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Bacco e Arianna

Tietze H., Titian. Leben und Werk, Vienna, 1936 Wind E., Bellini's Feast of the Gods. A Study in Venetian Humanism, Cambridge, 1948 Walker J., Bellini and Titian at Ferrara, Londra, 1956 Erwin Panofsky, Problems in Titians, Londra, 1969 Hope C., The 'Camerini d'Alabastro' of Alfonso d'Este I in The Burlington Magazine, 820, 1971 Fehl P., The Worship of Bacchus and Venus in Bellini's and Titian's Bacchanals for Alfonso d'Este. in Studies in the History of Art, 6, 1974 Murutes H., Personifications of ughter and Drunken Sleep in Titians Andrians in The Burlington magazine, 115 Lowinsky E. E., Music in Titian's Bacchanal of the Andrians: Origin and History of the Canon per Tonos in Titian, His World and His Legacy, New York, 1982 Emiliani A.,  leggenda del collezionismo, in Ferrara, voci di una città, n. 3, 1995 Bomford D., Conservation of Paintings, National Gallery Company, Londra, 1997 Gentili A., Tiziano, Milano, 1998 Pedrocco F., Tiziano, Milano, 2000 Gibellini C., Tiziano, Milano, 2003 Mannini L., Prado, Madrid in I grandi musei del mondo, Roma, 2004 Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969. Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0  Stefano Zuffi, Tiziano, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6436-5 Louise Govier, The National Gallery, National Gallery Company Ltd., Londra 2009. ISBN 978-1-85709-470-1

Prompt: Focus on Bacchus and Ariadne and explain the Bibliography.Please output in Italian.

1971
Cambridge
Erwin Panofsky
Ferrara
Londra
Milano
Stefano Zuffi
The Burlington Magazine
Vienna


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: How does Self-Portrait (David) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di Ferdinando IV

Catalogo dei dipinti del Museo nazionale di Capodimonte

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Portrait of Ferdinand IV.Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-portrait at 69 years's The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Maria che scioglie i nodi

Papa Francesco, quando era giovane prete gesuita durante i suoi studi di teologia in Germania, vide questa raffigurazione della Vergine, rimanendone profondamente colpito. Tornato in patria, si è impegnato a diffonderne il culto a Buenos Aires e per tutta l'Argentina. Il culto è ora presente in tutta l'America del Sud, in particolare in Brasile.Una pala d'altare dovuta all'artista Marta Maineri, situata nella chiesetta dedicata a San Giuseppe presso la parrocchia San Francesco d'Assisi a inate , raffigura la Madonna che scioglie i nodi.Di particolare suggestione è il rito dell'Incendio dei Nodi, che si celebra sia nella chiesa della Pietà dei Turchini nel centro di Napoli a Via Medina, dove Maria che scioglie i nodi è particolarmente venerata. I fedeli sono soliti lasciare ai piedi dell'altare dedicato a Maria che scioglie i nodi le loro preghiere scritte su foglietti di carta annodati. Questi vengono incendiati durante la celebrazione eucaristica in giorno di sabato. Ciò ha spinto papa Francesco a concedere l'Anno Santo Giubilare aperto il 26 ottobre 2019 dall'arcivescovo di Napoli cardinale Crescenzio Sepe. Il dipinto in Via Medina, olio su tela di cm 150 x 100, è stato realizzato da Katherina Bakas, artista greco - ortodossa.</ref>}}Il culto di Maria che scioglie i nodi trova fondamento nel titolo mariano di Maria Ausiliatrice e di "mediatrice di ogni grazia" secondo cui la Beata Vergine è in grado di intercedere qualsiasi miracolo o favore che possa essere chiesto lecitamente a Dio.

Prompt: Explain the Devotion of this artwork, Mary, Untier of Knots.Please output in Italian.

Argentina
Brasile
Buenos Aires
Crescenzio Sepe
Maria Ausiliatrice
Napoli
Papa Francesco


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Immacolata Concezione

Il Protovangelo di Giacomo, composto tra il 140 e il 170, contiene l'idea che Maria fosse una persona "speciale" sin dal concepimento. Il testo presenta il concepimento di Maria come una grazia divina, anticipata da un angelo ai suoi genitori . L'infanzia di Maria  è estremamente pia, ella viene allevata nel tempio di Gerusalemme dai 3 ai 12 anni, dove "riceveva il vitto per mano di un angelo".Nonostante il Protovangelo, per la sua tardività e il suo stile agiografico e leggendario, difficilmente possa basarsi su fondati elementi storici, esso sembra rappresentare «una prima presa di coscienza intuitiva e mitica della santità perfetta e originale di Maria nella sua stessa concezione».Sulla base della narrazione del Protovangelo, la liturgia e la devozione della Chiesa greco orientale ha attribuito dall'antichità a Maria il titolo di Παναγία, Panaghìa, "tutta santa".

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the The Proto-Gospel of the liturgy solemnity Immaculate Conception explained?Please output in Italian.

Protovangelo
Protovangelo
Protovangelo di Giacomo


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Sacra Famiglia con le tre lepri

In un paesaggio che si perde in lontananza, Maria tiene in mano il Bambino come per mostrarlo allo spettatore, mentre Giuseppe, vestito come un paesano nordico, veglia un po' indietro, sulla destra. In basso si vedono le tre lepri che danno il nome alla composizione, una delle quali sembra cercare ricovero presso la "pietra" di Cristo, mentre in alto due angeli in volo reggono la corona sopra Maria, un motivo derivato dalla pittura fiamminga.Il tema è pressoché identico a quello della Sacra Famiglia con la libellula, ma con alcuni progressi. Nonostante la riconoscibile predilezione per il movimento esasperato delle pieghe, le figure hanno una decisa monumentalità.  Quello che costituisce una novità per l'arte xilografica sono il ricco sfondo paesaggistico e le piante disegnate accanto o sopra il sedile erboso.

Prompt: In The Holy Family with Three Hares, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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amore

L'ebraismo impiega una vasta definizione d'amore, sia tra le persone sia tra la persona umana e il Signore. Torah  dice "ama il prossimo tuo come te stesso" . Un individuo deve amare il Signore "con tutto il tuo cuore, tutta la tua anima, tutti i tuoi possedimenti" , 6.5 . letteratura rabbinica differisce su come l'amore possa esser sviluppato, e su come contemplare i beni divini e le meraviglie della natura. L'amore coniugale è considerato un elemento essenziale per la vita: "guarda la vita con la moglie che tu ami" . Il testo biblico del Cantico dei Cantici è considerato una metafora romantica dell'amore di Dio verso il suo popolo. Il rabbino Eliyahu Eliezer Dessler è invece noto per aver definito l'amore secondo la concezione ebraica come "dare senza aspettarsi di ricevere".L'amore romantico di per sé ha poche citazioni nella letteratura ebraica, sebbene il rabbino medievale Judah Halevi scrisse poesie romantiche in arabo durante la giovinezza.

Prompt: Describe the characteristics of the Judaism in Love & Loss's In the arts.Please output in Italian.


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Epifania

Il Perù condivide le usanze dell'Epifania tipiche della Spagna e del resto dell'America tina.  tradizione nazionale peruviana sostiene che Francisco Pizarro fu il primo a chiamare Lima "Ciudad de los Reyes"  perché la data dell'Epifania coincideva con il giorno in cui lui e i suoi due compagni cercarono e trovarono un luogo ideale per una nuova capitale. Ancora più popolare in Perù del fare regali è l'usanza della Bajada de Reyes quando si tengono feste in onore della rimozione dei presepi familiari e pubblici e della loro conservazione fino al Natale successivo.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Peru and the Theology.Please output in Italian.


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Madonna del Magnificat

Madonna della MelagranaMadonna del Libro

Prompt: How does Madonna of the Magnificat explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Describe the characteristics of the Group self-portraits in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

Nel 1447, durante il periodo dell'Umanesimo, un bibliotecario della Biblioteca Vaticana, studiando le descrizioni della statua nella letteratura antica, scoprì che essa non rappresentava Costantino, ma Marco Aurelio. Nonostante ciò, la statua ormai non correva più pericolo: il rinnovato interesse per l'antichità la proteggeva.Dato che la statua si era rivelata un'opera d'arte pagana, si ritenne non più opportuna la sua collocazione dinanzi ai luoghi pontifici del terano; pertanto fu rimossa e collocata nel 1538 in Piazza del Campidoglio, sotto papa Paolo III, poiché sul colle era stata insediata l'autorità cittadina fin dal 1143. I nomi scritti sul basamento della statua, Agvstinvs Trincivs, Iacobvs Bvcca Bella, Caesar De Magistris si riferiscono agli assessori del tempo.Il restauro più antico a cui fu sottoposta la statua risale al 1466-68, sotto il pontificato di Paolo II.Nel 1539 venne affidato a Michelangelo l'incarico di progettare una sistemazione idonea per il monumento nella nuova collocazione, ma il grande artista andò anche oltre: ne fece il perno di quel mirabile complesso architettonico che è la piazza del Campidoglio. Lo stesso Michelangelo progettò il basamento, eseguito nel 1565 e quindi nell'anno successivo alla morte di Michelangelo, utilizzando un blocco di marmo proveniente del Foro di Traiano. L'iscrizione sul lato sinistro della base è la copia rinascimentale di una dedica del Senato e del Popolo Romano a Marco Aurelio, risalente all'anno 173.In occasione del posizionamento della statua nella piazza, venne istituita la carica onorifica di "Custode del Cavallo" che era assegnata dal Papa ad un nobile, con tanto di retribuzione in generi di natura varia.

Prompt: Explain the Modern Age about the Description of this artwork, Equestrian Statue of Marcus Aurelius.Please output in Italian.

1539
Foro di Traiano
Marco Aurelio
Papa
Piazza del Campidoglio
Roma
Umanesimo


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Ritratto di scultore

Ritratto di scultore  è un dipinto a olio su tela  realizzato tra il 1635 ed il 1636 dal pittore Diego Velázquez. È conservato nel Museo del Prado.L'identità del soggetto di questo ritratto e la datazione sono ancora oggetto di dibattito.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of Juan Martínez Montañés.Please output in Italian.


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Ritratto di cavaliere

Il dipinto è noto da tempi recenti, quando nel 1919 era nella collezione Vernon-Wentworth, nello Yorkshire. Passato in asta a Christie's di Londra il 3 novembre di quell'anno, fu acquistato per la collezione Sully, a Londra.In seguito entrò nelle raccolte di Otto H. Kahn a New York e poi in quelle Thyssen-Bornemisza , già a Lugano; dal 1992 è a Madrid.

Prompt: In Young Knight in a Landscape, how is the History discussed?Please output in Italian.

1919
1992
Christie's
Londra
Lugano
Madrid
New York
Otto H. Kahn
Yorkshire


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Immacolata Concezione

Lungo i secoli la posizione del magistero è stata prudente: per quanto il chiaro e definitivo pronunciamento pontificio si ebbe solo nel 1854, furono diversi gli interventi a favore della posizione immacolista.Papa Sisto IV  introdusse a Roma la festa liturgica della Concezione. Sul piano dogmatico non si pronunciò, ma con le bolle Cum Praeexcelsa  e Grave Nimis  proibì a macolisti e immacolisti di accusarsi vicendevolmente di eresia. Il 7 marzo 1632 nella cattedrale di Cagliari il parlamento del Regno di Sardegna giurò solennemente di difendere la dottrina della Purissima Concezione. Papa Alessandro VII emanò nel 1661 la bolla  Sollicitudo, dove si dice a favore dell'Immacolata Concezione. Clemente XI nel 1708 rende universale la festa dell'Immacolata, già localmente celebrata a Roma e in altre zone della cristianità.Nel 1848 Pio IX mostra l'intenzione di chiudere la questione in maniera autorevole e definitiva. Istituisce una commissione di teologi e una di cardinali, dalle quali però emerge il parere contrastante circa l'Immacolata. Anche Rosmini, pur ritenendola "moralmente sicura", sconsiglia di definirla dogmaticamente. Il Papa decide allora di valutare il parere collegiale dei vescovi, che nella tradizione cattolica ha valore magisteriale subordinato a quello pontificio, e lo fa con l'enciclica Ubi Primum del 1849. 546 dei 603 vescovi consultati si dichiarano a favore del dogma. Il Papa fa preparare la bozza dell'enciclica, che dopo 8 redazioni viene promulgata l'8 dicembre 1854 col nome Ineffabilis Deus.Queste sono le parole che concludono l'enciclica e proclamano solennemente il dogma:Il dogma non afferma solamente che Maria è l'unica creatura a essere nata priva del peccato originale - e ciò fin da 40 settimane prima della sua nascita, e cioè dal momento del suo concepimento da parte dei genitori, Anna e Gioacchino - ma aggiunge altresì che Maria, in quanto ritenuta madre di Dio, per speciale privilegio non ha commesso nessun peccato, né mortale né veniale, in tutta la sua vita. dottrina attuale della Chiesa è che Dio conferisca l'anima alla persona umana non appena essa si forma, nel suo primissimo istante, e cioè al momento del concepimento.  dottrina sull'Immacolata Concezione di Maria dà forza, nella visione cattolica, al pensiero della Chiesa sugli embrioni, ritenuti persone umane a tutti gli effetti, dotati di anima.Il convincimento della Chiesa in ordine alla preservazione di Maria dalla macchia del peccato originale è in relazione a questa riflessione: non sarebbe stato "conveniente" che il Figlio di Dio si incarnasse nel grembo di una donna se questa non fosse stata perfettamente monda da qualsiasi peccato.A differenza dell'apertura verso la dottrina dell'Assunzione, questo dogma non è condiviso dalle altre confessioni cristiane  in quanto da queste considerato in disaccordo con le Scritture e non supportato dalla Tradizione.

Prompt: Explain the The Catholic schoolteacher about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Cum Praeexcelsa
Dio
Figlio di Dio
Grave Nimis
Ineffabilis Deus
Papa
Papa Alessandro VII
Papa Sisto IV
Roma
Sollicitudo


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Palette (Manet), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Baccanale degli Andrii

Come per altri dipinti della serie, il soggetto deriva dalle Immagini di Filostrato il vecchio , una descrizione di sessantaquattro dipinti con cacce e paesaggi che ornavano il portico di una villa di Napoli. Dioniso, con la sua sposa Arianna, sta per arrivare in nave sull'isola di Andros, come si vede nello sfondo, e vi provoca un memorabile baccanale trasformando in vino l'acqua di un torrente. Gli abitanti dell'isola, gli "Andrii", iniziarono così a rievocare, una volta all'anno, tale avvenimento, abbandonandosi a piaceri sfrenati, delle libagioni, della danza, della musica e dell'erotismo. Il tema si riallacciava a quello della liberazione dagli affanni del mondo e dalle preoccupazioni della vita politica, caro al Duca durante i suoi ritiri nelle stanze private.Le tele mitologiche per il duca Alfonso si possono confrontare con quelle analoghe del Mantegna nello studiolo di Isabella d'Este a Mantova. Per Tiziano infatti il mito non è un evento da ricostruire, ma un'occasione per disporre giocosamente dell'immaginazione senza alcun intento educativo, ma, al tempo stesso, per avviare una pensosa riflessione sull'uomo e il suo destino.

Prompt: Explain the Mythological theme about the History of this artwork, The Bacchanal of the Andrians.Please output in Italian.


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Reliquiario del Corporale di Bolsena

Il reliquiario del Corporale di Bolsena è un'opera  di oreficeria medievale conservata esposta nel Museo dell'Opera del Duomo di Orvieto. Venne realizzato dall'orefice senese Ugolino di Vieri per conservare il lino liturgico che venne miracolosamente bagnato dal sangue scaturito da un'ostia consacrata, durante la messa celebrata da uno scettico sacerdote boemo a Bolsena nella tarda estate del 1263. Il grande reliquiario, realizzato con la tecnica detta basse-taille, è realizzato in oro, argento e smalti traslucidi, ed è alto 139 cm.

Prompt: Focus on Reliquary of the Santo Corporale and explain the Abstract.Please output in Italian.

Bolsena
Duomo di Orvieto
Orvieto
Ugolino di Vieri


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Trionfo della Divina Provvidenza

sinistraPapa Urbano VIIIuprightIntrodotto ai Barberini dall'amico Marcello Sacchetti, Pietro da Cortona era all'epoca un valido artista che si dedicava soprattutto ai temi tratti dall'antico, ma non ancora il protagonista della scena.  prima commissione per la potente famiglia papale sono gli affreschi nella chiesa di Santa Bibiana , appena restaurata dal Bernini, dove il pittore inizia a primeggiare, come dimostra il confronto col conterraneo Agostino Ciampelli, pure impiegato nel ciclo, dallo stile più statico e aneddotico.Il successo di questa commissione fece sì che il cardinale Maffeo Barberini, nel frattempo diventato papa col nome di Urbano VIII, assegnasse al pittore una commissione ancora più ambiziosa, la decorazione del salone di rappresentanza , l'ambiente più importante del nuovo palazzo della sua famiglia, costruito nel frattempo da Carlo Maderno e poi da Gianlorenzo Bernini  e Francesco Borromini.In prima istanza la commessa, decretata da Taddeo Barberini, fu inoltrata al suo protetto, Andrea Camassei, pittore manierista toscano, già attivo a palazzo Barberini. Fu poi proprio il pontefice, stando alle parole del Passeri, a virare sul Cortona la commessa, comunque su intercessione del cardinale Francesco, a suo volta protettore del pittore: «Don Taddeo e tutti i signori Barberini, gli assegnarono il voltone della sala grande [...] espressi per la penna del Signor Francesco Bracciolini dell'Api. Questa volta poi, per mutazione di parere e di fortuna, fu dal medesimo Pontefice collocata al sig. Pietro da Cortona: et egli nello spazio di quattordici anni la ridusse a quella bellezza che hoggi si vede [...]». presenza di collaboratori fu limitata ad operazioni tecniche, con scarsa autonomia rispetto al maestro, al quale viene dopotutto riferita la totalità dell'autografia. Tra i presenti, citati nei documenti, ci furono Giovan Francesco Romanelli, Giovanni Maria Bottalla e Pietro Paolo Baldini, pagati dieci scudi al mese per tutto il tempo della realizzazione.

Prompt: Describe the characteristics of the The bet in Allegory of Divine Providence and Barberini Power's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Agostino Ciampelli
Andrea Camassei
Barberini
Carlo Maderno
Francesco Borromini
Francesco Bracciolini
Giovanni Maria Bottalla
Papa Urbano VIII
Marcello Sacchetti
Pietro Paolo Baldini
Pietro da Cortona
Roma
Papa Urbano VIII


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La lite di Oberon e Titania

tela fu presentata per la prima volta nel 1850 alla Royal Scottish Academy, dove venne nominata "miglior dipinto della stagione". Nello stesso anno la Royal Association for Promoting the Fine Arts in Scotland acquistò l'opera, che fu in seguito comprata dalla National Gallery of Scotland nel 1897.

Prompt: In The Quarrel of Oberon and Titania, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Leonida alle Termopili

Leonida alle Termopili è un dipinto di Jacques-Louis David . Iniziato nel 1800, la sua realizzazione venne interrotta dalle commissioni pittoriche del regime napoleonico per poi essere ripreso infine nel 1814. Il dipinto è attualmente parte delle collezioni del museo del Louvre.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Leonidas at Thermopylae.Please output in Italian.


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Maestà del Louvre

Il dipinto, che si trovava nella chiesa di San Francesco a Pisa , venne trasportato a Parigi nel 1812, durante l'occupazione napoleonica da Jean Baptiste Henraux, su interessamento diretto dell'allora direttore del Museo Napoleone, particolarmente desideroso di implementare le raccolte di pittura "primitiva" italiana. Fu oggetto delle spoliazioni napoleoniche. Dal 1814 fu esposta al Louvre. Dopo le restituzioni la grande tavola fece parte di quei circa 250 dipinti che rimasero in Francia.Fu restaurata nel XIX secolo, mediante un intervento assai criticato che avrebbe portato ad una pulitura eccessiva del colore. Un ulteriore restauro fu compiuto nel 1937-1938. tavola fu ascritta a Cimabue, con maggiori o minori interventi di bottega, dalla maggior parte dei critici sin dall'Ottocento. Tra questi ci sono Wackernagel, Strzygowski, Sirén, Battisti, Nicholson, Gardner, Smart, Ayer, Thode, Frey, Adolfo Venturi, Berenson, Salmi, Toesca, Garrison, zarev, White, Sinibaldi, Ragghianti, Samek Ludovici, Salvini, Caleca e Bellosi. Propesero per una datazione giovanile Longhi, Volpe, Marcucci, Bologna. L'attribuirono a un seguace Aubert e van Marle. Negarono del tutto l'autografia Da Morrona, Douglas, Suida, Soulier e Sindona . Battista, che la ipotizzava realizzata quando Cimabue era a Pisa per i mosaici del Duomo, pensò a un'opera avviata dal maestro e conclusa, con qualche travisamento, da altri pittori.

Prompt: In Maestà (Cimabue), how is the History discussed?Please output in Italian.


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altare di san Girolamo

Il Meyer, nel 1900, è il primo a trattare criticamente di quest'opera, arrivando a stupirsi della scarsa considerazione riservata a quella da lui giudicata come una delle migliori opere del Rinascimento bresciano, della quale apprezza anche la composizione architettonica. Sempre il Meyer è anche il primo a riconoscere sui rocchi inferiori delle due colonne libere un originalissimo adattamento scultoreo ad andamento circolare, senza soluzione di continuità, della Zuffa di dei marini del Mantegna, ponendo inoltre in rapporto le figure qui presenti con quelle sui medaglioni istoriati del mausoleo Martinengo, identificato dal Meyer espressamente in Gasparo Cairano.  paternità di Gasparo Cairano su questo apparato lapideo è stata riproposta da Vito Zani nei primi anni del XXI secolo nell'ambito di una serie di studi mirati sullo scultore, con particolare riferimento ai due Monaci in sommità e alle tipologie delle figure nei fregi con la Zuffa.  datazione dell'opera, pertanto, dovrebbe essere in prossimità di tutte queste opere, e collocarsi dunque tra il 1506 e il 1510, ricordando anche il post quem dell'effigie di Giulio II precedentemente trattato.Nel 2010, Giuseppe Sava pubblica su "Arte Veneta" un articolo che ricostruisce la figura di Antonio Medaglia, il misconosciuto architetto della chiesa di San Pietro in Oliveto, proponendone un catalogo di opere tra cui almeno alcune figure del fregio, e dubitativamente il progetto, dell'altare di san Girolamo in San Francesco, il quale, pertanto, sarebbe stato realizzato in collaborazione tra Medaglia e Gasparo Cairano, con comunque una netta predominanza artistica e tecnica del secondo.Vito Zani, nel 2010, azzarda infine una proposta inedita per la ricostruzione delle origini dell'altare.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Altar of San Girolamo.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino tra i santi Rocco e Sebastiano è un dipinto a olio su tela  di Lorenzo Lotto, databile al 1518 circa e conservato nella National Gallery of Canada di Ottawa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child with Saint Roch and Saint Sebastian (Lotto).Please output in Italian.

1518
Lorenzo Lotto
National Gallery of Canada
Ottawa


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

Giovanni Evangelista è rappresentato abbastanza semplicemente, mentre avvolto da un manto rosato sta seduto con il libro sulle ginocchia ed annota le rivelazioni che gli fa un cherubino su una rupe , indicando in cielo la Vergine col Bambino, apparsa nel disco solare tra le nubi, seduto sulla mezzaluna. In terra si vedono il calamaio del santo, vicino a un falco che sembra vigilarlo, mentre un essere dal corpo di grillo, con la testa umana occhialuta, corpo panciuto, ali di cicala e coda da salamandra, sembra pronto a rubarlo con un rastrello.Il calmo paesaggio sullo sfondo è in realtà punteggiato da eventi tragici, come il naufragio di una nave in fiamme.  città sullo sfondo, con un'alta torre di cattedrale e un voluminoso edificio cilindrico, è forse Nimega. L'esile albero sulla destra conduce l'occhio dello spettatore verso lo sfondo, stagliandosi contro il cielo azzurrino.

Prompt: In the context of St. John the Evangelist on Patmos, explain the Front. and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. discussed?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-portrait (van Dyck, Vienna), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Il voto di Luigi XIII

Da questo dipinto è stata tratta un'incisione da parte dell'incisore italiano Luigi Calamatta, un caro amico di Ingres. Per la realizzazione di questa tavola furono necessari circa dodici anni e l'opera venne esposta al Salon del 1837.  qualità dell'incisione di Calamatta fu elogiata dalla critica e gli valse la stella della Legion d'onore, un raro onore sia per un incisore sia per uno straniero.

Prompt: How does The Vow of Louis XIII explain its Calamatta's incisions?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

Castello di Neuschwanstein – fortezza di architettura romanica con interni bizantini e gotici, che venne costruita vicino al castello del padre, Hohenschwangau. Numerosi affreschi ritraggono scene dalle opere di Wagner, in particolare ad opera dell'artista Moritz von Schwind.  gloria cristiana e l'amore casto figurano predominanti nell'iconografia. A causa della morte di Ludovico, il castello non è stato completato. Neuschwanstein avrebbe fornito l'ispirazione per il castello de  bella addormentata nel bosco di Disney.Castello di Herrenchiemsee – una replica della reggia di Versailles che, nei progetti, l'avrebbe dovuta superare in dimensioni e fastosità. È situata sull'omonima isola al centro del lago Chiemsee. Buona parte del palazzo è rimasta incompiuta e Ludovico vi soggiornò solo una volta.Castello di Linderhof – un palazzo ornato in stile neo-rococò, con bei giardini curati. Il parco contiene una grotta artificiale dove cantanti d'opera si esibivano su un lago sotterraneo illuminato con l'elettricità, una novità per quel tempo, e la capanna di Hunding, ricostruzione della scena tratta dall'opera  Valchiria di Richard Wagner. All'interno del palazzo l'iconografia riflette l'ammirazione di Ludovico per l'Antico Regime francese. Egli si riteneva il "Re Luna", in analogia con il "Re Sole", Luigi XIV di Francia.Ludovico fece decorare la residenza reale di Schachen con interni in stile arabico, con anche una replica del "Trono del Pavone". Fece inoltre progettare il castello di Falkenstein, che non venne però mai realizzato. Un dipinto dell'architetto Christian Jank mostra l'edificio come una versione ancora più fiabesca ed elaborata di Neuschwanstein, arroccato su uno sperone roccioso.

Prompt: In the context of Ludwig II (sculpture), explain the Castles and the Ludovico in the mass culture.Please output in Italian.

Castello di Herrenchiemsee
Castello di Linderhof
Castello di Neuschwanstein
Chiemsee
Christian Jank
Hohenschwangau
Luigi XIV di Francia
Moritz von Schwind
Richard Wagner
Trono del Pavone


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Allegoria del Vizio

Il significato allegorico dell'immagine è chiaro ma l'identificazione delle singole figure non è così semplice come potrebbe sembrare. Al centro una figura maschile, variamente letta come la personificazione del Vizio, o Sileno o Vulcano, appare tormentata da tre figure femminili, vistosamente eccitato. Oltre questa lettura più generale ne sono state proposte molte altre più dettagliate. Fra le più convincenti una vorrebbe vedervi una rappresentazione di un passo di Virgilio, della Sesta Egloga, dove Sileno dormiente viene legato da due pastori, Cromi e Marsillo, i quali, assieme alla ninfa Egle, lo costringono a cantare per loro.Comunque il soggetto doveva essere abbastanza peregrino da non risultare più leggibile già al compilatore dell'inventario Gonzaga del 1542. Egli infatti indicò l'opera come una rappresentazione di Apollo e Marsia . Questo fraintendimento del soggetto potrebbe in qualche modo aver contribuito a creare quella che è una curiosa attribuzione antica al Correggio di un'opera che rappresentava Apollo e Marsia in realtà eseguita nella cerchia del Bronzino. tavolozza è più sommessa di quella dell’Allegoria della Virtù, con i panneggi rosa e rossi, azzurri e blu scuri che rappresentano gli accenti di colore più forti. Le figure sono poste in un'ambientazione molto più dettagliata, con una fugace visione di un gregge di pecore e di quello che sembra essere un uomo nudo disteso sull'erba alla maniera dell'iniebetito gaudente sullo sfondo degli Andrii di Tiziano. In primo piano v'è il ragazzino irriverente, che è una profana trasposizione dei putti sul bordo della Madonna Sistina di Raffaello, certamente il tocco più umano in un dipinto insolitamente privo di calore. Accanto al faunetto, che impugna il grappolo a mo' di fionda, striscia l'edera parassita e avvinghiante, che - come il vizio - prende e non abbandona.Riguardo al tormentato prigioniero, Gould ha fatto risalire la sua posa al ocoonte, ma egli ha almeno altrettanto in comune con il modo del Correggio di rappresentare san Rocco, sia nella più precoce Madonna di San Sebastiano sia nel tardo disegno per una pala d'altare che ritrae Quattro santi.

Prompt: Focus on Allegory of Vice (Correggio) and explain the Description and style.Please output in Italian.

1542
Allegoria della Virtù
Gonzaga
Madonna Sistina
Madonna di San Sebastiano
Quattro santi
Sileno


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Victory Boogie Woogie

L'opera fu comprata dall'imprenditore Samuel Irving Newhouse a metà anni '80 per 12 milioni di $, per poi rivenderla a fine anni '90 alle istituzioni olandesi, in quello che è stato il più costoso acquisto per un museo nederlandese .Nel 2006 l'opera fu oggetto di analisi attraverso i raggi infrarossi, raggi X e quelli ultravioletti, allo scopo di risalire alla disposizione originaria dell'opera

Prompt: Explain the Postwar about the Description of this artwork, Victory Boogie Woogie.Please output in Italian.


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Monumento a Goethe e Schiller

alt=A bronze statue of two men stands on a stone pedestal. The statue is in the middle of a city square; on the left is the facade of a building. Three people are standing in the square and looking at the statue. The bronze statues are noticeably larger than life-sized.destra Fotografia del 1900 del monumento a Goethe e Schiller davanti al Teatro di Corte di WeimarIl progetto di creare un monumento a Goethe e Schiller a Weimar venne sponsorizzato da Carlo Alessandro di Sassonia-Weimar-Eisenach, Granduca del Ducato di Sassonia-Weimar-Eisenach, e da una commissione cittadina. Al momento della dedica del monumento, nel 1857, il teatro aveva visto innumerevoli rappresentazioni di tutte le opere di Schiller.L'incarico di realizzare una statua che rappresentasse assieme i due scrittori  fu affidato a Christian Daniel Rauch; Rauch fu forse lo scultore più importante che operò nell'Europa di lingua tedesca nella prima metà del XIX secolo. Il progetto di Rauch mostrava i due uomini vestiti con abiti antichi; mentre la convenzione di creare sculture di figure eroiche in abiti antichi era ben consolidata, in questo caso fu respinta. Ernst Rietschel, un altro eminente scultore che era stato allievo di Rauch, fece un progetto, con i due uomini in abiti contemporanei, e nel dicembre del 1852 gli fu commissionata la scultura.Rietschel impiegò quattro anni per completare il modello a grandezza naturale della statua.  fusione vera e propria in bronzo venne eseguita molto rapidamente da Ferdinand von Miller presso la Fonderia Reale di Monaco di Baviera. Il monumento finito fu inaugurato il 4 settembre 1857, nell'ambito delle celebrazioni per il centenario della nascita del granduca Carlo Augusto. Hans Pohlsander ha scritto: "Il monumento è stata la prima statua doppia sul suolo tedesco ed è stata ampiamente e giustamente proclamata un capolavoro".

Prompt: In Goethe–Schiller Monument, how is the Weimar monument discussed?Please output in Italian.


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Strage degli innocenti

Il teologo e sacerdote cattolico Raymond Brown sostiene che "il racconto di Matteo contiene un numero di eventi pubblici straordinari o miracolosi che, se fossero stati reali, avrebbero dovuto lasciare tracce negli archivi ebraici o altrove nel NT ".Brown, ritiene che la narrazione della nascita di Gesù sia stata modellata su quella di Mosè, a sua volta derivata da precedenti tradizioni di altri popoli. Lo studioso - in merito alla narrazione biblica sulla nascita di Mosè, utilizzata da Matteo per la Natività di Gesù - evidenzia una serie di parallelismi: Erode cerca di uccidere Gesù e questo viene fatto fuggire in un altro paese, il faraone cerca di uccidere Mosè e questo fugge in un altro paese; Erode ordina la strage degli innocenti , il faraone quella dei primogeniti ebrei maschi; Erode e il faraone muoiono entrambi mentre Gesù e Mosè sono in esilio; un angelo del Signore avvisa la famiglia di Gesù che può tornare alla sua terra e così fa il Signore con Mosè : "«perché sono morti coloro che insidiavano la vita del bambino »"); Giuseppe prende moglie e figlio e ritorna in Israele, Mosè prende moglie e figlio e ritorna in Egitto. Brown sottolinea che anche altre fonti sulla vita di Mosè - come Flavio Giuseppe e vari midrash ebraici - "accentuano i già noti paralleli biblici tra le infanzie di Mosè e Gesù". Alle stesse conclusioni giunge lo storico John Dominic Crossan, ex sacerdote cattolico e tra i cofondatori del Jesus Seminar, che sottolinea come, rispetto al resoconto lucano, Matteo "invece di immaginare coppie sterili e concepimenti miracolosi, si concentra sull'infanzia di Mosè", creando i relativi parallelismi. Anche un altro autorevole teologo cristiano, Rudolf Bultmann, ritiene vi siano delle tradizioni più antiche e comuni dietro le narrazioni della strage degli innocenti comandata da Erode dopo la nascita di Gesù e quella della strage dei primogeniti ebrei nella storia di Mosè.Sempre Brown ritiene, comunque, inverosimile che lo storico Giuseppe Flavio possa non aver citato uno degli "eventi pubblici straordinari o miracolosi che, se fossero stati reali, avrebbero dovuto lasciare tracce negli archivi ebraici o altrove nel NT" e precisa che "per quanto riguarda il massacro di Betlemme, Giuseppe Flavio, lo storico ebreo, documenta completamente gli ultimi anni del regno di Erode il Grande, concentrandosi sulle sue azioni più brutali; eppure non menziona mai un massacro di bambini a Betlemme [...] Gli ultimi anni di Erode furono tragici; ma Giuseppe Flavio li ha fatti sembrare ancor più ripugnanti. [...] Giuseppe avrebbe dovuto sentirne parlare, e se ne fosse venuto a conoscenza, l'avrebbe menzionato, ben adattandosi ai suoi scopi", anche perché "dal momento che Giuseppe stava scrivendo per l'imperatore Tito la cui amante ebrea, Berenice, era discendente dagli Asmonei, i nemici sacerdotali di Erode, era nell'interesse di Giuseppe mettere in cattiva luce Erode".Brown sottolinea, inoltre, come il racconto della Natività in Matteo abbia una generale "inconciliabilità con Luca [e] anche l'armonizzatore più determinato dovrebbe essere dissuaso dall'impossibilità di riconciliare un viaggio della famiglia da Betlemme all'Egitto con il racconto di Luca di portare il bambino a Gerusalemme quando aveva quaranta giorni e poi di andare da Gerusalemme a Nazareth dove risiedevano" e lo stesso teologo nota ancora come "gli sforzi per armonizzare le narrazioni in una storia unica sono del tutto irrealizzabili" e che "questo ci porta all'osservazione che le due narrazioni non sono solo diverse, sono contrarie l'una all'altra in una serie di dettagli [...] Luca ci dice che la famiglia tornò pacificamente a Nazareth dopo la nascita a Betlemme ; questo è inconciliabile con l'implicazione di Matteo  che il bambino aveva quasi due anni quando la famiglia fuggì da Betlemme in Egitto ed era ancora più vecchio quando la famiglia tornò dall'Egitto e si trasferì a Nazareth"., con quanto riportato da Luca. Secondo, infatti, il Vangelo di Matteo, appena dopo la visita dei magi, Giuseppe fu avvisato in sogno da un angelo e fuggì subito in Egitto con la Sacra Famiglia e da qui - dopo la strage degli innocenti e la morte di Erode il Grande nel 4 a.C. - andò poi a Nazaret, avendo paura di fermarsi in Giudea per l'ascesa al trono del figlio di Erode; secondo, invece, il Vangelo di Luca, poco oltre un mese dalla nascita - fatti la circoncisione e i riti della purificazione in Gerusalemme - la Sacra Famiglia ritornò subito a Nazaret, dove abitava in precedenza: "Quando ebbero tutto compiuto secondo la legge del Signore, fecero ritorno in Galilea, alla loro città di Nazaret.".
Oltre a questa incongruenza, molti storici ravvisano anche una discordanza di oltre un decennio in merito all'anno di svolgimento dei due resoconti, il che renderebbe temporalmente inconciliabile la presenza di Erode - e conseguentemente gli eventi a lui legati, come appunto la strage degli innocenti - con l'episodio della Natività; il Vangelo di Matteo sostiene, infatti, che Gesù nacque prima della morte di Erode il Grande, avvenuta nel 4 a.C., mentre il Vangelo di Luca sostiene che Gesù nacque nell'anno del censimento di Quirinio, cioè nel 6 d.C. Gli studiosi della École biblique et archéologique française , ad esempio, considerano questi due resoconti inconciliabili e fanno rilevare come anche negli Atti degli Apostoli  si sottolinei la concomitanza di tale censimento con la prima insurrezione di Giuda il Galileo, provocata proprio da questo evento nel 6 d.C. Per superare questi problemi di compatibilità dei due vangeli sono state proposte diverse soluzioni  ma le difficoltà rimangono, tanto che l’esegeta cattolico Raymond Brown ha affermato che qualsiasi tentativo di armonizzare le narrazioni dei vangeli di Matteo e Luca per farne una storia coerente sulla nascita di Gesù "è destinato al fallimento".Il teologo cattolico Raymond Brown nota infine, oltre a quelle sopra esposte, altre incongruenze nella narrazione matteana e si domanda come sia possibile che "in Mt2:16 Erode massacra tutti i bambini di due anni o meno di età a Betlemme e nelle regioni circostanti. Perché una simile vaghezza sul tempo e sul luogo, quando in 2:5-7 Erode stesso aveva ricevuto informazioni precise?" e infatti "in Mt2:7 si suppone che Erode abbia potuto sapere dai magi l'ora esatta in cui la stella apparve, ma perché allora il massacro dovette coprire un arco temporale così ampio come «due anni o meno di età»?"; inoltre, nel racconto "molte caratteristiche sono sconcertanti. Se Erode e tutta Gerusalemme sapevano della nascita del Messia a Betlemme , e infatti Erode massacrò i figli di un'intera città nel corso della ricerca di Gesù , perché più tardi nel suo ministero nessuno sembra conoscere le meravigliose origini di Gesù , e il figlio di Erode non ricorda nulla di lui ?".
È anche inverosimile che, pur sapendo che Gesù era il messia inviato dallo stesso Dio e "nonostante la conoscenza delle Scritture in cui è stato istruito nella tradizione ebraica, Erode cerca lo stesso di uccidere il neonato re". Infine, lo studioso osserva che "l'incapacità di Erode di trovare il bambino a Betlemme sarebbe perfettamente comprensibile in una storia in cui non c'erano magi venuti dall'Oriente e dove aveva solo una conoscenza generale delle Scritture su Betlemme a guidarlo. Diventa ridicolo quando la strada verso la casa è stata segnalata da una stella che si è fermata su di essa, e quando il percorso verso la porta della casa in un piccolo villaggio è stato evidenziato dalla presenza di stranieri esotici [i magi]".
Lo stesso teologo fa ancora notare che "la teodicea  non è un problema che sembra preoccupare Matteo; piuttosto si preoccupa della vittoria di Gesù su Erode, che non può essere un vero re se uccide i figli di Israele. Il parallelo tra l'omicidio dei figli di Betlemme da parte di Erode e l'uccisione dei bambini ebrei da parte del faraone  è facilmente riconoscibile".Per Robert Eisenman, autore di Giacomo il fratello di Gesù, ad esempio, il racconto di Matteo è «un'assurdità, il cui unico scopo è creare un parallelismo con la nascita di Mosè e mettere in luce la crudeltà di Erode».Per lo studioso cattolico Ortensio da Spinetoli l'episodio, considerando il carattere sanguinario di Erode, non è impossibile, però è sorprendente che un re spregiudicato e astuto come lui si sia fatto impaurire da un bambino ancora in fasce. Anche se nel suo ambiente la parola "messia" poteva assumere un significato magico, il gesto del re appare assurdo. Non si tratta tuttavia di un elemento centrale della fede e anche se l'episodio non fosse realmente accaduto nulla cambierebbe per il credente.

Prompt: In Massacre of the Innocents (Reni), how is the Arguments, against, historicity, episode of the Weariness  in  art explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-portrait (Giorgione), how is the Rembrandt's self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Madonna dell'Umiltà

Madonna dell'Umiltà è un tema iconografico mariano in uso dall'inizio del XIV secolo.Mostra la Vergine seduta in terra col Bambino, a differenza della Maestà che la raffigura in trono. All'inizio tali scelte iconografiche erano legate al ruolo della Chiesa , che gli ordini mendicanti volevano umile e al livello della gente.

Prompt: How does Madonna of Humility (Gentile da Fabriano) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Totem

I poeti e, in misura minore, gli scrittori di narrativa, usano spesso concetti antropologici, inclusa la comprensione antropologica del totemismo. Per questo la critica letteraria ricorre spesso ad analisi psicoanalitiche, antropologiche.

Prompt: In Totem (Paluzzi), how is the Literature discussed?Please output in Italian.


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Sacrificio di Isacco

Nel Corano, sūrat as Sāffāt si parla estesamente di Abramo , dal versetto 83 al versetto 113 per un totale di 30 versetti. Nei versetti 101-109 si racconta del sacrificio di suo figlio.Quando il figlio fu piegato a terra per essere sacrificato, Dio fermò il Suo Inviato e decise di sostituire al figlio un montone. Le differenze tra i due racconti sono queste: Dio non parla direttamente ad Abramo ma in sogno, il figlio è del tutto consapevole già da prima del sacrificio e accetta volontariamente la morte. Gli esegeti sono divisi nell'identificare il figlio sacrificato con Isacco  o Ismaele , entrambi conosciuti e riveriti dall'Islam come unici figli, tra quelli di Abramo, ad aver avuto il dono della profezia. Il Corano non riprende ulteriormente l'episodio, largamente approfondito dagli esegeti, che lo indicano come una delle varie prove a cui fu sottoposto Abramo, oltre alla condanna nel fuoco, che scampò entrando nel fuoco senza bruciare, e l'abbandono di Ismā'īl e Hājar.

Prompt: Explain the Parallel with Islam of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Prigioniero

Alcuni degli effetti avversi più estremi subiti dai detenuti sembrano essere causati dall’isolamento per lunghi periodi. Quando detenuti in "Unità abitative speciali" , i prigionieri sono soggetti a deprivazione sensoriale e mancanza di contatto sociale che possono avere un grave impatto negativo sulla loro salute mentale.Tra questi prigionieri è stata osservata una condizione psicopatologica identificata come "sindrome SHU". I sintomi sono caratterizzati da problemi di concentrazione e memoria, distorsioni della percezione e allucinazioni.  maggior parte dei detenuti affetti dalla sindrome SHU presentano ansia generalizzata estrema e disturbo di panico, con qualche amnesia sofferente.Lo State-Trait Anxiety Inventory  è stato sviluppato per comprendere i meccanismi alla base dell’ansia. L'<nowiki/>ansia di stato descrive l'ansia che si verifica in una situazione stressante mentre lansia di tratto è la tendenza a sentirsi ansiosi in molte situazioni a causa di un insieme di convinzioni che un individuo ha che minaccia il suo benessere. sindrome SHU è un termine creato dallo psichiatra Stuart Grassian per descrivere i sei meccanismi di base che si verificano a livello cognitivo nei prigionieri che si trovano in isolamento o in celle di livello supermax . I sei meccanismi di base che si verificano insieme sono: Iperreattività agli stimoli esterni Distorsioni percettive Illusioni e allucinazioni Attacchi di panico Difficoltà con il pensiero Concentrazione e memoria Pensieri ossessivi invadenti Paranoia paleseStuart Grassian ha proposto che i sintomi siano unici e non si trovino in nessun'altra situazione.Lunghi periodi possono portare a depressione e cambiamenti nella fisiologia del cervello. In assenza di un contesto sociale necessario per convalidare la percezione del loro ambiente, i prigionieri diventano altamente malleabili, anormalmente sensibili e mostrano una maggiore vulnerabilità all’influenza di coloro che controllano il loro ambiente.  connessione sociale e il supporto fornito dall’interazione sociale sono prerequisiti per l’adattamento sociale a lungo termine come detenuto.I prigionieri mostrano l’effetto paradossale del ritiro sociale dopo lunghi periodi di isolamento. Si verifica uno spostamento dal desiderio di un maggiore contatto sociale alla paura di esso. Possono diventare letargici e apatici e non essere più in grado di controllare la propria condotta una volta rilasciati dall'isolamento. Possono arrivare a dipendere dalla struttura carceraria per controllare e limitare la loro condotta.I soggiorni a lungo termine in isolamento possono causare ai detenuti lo sviluppo di depressione clinica e disturbo del controllo degli impulsi a lungo termine. Quelli con malattie mentali preesistenti corrono un rischio maggiore di sviluppare sintomi psichiatrici. Alcuni comportamenti comuni sono l'automutilazione, le tendenze suicide e la psicosi.

Prompt: In The Captive (painting), how is the Syndrome Special Housing Units SHU of the Types explained?Please output in Italian.


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Uomo vitruviano

Marco Bussagli, A misura d'uomo. Leonardo e l'Uomo vitruviano , in Art e Dossier, 146, giugno 1999, pp. 17-20.  Milena Magnano, Leonardo , Milano, Mondadori Arte, 2007. ISBN 88-370-6432-2. ISBN 978-88-370-6432-7. Annalisa Perissa Torrini , Leonardo. L'Uomo vitruviano fra arte e scienza, Marsilio, 2009. ISBN 88-317-9900-2. ISBN 978-88-317-9900-3. Franca Manenti Valli, Leonardo. Il sapere costruttivo nel disegno della figura umana, Silvana Editoriale, Milano, 2011. ISBN 88-366-2099-X Paola Salvi , Approfondimenti sull'Uomo vitruviano di Leonardo da Vinci, CBEdizioni 2012 ISBN 978-88-97644-01-9

Prompt: In Vitruvian Man, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

Franca Manenti Valli
Leonardo da Vinci
Milano


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Ritratto di giovane dama

L'opera è il più celebre e uno dei meglio conservati ritratti di dama di profilo, variamente attribuiti dalla critica a uno dei due fratelli del Pollaiolo: uno si trova agli Uffizi di Firenze, uno agli Staatliche Museen di Berlino, uno al Metropolitan Museum di New York e uno infine all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston. Simile fisiognomicamente è anche il Ritratto di fanciulla di Andrea della Robbia.Tradizionalmente queste opere sono state riferite a Piero, ma la critica recente  ha riproposto con forza il nome di Antonio.Non è chiaro chi sia la donna effigiata nel ritratto milanese: si sono fatti vari nomi, tra cui quelli della moglie del banchiere Giovanni de' Bardi  o di Marietta Strozzi o ancora di una Belgioioso. In ogni caso l'opera, eseguita a Firenze, è uno dei simboli dell'eleganza fiorentina nel XV secolo.L'opera venne segnalata nel XIX secolo da Giovanni Battista Cavalcaselle come nelle collezioni Borromeo e non si conosce quando Gian Giacomo Poldi Pezzoli, erede da parte di madre delle fortune dei Trivulzio, entrò in possesso dell'opera, che venne trasferita al neonato museo tramite legato nel 1879. Il dipinto venne restaurato nel 1951 da M. Pellicioli, che ne riscontrò l'eccellente stato di conservazione. Una trasposizione sintetica del ritratto, ideata da Italo Lupi, simboleggia oggi le due "P" nel simbolo grafico della sigla del museo.

Prompt: Focus on Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo) and explain the History.Please output in Italian.

1879
1951
Andrea della Robbia
Berlino
Borromeo
Boston
Firenze
Giovanni Battista Cavalcaselle
Italo Lupi
New York
Strozzi


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Ritratto di Lucina Brembati

protagonista è ritratta a mezza figura, col busto frontale e il volto leggermente di tre quarti. L'abbigliamento è consono al suo alto status sociale, con un vestito dalle maniche ampie e rigonfie, scollato sul petto e con nastrini dorati e ricami a conchiglia, nonché un discreto numero di gioielli, tra cui una collana di perle fatta di più fili attorcigliati e una catena con un pendente a forma di cornetto d'oro, che era uno stuzzicadenti in uso all'epoca. In testa porta un copricapo voluminoso vermiglio con nastri e perle, la "capigliara", secondo una moda lanciata da Isabella d'Este.A differenza della tradizione veneziana del ritratto idealizzato, legata alle opere di Tiziano e Palma il Vecchio, Lotto impostò un'effigie vera e realistica, come dimostrano alcuni dettagli quali il volto asimmetrico, il mento appesantito e lo sguardo acuto, rifacendosi piuttosto alla tradizione lombarda locale .Alcuni studiosi hanno letto nel gesto della mano sul ventre un'allusione al fatto che la donna fosse incinta, in una gravidanza tardiva che però non è documentata. In questo senso sarebbe stata una citazione colta della Giunone Lucina, il cui nome richiamava anche quello della donna; inoltre, la donnola morta simboleggerebbe la sconfitta di quello che all'epoca era considerato un presagio di disgrazia per le donne gravide. Per altri studiosi la donnola sarebbe invece simbolo di fedeltà coniugale. Al collo Lucina porta un pendaglio a forma di corno portafortuna, il medesimo oggetto è raffigurato nel Ritratto di gentiluomo dell'autore bergamasco Alessandro Oliverio, probabilmente più che un simbolo, era come d'uso al tempo, un semplice stuzzicadenti.Lucina era sposa del conte Leonino Brembati di cui il Lotto aveva fatto il ritratto, uomo facoltoso che era stato raffigurato con una zampa di leone in mano, e che mostra l'anello con i simboli araldici della famiglia Brembati.  coppia aveva avuto un figlio, Gerolamo, nato prematuramente e che sposò Caterina Suardi - figlia di Pietro e di Paola Da Ponte che avevano un ricco palazzo in via Ponta Dipinta - portando una ricca dote, forse in occasione di questo matrimonio l'artista dipinte la Venere e Cupido, successivamente Fenicia che sposò giovanissima Fortunato Agosti, non risulta che abbia avuto figli successivamente, si rileva che se fosse stata gravida al tempo del ritratto di Lucina, potrebbe essere nato prematuro o aver subito un aborto. Lo sfondo è composto da una tenda di pesante broccato rosso stesa in diagonale, con il cielo notturno.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Lucina Brembati.Please output in Italian.

Alessandro Oliverio
Brembati
Giunone
Isabella d'Este


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: Describe the characteristics of the Variants in Madonna and Child (Cima, Saint Petersburg)'s History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Sant'Andrea (Duquesnoy)

I quattro colossi in San Pietro furono approvati dalla Congregazione della Fabbrica di San Pietro in una riunione tenutasi nel maggio 1628.) ricevette l'approvazione di papa Urbano VIII, Il Duquesnoy fu coinvolto più tardi, e, in effetti, fu probabilmente la positiva ricezione del modello in stucco del Duquesnoy per il Sant'Andrea che aiutò il Fiammingo ad assicurarsi la sua commissione per la Santa Susanna.Nel 1631 i piani cambiarono, e il Cristo risorto fu sostituito dal globo e dalla croce del Baldacchino.Nonostante la sua somiglianza posturale al San Longino del Bernini, l'opera del Duquesnoy porta chiaramente il marchio del Fiammingo, influenzata com'è dalla cosiddetta maniera greca di quest'ultimo, che era in contrasto netto con l'approccio del Bernini.

Prompt: How does Saint Andrew (Duquesnoy) explain its Composition?Please output in Italian.


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Incubo

Le persone che soffrono di incubi sperimentano un'architettura del sonno anormale. È stato riscontrato che l'impatto di un incubo notturno è molto simile a quello dell'insonnia. Si ritiene che ciò sia causato dai frequenti risvegli notturni e dalla paura di addormentarsi. I sintomi del disturbo da incubi includono ripetuti risvegli dal periodo di sonno principale o sonnellini con ricordo dettagliato di sogni estesi ed estremamente spaventosi, che di solito comportano minacce alla sopravvivenza, alla sicurezza o all'autostima. I risvegli avvengono generalmente durante la seconda metà del periodo di sonno.

Prompt: Focus on The Nightmare and explain the Without symptoms.Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

tecnica del dipinto, oltre che presentare un precoce uso del colore a olio, sorprende anche nell'uso, accanto ai blu tradizionali di lapislazzuli e azzurrite, del pigmento celeste di smalto, derivato dall'industria vetraria, ben vent'anni prima di Leonardo da Vinci, che adoperandolo negli appartamenti di Ludovico il Moro a Milano nel 1492 ne era precedentemente ritenuto l'introduttore in Italia.L'opera, ripulita e restaurata recentemente, è in condizioni ottime.

Prompt: In Pesaro Altarpiece (Bellini), how is the Technique discussed?Please output in Italian.

1492
Italia
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro
Milano


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Eco e Narciso

Eco e Narciso è un dipinto del 1903 di John William Waterhouse, che Illustra l'episodio omonimo narrato dal poeta latino Publio Ovidio Nasone ne Le metamorfosi.Waterhouse  è stato un pittore inglese il quale, a causa dello stile e dei temi trattati, è stato classificato come un preraffaellita, ma è più accuratamente inscrivibile come un esponente del neoclassicismo. Con oltre 200 opere al suo attivo, soprattutto nel genere della mitologia classica, ma anche di soggetti storici o letterari, uno dei suoi temi comuni è la femme fatale, ossia la donna che irretisce un uomo."Eco e Narciso" è uno dei quadri appartenente alla serie del genere mitologico. Il dipinto è un olio su tela e misura 109,2 cm per 189,2. Fa parte della collezione d'epoca vittoriana del Walker Art Gallery di Liverpool, essendo stato acquistato dal museo nel 1903

Prompt: How does Echo and Narcissus (Poussin) explain its Abstract?Please output in Italian.

Eco
John William Waterhouse
Liverpool
Publio Ovidio Nasone
Walker Art Gallery


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Morte di Cleopatra

Il suicidio di Cleopatra venne rappresentato spesso in epoca medioevale e rinascimentale. Nel 1409, il miniaturista noto come maestro di Boucicaut realizzò una , tratta dall'opera De casibus virorum illustrium di Giovanni Boccaccio, raffigurante i cadaveri di Cleopatra Tea Filopatore e di Marco Antonio nella loro tomba: avvolto al braccio di Cleopatra c'è un serpente, mentre il petto di Antonio è trafitto da un pugnale. Anche se questa  non raffigura l'esatto momento della morte della regina, la presenza del serpente lascia intendere che ella si sia fatta mordere dal rettile. Un'altra illustrazione del De casibus virorum illustrium raffigura Cleopatra che si fa mordere entrambi i seni da due serpenti. Il poeta inglese Geoffrey Chaucer, che al contrario del Boccaccio vedeva Cleopatra in una luce migliore e meno misogina, descrisse un pozzo di serpenti al posto dell'aspide nella sua opera  leggenda delle donne eccellenti.sinistraUn'incisione di Le raffigurazioni della morte di Cleopatra dovuta al morso dell'aspide furono molto frequenti durante il Rinascimento italiano. L'artista veneziano Giovanni Maria Padovano scolpì due statue raffiguranti il suicidio di Antonio e Cleopatra, oltre a varie sculture di quest'ultima che veniva morsa dall'aspide, basate su delle opere antiche simili alla Venere esquilina: questa statua venne ritrovata nel 1874 e si pensa che possa ritrarre proprio la regina d'Egitto. Un'incisione di Agostino Veneziano da un disegno di Raffaello ritraente la regina morente sdraiata è ispirata allArianna dormiente, una scultura greco-romana che all'epoca si riteneva ritraesse Cleopatra VII. Anche alcune opere del Rinascimento francese raffigurano la donna che si addormenta mentre il serpente le morde il seno.Michelangelo è autore di un disegno a carboncino del 1535 circa che raffigura Cleopatra e l'aspide, quest'ultimo molto più grande del normale; al contrario, l'artista barocco Guido Reni, che realizzò più dipinti su questo tema artistico, dipinse il rettile di dimensioni più piccole rispetto a un vero cobra egiziano. Altri celebri quadri che raffigurano gli ultimi istanti di vita della sovrana sono la Morte di Cleopatra di Rosso Fiorentino e la Morte di Cleopatra di Guido Cagnacci, del quale esistono due versioni. scultura dellArianna dormiente allora identificata con Cleopatra, acquistata dal pontefice Giulio II nel 1512, ispirò una poesia di Baldassarre Castiglione, scritta in lingua latina, sulla morte della regina del Nilo. Anche Bernardino Baldi e Agostino Favoriti realizzarono delle poesie ispirandosi a quella statua. morte di Cleopatra costituì un elemento presente anche nel teatro. Nell'opera teatrale The Devil's Charter di Barnabe Barnes, composta nel 1607, un addestratore di serpenti porta alla sovrana due aspidi affinché questi le mordano entrambi i seni in maniera salace. Nella tragedia Antonio e Cleopatra di William Shakespeare, messa in scena nel 1609, la serpe rappresenta sia il decesso, sia un amante desiderato dalla moritura, che si arrende al morso del rettile. Per costruire questa scena della tragedia, il bardo dell'Avon si ispirò alla traduzione del 1579 di Thomas North del testo plutarcheo. Nell'opera teatrale anche il personaggio dell'ancella Carmione  si suicida facendosi mordere dalla serpe.

Prompt: In Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), how is the Middle Ages, Renaissance, Baroque period of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Agostino Favoriti
Agostino Veneziano
Arianna dormiente
Baldassarre Castiglione
Barnabe Barnes
Bernardino Baldi
Carmione
Cleopatra
De casibus virorum illustrium
Geoffrey Chaucer
Giovanni Boccaccio
Guido Cagnacci
Guido Reni
Marco Antonio
Ra
Rinascimento francese
Rinascimento italiano
Rosso Fiorentino
The Devil's Charter
Thomas North
Venere esquilina
William Shakespeare


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Mezzetin

Mezzetin è un dipinto di Antoine Watteau, eseguito tra il 1718 e il 1720. Si trova al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: How does Mezzetino (Watteau) explain its Abstract?Please output in Italian.

Antoine Watteau
Metropolitan Museum of Art
New York


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Immacolata Concezione

Lungo i secoli la posizione del magistero è stata prudente: per quanto il chiaro e definitivo pronunciamento pontificio si ebbe solo nel 1854, furono diversi gli interventi a favore della posizione immacolista.Papa Sisto IV  introdusse a Roma la festa liturgica della Concezione. Sul piano dogmatico non si pronunciò, ma con le bolle Cum Praeexcelsa  e Grave Nimis  proibì a macolisti e immacolisti di accusarsi vicendevolmente di eresia. Il 7 marzo 1632 nella cattedrale di Cagliari il parlamento del Regno di Sardegna giurò solennemente di difendere la dottrina della Purissima Concezione. Papa Alessandro VII emanò nel 1661 la bolla  Sollicitudo, dove si dice a favore dell'Immacolata Concezione. Clemente XI nel 1708 rende universale la festa dell'Immacolata, già localmente celebrata a Roma e in altre zone della cristianità.Nel 1848 Pio IX mostra l'intenzione di chiudere la questione in maniera autorevole e definitiva. Istituisce una commissione di teologi e una di cardinali, dalle quali però emerge il parere contrastante circa l'Immacolata. Anche Rosmini, pur ritenendola "moralmente sicura", sconsiglia di definirla dogmaticamente. Il Papa decide allora di valutare il parere collegiale dei vescovi, che nella tradizione cattolica ha valore magisteriale subordinato a quello pontificio, e lo fa con l'enciclica Ubi Primum del 1849. 546 dei 603 vescovi consultati si dichiarano a favore del dogma. Il Papa fa preparare la bozza dell'enciclica, che dopo 8 redazioni viene promulgata l'8 dicembre 1854 col nome Ineffabilis Deus.Queste sono le parole che concludono l'enciclica e proclamano solennemente il dogma:Il dogma non afferma solamente che Maria è l'unica creatura a essere nata priva del peccato originale - e ciò fin da 40 settimane prima della sua nascita, e cioè dal momento del suo concepimento da parte dei genitori, Anna e Gioacchino - ma aggiunge altresì che Maria, in quanto ritenuta madre di Dio, per speciale privilegio non ha commesso nessun peccato, né mortale né veniale, in tutta la sua vita. dottrina attuale della Chiesa è che Dio conferisca l'anima alla persona umana non appena essa si forma, nel suo primissimo istante, e cioè al momento del concepimento.  dottrina sull'Immacolata Concezione di Maria dà forza, nella visione cattolica, al pensiero della Chiesa sugli embrioni, ritenuti persone umane a tutti gli effetti, dotati di anima.Il convincimento della Chiesa in ordine alla preservazione di Maria dalla macchia del peccato originale è in relazione a questa riflessione: non sarebbe stato "conveniente" che il Figlio di Dio si incarnasse nel grembo di una donna se questa non fosse stata perfettamente monda da qualsiasi peccato.A differenza dell'apertura verso la dottrina dell'Assunzione, questo dogma non è condiviso dalle altre confessioni cristiane  in quanto da queste considerato in disaccordo con le Scritture e non supportato dalla Tradizione.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the The Catholic schoolteacher of the Oppositional dogma explained?Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Cum Praeexcelsa
Dio
Figlio di Dio
Grave Nimis
Ineffabilis Deus
Papa
Papa Alessandro VII
Papa Sisto IV
Roma
Sollicitudo


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Salutat

Come già dimostrato negli anni 1870 con il suo interesse per i rematori, negli anni 1890 Thomas Eakins tornò a dedicarsi alla raffigurazione di nudi maschili e sportivi, con particolare attenzione ai pugili. Grazie ai giornalisti sportivi Glarence Cranmer ed Henry Schlichter, in questo periodo Easkins incontrò e fece posare diversi lottatori.Eakins inviò il quadro alla Pennsylvania Academy nel 1899, ma Salutat suscitò poco interesse tra i critici e passò generalmente inosservato. Easkins non riuscì mai a vendere l'opera, che fu acquistata solamente nel 1929 da Thomas Cochran alla vedova del pittore. Successivamente Cochran donò la tela all'Addison Gallery of American Art della Phillips Academy di Andover.

Prompt: In Salutat, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Venere che benda amore

tela usata per l'opera fu scelta per la sua flessibilità e resistenza, con una superficie compatta fornita da un "tessuto ad armatura tipo saia interrotta a punta ripetuta senso ordito" che facilita l'applicazione dei colori. Tramite la radiografia è possibile vedere su tutta la superficie della tela un tracciato di linee ortogonali che forma una griglia di riferimento e fa pensare che il dipinto sia stato eseguito sulla base di cartoni preparatori.  scelta dei colori è simile a quella di altre opere di Tiziano e si basa sull'uso di molti materiali differenti. In particolare, il passaggio delle ombre colorate del cielo al tramonto contribuisce ad aggiungere delicatezza e morbidezza alle figure. Lo sfondo è stato realizzato con tocchi leggeri anche direttamente sopra l'imprimitura.  padronanza della tecnica pittorica da parte di Tiziano è evidente anche nella differenza con cui nei diversi personaggi vengono distinti gli incarnati, realizzati unendo biacca e ocra in rapporti variabili. Infatti in corrispondenza degli Amori l'incarnato è tenue e la forma dipende soprattutto all'emergere della tela sulla superficie, come un negativo. Nelle figure femminili la stesura del colore è invece più leggera, ma compatta. In alcune parti del dipinto, come la veste di Venere, alcuni dettagli del paesaggio e le ali di Amore bendato, le pennellate sono state date evidentemente con più forza, rendendo più spesso il colore. In alcuni casi il colore è stato applicato direttamente sulla tela.

Prompt: Explain the Technique of this artwork, Venus Blindfolding Cupid.Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Santa Caterina d'Alessandria d'Egitto è identificata, insieme a Santa Margherita d'Antiochia e all'Arcangelo Michele, come una delle Voci che ispirarono Santa Giovanna d'Arco. È ritenuta una dei quattordici Santi ausiliatori.Santa Caterina è anche patrona dello "studio dei legisti"  dell'Università di Padova e dell'Università di Siena. È inoltre la patrona dei cavalieri italiani del Sovrano Militare Ordine di Malta. sua è vissuta come la festa dei giovani. In Francia è patrona degli studenti di teologia e protettrice delle apprendiste sarte.Da Caterina di Alessandria deriva il termine francese catherinette  che in origine indicava una giovane donna da marito.  tradizione torinese, invece, indicava con il termine "caterinette" le giovani sartine e le modiste che svolgevano il loro apprendistato nei laboratori di confezioni della città, e che assai sovente diventavano oggetto di corteggiamento da parte degli studenti universitari. Nella città di Ravenna il 25 novembre  è tradizione regalare dei biscotti a forma di bambola alle bambine, chiamate "caterine". Il corrispettivo per i bambini è un biscotto a forma di galletto.Una canzoncina popolare, ancora cantata nell'ultimo dopoguerra dai bambini nell'ora di religione in alcune parti d'Italia, parla di Caterina d'Alessandria. Il testo, che inizia con "Santa Caterina era figlia di un re...", è ispirato a una versione della leggenda in cui il padre uccide personalmente Caterina dopo averla scoperta a pregare Dio e dopo che la figlia si rifiutò di rinnegare la sua fede.  canzone venne interpretata anche da I Gufi.

Prompt: In Catherine of Alexandria (Palladas), how is the Devotion discussed?Please output in Italian.

25 novembre
Alessandria d'Egitto
Francia
Giovanna d'Arco
I Gufi
Ravenna
Santi ausiliatori


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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Statua equestre di Marco Aurelio

statua equestre di Marco Aurelio  è un'antica scultura romana in bronzo dorato, risalente al II secolo d.C. e raffigurante l'imperatore Marco Aurelio a cavallo. Il luogo originario di installazione è sconosciuto, ma si sa che dall'VIII secolo era collocata davanti al Palazzo terano e che nel 1538 fu trasferita in piazza del Campidoglio a Roma, dove rimase per più di quattro secoli.Dal 1990, la statua è custodita nel prospiciente Palazzo dei Conservatori, per preservarla dal degrado dovuto agli agenti atmosferici. Nel 1997, sul piedistallo di piazza del Campidoglio è stata collocata una copia conforme della celebre statua, priva però della doratura presente nell'originale.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Equestrian Statue of Marcus Aurelius.Please output in Italian.

Marco Aurelio
Palazzo dei Conservatori
Roma
VIII secolo


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Giuditta e la sua ancella con la testa di Oloferne

L'opera, nata probabilmente come esercizio privato del giovane pittore, descrive un tema spesso rappresentato da Andrea Mantegna, il pittore che, negli ultimi anni di vita, fu importante maestro di Correggio. A differenza delle numerose redazioni del tema di Mantegna però, Correggio strinse il campo attorno alle due figure principali, Giuditta, l'eroina biblica che mette senza esitazioni la testa del decapitato tiranno Oloferne in un sacco, e l'ancella di colore che tiene il sacco e la fiaccola. Inedita è inoltre l'ambientazione, un notturno con fonte di luce interna, uno dei primi pienamente convincenti dell'arte italiana, se non il primo in assoluto. Esperimenti del genere furono alla base della produzione dei celebri "notturni" di Caravaggio.L'interesse per il buio e per le figure che vi emergono dolcemente dovette essere ispirato dalle opere di Leonardo da Vinci e dal suo gentile sfumato, che Correggio arricchì però di colori più corposi, alla veneziana. Giuditta ha un profilo di bellezza ideale, che si ritroverà in altre opere dell'artista : è rappresentata come una dama con una fine acconciatura, coi capelli annodati dietro la nuca e alcune ciocche ricciolute che ricadono sulle spalle; la bocca dischiusa, come se stesse impartendo istruzioni alla serva.  veste è di un giallo chiaro, sopra la camicia bianca scollata, e con un mantello verde scuro che pende dalla spalla sinistra. Particolare accento è posto nella sua mano che tiene per i capelli, e con decisione priva di qualsiasi esitazione, la testa mozzata del tiranno, dipinta in penombra e di un colorito mortale. Il volto dell'ancella, così espressivo, segna un marcato contrasto tra la bellezza di Giuditta e la caricata negritudine delle sue fattezze, con il naso dilatato oltre misura e gli occhi esotici: si tratta sicuramente di un brano studiato dal vero e poi reinterpretato in maniera ai limiti del caricaturale.

Prompt: How does Judith and Her Maidservant (Correggio) explain its Description and style?Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Caravaggio
Giuditta
Leonardo da Vinci
Oloferne


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Suonatore di liuto

Hibbard sosteneva che tanto il Baglione, quanto il Bellori, in realtà ignorassero il Suonatore presso il Giustiniani  e dunque si riferiscono ad una sola redazione per Del Monte. Nel 1985 il Wolfe rende noto un documento, del passaggio da Del Monte al Barberini per arrivare a dimostrare con certezza la presenza di una duplice redazione iconografica del dipinto, senza poter escludere che, molto copiato e le copie talvolta trattate alla stregua di originali, fosse proprio l'autografo Del Monte a pervenire al Giustiniani. Christiansen, in uno studio del 1990, considera autografo il dipinto del Metropolitan, museo del quale è curatore, ma precedente alla versione Giustiniani. Come detto sopra, la Cinotti e la Gregori, sono invece dell'idea che il dipinto di New York sia posteriore a quello Giustiniani-Ermitage e che pertanto si attesti al 1597 . Nella Collezione di Alessandro Vittrice, ecclesiastico figlio di Girolamo ed Orizia di Lucio Orsi, sorella di Prospero, propagandista  del Caravaggio, esisteva un dipinto di simile iconografia non identificato e probabilmente perduto curiosamente descritto come "un quadro grande di una donna vestita di Diana, che suona il Cimbalo cornice arabescata m del Caravaggio". Maurizio Marini , riteneva che l'estensore dell'inventario fosse stato tratto in inganno dalla evidente androginia del musico e dal ricciolo piegato a virgola sulla fronte, come una mezza luna, noto attributo simbolico della dea Diana. Il Marini riteneva che questo dipinto potesse essere quello in collezione privata a Roma .Secondo Maurizio Marini  Caravaggio non era solito - una volta eseguito un dipinto  - eseguirne altri con varianti sostanziali, formandone una nuova stesura che cedeva poi ad altro collezionista, come invece avvenne per la Buona Ventura o, meno convincentemente, nelle due versioni delle " Stimmate di San Francesco". Dalla recente scoperta da parte del giovane ricercatore Riccardo Gandolfi di un manoscritto di Gaspare Celio contenente con altre Vite, la inedita Vita di Caravaggio , apprendiamo che Il suonatore di liuto era stato dipinto da Caravaggio nella casa di Prospero Orsi, suo amico e propagandista che avendo saputo che il Cardinal Del Monte cercava un bravo pittore per eseguire delle copie per la sua collezione, presentò il Merisi e, probabilmente, gli mostrò anche il dipinto che con altri del pittore lombardo servì a convincere Del Monte a prenderlo presso di sé.

Prompt: Describe the characteristics of the The hypothesis of the unique original in The Lute Player (Cariani)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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L'assassino minacciato

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Menaced Assassin.Please output in Italian.


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Broadway Boogie-Woogie

Broadway Boogie-Woogie è un quadro dipinto da Mondrian negli ultimi anni della sua vita, quando si trova a New York . Il quadro è composto da una quantità di quadrati di colore luminoso e brillante, che sembrano quasi luccicare come un mosaico, attirando l'attenzione del fruitore. In questo quadro spariscono i rigidi reticoli neri, gli stessi rettangoli dipinti nei quadri precedenti, non sono più bordati da una linea nera: ora sono accostati uno all'altro. Tutto ciò ha lo scopo di riprodurre il frenetico ritmo del ballo del Boogie-Woogie. Quest'opera trasmette un effetto di vitalità, suggerendo l'atmosfera della città di Broadway, riprendendo il reticolato delle sue strade e lo sfrecciare in esse dei taxi gialli.In queste opere finali, le forme hanno usurpato il ruolo delle linee, aprendo una nuova porta per lo sviluppo di Mondrian come astrattista. I quadri della serie "Boogie-Woogie" rappresentano il più radicale sviluppo dal momento del suo abbandono dell'arte rappresentativa avvenuto nel 1913. Mentre le opere tra il 1920 e 1930 tendevano ad avere un'austerità quasi scientifica in esse, queste sono quadri luminosi, vivaci e riflettono la musica ottimista e allegra che li ispirò e la città nella quale vennero prodotti.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Broadway Boogie Woogie.Please output in Italian.


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Ritratto di Girolamo Savonarola

Firenze , Filippo d’Averardo Salviad Prato, convento di San Vincenzo, suor Caterina de’ RicciPrato o Firenze Ermolao Rubieri Firenze, Museo di San Marco

Prompt: Focus on Portrait of Girolamo Savonarola and explain the Origin.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


section

Statua equestre di Marco Aurelio

Temi centrali della statua sono il potere e la grandezza imperiale, con Marco Aurelio raffigurato a grandezza reale e il braccio teso, un gesto che ricorda molto i ritratti di Augusto. In questo caso il gesto può essere inteso come un atto di clemenza: questa teoria, difesa da alcuni storici, si avvale della testimonianza di alcuni scritti medioevali che parlano di un prigioniero barbaro ai piedi della statua, a noi non pervenuto. Questa posa mostra l'imperatore anche come un conquistatore.L'assenza di armi e armatura evoca la pace, forse legata alla prosperità dell'Impero romano durante l'impero di Marco Aurelio. Una teoria ipotizza che nella mano vi fosse in precedenza un rotolo di pergamena, rappresentante l'attività legislativa dell'imperatore, elemento scomparso durante il Medioevo.

Prompt: Focus on Equestrian Statue of Marcus Aurelius and explain the Theme.Please output in Italian.

Augusto
Impero romano
Marco Aurelio
Medioevo


section

Banchetto nuziale

L'opera doveva essere un tempo firmata e datata, ma la decurtazione di circa 5 cm nella parte inferiore , per adeguarla alle dimensioni della Danza di contadini, ha tagliato via tale memoria.Nel 1594 venne acquistata a Bruxelles dall'arciduca Ernesto d'Asburgo e nel 1659 l'opera è registrata nelle collezioni dell'arciduca Leopoldo Guglielmo. Non è chiaro se le due tavole vennero dipinte come pendants, ma è anche probabile che fossero le prime due di una serie a tema nuziale.

Prompt: Focus on The Peasant Wedding and explain the History.Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

Yad Vashem United States Holocaust Memorial Museum Museum of Tolerance, LA

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Museography and the Inappropriate for children.Please output in Italian.


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Chassériau), explain the The self-portrait of the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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La fidanzata di Belus

fidanzata di Belus  è un dipinto dell'artista francese Henri-Paul Motte, del 1885. Nel 2013, il quadro fu acquistato dal museo d'Orsay di Parigi, dove è conservato attualmente. In precedenza si trovava nella galleria Vincent Lecuyer, vicino il museo d'Orsay, e venne esposta alla  Brafa di Bruxelles e alla PAD di Parigi.

Prompt: In The Fiancée of Belus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.