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Ritratto di una Sforza

Si è cercato quindi di collocare l'opera nella biografia leonardesca, assegnandola, su base stilistica e cercando tracce documentarie, al primo soggiorno milanese dell'artista. L'opera potrebbe raffigurare Bianca Sforza , figlia naturale  di Ludovico il Moro e Bernardina de Corradis, andata in sposa a Galeazzo Sanseverino, capitano generale delle armate di Ludovico il Moro, nel gennaio 1496 e morta nel novembre dello stesso anno. Nel Ligny Memorandum di Jean Perréal, artista di corte che visitò Milano nel 1494, è ricordato l'incontro con Leonardo, che più volte gli chiese ragguagli sull'uso del gesso e della pergamena, forse proprio perché doveva attendere a un'opera del genere.  scelta della pergamena potrebbe spiegarsi con la possibilità che il ritratto facesse parte di un libro di poesie, magari facendo da copertina, come testimonierebbero tre fori lungo il bordo.

Prompt: Explain the Description of this artwork, La Bella Principessa.Please output in Italian.

1494
1496
Bernardina de Corradis
Galeazzo Sanseverino
Jean Perréal
Ludovico il Moro


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Martirio di san Matteo

Il Martirio di San Matteo è un dipinto a olio su tela  di Caravaggio, databile al 1599-1600 è conservato nella Cappella Contarelli della chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.  scena si sviluppa concentricamente intorno alla figura di un carnefice nell'atto di colpire il futuro martire.

Prompt: Focus on The Martyrdom of Saint Matthew (Caravaggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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San Girolamo

), noto anche come san Girolamo, Gerolamo o Geronimo,Sesso = MLuogoNascita = StridoneGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 347LuogoMorte = BetlemmeGiornoMeseMorte = 30 settembreAnnoMorte = 420Epoca = 300Epoca2 = 400Attività = biblistaAttività2 = traduttoreAttività3 = teologoAttivitàAltre = e monaco cristianoNazionalità = romano}}Padre e Dottore della Chiesa, tradusse in latino parte dell'Antico Testamento greco  e, successivamente, l'intera Scrittura ebraica.

Prompt: In Saint Jerome Writing, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

30 settembre
347
420
Antico Testamento
Betlemme
Dottore della Chiesa
Stridone


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Paesaggio con la fuga in Egitto

Nei primissimi anni del Seicento il pittore ricevette l'incarico dal cardinale Pietro Aldobrandini di realizzare sei dipinti per decorare la cappella privata del palazzo di famiglia. A causa della forma delle pareti, le opere vennero realizzate a forma di lunetta .Solo il Paesaggio con la Fuga in Egitto e, almeno parzialmente, il Paesaggio con la Sepoltura di Cristo furono realizzati personalmente dal Carracci. Le restanti quattro lunette furono affidate da Annibale ai suoi allievi che lavorarono sulla base di suoi disegni. Si suppone che Annibale abbia abbandonato questo cantiere alla bottega, dopo aver realizzato le prime due lunette, a causa dell'insorgere  della malattia che lo afflisse per gli ultimi anni della sua vita.  prosecuzione di questa impresa decorativa fu merito soprattutto di Francesco Albani che sostituì il maestro nella titolarità della commessa .  In seguito i dipinti vennero rimossi e la cappella andò distrutta: il Paesaggio con la fuga in Egitto  entrò nelle collezioni Pamphilij come parte  della dote di Olimpia Aldobrandini, sposa, nel 1647, di Camillo Pamphilij.

Prompt: In Landscape with the Flight into Egypt (Carracci), how is the History discussed?Please output in Italian.

Francesco Albani
Olimpia Aldobrandini
Pietro Aldobrandini


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Estasi di santa Teresa d'Avila

Nel 1645, venne commissionata allo scultore Gian Lorenzo Bernini quest’opera in onore della santa Teresa, quest’ultima fu commissionata da una famiglia nobile napoletana. Successivamente negli anni 80’ venne trasportata nella maestosa chiesa romana.Bernini, nell'eseguire la commissione, cercò una sua rivincita professionale verso l'atteggiamento tiepido che il nuovo pontefice mostrava nei suoi confronti e chiamò, per così dire, a raccolta tutta la sua inventiva di architetto e di scultore sino a giungere a realizzare uno degli esempi più elevati di arte barocca. LEstasi di santa Teresa d'Avila, eseguita tra il 1645 e il 1652, una volta portata a compimento piacque immensamente al Bernini, che con una certa modestia la definì come la sua «men cattiva opera» . Lo stesso Filippo Baldinucci, nella biografia dell'artista, riporta che:

Prompt: In Ecstasy of Saint Teresa, how is the History discussed?Please output in Italian.

1645
1652
Estasi
Gian Lorenzo Bernini
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila


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Sacrificio di Isacco

Sacrificio di Isacco di Raffaello  Sacrificio di Isacco di Andrea del Sarto  Sacrificio di Isacco di Tiziano  Sacrificio di Isacco dell'Empoli  Sacrificio di Isacco di Jacopo Ligozzi  Sacrificio di Isacco di Caravaggio  Sacrificio di Isacco di Domenichino Sacrificio di Isacco del Cigoli  Sacrificio di Isacco di Giovanni nfranco Sacrificio di Isacco di Andrea nzani  Sacrificio di Isacco di Rembrandt  Sacrificio di Isacco di Tiepolo  Sacrificio di Isacco di Marc Chagall

Prompt: In the context of The Sacrifice of Isaac (Rembrandt), explain the Paintings and the The ethical problem of the sacrifice of Isaac in the philosophy of Kierkegaard.Please output in Italian.

Andrea del Sarto
Caravaggio
Domenichino
Sacrificio di Isacco
Isacco
Jacopo Ligozzi
Marc Chagall


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Profilo d'uomo

Il Profilo d'uomo o Ritratto virile è un dipinto, tempera su tavola , attribuito ad Andrea Mantegna con datazione oscillante tra il 1448-1450 e il 1460-1462. Si trova conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Profile of a Man (Mantegna).Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Dama con scoiattolo e storno

Il dipinto mostra una giovane donna vestita pudicamente seduta, attorniata da uno sfondo blu che porta in grembo uno scoiattolo alla catena mentre mangia una noce; uno storno siede su un ramo dell'albero di fico sullo sfondo e punta il suo becco al suo orecchio destro.

Prompt: How does Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Daniele

Dániel Berzsenyi, poeta ungherese Dániel Gyurta, nuotatore ungherese Dániel Kiss, ostacolista ungherese Dániel Magay, schermidore ungherese Dániel Tőzsér, calciatore ungherese Dániel Varga, pallanuotista ungherese

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Variant Daniel and the People.Please output in Italian.

Dániel Berzsenyi
Dániel Gyurta
Dániel Kiss
Dániel Magay
Dániel Tőzsér
Dániel Varga


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Giochi di bambini

L'opera, citata da van Mander nel 1604, venne acquistata nel 1594 dall'arciduca Ernesto d'Asburgo. Nel 1784 comparì nel catalogo di Chrétien de Mechel.

Prompt: How does Children's Games (Bruegel) explain its History?Please output in Italian.


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Ritratto di Giovanna Tornabuoni

Il Ritratto di Giovanna Tornabuoni è un dipinto a tempera su tavola  di Domenico Ghirlandaio, datato 1488 e conservato nel Museo Thyssen-Bornemisza a Madrid.

Prompt: How does Portrait of Giovanna Tornabuoni explain its Abstract?Please output in Italian.

1488
Domenico Ghirlandaio
Madrid
Museo Thyssen-Bornemisza


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Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: Explain the Technique of singing about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (El Greco Benaki)

LAdorazione dei Magi è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1565-1567 e conservato al Museo Benaki ad Atene in Grecia. Insieme a San Luca dipinge la Madonna col Bambino è la più occidentale prime delle opere di El Greco, fortemente influenzata dal manierismo italiano.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (El Greco) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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L'entrata di Cristo a Bruxelles nel 1889

Come annunciato dal titolo, il disegno raffigura un ipotetico ingresso trionfale di Gesù nella capitale del Belgio, in onore del quale viene realizzata un'immensa parata, talmente sgargiante e carnevalesca da apparire ridicola e quasi sinistra.  cittadinanza è accorsa in massa all'evento, tuttavia nessuno dei partecipanti ha lo sguardo rivolto verso il Cristo: c'è chi chiacchiera, chi giudica, chi critica, chi si diverte, chi si fa largo, addirittura chi si bacia. Questa circostanza è fortemente simbolica: rappresenta l'allontanamento del popolo dai valori del Vangelo.Circondato da un'anacronistica aureola, il Cristo ignorato da tutti è entrato umilmente a Bruxelles a dorso di mulo e sembra salutare  qualcuno ma è praticamente oscurato dalla moltitudine che arrogantemente si mette in primo piano; inoltre il Messia ha i tratti somatici del pittore ed è l'unica figura che non indossa una maschera: ciò avviene perché Ensor voleva raffigurare la propria emarginazione e il rifiuto della sua funzione moralizzatrice da parte della società. Il quadro è quindi una denuncia della società formata da uomini privi di personalità e facilmente strumentalizzabili: non a caso la gente è trascinata da un gendarme  e più indietro, alla destra del Cristo, è evidente la scritta Fanfara dottrinaria, che ribadisce il vuoto indottrinamento della massa circostante.L'impostazione prospettica del dipinto secondo un punto di vista centrale focalizza l'attenzione sul Cristo che avanza, mentre due blocchi laterali di figure in primo piano incanalano la processione entro una profondità spaziale affollata ma ben chiaramente strutturata; il disegno è intenzionalmente grossolano, affidato a linee spezzate di grande potere emotivo, con deformazioni di stampo espressionista, autonome rispetto al colore, con una loro precisa valenza segnica, mentre il colore - che gioca un ruolo determinante in dialogo paritario con il segno, violento ed acceso nel trionfo dei rossi stesi in pennellate brevi e nervose - anticipa il fauvismo nel libero antinaturalismo e nelle controllate dissonanze.

Prompt: In Christ's Entry Into Brussels in 1889, how is the Analysis discussed?Please output in Italian.


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Pala Trivulzio

L'opera, che deve il suo nome alla collezione del principe Luigi Alberico Trivulzio, venne realizzata originariamente per l'altare maggiore della chiesa di Santa Maria in Organo a Verona. Un cartiglio tenuto da uno degli angeli in basso riporta la firma dell'artista  e la data , che colloca l'opera a un solo anno di distanza dalla Madonna della Vittoria , con la quale presenta molte affinità tecniche, compositive e stilistiche.

Prompt: Explain the History of this artwork, Trivulzio Madonna.Please output in Italian.


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deposizione di Cristo nel sepolcro

Madonna di ManchesterOpere di MichelangeloDeposizione di Gesù

Prompt: In Lamentation of Christ (van der Weyden), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Deposizione di Gesù
Madonna di Manchester
Madonna di Manchester
Opere di Michelangelo


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Bambini dell'Olocausto

L'interesse sui bambini italiani dell'Olocausto all'inizio si concentrò quasi esclusivamente sui deportati ad Auschwitz e sui pochi sopravvissuti. Già nell'aprile 1945 Luigi Ferri testimoniò  davanti ad una Commissione d'inchiesta sui crimini nazisti a Cracovia. In Italia la prima a far sentire la sua voce fu Arianna Szörényi con un articolo comparso sullUnità dell'11 marzo 1976, in occasione del processo per i crimini alla Risiera di San Sabba. Numerosi furono poi coloro che da anziani fecero da testimoni nelle scuole e nei mezzi di informazione . Tra le vittime il caso che ha ricevuto maggior attenzione è quello di Sergio De Simone, morto ad Amburgo dopo essere stato usato con altri 19 bambini di varia nazionalità come cavia per esperimenti sulla tubercolosi. Talora essi erano parte di gruppi organizzati di profughi, come coloro che nel maggio 1940 da Trieste si erano recati a Bengasi nella speranza di un passaggio per la Palestina o i passeggeri della nave Pentcho partita da Bratislava e naufragata vicino a Rodi nell'ottobre 1940. Non tutti i bambini rifugiati arrivarono in Italia accompagnati da familiari, molti vi giunsero ormai orfani, come i bambini di Nonantola sfuggiti agli eccidi nei Balcani nel 1942. Dopo l'8 settembre 1943 tutti i bambini ebrei che si trovarono nei territori sotto occupazione tedesca per evitare le deportazioni dovettero vivere in clandestinità o affrontare la fuga in Svizzera, spesso separati dalle loro famiglie. Alcuni furono vittime di eccidi come l'Olocausto del go Maggiore o l'eccidio delle Fosse Ardeatine. Oltre ai deportati ad Auschwitz, molti furono i bambini di origine italo-libica che furono trasferiti a Bergen-Belsen. Tutti gli ebrei italiani che furono bambini in quegli anni e sopravvissero alla guerra sono in una forma o nell'altra superstiti dell'Olocausto.Tra le prime persone che nelle loro memorie attirarono l'attenzione sulla loro esperienza di bambini sopravvissuti alla Shoah italiana ci sono Emanuele Pacifici, Lia Levi, Aldo Zargani, e altri. Nel 2013 lo storico Bruno Maida pubblicò uno studio generale sulla Shoah dei bambini in Italia, che per la prima volta analizzò il fenomeno nella sua globalità.Dopo l'8 settembre 1943, l'Olocausto in Italia non interessò soltanto i bambini ebrei ma anche un largo numero di bambini non ebrei perseguitati per motivi politici in quanto direttamente o indirettamente coinvolti nella lotta di liberazione. Molti bambini e adolescenti - tra cui anche ebrei - si unirono giovanissimi alle formazioni partigiane o ai movimenti clandestini di resistenza. Alcuni di loro caddero in azioni di combattimento: Gennaro Capuozzo e Filippo Illuminato durante le Quattro giornate di Napoli; Ugo Forno a Roma; Franco Cesana e Luciano Domenico nel Nord-Italia. Altri pagarono il loro impegno con la vita o la deportazione: Duilio Cibei, vittima a 15 anni dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine a Roma; Franco Centro, Beniamino Cobianchi, e Roberto Di Ferro, fucilati; Marcello Martini e Franco Cetrelli, deportati al campo di concentramento di Mauthausen. Oltre 1.500 bambini furono vittime di stragi e rappresaglie: 130 nell'eccidio di Sant'Anna di Stazzema, più di 200 nella strage di Marzabotto, gli altri nei numerosi eccidi cosiddetti "minori". Bambini furono anche molti dei pochi testimoni diretti di quelle stragi, come Leopolda Bartolucci a Sant'Anna di Stazzema.Se i bambini italiani superstiti dell'Olocausto poterono generalmente trovare una famiglia, parenti o amici che li accogliessero, nell'immediato dopoguerra l'Italia divenne un importante luogo di transito per centinaia di bambini ebrei rimasti orfani e completamente soli, che dai paesi dell'Est europeo cercavano di raggiungere la Palestina. Le organizzazioni ebraiche istituirono delle colonie, dove essi potessero essere raccolti e preparati per l'emigrazione. Il nucleo più importante fu quello degli 800 bambini di Selvino radunati dalla Brigata ebraica nell'ex-colonia di Sciesopoli a Selvino nel bergamasco.

Prompt: Explain the The Holocaust in Italy of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Aldo Zargani
Arianna Szörényi
Beniamino Cobianchi
Cracovia
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Emanuele Pacifici
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
Gennaro Capuozzo
Italia
Leopolda Bartolucci
Lia Levi
Luciano Domenico
Olocausto
Olocausto in Italia


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Cento vedute famose di Edo

Le Cento vedute sono l'estensione dell'interesse per i meisho, i luoghi ed i paesaggi celebri, temi tradizionali della poesia e della pittura giapponesi dal periodo Heian .All'inizio del periodo Edo, era fortemente presente la moda del meisho ki, le «guide dei luoghi celebri», di cui una delle prime rappresentazioni fu il Kyō warabe di Nakagawa Kiun, pubblicato nel 1658. Fiorirono parecchie guide di Edo: nel 1662 fu pubblicata una guida composta da sette volumi di Asai Ryōi, lEdo meisho ki, che fece un inventario estremamente dettagliato della capitale e dei dintorni; l'insieme è da disegni in bianco e nero. Nel 1677 fu ugualmente pubblicato lEdo suzume  in dodici volumi; le illustrazione furono realizzate da amici dell'autore, Hishikawa Moronobu, originario di Tokyo.

Prompt: In the context of One Hundred Famous Views of Edo, explain the I am a guide of famous places. and the Evolution Hiroshige work.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Business names of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Conseguenze della guerra

A strappare Marte dall'abbraccio di Venere è la Discordia, qui rappresentata dalla Furia Aletto, che con un braccio tira verso di sé il dio e con l'altro regge una torcia accesa. Nella mitologia classica "l'irrefrenabile" non concedeva tregua alle sue vittime ed era per l'appunto raffigurata con una fiaccola in mano, che veniva agitata sopra la testa di quelli che intendeva punire. Dopo Virgilio, la letteratura aveva fatto ricorso a tale figura ogni volta che era necessario sottolineare l'aspetto ferino e incontenibile dei conflitti.Essa compare raramente nei dipinti. Gli antichi la consideravano la maestra degli agguati e delle trasformazioni, tanto terribile da intimidire anche il dio degli Inferi. Si può dunque ritenere che il pittore volesse sottolineare la natura ingannevole di una scelta militare come soluzione dei conflitti politici, alludendo alla furia dei combattimenti e all'inconciliabilità tra la “guerra opportuna” e la “guerra giusta”.Dietro la Furia – quasi immersi nel fumo di incendi o dei combattimenti - si intravedono dei mostri, che simboleggiano la Peste e la Carestia, due calamità che accompagnano sempre la guerra, contribuendo a renderne ancor più devastanti gli effetti, con conseguenze ben più durevoli dei soli combattimenti.

Prompt: Explain the Discord. about the Description of this artwork, Consequences of War.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Botticelli, Avignon)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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I figli di Edoardo

Dipinto in stile troubadour, il quadro è incentrato sul tema dei principi nella Torre, ossia Edoardo V d'Inghilterra e Riccardo di Shrewsbury, imprigionati nella Torre di Londra per volere del consiglio di reggenza dopo la morte del padre Edoardo IV. I due figli furono dichiarati illegittimi attraverso l'atto noto come Titulus Regius, così il consiglio di sicurezza decretò come successore il loro zio, divenuto Riccardo III d'Inghilterra. I due bambini si stringono l'uno contro l'altro, intuendo la loro sorte funesta, quella di essere assassinati: il loro assassinio sarebbe stato ordinato, senza che gli storici e gli specialisti di questo periodo ne siano d'accordo, dal loro zio Riccardo. Il cane in allerta, la luce sotto la porta e lo sguardo inquieto di uno dei bambini in quella direzione suggeriscono un'entrata imminente e accentuano la tensione drammatica.L'episodio dei principi nella Torre era anche al centro della fine di un atto dell'opera teatrale Riccardo III di William Shakespeare, che conosceva una buona diffusione nella Francia di allora grazie all'amore per i romanzi inglesi dovuto alle opere di Walter Scott. Vari elementi della tela danno un'atmosfera medioevale: uno dei due fanciulli tiene un libro in mano nel quale c'è una  dell'Annunciazione di Maria; il medaglione con un'opera di oreficeria; la decorazione del letto. Degli elementi tipicamente inglesi sono gli emblemi reali della famiglia dei principi ai piedi del letto e il nastro dell'ordine della Giarrettiera sulla gamba di uno dei due.

Prompt: In The Children of Edward, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Annunciazione
Edoardo V d'Inghilterra
Londra
Riccardo III d'Inghilterra
Torre di Londra
Walter Scott
William Shakespeare


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Schiavo morente

I due "schiavi" del Louvre risalgono al secondo progetto per la tomba di Giulio II, quello concordato con gli eredi Della Rovere nel maggio 1513. Sebbene fosse stato accantonato il gigantesco mausoleo iniziale, l'opera era ancora molto monumentale, con un corredo scultoreo decisamente ricco, e Michelangelo si mise subito all'opera. Tra le prime opere completate ci sono appunto i due Prigioni, ribattezzati "Schiavi" solo nell'Ottocento, destinate alla parte inferiore del monumento funebre, a ridosso dei pilastri che incorniciano le nicchie con le Vittorie: la loro posa quindi doveva potenziare plasticamente l'architettura, per questo essi hanno una veduta principale di grande effetto, ma sono meno curate del solito quelle laterali. datazione delle due statue è confermata da una lettera di Michelangelo a Marcello dei Covi, in cui parlò di una vista di Luca Signorelli nella sua casa romana mentre lavorava a "una figura di marmo, ritta alta quattro braccia, che à le mani dietro".Tutti i Prigioni, che rimasero nello studio dell'artista, vennero eliminati dal monumento nel progetto finale del 1542. Nel 1546 Michelangelo donò le due opere del Louvre a Roberto Strozzi, per la generosa accoglienza ricevuta nella sua casa romana durante le malattie del luglio 1544 e del gennaio 1546. Quando lo Strozzi fu esiliato a Lione, per la sua opposizione a Cosimo I de' Medici, si fece inviare le due statue nell'aprile 1550. Nell'aprile del 1578 vennero viste sotto due nicchie nel cortile del castello del connestabile di Montmorency a Écouen, nei pressi di Parigi.Nel 1632 furono regalate da Enrico II di Montmorency al cardinale Richelieu, che le fece mettere nel suo castello di Poitou , dove vennero viste da Gianlorenzo Bernini in viaggio, che ne fece anche un'illustrazione.Nel 1749 l'allora Duca di Richelieu le fece portare a Parigi, nel Pavillon de Hanovre. Furono sequestrate nel 1793, quando la vedova dell'ultimo dei marescialli di Richelieu tentò di metterle in vendita, diventando di proprietà governativa e confluendo nelle collezioni che oggi sono al Louvre.Esistono alcuni bozzetti assimilabili allo Schiavo morente, tra cui uno al British Museum a Londra.

Prompt: In Dying Slave, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Ritratto di Minerva Anguissola

Angela Ghirardi, Una ricerca iconografica nel cenacolo delle Anguissola: i ritratti di Minerva, 1992, pp 509-511   Testi di Marco Carminati e altri.  Edizione italiana a cura di Maria Gregorio; introduzione di Natalia Aspesi.

Prompt: Focus on Portrait of Minerva Anguissola (Milan) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, St Sebastian between St Roch and St Peter.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Bambini Graham

L'opera ritrae i quattro figli del farmacista della Corte inglese Daniel Graham. Entrò in galleria nel 1934.

Prompt: In The Graham Children, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Bellezza

Anche le formule matematiche possono essere considerate belle .  formula di Eulero:  è comunemente considerata uno dei più bei teoremi della matematica .<br /> poetessa Edna St. Vincent Millay scrisse che "soltanto Euclide ha guardato nella nuda bellezza", alludendo all'austera bellezza che molte persone trovano nel ragionamento matematico connesso alla geometria euclidea.Altro legame tra matematica e bellezza che ha giocato un ruolo prominente nella filosofia di Pitagora era la possibilità di disporre e arrangiare i toni musicali in sequenze matematiche, che si ripetono a intervalli regolari chiamati "ottave". cosiddetta "proporzione aurea", rappresentata dalla lettera greca Phi, e approssimativamente uguale a 1,618, è stata considerata da molti "bella". Viene anche chiamata la "divina proporzione" ed è spesso riscontrata in natura. Per esempio, nella conchiglia di un nautilus, il rapporto tra sezioni successive è circa 1,618.: Possiamo trovare parallelismo tra la bellezza matematica e le altre: Corrispondenza al vero, p. es. nelle equazioni che descrivono accuratamente un fenomeno fisico. Per le equazioni di Benoît Mandelbrot si è visto che spesso determinano grafici con proporzioni di tipo vitruviano, oppure si possono rappresentare graficamente in forme simili a generici alberi, montagne, nubi, ecc. Perfezione , come nel quadrato panmagico di Nasik o nel Cubo magico 5x5x5.

Prompt: In The Beauty, how is the Objective criteria in the evaluation of mathematical beauty of the Introduction explained?Please output in Italian.

Benoît Mandelbrot
Cubo magico 5x5x5
Edna St. Vincent Millay
Euclide
Perfezione
Pitagora


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Ritratto di giovane dama

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo, variamente attribuiti dalla critica a uno dei due fratelli del Pollaiolo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Tradizionalmente queste opere sono state riferite a Piero, ma la critica recente  ha riproposto con forza il nome di Antonio.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi  o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Prompt: In Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo), how is the History discussed?Please output in Italian.

1879
1951
Andrea della Robbia
Berlino
Borromeo
Boston
Firenze
Giovanni Battista Cavalcaselle
Italo Lupi
New York
Strozzi


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Polittico Averoldi

L'opera arriva a Brescia nello stesso maggio del 1522 e viene montata all'altare maggiore della chiesa della collegiata, all'interno di una ricca cornice in legno dorato, probabilmente molto estesa. Il polittico trova subito a protezione due grandi antoni dipinti dal Moretto, raffiguranti i due santi titolari della chiesa.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the arrival Brescia of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia Canigiani

tavola venne quasi certamente dipinta per il fiorentino Domenico Canigiani , forse in occasione delle nozze con Lucrezia Frescobaldi, nel 1507. Passata in seguito nelle raccolte medicee, fu donata da Cosimo III a Giovanni Guglielmo del Palatinato in occasione delle nozze di questi con la figlia Anna Maria Luisa de' Medici. Andò così a decorare il palazzo di Düsseldorf e più tardi, nel 1801, venne trasferita a Monaco, per allontanarla dalle mire di Napoleone. datazione al 1507, o tutt'al più al 1508, si basa su dati stilistici, che legano l'opera agli ultimi anni del soggiorno fiorentino di Raffaello, come la Sacra Famiglia con l'agnello e la Deposizione Borghese.Il restauratore François-Louis Collins, verso il 1755 nascose sotto ad un cielo azzurro i due gruppi incompiuti di angioletti in volo fra le nubi vicino agli angoli, in quanto mutilati da un precedente accorciamento della tavola, che in seguito abrase completamente per fare aderire meglio la ridipintura del cielo. Essi appaiono dopotutto in una copia antica dell'opera, nella galleria Corsini a Roma. Considerati non originali alla fine dell'Ottocento, gli angeli sono stati riscoperti nel 1982, quando in seguito a un meticoloso restauro se ne è certificata l'autografia.Un'altra replica antica dell'opera si trova alla Galleria nazionale delle Marche a Urbino.

Prompt: In Canigiani Holy Family, how is the History discussed?Please output in Italian.

1507
1508
1801
1982
Anna Maria Luisa de' Medici
Canigiani
Deposizione Borghese
Düsseldorf
Frescobaldi
Galleria nazionale delle Marche
Giovanni Guglielmo del Palatinato
Sacra Famiglia con l'agnello
Urbino


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Sera

sera  è una parte del giorno corrispondente all'ultimo quarto dell'ideale partizione delle 24 ore giornaliere. È la parte di giorno che intercorre tra il tramonto e la mezzanotte.Culturalmente, vi sono diverse interpretazioni sull'inizio e la fine della sera. In lingua inglese si segue il fenomeno naturale, indicando la sera come il periodo in cui la luce diurna diminuisce, collocata quindi tra il tardo pomeriggio, e il tramonto del sole, cui segue la notte.

Prompt: In Evening (painting), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Regno di MacedoniaSchieramento2=20pxbordo Impero PersianoComandante1=Alessandro MagnoComandante2=Dario III di PersiaEffettivi1=40000 totali Effettivi2=100.000 tra fanti e cavalieriPerdite1=7000Perdite2=30.000 }} battaglia di Isso si svolse nell'Anatolia meridionale, a sud dell'antica città costiera di Isso, situata al confine tra la Cilicia e la Siria. Nel novembre del 333 a.C. le forze di Alessandro Magno, sovrano di Macedonia, affrontarono e sconfissero i persiani di Dario III, aprendo la strada alla conquista macedone della Fenicia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Alexander Mosaic.Please output in Italian.

333 a.C.
Alessandro Magno
Anatolia
Anatolia
Cilicia
Fenicia
Persia


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: Explain the In the ancient Church about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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Sacra Famiglia con le tre lepri

L'opera, siglata col monogramma dell'artista in basso al centro, risale al 1498, quando l'artista lavorava a Norimberga come incisore.

Prompt: Focus on The Holy Family with Three Hares and explain the History.Please output in Italian.


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Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: Describe the characteristics of the Theangelsbringtherevelation in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

L'opera, destinata al convento di Sant'Antonio di Perugia venne cominciata poco dopo il rientro da Roma, verso il 1460. Come il Polittico della Misericordia si tratta di un'opera di impostazione arcaica, sicuramente su richiesta dei committenti, con le figure principali dipinte su un prezioso fondo d'oro e con un motivo che imita le stoffe preziose, forse ispirato a modelli iberici che l'artista poteva aver visto durante il soggiorno romano. Decisamente moderno è invece il riquadro superiore dellAnnunciazione.

Prompt: Focus on Polyptych of Perugia and explain the History.Please output in Italian.

1460
Polittico della Misericordia
Perugia
Polittico della Misericordia
Roma


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The Life Electric

larghezza = profondità = città = Comoubicazione = Diga foranea}}The Life Electric è una scultura disegnata da Daniel Libeskind, realizzata nel 2015 e collocata a Como, sulla diga foranea.

Prompt: In Life Electric, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Un giovane Sherman in uniforme militareIl senatore Ewing fece in modo di assicurare un posto al sedicenne Sherman come cadetto nell'accademia di West Point , dove strinse amicizia con un altro futuro generale della guerra civile, George H. Thomas. Sherman eccelleva nell'ambito accademico e si distinse come uno degli allievi più brillanti, anche se era alquanto intollerante alla ferrea disciplina e trattava il sistema dei demeriti con malcelata indifferenza.Il collega William Starke Rosecrans avrebbe in seguito ricordato Sherman a West Point come "uno dei compagni più brillanti e maggiormente popolari" e "un tipo dagli occhi luminosi, con una testa sfolgorante dai folti capelli rossi, che era sempre pronto a uno scherzo di qualsiasi tipo, proprio come un bambino". A proposito del periodo trascorso in Accademia Sherman stesso dice solo quanto segue nelle sue Memorie:Dopo il diploma, conseguito nel 1840, entrò nell'esercito come sottotenente, nel 3º Corpo d'artiglieria, di stanza nel sud; il suo "battesimo del fuoco" avvenne nel Territorio della Florida negli ultimi anni della seconda guerra seminole .Più tardi fu dislocato in Georgia e nella Carolina del Sud dove venne promosso al grado di tenente. In quanto figlio adottivo di un importante politico Whig, a Charleston cominciò a frequentare i circoli più in vista della società del profondo Sud.Mentre molti dei suoi colleghi dovettero sperimentare come coscritti la guerra con il Messico, fortemente voluta dal presidente Polk, Sherman svolse invece compiti amministrativi nel territorio appena acquisito della repubblica della California. Insieme ai commilitoni luogotenenti Henry Halleck ed Edward Ord si imbarcò da New York per il viaggio di 198 giorni intorno a Capo Horn a bordo dello sloop convertito USS Lexington. A causa degli spazi limitati a bordo Sherman si avvicinò notevolmente sia a Halleck sia a Ord e nelle sue Memorie fa riferimento a un'escursione compiuta con Halleck fino alla cima del Corcovado, che domina Rio de Janeiro.Nel 1848 accompagnò il governatore militare della California, il colonnello Richard Barnes Mason, nel sopralluogo che confermò ufficialmente che era stato scoperto l'oro nella regione, inaugurando così la grande corsa all'oro californiana. Sherman, sempre insieme con Ord, assistette anche alle ispezioni di sondaggio per creare le sottodivisioni della città che sarebbe diventata Sacramento.Ottenne una promozione temporanea al grado di capitano per i suoi "servizi meritori", ma il fatto di non essere stato assegnato in una zona militare attiva e, quindi, la mancanza di un incarico di combattimento lo scoraggiò e ciò potrebbe aver contribuito alla sua decisione di rassegnare le dimissioni dall'esercito. Fu uno dei pochi ufficiali di alto rango durante la guerra civile a non aver mai combattuto nel conflitto contro i messicani.

Prompt: Describe the characteristics of the Training and military service in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Service  civil  war.Please output in Italian.

California
Capo Horn
Carolina del Sud
Edward Ord
Florida
George H. Thomas
Henry Halleck


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: How does The Crucifixion (Paleokapas) explain its Historical crucifixions?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini consta di 4 scomparti indipendenti dipinti su entrambi i lati  per un totale di 8 ante. Le 8 ante riportano le seguenti raffigurazioni:Andata al Calvario . Conservato oggi al Musée du Louvre, Parigi.Crocifissione . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Deposizione dalla Croce . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Seppellimento di Cristo . Conservato oggi allo Staatliche Museen, Gemäldegalerie, Berlino.Arcangelo Gabriele Annunciante . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Vergine Annunciata . Conservato oggi al Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anversa.Stemmi della famiglia Orsini . Conservato oggi al Musée du Louvre, Parigi.Stemmi della famiglia Orsini . Conservato oggi allo Staatliche Museen, Gemäldegalerie, Berlino.Le 2 ante con gli stemmi della famiglia Orsini  sono ancora sul retro  dei corrispondenti pannelli raffiguranti lAndata al Calvario e il Seppellimento . Le 2 ante dellAnnunciazione sono invece disgiunte dai corrispondenti pannelli, ma in origine rappresentavano il retro  delle due ante raffiguranti la Crocifissione e la Deposizione dalla Croce . Quando il polittichetto era aperto, a svolgere la sua funzione di altarolo portatile in mostra, erano visibili le 4 scene della Passione di Cristo sul davanti , mentre sul retro rimanevano le restanti 4 raffigurazioni . Quando il polittichetto era invece ripiegato per favorirne il trasporto, le 4 scene della Passione di Cristo rimanevano nascoste all'interno, mentre all'esterno erano visibili le 2 ante con gli stemmi di famiglia Orsini  e le 2 ante con lAnnunciazione .

Prompt: How does Orsini Altarpiece explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Diversification birth main branches of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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La morte di Giacinto

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Death of Hyacinthos.Please output in Italian.

Apollo
Apollo et Hyacinthus
Hyacinthus
Pederastia greca


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Suonatore di liuto

Si ritiene, data l'estrema somiglianza estetica col Bacco degli Uffizi, che a posare per entrambe le opere sia stato lo stesso modello. Una parte della critica lo identifica col pittore siciliano Mario Minniti, amico di scorribande, e forse amante, di Caravaggio. Come proposto da Frommel, il modello , mostra maggiore consapevolezza e professionalità nel tenere le mani sul liuto e la sua camicia bianca ha più pieghe e ha i ricami. Scrive Frommel: la "figura rappresentata diventa più persona" favorendo maggiormente l'impressione di un "dirimpettaio animato".Altri lo identificano col castrato spagnolo Pedro Montoya, che in quegli anni era cantore nella Cappella Sistina; non a caso, il fanciullo ha le labbra dischiuse, come se stesse cantando accompagnandosi con lo strumento.Di notevole bellezza è la natura morta di strumenti musicali sul tavolo che sembra fare da contrappunto alla gestualità morbida delle mani che toccano le corde. Lo sguardo languido e la bocca socchiusa del suonatore sono un esempio della sensualità dei modelli ritratti da Caravaggio nei dipinti del suo primo periodo romano.L'elemento più pregevole del dipinto è sicuramente la doppia natura morta sul tavolo, rappresentata dai frutti , dai fiori disposti nel vaso di cristallo che riflette la luce, e dallo spartito musicale. Quest'ultimo, analogamente a quello presente nel Riposo durante la fuga in Egitto, è stato identificato dai musicologi che vi hanno ipotizzato quattro madrigali dal Primo libro di madrigali a quattro voci di Jacques Arcadelt : Chi potrà dir quanta dolcezza provo, Se la dura durezza in la mia donna, Voi sapete ch'io v'amo anzi v'adoro, Vostra fui e sarò mentre ch'io viva. Tutti i madrigali trattano di temi amorosi e passionali. Nel dipinto del Metropolitan, in alto a sinistra , sulla parete, è collocata una gabbietta con dentro un uccellino che probabilmente simboleggia il suono naturale. Tuttavia, come ha proposto di recente Giacomo Berra, esso richiama una poesia di Luigi Tansillo in cui il poeta, solitario e innamorato, si riconosce nell'uccellino in gabbia che amerebbe la libertà dall'amata, ma ne ha timore e non vorrebbe restare senza di lei. Il quadro, quindi, sarebbe un invito ai piaceri dell'amore e alle gioie della vita attraverso le arti , nonché ai piaceri terreni . "dedica" al Giustiniani è stata individuata nel solo originale nella grande "V"  dipinta come capolettera della partitura, in realtà dell'unico verso vergato "Voi sapete che v'amo", senza dimenticare che Giambattista Marino, identificandovisi, dedicò a Caravaggio e a questo dipinto almeno una sua strofa. Nel solo quadro dell'Ermitage compare il titolo della canzone "Caltus".Il dipinto del Metropolitan Museum di New York, presenta una iconografia diversa rispetto a quello dell'Ermitage, sebbene la radiografia ne abbia rivelato una originaria medesima disposizione degli oggetti poi variati in seguito: su di un tavolo coperto da un tappeto orientale che accentua lo spazio e la distanza fra il suonatore e lo spettatore, sono collocati un flauto dolce, al centro in primo piano e, a sinistra, al posto del vaso di fiori, un virginale. Una partitura raffigura un madrigale di Francesco de yolle , tratto dal suo Libro Primo dei Madrigali, dal titolo ssare il velo, l'altra è intitolata Perché non date voi.

Prompt: How does The Lute Player (Caravaggio) explain its Description and style?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Jacques Arcadelt
Mario Minniti
Ermitage
Pedro Montoya


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monumento a Leonardo da Vinci

Il Magni si mise all'opera, ma l'esito della Seconda guerra d'indipendenza lo costrinse a rivolgersi prima a Urbano Rattazzi, all'epoca ministro dell'interno, e poi a Cavour, presidente del Consiglio dei ministri. Infatti il governo riteneva di non avere alcun obbligo nei confronti del Magni poiché il concorso non era stato approvato dalle autorità e l'importo di spesa previsto per la sua opera era maggiore di quello stabilito dal concorso. Cavour incaricò comunque Massimo d'Azeglio, governatore di Milano, di esaminare la situazione nello studio dello scultore e prendere una decisione.Il d'Azeglio non solo confermò il progetto ma suggerì anche delle modifiche essenziali che fecero aumentare il costo del monumento..</ref>}}Il Magni partì per Bologna come alfiere della Guardia Nazionale e al suo ritorno nel 1861 trovò come nuovo governatore Giuseppe Pasolini; per cercare di ottenere conferma dell'incarico di realizzare il monumento, egli contattò perciò l'Accademia, il d'Azeglio , il governatore Pasolini, il sindaco di Milano Antonio Beretta e il presidente del Consiglio dei ministri Bettino Ricasoli.Per la realizzazione del monumento venne stimato un valore di circa 100.000 lire . Nel 1862 le autorità richiesero modifiche al progetto per ridurre la spesa a lire 90.200 e il Comune di Milano si impegnò per un contributo di 20.000 lire.Il Magni portò avanti il monumento sobbarcandosi spese per i materiali; nel 1867 però non aveva ricevuto pagamenti e la pratica ministeriale non aveva fatto progressi. Decise allora di approfittare dell'inaugurazione della galleria a fianco della piazza della Scala, prevista per il 15 settembre; posizionò a proprie spese un modello del monumento per l'intero mese di settembre, sperando che le autorità, vedendolo, avrebbero finalmente permesso il completamento dell'opera.Nel 1868 gli fu comunicato che il governo intendeva riconoscergli solamente l'importo originario del concorso, pari a circa 52.000 lire italiane; anche contando le 20.000 per cui si era impegnato il comune di Milano, egli avrebbe subito una perdita netta di almeno 15.000 lire per spese vive.Come ultima speranza, nel 1879 il Magni scrisse al Filippo Antonio Gualterio, ministro della Real Casa, per cercare di ottenere un intervento del sovrano, ma inutilmente. Nello stesso periodo gli venne presentata una diffida dal Regio Demanio perché in ritardo con il pagamento dell'affitto dei locali che utilizzava per il suo studio; all'inizio del 1870 gli vennero sequestrati tutti i modelli e tutti i lavori per essere messi all'asta. Giovanni Battista Brambilla li acquistò tutti per restituirli allo scultore.Vista l'impossibilità di ottenere quanto dovuto, il Magni nell'agosto 1870 presentò un atto di diffida giudiziale al Ministero della pubblica istruzione. Infine con il contratto stipulato il 23 marzo 1871 riuscì in totale ad ottenere 72.000 lire.Secondo Ettore Verga, l'ostilità generale verso la realizzazione del monumento non era dovuta allo scultore Magni, ma all'origine stessa del monumento. Fu Elia Lombardini, a capo dell'ufficio delle pubbliche costruzioni sotto il governo austriaco, a proporne la realizzazione e fu lo stesso Lombardini che cercò di farlo accettare dopo l'Unità d'Italia presentando Leonardo come «vero creatore della scienza idraulica».

Prompt: Explain the Achievement about the Criticisms of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.

Antonio Beretta
Bettino Ricasoli
Elia Lombardini
Ettore Verga
Giuseppe Pasolini
Massimo d'Azeglio
Milano
Urbano Rattazzi


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Polittico Averoldi

L'opera arriva a Brescia nello stesso maggio del 1522 e viene montata all'altare maggiore della chiesa della collegiata, all'interno di una ricca cornice in legno dorato, probabilmente molto estesa. Il polittico trova subito a protezione due grandi antoni dipinti dal Moretto, raffiguranti i due santi titolari della chiesa.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the arrival Brescia and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Musica

upright=0.8Nel Seicento la musica strumentale in occidente divenne autonoma ed assunse una fisionomia delineata in generi come la sonata, la sinfonia, il concerto grosso.  musica occidentale si sviluppò con straordinaria rapidità attraverso i secoli successivi, anche perfezionando il suo sistema tonale: una pietra miliare è costituita dalle composizioni di Johann Sebastian Bach del Clavicembalo ben temperato .Nella prima metà del Settecento sorse la committenza indiretta, vale a dire la fruizione dell'arte da parte di un pubblico pagante.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Baroque tonal system and the The studio.Please output in Italian.


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The Old Plantation

The Old Plantation è un'opera d'arte popolare realizzata su acquerello. L'opera fu realizzata verso la fine del diciottesimo secolo in una non meglio specificata piantagione di cotone della Carolina del Sud.Il quadro ritrae schiavi afroamericani tra due piccoli edifici, mentre sullo sondo è possibile vedere un campo. Si tratta dell'unica opera della fine del diciottesimo secolo che ritrae esclusivamente afroamericani. Nonostante il quadro sia stato per molto tempo al centro delle attenzioni di studiosi e critici d'arte, l'attività che svolgono le persone ritratte in questo dipinto rimane ancora ignota. Secondo alcuni il quadro ritrae una festa di matrimonio mentre secondo altri i soggetti ritratti sul dipinto svolgono delle danze cerimoniali probabilmente originarie dell'Africa occidentale. Si possono scorgere inoltre due musicisti uno dei quali suona un molo, mentre il secondo sembra suonare una gudugudu.Il quadro fu acquistato per Abby Aldrich Rockefeller da parte di Mary E. Lyles originaria della Carolina del Sud, che affermò che il quadro fosse stato dipinto in una piantagione che si trovava tra Charleston e Orangeburg, da uno dei suoi antenati.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Old Plantation.Please output in Italian.

Abby Aldrich Rockefeller
Africa occidentale
Carolina del Sud


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Armatura

Nella Grecia antica, l'oplita portava una corazza  metallica a due piastre per la protezione del busto e gli schinieri  per proteggere le gambe. L'elmo , ornato di cimiero, copriva l'intera testa ed era equipaggiato di protezione nasale. Portava inoltre uno scudo  in legno, rotondo e di grande taglia, con al centro una borchia di metallo per maggiore solidità. L'armatura era realizzata in bronzo.  cotta di maglia ebbe larga diffusione in Europa tra IV e III secolo a.C., quando cioè le bande armate dei Celti si sparsero in lungo e in largo per il continente, raggiungendo il Mediterraneo e la Penisola Anatolica.L'esercito romano adottò vari tipi di armature.  corazza a struttura rigida col tempo lasciò il posto alla lorica, che poteva essere a scaglie di metallo , a placche di metallo lorica segmentata e in maglie di metallo . Gli scudi più diffusi furono il clipeus di foggia rotonda e lo scudo incurvato rettangolare. Completavano l'armatura gli schinieri e l'elmo, di varie fogge, che lasciava scoperto il viso.

Prompt: In the context of O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, explain the Ancient age and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Il pasto del leone

Il pasto del leone  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1907 dal pittore francese Henri Rousseau.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Repast of the Lion.Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo

Ritratto di giovane  Autoritratto  Ritratto virile

Prompt: In Portrait of a Young Man (Barocci), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto come una tahitiana

Il nipote di Amrita Sher-Gil, l'artista indiano Vivan Sundaram, realizzò una serie di fotomontaggi digitali in bianco e nero chiamata Re-take of Amrita, nella quale vari dipinti di Amrita venivano uniti a delle foto scattate da suo padre Umrao Singh Sher-Gil. Tra questi fotomontaggi ce n'è uno che unisce lAutoritratto come una tahitiana ad una fotografia di Amrita in costume da bagno.  foto in questione venne scattata nel 1938 dall'ungherese Victor Egan.

Prompt: Explain the Welcome of this artwork, Self-Portrait as a Tahitian.Please output in Italian.

Amrita Sher-Gil
Autoritratto
Vivan Sundaram


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Conseguenze della guerra

Capolavoro tardo del maestro Fiammingo, le Conseguenze della guerra spicca per lo straordinario dinamismo, la complessità delle pose delle figure e la fluidità della pennellata, in cui si leggono chiari omaggi alla pittura italiana del Rinascimento, a partire da Tiziano.Illuminante è il giudizio estetico di Charles-Nicolas Cochin, del 1796: «il dipinto è molto poetico nella composizione e pieno di bella vivacità. Il colore è ammirevole, così come la pennellata, la testa della donna è di grande bellezza e così le luci e l'effetto d'insieme è molto vivace per il contrasto di luci e di ombre. È un dipinto fondamentale che presenta soltanto qualche scorrettezza di disegno soprattutto nelle gambe della donna che sembrano troppo attorcigliate».

Prompt: In Consequences of War, how is the Style discussed?Please output in Italian.


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amore

De amore, di Andrea Cappellano Dall'arte della guerra all'arte dell'amore, di Giulietta Bandiera, Xenia edizioni, 2003 Ti amerò per sempre.  scienza dell'amore, di Piero Angela, Mondadori, 2005

Prompt: In Love & Loss, how is the Other of the In the arts explained?Please output in Italian.


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Pala di San Giacomo da l'Orio

Carlo Pirovano, Lotto, Electa, Milano 2002. ISBN 88-435-7550-3 Roberta D'Adda, Lotto, Skira, Milano 2004.

Prompt: How does San Giacomo dell'Orio Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Vista attraverso tre archi del terzo piano del Colosseo

Marjatta Nielsen ,The Classical Heritage in Nordic Art and Architecture: Acts of the Seminar Held at the University of Copenhagen, 1st-3rd November 1988, Museum Tusculanum Press, 1990 p. 109. C.W. Eckersberg og hans elever, Statens Museum for Kunst, 1983 p. 78.

Prompt: How does A View through Three of the North-Western Arches of the Third Storey of the Coliseum explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Circoncisione di Gesù

Anche le Chiese ortodosse orientali celebrano questa festa il 1º gennaio o del calendario gregoriano o del calendario giuliano, a seconda di quale venga utilizzato in ogni chiesa. In Russia il giorno della circoncisione  è conosciuto come il "Nuovo Vecchio Anno", perché prima del 1918 era il giorno di Capodanno.  festa è celebrata con una veglia notturna e i festeggiamenti sono combinati con quelli per san Basilio Magno. Dopo la liturgia i russi ortodossi spesso celebrano il nuovo anno.

Prompt: How does The Circumcision (Parmigianino) explain its Eastern Orthodox Churches?Please output in Italian.


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Antinoo Mondragone

Prompt: How does Antinous Mondragone explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Trittico della Madonna

Trittico di San SebastianoTrittico di San LorenzoTrittico della Natività

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Triptych of the Madonna.Please output in Italian.

Trittico della Natività
Trittico di San Lorenzo
Trittico di San Sebastiano


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Incubo

Le persone che soffrono di incubi sperimentano un'architettura del sonno anormale. È stato riscontrato che l'impatto di un incubo notturno è molto simile a quello dell'insonnia. Si ritiene che ciò sia causato dai frequenti risvegli notturni e dalla paura di addormentarsi. I sintomi del disturbo da incubi includono ripetuti risvegli dal periodo di sonno principale o sonnellini con ricordo dettagliato di sogni estesi ed estremamente spaventosi, che di solito comportano minacce alla sopravvivenza, alla sicurezza o all'autostima. I risvegli avvengono generalmente durante la seconda metà del periodo di sonno.

Prompt: Explain the Without symptoms of this artwork, The Nightmare.Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

Anna Lo Bianco, Pietro da Cortona e la grande decorazione barocca, Giunti, Firenze 1992. ISBN 88-09-76168-5

Prompt: Focus on Allegory of Divine Providence and Barberini Power and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Madonna dei Fusi

Il dipinto mostra la Madonna seduta su una roccia in una sciolta posizione con le gambe verso sinistra, il busto frontale e la testa voltata verso destra, dove si trova il Bambino che, pure semisdraiato lungo la diagonale, gioca sorridente con un aspo , tenendolo e fissandolo con intensità come se fosse una croce. Nonostante il tema che prefigura la Passione, Leonardo, rinnovando la tradizione iconografica, inserì nel soggetto una certa serenità, che sottintende la piena accettazione di Gesù del suo futuro sacrificio. Inediti sono i rapporti espressivi tra madre e figlio, con un gesto a metà tra la sorpresa e la protettività rappresentato dalla mano di Maria che, come in altri celebri capolavori vinciani, è proiettata in avanti con un ardito scorcio, quasi come a uscire dal dipinto. Il volume dei protagonisti  e reso grazie ai delicati trapassi di luci e ombre, tipici del morbido stile "sfumato" di Leonardo.Straordinaria è poi la fusione atmosferica tra le figure in primo piano e l'amplissimo paesaggio sullo sfondo, in cui si intravedono un fiume e una serie di picchi rocciosi in sequenza, da alcuni identificati con i Calanchi del Basso Valdarno, vicino alla zona di origine del pittore.Nella versione in collezione privata a New York, lo sfondo assomiglia alla valle dell'Adda, da Lecco a Vaprio.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna of the Yarnwinder.Please output in Italian.


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Annunciazione e santi

LAnnunciazione e santi è un dipinto a olio su tavola  di Filippino Lippi, databile al 1485 circa e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.

Prompt: How does Annunciation with St John the Baptist and St Andrew explain its Abstract?Please output in Italian.

1485
Filippino Lippi
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


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William Tecumseh Sherman

Il generale Sherman nel 1864 in una foto di Per tutti i mesi di settembre e ottobre Sherman tentò di attaccare sia nella Georgia del nord che in Alabama le forze di John Bell Hood, il quale però cercò sempre di evitare in tutti i modi lo scontro, mentre nel contempo arrivò a minacciare seriamente le linee di comunicazioni unioniste verso Nord.Alla fine il generale ottenne dai suoi superiori l'approvazione di un piano per cui si sarebbe staccato dalle sue linee di rifornimento e avrebbe iniziato a marciare verso Sud; questo dopo aver informato Grant che avrebbe potuto "far gridare di dolore la Georgia". Ciò contribuì ad aumentare la minaccia di un trasferimento in massa delle truppe sudiste di Hood in direzione del Tennessee. Minimizzando questa minaccia, Sherman avrebbe detto che sarebbe riuscito a "dare anche a [Hood] le sue razioni" se solo si fosse azzardato ad andare in quella direzione: "i miei interessi principali ora sono al sud"; lasciò le forze di George H. Thomas e John Schofield ad occuparsi dell'avversario; queste sbaragliarono l'esercito nemico prima nella battaglia di Franklin  e poi anche nella battaglia di Nashville .Nel frattempo, dopo le elezioni di novembre, iniziò la marcia con  uomini al seguito con l'obiettivo di raggiungere il porto di Savannah, vivendo in larga parte di quello che la terra offriva al loro passaggio e causando, secondo la sua stessa stima, oltre 100 milioni di dollari in danni alle proprietà.Le devastazioni furono spiegate come una nuova tattica messa a punto dallo stesso Sherman per demoralizzare il nemico e ridurre la sua capacità combattiva. Alla fine di questa campagna, conosciuta come la Marcia verso il mare di Sherman, le sue truppe conquistarono Savannah il 21 dicembre 1864; il generale quindi inviò un famoso messaggio a Lincoln, offrendogli la città come fosse un dono di Natale.Il successo conseguito ricevette un'ampia copertura sulla stampa nordista in un momento in cui Grant sembrava fare ben pochi progressi nella sua lotta contro l'Armata Confederata della Virginia Settentrionale di Robert Edward Lee. Al Congresso venne presentato un disegno di legge per promuovere Sherman al grado militare di tenente generale, probabilmente con l'intenzione di sostituirlo a Grant come comandante dell'Union Army.Sherman scrisse sia al collega che a suo fratello, il senatore John Sherman, respingendo con veemenza qualsiasi promozione del genere. Secondo un resoconto del tempo fu intorno a quell'epoca che il generale fece la sua memorabile dichiarazione di lealtà a Grant: "egli è un grande generale. Lo conosco molto bene. Era vicino a me quando ero pazzo e stavo vicino a lui quando era ubriaco; e ora, signore, ci sosteniamo sempre".Mentre si trovava a Savannah apprese da un giornale che il proprio figlioletto di pochi mesi Charles Celestine era morto proprio mentre lui si trovava in marcia; non aveva ancora mai avuto l'occasione di vederlo.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the March towards the sea of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.


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Madonna del Bordone

Coppo si trovava a Siena come prigioniero a seguito della battaglia di Montaperti  e fu costretto a riscattarsi impegnandosi a dipingere la tavola per i senesi. A causa di questa sua esperienza senese, in passato fu equivocato come appartenente alla scuola senese. Al "bordone", il tradizionale bastone dei pellegrini, era dedicata la cappella.L'opera è quindi una delle pochissime opere certe di Coppo, l'unica tra queste esente da collaborazioni , sebbene i volti della Madonna e del Bambino siano stati ridipinti da un artista senese seguace di Duccio, forse Niccolò di Segna, circa mezzo secolo dopo.Gli influssi bizantini portati in città da Coppo furono subito recepiti dai pittori locali, in particolare da Guido da Siena e Dietisalvi di Speme, spazzando via quelle durezze romaniche ancora presenti nelle opere del Maestro di Tressa.

Prompt: Focus on Madonna del Bordone and explain the History.Please output in Italian.

Dietisalvi di Speme
Guido da Siena
Maestro di Tressa
Niccolò di Segna
Siena


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Circe e i suoi amanti in un paesaggio

Circe, la maga che appare nell' Odissea, si trova ai margini di un bosco ombroso, presso la riva di un laghetto o di un fiume. Essa è nuda, coperta solo da un drappo verde sulla gamba sinistra. Col libro degli incantesimi lasciato in terra, si sta preparando a compiere un sortilegio: in mano infatti tiene una tabella dove sono scritte le formule magiche che essa dovrà ripetere e trascrivere durante il rito. Sono accorsi attorno a lei una serie di animali suoi "amanti": le bestie erano infatti la tipica compagnia delle fattucchiere.Si vedono una spatola, un cerbiatto, un barbagianni, un rapace, un cervo, un levriero e un mastino accovacciato. A sinistra si apre un suggestivo paesaggio, fatto di qualche casetta immersa nel verde di alberi fronzuti, trattati come vaporosi batuffoli come tipico dello stile dell'artista.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Circe and Her Lovers in a Landscape.Please output in Italian.


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Pagamento del tributo

Il Pagamento del tributo è un affresco di Masaccio facente parte della decorazione della Cappella Brancacci nella chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze. L'opera, è stata realizzata dal 1423 al 1428, circa , ritrae una scena delle storie di san Pietro in cui Gesù lo invita a pagare il tributo chiesto da un gabelliere per entrare nella città di Cafarnao. Si tratta della scena universalmente riconosciuta come una delle più alte espressioni dell'arte masaccesca e del primo Rinascimento in generale. Rappresenta tre fatti distinti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Tribute Money (Masaccio).Please output in Italian.

1428
Brancacci
Cafarnao
Cappella Brancacci
Firenze
Masaccio
Rinascimento


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Galleria di vedute di Roma moderna

Dipinti Palazzo Barberini e fontana del Tritone di Bernini Palazzo del terano Palazzo di Montecitorio e colonna di Antonino Pio Palazzo del Quirinale Palazzo del Vaticano Piazza Farnese  Piazza Navona Piazza del Popolo Piazza di Santa Maria in Trastevere Piazza San Pietro Villa d'Este a Tivoli  Villa Medici Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale Basilica di San Giovanni in terano Chiesa di Sant'Ivo alla Sapienza Basilica di Santa Maria Maggiore Basilica di San Paolo fuori le Mura Elefante che porta l'obelisco a piazza della Minerva Fontana dell'Acqua Felice Fontana dell'Acqua Paola Fontana del Moro  Fontana dell'ovato   Fontana dei Quattro Fiumi   Fontana delle Tartarughe   Fontana di Trevi Piazza del Campidoglio Castel Sant'Angelo Coffee House del Quirinale Scalinata di piazza di Spagna Porta del giardino Farnese Estasi di Santa Teresa Cattedra di San Pietro Nettuno e Tritone  Monumento funebre di Urbano VIIISculture Apollo e Dafne  Abacuc e l'angelo   David  Mosè  Un leone di villa MediciL'abbate Claude François de Montboissier è a colloquio con vari personaggi, davanti all'imponente dipinto della cattedra di San Pietro di Bernini, posto su un cavalletto ed esaltato da un drappo purpureo, quasi un simbolo della autorità del papa sulla città.Nella versione del dipinto che è conservata a Boston, la figura in evidenza è invece il conte Étienne François de Choiseul - committente dell'opera - che è circondato da un numero più contenuto di persone. In questa versione la cattedra di San Pietro è solo un disegno, un po' spiegazzato - poggiato a terra, senza cornice e poco identificabile - ma questo disegno è al centro di una disputa tra i personaggi presenti. Tra i quadri sono riconoscibili anche vedute di piazza di Santa Maria in Trastevere, di villa Aldobrandini, di villa Borghese, di villa Madama, di villa Montalto, della basilica di San Paolo fuori le Mura, della statua equestre di Marco Aurelio, di piazza di Spagna e della fontana del Nettuno.  composizione è meno articolata e i colori sono più sobri. Il colonnato si perde verso un orizzonte indefinito e carico di nuvole.Ai raffinati spiriti dei due diplomatici francesi non sfuggiva la posizione della Santa Sede, nei confronti della cultura illuministica. Nel 1757  l'anziano papa Benedetto XIV pubblicò il nuovo Indice dei libri proibiti, dimostrando un irrigidimento della Chiesa verso il movimento dei Lumi. Nel 1759  l'elezione del nuovo papa Clemente XIII, uomo caritatevole moderato e tutto assorto nel mecenatismo di stampo umanistico, faceva al contrario sperare in una apertura - che andò poi delusa - verso la richiesta di soppressione dei Gesuiti che proveniva dai circoli dell'Illuminismo francese. Senza contare che Claude François de Montboissier era un abbate.

Prompt: In Modern Rome, how is the Paintings, sculptures, characters of the History explained?Please output in Italian.

Abacuc e l'angelo
Basilica di Santa Maria Maggiore
Castel Sant'Angelo
Cattedra di San Pietro
Chiesa di Sant'Andrea al Quirinale
Chiesa di Sant'Ivo alla Sapienza
Claude François de Montboissier
Coffee House del Quirinale
Fontana dei Quattro Fiumi
Fontana del Moro
Fontana dell'Acqua Felice
Fontana dell'Acqua Paola
Fontana delle Tartarughe
Fontana di Trevi
Illuminismo
Nettuno e Tritone
Palazzo Barberini
Palazzo del Quirinale
Piazza Farnese
Piazza Navona
Piazza San Pietro
Piazza del Campidoglio
Piazza di Santa Maria in Trastevere
Villa Medici
Étienne François de Choiseul


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San Girolamo leggente nel deserto

Il dipinto presenta in basso, sulla prima pietra a sinistra, una firma abrasa e poco chiara , forse "[Johannes Bellinu]s. 1505". Questa data, che il restauro ha confermato come autentica, pone non pochi problemi agli studiosi, perché lo stile generale dell'opera si riallaccia ai modi non più tardi del 1490, mentre col secolo nuovo la pittura di Bellini si era ormai orientata verso una diversa compenetrazione tra figure e paesaggio, influenzata da Giorgione.Tra le soluzioni proposte a questo enigma ci sono quelle di un'opera di collaborazione, terminata da un aiuto di bottega con uno stile un po' compassato, oppure l'ipotesi di una tavola lasciata a lungo incompleta e terminata solo in un momento successivo.

Prompt: In St. Jerome in the Desert (Bellini, Washington), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Moïse Kisling

Ritratto di Moïse Kisling è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1915 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fece parte della collezione di Emilio Jesi per poi essere collocata nella Pinacoteca di Brera di Milano, dove si trova tuttora.È il ritratto del pittore Moïse Kisling, ebreo di origini polacche. Il dipinto è probabilmente del 1915, quando Kisling tornò a Parigi dopo essere stato riformato dalla legione straniera a causa di un colpo di fucile subìto in pieno petto.In quest'opera si nota sicuramente l'influsso della corrente cubista.

Prompt: In Portrait of the Painter Moisè Kisling, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1915
Amedeo Modigliani
Emilio Jesi
Milano
Moïse Kisling
Parigi
Pinacoteca di Brera


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Ultima Cena

Il luogo dove oggi si ricorda l'Ultima Cena è il Santo Cenacolo, situato sul Monte Sion, oltre le mura dell'odierna città vecchia di Gerusalemme. Il Santuario ha ospitato per diversi secoli un convento dei Frati Minori della Custodia di Terra Santa.Tradizione vuole che la tavola sopra cui Gesù fece l'ultima cena con gli Apostoli sia conservata nella cappella della Casa Colonna, presso la Basilica di San Giovanni in terano .Il Sacro Catino, secondo la tradizione cattolica, sarebbe invece il piatto usato da Cristo, conservato a Genova nel Museo del tesoro della cattedrale di San Lorenzo.

Prompt: Focus on Last Supper (Tintoretto) and explain the The  Holy  Cenacle  and  the  relics  of  the  Last  Supper.Please output in Italian.