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Polittico di san Luca

Il polittico è composto da dodici scomparti organizzati su due registri. Perduta è la cornice lignea originale che, come nella Pala di San Zeno, doveva essere stata disegnata dall'artista stesso e doveva raccordare unitariamente i vari pannelli. I documenti parlando della sua realizzazione da parte di maestro Guglielmo, con rifiniture pittoriche in oro e blu d'Alemagna, queste ultime pagate a un tale maestro Guzon nel 1455.Nella pala si trovano fusi elementi arcaici, come il fondo oro e le diverse proporzioni tra le figure, ed elementi innovativi come l'unificazione spaziale prospettica nel gradino in marmi policromi che fa da base ai santi del registro inferiore e la veduta scorciata dal basso dei personaggi del registro superiore, estremamente solidi e monumentali, che con la cornice originale dovevano dare l'idea di affacciarsi da una loggia ad arcate, posta in alto rispetto al punto di vista dello spettatore. Le figure hanno contorni nitidi, evidenziati dalla brillantezza quasi metallica dei colori. scelta dei santi è strettamente legata alla storia dell'ordine benedettino e a quella dell'abbazia, in particolare alle leggende sul culto delle reliquie presenti fin dalle origini nel monastero. Essi, a parte Benedetto, fondatore dei benedettini, si trovano tutti citati in una miscellanea quattrocentesca di manoscritti della biblioteca dell'abbazia, copia di un più antico testo del XII secolo, intitolata Passio beatae Iustinae virginis, vita sancti Prosdocimi, legende sanctorum monasterii Sanctae Iustinae. Vi si trovano infatti capitoli dedicati al sermone di san Girolamo su san Luca e alla storie del rinvenimento delle reliquie dei santi Massimo, Giustina, Luca e altri.

Prompt: In the context of San Luca Altarpiece, explain the General layout and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Europe multilingual and the History.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Pollice verso

Pollice verso o verso pollice  è un'espressione latina usata nelle lotte fra gladiatori. Si riferisce al gesto della mano usato dalle folle nell'antica Roma per decidere la sorte di un gladiatore sconfitto. Nella lingua italiana la sola espressione "fare pollice verso" ha successivamente assunto il significato di "avversare", "condannare".

Prompt: In Pollice Verso (Gérôme), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Paolo e Francesca da Rimini

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Paolo and Francesca da Rimini.Please output in Italian.

Dante Gabriel Rossetti
Dipinti di Dante Gabriel Rossetti


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Jeanneke Pis

Jeanneke-Pis è una statua in bronzo, alta circa cinquanta centimetri, situata nel centro storico di Bruxelles.Si tratta di una fontana che rappresenta una bambina che sta orinando. Le parole Jeanneke Pis in neerlandese  significano infatti la "ragazzetta che fa pipì".È stata costruita da Denis-Adrien Debouvrie nel 1985 e inaugurata nel 1987 in onore alla fedeltà.A Bruxelles esistono anche il Manneken Pis  considerato il fratellino della Jeanneke Pis, e il Zinneke Pis .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Jeanneke Pis.Please output in Italian.


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marmi di Elgin

L'inquinamento atmosferico e le piogge acide provocarono gravi danni al marmo del Partenone. Le parti rimanenti dalla sezione occidentale del fregio del Partenone sono state rimosse dal monumento nel 1993 per il timore di ulteriori danni e sono stati trasportati al museo dell'Acropoli. sulla superficie marmorea erano presenti croste nere. Gli esami al laser condotti sulle statue hanno rivelato la presenza di sorprendenti dettagli ora non più visibili come le scalpellate e le vene sulle pance dei cavalli. Tali dettagli sono stati eliminati dalle statue del British Museum per rendere i marmi di colore più bianco.Tra il 20 gennaio e la fine di marzo 2008 4200 oggetti  sono stati trasferiti dal vecchio museo dell'Acropoli al nuovo museo del Partenone.Nel 1975 la Grecia ha iniziato il restauro dell'Acropoli. Durante questo sono state sostituite migliaia di grappe di ferro arrugginite con barre di titanio non corrodibili; sono state trasferiti i reperti in un museo appositamente progettato; furono sostituite le decorazioni mancanti con copie di alta qualità. Tuttavia questo restauro non mancò di suscitare polemiche dovute principalmente al fatto che alcuni edifici sono stati completamente smantellati, tra cui il tempio di Atena Nike, e poiché le gru e i ponteggi necessari per il lavoro erano dannosi per il paesaggio. Il progetto era quello di riportare il sito almeno ad una parte del suo antico splendore, il che può richiedere ancora molto tempo e denaro. Il British Museum non ha escluso di poter prestare temporaneamente i marmi di Elgin al nuovo museo ateniese, ma ha ribadito la necessità da parte dei Greci di riconoscere la proprietà britannica.

Prompt: Explain the Athens about the Damages of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


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San Giovannino nel deserto

Prompt: Focus on Saint John the Baptist in the Desert (Raphael) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Pugile in riposo

L'opera è uno dei due bronzi , non correlati tra loro, scoperti nel marzo del 1885 su un versante del Quirinale nell'area del convento di San Silvestro e probabilmente appartenenti ai resti delle Terme di Costantino. Si deve a Rhys Carpenter  una prima attribuzione dell'opera  ad Apollonio di Atene, per una firma sul guanto sinistro della quale Margherita Guarducci  ha in seguito negato l'esistenza. statua è stata ritrovata tra il secondo e il terzo muro di fondazione di un edificio antico, alla profondità di 6 metri sotto il livello della piattaforma. L'archeologo Rodolfo nciani, all'epoca segretario della Commissione Archeologica Comunale, ha lasciato una descrizione tanto vivida quanto precisa delle circostanze del ritrovamento: «Il più importante dato raccolto, mentre ero presente e seguivo la rimozione della terra nella quale il capolavoro giaceva seppellito, è che la statua non era stata gettata là, o seppellita in fretta, ma era stata nascosta e trattata con la massima cura.  figura, trovandosi in posizione seduta, era stata posta su un capitello di pietra dell'ordine dorico, come sopra uno sgabello e il fosso che era stato aperto tra le fondamenta più basse del tempio del Sole, per nascondere la statua era stato riempito con terra setacciata per salvare la superficie del bronzo da ogni possibile offesa. Sono stato presente, nella mia lunga carriera nell'attivo campo dell'archeologia, a molte scoperte; ho sperimentato una sorpresa dopo l'altra; ho talvolta e per lo più inaspettatamente, incontrato reali capolavori ma non ho mai provato un'impressione straordinaria simile a quella creata dalla vista di questo magnifico esemplare di un atleta semi-barbaro, uscente lentamente dal terreno come se si svegliasse da un lungo sonno dopo i suoi valorosi combattimenti»

Prompt: In Boxer at Rest, how is the History discussed?Please output in Italian.

Apollonio di Atene
Margherita Guarducci
Rhys Carpenter
Terme di Costantino


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Trionfo della Virtù

Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XMatilde Battistini, Simboli e allegorie, Electa, Verona 2007 ISBN 9788843581740

Prompt: How does Triumph of the Virtues (Mantegna) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea o Bersabea  era dapprima la moglie di Uria l'Ittita e più tardi del re Davide, cui partorì tre figli, il secondo dei quali fu Salomone e il terzo Natan.  Bibbia parla di lei soprattutto nel Secondo libro di Samuele e nel Primo libro dei Re.

Prompt: In Bathsheba (Gentileschi), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Bibbia
Davide
Natan
Davide
Uria l'Ittita


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Madonna delle Grazie

Antico borgo nel comune di Vico Equense la fede mariana a Seiano è antichissima; la Madonna delle Grazie, l’incoronazione con approvazione papale del 6 luglio 1783 permise di elevare l’antica chiesa a Santuario Mariano; riferimento da sempre per i naviganti alla quale Vergine sono attribuiti moltissimi miracoli di scampati naufragi, a testimonianza centinaia di dipinti votivi che la appellano come “Stella Maris”. Qui la Vergine delle Grazie Incoronata prende il nome anche di Santa Maria Vecchia, cioè della vecchia chiesa, essendo stato in passato tempio parrocchiale per poi traslare il titolo ad una chiesa più grande a pianta circolare nel 1793. prima notizia storica che abbiamo risale alla seconda metà del ‘200, allo stesso periodo pre giottesco risale l’affresco posto sulla lunetta d’ingresso al tempio, successivo quello sulla parete dietro l’altare maggiore, dipinto nei primi decenni del 1500. Correva l’anno 1955 e il Santuario fu il set cinematografico del film “Pane amore e...” di Dino Risi con Vittorio De Sica e Sophia Loren. Oggi la festa di Santa Maria delle Grazie  inizia il venerdì che precede l’ultima domenica di Giugno e termina la seconda domenica di Luglio, la festa liturgica conserva la data antica del 2 Luglio, mentre i festeggiamenti esterni avvengono nella prima domenica dopo la festa liturgica con Solenne processione del simulacro lungo le vie principali di Seiano. Tutt’oggi alla Vergine sono attribuite intercessioni miracolose a chiunque la invoca con fede e amore.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Seiano of Vico Equense of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Rembrandt's self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Statua di Bafometto

sinistraIl Campidoglio dell'Oklahoma, la destinazione iniziale dell'opera.Originariamente commissionata per essere installata assieme al monumento ai Dieci Comandamenti al di fuori del Campidoglio oclaomense, il Tempio Satanico si offrì di esporre l'opera nella zona dell'edificio. Dopo che il monumento ai Dieci Comandamenti venne rimosso tramite un ordine della Corte Suprema , i membri del Tempio Satanico ritirarono la propria richiesta.Il Campidoglio dell'Arkansas, davanti al quale la scultura venne esposta nel 2018.Il 16 agosto 2018, la statua venne esposta su un camion a pianale ribassato di fronte al Campidoglio dell'Arkansas per un evento realizzato per protestare contro l'erezione di un nuovo monumento ai Dieci Comandamenti presso il Campidoglio arcansano. Dopo che la richiesta formale di installare il Bafometto venne rifiutata, in violazione della clausola di uguale protezione del XIV emendamento della costituzione statunitense, venne concesso ai membri del Tempio Satanico di agire per contestare il monumento ai Dieci Comandamenti.

Prompt: Describe the characteristics of the Tentative placement in Statue of Baphomet's History.Please output in Italian.

Arkansas
Bafometto
Oklahoma
Tempio Satanico


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Tre mondi

L'insieme di rimandi lascia percepire all'osservatore la complessità del ciclo della natura, dove la compenetrazione di mondi diversi è alla base della sua eterna rigenerazione. Le foglie cadute, simbolo di morte e caducità, galleggiano sull'acqua, simbolo di vita e rigenerazione; il pesce, grande e vispo, si staglia nel riflesso di alberi secchi e nodosi. Escher esprime in questo modo la sua ammirazione per la bellezza distaccata della natura, elogiandone l'ordine e la perfezione che si rivelano chiaramente se la si osserva con cura.Altre opere in cui si innesca un meccanismo simile sono l'incisione Superficie increspata  e la xilografia Pozzanghera : in entrambe è presente il tema del riflesso nell'acqua. Nella prima Escher disegna solamente la superficie, dunque l'osservatore non sa quale sia il contesto; tuttavia, il riflesso della luna e di alcuni alberi spogli lascia intuire l'atmosfera autunnale e notturna. Le increspature concentriche distorcono il riflesso, comunicando un senso di inquietudine e rompendo l'equilibrio compositivo. In Pozzanghera, invece, è rappresentata una pozza d'acqua formatasi su un terreno fangoso calpestato da uomini e automobili, come si vede dalle impronte; la tristezza del fango e della luce notturna è però in contrasto con gli alberi fioriti riflessi nell'acqua. In quest'ultima opera, Escher esprime ancora una volta l'abissale divario tra uomo e natura, essendo imperfetto e caotico il primo e perfetta e armoniosa la seconda.

Prompt: Explain the The cyclicity of nature about the Description of this artwork, Three Worlds (Escher).Please output in Italian.


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Suicidio di Saul

prima menzione del dipinto risale al catalogo del De Mechel del 1784. Probabilmente ebbe un'influenza nella realizzazione dell'opera, non si sa se attiva o solo ideale, la miniaturista Mayeken Verrhulst, futura suocera di Bruegel.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Suicide of Saul.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Velo della Veronica

Ci sono due tradizioni principali per l'iconografia del volto dipinto sul velo. Una tradizione , comune nell'arte italiana, mostra il volto di Cristo con la barba, doloroso, flagellato e spesso coronato di spine. Un'altra , comune nell'arte russa e spagnola, mostra il volto di Cristo più spesso rilassato, con i capelli lunghi fino alle spalle, con una barba spartita in due punte, spesso circondato da un'aureola in cui è inscritta la croce.;Tipo I:Velo di Veronica Domenico Fetti, circa 1620.Santo Volto di Giambono, XV secolo. Museo civico, Pavia, Italia.Santo Volto sorretto da due angeli di Juan Sánchez Cotan, 1620-1625. Monastero di Cartuja, Granada.Santo Volto di Domenikos Theotokopoulos . Convento delle suore cappuccine, Toledo.Velo di Veronica di Francisco de Zurbarán, XVII secolo. Chiesa parrocchiale di S. Pietro, Siviglia.;Tipo II:Sudario di santa Veronica di Claude Mellan, 1649.Dittico di santa Veronica con Cristo e la Vergine Maria di Bernardo Martorelli, XV secolo. Museo di Mallorca.Santo volto, anonimo, inizi del XVII secolo. Galleria Tret'jakov, Mosca.Santo volto di Simon Ušakov, 1678. Galleria Tret'jakov, Mosca.Miracolo della lacrima di Juan Conchillos, 1680. Cappella della Vergine del monastero del Santo volto, Alicante.Miracolo dei tre volti di Juan de Miranda, 1767. Alicante.Santa Veronica di Antonio Castillo strucci, 1946. Basilica di S. Maria, Alicante.

Prompt: Explain the Representative art of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.

1649
Alicante
Claude Mellan
Cristo
Italia
Santa Veronica
Veronica


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Chimera di Arezzo

Chimera di Arezzo è un bronzo etrusco, probabilmente opera di un'équipe di artigiani attiva nella zona di Arezzo, che combinava modello e forma stilistica di ascendenza greca o italiota all'abilità tecnica fornita da maestranze etrusche. È conservata presso il Museo archeologico nazionale di Firenze, ha altezza di 78,5 cm e lunghezza di 129 cm. È il simbolo del Quartiere di Porta del Foro, uno dei quattro quartieri della Giostra del Saracino di Arezzo.  scultura rappresenta un leone in posizione aggressiva a bocca aperta e con artigli estroflessi, con una testa di capra che nasce dalla schiena e un serpente al posto della coda che aggredisce mordendo uno dei corni della capra.

Prompt: In Chimera of Arezzo, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Arezzo
Firenze
Museo archeologico nazionale di Firenze
Museo archeologico nazionale di Firenze


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Madonna dei Pellegrini

Giovanni Baglione ne scrive nella biografia del pittore in questi termini: "Nella prima cappella della chiesa di Loreto o di Sant'Agostino alla manca fece una Madonna di Loreto ritratta dal naturale con due pellegrini, uno co'piedi fangosi di deretano, e l'altra con una cuffia sdrucita, e sudicia di deretani e per queste leggeriezze in riguardo delle parti, che una gran pittura haver dee, da popolani ne fu fatto estremo schiamazzo". Del dipinto scrive Gian Pietro Bellori: "Seguitò a dipingere nella Chiesa di Santo Agostino l'altro quadro della cappella de', Signori Cavalletti  Madonna in piedi col fanciullo fra le braccia in atto di benedire: s'inginocchiavo avanti due pellegrini co'le mani giunte; e il primo di loro è un povero scalzo li piedi, e le gambe, con la mozzetta di cuoio, e'l bordone appoggiato alla spalla è accompagnato da una vecchia con una cuffia in capo [...] In Santo Agostino si offeriscono le sozzure de'piedi del Pellegrino." In entrambe le descrizioni emergono i particolari che portano i fruitori allo "schiamazzo", come dice il Bellori: "L'estrema povertà, gli abiti sdruciti, i piedi sporchi del pellegrino posti in primissimo piano, la povera cuffia della donna che lo accompagna, inginocchiata e, come lui, con le mani giunte in preghiera". Afferma il Bologna che" quei pellegrini, solo in quanto popolani veri sono in grado di riconoscere per Madonna quell'altra popolana col figliolone in braccio, ch'è uscita ad appoggiarsi allo stipite della porta di casa , e incrociando familiarmente le gambe si china verso di loro" . Lo studioso sottolinea che quei poveri affidano alla Madonna le loro miserie perché non sentono in lei un essere superiore, ma la riconoscono come una di loro. Giustamente il Bologna afferma che questa attenzione verso un'umanità miserevole avviene dopo che il pittore ha smesso di raffigurare "cappelli piumati e zimarre splendenti", come nella Buona Ventura o nei Bari ; è verso gli ultimi, i diseredati, che egli vi vedeva una condizione, degna di essere raffigurata, più naturale. Di posizione contraria Mia Cinotti che ritiene come invece vada considerata la semplicità della fede popolare che ha bisogno di confrontarsi con il miracoloso ed il trascendente necessari a superare le miserie quotidiane; il popolo, per la studiosa, non ama le innovazioni, le trasgressioni, ha una visione conservatrice del religioso che di fatto è più vicina al dettato tridentino, alle prescrizioni in materia di figurazioni sacre che alla naturalezza esibita. Da qui le proteste, gli" schiamazzi", per quelle immagini di povertà indecenti, indecorose. Il critico Bologna risponde che il termine "schiamazzi"  è usato, nella stessa Vita del pittore a proposito dell'eccessivo entusiasmo del suo "turcimanno" , quindi con accezione positiva; inoltre, Giovanni Agucchi, fra il 1607 e il 1615 scrive che si devono lodare quei pittori, come Caravaggio" che imitano solamente le cose, come nella natura si trovano, e si debba fare la stima che ne fa il volgo: perché essi non arrivando a conoscere quella bellezza che esprimer vorrebbe la natura, si fermano a quel che veggono espresso, ancorché lo trovino oltremedo imperfetto. Da questo ancora nasce che le cose dipinte e imitate dal naturale piacciono al popolo." Al che possiamo arguire che il popolo non si fosse scandalizzato né avesse particolarmente protestato, ma anzi avesse rumorosamente apprezzato lo stesso le "leggeriezze in riguardo delle parti, che una gran pittura haver dee", non sembrano, in effetti giudizi del popolo, ma il giudizio del Baglione stesso e con lui dei teorici del decoro: scrive il Paleotti che se per piacere al popolo il pittore può lasciarsi andare ad ogni" sorte d'intemperanze", lo deve fare" stando sempre col decoro e dignità del soggetto.".

Prompt: How does Madonna di Loreto (Caravaggio) explain its Description and style?Please output in Italian.


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La Gioconda

Dopo il debutto dei Lituani, il 7 marzo 1874 alla Scala, Ponchielli si mise in cerca di un nuovo libretto e prese contatto con Arrigo Boito. Il soggetto proposto, il dramma di Victor Hugo Angelo, tyran de Padoue, lasciò in un primo tempo perplesso il compositore, che temeva il raffronto con Il giuramento di Saverio Mercadante, una fortunata riduzione operistica del medesimo soggetto che aveva debuttato alla Scala l'11 maggio 1837. Per qualche tempo egli coltivò pertanto il progetto parallelo di mettere in musica il Piquillo Alliaga di Scribe, la cui riduzione librettistica fu affidata ad Antonio Ghislanzoni.Boito decise di adattare il soggetto con estrema libertà, introducendo la figura di Barnaba e dando nuova fisionomia a tutti gli altri personaggi. Nel novembre 1874 i primi due atti del libretto erano pronti e Ponchielli si apprestò ad iniziare il lavoro di composizione, pur tra mille dubbi, che lo accompagneranno fino al debutto dell'opera. Nonostante l'ammirazione incondizionata per Boito, Ponchielli riteneva infatti che l'elemento drammatico soverchiasse quello lirico e temeva, di conseguenza, una reazione negativa del pubblico. Egli capiva inoltre che l'audacia drammaturgica e formale di Boito l'avrebbe costretto a modificare il suo stile. Da una lettera del 3 giugno 1875 all'amico musicista Achille Formis:Le continue richieste di modifiche al libretto erano evase malvolentieri da Boito, già impegnato a portare in scena la nuova versione del suo Mefistofele , tanto che il compositore cremonese cercò, per ottenerle, il tramite dell'editore Ricordi. Il 19 giugno 1875 il primo atto era comunque terminato, sebbene senza orchestrazione, ma Ponchielli - forse per fuggire le proprie paure - si era nel frattempo impegnato a comporre una cantata in onore di Gaetano Donizetti, che fu eseguita a Bergamo il 13 settembre 1875, e ad iniziare la revisione della giovanile Savoiarda che porterà alla Lina.Ponchielli rimise dunque mano alla Gioconda, ma più la prima si avvicinava, più il panico cresceva. Così scriveva il 31 dicembre a Giulio Ricordi:Alla conclusione del lavoro mancano solo quattro pezzi: il finale del terzo atto, la Danza delle Ore, il duetto finale del quarto atto e la sinfonia. Il 12 gennaio 1876 l'abbozzo è terminato tranne i ballabili e il preludio. Lo stesso giorno Ponchielli inizia la strumentazione. Ma i dubbi sul già fatto continuano a tormentarlo: il 24 gennaio informa l'editore di voler rivoluzionare il duetto tra Enzo e Barnaba dell'atto primo e che ben difficilmente potrà consegnare l'opera in tempo per eseguirla durante la stagione di carnevale.  Danza delle Ore fu composta a Milano quando le prove di canto erano già iniziate e, secondo una testimonianza, furono accolti alcuni suggerimenti di Luigi Manzotti, coreografo del Ballo Excelsior, musicato da Romualdo Marenco.

Prompt: How does Mona Lisa explain its Genesis?Please output in Italian.

1837
1874
1875
1876
Achille Formis
Antonio Ghislanzoni
Arrigo Boito
Ballo Excelsior
Bergamo
Gaetano Donizetti
Giulio Ricordi
Luigi Manzotti
Milano
Piquillo Alliaga
Romualdo Marenco
Saverio Mercadante
Victor Hugo


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: Explain the In modern philosophy about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Botticelli, Glasgow), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: How does Nativity (Correggio) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Baccanale degli Andrii

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio , una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

Prompt: Describe the characteristics of the Mythological theme in The Bacchanal of the Andrians's History.Please output in Italian.


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Il giuramento del Grütli

Il giuramento del Grütli o Il giuramento dei tre confederati sul Rütli  è un dipinto dell'artista svizzero Johann Heinrich Füssli, realizzato tra il 1779 e il 1781. Commissionata dalla città di Zurigo, l'opera oggi è conservata nella sua Kunsthaus. Esistono inoltre diversi schizzi e studi preparatori conservati in vari musei del mondo.

Prompt: In The Oath on the Grütli, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

grande onda di Kanagawa può essere considerata l'immagine iconica della moderna contrapposizione tra forza della natura e fragilità dell'uomo: l'abilità di Hokusai in questa stampa risiede infatti nella raffigurazione della natura, rappresentata dall'onda gigante, che appare come una forza violenta pronta a inghiottire gli uomini, i quali a loro volta rappresentano la secolarità della vita che si contrappone all'indifferenza e alla religiosità del Monte Fuji.Attraverso la rappresentazione dell'onda in modo così drammatico l'autore intendeva, secondo alcune ipotesi, catturare il sentimento di disagio di una nazione costretta a vivere circondata dall'acqua, così come il primordiale terrore dell'uomo per il mare.  storica di arte giapponese Christine Guth e l'esperto di cultura giapponese Donald Keene sostengono che l'opera risenta dell'influenza del periodo storico in cui questa fu realizzata e suggeriscono che l'onda potrebbe rappresentare una sorta di barriera simbolica posta a protezione del Giappone, in un momento della storia in cui i giapponesi iniziavano a preoccuparsi delle possibili incursioni straniere , ma allo stesso tempo potrebbe simboleggiare il desiderio incombente degli stessi di viaggiare e spostarsi all'estero. Essa viene rappresentata come un'onda mostruosa e fantasmagorica, come uno scheletro bianco che minaccia i pescatori con i suoi "artigli" di spuma. Difatti se si esamina la parte sinistra della schiuma dell'onda essa evoca più una mano artigliata pronta ad afferrare i pescatori che non la schiuma di una normale onda. Questa visione fantastica dell'onda ricorda che Hokusai fu un maestro del genere fantastico giapponese, come dimostrato dai fantasmi disegnati nei suoi Hokusai manga. Tra il 1831 e il 1832 egli iniziò a trattare il tema del soprannaturale in modo più esplicito con la pubblicazione di .L'immagine ricorda molte altre opere dell'artista: la silhouette dell'onda evoca un drago gigante, drago che Hokusai era solito disegnare spesso, anche affiancato al Fuji. L'onda può essere considerata altresì come la rappresentazione spettrale della morte che, arroccata sopra i marinai condannati, allunga e ritrae le sue braccia come fa il polipo con i suoi tentacoli, un animale che compare sovente nei suoi manga e nelle sue opere erotiche.In quest'opera tuttavia la sacralità della montagna e la forza prorompente dell'onda possono essere poste sullo stesso piano: entrambe sono caratterizzate dall'uso dei colori bianco e blu, i quali sono simbolicamente legati alle forze elementali del fuoco e dell'acqua, in una trasposizione del potenziale delle eruzioni vulcaniche e dei conseguenti tsunami. Va altresì osservato che la forma del Fuji viene riproposta all'interno delle onde stesse.  ripetizione delle forme è ancora più evidente nella superficie dell'acqua, la quale presenta una fitta trama di piccoli riccioli. Questi, presenti in gran numero nella spuma della grande onda, generano altri riccioli che si ripresentano anche nelle onde più piccole, riprendendo l'immagine dell'onda madre, ricordano da vicino il simbolo dei principi yin e yang della concezione taoista del cosmo, con l'uomo impotente che lotta nel mezzo, ma è possibile osservare anche un'allusione al buddhismo  e allo shintoismo . Il concetto alla base di yin e yang viene usato anche per descrivere il contrasto tra la violenza dell'onda e la calma apparente dei pescatori davanti al pericolo. Inoltre, la curvilineità delle forme delle onde, del Fuji e anche delle barche trasmette all'osservatore una sensazione di fluidità e continuo movimento che accomuna l'intera immagine, alludendo alla fondamentale idea taoista del mutamento responsabile degli andamenti del mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the Expressions of the artist in The Great Wave off Kanagawa's Description.Please output in Italian.


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amore

Accanto all'aspetto più sano dell'amore, esistono numerose varianti legate a patologie particolari che possono condurre a stati di sofferenza e gravi crisi di depressione. Nel libro Pazzi d'amore, Frank Tallis riporta gli studi della psicologa Dorothy Tennov intorno al fenomeno della Limerence.  Limerence sarebbe lo stato ossessivo, l'idealizzazione irrazionale e l'intenso desiderio di essere ricambiati. Gli individui colpiti da Limerence sono costantemente attratti da partner sbagliati, soffrono amori non corrisposti e sono incapaci di imparare dalle loro esperienze. Ne deriva un senso di angoscia emotiva e un grave senso di inutilità che accompagna la persona nel corso della vita. Questo senso di inutilità può emergere anche in un'altra forma particolare d'amore, erroneamente scambiata per semplice infedeltà. In questo caso, il soggetto può anche essere felicemente corrisposto ma è incapace di provare vero affetto per il partner. Innamorato dell'amore, egli si limita ad amare la sensazione dell'innamoramento suscitata dal partner, evitando di entrare nella fase matura della relazione di coppia, ossia quella che dall'infatuazione iniziale si dovrebbe trasformare - col passare del tempo - in vero amore.  relazione è dunque destinata a esaurirsi prima che la stessa cominci ad assumere un autentico significato e la responsabilità di gestire una relazione duratura.<br />Altre forme patologiche d'amore possono essere date da fenomeni legati all'ambiguità dell'orientamento sessuale e dal forte desiderio di identificare il partner con le figure genitoriali. Entrambi questi casi hanno origine da evidenti disturbi infantili che influiscono costantemente sul carattere dell'individuo. Questo sarà dunque portato alla scelta di partner relativamente anziani in cui il fattore ideale prevale sul fattore sessuale. Un'altra, infatti, tra le forme patologiche dell'amore, risulta essere la frigidità, dove il soggetto - pur nutrendo impulsi sessuali normali e addirittura simulando atteggiamenti disinvolti - è incapace di trasferirli nella realtà fisica del rapporto sessuale.Coppia di cigni che forma un cuore al loro centro.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Disturbances pathology amorous and the Etymology.Please output in Italian.


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Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: Describe the characteristics of the Giovanni Chrysostom in Epifania's History.Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


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La grande onda di Kanagawa

montagna con la vetta innevata raffigurata nell'opera è il Fuji, che in Giappone è considerato alla stregua di un simbolo nazionale e rappresenta uno dei più importanti simboli religiosi del Paese. Il Fuji è un soggetto ricorrente nell'arte giapponese poiché da sempre associato alla bellezza, e occupa un ruolo centrale in molte rappresentazioni artistiche appartenenti allo stile , come nel caso della serie Trentasei vedute del Monte Fuji di Hokusai, di cui  grande onda di Kanagawa è l'opera più celebre.Il colore scuro attorno al Monte Fuji sembra indicare che la scena sia ambientata alle prime ore del mattino, con il sole che sorge da dietro l'osservatore, illuminando la cima innevata della montagna. Benché il cumulonembo sospeso tra l'osservatore e la montagna faccia presagire l'arrivo di una tempesta, non vi è alcuna traccia di pioggia né nella scena in primo piano né in prossimità del Fuji, che a sua volta è raffigurato completamente senza nuvole.

Prompt: In the context of The Great Wave off Kanagawa, explain the Themountain and the Description.Please output in Italian.

Giappone
Trentasei vedute del Monte Fuji


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Ruby, Gold and Malachite

Con "Oro, rubino e malachite" ci si riferisce ai toni rossi, gialli e verdi utilizzati nel lavoro; ma è anche eco di un saggio di John Addington Symonds e può far inoltre riferimento ai versi d'apertura della poesia di Algernon Swinburne intitolata "The Sundew" : "A little marsh-plant, yellow-green, / And pricked at lip with tender red". Viene qui descritto un appuntamento amoroso all'interno d'una palude, fatto che è testimoniato da una solitaria drosera; la stessa poesia era stata l'ispirazione anche per un'altra delle opere marine di Tuke, August Blue  del 1894, il cui titolo è una citazione presa dai versi di chiusura.

Prompt: In the context of Ruby, Gold and Malachite, explain the Title and the Description and style.Please output in Italian.

Algernon Swinburne
August Blue
John Addington Symonds


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Self-portrait (Giorgione)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna della Tenda

Madonna della SeggiolaMadonne di Raffaello

Prompt: Focus on Madonna della Tenda and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Madonna della Seggiola
Madonne di Raffaello


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Volta della Cappella Sistina

scopertura parziale del ciclo a metà consentì a Michelangelo di vedere il proprio lavoro dal basso, facendogli prendere la decisione di aumentare la scala delle figure, con scene meno affollate ma di maggiore effetto dal basso, ambientazioni più spoglie, gesti più eloquenti, meno piani di profondità.Tornato all'opera, l'energia e la "terribilità" delle figure viene estremamente accentuata, dalla poderosa grandiosità della Creazione di Adamo, ai moti turbinosi delle prime tre scene della Creazione, in cui Dio Padre appare come unico protagonista. Anche le figure dei Profeti e delle Sibille crescono gradualmente in proporzioni e in pathos psicologico all'avvicinarsi all'altare, fino al furor divinatorio dell'enorme Giona.Nell'insieme però le differenze stilistiche non si notano, grazie all'unificazione cromatica di tutto il ciclo, impostata a toni chiari e brillanti, come ha riscoperto l'ultimo restauro. È infatti soprattutto il colore a definire e modellare le forme, con effetti cangianti, diversi livelli di diluizione e con diversi gradi di finitezza , piuttosto che il ricorso alle tonalità scure d'ombra.

Prompt: Focus on Sistine Chapel ceiling and explain the Style.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: Focus on Presentation of Christ in the Temple (Fra Bartolomeo) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Mosaico di Zliten

Il mosaico fu scoperto nell'ottobre del 1913 tra le rovine di una villa romana in riva al mare, chiamata in seguito villa Dar Buk Ammera dal nome della zona in cui fu trovata. Dopo essere stato completamente dissotterrato e reso visibile dagli scavi condotti da Salvatore Aurigemma, dal 22 giugno al 18 agosto 1914, fu subito considerato un capolavoro dell'arte musiva, anche se aveva urgente bisogno di conservazione e restauro. Nel 1920 fu restaurato ed esposto nel museo archeologico di Tripoli. Nel 1952 venne spostato con il museo nella sua nuova sede dov'è in bella mostra vicino alla sala d'ingresso.

Prompt: How does Zliten mosaic explain its History?Please output in Italian.


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Gelosia

Si distingue una gelosia infantile , ad esempio la gelosia per il nuovo fratellino , e una gelosia adulta o "sessuale". Secondo Sigmund Freud il sentimento della gelosia non è rivolto solo alla persona che si teme di perdere, ma ad una terza persona, quella verso cui si sente rivalità.Esiste anche una gelosia che riguarda il passato sentimentale e sessuale del partner che prende il nome di gelosia retroattiva.

Prompt: Explain the Typical people involved about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Jealousy (Munch).Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: In Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza), how is the Liturgical celebration discussed?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Il giuramento degli Orazi

Lo schema geometrico e prospettico de Il giuramento degli Orazi è impostato su una serie di diagonali che, seguendo l'andamento delle fughe del pavimento, convergono nel centro del quadro, costituito dal pugno sinistro del vecchio padre, quello che regge le spade: gli sguardi dei quattro uomini, e anche dell'osservatore, sono guidati proprio verso quel punto. L'impianto delle diagonali forma inoltre numerosi triangoli, con il vertice corrispondente al pugno con le spade; questa figura geometrica è ripresa anche dalle solenni pose dei tre giovani e del padre.Molto studiato è anche il gioco di luci e ombre. Memore della lezione italiana di Caravaggio, David sceglie in quest'opera di lasciare lo sfondo in penombra, così da sottolineare la drammaticità del giuramento e, al contempo, dare particolare risalto all'azione che si sta svolgendo in primo piano. Quest'ultimo è inondato con omogeneità da una luce fredda, intensa, che mette in rilievo l'essenzialità degli spazi ed illumina i corpi dei personaggi, descrivendoli analiticamente. Si tratta di un netto rifiuto alla frivolezza del rococò, associato all'Ancien Régime, che invece era dominato da luci calde e accoglienti e da una gradazione tonale dei colori.David usa sapientemente le luci anche per sottolineare il contrasto tra il gruppo degli uomini e quello delle donne: «spezzate, contrastate e tormentate» quelle che illuminano gli uomini, più tenui e soffuse quelle che rischiarano le donne.  netta separazione dei due sessi è evidenziata anche dal codice grafico che consta di linee rigide e dritte per gli uomini, e di sinuose curve per le donne.L'apparato cromatico serve invece ad aumentare la tensione drammatica del giuramento: la tavolozza di David è composta prevalentemente da bruni e grigi che dominano la scena, e da alcune note squillanti costituite dai rossi, dagli azzurri, dai bianchi e dai gialli.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Oath of the Horatii.Please output in Italian.


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Ritratto di Bartolomeo Panciatichi

L'uomo ritratto è Bartolomeo Panciatichi uno scrittore e diplomatico fiorentino.

Prompt: In Portrait of Bartolomeo Panciatichi, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Pala Barbarigo

L'opera ha un evidente significato devozionale. Maria in trono col Bambino, "avvochata appresso el nostro summo chreator Iddio" , riceve la presentazione di Agostino Barbarigo inginocchiato da parte di san Marco, protettore di Venezia e quindi dei dogi. Dall'altra parte si trova Agostino di Ippona, omonimo e protettore del committente. A Maria alludono il paesaggio nello sfondo e la fortezza murata, simbolo di Verginità inespugnabile, che assomiglia a quella della Pala di Pesaro; all'espiazione e alla disgrazia del doge si riferirebbe l'albero stecchito, simbolo di morte e di colpa da espiare. Sul trono si vede lo stemma dei Barbarigo.Il dipinto presenta una serie di importanti novità che ne fanno un passaggio cruciale nella produzione di Bellini e nella pittura veneta in generale.  concezione spaziale quattrocentesca è abbandonata per la prima volta in favore di un rapporto più libero tra natura e sacra conversazione, rappresentato dalla semplice balaustra che divide e fonde al tempo stesso i personaggi in primo piano con lo sfondo. Vi si ritrova il motivo del drappo dietro la Vergine, che isola la sua figura facendola stagliare coloristicamente in tutta la sua maestosità ed iconica ieraticità divina. Il Bambino sta in piedi sulle sue ginocchia e benedice con dolcezza il doge, come se accogliesse la sua richiesta di perdono.Pignatti  fu il primo a mettere in evidenza come l'opera fosse uno dei primi esperimenti di pittura tonale del Bellini, accordata a un sentimento diverso da quello di Giorgione, mancando la tematica del lirismo profano.  data del 1488, identica a quella del Trittico belliniano nella sagrestia della Basilica dei Frari, è da intendersi probabilmente come quella della commissione ufficiale del paliotto dogale, pittura che fu conclusa effettivamente qualche anno dopo .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Barbarigo Altarpiece.Please output in Italian.


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Maja desnuda

Nel 1807 Godoy cadde in disgrazia presso il nuovo re Ferdinando VII che si appropriò della sua collezione di dipinti. Nel 1808 venne compilato un inventario della raccolta dal pittore Quilliet, agente di Giuseppe Bonaparte, che si espresse sui quadri con un giudizio simile a quello di Sepúlveda di alcuni anni prima.Il 16 marzo 1815 la Camera Segreta dell'Inquisizione ordinò: «... che si chiami a comparire davanti a questo tribunale il detto Goya perché le riconosca e dica se sono opera sua, con che motivo le fece, per incarico di chi e che fine si proponesse». Non siamo a conoscenza delle risposte che Goya dovette dare dinanzi al Tribunale dell'Inquisizione: sappiamo tuttavia che il pittore evitò una condanna grazie all'intercessione del cardinale Luigi Maria di Borbone-Spagna.  Desnuda, purtroppo, fu comunque sequestrata perché «oscena» e praticamente cancellata alla vista di chiunque fino all'inizio del XX secolo.Il quadro trovò collocazione presso la Real Academia de San Fernando, in una stanza riservata, ad accesso controllato, insieme ad altri nudi; pur uscendo allo scoperto la Desnuda continuò tuttavia a suscitare scandalo, a tal punto che - quando negli anni trenta le Poste spagnole le dedicarono un omaggio filatelico - i direttori delle poste americane rifiutavano di accettare la corrispondenza così affrancata perché offensivo della decenza. Dal 1910 l'opera è esposta presso il Museo del Prado di Madrid.

Prompt: In the context of La maja desnuda, explain the Thekidnapping and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Giuseppe Bonaparte
Inquisizione
Madrid
Museo del Prado
Spagna
XX secolo


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Focus on Annunciation (van Eyck, Washington) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Madonna delle Grazie

upright=1.6Madonna delle Grazie  è uno degli appellativi con cui la Chiesa cattolica venera Maria, la madre di Gesù, nel culto liturgico e nella pietà popolare.

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (Lorenzo di Credi) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: Explain the Music of this artwork, Last Judgement (Fra Bartolomeo).Please output in Italian.


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cappella Niccolina

cappella Niccolina è un ambiente affrescato nel palazzo Apostolico in Vaticano da Beato Angelico e aiuti , tra il 1447 e il 1448 circa. Si trova nella parte più antica del palazzo, nella torre di Innocenzo III, vicino alle Stanze di Raffaello, ed era la cappella privata degli appartamenti di Niccolò V.

Prompt: In Niccoline Chapel, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Crocifissione Gavari

predella della tavola è composta da due tavolette: San Girolamo resuscita tre morti, 23x41 cm, Lisbona, Museu Nacional de Arte Antiga Miracolo di san Girolamo, 23x41 cm, Raleigh, North Carolina Museum of Art prima delle due tavolette venne documentata per la prima volta dal Passavant a Roma nel 1845, che l'attribuì a Perugino. Gronau la collegò per la prima volta alla Crocifissione Gavari. seconda mostra san Girolamo nell'atto di trattenere il braccio del carnefice che sta per decapitare il vescovo Silvano; altrettanto miracolosamente cade nel frattempo la testa dell'eretico Sabiniano. L'opera si trovava già nella collezione Coork a Richmond.Le due tavolette mostrano una narrazione vivacissima, che ben si sposa con i ritmi accentuati della pala principale.</div>

Prompt: In the context of Mond Crucifixion, explain the Predella and the Description and style.Please output in Italian.

Crocifissione Gavari
Lisbona
Perugino
San Girolamo


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Madonna delle Grazie

Nel Comune di Casteltermini, la prima domenica di settembre culminano i festeggiamenti di Maria SS. della Grazia, al termine di un novenario di funzioni religiose, tra rosari e celebrazioni eucaristiche, che si svolgono nel piazzale antistante la chiesa seicentesca della "Madonna della Grazia", da cui prende il nome, appunto "Grazia", il quartiere circostante. Nella domenica della festa si svolgono due celebrazioni eucaristiche: quella diurna, durante la quale avviene, come da tradizione, la benedizione e distribuzione dei melograni locali; quella serale, al cui termine, accompagnata dalle marce della banda musicale, prende avvio la processione del simulacro di Maria SS. della Grazia, che percorrendo la cd. "sciata di santi" si snoda per le vie principali del paese per poi ritornare nuovamente nel quartiere di provenienza, il cui rientro in chiesa viene sancito da uno spettacolo pirotecnico.

Prompt: Explain the Casteltermini about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Cristo degli abissi

Historical Diving Society ItaliaCristo del Mare Cristo delle Vette Statua del Redentore Cristo degli Abissi

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Christ of the Abyss.Please output in Italian.

Cristo del Mare
Cristo delle Vette
Historical Diving Society Italia
Statua


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Stufetta del cardinal Bibbiena

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Heikki Malme, " stufetta del Cardinal Bibbiena e l'iconografia dei suoi affreschi principali". Quando gli dei si spogliano. Catalogo della mostra, Castel Sant'Angelo, Roma. 1984 AA.VV., Roma, Touring Editore, Milano 2008. ISBN 978-88-365-4134-8

Prompt: Focus on Stufetta del cardinal Bibbiena and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Pudicizia (Corradini)

Pudicizia, particolare. figura assume una posizione chiastica, avendo il peso del corpo sbilanciato maggiormente su un piede; tale posa garantisce sia un'accentuazione della fisionomia femminile, sia l'idea del movimento, evidenziato anche dal modo in cui il drappeggio cade sul suo corpo: gli artisti del XVIII secolo in Italia, infatti, erano particolarmente interessati alla rappresentazione del movimento, e anche Corradini lo era. Il volto della Pudicizia volge lo sguardo lontano da chi la osserva, e gli occhi sono protetti dal velo trasparente. Sebbene il corpo manifesti sensualità, il suo volto esprime sentimenti differenti. Il panneggio risulta al contempo pesante e trasparente: aderisce ai seni, esaltandone le forme; d'altro canto, le copre il pube, per far sì che la figura non sia esplicitamente lussuriosa. Quest'ultima, pertanto, è esposta, ma metaforicamente protetta dal velo. Il suo liscio corpo perfetto è sinuoso, come se fosse privo di ossa. Tutte queste caratteristiche lasciano credere alla rappresentazione di una creatura divina e non di una donna comune.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Modesty (Corradini sculpture).Please output in Italian.


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Trittico degli Uffizi

Circoncisione è la scena più raffinata del trittico, dove Mantegna ricrea appieno un interno classicheggiante, con una profusione di eleganti decorazioni che non si ritrova in nessuna altra sua opera di questo formato. Iconograficamente presenta una rara unione di due episodi, cioè la presentazione al Tempio e la circoncisione. L'atto del sacerdote rimanda infatti al secondo episodio, non frequentemente raffigurato nell'arte del tempo, mentre il resto della scena fa riferimento alla presentazione: vi compaiono infatti la profetessa Anna e san Giuseppe che porta in offerta due tortore, necessarie per il rito di purificazione di Maria, che avveniva, secondo il rito ebraico, dopo la nascita del primo figlio maschio.  contaminazione dei due episodi, che secondo i Vangeli avvennero rispettivamente otto e quaranta giorni dopo la nascita di Gesù, si trova unificata nel vangelo apocrifo dello Pseudo-Matteo, dove si cita una seconda circoncisione avvenuta in occasione del rito di purificazione della madre. Una copia manoscritta di tale testo è ricordata tra i libri della biblioteca dei Gonzaga nel 1407, e non è inverosimile che Mantegna potesse averla usata come fonte.Al centro della scena è collocato il vecchio sacerdote, curvo e canuto ma con un'espressione e una gestualità ferma e consapevole, che direziona lo sguardo dell'osservatore verso il Bambino tra le braccia della Vergine. Egli tiene in mano il coltellino rituale, preso da un vassoio con altri strumenti necessari al rito che gli viene offerto da un giovane inserviente di spalle, abbigliato con un'ampia tunica legata in vita e ai fianchi all'antica. A destra si trovano, oltre alla già citata Anna, l'anziana inserviente del tempio, una donna con un bambino per mano, che mangia una ciambella, che alcuni hanno voluto identificare con sant'Elisabetta e san Giovannino, anche se la mancanza delle aureole fa piuttosto pensare a figure di passaggio.{align=left }Straordinariamente sontuosa è la decorazione della stanza, con un'ornamentazione scultorea all'antica degna della sensibilità di un archeologo. Al centro, in asse con il gruppo principale di figure, campeggia una grande colonna in marmo screziato, che regge, con un capitello fantasiosamente ispirato all'ordine corinzio, due archi a tutto sesto, decorati da ghirlande che contengono medaglioni di scuro marmo serpentino, e nastri svolazzanti. Accanto alla colonna si ergono due paraste in porfido, decorate da elaborate candelabre dorate, che trovano riscontro nelle architetture in rovina del San Sebastiano di Vienna. Esse reggono due architravi nel medesimo materiale, decorate da festoni e conchiglie, sui quali poggiano due archi simili, che contengono due lunette con scene figurate in monocromo: si tratta del Sacrificio di Isacco e della Consegna delle tavole della Legge , due avvenimenti che prefigurano simboleggiano la fedeltà alla legge divina e che secondo la Legenda Aurea di Jacopo da Varagine alludono al rito della presentazione: non di rado si trovano riferimenti a Mosè nelle scene di presentazione al Tempio, come ad esempio , in quella di Ambrogio Lorenzetti del 1342. In alto lo spazio tra gli archi è occupato da un cherubino dorato. Sotto gli archi invece la decorazione è affidata a un paramento marmoreo bianco decorate da preziose specchiature marmoree: a sinistra si trova una mensola sopra un blocco scolpito a girali a bassorilievo; a destra si trova una fastosa porta, con ante decorate in maniera simile alle paraste e con l'architrave sormontata da bassorilievi di cornucopie e un vaso biansato con nastri annodati. Il pavimento è a scacchi marmorei, scorciati in prospettiva.Un termine ante-quem per questa tavola, individuato dal Longhi, è una  di Liberale da Verona datata 1473 dove viene riprodotta l'architettura del tempio. Un recente restauro ha eliminato alcune ridipinture sulla tavola ed ha evidenziato ulteriormente il divario stilistico tra questa opera e gli altri due pannelli del trittico.Esiste un disegno della Vergine col Bambino nella Hamburger Kunsthalle che è considerato uno studio autografo per la stesura finale del dipinto, oppure un lavoro derivato da un copista .

Prompt: Explain the Circumcision about the Description and style of this artwork, Adoration of the Magi (Mantegna).Please output in Italian.

1342
1407
1473
Ambrogio Lorenzetti
Gonzaga
Hamburger Kunsthalle
Legenda Aurea
Liberale da Verona
Mosè
Sacrificio di Isacco
Vienna


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

Prompt: How does Divine Love Conquering Earthly Love (Baglione) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Hypnerotomachia Poliphili
Opere di Tiziano
Hypnerotomachia Poliphili


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Augusto di Prima Porta

LAugusto di Prima Porta, nota anche come Augusto loricato , è una statua romana che ritrae l'imperatore Augusto. Alta 2,04 metri, è realizzata in marmo bianco ed è conservata nei Musei Vaticani, a Roma . Fu ritrovata il 20 aprile 1863 nella villa di Livia, l'abitazione di Livia Drusilla, moglie di Augusto, a Prima Porta.

Prompt: Focus on Augustus of Prima Porta and explain the Abstract.Please output in Italian.

Augusto
Livia Drusilla
Musei Vaticani
Prima Porta
Roma


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Cloud Gate

Ubicato tra il lago Michigan ad est e il "Chicago Loop" ad ovest, il Grant Park è stato dal diciannovesimo secolo il giardino di Chicago. È racchiuso tra la Monroe Street , Michigan Avenue , Randolph Street  e Columbus Drive . Nel 2007, il parco è stata l'attrazione più visitata di Chicago dopo il "Navy Pier".Nel 1999 i funzionari del Millennium Park ed un gruppo di collezionisti d'arte, curatori ed architetti analizzarono le opere artistiche di 30 differenti artisti e chiesero due proposte. L'artista americano Jeff Koons propose di erigere una scultura permanente di uno scivolo alto 46 metri;  commissione scelse invece la seconda proposta, fatta da parte di Anish Kapoor, artista internazionalmente apprezzato. Con le misure 10 m x 20 m x 13 m e con il peso di quasi 100 tonnellate, la proposta era rappresentata da una superficie liscia e senza saldature, fatta di acciaio inossidabile ispirata al mercurio liquido. Questa superficie, molto simile ad uno specchio, avrebbe riflettuto lo skyline di Chicago, ma la sua forma ellittica avrebbe distorto e piegato l'immagine riflessa. Quando i visitatori camminano intorno alla struttura, la sua superficie si comporta come uno specchio curvato e quindi distorce la loro immagine riflessa.Sulla parte inferiore della scultura, si trova l'omphalos, una dentellatura la cui superficie a specchio crea molteplici riflessi di qualsiasi soggetto si trovi al di sotto di esso. L'apice dell'omphalos è a 8,2 metri dal terreno e la forma concava del Cloud Gate permette ai visitatori di camminare al di sotto di esso per vedere l'increspatura; durante la prima esposizione nel luglio 2004, la stampa descrisse l'omphalos come un "ventre dalla forma di cucchiaio".  scultura di acciaio inossidabile fu originariamente prevista come centro del "Lurie Garden", situato nella parte sud-est del parco, ma i funzionari del parco credevano che la scultura fosse troppo grande per quel posto e decisero di sistemarla nella "AT&T Plaza", nonostante le obiezioni di Kapoor. I grattacieli a nord lungo Randolph Street, inclusi "The Heritage", il "Smurfit-Stone Building", il "Two Prudential Plaza", il "One Prudential Plaza" e lo "Aon Center" sono visibili riflessi su entrambe le facce est ed ovest della scultura.leftSebbene Kapoor non disegni con l'ausilio del computer, il modellamento computerizzato fu essenziale per il processo di analisi delle complesse forme della scultura che crearono non pochi problemi.In particolare, crebbero le preoccupazioni che, stando all'esterno, la struttura avrebbe sofferto degli sbalzi termici stagionali, diventando d'estate rovente per il troppo calore e d'inverno così fredda che la lingua di qualcuno avrebbe potuto appiccicarvisi. Inoltre, si temeva che le importanti escursioni termiche avrebbero potuto indebolire la struttura. Altri potenziali problemi erano rappresentati dai graffiti, gli escrementi di uccelli e le impronte lasciate dalle persone, che avrebbero potuto intaccare l'estetica della superficie. Il problema più pressante era però l'esigenza di creare un'unica lamina esterna senza saldature per l'involucro esterno, una caratteristica che Norman Foster non credeva fosse facilmente realizzabile.Mentre la scultura veniva costruita, è stata soprannominata dalla gente e dai media "The Bean"  a causa della sua forma di legume, un nome che lo stesso Kapoor definì "completamente stupido". Mesi dopo, Kapoor intitolò ufficialmente la scultura Cloud Gate. Tre quarti della superficie esterna della scultura riflette il cielo ed il nome si riferisce ad essa come se fosse un tipo di passaggio che serve da ponte collegando lo spazio tra cielo e l'osservatore. A volte, viene fatto riferimento alla scultura ed alla piazza unitamente come il Cloud Gate sulla AT&T Plaza. È la prima opera pubblica all'aperto di Kapoor negli Stati Uniti, ed è, secondo il "Financial Times", il lavoro grazie al quale è più conosciuto nel paese.

Prompt: Explain the Design of this artwork, Cloud Gate.Please output in Italian.


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Vocazione dei primi apostoli

Il gruppo di destra è quello meglio riuscito, nonché quello in cui si sono riconosciuti il maggior numero di personaggi. Si tratta di una straordinaria foto di gruppo della comunità fiorentina a Roma che accolse probabilmente gli artisti e che trovarono in Ghirlandaio la disponibilità a farsi ritrarre negli abiti ricchi del loro prestigio sociale, derivato dalle attività finanziarie e mercantili che essi svolgevano nella città papale attraverso le numerose filiali delle imprese della madrepatria. Alcuni di essi furono di nuovo committenti dell'artista in opere successive a Firenze, come quelli della famiglia Tornabuoni. Tra gli uomini spicca la figura in primo piano, con l'elegante abito rosso, una sciarpa rigata allora in voga calata sulla schiena, e la berretta dello stesso colore, che dovrebbe essere Gianfrancesco Tornabuoni, presente anche negli affreschi della Cappella Tornabuoni. Dietro di lui si trova un bel giovane di profilo e, a sinistra, un uomo in nero che dovrebbe essere, sempre dal confronto con gli affreschi successivi in Santa Maria Novella, Giovanni Tornabuoni, responsabile del Banco Medici a Roma e delle sue lucrose attività con l'erario papale, così esperto nelle attività finanziarie da diventare tesoriere di Sisto IV; la sua età matura è testimoniata dai capelli grigi e dalle prime rughe dell'età. Egli era fratello di Lucrezia Tornabuoni, madre di Lorenzo il Magnifico, che proprio in quella comunità romana soggiornò, ospitata dal fratello, per trovare una sposa adatta al figlio, quella Clarice Orsini che portò i primi legami di nobiltà in casa Medici. Alcuni indicano Giovanni invece nell'uomo dallo sguardo triste, terzo in prima fila, con una mantella rossa e un cappello bombato, ma forse si tratta più probabilmente di suo fratello Francesco.Il successivo giovane dal profilo affilato, illuminato da una luce chiarissima, dovrebbe essere Giovanni Antonio Vespucci. Nella fila successiva, quella più vicina agli apostoli, si vede un uomo in primo piano dalla postura fiera, avvolto in un manto violaceo e con il viso di profilo incorniciato da un caschetto grigio: non è chiaro chi sia, se il fiorentino Francesco Soderini o il romano Raimondo Orsini. Accanto a lui si trova un anziano con una corta barba bianca, le borse agli occhi e un curioso cappello rigido, quasi prelatizio: si tratta di Giovanni Argiropulo, esule costantinopolitano dopo la presa del 1453, che tenne la cattedra di greco allo Studio fiorentino per quindici anni, protetto dai Medici. Il fanciullo davanti a lui, che guarda verso lo spettatore, potrebbe essere Lorenzo Tornabuoni, sfortunato figlio di Giovanni che vide, dopo la morte del padre, il tracollo finanziario della famiglia e la morte della giovane moglie. Un po' più avanti, di profilo, si trova poi un altro Tornabuoni, Cecco, morto a Roma nel 1482 e sepolto in un'elegante tomba di Mino da Fiesole in Santa Maria sopra Minerva.

Prompt: In the context of Vocation of the Apostles, explain the Right-wing group and the Description.Please output in Italian.

1482
Cappella Tornabuoni
Clarice Orsini
Firenze
Giovanni Argiropulo
Giovanni Tornabuoni
Lorenzo Tornabuoni
Lucrezia Tornabuoni
Medici
Mino da Fiesole
Orsini
Tornabuoni
Vespucci


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Composizione VII

Kandinskij  iniziò a lavorare al centro della parte sinistra della tela, facendo partire da questo nucleo colori contrastanti, forme e linee sezionate e alternando dense pennellate a leggere sfumature. In alcune zone delle linee brevi si accumulano a formare tratteggi ed in altre zone si dispongono parallelamente o si incrociano a formare piccole griglie. Tutti gli elementi della composizione sono distribuiti in modo da creare zone di diversa densità.

Prompt: Focus on Composition VII and explain the Description.Please output in Italian.


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: In the context of Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), explain the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome and the Iconography.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh