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Studiolo di Guidobaldo da Montefeltro

Un'iscrizione latina corre in alto lungo il fregio dello studiolo , che tradotta significa "Guardate come gli eterni studenti della venerabile madre, uomini eminenti per cultura e genio, si inchinano con collo nudo e ginocchia piegate davanti all'immagine della loro madre.  loro reverenda pietà prevale sulla giustizia e non si pentono per aver ceduto alla loro madre adottiva".  "madre" a cui si riferisce l'iscrizione è forse la Matematica o la Geometria.Gli scomparti delle tarsie rivelano alcuni stipi e armadietti colmi di oggetti legati alle arti, alla musica e allo studio. Si riconoscono, tra gli altri, un pendolo e una squadra appesi a un piolo, un compasso e una cetra appoggiati su un libro ed una clessidra, strumenti legati alla misurazione ed al calcolo delle proporzioni che tanta attenzione ebbero presso la corte urbinate. In un altro stipo si vede rappresentato invece il monile dell'Ordine della Giarrettiera di cui Federico fu insignito, mentre altrove sono raffigurati cinque pezzi di armatura, allusivi al mestiere delle armi del committente: un paio di gambali , un paio di speroni, una mazza, un paio di guanti di ferro, e un elmo con l'aquila dei Montefeltro.Numerosi sono anche i simboli e emblemi araldici di Federico, come lo struzzo che tiene nel becco una punta di lancia e la scritta in tedesco "Posso inghiottire un grande ferro", da intendere come resistenza alle avversità; oppure l'ermellino circondato dal fango con la scritta "NO MAI", che allude alla leggenda secondo cui l'ermellino preferisse morire piuttosto che macchiare la propria candida pelliccia, da intendere come simbolo di purezza ed integrità; la gru con la zampa all'insù e con una pietra negli artigli, che allude alla vigilanza, intesa come virtù del comandante militare; le lingue di fuoco col monogramma F[ederico] D[ux] in caratteri gotici, simbolo delle fiamme d'amore del gruppo di giovani veneziani che si definivano "Gli infiammati" di cui Federico fece parte; un pappagallo con le ali verdi ed il becco rosso in una gabbia che contiene una scatola di semi, simbolo di lussuria domata.

Prompt: Explain the Lethargy of this artwork, Studiolo from the Ducal Palace in Gubbio.Please output in Italian.


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Fontane dei mostri marini

Di queste due fonti, capolavori della scultura manierista di rara bellezza, fresca fattura ed equilibrio formale, colpì subito l'evidente novità naturalistica degli elementi marini , che usciva dai canoni della tradizionale simbologia marittima e fluviale allora invalsa. Come sottolinea per esempio Giuseppe Richa nelle Notizie Istoriche delle chiese fiorentine , era molto originale il fatto che gli spruzzi non fossero indirizzati verso l'alto, ma uscissero dalle bocche volte verso il basso di queste coppie di mostri "voltandosi le schiene alquanto chinati con le ginocchia piegate e le gambe avviticchiate insieme"."Le due vasche, che sono struttura essenziale di ciascuna fontana, sono la dilatazione di un elemento eminentemente decorativo, in parte conchiglia in parte mostro marino cartilaginoso che, rovesciandosi sulla schiena, guarda alle due figure dalle creste dentate che sormontano la scena. Alla fantasia ancora nutrita di cultura manierista  che caratterizza questi elementi fa riscontro il forte naturalismo di altre parti  che determinano i festoni che fasciano il monumento. Nuovamente di matrice fantastica è invece l'elemento bronzeo funzionale a sorreggere l'aggetto delle vasche che, aderendo alla base di marmo, sembra andare a sciogliersi verso il basso in un sistema di rivoli sovrapposti di incerta natura" .Oltremodo suggestiva anche la descrizione offerta da Ferdinando Leopoldo Del Migliore nel suo Firenze Città Nobilissima illustrata , anche per le motivazioni addotte circa la decisione di destinare le opere a Firenze anziché a Livorno: "Dall'una, e dall'altra parte della piazza son due fontane, alte, e sollevate dal piano su base di marmo, gettate in bronzo pur dal medesimo Tacca; l'invenzione recede dallo stile ordinario d'alzar acqua con scherzo, vedendovisi in ciascheduna due mostri marini, che con le ginocchia piegate, e gambe a coda marina avviticchiate insieme, voltandosi le spalle alquanto chinati, mostrano di vomitare acqua, qual cade in certe vasche a foggia di nicchie, e di lì in altre a piè delle basi, in cui sono rapportati festoni di getto composti d'animali acquatici. Il concetto fu di collocarle in Livorno, ma parendo al Gran Duca Ferdinando II che una fattura così bella si richiedesse in Città, per onor di un luogo così fattamente frequentato da un Popolo sottile, e d'ingegno vago, ordinò nel 1643 vi si collocassero".Guardando sul lato destro delle fontane , si può leggere la firma sulle opere:

Prompt: Explain the Description of this artwork, Fontana dei mostri marini.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Nell'immagine vi sono tre imbarcazioni chiamate , veloci chiatte lunghe circa 12-15 metri utilizzate per il trasporto del pesce ancora vivo dalle penisole di Izu e Bōsō ai mercati della baia di Edo. Come suggerisce il nome dell'opera, le imbarcazioni si trovano al largo del porto di Kanagawa, a sua volta adiacente alla Kanagawa-juku , in passato importante punto di scalo nella strada che collegava Edo a Kyoto. Se ambientata ai giorni nostri, la scena si svolgerebbe a circa 30 chilometri a sud di Tokyo, con il Monte Fuji distante approssimativamente 90 chilometri dagli occhi dell'osservatore.Vi sono otto vogatori per barca, afferrati ai loro remi. Altri due passeggeri stanno posizionati a prua di ciascuna barca, portando il numero totale di uomini presenti nell'immagine a trenta. Indossano una veste color indaco chiamata , da cui si può presumere che la scena sia ambientata in una giornata primaverile, in quanto tali abiti da lavoro erano indossati solitamente in primavera e in autunno, con la differenza che nella stagione autunnale le vesti erano di colore marrone.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the The boat. of the Description explained?Please output in Italian.


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Sweden and the Artistic theme.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Madonna delle Cave

Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1 Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Focus on Madonna of the Caves and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Giasone con il vello d'oro

Giasone con il vello d'oro , o Giasone e il vello d'oro, è un dipinto del pittore fiammingo Erasmus Quellinus il Giovane che venne dipinto nel 1630 o tra il 1636 e il 1638. L'opera oggi è conservata al museo del Prado, a Madrid.L'opera deriva da un bozzetto realizzato dal maestro di Quellinus, Pietro Paolo Rubens, oggi conservato ai musei Reali di Belle Arti del Belgio, a Bruxelles.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Jason with the Golden Fleece (Thorvaldsen).Please output in Italian.

Bruxelles
Erasmus Quellinus il Giovane
Madrid


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Bellezza

Nel tardo Impero romano, il filosofo Plotino, ristabilendo il collegamento tra opera d'arte e regno delle idee, espone ampiamente il concetto di "visione interiore" già proposto da Platone, che permette all'artista di attingere da una forma ideale del bello, non esistente nella res extensa  ma soltanto nella res cogitans , e che presto o tardi sfocerà in una rappresentazione materiale. Si può applicare a mai creati dipinti, architetture, forme di governo, sculture, strategie, modelli matematici, ecc. oppure a un ipotetico essere umano: "il più bello nella storia" ancora non nato.

Prompt: Describe the characteristics of the The beautiful as corresponding to the realm of ideas in The Beauty's Irish  aesthetic  radically  empiricist.Please output in Italian.


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Schiavo che si ridesta

Pare che fin dal primo progetto per la tomba di Giulio II  nel registro inferiore del mausoleo fossero previsti una serie di "Prigioni", cioè una serie di statue a grandezza superiore al naturale di figure incatenate in varie pose come prigionieri, appunto, da addossare ai pilastri che inquadravano nicchie e sormontati da erme. Accoppiati quindi ai lati di ciascuna nicchia  dovevano essere inizialmente sedici o venti, venendo via via ridotti nei progetti che si succedettero, a dodici , otto  e infine forse solo quattro , per poi essere definitivamente eliminati nel progetto definitivo del 1542.I primi della serie, di cui si trovano tracce nel carteggio di Michelangelo, sono i due Prigioni di Parigi, detti dal XIX secolo "Schiavi": lo Schiavo morente e lo Schiavo ribelle. Essi vennero scolpiti a Roma verso il 1513.I Prigioni fiorentini  invece potrebbero essere stati scolpiti nella seconda metà degli anni venti, mentre il maestro era impegnato a San Lorenzo a Firenze . Si sa che si trovavano nella bottega dell'artista in via Mozza ancora nel 1544, quando il nipote di Michelangelo, Leonardo Buonarroti, chiese il permesso di venderli . Il permesso fu negato e solo nel 1564 essi vennero donati, col Genio della Vittoria, al granduca Cosimo I che poi li collocò ai quattro angoli della Grotta del Buontalenti, entro il 1591.Da lì vennero rimossi nel 1908 per radunarli al corpus michelangiolesco che si andava formando nella Galleria fiorentina.Per quanto riguarda la datazione Justi  proposero il 1519 sulla base di una lettera del 13 febbraio in cui Jacopo Salviati prometteva al cardinale Aginesis, erede di Giulio II, che lo scultore avrebbe eseguito quattro figure per la tomba entro l'estate di quell'anno; Wilde il 1523, riferendosi a un accenno del cardinale Giulio de' Medici  che li avrebbe visti prima di partire per Roma in tale data; infine de Tolnay li datò al 1530-1534, basandosi sullo stile, sui frequenti accenni a sculture incompiute per la tomba di papa Giulio nel carteggio del 1531-1532 e sulla scorta della menzione vasarina secondo cui vennero realizzate mentre l'artista preparava il cartone del Giudizio Universale.

Prompt: How does Awakening Slave explain its History?Please output in Italian.


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Fontana Stravinsky

Fontana Stravinsky  è una particolare fontana pubblica che si trova in Piazza Igor Stravinsky a Parigi, vicino al Centro Pompidou. fontana è un bacino di 580 metri quadrati ed è stata creata nel 1983 dagli scultori Jean Tinguely e Niki de Saint Phalle, i pezzi meccanici sono di Jean Tinguely, mentre le opere colorate e le sculture sono di Niki de Saint Phalle. fontana è decorata con sedici sculture in movimento che spruzzano acqua di cui alcune rappresentano le opere del compositore Igor Stravinskij:Le rossignolL'Oiseau de feuPetrushkaRenard Clef de Sol Spirale L'ElephantLe Serpent Grenouille  Diagonale  Mort Sirène L'Amour VieLe CœurRagtime

Prompt: How does Stravinsky Fountain explain its Abstract?Please output in Italian.

Jean Tinguely
Le rossignol
Niki de Saint Phalle
Parigi


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Madonna del Pesce

L'opera è citata dal Summonte in una lettera del 20 marzo 1524, che la descrisse nella chiesa di San Domenico Maggiore a Napoli, commissionata da Giovanni Battista del Duce per la cappella di Santa Rosa da Lima. Qui restò fino al 1638, quando entrò in possesso del viceré spagnolo, il duca di Medina Ramiro Núñez de Guzmán. Nel 1644 fu portata in Spagna ed entrò in possesso di Filippo IV, che la destinò all'Escorial.Presa dalle truppe napoleoniche, fu a Parigi dal 1813 al 1822 e in quell'occasione venne trasportata dalla tavola alla tela.  presenza di aiuti è concordemente rilevata, e la datazione, nella critica moderna, oscilla tra il 1512 e il 1517, con una prevalenza di posizioni sul 1514 circa.Ne esistono numerose copie che testimoniano il successo del soggetto: a Napoli, all'Escorial, a Valladolid, ecc. Si conoscono disegni preparatori nel Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi e alla National Gallery of Scotland di Edimburgo.

Prompt: In Madonna with the Fish, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

prima tavola ha come soggetto la Caduta dei dannati. Si notano tre figure di anime malvagie che scaraventate da altrettanti diavoli sprofondano attraverso l’abisso infernale verso "una palude di cenere incandescente e di lava rosso fuoco". Al centro in basso, una quarta figura umana si trova già avvolta dai fumi, mentre in alto a sinistra  un quarto diavolo sembra esultare in volo. Il paesaggio vulcanico è appena rischiarato di bagliori delle eruzioni. Nella parte alta, le sagome diaboliche, caratterizzate da un corpo scimmiesco con testa da pesce abissale e tipici barbigli, sono rese con poche sintetiche pennellate luminose di grande modernità che le ritagliano sul fondo nero, con tratti bianchi. Le figure umane sono invece definite da tratti ocra con lumeggiature gialle. I toni cupi e angoscianti che dominano la raffigurazione riescono a dare alla scena un'impressione sinistra di assoluta drammaticità.

Prompt: Explain the Fallen gods' children about the Description and style of this artwork, Ascent of the Blessed.Please output in Italian.


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Maja desnuda

Nel 1807 Godoy cadde in disgrazia presso il nuovo re Ferdinando VII che si appropriò della sua collezione di dipinti. Nel 1808 venne compilato un inventario della raccolta dal pittore Quilliet, agente di Giuseppe Bonaparte, che si espresse sui quadri con un giudizio simile a quello di Sepúlveda di alcuni anni prima.Il 16 marzo 1815 la Camera Segreta dell'Inquisizione ordinò: «... che si chiami a comparire davanti a questo tribunale il detto Goya perché le riconosca e dica se sono opera sua, con che motivo le fece, per incarico di chi e che fine si proponesse». Non siamo a conoscenza delle risposte che Goya dovette dare dinanzi al Tribunale dell'Inquisizione: sappiamo tuttavia che il pittore evitò una condanna grazie all'intercessione del cardinale Luigi Maria di Borbone-Spagna.  Desnuda, purtroppo, fu comunque sequestrata perché «oscena» e praticamente cancellata alla vista di chiunque fino all'inizio del XX secolo.Il quadro trovò collocazione presso la Real Academia de San Fernando, in una stanza riservata, ad accesso controllato, insieme ad altri nudi; pur uscendo allo scoperto la Desnuda continuò tuttavia a suscitare scandalo, a tal punto che - quando negli anni trenta le Poste spagnole le dedicarono un omaggio filatelico - i direttori delle poste americane rifiutavano di accettare la corrispondenza così affrancata perché offensivo della decenza. Dal 1910 l'opera è esposta presso il Museo del Prado di Madrid.

Prompt: In the context of La maja desnuda, explain the Thekidnapping and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Giuseppe Bonaparte
Inquisizione
Madrid
Museo del Prado
Spagna
XX secolo


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La sepoltura della sardina

Prompt: Focus on The Burial of the Sardine and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Luciano Vaccaro, Giuseppe Chiesi, Fabrizio Panzera, Terre del Ticino. Diocesi di Lugano, Editrice  Scuola, Brescia 2003, pp. 87, 122, 149, 229, 234-236, 249-251, 259 , 267, 268, 308, 316, 342 , 382, 437. Simona Negruzzo, Il culto di Santa Caterina d’Alessandria nelle università d’Occidente, in Santi patroni e Università in Europa, Bologna, Clueb, 2013, pp. 33–54.S. Caterina si venera anche a scala di Salerno Nicola Bozzi, Ipazia di Alessandria e l'enigma di Santa Caterina, Aurora Boreale 2018

Prompt: Focus on Catherine of Alexandria (Palladas) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Epifania

In Spagna e in alcuni paesi dell'America tina, il giorno dell'Epifania è chiamato El Día de Reyes. Secondo la tradizione spagnola il 6 gennaio, i tre re Melchiorre, Gaspare e Baldassarre -che rappresentano l'Arabia, l'Oriente e l'Africa- arrivarono in sella a un cavallo, cammello ed elefante, portando rispettivamente oro, incenso e mirra al bambino Gesù. vigilia del 6 gennaio, prima di andare a letto, i bambini si lucidano le scarpe e le lasciano pronte perché vi vengano messi i regali dei Re.  mattina dopo appariranno i regali sotto le loro scarpe, o se si ritiene che i bambini si siano comportati male durante l'anno, carbone .  maggior parte delle città spagnole organizza parate colorate che rappresentano l'arrivo dei Reyes Magos in città in modo che i bambini possano vederli sui loro cammelli o carrozze prima di andare a letto.  più antica di queste sfilate si tiene annualmente dal 1885 ad Alcoy, vicino ad Alicante . I bambini lasciano vicino alle scarpe vino dolce, stuzzichini, frutta e latte per i re e i loro cammelli. In Spagna, i bambini in genere ricevono regali in questo giorno e anche a Natale. Il pane/dolce dell'Epifania è noto come Roscón, Tortell de Reis in catalano, e in Messico come Rosca de reyes.

Prompt: In Epifania, how is the Spain of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Alicante
Gesù
Gesù
Natale
Spagna


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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L'assassino minacciato

L'assassino minacciato è un dipinto di René Magritte, eseguito nel 1926 e conservato al Museum of Modern Art di New York.

Prompt: In The Menaced Assassin, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1926
Museum of Modern Art
New York
René Magritte


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Maria Maddalena

L'aggettivo "Maddalena" viene accompagnato in qualche passo dei vangeli dalla precisazione "detta": per esempio in Lc 8,2 il testo originale riporta "" . In Mc 16,9 questa precisazione non è presente .Si è posta così la domanda se il soprannome "Maddalena" indichi che la donna proveniva da Magdala — una piccola cittadina sulla sponda occidentale del go di Tiberiade, detto anche "di Genezaret" — o abbia un altro significato.Anche se molti studiosi ritengono valido il senso di semplice riferimento alla città d'origine, qualcuno ritiene che esso si scontri con problemi oggettivi legati alla toponomastica del I secolo  e all'identificazione della località, resa difficile dalla presenza di diverse località denominate Magdala e dall'assenza nei testi evangelici di riferimenti precisi che consentano di identificare la città natale di Maria Maddalena.L'appellativo "Maddalena" potrebbe avere invece una suggestiva valenza simbolica derivata dal termine ebraico/aramaico migdal / magdal =Torre, usato per sottolineare l'importanza di questa donna all'interno della comunità dei discepoli di Gesù. Già San Girolamo adottò questa interpretazione quando, in una sua lettera, scrisse di Maria Maddalena come di colei che «per il suo zelo e per l’ardore della sua fede ricevette il nome di "turrita" ed ebbe il privilegio di vedere Cristo risorto prima degli apostoli».

Prompt: How does Mary Magdalene (Stevens) explain its Nickname?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

grande onda di Kanagawa può essere considerata l'immagine iconica della moderna contrapposizione tra forza della natura e fragilità dell'uomo: l'abilità di Hokusai in questa stampa risiede infatti nella raffigurazione della natura, rappresentata dall'onda gigante, che appare come una forza violenta pronta a inghiottire gli uomini, i quali a loro volta rappresentano la secolarità della vita che si contrappone all'indifferenza e alla religiosità del Monte Fuji.Attraverso la rappresentazione dell'onda in modo così drammatico l'autore intendeva, secondo alcune ipotesi, catturare il sentimento di disagio di una nazione costretta a vivere circondata dall'acqua, così come il primordiale terrore dell'uomo per il mare.  storica di arte giapponese Christine Guth e l'esperto di cultura giapponese Donald Keene sostengono che l'opera risenta dell'influenza del periodo storico in cui questa fu realizzata e suggeriscono che l'onda potrebbe rappresentare una sorta di barriera simbolica posta a protezione del Giappone, in un momento della storia in cui i giapponesi iniziavano a preoccuparsi delle possibili incursioni straniere , ma allo stesso tempo potrebbe simboleggiare il desiderio incombente degli stessi di viaggiare e spostarsi all'estero. Essa viene rappresentata come un'onda mostruosa e fantasmagorica, come uno scheletro bianco che minaccia i pescatori con i suoi "artigli" di spuma. Difatti se si esamina la parte sinistra della schiuma dell'onda essa evoca più una mano artigliata pronta ad afferrare i pescatori che non la schiuma di una normale onda. Questa visione fantastica dell'onda ricorda che Hokusai fu un maestro del genere fantastico giapponese, come dimostrato dai fantasmi disegnati nei suoi Hokusai manga. Tra il 1831 e il 1832 egli iniziò a trattare il tema del soprannaturale in modo più esplicito con la pubblicazione di .L'immagine ricorda molte altre opere dell'artista: la silhouette dell'onda evoca un drago gigante, drago che Hokusai era solito disegnare spesso, anche affiancato al Fuji. L'onda può essere considerata altresì come la rappresentazione spettrale della morte che, arroccata sopra i marinai condannati, allunga e ritrae le sue braccia come fa il polipo con i suoi tentacoli, un animale che compare sovente nei suoi manga e nelle sue opere erotiche.In quest'opera tuttavia la sacralità della montagna e la forza prorompente dell'onda possono essere poste sullo stesso piano: entrambe sono caratterizzate dall'uso dei colori bianco e blu, i quali sono simbolicamente legati alle forze elementali del fuoco e dell'acqua, in una trasposizione del potenziale delle eruzioni vulcaniche e dei conseguenti tsunami. Va altresì osservato che la forma del Fuji viene riproposta all'interno delle onde stesse.  ripetizione delle forme è ancora più evidente nella superficie dell'acqua, la quale presenta una fitta trama di piccoli riccioli. Questi, presenti in gran numero nella spuma della grande onda, generano altri riccioli che si ripresentano anche nelle onde più piccole, riprendendo l'immagine dell'onda madre, ricordano da vicino il simbolo dei principi yin e yang della concezione taoista del cosmo, con l'uomo impotente che lotta nel mezzo, ma è possibile osservare anche un'allusione al buddhismo  e allo shintoismo . Il concetto alla base di yin e yang viene usato anche per descrivere il contrasto tra la violenza dell'onda e la calma apparente dei pescatori davanti al pericolo. Inoltre, la curvilineità delle forme delle onde, del Fuji e anche delle barche trasmette all'osservatore una sensazione di fluidità e continuo movimento che accomuna l'intera immagine, alludendo alla fondamentale idea taoista del mutamento responsabile degli andamenti del mondo.

Prompt: Explain the Expressions of the artist about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.


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Madonnina

Nel 2013 è stato pubblicato il romanzo Operazione Madonnina - Milano 1973, di Riccardo Besola, Andrea Ferrari e Francesco Gallone. Il libro, che inscena un pittoresco furto della Madonnina, è stato accolto da un successo di pubblico.SportIl derby di Milano tra Milan e Inter è chiamato anche "Derby della Madonnina" in onore di essa.

Prompt: In the context of Madonnina (statue), explain the Narrative and the Height.Please output in Italian.


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Consegna della regola francescana

scena mostra, su fondo oro, san Francesco d'Assisi, in piedi al centro, dalla figura longilinea, che offre la Regola francescana ai confratelli inginocchiati attorno a lui: gli uomini a sinistra, con frate Leone che riceve il libro, e le donne a destra, con santa Chiara. In alto volano due angeli simmetrici, che reggono cartigli.In quest'opera Colantonio si mostra già aggiornato alle novità dell'ambiente di corte aragonese, con una maggiore indole "fiamminghista", filtrata però questa volta dalla scuola iberica, come dimostrano il pavimento inerpicato in verticale, le fisionomie, le aureole traforate, le pieghe rigide e geometriche delle vesti.Il di poco anteriore San Girolamo nello studio invece resta legato al gusto della precedente corte angioina di re Renato e di pittori come Barthélemy d'Eyck, come dimostrano l'attenzione alla resa dei volumi e la profondità spaziale realistica, oltre alla cura minuziosa del dettaglio e della resa realistica degli oggetti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Delivery of the Franciscan Rule.Please output in Italian.


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Madonna della Vittoria

Il 6 luglio 1495 si scontrarono a Fornovo gli eserciti francese di Carlo VIII e quello della Lega Santa, sostenuta da papa Alessandro VI, dall'imperatore Massimiliano I, dal re spagnolo Ferdinando II d'Aragona, da Ludovico il Moro e dai Veneziani. L'esercito della Lega Santa, guidato da Francesco II Gonzaga, riportò la vittoria, cacciando temporaneamente i Francesi dalla penisola.Durante l'assenza del marchese da Mantova, un banchiere ebreo, Daniele da Norsa, aveva acquistato una casa in borgo San Simone ed aveva sostituito una rappresentazione sacra della Vergine che ne decorava la facciata con il suo stemma personale. L'azione venne considerata sacrilega e Sigismondo Gonzaga intimò all'uomo di ripristinare l'opera pena l'impiccagione. Nonostante l'ebreo avesse accettato, l'ira popolare montò contro di lui e la sua casa venne rasa al suolo.
Al ritorno di Francesco la pena venne commutata in un'ingiunzione a finanziare la costruzione di una cappella e l'esecuzione di un dipinto sacro, che ribadisse la devozione del marchese alla Vergine ed il ringraziamento per la protezione e la vittoria sul campo di battaglia di Fornovo.
Su consiglio del dignitario di corte Girolamo Redini, il marchese incaricò Mantegna, pittore di corte, di dipingere la pala, che venne solennemente collocata nel 1496, in occasione dell'anniversario della vittoria, nella chiesa di Santa Maria della Vittoria, nel frattempo costruita sul luogo della casa dell'ebreo. splendida pala fu tra le innumerevoli opere saccheggiate dai francesi durante le campagne napoleoniche, andò ad arricchire il museo parigino nel 1798 e non fu mai più restituita.

Prompt: How does Madonna della Vittoria explain its History?Please output in Italian.

1495
1496
1798
Ferdinando II d'Aragona
Francesco II Gonzaga
Girolamo Redini
Ludovico il Moro
Mantova
Sigismondo Gonzaga


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Crocifisso con la Maddalena

Sullo sfondo di uno scenografico paesaggio, quasi visionario, con speroni rocciosi davanti a un bianco mare solcato da nubi, si staglia, scuro e monumentale, il Crocifisso, rigidamente frontale, sbalzato anatomicamente e con i segni della Passione ben visibili . Ai suoi piedi la Maddalena inginocchiata allarga le braccia in un gesto di disperazione, anche se il suo volto appare sereno. In basso un teschio con un serpentello è un tipico memento mori frequente ai piedi del Calvario. Sullo sfondo, a diverse distanze  si trovano scene accessorie: il pentimento di Pietro, la deposizione dalla Croce  e il trasporto del corpo di Cristo. Amorevole è la cura, in primo piano, nella descrizione dei fiorellini che circondano lo spazio della Croce, evidente tributo alla descrizione analitica fiamminga e al naturalismo scientifico di Leonardo da Vinci. A destra, nel paesaggio, si vede una città con monumenti classici e rovine, tra cui si riconosce una citazione di Castel Sant'Angelo sull'orlo di una rupe.

Prompt: Focus on Crucifixion with Saint Mary Magdalene (Signorelli) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Calvario
Castel Sant'Angelo
Leonardo da Vinci


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Passio musicae

Nel 1939, la Fondazione Leo e Regina Wainstein organizzò un concorso per scultori per progettare un'opera che rappresentasse una scena dell'epopea nazionale finlandese, Kalevala, che sarebbe stata eretta nel parco. Il vincitore fu Aarre Aaltonen  e la sua opera Ilmatar and the Scaup, un'opera in bronzo inaugurata nel 1946.

Prompt: Explain the Sibelius Park Kalevala Monument of this artwork, Sibelius Monument.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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cattedra di San Pietro

festa della cattedra di san Pietro, iscritta al calendario romano generale, risale al III secolo. Il Lexikon für Theologie und Kirche dice che questa festa ha avuto origine nel pasto celebrativo di un morto che era tradizionale tenere a Roma il 22 febbraio , celebrazione simile al refrigerium che si usava tenere nelle catacombe.Il Calendario di Filocalo del 354 e che ha avuto origine nel 311 indica come unica data della festa il 22 febbraio. Invece, nel Martirologio geronimiano, che nella sua attuale forma è del IX secolo, sono indicati due giorni di festa dedicati alla cattedra di san Pietro apostolo: il 18 gennaio e il 22 febbraio. Tutti i manoscritti di questo documento contengono un'aggiunta tardiva, secondo la quale la festa di febbraio celebrerebbe la cattedra di san Pietro ad Antiochia, per cui la festa di gennaio era associata invece con la funzione episcopale di san Pietro a Roma ed era trattata come la più importante. Perciò anche nell'edizione 1962 del Messale Romano, rimane soltanto la festa di febbraio. In ogni caso la Settimana di preghiera per l'unità dei cristiani continua ad essere celebrata negli stessi giorni del mese di gennaio, nonostante l'abolizione nel calendario romano della festa scelta come giorno iniziale. Nel rito ambrosiano invece la celebrazione unificata è fissata al 18 gennaio, in modo da distanziarla dalla Quaresima.

Prompt: How does Chair of Saint Peter explain its Liturgical celebration?Please output in Italian.


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (Correggio) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Describe the characteristics of the Diversification birth main branches in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Il mare è l'elemento predominante della composizione, rappresentato nella forma di un'onda che si estende per tutta la scena nel momento prima di infrangersi. Il disegno cattura l'istante in cui l'onda forma una spirale quasi perfetta il cui centro passa per quello dell'immagine, dando la possibilità di vedere il Fuji sullo sfondo.Benché a volte venga ritenuta uno tsunami, l'onda è, come suggerisce il titolo dell'opera, molto più probabilmente una grande onda anomala, una  o, ancora, un treno di onde di relativa breve lunghezza, considerando quella che sembra essere la pendenza finale di un'altra grande onda nella parte destra del disegno. Tuttavia non è possibile scartare a priori l'ipotesi di un maremoto soltanto analizzando l'immagine.Prendendo la stazza delle imbarcazioni come riferimento e in considerazione il fatto che Hokusai ridusse la scala verticale dell'opera del 30%, è possibile trarre un'approssimazione delle dimensioni dell'onda più grande, la cui altezza stimata è di circa 10-12 metri.

Prompt: Explain the Ilmareeleonde does not appear to be a word in any recognizable language. It might be a typo, a name, or a term from a fictional language. Could you provide more context or check the spelling? about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: How does Madonna and Child (Perugino, Washington) explain its Abstract?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Nei primi anni del XIX secolo Hokusai pubblicò altre due opere in stile occidentale che possono essere considerate i precursori de  grande onda. Si tratta di  e di . In entrambe le immagini il primo piano è occupato essenzialmente da un'enorme onda raffigurata nell'atto di travolgere un'imbarcazione, rivelando l'esistenza di una chiara idea di fondo la quale si sarebbe evoluta fino al concepimento de  grande onda trent'anni più tardi.Alcuni anni più tardi Hokusai riprese il concetto alla base de  grande onda quando completò l'opera , per il secondo volume della serie Cento vedute del Monte Fuji. In questa stampa è presente la stessa relazione tra l'onda e il vulcano, e lo stesso scoppio di schiuma e bolle. L'immagine, tuttavia, manca di drammaticità per via dell'assenza delle barche e degli esseri umani, mentre la schiuma dell'onda si confonde con il volo degli uccelli. Mentre ne  grande onda il moto dell'onda è opposto al senso di lettura giapponese  ne Il Fuji dal mare l'onda e gli uccelli si muovono armoniosamente nella direzione più facilmente leggibile da un osservatore giapponese.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the An idea carried forward for thirty years of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.


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Annunciazione di San Giovanni Valdarno

Nella predella si trovano cinque scene della vita di Maria  attribuite ad un assistente dell'Angelico, Zanobi Strozzi. Dal primo pannello manca una porzione, dove probabilmente era raffigurata, all'interno di un edificio, la Natività della Vergine. </div>

Prompt: Focus on Annunciation of San Giovanni Valdarno and explain the Predella.Please output in Italian.


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Casa bianca di notte

Prompt: In White House at Night, how is the External links discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra i santi Stefano, Girolamo e Maurizio

Prompt: How does Mary with Child and Saints Stephen, Jerome and Mauritius explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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La ninfa sorpresa

Uno studio per l'opera. ninfa sorpresa di Manet raffigura una donna giovane seduta in un paesaggio silvestre vicino a un lago, mentre guarda sorpresa lo spettatore. C'è un iris blu che cresce ai suoi piedi, e lei non porta nulla addosso al suo corpo eccetto per la collana di perle al collo e un anello su un suo ditino. Lo sguardo della ninfa, al contrario di quello provocante dell'Olympia del dipinto omonimo, è sorpreso e timido, come se avesse appena visto lo spettatore che la osserva, invadendo la sua riservatezza e disturbandola.Molti autori pensano che la composizione sia simile al quadro Susanna e i vecchioni di Rembrandt, prendendo in considerazione che il nome della modella è Suzanne, che lei era neerlandese e che la posa della figura è identica a quella del dipinto. D'altro canto, Françoise Cachin afferma che Manet si ispirò probabilmente al quadro del 1704 di Jean-Baptiste Santerre sullo stesso soggetto, facendo notare la posizione del braccio e il trattamento del materiale. Il quadro è stato anche paragonato a un affresco di Giulio Romano sul tema di Betsabea al bagno al palazzo Te, che Manet potrebbe aver conosciuto grazie a delle incisioni francesi, o a un'incisione di Marcantonio Raimondi chiamata Ninfa e satiro.

Prompt: Focus on La Nymphe surprise and explain the Description.Please output in Italian.

Giulio Romano
Jean-Baptiste Santerre
Marcantonio Raimondi
Rembrandt


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the Self-portrait distinctive professional sign of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: Explain the In  the  Eastern  Churches about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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Madonna Terranuova

figura del tondo, così popolare nell'arte fiorentina di fine secolo, è riempita dall'artista con la Madonna al centro, seduta e con le gambe tagliate, che regge in grembo il Bambino, colto in una torsione che lo mostra semidisteso mentre si rivolge a san Giovannino sulla sinistra; un altro fanciullo bilancia la composizione a destra. I tre putti appaiono collegati, con ritmi e pause, lungo una fascia orizzontale e parallela a quella dell'orizzonte. Il vivo intreccio di gesti e sguardi tra i personaggi, studiati nella loro naturalezza, rimanda alle opere di Leonardo da Vinci, che ebbero notevole influenza sul giovane artista all'inizio del periodo fiorentino. Al maestro di Vinci rinvia lo stesso paesaggio, più studiato e complesso delle Madonne precedenti, con le rocce aguzze sulla destra che sembrano dominare una vallata o comunque un valico verso cui digrada anche il paesaggio a sinistra, incorniciando i soggetti in primo piano.

Prompt: Focus on Terranuova Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Trittico del Giudizio di Bruges

Franca Varallo, Bosch, Skira, Milano 2004.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Last Judgment (Bosch, Bruges).Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Focus on Annunciation (Leonardo) and explain the The house of the Annunciation.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ritratto di Luigi XIV

L'opera, come si è detto, ebbe una vastissima diffusione, non solo in Francia ma anche all'estero, divenendo l'immagine più conosciuta del Re Sole. Una copia del ritratto, realizzata da Pierre Legendre, si trova nella biblioteca del Palais Rohan di Strasburgo, di fronte al ritratto di Luigi XV in abiti dell'incoronazione.  Un'altra copia si trova presso l'Osservatorio di Parigi, tra i ritratti di Giovanni Domenico Cassini e Urbain Le Verrier. All'estero, oltre alla copia eseguita poi effettivamente per il re di Spagna, che ancora oggi si trova a Madrid, se ne trovano riproduzioni anche in altri luoghi; ancora nell'Ottocento ne venne realizzata una copia per Ludovico II di Baviera, grande estimatore del Re Sole, che egli andò a porre nel suo Castello di Herrenchiemsee.

Prompt: In Portrait of Louis XIV, how is the Copy. discussed?Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Ludovico II di Baviera
Osservatorio di Parigi
Parigi
Urbain Le Verrier


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I briganti, che in quel periodo vivevano e agivano nella campagna romana, nonostante costituissero una seria minaccia ai viaggiatori attraversanti la campagna romana, erano uno delle figure romantiche preferite da numerosi pittori e disegnatori dell'epoca, attivi a Roma, come Bartolomeo Pinelli, Louis Léopold Robert, Léon Cogniet, Luigi Rocco, riprendendo e rielaborando quelli che erano i soggetti della scuola romana dei bamboccianti, mescolandoli alla ricerca neoclassica.Su questo soggetto, Vernet, probabilmente a causa del successo di opere sul medesimo tema dipinte da L. Robert, iniziò a comporre nel 1820 con “Route de Naples” , che raffigura un gruppo di briganti pronti ad una imboscata, nascosti dietro a grossi massi, su un lato della strada che porta a Napoli, pronti bloccare e derubare una vettura di posta che viene mostrata in arrivo al luogo dell'agguato, trainata da cavalli al galoppo su una strada lungo il mare a Terracina, il successo del dipinto è immediato e verrà anche riprodotto da Francois Saeraphin Delpech come stampa litografica.Nel 1831 dipinge il quadro "Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie" che idealmente rappresenta proseguimento del fatto brigantesco, iniziato con “Route de Naples”, mostrante l'intervento delle forze della legge contro i fuorilegge, dopo l'avvenuto agguato alla carrozza. L'opera verrà copiata da discepoli e rifatta come incisione da parte di Henry Dowe e David Lucas e stampata due grandi acqueforti. Il dipinto, di cui oggi rimane memoria con una riproduzione del tempo a stampa, mostrava al centro un brigante ferito morente adagiato su un carro trainato da buoi che riceve l'assoluzione da un monaco inginocchiato sullo stesso carro. Il carro è attorniato da un gruppo di gendarmi, alcuni dei quali feriti, due briganti con le mani legate dietro alla schiena inginocchiati, abitanti del luogo e da una coppia di due monaci in apparente religiosa compartecipazione all'evento, un quarto monaco contempla la scena dall'alto di una scalinata. Il paesaggio dipinto sullo sfondo riprende largamente motivi neoclassici mostrando rovine di un tempio e le arcate di un acquedotto romano,.<br />  cattura, pentimento del bandito e sua assoluzione chiude idealmente questa trilogia di dipinti briganteschi.Sempre nel tema brigantesco nel 1828 Vernet dipinse il Brigante tradito, mostrante la scena in cui un brigante viene catturato da un gendarme grazie al tradimento di una donna, con la quale si era dato appuntamento, opera in cui Vernet mescolando verismo e scena drammatica elabora un'istantanea della cattura.

Prompt: How does Italian Brigands Surprised by Papal Troops explain its I bring as subject?Please output in Italian.

Bartolomeo Pinelli
Louis Léopold Robert
Léon Cogniet
Terracina


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Allegoria ed effetti del Buono e del Cattivo Governo

Si trova su una delle due pareti laterali, quella a sinistra dellAllegoria del Cattivo Governo.  città è pericolante e piena di macerie, perché i suoi cittadini distruggono anziché costruire, vi si svolgono omicidi, vengono arrestati innocenti, le attività economiche sono miserabili.

Prompt: In the context of The Allegory of Good and Bad Government, explain the Effects of Bad Government in City and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Diversification birth main branches of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Venere de' Medici

statua, una Venus pudica, si ispira, come le altre varianti del tema, allAfrodite cnidia di Prassitele, con particolari similitudini con la Venere capitolina. L'opera arrivò a Roma in un momento imprecisato dell'antichità e forse decorava villa Adriana a Tivoli. Nel Rinascimento, con la febbre collezionistica delle grandi famiglie presenti in città, venne probabilmente acquistata dall'allora cardinale Ferdinando de' Medici per essere esposta a villa Medici, anche se la prima documentazione certa risale al 1638. Nel 1677 fu portata a Firenze da Cosimo III, che nonostante la sua reputazione di "bigotto", non si fece problemi a collocare la bella dea nuda nella Tribuna degli Uffizi. Da allora occupò un posto di privilegio nella collezione di statue antiche della galleria.Simbolo della bellezza antica nel periodo neoclassico, fu ammirata da Napoleone, che chiese espressamente di vederla nel suo breve soggiorno in città nel 1796. Dopo la conquista dell'Italia e il trasferimento di beni artistici a Parigi , la Venere entrò nel programma di trasferimento delle opere via mare a Palermo progettato dal Granduca Ferdinando III per permettere alla scultura di rimanere in Italia; ma l'espediente non funzionò e la Venere fu quindi inevitabilmente tra le prime opere ad essere portate via dalle spoliazioni napoleoniche del Granducato di Toscana , delle quali abbiamo come precisa testimonianza la redazione del restauratore senese Vittorio Sampieri, allora restauratore sotto contratto del direttore degli Uffizi Tommaso Puccini.  Galleria medicea dovette dunque accontentarsi di una copia realizzata da Antonio Canova e l'originale venne recuperata solo con la Restaurazione . I francesi dal 1821 si consolarono con l'arrivo della Venere di Milo al Louvre, che fu oggetto di una "sponsorizzazione" programmata dalle autorità per celebrarne la bellezza e far dimenticare la statua fiorentina, nonostante questa fosse monca degli arti. Gli italiani ci guadagnarono anche la Venere italica del Canova, che era stata scolpita proprio come risarcimento per Firenze, oggi conservata alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti.  John Ruskin descrisse la Venere de' Medici estasiato , ma Charles Martin Robertson, in A History of Greek Art  ne ridimensionò il valore artistico, appannandone la fama.

Prompt: In Venus de' Medici, how is the History discussed?Please output in Italian.

1638
1677
1796
1821
Afrodite cnidia
Antonio Canova
Charles Martin Robertson
Ferdinando III
Firenze
Galleria Palatina
John Ruskin
Palazzo Pitti
Palermo
Parigi
Prassitele
Restaurazione
Roma
Tivoli
Tommaso Puccini
Tribuna degli Uffizi
Venere capitolina
Venere di Milo
Venere italica
Vittorio Sampieri


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Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Conductors and the Opera, lyric.Please output in Italian.


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Mae West

Hollywood on Parade No. A-9, regia di Louis Lewyn Hollywood on Parade No. B-5, regia di Louis Lewyn The Fashion Side of Hollywood, regia di Josef von Sternberg Hollywood Without Make-Up documentario, regia di Rudy Behlmer, Loring d'Usseau Mae West, episodio tv Wayne and Shuster Take an Affectionate Look At... Le dee dell'amore  documentario di Saul J. Turell - filmati di repertorio The Best of urel and Hardy, regia di James L. Wolcott The Casting Couch, regia di John Sealey - video con filmati di repertorio

Prompt: Explain the Documentary film on Mae West (partial) about the Quotes of this artwork, Mae West (sculpture).Please output in Italian.

Hollywood Without Make-Up
Hollywood on Parade No. A-9
Hollywood on Parade No. B-5
James L. Wolcott
John Sealey
Josef von Sternberg
Le dee dell'amore
Loring d'Usseau
Louis Lewyn
Rudy Behlmer
Saul J. Turell
The Fashion Side of Hollywood


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Danae

Figlia di Acrisio e di Euridice, o da Preto il figlio Perseo.

Prompt: Explain the Genealogy of this artwork, Danaë (Rembrandt).Please output in Italian.


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Shōen Uemura

Shōen Uemura nacque a Shimogyō-ku, un quartiere di Kyoto, secondogenita di un mercante di tè che morì due mesi prima della sua nascita. Crebbe in un ambiente esclusivamente femminile, allevata dalla madre e dalle zie. Ancora bambina, Shōen si dedicò al disegno dimostrando una notevole abilità nella rappresentazione della figura umana. Si appassionò alle opere di Katsushika Hokusai e la madre, che gestiva la raffinata sala da tè ereditata dal marito, la sostenne nella decisione di dedicarsi alla carriera artistica.Studiò all’Università delle arti di Kyoto, dove frequentò i corsi di pittura cinese, e di pittura del paesaggio tenuti dal pittore Suzuki Shōnen . Si dedicò inoltre allo studio degli stili della scuola Kanō e della scuola Sesshū; Suzuki fu molto colpito dalla dedizione e dalla tecnica artistica della sua allieva, e in riconoscimento del suo talento le concesse l’uso del primo kanji del proprio pseudonimo . Il gesto di un maestro donare il proprio nome d'arte a un allievo prediletto è comunque nella tradizione artistica giapponese, ma ai tempi era inusuale che coinvolgesse una donna, e per un certo periodo la reputazione della Uemura ne rimase infangata dal momento che fu sospettata di aver una relazione con il docente . Poco dopo diede alla luce un figlio illegittimo, il futuro pittore Shōkō Uemura, che crebbe da madre single; anche per la successiva bambina non dichiarò mai il nome del padre.Nel 1894 la Uemura divenne allieva di Kōno Bairei, che la formò a una precisa delineazione della figura umana, e in seguito del suo successore Takeuchi Seihō. Vinse il suo primo riconoscimento locale nel 1898 con un’opera selezionata per la  di Kyoto, e il suo primo premio di livello nazionale nel 1900 per il dipinto proposto per l’esposizione organizzata dall' unitamente all’.Negli anni successivi, a partire dal 1907, si concentrò su opere destinate all’esposizione e alla vendita alle mostre Bunten patrocinate dal governo. L’acquisto del suo dipinto  da parte del Duca di Connaught della famiglia reale inglese in visita in Giappone contribuì a elevare la sua fama. A partire dalle proprie competenze artistiche, dall’interesse per la silografia e per gli stili classici della pittura giapponese, la Uemura ha sviluppato nuove tecniche e stili compositivi per un’ampia gamma di soggetti. Tra il 1917 e il 1922 a seguito di un periodo di crisi, rinunciò a partecipare a mostre e esposizioni.Ne 1924, la Uemura ritornò al mondo dell’arte esponendo il dipinto intitolato  alla quarta esposizione dell’Accademia imperiale delle Arti, ora conservato al Museo d'arte Shōhaku di Nara. Durante gli anni '30, in età matura, la pittrice iniziò a realizzare opere di ampio formato: sono di questo periodo il dittico  e  del 1930,  del 1936 e  . Nel 1941, la Uemura fu la prima pittrice donna in Giappone a essere nominata membro dell’Accademia Imperiale delle Arti, e fu inoltre nominata Artista della Casa imperiale nel 1944.Durante la seconda guerra mondiale sostenne i nazionalisti con opere quali  che rappresenta una bellezza femminile nell’atto di dare il proprio contributo al sostegno della guerra. Nonostante l’età avanzata, durante la seconda guerra sino-giapponese su invito del Governo giapponese viaggiò in zona di guerra a scopo di propaganda. Con il deterioramento delle condizioni di vita a seguito della guerra, nel febbraio 1945, la Uemura lasciò Kyoto per trasferirsi alla periferia di Nara. Nel 1948, fu la prima donna a essere insignita dell’Ordine della Cultura. Il dipinto Danza dal preludio del Nō è stata la prima opera di artista donna a essere inserita tra le Opere di importanza nazionale del Giappone da parte dell’Istituto per gli affari culturali del Ministero della Cultura.

Prompt: In Uemura Shōen, how is the Biography discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Sigismondo Pandolfo Malatesta

Prompt: How does Portrait of Sigismondo Pandolfo Malatesta explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Tre arcangeli e Tobiolo

Giulia Cosmo, Filippino Lippi, serie Art dossier, Giunti, Firenze 2001. ISBN 88-09-02031-6

Prompt: In Three Angels and Young Tobias, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pellegrinaggio mariano di Neviges, Germania Santuario di Nostra Signora di Lourdes, Francia

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Pilgrimages of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

Nostra Signora di Lourdes
Lourdes
Nostra Signora di Lourdes
Pellegrinaggio mariano di Neviges
Santuario di Nostra Signora di Lourdes


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Lucifero

Phosphoros Aion Asura Cristianesimo Demonologia Dio Gerarchia dei demoni Inferno Satana Satanismo Sorat Diavolo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Lucifer (Stuck).Please output in Italian.

Asura
Cristianesimo
Demonologia
Diavolo
Dio
Dio
Gerarchia dei demoni
Inferno
Satana
Satanismo
Sorat


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Autoritratto con fiore d'eringio

Autoritratto a tredici anni Autoritratto con guanti Autoritratto con pelliccia Autoritratto nudo

Prompt: How does Portrait of the Artist Holding a Thistle explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Van Gogh self-portrait (1889)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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August Blue

Il dipinto ottenne un immediato successo di critica non appena venne presentato ed esposto nel 1894; acquistato dalla Tate Gallery con un fondo istituito a suo tempo dallo scultore Francis Legatt Chantrey per incoraggiare l'arte britannica tramite l'acquisizione di dipinti e sculture dal "merito più alto" ed eseguite interamente in Gran Bretagna. Questa è stata la seconda opera di Tuke acquistata dalla Tate, dopo "All Hands to the Pumps", evento molto raro e capitato a pochissimi artisti.August Blue è stato seguito da molte altre opere incentrate su temi simili  e l'artista rimase molto popolare per tutta l'età edoardiana; caduto in disgrazia dopo la fine della guerra, morì quasi dimenticato nel 1929. Il suo lavoro ha riconquistato fama e popolarità a seguito della riscoperta avvenuta da parte di appassionati d'arte negli anni '70, favoriti in ciò anche dalla prima generazione che poteva iniziare a fare coming out e definirsi apertamente gay.

Prompt: Describe the characteristics of the Welcome in August Blue's History.Please output in Italian.

Francis Legatt Chantrey
Gran Bretagna
Tate


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: How does Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse) explain its TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset.?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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L'età del bronzo

L'età del bronzo  è una statua in bronzo dello scultore Auguste Rodin, della quale esistono molte versioni. figura rappresentata è quella di un nudo maschile a grandezza naturale, circa 180,5 centimetri di altezza. Rodin ha continuato a produrre calchi della statua per diversi decenni dopo che è stata modellata nel 1876.Quando la statua è stata esposta al Salone di Parigi, nel 1877, Rodin fu accusato di aver fatto la statua basandosi su un modello vivente, circostanza che è stata sempre vigorosamente negata dall'autore.

Prompt: Focus on The Age of Bronze and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Giove, Nettuno e Plutone

Come ha sottolineato Giuliana Zandri le figurazioni caravaggesche sono del tipo «sotto in su», sospese in aria, senza referenti architettonici, «un vero scorcio, un sotto in su, già barocco, che ha precedenti nel manierismo» . Pensiamo alle scenografiche rappresentazioni di Giulio nel soffitto di Palazzo Te a Mantova, come l'impressionante Caduta di Fetonte con le spettacolari e ardite figurazioni dei cavalli sospesi in aria o alla bellissima immagine del Ratto di Ganimede di Correggio oggi al Kunsthistorischen Museum di Vienna.Il Frommel pensa che l'articolazione ternaria delle figure sia tipica di quel periodo in cui Caravaggio realizza il Riposo durante la fuga in Egitto e Giuditta e Oloferne, fra 1597 e 1599; si rivela, tuttavia, l'influenza e il riferimento iconografico della Loggia di Psiche di Raffaello alla Farnesina.  Cole Wallach si sofferma sull'iconografia infrequente di Giove seduto sull'aquila e richiama come modello quello della Loggia della Farnesina e ancora in una incisione del Caraglio su disegno di Rosso Fiorentino ed anche in un testo, L'Alchimia, di Andreas Libavius, del 1595, come poteva forse trovarsi nella nutrita biblioteca specializzata del cardinale.Ancora una variante iconografica, quella di Nettuno col cavallo marino e non con il delfino, si trova in una incisione e del Caraglio e dipinta nella Loggia della Farnesina. Un'incisione su disegno di Giulio Romano di Giulio Bonasone conservata alla Casanatense di Roma, mostra i tre dei Giove, Nettuno, Plutone, che si dividono l'universo mentre sono intenti nell'opera alchemica di trasformazione. L'incisione a bulino è databile fra l'inizio del '500 e la fine, precisamente nel 1599. Naturalmente se Caravaggio conosceva certamente gli affreschi della Farnesina, è difficile dire se conoscesse anche le stampe, sebbene libri del Caraglio e del Cartari, come singole riproduzioni di opere erano di regola presenti nelle botteghe d'arte, come quella del Cavalier D'Arpino, dove aveva lavorato l'artista prima di entrare a far parte dell'entourage del marchese del Monte.Per un'opera così complessa il Caravaggio, la cui autografia oggi non sembra essere messa in dubbio dagli studiosi più avvertiti e anche da quelli autorevoli , si era probabilmente servito dell'autorevolezza del cardinale quale consulente o iconologo dell'opera come suggerisce il Moir.

Prompt: How does Jupiter, Neptune and Pluto explain its Iconography?Please output in Italian.

1597
1599
Alchimia
Andreas Libavius
Caduta di Fetonte
Caraglio
Caravaggio
Giulio Bonasone
Giulio Romano
Loggia di Psiche
Caravaggio
Palazzo Te
Roma
Rosso Fiorentino


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Pala di Pesaro

Pala di Pesaro è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile tra il 1471 e il 1483 circa e conservata nei Musei civici di Pesaro.  pala era anticamente coronata dalla Pietà , oggi alla Pinacoteca Vaticana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Pesaro Altarpiece (Bellini).Please output in Italian.


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: Describe the characteristics of the The birth of the notation in Music (Matisse)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Pia de' Tolomei

pidi della Divina Commedia di Siena Pia de' Tolomei

Prompt: Focus on Pia de' Tolomei (Rossetti) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Epifania

In Svezia, l'Epifania è un giorno festivo noto come trettondedag jul , poiché il 6 gennaio è il tredicesimo giorno dopo la vigilia di Natale, il giorno principale in cui si celebra il Natale in Svezia. Tuttavia, la fine della celebrazioni natalizie è il 13 gennaio, il giorno di San Knut, più comunemente noto come Twentieth Day Yule .

Prompt: Describe the characteristics of the Sweden in Epifania's Theology.Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Natale
Natale in Svezia
Svezia
Yule


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Il canal Grande

Questo dipinto venne eseguito durante un viaggio di Monet a Venezia, nell'autunno del 1908, quando l'artista rispose all'invito di Mary Young Hunter, una ricca americana amica della moglie Alice, che aveva affittato Palazzo Barbaro a San Vidal. Inizialmente Monet non era molto entusiasta, ma alla fine accettò. Monet e la moglie arrivarono in Italia il 1 ° ottobre.Monet aveva l'abitudine di studiare lo stesso soggetto al variare della luce, nei vari momenti della giornata, infatti, nel corso della sua carriera, ha realizzato molte serie, come ad esempio, la serie delle ninfee, la serie dei pioppi, la celeberrima serie della cattedrale di Rouen, i covoni di fieno e la serie del ponte di Charing Cross a Londra. Monet dipinse 37 opere durante il suo soggiorno in Italia, che durò tre mesi da ottobre a dicembre, tra queste c'erano pure le sei tele che hanno come tema il Canale Grande.

Prompt: In Le Grand Canal, how is the History discussed?Please output in Italian.

1908
Italia
Londra
Palazzo Barbaro a San Vidal
Venezia


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amore

Accanto all'aspetto più sano dell'amore, esistono numerose varianti legate a patologie particolari che possono condurre a stati di sofferenza e gravi crisi di depressione. Nel libro Pazzi d'amore, Frank Tallis riporta gli studi della psicologa Dorothy Tennov intorno al fenomeno della Limerence.  Limerence sarebbe lo stato ossessivo, l'idealizzazione irrazionale e l'intenso desiderio di essere ricambiati. Gli individui colpiti da Limerence sono costantemente attratti da partner sbagliati, soffrono amori non corrisposti e sono incapaci di imparare dalle loro esperienze. Ne deriva un senso di angoscia emotiva e un grave senso di inutilità che accompagna la persona nel corso della vita. Questo senso di inutilità può emergere anche in un'altra forma particolare d'amore, erroneamente scambiata per semplice infedeltà. In questo caso, il soggetto può anche essere felicemente corrisposto ma è incapace di provare vero affetto per il partner. Innamorato dell'amore, egli si limita ad amare la sensazione dell'innamoramento suscitata dal partner, evitando di entrare nella fase matura della relazione di coppia, ossia quella che dall'infatuazione iniziale si dovrebbe trasformare - col passare del tempo - in vero amore.  relazione è dunque destinata a esaurirsi prima che la stessa cominci ad assumere un autentico significato e la responsabilità di gestire una relazione duratura.<br />Altre forme patologiche d'amore possono essere date da fenomeni legati all'ambiguità dell'orientamento sessuale e dal forte desiderio di identificare il partner con le figure genitoriali. Entrambi questi casi hanno origine da evidenti disturbi infantili che influiscono costantemente sul carattere dell'individuo. Questo sarà dunque portato alla scelta di partner relativamente anziani in cui il fattore ideale prevale sul fattore sessuale. Un'altra, infatti, tra le forme patologiche dell'amore, risulta essere la frigidità, dove il soggetto - pur nutrendo impulsi sessuali normali e addirittura simulando atteggiamenti disinvolti - è incapace di trasferirli nella realtà fisica del rapporto sessuale.Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Disturbances pathology amorous and the Philosophy.Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Il Magni si mise all'opera, ma l'esito della Seconda guerra d'indipendenza lo costrinse a rivolgersi prima a Urbano Rattazzi, all'epoca ministro dell'interno, e poi a Cavour, presidente del Consiglio dei ministri. Infatti il governo riteneva di non avere alcun obbligo nei confronti del Magni poiché il concorso non era stato approvato dalle autorità e l'importo di spesa previsto per la sua opera era maggiore di quello stabilito dal concorso. Cavour incaricò comunque Massimo d'Azeglio, governatore di Milano, di esaminare la situazione nello studio dello scultore e prendere una decisione.Il d'Azeglio non solo confermò il progetto ma suggerì anche delle modifiche essenziali che fecero aumentare il costo del monumento..</ref>}}Il Magni partì per Bologna come alfiere della Guardia Nazionale e al suo ritorno nel 1861 trovò come nuovo governatore Giuseppe Pasolini; per cercare di ottenere conferma dell'incarico di realizzare il monumento, egli contattò perciò l'Accademia, il d'Azeglio , il governatore Pasolini, il sindaco di Milano Antonio Beretta e il presidente del Consiglio dei ministri Bettino Ricasoli.Per la realizzazione del monumento venne stimato un valore di circa 100.000 lire . Nel 1862 le autorità richiesero modifiche al progetto per ridurre la spesa a lire 90.200 e il Comune di Milano si impegnò per un contributo di 20.000 lire.Il Magni portò avanti il monumento sobbarcandosi spese per i materiali; nel 1867 però non aveva ricevuto pagamenti e la pratica ministeriale non aveva fatto progressi. Decise allora di approfittare dell'inaugurazione della galleria a fianco della piazza della Scala, prevista per il 15 settembre; posizionò a proprie spese un modello del monumento per l'intero mese di settembre, sperando che le autorità, vedendolo, avrebbero finalmente permesso il completamento dell'opera.Nel 1868 gli fu comunicato che il governo intendeva riconoscergli solamente l'importo originario del concorso, pari a circa 52.000 lire italiane; anche contando le 20.000 per cui si era impegnato il comune di Milano, egli avrebbe subito una perdita netta di almeno 15.000 lire per spese vive.Come ultima speranza, nel 1879 il Magni scrisse al Filippo Antonio Gualterio, ministro della Real Casa, per cercare di ottenere un intervento del sovrano, ma inutilmente. Nello stesso periodo gli venne presentata una diffida dal Regio Demanio perché in ritardo con il pagamento dell'affitto dei locali che utilizzava per il suo studio; all'inizio del 1870 gli vennero sequestrati tutti i modelli e tutti i lavori per essere messi all'asta. Giovanni Battista Brambilla li acquistò tutti per restituirli allo scultore.Vista l'impossibilità di ottenere quanto dovuto, il Magni nell'agosto 1870 presentò un atto di diffida giudiziale al Ministero della pubblica istruzione. Infine con il contratto stipulato il 23 marzo 1871 riuscì in totale ad ottenere 72.000 lire.Secondo Ettore Verga, l'ostilità generale verso la realizzazione del monumento non era dovuta allo scultore Magni, ma all'origine stessa del monumento. Fu Elia Lombardini, a capo dell'ufficio delle pubbliche costruzioni sotto il governo austriaco, a proporne la realizzazione e fu lo stesso Lombardini che cercò di farlo accettare dopo l'Unità d'Italia presentando Leonardo come «vero creatore della scienza idraulica».

Prompt: In the context of Monument to Leonardo da Vinci, explain the Achievement and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antonio Beretta
Bettino Ricasoli
Elia Lombardini
Ettore Verga
Giuseppe Pasolini
Massimo d'Azeglio
Milano
Urbano Rattazzi


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Washington attraversa il fiume Delaware

Il dipinto si distingue per la composizione artistica. Il Generale Washington è evidenziato in modo innaturale da un cielo luminoso, mentre il suo viso risplende in pieno sole. I colori sono costituiti da toni prevalentemente scuri, come è da aspettarsi all'alba, ma ci sono riflessi rossi ripetuti in tutto il dipinto. Lo scorcio, la prospettiva e le barche lontane, tutto serve per dare profondità al dipinto e far risaltare in primo piano l'imbarcazione su cui si trova Washington.Le persone presenti nell'imbarcazione rappresentano idealmente uno spaccato del popolo delle colonie americane, tra cui un uomo con un berretto scozzese e, accanto a lui, un uomo di origine africana con le spalle rivolte alla prua; due rudi uomini della frontiera in azione a prua e poppa, due agricoltori con cappelli a tesa larga verso il fondo  e un vogatore in camicia rossa, con fattezze androgine forse rappresentante una donna in vestiti da uomo. C'è anche un uomo nella parte posteriore della barca che sembra essere un nativo americano.L'uomo in piedi accanto a Washington che tiene la bandiera è il tenente James Monroe, futuro presidente degli Stati Uniti. Inoltre, il generale Edward Hand , colui che ha accettato la spada di resa di Charles Cornwallis durante l'assedio di Yorktown, è rappresentato seduto all'interno dell'imbarcazione tenendosi il cappello.

Prompt: Explain the Topic of this artwork, Washington Crossing the Delaware (1851 paintings).Please output in Italian.

Edward Hand
Generale
James Monroe
Washington


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Pittore nello studio

Pittore nello studio è un dipinto a olio su tavola  realizzato nel 1629 circa dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nel Museum of Fine Arts di Boston.Il quadro raffigura lo studio di un pittore, non si sa se fosse proprio quello di Rembrandt stesso: le pareti spoglie, il pavimento di legno grezzo, il tavolo in penombra sono definiti con il consueto realismo dell'artista, che fa pensare a una copia dal vero. Il personaggio ritratto non è identificabile, trovandosi nella zona d'ombra del dipinto. Alcuni vi riconoscono Rembrandt, altri, invece, l'allievo Gerrit Dou.<br/> posizione del pittore, discosta rispetto alla tela, può riferirsi al consiglio dello stesso Rembrandt, di osservare il lavoro nella sua totalità.

Prompt: How does The Artist in his Studio explain its Abstract?Please output in Italian.


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Dittico di Boezio

Wolfgang Kermer: Studien zum Diptychon in der sakralen Malerei: von den Anfängen bis zur Mitte des sechzehnten Jahrhunderts: mit einem Katalog. Düsseldorf: Dr. Stehle, 1967 , I. Teil:  pp. 6–11; II. Teil: pp. 5–7, Kat.-Nr. 1, Abb. 1, 2.Eugenio  Rocca,

Prompt: Focus on Diptych of Boethius and explain the Bibliography.Please output in Italian.