita per più di 8 livres. Posso averlo per un discreto prezzo ma dovete darmi del tempo."

Prompt: How does Portrait of Louis XIV explain its Genesis of the painting?Please output in Italian.

1701
Niccolò Gabburri
Jean-Marc Nattier
Pierre Drevet


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Allegoria del Vizio

LAllegoria del Vizio è un dipinto a olio su tela  di Correggio, databile al 1531 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi. Si tratta di una delle ultime tele commissionate da Isabella d'Este per il suo studiolo, in coppia con lAllegoria della Virtù.

Prompt: Focus on Allegory of Vice (Correggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1531
Allegoria della Virtù
Isabella d'Este
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi


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Ritratto dell'infanta Margherita

Ritratto dell'infanta Margherita  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1655 da Diego Velázquez.È conservato nel Fundación Casa de Alba di Madrid.

Prompt: In Infanta Margarita Teresa in a Peach Dress, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1655
Diego Velázquez
Fundación Casa de Alba di Madrid
Madrid


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Ritratto di Carlo V con il cane

Il Ritratto di Carlo V con il cane è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1533 circa e conservato nel Museo del Prado a Madrid.

Prompt: In Portrait of Charles V with a Dog, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1533
Madrid
Museo del Prado
Museo del Prado


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La marchesa di Santa Cruz

marchesa di Santa Cruz è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1805 dal pittore spagnolo Francisco Goya.È conservato nel Museo del Prado di Madrid.Raffigura la marchesa Joaquina Téllez-Girón nelle vesti di Euterpe.  donna è sdraiata su un canapè e regge in mano una cetra.

Prompt: How does Portrait of the Marchioness of Santa Cruz explain its Abstract?Please output in Italian.

1805
Euterpe
Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid
Museo del Prado


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Romeo e Giulietta: la scena della tomba

Categoria:Dipinti nel Derby Museum and Art GalleryCategoria:Dipinti di Joseph Wright of DerbyCategoria:Dipinti a soggetto letterarioCategoria:Opere basate su Romeo e Giulietta

Prompt: How does Romeo and Juliet: the Tomb Scene explain its Other projects?Please output in Italian.

Derby Museum and Art Gallery
Joseph Wright of Derby
Romeo e Giulietta


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Trittico di San Lorenzo

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, San Lorenzo Triptych.Please output in Italian.