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Lupa capitolina

</ref>opera = sculturatecnica = bronzomateriale = altezza = 75larghezza = 114profondità = città = Romaubicazione = Musei Capitolini}} Lupa capitolina è una scultura di bronzo, di incerta datazione , custodita nei Musei Capitolini. Di dimensioni approssimativamente naturali, i gemelli sottostanti furono aggiunti nel XV secolo e sono stati attribuiti allo scultore Antonio del Pollaiolo. Viene tradizionalmente considerata di fattura etrusca, si ritiene che sia stata fusa nella bassa valle tiberina e che si trovi a Roma sin dall'antichità .

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Capitoline Wolf.Please output in Italian.

Antonio del Pollaiolo
Musei Capitolini
Roma
XV secolo


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Annunciazione di Ascoli

Pietro Zampetti, Carlo Crivelli, Nardini Editore, Firenze 1986. Stefano Zuffi, Il Quattrocento, Electa, Milano 2004. ISBN 8837023154Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, The Annunciation, with Saint Emidius.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.


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Polittico Quaratesi

I cinque scomparti della predella, conservati nella Pinacoteca Vaticana e alla National Gallery of Art, mostrano le storie di san Nicola di Bari.  predella risultava separata dal polittico già alla fine del XVIII secolo, quando confluirono verso Roma, mentre il quinto venne messo più tardi all'asta, finendo a Pistoia  e poi venendo immesso sul mercato antiquario nel 1928, finendo nella collezione Kress e da qui a Washington. Quasi tutti gli scomparti della predella sono ridipinti in alto per nascondere la forma originale, dove in alto c'era una teoria di archetti. prima storia è quella della Nascita, ambientata in un delizioso ambiente domestico, con uno scorcio di due stanze inesatto, che dà all'insieme un'aria irreale e fiabesca, ma anche intimamente familiare. Molti sono i dettagli di minuta osservazione, come l'arredamento della stanza dove dorme la puerpera, lo sgabello con le fasce messe ad asciugare davanti al camino, il catino col santo bambino, la sorpresa delle levatrici che lo vedono alzarsi e pregare. scena successiva mostra la benevolenza di Nicola che donò tre palle d'oro a tre ragazze povere per permettere loro di maritarsi. Anche qui viene mostrato un interno familiare, dove le tre ragazze sono intente ad attività domestiche . L'effetto notturno è dato dai dettagli più che dalla luce, come lo scuretto della finestra già chiuso. Il santo si trova all'esterno, arrampicato alla finestra, mentre ha già lanciato due palle e sta per tirare la terza, reggendosi alla grata.  scena centrale doveva essere quella del miracolo di San Nicola che salva una nave dalla tempesta, che è l'unica ad aver mantenuto la forma originale con le tracce degli archetti .  leggenda a cui si riferisce è quella di una nave colta da una tempesta in mezzo al mare, che viene salvata dall'apparizione provvidenziale del santo. Lo stesso soggetto era stato dipinto da Gentile in larga scala nel palazzo Ducale di Venezia, che tanto aveva impressionato Bartolomeo Facio per la sua terribilità. In questa piccola scena in realtà gli unici dettagli sull'atmosfera sono le vele strappate dal vento, per il resto sia il mare che il cielo appaiono calmi. Più concitati sono gli uomini sulla nave, che sono presi dall'agitazione e cercano di alleggerire la nave scaricando la stiva in mare o pregando il santo. Anche in questo caso grande è l'attenzione ai dettagli reali, dalle funi alle scalette, dall'ancora alla scialuppa, fino al ballatoio sull'albero maestro con la sua bandierina. Inoltre il pittore vi inserì elementi fantastici di pura poesia, come la sirena, la stella marina o l'ombra di alcuni pesci.  quarta scena è San Nicola che salva tre giovani messi in salamoia. Secondo la leggenda tre ragazzi si fermarono in una locanda di un oste malvagio, che li derubò, li uccise e li fece a pezzi nascondendoli in botti nella salamoia. Il vescovo li riportò allora in vita. Anche qui la scena è ambientata in una stanza, una dispensa dove si vedono vari oggetti stoccati . Dietro il santo si trovano l'albergatore e sua moglie pentiti, mentre all'estremità destra si scorge un avventore che sta ignaro al tavolo a bere, tagliato a metà in maniera apparentemente casuale da un pezzo di edificio. Gentile inoltre aggiunse alcuni dettagli aneddotici ed enigmatici, che rendessero l'osservazione dello spettatore più gustosa, in questo caso l'insegna con la luna dorata e i geroglifici appesi alla parete.L'ultimo pannello è il Miracolo dei pellegrini alla tomba di san Nicola, cioè il prodigio per il quale chi si reca alla tomba del santo trova guarigione.  scena è ambientata all'interno di una basilica al centro della cui navata mediana si trova il sarcofago rialzato verso il quale convergono le persone che lo toccano. Molti sono i malati e si vede anche un'ossessa sorretta da una donna; in primo piano invece si vede un uomo guarito, che se ne va con le proprie gambe tenendo ormai le stampelle sulla spalla. L'ambientazione della scena è minuziosamente descritta: della chiesa si vedono i mosaici del catino absidale , la fascia sottostante con cinque storie di san Nicola , le decorazioni delle navate laterali . Lo spazio è reso efficacemente dalla successione delle colonne in profondità, con lo scorcio delle volte e delle lunette con le finestre circolari. I punti più lontani sono più bui e ombrosi e vi si distinguono appena le sagome, come quella di un monaco che avanza.

Prompt: Focus on Quaratesi Polyptych and explain the Predella.Please output in Italian.

1928
Bartolomeo Facio
National Gallery of Art
Pistoia
Venezia
Washington


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: Describe the characteristics of the In  the  Eastern  Churches in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Cultural reasons and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Prime opere di Vincent van Gogh

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Early works of Vincent van Gogh.Please output in Italian.


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Annunciazione

L'Annunciazione è narrata con modalità differenti nel Vangelo secondo Matteo e nel Vangelo secondo Luca.Nel Vangelo secondo Matteo, Maria resta incinta dello Spirito Santo, e un angelo appare in sogno a Giuseppe, per comunicargli di tenere con sé la moglie:<br />Annunciazione (Nel Vangelo secondo Luca, un angelo entra in casa di Maria e le annuncia che concepirà il Figlio di Dio:Le pericopi dei due evangelisti evidenziano le caratteristiche dei loro annunci e delle loro intenzioni pastorali e teologiche: Matteo scrive principalmente ai cristiani convertiti dal giudaismo, per cui sono evidenti le tematiche che possano interessare a coloro che appartengono a quella tradizione culturale, in particolare in riferimento alle reazioni che un uomo poteva e doveva avere secondo la legge mosaica in una situazione compromettente come quella di una promessa sposa che si ritrovasse incinta. Come ulteriore conferma delle intenzioni pastorali di Matteo è la citazione dell'Antico Testamento  per avvalorare i fatti narrati. tra i temi ricorrenti di Luca, invece, è l'attenzione per le donne. Non solo Maria di Nazareth, ma anche la Maddalena ed altre donne narrate come esempio di fede durante la vita pubblica di Gesù. Ecco quindi che l'attenzione è tutta rivolta alla vicenda di Maria, alla sua elaborazione interiore e alla sua risposta all'annuncio dell'angelo. E per avvalorare il tutto, non c'è una citazione dell'Antico Testamento, ma l'esperienza di un'altra donna.

Prompt: Describe the characteristics of the Vangelicanonici in Annunciation (Botticelli, Glasgow)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Figlio di Dio
Gesù
Nazareth
Vangelo secondo Luca
Vangelo secondo Matteo


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Autoritratto

L'arte medievale vide una prima diffusione dell'autoritratto, ma sempre sotto forma di particolare contestualizzato nell'insieme dell'opera e mai come genere autonomo: si parla in proposito di autoritratti «ambientati» .  funzione di queste raffigurazioni, eseguite a mo' di firma, era semplicemente la certificazione della paternità dell'opera.Fra le ragioni dell'inesistenza dell'autoritratto come genere artistico a sé stante vi era la scarsa importanza che l'arte medievale attribuiva alla somiglianza fisionomica delle persone raffigurate nei ritratti. Più importanti erano le connotazioni sociali e professionali, a tal punto che solo attraverso di esse era possibile risalire all'identità della persona rappresentata nel ritratto o nell'autoritratto.Giorgio Vasari riportò notizia di alcuni autoritratti eseguiti da Giotto : al Castello Nuovo di Napoli il pittore avrebbe realizzato un ciclo raffigurante uomini famosi, inserendo anche il suo volto; a Gaeta «il suo proprio ritratto presso un grande crocifisso» sarebbe stato inserito in alcune scene del Nuovo Testamento.

Prompt: How does Self-portrait (Thomas Eakins) explain its TheMiddleAgesandthefirstself-portraitsset.?Please output in Italian.

Gaeta
Giorgio Vasari
Giotto
Nuovo Testamento
Giorgio Vasari


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait at 69 years.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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La vittoria della fede

regista Leni Riefenstahl al raduno di Norimberga durante le riprese del film.Come nel cortometraggio del 1935 I giorni della libertà - Il nostro esercito  e nel celebre lungometraggio Il trionfo della volontà, entrambi diretti da Riefenstahl,  vittoria della fede documenta un raduno del partito nazista in ordine approssimativamente cronologico. Nella pellicola non vi è alcuna voce fuori campo.Tra le attività documentate sono presenti l'incontro con dei diplomatici stranieri e altri politici e membri del partito, come Franz von Papen, alla stazione di Norimberga; l'arrivo di Adolf Hitler all'aeroporto e l'incontro con vari membri importanti del partito nazista, come Joseph Goebbels ed Hermann Göring; le parate delle camicie brune ; il discorso di Hitler sulla presa del potere da parte del partito e il decimo anniversario del movimento nazionalsocialista tedesco.Gli eventi sono narrati in ordine approssimativamente cronologico, a partire dall'arrivo di Hitler a Norimberga e il benvenuto datogli dal gauleiter Julius Streicher. Hitler viene poi mostrato insieme a Rudolf Hess ed Ernst Röhm, allora capo delle SA. Nella cerimonia di apertura è presente anche un discorso di Arturo Marpicati, vice segretario del Partito Nazionale Fascista, con tanto di congratulazioni da parte del dittatore Benito Mussolini. Più avanti è inoltre presente un cameo di Heinrich Himmler, che sarà presente nel film successivo della regista, Il trionfo della volontà. Il film si conclude con delle sequenze che mostrano una parata delle SA e delle SS.

Prompt: Explain the Plot of this artwork, The Victory of Faith (painting).Please output in Italian.


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Dama col liocorno

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: In Young Woman with Unicorn, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonna dell'Impannata

Vasari riportò come l'opera fosse stata dipinta per Bindo Altoviti, sequestrata poi da Cosimo I de' Medici. Durante l'occupazione napoleonica fu portata a Parigi nel 1799 e restituita nel 1815.Sebbene il complesso schema sia sicuramente frutto di un'idea di Raffaello, la stesura è quasi interamente attribuita agli allievi: forse il Sanzio dipinse solo la figura di Gesù e la testa di Elisabetta. tavola presente sull'altare della cappella dell'appartamento di papa Leone X in palazzo Vecchio è copia cinquecentesca della "Madonna dell'impannata". Citata dal Vasari nella prima edizione delle Vite  quando ancora si trovava nella casa fiorentina del banchiere Bindo Altoviti, la "Madonna dell'impannata" è ricordata già nella seconda edizione delle Vite  sull'altare della cappella del quartiere di papa Leone X in Palazzo Vecchio, come posta fra le due tavole vasariane con i santi Cosma e Damiano. Il 3 luglio 1588, quando le sale furono aperte per le nozze di Lucrezia de' Medici con Alfonso II d'Este, risulta anche dagli inventari ducali. Il quadro era passato nelle collezioni medicee in seguito all'esproprio del patrimonio degli Altoviti che avevano ricevuto in dono da Cosimo I al marchese di Marignano, artefice della vittoria medicea del 2 agosto 1554 a Scannagallo in Val di Chiana  durante la guerra di Siena .  tavola nel 1589 è documentata nella Tribuna degli Uffizi. Sull'altare della cappella del quartiere di papa Leone X fu una copia di buona qualità il cui autore rimane anonimo, questa, fu commissionata durante il principato di Ferdinando I, contemporaneamente allo spostamento dell'originale a Pitti.

Prompt: How does Madonna dell'Impannata explain its History?Please output in Italian.

1799
1815
Alfonso II d'Este
Bindo Altoviti
Cosimo I de' Medici
Palazzo Vecchio
Parigi
Val di Chiana


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Festino degli dei

È nozione comune che Bellini non amasse dipingere quadri di soggetto mitologico. D'altra parte qualcuno sostenne che gli mancarono solo le occasioni, dato che la gran parte della sua clientela non prediligeva questi soggetti; la sua amicizia con umanisti come Bembo o Leonico Tomeo proverebbe invece un grande interesse per il mondo classico.Tuttavia nemmeno Bembo riuscì a convincere l'artista a venir incontro al desiderio di Isabella d'Este di ottenere dal pittore una "favola" per lo studiolo, nonostante la raccomandazione «di tenere ben disposto il Bellino et di componere la poesia ad sua satisfactione»: la marchesa di Mantova si sarebbe dovuta arrendere. Lo stesso Bembo, pur mostrandosi fiducioso con la marchesa, ci dà però un'idea della fiera opposizione dell'artista: «Insomma gli avemo dato tanta battaglia che il castello al tutto credo si renderà».

Prompt: Describe the characteristics of the Contacts with Isabella d'Este in The Feast of the Gods's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Pala di San Domenico di Pesaro

Pala di San Domenico di Pesaro è un dipinto a olio su tavola  di Giovanni Gerolamo Savoldo, databile al 1524-1526 e conservato nella Pinacoteca di Brera di Milano.

Prompt: Focus on San Domenico di Pesaro Altarpiece and explain the Abstract.Please output in Italian.

1524
1526
Giovanni Gerolamo Savoldo
Milano
Pesaro
Pinacoteca di Brera


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Ludovico II di Baviera

Salì al trono bavarese all'età di 18 anni, in seguito alla morte del padre. Il suo aspetto pensieroso lo rese molto popolare in Baviera e all'estero. Uno dei primi atti fu il patrocinio ufficiale del suo idolo, Richard Wagner. Per gran parte del suo regno, Ludovico promosse la riconciliazione fra gli stati tedeschi.Le maggiori preoccupazioni nei primi anni di regno di Ludovico furono l'aspettativa per un erede e le relazioni con la Prussia. Entrambe le questioni furono poste in primo piano nel 1867. Ludovico era fidanzato con la principessa Sofia, sua cugina, nonché sorella minore dell'imperatrice Elisabetta. Il loro fidanzamento venne reso pubblico il 22 gennaio 1867, ma dopo aver ripetutamente rinviato la data del matrimonio, Ludovico alla fine annullò il fidanzamento in ottobre. In seguito Sofia si unì in matrimonio con Ferdinando Filippo Maria, duca di Alençon , figlio di Luigi d'Orleans, duca di Nemours. Ludovico non si sposò mai.Anche se Ludovico si era schierato a fianco dell'Austria contro la Prussia nella guerra austro-prussiana, accettò un trattato di mutua difesa con la Prussia nel 1867, dopo essere stato sconfitto. In base ai termini del trattato, la Baviera si dovette unire alla Prussia contro la Francia nella guerra franco-prussiana. Su richiesta di Bismarck, Ludovico sollecitò una lettera, nel dicembre 1870, che chiedeva la creazione di un impero tedesco. Egli ricevette alcune concessioni in cambio del suo appoggio, ma l'era dell'indipendenza bavarese era terminata di fatto.Per tutto il suo regno, Ludovico ebbe una fila di infatuazioni per uomini di bell'aspetto, tra cui il suo stalliere capo Richard Hornig, la stella ungherese del teatro Josef Kainz, . Nel 1869 cominciò a tenere un diario nel quale registrava le sue riflessioni private e discuteva i suoi tentativi di sopprimere i suoi desideri sessuali e rimanere fedele ai suoi convincimenti cattolici. I diari originali di Ludovico andarono persi durante la seconda guerra mondiale e ne rimangono solo copie di brani, fatte prima della guerra. Queste, assieme a lettere private e ad altri documenti personali sopravvissuti, suggeriscono che Ludovico abbia cercato di reprimere la propria omosessualità.Con il progredire del suo regno, Ludovico condusse sempre più spesso una vita ritirata e lontana dagli impegni di governo. Negli anni '80 dell'Ottocento spese gran parte del suo tempo sulle Alpi, dove fece costruire diversi e costosi palazzi da favola con lo scenografo Christian Jank, immaginando un mondo di sogno in cui era un monarca assoluto, discendente da Luigi XIV di Francia.

Prompt: Describe the characteristics of the Kingdom in Ludwig II (sculpture)'s Ludovico in the mass culture.Please output in Italian.

1867
1869
Alençon
Alpi
Baviera
Christian Jank
Luigi XIV di Francia
Richard Wagner


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Epifania

In Romania e Moldavia, l'Epifania si chiama Boboteaza. Nel sud-est della Romania, dopo le funzioni religiose, gli uomini partecipano alle corse invernali dei cavalli. Prima della corsa, gli uomini si mettono in fila con i loro cavalli davanti al sacerdote, che li benedirà aspergendoli con rami verdi che sono stati precedentemente immersi nell'acqua santa dell'Epifania. A volte le persone desiderano avere questa benedizione anche per se stesse. Vincere la corsa dell'Epifania è un grande onore sia per il cavallo che per il cavaliere, mentre i festeggiamenti post-gara, sia in caso di vittoria che di perdita, sono comunque molto festosi. Come in altri paesi del mondo ortodosso orientale, i riti dell'acqua svolgono un ruolo speciale in questo giorno. Un detto della saggezza popolare rumena sostiene che se una ragazza scivola sul ghiaccio o, meglio ancora, cade nell'acqua durante l'Epifania, si sposerà sicuramente prima della fine dell'anno.In Transilvania , i cristiani luterani e riformati di origine ungherese e sassone celebrano l'Epifania con il canto delle stelle e la benedizione delle case, come nell'Europa centrale. L'usanza del canto delle stelle si era diffusa molto tempo addietro in tutta la Romania e nella Repubblica di Moldavia. Qui la stella, chiamata Steaua, oggi assomiglia a una lanterna di vetro colorato e presenta al centro un'icona ortodossa, una tradizione che indica la fusione tra Oriente e Occidente che caratterizza le due nazioni affacciate sul fiume Prut.

Prompt: Describe the characteristics of the Romania Moldova in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.

Transilvania Moldavia Prut Romania Transilvania Transilvania


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madre

madre:# è indispensabile affinché si formi l’Io del bambino e affinché quest’Io possa crescere sano e forte;# dà al bambino la possibilità di instaurare una relazione con il mondo. Ciò permette al neonato di acquisire le prime esperienze culturali e sociali. Per Melanie Klein<br />‹‹In tutti i miei lavori ho sottolineato l’importanza della prima relazione oggettuale del bambino - il rapporto con il seno materno e con la madre - e sono giunta alla conclusione che se questo oggetto primario, il quale viene introiettato, mette nell’Io radici abbastanza salde, viene posta una base solida per uno sviluppo soddisfacente››;# è la fonte della sua sicurezza interiore;# soddisfa i bisogni primari del bambino sia per quanto riguarda gli aspetti biologici sia soprattutto per quanto riguarda i suoi bisogni psicologici che Levy – citato da De Negri – chiama “fame primaria d’amore”.

Prompt: In the context of Mother & Child (Etrog), explain the Maternal functions and the Psychology.Please output in Italian.


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Cena in casa di Simone il fariseo

Michele Biancale, Giovanni Battista Moroni e i pittori bresciani, in L’arte, anno 17, Roma 1914. Camillo Boselli, Il Moretto, 1498-1554, in "Commentari dell'Ateneo di Brescia per l'anno 1954 - Supplemento", Brescia 1954. Joseph Archer Crowe, Giovanni Battista Cavalcaselle, A history of painting in North Italy, Londra 1871. Pietro Da Ponte, L'opera del Moretto, Brescia 1898. Ugo Fleres,  pinacoteca dell'Ateneo in Brescia in "Le gallerie nazionali italiane", anno 4, 1899. György Gombosi, Moretto da Brescia, Basel 1943. Roberto Longhi, Quesiti caravaggeschi - II, I precedenti, in "Pinacotheca", anno 1, numeri 5-6, marzo-giugno 1929. Pompeo Molmenti, Il Moretto da Brescia, Firenze 1898. Pier Virgilio Begni Redona, Alessandro Bonvicino – Il Moretto da Brescia, Editrice  Scuola, Brescia 1988. Carlo Ridolfi, Le maraviglie dell'arte Ouero le vite de gl'illvstri pittori veneti, e dello stato. Oue sono raccolte le Opere insigni, i costumi, & i ritratti loro. Con la narratione delle Historie, delle Fauole, e delle Moralità da quelli dipinte, Brescia 1648. Giacomo Filippo Tomasini, Annales canonicorum secularium Sancti Georgii in Alga, Venezia 1642. Adolfo Venturi, Storia dell'arte italiana, volume IX,  pittura del Cinquecento, Milano 1929. Anton Maria Zanetti, Della pittura veneziana e delle opere pubbliche de' veneziani maestri, Venezia 1771.

Prompt: How does The Feast in the House of Simon the Pharisee (Veronese, Turin) explain its Bibliography?Please output in Italian.

Brescia
Carlo Ridolfi
Giacomo Filippo Tomasini
Il Moretto
Michele Biancale
Venezia


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: Explain the Diversification birth main branches about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (Bril).Please output in Italian.


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amore

Varie culture hanno divinizzato l'amore, sia nella forma maschile sia in quella femminile. Questa è una lista di dei dell'amore in mitologie differenti. Cupido o Amore: dio della mitologia romana. Venere: dea della mitologia romana. Afrodite: dea della mitologia greca. Eros: dio della mitologia greca. Freyja: dea della mitologia norrena. Kama: dio dell'induismo. Xochipilli: dio della mitologia azteca.Cupido trasporta Psiché nell'alto dei cieli, di

Prompt: Describe the characteristics of the Other cultures and deities in Love & Loss's In the arts.Please output in Italian.


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Ragazza con velo

L'opera è vicina per impostazione e alcuni dettagli  alla Ragazza con turbante, sebbene la modella sia meno bella e più giovane, con un volto da adolescente dal sapore ancora fanciullesco. Il suo viso caratteristico, dalla fronte alta e spaziosa, richiama figure presenti in altre opere dell'artista, come la Donna che scrive una letteraIl fondo scuro si ritrova, oltre che nella citata altra Fanciulla, in alcuni ritratti coevi, come il Ritratto della moglie dell'artista di Frans van Mieris il Vecchio .

Prompt: How does Study of a Young Woman explain its Description and style?Please output in Italian.

Donna che scrive una lettera
Frans van Mieris il Vecchio


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Statua di Robert Milligan

scultura raffigura Robert Milligan in piedi, appoggiato a una colonna avvolta alla sommità da un velo che scende fino ai suoi piedi. Il mercante scozzese indossa degli abiti tipici della sua epoca e regge un cartiglio con una mano. Sotto è riportato il suo nome, anche se "Robert" viene abbreviato in "Robt". Sul basamento erano presenti delle targhe bronzee, delle quali quella situata sul retro della scultura costituiva una dedica a Milligan e spiegava come fosse stato eretto il monumento, mentre quella davanti  mostrava Britannia, la personificazione femminile del Regno Unito, che riceveva il commercio  da una donna e tre bimbi, che dovrebbero rappresentare il triangolo del commercio.

Prompt: How does Statue of Robert Milligan explain its Description?Please output in Italian.


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Vista attraverso tre archi del terzo piano del Colosseo

Dal 1813 al 1816 Eckersberg soggiornò a Roma, dove andò a lavorare all'aperto per la prima volta. I paesaggi urbani che ha dipinto sono quindi sorprendentemente realistici e dettagliati. Il Colosseo fu uno dei luoghi della città che colse su un gran numero di schizzi e dipinti. È probabilmente l'opera più famosa che l'artista abbia realizzato a Roma.Dopo il suo ritorno a Copenaghen nel 1818, Eckersberg divenne professore  presso l'Accademia reale danese delle belle arti. Ha esercitato una grande influenza sui suoi studenti, in parte a causa delle sue opere romane con cui li ha introdotti. Dal 1911, il dipinto, fa parte della collezione dello Statens Museum for Art di Copenaghen.

Prompt: Explain the History of this artwork, A View through Three of the North-Western Arches of the Third Storey of the Coliseum.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the Group self-portraits and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Sacra Parentela

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Holy Kinship (Geertgen tot Sint Jans).Please output in Italian.


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Annunciazione (El Greco Illescas)

LAnnunciazione è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato tra il 1597-1603 durante il suo ultimo periodo tolediano e conservato nel Santuario di Nostra Signora della Carità a Illescas in Spagna.El Greco, attraverso suo figlio, nel 1603, ottenne un contratto per realizzare quattro dipinti per la chiesa del vecchio ospedale della Carità di Illescas .

Prompt: How does Annunciation (El Greco, Illescas) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il dipinto fa parte della cosiddetta serie verticale dell'artista. Il lavoro è governato da una simmetria assiale assai diffusa al tempo, nella quale ogni elemento rappresentato su un lato ha il suo equivalente sull'altro lato.  figura della Vergine è l'asse della simmetria.  sua figura sembra quasi rompere il perfetto equilibrio della luce.Maria  è rappresentata come "sommersa in estasi".  luce descrive il suo volto e piani e volumi della figura, con una colorazione che è, al contempo, morbida e splendida" .Maria appare in piedi poggiando su cinque angeli cherubini, che occupano mezza luna.  collana mariana indossata dalla Vergine indossa mostra l'anagramma A  M . Intorno alla Vergine, una moltitudine di stelle e angeli si confondono tra le nuvole nell'aureola, che circonda la sua testa.Gli angeli, che portano gigli e rose ai lati simboleggiano gli attributi di purezza, mentre le iscrizioni presenti mostrano versi del Cantico dei cantici, un libro biblico di profondo valore mistico.Sui lati inferiori compaiono due simboli attribuiti al dogma mariano: lo specchio senza macchia, la scala di Giacobbe, la porta del cielo e la luce del mattino.

Prompt: Explain the Composition about the History of this artwork, Immaculate Conception (Zurbarán).Please output in Italian.


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Stanze di Raffaello

Giulio II, pochi anni dopo l'inizio del suo pontificato, si rifiutò di utilizzare l'Appartamento Borgia, indissolubilmente legato al suo predecessore Alessandro VI. Testimonia una nota del suo cerimoniere Paride Grassi: "non volebat videre omni hora figuram Alexandri praedecessoris sui" . Per questo scelse alcuni ambienti al secondo piano del Palazzo Apostolico nell'ala settentrionale, frutto delle ricostruzioni parziali di Niccolò V.Secondo quanto testimonia Vasari questi ambienti presentavano già decorazioni quattrocentesche importanti, con alcune pareti affrescate da Piero della Francesca, Benedetto Bonfigli, Andrea del Castagno, Luca Signorelli e Bartolomeo della Gatta. Perugino ad esempio lavorò alla volta della Stanza dell'Incendio nel 1508, ma il suo lavoro non piacque al papa che lo liquidò velocemente.Fu probabilmente Bramante, architetto pontificio incaricato di ricostruire la Basilica vaticana, a suggerire al pontefice il suo conterraneo Raffaello Sanzio, a quell'epoca di stanza tra Firenze, l'Umbria e le Marche, reduce da un clamoroso successo con la Pala Baglioni a Perugia. Non è chiaro quando il pittore giunse a Roma: sicuramente il 21 aprile 1508 era ancora a Firenze , mentre il 13 gennaio 1509 era già accreditato alla tesoreria pontificia per un ordine di pagamento, verosimilmente legato alla Stanza della Segnatura. Probabilmente l'urbinate si aggiunse nel corso degli ultimi mesi del 1508, ma questi non vennero mai realizzati a causa delle difficoltà tecniche e i tentativi falliti e disastrosi dei francesi presso la chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma.

Prompt: Explain the History of this artwork, Raphael Rooms.Please output in Italian.

1508
1509
Andrea del Castagno
Appartamento Borgia
Bartolomeo della Gatta
Benedetto Bonfigli
Bramante
Luca Signorelli
Pala Baglioni
Palazzo Apostolico
Paride Grassi
Perugia
Perugino
Piero della Francesca
Perugino
Raffaello Sanzio
Stanza della Segnatura


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Corpus (Bernini)

Il Corpus  è una scultura a grandezza naturale in bronzo, attribuita a Gian Lorenzo Bernini. Databile al 1650, Bernini l'avrebbe conservata nella sua collezione privata per 25 anni.

Prompt: In Corpus (Bernini), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Tunica di Giuseppe

Tunica di Giuseppe è un dipinto a olio su tela  di Diego Velázquez, databile al 1630 nel Monastero di San Lorenzo del Escorial, vicino a Madrid.In quest'opera risulta pienamente evidente il fascino esercitato sul pittore dallo studio di quei valori presenti nell'arte e nella cultura dell'antichità, espressi in particolare nel torso luministico del nudo di spalle a sinistra.  geometria a scacchiera delle piastrelle determina una scansione dello spazio che il pittore deve aver appreso dalla "Pratica della prospettiva" pubblicata nel 1568 da Daniele Barbaro a Venezia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Joseph's Tunic.Please output in Italian.

1630
Daniele Barbaro
Diego Velázquez
Madrid


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Cristo velato

magistrale resa del velo, «fatto con tanta arte da lasciare stupiti i più abili osservatori» , ha nel corso dei secoli dato adito a una leggenda secondo cui il committente, il famoso scienziato e alchimista Raimondo di Sangro, avrebbe insegnato allo scultore la calcificazione del tessuto in cristalli di marmo. Da circa tre secoli, infatti, molti visitatori della Cappella, colpiti dal mirabile velo scolpito, lo ritengono erroneamente esito di una "marmorizzazione" alchemica effettuata dal principe, il quale avrebbe adagiato sulla statua un vero e proprio velo, e che questo si sia nel tempo marmorizzato attraverso un processo chimico.In realtà una attenta analisi non lascia dubbi sul fatto che l'opera sia stata realizzata interamente in marmo, e questo è anche confermato da alcune lettere dell'epoca. Una ricevuta di pagamento a Sanmartino in data 16 dicembre 1752, firmata dal Principe e conservata presso l'Archivio Storico del Banco di Napoli, recita infatti:Lo stesso di Sangro, in alcune lettere, descrive il velo come realizzato dallo stesso blocco della statua, senza l'utilizzo di alcun espediente alchemico.

Prompt: Focus on Veiled Christ and explain the Legend of the veil.Please output in Italian.


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L'urlo

L'urlo presenta un forte effetto espressivo, ottenuto mediante un'associazione di colori complementari  in modo da mettere in risalto il cromatismo del dipinto. Le tonalità calde le troviamo nella parte alta del quadro, così da conferire maggior peso alla composizione, controbilanciando l'addensamento degli elementi compositivi in basso. Analogamente, i colori chiari sono collocati intorno al volto del personaggio, che in questo modo viene esaltato agli occhi dell'osservatore.Vi è un netto contrasto anche tra le linee: quelle dello sfondo sono infatti curvilinee, quasi magmatiche, e vengono interrotte dalla geometricità delle diagonali che vanno a costituire il parapetto del sentiero. Interessante notare che l'andamento del personaggio in primo piano viene ripetuto, in una sorta di pendant simmetrico, dalle linee curve dello sfondo, mentre la verticalità delle due figure che percorrono il sentiero fa eco al parapetto del sentiero: ne consegue che, mentre l'ambiente sembra quasi voler partecipare al dramma psichico che sta lacerando la figura in primo piano, le due persone viste di spalle sono saldamente ancorate alla dimensione concreta della realtà, insensibili ai drammi della vita. Si crea così uno stato di forte tensione emotiva, messo ulteriormente in rilievo con un sapiente gioco delle linee di forza: quelle del sentiero convergono presso i due personaggi sulla sinistra, mentre quelle appartenenti alla figura in primo piano, muovendo dal basso, tendono verso le sue mani.Altri importanti elementi del dipinto sono il sentiero e il suo parapetto, senza i quali la figura principale quasi si fonderebbe con lo sfondo: la funzione di quest'ultimo, pertanto, è quella di staccarla dal paesaggio e di enfatizzare la sua individualità. Figura e sfondo, insomma, appartengono dal punto di vista compositivo a due livelli differenti.

Prompt: How does The Scream explain its Style?Please output in Italian.


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Madonna della Melagrana

L'opera è una delle poche databili della produzione matura di Botticelli. Resta infatti una menzione del Milanesi circa la commissione di un tondo con la Madonna col Bambino, avvenuta nel 1487 da parte della magistratura fiorentina dei Massai di Camera per decorare la propria Sala delle Udienze, che si trovava in Palazzo Vecchio. L'identificazione con la presente opera spetta a Herbert P. Horne, che riconobbe sulla cornice, fatta dalla bottega di Giuliano da Sangallo, la decorazione a gigli di Francia in campo azzurro, ipotizzando per questo una possibile collocazione pubblica dell'opera, celebrante la storica alleanza coi Francesi.L'impossibilità però di rintracciare il documento originale ha fatto sorgere qualche dubbio in una parte della critica. Se l'autografia botticelliana non è mai stata messa in dubbio, la cronologia è più variata. Alcuni, come Ulmann, propongono prima del 1480, altri come Wilhelm von Bode  datano l'opera a dopo il rientro da Roma , infine van Marle al 1480-1481.Dell'opera esistono varie copie di bottega, oggi agli Staatliche Museen di Berlino, alla collezione Aynard di Lione e alla collezione Wernher di Londra .Strette sono le affinità con la Madonna del Magnificat, sempre agli Uffizi, che in genere è datata a qualche anno prima, verso il 1485. Oltre al simile formato ed alle analogie stilistiche ricorrono nelle due opere le stesse tipologie fisiognomiche negli angeli, nel volto della Madonna e nel Bambino.

Prompt: Focus on Madonna of the Pomegranate and explain the History.Please output in Italian.

1480
1485
1487
Berlino
Giuliano da Sangallo
Lione
Londra
Madonna del Magnificat
Palazzo Vecchio
Wilhelm von Bode


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Ecce Homo

Secondo quanto raccontato dai Vangeli, Gesù, al momento dell'arresto, venne ritenuto innocente dal Governatore. Questi, per calmare la plebe che voleva vedere Gesù giustiziato ugualmente, lo fece infine flagellare, pensando in questo modo di soddisfare la sete di sangue del pubblicoQuesta frase indica per estensione anche la passione di Gesù come referenza a una persona malconcia, emaciata, sfigurata dal dolore .

Prompt: How does Ecce Homo (Titian, Vienna) explain its Answer.?Please output in Italian.


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Prometeo incatenato

In tutta l'opera è costante la centralità del personaggio di Prometeo, un ribelle incapace di accettare l'ordine imposto da Zeus e dai nuovi dei, che pretendono di piegare ogni cosa alla loro volontà, ignorando la infelice condizione dei mortali, che spinge invece Prometeo, di origini divine, a dare loro aiuto. Nell'opera è presentato il solo punto di vista del protagonista, che ripete la propria avversione per Zeus di fronte a numerosi personaggi, ma che appare portatore di un valore che non può non suscitare simpatia nello spettatore: la solidarietà verso gli uomini e la volontà di aiutarli a progredire facendo loro conoscere il fuoco.Prometeo, dunque, si presenta come portatore di luce e di progresso, anche a costo di sfidare la volontà di Zeus: una figura ben diversa da quella che appare nella Teogonia di Esiodo, in cui il titano è presentato come un briccone che sfida gli dei in una gara d'astuzia nella quale ad uscire perdente sarà proprio il genere umano. L'identificazione dello spettatore in Prometeo avviene in quanto il titano, come l'uomo aspira ad un di più che non gli è concesso; Prometeo appare così come un eroe confinato in un sistema di valori arcaico, dove l'ambizione a un di più è considerata un atto di tracotanza .

Prompt: Explain the Prometheus  the  rebel about the Plot of this artwork, Prometheus Bound (Rubens).Please output in Italian.


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Avvampante giugno

Uno studio per l'opera del 1894.Avvampante giugno partì come un motivo per adornare un bagno di marmo per un'altra opera di Frederic Leighton, Sonno estivo. L'autore si affezionò tanto al disegno che decise di crearne un dipinto autonomo.Il quadro raffigura una donna che dorme su una panchina di marmo, mentre sullo sfondo si intravede il mare sul quale si rispecchia il sole al tramonto.  donna sonnolente indossa un abito arancione semitrasparente, che permette allo spettatore di intuire la forma del corpo. Nelle guance c'è un rossore, come se lei sapesse di essere osservata nel sonno, nonostante dorma.Secondo lo storico dell'arte Andrew Graham-Dixon "la sua posa è vagamente modellata su quella della statua famosa della Notte di Michelangelo, nelle tombe dei Medici a Firenze, che Leighton considerava uno dei raggiungimenti supremi dell'arte occidentale".  posizione della donna dormiente diede a Leighton molti problemi. Egli fece molti schizzi preliminari per decidere in che modo dovesse distendersi; in particolare, fu difficile far sembrare naturale l'angolo del suo braccio destro. I suoi studi dimostrano che il dipinto passò attraverso almeno quattro schizzi evolutivi prima che Leighton raggiungesse il risultato finale. Di questi studi, quattro sono di nudo e uno del drappeggio.  figura drappeggiata sembra quella meno realistica, provando il bisogno dichiarato di Leighton di disegnare da un modello di nudo per raggiungere una fedeltà alla natura.Avvampante giugno è diventato il quadro più riconoscibile di Leighton. Samuel Courtauld, il fondatore dell'istituto Courtauid, lo definì il "dipinto più bello che esista". Il realismo del materiale trasparente indossato dalla donna dormiente, i colori ricchi sbalorditivi e il bordo di marmo ricreato perfettamente sono delle caratteristiche dell'opera di Leighton, così come il suo uso della luce naturale. Egli fece sì che il tramonto nello sfondo sembrasse dell'oro fuso.

Prompt: Focus on Flaming June and explain the Description.Please output in Italian.

Andrew Graham-Dixon
Frederic Leighton
Samuel Courtauld


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Isabella

Di seguito si trova una lista delle varianti del nome in altre lingue:Albanese: IzabelaArmeno: Զաբել Asturiano: SabelCatalano: Isabel, Ibbie, Issy, Izzy, Izzie, Libbe, Libbie, Libby, Bella, Belle, SabellaIrlandese: Isibéal, SibéalOlandese: Isabella, IsabellePolacco: Izabela, IzabellaPortoghese: Isabela, IsabelIpocoristici: BelinhaRumeno: Isabela, Isabella, Izabela, IzabellaRusso: Изабелла Scozzese: Iseabail, Ishbel, IsobelIpocoristici: BeileagSpagnolo: Isabella, Isabela, Isabel, YsabelIpocoristici: IsaTedesco: Isabelle, Isabell, Isabel, IsabellaIpocoristici: IsaUngherese: Izabella

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Variantsinotherlanguages of the Variants explained?Please output in Italian.


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tomba di Oscar Wilde

Un certo numero di schizzi di Epstein per il lavoro sono sopravvissuti, alcuni in collezioni private e altri in gallerie, tra cui un profilo della vista laterale nella collezione Garman Ryan presso la New Art Gallery Walsall.

Prompt: In Oscar Wilde's tomb, how is the Sketches discussed?Please output in Italian.


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Madonna delle Grazie

A Capranica, caratteristico paese della provincia di Viterbo, ormai da oltre due secoli, la seconda domenica del mese di maggio di ogni anno si svolgono i festeggiamenti in onore della "Madonna delle Grazie" i quali culminano in una solenne processione. L'antica statua della Madonna con in braccio il bambino Gesù, vestita con abito di stoffe preziose finemente ricamate e manto celeste trapunto di stelle, posta su un'antica e artistica macchina processionale, percorre le vie del paese. Accompagnata dai numerosi confratelli dell'omonimo sodalizio religioso con veste bianca, mozzetta celeste e cordone, che le fanno ala, raggiunge la chiesetta rurale a Lei dedicata, situata a valle dell'abitato, accolta da fragoroso sparo. Terminato il suggestivo trasporto, la statua è collocata per l'intero mese di maggio sull'altare maggiore della chiesa di S. Maria Assunta, dove era esposta già dalla sera che precede la festa, solennemente addobbato, all'adorazione della popolazione.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Capranica and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Altare Jabach

Il pannello destro mostra due suonatori in piedi, con quello di destra, il tamburino, che contiene probabilmente un autoritratto di Dürer. Il loro significato non è stato pienamente chiarito. Forse essi simboleggiano l'estrema derisione verso il profeta ormai completamente in disgrazia, malato e abbandonato da tutti, oppure tentano di consolarlo con la musica.

Prompt: In the context of Jabach Altarpiece, explain the Piper drummer and the History.Please output in Italian.


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Pala di Pesaro

tecnica del dipinto, oltre che presentare un precoce uso del colore a olio, sorprende anche nell'uso, accanto ai blu tradizionali di lapislazzuli e azzurrite, del pigmento celeste di smalto, derivato dall'industria vetraria, ben vent'anni prima di Leonardo da Vinci, che adoperandolo negli appartamenti di Ludovico il Moro a Milano nel 1492 ne era precedentemente ritenuto l'introduttore in Italia.L'opera, ripulita e restaurata recentemente, è in condizioni ottime.

Prompt: How does Pesaro Altarpiece (Bellini) explain its Technique?Please output in Italian.

1492
Italia
Leonardo da Vinci
Ludovico il Moro
Milano


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Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: Explain the The Annunciation in spirituality about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Rembrandt's self-portraits of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Il cardellino

ricezione critica del romanzo è stata polarizzata. Booklist ha scritto: "Inzuppato di dettagli sensoriali, intriso dei pensieri e dei sentimenti ribollenti di Theo, innescato da agili dialoghi e spinto dall'escalation dell'angoscia cosmica e dall'azione da thriller, il romanzo di Trincant, ribelle, avvincente e lancinante conduce una grande indagine su il mistero e il dolore della sopravvivenza, della bellezza e dell'ossessione e la promessa dell'arte."Stephen King ha elogiato il romanzo e ha definito la Tartt "una scrittrice straordinariamente brava." Sul New York Times, Michiko Kakutani ha sottolineato ciò che ha visto come elementi Dickensiani del romanzo, scrivendo: " signora Tartt ha fatto dell'uccello di Fabritius il MacGuffin al centro del suo glorioso romanzo Dickensiano, un romanzo che mette insieme tutti i suoi notevoli talenti narrativi in un insieme estatico e sinfonico e ricordano al lettore i piaceri della lettura coinvolgenti e stabili per tutta la notte." Woody Brown, scrivendo in Art Voice, ha descritto Il cardellino come "una meravigliosa, epica storia, una delle cui 773 belle pagine dicono, in breve: 'Come possiamo? Eppure, lo facciamo.'"A metà del 2014, Vanity Fair ha riferito che il libro aveva ricevuto "alcune delle più severe stroncature a memoria d'uomo da parte dei più importanti critici del Paese e ha scatenato un vero e proprio dibattito in cui i detrattori ritengono che sia in gioco niente di meno che il futuro della lettura stessa". Sia James Wood del The New Yorker che la London Review of Books hanno affermato che il libro fosse di genere giovanile, il primo sostenendo che "il tono, il linguaggio e la storia del romanzo appartengono alla letteratura per bambini", mentre il secondo ha definito Il cardellino un "libro per bambini" per adulti. Il Sunday Times di Londra ha affermato che "nessun sforzo per elevarsi può mascherare il fatto che Il cardellino è un tacchino", e  The Paris Review ha dichiarato: "Un libro come Il cardellino non annulla alcun cliché, ma li sfrutta."

Prompt: In The Goldfinch (painting), how is the Welcome discussed?Please output in Italian.

2014
Booklist
London Review of Books
MacGuffin
Michiko Kakutani
New York
Stephen King
The New Yorker
The Paris Review


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Giudizio universale

Sul tema del Giudizio Universale esiste l'omonima opera in tre atti del compositore Vieri Tosatti . Libretto di Cesare Vico Lodovici su precedente dramma di Anna Bonacci. Prima esecuzione: Teatro alla Scala di Milano il 2 aprile 1955.

Prompt: How does The Last Judgment (Fra Angelico, Florence) explain its Music?Please output in Italian.


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Pi-Chacán

rightrightPi-Chacán  è una scultura dell'artista peruviano Fernando de la Jara, collocata nel 2011 davanti agli Istituti di Microbiologia e di Virologia dell'Università di Tubinga, è realizzata in marmo rosso di Verona e rappresenta una vulva umana. Il suo costo è stato di €120.000 e inizialmente era previsto che vi fosse uno specchio d'acqua alla sua base, ma poi vincoli di bilancio hanno impedito la realizzazione di tale elemento.Il nome della scultura deriva dal termine quechua chacán - che, secondo de la Jara, significa "cavità scavata dall'acqua nella roccia", ma anche "fare l'amore". scultura è situata alla fine del "Cammino delle Arti" , di fronte all'ingresso degli Istituti di Microbiologia e igiene e di Virologia ed epidemiologia della Facoltà di Medicina-Policlinico universitario. Tale collocazione, in un luogo deputato allo studio e alla cura del corpo umano, ha ispirato l'artista a creare un'opera che "celebrasse il corpo". Come ha spiegato lo stesso de la Jara:Nelle intenzioni dello scultore, l'opera dovrebbe essere "tattile" e poter esser apprezzata anche da un non vedente, essendo plasmata in forme salienti e rientranti e con superfici di consistenza diversa. Secondo l'artista, infatti, "la parte principale dell'opera non è quella esteriore": si tratta di un'opera di "arte partecipativa", che "dovrebbe essere penetrata".

Prompt: Focus on Pi-Chacán and explain the Abstract.Please output in Italian.

Fernando de la Jara
Tubinga
Università di Tubinga


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait (Raphael), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Allegoria del trionfo di Venere

Essendo un quadro prodotto da una élite a beneficio di un'altra élite, il soggetto, suggerito sicuramente da qualche personaggio erudito della corte medicea, è estremamente complesso e dà la possibilità, alla mano di Bronzino, di realizzare uno dei capolavori più famosi del manierismo in auge all'epoca. Lo stile è molto sensuale ma anche freddo, quasi marmoreo, sublimemente idealizzato. tela presenta più livelli di lettura. Il soggetto in generale è quasi sicuramente un'allegoria dell'amore sensuale, del sesso. Venere in primo piano , bacia sensualmente il figlio Cupido, il quale, mostrando vistosamente la sua nudità attraverso le natiche, le solletica un capezzolo. Più complessa è l'interpretazione delle figure sul retro. Il putto con i campanelli alla caviglia, che sparge petali di rosa, ben illuminato sulla destra, simboleggia il riflesso più immediato del piacere carnale, la Gioia; ma, al contempo, si è ferito i piedi a causa delle spine. Dietro di esso una fanciulla appena in ombra si presenta con un grazioso volto, ma è una figura molto ambigua: la sua natura ingannatrice è testimoniata dall'inversione della mano destra, che sostiene un aculeo di scorpione, con quella sinistra, che invece sostiene un favo di miele, e dal corpo di serpente con zampe da leone, appena visibile in basso; è infatti l'Inganno; dopotutto anche Venere e Cupido si stanno ingannando a vicenda: lei sta rubando una freccia dalla sua faretra, lui le sta sfilando il diadema di perle. Le stesse maschere da teatro, forse un satiro e una ninfa, presenti in basso a destra sono un simbolo della realtà celata dagli inganni.Sul lato opposto le due figure grottesche sono la Disperazione e la Follia o la Malattia , che sono le conseguenze di medio e lungo periodo dell'amore sensuale. Infine un vecchio con le ali e una clessidra in alto a destra scosta un pesante velo che scopre la scena: è il Tempo accompagnato dalla Verità , che svela; infatti l'altro titolo del dipinto, e forse quello più azzeccato, è proprio la Lussuria smascherata.

Prompt: In Venus, Cupid, Folly and Time, how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Cristo placa la tempesta sul lago di Tiberiade

Il dipinto fa riferimento all'episodio del Vangelo di San Matteo  raffigurante Gesù Cristo che alza una mano verso gli apostoli, che appaiono in una barca tra onde ostili in mare. È un esempio di manierismo,uno stile artistico europeo che esaspera le proporzioni e favorisce la tensione compositiva. Questo può essere visto nelle posizioni espressive delle figure e nel colore tenue ma intenso del mare e del cielo. Inoltre la scena è stata fatta per apparire eccessivamente drammatica piuttosto che realistica.  vernice è sottile e Tintoretto utilizza la luminosità estrema intensificando l'oscurità e lo splendore. Lo splendore sembra provenire da una sorgente luminosa, compressa e diretta.

Prompt: How does Christ at the Sea of Galilee explain its Description and style?Please output in Italian.


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Epifania

In Bulgaria l'Epifania si celebra il 6 gennaio ed è conosciuta come Bogoyavlenie , Кръщение Господне  o Yordanovden . In questo giorno, una croce di legno viene gettata da un sacerdote in mare, fiume o lago e i giovani corrono a recuperarla. Poiché le acque hanno una temperatura prossima allo zero, questo atto è considerato onorevole e si ritiene che la casa del nuotatore che per primo raggiunge la croce sia premiata dalla buona salute.Nella città di Kalofer, viene suonato un tradizionale coro con tamburi e cornamuse nelle gelide acque del fiume Tundzha prima del lancio della croce.

Prompt: Describe the characteristics of the Bulgaria in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.


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Ritratto della baronessa de Rothschild

Avigdor Arikha, J.A.D. Ingres: Fifty Life Drawings from the Musée Ingres at Montauban, Houston, The Museum of Fine Arts, 1986. Aileen Ribeiro, Ingres in Fashion: Representations of Dress and Appearance in Ingres's Images of Women, New Haven e Londra, Yale University Press, 1999. Adrian Rifkin, Ingres Then, and Now, New York, Routledge, 2000. Robert Rosenblum, Ingres, Londra, Harry N. Abrams, 1990. ISBN 978-0-300-08653-9 ura Strumingher, The life & legacy of Baroness Betty de Rothschild, Peter ng Publishing, 2006. Gary Tinterow, Portraits by Ingres: Image of an Epoch, New York, Metropolitan Museum of Art, 1999.

Prompt: How does Portrait of Baronne de Rothschild explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Madonna della Tenda

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Focus on Madonna della Tenda and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La pastorella

giovane pastorella  guardiana delle oche

Prompt: Focus on The Shepherdess and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nel frattempo, rimaneva pure in voga la chiave espressiva più tradizionale dell'autoritratto, ossia la testimonianza della propria attività pittorica. Le ambientazioni si fecero tuttavia sempre più preziose ed aristocratiche, come ad esempio in s Meninas  di Diego Velázquez, dove «la scenografia nobile [...] è occasione di una composizione singolare e prodigiosamente elaborata, che ne fa un'esaltazione misteriosa e sapiente dell'arte della pittura oltre che del personaggio stesso del pittore».  sua posizione defilata e incongrua nella composizione, i diversi piani prospettici e luministici in cui si trovano le figure, ma soprattutto la presenza del Re e della Regina riflessi nello specchio, allo stesso tempo personaggi e osservatori della scena, in una contrapposizione interno/esterno rispetto al dipinto ripresa dal Ritratto dei coniugi Arnolfini, creano una caoticità compositiva voluta e raffinata che fa del dipinto il «capolavoro riassuntivo dell'arte spagnola e supremo esempio di ritratto di gruppo».In termini analoghi, nellAutoritratto di Nicolas Poussin, eseguito nel 1650, l'ambientazione all'interno dellatelier, la figura dipinta che si intravede sullo sfondo, probabilmente un'allegoria della Pittura, la posa eretta, lo sguardo fermo, la toga dal gusto classico, il prezioso anello e la cartella di disegni tenuta in mano qualificano l'artista come «principe della pittura».Infine, quello dell'artista al lavoro fu un tema particolarmente caro alle donne pittrici: già Sofonisba Anguissola aveva inaugurato nel Cinquecento questo particolare filone femminile, sviluppato nel secolo successivo da Artemisia Gentileschi con un Autoritratto come pittrice e con il celebre Autoritratto come allegoria della Pittura , portatore al contempo di significati simbolici e allegorici.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait distinctive professional sign in Self-Portrait (Bril)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Ritratto di Pietro Aretino

Il dipinto raffigura Pietro Aretino, poeta aretino della prima metà del Cinquecento, che visse dal 1527 nella città lagunare. Il ritratto si presenta con un raglio inedito, laterale. Il poeta, tanto amico di Tiziano è raffigurato in una situazione assorta, assente, portando il tema dell'opera al “pensiero” quale protagonista, quindi più importante della fisionomia stessa del soggetto, anche se la veridicità della raffigurazione con i particolari delle basette e dell'orecchio vogliono raccontare anche l'uomo, e il sentimento che lega i due personaggi. Il dipinto è la rappresentazione di pienezza simbolica dei sentimenti.Pietro aretino è raffigurato in abiti eleganti, dal mantello in raso blù si libera il polsino della camicia, mentre in fianco vi è parte di un tronco spezzato dove rimane attaccato un ramo d'edera.

Prompt: Focus on Portrait of Pietro Aretino and explain the Description and style.Please output in Italian.


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La sepoltura del conte di Orgaz

L'opera, dalla sua esecuzione, è sempre rimasta nella chiesa di San Tommaso, ed è in breve tempo diventata l'opera più celebre di El Greco, nonché uno dei capisaldi della pittura spagnola di ogni tempo, ammirato, copiato e citato da moltissimi pittori .

Prompt: Focus on The Burial of the Count of Orgaz and explain the Success..Please output in Italian.


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Re Candaule mostra sua moglie a Gige

Il quadro ha influenzato l'opera Le coucher à l'italienne dell'artista olandese Jacob van Loo, attualmente conservata al museo di belle arti di Lione.

Prompt: How does Candaules Showing His Wife to Gyges explain its Flu?Please output in Italian.


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Lupa capitolina

Secondo il mito, la vestale Rea Silvia venne fecondata dal dio Marte e partorì due gemelli, Romolo e Remo. Il nonno dei gemelli, Numitore, fu scacciato dal trono di Alba Longa dal fratello Amulio. Per evitare che i nipoti, diventati adulti, potessero rivendicare il trono usurpato, Amulio ordinò ad un suo servo che fossero uccisi e  gettati nel Tevere ma il servo non ebbe il coraggio e allora li mise in una cesta e li lasciò trasportare dalle acque del fiume. Questa cesta si incagliò sul fiume alle pendici di un colle, dove i gemelli furono trovati da una lupa che si prese cura di loro finché non furono trovati dal pastore Faustolo. L'antro della lupa era il leggendario lupercale presso il colle Palatino.

Prompt: Describe the characteristics of the The legend in Capitoline Wolf's Description.Please output in Italian.

Alba Longa
Amulio
Faustolo
Numitore
Palatino
Rea Silvia
Romolo e Remo
Tevere


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La Bella

L'opera arrivò a Firenze nel 1631 con Vittoria Della Rovere, ultima discendente della sua casata, sposata a Ferdinando II de' Medici. È documentato per la prima volta nella collezione dei Della Rovere nell'inventario di Palazzo Ducale di Pesaro del 1623/24. Il duca di Urbino e i suoi familiari avevano commissionato in quegli anni altre opere all'artista, tra cui almeno due ritratti  e la Venere di Urbino.

Prompt: In La Bella, how is the Origin of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Della Rovere
Ferdinando II de' Medici
Firenze
Venere di Urbino


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Statua del dio Nilo

Armando Cristilli, "Nilotica neapolitana. Reconsiderando la estatua del dios-río Nilo de Nápoles", in José Miguel Noguera Celdrán, Isabel López García, Luis Baena del Alcázar , Satyrica signa. Estudios de arqueología clásica en homenaje al profesor Pedro Rodríguez Oliva, Granada, 2020, pp. 259-266.

Prompt: How does Nile God Statue, Naples explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Dinosauri di Crystal Palace

Nel parco, l'era paleozoica è rappresentata da un modello di esposizioni rocciose che mostra una successione di ere, ossia il Carbonifero  e Permiano.I due modelli di Dicynodon del Crystal Palace si basano sui primi fossili incompleti risalenti al Permiano ritrovati in Sudafrica, e sono modellati sull'ipotesi di Owen che questi animali fossero simili alle tartarughe, sebbene oggi sappiano che questi animali sono sinapsidi, perciò più vicini ai mammiferi, e non vi è alcuna prova che suggerisca che i Dicynodon avessero dei carapaci.

Prompt: Explain the Paleozoic Era about the The dinosaur park of this artwork, Crystal Palace Dinosaurs.Please output in Italian.

Carbonifero Dicynodon Permiano Sudafrica


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San Girolamo

), noto anche come san Girolamo, Gerolamo o Geronimo,Sesso = MLuogoNascita = StridoneGiornoMeseNascita = AnnoNascita = 347LuogoMorte = BetlemmeGiornoMeseMorte = 30 settembreAnnoMorte = 420Epoca = 300Epoca2 = 400Attività = biblistaAttività2 = traduttoreAttività3 = teologoAttivitàAltre = e monaco cristianoNazionalità = romano}}Padre e Dottore della Chiesa, tradusse in latino parte dell'Antico Testamento greco  e, successivamente, l'intera Scrittura ebraica.

Prompt: Focus on Saint Jerome Writing and explain the Abstract.Please output in Italian.

30 settembre
347
420
Antico Testamento
Betlemme
Dottore della Chiesa
Stridone


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: In Van Gogh self-portrait (1889), how is the Rembrandt's self-portraits of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Nostra Signora della Porta dell'Aurora

Oggi questa immagine sacra è venerata dai fedeli cattolici e ortodossi di molti paesi le cui origini risiedono nell'antica Confederazione polacco-lituana, che comprende Lituania, Polonia, Bielorussia, Ucraina e le loro diaspore in tutto il mondo. Ci sono 15 chiese nella stessa Lituania, come pure delle parrocchie lituane a Montréal e Buenos Aires, dedicate alla Beata Vergine Maria della Porta dell'Aurora. Il 26 febbraio 2007, la Parrocchia di Nostra Signora di Vilnius  fu chiusa dall'Arcidiocesi di New York. Il santuario aveva esposto un'icona di Nostra Signora, dipinta dall'artista Tadas Sviderskis negli anni 1980.In Polonia la più grande chiesa dedicata a Nostra Signora è la Basilica Mariana a Danzica. Altri santuari dell'icona sacra si trovano in Polonia , nel Regno Unito , negli Stati Uniti ) e in Australia. Copie del dipinto si possono trovare anche nella Chiesa di Saint-Séverin a Parigi e nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

Prompt: Describe the characteristics of the Sanctuary other locations in Our Lady of the Gate of Dawn's History.Please output in Italian.

Arcidiocesi di New York
Australia
Basilica di San Pietro in Vaticano
Bielorussia
Buenos Aires
Chiesa di Saint-Séverin
Confederazione polacco-lituana
Danzica
Lituania
Montréal
Parigi
Polonia
Porta dell'Aurora
Regno Unito
Tadas Sviderskis
Ucraina
Vilnius


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I bari

Bovi A., Caravaggio, Edizioni d'arte il Fiorino, Firenze 1975 p. 188Cinotti M., Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, Tutte le opere, in I pittori Bergamaschi dal XIII al XIX secolo, 4. Il seicento, Poligrafiche Bolis, Bergamo 1983. pp. 554 – 556Christiansen K., Technical report on “The Cardsharps”, in “The Burlington Magazine”, CXXX, nº 1018, 1988, pp. 26 – 27.Christiansen K.,  Pittori della realtà le ragioni di una rivoluzione. Da Foppa e Leonardo a Caravaggio e Ceruti, catalogo della mostra a cura di Gregori M. e Bayer A. 2004, Electa Ed Milano, p. 245Friedlaender W., Caravaggio Studies, Princeton University Press, New Jersey 1955, pp. 153 – 154.Frommel Ch. L., Caravaggio's Fruhwerk und der Kardinal Francesco Maria del Monte, in Storia dell'arte, Firenze 1971, n°. 9 – 10 pp. 5 – 52Mina Gregori, un altro autografo dei “Bari” di Caravaggio, in I “Bari” della collezione Mahon, catalogo della mostra, a cura di D. Benati A. Paolucci , Silvana Editoriale, Cinisello Balsamo 2008 pp. 20– 48Mina Gregori, Un altro autografo dei “Bari” del Caravaggio in Caravaggio: l'immagine del divino, catalogo della mostra a cura di D. Mahon , RomArtificio, Roma 2007.Mina Gregori, Come nascono i capolavori, catalogo della mostra del Caravaggio, Firenze 12/ XII/ 1991 - 15 / III / 1992 Electa Milano pp. 96 – 103Roberto Longhi, Mostra del Caravaggio e dei caravaggeschi, catalogo della mostra a cura di C. Baroni, G. A. Dell'Acqua, M. Gregori, F.Mazzini , Sansoni Firenze 1951Marghetich T, Per una rilettura critica del “musaeum” di Federico Borromeo, in “Arte Lombarda”, nº 84 – 85, 1988, pp. 102 – 118.Mahon D., Freshlight on Caravaggio's earliest period: his “Cardships”, The Burlington Magazine, CXXX, nº 1018, 1988, pp. 10 – 25Marini M., Caravaggio pictor praestantissimus, Newton Compton Ed. 1987 p. 136, pp. 386 – 389Marini M., Io Michelangelo da Caravaggio, Bestetti & Bozzi Ed, Roma 1974, pp. 347 – 350Vicchi L., Dieci quadri della galleria Sciarra. Cenni storici e critici raccolti da L. Vicchi, Tipografia Tribuna, Roma 1889 pp. 43 – 44, tav. IX.

Prompt: How does The Cardsharps explain its Bibliography?Please output in Italian.

Caravaggio
Mina Gregori
The Burlington Magazine


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Isabella

Si tratta di una forma di Elisabetta, affermando anche che l'avvicinamento a Elisabetta sarebbe frutto di una paretimologia dovuta al suono simile.Il nome è entrato in uso sin dal 1600 anche per indicare una particolare tonalità di giallo grigiastro tipica del piumaggio di alcuni uccelli o del mantello di certe razze equine, ma l'Isabella che le ha dato il nome non è stata identificata; secondo una tradizione sarebbe stata una regina spagnola che avrebbe fatto voto di non cambiarsi l'abito bianco fino a che il marito non fosse riuscito a conquistare la città di Ostenda.

Prompt: Explain the Origin diffusion of this artwork, Isabella (Millais painting).Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Describe the characteristics of the Business names in Van Gogh self-portrait (1889)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna Stroganoff

Madonna Stroganoff o Stoclet  è un dipinto di Duccio di Buoninsegna realizzato circa nel 1300 e conservato nel Metropolitan Museum of Art a New York.

Prompt: Focus on Madonna and Child (Duccio, Metropolitan) and explain the Abstract.Please output in Italian.

1300
Duccio di Buoninsegna
Metropolitan Museum of Art
New York


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Martirio di sant'Erasmo

Il dipinto rappresenta una delle numerose torture patite da Erasmo di Formia, vescovo di Antiochia vissuto nel III secolo e morto nel 303. Il santo fu condotto in Italia, a Formia, dall'arcangelo Michele e subì le persecuzioni condotte contro i cristiani ai tempi degli imperatori Massimiano e Diocleziano.  tortura rappresentata nella scena non deriva dal Martirologio romano, ma dalla Legenda Aurea di Jacopo da Varazze: l'imperatore Massimiano ordinò che l'uomo fosse legato ad una tavola e che le sue interiora venissero estratte con un argano. Secondo la leggenda, si trattò dell'ultimo supplizio subito prima della morte.

Prompt: In the context of The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin), explain the Subject and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Diocleziano
Erasmo di Formia
Formia
Italia
Jacopo da Varazze
Legenda Aurea
Massimiano


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neoimpressionismo

Sebbene gli artisti neoimpressionisti credessero fermamente che il loro stile fosse fondato su principi scientifici, diversi studiosi ritengono che ci siano prove che questi abbiano interpretato male alcuni elementi di base dell'ottica. Ad esempio, uno di questi malintesi può essere visto nella convinzione generale che il metodo di pittura divisionista consentisse una maggiore luminosità rispetto alle tecniche precedenti. In realtà, la luminosità di due pigmenti uno accanto all'altro è solo la media delle loro singole luminosità. Inoltre, non è possibile creare un colore utilizzando una miscela ottica che non possa essere creata anche da una miscela fisica. Incongruenze logiche possono essere trovate anche con l'esclusione divisionista dei colori più scuri e la loro interpretazione del contrasto simultaneo.

Prompt: In Neo-Impressionism, how is the Misinterpretation scientific principles of the Diffusion technique divisionist explained?Please output in Italian.


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Gruppo di sant'Ildefonso

Il Gruppo di sant'Ildefonso  è un antico gruppo scultoreo romano risalente al I secolo d. C. Il nome originale gli deriva da Ildefonso di Toledo: posizionato al Palazzo Reale della Granja de San Ildefonso a Segovia fino al 1839 accanto ad un grande dipinto del santo , si trova attualmente al museo del Prado a Madrid.Attingendo dalle opere della scultura greca del V e IV secolo a.C. e seguendo la tradizione della scuola di Prassitele, come ad esempio lApollo sauroctono, ma anche lEfebo Westmacott di Policleto, senza copiare pedissequamente bensì dando un tocco d'originalità ai singoli particolari, la scultura mostra due adolescenti maschi nudi in forma idealizzata che indossano entrambi la corona di alloro.I giovinetti mostrati a grandezza naturali si appoggiano e sorreggono l'uno contro l'altro, uno con la mano sinistra sulla spalla sinistra del compagno, l'altro con la spalla ed l'intero braccio destro a sfiorare il petto dell'amico; a terra sul davanti sta un altare e dietro una piccola figura femminile, presumibilmente la statua di una qualche divinità protettrice. Quest'ultima, in mano e stretta al petto ha una sfera, variamente interpretata come un uovo  o un frutto di melagrana.Il gruppo, alto 161 cm. è ormai accettato come essere la raffigurazione dei Dioscuri, i due eroi-fratelli Castore e Polluce.

Prompt: Focus on Castor and Pollux (Prado) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Explain the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Stanze di Raffaello

Sala di Costantino, quarta e ultima Stanza dell'appartamento, venne commissionata a Raffaello da Leone X nel 1517, come ricorda Vasari nelle vite del Sanzio e di Giovan Francesco Penni. Il maestro però, negli ultimi frenetici anni di vita, fece in tempo solo a preparare i cartoni, morendo nel 1520. L'opera è quindi datata dal 1520 fino al 1524 quando, ormai sotto Clemente VII, Giulio Romano, evidentemente libero da impegni col papa, partì per Mantova. A Raffaello è attribuita l'ideazione del complesso decorativo, ma l'intera stesura e probabilmente anche la composizione delle scene nella parete spetta agli allievi.Il tema iconografico principale, le storie di Costantino Magno, mira all'esaltazione della Chiesa, della sua vittoria sul paganesimo e al suo insediamento nella città di Roma. Si tratta di una celebrazione storico-politica che proseguiva le riflessioni della seconda e della terza stanza. sala misura 10x15 metri, con le quattro scene principali che simulano arazzi appesi alle pareti. Ai lati, tra nicchie con figure allegoriche, si trovano figure di pontefici tra angeli.   stesura è riferita a Giulio Romano, Giovan Francesco Penni, Raffaellino del Colle. Perin del Vaga dipinse gli sguanci nelle pareti. Il soffitto originario era composto da travi lignee. Nel 1582, sotto Gregorio XIII, venne sostituito da volte e decorato da affreschi, con il Trionfo della religione cristiana, affidati al pittore siciliano Tommaso ureti e completati nel 1585.Quattro sono gli affreschi principali:# Visione della croce# Battaglia di Costantino contro Massenzio# Battesimo di Costantino# Donazione di Roma{ border="2" align="center"  cellpadding="4" cellspacing="0" style="margin: 1em 1em 1em 0; border: 1px #aaa solid; border-collapse: collapse; font-size: 95%;"- bgcolor="#eeffee"! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto !! Immagine e soggetto - 205px  230px  154px  172px- Visione della croce  Battaglia di Costantino contro Massenzio  Battesimo di Costantino  Donazione di Roma}

Prompt: In the context of Raphael Rooms, explain the Saladi Costantino and the Description.Please output in Italian.


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Trono Ludovisi

Margherita Guarducci,  Piero Orlandini, Le arti figurative, in Megale Hellas, Milano, 1983. Enrico Paribeni,  Anna Letizia Candelise, Il trono Ludovisi - tra cultura pitagorica e riti misterici, L'Autore Libri Firenze, 2006

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Ludovisi Throne.Please output in Italian.

Enrico Paribeni
Margherita Guarducci
Piero Orlandini


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Crenaia, la ninfa del torrente Dargle

Stephen Jones et al., Frederic Leighton, 1830–1896. Royal Academy of Arts, Londra, Harry N. Abrams, Inc, 1996,  pp. 192. Ernest Rhys, Frederic Lord Leighton: An Illustrated Record of his Life and Work, Londra,  George Bell & Sons, 1900, pp. 42, 127. Edgcumbe Staley, Lord Leighton of Stretton, Londra, The Walter Scott Publishing Co., Ltd.; New York, Charles Scribner's Sons, 1906, pp. 116–118.

Prompt: In Crenaia, the Nymph of the Dargle, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Musica

Queste innovazioni in campo tonale vennero radicalmente modificati dalla musica del XX secolo, che esplorò le nuove forme dell'atonalità. Con questa tecnica il singolo compositore definì autonomamente le regole per la realizzazione del brano, dando maggiore importanza all'effetto prodotto dai suoni piuttosto che alla loro appartenenza ad un assegnato sistema tonale: per apprezzare un brano di musica composto secondo questi canoni, però, il solo ascolto non è sufficiente, ma deve essere integrato da un attento studio dello spartito.upright=0.8In particolare, nel secondo decennio Arnold Schönberg, assieme agli allievi, tra cui ricordiamo Alban Berg e Anton Webern, giunse a delineare un nuovo sistema, la dodecafonia, basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio della musica contemporanea, spesso identificata con la musica d'avanguardia: altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo, il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage.Altri musicisti - fra cui anche Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri. Igor' Fëdorovič Stravinskij dopo un primo periodo di ispirazione russa, si accostò al Neoclassicismo e quindi alla musica seriale.A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni , lo studio della teoria musicale, lo studio pratico, la musicologia, l'etnomusicologia, lo studio della storia della musica.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Modern contemporary music of the The studio explained?Please output in Italian.

Alban Berg
Anton Webern
Arnold Schönberg
Béla Bartók
Igor' Fëdorovič Stravinskij
John Cage
Maurice Ravel
Pierre Boulez
XX secolo


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Epifania

Nelle Filippine, l'Epifania è conosciuta come "Giornata dei Tre Re" e anche come Pasko ng Matatanda . Segna la chiusura ufficiale del periodo natalizio e, come giorno di festa, i filippini lo festeggiano con lo scambio di regali e il saluto di "Buona [festa dei] Tre Re!".

Prompt: In the context of Epifania, explain the Philippines and the Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


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Lupa capitolina

</ref>opera = sculturatecnica = bronzomateriale = altezza = 75larghezza = 114profondità = città = Romaubicazione = Musei Capitolini}} Lupa capitolina è una scultura di bronzo, di incerta datazione , custodita nei Musei Capitolini. Di dimensioni approssimativamente naturali, i gemelli sottostanti furono aggiunti nel XV secolo e sono stati attribuiti allo scultore Antonio del Pollaiolo. Viene tradizionalmente considerata di fattura etrusca, si ritiene che sia stata fusa nella bassa valle tiberina e che si trovi a Roma sin dall'antichità .

Prompt: Focus on Capitoline Wolf and explain the Abstract.Please output in Italian.

Antonio del Pollaiolo
Musei Capitolini
Roma
XV secolo