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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Explain the Origins of this artwork, Madonna and Child (Bellini, Milan, 1510).Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa o Jaffa  è un dipinto di Antoine-Jean Gros datato al 1804, commissionato da Napoleone Bonaparte per rappresentare un episodio della campagna d'Egitto.  realtà storica della scena raffigurata nel dipinto, ed in particolare il gesto del Bonaparte, sono oggetto di contesa.

Prompt: How does Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa explain its Abstract?Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Giaffa
Napoleone Bonaparte


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Danza di contadini

Il tema del ballo dei contadini, già rappresentato ad esempio nella Danza nuziale di Detroit, è qui trattato con maggiore maturità: al brulicare di figure l'artista ha ormai sostituito la preferenza per grandi personaggi nel primo piano, in questo caso scomponibili in due metà: a sinistra una tavola imbandita dove stanno seduti anche il suonatore di zampogna e un suo amico rubicondo che gli porge una brocca di vino; a destra una coppia che prende parte alle danze, rappresentata con qualche tono grottesco  e con grande cura dei dettagli, come il brosello della donna che pende con le chiavi, o il cucchiaio appuntato in testa al berretto dell'uomo, dimostrando la sua intenzione di non arrivare impreparato al banchetto. In primissimo piano a destra si vedono poi una ragazzina che insegna a ballare a una bambina: si tratta di figure fuori scala rispetto al corpulento suonatore che sta loro dietro, ma di grande indagine descrittiva e psicologica. Al tavolo alcuni personaggi sembrano inebetiti dal bere  e un mendicante si avvicina  per chiedere l'elemosina, ma viene scacciato bruscamente dall'uomo a capotavola; dietro di loro una coppia si bacia.Sullo sfondo altre coppie prendono parte alle danze, compresa quella che sta uscendo dalla casa col vessillo rosso, in cui il marito sembra trascinare controvoglia la moglie. Più che a una danza nuziale, la scena farebbe pensare a uno di quei festeggiamenti speciali, magari con l'occasione della consacrazione della chiesa che si vede sul fondale.In primo piano, sul suolo, si vedono alcuni gusci di noce, il manico di una brocca rotta e alcuni fuscelli di paglia.  descrizione è quindi arricchita da molti dettagli quotidiani, che fanno dell'opera un prototipo per la pittura di genere.

Prompt: In The Peasant Dance, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In the context of Annunciation (Fra Angelico, Madrid), explain the Apocryphal  Gospels and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Earthstopper sulle rive del Derwent

Earthstopper sulle rive del Derwent è un dipinto di Joseph Wright of Derby completato nel 1773.

Prompt: How does The Earthstopper explain its Abstract?Please output in Italian.


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Trionfo della Divina Provvidenza

sinistraAmpio più di 600 metri quadrati, il ciclo è diviso in uno schema fluido, dove sono assenti le nette cesure schematiche del secolo precedente, e in cui le figure dialogano e si richiamano l'un l'altra, culminando nella scena centrale. Sono così accoppiati la scena della Prudenza di Fabio Massimo e due orsi, a simboleggiare Sagacia; la Temperanza di Scipione e un liocorno per la Temperanza; la Storia di Muzio Scevola e il leone come emblema di Fortezza; la Giustizia di Tito Manlio e lippogrifo per la Perspicacia. Al lato opposto è la Pace in trono, consigliata dalla Prudenza che invia una fanciulla a chiudere le porte del tempio di Giano . Ciclopi lavorano nelle officine per fabbricare armi, mentre il Furore viene disarmato dalla Mansuetudine e deve stare fermo su una catasta d'armi. Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è invece raffigurato il Sole, simbolo dei Barberini.uprightErcole che scaccia le ArpieLe pareti sui lati corti mostrano, da un lato, la caduta dei Giganti, su cui si libra Minerva, alludendo alla vittoria dell'intelligenza sulla forza bruta . Di rimpetto, nella parete finestrata della facciata principale, Ercole allontana i Vizi e le Arpie, simbolo di avarizia, dov'è anche una giovinetta con la fascia di console allude alla Giustizia, mentre la Liberalità inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia. Sul registro inferiore del finto fregio marmoreo che incornicia quest'ultima scena è raffigurata, sempre entro un cartiglio a monocromo, la Clava che germoglia.L'intero ciclo venne prima studiato in vari disegni preparatori di cui ne rimangono solo alcuni, in collezioni pubbliche e private provenienti dalla dispersione delle collezioni Barberini: uno studio della Venere, di Ercole e le Arpie e del tempio nella scena del Trionfo della Pace sono agli Uffizi, altri pezzi sono invece a Londra e Oxfrord. Non ci è pervenuto il bozzetto finale, che sicuramente dovette esistere, sottoposto ai committenti per l'approvazione finale.

Prompt: How does Allegory of Divine Providence and Barberini Power explain its Description?Please output in Italian.


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Pala Martinengo

Il 15 maggio 1513 Lorenzo Lotto era a Bergamo per firmare il contratto di allogazione di una grande pala per l'altare maggiore della chiesa di Santo Stefano e Domenico, la pala rappresenta al centro i due santi, finanziata da Alessandro Martinengo Colleoni, nipote di Bartolomeo Colleoni. Fu ultimata tre anni dopo, nel 1516, come attesta la firma, e fu pagata la straordinaria somma di 500 ducati. Per il committente si trattava di un'operazione tesa a ribadire il prestigio proprio e familiare, rinnovando la tradizione di alte commissioni artistiche come nel caso della vicina Cappella Colleoni.  scelta di un artista veneziano doveva sottolineare il legame di amicizia di Bergamo con la dominante Venezia, dove Martinengo Colleoni, che aveva sposato la veneziana Bianca Mocenigo, risiedeva abitualmente, trascorrendo solo brevi periodi nel castello di Malpaga. Difficile sapere come il Lotto fosse venuto a conoscenza della possibile realizzazione di un'opera pubblica in Bergamo, un lavoro sicuramente di prestigio. Un tramite potrebbero essere stati i confratelli domenicani della chiesa nelle Marche, regione in cui Lotto aveva trascorso un periodo. Si potrebbe altresì considerare la presenza dell'artista a Roma dove potrebbe aver conosciuto Domenico Tasso che lavorava al servizio del papa come servizio postale facendo ritorno a Bergamo proprio nel 1512, e che aveva già commissionato ad Ambrogio da Fossano la Pala di Santo Spirito. Anche se era ritenuto per questo motivo filo-milanese, al suo ritorno a Bergamo collaborò attivamente con l'amministrazione cittadina veneziana. Inoltre il fratello di Domenico, Luigi Tasso era stato vescovo a Recanati, città che Lotto ben conosceva.. Nel 1561 la chiesa venne distrutta per poter fortificare le mura venete, e la pala con altri pochi arredi venne spostata nella nuova collocazione nella chiesa di San Bartolomeo, nella parte bassa di Bergamo. pala, la più grande mai dipinta da Lotto, era anticamente corredata da una predella divisa in tre pannelli raffiguranti San Domenico resuscita Napoleone Orsini, Deposizione di Cristo nel sepolcro e pidazione di santo Stefano, conservati nella pinacoteca dell'Accademia Carrara, mentre la cimasa è conservata nel museo di Budapest. Il complesso originale fu smembrato durante uno dei trasferimenti che l'opera subì a causa della distruzione della chiesa di Santo Stefano nel 1561.Durante il primo conflitto mondiale, la pala fu rimossa, per prima tra le opere di Bergamo, conservata in località sicura e riposizionata al termine del conflitto per preservarla dai bombardamenti.

Prompt: In Martinengo Altarpiece, how is the History discussed?Please output in Italian.

1512
1513
1516
1561
Accademia Carrara
Alessandro Martinengo Colleoni
Bartolomeo Colleoni
Bergamo
Budapest
Cappella Colleoni
Domenico Tasso
Lorenzo Lotto
Luigi Tasso
Mocenigo
Pala di Santo Spirito
Recanati
San Domenico resuscita Napoleone Orsini


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Volta della Cappella Sistina

Nella primavera 1506 Michelangelo ebbe una clamorosa rottura con papa Giulio II, in occasione della sospensione del grandioso progetto della tomba papale, cui l'artista aveva dedicato numerose energie e aspettative. Giulio II, consigliato forse dall'architetto Bramante che non nascondeva la sua rivalità con Michelangelo, era infatti venuto alla conclusione che occuparsi della propria sepoltura fosse di cattivo auspicio.Probabilmente in quell'occasione il papa, personalità ambiziosa e amante dell'arte in funzione della politica, aveva già in mente un'altra grandiosa opera da affidare all'artista fiorentino, cioè la ridipintura della volta della Cappella Sistina, già affrescata da Piermatteo d'Amelia con un cielo stellato, all'epoca del suo parente e predecessore Sisto IV. Nel maggio del 1504 infatti una minacciosa crepa nel soffitto, aveva reso inutilizzabile per molti mesi la cappella, in cui si svolgevano le più importanti e solenni celebrazioni della corte papale.Ma Michelangelo, che ignorava ancora la nuova proposta, appena saputa l'interruzione dei lavori al monumento sepolcrale causata da intrighi tra gli artisti di corte, fuggì da Roma in tutta fretta , riparando a Firenze, dove restò quasi un anno, nonostante i ripetuti richiami del pontefice. Ci vollero ben tre brevi del papa inviate alla Signoria di Firenze e le continue insistenze del gonfaloniere Pier Soderini , perché Michelangelo prendesse infine in considerazione l'ipotesi della riconciliazione, cogliendo l'occasione del passaggio del pontefice a Bologna , impegnato nella campagna militare contro i Bentivoglio.

Prompt: In Sistine Chapel ceiling, how is the The plans of Julius II of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1504
1506
Bologna
Bramante
Cappella Sistina
Firenze
Pier Soderini
Piermatteo d'Amelia
Roma


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Salvatore

Compare Turiddu è un personaggio della Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni, ispirata all'omonima novella di Giovanni Verga.Salvatore De Mattia è un personaggio della commedia Uomo e galantuomo di Eduardo De Filippo. Salvatore "Totò" Di Vita è il personaggio protagonista del film Nuovo Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore.Salvatore "Toti" Bellastella è il personaggio protagonista del film Il tuttofare di Valerio Attanasio. Salvatore  è il titolo di una canzone della cantautrice statunitense na Del Rey. Salvatore Rauco è un personaggio della serie televisiva Mario.

Prompt: Focus on The Saviour (El Greco) and explain the The beautiful art..Please output in Italian.

Eduardo De Filippo
Giovanni Verga
Giuseppe Tornatore
Nuovo Cinema Paradiso
Pietro Mascagni
Uomo e galantuomo
Valerio Attanasio


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Ritorno all'ovile

Ritorno all'ovile è un dipinto di Carlo Pittara. Il titolo originario era  ritirata.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Return to the Sheepfold.Please output in Italian.


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Il primo lutto

Il primo lutto  è un dipinto a olio su tela del 1888 di William-Adolphe Bouguereau. È conservato al Museo nazionale delle belle arti  di Buenos Aires, in Argentina.

Prompt: How does The First Mourning explain its Abstract?Please output in Italian.

Argentina
Buenos Aires
William-Adolphe Bouguereau


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Annunciazione Martelli

L'opera ha un ruolo importante nella storie delle pale d'altare poiché è considerata la prima opera sicuramente conosciuta in cui si rinunciava a qualsiasi elemento gotico quale cuspidi e pinnacoli in favore di un rigoroso schema geometrico quadrangolare, che ben si armonizzava con l'architettura brunelleschiana della chiesa. pala è divisa in due parti, come un dittico, con l'unificazione rappresentata dalla prospettiva centrale che mostra, in una complessa scenografia architettonica, alcuni edifici sullo sfondo di una loggetta aperta. Vari spunti rimandano alla pittura fiamminga, verso la quale Lippi dimostrò un certo interesse a partire dal soggiorno padovano, come l'uso della luce che crea vari effetti di "lustro" a seconda della superficie, come la virtuosistica ampolla vitrea in primo piano, allusione allo Spirito Santo.A sinistra si trova un gruppo di angeli sopra un gradino, mentre a destra si svolge la scena dell'Annunciazione, con la posa dell'Angelo e della Vergine ispirata allAnnunciazione Cavalcanti di Donatello .  Vergine è infatti colta inizialmente dalla ritrosia e lo spavento per la miracolosa apparizione. L'Angelo è inginocchiato, con in mano il tradizione giglio bianco, simbolo della purezza di Maria.

Prompt: How does Martelli Annunciation explain its Description and style?Please output in Italian.

Annunciazione Cavalcanti
Donatello
Spirito Santo


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Donna al Cafè Le Tambourin

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Prompt: How does Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin explain its Abstract?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Chiesa cattolica non ha nel proprio anno liturgico una festa specifica per la Madonna delle Grazie: questo titolo è associato a diverse feste mariane in base alle consuetudini locali e alla storia dei singoli santuari.Molti luoghi associano questo titolo alla data tradizionale della festa della Visitazione di Maria a Elisabetta, il 2 luglio o all'ultimo giorno del mese di maggio. Anticamente la festa si svolgeva il lunedì in Albis, poi fu spostata al 2 luglio, e ancora oggi in quest'ultima data la si continua a festeggiare nella maggior parte delle località nelle quali è venerata la Madonna delle Grazie. Altrove la festività ricorre il 26 agosto, il 9 maggio  oppure, con data mobile, la terza domenica dopo Pentecoste.In alcuni luoghi il titolo di Madonna delle Grazie è associato alla festa della Natività di Maria, l'8 settembre; così è a Udine, a Pordenone, a Contursi Terme  e in altre località italiane.L'onomastico si festeggia il 2 luglio e lo festeggiano le persone che portano il nome di: Grazia, Graziella, Maria Grazia, Grazia Maria, Anna Grazia, Grazia Anna,Orazio,  Graziana e Graziano .

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Liturgical feast discussed?Please output in Italian.

26 agosto
2 luglio
8 settembre
9 maggio
Chiesa cattolica
Contursi Terme
Pentecoste
Pordenone
Udine


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, New York), how is the Cultural reasons of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Nelle 4 scene della Passione di Cristo si osserva una massa urlante di personaggi, differenziata nelle posture, gesti, vesti e partecipazione emotiva. Notevole è la capacità del maestro senese di rendere efficacemente emozioni e volti, con risultati quasi ritrattistici.  pennellata è raffinata, delicata e particolareggiata.Rispetto a tutti i dipinti del periodo senese fino al 1330, e similmente all'Annunciazione tra i Santi Ansano e Margherita , lo spazio è volutamente poco profondo, sviluppato quasi in verticale e dominato dalla tensione narrativa. Le due ante dell'Annunciazione sono percorse da un'inquietudine psicologica che appare qui meno scontata e più marcata della precedente Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita , sia nellAngelo che nella Vergine. Le figure di tutte le ante sono allungate e i carnati chiari. Infine colpiscono i bordi dorati del mantello della Vergine Annunciata o il tessuto svolazzante dellAngelo Annunciante, caratterizzati entrambi da una sinuosità che porta a rivelare il diritto e il rovescio dei tessuti stessi, caratteristica questa dell'arte gotica transalpina. Queste caratteristiche di prospettiva verticalizzata, di inquietudine psicologica, di snellezza delle figure e di rovello gotico delle vesti sono nuove rispetto al Simone Martini senese e saranno riscontrabili anche nelle opere tarde del periodo avignonese.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Orsini Altarpiece.Please output in Italian.


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Maja desnuda

Francisco Goya Duchessa de Alba Pepita Tudó  maja desnuda  Maja vestida Manuel Godoy Nudo artistico Nudo sdraiato Totò, Eva e il pennello proibito

Prompt: How does La maja desnuda explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Maja vestida
Manuel Godoy
Nudo artistico
Nudo sdraiato
Pepita Tudó
Totò, Eva e il pennello proibito


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Rachele

rivalità tra Rachele e Lia era grande e, come era usanza del tempo, si combatteva sul numero dei figli. Esse non erano disposte a dare alla luce dei figli . Pur di dargli una discendenza, Lia diede a Giacobbe la sua schiava Zilpa in moglie, la quale partorì due figli: Gad ed Aser. Ma in seguito il Signore si ricordò anche di Rachele e la rese feconda ed ella concepì e partorì un figlio dicendo "Dio ha tolto il mio disonore" chiamandolo Giuseppe.

Prompt: Describe the characteristics of the Birth of Giuseppe in Rachel (sculpture)'s Meaning of the name.Please output in Italian.


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Il quarto stato

Insoddisfatto del risultato tecnico-artistico della Fiumana, ma soprattutto alla luce del brutale massacro di Bava-Beccaris a Milano, Pellizza decise nel 1898 di riprendere per la terza volta il lavoro sul «più grande manifesto che il proletariato italiano possa vantare fra l'Otto e il Novecento». Suoi obiettivi erano quelli di rendere la fiumana più tumultuosa e irruente, facendola «avanzare a cuneo verso l'osservatore», e di perfezionare i valori cromatici: è su queste basi che nel 1898 egli stese Il cammino dei lavoratori. In questo bozzetto propedeutico viene dato maggior rilievo alla gestualità dei lavoratori, arricchendoli quindi di notazioni realistiche; le prime file sono inoltre delineate con maggiore plasticità, «pur infossare come fiumana la parte finale della schiera, sotto un cielo articolato in spazi sereni e in turbinose nuvole». Questo dinamismo si traduce anche nella modulazione delle immagini, riassunte in una gamma di cromie calde, tendenti all'ocra-rosato, disposte con pennellate fatte di lineette e puntini.  tecnica pittorica è spiegata dallo stesso artista in una lettera del 18 maggio 1898 indirizzata all'amico Mucchi:Con Il cammino dei lavoratori, inoltre, cambia lo scopo sociale della pittura di Pellizza, passato alla temperie socio-proletaria. A esser raffigurata non è più una «fiumana umana», bensì «uomini del lavoro» che fanno della lotta per il diritto universale una lotta di classe: il loro incedere verso l'osservatore non è violento, bensì lento, fermo, con una pacatezza tale da richiamare alla mente un'ineluttabile sensazione di invincibilità. in riferimento al Quarto Stato.

Prompt: In The Fourth Estate (painting), how is the 1898-1901: "The Fourth Estate" of the Description explained?Please output in Italian.


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Madonna del Cardellino

Marco Ciatti e Antonio Natali, L'amore, l'arte e la grazia. Raffaello: la "Madonna del Cardellino" restaurata, catalogo della mostra, Firenze, Palazzo Medici Riccardi, 23 novembre 2008-1º marzo 2009, Mandragora, Firenze 2008. ISBN 978-88-7461-125-6 Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2 AA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna del Cardellino.Please output in Italian.


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Introduzione del culto di Cibele a Roma

Prompt: Focus on The Introduction of the Cult of Cybele at Rome and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Il sacrificio di Isacco  è un episodio del libro biblico della Genesi. Il suo racconto si trova in .Dio, per mettere alla prova la fede di Abramo, gli ordina di sacrificare il proprio figlio Isacco. Abramo si reca senza esitazioni sul monte Moriah e mentre sta per compiere diligentemente il sacrificio, impugnando già il coltello, un angelo del Signore scende a bloccarlo e gli mostra un ariete da immolare come sacrificio sostitutivo. scena, interpretata come prefigurazione del sacrificio di Cristo, è uno degli episodi salienti del Pentateuco.

Prompt: Focus on Abraham and Isaac (Titian) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Abramo Cristo Genesi Genesi Genesi Isacco Moriah


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Grande Madonna Cowper

L'opera era nelle raccolte della famiglia Niccolini a Firenze, quando nel 1782 il pittore Johann Zoffany la acquistò, raffigurandola, tra l'altro, nel celebre dipinto sulla Tribuna degli Uffizi. Fu lui a venderla, nel 1785, alla collezione Cowper, di cui faceva parte un'altra Madonna di Raffaello, la Piccola Madonna Cowper, anch'essa oggi conservata alla National Gallery of Art di Washington. Nel 1937 venne acquistata da Mellon, le cui raccolte formarono il nucleo originario della collezione del nascente museo statunitense.

Prompt: Explain the History of this artwork, Niccolini-Cowper Madonna.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

L'immagine della lupa nel Medioevo fu adottata dal Comune di Siena, che la ripropose come Lupa senese in diverse piazze e monumenti. Siena infatti, secondo il mito, era stata fondata da Senus, figlio di Remo e quindi ambiva ad essere una seconda Roma.L'immagine era una delle preferite di Benito Mussolini, che voleva accreditarsi come il fondatore della "Nuova Roma". Per favorire la benevolenza statunitense, inviò diverse copie della Lupa capitolina a città americane. Nel 1929 ne inviò una copia alla convenzione nazionale della società "Sons of Italy" a Cincinnati . Nel 1931 fu cambiata con una di maggiori dimensioni che si trova ancora all'Eden Park di Cincinnati. Un'altra replica fu inviata alla città di Rome in Georgia nello stesso anno. Una terza copia fu inviata a New York. lupa capitolina fu usata sia come emblema che nei manifesti della Olimpiade romana del 1960.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the Propagandistic use Middle Ages Siena 20th century and the Description.Please output in Italian.

1929
1931
1960
Benito Mussolini
Cincinnati
Eden Park
Lupa senese
New York
Roma
Siena


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Apocalisse

L'uso trova la sua origine nel titolo dato al Libro dellApocalisse di Giovanni , nel Nuovo Testamento; il titolo proviene dalle parole di apertura del libro apōkalýpsis Iesōû kristōû  in cui il termine "rivelazione" è usato solo per descrivere i contenuti del libro stesso, e non come designazione letteraria. Il nome Apocalisse venne poi attribuito a ulteriori scritture dello stesso genere, molte delle quali apparvero in quel periodo.A partire dal II secolo il nome venne usato per diversi libri, sia cristiani che ebraici, che mostrano gli stessi tratti caratteristici. Oltre all'Apocalisse di Giovanni , il Canone muratoriano, Clemente di Alessandria ed altri menzionano una Apocalisse di Pietro. Vengono inoltre ricordate apocalissi di Adamo e di Abramo nonché di Elia. L'uso del termine greco per definire opere appartenenti ad una determinata classe letteraria è quindi di origine cristiana, derivato dalla rivelazione del Nuovo Testamento.Nel linguaggio comune il termine ha perso il significato originario di "rivelazione" e, fuori dell'ambiente religioso, è passato a indicare qualsiasi evento di grande calamità ovvero un succedersi di eventi disastrosi.

Prompt: Describe the characteristics of the Use the term in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Adamo
Apocalisse di Giovanni
Canone muratoriano
II secolo
Nuovo Testamento


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Estasi di santa Teresa d'Avila

L'interpretazione che studiosi della psicoanalisi come Marie Bonaparte hanno dato  all'esperienza dell'estasi mistica in termini di pulsione erotica che si esprime sublimandosi nel deliquio dell'afflato spirituale, ha condotto la critica a sottolineare in quest'opera di Bernini la bellezza sensuale e ambigua dei protagonisti, avvalorando così la possibilità di una sua lettura in termini psicoanalitici. Lo psicologo italiano Enzo Bonaventura fa riferimento a Cupido, evidenziando, a livello simbolico, un nesso tra la figurazione greca e la trasfigurazione religiosa nell'arte cristiana. Per provarne la legittimità, occorre solo richiamare la parola di Renan in viaggio a Roma, davanti a questo stesso gruppo statuario: «Si c'est cela l'extase mystique, je connais bien des femmes qui l'ont éprouvée». Si potrebbe comunque ulteriormente citare il conte de Brosses, il Marchese de Sade o lo scrittore Veuillot.Collateralmente a quest'interpretazione che considera l'esperienza di Teresa, e la scultura che la ritrae, nei termini di quello che  potremmo chiamare «erotismo sacro», si deve tuttavia osservare che l'approfondimento della biografia dell'artista napoletano ha recentemente messo nella giusta luce la sua religiosità; una religiosità che in quel periodo della sua vita  si era rafforzata attraverso la pratica degli esercizi spirituali di Ignazio di Loyola, eseguiti sotto la guida dei padri gesuiti che egli frequentava. Verosimilmente la lettura della vita di santa Teresa non dovette essere un fatto occasionale, limitato a singoli passi, segnalati magari dal committente. Al contrario, alcuni studiosi hanno letto nellEstasi di santa Teresa anche l'eco del racconto di altre esperienze mistiche, come quella della santa genovese Caterina Fieschi Adorno. straordinaria qualità estetica e l'intensa drammaticità del gruppo marmoreo è dunque da collegare alla personale ricerca spirituale di Bernini, al suo impegno a scoprire per sé stesso, per poi mostrare a tutta la comunità dei fedeli il senso di quell'amore espresso oltre ogni misura verso il Redentore, che trova esempio nella vita dei santi.L'influenza dell'opera di Bernini fu enorme non solo sui contemporanei, ma anche su molti artisti dei secoli successivi. Il famoso compositore Pietro Mascagni, ad esempio, nel 1923 compose una visione lirica per orchestra dal titolo Contemplando la santa Teresa del Bernini, un brano della breve durata di appena quattro minuti.  scultura è altresì il soggetto della canzone “The Lie”, contenuta nell'album del cantautore inglese Peter Hammill The Silent Corner and the Empty Stage.

Prompt: In Ecstasy of Saint Teresa, how is the Psychoanalytic interpretation of the Description explained?Please output in Italian.

Cupido
Enzo Bonaventura
Estasi
Ignazio di Loyola
Marchese de Sade
Marie Bonaparte
Peter Hammill
Pietro Mascagni
Roma
The Silent Corner and the Empty Stage


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Minerva Anguissola

Angela Ghirardi, Una ricerca iconografica nel cenacolo delle Anguissola: i ritratti di Minerva, 1992, pp 509-511   Testi di Marco Carminati e altri.  Edizione italiana a cura di Maria Gregorio; introduzione di Natalia Aspesi.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of Minerva Anguissola (Milan).Please output in Italian.


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Madonna della Cesta

Il fulcro del dipinto è rappresentato dal rapporto affettuoso che lega la Vergine al Bambino, dal suo dolce provare a vestirlo della piccola camicia azzurra che ha appena finito di cucire. Il cesto del cucito con le forbici ben visibili sta ad aprire il dipinto sulla sinistra e per quanto sia possibile leggervi allusioni simboliche il suo ruolo è soprattutto quello di dotare l'immagine di un convincente "effetto di reale". Rappresentando la Vergine giovanissima, quasi adolescente, mentre ha appena accantonato gli strumenti del lavoro di cucito, il Correggio riesce a calare la storia sacra in una cornice di semplice e accattivante quotidianità. Gesù è vero uomo, secondo l'evidenza maschile del corpo, eppure la madre gli ha preparato un doppio vestimento in segno delle due nature, umana e divina, che egli porta in sé.  verità del suo destino viene espressa dal suo aprire le braccia in croce, mentre la piccola mano destra benedice col simbolo trinitario.Particolarmente per lo sfondo, dove si intravede san Giuseppe, è possibile far riferimento ai modelli nordici, segnatamente a un'incisione di Dürer che forse il Correggio ebbe modo di conoscere, la Sacra Famiglia in Egitto.

Prompt: In Madonna of the Basket (Rubens), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Cave

Madonna delle Cave è un dipinto tempera su tavola  di Andrea Mantegna, databile al 1488-1490 e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: In Madonna of the Caves, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Progresso americano

L'opera è un'allegoria del Destino Manifesto e dell'espansione verso ovest americana. Il dipinto, di dimensioni 29,2 cm × 40,0 cm, venne commissionato nel 1872 da George Crofutt, un editore di guide di viaggio sull'Ovest americano, ed è stato riprodotto frequentemente.  donna raffigurata al centro è Columbia, personificazione degli Stati Uniti d'America, con in fronte una stella. Columbia cammina da est a ovest portando con sé il progresso e la civilizzazione, ponendosi come guida dei coloni che la seguono a piedi, a cavallo, in carro e in treno.

Prompt: How does American Progress explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


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La giovane pastorella

giovane pastorella  è un dipinto a olio del 1885 di William-Adolphe Bouguereau. Viene conservato al San Diego Museum of Art a San Diego in California.Questa, assieme ad altre immagini simili raffigurate dal pittore francese ha attratto nel tempo i collezionisti sia europei che nordamericani, a causa del loro contenuto di forte sentimento nostalgico.Nelle sue opere dedicate alle pastorelle e alle giovani contadine l'artista è giunto a rappresentare una varietà di pose ed espressioni; in questo caso mostra la mite curiosità della ragazzina nei confronti dell'osservatore. tematica è quella pastorale , bucolica e vicino all'ideale poetico di Arcadia  così ben sviluppato dagli antichi Greci, ma anche da molti poeti ed artisti dell'ellenismo. Tra i pittori francesi che lo hanno preceduto in questo sono inclusi Claude Lorrain, Nicolas Poussin e Antoine Watteau.

Prompt: Focus on The Young Shepherdess and explain the Abstract.Please output in Italian.

Antoine Watteau
California
Claude Lorrain
Nicolas Poussin
San Diego
San Diego Museum of Art
William-Adolphe Bouguereau


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Frine alle feste di Poseidone a Eleusi

Uno studio per il volto di Frine, datato 1889.Quando Henryk Siemiradzki cominciò a lavorare a questo quadro alla fine del 1886, chiese al segretario delle conferenze dell'accademia russa di belle arti, Pëtr Iseev, se la Russia avrebbe partecipato all'esposizione universale di Parigi del 1889 . In una lettera indirizzata a quest'ultimo scrisse: "In ogni caso preparo un dipinto più grande delle Fiaccole di Nerone. Il suo soggetto sarà Frine che interpreta il ruolo di Afrodite alle feste di Poseidone a Eleusi. Ho sognato da molto tempo un soggetto sulla vita dei Greci, che mi avrebbe permesso di investire il più possibile sulla bellezza classica attraverso la presentazione. Con questo soggetto ho trovato un materiale enorme! Il sole, il mare, l'architettura, la bellezza femminile e il rapimento muto dei Greci alla vista della donna più bella del loro tempo e il piacere dell'artista popolare non hanno nulla a che fare con il cinismo degli adoratori odierni di donnine allegre. Il quadro è già in fase di abbozzo."È possibile che nel parlare di "adoratori di donnine allegre" Henryk Siemiradzki alludesse al dipinto Frine davanti all'Areopago di Jean-Léon Gérôme , che i critici avevano accusato per la sua nudità eccessiva. Fu nel suo studio a Roma che egli mise in atto il suo progetto. Durante la realizzazione del suo quadro, il pittore si recò soprattutto in Grecia e visitò il sito eleusino.sinistraUno studio per una ragazzina con un amorino, oggi al museo russo.Dopo aver realizzato vari disegni preparatori , il quadro venne dipinto nell'inverno del 1889 e venne esposto per la prima volta nella sala di Raffaello all'accademia russa di belle arti pietroburghese. Nella stessa mostra vennero esposte anche delle altre opere del pittore polacco, come L'esempio degli dei, Prima del bagno,  tentazione di San Girolamo e Alla fontana.L'esposizione ebbe un grande successo e attirò migliaia di visitatori, che secondo alcuni dati sarebbero stati più di 30.000. L'opera di Siemiradzki divenne oggetto di un numero speciale della Gazzetta del Governo , che la recensì in modo lusinghiero. In una lettera indirizzata a Marija Kiselëva, datata 17 febbraio 1889, Antòn Čechov scrisse ironicamente a proposito del suo dramma Ivanov:Dopo la mostra, l'Accademia nominò Siemiradzki un membro indipendente del suo consiglio accademico, esprimendogli la sua riconoscenza per i suoi meriti di pittore. Assieme a L'esempio degli dei, Frine alle feste di Poseidone a Eleusi venne acquistato dall'imperatore Alessandro III per 30.000 rubli. Il successo della Frine suscitò le gelosie del gruppo degli Ambulanti e, tra questi, di Grigorij Mjasoedov. Dal 20 dicembre del 2017 al 2 aprile del 2018, l'opera venne esposta nella sala Benois del museo russo per una mostra dedicata al centosettantacinquesimo anniversario della nascita dell'autore.

Prompt: Explain the History of this artwork, Phryne at the Festival of Poseidon in Eleusis.Please output in Italian.

Afrodite
Eleusi
Frine
Frine davanti all'Areopago
Grigorij Mjasoedov
Henryk Siemiradzki
Jean-Léon Gérôme
Poseidone
Poseidone
Roma


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Polittico dei Sette Dolori

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Seven Sorrows Polyptych.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Al centro dell'immagine si trova Maria, la cui figura è posta in trono.  cornice attuale, rettangolare nella parte inferiore della composizione, posiziona invece nella parte superiore un semicerchio il cui diametro corrisponde approssimativamente alla metà della larghezza del rettangolo sottostante. Il manto della Madonna forma i contorni esterni di una piramide immaginaria. Visivamente, l'immagine è divisa longitudinalmente dalla cintura rossa di Maria. Le tre donne sulla destra occupano poco più di un terzo della composizione, mentre le tre figure maschili sulla sinistra quasi i due terzi dello spazio dell'immagine. I personaggi maschili, inginocchiati, sono sfalsati rispetto al centro del quadro. L'osservatore vede le figure dal davanti, i volti di Meyer e il ragazzo nel profilo di tre quarti, il bambino è dal davanti. Dal lato degli uomini, le figure seguono quasi la diagonale dello schermo. D'altra parte, sul lato più stretto delle donne, la svolta verso il centro è solo accennata dalla figura centrale spostata leggermente a destra. Le tre donne sono tutte e tre di profilo e si presentano come in fila, una a fianco all'altra. Solo Dorothea Kannengießer rivolge parte dello sguardo verso lo spettatore. A causa del vestito bianco di Anna Meyer e dei cappucci bianchi delle due mogli di Meyer, la parte destra del dipinto sembra in generale più luminosa. Su entrambi i lati, tuttavia, la figura più rilevante nella composizione appare anche come la più luminosa, migliorando l'effetto di profondità dell'immagine. Il colore rosso colpisce nella cintura della Vergine, nella calzamaglia rossa portata dal ragazzo e nel rosario di Anna Meyer. Questi oggetti scarlatti descrivono un triangolo che collega entrambi i lati dell'immagine con la figura centrale della Madonna. testa e le braccia della Madonna, che reggono il piccolo Gesù, occupano uno spazio quasi separato al di sopra del ginocchio. Se si completa il semicerchio della conchiglia che si trova dietro la testa di Maria con un cerchio, si crea un medaglione circolare con Maria e il bambino. Il centro di questo cerchio è formato da una singola perla che tiene insieme il delicato indumento della Vergine all'interno di una spilla d'oro.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the Composition and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Fontana Maggiore

Fontana Maggiore, situata al centro di piazza IV Novembre , è il monumento simbolo della città di Perugia.

Prompt: Focus on Fontana Maggiore and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Il mercato del cotone a New Orleans

Il dipinto, anche noto come Ritratti in un ufficio, è l'opera più incisiva realizzata durante il soggiorno di Degas negli Stati Uniti. Recatosi nel 1872 a New Orleans, città presso la quale la madre aveva avuto i natali, il pittore ne rimase profondamente entusiasta. Di quest'ardore ci rimane una testimonianza letteraria nella lettera che il pittore indirizzò all'amico Lorentz Frölich, cui confidò:</ref>}}Il mercato del cotone a New Orleans, tuttavia, non va assolutamente inteso come una «foto-ricordo» , bensì come una speculazione meramente commerciale di cui Degas si proponeva di realizzare un forte utile: egli, infatti, intendeva rivendere il dipinto a un mercante inglese di tessuti: Quest'operazione, tuttavia, non ebbe successo, e il dipinto probabilmente non piacque neanche ai parenti americani del pittore, che si ritrovò costretto a portare l'opera con sé in patria. Presentato alla seconda mostra impressionista del 1876, dove disorientò non poco il pubblico, il dipinto è esposto dal 1878 presso il museo di Belle Arti di Pau, in Francia: era il primo dipinto di Degas  ad essere stato acquistato da un'istituzione pubblica.

Prompt: How does A Cotton Office in New Orleans explain its History?Please output in Italian.


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Storie di Virginia

I due pannelli facevano parte di una delle "spalliere" documentate verso il 1500 in casa Vespucci a Firenze .

Prompt: In The Story of Virginia (Botticelli), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Jörg Fugger

Ritrovato in un castello del conte Johannes Fugger dl 1926 fu soggetto ad alcune rivendite prima di giungere nel 1928 alla collezione Contini Bonacossi per essere venduto nel 1969 alla Norton Simon Art Foundation. A Pasadena fu sottoposto ad un assottigliamento del supporto e a una parchettatura al fine di risolvere i problemi creati dauna crepa orizzontale. Pubblicato per la prima volta da August L. Mayer nel Burlington Magazine il dipinto fu generalmente accettato come autografo, tranne che da Luitpold Dussler nel 1935 che poi lo accettò nel 1949. L'unica voce contraria rimase quella di James Beck che nel 1988-1989 lo attribuiva alla scuola ferrarese.

Prompt: In Portrait of Georg Fugger, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Moscoforo

L'occasione della dedica fatta ad Atena è incerta: potrebbe trattarsi del vincitore di una gara che aveva come premio un vitello o di un sacrificio in onore della dea. figura originariamente era policroma, con occhi di pasta vitrea, avorio e osso. Il viso dell'uomo presenta il cosiddetto "sorriso arcaico"  e lo sguardo dritto, opposto allo sguardo abbassato del vitello. I muscoli sono ben torniti ed hanno una superficie fluida e levigata, collegata alle cadenze lineari del sottilissimo mantello che ricade con due lembi decorativi sul davanti. Da notare la disposizione chiastica delle braccia del giovane e delle zampe del vitello sulle sue spalle, che contribuisce a serrare il rapporto tra le due figure, le partiture orizzontali dell'addome e le forme corporee  ben definite, il mantello che addolcisce le linee e crea una continuità tra il gomito e il bacino in una morbida linea di contorno. Come osserva H. Payne, qui, la struttura prevalentemente cubica del kouros greco sembra per la prima volta smorzarsi in una maggiore volontà di lavorazione a tutto tondo.

Prompt: In Moschophoros, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Girolamo Savonarola

Firenze , Filippo d’Averardo Salviad Prato, convento di San Vincenzo, suor Caterina de’ RicciPrato o Firenze Ermolao Rubieri Firenze, Museo di San Marco

Prompt: In Portrait of Girolamo Savonarola, how is the Origin discussed?Please output in Italian.


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Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi

Rappresentato a mezza figura, col busto di tre quarti e il volto girato verso lo spettatore, il giovane vescovo è ritratto con un vivo realismo, che si sofferma su particolari come l'incarnato rubicondo, le occhiaie appena accennate, le leggere imperfezioni della pelle. Dalla berretta nera sporgono alcuni riccioli castano chiaro, che evidenziano il fisiotipo nordico, così come gli occhi azzurri ed espressivi.  mantella rossa spicca sullo sfondo scuro, una tenda verde qua e là increspata, tipica dell'arte veneziana a cavallo tra Quattro e Cinquecento. mano destra, vicino al bordo, è ornata da un anello su cui è inciso lo stemma di famiglia, il leone, e stringe con fermezza un rotolo manoscritto, un gesto rivelatore dell'energia e determinazione del soggetto. Ciò riecheggia le suggestioni psicologiche di Antonello da Messina, mentre la saldezza plastica della figura, la luce forte e incidente, che crea ombre profonde, e l'attenzione al dettaglio sono legati alle suggestioni dell'arte nordica, in particolare Dürer, che forse Lotto aveva conosciuto in maniera indiretta, tramite disegni. Il rotolo forse contiene la condanna verso la congiura organizzata nei suoi confronti nel 1503.Il vescovo appare anagraficamente in linea con quello presente nella scena dellIncredulità di san Tommaso della chiesa di San Nicolò di Treviso, databile ai primi anni del Cinquecento e assegnato all'anonimo Maestro veneto dell'Incredulità, seguace di Giovanni Bellini.Il dipinto napoletano costituisce uno dei capolavori della ritrattistica del Cinquecento italiano, nonché il primo in assoluto del giovane pittore .

Prompt: How does Portrait of Bishop Bernardo de' Rossi explain its Description and style?Please output in Italian.

Antonello da Messina
Giovanni Bellini
Treviso


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The self-portrait of the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Gioele

Joel Asaph Allen, zoologo e ornitologo statunitenseJoel Barlow, poeta, politico e diplomatico statunitenseJoel Benjamin, scacchista statunitenseJoel Coen, regista, sceneggiatore, produttore cinematografico e montatore statunitenseJoel Edgerton, attore australianoJoel Gretsch, attore statunitenseJoel Grey, attore, fotografo e cantante statunitenseJoel Chandler Harris, giornalista e scrittore statunitenseJoel Kinnaman, attore svedeseJoel Madden, cantante statunitenseJoel McHale, comico, attore, sceneggiatore, produttore televisivo e doppiatore statunitenseJoel Moore, attore statunitenseJoel Obi, calciatore nigerianoJoel Shearer, cantautore statunitenseJoel Zimmerman, disc jockey e produttore discografico canadese

Prompt: Explain the Variant Joel about the Variants of this artwork, Prophet Joel (Michelangelo).Please output in Italian.

Joel Asaph Allen
Joel Barlow
Joel Benjamin
Joel Chandler Harris
Joel Edgerton
Joel Gretsch
Joel Grey
Joel Kinnaman
Joel Madden
Joel McHale
Joel Obi
Joel Shearer


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the The Eucharistic institution of the Historical analysis of the accounts of the Last Supper explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Hokusai manga

è una raccolta di schizzi con vari soggetti, ad opera dell'artista giapponese Katsushika Hokusai. I soggetti dei disegni includono paesaggi, flora e fauna, scene di vita quotidiana e il soprannaturale.  parola manga nel titolo non si riferisce ai manga narrativi contemporanei.Dipinti su xilografie in tre colori , i manga comprendono letteralmente migliaia di immagini in 15 volumi, il primo fu pubblicato nel 1814, quando l'artista aveva cinquantacinque anni. Gli ultimi tre volumi furono pubblicati postumi, due di questi furono assemblati dal loro editore utilizzando del materiale inedito. L'ultimo volume era composto da opere pubblicate in precedenza, con la presenza anche di alcune non di Hokusai, e non è considerato autentico dagli storici dell'arte.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Hokusai Manga.Please output in Italian.


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Ritratto di Paolo III

Il Ritratto di Paolo III è un dipinto olio su tela  di Tiziano Vecellio eseguito nel 1543 e conservato presso il Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.Si tratta di uno dei più vigorosi ritratti papali della storia dell'arte, nonché il primo in assoluto di Papa Paolo III eseguito da Tiziano. Pietro Aretino alla visione del dipinto affermò che il ritratto eseguito fosse un «miracolo fatto dal vostro [di Tiziano] pennello [...]».

Prompt: How does Portrait of Pope Paul III (Titian) explain its Abstract?Please output in Italian.

Museo nazionale di Capodimonte
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Papa Paolo III
Papa Paolo III
Pietro Aretino
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Prigioniero

Un prigioniero è un soggetto che, per una serie di motivi, viene privato o si priva della propria libertà d'azione. Solitamente il prigioniero sconta una o più pene la cui natura varia da contesto a contesto, come, ad esempio, la reclusione, i lavori forzati e la tortura.

Prompt: How does The Captive (painting) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait (David)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Ritratto di Bazille

Il Ritratto di Bazille è un dipinto del pittore francese Pierre-Auguste Renoir, realizzato nel 1867 e conservato al museo Fabre di Montpellier.Durante gli esordi Renoir patì gravi incertezze economiche e, dopo aver ricercato una prima ospitalità presso Alfred Sisley, si stabilì nello studio dell'amico Jean-Frédéric Bazille, in rue Visconti, dove successivamente alloggerà anche Monet. Questa tela, in effetti, si può considerare un primo manifesto del sodalizio artistico tra Renoir, Bazille e Manet, poi sfociato nel grande movimento impressionista. Lo spunto narrativo dell'opera è prettamente autobiografico: una volta, infatti, Bazille fu colpito da un airone e due passerotti che si erano adagiati su un pezzo di stoffa, e decise prontamente di ritrarre quest'inaspettata e spontanea natura morta in un dipinto denominato Airone. Renoir, mosso da un istintivo senso di amicizia, decise di ritrarre Bazille accinto a dipingere in questo quadro, oggi esposto al museo d'Orsay di Parigi.Oltre a Bazille, che è il diretto effigiato, anche il nome di Monet è indissolubilmente legato a questo quadro: dietro la sagoma di Bazille, infatti, si estende un assemblaggio di tele appese alla parete, tra cui spicca un paesaggio innevato di Monet,   strada della fattoria Saint Siméon. Questo ritratto, per di più, oltre a testimoniare la vita disordinata della bohème francese, rivela una grande vivacità e fluida libertà, ben distante dall'ufficialità di alcuni ritratti precedenti, come quello raffigurante William Sisley, padre di Alfred. Altrettanto innovativa è la tavolozza, giocata sulla dominanza dei toni grigi e beige , evidente tributo alla maniera di Manet e di Corot.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Frédéric Bazille at his Easel.Please output in Italian.

1867
Alfred Sisley
Jean-Frédéric Bazille
Montpellier
Pierre-Auguste Renoir


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Il mare di ghiaccio

I due titoli fanno riferimento sia al presente lavoro, sia ad un altro lavoro di Friedrich, adesso perduto. Il dipinto perduto fu mostrato nel 1822 alla mostra dell'Accademia di Dresda, sotto il titolo Una nave naufragata al largo della costa della Groenlandia sotto la luce della luna piena.Il presente dipinto invece, fu mostrato per la prima volta nel 1824 alla mostra dell'Accademia di Praga con il titolo Una scena idealizzata del mare Artico, con una nave naufragata su una massa di ghiaccio.Durante la vendita dei dipinti di Friedrich questo lavoro è stato nominato anche come Immagine di ghiaccio.  catastrofe della spedizione al Polo Nord.

Prompt: In the context of The Sea of Ice, explain the Title and the History.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: Describe the characteristics of the Historicity theological significance in Adoration of the Shepherds (El Greco, Madrid)'s Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Persefone

Il pittore preraffaellita Dante Gabriel Rossetti dipinse Persefone in diversi quadri, uno dei quali è assai celebre, mentre il suo amico Algernon Swinburne dedicò alla dea due liriche: lInno a Proserpina e Il giardino di Proserpina. Igor' Stravinskij dedicò al mito di Persefone una composizione musicale, scritta fra 1933 e il 1934, dal titolo Perséphone. Il cantante belga di origini egiziane Tamino ha dedicato al mito una canzone, intitolata Persephone presente nell'album di esordio.

Prompt: How does Proserpine (Rossetti) explain its In  art,  literature,  and  music?Please output in Italian.

Algernon Swinburne
Dante Gabriel Rossetti
Persefone
Perséphone
Proserpina
Tamino


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: Explain the The adoration of the shepherds in art of this artwork, Adoration of the Shepherds (der Goes).Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Last Judgment (Bosch, Munich).Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Suicidio di Saul

Pietro Allegretti, Brueghel, Skira, Milano 2003. ISBN 00-0001-088-X

Prompt: In The Suicide of Saul, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Battaglia di San Romano è un trittico di Paolo Uccello, commissionato da Lionardo di Bartolomeo Bartolini Salimbeni, a tecnica mista su tavola, databile al 1438 circa. battaglia è rappresentata in tre episodi su altrettanti pannelli, oggi divisi in tre musei: Niccolò da Tolentino alla testa dei fiorentini alla National Gallery di Londra ; Disarcionamento di Bernardino della Carda  agli Uffizi di Firenze; Intervento decisivo a fianco dei fiorentini di Michele Attendolo  al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: How does The Battle of San Romano explain its Abstract?Please output in Italian.

1438
Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Museo del Louvre
Paolo Uccello
Parigi


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: Explain the The Eucharistic institution about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, The Sacrament of the Last Supper.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Suonatore di liuto

Prompt: How does The Lute Player (Cariani) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Sposa ebrea

Il dipinto appartenne al banchiere Adriaan van der Hoop, socio della Hope & Co., che poi la donò alla città assieme alla Donna in azzurro che legge una lettera. Oggi è conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.

Prompt: In The Jewish Bride, how is the History discussed?Please output in Italian.

Adriaan van der Hoop
Amsterdam
Hope & Co.


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Elia (Lorenzetto)

statua del profeta Elia era parte dello schema decorativo originario elaborato da Raffaello. I principali temi iconografici della cappella funeraria di Agostino Chigi erano la resurrezione e l'ascensione dell'anima verso il Paradiso. Le due statue di Giona ed Elia potrebbero essere interpretate in tale ottica: il profeta Giona è quindi emblema del Cristo della resurrezione, mentre Elia del Cristo dell'Ascensione. Nell'Antico testamento è scritto:"Or mentre essi camminavano e parlavano, ecco un carro di fuoco e cavalli di fuoco si interposero fra loro due ed Elia salì al cielo in un turbine."                Mentre Giorgio Vasari, nelle sue Vite, ha sottolineato un altro aspetto della storia di Elia: Fabio Chigi ribadì la scelta di tale tema in una lettera.  statua fu scolpita da Lorenzetto, uno dei migliori allievi di Raffaello; tuttavia, al contrario della sua controparte, ossia la statua di Giona che esce dalla balena, la statua dell'Elia era lontana dall'essere completata quando Raffaello morì nel 1520, e pertanto la sua versione finale potrebbe essere più distante dai disegni originali perduti. Un allievo di Lorenzetto, Raffaello da Montelupo, annotò nella sua autobiografia che aveva ultimato la statua tra il 1523 e il 1524. Raffaello da Montelupo. Entrambe le opere di Giona ed Elia rimasero nella bottega del Lorenzetto per un lungo periodo, come ricorda anche Vasari nelle sue Vite.Lorenzo Lotti morì nel 1541, ma diversi anni dopo, nel 1552 Lorenzo Leone Chigi pagò il debito agli eredi del Lorenzetto, e le due statue furono collocate nella cappella. Presumibilmente erano poste ai lati dell'ingresso alla cappella, o per lo meno era questa la loro posizione quando Fabio Chigi visitò per la prima volta la cappella nel 1626.  statua di Elia si trovava sulla nicchia sinistra accanto all'ingresso. Tra il 1652 e il 1656 Gian Lorenzo Bernini restaurò la cappella, elaborando per la stessa le due nuove statue di Abacuc e l'angelo e di Daniele e il leone, per riempire le restanti due nicchie vuote. In tale occasione la statua di Elia fu spostata sulla nicchia destra dell'entrata alla cappella.

Prompt: Explain the History of this artwork, Elijah (Lorenzetto).Please output in Italian.

Abacuc e l'angelo
Agostino Chigi
Daniele e il leone
Elia
Gian Lorenzo Bernini
Giorgio Vasari
Lorenzo Lotti


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Pala di San Marco

In un periodo imprecisato tra il XVIII e il XIX secolo la Pala di San Marco venne sottoposta a un restauro improprio, a base di soda caustica, facendone uno dei casi più eclatanti dei danni irreversibili che tali interventi abrasivi hanno causato.  soda infatti permetteva una veloce ed efficace pulitura rimuovendo gli stati di sporco e facendo riaffiorare i colori originali. Si tratta però di una sostanza che è molto difficile rimuovere e che continua a scavare sulla superficie pittorica per anni, "mangiando" gli strati superiori del colore e facendo perdere tutti quei dettagli che, secondo la tecnica a tempera, venivano aggiunti tramite velature successive che schiarivano la base, di solito verdastra.Per questo la pala di San Marco aveva perso tutti quei delicati effetti di luce e di chiaroscuro che caratterizzano la pittura dell'Angelico, consegnandoci un capolavoro imbrunito, alterato nei colori e senza le finiture. I danni erano particolarmente evidenti nelle figure di alcuni santi o del Bambino, che sembrano slavate, oppure nello sfondo che invece presentare un paesaggio rischiarato dal cielo cristallino, appariva una massa pressoché informe di toni cupi e bui.Per fortuna il trattamento non venne applicato anche alle tavole della predella, che oggi sono la migliore testimonianza dell'arte dell'Angelico su tavola in questo periodo della piena maturità artistica.Nel 2019 è stato realizzato sul pannello centrale un sapiente restauro che ha in parte mitigato gli effetti "devastanti" dei precedenti resturi e che, come ha dichiarato il Soprintendente dell'Opificio delle Pietre Dure, Marco Ciatti, “ha costituito una sfida complessa per la gravità dei problemi conservativi presenti sia nel supporto ligneo, sia sulla superficie pittorica. E' stato perciò affrontato e risolto come un progetto di ricerca con soluzioni innovative per entrambi gli aspetti”“ pittura dell'Angelico è fatta di velature sottilissime. Da un punto di vista tecnico è una tecnica quasi da . Abbiamo dovuto capire come procedere per liberare il dipinto da tutta quella serie di incrostazioni che erano state aggiunte negli anni passati e che lo avevano reso quasi inguardabile. Altro grosso problema è stato quello del supporto ligneo, che era stato creato con una tecnica particolarissima, quasi sperimentale. Il dipinto è venuto da noi proprio perché quel supporto si stava spaccando”.

Prompt: Explain the Improper restoration 2019 restoration about the History of this artwork, San Marco Altarpiece.Please output in Italian.


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Caino e Abele

Nella Bibbia ebraica Caino e Abele  sono due figli di Adamo ed Eva.

Prompt: In Cain and Abel (Tintoretto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Amorino dormiente

Su uno sfondo scuro, tipico dell'artista, un fascio di luce caldo, intenso e incidente rivela l'amorino disteso, nudo e dormiente, con forti contrasti di zone in luce e ombreggiate. Il fanciullo nudo giace addormentato impugnando ancora una freccia, lasciando inoltre la faretra abbandonata al suolo. Un estremo realismo rivela l'incarnato chiazzato del fanciullo, probabilmente a causa di una malattia infantile che il Merisi dovette copiare da un bambino morto. Alberto Mantovani afferma che il soggetto ha la milza ingrossata e delle lesioni cutanee tipiche di problemi di coagulazione, egli è probabilmente morto per artrite reumatoide. Questo toccante realismo della malattia è mitigato dagli attributi mitologici del personaggio, quali le ali e la faretra, ma resta lontana dall'immagine tradizionalmente edulcorata dell'amorino, facendo invece trasparire un messaggio di drammatica contemporaneità.Maurizio Calvesi parlò di una rappresentazione dell'Amore cieco e preda dei sensi. Pizzorusso invece , basandosi su brani di composizioní poetiche sul tema dell'Amore dormiente dedusse un'interpretazione del dipinto come la "tranquilla intesa quale Stato d'animo raggiungibile attraverso il controllo ed il superamento delle passioni".

Prompt: How does Sleeping Cupid (Caravaggio) explain its Description and style?Please output in Italian.


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Dinosauri di Crystal Palace

Anoplotherium è un mammifero estinto dall'epoca Eocene-Oligocene, ritrovato per la prima volta vicino a Parigi. I modelli di Hawkins si basano sulla speculazione di Owen sul suo aspetto simile ad un cammello. Furono realizzati tre modelli, formando un piccolo branco.Il Megaloceros o Alce irlandese è una specie vissuto nel Pliocene-Pleistocene in Eurasia. Hawkins costruì un nucleo familiare formato da un maschio, una femmina ed un cerbiatto; i plachi del maschio adulto erano costituiti da vere corna fossili, da tempo sostituite. Spostati dalla terza isola, erano caduti in rovina poiché si trovavano in un luogo facilmente accessibile ai vandali. Con le loro corna originali ma fragili, gli alci irlandesi sono i modelli più accurati; poiché sono di recente era geologica , Hawkins è stato in grado di modellarli sui cervi viventi.Il gigantesco bradipo terricolo Megatherium visse dall'epoca Pliocene-Pleistocene in Sud America, dove Charles Darwin aveva trovato alcuni fossili, nel 1835. Il modello fu costruito in modo tale che la creatura abbracciasse un vero albero, che, tuttavia, crebbe e spezzò una delle braccia del modello. Il braccio fu sostituito e in seguito l'albero morì. Il modello raffigura il bradipo con una corta proboscide, simile a quella di un tapiro, qualcosa che il vero animale non ha mai avuto. Questo modello era nello zoo dei bambini che ora è stato demolito.I modelli di Palaeotherium rappresentano un mammifero estinto dell'Eocene, che Cuvier pensava fosse simile ad un tapiro. Queste ricostruzioni hanno subito la maggiore usura tra tutti i modelli e il modello in piedi non assomigliava più all'originale realizzato da Hawkins. Durante gli anni '60 questi modelli furono dimenticati tra i cespugli a una cinquantina di metri dal sito originale e, prima del restauro del 2002, erano in condizioni così pessime da essere rimossi e messi in deposito. Alcune fonti affermano che questi modelli sono stati aggiunti in un secondo momento, ma un'illustrazione del Illustrated London News del laboratorio di Hawkins li mostra sullo sfondo.Hawkins aveva in programma anche i modelli dell' "uccello spaventosamente grande" Dinornis della Nuova Zelanda , e dell'elefante estinto simile a Mastodon  del Miocene e del Pliocene americano, che sarebbero comparsi in una futura "Isola Terziaria", ma il progetto non venne mai completato.

Prompt: In Crystal Palace Dinosaurs, how is the Cenozoic Era of the The dinosaur park explained?Please output in Italian.

Anoplotherium
Charles Darwin
Dinornis
Eocene
Eurasia
Megaloceros
Megatherium
Miocene
Oligocene
Palaeotherium
Pleistocene
Pliocene


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the The self-portrait of the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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La Bella

upright=1.5I tre ritratti a colori di Isabella d'Este nel Kunsthistorisches Museum Vienna - forse includendo confusione? Bella è stata interpretata da Moritz Thausing come un ritratto di Eleonora Gonzaga, nonostante la sua giovane età. Isabella aveva commissionato a Tiziano il suo ritratto di ringiovanimento  sulla base di un ritratto giovanile di Francesco Francia .  Bella si adatterebbe a questa commissione come bellezza ideale e anche la data di ricevimento a Mantova , quattro settimane più tardi, si adatterebbe perfettamente. A causa de «una Resurrezione» e de «gli altri» , i ringiovanimenti/idealizzazioni potrebbero essere interpretati anche nella Ragazza con pelliccia, nella Ragazza con cappello di piume e nella Venere di Urbino.Tuttavia, l'incarico di «lifting» Isabella è rivendicato dal ritratto Isabella in nero del Kunsthistorisches Museum di Vienna, che è considerato dubbio . Ulteriori tentativi di interpretare  Bella come una "pin-up" falliscono a causa della composizione corrisponde ai ritratti femminili di corte.

Prompt: In the context of Portrait of a Young Woman Known as "La Bella", explain the Interpretation and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Eleonora Gonzaga
Francesco Francia
Isabella d'Este
Venere di Urbino


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amore

L'erotismo e Le lacrime di Eros, di Georges Bataille L'amore e l'occidente, di Denis de Rougemont Storia della sessualità, di Michel Foucault

Prompt: Explain the History, culture, Sociology about the Psychology of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Sacra Famiglia e famiglia del Battista

Sacra Famiglia e famiglia del Battista è un dipinto tempera a caseina e oro su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1504-1506 circa e conservato nella cappella funebre dell'artista nella basilica di Sant'Andrea a Mantova.

Prompt: How does The Holy Family and the Family of Saint John the Baptist explain its Abstract?Please output in Italian.


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

San Giovanni a Patmos  e Storie della Passione  sono un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1489 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra.

Prompt: How does St. John the Evangelist on Patmos explain its Abstract?Please output in Italian.


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Monna Lisa di Isleworth

Il dipinto fu portato in Inghilterra nel 1778 e conservato in un maniero del Somerset appartenente a un collezionista privato inglese. Nel 1914 fu acquistato da Hugh Blaker, artista e mercante d’arte che viveva a Isleworth, cittadina a ovest di Londra: da qui il nome «Monna Lisa di Isleworth».

Prompt: How does Isleworth Mona Lisa explain its History?Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Masolino).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Congedo di san Floriano

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: How does Saint Florian Taking Leave of the Monastery explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Il dettato

verticaleleft versione del 1890, senza maestraDel dipinto Cosola ha realizzato altre due versioni, entrambe olio su tela: la prima, datata 1890, non vede la presenza della maestra; la seconda, intitolata All'asilo, vede al posto della maestra una suora.

Prompt: How does The Dictation Lesson explain its Other versions?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Sulla soglia dell'eternità

Sulla soglia dell'eternità  è un dipinto a olio su tela del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 in Saint-Rémy-de-Provence e basato su una precedente litografia, conservato al Museo Kröller-Müller di Otterlo. Il quadro non è istintivo, ma è frutto di un disegno a matita fatto precedentemente, quindi è stato studiato in tutte le sue fasi e successivamente prodotto; il soggetto di “Sulla soglia dell'eternità” è un veterano di guerra chiamato Adrianus Jacobus Zuyderland, che il pittore aveva incontrato circa un anno prima all'interno di un ospizio che si trovava in un'altra località in cui il pittore si era trovato a passare.Questo quadro rappresenta un uomo ormai anziano e privo di forze, sul punto di non essere più capace di reagire ai propri stati d'animo, un peso interiore che lo schiaccia e non basterebbe strapparsi la pelle di dosso per arrivare a prenderlo e a gettarlo via.  sua posizione lascia intravedere una situazione tragica, piena di sofferenza e di devastazione, una condizione di impotenza dinnanzi al proprio dolore.

Prompt: How does At Eternity's Gate explain its Abstract?Please output in Italian.

Adrianus Jacobus Zuyderland
Museo Kröller-Müller
Otterlo
Saint-Rémy-de-Provence
Vincent van Gogh


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Describe the characteristics of the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels in The Sacrament of the Last Supper's New Testament.Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Uomo col berretto rosso

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Focus on Man with Red Hat and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Nel Comune di Milazzo, il 2 luglio ricorrono i festeggiamenti della Madonna delle Grazie nella frazione Santa Maria delle Grazie, di cui è patrona e a cui è dedicata la Chiesa Parrocchiale.Statua della Madonna delle Grazie, venerata nella Parrocchia

Prompt: Describe the characteristics of the Milazzo in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Gioele

Nome di tradizione biblica, è portato da Gioele, uno dei profeti minori dell'Antico Testamento, oltre che da un'altra dozzina di personaggi.Trae origine dall'ebraico יוֹאֵל , reso in greco con Ιωηλ  e in latino con Iohel. È composto dai termini Yeho  ed El , quindi è un nome doppiamente teoforico, interpretabile come "Yahweh è Dio" . Condivide l'etimologia col nome Elia, che ha però gli elementi rovesciati; non va invece confuso col nome femminile Giaele, di differente significato. forma inglese Joel, il cui uso cominciò dopo la Riforma protestante, è confusa anche con un nome identico che divenne comune subito dopo la conquista normanna in Devon, Cornovaglia e nei distretti bretoni dello Yorkshire e di altre contee orientali, che però deriva dal bretone antico Iudhael, variante di Judicaël. Da questo nome sono poi derivati i cognomi Joel, Jewell, Joule e Jolson.

Prompt: Explain the Origin diffusion of this artwork, Prophet Joel (Michelangelo).Please output in Italian.

Antico Testamento
Cornovaglia
Devon
Dio
Judicaël
Riforma protestante
Yahweh
Yorkshire


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Margherita la pazza

Margherita la pazza  è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1563 e conservato nel Museo Mayer van den Bergh di Anversa. Fino al restauro del 2018, in cui è emersa la data autografa, il dipinto si riteneva del 1561 .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Dull Gret.Please output in Italian.


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Sala da pranzo in campagna

Sala da pranzo in campagna è un dipinto del francese Pierre Bonnard, un olio su tela di 168 × 204 cm, realizzato nel 1913.È conservato nell'Institute of Art di Minneapolis.L'interno della sala da pranzo è arredato con un tavolo rotondo con due piatti sulla tovaglia celeste, un tavolino con un vaso di papaveri, dello stesso colore rosso delle pareti della stanza, ed una poltrona con un gatto bianco. sala da pranzo si apre, tramite una porta celeste ed una grande finestra, sul giardino, ricco di fiori e piante variopinti. Alla finestra è affacciata la moglie del pittore, ritratta con un vestito rosso acceso mentre guarda all'interno.

Prompt: How does Dining Room in the Country explain its Abstract?Please output in Italian.


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Polittico di Santa Caterina d'Alessandria

prima cosa che colpisce di questo polittico è la sua complessa articolazione. Sono presenti, dal basso verso l'alto, una predella con 15 figure, 7 pannelli principali, una fascia superiore con altre 14 figure e 7 cuspidi con altrettante figure. In totale il polittico conta ben 43 figure.Al centro troviamo la Madonna col Bambino. I santi dei restanti 6 pannelli principali sono, da sinistra a destra, san Domenico, Giovanni Evangelista, Maria Maddalena, Caterina d'Alessandria, Giovanni Battista e san Pietro Martire. Tutte queste figure sono racchiuse in archi trilobati.Nella predella in basso troviamo il Cristo nel sepolcro affiancato dalla Madonna e san Marco. Le restanti figure sono santi disposti a coppie e sono, sempre da sinistra a destra, Gregorio e Luca, Stefano e Apollonia, Girolamo e Lucia, Agnese e Ambrogio, Tommaso d'Aquino e Agostino, Orsola e Lorenzo.[3]

Prompt: How does Saint Catherine of Alexandria Polyptych explain its Description?Please output in Italian.