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L'insegna di Gersaint

L'insegna di Gersaint, in francese L'Enseigne de Gersaint, è un dipinto eseguito in pochi giorni nell'autunno del 1720 da Antoine Watteau, dopo il ritorno dal Regno Unito e qualche tempo prima della morte. Per questo è considerato il suo ultimo capolavoro.Il quadro, di grandi dimensioni, era destinato ad essere l'insegna pubblicitaria dell'attività di Edme-François Gersaint, mercante d'arte amico del pittore, il cui negozio si trovava a Parigi sul Pont Notre-Dame. L'esposizione dell'insegna per quindici giorni suscitò l'ammirazione di tutta la città, e contribuì più alla fama dell'artista che alla pubblicità del negozio.

Prompt: In L'Enseigne de Gersaint, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1720
Antoine Watteau
Edme-François Gersaint
Parigi
Pont Notre-Dame
Regno Unito


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Ballo al Moulin Rouge

Toulouse-utrec si sentiva veramente a suo agio nell'ambiente del Moulin Rouge: lì, infatti, poteva essere autenticamente se stesso, siccome nessuno si curava né della sua malattia, né delle sue origini aristocratiche. Con questo Ballo al Moulin Rouge, in particolare, il pittore intende cogliere l'ordinaria follia e l'ambiguità di una notte di Montmartre.

Prompt: In At the Moulin Rouge, The Dance, how is the Toulouse-Lautrec painted it of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Bambini Graham

I Bambini Graham è un dipinto a olio su tela  di William Hogarth, databile al 1742 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In The Graham Children, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Il busto di Carlo Magno è un reliquiario creato intorno al 1350 a forma di ritratto ideale del busto dell'imperatore Carlo Magno, cui è conservato il suo cranio come reliquia. Il reliquiario appartiene agli arredi tardo medievali della cattedrale di Aquisgrana ed è oggi elemento di spicco del tesoro della cattedrale. Il busto di Carlo Magno è considerato uno dei più importanti esempi di oreficeria gotica e uno dei busti reliquiario più famosi del mondo.

Prompt: In Bust of Charlemagne, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Assunta Passerini

Rispetto alla prima versione furono poche le varianti, legate soprattutto a un diverso sfondo, scuro anziché paesistico, alla diversa posizione di Maria e degli angeli attorno a lei, alla sostituzione dell'apostolo inginocchiato a destra con la beata Margherita da Cortona  e protettrice della committente; l'apostolo a sinistra venne invece trasformato in un san Nicola, patrono del padre o del figlio morto della committente. figura di Maria, protesa verso lo spettatore e in atteggiamento di preghiera, mostra una migliore padronanza dei virtuosismi visivi, con la proiezione della nuvola retta dagli angeli in avanti, anziché in alto come di consueto. A quell'epoca il pittore era già sposato, per cui, come ricorda Vasari, sua moglie si prestò spesso da modella, infatti il suo ritratto appare nel volto di Maria.Più forti sono i contrasti di colori, coi panneggi che si accendono di tonalità forti e cangianti, e una pieghettatura di sapore nordico, derivata dall'esempio delle stampe di Dürer. Maggiormente complessa è inoltre la componente luminosa: al posto dei mezzi toni dello sfumato l'artista fece qui risplendere una luce incidente sul cerchio dei santi, ponendoli sullo sfondo di una parete rocciosa appena visibile, che si chiude nel buio. Unendo chiarezza e penombra, sostanza e scioglimento, realtà e visione, vengono così suggerite alcune linee che saranno sviluppate dal barocco italiano nel XVII secolo.

Prompt: Focus on Passerini Assumption and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

L'8 settembre, festa della Natività della Beata Vergine Maria, a Pordenone si celebra la Madonna delle Grazie nell'omonimo santuario. È considerata compatrona della città assieme a san Marco evangelista.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Pordenone and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.

8 settembre
Natività della Beata Vergine Maria
Pordenone


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Crocifisso di Santa Maria Novella

Giotto abbandonò l'iconografia del Cristo inarcato a sinistra tipica di Giunta Pisano e Cimabue, per dipingerlo in una posa più naturalistica: tutto il corpo sprofonda verso il basso come è evidenziato dalle braccia che corrono oblique e non più parallele al terreno.  testa ciondola in avanti anziché essere appoggiata sulla spalla e anche il busto sporge in avanti rispetto al ventre e al bacino in un doloroso abbandono. Le ginocchia sono piegate in avanti sotto il peso del corpo, seguendo un'ispirazione legata alla tradizione scultorea , piuttosto che quella tradizionalmente legata alla pittura bizantina. Giotto dispose le gambe incrociate e bloccate da un solo chiodo sui piedi, in una maniera già usata da Nicola Pisano nella lunetta della Deposizione nel portale sinistro del Duomo di Lucca . Colpiscono anche i dettagli delle mani che, ormai prive di forza, hanno le dita mollemente proiettate in avanti rispetto ai palmi inchiodati alla croce, con un'illusione prospettica mai vista prima. Il Cristo di Giotto è più tridimensionale ed occupa uno spazio più voluminoso rispetto a quelli precedenti di Cimabue.I chiaroscuri sono resi con una stesura di sottili filamenti, come usava fare anche Cimabue, ma decisamente più impastati a rendere passaggi fumosi tra le zone chiare e quelle più scure. Inoltre c'è per la prima volta un'attenzione per l'unica fonte di luce e tutti i passaggi chiaroscurali sono resi tenendo conto della sua provenienza.Durante il restauro dell'opera sono state evidenziate alcune particolarità rimaste, fino ad allora, sconosciute, tra cui l'estrema raffinatezza di una bottega che si avvaleva di maestranze esperte e raffinate e il cambiamento in corso d'opera da parte di Giotto nella impostazione più allungata e reclinata della figura di Cristo .Il soppedaneo con il tipico teschio di AdamoI due dolenti alle estremità dei bracci della croce sono raffigurati più in tralice e non hanno più quella visione frontale del crocifisso di Santa Croce di Cimabue di 15 anni prima. Sono più volumetrici grazie alla posa, agli ampi rigonfiamenti del panneggio, all'attenzione per la provenienza dell'unica fonte di luce.

Prompt: How does Giotto's Crucifix at Santa Maria Novella explain its Style?Please output in Italian.

Cimabue
Giotto
Giunta Pisano
Nicola Pisano


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: In Love & Loss, how is the Literature of the Etymology explained?Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Volta della Cappella Sistina

Confronto tra lo schizzo di Michelangelo del profilo architettonico della Volta Sistina  e una veduta dal basso della volta tratto da un recente studio. In quell'occasione papa Giulio II avrebbe rivelato a Bramante e ad altri convitati l'intenzione di affidare a Michelangelo la ridipintura della volta della Sistina, ma l'architetto urbinate aveva risposto sollevando dubbi sulle reali capacità del fiorentino, scarsamente esperto nell'affresco. Rosselli scattò allora in una difesa del conterraneo Michelangelo, avvisandolo poi e raccomandandosi di accettare la commissione.  lettera, che smentisce le voci secondo cui fu lo stesso Bramante a suggerire al papa il progetto per Michelangelo cercando di screditarlo , testimonia però come effettivamente esistesse la rivalità tra gli artisti della corte pontificia, i quali, sempre alla ricerca del favore del pontefice, non volevano perdere occasioni per arricchirsi lavorando in progetti grandiosi che rivaleggiavano l'uno con l'altro, essendo la disponibilità di fondi, per quanto immensa, non infinita.Inoltre dalla lettera si immaginano i dubbi e le difficoltà paventate da Michelangelo nell'imbarcarsi in un'opera che non gli era congeniale, in quanto non molto avvezzo alla tecnica dell'affresco: egli aveva sì potuto ben osservarla durante il suo apprendistato nella bottega del Ghirlandaio , ma non la praticava da anni, ritenendosi a pieno titolo uno scultore, piuttosto che un pittoreTutti gli indizi paiono confermare la tesi che l'artista accettò l'incarico non tanto malvolentieri come i suoi biografi  lasciano immaginare, mossi piuttosto da intenti di autodifesa dettati dallo stesso Michelangelo, desideroso innanzitutto di discolparsi dalle accuse e le polemiche relative ai ritardi nella creazione della tomba di Giulio II, nonché di avallare il proprio mito di artista capace di trionfare contro le più difficili avversità.L'incarico venne formalizzato a Roma tra il marzo e l'aprile 1508.

Prompt: In the context of Sistine Chapel ceiling, explain the Thecommission. and the Description.Please output in Italian.


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Epifania

In Francia le persone condividono uno dei due tipi di torta del re. Nella metà settentrionale della Francia e del Belgio la torta si chiama galette des Rois, ed è una torta rotonda, piatta e dorata fatta con pasta sfoglia e spesso farcita con frangipane, frutta o cioccolato. Nel sud, in Provenza e nel sud-ovest, si mangia una torta a forma di corona o brioche ripiena di frutta chiamata gâteau des Rois. In Romandia si possono trovare entrambi i tipi, anche se il secondo è più comune. Entrambi i tipi di torta contengono un ciondolo, di solito una statuetta di porcellana o di plastica, chiamata fève . torta viene tagliata dalla persona più giovane  presente a tavola per assicurarsi che il destinatario del fagiolo sia casuale.  persona che ottiene la fetta di torta con il fagiolo diventa "re" o "regina" e indossa una corona di carta fornita con la torta. In alcune regioni, questa persona può scegliere tra offrire una bevanda a tutti intorno al tavolo  o offrirsi volontaria per ospitare la prossima torta del re a casa propria, prolungando i festeggiamenti a tutto gennaio.

Prompt: Describe the characteristics of the Francophone Europe in Epifania's Theology.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

František Bass , Petr Ginz , Hanuš Hachenburg , Honza Treichlinger  sono i più famosi tra i piccoli artisti, scrittori e poeti di Terezín. Muoiono tutti nelle camere a gas di Auschwitz. Gennaro Capuozzo , Franco Cesana , Luciano Domenico , Ugo Forno  e Filippo Illuminato  sono i più giovani partigiani italiani ad essere caduti in combattimento. Ad essi si aggiungono: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli , vittime dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine; Franco Centro , Beniamino Cobianchi  e Roberto Di Ferro , fucilati; e Franco Cetrelli , morto a Mauthausen. Sergio De Simone . Deportato a Auschwitz fu selezionato insieme ad altri 19 bambini di varia nazionalità per esperimenti medici sulla tubercolosi e quindi ucciso nei sotterranei della scuola amburghese di Bullenhuser Damm. Lea Deutsch . Attrice bambina ebrea croata. Muore durante il trasporto a Auschwitz. Anna Frank . Uno dei nomi e dei volti più noti dell'Olocausto. Autrice di un celeberrimo diario pubblicato nell'immediato dopoguerra e tradotto in numerose lingue. Deportata a Auschwitz. Morta nel campo di concentramento di Bergen-Belsen. Czesława Kwoka . Ragazzina polacca deportata ad Auschwitz in conseguenza dei programmi di pulizia etnica della regione di Zamosc. Tre celebri foto di Wilhelm Brasse  la ritraggono al suo arrivo al campo il 13 dicembre 1942. Muore di stenti ad Auschwitz il 12 marzo 1943. Ernst Lossa . Ragazzo Jenish, vittima dei programmi di eutanasia nazista. Dawid Rubinowicz . Autore di un celebre diario. Morto nel campo di sterminio di Treblinka. Settela Steinbach . Ragazzina olandese di etnia sinti, divenuta simbolo del genocidio dei gitani. Morta ad Auschwitz. Jerzy Feliks Urman . Autore di un diario dal ghetto di Stanisławów. Morto suicida per sfuggire alla cattura. Henio Zytomirski . Bambino ebreo polacco morto a Majdanek e divenuto simbolo dello sterminio dei bambini in Polonia.

Prompt: Describe the characteristics of the Victims in Children in the Holocaust's Inappropriate for children.Please output in Italian.

Anna Frank
Beniamino Cobianchi
Czesława Kwoka
Dawid Rubinowicz
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Ernst Lossa
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
František Bass
Gennaro Capuozzo
Hanuš Hachenburg
Henio Zytomirski
Honza Treichlinger
Jerzy Feliks Urman
Lea Deutsch
Luciano Domenico
Michele Di Veroli
Olocausto


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Profilo d'uomo

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878

Prompt: Focus on Profile of a Man (Mantegna) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Girolamo

Memmo di Filippuccio e Giotto, San Gerolamo  Cima da Conegliano, San Girolamo in Polittico di Olera Masaccio, San Girolamo  Belbello da Pavia, San Girolamo  Pietro di Giovanni Lianori, Madonna col Bambino fra san Gerolamo e san Petronio  Piero della Francesca, San Girolamo e donatore  e San Girolamo penitente  Jan van Eyck, San Girolamo nello studio  Colantonio, San Girolamo nello studio  Andrea Mantegna, San Girolamo  Filippo Lippi, Esequie di san Girolamo  Andrea del Castagno, Trinità con san Girolamo  Vincenzo Foppa, San Girolamo penitente  Antonello da Messina, San Girolamo penitente nel deserto  e San Girolamo nello studio  Cosmè Tura, San Girolamo penitente  Pinturicchio, San Girolamo nel deserto  Domenico Ghirlandaio, San Girolamo nello studio  Leonardo da Vinci, San Girolamo penitente  Giovanni Bellini, San Girolamo Contini Bonacossi  e San Girolamo leggente nel deserto  Albrecht Dürer, San Girolamo nella selva  e San Girolamo nello studio Sandro Botticelli, Comunione di san Girolamo  Vittore Carpaccio, San Girolamo e il leone nel convento  e Funerali di san Girolamo  Hieronymus Bosch, San Girolamo in preghiera  Lorenzo Lotto, San Girolamo penitente  e San Girolamo nel deserto Antonio Marinoni, San Girolamo cardinale  Agostino Carracci, Comunione di san Girolamo  Caravaggio, San Girolamo in meditazione , San Girolamo  e San Girolamo scrivente  Anonimo plastificatore fiorentino, San Girolamo penitente  Oratorio della Confraternita di S. Girolamo e S. Francesco Poverino - Firenze Domenichino, Comunione di san Girolamo  Jusepe de Ribera, San Girolamo e l'angelo  - Museo di Capodimonte Napoli

Prompt: Describe the characteristics of the Operated, artery, depicting, Saint, Jerome in Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo)'s Iconography.Please output in Italian.


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Due dame veneziane

Francesco Valcanover, Vittore Carpaccio, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAugusto Gentili, Carpaccio, Firenze 1996Rosita Levi Pisetzky, Il costume e la moda nella società italiana, Torino 1978-1995Enrico Maria Dal Pozzolo, Vittore Carpaccio. Due dame e caccia in valle, in Il Rinascimento a Venezia e la pittura del Nord ai tempi di Bellini, Dürer e Tiziano, Bompiani 1999, pagg. 236-239

Prompt: Focus on Two Venetian Ladies and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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San Girolamo

Legenda Aurea, di Jacopo da Varazze, narra, nel capitolo dedicato a San Girolamo, la leggenda del leone.Un giorno un leone ferito si sarebbe presentato zoppicando nel monastero ove risiedeva San Girolamo. I confratelli fuggirono spaventati ma San Girolamo gli si avvicinò accogliendo l'animale ferito. Egli ordinò ai confratelli di lavare le zampe al leone e curarle. Essi scoprirono che i rovi gli avevano dilaniato le piante delle zampe. Quando il leone fu guarito, rimase nel monastero. Su di esso i monaci confidarono per garantirsi la custodia dell'asino del convento. Un giorno, mentre l'asino stava pascolando, il leone si addormentò. Alcuni mercanti, visto il quadrupede da soma privo di custodi, se ne appropriarono. Tornato solo al monastero, il leone venne accusato dai monaci di aver divorato l'asino, cosicché gli vennero affidati tutti i lavori che normalmente venivano svolti da quest'ultimo. Un giorno egli incrociò sul suo cammino la carovana dei mercanti che avevano portato via l'asino affidatogli in custodia dai monaci e riconobbe nella carovana il medesimo asino. Egli si precipitò verso di loro ruggendo terribilmente e mettendoli in fuga. Dopo di che condusse l'asino ed i cammelli, carichi di mercanzia, al convento. Quando i mercanti tornarono, si recarono al convento a chiedere a San Girolamo il perdono e la restituzione delle loro mercanzie, cosa che San Girolamo fece, raccomandando loro di non rubare più le proprietà altrui. Tuttavia questa leggenda fu impropriamente acquisita dalla figura di San Girolamo, poiché originariamente questa storia vedeva come protagonista San Gerasimo, anacoreta e abate della Chiesa cristiana, che a causa della similitudine dei nomi latini dei due santi: Gerasimo Hierasimus e Girolamo Hieronimus vennero scambiati.

Prompt: Focus on St. Jerome in the Wilderness (Mantegna) and explain the Legend, lion.Please output in Italian.

Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
San Gerasimo


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Ritratto di Elisabetta Gonzaga

L'opera doveva essere nelle raccolte ducali di Urbino, portate a Firenze nel 1625 con la dote di Vittoria Della Rovere. È citata sicuramente per la prima volta il 14 agosto 1773, quando da palazzo Pitti venne trasferita al guardaroba granducale. Fin da allora l'attribuzione è stata piuttosto problematica. Nell'inventario del 1784 è riferita alla scuola di Bellini, mentre in quello del 1825 ad Andrea Mantegna, nome che compare per tutto il XIX secolo.Fu Durand Greville  a riferirlo per primo a Raffaello, mentre Crowe e Cavalcaselle ipotizzarono Francesco Bonsignori, G. Novelli pensò a Giovan Francesco Caroto, Filippini a Cesare Tamaroccio, e Bode a un maestro veronese influenzato da Mantegna. Favorevoli all'attribuzione raffaellesca furono Gronau, Ortolani, Longhi, Volpe, Camesasca, seguiti in tempi più recenti da Meyer zur Capellen . Un altro filone critico lega l'opera a Francesco Francia , ipotesi che tuttavia non è lontana dall'attribuzione raffaellesca, poiché alcuni studiosi riconoscono nel giovane pittore di Urbino un'influenza del bolognese Francia, mediata indirettamente dal collega della bottega paterna Timoteo Viti, già attivo proprio a Bologna.Oggi l'opera in galleria è esposta con attribuzione a Raffaello, come il vicino Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro, col quale forma un sorta di pendant.Le fonti antiche ricordano comunque un ritratto eseguito da Raffaello per Elisabetta Gonzaga, donna colta, conoscitrice delle lettere e delle arti che fu sua committente, in particolare lo riferisce Antonio B. Negrini negli Elogi di Castiglione. Sul retro della tavola si legge infatti l'iscrizione "Isabella Mantovana, moglie del duca Guido[baldo]", ma ciò è spiegabile col fatto che la duchessa fosse solita firmarsi Isabetta. datazione proposta per il dipinto si basa su dati stilistici e su una valutazione dell'età della duchessa, nata nel 1471, quindi poco più che trentenne. L'opera è molto simile al Ritratto di Emilia Pia da Montefeltro, cortigiana di Elisabetta, oggi al Baltimore Museum of Art.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of Elisabetta Gonzaga.Please output in Italian.

1625
1773
1784
1825
Andrea Mantegna
Baltimore Museum of Art
Cesare Tamaroccio
Durand Greville
Elisabetta Gonzaga
Firenze
Francesco Bonsignori
Francesco Francia
Giovan Francesco Caroto
Guidobaldo da Montefeltro
Ritratto di Emilia Pia da Montefeltro
Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro
Timoteo Viti


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Ritratto di Pier Maria Rossi di San Secondo

Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figliCollezione di Giovanni Francesco Serra

Prompt: In Portrait of Pier Maria Rossi di San Secondo, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Torre di Babele

right torre di Babele  è la leggendaria costruzione di una torre, o un edificio elevato in qualche modo assimilabile ad essa, di cui narra la Bibbia nel libro della Genesi: , la cui costruzione avrebbe rappresentato una sfida a Dio e causato la diversità linguistica fra i popoli del mondo. Il racconto della sua costruzione ha un parallelo in un poema sumerico, Enmerkar e il signore di Aratta, e nel Libro dei Giubilei . Riferimenti più o meno ampi ad essa si trovano anche nelle opere di scrittori d'età ellenistica e romana: nei frammenti di Alessandro Poliistore e di Eupolemo , negli Oracoli sibillini , in Flavio Giuseppe . storia biblica della Torre di Babele  deriva probabilmente dalla principale ziqqurat di Babilonia, l'Etemenanki.

Prompt: Focus on The Tower of Babel (Bruegel) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Alessandro Poliistore
Bibbia
Dio
Enmerkar e il signore di Aratta
Etemenanki
Flavio Giuseppe
Genesi
Genesi
Libro dei Giubilei
Oracoli sibillini
Torre


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Effetti dell'intemperanza

datazione si basa su cifre stilistiche. L'opera entrò in galleria tramite acquisto nel 1977.

Prompt: In The Effects of Intemperance, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Apollo Chatsworth

Una piccola sezione laterale nel retro della testa, al livello degli occhi, è stata rimossa in un modo che implica che fosse stato fatto per permettere alla luce di illuminare gli occhi della statua.  Può darsi che la testa fosse posizionata in modo da sfruttare questa caratteristica in un tempio, o la posizione del sole in un dato periodo dell'anno, ma questa è una ipotesi.

Prompt: How does Chatsworth Head explain its Particular characteristics?Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: Explain the Crucifixion Roman Emperor about the Description of this artwork, Crucifixion with Pietà (Lotto).Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Describe the characteristics of the Apocryphal  Gospels in Annunciation (Fra Angelico, Madrid)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Primavera

upright=1.3Le posizioni del Sole e della Nell'emisfero boreale la stagione ha inizio attorno al 20 marzo, in coincidenza dell'equinozio. Il termine indicativo è invece fissato al 21 giugno, prima che si verifichi il solstizio estivo. In senso meteorologico la stagione va dal 1º marzo al 31 maggio nella metà superiore del globo, e dal 1º settembre al 30 novembre nell'altro emisfero.

Prompt: How does Spring (painting) explain its Duration?Please output in Italian.

1º marzo
1º settembre
20 marzo
21 giugno
30 novembre
31 maggio
Sole


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Prove di Cristo

scena delle Prove di Cristo raffigura le tre Tentazioni di Gesù e ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Mosè. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "".In alto a sinistra Cristo incontra il demonio, sotto le sembianze di un eremita, che lo invita a tramutare in pane le pietre; al centro Cristo e il demonio sono sulla sommità del frontone di un tempio, ispirato all'Ospedale di Santo Spirito in Saxia, e il demonio sfida Gesù a gettarsi nel vuoto e ad essere salvato dai suoi angeli; infine, a destra, Cristo fa precipitare il demonio nudo da una rupe dopo il suo rifiuto di dominare il mondo.In primo piano si svolge un rito sacrificale, interpretato come quello offerto dal lebbroso dopo essere stato risanato da Cristo e in cui il sommo sacerdote simboleggia Mosè, che passa la Legge, e il giovane si identifica con Cristo, che sarà lui stesso sacrificato per redimere l'umanità intera.

Prompt: How does Temptations of Christ (Botticelli) explain its Description?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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.Il canale di Gravelines, Petit Fort-Philippe  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1890 dal pittore francese Georges-Pierre Seurat.È conservato nel Museum of Art di Indianapolis.Il pittore trascorre l'estate del 1890 a Gravelnes, in un centro al confine col Belgio. A questo paesaggio Seurat dedica quattro dipinti in stile "Divisionista".

Prompt: How does The Channel of Gravelines, Petit Fort Philippe explain its Abstract?Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Explain the Liturgical celebration of this artwork, Annunciation (Leonardo).Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Bol), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Pala di Sant'Onofrio

Pala di Sant'Onofrio è un dipinto a tempera e olio su tavola  di Luca Signorelli, datato 1484 e conservato nel Museo del Capitolo della Cattedrale di San Lorenzo a Perugia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Sant'Onofrio Altarpiece.Please output in Italian.

1484
Luca Signorelli
Perugia
San Lorenzo


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Abate Luigi

Dal 1924 si trova nuovamente in piazza Vidoni, sul muro laterale della Basilica di Sant'Andrea della Valle; tale collocazione è quella originaria, poiché la statua fu rinvenuta nelle fondazioni di Palazzo Vidoni, nell'area del Teatro di Pompeo. Nel corso del tempo è stata comunque trasferita alcune volte.È una scultura di epoca tardo-romana, raffigurante probabilmente un alto magistrato. In mancanza di una precisa identificazione, il nomignolo gli è stato assegnato dalla fantasia popolare che, con la solita arguzia, trovava il personaggio particolarmente somigliante al sagrestano della vicina chiesa del Sudario, conosciuto appunto con quel nome.Come le altre cinque è stata la “voce” di diverse pasquinate, le violente e spesso irriverenti satire indirizzate a colpire anche pesantemente e sempre in modo anonimo i personaggi pubblici più in vista nella Roma del XIV e XV secolo. Di questa sua caratteristica loquacità letteraria è testimonianza l'iscrizione che si trova sulla base della statua:Sulla sicurezza della vita novella l'epigrafe non sembra aver avuto ragione, poiché ha subìto, anche di recente, diversi atti di vandalismo, orientati soprattutto all'asportazione della testa, che è stata più volte sostituita. È in occasione di una “decapitazione” del 1966 che la statua parlò l'ultima volta, con una pasquinata indirizzata all'ignoto vandalo ::O tu che m'arubbasti la capoccia:vedi d'ariportalla immantinente:sinnò, vòi véde? come fusse gnente:me manneno ar Governo. E ciò me scoccia.A causa delle continue asportazioni della testa, già negli anni '70 del XX secolo la Soprintendenza archeologica di Roma fu costretta a farne un calco, adoperato nei decenni successivi per le operazioni di ripristino. In seguito all'ultimo atto vandalico nel 2013 si è deciso di non ripristinare più la testa: pertanto, allo stato attuale, l'Abate Luigi si presenta acefalo.

Prompt: Focus on Abbot Luigi and explain the History and location.Please output in Italian.


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Tristezza

Tutta la muscolatura facciale è coinvolta durante un'espressione di tristezza: i muscoli perdono di rigidità, talvolta manifestando inespressività, la fronte tende a corrugarsi, gli angoli della bocca sono rivolti verso il basso.

Prompt: In The Sorrows of the King, how is the Facial muscles of the Neuroanatomy explained?Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Il culto più antico rivolto a Maria Maddalena, risalente alla fine del IV secolo, è quello che si svolgeva nei riti della Chiesa Orientale la seconda domenica dopo Pasqua, chiamata "delle mirofore". In quel giorno si commemoravano le donne che il giorno dopo la crocifissione e la morte di Gesù si recarono al sepolcro con gli unguenti per imbalsamarlo. Tra le mirofore un ruolo importante l'aveva Maria Maddalena, l'unica che è sempre citata in tutti e quattro i vangeli canonici. Il primo centro della venerazione della Maddalena fu Efeso, dove secondo una tradizione si sarebbe recata insieme a Maria madre di Gesù e all'apostolo Giovanni e dove si diceva fosse pure la sua tomba, nell'ingresso della grotta dei Sette Dormienti; si sposta poi a Costantinopoli, dove all'epoca di Leone il Filosofo  sarebbe stato trasferito il corpo, e si diffonde poi nella Chiesa Occidentale soprattutto dall'XI secolo.

Prompt: In Mary Magdalene (Stevens), how is the In the ancient Church of the Maria Maddalena in the Pistis Sophia explained?Please output in Italian.

Costantinopoli
Efeso
Gesù
I secolo
Pasqua
V secolo
XI secolo


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Natura morta con limoni, arance e una rosa è un dipinto del pittore spagnolo Francisco de Zurbarán, realizzato nel 1633 e conservato nel Norton Simon Museum di Pasadena.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Still Life with Lemons, Oranges and a Rose.Please output in Italian.

1633
Francisco de Zurbarán
Norton Simon Museum


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Bacco e Arianna

Dioniso Camerini d'alabastro Alfonso I d'Este

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Bacchus and Ariadne.Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Camerini d'alabastro
Dioniso


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marmi di Elgin

Elgin consultò nel 1803 lo scultore Antonio Canova per individuare il modo migliore con cui trattare i marmi, infatti Canova era considerato il miglior restauratore di sculture del tempo; Elgin tuttavia ottenne il rifiuto dello scultore, che temeva di danneggiare ulteriormente i marmi. Inoltre un carico di marmi a bordo del brigantino britannico Mentor incappò in una tempesta al largo di capo Matapan e affondò nei pressi di Citera, ma venne recuperato a spese del conte dopo due anni di lavoro.

Prompt: In the context of Elgin Marbles, explain the Elgin and the Damages.Please output in Italian.


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: Explain the Apocryphal  Gospels about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Veronese, Uffizi).Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Primavera

Un tono alquanto differente, aderente allo stato d'animo di Baudelaire, ritroviamo nel  Le goût du néant da I fiori del male: ... Le Printemps adorable a perdu son odeur!/Et le Temps m' engloutit minute par minute...L'immaginario collettivo riconduce alla primavera la stagione della rinascita, dopo un letargo metaforicamente rappresentato dall'inverno. Secondo ricerche e studi condotti in America, nascere in tale stagione conferirebbe un maggior benessere psicologico. L'astrologia occidentale associa alla stagione i segni di Ariete, Toro e Gemelli.Tra i quattro elementi classici la primavera corrisponde all'aria, tra le età della vita all'infanzia e all'adolescenza, tra i punti cardinali all'Est, fra i temperamenti umorali al sanguigno, tra le parti della giornata al mattino, tra le fasi dell'opera alchemica allalbedo.In Italia le principali festività della stagione sono: Pasqua, festa mobile che cade di domenica nel periodo tra il 22 marzo e 25 aprile. Alla festa sono collegate la settimana santa  e il lunedì dell'Angelo, ossia il giorno successivo.; la festa del lavoro, che ricorre il primo giorno di maggio. la festa della Repubblica Italiana, calendarizzata al 2 giugno.Durante la primavera cade anche il pesce d'aprile, celebrato il primo giorno di tale mese.

Prompt: Explain the In mass culture about the Season of this artwork, Primavera (Botticelli).Please output in Italian.


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Lampadario Azelin

Bernhard Gallistl: Bedeutung und Gebrauch der großen Lichterkrone im Hildesheimer Dom . In: Concilium medii aevi 12, 2009, S. 43–88, online:  Adolf Bertram, Geschichte des Bisthums Hildesheim,  vol. 1, Hildesheim 1899, p. 106. Christine Wulf: Die Inschriften der Stadt Hildesheim.  Wiesbaden 2003 . vol. 2. pagg. 213–216.

Prompt: In Azelin chandelier, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Venere allo specchio

sinistraVenere de' Medici, Firenze, Galleria degli Uffizi: un esemplare della Venus pudica che potrebbe aver ispirato TizianoTiziano, già aduso nel dipingere Venere, soprattutto mollemente distesa, s'ingegnò di adattarne la figura in una scena di toeletta, un tipo di situazione che aveva già sperimentato ritraendo alcune anonime donne.In questo caso la posa della dea riprende il modello di una "Venere pudica", probabilmente la Venere de' Medici, allora a Roma, che il pittore ebbe modo di vedere durante il soggiorno in quella città nel 1545-1546 «imparando dalle meravigliose pietre antiche». Ma potrebbe essere stata anche un'altra Venere pudica già nella collezione Grimani e ora nel museo archeologico di Venezia.Pieter Paul Rubens, Venere e Cupido, 1606/1611, olio su tela, 137x111 cm, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza prima notizia di una Venere allo specchio di Tiziano si riferisce all'opera che aveva promesso in dono all'imperatore Carlo V e che finalmente convocato riuscì a consegnarla in Augusta nel 1548. Purtroppo l'originale, prelevato nel 1813 da Giuseppe Bonaparte, è andato perduto ma ne rimane una pregevole replica realizzata da Rubens. In realtà secondo alcuni documenti appare che Tiziano inviò un'altra versione a Filippo II, che egli stesso descriveva come «Venere ignuda». Non è chiaro se le due tele avessero la medesima impostazione, comunque nel 1666 risultavano esposte assieme nella galleria tizianesca del Prado.Tuttavia già nel 1934 uno studio di Stephan Poglayen-Neuwall incentrato sulle copie e repliche allora visibili aveva dimostrato che dovevano essere esistite tre redazioni autografe, ognuna distinta nelle proprie varianti.Infatti Ridolfi ci ricorda un'altra «Venere rarissima, che si mira nello specchio con due amori» nella collezione creata dall'avvocato e poi mercante Nicolò Crasso . Anche questo dipinto perduto ci è tramandato soltanto da un abbozzo nel quaderno che van Dyck schizzò in Italia e confermata dalla copia presente all'Ermitage.Antoon van Dyck , Toeletta di Venere in Quaderno italiano di schizzi, 1614/1641, penna su carta, 200x150 mm circa, Londra, L'unica Venere allo specchio che ci è giunta è l'esemplare di Washington. Un tempo si pensava che il dipinto consegnato all'imperatore fosse una replica proprio di questo, ignorando peraltro l'esemplare già Crasso. Un accurato studio di Peter Humfrey ha dimostrato invece che questa unica versione pervenutaci sia successiva e databile 1552-1553.Le copie tuttora esistenti ci rendono note le variazioni introdotte da Tiziano nei vari esemplari. Non sono comunque queste da rilevarsi nei minuti dettagli, come le collane ed i braccialetti, spesso dovuti alla fantasia, al gusto o all'abilità dei copisti. Gli elementi rilevanti sono la camicia che le copre parzialmente il petto ma rivela le gambe e la presenza di un unico cupido nel dipinto inviato in Spagna. Negli altri due invece il busto di Venere viene presentato nudo e la dea è accompagnata da due eroti. Nell'esemplare Crasso ambedue reggono lo specchio e il primo rivolge lo sguardo verso gli osservatori. Nell'esemplare della National Gallery solo il primo amorino regge lo specchio e vi guarda dentro, l'altro porge una ghirlanda a Venere.sinistraRadiografia del dipinto di Washington radiografia pubblicata da Shapley nel 1972 rivelò che l'esemplare di Washington era stato dipinto su una tela precedentemente impiegata per un doppio ritratto: un'elegante donna e un uomo in armatura. Probabilmente, secondo Tagliaferro, il dipinto originario era opera del giovane allievo Paris Bordon data l'impostazione più riferibile ai modi di questi; un'ipotesi comunque ritenuta scarsamente difendibile secondo Humfrey. Tiziano poi ruotò la tela portandola in verticale e vi dipinse sopra la sua nuova Venere riutilizzando il manto dell'uomo come copertura delle gambe della dea.Venere allo specchio, particolare Venere di Washington, nel trattamento accurato della tessitura delle superfici e nella loro tattile sensualità, tipico specialmente nel Tiziano degli anni cinquanta, incarna l'ideale di bellezza di quell'epoca mentre rivela, più che coprirla, morbidezza delle candide carni della dea avvolte nel drappo rosso contornato da ricami d'oro e d'argento e foderato di morbida pelliccia.Tuttavia è stato rilevato come la parte destra del quadro non sia altrettanto curata, per esempio nell'anatomia generale del primo cupido in cui inoltre l'ala sinistra appare troppo piatta e spunta dalla spalla a differenza dell'altra attaccata alla scapola. Diversi studiosi hanno quindi supposto che la metà destra del quadro sia stata dipinta da un seguace, forse anche dopo il decesso del maestro, magari allo scopo di rendere più vendibile l'opera. A confermare l'inserimento tardivo degli amorini Tamara Fomichova ha osservato inoltre che il cupido offerente una ghirlanda fiorita è un motivo che appare nelle opere di Tiziano solo dalla metà degli anni sessanta con le due versioni di Venere e Cupido con un suonatore di liuto, ora al Fitzwilliam e al Met.Il motivo di Venere con lo specchio risulta frequente per tutto il Medioevo come allegoria moralizzante della vanità e voluttuosità, ma sopravvisse in questo senso anche più tardi, un esempio di questa durevolezza potrebbe essere l'allegoria della Vanitas di Bellini. Ma pochi anni dopo con la Nuda allo specchio, che per certi versi anticipa l'iconografia della Venere allo specchio, Giovanni rispose alla Donna allo specchio di Tiziano. Sebbene ambedue i dipinti non siano dichiaratamente riferiti alla dea, alcuni storici li hanno inquadrati come precursori della Venere: per esempio Elise Goodman-Soellner ha individuato nella Donna una rappresentazione dell'ideale di bellezza petrarchesco e nelle armonie cromatiche della Venere una corrispondenza con gli elogi dei poeti alle loro signore; Cathy Santore, che vede nella Donna una cortigiana e nella Venere ugualmente una cortigiana negli  della dea, ritorna al concetto della rappresentazione della lascivia. Rona Goffen interpreta i due dipinti del Tiziano come icone dell'equilibrarsi della potenza erotica nel rapporto uomo/donna e vede la presenza del maschio intimamente surrogata dal mantello rosso nella Venere. In ogni modo il contatto dello spettatore con gli occhi della dea attraverso lo specchio rafforza la sensazione erotica del dipinto. Allo stesso tempo molti storici hanno inquadrato anche questo dipinto nel dibattito sul paragone. Irina Artemieva ha sviluppato questa interpretazione riferendo la Venere non solo al dibattito sul paragone tra pittura e scultura ma anche a quello tra disegno e colorito espresso nel Dialogo della pittura di Ludovico Dolce: insomma un dichiarato manifesto di Tiziano sulla propria arte.

Prompt: How does Venus with a Mirror explain its Description and style?Please output in Italian.

Donna allo specchio
Ermitage
Giuseppe Bonaparte
Ludovico Dolce
Paris Bordon
Roma
Venere de' Medici
Washington


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Music Humanism Renaissance of the The relationship with singing explained?Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Pala di Conegliano

Conegliano.  città di Giambattista Cima - Capitale dell'enologia italiana, Anno 1, N°2 de L'illustrazione veneta , Editori Associati, 2000, pp. 26–33.

Prompt: In Conegliano Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Donna con collana di perle

In una stanza illuminata da una finestra sulla sinistra, una giovane donna si sta guardando a uno specchio appeso sullo stesso lato, mentre si allaccia al collo una collana di perle, tramite due nastri. Scene simili sono abbastanza frequenti nella pittura olandese del periodo: un esempio è la Giovane donna davanti allo specchio di Frans van Mieris il Vecchio nello stesso museo. ragazza ha orecchini pure di perla e indossa una casacca gialla bordata di ermellino, la stessa che compare anche in altre opere dell'artista, come la Suonatrice di liuto o la Donna che scrive una lettera, e che dovette appartenere alla moglie dell'artista, Catharina, la fece probabilmente da modella stessa. Il tessuto è reso vibrante e lucido dalla stesura del colore in macchie sapientemente accostante per esaltare i contrasti legati alla rifrazione luminosa. In testa della donna un nastro rosso le raccoglie i capelli e crea una vivace macchia di colore in un contesto dominato dalle sfumature di bianco, giallo e marrone. Una tenda gialla riprende il colore dell'abito della donna ed è scostata per far entrare la luce e rivelare la presenza di una vetrata alla finestra . Il suo elegante profilo, leggermente sorridente, esprime una certa soddisfazione della sua agiata vita di benestante, ben diverso dai volti severi e affilati delle lattaie e delle domestiche presenti in altre opere del pittore. Ciò denota l'attenzione del pittore verso gli aspetti psicologici più raffinati.Altrettanto curata è l'ambientazione e la descrizione degli oggetti domestici appoggiati sul tavolo: un piumino da cipria, un catino, un cartoncino, un grande vaso alla cinese con coperchio. Due sedie ricoperte di tappezzeria spuntano da dietro il tavolo e, con un'angolazione ardita, in primo piano a sinistra. Un pesante drappo scuro copre metà del tavolo, creando una macchia scura che fa risaltare, per contrasto, la metà alta e destra del dipinto, illuminata dalla luce rarefatta. Analisi radiografiche hanno dimostrato l'esistenza di maggiori particolari , eliminati poi dal pittore: forse allusioni alla vita terrena e all'amore sensuale eliminati per esigenze iconografiche o, più semplicemente, per alleggerire la composizione.Studi hanno cercato di cogliere un significato simbolico o allegorico più profondo nella scena, ipotizzando ad esempio una rappresentazione della Vanitas , sebbene l'intonazione della scena sembrerebbe escludere qualsiasi volontà di condanna, o al contrario leggendo nella donna e nelle sue perle un simbolo di purezza.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Woman with a Pearl Necklace.Please output in Italian.

Donna che scrive una lettera
Frans van Mieris il Vecchio


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Ritratto del cardinal Bibbiena

Prompt: In Portrait of Cardinal Bibbiena (Raphael), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Veduta di Derby

Veduta di Derby è un dipinto del 1725 di artista sconosciuto che mostra la città di Derby nel XVIII secolo.Sulla sinistra c'è una casa chiamata Castlefield che fera residenza della famiglia Borrow: nel Derby Museum and Art Gallery ci sono i ritratti di Isaac, Thomas ed Ann Borrow. A sinistra verso il centro c'è Exeter House che oggi non esiste più, ma divenne famosa quando fu la residenza del pretendente giacobita il principe Carlo Edoardo Stuart, che lì decise di tornare indietro con i suoi eserciti scozzesi e non marciare verso Londra per conquistare la corona. Gli edifici di grandi dimensioni a destra sono i mulini alimentati dal fiume Derwent. Anche se uno degli edifici è ora demolito il mulino di destra fa ora parte dei siti di interesse mondiale ed è il Derby Industrial Museum.Il dipinto fu acquistato dal Derby Museum and Art Gallery nel 2004 da un collezionista europeo tramite Sotherbys.

Prompt: Focus on A Prospect of Derby and explain the Abstract.Please output in Italian.

Carlo Edoardo Stuart
Derby Industrial Museum
Derby Museum and Art Gallery
Exeter House


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: Explain the Composers about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Explain the The Annunciation in theology about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Antonello da Messina).Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-portrait (Raphael), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Agostino Maria De Carlo, "Theotocologia seu Institutio de V. Dei Genitrice M. Scholastica Methodo IV Libris Concinnata" -Napoli, Cirillo, 1845 - [opac SBN] [Testo a stampa] [Monografia] [IT\ICCU\BVE\0346282] SBN LIAN025513 Agostino Maria De Carlo, "Dialoghi istruttivi su pregi, misteri e titoli di Maria SS." pubblicati per cura e divozione del canonico don Luigi Monforte, Napoli, Stabilimento Tipografico del Dante, 1855 - SBN LIAN040723 Cecchin Stefano M., L'Immacolata Concezione. Breve storia del dogma, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2003, ISBN 88-900609-5-6 Tommaso Campanella , Apologia dell'Immacolata Concezione, L'epos 2004, ISBN 88-8302-270-X Congresso Mariologico francescano,  Scuola Francescana e l'Immacolata Concezione, Pontificia accademia mariana internazionale, Città del Vaticano 2005, ISBN 88-89681-01-2 Vincenzo Sansonetti, L'Immacolata Concezione: dal dogma di Pio IX a Medjugorje, Piemme 2004, ISBN 88-384-8410-4 Giovanni Morello, Vincenzo Francia, Roberto Fusco, Una donna vestita di sole: l'Immacolata Concezione nelle opere dei grandi maestri, F. Motta, 2005 ISBN 88-7179-468-0 Diego Ciccarelli, Marisa Dora Valenza ,  Sicilia e l'Immacolata: non solo 150 anni, Biblioteca Francescana 2004, ISBN 88-88615-96-2 Michel Jean Claude, Immacolata Concezione, promessa di purezza, Libreria Editrice Vaticana 2001

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Monograph on the Immaculate Conception of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

scena di Londra è quella pervenutaci nelle condizioni più scadenti, che rivelano una parte della preparazione bianca sottostante, soprattutto al suolo. Originariamente la tavola era arcuata, ma venne tagliata probabilmente quando il lavoro passò dai Bartolini Salimbeni ai Medici per essere adattato alla nuova collocazione.Tutto è incentrato sulla figura di Niccolò da Tolentino, con un vistoso cappello e su un cavallo bianco, che sprona le truppe fiorentine all'attacco. I fiorentini hanno infatti da poco iniziato a sorpresa la battaglia e stanno caricando i senesi. I colori dei cavalieri, in questa come nelle altre tavole, corrispondono da un lato a quelli di Firenze  e dall'altro a quelli di Siena . Sulla sinistra si vedono le lance dell'esercito di Firenze pronte all'offesa, i vessilliferi e i trombicini che dirigono le forze e le prime vittime del campo distese a terra. Il suolo è composto come una sofisticata griglia prospettica, con le lance cadute che disegnano le maglie di una rete, punteggiata di armi e scudi perduti e col cadavere di un guerriero in armatura, che è visto in un ardito scorcio.Una siepe di arbusti fioriti, trattati con grande attenzione al dettaglio naturalistico, divide la scena della battaglia dallo sfondo irreale, dove dei giovani, completamente ignari di quello che sta avvenendo, si esercitano a cacciare con la balestra e con i giavellotti. Questi elementi sono legati al gusto cortese del gotico internazionale e dimostrano come l'arte fiorentina del primo Quattrocento vivesse in un clima di transizione, che non escludeva necessariamente un linguaggio figurativo dall'altro. Due cavalieri che si allontanano però ricordano il fatto storico: essi sono andati a chiamare i rinforzi di Michele Attendolo, ciò che determinerà la vittoria.In questa, come nelle altre scene, compaiono numerosi personaggi che indossano il mazzocchio, un copricapo a forma di toro sfaccettato, sulla cui forma Paolo Uccello eseguì numerosi studi prospettici, in parte pervenutici.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Niccolò da Tolentino at the head of the Florentines of the Description and style explained?Please output in Italian.

Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Paolo Uccello


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Donna che scrive una lettera

Il dipinto ha un ruolo importante nel romanzo Vermeer e il codice segreto, di Blue Balliett. Nel libro il quadro  è stato rubato da un ladro apparentemente folle e dev'essere recuperato da Calder e Petra, i due protagonisti. Nel corso della storia si scopre che "la donna che scrive" non è solo un quadro, ma una persona reale, che si mette in comunicazione con Petra.

Prompt: Explain the Tributes quotes of this artwork, A Lady Writing a Letter.Please output in Italian.

Blue Balliett
Vermeer e il codice segreto


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Bagno di Diana e storie di Atteone e Callisto è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1634 dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nel Museo Wasserburg di Anholt.L'opera è firmata e datata "REMBRANDT. FT 1634".Rembrandt unisce due episodi tratti da Le metamorfosi di Ovidio: nel primo, che occupa gran parte della scena, Atteone sorprende la dea Diana, che lo punisce per aver visto la sua nudità trasformandolo in cervo. Nel secondo, le ninfe scoprono che Callisto ha infranto il voto di castità, concependo un figlio da Zeus: Diana trasforma la fanciulla in orso.

Prompt: Focus on Diana Bathing with her Nymphs with Actaeon and Callisto and explain the Abstract.Please output in Italian.

1634
Atteone
Callisto
Callisto
Diana
Museo Wasserburg
Rembrandt
Zeus


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: How does Annunciation (Masolino) explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: In Landscape with the Flight into Egypt (Patinir), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Gioele

Joelle Carter, attrice statunitenseJoëlle Ursull, cantante francese

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Female variants and the Variants.Please output in Italian.


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Pala Tezi

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 888117099X

Prompt: Focus on Tezi Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Didone

leftGià gli storiografi romani Ennio e Nevio rielaborarono il mito di Didone, alla ricerca di una giustificazione mitica all'origine delle guerre tra Roma e Cartagine e al presunto "odio atavico" tra i due popoli. Pertanto il poeta Virgilio non fu il primo a impossessarsene, nonostante la sua versione del mito sia rimasta nei secoli di gran lunga la più celebre.Nella versione virgiliana, Didone è la regina di Cartagine, la città che ha da poco fondato, grazie alla sua astuzia e che è ancora in costruzione.  regina appare giovane e bella, ricordando nell'aspetto la dea Artemide. Enea, giunto naufrago sulla costa di Cartagine con i suoi seguaci, parte in esplorazione e ammira i lavori di  costruzione della nuova città. Grazie a una nube creata da Venere, Enea appare all'improvviso alla regina, chiedendo ospitalità.  regina ospita generosamente i naufraghi e durante un banchetto chiede notizie della caduta della famosa Troia. L'eroe troiano, seppur a malincuore, racconta le vicende vissute a partire dalla fine di Troia , suscitando la commozione di Didone. Sotto l'influenza di Cupido, istigato da Venere alleata di Giunone, Didone si innamora di Enea  . Malconsigliata dalla sorella Anna, che la vuole felice e spera che l'unione con i Troiani assicuri stabilità a Cartagine, Didone pur volendo rimanere fedele al defunto marito accetta di procedere secondo il sentimento e di proporre a Enea di sposarla. Frattanto rallenta i lavori di costruzione della città.Durante una caccia, a causa di un temporale Enea e Didone si riparano in una grotta e iniziano un rapporto amoroso. Anche Enea inizia a disinteressarsi della sorte dei suoi compagni.  Fama diffonde fino a Iarba, re dei Getuli, notizie del loro amore; Iarba invoca suo padre Giove Ammone, perché fermi il "Paride effeminato" che insidia la sua regina, o piuttosto le sue mire su Cartagine.Tramite Mercurio, Giove impone la nuova partenza all'eroe troiano, che lascia Didone dopo un ultimo terribile incontro, in cui lei prima lo supplica di non partire, e poi lo maledice e prevede eterna inimicizia tra i popoli e un "vendicatore" che sorgerà dalle sue ossa , con un discorso che ricorda in parte la maledizione di Polifemo su Odisseo, ma su scala temporale ben più lunga:Poi, sviata Anna e la nutrice Barce  con delle scuse, disperata si uccide con la stessa spada che Enea le aveva donato, gettandosi poi nel fuoco di una pira sacrificale.Enea incontrerà poi di nuovo la regina nell'Ade, nel bosco del pianto , e manifesterà sincero dolore per la sua repentina fine, non meno, forse, che immutata incapacità di comprenderne e ricambiarne l'amore e la dedizione; ma l'ombra di Didone non lo guarderà neppure negli occhi e resterà gelida, rifugiandosi poi dal marito Sicheo, con cui si era ricongiunta nell'oltretomba . Il silenzio finale di Didone è, secondo Eliot, un riflesso del senso di impossibilità di amare dello stesso Enea, schiavo del fato.

Prompt: In Dido (Fuseli), how is the Didone, Aeneid discussed?Please output in Italian.

Cartagine Enea Getuli Giunone Iarba Roma


subsection

La Gioconda

8 Marinaresca, Recitativo e Barcarola Marinaresca Ho! He! Fissa il timone!  Recitativo Chi va là?  Barcarola Barnaba Pescator, affonda l'esca  Recitativo, ripresa della Barcarola e Romanza Recitativo e ripresa della Barcarola Sia gloria ai canti dei naviganti  Romanza Enzo Cielo! e mar!  10 Scena e Duetto Scena Ma chi vien  Duetto ura Enzo Tempo d'attacco Deh! non turbare con ree paure  Tempo di mezzo Ma dimmi come, angelo mio, mi ravvisasti?  Cantabile ggiù nelle nebbie remote  11 Scena e Romanza ura Scena E il tuo nocchiero  Romanza ura Stella del marinar!  12 Duetto [Scena] E un anatema!  Duetto Gioconda ura L'amo come il fulgor del creato  13 Scena e Duetto-Finale II Scena Il mio braccio t'afferra!  Duetto-Finale II Gioconda Enzo ura! ura, ove sei?  [Stretta] Tu sei tradito!

Prompt: Explain the Act II: The Rosary about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.

Barcarola Duetto Barcarola Recitativo Roma Romanza


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Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

upright=1.4Nel pannello centrale è la scena con le Tentazioni di sant'Antonio. Al centro si vede il santo in meditazione, che con la mano benedicente indica la piccola cella ricavata da un torrione diroccato, dov'è l'apparizione del Cristo che indica il Crocifisso vero sacrificio e non quello che stanno svolgendo i demoni alla sua sinistra: una messa sacrilega celebrata da sacerdotesse, tra cui una nera che porta un vassoio su cui un rospo, simbolo di stregoneria ma anche di lussuria, regge un uovo, e con un suonatore vestito di nero, con faccia di maiale e civetta sulla testa, simbolo di eresia, e uno storpio, che si apprestano a fare la comunione, sullo sfondo a sinistra una città in fiamme, legata al fuoco di Sant'Antonio e alla protezione del santo dalle fiamme.Nel gruppo di demoni a sinistra, quello con la donna che indossa un cimiero a forma di albero cavo, sarebbe simboleggiata la violenza sanguinaria; in quello nell'acqua a destra si svolgerebbe una parodia diabolica della fuga in Egitto o dell'adorazione dei Magi; un terzo gruppo demoniaco è quello che esce dal frutto rosso in primo piano, tra cui un diavolo che suona un'arpa ed è a cavalcioni di un pollo spennato e con ai piedi due zoccoli, e un quarto si muove attorno alla barca-pesce al centro.Il cielo è solcato da un uccello-nave, pesci volanti e imbarcazioni alate. Appoggiato al muro in secondo piano è un uomo con la barba e con cilindro, probabilmente il mago direttore di tutta la visione.

Prompt: In the context of Triptych of the Temptation of St. Anthony, explain the Control panel and the Description and style.Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Lo stile utilizzato nella realizzazione della Grande onda di Kanagawa è l', un genere di stampa artistica giapponese su blocchi di legno fiorita nel periodo Edo, tra il XVII e il XX secolo. Tale tecnica fu introdotta in Giappone dalla Cina nell'VIII secolo, venendo utilizzata a partire da questo periodo per l'illustrazione di testi buddhisti e, dal XVII secolo, per la raffigurazione artistica di poemi e romanzi.Lo stile ukiyo-e conobbe la sua consacrazione proprio nel XVII secolo attraverso la rappresentazione della vita della città, in particolare delle attività degli strati più bassi della società quali mercanti, artisti, rōnin e cortigiane, che andavano sviluppando una propria cultura e arte nelle città di Edo , Osaka e Kyoto, in un movimento che a posteriori avrebbe preso il nome di ukiyo, il "mondo fluttuante". Nel 1661 lo scrittore Asai Ryōi nel suo libro  descrisse per la prima volta tale movimento come il saper «vivere momento per momento, volgersi interamente alla luna, alla neve, ai fiori di ciliegio e alle foglie rosse degli aceri, cantare canzoni, bere sakè, consolarsi dimenticando la realtà, non preoccuparsi della miseria che ci sta di fronte, non farsi scoraggiare, essere come una zucca vuota che galleggia sulla corrente dell'acqua». Nella sua connotazione antica la parola è invece carica dei concetti buddhisti che sottolineano la realtà di un mondo in cui l'unica cosa certa è l'impermanenza di tutte le cose, oltre a essere un'allusione ironica al termine omofono , il ciclo continuo di morte e rinascita al quale i buddhisti cercavano di sottrarsi.Grazie al successo della letteratura ukiyo e delle stampe, la popolazione iniziò a prendere sempre più confidenza con i movimenti artistici. Attorno alla metà del XVII secolo gli artisti iniziarono a riprodurre nelle opere ciò che accadeva all'interno dei quartieri del piacere e dei teatri kabuki, o durante i matsuri e i viaggi. Ciò contribuì a rendere particolarmente popolari guide turistiche e altri manuali, al cui interno era mostrato il meglio delle città e delle campagne circostanti grazie all'ausilio delle stampe.Il procedimento che portava alla creazione delle stampe vedeva la collaborazione di diversi specialisti, ciascuno dei quali aveva un compito specifico: per prima cosa il  creava l' in  direttamente su un sottile strato di carta fatta a mano. Dopodiché un  incollava il disegno a faccia in giù su un blocco di legno, intagliando le parti in cui la carta era bianca, lasciando così il disegno in evidenza sul blocco. Tale sistema permetteva di aggiungere diverse tonalità di colori alle stampe. Ciò nonostante il suo nome e quello dell' erano gli unici a essere accreditati come autori nell'opera finita.Benché in Giappone non esistesse nessuna legge sulla proprietà intellettuale prima del periodo Meiji , vi era comunque un senso di appartenenza e dei diritti da parte di coloro che producevano le stampe. Piuttosto che appartenere agli artisti, i blocchi erano da considerarsi di proprietà degli editori, che potevano fare di essi ciò che volevano. Gli editori possedevano anche il diritto di vendere ad altri editori i propri blocchi.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Technique discussed?Please output in Italian.

1661
Asai Ryōi
Cina
Giappone
Kyoto
Osaka


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Caccia al leone

Leone maschio.Il leone  è un mammifero carnivoro della famiglia dei felidi. Dopo la tigre, è il più grande dei 7 grandi felidi del genere Panthera con alcuni maschi la cui massa corporea supera i 250 kg. in natura un leone sopravvive da dieci a quindici anni: I maschi in particolare non superano spesso i dieci anni d'età in natura, in seguito agli infortuni derivanti dalle lotte con i rivali per il dominio sul branco. Tipicamente i leoni abitano la savana e le praterie, ma possono adattarsi ad aree cespugliose e foreste. In confronto ad altri felini i leoni sono animali con uno spiccato spirito di socialità. Un branco è formato generalmente da un maschio alfa , un gruppo di femmine imparentate tra loro, con cui questo si accoppia, e la loro prole. Le femmine tipicamente cacciano insieme per il gruppo, principalmente ungulati, mentre i maschi una volta impadronitisi di un branco si nutrono delle prede uccise dalle femmine e solo di rado cacciano essi stessi, sebbene siano perfettamente in grado di farlo. Il leone è un "predatore alfa", ovvero si colloca all'apice della catena alimentare, non avendo predatori in natura e potendo potenzialmente cibarsi di qualsiasi specie.In tempi preistorici gli uomini furono probabilmente predati dai grandi felini e quindi dai leoni. Nel mondo moderno, anche se i leoni non cacciano l'uomo in condizioni normali, può accadere che alcuni  ne vadano in cerca. Alcuni casi assai celebri sono quello dei mangiatori di uomini dello Tsavo, luogo nel quale ventotto operai addetti alla costruzione della ferrovia tra Kenya e Uganda furono catturati e uccisi nel corso di nove mesi del 1898 durante i quali si stava costruendo appunto il ponte sul fiume Tsavo, e quello più recente del mangiatore di uomini di Mfuwe, che nel 1991 tolse la vita a sei persone nella valle del fiume Luangwa nello Zambia.Il maschio di leone, assai facile da distinguere, ha una criniera caratteristica e la sua immagine è uno dei simboli più sfruttati nella storia dell'umanità. Le prime rappresentazioni furono fatte nel paleolitico superiore, e troviamo leoni scolpiti o dipinti nelle grotte di scaux e nella grotta Chauvet. Essi appaiono nella cultura di praticamente ogni civiltà antica che vi abbia avuto a che fare.

Prompt: Focus on The Lion Hunt (Delacroix) and explain the The prey..Please output in Italian.


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In the context of The Last Supper (Ghirlandaio), explain the The Eucharistic institution and the New Testament.Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Adorazione dei pastori

dorazione dei pastori è un evento della vita di Gesù descritto nel Vangelo di Luca : al momento della sua nascita a Betlemme alcuni pastori vengono avvertiti dell'avvenimento da un angelo e si recano ad adorare il neonato.

Prompt: Focus on Nativity (Correggio) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna Sistina

Madonna di Raffaello è stata omaggiata da Andy Warhol in una sua rivisitazione intitolata Raphael Madonna - $6.99 del 1985. Il dipinto testimonia non solo l'amore di Warhol per l'urbinate, ma anche il suo complesso rapporto con la religione cattolica.

Prompt: In the context of Sistine Madonna, explain the Artivisive and the Description and style.Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma antica

prima versione  è alla Staatsgalerie di Stoccarda  seconda versione  è al Metropolitan Museum of Art di New York  terza versione  è al museo del Louvre

Prompt: In Ancient Rome (painting), how is the Localization of the History explained?Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
New York
Stoccarda