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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Robert Gould Shaw Memorial

Il Robert Gould Shaw Memorial  è una scultura in rilievo in bronzo opera di Augustus Saint-Gaudens.Situata al "24 Beacon Street" di Boston , raffigura il colonnello Robert Gould Shaw assieme al suo 54th Regiment Massachusetts Volunteer Infantry il quale marciò attraverso Beacon Street il 28 maggio del 1863. Venne inaugurato ufficialmente il 31 maggio del 1897.

Prompt: How does Robert Gould Shaw Memorial explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di dama con ventaglio

Se l'editto cittadino del 1540 nella parte dedicata ai Capitoli prehibenti le pompe della città di Bergamo vietava il lusso e l'uso di ori e ornamenti preziosi, con una specifica sui ventagli che dovevano avere solo impugnature in osso, in questo dipinto il Moroni non sembra seguire le ordinanze cittadine. <br />Il ritratto raffigura una dama a mezzo busto riccamente ornata nell'abito e nella capigliatura. Una grande cintura le cade sulla vita, medaglione legato su raso rosa e una collana intrecciata in oro e il ventaglio che ha un nastrino rosa legato ad una grossa catena in oro. Sicuramente è la dama più riccamente vestita dipinta dal pittore albinese. Anche la sopravveste in broccato rosso che si stacca con il bianco del colletto inamidato, ha ricami in oro, così come le maniche dell'abito che sfuggono dal taglio del soprabito sono lavorate a filo d'oro.Questa ricchezza d'abbigliamento e di colore riporterebbe il dipinto agli anni giovanili del Moroni, contrariamente la perfezione della luce dell'incarnato, pallido e perfetto nel viso come nelle mani e l'abilità pittorica in tratti veloci e sicuri lo daterebbero in età successiva. Lo sfondo in grigio sfumato, riporta infatti al dipinto raffigurante Vincenzo Guarinoni datato 1572, quindi in questi anni viene identificato il quadro.

Prompt: How does Portrait of a Lady Holding a Fan explain its Description?Please output in Italian.


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San Giovanni a Patmos e storie della Passione

San Giovanni a Patmos  e Storie della Passione  sono un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1489 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino. È firmato in basso a destra.

Prompt: How does St. John the Evangelist on Patmos explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto della duchessa de Alba in nero

Il Ritratto della duchessa de Alba in nero è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1797 dal pittore spagnolo Francisco Goya. È conservato nell'Hispanic Society of America di New York. donna raffigurata è la duchessa de Alba rimasta vedova del marito don José Alvarez de Toledo, marchese di Villafranca. Indossa un vestito nero da maja e indica imperiosamente una scritta sulla sabbia.

Prompt: Focus on The Black Duchess and explain the Abstract.Please output in Italian.

1797
Francisco Goya
Francisco Goya
Ritratto della duchessa de Alba
New York


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the nineteenth-century intervention of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Palude

Pantanal, BrasileEsteros del Iberá, Argentina

Prompt: Explain the South America about the Reclamation of this artwork, A Wooded Marsh.Please output in Italian.


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Madonna Bache

L'opera proviene dalle collezioni dei conti di Exeter e passò per alcune collezioni private prima di approdare nel museo statunitense, nel 1949, dalla raccolta di Jules S. Bache. Viene assegnata concordemente a Tiziano, in particolare alla fase giovanile in cui forte era ancora l'influsso giorgionesco.

Prompt: In Bache Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Senecio

upright=0.7 Calice: i sepali del calice sono ridotti ad una coroncina di squame. Corolla: nella parte inferiore i petali della corolla sono saldati insieme e formano un tubo. In particolare le corolle dei fiori del disco centrale  terminano con delle fauci dilatate a raggiera con cinque lobi. I lobi possono avere una forma da deltoide a triangolare-ovata. Nella corolla dei fiori periferici  il tubo si trasforma in un prolungamento da nastriforme o ligulato a filiforme o allargato, terminante più o meno con cinque dentelli. Il colore delle corolle è giallo, rosa o porpora, raramente è blu o bianco. Androceo: gli stami sono 5 con dei filamenti liberi.  parte basale del collare dei filamenti può essere dilatata. Le antere invece sono saldate fra di loro e formano un manicotto che circonda lo stilo. Le antere sono senza coda .  struttura delle antere è di tipo tetrasporangiato, raramente sono bisporangiate. Il tessuto endoteciale è radiale o polarizzato. Il polline è tricolporato . Gineceo: lo stilo è biforcato con due stigmi nella parte apicale. Gli stigmi sono troncati; possono avere un ciuffo di peli radicali o in posizione centrale; possono inoltre essere ricoperti da minute papille; altre volte i peli sono di tipo penicillato. Le superfici stigmatiche sono due e separate. L'ovario è infero uniloculare formato da 2 carpelli.Frutti. I frutti sono degli acheni con pappo.  forma degli acheni varia da ellittico-oblunga a strettamente oblunga .  superficie è percorsa da 8 - 12 coste longitudinali con ispessimenti marginali, e può essere glabra o talvolta pubescente . Non sempre il carpoforo è distinguibile. Il pappo, persistente o caduco, è formato da numerose setole  snelle e bianche ; le setole possono inoltre essere connate alla base.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Senecio (Klee).Please output in Italian.


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Filatrici

Come spesso accade nei quadri di Velázquez, vera protagonista della tela è la scena che si svolge dietro le spalle delle figure in primo piano, in un dotto gioco di richiami tra diversi piani spaziali e temporali. In un'alcova alle spalle delle filatrici troviamo altre filatrici, solo questa volta non anonime.Una luce prepotente irrompe da sinistra e sottolinea con teatralità la figura della dea Atena che ha appena smesso i menzogneri panni dell'anziana filatrice per rivelare la sua identità divina ad una stupita Aracne. È quindi palese il riferimento alla leggenda della sfida tra Aracne ed Atena narrata da Ovidio nelle Metamorfosi. Già Rubens aveva trattato questa leggenda qualche anno prima, nel 1636 ma, a differenza di quest'ultimo, Velázquez non tratterà della punizione inflitta dalla dea che, offesa dalla sfrontatezza dell'umana spintasi oltre i limiti del rispetto consentito, trasformerà Aracne nell'animale tessitore per eccellenza, il ragno.Aracne inoltre pare galleggiare tra il subpiano in cui si manifesta la dea ed il suo arazzo (raffigurante un altro mito greco, il Ratto d'Europa, appeso alle spalle e che la condurrà verso il suo triste destino: il pittore non chiarisce volontariamente le idee a questo proposito in un continuo gioco con l'osservatore. Nel rappresentare l'arazzo sullo sfondo, Velázquez cita esplicitamente il Ratto di Europa dipinto da Tiziano, che il pittore spagnolo conosceva tramite una copia realizzata da Rubens, oggi al Museo del Prado.

Prompt: In Las Hilanderas, how is the Background scene of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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La camera di Vincent ad Arles

camera di Vincent ad Arles è il nome di tre dipinti del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzati tra il 1888 ed il 1889 e conservati rispettivamente presso il Van Gogh Museum di Amsterdam, l'Art Institute of Chicago ed il museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: How does Bedroom in Arles explain its Abstract?Please output in Italian.

Amsterdam
Art Institute of Chicago
Chicago
Parigi
Van Gogh Museum
Vincent van Gogh


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Mosaico di Zliten

Il mosaico di Zliten è un mosaico pavimentale romano risalente al II secolo d.C. circa, trovato nella città di Zliten, in Libia, situata a est dell'antica città di Leptis Magna. Fu scoperto nel 1913 dall'archeologo italiano Salvatore Aurigemma ed è attualmente esposto nel Museo archeologico di Tripoli. Raffigura combattimenti di gladiatori, cacce agli animali e scene di vita quotidiana.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Zliten mosaic.Please output in Italian.

II secolo
Leptis Magna
Libia
Salvatore Aurigemma
Tripoli
Zliten


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Statua di San Giovanni Nepomuceno a Divina

chiesa di Sant’Andrea a Divina era strapiena durante la messa tenutasi il 2 giugno 2017. Dopo la messa è stata inaugurata la statua con un nuovo piedistallo da Joachim Bleicker, ambasciatore della Repubblica Federale di Germania in Slovacchia, insieme a Emil Molko, sindaco di Divina, e Marek Sobola, autore del progetto. Successivamente e’sata benedetta dal Monsignore Tomáš Galis, Vescovo diocesano di Žilina. Il tutto è avvenuto a 190 anni dalla sua prima ristrutturazione dopo l’alluvione. Alla festa d’inaugurazione hanno partecipato, oltre al Vescovo diocesano, all’ambasciatore tedesco ed al Cancelliere della dimora di Žilina, anche vari partners invitati.

Prompt: In the context of Statue of St. John of Nepomuk in Divina, explain the Blessing ceremony and the International project.Please output in Italian.

2017
Divina
Germania
Marek Sobola
Slovacchia
Tomáš Galis
Žilina


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La grande onda di Kanagawa

A partire dal decennio 1830 ebbe luogo una vera e propria "rivoluzione blu" nelle stampe di Hokusai, per via dell'ampio ricorso all'uso del pigmento sintetico conosciuto come blu di Prussia. Tale pigmento, noto in Giappone come  o , iniziò a essere importato dai Paesi Bassi a partire dal 1820, diventando largamente accessibile dal 1829. Prima di questo periodo gli unici pigmenti blu disponibili per la stampa artistica erano coloranti organici che sbiadivano rapidamente una volta esposti alla luce.L'importanza dell'aggiunta del blu nella tavolozza dell'artista, particolarmente efficace nel rendere la profondità dell'acqua e la distanza atmosferica, era tale che Hokusai concepì la sua importante serie sul Monte Fuji con il solo utilizzo del blu. In un'inserzione pubblicitaria datata 1831 ad opera dell'editore di Hokusai, Yohachi Nishimuraya, la serie venne presentata come interamente realizzata con lo stile . Difatti solo nove o dieci stampe della serie possono essere catalogabili sotto questo stile mentre tutte le altre, compresa  grande onda, posseggono altri colori che variano dal bruno-rossastro al giallo, passando per il beige. Il colore predominante de  grande onda rimane comunque il blu, utilizzato non solo per l'onda ma anche per il Monte Fuji. pubblicazione delle stampe della serie continuò fino all'anno 1832 o 1833, per un totale di quarantasei xilografie, se si comprendono le dieci supplementari. Queste ultime sono caratterizzate dall'assenza del blu di Prussia e dall'uso dell'inchiostro sumi per il disegno dei contorni, com'era consuetudine. Le dieci stampe sono conosciute con il nome di .

Prompt: Explain the The blue revolution about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.


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Conseguenze della guerra

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8

Prompt: In Consequences of War, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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La giovane martire

Dipinto negli ultimi anni di vita dell'artista, il soggetto sarebbe venuto in mente al pittore quando quest'ultimo soffriva di una malattia grave. Il dipinto rettangolare   seconda versione entrò nelle collezioni del Louvre nel 1895, dopo essere stata in una collezione privata.

Prompt: In The Young Martyr, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Danza alla musica del Tempo

Lo scrittore inglese Anthony Powell si ispirò a questo dipinto per intitolare un suo romanzo in dodici volumi Una danza alla musica del tempo .

Prompt: In A Dance to the Music of Time (painting), how is the Curiosity discussed?Please output in Italian.


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Il Trittico delle Tentazioni di sant'Antonio è un dipinto a olio su tavola  di Hieronymus Bosch, databile al 1501 circa e conservato nel Museo nazionale d'arte antica di Lisbona.

Prompt: In Triptych of the Temptation of St. Anthony, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1501
Hieronymus Bosch
Lisbona
Museo nazionale d'arte antica


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Epifania

In alcune parti dell'India meridionale, l'Epifania è chiamata Festa dei Tre Re e viene celebrata davanti alla chiesa locale come una fiera. Questo giorno segna la chiusura del periodo di Avvento e Natale con la rimozione dei presepi dalle case e dai luoghi pubblici. A Goa l'Epifania può essere localmente conosciuta con il suo nome portoghese ‘’Festa dos Reis’’. Nel villaggio di Reis Magos, a Goa, c'è un forte chiamato Reis Magos  o Três Reis Magos dedicato ai Magi biblici. Le celebrazioni includono una processione molto partecipata, con ragazzi vestiti come i Magi, che conduce alla Cappella Francescana dei Magi vicino alla capitale di Goa, PanjimAltre processioni popolari dell'Epifania si tengono a Chandor. Qui tre fanciulli in vesti regali e splendide corone scendono a cavallo dalla vicina collina della Madonna della Misericordia verso la chiesa principale dove viene celebrata una messa festiva di tre ore. Il percorso davanti a loro è decorato con stelle filanti, foglie di palma e palloncini, mentre i bambini più piccoli lungo la strada gridano i loro saluti ai Re. I re sono tradizionalmente scelti dalle tre frazioni di Chandor di Kott, Cavorim e Gurdolim, i cui abitanti contribuirono a costruire la chiesa di Chandor nel 1645.In passato i re venivano scelti solo tra le famiglie delle caste più elevate, ma dal 1946 la festa è aperta a tutti.  partecipazione è ancora costosa in quanto comporta l'ottenimento di un cavallo, costumi e un sontuoso buffet alla comunità in seguito, per un totale di circa 100.000 rupie  per ogni re. Il costo viene sostenuto volentieri poiché avere un figlio che serve come re è considerato un grande onore e di buon auspicio per la famiglia.Nel sud di Goa, Cansaulim è altrettanto famoso per il suo festival dei Tre Re, che attira turisti da tutto lo stato e dall'India. Tre ragazzi vengono selezionati dai tre villaggi vicini di Quelim, Cansaulim e Arrosim per presentare in processione i doni di oro, incenso e mirra. Solo un nativo di questi villaggi può servire come re, mentre i foresti non possono accedere al ruolo. Durante tutto l'anno, i villaggi si contendono la scelta una certa agitazione. I ragazzi selezionati vengono curati meticolosamente e devono farsi crescere i capelli lunghi in tempo per il festival.  processione coinvolge i tre re che indossano vesti di velluto rosso ingioiellato e corone, cavalcano cavalli bianchi addobbati di fiori e stoffe pregiate, e sono ombreggiati da parasoli colorati, con un seguito di centinaia di persone.  processione si conclude presso la chiesa locale costruita nel 1581 nella cui finestra centrale pende una grande stella bianca, mentre striscioni colorati sventolano sulla piazza. L'interno la chiesa è decorato con ghirlande. Dopo aver presentato i loro doni e venerato l'altare e la scena della Natività, i re siedono su speciali posti d'onore e assistono alla Messa solenne.I cristiani di San Tommaso dello Stato del Kerala conoscono l'Epifania con il suo nome siriaco di Denha. Come altri cristiani d'Oriente, celebrano Denha come una grande festa per commemorare il Battesimo di Gesù nel fiume Giordano. Il tempo liturgico detto Denhakalam  commemora la seconda rivelazione del Battesimo e la successiva vita pubblica di Gesù. Denha è celebrato il 6 gennaio dalla Chiesa siro-malabarese in due modi: Pindiperunnal e Rakkuliperunal .

Prompt: In the context of Epifania, explain the India and the Theology.Please output in Italian.

6 gennaio
Avvento
Battesimo di Gesù
Cansaulim
Chandor
Gesù
Gesù
Goa
India meridionale
Kerala
Natale
Panjim


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Bambini dell'Olocausto

A partire dal giugno 1941 con l'invasione tedesca dell'URSS  cominciò nei territori occupati lo sterminio sistematico della popolazione ebraica, inclusi i bambini, attraverso pogroms e fucilazioni di massa ad opera di reparti speciali delle SS . Talora intere famiglie erano uccise sul posto all'arrivo delle truppe SS. In altri casi gli abitanti di un villaggio era rinchiusi in sinagoghe o edifici poi dati alle fiamme o fatti saltare in aria con tutti i loro occupanti. Più frequentemente le vittime, provenienti dai tanti ghetti creati per concentrare la popolazione ebraica, erano trasportate a gruppi in luoghi isolati, spogliate di ogni bene, denudate, condotte in una fossa comune e lì uccise a mitragliate o con un colpo di pistola alla nuca.Decine e decine di migliaia di bambini dovettero subire questa sorte, da soli o in compagnia delle loro madri, nonni, fratelli e sorelle. In numerosi casi le vittime erano obbligate a sdraiarsi sullo strato di cadaveri di coloro che erano già stati uccisi prima di essere a loro volta colpiti. I neonati venivano spesso lanciati in aria e usati come bersaglio per i colpi dei carnefici con la giustificazione che le tenere carni degli infanti non erano in grado di fermare una pallottola che avrebbe potuto causare pericolosi rimbalzi sul terreno, o semplicemente sepolti vivi per risparmiare munizioni.Così accadde in centinaia di siti in tutta l'Europa dell'Est nei territori occupati dell'Unione Sovietica. Alcuni luoghi in particolare videro lo sterminio sistematico e la sepoltura in fosse comuni di decine e decine di migliaia di persone, come Babij Jar e Gurka Połonka in Ucraina, Ponary in Lituania, Bronna Góra in Bielorussa, Liepāja e Rumbula in Lettonia. Essendo gli eccidi riservati in primo luogo agli inabili al lavoro coatto, i bambini, assieme agli anziani e alle madri, ne furono le vittime principali.Alla fine le autorità naziste giunsero alla conclusione che tali metodi di sterminio producessero troppo stress sul personale SS e si risolsero a cercare altre vie, più rapide ed impersonali, che non imponessero ai carnefici di guardare negli occhi delle loro vittime, specie dei più piccoli e inermi. Anche quando si mise in moto la macchina dei campi di sterminio, gruppi di bambini, soprattutto orfani, continuarono comunque ad essere uccisi in fucilazioni sommarie, assieme ai malati e agli anziani non autosufficienti, per risparmiare sulle spese di trasporto.

Prompt: Explain the Mass layoffs about the Losterminio of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.


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La proclamazione dell'abolizione della schiavitù nelle colonie francesi il 27 aprile 1848

Un quadro precedente di Biard sul tema della Biard, abituato alle commissioni del re Luigi Filippo I, si ritrovò spaesato quando la rivoluzione del 1848 fece cadere il re e quando vide l'istaurazione della seconda Repubblica. Tuttavia, secondo Louis Guimbaud, si adattò con rapidità: corrispondenza di martine non menziona questo quadro, ma comunque egli avrebbe potuto consigliarne l'acquisto. Per altri autori si tratta di una commissione della direzione delle belle arti del ministero dell'interno, contestata nel senso che si tratterebbe di una commissione "falsa". e poi venne acquistato dallo stato l'11 giugno 1849 per 2400 franchi. Venne spedito a Clermont-Ferrand il 15 giugno 1850. Venne esposto alla biblioteca nazionale nel 1948 per il centenario della rivoluzione del 1848, in seguito alla mostra The European Vision of America per il bicentenario dell'indipendenza degli Stati Uniti alla galleria nazionale d'arte di Washington , al museo d'arte di Cleveland  e al Grand Palais di Parigi .Venne prestato più volte nel 1998 per il centocinquantesimo anniversario della seconda abolizione dello schiavismo, soprattutto al palazzo dell'Eliseo per il ricevimento presieduto dal presidente della Repubblica, Jacques Chirac, così come alla Martinica e al museo nazionale delle arti e tradizioni popolari . Nel 2019 fu una delle opere esposte alla mostra Le Modèle noir, de Géricault à Matisse al museo d'Orsay.

Prompt: Explain the History of this artwork, Proclamation of the Abolition of Slavery in the French Colonies, 27 April 1848.Please output in Italian.

Clermont-Ferrand
Cleveland
Grand Palais
Jacques Chirac
Martinica
Parigi
Washington


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait at 69 years's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Bambini dell'Olocausto

I bambini dell'Olocausto hanno rappresentato il segmento più vulnerabile tra i gruppi che furono colpiti dalle politiche naziste di discriminazione, persecuzione razziale e genocidio, con un altissimo numero di vittime.  stragrande maggioranza di loro  furono ebrei e a loro ci si riferisce specificamente e più propriamente come bambini della Shoah. Tra le vittime dell'Olocausto si annoverano anche numerosissimi bambini non ebrei .I bambini che furono oggetto di persecuzione e sopravvissero all'Olocausto, nei ghetti e nei campi di concentramento o nella clandestinità o attraverso la fuga e l'emigrazione forzata, passarono tutti attraverso esperienze molto dure di privazioni personali e di separazione o perdita delle loro famiglie. Nel dopoguerra molti di essi hanno svolto un ruolo importante di testimoni nei processi e di fronte all'opinione pubblica.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.


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Madonna e santi nel giardino del Paradiso  è un dipinto a tecnica mista su tavola  di un ignoto "Maestro dell'alto Reno", databile al 1410 circa e conservato nello Städelsches Kunstinstitut di Francoforte.

Prompt: In Paradiesgärtlein, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1410
Maestro dell'alto Reno
Städelsches Kunstinstitut


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Compianto sul Cristo morto

Gruppi scultorei raffiguranti il Compianto sul Cristo mortoPietà Vesperbild

Prompt: How does Lamentation of Christ (Dürer, Nuremberg) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Dal momento che l'Acropoli era ancora una fortezza ottomana, Elgin richiese il permesso di entrare nel sito, che comprendeva il Partenone e gli edifici circostanti; tale autorizzazione venne concessa a lui e agli artisti al suo seguito dal Sultano. Il documento originale è andato perduto, esiste ancora una copia del tempo tradotta in italiano. Vassilis Demetriades, professore presso l'Università di Creta, sostiene che "qualsiasi esperto in linguaggio diplomatico ottomano può facilmente capire che l'originale del documento che è sopravvissuto non è un'autorizzazione", e la sua autenticità è stata messa in discussione. Il documento è stato inserito in un allegato del 1816 ad un rapporto di una commissione parlamentare. Tale comitato era stato convocato per valutare l'offerta di Elgin dell'acquisto dei marmi. Il rapporto sosteneva che il documento in allegato era una traduzione accurata in italiano di un permesso ottomano datato luglio 1801. Secondo Elgin ciò equivaleva ad un'autorizzazione a rimuovere le sculture. Al comitato fu detto che il documento originale era stato consegnato ai funzionari ottomani ad Atene, ma, nonostante gli archivi ottomani ancora esistenti presentino un numero eccezionale di documenti analoghi risalenti allo stesso periodo, l'originale non sarebbe ancora stato rinvenuto. e non poteva avere né sigillo né firma, come confermò St. Clair. e ci si soffermò soprattutto sulla parola "qualche", cioè "pochi". Secondo alcuni la vera autorizzazione all'acquisizione dei marmi venne dalle autorità ottomane solo con un secondo documento, in cui si permetteva di spedire i marmi al Pireo.Anche in considerazione della controversa autorizzazione, molti hanno messo in dubbio la legalità dell'operato di Elgin. Uno studio condotto dal professor David Rudenstine afferma che tale documento potrebbe benissimo essere falso. Rudenstine si basa in parte su una divergenza di traduzione tra l'autorizzazione in italiano e quella in inglese presentata da Hunt alla commissione parlamentare. Nel testo del rapporto parlamentare si legge "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi, e inviata tramite il signor Philip Hunt, gentiluomo inglese, Segretario del suddetto ambasciatore", ma secondo St. Clair il documento in italiano dice "Abbiamo quindi scritto questa lettera a Voi e inviata tramite N.N.". Secondo Rudenstine questa sostituzione di "Mr. Philip Hunt" con le iniziali "N.N." difficilmente può essere un semplice errore. Egli sostiene inoltre che il documento è stato presentato solo dopo che il comitato insistette per ottenere una qualche forma di autorizzazione scritta ottomana per la rimozione dei marmi. Così, secondo Rudenstine, "Hunt si mise in una posizione in cui avrebbe potuto contemporaneamente garantire l'autenticità del documento e spiegare il motivo per cui lui solo aveva una copia di esso quindici anni dopo che fu presentato agli ufficiali ottomani ad Atene". In due occasioni precedenti Elgin dichiarò che gli Ottomani gli concedettero permessi più di una volta, ma che non aveva tenuto nessuno di essi. Hunt testimoniò il 13 marzo, e una delle domande che gli furono poste fu "Ha mai visto una qualsiasi delle autorizzazioni scritte che sono state concesse a [Lord Elgin] per la rimozione dei marmi dal Tempio di Atena?", a cui Hunt rispose di sì, aggiungendo che egli possedeva una traduzione italiana dell'autorizzazione originale. Tuttavia egli non spiegò perché aveva conservato la traduzione per quindici anni, mentre Elgin, che aveva testimoniato due settimane prima, non sapeva nulla circa l'esistenza di un tale documento.Al contrario il professor John Merryman, in opposizione a Rudenstine, afferma che, poiché gli Ottomani controllavano Atene dal 1460, le richieste delle sculture erano legali. Il sultano ottomano sarebbe stato grato agli Inglesi per aver respinto l'espansione napoleonica, e i marmi del Partenone non avevano alcun valore per lui. Inoltre tale autorizzazione scritta esiste nella forma di firmano, il tipo più formale di autorizzazione dell'epoca, che permise ad Elgin di portare via i marmi e legalizza le sue azioni. Merryman nota, comunque, che la frase che permetteva ad Elgin di sottrarre le sculture era ambigua e aggiunge che il documento è piuttosto spiccio e la suddetta clausola lasciava ampie possibilità di interpretazione: gli scavi e la conseguente esportazione dei marmi, quindi, iniziarono, ma nell'opera Elgin danneggiò le sculture e la struttura del Partenone, lasciando il tempio denudato e per di più rovinato. Quindi anche Merryman afferma che Elgin superò nei fatti ciò che gli era stato permesso sulla carta.

Prompt: Focus on Elgin Marbles and explain the Removal of the Elgin Marbles.Please output in Italian.


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La lite di Oberon e Titania

tela fu presentata per la prima volta nel 1850 alla Royal Scottish Academy, dove venne nominata "miglior dipinto della stagione". Nello stesso anno la Royal Association for Promoting the Fine Arts in Scotland acquistò l'opera, che fu in seguito comprata dalla National Gallery of Scotland nel 1897.

Prompt: Focus on The Quarrel of Oberon and Titania and explain the History.Please output in Italian.


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Tre età dell'uomo

Le Tre età dell'uomo  è un dipinto a olio su tavola  di Giorgione, databile al 1500-1501 circa e custodito nella Galleria Palatina a Firenze.

Prompt: In The Three Ages of Man (Giorgione), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1500
1501
Firenze
Galleria Palatina
Galleria Palatina
Giorgione


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Croce degli Angeli

Croce degli Angeli è una croce-reliquiario in forma di croce greca, che si trova nella Camera Santa della Cattedrale del Santo Salvatore di Oviedo, nel Principato delle Asturie in Spagna.Fu realizzata agli inizi del IX secolo e, secondo un'iscrizione presente sul retro della stessa, nell'anno 808 venne donata alla cattedrale di Oviedo da Alfonso II il Casto, re delle Asturie. Croce degli Angeli appare nello scudo di Oviedo e in quelli di altri municipii asturiani come ngreo, San Martín del Rey Aurelio, Boal e Quirós.

Prompt: How does Cross of the Angels explain its Abstract?Please output in Italian.

808
Asturie
Boal
IX secolo
Oviedo
Quirós
San Martín del Rey Aurelio
Spagna


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Madonna della Melagrana

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze, 2001. ISBN 8881170914

Prompt: Focus on Madonna of the Pomegranate and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Allegoria

Prompt: How does Allegory (Filippino Lippi) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Noli me tangere

locuzione noli me tangere, che appare per la precisione al versetto 20,17 del vangelo di Giovanni, è contenuta in questa forma nella traduzione della Vulgata, che recita "Noli me tangere, nondum enim ascendi ad Patrem meum": il senso è stato interpretato come un invito, da parte di Gesù a Maria Maddalena, a non voler controllare se egli, dopo la resurrezione, avesse un corpo in carne e ossa, cosa che non sarebbe stata possibile poiché doveva ancora "salire al Padre"; in questo caso il senso che assume la frase è quello di non fare perdere tempo, perché Gesù sente l'urgenza di ricongiungersi al Padre.

Prompt: In the context of Noli me tangere (Titian), explain the Translation meaning phrase and the Biblical story.Please output in Italian.


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L'incantatrice di serpenti

L'opera s'inquadra nella tematica delle foreste esotiche, con una flora esuberante e inventata , nelle quali il pittore mette sulla scena feroci combattimenti fra una fiera e la sua preda  oppure, come in questo caso, personaggi in armonia con la natura . sua composizione asimmetrica, i suoi colori veri, insieme a un tratto naïf e al tempo stesso preciso, annunciano il surrealismo e René Magritte.Risulta che Rousseau abbia dipinto il quadro ispirandosi alle descrizioni di un viaggio in India della signora Delaunay; inoltre, in quegli anni a Parigi, nel circo Molier, si esibirono alcune incantatrici di serpenti che potrebbero aver suggestionato l’autore.

Prompt: How does The Snake Charmer (Rousseau) explain its Analysis?Please output in Italian.


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Madonna Esterhazy

Un biglietto sul retro ricorda come l'opera venne donata da Clemente XI all'imperatrice Elisabetta Cristina di Brunswick-Wolfenbüttel. In un momento sconosciuto tra il 1721 e 1812, il dipinto venne acquistato dalla nobile famiglia ungherese degli Esterházy che la posero nella loro collezione a Palazzo Eszterházy, presso Fertőd, in Ungheria.L'opera venne trafugata la notte del 5 novembre 1983, insieme ad altre opere di Raffaello, Giorgione, del Tintoretto e del Tiepolo: tutte le opere, compresa la Madonna Esterhazy, vennero recuperate dai Carabinieri italiani in un convento greco abbandonato, nella località di Eghjon.

Prompt: In Esterhazy Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


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L'odalisca bruna

François Boucher, Detroit Institute of Arts, Réunion des musées nationaux ,

Prompt: How does The Brunette Odalisque explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Fontana Maggiore

Nel 1974 le Poste Italiane hanno dedicato alla Fontana Maggiore un francobollo da Lire 40, della serie Fontane d'Italia.

Prompt: How does Fontana Maggiore explain its Stamp?Please output in Italian.


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amore

All'interno delle relazioni che l'individuo intrattiene col proprio ambiente, l'amore si può classificare attraverso differenti manifestazioni:# Amore di sé - il sano amor proprio. Appare come condizione di autostima, ma non deve esser confuso col narcisismo che sfocia nell'egocentrismo. Per il buddhismo, che qualifica l'ego come un'illusione della nostra mente, il vero amore, ossia la compassione, esiste solo quando viene diretto verso un'altra persona, non a sé stessi. Per la psicoanalisi invece, che si trova completamente opposta al buddhismo, l'ego viene definito come l'unica realtà, l'amore è sempre auto-personale, che può svilupparsi in una forma sana o malsana a seconda dei casi.# Amore incondizionato - amore altruistico e compassionevole, professato senza aspettarsi nulla in contraccambio. Corrisponde all'amore spirituale predicato dalle varie religioni.# Amore filiale e fraterno - tra discendenti e antenati .# Amicizia - sentimento che nasce dalla necessità provata dagli esseri umani di socializzare tra loro.# Amore romantico - un sentimento che in un certo grado idealizza la persona amata, soggetta all'aspettativa amorosa.# Amore sessuale - prodotto dal desiderio sessuale verso l'altro.# Amore platonico - concetto filosofico che innalza l'amore alla contemplazione della bellezza, alla conoscenza pura e disinteressata. Poi successivamente interpretato dai Neoplatonici del '500 come amore filosofico nei confronti di una persona.# Amore per la Natura - coinvolge un sentimento di protezione verso il mondo vegetale ed animale.# Amore per qualcosa di astratto o inanimato - un oggetto fisico, un'idea, ma anche un obiettivo ideale  e può essere associato con l'eroismo; in quest'ultimo caso costituisce una forma di altruismo nei confronti del proprio gruppo# Amore per Dio - devozione, si basa sulla fede religiosa.# Amore universale - spiritualità in senso lato, corrispondente all'esperienza data dal misticismo .

Prompt: Explain the Expressions of love about the Contemporary political perspective of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.

Amicizia
Amore platonico
Amore romantico
Natura


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: In the context of Van Gogh self-portrait (1889), explain the Self-portrait distinctive professional sign and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Epifania

In Galles, l'Epifania cadeva il 6 gennaio ed era conosciuta come Ystwyll. Nel Glamorganshire era usanza preparare un'enorme pagnotta o torta, che veniva poi divisa in tre parti per rappresentare Cristo, la Vergine Maria e i Magi biblici. Un folto numero di vicini di casa veniva invitato ad assistere alla divisione della torta in cui erano nascosti gli anelli. Chi scopriva un anello nella sua fetta di torta  veniva eletto Re o Regina e presiedeva ai festeggiamenti della giornata.Il 6 gennaio era il giorno di Natale del calendario antecedente la riforma del 1752 e molte delle festività ad esso collegate durarono ben oltre il secolo successivo alla riforma stessa.Il Galles condivide altre usanze della dodicesima notte con la vicina Inghilterra, tra cui il ceppo di Yule e il wassail per propiziare agli agricoltori un buon raccolto per l'anno a venire; qui, è costume che le ceneri del ceppo di Yule siano salvate e seppelliti insieme ai semi piantati nella primavera successiva, e che la ciotola di wassail sia portata nella casa degli sposi novelli o di una famiglia da poco venuta ad abitare nel luogo, in un dialogo di recita e canti fra chi rimaneva dentro e fuori dalla porta.Un'altra usanza gallese associata all'Epifania era la caccia allo scricciolo. Un gruppo di giovani usciva in campagna per catturare uno scricciolo, che veniva quindi posto in una piccola gabbia decorata e portato in giro di casa in casa e mostrato in cambio di denaro o di cibo e bevande. Quando non si riusciva a trovare uno scricciolo, allora veniva utilizzato un passero per lo stesso rituale.

Prompt: In Epifania, how is the Wales of the Folkloristic cultural aspects of Epiphany explained?Please output in Italian.

6 gennaio
Cristo
Galles
Glamorgan
Inghilterra
Natale
Yule


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Polittico Averoldi

scena centrale della Resurrezione rinnova l'iconografia tradizionale combinandosi con quella dell'Ascensione. Un Cristo trionfante si manifesta sfolgorante in cielo, impugnando il vessillo crociato come emblema del Cristianesimo.  sua figura, di straordinaria forza espressiva e bellezza anatomica, si erge inondata dalla luce, soprattutto per contrasto con lo sfondo delle prime ore del mattino e con i soldati nell'ombra in basso, rischiarati appena da qualche riflesso sull'armatura di uno di essi.Nell'opera Tiziano dimostrò di aver assimilato e rielaborato le recentissime innovazioni romane di Raffaello: in particolare la Trasfigurazione per la posa e il ruolo centripeto giocato dal Cristo, e l'affresco della Liberazione di san Pietro, come le atmosfere notturne. Il gesto di Cristo che spalanca le braccia può anche essere letto come una citazione colta del Gruppo del ocoonte, e il suo modellato anatomico come un omaggio alla perfezione della statuaria antica. Lo sfondo poi, rigato dai riflessi arancio che rievocano l'alba della nuova era cristiana inaugurata dalla Resurrezione, rimandano al sentire atmosferico e paesistico delle opere della scuola danubiana, alla quale fa pensare anche l'architettura nordica della Gerusalemme ideale sullo sfondo.

Prompt: In Averoldi Polyptych, how is the Resurrection of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Circe

nome = Κίρκηnome traslitterato = Kìrkēnome italiano = Circeautore = Omeroprofessione = magaimmagine = Odysseus Circe Met 41.83.jpgdidascalia = Ceramica con Odisseo che insegue Circe}}Circe  è una  figura della mitologia greca e compare per la prima volta nellOdissea . È figlia del Titano Elios e di Perseide, di conseguenza è sorella di Perse, Eete e Pasifae.

Prompt: How does The Sorceress (Waterhouse) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Apocalisse

Nelle tipiche composizioni di questa classe la maggior preoccupazione dell'autore è il mostrare la sapienza con cui Dio agisce nella storia e la organizza in tappe o fasi cronologiche. Dunque l'apocalisse non è in primo luogo una profezia, ed il suo principale interesse non è il futuro o la fine della storia, quanto semmai il suo fine. L'autore presenta, a volte in maniera molto vivida, un quadro degli eventi a venire, e in particolare di quelli al termine dell'epoca attuale. Per questo in alcune di queste composizioni il soggetto è descritto vagamente come "ciò che avverrà negli ultimi giorni" ; in maniera simile Dan. 10:14, "ora sono venuto per farti intendere ciò che avverrà al tuo popolo alla fine dei giorni"; si confronti Enoch, i.1, 2; x.2 segg. Così anche Ap. 1:1 , "Rivelazione... ciò che presto verrà ad accadere".Spesso la visione comprende anche il passato, per dare forza all'inquadramento storico, così che il panorama degli eventi successivi possa passare impercettibilmente dal noto all'ignoto. Perciò nell'undicesimo capitolo del libro di Daniele il dettagliato resoconto delle vicende dell'impero greco d'oriente, a partire dalla conquista di Alessandro fino all'ultima parte del regno di Antioco Epifane  continua, senza interruzione, con una descrizione appena meno vivida di eventi che non sono ancora accaduti , ma che lo scrittore si aspetta: le guerre che risulteranno dalla morte di Antioco e la caduta del suo regno. Tutto ciò, comunque, serve solo da introduzione alle notevoli profezie escatologiche del dodicesimo capitolo, in cui si trova lo scopo principale del libro.In maniera del tutto simile, il sogno raccontato nel secondo libro di Esdra, 11 e 12, l'aquila che rappresenta l'Impero Romano è seguita dal leone, che è il messia promesso che dovrà salvare gli eletti e stabilire un regno imperituro.  transizione fra la storia e la profezia si può vedere in xii.28, dove viene predetta l'attesa fine del regno di Domiziano, e con essa la fine del mondo. Un altro esempio dello stesso genere è negli Oracoli Sibillini, iii.608-623. Probabilmente si può paragonare anche Assumptio Mosis, vii-ix. In quasi tutte le scritture propriamente classificate come apocalittiche l'elemento escatologico è predominante. È stata proprio la crescita delle speculazioni sui tempi a venire e la speranza per gli eletti che hanno originato più di ogni altra cosa la nascita, e influenzato lo sviluppo di questo genere di scritti.

Prompt: Explain the History  Future about the Description of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Statua di Stalin (Berlino Est)

Günter Feist , Kunstdokumentation SBZ, DDR 1945–1990: Aufsätze, Berichte, Materialien, Berlin 1996, p. 414  Berlinische Reminiszenzen, Vol. 64, pp. 105–117: Das längste Baudenkmal Deutschlands – Durch die ehemalige Stalinallee. Jan Feustel, Verschwundenes Friedrichshain: Bauten und Denkmale im Berliner Osten, Berlin 2001, p. 79 Achim Hilzheimer, Von der Frankfurter zur Stalinallee: Geschichte einer Straße, Berlin 1997, pp. 19–22, 29 B. Kohlenbach u.a. , Denkmale in Berlin: Bezirk Friedrichshain, Berlin, 1996, p. 42

Prompt: Focus on Statue of Joseph Stalin, Berlin and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Autoritratto

Un autoritratto è un ritratto che un artista fa di sé stesso.Pressoché sconosciuto all'arte antica, il genere è andato affermandosi nel periodo medievale, fino a raggiungere completa dignità artistica nel Rinascimento, grazie soprattutto ai pittori italiani e dell'Europa settentrionale. Conobbe nel corso dei secoli diverse formule stilistiche, fra le quali la più nobile è considerata quella dell'autoritratto cosiddetto «autonomo». Fra gli artisti che maggiormente si dedicarono alla raffigurazione delle proprie fattezze vi furono il tedesco Albrecht Dürer e gli olandesi Rembrandt e Van Gogh.Pur essendo un fenomeno prevalentemente pittorico, non mancano notevoli esempi di autoritratto scultoreo; nel XIX secolo, l'invenzione della fotografia fu occasione della nascita dell'autoritratto fotografico.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Incile del Fucino

L'incile romano fatto realizzare da Claudio tra il 41 e il 52 d. C. era costituito da un corpo di fabbrica realizzato con l'utilizzo di grandi pietre calcaree estratte dalle cave del monte Salviano.  facciata d'ingresso dell'emissario si caratterizzava invece per l'utilizzo di pietre intagliate.  struttura presentava inoltre due vasche di accumulo delle acque, una di forma esagonale irregolare connessa per il tramite di una gola al canale esterno, l'altra di forma trapezoidale, posta in comunicazione con l'imbocco dell'emissario ipogeo. Il muro divisorio dei due bacini era spesso non meno di due metri. Le vasche erano comunicanti tramite le chiuse che regolavano lo scorrimento delle acque attraverso le camere e i canali connessi. Modifiche di natura tecnica alle vasche, alle camere e ai muri furono realizzate subito dopo l'inaugurazione del 52 d.C. e, in seguito, dagli imperatori Traiano ed Adriano. Dall'area dei lavori di spurgo dell'incile romano e da quelle limitrofe connesse al territorio fucense emersero dopo il totale prosciugamento torloniano diversi elementi d'interesse archeologico come quattro rilievi, raffiguranti scene del lago Fucino e una città marsa, alcune iscrizioni su targhe marmoree che riportano le distanze nella misura dei piedi, alcuni graffiti e materiali da lavoro come un grande secchio e una lucerna, oltre a busti, cippi, epigrafi e anche tombe a cappuccina. Alcuni elementi emersi sono conservati presso il museo d'arte sacra della Marsica e il museo Paludi di Celano. Altri reperti sono custoditi presso il Museo Torlonia a Roma.

Prompt: In the context of Fucine Inlet, explain the Roman operation and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Adriano Claudio Fucino Marsi Marsica Roma Torlonia Traiano


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San Sebastiano curato da santa Irene

San Sebastiano curato da Santa Irene è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1625 dal pittore Hendrick ter Brugghen e conservato all'Allen Memorial Art Museum di Oberlin. L'opera è un classico esempio di pittura del Secolo d'oro olandese e dell'influsso che il Barocco italiano ebbe su di esso, come evidenziato dall'uso del chiaroscuro così tipico dei Caravaggisti di Utrecht. Lo storico dell'arte Seymour Slive ha descritto l'opera come il capolavoro di Hendrick ter Brugghen.

Prompt: How does Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre) explain its Abstract?Please output in Italian.

1625
Barocco
Caravaggisti di Utrecht
Hendrick ter Brugghen
Utrecht


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Campbell's Soup Cans

Campbell's Soup Cans è composta da 32 tele, grandi ciascuna 51 cm × 41 cm, raffiguranti dei barattoli di zuppa Campbell. Le tele sono molto simili tra loro e rappresentano realisticamente l'iconico prodotto dall'etichetta di colore bianco e rosso su uno sfondo bianco. Le tele hanno variazioni minori nelle lettere dei nomi e delle varietà.  maggior parte delle lettere sono dipinte a caratteri rossi. Quattro varietà presentano dei caratteri neri sotto il nome della varietà , mentre due varietà hanno etichette parentali scritte in rosso . Le dimensioni dei caratteri variano leggermente nei nomi delle varietà. Tuttavia, ci sono alcune notevoli differenze di carattere stilistico: oltre a riportare la parola "soup" più in basso rispetto alle altre tele, Old-fashioned Tomato Rice è l'unica varietà che presenta dei caratteri scritti in minuscolo, mentre Cheddar Cheese ha due addendum a forma di banner che riportano le scritte "New!" e "Great As A Sauce Too!".L'opera fu realizzata adottando la pressatura di illustrazioni a inchiostro umido su carta adiacente. Anche se il processo inizia generalmente con un disegno a stencil, spesso si evolve da una fotografia ingrandita che viene poi trasferita con la colla sulla seta. In entrambi i casi, è necessario produrre una versione a base di colla di un'immagine bidimensionale positiva . Solitamente, l'inchiostro viene fatto rotolare attraverso il mezzo in modo che passi attraverso la seta e non la colla.

Prompt: Explain the Description and technical of this artwork, Campbell's Soup Cans.Please output in Italian.


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Democrito

Il nome di Democrito è rimasto legato alla sua celebre teoria atomista considerata, anche a distanza di secoli, una delle visioni più "scientifiche" dell'antichità: l'atomismo democriteo infatti fu ripreso non solo da altri pensatori greci, come Epicuro, ma anche da filosofi e poeti romani  nonché da filosofi del tardo medioevo, dell'età rinascimentale e del mondo moderno . Come è stato rilevato da Theodor Gomperz e da altri studiosi, Democrito può essere considerato il "padre della fisica", così come Empedocle lo era stato per la chimica. Ludovico Geymonat afferma che «l'atomismo di Democrito […] ebbe una funzione determinante, nel XVI e XVII secolo, per la formazione della scienza moderna».Alla base dell'ontologia di Democrito c'erano i due concetti di atomo e di vuoto: infiniti atomi in infinito vuoto. ddove le filosofie precedenti cercavano nellarchè un principio unitario a fondamento del tutto, come notavano Platone e Aristotele, la sua filosofia culminava in due principi irriducibili tra loro.Democrito per certi aspetti sostituì l'opposizione logica eleatica tra essere e non essere con l'opposizione fisica tra atomo e vuoto: l'atomo costituiva l'essere, il vuoto rimandava in un certo senso al non essere. Per Democrito un atomo costituiva l'elemento originario e fondamentale dell'universo, nonché il fondamento metafisico della realtà fisica; ciò significava che gli atomi non venivano percepiti a livello sensibile  ma solo su un piano intelligibile, ossia attraverso un procedimento intellettuale che scomponeva e superava il mondo fisico-corporeo. C'è da precisare che l'atomo democriteo non costituiva in sé un'intelligibilità pura, come sarà l'idea di Platone, in quanto esso possedeva un'essenziale consistenza materiale: tuttavia era pur sempre una realtà intelligibile poiché sfuggiva ai sensi e si coglieva solo mediante l'intelletto.  realtà degli atomi costituiva per Democrito l'archè, quindi l'essere immutabile ed eterno. Gli atomi erano concepiti come particelle originarie indivisibili: essi cioè erano quantità o grandezze primitive e semplici , omogenee e compatte, la cui caratteristica principale è l'indivisibilità.Democrito, quindi, contrappose alla divisibilità infinita dello spazio geometrico, sostenuta da Zenone di Elea con i suoi paradossi , l'indivisibilità dello spazio fisico, che trovava appunto nell'atomo un limite invalicabile. Gli atomi dunque, in quanto principio primo di ogni realtà, erano eterni ed immutabili: essi non erano stati generati né potevano essere distrutti, ma esistevano da sempre e sempre sarebbero esistiti. Gli atomi, però, in quanto particelle quantitative , costituivano il pieno, che rimandava necessariamente alla realtà di un vuoto in cui potersi collocare, in cui poter esistere. Il vuoto infinito costituiva quindi anch'esso una realtà originaria analoga a quella degli atomi, poiché rendeva possibile la loro esistenza: infatti gli atomi non sarebbero stati nemmeno pensabili senza uno spazio vuoto infinito entro cui potersi muovere incessantemente. In questo illimitato vuoto spaziale non esistevano più punti di riferimento, tanto è vero che il filosofo greco, quasi anticipando il moderno concetto di infinito fisico, così affermò: «non esiste basso né alto, né centro né ultimo, né estremo». Fin da Aristotele, atomi e vuoto sono stati variamente interpretati; infatti, lo stesso Aristotele così si espresse nella sua Metafisica: «Leucippo e il suo discepolo Democrito pongono come elementi il pieno e il vuoto, chiamando l'uno essere e l'altro non essere».Di fronte alla realtà di qualcosa , Democrito avrebbe ammesso l'esistenza di un "non qualcosa", il vuoto appunto, il nulla inteso come spazio. Quindi il vuoto di Democrito non stava ad indicare l'esistenza del non essere ma più semplicemente la mancanza di materia, coincidente appunto con lo spazio. Pieno e vuoto costituivano pertanto i due principi originari a cui ricondurre l'esistenza di tutte le cose: l'uno rimandava all'altro, lo implicava necessariamente, poiché la realtà era il risultato della loro sintesi. Gli atomi possedevano il movimento come loro caratteristica intrinseca: essi infatti si muovevano eternamente e spontaneamente nel vuoto, incontrandosi e scontrandosi. Il divenire del cosmo e della natura e la molteplicità degli enti erano dovuti proprio a questo incessante movimento da cui tutto si formava per poi disgregarsi. Il movimento quindi costituiva una proprietà intrinseca e spontanea degli atomi e, come tale, non era generato da una causa esterna ad essi: spontaneamente, per loro natura, essi si muovevano.In questo eterno e naturale movimento degli atomi di Democrito alcuni studiosi hanno visto una sorta di primitiva intuizione del principio di inerzia. È stato notato che «il principio di inerzia, fondamento della dinamica galileiana, dice pressappoco la stessa cosa: afferma infatti che il moto rettilineo uniforme non richiede la presenza di alcuna causa che lo provochi; solo dove si ha accelerazione deve esserci una causa che lo produce»In Democrito, come osservò Aristotele, era assente il concetto di una causa del movimento; non era chiaro «il perché del movimento, né di quale specie esso sia né la causa per cui il movimento avviene in un modo o in un altro».Gli atomi democritei, essendo definiti come quantità infinitesime, erano del tutto privi di determinazioni qualitative: sono fatti tutti della medesima materia, ma differiscono per quanto riguarda gli aspetti quantitativi, vale a dire forma, ordine e posizione. Dal punto di vista della forma, ad esempio, l'atomo A era diverso dall'atomo B .  posizione indicava il fatto che l'atomo A occupasse un posto diverso da quello di B; infine l'ordine  indicava l'esistenza di una relazione AB che era diversa da BA. Utilizzando l'esempio di Aristotele, le differenze tra gli atomi possono essere spiegate al pari delle differenze che costituiscono le lettere dell'alfabeto: A differisce da N per la forma, AN da NA per l'ordine, mentre Z differisce da N per la posizione. Tutte queste differenze, come si vede, erano di natura geometrico-quantitativa e davano luogo ad una realtà caratterizzata esclusivamente da rapporti quantitativi, secondo quell'idea che era stata già intuita dalla scuola pitagorica.

Prompt: Explain the The theory of atoms about the Opponents of this artwork, Democritus (Ribera).Please output in Italian.

Aristotele
Empedocle
Epicuro
Leucippo
Ludovico Geymonat
Platone
Theodor Gomperz
Zenone di Elea


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La fattoria

Conduttrice: Daria Bignardi - Inizio trasmissione: 6 aprile 2004 - Fine trasmissione: 2 giugno 2004 - Puntate: 9 - Giorni: 58 - Numero di partecipanti: 16 - Montepremi:  - Opinioniste: Flavia Cercato, Alba Parietti, Iva Zanicchi, Sandra Mondaini - Inviato: Daniele Bossari - Location: Castelfalfi   prima edizione de  fattoria, è andata in onda dal 6 aprile al 2 giugno 2004 su Italia 1, con la conduzione di Daria Bignardi, affiancata dalle opinioniste Flavia Cercato, Alba Parietti, Iva Zanicchi !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Danny Quinn 39 anni Modello, attore  Italia Vincitore-Milton Morales 33 anni Modello  Cuba Secondo classificato-Daniel Ducruet 39 anni Personaggio TV  Francia Terzo classificato-Gigi Rizzi59 anni Attore  Italia Quarto classificato-Floriana Secondi 26 anni Personaggio TV  Eliminata-Rita Iannacone 28 anni Personaggio TV  Italia Eliminata-Domenico Fioravanti 26 anni Nuotatore  Italia Eliminato-Francesco Oppini 22 anni Studente  Eliminato-Donatella Rettore 48 anni Cantautrice, attrice  Italia Eliminata-Selen 37 anni Attrice pornografica e cinematografica  Italia Eliminata-Silvia Rocca 36 anni Modella, disc-jockey  Italia Eliminata-Ela Weber 38 anni Showgirl  Germania Eliminata-Roberto Da Crema 51 anni Personaggio TV  Italia Espulso-Solange 51 anni Sensitivo, personaggio TV  Italia Eliminato-Loredana Lecciso 31 anni Showgirl  Italia Eliminata-Flavia Vento 26 anni Showgirl  Italia Ritirata}

Prompt: In the context of The Farm (Miró), explain the "Lafattoria1" (2004) and the Editions.Please output in Italian.

2004
Alba Parietti
Castelfalfi
Daniele Bossari
Danny Quinn
Daria Bignardi
Flavia Cercato
Italia
Italia 1
Iva Zanicchi
Sandra Mondaini


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Castrovalva

Chiesa della Madonna della Neve , la chiesa di Santa Maria delle Grazie, la chiesa di San Michele Arcangelo (del XII secolo.;Chiesa della Madonna delle Grazie: è sede della parrocchia di Castrovalva, fu eretta sopra l'antica cappella di , già citata da Clemente III nel 1188. L'edificio sacro ha un aspetto rinascimentale, con facciata semplice, in cui unico elemento decorativo è il portale con cornice modanata in tardo stile romanico, al centro dell'architrave, sostenuto da mensole a volute, due angioletti reggono uno scudo a forma di muso di cavallo, con giglio, stemma della famiglia Belprato. Il fregio soprastante è ornato da una testina di putto affiancata da tralci vegetali, e concluso da una cornice a mensola su cui poggia il piccolo archivolto.  lunetta è affrescata, anche se il disegno è lacunoso, ed è ritratto Cristo benedicente.  chiesa ha navata unica, sulle pareti laterali sono poste delle nicchie come altarini, uno dei quali accoglie la statua policroma di Santa Lucia del XX secolo, che secondo i locali, mostra gli occhi ai fedeli in qualunque punto la si guardi, e sorregge una palma e gli occhi del martirio. Nell'altra nicchia è collocata una scultura della Madonna col Bambino del XVI secolo, in stucco e stoffa su base lignea.  Vergine è rappresentata seduta e tiene il Bambino con il braccio sinistro, la veste di color rosso e manto azzurro sono punteggiati da stelle dorate. L'altare maggiore è contornato da due ovali dipinti con raffigurazioni della Santa Vergine col Bambino e San Giuseppe sposo con Gesù Bambino, entrambi del XVIII secolo. Il paliotto d'altare del 1729 da De Mancino ha una decorazione in stucco di polvere di marmo colorato, che riproduce un effetto a intarsio, sopra l'altare c'è il tabernacolo ligneo dorato del XVII secolo con la Deposizione di Cristo.;Chiesa di Santa Maria ad Nives: sorge nella piazza principale di Castrovalva. Risalirebbe al Medioevo, ma fu ricostruita nel XVI secolo; la facciata ha coronamento curvilineo barocco, doppiamente inflesso, al centro il portale liscio architravato è coronato da un affresco rinascimentale della Madonna col Bambino entro cornice trapezoidale, dai fianchi concavi e profilo superiore convesso, sormontato da una modanatura. Nella parte alta del fronte c'è un orologio centrale, ai lati due specchiature ellittiche con figure di santi su fondo azzurro. L'interno settecentesco è a tre navate, scandite da pilastri in finto marmo venato, che sostengono archi a tutto sesto.  navata centrale ha volte a crociera, mentre una piccola volta a botte precede la cupole emisferica su pennacchi che sovrasta il presbiterio. Alle pareti laterali sono addossati altari in stucco, nella navata destra è presente una tela del Settecento opera ex voto, ridipinta nel 1924 da Alfredo Gentile, con Apparizione della Madonna dell'Incoronata di Foggia ad un pastore. Tale devozione è legata al fenomeno abruzzese della transumanza, e la devozione si estende anche a San Michele, dato che i tratturi transitano anche per Monte Sant'Angelo. In segno di tale fedeltà, nel XVIII secolo è stata realizzata una statua del santo Michele, conservata nella sagrestia, proveniente dalla piccola cappella di San Michele di Castrovalva.  statua è molto ben realizzata, con ricchi particolari, mostrante il santo con la spada che sconfigge il demonio e con la bilancia per pesare le anime.;Chiesetta di San Michele: sorge appena fuori Castrovalva, dedicata al patrono, presso Monte Sant'Angelo.  costruzione attuale è sovrapposta a quella originale del XII secolo, nota come Sancti Angeli in Castro. Le uniche tracce medievali sono visibili nell'ossario della cripta, prima del restauro corposo del XVI-XVII secolo.  cappella antica era a navata unica, con abside semicircolare scavata nella roccia della grotta rupestre dedicata al santo, presbiterio rialzato rivolto verso la torre di guardia di Castrovalva, già citata nel 1079.  struttura attuale ottocentesca ha mantenuto la pianta a sala, scandita da una sequenza di tre archi a tutto sesto all'interno che sostengono la copertura a spioventi. Lungo i muri perimetrali corre un sedile in pietra, interrotto dai pilastri delle arcate. In fondo l'alttare maggiore è sormontato da un'edicola con la statua in gesso di San Michele, del XX secolo, perché quella originale del XVIII secolo è custodita nella sacrestia della chiesa parrocchia di Santa Maria delle Grazie.

Prompt: In Castrovalva (M. C. Escher), how is the Churches of the History explained?Please output in Italian.

1079
XVI secolo
Cristo
Madonna col Bambino
Monte Sant'Angelo
Santa Lucia
XVII secolo
XII secolo
XVIII secolo
XVII secolo
XVI secolo
XX secolo


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La grande onda di Kanagawa

Nella pittura tradizionale giapponese, e più in generale in quella dell'Estremo Oriente, la rappresentazione della prospettiva come era intesa dagli occidentali non esisteva. Come nell'Antico Egitto, le dimensioni degli oggetti o dei personaggi non dipendeva dalla loro vicinanza o lontananza, ma piuttosto dalla loro importanza all'interno del contesto dell'immagine: in un paesaggio, il rappresentare i personaggi più grandi rispetto agli alberi e le montagne intorno faceva intendere che i protagonisti dell'opera fossero i primi, oltre a far sì che l'attenzione dell'osservatore si monopolizzasse su di essi. Il concetto di punto di fuga non esisteva. tecnica della prospettiva, utilizzata nella pittura occidentale a partire dai lavori di Paolo Uccello e Piero della Francesca, arrivò in Giappone nel XVIII secolo attraverso le incisioni su rame occidentali  importate dai commercianti dal porto di Nagasaki. I primi tentativi di copiare l'uso della prospettiva occidentale furono ad opera di Okumura Masanobu e soprattutto di Utagawa Toyoharu, che nel 1750 produsse alcune incisioni in prospettiva raffiguranti i canali di Venezia o le rovine di Roma antica.Grazie ai lavori di Toyoharu, la stampa paesaggistica giapponese ne uscì profondamente influenzata, continuando a evolversi grazie alle opere di Hiroshige  e Hokusai. Quest'ultimo incominciò a prendere confidenza con la tecnica della prospettiva a partire dal decennio 1790 attraverso lo studio dei lavori di Kōkan. Tra il 1805 e il 1810 pubblicò la serie intitolata Immagini a specchio in stile olandese - Otto vedute di Edo.Alcuni studiosi sostengono che  grande Onda non rappresenti appieno la pittura giapponese in quanto risentirebbe troppo degli influssi europei.

Prompt: Describe the characteristics of the Influenza western on the work perspective in The Great Wave off Kanagawa's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Egitto
Estremo Oriente
Giappone
Nagasaki
Okumura Masanobu
Paolo Uccello
Piero della Francesca
Utagawa Toyoharu
Venezia


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Ritratto di cavaliere

Il cavaliere, molto giovane, è ritratto in piedi in primo piano, con le gambe saldamente aperte a compasso e sembrerebbe in procinto di sguainare lo spadone, ma non indossa l'elmo bensì una specie di basco di spesso tessuto nero e neppure i "guanti" di metallo che dovrebbero proteggergli le mani; gli sta accanto un cagnolino. Sullo sfondo, un paesaggio descritto con una cura minuziosa del dettaglio, tipico della pittura fiamminga  ma anche della pittura veneta di età tardo gotica.Il profilo di un uomo armato a cavallo si stacca dalle mura di un castello o di una città, fortemente scorciato in profondità, sulle cui mura si nota l'insegna lignea di un destriero al galoppo. In questo caso l'uomo indossa un elmo ma non ha la spada né la corazza, solo una lancia. A fianco di quest'uomo si vede apparire un cane, mentre un'aquila e una gru stanno combattendo in volo sulla sua testa e quest'ultima sta per essere sconfitta. Ogni specie vegetale e faunistica è perfettamente riconoscibile; tra gli animali si vedono, oltre ai già citati cani, un ermellino , un cervo, un pavone , un leprotto e numerosi uccelli, alcuni in volo e altri nello specchio d'acqua che si apre sulla destra.Un cartiglio in terra a sinistra accanto all'ermellino reca il motto "" . Questo infatti è il motto dell'Ordine dell'Ermellino, istituito da Don Ferrante d'Aragona, re di Napoli.Diverse famiglie nobiliari italiane erano fedeli agli Aragonesi, tra le quali, per un certo periodo, gli Sforza, i cui colori  sembrerebbero indossati dall'uomo armato a sinistra.Ingrandendo l'immagine si può notare, vicino all'ermellino, un piccolissimo stagno alimentato dal cannello di una sorgente dove alcune rane si divertono a tuffarsi.A destra si vede l'ansa di un fiume, o forse la riva di un lago: alcuni animali vi si stanno abbeverando. Dominano questo scorcio le mura di una città che, se identificata, potrebbe rivelare molte cose sull'identità del cavaliere: è visibile una strada o scalinata che porta in cima alla collina dove troneggia una torre merlata.

Prompt: How does Young Knight in a Landscape explain its Description and style?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Nonostante il British Museum abbia continuamente ribadito la sua ufficiale proprietà dei marmi, nel 1998 tutti i sondaggi effettuati da agenzie e giornali hanno mostrato il favore dell'opinione pubblica alla restituzione dei marmi di Elgin alla Grecia.Ipsos MORI ha effettuato un sondaggio con la domanda: "Se ci fosse un referendum sull'opportunità o meno che i marmi di Elgin siano restituiti alla Grecia, come voterebbe?". Le risposte, tra la popolazione inglese adulta, sono state: Quando è stato chiesto il parere del pubblico con una serie di condizioni  il numero di favorevoli alla restituzione è salito al 56% e quello dei contrari è sceso al 7%.Entrambi i risultati del sondaggio evidenziano quindi come la maggioranza della popolazione inglese sia favorevole al rientro dei marmi in Grecia, la quale supera di gran lunga la parte a favore della permanenza al British Museum.

Prompt: In the context of Elgin Marbles, explain the Surveys and the Damages.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: Explain the TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset. of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Vocazione di san Matteo

Il dipinto è realizzato su due piani paralleli, quello più alto vuoto, occupato solo dalla finestra, mentre quello in basso raffigura il momento preciso in cui Cristo indica san Matteo. Matteo è seduto ad un tavolo con un gruppo di persone, vestite come i contemporanei del Caravaggio, come in una scena da osteria.È la prima grande tela nella quale Caravaggio, per accentuare la tensione drammatica dell'immagine e focalizzare sul gruppo dei protagonisti l'attenzione di chi guarda, ricorre all'espediente di immergere la scena in una fitta penombra tagliata da squarci di luce bianca, che fa emergere visi, mani  o parti dell'abbigliamento e rende quasi invisibile tutto il resto.E così, solo alcuni dei personaggi investiti dalla luce  volgono lo sguardo verso Gesù, mentre gli altri preferiscono restare a capo chino, distratti dalle proprie solite occupazioni.  luce inoltre ha la funzione di dare direzione di lettura alla scena, che va da destra a sinistra e torna indietro quando incontra l'umanissima espressione sbigottita ed il gesto di san Matteo che punta il dito contro se stesso al fine di ricevere una conferma, come se chiedesse a Cristo e a san Pietro: «State chiamando proprio me?».Altri, tra i quali Sara Magister  Tale ipotesi è ritenuta poco probabile da Roberto Filippetti, docente di “Iconologia e iconografia cristiana” nel Master in Architettura, arti sacre e liturgia presso l’Università Europea di Roma.L'opera prende vita grazie all'uso magistrale della luce e i personaggi si muovono sulla tela come attori su un palco grazie ad essa. Il fatto, poi, che essi siano vestiti secondo la moda dell'epoca del pittore ed abbiano il viso di modelli scelti tra la gente comune e raffigurati senza alcuna idealizzazione, con il realismo esasperato che ha sempre caratterizzato l'opera di Caravaggio, trasmette la percezione dell'artista dell'attualità della scena , la sua intima partecipazione all'evento raffigurato, mentre su un piano altro, totalmente metastorico, si pongono il Cristo e lo stesso Pietro, avvolti in una tunica senza tempo.  gestualità dei personaggi dipinti dal Caravaggio  danno un movimento e un coinvolgimento dei personaggi unico nel suo genere e fanno notare come il Merisi sia stato un frequentatore di locande dei bassifondi romani del periodo e sia stato in grado di riprodurre atteggiamenti, espressioni e azioni  di sicuro appresi da esso nella sua vita. Tale partecipazione viene espressa in modo ancor più efficace, se possibile, nell'altra tela di grandi dimensioni, raffigurante il Martirio del Santo, nella quale da una colonna sulla sinistra sbuca, timido e pregno di compassione, un volto che non è altro se non l'autoritratto di Caravaggio stesso, che pare riaffermare la propria personale partecipazione all'evento narrato.Di grande intensità e valenza simbolica, nella Vocazione, è il dialogo dei gesti che si svolge tra Cristo, Pietro e Matteo. Il gesto di Cristo  viene ripetuto da Pietro, simbolo della Chiesa Cattolica Romana che media tra il mondo divino e quello umano  e a sua volta ripetuto da Matteo. È la rappresentazione simbolica della Salvezza, che passa attraverso la ripetizione dei gesti istituiti da Cristo  e ribaditi, nel tempo, dalla Chiesa. Grazie alla radiografia, sappiamo che nella prima versione non era presente la figura di san Pietro, aggiunta successivamente.

Prompt: Focus on The Calling of Saint Matthew and explain the History and description.Please output in Italian.


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Cupido slaccia la cintura di Venere

prima versione dell'opera fu esposta nel 1784 e acquistata dalla Tate Gallery nel 1871. Una seconda copia del 1785 realizzata per la nipote di Reynolds, la marchesa di Thomond, fu acquistata all'asta nel maggio 1821 da Sir John Soane, la quale è esposta al Museo Soane. Nel 1788 Lord Carysfort commissionò una terza copia da presentare al principe Grigorij Aleksandrovič Potëmkin, che oggi si trova esposta al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: In Cupid Untying the Zone of Venus, how is the History discussed?Please output in Italian.

Grigorij Aleksandrovič Potëmkin
John Soane
Ermitage
San Pietroburgo
Tate


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: How does Annunciation (Veronese, Uffizi) explain its Congregation orders Annunciation?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

L'opera arriva a Brescia nello stesso maggio del 1522 e viene montata all'altare maggiore della chiesa della collegiata, all'interno di una ricca cornice in legno dorato, probabilmente molto estesa. Il polittico trova subito a protezione due grandi antoni dipinti dal Moretto, raffiguranti i due santi titolari della chiesa.

Prompt: Describe the characteristics of the arrival Brescia in Averoldi Polyptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Bonjour monsieur Courbet

Bonjour monsieur Courbet  è un dipinto di Gustave Courbet del 1854. Esso rappresenta l'autore stesso in un incontro con un amico.

Prompt: In La rencontre, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Battaglia delle Amazzoni

Battaglia delle Amazzoni  è un dipinto a olio su tavola  realizzato intorno al 1615 dal pittore fiammingo Peter Paul Rubens. Viene considerata una delle opere che esprime con maggiore intensità l'ammirazione di Rubens per Leonardo.

Prompt: In The Battle of the Amazons (Rubens), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Prometeo incatenato

Negli ultimi decenni alcuni studiosi hanno messo in dubbio la paternità eschilea dell'opera. Si ipotizza che il testo che oggi conosciamo sia di altro autore , o che il testo originale eschileo sia stato modificato dopo la morte del suo autore. Questo per tre ragioni principali: Nelle opere di Eschilo, Zeus è sempre portatore del modo di ragionare ed agire più retto, mentre nel Prometeo appare come un tiranno. Alcuni dei discorsi di Prometeo a propria autodifesa sembrano influenzati dal dibattito sull'evoluzione del genere umano e sul rapporto tra natura e cultura tipico della filosofia sofistica, che però si diffuse ad Atene solo dopo la morte di Eschilo. Motivazioni metriche.D'altra parte, per il primo punto, è possibile che la figura di Zeus venisse riabilitata nelle altre tragedie della trilogia, e in ogni caso lo scontro tra personaggi rigidi ed orgogliosi, nonché tra divinità più anziane e divinità più giovani, è presente anche altrove nel teatro eschileo . Il dubbio rimane, ma la maggior parte degli studiosi propende per confermare la paternità eschilea dell'opera.

Prompt: Explain the The problem of attribution about the Plot of this artwork, Prometheus Bound (Rubens).Please output in Italian.


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Madonna col Bambino in trono tra i santi Giovanni Battista e Sebastiano

L'opera venne dipinta su commissione di Cornelia Salviati, vedova del mercante fiorentino Giovanni Martini, e di suo figlio Roberto, per la cappella nella chiesa del convento di San Domenico a Fiesole, che era stata forse fatta ristrutturare a Giuliano da Sangallo pochi anni avanti. Nel 1493 Perugino aveva anche sposato Chiara Fancelli, figlia dell'architetto Luca Fancelli: il ritratto della donna, dalla bocca stretta e il mento affilato, compare nell'effigie della Madonna.Nel 1786 venne acquistata dal Granduca Pietro Leopoldo per mille scudi, entrando così nelle Regie Gallerie, poi Uffizi.  cappella venne allora decorata da un dipinto di Lorenzo di Credi, mentre nel XX secolo fu fatta una copia della Madonna di Perugino da Garibaldo Ceccarelli, che ancora oggi si trova nella chiesa.Il restauro del 1995 ha recuperato gli accordi cromatici originari, con una migliore lettura dei dettagli più minuti, come le venature della pietra sul pilastro di destra.

Prompt: How does Madonna and Child Enthroned with Saints John the Baptist and Sebastian explain its History?Please output in Italian.

1493
1786
Chiara Fancelli
Fiesole
Giuliano da Sangallo
Lorenzo di Credi
Luca Fancelli
Perugino


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Ritratto di Giuliano de' Medici duca di Nemours

statua è presente  come uno dei protagonisti nell'anime Sekko Boys.

Prompt: Focus on Portrait of Giuliano de' Medici, Duke of Nemours and explain the In mass culture.Please output in Italian.


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Annunciazione

Un'antica tradizione identifica la casa di Maria, in cui avvenne l'Annunciazione, con la grotta che oggi si trova nella cripta della Basilica dell'Annunciazione a Nazaret.  casa era costituita da una parte scavata nella roccia  e una parte costruita in muratura. Quest'ultima rimase a Nazaret fino alla fine del XIII secolo, quindi venne trasferita prima a Tersatto  e dopo a Loreto, nelle Marche, in quanto la rioccupazione della Terra santa da parte dei musulmani faceva temere per la sua conservazione.Secondo la tradizione, essa fu miracolosamente portata in volo da alcuni angeli .  Santa Casa, come essa è chiamata, si trova tuttora all'interno della Basilica di Loreto.

Prompt: Explain the The house of the Annunciation of this artwork, Annunciation (Antonello da Messina).Please output in Italian.

Basilica dell'Annunciazione
Loreto
Marche
Terra santa
Tersatto
XIII secolo


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Corse a Longchamp

Corse a longchamp  è un dipinto a olio su tela del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1867 e conservato all'Art Institute of Chicago.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Races at Longchamp.Please output in Italian.

1867
Art Institute of Chicago
Chicago
Édouard Manet


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Ballo a Bougival

Ballo a Bougival è un dipinto a olio su tela di 181 × 98 cm realizzato nel 1883 dal pittore francese Pierre-Auguste Renoir. È conservato nel Museum of Fine Arts di Boston che lo acquistò per 150 000 dollari nel 1937. Il dipinto raffigura Suzanne Valadon e Paul Auguste Llhote. L'artista voleva ritrarre uno spaccato di vita mondana parigina, come fece con il Ballo in campagna e Ballo in città.

Prompt: How does Dance at Bougival explain its Abstract?Please output in Italian.

1883
1937
Ballo in campagna e Ballo in città
Boston
Pierre-Auguste Renoir
Suzanne Valadon


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Il parasole

L'opera, oggi particolarmente celebre, fu eseguita dal Goya fra il 3 marzo e il 12 agosto 1777, giorno in cui fu consegnata alla Real Fabrica di Santa Barbara. All'artista, tuttavia, fu destinata una retribuzione piuttosto bassa, segno che l'opera venne sottostimata, probabilmente a causa del ridotto numero di personaggi e dell'assenza di una quinta paesistica attentamente descritta.In questo cartone sono rappresentati due giovani intenti in un innocente gioco amoroso.  maja  è elegantemente vestita e un cagnolino le si accovaccia sopra, mentre il fidanzato le fa ombra con il parasole. Quello della sombrilla  si tratta di un tema onnipervasivo della cultura del tempo, a tal punto da essere presente in numerosissimi romanzi e quadri: vani, pertanto, sono stati i vari tentativi dei critici di rintracciare un'eventuale fonte  dalla quale Goya avrebbe potuto desumere questo dettaglio. Le due figure sono inoltre disposte secondo un impianto piramidale, e lo sfondo alle loro spalle è privo di profondità, a tal punto da sembrare un proscenio paesaggistico.Il soggetto, di per sé insignificante, viene trattato dall'artista con grande raffinatezza cromatica ma anche visiva. Goya, infatti, applica il colore con grande spontaneità, mostrandosi memore della lezione italiana di Corrado Giaquinto; le campiture, analogamente, sono larghe e squillanti, elemento inconsueto per una pittura di corte. Con la sua luminosità, vivificata dai rossi, gialli e azzurri disciolti, Il parasole è impregnata di una grande joie de vivre, allusione abbastanza esplicita all'illuminato regno di Carlo III di Spagna. Particolare interessante di questo cartone è l'uso del rosso puro: l'impiego di un colore primario direttamente sulla tela, senza alcuna preparazione sulla tavolozza, prelude infatti gli sviluppi futuri della pittura romantica, se non addirittura di quella impressionista.

Prompt: In The Parasol, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: In Presentation at the Temple (Bellini), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La famiglia di Carlo IV

L'opera, come già detto, ritrae la famiglia di Carlo IV di Borbone. Notevole è la perizia tecnica del dipinto, che presenta un raffinato dialogo cromatico tra i bruni, i rossi, i bianchi e i gialli oro, e una stesura pittorica a grandi macchie e strappi cromatici, tecnica molto audace ripresa dal seicentesco Diego Velázquez. Goya si dimostrò assai sensibile all'influenza esercitata da s Meninas di Velázquez, dal quale riprende la presenza di quadri alle pareti, la centralità della figura femminile e, soprattutto, l'autoritratto sul margine sinistro della tela, dove nella penombra scorgiamo un uomo impegnato ai pennelli . Assente, invece, è il complesso gioco di specchi e prospettive che caratterizzava l'opera di Velázquez, sostituito da Goya con una parete frontale che comprime gli spazi; sembrerebbe, comunque, che durante l'esecuzione del dipinto Goya abbia comunque fatto ricorso allo specchio, ponendolo dinanzi alla famiglia reale e guardandovi dentro.Questo dipinto, tuttavia, colpisce soprattutto per l'occulto proposito espressivo di Goya, che scruta i vari membri della famiglia reale con grandissima tensione psicologica e spietatezza d'occhio. Lo sguardo indagatore di Goya, infatti, guarda oltre l'apparente dignità della famiglia reale e vi scorge uno stato di grande ottusità e miseria morale, nonostante le varie onorificenze e le mise ricercate ed eleganti. È in questo modo che Goya, andando oltre la loro pompa superficiale, pone in risalto il loro lato più miserabile e mette così a nudo il loro animo. Carlo IV, figura emergente del gruppo di destra, viene ritratto con un volto ordinario, di persona sciocca, insignificante e non sembra mostrare la sua potenza di re. È infatti Maria Luisa di Borbone-Parma, la moglie di Carlo IV, al centro del secondo gruppo, tra i due figli minori, la figura dominante nonché la potenza della famiglia; tuttavia ella appare sgradevole, animalesca, inutilmente provocante, restituendo l'effetto grottesco di una scimmia vestita da donna. Tra i due, inoltre, vi è l'infante Francesco; la pubblica voce attribuiva la paternità del piccolo a Manuel Godoy, onnipotente primo ministro, dato che Maria Luisa era molto screditata agli occhi dell'opinione pubblica e Carlo IV passava per un marito compiacente. Analogamente don Ferdinando presenta il busto rigido e il petto sporgente in fuori e, pur volendo trasmettere una sensazione di boria, presenta una fisionomia inespressiva; l'infante Carlo e l'infanta Maria Giuseppina, invece, hanno le sembianze di un «bambino precocemente invecchiato» e di una «vecchia megera ingioiellata» . Alle spalle di Carlo, infine, troviamo il fratello don Antonio, che scruta l'osservatore con uno sguardo fisso, lievemente straniante.}}Gli unici a salvarsi dallo spietato verdetto di Goya sono i bambini più piccoli e la coppia di destra, formata da Maria Luisa di Borbone e dal piccolo Carlo, i quali «apportano una nota di freschezza in questa polverosa famiglia reale» . Ben distanti dalle figure adulte, stereotipate e cacofoniche, i bambini rappresentano per Goya uno stato ideale non ancora corrotto, simbolo dell'innocenza e della purezza e quindi incolpevoli della sconvolgente situazione della Spagna di quegli anni. Molto particolare, infine, il ruolo assegnato da Goya alla luce, il vero elemento unificante del dipinto: alla luce, infatti, viene assegnato il duplice compito di sottolineare il lusso degli abiti e il brillio dei gioielli e delle decorazioni, ma anche di far risaltare, che l'artista l'abbia voluto o no, la bruttezza, la follia e la presunzione degli illustri effigiati.

Prompt: In the context of Charles IV of Spain and His Family, explain the Analysis and the History.Please output in Italian.

Borbone
Diego Velázquez
Manuel Godoy
Maria Luisa di Borbone-Parma
Maria Luisa di Borbone-Parma


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Democrito

Così come per il resto della materia, anche l'anima  per Democrito era costituita da atomi, atomi più sottili e lisci, di natura ignea.Essi penetrano tutto il corpo e gli danno vita e vengono mantenuti in esso grazie alla respirazione, inoltre grazie a questa capacità di vivificare, di render pensante l'uomo, erano considerati divini.Infine, Democrito sostiene che gli dei sono fatti di atomi proprio come gli esseri umani, ma che non interagiscono affatto con noi: questo fatto lo fece considerare come un vero e proprio anticonformista e ateo, una vera rarità ai suoi tempi.Tuttavia, stando al frammento Diels-Kranz B175, "gli dèi si interessano degli uomini dagli albori della storia a oggi donando loro ogni bene" ed evitando ogni male o possibile danno.

Prompt: In the context of Democritus (Ribera), explain the Thedivine and the Opponents.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Sherman morì il 14 febbraio 1891 a New York; ci fu un grande funerale nella sua casa. Poi il corpo fu trasportato a Saint Louis dove, il 21 febbraio, si svolse un altro servizio funebre celebrato da suo figlio, Thomas Ewing Sherman, sacerdote gesuita. Il presidente degli Stati Uniti Benjamin Harrison mandò un telegramma alla famiglia e ordinò che le bandiere nazionali fossero tenute a mezz'asta.Uno degli uomini che trasportò la bara in chiesa fu l'ex generale confederato Joseph E. Johnston che, forse per essere stato sotto la pioggia nel corso della cerimonia, contrasse una polmonite che lo portò alla morte. Sherman oggi riposa nel cimitero del Calvario a Saint Louis.

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Death of the Service  civil  war explained?Please output in Italian.


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Ritratto d'uomo con falcone

L'opera venne già riferita, senza fondamento, al ritratto di Giorgio Cornaro o di Federico Gonzaga. Fu nelle collezioni del principe di Carignano, poi in quelle di Luigi Francesco di Borbone, poi ancora di Lord Carlysle a Castle Howard, E. F. Milliken a New York, E. Simon a Berlino, Lord Duveen a Millbank, A. W. Erikson a New York e infine in quella Wildenstein di New York, che poi la vendette al museo statunitense.

Prompt: Focus on Portrait of a Man with a Falcon and explain the History.Please output in Italian.