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amore

lingua greca distingue vari significati differenti in cui può venir utilizzata la parola "amore". Ad esempio, il greco antico possiede i termini philia, eros, agape, storge e xenia. Tuttavia, con il greco , può risultare alquanto difficoltoso separare storicamente i significati di queste parole in un modo univoco e totale. Allo stesso tempo, il testo greco della Bibbia riporta esempi del verbo "agapo" avente lo stesso significato di "phileo".Agape  significa specificamente amore nel greco moderno. Il termine "S'agapo" vuol dire "ti amo" in greco; la parola agapo corrisponde al verbo amore. Esso si riferisce generalmente ad un tipo ideale di amore "puro", piuttosto che all'attrazione fisica suggerita da eros. Tuttavia, ci sono alcuni esempi in cui si utilizza agape per indicare lo stesso significato dato da eros. È stato infine anche tradotto come "l'amore dell'anima."In senso più eminentemente religioso-spirituale è l'amore nei confronti del prossimo, un concetto vicino all'attuale idea di altruismo; si caratterizza per la sua spontaneità, non è perciò un atto intenzionale o una forma di cortesia superficiale proveniente dalla buona educazione, ma una vera e propria empatia per gli altri, vicini o sconosciuti che siano. Nella tradizione cristiana dei Padri della Chiesa, la parola è identificata con il concetto di beneficenza, anche se è più vicino ad un rapporto fisico instaurato con le persone che soffrono.Eros   è l'amore passionale, che conduce ed accompagna il desiderio sensuale.  parola greca erota significa innamorato. Platone ha affinato la sua propria definizione: anche se l'eros inizialmente è sentito per una persona, con la contemplazione diventa un apprezzamento della bellezza che è presente e vivente all'interno di quella persona, o addirittura diventa apprezzamento della bellezza stessa. Eros aiuta l'anima a riconoscere il richiamo della bellezza e contribuisce alla comprensione della verità spirituale. Amanti e filosofi sono entrambi, pertanto, ispirati a cercare la verità che proviene dall'eros. In alcune traduzioni può anche venir inteso come "amore per il corpo".A volte intesa come passione negativa prodotta da épithumia-appetito, ma anche come una forma di "pazzia divina" causa delle più grandi benedizioni per gli uomini. Esso tuttavia può mescolarsi con philia tramite la pederastia - nella sua accezione di pederastia greca - che lega un uomo maturo-erastès che ama ad uno più giovane-eromenos che viene amato.Philia , un amore spassionato e virtuoso , è stato un concetto affrontato ed ampiamente sviluppato da Aristotele. Comprende la lealtà rivolta agli amici, ai parenti e alla comunità di appartenenza; essa richiede la virtù, l'uguaglianza, e la familiarità. Philia è motivato da ragioni pratiche; una o entrambe le parti beneficiano del rapporto. Può anche significare "l'amore della mente"; è un concetto estensivo di amicizia che non poteva esistere altro che tra persone dello stesso sesso, a causa della forte disuguaglianza tra i sessi esistente.Storge  è un affetto naturale, come quello sentito dai genitori per i figli.Xenia , l'ospitalità, era una pratica estremamente importante nella Grecia antica. Era un'amicizia quasi ritualizzata formata tra un ospitante e dal suo ospite, che potrebbero anche esser stati in precedenza dei perfetti estranei. L'ospitante offre il vitto e fornisce un alloggio per gli ospiti, aspettandosi di essere rimborsati solamente con un senso di gratitudine e riconoscenza. L'importanza di questo istituto può essere veduto bene in tutta la mitologia greca e nella letteratura a partire da Omero in poi.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Ancient Greece and the Philosophy.Please output in Italian.

Agape
Aristotele
Eros
Omero
Padri della Chiesa
Philia
Platone


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Fontana Maggiore

Nel 1974 le Poste Italiane hanno dedicato alla Fontana Maggiore un francobollo da Lire 40, della serie Fontane d'Italia.

Prompt: In Fontana Maggiore, how is the Stamp discussed?Please output in Italian.


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Busto di Costanza Bonarelli

Resta una vera eccezione nell'intera produzione ritrattistica del Bernini. Un vero atto d'amore. Ritrae la donna come sarebbe apparsa nell'intimità quotidiana, con i capelli spettinati e la camicia aperta sul seno: lo sguardo è fiero, leggermente sorpreso, e le labbra carnose appena dischiuse. Il collo è robusto, i capelli sono lievemente scomposti, gettati indietro per dar luce all'ampia fronte, e l'acconciatura allentata di trecce raccolte dietro la nuca della donna, colgono la donna in un'acuta indagine introspettiva.  veste è leggera e presenta un semplice nastro che segue la scollatura aperta sino a far intravedere il florido seno. straordinaria vivezza, rintracciabile solo nel busto del cardinale Scipione Borghese , può essere prova del particolare sentimento che legava l'artista alla donna.Le superfici risultano gradevoli, levigate soprattutto sul viso e sul collo, mantenendo tale piacevolezza anche sulle ciocche di capelli arricciate e sulle pieghe della veste.Il busto del Bargello è il solo ritratto scultoreo noto del Bernini che raffiguri una persona comune, riguardando viceversa gli altri, molteplici, busti berniniani alti prelati, nobili, papi e sovrani. Per questa ragione il busto della Bonarelli è sembrato associabile all’attività del Bernini pittore che, in parte rilevante, è costituita per l’appunto da ritratti  realizzati per diletto personale e quasi sicuramente anch’essi non commissionati da nessuno.  Anche i ritratti pittorici del Bernini, infatti, sono per lo più ritratti di persone comuni  tanto che in vari casi si ignora l’identità degli effigiati . Come i ritratti pittorici  anche quello di Costanza Bonarelli non ha la funzione di veicolare un’immagine ufficiale dello status, del rango e del ruolo sociale della persona raffigurata, ma, nella piena libertà dell’artista, privo delle preoccupazioni per le esigenze di un committente, ne restituisce un momento qualunque della sua vita in cui è forse dato cogliere anche i sentimenti e il legame personale che corrono tra il soggetto ritratto e l’autore dell’opera.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Bust of Costanza Bonarelli.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.


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Cupressus

Insetti:Coleotteri Ilobio: gli adulti di Hylobius abietis erodono la corteccia, provocando lesioni da cui fuoriesce la resina. Ilotrupe: le larve di Hylotrupes bajulus vivono più di due anni scavando gallerie sottocorticali, in tutto il cilindro legnoso.Lepidotteri Rodilegno bianco: le larve di Zeuzera pyrina provocano seri danni scavando gallerie nei rami e nei tronchi sottili.Funghi: Cancro da Corineo: l'attacco di Coryneum cardinale provoca sulle branche e i giovani rametti, ulcerazioni da cui fuoriesce abbondante la resina e successivamente un cancro che interessa tutta la circonferenza della parte colpita, causando il disseccamento della parte superiore. Ruggine: il tronco, le branche e i rametti attaccati da Gymnosporangium cupressi presentano dei rigonfiamenti affusolati.

Prompt: Focus on Cypresses (Metropolitan Museum of Art) and explain the Adversity.Please output in Italian.

Coryneum cardinale
Gymnosporangium cupressi
Hylobius abietis
Hylotrupes bajulus
Zeuzera pyrina


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Madonna e santi nel giardino del Paradiso

In un giardino fiorito cinto da alte mura merlate, la regina Vergine è seduta presso un tavolo esagonale con cibi e bevande, mentre sfoglia un libro d'ore; sulla sinistra una delle Pie Donne coglie frutti da un albero, in primo piano un'altra attinge acqua, con un mestolo d'oro, alla fontana di vita e la terza, forse Santa Caterina d'Alessandria, regge un salterio dinanzi al Bambino, che lo suona. In primo piano sulla destra sorvegliano la scena amena tre cavalieri, che tengono una sorta di antesignana sacra conversazione: sono san Giorgio, identificabile dal drago morto riverso sotto di lui, san Michele arcangelo, con accanto una scimmia incatenata simbolo del demonio domato e san Sebastiano, quest'ultimo addossato a un albero.L'opera è tra le realizzazioni più significative della pittura tardogotica europea, che ben esemplifica l'attenzione verso i dettagli più minuti degli artisti dell'epoca, sacrificando magari la coerenza spaziale e la corretta disposizione compositiva delle figure. scena sacra qui è solo un pretesto per mostrare un gruppo di giovani intenti alle più varie occupazioni: la lettura , la musica, la raccolta di frutti, la conversazione, l'abbeverarsi a una fresca fonte. Il giardino murato pullula di fiori e uccelli rappresentati con notevole realismo ed è ricco di dettagli ameni ispirati al mondo cortese: la scimmietta, la tavola imbandita, il giardino recintato coi giaggioli e altre piante da fiore.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Paradiesgärtlein.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraitsset in Van Gogh self-portrait (1889)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Monumento a Lessing

Nel corso degli anni il monumento ha subito più volte furti e atti vandalici. Nel 1923 la coda, in bronzo, del leone sul rovescio fu trafugata e successivamente restaurata. Durante la seconda guerra mondiale, gli accessori in ghisa, grate ornamentali, panche e vasi di fiori, furono rimossi e molto probabilmente fusi. I rilievi del ritratto e i gargoyle scomparvero dopo la fine della guerra. Dopo il 1961, la struttura si trovava proprio accanto al Muro di Berlino; le restanti parti in bronzo furono conservate in un deposito e sopravvissero per decenni fino alla caduta del muro.Nel 1987, in occasione del 750º anniversario di Berlino, e nel 1991/1992, il memoriale è stato completamente rinnovato e ampliato e la piazza nella quale è ubicato è stata riportata alla sua forma storica. Ma anche dopo ci sono stati altri furti: i nuovi gargoyle sono andati perduti, così come il flagello della critica.  statua del poeta e le figure in bronzo sul plinto sono state più volte deturpate da imbrattamenti di pittura

Prompt: Focus on Lessing Monument and explain the Vandalism.Please output in Italian.


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Lucrezia

Basco: LukertzeMaschili: LukertzaMaschile: LucrèceInglese: LucretiaMaschili: LucretiusPolacco: LukrecjaMaschili: LukrecjuszPortoghese: LucréciaMaschili: LucrécioRomena: LucrețiaMaschili: LucrețiuRusso: Лукреция Maschili: Лукреций Spagnolo: LucreciaMaschili: LucrecioUngherese: Lukrécia

Prompt: Describe the characteristics of the Variantsinotherlanguages in Lucretia (Veronese)'s People.Please output in Italian.


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Ritorno all'ovile

Ritorno all'ovile è un dipinto di Carlo Pittara. Il titolo originario era  ritirata.

Prompt: In Return to the Sheepfold, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Giudizio universale

Giudizio universale della Nel cristianesimo questa dottrina fa riferimento ad una celebre parabola di Gesù . In essa Gesù si identifica con il sofferente e il giudizio verte di volta in volta sulla compassione concretamente dimostrata e non sulla fede professata . chiesa latina  ha sottolineato la necessità di una giustizia equilibratrice.  giustizia di Dio, fu quindi contrapposta alla sua misericordia, in quanto essa obbligherebbe Dio a un certo comportamento . Perlomeno Dio "non può dimostrare grazia nello stesso modo ai malfattori e alle vittime" ed "è sperabile che rispetterà e ristabilirà la dignità di queste ultime".Secondo i teologi alessandrini del III secolo Clemente e Origene e i loro numerosi sostenitori la misericordia di Dio deve prevalere e condurre a una riconciliazione universale . Questa dottrina fu sempre sperata nella storia della Chiesa e della teologia, in quanto "la teologia non possiede alcuna conoscenza, né alcuna competenza per decidere sulle possibilità che Dio ha di mutare positivamente le libere decisioni delle sue creature senza distruggerne la libertà".  riprende anche il teologo cattolico Hans Urs von Balthasar, che sottolinea come ad essa sembrano aderire alcuni fra i più famosi teologi cattolici, fra cui anche lo stesso Papa Benedetto XVI.Il Giudizio universale di  dottrina del giudizio finale solleva il problema dello stato delle anime fra il momento della loro morte e la seconda venuta di Cristo.  questione presenta problemi filosofici sia di antropologia  sia di ontologia del tempo . Questi problemi non hanno ancora trovato una soluzione da tutti condivisa.  dottrina che non esista alcuno stato intermedio perché alla morte ogni persona raggiunge il giudizio universale è ritenuta la più verosimile da  Karl Rahner, teologo cattolico e perito conciliare durante il Concilio Vaticano II. soluzione tradizionale mira ad affermare che i giustificati ottengono immediatamente il dono loro assegnato da Cristo e perciò ad escludere la visione beatifica differita, teoria molto diffusa fra i padri della chiesa cattolica e predicata ancora oggi da alcune frange protestanti.  maggior parte dei cristiani, infatti, ha ritenuto e ritiene inaccettabile che i martiri, la stessa Vergine Maria e gli altri santi non possano godere da subito della visione beatifica.Secondo la Chiesa cattolica e quella ortodossa gli uomini vengono giudicati subito dopo la morte , e le loro anime accedono al Paradiso o all'Inferno immediatamente o, nel caso del Paradiso, dopo una fase più o meno intensa di purificazione nel Purgatorio. Alla fine dei tempi vi sarà invece la risurrezione della carne, con la quale i corpi risusciteranno e si riuniranno alle anime per il giudizio finale , di salvezza nella comunione dei santi, oppure di condanna.Nella tradizione protestante, invece, si esclude ogni purificazione dopo la morte. Lutero non sembra aver professato una teologia dello stato intermedio coerente e costante nel tempo. Benché egli abbia talvolta affermato che le anime "dormono", nelle chiese riformate prevale l'opinione di Giovanni Calvino secondo cui le anime dei morti si trovano in uno stato vigile di felicità o di dolore che anticipa il loro destino eterno dopo il giudizio finale.

Prompt: Focus on The Last Judgment (Bosch, Munich) and explain the Christianity.Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Concilio Vaticano II
Cristo
Dio
Gesù
Giovanni Calvino
Giudizio universale
Hans Urs von Balthasar
Inferno
Karl Rahner
Origene
Papa Benedetto XVI
Paradiso
Purgatorio


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Continenza di Scipione

Il dipinto venne probabilmente commissionato a Mantegna nel 1505 dal cardinale Marco Cornaro per lo studiolo nel palazzo in San Polo del fratello Francesco, patrizio veneziano, con un soggetto scelto per celebrare la gens Cornelia, da cui i Cornaro dicevano di discendere. Il maestro attivo a Mantova fece però in tempo a completare solo un primo dipinto, lIntroduzione del culto di Cibele a Roma, prima di morire nel 1506. Solo in seguito l'incarico dovette venire passato al Bellini, il quale, già molto anziano, si dedicò all'opera riprendendo il motivo mantegnesco della grisaglia : si tratta dell'ultimo punto di contatto della carriera dei due, che in gioventù avevano avuto una formazione comune.Probabilmente il progetto prevedeva altre due tele, mai eseguite.  tela di Bellini riapparve nel mercato antiquario nel 1873, quando passò da una collezione inglese a un'altra. Nel 1948 venne intercettata da Alessandro Contini-Bonacossi, che la riportò in Italia, e l'anno successivo la vendette alla Samuel H. Kress Foundation. Venne poi donata al museo nel 1952. Fu Roberto Longhi  a riavvicinare la tavola belliniana e quella mantegnesca, proponendo anche che della serie facessero parte due opere a monocromo di Mantegna più piccole ma di uguale altezza , ma oltre a mancare riscontri documentari c'è la differenza di supporto  a rendere l'ipotesi meno probabile.

Prompt: How does The Continence of Scipio (Bellini) explain its History?Please output in Italian.


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Due scimmie incatenate

L'opera è citata per la prima volta in un inventario del 1668, tra le collezioni di Pieter Stevans di Anversa. Nel 1930 venne messa in vendita sulla piazza antiquaria parigina e acquistata dal museo berlinese.

Prompt: In Two Monkeys (Bruegel), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the nineteenth-century intervention of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the The mysterious, the macabre, the aberrant of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Fuga in Egitto

In Matteo  è citato un verso del Libro di Osea dell'Antico Testamento , che secondo l'autore del vangelo era una profezia soddisfatta dal ritorno di Gesù dall'Egitto: «Là rimase fino alla morte di Erode, affinché si adempisse quello che fu detto dal Signore per mezzo del profeta: "Fuori d'Egitto chiamai mio figlio"». Si tratta di un verso che fa riferimento all'esodo degli Ebrei dall'Egitto, in cui il popolo di Israele è chiamato da Dio "mio figlio", come nel Libro dell'Esodo , «[...] Israele è mio figlio [...] lascia andare mio figlio». migrazione in Egitto in Matteo 2:15 richiama la profezia di Osea 11:1 , con un parallelismo fra Gesù e Mosè: Gesù in ebraico significa "YHWH è salvezza", Mosè significa "salvato dalle acque" ; per la nascita di Mosè : sono le uniche due personalità bibliche aventi un padre adottivo . Per entrambi, scarse notizie sulla vita precedente il periodo adulto;  Gesù sostituisce il sacerdozio levitico con l'ordine secondo Melchisedek , uno straniero; mentre Mosè nomina suo figlio primogenito Ghersom , come il primigenito di Levi  che era la tribù dei sommi sacerdoti. Dio riserva a Sebuel, nipote di Mosè, l'importante carica di sovrintendente dei tesori consacrati , e a Gionatan, figlio di Ghersom, coi suoi discendenti, la carica di sommo sacerdote della tribù di Dan, a Silo ; con le parole ed opere: Mosè Pasqua di Liberazione di Israele dalla schiavitù di Egitto, Gesù Pasqua di Resurrezione del genere umano dalla schiavitù del peccato e della morte.  differenza fra cristiani e giudei permane nelle festività, la Pasqua ebraica è una Pasqua di Liberazione; Mosè appare insieme ad Elia nella Trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor.

Prompt: Explain the Prophecy of Hosea about the Story Gospel according Matthew of this artwork, The Flight into Egypt (El Greco).Please output in Italian.

Antico Testamento
Elia
Gesù
Libro dell'Esodo
Libro di Osea
Mosè
Silo
Trasfigurazione di Gesù


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Lucifero

Il termine significa letteralmente Portatore di luce, in quanto tale denominazione deriva dall'equivalente latino lucifer, composto di lux  e ferre , sul modello del corrispondente greco phosphoros , e in ambito sia pagano che astrologico esso indica la cosiddetta «stella del mattino», cioè il pianeta Venere visibile all'aurora, ed è anche identificato con questo nome. Nella corrispondenza tra divinità greche e romane l'apparizione mattutina del pianeta Venere era personificata dalla figura mitologica del dio greco Phosphoros e del dio latino Lucifer. Analogamente in Egitto Tioumoutiri era la Venere mattutina. Nell'antico Vicino Oriente, inoltre, la "stella del mattino" coincideva con Ishtar per i Babilonesi; Astarte per i Fenici; Inanna per i Sumeri.In ambiti dell'occultismo e dell'esoterismo, infine, Lucifero sarebbe il detentore di una sapienza inaccessibile all'uomo comune.

Prompt: In Lucifer (Stuck), how is the Original meaning discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait at 69 years's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ritratto di Esmeralda Brandini

Un'iscrizione sul davanzale ricorda Esmeralda Donati, madre di Michelangelo Brandini e quindi nonna dello scultore Baccio Bandinelli e moglie di Viviano Brandini.Dante Gabriel Rossetti fu uno dei proprietari del dipinto, al quale operò alcuni ritocchi.

Prompt: In Portrait of a Lady Known as Smeralda Brandini, how is the History discussed?Please output in Italian.

Baccio Bandinelli
Dante Gabriel Rossetti
Michelangelo Brandini


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Pala di Sant'Onofrio

L'opera venne dipinta per il Duomo di Perugia nel 1484 su commissione del Vescovo Jacopo Vagnucci, originario di Cortona, e quindi concittadino di Luca.  pala segnò il raggiungimento della maturità del Signorelli, dimostrando la ricchezza degli influssi che egli aveva assimilato nei suoi soggiorni a Roma e nelle Marche.

Prompt: Focus on Sant'Onofrio Altarpiece and explain the History.Please output in Italian.

1484
Cortona
Jacopo Vagnucci
Marche
Perugia
Roma


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Cristo risorto in gloria

Il Cristo risorto in gloria è un dipinto a olio su tavola  di Rosso Fiorentino, databile al 1528-1530 e conservato nella Museo diocesano a Città di Castello.

Prompt: In The Risen Christ in Glory, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Il pifferaio

Il pifferaio raffigura un semplice ed anonimo ragazzino di stanza con la Guardia Imperiale. Il modello gli fu procurato dall'amico comandante Lejosne, anche se alcuni critici hanno paventato l'ipotesi che si tratti di Léon-Édouard Koëlla, il bambino che Manet avrebbe generato insieme a Suzanne Leenhoff nel 1849: non disponiamo, tuttavia, di una documentazione adeguata a dimostrare questa teoria, e neanche la paternità del bimbo, pur presunta, è mai stata accertata.Con Il pifferaio Manet non solo rinnova in modo radicale la gerarchia dei generi, conferendo a un soggetto di genere la stessa dignità di un ritratto ufficiale, bensì impiega anche uno stile audace e rivoluzionario.  figura infatti, è isolata su uno sfondo spoglio e privo di profondità, dove a malapena si riconoscono il piano verticale della parete e quello orizzontale del pavimento. Dal punto di vista cromatico Manet orchestra invece un accordo essenziale di colori uniformi e piatti, impostato sulla brillantezza del nero, addirittura nitido e luminoso , sui rossi del pantalone, sull'uniformità del grigio dello sfondo, sulle guarnizioni nere e dorate e infine sulla densità dei bianchi, atti a sottolineare le pieghe della bandoliera e delle ghette.  tavolozza, in questo modo, è ridotta all'essenziale e crea un effetto di dirompente originalità.Con questo dipinto Manet denuncia l'influenza non solo di Velázquez, al quale Il pifferaio è un esplicito omaggio, ma anche delle stampe giapponesi, che grazie all'intensificarsi degli scambi commerciali con l'Oriente iniziarono a godere di grande popolarità. Così come le stampe giapponesi, infatti, Il pifferaio presenta una stesura piatta, con una bidimensionalità che viene accentuata dalla spessa linea di contorno nera che circoscrive ogni forma, e impiega un disegno semplice e netto, privo di prospettiva e di modellazione data del chiaroscuro.

Prompt: In The Fifer, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Il suo secondo nome contribuì sempre ad attirare curiosità. Egli diceva che suo padre aveva "avuto un momento di stravaganza quando aveva preso la decisione di affibbiargli il nome del grande capo Shawnee, Tecumseh".Secondo una biografia del 1932 sul generale, da bambino Sherman sarebbe stato chiamato semplicemente "Tecumseh". Egli avrebbe acquisito il nome "William" solo dopo essere stato accolto nella famiglia Ewing. madre adottiva Maria Willis Boyle Ewing era di origini irlandesi e fervente cattolica.Secondo un aneddoto, Sherman sarebbe stato battezzato, forse il 25 giugno, nella casa di Ewing da un domenicano di origine italiana, che lo chiamò "William" in onore del santo del giorno.Sherman scrisse nelle sue memorie che il padre lo aveva chiamato "William Tecumseh" e di essere stato battezzato così, appena nato, da un pastore presbiteriano. Da adulto firmò tutta la sua corrispondenza, anche quella privata con la moglie, "W.T. Sherman". I suoi amici più stretti e la famiglia lo chiamavano sempre col soprannome di "Cump".

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Name baptism and the Strategy.Please output in Italian.


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Giustizia

Nel Basso e Alto Medioevo, con le crociate, si viene creando un codice etico militare, iniziato dalla cavalleria nei tornei e dei "beaux gestes" . Si forma un ideale di cavaliere soldato, cristiano e gentiluomo, difensore dei deboli e araldo della giustizia. L'eredità contemporanea dell'etica cavalleresca trasformatasi con il tempo, è rappresentata oggi dagli ordini cavallereschi.

Prompt: Explain the Chivalric ethics about the In philosophy of this artwork, Justice (Titian).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Diversification birth main branches and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Pala di San Zeno

predella è articolata in tre scomparti: Orazione nell'orto, 71,1×93.7 cm, Tours, Musée des Beaux-Arts.NellOrazione il paesaggio è pietrificato e desertico, quasi artificiale nella modellazione delle rocce; Gesù prega su una roccia simile ad un altare, sulla destra. Sullo sfondo si vede una Gerusalemme ideale, i cui edifici ricordano Roma e Venezia.  Crocifissione mostra la comprensione delle opere di Donatello, con la profonda penetrazione psicologica dei personaggi  e con l'effetto di rappresentazione casuale della vita sotto i nostri occhi, con la presenza di comparse come i due personaggi dimezzati in primo piano, che sembrano colti di sorpresa nel loro passaggio casuale. Nella Resurrezione l'abbigliamento all'antica dei soldati è molto curato e dimostra la volontà di Mantegna di ricreare con precisione l'ambientazione nel mondo classico, con un approccio organico che travalica la semplice citazione erudita ma decontestualizzata delle opere del suo maestro Squarcione.

Prompt: Explain the Predella about the History of this artwork, San Zeno Altarpiece (Mantegna).Please output in Italian.

Donatello Gerusalemme Roma Tours Venezia


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Immacolata Concezione

René urentin, Breve mariologia, Edizioni Paoline, 1964 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Incipiunt Cantica canticorum: allegorice super Matrem Dei, ed moraliter super animam", Editrice Messaggero S. Antonio, Padova, 1986 Francesco Antonio Fasani - Mariale "Ecce nubecula, parva...", Edizioni del Comitato di Promozione Culturale "Padre Maestro", Lucera, 1998 Roberto Coggi,  beata Vergine. Trattato di mariologia, Edizioni Studio Domenicano, 2004, ISBN 88-7094-533-2 Valeria Ferrari Schiefer, Stefano De Fiores, Salvatore M. Perrella, Mariologia, San Paolo, 2009 ISBN 88-215-6341-3 Bruno Forte, Maria - la donna icona del Mistero, San Paolo, 2011 ISBN 88-215-7035-5

Prompt: Describe the characteristics of the Treatises  of  Mariology in The Immaculate Conception of Los Venerables's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Bruno Forte
Francesco Antonio Fasani
ISBN
Mariologia
Salvatore
Francesco Antonio Fasani


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Ritratto di giovane uomo

L'opera, che venne copiata anche da Antoon Van Dyck probabilmente in Italia , fu acquistata a Venezia dal principe Adamo Czartoryski nel 1807. Del dipinto si sono perse totalmente le tracce durante la seconda guerra mondiale quando fu trafugato dai tedeschi: nel 1939 Hans Frank fece infatti confiscare il dipinto. Fu visto per l'ultima volta nel 1945. Del dipinto sono visibili oggi solo fotografie in bianco e nero, colorate digitalmente, o copie eseguite da altri artisti . A Cracovia vi è un ritratto eseguito da Jan Lievens basato sul dipinto di Raffaello ma con fattezze completamente modificate in quelle dello stesso Lievens.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of a Young Man (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.


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Lo Chahut

Lo Chahut è un olio su tela realizzato tra il 1889 ed il 1890 dal pittore francese Georges-Pierre Seurat. Il dipinto è conservato nel Museo Kröller-Müller di Otterlo.

Prompt: Focus on Le Chahut and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Actea, la ninfa della spiaggia

Nella mitologia greca Actea era una delle Nereidi, le cinquanta figlie del dio marino Nereo che vivevano nel mar Egeo.  spiaggia rappresentata nel dipinto era familiare a Leighton dalla sua visita a Rodi nel 1867. Il paesaggio con il mare, dove nuota un gruppo di delfini, è una visione di una delle isole dei mari greci. Secondo Edgcumbe Staley "è un'opera bella, piena di grazia ideale e raffinatezza". D'altro canto, alcuni critici ritennero che la donna sembrava "una figura di legno e articolata rigidamente, che non sembra trarre alcun godimento dal paesaggio che la circonda".

Prompt: Explain the Description of this artwork, Actaea, the Nymph of the Shore.Please output in Italian.


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Jacopo de' Barbari

Quando la Veduta di Venezia fu pubblicata, de' Barbari aveva già raggiunto la Germania, dove incontrò Dürer, forse già conosciuto durante il primo viaggio in Italia del tedesco . Discussero sulle proporzioni umane, certamente non tra le peculiarità dell'arte del de' Barbari, ma Dürer fu decisamente affascinato da quello che sentì dall'artista veneziano, nonostante l'impressione che egli non avesse rivelato tutte le conoscenze in suo possesso: Vent'anni dopo, Dürer tentò invano di ottenere da Margherita d'Asburgo il manoscritto su questo argomento del de' Barbari, nel frattempo deceduto. Questo scritto è scomparso e lo si ritiene perduto.

Prompt: Explain the Meetings with Dürer about the Biography of this artwork, Jacopo de' Barbari.Please output in Italian.

Germania
Italia
Margherita d'Asburgo
Veduta di Venezia
Venezia


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Busto di Costanza Bonarelli

Tomaso Montanari, Gian Lorenzo Bernini, Gruppo Editoriale L'Espresso, Roma, 2004

Prompt: How does Bust of Costanza Bonarelli explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Self-portraitsset and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Estasi di santa Teresa d'Avila

LEstasi di santa Teresa d'Avila è una scultura in marmo e bronzo dorato di Gian Lorenzo Bernini, realizzata tra il 1645 e il 1652 e collocata nella cappella Cornaro, presso la chiesa di Santa Maria della Vittoria, a Roma.  scena raffigurata nell'opera è, per la precisione, una transverberazione e non un'estasi, quindi la scultura è talvolta chiamata anche Transverberazione di santa Teresa d'Avila.

Prompt: How does Ecstasy of Saint Teresa explain its Abstract?Please output in Italian.

1645
1652
Estasi
Gian Lorenzo Bernini
Roma
Teresa d'Avila
Teresa d'Avila
Transverberazione


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Northeaster

Nicolai Cikovsky, Jr., Winslow Homer, Harry N. Abrams, New York, 1990, pp. 11–13, ISBN 0-8109-1193-0. Elizabeth Johns, Winslow Homer: The Nature of Observation, University of California Press, Berkeley, 2002, p. 9, ISBN 0-520-22725-5. Randall C. Griffin, Winslow Homer: An American Vision. Phaidon Press, New York, 2006, ISBN 0-7148-3992-2.

Prompt: In Northeaster (painting), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Giustizia

parola deriva dal latino iustus, che significa giusto.

Prompt: How does Justice (Titian) explain its Etymology?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Portrait of a Man in Red Chalk's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ebbrezza di Noè

LEbbrezza di Noè è un affresco  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1508-1510 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Drunkenness of Noah.Please output in Italian.

1508
1510
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Noè
Roma


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Ritratto di Laura Dianti

Un ritratto di ura Dianti, amante ufficiale di Alfonso I d'Este, è citato dal Vasari, poi oggetto di un'incisione di E. Sadler. Ridolfi, nel 1648, descrisse l'opera basandosi sull'incisione, dalla quale poi derivarono numerose copie.Una di queste, ritenuta generalmente autografa, è quella presente, che fu inviata nel 1599 da Cesare d'Este all'imperatore Rodolfo II a Praga. Nel 1649 era nelle collezioni di Cristina di Svezia, che lo portò con sé a Roma nel 1654. In seguito fu del cardinale Azzolino, poi, dal 1686, dei principi Odescalchi e, dal 1721, di Filippo d'Orléans. Nel 1800 era in una raccolta inglese e dal 1876 nella collezione Cook, prima di arrivare in quella Kisters a Kreuzlingen.In seguito la critica moderna ritenne l'opera una copia da un originale perduto, così come le versioni della Galleria Estense di Modena, del Nationalmuseum di Stoccolma, della Galleria Borghese di Roma e di numerose raccolte private.Dopo un restauro in America, dove si riscoprì anche la firma sulla manica, l'opera viene in genere considerata l'originale. L'opera faceva coppia con un ritratto di Alfonso I pure perduto, ma del quale si conoscono numerose copie, la migliore delle quali è forse al Metropolitan Museum di New York.

Prompt: In Portrait of Laura Dianti, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Incendio di Borgo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0 Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 Stefano Zuffi, Il Cinquecento, Electa, Milano 2005. ISBN 8837034687

Prompt: In The Fire in the Borgo, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Atleta di Fano

Il luogo preciso del ritrovamento che ha preservato l'oggetto per più di due millenni non è mai stato stabilito con certezza, ma sembra che la nave degli antichi romani che la trasportava fosse sulla traversata dalla Grecia verso l'Italia quando per cause ignote affondò con il suo prezioso carico.Vari governi italiani anche assieme alla regione Marche, specie negli ultimi anni hanno reclamato il ritorno della statua in Italia, ma il museo ha sempre replicato negativamente e ritenuto infondate le richieste a causa dell'impossibilità di stabilire con precisione il luogo del recupero.Nel novembre 2005, a Roma, l'ex conservatrice del Getty Museum, Marion True è stata accusata di associazione per delinquere e di traffico illegale internazionale di opere d'arte. Secondo l'accusa la True avrebbe acquisito opere d'arte illegali provenienti dal deposito di Giacomo Medici, condannato nel marzo del 2005 a dieci anni di prigione e a 10 milioni di euro di risarcimento danni allo Stato Italiano per traffico di opere trafugate da cinquanta tombe etrusche e implicato nel processo con il gallerista di Ginevra Robert Emmanuel Hecht dal quale la stessa True avrebbe acquistato alcune opere per conto del Getty Museum.Secondo Stefano Alessandrini, fanese e consulente di parte civile per "Italia Nostra" al processo romano contro Robert Hecht e Marion True, il J. Paul Getty Museum di Malibù era a conoscenza della provenienza illecita della statua poiché esisterebbe una copia di un'intervista del 1979 realizzata dall'ABC all'ex direttore del Metropolitan Museum of Art, Thomas Hoving, nella quale dichiarava di aver rinunciato all'acquisto della statua perché di provenienza incerta, ma che nonostante altri musei avessero evitato di comprarlo, il Getty accettò ugualmente pagando pur di aver lAtleta che si incorona. Lo stesso Thomas Hoving, in un suo articolo sul Los Angeles Times del 27 settembre 2005, conferma la suddetta versione.Da parte sua comunque Michael Brand, nuovo direttore del museo americano e subentrato a Marion True, in una lettera a Rutelli scrisse: «rigettiamo ogni ipotesi che il Getty fosse stato a conoscenza, al momento dell'acquisto, che gli oggetti che dovevano esservi trasferiti fossero provenienti da scavi illegali in Italia.». Marion True è inoltre attualmente sotto indagine delle autorità greche per l'acquisizione di una corona funeraria di 2500 anni fa.Il 20 novembre 2006, il direttore del museo Michael Brand, ha annunciato l'intenzione di restituire all'Italia solo 26 opere delle 52 richieste, ma non l'Atleta di Fano, pezzo sul quale pende ancora una causa giudiziaria. Il 14 dicembre dello stesso anno il Ministro dei beni e delle attività culturali Francesco Rutelli, rispondeva sul Corriere della Sera che se le trattative non si fossero concluse con un ritorno in Italia di tutte e 52 le opere richieste il museo sarebbe stato posto sotto l'embargo culturale italiano.Il 1º agosto 2007 viene annunciato l'accordo in cui il museo restituisce 40 opere all'Italia, tra queste è presente la Venere di Morgantina, che verrà riconsegnata nel 2010, ma non figura l'Atleta di Fano, per cui l'accordo prevede che ogni decisione sia rimandata alla fine del procedimento giudiziario in corso presso la procura di Pesaro. Nello stesso giorno la procura di Pesaro ha chiesto la confisca della statua per i reati di contrabbando ed esportazione clandestina, richiesta respinta dal giudice.Successivamente, l'11 febbraio 2010, il GIP dispone il sequestro della statua «attualmente al Getty Museum o ovunque essa si trovi». L'impugnazione del decreto ha dato luogo a una sentenza della Corte costituzionale.L'8 giugno 2018 il giudice dell'esecuzione del Tribunale di Pesaro rigetta l'opposizione dei legali del Getty Museum contro la confisca della statua.<br />Il 30 novembre 2018 i giudici della terza sezione penale della Corte di Cassazione hanno respinto il ricorso presentato dal Getty Museum contro l’ordinanza del Tribunale di Pesaro.Il 3 dicembre 2018 con un comunicato stampa il Getty Museum dichiara che «qualsiasi ordine di confisca è contrario al diritto statunitense e internazionale».Il 2 maggio 2024 la Corte europea di Strasburgo, respingendo il ricorso presentato dalla fondazione Paul Getty per violazione della protezione della proprietà, ha stabilito che l'Italia ha tutto il diritto di confiscare e chiedere la restituzione della statua greca in bronzo.

Prompt: Explain the Contested Italian State Getty Museum about the Technique of this artwork, Victorious Youth.Please output in Italian.

1979
2005
2006
2007
2010
Corriere della Sera
Corte costituzionale
Fano
Francesco Rutelli
Getty Museum
Ginevra
Grecia
Italia
Italia Nostra
Getty Museum
Los Angeles
Los Angeles Times
Malibù
Marche
Marion True
Metro
Metropolitan Museum of Art
Michael Brand
Pesaro
Robert Emmanuel Hecht
Roma
Thomas Hoving


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Incontro di Leone Magno con Attila

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Meeting of Leo the Great and Attila.Please output in Italian.

Stanza di Eliodoro
Stanze di Raffaello
Stanze di Raffaello


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Polittico della Misericordia

Nel 1442 Piero risultava abitante, dopo alcuni viaggi, di nuovo a Borgo Sansepolcro, sua città natale, dove era uno dei "consiglieri popolari" nel consiglio comunale. L'11 gennaio 1445 ricevette dalla locale Confraternita della Misericordia la commissione di un polittico per l'altare della loro chiesa: il contratto prevedeva il compimento dell'opera in tre anni e la sua completa autografia, oltre all'obbligo di controllare, ed eventualmente restaurare, il dipinto nei dieci anni successivi. Il Polittico della Misericordia è, grazie a questo contratto, la prima opera documentata di Piero della Francesca che ci sia pervenuta.In realtà, la realizzazione del polittico si protrasse, con intervento di un allievo non identificato, per più di 15 anni, nonostante le continue sollecitazioni della Confraternita, come dimostra un pagamento al fratello Marco di Benedetto de' Franceschi, per conto di Piero, effettuato dai religiosi nel 1462. Il ritardo può essere spiegato sia per i numerosi altri impegni del maestro, sia per la sua fama di artista molto lento, a cui si era cercato di rimediare con l'apposizione della clausola. Alcuni documenti fanno dedurre che la parte preponderante dell'opera sia stata eseguita dopo il 1459.  presenza di San Bernardino da Sienaaureola pone un importante termine post quem, poiché venne proclamato santo nel 1450.Nel XVII secolo il polittico fu scomposto, con la perdita dell'originaria cornice; si riuscì però ad evitare la dispersione dei pannelli. Trasferito poi nella chiesa di San Rocco, dal 1901 è conservato nella Pinacoteca comunale.

Prompt: Explain the History of this artwork, Polyptych of the Misericordia.Please output in Italian.


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Ritorno dei contadini dai campi

L'opera ha formato sin dall'antico un pendant con Ulisse nell'isola dei Feaci. Entrambe le tavole erano nelle raccolte del duca di Richelieu nel 1677 e, passate nel frattempo nelle collezioni asburgiche, arrivarono a Firenze nel 1765 per iniziativa dei Lorena. Vennero portate a Parigi dai commissari francesi tra il marzo e l'aprile 1799, restando in Francia fino al 1815. Anche nel rapporto che Canova e Karcher stilarono durante le restituzioni esse sono trattate insieme. datazione dell'opera ha subito vari oscillazioni, entro il 1620 e il 1635, anno in cui venne replicata da un seguace che datò e firmò la sua copia. Le ipotesi più convincenti si inseriscono comunque verso i primi anni trenta.Alcuni riferiscono il Ritorno al 1632-1634, magari opera di collaborazione con Lucas van Uden, altri alla fase estrema della produzione di Rubens, il 1640. Per il carretto l'artista riutilizzò due disegni preparatori antecedenti, uno con mietitore sulla destra , una con due carri . Esiste inoltre un parallelismo tra la seconda figura a destra il disegno di contadina che si dirige a sinistra nel Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi, mentre i cinque personaggi a destra in un disegno all'Albertina sono piuttosto copia da Rubens, che disegno preparatorio.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Peasants Returning From The Fields.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Tanagra

Viene menzionata da Pausania nel suo elenco di antiche città greche con il nome di Graea;  alcuni studiosi considerano questo un possibile antico nome della città. Il suo fondatore veniva considerato Poimandros il quale aveva preso parte alla Guerra di Troia per cui la città era conosciuta anche con il nome di Poimandria.Vi si svolse, nel 426 a.C. la famosa Battaglia di Tanagra combattuta da Sparta e Beozia contro Atene durante la Guerra del Peloponneso. Nel 457 a.C. vi si era svolta un'altra grande battaglia.È ben conosciuta dagli archeologi per i suoi reperti ceramici funerari tra i quali le famose statuette fittili, di particolare espressività, dette "tanagrine" in virtù del fatto che ivi vennero ritrovate per la prima volta e in gran quantità.Il termine "tanagrine" venne in seguito adottato per definire le statuette fittili di tipo similare ritrovate anche in altre località come a Centuripe e in altre aree della Magna Grecia.

Prompt: In Tanagra (Gérôme sculpture), how is the History discussed?Please output in Italian.

426 a.C.
457 a.C.
Atene
Centuripe
Grecia
Guerra del Peloponneso
Guerra di Troia
Magna Grecia


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Sarcofago Grande Ludovisi

cassa, tratta ad altorilievo, è decorata da una grandiosa scena di battaglia tra Romani e barbari .  convulsa scena è organizzata su quattro piani: i due inferiori sono occupati da barbari caduti da cavallo o a piedi, ormai feriti, morenti o morti; la fascia mediana da soldati romani impegnati a combattere gli avversari; la fascia superiore raffigura l'arrivo di una carica di cavalieri romani, guidata dall'imperatore, che travolge i nemici residui. Da notare la raffigurazione delle trombe e della buccina, suonata da un ausiliario africano per segnalare la carica e il cavaliere che affianca l'imperatore, da identificare in un draconarius, perché porta un vessillo a forma di drago. superficie è animata da un groviglio di figure, tra le quali non si riesce a cogliere un vero e proprio duello , ma un accatastarsi di guerrieri, tra i quali spicca al centro la figura del condottiero a cavallo, con un braccio alzato che fa cenno alla travolgente avanzata che proviene dall'angolo destro e che indirizza su di lui l'attenzione dell'osservatore. Il personaggio è ritratto in maniera precisa, con la testa barbuta ed espressiva e con un segno di croce a "X" sulla fronte  che ha permesso di identificarlo con uno dei figli di Decio, Ostiliano  o più probabilmente il maggiore, Erennio Etrusco, che morì in battaglia insieme al padre ad Abrittus contro i Goti di Cniva .

Prompt: How does Ludovisi Battle sarcophagus explain its Description?Please output in Italian.

Cniva
Decio
Erennio Etrusco
Goti
Ostiliano
Roma


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Giove, Nettuno e Plutone

Giovan Pietro Bellori, Le vite de'pittori, scultori et architetti moderni, a cura di Evelina Borea, Torino, Einaudi, 1976. Maurizio Calvesi,  realtà del Caravaggio, Torino, Einaudi, 1990. Maurizio Calvesi, Caravaggio, in "Art e Dossier", 1999, pp. 30–31. Andrew Graham Dixon, Caravaggio, Milano, Mondadori, 2014. Roberta pucci, Caravaggio e i quadretti nello specchi ritratti, in "Paragone Arte",  44-46, pp. 16–170. Maurizio Marini, Michelangelo Merisi da Caravaggio, «pictor praestantissimus», Roma, Newton Compton, 2005. Rossella Vodret, Caravaggio a Roma, Milano, Silvana, 2010. Giuliana Zandri, Un probabile dipinto murale di Caravaggio per il Cardinal del Monte, in "Storia dell'Arte" , n. 3, p. 338-343. Ludwing Frommel, Caravaggios Fruhwerk und der kardinal Francesco Maria del Monte, in "Storia dell'Arte", 1971 , 9-10, pp. 53–56. Mia Cinotti, Caravaggio, Bergamo, Bolis, 1991. Lorenza Rossi, Riflessioni e proposte per una nuova lettura del dipinto su muro eseguito da Caravaggio nel Casino Del Monte, in Arte Documento, n. 8, 1994, pp. 181–184. Mina Gregori, Caravaggio, Milano, Electa, 1994. Maurizio Calvesi, Arte e Alchimia, in "Art e Dossier", n. 4, 1986. AA.VV., Giulio Romano pinxit et delineavit, Roma, Fratelli Palombi, 1993. Cristina Galasso, Niccolò Circignani "pratico" e "spedito" pittore, Petruzzi, Perugia, 1993. Maria Grazia Bernardini, Il dipinto di Caravaggio nel Casino Ludovisi: i risultati del restauro, in AA. VV., Come dipingeva il Caravaggio, "Atti della giornata di studio", Roma, 1996, pp. 102–105. Ferdinando Bologna, L'incredulità del Caravaggio, Torino, Bollati, Boringhieri, 2006. M. Gabriele, Caravaggio e i quattro elementi, in Alchimia e iconologia, Udine, 2008 , 2008, pp. 121–126. E. ngdon, Caravaggio. A life, Londra, 2012. E. Zolla, Le meraviglie della natura. Introduzione all'alchimia, Marsilio, Venezia, 1998. David Hockney, Secret knowledge rediscovering the last techniques of the old masters, Londra, 2006. Maurizio Fagiolo Dell'Arco, Maurizio Marini, Rassegna degli studi caravaggeschi, in "L'Arte" , nn. 11-12, pp. 117–128.  N. Cole Wallach, An iconographic interpretation of ceiling painting attributed to Caravaggio, in Marsyas, 1974-1975, pp. 101–112. Z. Wazbinski, Il cardinal Francesco Maria del Monte, Firenze, Olschki, 1994. Luigi Spezzaferro, Caravaggio, Milano, Silvana, 2010.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Jupiter, Neptune and Pluto.Please output in Italian.

Alchimia
Andrew Graham Dixon
Art e Dossier
Caravaggio
Ferdinando Bologna
Giulio Romano
Caravaggio
Roma


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Tristezza

Secondo Swati Johar, la tristezza è un'emozione "identificata dagli attuali sistemi di elaborazione di dialoghi vocali". L'energia quadratica media, il silenzio inter-parola e la frequenza di parole sono stati rilevati come misure utili nel distinguere la tristezza dalle altre emozioni.  tristezza è comunicata principalmente riducendo la media e la variabilità della frequenza fondamentale , oltre a essere associata a un'intensità vocale più bassa e con diminuzioni di f0 nel tempo. Johar sostiene che "quando qualcuno è triste, viene prodotto un discorso lento e basso con una debole energia ad alta frequenza audio". Allo stesso modo, "lo stato di tristezza è attribuibile al tempo lento, alla velocità del parlato e al tono medio più bassi".

Prompt: In the context of The Sorrows of the King, explain the Monotonous and the Neuroanatomy.Please output in Italian.


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Ercole Farnese

L'eroe personificava il trionfo del coraggio dell'uomo sulla serie di prove poste dagli dèi gelosi. A lui, figlio di Zeus, era concesso di raggiungere l'immortalità definitiva. Nel periodo classico, il suo ruolo di salvatore dell'umanità era stato accentuato, ma possedeva anche difetti mortali come la lussuria e l'avidità.L'interpretazione che ne diede Lisippo rispecchiava questi aspetti della sua natura mortale e fornì all'eroe un ritratto al quale si guardò per il resto dell'antichità. Questa statua rappresenta Ercole, stanco al termine delle fatiche, che si riposa appoggiandosi alla clava, tenendo con la mano destra, dietro la schiena, i pomi d'oro rubati alle Esperidi.

Prompt: Focus on Farnese Hercules and explain the Description.Please output in Italian.


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Paesaggio con la fuga in Egitto

Le restanti quattro tele che decoravano la cappella di Palazzo Aldobrandini:

Prompt: How does Landscape with the Flight into Egypt (Carracci) explain its Loyalty Glasses Aldobrandini?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Suora velata

sinistra Busto simile alla Suora velata, esposto al  Suora velata è un busto alto 52.7 centimetri, raffigurante una donna con indosso un velo. I dettagli sono raffinati e danno l'illusione della trasparenza. Da quando è in mostra nel 1874, l'opera è sempre stata conosciuta come la Suora velata; tuttavia, la figura è identificabile con una donna facoltosa, oppure con un soggetto allegorico. Non sono compatibili con l'aspetto di una suora né l'elegante acconciatura, né l'orlo ricamato del velo.Le figure velate erano un soggetto scultoreo molto popolare nel XIX secolo. Tale gusto dapprima si diffuse in Italia nel XVIII secolo, con opere di grande pregio realizzate da artisti quali Giuseppe Sanmartino, Antonio Corradini e Innocenzo Spinazzi: su tutte, gli esempi più efficacemente rappresentativi di questa tendenza si possono riscontrare nel Cristo velato e nella Pudicizia della Cappella Sansevero di Napoli. Negli anni cinquanta del XIX secolo, Raffaele Monti realizzò una Vestale velata, che potrebbe aver ispirato William Corcoran, fondatore della Corcoran Gallery of Art, nell'identificare il busto come la suora.Altri due busti, derivanti dallo stesso modello, sono conservati al Museo nazionale di Serbia e alla Casa urier di Ottawa. Entrambi non sono firmati.

Prompt: Focus on The Veiled Nun and explain the Description.Please output in Italian.

Antonio Corradini
Cappella Sansevero
Corcoran Gallery of Art
Cristo velato
Giuseppe Sanmartino
Innocenzo Spinazzi
Napoli
Ottawa
Raffaele Monti
Vestale velata
William Corcoran


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Donna davanti allo specchio

Donna davanti allo specchio, anche noto come Donna in piedi davanti a uno specchio , è un dipinto ad olio su tela realizzato dal pittore danese Christoffer Wilhelm Eckersberg nel 1841. Il dipinto oggi è custodito nella collezione Hirschsprung a Copenaghen.Questo quadro relativamente piccolo nelle dimensioni è ritenuto uno dei capolavori dell'età d'oro danese e una delle venti opere più importanti della collezione Hirschsprung.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, A Nude Woman Doing Her Hair Before a Mirror.Please output in Italian.

Christoffer Wilhelm Eckersberg
Copenaghen


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Madonna di Bagnacavallo

Sullo sfondo di una stanza scura, in cui si riconoscono una finestra tamponata da assi lignee, dove comunque filtra un po' di luce, e un arco che porta a un giardino murato , Maria, seduta, si staglia a metà figura, rappresentata fino alle ginocchia e con il Bambino in grembo, pure seduto e appoggiato al suo braccio destro. Un tenero gioco di gesti e sguardi lega le due figure: la mano sinistra di Gesù tiene infatti con un leggero contatto quella della madre, mentre l'altra, con un rametto di fragola , è vicina alla mano destra di Maria, che affiora dietro di lui, a sorreggerlo. L'atmosfera intima e tenera non è disturbata dalla cura del dettaglio che l'artista riservò ad alcuni particolari, come i lucenti capelli della vergine o la piega pesante che il suo mantello azzurro compie sulla testa, rivelando la fodera rosata, che si accorda con la veste rosso brillante.Raro è nella produzione tedesca lo sfondo della stanza chiusa, ripreso probabilmente da un modello fiammingo.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Bagnacavallo Madonna.Please output in Italian.


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Trittico di san Pietro martire

Insolita è anche la presenza di pitture tra gli spazi della carpenteria delle cuspidi, dove si trovano le scenette della vita di san Pietro Martire, trattate con uno svagato tono miniaturistico, che ricorda le opere fiorentine coeve di Gentile da Fabriano. Ai lati si trova una doppia curva di alberi che unifica lo spazio di queste scenette, come se si svolgessero in un unico panorama. L'autografia di queste scenette è stata oggetto di molti pareri discordanti, arrivando a proporre anche il nome dell'allievo Benozzo Gozzoli. L'unica cosa certa è che il restauro ha rivelato come la pittura di queste zone sia coeva al Trittico, per cui parte integrante del dipinto fin dall'inizio.  ricchezza compositiva e la capacità con cui sono dipinti gli elementi in prospettiva fanno di queste storie un'anticipazione dello stile dei pannelli di predelle dell'Angelico dell'inizio degli anni trenta.

Prompt: In San Pietro Martire Triptych, how is the The stories of Saint Peter Martyr of the Description and style explained?Please output in Italian.


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Betsabea

Betsabea viene citata nel brano Giuseppe cantato da Georges Moustaki Nella celebre canzone Hallelujah del cantante Leonard Cohen si cita Betsabea, anche se non viene nominata, nel verso "You saw her bathing on the roof / Her beauty and the moonlight overthrew ya" .  canzone Dead dall'album Doolittle dei Pixies  raffigura la lussuria di Davide nei confronti di Betsabea, la gravidanza causata dal loro adulterio e il decesso di Uria. Betsabea e Uria sono citati per nome. Mad About You, una canzone dall'album di Sting del 1991 The Soul Cages, esplora l'ossessione di Davide per Betsabea dal punto di vista del primo. David and Bethsheba dall'album Bottom of the Sea dei Brown Bird è una riscrittura della storia dal punto di vista di Davide.

Prompt: In the context of Bathsheba (Gentileschi), explain the Music and the Biblical story.Please output in Italian.

Brown Bird
Davide
Leonard Cohen
Pixies
Davide
Sting
The Soul Cages


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Ritratto di Maffeo Barberini

Il ritratto di Maffeo Barberini è un dipinto attribuito a Caravaggio, databile intorno al 1598. È conservato in una collezione privata di Firenze.L'opera mostra Maffeo Barberini , membro di un'illustre famiglia fiorentina. Un ulteriore ritratto di Maffeo Barberini è stato attribuito anch'esso al Caravaggio.

Prompt: How does Portrait of Maffeo Barberini explain its Abstract?Please output in Italian.


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Violante

L'onomastico si festeggia il 6 maggio in memoria della beata Violante Pelletta, monaca clarissa di Asti.

Prompt: How does Violante (Titian) explain its Name day?Please output in Italian.


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Autoritratto con l'orecchio bendato

LAutoritratto con l'orecchio bendato è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1889 e conservato alla Courtauld Gallery di Londra.

Prompt: How does Self-Portrait with Bandaged Ear explain its Abstract?Please output in Italian.

1889
Courtauld Gallery
Londra
Vincent van Gogh


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Ritratto di Jacopo Dolfin

Il Ritratto di Jacopo Dolfin è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1531 circa e conservato nella Los Angeles County Museum of Art.

Prompt: Focus on Portrait of Giacomo di Andrea Dolfin and explain the Abstract.Please output in Italian.

1531
Jacopo Dolfin
Los Angeles
Los Angeles County Museum of Art


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Madonna Davis

tavola è in cattivo stato di conservazione, oggi migliorato nella lettura grazie al restauro. Maria è seduta su un esile trono traforato di archetti e decorazioni gotiche, che ricordano la tradizione veneziana , dai quali spuntano fitte fronde di arbusti. Essa guarda verso destra, mentre il Bambino benedice a sinistra, facendo pensare che fossero un tempo presenti anche degli scomparti laterali.Il "trono vegetale" allude alla fusione tra le iconografie della Maestà  e della Madonna dell'Umiltà, cioè Maria seduta in terra, grazie anche alla vicinanza tra le parole latine "humus"  e "humiltas". Un'aggiunta rispetto al prototipo sono gli angeli musicanti ai lati del trono, mentre sono perdute le possibile incisioni sulla foglia oro, che nella tavoletta perugina raggiungono vertici di estrema raffinatezza. Meglio conservata nella tavola di New York è invece la parte inferiore, in cui un coro di angioletti piccolissimi, di stampo medievale, è impegnato a srotolare sinuosamente un cartiglio in cui compare la musica e le parole di un'antifona pasquale: "[R]egina c[o]eli l[a]eta re alleluia [quia] quem meruist[i] por tar[e a]ll[e]luya [r]esur[rexit] / sicut".

Prompt: Explain the Description of this artwork, Davis Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The Twentieth Century discussed?Please output in Italian.


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Pala di Sant'Ambrogio

pala era originariamente collocata nella chiesa di Sant'Ambrogio a Firenze dove rimase fino alle soppressioni del 1808. Finì prima alla Galleria dell'Accademia, dove era studiata dagli allievi dei corsi d'arte, e poi, col riordino delle collezioni fiorentine, agli Uffizi.  presenza dei santi Cosma e Damiano farebbe pensare a una commissione medicea o dell'Arte dei Medici e Speziali.Nel XVI secolo subì varie ridipinture, che alterarono soprattutto la Madonna e il Bambino e furono causa di vari dubbi attributivi. Fantozzi l'assegnò al Ghirlandaio, Cavalcaselle e Crowe ad Andrea del Castagno  e Morelli alla scuola di Botticelli.Ulmann fu il primo a restituire l'opera al Botticelli, e dopo di lui la critica si è manifestata universalmente concorde. Analogie con la Fortezza suggeriscono una datazione vicina al 1470. Gamba attribuì la predella con Storie della Maddalena a quest'opera, scambiandola con la Pala delle Convertite, ipotesi confutata poi dalla Yashiro. Non è detto che l'opera fosse stata dipinta per Sant'Ambrogio, per l'assenza del santo titolare della chiesa nella pala. Alcuni hanno ipotizzato che fosse la pala che Vasari vide nella chiesa di San Ludovico a Montevarchi, che altri però indicano in una tavola alla Galleria dell'Accademia.Restaurata nel 1992, venne liberata dalle ridipinture.

Prompt: In Sant'Ambrogio Altarpiece (Botticelli), how is the History discussed?Please output in Italian.

1470
1808
1992
Andrea del Castagno
Cosma e Damiano
Firenze
Galleria dell'Accademia
Medici
Montevarchi
Pala delle Convertite


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Business names of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Il campo italiano alla battaglia di Magenta

Il dipinto, come già accennato, rappresenta uno degli episodi più noti della seconda guerra d'indipendenza italiana, ovvero la battaglia di Magenta.  scelta rappresentativa del Fattori, però, sposta la visuale su un momento particolare dello scontro: a essere raffigurato, infatti, non è l'aspetto eroico della battaglia, bensì il pur dignitoso ritorno dei soldati feriti sulle retrovie per essere assistiti dalle infermiere. L'opera, priva di intenti celebrativi, privilegia pertanto la dimensione della pietà, con la quale Fattori dimostra all'osservatore le conseguenze dirette, in termini di sofferenze e di distruzioni, che la guerra comporta.Il gioco dei soggetti è equilibrato da un'aria di apparente tranquillità data dagli ufficiali in primo piano che seguono con attenzione il ritorno dei feriti, sapientemente concertate da una diligenza equipaggiata con due monache infermiere, preposte all'assistenza dei feriti più gravi, adagiati su un carro. Sul selciato del viottolo giacciono inoltre i cadaveri di due soldati.  parte destra è occupata da una serie di truppe schierate che, assistendo da lontano alla funebre processione dei compagni, rendono loro silenzioso omaggio prima di recarsi al fronte. A sinistra, proprio vicino alla diligenza, si trovano invece i soldati feriti che, riuscendo ancora a camminare sulle gambe, ritornano autonomamente alle retrovie seguendo un uomo dalla testa bendata che avanza su un cavallo bianco dal passo stanco. L'unico elemento a denunciare la battaglia è relegato sullo sfondo del dipinto: qui, infatti, troviamo il profilo della martoriata Magenta, dove ancora i fumi dei cannoni fanno intuire che lo scontro è ancora attivo ma sta ormai giungendo al termine. Il cielo, di un azzurro intenso, è appena solcato da qualche nube primaverile, che si apre verso l'infinito, espandendo la prospettiva del dipinto e consentendo nel contempo l'ampliamento degli orizzonti dello spettatore, che già guarda «da fuori» gli eventi. Dal punto di vista stilistico il quadro non può dirsi ancora pienamente macchiaiolo: seppur il colore sia già applicato sulla tela con estese campiture orizzontali, i volumi e le lontananze non sono resi con la macchia, bensì con il chiaroscuro tradizionale. Si tratta, insomma, di uno stile che fonde armoniosamente le regole accademiche con la nascente arte macchiaiola.

Prompt: Focus on The Italian Camp at the Battle of Magenta and explain the Description.Please output in Italian.