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Il pasto del leone

tela è stata, con molta probabilità, esposta nel 1907 al Salon d'Automne. L'artista, prima di realizzare l'opera, ha effettuato degli studi sulla flora tipica della giungla presso i giardini botanici della capitale francese. Per gli animali presenti nel quadro, ha tratto ispirazione dalle illustrazioni che compaiono nei libri per bambini e da riviste scientifiche specializzate. Il quadro fa parte della collezione del Museum of Modern Art di New York dal 1951, grazie alla donazione fatta da un privato.

Prompt: Focus on The Repast of the Lion and explain the History.Please output in Italian.

1907
Museum of Modern Art
New York
Salon d'Automne


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Piccola Madonna Cowper

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Small Cowper Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Maestà del Louvre

Eugenio Battisti, Cimabue, Milano, Istituto Editoriale Italiano, 1963. Enio Sindona, Cimabue e il momento figurativo pregiottesco, Rizzoli Editore, Milano, 1975.  Luciano Bellosi, Cimabue, Milano, Federico Motta Editore, 2004. ISBN 88-7179-452-4

Prompt: In Maestà (Cimabue), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Il quarto stato

Il quarto stato fu mostrato al pubblico per la prima volta alla Quadriennale di Torino nel 1902, insieme con un'altra importante tela pellizziana, Il tramonto. L'opera non ebbe alcun riconoscimento ; altra cocente delusione fu il mancato acquisto della tela da parte di un museo, di Casa Savoia o di un qualche ente pubblico, così da poter porre rimedio alla situazione economica ormai fattasi disastrosa. Ciò malgrado, l'ideazione del Quarto stato è stata assolutamente esemplare: ne era consapevole Giovanni Cena, che all'indomani della Quadriennale scrisse che «è una cosa che resterà e che non ha paura del tempo, perché il tempo le gioverà».Il successo del Quarto stato presso il pubblico incominciò non tra le mura delle sale espositive - come si augurava il Pellizza - bensì mediante la stampa socialista e le innumerevoli riproduzioni.Nonostante le censure della critica, già nel 1903 il quadro venne ristampato nella rivista milanese Leggetemi! Almanacco per la pace, facendo da cornice artistica a un articolo di Edmondo De Amicis; analogamente, il 1º maggio 1903 venne riprodotto nel giornale Unione, mentre il 1º maggio dell'anno successivo fu il turno del periodico L'Avanguardia socialista. E ancora, nel 1905 assurse a simbolo della classe dei lavoratori comparendo sullAvanti! della domenica, rivista settimanale del quotidiano del Partito Socialista Italiano; nel 1906, invece, divenne cartoncino-strenna del giornale vogherese L'uomo che ride, diretto da un altro amico del Pellizza, Ernesto Majocchi, con il consenso «gratissimo» dell'artista.Frattanto, Pellizza - forte dell'alto medium di diffusione raggiunto dall'opera - tentò varie volte di esibire Il quarto stato presso altre mostre, ma invano: i comitati espositivi, temendo la pericolosità del soggetto, rifiutarono sempre di esporlo. Pellizza riuscì a vedere la propria opera d'arte esposta in una mostra solo una volta, nel 1907, a Roma presso la Società promotrice di Belle Arti: l'artista si suicidò, non ancora quarantenne, il 14 giugno dello stesso anno.Dopo un periodo di stasi , Il quarto stato fu esposto nel 1920, in pieno biennio rosso, in una retrospettiva monografica dedicata all'artista presso la Galleria Pesaro di Milano. Si trattò di una mostra decisiva per il futuro fisico dell'opera: all'antologica, infatti, partecipò anche il critico d'arte e soprintendente del Castello Sforzesco Guido Marangoni che, rimasto impressionato dall'imponenza del quadro pellizziano, decise di promuovere una sottoscrizione pubblica per acquistare la tela dagli eredi, insieme con il consigliere comunale Fausto Costa.Dopo l'acquisto , il dipinto nel 1921 entrò a far parte del patrimonio della Galleria d'Arte Moderna trovando collocazione nel Castello Sforzesco, nella sala della Balla. L'opera rimase visibile in quel luogo fino agli anni trenta quando, durante la riorganizzazione fascista degli allestimenti del museo, venne confinata in un deposito, donde riemergerà solo nella metà degli anni cinquanta, quando venne collocata nella sala della Giunta di Palazzo Marino, appena ricostruito dopo i bombardamenti bellici del 1943.Schermata iniziale del film Fu durante la permanenza al Palazzo Marino, luogo dall'alta valenza simbolica , che il culto del Quarto stato venne ravvivato; ciò avvenne soprattutto grazie al magistero critico di Corrado Maltese, che consacrò il dipinto quale «monumento più alto che il movimento operaio abbia mai potuto vantare in Italia». Grazie al giudizio di Maltese, il dipinto fu oggetto di una grande riscoperta da parte della critica contemporanea, divenendo protagonista di innumerevoli mostre e lavori di ricerca, di cui si segnalano le monografie di Aurora Scotti  e di Gabriella Pelissero . Con lo sviluppo dei mezzi di comunicazione, Il quarto stato è stato divulgato anche al di fuori degli ambienti artistici e letterari, approdando nel cinema: in tal senso, fondamentale fu Novecento, film del 1976 diretto da Bernardo Bertolucci ove il quadro pellizziano fa da sfondo ai titoli di testa.Il quarto stato rimase a Palazzo Marino fino al 1980, quando fu trasferito nella Galleria d’arte moderna di Milano, in una sala interamente dedicata al divisionismo; dal dicembre 2010 venne spostato nel Museo del Novecento, di cui costituiva la prima opera esposta, a testimonianza del riconoscimento del suo valore artistico. Dal luglio 2022 è ritornato nella Galleria d'arte moderna di Milano, , cui era stato originariamente assegnato nel 1921.

Prompt: Describe the characteristics of the Welcome history museum in The Fourth Estate (painting)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Allegoria del Vizio

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772 Mauro Lucco , Mantegna a Mantova 1460-1506, catalogo della mostra, Skira Milano, 2006

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Allegory of Vice (Correggio).Please output in Italian.


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Piccola Sacra Famiglia

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Focus on Small Holy Family and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

Il pannello sinistro mostra i Santi Nazario e Celso con donatore. I due titolari della chiesa sono rappresentati sullo sfondo di un cielo cupo, con Nazario in particolare, vestito di un'armatura pure accesa di riflessi, che indica al committente inginocchiato la figura di Cristo, seguito dal discepolo Celso.  scena è la più tradizionale e la meno dinamica del polittico, ma vi spicca comunque l'inteso ritratto del committente, inginocchiato di profilo come consueto. Il volto solcato dai segni dell'età, reso con precisione ma senza intaccare la dignità dell'individuo, ricorda il ritratto di Sigismondo de' Conti nella Madonna di Foligno di Raffaello.L'atmosfera pacata e i toni smorzati dei colori sarebbero un estremo omaggio all'antico maestro Giorgione.

Prompt: Explain the Santi Nazario e Celso col committente about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Averoldi Polyptych.Please output in Italian.

Giorgione
Madonna di Foligno
Nazario e Celso
Sigismondo de' Conti


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Deposizione Borghese

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In The Deposition (Raphael), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Realizzato dopo la serie dei dipinti delle cerimonie napoleoniche , questo ritratto fu l'ultima realizzazione di David consacrata a Napoleone.  committenza pervenne da Alexander Hamilton, X duca di Hamilton, ammiratore dell'imperatore ed amico di sua sorella Paolina. Il duca, mecenate e collezionista d'arte, sostenne Napoleone nella speranza di poter restaurare la casata degli Stuart sul trono inglese.  commissione venne intrapresa grazie al cavaliere Férréol de Bonnemaison, artista emigrato in Inghilterra a seguito della Rivoluzione, che conosceva David personalmente. Questi fece da intermediario tra il duca ed il pittore sia per le condizioni della realizzazione che per le transizioni finanziarie.  commissione si concretizzò con una lettera che il duca trasmise a David tramite Bonnemaison, datata 3 agosto 1811.

Prompt: Describe the characteristics of the Answer. in The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries's History.Please output in Italian.

Alexander Hamilton, X duca di Hamilton
Férréol de Bonnemaison
Stuart


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi  è un dipinto a tempera su tela  di Pieter Bruegel il Vecchio, databile al 1568 circa e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli.

Prompt: Focus on The Blind Leading the Blind and explain the Abstract.Please output in Italian.

1568
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Pieter Bruegel il Vecchio
Pieter Bruegel il Vecchio


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San Giorgio e il drago

Quella di san Giorgio e il drago è una leggenda medievale.

Prompt: In Saint George and the Dragon (Tintoretto), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La morte di Sardanapalo

Il dipinto ripropone la leggenda del potente re assiro Sardanapalo, la quale adombra la figura storica realmente esistita del re Assurbanipal, vissuto tra il 668 e il 626 a.C. I Greci, infatti, favoleggiarono che Sardanapalo, una volta resosi conto della sconfitta imminente, preferì morire insieme a tutti i suoi averi piuttosto che consegnarsi ai rivoltosi che stavano assediando il suo palazzo.Delacroix colse nella storia del suicidio di Sardanapalo - già trattata da lord Byron in un noto dramma - un ottimo modo per riunire in un unico quadro tutte le tematiche care al Romanticismo, come il pathos, l'orrore, l'esotismo, l'erotismo, il «sublime» contrapposto al «bello». L'opera, di quasi venti metri quadrati, è animata da un ardito dinamismo: Sardanapalo è riverso sul suo letto, che osserva inerme e impassibile la terribile carneficina che gli si apre davanti. Le donne dell'harem sono disperate e stanno per essere uccise senza pietà da alcuni uomini al servizio del re, «quasi fosse la rappresentazione di un incubo sadico in cui il possesso coincide con la distruzione dell'oggetto» . Una concubina, accasciata sul letto dove siede Sardanapalo, è già morta. Neanche il cavallo prediletto dal Re riesce a sfuggire alla morte, e presenta uno sguardo inquieto e pauroso, che stride molto con quello dello schiavo pronto a trafiggerlo con un coltello. Neanche la distruzione dei suoi beni preziosi  sembra commuovere Sardanapalo, che attende con risolutezza l'arrivo della serva con il veleno letale che lo ucciderà. L'unica cosa alla quale sta pensando è il rogo che, partendo dalla catasta ai piedi del letto, arderà senza pietà lui e tutta la servitù.Dal punto di vista compositivo la scena si articola su una diagonale che va dall'angolo inferiore destro all'angolo superiore sinistro, culminando così nella figura di Sardanapalo: le pennellate sono tumultuose e accesissime, e la tavolozza è accordata su tonalità rosse, nere e ocra, che contribuiscono a conferire grande luminosità all'insieme.

Prompt: Focus on The Death of Sardanapalus and explain the Description.Please output in Italian.


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Il pastore mercenario

Nel 1859, Robert Barnabas Brough pubblicò un racconto intitolato Calmuck nel periodico Household Words di Charles Dickens. Era un resoconto appena velato dell'esperienza di Hunt nel dipingere il quadro e della sua relazione con la modella Emma Watkins. Alcuni dei famigliari di Hunt si sorpresero dell'implicazione apparente che Watkins fosse giunta a Londra per stare con Hunt.Brian Aldiss utilizzò il quadro come leitmotiv nel suo romanzo del 1968 Rapporto sulla probabilità "A".

Prompt: Focus on The Hireling Shepherd and explain the Controversial literary.Please output in Italian.

Brian Aldiss
Charles Dickens
Household Words
Londra
Rapporto sulla probabilità "A"
Robert Barnabas Brough


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Bambini dell'Olocausto

František Bass , Petr Ginz , Hanuš Hachenburg , Honza Treichlinger  sono i più famosi tra i piccoli artisti, scrittori e poeti di Terezín. Muoiono tutti nelle camere a gas di Auschwitz. Gennaro Capuozzo , Franco Cesana , Luciano Domenico , Ugo Forno  e Filippo Illuminato  sono i più giovani partigiani italiani ad essere caduti in combattimento. Ad essi si aggiungono: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli , vittime dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine; Franco Centro , Beniamino Cobianchi  e Roberto Di Ferro , fucilati; e Franco Cetrelli , morto a Mauthausen. Sergio De Simone . Deportato a Auschwitz fu selezionato insieme ad altri 19 bambini di varia nazionalità per esperimenti medici sulla tubercolosi e quindi ucciso nei sotterranei della scuola amburghese di Bullenhuser Damm. Lea Deutsch . Attrice bambina ebrea croata. Muore durante il trasporto a Auschwitz. Anna Frank . Uno dei nomi e dei volti più noti dell'Olocausto. Autrice di un celeberrimo diario pubblicato nell'immediato dopoguerra e tradotto in numerose lingue. Deportata a Auschwitz. Morta nel campo di concentramento di Bergen-Belsen. Czesława Kwoka . Ragazzina polacca deportata ad Auschwitz in conseguenza dei programmi di pulizia etnica della regione di Zamosc. Tre celebri foto di Wilhelm Brasse  la ritraggono al suo arrivo al campo il 13 dicembre 1942. Muore di stenti ad Auschwitz il 12 marzo 1943. Ernst Lossa . Ragazzo Jenish, vittima dei programmi di eutanasia nazista. Dawid Rubinowicz . Autore di un celebre diario. Morto nel campo di sterminio di Treblinka. Settela Steinbach . Ragazzina olandese di etnia sinti, divenuta simbolo del genocidio dei gitani. Morta ad Auschwitz. Jerzy Feliks Urman . Autore di un diario dal ghetto di Stanisławów. Morto suicida per sfuggire alla cattura. Henio Zytomirski . Bambino ebreo polacco morto a Majdanek e divenuto simbolo dello sterminio dei bambini in Polonia.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Victims of the Historical research explained?Please output in Italian.

Anna Frank
Beniamino Cobianchi
Czesława Kwoka
Dawid Rubinowicz
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Ernst Lossa
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
František Bass
Gennaro Capuozzo
Hanuš Hachenburg
Henio Zytomirski
Honza Treichlinger
Jerzy Feliks Urman
Lea Deutsch
Luciano Domenico
Michele Di Veroli
Olocausto


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-portrait (van Dyck, New York)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-portrait (Thomas Eakins) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Il quarto stato

Pellizza, prima di dipingere la grande tela del Quarto stato, decise nell'agosto 1895 di realizzarne uno studio in olio preliminare: questa redazione rappresenta di fatto un punto di rottura con gli antecedenti Ambasciatori della fame. Rispetto ai bozzetti precedenti, la massa di gente qui è vastissima, tale da formare - come suggerisce il titolo - una vera e propria fiumana umana; cambia anche la gamma luminosa, stavolta giocata con l'utilizzo di «contrasti dal giallo al rosso, con dominanti sulfuree nelle figure e su toni dal blu al verde nello sfondo, dove il cielo è di forte intensità blu azzurrata e verdi delle piante si riflettono nel terreno». Contestualmente, l'ombra in primo piano viene abolita e viene prediletto un punto di vista meno alto, in modo da dare maggiore enfasi alla folla, stavolta portata più in avanti. Viene inoltre aggiunta una nuova figura femminile con un bimbo in braccio; quest'ultima, posta in posizione subordinata rispetto al resto dei riottosi, viene intesa passivamente come allegoria dell'umanità. Altra peculiarità della Fiumana è il suo valore universale, cristallizzato in un poema scritto sul margine della tela da Pellizza stesso:

Prompt: Explain the 1895-1898: "Fiumana". about the Description of this artwork, The Fourth Estate (painting).Please output in Italian.


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Ritratto di Commodo come Ercole

divinizzazione di Commodo come nuovo Ercole fu anticipata anche dai coni monetari del 188-189, legata alle promesse salvifiche dei suoi programmi religiosi. raffigurazione coglie in maniera perfetta questi aspetti e conclude la fase del classicismo nella scultura romana, ripreso sotto Adriano e svoltosi nel corso del II secolo con accenti ora patetici, ora frigidi, ora pittoricistici.  rappresentazione è costruita con virtuosismo, quasi a gareggiare nel marmo col metallo prezioso.

Prompt: In Commodus as Hercules, how is the Profile, politics, style discussed?Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Van Gogh iniziò a disegnare e a dipingere con gli acquerelli mentre era a scuola; alcune di queste opere sopravvivono e la loro paternità è contestata da alcuni critici Quando iniziò a dipingere da adulto, cominciò a un livello elementare copiando il  Cours de dessin , di Charles Bargue e pubblicato da Goupil & Cie. Nel giro di due anni aveva cominciato a cercare delle commesse e nella primavera del 1882, suo zio, Cornelis Marinus - proprietario di una galleria d'arte contemporanea di fama ad Amsterdam - gli richiese dei disegni de L'Aia, ma il lavoro di Van Gogh non si dimostrò all'altezza delle aspettative di suo zio. Marinus gli offrì una seconda commessa, questa volta indicante l'oggetto in dettaglio, ma rimase ancora una volta deluso del risultato. Tuttavia, Van Gogh perseverò. Migliorò l'illuminazione del suo studio installando persiane ad apertura variabile e sperimentò una varietà di materiali da disegno. Per più di un anno lavorò sui dati singoli elaborando studi in "bianco e nero", che all'epoca gli fruttarono solo critiche. Oggi sono riconosciuti come i suoi primi capolavori.

Prompt: In the context of Early works of Vincent van Gogh, explain the Development of his/her art and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Amsterdam
Charles Bargue
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia


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Allegoria della Virtù

Vi è rappresentata al centro Minerva, che tiene nella destra una lancia rossa spezzata e nella sinistra un elmo piumato, quale ideale continuazione del Trionfo della Virtù del Mantegna nello stesso studiolo. Dietro di lei la Gloria alata le porge una corona di alloro mentre assisa alla sua destra sta una figura femminile circondata dai simboli delle quattro virtù cardinali .  figura femminile che sta alla sinistra di Minerva è stata interpretata come l'Astrologia, la Scienza o più in generale la Virtù Intellettuale. Per il suo gesto, che indica un punto fuori del quadro, svolge un ruolo affine a quello riservato nell'Allegoria del Vizio al malizioso fanciullo che guarda verso l'osservatore alludendo allo spazio oltre la cornice del quadro. Il punto d'incrocio delle due diagonali della tela si trova esattamente sulla bocca della protagonista trionfante.È stato osservato come il Correggio abbia meditato sul dipinto, destinato allo stesso studiolo di Isabella, eseguito dal suo antico maestro Andrea Mantegna. In effetti alcuni dettagli come la lancia rossa spezzata portata da Minerva ricorrono nelle due opere. Ma per quanto riguarda lo stile le due Allegorie, costruite su poche comparse serenamente ospitate in un luminoso paesaggio estivo, articolate secondo quell'ormai sapiente dialettica di sguardi e di gesti intrecciati tra loro, ed addolcite da un colorito pastoso e morbido, sono in realtà profondamente diverse dalla cultura antiquaria che informava i dipinti degli artisti quattrocenteschi che le avevano precedute.Alcuni leggono l'allegoria come Isabella, nelle vesti della Sapienza, presiede al convegno di ogni forza dell'intelletto e del carattere umano.  Anche in questa composizione i vegetali hanno il loro ruolo importante: sono cosparsi sull'umido primo piano, s'agitano come rami nel vento, ma soprattutto dispongono quella singolare esedra verzicante che si stende dietro al gruppo seduto e che viene formata da tornite colonne di foglie, rigirate su vimini intrecciati.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Allegory of Virtue (Correggio).Please output in Italian.

Allegoria del Vizio
Astrologia
Andrea Mantegna
Trionfo della Virtù


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Gioele

Joël Bats, calciatore franceseJoël Bouzou, pentatleta franceseJoël Cantona, calciatore franceseJoël Chenal, sciatore alpino franceseJoël Corminbœuf, calciatore svizzeroJoël Curbelo, cestista portoricanoJoël de Oliveira Monteiro, calciatore brasilianoJoël Egloff, scrittore e sceneggiatore franceseJoël Epalle, calciatore cameruneseJoël Gaspoz, sciatore alpino svizzeroJoël Jutge, arbitro di rugby e dirigente sportivo franceseJoël Kimwaki, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël utier, scacchista franceseJoël Le Theule, politico franceseJoël Matip, calciatore tedesco naturalizzato cameruneseJoël Muller, calciatore, allenatore di calcio e dirigente sportivo franceseJoël Quiniou, arbitro di calcio franceseJoël Retornaz, giocatore di curling italianoJoël Robert, pilota motociclistico belgaJoël Sami, calciatore della Repubblica Democratica del CongoJoël Smets, pilota motociclistico belgaJoël Stransky, rugbista a 15, imprenditore e dirigente d'azienda sudafricanoJoël Tanter, calciatore franceseJoël Tshibamba, calciatore della Repubblica Democratica del Congo

Prompt: In the context of Prophet Joel (Michelangelo), explain the Variant Joël and the Variants.Please output in Italian.

Joël Bats
Joël Bouzou
Joël Cantona
Joël Chenal
Joël Corminbœuf
Joël Curbelo
Joël Egloff
Joël Epalle
Joël Gaspoz
Joël Jutge
Joël Kimwaki
Joël Le Theule
Joël Matip
Joël Muller
Joël Quiniou
Joël Retornaz
Joël Robert
Joël Sami
Joël Smets
Joël Stransky
Joël Tanter
Joël Tshibamba
Joël de Oliveira Monteiro


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Corteo funebre di Carlo XII

Realista solo nelle intenzioni e nella tecnica pittorica, l’opera è in realtà il risultato di un’interpretazione molto romanzata dei fatti. Il re, infatti, non fu rimpatriato in pieno giorno su una barella aperta bensì di notte fino all’accampamento di Tistedalen e da lì in una bara di abete fino ad Uddevalla, dove fu imbalsamato.Il tragitto più verosimile fu quello che corrisponde all’odierna statale 220 in Norvegia  oppure alla statale 884 . Poiché entrambi i percorsi sono piuttosto pianeggianti, anche lo sfondo montuoso è una reinterpretazione molto libera dei fatti.  scelta fu infatti ispirata alla catastrofe del monte Øy , nella quale 3000 soldati del contingente guidato da Carl Gustaf Armfeldt morirono assiderati, sorpresi da una bufera sulla strada del ritorno in patria attraverso la parte settentrionale della catena del Sylan, nella regione del Tydal.Cederström era ben consapevole di essersi preso delle libertà artistiche e nel 1919 rispose alle critiche commentando:

Prompt: Explain the Style of this artwork, Bringing Home the Body of King Charles XII.Please output in Italian.

Carl Gustaf Armfeldt
Norvegia
Sylan
Tistedalen
Tydal
Uddevalla


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Opere di Giovanni Bellini San Girolamo San Cristoforo Sant'Agostino Ludovico di Tolosa

Prompt: How does Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Ludovico di Tolosa
Opere di Giovanni Bellini
San Cristoforo
San Girolamo


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Focus on Self-Portrait with Palette (Manet) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna Chellini

Il tondo rappresenta la Vergine nell'atto di reclinare il capo sul piccolo Bambino, sorridente in primo piano. Ai lati dell'opera compaiono quattro angioletti in venerazione.Donatello curò non solo il recto, ma anche il verso dell'opera, che si poteva usare, cosa assai rara per l'epoca, anche come stampo, per ottenere copie successive in vari materiali .  Madonna Chellini era quindi sia un originale, sia uno stampo per copie, e anticipava le idee di una produzione artistica serializzata.

Prompt: How does Chellini Madonna explain its Description?Please output in Italian.


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Deposizione di Sansepolcro

L'opera fu commissionata il 23 settembre 1527 dalla Confraternita di Santa Croce  per il loro altare sito nella chiesa di Santa Croce a Sansepolcro al Rosso arrivato da poco in città in fuga dal Sacco di Roma. L'allogazione venne ceduta volentieri dal pittore locale Raffaellino del Colle, affinché in città "rimanesse qualcosa di suo", cioè del Rosso, come ricordò Vasari. Assai probabile è che come ringraziamento il Rosso dovette donare una serie di disegni al collega, un po' come era successo a Perugia; tracce di influenza rossesca abbastanza marcata si incontrano ad esempio nellIncoronazione della Vergine di Raffaellino del Colle nel Museo civico , in cui sono presenti figure "alla romana", una Maddalena che ricorda le sante inginocchiate della Pala Dei, un inedito cangiantismo e gonfiore dei panneggi, soprattutto in quelli della santa.  commissione fu avallata e aiutata dal vescovo Leonardo Tornabuoni, già committente del Rosso a Roma e pure rientrato da poco in città in fuga dal Sacco. Al 1º luglio 1528 la pala doveva essere terminata, quando l'artista firmò un nuovo contratto per il Cristo risorto in gloria di Città di Castello. Nel 1554 la Compagnia cedette alle monache benedettine tutti i propri beni, tavola compresa: le monache eressero poi la chiesa di San Lorenzo, dove ancora oggi l'opera si trova.

Prompt: In Sansepolcro Deposition, how is the History discussed?Please output in Italian.

1527
1528
1554
Città di Castello
Cristo risorto in gloria
Leonardo Tornabuoni
Pala Dei
Raffaellino del Colle
Sansepolcro


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Madonna di Darmstadt

Al centro dell'immagine si trova Maria, la cui figura è posta in trono.  cornice attuale, rettangolare nella parte inferiore della composizione, posiziona invece nella parte superiore un semicerchio il cui diametro corrisponde approssimativamente alla metà della larghezza del rettangolo sottostante. Il manto della Madonna forma i contorni esterni di una piramide immaginaria. Visivamente, l'immagine è divisa longitudinalmente dalla cintura rossa di Maria. Le tre donne sulla destra occupano poco più di un terzo della composizione, mentre le tre figure maschili sulla sinistra quasi i due terzi dello spazio dell'immagine. I personaggi maschili, inginocchiati, sono sfalsati rispetto al centro del quadro. L'osservatore vede le figure dal davanti, i volti di Meyer e il ragazzo nel profilo di tre quarti, il bambino è dal davanti. Dal lato degli uomini, le figure seguono quasi la diagonale dello schermo. D'altra parte, sul lato più stretto delle donne, la svolta verso il centro è solo accennata dalla figura centrale spostata leggermente a destra. Le tre donne sono tutte e tre di profilo e si presentano come in fila, una a fianco all'altra. Solo Dorothea Kannengießer rivolge parte dello sguardo verso lo spettatore. A causa del vestito bianco di Anna Meyer e dei cappucci bianchi delle due mogli di Meyer, la parte destra del dipinto sembra in generale più luminosa. Su entrambi i lati, tuttavia, la figura più rilevante nella composizione appare anche come la più luminosa, migliorando l'effetto di profondità dell'immagine. Il colore rosso colpisce nella cintura della Vergine, nella calzamaglia rossa portata dal ragazzo e nel rosario di Anna Meyer. Questi oggetti scarlatti descrivono un triangolo che collega entrambi i lati dell'immagine con la figura centrale della Madonna. testa e le braccia della Madonna, che reggono il piccolo Gesù, occupano uno spazio quasi separato al di sopra del ginocchio. Se si completa il semicerchio della conchiglia che si trova dietro la testa di Maria con un cerchio, si crea un medaglione circolare con Maria e il bambino. Il centro di questo cerchio è formato da una singola perla che tiene insieme il delicato indumento della Vergine all'interno di una spilla d'oro.

Prompt: Explain the Composition about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Il grande caprone

Il grande caprone fa parte della serie di Stregonerie destinate al despacho  dell'Alameda, residenza di campagna dei duchi di Osuna, suoi affezionati committenti. L'opera, completata nel 1798 , presenta un codice figurativo demoniaco che non era frutto dell'impeto visionario di Goya, bensì era molto di moda tra gli intellettuali del tempo. Successivamente l'opera giunse nelle collezioni del finanziere José Lázaro Galdiano, il quale alla sua morte ne fece dono allo Stato Spagnolo. Oggi l'opera è esposta a Madrid, nel Museo Lázaro Galdiano.Il dipinto raffigura un caprone con ramoscelli di quercia intrecciati tra le sue corna ed occhi fiammeggianti, palese simbolo diabolico, che officia un rito di streghe. Una delle fattucchiere, per tributargli omaggio, gli sta offrendo un corpulento bambino, probabilmente rapito quel giorno stesso ; la scena, tuttavia, è disseminata di cadaveri di fanciulli già sacrificati al demonio.

Prompt: How does Witches' Sabbath (Goya, 1798) explain its Description?Please output in Italian.


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Battaglia di Alessandro e Dario a Isso

Stefano Zuffi, Il Cinquecento, Electa, Milano 2005. ISBN 88-370-3468-7 rry Silver, Forest Primeval: Albrecht Altdorfer and the German Wilderness ndscape, Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, Vol. 13, No. 1 , pp. 4-43

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Battle of Alexander at Issus.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

{ class="wikitable" style="text-align:center"-! Anno! Film! Attore! Note-  1920 Das Schweigen am Starnbergersee Ferdinand Bonn
 Martin Wilhelm  -  1920 Ludwig II. Olaf Fjord -  1930 Ludwig der Zweite, König von Bayern William Dieterle -  1955 Ludwig II: Glanz und Ende eines Königs O.W. Fischer - 1972 Ludwig - Requiem per un re vergine
  Harry Baer
 Balthasar Thomass  -  1973 Ludwig Helmut Berger - 1983 Wagner László Gálffi Miniserie televisiva- 1993 Ludwig 1881 Helmut Berger - 1999 Ludwig II - Die volle Wahrheit Georg Ringsgwandl Uscito in home video- 2011 Celles qui aimaient Richard Wagner Stéphane Bern - 2012 Ludwig II Sabin Tambrea
 Sebastian Schipper  }

Prompt: In Ludwig II (sculpture), how is the New movie of the Ludovico in the mass culture explained?Please output in Italian.

1973
Helmut Berger
Ludwig II.
Richard Wagner


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La sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche

Il Grande Vetro è realizzato con due lastre rettangolari di vetro disposte l'una sull'altra e separate da una cornice di acciaio.Attraverso questi due ambienti Duchamp mette in luce impulsi, desideri e forze che intervengono quando l'uomo viene stimolato da una donna.In alto è mostrata una Sposa, l'oggetto del desiderio, in basso i suoi corteggiatori, frustrati per l'impossibilità di unire i due piani.
Il Vetro è dunque bipartito: in alto la femminilità, la provocazione e forme fluide, in basso la mascolinità e forme rigide.
In alto sulla sinistra, nel "Regno della Sposa", è rappresentata una figura femminile, chiamata da Duchamp anche l'Impiccato-femmina, sospesa a un gancio.L'aspetto della Sposa è molto lontano da quello di un essere umano: è «una mia invenzione di sposa» osservò Duchamp.
A destra della figura vi è una nube color carne, la “Via lattea”, che presenta tre fori quadrati, chiamati Pistoni di corrente d’aria o Reti.
Infine, sulla destra della nuvola, nove fori costituiscono "l'area dei Nove spari".Nel realizzarli Duchamp si servì di alcuni fiammiferi intinti nella vernice fresca che, lanciati sul vetro per mezzo di un cannone giocattolo, segnarono quelli che sarebbero stati poi i punti perforati da un vetraio.
 zona inferiore è denominata "Cimitero delle uniforme e livree", "Regno dello Sposo" o "Apparecchio Scapolo".Qui vi si trovano, simmetrici rispetto alla sposa, gli scapoli, raffigurati come gusci vuoti, ognuno dei quali indossa un abito professionale ed è sormontato da un copricapo.Ciascun abito è una divisa . Sia l'identità della Sposa, resa innaturale, che quella degli Scapoli, raffigurati con nove personaggi diversi, risultano pertanto segrete.
Inizialmente destinate a essere dipinte ognuna con un colore diverso, le nove figure sono state in realtà realizzate tutte con un «rosso di piombo», un colore anticamente legato ai riti mortuari: nella preistoria infatti i morti venivano cosparsi di ocra rossa.Il rosso era inoltre il colore dell’immortalità e il colore dell'Eros e, infatti, i nove stampi maschi sono anche chiamati "Matrice di Eros".
I nove scapoli sono collegati per mezzo di Vasi capillari e comunicano con i sette Setacci .
 Macinatrice si trova al centro del Regno dello sposo ed è formata da tre rulli.Nel 1913 Duchamp aveva già realizzato un'opera che raffigurava questo soggetto, dal nome Macinatrice di cioccolato n.1.Osservandone spesso una nella vetrina di una nota pasticceria di Rouen, la sua città, Duchamp la prese a modello per realizzare la sua versione della macinatrice.vorando al Vetro egli ne ridisegnò un'altra: Macinatrice di cioccolato n.2.
Sulla Baionetta  sono raffigurate delle Forbici, che collegano l'oggetto a un Carrello, Slitta o Scivolo sulla sinistra.
Il Carrello esegue dei movimenti in avanti e indietro, al di sopra di pattini mossi da un mulino ad acqua, permettendo, con questo movimento, l’apertura e la chiusura delle Forbici.Dai setacci vengono emessi schizzi verso l’alto, che si collegano ai nove spari sovrastanti e che rappresentano l’orgasmo degli Scapoli, finalizzato alla fecondazione della Sposa.
 fecondazione però non avviene perché gli spari non colpiscono l'obiettivo e sono sparsi in un'ampia area del vetro superiore.L'incontro fra la Sposa e gli Scapoli risulta pertanto irrealizzabile.
Il fallimento del tentativo è dovuto, inoltre, alla presenza nella vita del caso, un protagonista del Grande Vetro. Anche lo sfondo sarebbe stato volutamente casuale: risultando trasparente esso cambia a seconda dell'ambiente in cui il Vetro è collocato.
Duchamp descrisse il Grande Vetro come «una macchina agricola», «un mondo in giallo» o come «un Ritardo in Vetro».
Il suo intento era quello di slegare il Vetro dal concetto di quadro, dipinto o opera d'arte.Il riferimento all'agricoltura è dovuto al fatto che questa attività era tradizionalmente pensata come un'unione simbolica tra la Terra e il Cielo, così come l'aratura poteva essere accostata all'atto sessuale.

Prompt: Explain the Description of this artwork, The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even.Please output in Italian.


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Goya curato dal dottor Arrieta

Nel 1819, immediatamente dopo il trasferimento nella Quinta del Sordo, Goya iniziò ad accusare i segni di una debilitante malattia che lo stava quasi trascinando alla morte. Riuscì a sopravvivere solo grazie alle attente ed affettuose cure del dottor Arrieta. In questo quadro, infatti, Goya si autoritrae malato, agonizzante e completamente privo di forze.  sua bocca leggermente aperta e piegata dal dolore, lo sguardo spento, gli occhi travagliati dalla cecità, il collo ormai incapace di reggere il capo e le mani che afferrano un lenzuolo bianco mostrano contemporaneamente quanto fosse debilitato e angosciato. Per riportare le parole di Silvia Borghesi, «si direbbe quasi una maschera mortuaria se un lamento non si facesse udire da quell'uomo cascante, che con un filo di voce e la sua presenza dolente si afferma ancora contro le ombre della morte».Quest'autoritratto, l'ultimo lasciatoci dal pittore aragonese, si può benissimo considerare un commosso ex voto pittorico dipinto in segno di ringraziamento per essere sfuggito alla morte per l'ennesima volta. Non a caso, il Goya curato dal dottor Arrieta fu dedicato dal pittore non alla Madonna o un Santo, ma illuministicamente proprio al dottor Arrieta, cui lasciò un'eloquente dedica nella parte inferiore della tela:Nel quadro il dottor Arrieta è ritratto mentre assiste il paziente con tenerezza e competenza, sostenendolo e facendogli bere un farmaco: tra lui e Goya si è ormai stabilito un vincolo indissolubile che li vede entrambi attivamente partecipi nella lotta contro l'infermità, così come già predicava Ippocrate nel V. secolo a.C.: «Malato e medico combattano insieme contro la malattia». Nella penombra nerastra che circonda Goya e Arrieta, infine, emergono tre astanti sinistri e silenziosi che, con i loro lineamenti deformi e le loro membra gracili e meschine, sembrano quasi essere vissuti attraverso la malattia: secondo alcune interpretazioni dietro queste funerarie figure vi sarebbero persino le Parche in attesa di ghermire Goya e di recidere il filo della sua vita.  morte, tuttavia, avrebbe colto Goya solo otto anni più tardi, e il pittore - ormai riabilitatosi - avrebbe avuto così l'opportunità di produrre altre opere d'arte destinate a divenire celebri, come le Pitture Nere e  lattaia di Bordeaux.

Prompt: How does Self-portrait with Dr Arrieta explain its Analysis?Please output in Italian.


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Danae

Figlia di Acrisio e di Euridice, o da Preto il figlio Perseo.

Prompt: How does Danaë (Klimt) explain its Genealogy?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo con libro

AA.VV., The Metropolitan Museum of Art Guide, The Metropolitan Museum of Art/Yale University Press, New York/New Haven 1994/2005. ISBN 0-87099-710-6

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Man with a Book (Bronzino).Please output in Italian.

Metropolitan Museum of Art
Metropolitan Museum of Art
New York


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La casa dell'impiccato

Dopo essere stato dipinto ad Auvers-sur-Oise, sotto l'influenza dell'amico Camille Pissarro,  casa dell'impiccato venne esposto insieme ad altre due tele dell'artista, alla prima mostra degli impressionisti, tenutasi a Parigi dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nella galleria del fotografo Nadar,  mostra, com'è noto, fu accolta da un diluvio di commenti ilari e denigratori, sia di pubblico sia di critica: quest'impietosa ondata di dissenso, se sotto un certo punto di vista disilluse e scoraggiò moltissimi potenziali acquirenti, non coinvolse il conte Armando Doria, che acquistò  casa dell'impiccato al prezzo di 300 franchi. L'opera, esposta all'Esposizione mondiale di Parigi nel 1889, nel 1986 è pervenuta alle collezioni del Museo d'Orsay di Parigi, dov'è esposta tuttora. casa dell'impiccato, Auvers-Sur-Oise, di là dal titolo inquietante e romanzesco, raffigura uno scorcio dell'omonimo paese, quasi incastonato nel cuneo fra le due grandi case campestri in primo piano. Dal punto di vista contenutistico  casa dell'impiccato si configura, infatti, come un semplice dipinto di tema paesaggistico: in primo piano troviamo un sentiero delimitato da un muricciolo e abbarbicato su un declivio scosceso, il quale conduce lo sguardo dell'osservatore verso alcuni caseggiati di Auvers, fiancheggiati da un colle verdeggiante e dagli scheletri nudi di alcuni alberi che divampano verso il cielo. In fondo, infine, si dipana una vallata che, perdendo di intensità, si fa quasi celeste congiungendosi con l'orizzonte, accarezzato da una calda luce pomeridiana.Quel che più colpisce, tuttavia, è la tecnica con la quale Cézanne ha eseguito  casa dell'impiccato. Si tratta di un'opera indubbiamente condotta alla maniera degli impressionisti: Cézanne, seguendo i consigli del maestro Camille Pissarro, ha infatti realizzato la tela en plein air, ovvero all'aria aperta, dipingendo un soggetto apparentemente banale - quale è lo scorcio naturalistico di una città francese - con pennellate luminose che evocano in maniera ottimale la sensazione dell'occhio. Già in questo dipinto, tuttavia, Cézanne si avventura in strade estranee all'Impressionismo che poi condurranno al suo stile costruttivo della maturità: rifiutando la sola impressione visiva, invero, il pittore provenzale rinuncia a scandagliare otticamente il reale per catturare l'apparenza effimera delle cose e sceglie piuttosto un percorso percettivo diverso, finalizzato a indagare la consistenza concreta della realtà di là dalle apparenze testimoniateci dai sensi. È per questo motivo, ad esempio, che Cézanne presta maggiore attenzione alla plasticità delle forme, scandendo in maniera rigorosa e precisa lo spazio pittorico grazie alle spinte verticali delle alberature e alle forme orizzontali dei tetti delle case. Interessanti anche le pennellate, chiare, frammentate e poco diluite con l'olio, il che comporta una superficie materica, granulosa, che - rispetto agli Impressionisti - definisce in maniera più marcata le varie volumetrie presenti.

Prompt: Explain the History and description of this artwork, The Hanged Man's House.Please output in Italian.

Auvers-sur-Oise
Camille Pissarro
Museo d'Orsay
Museo d'Orsay
Nadar
Parigi


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Self-portraits by Albrecht Dürer and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The influence of photography and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Velo della Veronica

Il Velo della Veronica è menzionato da Dante Alighieri nella Divina Commedia e da Francesco Petrarca. Dante nel Paradiso  scrive: "Qual è colui che forse di Croazia / viene a veder la veronica nostra…". Petrarca nel suo Canzoniere, nel sonetto "Movesi il vecchierel canuto e bianco" , accostando amore sacro e amore profano, paragona la partenza di un vecchio per recarsi a Roma a vedere la Veronica, immagine di Cristo, alla ricerca che fa il poeta dell'immagine della donna amata in quella di altre donne .

Prompt: How does Head of Christ (Correggio) explain its Literature?Please output in Italian.

Cristo
Dante Alighieri
Divina Commedia
Francesco Petrarca
Roma
Veronica


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Daniele

Danijel Aleksić, calciatore serbo Danijel Brezič, calciatore sloveno Danijel Cesarec, calciatore croato Danijel Jusup, allenatore di pallacanestro croato Danijel Ljuboja, calciatore serbo Danijel Pantič, giocatore di calcio a 5 sloveno Danijel Pranjić, calciatore croato Danijel Premerl, calciatore jugoslavo Danijel Premuš, pallanuotista croato naturalizzato italiano Danijel Radiček, calciatore croato Danijel Šarić, pallamanista bosniaco Danijel Stojanović, calciatore croato Danijel Subašić, calciatore croato Danijel Subotić, calciatore bosniaco naturalizzato svizzero Danijel Žeželj, fumettista, illustratore e pittore croato

Prompt: Explain the Variant Danijel about the Variants of this artwork, Prophet Daniel (Michelangelo).Please output in Italian.

Danijel Aleksić
Danijel Brezič
Danijel Cesarec
Danijel Jusup
Danijel Ljuboja
Danijel Pantič
Danijel Pranjić
Danijel Premerl
Danijel Premuš
Danijel Radiček
Danijel Stojanović
Danijel Subašić
Danijel Subotić
Danijel Šarić
Danijel Žeželj


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Strage degli innocenti

L'episodio è narrato nel Vangelo secondo Matteo, , senza paralleli negli altri vangeli canonici. Il racconto comincia dopo la nascita di Gesù, al tempo di Erode il Grande . Alcuni magi giunsero a Gerusalemme chiedendo dove si trovasse il re dei Giudei, appena nato. Erode si turbò alla notizia e chiese ai sommi sacerdoti e agli scribi del popolo il luogo dove sarebbe dovuto nascere il messia e, avuta risposta che le profezie indicavano Betlemme, disse ai magi, convocati in segreto, di recarsi nella cittadina giudea e di tornare a riferirgli, affinché potesse adorarlo anche lui. Avvertiti in sogno da un angelo i magi decisero di non tornare a Gerusalemme. Avvertito a sua volta da un angelo dopo la partenza dei magi, Giuseppe portò la sua famiglia in Egitto ; Erode, sentendo minacciato il proprio trono, ordinò l'uccisione di tutti i neonati maschi dai due anni in giù del territorio di Betlemme. L'episodio termina ricordando come la strage degli innocenti avesse verificato una profezia biblica, narrata nel Libro di Geremia.

Prompt: In Massacre of the Innocents (Reni), how is the Gospel episode discussed?Please output in Italian.

Betlemme
Erode il Grande
Gerusalemme
Gesù
Libro di Geremia
Vangelo secondo Matteo


subsection

Sacrificio di Isacco

Sacrificio di Isacco di Lorenzo Ghiberti  Sacrificio di Isacco di Filippo Brunelleschi  Sacrificio di Isacco di Donatello  Sacrificio di Isacco di Alonso Berruguete

Prompt: Explain the Sculptures about the The ethical problem of the sacrifice of Isaac in the philosophy of Kierkegaard of this artwork, The Sacrifice of Isaac (Rembrandt).Please output in Italian.

Alonso Berruguete
Donatello
Filippo Brunelleschi
Sacrificio di Isacco
Isacco
Lorenzo Ghiberti


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Democrito

Nella sua lunga esistenza Democrito scrisse anche opere di etica, in cui affermava che l'interesse maggiore dell'Uomo deve essere la felicità, che si ricerca attraverso una moderata cancellazione della paura: per questo egli divenne noto come il "filosofo del riso", a differenza del triste e pessimista Eraclito che venne definito il "filosofo del pianto".Tuttavia, per Democrito la felicità non è da identificarsi nel possesso di beni materiali, nel prestigio o nel potere, ma nell'essere moderati e nel condurre una vita giusta. È necessario essere coraggiosi non in guerra, bensì contro i piaceri sensibili che rendono l'uomo schiavo dei sensi. Il razionalismo etico di Democrito assume come concetto guida il raggiungimento dell'eutimia , ossia della tranquillità, della serenità dell'animo. Vero saggio dunque è colui che impronta la sua vita a regole di moderazione, di accorta misura e di equilibrio, rifuggendo i turbamenti e le passioni. Il discorso morale di Democrito ha un carattere prevalentemente personale e privato, in quanto si rivolge al singolo e alla sua ricerca della felicità e del bene più che alla comunità sociale e politica.  tranquillità interiore d'altro canto non implica affatto la passività e l'ozio, anzi Democrito apprezza la vita attiva e produttiva, affermando tra l'altro che: Le fatiche sono più piacevoli dell'inerzia. Secondo l'autore l'anima e le idee possono essere ricondotte al materiale e ai sensi.Inoltre Democrito elegge la ragione a giudice e guida dell'esistenza e fa dell'equilibrio e della misura il supremo ideale di condotta.Questa morale mette a capo a un'etica del dovere fondata sul rispetto verso se stessi: non si deve aver rispetto per gli altri più che per sé.Secondo Democrito, Atena, intesa come saggezza, è chiamata tritogena, perché dal ragionare con saggezza derivano tre facoltà: il retto volere, il retto parlare e il retto agire.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the Ethics and the Biography.Please output in Italian.


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Epifania

In Galles, l'Epifania cadeva il 6 gennaio ed era conosciuta come Ystwyll. Nel Glamorganshire era usanza preparare un'enorme pagnotta o torta, che veniva poi divisa in tre parti per rappresentare Cristo, la Vergine Maria e i Magi biblici. Un folto numero di vicini di casa veniva invitato ad assistere alla divisione della torta in cui erano nascosti gli anelli. Chi scopriva un anello nella sua fetta di torta  veniva eletto Re o Regina e presiedeva ai festeggiamenti della giornata.Il 6 gennaio era il giorno di Natale del calendario antecedente la riforma del 1752 e molte delle festività ad esso collegate durarono ben oltre il secolo successivo alla riforma stessa.Il Galles condivide altre usanze della dodicesima notte con la vicina Inghilterra, tra cui il ceppo di Yule e il wassail per propiziare agli agricoltori un buon raccolto per l'anno a venire; qui, è costume che le ceneri del ceppo di Yule siano salvate e seppelliti insieme ai semi piantati nella primavera successiva, e che la ciotola di wassail sia portata nella casa degli sposi novelli o di una famiglia da poco venuta ad abitare nel luogo, in un dialogo di recita e canti fra chi rimaneva dentro e fuori dalla porta.Un'altra usanza gallese associata all'Epifania era la caccia allo scricciolo. Un gruppo di giovani usciva in campagna per catturare uno scricciolo, che veniva quindi posto in una piccola gabbia decorata e portato in giro di casa in casa e mostrato in cambio di denaro o di cibo e bevande. Quando non si riusciva a trovare uno scricciolo, allora veniva utilizzato un passero per lo stesso rituale.

Prompt: Describe the characteristics of the Wales in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Galles
Glamorgan
Inghilterra
Natale
Yule


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Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: Focus on The Sacrifice of Isaac (Rembrandt) and explain the Parallel with Islam.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Focus on Annunciation (Pontormo) and explain the The house of the Annunciation.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Musica

Diverso dal concetto folklorico di canto popolare, ma da esso originata, la canzone attraverso i suoi interpreti raccontò, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la storia, le vicende, e le trasformazioni delle città italiane e straniere. Si diffuse nei salotti borghesi dove si organizzavano incontri di società; questa volta come dice lo slogan <non sono canzoni del popolo ma sono per il popolo> tale slogan esemplificò la matrice del successo generalizzato ottenuto grazie allo sviluppo di tematiche vicine ai sentimenti comuni.Spesso si trattò di canzoni dialettali che parteciparono a festival come quello celeberrimo di Piedigrotta e che rapidamente trascesero le frontiere dei vari stati e le incomprensioni linguistiche.Con l'introduzione di rapporti innovativi tra gli autori e gli editori, con una gestione regolamentata internazionalmente dei diritti degli autori e con la prospettiva di poter usufruire di un pubblico sempre più vasto, gli uffici della Siae dell'epoca vennero presi d'assalto da un nugolo di nuovi autori, di tutte le estrazioni sociali e culturali.

Prompt: In Music (Matisse), how is the The popular song of the The studio explained?Please output in Italian.


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Storie della Vera Croce

Le Storie della Vera Croce costituiscono un ciclo di affreschi conservato nella cappella maggiore della basilica di San Francesco ad Arezzo. Iniziato da Bicci di Lorenzo, venne dipinto soprattutto da Piero della Francesca, tra il 1452 e il 1466, che ne fece uno dei capolavori di tutta la pittura rinascimentale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Legend of the True Cross.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Questo dipinto riprende lo schema descrittivo de Il giuramento degli Orazi di Jacques Louis David del 1784, conservato al Louvre. scena si ambienta in una moschea, di cui si vede il cortile ed il minareto. In secondo piano, si vedono le mura della città tra le quali si trova una breccia sulla quale si trova una bandiera francese e una colonna di fumo di un incendio, simboli della recente conquista della città da parte dei francesi. parte sinistra, dominata da un arco a ferro di cavallo tipico dell'architettura araba, un uomo vestito all'orientale distribuisce del pane, aiutato da un servitore che porta un paniere. In secondo piano due persone di colore col fez trasportano una barella con un morto. Davanti, si trova la figura di un uomo seduto, pensieroso, ripreso chiaramente dal Giudizio universale di Michelangelo.A destra, sotto due arcate a sesto acuto, Napoleone tocca il bubbone di un malato sotto la sua ascella. In primo piano, un medico arabo cerca di guarire un altro malato.  parte bassa del dipinto è occupata da due uomini sdraiati.  luce del dipinto ed i colori sono pensati per mettere al centro della composizione Napoleone ed il suo gesto. struttura della composizione è ripartita su due gruppi con l'uso della luce e dell'ombra. Bonaparte si trova al centro della composizione, all'intersezione delle linee dominanti. È accompagnato da un generale e dal medico al seguito dell'armata francese, Desgenettes. Per quanto riguarda il gruppo, possiamo dire che gli appestati presentano dei corpi tipici del nudo accademico, mischiato alla bellezza idealizzata dei muscoli, tipica delle sculture antiche.Nel secondo gruppo domina l'oscurità. Le figure presenti sono tristi e abbattute: è visibile un gruppo di arabi e di soldati a sinistra, appena dietro il generale. Tra i morenti vi sono diversi stadi della peste, dagli ammalati ai cadaveri. Gros ci presenta anche l'immagine di un medico turco che preleva del liquido derivato da un bubbone. Questa rappresentazione è realistica, dal momento che all'epoca il solo modo per contrastare la peste era il vaccino che consisteva nel prelevare il pus di un malato ed introdurvi del sangue di una persona non malata.  questione del vaccino è dibattuta in quanto una persona su trecento poteva anche morire per la somministrazione di questo vaccino.Il luogo dove si trovano tutte le figure è una moschea trasformata in lazzaretto. Vi si possono notare dei motivi decorativi orientaleggianti. Sul fondo si trova la cittadella, con la bandiera francese in cima, ed un porto.

Prompt: Focus on Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa and explain the Composition of the painting.Please output in Italian.


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Conversazione al caffè

Conversazione al caffè è un dipinto a olio su tavola di Giovanni Boldini, databile al 1879 circa e conservato in una collezione privata.

Prompt: How does Conversation at the Café explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Secondo quanto dicono i vangeli sinottici, il giovedì mattina i discepoli si presentarono a Gesù e gli chiesero in quale luogo egli volesse celebrare la Pasqua ebraica. Gesù mandò due discepoli  in città dicendo loro che avrebbero incontrato lungo la via un uomo con una brocca d'acqua, diretto verso la casa del suo padrone. I due avrebbero dovuto seguirlo e chiedere al padrone di casa se era possibile per Gesù celebrare la Pasqua nella sua dimora.Il segno dato ai due apostoli era abbastanza singolare, essendo infatti l'ufficio di attingere l'acqua riservato ordinariamente alle donne. Diverse le ipotesi riguardo al proprietario della casa, senza dubbio un simpatizzante di Gesù. L'opinione meglio accreditata è quella che vede nel padrone del cenacolo il padre, o comunque qualche parente, di Marco, il futuro evangelista .Verso il 530 l'arcidiacono Teodosio infatti, descrivendo la sua visita a Gerusalemme, parlando della chiesa della Sancta Sion, ritenuta come il luogo dell'ultima cena, afferma: Ipsa fuit domus sancti Marci evangelistae . Questa affermazione doveva senza dubbio fondarsi su un dato molto antico essendovi inoltre una seconda testimonianza, quella del monaco cipriota Alessandro, che descrive la chiesa della Sancta Sion come dimora di Maria, madre di Marco.

Prompt: Explain the Location of the Last Supper about the New Testament of this artwork, The Last Supper (Ghirlandaio).Please output in Italian.


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Polittico di Badia

È composto da cinque scomparti sagomati con cuspide triangolare e raffigura i busti della Madonna col Bambino  e, da sinistra, i santi Nicola di Bari, Giovanni evangelista, Pietro e Benedetto, identificabili sia per gli attributi iconografici che per il nome in basso.Le cuspidi contengono tondi con busti di angeli e, in quella centrale, un Cristo benedicente. Come tipologia il polittico ebbe una vasta influenza nella pittura fiorentina del Trecento, venendo ripreso dal Maestro della Santa Cecilia, da Lippo di Benivieni, da Taddeo Gaddi, da Bernardo Daddi, ecc.

Prompt: Focus on Badia Polyptych and explain the Description.Please output in Italian.

Bernardo Daddi
Lippo di Benivieni
Maestro della Santa Cecilia
Taddeo Gaddi


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Trittico degli Uffizi

Tatjana Pauli, Mantegna, serie Art Book, Leonardo Arte, Milano 2001. ISBN 9788883101878Alberta De Nicolò Salmazo, Mantegna, Electa, Milano 1997.Ettore Camesasca, Mantegna, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XAA.VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Scala Group, Roma 2003.

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Mantegna) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Self-portraitsset of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

L'opera venne dipinta in stretta sintonia con gli affreschi della cappella, integrandosi sia da un punto di vista figurativo, tramite un riquadro appositamente lasciato vuoto in corrispondenza della pala, sia iconografico, presentando le storie legate alla vita della Vergine dall'Annunciazione alla Fuga in Egitto, non contemplate negli affreschi. datazione della pala è quindi coeva alle pitture murarie, con un possibile scarto che farebbe pensare al completamento dopo la morte del maestro da parte di un allievo. Durante il restauro del 1997-1999 infatti Marco Ciatti dell'Opificio delle Pietre Dure rilevò una diversa tecnica di esecuzione nel manto blu della Vergine, ottenuto in maniera più schematica tramite la stesura del blu d'azzurrite su campiture nere per le ombreggiature, ben diversa dall'accuratezza più rifinita degli altri panneggi. pala occupa un posto particolare nel passaggio dal polittico di stampo medievale alla pala rinascimentale: viene in genere indicata come la prima opera dove il soggetto rappresentato è messo in diretta relazione con la reale architettura circostante, dove lo spazio pittorico è unico e le figure sono concepite, per quanto riguarda dimensioni e colori, per armonizzarsi con gli affreschi, che ne rappresentavano in un certo senso gli scomparti laterali. Innovativa, per quanto ne sappiamo, fu anche la scelta di intelaiare la tavola su tutti i lati disponibili, con una prima testimonianza di pilastrini decorati da figurette di santi, ripresa poi da Masaccio e da Beato Angelico.

Prompt: How does Bartolini Salimbeni Annunciation explain its History?Please output in Italian.

Annunciazione
Beato Angelico
Fuga in Egitto
Marco Ciatti
Masaccio


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Battaglia di San Romano

Le tre tavole,  che rappresentano tre momenti salienti della giornata di battaglia, figuravano nell'inventario redatto subito dopo la morte di Lorenzo il Magnifico , come esposte "nella camera grande terrena, detta  camera di Lorenzo", con riferimento al palazzo Medici di via rga a Firenze. Per tutto il XX secolo si è creduto che le tre tavole fossero arrivate a Lorenzo in via ereditaria, tramite la commissione diretta di suo nonno Cosimo il Vecchio..

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Bartolini Salimbeni Medici of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Yankee Doodle

Di seguito si riporta la versione odierna::Yankee Doodle went to town:A-riding on a pony,:Stuck a feather in his cap:And called it macaroni'.:coro::Yankee Doodle keep it up,:Yankee Doodle dandy,:Mind the music and the step,:And with the girls be handy.:Fath'r and I went down to camp,:Along with Captain Gooding,:And there we saw the men and boys:As thick as hasty pudding.:coro:And there we saw a thousand men:As rich as Squire David,:And what they wasted every day,:I wish it could be saved.:coro:The 'lasses they eat it every day,:Would keep a house a winter;:They have so much, that I'll be bound,:They eat it when they've mind ter.:coro:And there I see a swamping gun:rge as a log of maple,:Upon a deuced little cart,:A load for father's cattle.:coro:And every time they shoot it off,:It takes a horn of powder,:and makes a noise like father's gun,:Only a nation louder.:coro:I went as nigh to one myself:As 'Siah's inderpinning;:And father went as nigh again,:I thought the deuce was in him.:coro:Cousin Simon grew so bold,:I thought he would have cocked it;:It scared me so I shrinked it off:And hung by father's pocket.:coro:And Cap'n Davis had a gun,:He kind of clapt his hand on't:And stuck a crooked stabbing iron:Upon the little end on't:coro:And there I see a pumpkin shell:As big as mother's bason,:And every time they touched it off:They scampered like the nation.:coro:I see a little barrel too,:The heads were made of leather;:They knocked on it with little clubs:And called the folks together.:coro:And there was Cap'n Washington,:And gentle folks about him;:They say he's grown so 'tarnal proud:He will not ride without em'.:coro:He got him on his meeting clothes,:Upon a slapping stallion;:He sat the world along in rows,:In hundreds and in millions.:coro:The flaming ribbons in his hat,:They looked so tearing fine, ah,:I wanted dreadfully to get:To give to my Jemima.:coro:I see another snarl of men:A digging graves they told me,:So 'tarnal long, so 'tarnal deep,:They 'tended they should hold me.:coro:It scared me so, I hooked it off,:Nor stopped, as I remember,:Nor turned about till I got home,:Locked up in mother's chamber.:coro

Prompt: In the context of Yankee Doodle, explain the Today's version and the History.Please output in Italian.


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Napoleone nel suo studio  è un ritratto di Jacques Louis David realizzato nel 1812 che rappresenta l'imperatore Napoleone I in uniforme nel suo studio alle Tuileries. Questo ritratto fu una commissione privata voluta dal nobile scozzese lord Hamilton, conservato oggi alla National Gallery of Art, Washington, D.C. Una seconda versione del dipinto venne realizzato da David con un colore leggermente più verde nell'uniforme, più simile a quella dei chasseurs à cheval. Quest'ultima versione entrò a far parte della collezione del principe Luigi Napoleone Bonaparte e dal 1979 è conservata presso la reggia di Versailles.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries.Please output in Italian.

Napoleone Bonaparte
National Gallery of Art
Washington


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Self-portraitsset of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


section

Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Miravan apre la tomba dei suoi antenati

MCategoria:Dipinti nel Derby Museum and Art GalleryCategoria:Dipinti a soggetto storico

Prompt: Explain the Note. Please output **only words**, not sentences. of this artwork, Miravan Breaking Open the Tomb of his Ancestors.Please output in Italian.


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Madonna Bridgewater

Su uno sfondo scuro, in cui si intravedono appena alcuni elementi di una stanza , Maria tiene in braccio il Bambino che si divincola verso sinistra. Le due figure, di eccezionale bilancimanto armonico, sono caratterizzate da un moto opposto e divergente, con una concatenazione di gesti  che genera un movimento serpentino.Evidente è la memoria del Tondo Taddei di Michelangelo Buonarroti. I colori, che sono intensi e brillanti, evocano con efficacia il volume delle figure affioranti dall'ombra.Radiografie hanno verificato come nel primo progetto la Madonna fosse sullo sfondo di un paesaggio, come tipico delle altre Madonne dell'epoca, ma presto venne modificato dallo stesso autore, probabilmente per aumentare il contrasto tra luci ed ombre e quindi la resa volumetrica e monumentale.

Prompt: In Bridgewater Madonna, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Madonna di Pasadena

Madonne di Raffaello Madonna leggente Madonna Solly Madonna Connestabile

Prompt: Focus on Madonna and Child with the Book and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Madonna Solly
Madonna leggente
Madonne di Raffaello


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Quattro visioni dell'Aldilà

prima tavola ha come soggetto la Caduta dei dannati. Si notano tre figure di anime malvagie che scaraventate da altrettanti diavoli sprofondano attraverso l’abisso infernale verso "una palude di cenere incandescente e di lava rosso fuoco". Al centro in basso, una quarta figura umana si trova già avvolta dai fumi, mentre in alto a sinistra  un quarto diavolo sembra esultare in volo. Il paesaggio vulcanico è appena rischiarato di bagliori delle eruzioni. Nella parte alta, le sagome diaboliche, caratterizzate da un corpo scimmiesco con testa da pesce abissale e tipici barbigli, sono rese con poche sintetiche pennellate luminose di grande modernità che le ritagliano sul fondo nero, con tratti bianchi. Le figure umane sono invece definite da tratti ocra con lumeggiature gialle. I toni cupi e angoscianti che dominano la raffigurazione riescono a dare alla scena un'impressione sinistra di assoluta drammaticità.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Fallen gods' children and the History.Please output in Italian.


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Alchimista che scopre il fosforo

Fin dal 1771 il quadro suscitò molte interpretazioni contraddittorie. L'alone di mistero del quadro non era molto gradito ai possibili compratori del XVIII secolo, pur potendo essere inteso come il momento del passaggio al mondo moderno basato sul metodo scientifico, tant'è che, sebbene Wright fosse un artista riconosciuto a livello internazionale, il dipinto rimase invenduto.L'opera seguì Wright in Italia nel 1773-1775, tornò poi in Inghilterra , venne rielaborata nel 1795 e fu infine venduta solo quattro anni dopo la sua morte, quando i suoi beni furono messi all'asta da Christie's.

Prompt: In The Alchemist Discovering Phosphorus, how is the History fortune painting discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Dama col mazzolino

Dama col mazzolino, talvolta indicata come Gentildonna dalle belle mani, è una scultura in marmo di 60 cm di altezza, realizzata verso il 1475 da Andrea del Verrocchio e conservata nel museo del Bargello a Firenze.

Prompt: In Dama col mazzolino, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Pala Tezi

Pala Tezi è un dipinto a olio su tavola  di Pietro Perugino, databile al 1500 circa e conservata nella Galleria Nazionale dell'Umbria a Perugia. L'opera era anticamente dotata di una predella composta di un'unica tavoletta con lUltima Cena  oggi nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: In Tezi Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Schiavo giovane

Pare che fin dal primo progetto per la tomba di Giulio II  nel registro inferiore del mauseoleo fossero previsti una serie di "Prigioni", cioè una serie di statue a grandezza superiore al naturale di figure incatenate in varie pose come prigionieri, appunto, da addossare ai pilastri che inquadravano nicchie e sormontati da erme. Accoppiati quindi ai lati di ciascuna nicchia  dovevano essere inizialmente sedici o venti, venendo via via ridotti nei progetti che si succedettero, a dodici , otto  e infine forse solo quattro , per poi essere definitivamente eliminati nel progetto definitivo del 1542.I primi della serie, di cui si trovano tracce nel carteggio di Michelangelo, sono i due Prigioni di Parigi, detti dal XIX secolo "Schiavi": lo Schiavo morente e lo Schiavo ribelle. Essi vennero scolpiti a Roma verso il 1513.I Prigioni fiorentini  invece potrebbero essere stati scolpiti nella seconda metà degli anni venti, mentre il maestro era impegnato a San Lorenzo a Firenze . Si sa che si trovavano nella bottega dell'artista in via Mozza ancora nel 1544, quando il nipote di Michelangelo, Leonardo Buonarroti, chiese il permesso di venderli . Il permesso fu negato e solo nel 1564 essi vennero donati, col Genio della Vittoria, al granduca Cosimo I che poi li collocò ai quattro angoli della Grotta del Buontalenti, entro il 1591.Da lì vennero rimossi nel 1908 per radunarli al corpus michelangiolesco che si andava formando nella Galleria fiorentina.Per quanto riguarda la datazione Justi  proposero il 1519 sulla base di una lettera del 13 febbraio in cui Jacopo Salviati prometteva al cardinale Aginesis, erede di Giulio II, che lo scultore avrebbe eseguito quattro figure per la tomba entro l'estate di quell'anno; Wilde il 1523, riferendosi a un accenno del cardinale Giulio de' Medici  che li avrebbe visti prima di partire per Roma in tale data; infine de Tolnay li datò al 1530-1534, basandosi sullo stile, sui frequenti accenni a sculture incompiute per la tomba di papa Giulio nel carteggio del 1531-1532 e sulla scorta della menzione vasariana secondo cui vennero realizzate mentre l'artista preparava il cartone del Giudizio Universale.Dell'opera si conosce un bozzetto in cera al Victoria and Albert Museum di Londra, generalmente ritenuto autografo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Young Slave.Please output in Italian.