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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of The Crucifixion (Cranach), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Judaism and the Religion.Please output in Italian.


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La fattoria

Il regolamento prevede che un gruppo di "VIP"  abbandoni le comodità della vita abituale per vivere in una fattoria con solo gli oggetti essenziali. Ogni settimana si svolgono le nomination e i concorrenti vengono progressivamente eliminati mediante il "televoto". In finale i tre o quattro concorrenti rimasti si contenderanno il premio in denaro. Ogni settimana si svolgono delle prove che riguardano la vita quotidiana in una fattoria, o almeno ciò che l'immaginario collettivo ritiene tali. Se vincono la prova i concorrenti avranno in premio cibo oppure l'immunità dalla nomination.

Prompt: In The Farm (Miró), how is the Regulation discussed?Please output in Italian.


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Ritratto del doge Leonardo Loredan

Il Ritratto del doge Leonardo Loredan è un dipinto a olio su tavola  di Giovanni Bellini, databile al 1501-1502 circa e conservato nella National Gallery di Londra. L'opera è firmata  sul cartiglio fissato al parapetto, ed è considerata in genere come il risultato più alto della ritrattistica di Bellini.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Doge Leonardo Loredan.Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In Annunciation (Masolino), how is the Apocryphal  Gospels of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: In the context of Last Supper (Rubens), explain the Location of the Last Supper and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Allegoria coniugale

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: In Allegory of Marriage, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Apocalisse

L'introduzione degli angeli come portatori della rivelazione è una caratteristica ricorrente. Dio non parla in prima persona, ma dà le sue istruzioni a mezzo di messaggeri celesti, che agiscono come guide per il veggente.Rarissimi sono i casi di vere apocalissi in cui lo "strumento angelo" non è in primo piano nel portare il messaggio. Nell'assunzione di Mosè, che consiste principalmente in una predizione dettagliata del futuro degli Israeliti e della storia ebraica, l'annuncio viene dato a Giosuè da Mosè, immediatamente prima della morte di quest'ultimo. Anche negli "Oracoli Sibillini", che sono per la maggior parte un'anticipazione di eventi futuri, la sibilla è la sola a parlare. Ma nessuno di questi libri si può definire rappresentativo della letteratura apocalittica in senso stretto . In un altro testo a volte classificato come apocalittico, il Libro dei Giubilei , un angelo è il mediatore della rivelazione, ma la visione o l'elemento onirico mancano. In quest'ultimo caso, comunque, il libro appare decisamente non apocalittico nella sua natura.

Prompt: Explain the Theangelsbringtherevelation about the Representations of the Apocalypse of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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amore

Il concetto di amore è stato affrontato in modo particolare in filosofia dal 1700 a oggi.Arthur Schopenhauer, influenzato e ispirato dal buddhismo, definisce la compassione essenza di ogni amore e solidarietà, amore e solidarietà che si spiegano alla luce del dolore della vita. ; giunge così ad un pessimismo metafisico, in quanto proprio la passione amorosa ci attira dentro un ciclo cosmico costantemente ripetuto in una spirale di sofferenza. Schopenhauer conclude dicendo che l'amore è in definitiva un'illusione della voluntas-Volontà  la quale cerca di perpetuarsi attraverso la riproduzione.Adam Smith nella Theory of Moral Sentiments  pone la simpatia come struttura di tutti i sentimenti morali.Hegel sostiene che l'amore supera il diritto, è qualcosa che va oltre ed è più importante. È pertanto auspicabile uno Stato, società e famiglia centrate sull'amore piuttosto che sulle leggi. L'amore non ha i confini del diritto, fatto di opposizioni e bilanciamenti tra poteri e continue distinzioni; l'amore è antitesi a tutte le opposizioni e a tutte le molteplicità. È nell'essere la rinuncia a sé stessi per un altro che porta all'identificazione del soggetto in un'altra persona, e, ugualmente nel pensiero, al fatto che il soggetto perde la coscienza di sé e diventa cosciente di questa identità, di essere tutt'uno e di non poter vivere senza l'altro:sinistraAmore materno , di Dolore d'amore , di

Prompt: Explain the In modern philosophy about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

All'arrivo di Holbein a Basilea nel 1515, esisteva ancora un mercato fiorente di ritratti religiosi cattolici. Con l'avvento della Riforma in città nel 1520, le domande di opere di carattere religioso diminuì significativamente e lo stesso Holbein accettò commissioni sia da parte dei cattolici che da parte dei riformati. Molte opere andarono distrutte nel corso dell'ondata iconoclastica del 1529, ma opere di Holbein come la Madonna di Soletta, la Madonna di Darmstadt ed il Cristo morto nella tomba sono sopravvissute sino ai nostri giorni, lasciando un alone di mistero sulla loro funzione originaria. Madonna di Darmstadt del resto presenta molte similitudini con la Madonna di Soletta realizzata dallo stesso Holbein nel 1522. Entrambi i dipinti sono molto simili nelle loro dimensioni e nel particolare della forma arrotondata nella parte superiore e rettangolare in quella inferiore. A differenza però del dipinto successivo commissionato da Jacob Meyer, nella Madonna di Soletta Maria si trova seduta in trono con in braccio il Bambino, tra i santi Martino e Orso. I donatori sono presenti in quest'opera unicamente tramite i loro stemmi che sono "ricamati" sul tappeto, steso anche in questo caso sotto i piedi della Madonna. Il dipinto corrisponde in questo caso ad una Sacra Conversazione.  Madonna di Darmstadt, d'altra parte, si presenta molto più complessa nei suoi molteplici riferimenti iconografici.Con il trasferimento definitivo in Inghilterra nel 1532, l'attenzione di Holbein si spostò verso la ritrattistica privata, lasciando i temi religiosi di sfondo.

Prompt: Explain the Classification in the work of Holbein about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Secondo la Catholic Encyclopedia, Giustino martire, Ireneo di Lione e Cirillo di Gerusalemme svilupparono la dottrina di Maria come seconda Eva, pura, immacolata, incorrotta ed innocente e quindi anche immune dal peccato originale. L'enciclopedia aggiunge che, anche secondo sant'Efrem il Siro, ella era innocente come Eva prima della caduta.Agostino d'Ippona  è uno dei primi teologi che parlano della natura perfetta e speciale di Maria. Il suo pensiero va contestualizzato nella polemica anti-eretica che lo vide coinvolto: Pelagio e i suoi discepoli tendevano a ridimensionare il ruolo del peccato originale nella condotta morale dell'uomo e Agostino rispose indicando l'umanità come una "massa dannata", concetto poi ripreso nella riflessione dei padri della Riforma, in particolare Calvino. Da questo pessimismo antropologico però Agostino dissocia Maria: «...la pietà impone di riconoscere Maria senza peccato [...]. Per l'onore del Signore [...] Maria non entra assolutamente in questione quando si parla di peccati». Più esplicito ancora sant'Ambrogio : «Maria non fu sollevata dalla caduta, ma fu preservata dalla caduta. Cosa, vi chiedo, è più nobile, migliore e più santo della Madre di Dio?»In Oriente sono diversi i padri greci che, come Agostino, attribuiscono una speciale natura a Maria. Proclo di Costantinopoli  scrive che Maria «...è il santuario dell'impeccabilità, il tempio santificato di Dio [...], il paradiso verdeggiante e incorruttibile». Teotecno di Livia  la definisce «...tutta bella, pura e senza macchia [...] Nasce come i cherubini colei che è fatta di argilla pura e immacolata». Andrea di Creta  scrive che «...il corpo della Vergine è una terra che Dio ha lavorato, la primizia della massa adamitica che è stata divinizzata nel Cristo, l'immagine del tutto somigliante della bellezza divina, l'argilla modellata dalle mani dell'artista divino». Sofronio di Gerusalemme dichiara Maria «...pura, santa, senza macchia, risplendente, dai sentimenti divini, santificata, libera da tutte le lordure del corpo, del pensiero, dell'anima.»In Occidente, secoli dopo Agostino, Pascasio Radberto  scrive che Maria "è stata esente da ogni peccato originale". In seguito il benedettino inglese Eadmero , commentando la diffusione della festa liturgica dell'Immacolata che era osteggiata da alcuni ecclesiastici, "mosso dall'affetto della pietà e della sincera devozione per la madre di Dio" si pronuncia per la concezione di Maria libera da ogni peccato: "Non poteva forse  conferire a un corpo umano [...] di restare libero da ogni puntura di spine, anche se fosse stato concepito in mezzo ai pungiglioni del peccato? È chiaro che lo poteva e lo voleva; se lo ha voluto lo ha fatto ".

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Patristics of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Agostino d'Ippona
Andrea di Creta
Catholic Encyclopedia
Cirillo di Gerusalemme
Dio
Efrem il Siro
Eva
Ireneo di Lione
Pascasio Radberto
Proclo di Costantinopoli
Sofronio di Gerusalemme


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Focus on Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III

Il Ritratto di Paolo III è un dipinto olio su tela  di Tiziano Vecellio eseguito nel 1543 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.Si tratta di uno dei più vigorosi ritratti papali della storia dell'arte, nonché il primo in assoluto di Papa Paolo III eseguito da Tiziano. Pietro Aretino alla visione del dipinto affermò che il ritratto eseguito fosse un «miracolo fatto dal vostro [di Tiziano] pennello [...]».

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Pope Paul III (Titian).Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Papa Paolo III
Papa Paolo III
Pietro Aretino
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Ritratto dell'Armada

Janet Arnold, Queen Elizabeth's Wardrobe Unlock'd, W S Maney and Son Ltd, Leeds 1988.  Lucy Gent, Nigel Llewellyn , Renaissance Bodies: The Human Figure in English Culture c. 1540–1660Reaktion Books, 1990,  Karen Hearn Karen, ed. Dynasties: Painting in Tudor and Jacobean England 1530–1630. New York: Rizzoli, 1995.  Roy Strong, Gloriana: The Portraits of Queen Elizabeth I, Thames and Hudson, 1987,

Prompt: Focus on Armada Portrait and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Chiaro di luna sul porto di Boulogne

Chiaro di luna sul porto di Boulogne  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1869 dal pittore impressionista francese Édouard Manet, in occasione di uno dei soggiorni che era solito compiere in estate a Boulogne-sur-Mer.  tela è conservata al Musée d'Orsay di Parigi.L'opera raffigura il ritorno di un peschereccio a notte fonda e l'attesa delle mogli dei marinai, sotto la luce lattescente della luna. L'opera, ricca di ombre e di luci, è un omaggio alla pittura di Rembrandt.

Prompt: How does The Port of Boulogne by Moonlight explain its Abstract?Please output in Italian.

1869
Boulogne-sur-Mer
Parigi
Rembrandt
Édouard Manet


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: How does Ecce Homo (Mantegna) explain its Answer.?Please output in Italian.


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L'esecuzione del maresciallo Ney

L'esecuzione del maresciallo Ney  è un dipinto a olio su tela realizzato dall'artista francese Jean-Léon Gérôme nel 1868. Questa tela raffigura gli attimi immediatamente successivi alla morte del maresciallo francese Michel Ney, avvenuta il 7 dicembre 1815. L'opera è conservata nella Graves Gallery di Sheffield, in Inghilterra.

Prompt: How does The Execution of Marshal Ney explain its Abstract?Please output in Italian.

Graves Gallery
Inghilterra
Jean-Léon Gérôme
Michel Ney
Sheffield


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Madonna Pazzi

Madonna Pazzi è un'opera di Donatello, conservata nel Bode-Museum di Berlino, in particolare nella collezione di sculture . Si tratta di un rilievo marmoreo di forma rettangolare , risalente al 1425-1430 circa.

Prompt: In Pazzi Madonna, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

Il pannello sinistro mostra i Santi Nazario e Celso con donatore. I due titolari della chiesa sono rappresentati sullo sfondo di un cielo cupo, con Nazario in particolare, vestito di un'armatura pure accesa di riflessi, che indica al committente inginocchiato la figura di Cristo, seguito dal discepolo Celso.  scena è la più tradizionale e la meno dinamica del polittico, ma vi spicca comunque l'inteso ritratto del committente, inginocchiato di profilo come consueto. Il volto solcato dai segni dell'età, reso con precisione ma senza intaccare la dignità dell'individuo, ricorda il ritratto di Sigismondo de' Conti nella Madonna di Foligno di Raffaello.L'atmosfera pacata e i toni smorzati dei colori sarebbero un estremo omaggio all'antico maestro Giorgione.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the Santi Nazario e Celso col committente and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Giorgione
Madonna di Foligno
Nazario e Celso
Sigismondo de' Conti


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of The Crucifixion (Cranach), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Apollo e Cupido

Il soggetto dell'opera è stato identificato in Apollo che insegna a Cupido come scoccare una freccia .  divinità è appoggiata ad un ceppo, "in un grazioso contrapposto che fa eco al Mercurio, ma senza la sua inclinazione all'indietro". Apollo originariamente teneva nella mano sinistra un arco. Con la destra, insegna a Cupido come estrarre la freccia dalla faretra e scoccarla con l'arco. Secondo la stampa del Liechtenstein Museum "Duquesnoy ha dato alle sue figure una superficie morbidamente cesellata e una delicata modulazione che crea un gentile gioco di luci e di ombre."

Prompt: In Apollo and Cupid, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Il vangelo gnostico di Filippo dice che Gesù baciava Maria Maddalena. Da questo particolare, alcuni racconti moderni a esso ispirati sottolineano l'intimità fra Gesù e Maria Maddalena. Secondo le scuole gnostiche il bacio rituale non aveva un significato erotico, ma era espressione della comunione, della fratellanza e della certezza della redenzione degli eletti.  stessa espressione si ritrova nel Nuovo Testamento, nelle epistole di Paolo e di Pietro: «salutatevi gli uni gli altri con un santo bacio» .Nei frammenti del testo apocrifo ritrovati fra i Codici di Nag Hammadi si legge che «la compagna del Salvatore è Maria Maddalena, Cristo la amava più di tutti gli altri discepoli e soleva spesso darle dei baci».  frase sarebbe comunque una ricostruzione perché nel manoscritto ci sarebbero in realtà degli spazi vuoti, evidenziati di seguito con delle parentesi:  compagna del  Maria Maddalena  più di  discepoli  baciarla  sulla . parola usata per "compagna" nel testo copto del vangelo di Filippo è inoltre un prestito dall'originale greco koinônós. Questo termine non significa "sposa" o "amante", bensì "compagna" ed è comunemente usata per indicare rapporti di amicizia e fratellanza. Ma in quello stesso vangelo, che secondo gli studiosi non risale a prima della seconda metà del II secolo, il bacio è un segno rituale comune anche agli altri personaggi. Secondo gli gnostici inoltre, Gesù e Maria Maddalena erano le incarnazioni umane degli eoni Cristo e Sophia. Il passo non va dunque inteso come una prova storica del matrimonio tra Gesù e la Maddalena, ma secondo le affermazioni gnostiche sull'incoronamento sulla terra del legame celeste degli eoni, dunque come allegoria.Maria Maddalena è comunque rappresentata nei Vangeli canonici come un personaggio importante: la sua presenza alla Crocifissione la fa ritenere come una seguace che era stata molto vicina a Cristo e a sua madre Maria.

Prompt: Explain the Friendship between Maddalena and Jesus about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.

Codici di Nag Hammadi
Cristo
Crocifissione
Gesù
I secolo
Nag Hammadi
Nuovo Testamento


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Bonjour monsieur Courbet

Bonjour monsieur Courbet  è un dipinto di Gustave Courbet del 1854. Esso rappresenta l'autore stesso in un incontro con un amico.

Prompt: Focus on La rencontre and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Polittico dell'Annunziata

Il dipinto venne commissionato a Filippino per l'altare maggiore della basilica della Santissima Annunziata a Firenze. Alcuni anni prima, per la stessa destinazione, Filippino aveva ceduto l'incarico a Leonardo da Vinci, che completò un cartone con Sant'Anna, la Vergine, il Bambino e l'agnellino , prima di abbandonare l'opera partendo al servizio di Cesare Borgia .  commissione ritornò quindi a Filippino, che però impostò un'opera completamente diversa, partendo dalla Crocifissione. Con la morte dell'artista, nel 1504, il lavoro, già avviato nella pala centrale, venne affidato a Perugino, che lo completò, compresi i pannelli minori, nel 1507. L'artista umbro si servì di un aiuto, che secondo Adolfo Venturi potrebbe essere stato Andrea d'Assisi, e secondo il Gamba il giovane Raffaello .L'opera venne ferocemente criticata dai fiorentini per la ripetitività della composizione. Il Vasari raccontò che il pittore si difese così: "Io ho messo in opera le figure altre volte lodate da voi e che vi sono infinitamente piaciute: se ora vi dispiacciono e non le lodate più che ne posso io?".In effetti in quegli anni Perugino aveva accentuato l'uso e il riuso dei medesimi cartoni, impostando la qualità non tanto sull'invenzione quanto nell'esecuzione pittorica, almeno quando l'intervento di bottega era assente o limitato. Però col nuovo secolo la varietà d'invenzione era diventata un elemento fondamentale, in grado di fare il discrimine tra gli artisti di primo piano e quelli secondari. Nei grandi centri italiani  le novità si manifestavano ormai una dietro l'altra a ritmo velocissimo e quelle opere che non portavano novità venivano respinte. Essendo quindi Perugino legato ancora a norme di comportamento quattrocentesche, venne presto superato, mentre si apriva la stagione dei grandiosi successi di Leonardo da Vinci e, di lì a poco, degli altri geni come Michelangelo e Raffaello Sanzio. Pala dell'Annuziata fu infatti l'ultima opera fiorentina del Perugino: dopo un breve soggiorno a Roma l'artista si ritirò nella meno esigente provincia umbra.

Prompt: Explain the History of this artwork, Annunziata Polyptych.Please output in Italian.

1504
1507
Andrea d'Assisi
Cesare Borgia
Firenze
Leonardo da Vinci
Perugino
Perugino
Raffaello Sanzio
Raffaello Sanzio
Roma


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Self-portrait environment autonomy and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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La danza della vita

sinistra300pxSkid, artista di varietà, e Bonny, una ballerina, si incontrano, si innamorano e si sposano. Formato un duo, lavorano nel circuito teatrale insieme fino a quando lui non riceve un'offerta da un talent scout di Broadway. Il duo si scioglie e Bonny rimane da sola, mentre Skid diventa ben presto una star del teatro di rivista. Nel suo stesso spettacolo lavora anche Sylvia Marco, una sua vecchia fiamma, e i due riprendono nuovamente la loro relazione. Venuta a sapere che Skid le è infedele, Bonny decide di divorziare e di sposare Harvey Howell, ricco proprietario di un ranch. Incapace di continuare la sua vita senza la moglie, Skid comincia a bere e viene licenziato. Il ritorno di Bonny lo aiuterà a venire fuori dal suo stato e ad affrontare la prima del suo nuovo spettacolo.

Prompt: Focus on The Dance of Life (Munch) and explain the Plot.Please output in Italian.


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Ritratto di Juan Calabazas

Juan Calabazas  è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1638 ed il 1639 dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.Il cognome Calabacillas deriva da calabazas, ovvero zucche: è probabilmente un nomignolo allusivo alla condizione disagiata del buffone. Proprio per questo, il pittore ha raffigurato due zucche ai suoi piedi, delle quali, quella di destra, è stata oggetto di un vistoso ripensamento che ne ha ridimensionato l'impatto visivo. fronte ampia del buffone, lo sguardo strabico, la posa per terra sbilenca , ed il sorriso ebete quasi privo di ragione, ne fanno uno dei più affascinanti ritratti di Velazquez, ma anche una delle sue più inquietanti letture della realtà, accentuate anche dalla preziosa e raffinatissima tecnica e l'illuminazione usate per la realizzazione.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Jester Calabacillas (Madrid).Please output in Italian.


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Ugolino e i suoi figli

Il Carpeaux vinse il Prix de Rome nel 1854. Durante il suo soggiorno a Roma, si stabilì all'Accademia di Francia a Roma, istituzione ospitata a Villa Medici, e analizzò le opere di Michelangelo. LUgolino di Carpeaux ha come riferimento la fisicità delle figure michelangiolesche, in particolare si rifa al Giudizio Universale della Cappella Sistina. L'anatomia dei bambini si basa su osservazioni naturalistiche, abbozzando bambini morenti per la preparazione dell'opera. Carpeaux concluse il gruppo nell'ultimo periodo di residenza all'accademia a Roma. scultura fu fusa nel bronzo nel 1863, da parte del Ministero della cultura francese ed esposto nel Palazzo delle Tuileries, assieme ad una replica del ocoonte. Una versione in marmo è stata completata a Parigi sotto la supervisione dell'artista affinché il proprietario della cava di marmo di Saint-Béat potesse esibirla all'Esposizione universale del 1867. Tale versione è stata in seguito acquistata dal Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: In Ugolino and His Sons (Carpeaux), how is the Version of the work discussed?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Metropolitan Museum of Art
New York
Palazzo delle Tuileries
Parigi
Prix de Rome
Roma
Saint-Béat
Villa Medici


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Prime opere di Vincent van Gogh

Callow, Philip. Vincent van Gogh: A Life, Ivan R. Dee, 1990. ISBN 1-56663-134-3. Dorn, Roland, Keyes, George S. & alt. Van Gogh Face to Face — The Portraits . Detroit, Boston & Philadelphia, 2000–01, Thames & Hudson, London & New York, 2000. ISBN 0-89558-153-1 Erickson, Kathleen Powers. At Eternity's Gate: The Spiritual Vision of Vincent van Gogh, 1998. ISBN 0-8028-4978-4. Gayford, Martin. "The Yellow House: Van Gogh, Gauguin, and Nine Turbulent Weeks in Arles". Penguin, 2006. ISBN 0-670-91497-5. Pomerans, Arnold. The Letters of Vincent van Gogh. Penguin Classics, 2003. ISBN 0-14-044674-5 Tralbaut, Marc Edo. Vincent van Gogh, le mal aimé. Edita, usanne  & Macmillan, London 1969 ; reissued by Macmillan, 1974 and by Alpine Fine Art Collections, 1981. ISBN 0-933516-31-2. van Heugten, Sjraar. Van Gogh The Master Draughtsman. Thames and Hudson, 2005. ISBN 978-0-500-23825-7.Vincent van Gogh: Drawings, ed. Johannes van der Wolk, Ronald Pickvance & E. B. F. Pey, Arnoldo Mondadori Arte & De Luca Edizione d'Arte 1990 )Vincent van Gogh: The Drawings, ed. Colta Ives, Susan Alyson Stein etc., The Metropolitan Museum of Art, New York & Yale University Press, New Haven and London, 2005 ISBN 1-58839-164-7

Prompt: Focus on Early works of Vincent van Gogh and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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amore

Aa.Vv. Cantico dei cantici Fiamma d'amore viva, di San Giovanni della Croce Tutta la nostra voglia d'amore.  terapia del Vangelo, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1998.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Religion and the Philosophy.Please output in Italian.


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Unione di Lublino

Regno di PoloniaParte2 =  Granducato di LituaniaParten = Parti = Mediatori = Negoziatori = Firmatari originali = Firmatari = Ratificatori = Depositario = Lingue = UNTC = }}LUnione di Lublino fu un atto politico siglato a Lublino, in Polonia, il 4 luglio 1569, con il quale fu sancita la fusione del Regno di Polonia e del Granducato di Lituania in un'unica realtà statale che prese il nome di Repubblica dei due Popoli o Confederazione polacco-lituana. Il nuovo stato fu governato da un monarca elettivo che assunse l'eredità dei sovrani polacchi e dei granduchi lituani, affiancato da un Senato e un parlamento detto Camera dei deputati della Polonia. L'Unione di Lublino rappresentò l'evoluzione della precedente unione personale fra domini polacchi e lituani e fu resa necessaria dalla pericolosa posizione della Lituania nelle guerre con la Russia.Riconosciuta come evento cruciale nella storia di molte nazioni, l'Unione di Lublino è stata osservata e valutata in maniera diversa da molti storici. Alcuni studiosi polacchi hanno esaltato i suoi aspetti positivi, enfatizzandone i tratti di creazione politica volontaria e pacifica e il ruolo fondamentale nella diffusione dell'avanzata cultura polacca. Altri, come Paweł Jasienica, hanno messo in rilievo come l'Unione abbia distolto la Polonia dal consolidamento ad occidente della propria influenza  rivolgendosi a oriente per difendere la debole situazione della Lituania su quel fronte. Gli storici lituani sono stati invece più critici nei confronti di questo atto, sottolineando la posizione predominante della Polonia all'interno dell'Unione.  storiografia ufficiale sovietica, per mezzo dei suoi storici inclini a seguire le direttive politiche, allo scopo di giustificare, l'invasione della Polonia nel 1939 a fianco della Germania nazista e la conseguente occupazione dei territori orientali, ha cercato di accreditare la versione secondo la quale la Confederazione non fosse altro che oppressione per le vaste masse di contadini e classi più povere. È anche vero che le condizioni di questi ceti non erano poi peggiori di quelle dei contadini del principato di Moscovia. Va comunque ricordato che con tutti i limiti e le critiche possibili, la Confederazione fu il primo tentativo riuscito di unione tra popoli slavi. In un certo momento della sua storia venne considerata la possibilità di far assurgere l'Ucraina a stato confederato con il nuovo nome di Repubblica dei tre Popoli.

Prompt: In Union of Lublin (painting), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1569
Confederazione polacco-lituana
Germania nazista
Granducato di Lituania
Lublino
Paweł Jasienica
Polonia
Russia
Ucraina


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La Bella

Sulla base di questa provenienza, viene identificato in una lettera di Francesco Maria I Della Rovere al suo agente a Venezia del 2 maggio 1536:«… Direte al Titiano,che noi in effetto non sappiamo pensar‘ meglio per la signora Duchessa nostra [sua moglie Eleonora Gonzaga], di quello che si è ragionato, cioè de una Resurectione, della qual‘ siam‘ certi che si contentarà, et che però metti pur‘ L‘animo e il pensier‘ suo a quest, et che attenda a quel‘altre cose, et che quel retratto di quella Donna che ha la veste azurra desideriamo che la finisca bella circa il tutto e con il timpano, perché da questo possiam‘ vedere, come siano per riuscir‘ gli altri …»

Prompt: In the context of La Bella, explain the The letter that woman who has the blue dress and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Flight into Egypt (Poussin).Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Il dipinto del Metropolitan Museum di New York sarebbe quello riportato nell'Inventario dei beni del cardinal Francesco Maria Bourbon del Monte, compilato il 21 febbraio del 1627: "Nella terza stanza à mano destra [del palazzo di Ripetta]...un Quadro con un'huomo, che suona il leuto di Michel Angelo da Caravaggio con Cornice negra di palmi sei" , non l'originale che si credeva perduto, ma una copia. Alla morte del cardinale gli eredi del Monte lo vendono alla famiglia Barberini, acquisito dal cardinale Antonio come risulta da un libro spese del 16 maggio 1628. L'inventario dell'aprile 1644 del cardinale Antonio Barberini annota la presenza del dipinto "Nella stanza di Parnasso", con cornice dorata, nel palazzo ai Giubbonari. Nel 1697 risulta dei Barberini nel palazzo alle Quattro Fontane. Nei secoli scorsi anche la Gentileschi a Washington che accorda il liuto era considerata di Caravaggio.  registrazione effettuata nel 1817, il dipinto a New York viene venduto ed acquistato nel 1939 dalla Wildenstein & Co. di Parigi-Londra ed è in deposito al Metropolitan Museum di New York, per prestito della società. Maurizio Marini, che nutriva dubbi sulla versione Del Monte-Barberini, lo datava al 1595 .

Prompt: Explain the ThePaintingOfTheMountain about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Lute Player (Cariani).Please output in Italian.


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Cristo della Minerva

Cristo è raffigurato in piedi appoggiato a una croce , mentre tiene anche la canna e la spugna con cui gli venne porto l'aceto e con il volto guarda nella direzione opposta. Il corpo, dal perfetto modellato anatomico, era originariamente nudo al completo: il drappeggio in bronzo dorato venne infatti aggiunto solo dopo il Concilio di Trento.  posa è estremamente studiata, con una torsione complessa ma efficace che dimostra la continua ricerca di Michelangelo verso nuove soluzioni compositive.

Prompt: How does Risen Christ (Michelangelo, Santa Maria sopra Minerva) explain its Description?Please output in Italian.


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Banchetto nuziale

L'opera doveva essere un tempo firmata e datata, ma la decurtazione di circa 5 cm nella parte inferiore , per adeguarla alle dimensioni della Danza di contadini, ha tagliato via tale memoria.Nel 1594 venne acquistata a Bruxelles dall'arciduca Ernesto d'Asburgo e nel 1659 l'opera è registrata nelle collezioni dell'arciduca Leopoldo Guglielmo. Non è chiaro se le due tavole vennero dipinte come pendants, ma è anche probabile che fossero le prime due di una serie a tema nuziale.

Prompt: How does The Peasant Wedding explain its History?Please output in Italian.


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Augusto di Prima Porta

LAugusto di Prima Porta, nota anche come Augusto loricato , è una statua romana che ritrae l'imperatore Augusto. Alta 2,04 metri, è realizzata in marmo bianco ed è conservata nei Musei Vaticani, a Roma . Fu ritrovata il 20 aprile 1863 nella villa di Livia, l'abitazione di Livia Drusilla, moglie di Augusto, a Prima Porta.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Augustus of Prima Porta.Please output in Italian.

Augusto
Livia Drusilla
Musei Vaticani
Prima Porta
Roma


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Caccia al leone

I Maasai non mangiano carne di selvaggina e usano i corpi dei loro leoni uccisi per tre prodotti; la criniera, la coda e gli artigli.  criniera viene bordata dalle donne della comunità e restituita al cacciatore che la indossa sopra la testa in occasioni speciali. Dopo la cerimonia della carne, quando un guerriero diventa un giovane anziano, la criniera viene gettata via e unta con una miscela di olio di pecora e ocra. Questo evento sacrificale viene fatto per evitare gli spiriti maligni.

Prompt: In the context of The Lion Hunt (Delacroix), explain the Trophies and the The  lion  hunt  of  the  Masai.Please output in Italian.


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Forme uniche della continuità nello spazio

L'opera viene omaggiata nei videogiochi Gran Turismo Sport e Gran Turismo 7, essa diviene infatti uno dei simboli più pertinenti in tutti e due i videogiochi. Una replica in scala della medesima, viene inoltre consegnata come trofeo, ai vincitori del campionato e-sport mondiale.

Prompt: How does Unique Forms of Continuity in Space explain its In mass culture?Please output in Italian.


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Lotta tra Amore e Castità

Lotta tra Amore e Castità è un dipinto tempera su tela  di Pietro Perugino, datato 1503 e conservato nel Museo del Louvre a Parigi. Fu originariamente dipinta per lo studiolo di Isabella d'Este nel Castello di San Giorgio a Mantova.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Battle Between Love and Chastity.Please output in Italian.

1503
Isabella d'Este
Mantova
Museo del Louvre
Parigi
Perugino
Perugino


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Altare Heller

Nei pannelli esterni, dipinti a monocromo, pare che lavorò anche il giovane Matthias Grünewald. Si tratta di otto scomparti con altrettanti santi:# San Ciriaco guarisce la figlia di Diocleziano dall'ossessione # San Lorenzo # Santa Elisanetta di Turingia # Santa martire  # San Pietro # San Paolo # San Cristoforo # San Tommaso d'Aquino e due re santi Il san Lorenzo è firmato MGN e sul retro reca tracce di una colonna avvolta dall'edera, identificata come riferimento alle colonne del tempio di Gerusalemme. Sopra la figura appare una pianta di luppolo. Notevoli pezzi di bravura sono il disegno del libro e l'ampio e soffice panneggio, ricco di pieghe, della veste che s'impiglia nella graticola - lo strumento del martirio del santo - che sembra voler richiamare i panneggi dei Quattro Apostoli di Dürer a Monaco.Il san Ciriaco, che viene rappresentato mentre esorcizza, ai suoi piedi, la principessa Artemia, figlia di Diocleziano, regge nella mano un libro che reca la formula dell'esorcismo: . Legato il collo della ragazza con la stola, le tiene aperta la bocca con il pollice in modo che il demonio possa fuoruscire. Sopra la figura appaiono foglie di fico; sul petto porta due preziosi contenitori, probabilmente di olii, di profumi o comunque di sostanze che scongiurino i demoni. santa Elisabetta è rappresentata dentro una nicchia, sopra la quale corre un ramo di fico; ai suoi piedi si riconosce una varietà di erbe, fra le quali la malva.Non vi è certezza che il quarto pannello rappresenti effettivamente santa Lucia: sono stati proposti anche i nomi di sant'Antonia, santa Dorotea e santa Caterina. Un tralcio di vite si inanella sopra la nicchia, mentre ai piedi della santa si sono riconosciute piante di celidonia e di pilosella.

Prompt: In the context of Heller Altarpiece, explain the The  external  panels and the Description and style.Please output in Italian.

Diocleziano
Matthias Grünewald
Quattro Apostoli


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amore

De amore, di Andrea Cappellano Dall'arte della guerra all'arte dell'amore, di Giulietta Bandiera, Xenia edizioni, 2003 Ti amerò per sempre.  scienza dell'amore, di Piero Angela, Mondadori, 2005

Prompt: In Love & Loss, how is the Other of the Contemporary political perspective explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Donna con collana di perle

tela fa parte del gruppo di opere del pittore che venne venduto ad Amsterdam il 16 maggio 1696, durante l'asta Dissius. Sul numero di inventario 36 si trova infatti elencato: «Una giovane dama che si adorna, del suddetto; fiorini 30.0».Passò per varie aste e collezioni  e finì nel 1874 nel museo berlinese.

Prompt: Explain the History of this artwork, Woman with a Pearl Necklace.Please output in Italian.


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Majas al balcone

J. Chastenet,  vie quotidienne en Espagne au temps de Goya, 1966, ParigiPierre Gassier, Goya, 1989, Roma, New ComptonA. E. Pérez Sánchez, Goya, Milano, 1990F. Calvo Serraler, Goya, Milano, 1996Renato Barilli, L'alba del contemporaneo: l'arte europea da Füssli a Delacroix, 1996, FeltrinelliJanis Tomlinson, Goya, 2002, PhaidonR. M. e R. Hagen, Francisco Goya, 2003, Roma, Editoriale L'EspressoR. Maffeis , Goya –  vita e l'arte – I capolavori, 2003, Milano, RizzoliGiuliano Serafini, Francisco Goya, 2004, Giunti

Prompt: How does Majas on a Balcony explain its Bibliography?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Milano
Parigi
Rizzoli
Roma


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Sacra conversazione Balbi

L'opera proviene dalle collezioni del marchese Balbi di Piovera di Genova, che le diede il nome.Ambientata in un paesaggio aperto, è stata valorizzata dalla critica recente  come una delle opere più significative della giovinezza di Tiziano, che qui raggiunse uno straordinario punto di equilibrio tra le suggestioni giorgionesche e la sua poetica personale, fatta di figure solide e pulsanti, di colori corposi e di composizioni originalissime, spesso asimmetriche, come in questo caso.Metà dello sfondo è infatti una parete scura, mentre l'altra metà è occupata da un luminoso paesaggio.  Vergine in trono, col Bambino in grembo, si volta in un'elegante posa a contrapposto, verso il donatore, introdotto da san Domenico. Il bambino invece si gira incuriosito verso santa Caterina d'Alessandria, che a sinistra si protende con gesto.

Prompt: Focus on Balbi Holy Conversation and explain the History and description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (David)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Adorazione Caprioli

Nel 1826 Paolo Brognoli, erudito in campo artistico e collezionista, pubblica la prima guida ottocentesca di Brescia. Per la corretta attribuzione e datazione delle opere trattate, lo studioso procede a una serie di ricerche archivistiche, che lo portano per la prima volta a elaborare precise considerazioni stilistiche su quanto osservato. Per l'arca di sant'Apollonio, in particolare, conduce un'accurata ricerca nell'archivio comunale, che gli permette di ricostruire parzialmente le circostanze della commissione, tuttavia non riesce a trovare "il contratto collo scultore che ha lavorato quest'arca [...], interessandomi ciò in particolare per aver io pure nelle mie stanze un monumento dello stesso scalpello stato lavorato nel 1494", "coll'iscrizione che ricordava la memoria di Luigi Caprioli". Il Brognoli sta parlando nientemeno, come già accennato precedentemente, che dellAdorazione Caprioli, per la prima volta in assoluto collegata scientemente a un'altra opera del Cairano, senza basarsi su precedenti fonti letterarie, bensì su considerazioni esclusivamente stilistiche. In seguito, la critica artistica mantiene costante un inquadramento nell'ambito di Giovanni Antonio Amadeo, assegnandola a un suo seguace o anche al Tamagnino e in periodi diversi dalla fine del XV secolo agli inizi del secolo successivo, ipotesi ribadita nella monografia sullo scultore pubblicata nel 2010 e nuovamente ripresa nel 2011 nell'estesa monografia sulla storia della scultura bresciana a cura di Valerio Terraroli. LAdorazione Caprioli, in tal senso, viene quindi riconosciuta come "il massimo esempio narrativo della scultura bresciana del Rinascimento". Egli, oltretutto, mette in atto una sprezzante maestria tecnica, non soltanto nelle precisissime prospettive dei riquadri ma anche nella scelta del blocco monolitico, di fatto non strettamente necessario per un lavoro di questo tipo.Nel volto di Maria fa inoltre la prima comparsa una tipologia femminile poi lungamente reiterata nella produzione dello scultore e certo meno meditata delle figure maschili, con le quali il Cairano avrà presto modo di rapportarsi nel ciclo di Cesari. Queste considerazioni, pertanto, portano a datare il rilievo dellAdorazione all'ultimo quinquennio del XV secolo.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Caprioli Adoration.Please output in Italian.

Brescia
Giovanni Antonio Amadeo
Tamagnino


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San Giovanni Evangelista (El Greco Madrid)

Si tratta di un'opera molto simile a quella che si trova nella cattedrale di Toledo. Spicca lo sfondo nuvoloso, che mette in risalto la figura al centro di Sn Giovanni Evangelista il quale reca con la mano destra un calice con un drago. Con la mano sinistra lo esibisce, tale atteggiamento fa pensare sia in fase di dialogo. L'esibizione fa riferimento ad un tentativo di avvelenamento da cui, secondo la tradizione, il Santo sarebbe uscito indenne.Cremisi e verde giallastro collegano il lavoro con il manierismo. Si tratta di un'opera di rapida e abbozzata fattura, basata sui concetti di luce e spiritualità prevalenti nell'opera del pittore.

Prompt: In Saint John the Evangelist (El Greco, Madrid), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Madonna della Quaglia

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Madonna of the Quail.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Madonna Aldobrandini

Madonna Aldobrandini o Madonna Garvagh è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello, databile al 1510 circa e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Garvagh Madonna.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

il 29 settembre 1519 Alfonso I d'Este, duca di Ferrara, invia una lettera perentoria a Jacopo Tebaldi, suo ambasciatore a Venezia, perché sia sollecitato a Tiziano il compimento dei Baccanali per i Camerini d'alabastro, ovvero Bacco e Arianna, il Baccanale degli Andrii e la Festa degli amorini. Nella lettera di risposta, datata 10 ottobre, il Tebaldi informa che il ritardo è dovuto al fatto che il prelato Altobello Averoldi, da lui indicato solamente con il rispettoso titolo di "Reverentissimo", «qui vol far fare una opera de pictura, et magistro Titiano è stato seco in longa praticha sopra ciò, secundo ch'io ho inteso da amici mei, et magistro Titiano non me l'ha negato».Cioè, il ritardo nella consegna dei Baccanali è stato causato dalla "longa praticha" che ha impegnato Tiziano su una "opera de pictura" commissionatagli da Altobello Averoldi.  notizia è di notevole importanza, poiché contribuisce a fissare al 1519 l'anno della commissione, da parte dell'Averoldi, del polittico da collocare nel coro della chiesa dei Santi Nazaro e Celso a Brescia. In quell'anno, l'Averoldi risiedeva a Venezia in qualità di nunzio apostolico presso la Serenissima, carica che deteneva dal 1517 e manterrà fino al 1523, per poi riottenerla dal 1526 al 1530. In questo periodo, nel suo studio presso la chiesa di San Samuele, Tiziano sta lavorando, oltre ai Baccanali del duca di Ferrara, alla Pala Pesaro, alla Pala Gozzi e al polittico di Brescia: il Tebaldi, però, nella sua lettera di risposta sembra far capire che il ritardo nella consegna dei dipinti sia imputabile unicamente all'impegno contratto con l'Averoldi.Nella successiva lettera dell'ambasciatore al duca, datata 1º dicembre 1520, emerge senza mezzi termini la pianificazione di un vero e proprio furto del San Sebastiano, organizzato completamente dal Tebaldi ai danni dell'Averoldi.}}Diminuita la folla nello studio, il Tebaldi prosegue raccontando di aver preso "in discosto" Tiziano e di avergli detto "ch'el era gettato via questa pictura, a darla a prete, et ch'el la porti a Brixia, [...] confortandolo a darla a Excellentia Vostra, quando a quella gli piacesse de haverla". Tiziano risponde di non sapere "qual partito pigliare per fare questo furto" ma, prontamente, il Tebaldi ribatte che avrebbe pensato a tutto il duca e che, d'altronde, "se potria subito dare principio ad una altra simile, et poi uno giorno voltarli il capo, una gamba, on brazo etc". Il pittore finisce per accettare la truffa: Tebaldi lo dice "paratissimo per far ogni cosa, pur ch'el possa, et sapia, che sia grata alla Excellentia Vostra".}} risposta da Alfonso I d'Este, datata al 17 dicembre, dimostra un interesse secondario sulla questione dell'aggiunta e una preoccupazione maggiore, invece, per il prezzo dell'opera:.}}Entro tre giorni arriva la risposta definitiva del duca che, improvvisamente, lascia cadere l'intera trattativa per non commettere "ingiuria" verso Altobello Averoldi, probabilmente intimorito anche dalla carica di nunzio apostolico che il prelato, come detto, aveva presso la Serenissima:}}Secondo Francesco Valcanover, che scrive nel 1969, la prima versione del San Sebastiano, legato a una colonna come negli schizzi preparatori e non a un albero, potrebbe comunque aver lasciato precocemente lo studio di Tiziano per essere inviata alla corte di Mantova dopo il rifiuto di Alfonso I d'Este. Un San Sebastiano alla colonna è infatti citato tra i dipinti venduti dai Gonzaga a Carlo I d'Inghilterra, ma da allora se ne sono perdute le tracce. In ogni caso, venuta meno la truffa ai danni dell'Averoldi, che verosimilmente non ne verrà mai a conoscenza, il polittico viene completato nelle parti ancora mancanti entro il 1522, data riportata, insieme alla firma dell'autore, sul rocchio di colonna a terra nel San Sebastiano, in basso a sinistra: "Ticianvs faciebat / M.D.XXII".

Prompt: Explain the Theft attempt San Sebastiano about the Description and style of this artwork, Averoldi Polyptych.Please output in Italian.

1519
1520
1522
Alfonso I d'Este
Altobello Averoldi
Baccanale degli Andrii
Bacco e Arianna
Brescia
Camerini d'alabastro
Carlo I d'Inghilterra
Festa degli amorini
Gonzaga
Mantova
Pala Gozzi
Pala Pesaro
Venezia


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Ludovico II di Baviera

Ludovico viene ricordato come uno dei sovrani tedeschi più strani. Era abbastanza popolare tra i suoi sudditi, anzitutto perché cercò di evitare per quanto possibile conflitti armati, assicurando alla Baviera un periodo di pace . Il suo atteggiamento eccentrico gli guadagnò molte simpatie. Nonostante detestasse le folle, Ludovico amava viaggiare in incognito tra la sua gente e chiunque si fosse dimostrato ospitale con lui, senza sapere che si trattava del sovrano, veniva ricompensato con cospicui doni. In Baviera viene ancora ricordato col titolo affettuoso di unser Kini .Paradossalmente, nonostante egli avesse portato quasi alla bancarotta la famiglia reale bavarese per costruire le sue residenze, queste sono ora diventate attrazioni turistiche che sono fonte di grandi profitti per lo Stato. Già nel 1899 i profitti ricavati dal turismo nel solo Castello di Neuschwanstein risanarono l'elevato costo per la costruzione di quest'ultimo.

Prompt: Describe the characteristics of the Inheritance in Ludwig II (sculpture)'s Ludovico in the mass culture.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bril), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Crocifissione

Croce Crux simplex Crocifissione di Gesù Descrizioni nell'antichità della croce da esecuzione Esecuzione di Gesù secondo i Testimoni di Geova Forma dello strumento dell'esecuzione di Gesù

Prompt: Focus on Crucifixion (Antonello da Messina) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Marta e Maria Maddalena

Il dipinto mostra le sorelle bibliche Marta e Maria Maddalena; Marta è colta nell'atto di convertire Maria dalla sua vita di peccato per condurla alla fede in Cristo.  santa, col volto oscurato dall'ombra, si appoggia in avanti, argomentando sapientemente le sue tesi di fronte alla sorella, che è raffigurata nell'atto di roteare un fiore d'arancio tra le dita, mentre con il braccio sinistro regge uno specchio, simbolo della vanità. L'effetto dell'immagine riecheggia sul volto di Maria, colta nel momento dell'inizio della conversione. Nel 2009 lo studioso Pietro Caiazza ha pubblicato un lavoro, intitolato "Caravaggio e la falsa Maddalena", in cui rimette in discussione il soggetto del dipinto, proponendo una nuova interpretazione, legata strettamente alla committenza Aldobrandini.

Prompt: Focus on Martha and Mary Magdalene (Caravaggio) and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Campbell's Soup Cans

Diverse storie aneddotiche spiegano come mai Warhol abbia scelto le lattine di zuppa Campbell come punto focale della sua arte pop.Secondo Ted Carey, fu Muriel tow, una degli assistenti artistici commerciali di Warhol a suggerire l'idea sia per i barattoli delle zuppe che per i primi dipinti americani di Warhol verso la fine degli anni cinquanta. tow, allora un'aspirante decoratrice d'interni e proprietaria della tow Art Gallery negli anni '60 a Manhattan , suggerì a Warhol di dipingere "qualcosa che vedi ogni giorno e qualcosa che tutti riconoscono, qualcosa come una lattina di zuppa Campbell". Ted Carey, che era presente nel momento in cui ciò accadde, affermò che Warhol considerò "favoloso" il suggerimento dell'amica. Sempre Carey, afferma che il giorno successivo Warhol andò al supermercato e comprò una cassa contenente "tutte le zuppe". Quando il critico d'arte G.R. Swenson chiese a Warhol, nel 1963, il perché avesse deciso di rappresentare barattoli di zuppa, l'artista rispose: Un altro resoconto dell'influenza di tow su Warhol sostiene che lei gli chiese che cosa amasse di più e che, poiché Warhol rispose "i soldi", lei gli suggerì di dipingere banconote da un dollaro USA. Secondo questa versione, tow in seguito consigliò che oltre a dipingere soldi avrebbe dovuto dipingere qualcos'altro molto semplice, come delle lattine di zuppa Campbell.In un'intervista per il periodico londinese The Face del 1985, Warhol menzionò i fiori di latta che sua madre creava considerandoli uno dei motivi alla base dei suoi primi dipinti a barattolo di latta:Warhol non scelse i barattoli a causa dei rapporti commerciali che egli aveva con la Campbell Soup Company: Warhol infatti preferiva che la società non fosse coinvolta "perché l'intero punto andrebbe perso con qualsiasi tipo di tie-in commerciale".Warhol optò per le lattine Campbell anche in seguito alla sua decisione di abbandonare le riproduzioni a fumetti che hanno caratterizzato inizialmente la sua arte: scelta voluta per non competere con lo stile più raffinato di Roy Lichtenstein. Durante una mostra di Warhol dedicata a opere che raffiguravano personaggi fittizi tenuta nel 1961, il collezionista d'arte Leo Castelli visitò una mostra di Warhol e considerò il suo stile troppo simile a quello di Lichtenstein in quanto entrambi gli artisti raffiguravano personaggi tratti dalle serie animate. Warhol dichiarò:

Prompt: In the context of Campbell's Soup Cans, explain the Lagenesidell'opera and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Apollo di Veio

LApollo di Veio è una scultura in terracotta dipinta, della fine del VI secolo a.C., forse attribuibile allo scultore etrusco Vulca e conservata nel Museo nazionale etrusco di Villa Giulia a Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Apollo of Veii.Please output in Italian.

Apollo
Museo nazionale etrusco di Villa Giulia
Roma
VI secolo a.C.
Veio
Vulca


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Arca di san Domenico

I 4 lati del sarcofago parallelepipedo sono decorati dai sei pannelli scolpiti ad altorilievo da Nicola Pisano e allievi. Questi rappresentano le Storie della vita e miracoli di san Domenico, intervallate da sei statuette: due al centro dei lati maggiori raffiguranti Cristo redentore e la Vergine stante con il Bambino, e quattro santi angolari legati all'istituzione dell'Ordine domenicano: Agostino, Onorio III, Paolo e Domenico con la disciplina. Cronologicamente la storia di san Domenico parte dal pannello di destra posto sul lato lungo del sarcofago rivolto verso l'entrata e si procede poi verso sinistra in senso orario: Prova del fuoco che brucia i libri degli albigesi. Le sculture descrivono un evento avvenuto in Linguadoca prima del 1216, quando Domenico operava, su richiesta del Papa Innocenzo III, per convertire i Catari. L'autorità locale, non sapendo se accogliere la parola di Domenico o quella dell'eresia albigese dei catari, chiese alle due parti di scagliare i loro libri nel fuoco.  verità sarebbe stata contenuta nel libro che avrebbe resistito alle fiamme. Nell'altorilievo si vede il fuoco al centro capeggiato da un giudice. Gli eretici, sulla destra, vedono i loro libri bruciare, mentre quello di Domenico, raffigurato alla sinistra del fuoco insieme ai confratelli, rimane sospeso. Miracolo della resurrezione di Napoleone Orsini caduto da cavallo. In uno dei numerosi viaggi a Roma, Domenico si imbatté nella morte per caduta da cavallo del giovane Napoleone Orsini, nipote del cardinale Stefano di Fossanova. Domenico lo risuscitò.  scena in basso è dominata dal cavallo e dal giovane caduti a terra, quest'ultimo soccorso da due passanti. In piedi vediamo lo stesso giovane, seguito da Domenico ed alcuni confratelli, riconsegnato ai familiari. I santi Pietro e Paolo consegnano la missione dell'Ordine. In uno dei viaggi a Roma, Domenico vide apparire San Pietro e San Paolo che gli consegnarono la Bibbia e un bastone con cui esercitare la sua predica. Sulla sinistra vediamo Domenico inginocchiato di fronte ai due santi ricevere il bastone e il libro. Sulla destra Domenico riunisce i confratelli per insegnargli a predicare con quegli strumenti. Approvazione dell'Ordine da parte di papa Innocenzo III. Nel 1216 Domenico chiese a papa Innocenzo III di approvare la sua regola. Il papa lo respinse, ma in seguito ad un sogno in cui vide Domenico sorreggere la Chiesa di San Giovanni in terano accolse di nuovo Domenico consigliandogli di adottare la regola agostiniana . A sinistra si vede il santo inginocchiato di fronte ad un papa freddo e distaccato. Al centro la visione del papa dormiente con Domenico che sorregge la chiesa e a destra Domenico inginocchiato di fronte ad un papa stavolta accogliente. Adesione di Reginaldo d'Orleans all'Ordine. Dal 1218 Domenico è a Bologna. Qui ricevette la visita di Reginaldo d'Orleans, docente di teologia alla Sorbona di Parigi. A Bologna il professore si ammalò gravemente, ma venne guarito da Domenico. A sinistra si vedono Reginaldo e Domenico a colloquio. Al centro il professore cade ammalato e a destra lo si vede coricato a letto mentre gli appare in sogno la Madonna che gli tocca il capo e gli mostra l'abito domenicano. Miracolo dei pani recati dagli angeli alla mensa del santo. Sempre nel 1218, Domenico è riunito con i confratelli nella piccola chiesa di San Niccolò delle Vigne a Bologna, la loro prima sede dopo l'arrivo nella città italiana. Mancando i viveri per la cena, Domenico si mise a pregare e subito apparvero due giovinetti  che portarono pane e fichi.  scena vede sette domenicani a tavola, incluso Domenico al centro. Davanti a loro i due giovani portano le vivande per la cena.Dall'analisi stilistica di molte figure scolpite che presentano caratteristiche più goticheggianti, con forme nervose e lineamenti più marcati, ma soprattutto per il fatto che dal 1265 Nicola era contemporaneamente impegnato a Siena per l'importante commissione del pergamo del Duomo, gli studiosi sono concordi nel vedere un'ampia partecipazione della bottega: fu scolpita prevalentemente da Arnolfo di Cambio e dal converso domenicano Guglielmo da Pisa, oltre che da due altri allievi  citati da Vasari, ma non altrimenti noti.

Prompt: Explain the The  sarcophagus  of  Nicola  Pisano  and  students about the History of this artwork, Arca di San Domenico.Please output in Italian.

1216
1218
1265
Arnolfo di Cambio
Bibbia
Bologna
Cristo
Nicola Pisano
Papa Innocenzo III
Parigi
Roma
Siena
Sorbona


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The Chicago Lincoln

statua mostra Lincoln quando apparve durante una visita per vari discorsi ed eventi come la Convention River and Harbor o quando incontrò il Vicepresidente degli Stati Uniti d'America Hannibal Hamlin per discutere dell'organizzazione del suo Gabinetto .L'opera d'arte venne destinata a simboleggiare la libertà e mostra Lincoln con una serie di libri e il suo cilindro  nella mano sinistra, mentre la destra poggia su un podio. Sulla faccia meridionale del piedistallo l'iscrizione recita: "LA SOCIETÀ LIBERA NON È, E NON SARÀ UN DIFETTO. Abraham Lincoln. Chicago, 10 dicembre 1856". scultura in bronzo è una rappresentazione più ampia della vita di Lincoln; la sua altezza misura 7 piedi e 6 pollici .

Prompt: In The Chicago Lincoln, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Suonatore di liuto

Prompt: In The Lute Player (Cariani), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Jacopo de' Barbari

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco . Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

Prompt: Describe the characteristics of the Meetings with Dürer in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.

Germania
Italia
Margherita d'Asburgo
Veduta di Venezia
Venezia


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Prompt: Explain the External links of this artwork, Adoration of the Magi (Perugino, Perugia).Please output in Italian.


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Madonna col Bambino (Rogier van der Weyden Houston)

Madonna col Bambino è un dipinto del pittore fiammingo Rogier van der Weyden realizzato circa nel 1454 e conservato nel Houston Museum of Fine Arts di Houston negli Stati Uniti d'America.

Prompt: Focus on Virgin and Child (van der Weyden) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1454
Houston
Houston Museum of Fine Arts
Rogier van der Weyden
Stati Uniti d'America


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Maria Maddalena

Dopo l'inizio della predicazione degli apostoli, iniziarono le persecuzioni da parte del Sinedrio. zzaro, Maria Salome, Marta di Betania, Maria Jacobé e Maria Maddalena, assieme alla serva Sara la Nera, furono gettati in mare su una barca dagli ebrei, perché morissero. Vagarono per lungo tempo in mare su una barca priva di remi e nocchiero, finché dalla Terra Santa giunsero in Provenza, nel territorio la Couronne, dove dopo lungo peregrinare trovarono finalmente un pozzo di acqua potabile: per tal motivo il luogo d'approdo è chiamato ancora oggi Santo Terro, "santa terra"[2], dove vi è una cappella dedicata alla Santa Croce, la chiesetta della Sainte-Croix, il famoso pozzo e la presunta impronta di un piede di zzaro. Due volte l'anno vi è una processione alla cappella. Da qui, imbarcata l'acqua potabile necessaria, i santi personaggi avrebbero proseguito per la Camargue, per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer.Dall'abitato di Saintes-Maries-de-la-Mer, mentre Maddalena si sarebbe diretta verso Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, zzaro a Marsiglia, Marta a Tarascona, Maria Salomé, Maria Jacobé e Sara si sarebbero stabilite vicino alloppidum, evangelizzando la regione. Maddalena si ritirò a fare vita eremitica in una grotta, dove visse senza curarsi di cibo e vestiti. Le crebbero allora i capelli a coprire tutto il corpo e vennero degli angeli per trasportarla in cielo in estasi ogni giorno,  fino alla morte. Una famosa versione di questa storia è contenuta nella Legenda Aurea di Jacopo da Varazze .

Prompt: Explain the Golden Legend about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.

Betania
Camargue
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Legenda Aurea
Maria Jacobé
Marsiglia
Marta di Betania
Provenza
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Santo
Sara la Nera
Tarascona


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Adone (Duquesnoy)

Il perfezionamento di sculture antiche da parte di Duquesnoy fu considerato dai suoi contemporanei come "assolutamente perfetto"; un altro pregevole esempio delle sue abilità è il Fauno Rondanini. Le statue dell'antichità erano spesso riprese nello stile barocco dall'artista che portava a termine il lavoro.Nel caso dellAdone, scolpito, al pari del Fauno, partendo da un torso antico, la posizione chiastica della figura ricorda quella della scultura bronzea del Mercurio, sempre del Duquesnoy, e ciò mostra come lo scultore fondesse il gusto greco con l'influenza barocca dei suoi giorni.

Prompt: In Adonis (Duquesnoy), how is the Style discussed?Please output in Italian.


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Pollice verso

Pollice verso o verso pollice  è un'espressione latina usata nelle lotte fra gladiatori. Si riferisce al gesto della mano usato dalle folle nell'antica Roma per decidere la sorte di un gladiatore sconfitto. Nella lingua italiana la sola espressione "fare pollice verso" ha successivamente assunto il significato di "avversare", "condannare".

Prompt: Focus on Pollice Verso (Gérôme) and explain the Abstract.Please output in Italian.