subsection

Ultima Cena

Esistono alcune importanti discrepanze tra le narrazioni dell'Ultima cena di Gesù dei quattro vangeli, in particolare tra la narrazione del Vangelo secondo Marco  e quella del Vangelo secondo Giovanni. In breve, la principale differenza, per la quale sono stati proposti diversi tentativi di armonizzazione, è che in Marco l'ultima cena è la cena della Pesach, la Pasqua ebraica, in Giovanni è una normale cena consumata il giorno prima di Pesach.In tutti i vangeli canonici, la passione di Gesù avviene in occasione della festa della Pasqua ebraica, la Pesach. Questa festa, che ricordava l'uscita degli Ebrei dall'Egitto narrata nel Libro dell'Esodo, prevedeva un giorno di preparazione alla festa, la cena della Pasqua e il giorno di Pasqua. Nel giorno di preparazione della Pasqua, gli Ebrei portavano un agnello al Tempio  per farlo sacrificare, poi tornavano a casa e preparavano una cena particolare carica di simboli collegati all'esodo . Giunto il tramonto, che secondo la tradizione in vigore presso gli Ebrei indicava l'inizio del giorno di Pasqua, si consumava il pasto pasquale.In Marco si dice chiaramente che le preparazioni per l'ultima cena avvennero il giorno prima di Pesach , e che si trattava della cena di Pesach, che viene consumata alla sera, quando è iniziato il giorno della Pesach . In Giovanni si dice esplicitamente che il pasto consumato è quello prima della festa di Pesach  e che il pasto di Pesach deve essere ancora consumato ; inoltre si narra che coloro che arrestarono Gesù non vollero entrare nel pretorio di Pilato per non diventare ritualmente impuri e poter quindi mangiare il pasto di Pesach , e poi si dice esplicitamente che il giorno della morte di Gesù «era la Preparazione della Pasqua» .; di analogo parere sono lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, e lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann, come più sotto meglio precisato.Vari tentativi di armonizzare le due cronologie sono state fatte nel corso della storia: il biblista e abate cattolico Giuseppe Ricciotti, per esempio, ipotizzò nel 1940, basandosi sul Libro dei Giubilei , che Gesù avesse fatto uso di un calendario  diverso da quello dei sadducei, che avrebbero invece celebrato la Pasqua il giorno dopo. Tale tentativo di armonizzazione è rigettato oggi dalla maggioranza degli esegeti e lo stesso Papa Benedetto XVI afferma che esso si basa su fonti storiche troppo deboli per essere accettato. Un'altra soluzione al problema, che ha invece riscosso un certo supporto tra gli studiosi, è quella proposta più di recente dal biblista e sacerdote cattolico John Paul Meier: egli ritiene che l'Ultima Cena non sarebbe stata un banchetto pasquale, ma una cena d'addio. Gesù, comprendendo che la sua morte era ormai imminente, avrebbe tenuto un banchetto finale con gli Apostoli e avrebbe istituito un gesto rituale , con il quale essi avrebbero potuto ricordarsi di lui e portare avanti i suoi insegnamenti. Meier, concordando con i colleghi del Nuovo Grande Commentario Biblico, ritiene pertanto corretta solo la cronologia giovannea, mentre quella sinottica sarebbe una successiva elaborazione redazionale degli evangelisti Marco, Matteo e Luca per far coincidere la morte di Gesù con la Pasqua ebraica.Il biblista e sacerdote cattolico Raymond Brown evidenzia, inoltre, come anche in merito alla predizione di Gesù del rinnegamento di Pietro durante l'Ultima Cena gli evangelisti non concordino: secondo "Luca e Giovanni la predizione ha luogo durante l'ultima cena ed è preceduta dalla dichiarazione di Pietro che egli vuole morire con Gesù", mentre invece per "Marco/Matteo questa ha luogo sulla strada verso il Getsemani in risposta di Gesù al verso  e Pietro protesta che in eccezione egli non sarebbe stato scandalizzato. È seguita dall'affermazione di Pietro di voler morire con Gesù" e anche "alcuni studiosi, che accettano la storicità del rinnegamento, ritengono la predizione come formulata dopo l'evento  per dare a Gesù lo status di profeta". Lo storico e biblista protestante Rudolf Bultmann ritiene non storici molti elementi presenti nella descrizione dell'ultima cena data dagli evangelisti, come l'invio dei discepoli per trovare il luogo della cena che viene poi loro mostrato da un uomo secondo un ricorrente motivo mitologico in cui "qualche creatura  precede il viaggiatore e mostra lui la strada"; anche la presenza di un vassoio comune in tavola, invece che singoli piatti, è considerata da Bultmann un elemento non coerente con una cena di Pasqua ebraica ed egli ritiene che la descrizione data da Giovanni - che non considera questa una cena pasquale e che non menziona l'istituzione dell'eucaristia - faccia probabilmente riferimento a tradizioni più antiche rispetto ai sinottici. Lo stesso Bultmann evidenzia, inoltre, il carattere leggendario della rivelazione del traditore da parte di Gesù durante tale cena, dopo le preoccupate richieste dei discepoli, sottolineando anche come stranamente nessuno dei presenti reagisca a queste sue parole. Il Vangelo secondo Giovanni dedica all'episodio dell'Ultima cena i capitoli dal 13 al 17 e presenta, come in vari altri punti dello stesso vangelo, quelle che gli storici definiscono "cuciture letterarie", ovvero delle incongruenze dovute allo stratificarsi di più fonti ed autori nella stesura del testo; il Vangelo secondo Giovanni fu l'ultimo dei vangeli canonici a essere composto, verso il 90-95 d.C. in greco, al di fuori della Palestina. Ad esempio, durante l'Ultima cena, i discepoli Pietro e Tommaso chiedono a Gesù dove sarebbe andato, eppure poco dopo - sempre durante la cena - lo stesso Gesù li rimprovera di non averglielo domandato. Inoltre, ai capitoli 13 e 14, nella stessa cena, Gesù tiene ai discepoli un lungo discorso e, alla fine, dice loro:«"Alzatevi, andiamo via di qui"»; subito dopo, però, come se non avesse appena espresso la volontà di andarsene, ricomincia un altro discorso che dura per ben 3 capitoli interi - 15, 16 e 17 - e, solo alla fine, dopo il commiato dai discepoli, esce con loro e va verso il monte degli Ulivi.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the Discrepancy, lateral, version, of, the, gospels of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuseppe Ricciotti
Jesus Seminar
John Dominic Crossan
John Paul Meier
Libro dei Giubilei
Libro dell'Esodo
Papa Benedetto XVI
Pasqua
Pesach
Rudolf Bultmann
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni
Vangelo secondo Marco


section

Ritratto di Folco Portinari

Il giovane uomo è ritratto di tre quarti, girato a destra, a mezzobusto, su uno sfondo nero. Le mani sono appoggiate l'una sull'altra sopra su un parapetto che coincide con il bordo inferiore della cornice, uno stratagemma spesso adottato per sfondare lo spazio pittorico verso lo spettatore e per "giustificare" il taglio a metà della figura.  fisionomia del personaggio fa pensare a un membro della ricca comunità fiorentina locale, a giudicare dai tratti fisiognomici mediterranei. L'abbigliamento testimonia l'alto status sociale dell'effigiato: indossa un mantello, tenuto al collo da un laccio, sopra la camicia bianca, con ampio collo di pelliccia di visone e una berretta nera, il colore più costoso da tingere. Alla mano sinistra indossa un anello. L'espressione è intensa e concentrata verso destra, dove non è escluso che si trovasse un'immagina sacra a cui rivolgersi, formando un dittico.

Prompt: In Portrait of Folco Portinari, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Pala di Vallombrosa

pala era originariamente dotata di una struttura a tabernacolo che comprendeva anche una perduta predella, della quale si conoscono i soli due pannelli agli estremi, con i ritratti alla base di quelli che dovevano essere i pilastri, di Biagio Milanesi e del monaco Baldassarre, opere di grande intensità, oggi agli Uffizi.Le condizioni di conservazione non sono ottimali. Lo schema diviso in due registri principali, uno celeste e uno terreno con i santi, completamente staccato dal primo, deriva dal prototipo della perduta Assunzione di Perugino nella Cappella Sistina, poi replicata in numerose altre tavole. Maria sta ascendendo in cielo entro una mandorla di cherubini, con angeli disposti simmetricamente ai lati che aiutano questa miracolosa dipartita: due volanti in basso e quattro musicanti fermi su una fascia di nuvole accanto a Maria.  mandorla si interrompe curiosamente sul bordo superiore della tela, dove inizia la lunetta in cui si trova il Dio Padre entro un nimbo dorato, a cui guarda estasiata la Vergine, circondato da altri angeli e cherubini.  mandorla un tempo si univa al nimbo divino, ma trattandosi di una ridipintura è stato eliminato il tratto superiore durante un restauro.In basso assistono alla scena quattro santi immersi in un dolce paesaggio di colline sfumate in lontananza: da sinistra Bernardo degli Uberti, Giovanni Gualberto, Benedetto e Michele arcangelo.Perugino ricorse a schemi e disegni già sperimentati in altre opere, disegnando con sicurezza con la sua tecnica già ormai consolidata, fatta da schemi misurati e piacevoli, un uso del colore brillante ma sfumato con dolcezza, un'attenzione ai particolari decorativi, come si coglie soprattutto nell'elegante armatura e nello scudo "all'antica" di san Michele.Lungo il margine inferiore della tavola si legge la firma: .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Vallombrosa Altarpiece.Please output in Italian.

Bernardo degli Uberti
Biagio Milanesi
Cappella Sistina
Giovanni Gualberto
Perugino


section

Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


section

Ritratto di Maria Trip

Ritratto di Maria Trip è un dipinto a olio su tela di Rembrandt, eseguito nel 1639 e conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam. Il quadro è posto su un supporto in legno di pioppo.

Prompt: In Portrait of Maria Trip, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

Schiava turca

Aimee Ng, with a foreword by David Ekserdjian The poetry of Parmigianino's Schiava Turca, catalogo della mostra New York, Frick Collection dal 13 maggio al 20 luglio 2014 e a San Francisco, Legion of Honour Fine Arts Museums dal 25 luglio al 5 ottobre 2014 Frick Collection, New York 2014, ISBN 9780912114606 Anna De Rossi,  misteriosa “Schiava Turca“ del Parmigianino. Giulia Gonzaga Colonna in Aurea Parma XCI, fasc.II, 2007, pp. 159-175  Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5, con bibliografia precedente Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9Lilli Fröhlich-Bum, Parmigianino und der Manierismus, p. 38, Vienna, Anton Schroll & Co. 1921.Giovanni Copertini, Il Parmigianino, pp. 210-211, Parma 1932.Armando Ottaviano Quintavalle, Il Parmigianino, pp. 154-155, Milano, Istituto Editoriale Italiano 1948.Sydney Joseph Freedberg, Parmigianino, his works in painting, pp. 116, 210-211, Cambridge, Harvard university press 1950.Maurizio Fagiolo Dell'Arco, Il Parmigianino, un saggio sull'ermetismo nel Cinquecento, pp. 80, 137-138, 273, Roma, Bulzoni 1970.Paola Rossi, Parmigianino. L'opera completa del Parmigianino, p. 99, Milano, Rizzoli 1980.Lucia Fornari Schianchi,  galleria Nazionale di Parma, p. 99, Parma, Artegrafica Silva 1983.Maria Cristina Chiusa, Parmigianino, pp. 96-97, 214-215, Milano, Electa 2001. ISBN 88-435-9643-8Mary Vaccaro, Parmigianino, i dipinti, pp. 204-205, Torino, Allemandi 2002. ISBN 88-422-1130-3Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Turkish Slave.Please output in Italian.

Aurea Parma
Cambridge
Cinisello Balsamo
Giovanni Copertini
Giulia Gonzaga
Milano
Parma
Parmigianino
Roma
Torino
Vienna


subsection

amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: In Love & Loss, how is the Buddhism of the Religion explained?Please output in Italian.


subsection

amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: In Love & Loss, how is the Judaism of the Etymology explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: Explain the Self-portraitsset about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


subsection

Madonna di Darmstadt

Il piccolo Gesù Bambino volta quasi le spalle allo spettatore e tende il braccio sinistro quasi in modo difensivo. Il palmo verso il basso rafforza questa impressione. Forse esso ritrae l'opposizione del Bambino al fatto che Maria distolga da lui l'attenzione, come auspicato dai riformati protestanti, che consideravano Maria semplicemente come madre fisica di Gesù, ma non più come parte del progetto salvifico di Dio.

Prompt: Describe the characteristics of the Baby Jesus in Darmstadt Madonna's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Explain the The self-portrait of the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


section

Memoriali e monumenti unionisti William Tecumseh Sherman

Prompt: In General William Tecumseh Sherman Monument, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


section

San Girolamo leggente nel deserto

San Girolamo leggente nel deserto è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, realizzato nel 1505 e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: How does St. Jerome in the Desert (Bellini, Washington) explain its Abstract?Please output in Italian.

1505
Giovanni Bellini
National Gallery of Art


subsection

Madonna delle Grazie

A Capriglia, in provincia di Salerno, la patrona Maria Santissima delle Grazie viene festeggiata il 2 luglio con liturgie ecclesiali e la domenica successiva con la solenne processione cui partecipano moltissimi fedeli devoti.

Prompt: Describe the characteristics of the Capriglia in Madonna delle Grazie (Botticelli)'s Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


subsection

Giardino dei Tarocchi

Precedentemente chiusa al pubblico, lImperatrice-Sfinge è anche la scultura più rappresentativa ed importante del complesso, nella quale Niki de Saint Phalle ha abitato per lunghi periodi durante i lavori. Posta a lato del Castello, lImperatrice si affaccia sulla piazza sottostante ed è posta in posizione dominante sull'intero Giardino.Enorme ed opulenta, il corpo esageratamente formoso rivestito di una fantasmagoria di ceramiche molate, lImperatrice incarna forse meglio di qualsiasi altra scultura la cifra stilistica della «curva» adottata da Niki de Saint-Phalle fin dagli anni Sessanta nelle sue Nanas.All'interno della «grande madre» - «spazio tutto a rotondità ondulate senza alcun angolo» secondo le parole dell'autrice, adibito ad abitazione con la stanza da letto in un seno, la cucina nell'altro e lo spazio centrale arredato come soggiorno studio - sono state collocate il 17 agosto 1996 - attualmente visibili - la figure del Giudizio, delle Stelle e del Carro, riflesse dalle migliaia di frammenti di specchi veneziani che rivestono le pareti.Sul dorso dellImperatrice, i filamenti della chioma rivestita di specchi blu elettrico che incornicia il volto nero della figura delimitano una terrazza-belvedere tutta anfratti e concavità, accessibile da una scalinata modellata sul lato esterno, dai cui si gode l'ampio panorama della campagna circostante e la visione argentea della Luna, scultura skinny sostenuta dal granchio rosso posta al centro di una radura più in basso.

Prompt: Describe the characteristics of the The Empress-Sphinx in Tarot Garden's Criticism.Please output in Italian.

1996
Giardino
Nanas
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle


section

Madama Lucrezia

scultura, di monumentali dimensioni , raffigura il busto di una donna, colta probabilmente nell'atto di fare un'offerta o di porgere un oggetto col braccio destro; la spalla sinistra è lievemente alzata, come per lo sforzo di reggere un peso. I suoi capelli sono raccolti in un'elaborata acconciatura a onde; i tratti somatici sono indiscernibili poiché erosi, a eccezione delle labbra che appaiono socchiuse. Il basamento su cui poggia la statua è un'aggiunta posteriore: probabilmente si tratta del reimpiego di un elemento scultoreo o architettonico di epoca più tarda.Come per le altre statue parlanti, non si è potuta assegnare una identificazione certa al personaggio raffigurato, ma sono state avanzate molteplici ipotesi: la più accreditata sembra essere la dea Iside nella sua forma sothis, perché il nodo della veste sul petto è un attributo iconografico tipico di questa manifestazione. Accettando questa ipotesi, in origine la statua avrebbe dovuto stringere un sistro nella mano destra e un Tiet o un'anfora nella sinistra. Altre ipotesi la vogliono una raffigurazione di Faustina Minore nelle vesti di sacerdotessa isiaca.Secondo alcune teorie, il famoso Pie' di marmo sito nella via che da esso prende il nome , avrebbe in origine fatto parte della statua la cui parte superiore è appunto Madama Lucrezia: anche il sandalo oggi appena visibile sul Piede farebbe parte del corredo delle sacerdotesse isiache; le dimensioni e la qualità del marmo, inoltre, sarebbero compatibili.  scultura proverrebbe dall'Iseo Campense.

Prompt: In Madama Lucrezia, how is the Description discussed?Please output in Italian.


subsection

La Gioconda

14 Scena ed Aria Scena Sì, morir ella de  Aria Alvise Là turbini e farnetichi  15 Scena e Duetto Scena Qui chiamata m'avete?  Duetto ura Alvise Morir! è troppo orribile  16 Scena e Serenata Scena E già che ai nuovi imeni  Serenata  gaia canzone  [Scena] O madre mia  17 Scena, Ingresso dei Cavalieri e Coro Scena e Ingresso dei Cavalieri Benvenuti, messeri  Coro S'inneggi alla Ca' d'oro  18 Recitativo e Danza delle Ore Recitativo Grazie vi rendo  Danza delle Ore  Sortono le ore dell'Aurora  Le Ore dell'Aurora  Sortono le Ore del giorno Danza delle Ore del giorno  Sortono le Ore della sera Sortono le Ore della notte (Moderato, Andante poco mosso, Allegro vivacissimo 19 Scena e finale III - Pezzo concertato Scena Vieni! - sciami!  Pezzo concertato D'un vampiro fatale

Prompt: In the context of Mona Lisa, explain the Act III: The Golden House and the Plot.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the Diversification birth main branches and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Annunciazione e santi

LAnnunciazione e santi è un dipinto a olio su tavola  di Filippino Lippi, databile al 1485 circa e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte a Napoli.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation with St John the Baptist and St Andrew.Please output in Italian.

1485
Filippino Lippi
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


subsection

Daniele

Armeno: Դանիէլ  Basco: Danel Bretone: Deniel Bulgaro: Данаил , Даниел  Ceco: Daniel Ipocoristici: Dan Croato: Daniel, Danijel, Danilo Ipocoristici: Danko Danese: Daniel Ebraico: דָּנִיֵּאל  Finlandese: Tanieli Ipocoristici: Tatu Francese: Daniel Greco biblico: Δανιηλ  Inglese: Daniel Ipocoristici: Danny, Dannie, Dan tino: Danihel Lettone: Daniils  Lituano: Danielius Macedone: Даниел  Norvegese: Daniel Olandese: Daniël Ipocoristici: Daan Polacco: Daniel Portoghese: Daniel, Danilo Rumeno: Daniel Ipocoristici: Dan, Dănuț Russo: Даниил   Serbo: Данијел , Данило  Ipocoristici: Данко  Sloveno: Daniel, Danijel, Danilo Spagnolo: Daniel, Danilo Ipocoristici: Dani, Dany Svedese: Daniel Tedesco: Daniel Ungherese: Dániel Ipocoristici: Dani

Prompt: Describe the characteristics of the Variantsinotherlanguages in Prophet Daniel (Michelangelo)'s People.Please output in Italian.


section

Autoritratto entro uno specchio convesso

L'opera è citata ampiamente da Vasari che la ricordò tra i dipinti di piccolo formato che l'artista preparò per portare con sé a Roma, nel viaggio del 1525. In particolare l'autoritratto doveva essere un biglietto da visita delle capacità virtuose dell'artista, come lo stesso Vasari scrisse affinché «gli facesse entratura ... agli artefici di professione», dilungandosi a ricordare la genesi, la qualità e l'apprezzamento dell'opera: «per investigare le sottigliezze dell'arte, si mise un giorno a ritrarre se stesso, guardandosi in uno specchio da barbieri, di que' mezzo tondi. Nel che fare, vedendo quelle bizzarrie che fa la ritondità dello specchio, nel girare che fanno le travi de' palchi, che torcono e le porte e tutti gl'edifizi che sfuggono stranamente, gli venne voglia di contrafare per suo capriccio ogni cosa. onde, fatta fare una palla di legno al tornio, e quella divisa per farla mezza tonda e di grandezza simile allo specchio, in quella si mise con grande arte a contrafare tutto quello che vedeva nello specchio e particolarmente se stesso tanto simile al naturale, che non si potrebbero stimare, né credere. E perché tutte le cose che s'appressano allo specchio crescono, e quelle che si allontanano diminuiscono, vi fece una mano che disegnava un poco grande, come mostrava lo specchio, tanto bella che pareva verissima; e perché Francesco era di bellissima aria et aveva il volto e l'aspetto grazioso molto e più tosto d'Angelo che d'uomo, pareva la sua effigie in quella palla una cosa divina. Anzi gli successe così felicemente tutta quell'opera, che il vero non istava altrimenti che il dipinto, essendo in quella il lustro del vetro, ogni segno di riflessione, l'ombre et i lumi sì propri e veri, che più non si sarebbe potuto sperare da umano ingegno».L'opera venne donata a papa Clemente VII e in seguito fu regalata a Pietro Aretino, nella cui casa la vide, da bambino, Vasari stesso. Passò poi allo scultore vicentino Valerio Belli e, dopo la sua morte nel 1546, al di lui figlio Elio. Tramite l'intermediazione di Andrea Palladio, l'autoritratto - all'epoca già famoso - passò nel 1560 a Venezia, allo scultore Alessandro Vittoria, che lo destinò in eredità all'imperatore Rodolfo II. Arrivato a Praga nel 1608, venne poi trasferito nelle raccolte imperiali di Vienna, dove venne esposto nella Schatzkammer con attribuzione al Correggio. Dal 1777 si trova nel museo viennese.

Prompt: Explain the History of this artwork, Self-portrait in a Convex Mirror.Please output in Italian.


section

Fontane dei mostri marini

copia di una delle due fontane fu collocata nel parco di Villa Doria Pamphilj, a Roma, intorno al 1850 per volontà di Mary Talbot, moglie di Andrea Doria Pamphilj.Due repliche, eseguite con gli stampi originali del Tacca dalla Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli di Firenze, furono finanziate nel secondo dopoguerra dal comune di Livorno e, in segno di amicizia, da quello di Firenze, per essere poste in piazza Colonnella, a Livorno, non distanti dal Monumento dei Quattro mori.

Prompt: Explain the Copies replicas of this artwork, Fontana dei mostri marini.Please output in Italian.

Firenze
Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli
Livorno
Monumento dei Quattro mori
Roma
Villa Doria Pamphilj


subsection

Venditore ambulante

Una versione più moderna dell'antico venditore ambulante è il venditore porta a porta, il quale, letteralmente, si muove di casa in casa o di azienda in azienda per cercare di vendere i propri prodotti o quelli di un'altra azienda che in quel momento sta promuovendo. Nel secondo caso si parla solitamente di agenti di commercio o figure simili che effettuano vendita diretta, ossia propongono, con vari metodi, prodotti o servizi direttamente presso il consumatore.

Prompt: Explain the Door-to-door sales about the History of this artwork, The Wayfarer.Please output in Italian.


section

Estasi di santa Margherita da Cortona

LEstasi di santa Margherita da Cortona è un dipinto ad olio su tela, realizzato da Giovanni nfranco nel 1622 e attualmente conservato presso la Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.

Prompt: Focus on Ecstasy of St Margaret of Cortona and explain the Abstract.Please output in Italian.

Cortona
Estasi
Firenze
Galleria Palatina
Margherita da Cortona
Palazzo Pitti


section

Pioggia, vapore e velocità

Pagina del dipinto sul sito ufficiale della National Gallery:

Prompt: In Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway, how is the External links discussed?Please output in Italian.


section

Venere dormiente

Ispirato a gemme antiche, o alle rappresentazioni scultoree greco-romane dellArianna dormiente e dellErmafrodito, la Venere dormiente di Giorgione iniziò un vero e proprio genere, ripreso da altri artisti veneziani. Forse si ispirò anche a una figura presente in una delle illustrazioni incise nella Hypnerotomachia Poliphili del 1499.Il dipinto ritrae una donna nuda, languidamente addormentata all'aperto, distesa su un telo bianco e un cuscino coperto da un drappo rosso, sullo sfondo di un paesaggio aperto .  Come hanno confermato le analisi ai raggi infrarossi, Tiziano dovette riparare alcuni danni riducendo il lenzuolo ed ampliando il manto erboso, con l'aggiunta del drappo rosso. I critici d'arte si sono trovati d'accordo sul fatto che la grande ombra scura dietro rappresenti l'orso bruno mediterraneo, chiaro simbolo di fortezza; inoltre curò il cielo e il paesaggio, che da allora usò come repertorio: si trova identico nel Noli me tangere di Londra e speculare nellAmor Sacro e Amor Profano.Nonostante il pesante intervento tizianesco, l'invenzione del soggetto è attribuita interamente a Giorgione, che dovette anche aver impostato l'andamento dolce del paesaggio che riecheggia le forme del corpo nudo. Sottili implicazioni erotiche si trovano nel braccio alzato di Venere e nel posizionamento della sua mano sinistra sul suo inguine, che riprende la posa della Venus pudica , sebbene aggiornandola a una posizione distesa. Si tratta però di un'atmosfera misuratamente sensuale e sognante, molto diversa dalle interpretazioni che daranno gli artisti successivi del tema, dove la donna ben sveglia si rivolge spudoratamente allo spettatore, esibendo apertamente la propria nudità, a volte, pensate, senza neanche il gesto di coprirsi pudicamente.Inoltre la Venere di Giorgione si distingue per la "brevità poetica", ovvero la capacità di condensare il significato mitologico in pochi attributi essenziali, ridotti a un messaggio di immediata e durevole presa emozionale suscitata dal nudo idealizzato, che non esclude però l'allusione a significati più complessi. In altre raffigurazioni successive invece si perderà questa selettività di riferimenti, simbolici, arricchendosi di molteplici segnali iconografici.

Prompt: In Sleeping Venus (Giorgione), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

1499
Arianna dormiente
Giorgione
Hypnerotomachia Poliphili
Londra


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


section

Il ponte dell'Europa

In questo dipinto il pennello solerte e affettuoso di Caillebotte si rivolge alla sua città natale, Parigi, raffigurandone una delle piazze più moderne e vibranti, ovvero Place de l'Europe. Si tratta di un mastodontico ponte ferroviario, inaugurato nel 1868, che si estende sul parco binari della stazione di Saint-zare raccordando ben sei strade, ciascuna delle quali prende il nome di una specifica capitale europea.  visuale colta dall'opera, in particolare, è quella che si apre da rue de Vienne, guardando verso il centro della piazza. Viene accordata inoltre una grande rilevanza a una delle travature reticolari del ponte, che si estende occupando la metà della superficie pittorica: questo riferimento all'ingegneria ferroviaria non è immune dalle suggestioni delle stampe giapponesi, ricolme di strutture orizzontali geometricamente ben definite. Un'altra interpretazione suggerisce invece che l'opera presenti spunti autobiografici e che l'uomo e la donna ritratti non siano altro che lo stesso Caillebotte con la sua compagna, Anne-Marie Hagen. Un ultimo uomo, infine, si affaccia dal parapetto del ponte per osservare il traffico ferroviario della sottostante stazione di Saint-zare, brulicante di treni in transito che liberano potenti sbuffi di vapore. Il quadretto viene infine completato da un cane randagio che zampetta verso place de l'Europe.Con i borghesi da una parte, e il proletario dall'altro che contempla l'industrializzazione parigina, Caillebotte ci racconta come nella Parigi del tempo ceti sociali radicalmente diversi potessero coesistere e magari incontrarsi per la strada: questa convivenza, tuttavia, non implicava un'intima correlazione tra i due termini. Al di là delle pregnanti simbologie di questo dipinto è importante distinguerne anche la tecnica ardita: il punto di vista, infatti, è disposto in prossimità della testa del flâneur e per questo è notevolmente decentrato, mentre la luce spiove obliquamente da destra e riverbera sulle impalcature metalliche del ponte . L'impegno impressionista di Caillebotte, infine, qui è particolarmente evidente nell'utilizzo di ombre colorate, come quelle azzurrine proiettate dal cane, dai vari passanti e dal reticolo del ponte: «l'effetto generale che scaturisce dal dipinto» osservano Giorgio Cricco e Francesco Di Teodoro «è quello di una scena di grande realismo e di vibrante luminosità, che ci fa respirare in modo palpabile l'aria di Parigi e delle sue vie».

Prompt: Explain the Description of this artwork, Le Pont de l'Europe.Please output in Italian.


section

Venere di Galgenberg

Venere di Galgenberg  è una scultura del 30000 a.c. ed è l'opera in pietra, a forma antropomorfa, più antica giunta sino ai nostri giorni.

Prompt: Focus on Venus of Galgenberg and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-portrait (Thomas Eakins), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


section

Ritratto di giovane dama

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo, variamente attribuiti dalla critica a uno dei due fratelli del Pollaiolo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Tradizionalmente queste opere sono state riferite a Piero, ma la critica recente  ha riproposto con forza il nome di Antonio.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi  o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Prompt: Explain the History of this artwork, Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo).Please output in Italian.

1879
1951
Andrea della Robbia
Berlino
Borromeo
Boston
Firenze
Giovanni Battista Cavalcaselle
Italo Lupi
New York
Strozzi


section

Amor sacro e Amor profano

Giulio Carlo Argan, L'Amor sacro e l'Amor profano di Tiziano Vecellio. Milano: Bompiani, 1950.   Mario Calvesi, Un amore per Venere e Proserpina in Art e Dossier numero 39, 1989. G.P. Clerici, Tiziano e l'Hypnerotomachia Poliphili e una nuova interpretazione del quadro della Galleria Borghese  in Bibliofilia XX numero 19, 1918 G. Cozzi,  donna, l'amore e Tiziano in Tiziano e Venezia. Atti del Convegno di Studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. Wilhelm Friedländer,  tintura delle rose in The Art Bulletin XVI 1938.320-324   U. Gnoli, Amor Sacro e Profano? in Rassegna d'Arte II, 1902. R. Goffen, Titian's ‘Sacred and Profane Love’ and Marriage in The Expanding Discourse: Feminism and Art. New York: Harper Collins, 1992. Titian's Sacred and Profane Love: Individuality and Sexulity in a Renaissance Marriage Picture in Studies of History of Art XXV, 1993. C. Hope, Problems of interpretations in Titian's erotic paintings in Tiziano e Venezia. Atti del convegno di studi. Vicenza: Neri Pozza, 1980. L. Hourticq,  Fontaine d'amour de Titien in Gazette des Beaux-Arts XII, 1917. A.L. Mayer, Aurelio Nicolò: the Commissioner of Titian's Sacred and Profane Love in The Art Bulletin XXI, 1939. L. Ozzola, Venere e Elena. L'amor sacro e l'amor profano. in L'Arte IX, 1906. Erwin Panofsky, Immagini simboliche. Studi sull'arte del Rinascimento. Milano: Feltrinelli, 1978. E. Petersen, Tizians amor sagro e profano und Willkurlichkeiten moderner Kunsterklaurung in Die Galerien Europas 2, 1907. J. Poppelreuter, Sappho und die Najade Titians, Himmlische und irdische Liebe in Repertorium für Kunstwissenschaft XXXVI, 1913. M.L. Ricciardi, L'Amor sacro e profano. Un ulteriore tentativo di sciogliere l'enigma in Notizie da Palazzo Albani XV, 1986. G. Robertson, Honour, Love and Truth: An Alternative Reading of Titian's Sacred and Profane Love in Renaissance Studies 2, 1988. Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. H.E. Wethey, The paintings of Titians. New York: Renaissance Society of America, 1975. F. Wickhoff, Giorgione's Bilder zu Römischen Heldengedichten in Jarbuch der Königlich Preussischen Kunstsammlungen XVI, 1895. E.P. Wind, Misteri pagani nel rinascimento. Milano: Adelphi, 1971. Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5Giuliano Pisani, Le Veneri di Raffaello , Studi di Storia dell'Arte 26, Ediart 2015, pp. 97-122

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Sacred and Profane Love.Please output in Italian.

Galleria Borghese
Giorgione
Giuliano Pisani
Hypnerotomachia Poliphili
Erwin Panofsky
Proserpina
Hypnerotomachia Poliphili
Tiziano Vecellio
Venezia


section

Storie di Virginia

Le Storie di Virginia sono un dipinto a tempera su tavola  di Sandro Botticelli, databile al 1498 circa e conservato nell'Accademia Carrara di Bergamo.  tavola fa coppia con le Storie di Lucrezia all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston.

Prompt: Focus on The Story of Virginia (Botticelli) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1498
Accademia Carrara
Bergamo
Boston
Sandro Botticelli
Storie di Lucrezia


section

Sacra Famiglia di Francesco I

L'opera venne commissionata nel 1517 da Lorenzo duca d'Urbino, tramite suo zio Leone X, per omaggiare l'alleato Francesco I di Francia. Fu inviata assieme al San Michele sconfigge Satana nel giugno 1518. È detto anche il Gran san Michele per distinguerlo dalla tavola di analogo soggetto, anch'essa conservata al Louvre, ma di dimensioni ben più ridotte , databile al 1505 circa.  scelta del santo era legata all'Ordine di San Michele, di cui il re era Gran maestro, e l'atteggiamento battagliero alludeva alla crociata contro i Turchi che il papa tentò vanamente di organizzare.Venne restaurata dal Primaticcio, nel 1537-1540, e trasportata su tela nel 1777  da J. Louis Hacquin, interventi che hanno compromesso la superficie pittorica, rendendo complessa l'attribuzione. Il maestro dipinse probabilmente solo alcune parti, oltre a ideare la composizione, avvalendosi probabilmente dell'aiuto di Giovanni da Udine. Vasari fece il nome anche di Giulio Romano, mentre alcuni critici parlarono di Raffaellino del Colle.L'opera è detta anche Grande sacra Famiglia, per distinguerla dalla Piccola Sacra Famiglia sempre al Louvre.

Prompt: Explain the History of this artwork, Holy Family of Francis I.Please output in Italian.


section

Storie di sant'Orsola

Le Storie di sant'Orsola sono un ciclo di nove teleri eseguiti da Vittore Carpaccio tra il 1490 e il 1495 per la Scuola di Sant'Orsola a Venezia. Dal 1812, in seguito alle soppressioni napoleoniche, essi si trovano presso le Gallerie dell'Accademia di Venezia.Nel XXI secolo i teleri sono stati sottoposti a un lungo restauro, iniziato nel 2010 e completato dopo 9 anni.

Prompt: How does Legend of Saint Ursula explain its Abstract?Please output in Italian.

1490
1495
Gallerie dell'Accademia
Sant'Orsola
Scuola di Sant'Orsola
Venezia
Vittore Carpaccio


section

madre

Nancy Chodorow, The Reproduction of Mothering. Psychoanalysis and the Sociology of Gender, The University of California Press, Inc., Berkeley , 1978 .

Prompt: In Mother & Child (Etrog), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Forme uniche della continuità nello spazio

L'opera viene omaggiata nei videogiochi Gran Turismo Sport e Gran Turismo 7, essa diviene infatti uno dei simboli più pertinenti in tutti e due i videogiochi. Una replica in scala della medesima, viene inoltre consegnata come trofeo, ai vincitori del campionato e-sport mondiale.

Prompt: Focus on Unique Forms of Continuity in Space and explain the In mass culture.Please output in Italian.


section

William Tecumseh Sherman

figura del generale Sherman è al centro o appare in numerose opere, tra le quali si possono ricordare: la canzone della guerra civile americana Marching Through Georgia di Henry Clay Work, il poema di Herman Melville The March to the Sea, nel documentario Sherman's March di Ross McElwee, nel romanzo  marcia di E. L. Doctorow.Il generale Sherman appare in vari episodi della serie western a fumetti Magico Vento.Il berretto utilizzato nel corso della Un I 500 dollari in una serie del 1891 con il volto di Sherman.Uno degli Uno degli edifici di Fort Sherman nella zona del Primo piano del Il busto di William Tecumseh Sherman all'interno del

Prompt: Focus on William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens) and explain the Mass culture.Please output in Italian.

1891
Henry Clay
Henry Clay Work
Herman Melville


section

Schiava turca

Aimee Ng, with a foreword by David Ekserdjian The poetry of Parmigianino's Schiava Turca, catalogo della mostra New York, Frick Collection dal 13 maggio al 20 luglio 2014 e a San Francisco, Legion of Honour Fine Arts Museums dal 25 luglio al 5 ottobre 2014 Frick Collection, New York 2014, ISBN 9780912114606 Anna De Rossi,  misteriosa “Schiava Turca“ del Parmigianino. Giulia Gonzaga Colonna in Aurea Parma XCI, fasc.II, 2007, pp. 159-175  Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5, con bibliografia precedente Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9Lilli Fröhlich-Bum, Parmigianino und der Manierismus, p. 38, Vienna, Anton Schroll & Co. 1921.Giovanni Copertini, Il Parmigianino, pp. 210-211, Parma 1932.Armando Ottaviano Quintavalle, Il Parmigianino, pp. 154-155, Milano, Istituto Editoriale Italiano 1948.Sydney Joseph Freedberg, Parmigianino, his works in painting, pp. 116, 210-211, Cambridge, Harvard university press 1950.Maurizio Fagiolo Dell'Arco, Il Parmigianino, un saggio sull'ermetismo nel Cinquecento, pp. 80, 137-138, 273, Roma, Bulzoni 1970.Paola Rossi, Parmigianino. L'opera completa del Parmigianino, p. 99, Milano, Rizzoli 1980.Lucia Fornari Schianchi,  galleria Nazionale di Parma, p. 99, Parma, Artegrafica Silva 1983.Maria Cristina Chiusa, Parmigianino, pp. 96-97, 214-215, Milano, Electa 2001. ISBN 88-435-9643-8Mary Vaccaro, Parmigianino, i dipinti, pp. 204-205, Torino, Allemandi 2002. ISBN 88-422-1130-3Lucia Fornari Schianchi; Sylvia Ferino-Pagden , Parmigianino e il manierismo europeo, pp. 230-231, Cinisello Balsamo, Silvana editoriale 2003. ISBN 88-8215-481-5

Prompt: How does Turkish Slave explain its Bibliography?Please output in Italian.

Aurea Parma
Cambridge
Cinisello Balsamo
Giovanni Copertini
Giulia Gonzaga
Milano
Parma
Parmigianino
Roma
Torino
Vienna


subsection

Musica

L'Ars antiqua fu un fenomeno musicale che si formò a Parigi nel 1150 e che terminò nel 1320. Nasce in contrapposizione allArs nova, che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nel XIV secolo.Dal punto di vista della notazione musicale, la Scuola di Notre Dame introdusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note  in modo simile a quello che avviene nella scrittura musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.L'Ars nova sviluppò ulteriormente il concetto di notazione mensurale, aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni  rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell'Ars antiqua .

Prompt: In Music (Matisse), how is the Ancient Art New Art of the The studio explained?Please output in Italian.

1150
1320
Ars antiqua
Ars nova
Parigi
XIV secolo


section

Conversione della Maddalena

conversione della Maddalena è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1615 e il 1616 dalla pittrice italiana Artemisia Gentileschi. È conservato nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti, a Firenze.

Prompt: Focus on Mary Magdalene (Artemisia Gentileschi) and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Tondo Pitti

Nel tondo si vedono Maria che, con un libro aperto sulle ginocchia, distoglie lo sguardo in lontananza come meditando sulla sorte del figlio appena letta nelle profezie delle Sacre Scritture, il Bambino appoggiato a lei in un vivace contrapposto, e, sullo sfondo appena visibile, san Giovannino.Sicuramente Michelangelo dovette essere influenzato dalla visione del perduto cartone di Sant'Anna di Leonardo da Vinci, esposto all'Annunziata proprio in quegli anni, cercando un maggior legame e interazione tra le figure e graduando i piani dello stiacciato alla ricerca di quel legante atmosferico tipico di Leonardo. Gli stessi contorni non levigati, dovuti al carattere non-finito dell'opera, accentuano questo effetto.Il fulcro dell'intera composizione è Maria, seduta su un blocco cubico , che sembra piegarsi per entrare al meglio nello spazio del tondo, tuttavia dando l'impressione anche di volere uscirne con forza, con la testa in altorilievo che esce dal bordo del tondo e girandosi verso sinistra rompe la rigidità dell'asse verticale del suo corpo. Il cherubino in fronte a Maria simboleggia la sua consapevolezza delle profezie, come si trova anche nella Madonna col Bambino di Donatello a Padova.Particolarmente espressivo è il contrasto tra la figura appena accennata di Giovanni Battista e la finitezza e il rilievo di quella della Vergine, dando anche l'idea dello scalare dei piani in profondità.

Prompt: How does Pitti Tondo explain its Description and style?Please output in Italian.


section

Belle Ferronnière

L'opera risale al primo soggiorno a Milano dell'artista, perfettamente compatibile con altre opere degli stessi anni, come il Ritratto di musico e la Dama con l'ermellino, e riflette gli intensi studi di ottica di quel periodo, evidenti nel bellissimo dettaglio del riverbero del vestito rosso sulla guancia dell'enigmatico volto. denominazione con cui il dipinto è universalmente noto  è dovuta a un errore di catalogazione del tardo XVIII secolo: "Ferronnière" si riferisce infatti al nastro o catenella con gioiello che le cinge la fronte, anticamente detto lenza o slenza, molto in voga sul finire del XV secolo. A causa di questo errore, per molto tempo la donna raffigurata fu creduta essere Madame Ferron, amante di re Francesco I di Francia.sinistra Bella Ferronnière e il presunto  dama invece doveva essere legata alla corte di Ludovico il Moro, forse la sua amante Lucrezia Crivelli o anche Cecilia Gallerani ritratta magari in un'età più avanzata rispetto alle fattezze giovanili del ritratto di Cracovia. Altre ipotesi hanno provato a identificare Beatrice d'Este, moglie del Moro, sua sorella Isabella, oppure Elisabetta Gonzaga. In realtà nessuna delle proposte è ritenuta convincente da una parte sostanziale e unanime della critica.Karl Morgenstern  e altri critici notarono qualche somiglianza col disegno numero 209 conservato agli Uffizi, eseguito a lapis e acquerello ma ritoccato duramente un po' dappertutto da una mano del XVI secolo, che fu identificato da padre Sebastiano Resta  come ritratto di Beatrice d'Este e attribuito a Leonardo da Vinci. Così anche Dalli Regoli , che ritenne il disegno la copia da un originale perduto di Leonardo.

Prompt: Explain the History of this artwork, La Belle Ferronnière.Please output in Italian.

Beatrice d'Este
Cecilia Gallerani
Cracovia
Dama con l'ermellino
Elisabetta Gonzaga
Francesco I di Francia
Leonardo da Vinci
Lucrezia Crivelli
Ludovico il Moro
Milano
Dama con l'ermellino
Ritratto di musico
XVIII secolo


section

Odalisca con schiava

sinistra seconda versione dell'opera, Durante la sua carriera Ingres dipinse molte opere ambientate negli harem, a partire dallOdalisca dormiente del 1810 e da  grande odalisca del 1814. Il dipinto venne commissionato a Ingres da Charles Marcotte e venne realizzato a Roma, dove Ingres visse dal 1835 al 1841 e dove lavorò come direttore dell'accademia francese nell'Urbe. Nel settembre del 1840 il quadro venne trasferito a Parigi, dove venne acclamato dai critici che lo videro nella casa di Marcotte. Quando l'opera venne esposta pubblicamente nel 1845, questa venne apprezzata dai parigini, a tal punto che venne descritta da Charles Baudelaire e Théophile Thoré-Bürger.In seguito Ingres realizzò la seconda versione, nella quale il muro sullo sfondo  venne sostituito con un giardino . Un disegno risalente al 1858 che raffigura il dipinto del 1839 è oggi conservato al museo del Louvre.

Prompt: Explain the History of this artwork, Odalisque with Slave.Please output in Italian.

Charles Baudelaire
Odalisca
Parigi
Roma
Théophile Thoré-Bürger


section

La seduzione di Merlino

seduzione di Merlino , anche noto con il titolo L'inganno di Merlino, è un dipinto del pittore preraffaellita Edward Burne-Jones, realizzato tra il 1872 e il 1877. Fa parte della collezione della dy Lever Art Gallery, nella contea di Merseyside, nel Regno Unito.

Prompt: How does The Beguiling of Merlin explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Bonaparte valica le Alpi

Le prime opere di Delaroche si erano basate sulle storie della Bibbia, ma gradualmente il suo interesse si era spostato su scene della storia inglese e francese. Egli era in grado di "combinare abilità coloristiche notevoli con un certo interesse per il dettaglio storico nelle scene". Bonaparte valica le Alpi, che venne dipinto grossomodo otto anni prima della morte di Delaroche, rappresenta una pietra miliare nella carriera del pittore francese.A parte la commissione ricevuta, Delaroche venne ispirato nella creazione del Bonaparte valica le Alpi dalla propria situazione personale che egli sentiva affine a quella dello stesso imperatore dei francesi.

Prompt: In the context of Bonaparte Crossing the Alps, explain the Delaroche and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Madonna Butler

L'opera rientra in quel gruppo di Madonne col Bambino di piccolo formato di Mantegna, destinate alla devozione privata, come la Madonna col Bambino dormiente di Berlino, la Madonna Poldi Pezzoli o la Madonna di Bergamo.Maria tiene il figlio in collo, vestita di un manto verde, una veste rossa e un velo di leggera stoffa bianca che le ricade fin sulle spalle. Il Bambino è in un'insolita posizione in tralice, con i piedi puntati sulla lastra in marmo screziato in primo piano e la testa scorciata in profondità: l'effetto è quello di una rappresentazione tridimensionale, che "sfonda" verso il mondo dello spettatore. Gesù Bambino appoggia il piccolo viso a quello della madre, in un'intima unione familiare che deriva da schemi bizantini e donatelliani. Gli sguardi dei due non si incontrano, con la Vergine che appare pensosa, magari nell'atto di riflettere sulla tragica sorte futura del figlio.Lo stato di conservazione dell'opera è fortemente compromesso, con il volto di Maria fortemente abraso da restauri troppo incisivi, tanto che il giudizio sull'autografia del maestro resta sospeso per molti storici, che arrivano anche ad ipotizzare che si tratti dell'opera di un seguace ispirata a un originale perduto. Meglio conservato è lo sfondo, ripartito tra cherubini  e serafini .

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Butler Madonna.Please output in Italian.

Berlino
Madonna Poldi Pezzoli
Madonna col Bambino dormiente


section

Il Ritratto di Camilla Gonzaga coi tre figli è un dipinto a olio su tavola  attribuito a Parmigianino e altri, databile al 1539-1540 circa e conservato nel Museo del Prado a Madrid. L'opera fa pendant col Ritratto di Pier Maria Rossi di San Secondo, marito della donna, nello stesso museo.

Prompt: In Portrait of Camilla Gonzaga and Her Three Sons, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

La camera di Vincent ad Arles

Di seguito si riporta una tabella riepilogativa delle tre versioni de  camera di Vincent ad Arles:{ border="2" align="center" class="wikitable sortable" cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"!Datazione !! Stato !! Città !! Museo !! Tecnica !! Dimensioni !! F !! JH  Immagine -Arles, ottobre 1888    Amsterdam  Van Gogh Museum olio su tela  72x90 cm  482  1608  link-Saint-Rémy, inizio settembre 1889    Chicago  Art Institute olio su tela  73x92 cm  484 1771  link-Saint-Rémy, settembre 1889    Parigi  Museo d'Orsay olio su tela  56,5x74 cm  483  1793  link-}

Prompt: Focus on Bedroom in Arles and explain the Summary  Table  Recap.Please output in Italian.

Amsterdam
Chicago
Parigi
Van Gogh Museum


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Bambini dell'Olocausto

Un particolare sottocampo, che si è recentemente sviluppato, riguarda l'esperienza dei bambini figli di sopravvissuti  dell'Olocausto, l'impatto traumatico che tali eventi hanno avuto sulla loro crescita e formazione.

Prompt: How does Children in the Holocaust explain its Holocaust superstitions?Please output in Italian.


subsection

Messa di Bolsena

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata.  straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel  fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti , il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente . Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

Prompt: Describe the characteristics of the The color in The Mass at Bolsena's Description and style.Please output in Italian.


section

Primavera

upright=1.3Un campo fiorito durante la stagione primaverile. primavera è una delle quattro stagioni in cui si divide l'anno; viene dopo l'inverno e precede l'estate.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Primavera (Botticelli).Please output in Italian.


subsection

Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio

Nel pannello di destra è la Meditazione di sant'Antonio: in cielo le due figure che volano sopra un pesce, secondo la credenza, avevano ricevuto dal diavolo la facoltà di volare per raggiungere i sabba alle streghe; in primo piano una donna nuda, simbolo della lussuria, si affaccia da un tronco cavo attraverso una tenda scostata da un rospo, ed offre il suo corpo tentatore al santo, sulla destra, intento alla meditazione, che si rivolge allo spettatore con uno sguardo sconsolato. Vicino a lui un nano con un mantello rosso con girello e girandola è simbolo dell'incoscienza dell'umanità; in primo piano una tavola con il pane e la brocca di vino, ultima tentazione del santo, è sostenuta da demoni nudi.Nello sfondo una città turrita, mulini a vento e un lago.

Prompt: In the context of Triptych of the Temptation of St. Anthony, explain the Left-handed and the Description and style.Please output in Italian.


subsection

Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie, statua lignea del XIII secolo scampata all'iconoclastia inglese di Enrico VIII, sarebbe approdata a Nettuno nel 1550 dopo un miracoloso naufragio del bastimento che la trasportava al sicuro presso Napoli.  statua, precedentemente conservata nel santuario di Ipswich, è protagonista della partecipatissima festa che la vede portata in processione dal Santuario dove è conservata fino alla chiesa dei S.S. Giovanni Battista ed Evangelista nel Borgo medievale di Nettuno, dove resta nel periodo che va dal primo sabato di Maggio alla seconda domenica dello stesso mese. Madonna delle Grazie di Nettuno è stata nominata patrona della città il 4 aprile 1854.

Prompt: In Madonna delle Grazie (Botticelli), how is the Nettuno of the Sanctuarypatronage explained?Please output in Italian.

1550
Borgo medievale di Nettuno
Ipswich
Napoli
Santuario


section

Ritratto di Giovanni de' Medici

Su uno sfondo uniforme e verde scuro, illuminato in corrispondenza della testa del bambino, Giovanni de' Medici è ritratto seduto a mezza figura, vestito di rosso , con un abito lucido, dai ricami dorati e foderato di bianco, prodotto delle seterie fiorentine che Cosimo andava in quegli anni rilanciando. Ha un aspetto rubicondo e sorridente, con guance e mani paffute, sinonimo di ricchezza legata a un'alimentazione ben sostanziosa. Ciuffetti di capelli biondi ne incorniciano il viso e una catena d'oro pende dal suo collo, con pendenti di corallo rosso che proteggevano i bambini dalla morte prematura.Stringe con la destra un cardellino, che sopporta paziente distendendo un'ala. L'uccellino era un simbolo cristologico, legato alla leggenda secondo cui l'uccello si procurò la macchia rossa sul muso ferendosi per togliere la corona di spine a Cristo. Nel contesto del ritratto l'uccellino può apparire come un altro riferimento alla carriera religiosa scelta, come da tradizione, per il secondogenito.

Prompt: How does Portrait of Giovanni de' Medici as a Child explain its Description and style?Please output in Italian.


section

Mezzana

Mezzana ha ospitato nel 1993 i Campionati mondiali di canoa/kayak slalom. Nel 2010 si sono tenuti i campionati europei di rafting.Nel 2021 ha ospitato il ritiro estivo della società calcistica SPAL.

Prompt: Explain the Sport of this artwork, The Procuress (Vermeer).Please output in Italian.


section

Annunciazione Doria

LAnnunciazione Doria è un'opera tempera su tavola  di Filippo Lippi, datata tra il 1445 e il 1450 e conservata nella Galleria Doria Pamphilj a Roma.

Prompt: How does Annunciation (Lippi, Rome) explain its Abstract?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Business names and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In The Beauty, how is the Art beauty of the Irish  aesthetic  radically  empiricist explained?Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


section

Battaglia di San Romano

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


subsection

San Girolamo

Vulgata, prima traduzione completa in lingua latina della Bibbia, rappresenta lo sforzo più impegnativo affrontato da Girolamo. Nel 382, su incarico di papa Damaso I, affrontò il compito di rivedere la traduzione dei Vangeli e successivamente, nel 390, passò all'antico testamento in ebraico, concludendo l'opera dopo ben 23 anni. Nelle Quaestiones hebraicae in Genesim, composte a sostegno della sua attività pluridecennale, anzi, si confronta il testo della Genesi nella traduzione Vetus latina con il testo ebraico a lui accessibile e con la LXX a giustificazione delle scelte operate nella Vulgata.Il testo di Girolamo è stato la base per molte delle successive traduzioni della Bibbia, fino al XX secolo, quando per l'antico testamento si è cominciato ad utilizzare direttamente il testo masoretico ebraico e la Septuaginta, mentre per il Nuovo Testamento si sono utilizzati direttamente i testi greci. Dalla Vulgata sono tratte le pericopi per l'epistola e il Vangelo della Messa tridentina.Girolamo fu un celebre studioso del latino in un'epoca in cui questo implicava una perfetta conoscenza del greco. Fu battezzato all'età di venticinque anni e divenne sacerdote a trentotto anni. Quando cominciò la sua opera di traduzione non aveva grandi conoscenze dell'ebraico, perciò si trasferì a Betlemme per perfezionarne lo studio.Girolamo utilizzò un concetto moderno di traduzione che attirò le accuse da parte dei suoi contemporanei; in una lettera indirizzata a Pammachio, genero della nobildonna romana Paola, scrisse:Economico di Senofonte e le due bellissime orazioni che Eschine e Demostene scrissero l'uno contro l'altro […]. Anche Orazio poi, uomo acuto e dotto, nellArs poetica dà questi stessi precetti al traduttore colto: "Non ti curerai di rendere parola per parola, come un traduttore fedele"Epistulae 57, 5, trad. R. Palla}}Nonostante la fierezza riportata all'interno di questa missiva, San Girolamo visse a pieno il tipico dissidio degli umanisti medievali: tesi tra l'amore per le lettere e l'amore per Dio.  soluzione a questo contrasto interiore fu espressa dallo studioso sempre all'interno di una lettera, ovvero lEpistula ad Magnum, all'interno della quale sono citati numerose testimonianze della possibilità di un uso quanto meno strumentale dei testi classici. A tal proposito, ad esempio, Eli si propose di fare come David il quale uccise Golia con la sua stessa arma.

Prompt: In St. Jerome in the Wilderness (Mantegna), how is the Vulgate of the Iconography explained?Please output in Italian.

382
Betlemme
Bibbia
Dio
Genesi
Messa tridentina
Nuovo Testamento
Quaestiones hebraicae in Genesim
Septuaginta
Vangelo
Vetus latina
Vulgata
XX secolo


subsection

Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: Explain the Giovanni Chrysostom about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


section

Giovane donna al bagno in un ruscello

Come nel caso di Giovane donna a letto, anche per questo dipinto non si hanno certezze riguardo alla possibile iconografia: alcuni vi riconoscerebbero il bagno di Betsabea. Altri studiosi invece sostengono che la donna nel dipinto sia Hendrikje, la compagna di Rembrandt. Altra ipotesi di iconografia mitologica individua la ragazza come la ninfa Aretusa, che si immerge nuda nel fiume Alfeo, il quale poi si muterà in uomo per possederla.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, A Woman Bathing in a Stream.Please output in Italian.

Alfeo
Aretusa
Betsabea
Giovane donna a letto
Hendrikje
Rembrandt


section

Ritratto di Jörg Fugger

Il Ritratto di Jörg Fugger è un dipinto olio su tavola  di Giovanni Bellini, datato 1474 e conservato nel Norton Simon Museum a Pasadena.

Prompt: How does Portrait of Georg Fugger explain its Abstract?Please output in Italian.

1474
Fugger
Giovanni Bellini
Norton Simon Museum


subsection

Madonna di Darmstadt

Il rosario è strettamente legato al credo della famiglia Meyer ed alla figura di Maria. Il colore rosso del rosario che Anna Meyer tiene tra le mani, corrisponde al colore della cintura della Madonna e crea così una connessione tra preghiera e passione, costituendo il cosiddetto "rosario doloroso". Sotto le mani di Anna Meyer ci sono le tre perle individuali che collegano la corona reale con la croce su cui inizia la preghiera del rosario. Anna Meyer tiene quindi in mano la croce, lasciando così che il dipinto catturi in pieno il suo credo. Secondo la leggenda, fu Maria stessa ad insegnare a San Domenico la preghiera del rosario. Lutero attaccò acutamente l'uso dei rosari: "I rosari e i loro frutti sono fraintesi da molti che li usano". È possibile che il rosario rosso fosse realizzato in corallo rosso, nella variante considerata protettiva contro gli spiriti e le malattie.Anche la madre di Anna Dorothea Kannengießer tiene un rosario colorato, seppur contenuto. Se Magdalena Bär abbia o meno tra le mani questo non è dato a sapere, ma la postura della mano sembrerebbe indicarlo. Come mezzo di fede, i rosari combinano il credo personale, in particolare la devozione mariana delle donne raffigurate, con il simbolismo del dipinto.

Prompt: Explain the Rosary about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


section

Spiral Jetty

Il  Molo a spirale  è un earthwork di Robert Smithson realizzato nel 1970 sul Great Salt ke  e tuttora esistente.

Prompt: Focus on Spiral Jetty and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Ritratto di Paulette Jourdain

Ritratto di Paulette Jourdain è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1919 dal pittore italiano Amedeo Modigliani.Fa parte della collezione Hermanos di New York.

Prompt: Focus on Portrait of Paulette Jourdain and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Dinosauri di Crystal Palace

Nel parco, l'era mesozoica è rappresentata da un modello di esposizioni rocciose che mostra una successione di ere, ossia il Giurassico e il Cretaceo, da modelli di dinosauri e altri animali conosciuti da fossili mesozoici e da una vegetazione adeguata - sia piante viventi che modelli.  testa del modello è una replica in fibra di vetro; la testa originale è a terra, su una collina sopra l'estremità del lago degli ittiosauri.I modelli di Ichthyosaurus sono basati su fossili triassici o giurassici provenienti dall'Europa. Sebbene i tre ittiosauri siano parzialmente in acqua, i modelli sono ricostruiti secondo l'ipotesi che questi animali si crogiolassero al sole sulla riva, come le foche. Owen suppose che somigliassero a coccodrilli o plesiosauri. Oggi sappiamo che questi animali somigliavano di più a delfini o squali, con corpi a forma di botte, una coda a mezzaluna e una pinna dorsale, mentre nei modelli di Hawkins la coda è una sporgenza piatta sorretta da una spina dorsale diritta. Un'ulteriore discrepanza è che gli occhi nei modelli hanno piastre sclerotiche ossute esterne. Owen ipotizzava che con occhi così grandi questi animali avessero "un'eccellente vista, specialmente al crepuscolo". Questi modelli sono diventati una delle tre mascotte del Crystal Palace Park, insieme agli Iguanodon e al Megalosaurus . I modelli assomigliano più da vicino agli ittiosauri più primitivi, come Cymbospondylus.I modelli di Iguanodon rappresentano fossili risalenti al Giurassico e al Cretaceo dell'Europa. Gideon Mantell ha disegnato il fossile originale, trovato nel Sussex nel 1822 da sua moglie, Mary Ann Mantell, come una lunga lucertola snella che si arrampica su un ramo , in equilibrio con una coda a frusta; privo di un teschio, ipotizzò che l'osso del pollice fosse un corno nasale. Il corno nasale, in particolare, è usato ripetutamente in libri di testo e documentari popolari sui dinosauri per prendere in giro le imprecisioni vittoriane; in realtà, anche nel 1854, Owen commentò che "il corno [è] più che dubbio".Furono realizzati tre modelli di byrinthodon per il Crystal Palace, basandosi sull'ipotesi di Owen che, essendo anfibi nello stile di vita, gli animali triassici assomigliassero a delle rane; pertanto li chiamò Batrachia, dal greco "Batrachios", rana. Uno dei tre modelli ha la pelle liscia e si basa sulla specie "byrinthodon salamandroides" ; gli altri due erano basati su "byrinthodon pachygnathus" . I calchi di impronte di Chirotherium che Owen pensava fossero stati prodotti da questi animali furono inclusi nel terreno attorno ai modelli.Gigantesco e visivamente impressionante, il Megalosaurus divenne uno dei tre "dinosauri mascotte" del parco insieme agli Iguanodon e agli Ichthyosaurus. vorando su fossili frammentari giurassici trovati in Inghilterra, costituiti principalmente da un bacino e da un femore, con una costola e alcune vertebre, Owen congetturò che l'animale fosse quadrupede, come i moderni coccodrilli; oggi sappiamo che come tutti i teropodi Megalosaurus era un predatore bipede che si bilanciava con la coda. Il primo suggerimento che alcuni dinosauri potessero essere bipedi arrivò solo nel 1858, troppo tardi per influenzare il modello.Quando furono costruiti i modelli, nei Paesi Bassi erano stati scoperti solo crani fossili del grande Mosasaurus cretacico, quindi Hawkins costruì solo la testa e il dorso dell'animale. Hawkins immerse il modello in profondità nel lago, lasciando il corpo invisibile e indefinito. Il Mosasaurus del Crystal Palace è posizionato in un posto strano vicino all'isola secondaria che originariamente era una cascata, e gran parte di essa non è visibile dal sentiero sul lago.I tre modelli di Plesiosaurus rappresentano tre specie di rettili marini, ossia P. macrocephalus, P. dolichoderius e P. hawkinsii, del Giurassico d'Inghilterra. Due di loro hanno il collo incredibilmente flessibile, mentre oggi sappiamo che il collo dei plesiosauri era molto rigido verticalmente ma permetteva una vasta gamma di movimenti laterali.Owen notò che i fossili di Pterodactylus del Giurassico di Germania avevano scaglie, e non piume, e sebben "in qualche modo fossero simili ad uccelli" avevano denti conici, suggerendo che erano predatori. I due modelli sopravvissuti sono appollaiati su uno sperone di roccia; originariamente c'erano altri due "pterodattili dell'Oolite". I modelli sopravvissuti rappresentano Pterodactylus cuvieri , mentre gli altri due modelli di pterodattili perduti rappresentano Pterodactylus bucklandi . Quest'ultima specie era poco conosciuta sulla base dei resti fossili e spiega perché il loro design erano più basati su quello di Pterodactylus antiquus.Owen identificò correttamente il Teleosaurus come snelli coccodrilli giurassici con mascelle molto lunghe e sottili e occhi piccoli, deducendo dal sedimento in cui si scoprì che erano "più strettamente marini del coccodrillo del Gange [il gaviale]".

Prompt: Explain the Mesozoic Era about the The dinosaur park of this artwork, Crystal Palace Dinosaurs.Please output in Italian.

Cymbospondylus
Gideon Mantell
Giurassico
Ichthyosaurus
Iguanodon
Megalosaurus
Mosasaurus
Paesi Bassi
Pterodactylus
Teleosaurus


section

Apollo di Veio

LApollo di Veio è una scultura in terracotta dipinta, della fine del VI secolo a.C., forse attribuibile allo scultore etrusco Vulca e conservata nel Museo nazionale etrusco di Villa Giulia a Roma.

Prompt: In Apollo of Veii, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Apollo
Museo nazionale etrusco di Villa Giulia
Roma
VI secolo a.C.
Veio
Vulca


subsection

Madonna del Latte

L'iconografia è risalente all'Antico Egitto, epoca in cui erano diffusissime le immagini della dea Iside intenta ad allattare il figlio Horus e il cui culto durerà ancora a lungo intrecciandosi con il Cristianesimo. Addirittura molte statue di Iside furono ribattezzate o venerate come Madonne originali.Le prime rappresentazioni iconografiche ufficiali della "Madonna del tte" si ritrovano nell'Egitto ormai cristianizzato del VI o VII secolo dopo Cristo, essa è ritratta mentre allatta Gesù Bambino o in procinto di farlo. Sono immagini molto stilizzate che soprattutto alludono più che mostrare. In questi casi la composizione è una variante dell'iconografia della Madonna col Bambino. Dall'Egitto copto ebbero poi ampia diffusione presso le chiese orientali nell'arte bizantina, con nome greco di Galaktotrophousa. Da qui si diffuse poi, nei secoli seguenti, anche in Occidente. Tale tipologia di Madonne del tte divenne molto popolare nella scuola pittorica toscana e nel Nord Europa a partire dal Trecento.Nell'Europa occidentale con il culto si diffuse inoltre l'uso di custodire nelle chiese come reliquie ampolle contenenti il latte della Madonna , cui si attribuivano gli effetti miracolosi di restituire il latte alle puerpere che lo avessero perso.

Prompt: Explain the Thefirstrepresentations about the Meaning of iconography of this artwork, Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio).Please output in Italian.

Antico Egitto
Cristianesimo
Horus
Iside
Madonna col Bambino


section

La cavallerizza

Dopo aver conseguito il diploma all'Accademia Imperiale di Belle Arti nel 1821 e aver ricevuto la gran medaglia d'oro, nel 1822 Karl Pavlovič Brjullov fece un viaggio all'estero con il fratello architetto Aleksandr Pavlovič Brjullov. I due godevano dello status di pensionati della società imperiale di incoraggiamento alle belle arti e in primo luogo visitarono la Germania, dopodiché giunsero in Italia nel 1823, dove si stabilirono a Roma.Nei primi anni del suo soggiorno in Italia, Karl Brjullov realizzò delle scene di genere della vita italiana, creando delle tele come Mattino italiano , Mezzogiorno italiano  e Fanciulla che coglie l’uva nei dintorni di Napoli . Dal 1825 al 1828, su richiesta dell'ambasciata russa a Roma, lavorò a una copia dell'opera  scuola di Atene di Raffaello Sanzio. Nel 1827, Karl Brjullov visitò gli scavi di Pompei, dove gli venne l'idea di dipingere un quadro dedicato alla catastrofe sofferta da questa città. A partire dal 1827 lavorò a dei bozzetti e studi, e nel 1830 cominciò a creare la versione finale della grande tela con figure multiple, Gli ultimi giorni di Pompei, il cui lavoro continuò fino al 1833.sinistra cavallerizza e altri dipinti esposti alla Galleria Tret'jakov .Nel 1827, a Roma, Brjullov conobbe la contessa Julija Samojlova al salone d'arte della principessa Zinaida Aleksandrovna Volkonskaja. In seguito, Samojlova e Brjullov rimasero legati per molti anni da un'amicizia molto stretta.L'opera nella galleria moscovita.In seguito, la tela si trovava nella collezione della contessa Samojlova. A quanto pare, adornava l'interno della sua villa italiana, e alcuni contemporanei  informano che doveva trovarsi nel soggiorno. Per quasi quarant'anni non si seppe nulla sul dipinto.  menzione successiva risale al 1872, quando a Parigi, tre anni prima della morte della Samojlova, si organizzò la vendita della sua proprietà. Nell'asta,  cavallerizza venne acquistata dall'agente Jules-Philippe Duloup, che, oltre alla tela di Brjullov, comprò anche un'opera di Vladimir Borovikovskij. Si diceva che egli l'avesse preso su richiesta di Pavel Michajlovič Tret'jakov; alcune fonti citano il testo di un foglio ricevuto da Tret'jakov da uno sconosciuto, che recita: "L'altro giorno sono arrivato da Parigi. Nel partire, ero all'asta della contessa Samojlova, dove Doulop avrebbe comprato per lei due dipinti: un Brjullov per 4050 franchi e Borovikovskij per 3400 franchi." Nel 1893, il quadro fu acquistato dalla galleria Tret'jakov attraverso la Società pietroburghese, per 2000 rubli.

Prompt: Focus on Horsewoman (Bryullov) and explain the History.Please output in Italian.

Aleksandr Pavlovič Brjullov
Germania
Italia
Karl Pavlovič Brjullov
Mattino italiano
Parigi
Pavel Michajlovič Tret'jakov
Raffaello Sanzio
Roma


subsection

Kryptos

{border="1" cellpadding="2"}Forse è una parafrasi in riferimento a una citazione attribuita a Howard Carter sulla scoperta della tomba di Tutankhamon nel 1923.

Prompt: Explain the Section three beginning of panel two about the Solvers of this artwork, Kryptos.Please output in Italian.


section

Il quarto stato

Studio critico sul Quarto stato:  Itinerario d'arte sul Quarto stato:  Pagina web sul Quarto stato del Museo del Novecento:  Biografia di Giuseppe Pellizza da Volpedo:   figura della donna con il bambino da Fiumana al Quarto Stato: S. Momesso,

Prompt: How does The Fourth Estate (painting) explain its External links?Please output in Italian.

Giuseppe Pellizza da Volpedo
Museo del Novecento
Quarto Stato
Volpedo


section

La sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche

Molte componenti del Grande Vetro sono ricollegabili a simbologie preesistenti, a partire dai nove Scapoli raffigurati privi di testa, antico simbolo di castrazione.
Anche i loro abiti hanno un valore simbolico: poiché ciò che distingue economicamente un uomo celibe da un uomo sposato è proprio la quantità di vestiti che egli possiede, sono le uniformi stesse a rendere i nove personaggi degli scapoli.Questi ultimi potrebbero essere, tra l'altro, delle personificazioni di Duchamp, mentre la Sposa potrebbe nascondere l'identità di Suzanne, sorella dell'artista.
 nube al suo fianco sembra mostrare i suoi sogni e pensieri, mentre le Reti sono “vuoti” in questi sogni.Le reti sono probabilmente anche ciò che gli Scapoli tentano di colpire, per far cadere la Sposa nel loro regno.
 Macinatrice rappresenta il caso, il destino, una forza non prevedibile.

Prompt: In The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, how is the Symbols discussed?Please output in Italian.