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amore

Per il Cristianesimo l'amore è il punto focale,  Nel cristianesimo l'amore di Dio è la somma benevolenza del Signore verso le creature terrene. Secondo quanto riportato dalla Prima lettera di Giovanni , Dio stesso è Amore. L'Amore di Dio, secondo il Cristianesimo, è in particolare Amore Misericordioso.Per i cristiani ogni gesto di Dio , è compiuto per amore. S.Paolo nella Lettera agli Efesini  afferma che Dio "per il grande amore, con il quale ci ha amati, ci ha fatto rivivere in Cristo". Per il credente, l'evento centrale del Cristianesimo, cioè la morte e resurrezione di Gesù, è proprio una prova dell'amore di Dio.Nella versione della Sacra Bibbia della CEI, Conferenza Episcopale Italiana, al posto della parola amore viene posta la parola carità.I cristiani credono che amare Dio con tutto l cuore, la forza e la mente e amare il prossimo come sé stessi siano due degli aspetti più importanti nella vita, quelli che le danno senso  e dai quali deriva ogni altra norma morale. Questo è scritto nel Vangelo di Marco . Sant'Agostino ha riassunto ciò nell'espressione "Ama Dio e fa' ciò che vuoi". Per Agostino:L'amore venne definito da Dio una delle più importanti caratteristiche per poter vivere. Scrive Paolo, nella Prima lettera ai Corinzi:  Con queste parole sembra aver glorificato l'amore come la più importante tra tutte le virtù.Giovanni evangelista scrisse: "Dio ha tanto amato il mondo da dare il suo Figlio unigenito, perché chiunque crede in lui non perisca, ma abbia vita eterna. Infatti Dio non ha mandato il Figlio nel mondo per condannare il mondo, ma per salvare il mondo per mezzo di lui."  Scrisse anche, "Cari amici, amiamoci gli uni gli altri per l'amore che viene da Dio. Chiunque ama è generato da Dio e conosce Dio. Chi non ama non ha conosciuto Dio, perché Dio è amore " Per il cristiano, l'amare Dio implica quello che nel catechismo viene chiamata "l'obbedienza della fede" ovvero "obbedire  nella fede è sottomettersi liberamente alla parola ascoltata, perché la sua verità è garantita da Dio, il quale è la verità stessa". Con la sua rivelazione, "Dio invisibile nel suo immenso amore parla agli uomini come ad amici e si intrattiene con essi per invitarli ed ammetterli alla comunione con sé".  risposta adeguata a questo invito è la fede. Con la fede l'uomo sottomette pienamente a Dio la propria intelligenza e la propria volontà. Con tutto il suo essere l'uomo dà il proprio assenso a Dio rivelatoreMolti teologi cristiani ritengono che l'amore degli uomini per le altre creature  sia derivato direttamente da quello di Dio e che da esso derivi inoltre l'amore per tutto il creato.Secondo il Vangelo di Giovanni gli uomini amano il prossimo in Dio e Dio nel prossimo. In ogni essere umano c'è la presenza viva di Dio  che spinge chi Lo ama ad amare inevitabilmente ogni uomo. Nel Vangelo di Matteo , Gesù, il Figlio di Dio fatto uomo, afferma che tutto ciò che è stato fatto o che non è stato fatto a un fratello più "piccolo"  è stato o non è stato fatto a lui. Gesù afferma anche che l'impulso l'amore del prossimo debbono essere universali, senza discriminazioni tra persone buone e cattive , pur nella difficoltà che ciò può richiedere .Agostino d'Ippona dice che si deve essere in grado di decifrare la differenza tra amore e lussuria e prosegue affermando "ero innamorato dell'amore". Nelle Confessioni afferma che l'unico che può amare veramente e pienamente è Dio, perché l'amore con un essere umano permette solo di sviluppare difetti quali "la gelosia, il sospetto, la paura, la rabbia, e la contesa; invece amare Dio è invece raggiungere la pace.Per Tommaso d'Aquino l'amore è dono, gratuità e fedeltà.Secondo papa Benedetto XVI, nella sua prima Enciclica , interamente dedicata all'amore cristiano, l'amore cristiano è per i cattolici unione di eros e agape, cioè di passione e sentimento , diretto verso Dio e verso i fratelli. Eros senza agape sarebbe puro istinto sessuale, agape senza eros toglierebbe alla carità quella spinta impulsiva di carità verso gli altri.Comunque nella religione cristiana, l'amore ha una grande importanza, in quanto è anche il fondamento di uno dei sette sacramenti: il matrimonio; a tal proposito Gesù, commentando i testi della Genesi relativi all'unione fra un uomo e una donna, disse anche:"Quello dunque che Dio ha unito, l'uomo non separi" , riferendosi all'adulterio e al divorzio, che costituiscono un ripudio dell'amore e della persona amata .L'amore cristiano si manifesta intensamente nel perdono dei torti e dei peccati, e per questo si parla in particolare di Amore Misericordioso: Dio dona gratuitamente il perdono dei peccati all'uomo che vuole pentirsi dei propri errori e con Lui si riconcilia; l'uomo, a sua volta, perdona di cuore i propri fratelli  ogni volta che subisce un torto, qualunque sia la sua gravità o la sua frequenza  .Esemplare è infine la parabola del buon Samaritano .Patrono degli innamorati per i cristiani è san Valentino e il 14 febbraio viene festeggiata questa ricorrenza

Prompt: Explain the Christianity about the Religion of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Agostino d'Ippona
Confessioni
Cristianesimo
Enciclica
Eros
Gesù
Lettera agli Efesini
Patrono
Prima lettera ai Corinzi
Prima lettera di Giovanni
Tommaso d'Aquino


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Morte di Cleopatra

Il suicidio di Cleopatra venne rappresentato spesso in epoca medioevale e rinascimentale. Nel 1409, il miniaturista noto come maestro di Boucicaut realizzò una , tratta dall'opera De casibus virorum illustrium di Giovanni Boccaccio, raffigurante i cadaveri di Cleopatra Tea Filopatore e di Marco Antonio nella loro tomba: avvolto al braccio di Cleopatra c'è un serpente, mentre il petto di Antonio è trafitto da un pugnale. Anche se questa  non raffigura l'esatto momento della morte della regina, la presenza del serpente lascia intendere che ella si sia fatta mordere dal rettile. Un'altra illustrazione del De casibus virorum illustrium raffigura Cleopatra che si fa mordere entrambi i seni da due serpenti. Il poeta inglese Geoffrey Chaucer, che al contrario del Boccaccio vedeva Cleopatra in una luce migliore e meno misogina, descrisse un pozzo di serpenti al posto dell'aspide nella sua opera  leggenda delle donne eccellenti.sinistraUn'incisione di Le raffigurazioni della morte di Cleopatra dovuta al morso dell'aspide furono molto frequenti durante il Rinascimento italiano. L'artista veneziano Giovanni Maria Padovano scolpì due statue raffiguranti il suicidio di Antonio e Cleopatra, oltre a varie sculture di quest'ultima che veniva morsa dall'aspide, basate su delle opere antiche simili alla Venere esquilina: questa statua venne ritrovata nel 1874 e si pensa che possa ritrarre proprio la regina d'Egitto. Un'incisione di Agostino Veneziano da un disegno di Raffaello ritraente la regina morente sdraiata è ispirata allArianna dormiente, una scultura greco-romana che all'epoca si riteneva ritraesse Cleopatra VII. Anche alcune opere del Rinascimento francese raffigurano la donna che si addormenta mentre il serpente le morde il seno.Michelangelo è autore di un disegno a carboncino del 1535 circa che raffigura Cleopatra e l'aspide, quest'ultimo molto più grande del normale; al contrario, l'artista barocco Guido Reni, che realizzò più dipinti su questo tema artistico, dipinse il rettile di dimensioni più piccole rispetto a un vero cobra egiziano. Altri celebri quadri che raffigurano gli ultimi istanti di vita della sovrana sono la Morte di Cleopatra di Rosso Fiorentino e la Morte di Cleopatra di Guido Cagnacci, del quale esistono due versioni. scultura dellArianna dormiente allora identificata con Cleopatra, acquistata dal pontefice Giulio II nel 1512, ispirò una poesia di Baldassarre Castiglione, scritta in lingua latina, sulla morte della regina del Nilo. Anche Bernardino Baldi e Agostino Favoriti realizzarono delle poesie ispirandosi a quella statua. morte di Cleopatra costituì un elemento presente anche nel teatro. Nell'opera teatrale The Devil's Charter di Barnabe Barnes, composta nel 1607, un addestratore di serpenti porta alla sovrana due aspidi affinché questi le mordano entrambi i seni in maniera salace. Nella tragedia Antonio e Cleopatra di William Shakespeare, messa in scena nel 1609, la serpe rappresenta sia il decesso, sia un amante desiderato dalla moritura, che si arrende al morso del rettile. Per costruire questa scena della tragedia, il bardo dell'Avon si ispirò alla traduzione del 1579 di Thomas North del testo plutarcheo. Nell'opera teatrale anche il personaggio dell'ancella Carmione  si suicida facendosi mordere dalla serpe.

Prompt: In Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), how is the Middle Ages, Renaissance, Baroque period of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Agostino Favoriti
Agostino Veneziano
Arianna dormiente
Baldassarre Castiglione
Barnabe Barnes
Bernardino Baldi
Carmione
Cleopatra
De casibus virorum illustrium
Geoffrey Chaucer
Giovanni Boccaccio
Guido Cagnacci
Guido Reni
Marco Antonio
Ra
Rinascimento francese
Rinascimento italiano
Rosso Fiorentino
The Devil's Charter
Thomas North
Venere esquilina
William Shakespeare


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Madonna Sistina

Durante la seconda guerra mondiale il dipinto, insieme a 427 altre opere del museo, e poi dal 15 dicembre 1943 in un tunnel ferroviario nella campagna nei pressi di Pirna, circa 20 km a sud-est di Dresda.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the From the 20th century and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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La casa gialla

casa gialla è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato al Van Gogh Museum di Amsterdam.

Prompt: Focus on The Yellow House and explain the Abstract.Please output in Italian.

Amsterdam
Van Gogh Museum
Vincent van Gogh


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Gioiello di Vicenza

Vittoria Camelliti, In the Hands of God: City-Model Offerings In Renaissance Italy, in S. Cardarelli e L. Fenelli , Saints, Miracles and the Image Healing Saints and Miraculous Images in the Renaissance, Brepols, 2018, ISBN 978-2-503-56818-8. Emilio Franzina e Neri Pozza, Vicenza. Storia di una città , Vicenza, Neri Pozza Edizioni, 1980, ISBN 88-7305-333-5.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Jewel of Vicenza.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

L'impalcatura doveva coprire solo metà della cappella, quindi quando il lavoro nella parte iniziale fu terminato occorreva smontarla e ricostruirla nell'altra metà. E in tale occasione si procedette a una prima osservazione del risultato, quindi relativa alle ultime storie della Genesi in ordine di lettura, quelle con le tre storie di Noè. L'agosto del 1510 segnava inoltre un periodo di ristrettezze economiche per le casse papali, vessate dalla campagna militare del papa contro i Francesi: a settembre Michelangelo scriveva al padre come il papa è lontano e non ha lasciato ordine a nessuno né di pagarlo per la metà fatta, né di dargli l'anticipo per la seconda parte.

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the Partial discovery of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Marta e Maria Maddalena

Venne dipinta nel periodo in cui Caravaggio viveva nel palazzo del suo protettore, il Cardinale Francesco Maria Del Monte.  modella che posò per la figura di Marta è stata identificata in Anna Bianchini mentre la figura di Maddalena venne interpretata da Fillide Melandroni, frequentatrice di Palazzo Del Monte e probabile amante di Caravaggio. L'artista la ritrae  infatti in numerosi dipinti, dal Ritratto di cortigiana, eseguito per l'amante della giovane, il banchiere Vincenzo Giustiniani, alla Santa Caterina d'Alessandria di Madrid. Più recenti studi riconoscono invece nella figura di Maria Maddalena la cortigiana romana Maddalena Antognetti

Prompt: In Martha and Mary Magdalene (Caravaggio), how is the History discussed?Please output in Italian.

Caravaggio
Fillide Melandroni
Maddalena Antognetti
Madrid
Maria Maddalena


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Madonna di Darmstadt

Il rosario è strettamente legato al credo della famiglia Meyer ed alla figura di Maria. Il colore rosso del rosario che Anna Meyer tiene tra le mani, corrisponde al colore della cintura della Madonna e crea così una connessione tra preghiera e passione, costituendo il cosiddetto "rosario doloroso". Sotto le mani di Anna Meyer ci sono le tre perle individuali che collegano la corona reale con la croce su cui inizia la preghiera del rosario. Anna Meyer tiene quindi in mano la croce, lasciando così che il dipinto catturi in pieno il suo credo. Secondo la leggenda, fu Maria stessa ad insegnare a San Domenico la preghiera del rosario. Lutero attaccò acutamente l'uso dei rosari: "I rosari e i loro frutti sono fraintesi da molti che li usano". È possibile che il rosario rosso fosse realizzato in corallo rosso, nella variante considerata protettiva contro gli spiriti e le malattie.Anche la madre di Anna Dorothea Kannengießer tiene un rosario colorato, seppur contenuto. Se Magdalena Bär abbia o meno tra le mani questo non è dato a sapere, ma la postura della mano sembrerebbe indicarlo. Come mezzo di fede, i rosari combinano il credo personale, in particolare la devozione mariana delle donne raffigurate, con il simbolismo del dipinto.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Rosary and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Fiumefreddo di Sicilia, nella città metropolitana di Catania, la prima domenica di Luglio si festeggia la Madonna delle Grazie.  festa ha luogo nella chiesa del quartiere Ponte Borea. Le celebrazioni incominciano il 2 luglio a cui segue un triduo di preparazione partecipato da tanti devoti.  domenica successiva al 2 luglio vengono celebrate due S. Messe; la prima alle 10 del mattino, l'altra alle ore 18:30.Dopo la statua lignea della Madonna esce dalla chiesa accolta da tantissimi devoti e ha inizio la processione, che si conclude con il rientro in chiesa intorno alle 21:30. Per l'occasione le strade del quartiere sono abbellite da luci e bandiere.

Prompt: Describe the characteristics of the Fiumefreddo di Sicilia Borea in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

2 luglio
Catania
Fiumefreddo di Sicilia
Luglio


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Ritratto di Paolo III con i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese

Guida al Museo Nazionale di Capodimonte, Editrice Electa, 2006.

Prompt: Focus on Pope Paul III and His Grandsons and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Sera

sera  è una parte del giorno corrispondente all'ultimo quarto dell'ideale partizione delle 24 ore giornaliere. È la parte di giorno che intercorre tra il tramonto e la mezzanotte.Culturalmente, vi sono diverse interpretazioni sull'inizio e la fine della sera. In lingua inglese si segue il fenomeno naturale, indicando la sera come il periodo in cui la luce diurna diminuisce, collocata quindi tra il tardo pomeriggio, e il tramonto del sole, cui segue la notte.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Evening (painting).Please output in Italian.


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Autoritratto all'età di 63 anni

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: How does Self-Portrait at the Age of 63 explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Il piccolo Gesù Bambino volta quasi le spalle allo spettatore e tende il braccio sinistro quasi in modo difensivo. Il palmo verso il basso rafforza questa impressione. Forse esso ritrae l'opposizione del Bambino al fatto che Maria distolga da lui l'attenzione, come auspicato dai riformati protestanti, che consideravano Maria semplicemente come madre fisica di Gesù, ma non più come parte del progetto salvifico di Dio.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Baby Jesus and the Style.Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

terza tavola rappresenta il Paradiso terrestre, nel quale uomini e donne sono accompagnati da angeli verso una foresta, oltre la quale è visibile una collina dove si trova la fontana della giovinezza, che si staglia in alto, secondo una prospettiva da sogno, sullo sfondo di un lontanissimo paesaggio che sfuma in profondità. A destra, nella boscaglia, si vede un leone che sta divorandone un altro e che, secondo Charles de Tolnay, simboleggia un anticipo della corruzione che interromperà la perfetta esistenza nel paradiso terrestre.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Terrestrial paradise and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

Giovanni Evangelista è rappresentato abbastanza semplicemente, mentre avvolto da un manto rosato sta seduto con il libro sulle ginocchia ed annota le rivelazioni che gli fa un cherubino su una rupe , indicando in cielo la Vergine col Bambino, apparsa nel disco solare tra le nubi, seduto sulla mezzaluna. In terra si vedono il calamaio del santo, vicino a un falco che sembra vigilarlo, mentre un essere dal corpo di grillo, con la testa umana occhialuta, corpo panciuto, ali di cicala e coda da salamandra, sembra pronto a rubarlo con un rastrello.Il calmo paesaggio sullo sfondo è in realtà punteggiato da eventi tragici, come il naufragio di una nave in fiamme.  città sullo sfondo, con un'alta torre di cattedrale e un voluminoso edificio cilindrico, è forse Nimega. L'esile albero sulla destra conduce l'occhio dello spettatore verso lo sfondo, stagliandosi contro il cielo azzurrino.

Prompt: Explain the Front. about the History of this artwork, St. John the Evangelist on Patmos.Please output in Italian.


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Pala Martinengo

Pala Martinengo è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, databile al 1513-1516 e conservato nella chiesa dei Santi Bartolomeo e Stefano a Bergamo. L'opera è firmata e datata "urentius / Lotus / M.D.XVI".

Prompt: Focus on Martinengo Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: Explain the Expressions of love about the Etymology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Madonna delle Grazie

Il paese Le Grazie prende il nome da colei che è la prima cittadina: la Madonna. Questa pagina è l'espressione della riconoscenza più viva del dono della fede e dell'amore che il Signore ci offre ogni giorno attraverso l'intercessione della Madonna delle Grazie.;Arte e storia del Santuario[...]"Nel 1432 il papa Eugenio IV concesse alla Congregazione di Monte Oliveto, presente in Liguria dal 1388, l'abbazia benedettina del Tino, priva ormai di monaci; nella stessa occasione agli olivetani fu assegnato un heremitorium cum eius ecclesia sine cura posto nel territorio di Portovenere ed intitolato alla Vergine delle Grazie"[...].; storia data 1424 che assieme alla firma ANDREAS DE ASTE si legge nel bordo inferiore della Madonna col Bambino di Quarto, sita nel Santuario della Madonna della castagna a Quarto , non può costituire un "utile punto di riferimento", almeno fino a quando non sarà stato provato che la scritta in questione, palesemente non originale, è tuttavia veridica. Il che, del resto, è verosimile se non altro perché alla mano dello stesso pittore si può oggi attribuire con certezza un dipinto per il quale esiste un ante quem sicuro.Ci riferiamo proprio alla tavola della Madonna delle Grazie, di cui è ragionevole ipotizzare, per le ragioni esposte nell'introduzione, la presenza nella piccola ecclesia sine cura menzionata nella bolla papale del 1432.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Le Grazie, Portovenere - La Spezia and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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La Mousmé seduta

Nel 1888 van Gogh si era trasferito ad Arles, nel Meridione francese, alla ricerca di una realtà cromaticamente più ricca, coerente con la sua ardente passione per il Giappone e la sua arte: «Non ho più bisogno di stampe giapponesi» scrisse Vincent alla sorella, una volta giunto in Provenza «infatti mi dico sempre che qui sono in Giappone. Che mi basta aprire gli occhi e dipingere quello che ho davanti e che dà delle impressioni». Sotto il cielo del Sud van Gogh, preso da un vigorosissimo slancio, dipinse circa cento disegni e più di duecento quadri: di particolare interesse è proprio  Mousmè seduta, olio su tela eseguito nel luglio del 1888. Ce ne parla lo stesso Vincent in una lettera del 29 luglio 1888 indirizzata al fratello Théo:</ref>}}Lo spunto realizzativo di quest'opera, dunque, è prettamente letterario e proviene dal racconto Madame Chrysanthème di Pierre Loti, particolarmente apprezzato da Vincent per le sue suggestive, anche se spesso imprecise, descrizioni del Giappone.  mousmè qui è ripresa di tre quarti e veste una giubba a righe verticali blu e rosse, oltre che una vaporosa gonna a pois. In mano regge un ramo di oleandro, arbusto associato da Vincent all'amore, alla regione del Midi e, con tutta probabilità, anche alla verginità della ragazza, coerente con l'innocente semplicità della vita giapponese.  ricchezza cromatica degli abiti della mousmè viene controbilanciata dallo sfondo, monumentale e monocromo, tinto di un verde pallido: l'effetto che ne deriva è quello di un'esaltata luminosità, resa particolarmente vibrante da Vincent grazie a un opportuno dosaggio dei colori complementari . Significativa anche la presenza del rosa dell'incarnato, visibile sul volto della mousmè e nelle sue mani affusolate, e il marrone ligneo della sedia, che con le sue forme curvilinee amplia la spazialità del dipinto, chiudendo uno spazio a destra che sarebbe altrimenti rimasto vuoto.

Prompt: In La Mousmé, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Incendio di Borgo

DettaglioDettaglioDettaglioLIncendio di Borgo è un affresco  di Raffaello e aiuti, databile al 1514 e situato nella Stanza dell'Incendio di Borgo, una delle Stanze Vaticane.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Fire in the Borgo.Please output in Italian.


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Pala di Brera

L'opera ebbe un ruolo nodale nello sviluppo della cultura figurativa italiana, a partire dall'influenza su artisti come Giovanni Bellini e Antonello da Messina. Il ricordo dello spazio profondo e definito prospetticamente, su cui indugia una luce immobile, fu senz'altro importante per un artista urbinate quale Bramante.

Prompt: Focus on Brera Madonna and explain the Heritage.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Bramante
Giovanni Bellini


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Incubo

Anche i demoni stregoni della mitologia iraniana conosciuti come Divs sono associati alla capacità di affliggere le loro vittime con incubi. Si pensava che la presenza maligna mare del folklore germanico e slavo cavalcasse sul petto delle persone mentre dormivano, causando incubi.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the History/folklore.Please output in Italian.


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Northeaster

Northeaster si trovava alla M. Knoedler and Company di New York nel 1895 e nel 1895–96 con Thomas B. Clarke, sempre a New York. Successivamente tornò da Homer nel Maine. Nel 1900 tornò nuovamente da  Knoedler. Dal 1901 al 1910 fu ottenuto da George A. Hearn, sempre a New York, il quale lo donò al Metropolitan Museum.

Prompt: Explain the Placement about the Description of this artwork, Northeaster (painting).Please output in Italian.


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Napoleone Bonaparte come Marte pacificatore

All'inizio dell'Ottocento Antonio Canova poteva essere considerato lo scultore più celebre in assoluto di tutto il panorama artistico europeo. Già lodato per capolavori come Amore e Psiche, le grandi tombe monumentali di Clemente XIV e Clemente XIII e la Maddalena penitente, l'artista italiano non passò inosservato a Napoleone Bonaparte, divenuto ormai primo console della Repubblica Francese. Canova venne convocato a Parigi nel settembre del 1802: Napoleone richiedeva un ritratto di sua mano. Nonostante le tensioni politiche tra Francia e Stato Pontificio, Canova accettò l'invito e alla fine di settembre giunse a Parigi dove in cinque sedute di posa modellò il bozzetto in argilla del busto di Napoleone. Fu proprio in questa circostanza che il primo console commissionò ad Antonio Canova una statua colossale che celebrasse la sua figura. Rientrato a Roma nel 1803, lo scultore trasse il gesso del ritratto eseguito a Saint-Cloud  e si mise al lavoro progettando la grande statua in marmo bianco di Carrara realizzando prima una serie di bozzetti preliminari e poi uno studio del ritratto, modellato dal vero in occasione della visita a Parigi, che avrà un successo incredibile, venendo replicato più volte e diventando così una delle più famose effigi di Bonaparte. L'originale  è da identificare probabilmente nel busto marmoreo conservato ora nella collezione del duca di Devonshire a Chatsworth. Dopo l'ultimazione del modello in gesso definitivo, Canova iniziò a lavorare al blocco di marmo, lavoro che si protrasse per tre anni a causa delle innumerevoli commissioni affidate allo scultore di Possagno. L'opera in corso di sbozzatura venne vista da diverse personalità dell'epoca, che ne lodarono immediatamente la grande qualità. Terminato nel 1806, il colosso giunse a Parigi solamente nel 1811, dove venne accolto piuttosto freddamente sia dalla critica che dallo stesso Napoleone, che non esitò a definirlo "troppo atletico" e ne sancì l'occultamento al pubblico nonostante la collocazione di prestigio nel Musée Napoléon, il ribattezzato Louvre. Dopo la caduta di Bonaparte e la conseguente disgrazia della sua figura, la grande statua — nonostante la proposta di acquisto dello stesso Canova — venne venduta dal governo borbonico alla corona d'Inghilterra, che ne fece dono ad Arthur Wellesley, duca di Wellington, il vincitore della battaglia di Waterloo. Nel 1817 il duca la collocò nella sua residenza londinese, dove si trova ancora oggi.

Prompt: How does Napoleon as Mars the Peacemaker explain its History?Please output in Italian.

1803
1806
Antonio Canova
Napoleone Bonaparte
Possagno
Saint-Cloud


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Mosè difende le figlie di Jetro

Mosè difende le figlie di Jetro è un dipinto a olio su tela  attribuito a Rosso Fiorentino, databile al 1523-1524 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: How does Moses Defends Jethro's Daughters explain its Abstract?Please output in Italian.

1523
1524
Firenze
Galleria degli Uffizi
Mosè
Rosso Fiorentino
Galleria degli Uffizi


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La punizione di Tizio

Il disegno mostra la figura mitica di Tizio legato su una grande roccia sulla sommità della quale sembra esserci una specie di pianta o tronco d'albero con radici. Il tronco sembra avere un volto umano visto di profilo e la bocca appare completamente aperta come in un urlo.  roccia è l'unica indicazione di una posizione, poiché il primo piano e lo sfondo rimangono vuoti ad eccezione della linea dell'orizzonte. Il corpo di Tizio è attorcigliato con la testa all'indietro, mentre il braccio destro è legato sopra la testa e si presume che il braccio sinistro sia legato all'anca, perché la mano non è visibile.  gamba destra di Tizio giace in piano, mentre quella sinistra è sollevata, formando un angolo verso destra. Sopra Tizio c'è un avvoltoio delle dimensioni di un essere umano che si sporge sul corpo contorto di Tizio con l'ala quasi completamente estesa su entrambi i lati e la testa che si avvicina leggermente alla sezione centrale di Tizio.

Prompt: How does The Punishment of Tityus (Michelangelo) explain its Description?Please output in Italian.


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Unione di Lublino

Regno di PoloniaParte2 =  Granducato di LituaniaParten = Parti = Mediatori = Negoziatori = Firmatari originali = Firmatari = Ratificatori = Depositario = Lingue = UNTC = }}LUnione di Lublino fu un atto politico siglato a Lublino, in Polonia, il 4 luglio 1569, con il quale fu sancita la fusione del Regno di Polonia e del Granducato di Lituania in un'unica realtà statale che prese il nome di Repubblica dei due Popoli o Confederazione polacco-lituana. Il nuovo stato fu governato da un monarca elettivo che assunse l'eredità dei sovrani polacchi e dei granduchi lituani, affiancato da un Senato e un parlamento detto Camera dei deputati della Polonia. L'Unione di Lublino rappresentò l'evoluzione della precedente unione personale fra domini polacchi e lituani e fu resa necessaria dalla pericolosa posizione della Lituania nelle guerre con la Russia.Riconosciuta come evento cruciale nella storia di molte nazioni, l'Unione di Lublino è stata osservata e valutata in maniera diversa da molti storici. Alcuni studiosi polacchi hanno esaltato i suoi aspetti positivi, enfatizzandone i tratti di creazione politica volontaria e pacifica e il ruolo fondamentale nella diffusione dell'avanzata cultura polacca. Altri, come Paweł Jasienica, hanno messo in rilievo come l'Unione abbia distolto la Polonia dal consolidamento ad occidente della propria influenza  rivolgendosi a oriente per difendere la debole situazione della Lituania su quel fronte. Gli storici lituani sono stati invece più critici nei confronti di questo atto, sottolineando la posizione predominante della Polonia all'interno dell'Unione.  storiografia ufficiale sovietica, per mezzo dei suoi storici inclini a seguire le direttive politiche, allo scopo di giustificare, l'invasione della Polonia nel 1939 a fianco della Germania nazista e la conseguente occupazione dei territori orientali, ha cercato di accreditare la versione secondo la quale la Confederazione non fosse altro che oppressione per le vaste masse di contadini e classi più povere. È anche vero che le condizioni di questi ceti non erano poi peggiori di quelle dei contadini del principato di Moscovia. Va comunque ricordato che con tutti i limiti e le critiche possibili, la Confederazione fu il primo tentativo riuscito di unione tra popoli slavi. In un certo momento della sua storia venne considerata la possibilità di far assurgere l'Ucraina a stato confederato con il nuovo nome di Repubblica dei tre Popoli.

Prompt: In Union of Lublin (painting), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1569
Confederazione polacco-lituana
Germania nazista
Granducato di Lituania
Lublino
Paweł Jasienica
Polonia
Russia
Ucraina


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Armatura

Le prime significative tracce di armatura sul territorio della Cina datano al tempo della Dinastia Zhou. Si trattava di primitive corazze prive di manica, realizzate con materiale di provenienza animale: cuoio di rinoceronte o bufalo  o pelle bollita . Spesso, la pelle veniva ricoperta con della lacca per aumentarne la resistenza ai colpi ed alle intemperie.

Prompt: Explain the China about the Description and use of this artwork, O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji.Please output in Italian.


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Madonna Colonna

Madonna Colonna è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello Sanzio, databile al 1507 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Colonna Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (Bol)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Polittico del 1476

Per i santi del secondo registro valgono le stesse considerazioni di quelli a tutta figura. Si tratta infatti di figure ancora una volta altamente espressive, in bilico tra un realismo quasi esasperato delle parti anatomiche e l'astratto idealismo del fondo oro e degli oggetti riprodotti come nelle miniature. Tutti hanno tratti somatici individualizzati. Francesco, coi segni evidenti delle stimmate, è smagrito e fervido nell'indirizzare la sua preghiera verso l'alto. Andrea sembra bilanciare con difficoltà il peso della croce e del grosso libro che tiene aperto. Stefano è il più sereno di tutti, nonostante le pietre che gli stanno appoggiate sulla testa e sulle spalle, rivolgendo uno sguardo alle spettatore e reggendo un libro e la palma del martirio. Tommaso d'Aquino mostra la sua opera aperta e regge un modellino della chiesa, che sembra voler offrire a Dio, guardando verso l'alto.

Prompt: In the context of 1476 Altarpiece, explain the It is in the second register. and the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Visitazione di Carmignano

Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0Adriano Marinazzo,  ‘Visitazione’ del Pontormo, in Minuti Menarini, n. 326, Firenze, 2006, pp. 17-19

Prompt: How does Carmignano Visitation explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Self-Portrait with Skeleton's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: In Presentation at the Temple (Ambrogio Lorenzetti), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Et in Arcadia ego

Benché la frase "et in Arcadia ego" sia ellittica di verbo, essa è frequentissima in latino anche con le forme di sum. Alcuni pseudostorici, considerando alcuni aspetti della grammatica latina, hanno concluso che la frase è incompleta del verbo, e hanno speculato sul fatto che questa frase possa celare un qualche messaggio esoterico, occultando un codice . In The Holy Blood and the Holy Grail, Baigent, Leigh, e Lincoln, sotto la falsa impressione che "et in Arcadia ego" non sia una vera e propria frase latina, hanno proposto che si trattasse dell'anagramma di I! Tego arcana Dei, che si tradurrebbe in "Vattene! Io celo i misteri di Dio", suggerendo che la tomba contenga i resti di Gesù o di un'altra importante figura biblica. Gli autori hanno sostenuto, inoltre, che Poussin fosse a conoscenza di questo segreto e che il dipinto rappresenti una località realmente esistente. Gli autori non hanno spiegato perché la tomba dipinta nella seconda versione dovrebbe contenere questo segreto, mentre quella distintamente differente nella prima versione, presumibilmente no. In ultimo, la visione suggerita dai suddetti autori è stata scartata dagli storici dell'arte.Nel loro libro The Tomb of God, Richard Andrews e Paul Schellenberger, sviluppando queste idee, hanno teorizzato che alla frase latina manchi un "sum". Hanno così arguito che la frase latina completa dovrebbe essere Et in Arcadia ego sum, che può essere un anagramma di Arcam Dei Tango Iesu, che dovrebbe significare "Io tocco la tomba di Dio — Gesù". Le loro argomentazioni danno per assunto che:# la frase latina sia incompleta;# la parola mancante estrapolata sia corretta;# la frase, una volta completata, sia un anagramma.Andrews e Schellenberger dichiarano anche che la tomba ritratta sia quella di Les Pontils, vicino a Rennes-le-Château. Comunque, Franck Marie nel 1974 e Michel Vallet  nel 1985 durante le loro ricerche avevano già concluso che la costruzione della tomba fu iniziata nel 1903 dal proprietario della terra, Jean Galibert, che aveva lì sepolto sua moglie e sua nonna in una semplice tomba. I corpi furono riesumati e reinteterrati da qualche altra parte dopo che la terra fu venduta a Louis wrence, un americano del Connecticut che era emigrato in quel luogo. Egli seppellì sua madre e sua nonna nella tomba e costruì il sepolcro in pietra. Marie e Vallet intervistarono entrambi Adrien Bourrel, figlio di wrence, che testimoniò che la costruzione della tomba cominciò nel 1933 quando era ancora un bambino. Pierre Plantard, il fautore delle teorie sul Priorato di Sion, cercò di arguire che la sepoltura di Les Pontils fosse un  "prototipo" per il dipinto di Poussin, ma situata nelle immediate vicinanze di una fattoria  e non "in mezzo al niente" nella campagna francese, come solitamente si pensa. Il sepolcro è comunque stato demolito.

Prompt: How does Et in Arcadia ego (Guercino) explain its Pseudohistorical elaborations?Please output in Italian.


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: In Love & Loss, how is the Psychology of the Etymology explained?Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Ritratto di Jakob Fugger il Ricco

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Focus on Portrait of Jakob Fugger and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Parnaso

Il Monte Parnàso, o – raramente – Parnasso , è una montagna del centro della Grecia, che domina la città di Delfi.Particolarmente venerato durante l'antichità, il Parnaso era consacrato al culto del dio Apollo e alle nove Muse, delle quali era una delle due residenze. Secondo la mitologia greca, su questo monte era situata una fonte sacra alle Muse, la fonte Castalia.L'origine del nome è probabilmente pre-ellenica. Da reperti ittiti si è rivelata l'esistenza di un toponimo anatolico comparabile: Parnašša, che pare derivare dall'ittita e dal luvico parna che significa "casa", "dimora". Parrebbe che, in origine, la vetta del Parnaso, come quella dell'Olimpo, sia stata considerata il sacro luogo della ierogamia del cielo  e della terra , essendo noto che il santuario di Delfi era consacrato a Gaia, prima di esserlo ad Apollo.Nella tradizione classica, i due gioghi in cui il monte si biforca sono chiamati Cirra ed Elicona , rispettivamente sacri ad Apollo il primo e a Bacco il secondo. Parnaso è caratterizzato tutt'oggi dal suo colorito giallognolo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Parnassus.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia con san Giuseppe imberbe

In una stanza ombrosa, rischiarata da un'apertura sulla destra, si vedono Maria seduta col Bambino in collo e san Giuseppe in piedi, col capo canuto e col bastone, ma senza la tipica barba. I tre personaggi si scambiano sguardi in un gioco studiatissimo di rimandi incrociati, con un tono di pensosa malinconia. Giuseppe sembra corrucciato mentre guarda il Bambino, così come Maria sembra presa da una rassegnata premeditazione del destino tragico del figlio. Gesù ha come un gesto di ritrosia voltandosi verso la madre, che sembra accennare una carezza con la mano che si avvicina al piedino.Studiatissima ma estremamente naturale appare la teoria di gesti e sguardi dei protagonisti, che si concatenano in un insieme chiuso.Molti dettagli, a partire dalla fisionomia del Bambino, la sua torsione, e l'acconciatura della Vergine, rimandano all'esempio di Leonardo, confermando una datazione verso la metà del soggiorno fiorentino di Raffaello.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna with Beardless Saint Joseph.Please output in Italian.


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Fanciulla con cappello rosso

L'opera è nota dal 10 dicembre 1822, quando comparve nell'asta della collezione fontaine a Parigi, attribuita a Vermeer van Delft e ceduta per 200 franchi. In seguito fu nelle raccolte del barone Atthalin a Colmar e nel 1925 fu portata a New York per gli antiquari Knoedler, dove fu acquistata da Andrew W. Mellon che ne fece dono, nel 1937, alla nascente galleria americana.Tra i generi della pittura olandese i tronien, ovvero ritratti usati per raffigurare personaggi storici, biblici o antichizzanti, erano abbastanza frequenti, e risulta che Vermeer vi si dedicò in diverse occasioni. Nell'inventario dei beni della sua famiglia nel 1676 figurano "tronien dipinte alla moda turca" e ancora nel catalogo dell'asta Dissius  si parla di tronien di sua mano ai numeri 38, 39 e 40.Il dipinto, rispetto alle opere tipiche dell'artista, è inconsuetamente su tavola anziché su tela. Esami radiografici hanno evidenziato come l'opera sia stata dipinta su una tavoletta che presentava un ritratto virile della scuola di Rembrandt, e che si credeva composta da pigmenti non pienamente compatibili con l'epoca dell'artista olandese. Studiosi come Blanhert , rsen , Arasse  e altri giunsero così a formulare l'ipotesi che si trattasse di un pastiche posteriore, se non di un falso deliberato. Le medesime problematiche riguardavano un altro dipinto appartenente alla collezione del museo di Washington, la Ragazza con flauto, ritenuto un falso ottocentesco, realizzato a Parigi da una scuola di falsari specializzati in pittura olandese del Seicento. Tale ipotesi è stata contraddetta dalle recenti prove scientifiche non invasive applicate alla tela, che hanno permesso di riportarne alla luce l'autenticità.Nonostante le perplessità, fu da sempre indubbia l'alta qualità della pittura, tanto che Arasse la considerò un «falso riuscito», in grado di suscitare una forte fascinazione nell'osservatore. L'originalità della tela è stata confermata il 17 agosto 2022, grazie a lunghe analisi, effettuate con tecniche di imaging, durante la chiusura del museo causata dal Covid-19.  ragazza con il cappello rosso è uno dei quattro dipinti analizzati dalla National Gallery in vista di una nuova mostra in apertura a ottobre 2022, "Vermeer's secrets", nella quale, secondo Marjorie Wieseman, curatrice della NGA, sarà possibile scoprire «Cosa rende un Vermeer un Vermeer».

Prompt: How does Girl with a Red Hat explain its History?Please output in Italian.


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Polittico dell'Annunziata

Facevano probabilmente parte della predella della pala dell'Annunziata le cinque tavolette oggi in musei americani. Esse rappresentano:Natività, 26,7x42,6 cm, Chicago Art InstituteBattesimo di Cristo, 26,7x42,6 cm, Chicago Art InstituteSamaritana al pozzo, 26,7x42,6 cm, Chicago Art InstituteNoli me tangere, 26,7x42,6 cm, Chicago Art InstituteResurrezione di Cristo, 27x45,7 cm, New York, Metropolitan Museum</div>

Prompt: In Annunziata Polyptych, how is the Predella of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Trinità

I primi scrittori cristiani così si esprimono al riguardo:

Prompt: Focus on Holy Trinity (Masaccio) and explain the The Trinity in early Christian writers.Please output in Italian.


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Northeaster

Northeaster è uno dei diversi dipinti con soggetto marino della fine del XIX secolo del pittore americano Winslow Homer. Come The Fog Warning e Breezing Up, lo dipinse durante il suo soggiorno nel Maine. È esposto nel Metropolitan Museum of Art di New York. Nel quadro è rappresentato il contrasto tra il mare e gli scogli. Winslow Homer eccelle nella rappresentazione di paesaggi marini e montuosi.

Prompt: Focus on Northeaster (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Maine
Metropolitan Museum of Art
Winslow Homer


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La Gare Saint-Lazare

L'opera coglie una panoramica del parco binari della stazione parigina di Saint-zare. Lo spazio architettonico dell'imponente tettoia metallica è rigorosamente geometrico e, con i suoi pannelli di vetro, lascia intravedere il cielo di Parigi. Questa cattedrale della modernità, satura di energie, certamente affascina l'osservatore, che in questo modo ha una testimonianza tangibile dei trionfi dell'evoluzione industriale, vissuta all'epoca come una conquista positiva. Il vero protagonista del dipinto, tuttavia, è la densa cortina di vapore che volteggia verso l'alto, inondando omogeneamente l'hangar ferroviario. Le volute di fumo blu, infatti, rappresentano per Monet il pretesto per riprodurre la sensazione ottica nel modo più fedele possibile e per indagare le problematiche relative alla luce ed al colore. Un fumo che, oltre a debordare e a srotolarsi negli spazi ferroviari rendendoli suggestivamente evanescenti, avvolge anche le persone, che infatti appaiono piccolissime, se non quasi impercettibili. Con le sue pennellate libere, vibranti e vaporose, dunque, Monet riesce a trasmettere limpressione reale di un frammento di vita di ogni giorno, in piena ottemperanza con la poetica impressionista.

Prompt: Focus on Gare Saint-Lazare (Monet series) and explain the Description.Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in the prayer in Annunciation Diptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Polittico di Porto San Giorgio

Il polittico, stilisticamente affine a quello di Massa Fermana, si tratta di un'opera fondamentale nell'evoluzione stilistica del pittore, nello stemperare gradualmente le influenze dell'arte padovana, verso una resa più delicata, accesa però, qua e là, da brani di intenso realismo.Madonna Cook, 129,5x54,4 cm, Washington, National Gallery of ArtSanti Pietro e Paolo, 87x44 cm, Londra, National GallerySan Giorgio che uccide il drago, 90x46 cm, Boston, Isabella Stewart-Gardner MuseumSanti Caterina d'Alessandria e Girolamo, 35x48,9 cm, Tulsa, Philbrook Museum of ArtSanti Antonio abate e Lucia, 34,5x47,5 cm, Cracovia, Museo nazionalePietà, 45x117 cm, Detroit, Detroit Institute of ArtsNella Madonna col Bambino si nota appena ai piedi del trono, in basso a sinistra per non turbare l'equilibrio della composizione, il donatore; il San Giorgio e il drago resta, come sarà per tutta l'opera del Crivelli, indifferente ai valori atmosferici, esaltando con un segno più agile e meno incisivo la componente fiabesca tardogotica della composizione; la posa agile del cavallo ricorda comunque un'opera appena terminata, anche il San Giorgio di Cosmè Tura , dimostrando come il Crivelli fosse tutt'altro che isolato.L'autografia dei santi Pietro e Paolo è stata messa in dubbio da alcuni studiosi a causa della scarsa correttezza del disegno in alcuni particolari, fino ad assegnarlo a uno sconosciuto Maestro della predella di Brera, lo stesso pittore di uno dei pannelli della predella del Trittico di Camerino, la quale è tuttavia assegnata allo stesso Crivelli.Nella Pietà, invece, il Crivelli articola in più piani il gruppo dei dolenti che si raccolgono intorno alla figura del Cristo morto, ritmandoli nella curvatura della lunetta e annunciando gli sviluppi più sapientemente drammatici delle future opere di medesimo soggetto.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Porto San Giorgio Altarpiece.Please output in Italian.

Boston
Cosmè Tura
Cracovia
Detroit
Detroit Institute of Arts
Isabella Stewart-Gardner Museum
Londra
Madonna Cook
National Gallery of Art
Philbrook Museum of Art
San Giorgio che uccide il drago
Santi Pietro e Paolo
Tulsa
Washington


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Il lamento per Icaro

sinistraDisegno preparatorio sulla figura di Icaro.Il dipinto rappresenta il lamento delle ninfe sul corpo di Icaro, precipitato dal cielo dopo essersi avvicinato troppo al sole. Le ali di Icaro, progettate dal padre Dedalo, sono ispirate a quelle dell'uccello del paradiso.Secondo la critica d'arte Justine Hopkins, Draper rappresenta Icaro come «gli altri eroi dei preraffaeliti e dei simbolisti che, come James Dean mezzo secolo più tardi, erano in grado di vivere velocemente, morire giovani e lasciare dietro bellissimi cadaveri».

Prompt: Focus on The Lament for Icarus and explain the Description.Please output in Italian.


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Assedio di Asola

Collezione Palazzo Giovanelli - VeneziaCollezione Contini Bonacossi - FirenzeDal 1969 al 1982 Collezione Stanley Moss - New YorkDal 1982 al 1999 Collezione Barbara Piasecka Johnson - PrincetonDal 1999 al 2014 Fondazione Barbara Piasecka Johnson - Danzica Dal 2014 Collezione privata

Prompt: In The Siege of Asola, how is the Owners of the History explained?Please output in Italian.

2014
Barbara Piasecka Johnson
Collezione Contini Bonacossi
Danzica
Firenze
New York
Princeton
Venezia


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Madonna Colonna

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Colonna Madonna.Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: In Epifania, how is the In  the  Eastern  Churches of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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San Cristoforo

Canicola Cinocefalo Colonna di San Cristoforo Gigante  Legenda Aurea Persecuzione dei cristiani nell'Impero romano Santi ausiliatori Oscar Wilde, Il gigante egoista Uomo selvatico

Prompt: How does Saint Christopher Carrying the Christ Child explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Explain the Origins of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Rome).Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Apocalisse

Il termine apocalisse deriva dal greco apokálypsis , composto da apó  e kalýptō , significa un gettar via ciò che copre, un togliere il velo, letteralmente scoperta o disvelamento, rivelazione.Il concetto sembrerebbe essersi originato presso gli ebrei che parlavano greco, per poi passare ai cristiani che lo svilupparono ulteriormente. Nella terminologia della letteratura del primo Ebraismo e Cristianesimo, indica una rivelazione a un profeta scelto di cose nascoste da Dio; questo termine è più spesso usato per descrivere il resoconto scritto di tale esperienza.

Prompt: Focus on Apocalypse (Dürer) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Self-portrait environment autonomy and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Ritratto d'uomo Grimani

Il Ritratto d'uomo Grimani è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1512 circa e conservato nel Metropolitan Museum a New York.

Prompt: How does Portrait of a Man (Titian, New York) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Genio della Vittoria

Prigioni Ercole-Sansone Tomba di Giulio II Opere di Michelangelo

Prompt: Focus on The Genius of Victory and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Opere di Michelangelo
Prigioni
Tomba di Giulio II


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Pasquino

Il personaggio di Pasquino ispirò i film Nell'anno del Signore del 1969 e  notte di Pasquino del 2003, entrambi diretti da Luigi Magni e interpretati da Nino Manfredi.

Prompt: How does Pasquino explain its Media.?Please output in Italian.

Luigi Magni
Nell'anno del Signore
Nino Manfredi


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William Tecumseh Sherman

Sebbene si opponesse alla schiavitù, Sherman non fu un abolizionista prima della guerra. Le sue azioni militari del 1864 e del 1865 liberarono molti schiavi che si unirono alla sua marcia attraverso la Georgia e il Nord e Sud Carolina. Impressionato dalla loro industriosità e lealtà, Sherman iniziò a pensare al futuro degli schiavi liberati e al miglioramento della loro condizione. Il 12 gennaio 1865, Sherman si incontrò a Savannah con il Segretario di Guerra Stanton e con venti leader neri locali. Quattro giorni dopo emise lo "Special Field Orders, No. 15" riguardante i  schiavi liberati e rifugiati neri, affidando al generale Rufus Saxton, un abolizionista del Massachusetts che in precedenza si era occupato dell'arruolamento di soldati neri, di implementare il piano.  direttiva, che divenne la base dell'affermazione che il governo Unionista aveva promesso agli schiavi liberati "40 acri e un mulo", fu revocata nello stesso anno dal presidente Andrew Johnson.Dettaglio del "General William Tecumseh Sherman Monument" a

Prompt: How does William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens) explain its Slavery emancipation?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ritratto di Luca Pacioli

I pochi dati disponibili non forniscono notizie circa l'autore e l'originaria destinazione del dipinto.Le prime notizie documentali risalgono a un inventario del 1631, senza indicare tempi e modalità d'acquisizione, collocazione e conservazione nel palazzo Ducale di Urbino. Il dipinto risulta incluso in un elenco di beni della dinastia dei Della Rovere, ma il primo inventario reca solo mere ipotesi attributive. Anche i successivi documenti non sono più precisi, riguardando soltanto il trasferimento del dipinto, a metà del XVII secolo, da Urbino a Firenze e dalla stirpe urbinate a quella medicea fiorentina, tramite Vittoria della Rovere.Eclissato per secoli, il dipinto ricompare a inizio del Novecento a Napoli, sempre in possesso della famiglia De' Medici, nel ramo cadetto di Ottaviano. Giunge a destinazione museale in seguito alla prelazione esercitata dello Stato italiano nel 1903 sulla vendita destinata all'estero, in Inghilterra. Il dipinto fu esposto nel Museo nazionale di Napoli , ed è esposto dal 1957 al Museo nazionale di Capodimonte, tra i dipinti provenienti dalla collezione Farnese.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.

1631
Medici
Della Rovere
Firenze
Inghilterra
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Urbino
Vittoria della Rovere
XVII secolo


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Il quarto stato

Pellizza, prima di dipingere la grande tela del Quarto stato, decise nell'agosto 1895 di realizzarne uno studio in olio preliminare: questa redazione rappresenta di fatto un punto di rottura con gli antecedenti Ambasciatori della fame. Rispetto ai bozzetti precedenti, la massa di gente qui è vastissima, tale da formare - come suggerisce il titolo - una vera e propria fiumana umana; cambia anche la gamma luminosa, stavolta giocata con l'utilizzo di «contrasti dal giallo al rosso, con dominanti sulfuree nelle figure e su toni dal blu al verde nello sfondo, dove il cielo è di forte intensità blu azzurrata e verdi delle piante si riflettono nel terreno». Contestualmente, l'ombra in primo piano viene abolita e viene prediletto un punto di vista meno alto, in modo da dare maggiore enfasi alla folla, stavolta portata più in avanti. Viene inoltre aggiunta una nuova figura femminile con un bimbo in braccio; quest'ultima, posta in posizione subordinata rispetto al resto dei riottosi, viene intesa passivamente come allegoria dell'umanità. Altra peculiarità della Fiumana è il suo valore universale, cristallizzato in un poema scritto sul margine della tela da Pellizza stesso:

Prompt: Describe the characteristics of the 1895-1898: "Fiumana". in The Fourth Estate (painting)'s Description.Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, per la Chiesa romana l'Epifania è la festività che ricorda la visita dei Magi; nella Chiesa maronita, secondo l'antica tradizione, rappresenta l'annuncio pubblico della missione di Gesù quando fu battezzato nel Giordano da Giovanni il Precursore, detto anche "Giovanni Battista". In tale occasione i cristiani libanesi pregano per i loro defunti.I Maroniti si recano generalmente alla Messa di mezzanotte quando Cristo  passa per benedire le case, mentre i cristiani libanesi riuniti per la Messa si congratulano a vicenda dicendo "El Deyim Deyim" . Si prepara un impasto fatto solo di acqua e farina  che lievita all'aperto grazie alla benedizione.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Lebanon and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Battista
Giovanni Battista
Chiesa maronita


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Pala di Bardi

Nell'agosto del 1521 arrivarono a Parma le truppe di Leone X e Carlo V, comandate da Prospero Colonna, nell'ambito della guerra contro i Francesi. Chi poteva abbandonava la città e anche il giovane Parmigianino  venne inviato in via precauzionale a Viadana , col cugino Girolamo Bedoli, su iniziativa dei suoi zii che gli facevano da tutori dopo la morte del padre. Vasari raccontò come durante quel soggiorno dipinse due tavole a tempera: "San Francesco che riceve le stimite e santa Chiara"  e lo "Sposalizio di santa Caterina, con molte figure", che fu collocata nella chiesa di San Pietro. seconda pala fu trafugata nel 1629-1630, all'epoca delle guerre con Mantova, e portata a Parma, come risulta dalle lettere in cui il cardinale Pietro Campori si lamentava con don Ferrante Medolati del furto e della mancata restituzione. Non è chiaro poi come l'opera finì nella chiesa di Bardi: la traccia più antica riscontrabile è una nota dei professori dell'Accademia di Belle Arti di Parma che durante un'adunanza  la giudicarono unanimemente di mano del Parmigianino, dimostrandone la conoscenza. Una pubblicazione vera e propria si dovette però al Santangelo , che l'assegnò a un ignoto parmense con una datazione ai primi vent'anni del Cinquecento. Nel 1935 Giovanni Copertini la attribuì con certezza al Parmigianino e suggerì di restaurarla e di esporla alla mostra del Correggio a Parma dello stesso anno.Tra il 2016 e il 2018 la pala fu restaurata dall'istituto centrale per il restauro, consolidando la pellicola pittorica in parte sollevata ed eliminando una lacuna in basso a destra, che in parte ricopriva il polpaccio di san Giovanni Battista.

Prompt: Focus on Bardi Altarpiece (Parmigianino) and explain the History.Please output in Italian.


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Venere di Urbino

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5

Prompt: In Venus of Urbino, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Firenze
Galleria degli Uffizi
Stefano Zuffi


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Laocoonte

ocoonte , personaggio della mitologia greca, era un abitante di Troia, figlio di Antenore . Era un veggente e gran sacerdote di Poseidone o, secondo alcune fonti, di Apollo.

Prompt: Focus on Laocoön (El Greco) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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San Girolamo

Legenda Aurea, di Jacopo da Varazze, narra, nel capitolo dedicato a San Girolamo, la leggenda del leone.Un giorno un leone ferito si sarebbe presentato zoppicando nel monastero ove risiedeva San Girolamo. I confratelli fuggirono spaventati ma San Girolamo gli si avvicinò accogliendo l'animale ferito. Egli ordinò ai confratelli di lavare le zampe al leone e curarle. Essi scoprirono che i rovi gli avevano dilaniato le piante delle zampe. Quando il leone fu guarito, rimase nel monastero. Su di esso i monaci confidarono per garantirsi la custodia dell'asino del convento. Un giorno, mentre l'asino stava pascolando, il leone si addormentò. Alcuni mercanti, visto il quadrupede da soma privo di custodi, se ne appropriarono. Tornato solo al monastero, il leone venne accusato dai monaci di aver divorato l'asino, cosicché gli vennero affidati tutti i lavori che normalmente venivano svolti da quest'ultimo. Un giorno egli incrociò sul suo cammino la carovana dei mercanti che avevano portato via l'asino affidatogli in custodia dai monaci e riconobbe nella carovana il medesimo asino. Egli si precipitò verso di loro ruggendo terribilmente e mettendoli in fuga. Dopo di che condusse l'asino ed i cammelli, carichi di mercanzia, al convento. Quando i mercanti tornarono, si recarono al convento a chiedere a San Girolamo il perdono e la restituzione delle loro mercanzie, cosa che San Girolamo fece, raccomandando loro di non rubare più le proprietà altrui. Tuttavia questa leggenda fu impropriamente acquisita dalla figura di San Girolamo, poiché originariamente questa storia vedeva come protagonista San Gerasimo, anacoreta e abate della Chiesa cristiana, che a causa della similitudine dei nomi latini dei due santi: Gerasimo Hierasimus e Girolamo Hieronimus vennero scambiati.

Prompt: In St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), how is the Legend, lion discussed?Please output in Italian.

Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
San Gerasimo


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Statua di Bafometto

Nel novembre del 2018, il Tempio Satanico citò in giudizio l'azienda Netflix per aver usato una statua simile al Bafometto nella serie televisiva Le terrificanti avventure di Sabrina. Il caso venne risolto in via extragiudiziale e il Tempio Satanico sarebbe stato accreditato per l'ispirazione della statua nelle ritrasmissioni successive del programma.

Prompt: In Statue of Baphomet, how is the In mass culture discussed?Please output in Italian.

Bafometto
Le terrificanti avventure di Sabrina
Netflix
Tempio Satanico


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Emancipation Memorial

LEmancipation Memorial, noto anche come Freedman’s Memorial o Emancipation Group e talvolta denominato "Lincoln Memorial" prima che venisse costruito l'omonimo Lincoln Memorial a perenne commemorazione, è un monumento situato al Lincoln Park nel quartiere di Capitol Hill della capitale degli Stati Uniti d'America Washington.Progettato e scolpito da Thomas Ball ed eretto nel 1876, raffigura il 16° presidente degli Stati Uniti d'America Abraham Lincoln nel suo ruolo di "Grande emancipatore" mentre libera uno schiavo afroamericano maschio modellato da Archer Alexander. L'ex schiavo è raffigurato su un ginocchio, con un pugno chiuso, a torso nudo e incatenato ai piedi del presidente.L'opera è stata a lungo oggetto di controversie. Secondo le informazioni della American University: Se c'è un monumento sullo schiavismo le cui origini sono altamente politiche, il memoriale del Freedman è proprio questo. Il processo di sviluppo di questo memoriale iniziò immediatamente dopo l'assassinio di Abraham Lincoln e terminò, abbastanza appropriatamente, verso la fine dell'Era della Ricostruzione nel 1876. Sotto molti aspetti, esemplificò e rifletté le speranze, i sogni, l'impegno e i fallimenti definitivi della ricostruzione. statua è uno dei memoriali e monumenti unionisti che contribuisce al ricordo della guerra di secessione americana a Washington D.C.; è parte del National Register of Historic Places.

Prompt: How does Emancipation Memorial explain its Abstract?Please output in Italian.

Abraham Lincoln
American University
Archer Alexander
Capitol Hill
Lincoln Memorial
National Register of Historic Places
Stati Uniti d'America
Thomas Ball
Washington


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Ingresso nel porto di Palermo al chiaro di luna è un dipinto a olio su tela di Claude Joseph Vernet. È conservato presso il Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: How does Port of Palermo by Moonlight explain its Abstract?Please output in Italian.

Claude Joseph Vernet
Ermitage
Palermo
San Pietroburgo


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Stanze di Raffaello

Giulio II, pochi anni dopo l'inizio del suo pontificato, si rifiutò di utilizzare l'Appartamento Borgia, indissolubilmente legato al suo predecessore Alessandro VI. Testimonia una nota del suo cerimoniere Paride Grassi: "non volebat videre omni hora figuram Alexandri praedecessoris sui" . Per questo scelse alcuni ambienti al secondo piano del Palazzo Apostolico nell'ala settentrionale, frutto delle ricostruzioni parziali di Niccolò V.Secondo quanto testimonia Vasari questi ambienti presentavano già decorazioni quattrocentesche importanti, con alcune pareti affrescate da Piero della Francesca, Benedetto Bonfigli, Andrea del Castagno, Luca Signorelli e Bartolomeo della Gatta. Perugino ad esempio lavorò alla volta della Stanza dell'Incendio nel 1508, ma il suo lavoro non piacque al papa che lo liquidò velocemente.Fu probabilmente Bramante, architetto pontificio incaricato di ricostruire la Basilica vaticana, a suggerire al pontefice il suo conterraneo Raffaello Sanzio, a quell'epoca di stanza tra Firenze, l'Umbria e le Marche, reduce da un clamoroso successo con la Pala Baglioni a Perugia. Non è chiaro quando il pittore giunse a Roma: sicuramente il 21 aprile 1508 era ancora a Firenze , mentre il 13 gennaio 1509 era già accreditato alla tesoreria pontificia per un ordine di pagamento, verosimilmente legato alla Stanza della Segnatura. Probabilmente l'urbinate si aggiunse nel corso degli ultimi mesi del 1508, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.

Prompt: How does Raphael Rooms explain its History?Please output in Italian.

1508
1509
Andrea del Castagno
Appartamento Borgia
Bartolomeo della Gatta
Benedetto Bonfigli
Bramante
Luca Signorelli
Pala Baglioni
Palazzo Apostolico
Paride Grassi
Perugia
Perugino
Piero della Francesca
Perugino
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Madonna del Diadema blu

L'opera è nota dal 1620, quando si trovava nella raccolta  Vrillière di Parigi. In seguito pervenne al principe di Carignano  e a Luigi XV di Francia , dalle cui raccolte finì nelle collezioni reali e quindi nel museo parigino.L'attribuzione è generalmente riferita al Sanzio, anche se Cavalcaselle vi lesse un intervento del Penni, mentre Fischel attribuì all'allievo l'intera esecuzione. Oggi, anche per via del cattivo stato di conservazione, si tende a considerare l'opera eseguita su disegno del maestro e da aiuti.Non si conoscono disegni preparatori riferibili all'opera e, con l'esclusione del Filippini che parlò del 1507, l'esecuzione oscilla per gli studiosi tra il 1510 e il 1511 o tutt'al più il 1512. Se opera di bottega potrebbe invece collocarsi verso il 1518.

Prompt: Focus on Madonna with the Blue Diadem and explain the History.Please output in Italian.


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divisionismo

Giuseppe Pellizza da Volpedo Giovanni Segantini Emilio Longoni Gaetano Previati

Prompt: How does Divisionism explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Emilio Longoni
Gaetano Previati
Giovanni Segantini
Giuseppe Pellizza da Volpedo


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amore

De amore, di Andrea Cappellano Dall'arte della guerra all'arte dell'amore, di Giulietta Bandiera, Xenia edizioni, 2003 Ti amerò per sempre.  scienza dell'amore, di Piero Angela, Mondadori, 2005

Prompt: In Love & Loss, how is the Other of the Philosophy explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III con il camauro

L'opera fu eseguita da Tiziano in un periodo immediatamente successivo alla prima versione ufficiale, il Ritratto di Paolo III del 1543 e comunque prima del Ritratto del papa con i nipoti Alessandro e Ottavio. Successivamente il dipinto passa dapprima alla prestigiosa raccolta di Fulvio Orsini, collezionista e bibliotecario di casa Farnese, poi a quella di Odoardo Farnese, che la detiene assieme a tutti gli altri ritratti di famiglia di Tiziano nel palazzo di Roma, mentre nella metà del Seicento fu trasferito, assieme a tutte le altre tele romane, nelle collezioni di Parma. Giunto in Emilia il ritratto ebbe le medesime sorti che interessarono tutti gli altri capolavori della collezione, ossia fu prima esposto nel palazzo del Giardino, collocato in una sala assieme al Ritratto del cardinale Alessandro e al Ritratto di Pier Luigi Farnese, e poi in quello della Pilotta. Con la successione al trono di Carlo di Borbone, primo figlio maschio dell'ultima discendente farnesiana Elisabetta, l'opera con tutta la collezione passò a Napoli intorno al 1734. Fu quindi prima esposta a Capodimonte, poi al Palazzo Reale, poi in quello dei Regi Studi, fino a ritornare definitivamente a Capodimonte, dove tuttora è conservata.Così come avvenne per il Ritratto di Pier Luigi Farnese, una volta giunta a Napoli la tela, causa anche il cattivo stato di conservazione, fu "declassata" da alcuni storici alla bottega del Tiziano. Intorno alla metà del Novecento studi e indagini sul dipinto, cui fu sottoposto a importanti lavori di restauro che hanno consentito il trasporto del colore su supporti nuovi, hanno ripristinato l'autografia al maestro veneziano.Il dipinto si discosta dalla prima versione per alcuni particolari, su tutti la presenza del camauro sul capo, che ne contraddistingue le redazioni, ma anche il cartiglio sulla mano, dove in questa versione successiva non compare l'anello, e un paesaggio che si apre su un lato nello sfondo. Le pennellate risultano più rapide rispetto al ritratto a capo scoperto del papa, quest'ultimo che nel suo insieme appare decisamente più incisivo rispetto alla seconda riedizione.Esistono altre versioni poi successive a questa del 1545-46, di discussa autografia, conservate una al Kunsthistorisches Museum di Vienna e un'altra all'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: How does Portrait of Pope Paul III with camauro explain its History and description?Please output in Italian.

Ermitage
Farnese
Fulvio Orsini
Kunsthistorisches Museum
Napoli
Parma
Ritratto di Paolo III
Ritratto di Pier Luigi Farnese
San Pietroburgo
Vienna


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Bellezza

Nel tardo Impero romano, il filosofo Plotino, ristabilendo il collegamento tra opera d'arte e regno delle idee, espone ampiamente il concetto di "visione interiore" già proposto da Platone, che permette all'artista di attingere da una forma ideale del bello, non esistente nella res extensa  ma soltanto nella res cogitans , e che presto o tardi sfocerà in una rappresentazione materiale. Si può applicare a mai creati dipinti, architetture, forme di governo, sculture, strategie, modelli matematici, ecc. oppure a un ipotetico essere umano: "il più bello nella storia" ancora non nato.

Prompt: Describe the characteristics of the The beautiful as corresponding to the realm of ideas in The Beauty's Beauty Christianity.Please output in Italian.


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Trittico di Modena

Salas, Xavier de; Frati, Tiziana, 1970.  obra pictórica completa de El Greco. Barcelona: Noguer. Scholz-Hänsel, Michael, 2014. El Greco. Köln: Taschen. ISBN 978-3-8365-4982-0.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Modena Triptych.Please output in Italian.