subsection

marmi di Elgin

Le decorazioni del Partenone subirono numerosi danni durante le varie guerre che vennero combattute nel territorio di Atene. In particolare il tempio fu seriamente danneggiato da un'esplosione provocata dai bombardamenti veneziani del 1687: il Partenone infatti era utilizzato dagli Ottomani come deposito di munizioni. Questa esplosione rovinò il tetto di marmo, la maggior parte delle pareti della cella, 14 colonne dei versanti nord e sud e varie metope, cadendo a terra insieme a parti del fregio, finirono in pezzi. Un ulteriore danno è stato provocato dal generale veneziano Francesco Morosini, che successivamente rimosse dal luogo alcune delle sculture più grandi.  sua attrezzatura, che era difettosa e artigianale, fece cadere dal frontone occidentale Poseidone e i cavalli del carro di Atena, che precipitarono giù dall'Acropoli per quaranta metri.

Prompt: Explain the Morosini about the Damages of this artwork, Elgin Marbles.Please output in Italian.


section

Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Portrait of a Man in Red Chalk explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.


section

Sacra Parentela

Il dibattito sul significato dei passi evangelici in cui si parla di personaggi ai quali è riservato l'appellativo di fratelli di Gesù si sviluppò precocemente nella storia della chiesa cristiana e si collega alla discussione sul dogma della verginità di Maria.San Gerolamo, in polemica con altre tesi che si rifacevano al "protovangelo di Giacomo", affermò che i cosiddetti fratelli debbano in realtà intendersi come "cugini" di Gesù, tenendo conto del fatto che il termine fratello, in ebraico, poteva estendersi appunto ai cugini primi. soluzione del problema riportata dalla Legenda Aurea  fa riferimento al cosiddetto "trinubium Annae". Secondo tale versione Sant'Anna, rimasta vedova di Gioacchino, avrebbe celebrato un secondo matrimonio andando in moglie, secondo i costumi del tempo, al fratello di Gioacchino, Cleofe, poi - nuovamente vedova – un terzo matrimonio con un secondo fratello di Gioacchino, Salome.
Sempre secondo quanto narra la Legenda Aurea, da ciascuno dei tre matrimoni Anna ebbe una figlia e, a ciascuna figlia, venne imposto il nome di Maria.
 prima Maria  sposò Giuseppe ed ebbe un unico figlio , Gesù.  seconda Maria  ebbe dal suo sposo Alfeo quattro figli .  terza Maria  generò dal suo sposo Zebedeo due figli .
In tal modo, ben cinque apostoli su dodici, sarebbero da considerare cugini primi di Gesù, e due delle Marie citate dai Vangeli sarebbero sorelle della Vergine, tutte e tre figlie di Anna.

Prompt: Explain the The tribunal of Anna of this artwork, The Holy Kinship (Geertgen tot Sint Jans).Please output in Italian.


section

Primavera

upright=1.3Un campo fiorito durante la stagione primaverile. primavera è una delle quattro stagioni in cui si divide l'anno; viene dopo l'inverno e precede l'estate.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Spring (painting).Please output in Italian.


section

Busto di Antonio Cepparelli

Il busto di Antonio Cepparelli è un'opera scultorea realizzata da Gian Lorenzo Bernini, conservata al Museo di San Giovanni de' Fiorentini a Roma. Antonio Cepparelli era un facoltoso fiorentino; viveva a Roma e decise di donare gran parte dei suoi beni all'Ospedale di San Giovanni dei Fiorentini: per tale ragione, quindi, gli fu dedicato un busto, per il quale si decise di interpellare il Bernini.Analizzando l'opera, sembra che l'artista sia stato ispirato da un busto di Clemente VIII presente nella Cappella Aldobrandini della Basilica di Santa Maria sopra Minerva, realizzato da Ippolito Buzio, agli inizi del XVII secolo. Entrambi i busti presentano una giacca di pelle aderente e un cappello a tracolla, posto sopra la spalla sinistra. Inoltre, in ambedue i casi lo sguardo è rivolto verso il basso e le guance sono poco affossate.

Prompt: How does Bust of Antonio Cepparelli explain its Abstract?Please output in Italian.

Antonio Cepparelli
Basilica di Santa Maria sopra Minerva
Cappella Aldobrandini
Gian Lorenzo Bernini
Ippolito Buzio
Roma


section

Corteo funebre di Carlo XII

Pittura storica Gustaf Cederström Carlo XII di Svezia Esposizione universale

Prompt: How does Bringing Home the Body of King Charles XII explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Carlo XII di Svezia
Esposizione universale
Gustaf Cederström
Pittura
Pittura storica
Svezia


section

Pala di San Giobbe

L'opera è una Sacra conversazione: attorno all'alto trono marmoreo di Maria col Bambino, ai cui piedi si trovano tre angeli musicanti, sono disposti simmetricamente sei santi, tre per parte: a sinistra san Francesco, Giovanni Battista e Giobbe, a destra i santi Domenico, Sebastiano e Ludovico di Tolosa. I santi vennero ripresi e imitati per decenni: san Francesco ad esempio ricompare quasi identico nella Pala di Castelfranco di Giorgione.  parte più straordinaria è rappresentata dalla volta a cassettoni che introduce prospetticamente alla composizione sacra, con pilastri ai lati, che sono uguali a quelli reali dell'altare originale.  nicchia profonda e ombrosa dello sfondo dilata lo spazio attorno al gruppo sacro, all'ombra di una calotta coperta da mosaici dorati nel più tipico stile veneziano. Si tratta quindi di un prolungamento virtuale dello spazio reale della navata, con figure al contempo monumentali e caldamente umane, grazie al ricco impasto cromatico.  luce si riverbera sui dettagli, venendo catturata dai mosaici o dagli strumenti musicali degli angeli.Maria è raffigurata isolata e assorta nella sua maestà, con un Bambino molto simile nella fisionomia del viso a quello della Madonna Contarini, sempre all'Accademia, e il retaggio bizantino è ancora percepibile nell'iconico distacco della divinità, che la rende misteriosa e irraggiungibile.

Prompt: In San Giobbe Altarpiece, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Giobbe
Giorgione
Giovanni Battista
Ludovico di Tolosa
Madonna Contarini
Pala di Castelfranco
Sacra conversazione


section

Natura morta con formaggi, mandorle e salatini

Il significato di questo dipinto sta nel simboleggiare il benessere economico di cui i Paesi Bassi godevano grazie ai prodotti lattiero-caseari, che venivano comunemente esportati. L'opera potrebbe quindi essere una manifestazione d'orgoglio nazionale da parte della pittrice, ma anche un'allusione negativa al mangiare troppo cibo. Infatti un detto olandese, "zuivel op zuivel è 't werk van den duivel" , voleva associare il formaggio, in particolare quello troppo stagionato, alla decadenza o addirittura alla morte.Un significato più profondo potrebbe essere visto nel bordo danneggiato del tavolo, che starebbe a simboleggiare che le cose terrene sono destinate, prima o poi, a soffrire.

Prompt: Explain the Meaning of this artwork, Still Life with Cheeses, Almonds and Pretzels.Please output in Italian.


section

Affreschi da villa La Pelucca

Gerolamo Rabia, nobile milanese, fu il committente per Luini di un ciclo di affreschi, tra l'altro, destinato a decorare la sua villa suburbana chiamata  Pelucca, nei pressi di Monza . Nel periodo napoleonico risiedette nella villa il viceré Eugenio di Beauharnais, passando poi al demanio del Regno Lombardo-Veneto alla restaurazione nel 1816, poco prima che fosse venduta a privati. Gli affreschi vennero staccati tra il 1821 e il 1822 con una campagna diretta da Stefano Barezzi, che si trasportò, secondo l'uso dell'epoca su tavole di legno: tale tecnica è all'origine delle numerose fessure che ancora oggi sono visibili. Andarono perdute vaste porzioni delle scene, soprattutto relative alle architetture dipinte che le incorniciavano, alterando irrimediabilmente la leggibilità del ciclo e, in alcuni casi, la lettura stessa delle scene.Non tutti i frammenti restarono però a Milano: alcuni presero la via del mercato antiquario, ricomparendo in diversi musei e collezioni. In tempi recenti Pinin Brambilla Bacilon e Maria Teresa Binaghi Olivari ne hanno condotto un restauro, che ha mantenuto gli storici supporti lignei. In seguito si è provveduto ad allestirli in galleria, con un criterio che per la prima volta li mostrava quasi al completo, dopo lunghi anni di permanenza nei depositi.

Prompt: Explain the History of this artwork, Villa La Pelucca frescoes.Please output in Italian.

1816
1821
1822
Eugenio di Beauharnais
Gerolamo Rabia
Milano
Monza
Regno Lombardo-Veneto
Stefano Barezzi


section

Bambini Graham

Si tratta di un ritratto credibile di un gruppo di bambini mentre giocano insieme. A destra Richard  suona un organetto meccanico  per incoraggiare l'uccellino in gabbia a cantare: è un cardellino che egli guarda speranzoso, ignaro che questo è invece terrorizzato dal famelico gatto che lo sta puntando da dietro la poltrona del ragazzo, mostrando eccitato i denti e gli artigli.Anna, al centro, sembra sollevare la gonna per fare una piroetta, mentre la più grande Henrietta tiene in mano due ciliegie, che il più piccolo Thomas sembra cercare di prendere. Quest'ultimo, il fratello minore nato nel 1740, indossa una veste e una cuffietta che possono sembrare femminili, ma che all'epoca erano consueti per gli infanti fino a 5 anni. Nel dipingere i grembiuli delle bambine, Hogarth utilizzò quelle linee serpentinate che aveva teorizzato come particolarmente gradevoli all'occhio.thumbnailLe linee a serpentina della composizioneIn terra, vicino a un cesto colmo di frutta, si nota il traino del carrello di Thomas, con una colomba che muoveva le ali quando il giocattolo veniva spinto. Sullo sfondo invece si vede un orologio sulla cui sommità un cupido regge una falce: allusione al trascorrere veloce del tempo che fa passare l'innocenza infantile e porta, inesorabilmente, alla morte. Il bambino più piccolo infatti, al completamento del dipinto, era già morto e il ritratto aveva proprio il ruolo di ricordarlo ai suoi familiari come era ancora in vita.Nonostante una certa ufficialità del ritratto, data ad esempio dall'indossare i migliori abiti e ghirlande di fiori per le bambine, il dipinto spicca per la sua freschezza e la verosimiglianza delle espressioni dei fanciulli, ora sorridenti, ora scanzonate.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Graham Children.Please output in Italian.


section

Madonna Stroganoff

Madonna col Bambino  Iconografia di Maria

Prompt: Focus on Madonna and Child (Duccio, Metropolitan) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Iconografia di Maria
Madonna col Bambino


section

La Fuensanta

sinistraUna banconota da 100 pesete del 1953 che ritrae l'opera. Fuensanta venne esposta al padiglione cordovese dell'esposizione iberoamericana di Siviglia del 1929 e per molti anni se ne persero le tracce fino al 2007. Fino a quel momento, era nota solo una riproduzione in bianco e nero, che venne adoperata per la riproduzione del quadro nelle banconote da 100 pesete che erano in circolazione dal 1955 al 1978. tela fu localizzata grazie alla mostra «Arte en el Dinero. Dinero en el Arte» alla zecca argentina. Il suo proprietario, un cittadino argentino che l'aveva comprata nel 1994, contattò la direttrice dei musei municipali di Cordova, Mercedes Valverde, per l'autentificazione. Una volta che si scoprì che l'opera era l'originale, questa venne messa in vendita e, nonostante il comune di Cordova abbia cercato di acquistarla, finì all'asta della casa d'aste londinese Sotheby's il 14 novembre 2007. in realtà si trattava di una copia.

Prompt: Focus on La Fuensanta and explain the History.Please output in Italian.


section

Giuditta e l'ancella con la testa di Oloferne

Il dipinto viene datato per confronto con tavole a grisaille analoghe con soggetti veterotestamentari, prodotte tra il 1495 e il 1500 circa.L'opera faceva forse parte dei pezzi della quadreria Gonzaga acquistati da Carlo I d'Inghilterra nel 1628. Scambiato a William Herbert, conte di Pembroke, passò in eredità ai suoi eredi finché non venne venduto sul mercato londinese nel 1917. Dopo vari passaggi di proprietà approdò a New York, dove venne acquistato da Joseph E. Widener nel 1923. Nel 1942 venne donato al museo.

Prompt: In Judith with the Head of Holofernes (Mantegna, Washington), how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: Focus on Presentation at the Temple (Mantegna) and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Polittico della Misericordia

Ai lati della Vergine, nel registro principale, si trovano, da sinistra, San Sebastiano, trafitto dalle frecce, San Giovanni Battista, con la veste marrone da eremita nel deserto, la barba, il bastone e il cartiglio con Ecce Agnus Dei, Ecce qui tollit pecc[ata mundi], San Giovanni Evangelista, con il libro e la veste rossa, e San Bernardino da Siena, con l'abito francescano.  tavola con la Madonna della Misericordia che accoglie il popolo sotto il suo manto è generalmente indicata come la prima ad essere stata dipinta. Dal punto di vista iconografico si segnala come la presenza di Sebastiano sia legata alla protezione dalle pestilenze e per questo di numerose confraternite; fin dal primo Rinascimento il santo venne di preferenza raffigurato nudo e trafitto di frecce, offrendo agli artisti l'occasione per mettere in pratica gli studi di anatomia. Giovanni, protettore di Firenze e protettore delle malattie della gola, è rappresentato senza la consueta pelliccia nel gesto del predicatore, che indica la Vergine: alcuni hanno messo in relazione questo atteggiamento con una citazione del San Matteo di Ghiberti a Orsanmichele, presente ad esempio anche in un Giovanni Battista di Lorenzo Monaco. Bernardino, la cui presenza offre un punto d'appoggio per la datazione della tavola, è raffigurato con il volto scarno, ispirato a un ritratto postumo del senese Pietro di Giovanni d'Ambrogio, eseguito nel 1444.Nel secondo registro si trovano al centro la Crocifissione e ai lati San Romualdo, lAngelo annunciante, la Vergine Annunciata e San Francesco.  Crocefissione è la tavola dove si nota una maggiore dipendenza da Masaccio, con il Cristo rappresentato di scorcio ottimizzato per una veduta dal basso, migliorando il tentativo sperimentale, ma un po' goffo, della Crocifissione masaccesca di Napoli. I gesti della Vergine Maria e di Giovanni, ai lati della croce, sono ampi e drammaticamente espressivi, ricordando da vicino il pathos dell'analoga tavola masaccesca.Sopravvivono anche le fasce dipinte dei pilastri laterali, con le raffigurazioni di sei santi e di due stemmi della Confraternita della Misericordia, probabilmente opera di uno sconosciuto allievo; cinque tavolette costituiscono la predella , attribuite al pittore camaldolese Giuliano Amidei, forse anche appartenenti a un polittico diverso.  grande importanza data però alla Deposizione, posta al centro in formato maggiore, è legata però all'impegno della confraternita nella sepoltura dei morti.</div>

Prompt: In Polyptych of the Misericordia, how is the Other tables of the Description explained?Please output in Italian.

1444
Bernardino da Siena
Firenze
Giuliano Amidei
Lorenzo Monaco
Masaccio
San Sebastiano


subsection

William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: Describe the characteristics of the Caroline's campaign in William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens)'s Strategy.Please output in Italian.


section

Gli storpi

Gli Storpi è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1568 e conservato nel Museo del Louvre di Parigi. È firmato "".

Prompt: How does The Beggars explain its Abstract?Please output in Italian.

1568
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi
Pieter Bruegel il Vecchio


section

Circe

Calco  Parco nazionale del Circeo Als   maga Circe, dramma giocoso per musica di Pasquale Anfossi Circe , romanzo di Madeline Miller Cassifone Telegono

Prompt: Focus on The Sorceress (Waterhouse) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cassifone
Madeline Miller
Parco nazionale del Circeo
Pasquale Anfossi
Telegono


section

Donna allo specchio

L'opera è conosciuta da quando si trovava nelle gallerie dei Gonzaga a Mantova, che vennero acquistate da Carlo I d'Inghilterra. Dopo la decapitazione del sovrano la tela in questione, all'asta dei beni della corona, venne acquistata dagli agenti di Luigi XIV di Francia, che la custodì a Versailles.Si sono fatti nel tempo numerosi tentativi di identificazione della donna che ha prestato il volto al ritratti, come amante di Tiziano, come ura Dianti amante di Alfonso d'Este, come Isabella Boschetti, amante di Federico Gonzaga. Tali ipotesi però non collimano con la datazione basata sull'analisi stilistica, che lega il lavoro al 1512-15, prima cioè che l'artista intessesse rapporti con le corti di Mantova e Ferrara. ura Dianti venne ritratta da Tiziano in un'opera del 1523. Probabilmente si tratta di una semplice modella che ricompare in altri dipinti. stessa donna dai capelli biondi e crespi è infatti il soggetto di una serie di dipinti databili negli stessi anni: la Flora agli Uffizi, la Vanità a Monaco, la Salomè della Galleria Doria Pamphilj, la Violante  e la Giovane donna con veste nera di Vienna. Si trattava comunque di una consuetudine per la bottega dell'artista  di creare opere simili con varianti dai medesimi studi, se non proprio dallo stesso cartone.  stessa donna appare inoltre, simile, nel personaggio vestito dellAmor Sacro e Amor Profano e in alcune Madonne.Dell'opera sono note molte versioni, anche di qualità, ma nessuna all'altezza del prototipo. Le migliori nel Museu di Barcellona, nella Galleria del Castello di Praga e nella National Gallery di Washington.

Prompt: Focus on Woman with a Mirror and explain the History.Please output in Italian.

1512
Barcellona
Carlo I d'Inghilterra
Castello di Praga
Ferrara
Galleria Doria Pamphilj
Giovane donna con veste nera
Gonzaga
Isabella Boschetti
Luigi XIV di Francia
Mantova
Vienna


section

Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.


section

Adrianus Jacobus Zuyderland

Il suo personaggio, facilmente riconoscibile dalle lunghe basette, la folta barba ed un cappello solitamente cilindrico  divenne quindi il protagonista di dozzine di disegni realizzati da Vincent van Gogh.

Prompt: Focus on Adrianus Jacobus Zuyderland and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Noli me tangere

Noli me tàngere  è il nome con cui è noto l'episodio biblico dell'apparizione di Gesù risorto a Maria Maddalena, narrato nel vangelo di Giovanni, versetti .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Noli me tangere (Titian).Please output in Italian.


section

Persefone

Persefone è la principale antagonista del videogioco God of War: Chains of Olympus, in cui vuole far crollare i pilastri che sostengono il mondo, causando la distruzione di tutto e di tutti, incluso degli dei e degli inferi, così da liberarsi per sempre del marito Ade. Persefone fa una breve apparizione nella saga Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo. Persefone compare come antagonista nel videogioco Assassin's Creed: Odyssey nel primo episodio "Campi Elisi" del DLC "Il destino di Atlantide".Persefone è un personaggio chiave nel videogioco Hades, in questo titolo viene presentata come la madre del protagonista Zagreus.Persefone compare anche come personaggio nel musical Hadestown.Persefone è la protagonista femminile del webcomic

Prompt: Explain the In mass culture of this artwork, Proserpine (Rossetti).Please output in Italian.

Assassin's Creed: Odyssey
Atlantide
Campi Elisi
God of War: Chains of Olympus
Olimpo
Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo
Persefone


subsection

Giudizio universale

Nella Fede Baha'i invece Il Giudizio Universale è già giunto e ne spiegano il motivo dividendo l'evento in tre fasi: Nella prima fase, Baha'u'llah, fondatore della Fede Baha'i, in prigionia mandò nove lettere ai Potenti dell'epoca e il semplice atto di aver mandato queste lettere criticando il Potere Temporale di queste figure viene considerato dai credenti Baha'i come l'evento burrascoso che preannuncio l'imminente arrivo di una fine simbolica, ma non letterale, dei tempi. Per la seconda fase i Baha'i fanno riferimento ai precisi eventi occorsi verso la fine della prima guerra mondiale, nella battaglia di Megiddo – una sorta di compimento letterale dove i Potenti del Mondo si combattevano. In particolare, la vittoria del generale Allenby a Megiddo, che impedì agli Ottomani di crocifiggere 'Abdu'l-Bahá, l'allora guida dei Baha'i, ed è considerata dai Baha'i inoltre come l'effettiva Battaglia di Armageddon.  terza fase rivede l'intero processo delle due Guerre Mondiali, sebbene esse possano essere considerate come un solo evento in due fasi, il loro svolgimento e il conseguente rimescolamento di mezzi e norme mondiali sia prima sia dopo le  guerre, vengono visti come una simbolica fine di tutti i tempi e rinascita di una nuova era e un nuovo mondo come preannunciato da altre Sacre Scritture.

Prompt: Describe the characteristics of the Eschatology of Bahá'ísm in The Last Judgment (Bosch, Munich)'s Other religions.Please output in Italian.


subsection

Ruby, Gold and Malachite

Con "Oro, rubino e malachite" ci si riferisce ai toni rossi, gialli e verdi utilizzati nel lavoro; ma è anche eco di un saggio di John Addington Symonds e può far inoltre riferimento ai versi d'apertura della poesia di Algernon Swinburne intitolata "The Sundew" : "A little marsh-plant, yellow-green, / And pricked at lip with tender red". Viene qui descritto un appuntamento amoroso all'interno d'una palude, fatto che è testimoniato da una solitaria drosera; la stessa poesia era stata l'ispirazione anche per un'altra delle opere marine di Tuke, August Blue  del 1894, il cui titolo è una citazione presa dai versi di chiusura.

Prompt: In the context of Ruby, Gold and Malachite, explain the Title and the Description and style.Please output in Italian.

Algernon Swinburne
August Blue
John Addington Symonds


section

Ritratto di Beatrice Cenci

L'identificazione dell'artista che ha dipinto l'opera è stata ampiamente dibattuta, con la sua attribuzione in passato, da parte di molti critici, ad Elisabetta Sirani, con conseguente sua classificazione come affermazione da parte di una femminista del XVII secolo. Si è anche fatto il nome della pittrice bolognese Ginevra Cantofoli. Il soggetto dell'opera, Beatrice Cenci, è raffigurata con indosso una veste bianca, riconducibile alla Sibilla oppure ad una vergine vestale, in grado di evocare compassione. Il suo sguardo melanconico è rivolto indietro, ad un angolo.Tradizionalmente si ritiene che il dipinto sia stato realizzato per il cardinale Ascanio Colonna. L'opera è stata capace di ispirare molti artisti, soprattutto romantici, tra cui Stendhal, Percy Shelley, Alexandre Dumas, Antonin Artaud e Francesco Domenico Guerrazzi.  disputa sulla sua attribuzione e la sua influenza sono state particolarmente accese, in grado di suscitare interesse tanto quanto la tela stessa. Senza alcuna documentazione, si sostiene che Reni sia entrato nella cella della donna il giorno prima dell'esecuzione, o forse fu in grado di vederla mentre lei si dirigeva al patibolo. Altri sostengono che l'artista non fosse neanche a Roma all'epoca dei fatti. Il primo catalogo della collezione Barberini definisce la tela raffigurante la Cenci come opera di un artista ignoto; soltanto successivamente sarà ricondotta al Reni.

Prompt: Focus on Portrait of Beatrice Cenci and explain the History and description.Please output in Italian.

Antonin Artaud
Beatrice Cenci
Elisabetta Sirani
Francesco Domenico Guerrazzi
Ginevra Cantofoli
Roma
Sibilla
Stendhal


subsection

Strage degli innocenti

left raffigurazione della Strage pone dunque in evidenza l'esigenza di raccontare una tragedia senza indulgere in particolari ripugnanti, ma anche senza tradire la "verità" terribile dell'episodio.Le prove pittoriche forse più riuscite dell'arte barocca si tengono lontane dalla sua epica del macabro. Rispetto alle opere rinascimentali ove la scena era popolata da una miriade di personaggi, troviamo importanti rappresentanti del barocco che si concentrano sull'azione essenziale, cercando di cogliere il punto di maggior intensità emotiva.Nicolas Poussin, che pure amava ambientare in paesaggi aperti i soggetti dei suoi quadri, dipinge una Strage in cui solo ciò che è essenziale viene messo in scena. Nella tela del Museo Condé a Chantilly la tragedia si consuma attraverso i gesti di un soldato che ha già alzato la sua spada per colpire e tiene brutalmente ferma la piccola preda schiacciandola con un piede; la madre cerca invano di fermarlo, urlando tutto il suo dolore. Alle loro spalle osserviamo la inquietante ed umanissima figura di una seconda madre che – perso il suo bimbo - sembra vagare in stato confusionale, con lo sguardo perso nel vuoto.Il punto di più intensa drammaticità artistica è forse toccato da Guido Reni, nella tela della Strage conservata presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna.Anche in questo caso vi è una concentrazione estrema sull'essenza del dramma: il gesto rapido dei due sicari armati di stiletto e gli sguardi sconvolti delle madri sembrano fermare la scena su un angoscioso fotogramma.  tragedia sta tutta nei gesti e negli sguardi; non c'è bisogno di particolari raccapriccianti: anzi, i corpicini degli innocenti giacciono composti a terra, come caduti in sonno.I palazzi imponenti che cingono la scena richiamano la incombenza del potere che ha ordinato la strage; a poco valgono, per alleviare il dramma, le immagini celestiali degli angeli pronti ad offrire alle vittime la palma del martirio.Reni ci offre così un quadro pieno di movimento e di rara intensità drammatica, ove risaltano soprattutto le immagini di madri "strangosciate", come direbbe Giovanni Testori.

Prompt: Explain the Baroque about the Historical  narrative of this artwork, Massacre of the Innocents (Reni).Please output in Italian.

Chantilly
Giovanni Testori
Guido Reni
Museo Condé
Nicolas Poussin
Strage


section

Suonatrice di chitarra

tecnica utilizzata è certamente quella che caratterizza le tarde opere dell'artista. Si veda, per esempio, il particolare della mano sinistra, dove piuttosto che modellare i volumi si procede a una forte stilizzazione attraverso una serie di tratti di colore di tono diverso, che tuttavia non mancano di restituire i delicati giochi di luce che si formano sulle dita della ragazza. Tale perfetta padronanza si riscontra anche nella resa dell'ermellino e della gonna di seta. Per la parete invece usò una grana più rugosa, apparentemente semplice, ma in realtà assai complessa, capace di rendere superbamente la ruvidità dell'intonaco leggermente grezzo.Per la collana di perle l'artista dapprima ha tracciato colpi di colore grigio chiaro, come base per il filo di perle; successivamente ha applicato una sequenza di bianco sottolineando la sfericità e i riflessi delle perle.Perché Vermeer abbia a un certo punto schematizzato la sua tecnica è tutt'oggi una questione aperta. Se questo sia avvenuto  a causa del peso delle vicende personali, ovvero per un semplice cambiamento di moda,  inseguendo l'influenza francese che si andava affermando in quel periodo, ovvero ancora per abbreviare i tempi,  e quindi produrre di più, non è dato sapere. Quel che è certo è che le tarde opere sono con tutta evidenza stilisticamente e tecnicamente diverse dalle precedenti.

Prompt: In The Guitar Player (Vermeer), how is the Technique discussed?Please output in Italian.


subsection

Morte di Cleopatra

Secondo il bibliotecario britannico Theodore Cressy Skeat, Cleopatra sarebbe morta il 12 agosto del 30 a.C., basandosi sui documenti dell'epoca e sull'esaminazione delle fonti storiche.  sua teoria è condivisa da Stanley Mayer Burstein, James Grout, Aidan Dodson e Dyan Hilton, anche se gli ultimi due sono più cauti in quanto affermano che la morte sarebbe avvenuta il 12 agosto circa.  data del 10 agosto, invece, viene sostenuta da accademici come Duane W. Roller, Joann Fletcher e Jaynie Anderson.

Prompt: In the context of Death of Cleopatra (Rosso Fiorentino), explain the Date of death and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

30 a.C.
Aidan Dodson
Cleopatra
Duane W. Roller
Jaynie Anderson
Joann Fletcher
Theodore Cressy Skeat


section

Ritratto di Jakob Muffel

L'opera venne eseguita a Norimberga, lo stesso anno che il pittore ritrasse anche Johann Kleberger e Hieronymus Holzschuher. Jakob Muffel era borgomastro di Norimberga lo stesso anno in cui l'artista donò alla sua città le tavole dei Quattro apostoli e non si esclude che l'avvenimento sia legato anche a questo dipinto. Muffel inoltre ebbe ruoli di un certo rilievo nell'amministrazione cittadina, occupando anche le cariche di membro del Consiglio e septemviro.Le analoghe dimensioni della tavola di Hieronymus Holzschuher farebbero pensare che le due opere fossero state dipinte per qualche occasione ufficiale ed essere esposte in una sala pubblica del municipio cittadino.

Prompt: Focus on Portrait of Jakob Muffel and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Giardino dei Tarocchi

Varcata la soglia, la strada sterrata sale fino alla grande piazza centrale occupata da una vasca e sovrastata dalle figure unite della Papessa e del Mago, i primi arcani maggiori dei Tarocchi che segnano l'inizio del percorso. Circondata dal verde e dalle sinuose panchine di Pierre Marie Le Jeune, la piazza, sorta di grande anfiteatro sovrastato dalle altre, coloratissime sculture, comunica immediatamente quell'impressione di inquietudine ed incantesimo, di fascinazione, di gioco, di splendida visionarietà che anima l'intero Giardino. vasca circolare in cui si raccolgono le acque sgorganti a cascata dalla scalinata che procede dalla enorme bocca aperta della Papessa, chiara reminiscenza dell'Orco di Bomarzo e ideale legame con i giochi d'acqua di Villa d'Este è segnata al centro dalla Ruota della Fortuna, la scultura meccanica semovente eseguita da Jean Tinguely.Le strade che si dipartono dalla piazza percorrono itinerari diversi che seguono le sinuosità del terreno, salendo o scendendo lungo il costone.Anche le strade giocano nell'opera un ruolo fondamentale: sul cemento che le ricopre, infatti, Niki de Saint Phalle ha inciso indelebilmente appunti di pensiero, memorie, numeri, citazioni, disegni, messaggi di speranza e di fede, snodando un percorso che ancora una volta non è solo fisico ma soprattutto spirituale.Sul costone destro, la piccola scalinata che sale dalla piazza passa sotto la figura del Sole, incarnato nel grande uccello del fuoco, bianco, rosso e giallo, appollaiato sopra un grande arco azzurro, nel quale è evidente il richiamo all'iconografia degli indiani d'America. Immediatamente dopo il Sole, ecco il Papa, opera preferita di Tinguely che ne saldò la struttura «in solitaria» e che adotta la tecnica filiforme detta skinny.

Prompt: In Tarot Garden, how is the The central square of the Criticism explained?Please output in Italian.

Bomarzo
Giardino
Jean Tinguely
Niki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle
Pierre Marie Le Jeune
Tarocchi


section

I mangiatori di patate

Prima di diventare pittore van Gogh preferì seguire le orme paterne e abbracciare il mestiere di pastore. Il suo fervore religioso, tuttavia, si dissipò completamente dopo i mesi trascorsi tra i minatori del Borinage, una delle regioni più tristi e miserabili dell'intero Belgio: fu questa comunque un'esperienza chiave nella sua maturazione pittorica, grazie alla quale il pittore approfondì il suo amore paterno per i poveri ed i diseredati.Quando finalmente van Gogh decise di votarsi alle Belle Arti, in effetti, il suo primo desiderio fu quello di dare dignità artistica all'austerità della vita e del lavoro dei contadini.  solidarietà con la classe lavoratrice indusse Van Gogh a visitare le povere casupole del villaggio di Nuenen e a ritrarne i vari agricoltori. «Voglio ricavare il soggetto dagli stessi caratteri» scrisse van Gogh al fratello Theo, aggiungendo poi: «ancor più m'interessa la proporzione di un volto e il modo in cui la rotondità della testa si rapporta alla figura intera». In questi quadri Vincent ritrasse infatti le teste dei contadini, cogliendone la rotondità delle cuffie, la curvatura della visiera e, soprattutto, lo sguardo penetrante e misterioso, il quale è sì rivolto verso l'osservatore, ma lo trafigge, lo oltrepassa, come se in realtà stesse guardando altrove. Quando van Gogh si guadagnò una maggiore fiducia da parte degli abitanti di Nuenen i ritratti si fecero meno sfuggenti e i contadini iniziarono a rivolgergli sguardi che, seppur ricolmi di una paziente disperazione, sono comunque più aperti e confidenti. Negli ultimi studi di questo tipo, poi, gli occhi dei contadini diventano veri e propri «specchi dell'anima» e tradiscono non solo la loro sete di dignità interiore, ma anche «tutta l'integrità di un'esistenza legata alla natura che offre un autentico contrappunto all'inevitabile autocompiacimento di un ritratto su commissione» . Particolarmente vivi sono i ritratti di Goordina de Groot, una delle poche contadine che è stata riconosciuta con successo dai critici d'arte e che pertanto è riuscita a salvarsi dall'anonimato al quale sarebbe stata obbligata dalla società moderna. Di seguito riportiamo uno stralcio della lettera 384, scritta da Vincent nel novembre 1884 e indirizzata al fratello Theo:Un vigoroso passo avanti fu compiuto dal pittore quando abbandonò la raffigurazione di volti e iniziò a ritrarre contadini e contadine affaccendate nei lavori domestici, nella pelatura di patate, nell'intreccio di cesti, nella riduzione in gomitoli delle matasse di filo, e così via. I tempi erano ormai maturi perché van Gogh operasse un'efficace sintesi di tutti questi studi preliminari: fu così che, nel 1885, Vincent diede vita a I mangiatori di patate, tenendo alla mente non solo la serie delle teste di contadini ma anche diversi schizzi compositivi e bozzetti di preliminari . Si trattò, pertanto, di un'opera realizzata dopo un lungo e laborioso lavoro di atelier, e che dunque non serbava affatto quella luminosa accidentalità en plein air che balenava nelle opere impressioniste. Vincent, in ogni caso, amò molto quest'opera, e quest'infatuazione sopravvisse indenne persino al brusco mutamento tematico e cromatico che interessò la sua produzione pittorica dopo il trasferimento da Nuenen a Parigi. «Di tutti i miei lavori, ritengo il quadro dei contadini che mangiano patate, che ho dipinto a Nuenen, decisamente il migliore che abbia fatto»: furono queste le orgogliose parole che van Gogh comunicò alla sorella Wilhelmina nel 1887, due anni dopo aver portato a compimento I mangiatori di patate.Vincent trattò il soggetto dei mangiatori di patate in altri due cimenti pittorici, i quali sono sì propedeutici alla realizzazione della versione definitiva, ma non per questo poco interessanti: la prima redazione, anzi, presenta una notevole struttura compositiva e viene delineata da pennellate veloci che ricolmano la tela di una autenticità tutt'agreste. Meno spontanea, perché più meditata e monumentale, è invece la seconda versione de I mangiatori di patate, con la figura di tergo che si incunea rigidamente nella disposizione asimmetrica degli altri quattro commensali.  versione conclusiva di Amsterdam, terminato come si è già detto nel 1885, riprendeva e portava ad un maggiore grado di raffinatezza formale quei valori che avevano già reso celebre l'arte di Millet e di Breton e, pertanto, era quello più apprezzato da van Gogh, che la firmò e ne fornì persino un ampio commento letterario. Alla descrizione della tela, infatti, Vincent dedicò un'impressionante quantità di lettere, le quali nella loro intimità sostituivano il manifesto programmatico e, anzi, orchestravano un raffinato sincretismo tra passato e presente, letteratura e pittura, cromatismo e critica sociale.Non a caso van Gogh riteneva che la sua fama dipendesse in gran parte dalla sorte di questo quadro, e non esitò a sollecitare il fratello Théo, che ricordiamo essere un abile mercante d'arte, affinché tale opera fosse opportunamente rivelata al grande pubblico. «L'amico del popolo, il contadino per vocazione, l'asceta per empatia» commenta in tal proposito il Metzger «che il suo dipinto avesse avuto successo o meno, sarebbe rimasta la sua vita a dare testimonianza. L'uomo era inscindibile dal pittore: in quest'unico quadro si coagulava la sua concezione del mondo di fronte al destino». Malgrado le insistenze di Vincent l'opera fu accolta assai freddamente: Théo non l'apprezzava affatto, e Anthon van Rappard, amico e collega del pittore, ne criticò l'inadeguatezza compositiva e le pennellate grezze, maldestre: «Devi ammettere che un lavoro come questo non è stato fatto sul serio. Fortunatamente, puoi fare di più: ma perché hai osservato e trattato tutto allo stesso modo, superficialmente? Perché non hai studiato a fondo i movimenti? Così, i personaggi sono in posa». Van Gogh, che in questo dipinto vedeva cristallizzate tutte le sue conquiste estetiche e concettuali, ruppe così indignatamente l'amicizia con il Rappard . Al di là delle incomprensioni iniziali, si capì alla fine come l'opera riassumesse magistralmente la fede con cui van Gogh si rapportava alla gente semplice, come i contadini, gli «animali da soma della società»  i quali, nonostante tutto, erano liberi dalle escrescenze del mondo moderno e, perciò, erano ancora i sublimi cantori di uno stile di vita schietto, sincero, privo di un grande spessore intellettuale ma per questo più autentico. Oggi l'opera è esposta al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Prompt: Focus on The Potato Eaters and explain the History.Please output in Italian.


subsection

Musica

voce umana nasce dalla vibrazione delle due corde vocali in adduzione tra loro dovuta al flusso creato dall'aria espirata dai polmoni. Nell'uso canoro il suono della voce è caratterizzato dalle risonanze della trachea, della faringe e della bocca, ed eventualmente delle altre cavità  facciali e craniali; i timbri vocali che si ottengono dipendono anche dal meccanismo di produzione della voce.A seconda del modo in cui la voce viene prodotta si possono distinguere tre tipi di emissione: la voce ingolata, la voce impostata e il falsetto.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Emission type and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Prove di Mosè

I pittori della Sistina si attennero a comuni convenzioni rappresentative in modo da far risultare il lavoro omogeneo, come l'uso di una stessa scala dimensionale, struttura ritmica e rappresentazione paesaggistica; inoltre utilizzarono accanto ad un'unica gamma cromatica le rifiniture in oro in modo da far risplendere le pitture con i bagliori delle torce e delle candele.Dei tre episodi affrescati da Botticelli questo è il più coordinato nello svolgimento dei numerosi episodi che compongono la scena narrata. Mosè è sempre riconoscibile per la veste dorata e il mantello verde. Il tratto migliore resta però la vigoria dei ritratti e la ricchezza di invenzioni iconografiche, che però in alcuni casi formano un insieme frammentario, forse a causa dello spaesamento del pittore nell'operare su dimensioni e tematiche non congeniali e in un ambiente a lui estraneo.

Prompt: Focus on Youth of Moses and explain the Style.Please output in Italian.


subsection

Bambini dell'Olocausto

Molti bambini sopravvissero, in varie parti dell'Europa, protetti dai partigiani, in zone da essi controllate. Due unità partigiane in Bielorussia, quelle guidate rispettivamente dai Fratelli Bielski e da Shalom Zorin, si distinsero in particolare per aver stabilito nella foresta dei campi dove erano accolte anche famiglie ebree con donne, anziani e bambini.Per un bambino, specie se ebreo, non era semplice unirsi alle unità partigiane combattenti.  maggior parte delle unità partigiane non accettava bambini o civili inermi, ed episodi di antisemitismo non furono infrequenti anche in alcune formazioni partigiane dell'Est europeo. Tra i 20/30.000 ebrei che combatterono come partigiani in tutta Europa vi furono tuttavia molti adolescenti . Diventare partigiani significava prendere parte direttamente alle azioni di guerriglia, spionaggio e sabotaggio condotte dal proprio gruppo ed essere sottoposti senza alcuno sconto alla brutalità della lotta. È il caso di Nathan Schacht, sopravvissuto per 18 mesi  con i partigiani nella foresta in Ucraina, o di Marek Herman che giunto orfano dalla Polonia si unisce in Italia alla resistenza nel Canavese, o del dodicenne Franco Cesana, il più giovane partigiano caduto in un'azione di combattimento nella Resistenza italiana.

Prompt: In the context of Children in the Holocaust, explain the Three partisans and the Losterminio.Please output in Italian.

Franco Cesana
Fratelli Bielski
Italia
Marek Herman
Nathan Schacht


subsection

Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: Explain the Giovanni Chrysostom about the Folkloristic cultural aspects of Epiphany of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


section

Trionfo della Divina Provvidenza

{ class="wikitable"!N./Lett.!Titolo!Immagine!Descrizione!Significato allegorico!Collocazione-1Minerva trionfa sui Giganti250pxsenza_corniceAl centro è Minerva  che si imbatte sui Giganti , disposti ai lati della scena, sul lato destro in caduta.Sul registro inferiore non vi sono cartigli affrescati. giustizia che domina l'orgoglio e l'eresia.to corto sopra l'ingresso.-2Trionfo della Religione e della Sapienzasenza cornice250x250pxAl centro è la Scienza  che guarda in alto, affiancata dal Divino Aiuto, la Religione e la Purezza. A destra Sileno  porge la ciotola a un ragazzo che gli versa del vino, mentre alcune ninfe si bagnano a una fonte. A sinistra la scivia  si alza da un letto mentre Cupido viene scacciato dallAmor Celeste.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio sono le Tre api Barberini che lavorano i campi, due che tirano un aratro e una terza che le guida con la frusta. religione e la sapienza vincono sulla lussuria e sull'intemperanza.Cartiglio: le tre api sono il simbolo araldico per eccellenza dei Barberini, che in questo caso rappresentano allegoricamente la dedizione al lavoro del casato.to lungo di destra.-3Ercole allontana i Vizisenza cornice250x250pxA sinistra Ercole  allontana con la clava i Vizi e le Arpie. A destra una giovinetta con la fascia di console allude alla Giustizia, mentre la Liberalità inonda il mondo di monete, fiori e frutta dalla sua cornucopia .Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è la Clava che germoglia.Le virtù e il valore che scacciano i vizi e le arpie in favore dell'abbondanza.Cartiglio: la prosperità e fertilità sotto il pontificato Barberini.to corto della parete interna della facciata principale.-4Trionfo della Pacesenza cornice250x250pxAl centro è la Pace  in trono, consigliata dalla Prudenza che invia la Podestà a chiudere le porte del tempio di Giano posto a destra. Su quest'ultimo lato giace a terra il Furore , disarmato dalla Mansuetudine e incatenato su una catasta d'armi. A sinistra i Ciclopi  lavorano nelle officine per fabbricare armi.Sul cartiglio al centro del registro inferiore del fregio è il Sole Barberini. pace vince sulla guerra.Cartiglio: il sole è uno dei simboli araldici dei Barberini.to lungo di sinistra.-5Trionfo della Divina Provvidenza250pxNel registro inferiore è la Divina Provvidenza , dotata di scettro e circondata da un alone luminoso che allude alla sua emanazione divina. Dietro di essa stanno sedute Giustizia, Pietà, Potenza, Verità, Bellezza e Pudicizia, mentre poco sopra vola lImmortalità, rappresentata come Urania che regge una corona di stelle. In basso sono Crono , con la falce, mentre divora uno dei suoi figli, e le tre Parche, che filano la vita degli uomini.Nel registro superiore, al culmine della rappresentazione, sono la Fede , Speranza  e Carità  che reggono una corona d'alloro, che nella forma richiama uno stemma, entro cui volano le api Barberini, componendone appunto l'emblema familiare . Ancora più in alto sono la dea Roma col triregno e la Gloria , con le chiavi di san Pietro . Nel vertice alto a sinistra è un putto con una corona di alloro .Elezione di Urbano VIII Barberini a pontefice massimo in seno alla volontà della Divina Provvidenza.Scomparto centrale della volta.-ATelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Storia di Muzio Scevola.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Fortezza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di sinistra.-BLeonesenza cornice250x250px-CTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Temperanza di Scipione.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Temperanza rowspan="2" Colonna affrescata inferiore di destra.-DLiocornosenza cornice250x250px-ETelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Giustizia di Tito Manlio.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Perspicacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di destra.-FIppogrifosenza cornice250x250px-GTelamoni e tritoni che reggono un clipeo ottagonale monocromo raffigurante la Prudenza di Fabio Massimo.senza cornice250x250px rowspan="2"  - rowspan="2" Sagacia rowspan="2" Colonna affrescata superiore di sinistra.-HDue orsisenza cornice375x375px}

Prompt: In Allegory of Divine Providence and Barberini Power, how is the Catalog of scenes discussed?Please output in Italian.


section

Didone

Dante nella Divina Commedia colloca Didone nel Canto V dell'Inferno, in compagnia dei celebri Paolo e Francesca, nella schiera degli spiriti lussuriosi. Nel canto Dante inizialmente non cita per nome Didone, ma la descrive mediante una perifrasi che ne indica i peccati e il nome del marito ; successivamente, sempre nello stesso canto, viene nominata esplicitamente da Virgilio . Didone, infatti, legandosi a Enea si rese colpevole del tradimento della memoria del marito morto Sicheo, e infine si tolse la vita una volta che Enea l'abbandonò per continuare il viaggio indicatogli dagli dèi.Al contrario San Girolamo nellAdversus Jovinianum, in particolare nel cap. 43 del primo libro intitolato Viduae gentiles, aveva esaltato l'immagine di una Didone fedele a Sicheo; Petrarca e Boccaccio si riallacciarono a tale rielaborazione patristica del mito della regina fenicia, e la dipinsero anche loro come una casta vedova.Il topos letterario della donna abbandonata, di cui Didone fa parte, ha viaggiato nella letteratura fino ad Ungaretti in età moderna. Dalla Medea di Euripide, e Apollonio Rodio , fino allArianna di Catullo del carme LXIV e alla Didone virgiliana e a quella ovidiana della VII epistola, a tutti gli effetti più donna che regina.Come sopradetto, la tradizione romana ha successivamente indicato Didone come antenata di Annibale Barca, tuttavia, l'ipotesi più accettata dagli storici contemporanei, invece, afferma che la famiglia di Annibale fosse di umili origini. Molto più tardi, anche la regina Zenobia di Palmira si proclamò discendente ed erede politica di Didone, ponendosi in una prospettiva anti-romani.

Prompt: How does Dido (Fuseli) explain its Subsequent reworkings of the myth?Please output in Italian.

Annibale
Annibale
Divina Commedia
Enea
Euripide
Medea
Palmira
Paolo e Francesca
San Girolamo
Zenobia


section

Romolo e Remo

Anche la leggenda di Romolo e Remo, all'inizio separata da quella di Enea, viene successivamente integrata nel suo mito. In un primo momento i due gemelli vengono indicati come suoi figli o nipoti. Eratostene di Cirene si accorse tuttavia che, essendo la data della caduta di Troia tra il 1250 e il 1196 a.C., né Enea né i suoi più diretti discendenti potevano aver fondato Roma attorno a queste date. Catone il Censore rende plausibile la storia. Secondo la sua versione, accettata poi come definitiva, Enea fugge da Troia e giunge nel zio. Qui, dopo aver sposato vinia, fonda vinium. Ascanio è invece il fondatore di Alba Longa e i suoi successori danno origine alla dinastia dalla quale, dopo varie generazioni, Rea Silvia darà alla luce Romolo e Remo e in seguito la gens Julia, con Giulio Cesare e il primo imperatore Augusto. In questo modo, la discendenza divina dei Romani e della stirpe Julia sarebbe rafforzata dalla discendenza da Venere e da Marte. Lo stesso Livio cercò, infatti, di colmare questo lasso di tempo di circa quattro/cinque secoli, "creando" appositamente una dinastia albana dei Silvi, che regnò su Alba Longa da Ascanio  fino ad Amulio e Numitore .

Prompt: Focus on Romulus and Remus (Rubens) and explain the modern historical criticism.Please output in Italian.

1196 a.C.
Alba Longa
Amulio
Ascanio
Augusto
Enea
Eratostene di Cirene
Numitore
Rea Silvia
Roma
Romolo
Troia


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


section

Suora velata

Pudicizia  Cristo velatoVergine velataVestale TucciaRebecca velata

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Veiled Nun.Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Vergine velata
Vestale Tuccia


subsection

Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: In Annunciation Diptych, how is the The Annunciation in theology of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


section

Ruby, Gold and Malachite

Ruby, Gold and Malachite  è un olio su tela dipinto dal ritrattista britannico ottocentesco Henry Scott Tuke nel 1902; raffigura sei maschi adolescenti - dentro ed attorno ad una barca - mentre stanno facendo il bagno in mare nudi o seminudi. E stato dipinto nei pressi di Falmouth  ed esposto per la prima volta alla "Royal Academy summer exhibition" di Piccadilly quello stesso anno, assieme ad altre sue due opere: "The Run Home" e "Portrait of Alfred de Pass". È stato uno dei suoi più grandi successi e fa parte di quell'ampia serie di opere raffiguranti ragazzi nudi in spiaggia.L'artista ha utilizzato come modelli regolarmente gli stessi ragazzi, tra cui i fratelli Richard e Georgie Fouracre, Bert White, Harry Cleave e Charlie Mitchell . Critici e commentatori notano la vicinanza di Tuke col movimento dei poeti uraniani per la forte carica di omoerotismo che pervade le sue creazioni.Acquistato dalla corporazione della Città di Londra, la tela può essere oggi ammirata alla Guildhall Art Gallery.

Prompt: In Ruby, Gold and Malachite, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Guildhall Art Gallery
Henry Scott Tuke
Londra
Piccadilly


section

Pala di San Marco

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, San Marco Altarpiece.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


section

Estasi di santa Cecilia

LEstasi di santa Cecilia è un dipinto a olio su tavola trasportato su tela  di Raffaello e aiuti, conservato nella Pinacoteca Nazionale di Bologna e databile al 1514 circa, ma forse posteriore di uno o due anni, stando alla datazione al 1515-1516 del disegno preparatorio a sanguigna con la figura di san Paolo conservato nel Museo Teylers di Haarlem e della datazione al 1514 del modello di Giovan Francesco Penni, ripreso nell'incisione dello stesso anno di Marcantonio Raimondi, che attestano entrambi dello stadio iniziale della composizione da cui il dipinto finale si discosta in maniera anche notevole.

Prompt: How does The Ecstasy of Saint Cecilia explain its Abstract?Please output in Italian.

1514
Bologna
Giovan Francesco Penni
Haarlem
Marcantonio Raimondi
Museo Teylers


subsection

Epifania

L'Epifania, celebrata in Russia il 19 gennaio, segna il battesimo di Gesù nella Chiesa ortodossa orientale. Come altrove nel mondo ortodosso, la Chiesa russa celebra quel giorno  il rito della Grande Benedizione delle Acque, noto anche come "la Grande Santificazione dell'Acqua".  processione guidata dal sacerdote poteva semplicemente procedere al fonte battesimale Secondo i documenti, in scala ridotta, eventi simili avrebbero avuto luogo nelle parrocchie di tutta la nazione.Credendo che in questo giorno l'acqua diventi sacra e si impregni di poteri speciali, i russi scavano nel ghiaccio di laghi e fiumi dei buchi chiamati Giordano, spesso a forma di croce, per bagnarsi nell'acqua gelida. Si dice che questa pratica sia stata resa popolare relativamente di recente; era abbastanza raro ai tempi dello zar, ma fiorì a partire dagli anni '90.I partecipanti al rito possono immergersi tre volte sott'acqua, onorando la Santissima Trinità, per mondare simbolicamente i loro peccati dell'anno passato e provare un senso di rinascita spirituale. I sacerdoti ortodossi sono a disposizione per benedire l'acqua e i soccorritori sono a disposizione per monitorare la sicurezza dei bagnanti nell'acqua ghiacciata. Altri limitano la loro partecipazione ai riti dell'Epifania a quelli condotti all'interno delle chiese, dove i sacerdoti eseguono la Grande Benedizione delle Acque, sia alla vigilia dell'Epifania che all'Epifania  vera e propria. L'acqua viene quindi distribuita ai partecipanti che possono conservarla per utilizzarla in caso di malattia, per benedire se stessi, i membri della famiglia e le loro case o per bere. Alcuni russi pensano che qualsiasi acqua, anche quella dei rubinetti del lavello della cucina, versata o imbottigliata durante l'Epifania diventi acqua santa, poiché tutta l'acqua del mondo è benedetta in questo giorno.Nel clima più mite della città meridionale di Sochinel frattempo, dove le temperature dell'aria e dell'acqua si aggirano intorno ai 10 gradi Celsius  a gennaio, alla mezzanotte dell'Epifania migliaia di persone si tuffano nel Mar Nero e iniziano a nuotare per celebrare la festa.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Russia and the Theology.Please output in Italian.

19 gennaio
Chiesa ortodossa
Gesù
Gesù
Mar Nero


subsection

Aerostato

Un uso ampio, anche se spesso misconosciuto, dei Palloni aerostatici è quello pubblicitario: un grosso pallone opportunamente gonfiato e ancorato al suolo costituisce infatti una notevole superficie che può contenere un messaggio pubblicitario o un marchio visibile da un notevole numero di persone, garantendo peraltro un rapporto visibilità prezzo vantaggioso rispetto ad altre forme di pubblicità.

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Advertising activity of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


section

Rachele

È patrona delle madri che hanno perso un figlio. Santa Rachele viene festeggiata il 30 settembre.Viene festeggiata anche il 24 dicembre, in cui si ricordano gli Antenati di Gesù.

Prompt: Explain the Worship. of this artwork, Rachel (sculpture).Please output in Italian.


section

Cena in casa di Simone il fariseo

prima valutazione critica sull'opera è compiuta da Joseph Archer Crowe e Giovanni Battista Cavalcaselle nel 1871, i quali colgono la stretta relazione con la scuola veronese citando le analogie con l'arte di Girolamo dai Libri, Francesco Morone, Paolo Morando, accompagnate allo stesso tempo da ricordi dell'opera di Savoldo e del Romanino, mentre le grandi aperture pittoriche preludono a Paolo Veronese, concludendo che «la cena in casa di Simone è il modello dello splendido stile monumentale che ebbe un così grande interprete in Paolo Veronese». Il rapporto con il Veronese, sempre secondo i due critici, è richiamato anche dalla «grigia architettura dalla quale si staccano le figure, la bella prospettiva, la solidità delle carni, il potente vigore dei panni e il facile tocco vellutato».Pietro Da Ponte, nel 1898, lamenta il cattivo stato in cui verte la tela, vedendo «leggermente verdastra» l'intonazione del dipinto mentre «il colore è arido e alterato qua e là da cattive vernici e da restauri, specie nell'iscrizione». Il giudizio del Da Ponte è comunque molto positivo: «Il dipinto rapisce per l'equilibrio, l'armonia della composizione, la calma serena dell'espressione pur commovente delle figure, e per l'equilibrio del chiaro-scuro e del colorito».Opposto è invece il giudizio di Ugo Fleres del 1899, il quale in apertura prende atto che quest'opera «supera tutti gli altri quadri del Bonvicino in celebrità» ma, in secondo luogo, trova la composizione priva di unità e di qualità: «…sentiamo il difetto d'eleganza, un che di grossolano senza disinvoltura, anche senza brio, per cui ci accorgiamo di essere lontani dalla gioconda pompa signorile che si svolge, come giubileo della pittura, da Tiziano a Paolo Veronese». Il critico procede poi al confronto fra il dipinto e la Cena in casa di Simone il fariseo nella chiesa di Santa Maria in Calchera a Brescia, che ritiene precedente mentre è invece successivo, trovando che in quest'ultimo il pittore cercò l'antitesi del primo, poiché soltanto «il proposito antitetico spiega la soverchia espansione della scena nella tela di Venezia, in contrasto alla particolar concisione, quasi d'aggruppamento scultorio, che notasi in quella Brescia».Adolfo Venturi, nel 1929, rileva stanchezza creativa nell'esecuzione dell'opera, dove il Moretto si serve di vecchi canovacci «per far presto» ritornando ancora al Romanino «ma sempre più facendosi impressivo e sconnesso», ponendo sotto il loggiato «figure troppo grandi per l'ambiente che divien basso, stretto, posticcio, rivelando la tendenza finale del Moretto a slargar forme, a ingrandir proporzioni».György Gombosi, nel 1943, concentra l'analisi critica sulla forte influenza che il dipinto, a suo parere, ebbe nei confronti di Paolo Veronese, molto maggiore di quella ritenuta dagli studiosi precedenti, tanto da costituire una vera "premessa storica" alle scene di banchetto del Veronese, quali ad esempio la Cena a Casa di Levi. Il critico avanza addirittura l'ipotesi, non supportata da fonti, che il pittore abbia visto il dipinto in fase di esecuzione nella bottega veronese del Moretto e ne abbia tratto ispirazione per lAnnunciazione oggi agli Uffizi, opera giovanile nella quale sembrano completamente mutuati dalla Cena del Moretto l'impianto architettonico e la fuga prospettica centrale.In chiave di lettura differente si pone invece un indirizzo critico inaugurato nel 1929 da Roberto Longhi e supportato in seguito da Camillo Boselli nel 1954 e, velatamente, anche da Pier Virgilio Begni Redona nel 1988.Camillo Boselli, nel 1954, si attesta come detto sulla stessa posizione critica, cogliendo un Moretto minore ma più genuino dove, «quasi a liberarsi dal peso di tutta quella parata d'arredi […], respira dipingendo la contestura candida della tovaglia, descrivendo un magnifico pollo freddo nel suo bacile, il colle Cidneo con la sua rocca e le foglie di un rosolaccio e di un fico. Anche se poca cosa, è pur sempre sufficiente per farci capire come tutto quel ciarpame classicistico, tutte quelle fole di ricchezza e falsa bellezza che i committenti di Monselice gli avranno imposto dovessero soffocare il Moretto. […] Il pittore sembra trovare maggior gusto a dipingere quell'onesto oste di campagna, un poco invadente, piuttosto che la bella cortigiana di destra, e soffermarsi con maggior gioia nel rendere bianco il tovagliolo del primo rispetto alle ricche pellicce della seconda». Sono questi, conclude il Boselli, «gli elementi che permetteranno al Bonvicino di creare gli ultimi capolavori una volta liberato e per sempre d'ogni impalcatura per spaziare e dipingere oltre i limiti di una moda e di un modo di vivere imposto non più sentito dal pittore».

Prompt: In The Feast in the House of Simon the Pharisee (Veronese, Turin), how is the Style discussed?Please output in Italian.

Brescia
Cena in casa di Simone
Francesco Morone
Girolamo dai Libri
Paolo Morando
Paolo Veronese
Romanino
Venezia


subsection

amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: In Love & Loss, how is the Triangular model of love of the Philosophy explained?Please output in Italian.


section

Annunciazione di Recanati

In una stanza, la camera da letto della Vergine, l'Annunciazione è risolta con una composizione di grande novità: a destra l'angelo, reggente il giglio bianco, è entrato da una loggia aperta su un giardino  e con il braccio destro, in un gesto un po' innaturale, indica Dio Padre che si è manifestato in una nuvola e da sotto la loggia sembra che si stia letteralmente tuffando verso Maria, alludendo all'Incarnazione. Quest'ultima è in primo piano a sinistra e, con una certa spregiudicatezza compositiva, si volge verso lo spettatore, dando le spalle all'annuncio, e solleva le mani sorpresa, infossando la testa tra le spalle con un'espressione tra l'umile, il turbato e il succube.Stilisticamente le teste sono leggermente sottodimensionate e le figure appaiono bloccate in gesti rigidi, anche se altamente espressivi. Colpisce l'amorevole descrizione dei dettagli della stanza, di matrice nordica, come il letto a baldacchino, la finestrella coi vetri piombati, la mensola con la piccola natura morta , l'appendiabiti, lo sgabello con la clessidra, l'inginocchiatoio e soprattutto il gatto che fugge spaventato inarcando la schiena, un simbolo della sconfitta del male ma anche un garbato elemento di ironia.Tra le fonti a cui Lotto si ispirò si indica un rilievo di Andrea Sansovino a Loreto , e lAnnunciazione di Dirk Bouts, che fece da modello anche a Tiziano per un'opera destinata alla cattedrale di Treviso. Da Tiziano in particolare riprese la Madonna voltata verso lo spettatore e l'Angelo dietro che cerca la sua attenzione con un gesto eloquente del braccio. A partire da questi spunti Lotto elaborò l'originalissimo sviluppo dell'azione dallo sfondo verso il primo piano.Scrisse Argan: «la Vergine di Tiziano è una regina in preghiera che si volge nobilmente a ricevere nel suo palazzo il messaggero divino.  Vergine del Lotto è una brava ragazza; il messaggio la coglie di sorpresa mentre prega nella sua stanza; non osa neppure volgere il capo; il suo gesto, quasi di difesa, è quello di chi si sente colpito alle spalle da un richiamo improvviso».

Prompt: How does Recanati Annunciation explain its Description and style?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


section

Marforio

statua, di dimensioni monumentali , raffigura un personaggio maschile semisdraiato sul fianco sinistro, nudo a eccezione di un manto che gli avvolge il braccio sinistro e la parte inferiore del corpo, dal bacino in giù.  figura è dotata di una folta capigliatura e di una barba parimenti riccioluta. L'iconografia rimanda a una divinità acquatica o alla personificazione di un corso d'acqua; la conchiglia che stringe nella mano destra, aggiunta nel XVI secolo, ha stabilito la sua identificazione postuma col dio Oceano.

Prompt: In Marforio, how is the Description discussed?Please output in Italian.


section

Bandiera bianca

Durante una gara di Formula 1, l'esposizione della bandiera bianca indica che c'è un veicolo lento sul tracciato come ad esempio un'auto che si sta ritirando o un mezzo di servizio o di soccorso. Invece nelle series americane, come Nascar e IndyCar, indica l'inizio dell'ultimo giro. I talebani utilizzarono nel 1996 una bandiera bianca come la bandiera nazionale dell'Afghanistan. Il 27 ottobre 1997 è stata aggiunta alla shahada in nero. Nelle scuole austriache la bandiera bianca viene issata quando gli studenti superano l'esame di maturità.  bandiera bianca sventolava dal palazzo ufficiale di Parigi dallAncien Régime fino al 31 luglio 1830, e rappresentava un simbolo borbonico.Bandiera bianca è anche una famosa canzone di Franco Battiato contenuta nell'album  voce del padrone.

Prompt: Focus on White Flag (painting) and explain the Other meanings.Please output in Italian.

1830
Ancien Régime
Bandiera
Formula 1
Franco Battiato
Parigi


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Describe the characteristics of the Cultural reasons in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Pietà Rondanini

nuova composizione in verticale fu altamente innovativa e dimostrò le capacità inventive dell'artista ormai ottantenne.Nel gruppo si alternano parti condotte a termine, riferibili alla prima stesura, e parti non finite, legate ai ripensamenti della seconda versione mai compiuta. Le parti condotte a termine sono un braccio destro di Cristo, staccato dal resto del corpo e rotto a un'altezza poco sopra il gomito, le gambe del Redentore e tracce di un diverso orientamento del volto della Vergine. Le parti relative alla nuova elaborazione sono invece il nuovo volto e il corpo della Vergine, il torso magrissimo e la testa di Cristo. Maria infatti non sembra più reggere il figlio, ma i due sembrano piuttosto unirsi in un abbraccio che comunque non riesce a trattenere il corpo di Cristo, il quale sembra scivolare via inerme, come rivela la progressiva e inevitabile piega delle gambe.  stessa Maria mostra una figura aerea e senza peso, che non si sforza di trattenere il corpo del figlio.Se guardata di lato, la statua appare curva in avanti. Questa curvatura dà un senso di slancio verso l'alto come forse è dato intendere da un episodio come la morte di Cristo prossimo alla Resurrezione.

Prompt: In Rondanini Pietà, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Madonna col Bambino scrivente e un vescovo inginocchiato

Cristina Acidini, Pintoricchio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does Madonna and Child with a Bishop explain its Bibliography?Please output in Italian.


subsection

Maria Maddalena

Da secoli, è costume di molti Cristiani ortodossi orientali terminare la celebrazione pasquale dipingendo uova e proclamando "Cristo è risorto!". Le uova simboleggiano la nuova vita, e Cristo che risorge dalla morte. Da questo nacque la tradizione di colorare le uova di Pasqua.Una tradizione riguardante Maria Maddalena dice che dopo la morte di Gesù Cristo, usò la sua posizione per ottenere un invito a un banchetto dato dall'imperatore Tiberio. Quando lei lo incontrò, teneva un uovo puro nelle sue mani ed esclamò "Cristo è risorto!" Tiberio rise, e disse che la resurrezione di Gesù Cristo dalla morte era probabile quanto l'uovo nella sua mano diventasse rosso mentre lo teneva. Secondo la leggenda, prima che finisse di parlare, l'uovo nella sua mano diventò rosso e lei continuò a proclamare il Vangelo in tutta la casa imperiale.

Prompt: Describe the characteristics of the Easter egg tradition in Mary Magdalene (Perugino)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.


subsection

amore

L'amore è sempre stato uno dei temi preferiti in tutta la storia della pittura e della scultura, dalla rappresentazione di situazioni romantiche o riconducenti ad una qualche simbologia o allegoria, che vengono spesso a coinvolgere personaggi mitologici.Ma anche i grandi amori terreni vengono raffigurati, soprattutto quelli appartenenti alle storie letterarie più conosciute come Tristano e Isotta, Abelardo e Eloisa, Paolo e Francesca, Romeo e Giulietta, l'amore tra Ulisse e Penelope narrato nellOdissea, assieme a molti altri sono stati trattati in pittura, soprattutto nei periodi più favorevoli all'espressione più libera dei sentimenti .

Prompt: Describe the characteristics of the Artivisive in Love & Loss's Etymology.Please output in Italian.

Odissea
Paolo e Francesca
Penelope
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta
Ulisse


subsection

Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


subsection

Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: Explain the The Annunciation in the prayer about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (Fra Angelico, Madrid).Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


subsection

Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Titian, Berlin), explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

La toeletta

Bazille volle partecipare al Salone di Parigi del 1870 con  toeletta. Sperava di impressionare la giuria capeggiata dall'orientalista Jean-Léon Gérôme con questa scena, presumibilmente ambientata in un harem turco, che, tuttavia, alla fine non venne ammessa, forse perché venne trascurata. Bazille lavorò a questo quadro dal dicembre del 1869 al marzo del 1870. In una lettera alla madre di questo periodo, egli scrisse che aveva assunto una "modella incantevole" ma molto cara  e una "negra superba". Probabilmente la ragazza a destra, con un vestito a strisce contemporaneo è Lise Tréhot, l'amante del collega e amico Renoir e modella abituale in quel periodo. Si pensa che Lise avesse già posato per Bazille per il dipinto Donna in costume moresco del 1869.Una donna giovane e snella, dai lunghi capelli castani dorati, si siede nuda e distratta, con una coscia coperta da un panno o un asciugamano che le ricade sulla gamba, senza prestare attenzione alle domestiche ai suoi lati. Queste la stanno vestendo dopo un bagno, oppure la stanno spogliando per farne uno. Quella a sinistra è nera, indossa solo un turbante giallo e una veste rigata dalla vita in giù e la aiuta, in ginocchio, con le scarpe verdi. L'altra a destra è in piedi, ha la pelle bianca e i capelli neri legati da un nastro sottile dello stesso colore e tiene in mano un panno nero con dei fiori. Nel dipinto colpisce in modo particolare la resa virtuosa dei diversi tessuti, così come le pellicce sopra il sofà e sul pavimento e il tappeto orientale della parete. Uno studio preparatorio si trova nella galleria d'arte di Washington, negli Stati Uniti d'America.Ancora incompiuto, questo dipinto si può vedere nella parete dello studio dell'artista in un'altra sua opera, L'atelier di Bazille. Sono diversi i quadri ai quali Bazille si ispirò per  toeletta, come lo Sposalizio mistico di santa Caterina del Veronese, che si trova a Montpellier e nel quale uno dei personaggi principali assume la stessa posizione accovacciata della domestica nera. Inoltre, la Betsabea con la lettera di David di Rembrandt, che era stata lasciata in eredità al Louvre nel 1869, aveva ricevuto una grande attenzione da parte dei critici d'arte. Tuttavia, sembra che il pittore sia stato influenzato soprattutto dalle scene degli harem di Delacroix, delle quali Donne di Algeri nei loro appartamenti è l'esempio più noto. Sia il Louvre che il museo Fabre possiedono una versione di quest'opera.  toeletta fa anche riferimento allOlympia di Manet, dove una donna bianca ignuda è assistita da una domestica nera, anche se il quadro di Bazille è meno frontale. Questa connessione con Manet è anche una spiegazione possibile del rifiuto da parte della giuria del Salone.

Prompt: Explain the Description of this artwork, La Toilette (Bazille).Please output in Italian.

Betsabea con la lettera di David
Donna in costume moresco
Donne di Algeri nei loro appartamenti
Jean-Léon Gérôme
L'atelier di Bazille
Lise Tréhot
Montpellier
Rembrandt


section

Ugolino e i suoi figli

L'opera è una rappresentazione fortemente espressiva di Ugolino della Gherardesca, personaggio del XIII secolo collocato da Dante nell'Antenora, seconda zona del nono cerchio, dove sono puniti i traditori della patria.  sua vicenda è trattata nel canto XXXIII dell'Inferno.Carpeaux mostra Ugolino nel momento in cui è tormentato dalla possibilità del cannibalismo.  composizione è rappresentativa del gusto romantico di enfatizzare gli stati fisici, psicologici ed emotivi: Ugolino, infatti, sembra assorto e guarda in lontananza; come se non fosse conscio della sua condizione, non pare considerare i quattro fanciulli che lo circondano e si avvinghiano attorno a sé. Il più giovane è raggomitolato ai suoi piedi, presumibilmente morto. Nell'Inferno, Ugolino è affranto per l'agonizzante morte dei suoi figli e nipoti, ma non è chiaro al lettore se si sia cibato delle loro carni, mentre nella scultura ciò sembra più evidente. Sebbene stia patendo la fame, il corpo di Ugolino risulta muscoloso, e lo stile dell'intero gruppo scultoreo risulta influenzato da quello del ocoonte.

Prompt: In Ugolino and His Sons (Carpeaux), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


section

Bonaparte valica le Alpi

Bonaparte valica le Alpi , è un dipinto del 1848-1850 raffigurante Napoleone Bonaparte, dell'artista francese Paul Delaroche. Il dipinto raffigura il Bonaparte nell'atto di guidare il suo esercito attraverso le Alpi a dorso di un mulo, percorso che avvenne veramente nella primavera del 1800, nel tentativo di sorprendere l'esercito austriaco in Italia.Le due principali versioni di questo dipinto che sono giunte sino a noi si trovano una al Louvre di Parigi e l'altra alla Walker Art Gallery di Liverpool, in Inghilterra.  regina Vittoria ne commissionò una versione ridotta.L'opera venne ispirata alla serie dei cinque dipinti realizzati da Jacques-Louis David dal titolo Bonaparte valica il Gran San Bernardo . Le opere di David mostrano anch'esse il passaggio di Napoleone sul Gran San Bernardo, ma hanno stile e concezione differente. Il Napoleone di Delaroche appare freddo e adombrato, mentre quello di David è nel pieno dello splendore della sua uniforme, come un eroe idealizzato. A Delaroche del resto venne commissionato un ritratto realistico, corrente emergente all'epoca in cui egli dipinse.Sebbene il dipinto rappresenti appieno il nuovo stile di cui Delaroche fu uno dei primi pionieri, il quadro venne criticato da alcuni per la raffigurazione della scena e del soggetto ma anche per avversione allo stesso Delaroche.

Prompt: How does Bonaparte Crossing the Alps explain its Abstract?Please output in Italian.

Alpi
Bonaparte valica il Gran San Bernardo
Jacques-Louis David
Napoleone Bonaparte
Paul Delaroche


section

tomba di Giulio II

Ricostruzione della parte architettonica del primo progetto per la tomba di Giulio II Fu probabilmente Giuliano da Sangallo a raccontare a papa Giulio II, eletto due anni prima, gli strabilianti successi fiorentini di Michelangelo, tra cui la scultura del colossale David. Il papa si interessò subito al giovane talento convocandolo ufficialmente a Roma. Nel partire, l'artista era costretto a interrompere una serie di importanti progetti avviati a Firenze, come la serie dei dodici apostoli per il Duomo, o il monumentale affresco della Battaglia di Cascina per Palazzo Vecchio. Ma l'artista non sembrò essere assalito da sostanziali dubbi sul partire o meno, vedendo probabilmente nell'ambizioso papa il miglior garante per la sua carriera artistica, capace di commissionargli un'opera grandiosa che lo avrebbe catapultato nell'Olimpo dei più grandi maestri dell'antichità.Papa Giulio II, infatti, si era dedicato a un ambizioso programma di governo, che intrecciava saldamente politica e arte, circondandosi dei più grandi artisti viventi  nell'obiettivo di restituire a Roma e all'autorità papale la grandezza del passato imperiale.A Michelangelo venne affidato il compito di realizzare una monumentale tomba per il papa, da collocarsi nella tribuna  della basilica di San Pietro. Artista e committente si accordarono in tempi relativamente brevi  sul disegno del progetto e sul compenso , che venne approvato permettendo a Michelangelo, riscosso un consistente acconto, di dirigersi subito a scegliere i blocchi di marmo da scolpire.Il primo progetto ci è noto tramite le fonti  che, nonostante alcune discordanze descrittive anche notevoli, permettono di farsi un'idea generale. Esso prevedeva una colossale struttura architettonica isolata nello spazio, a base rettangolare   composta da tre ordini che, dalla base, andavano restringendosi gradualmente, in una sorta di piramide architettonico-scultorea. Attorno al catafalco del papa, in posizione sopraelevata, si trovavano una quarantina di statue, dimensionate in scala superiore al naturale, alcune libere nello spazio, altre addossate a nicchie o ai pilastri, all'insegna di un gusto per la grandiosità e l'articolazione complessa, su tutte e quattro le facciate dell'architettura.Il registro inferiore, in particolare, prevedeva da due a quattro nicchie, ciascuna contenente una statua di Vittoria alata, incorniciata da statue di "ignudi" maschili incatenati , addossati ai pilastri e sormontati da busti. Il piano superiore doveva contenere quattro grandi figure sedute  e alle personificazioni della Vita attiva e della Vita contemplativa), forse collocate agli angoli o frontali sui lati minori. Queste ultime guidavano lo sguardo dello spettatore verso la sommità, dove si trovava la statua semidistesa del pontefice sul catafalco, tra rilievi bronzei e due figure allegoriche, Angeli per Condivi o Cielo e Terra per Vasari. Il sarcofago vero e proprio si trovava all'interno di un sacello ovale all'interno della struttura, al quale si accedeva da un portale su uno dei lati brevi o su entrambi.  statua del papa sulla sommità, guidato fuori dalla tomba da due angeli, doveva richiamare il motivo del risveglio del defunto durante il Giudizio Universale, come nel monumento sepolcrale di Margherita di Lussemburgo di Giovanni Pisano.Il monumento sarebbe stato collocato in una zona corrispondente all'attuale baldacchino di San Pietro in Vaticano, quindi con una centralità sulla quale, dopo un primo entusiasmo, lo stesso Giulio II ebbe probabilmente a riflettere.

Prompt: Focus on Tomb of Pope Julius II and explain the First project.Please output in Italian.

Battaglia di Cascina
Firenze
Giovanni Pisano
Giuliano da Sangallo
Palazzo Vecchio
Papa Giulio II
Roma


subsection

Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden