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Epifania

sera del 5 gennaio segna la dodicesima notte di Natale ed è l'occasione in cui le statuette dei tre Magi biblici vengono aggiunte al presepe. Tradizionalmente in Messico, come in molti altri paesi dell'America tina, Babbo Natale non detiene lo stesso prestigio che ha negli Stati Uniti. Sono piuttosto i Magi i portatori di doni, che lasciano doni dentro o vicino alle scarpe dei bambini piccoli. Anche le famiglie messicane commemorano la data mangiando Rosca de reyes. Nel Messico moderno, tuttavia, e in particolare nelle città più grandi e nel nord, le tradizioni locali vengono ora osservate e intrecciate con la grande tradizione nordamericana di Babbo Natale, nonché con altre festività come Halloween, a causa dell'americanizzazione indotta da film e televisione, fatto che un'economia legata alla tradizione dei regali che va dal giorno di Natale fino al 6 gennaio.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Mexico and the Artistic theme.Please output in Italian.


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Cristo velato

Prompt: Focus on Veiled Christ and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cappella Sansevero
Chiese di Napoli
Napoli


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Lupa capitolina

Le indagini condotte per la definizione dello stato di degrado prodotto dall'ambiente e dal tempo sul materiale costitutivo dell'opera, per sua natura instabile, hanno evidenziato una particolare condizione, diversa da quella comunemente riscontrata sui bronzi archeologici rimasti a lungo interrati o esposti all'aperto. maggior parte delle trasformazioni avutesi nel tempo sono rappresentate sulla patina e, attraverso di essa, raggiungono l'interno della materia. patina e la forma sono l'immagine dell'opera, ed è proprio attraverso la salvaguardia della patina che il restauratore consente la trasmissione dei dati storici che vi sono rappresentati.I risultati delle analisi FTIR , eseguite per l'individuazione dei prodotti organici e quelli della diffrattometria a raggi X, per la caratterizzazione delle diverse patine di corrosione, ci hanno fornito una serie di indicazioni relative alla storia conservativa della Lupa.Gli spessori di cere ed olio di lino, applicati in diverse epoche per salvaguardare la superficie bronzea, prevalgono rispetto all'esiguo strato di ossido di rame formatosi naturalmente per effetto dell'esposizione del metallo all'atmosfera.Risultano quindi evidenti le cure costantemente riservate alla scultura per impedire il sorgere di fenomeni corrosivi.Ulteriore conferma viene dalla presenza di ossalti: residui di trattamenti protettivi o decapanti, usati in passato per proteggere la sottile patina bruna oppure per eliminare chimicamente e radicalmente una disomogenea stratificazione di patine ritenute pericolose o antiestetiche.Non si trattava del bitumen pliniano, né di patinature intenzionali , né di alcun procedimento tecnico conosciuto, ma di cere brillanti e trasparenti applicate non per compiere una "manomissione" sulla patina, bensì per migliorare le qualità estetiche e proteggere la materia sottostante. Tali cere però appaiono oggi ossidate, annerite e opache.Sono state eseguite varie prove di pulitura in diverse zone con lo scopo di esplorare la sequenza stratigrafica dei depositi cerosi, la loro adesione al supporto metallico e la penetrazione ed estensione di eventuali fenomeni corrosivi.Ogni tassello è stato eseguito asportando meccanicamente, col bisturi, la crosta nera depositata sulla superficie sciogliendo, con tamponcini imbevuti di trielina, i residui di sostanze organiche e infine perfezionando la pulitura con spazzolini di setola montati su microtrapano dentistico, per la completa rimozione della cera dalle porosità della superficieSu tutto il corpo della lupa e dei gemelli si sono riscontrati quattro strati; partendo dall'esterno: il primo più superficiale, molto frammentario e lucido; il secondo, più profondo del precedente, grigio-giallo, opaco e pastoso; il terzo, costituito da una patina di cuprite rosso-bruna lucente; il quarto, solo sulla parte inferiore delle zampe e del muso, è uno strato intermedio di pigmento verde . rimozione del vecchio strato protettivo e la conseguente azione dell'atmosfera su alcune sacche di cloruri presenti nella patina hanno provocato, in alcuni casi, l'immediato insorgere di attacchi di corrosione localizzata, fortunatamente di scarsa entità e stabilizzatasi spontaneamente in breve tempo.L'ultima fase del trattamento ha riguardato la protezione finale delle superfici con l'applicazione di una resina acrilica a bassa concentrazione: la Paraloid B72 al 3%.Lo scopo è stato quello di formare uno strato continuo di isolamento migliorando le caratteristiche di coesione della patina del bronzo nelle parti più porose, in modo da renderla impermeabile all'umidità, e agli agenti chimici dell'inquinamento atmosferico. scultura inoltre è stata dotata di un nuovo appoggio per le zampe anteriori.I vecchi e fatiscenti appoggi sono stati sostituiti con nuovi sostegni realizzati in acciaio inox con regolazione micrometrica dell'altezza; in questo modo si può calibrare perfettamente la posizione della lupa rispetto al basamento. forma della parte anteriore del basamento è stata poi ripristinata integrando le grandi lacune con un blocco di travertino sagomato e ricoperto con calce farge e polvere di marmo per la parte destra e stuccature dello stesso materiale per la parte sinistra.

Prompt: In the context of Capitoline Wolf, explain the The restoration and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Immacolata Concezione

Due apparizioni mariane riconosciute dalla Chiesa cattolica hanno a che fare con questo dogma e ne sono considerate una conferma diretta.Nel 1830 Catherine bouré, novizia nel monastero parigino di Rue di Bac, fece coniare una medaglia  che riportava le seguenti parole, da lei viste durante un'apparizione della vergine Maria : "O Maria, concepita senza peccato, pregate per noi che ricorriamo a voi".Soltanto dodici anni dopo, il 20 gennaio del 1842, Alfonso Ratisbonne, nella sua breve ma intensa visione a Roma, riconobbe chiaramente l’Immacolata, la stessa che era apparsa a Parigi e che era impressa sulla Medaglia Miracolosa che portava con sé. L’apparizione a Sant’Andrea delle Fratte scosse molto l’ambiente romano. E a motivo di questo fermento, sei anni dopo, il pontefice Pio IX istituì una commissione teologica perché si esprimesse sulla possibilità di definire il dogma dell’Immacolata.Il 25 marzo 1858, quindi quattro anni dopo la proclamazione del dogma, la veggente di Lourdes, Bernadette Soubirous, riferì che la Vergine si era presentata con le parole "Que soy era Immaculada Councepciou" .

Prompt: Describe the characteristics of the Marian apparitions related to the dogma of the Immaculate Conception in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.

Bernadette Soubirous
Chiesa cattolica
Lourdes
Parigi
Roma


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Malle Babbe

Recenti ricerche negli archivi del municipio di Haarlem hanno rivelato che la donna raffigurata è esistita davvero. Si chiamava Barbara Claes, detta appunto "la pazza" perché sofferente di una qualche tara, ed era ricoverata nell'ospizio Het Dolhuys, fuori le mura della città, dove erano ricoverati i viaggiatori di passaggio o le persone ritenute socialmente pericolose. Peter Hals, un figlio del pittore, vi fu ricoverato per qualche tempo, ed è probabile che Hals sia venuto così in contatto con la donna che, a quanto sembra, era anche un personaggio noto in città. Di lei sappiamo solo che morì nel 1663.

Prompt: Explain the The portrayed of this artwork, Malle Babbe.Please output in Italian.


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: In the context of Epifania, explain the Europe multilingual and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Trittico della Madonna

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: Focus on Triptych of the Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Pala di Sant'Ambrogio

Gloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Focus on Sant'Ambrogio Altarpiece (Botticelli) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La Gioconda

Dopo il debutto dei Lituani, il 7 marzo 1874 alla Scala, Ponchielli si mise in cerca di un nuovo libretto e prese contatto con Arrigo Boito. Il soggetto proposto, il dramma di Victor Hugo Angelo, tyran de Padoue, lasciò in un primo tempo perplesso il compositore, che temeva il raffronto con Il giuramento di Saverio Mercadante, una fortunata riduzione operistica del medesimo soggetto che aveva debuttato alla Scala l'11 maggio 1837. Per qualche tempo egli coltivò pertanto il progetto parallelo di mettere in musica il Piquillo Alliaga di Scribe, la cui riduzione librettistica fu affidata ad Antonio Ghislanzoni.Boito decise di adattare il soggetto con estrema libertà, introducendo la figura di Barnaba e dando nuova fisionomia a tutti gli altri personaggi. Nel novembre 1874 i primi due atti del libretto erano pronti e Ponchielli si apprestò ad iniziare il lavoro di composizione, pur tra mille dubbi, che lo accompagneranno fino al debutto dell'opera. Nonostante l'ammirazione incondizionata per Boito, Ponchielli riteneva infatti che l'elemento drammatico soverchiasse quello lirico e temeva, di conseguenza, una reazione negativa del pubblico. Egli capiva inoltre che l'audacia drammaturgica e formale di Boito l'avrebbe costretto a modificare il suo stile. Da una lettera del 3 giugno 1875 all'amico musicista Achille Formis:Le continue richieste di modifiche al libretto erano evase malvolentieri da Boito, già impegnato a portare in scena la nuova versione del suo Mefistofele , tanto che il compositore cremonese cercò, per ottenerle, il tramite dell'editore Ricordi. Il 19 giugno 1875 il primo atto era comunque terminato, sebbene senza orchestrazione, ma Ponchielli - forse per fuggire le proprie paure - si era nel frattempo impegnato a comporre una cantata in onore di Gaetano Donizetti, che fu eseguita a Bergamo il 13 settembre 1875, e ad iniziare la revisione della giovanile Savoiarda che porterà alla Lina.Ponchielli rimise dunque mano alla Gioconda, ma più la prima si avvicinava, più il panico cresceva. Così scriveva il 31 dicembre a Giulio Ricordi:Alla conclusione del lavoro mancano solo quattro pezzi: il finale del terzo atto, la Danza delle Ore, il duetto finale del quarto atto e la sinfonia. Il 12 gennaio 1876 l'abbozzo è terminato tranne i ballabili e il preludio. Lo stesso giorno Ponchielli inizia la strumentazione. Ma i dubbi sul già fatto continuano a tormentarlo: il 24 gennaio informa l'editore di voler rivoluzionare il duetto tra Enzo e Barnaba dell'atto primo e che ben difficilmente potrà consegnare l'opera in tempo per eseguirla durante la stagione di carnevale.  Danza delle Ore fu composta a Milano quando le prove di canto erano già iniziate e, secondo una testimonianza, furono accolti alcuni suggerimenti di Luigi Manzotti, coreografo del Ballo Excelsior, musicato da Romualdo Marenco.

Prompt: Focus on Mona Lisa and explain the Genesis.Please output in Italian.

1837
1874
1875
1876
Achille Formis
Antonio Ghislanzoni
Arrigo Boito
Ballo Excelsior
Bergamo
Gaetano Donizetti
Giulio Ricordi
Luigi Manzotti
Milano
Piquillo Alliaga
Romualdo Marenco
Saverio Mercadante
Victor Hugo


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Madonna di Ince Hall

L'iscrizione sulla parete sinistra in alto recita: "COPLETV ANO D M CCCC XXXIIJ P IOHEM DE EYC BRVGIS". Si traduce "Completato nell'anno di Nostro Signore 1433 di Jan van Eyck, Bruges". A destra dell'arazzo compare il motto personale di van Eyck in lettere greche "ALC IXH XAN" , giocando sulla somiglianza tra il suo cognome e "IXH" ..

Prompt: In the context of Ince Hall Madonna, explain the Registration and the History.Please output in Italian.


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Ballo al Moulin Rouge

Toulouse-utrec si sentiva veramente a suo agio nell'ambiente del Moulin Rouge: lì, infatti, poteva essere autenticamente se stesso, siccome nessuno si curava né della sua malattia, né delle sue origini aristocratiche. Con questo Ballo al Moulin Rouge, in particolare, il pittore intende cogliere l'ordinaria follia e l'ambiguità di una notte di Montmartre.

Prompt: In At the Moulin Rouge, The Dance, how is the Toulouse-Lautrec painted it of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Madonna del Ceppo

L'opera mostra la Madonna col Bambino in trono, affiancata dai santi Stefano e Giovanni Battista. In basso Francesco Datini presenta alla Vergine i quattro committenti: Andrea di Giovanni Bertelli, Filippo Manassei, Pietro Pugliesi e Jacopo degli Obizzi.Il fondo oro ha un gusto arcaicizzante, probabilmente da mettere in relazione con la cultura figurativa non ancora aggiornata della cittadina toscana. L'opera è sempre stata considerata autografa del maestro, tutt'al più con la collaborazione degli aiuti, in particolare Fra Diamante o il Pesellino, nei volti dei quattro committenti.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna del Ceppo.Please output in Italian.


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Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious, the macabre, the aberrant in Van Gogh self-portrait (1889)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


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Ritratto del vescovo Bernardo de' Rossi

Rappresentato a mezza figura, col busto di tre quarti e il volto girato verso lo spettatore, il giovane vescovo è ritratto con un vivo realismo, che si sofferma su particolari come l'incarnato rubicondo, le occhiaie appena accennate, le leggere imperfezioni della pelle. Dalla berretta nera sporgono alcuni riccioli castano chiaro, che evidenziano il fisiotipo nordico, così come gli occhi azzurri ed espressivi.  mantella rossa spicca sullo sfondo scuro, una tenda verde qua e là increspata, tipica dell'arte veneziana a cavallo tra Quattro e Cinquecento. mano destra, vicino al bordo, è ornata da un anello su cui è inciso lo stemma di famiglia, il leone, e stringe con fermezza un rotolo manoscritto, un gesto rivelatore dell'energia e determinazione del soggetto. Ciò riecheggia le suggestioni psicologiche di Antonello da Messina, mentre la saldezza plastica della figura, la luce forte e incidente, che crea ombre profonde, e l'attenzione al dettaglio sono legati alle suggestioni dell'arte nordica, in particolare Dürer, che forse Lotto aveva conosciuto in maniera indiretta, tramite disegni. Il rotolo forse contiene la condanna verso la congiura organizzata nei suoi confronti nel 1503.Il vescovo appare anagraficamente in linea con quello presente nella scena dellIncredulità di san Tommaso della chiesa di San Nicolò di Treviso, databile ai primi anni del Cinquecento e assegnato all'anonimo Maestro veneto dell'Incredulità, seguace di Giovanni Bellini.Il dipinto napoletano costituisce uno dei capolavori della ritrattistica del Cinquecento italiano, nonché il primo in assoluto del giovane pittore .

Prompt: Focus on Portrait of Bishop Bernardo de' Rossi and explain the Description and style.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Giovanni Bellini
Treviso


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Madonna in trono col Bambino e angeli musicanti

L'opera proviene dalla chiesa di San Domenico dove venne vista e descritta nel XVI secolo da Giorgio Vasari e ancora da Baldassarre Orsini nel XVIII secolo. Giovanni Battista Cavalcaselle la vide nella cappella del noviziato nel 1861, prima che venisse musealizzata nel 1863 con il ridimensionamento dei possedimenti religiosi a seguito dell'Unità d'Italia. Da allora si trova nella Galleria nazionale dell'Umbria.È generalmente attribuita a un periodo dell'attività di Gentile ricco di viaggi, quando si spostava tra Venezia, le Marche e l'Umbria. A causa dei molti elementi veneziani dell'opera , la critica la colloca generalmente nel periodo veneziano che dovette succedere a quello pavese interrotto bruscamente dalla morte di Gian Galeazzo Visconti, sopraggiunta improvvisamente nel settembre del 1402. Gli elementi stilistici la fanno comunque anteporre al Polittico di Valle Romita dello stesso autore, databile al 1406-1410. Alcuni accademici, pochi comunque, la collocano addirittura agli ultimi anni del soggiorno fiorentino , cogliendo nella composizione volumetrica del Bambino un richiamo a quello di Masaccio nella Sant'Anna Metterza .

Prompt: Focus on Madonna and Child (Gentile da Fabriano, Perugia) and explain the History.Please output in Italian.

1410
Baldassarre Orsini
Galleria nazionale dell'Umbria
Gian Galeazzo Visconti
Giorgio Vasari
Giovanni Battista Cavalcaselle
Marche
Masaccio
Polittico di Valle Romita
Polittico di Valle Romita
Sant'Anna Metterza
Umbria
Venezia
XVIII secolo
XVI secolo


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Schiavo giovane

Umberto Baldini, Michelangelo scultore, Rizzoli, Milano 1973. Marta Alvarez Gonzáles, Michelangelo, Mondadori Arte, Milano 2007. ISBN 978-88-370-6434-1 AA.VV., Galleria dell'Accademia, Giunti, Firenze 1999. ISBN 88-09-04880-6

Prompt: In Young Slave, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-Portrait (Annibale Carracci) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Duello tra donne

Il quadro illustra un presunto episodio avvenuto a Napoli nel 1552: due donne, Isabella de Carazzi e Diambra de Pottinella, si sarebbero affrontate in duello alla presenza del marchese del Vasto per amore di un uomo chiamato Fabio di Zeresola.Il soggetto del dipinto è stato anche interpretato come allegoria della lotta tra il Vizio e la Virtù.

Prompt: Focus on Women Gladiators (Ribera) and explain the Subject.Please output in Italian.


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Immacolata Concezione

L'Immacolata Concezione è un giorno festivo nei seguenti Paesi: Austria, Liechtenstein, nei cantoni a prevalenza cattolica della Svizzera, Argentina, Spagna, Cile, Nicaragua, Portogallo, Colombia, Italia e Malta.Nel 1646, durante la Guerra dei trent'anni, l'imperatore Ferdinando III d'Asburgo fece consacrare l'Austria all'Immacolata Concezione. In Austria l'8 dicembre viene festeggiato sin dal XVII secolo. A partire dal '95, la legge che regolamenta gli orari di apertura e di chiusura degli esercizi commerciali ha concesso a numerosi negozi e magazzini di restare aperti in tale giorno.Secondo una norma speciale del diritto canonico, l'Immacolata Concezione non è una "festività religiosa" in Germania. Fino al 1969 questo giorno era qualificato come festività religiosa tutelata dallo Stato senza essere un giorno festivo

Prompt: In the context of The Immaculate Conception of Los Venerables, explain the Feast of the Immaculate Conception and the Oppositional dogma.Please output in Italian.

8 dicembre
Argentina
Austria
Cile
Colombia
Ferdinando III d'Asburgo
Guerra dei trent'anni
Italia
Liechtenstein
Malta
Nicaragua
Portogallo


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Lo stupro

Intérieur – è questa la denominazione originaria assegnata da Degas, che ha sempre guardato con diffidenza il titolo vulgato de Le viol [Lo stupro] – riassume in nuce l'atteggiamento che il pittore aveva nei confronti della luce notturna, e si propone in particolare come uno studio atto a «mettere particolarmente in risalto la luce crepuscolare, le lampade, le candele, ecc.». In effetti questa è una tela che dimostra in maniera esemplare le divergenze tra la poetica di Degas e quella degli Impressionisti. Mentre questi ultimi erano completamente assoggettati al plein air e ricercavano indefessamente i fremiti cromatici della natura, Degas prediligeva gli accordi offerti dal nero, dall'ocra e dalla luce artificiale, la quale – a differenza di quella naturale – poteva essere manipolata più facilmente.Degas risolve in maniera magistrale la tessitura luministica di questo dipinto, giocandola sul sapiente dosaggio tra il buio, crudo e minaccioso, e la luce fioca dellabat-jour e del fuoco del caminetto. A sinistra è raffigurata una donna in sottoveste, afflosciata su una sedia, impotente e umiliata. Il corsetto abbandonato sul pavimento, il letto intatto, le forbici aperte sul tavolo a fianco ai monili e la fodera della scatola tinta di un rosso macabro sono indizi molto eloquenti che confermano la tristezza dell’episodio che si è appena consumato. Persino lo specchio sullo sfondo, espediente già usato da Degas ne  famiglia Bellelli, non serve per ampliare in maniera disinvolta lo spazio pittorico bensì rinvia a una sensazione di confusione e malessere. A destra del dipinto, infine, incombe minacciosamente l'uomo, luttuoso fantasma dell'Ottocento, che osserva silenziosamente la scena e la disperazione della compagna. I suoi occhi scintillano enigmaticamente nel buio, e come se non bastasse emana un'ombra scura e inquietante.Di là dal gioco allusivo delle immagini, in questa scena emergono precisi «messaggi». Il dipinto, infatti, contiene una ricca simbologia che Degas espone impietosamente agli occhi dello spettatore, il quale diventa inconsapevolmente testimone dell'efferatezza dello «stupro». Di seguito viene riportata la lettura datane dal critico d'arte Bernd Growe:</ref>}}Il dipinto, che con il suo macabro espressionismo sembra quasi preludere ad alcune soluzioni che verranno adottate nel Novecento da Edvard Munch, si ispira a diverse fonti letterarie e figurative. Il tema, per esempio, era già stato affrontato nel Settecento da Fragonard, autore di un dipinto denominato Il chiavistello dove tuttavia la lotta non è rivisitata in chiave drammatica e, anzi, la sua giocosità dichiara l’imminenza di un amplesso amoroso. Per quanto concerne i debiti con la letteratura vi sono interpretazioni divergenti: Rivière, ad esempio, vi ha individuato dipendenze con Francois d’Hérilieu di Duranty, mentre Adhémer e Reff vi ravvisano un'eco rispettivamente della Madeleine Férat e della Teresa Raquin di Zola.

Prompt: Focus on Interior (Degas) and explain the Description.Please output in Italian.


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Ritratto di Federico II Gonzaga

Il duca di Mantova Federico II Gonzaga si fece ritrarre a mezza figura, in piedi su uno sfondo scuro neutro, con una mano sulla spada e l'altra che accarezza una cagnolino maltese, come a sottolineare la sua doppia natura: amichevole con chi gli è fedele, pronto allo scontro con i nemici. Il cane veniva solitamente usato nei ritratti femminili ed è in questo caso simbolo di fedeltà. barba è lunga, come la moda cinquecentesca, lo sguardo attento e intelligente. Indossa una sontuosa casacca con bordi decorati da inserti ricamanti, stretta in vita e ampia sui fianchi. Al collo ha una collana di perle nere, con un crocifisso che testimonia la sua fede, una notazione che sottolineava la sua redenzione rispetto al passato burrascoso.

Prompt: In Portrait of Federico II Gonzaga, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Ritratto di Luca Pacioli

Riguardo alla discussa paternità del dipinto Simone Ferrari, studioso della materia, dichiara: “Personalmente ritengo che il cartellino vada sciolto a favore di Jacopo de' Barbari e che l'attribuzione sia confermata dalla cifra stilistica.”Per contro, l'accostamento del nome di Jacopo de' Barbari all'iscrizione del cartiglio è soltanto parziale e non trova altri supporti di convalida, mentre la firma mediante una sigla  ed un simbolo , usati sistematicamente dal de' Barbari, non sono rinvenibili nel dipinto.Secondo Francesca Cortesi Bosco, l'attribuzione al de' Barberi sopravvive solo per ragioni inventariali e va esclusa per ragioni stilistiche, tecniche e pittoriche. A suo parere, il dipinto è stilisticamente lontano, ma cronologicamente prossimo, alle opere note di de' Barbari. Lo stile sarebbe avvicinabile a quello di Alvise Vivarini, indicando come possibile autore un pittore della sua bottega.

Prompt: Explain the Jacopo de' Barbari about the Author's identity of this artwork, Portrait of Luca Pacioli.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Francesca Cortesi Bosco
Jacopo de' Barbari


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait with Skeleton, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Ad Parnassum

Ad Parnassum  è un dipinto a olio su tela di Paul Klee realizzato nel 1932. È attualmente esposto al Kunstmuseum a Berna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ad Parnassum.Please output in Italian.


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Ritratto di Andrea Odoni

Il formato orizzontale era già stato utilizzato dall'artista per ritratti di coniugi e in questo caso è sperimentato anche per un ritratto singolo, del gentiluomo tra la propria collezione di marmi antichi. Indicato spesso come opera-simbolo dell'umanista nel suo studiolo, il Ritratto di Andrea Odoni pare che però non mostri pezzi realmente presenti nelle collezioni del ricco mercante e politico veneziano, a parte la testa di Adriano in primo piano a destra. L'insieme deve quindi essere legato a significati simbolici, che alludono alla natura e alle virtù dell'effigiato. L'uomo è mostrato seduto presso un tavolino, indossa un robone, una ricca veste bordata di pelliccia;  tiene in mano una statuetta, forse immagine di una Diana Efesina, protendendola verso lo spettatore mentre la mano sinistra è portata al petto, con enfasi sentimentale tipica delle opere di Lotto. Sul tavolo si trova un libretto, con lacci, e alcune medaglie.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Portrait of Andrea Odoni.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Polittico di Zara

Il polittico, composto da sei pannelli principali su due ordini, mostra al centro San Martino e il povero  e San Girolamo e il donatore. L'opera, della fase giovanile dell'artista, mostra attinenza con la prima opera datata, lArrivo dei pellegrini a Colonia  delle Storie di sant'Orsola, come il trattamento di alcuni dettagli del paesaggio, e una certa ruvidezza che tradisce un impaccio giovanile.Il pittore tentò un accordo tra figure e sfondo attraverso la luce, di ascendenza antonelliana, legata a un uso naturale del colore, come Giovanni Bellini. Le figure grandeggiano sullo sfondo di colline petrose, senza una gestione unitaria dello spazio legata alle regole della prospettiva, ma piuttosto organizzata per blocchi separati, come avveniva nelle opere di Gentile Bellini.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Zadar Polyptych.Please output in Italian.

Arrivo dei pellegrini a Colonia
Gentile Bellini
Giovanni Bellini
Storie di sant'Orsola


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Danza alla musica del Tempo

Danza alla musica del Tempo, anche noto con i titoli  danza della vita umana e  danza della Vita al suono del Tempo , è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1634 e il 1635 e conservato nella Collezione Wallace di Londra.Quando il dipinto venne venduto nel 1845 venne chiamato  Danse des Saisons, ou l'Image de la vie humaine .

Prompt: In A Dance to the Music of Time (painting), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Rhythm in Space

Foto della scultura Rhythm in Space scattata da André Rhythm in Space è il titolo di almeno due sculture realizzate dall'artista svizzero Max Bill.  prima scultura da lui realizzata che porta questo nome è stata creata nel 1962 utilizzando il granito. Fa parte del patrimonio del Dallas Museum of Art, Foundation for the Arts Collection, a cui è stata donata dalla moglie di James H. Clark, ma attualmente non è esposta. Si tratta di una scultura astratta costituita da una colonna coronata da tre anelli sovrapposti, i cui bordi esterni sono contigui a quelli interni. Le misure sono 144.7 x 49.5 x 149.8 cm .Cinque anni dopo Max Bill realizza un'altra scultura a cui attribuisce lo stesso titolo, ma che presenta alcune caratteristiche diverse. Il materiale prescelto questa volta è la diorite nera e le dimensioni sono diverse: 260 cm × 150 cm × 91 cm . Quest'ultima scultura è collocata presso il Lynden Sculpture Garden a Milwaukee, Wisconsin.

Prompt: How does Rhythm in Space explain its Abstract?Please output in Italian.

Dallas Museum of Art
Lynden Sculpture Garden
Max Bill
Milwaukee
Wisconsin


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Pala di San Zaccaria

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099XPierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: In San Zaccaria Altarpiece, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

quarta tavola mostra lAscesa all'Empireo, in cui una serie di anime nude, trasportate da coppie di angeli, vengono condotte verso un tunnel con in fondo una grande luce, quella del Paradiso. Si tratta di un'invenzione di grande efficacia, resa con la semplice giustapposizione di cerchi non concentrici scalati nella tonalità dal blu più scuro all'azzurro chiaro, forse ispirata a miniature tardo-medievali. Le anime appaiono come attratte e risucchiate dalla luce e dal colore, presentandosi in ginocchio e senza peso verso il varco, con un andamento ascendente a zig-zag di notevole efficacia. In fondo al tunnel le aspetta un personaggio, forse un angelo o san Pietro, immerso nella luce assoluta.

Prompt: Describe the characteristics of the Ascent to the Empyrean in Ascent of the Blessed's Description and style.Please output in Italian.


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Morte di Cleopatra

leftSecondo lo storico Plutarco, Olimpo, il medico personale di Cleopatra, affermò in un commentario che la causa della morte della regina non era dovuta al morso di un serpente: ciononostante, lo storico greco riportò la morte dovuta al morso dell'aspide, oltre a fornire un'altra versione del suicidio attraverso un oggetto appuntito. Strabone, che riportò per primo il racconto della morte, scrisse che era probabile che Cleopatra si fosse suicidata facendosi mordere da un aspide o bevendo del veleno. Secondo Cassio Dione furono trovati dei piccoli segni sul braccio di Cleopatra, L'egittologo Wilhelm Spiegelberg affermò che la scelta di Cleopatra di suicidarsi con un aspide richiamava il suo status reale, in quanto l'aspide, in realtà il cobra egiziano, rappresentava l'ureo, il serpente sacro del dio del sole Ra. Il professore universitario statunitense Robert A. Gurval fece notare come lo stratego ateniese Demetrio di Falero, relegato in Egitto dal faraone Tolomeo II Filadelfo, si fosse suicidato in una maniera molto simile. François Pieter Retief, preside della facoltà di medicina all'Università dello Stato Libero, in Sudafrica, e Louise Cilliers, ricercatrice onoraria del dipartimento di studi di lettere classiche della stessa università, affermano come sia improbabile che un serpente uccida tre donne adulte  così rapidamente. Quanto alla teoria della forcina per capelli e a quella del veleno, Cilliers e Retief fanno notare come altre figure del mondo antico si siano suicidate in modi simili, come Demostene, Annibale Barca e Mitridate VI del Ponto. Nel suo libro The Murder of Cleopatra: History's Greatest Cold Case, la scrittrice Pat Brown avanza l'ipotesi che la regina sia stata assassinata e i dettagli dell'accaduto siano stati nascosti dalle autorità romane. Questo stravolgerebbe la maggioranza delle fonti primarie sull'accaduto, che concordano nell'affermare che la sovrana sia morta suicida.  storica Patricia Southern ipotizza che sia stato Ottaviano stesso a lasciare che Cleopatra morisse di sua mano invece di ucciderla.

Prompt: Describe the characteristics of the Cause of death in Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Annibale
Cassio Dione
Cleopatra
Demostene
Mitridate VI del Ponto
Patricia Southern
Plutarco
Ra
Strabone
Sudafrica
Tolomeo II
Università dello Stato Libero
Wilhelm Spiegelberg


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Sposalizio della Vergine

Lo sposalizio di Maria e Giuseppe non è descritto nella Bibbia, e vi si fa riferimento solo in alcuni vangeli apocrifi. Nella tradizione ebraica, il matrimonio era un contratto stipulato tra le famiglie dei due nubendi: il padre dello sposo si recava da quello della sposa per proporre l'unione, e se la ragazza avesse accettato i due giovani sarebbero stati "promessi", e sarebbero andati a vivere assieme dopo un anno .Liturgicamente, l'osservanza dello sposalizio della Vergine come festa nasce probabilmente intorno al XV secolo, quando Jean Gerson, Gran Cancelliere dell'Università di Parigi morto nel 1429, lascia disposizione testamentaria di far celebrare una messa ogni 23 gennaio in onore del matrimonio di Maria e Giuseppe; da qui la ricorrenza viene inserita nei calendari di diversi ordini religiosi, a partire dai francescani e proseguendo con servi di Maria, domenicani, carmelitani e stimmatini .Tuttavia la memoria non è mai entrata nel calendario ufficiale della Chiesa cattolica, specialmente perché considerata ridondante rispetto a quella della Sacra Famiglia; dal 1961 la Congregazione dei riti ha relegato lo sposalizio della Vergine alle "feste di devozione", permettendone la celebrazione solo per motivi o luoghi particolari.

Prompt: How does Marriage of the Virgin (Campin) explain its History?Please output in Italian.

23 gennaio
Bibbia
Chiesa cattolica
Congregazione dei riti
Jean Gerson
Sacra Famiglia
Università di Parigi
XV secolo


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Estasi di santa Cecilia

Uno dei problemi della pala è quello dell'autografia. Come noto in quel periodo Raffaello usava massicciamente aiuti e lo stesso Vasari assegnò la raffigurazione degli strumenti musicali ai piedi della santa a Giovanni da Udine. Il disegno della testa felina della voluta della viola da gamba richiama quello delle teste leonine della sedia del Ritratto di Dona Isabel de Requesens ad indicare un possibile intervento di Giulio Romano. Per il resto, la critica, sulla scorta anche di recenti restauri, riconosce un preponderante intervento di Raffaello ad avvalorare l'autografia raffaellesca del dipinto.Evidenti a occhio nudo sono le discrepanze nello stile pittorico, ad esempio tra la massa imponente e opaca del san Paolo, alla veste illuminata incidentemente della Maddalena, con riflessi setosi e alabastrini che a Roberto Longhi fecero pensare alla scuola emiliana degli anni immediatamente successivi .

Prompt: In The Ecstasy of Saint Cecilia, how is the Autograph of the Style explained?Please output in Italian.

Giovanni da Udine
Giulio Romano
Ritratto di Dona Isabel de Requesens


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medaglia di Giovanni VIII Paleologo

medaglia di Giovanni VIII Paleologo fu realizzata in bronzo dall'artista italiano Pisanello nel 1438 e misura 10,2 cm di diametro. Fu la prima medaglia moderna in assoluto. Se ne conservano diversi esemplari in vari musei e collezioni.

Prompt: Focus on Medal of John VIII Palaeologus and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna Poldi Pezzoli

Madonna Poldi Pezzoli  è un dipinto tempera su tela  di Andrea Mantegna, databile al 1490-1500 circa e conservato nel Museo Poldi Pezzoli di Milano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Poldi Pezzoli Madonna.Please output in Italian.


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Lucifero

Il termine significa letteralmente Portatore di luce, in quanto tale denominazione deriva dall'equivalente latino lucifer, composto di lux  e ferre , sul modello del corrispondente greco phosphoros , e in ambito sia pagano che astrologico esso indica la cosiddetta «stella del mattino», cioè il pianeta Venere visibile all'aurora, ed è anche identificato con questo nome. Nella corrispondenza tra divinità greche e romane l'apparizione mattutina del pianeta Venere era personificata dalla figura mitologica del dio greco Phosphoros e del dio latino Lucifer. Analogamente in Egitto Tioumoutiri era la Venere mattutina. Nell'antico Vicino Oriente, inoltre, la "stella del mattino" coincideva con Ishtar per i Babilonesi; Astarte per i Fenici; Inanna per i Sumeri.In ambiti dell'occultismo e dell'esoterismo, infine, Lucifero sarebbe il detentore di una sapienza inaccessibile all'uomo comune.

Prompt: Explain the Original meaning of this artwork, Lucifer (Stuck).Please output in Italian.


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Arca di san Domenico

rca di san Domenico è il monumento sepolcrale realizzato per Domenico di Guzmán . Si trova nella basilica di San Domenico di Bologna, più precisamente nella cappella di San Domenico, aperta sulla navata destra della basilica. L'aspetto attuale è il frutto di diversi interventi effettuati tra il XIII e il XVIII secolo.È una delle più importanti opere d'arte della città anche per testimonianze lasciate da Nicola Pisano, fra' Guglielmo e Arnolfo di Cambio, Niccolò dell'Arca, Michelangelo e Alfonso Lombardi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Arca di San Domenico.Please output in Italian.

Alfonso Lombardi
Arnolfo di Cambio
Bologna
Domenico di Guzmán
Niccolò dell'Arca
Niccolò dell'Arca
Nicola Pisano
Domenico di Guzmán
XVIII secolo


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Soldato con ragazza sorridente

In uno dei suoi libri di maggior successo Città di vetro, ambientato a New York, lo scrittore americano Paul Auster cita l'opera di Jan Veermer, attraverso il pensiero del protagonista, l'investigatore Daniel Quinn: «Per un momento Quinn pensò al quadro di Vermeer con il soldato e la ragazza che sorride, cercando di ricordare l'espressione sul viso della fanciulla, l'esatta posizione delle sue mani intorno alla coppa, il dorso rosso dell'uomo senza volto. Mentalmente, ebbe una fugace visione della mappa azzurra appesa al muro, inondata dalla luce del sole che si riversava dalla finestra» .

Prompt: In Officer and Laughing Girl, how is the Literary citations discussed?Please output in Italian.


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Jeanneke Pis

Prompt: In Jeanneke Pis, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Caterina d'Alessandria

Luciano Vaccaro, Giuseppe Chiesi, Fabrizio Panzera, Terre del Ticino. Diocesi di Lugano, Editrice  Scuola, Brescia 2003, pp. 87, 122, 149, 229, 234-236, 249-251, 259 , 267, 268, 308, 316, 342 , 382, 437. Simona Negruzzo, Il culto di Santa Caterina d’Alessandria nelle università d’Occidente, in Santi patroni e Università in Europa, Bologna, Clueb, 2013, pp. 33–54.S. Caterina si venera anche a scala di Salerno Nicola Bozzi, Ipazia di Alessandria e l'enigma di Santa Caterina, Aurora Boreale 2018

Prompt: How does Catherine of Alexandria (Palladas) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Mentre la Stanza della Segnatura era in via di completamento, Raffaello, nell'estate del 1511, incominciò a elaborare i disegni per la decorazione della stanza successiva, destinata a sala delle Udienze. A giugno il papa era tornato a Roma dopo una campagna militare disastrosa contro i francesi, che aveva comportato la perdita di Bologna e la continua minaccia degli eserciti stranieri nella penisola.In quel momento di incertezza politica venne deciso un programma decorativo che sottolineasse la protezione accordata da Dio alla sua Chiesa in alcuni momenti della sua storia, descrivendo interventi miracolosi contro nemici interni ed esterni, e affidandosi al culto dell'eucaristia, particolarmente caro al papa.Quattro gli affreschi alle pareti:# Cacciata di Eliodoro dal tempio # Messa di Bolsena # Liberazione di san Pietro # Incontro di Leone Magno con Attila Nella volta Raffaello ha rappresentato quattro episodi biblici. Rispetto alla stanza precedente appaiono evidenti le novità stilistiche, derivate dal confronto con Michelangelo e con i coloristi veneti. Le scene sono più concitate, con ombre più profonde, colori più densi, composizioni in cui la ricerca di simmetria si fa più libera e sciolta, fino alla prima scena completamente asimmetrica, lIncontro di Leone Magno con Attila, anche per la contrapposizione tra la furia degli Unni e il pacato avanzare del papa, sicuro della propria infallibilità garantita dalla protezione divina.Lo schema è il seguente: { border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! to !! Immagine !! Volta !! Immagine !! Lunetta- Est  100px  Roveto ardente  120px  Cacciata di Eliodoro dal tempio - Sud  100px  Sacrificio di Isacco  120px  Messa di Bolsena - Ovest  100px  Apparizione di Dio a Noè  120px  Incontro di Leone Magno con Attila - Nord  100px  Scala di Giacobbe  120px  Liberazione di san Pietro}

Prompt: In the context of Raphael Rooms, explain the Eliodoro's room and the Description.Please output in Italian.

1511
Bologna
Cacciata di Eliodoro dal tempio
Incontro di Leone Magno con Attila
Messa di Bolsena
Stanza della Segnatura


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Giovane donna nuda allo specchio

Giovane donna nuda allo specchio è un dipinto a olio su tavola di pioppo  di Giovanni Bellini, databile al 1515 e conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Prompt: In Naked Young Woman in Front of a Mirror, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1515
Giovanni Bellini
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Giustizia

DikeDiritto EticaGiudice GiurisdizioneGiustizia amministrativa Giustizia militareGiustizia politica Ipotesi del mondo giustoMagistraturaMorale

Prompt: Focus on Justice (Titian) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Dike
Diritto
Etica
Giudice
Giurisdizione
Giustizia militare
Giustizia politica
Ipotesi del mondo giusto
Magistratura
Morale


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Allegoria sacra

Il paesaggio riveste un ruolo importante, autentica passione della pittura veneziana da Bellini in poi. Attraverso una sapiente modulazione di luce e colore le figure sono modellate senza l'aiuto visibile del disegno. Le linee di contorno infatti scompaiono e i soggetti appaiono così come corpi fatti unicamente di luce e colore, tipici elementi della prospettiva cromatica veneta. L'atmosfera è infatti impregnata di luce dorata, il naturalismo sottile e totale, il colore ricco e sfumato. Sebbene però vi si leggano i sintomi della nuova visione paesaggistica cinquecentesca, lo schema usato dal pittore è ancora tradizionale, legato a una costruzione razionale e controllata dell'insieme di matrice quattrocentesca.

Prompt: Explain the Style of this artwork, Holy Allegory.Please output in Italian.


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El jaleo

Alan Chong et al, Masterpieces from the Isabella Stewart Gardner Museum, Beacon Press, Boston, 2003, ISBN 0-8070-6612-5. Trevor Fairbrother, John Singer Sargent: The Sensualist, Yale University Press, 2000, p. 102. Nancy G. Heller,  "What's There, What's Not." American Art, 14, 1, 2000, p. 8. Elizabeth Kilmurray, Richard Ormond, John Singer Sargent, Tate Gallery Publishing Ltd, 1999, ISBN 0-87846-473-5. Elizabeth Prettejohn, Interpreting Sargent. Stewart, Tabori & Chang, 1998. Marc Simpson, Uncanny Spectacle The Public Career of the Young John Singer Sargent, Yale University Press, 1997. Louise Sweeney, "Sargent's 'El Jaleo' Dances Anew", The Christian Science Monitor, 12, 10 Marzo 1992.

Prompt: In El Jaleo, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.

1992
Boston
Isabella Stewart Gardner
John Singer Sargent


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Giapponeseria: Oiran

Vincent van Gogh nutrì nella sua vita un amore accanito per l'arte giapponese, che proprio verso la fine dell'Ottocento iniziò ad affluire massicciamente in Europa grazie all'apertura dei porti nipponici all'Occidente. L'infatuazione del pittore per gli ukiyo-e  era talmente viscerale da spingerlo a diventare un assiduo frequentatore della galleria di Siegfried Bing, un mercante d'arte franco-tedesco che conosceva assai approfonditamente l'arte e la cultura dell'Estremo Oriente e ne vendeva a Parigi i manufatti pittorici. Di seguito riportiamo lo stralcio di una lettera che Vincent inviò al fratello Théo il 24 settembre 1888:</ref>}}Molto spesso, poi, van Gogh si divertì a riproporre i capolavori dei grandi maestri nipponici in japonaiserie che, tuttavia, lasciavano trasparire anche la sua individuale sensibilità. Fu a partire da queste premesse che, nel settembre-ottobre 1887, il pittore licenziò questo olio su tela, denominato Giapponeseria: Oiran. Quest'opera, dalle dimensioni certamente notevoli, ritrae una figura femminile giapponese in kimono, particolare desunto da un'opera di Kesai Eisen che Vincent recepì consultando un numero della rivista Paris Illustré. Ebbene, la cortigiana si profila su un monumentale campo cromatico che, senza essere inquinato dagli sfumati chiaroscurali, ora può brillare di un giallo luminosissimo. Si noti, poi, come grazie all'avallo degli ukiyo-e van Gogh sia ritornato ad utilizzare i bianchi e i neri, colori ben evidenti nello splendido abito della donna. Sullo sfondo, infine, van Gogh intreccia un vero e proprio divertissement pittorico dall'impattante decoratività. In basso una rana «sorregge», per così dire, il rettangolo aureo nel quale è inscritta la cortigiana, mentre sopra il volto di quest'ultima galleggia placidamente una piccola imbarcazione. A sinistra, infine, troviamo due gru che assaporano la frescura di quel giardino acquatico, starnazzando all'ombra di un canneto: si tratta, questo, di un dettaglio che qualificherebbe la donna effigiata come una oiran .

Prompt: Focus on Japonaiserie (Van Gogh) and explain the Description.Please output in Italian.


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Madonna della Scodella

Il dipinto illustra un episodio dell'infanzia di Gesù narrato nel vangelo apocrifo dello pseudo-Matteo: nel corso del viaggio di ritorno in Palestina dopo la fuga in Egitto, durante una sosta all'ombra di una palma da dattero, la sacra Famiglia si sarebbe sfamata grazie alla pianta che, straordinariamente piegata, offriva i suoi frutti ai viaggiatori. Vergine è rappresentata nell'atto di raccogliere con una scodella dell'acqua apparsa in maniera miracolosa per dissetare il Bambino: da qui deriva la denominazione tradizionale dell'opera. Il titolo con cui è conosciuta è anche significativo dell'importanza visiva che il Correggio volle riservare, qui come nella Madonna della Cesta, al semplice oggetto della scodella.Tale iconografia non aveva conosciuto grande fortuna nella produzione artistica italiana. Era invece più frequente al Nord, come testimoniano opere di Albrecht Altdorfer e di Lucas Cranach.Il ruolo di protagonista di Giuseppe rispondeva alle esigenze della Confraternita che aveva commissionato il dipinto. L'immagine è costruita su una linea diagonale, che apre a sinistra con la scodella d'argento e segue l'intreccio di mani fra la Vergine, il Bambino e san Giuseppe.  posa del Bambino, in un calcolato contrapposto, gli permette di fare da trait d'union fra la scena rappresentata e il mondo reale degli osservatori a cui rivolge uno sguardo ammiccante.In alto una gloria di angeli si libra in un animato girotondo memore degli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Prompt: Focus on Madonna della Scodella and explain the Description and style.Please output in Italian.

Albrecht Altdorfer
Gesù
Madonna della Cesta
Palestina
Parma


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Annunciazione di San Giovanni Valdarno

Angelico Venturino Alce, Angelicus pictor: vita, opere e teologia del Beato Angelico, Edizioni Studio Domenicano, 1993. ISBN 8870941264Guido Cornini, Beato Angelico, Giunti, Firenze 2000 ISBN 88-09-01602-5

Prompt: How does Annunciation of San Giovanni Valdarno explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Monumento funebre di Gaspare Brunelli

Nel 1494 Gaspare Brunelli riceve dal priore del convento Francesco Sanson la conferma del patronato sulla cappella della Maddalena in San Francesco, oggi dedicata al Sacro Cuore. A partire dal medesimo anno hanno inizio alcuni lavori di abbellimento della cappella, nell'ambito di un più ampio contesto di rinnovamento dell'intera chiesa promosso dallo stesso Sanson.All'inizio del XX secolo, Paolo Guerrini recupera nell'archivio della famiglia Brunelli a Bassano Bresciano, oggi non consultabile poiché non ancora catalogato, "alcuni documenti" non meglio precisati, secondo i quali "risulta che il mausoleo fu compiuto nel 1496 da M.o Gaspare da Milano". Dato che sul sepolcro è incisa la data 1500, è verosimile che il documento reperito dal Guerrini ne costituisse il contratto di esecuzione. Lo studioso non riferisce neppure il nome del committente, ma è molto verosimile che si tratti dello stesso Gaspare, morto il 10 aprile 1497.Il monumento non ha mai mutato collocazione nel corso dei secoli, venendo tuttavia privato almeno del medaglione centrale e, probabilmente, anche della cimasa scultorea che doveva ornare il piedistallo superiore.

Prompt: In Tomb of Gaspare Brunelli, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Palude

Paludi del Bangweulu, Zambia Delta dell'Okavango, Botswana Sudd, Sudan Delta del Niger, Nigeria Delta interno del Niger, Nigeria

Prompt: Describe the characteristics of the Africa in A Wooded Marsh's Reclamation.Please output in Italian.

Botswana
Delta del Niger
Delta dell'Okavango
Delta interno del Niger
Nigeria
Sudan
Sudd
Zambia


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Miracolo della Croce caduta nel canale di San Lorenzo

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Miracle of the Cross at the Bridge of S. Lorenzo.Please output in Italian.


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Epifania

In Argentina, Paraguay, Uruguay e in altri paesi dell'America tina, il giorno dell'Epifania è chiamato Día de Reyes , che commemora l'arrivo dei Magi per venerare Gesù come figlio di Dio.  notte del 5 gennaio è conosciuta come la Noche de Reyes  durante la quale i bambini lasciano le scarpe vicino alla porta, insieme all'erba e all'acqua per i cammelli.  mattina seguente si alzano presto e corrono a vedere le loro scarpe, dove aspettano di trovare i doni lasciati dai "Reyes" che, secondo la tradizione, visitano le case dei bambini svegli. Il 6 gennaio si mangia una Rosca de Reyes  e tutte le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: Describe the characteristics of the Argentina, Paraguay, Uruguay in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

6 gennaio
Argentina
Dio
Gesù
Gesù
Paraguay
Uruguay


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Madonna del Latte e un angelo

Per via stilistica l'opera si colloca negli anni della commissione dei dipinti per la Cappella Del Bono in San Giovanni Evangelista, all'inizio del terzo decennio del Cinquecento.Purtroppo non si sa niente riguardo alla sua committenza né ad una sua provenienza anteriore al 1603 quando si trova registrata nell'inventario Aldobrandini a Roma.Fu quindi uno di quei dipinti, in genere di piccolo formato, che ebbero il compito di affermare nell'Urbe la fama del Correggio.A Roma fu probabilmente ammirata da Federico Barocci, affascinò più tardi il giovane pittore fiammingo Antoon van Dyck nonché il protagonista della grande stagione barocca, Pietro da Cortona.Fu questa piccola tavola ad essere citata da padre Ottonelli nel suo Trattato della Pittura e della Scultura, uso et abuso loro come modello per spiegare quanta fama un soggetto religioso potesse ottenere a differenza di un soggetto profano. Secondo padre Ottonelli i principali cardinali romani del Seicento avrebbero fatto a gara per poter possedere la Madonna del tte.Esiste un'incisione antica tratta dal dipinto e un disegno di Lelio Orsi che dimostra quanto l'artista emiliano ne fosse rimasto affascinato.

Prompt: Focus on Nursing Madonna with an Angel and explain the History.Please output in Italian.

1603
Aldobrandini
Antoon van Dyck
Federico Barocci
Lelio Orsi
Pietro da Cortona


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statua colossale di Costantino I

statua colossale di Costantino I, opera composita in marmo e bronzo dorato, fu una delle opere più importanti della scultura romana tardo-antica, alta ben 12 metri.Databile tra il 313  e il 324 , la statua era collocata nella basilica di Massenzio, ove nel 1486, sotto papa Innocenzo VIII, ne furono rinvenuti resti, oggi nel cortile di Palazzo dei Conservatori, ai Musei Capitolini.

Prompt: In Colossus of Constantine, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Polittico di Santa Caterina d'Alessandria

Il polittico presenta per la prima volta sette pannelli indipendenti, aggiungendo quindi complessità al polittico a cinque scomparti indipendenti introdotto da Duccio di Buoninsegna nel 1300-1305  e poi reiterato dallo stesso artista e da altri negli anni successivi. Inoltre, la presenza di una predella, di una galleria di apostoli e di cuspidi aggiunge ulteriore complessità, creando un'opera solenne e imponente.Sono inoltre presenti archi a tutto sesto trilobi al di sopra delle 7 figure principali, sostituendo i precedenti archi a tutto sesto senza trilobatura di impronta duccesca. Questo tipo di arco rappresenta una transizione verso l'arco a sesto acuto trilobo che lo stesso Simone Martini introdurrà con i successivi 3 polittici di Orvieto .I chiaroscuri per la resa dei volti e delle vesti sono migliori di quelli della Maestà del Palazzo Pubblico di Siena  e dello stesso livello del Polittico di San Gimignano , un'evoluzione che fu dovuta al contatto di Simone Martini con Giotto qualche anno prima ad Assisi. A tal proposito si può notare la veste bianca sotto il mantello scuro di san Pietro Martire, in cui si nota come le pieghe verticali siano volumetriche e come la luce sfumi da destra verso sinistra, secondo un'unica fonte di luce. Si noti ancora la gradazione della veste rossa di santa Maria Maddalena, che passa da un rosso molto luminoso a sinistra ad un rosso scurito a destra. O infine si osservino le pieghe del mantello di santa Caterina d'Alessandria, che sembrano incresparsi e scurirsi in punti precisi.Nella stessa figura di santa Caterina d'Alessandria spicca un mantello con una dettagliatissima fantasia decorativa, con una grossa spilla sul petto ricca di pietre preziose, con bordature anch'esse incastonate di pietre preziose. Persino i polsini della santa sono decorati. E ovviamente le aureole sono punzonate in maniera sistematica. È la grande capacità di orafo di Simone Martini messa al servizio della sua arte pittorica, una capacità che è ammirabile anche nella precedente Maestà del Palazzo Pubblico di Siena .

Prompt: Explain the Style of this artwork, Saint Catherine of Alexandria Polyptych.Please output in Italian.

1300
1305
Assisi
Duccio di Buoninsegna
Giotto
Maestà del Palazzo Pubblico di Siena
Orvieto
Simone Martini


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Briganti italiani sorpresi dalle truppe Pontificie

Prompt: Focus on Italian Brigands Surprised by Papal Troops and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Apocalisse

L'elemento del misterioso, evidente sia nell'oggetto che nelle modalità della narrazione, è una delle caratteristiche salienti di ogni tipica apocalisse.  letteratura delle visioni e dei sogni ha le sue tradizioni, che sono particolarmente persistenti; e questo aspetto inusuale è ben illustrato nelle composizioni giudaiche, o meglio giudaico-cristiane, prese in considerazione.Tale qualità apocalittica appare in maniera molto evidente  nell'uso dell'immaginario fantastico. Le migliori illustrazioni sono complete delle strane creature che appaiono in moltissime visioni; "bestie" nelle quali le proprietà di uomini, mammiferi, uccelli, rettili o di esseri meramente immaginari sono combinate in modi stupefacenti e spesso grotteschi. Quanto tali figure siano caratteristiche lo si può vedere dalla seguente lista di passaggi in cui le suddette creature sono presentate: Dan. 7:1-8, 8:3-12 ; Enoch, lxxxv.-xc.; 2 Esd. 11:1-12:3, 11-32; Apoc. greca di Bar. ii, iii; Testamento ebraico di Naphtali, iii.; Ap. 6:6ff , ix.7-10, 17-19, xiii.1-18, xvii.3, 12; Pastore di Erma, "Visione", iv.1. Alcuni esseri mitici o semi-mitici che appaiono nel Vecchio Testamento giocano altresì un ruolo di importanza saliente in questi testi. Così il "Leviatano" e "Behemoth" ; "Gog e Magog" . Come ci si potrebbe aspettare, anche le mitologie straniere apportano talvolta un contributo .

Prompt: Describe the characteristics of the The mysterious fantastic in Apocalypse (Dürer)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Behemoth
Gog e Magog
Leviatano
Pastore di Erma


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Annunciazione Bartolini Salimbeni

I santi a tutta figura, disposti verticalmente sui pilastrini laterali, sono di qualità debole, frutto dell'opera della bottega del maestro. A sinistra sono Stefano, Girolamo, Giovanni Gualberto ed Elisabetta d'Ungheria; a destra Agostino, Bonaventura, Bernardo  e Francesco.  scelta dei santi riflette la collocazione della pala in una chiesa vallombrosana, con i santi venerati dall'ordine, a cui si aggiungono le figure che si erano espresse a favore della dottrina dell'Immacolata Concezione.

Prompt: In the context of Bartolini Salimbeni Annunciation, explain the Small pilasters and the Description and style.Please output in Italian.

Elisabetta d'Ungheria
Giovanni Gualberto


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Adorazione del Santo Nome di Gesù

LAdorazione del Santo Nome di Gesù, conosciuto anche in alcune fonti moderne come Il sogno di Filippo II o Allegoria della Lega Santa  è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato nel 1579  nel suo primo mandato toledano e conservato nel Monastero dell'Escorial a San Lorenzo de El Escorial in Spagna.

Prompt: How does Adoration of the Holy Name of Jesus explain its Abstract?Please output in Italian.

1579
El Greco
Monastero dell'Escorial
San Lorenzo de El Escorial
Spagna


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Morte di Cleopatra

Un Dopo il primo triumvirato e l'assassinio di Giulio Cesare, avvenuto nel 44 a.C., i politici romani Ottaviano, Marco Antonio e Marco Emilio Lepido vennero eletti come triumviri per combattere gli assassini di Cesare, formando il secondo triumvirato. Dato che nel 36 a.C. Lepido finì per essere esautorato dalla vita politica e scelse di esiliarsi al Circeo, Ottaviano finì per controllare i territori romani in Europa occidentale, mentre Antonio governava quelli orientali. Cleopatra Tea Filopatore era la sovrana dell'Egitto tolemaico e aveva avuto una relazione con Giulio Cesare, dal quale ebbe Tolomeo XV, detto Cesarione. Dopo la morte di Cesare, Cleopatra iniziò una relazione con Antonio.Nel 32 a.C., incoraggiato da Cleopatra, Marco Antonio divorziò ufficialmente da Ottavia minore, la sorella di Ottaviano. Tale divorzio fu, insieme alla scoperta delle donazioni di Alessandria, uno dei fattori che spinsero il senato romano, ora sotto il controllo di Ottaviano, a dichiarare guerra alla regina del Nilo.Nel 31 a.C., dopo la disastrosa sconfitta nella battaglia navale di Azio, presso il golfo di Ambracia, Antonio e Cleopatra si ritirarono in Egitto per riprendersi e prepararsi per un eventuale assalto di Ottaviano, le cui forze erano aumentate di numero grazie alla resa di molti generali e soldati di Antonio in Grecia. Dopo un lungo periodo di diplomazia inutile, l'esercito di Ottaviano invase l'Egitto nella primavera dell'anno seguente. Dopo la conquista di Pelusio, ai confini orientali del regno dei Tolomei, da parte di Ottaviano, il suo generale Cornelio Gallo marciò da Cirene ed espugnò Paretonio, una città situata nell'Egitto occidentale. Anche se Antonio avrebbe potuto sconfiggere le truppe nemiche, che il 1 agosto del 30 a.C. avevano raggiunto l'ippodromo di Alessandria, la sua flotta e la sua cavalleria si unirono dalla parte di Ottaviano.

Prompt: In the context of Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), explain the Backgrounds and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

30 a.C.
Cirene
Cleopatra
Egitto tolemaico
Marco Antonio
Marco Emilio Lepido
Ottavia minore
Pelusio
Tolomeo XV


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The self-portrait of the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

Beata Vergine delle Grazie è patrona principale della diocesi di Faenza-Modigliana, dove viene ricordata il sabato precedente la seconda domenica di maggio. L'immagine è venerata in una fastosa cappella della Cattedrale: si tratta di un affresco mutilo del XV secolo che ritrae la Vergine nell'atto di spezzare sei frecce , simbolo dei mali e dei flagelli da cui lei offre protezione.<br/>Le celebrazioni iniziano il primo sabato di maggio con la fiorita dei bambini. I piccoli portano un dono floreale alla Madonna; successivamente il vescovo di Faenza porta fino ai piedi della torre civica una composizione di fiori. I vigili del fuoco la collocano sul balconcino dove si trova la statua della Vergine. Nello stesso giorno all'ora del Vespro si tiene la Cerimonia dei Ceri che dà il via al Palio del Niballo.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Faenza and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Ritratto di papa Paolo V

Camillo Borghese regnò sotto il nome di papa Paolo V dal 1605 al 1621. Il biografo di Caravaggio, Giovanni Bellori, ricorda che l'artista dipinse un ritratto del papa da seduto, realizzato tra l'elezione del Borghese il 16 maggio 1605 e la fuga di Caravaggio da Roma nel maggio 1606, a causa della morte di Ranuccio Tomassoni. Il ritratto è attestato nella collezione Borghese dal 1650.Molti studiosi hanno dubitato dell'attribuzione al Merisi di questo dipinto, considerando la composizione troppo insolita per lo stile dell'artista. Lo studioso John Gash, tuttavia, nel suo autorevole catalogo di Caravaggio del 2003, in cui descrive l'opera come realistica e penetrante, fa notare che la posa del soggetto è stata imposta all'artista contro la sua volontà. Seduto su una sedia a braccioli e di tre quarti, Paolo V indossa sulla veste talare una mozzetta rosso porpora che si intona al camauro, il berretto bordato di pelliccia. Il quadro rivela alcune somiglianze con il Ritratto di Innocenzo X, dipinto di Diego Velázquez .Secondo Bellori, Caravaggio ottenne l'introduzione presso Paolo grazie al nipote del pontefice, Scipione Borghese. Scipione era infatti un avido collezionista d'arte il quale, dopo aver conosciuto Caravaggio, rimase impressionato dalle sue opere.Ulteriori elementi di dubbio sull'attribuzione al Caravaggio di questo ritratto derivano dal fatto che, a differenza del Bellori, né il Baglione né il Mancini nei loro scritti, pur ricchi di notizie sulla biografia artistica del Merisi, citano il dipinto. Silenzio in effetti difficilmente spiegabile a fronte di quella che avrebbe dovuto essere una delle commissioni di maggior prestigio per Caravaggio.Ipotesi pure formulata  è che questo ritratto possa essere una copia del dipinto citato dal Bellori andato perduto.Parte della critica assegna il dipinto alla mano di Alessandro Varotari detto il Padovanino, o ad Ottavio Leoni.

Prompt: In Portrait of Pope Paul V, how is the History and description discussed?Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Le carriere di entrambi gli ufficiali progredirono considerevolmente dopo quel periodo. Nel caso di Sherman, ciò fu almeno in parte dovuto al fatto che sviluppò stretti legami personali con Grant durante i due anni in cui prestarono servizio insieme nel Teatro Occidentale.Nel corso della lunga e complicata campagna di Vicksburg un giornale si lamentò del fatto che "l'Union Army si stava rovinando nelle spedizioni da tartarughe del fango sotto la guida di un ubriacone [Grant] il cui consigliere segreto [Sherman] era invece un pazzo". I risultati militari conseguiti nel biennio 1862-63 rimasero alquanto altalenanti. Nel dicembre 1862 le forze sotto il suo comando subirono una severa sconfitta nella battaglia di Chickasaw Bluffs, appena a nord di VicksburgStemma del XV Corpo.Poco dopo fu ordinato al suo XV Corpo di unirsi a John Alexander McClernand nel suo riuscito assalto nella battaglia di Fort Hindman, generalmente considerato come un'operazione motivata da ragioni politiche, che distrasse preziose risorse dallo sforzo congiunto di conquistare l'importante snodo urbano del Mississippi.Nella primavera del 1863, nell'assedio di Vicksburg, Sherman espresse serie perplessità nei riguardi della saggezza della strategia militare poco ortodossa approntata di Grant; ma nonostante ciò continuò ad operare al meglio in quella campagna, sotto la diretta supervisione del proprio superiore.Lo storico John D. Winters in The Civil War in Louisiana  lo descrive nella maniera seguente:, p. 176</ref>.}}

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Vicksburg campaign of the Youth explained?Please output in Italian.

1862
John Alexander McClernand
John D. Winters


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Ecce Homo (Sodoma)

Il dipinto rappresenta Cristo legato, incoronato di spine e sanguinante mentre viene presentato alla folla da Ponzio Pilato, ossia la figura sulla sinistra. Il prefetto romano è dipinto con abiti dal gusto mediorientale e non romano, come ci si potrebbe aspettare: ciò è dovuto alla descrizione che una fonte dà del suo "abbigliamento vagamente orientaleggiante". Diversi studiosi hanno anche considerato che, poiché il momento scelto è quello antecedente alla uccisione di Cristo, la presenza del nero africano sarebbe una plausibile scelta di continuità con la tradizione europea, che associava il ruolo di esecutori o boia agli africani neri.

Prompt: In Christ Presented to the People (Il Sodoma), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Testa del Battista

tavola mostra la testa di Giovanni Battista appena dopo la decapitazione, ancora col sangue che cola dal collo. Interessante è lo scorcio visto dal basso, che testimonia gli interessi vivi proprio in quegli anni per la rappresentazione prospettica della figura umana, di cui si ha un'ampia trattazione ad esempio nel De prospectiva pingendi di Piero della Francesca.Stilisticamente l'opera si contraddistingue per una brillantezza nei colori e un segno energico e drammatico che sono affini alle caratteristiche del Polittico di San Vincenzo Ferrer, prima opera della maturità del Bellini databile a dopo il 1464. Accostamento invece negato da Tempestini che lo attribuisce a Marco Zoppo soprattutto per l'espressività drammaticamente emozionale non consona al più equilibrato Giovanni Bellini.

Prompt: Focus on The Head of St John the Baptist (Bellini) and explain the Description and style.Please output in Italian.

1464
De prospectiva pingendi
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Marco Zoppo
Piero della Francesca
Polittico di San Vincenzo Ferrer


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Ballo al Moulin Rouge

Ballo al Moulin Rouge è un dipinto del pittore francese Henri de Toulouse-utrec, realizzato nel 1889-90 e conservato al museo d'arte di Philadelphia.

Prompt: In At the Moulin Rouge, The Dance, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Passeggiata in riva al mare

Clotilde García del Castillo, la moglie del pittore, e Maria Clotilde, la loro figlia primogenita, passeggiano lungo il mare, sulla spiaggia della Malva-Rosa. Entrambe sono elegantemente vestite di abiti bianchi e la prima tiene in mano un ombrello aperto.Il pittore luminista ha captato un preciso istante, i colori, la luce di Valencia, la brezza marina, … Per questo egli imprime la tecnica degli impressionisti , utilizzando un bianco particolarmente luminoso e scegliendo un'inquadratura inusuale, degna di una fotografia: le due donne non sono rappresentate perfettamente a destra né al centro della tavola, il cappello di Clotilde è troncato, la parte inferiore è occupata da una striscia vuota di sabbia. Il resto comprende qualche grano di sabbia in basso a destra del dipinto, come un ricordo supplementare del momento.Joaquín Sorolla non ha mai venduto Promenade au bord de la mer. Alla sua morte, nel 1923, la tavola è passata al figlio Joaquín Sorolla García, che l'ha lasciata in legato al Museo Sorolla.

Prompt: How does Walk on the Beach explain its Description?Please output in Italian.

Clotilde García del Castillo
Joaquín Sorolla
Museo Sorolla
Valencia


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Madonna d'Alba

Madonna è del tipo "dell'Umiltà", con Maria seduta in terra, su un cuscino, che tiene su una gamba il Bambin Gesù, il quale gioca con san Giovannino afferrandone la croce. Il gesto, che appare come un naturale gioco tra fanciulli, cela in realtà precisi valori religiosi, come l'accettazione del destino da parte di Cristo, preannunciato dal Battista. Tutti gli occhi convergono sulla croce, che è il fulcro della composizione. Le figure, inserite in un luminoso paesaggio bucolico, formano una composizione di tipo piramidale sviluppata spazialmente  e perfezionata per la superficie rotonda del dipinto. Evidente è l'influenza dei maestri fiorentini come Leonardo da Vinci, nella resa sfumata degli incarnati, e Michelangelo, nell'esaltazione plastica e sciolta delle forme. Maria indossa una veste dai colori pastello, con un turbante in testa e sandali all'antica. ricchezza di riferimenti e l'attento studio della composizione non diminuiscono però il senso di immediatezza e spontaneità della scena, tipico di Raffaello.

Prompt: Focus on Alba Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.


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Bonaparte visita gli appestati di Giaffa

Jean Massin, Almanach du Premier empire, 1988 . David O’Brien, Antoine-Jean Gros : Peintre de Napoléon, Éditions Gallimard, 2006, Sébastien Allard, Marie-Claude Chaudonneret, Le suicide de Gros. Les peintres de l’Empire et la génération romantique, Éditions Gourcuff Gradenigo, 2010 Alan Forrest, « L’armée de l’an II : la levée en masse et la création d’un mythe républicain », annales historique de la révolution Française, N°335, janvier-mars 2004, p. 111-130.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa.Please output in Italian.


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Zuccone

AA.VV., Il museo dell'Opera del Duomo a Firenze, Mandragora, Firenze 2000. ISBN 88-85957-58-7Rolf C. Wirtz, Donatello, Könemann, Colonia 1998. ISBN 3-8290-4546-8

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Zuccone.Please output in Italian.


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Sepoltura e gloria di santa Petronilla

Il dipinto fu commissionato al Guercino da papa Gregorio XV nel dicembre del 1621 per adornare l'altare dedicato a santa Petronilla posto all'interno della basilica di San Pietro, ove la grande tela fu collocata nel 1623. pala d'altare, proprio per la quanto mai prestigiosa destinazione, è senza dubbio la commissione più importante cui attese il Guercino negli anni che trascorse a Roma, città presso la quale si trasferì per volere dello stesso cardinale Alessandro Ludovisi, mecenate e mentore del Barbieri già in Emilia, allorché questi ascese al soglio pontificio. tela rimase nella sua originaria collocazione fino al 1730, quando fu sostituita da una copia in mosaico. Il quadro fu quindi portato al Quirinale ove nel 1797 le truppe d'occupazione napoleoniche lo requisirono e, con varie altre opere d'arte prese a Roma, lo inviarono al Louvre.Dopo la Restaurazione il dipinto fu restituito allo Stato Pontificio e collocato nel 1818 nelle raccolte capitoline ove ancora si trova .Già le antiche biografie del Guercino danno conto della grande ammirazione che riscosse la sua santa Petronilla, così come anche ampia parte della critica moderna vede in questo dipinto uno dei capolavori del maestro di Cento.

Prompt: Focus on The Burial of St. Petronilla and explain the History.Please output in Italian.

Guercino
Restaurazione
Roma
Stato Pontificio


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Ritratto di Hieronymus Holzschuher

L'opera venne eseguita a Norimberga, lo stesso anno che il pittore ritrasse anche Johann Kleberger e Jakob Muffel. Hieronymus Holzschuher era un patrizio di Norimberga, senatore e septemviro della città, nato in una famiglia nobile e altolocata.Le analoghe dimensioni della tavola di Jakob Muffel farebbero pensare che le due opere fossero state dipinte per qualche occasione ufficiale ed essere esposte in una sala pubblica del municipio cittadino. Il ritratto fu di proprietà della famiglia fino al 1884. L'assenza di restauri impropri ha determinato oggi il perfetto stato di conservazione, con una strabiliante leggibilità di tutti i dettagli che Dürer curava minuziosamente, come la barba bianca ritratta pelo per pelo.

Prompt: Focus on Portrait of Hieronymus Holzschuher and explain the History.Please output in Italian.


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Romolo e Remo

Fondazione di Roma Storia di Roma Remo  Roma Romolo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Romulus and Remus (Rubens).Please output in Italian.

Fondazione di Roma
Roma
Romolo
Storia di Roma


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Ragazzo che soffia su un tizzone acceso

tela fu eseguita durante il soggiorno dell'artista cretese a Roma; forse si trattò di un incarico ducale, sebbene non si sappia per certo la sua origine. Facente parte della Collezione Farnese, la tela fu ereditata nel 1734 da Carlo di Borbone e trasferita definitivamente a Napoli.Il pittore ripeterà questo tema diverse volte durante la sua carriera. Il dipinto si ispirò ad un passo della Naturalis historia di Plinio il Vecchio, quest'ultimo menzionante vari pittori e scultori che rappresentano ragazzi nell'atto di accendere il fuoco.Tradizionalmente si è considerata questa scena come un prodotto dell'influenza di Jacopo Bassano, sebbene studi recenti abbiano stabilito che il soggetto è un tentativo di riproduzione di un quadro dell'antichità classica andato perduto. Nell'opera, concepita forse durante il soggiorno di El Greco e altri intellettuali nel palazzo Farnese di Roma, un ragazzo tenta di accendere una candela valendosi di un tizzone. Il ragazzo protagonista della scena evidenzia l'enorme qualità dei primi ritratti del pittore, così come il coevo Ritratto di Giulio Clovio, realizzato anch'esso durante gli anni romani ed anch'esso conservato nel Museo nazionale di Capodimonte.

Prompt: In El Soplón, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1734
Collezione Farnese
El Greco
Jacopo Bassano
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Naturalis historia
Plinio il Vecchio
Ritratto di Giulio Clovio
Roma


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Madonna col Bambino, Giovanni Battista e un santo è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1514 circa e conservato nella National Gallery of Scotland di Edimburgo.

Prompt: Focus on Virgin and Child with Saint John the Baptist and an Unidentified Saint and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Ritratto di Lucina Brembati

protagonista è ritratta a mezza figura, col busto frontale e il volto leggermente di tre quarti. L'abbigliamento è consono al suo alto status sociale, con un vestito dalle maniche ampie e rigonfie, scollato sul petto e con nastrini dorati e ricami a conchiglia, nonché un discreto numero di gioielli, tra cui una collana di perle fatta di più fili attorcigliati e una catena con un pendente a forma di cornetto d'oro, che era uno stuzzicadenti in uso all'epoca. In testa porta un copricapo voluminoso vermiglio con nastri e perle, la "capigliara", secondo una moda lanciata da Isabella d'Este.A differenza della tradizione veneziana del ritratto idealizzato, legata alle opere di Tiziano e Palma il Vecchio, Lotto impostò un'effigie vera e realistica, come dimostrano alcuni dettagli quali il volto asimmetrico, il mento appesantito e lo sguardo acuto, rifacendosi piuttosto alla tradizione lombarda locale .Alcuni studiosi hanno letto nel gesto della mano sul ventre un'allusione al fatto che la donna fosse incinta, in una gravidanza tardiva che però non è documentata. In questo senso sarebbe stata una citazione colta della Giunone Lucina, il cui nome richiamava anche quello della donna; inoltre, la donnola morta simboleggerebbe la sconfitta di quello che all'epoca era considerato un presagio di disgrazia per le donne gravide. Per altri studiosi la donnola sarebbe invece simbolo di fedeltà coniugale. Al collo Lucina porta un pendaglio a forma di corno portafortuna, il medesimo oggetto è raffigurato nel Ritratto di gentiluomo dell'autore bergamasco Alessandro Oliverio, probabilmente più che un simbolo, era come d'uso al tempo, un semplice stuzzicadenti.Lucina era sposa del conte Leonino Brembati di cui il Lotto aveva fatto il ritratto, uomo facoltoso che era stato raffigurato con una zampa di leone in mano, e che mostra l'anello con i simboli araldici della famiglia Brembati.  coppia aveva avuto un figlio, Gerolamo, nato prematuramente e che sposò Caterina Suardi - figlia di Pietro e di Paola Da Ponte che avevano un ricco palazzo in via Ponta Dipinta - portando una ricca dote, forse in occasione di questo matrimonio l'artista dipinte la Venere e Cupido, successivamente Fenicia che sposò giovanissima Fortunato Agosti, non risulta che abbia avuto figli successivamente, si rileva che se fosse stata gravida al tempo del ritratto di Lucina, potrebbe essere nato prematuro o aver subito un aborto. Lo sfondo è composto da una tenda di pesante broccato rosso stesa in diagonale, con il cielo notturno.

Prompt: In Portrait of Lucina Brembati, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Alessandro Oliverio
Brembati
Giunone
Isabella d'Este