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Fuga in Egitto

Oggi vari studiosi mettono in dubbio la storicità della fuga in Egitto - peraltro assente negli altri Vangeli canonici - viste anche le incongruenze sia tra i vangeli di Matteo e Luca sia all'interno della stessa narrazione matteana, oltre che per il mancato riscontro negli archivi ebraici, nel Nuovo Testamento e nelle opere di Giuseppe Flavio, fonte principale della storia giudaica del I secolo. Il racconto sarebbe servito anzitutto a spiegare come mai Gesù sia nato a Betlemme e cresciuto a Nazaret; la famiglia di Gesù si sarebbe stabilita in Galilea per ispirazione divina. Inoltre avrebbe avuto una funzione teologica, quella di dimostrare agli Ebrei, a cui il Vangelo secondo Matteo era diretto, che Gesù era il nuovo Mosè e che in lui si era avverata la profezia di Osea.
Secondo alcuni critici, il racconto di Matteo sarebbe una versione cristiana dell'haggadah di Mosè, che racconta come Mosè sia scampato alla morte dei neonati ebrei maschi decretata dal faraone. Gli studiosi più legati alla tradizione ritengono che le analogie esistenti tra Mosè e Gesù non siano un motivo sufficiente per negare la storicità dell'avvenimento raccontato da Matteo
Comunque, anche esegeti cristiani come Raymond Brown, John Dominic Crossan e Rudolf Bultmann sostengono che tradizioni preesistenti siano state la fonte del racconto matteano; il sacerdote cattolico Raymond Brown ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi, mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù - legata alla fuga in Egitto - e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Il teologo Raymond Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth".
 Secondo molti studiosi, infatti, le contraddizioni tra i due resoconti evangelici della Natività renderebbero storicamente inconciliabile la fuga in Egitto e la concomitante strage degli innocenti, descritte da Matteo, con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la partenza dei Magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia si stabilì subito a Nazaret: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la fuga in Egitto - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, avvenuto nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".
Secondo lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio della fuga in Egitto, per come è narrato da Matteo, desta perplessità: ad esempio, per sfuggire alla persecuzione di Erode sarebbe stato più semplice rientrare subito a Nazaret, evitando di passare per Gerusalemme come avevano fatto i magi. Il forte significato teologico e simbolico dell'episodio porta a dubitare della sua realtà, anche se non ci sarebbero elementi sufficienti per negarla o per accreditarla. Non si tratterebbe tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se non fosse realmente avvenuto nulla sarebbe compromesso.
Il teologo cattolico Raymond Brown nota, infine, come nel racconto matteano "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui (14:,1-2)?"; lo studioso osserva anche - in merito alla possibilità di fuggire in Egitto per Giuseppe, Maria e Gesù - che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non ci fossero magi venuti dall'Oriente e se avesse avuto solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".

Prompt: Explain the Historicity of this artwork, The Flight into Egypt (Murillo).Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Il bar delle Folies-Bergère

Suzon, malgrado sia l'indiscussa protagonista della composizione, non esaurisce affatto le possibilità di godimento dell'opera. Dietro di lei, infatti, si estende uno specchio, il quale riflette l'immagine del vasto salone delle Folies-Bergère. Lo specchio dilata lo spazio dipinto . Si capisce con chiarezza che è uno specchio guardando a destra, dove si vedono riflessi il dorso della cameriera e il volto di un misterioso assertore con la tuba che sta dandole l'ordinazione. A una rapida osservazione, potrebbe sembrare che la posizione di quest'uomo coincida con quella dell'osservatore del dipinto.Con lo specchio, popolato da una fantasmagoria di luci e di pennellate, Manet ci suggerisce la festosa presenza del pubblico delle Folies-Bergère, illuminato dall'incandescente luce dei lampadari. Anche questa volta i colori sono depositati sulla tela senza alcuna velatura per dar loro l'effetto chiaroscurale, con una tecnica che è già quasi impressionista: in questo modo quelle che viste da vicino sembrano macchie disordinate e incoerenti di colore a una visione distanziata acquistano un suggestivo quanto palpitante effetto di realismo. Quest'effetto, che pure fu criticato, in realtà si sposa benissimo con l'impressione sonora della folla riunita che parla, che ascolta, che guarda e che si gode la vita. Il salone, infatti, è un moltiplicarsi di tavolini attorno ai quali siedono uomini dagli eleganti cilindri neri e donne munite di binocolo, intente a guardare uno spettacolo. Di che spettacolo si tratta lo si capisce guardando in alto a sinistra, dove si scorgono le gambe di una trapezista che compie le sue acrobazie, offrendo il proprio talento agli occhi del pubblico divertito. soluzione ottica dello specchio fu impiegata già al 1434, anno di esecuzione del Ritratto dei coniugi Arnolfini, e in numerosi altri dipinti degli anni a venire, come s Meninas di Diego Velázquez, e L'assenzio di Edgar Degas, due opere che Manet conosceva e che probabilmente gli servirono da spunto per Il bar delle Folies-Bergère. È interessante notare, inoltre, come molti critici siano molto convinti che lo specchio dipinto da Manet presenti "un'incongruenza, che segna un definitivo distacco dai convenzionalismi accademici, aprendo una strada di sperimentazione che verrà intrapresa da numerosi altri pittori ". Essi sostengono che " la prospettiva offerta dallo specchio infatti è falsa, siccome la rigorosa frontalità con cui la donna si erge dietro al bancone dovrebbe nascondere il suo riflesso nello specchio, cosa che tuttavia non avviene." Tuttavia, alcuni studi effettuati nel 2001 da Malcom Park sostengono che la prospettiva è corretta e lo specchio è inclinato in profondità, è vicino a destra e si allontana dall'osservatore a sinistra.

Prompt: Explain the The mirror and the Folies-Bergère about the The word "null" in English is "null." of this artwork, A Bar at the Folies-Bergère.Please output in Italian.

Diego Velázquez
Edgar Degas
L'assenzio
Ritratto dei coniugi Arnolfini


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Amor sacro e Amor profano

Giulio Carlo Argan, L'Amor sacro e l'Amor profano di Tiziano Vecellio. Milano: Bompiani, 1950.   Mario Calvesi, Un amore per Venere e Proserpina in Art e Dossier numero 39, 1989. G.P. Clerici, Tiziano e l'Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese  in Bibliofilia XX numero 19, 1918 G. Cozzi,  donna, l'amore e Tiziano in Tiziano e Venezia. Atti del Convegno di Studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. Wilhelm Friedländer,  tintura delle rose in The Art Bulletin XVI 1938.320-324   U. Gnoli, Amor Sacro e Profano? in Rassegna d'Arte II, 1902. R. Goffen, Titian's ‘Sacred and Profane Love’ and Marriage in The Expanding Discourse: Feminism and Art. New York: Harper Collins, 1992. Titian's Sacred and Profane Love: Individuality and Sexulity in a Renaissance Marriage Picture in Studies of History of Art XXV, 1993. C. Hope, Problems of interpretations in Titian's erotic paintings in Tiziano e Venezia. Atti del convegno di studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. L. Hourticq,  Fontaine d'amour de Titien in Gazette des Beaux-Arts XII, 1917. A.L. Mayer, Aurelio Nicolò: the Commissioner of Titian's Sacred and Profane Love in The Art Bulletin XXI, 1939. L. Ozzola, Venere e Elena. L'amor sacro e l'amor profano. in L'Arte IX, 1906. Erwin Panofsky, Immagini simboliche. Studi sull'arte del Rinascimento. Milano: Feltrinelli, 1978. E. Petersen, Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung in Die Galerien Europas 2, 1907. J. Poppelreuter, Sappho und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe in Repertorium für Kunstwissenschaft XXXVI, 1913. M.L. Ricciardi, L'Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l'enigma in Notizie da Palazzo Albani XV, 1986. G. Robertson, Honour, Love and Truth: An Alternative Reading of Titian's Sacred and Profane Love in Renaissance Studies 2, 1988. Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. H.E. Wethey, The paintings of Titians. New York: Renaissance Society of America, 1975. F. Wickhoff, Giorgione's Bilder zu Römischen Heldengedichten in Jarbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen XVI, 1895. E.P. Wind, Misteri pagani nel rinascimento. Milano: Adelphi, 1971. Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5Giuliano Pisani, Le Veneri di Raffaello , Studi di Storia dell'Arte 26, Ediart 2015, pp. 97-122

Prompt: Focus on Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Galleria Borghese
Giorgione
Giuliano Pisani
Hypnerotomachia Poliphili
Erwin Panofsky
Proserpina
Hypnerotomachia Poliphili
Tiziano Vecellio
Venezia


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: Describe the characteristics of the Ancient  Rome in Love & Loss's Psychology.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Mae West

Night After Night, regia di Archie Mayo - dialogo addizionale, non accreditata Non sono un angelo , regia di Wesley Ruggles - storia, sceneggiatura, dialoghi Belle of the Nineties, regia di Leo McCarey - storia It Ain't No Sin Goin' To Town, regia di Alexander Hall - sceneggiatura Annie del Klondike , regia di Raoul Walsh - lavoro teatrale, sceneggiatura Go West Young Man, regia di Henry Hathaway - lavoro teatrale, sceneggiatura Every Day's A Holiday, regia di A. Edward Sutherland - sceneggiatura Mia bella pollastrella , regia di Edward F. Cline - sceneggiatura originale Sextette, regia di Ken Hughes - lavoro teatrale Sextet

Prompt: In Mae West (sculpture), how is the Screenwriter of the Quotes explained?Please output in Italian.

A. Edward Sutherland
Alexander Hall
Annie del Klondike
Archie Mayo
Belle of the Nineties
Edward F. Cline
Every Day's A Holiday
Go West Young Man
Goin' To Town
Henry Hathaway
Ken Hughes
Leo McCarey
Mia bella pollastrella
Raoul Walsh
Sextette
Wesley Ruggles


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Prove di Cristo

Prompt: How does Temptations of Christ (Botticelli) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Mosè
Prove di Mosè
Punizione dei ribelli


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Caccia al leone

Nel corso della storia, ogni sorta di cane è stato usato dall'uomo per la caccia al leone in Africa e  in Medio Oriente. In particolare tra questi cani da caccia al leone c'è il Rhodesian Ridgeback.  caccia al leone  ha visto la sua massima popolarità e livelli di partecipazione durante il periodo del "Grande cacciatore bianco", essenzialmente la seconda metà del XIX secolo e i primi decenni del XX secolo. Poiché da allora la caccia al leone è in declino, la caccia al leopardo ha visto un aumento inversamente proporzionale della popolarità. Questa transizione può essere dovuta almeno in parte alla crescente popolarità dei segugi da profumo americani e continentali tra i segugi africani e i PH, poiché è molto meno probabile che il leopardo si posizioni su un terreno solido , e sono molto di più probabile che abbaia all'albero. Sebbene, in proporzione alla loro crescente popolarità, diversi branchi di questi segugi siano oggi utilizzati regolarmente da PH e guide come cacciatori di leoni in tutta l'Africa meridionale.Questo metodo di caccia al leone prevede che il cacciatore rilasci un branco di cani allevati a questo scopo in un'area nota per gli alti livelli di attività dei leoni o su tracce fresche. Il branco seguirà il leone e poi terrà a bada il leone finché il cacciatore non sarà in grado di chiudere la distanza e uccidere il leone a distanza ravvicinata.

Prompt: Describe the characteristics of the They bite. in The Lion Hunt (Delacroix)'s The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.

Africa
Medio Oriente
XIX secolo
XX secolo
X secolo


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Il canale del Loing a Moret

Nel settembre del 1882 Sisley si stabilì definitivamente a Moret-sur-Loing, zona attraversata da diversi corsi d'acqua e in particolare dal pittoresco fiume Loing, affluente di sinistra della Senna. In quest'opera, in particolare, l'occhio attento ed affettuoso di Sisley si sofferma sul canale che segue il corso del Loing per una cinquantina di chilometri. Il punto di vista prescelto dal pittore è quello dove il canale del Loing, cinto da un maestoso filare di pioppi nudi, si inarca, sino a perdersi poi nell'orizzonte.Sull'altra sponda vi sono alcuni casolari bianchi e una minuscola presenza umana: sul fiume, infine, è ormeggiata una piccola imbarcazione, impaziente di solcare i flutti del Loing.  tavolozza, giocata sulle armonie dell'azzurro, del blu e del violetto, trasmette un'autentica sensazione di pace e di tranquillità. Com'era egli solito fare, inoltre, Sisley ne Il canale del Loing a Moret accorda notevole importanza e spazio al cielo. «Il cielo costituisce lo sfondo dei miei quadri» avrebbe spiegato il pittore al critico d'arte Tavernier «Insisto su questa parte di paesaggio perché vorrei riuscire a far comprendere l'importanza che le attribuisco [...] io, comincio sempre le mie tele dal cielo».

Prompt: In The Canal du Loing (painting), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

Il suicidio di Cleopatra venne rappresentato spesso in epoca medioevale e rinascimentale. Nel 1409, il miniaturista noto come maestro di Boucicaut realizzò una , tratta dall'opera De casibus virorum illustrium di Giovanni Boccaccio, raffigurante i cadaveri di Cleopatra Tea Filopatore e di Marco Antonio nella loro tomba: avvolto al braccio di Cleopatra c'è un serpente, mentre il petto di Antonio è trafitto da un pugnale. Anche se questa  non raffigura l'esatto momento della morte della regina, la presenza del serpente lascia intendere che ella si sia fatta mordere dal rettile. Un'altra illustrazione del De casibus virorum illustrium raffigura Cleopatra che si fa mordere entrambi i seni da due serpenti. Il poeta inglese Geoffrey Chaucer, che al contrario del Boccaccio vedeva Cleopatra in una luce migliore e meno misogina, descrisse un pozzo di serpenti al posto dell'aspide nella sua opera  leggenda delle donne eccellenti.sinistraUn'incisione di Le raffigurazioni della morte di Cleopatra dovuta al morso dell'aspide furono molto frequenti durante il Rinascimento italiano. L'artista veneziano Giovanni Maria Padovano scolpì due statue raffiguranti il suicidio di Antonio e Cleopatra, oltre a varie sculture di quest'ultima che veniva morsa dall'aspide, basate su delle opere antiche simili alla Venere esquilina: questa statua venne ritrovata nel 1874 e si pensa che possa ritrarre proprio la regina d'Egitto. Un'incisione di Agostino Veneziano da un disegno di Raffaello ritraente la regina morente sdraiata è ispirata allArianna dormiente, una scultura greco-romana che all'epoca si riteneva ritraesse Cleopatra VII. Anche alcune opere del Rinascimento francese raffigurano la donna che si addormenta mentre il serpente le morde il seno.Michelangelo è autore di un disegno a carboncino del 1535 circa che raffigura Cleopatra e l'aspide, quest'ultimo molto più grande del normale; al contrario, l'artista barocco Guido Reni, che realizzò più dipinti su questo tema artistico, dipinse il rettile di dimensioni più piccole rispetto a un vero cobra egiziano. Altri celebri quadri che raffigurano gli ultimi istanti di vita della sovrana sono la Morte di Cleopatra di Rosso Fiorentino e la Morte di Cleopatra di Guido Cagnacci, del quale esistono due versioni. scultura dellArianna dormiente allora identificata con Cleopatra, acquistata dal pontefice Giulio II nel 1512, ispirò una poesia di Baldassarre Castiglione, scritta in lingua latina, sulla morte della regina del Nilo. Anche Bernardino Baldi e Agostino Favoriti realizzarono delle poesie ispirandosi a quella statua. morte di Cleopatra costituì un elemento presente anche nel teatro. Nell'opera teatrale The Devil's Charter di Barnabe Barnes, composta nel 1607, un addestratore di serpenti porta alla sovrana due aspidi affinché questi le mordano entrambi i seni in maniera salace. Nella tragedia Antonio e Cleopatra di William Shakespeare, messa in scena nel 1609, la serpe rappresenta sia il decesso, sia un amante desiderato dalla moritura, che si arrende al morso del rettile. Per costruire questa scena della tragedia, il bardo dell'Avon si ispirò alla traduzione del 1579 di Thomas North del testo plutarcheo. Nell'opera teatrale anche il personaggio dell'ancella Carmione  si suicida facendosi mordere dalla serpe.

Prompt: In Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), how is the Middle Ages, Renaissance, Baroque period of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Agostino Favoriti
Agostino Veneziano
Arianna dormiente
Baldassarre Castiglione
Barnabe Barnes
Bernardino Baldi
Carmione
Cleopatra
De casibus virorum illustrium
Geoffrey Chaucer
Giovanni Boccaccio
Guido Cagnacci
Guido Reni
Marco Antonio
Ra
Rinascimento francese
Rinascimento italiano
Rosso Fiorentino
The Devil's Charter
Thomas North
Venere esquilina
William Shakespeare


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Sette opere di Misericordia

L'opera ha quindi una struttura serrata che concentra in una visione d'insieme diversi personaggi, ben quattordici, tant'è che può essere confusa con una semplice scena di genere ambientata in un vicolo popolare di Napoli.Caravaggio, infatti, proietta tutte le sette le opere di misericordia corporali in un ipotetico scenario cittadino partenopeo, brulicante di vita e di faccende quotidiane. Il pittore decide di rappresentare il complesso tema iconografico delle sette opere di misericordia con distinte scene tratte da temi della Bibbia e della storia romana, in cui "è l'uomo che aiuta l'uomo", senza alcun tipo di intervento divino. Sulla parte superiore del dipinto, dinanzi ai due lenzuoli distesi, la Madonna col Bambino accompagnata da due angeli si manifesta infatti solo per supervisionare le vicende umane che si svolgono nella terra. I personaggi celesti sembrano a prima vista "distanti" da ciò che accade in basso, tuttavia grazie al particolare dell'ombra che le figure proiettano sulla parete della prigione il pittore vuole assegnare anche a loro una presenza concreta e terrena.Le sette opere di misericordia sono così raffigurate:# Dar da mangiare agli affamati: tratto da un episodio della storia romana, è rappresentato dall'episodio di Cimone che, condannato a morte per fame in carcere, fu nutrito dal seno della figlia Pero e per questo fu graziato dai magistrati che fecero erigere nello stesso luogo un tempio dedicato alla Dea Pietà. Sullo stesso luogo fu poi edificata la basilica di San Nicola in Carcere. I due personaggi costruiscono l'iconografia della Caritas romana, di cui risalta il particolare della goccia di latte sulla barba del vecchio che sta bevendo dal seno della figlia, che per il soggetto ritratto fu utilizzato ancora una volta, com'era consuetudine per il Caravaggio, la figura della cortigiana Fillide Melandroni.# Dar da bere agli assetati: è rappresentato da un uomo in secondo piano a sinistra che beve da una mascella d'asino, iconografia di Sansone, che nel deserto bevve l'acqua fatta sgorgare miracolosamente dal Signore. Stando al racconto biblico, questa raffigurazione è l'unica che in senso stretto discosta dalle altre, poiché non vede l'intervento dell'uomo in soccorso ad un altro uomo, bensì quello divino.# Vestire gli ignudi: è la storia raffigurata dai personaggi posti in primo piano, dov'è una figura di giovane cavaliere, san Martino di Tours, che fa dono del suo mantello ad un uomo dalla posa michelangiolesca visto di spalle e sdraiato a terra. Quest'ultimo secondo la critica pare sia frutto di un modello classico usata dal Caravaggio, alla stregua del Galata morente già in collezione Ludovisi .# Ospitare i pellegrini: è riassunto da due figure, l'uomo in piedi all'estrema sinistra che indica un punto verso l'esterno della composizione, a mo' di invito al pellegrino, raffigurato come san Giacomo, con l'attributo della conchiglia sul cappello e del bordone in mano , dietro al quale si scoverebbe un terzo personaggio, probabilmente pellegrino anch'egli, che si evince dalla presenza del solo orecchio che esce dal buio dello sfondo.# Curare gli infermi: allo stesso santo dell'opera di vestire gli ignudi è legata la figura dello storpio in basso nell'angolo più buio a sinistra della scena, disteso e con le mani congiunte in preghiera che chiede aiuto a Martino di Tours, anche questo un riferimento alla sua agiografia.# Visitare i carcerati: tratto da un episodio della storia romana, l'opera misericordiosa viene raccontata dagli stessi personaggi di quella di dar da mangiare agli affamati, con Pero che fa visita in carcere al padre, Cimone.# Seppellire i morti: è raffigurato sulla destra in secondo piano con il trasporto di un cadavere, di cui si vedono solo i piedi lividi, da parte di un portatore mentre un diacono che regge la fiaccola fa luce sul percorso.Alcuni elementi e personaggi inseriti nella scenografia rimandano a virtù: Pero rimanda alla virtù teologale della Carità, Cimone a quella della Temperanza, la fiaccola del diacono rimanda alla virtù teologale della Fede, Sansone a quella cardinale della Fortezza, la spada di san Martino a quella della Giustizia, mentre i due uomini aiutati dallo stesso santo  rimandano invece alla virtù cardinale della Speranza, quella della Prudenza, infine, è espressa dall'oste, che indica la strada del riparo al pellegrino solo dopo che questi è stato riconosciuto tramite i suoi simboli .Stilisticamente il dipinto si avvicina alle ultime pitture di Caravaggio a Roma  ma si differenzia per l'utilizzo di una luce che scolpisce le forme attraverso un chiaroscuro più netto e frantumato e per una composizione più drammatica e concitata, non esistendo più un fulcro centrale dell'azione.

Prompt: How does The Seven Works of Mercy (Caravaggio) explain its Description and style?Please output in Italian.

Caravaggio
Caritas romana
Carità
Cimone
Fede
Fillide Melandroni
Galata morente
Madonna col Bambino
Martino di Tours
Napoli
Prudenza
Roma
Sansone
Speranza
Temperanza


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Augusto di Prima Porta

Ritratto di Ottaviano Augusto di via bicana Arte augustea e giulio-claudia

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Augustus of Prima Porta.Please output in Italian.

Arte augustea e giulio-claudia
Augusto
Ritratto di Ottaviano


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Prigioniero

Il codice carcerario era teorizzato come un insieme di norme comportamentali tacite che esercitavano un impatto pervasivo sulla condotta dei detenuti.  competenza nel seguire le routine richieste dal codice determinava in parte l'identità del detenuto. Come insieme di valori e linee guida comportamentali, il codice della pena faceva riferimento al comportamento dei detenuti nell'antagonizzare il personale e alla solidarietà reciproca tra detenuti nonché alla tendenza alla non divulgazione alle autorità penitenziarie delle attività dei detenuti e alla resistenza al programmatore di riabilitazione. Pertanto, è stato visto come un'espressione e una forma di resistenza comunitaria e ha consentito la sopravvivenza psicologica dell'individuo sotto sistemi di controllo carcerario estremamente repressivi e irreggimentati.Sykes ha delineato alcuni dei punti più salienti di questo codice così come applicato nel dopoguerra negli Stati Uniti: Non interferire con gli interessi dei detenuti. Mai denunciare una truffa. Non essere invadenti. Tenere lontana la schiena da un uomo. Non mettere un ragazzo in difficoltà. Essere fedele alla tua classe. Essere calmi. Prendersi il proprio tempo. Non portare calore. Non sfruttare i detenuti. Non scappare. Essere difficile. Essere cauto e cercare di essere un uomo. Non parlare mai di rapporti sessuali. Avere una connessione. Essere acuti.

Prompt: Describe the characteristics of the Sentence of condemnation in The Captive (painting)'s Types.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Dopo la morte di Jakob Meyer, sua figlia Anna ereditò il dipinto. L'immagine rimase di proprietà della famiglia fino al 1606, quando i discendenti di Anna Meyer vendettero il dipinto per 100 corone d'oro al diplomatico di Basilea Johann Lukas Iselin. Dopo la morte di questi nel 1626, il dipinto venne acquisito dal mercante d'arte di Amsterdam Michel Le Blon, che già possedeva diverse opere di Holbein, per la somma di 1000 lire imperiali. Presumibilmente per innalzare i propri profitti sul mercato dell'arte, Le Blon fece realizzare le prime copie del dipinto da Bartholomäus Sarburgh. Remigius Faesch II, un discendente di Anna Meyer, chiese a Sarburgh stesso di realizzare anche delle copie in particolare di Anna Meyer e del ragazzo. L'intento di Faesch era forse quello di completare una galleria di antenati per la propria casa. Le Blon vendette quindi l'originale per 3000 fiorini al banchiere Johannes Lössert di Amsterdam. Una copia del dipinto originale venne venduta anch'essa ad un banchiere di Amsterdam, il quale poi a sua volta la cedette ad un veneziano attorno al 1690; questo a sua volta lo lasciò in eredità a Giovanni Dolfin che lo espose nella propria galleria e dove diversi personaggi ebbero modo di testimoniarne la presenza nel corso dei loro Grand Tour. Nel 1743 il dipinto venne acquisito da re Augusto III di Polonia che lo pose nella Gemäldegalerie a Dresda.L'originale passò da Lössert a Jacob Cromhout e venne messo all'asta nel 1709 insieme al suo palazzo. Successivamente il dipinto passò nelle mani dei duchi di Lorena e da lì al commerciante d'arte Alexis Delahante. Nel 1822 Delahante espose il dipinto nel salone di suo cognato, il compositore Gaspare Spontini, a Berlino. Il principe Federico Guglielmo Carlo, fratello del re Federico Guglielmo III di Prussia, decise di acquistare il dipinto come regalo di compleanno per sua moglie, la principessa Marianna d'Assia-Homburg. Il dipinto venne quindi dapprima trasferito nel palazzo della coppia a Berlino dove rimase appeso nel "Salone Verde" sino al suo trasferimento definitivo a Darmastadt nel 1852, dopo che la principessa Elisabetta di Prussia, che aveva sposato il principe Carlo d'Assia-Darmstadt, aveva ereditato l'opera d'arte, che quindi passò tra i possedimenti della famiglia dei granduchi d'Assia e del Reno.Il dipinto venne rimosso dalla sua collocazione durante la seconda guerra mondiale nel 1943 e trasportato al castello di Fischbach, in Slesia, preservato fortunatamente dall'incendio del castello di Darmastadt del 1944. Nel febbraio del 1945, l'opera d'arte venne spostata a Coburgo appena prima dei raid aerei che colpirono l'area e poi venne riportata al castello di Wolfsgarten, nei pressi di Darmastadt.Nel 1967, una riproduzione della copia di Dresda del dipinto era posta a decorazione delle stanze private del cattivo Blofeld nel film Agente 007 - Si vive solo due volte.

Prompt: Describe the characteristics of the Art market painting in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1943
Agente 007 - Si vive solo due volte
Amsterdam
Augusto III di Polonia
Basilea
Berlino
Coburgo
Darmstadt
Federico Guglielmo III di Prussia
Gaspare Spontini


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ritratto di principessa estense

Ritratto di principessa estense è un dipinto, tempera su tavola , attribuito a Pisanello, databile tra il 1435 e il 1445 circa e conservato nel Museo del Louvre a Parigi.

Prompt: In Portrait of a Princess (Pisanello), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1435
1445
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Pisanello


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.


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La danza tra le spade

{ class="wikitable sortable"!N.!Data!Tecnica e dimensioni!Ubicazione! class="unsortable" Immagine-1.1881olio su tela120 x 225 cmGaleria Tret'jakov150x150px-2.1881olio su tela56,5 x 102 cmcollezione privata150x150px-3.1887olio su tela77 x 155 cmcollezione privata150x150px-4.fine del XIX secoloolio su telasconosciuta150x150px}

Prompt: Focus on The Sword Dance and explain the Versions.Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

Prompt: In Prague astronomical clock, how is the Moon of the Astronomical quadrant explained?Please output in Italian.


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Lampadario Hezilo

Il lampadario ha subito restauri nel XVI, XIX e XX secolo. Fino alla Seconda guerra mondiale era appeso nella navata, dopodiché, a causa della distruzione dell'edificio, il lampadario Hezilo fu smantellato e ricollocato. Dopo la ricostruzione della cattedrale, nel 1960 gli fu assegnato il luogo all'incrocio sopra l'altare maggiore, posizione più di rilievo nella chiesa ma non corrispondente all'originale. Il lampadario è stato ampiamente restaurato dal 2002 al 2007 ed è tornato nella sua antica collocazione al centro della navata nel 2014. Nel coro è stato invece ricollocato il lampadario Azelin, il lampadario a ruota donato dal predecessore.

Prompt: Explain the Restorations of this artwork, Hezilo chandelier.Please output in Italian.


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Cristo con l'animula della Madonna

Roberto Longhi fu il primo a identificare la piccola tavola, di soggetto piuttosto insolito in un'opera indipendente, come la parte restante della metà superiore della tavola della Morte della Vergine, proveniente in tutta probabilità dalla cappella privata di Ludovico III Gonzaga nel Castello di San Giorgio di Mantova, la cui sistemazione architettonica e decorazione fu la prima commissione ufficiale a Mantegna, pittore di corte dal 1460, ma in trattativa già dal 1457. Nel corso del XVI secolo la cappella venne infatti ristrutturata e ridecorata, con la dispersione delle decorazioni quattrocentesche, per poi essere in seguito distrutta.  tavola della Morte della Vergine in particolare dovette finire a Ferrara, a giudicare da una menzione in un inventario del 1588, che la elencherebbe tra i dipinti nella cappelletta privata di Margherita Gonzaga, moglie di Alfonso II d'Este. Fu forse per adattarsi alla nuova collocazione che l'opera venne decurtata della parte superiore della quale venne tenuto solo il riquadro con la figura di Cristo.

Prompt: How does Christ Bearing the Soul of the Virgin explain its History?Please output in Italian.


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Sacra Parentela

Il dibattito sul significato dei passi evangelici in cui si parla di personaggi ai quali è riservato l'appellativo di fratelli di Gesù si sviluppò precocemente nella storia della chiesa cristiana e si collega alla discussione sul dogma della verginità di Maria.San Gerolamo, in polemica con altre tesi che si rifacevano al "protovangelo di Giacomo", affermò che i cosiddetti fratelli debbano in realtà intendersi come "cugini" di Gesù, tenendo conto del fatto che il termine fratello, in ebraico, poteva estendersi appunto ai cugini primi. soluzione del problema riportata dalla Legenda Aurea  fa riferimento al cosiddetto "trinubium Annae". Secondo tale versione Sant'Anna, rimasta vedova di Gioacchino, avrebbe celebrato un secondo matrimonio andando in moglie, secondo i costumi del tempo, al fratello di Gioacchino, Cleofe, poi - nuovamente vedova – un terzo matrimonio con un secondo fratello di Gioacchino, Salome.
Sempre secondo quanto narra la Legenda Aurea, da ciascuno dei tre matrimoni Anna ebbe una figlia e, a ciascuna figlia, venne imposto il nome di Maria.
 prima Maria  sposò Giuseppe ed ebbe un unico figlio , Gesù.  seconda Maria  ebbe dal suo sposo Alfeo quattro figli .  terza Maria  generò dal suo sposo Zebedeo due figli .
In tal modo, ben cinque apostoli su dodici, sarebbero da considerare cugini primi di Gesù, e due delle Marie citate dai Vangeli sarebbero sorelle della Vergine, tutte e tre figlie di Anna.

Prompt: In Holy Kinship, how is the The tribunal of Anna discussed?Please output in Italian.


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Trono Ludovisi

L'opera fu rinvenuta a Roma nel 1887 durante i lavori di lottizzazione della Villa Ludovisi nell'area corrispondente agli antichi Horti Sallustiani, nei pressi del tempio della Venere Ericina.Opera singolare, priva di riferimenti simili, è stata molto discussa fin dal momento del suo rinvenimento a causa della forma inconsueta e della tipologia del suo rilievo.  frattura della parte superiore non permette infatti di stabilire con certezza la sua forma originaria e dunque la sua funzione. Alcuni pensano facesse parte del trono di una statua colossale di divinità, forse Venere Ericina. Altri ritengono costituisse la balaustra di una scala, o ancora la parte superiore di un'edicola o di un tempio.

Prompt: In Ludovisi Throne, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1887
Horti Sallustiani
Roma
Venere Ericina
Villa Ludovisi


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Pi-Chacán

rightrightPi-Chacán  è una scultura dell'artista peruviano Fernando de la Jara, collocata nel 2011 davanti agli Istituti di Microbiologia e di Virologia dell'Università di Tubinga, è realizzata in marmo rosso di Verona e rappresenta una vulva umana. Il suo costo è stato di €120.000 e inizialmente era previsto che vi fosse uno specchio d'acqua alla sua base, ma poi vincoli di bilancio hanno impedito la realizzazione di tale elemento.Il nome della scultura deriva dal termine quechua chacán - che, secondo de la Jara, significa "cavità scavata dall'acqua nella roccia", ma anche "fare l'amore". scultura è situata alla fine del "Cammino delle Arti" , di fronte all'ingresso degli Istituti di Microbiologia e igiene e di Virologia ed epidemiologia della Facoltà di Medicina-Policlinico universitario. Tale collocazione, in un luogo deputato allo studio e alla cura del corpo umano, ha ispirato l'artista a creare un'opera che "celebrasse il corpo". Come ha spiegato lo stesso de la Jara:Nelle intenzioni dello scultore, l'opera dovrebbe essere "tattile" e poter esser apprezzata anche da un non vedente, essendo plasmata in forme salienti e rientranti e con superfici di consistenza diversa. Secondo l'artista, infatti, "la parte principale dell'opera non è quella esteriore": si tratta di un'opera di "arte partecipativa", che "dovrebbe essere penetrata".

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Pi-Chacán.Please output in Italian.

Fernando de la Jara
Tubinga
Università di Tubinga


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Sacra Famiglia di Francesco I

Sacra Famiglia di Francesco I  è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, datato 1518 e conservato nel Museo del Louvre di Parigi. L'opera è firmata e datata sull'orlo della veste della Vergine: "".

Prompt: In Holy Family of Francis I, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1518
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi


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Statua di Leopoldo II

S. De Meyer, "Het standbeeld van Leopold II", in: Polderheem, XIX, 1984, n. 1, pp. 25-34.

Prompt: Focus on Statue of Leopold II of Belgium, Ekeren and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in the prayer in Annunciation (Lorenzetti)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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La grande onda di Kanagawa

Durante la fase di composizione dell'opera, Hokusai si trovava in un periodo della sua vita particolarmente stressante e difficoltoso. Afflitto da gravi problemi economici e tormentato da problemi di salute, dopo la morte della moglie nel 1828 fu costretto a prendersi cura del nipote e accollarsi i suoi debiti: ripercussioni finanziarie che pesarono sulla sua attività per gli anni a venire e, probabilmente, furono il motivo per cui egli decise che il tema principale della serie Trentasei vedute del Monte Fuji sarebbe stato il contrasto tra la sacralità del Fuji e la vita secolare.Hokusai prese ispirazione per la raffigurazione delle onde e del movimento dell'acqua dallo stile shan shui, forma artistica originaria della Cina i cui soggetti più ricorrenti sono montagne, fiumi e cascate. Nei dipinti shan shui, tuttavia, raramente la natura viene raffigurata come forza divina in grado di condizionare la vita umana, e per questo motivo è probabile che le prime illustrazioni di Hokusai risentano soprattutto dell'influenza dello stile giapponese , in cui la forza dell'acqua e il potere delle onde sono sovente utilizzate per dare risalto agli sforzi umani. Combinando i tratti principali di queste due forme artistiche, Hokusai pubblicò tra il 1822 e il 1823 la serie di miniature  tra le quali alcune raffigurano il Monte Fuji e le onde, sebbene non ancora in combinazione; in un'altra alcuni pescatori gettano delle reti, mentre le loro oshiokuri-bune sono in balia dei flussi delle onde.

Prompt: Describe the characteristics of the Chinese  and  Japanese  tradition  of  landscape  painting in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna del Cardellino

Madonna del Cardellino è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1506 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: Focus on Madonna del Cardellino and explain the Abstract.Please output in Italian.

1506
Firenze
Galleria degli Uffizi
Raffaello Sanzio


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I Musici

Violini: Salvatore Accardo, Federico Agostini, Félix Ayo, Arnaldo Apostoli, Pina Carmirelli, Montserrat Cervera, Italo Colandrea, Anna Maria Cotogni, Walter Gallozzi, Roberto Michelucci, Antonio Salvatore, Mariana Sirbu, Franco Tamponi, Luciano Vicari, Claudio Buccarella, Cesare Casellato, Antonio Anselmi Viole: Dino Asciolla, Aldo Bennici, Paolo Centurioni, Carmen Franco, Alfonso Ghedin, Bruno Giuranna Violoncelli: Enzo Altobelli, Mario Centurione, Aldo D'Amico, Francesco Strano Contrabbasso: Lucio Buccarella Clavicembalo: Maria Teresa Garatti

Prompt: Describe the characteristics of the Historical components in The Musicians (Caravaggio)'s History.Please output in Italian.

Antonio Anselmi
Antonio Salvatore
Bruno Giuranna
Dino Asciolla
Enzo Altobelli
Federico Agostini
Félix Ayo
Mariana Sirbu
Pina Carmirelli
Roberto Michelucci
Salvatore Accardo


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Diana ed Endimione

Diana ed Endimione fa parte dell'ultimo periodo delle opere del Solimena, quando si concentrò principalmente su soggetti mitologici; ha sviluppato questo interesse per le storie mitologiche che è stato ispirato dal movimento arcadico che abbraccia la cultura classica.  Grazie al suo amore, Endimione ottenne l'eterna giovinezza e la bellezza senza tempo.

Prompt: How does Diana and Endymion (Solimena) explain its Graffiti?Please output in Italian.


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Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Ecce Homo (Daumier).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


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Cavaliere polacco

Il cavaliere polacco è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1655 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, di cui conserva traccia della firma "RE". Fa parte della Frick Collection di New York.Il soggetto è ignoto: si tende ad identificarlo con un cavaliere polacco perché il dipinto faceva parte di una collezione polacca. Si tratterebbe, secondo alcuni storici, di un Lisowczycy, forza di cavalleria leggera mercenaria polacca operante in Europa al tempo della Guerra dei Trent'Anni.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Polish Rider.Please output in Italian.

1655
Europa
Frick Collection
Lisowczycy
New York
Rembrandt
Rembrandt


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Battaglia di Ostia

A partire dall'anno 827  gli Arabi, dopo avere esteso il loro dominio a tutta l'Africa settentrionale e parte della Spagna, cominciano la progressiva conquista della Sicilia che utilizzano come base per compiere razzie in tutta l'area del Tirreno.

Prompt: Explain the Premises of this artwork, Battle of Ostia (painting).Please output in Italian.


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Festino degli dei

Dell'opera belliniana, oltre alla firma e la data, si conosce anche il documento di pagamento a saldo di 85 ducati che il cancelliere ducale degli Este versò al pittore il 14 novembre 1514. Nonostante ciò gli studiosi hanno preso diverse posizioni circa la data di inizio dell'opera: Wind , ad esempio, sostenne che forse il dipinto poteva essere stato cominciato qualche anno prima per Isabella d'Este, prendendo le notizie date dal Bembo alla marchesa nel 1505 come indicative dell'inizio di una collaborazione, poi sospesa per ignote ragioni. A favore di questa tesi si pronunciarono anche Pallucchini , Arslan, Pignatti e Bottari, che accolsero alcune notazioni stilistiche già rilevate da Vasari , riferibili agli anni immediatamente precedenti, dopo il 1505-1506: quest'ultimo biennio rappresenta l'ipotesi più precoce riguardo alla genesi dell'opera, sostenuta da Bonicatti, che pure non prese opinione circa l'ipotesi legata alla committenza di Isabella.Ipotesi più recenti, sebbene riscontrino le differenze stilistiche tra alcuni panneggi e il primo piano sassoso rispetto alle altre forme d'impasto corposo e caratterizzate da una stesura tonalista del colore, tendono a scartare la possibilità di una sospensione di qualche anno tra l'avvio e la conclusione dell'opera, anche perché lo stesso soggetto pare legato alle nuove tematiche pastorali e profane del giorgionismo, non compatibili con una datazione troppo precoce.

Prompt: In The Feast of the Gods, how is the Disagreements on the start of the work of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Nascita di Venere

Il disegno è armonico, delicato; le linee sono elegantissime e creano, nelle onde appena increspate, nel gonfiarsi delle vesti, nel fluire armonico dei capelli della dea e nello stesso profilo della spiaggia, dei giochi decorativi sinuosi e aggraziati. Innegabile è la ricerca di bellezza ideale e armonia, che si attua nel ricorso in via preferenziale al disegno e alla linea di contorno . Le forme sono nette, raffinatissime e trovano la loro sublimazione nel nudo statuario della dea, in cui le qualità morali e spirituali, secondo la dottrina neoplatonica, coincidono con la sua bellezza fisica. Tipica dell'artista è la vena leggermente malinconica, ma serena, che serpeggia negli sguardi.

Prompt: Describe the characteristics of the Drawing lines in The Birth of Venus (Bouguereau)'s Style.Please output in Italian.


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Martirio di san Floriano

San Floriano, un soldato romano di Enns che aveva difeso i cristiani nell'Alta Austria nel 304, venne martirizzato legandogli una pietra al collo e gettandolo nell'Inn. Poiché in una leggenda si ricorda come avesse spento un incendio con un solo secchio d'acqua, era spesso raffigurato come protettore dal fuoco.Nella tavoletta del martirio, la scena è ambientata su un ponte di legno nella metà superiore della tavola, visto dal basso, lasciando quella inferiore libera per uno straordinario paesaggio fluviale, con monti punteggiati da castelli.Attorno a Floriano, giovane nudo e inginocchiato, si dispone il gruppo degli aguzzini e dei semplici curiosi, che si assiepano attorno a lui ed alla grossa pietra di una macina di mulino che ha incatenata al collo.  sua silenziosa accettazione del martirio contrasta con i volti coincitati e deformi degli altri personaggi, evidenziandone efficacemente la santità.

Prompt: Focus on The Martyrdom of Saint Florian and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Epifania

In Italia l'Epifania è una festa nazionale ed è associata alla figura della Befana , un'anziana donna a cavallo di una scopa che, nella notte tra il 5 e il 6 gennaio, porta doni ai bambini o un pezzo di "carbone"  per tutti i comportamenti cattivi tenuti durante l'anno.  leggenda raccontata di lei che, avendo perso l'occasione di portare un dono al bambino Gesù insieme ai Magi biblici, ora porta doni ad altri bambini in quella notte.Tuttavia, in alcune parti dello stato italiano di oggi, esistono tradizioni diverse, e al posto della Befana sono i tre Re Magi a portare i doni. In Sardegna, ad esempio, dove convivono tradizioni e usanze locali del periodo ispanico, è particolarmente viva la tradizione dei Magi biblici  che portano doni ai bambini.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Italy and the Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Befana
Gesù
Gesù
Italia
Sardegna


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Pala Barbarigo

Pala Barbarigo  è un dipinto olio su tela  di Giovanni Bellini, datato 1488 e conservato nella chiesa di San Pietro Martire a Murano.

Prompt: Focus on Barbarigo Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pala di Santa Maria in Porto

pala è uno dei migliori esempi delle innovazioni che percorrevano l'Italia settentrionale dopo il 1475, quando Antonello da Messina sviluppò una tipologia di sacra conversazione con i personaggi disposti in maniera piramidale con al vertice l'alto trono della Vergine .  Il pittore creò una rappresentazione di grande monumentalità, improntata a una compostezza classica dove è ormai placata l'esagitata frenesia degli affreschi di Palazzo Schifanoia. Le forme appaiono così solide e misurate, con un robusto modellato plastico, mentre le inquietudini dell'artista affiorano solo nei finti bassorilievi decorativi.

Prompt: In Santa Maria in Porto Altarpiece, how is the Style discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

festa in onore della Santa Patrona di Presa, frazione di Piedimonte Etneo nel catanese, ha inizio la prima domenica di agosto e culmina la domenica successiva. I festeggiamenti si aprono con la S. Messa del mattino nella Chiesa parrocchiale alla Vergine intitolata e la sera nella piazza si svolge la tradizionale Asta dei prodotti tipici locali. Nei pomeriggi successivi si svolgeranno altre celebrazioni eucaristiche rispettivamente alla cappella del cimitero, all'edicola votiva di San Giuseppe in Piazza Giovanni XXIII e a quella della Madonna del Carmelo in Piazza Aldo Moro. Il giovedì avrà inizio il triduo di preparazione predicato da un sacerdote di un paese limitrofo presso la Chiesa; questo avrà termine il sabato, giorno della Vigilia dei festeggiamenti in cui verrà svelata l'immagine statuaria della Madonna delle Grazie. Nelle serate del giovedì, venerdì e sabato si alterneranno momenti di intrattenimento in piazza tra musica, ballo e teatro. Si giunge poi al giorno clou dei festeggiamenti: la domenica. Alle 7 del mattino i colpi dei mortaretti e lo scampanio solenne dei sacri bronzi segnano l'inizio del giorno festivo. Nella mattinata si susseguiranno delle celebrazioni eucaristiche e alle ore 11 la S. Messa solenne con la presenza di un'alta autorità religiosa, oltre a quelle delle autorità civili e militari del luogo. Nel pomeriggio alle ore 17 l'immagine di Maria viene traslata dalla cappella posta sull'altare al fercolo. Alle ore 18 la Madonna delle Grazie uscirà dalla porta principale della chiesa tra le acclamazioni di "Viva Maria!" e lo sparo di mortaretti unito allo scampanio delle campane. Seguirà la processione per le vie del paese. Al rientra il fercolo sosterà nella piazza principale per assistere all'ultima celebrazione eucaristica, e poi rientrerà in chiesa dove, riposto il simulacro nella cappella, questo verrà velato.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Presa (Piedimonte Etneo) of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: Describe the characteristics of the Russia in Epifania's History.Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Incoronazione Marsuppini

datazione menzionata, alla metà del quinto decennio, sembra confermata dalla vicinanza stilistica con l’Incoronazione Maringhi, per la chiesa fiorentina di Sant’Ambrogio, documentata tra 1439 e 1447.  tavola ha uno stile sobrio e apparentemente arcaizzante, vicino allo stile dell'Angelico, che ha in passato causato anche dei dubbi attributivi, oggi quasi completamente sciolti, si spiega con le idee estetiche degli olivetani di ispirazione bernardina. pala è divisa in tre scomparti, apparentemente come un trittico più antico, ma in realtà, all'interno le scene sono costruite con un'avanzata cultura prospettica. Nella scena centrale, al di sopra di un alto podio con gradini e incorniciata da una nicchia a valva di conchiglia, avviene la scena dell'incoronazione, con la Vergine inginocchiata ai piedi di Cristo mentre le porge la corona sulla testa. Ai due lati si trovano le composizioni simmetriche di tre angeli musicanti in cima ai gradini e due santi in piedi in primo piano. I santi sono tutti legati all'ordine monastico e presentano Gregorio Marsuppini e suo figlio Carlo  inginocchiati.Nelle figure degli angeli musicanti viene individuata la mano di un aiuto che potrebbe essere o Fra Carnevale o il Maestro della Natività di Castello o Bartolomeo di Giovanni Corradini, menzionato come discepolo del Lippi tra la fine del 1445 e i primi del 1446.

Prompt: Focus on Marsuppini Coronation and explain the Description and style.Please output in Italian.

Fra Carnevale
Incoronazione Maringhi
Maestro della Natività di Castello


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: Describe the characteristics of the Music Humanism Renaissance in Music (Matisse)'s The relationship with singing.Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Bambini dell'Olocausto

1979 - Günther Schwarberg. Der SS-Arzt und die Kinder: Bericht über den Mord vom Bullenhuser Damm. Hamburg: Gruner und Jahr. ET: The Murders at Bullenhuser Damm: The SS Doctor and the Children. Bloomington: Indiana University Press, 1984. 1982 - Azriel Eisenberg . The Lost Generation: Children in the Holocaust. New York: Pilgrim Press. 1984 - Serge Klarsfeld. Les enfants d'Izieu. Paris [France]: B. Klarsfeld Foundation. ET: The Children of Izieu. New York, NY: H. Abrams, 1985. 1985 - Werner Angress. Between Fear and Hope: Jewish Youth in the Third Reich . New York: Columbia University. 1988 - George Eisen. Children Play in the Holocaust: Games among the Shadows. Alherst: University of Massachusetts Press. 1988 - Betty Jean Lifton. The King of Children: A Biography of Janusz Korczak. New York, NY: Farrar, Straus and Giroux. 1990 - Lucette gnado and Sheila Cohn Dekel. Children of the Flames: Dr. Josef Mengele and the Untold Story of the Twins of Auschwitz. 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I bambini della Shoah, Napoli: Edizioni scientifiche, 1995. 1996 - Judith S. Kestenberg, and Ira Brenner. The st Witness: The Child Survivor of the Holocaust. American Psychiatric Press. 1997 - Lidia Beccaria Rolfi e Bruno Maida. Il futuro spezzato: i nazisti contro i bambini. Firenze: Giuntina. 1997 - Eva Kurek. Your Life Is Worth Mine: How Polish Nuns Saved Hundreds of Jewish Children in German-Occupaied Poland, 1939-1945. New York Hippocrene Books. 1998 - Judith S. Kestenberg, and Charlotte Kahn, eds. Children Surviving Persecution: An International Study of Trauma and Healing. Westport, CT: Praeger. 1998 - Viktoria Hertling . Mit den Augen eines Kindes: Children in the Holocaust, children in exile, children under fascism. Amsterdam; Atlanta, GA: Rodopi. 1999 - Barbara Bauer, Waltraud Strickhausen . "Für ein Kind war das anders": traumatische Erfahrungen jüdischer Kinder und Jugendlicher im nationalsozialistischen Deutschland. Berlin: Metropol. 1999 - Anne L. 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Child Holocaust Survivors: Memories and Reflections. Victoria: Trafford. 2007 - Lynn H. Nicholas. Bambini in guerra: i bambini europei nella rete nazista, Milano: Garzanti, 2007. 2008 - Suzanne Vromen. Hidden Children of the Holocaust: Belgian Nuns and their Daring Rescue of Young Jews from the Nazis. Oxford, and New York: Oxford University Press. 2011 - Patricia Heberer. Children during the Holocaust. AltaMira Press. 2011 - Stephanie Fitzgerald. Children of the Holocaust. 2012 - Umberto Gentiloni e Stefano Palermo . 16.10.1943 Li hanno portati via. Roma: Fandango Libri. 2013 - Bruno Maida.  Shoah dei bambini: la persecuzione dell'infanzia ebraica in Italia, 1938-1945. Torino: Einaudi. 2014 - Steven Pressman. 50 Children: One Ordinary American Couple's Extraordinary Rescue Mission into the Heart of Nazi Germany. New York, NY: Harper. 2016 - Simone Gigliotti and Monica Tempian, eds. The Young Victims of the Nazi Regime: Migration, the Holocaust and Postwar Displacement. 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Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Bibliography of the Inappropriate for children explained?Please output in Italian.

Italia
Janusz Korczak
Josef Mengele
Josef Mengele
Kindertransport
Mark Jonathan Harris


subsection

Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Ragazzo che monda un frutto

È possibile che quest'opera sia stata realizzata durante il soggiorno di Caravaggio presso Monsignor Pandolfo Pucci a Palazzo Colonna, ma è molto più plausibile l'ipotesi che essa sia riferibile al periodo di collaborazione con Giuseppe Cesari, detto il Cavalier d'Arpino. Infatti, il Ragazzo che monda un frutto fu tra le opere sequestrate, nel 1607, nella bottega di Cavalier d'Arpino dal fiscale di papa Paolo V Borghese. Fu poi il papa stesso a far dono del dipinto a suo nipote Scipione Borghese. Nel gruppo di opere sequestrate figuravano anche il Bacchino malato e il Fanciullo con canestro di frutta.Il frutto che viene sbucciato dal ragazzo è misterioso. Le fonti dicono che potrebbe trattarsi di una pera, il che è probabilmente corretto ma è stato più volte discusso; potrebbe trattarsi di una drupa, frutto che compare sul tavolo, ma questa di solito non viene sbucciata; alcuni hanno suggerito che possa trattarsi di un bergamotto, un frutto a forma di pera che cresce in Italia, ma altri hanno obiettato che il bergamotto è aspro e praticamente non commestibile.Il ragazzo non è 'rustico', ma è ritratto pulito e ben vestito e non come un garzone 'di bell'aspetto'. È possibile, inoltre, che il dipinto celi delle allegorie, poiché è noto che la frutta era spesso dipinta fini allegorici. Lo studioso di Caravaggio, John T. Spike, ha recentemente suggerito che il ragazzo dimostra resistenza alla tentazione nell'ignorare i frutti più dolci  in favore del bergamotto, ma nessuna specifica lettura è stata accettata.Il modello è considerato simile a quello dell'angelo nel San Francesco in estasi e al ragazzo vestito come Cupido nel suo Concerto, entrambi datati all'incirca tra 1595 e il 1597.

Prompt: Focus on Boy Peeling Fruit and explain the History and description.Please output in Italian.

Bacchino malato
Cavalier d'Arpino
Fanciullo con canestro di frutta
Palazzo Colonna


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Giardino dei Tarocchi

Il Giardino dei Tarocchi è un parco artistico situato in località Garavicchio, nei pressi di Pescia Fiorentina, frazione comunale di Capalbio in Toscana, ideato dall'artista franco-statunitense Niki de Saint Phalle, popolato di statue ispirate alle figure degli arcani maggiori dei tarocchi.Per volontà dell'artista, nel Giardino dei Tarocchi non si eseguono visite guidate per lasciare all'interpretazione dei visitatori.

Prompt: Focus on Tarot Garden and explain the Abstract.Please output in Italian.

Capalbio
Giardino
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Pescia Fiorentina
Tarocchi
Toscana