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Sisto IV nomina il Platina prefetto della biblioteca Vaticana

scena, scorciata per una vista dal basso, mostra un gruppo di personaggi inseriti in una sfarzosa architettura classica di arcate sostenute da pilastri al di sotto di un soffitto a cassettoni dorati.leftA destra si trova il papa assiso su un seggio ligneo, con davanti inginocchiato il Platina, che, nel ricevere l'investitura, punta l'indice in basso verso un'iscrizione da lui stesso composta che esalta alcune imprese edili di Sisto IV, quali la ristrutturazione dell'Ospedale di Santo Spirito, dell'acquedotto di Trevi , la costruzione o il restauro di alcuni ponti tra cui Ponte Sisto, l'inizio dei lavori del porto di Civitavecchia. Tali imprese tuttavia, secondo l'iscrizione, sono secondarie se confrontate con l'inaugurazione della nuova sede della Biblioteca Vaticana. Questo il testo latino dell'iscrizione del Platina:Gli altri personaggi sono i familiari di Sisto IV, grande nepotista: i due cardinali Giuliano della Rovere, in piedi al centro, e Pietro Riario, di fianco al papa, e i due nipoti laici Giovanni della Rovere  e Girolamo Riario  nella parte sinistra.L'identificazione del ritratto del cardinale posto accanto al trono del Pontefice ha generato molteplici discussioni: per molto tempo si era soliti riconoscere Raffaele Riario, un altro nipote di papa Sisto, celebre per essere stato il committente del palazzo della Cancelleria in Roma , ma oggi, grazie a una più ragionata ricerca archivistica, si può affermare che esso sia Pietro Riario, il cardinale titolario di San Sisto che fu collaboratore e legato papale nelle missioni diplomatiche dello Stato Pontificio all'estero; egli senza dubbio fu uno dei personaggi di spicco nella Roma sistina, celebre nella città soprattutto per la sua erudizione, le sue feste grandiose e i suoi banchetti.

Prompt: Focus on Sixtus IV Appointing Platina as Prefect of the Vatican Library and explain the Description.Please output in Italian.

Giovanni della Rovere
Girolamo Riario
Pietro Riario
Ponte Sisto
Raffaele Riario


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Cupressus

I cipressi sono alberi sempreverdi con foglie ridotte a squame, strettamente addossate le une alle altre o divaricate all'apice, secondo le specie. In alcune specie, le foglie schiacciate rilasciano un caratteristico odore. Il colore delle foglie è molto scuro nel cipresso diffuso in Italia , ma in altre specie è più chiaro  e persino verdazzurro .I coni megasporangiati, detti galbuli, sono legnosi, tondeggianti, divisi in un certo numero di squame che si separano a maturità.

Prompt: How does Cypresses (Metropolitan Museum of Art) explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Aristide Bruant all'Ambassadeurs

Aristide Bruant all'Ambassadeurs è una litografia a pennello e a spruzzo  realizzato nel 1892 dal pittore francese Henri de Toulouse-utrec.È conservato nel Musée Toulouse-utrec di Albi.

Prompt: In Ambassadeurs (lithograph), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Assedio di Asola

tela fonde due scene: dalla sinistra e fin oltre la metà del quadro è rappresentato in primo piano uno scontro tra cavalieri, fatto realmente accaduto, che illustra la sortita degli asolani, assediati, dal 16 al 19 marzo 1516, dalle armate condotte personalmente dall'imperatore Massimiliano I; nel groviglio di uomini e cavalli, spicca il vessillo con il leone rampante di Asola, mentre la fortezza turrita compare sullo sfondo; a destra della composizione è invece raffigurato, con l'inequivocabile cartiglio, l'omaggio tributato dalla comunità asolana al provveditore Francesco Contarini, il nobile veneziano che seppe organizzare così bene la difesa della piazzaforte da costringere gli imperiali ad abbandonare l'impresa.L'assedio di Asola del 1516 è menzionato dagli storici Marin Sanudo, Francesco Guicciardini e Ludovico Mangini.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Siege of Asola.Please output in Italian.


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Cena in casa di Simone il fariseo

Il grandioso dipinto viene eseguito per la prestigiosa collocazione del refettorio del monastero di san Giacomo Maggiore sull'isola di San Giorgio in Alga, nella laguna di Venezia, su commissione dei Canonici Regolari di San Giorgio in Alga che qui avevano la loro sede. In questa posizione è citato per la prima volta da Giacomo Filippo Tomasini nel 1642, seguito da Carlo Ridolfi nel 1648.Con la soppressione della congregazione religiosa, avvenuta nel 1668 per mano di papa Clemente IX, il dipinto viene rimosso dalla sua collocazione originale e trasportato a Venezia, anche se non è noto precisamente quando.Nel 1820, il governo austriaco sovvenziona il restauro dell'opera alla Scuola Grande di Santa Maria della Carità, rimanendo qui esposta a scopo di studio e, con il passare del tempo, entrando definitivamente nella collezione delle Gallerie dell'Accademia.

Prompt: Focus on The Feast in the House of Simon the Pharisee (Veronese, Turin) and explain the History.Please output in Italian.

Carlo Ridolfi
Giacomo Filippo Tomasini
San Giorgio in Alga
Gallerie dell'Accademia
Venezia


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Focus on Self-portrait (van Dyck, New York) and explain the Self-portrait non-European art.Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Puerta de Alcalá è uno dei monumenti più significativi di Madrid, Spagna assieme alla vicina fuente de Cibeles.  costruzione fu ordinata dal re Carlo III e fu messa in opera dall'architetto Francesco Sabatini. Si trova nella Plaza de la Independencia, all'incrocio delle vie Alcalá, Alfonso XII, Serrano e Salustiano Olózaga e assieme alla Puerta de España, entrata principale al Parco del Retiro. Come la via nella quale si trova, il monumento porta questo nome per trovarsi sulla strada che conduceva alla località di Alcalá de Henares.

Prompt: In Puerta de Alcalá, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Alcalá de Henares
Francesco Sabatini
Madrid
Parco del Retiro
Spagna


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Scipione l'Africano libera Massiva

ubicazione=Walters Art Museum}}Scipione l'Africano libera Massiva è un dipinto di argomento storico risalente al 1719-1721, opera giovanile di Giambattista Tiepolo e si trova nel Walters Art Museum di Baltimora, Stati Uniti d'America.

Prompt: Focus on Scipio Africanus Freeing Massiva (painting) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1719
1721
Baltimora
Giambattista Tiepolo
Stati Uniti d'America
Walters Art Museum


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Bambini dell'Olocausto

Nelle zone di occupazione tedesca, migliaia di bambini sopravvissero vivendo in clandestinità, con falsa identità, o nascosti in luoghi di rifugio, talora con i propri genitori, spesso separati dalle loro famiglie.Coscienti del fatto che i bambini rappresentavano il futuro ed erano per questo oggetto di particolare accanimento da parte nazista, le forze di resistenza  dedicarono speciale attenzione al loro salvataggio, riuscendo in taluni casi anche a conseguire alcuni successi importanti come nel caso dei ragazzi di Villa Emma  in Italia, o di quelli ospitati a Le Chambon-sur-Lignon in Francia. Moltissimi furono i bambini  accolti singolarmente in istituti religiosi cristiani o da famiglie di amici o anche di estranei che generosamente, rischiando la loro stessa vita, li protessero fino alla fine della guerra.Una categoria particolare è rappresentato da coloro che, come Jack Kuper, Meir Brand o Yoram Fridman, sopravvissero come ragazzi di strada, abbandonati a se stessi, senza degli adulti o un'organizzazione che si prendessero specificamente cura di loro, trovando amici e nemici nel loro cammino, vivendo di ogni sorta di espedienti.Non per tutti i bambini fu una storia a lieto fine. Molti, come Anna Frank furono scoperti e avviati ai campi di sterminio, altri furono uccisi sul posto o si suicidarono per evitare la cattura . Per altri ancora, il prezzo pagato per la sopravvivenza fu molto alto. Benché i casi di abuso siano stati rari, le condizioni di rifugio furono spesso molto dure dal punto di vista fisico e psicologico per la paura continua di essere scoperti e la continua necessità di reprimere la propria identità e lo sforzo continuo di apparire e di comportarsi diversamente da come si era stati educati. Per vincere la solitudine e l'assenza di una vita sociale normale alcuni bambini affidarono ai diari le loro emozioni. I Diari dell'Olocausto scritti da bambini sono tra le testimonianze più toccanti del periodo.Per coloro che sopravvissero, il ritorno alla normalità non fu semplice.  maggior parte di essi si ritrovarono orfani, spesso completamente soli, confusi, senza una chiara nozione della propria identità che per anni avevano dovuto tenere nascosta. Per altri l'abbandono dei genitori adottivi e il reinserimento nella famiglia d'origine fu un passo altrettanto traumatico. Per alcuni bambini ebrei affidati a istituti religiosi cattolici e battezzati si aprì anche una battaglia legale per la loro identificazione e "restituzione", battaglia che divise i vertici stessi della gerarchia cattolica.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Hidden  children  in  clandestinity of the Losterminio explained?Please output in Italian.

Anna Frank
Diari dell'Olocausto
Francia
Italia
Jack Kuper
Le Chambon-sur-Lignon
Meir Brand
Olocausto


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Democrito

conoscenza sensibile si basava sulla meccanica atomistica: ogni oggetto, anche se appariva immobile e statico, era costituito da atomi, intervallati dal vuoto, i quali si muovevano continuamente. In particolare la superficie dei corpi era formata da uno strato di atomi più leggeri che si staccavano dal corpo stesso, di cui conservavano però la configurazione esteriore, producendo delle "emissioni atomiche", ossia degli "idoli"  che, attraversando l'aria, colpivano gli organi sensoriali degli animali e degli uomini: l'urto tra gli idoli e gli organi di senso giungeva, attraverso il corpo, fino all'anima, generando la cosiddetta immagine sensibile, che veniva poi trasformata in un contenuto logico.  conoscenza sensibile tuttavia forniva informazioni piuttosto superficiali e spesso ingannevoli sulle qualità degli oggetti percepiti : essa non era in grado né di cogliere la struttura profonda degli enti, quindi la loro natura atomica, né i rapporti causali esistenti tra essi. Pertanto anche Democrito, come Parmenide, svalutò la sensibilità, anche se, diversamente dal filosofo di Elea, gli riconobbe un valore reale, mentre Parmenide la considerò solo un'illusione. Sicuramente superiore ai sensi era la conoscenza logica e razionale, in quanto con il pensiero era possibile raggiungere la realtà metafisica degli atomi ed era possibile comprendere le leggi meccaniche e necessarie della natura.Da questo punto di vista la gnoseologia democritea può essere senz'altro definita razionalistica, dove per razionalismo s'intende in questo caso che le verità fondamentali sul mondo, sia quelle che riguardavano la natura fisica sia quelle concernenti la metafisica, si potevano raggiungere soltanto tramite un procedimento intellettuale e razionale e non sulla base delle semplici percezioni sensibili: solo la ragione logica, il logos, consentiva di comprendere le leggi e i principi della realtà attraverso l'"empeiria". Strettamente collegata a questa teoria fu la distinzione tra "qualità soggettive"  e "qualità oggettive" : distinzione fondamentale, che sarà poi ripresa da molti filosofi, anche in Epoca moderna. Democrito ritenne che alcune qualità fossero oggettive, ossia realmente presenti nelle cose, e altre invece fossero soltanto soggettive o sensibili, dovute cioè alla struttura e alla natura degli organi di senso umani.

Prompt: Explain the Knowledge about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: In Epifania, how is the France of the History explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Creazione di Adamo

Nel dipingere la volta, Michelangelo procedette dalle campate vicino alla porta d'ingresso, quella usata durante i solenni ingressi in cappella del pontefice e del suo seguito, fino alla campata sopra l'altare. A metà del lavoro, nel 1510, il ponteggio venne smontato nella prima metà della cappella e ricostruito, entro l'autunno del 1511, nell'altra metà.  Creazione di Adamo  fa quindi parte della prima fase del secondo blocco. In queste scene si nota come le figure inoltre divennero più grandi e monumentali, con un apparato compositivo più sintetico, la gestualità più essenziale e perentoria.Per l'affresco furono necessarie sedici "giornate", a partire dal gruppo dell'Eterno e degli angeli, per i quali il disegno del cartone venne trasferito con lo spolvero, tranne la tunica, oggetto di incisioni dirette. Adamo, la cui figura venne studiata con cura, venne invece riportato sull'intonaco con la sola incisione diretta. scena ricevette unanimi apprezzamenti fin dall'epoca della scopritura. I contemporanei dell'artista, in particolare, vi leggevano la materializzazione di uno dei più alti ideali della cultura rinascimentale, quello della dignità umana, specchio "a immagine e somiglianza" di Dio.  bellezza del corpo umano era vista come una diretta emanazione delle facoltà spirituali e come il punto più alto della creazione divina.thumbGiorgio Vasari scrisse: «[Nella] Creazione di Adamo, [Michelangelo] ha figurato Dio portato da un gruppo di Angioli ignudi e di tenera età, i quali par che sostenghino non solo una figura, ma tutto il peso del mondo, apparente tale mediante la venerabilissima maiestà di quello [Dio] e la maniera del moto, nel quale con un braccio cigne alcuni putti, quasi che egli si sostenga, e con l'altro porge la mano destra a uno Adamo, figurato di bellezza, di attitudine e di dintorni di qualità che  par fatto di nuovo dal sommo e primo suo creatore più tosto che dal pennello e disegno d'uno uomo tale».  Completato l'affresco, i cardinali responsabili della cura delle opere rimasero per ore a guardare e ammirare. Dopo l'analisi, chiese alla Michelangelo di rifare parte dell'opera. Lo scontento era per un dettaglio, apparentemente non importante. Michelangelo aveva disegnato il pannello della creazione dell'uomo con le dita di Dio e di Adamo, che si toccavano. I cardinali chiesero che non vi fosse alcun tocco, ma che le dita di entrambi fossero tenute separate e di più: che il dito di Dio fosse sempre teso al massimo, ma che il dito di Adamo, facesse contrarre l'ultima falange. Un dettaglio che significava che Dio è lì, ma la decisione di cercarLo dipende dall'uomo. Se vuole, allungherà il dito, lo toccherà, ma non volendo, può passare una vita senza cercarLo. L'ultima falange del dito di Adam contratto rappresenta quindi il libero arbitrio.

Prompt: Explain the History of this artwork, The Creation of Adam.Please output in Italian.


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Seppellimento di santa Lucia

Chiesa di Santa Lucia alla Badia Chiesa di Santa Lucia al Sepolcro

Prompt: Focus on The Burial of Saint Lucy and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Busto del Salvatore

Gesù Cristo, il Salvatore, è raffigurato «più grande del naturale»  con la mano destra leggermente sollevata, come in atto di benedire. Bernini attribuiva particolare importanza a questo «divino simulacro» che egli chiamava il suo «beniamino», cui dedicò «tutti gli sforzi della sua cristiana pietà e dell'arte medesima». Dai contemporanei fu considerata un'opera straordinaria degno testamento dell'eccezionale carriera dell'artista. Per Bernini l'opera mancava «di vivacità e tenerezza e delle altre buone qualità dell'operar suo» a causa dell'età avanzata.

Prompt: How does Bust of the Saviour explain its Description?Please output in Italian.


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Vestale Tuccia

Particolare della Vestale Tuccia, dove è ben evidenziata l'illusione del tessuto diafano avvinghiato al corpo.Tre sono gli elementi iconografici scelti da Corradini per la scultura: il velo, il setaccio e la rosa, che tiene nella mano sinistra. Se da un lato è appropriata la raffigurazione della vestale con il velo, la sua lunghezza fino alle spalle, dove era fermato con una fibula  e il capo coperto hanno poco in comune con il grande panneggio scelto dall'artista, che si avvinghia e avvolge il corpo femminile. Tradizionalmente, il velo è simbolo di modestia, pudicizia e castità . D'altro canto, Corradini vuole proprio evidenziare la fisicità che si nasconde sotto la trasparenza del drappeggio, soprattutto i seni e la pancia, smentendo quanto dovrebbe simboleggiare il soggetto scelto. Per via della loro associazione con Tuccia, il setaccio è sempre stato simbolo della verginità. Durante il periodo rinascimentale, Elisabetta I decise di farsi raffigurare in una serie di ritratti dove teneva il setaccio, per enfatizzare il suo status di "regina vergine". L'iconografia della rosa, invece, risulta più varia, spaziando dalla vittoria all'orgoglio e all'amore. In questa situazione, però, l'associazione più efficace pare quella con la purezza di Maria.Quasi un decennio dopo, a Napoli, Corradini ha utilizzato nuovamente gli elementi del velo e della rosa in quella che è stata la sua ultima opera, la Pudicizia. Sebbene quest'ultima sia più complessa della Vestale Tuccia, l'artista, realizzando la Pudicizia, ha voluto comunque mantenere degli elementi in comune, soprattutto la trasparenza del velo nella parte anteriore del corpo.Sul finire del XVIII secolo, Innocenzo Spinazzi ha utilizzato la Tuccia come modello per la sua scultura dell'allegoria della Fede, commissionata per la chiesa di Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze. Caratterizzano la statua una posizione simile a quella tradizionalmente chiastica, il busto contorto e un lungo velo che avvolge l'intera figura.Intorno alla metà del XIX secolo, vi fu una ripresa del motivo della donna velata, sull'esempio del Corradini: ciò fu probabilmente dovuto all'immagine della donna velata come allegoria dell'Italia unita e del Risorgimento. Artisti come Giovanni Strazza, Raffaele Monti, Pietro Rossi e Giovanni Maria Benzoni hanno contribuito ad esaltare il genere.  Vestale velata di Monti rappresenta, una versione più sobria della Vestale Tuccia.

Prompt: In Vestal Virgin Tuccia (Corradini sculpture), how is the Symbolism influence discussed?Please output in Italian.

Firenze
Giovanni Maria Benzoni
Giovanni Strazza
Innocenzo Spinazzi
Napoli
Raffaele Monti
Risorgimento
Tuccia
Vesta
Vestale velata


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Group self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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San Francesco nel deserto

Secondo il catalogo del museo si tratta della più grande pala rinascimentale negli Stati Uniti. Il soggetto del dipinto è la ricezione delle stimmate da parte di san Francesco, che è raffigurato al centro, esile e immerso nella natura. Le ferite miracolose sono appena accennate sulle palme distese, ma non c'è traccia del tipico Crocifisso in cielo che le invia. Il miracolo avviene piuttosto attraverso la luce trascendentale che proviene dall'alto a sinistra e inonda il santo gettando profonde ombre dietro di lui. Si tratta di un'evoluzione del connettivo luminoso dorato portato a Venezia dall'esempio di Antonello da Messina verso il 1475.L'episodio, avvenuto realmente presso il monte della Verna, è ambientato in un deserto roccioso, forse creando un parallelo con la figura di Mosè sul Monte Oreb, dove ebbe la visione del cespuglio infuocato a cui sembra rimandare l'alto albero d'alloro sulla sinistra, acceso dalla luce solare. A Mosè rimandano anche lo scolo dell'acqua a sinistra, che ricorda le fontane miracolose che il profeta scoprì nel deserto, e i sandali abbandonati a destra, che riprendono il comandamento divino in Esodo 3.5: "Togliti i calzari dai piedi, perché il luogo sul quale stai, è suolo sacro".Nella parte destra si trova uno studiolo improvvisato, fatto di assi e rami intrecciati, dove si trova un banco ligneo con un libro e un teschio, spunto di meditazione sul memento mori. A sinistra invece si distende un delicato paesaggio, con una città murata e un castello, e dove compaiono anche un asino, una gru e un pastore col suo gregge. Numerosi sono i dettagli minuti indagati con perspicacia, derivati dall'esempio fiammingo: dagli animali agli uccelli, fino agli oggetti come il vaso, il bastone del santo e anche una cordicella per suonare il "campanello" del santo. Notevole è il cartiglio che in basso a sinistra sembra essere incollato dal forte vento, che sembra piegare anche l'albero d'alloro, ma, in maniera sovrannaturale, non incide sul resto della rappresentazione. particolare concezione del rapporto tra uomo e natura espressa nel dipinto è per molti versi opposta a quella dell'umanesimo fiorentino: l'uomo non è ordinatore e centro dell'universo, ma piuttosto una fibra del tutto con cui vive in armonia, con una permeabilità tra mondo umano e mondo naturale data dal soffio divino che anima entrambi.

Prompt: Focus on St. Francis in Ecstasy (Bellini) and explain the Description and style.Please output in Italian.


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San Girolamo Contini Bonacossi

Non si conosce la collocazione originaria dell'opera, che Gamba ipotizzò essere un altare della chiesa dei Miracoli a Venezia, dove Jacopo Sansovino e Boschini menzionavano un San Girolamo di Bellini terminato nel 1489. L'opera fa parte della Collezione Contini Bonacossi, da cui il nome.

Prompt: How does St. Jerome in the Desert (Bellini, Florence) explain its History?Please output in Italian.

1489
Collezione Contini Bonacossi
Jacopo Sansovino


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William Tecumseh Sherman

Nel giugno 1865, due mesi dopo la resa di Appomattox, ricevette il suo primo incarico dopo la guerra. Fu posto al comando della Divisione Militare del Mississippi, poi divenuta Divisione Militare del Missouri, che comprendeva un territorio che partiva dal fiume Mississippi alle Montagne Rocciose. I suoi sforzi si concentrarono sul proteggere le principali vie di comunicazione, in particolare le ferrovie, dagli attacchi delle forze indiane ostili.Pochissime furono le azioni militari contro gli indiani durante il mandato di Sherman.  sua strategia infatti consisteva nell'allungare i tempi delle trattative per raccogliere risorse e truppe e per permettere il completamento delle ferrovie Union Pacific e Kansas Pacific. Durante questo periodo fece parte della Commissione per la Pace con gli Indiani. Sebbene la commissione fosse responsabile per le trattative che portarono al Trattato di Medicine Lodge e del Trattato di Fort ramie, Sherman non fu direttamente coinvolto in esse perché richiamato a Washington. Fu comunque decisivo nelle negoziazioni di altri trattati, come quello che ha portato l'allontanamento dei Navajo da Bosque Redondo. Quando nel 1868 il Trattato di Medicine Lodge fu rotto, Sherman autorizzò il suo subordinato a condurre una campagna invernale . Sherman fu coinvolto nel processo a Satanta e Grande Albero: ordinò infatti che i due capi indiani fossero trattati come comuni criminali per il loro ruolo nell'assalto al treno di Henry Warren.

Prompt: In the context of William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), explain the Commander Department Reconstruction and the Strategy.Please output in Italian.


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busto di Luigi XIV

Paul Fréart de Chantelou, Diario del Cavaliere Bernini's Visit to France, 1985, ed. Anthony Blunt Robert T. Petersson, Bernini and the Excesses of Art, 2002 Bernini and the Birth of Baroque Portrait Sculpture, ex catalogo, 2008, ed. Andea Bacchi, Catherine Hess e Jennifer Montagu Bernini Scultore:  Nasciata del Barocco in Casa Borghese, 1998, eds. Anna Coliva e Sebastian Schutze Irving vin, Visible Spirit - The Art of Gianlorenzo Bernini, Volume 1, 2007, pps 560-574 Cecil Gould, Bernini in Francia, 1981

Prompt: In Bust of Louis XIV (Bernini), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Anthony Blunt
Barocco
Paul Fréart de Chantelou


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Tuttomondo

Il dipinto ritrae 30 figure dinamiche e di grande vitalità, concatenate e incastrate tra loro a simboleggiare la pace e l'armonia del mondo. Al centro del murale si trova la "croce pisana", rappresentata con quattro figure umane unite all'altezza della vita. Più in alto, un uomo sorregge sulle spalle un delfino, a sinistra compaiono un cane, una scimmia e un volatile: il legame dell'uomo con la natura è indispensabile per l'armonia del mondo. In alto a destra un paio di forbici, a simboleggiare il bene, rappresentate come l'unione di due figure umane, tagliano in due un serpente, a simboleggiare il male. Una donna con in braccio un bambino e un uomo con un televisore al posto della testa rappresentano il contrasto tra la naturalità della vita e la tecnologia che ne stravolge i ritmi. Si può notare in alto a sinistra una persona gialla, come una matriosca, a simboleggiare che anche una persona con chili di peso in eccesso, nei diritti e nei doveri dal suo interno, è uguale a tutti gli altri. Due gemelli siamesi al centro, uniti nel tronco, e altri due a destra uniti all'altezza delle spalle, sono probabilmente una condanna ai disastri nucleari. In basso, al livello della strada, è stata raffigurata una figura gialla che cammina: rappresenta il pubblico, un passante o un turista, che dedica un momento di riflessione all'opera, prima di proseguire in direzione della Torre di Pisa.

Prompt: How does Tuttomondo explain its Description?Please output in Italian.


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Madonna Stroganoff

Esiste un acceso dibattito tra gli studiosi su quale sia l'esatta cronologia della Madonna con Bambino di Duccio, che molti credono sia stata portata a termine intorno al 1300. Tali dissensi nascono da alcune qualità del dipinto sono Bizantineggianti, come la forma ovale del volto della Vergine e il suo naso elegantemente lungo, e anche della fisionomia da "uomo in " di Gesù Bambino.D'altro canto sono ben riscontrabili molti elementi innovativi, tra cui i tratti realistici di Vergine e Cristo Bambino, nonché l'elegante drappeggio e il parapetto in marmo, un dettaglio - quest'ultimo - notevole nel fungere da invito visivo allo spettatore, che viene come spinto ad impegnarsi in maniera più emotiva sulla intera scena.

Prompt: In the context of Madonna and Child (Duccio, Metropolitan), explain the Dating and the History.Please output in Italian.


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (Masolino), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-portraitsset and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Beata Vergine delle Grazie è la principale patrona della città di Benevento, nonché regina dell'intero Sannio. Si festeggia regolarmente il 2 luglio nell'omonima Basilica a Lei dedicata.

Prompt: Describe the characteristics of the Benevento in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: How does Last Supper (Rosselli) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


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Adone (Duquesnoy)

statua è anche nota come Adone Mazzarino perché in passato faceva parte della collezione del cardinale Mazzarino. In seguito divenne di proprietà di Armand Charles de  Porte de  Meilleraye, il quale mutilò la scultura in un impeto di follia nel XVII secolo.

Prompt: How does Adonis (Duquesnoy) explain its History?Please output in Italian.


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Trittico della Madonna

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: How does Triptych of the Madonna explain its Bibliography?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Nel novembre del 1798 Thomas Bruce, conte di Elgin, venne nominato "Ambasciatore Straordinario e Ministro Plenipotenziario di Sua Maestà Britannica alla Sublime Porta di Selim III, sultano dell'Impero Ottomano" . Prima della sua partenza per la Grecia aveva contattato almeno tre funzionari del governo britannico e aveva chiesto loro se fossero interessati ad assumere degli artisti per eseguire calchi e disegni delle sculture del Partenone. Secondo Lord Elgin, "la risposta del governo […] era del tutto negativa". sempre sotto la supervisione di Lusieri.Lo scavo e la rimozione furono completati nel 1812, con un costo, sostenuto interamente da Elgin, di circa sterline. Elgin voleva che i marmi fossero collocati al British Museum, e li vendette al governo britannico, che li acquistò per meno del costo di scavo e trasporto, benché altri possibili acquirenti, tra cui Napoleone, avessero offerto molto di più.

Prompt: How does Elgin Marbles explain its Acquisition?Please output in Italian.

1798
1812
British Museum
Grecia
Partenone
Selim III


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Leone che attacca un dromedario

Un dettaglio dell'arabo, la cui testa contiene un teschio vero.Nel 2016, il Leone che attacca un Dromedario fu restaurato nuovamente. Durante questo secondo restauro, il museo esaminò gli animali impagliati attraverso i raggi X e l'analisi del DNA per verificarne l'autenticità: Si pensava che la figura umana fosse per lo più sintetica, ma i raggi X rivelarono che la testa conteneva un vero teschio umano, sorprendendo il personale del museo. Non si sa a chi appartenga il cranio, né da dove Verreaux l'abbia preso. Nel frattempo, venne cambiato il nome inglese dell'opera per contestualizzarla meglio: in precedenza era nota come Arab Courier Attacked by Lions . Alla cerimonia per celebrare la fine del restauro, il personale del museo di Pittsburgh ospitò un simposio avente come temi il restauro, il diorama e la sua rappresentazione distorta del Nordafrica.

Prompt: Explain the Restoration of 2016 about the History of this artwork, Lion Attacking a Dromedary.Please output in Italian.


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

upright=1.4upright=1.4 scena è resa con toni drammatici, e seguendo la tradizione pittorica dell'accademia con una particolare attenzione ai dettagli resi con sfumature di colori rese col pennello. vasca della fontana in primo piano ricorda un sarcofago in pietra del periodo classico, dettaglio che rimanda ai temi neoclassici che costituivano un delle ricerche pittorici della scuola francese romana del periodo.

Prompt: In the context of Italian Brigands Surprised by Papal Troops, explain the Interpretation and the Description.Please output in Italian.


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Pala di San Cassiano

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0L. Colombo, A. Dionisio, N. Onida, G. Savarese, Opera, arte e patrimonio nel territorio, a cura di S. De Cristofaro, A. Favilli, C. Martinelli, volume 2, dal Tardogotico al Rococò, Rizzoli, Milano, 2019.

Prompt: In San Cassiano Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto per il sesto anniversario di matrimonio

Questo autoritratto di tre quarti raffigura Paula dalle ginocchia in su, mentre gira la testa verso destra, nella direzione dello spettatore, che guarda con uno sguardo curioso. Ella indossa un panno bianco avvolto attorno ai fianchi, mentre la parte superiore del corpo è completamente nuda eccetto per una collana di perle d'ambra. Le sue mani accarezzano il ventre gonfio, incorniciandolo. Lo sfondo è una parete astratta color verde chiaro disseminata di puntini verdi.Quando Paula Modersohn-Becker dipinse questo autoritratto non era incinta, come si suppone si sia ritratta nel quadro, secondo un'interpretazione resa celebre nel 1961 da Carl Georg Heise. Questa scelta esprimerebbe il suo desiderio di diventare una madre e, secondo Christa Murken Altrogge, l'artista vorrebbe rappresentarsi mentre porta dentro di sé "sia il frutto che è un bambino, che il frutto che è l'arte". Durante l'estate del 1906, a Parigi, Paula Modersohn-Becker dipinse un altro autoritratto di nudo, oggi nel museo d'arte di Basilea, in Svizzera. Da quanto si sa, questi nudi non furono mai mostrati al pubblico quando l'artista era in vita, ma divennero noti dopo la sua morte nel novembre del 1907.

Prompt: How does Self-Portrait at 6th Wedding Anniversary explain its Description?Please output in Italian.


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San Tommaso d'Aquino confortato dagli angeli  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1631 dal pittore Diego Velázquez.È conservato nel Museo Diocesano di Arte Sacra di Orihuela.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Temptation of St. Thomas (Velázquez).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Pollice verso

A far diffondere l'interpretazione oggi comune fu, nel 1872, il quadro Pollice verso di Jean-Léon Gérôme. Esso mostra le vergini vestali che mostrano le mani con il pollice rivolto verso il basso per chiedere a un mirmillone nell'arena la morte del gladiatore appena sconfitto. Riesumando il tema del "pollice verso" il pittore francese contribuì a diffondere l'interpretazione erronea del gesto che oggi è più popolare. Pur venuto in un secondo tempo a conoscenza del possibile errore si sarebbe comunque adeguato alla cultura popolare, al fine di non disorientare il pubblico, dirigendo l'imperatore Commodo nel familiare gesto del pollice all'ingiù.

Prompt: Explain the The misunderstanding of this artwork, Pollice Verso (Gérôme).Please output in Italian.


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Velo della Veronica

storia del velo della Veronica si è progressivamente sviluppata lungo i secoli.Nei Vangeli sinottici, composti entro il I secolo, è presente il racconto di una donna anonima che viene miracolosamente guarita da un flusso di sangue toccando Gesù . A parte questo accenno, l'emorroissa non viene citata altrove nel Nuovo Testamento.Nell'apocrifo Vangelo di Nicodemo, scritto originariamente in greco nel II secolo e pervenutoci in diverse redazioni o recensioni, l'emorroissa ricompare durante il processo di Gesù testimoniando inutilmente a suo favore. Nella recensione greca A , l'emorroissa è anonima, mentre nel papiro copto di Torino  e nella recensione latina  la donna è chiamata Veronica. Il nome è l'adattamento del greco "Berenice" , forma macedone corrispondente al greco classico "Ferenice" , significante "portatrice di vittoria" .È probabile che nel passaggio dal greco al latino l'assonanza del nome "Veronica" con vera icona  abbia progressivamente generato nella fantasia popolare la leggenda della "Vera icona" della "Veronica".In passato, si riteneva al contrario che il nome della donna fosse derivato dall'immagine. leggenda fa la sua prima comparsa in alcuni scritti apocrifi tardi appartenenti al Ciclo di Pilato : Guarigione di Tiberio, Vendetta del Salvatore e Morte di Pilato.I tre scritti ci sono pervenuti in autonome redazioni latine medievali  che derivano da una versione precedente andata perduta, probabilmente del VI secolo.  trama dei tre apocrifi è sostanzialmente la stessa: l'imperatore Tiberio gravemente ammalato invia a Gerusalemme Volusiano che punisce i responsabili della morte di Gesù, trova una sua immagine in possesso della Veronica , la conduce a Roma e grazie a lei l'imperatore è guarito.Nella Guarigione di Tiberio , il testo più antico, l'immagine di Gesù era usata dalla Veronica come cuscino e ciò le procurava una buona salute. Aveva fatto dipingere l'immagine "per amor suo". Dopo la guarigione, Tiberio adora l'immagine di Gesù e ordina che "fosse circondata di oro e di pietre preziose".Nella Vendetta del Salvatore  non è specificato se l'origine dell'immagine sul panno di lino sia miracolosa o dipinta. Il panno è conservato avvolto in un tessuto d'oro riposto in uno scrigno, è oggetto di venerazione ed è causa di miracoli. Morte di Pilato , il testo più recente, specifica invece l'origine miracolosa dell'immagine in possesso della Veronica: "Quando il mio Signore girava predicando, io con molto dispiacere ero privata della sua presenza; volli perciò dipingermi un'immagine affinché, privata della sua presenza, avessi un sollievo almeno con la rappresentazione della sua immagine. Mentre stavo portando un panno da dipingere al pittore, mi venne incontro il mio Signore e mi domandò dove andavo. Avendogli manifestato il motivo del mio viaggio, egli mi richiese il panno e me lo restituì insignito della sua venerabile faccia".Nel rito popolare della Via Crucis, sviluppato e consolidato nel basso medioevo, è presente una diversa versione della leggenda: la Veronica incontrò Gesù durante la sua salita al Calvario e gli asciugò il volto con un panno di lino, dove sarebbe rimasta impressa la sua immagine.

Prompt: Explain the Origins of the story of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.

Calvario
Ciclo di Pilato
Gerusalemme
Gesù
Guarigione di Tiberio
Morte di Pilato
Nuovo Testamento
Roma
Tiberio
Vangelo
Vangeli sinottici
Vangelo
Vangelo di Nicodemo
Vendetta del Salvatore
Veronica
Via Crucis


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Monna Lisa di Isleworth

Leonardo in altre occasioni avrebbe dipinto due versioni dello stesso soggetto, come per la Vergine delle Rocce o la Sant'Anna, o ancora la Madonna dei fusi .Tra le prove storiche a sostegno dell'esistenza di due versioni della Gioconda c'è una lettera del fiorentino Agostino Vespucci, che nell’ottobre 1503 scrisse che Leonardo da Vinci stava lavorando al ritratto di Lisa. Ciò sarebbe confermato anche da Giorgio Vasari, che fa risalire il dipinto al ritorno di Leonardo a Firenze intorno al 1503.Un altro filone documentario, appoggiato da considerazioni stilistiche di Carlo Pedretti o di Alessandro Vezzosi, riferisce invece il ritratto al 1517. Per esempio Antonio de Beatis riferì che Leonardo aveva terminato la Gioconda nel 1517 e che l’aveva realizzata per Giuliano di Lorenzo de' Medici, per il quale aveva già lavorato a Roma tra il 1513 e il 1516.Sarebbe dunque possibile che esistano due versioni dello stesso soggetto, una riferibile al 1503 circa e una al 1517; oppure potrebbe trattarsi di una rilavorazione da parte di Leonardo dello stesso dipinto, cosa confermata dalle analisi sul dipinto del Louvre, che presenta almeno tre strati pittorici.Un'altra discrepanza di date si rileva nell'inventario di beni che l'assistente di Leonardo, Salaì, fece al momento della morte del suo maestro nel 1525. Vi si elenca una "Gioconda", valutata per altissimo valore. Ciò tuttavia confligge con un documento scoperto nel 1999 dove si ricorda come la Gioconda del Louvre sarebbe stata acquisita nel 1518 dal re di Francia.Anche Gian Paolo Lomazzo distinse nel 1584 due quadri di Leonardo, facendo riferimento a «una Gioconda e una Monna Lisa».

Prompt: Explain the Discrepancy dating about the Attribution to Leonardo da Vinci of this artwork, Isleworth Mona Lisa.Please output in Italian.

1503
Agostino Vespucci
Alessandro Vezzosi
Carlo Pedretti
Gioconda
Giorgio Vasari
Leonardo da Vinci


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Madonna delle Grazie

Presso il cinquecentesco Convento agostiniano in località san Gennaro, ogni 2 luglio gli abitanti di Panza, sull'isola d'Ischia, tengono fede alla promessa fatta, secondo la tradizione, di celebrare la Vergine in tale giorno. sera del 2 luglio, tra lo sparo di mortaretti e le marce della banda, prende corpo la processione che attraversa il paese, per giungere alla parrocchia di san Leonardo di Noblac, dove il simulacro resterà esposto per l'intero mese, per fare ritorno all'originale chiesetta, la prima domenica di agosto, con una processione che attraverserà l'altro versante del paese. Presso il santuario della Madonna Grazie situato a Piove di Sacco. Il Pittore tortonese Cesare Saccaggi nel 1931 immortalò la processione della Madonna delle Grazie che si svolse a Chioggia in un dipinto dal titolo "Chioggia - Madonna delle Grazie".

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Panza Forio of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

2 luglio
Cesare Saccaggi
Chioggia
Piove di Sacco


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Madonna col Bambino tra i santi Francesco e Bernardino con piccolo donatore orante è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Carlo Crivelli, databile al 1490 circa e conservato nel Walters Art Museum di Baltimora.

Prompt: How does Madonna and Child with Saints and Donor explain its Abstract?Please output in Italian.

1490
Baltimora
Carlo Crivelli
Walters Art Museum


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Apocalisse

A causa delle «speranze deluse per la misteriosa scomparsa di Zorobabele» e per «la comunità creata da Esdra e Neemia», «la profezia era caduta in discredito […] per il senso di frustrazione ingeneratosi negli animi in seguito a promesse inadempiute. […] Si era già imboccata la strada dell'apocalittica». Questo transito è presente nello stesso Libro di Zaccaria, dove fra il Primo e il Secondo Zaccaria si passa dai «riferimenti a Zorobabele e Giosuè» e «da un apprezzamento del profetismo in Aggeo e Zaccaria, animatori della ricostruzione , al disprezzo di ogni velleità di fare il profeta »: «l'escatologia del Secondo Zaccaria ha la forma di apocalittica, e della più pura.» Con il fallimento delle «speranze legate […] da Aggeo e Zaccaria al davidide Zorobabele, il messianismo regale subì un'eclisse.» « tonalità cambia» e nascono le «caratteristiche che annunziano la letteratura apocalittica.» letteratura apocalittica è di considerevole importanza nella storia della tradizione giudaica, cristiana e islamica, dal momento che concetti come la risurrezione dai morti, il giorno del giudizio, il paradiso e l'inferno trovano un esplicito riferimento in essa. Le credenze apocalittiche sono datate da prima del Cristianesimo, appaiono in altre religioni, e sono state assorbite nella società contemporanea secolare, specie attraverso la cultura.Secondo l'esegeta francese Paul Beauchamp "la letteratura apocalittica nasce per aiutare a sopportare l'insopportabile". Nasce cioè in momenti di estrema crisi per portare un messaggio di speranza: anche se il male sembra prevalere, bisogna aver fiducia nella vittoria finale del Bene.

Prompt: Explain the From  prophecy  to  apocalyptic  literature about the Description of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.

Aggeo
Cristianesimo
Libro di Zaccaria
Neemia
Zorobabele


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Annibale Carracci), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Vanità

Vanità è una particolare specie di natura morta in cui la composizione allegorica suggerisce l'idea che l'esistenza è vuota, inutile, la vita umana è precaria e di scarsa importanza. Molto in voga nel Barocco specialmente nei Paesi Bassi, il tema della vanità venne esteso a composizioni pittoriche in cui si trovavano rappresentati anche personaggi ancora viventi, come nel caso de "Gli Ambasciatori" di Holbein.Il titolo e la concezione di base sono presi da un versetto del Qoelet , libro dell'Antico Testamento: «הֲבֵל הֲבָלִים הַכֹּל הָֽבֶל » . Ciò che viene tradotto con la parola vanità, significa letteralmente "alito leggero, soffio effimero». Il messaggio è l'invito a meditare sulla natura precaria e vuota della vita umana, sull'inutilità dei piaceri terreni di fronte alla morte sempre in agguato.

Prompt: Explain the Painting of this artwork, Vanity (Titian).Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

Restauro degli affreschi della Cappella Sistina Giudizio Universale Opere di Michelangelo

Prompt: How does Sistine Chapel ceiling explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The self-portrait of the delegate and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Composizione VII

In quest'opera l'artista adotta un linguaggio pittorico completamente astratto anche se provvisto di un significato. Kandinskij dichiarò che la sua intenzione era quella di creare un'arte che fungesse da rimedio spirituale per un mondo malato e materialista. Il tema di Composizione VII è apocalittico ma, a differenza di Composizione VI, che è caratterizzata dalle terribili onde distruttive di un'alluvione, qui sembra di poter individuare la possibile rinascita di una caotica gioia. Il dipinto è stato letto come un entusiastico grido di speranza rivolto contro la violenza incombente della prima guerra mondiale e della Rivoluzione russa.

Prompt: Focus on Composition VII and explain the Interpretation.Please output in Italian.


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Prometeo incatenato

Linguaoriginale=greco anticoImmagine=Dirck_van_Baburen_-_Prometheus_Being_Chained_by_Vulcan_Rijksmuseum_SK-A-1606.jpgDidascalia=Efesto incatena Prometeo Genere=Scena=Luogo indeterminato nella Scizia, precluso agli uominiEpocacomposizione=Primarappresentazione=460 a.C. circa?Teatro=Teatro di Dioniso, AtenePrimaitaliana=Teatroprimaitaliana=Versionisuccessive=Personaggi= Prometeo Efesto Oceano Ermes Il Potere  Forza Io Coro delle OceanineOpera=Cinema=}}Prometeo incatenato  è una tragedia attribuita ad Eschilo.  data di prima rappresentazione è incerta, si ipotizza il 460 a.C. circa. L'opera faceva parte di una trilogia dedicata a Prometeo, di cui le altre parti non sono conosciute se non in forma di frammenti . È incerto anche l'ordine delle tre tragedie, poiché è ignoto se il Portatore del fuoco fosse la prima o la terza parte.

Prompt: How does Prometheus Bound (Rubens) explain its Abstract?Please output in Italian.

460 a.C.
Atene
Efesto
Ermes
Eschilo
Oceanine
Prometeo
Scizia


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Bambini dell'Olocausto

I bambini dell'Olocausto hanno rappresentato il segmento più vulnerabile tra i gruppi che furono colpiti dalle politiche naziste di discriminazione, persecuzione razziale e genocidio, con un altissimo numero di vittime.  stragrande maggioranza di loro  furono ebrei e a loro ci si riferisce specificamente e più propriamente come bambini della Shoah. Tra le vittime dell'Olocausto si annoverano anche numerosissimi bambini non ebrei .I bambini che furono oggetto di persecuzione e sopravvissero all'Olocausto, nei ghetti e nei campi di concentramento o nella clandestinità o attraverso la fuga e l'emigrazione forzata, passarono tutti attraverso esperienze molto dure di privazioni personali e di separazione o perdita delle loro famiglie. Nel dopoguerra molti di essi hanno svolto un ruolo importante di testimoni nei processi e di fronte all'opinione pubblica.

Prompt: Focus on Children in the Holocaust and explain the Abstract.Please output in Italian.


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tavole di Pitsà

prima tavoletta mostra un corteo sacrificale.  processione è arrestata di fronte ad un altare posto sulla destra e sotto a cui è acceso un fuoco. A fianco dell'altare una donna regge con la sinistra un disco di terracotta su cui sono posti gli strumenti sacrificali, una pisside al centro e due oinochòai  ai lati, mentre con la destra regge la prochòos  per la libagione.  donna indossa un peplo dorico senza maniche sopra a un himàtion ed è incoronata con un ramo di mirto.  segue immediatamente un ragazzo  che conduce la vittima sacrificale, una pecora legata con una corda rossa. Il ragazzo indossa un himàtion rosso ed è anch'esso coronato di mirto. Seguono quindi due musici, il primo suona una lira a sette corde e il secondo un aulòs , mentre in alto a destra un altro frammento  conteneva probabilmente il nome dell'autore della tavoletta. In base a vari elementi, tra cui lo stile di pittura, la forma dei vasi che compaiono nel quadro e lo stile delle iscrizioni si può datare la tavoletta al 540-530 a. C.

Prompt: In Pitsa panels, how is the Tablet of the Technique explained?Please output in Italian.


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Sant'Agostino tra i flagellanti

Sant'Agostino tra i flagellanti è un dipinto a olio tela di seta  di Pinturicchio, databile al 1500 e conservato nella Galleria nazionale dell'Umbria di Perugia.

Prompt: In St Augustine (Pinturicchio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
Galleria nazionale dell'Umbria
Perugia
Pinturicchio


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Nascita di Venere

composizione è estremamente bilanciata e simmetrica: il soffio vitale offerto dai due venti e la ninfa sono i due lati ideali di un triangolo al vertice del quale si pone Venere che diviene quindi l'elemento mediano dell'intera scena. Ciò può anche sottintendere la necessità di equilibrio nell'esperienza amorosa, tra passione fisica e purezza spirituale, tra esaltazione dei sensi e elevazione dell'animo. Le figure ai lati di Venere compiono infatti azioni contrapposte, ma equilibrate nell'insieme.Botticelli, seguendo probabilmente le istruzioni del De pictura di Leon Battista Alberti, limitò il numero delle figure e rese autonomi tutti gli elementi della composizione, quasi come semplicemente giustapposti.

Prompt: Explain the Composition about the Style of this artwork, The Birth of Venus (Bouguereau).Please output in Italian.


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Daniele

Daniil Varfolomeevič Avdeev, militare e partigiano sovietico Daniil Čërnyj, pittore russo Daniil Charms, scrittore, poeta e drammaturgo sovietico Daniil Semënovič Ėl'men', imprenditore, economista e politico russo Daniil Aleksandrovič Granin, scrittore russo Daniil Nikitič Kašin, compositore russo Daniil Sobčenko, hockeista su ghiaccio ucraino Daniil Trifonov, pianista russo Daniil Kvjat, pilota automobilistico russo

Prompt: In Prophet Daniel (Michelangelo), how is the Daniil's variant of the Variants explained?Please output in Italian.

Daniil Aleksandrovič Granin
Daniil Charms
Daniil Kvjat
Daniil Nikitič Kašin
Daniil Semënovič Ėl'men'
Daniil Sobčenko
Daniil Trifonov
Daniil Varfolomeevič Avdeev
Daniil Čërnyj


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Guernica

Nel 1996 il territorio comunale venne suddiviso e fu creato il nuovo comune di Arratzu.

Prompt: In Guernica (Picasso), how is the Administration discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Celebrata il 6 gennaio, l’Epifania coincide con l’incontro tra Gesù Bambino e i Re Magi. Questo giorno è anche quello del primo miracolo delle nozze di Cana e, soprattutto, la data del battesimo di Cristo. Dal V secolo la Chiesa dà una grande importanza a quest’evento, che ancora oggi viene festeggiato un po’ in tutto il mondo.Secondo la tradizione, l’Epifania è l’occasione per “scegliere i re”: l'usanza è quella di nascondere una statuina in un dolce. Chi la trova diventa re della giornata e ha l'obbligo di offrire la torta. I festeggiamenti finiscono il 6 gennaio con la tradizionale “Galette des Rois”. Molto diverso dalla torta con la sfoglia, il dolce dei re provenzali consiste in una brioche a forma di corona guarnita con frutta candita. Nel passato uno dei dolci tipici dell'epifania era il Gâteau battu, tipico dell'antica provincia francese della Piccardia.

Prompt: Explain the France about the Artistic theme of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Cana
Cristo
Gesù
Gesù
Gâteau battu


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

cavalleria persiana aprì le ostilità caricando le truppe di Parmenione e la cavalleria tessalica, le quali si trovavano oltre il fiume. L'ala destra macedone, composta dalla cavalleria pesante degli eteri, fu decisiva per le sorti della battaglia. Mentre la falange macedone reggeva l'urto della cavalleria persiana e i tessali arretravano impegnandola, Alessandro ordinò ai suoi cavalieri di caricare il fianco sinistro dello schieramento avversario, proprio ai piedi delle montagne, e dopo averlo indebolito si aprì un varco tra le linee nemiche, al comando degli ipaspisti. L'attacco di Alessandro superò gli sbarramenti posti da arcieri, fanteria leggera e cavalleria pesante, separando l'ala sinistra dal centro dello schieramento. Nel frattempo, la falange, meno veloce nei movimenti, cedeva lentamente di fronte ai Persiani che l'attaccavano da ogni parte, mentre i cavalieri tenevano a bada i mercenari greci. Alessandro raggiunse quasi il sovrano persiano e si dice che cercò di colpirlo con una lancia, non riuscendoci. Dario decise di ritirarsi, costretto a lasciare il suo carro e a darsi alla fuga su un cavallo, abbandonando anche lo scudo, mentre suo fratello Ossatre rimase a combattere sino alla morte.Montato a cavallo, lo stesso sovrano macedone condusse gli eteri in un nuovo assalto contro il centro dello schieramento persiano, mettendolo in fuga; la falange di Parmenione e la cavalleria tessalica stavano oramai per cedere, per cui Alessandro non inseguì Dario, ma attaccò alle spalle la falange dei mercenari greci.<br />Alla vista del loro re costretto alla fuga, i soldati persiani si ritirarono e vennero falcidiati dalla cavalleria macedone che li inseguì fino al tramonto.Per la Persia si trattava della prima sconfitta militare di un esercito comandato da un loro sovrano, mentre per i Macedoni si apriva la strada per la conquista dell'impero.

Prompt: In Alexander Mosaic, how is the The assault of the cavalry of the Consequences of the battle explained?Please output in Italian.


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Martirio di santa Giustina

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Martyrdom of Saint Justina.Please output in Italian.


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Giornata buia

Giornata buia è un dipinto olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1565 e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. È firmato in maniera poco leggibile; si legge solo "", che è stato interpretato come la fine della data MDLXV.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Gloomy Day.Please output in Italian.

1565
Kunsthistorisches Museum
Pieter Bruegel il Vecchio
Vienna


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Allegoria coniugale

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: How does Allegory of Marriage explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Caccia al leone

Questo metodo comune coinvolge il cacciatore che giace in agguato da una tenda costruita a circa 30-50 metri da un'esca, di solito una carcassa di ungulato, dopo aver appeso o fissato la carcassa a un albero in una zona probabile. L'esca viene poi controllata ogni giorno fino a quando non ci sono prove di un leone affamato presente nella zona. Una grande macchia o lunghi peli con la punta nera sull'esca segnalano la costruzione di una tenda.  tenda è costruita a terra o su un albero vicino dove il cacciatore starà in agguato di solito a metà pomeriggio o al mattino presto.

Prompt: Describe the characteristics of the Luring in The Lion Hunt (Delacroix)'s History.Please output in Italian.


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Persefone

Il maggiore culto nel mondo greco fuori dalla Grecia continentale era localizzato a Catania, come testimoniato da Cicerone nelle Verrine, e in Calabria.Nel centro storico di Catania è venuto alla luce il più esteso deposito votivo greco esistente. Nel quartiere di Cibali, a nord della città, era presente una grotta da cui si diceva che fosse fuoriuscito il dio Ade per rapire la fanciulla Persefone. Tale cavità, talora identificata con la Grotta di San Giovanni nel quartiere di Galermo, è andata perduta.Il mito di Demetra e Kore è strettamente legato al territorio di Enna e in particolare alla sua frazione del lago Pergusa. Diversi santuari di notevole importanza sono stati ritrovati all'interno dell'area archeologica di Morgantina, sita in Aidone, mentre a Enna si può ammirare la "Rocca di Cerere".Testimonianze magno-greche del culto dedicato a Persefone sono, senza dubbio, i molti reperti rinvenuti nell'area di Reggio Calabria, soprattutto presso gli scavi di Locri Epizefiri, dei quali uno smisurato numero di pinakes  è custodito al Museo Nazionale della Magna Grecia di Reggio Calabria e nel Museo nazionale di Locri.I pinakes calabresi di Locri Epizefiri rappresentano una delle produzioni artistiche numericamente più consistenti dell'arte magnogreca, nonché una testimonianza unica di un complesso di devozione popolare.  produzione di un numero così cospicuo di esemplari in un torno di tempo piuttosto limitato lascia supporre che i pinakes costituissero il dono prediletto dei fedeli alla divinità.Il soggetto più ricorrente tra i frammenti conservati è proprio il ratto di Kore. Kore, “la fanciulla”, è l'epiteto che i poeti greci riservano a Persefone quando costei è ancora la giovane e innocente figlia di Demetra, prima che Ade la rapisca facendone la propria sposa. Le tavolette di Locri riproducono uno schema grossomodo fisso a cui ricorrono centinaia di rappresentazioni figurative greche: Ade, rappresentato come un uomo adulto dalla lunga barba, afferra per la vita la fanciulla riluttante caricandola di peso sul suo carro trainato da cavalli alati.Ben altra atmosfera domina un altro consistente gruppo di pinakes, in cui la coppia divina siede in trono pacificata e celebra la propria hierogamia, le proprie nozze sacre. Talvolta la dea è raffigurata da sola, seduta in trono in atteggiamento maestoso, segno della sua preminenza nella devozione dei locresi.Più discussa è invece la natura delle scene raffigurate negli altri gruppi. Un nucleo consistente di tavolette ha per soggetto delle giovani donne impegnate nella preparazione di un complesso cerimoniale; mentre un gruppo apparentemente a sé stante è poi quello costituito dai pinakes in cui una figura femminile seduta solleva il coperchio di una cesta nella quale giace un bambino. L'archeologa Paola Zancani Montuoro identifica la protagonista di questa scena con la stessa Persefone e colloca i pinakes di questo gruppo all'ideale punto di arrivo di un racconto mitico di cui le singole scene riprodurrebbero le diverse sequenze. Secondo la studiosa, infatti, i pinakes locresi costituiscono un ciclo unitario che narra la leggenda di Kore-Persefone, “che si compendia nel trasformarsi della fanciulla per antonomasia nella donna e dea sovrana del mondo sconosciuto ai sensi”.  violenza del ratto sarebbe dunque preliminare, attraverso il passaggio per le cerimonie di preparazione alle nozze, al compimento della theogamia e all'insediamento di Persefone sul trono degli inferi.Secondo lo storico Diodoro Siculo, uno dei più famosi santuari d'Italia dedicato alla dea Persefone, il Persephoneion, si trovava proprio in Calabria, a Locri Epizefiri.  sua scoperta e la conseguente collocazione ai piedi del colle della Mannella si devono all'archeologo Paolo Orsi che portò a compimento nella zona, tra il 1908 ed il 1911, una minuziosa serie di scavi ed esplorazioni che gli permisero di fugare ogni possibile dubbio sulla reale origine delle strutture e degli straordinari reperti riportati alla luce. Si tratta propriamente di un temenos, ovvero di un recinto sacro senza un vero e proprio edificio templare, frequentato almeno dal VII secolo a.C. e con particolare intensità nel VI secolo a.C. e nella prima metà del V secolo a.C. A questo lasso di tempo appartiene infatti la maggior parte dei materiali votivi restituiti dagli scavi. magnifica Statua di Persefone esposta oggi all'Altes Museum di Berlino, fu rinvenuta a Taranto, in Via Duca degli Abruzzi , e dalla città trafugata nel 1912. Secondo alcuni studiosi, tra cui l'archeologo Paolo Orsi, il professore Vincenzo Casagrandi e gli scrittori Gaudio Incorpora, Adriano Scarmozzino, sarebbe stata invece ritrovata, per la prima volta, nei primi del '900 da un contadino in una vigna del territorio di Locri, in Calabria, e in seguito fu segretamente trasportata a Taranto. A Taranto, dopo varie vicissitudini, fu acquistata dal Governo tedesco per un milione di marchi.Un'ulteriore testimonianza del culto di Persefone ci viene da Oria, dove fu presente e attivo dal VI secolo a.C. fino all'età romana, un importante santuario , dedicato alle divinità Demetra e Persefone. Qui vi si svolgevano culti in grotta legati alla fertilità. Gli scavi archeologici svolti negli anni ottanta, infatti, hanno evidenziato numerosi resti composti di maialini  e di melograno. Inoltre, a sottolineare l'importanza del santuario, sono state rinvenute monete di gran parte della Magna Grecia, e migliaia di vasi accumulatisi nel corso dei secoli come deposito votivo lungo il fianco della collina. Di particolare interesse sono alcuni vasetti miniaturistici e alcune statuette raffiguranti colombe e maialini sacri alle due divinità cui era dedicato il luogo di culto.Altri esempi di ritrovamenti della Kore si hanno a Gela, una delle colonie greche di Sicilia. Diversi reperti sono custoditi presso il Museo archeologico regionale.

Prompt: Focus on Proserpine (Rossetti) and explain the Cult in Italy.Please output in Italian.

1912
Aidone
Altes Museum
Berlino
Calabria
Catania
Cerere
Demetra
Diodoro Siculo
Enna
Gela
Ino
Locri
Locri Epizefiri
Magna Grecia
Morgantina
Museo nazionale di Locri
Oria
Paola Zancani Montuoro
Paolo Orsi
Persefone
Reggio Calabria
Sicilia
Taranto
VII secolo a.C.
VI secolo a.C.
V secolo a.C.
Vincenzo Casagrandi


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Elemosina di sant'Antonino

Carlo Pirovano, Lotto, Electa, Milano 2002. ISBN 88-435-7550-3 Roberta D'Adda, Lotto, Skira, Milano 2004.

Prompt: In St Antoninus Giving Alms, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Ritratto dell'imperatore Massimiliano I

Nella primavera del 1512, per più di due mesi, il neoeletto Massimiliano I d'Asburgo si era fermato a Norimberga, dove aveva conosciuto Dürer. Per celebrare l'imperatore e la sua casata l'artista aveva concepito un'impresa mai vista, una gigantesca xilografia composta da 193 blocchi stampati separatamente e riuniti insieme a formare un grande Arco trionfale.  straordinaria impresa venne ricompensata  all'artista con un beneficio annuo di cento fiorini.L'opera venne completata quando l'imperatore era già morto, con alcune varianti rispetto al disegno iniziale.

Prompt: How does Portrait of Emperor Maximilian I explain its History?Please output in Italian.

1512
Massimiliano I d'Asburgo
Norimberga