subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Volta della Cappella Sistina

Gli Antenati di Cristo si trovano lungo le sedici lunette  e le otto vele. Essi rappresentano le quaranta generazioni anteriori a Gesù secondo l'elenco del Vangelo di Matteo e simboleggiano la speranza e l'attesa dell'Incarnazione e della redenzione senza l'illuminazione divina dei Veggenti.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Before Christ and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Primavera

Autunno Equinozio Estate Inverno Solstizio Stagione

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Primavera (Botticelli).Please output in Italian.

Autunno Equinozio Est Estate Inverno Solstizio Stagione


subsection

amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Artivisive and the Philosophy.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


subsection

marmi di Elgin

L'Eretteo venne utilizzato come deposito munizioni dagli Ottomani durante la guerra d'indipendenza greca , che pose fine al lungo dominio ottomano su Atene.L'Acropoli fu assediata due volte, prima dai Greci e poi dagli Ottomani. Durante il primo assedio i Greci offrirono dei proiettili agli assediati per evitare che questi fondessero le sculture in bronzo dell'Acropoli per creare pallottole.

Prompt: Describe the characteristics of the War of Independence in Elgin Marbles's Damages.Please output in Italian.


subsection

San Sebastiano curato da santa Irene

Una linea diagonale taglia il dipinto dall'angolo in alto a sinistra a quello in basso a destra: essa è tratteggiata dal corpo dello stesso Sebastiano, a partire dal suo braccio destro, ancora legato all'albero, fino ad arrivare al piede sinistro ed è ulteriormente rafforzata dalla freccia che gli spunta dal costato, che suggerisce una continuazione ideale della linea del braccio. Le due figure centrali di Irene e Sebastiano sono contrapposte, con i volti rivolti in direzioni opposte. Il volto di Irene è illuminato e rivolto verso l'alto, solcato da un sorriso lieve e un sentimento generale di sollievo e speranza. Il volto di Sebastiano è invece segnato dal dolore e dall'angoscia, nonché sprofondato nell'ombra.  struttura piramidale dell'opera è ulteriormente rimarcata dalla posizione delle teste di Sebastiano, Irene e dalla serva, tutte e tre disposte obliquamente una dopo l'altra.

Prompt: Describe the characteristics of the Composition in Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre)'s History.Please output in Italian.


subsection

Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In the context of Annunciation (Fra Angelico, Madrid), explain the The Annunciation in theology and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


section

William Tecumseh Sherman

figura del generale Sherman è al centro o appare in numerose opere, tra le quali si possono ricordare: la canzone della guerra civile americana Marching Through Georgia di Henry Clay Work, il poema di Herman Melville The March to the Sea, nel documentario Sherman's March di Ross McElwee, nel romanzo  marcia di E. L. Doctorow.Il generale Sherman appare in vari episodi della serie western a fumetti Magico Vento.Il berretto utilizzato nel corso della Un I 500 dollari in una serie del 1891 con il volto di Sherman.Uno degli Uno degli edifici di Fort Sherman nella zona del Primo piano del Il busto di William Tecumseh Sherman all'interno del

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Mass culture discussed?Please output in Italian.

1891
Henry Clay
Henry Clay Work
Herman Melville


section

Quattro visioni dell'Aldilà

Le Quattro visioni dell’Aldilà sono una serie di quattro dipinti a olio su tavola di Hieronymus Bosch conservati alle Gallerie dell'Accademia di Venezia. L'analisi del supporto ligneo basata sulla dendrocronologia determina un terminus post quem al 1482, l'analisi stilistica pone la datazione dell'opera tra il 1500 ed il 1503.Le dimensioni esatte di ciascun pannello sono le seguenti:  Caduta dei dannati = cm 88.8 x 39.6;  Inferno = cm 88.8 x 39.6;  Paradiso terrestre = cm 88.5 x 39.8;  Ascesa all'Empireo = cm 88.8 x 39.9. Il retro dei pannelli mostra una colorazione a finto marmo, rossa per  e ; verde per  e .

Prompt: How does Ascent of the Blessed explain its Abstract?Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Hieronymus Bosch
Venezia


section

Trittico dei sette Sacramenti

Il Trittico dei sette Sacramenti è un dipinto del pittore fiammingo Rogier van der Weyden realizzato intorno al 1445-1450 per una Chiesa di Poligny  e in seguito conservato nel Museo reale di belle arti di Anversa in Belgio.

Prompt: Focus on Seven Sacraments Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Pala di Asolo

tavola presenta l'iconografia dell'Assunzione della Vergine, con la statuaria Maria, raffigurata in età anziana, che entro una mandorla di luce è trasportata verso l'alto da quattro angioletti.  presenza dei due santi ai lati, Antonio Abate e Ludovico di Tolosa, presi dalla visione estatica, fa assumere però al soggetto una connotazione più da "apparizione" che da assunzione, essendo anche assenti gli apostoli, previsti nell'episodio evangelico. Il taglio della parte superiore della mandorla però accentua dopotutto un movimento ascensionale, espediente già usato, ad esempio, dal Perugino. I due santi sono entrambi collegati alle attività dei Battuti, che gestivano un ospedale per la cura dei malati e degli indigenti: Antonio era infatti invocato normalmente per la cura delle malattie, mentre Ludovico era additato come esempio di rinuncia agli onori mondani  per la cura dei bisognosi. Tra le venti e oltre specie vegetali rappresentate nella tavola si è letto, per via simbolica, un richiamo al mistero dell'Immacolata concezione. Si è anche ipotizzato che il volto di Maria ritragga Caterina Cornaro, la regina spodestata di Cipro e Gerusalemme che proprio ad Asolo, in quegli anni, teneva una vivace corte di artisti e letterati. Se fosse vero il paragone con Maria, simbolo per eccellenza di castità, sarebbe anche da ipotizzare che fosse stata lei a commissionare la pala o qualcuno che desiderava omaggiarla.Interessante è il paesaggio della predella che potrebbe rappresentare Feltre. Più precisamente su un rialzo a sinistra apparirebbe il Santuario dei Santi Martiri Vittore e Corona con il campanile e la chiesa , in mezzo un sistema di ponti necessario per varcare i torrenti  ai piedi della cittadella. A destra la città murata e turrita sul colle coronata dal castello è Feltre come appariva fino al 1510 anno della sua distruzione durante la guerra cambraica.

Prompt: Focus on Asolo Altarpiece and explain the Description.Please output in Italian.


subsection

Polittico Averoldi

scena centrale della Resurrezione rinnova l'iconografia tradizionale combinandosi con quella dell'Ascensione. Un Cristo trionfante si manifesta sfolgorante in cielo, impugnando il vessillo crociato come emblema del Cristianesimo.  sua figura, di straordinaria forza espressiva e bellezza anatomica, si erge inondata dalla luce, soprattutto per contrasto con lo sfondo delle prime ore del mattino e con i soldati nell'ombra in basso, rischiarati appena da qualche riflesso sull'armatura di uno di essi.Nell'opera Tiziano dimostrò di aver assimilato e rielaborato le recentissime innovazioni romane di Raffaello: in particolare la Trasfigurazione per la posa e il ruolo centripeto giocato dal Cristo, e l'affresco della Liberazione di san Pietro, come le atmosfere notturne. Il gesto di Cristo che spalanca le braccia può anche essere letto come una citazione colta del Gruppo del ocoonte, e il suo modellato anatomico come un omaggio alla perfezione della statuaria antica. Lo sfondo poi, rigato dai riflessi arancio che rievocano l'alba della nuova era cristiana inaugurata dalla Resurrezione, rimandano al sentire atmosferico e paesistico delle opere della scuola danubiana, alla quale fa pensare anche l'architettura nordica della Gerusalemme ideale sullo sfondo.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the Resurrection and the Description and style.Please output in Italian.


section

Visitazione con sant'Anna

Visitazione con sant'Anna è un dipinto a tempera su tavola  attribuito a Pietro Perugino, databile al 1472-1473 circa e conservato nella Galleria dell'Accademia a Firenze.

Prompt: How does Visitation (Perugino) explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Morte di Sofonisba

morte di Sofonisba, noto anche come  Sofonisba di Pittoni, è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1716 e il 1720, dal pittore italiano Giambattista Pittoni.

Prompt: In The Death of Sophonisba (Preti), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Cento vedute famose di Edo

volume= 7editore= Kadokawa Bunkōanno=1966lingua=giapponese}}       volume=13 editore=Kadokawa shotenanno=1978-1990pagine=1253cid=Rizō, 1978-1980}}

Prompt: In One Hundred Famous Views of Edo, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Venditore ambulante

Per venditore ambulante si intende un commerciante che non esercita la propria professione in un negozio stabile. L'attività del venditore ambulante si concentra generalmente nelle manifestazioni fieristiche o nei mercati giornalieri o settimanali , ma è diffusa, a volte in modo illegale, anche in altri luoghi affollati, come mete turistiche, centri commerciali e manifestazioni sportive e musicali.

Prompt: How does The Wayfarer explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Fuga in Egitto

Se il Vangelo secondo Matteo, unica fonte canonica a tramandare il racconto della fuga in Egitto, è silenzioso riguardo agli anni trascorsi dalla famiglia in Egitto, l'episodio della fuga e la vita di Gesù e dei suoi genitori in terra egiziana è narrato in diversi apocrifi del Nuovo Testamento; questi riportano storie miracolose, come alberi di palma che si inchinano davanti a Gesù bambino, bestie del deserto che gli rendono omaggio, incontri con i due ladri che saranno poi crocifissi con lui, oltre ad aggiungere dettagli come l'aggregarsi alla famiglia di Salome come balia dell'infante.Le storie della vita di Gesù in Egitto hanno svolto un ruolo importante specialmente all'interno della Chiesa copta. Per tutto l'Egitto vi sono diverse chiese e santuari che sarebbero stati eretti in luoghi abitati dalla famiglia; il più importante di questi è la chiesa dei Santi Sergio e Bacco ad Abu Serghis, che sarebbe stata eretta sulla casa di Gesù in Egitto. Secondo la tradizione copta, il periodo trascorso in Egitto da Gesù con la sua famiglia sarebbe stato di un anno o più.

Prompt: Focus on The Flight into Egypt (Poussin) and explain the Other narratives.Please output in Italian.

Abu Serghis
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


section

Il mercato degli schiavi

Nel 1844, a Parigi, Jean-Léon Gérôme divenne allievo di Charles Gleyre . Gli allievi di Gleyre comprendevano Monet, Renoir, Basile e Whistler.  simpatia di Gleyre per Fidia e Raffaello già a quel tempo sembrava antiquata, ma i suoi allievi li usavano quando dipingevano scene storiche, bibliche e mitologiche. In particolare, Gérôme visitò più volte il Medio Oriente, ed era ben consapevole che ufficialmente la tratta degli schiavi nell'Impero Ottomano durante il periodo Tanzimat era seriamente limitata, anche sotto la pressione degli alleati europei dei turchi. Tuttavia, la trama di Gérôme non contiene solo una scena di una storia recente al momento in cui la dipinse.Il dipinto venne acquistato da Adolphe Goupil il 23 agosto 1866 e nel 1867 venne esposto al Salon di Parigi. L'opera venne acquistata e venduta varie volte finché nel 1930 non venne comprata da Robert Sterling Clark. Dal 1955 fa parte della collezione dell'istituto d'arte.

Prompt: Focus on The Slave Market (Gérôme painting) and explain the History.Please output in Italian.

1866
Charles Gleyre
Fidia
Jean-Léon Gérôme
Medio Oriente
Parigi
Tanzimat


subsection

Madonna di Darmstadt

All'arrivo di Holbein a Basilea nel 1515, esisteva ancora un mercato fiorente di ritratti religiosi cattolici. Con l'avvento della Riforma in città nel 1520, le domande di opere di carattere religioso diminuì significativamente e lo stesso Holbein accettò commissioni sia da parte dei cattolici che da parte dei riformati. Molte opere andarono distrutte nel corso dell'ondata iconoclastica del 1529, ma opere di Holbein come la Madonna di Soletta, la Madonna di Darmstadt ed il Cristo morto nella tomba sono sopravvissute sino ai nostri giorni, lasciando un alone di mistero sulla loro funzione originaria. Madonna di Darmstadt del resto presenta molte similitudini con la Madonna di Soletta realizzata dallo stesso Holbein nel 1522. Entrambi i dipinti sono molto simili nelle loro dimensioni e nel particolare della forma arrotondata nella parte superiore e rettangolare in quella inferiore. A differenza però del dipinto successivo commissionato da Jacob Meyer, nella Madonna di Soletta Maria si trova seduta in trono con in braccio il Bambino, tra i santi Martino e Orso. I donatori sono presenti in quest'opera unicamente tramite i loro stemmi che sono "ricamati" sul tappeto, steso anche in questo caso sotto i piedi della Madonna. Il dipinto corrisponde in questo caso ad una Sacra Conversazione.  Madonna di Darmstadt, d'altra parte, si presenta molto più complessa nei suoi molteplici riferimenti iconografici.Con il trasferimento definitivo in Inghilterra nel 1532, l'attenzione di Holbein si spostò verso la ritrattistica privata, lasciando i temi religiosi di sfondo.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Classification in the work of Holbein and the Style.Please output in Italian.


section

Pala Nerli

L'opera venne commissionata da Tanai, diminutivo francesizzato di Jacopo, de' Nerli, per collocarla sull'altare di famiglia dove si trova tuttora. Mancando una documentazione certa sulla tavola, nel tempo sono state formulate varie ipotesi di datazione, che divergono soprattutto sulla questione se il dipinto sia stato eseguito prima o dopo il viaggio a Roma di Filippino . Berenson e Adolfo Venturi leggevano dettagli classici nell'architettura e in alcuni particolari che facevano pensare a una conoscenza diretta dei modelli antichi visti nella città eterna. Altri , la ritengono invece anteriore, legandola ad altre importanti opere di rinnovo degli altari di Santo Spirito, come la commissione della Madonna Bardi a Botticelli, databile al 1485. Ricerche recenti su documenti conservati presso l'Archivio di Stato di Firenze avvalorano l'ipotesi che il dipinto sia stato commissionato ed eseguito da Filippino prima del sul viaggio a Roma, proponendo una datazione tra il 1485 e il 1488.

Prompt: How does Madonna with Child and Saints (Filippino Lippi) explain its History?Please output in Italian.


section

Orologio astronomico di Praga

All'orologio astronomico di Praga è titolato il quarto episodio della seconda stagione della serie televisiva Lore : Prague Clock: The Curse of the Orloj.

Prompt: In Prague astronomical clock, how is the Curiosity discussed?Please output in Italian.


subsection

Arca di san Domenico

Alla sommità della cimasa, nonché dell'intera arca, si vede Dio Padre che sorregge il mondo con la mano sinistra tenendolo vicino al cuore. Sotto i suoi piedi troviamo un altro globo più grande. Più in basso si vedono i simboli della creazione: i festoni di frutta stanno a significare la terra, i due putti si riferiscono al cielo e gli otto delfini al mare.Ancora più in basso troviamo il mistero della Redenzione: Gesù Cristo morto è rappresentato in mezzo a due angeli, a destra quello dell'annunciazione e a sinistra quello della passione. Allo stesso livello degli angeli i quattro evangelisti  che hanno diffuso al mondo intero il messaggio di Redenzione operato da Gesù Cristo.Dopo le rappresentazioni del Padre e del Figlio, viene lo Spirito Santo. Lui non ha immagini, ma se ne vedono gli effetti: poco sotto si trovano, appoggiate a una cornice, i santi protettori di Bologna. Otto statue, nella parte anteriore: san Francesco, san Petronio, san Domenico e san Floriano; nella parte posteriore: sant'Agricola, san Giovanni Battista, san Procolo e san Vitale.

Prompt: In the context of Arca di San Domenico, explain the Tears Niccolò dell'Arca and the History.Please output in Italian.


subsection

Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: Explain the One God will betray you about the New Testament of this artwork, Last Supper (Tintoretto).Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


subsection

Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Explain the Historicity theological significance about the Luca's story of this artwork, Adoration of the Shepherds (La Tour).Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


section

Santa Caterina leggente

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: In Saint Catherine Reading, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Sweden and the Artistic theme.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


subsection

Madonna di Darmstadt

A destra ed a sinistra della composizione si trova un muro, sullo sfondo, dietro il quale si suggerisce la presenza di un giardino con alberi di fico, che può essere considerato un hortus conclusus come metafora del Giardino dell'Eden, il Paradiso. A differenza di altri ritratti di Maria, come nel caso de  Madonna delle rose di Stefan Lochner, qui la Madonna si trova posta fuori dal giardino del Paradiso ed è inquadrata in una struttura che la qualifica come porta coeli, la porta del Paradiso.

Prompt: In Darmstadt Madonna, how is the Lemur Jerusalem celestial of the Style explained?Please output in Italian.


section

Creazione degli astri e delle piante

Creazione degli astri e delle piante è un affresco di Michelangelo Buonarroti, databile al 1511-1512 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: In The Creation of the Sun, Moon, and Plants, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1511
1512
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Roma


section

Madonna della Scodella

tavola fu realizzata da Correggio per la chiesa del Santo Sepolcro di Parma: venne probabilmente commissionata all'artista nel 1524, quando un tale Cristoforo Bondini, morendo, lasciò in legato alla chiesa la somma di 15 lire per la realizzazione di una pala per l'altare di san Giuseppe. Risulta completata nel 1530, come rivela l'iscrizione sulla cornice : .Sono noti due disegni preparatori del quadro.Giorgio Vasari citò l'opera "tavola di pittura divina" nella seconda edizione delle Vite parlando di Girolamo da Carpi, che l'avrebbe studiata nella chiesa del Santo Sepolcro: rimase in tale sede fino al 1796, quando venne requisita dal governo napoleonico e trasportata a Parigi; venne restituita nel 1815, dopo la disfatta di Napoleone a Waterloo, e collocata, nell'anno seguente, nella Galleria Ducale. Nel 1893, su proposta di Corrado Ricci, fu reinserita nella cornice originale.Per la datazione del dipinto viene comunemente proposta la data del 1528-1530: Cecil Gould ritiene che solo gli angeli nella parte alta della tela siano stati eseguiti in questi anni e che la parte inferiore dell'opera risalga, invece, alla metà del terzo decennio del XVI secolo.L'opera ebbe un'eccezionale fortuna figurativa: fu studiata fra gli altri da Lelio Orsi, da Federico Barocci, da nfranco, Domenichino e, più tardi, da Carlo Maratta e Pompeo Batoni.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna della Scodella.Please output in Italian.

1524
1528
1530
1796
1815
1893
Carlo Maratta
Cecil Gould
Corrado Ricci
Domenichino
Federico Barocci
Giorgio Vasari
Girolamo da Carpi
Lelio Orsi
Parigi
Parma
Pompeo Batoni
Waterloo


section

La bagnante di Valpinçon

bagnante di Valpinçon , noto anche come  grande bagnante , è un dipinto di Jean-Auguste-Dominique Ingres , probabilmente fra i più noti del pittore, realizzato nel 1808.

Prompt: How does The Valpinçon Bather explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Il dipinto è un ritratto alla francese di grandi dimensioni, rappresentante Napoleone a grandezza naturale, in piedi. Porta l'uniforme da ufficiale dei granatieri a piedi, blu foderata di bianco con le maniche rosse, con un gilet bianco, decorato delle decorazioni imperiali della Legion d'onore e dell'Ordine della Corona ferrea oltre a due spalline dorate. Indossa una culotte alla francese di colore bianco, oltre a due scarpe nere con fibbie oro.  figura è presentata di tre quarti, con una gamba posta in avanti, il viso rivolto verso lo spettatore, la mano destra nascosta sotto il gilet. Tra i mobili presenti nello studio si riconosce una sedia con una spada appoggiata.  scrivania è di stile imperiale, coi piedi scolpiti a rappresentare la testa di un leone. Tra le sue carte si trova uno scritto dove si legge la parola "CODE" in riferimento appunto al codice legislativo napoleonico. Il pavimento è ricoperto da un tappeto verde sul quale si trovano altri fogli arrotolati, sul primo dei quali si legge la firma del pittore LVD DAVID OPVS 1812. In secondo piano si trova un grande pendolo che indica le quattro e dieci. seconda versione differisce per l'uniforme che è appunto quella dei cacciatori a cavallo della guardia e per l'orologio che segna le quattro precise.

Prompt: In The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Legion d'onore
Ordine della Corona ferrea


section

Polittico Averoldi

Opere di Tiziano Rinascimento veneziano Rinascimento bergamasco e bresciano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Averoldi Polyptych.Please output in Italian.

Opere di Tiziano
Rinascimento bergamasco e bresciano
Rinascimento veneziano


section

Battaglia di Cascina

Secondo gli storici, l'esercito fiorentino si accampò nella notte tra il 27 ed il 28 luglio “intorno a Càscina”, antico borgo fortificato e l'unica “terra murata” importante in un raggio di molti chilometri.Nel corso del Medioevo, Càscina acquistò rilevanza soprattutto come centro agricolo e commerciale, data la sua posizione lungo la principale arteria di collegamento tra Firenze e il porto di Pisa e fu spesso luogo di battaglie negli scontri tra queste due città, come quello avvenuto appunto il 28 luglio del 1364. Non si conosce il luogo esatto della battaglia. Emanuele Repetti, all'inizio dell'Ottocento, ha identificato al toponimo alla voce “Gello di vajano” il luogo “ove fecero il campo” i Fiorentini comandati da Galeotto Malatesta.Secondo Salvagnini, però si tratta di una voce popolare piuttosto che di una affermazione basata su documenti storici.Infatti, se è vero che l'Arno  dista attualmente ben due chilometri da Gello, è anche vero che allora il fiume non aveva un percorso regolare e distava ancora maggiormente, allargandosi in più bracci secondari di cui uno tuttavia avrebbe ben potuto giungere fin sotto l'accampamento fiorentino. Nonostante queste osservazioni il Salvagnini avvalora l'ipotesi del Repetti, notando come la località sia stata scelta spesso dall'esercito fiorentino in diverse circostanze, anche perché tra Gello e Fornacette scorreva il fosso Rinonico che era stato fortificato dai Pisani con steccati e faceva da “limite” all'area pisana.

Prompt: Explain the Farm battle of this artwork, Battle of Cascina (Michelangelo).Please output in Italian.


section

Crenaia, la ninfa del torrente Dargle

Stephen Jones et al., Frederic Leighton, 1830–1896. Royal Academy of Arts, Londra, Harry N. Abrams, Inc, 1996,  pp. 192. Ernest Rhys, Frederic Lord Leighton: An Illustrated Record of his Life and Work, Londra,  George Bell & Sons, 1900, pp. 42, 127. Edgcumbe Staley, Lord Leighton of Stretton, Londra, The Walter Scott Publishing Co., Ltd.; New York, Charles Scribner's Sons, 1906, pp. 116–118.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Crenaia, the Nymph of the Dargle.Please output in Italian.


section

Senecio

Senecio   è un genere di piante angiosperme dicotiledoni della famiglia delle Asteraceae .

Prompt: How does Senecio (Klee) explain its Abstract?Please output in Italian.


section

Madonna Rucellai

tavola è la più grande che ci sia pervenuta riguardo al Duecento e venne dipinta dal pittore senese, allora giovane e in patria straniera .L'opera si ispira alla Maestà del Louvre di Cimabue, dipinta circa cinque anni prima, con la stessa disposizione del trono in tralice, la stessa inclinazione dei volti, i medesimi gesti della madre col figlio, la stessa impostazione della cornice. Il tema però è qui rappresentato con una nuova sensibilità, più "gotica", carico di ancora maggiore dolcezza nei volti e nella dolente umanità che supera i rigidi schematismi bizantini, facendo eco all'importanza tributata nel Duecento ai culti mariani. Madonna Rucellai di Duccio è più aristocratica e raffinata. I volti di tutti i personaggi, sebbene ancora enigmatici, sono più dolci e gentili, secondo un distacco dall'opera di Cimabue che non era ancora evidente nell'antica Madonna Gualino di Duccio , divenendo percettibile nella Madonna di Crevole  e che in questa opera del 1285 diventa più evidente: la Vergine sembra quasi abbozzare un sorriso. Ciò dà all'immagine un senso di maggiore aristocraticità, innestata sulla solida maestosità e l'umana rappresentazione di Cimabue.Con tutta probabilità Duccio ebbe come ispirazione anche gli oggetti quali smalti, miniature e avori provenienti dalla Francia, di sapore innovativamente gotico. Sono molti infatti gli elementi di stile gotico presenti nell'opera: mancano le lumeggiature dorate dell'agemina, sostituite da delicate modulazioni di colore e pieghettature spesso cadenti che danno sostanza alle figure. Inoltre Duccio vi immise un nervoso ritmo lineare, come sottolineato dal capriccioso orlo dorato della veste di Maria, che disegna una complessa linea arabescata che va dal petto fino ai piedi, in opposizione alle rigide e astratte pieghe a zig zag della pittura bizantina.  gamma cromatica è ricca e varia, come già andava conquistando la scuola senese, e conta colori che si esaltano a vicenda come il rosa smalto, il rosso vinato e il blu chiaro. Le aureole della Madonna e del Bambino sono decorate da raffinati motivi che creano un'aura di impalpabile trasparenza. I sei angeli che circondano la Madonna sono perfettamente simmetrici  e stanno irrealisticamente inginocchiati uno sopra l'altro ai lati del trono, senza una minima sensazione di piani in profondità, come in Cimabue. Del resto anche nel trono sono più curati i decori preziosi, con bifore e trifore gotiche e con il sontuoso drappo di seta sullo schienale. cornice modanata ha un ruolo fondamentale nella composizione, ribadito dal recente restauro. Essa è in parte d'oro e in parte dipinta, con una fascia interrotta da clipei con busti di profeti biblici e santi domenicani, tra i quali il fondatore dei udesi san Pietro Martire. Queste figure, pur nelle dimensioni ridotte, presentano una notevole distinzione nelle singole fisionomie.

Prompt: In Rucellai Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1285
Cimabue
Madonna Gualino
Madonna di Crevole
Maestà del Louvre


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


section

Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: Explain the Parallel with Islam of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.


subsection

Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


section

Busto di Francesco I d'Este

Nell'agosto 1650 Francesco I d'Este, duca di Modena e Reggio, commissionò un suo ritratto in marmo al Bernini, dopo aver scartato l'idea iniziale di commissionarlo al rivale di questi Alessandro Algardi.Bernini fu informato che avrebbe dovuto operare - come già avvenne per i busti di Carlo I d'Inghilterra e del cardinale Richelieu - basandosi non sulla visione diretta del soggetto ritratto, bensì su opere pittoriche, in questo caso su quadri di Justus Sustermans e Jean Boulanger appositamente inviatigli da Modena; Bernini si sentì messo in difficoltà, scrivendo a Francesco d'Este che realizzare un busto senza aver mai potuto vedere il modello era un'impresa "quasi impossibile" e riferendo in un colloquio al cardinale Rinaldo d'Este, fratello del duca e colui il quale si stava occupando delle trattative per l'opera, del suo "voto solenne" di non operare più in tal modo. Il cardinale riuscì a vincere le resistenze dell'artista, il quale accettò a condizione che gli venissero forniti un maggior numero di ritratti del duca e le esatte misure dell'altezza e della larghezza delle spalle dello stesso.L'opera fu completata nel settembre del 1651 e trasportata in una cassa a bordo di un carro a Modena, dove giunse nel novembre successivo. Malgrado le lettere in cui Bernini si scusava anticipatamente con i due Este committenti dell'eventuale non somiglianza del ritratto, il duca Francesco rimase tanto colpito dal busto che pagò all'artista tremila scudi, la medesima somma che aveva ricevuto da papa Innocenzo X per l'allora da poco ultimata fontana dei Quattro Fiumi di Roma.

Prompt: Focus on Bust of Francesco I d'Este and explain the History.Please output in Italian.

1650
1651
Alessandro Algardi
Carlo I d'Inghilterra
Francesco I d'Este
Jean Boulanger
Justus Sustermans
Modena
Roma


section

Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino

Leonardo nel 1501 aveva approntato un cartone con il gruppo della Sant'Anna per la basilica della Santissima Annunziata a Firenze, opera che si ritiene perduta. Tornato a Milano nel 1506 doveva aver creato una nuova versione del dipinto forse per Luigi XII, il cosiddetto Cartone di Burlington House, oggi alla National Gallery di Londra. descrizione che nel 1501 il carmelitano Pietro da Novellara diede del dipinto fiorentino a Isabella d'Este «un Cristo Bambino di età circa un anno, che uscendo quasi de' bracci ad la mamma piglia un agnello e pare che lo stringa; la mamma quasi levandosi de grembo ad S. Anna, piglia il bambino per spiccarlo dall'agnellino» combacia con quella della tavola del Louvre, che eventualmente era una copia o una variante autografa dello stesso Leonardo.Sull'opera parigina si sono fatte varie ipotesi, tra cui quella secondo cui Leonardo, basandosi sugli studi condotti a Firenze per l'altare dell'Annunziata, dipinse la pala a Milano durante il suo secondo soggiorno , per poi lasciarla lì durante il suo soggiorno romano, per poi riprenderla e portarla con sé in occasione della partenza in Francia, dove forse venne acquistata da Francesco I. Una «Madonna col bambino seduta sui ginocchi di Sant'Anna» venne ammirata dal cardinale Luigi d'Aragona durante la sua visita al Castello di Clos-Lucé, dove viveva Leonardo, nel 1517: l'opera è citata dal segretario del cardinale nella sua Relazione del viaggio, assieme a un San Giovanni Battista giovane e due ritratti .In ogni caso, le prime notizie attendibili sulla tavola risalgono ai tempi di Luigi XIII, quando nel 1629 fu ritrovata dal cardinale Richelieu a Casale durante la guerra del Monferrato, e fu da questi offerta al re di Francia nel 1636. Dalle collezioni reali passò al Louvre nel 1801. struttura del dipinto influenzò Raffaello e Andrea del Sarto in pittura, e Andrea Sansovino  e Francesco da Sangallo  in scultura.Nel dicembre 2008 un conservatore del Louvre scoprì diversi schizzi sbiaditi nel retro della tavola.  riflettografia infrarossa rivelò tre disegni: una testa di cavallo di 18x10 cm, simile come stile ai cavalli del cartone leonardesco della Battaglia di Anghiari; una parte di teschio umano di 16,5x10 cm; un Gesù bambino con agnello, simile a quello dipinto sul davanti della tavola. Gli schizzi, eseguiti in pietra nera o carboncino, sono con molta probabilità di Leonardo stesso.Nel 2012 il dipinto fu restaurato dalla specialista italiana Cinzia Pasquali, che già aveva restaurato molti capolavori su incarichi affidati dai direttori di vari musei importanti. Questo intervento fu definito "il restauro del secolo" e con tale espressione s'intitola il documentario dedicato al lavoro di Pasquali.

Prompt: Focus on The Virgin and Child with Saint Anne (Leonardo) and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: Describe the characteristics of the Medallions and brooches in Monument to Giordano Bruno's Description.Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


section

Polittico dell'Intercessione

AA.VV., Il Gentile risorto. Il polittico dell'Intercessione di Gentile da Fabriano, a cura di M. Ciatti e C. Frosinini, Edifir, Firenze 2006.

Prompt: How does Intercession Altarpiece explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Caccia al leone

Raffigurazione di una scena di caccia al leone su una lama di pugnale - Una caccia al leone mostrata in oro su una placca di cintura, I leoni erano presenti nella penisola greca fino all'epoca classica. Il prestigio della caccia al leone è ben dimostrato nella mitologia greca: la prima fatica di Eracle fu l'uccisione del leone di Nemea. I leoni sono stati raffigurati come simboli di spicco della regalità, come ad esempio nella Porta dei Leoni alla cittadella di Micene.Rispettato per la sua ferocia, il leone era estremamente popolare durante le venationes e gli spettacoli gladiatori nell'Antica Roma. Durante la sua dittatura, Cesare sbalordì tutti utilizzando circa 400 leoni nel Circo , la cui inusuale presenza aggiunse dell'emozione ai suoi spettacoli. Pompeo stabilì un macabro record facendo uccidere ben 600 leoni. L'utilizzo del leone, fiera amata per gli spettacoli, era anche una questione di immagine: Cesare confiscò a Cassio i leoni che intendeva usare per uno spettacolo in Grecia, evento che spinse Cassio ad allearsi con Bruto nella rivolta finale contro il dittatore. Questi leoni, tuttavia, non restarono a lungo nelle mani di Cesare: quando la città di Megara fu occupata dagli uomini di Cesare, i cittadini liberarono i leoni sperando che attaccassero gli invasori. Invece i leoni sbranarono i cittadini per poi sparire nella foresta.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Greece Rome of the History explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Incoronazione di Carlo Magno

Raffaello iniziò a lavorare alla terza delle Stanze non molto dopo l'elezione di Leone X. Il Papa, forse ispirandosi alla scena dellIncontro tra Leone Magno e Attila nella Stanza di Eliodoro, in cui aveva fatto inserire il proprio ritratto al posto di quello di Giulio II, scelse come tema della decorazione la celebrazione dei pontefici col suo stesso nome, Leone III e IV, nelle cui storie, tratte dal Liber Pontificalis, si potevano cogliere allusioni al pontefice attuale, alle sue iniziative e al suo ruolo. prima scena ad essere completata fu lIncendio di Borgo, che diede poi il nome alla stanza. In essa gli interventi autografi del maestro sono ancora consistenti, mentre negli episodi successivi i nuovi impegni presi col pontefice  resero necessario un intervento sempre più cospicuo degli aiuti, tra cui spiccavano Giulio Romano, Giovan Francesco Penni e Giovanni da Udine. Durante la Repubblica Romana instaurata dai giacobini e successivamente nel periodo napoleonico, i francesi elaborarono alcuni piani per staccare gli affreschi e renderli portabili. Infatti, venne espresso il desiderio di rimuovere gli affreschi di Raffaello dalle pareti delle Stanze Vaticane e inviarli in Francia, tra gli oggetti spediti al Musee Napoleon delle spoliazioni napoleoniche, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.

Prompt: How does The Coronation of Charlemagne explain its History?Please output in Italian.

Chiesa di San Luigi dei Francesi
Francia
Giovan Francesco Penni
Giovanni da Udine
Giulio Romano
Incendio di Borgo
Stanza di Eliodoro


subsection

Daniele

Daan Bovenberg, calciatore olandese Daan Breeuwsma, pattinatore di short track olandese Dănuț Coman, calciatore rumeno Daan Jippes, fumettista olandese Dănuț Lupu, calciatore rumeno Daniils Turkovs, calciatore lettone

Prompt: In Prophet Daniel (Michelangelo), how is the Other variants of the People explained?Please output in Italian.

Daan Bovenberg
Daan Breeuwsma
Daan Jippes
Daniils Turkovs
Dănuț Coman
Dănuț Lupu


subsection

Musica

tecnica del canto è quell'insieme di accorgimenti, appresi con l'allenamento e lo studio, necessari ai cantanti professionisti per evitare gravi danni alla laringe e alle corde vocali e per ottenere una voce timbricamente gradevole, potente e con un'ampia gamma cantabile, cioè una estensione dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro è omogeneo e l'intonazione è corretta e stabile.Tutti, più o meno, possono cantare una canzone. Molti di meno invece riescono a cantare più canzoni di seguito, anche semplici: dopo qualche minuto un cantante improvvisato comincia a sentire mal di gola, e la sua voce comincia a farsi roca e sfiatata: se nonostante tutto continua a cantare, di lì a poco si ritrova afono, e corre il rischio di procurarsi un edema alle corde vocali.Questo accade perché, istintivamente, il cantore di cui sopra usa la sua voce come se parlasse. Ma l'uso della voce che si fa normalmente, sebbene sufficiente allo scopo di parlare, impone alle corde vocali delle sollecitazioni troppo forti nel caso del canto: per poter cantare per ore senza danni, senza sforzo e con una voce sempre gradevole, il cantante deve reimparare ad usare la sua voce in modo nuovo, attraverso lo studio, l'allenamento e l'autoosservazione.

Prompt: Explain the Technique of singing about the Opera, lyric of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


section

Le muse inquietanti

presenza di diversi simboli all'interno del dipinto rende difficile una sua interpretazione. Nonostante ciò, il castello sullo sfondo è un riferimento a Ferrara, città dove nacque la pittura metafisica ,Secondo quanto scritto da Mario Penelope: Nella sua opera  Metafisica schiarita, Maurizio Calvesi sostiene che la mancanza di occhi dei manichini sia un riferimento ai poeti dell'antichità che, secondo la tradizione dell'antica Grecia, soffrivano di cecità. Sempre secondo l'autore, la "disumanità" delle Muse rimanda ad un'"umanità arcaica e originaria, veggente, eroica, abitatrice di tempi lontani e misteriosi e in questo senso, certo, disumana".Una chiave di lettura particolare riguardo all'opera emerge dalle considerazioni che si possono trarre da un epistolario, pubblicato nel 2014, tra l'artista e Antonia Bolognesi, conosciuta durante il suo soggiorno ferrarese e ritratta nel celebre dipinto Alceste, del 1918.

Prompt: Focus on The Disquieting Muses and explain the Inspirations and interpretations.Please output in Italian.


subsection

Incile del Fucino

leftIl nuovo incile venne fatto realizzare da Alessandro Torlonia per il totale prosciugamento del lago Fucino. Il banchiere romano, che riprese gran parte delle opere e dei progetti di 18 secoli prima con cui Claudio operò il primo parziale disseccamento del bacino lacustre, fece realizzare la testata dell'emissario, la nuova vasca di accumulo delle acque  e il ponte, detto "delle paratoie", che funge attraverso le preparatoie da barriera di regolamento del deflusso delle acque nella vasca e da sistema di sicurezza. Queste opere, sotto la direzione degli ingegneri che si alternarono nel corso degli anni Henry Samuel Bermont, Frantz Mayor de Montricher e Alexandre Brisse coadiuvato da Léon De Rotrou, furono compiute gradualmente man mano che lo scolo delle acque nel nuovo e più ampio emissario liberò i terreni del bacino lacustre. L'infrastruttura, funzionante, regola il deflusso nell'emissario delle acque provenienti dal reticolo dei canali che si riversano nel canale collettore centrale.Nel 1876, ottenuto il prosciugamento totale del lago che venne dichiarato in modo ufficiale con un documento del primo ottobre 1878, l'architetto romano di casa Torlonia Carlo Nicola Carnevali realizzò il giardino e la monumentalizzazione della testata dell'emissario che, situata a sud di Avezzano in località di Borgo Incile, è sormontata dalla statua dell'Immacolata Concezione. Il corpo di fabbrica dell'incile è sviluppato su due livelli. Quello inferiore, raggiungibile da una scala a chiocciola, che è posto al di sotto del piano di campagna; presenta un'altezza di circa sedici metri e contiene il sistema di due paratoie per regolamentare il deflusso delle acque. Quello superiore ospita la sala macchine per manovrare le saracinesche . Anteriormente il ponte delle paratoie si caratterizza per i piloni che formano tre archi a tutto sesto, mentre due scalinate laterali conducono alle banchine del canale. L'ultimo ingegnere capo dei lavori, il francese Alexandre Brisse, scelse i materiali per l'esecuzione dell'opera, mentre l'architetto Carlo Nicola Carnevali curò il progetto architettonico realizzando nel 1876 oltre alla monumentalizzazione della testata dell'emissario anche il giardino adiacente e l'orto botanico.

Prompt: In the context of Fucine Inlet, explain the Nineteenth-century opera and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1876
Avezzano
Carlo Nicola Carnevali
Claudio
Fucino
Immacolata Concezione
Incile
Torlonia


section

Gazza sulla forca

Un vasto e arioso paesaggio occupa circa due terzi del dipinto, che grazie al punto di vista rialzato e all'abile uso della prospettiva aerea, si allontana a perdita d'occhio tra boschi, villaggi, rocche con castelli, città murate e fiumi. In primo piano è collocata una forca, sinistramente inclinata, sulla quale si è posata una gazza, simbolo tradizionale della Vanitas.  forca è costruita usando un paradosso di prospettiva: la parte superiore infatti sembra andare in profondità verso destra, mentre in quella inferiore i piedi della forca sono sullo stesso piano, anzi quello destro sembra quasi più vicino allo spettatore. Un'altra gazza è posata sullo spuntone di un tronco, in primo piano davanti alla forca. Leggermente a destra e in basso rispetto al piede della forca, si scorge un teschio di animale, forse un cavallo o un asino, con probabile intento simbolico e sarcastico. A sinistra un gruppo di ballerini paesani è accompagnato da un suonatore di zampogna e circondato da un gruppetto di curiosi: forse sono saliti fin qui dal villaggio, che si vede a sinistra, in occasione della festa per la consacrazione di una chiesa. Gli uomini in primo piano a sinistra rimandano l'attenzione dello spettatore verso la forca, indicandola, mentre alle loro spalle, nell'ombra, un uomo è accovacciato mentre espleta i propri bisogni corporali.A destra si intravedono una croce di legno e in lontananza un mulino ad acqua, forse metafora del chiacchiericcio  e della sua stigmatizzazione, come nel detto popolare "mandare qualcuno al capestro con le chiacchiere", cioè eliminare le maldicenze. L'intera rappresentazione sembrerebbe quindi mettere in scena le debolezze e la stoltezza umana, alle quali fa da contrasto l'immutabilità della natura; si crea però una sorta di precario equilibrio tra il timore e i pericoli del futuro incerto e la tranquillità derivata dalla leggerezza del presente.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Magpie on the Gallows.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait (Raphael)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


subsection

Bambini dell'Olocausto

Con l'ascesa al potere di Hitler, le leggi razziali e soprattutto dopo le violenze della notte dei cristalli , molte famiglie di ebrei decisero di emigrare dai territori del Terzo Reich. Le opzioni tuttavia erano limitate, dovute alle ferree leggi e quote che regolavano i flussi migratori. Molti cercarono rifugio in paesi limitrofi, come la Polonia, i Paesi Bassi, il Belgio, la Francia, l'Italia, soltanto per trovarsi poi nuovamente sotto il regime nazista nel corso della seconda guerra mondiale. Le mete più ambite e sicure ma anche quelle più difficili da ottenere restavano l'Inghilterra, gli Stati Uniti e la Palestina, ma all'occasione ci si trasferì anche in Sud America, Africa o in Cina. Quando alla fine del 1938 la situazione ormai apparve disperata, le famiglie si risolsero anche a far partire i loro figli da soli, pur di garantire loro un futuro.Fin dal 1933 l'organizzazione sionistica Youth Aliya, fondata e diretta da Recha Freier, si prodigò per far emigrare bambini ebrei dalla Germania. Furono 5.012 i bambini  che giunsero in Palestina prima della guerra. Gruppi numerosi di bambini non accompagnati giunsero anche in Francia, Belgio e Olanda, dove furono ospitati in istituti, orfanotrofi o presso famiglia affidatarie. Anche gli Stati Uniti accolsero nel maggio 1939 un gruppo di 50 bambini ebrei austriaci, grazie all'iniziativa dei coniugi Gilbert e Eleanor Kraus.Tra i 963 profughi ebrei che nell'estate del 1939 lasciarono il porto di Amburgo a bordo della St. Louis con la speranza di sbarcare a Cuba  c'erano anche circa 150 bambini o adolescenti con le loro famiglie. Se anche nessuno di loro dovette rientrare in Germania, solo per i 5 che sbarcarono a Cuba, i 39 che furono accolti in Inghilterra e i pochi altri che riuscirono a seguirli nei mesi successivi ciò significò la fine immediata delle persecuzioni.  maggior parte di quanti furono accolti in Belgio , Olanda  e Francia  si ritrovarono da lì a poco sotto occupazione nazista: alcuni riusciranno a mettersi in salvo in Spagna o Svizzera, per gli altri furono anni difficili trascorsi in clandestinità, spesso separati dai loro stessi genitori, 32 di loro periranno , undici sopravviveranno all'arresto e alle deportazioni.Il flusso dei rifugiati non si interruppe del tutto neppure durante la guerra. 9.342 bambini ebrei giunsero in Palestina tra il 1939 e il 1945. Tra di essi vi furono anche i cosiddetti bambini di Teheran, un gruppo di 861 bambini ebrei polacchi rimasti orfani, i quali rifugiatisi in Unione Sovietica furono radunati nel 1942 in un orfanotrofio a Teheran in Iran per giungere quindi l'anno successivo in Palestina. Oltre che in Unione Sovietica, molti rifugiati ebrei si diressero verso i paesi neutrali: Svezia, Svizzera e Spagna.In Svezia giunsero migliaia di bambini ebrei provenienti dalla Norvegia ma soprattutto dalla Danimarca, quando nell'ottobre 1943 la quasi totalità degli 8000 ebrei danesi vi furono segretamente trasferiti per sfuggire alle deportazioni. In Svezia essi poterono vivere con i loro familiari e con loro tornare in patria alla fine del conflitto.Anche la Svizzera fu luogo di rifugio per migliaia di bambini ebrei che vi giunsero legalmente o clandestinamente con le loro famiglie dai paesi confinanti. Nonostante le molte restrizioni  furono 21.000 gli ebrei accolti nel territorio elvetico durante la guerra. In Svizzera giunsero anche tre trasporti di ebrei, sottratti ai campi di concentramento per speciali accordi con le autorità naziste, sostanzialmente in cambio di denaro. I circa 1.670 ebrei ungheresi del treno di Kastner arrivarono in Svizzera dal campo di concentramento di Bergen-Belsen in due gruppi, uno nell'agosto e uno nel dicembre 1944 . Un terzo treno portò in Svizzera il 5 febbraio 1945 un gruppo di 1.210 ebrei proveniente dal campo di concentramento di Theresienstadt .Nonostante le moltissime restrizioni, migliaia di ebrei attraversarono il confine francese con la Spagna e vi trovarono rifugio o temporanea accoglienza verso altri paesi. I rifugiati ebrei  furono 20/30.000 nei primi anni di guerra, quando la Francia fu occupata dai nazisti, cui ne seguirono altri 7.500 tra l'estate del 1942 e l'autunno del 1944. Per alcune centinaia di bambini ebrei tedeschi e austriaci profughi in Francia e affidati alle cure dello "U.S. Committee for the Care of European Children", la Spagna fu paese di passaggio per il Portogallo, da dove nell'estate del 1941 essi poterono imbarcarsi per gli Stati Uniti.

Prompt: Explain the Refugees about the Inappropriate for children of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Belgio
Cina
Francia
Germania
Gilbert e Eleanor Kraus
Italia
Paesi Bassi


section

Trittico Portinari

L'opera presenta alcune caratteristiche tipiche della pittura fiamminga, come la spazialità unificata dalla luce, la visione particolareggiata e nitida della realtà, l'atmosfera vibrante, la linea dell'orizzonte particolarmente rialzata, che fa sembrare il suolo come un piano inclinato su cui i santi torreggiano come se stessero per cadere sull'osservatore.  spazialità appare così ampia e profonda, con il paesaggio, punteggiato di abitazioni e castelli, che si perde in lontananza sfumato dalla foschia.I fiorentini del tempo furono soprattutto colpiti dall'uso della luce che, tramite la pittura a olio, permette di definire al meglio il "lustro" cioè la rifrazione particolare di ogni superficie.

Prompt: In Portinari Altarpiece, how is the Style discussed?Please output in Italian.


subsection

Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: In the context of Annunciation (Correggio), explain the Vangelicanonici and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


section

Quattro visioni dell'Aldilà

Le Quattro visioni dell’Aldilà sono una serie di quattro dipinti a olio su tavola di Hieronymus Bosch conservati alle Gallerie dell'Accademia di Venezia. L'analisi del supporto ligneo basata sulla dendrocronologia determina un terminus post quem al 1482, l'analisi stilistica pone la datazione dell'opera tra il 1500 ed il 1503.Le dimensioni esatte di ciascun pannello sono le seguenti:  Caduta dei dannati = cm 88.8 x 39.6;  Inferno = cm 88.8 x 39.6;  Paradiso terrestre = cm 88.5 x 39.8;  Ascesa all'Empireo = cm 88.8 x 39.9. Il retro dei pannelli mostra una colorazione a finto marmo, rossa per  e ; verde per  e .

Prompt: Focus on Ascent of the Blessed and explain the Abstract.Please output in Italian.

Gallerie dell'Accademia
Hieronymus Bosch
Venezia


section

Il colosso

Il colosso  è un dipinto a olio su tela eseguito probabilmente da Francisco Goya o da Asensio Julià intorno al 1808, oggi custodito al museo del Prado di Madrid.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Colossus (painting).Please output in Italian.


section

Paolo e Francesca da Rimini

Paolo e Francesca da Rimini  è un acquerello dell'artista inglese Dante Gabriel Rossetti, realizzato nel 1855 e oggi conservato al Tate Britain di Londra.

Prompt: In Paolo and Francesca da Rimini, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Dante Gabriel Rossetti
Francesca da Rimini
Londra
Tate Britain


section

Pia de' Tolomei

Umberto Bosco e Giovanni Reggio,  Divina Commedia - Purgatorio, Le monnier, 1988

Prompt: Focus on Pia de' Tolomei (Rossetti) and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Divina Commedia
Purgatorio
Umberto Bosco


section

Svetlana allo specchio

M. Gordeeva, Velikie chudožniki, Mosca, Direkt-Media, 2010. E. Dušečkina, Kul'turnaja istorija imeni: Svetlana // Imja: Semantičeskaja aura, Mosca, Jazyki slavjanskich kul'tur, 2007. Svetlana Kazakova, Karl Brjullov i Nestor Kukol'nik: istorija dvuch illjustracij, gazzetta della galleria Tret'jakov, 2008, n. 4. Galina Ivanovna Pikuleva, Brjullov, Mosca, Olma-press, 2001.

Prompt: In Fortuneteller Svetlana, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Il ragazzo con il panciotto rosso

Il ragazzo con il panciotto rosso è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1888 ed il 1890  dal pittore Paul Cézanne. Conservato nella Collezione Bührle di Zurigo, venne rubato l'11 febbraio 2008 da tre uomini armati, venendo poi recuperato qualche tempo dopo.

Prompt: Focus on The Boy in the Red Vest and explain the Abstract.Please output in Italian.

1888
1890
Collezione Bührle
Collezione Bührle
Paul Cézanne
Zurigo


subsection

Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In the context of Annunciation (van Eyck, Washington), explain the The Annunciation in the prayer and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1834 si trovano riferimenti a un «nobile e coltissimo nostro concittadino» milanese che intendeva realizzare a proprie spese un monumento in bronzo a Leonardo. L'anonimo aveva anche ottenuto l'autorizzazione del governo austriaco per posizionare il monumento nel cortile di Brera, decorando l'accesso al doppio scalone. All'epoca per lo scalone richiniano erano in preparazione anche i monumenti a Cesare Beccaria e a Giuseppe Parini..</ref>}} base in granito avrebbe dovuto essere di circa 2 metri con figure in bronzo alte circa 3 metri, raffigurando la personificazione dell'Immortalità nell'atto del porgere una corona d'alloro a Leonardo, intento in profonde meditazioni sui propri libri. Un bassorilievo sulla base avrebbe riprodotto l'Ultima Cena. Questo progetto non fu però completato.

Prompt: In Monument to Leonardo da Vinci, how is the First project of the Criticisms explained?Please output in Italian.


section

Maria che scioglie i nodi

Novena a Maria che scioglie i nodi, EDB, Bologna, 2018. Beata Vergine Maria che scioglie i nodi, Edizioni Villadiseriane, Villa di Serio , 2014. Maria che scioglie i nodi.  storia e le preghiere della devozione mariana amata da Papa Francesco. Edizioni San Paolo, Cinisello Balsamo , 2019. Maria Santissima che scioglie i nodi, Editrice Ancilla, Conegliano , 2014. Novena a Maria che scioglie i nodi, Editrice Shalom, Camerata Picena , 2014. ISBN 9788884042590 Marina Corradi,  piccola Vergine barocca che ci dona grazie spirituali, Dalla Madonna che scioglie i nodi amata da Bergoglio, in Avvenire, 1º maggio 2014, pagina 3  Novena a Maria Santissima che scioglie i nodi, Editrice Velar, 2015. ISBN 978-88-01-05665-5

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Mary, Untier of Knots.Please output in Italian.


section

Storie della Vera Croce

Nel 1417 era morto Baccio di Maso Bacci, un ricco mercante appartenente a un'importante famiglia aretina, nelle cui disposizioni testamentarie era previsto un generoso lascito per la decorazione del coro della basilica francescana, patronato dalla famiglia stessa. Iniziative del genere non erano infrequenti nei testamenti tra Medioevo e Rinascimento, ed erano una sorta di riconciliazione religiosa di individui di successo che si erano arricchiti in maniera non del tutto tollerata dalla Chiesa, come il prestito e il "cambio", che all'epoca erano considerati peccato di usura.Le disposizioni testamentarie vennero messe in pratica dagli eredi solo trent'anni dopo, quando nel 1447 Francesco Bacci vendette una vigna per pagare i lavori che vennero affidati all'attempato artista fiorentino Bicci di Lorenzo, maestro di una delle più attive botteghe della città toscana, ma dallo stile piuttosto ancorato al passato, che non abbracciò mai, se non in questioni superficiali, le novità dell'arte rinascimentale. Bicci di Lorenzo iniziò a dipingere i pennacchi della volta , la parte superiore del sottarco della cappella  e il prospetto esterno dell'arco trionfale , ma nel 1452 si ammalò gravemente morendo di lì a poco.Presumibilmente Giovanni Bacci, figlio di Francesco che aveva intensi rapporti con i circoli umanistici aretini, chiamò allora un artista della nuova corrente artistica, scegliendo Piero della Francesca, che era ormai ben noto oltre i confini della sua patria  ed aveva già lavorato per corti importanti quali Ferrara, Rimini e Urbino.Come risulta da un documento notarile, i lavori furono interrotti negli anni 1458-1459, quando Piero fu a Roma, alla corte papale di Pio II, dove eseguì nel Palazzo Apostolico affreschi ben documentati ma oggi perduti. Qui entrò in contatto con artisti di altre scuole, in particolare fiamminghi, che influenzarono il suo stile, come si legge nelle caratteristiche diverse degli affreschi aretini della seconda fase, dipinti dopo il soggiorno romano.Gli affreschi della Vera Croce risultavano terminati entro il 1466, quando la confraternita aretina della Nunziata commissionò a Piero uno stendardo con lAnnunciazione, nel cui contratto si faceva riferimento al ciclo ben riuscito, che aveva orientato la scelta sul pittore biturgense. Quello stesso anno Piero dipinse l'affresco di una Maddalena nel Duomo di Arezzo.Gli affreschi vennero "riscoperti" a metà del XIX secolo, quando si risvegliò l'interesse verso Piero della Francesca a partire dai viaggiatori e gli studiosi inglesi. Il primo articolo in cui si acclamava Piero come artista di prim'ordine fu scritto nel 1858 da Austen Henry yard nel Quarterly Review. Con la costruzione della prima linea ferroviaria per Arezzo a metà degli anni sessanta dell'Ottocento, gli artisti inglesi, che già avevano ammirato il Battesimo di Cristo della National Gallery, si riversarono a vedere gli affreschi di Arezzo e di Sansepolcro, dove apprezzavano la "laicità" della sua nuova scienza prospettica e l'ispirazione che, secondo loro, derivava dall'arte greca, baluardo dei neoclassici. Lo stesso Edgar Degas visitò Arezzo, traendo ispirazione per opere come Semiramide alla costruzione di Babilonia, oggi al Museo d'Orsay, o i Giovani spartani alla National Gallery di Londra.Il primo critico moderno ad occuparsi di Piero della Francesca fu Adolfo Venturi nel 1911, seguito a breve da Roberto Longhi nel 1913 , che ne diede un'originale rilettura attraverso Cézanne, nel quale riscontrava lo stesso "intervallarsi regolare di volumi regolari", in scene come la Verifica della Croce. Nel 1914 riprese l'accostamento nella Breve ma veridica storia della pittura italiana, parlando di straordinaria "sintesi tra la forma e il colore per via prospettica", ripresa anche da Seurat.Gli affreschi sono stati oggetto di accurato lavoro di restauro terminato nel 1992.

Prompt: In The Legend of the True Cross, how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Venere che benda amore

Nel corso del tempo, in mancanza di documenti sull'intenzione originale di Tiziano, la scena rappresentata dal quadro è stata interpretata in diversi modi. Agli inizi del Seicento, quando venne collocato nella quadreria del cardinale Borghese, il dipinto era noto come "Venere con due ninfe", e così lo descrisse nel 1613 anche Scipione Francucci, che nel sesto canto della sua Galleria diede alle ninfe i nomi di Dori e Armilla. Tuttavia, già in questo periodo si era diffusa l'ipotesi che il quadro rappresentasse le Tre Grazie, e nel Settecento questa divenne l'interpretazione dominante.Nel Novecento sono state avanzate numerose proposte di interpretazione basate su fonti letterarie. Nel 1936 Hans Tietze collegò il tema del dipinto alle Metamorfosi di Apuleio, in cui Venere decide di punire Amore portandogli via le armi. Tuttavia, è difficile interpretare in questo modo le espressioni e i gesti delle donne presentate nel dipinto.Erwin Panofsky nel 1939 propose di identificare i due putti come le incarnazioni dell'amore passionale e dell'amore divino, collegando così il tema dell'amore all'allegoria dell'amore coniugale. Le due donne sulla destra vengono invece considerate da Panofsky come allegorie del piacere e della castità. Le radiografie eseguite nel 1992-1993 hanno peraltro mostrato che in origine Venere aveva il volto rivolto in una direzione diversa e, soprattutto, che a destra era presente una terza figura femminile. Ciò fa pensare che in una prima fase Tiziano avesse effettivamente l'idea di rappresentare le Tre Grazie, cambiando poi il soggetto per motivi non ricostruibili.

Prompt: In Venus Blindfolding Cupid, how is the Interpretation discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto della duchessa de Alba

Goya ritrae per la prima volta la duchessa in una tela di ineguagliato gusto, dove la donna torreggia, immagine stessa della Spagna orgogliosa. Lo sfondo brullo, con arsi declivi sotto un cielo pesante che sembra debba venir giù da un momento all'altro – uno di quei momenti sospesi che spesso i pittori amano cogliere – non è altro che un pretesto perché la figura impettita della donna si stagli ancor più distintamente.Una foresta di capelli neri, appena fermata da un gran fiocco rosso, le incornicia il volto minuto e severo. Un secondo fiocco rosso è appuntato sul seno prosperoso, cui dà risalto una fascia enorme, di nuovo rossa, stretta in vita, accompagnata da un'elegante collana di coralli. L'abito è bianco, la linea pulita, la composizione è ottenuta con pochi colori, la semplicità dell'insieme è in contrasto con la rigidità della postura e col gesto imperioso della mano che indica la scritta sulla sabbia: «A la Duquesa de Alba. Fr. de Goya 1795».

Prompt: How does The White Duchess explain its Analysis?Please output in Italian.


section

Palude

Una palude è un terreno coperto d'acqua stagnante, caratterizzato dallo sviluppo di una particolare vegetazione e fauna che si è adattata all'elevata umidità ambientale e all'imbibizione dei terreni.

Prompt: In A Wooded Marsh, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


section

Flora

Botanica Ecologia Vegetazione Piani altitudinali

Prompt: In Flora (Titian), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Botanica
Ecologia
Piani altitudinali
Vegetazione


section

Ritratto del duca di Wellington

Il 21 agosto 1961, diciannove giorni dopo essere stato esposto alla National Gallery, il ritratto fu rubato da un autista di autobus di nome Kempton Bunton. Quattro anni dopo il furto, Bunton contattò un giornale e, tramite un deposito bagagli presso la stazione ferroviaria di Birmingham New Street, restituì volontariamente il dipinto. Bunton confessò nel luglio 1965 di aver preso il dipinto e la sua cornice. A seguito di un processo  Bunton fu ritenuto non colpevole di aver rubato il dipinto, ma colpevole di aver rubato la cornice.Il furto è entrato nella cultura popolare, tanto da essere menzionato anche nel film del 1962 Agente 007 - Licenza di uccidere, primo film della serie di James Bond. Nel film, il dipinto era esposto nel rifugio segreto del dottor Julius No, suggerendo che il primo cattivo di Bond aveva rubato l'opera. L'oggetto di scena dipinto da Ken Adam è stato utilizzato nella promozione del film ed è stato successivamente rubato.Il furto è stato oggetto del dramma radiofonico trasmesso dalla BBC Radio il 4 ottobre 2015 intitolato Kempton and the Duke.

Prompt: Focus on Portrait of the Duke of Wellington and explain the Theft.Please output in Italian.


subsection

Trittico degli Uffizi

LAdorazione dei Magi è forse l'opera più vivace e variopinta di Mantegna. Il corteo dei Magi arriva da una strada che si inerpica in lontananza, in una strada tortuosa tra speroni di roccia, ed arriva in primo piano verso la grotta della Natività. Qui nell'arco scuro dell'apertura, sta la Vergine col Bambino entro una mandorla di serafini che sottolineano il gruppo sacro, mentre a destra si trova la figura curva e canuta di san Giuseppe. In alto quattro angeli pregano sulla grotta, mentre il bue e l'asinello sono in disparte, a sinistra dell'ingresso. I tre Magi si stanno inginocchiando: Mantegna evita il tradizionale ritmo progressivo che vede un re in piedi, uno nell'atto di piegarsi e uno già inginocchiato in favore di una disposizione più libera. Sapientemente le linee di forza della scena convogliano lo sguardo dello spettatore verso il Bambino, che sta benedicendo Gasparre, colto in un inchino composto e riverente.Il corteo, come frequente in questo tipo di rappresentazione, è animato da un gran numero di personaggi e animali esotici, tra cui si riconoscono turbanti all'orientale, cappelli alla bizantina, personaggi di colore e un arciere mongolo.Al centro si trova una grossa lacuna, già coperta da una grossolana ridipintura eliminata nell'ultimo restauro dell'opera.

Prompt: Describe the characteristics of the Adoration of the Magi in Adoration of the Magi (Mantegna)'s Description and style.Please output in Italian.


section

Madonna di Piazza

Madonna di Piazza è un dipinto a tempera su tavola di Andrea del Verrocchio e Lorenzo di Credi, databile al 1474-1486 circa e conservato nella Cattedrale di San Zeno a Pistoia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Piazza Madonna.Please output in Italian.

1474
1486
Andrea del Verrocchio
Cattedrale di San Zeno
Lorenzo di Credi
Pistoia


section

Abaporu

Abaporu è un dipinto a olio dell'artista brasiliana Tarsila do Amaral. È una delle opere principali del periodo antropofago del movimento modernista del Brasile e uno dei quadri più importanti della storia dell'arte brasiliana.È il dipinto brasiliano dal valore più alto nel mercato mondiale dell'arte, con un valore stimato di 40 milioni di dollari statunitensi, essendo stata comprato dal collezionista argentino Eduardo Costantini per 1,5 milioni di dollari statunitensi, nel 1995, a un'asta organizzata da Christie's. Costantini, il creatore del Museo d'Arte tinoamericana di Buenos Aires , donò la sua collezione al museo, incluso Abaporu. In precedenza l'opera apparteneva all'uomo d'affari brasiliano Raul Forbes, che l'aveva acquisita nel 1985.

Prompt: In Abaporu, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Brasile
Christie's
Eduardo Costantini
Tarsila do Amaral