subsection

Immacolata Concezione

A seguito della proclamazione del dogma, diverse congregazioni religiose hanno sottolineato fin dal loro nome una particolare devozione a Maria ricordata con il titolo di Immacolata: Ancelle del Santissimo Sacramento e dell'Immacolata Ancelle della Beata Vergine Maria Immacolata Ancelle dell'Immacolata  Ancelle dell'Immacolata  Ancelle dell'Immacolata Bambina Ancelle dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria Ancelle di Maria Immacolata Canonici dell'Immacolata Concezione Carmelitani della Beata Vergine Maria Immacolata Concezioniste argentine Concezioniste francescane Figli della Beata Vergine Immacolata di Francia Figli dell'Immacolata Concezione Figlie dell'Immacolata Concezione Figlie dell'Immacolata Concezione di Maria Figlie della Carità di Maria Immacolata Figli di Maria Immacolata Figli di Santa Maria Immacolata Figlie della Santa Vergine Immacolata di Lourdes Figlie di Maria Immacolata, o Marianiste Figlie di Maria Immacolata di Guadalupe Figlie di Maria Immacolata sotto il patrocinio di San Giuseppe Figlie di Maria Vergine Immacolata Figlie Minime di Maria Immacolata Fratelli dell'Immacolata Concezione di Maastricht Fratelli dell'Immacolata Concezione della Beata Maria Vergine Frati francescani dell'Immacolata Missionari dell'Immacolata Concezione Missionari oblati di Maria Immacolata Missionarie dell'Immacolata Missionarie dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria Missionarie dell'Immacolata Padre Kolbe Missionarie della carità di Maria Immacolata Missionarie oblate del Sacro Cuore di Gesù e di Maria Immacolata Oblate missionarie di Maria Immacolata Piccole ancelle dell'Immacolata Concezione Piccole missionarie di Maria Immacolata Piccole suore dell'Immacolata Concezione Religiose concezioniste missionarie dell'insegnamento Religiose francescane missionarie dell'Immacolata Concezione Religiose di Maria Immacolata  Religiose di Maria Immacolata  Religiose francescane dell'Immacolata Concezione, di Lima Religiose francescane dell'Immacolata Concezione, di Valencia Religiose francescane della Purissima Concezione Religiose francescane missionarie dell'Immacolata Religiose missionarie del Santissimo Sacramento e di Maria Immacolata Serve dell'Immacolata Concezione Sorelle concezioniste al servizio dei poveri Sorelle dell'Immacolata Suore ancelle dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria Suore ancelle della Genitrice di Dio Vergine Immacolata Concezione Suore armene dell'Immacolata Concezione Suore Assisiati di Maria Immacolata Suore cappuccine dell'Immacolata di Lourdes Suore del lavoro comune di Maria Immacolata Suore dell'Immacolata Suore dell'Immacolata Concezione, di Madurai Suore dell'Immacolata Concezione, di Ouagadougou Suore dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria Suore dell'Immacolata Concezione di Nostra Signora di Lourdes Suore dell'Immacolata di Santa Chiara Suore della Provvidenza e dell'Immacolata Concezione Suore dello Spirito Santo e di Maria Immacolata Suore di carità dell'Immacolata Concezione, di Ivrea Suore di carità dell'Immacolata Concezione, di Saint John Suore di Maria Immacolata, di Krishnagar Suore di Nostra Signora dell'Immacolata Concezione Suore dimesse figlie di Maria Immacolata Suore domenicane dell'Immacolata Concezione Suore figlie di Maria Immacolata Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Ragusa di Dalmazia Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Glasgow Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Graz Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Lipari Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Lons-le-Saunier Suore francescane dell'Immacolata Concezione, del Messico Suore francescane dell'Immacolata Concezione, di Palagano Suore francescane dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria, di Olomouc Suore francescane dell'Immacolata Concezione della Beata Vergine Maria, di Bonlanden Suore francescane dell'Immacolata Concezione della Madre di Dio Suore francescane di Maria Immacolata, di Joliet Suore francescane di Maria Immacolata, di Túquerres Suore francescane immacolatine Suore grigie dell'Immacolata Concezione Suore Immacolatine Suore missionarie dell'Immacolata Concezione Suore missionarie dell'Immacolata Concezione della Madre di Dio Suore missionarie dell'Immacolata Regina della Pace Suore missionarie di Maria Immacolata Suore missionarie di Maria Immacolata e di Santa Caterina da Siena Suore missionarie francescane dell'Immacolata Concezione di Maria Suore orsoline dell'Immacolata Concezione Suore orsoline di Maria Vergine Immacolata Suore orsoline figlie di Maria Immacolata Suore penitenti recollettine dell'Immacolata Concezione Suore piccole ancelle della Beata Vergine Maria Immacolata Suore pie operaie dell'Immacolata Concezione Suore salesiane missionarie di Maria Immacolata Suore teatine dell'Immacolata Concezione di Maria Vergine Suore vincenzine di Maria Immacolata Visitatrici parrocchiali di Maria Immacolata

Prompt: Explain the Religious congregations about the Oppositional dogma of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Immacolata concezione, di Guido Reni, 1627tipo = religiosadata = 8 dicembre religione = Cristiana cattolicaoggetto della celebrazione = Concepimento di Mariaricorrenze correlate =tradizioni =tradizioni religiose =tradizioni profane =tradizioni culinarie =data d'istituzione = 8 dicembre 1854chiamata anche =patrono di = città di Palermo, arcidiocesi di Palermo, patrona massima della Regione Sicilia, Portogallo, Spagna}}LImmacolata Concezione è un dogma della Chiesa cattolica, proclamato da papa Pio IX l'8 dicembre 1854 con la bolla Ineffabilis Deus, che sancisce come la Vergine Maria sia stata preservata dal peccato originale fin dal primo istante del suo concepimento. Esso dunque va distinto dal concepimento verginale di Gesù, nel momento dell'Annunciazione.Il dogma dell'Immacolata Concezione trae fondamento dalla questione biblica del peccato originale: infatti, ogni essere umano nasce con il peccato originale, ma secondo la Chiesa cattolica, solo la Madre di Cristo ne fu esente, poiché in vista della venuta e della missione sulla Terra del Messia, a Dio piacque che la Vergine dovesse essere il grembo puro e senza peccato per accogliere in modo degno e perfetto il Figlio divino incarnato. Chiesa cattolica celebra la solennità dellImmacolata Concezione della Beata Vergine Maria l'8 dicembre . Nella devozione cattolica l'Immacolata è collegata con le apparizioni di Lourdes  e iconograficamente con le precedenti apparizioni di Rue du Bac a Parigi . festa dell'Immacolata Concezione è una delle feste mariane più importanti nel calendario liturgico della Chiesa cattolica, celebrata in tutto il mondo. Per decreto reale, è designata come il giorno in onore della patrona del Portogallo. È celebrata dalla Chiesa cattolica e da alcune denominazioni cristiane protestanti.  festa fu solennizzata per la prima volta come giorno di precetto il 6 dicembre 1708 con la bolla pontificia Commissi Nobis Divinitus di papa Clemente XI ed è spesso celebrata con parate, fuochi d'artificio, processioni.In modo ancora più esteso del dogma, la Chiesa cattolica insegna non solo che la Vergine fu concepita senza il peccato di Adamo ed Eva, ma anche che ella rimase per tutta la vita priva di qualsiasi macchia di peccato, anche veniale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Adamo ed Eva
Annunciazione
Chiesa cattolica
Concepimento
Dio
Eva
Gesù
Ineffabilis Deus
Lourdes
Parigi
Portogallo


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Gioele

Yoel Colomé, calciatore cubanoYoel Kahn, rabbino, mistico e scrittore russoYoel Rodríguez Oterino, calciatore spagnoloYoel Romero, atleta e lottatore cubano

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Yoel in Prophet Joel (Michelangelo)'s Variants.Please output in Italian.

Yoel Colomé
Yoel Kahn
Yoel Rodríguez
Yoel Romero


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient  Rome of the Philosophy explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Sovrani di Baviera Wittelsbach Richard Wagner

Prompt: How does Ludwig II (sculpture) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Baviera
Sovrani di Baviera
Richard Wagner
Sovrani di Baviera


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La fattoria

fattoria è stato un reality show italiano trasmesso su Italia 1 nella prima edizione andata in onda dal 6 aprile 2004 al 2 giugno 2004 e su Canale 5 nelle tre edizioni successive, in onda dal 16 marzo 2005 al 19 aprile 2009.  prima edizione del 2004 è stata condotta da Daria Bignardi, mentre la seconda del 2005 e la terza del 2006 da Barbara D'Urso, ed infine la quarta ed ultima edizione del 2009 da Paola Perego.Il programma è basato su un format televisivo svedese intitolato Farmen, prodotto in tutto il mondo in più edizioni e con varie denominazioni.

Prompt: In The Farm (Miró), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Battaglia di Isso

Battaglia di Cheronea  Battaglia del Granico Battaglia di Gaugamela Battaglia dell'Idaspe Battaglia di Isso

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Battaglia del Granico
Battaglia dell'Idaspe
Battaglia di Gaugamela


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The self-portrait in ancient art discussed?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Estasi di santa Cecilia

Indagini per un dipinto.  Santa Cecilia di Raffaello, ALFA, Bologna, 1983. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 R. Bellucci, D. Cauzzi, C. Seccaroni, LEstasi di Santa Cecilia di Raffaello. Novità in merito all'iconografia, alla genesi e all'esecuzione, in Bollettino d'Arte, XC, fasc. 131, 2005, pp. 101–110.

Prompt: Focus on The Ecstasy of Saint Cecilia and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Ratto delle Leucippidi

leftAvvistate le ragazze, i Dioscuri interrompono di colpo il galoppo forsennato dei loro bellissimi destrieri, che infatti vediamo impennarsi per il brusco arresto, e si avventano sulle due sorelle. Le abbrancano vigorosamente per trascinarle via e nella turbinosa zuffa le vesti di Ilera e Febe cadono giù rivelando due prorompenti nudi femminili. I bracciali d'oro che esse indossano e le loro raffinate acconciature ci ricordano che sono delle principesse.Con gustosa invenzione pittorica due cupidi - già si è detto della funzione simbolica di quello a sinistra - prendono le redini dei cavalli e subentrano nel loro controllo ai Dioscuri che le hanno mollate in tutta fretta. Nudità femminile di valenza centrale nell'opera che ha esplicite connotazioni erotiche: i corpi opulenti delle ragazze, su cui si concentra la luce diurna che rende la loro pelle lucida come porcellana, sono esibiti nella loro bellezza conturbante per il personale diletto della sconosciuta committenza di questo magnifico dipinto.

Prompt: Focus on The Rape of the Daughters of Leucippus and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Lucifero

Phosphoros Aion Asura Cristianesimo Demonologia Dio Gerarchia dei demoni Inferno Satana Satanismo Sorat Diavolo

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Asura
Cristianesimo
Demonologia
Diavolo
Dio
Dio
Gerarchia dei demoni
Inferno
Satana
Satanismo
Sorat


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Business names and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Disputa del Sacramento

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare , san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.

Prompt: In Disputation of the Holy Sacrament, how is the The militant church of the Description explained?Please output in Italian.


section

Deposizione Borghese

Deposizione Borghese è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, datato 1507, firmato , e conservato nella Galleria Borghese a Roma. Si tratta dello scomparto principale della Pala Baglioni.

Prompt: Focus on The Deposition (Raphael) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1507
Galleria Borghese
Pala Baglioni
Raffaello Sanzio
Roma


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Retablo dei santi Orsola, Martino e Antonio

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Altarpiece of Saints Ursula, Martin and Anthony.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

L'ultima scena, quella di Parigi, fu pure ritoccata agli angoli superiori e in basso a sinistra. È composta in maniera completamente diversa, con un unico fronte di cavalieri che occupa l'intera scena, senza lo sfondo irreale e senza la griglia prospettica al suolo, anche perché si tratta dell'arrivo delle truppe di Michele Attendolo che non sono ancora in battaglia, quindi il pittore non poteva disporre di lance e corpi caduti per allinearli. Alcuni ipotizzano che questa scena sia stata realizzata in un secondo momento, ossia qualche anno più tardi. Storicamente l'intervento del condottiero fu decisivo: nonostante i primi successi dei fiorentini la battaglia infatti volgeva per essi ormai al peggio . composizione dei cavalieri è molto complessa, con un gioco di linee tra le lance issate per la battaglia, gli stendardi al vento e i corpi dei cavalli scalpitanti. Sebbene ne siano sparite le tracce, anche qui le armature dovevano sicuramente essere ricoperte dalla lamina d'argento, che creava un effetto a specchio, con effetti di riflessione che ricordassero il metallo vero e che aumentassero il senso di affascinante irrealtà della scena.

Prompt: In the context of The Battle of San Romano, explain the Decisive intervention of Michele Attendolo alongside the Florentines and the Description and style.Please output in Italian.

Michele Attendolo
Michele Attendolo
Parigi


subsection

Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation Diptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Madonna col Bambino tra i santi Stefano, Girolamo e Maurizio è un dipinto a olio su tavola  di Tiziano, databile al 1520 circa e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: In Mary with Child and Saints Stephen, Jerome and Mauritius, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Madonna di San Francesco

Il tema dell'opera è l'intercessione di Maria, di cui i Francescani si fecero promotori dopo la definizione del dogma dell'Immacolata concezione nel 1473. Maria, dall'alto del suo trono terrestre, fa infatti da tramite tra suo figlio, tenuto in grembo, e san Francesco, proteso a sinistra, che rappresenta il medium coi fedeli.Lo schema generale è quello della sacra conversazione, ambientata in un portico aperto sul paesaggio, con una certa dimestichezza architettonica nel disegno incisivo dei capitelli ionici. I santi presenti sono Antonio da Padova , Francesco , Caterina d'Alessandria  e Giovanni Battista , il quale guarda lo spettatore e indica, nel suo gesto tipico, il Bambino. Lievi scarti nei piani annullano qualsiasi rigidità dello schema, accentuando la profondità. Di ciascun santo è reso il particolare "moto dell'animo", secondo i precetti vinciani per cui a un sentimento corrisponde un movimento del corpo e dei lineamenti del viso. Questo impercettibile muoversi, quasi fluttuare, delle figure crea intorno alla Vergine un ritmo circolare che la sua mano destra sospesa a mezz'aria pare voler smorzare. In questa delicata polifonia di gesti ed espressioni, sottolineata dalla sapiente distribuzione della luce calda e sfumata, nonché in alcune precise citazioni  il Correggio rivela una profonda riflessione sulle opere di Leonardo e raggiunge un risultato che non ha niente da invidiare ai modelli più celebri di Raffaello  o alle contemporanee pale di Andrea del Sarto  tanto da far ancora oggi discutere i critici su quali opere dei grandi maestri cinquecenteschi egli potesse aver incontrato entro questa data.Una gloria di cherubini della consistenza delle nuvole fa da corona a Maria e due puttini volano in cielo, disposti secondo un elegante contrapposto, mentre altri due alla base del trono reggono come piccoli telamoni un ritratto dei Mosè con le tavole della legge in un ovale. Si tratta di un preciso riferimento alla missione salvifica di Cristo, chiarito dal bassorilievo nella fascia rossa sottostante, in cui si vede la Creazione dell'uomo, il Peccato originale e la Cacciata dal Paradiso terrestre. Dal peccato infatti l'umanità ante legem venne riscattata da Mosè, iniziatore dell'era sub lege e prefiguratore di Cristo, apportatore della legge della fratellanza: la stessa simbologia e comparazione tra il profeta e Cristo si trovava negli affreschi quattrocenteschi della cappella Sistina.Un velo quasi impalpabile lega il putto aptero di destra con la spada di Caterina, un brano di singolare virtuosismo. Quello di sinistra invece, dalle guance gonfie, compare in numerose opere attribuite al maestro, riferite a questi anni proprio dal diretto confronto con la pala.

Prompt: In Madonna and Child with St Francis, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1473
Andrea del Sarto
Caterina d'Alessandria
Giovanni Battista
Mosè


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Testamento e morte di Mosè

Né Bartolomeo della Gatta né il trentenne Luca Signorelli compaiono tra i nomi dei titolari dell'impresa fiorentina che venne incaricata da Sisto IV, su consiglio di Lorenzo il Magnifico di affrescare la Cappella. Essi dovevano essere al seguito di Pietro Perugino il quale era probabilmente il soprintendente generale dell'opera, accanto ai maestri Botticelli, Ghirlandaio e Cosimo Rosselli. Essi sono i firmatari del contratto ufficiale, datato 27 ottobre 1481.L'ipotesi di un disegno peruginesco dell'affresco è possibile, mentre la stesura pittorica è stata tradizionalmente attribuita al Signorelli, in base alla menzione di Giorgio Vasari. L'artista cortonese dopotutto è documentato nel cantiere dopo la partenza di Perugino , autore della Disputa sul corpo di Mosè sulla parete della porta che, disastrata già al volgere della metà del Cinquecento, venne poi ridipinta nel 1574 da Matteo da Lecce, un allievo di Michelangelo.Studi più recenti  hanno ridimensionato la presenza di Signorelli nell'affresco, rilevando come la stesura pittorica, dalle sottigliezze luministiche e dai vibranti contrasti, sia piuttosto da ascrivere in massima parte a Bartolomeo della Gatta, pittore influenzato dalla purezza pittorica di Piero della Francesca e del primo Perugino. Innegabile è tuttavia la presenza di Signorelli in alcuni personaggi dall'energetica resa anatomica e calibrati a un certo patetismo nelle espressioni.

Prompt: Explain the History of this artwork, Testament and Death of Moses.Please output in Italian.

1481
1574
Bartolomeo della Gatta
Cosimo Rosselli
Giorgio Vasari
Luca Signorelli
Mosè
Perugino
Piero della Francesca
Perugino


section

Frine davanti all'Areopago

Al Salon del 1861 l'opera ha colpito il pubblico ed i critici. È stata considerata "scabrosa" e "pornografica". Questo giudizio è dovuto all'atteggiamento dei giudici davanti all'improvvisa nudità dell'etera: la loro rappresentazione come un'assemblea in maggioranza di anziani  con lo sguardo sorpreso e concupisciente, suggerisce più dei vecchi pervertiti piuttosto che dei saggi magistrati. Per lui, la Frine di Gérôme è una finzione lontana dalla realtà, incarnata dalla posa statuaria dell'etera e che rappresenta agli occhi del letterato l'arretratezza della pittura accademica che lottava contro i nuovi movimenti artistici, per primo l'Impressionismo, al quale lo stesso Gérôme si è opposto con accanimento. Nel 1866, Zola aveva già criticato un altro quadro a tema antico di Gérôme, Cleopatra davanti a Cesare, chiamandola "Cleopatra in gesso". Per Zola, il quadro è costruito a tavolino, "un oggetto alla moda", ma Gérôme non ci mette "né carattere, né nessun tipo di personalità". Sulla stessa linea, Théophile Gautier confronta la figura centrale del quadro ad una "statua vivente" per via della sua posa e del suo biancore marmoreo. Nel quadro, infatti, Frine assume di fatto la posa di una statua: i piedi giunti, la schiena dritta e la sua posizione fra due piedistalli vuoti, uno nero in primo piano ed uno grigio, dietro. Il quadro sarà venduto alla forte somma di cinquantamila o sessantamila franchi e le sue riproduzioni avranno un successo enorme negli anni successivi in tutta la Francia, tant'è che saranno per Gérôme e la casa Goupil che pubblica le sue opere, una rendita fissa. tela ispirò con ogni probabilità la statua in marmo Frine, scolpita intorno al 1863 dal milanese Francesco Barzaghi, presentata all'Esposizione universale di Parigi del 1867.

Prompt: How does Phryne Before the Areopagus explain its History?Please output in Italian.

Francesco Barzaghi
Francia
Frine
Impressionismo
Théophile Gautier


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Autoritratto con fiore d'eringio

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: In Portrait of the Artist Holding a Thistle, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (van Dyck, Vienna)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Donna con brocca d'acqua

Il dipinto è noto con sicurezza solo dal 1877, quando passò in un'asta di Christie's a Londra. All'epoca veniva attribuito a Gabriel Metsu, e fu in seguito assegnato anche a Pieter de Hooch. Passò per varie collezioni in Irlanda e in Francia, prima di approdare a New York, nella collezione di Henry G. Marquand, che lo donò al museo nel 1889. Nonostante le vicende attributive altalenanti, già nel 1878 era stato esposto alla Royal Academy di Londra con attribuzione a Vermeer, nome che anche nella critica recente è dato ormai unanimemente per sicuro. datazione si basa su motivi stilistici: alla fase matura degli anni sessanta rimandano alcune caratteristiche  che fanno accostare l'opera alla serie di figure femminili singole, sebbene alcuni dettagli iconografici  possano anche indirizzare verso un periodo più giovanile.

Prompt: Explain the History of this artwork, Woman with a Water Jug.Please output in Italian.

1878
1889
Christie's
Gabriel Metsu
New York
Pieter de Hooch


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Apocalisse

rivelazione di saggezze nascoste avviene attraverso una visione o un sogno. A causa della natura peculiare del soggetto, questa è evidentemente la forma letteraria più naturale. L'attuazione della rivelazione e l'esperienza di chi la riceve vengono poste più o meno in rilievo. Normalmente, ma non sempre, i fatti vengono riportati in prima persona. Esiste qualcosa di portentoso nelle circostanze, commisurato all'importanza dei segreti che verranno svelati. L'elemento del mistero, spesso in primo piano nella visione stessa, è presagito negli eventi preliminari. Alcune delle caratteristiche classiche della "tradizione apocalittica" sono collegate con le circostanze della visione e con l'esperienza personale del veggente.L'esempio primario di letteratura apocalittica nella Bibbia ebraica è il Libro di Daniele. Mentre si trova lungo il fiume dopo un lungo digiuno Daniele vede apparire un essere celeste, che gli svela la rivelazione . L'evangelista Giovanni nel Nuovo Testamento, libro dell'Apocalisse  ha un'esperienza simile, narrata con termini comparabili. Si confronti anche il primo capitolo della Apocalisse Greca di Baruch e la Apocalisse Siriaca, vi.1 segg., xiii.1 segg., lv.1-3. In alternativa il profeta giace sul letto, preoccupato per il futuro della sua gente, quando cade in una specie di trance, e il futuro gli è mostrato nelle "visioni della sua mente". Questo è il caso di Daniele, 7:1 segg.; Esdra, 3:1-3; e nel libro di Enoch, i.2 e seguenti. A proposito della descrizione degli effetti della visione sul veggente, vedi Dan. 8:27; Enoch, lx.3; 2 Esdra 5:14.

Prompt: Describe the characteristics of the Revelation through a dream or a vision in Apocalypse (Dürer)'s Description.Please output in Italian.

Bibbia
Libro di Daniele
Nuovo Testamento


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La pastorella

Allison Lee Palmer, Historical Dictionary of Romantic Art and Architecture, Rowman & Littlefield Publishers, 2019.

Prompt: How does The Shepherdess explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Minerva protegge la Pace da Marte

Il dipinto rappresenta Minerva, dea della guerra, oltre che della saggezza e protettrice degli artigiani, nell'atto di allontanare Marte, dio maschile della guerra, mentre davanti a loro sta la figura nuda della Pace.

Prompt: How does Minerva Protecting Peace from Mars explain its Description?Please output in Italian.


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amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: Explain the Triangular model of love about the In the arts of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Ritratto del cardinale Tavera

Il cardinale Juan Pardo de Tavera fu il fondatore dell'ospedale di san Giovanni Battista a Toledo che è comunemente conosciuto con il nome del prelato o come Ospedale de Afuera, ubicato al di fuori delle mura della città. Questo ritratto non è stato facile da realizzare dal pittore in quanto il cardinale era morto nel 1545. El Greco si basò sulla maschera mortuaria realizzata da Alonso Berruguete.Nel dipinto le linee del viso sono profondamente segnate, completate dal malessere che ha portato alla sua morte.  sua figura è raffigurata in tre quarti di profilo su uno sfondo neutro, dietro un tavolo decorato da una tovaglia verde dove riposa il cappello cardinalizio, un libro e la mano sinistra di Tavera. Sebbene enfatizzi l'aspetto cadaverico dell'uomo, anche il cretese ci mostra il lato forte e vitale dell'ecclesiastico. I colori sono molto vivaci, nei toni del verde e del rosso e la pennellata è allentata, come nell'intera tappa finale di El Greco.

Prompt: In Portrait of Juan Pardo de Tavera, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1545
Alonso Berruguete
El Greco
Juan Pardo de Tavera
Toledo


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Poiché inizialmente lo squalo era stato conservato male, iniziò a deteriorarsi e il liquido circostante divenne torbido. Hirst ha attribuito parte del decadimento al fatto che la Galleria Saatchi aveva aggiunto candeggina al fluido. Nel 1993 la galleria ha scuoiato lo squalo e posto la sua pelle su uno stampo in fibra di vetro, trasformando così lo squalo da una carcassa intatta conservata chimicamente a una tassidermia che viene mostrata nel fluido. Hirst ha commentato: "Non sembrava più così spaventoso... Potevi capire non fosse vero. Non aveva peso."Quando Hirst venne a sapere dell'imminente vendita dell'opera da parte di Saatchi a Cohen, si offrì di sostituire lo squalo, un'operazione che Cohen finanziò, definendo la spesa "irrilevante" . Un altro squalo  è stato catturato al largo della costa del Queensland e spedito a Hirst, a cui è giunto dopo un viaggio di 2 mesi. Nel 2006, Oliver Crimmen, scienziato e curatore di pesci al Museo di Storia Naturale di Londra, ha contribuito alla conservazione del nuovo esemplare. Ciò ha comportato l'iniezione di formaldeide nel corpo e l'immersione per due settimane in un bagno di soluzione di formalina al 7%. Per ospitare il risultato è stata poi utilizzata la vetrina originale del 1991.Hirst ha riconosciuto che c'era una questione filosofica sul fatto che sostituire lo squalo significasse che il risultato potesse ancora essere considerato la stessa opera d'arte. Ha osservato: «È un grande dilemma. Artisti e conservatori hanno opinioni diverse su ciò che è importante: l'opera d'arte originale o l'intenzione originale. Vengo da un background di arte concettuale, quindi penso che dovrebbe essere l'intenzione. È lo stesso pezzo. Ma la giuria sarà fuori per molto tempo a venire.»

Prompt: In The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, how is the Deterioration and replacement of the History explained?Please output in Italian.


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Madonna della Seggiola

L'opera si trova nelle collezioni medicee fin dalla prima metà del Cinquecento ed era sicuramente nata per una collocazione privata, a giudicare dal formato della tavola.  presenza della "sedia camerale", la complessità compositiva e altri dettagli hanno fatto ipotizzare che l'opera fosse nata su commissione di papa Leone X, e da lui inviata ai suoi parenti a Firenze. Già agli Uffizi, venne destinata al palazzo reale dall'inizio Settecento. Negli inventari del 1723 e del 1761 è infatti ricordata nella camera da letto del Gran Principe Ferdinando de' Medici, mentre in seguito fu collocata nella Sala di Pietro da Cortona e, dopo il riordino leopoldino della quadreria, nella Sala di Giove  e poi in quella di Marte . Rastrellata durante le spoliazioni napoleoniche, fu a Parigi dal 1799 al 1815. Tornata a Firenze, dal 1882 è nella Sala di Saturno insieme con le altre opere di Raffaello del museo. datazione intorno al 1514 si basa su elementi stilistici poiché l'opera viene in genere considerata successiva agli affreschi della Stanza di Eliodoro. Evidenti sono le citazioni michelangiolesche, nella plasticità prorompente e fisica di alcuni dettagli, come il gomito del Bambino, tuttavia stemperati dal dolce stile raffaellesco. Vicina da un punto di vista stilistico e formale è la Madonna della Tenda, che propone gli stessi soggetti in una posa leggermente variata e su un formato rettangolare.Una  del dipinto.

Prompt: In Madonna della Seggiola, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Federico il Saggio

Il soggetto è ritratto a mezza figura di tre quarti, voltato a destra e con lo sguardo girato verso lo spettatore, su sfondo verdastro.  tipologia del ritratto rimanda all'arte fiamminga, come lo stratagemma del parapetto su cui l'artista appoggia le braccia, o anche il motivo della lettera arrotolata in mano. postura eretta, il ricco abbigliamento con il grosso berretto a falde larghe ribaltate, sottolineano il carattere volitivo di Federico e il suo status. Gli occhi leggermente sgranati fissano impavidi incuotendo una certa soggezione.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Frederick III of Saxony.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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San Sebastiano (Perugino San Paolo)

San Sebastiano conosciuto anco come San Sebastiano alla colonna è un dipinto del pittore Perugino realizzato circa nel 1500-1510 e conservato nel Museo d'arte di San Paolo in Brasile

Prompt: How does St Sebastian (Perugino, São Paulo) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Tristezza

Tutta la muscolatura facciale è coinvolta durante un'espressione di tristezza: i muscoli perdono di rigidità, talvolta manifestando inespressività, la fronte tende a corrugarsi, gli angoli della bocca sono rivolti verso il basso.

Prompt: Explain the Facial muscles about the Neuroanatomy of this artwork, The Sorrows of the King.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Focus on Self-Portrait (Bol) and explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset..Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Ludovico II di Baviera

in inglese: Blunt, Wilfred and Michael Petzet. The Dream King: Ludwig II of Bavaria. 1973. ISBN 0-14-003606-7. Chapman-Huston, Desmond. Bavarian Fantasy: The Story of Ludwig II. 1955. King, Greg. The Mad King: The Life and Times of Ludwig II of Bavaria. 1996. ISBN 1-55972-362-9 McIntosh, Christopher. The Swan King: Ludwig II of Bavaria. 1982. ISBN 1-86064-892-4

Prompt: Explain the Source of quotes about the Ludovico in the mass culture of this artwork, Ludwig II (sculpture).Please output in Italian.


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Democrito

riflessione di Democrito sulla civiltà, sul linguaggio e sulla religione è molto probabilmente frutto del razionalismo della sua epoca. Civiltà: gli uomini, inizialmente, vivevano senza leggi e solitari, compresa l'utilità della vita sociale stabilirono delle regole di comune convivenza. Linguaggio: è una convenzione risalente all'epoca dell'organizzazione in società dei primi uomini. Religione: osservando i fenomeni naturali e non sapendosene dare una spiegazione gli Uomini pensarono che fossero opera di entità soprannaturali .

Prompt: In Democritus (Ribera), how is the Civilization, language, religion of the Opponents explained?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Seguendo l'ispirazione avuta durante la visita al Parque Guell di Antoni Gaudí a Barcellona, poi rafforzata dalla visita al giardino di Bomarzo, Niki de Saint Phalle inizia la costruzione del Giardino dei Tarocchi nel 1979.Identificando nel Giardino il sogno magico e spirituale della sua vita, Niki de Saint Phalle si è dedicata alla costruzione delle ventidue imponenti figure in acciaio e cemento ricoperte di vetri, specchi e ceramiche colorate, per più di diciassette anni, affiancata, oltre che da diversi operai specializzati, da un'équipe di nomi famosi dell'arte contemporanea come Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie ed Isabelle Le Jeune, Alan Davie, Marina Karella e soprattutto dal marito Jean Tinguely, scomparso nel 1991, che ha creato le strutture metalliche delle enormi sculture e ne ha integrate alcune con le sue mécaniques, assemblaggi semoventi di elementi meccanici in ferro.All'opera hanno collaborato anche Ricardo Menon, amico ed assistente personale di Niki de Saint Phalle, e Venera Finocchiaro, ceramista romana; le sculture più piccole del Giardino , realizzate a Parigi con l'aiuto di Marco Zitelli, sono state poi prodotte in poliestere da Robert, Gerard e Olivier Haligon. L'architetto ticinese Mario Botta, in collaborazione con l'architetto grossetano Roberto Aureli, ha disegnato il padiglione di ingresso, uno spesso muro di recinzione con una sola grande apertura circolare al centro, pensato come una soglia che divida nettamente il Giardino dalla realtà quotidiana.Terminato solo nell'estate del 1996, la realizzazione del Giardino ha comportato, oltre ad un enorme lavoro di impianto, una spesa di circa 10 miliardi di lire interamente autofinanziati dall'autrice. Nel 1997 Niki de Saint Phalle ha costituito la Fondazione Il Giardino dei Tarocchi il cui scopo è quello di preservare e mantenere l'opera realizzata dalla scultrice.Il 15 maggio 1998 il Giardino dei Tarocchi è stato aperto al pubblico.Visitando il parco si nota che non sono stati terminati alcuni interventi e che una statua è incompiuta, a causa della malattia respiratoria che uccise l'artista nel 2002 e il cui volere era quello di non completare le parti che lei stessa non aveva realizzato.

Prompt: Explain the History of this artwork, Tarot Garden.Please output in Italian.

1979
1991
1996
1997
1998
Alan Davie
Antoni Gaudí
Barcellona
Bomarzo
Dok van Winsen
Giardino
Isabelle Le Jeune
Jean Tinguely
Marina Karella
Mario Botta
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Parigi
Paul Wiedmer
Ricardo Menon
Rico Weber
Sepp Imhof
Tarocchi
Venera Finocchiaro


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Chassériau)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Dante e Virgilio

Dante e Virgilio , noto anche come Dante e Virgilio all'Inferno, è un dipinto ad olio su tela realizzato dal francese William-Adolphe Bouguereau nel 1850: di dimensioni 280.5 x 225 cm, è conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: In Dante and Virgil, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Rembrandt's self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Paesaggio con la fuga in Egitto

Le restanti quattro tele che decoravano la cappella di Palazzo Aldobrandini:

Prompt: Focus on Landscape with the Flight into Egypt (Carracci) and explain the Loyalty Glasses Aldobrandini.Please output in Italian.


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Allegoria

Nell'allegoria, come nella metafora, vi è la sostituzione di un oggetto ad un altro ma, a differenza di quella, l’allegoria non si basa sul piano emotivo, bensì richiede un'interpretazione razionale di ciò che sottintende.Essa opera quindi su un piano superiore rispetto al visibile e al primo significato: spesso l'allegoria si appoggia a convenzioni di livello filosofico o metafisico.

Prompt: In the context of Allegory (Filippino Lippi), explain the Compared metaphor and the Characteristics.Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Per quanto riguarda l'entità delle forze in campo, le fonti letterarie di epoca classica greco-romana concordano nell'indicare una cifra di circa 40.000 soldati macedoni , ma esagerano e sono discordanti sull'ammontare delle forze persiane: secondo Arriano e Plutarco erano 600.000 uomini, secondo Diodoro Siculo e Giustino 400.000, secondo Curzio Rufo 250.000. storiografia moderna si attesta su cifre inferiori: tra i 100.000 e 120.000 uomini per i Persiani e circa 30.000 per i Macedoni.Alessandro era schierato alla destra, all'uscita della valle del Pinarus, al comando della cavalleria pesante degli eteri . Alla sua sinistra si trovava la falange e la fanteria leggera macedone  sotto la guida di Parmenione, il cui fianco sinistro era protetto da un contingente di cavalieri alleati provenienti dalla Tessaglia. Il comandante Cratero era sull'ala sinistra comandata da Parmenione, a cui era stato dato l'ordine tattico di non allontanarsi dal mare. Erano inoltre presenti come supporto le unità comandate da Sitalce, mentre alla destra si trovavano Aristone, Protomarco, gli arcieri di Antioco, gli hetaîroi e all'estrema destra presiedeva Attalo. Alessandro arringò i suoi uomini, incitandoli affermando che dopo questa vittoria non ci sarebbero stati altri ostacoli alla conquista dell'intera Asia.I Persiani concentrarono la cavalleria sul loro fianco destro, in prossimità della costa, a supporto di una falange di opliti costituita da mercenari provenienti dalla Grecia. Dario aveva disposto la fanteria pesante  lungo il fiume e un gruppo sulle colline, per minacciare il fianco destro macedone . Al centro della formazione si trovava il re con le truppe migliori: gli immortali  e la cavalleria reale. Secondo alcuni storici, come Leon Stratikis, Dario stava cercando di copiare la formazione che l'esercito macedone utilizzò durante la battaglia del Granico.

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the Strengths in the field of the Thebattle explained?Please output in Italian.

Aristone
Arriano
Cratero
Diodoro Siculo
Grecia
Parmenione
Persia
Pinarus
Plutarco
Protomarco
Sitalce
Tessaglia


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-Portrait (Bol)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Estasi di santa Margherita da Cortona

II dipinto ha come soggetto un evento mistico accaduto nel XIII secolo, che vide come protagonista la religiosa Margherita da Cortona, appartenente al Terz'Ordine francescano secolare. Nella scena viene catturato il momento in cui la santa, sorretta da due angeli, raggiunge l'estasi dinanzi alla visione di Cristo su una nuvola, il quale le mostra le stigmate. Margherita riferì che nella visione Gesù si rivolgeva a lei chiamandola mia figlia adorata.  vita le è cinta da un cingolo di corda, caratterizzante proprio i membri degli ordini francescani. Il cagnolino in basso a sinistra, ai suoi piedi, è un attributo comune nella sua iconografia: difatti richiama la vicenda del ritrovamento del cadavere del suo amante assassinato, Arsenio, avvenuto - secondo la tradizione - proprio ad opera del cane di Arsenio. Questo episodio avrebbe innescato una svolta nella vita di Margherita, divenuta quindi più vicina alla spiritualità.Lo sfondo si presenta scuro, ma tende ad acquisire un bagliore dorato man mano che ci si avvicina alla figura di Gesù.  composizione barocca scelta dal nfranco vede le figure collocarsi su un'ipotetica diagonale; l'artista conferisce una solidità realistica ai personaggi e sceglie di concentrare l'attenzione non solo sulla travolgente visione miracolosa di Margherita, ma anche sul suo stato psichico.

Prompt: In Ecstasy of St Margaret of Cortona, how is the Description discussed?Please output in Italian.

Cortona
Cristo
Gesù
Margherita da Cortona
Ordine francescano secolare


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Cloud Gate

Anish Kapoor ha una certa reputazione per aver creato spettacoli in ambienti urbani, progettando opere di dimensioni estreme. Prima di creare il Cloud Gate, Kapoor ha creato altre opere d'arte che distorcono le immagini dell'osservatore anziché di raffigurare proprie immagini; in questo modo, l'artista ha acquisito esperienza nel confondere il confine tra limite e senza limite. Kapoor ha disegnato il Cloud Gate sulla base di esperienze passate, in particolare sul progetto del 2001 riguardante lo "Sky Mirror", uno specchio concavo di acciaio inossidabile alto 6,1 metri e del peso di 9 tonnellate, presente a New York e a Nottingham. Kapoor esplora il tema dell'ambiguità con i suoi lavori posizionando i suoi visitatori in uno stato di "centralità".

Prompt: Explain the Principal Kapoor about the Audience reception of this artwork, Cloud Gate.Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

Il dramma della dannazione raggiunge poi il suo apice nella tavola seguente, lInferno, dove la rappresentazione è ancora ridotta all’essenziale, con poche figure in primo piano torturate dai demoni sullo sfondo di un antro oscuro, rischiarato solo dai fumi e dalle fiamme dell’incendio perpetuo, che rifulge dietro una minacciosa rupe aguzza.  composizione è organizzata secondo un modulo "a piani rialzati zigzaganti" il cui asse mediano coincide con il livello del fiume o lago infernale.  riva destra  è dominata da un albero secco leggermente piegato verso l'acqua e su cui poggia un grosso uccello. Dirimpetto, la riva sinistra è dominata da un promontorio da cui si erge un'alta rupe, sormontata da un cratere in fiamme e che essendo posta in controluce maschera una fonte sfavillante di luce giallo-verde che irradia tutta la parte mediana del paesaggio. Sul promontorio sosta un altro uccello, mentre un diavolo, visto da tergo, sale a riva precedendone un altro che pare urlare nella corrente che intanto trascina con sé un dannato, mani e testa a fior d’acqua, forse inseguito dal diavolo. Tra le due rive, a metà dello stretto, affiora il braccio destro di un dannato che affonda. In primo piano sulla riva destra si nota una figura maschile, ignuda, che si tiene il capo in atto di totale scoramento mentre un mostro diabolico di color verde la tiene per il braccio avvinghiandosi nel contempo con la coda alla gamba sinistra del dannato. Più in là, un altro diavolo colpisce con un lungo pugnale un dannato. In secondo piano due dannati piangenti, rimangono rannicchiati in acqua al riparo della corrente.

Prompt: Describe the characteristics of the Hell in Ascent of the Blessed's Description and style.Please output in Italian.


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Gonfalone con la Pietà

Il Gonfalone con la Pietà è un dipinto a tempera su tela  di Pietro Perugino, databile al 1472 circa e conservato nella Galleria nazionale dell'Umbria a Perugia.

Prompt: Focus on Pietà Gonfalon and explain the Abstract.Please output in Italian.

1472
Galleria nazionale dell'Umbria
Perugia
Perugino


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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San Girolamo Contini Bonacossi

San Girolamo Contini Bonacossi  è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile al 1480 circa e conservato nella Collezione Contini Bonacossi presso la Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, St. Jerome in the Desert (Bellini, Florence).Please output in Italian.

1480
Collezione Contini Bonacossi
Firenze
Galleria degli Uffizi
Giovanni Bellini


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Bosch, Munich) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Aerostato

Un pallone aerostatico è la più semplice di tutte le macchine volanti. Quando il tessuto che forma il pallone viene riempito di gas leggero o di aria calda, il pallone stesso risulta più leggero dell'atmosfera che lo circonda e pertanto la spinta di Archimede, diretta verso l'alto ed uguale al peso del volume d'aria spostato dal pallone, è maggiore del peso del pallone riempito di gas.Al pallone è fissato un cesto, all'interno del quale trova posto il carico utile .

Prompt: How does Balloon (Merse) explain its Why does a hot air balloon fly?Please output in Italian.


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Giardino dei Tarocchi

Seguendo l'ispirazione avuta durante la visita al Parque Guell di Antoni Gaudí a Barcellona, poi rafforzata dalla visita al giardino di Bomarzo, Niki de Saint Phalle inizia la costruzione del Giardino dei Tarocchi nel 1979.Identificando nel Giardino il sogno magico e spirituale della sua vita, Niki de Saint Phalle si è dedicata alla costruzione delle ventidue imponenti figure in acciaio e cemento ricoperte di vetri, specchi e ceramiche colorate, per più di diciassette anni, affiancata, oltre che da diversi operai specializzati, da un'équipe di nomi famosi dell'arte contemporanea come Rico Weber, Sepp Imhof, Paul Wiedmer, Dok van Winsen, Pierre Marie ed Isabelle Le Jeune, Alan Davie, Marina Karella e soprattutto dal marito Jean Tinguely, scomparso nel 1991, che ha creato le strutture metalliche delle enormi sculture e ne ha integrate alcune con le sue mécaniques, assemblaggi semoventi di elementi meccanici in ferro.All'opera hanno collaborato anche Ricardo Menon, amico ed assistente personale di Niki de Saint Phalle, e Venera Finocchiaro, ceramista romana; le sculture più piccole del Giardino , realizzate a Parigi con l'aiuto di Marco Zitelli, sono state poi prodotte in poliestere da Robert, Gerard e Olivier Haligon. L'architetto ticinese Mario Botta, in collaborazione con l'architetto grossetano Roberto Aureli, ha disegnato il padiglione di ingresso, uno spesso muro di recinzione con una sola grande apertura circolare al centro, pensato come una soglia che divida nettamente il Giardino dalla realtà quotidiana.Terminato solo nell'estate del 1996, la realizzazione del Giardino ha comportato, oltre ad un enorme lavoro di impianto, una spesa di circa 10 miliardi di lire interamente autofinanziati dall'autrice. Nel 1997 Niki de Saint Phalle ha costituito la Fondazione Il Giardino dei Tarocchi il cui scopo è quello di preservare e mantenere l'opera realizzata dalla scultrice.Il 15 maggio 1998 il Giardino dei Tarocchi è stato aperto al pubblico.Visitando il parco si nota che non sono stati terminati alcuni interventi e che una statua è incompiuta, a causa della malattia respiratoria che uccise l'artista nel 2002 e il cui volere era quello di non completare le parti che lei stessa non aveva realizzato.

Prompt: How does Tarot Garden explain its History?Please output in Italian.

1979
1991
1996
1997
1998
Alan Davie
Antoni Gaudí
Barcellona
Bomarzo
Dok van Winsen
Giardino
Isabelle Le Jeune
Jean Tinguely
Marina Karella
Mario Botta
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Parigi
Paul Wiedmer
Ricardo Menon
Rico Weber
Sepp Imhof
Tarocchi
Venera Finocchiaro


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Concerto interrotto

In primo piano vi è una ragazza seduta che legge uno spartito musicale, mentre un gentiluomo dell'epoca è proteso verso di lei. Si dovrebbe ricordare che la musica, spesso soggetto delle scene dipinte in interno da Vermeer, era, nel XVII secolo, allegoria e simbolo del corteggiamento, seppure qui trattata in maniera lirica e priva di qualsiasi trivialità. Questo fatto è ulteriormente richiamato dal dipinto nel dipinto: sulla parete di fondo, infatti, si intravede un Cupido con un braccio alzato che regge una carta . Quest'ultimo motivo è infatti ripreso da un libro popolare ai tempi  e simboleggiava la fedeltà ad un unico partner sentimentale. È presente tale e quale anche nello sfondo rappresentato in Donna in piedi alla spinetta. Particolare che conferma la serietà del messaggio che il pittore ci vuole far arrivare, insieme alla non ambiguità dei gesti ritratti e allo sguardo rivolto all'esterno, al pubblico, da parte della ragazza. tela raffigura lo scorcio di una stanza signorile con una finestra, un tavolo ed un dipinto incorniciato, particolari che ricorrono anche nei quadri succitati, oltre che, il finto quadro, in numerose altre opere di Vermeer.  gabbietta appesa a sinistra è un elemento spurio, aggiunto in seguito, forse per coprire una zona particolarmente danneggiata. In quell'occasione venne aggiunto anche un violino con archetto, rimosso poi dai restauri.Evidente è anche la somiglianza e l'apparente vicinanza estetica con altre due opere dello stesso autore, il Bicchiere di vino e la  Fanciulla che beve, in cui si riconoscono uno stesso impianto stilistico e architettonico.

Prompt: In Girl Interrupted at Her Music, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Bicchiere di vino
Cupido
Donna in piedi alla spinetta


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Allegoria sacra

Non esiste documentazione circa la commissione e la collocazione originaria dell'opera, che si trovava nel XVIII secolo nelle Collezioni imperiali di Vienna. Nel 1793 il direttore degli Uffizi Luigi nzi, desideroso di arricchire organicamente le collezioni della galleria fiorentina con un'opera importante che rappresentasse la scuola veneziana, propose un normale scambio di opere, che venne accettato. LAllegoria arrivò così a Firenze, con l'attribuzione però a Giorgione.Fu Cavalcaselle il primo a restituire l'opera al Bellini , oggi unanimemente accettata, nonostante in passato si fosse fatto anche il nome di Marco Basaiti .Le proposte di datazione oscillano tra il 1487 e il 1504. Quelle più tarde legano l'opera al dipinto che Isabella d'Este chiese al Bellini per il suo studiolo, un'ipotesi alquanto remota per le dimensioni incongrue e l'assenza di documentazione.

Prompt: In Holy Allegory, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Madonna col Bambino è un soggetto tradizionale dell'iconografia cristiana. Le opere ispirate a questo soggetto raffigurano la Vergine Maria con Gesù bambino, solitamente tenuto in braccio.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Bellini, Pavia) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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monumento a Wikipedia

Il monumento è stato finanziato dalla città di Słubice, il costo è stato di circa 60.000 złoty . Il monumento sorge in piazza Frankfurcki, in pieno centro storico di Słubice. L'inaugurazione è avvenuta il 22 ottobre 2014 alla presenza degli esponenti di Wikimedia Foundation, Wikimedia Deutschland e Wikimedia Polska.

Prompt: In Wikipedia Monument, how is the Costs discussed?Please output in Italian.

Wikimedia Deutschland
Wikimedia Foundation
Wikimedia Polska


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Pala di Monteripido

Il polittico era originariamente destinato a inquadrare un venerato crocifisso ligneo nella chiesa di San Francesco al Monte a Monteripido presso Perugia.

Prompt: In Monteripido Altarpiece, how is the History discussed?Please output in Italian.


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monumento a Leonardo da Vinci

Nel 1856 tra i concorsi dell'Accademia di Belle Arti di Milano venne richiesto il progetto di un monumento a Leonardo in forma di fonte da porre sempre nel cortile di Brera. Una medaglia d'oro del valore intrinseco di venti zecchini.}}L'8 febbraio 1857 l'imperatore Francesco Giuseppe stabilì la realizzazione di un vero e proprio monumento da porre in piazza San Fedele con una statua in marmo alta 3,60 metri. Venne perciò stabilito un nuovo programma il 1º ottobre 1857, con scadenza il 31 ottobre 1858.Il 22 dicembre 1858 la commissione stabilì all'unanimità la scelta del modello «Pensa nel marmo» presentato dallo scultore Pietro Magni; si fece però anche presente che sarebbe stata necessaria una spesa maggiore delle 60.000 lire austriache previste dal bando di concorso. Venne anche stabilito di destinare il monumento alla piazza della Scala.

Prompt: Explain the The contest of 1857 about the Interventions of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.


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Trittico di San Lorenzo

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Focus on San Lorenzo Triptych and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Girolamo

), noto anche come san Girolamo, Gerolamo o Geronimo,Sesso = MLuogoNascita = StridoneGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 347LuogoMorte = BetlemmeGiornoMeseMorte = 30 settembreAnnoMorte = 420Epoca = 300Epoca2 = 400Attività = biblistaAttività2 = traduttoreAttività3 = teologoAttivitàAltre = e monaco cristianoNazionalità = romano}}Padre e Dottore della Chiesa, tradusse in latino parte dell'Antico Testamento greco  e, successivamente, l'intera Scrittura ebraica.

Prompt: Focus on St. Jerome in the Wilderness (Mantegna) and explain the Abstract.Please output in Italian.

30 settembre
347
420
Antico Testamento
Betlemme
Dottore della Chiesa
Stridone


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Liberazione di Andromeda

Secondo la testimonianza di Vasari la tavola a soggetto mitologico era stata dipinta per Filippo Strozzi il Vecchio  e poi donata da suo figlio Giambattista a Sforza Almeni, Primo Cameriere di Cosimo I de' Medici. Con la caduta in disgrazia dell'Almeni tutti i suoi beni vennero incamerati da Cosimo, e infatti il dipinto si trova registrato dal 1589 nella Tribuna, con attribuzione a Piero di Cosimo su disegno di Leonardo, un'ipotesi oggi scartata dalla critica, pur rilevando influssi leonardeschi nella stesura pittorica, legata a un dolcissimo sfumato.Oggi la critica tende a datare l'opera a una fase più tarda, tra le ultime opere prodotte dall'artista, per motivi stilistici. Sarebbe quindi probabile che il committente reale fosse stato Giambattista, per il quale Piero di Cosimo lavorò almeno nel 1507 e nel 1510. Alcune copie antiche  testimoniano il successo dell'opera: essa nel Cinquecento godette di una speciale fama per il vivo elogio che ne face Vasari nelle Vite, definendola "la più vaga pittura" e la "meglio finita" dell'artista, soffermandosi sui numerosi particolari fantasiosi e bizzarri.

Prompt: Focus on Perseus Freeing Andromeda and explain the History.Please output in Italian.


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Ritratto di Jorge Manuel Theotocópuli

Ritratto di Jorge Manuel Theotocópuli è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1597-1603 e creato nel suo periodo toledano; è conservato nel Museo di belle arti di Siviglia in Spagna.

Prompt: How does Portrait of Jorge Manuel Theotocópuli explain its Abstract?Please output in Italian.

1597
1603
El Greco
Jorge Manuel Theotocópuli
Museo di belle arti di Siviglia
Ritratto
Siviglia
Spagna


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

left zattera della Medusa fu mostrato al pubblico per la prima volta al Salon di Parigi il 25 agosto 1819, sotto il generico titolo di Scène de Naufrage . L'argomento trattato era tuttavia facilmente riconoscibile dagli spettatori dell'epoca. L'esposizione, sponsorizzata da Luigi XVIII, presentava circa 1.300 dipinti, 208 sculture e numerosi oggetti di design. Luigi XVIII stesso visitò il salone tre giorni prima della sua apertura e, dando un giudizio al dipinto, affermò: «» .I critici si divisero in due: chi rimase affascinato dall'orrore e dalla disperazione del quadro e chi espresse il proprio scontento per una tale presa di distanze dal neoclassicismo, il cui precetto di bellezza idealizzata veniva ribaltato dal crudo realismo di Géricault. Il pittore metteva in dubbio tutte le istanze dell'epoca, gli artisti iniziarono a chiedersi come potesse una materia del genere essere trasposta in un dipinto suggestivo e come potesse l'autore riconciliare arte e realtà. Marie-Philippe Coupin de la Couperie, una pittrice francese presente alla mostra, fu categorica: «Sembra che Géricault si stia sbagliando. Lo scopo di dipingere è parlare all'anima e agli occhi, non di respingerli». mentre Kenneth Clark, storico dell'arte britannico, disse che « zattera della Medusa resta l'esempio più importante di un pathos romantico espresso attraverso il nudo. E l'ossessione della morte dona verità alle figure morenti e ai morti. Le premesse possono essere state ispirate dai classici, ma sono state riviste con il forte desiderio di un'esperienza violenta». Le polemiche furono controproducenti per l'artista, speranzoso di una unanime acclamazione popolare.Nel 1820 Géricault si accordò affinché il dipinto venisse esposto alla mostra londinese di William Bullock, a Piccadilly, dove fu visto da più di 40.000 visitatori. Tra i motivi di questo successo ci fu il più felice posizionamento della Medusa, che nel Salone Carré di Parigi era stata appesa in alto, mentre a Londra la distanza ravvicinata al suolo enfatizzò l'impatto monumentale. In Inghilterra l'opera venne sfruttata anche nell'ambito dell'intrattenimento: vennero messe in scena due rappresentazioni teatrali basate sugli eventi narrati dal quadro, che di conseguenza ampliarono la fama di Géricault e del suo lavoro. Dall'esposizione di Londra Géricault guadagnò una cifra vicina ai 20.000 franchi, come percentuale sui biglietti d'entrata, una somma maggiore di quella che il governo francese gli avrebbe corrisposto se avesse venduto il dipinto. Dopo l'esperienza londinese, nel 1821 Géricault esibì la Medusa a Dublino, dove fu però accolta tiepidamente, a causa di un'esposizione rivale in cui era mostrato un panorama in movimento intitolato Il naufragio della Medusa, che all'epoca sembrava fosse stato creato sotto la supervisione di uno dei sopravvissuti al disastro. zattera della Medusa fu in seguito scelta dal curatore del Louvre Louis Nicolas Philippe Auguste de Forbin che l'acquistò nel 1824, lo stesso anno della morte di Géricault, in una vendita postuma attraverso l'intermediazione di Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, amico dell'artista, per conservarla nel museo parigino, dove è esposta nella sala dei dipinti francesi di grande dimensione. A causa del deterioramento del quadro, nel 1859 il Louvre commissionò a due artisti francesi, Pierre-Désiré Guillemet e Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, una copia da utilizzare in caso il dipinto venisse chiesto in prestito da altri musei.

Prompt: In The Raft of the Medusa, how is the Welcome of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1819
1820
1824
25 agosto
Dublino
Inghilterra
Kenneth Clark
Parigi
Piccadilly


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Musica

Con musica popolare o musica folk  e canto popolare si indicano quei generi musicali che affondano le proprie radici nelle tradizioni di una determinata etnia, popolazione, ambito geografico o culturale.Questo concetto deve essere distinto da quello di musica pop legato a quello di canzone popolare.  musica, ma soprattutto il Canto popolare risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli tramandata di generazione in generazione oralmente.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Song music folk tradition of the Opera, lyric explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (Caravaggio), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Epifania

Nella Chiesa ortodossa etiope e nella Chiesa ortodossa eritrea, la festa è conosciuta come Timkat e si celebra il 19 gennaio del calendario gregoriano; si celebra il 20 gennaio negli anni in cui il Timket del calendario etiope cade nel 12 settembre gregoriano .  celebrazione di questa festa prevede la benedizione dell'acqua e solenni processioni con il sacro Tabot.

Prompt: In Epifania, how is the Ethiopia and Eritrea of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

12
19 gennaio
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa eritrea
Chiesa ortodossa etiope
Tabot


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Natività mistica

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Prompt: In the context of The Mystical Nativity, explain the Theangelsinthelowerhalf and the Description.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: How does Lament over the Dead Christ (Moretto) explain its Abstract?Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Lupa capitolina

Le indagini condotte per la definizione dello stato di degrado prodotto dall'ambiente e dal tempo sul materiale costitutivo dell'opera, per sua natura instabile, hanno evidenziato una particolare condizione, diversa da quella comunemente riscontrata sui bronzi archeologici rimasti a lungo interrati o esposti all'aperto. maggior parte delle trasformazioni avutesi nel tempo sono rappresentate sulla patina e, attraverso di essa, raggiungono l'interno della materia. patina e la forma sono l'immagine dell'opera, ed è proprio attraverso la salvaguardia della patina che il restauratore consente la trasmissione dei dati storici che vi sono rappresentati.I risultati delle analisi FTIR , eseguite per l'individuazione dei prodotti organici e quelli della diffrattometria a raggi X, per la caratterizzazione delle diverse patine di corrosione, ci hanno fornito una serie di indicazioni relative alla storia conservativa della Lupa.Gli spessori di cere ed olio di lino, applicati in diverse epoche per salvaguardare la superficie bronzea, prevalgono rispetto all'esiguo strato di ossido di rame formatosi naturalmente per effetto dell'esposizione del metallo all'atmosfera.Risultano quindi evidenti le cure costantemente riservate alla scultura per impedire il sorgere di fenomeni corrosivi.Ulteriore conferma viene dalla presenza di ossalti: residui di trattamenti protettivi o decapanti, usati in passato per proteggere la sottile patina bruna oppure per eliminare chimicamente e radicalmente una disomogenea stratificazione di patine ritenute pericolose o antiestetiche.Non si trattava del bitumen pliniano, né di patinature intenzionali , né di alcun procedimento tecnico conosciuto, ma di cere brillanti e trasparenti applicate non per compiere una "manomissione" sulla patina, bensì per migliorare le qualità estetiche e proteggere la materia sottostante. Tali cere però appaiono oggi ossidate, annerite e opache.Sono state eseguite varie prove di pulitura in diverse zone con lo scopo di esplorare la sequenza stratigrafica dei depositi cerosi, la loro adesione al supporto metallico e la penetrazione ed estensione di eventuali fenomeni corrosivi.Ogni tassello è stato eseguito asportando meccanicamente, col bisturi, la crosta nera depositata sulla superficie sciogliendo, con tamponcini imbevuti di trielina, i residui di sostanze organiche e infine perfezionando la pulitura con spazzolini di setola montati su microtrapano dentistico, per la completa rimozione della cera dalle porosità della superficieSu tutto il corpo della lupa e dei gemelli si sono riscontrati quattro strati; partendo dall'esterno: il primo più superficiale, molto frammentario e lucido; il secondo, più profondo del precedente, grigio-giallo, opaco e pastoso; il terzo, costituito da una patina di cuprite rosso-bruna lucente; il quarto, solo sulla parte inferiore delle zampe e del muso, è uno strato intermedio di pigmento verde . rimozione del vecchio strato protettivo e la conseguente azione dell'atmosfera su alcune sacche di cloruri presenti nella patina hanno provocato, in alcuni casi, l'immediato insorgere di attacchi di corrosione localizzata, fortunatamente di scarsa entità e stabilizzatasi spontaneamente in breve tempo.L'ultima fase del trattamento ha riguardato la protezione finale delle superfici con l'applicazione di una resina acrilica a bassa concentrazione: la Paraloid B72 al 3%.Lo scopo è stato quello di formare uno strato continuo di isolamento migliorando le caratteristiche di coesione della patina del bronzo nelle parti più porose, in modo da renderla impermeabile all'umidità, e agli agenti chimici dell'inquinamento atmosferico. scultura inoltre è stata dotata di un nuovo appoggio per le zampe anteriori.I vecchi e fatiscenti appoggi sono stati sostituiti con nuovi sostegni realizzati in acciaio inox con regolazione micrometrica dell'altezza; in questo modo si può calibrare perfettamente la posizione della lupa rispetto al basamento. forma della parte anteriore del basamento è stata poi ripristinata integrando le grandi lacune con un blocco di travertino sagomato e ricoperto con calce farge e polvere di marmo per la parte destra e stuccature dello stesso materiale per la parte sinistra.

Prompt: In Capitoline Wolf, how is the The restoration of the Description explained?Please output in Italian.


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Altare Jabach

LAltare Jabach è un dipinto a olio su tavola di tiglio  di Albrecht Dürer, databile al 1503-1504 circa. L'opera, di cui si conoscono solo i due scomparti laterali, è divisa tra lo Städel di Francoforte sul Meno  e il Wallraf-Richartz Museum di Colonia .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Jabach Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


subsection

Isabella

Ysabella, trobairitz occitanaIsobel Campbell, cantante e violoncellista scozzeseIzabela Fleming, principessa e scrittrice polaccaIsabeli Fontana, supermodella brasilianaIzabel Goulart, modella brasilianaIsabela Merced, attrice e cantante statunitenseIzabella Miko, attrice polaccaIzabela Piekarska, cestista polaccaIzabella Scorupco, attrice polaccaIsabell Sollman, attrice svedeseIsabela Souza, attrice, cantante e modella brasiliana Isabell Werth, cavallerizza tedesca

Prompt: Explain the Other variants about the People of this artwork, Isabella (Millais painting).Please output in Italian.

Isabela Merced
Isabela Souza
Isabeli Fontana
Isabell Sollman
Isabell Werth
Isobel Campbell
Izabel Goulart
Izabela Fleming
Izabela Piekarska
Izabella Miko
Izabella Scorupco
Ysabella