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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: Describe the characteristics of the Europe multilingual in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Madonna delle Grazie

http://www.santuariodellegraziecurtatone.it/Chiesa di Santa Maria delle Grazie nel quartiere Casa Milano di Amalfi http://www.parrocchiaamalfi.com/santa-maria-delle-grazie-e-la-famiglia-milano/

Prompt: Focus on Madonna delle Grazie (Botticelli) and explain the External links.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Dama al bagno

copia del museo Condé.L'identità della bagnante adolescente è sconosciuta. È probabile che possa essere Diana di Poitiers, l'amante del re Enrico II di Francia quando era un'adolescente. Lo studioso Roger Trinquet ha ipotizzato nel 1966 che la donna adolescente sia Maria Stuarda. Il volto della donna assomiglia a degli altri ritratti di Maria, in particolare il disegno di Clouet che raffigura Maria in lutto. Trinquet credeva che il quadro fosse inteso come una satira per un mecenate ugonotto. Secondo gli studiosi, la bagnante ha partorito da poco. Secondo la galleria nazionale vasintoniana, la simmetria del volto della bagnante, simile a quella di una maschera, rende difficile l'identificazione esatta. Inoltre, il contrasto tra la figura dipinta in modo uniforme e i dettagli più superficiali della frutta, dei gioielli e dei tessuti deriva dall'unione delle influenze dell'arte fiamminga e dell'arte italiana che caratterizzarono l'arte della corte francese alla fine del sedicesimo secolo.

Prompt: Focus on A Lady in Her Bath and explain the Analysis.Please output in Italian.

Diana di Poitiers
Enrico II di Francia
Maria Stuarda


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Tre età dell'uomo

L'opera viene identificata con quella descritta da Marcantonio Michiel nel "Camerino delle anticaglie" di Gabriele Vendramin  a Venezia, citata anche in inventario del 1569. Nel 1666 è indicata nella collezione del pittore Nicolò Renieri come  Marcantonio che studia tra due filosofi e opera di Palma il Vecchio. Nel 1698, è documentata nelle collezioni del gran principe Ferdinando de' Medici. Confiscata dai napoleonici rimase al Musée Napoleon dal 1799 al 1815 come opera di Giorgione e titolata  leçon de chant come documentato dal un'incisione di mbert Antoine Claessens. Ritornata in Italia la tavola col triplice ritratto venne inizialmente riferita alla "scuola lombarda" e poi attribuita al Lotto.  Nel 1880 Morelli fu il primo a restituirla a Giorgione, ma non mancarono varie proposte successive come opera di Morto da Feltre o del Torbido. Longhi nel 1923 lo attribuì al Giambellino, ipotesi parzialmente condivisa dal Berenson nel 1936 e Pallucchini lo espose a Venezia nella grande mostra del 1949 dedicata a questo maestro pur sottolineando le problematicità attributive. Con i medesimi dubbi fu esposto da Zampetti nella mostra Giorgione e i giorgioneschi , dubbi ancora rammentati nel catalogo del 1968. Nel 1969 Pignatti confermò l'attuale l'attribuzione a Giorgione dapprima ponendola come opera tarda poi collocandola nei primi mesi del 1500, attribuzione e datazione oggi prevalentemente accettata anche se il dibattito della critica è ancora attivo.

Prompt: In The Three Ages of Man (Titian), how is the History discussed?Please output in Italian.


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Ermes di Aigio

LErmes fu realizzato durante l'età augustea, pertanto si qualifica come scultura romana databile tra la fine del I secolo a.C. e i primi tempi del I secolo d.C., all'epoca dell'impero di Augusto. Presumibilmente si trattava di una scultura funeraria. Nel 1860 fu rinvenuta presso Aigio , da cui trae il suo nome; fu successivamente acquistata dall'istituzione archeologica per 12 000 dracme.

Prompt: Explain the History of this artwork, Hermes of Aegium.Please output in Italian.


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Collections, exhibitions, self-portraits discussed?Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

L'opera è firmata  e datata 1434. L'identità dei soggetti ritratti è stata oggetto di vari studi e sono state avanzate varie ipotesi sull'argomento.  figura maschile è stata identificata in Giovanni di Arrigo Arnolfini o nel cugino di questi, Giovanni di Nicolao Arnolfini. Sull'identità della figura femminile è stato invece ipotizzato che si tratti della prima moglie di Giovanni di Arrigo  o della seconda moglie di Giovanni di Nicolao, o anche, secondo una tesi più recente, della prima moglie di Giovanni di Nicolao, Costanza Trenta, morta probabilmente per complicazioni legate al parto nel 1433.  seconda moglie di Giovanni di Arrigo, Giovanna Cenami, venne ritenuta a lungo, sia pure erroneamente, la figura femminile ritratta, sino alla scoperta del certificato di matrimonio, datato 1447 L'opera è tuttora esposta alla National Gallery, nella sala n. 56, con il numero d'inventario NG186.

Prompt: In Arnolfini Portrait, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Sacra Parentela

Il tema religioso della Sacra Parentela  si sviluppò come risposta al cosiddetto problema dei "Fratelli di Gesù", connesso alla interpretazione dei passi evangelici nei quali si parla appunto dei "fratelli" di Cristo. Con la grande diffusione che, tra il XV secolo e la prima metà del XVI secolo, ebbe il culto di Sant'Anna, la rappresentazione della sua famiglia estesa divenne un tema iconografico abbondantemente trattato nell'arte sacra, soprattutto in area nordica.

Prompt: Focus on Holy Kinship and explain the Abstract.Please output in Italian.


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La famiglia di Carlo IV

famiglia di Carlo IV è un dipinto di Francisco Goya, a olio su tela , realizzato tra il 1800 e il 1801. L'opera è conservata al Museo del Prado.Fu commissionato dalla famiglia reale spagnola e, nonostante si trattasse di un ritratto ufficiale, il pittore raffigurò con impietosa precisione i visi grotteschi dei Reali.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Charles IV of Spain and His Family.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Explain the Self-portrait distinctive professional sign about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Explain the Literature about the Philosophy of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Bonjour monsieur Courbet

Il quadro venne commissionato da Alfred Bruyas, amico di Courbet e collezionista d'arte residente a Montpellier. I suoi eredi lo donarono poi al Museo Fabre di Montpellier.

Prompt: How does La rencontre explain its Owners?Please output in Italian.


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Adone (Duquesnoy)

LAdone, anche noto come Adone Mazzarino, è un'opera scultorea realizzata dall'artista fiammingo François Duquesnoy nei primi tempi del XVII secolo e attualmente conservata al Museo del Louvre di Parigi.  Il soggetto dell'opera è Adone, il bellissimo mortale amato dalla dea Afrodite.

Prompt: How does Adonis (Duquesnoy) explain its Abstract?Please output in Italian.

Afrodite
François Duquesnoy
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi


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Donna che legge una lettera davanti alla finestra

destraIl dipinto in seguito al restauroIn una stanza illuminata da una finestra sulla sinistra una donna in secondo piano sta leggendo una lettera in piedi. Il suo volto, che è assorto nella lettura, si riflette nel vetro della finestra aperta, sul quale è scostata anche una tenda rossa. Forse la donna raffigurata è la moglie dell'artista Chatarine Bolnes. In primissimo piano una tenda verdognola corre retta da anelli infilati a un'asta, separando idealmente la scena dallo spettatore, secondo un'impostazione "teatrale" che ha antica origine nei Paesi Bassi: si trova ad esempio, tra i tanti dipinti, nellAdorazione dei pastori di Hugo van der Goes, ma fu usata anche da Rembrandt. Tra la tenda e la ragazza sta un tavolo coperto da un pesante tappeto orientale di lana, in parte scostato per movimentare la composizione , così anche da ribaltare parzialmente la ciotola, probabilmente in maiolica di Delft, con la frutta che vi è poggiato sopra. Nell'angolo, infine, si vede una sedia con schienale coperto di cuoio, fissata da piccole borchie e con elementi leonini intagliati, un oggetto di casa Vermeer che si trova, con qualche variante, in numerosi altri dipinti dell'artista, tra cui la Ragazza assopita. Con quest'ultimo dipinto sono molti gli oggetti in comune, tanto che potrebbe trattarsi della stessa stanza ritratta da una prospettiva diversa. Lo sfondo è una parete chiara illuminata dalla luce della finestra, su cui si proiettano le ombre della donna e della vetrata . Sulla parete si trovava un dipinto con Cupido - di cui si nota un alone - successivamente coperto. Per lungo tempo si è ritenuto che la rimozione fosse opera dell'autore stesso, ma recenti restauri hanno invece rivelato che la modifica avvenne molti anni dopo la sua morte.Molti elementi, in questa che è considerato il primo dipinto nello stile più tipico di Vermeer, saranno poi ripresi nella sua produzione futura: dallo schema della stanza agli effetti di luce, che ricreano con meticolosità la consistenza dei vari materiali. L'illuminazione concentra tutta l'attenzione sulla protagonista e sulle sue emozioni, che sembrano affiorare in un impercettibile sorriso, svelandone i sentimenti con garbata finezza. L'atmosfera sospesa e silenziosa è già quella tipica poesia dei capolavori dell'artista. Probabilmente questa svolta maturò attraverso i contatti con Gerard ter Borch e lo studio delle opere di Carel Fabritius. Anche la tecnica appare più avanzata, con piccoli tocchi puntiformi di colore chiaro, anche molto corposi, che rendono i più delicati rialzi di luce.

Prompt: How does Girl Reading a Letter at an Open Window explain its Description and style?Please output in Italian.

Carel Fabritius
Gerard ter Borch
Hugo van der Goes
Rembrandt


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Santi Cristoforo, Girolamo e Ludovico di Tolosa

Il dipinto fa parte dell'ultima fase produttiva dell'artista, quella in cui abbracciò le novità del tonalismo di Giorgione. Era stato commissionato nel 1494 dal mercante veneziano Giorgio Diletti, lasciando una precisa disposizione nel suo testamento, sia sul soggetto che sulla collocazione.  firma e la data 1513 confermano che tra l'ordinazione e il completamento della pala intercorsero quasi vent'anni, ma non se ne conosce l'esatta ragione.

Prompt: Explain the History of this artwork, Saints Christopher, Jerome and Louis of Toulouse.Please output in Italian.


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Ecce Homo

{ class="wikitable"+! Novum Testamentum Graece!! Vulgata Clementina!! Nuova Diodati- ἐξῆλθεν οὖν ὁ Ἰησοῦς ἔξω, φορῶν τὸν ἀκάνθινον στέφανον
 καὶ τὸ πορφυροῦν ἱμάτιον.
 καὶ λέγει αὐτοῖς· ἰδοὺ ὁ ἄνθρωπος.   Et dicit eis: Ecce homo. Gesù dunque uscì, portando la corona di spine
 e il manto di porpora.  E Pilato disse loro: «Ecco l'uomo!».}

Prompt: How does Ecce Homo (Correggio) explain its Text.?Please output in Italian.


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I Musici

Violini: Marco Fiorini, Ettore Pellegrino, Iuditha Hamza, Pasquale Pellegrino, Francesca Vicari, Gianluca Apostoli Viole: Massimo Paris, Silvio Di Rocco Violoncelli: Vito Paternoster, Pietro Bosna Contrabbasso: Roberto Gambioli Clavicembalo: Francesco Buccarella

Prompt: In the context of The Musicians (Caravaggio), explain the Current components and the History.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: How does Lamentation over the Dead Christ (Perugino) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Lupa capitolina

statua è l'icona stessa della fondazione della città. Le fonti antiche parlano di due statue bronzee della Lupa, una nel Lupercale, l'altra nel Campidoglio.  prima statua, quella del Palatino, è citata nel 295 a.C., quando i due edili, Quinto Fabio Pittore e Quinto Ogulnio Gallo, le aggiunsero una coppia di gemelli. L'avvenimento, in base al racconto di Tito Livio, risale al 296 a.C. e si rese possibile grazie al denaro che gli stessi edili curuli confiscarono agli usurai. Non possediamo alcun indizio sicuro sul gruppo degli OGNUNI, anzi il passo di Livio ha dato il via a due diverse interpretazioni, che considerano i gemelli come parte di un gruppo unitario o come un'aggiunta successiva ad un'immagine più antica della lupa. Cicerone riporta come il simulacro capitolino venne colpito da un fulmine nel 65 a.C. e da allora non venne riparato.Le raffigurazioni di epoca classica della lupa con i gemelli sono abbastanza diverse dalla statua della lupa capitolina, che ha certa rigidità, tipica della statuaria arcaica o medievale. Il dinamismo della posa della lupa che lecca uno dei gemelli e il diverso atteggiamento dei gemelli raffigurati nei bassorilievi marmorei e sulle monete d'argento indicano invece un elevato naturalismo e sono stati considerati testimonianza del carattere ellenico o ellenistico del modello. Ciò che colpisce è il carattere emblematico dell'immagine concepita come allegoria di un intero racconto di fondazione.Le prime notizie sicure su questa statua risalgono al X secolo, quando si trovava incatenata sulla facciata o all'interno del palazzo del terano: nel Chronicon di Benedetto da Soracte risalente appunto al X secolo, il monaco descrive l'istituzione di una suprema corte di giustizia "nel palazzo del terano, nel posto chiamato ...[graffiti]..., cioè la madre dei Romani." Processi ed esecuzioni "alla lupa" sono registrate di tanto in tanto fino al 1450.  Lupa era conservata con altri monumenti, come l'iscrizione bronzea della lex de imperio Vespasiani, che venivano esposti come cimeli per attestare la continuità tra Impero romano e papato, tra antichità e medioevo. statua venne poi ospitata fino al 1471 nella chiesa di San Teodoro, che si trova tra il Palatino ed il Campidoglio. In quell'anno fu donata da Sisto IV della Rovere  al "popolo romano" e da allora si trova nei Musei Capitolini, nella Sala della Lupa. scultura rappresenta una lupa che allatta una coppia di piccoli gemelli, che rappresentano i leggendari fondatori della città, Romolo e Remo. Queste ultime due figure furono aggiunte nel tardo XV secolo, forse da Antonio del Pollaiolo, in accordo con la storia di Romolo e Remo: in un'incisione su legno delle Mirabilia Urbis Romae , appare già con i due gemelli

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the Injured and the Description.Please output in Italian.

1450
1471
295 a.C.
296 a.C.
65 a.C.
Antonio del Pollaiolo
Benedetto da Soracte
Campidoglio
Impero romano
Lupercale
Mirabilia Urbis Romae
Musei Capitolini
Palatino
Quinto Fabio Pittore
Quinto Ogulnio Gallo
Roma
Romolo e Remo
Tito Livio
XV secolo
X secolo


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Pala di Santa Cristina al Tiverone

tavola principale, di forma rettangolare, mostra una sacra conversazione con la Madonna col Bambino in grembo su un alto trono, tra i santi Pietro, Cristina, Liberale e Girolamo.  derivazione dalla Pala di San Zaccaria di Giovanni Bellini è evidente, con la nicchia del trono coperta da mosaici secondo la tradizione bizantina, e un grande tappeto esotico ai piedi di Maria. Alla Pala di Castelfranco di Giorgione sembra invece ispirarsi la figura del santo cavaliere Liberale, patrono di Treviso, che tiene un modellino della città in mano. A ben guardare però l'artista si allontanò dai modelli conferendo una maggiore saldezza al gruppo dei santi e movimentandoli con gesti e sguardi concatenati, che danno alla composizione un tono più inquieto e variato, all'insegna dell'asimmetria e non più all'insegna unicamente della serena e silenziosa contemplazione.  luce inoltre è fredda e incidente, distante dalla calda e avvolgente atmosfera dei tonalisti.  monumentalità forte delle figure rimanda all'esempio di Antonello da Messina e la sua Pala di San Cassiano, con contorni però resi più taglienti dall'illuminazione forteIl Bambino tiene in mano un cardellino, simbolo della sua futura Passione. Il lato destro dell'architettura classicheggiante mostra una veduta esterna, che dà su un muretto coperto da erbe.  Pietà, di struggente emotività, pure si rifà a modelli belliniani, con il Cristo morto sorretto da due angeli, seduto su un ripiano su uno sfondo scuro. Anche in questo caso la sensibilità luminosa è diversa dal modello, con colori più freddi e cangianti, che generano un panneggio dal profilo tagliente.

Prompt: In Santa Cristina al Tiverone Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Antonello da Messina
Giorgione
Giovanni Bellini
Pala di Castelfranco
Pala di San Cassiano
Pala di San Zaccaria


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Ritratto di Bernhart von Reesen

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: Focus on Portrait of Bernhart von Reesen and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Girolamo

Il De Viris Illustribus, scritto nel 392, intendeva emulare le "Vite" svetoniane dimostrando come la nuova letteratura cristiana fosse in grado di porsi sullo stesso piano delle opere classiche. In esso sono presentate le biografie di 135 autori in prevalenza cristiani , ma anche ebrei e pagani, che però hanno avuto a che fare con il cristianesimo, con uno scopo dichiaratamente apologetico:Le biografie hanno inizio da Pietro apostolo e terminano allo stesso Girolamo ma, mentre nelle successive Girolamo elabora conoscenze personali, le prime 78 sono frutto di conoscenze di seconda mano, desunte da varie fonti, tra cui Eusebio di Cesarea.Il Chronicon è, invece, una traduzione-rielaborazione latina del Chronicon di Eusebio di Cesarea, composto nel IV secolo e perduto nella sua originale versione greca. Ultimato nel 381, il Chronicon tratta dei periodi storici e mitici della Storia universale a partire dalla nascita di Abramo fino all'anno 325. Nell'impalcatura cronologica, estesa dal 325 al 378, rientrano sia figure mitologiche come Minosse, il re Edipo e Priamo, che personaggi storici, mentre Girolamo, per completezza, inserisce anche dati preziosi di letteratura latina, desunti dal De viris illustribus svetoniano.Una sorta di curiosa commistione tra storia, romanzo e agiografia sono le Vite degli eremiti San Paolo di Tebe, Sant'Ilarione e San Malco.Tutte le opere storiche ed agiografiche di san Girolamo sono state pubblicate nell'originale latino e tradotte in italiano in: Bazyli Degórski , Girolamo. Opere storiche e agiografiche. Vita di san Paolo, eremita di Tebe. Vita di Ilarione. Vita di Malco, l'eremita prigioniero. Prefazione alla traduzione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Continuazione delle Cronache di Eusebio di Cesarea. Gli uomini illustri. Prefazione alla traduzione della Regola di Pacomio, in Opere di Girolamo, XV, Roma, Città Nuova, 2014.

Prompt: In Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), how is the Operatic, historiographic, and hagiographic works of the Iconography explained?Please output in Italian.

325
378
381
392
Abramo
Bazyli Degórski
Edipo
Eusebio di Cesarea
IV secolo
Minosse
Paolo di Tebe
Priamo
Roma


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Gruppo di Batignolles

Il Gruppo di Batignolles fu un insieme di artisti, critici e collezionisti da cui scaturirono le prime idee che portarono alla nascita dell'impressionismo.Fra il 1869 e il 1875 un gruppo di giovani pittori appartenenti all'avanguardia di fine '800 si raccolsero periodicamente attorno ad Édouard Manet, nel quartiere di Batignolles, a Parigi, dove lo stesso Manet aveva il suo studio. I pittori si ritrovavano nei caffè del quartiere, ma in particolare nel Café Guerbois, oggi sparito . I più assidui a questi incontri erano lo stesso Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille.Si univano a costoro, saltuariamente, altri pittori, come Camille Pissarro e Edgar Degas, il mecenate e critico Edmond Maître, lo scrittore Émile Zola e il fotografo Nadar.Le loro conversazioni e discussioni costituirono in realtà fecondi scambi di idee e di teorie per riuscire a superare la pittura accademica che  ancora, attraverso i suoi epigoni, dominava. E fu proprio da questo discutere ed elaborare idee che nacque quel movimento che fu poi chiamato impressionismo.Questo riunirsi di artisti vari divenne in seguito ufficiale il 17 gennaio 1874, allorché Claude Monet pubblicò su " Chronique des Arts" l'annuncio della costituzione della "Società Anonima Cooperativa di pittori, scultori, incisori e litografi".Il 15 aprile seguente nell'atelier di Nadar si tenne la prima mostra del Gruppo. Fra i vari artisti che ne facevano parte molti divennero veri e propri maestri del movimento impressionista.Il gruppo fu immortalato da un quadro di Henri Fantin-tour del 1870, oggi al Museo d'Orsay.

Prompt: In A Studio at Les Batignolles, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1869
1870
1874
1875
Alfred Sisley
Café Guerbois
Camille Pissarro
Claude Monet
Edgar Degas
Edmond Maître
Museo d'Orsay
Nadar
Édouard Manet
Émile Zola


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Torre di Babele

narrazione dà conto del progetto di Dio affinché gli uomini si dividessero sulla Terra e la popolassero; nel contempo spiega mitologicamente l'origine delle differenze di linguaggio tra gli uomini.Un'altra interpretazione del racconto, spesso impiegata allegoricamente nei secoli successivi, è quello di punizione per un atto di superbia, il tentativo di alzarsi al cielo.  Molto spesso, nella Bibbia, Dio riserva agli uomini che hanno peccato punizioni amare e severe, prima fra tutte quella inflitta ad Adamo ed Eva, oppure quella legata alle vicende di Noè e della sua arca o agli egiziani che detengono il popolo ebraico in schiavitù. Pertanto, l'episodio della torre di Babele verrebbe interpretato nel senso che Dio punirebbe gli uomini perché la costruzione della torre rappresenterebbe un tentativo di "aspirare al cielo" già durante la vita terrena o, detto in altri termini, di paragonarsi a Dio stesso. L'episodio della torre pertanto non si scontra affatto con la visione secondo cui l'uomo deve cercare di elevare la propria anima ed il proprio spirito a Dio , ma anzi enfatizza e sotto alcuni aspetti giustifica il fatto che l'elevazione a Dio debba avvenire nello spirito e non nella carne.Nella simbologia cristiana e ortodossa pare significativo che, durante la Pentecoste, gli apostoli, grazie al dono dello Spirito Santo, tornino ad essere comprensibili da popoli parlanti lingue diverse, vincendo così la spaccatura originata a Babele.È interessante notare che l'esistenza tra gli uomini di una medesima lingua, durante la costruzione della torre di Babele, contraddirebbe quanto riportato in Genesi : in questo capitolo, che precede quello dedicato alla Torre di Babele, si legge che i figli di Noè avevano ciascuno un proprio territorio e una propria lingua. In questa narrazione la differenziazione linguistico-culturale non è quindi il risultato di una punizione divina ma il frutto di un processo umano. A proposito di tale contraddizione, occorre tener conto del fatto che, pur essendo il capitolo 11 sulla torre di Babele successivo al capitolo 10 sulla descrizione della discendenza di Noè, la Bibbia non è scritta in ordine cronologico, come risulta evidente anche da altre narrazioni bibliche.È interessante anche notare l'uso, in questo capitolo biblico, del termine ebraico שם : nel versetto 4, gli uomini si accingono a costruire la Torre per farsi un nome, cioè acquisire fama ; al termine del racconto della Torre, al versetto 10, comincia la genealogia di Sem  che significa proprio nome o fama, come se il personaggio di Sem rappresentasse simbolicamente il nome che gli uomini hanno appena acquisito; le parole pronunciate da Dio durante il suo intervento, infatti, non hanno un tono punitivo, e l'intero episodio della Torre può essere letto non in chiave punitiva ma come la realizzazione di un piano di Dio stesso. Nel versetto 9, si legge che «il Signore... disperse coloro di là sopra la faccia di tutta la terra». Anche qui compare il termine ebraico שם, che può significare anche là. Questo versetto può quindi anche essere letto come: il Signore... diffuse coloro dal Nome sopra la faccia di tutta la terra, dando al racconto un carattere decisamente positivo e costruttivo: immediatamente dopo viene data, infatti, la genealogia del Nome... ed essendoci una certa corrispondenza, nelle Scritture, tra nomi e luoghi, la genealogia di Sem può venir identificata proprio con la diffusione degli uomini  sulla Terra.

Prompt: In the context of The Tower of Babel (Bruegel), explain the Christian exegesis and the The episode of Genesis 11, 1-9.Please output in Italian.

Adamo
Bibbia
Dio
Eva
Genesi
Genesi
Noè
Pentecoste
Spirito Santo
Terra
Torre


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La grande onda di Kanagawa

Dal XX secolo l'immagine de  grande onda, grazie alla sua enorme popolarità e al fatto che si trovi nel pubblico dominio, si è diffusa prorompentemente nella cultura di massa, diventando oggetto di numerose riproduzioni utilizzate nella pubblicità, nell'arte o per oggetti di uso quotidiano.Nel campo dell'arte i più famosi riferimenti all'opera si trovano nelle sculture Die Woge di Tobias Stengel  e Hokusai 20 ft. di Jeffery udenslager . L'artista giapponese Nana Shiomi creò due xilografie ispirandosi all'opera di Hokusai intitolandole Hokusai's Wave : Happy Dog e Hokusai's Wave : Happy Carp, mentre la coppia di artisti noti come Kozyndan realizzarono una versione dell'opera intitolata Uprisings, la cui particolarità sta nella cresta dell'onda formata da conigli bianchi. Questa venne utilizzata nella copertina dell'album discografico As/Is di John Mayer, pubblicato nel 2004. Una versione dell'onda appare altresì sulla copertina dell'album del 1991 Strange Free World della band Kitchens of Distinction.Nella moda l'immagine dell'onda è stata utilizzata dall'azienda di abbigliamento Quiksilver come fonte d'ispirazione per il logo, mentre la fashion designer Hanae Mori la utilizzò nel 2003 per la sua linea di abbigliamento personalizzata, oltre a essere una delle emoji disponibili per i sistemi operativi macOS e iOS della Apple. Alla grande onda di Hokusai si ispirano anche i fondelli di molti degli orologi sub prodotti da Seiko, sui quali, compare in forma stilizzata e spesso in rilievo.Sull'opera sono stati girati anche diversi documentari e speciali televisivi, come per esempio  menace suspendue: " Vague", documentario in francese del 2000 a cura di Alain Jaubert, una puntata della serie di documentari della BBC The Private Life of a Masterpiece, andata in onda il 17 aprile 2004, e una puntata della serie di documentari radiofonici A History of the World in 100 Objects, trasmessa da BBC Radio 4 nel settembre 2010 in collaborazione con il British Museum.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the The work in mass culture discussed?Please output in Italian.

A History of the World in 100 Objects
Apple
As/Is
BBC
BBC Radio 4
British Museum
Hanae Mori
John Mayer
Kitchens of Distinction
Kozyndan
Quiksilver
Seiko
Strange Free World
The Private Life of a Masterpiece


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Arrivo degli ungheresi

LArrivo degli ungheresi , comunemente noto come Panorama di Feszty o Ciclorama di Feszty ) è un enorme ciclorama realizzato dal pittore ungherese Árpád Feszty e dai suoi assistenti che raffigura l'inizio della conquista magiara del bacino dei Carpazi nell'895.Fu completato nel 1894, in vista dell'imminente millesimo anniversario dell'evento. Dal 1100º anniversario dell'evento nel 1995, il dipinto è esposto nel Parco nazionale storico commemorativo di Ópusztaszer, in Ungheria.

Prompt: In Arrival of the Hungarians, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Carpazi
Ciclorama
Ungheria
Árpád Feszty
Ópusztaszer


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Gabrielle d'Estrées e sua sorella

Gabrielle d'Estrées e sua sorella, o Gabrielle d'Estrées e una delle sue sorelle , è un dipinto di un autore sconosciuto della scuola di Fontainebleau, creato intorno al 1594. Quest'olio su tavola di quercia è conservato dal 1937 al museo del Louvre,

Prompt: Focus on Gabrielle d'Estrées et une de ses sœurs and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Incubo

Lincubo è un tipo di sogno che si presenta in modo angosciante e a volte è accompagnato da una sensazione di oppressione al petto e/o da difficoltà respiratorie. È a tutti gli effetti un disturbo del sonno ed è considerato una parasonnia relativa al sonno REM.Gli incubi si mostrano con rapidi movimenti oculari , senza altri movimenti del soggetto. Eventuali movimenti involontari del corpo possono svegliare il dormiente, interrompendo così la sensazione di paura insita negli incubi. L'individuo svegliatosi da incubo tende a non riaddormentarsi, temendo, più o meno inconsciamente, di rivivere la brutta esperienza.Gli incubi sono più frequenti tra i 4 e i 12 anni di età, tendendo poi a diminuire con l'età.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ruby, Gold and Malachite

Le immagini di giovani maschi nudi al di fuori di un contesto classico non erano generalmente considerate come accettabili in questo periodo, con l'eccezione notevole data proprio dalle rappresentazioni di balneazione; un altro esempio di rilievo è dato da The Swimming Hole  dello statunitense Thomas Eakins. Eletto nel 1900 come associato alla Royal Academy of Arts, ne divenne membro a pieno titolo nel 1914. sua opera rimase popolare e relativamente conosciuta per tutta l'età edoardiana e fino alla prima guerra mondiale; quasi completamente dimenticato morì nel 1929. Il suo lavoro ha riconquistato popolarità e fama dopo esser stata riscoperto negli anni '70 da quegli appassionati d'arte appartenenti alla prima generazione che poteva professarsi apertamente gay, questo grazie soprattutto al movimento di liberazione omosessuale.

Prompt: Describe the characteristics of the Welcome and posthumous fame in Ruby, Gold and Malachite's History.Please output in Italian.

Royal Academy of Arts
The Swimming Hole
Thomas Eakins


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Epifania

L'Epifania nella Macedonia del Nord è conosciuta come Vodici . In questo giorno il sacerdote getta nell'acqua una croce di legno, a simboleggiare il battesimo di Cristo. Gli uomini saltano nell'acqua fredda per recuperare la croce, e si ritiene che chiunque la recuperi sia benedetto durante tutto l'anno.Una speciale gelatina alimentare di carne e ossa di maiale e manzo chiamata "pacha"  o "pivtii"  viene preparata alla vigilia e servita il giorno dopo l'Epifania, insieme al caldo brandy locale, il rakija .L'Epifania è un giorno non lavorativo per i credenti ortodossi nella Macedonia del Nord.

Prompt: In Epifania, how is the North Macedonia of the Artistic theme explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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Malle Babbe

Malle Babbe  è un dipinto ad olio su tela di Frans Hals. È conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. Ascrivibile ai tronie, o comunque alla pittura di genere molto in voga in Olanda in quegli anni, raffigura una donna di Haarlem, detta appunto Malle Babbe , molto probabilmente alcolizzata o sofferente di disturbi mentali. L'identità è confermata da una scritta sul retro della cornice originale, Malle Babbe van Haerlem … Fr[a]ns Hals.

Prompt: In Malle Babbe, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Battaglia di Isso

Per quanto riguarda l'entità delle forze in campo, le fonti letterarie di epoca classica greco-romana concordano nell'indicare una cifra di circa 40.000 soldati macedoni , ma esagerano e sono discordanti sull'ammontare delle forze persiane: secondo Arriano e Plutarco erano 600.000 uomini, secondo Diodoro Siculo e Giustino 400.000, secondo Curzio Rufo 250.000. storiografia moderna si attesta su cifre inferiori: tra i 100.000 e 120.000 uomini per i Persiani e circa 30.000 per i Macedoni.Alessandro era schierato alla destra, all'uscita della valle del Pinarus, al comando della cavalleria pesante degli eteri . Alla sua sinistra si trovava la falange e la fanteria leggera macedone  sotto la guida di Parmenione, il cui fianco sinistro era protetto da un contingente di cavalieri alleati provenienti dalla Tessaglia. Il comandante Cratero era sull'ala sinistra comandata da Parmenione, a cui era stato dato l'ordine tattico di non allontanarsi dal mare. Erano inoltre presenti come supporto le unità comandate da Sitalce, mentre alla destra si trovavano Aristone, Protomarco, gli arcieri di Antioco, gli hetaîroi e all'estrema destra presiedeva Attalo. Alessandro arringò i suoi uomini, incitandoli affermando che dopo questa vittoria non ci sarebbero stati altri ostacoli alla conquista dell'intera Asia.I Persiani concentrarono la cavalleria sul loro fianco destro, in prossimità della costa, a supporto di una falange di opliti costituita da mercenari provenienti dalla Grecia. Dario aveva disposto la fanteria pesante  lungo il fiume e un gruppo sulle colline, per minacciare il fianco destro macedone . Al centro della formazione si trovava il re con le truppe migliori: gli immortali  e la cavalleria reale. Secondo alcuni storici, come Leon Stratikis, Dario stava cercando di copiare la formazione che l'esercito macedone utilizzò durante la battaglia del Granico.

Prompt: Explain the Strengths in the field about the Thebattle of this artwork, Alexander Mosaic.Please output in Italian.

Aristone
Arriano
Cratero
Diodoro Siculo
Grecia
Parmenione
Persia
Pinarus
Plutarco
Protomarco
Sitalce
Tessaglia


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Venere di Urbino

Il dipinto fu commissionato dal rampollo del Ducato di Urbino Guidobaldo II della Rovere, che nel marzo 1538 sollecitava con insistenza il suo agente a Venezia per l'acquisto di una "donna nuda" di Tiziano e al tempo stesso chiedeva più volte il denaro necessario alla madre, Eleonora Gonzaga. Quest'ultima, da parte sua, non doveva vedere di buon occhio il capriccio del figlio e non sborsò neanche un ducato, così il dipinto restò nella bottega del pittore e Guidobaldo, preoccupato che fosse venduto ad altri, assicurò che avrebbe pagato anche a costo di impegnare qualcosa di suo.Qualche mese dopo l'opera riuscì finalmente a prendere la strada per Urbino: il dipinto era inteso come "modello" educativo per Giulia da Varano, la moglie estremamente giovane del duca sposata nel 1534 per ragioni politiche, al fine di persuaderla al connubio amoroso in maniera allegorica e culturalmente prestigiosa.  Venere conquistò una larga fama, che fruttò a Tiziano e ad altri artisti veneziani numerose richieste di repliche e varianti.Nei secoli il dipinto ebbe una straordinaria fortuna, venendo citata in innumerevoli guide e nei ricordi dei viaggiatori e ricevendo numerosissime richieste di copie. Ingres ad esempio la copiò nel 1821 .In Vagabondo in Italia  del 1880, Mark Twain definì la Venere di Urbino «il quadro più indecente, il più vile, il più osceno che il mondo possiede». Egli ipotizzava che «venne dipinta per un bagnio  e che probabilmente venne respinta», aggiungendo umoristicamente che «in verità, è una sciocchezza troppo forte per qualsiasi posto se non per una galleria d'arte pubblica».Versione più provocante ed esplicita della Venere di Dresda di Giorgione , la Venere di Urbino ebbe una duratura fama nel mondo dell'arte, sviluppando il tema della Venere distesa, che fu portato avanti per tutto il XIX secolo, fino allOlympia di Édouard Manet, che ne citò con precisione l'ambientazione. Quest'ultimo ne aveva infatti eseguita una copia nel 1856 .Con il riallestimento delle sale degli Uffizi, nel 2013 la Venere è stata spostata temporaneamente in una sala in fondo al corridoio di Ponente e in seguito prestata, in via del tutto eccezionale, alla mostra Manet, ritorno a Venezia, tenutasi a Palazzo Ducale a Venezia, appunto. Al suo rientro è stata collocata in una nuova, grande sala dedicata esclusivamente a Tiziano al primo piano del museo, lungo l'"infilata" del corridoio di Ponente.

Prompt: Explain the History of this artwork, Venus of Urbino.Please output in Italian.

Ducato di Urbino
Giorgione
Giulia da Varano
Guidobaldo II della Rovere
Édouard Manet
Mark Twain
Édouard Manet


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Lucifero

Il personaggio di Lucifero ha ricevuto varie rappresentazioni in molte opere: Nella serie televisiva statunitense Lucifer, egli ricopre il ruolo di protagonista. Nella serie animata Hazbin Hotel, egli figura in un ruolo secondario come il padre amorevole della protagonista, Charlie Morningstar.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the In mass culture.Please output in Italian.


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Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

chiesa di Sant’Andrea a Divina era strapiena durante la messa tenutasi il 2 giugno 2017. Dopo la messa è stata inaugurata la statua con un nuovo piedistallo da Joachim Bleicker, ambasciatore della Repubblica Federale di Germania in Slovacchia, insieme a Emil Molko, sindaco di Divina, e Marek Sobola, autore del progetto. Successivamente e’sata benedetta dal Monsignore Tomáš Galis, Vescovo diocesano di Žilina. Il tutto è avvenuto a 190 anni dalla sua prima ristrutturazione dopo l’alluvione. Alla festa d’inaugurazione hanno partecipato, oltre al Vescovo diocesano, all’ambasciatore tedesco ed al Cancelliere della dimora di Žilina, anche vari partners invitati.

Prompt: Explain the Blessing ceremony about the International project of this artwork, Statue of St. John of Nepomuk in Divina.Please output in Italian.

2017
Divina
Germania
Marek Sobola
Slovacchia
Tomáš Galis
Žilina


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Polittico di Santa Barbara

Il Polittico di Santa Barbara è un'opera del Maestro Francke del 1415, tempera su tavola, conservata al museo nazionale della Finlandia  di Helsinki.L'opera venne realizzata probabilmente per la cattedrale del porto anseatico di Turku in Finlandia, con parti scolpite al centro, probabilmente opera della bottega del pittore o comunque scolpite su suo disegno, con il gruppo con la Morte di Maria e due rilievi in ciascuno dei lati interni degli sportelli con scene tratte dalla vita della Vergine. Nelle doppie ante dipinte si trovano otto scene della vita di santa Barbara.Per quest'altare le fonti possono essere individuate sia nelle  francesi, sia per quanto riguarda la plasticità delle figure nella pittura della Borgogna e nell’Altare di Wildung di Konrad von Soest.

Prompt: In Saint Barbara Altarpiece (Master Francke), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1415
Borgogna
Finlandia
Helsinki
Konrad von Soest
Maestro Francke
Santa Barbara
Turku


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La Gioconda

1 Preludio 2 Coro d'introduzione Coro d'introduzione Feste! Pane!  3 Scena e Terzettino Scena E cantan su lor tombe!  Terzettino Gioconda, la Cieca e Barnaba Figlia che reggi il tremulo pie  4 Recitativo - Coro della Regata e Sommossa - Romanza Recitativo L'ora non giunse ancor  Coro della Regata e Sommossa Gloria a chi vince!  Romanza della Cieca Voce di donna o d'angelo  5 Scena e Duetto Scena Enzo Grimaldo  Duetto Enzo e Barnaba Pensi a Madonna ura  Cabaletta O grido di quest'anima  6 Scena, Recitativo e Monologo Scena e recitativo Maledici? Sta ben...  Monologo Barnaba O monumento!  7 Finale I - Coro, Forlana e Preghiera Coro Carneval! Baccanal!  Forlana  Preghiera Angele Dei  Arioso O cor, dono funesto

Prompt: Explain the Atto I: The Lion's Mouth about the Plot of this artwork, Mona Lisa.Please output in Italian.

Arioso Cabaletta Duetto Monologo Preghiera Preludio Recitativo Roma Romanza


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Malle Babbe

Recenti ricerche negli archivi del municipio di Haarlem hanno rivelato che la donna raffigurata è esistita davvero. Si chiamava Barbara Claes, detta appunto "la pazza" perché sofferente di una qualche tara, ed era ricoverata nell'ospizio Het Dolhuys, fuori le mura della città, dove erano ricoverati i viaggiatori di passaggio o le persone ritenute socialmente pericolose. Peter Hals, un figlio del pittore, vi fu ricoverato per qualche tempo, ed è probabile che Hals sia venuto così in contatto con la donna che, a quanto sembra, era anche un personaggio noto in città. Di lei sappiamo solo che morì nel 1663.

Prompt: Focus on Malle Babbe and explain the The portrayed.Please output in Italian.


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Martirio di San Sebastiano

BastonaturaPer comprendere la scelta del soggetto e le scelte iconografiche di queste tavole si deve prendere in considerazione il contesto storico della Padova del secondo ‘300. Il XIV secolo è stato caratterizzato dal passaggio fra il potere comunale e il potere signorile della famiglia Carrara, che ha causato conflitti politici con gli Stati confinanti e lotte interne alla città. A questo panorama politico molto complicato si sono sommate diverse ondate di peste che hanno colpito soprattutto la popolazione giovane che non era ancora immune alla malattia, causando circa 40.000 morti. Questo contesto spiega la scelta di San Sebastiano, protettore dalle malattie infettive, per il reliquiario. San Sebastiano è il santo protettore dalle malattie infettive dal VII secolo, quando la città di Ravenna, colpita dalla peste, ricevette dalla città di Roma una reliquia del Santo che ha protetto e salvato la città dalla malattia. Sembra inoltre che la scelta di San Sebastiano sia dovuta alla similitudine fra i segni del suo martirio e le piaghe della peste.  scelta iconografica di rappresentare il Santo sofferente dello stesso dolore del popolazione padovana permetteva di identificarsi con qualcuno che avrebbe potuto intercedere e proteggere la città in un momento così delicato. Non ci sono notizie certe sul committente, ma il contesto politico suggerisce che potrebbe essere la famiglia Carrarese, la famiglia signorile infatti avrebbe potuto utilizzare questa donazione sia per assicurarsi un posto in paradiso, sia come dimostrazione di ricchezza all’interno della classe dirigente padovana, sia per stringere e rinsaldare il legame di potere fra la famiglia e il potere ecclesiastico. sinistraInsieme delle tavole poste sul frontale dell’altare chiuso

Prompt: In Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), how is the Iconography of the Description explained?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

Pellegrinaggio mariano di Neviges, Germania Santuario di Nostra Signora di Lourdes, Francia

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Pilgrimages and the liturgy solemnity Immaculate Conception.Please output in Italian.

Nostra Signora di Lourdes
Lourdes
Nostra Signora di Lourdes
Pellegrinaggio mariano di Neviges
Santuario di Nostra Signora di Lourdes


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bol).Please output in Italian.


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La sepoltura della sardina

Prompt: In The Burial of the Sardine, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di giovane uomo con libro

L'opera, nel museo dal 1929, rappresenta probabilmente un amico del Bronzino e comunque un giovane letterato della sua cerchia. Straordinaria è la posa ben eretta con un braccio alla cintura e uno che, appoggiando un gomito su un ripiano, tiene un libro appoggiato verticalmente con un dito tra le pagine. L'espressione guarda direttamente l'osservatore, con fierezza, ma anche con una certa familiarità, accennata appena da un lieve movimento delle labbra. L'occhio sinistro rivela un leggero strabismo. I toni freddi, soprattutto nel lapideo sfondo architettonico, ma anche nell'incarnato, ne fanno un'opera esemplare dell'arte di Bronzino, che si dedicò con cura alla descrizione del raffinatissimo abito, nero, come imponeva la moda più aristocratica dell'epoca, con tagli regolari a lisca di pesce, una fila di bottoni di stoffa, e inserti metallici, che riecheggiano il cappello, pure nero, con nastri dorati annodati a distanze regolari.

Prompt: In Portrait of a Young Man with a Book (Bronzino), how is the History and description discussed?Please output in Italian.


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Disputa del Sacramento

Nella parte inferiore è rappresentata la Chiesa militante, un vero e proprio concilio in cui figurano teologi, dottori della Chiesa e pontefici, ma anche filantropi, letterati e semplici fedeli anonimi; non tutti i personaggi sono stati identificati. Da sinistra si trovano Bramante, appoggiato alla balaustra mentre indica un libro e si volta verso uno sconosciuto, Francesco Maria Della Rovere, il giovane in piedi in primo piano che indica l'altare , san Gregorio Magno con le sembianze di Giulio II e con ai piedi il Liber Moralium, san Girolamo, nella tradizionale iconografia del vecchio che legge le Sacre scritture con accanto un leone, il beato Angelico, in abito domenicano a sinistra dell'altare.

Prompt: In the context of Disputation of the Holy Sacrament, explain the The militant church and the Description.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

Adorazione dei pastori dipinto di Andrea MantegnaAdorazione dei pastori dipinto di CorreggioAdorazione dei pastori dipinto di Tiziano VecellioAdorazione dei pastori dipinto di DomenichinoAdorazione dei pastori dipinto di Luca GiordanoAdorazione dei pastori dipinto di Francesco De MuraAdorazione dei pastori dipinto di CaravaggioAdorazione dei pastori dipinto di Daniele CrespiAdorazione dei pastori dipinto di Peter Paul RubensAdorazione dei pastori dipinto di El GrecoAdorazione dei pastori dipinto di Cima da ConeglianoAdorazione dei pastori dipinto di Jusepe de RiberaAdorazione dei pastori dipinto di Fabrizio SantafedeAdorazione dei pastori altorilievo di Francesco GrassiaAdorazione dei pastori dipinto di Niccolò de Simone

Prompt: In Adoration of the Shepherds (der Goes), how is the The adoration of the shepherds in art discussed?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Cima da Conegliano
Daniele Crespi
Domenichino
El Greco
Fabrizio Santafede
Francesco De Mura
Francesco Grassia
Jusepe de Ribera
Luca Giordano
Niccolò de Simone
Peter Paul Rubens
Tiziano Vecellio


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Pudicizia (Corradini)

Cristo velatoVestale TucciaSuora velataVergine velataRebecca velata

Prompt: In Modesty (Corradini sculpture), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Suora velata
Vergine velata
Vestale Tuccia


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Tombe à la fille

ragazza ivi sepolta si chiamerebbe Marie Martin, nata a Tresbœuf e abitante a Teillay. Al momento della morte aveva dai 17 ai 19 anni. Anche se esistono diverse versioni sul motivo del suo omicidio, una delle più accreditate afferma che avrebbe indicato ai repubblicani di Bain-de-Bretagne il nascondiglio di un gruppo di Chouans, o al contrario che avrebbe rifiutato di indicare il nascondiglio dei rivoluzionari. Comunque, fu catturata e torturata a lungo dagli Chouans, che la lasciarono morire legata ad un albero.Questa ragazza è anche ricordata col nome di Sainte Pataude : goffo è infatti il soprannome dato ai repubblicani dagli Chouans in Gallo .

Prompt: Focus on Tombe à la fille and explain the History.Please output in Italian.

Bain-de-Bretagne Chouan Teillay Tresbœuf


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Sentiero a Louveciennes

Sentiero a Louveciennes  è un dipinto del pittore inglese Alfred Sisley, realizzato nel 1873 e conservato presso il museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: In Chemin de la Machine, Louveciennes, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the Psychological investigation autobiographical meanings of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (Caravaggio), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: Focus on Self-portrait (Giorgione) and explain the The self-portrait in ancient art.Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Ritratto di Galeazzo Sanvitale

Il breve ma intenso periodo di lavoro del Parmigianino alla corte dei Sanvitale, molto vicini politicamente ai Farnese e in particolar modo a papa Paolo III, Dapprima esposto nel palazzo del Giardino  e poi in quello della Pilotta  di Parma, assieme al Ritratto di giovane seduto con tappeto di Rosso Fiorentino , nel 1734 il dipinto, con tutta la collezione Farnese, lasciò la città emiliana per Napoli. Fu requisito dai francesi nel 1799 in occasione dell'instaurazione della Repubblica napoletana e lasciato in deposito nel complesso di San Luigi dei Francesci a Roma per un anno. Ritrovato il dipinto da Domenico Venuti, emissario per conto dei Borbone di recuperare le opere trafugate e reperirne delle altre per arricchire la collezione borbonica, questo ritornò nel 1802 nuovamente a Napoli, esposto nella quadreria di palazzo Francavilla.  tela venne poi spedita a Palermo da Ferdinando IV Borbone, che lo tenne presso di sé durante il decennio francese, dal 1806 al 1816, per poi tornare nel capoluogo partenopeo in occasione della restaurazione borbonica.Nei vari passaggi della tavola, già a partire dal Seicento, questa aveva nel frattempo perso l'identità del soggetto e dell'autore. Si parlava infatti dapprima della scuola di Raffaello, poi in occasione della razzia francese di un presunto ritratto di Cristoforo Colombo, probabilmente per un'interpretazione fantasiosa del cammeo sul cappello, raffigurante le colonne d'Ercole, finché un discendente dei Sanvitale, Luigi, nel 1857 non fu in grado di riconoscere, in base alle carte ancora in possesso della famiglia e ad una copia settecentesca dell'opera detenuta dalla medesima, la figura del suo antenato, mentre per ristabilire la paternità del Parmigianino si dovette attendere il 1894, quando se ne occupò il Ricci.

Prompt: Focus on Portrait of Galeazzo Sanvitale and explain the History.Please output in Italian.

Cristoforo Colombo
Domenico Venuti
Napoli
Palermo
Parma
Parmigianino
Ritratto di giovane seduto con tappeto
Roma
Rosso Fiorentino
Sanvitale


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Coniugi Andrews

Robert Andrews, l'uomo effigiato nel ritratto, nacque nel 1725 a Bulmer, nell'Essex e frequentò la Sudbury Grammar School negli stessi anni di Gainsborough; dopo aver terminato gli studi universitari all'University College di Oxford, il padre - un membro della landed gentry arricchitosi con oculati acquisti fondiari ma, soprattutto, facendo l'usuraio - gli avrebbe comprato una vastissima proprietà terriera, così da farlo integrare nelle classi superiori. Sua moglie, ovvero la donna che sta sedendo alla sua destra, è Frances Mary Carter, figlia di un facoltoso proprietario anch'egli nativo di Bulmer. I due convolarono a nozze il 10 novembre 1748, reduci di un matrimonio non guidato dall'amore, bensì dall'interesse di unire i terreni confinanti delle due famiglie.I Coniugi Andrews è un tipico esempio di ritratto di proprietari terrieri inglesi, sebbene reso inconsueto dalla presenza, per più di metà della tela, di una rappresentazione delle terre di proprietà, che in questo modo diventano protagoniste. I due coniugi stanno all'ombra di un albero di quercia, presso una panchina in legno dalle eleganti volute rococò. Lui sta in piedi, con il fucile al braccio e un cane da caccia ai piedi, appoggiato mollemente allo schienale del sedile su cui sta in posa la moglie. Il loro abbigliamento certifica con precisione il loro stato sociale.Mr. Andrews indossa il tricorno alla francese allora di moda, una redingote di lino mezza sbottonata e volutamente scomposta , pantaloni neri stretti al ginocchio e calze bianche ben aderenti.  sua posa sembra studiata per mettere in evidenza la forma delle gambe. Il fucile, la sacca per la polvere da sparo e il cane da caccia non sono una semplice allusione al suo passatempo, ma certificavano la sua ricchezza, essendo distribuita la licenza in Inghilterra solo a chi aveva rendite terriere di proprietà superiori alle cento sterline annue.Mrs. Andrews indossa vestiti alla moda campestre, con una cuffia sotto il copricapo alla bergère, le cui tese sono state arrotolate a imitazione di quanto facevano le mungitrici e le donne pastore. Indossa un corpino azzurro e una grande gonna sostenuta da telaio , che arriva a coprire tutta la panchina. Le sue scarpette di seta sono da casa e mai sarebbero state indossate all'aperto, in quanto si sarebbero rovinate col fango. Si tratta di uno degli indizi di come il ritratto sia frutto di una ricostruzione ideale e non di una reale ripresa dal vivo.Lo sfondo, invece, raffigura la grande tenuta su cui poggerà la fortuna della famiglia Andrews, disteso sotto un cielo plumbeo tipicamente inglese. Sono visibili diversi covoni di grano, pecore e recinti; quest'ultimi, in particolare, costituivano un'innovazione nel settore dell'agricoltura , a sottolineare la ricchezza dei due coniugi. È possibile che alcuni elementi, oltre a testimoniare la prosperità della tenuta, abbiano significati simbolici: la quercia è infatti sinonimo di stabilità, i covoni in primo piano alludono alla fecondità, intendibile come desiderio di famiglia numerosa.Sul grembo della signora Andrews, infine, Gainsborough ha lasciato una piccola superficie non dipinta; si pensa che questo spazio avrebbe dovuto successivamente accogliere un fagiano cacciato dal marito, come suggerito dalla forma dello spazio bianco e dai vaghi segni di penne timoniere, oppure una borsa per il ricamo, un libro, un ventaglio, o addirittura la raffigurazione del futuro erede .

Prompt: In Mr and Mrs Andrews, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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El jaleo

Dopo l'esposizione iniziale di El jaleo nel 1882 al Salone francese, John Singer Sargent divenne, come disse uno scrittore, "il pittore più chiacchierato di Parigi." Alcuni critici nel 1882 dissero che la tela aveva fatto sì che Sargent si fosse unito agli impressionisti francesi. Un critico di Le Figaro definì la tela "uno dei lavori più originali e forti del Salone attuale." Alcuni scrittori salutarono il quadro come ignegnoso, mentre altri lo liquidarono come un capriccio dell'artista.Oggi El jaleo è considerata una delle opere principali di John Singer Sargent.

Prompt: How does El Jaleo explain its Welcome?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-portrait (Thomas Eakins)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Annunciazione

Basilica dell'Annunciazione Per l'Annunziata la rondine è ritornata Stile dell'Incarnazione Nascita di Gesù

Prompt: Focus on Annunciation (Leonardo) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Gesù
Nascita di Gesù
Per l'Annunziata la rondine è ritornata
Stile dell'Incarnazione


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Botticelli, Avignon) and explain the Origins.Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Martirio di sant'Erasmo

Il dipinto fu commissionato in data 5 febbraio 1628 dalla Fabbrica di San Pietro per adornare uno dei tre altari - quello dedicato a Erasmo di Formia - ricavati dalle nicchie del transetto settentrionale della Basilica di San Pietro. In particolare, era pensato per essere posizionato nella parte sinistra del transetto, accanto alla tela del Martirio dei santi Processo e Martiniano di Valentin de Boulogne.  Congregazione richiese a Poussin di adottare la stessa composizione del dipinto che già stava elaborando il Cortona, eccezion fatta per il sacerdote pagano vestito di bianco, che andava spostato lateralmente. Papa Urbano VIII aveva inizialmente considerato Pietro da Cortona per l'incarico, ma alla fine fu scelto Poussin grazie all'intervento del protettore di quest'ultimo, Cassiano dal Pozzo, segretario del cardinale Francesco Barberini . Proprio il cardinale Barberini aveva già commissionato al pittore francese altre due tele, la Distruzione del Tempio di Gerusalemme nel 1626 e la Morte di Germanico nel 1627, consolidando la reputazione di Poussin a Roma, dove era giunto quattro anni prima.

Prompt: In The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), how is the Commission of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina

Prompt: In Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Explain the The mysterious, the macabre, the aberrant about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Palette (Manet).Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the Group self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

Bellezza

Criteri classici: armonia nella composizione, rispetto del canone, corrispondenza al vero, chiaroscuro, conformità teologica, perfezione, prospettiva, rispetto delle proporzioni vitruviane, presenza della curva sigma di Hogarth, simbolismo, simmetria, rispetto dello stile che si è scelto. Criteri moderni: accettazione da parte della critica, asimmetria controllata, astrattismo, contrasto, deformità , iperrealismo, parziale imperfezione, impressionismo, messaggio sociale, novità, onirismo, provocazione, simbolismo, stilizzazione, surrealismo.

Prompt: Describe the characteristics of the Objective criteria in the evaluation of a work of art in The Beauty's Introduction.Please output in Italian.


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Incubo

Gli incubi ricorrenti del disturbo da stress post-traumatico  in cui i traumi vengono rivissuti rispondono bene a una tecnica chiamata prova delle immagini. Ciò implica che i sognatori escogitino risultati alternativi e di padronanza degli incubi, provando mentalmente tali risultati mentre sono svegli e poi ricordando a se stessi prima di andare a dormire che desiderano questi risultati alternativi nel caso in cui gli incubi si ripresentino.  ricerca ha scoperto che questa tecnica non solo riduce la comparsa di incubi e insonnia, ma migliora anche altri sintomi diurni del disturbo da stress post-traumatico. Le variazioni più comuni della terapia di prova delle immagini  "si riferiscono al numero di sessioni, alla durata del trattamento e al grado in cui la terapia di esposizione è incluso nel protocollo".

Prompt: In the context of The Nightmare, explain the Post-traumatic stress disorder and the Treatment.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Unione di Lublino

upright=1.7L'Unione di Lublino rappresentò il più grande successo di re Sigismondo, ma anche il suo più grande fallimento. Pur avendo dato vita alla più grande realtà statale di tutta l'Europa del tempo, Sigismondo fallì nell'agevolare le riforme necessarie a fondare un sistema politico efficiente. Egli sperava di rafforzare la monarchia grazie al supporto della bassa nobiltà e di bilanciare allo stesso tempo il potere di questi ultimi e dei magnati, ma non vi riuscì. Sebbene l'intera aristocrazia della Confederazione fosse dichiarata formalmente uguale in termini di legge, il potere politico restò essenzialmente nelle mani dei magnati e non fu per niente indebolito: essi riuscirono sistematicamente a corrompere o asservire i propri fratelli minori. Allo stesso tempo il potere della Corona avrebbe continuato a scemare inesorabilmente: mentre gli stati vicini si sarebbero sempre più evoluti in monarchie assolute forti e accentrate, la Confederazione sarebbe scivolata in una condizione di anarchia politica che ne avrebbe messo a rischio la stessa esistenza.L'Unione di Lublino determinò la fusione delle due entità statali di Polonia e Lituania, ma su molti fronti esse mantennero significativi livelli di autonomia: disponevano ciascuna di un proprio esercito, una tesoreria, un corpo di leggi e di organi amministrativi. Sebbene l'Unione dichiarasse i due Paesi uguali e di pari dignità, la Polonia, più vasta e culturalmente più vivace, avrebbe assunto ben presto un ruolo dominante.Una differenza che fu evidente già nella rappresentatività delle due nazioni in seno alla Camera dei deputati della Polonia: a causa dei diversi livelli di popolazione, i deputati polacchi superavano quelli lituani in rapporto di 3:1.I promotori dell'Unione di Lublino si aspettavano che Lituania e Polonia fossero legate fra loro in maniera più stretta di quanto fossero in realtà. Il Secondo statuto di Lituania, del 1566, rimaneva ancora in vigore e molte delle sue disposizioni differivano in modo sostanziale dai dettami dell'Unione di Lublino. Anche il Terzo statuto di Lituania, adottato nel 1588, contrastava con molti dei punti previsti dall'Unione. nobiltà polacca considerò gli statuti lituani incostituzionali, poiché in sede di ratifica dell'Unione di Lublino era stato stabilito che nessuna legge avrebbe potuto andare in contrasto con essa. Altrettanto dichiaravano gli Statuti, che tra l'altro continuarono ad essere adoperati anche in quelle regioni che la Polonia aveva annesso poco prima della firma dell'Unione. Questi definivano incostituzionali le leggi emanate in conflitto con essi, dando avvio a una serie di controversie giuridiche che sarebbero durate molti anni.I tentativi di limitare il potere dei magnati lituani  e di unificare il corpo di leggi della Confederazione portarono alla nascita del movimento detto koekwacja praw, che culminò nelle Riforme koekwacja alle elezioni parlamentari del maggio-giugno 1697. Queste furono confermate ad aprile del 1698 nel documento Porządek sądzenia spraw w Trybunale Wielkiego Księstwa Litewskego

Prompt: In the context of Union of Lublin (painting), explain the Political consequences and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Europa
Lublino
Polonia
Riforme koekwacja


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Quattro visioni dell'Aldilà

prima tavola ha come soggetto la Caduta dei dannati. Si notano tre figure di anime malvagie che scaraventate da altrettanti diavoli sprofondano attraverso l’abisso infernale verso "una palude di cenere incandescente e di lava rosso fuoco". Al centro in basso, una quarta figura umana si trova già avvolta dai fumi, mentre in alto a sinistra  un quarto diavolo sembra esultare in volo. Il paesaggio vulcanico è appena rischiarato di bagliori delle eruzioni. Nella parte alta, le sagome diaboliche, caratterizzate da un corpo scimmiesco con testa da pesce abissale e tipici barbigli, sono rese con poche sintetiche pennellate luminose di grande modernità che le ritagliano sul fondo nero, con tratti bianchi. Le figure umane sono invece definite da tratti ocra con lumeggiature gialle. I toni cupi e angoscianti che dominano la raffigurazione riescono a dare alla scena un'impressione sinistra di assoluta drammaticità.

Prompt: Explain the Fallen gods' children about the History of this artwork, Ascent of the Blessed.Please output in Italian.


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La Gioconda

{ class="wikitable"!Ruolo!Vocalità!Interpreti della prima
8 aprile 1876, Teatro alla Scala
!Interpreti della seconda versione
18 ottobre 1876, Teatro Rossini
!Interpreti della terza versione
24 gennaio 1877, Teatro Apollo
!Interpreti della quarta versione
 27 novembre 1879, Politeama Genovese
 - GiocondasopranoMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani Masi-ura AdornomezzosopranoMarietta Biancolini RodriguezEulalia KadminaFilippina von EdelsbergFlora Mariani De Angelis-Alvise BadoèrobassoOrmondo MainiOrmondo Mainidislao MillerÉdouard de Reszke- CiecacontraltoEufemia Barlani-DiniAmelia SbolgiAmelia SbolgiGiuditta Celega-Enzo GrimaldotenoreJulian GayarreEnrico BarbaciniEnrico BarbaciniFrancesco Marconi-BarnababaritonoGottardo AldighieriGiuseppe KaschmannAugusto ParboniGustavo Moriami-ZuànebassoGiovanni Battista CornagoAbulcher LeoniAchille CardosGiacomo Origo-Un cantoreBassoGiovanni Battista CornagoAbulcher LeoniAchille CardosGiacomo Origo-IsèpotenoreAmedeo Grazzi?Salvatore De AngelisEmanuele Dall'Aglio-Un pilotabassoGiovanni Battista Cornago??Giovanni Battista Panari}Ponchielli, durante le prove, si dichiarò soddisfatto della compagnia, in particolare del basso Maini e del tenore spagnolo Julián Gayarré , prevedendo il successo di quest'ultimo nella romanza del secondo atto Cielo e mar!. Previsione che si avverò, dato che la sera della prima fu questo uno dei due pezzi bissati, insieme al preludio.L'opera ottenne un vivo successo ma lo spettacolo fu giudicato troppo lungo : il pubblico, infatti, applaudì i primi due atti più degli ultimi due, destinati nel tempo a diventare quelli di maggior successo. Le chiamate degli artisti al proscenio furono 27.L'opera, che a causa del ritardo nella consegna della partitura chiuse la stagione lirica della Scala, fu rappresentata solo per quattro serate; a maggio Ponchielli era di nuovo al lavoro per modificare le parti che meno l'avevano convinto e per ridurne la durata complessiva. Egli mise mano ai finali del primo e del terzo atto, sostituì il coro d'introduzione e l'aria di Alvise all'inizio del terzo atto , abbinandola ad una nuova romanza di ura .In questa seconda versione andò in scena con successo al Teatro Rossini di Venezia, il 18 ottobre diretta da Faccio.Nel gennaio 1877 Ponchielli si trasferì a Roma, dove  Gioconda sarebbe dovuta andare in scena al Teatro Apollo . Durante le prove, il compositore si fece convincere dalla compagnia e dal direttore Luigi Mancinelli ad eliminare la stretta del finale III, chiudendolo con poche battute d'orchestra dopo il cantabile concertato. Con queste modifiche , l'opera debuttò al Politeama Genovese il 27 novembre 1879, revisionato da Angelo Zanardini e tornò alla Scala quattro anni dopo il debutto, il 12 febbraio 1880, raccogliendo un autentico trionfo con la quinta e definitiva versione con la Mariani Masi, Elvira Demi come Cieca, Elisabeth Leawington come ura, Francesco Tamagno come Enzo, Francesco Marconi come Isèpo, Gustavo Moriani come Barnaba e Giovanni Ordinas come Alvise e Zuàne/cantore/pilota/barnabotto. Poco per volta Ponchielli era riuscito a trovare la giusta misura e adattare il raffinato ma cerebrale libretto di Boito, alla propria vena musicale più autentica, calda e fluente, rimpiazzando, tagliando e aggiungendo interi episodi.Ottenne successo anche all'estero, nel 1886 fu rappresentata a Londra e Barcellona, nel 1887 a Bruxelles, a Vienna, a Varsavia, a  Plata in Sudamerica con Gemma Bellincioni nel ruolo di Gioconda, a Smirne e a Nizza con Cesira Bacchiani e Luisa Tetrazzini, diretta da Cleofonte Campanini.Nel 1909 l'opera fu allestita al Teatro dell'Opera di Roma con un ottimo cast composto da Angelo Masini Pieralli, Giannina Russ, Luisa Garibaldi e Titta Ruffo.

Prompt: Focus on Mona Lisa and explain the Debut, successive, versions, representations.Please output in Italian.

1876
1877
1879
1880
Angelo Masini Pieralli
Angelo Zanardini
Cesira Bacchiani
Cleofonte Campanini
Francesco Marconi
Francesco Tamagno
Gemma Bellincioni
Giannina Russ
Luigi Mancinelli
Luisa Garibaldi
Luisa Tetrazzini
Politeama Genovese
Roma
Teatro alla Scala
Teatro dell'Opera di Roma
Titta Ruffo
Venezia


subsection

Velo della Veronica

C'è stata sicuramente un'immagine conservata nella basilica di San Pietro che si sostiene essere la stessa Veronica venerata nel Medioevo. Questa immagine sarebbe tuttora conservata nella cappella che si trova dietro il poggiolo nel pilastro sud-occidentale che sostiene la cupola.Sono state registrate pochissime ispezioni nei tempi moderni e non ci sono fotografie dettagliate. L'ispezione più dettagliata registrata nel XX secolo avvenne nel 1907 quando lo storico dell'arte gesuita Joseph Wilpert fu ammesso a rimuovere due lastre di vetro per ispezionare l'immagine. Egli commentò che vide solo ‘un pezzo quadrato di stoffa leggermente colorata, alquanto scolorita dall'età, che porta due deboli macchie marrone-ruggine, unite l'una all'altra.Ciò nonostante, tale immagine è ancora mostrata ogni anno la domenica di Passione.  benedizione ha luogo dopo i Vespri tradizionali alle 17.00. C'è una breve processione nella basilica, accompagnata dalla litania romana. Una campana suona e tre canonici portano la pesante cornice fuori sulla balconata sopra la statua di santa Veronica che tiene il velo Con questa vista limitata, però, non si vede alcuna immagine ed è possibile solo distinguere la forma della cornice interna. Quindi persiste il mistero della attuale esistenza o meno della sacra immagine in San Pietro anche in considerazione del fatto che un telo già vecchio di quindici secoli era riconoscibilissimo dalle masse popolari dell'epoca, presumibilmente a rispettosa distanza, mentre ora, pochi secoli dopo, è diventato, con rapidità almeno sospetta, un "pezzo quadrato di stoffa" che "porta due deboli macchie marrone-ruggine".

Prompt: Explain the St. Peter's Basilica about the TraditionallyassociatedwiththeveilofVeronica of this artwork, Head of Christ (Correggio).Please output in Italian.


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Ebbrezza di Noè

LEbbrezza di Noè è un affresco  di Michelangelo Buonarroti, databile al 1508-1510 circa e facente parte della decorazione della volta della Cappella Sistina, nei Musei Vaticani a Roma, commissionata da Giulio II.

Prompt: Focus on Drunkenness of Noah and explain the Abstract.Please output in Italian.

1508
1510
Cappella Sistina
Michelangelo Buonarroti
Musei Vaticani
Noè
Roma


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Maja desnuda

Francisco Goya Duchessa de Alba Pepita Tudó  maja desnuda  Maja vestida Manuel Godoy Nudo artistico Nudo sdraiato Totò, Eva e il pennello proibito

Prompt: Focus on La maja desnuda and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Francisco Goya
Francisco Goya
Maja vestida
Manuel Godoy
Nudo artistico
Nudo sdraiato
Pepita Tudó
Totò, Eva e il pennello proibito


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Donna alla sorgente

Donna alla sorgente  è un dipinto a olio su tela realizzato nel 1862 dall'artista francese Gustave Courbet. Il dipinto raffigura una donna nuda vista di schiena alla fonte di un ruscello. L'opera fa parte della collezione del museo Metropolitano di New York.

Prompt: In The Source (Courbet), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.