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Annunciazione

Chiesa cattolica e la Chiesa ortodossa celebrano questo evento ogni anno il 25 marzo .  liturgia che celebra la solennità dell'Annunciazione del Signore viene rinviata se coincide con una domenica di Quaresima o altre solennità del tempo pasquale.In molte nazioni  al giorno dell'Annunciazione era fissato il capodanno, per cui il sistema di calcolo degli anni era detto Stile dell'Incarnazione.Come ogni data relativa agli eventi dell'infanzia di Gesù, anche quella del 25 marzo per l'Annunciazione è stata stabilita in riferimento a quella del Natale, e quindi, come questa, è stata indicata solamente dalla tradizione della Chiesa, mancando al riguardo riferimenti precisi nei Vangeli. Quale momento del concepimento, l'Annunciazione è stata collocata nel giorno al 9º mese prima del Natale, e questo avvenne presto dopo l'istituzione della festa del Natale e la sua definitiva collocazione al 25 dicembre, attestata in Occidente già nella prima metà del IV secolo d.C.  e in Oriente alla fine dello stesso secolo, senza dimenticare che della nascita di Gesù al 25 dicembre abbiamo un’attestazione scritta nella Chiesa romana già nel 203, anno cui risale il Commentario su Daniele da parte di Ippolito di Roma.Tale collocazione ha anche però un valore teologico e liturgico: l'Annunciazione, quale momento storico dell'inizio dell'Incarnazione e quindi della storia della salvezza, viene così a cadere nello stesso periodo in cui la tradizione ebraica poneva l'inizio del suo anno religioso, cioè nel mese di nisan , e fino all'Alto Medioevo proprio il 25 marzo segnava l'inizio del ciclo liturgico annuale del cristianesimo, poi spostato allo stesso Natale ed infine all'Avvento, ma anche l'inizio del calendario civico . Questo fatto fu favorito anche dalla coincidenza con importanti ciclicità astronomiche: infatti, il Natale coincide con il periodo del solstizio invernale, l'Annunciazione viene a cadere in quello dell'equinozio primaverile.Nella liturgia cattolica, la ricorrenza dell'Annunciazione è una solennità ed è una delle Feste del Signore . Secondo il calendario liturgico cattolico occidentale, il 25 marzo cade spesso nel tempo di Quaresima; in alcuni anni, invece cade nella Settimana santa o nell'Ottava di Pasqua. Succede quindi non di rado che la solennità dell'Annunciazione sia rinviata, o perché deve cedere il posto a una domenica di Quaresima , o perché, dato che la Settimana Santa e l'Ottava di Pasqua prevalgono sull'Annunciazione, la solennità viene rimandata al lunedì dopo la Domenica in albis .

Prompt: Focus on Annunciation (Leonardo) and explain the Liturgical celebration.Please output in Italian.

25 marzo
Alto Medioevo
Avvento
Chiesa cattolica
Chiesa ortodossa
Chiesa ortodossa
Domenica in albis
Gesù
IV secolo
Ippolito di Roma
Natale
Ottava di Pasqua
Pasqua
Quaresima
Settimana santa
Stile dell'Incarnazione


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Madonna col Bambino leggente

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna with the Christ Child Reading.Please output in Italian.


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Polittico di Sant'Antonio

Il registro principale mostra la Vergine in trono col Bambino, al di sotto di una nicchia marmorea con cupoletta a cassettoni, che ricorda molto da vicino l'architettura che farà da sfondo alla Pala di Brera. Il Bambino è benedicente e reca in mano un fiore rosso, prefigurazione del sangue della Passione.  posizione della Vergine, leggermente curva, e la solida fisicità del Bambino sembrano un omaggio all'arte di Masaccio, in particolare alla Madonna in trono con Bambino del Polittico di Pisa.Ai lati si trovano due santi per lato, appoggiati su un gradino marmoreo che continua anche dietro il trono della Vergine. A sinistra sono presenti i Santi Antonio da Padova e Giovanni Battista, il primo riconoscibile dal saio francescano e dal libro che ricorda la sua familiarità con le Scritture, il secondo dalla capigliatura corvina, la barba, il vestito da eremita nel deserto, il bastone e il gesto che indica Gesù Bambino, come nel polittico della Misericordia. A destra si incontrano invece i Santi Francesco d'Assisi ed Elisabetta di Turingia: il primo mostra inequivocabilmente le stimmate e tiene in mano una croce incastonata di pietre come nella Pala di Brera; la seconda santa era figlia di Andrea II d'Ungheria e la sua leggenda narra che ella era solita portare del pane nascosto nel grembo ai bisognosi, contravvenendo a un divieto paterno, finché non venne scoperta da una guardia che le impose di mostrare il contenuto del grembo, ma miracolosamente ne uscirono solo rose.Straordinariamente innovativa è la trattazione a specchio dei dischi scorciati delle aureole, dove si riflettono le teste dei santi.

Prompt: Describe the characteristics of the Main panels in Polyptych of Perugia's Description and style.Please output in Italian.

Andrea II d'Ungheria
Francesco d'Assisi
Giovanni Battista
Masaccio
Pala di Brera
Polittico di Pisa


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Acquaiolo di Siviglia

Questo dipinto risale agli anni in cui la formazione pittorica di Velazquez era ancora lontana dall'essere terminata; il genere del quadro è il bodegòn, ovvero quel genere pittorico dilagante in Europa tra il 1500 e il 1600 che soleva ritrarre persone di umili condizioni. Di questo dipinto esistono altre due versioni, una delle quali conservata agli Uffizi di Firenze. scena raffigura un uomo anziano, dai vestiti poveri e semplici, che porge un bicchiere d'acqua ad un bambino ; nel calice d'acqua appare un fico, tuttora usato a Siviglia per mantenere una certa freschezza nell'acqua. Dietro ai due appare il viso di un giovane che beve da un boccale di ceramica.L'influenza caravaggesca si nota dai due elementi della luce, che illumina i visi e le brocche, e sulla volontà del pittore di non cercare di rappresentare la bellezza idealizzata ma il realismo della scena.Questo dipinto può essere visto come un'allegoria delle tre età della vita, sebbene nel 1620 avesse tutto un altro significato: era infatti molto comune vedere scene di questo tipo per la strada. Inoltre, in uno dei romanzi picareschi allora molto diffusi, appare proprio un acquaiolo di Siviglia che richiama il quadro di Velazquez.Nonostante Velazquez fosse all'inizio della sua carriera, si vede già qui molto bene la sua tendenza a dipingere la personalità dei suoi soggetti, caratteristica che porterà Manet a definirlo “il pittore dei pittori”.È conservato nel Victoria and Albert Museum di Londra.

Prompt: How does The Waterseller of Seville explain its Description history?Please output in Italian.

1620
Firenze
Londra
Siviglia
Victoria and Albert Museum


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Armatura

I soldati  usano piastre di metallo o ceramiche nei giubbotti antiproiettile, che forniscono protezione aggiuntiva contro proiettili di pistola e fucile. Componenti metalliche o strati di fibra tessuti in modo fitto possono conferire ad armature morbide la resistenza ad attacchi di punta e taglio con coltelli da combattimento e coltelli-baionetta. Guanti corazzati in cotta di maglia sono tuttora utilizzati da macellai e operatori di macelli per evitare ferite tagliando carcasse.

Prompt: Describe the characteristics of the Contemporary use of non-metallic protections in O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Ecce Homo

{ class="wikitable"+! Novum Testamentum Graece!! Vulgata Clementina!! Nuova Diodati- ἐξῆλθεν οὖν ὁ Ἰησοῦς ἔξω, φορῶν τὸν ἀκάνθινον στέφανον
 καὶ τὸ πορφυροῦν ἱμάτιον.
 καὶ λέγει αὐτοῖς· ἰδοὺ ὁ ἄνθρωπος.   Et dicit eis: Ecce homo. Gesù dunque uscì, portando la corona di spine
 e il manto di porpora.  E Pilato disse loro: «Ecco l'uomo!».}

Prompt: Focus on Ecce Homo (Luini) and explain the Text..Please output in Italian.


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Incubo

Fino al XVIII secolo, gli incubi erano considerati causati da stregonerie con le creature malefiche che si appoggiavano al petto del dormiente. Il termine infatti deriva da "incubare", atto che richiama l'immagine dello spirito maligno che cova sul petto del dormiente. Tra il XIX e il XX secolo si tendeva invece a dare la colpa alla cattiva digestione.Oggi sappiamo che essi possono essere provocati da agenti fisiologici, come febbre alta, scarsità di sonno e una dieta poco sana, oppure psicologici, come ansia e stress .

Prompt: How does The Nightmare explain its Etymology?Please output in Italian.


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amore

lingua greca distingue vari significati differenti in cui può venir utilizzata la parola "amore". Ad esempio, il greco antico possiede i termini philia, eros, agape, storge e xenia. Tuttavia, con il greco , può risultare alquanto difficoltoso separare storicamente i significati di queste parole in un modo univoco e totale. Allo stesso tempo, il testo greco della Bibbia riporta esempi del verbo "agapo" avente lo stesso significato di "phileo".Agape  significa specificamente amore nel greco moderno. Il termine "S'agapo" vuol dire "ti amo" in greco; la parola agapo corrisponde al verbo amore. Esso si riferisce generalmente ad un tipo ideale di amore "puro", piuttosto che all'attrazione fisica suggerita da eros. Tuttavia, ci sono alcuni esempi in cui si utilizza agape per indicare lo stesso significato dato da eros. È stato infine anche tradotto come "l'amore dell'anima."In senso più eminentemente religioso-spirituale è l'amore nei confronti del prossimo, un concetto vicino all'attuale idea di altruismo; si caratterizza per la sua spontaneità, non è perciò un atto intenzionale o una forma di cortesia superficiale proveniente dalla buona educazione, ma una vera e propria empatia per gli altri, vicini o sconosciuti che siano. Nella tradizione cristiana dei Padri della Chiesa, la parola è identificata con il concetto di beneficenza, anche se è più vicino ad un rapporto fisico instaurato con le persone che soffrono.Eros   è l'amore passionale, che conduce ed accompagna il desiderio sensuale.  parola greca erota significa innamorato. Platone ha affinato la sua propria definizione: anche se l'eros inizialmente è sentito per una persona, con la contemplazione diventa un apprezzamento della bellezza che è presente e vivente all'interno di quella persona, o addirittura diventa apprezzamento della bellezza stessa. Eros aiuta l'anima a riconoscere il richiamo della bellezza e contribuisce alla comprensione della verità spirituale. Amanti e filosofi sono entrambi, pertanto, ispirati a cercare la verità che proviene dall'eros. In alcune traduzioni può anche venir inteso come "amore per il corpo".A volte intesa come passione negativa prodotta da épithumia-appetito, ma anche come una forma di "pazzia divina" causa delle più grandi benedizioni per gli uomini. Esso tuttavia può mescolarsi con philia tramite la pederastia - nella sua accezione di pederastia greca - che lega un uomo maturo-erastès che ama ad uno più giovane-eromenos che viene amato.Philia , un amore spassionato e virtuoso , è stato un concetto affrontato ed ampiamente sviluppato da Aristotele. Comprende la lealtà rivolta agli amici, ai parenti e alla comunità di appartenenza; essa richiede la virtù, l'uguaglianza, e la familiarità. Philia è motivato da ragioni pratiche; una o entrambe le parti beneficiano del rapporto. Può anche significare "l'amore della mente"; è un concetto estensivo di amicizia che non poteva esistere altro che tra persone dello stesso sesso, a causa della forte disuguaglianza tra i sessi esistente.Storge  è un affetto naturale, come quello sentito dai genitori per i figli.Xenia , l'ospitalità, era una pratica estremamente importante nella Grecia antica. Era un'amicizia quasi ritualizzata formata tra un ospitante e dal suo ospite, che potrebbero anche esser stati in precedenza dei perfetti estranei. L'ospitante offre il vitto e fornisce un alloggio per gli ospiti, aspettandosi di essere rimborsati solamente con un senso di gratitudine e riconoscenza. L'importanza di questo istituto può essere veduto bene in tutta la mitologia greca e nella letteratura a partire da Omero in poi.

Prompt: In Love & Loss, how is the Ancient Greece of the Psychology explained?Please output in Italian.

Agape
Aristotele
Eros
Omero
Padri della Chiesa
Philia
Platone


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Artemisia riceve le ceneri di Mausolo

L'iconografia dell'opera è tuttora poco chiara: una giovane donna, identificata con una regina per le vesti ricche e i gioielli preziosi, riceve da una serva una coppa.  scena richiama due episodi famosi, quello di Artemisia e quello di Sofonisba.Artemisia, alla morte del marito Mausolo, volle berne le ceneri per far vivere l'amato con sé e in sé. Sofonisba, fatta prigioniera da Massinissa, per non cadere nelle mani dei romani si uccise bevendo del veleno.Nella figura di Artemisia-Sofonisba, proprio in quanto simbolo dell'amore coniugale, si vuole vedere il ritratto della moglie del pittore, Saskia van Uylenburch.

Prompt: Focus on Judith at the Banquet of Holofernes and explain the Iconography.Please output in Italian.


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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La barca di Dante

Nel 1821, in una lettera indirizzata alla sorella Henriette de Verniac, Delacroix espresse il proprio desiderio di realizzare un dipinto per il Salon parigino dell'anno successivo, così da «acquistare un po' di notorietà». Per il soggetto, il pittore decise di rivolgersi al modello dantesco della Commedia, ravvivatosi nel fervore del clima romantico. Inizialmente nel quadro doveva essere raffigurato un episodio del proemio, quello dell'incontro di Dante con la lupa, simbolo di brame insaziabili ; solo successivamente Delacroix scelse un altro momento del viaggio ultraterreno del poeta, forse ancora più drammatico, quello dei due pellegrini trasportati da Flegias al di là dello Stige. Il dipinto, steso in due mesi e mezzo, fu esibito il 24 aprile 1822 sotto il titolo Dante et Virgile conduits par Phlégias, traversent le lac qui entoure les murailles de la ville infernale de Dité; la lunga gestazione dell'opera e la prolungata permanenza nello studio resero Delacroix assai debole e bisognoso di un recupero completo delle forze.I critici si divisero in due: ci fu chi espresse il proprio scontento per lo stile pittorico adottato da Delacroix , ma non mancarono i ferventi ammiratori, come un secondo giudice, Antoine-Jean Gros, che paragonò  barca di Dante ai quadri di Rubens.

Prompt: How does The Barque of Dante explain its History  of  the  painting?Please output in Italian.

Antoine-Jean Gros
Flegias
Henriette de Verniac


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Ragazza davanti allo specchio

Il riflesso dato dallo specchio restituisce una immagine dai colori più scuri e profondi e suggerisce ulteriori significati.  ragazza, specchiandosi, si vede attraversata da un'ombra e con un deturpante schizzo rossastro e con un altro schizzo, a forma di lacrima, sulla faccia. Sul suo corpo deformato, privo di femminilità e rinsecchito, compaiono linee verdi. Il suo occhio è tinto di rosso cremisi ed è spento. Il riflesso dello specchio restituisce alla ragazza un'immagine quasi diabolica, che sprizza infelicità e paura, come se lei odiasse la sua immagine. Può essere che ella abbia timore di perdere la sua bellezza, che senta l'avvicinarsi di una precoce vecchiaia o della fine del suo amore. donna al di qua dello specchio rappresenta colei che Picasso vede e ama: duplice ma reale; mentre il riflesso restituito dallo specchio mostra come la ragazza vede se stessa: infelice, impaurita, invecchiata. Nel dipinto il tempo è disgregato, il volto della donna è disgregato; anche il modo con cui ella si vede riflessa è disgregato, rispetto a come Picasso vede lei. Frammenti di realtà e di immaginazione  sono variamente combinati: l'opera di analisi dei significati e di sintesi della complessa immagine femminile spetta a chi osserva il quadro.

Prompt: In Girl before a Mirror, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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San Cristoforo

Il santo cristiano Cristoforo viene raffigurato in moltissime icone e affreschi bizantini con le fattezze di cinocefalo. Nella Passio sancti Christophori martyris, un testo presente in varie opere della patristica e che ebbe molta diffusione in epoca medioevale, viene narrata la leggenda del santo, che sarebbe proprio un cinocefalo convertitosi al Cristianesimo. San Cristoforo Cinocefalo presenta caratteri comuni sia al dio egizio Anubi , sia ai molteplici racconti di cinocefali . figura di san Cristoforo, sebbene acquisisca alcuni tratti del mito dei cinocefali , ne ribalta completamente lo status morale, nella sua santità. Un autore altomedievale , il monaco benedettino Ratramno di Corbie , nella Epistola de Cynocephalis afferma che i cinocefali debbano essere considerati come esseri umani. Questo documento esprime un duplice e più complesso atteggiamento verso i "popoli mostruosi" che si sviluppa nel tempo, che vede, al di là dell'ostilità prevalente, anche l'accettazione come parte della creazione di Dio. figura di san Cristoforo sarebbe, anche, un retaggio di culti pagani legati al moto astronomico di Sirio, stella appartenente alla costellazione del Cane Maggiore.  festa del santo cade il 25 luglio e il riferimento astronomico riguarderebbe il periodo della "canicola", quello in cui il sorgere e tramontare di Sirio coincidono con quelli del Sole. In quel periodo cadeva anche la festa di un "santo" cane, san Guinefort di Lione.

Prompt: In Saint Christopher Carrying the Christ Child, how is the Christophercynocephalus discussed?Please output in Italian.

25 luglio
Anubi
Cane Maggiore
Cinocefalo
Cristianesimo
Cristoforo
Lione
Ratramno di Corbie
Sirio
Sole


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Giovane di Mozia

L'altezza è di 1,81 metri, senza le estremità inferiori, mancanti.Molti studiosi pensano potesse raffigurare un giovane alla guida di un cocchio, le altre ipotesi ritengono potesse essere un dio  o un magistrato punico  a giudicare dalla posizione delle braccia .Il braccio destro è sollevato  ed il sinistro appoggiato sul fianco, dove ancora si vedono i resti della mano. testa del giovane parla il linguaggio dello stile Severo ovvero dello stile della prima fase dell'età classica, il suo corpo possente e sinuoso con la veste aderente appare stilisticamente più avanzato, la riconducono a un ambiente artistico influenzato dall'arte di Fidia.Il giovinetto indossa una leggera tunica e sfoggia uno sguardo fiero, che arricchiscono il fisico atletico e prestante.

Prompt: In Motya Charioteer, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Musica

Il direttore d'orchestra, spesso chiamato anche maestro d'orchestra , è la figura di riferimento in un coro, un'orchestra o in generale in un gruppo di musicisti. sua direzione è innanzitutto di aiuto per la coordinazione dei musicisti fra loro, indicando il tempo, i diversi ingressi e le dinamiche. Egli inoltre chiarisce a cantanti, Solisti e strumentisti il contenuto e l'impostazione generale del componimento musicale.Le sue funzioni sono anche quelle di guidare le prove e prendere tutte le decisioni necessarie da un punto di vista musicale, interpretando l'opera musicale. In assenza di un comitato artistico, il direttore sceglie anche il repertorio da eseguire. Il ruolo del direttore, come lo conosciamo oggi, si è formato intorno al XIX secolo.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Conductors and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Minerva protegge la Pace da Marte

Minerva protegge la Pace da Marte  è un dipinto  realizzato tra il 1629 ed il 1630 dal pittore Peter Paul Rubens.È conservato nella National Gallery di Londra.Rubens dipinse il quadro a Londra durante per una missione diplomatica di pace per la Spagna con l'Inghilterra e lo donò a re Carlo I.

Prompt: In Minerva Protecting Peace from Mars, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1629
1630
Inghilterra
Londra
Minerva
Peter Paul Rubens
Spagna


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Ritratto di una Sforza

Si è cercato quindi di collocare l'opera nella biografia leonardesca, assegnandola, su base stilistica e cercando tracce documentarie, al primo soggiorno milanese dell'artista. L'opera potrebbe raffigurare Bianca Sforza , figlia naturale  di Ludovico il Moro e Bernardina de Corradis, andata in sposa a Galeazzo Sanseverino, capitano generale delle armate di Ludovico il Moro, nel gennaio 1496 e morta nel novembre dello stesso anno. Nel Ligny Memorandum di Jean Perréal, artista di corte che visitò Milano nel 1494, è ricordato l'incontro con Leonardo, che più volte gli chiese ragguagli sull'uso del gesso e della pergamena, forse proprio perché doveva attendere a un'opera del genere.  scelta della pergamena potrebbe spiegarsi con la possibilità che il ritratto facesse parte di un libro di poesie, magari facendo da copertina, come testimonierebbero tre fori lungo il bordo.

Prompt: Focus on La Bella Principessa and explain the Description.Please output in Italian.

1494
1496
Bernardina de Corradis
Galeazzo Sanseverino
Jean Perréal
Ludovico il Moro


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Apollo e Cupido

Stando a quanto afferma Giovanni Pietro Bellori, sebbene si tratti di un pendant del Mercurio, Apollo e Cupido sarebbe stata ideata dal Fiammingo soltanto diversi anni dopo la prima. Infatti, la scultura non fu realizzata per Vincenzo Giustiniani, l'importante mecenate e collezionista d'arte che aveva commissionato il Mercurio, ma per un altro committente. In aggiunta, la diversa datazione è suggerita anche dalle differenze stilistiche tra le due opere. LApollo e Cupido fu rilevata primariamente in un inventario di Carlo Eusebio del Liechtenstein a Valtice. Si è ipotizzato che proprio quest'ultimo sia stato il committente della statua.Insieme al Mercurio, il bronzo fu grandemente ammirato dallo scultore austriaco Georg Raphael Donner, che copiò il Fiammingo. L'attribuzione al Duquesnoy venne dimenticata nel XVIII secolo, quando l'opera si riteneva un pezzo antico.

Prompt: How does Apollo and Cupid explain its History?Please output in Italian.

Apollo
Carlo Eusebio del Liechtenstein
Cupido
Georg Raphael Donner
Giovanni Pietro Bellori
Valtice


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Madonna di Darmstadt

Il fico, i cui rami sono visibili dietro il muro, ricorda la caduta, l'espulsione di Adamo e di Eva dal Paradiso. Il fico fondamentalmente rappresenta la tentazione e quindi costituisce un contrasto con la vite che è invece concepita come albero di salvezza. Tuttavia, il fico qui mostrato sembra avere viticci sottili che ricordano le viti. Non è chiaro quindi se si tratti di una raffigurazione progettata deliberatamente ibrida o se Holbein non fosse a conoscenza dell'esatto aspetto dei fichi. Attribuito a Maria, il fico simboleggia la nuova Eva che aprirà di nuovo il Paradiso per il popolo di Dio, un'interpretazione che viene sottolineata appunto dalla rappresentazione ambigua come un fico/vite. Holbein utilizza ramoscelli di fico, tuttavia, in seguito anche nei ritratti realizzati in Inghilterra, ad esempio, lady Guildford.

Prompt: In the context of Darmstadt Madonna, explain the The word "Ilfico" does not appear to be a recognizable word in Italian or any other language. It might be a typo or a specific term that is not widely known. Could you please provide more context or check the spelling? and the Style.Please output in Italian.


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Abraham Lincoln: The Head of State

Memoriali e monumenti unionisti Presidenza di Abraham Lincoln Robert Gould Shaw Memorial William Tecumseh Sherman

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Abraham Lincoln: The Head of State.Please output in Italian.

Abraham Lincoln
Memoriali e monumenti unionisti
Presidenza di Abraham Lincoln
Robert Gould Shaw Memorial


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Leon grange, Orace Vernet, pp. 297-327, in Gazette des beaux arts, Volume 14, Part 1, J. Claye, 1863. Terry W. Strieter, Nineteenth-century European Art: A Topical Dictionary, Greenwood Publishing Group, 1999. Eugène de Mirecourt, Horace Vernet, cour, 1857. Anonimo, Orace Vernet, L'Eco, giornale di scienze, lettere, arti, mode e teatri, Volume 4, n. 77, Milano, 29 giugno 1831  Stephanie mbe, Roman outlaw: Horace Vernet's 1830 revolution, "Italian Brigands Surprised by Papal Troops", M.A., University of Delaware, 2007. L. M. Buizard, Catalogue de l'oeuvre lithographique de Mr. J.E. Horace Vernet, imprimerie. de J. Gratiot, Parigi, 1826.

Prompt: How does Italian Brigands Surprised by Papal Troops explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna Gualino

Alessandro Bagnoli, Roberto Bartalini, Luciano Bellosi, Michel clotte Duccio, Silvana Editore, Milano 2003.

Prompt: In Gualino Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Musica

scrittura neumatica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori. Fu nell'opera di Guido d'Arezzo  che si affermò il primo sistema di scrittura diastematica, una scrittura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido chiamava il suo sistema tetragramma perché inseriva dei segni  in una griglia costituita  da quattro righe parallele. Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la scrittura delle durate era ottenuta proporzionalmente . Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido assegnò nomi quasi tutti corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un inno, scritto da Paolo Diacono e dedicato a San Giovanni Battista, come memorandum per gli allievi: vera innovazione di Guido fu che le prime sillabe dell'Inno non servirono solo per dare un nome alle note, ma anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica. A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di solmisazione. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee  e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

Prompt: In Music (Matisse), how is the The birth of the notation of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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amore

Nel 1992 i neurologi Arthur Aron, Elaine Aron e Danny Smollan hanno elaborato una Scala dell'inclusione dell'altro nel sé,in cui si prospettano sette livelli di inclusione del partner.

Prompt: Explain the Inclusion of the other in the self about the Religion of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Daniele

Danny Boyle, regista, sceneggiatore e produttore cinematografico britannico Danny DeVito, attore, regista e produttore cinematografico statunitense Danny Elfman, cantante, compositore e attore statunitense Danny Glover, attore e regista statunitense Danny Granger, cestista statunitense Danny Griffin, ex calciatore nordirlandese Danny Griffin, attore e modello britannico  Danny Kaye comico, cantante, ballerino e attivista statunitense  Danny Trejo, attore statunitense Danny Webb, pilota motociclistico britannico

Prompt: In the context of Prophet Daniel (Michelangelo), explain the Variant Danny and the People.Please output in Italian.

Danny Boyle
Danny DeVito
Danny Elfman
Danny Glover
Danny Granger
Danny Griffin
Danny Kaye
Danny Trejo
Danny Webb


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Ritratto di dama come Giuditta

L'eroina biblica, dalla solida impostazione plastica e con una sontuosissima veste, domina la scena mostrando allo spettatore la testa del generale assiro che poco prima ha decapitato.Il suo volto ha un'espressione severa e malinconicamente quieta . Il realismo fisionomico del viso di Giuditta comprova senza dubbio che si tratta di un ritratto ; evidentemente quello di una dama di alto rango sociale, come si deduce, non solo dalla ricchissima veste, ma anche dai gioielli che essa indossa e dalla raffinata pettinatura.Molto efficace è anche il viso di Oloferne – di cui sono accuratamente rese la capigliatura e la barba – e in cui Agostino non ha particolarmente insistito sugli spasmi della morte.Sullo sfondo, in una luce aurorale, si vede l'accampamento assiro, da cui Giuditta è appena fuggita, assistita da un'ancella, con il suo macabro trofeo. In una tenda si intravede il corpo senza testa di Oloferne, mentre il campo è colto dallo sgomento di fronte ad una simile terrificante scoperta.Perecettibili sono le influenze della pittura veneziana – Agostino Carracci, infatti, ha soggiornato in guna sino a qualche anno prima  della data di presumilbile esecuzione di questo dipinto – che si colgono sia nella particolare consistenza atmosferica e luministica che pervade la tela sia nella figura dell'ancella negra che è con ogni probabilità una citazione del Veronese tratta dal dipinto, di analogo soggetto, ora nel genovesePalazzo Rosso, realizzato all'incirca un quindicennio prima della tela di Agostino Carracci.

Prompt: Focus on Portrait of a Woman as Judith and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the Self-portrait environment autonomy and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (Giorgione), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Trittico Portinari

L'Adorazione del Bambino, basata su una delle visioni di santa Brigida di Svezia, ha luogo in uno scenario grandioso, in cui figure celesti e terrene sono rappresentate a fianco, come se si incontrassero. Nel pannello centrale la stalla è dipinta come una loggia con colonne posta al margine di una città della quale si intravedono alcuni edifici: si tratta dell'allusione al palazzo abbandonato di Re Davide, lontano progenitore di Cristo, riconoscibile per il simbolo dell'arpa scolpito sulla lunetta del portale e per l'iscrizione con la sua profezia di un bambino che nascerà da una vergine.Al centro campeggia la figura di Maria, tutt'altro che stilizzata, bensì vibrantemente umana e luminosa, inginocchiata e con le mani giunte e rivolte in basso, al Bambino poggiato in terra tra raggi che ne rivelano la santità: si tratta della rappresentazione di Gesù come "Luce del mondo", infatti la sua figura rischiara alcuni degli astanti, come si vede bene ad esempio nell'angelo sopra di esso. Tutt'intorno sono disposti a semicerchio gli altri astanti: a sinistra san Giuseppe, con la veste rossa, il bue e l'asinello e due angeli che volano in alto; in prima fila due gruppi di angeli in posizione simmetrica, due vestiti di bianco a sinistra e cinque con vesti più elaborate a destra; dietro di essi si trovano i tre pastori, ritratti con grande realismo nei loro umili vestiti e che vennero copiati anche dal Ghirlandaio, con un quarto che sta arrivando sullo sfondo; chiudono il cerchio due angeli vestiti di azzurro, mentre in cielo se ne levano altri in volo.Tutti i personaggi raffigurati sono descritti, contemporaneamente, con rigore realistico, energia, immediatezza e brillantezza. bella natura morta in primo piano, con i due vasi di fiori ed il covone di frumento , sono delle allegorie dell'eucaristia e della passione di Gesù. Il frumento ricorda l'Ultima cena, dove Cristo spezzò il pane. I gigli rossi - detti anche Gigli di San Giovanni perché il loro periodo di fioritura coincide con la festa di San Giovanni - simboleggiano il sangue della Passione e gli iris bianchi la purezza, mentre gli iris purpurei e l'impettita aquilegia rappresentano i sette dolori della Vergine; i garofani alludono invece alla Trinità. Così, questa scena della nascita di Gesù prefigura la sua morte di resurrezione. Lo zoccolo in terra indica che qualcuno è scalzo: in quel tempo si credeva che pestare il suolo scalzi fosse garanzia della sacralità, come il terreno su cui camminò Mosè quando Dio gli comandò: "Togliti i sandali dai piedi, poiché il luogo sul quale tu stai è una terra santa" .Sullo sfondo, van der Goes dipinse scene relative al soggetto principale, in questo caso l'Annuncio ai pastori da parte dell'angelo.

Prompt: Explain the Control panel about the History of this artwork, Portinari Altarpiece.Please output in Italian.


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La cattedrale di Chartres

cattedrale di Chartres è un dipinto a olio su tela di Jean-Baptiste Camille Corot, realizzato nel 1830 e conservato al museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Cathedral of Chartres.Please output in Italian.

Chartres
Jean-Baptiste Camille Corot
Parigi


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-Portrait (Annibale Carracci)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Self-Portrait (David) explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Explain the The development of the self-portrait: technical reasons about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Notte stellata sul Rodano

Durante il soggiorno arlesiano Vincent van Gogh si cimentò numerose volte nella rappresentazione di vedute notturne en plein air. Lo stesso van Gogh non faceva mistero di come subisse inesorabilmente l'ancestrale fascino emanato dal firmamento stellato: «Mi occorre una notte stellata con dei cipressi o, forse, sopra un campo di grano maturo» - avrebbe poi confidato Vincent al fratello Théo. Van Gogh, poi, tornò sull'argomento degli «effetti di notte», anche in alcune missive indirizzate al pittore Émile Bernard  e alla sorella Wilhelmina . posizione delle stelle durante l'esecuzione300x300 pxVan Gogh risolse questa problematica estetica dipingendo Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles e la Notte stellata sul Rodano. Nonostante Vincent fosse affascinato da quella «mentalizzazione della pittura che abbandona la realtà per amore dell'effetto immanente del dipinto», come osserva il Metzger, la Notte stellata sul Rodano è stata eseguita rigorosamente en plein air, con l'aiuto della flebile luce, emanata da alcune candele allineate lungo la tesa del suo cappello di paglia. datazione dell'opera è nota grazie alle lettere che Van Gogh scrisse al fratello Theo il 26, 27 e 28 settembre 1888: Van Gogh dipinse il quadro il 26 o il 27 settembre 1888, attorno alle 22.30 come si evince dalla posizione delle stelle.L'astrofisico italiano Gianluca Masi, partendo dalla specifica disposizione astrale raffigurata nell'opera, ha avanzato un'ipotesi di gestazione del dipinto:</ref>}}

Prompt: Explain the History of this artwork, Starry Night Over the Rhône.Please output in Italian.


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Uomo vitruviano

alt=L'uomo vitruviano è stato scelto da Carlo Azeglio Ciampi, all'epoca Ministro dell'Economia, per comparire sulle monete da 1 euro italiane, con significato altamente simbolico .

Prompt: Explain the The coin of this artwork, Vitruvian Man.Please output in Italian.


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Astronomo

Astronomia Storia dell'astronomia Astrofilo

Prompt: How does The Astronomer (Vermeer) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Dante e Virgilio

I colori utilizzati sono scuri sullo sfondo, con un misto di rosso e marrone che si ricollega così all'ambientazione infernale; al contrario, i due dannati sono raffigurati usando colori luminosi, cosicché risaltino maggiormente.Caratteristica dell'opera  è lo straordinario realismo nel dipingere i personaggi, come si può notare dalla muscolatura estremamente precisa e dettagliata di Schicchi e del Capocchio.

Prompt: In Dante and Virgil, how is the Color realism of the Story of the opera explained?Please output in Italian.


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Epifania

In Portogallo, l'Epifania cade il 6 gennaio ed è chiamata dia dos Reis , durante la quale viene cotto e mangiato il tradizionale ‘’Bolo Rei’’ . In questo giorno sono popolari le rappresentazioni teatrali e le rievocazioni e i genitori spesso organizzano feste per i loro figli. L'Epifania è anche un momento in cui vengono eseguite le danze tradizionali portoghesi conosciute come Mouriscadas e Paulitos. Quest'ultima è un'elaborata danza con il bastone. I ballerini, che di solito sono uomini, ma possono essere vestiti da donne, manipolano bastoni o doghe  in due file opposte.Anche in Portogallo è tradizione riunirsi in piccoli gruppi e andare di casa in casa a cantare il Reis  e altri canti tradizionali sulla vita di Gesù. I cantanti portano anche i saluti ai proprietari della casa. Dopo aver cantato per un po' all'aperto, vengono invitati a entrare e i proprietari della casa offrono loro dolci, liquori e altre prelibatezze dell'Epifania. Questi Rei di solito iniziano alla vigilia dell'Epifania e durano fino al 20 gennaio.Il villaggio portoghese di Vale de Salgueiro incoraggia i bambini, alcuni di appena cinque anni, a fumare in una tradizione che non ha radici chiare.

Prompt: Explain the Portugal about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

Prompt: In Sacred and Profane Love, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Hypnerotomachia Poliphili
Opere di Tiziano
Hypnerotomachia Poliphili


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Discesa dal monte Sinai

Arthur R. Blumenthal e AA.VV.,  Cosimo Rosselli Painter of the Sistine Chapel, Cornell Fine Arts Museum, Winter Park FL 2001 ISBN 0-9615828-2-0

Prompt: Focus on Descent from Mount Sinai (Sistine Chapel) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Gabrielle Cot

Questo quadro nacque come uno studio per un altro dipinto, ma William-Adolphe Bouguereau, affascinato dal fascino e dalla bellezza di Gabrielle, decise di rendere il ritratto un’opera a sé stante.Il quadro venne donato a Madame Duret da Bouguereau in occasione del matrimonio di Gabrielle, che sposò un architetto di nome Zilin nel 1890.  tela venne esposta al circolo dell'unione artistica di Parigi nel 1891. L'opera rimase di proprietà della famiglia Duret fino a quando non venne venduta senza tracciabilità il 10 novembre 1998 a Sotheby's a New York ; l'anno successivo venne esposto presso la fondazione Newington Cropsey.

Prompt: Explain the History of this artwork, Gabrielle Cot.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Explain the The Renaissance sculptor self-portrait about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Polittico Orsini

Il Polittico Orsini è firmato da Simone Martini.  firma corre sulle 4 ante del verso, raffiguranti le 4 scene della Passione di Cristo. Sulle prime 3 ante della sequenza leggiamo, rispettivamente, “HOC OPUS”, “PINXIT” e “SYMON”. Il quarto ed ultimo pannello è più rovinato all'estremità e la scritta si è persa. È probabile che recasse “DE SENIS”.Più dibattuta è stata la datazione dell'opera. Per tutta la seconda metà del secolo scorso le opinioni si sono susseguite con un pendolo attributivo che andava dai primi anni dieci ai primi anni quaranta del Trecento, praticamente spaziando su tutto il periodo di attività del pittore senese. Dopo ulteriori analisi e confronti tra gli esperti, oggi la maggior parte degli studiosi ritiene che il Polittico Orsini fu realizzato tra il 1333 e il 1337, a cavallo del trasferimento di Simone Martini da Siena ad Avignone, avvenuto nel 1335-1336. Può quindi essere considerato una delle ultime opere del periodo senese o una delle prime del periodo avignonese. Elementi che fanno protendere per questa datazione sono i seguenti:#Le scene si articolano su uno spazio poco profondo, quasi alluso e comunque sviluppati più in verticale che in profondità. Tale sviluppo si colloca come situazione intermedia tra la profonda tridimensionalità, quasi giottesca, del Beato Agostino Novello  e gli spazi estremamente verticalizzati del Frontespizio del Commento di Servio a Virgilio , avvicinando piuttosto l'opera alla simile Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita .#Le figure sono allungate, solo occasionalmente volumetriche , ponendo l'opera a mezzo tra le figure corpose degli anni venti e quelle più slanciate del periodo avignonese.#Esiste nei volti dei veri personaggi rappresentati, dalla Vergine Annunciata agli spettatori delle scene della Passione, quell'inquietudine psicologica tipica dell'ultimo Simone Martini Avignonese , e più marcata dell'Annunciazione degli Uffizi , escludendo quindi una datazione troppo precoce dell'opera.#Sono presenti caratteristiche puramente gotiche, quali l'eccessiva sinuosità del bordo del manto della Vergine Annunciata o della veste broccata oro dellAngelo Annunciante, a mostrare più volte il diritto e il rovescio del tessuto; anche questi tratti sono tipici dell'ultimo Simone Martini.#L'opera è di piccolo formato, portatile e commissionata da un membro di quella familia cardinalizia per cui Simone lavorava ad Avignone. Questa tipologia di formato e committenza erano tipiche del periodo avignoneseIn sostanza quindi un periodo compreso tra la realizzazione dell'Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita che si trova oggi agli Uffizi e i primi anni del periodo avignonese sembrano costituire una finestra di tempo adeguata in cui collocare temporalmente l'opera .

Prompt: Explain the Attribution dating about the History of this artwork, Orsini Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Epifania

In Galles, l'Epifania cadeva il 6 gennaio ed era conosciuta come Ystwyll. Nel Glamorganshire era usanza preparare un'enorme pagnotta o torta, che veniva poi divisa in tre parti per rappresentare Cristo, la Vergine Maria e i Magi biblici. Un folto numero di vicini di casa veniva invitato ad assistere alla divisione della torta in cui erano nascosti gli anelli. Chi scopriva un anello nella sua fetta di torta  veniva eletto Re o Regina e presiedeva ai festeggiamenti della giornata.Il 6 gennaio era il giorno di Natale del calendario antecedente la riforma del 1752 e molte delle festività ad esso collegate durarono ben oltre il secolo successivo alla riforma stessa.Il Galles condivide altre usanze della dodicesima notte con la vicina Inghilterra, tra cui il ceppo di Yule e il wassail per propiziare agli agricoltori un buon raccolto per l'anno a venire; qui, è costume che le ceneri del ceppo di Yule siano salvate e seppelliti insieme ai semi piantati nella primavera successiva, e che la ciotola di wassail sia portata nella casa degli sposi novelli o di una famiglia da poco venuta ad abitare nel luogo, in un dialogo di recita e canti fra chi rimaneva dentro e fuori dalla porta.Un'altra usanza gallese associata all'Epifania era la caccia allo scricciolo. Un gruppo di giovani usciva in campagna per catturare uno scricciolo, che veniva quindi posto in una piccola gabbia decorata e portato in giro di casa in casa e mostrato in cambio di denaro o di cibo e bevande. Quando non si riusciva a trovare uno scricciolo, allora veniva utilizzato un passero per lo stesso rituale.

Prompt: Describe the characteristics of the Wales in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Galles
Glamorgan
Inghilterra
Natale
Yule


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Self-portrait at 69 years, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Sant'Andrea (Duquesnoy)

I quattro colossi in San Pietro furono approvati dalla Congregazione della Fabbrica di San Pietro in una riunione tenutasi nel maggio 1628.) ricevette l'approvazione di papa Urbano VIII, Il Duquesnoy fu coinvolto più tardi, e, in effetti, fu probabilmente la positiva ricezione del modello in stucco del Duquesnoy per il Sant'Andrea che aiutò il Fiammingo ad assicurarsi la sua commissione per la Santa Susanna.Nel 1631 i piani cambiarono, e il Cristo risorto fu sostituito dal globo e dalla croce del Baldacchino.Nonostante la sua somiglianza posturale al San Longino del Bernini, l'opera del Duquesnoy porta chiaramente il marchio del Fiammingo, influenzata com'è dalla cosiddetta maniera greca di quest'ultimo, che era in contrasto netto con l'approccio del Bernini.

Prompt: Explain the Composition of this artwork, Saint Andrew (Duquesnoy).Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Lo stemma del "13th Infantry Regiment".Era già stato nominato colonnello e assegnato al 13º reggimento fanteria, effettivo dal 14 maggio; si trattava in realtà di un reggimento nuovo e ancora da formare e il primo comando fu quello di una brigata di volontari arruolati per tre mesi: il massimo periodo di tempo che ci si attendeva dovesse durare il conflitto.Alla sua testa, fu uno dei pochi ufficiali dell'Unione capace di distinguersi nella prima battaglia di Bull Run avvenuta il 21 luglio, dove venne ferito lievemente dalle pallottole al ginocchio e a una spalla; la disastrosa sconfitta lo portò a mettere in discussione sia le proprie capacità come ufficiale sia il grado di preparazione delle truppe.Il presidente Lincoln tuttavia lo promosse a brigadier generale  dei volontari, effettivo dal giorno 17 maggio, con anzianità di grado rispetto a Ulysses S. Grant, il suo futuro comandante; fu assegnato al "Dipartimento di Cumberland" a Louisville nel Kentucky sotto la guida di Robert Anderson, e a ottobre dello stesso anno gli succedette al comando.Pensò che il suo nuovo incarico contraddicesse la promessa fattagli da Lincoln di non ricevere troppo presto una posizione così importante e impegnativa.

Prompt: Describe the characteristics of the FirstbattleBullRun in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Service  civil  war.Please output in Italian.


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Busto di Carlo Magno

Il busto reliquiario è costituito da argento cesellato ed è in parte placcato in oro. Il reliquiario racchiude un teschio umano, secondo la tradizione quello di Carlo Magno. Esso raffigura il busto dell'imperatore con la testa ornata da una corona d'oro a giglio che, secondo un documento dal 1262, sarebbe un dono di Riccardo di Cornovaglia al Münster  di Aquisgrana, poi ampiamente restaurata dall'orafo August Witte nel 1873. Le zone dei capelli e della barba sono placcate in oro, il viso e il collo sono accentuati in argento sbalzato. Il pettorale è ornato da aquile ageminate d'argento - l'aquila imperiale sul fondo oro della veste, l'animale araldico del Sacro Romano Impero indica la dignità dell'imperatore - e da bordure in filigrana e pietre preziose. Alcune delle pietre sono cammei antichi. Il busto di Carlo Magno si erge su una base ottagonale con due aperture sui fianchi per un supporto ligneo, decorato con gigli araldici.L'uso di gemme antiche e cammei per reliquiari e corone indica un riferimento all'antichità romana, essenziale l'idea imperiale medievale, nella cui tradizione Carlo Magno e poi Carlo IV si identificavano nel loro ruolo di sovrano. Un parallelo a questa corona può essere visto nella corona di San Venceslao dei gioielli della Corona boema, che adornava la reliquia del teschio di Venceslao di Boemia ed era anche usata per le incoronazioni.Il reliquiario è nella tradizione delle raffigurazioni francesi del re del XIII secolo e rappresenta un'idealizzazione artistica dell'imperatore franco, sebbene abbia anche caratteristiche facciali individualizzanti. Queste ultime si notano in modo simile anche in un ritratto di Giovanni II di Francia. È possibile che il creatore del busto reliquiario, un orafo di Aquisgrana, fosse un artista formatosi in Francia.A partire dal busto di Carlo Magno, come punto culminante nell'oreficeria della Renania-Maasland, iniziò un periodo d'oro di busti reliquiari in argento dorato e dall'aspetto naturalistico.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Bust of Charlemagne.Please output in Italian.

Aquisgrana
August Witte
Carlo Magno
Giovanni II di Francia
Riccardo di Cornovaglia
Sacro Romano Impero


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Diversification birth main branches and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Describe the characteristics of the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio   Presentazione al Tempio

Prompt: Focus on Presentation at the Temple (Bellini) and explain the Work of art.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Monumento a Giordano Bruno

uprightIl medaglione contenente il ritratto di Gli otto medaglioni sono disposti a due a due per ogni lato del basamento e rappresentano alcuni degli intellettuali che nei secoli hanno sfidato il potere ecclesiastico. I volti prescelti per ogni lato furono quelli di: Paolo Sarpi e Tommaso Campanella, Pietro Ramo e Giulio Cesare Vanini, Aonio Paleario e Michele Serveto, John Wyclif e Jan Hus, quasi tutti in qualche modo riconducibili all'oppressione al libero pensiero che fu esercitata dalla Chiesa cattolica. L'unica eccezione è Michele Serveto, medico ed eretico spagnolo bruciato al rogo a Ginevra dai calvinisti; la scelta di Serveto fu fatta all'ultimo momento e fu fondamentale per attribuire alla statua un valore di libertà universale verso ogni tipo di oppressore e non solo verso l'inquisizione cattolica. Il medaglione dedicato a Paolo Sarpi inizialmente avrebbe dovuto rappresentare Galileo Galilei, che però non venne effigiato dato che nel corso del processo contro di lui aveva fatto abiura.Gli otto medaglioni contengono tutti un solo volto, ad eccezione di quello dedicato a Giulio Cesare Vanini, che reca seminascosto anche un piccolo ritratto di Martin Lutero. Non ci si accorse della sua esistenza fino al 1991, quando venne rilevata dallo storico svedese rs Berggren.Delle quattro formelle quella frontale riporta l'iscrizione dettata dal filosofo Giovanni Bovio: «A Bruno / il secolo da lui divinato / qui / dove il rogo arse», che sostituì quella meno poetica e scelta con un compromesso nel 1886: «A Giordano Bruno dove fu arso / Martire della libertà del pensiero». Le altre tre formelle invece sono tre bassorilievi raffiguranti ciascuno tre momenti particolarmente significativi della vita di Bruno: il magistero all'università di Oxford, la sentenza del Sant'Uffizio, il rogo.

Prompt: Explain the Medallions and brooches about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Monument to Giordano Bruno.Please output in Italian.

1886
Aonio Paleario
Chiesa cattolica
Galileo Galilei
Ginevra
Giordano Bruno
Giovanni Bovio
Giulio Cesare Vanini
Jan Hus
John Wyclif
Martin Lutero
Michele Serveto
Paolo Sarpi
Pietro Ramo
Tommaso Campanella


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The self-portrait of the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: In Epifania, how is the Peru of the Artistic theme explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Self-Portrait (Bol)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Morte di Cleopatra

morte di Cleopatra VII portò alla fine dell'ultima guerra civile della Roma repubblicana, combattuta tra Ottaviano e Marco Antonio. Suicidandosi, Cleopatra sfuggì alla possibilità di essere portata a Roma ed essere esibita come un "trofeo di guerra" di Ottaviano, il quale nel 27 a.C. sarebbe divenuto imperatore col nome di Augusto. Ottaviano fece uccidere Cesarione, ma risparmiò i figli che Cleopatra aveva avuto da Marco Antonio e li portò a Roma: una delle figlie di Antonio, Cleopatra Selene II, avrebbe sposato il re Giuba II di Numidia. Con la fine della dinastia tolemaica l'Egitto divenne una provincia romana  e così rimase fino alla conquista musulmana dell'Egitto, avvenuta tra il 641 e il 654.

Prompt: In the context of Cleopatra (Artemisia Gentileschi, Milan), explain the Consequences and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Cleopatra
Giuba II
Marco Antonio
Numidia


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Sacrificio di Isacco

Sacrificio di Isacco di Lorenzo Ghiberti  Sacrificio di Isacco di Filippo Brunelleschi  Sacrificio di Isacco di Donatello  Sacrificio di Isacco di Alonso Berruguete

Prompt: Explain the Sculptures about the The ethical problem of the sacrifice of Isaac in the philosophy of Kierkegaard of this artwork, Sacrifice of Isaac (Caravaggio).Please output in Italian.

Alonso Berruguete
Donatello
Filippo Brunelleschi
Sacrificio di Isacco
Isacco
Lorenzo Ghiberti


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: How does Portrait of a Man in Red Chalk explain its Abstract?Please output in Italian.


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San Girolamo

Gerolamo, Le regole alimentari, a cura di Lucio Coco, Bologna, Edizioni Dehoniane, 2015. San Girolamo, Vite di Paolo, Ilarione e Malco, traduzione di Giuliana nata, Milano, Adelphi, 1985. Alfredo Cattabiani, Santi d'Italia, Milano, Rizzoli, 1993, ISBN 88-17-84233-8 Leopoldo Gamberale, San Gerolamo intellettuale e filologo, Roma, Edizioni di Storia e letteratura, 2013. John Norman Davidson Kelly, Jerome. His Life, Writings, and Controversies, New York, Harper & Row, 1975.

Prompt: Focus on Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Presentation at the Temple (Mantegna).Please output in Italian.


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Re prigioniero

Il re prigioniero è uno schizzo di Joseph Wright of Derby completato nel 1772 o 1773. Lo schizzo si ritiene sia servito nella fase di preparazione di un dipinto ora perduto sul crociato francese “Guido di Lusignano in carcere”.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Captive King.Please output in Italian.

Guido di Lusignano
Joseph Wright of Derby


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Allegoria dell'Inclinazione

LAllegoria dell'inclinazione è un dipinto a olio su tela  di Artemisia Gentileschi, databile al 1615-1616 e conservato nel soffitto della Galleria di Casa Buonarroti, a Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Allegory of Inclination.Please output in Italian.

1615
1616
Artemisia Gentileschi
Casa Buonarroti
Firenze
Galleria di Casa Buonarroti


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August Blue

Il dipinto ottenne un immediato successo di critica non appena venne presentato ed esposto nel 1894; acquistato dalla Tate Gallery con un fondo istituito a suo tempo dallo scultore Francis Legatt Chantrey per incoraggiare l'arte britannica tramite l'acquisizione di dipinti e sculture dal "merito più alto" ed eseguite interamente in Gran Bretagna. Questa è stata la seconda opera di Tuke acquistata dalla Tate, dopo "All Hands to the Pumps", evento molto raro e capitato a pochissimi artisti.August Blue è stato seguito da molte altre opere incentrate su temi simili  e l'artista rimase molto popolare per tutta l'età edoardiana; caduto in disgrazia dopo la fine della guerra, morì quasi dimenticato nel 1929. Il suo lavoro ha riconquistato fama e popolarità a seguito della riscoperta avvenuta da parte di appassionati d'arte negli anni '70, favoriti in ciò anche dalla prima generazione che poteva iniziare a fare coming out e definirsi apertamente gay.

Prompt: In the context of August Blue, explain the Welcome and the History.Please output in Italian.

Francis Legatt Chantrey
Gran Bretagna
Tate


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Nostra Signora della Porta dell'Aurora

L'origine del dipinto non è nota. Secondo lo storico Teodor Narbutt , Altri asserirono che il dipinto fosse stato commissionato dal re di Polonia Sigismondo II Augusto e che raffigurasse sua moglie Barbara Radziwiłł.Con la veste d'argento che copriva l'intero dipinto, tranne il viso e le mani, era molto difficile per gli storici determinare in quale periodo il dipinto fosse stato creato. Nel 1927, la copertura d'argento fu rimossa per la prima volta da decenni. Il dipinto fu analizzato e restaurato. Sulla base dei nuovi dati raccolti durante il restauro, Mieczysław Skrudlik giunse alla conclusione che il dipinto fosse stato completato intorno al 1630–1650 e lo collegò a un altro dipinto nella Chiesa del Corpus Christi a Cracovia, creato dall'artista Luca nel 1624. Mary Kałamajska Saeed nella sua tesi del 1990 sostenne che Nostra Signora della Porta dell'Aurora fosse opera di un artista locale e fosse ispirata dal contemporaneo pittore fiammingo manierista Marten de Vos attraverso un'incisione di Thomas de Leu .

Prompt: In the context of Our Lady of the Gate of Dawn, explain the Origin inspiration and the History.Please output in Italian.

Barbara Radziwiłł
Cracovia
Polonia
Porta dell'Aurora
Teodor Narbutt


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La persistenza della memoria

Mostrandosi assai sensibile agli influssi di Bergson e Sigmund Freud, Dalì con  persistenza della memoria riflette sulla relatività del tempo. Nell’opera sono raffigurati diversi oggetti, a testimonianza che il tempo non scorre nello stesso modo per gli uomini, gli animali e i vegetali; ad esempio un’ora è tanto per una formica che vive appena pochi mesi ma è nulla per noi esseri umani, inoltre, un’ora è di scarsa importanza per un albero che può vivere per ben due secoli o per uno scoglio, immobile per "sempre". Quindi ognuno ha una propria visione della vita e dei ricordi propri che vanno a ritmo diverso, come questi orologi molli e cremosi quanto un buon formaggio da gustare. Nel consorzio umano, tuttavia, si tende a scandire in modo rigoroso il tempo misurandolo in secondi, minuti, ore, giorni, settimane, insomma, in dati che tentano di quantificare una dimensione che in questo modo si propone oggettiva, fissa, calcolabile in modo preciso e puntuale, e in grado. Secondo l'interpretazione di Dalì, tuttavia, non tutto può essere sempre calcolato e monitorato da strumenti tecnici come orologi e calendari, e bisogna anche e soprattutto considerare le emozioni, le sensazioni e l’esperienza umana. In questo modo viene messa in crisi l’oggettività del tempo poiché riconoscere i secondi, i minuti e le ore è ben diverso da vivere e distinguere gli attimi. Salvador Dalì ha voluto quindi rappresentare quella che è una vera e propria preoccupazione, non solo sua ma di tutti noi e cioè il terrore del tempo che fugge. Per vivere a pieno il proprio tempo, bisogna avere un buon rapporto con se stessi e cercare di concentrarsi sul presente perché esso è l’unica cosa su cui l’uomo può esercitare la propria volontà, agendo e godendo dell’attimo.Questo argomento, tra l'altro, era stato già trattato nelle indagini della fisica relativistica a opera di Albert Einstein, che appena due anni prima l'esecuzione del dipinto scrisse sul New York Times:Come suggerito da Einstein, un arco temporale di due ore può rivelarsi fugace o interminabile a seconda della percezione del tempo  avvertita dal singolo soggetto; ciò avviene sia nella veglia ma soprattutto nei sogni, regolati dai meccanismi dell'inconscio. In questo modo, l'immagine degli orologi molli assurge a simbolo della plasticità e della soggettività del tempo, dimensione sfuggente ed enigmatica che non è affatto uguale e oggettiva per tutti. discontinuità e l'ambiguità del tempo si ritrovano anche nell'elemento faunistico presente ne  persistenza della memoria.  mosca adagiata sul primo orologio «suggerisce che l'oggetto della memoria è una qualche specie di carogna, che si imputridisce nella stessa maniera in cui si liquefà»; analogamente, le formiche che brulicano sull'orologio arancio simboleggiano l'annullamento dell'oggettività del tempo, un elemento che - essendo inafferrabile - non può essere imprigionato in un oggetto fisico.

Prompt: In The Persistence of Memory, how is the Interpretation discussed?Please output in Italian.