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Ritratto di Pietro Aretino

Il dipinto venne datato intorno al 1511 e 1512 seguendo le opere di Giovanni Bellini che fu il primo maestro dell'artista veneziano, grazie alla raffigurazione delle pieghe dell'abito.  certezza dell'assegnazione a Tiziano la si deve all'incisione del 1649 eseguita da Francesco Van Den Wngarde, che riporta la scritta «Vera effigie del poeta Pietro Aretino cavato da Titiano suo Amichissimo» poi conservata nella raccolta di Johann e Jacom Van Verk.Il dipinto risulta presente sul mercato londinese dove risulta eseguito da un giovane Tiziano, risulterebbe proveniente dalla collezione del cardinale Antoni Despuig nei primi anni dell'Ottocento passando poi a Maiorca dove venne messo all'asta il 25 maggio 1999 da Christie's Iberica indicato come opera del Moretto. Sarà poi Vittorio Sgarbi a indicare “impropria” l'assegnazione del bresciano.

Prompt: How does Portrait of Pietro Aretino explain its History?Please output in Italian.

Giovanni Bellini
Pietro Aretino
Vittorio Sgarbi


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Epifania

In Bulgaria l'Epifania si celebra il 6 gennaio ed è conosciuta come Bogoyavlenie , Кръщение Господне  o Yordanovden . In questo giorno, una croce di legno viene gettata da un sacerdote in mare, fiume o lago e i giovani corrono a recuperarla. Poiché le acque hanno una temperatura prossima allo zero, questo atto è considerato onorevole e si ritiene che la casa del nuotatore che per primo raggiunge la croce sia premiata dalla buona salute.Nella città di Kalofer, viene suonato un tradizionale coro con tamburi e cornamuse nelle gelide acque del fiume Tundzha prima del lancio della croce.

Prompt: Explain the Bulgaria about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Galleria di vedute di Roma moderna

Pittura ad olio su tela, che appartiene al genere conosciuto come "capriccio di architetture", rappresenta una grande e immaginaria sala, dove è una raccolta di dipinti, appoggiati alle pareti o in terra, con vedute di chiese e di monumenti celebri che si trovano a Roma. Le vedute, salvo pochi casi, non intendono riprodurre quadri effettivamente dipinti da Pannini; quindi l'invenzione non è che un espediente per illustrare le singolari bellezze della città. Nel dipinto sono presenti anche celebri sculture presenti a Roma e alcuni personaggi. I soggetti delle vedute sono stati certamente concordati con il committente che forse desiderava possedere un "souvenir" indelebile della città dove, come ambasciatore, aveva rappresentato il Re di Francia. Un pesante drappo purpureo pende a balze dal soffitto, come un sipario da poco sollevato; colonne di marmo, in fuga verso un lontano giardino, frammentano lo spazio grandioso; mentre i personaggi, pur in primo piano, sembrano elementi secondari, rispetto alla complessità dell'apparato scenico e alla meraviglia delle pitture, esposte quasi a caso e senza un ordine apparente.

Prompt: Focus on Modern Rome and explain the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Polittico Quaratesi

Nel 2001 i quattro scomparti custoditi presso la Galleria degli Uffizi di Firenze Santa Maria Maddalena, con cimasa  San Nicola di Bari, con cimasa  San Giovanni Battista, con cimasa  San Giorgio, con cimasa sono stati restaurati grazie al contributo del Prof. Abramo Galassi, presidente all'epoca della Faber  di Fabriano. Il restauro, condotto da Sandra Freschi e Nicola Ann MacGregor sotto la supervisione di Alessandro Cecchi, direttore del dipartimento della pittura dal Medioevo al primo Rinascimento, ha rimosso lo sporco e i precedenti ritocchi ed ha riconsolidato le parti instabili del colore e della doratura.

Prompt: In Quaratesi Polyptych, how is the Restoration discussed?Please output in Italian.

Firenze
San Nicola di Bari
Galleria degli Uffizi


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Nike di Peonio

Nike di Peonio, conosciuta anche come Nike in volo, è una statua in marmo pario realizzata da Peonio di Mende, alta 216 cm e databile al 425-420 a.C. circa. È conservata nel Museo archeologico di Olimpia.

Prompt: Focus on Nike of Paionios and explain the Abstract.Please output in Italian.

Museo archeologico di Olimpia
Olimpia
Peonio di Mende


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Madonna del Bordone

Grazie a radiografie è stato possibile fotografare le teste sottostanti, caratterizzate dall'uso di pennellate pastose senza sfumature, quasi tratteggiate, uno dei tratti salienti della sua pittura. Questo modo di dipingere infatti, che appartiene alla corrente di Giunta Pisano, prevedeva forti contrasti di chiaro scuro tramite la contrapposizione di ombre e lumeggiature con pochissime sfumature. Al centro della tavola è raffigurata la Madonna, con un'aureola a raggiera, con due angeli ai lati, seduta in trono e col Bambino benedicente; questi con l'aureola circondata da una croce gemmata, tiene con la sinistra il libro della Legge. A differenza della concentrata astrazione di opere come quelle di Margaritone d'Arezzo, il Bambino nella Madonna di Coppo guarda teneramente la madre, un gesto che umanizza la divinità, ma che simboleggia anche la trepidazione con la quale Dio  guarda alla Chiesa . Le due figure, costruite frontalmente e con i corpi allungati, sono bloccate in una posa statica che definisce, secondo l'arte bizantina, il carattere del personaggio raffigurato. Notevole è la lumeggiatura nelle pieghe dei panneggi, effettuata tramite l'uso di sottili striature dorate , che cercano di definire, con risultati apprezzabili, il busto e le gambe sottostanti la veste della Madonna. Nelle zone in cui sono assenti risaltano per contrasto le parti scure, dando l'effetto di cavità che generano un forte senso plastico.

Prompt: In Madonna del Bordone, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Lucifero

Mentre di Lucifero come divinità legata a Venere non abbiamo traccia, esistevano culti dedicati a divinità definite "Lucifere" .Oltre a queste, tra le Divinità Maschili Solari più conosciute che ritroviamo nel pantheon greco-romano vi è Apollo, un cui epiteto era Phosphoros , che tradotto in latino è Lucifer, Lucifero appunto.

Prompt: Focus on Lucifer (Stuck) and explain the In the Greek-Roman religion.Please output in Italian.


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La brocca rotta

brocca rotta  è una commedia scritta da Heinrich von Kleist. Kleist concepì l'idea della commedia nel 1802, guardando un'incisione a casa di Heinrich Zschokke intitolata Le juge, ou la cruche cassée e tentando di crearci sopra una storia assieme ad alcuni suoi amici. Il primo a rappresentare la commedia fu Goethe nel 1808. brocca rotta deride la fallacità della natura umana e del sistema giuridico. Come nellEdipo re anche qui vi è la colpevolezza del giudice, ma a differenza della tragedia di Sofocle, la sua colpevolezza è svelata al pubblico dal principio.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Broken Vessel.Please output in Italian.


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Venere dormiente con amorini

left fonte iconografica cui è stata associata la Venere dormiente di Annibale è lo scritto di Filostrato il vecchio Immagini  – risalente al III secolo a.C. –, che contiene una serie di descrizioni di dipinti , tra i quali uno denominato Gli Amori .Questa fonte verosimilmente non fu l'unica cui il Carracci si è rifatto. L’Immagine di Filostrato descrive solo il gioco degli amorini – con parole che, in effetti, coincidono con il dipinto di Chantilly, ad esempio il reciproco tirarsi di mele da parte di alcuni putti – ma, nell’Immagine del retore, Venere è fisicamente assente, sostituita da un simulacro dedicatole dalle ninfe. Venere dormiente che campeggia nella scena, ha probabilmente un'altra derivazione che alcuni studiosi hanno individuato nell'epitalamio di Claudiano dedicato alle nozze tra Palladio e Celerina .Benché non tutto coincida, tra il componimento nuziale di Claudiano e la tela di Annibale vi sono significativi punti di contatto a partire dalla presenza di Venere che dorme in un ambiente silvestre mentre intorno a lei degli eroti raccolgono pomi per fargliene dono.Anche i due putti che, sulla sinistra della tela, tirano all'arco verso un bersaglio al cui centro vi è un cuore, sono probabilmente un'allusione all'epitalamio per Palladio e Celerina. Infatti, alla fine del componimento si legge che: «[Venere] degli amori chiamò duo più valenti in tirar saette […] e armati di frecce intrise di puro miele entrambi si apprestano a ferir, della donzella e del giovane il core a un punto istesso».Gli autori che ritengono gli affreschi della Galleria Farnese finalizzati alla celebrazione delle nozze tra Ranuccio Farnese e Margherita Aldobrandini ipotizzano che anche la Venere di Chantilly, derivante da un testo letterario dedicato ad una celebrazione nuziale, possa aver avuto la stessa funzione ed essere, quindi, un secondo epitalamio per le nozze Farnese-Aldobrandini.Sul piano figurativo la Venere di Annibale forse riprende la statua di Arianna dormiente della collezione medicea, ora agli Uffizi, ma all'epoca di esecuzione del dipinto ancora a Roma.  Venere di Chantilly coincide per vari aspetti con l'Arianna medicea: la posizione a metà tra sdraiata e seduta, l'accavallarsi delle gambe, il modo di reclinare la testa appoggiandola su un braccio.Altro riferimento figurativo seguito da Annibale è il dipinto di Tiziano Festa degli amorini, pure derivante da Filostrato. Anche questo dipinto, ora in Spagna, si trovava a Roma , nelle collezioni di Pietro Aldobrandini, cui verosimilmente Annibale ha avuto accesso.

Prompt: How does Sleeping Venus (Carracci) explain its Iconographic sources?Please output in Italian.

Chantilly
Festa degli amorini
Margherita Aldobrandini
Pietro Aldobrandini
Venere dormiente


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La cantante di strada

cantante di strada  è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1862 dal pittore pre impressionista francese Édouard Manet.  tela è conservata al Museum of Fine Arts di Boston.Nell'opera, la modella preferita dell'artista, Victorine Meurent, è raffigurata nei panni di una cantante che esce da un locale di cabaret a notte fonda, mentre mangia delle ciliegie. scena è stata ispirata a Manet direttamente da un incontro che fece di notte con una donna che corrispondeva esattamente a tale descrizione. Chiedendole immediatamente di posare per lui, la giovane donna rifiutò, e si dice che Manet abbia esclamato: «Se lei non vuole, vorrà Victorine!»

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Street Singer (Manet).Please output in Italian.

1862
Boston
Victorine Meurent
Édouard Manet


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the nineteenth-century intervention and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Compianto sul Cristo morto

Il Compianto sul Cristo morto è un soggetto dell'arte sacra cristiana, divenuto popolare a partire dal XIV secolo e soprattutto nel Rinascimento. In esso viene rappresentato Gesù dopo la sua deposizione dalla croce, circondato da vari personaggi che ne piangono la morte.Compianto sul Cristo mortoNel racconto della Passione di Cristo la scena del Compianto si colloca tra la Deposizione dalla Croce e la Deposizione nel Sepolcro.I personaggi sono quelli che, secondo i Vangeli, che però non concordano sulla narrazione di questi fatti, assistettero alla morte di Gesù in croce o si occuparono della sua sepoltura: Maria, l'apostolo Giovanni, la Maddalena e le pie donne, Giuseppe d'Arimatea e Nicodemo.Nel campo della pittura un esempio precoce e notevolissimo di Compianto è quello realizzato da Giotto nel ciclo di affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova.Nel campo della scultura il termine Compianto identifica un gruppo di statue, di grandezza naturale, con il corpo del Cristo disteso a terra, ormai segnato dal rigor mortis collocato al centro della scena e le figure degli astanti disposte in semicerchio attorno ad esso in modo da ottenere un evidente effetto teatrale, e favorire così la immedesimazione dei fedeli nel tragico evento. Compianti molto noti, caratterizzati da forte drammaticità e intensità espressiva, sono il gruppo in terracotta di Niccolò dell'Arca , che si trova nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna ed il Compianto sul Cristo morto del Mazzoni  presso la Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi a Napoli.Un soggetto affine al Compianto è la Pietà: in essa Gesù morto è rappresentato tra le braccia di Maria, o talvolta di angeli o altri personaggi.

Prompt: Focus on Lamentation over the Dead Christ (Bellini, Florence) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bologna
Cappella degli Scrovegni
Chiesa di Sant'Anna dei Lombardi
Gesù
Giotto
Giuseppe d'Arimatea
Napoli
Niccolò dell'Arca
Padova
Rinascimento
XIV secolo


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Beauty Revealed

Beauty Revealed è un acquerello su avorio realizzato nel 1828 da Sarah Goodridge.Autoritratto raffigurante il seno della Goodridge, fu donato al politico Daniel Webster. Dal 2006 è esposto al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Beauty Revealed.Please output in Italian.

1828
Autoritratto
Metropolitan Museum of Art
New York
Sarah Goodridge


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Washington attraversa il fiume Delaware

Battaglia di Trenton Emanuel Leutze George Washington Guerra d'indipendenza americana Scena della firma della Costituzione degli Stati Uniti

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Washington Crossing the Delaware (1851 paintings).Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-portrait (Thomas Eakins), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Botticelli, Glasgow).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Cleopatra e Cesare

Thoré, T., Salons de W. Bürger 1861 à 1868. Volume 2, Paris, Librairie de Ve Jules Renouard, 1870.

Prompt: Focus on Cleopatra and Caesar (painting) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Democrito

Così come per il resto della materia, anche l'anima  per Democrito era costituita da atomi, atomi più sottili e lisci, di natura ignea.Essi penetrano tutto il corpo e gli danno vita e vengono mantenuti in esso grazie alla respirazione, inoltre grazie a questa capacità di vivificare, di render pensante l'uomo, erano considerati divini.Infine, Democrito sostiene che gli dei sono fatti di atomi proprio come gli esseri umani, ma che non interagiscono affatto con noi: questo fatto lo fece considerare come un vero e proprio anticonformista e ateo, una vera rarità ai suoi tempi.Tuttavia, stando al frammento Diels-Kranz B175, "gli dèi si interessano degli uomini dagli albori della storia a oggi donando loro ogni bene" ed evitando ogni male o possibile danno.

Prompt: Explain the Thedivine about the Biography of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.


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Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos (San Pietroburgo)

Paesaggio con san Giovanni Evangelista a Patmos conosciuto anche come San Giovanni Evangelista a Patmos è un dipinto a olio su tavola di Tobias Verhaecht e Gillis Congnet realizzato nel 1598 e conservato nel Museo statale Ermitage a San Pietroburgo in Russia.

Prompt: Focus on St John the Evangelist at Patmos and explain the Abstract.Please output in Italian.

1598
Ermitage
Gillis Congnet
Patmo
Russia
San Pietroburgo
Tobias Verhaecht


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Pala di Nailloux

Pala di Nailloux , dedicata alla Passione di Cristo, è un gruppo di cinque pannelli di alabastro scolpiti in altorilievo che adornano una cappella della chiesa San Martino di Nailloux.Questa pala d'altare è un "alabastro di Nottingham" probabilmente scolpito nella seconda metà del XV secolo in un'officina dei Midlands. Il termine "alabastro inglese" o "di Nottingham" si riferisce a un tipo di scultura di produzione industriale che si è sviluppato dal XIV secolo fino agli inizi del XVI secolo nel centro dell'Inghilterra, regione ricca in carriere di alabastro.  maggiore parte delle sculture prodotte erano abbastanza piccole per esser commercializzate in Inghilterra ed esportate, soprattutto verso Bretagna, Normandia e il Sud Ovest della Francia.Anche se è attualmente impossibile riconoscere il committente all'origine dell'arrivo di quest'opera straniera a Nailloux, è interessante notare che l'opera stessa è contemporanea di un periodo di sviluppo economico maggiore per la regione: l'età d'oro della cultura del guado nel uragais.Da una lunghezza totale di 1,46 m, la pala è composta da quattro pannelli laterali di 43 x 25 cm e da un pannello centrale di 50 x 25 cm. Passione di Cristo è stato un tema favorito per le pale d'altare medievali perché associa il ricordo del sacrificio di Cristo con l'eucaristia. Nella pala di Nailloux sono rappresentati, da sinistra a destra: l'Arresto, la Flagellazione, la Crocifissione , la Deposizione e la Risurrezione di Cristo. chiesa del paese vicino di Montgeard ospita anche quattro pannelli di un polittico smembrato in alabastro Nottingham .  presenza di tali opere della stessa origine straniera in due chiese così vicine non è stata spiegata finora. pala di Nailloux è classificato "monument historique" nella categoria oggetto nel 1914. Dopo il restauro della chiesa completato nel 2011, la pala d'altare è stata restaurata nel 2013 dopo una sottoscrizione della Fondation du Patrimoine.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Nailloux Altarpiece.Please output in Italian.

1914
2011
2013
Bretagna
Francia
Inghilterra
Midlands
Montgeard
Nailloux
Normandia
XIV secolo
XVI secolo
XV secolo


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna di Darmstadt

Nel XIX secolo si giunse ad una prima grande disputa sulle due versioni della Madonna di Dresda, quella conservata presso la Gemäldegalerie di Dresda e quella conservata al palazzo reale di Darmstadt, per stabilire quale effettivamente fosse l'opera originale. Durante il processo di riconoscimento, la pittura di Dresda, che in seguito si rivelò essere una copia, fu spesso considerata dai suoi contemporanei e dagli artisti come la più bella e compiuta e quindi l'originale. Copiando la pittura di Holbein nel XVII secolo, il copista apportò alcune modifiche che sembravano corrispondere più al gusto dell'epoca che all'originale di Holbein.  disputa interessò artisti, storici dell'arte e soprattutto una gran parte del pubblico tedesco interessato all'arte. Nel 1871 venne appositamente progettata a Dresda una mostra di Holbein per offrire al pubblico l'opportunità di esprimere la propria opinione e scriverla negli album appositamente forniti per l'occasione. Sebbene la partecipazione sia stata bassa in quanto a pubblico, questo è ancora oggi considerato il primo studio empirico nel campo dell'estetica psicologica, dal momento che contrariamente all'opinione del pubblico e degli artisti, gli storici dell'arte alla fine prevalsero nella scelta del dipinto di Darmstadt come originale. Le indagini a raggi X e infrarossi più moderne hanno confermato i risultati già visibili a occhio nudo sul dipinto di Darmstadt, mentre l'immagine di Dresda ne è la copia. Di conseguenza, come scrisse Emil Major nel 1910, il dipinto di Dresda è a tutti gli effetti quello del pittore Bartholomäus Sarburgh, databile al 1635/1637.

Prompt: Explain the Original and copy: the dispute of Holbein in Dresden about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Ultima Cena

LUltima Cena è, secondo il Nuovo Testamento, l'ultimo pasto che Gesù fece con gli apostoli prima della sua Crocifissione, durante la Pasqua ebraica nel luogo detto del Cenacolo.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La famiglia di Carlo IV

Di seguito riportiamo lo schema identificativo dei personaggi de  famiglia di Carlo IV accompagnato da un albero genealogico dei Borbone:#S.A.R Infante Carlo Maria Isidoro, futuro Pretendente Carlista come Carlo V#Autoritratto di Goya#S.A.R infante Ferdinando, futuro Ferdinando VII di Spagna#S.A.R infanta Maria Giuseppina, sorella del re Carlo IV#S.A.R principessa Maria Antonia, figlia del re e della regina di Napoli e Sicilia, moglie di Ferdinando VII#S.A.R infanta Maria Isabella, futura regina consorte delle Due Sicilie#S.M regina Maria Luisa, principessa di Parma, moglie di Carlo IV#S.A.R infante Francesco di Paola, futuro duca di Cadice#S.M re Carlo IV#S.A.R  infante Antonio Pasquale, fratello del re Carlo IV#S.A.R infanta Carlotta Gioacchina, futura regina consorte di Portogallo e dell'Algarve#S.M re Ludovico I, re d'Etruria, figlio del duca e della duchessa di Parma, Piacenza e Guastalla#S.A.R infante Carlo, futuro re Ludovico II d'Etruria, figlio di Ludovico I#S.M regina Maria Luisa, regina consorte d'Etruria, figlia di Carlo IV

Prompt: Describe the characteristics of the Schema identifier in Charles IV of Spain and His Family's History.Please output in Italian.


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Il cortile dei folli

Connell, Evan S. Francisco Goya: A Life. New York: Counterpoint, 2004.  Hagen, Rose-Marie & Hagen, Rainer. Francisco Goya, 1746-1828. Taschen, 2003.  Hughes, Robert. Goya. New York: Alfred A. Knopf, 2004.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Yard with Lunatics.Please output in Italian.


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Stufetta del cardinal Bibbiena

"stufetta", cioè stanzino da bagno privato, faceva parte dell'appartamento del cardinal Bibbiena. Due lettere indirizzate dal Bibbiena a Pietro Bembo chiariscono gli estremi cronologici dell'impresa all'anno 1516: nella prima  si chiede un consiglio per nuovi motivi mitologici da rappresentare; nella seconda  si annuncia il compimento dei lavori.Nel XIX secolo, a causa di un'errata interpretazione, veniva anche chiamata "ritiro di Giulio II". Nel Settecento Vincenzo Camuccini la trasformò in cappellina ricoprendo le pareti con tavole e la volta con una tela; una volta liberata tornò ad essere studiata. Nel 1890 Dollmayr riconobbe i motivi mitologici in Ovidio e Servio Mario Onorato.Per quanto riguarda l'attribuzione, le opere sono quasi concordemente riferite agli aiuti del Sanzio su disegno del maestro, soprattutto Giulio Romano, Giovan Francesco Penni e altri.

Prompt: Focus on Stufetta del cardinal Bibbiena and explain the History.Please output in Italian.

1516
1890
Giovan Francesco Penni
Giulio Romano
Pietro Bembo
Servio Mario Onorato
Vincenzo Camuccini


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La grande onda di Kanagawa

grande onda di Kanagawa può essere considerata l'immagine iconica della moderna contrapposizione tra forza della natura e fragilità dell'uomo: l'abilità di Hokusai in questa stampa risiede infatti nella raffigurazione della natura, rappresentata dall'onda gigante, che appare come una forza violenta pronta a inghiottire gli uomini, i quali a loro volta rappresentano la secolarità della vita che si contrappone all'indifferenza e alla religiosità del Monte Fuji.Attraverso la rappresentazione dell'onda in modo così drammatico l'autore intendeva, secondo alcune ipotesi, catturare il sentimento di disagio di una nazione costretta a vivere circondata dall'acqua, così come il primordiale terrore dell'uomo per il mare.  storica di arte giapponese Christine Guth e l'esperto di cultura giapponese Donald Keene sostengono che l'opera risenta dell'influenza del periodo storico in cui questa fu realizzata e suggeriscono che l'onda potrebbe rappresentare una sorta di barriera simbolica posta a protezione del Giappone, in un momento della storia in cui i giapponesi iniziavano a preoccuparsi delle possibili incursioni straniere , ma allo stesso tempo potrebbe simboleggiare il desiderio incombente degli stessi di viaggiare e spostarsi all'estero. Essa viene rappresentata come un'onda mostruosa e fantasmagorica, come uno scheletro bianco che minaccia i pescatori con i suoi "artigli" di spuma. Difatti se si esamina la parte sinistra della schiuma dell'onda essa evoca più una mano artigliata pronta ad afferrare i pescatori che non la schiuma di una normale onda. Questa visione fantastica dell'onda ricorda che Hokusai fu un maestro del genere fantastico giapponese, come dimostrato dai fantasmi disegnati nei suoi Hokusai manga. Tra il 1831 e il 1832 egli iniziò a trattare il tema del soprannaturale in modo più esplicito con la pubblicazione di .L'immagine ricorda molte altre opere dell'artista: la silhouette dell'onda evoca un drago gigante, drago che Hokusai era solito disegnare spesso, anche affiancato al Fuji. L'onda può essere considerata altresì come la rappresentazione spettrale della morte che, arroccata sopra i marinai condannati, allunga e ritrae le sue braccia come fa il polipo con i suoi tentacoli, un animale che compare sovente nei suoi manga e nelle sue opere erotiche.In quest'opera tuttavia la sacralità della montagna e la forza prorompente dell'onda possono essere poste sullo stesso piano: entrambe sono caratterizzate dall'uso dei colori bianco e blu, i quali sono simbolicamente legati alle forze elementali del fuoco e dell'acqua, in una trasposizione del potenziale delle eruzioni vulcaniche e dei conseguenti tsunami. Va altresì osservato che la forma del Fuji viene riproposta all'interno delle onde stesse.  ripetizione delle forme è ancora più evidente nella superficie dell'acqua, la quale presenta una fitta trama di piccoli riccioli. Questi, presenti in gran numero nella spuma della grande onda, generano altri riccioli che si ripresentano anche nelle onde più piccole, riprendendo l'immagine dell'onda madre, ricordano da vicino il simbolo dei principi yin e yang della concezione taoista del cosmo, con l'uomo impotente che lotta nel mezzo, ma è possibile osservare anche un'allusione al buddhismo  e allo shintoismo . Il concetto alla base di yin e yang viene usato anche per descrivere il contrasto tra la violenza dell'onda e la calma apparente dei pescatori davanti al pericolo. Inoltre, la curvilineità delle forme delle onde, del Fuji e anche delle barche trasmette all'osservatore una sensazione di fluidità e continuo movimento che accomuna l'intera immagine, alludendo alla fondamentale idea taoista del mutamento responsabile degli andamenti del mondo.

Prompt: In The Great Wave off Kanagawa, how is the Expressions of the artist of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Amore e Psiche

;TraduzioniItalianotraduzione classica di Agnolo Firenzuola traduzione di Ettore Paratore, Firenze,  nuova Italia, 1948;traduzione di Gian Franco Pasini, Fògola, Torino, 1983;traduzione di Claudio Moreschini, Programma, Padova, 1991;traduzione di Massimo Bontempelli, Sellerio Editore, 1992;traduzione di Angela Cerinotti, Demetra, Bussolengo, 1993;traduzione di Gabriella D'Anna, Newton Compton, Roma, 1995 . Dal 2010 con premessa di Francesco Piccolo;traduzione di Daniele Piccini,  come  novella di Amore e Psiche, prefazione di Paolo gazzi, Medusa Edizioni, Milano, 2005  ;traduzione di ra Nicolini, BUR, Milano, 2005.FranceseLes Amours de Psyché et Cupidon, favola di Jean de  Fontaine Psyché, romanzo di Pierre Louÿs Apulée, Éros et Psyché, trad. di Nicolas Waquet, prefazione di Carlo Ossola , Payot & Rivages, Paris, 2006.;Letteraturala versione romanzata di Jerzy Żuławski Umberto Marchi, Amore e Psiche, Tesoretto, Milano, 1943Erich Neumann, Amore e Psiche: un'interpretazione nella psicologia del profondo, Astrolabio, Roma, 1989 C.S. Lewis, Till we have faces, romanzo Teresa Mantero, Apuleio filosofo neoplatonico, Bozzi, Genova, 1969Raffaele  Capria, Amore e psiche , poi in Tre romanzi di una giornata , e in Opere, a cura di Silvio Perrella, Mondadori, Milano 2003Teresa Mantero, Amore e psiche: struttura di una 'fiaba di magia, Istituto di Filologia Classica e Medievale, Genova, 1973Specchio doppio. Testo teatrale di Maura Del Serra dedicato al mito di Amore e Psiche,  in "Astolfo", 2, 1994, pp. 19–33 Sonia Cavicchioli, «Le metamorfosi di Psiche. L'iconografia della favola di Apuleio», Marsilio, Venezia, 2002 ;Rafael López-Pedraza, Su Amore e Psiche: una favola per l'anima, a cura di Marina Gasparini grange, postfazione di Maria Fernanda Palacios, traduzione di Giorgia Delvecchio, Moretti & Vitali, Bergamo, 2005Lionello Sozzi, Amore e Psiche: un mito dall'allegoria alla parodia , Il mulino, Bologna, 2007Ivan Bedini, Eros e Psiche. Viaggio dell'Anima nelle terre dell'amore verso la coscienza della propria assolutezza: analisi filosofica e psicologica dei simbolismi presenti nel mito di Apuleio, Edizioni Universitarie Romane, Roma, 2007Miriam Mirolla, Amore e Psiche. Storyboard di un mito, Electa, Milano, 2008Storie di Amore e Psiche, a cura di Annamaria Zesi, L'asino d'oro, Roma, 2010. 19 varianti della storia di Amore e Psiche. Con una favola tradotta da Andrea Camilleri. favola di Amore e Psiche. Il mito nell'arte dall'antichità a Canova, a cura di Maria Grazia Bernardini e con la collaborazione di Marina Mattei per la sezione archeologica, L'Erma di Bretschneider, Roma, 2012Amore e psiche.  favola dell'anima, a cura di Elena Fontanella. Saggi di Pietro Citati, Elena Fontanella, Donatella Puglia, Paolo Moreno, Loredana Mancini, Ave Appiano, Sonia Cavicchioli, Giancarlo Malacarne, Massimo Rizzardini, Mario Guderzo, Maria Fratelli e Nicoletta Serio, Miriam Mirolla, Cludio Moreschini, Stefano Salzani, Igor Candido, Elisabetta De Troja, Alessia Gennari, Giorgio Barberi Squarotti, Gian Paolo Caprettini, ura Mosco, Giovanni Reale, Giuseppe Girgenti, Giancarlo cchin, Diego Fusaro, Gianfranco Ravasi, Giuseppina Antinucci, Paolo Berruti, Gian Mario Benzing, Bompiani, Milano, 2013;AltroOltre a opere pittoriche  e scultoree , il mito ha dato argomento anche a diversi balletti, opere drammatiche e liriche . Anche Luciano De Crescenzo ne ha fatto il soggetto di uno dei suoi I miti greci , inclusa una versione a fumetti. Pietro Citati ne parla nel suo saggio  luce della notte. Nel 2016 viene pubblicata l'opera musicale per orchestra e gruppo rock "Symphony n.1: Cupid & Psyche", scritta da Fabio Zuffanti e Luca Scherani per il gruppo Hostsonaten.

Prompt: In Cupid and Psyche (Gérard), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

1995
Agnolo Firenzuola
Amore
Andrea Camilleri
Anima
Apuleio
Carlo Ossola
Cupido
Diego Fusaro
Eros
Ettore Paratore
Fabio Zuffanti
Francesco Piccolo
Gianfranco Ravasi
Giorgio Barberi Squarotti
Giovanni Reale
Giuseppe Girgenti
Jerzy Żuławski
Luca Scherani
Luciano De Crescenzo
Massimo Bontempelli
Pierre Louÿs
Pietro Citati
Sellerio
Teresa Mantero


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Tondo Pitti

Prompt: Focus on Pitti Tondo and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Parigi, Chiesa della Madeleine Rennes-le-Château , Chiesa di Santa Maria Maddalena Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, , Basilica di Santa Maria Maddalena Vézelay, , Basilica di Santa Maria Maddalena niscourt , chiesa di Santa Maria Maddalena.

Prompt: Explain the In France about the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner of this artwork, Mary Magdalene (Stevens).Please output in Italian.

Basilica di Santa Maria Maddalena
Chiesa della Madeleine
Parigi
Rennes-le-Château
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Vézelay


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Madonna dell'Umiltà

Madonna dell'Umiltà è un tema iconografico mariano in uso dall'inizio del XIV secolo.Mostra la Vergine seduta in terra col Bambino, a differenza della Maestà che la raffigura in trono. All'inizio tali scelte iconografiche erano legate al ruolo della Chiesa , che gli ordini mendicanti volevano umile e al livello della gente.

Prompt: Focus on Madonna of Humility (Gentile da Fabriano) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Cultural reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: In Annunciation (Antonello da Messina), how is the The house of the Annunciation discussed?Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Le Oreadi

Le Oreadi  è un dipinto a olio su tela di William-Adolphe Bouguereau, realizzato nel 1902. Dal 2010 l'opera è esposta al museo d'Orsay di Parigi, dopo che venne donata dai discendenti dell'artista.

Prompt: How does Les Oréades explain its Abstract?Please output in Italian.


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Natività mistica

Sopra la tettoia tre angeli, con le vesti che ricordano i colori delle tre Virtù teologali  intonano un canto reggendo un corale tra le mani. Più in alto, oltre il boschetto che circonda la grotta, fatto di slanciati alberelli disposti a semicerchio, e il cielo azzurrino, si apre un fulgido brano di paradiso, su fondo oro, dove un gruppo di dodici angeli inscena un vorticoso carosello tenendosi per mano e reggendo rametti d'ulivo a cui sono appesi nastri svolazzanti e corone. Questo fantastico girotondo venne probabilmente ispirato da una reale sacra rappresentazione messa in scena da Filippo Brunelleschi in San Felice in Piazza. Si tratta di una ricreazione dell'Annunciazione, in cui dei fanciulli stavano sospesi nel vuoto, sostenuti da una struttura dorata a forma di cupola, simulando un coro angelico. Questo tipo di rappresentazione ebbe un successo tale che venne a lungo replicata per cui non è escluso che Botticelli l'avesse potuta osservare direttamente. Il disegno conservato agli Uffizi e noto come Lunetta con tre angeli volteggianti potrebbe essere preparatorio alle tre figure di angeli cantori.

Prompt: Explain the Theangelsintheupperhalf about the Description of this artwork, The Mystical Nativity.Please output in Italian.

Filippo Brunelleschi
Lunetta con tre angeli volteggianti


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Autoritratto

Nell'arte antica mancò una vera e propria tradizione artistica legata all'autoritratto. Non sono infatti considerabili tali alcune raffigurazioni di artisti all'opera rintracciabili in certe pitture egizie o su alcuni vasi greci, trattandosi infatti di immagini corporative equivalenti alla firma dell'artigiano. Significativa in ambito greco è l'informazione data da Plutarco nella Vita di Pericle  secondo il quale lo scultore Fidia avrebbe avuto l'«ardire» di ritrarsi in fianco a Pericle tra i personaggi della Battaglia delle Amazzoni scolpita a bassorilievo sullo scudo dell'Atena Promachos nel Partenone: un gesto che sarebbe costato al suo autore una condanna per empietà, alla quale sarebbe seguito il volontario esilio che lo condusse alla morte lontano da Atene. I greci dopotutto disprezzavano il ritratto stesso, e si deve aspettare l'ellenismo per avere una accettazione della rappresentazione fisiognomica in generale.

Prompt: How does Self-Portrait (Annibale Carracci) explain its The self-portrait in ancient art?Please output in Italian.

Atena Promachos
Atene
Fidia
Partenone
Pericle
Plutarco


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Ritratto di Girolamo Savonarola

A proposito del ritratto di Savonarola il Vasari scriveva ne "Le Vite: per l’affezione che Baccio aveva a Fra Ieronimo, che fece in un quadro el suo ritratto che fu bellissimo, il quale fu portato a Ferrara, e di lì non è molto ch’egli è tornato in Fiorenza nella casa di Filippo di Alamanno Salviati, il quale, per esser eli mano di Baccio, l’ha carissimo.

Prompt: Focus on Portrait of Girolamo Savonarola and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Describe the characteristics of the The portrait the self-portrait the delegate in Self-Portrait with Two Pupils's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Majas al balcone

L'arte di Goya è caratterizzata da quella che qualcuno ha chiamato "malinconica ironia". Anche in questo quadro, che appartiene ad un periodo di transizione nell'evoluzione artistica del pittore – al passaggio cioè, dalle solari rappresentazioni della società spagnola, guardata sì con ironia, ma tutto sommato condivisa nei suoi valori e nelle sue gerarchie, ad una progressiva amarezza e distacco che, attraverso le picturas nigras condurrà all'allucinata rappresentazione dei fantasmi oscuri della mente – sono presenti elementi che appartengono ai due periodi, la solarità della bellezza delle giovani majas e l'oscurità dei loro protettori sullo sfondo.Ma il tutto ha un sapore freddo e stereotipato, come se l'artista, attraverso la semplificazione delle anatomie e dei volti avesse voluto rappresentare, più che una scena dal vero, un insieme schematico di simboli. Così, all'intenso cromatismo del primo piano si contrappone l'oscurità del secondo: e tuttavia il primo piano è solo l'apparenza; la sostanza, la verità sta dietro, ben all'ombra, come un sepolcro imbiancato. composizione è caratterizzata da una stringente logica geometrica: la balaustra forma un rettangolo al di sopra del quale il resto della composizione è inserito in un quadrato. Se dividiamo questo quadrato in quattro, possiamo notare che le due figure di sinistra sono contenute in un quadrato che è esattamente il doppio del quadrato che contiene le due figure di destra. Ancora, è possibile notare come il gruppo delle due majas sia costruito sul rombo disegnato a partire dalle diagonali dei due quadrati inferiori.Sessant'anni più tardi, questo quadro ispirerà Édouard Manet per il suo Il balcone.

Prompt: How does Majas on a Balcony explain its Description and style?Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Arte dei primi Antonini Marco Aurelio Piazza del Campidoglio Statua equestre Cavalli nell'arte Monete euro italiane

Prompt: In Equestrian Statue of Marcus Aurelius, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Arte dei primi Antonini
Cavalli nell'arte
Marco Aurelio
Monete euro italiane
Piazza del Campidoglio
Statua
Statua equestre


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the Rembrandt's self-portraits and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini  è un piccolo altarolo portatile dotato di quattro scomparti dipinti fronte-retro . Dipinto da Simone Martini intorno al 1333-1337, raffigura l'Annunciazione , Scene della Passione di Gesù Cristo  e gli stemmi della famiglia del committente . Tutti gli scomparti sono circa 29,5x21,5 cm . Oggi si trova disperso in musei di Anversa, Parigi e Berlino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Orsini Altarpiece.Please output in Italian.

1333
1337
Anversa
Berlino
Parigi
Simone Martini


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Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro

Il Ritratto di Guidobaldo da Montefeltro, terzo duca di Urbino, è un dipinto a olio su tavola  attribuito a Raffaello Sanzio, databile al 1506 e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: Focus on Portrait of Guidobaldo da Montefeltro and explain the Abstract.Please output in Italian.

1506
Firenze
Galleria degli Uffizi
Guidobaldo da Montefeltro
Raffaello Sanzio


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Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: Explain the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels about the Historical analysis of the accounts of the Last Supper of this artwork, Last Supper (Rosselli).Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


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Madonna di Darmstadt

Il fico, i cui rami sono visibili dietro il muro, ricorda la caduta, l'espulsione di Adamo e di Eva dal Paradiso. Il fico fondamentalmente rappresenta la tentazione e quindi costituisce un contrasto con la vite che è invece concepita come albero di salvezza. Tuttavia, il fico qui mostrato sembra avere viticci sottili che ricordano le viti. Non è chiaro quindi se si tratti di una raffigurazione progettata deliberatamente ibrida o se Holbein non fosse a conoscenza dell'esatto aspetto dei fichi. Attribuito a Maria, il fico simboleggia la nuova Eva che aprirà di nuovo il Paradiso per il popolo di Dio, un'interpretazione che viene sottolineata appunto dalla rappresentazione ambigua come un fico/vite. Holbein utilizza ramoscelli di fico, tuttavia, in seguito anche nei ritratti realizzati in Inghilterra, ad esempio, lady Guildford.

Prompt: Explain the The word "Ilfico" does not appear to be a recognizable word in Italian or any other language. It might be a typo or a specific term that is not widely known. Could you please provide more context or check the spelling? about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Sono scarse le notizie sulla sua vita, così come delle vite di molti protomartiri e martiri dei primi secoli cristiani. Il fatto che: una documentazione come fonte sulla storia di santa Caterina sia presente solo in testi scritti a partire dal VI secolo; è accertato che solo dal IX secolo la devozione per la santa divenne molto popolare  rientra nella prassi: infatti sia l'apologetica cristiana che il culto dei Santi, e la relativa agiografia, si svilupparono lentamente e successivamente.Nel primo periodo fu assolutamente preponderante lo sviluppo in una dimensione essenzialmente tramandata oralmente, in mancanza di fonti documentali. Un secolo più tardi, la scrittrice femminista  inglese Anna Brownell Jameson ritenne di formulare l'ipotesi secondo cui vi erano alcune caratteristiche comuni tra santa Caterina d'Alessandria e Ipazia, la matematica e filosofa pagana uccisa proprio ad Alessandria d'Egitto nel 415 da monaci parabolani e quindi asserì nei suoi scritti: "C'è un fatto curioso legato alla storia di santa Caterina: che la vera martire, la sola di cui esistano dati certi, non era una cristiana, ma una pagana; e che i suoi oppressori non erano pagani tirannici ma cristiani fanatici."Tuttavia all'asserzione della Brownell Jameson manca una qualsivoglia fonte storica documentata che dimostri chiaramente che si possa trattare della stessa persona. Nulla ad oggi può comprovare che Santa Caterina e Ipazia siano la stessa persona e che la storia sia stata rovesciata.In seguito la studiosa di storia bizantina Silvia Ronchey nel suo libro Ipazia, la vera storia ritiene convincente l'ipotesi che la storia di Santa Caterina sia stata mutuata da quella di Ipazia.Nella Chiesa cattolica dopo il 1969 iniziò un ancora oggi discusso riesame di molte figure di santi dei primi secoli. Si cercarono prove sulla veridicità storica di questi santi, per cui anche santa Caterina d'Alessandria fu posta "in attesa", tant'è che fu deciso temporaneamente l'esclusione dal martirologio tra il 1962 e il 2002, senza tuttavia mai proibirne la venerazione. Successivamente a questa fase di riesame, nel 2003 la santa venne reinserita tra i martiri da papa Giovanni Paolo II e la sua memoria si celebra tuttora il 25 novembre..

Prompt: How does Catherine of Alexandria (Palladas) explain its Historicity character?Please output in Italian.

1962
1969
2002
2003
25 novembre
Alessandria d'Egitto
Anna Brownell Jameson
Chiesa cattolica
IX secolo
Ipazia
Silvia Ronchey
VI secolo


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Unione di Lublino

Nella vita culturale e sociale, la lingua polacca e la religione cattolica divennero presto dominanti per la nobiltà rutena, gran parte della quale era inizialmente di lingua rutena e religione Greco-ortodossa. Ma i sudditi comuni, specialmente i contadini, continuarono a parlare i loro idiomi e a professare la religione ortodossa, determinando, nelle aree lituane e rutene della Confederazione, una sempre maggiore distanza fra le classi sociali più povere e la nobiltà.Alcuni magnati ruteni continuarono a resistere ai tentativi di polonizzazione rimanendo incrollabilmente fedeli al cristianesimo ortodosso e facendo generose elargizioni alle chiese di rito greco e alle scuole rutene. Tuttavia, le tendenze alla polonizzazione furono più forti e nel giro di poche generazioni portarono quasi tutta la nobiltà rutena nell'orbita della cultura polacca.Le divergenze religiose avevano trovato un parziale compromesso con la Chiesa uniate, di liturgia bizantina, ma che riconosceva la supremazia papale.L'Unione di Lublino restò in vigore fino al 1791, quando fu superata dalla Costituzione del 3 maggio: la Confederazione fu trasformata in uno stato unitario dal re Stanislao II Augusto Poniatowski.Le insurrezioni dei cosacchi e gli interventi militari stranieri determinarono nel 1795 la spartizione della Polonia a opera di Russia, Prussia e Austria-Ungheria. L'Unione di Lublino fu soppressa durante la vigenza dell'Unione di Kėdainiai.

Prompt: In the context of Union of Lublin (painting), explain the Cultural consequences and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Lublino
Polonia
Prussia
Russia
Stanislao II Augusto Poniatowski
Unione di Kėdainiai


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Caccia al leone

Questo metodo è tipicamente impiegato dai cacciatori sportivi con l'assistenza di un cacciatore professionista e almeno un tracker nativo. Un walk-and-stalk è molto pieno di azione quando si verifica l'incontro. I leoni sono imprevedibili, agili e veloci, il che significa che se non è stato ucciso al primo colpo, può essere molto vendicativo. Se ferito, può rimanere in agguato e potenzialmente caricare il cacciatore, prendendo di mira solo una persona nella squadra di caccia con l'intento di uccidere. I leoni preferiscono in gran parte abitare le praterie boscose della savana, il che significa che cacciarli durante l'estate è un compito molto difficile, poiché la criniera si mimetizza bene con il sottobosco sottostante.  maggior parte delle persone usa un fucile calibro .375 per uccidere all'istante.

Prompt: In The Lion Hunt (Delacroix), how is the Spot and Stalk of the The  lion  hunt  of  the  Masai explained?Please output in Italian.


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Il giuramento degli Orazi

Jacques-Louis David ottenne con l'opera Antioco e Stratonice il prestigioso Prix de Rome, che gli garantì una borsa di studio per un quinquennio di perfezionamento artistico a Roma. Di ritorno dalla laboriosa officina artistica capitolina, nel 1780 David espose a Parigi alcuni suoi dipinti, in una mostra che ebbe uno sfolgorante successo; l'eco del suo talento giunse perfino al re Luigi XVI, dal quale iniziò a ricevere committenza. Fra i quadri richiesti figurò proprio Il giuramento degli Orazi, inteso come glorificazione della lealtà allo Stato e della fedeltà alla corona francese . David eseguì il dipinto nel 1784, per poi presentarlo nel 1785 al Salon di Parigi, dove riscosse numerosi plausi tanto da esser definito «il più bel quadro del secolo». Malgrado fosse stato realizzato circa quattro anni prima dello scoppio della Rivoluzione francese, Il giuramento degli Orazi è considerato anche uno dei quadri più iconici e rappresentativi del tempo.Dal punto di vista iconografico, Il giuramento degli Orazi fonde svariate influenze; tra i punti di riferimento più evidenti appaiono lAb Urbe Condita dello storico romano Tito Livio e la tragedia Horace del drammaturgo francese Pierre Corneille. Per quanto riguarda lo stile dell'opera, David si è invece ispirato alla maniera classicista di Nicolas Poussin. Fu lo stesso artista ad ammettere le fonti d'ispirazione dell'opera, per quanto riguarda sia i contenuti che la materia narrativa.

Prompt: Explain the History of this artwork, Oath of the Horatii.Please output in Italian.

Pierre Corneille
Jacques-Louis David
Nicolas Poussin
Parigi
Pierre Corneille
Prix de Rome
Rivoluzione francese
Tito Livio


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: In The Last Judgment (Fra Angelico, Florence), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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San Cristoforo

Il santo cristiano Cristoforo viene raffigurato in moltissime icone e affreschi bizantini con le fattezze di cinocefalo. Nella Passio sancti Christophori martyris, un testo presente in varie opere della patristica e che ebbe molta diffusione in epoca medioevale, viene narrata la leggenda del santo, che sarebbe proprio un cinocefalo convertitosi al Cristianesimo. San Cristoforo Cinocefalo presenta caratteri comuni sia al dio egizio Anubi , sia ai molteplici racconti di cinocefali . figura di san Cristoforo, sebbene acquisisca alcuni tratti del mito dei cinocefali , ne ribalta completamente lo status morale, nella sua santità. Un autore altomedievale , il monaco benedettino Ratramno di Corbie , nella Epistola de Cynocephalis afferma che i cinocefali debbano essere considerati come esseri umani. Questo documento esprime un duplice e più complesso atteggiamento verso i "popoli mostruosi" che si sviluppa nel tempo, che vede, al di là dell'ostilità prevalente, anche l'accettazione come parte della creazione di Dio. figura di san Cristoforo sarebbe, anche, un retaggio di culti pagani legati al moto astronomico di Sirio, stella appartenente alla costellazione del Cane Maggiore.  festa del santo cade il 25 luglio e il riferimento astronomico riguarderebbe il periodo della "canicola", quello in cui il sorgere e tramontare di Sirio coincidono con quelli del Sole. In quel periodo cadeva anche la festa di un "santo" cane, san Guinefort di Lione.

Prompt: How does Saint Christopher Carrying the Christ Child explain its Christophercynocephalus?Please output in Italian.

25 luglio
Anubi
Cane Maggiore
Cinocefalo
Cristianesimo
Cristoforo
Lione
Ratramno di Corbie
Sirio
Sole


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Napoleone nel suo gabinetto di lavoro

Commissionata da lord Hamilton nel 1811, l'opera venne terminata nel marzo del 1812. Esposta ad Hamilton Palace, venne venduta nel 1882 a Archibald Primrose, V conte di Rosebery. Nel 1954 venne acquisita dalla fondazione di Samuel H. Kress che la depose nella National Gallery of Art di Washington. seconda versione venne invece iniziata nell'aprile del 1812, dipinta su commissione di un certo monsieur Huibans. Il dipinto rimase nell'atelier di David sino al 1824 quando venne venduta tramite l'intermediazione di Alquier per 15.000 franchi. Messa in vendita nuovamente a Beauvais nel 1857, venne acquisita dal ministro della Casa Imperiale per la somma di 10.000 franchi e posto nelle Tuileries, dove venne sequestrato alla caduta del Secondo Impero napoleonico. Restituito all'imperatrice Eugenia nel 1880, passò nella collezione del principe Napoleone e poi dal 1979 venne donato alla reggia di Versailles.

Prompt: In The Emperor Napoleon in His Study at the Tuileries, how is the Origin of the History explained?Please output in Italian.

Archibald Primrose, V conte di Rosebery
Hamilton Palace
National Gallery of Art
Washington


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Cristo di San Giovanni della Croce

Il quadro e i suoi diritti di proprietà intellettuale furono acquisiti dal consiglio di Glasgow nel 1952 grazie a Tom Honeyman, l'allora direttore dei musei di Glasgow, in Scozia. Honeyman comprò il dipinto per 8200 lire sterline, un prezzo alto per l'epoca, che includeva i suoi diritti d'autore, che hanno restituito al museo di Glasgow il suo prezzo moltiplicato per varie volte. Ciononostante, la controversia fece sì che Honeyman e Salvador Dalí divenissero amici, scrivendosi per anni dopo l'acquisto. tela venne esposta per la prima volta al museo Kelvingrove il 23 giugno del 1952. Nel 1961, un visitatore lanciò una pietra contro il dipinto e lacerò la tela con le sue mani. L'opera venne restaurata con successo sei mesi dopo dai conservatori del museo e si poté essere riesposta al pubblico. Nel 1993, il quadro fu trasferito al museo d'arte e della vita religiosa di San Mungo, anche se tornò al museo Kelvingrove prima della sua riapertura nel luglio del 2006. mentre due anni dopo venne esposto nella chiesa di San Marcello al Corso, a Roma, assieme al disegno del santo carmelitano che lo ispirò.

Prompt: In Christ of Saint John of the Cross, how is the History discussed?Please output in Italian.

Salvador Dalí
Glasgow
Roma
Salvador Dalí
Scozia
Tom Honeyman


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Trittico di San Lorenzo

I tre scomparti inferiori mostrano altrettanti santi a piena figura: san Giovanni Battista, san Lorenzo e sant'Antonio da Padova. In alto, nella lunetta divisa in tre pezzi in epoca sconosciuta, si trova una Madonna col Bambino tra due angeli volanti.Questi trittici, ideati probabilmente da Jacopo Bellini, vennero realizzati a più mani, tra cui quella di Giovanni su solo una. Il contributo di quest'ultimo si rileva soprattutto nei santi del polittico di San Sebastiano e sono un importante precedente per quello che sarà la sua prima grande prova individuale, il polittico di San Vincenzo Ferrer.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, San Lorenzo Triptych.Please output in Italian.


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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: How does Annunciation (Caravaggio) explain its Liturgical celebration?Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Gruppo di Batignolles

Jean-Jacques Leveque, Les Années impressionniste 1870-1889, Ediz. ACR,  Courbevoie, 2000 - ISBN 2-86770-042-6   Sophie Monneret, L'Impressionnisme et son époque, editore Robert ffont,  Parigi, 1987 - ISBN 2-22105412-1

Prompt: In A Studio at Les Batignolles, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


section

Adorazione della Santissima Trinità

LAdorazione della Santissima Trinità, o Altare dauer, è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Albrecht Dürer, firmato e datato 1511, e conservato nel Kunsthistorisches Museum a Vienna. L'opera è firmata su una tabella tenuta in basso da un autoritratto dell'artista: "".

Prompt: In Adoration of the Trinity, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1511
Albrecht Dürer
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Corpus (Bernini)

Il Corpus era considerato uno dei "capolavori da tempo perduti" dell'artista. Il Corpus oggi canadese è stata a lungo ritenuto opera di un ignoto artista francese. Nel 2004, a seguito di nuovi dettagliati studi sul bronzo, Corpus è stato attribuito a Bernini.Nel gennaio del 2007, l'imprenditore edile Murray Frum ha condotto una trattativa ed acquistato la scultura da un mercante d'arte negli Stati Uniti; quindi ha deciso di donarla alla Art Gallery of Ontario. Attualmente, Corpus ha un valore stimato in $50 milioni.

Prompt: Explain the History of this artwork, Corpus (Bernini).Please output in Italian.


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L'atelier di Bazille

L'opera, realizzata pochissimo tempo prima della prematura scomparsa di Bazille alla battaglia franco-prussiana di Beaune-la-Rolande, costituisce «il commovente testamento dell'artista» . Siamo davanti alla vibrante testimonianza pittorica dell'affettuosa intimità che intercorreva tra i vari «pittori di Batignolles», denominazione che si riferisce al quartiere di Parigi in cui vivevano Bazille e gran parte dei futuri impressionisti.

Prompt: In Bazille's Studio, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of Christ on the Cross (Zurbarán), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Il sogno della moglie del pescatore

Pubblicata per la prima volta nel 1814 all'interno della raccolta di shunga Kinoe no Komatsu, Il sogno della moglie del pescatore mostra una donna, con ogni evidenza una pescatrice di conchiglie, avviluppata fra i tentacoli di due polpi. In particolare, il più grande dei due molluschi è intento a praticare un cunnilingus alla donna , mentre il più piccolo, figlio del primo, assiste al tutto infilando il becco nella bocca della donna e avvolgendole il capezzolo sinistro. Nel testo sovrastante la scena, la donna e le due creature esprimono il mutuo piacere sessuale derivante dal rapporto.Tutti i disegni contenuti in Kinoe no Komatsu sono in realtà privi di titolo, tuttavia questo disegno, che misura 16,51 cm × 22,23 cm, è generalmente conosciuto in giapponese come Tako to ama, traducibile in italiano come I polpi e la ama o I polpi e la pescatrice di conchiglie.Di seguito il testo soprastante all'immagine e la traduzione:

Prompt: Explain the History and description of this artwork, The Dream of the Fisherman's Wife.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Il 17 febbraio 1865 Sherman conquistò Columbia, la capitale del Sud Carolina.  zona centrale della città venne distrutta da incendi che durarono tutta la notte; ci furono molte polemiche riguardo all'incendio della città, con alcuni che sostenevano che il fuoco fosse un fatto accidentale, mentre altri affermavano che fosse stato un deliberato atto di vendetta, mentre una terza ipotesi attribuiva l'incendio alla ritirata dei Confederati che avrebbero bruciato le balle di cotone al momento della fuga dalla città.Sherman continuò a marciare attraverso il Nord Carolina, e le sue truppe causarono pochi danni rispetto a quelli causati nel Sud perché il nord era considerato uno stato che aveva aderito alla causa confederata in maniera più riluttante. Nel suo ultimo combattimento significativo Sherman sconfisse l'esercito del generale Johnston nella battaglia di Bentonville.A fine marzo lasciò per poco tempo le sue forze per andare a City Point, Virginia, e incontrare Grant. Anche Lincoln si trovava lì, e questo permise l'unico incontro dei tre insieme durante la guerra.Sherman si incontrò con Johnston a Bennett Place nella contea di Durham nel Nord Carolina per negoziare la resa Confederata. Alle richieste di Johnston e del presidente confederato Jefferson Davis, Sherman offrì condizioni che riguardavano sia l'aspetto politico che quello militare, malgrado non avesse alcuna autorizzazione per dettare queste condizioni né dal generale Grant, né dal governo degli Stati Uniti.Washington si rifiutò di riconoscere il trattato di resa, cosa che causò una lunga ed aspra polemica tra Sherman e il Segretario alla guerra Edwin McMsters Stanton.  confusione su questa questione durò fino al 26 aprile quando Johnston, ignorando le istruzioni del presidente Davis, accettò i termini della resa che si riferivano alla situazione militare, e formalmente fece arrendere il suo esercito e tutte le forze confederate della Carolina , della Georgia e della Florida.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Confederate meeting of the Youth explained?Please output in Italian.

1865
Bennett Place
Durham
Edwin McMsters Stanton
Florida
Jefferson Davis