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Cento vedute famose di Edo

{ class="wikitable"-!scope="col" Numero! scope="col"Titolo!class="unsortable" scope="col"Descrizione! scope="col"Data!class="unsortable" scope="col"Immagine-class="sorttop" Indice I titoli abbreviati per stagione: due caselle in alto per le stampe della primavera, una casella a forma di ventaglio per l'estate, una casella in basso a destra per l'autunno ed un'altra in basso a sinistra per l'inverno. 150px- class="toccolours" align="center" ! colspan=10 style="background:#00FA9A"  Primavera-!scope="row"1Con questa prima stampa che apre la serie della primavera, Hiroshige mostra quanto più caratteristico del suo stile, una visione estesa che si perde nell'orizzonte, con molteplici elementi naturali ed architettonici così come piccole figure di persone occupate alle loro attività quotidiane. Il centro della veduta è occupato del ponte Nihonbashi , uno dei più grandi e rappresentativi della città, costruito nel 1603, e che serve come "chilometro zero" per misurare le distanze del Paese. Al secondo piano si trova il palazzo imperiale ed il Fuji sullo sfondo. Si noti l'effetto bokashi nella gradazione dei diversi toni del blu nel fiume. 150px-!scope="row"2 Questa stampa è una forte composizione verticale, sopra l'asse di una strada frequentata della città, che s'estende sotto un vasto cielo con diverse tonalità di colore. L'immagine suggerisce una certa prospettiva lineare sulla strada che scende nella baia di Tokyo, ma questa impressione è attenuata da un potente cromatismo. Alle due estremità della strada si trovano due case di daimyō, a sinistra, Asano di Hiroshima, ed a destra, Kuroda di Fukuoka. Sui lati sono rappresentati due alti pini kadomatsu. È possibile riconoscere qualche ballerino, un sacerdote e parecchi samurai. Nel cielo vola un aquilone che porta il simbolo sakana , il primo elemento del nome dell'editore Sakanaya. In basso a sinistra, dei rami di pino sconfinano nel cortile del palazzo. Come sulla stampa precedente, degli aquiloni fluttuano alti nel cielo. Sullo sfondo vi è la residenza del daimyō Nabeshima Kanso, un fabbricante d'artiglieria il cui portale è decorato con un fascio di paglia di riso. 150px-!scope="row"4  Questa immagine notturna mostra un piccolo ponte sull'isola di Tsukuda nella baia di Edo, visto dal ponte Eitaibashi , rappresentato dal largo pilastro che occupato il lato sinistro. Questo ponte, costruito nel 1698 è il più lungo di Edo ed attraversa il Sumida-gawa, principale fiume della città. L'isola è un porto di pesca ufficiale, responsabile della fornitura di pesce fresco per lo shōgun. Nelle notti d'inverno e di primavera, si pescano gli shirauo , che attirano i lumi delle torce, come si vede al centro dell'immagine. 150px-!scope="row"5  Questa è ancora una veduta verticale con il Fuji ed un grande cielo blu a partire da un punto di vista insolito, quello del tempio menzionato nel titolo ma che non appare, mentre sul lato sinistro figura un grande ponteggio di legno con un tamburo nella parte superiore, che mostra il gusto di Hiroshige per gli elementi aneddotici. Sul ponteggio, si suonava il tamburo turante le competizioni di sumo che si tenevano nel tempio dove ebbe luogo il primo torneo di sumo nel 1768. Il tempio Ekō-in, costruito nel 1657, appartiene al buddhismo della , ed è stato costruito per commemorare le 100 000 vittime dell'incendio che ha raso al suolo la città. Dietro il Sumida-gawa sul quale navigano imbarcazioni e traghetti, appare la residenza di Matsudaira, il signore feudale di Tamba, vicino al ponte Moto-Yanagi e ad un grande salice. 150px-!scope="row"7Il quartiere di Ōdenma-chō  è una stazione dove viene centralizzata la maggior parte delle merci della capitale nipponica. Ecco una via con un ponte che va verso sinistra, ricco di negozi di cotone i cui nomi sono dipinti sulle porte: Tahataya, Masuya, Shimaya. Sui tetti si trovano dei contenitori riempiti d'acqua piovana per prevenire eventuali incendi. Nella via passano delle geisha che indossano un kimono grigio su cui sono dipinte delle libellule, ed i loro volti ne rivelano alcune caratteristiche essenziali.  composizione mette in evidenza l'uso del blu in vari toni, magistralmente utilizzato per degli effetti d'ombra.}} 150px-!scope="row"58  Questa è una delle stampe più famose della serie, come dimostra la copia realizzata da Vincent van Gogh nel 1887. Costruito nel 1693, il ponte Shin-Ōhashi , è spesso stato danneggiato da incendi ed inondazioni, e d'altronde ricostruito venti volte durante i primi cinquant'anni della sua esistenza.  parte inferiore è occupata dalla presenza del ponte Shin-Ōhashi, di cui è rappresentata la curva della sua sezione centrale, dove passano parecchi pedoni che, sorpresi dalla pioggia, si coprono come possono. L'ampia superficie del Sumida-gawa è attraversata da una zattera di legno, mentre il bordo inferiore, corrispondente alla zona portuale di Atake, non è che abbozzato nella penombra.  linea dell'orizzonte scende lungo il ponte, per poi salire, formando una composizione triangolare con due diagonali che si congiungono. Il punto culminante della stampa è il maestrale effetto atmosferico ottenuto con le sottili linee della pioggia che attraversano tutta l'immagine in un grande effetto verticale che accentua la violenza della tempesta. 150px-!scope="row"59  L'imponente struttura del ponte domina la parte centrale densamente percorsa da una folla di pedoni. Il ponte Ryōgoku  fu costruito nel 1660, e misura 160 metri, facendone il più lungo ponte della sua epoca in Giappone. Esso è anche il più antico ponte del fiume Sumida, per cui era inizialmente chiamato Ohashi . Quando in seguito un nuovo ponte - quello che figura nella stampa precedente - fu costruito nel 1693, gli fu dato il nome di Shin-Ohashi . 150px-!scope="row"60   verticalità pronunciata dell'immagine è messa in evidenza dall'ampiezza del cielo e del paesaggio ridotto ad una fascia in basso, mentre il lato a sinistra è occupato di nuovo in primo piano da un grande palo ricoperto da carte bianche e rosse, in occasione del pellegrinaggio al monte Ōyama nella prefettura di Kanagawa a 60 chilometri a sud di Edo.  montagna si apre ai pellegrini il 27 del sesto mese, dopo l'esecuzione prima dell'inizio di una cerimonia di purificazione nel fiume Sumida, sotto al ponte Ryōgoku. Nell'angolo inferiore a sinistra appaiono le teste di parecchi pellegrini, coperti da un pezzo di stoffa bianco e blu, mentre sul lato a destra un'altra chiatta trasporta dei passeggeri guidati da un asceta montanaro  che suona una conchiglia. Il ritorno dei pellegrini dalla montagna è mostrata nella stampa nº 76. Tale sezione del fiume Sumida ha ricevuto un altro titolo in edizioni successive: Barche vicino a Ryōgoku con una veduta di Asakusa da lontano . 150px-!scope="row"61  Lo Shubi no matsu  del titolo si trova su di una banchina del fiume Sumida vicino al negozio del riso del quartiere di Asakusa. Qui si ritrovano le coppie di innamorati, come sottolinea l'ambiente notturno di questa immagine. Sul lato a sinistra appare il traghetto di Oumayagashi che collega Asakusa al quartiere di piacere di Shin Yoshiwara. Sopra la barca, i rami del pino sembrano sospesi fino al centro dell'immagine, mentre la recinzione di bambù a sinistra è nascosta dietro ad un'imbarcazione di piacere . Il crepuscolo si stabilisce all'orizzonte mentre il cielo della sera comincia a riempirsi di stelle, dando all'insieme un'atmosfera molto romantica. I Ricordi illustrati di Edo di Hiroshige contengono un'immagine speculare di questa veduta con una donna in piedi sulla barca. 150px-!scope="row"62 Nell'angolo inferiore a sinistra appare una proiezione del tetto del tempio Komakata-dō. All'epoca esso ospitava un'immagine del  bodhisattva  Kannon alla testa di un cavallo  . Leggermente a destra di questo panorama s'innalza un grande palo di legno recante una bandiera rossa, indubbiamente quella di un negozio di prodotti cosmetici. Sullo sfondo il fiume Sumida s'allarga avendo per fondo il quartiere di Asakusa ed il ponte Azumabashi a sinistra sopra al tetto del tempio. Il cielo è coperto e sembra piovigginare mentre un cuculo minore lo attraversa repentinamente.  vicinanza dell'uccello al tempio si riferisce ad una celebre poesia d'amore del teatro kabuki.  cortigiana Takao , amante del daimyō Date Tsunamune del dominio di Sendai, consuma l'amore recitando questi versi: .</ref>}} 150pxalt=Reproduction de l'estampe-!scope="row"63  Ecco una scena idillica il cui soggetto principale è un ramo di mimosa dai fiori rosa a forma di ventaglio. Nella parte inferiore, una zattera fatta di lunghe canne attraversa il Sumida in direzione del fiume Ayase-gawa, un affluente del Sumida che si presenta dal lato opposto. Il cielo mostra la consueta gradazione di colori in bokashi, altro esempio della maestria del cromatismo e dell'interpretazione degli elementi da parte dell'artista. Questa scena si situa a nord del Suma-gawa rappresentato in questa serie. 150px-!scope="row"64  Come indica il titolo, la parte superiore del primo piano dona una veduta suggestiva di alcuni iris i cui magnifici fiori si offrono al cielo aperto. Si tratta della specie shōbu floreciente, portata per prima volta in Europa nel 1712 da Engelbert Kaempfer, per cui essa è detta iris kaempferi. Tale fiore ha conosciuto un grande successo durante il periodo dell'Art Nouveau, servendo da elemento decorativo in numerose opere ornamentali moderniste. In Giappone, questo fiore è associato alla bellezza femminile, e ciò traspare nell'immagine dalle donne che si vedono dietro agli iris, nel piano mediano. 150px-!scope="row"65  Quest'immagine è una delle più conosciute della serie, anzi, quelle che ha ottenuto che fama in Europa, in particolare tra gli impressionisti, tra cui Claude Monet che s'ispirò ad essa per progettare il suo giardino di Giverny. Essa presenta di nuovo una grande composizione verticale dove il primo piano è occupato nella sua parte superiore da un glicine viola in fiore che scende come a cascata attraverso il quale appare sullo sfondo un paesaggio dominato da un ponte dalla curvatura più pronunciata che nella realtà. Si tratta di un taikobashi , un tipo di ponte originario della Cina in cui il riflesso dell'acqua dovrebbe dare la forma di un tamburo, effetto che Hiroshige, non ha invero realizzato su questa stampa.  sua portata è dimostrata dai punti di rame  al livello dei poli del ponte, punti di solito riservati ai ponti di alto livello, come Nihonbashi e Kyobashi. Il santuario Kameido Tenjin, che non appare nell'immagine malgrado il titolo della stampa, fu costruito nel 1660 per incitare il ripopolamento delle terre ad est del Sumida-gawa. Al momento della stampa dell'immagine, l'artiste commise un errore percettibile seguendo il blu del fiume al di là dell'orizzonte nella zona situata sotto al ponte. 150px-!scope="row"66 Ancora una volta Hiroshige ci propone una composizione verticale in linea d'aria dove il primo elemento che appare a destra dell'immagine è il padiglione Sazai-dō a tre livelli di una tinta giallo vivo, il cui balcone superiore permette a parecchi visitatori di ammirare il paesaggio. Infatti, questo edificio si chiamo Sansō-dō , poiché visitare ogni piano è un'azione reputata come un effettivo ulteriore pellegrinaggio. Esso fu costruito nel 1741 nel tempio dei cinquecento rakan, santo buddista liberato dal ciclo delle reincarnazioni. Tale zona è uno dei sobborghi di Edo, integrato alla città dopo la costruzione dei ponti  Ryōgoku e Shin-Ōhash. Davanti al tempio si estende un grande prato verde mentre sullo sfondo si trovano diverse case di legno e negozi che bordeggiano il canale Tate-gawa. 150px-!scope="row"67  composizione è dominata dal fiume Naka-gawa  dalle varie tinte di blu, la tinta più scura al centro corrisponde alla maggiore profondità mentre il verde-blu nella parte inferiore alle rive dove crescono le canne. Degli aironi di un bianco limpido e senza pigmenti  vivono su quel lato del fiume. Più in alto, sulla riva opposta, si trovano una zona boschiva a sinistra ed un piccolo villaggio a destra che è lo scalo del traghetto menzionato dal titolo della stampa. Sullo sfondo appare la montagna della penisola di Chiba, ad est di Edo, circondata da nebbia, sotto un cielo bianco e rosso. 150px-!scope="row"68 Questa stampa valorizza la diversità dei colori e dei contrasti cromatici degli elementi naturali, in particolare l'intenso colore rosso delle azalee ed il rosa dei ciliegi in fiore - immagine che è tuttavia anacronistica, in quanto le azalee ed i ciliegi fioriscono a più di un mese di distanza. Il colore degli alberi contrasta col verde dei campi ed il blu del fiume che serpeggia verso il basso, attraversato da diversi ponti. Alcuni piccoli personaggi passeggiano lungo il fiume mentre sullo sfondo si trova una delle cinquantotto colline artificiali che imitano il Fuji  nella regione di Edo. Queste miniature del monte Fuji misurano tra uno e dieci metri di altezza. 150px-!scope="row"69  Questo padiglione fu costruito come una replica del tempio Sanjūsangen-dō a Kyoto , celebre per le sue 1001 statue di Kannon. Esso fu eretto nel 1642 nel quartiere Fukagawa, e coi suoi 120 metri di lunghezza è una delle più grandi strutture della città. Oltre ad essere un luogo sacro, la sua lunghezza è utilizzata per la pratica del tiro con l'arco. Tuttavia, l'edificio fu demolito nel 1870 nel corso del persecuzione del Buddismo  durante il periodo Meiji. L'immagine mostra appena la metà dei due lati del padiglione, il quale attraversa in diagonale la scena, dando un'idea delle sue enormi dimensioni. Molti pedoni camminano da ambo i lati del padiglione, delimitato dal fiume nella parte superiore dove si trova un magazzino di legna del deposito di Kiba le cui tavole sono tutte appena delineate sulla superficie dell'acqua. 150px-!scope="row"70  Il soggetto principale della stampa è il fiume che domina la composizione secondo il suo asse verticale e nella sua parte centrale. Il Naka-gawa è il corso d'acqua che conduce a destra nella baia di Edo, al di fuori dell'immagine. Molti pescherecci, delle zattere di legno e delle imbarcazioni con a bordo passeggeri attraversano il fiume. Nella parte inferiore, laddove navigano le barche coi passeggeri, scorre il canale Onagi-gawa in cui si trova una postazione di controllo militare. All'estremo opposto c'è il canale Shinkawa, con alcune imbarcazioni coperte da paglia che trasportano del salo prodotto nelle vicinanze. Questo canale si perde in lontananza in una fitta nebbia bianca in gradazione ichimonji bokashi. 150px-!scope="row"71 Questa stampa permette una nuova volta di apprezzare l'eccezionale concezione della composizione dell'artista, mostrando un paesaggio attraverso una rete da pesca che occupa il lato destro, in modo da creare l'illusione di "partecipare" alla scena. L'inconsistenza apparente di un paesaggio fluviale senza molto fascino è così valorizzata da un punto di vista originale e da un'inaspettata scena di vita quotidiana ad Edo, una delle caratteristiche dello stile tradivo di Hiroshige e della serie Cento vedute famose in particolare. Dietro alla rete, l'immagine si compone in due zone separate orizzontalmente dalla frangia dell'orizzonte, col fiume ed una zona di canneti nell'angolo inferiore a sinistra, ed il cielo sopra, nelle solite gradazioni tra il nero ed il blu, attraversato dal volo di due aironi. Al centro dell'immagine, parzialmente coperta dalla rete, figura una grande barca a vela, mentre forse pesca le carpe del fiume Tone, reputate per la loro qualità. 150px-!scope="row"72  Hiroshige ci presenta nuovamente un approccio inconsueto, con il paesaggio inquadrato dalla figura di un vogatore, di cui solo le gambe e le braccia sono visibili sul lato a sinistra, «in modo che l'intero paesaggio, come oppresso da questa gigantesca presenza, paia spinto in lontananza». Questa stampa fu criticata, soprattutto in Occidente, per la concezione fuori dal comune: Basil Stewart, autore del Subjects Portrayed in Japanese Colour-Prints  pensava che ciò fosse segno di una «senilità precoce» dell'artista, mentre lo storico d'arte giapponese Minoru Uchida parlava di un «errore assoluto». Invece, per Seiichiro Takahashi, era come una «prova del genio straordinario di Hiroshige», che produsse questa veduta con l'obiettivo ricercato di incitare al riso.  prospettiva mette lo spettatore al posto del passeggero della barca, in cui appare un pezzo di ombrello nell'angolo inferiore a destra. Nello sfondo, a sinistra si trova il santuario di Benten, una divinità protettrice delle acque, mentre al centro si vede un faro. Questo santuario fu demolito dopo la Seconda Guerra mondiale per costruire l'aeroporto di Tokyo-Haneda, seppur conservando un torii sacro. 150px-!scope="row"74  Questa stampa presenta dei personaggi in processione, vestiti con abiti festivi e cerimoniali. Questa è una delle poche stampa dove i personaggi occupino un posto centrale nella composizione, in contrasto con le abituali piccole figure integrate col paesaggio. Malgrado il loro abbigliamento da samurai, consistente in pantaloni ed una veste dello stesso disegno  più un abito kosode sopra, essi sono dei carpentieri, che celebrano la chiusura dell'acqua di un edificio a causa del sisma del 1855. I carpentieri lavoravano molto all'epoca. Qui, questi festaioli sono manifestamente ebbri, cosa che l'artista ha magistralmente tradotto sui loro visi, mostrando il suo senso dell'umorismo e dell'esplorazione psicologica. Sullo sfondo appare il negozio di seta Daimaru, con un'alternanza di tende nere e rosse che portano la calligrafia del nome della bottega accanto al nome del suo fondatore, Shimomura Hikouemon. 150px-!scope="row"75  Questa è nuovamente una grande composizione verticale che dimostra il profitto che l'artista è in grado di ottenere dal formato ōban. L'immagine rappresenta alcune grandi tele appese ad asciugare dai tintori del quartieri di Kanda, reputato per la qualità dei suoi tessuti. A sinistra, i due lati delle tele sono colorati di marrone ed indaco, con dei disegni floreali ed a scacchiera destinati agli yukata. Al centro, lunghe strisce di tessuto di colore bianco e blu devono essere tagliate per formare delle bande. Le due strisce bianche in primo piano portano il segno «pesce» , possibile allusione al cognome dell'editore, Eikichi Sakanaya, mentre le altre due dietro mostrano il monogramma di Hiroshige, costituito dalla sillaba hi inserita in un ro a losanga. Sullo sfondo appaiono il palazzo dello shogun ed il Fuji. Katsushika Hokusai aveva già realizzato una composizione simile a questa qui nella sui serie Cento vedute del monte Fuji, anche se questa immagine è stata sicuramente composta da Hiroshige in omaggio al maestro dellukiyo-e. 150px-!scope="row"76 In questa veduta notturna dominata dalla luna piena che appare dietro al cartello del titolo, la figura imponente del ponte Kyōbashi crea la prospettiva in primo piano, dietro cui s'erge un alto muro di bambù, costruito per seccare il legno. Sul lato destro del ponte passa una processione di pellegrini di cui alcuni portano una lanterna, ed altri circolano nei due sensi. I gibōshi  metallici nel mezzo della curvatura del ponte indicano che si tratta di un ponte importante. I pellegrini tornano dal monte Ōyama  e portano una lampada rossa su cui sono scritti i caratteri  hori   e take . Questa stampa ha ispirato a James Abbott McNeill Whistler il suo quadro Notturna in blu ed oro - il Vecchio Ponte di Battersea . 150px-!scope="row"77  composizione della stampa è strutturata dai pali di una nave da cargo in primo piano, altro esempio del sensazionalismo ricercato dall'artista lungo tutta la serie. L'immagine è così divisa in tre fasce verticali in cui nella parte inferiore appare il fiume  pieno di navi da merce e da passeggeri, mentre il piano mediano è occupato dalla curvatura del ponte Inaribashi. Quest'ultimo conduce dal lato di sinistra ad una porta rossa corrispondente al santuario Minato-jinja e dal lato di destra alle case bianche dei magazzini portuali.  baia di Edo è poco profonda, quindi le barche restano ancorate a distanza e le merci vengono scaricate e conservate nei magazzini. Infine, s'innalza all'orizzonte la figura famigliare del Fuji. 150px-!scope="row"78  parte inferiore di questo ampio panorama è occupata dalle vele delle navi da merce, mentre il centro dell'immagine da molti pescherecci ed infine da un villaggio sulla riva opposta del fiume. Sullo sfondo si trova il tetto impressionante del Nishi Hongan-ji della setta buddhista Jōdo Shinshū, affiliata al tempio omonimo di Kyoto. Fondato nel 1617 nel quartiere di Hamacho a sud di Asakusa, il tempio fu trasferito nel quartiere di Tsukiji  dopo il grande incendio di Meireki del 1657, in cui prese il nome di Monzeki Tsukiji. Quando la stampa fu creata, il tempio era in ricostruzione dopo essere stato distrutto da una tempesta nel 1854, ma l'artista ha scelto di renderlo nella sua forma ideale, in accordo con la nozione di meisho  che impregna tutta la serie. Come la stampa nº 79, questa ha un titolo alternativo: Supplementi divertenti alle Cento vedute famose di Edo . Probabilmente Hiroshige voleva mettere fine a questa serie dopo aver già prodotto 110 stampe, ma davanti al successo della serie presso il pubblico ed all'insistenza del suo editore, egli riprese il titolo originario. 150px-!scope="row"79 Quest'immagine mostra un gruppo di turisti venuti dalla campagna per vedere la capitale, preceduti da una guida che apre loro la strada. L'artista mostra nuovamente il suo talento nel rendere la fisionomia e la personalità dei personaggi, così come la caratterizzazione psicologica delle figure. Dietro di loro, un gruppo di monaci che portano dei cappelli di paglia stanno ugualmente per visitare il tempio. Il tempio Zōjō-ji appartiene alla setta della Terra pura e costituisce il pantheon del clan Tokugawa. A destra si trova il santuario Shiba Shinmei con i suoi intrecci  e le sue travi trasversali . Fu costruito nell'XI secolo nello stile arcaico dell'originale santuario di Ise. I volti rallegrati, quasi caricaturali dei paesani che contrastano con il gruppo di monaci novizi sono insoliti in questa serie. 150px-!scope="row"80  Questo è un ulteriore esempio di paesaggio visto attraverso diversi elementi che figurano in primo piano, una delle caratteristiche principali della serie. Vi si trovano parecchi striscioni portati in processione da pellegrini che attraversano il ponte Kanasugi alla foce del fiume Furukawa. Le scritte rivelano che essi sono membri della setta buddhista Nichiren il cui simbolo è un fiore di arancio inserito in un quadrato . Il gruppo, molto compatto, si distingue dagli ombrelli nell'angolo inferiore a sinistra, sopra cui svolazzano alcune tele bianche e marroni con la scritta Uoei, riferimento all'editore Eikichi Uoya, altro nome di Eikichi Sakanaya. Il lungo striscione rosso porta la scritta Namu Myōhō Rengekyō .  processione va o torna dal tempio Honmon-ji nel quartiere di Ikegami dove morì il fondatore della loro scuola, Nichiren . 150px-!scope="row"81  Basata su di una composizione dall'opposizione dei piani, l'immagine presenta in primo piano a destro la metà di una ruota ed il timone di una vettura in riferimento al vicino quartiere di Ushimachi . Il nome gli fu dato nel 1634, quando furono condotti ad Edo numerosi buoi destinati a servire alla costruzione del tempio della famiglia Tokugawa, lo Zōjō-ji. Takanawa è la porta meridionale di Edo che conduce a Kyoto dalla strada Tōkaidō. Dietro la strada si trova la baia di Edo col le sue barche a vela ed i suoi terrapieni daiba costruiti come misura difensiva tra il 1853 e 1855, dopo l'arrivo della flotta degli Stati Uniti condotta dal commodoro Perry. Ai piedi della strada si trovano due cani e qualche rifiuto, tra cui due fette di anguria ed una sandalo di paglia mordicchiato da uno dei cani. Il cielo è attraversato da un arcobaleno che passa dietro al timone della vettura. Così, la strada come l'arcobaleno alludono a Takanawa, che significa «alta strada». 150px-!scope="row"82  Questa è un'altra immagine immersa nella dolce luce notturna della Luna che appare tagliata dal balcone ed attraversata da un volo di uccelli. Questa stampa si situa nel quartiere Shinagawa, mostrato anche nella successiva. Dalle porte scorrevoli fusuma appare una camera che dà una magnifica vista della baia di Edo in cui sono ancorate numerose barche a vela. Le fortificazioni che dovrebbero essere visibili nella baia scompaiono per non infrangere l'armonia della scena. Sul tatami verde, i resti della cena, wasabi e sashimi su di un piatto laccato di rosso, una tazza di sakè, un tovagliolo, una lampada ed un ventaglio. Dai entrambi i lati si vedono due figure: a destra, una geisha che ha appena appoggiato a terra il suo shamisen, a sinistra, una cortigiana che si sta svestendo per andare a dormire. L'immagine presenta una sequenza cronologica: sa destra a sinistra - come si fa la lettura in giapponese - la cena è terminata, la Luna è apparsa ed il personaggio s'appresta ad andare a dormire. Si crea un ambiente lirico e sereno che evoca la calma e la felicità, le quali trascendono la mondanità di questa scena di vita quotidiana. Ignorando tutti i dettagli concreti, Hiroshige crea una «immagine generalizzata» delle case da tè di Shinagawa. 150px-!scope="row"84  L'immagine mostra molti viaggiatori fermi ad un punto di riposo tra due colline di pini sulla strada che attraversa la quartiere di Meguro, dove si trova una piccola casa da tè menzionata nel titolo. Al centro si apre un'ampia vallata che un tempo serviva da terreno per la pratica della falconeria, riservata allo shogun. Meguro è attualmente un quartiere a sud di Tokyo. Sullo sfondo appare il Fuji dietro ad altre montagne che si elevano sopra la bruma, mentre le figure dei pini occupano tutta la parte sinistra del cielo. Tale paesaggio era molto apprezzato dagli artisti giapponese, figurando anche in una stampa realizzata da Shiba Kōkan alla fine del XVIII secolo con l'utilizzo della prospettiva occidentale. 150px-!scope="row"85  Il motivo principale della stampa è costituito da una processione di samurai che salgono la collina di Kinokuni, lungo il fossato che circonda il palazzo imperiale. Sulla veste del conduttore è impresso il simbolo del giglio , che può ugualmente essere letto come «il rispetto dello spirito guerriero». Alcuni personaggi emanano una freddezza marziale, mentre i loro atteggiamenti sono un po' caricaturali. Sullo sfondo si trova il quartiere densamente popolato dove abita la classe borghese urbana , composta da artigiani, operai e commercianti. Il contrasto tra queste due classi sociali è paradigmatico della società nipponica dell'epoca: le classi inferiori rappresentavano più della metà della popolazione di Edo , ma occupano solamente il 20% della superficie abitabile. 150px-!scope="row"86  In nuovo esempio della ricerca dell'originalità nella composizione, l'artista mostra qui la scena attraverso le zampe dei cavalli le cui deiezioni sul suolo paiono indubbiamente assai volgari per l'epoca. Si vede sullo sfondo una vivace via ricca di negozi a Shinjuku , luogo abituale di prostituzione e prima tappa della strada Kōshū Kaidō che conduce a Shimosuwa . Hiroshige allude sicuramente alla seguente citazione: «fiori che crescono sullo sterco di cavallo a Yotsuya», estratta dal libro Lo splendido Sogno di Maestro Kinkin , riferimento alle prostitute di Shinjuku. 150px-!scope="row"87  Questa prospettiva aerea presenta una vista panoramica dello stagno Inokashira no ike, da cui l'acquedotto Kanda prende l'acqua per portarla alla città. Nella parte inferiore a sinistra si trova un'isola che ospita il santuario Benten, divinità protettrice delle acque, già incontrata sulle stampe 72 o 83. Questa santuario fu fondato nel 1197 dal signore della guerra Minamoto no Yoritomo, mentre la statua principale è opera di Saicho Daishi, fondatore della scuola buddhista Tendai.  parte centrale mostra un'isola le cui rive sono coperte da canneti mentre sullo sfondo, una foresta ed una montagna emergono dalla foschia. Sopra allo stagno volano degli aironi. In tutta la serie, questo sito, ad ovest di Edo, rappresenta il punto lontano dalla città. 150px-!scope="row"88  Questa è un'immagine tipicamente autunnale che sottolinea le foglie rosse degli aceri. Se l'attrazione principale nei paesaggi primaverili è la contemplazione dei ciliegi in fiore, in autunno, sono gli aceri ad attirare numerosi visitatori, particolarmente nella regione di Ōji, dove molti alberi sono stati piantati dallo shogun Tokugawa Yoshimune all'inizio degli anni 1730. Il colore marrone rossastro di tali alberi è realizzato con dei pigmenti tan, ottenuti dal piombo o dall'ossido di ferro. Il soggetto principale di quest'ulteriore veduta aerea è un'alta collina circondata dal fiume Shakujii, detto Takino-gawa  nel titolo della stampa per le sue numerose cascate, come quella rappresentata a destra. Nella parte in basso si trova una piccola isola con un pergolato dove alcuni bagnanti fanno le loro abluzioni. Non lontano da là, si distingue l'arco di un torii che indica l'accesso di un santuario situato in una grotta dedicata alla dea delle acque Benzaiten e dipendente dal santuario Matsubashi-Benten le cui torri sono visibili in alto a destra, sulla collina coronata da pini. Il fiume è attraversato da un ponte che viene da Nakasendō, stata conducente a Kyoto, e dove si trovano il santuario Oji-Gongen ed il tempio Kinrin-ji. Superato il ponte, un sentiero porta a qualche casa da tè situata tra gli alberi. 150px-!scope="row"89 Questo pino – già visto sull'undicesima stampa – prende il suo nome dalla forma inconsueta di uno dei suoi rami, curvato in un cerchio quasi perfetti. I Giapponesi amano dare dei nomi agli alberi singolari o dal significato particolare, come mostrato nelle stampa 26, 61 e 110. Ancora una volta, la composizione è strutturata a partire da un primo piano ingrandito che guida l'occhio verso il paesaggio, qui lo stagno Shinobazu no ike e dietro un quartiere appartenente al potente daimyō Maeda, signore di Kaga , oggigiorno occupato dall'Università di Tokyo. Più vicino all'osservatore, nell'angolo in basso a destra, si trovano diversi edifici tra cui s'innalza un santuario di colore rosso di nuovo dedicato a Benten, su di un'isola costruita ad immagine di quella di Chikubushima a nord-est di Kyoto. 150px-!scope="row"90  Per questa veduta notturna, Hiroshige usa una prospettiva più occidentale al fine di suggerire la profondità della strada rappresentata, con un punto di fuga sulla sinistra e leggermente inclinato verso il centro dell'immagine.  via, principalmente occupata da teatri di marionette, di kabuki e bunraku, è percorsa da numerosi passanti le cui ombre sono ben visibili al chiaro di luna. Dopo l'incendio del 1841, i teatri sono raggruppati nel quartiere Saruwaka-machi. I teatri ufficiali sono indacati da una yagura, la struttura che appare su certi tetti. A quest'ora, la maggior parte dei teatri è chiusa, ad eccezione del teatro Morita da cui sfugge della luce a sinistra, e che fu aperto appena dopo un incendio nel 1855. A partire dal 1830, Hiroshige studiò approfonditamente gli effetti della luce e le immagini di notte, come nella sua serie Figure improvvisate  e nel suo trittico Chiaro di luna su Kanazawa della serie Neve e luna. 150px-!scope="row"91  Questa veduta aerea mostra lo stagno del bel giardino del santuario di Akiba le cui divinità proteggono dagli incedi.  stampa valorizza le fogli di acero dai colori arancione ed ocra riflessi sull'acqua. Nell'angolo inferiore a sinistra si trova un padiglione da tè sulla terrazze del quale un monaco dipinge il paesaggio dinanzi a lui. Si tratta forse di un autoritratto di Hiroshige, secondo lo storico d'arte Henry D. Smith. In questo caso, la donna accanto sarebbe sua moglie, Yasu, accompagnata da suo figlio Tatsu. Questa ipotesi è sostenuta dalla speciale relazione esistente tra la famiglia ed il santuario Akiba, dove Hiroshige III, l'ultimo discepolo dell'artista e marito di sua figlia Tatsu, posò una placca commemorativa in occasione del 25º anniversario della morte del maestro. 150px-!scope="row"92   baia di Uchigawa fa parte del Sumida, principale fiume della città. Sulle sue rive si trova il tempio Mokubō-ji, eretto nel X secolo come mausoleo di un giovane signore di nome Umewaka, protagonista di una tragedia che fu incorporata in un'opera del teatro Nō intitolata «Sumida-gawa»: essendosi perso, il giovane cadde nelle mani di un mercante di schiavi e finì per morire di malattia e di sfinimento sulle rive del fiume Sumida, con grande disperazione della madre. Il tempio Mokubō-ji citato nel titolo è vicino, ma non quello rappresentato su questa stampa: l'edificio a destra è il ristorante Uehan  specializzato nei prodotti marittimi, che Hiroshige aveva già dipinto nelle sue Vedute dei ristoranti famosi di Edo, le quali erano tuttavia ambientate in inverno e sotto un'angolatura differente. Il tempio, così come il ristorante ed i giardini, è una destinazione turistica molto popolare come mostrato dalle due dame che scendono dalla barca e si dirigono verso l'edificio. Il giardino a sinistra, conosciuto come Gozensaihata , il cui nome figura nel titolo, è coltivato dai pescatori dei dintorni e conta trentasei specie di legumi destinati allo shogun. Tokugawa Iesada frequentò il ristorante un mese prima della pubblicazione della stampa. Forse ciò fu la ragione per la quale Hiroshige creò questa composizione, poiché uno degli obiettivi della serie era mostrare al pubblico le novità. 150px-!scope="row"93  Il traghetto di Niijuku serve ad attraversare il fiume Naka-gawa che determina il limite settentrionale di Edo, ma esso non appare che in parte nell'angolo inferiore destro, cosicché la sua presenza non sia che un pretesto per presentare un ampio panorama sul paesaggio circostante.  parte a sinistra dell'immagine è occupata da un ristorante ben illuminato verso cui si dirigono alcune persone mentre altre restano sul molo; intanto un uomo pulisce gli zoccoli del suo cavallo nell'acqua del fiume. Seduto in mezzo a grandi pini sulla riva si trova un pescatore mentre una nave carica di merci gli passa davanti. Lo sfondo è offuscato dalla nebbia il cui colore rossastro indica il crepuscolo, e l'abituale sfumatura del cielo è resa grazie alla tecnica bokashi. 150px-!scope="row"94  L'immagine è inquadrata dai tronchi di due aceri i cui rami s'intrecciano ed il cui colore autunnale delle foglie presenta una tinta talvolta rossastra talaltra nerastra distinta dalle impressioni anteriori, dovuta ad una variazione chimica dei pigmenti impiegati.  gente di Mama ad est di Edo passeggia lungo il fiume Edo-gawa, luogo molto frequentato d'autunno per ammirare i suoi aceri. In questa città si trova il tempio buddista Guhō-ji, il cui altare è dedicato a Tekona, contadina dalla grande bellezza che secondo la leggende si gettò nel fiume per sfuggire ai suoi pretendenti, i quali le rendevano la vita impossibile.  sua leggenda è riportata nel famoso , antologia poetica dell'VIII secolo dove i versi su Tekona precedono direttamente quelli sul monte Tsukuba visibile sullo sfondo. Nel 1501 fu fondato il tempo menzionato nel titolo della stampa, dove è possibile pregare per un buon parto od una protezione contro la varicella. Il tempio appare nel paesaggio a sinistra, col suo tetto spiovente preceduto da un arco torii. Il ponte Tsugihashi  che si vede al centro evoca egualmente questa leggenda: un'altra antologia di poesia menziona un pretendente di Tekona che si lamentava sul ponte di non portelo attraversare di notte per vedere la sua amata.  composizione segnata dalle foglie in primo piano e la dolce luce vespertina danno un'aria lirica a questa scena dove nacque la leggenda di Tekona. 150px-!scope="row"95  ripida collina di Kōnodai  che domina il Tone-gawa – oggi chiamato Edo-gawa – è un importante bastione difensivo. In questa immagine, il lato a sinistra della composizione è occupato da una sporgenza rocciosa dipinta in uno stile cinese. Essa è sormontata da tre grandi pini ai piedi dei quali tre piccoli personaggi conversano animatamente, dando una buona idea dell'altezza della collina. Questo luogo è soprattutto conosciuto grazie ad un'opera letteraria, Nansō satomi hakkenden  di Kyokutei Bakin. Il fiume è percorso da barche cariche di merci dirette verso la città, mentre all'orizzonte appare il Fuji in un cielo giallo che segnala una mattina chiara. Il colore blu della parte superiore del cielo è nuovamente segnato dalla venatura del legno utilizzato per l'impressione. 150px-!scope="row"96  Horie e Nekozane sono due villaggi situati sulle rive opposte del fiume Kyūedo  – un affluente dellEdo-gawa - reputato per i suoi eccellenti frutti di mare. I meandri del fiume strutturano tutta la composizione che porta lo sguardo verso lo sfondo dove s'estende la baia di Edo. Nella parte inferiore, due personaggi sono rappresentati su di una striscia di terra mentre cacciano gli uccelli  con una rete nascosta sotto la sabbia.  parte centrale è occupata dai due villaggi collegati da due ponti che attraversano il fiume pieno di imbarcazioni. Sulla destra, seminascosto dalla pineta, si trova un piccolo santuario annunciato da un torii. Dalla nebbia dello sfondo emerge l'imponente figura del Fuji, coperta da una penombra rossastra. Il sigillo della censura porta il segno del secondo del secondo mese dell'era Ansei 3 , per cui questa è una delle prime stampe della serie realizzate dall'artista. 150px-!scope="row"97  Conformemente al principio stilistico della serie, l'immagine è composta a partire dal primo piano occupato dai rami di un vecchio pino sostenuto da travi di legno attraverso cui appare il paesaggio sullo sfondo. Gohonmatsu  è il nome di un quartiere di Edo che fa riferimento a cinque pini secolari piantati lungo il canale Onagi-gawa nel 1732 e di cui non resta all'epoca di Hiroshige che quello qui rappresentato.  località dove si trova il pino appartiene al daimyō di Ayabe. Qui, l'artista deforma la realtà per ottenere un maggiore effetto scenografico: il canale è infatti perfettamente dritto e la curva rappresentata nella stampa immaginaria. L'imbarcazione del centro che porta due rematori è la copia fatta da Hiroshige di un'opera di Katsushika Hokusai, Tramonto attraverso il ponte Ryōgoku dalla riva del fiume Sumida a Onmayagashi  dove è riprodotto con precisione il dettaglio del passeggero che imbeve un fazzoletto nell'acqua. 150px-!scope="row"98 Spesso descritta come espressione dell'essenza della cultura di Edo, questa stampa è una delle più conosciute della serie ed un nuovo esempio della grande abilità dell'artista a rappresentare la vita notturna così come ad utilizzare la verticalità mediante la prospettiva aerea. Il ponte di Ryōgoku sul Sumida-gawa è uno dei più grandi della città. Il ventottesimo giorno del quinto mese si tiene la festa del kawabiraki , che consiste in un rituale di abluzione per allontanare gli spiriti maligni. I primi fuochi d'artificio risalgono al 1733, incoraggiati dallo shogun Tokugawa Yoshimune, anche se col tempo si estesero a numerose occasioni oltre che alla cerimonia annuale, particolarmente durante le notti d'estate. Essi sono patrocinati dalle società di noleggio di barche e dai ristoranti che sono i principali beneficiari dello spettacolo. Il fiume è dunque coperto da barche, dalla piccola yanebune  fino alla tradizionale yakatabune  ed alla urourobune, imbarcazione che vende cibo e bevande. I fuochi d'artificio sono rappresentati nell'angolo superiore a destra sotto la forma di stelle vivamente illuminate mentre nella parte centrale, un'alta fiammata descrive una curva pronunciata nel cielo di un colore scuro che segue le venature del legno. 150px- class="toccolours" align="center" ! colspan=10 style="background:#00FFFF"  Inverno-!scope="row"99  Con questa stampa comincia la serie dedicata all'inverno. Il tempio di Kinryūzan consacrato al bodhisattva Kannon si trova nel quartiere di Asakusa. Come d'abitudine, lo sfondo è mostrato da diversi elementi del primo piano, in questo caso un battente rosso e verde della porta Kaminarimon , sul lato sinistro, ed una lanterna votiva che occupa tutta la parte superiore dell'immagine e su cui è impresso «Shinbashi», il nome del donatore. Poi la composizione guida lo sguardo verso un paesaggio innevato dove un gruppo di persone si dirige verso l'interno del tempio. Una pagoda si trova a destra ed il centro è occupato dalla niōmon  di un intenso colore rosso accentuato dal contrasto col bianco della neve.  pagoda fu ricostruita due mesi prima di questa stampa, dopo il sisma del 1855. Il cielo, graduato dal bianco al nero attraverso diverse sfumature di grigio, è coperto da fiocchi di neve.  150px-!scope="row"100  diga Nihontsutsumi è l'ultimo tratto della strada che conduce al quartiere dei divertimenti di Shin Yoshiwara. Sotto la luce fioca della luna nascente, alcune persone circolano, certi in lettiga portata dai servitore. Dai due lati della strada, parecchi chioschi servono tè. In alto a destra, dietro a degli alberi, appaiono i tetti delle case chiuse di Yoshiwara, circondati da nebbia dal colore violetto. Alla fine della strada, facendo da collegamento con i tetti, sorge un salice piangente, il famoso Mikaeri Yanagi , dove i clienti dei bordelli gettano uno sguardo indietro prima di entrare nell'atmosfera dissoluta del quartiere Yoshiwara. Questo motivo, associato al volo delle oche selvatiche nel cielo notturno, dà all'immagine un carattere assai malinconico. 150px-!scope="row"102 Questa veduta rappresenta due gru della Manciuria , una che sguazza nell'acqua e l'altra che sembra sorvolare la scena occupando tutta la parte superiore dell'immagine. I tre luoghi menzionati nel titolo si trovano a sud-ovest del quartiere di piacere di Yoshiwara, vicino alla strada di Ōshū Kaidō. In inverno, lo shogun ricorreva a dei falchi addestrati per le sue cacce agli aironi chiamate tsuru no onari  in quella zona. Per attirarli, gli agricoltori lasciano del cibo come esca, così come probabilmente indica la figura del paesano che si allontana a sinistra. Il piumaggio degli aironi è realizzato con la tecnica del karazuri , un tipo di stampa a secco in cui la lastra di legno è pressata contro la carta con una specie di tampone detto baren. Gli aironi simboleggiano la longevità, la felicità e la fedeltà nel matrimonio poiché la loro unione con un partner dura tutta la vita. Il motivo delle coppie di aironi è comune nella tradizione pittorica cinese. 150px-!scope="row"103  Questa è una delle prime immagini della serie secondo la data indicata dalla censura, ed essa segna il limite nord di Edo. Forse l'artista volle definire il perimetro della sua attività. Il grande ponte di Senju che attraversa il fiume Ara-kawa sulla strada di Ōshū Kaidō fu costruito nel 1594 da Tokugawa Ieyasu. Era comune che gli shogun lo attraversassero durante il pellegrinaggio a Nikkō, dove si trova la tomba di Ieyasu, il fondatore della dinastia.  veduta mostra la solida struttura del ponte che gli ha permesso di resistere a numerose catastrofi. S'incrociano parecchi viaggiatori, tra cui uno a cavallo e con la lettiga. Dietro al ponte si trova a sinistra un villaggio di pescatori mentre il fiume è percorso da barche cariche di merci o da zattere di legno. Lo sfondo è quasi un condensato dell'arte di Hiroshige, con le montagne avvolte dalla foschia ed il cielo colorita dalla luce rossa del tramonto. 150px-!scope="row"104 Il canale Yotsugi-dōri – già rappresentato sulla stampa nº 33 - viene utilizzato per il trasporto, benché quest'immagine non mostri barche e presenti un paesaggio quasi idillico. Tale luogo è situato dal lato orientale del fiume Sumida, a nord del quartiere di Honjo, vicino alla piccola città di Koume. Il canale attraversa la veduta in diagonale, sparendo sullo sfondo dopo una curva stretta.  tinta più scura del blu al centro del canale ne indica la profondità. Tutta la parte destra dell'immagine è occupata da un grande ontano  ai piedi del quale due bambini giocano con dei cani. Due dame, vestite con haori invernali, attraversano il ponte, mentre dall'altro lato si trova una strada con parecchi negozi. Al centro dell'immagine, un pescatore solitario è seduto sulla riva, con la sua canna nel fiume. Il cielo è percorso da uno stormo di uccelli per rompere la monotonia della parte superiore dell'immagine. 150px-!scope="row"105  Quest'immagine notturna è in armonia col tema rappresentato: le donne a sinistra sono dette yotaka , una delle forme più squallide di prostituzione. Elle sono comunemente accompagnate da un padre od un fratello ed indossano una stuoia di paglia al fine di poter offrire i loro servizi ovunque. I loro visi sono spesso così deformate che sono costrette ad applicare del trucco tanto spesso da farle sembrare delle maschere. Il fiume è rappresentato con un forte moto ondoso, e molte altre barche attraversano le sue acque. Il lato destro è occupato dai rami degli alberi ed il fondo grigio mostra nuovamente le striature lasciate dalla stampa del legno. 150px-!scope="row"106  Questa stampa di un paesaggio completamente coperto di neve sorprende e dà allo spettatore una sensazione di fredda desolazione, sentimento accentuato dal cielo grigio pieno di fiocchi e dal blu intenso dell'acqua del fiume che gli conferisce un aspetto glaciale.  cornice formata dai tronchi di legno e dal contorno delle montagne in lontananza infonde a questo paesaggio concreto un aspetto di "fiaba invernale". Come di consuetudine, Hiroshige introduce molti elementi aneddotici, quali i due passeri che vola sopra la scena ed i due cani nell'angolo inferiore a sinistra così come un ombrello giallo in basso al centro, dove nuovamente si legge il kanji sakana  in allusione ad Eikichi Sakanaya, l'editore della serie. Il deposito di legname si trova fuori dalla città per prevenire gli incendi, in particolare a Fukagawa, ad est del fiume Sumida. Molte travi di legno attraversano la scena in diagonale, a destra come a sinistra. Tale disposizione associata al movimento a zigzag del corso del fiume dona all'immagine un dinamismo contrastante con la tranquilla immobilità del paesaggio innevato. 150px-!scope="row"107 Come per la veduta nº 102, la parte superiore dell'immagine è occupata da un uccello, in questo caso un'aquila, il cui tracciato perfetto e le differenze di tinte grigie delle piume sono ottenuti sulla stampa mediante la mica, mentre gli artigli sono impressi con la colla animale  che conferisce una sensazione di brillantezza. L'aquila vola sopra ad un campo innevato che attraversa una risaia, con la figura del monte Tsukuba sullo sfondo. Fukagawa Susaki si trova ad est del Sumida-gawa, mentre Jūmantsubo, una zona terrazzata a nord-est di Susaki costruita nel 1720, appartiene ad un daimyo. Il suo nome indica la taglia della fattoria: Jūman tsubo, 100 000 tsubo . Questa stampa è una delle più popolari della serie, insieme alle vedute nº 58 e 118. 150px-!scope="row"108  Questa immagine di un porto presenta diversi elementi che suggeriscono la profondità: prima due stormi di gabbiani, uno che sorvola l'acqua vicino al primo piano ed il secondo che, da più lontano, attraversa il cielo all'orizzonte. Altri elementi valorizzano la prospettiva come le strutture in legno a forma di A che indicano un canale naturale, uno in primo piano sul lato sinistro dell'immagine e l'altro un po' più indietro del primo. L'insieme di quattro barche che si restringono man mano che s'allontanano partecipa ugualmente a dare un maggiore senso di profondità. Sull'orizzonte dal lato a sinistra, l'artista rappresenta dei terrapieni  costruiti come mezzo di difesa dopo l'arrivo delle Navi Nere americane. Sulla striscia di terra che occupa il lato destro dell'immagine si trova la villa Hama dello shogun. Nel cartello giallo dell'angolo inferiore a sinistra appare il sigillo dell'incisore Horisen , ma è una cosa insolita, forse dovuta al fatto che questa è una delle prime cinque stampe della serie accettate dalla censura. Tale sigillo figura ugualmente nel margine delle vedute 17, 28 e 83. 150px-!scope="row"109  Questa veduta aerea della baia di Edo rappresenta la zona conosciuta sotto al nome di Shinagawa, dove si coltivano eccellenti alghe che crescono sugli alberi piantati dai pescatori in autunno in acque poco profonde e vengono raccolte in inverno per farne dei nori, sottili foglie algali utilizzate come condimento o per il sushi. Nella parte inferiore dell'immagine, molte navi approfittano della bassa marea per raccogliere le alghe. In fondo alla baia si trova il settore di Samezu  dove un pescatore locale avrebbe scoperto una statuetta del bodhisattva Kannon nel ventre di uno squalo che aveva appena catturato nella sua rete; per questa leggenda fu costruito il tempio zen Kaian-ji nel XIII secolo. Tuttavia, il tempio, elemento principale del sito, non è che vagamente accennato da una figura imprecisa, come spesso fa Hiroshige. Sullo sfondo appare la doppia sagoma del monte Tsukuba verso cui uno stormo di uccelli conduce lo sguardo. 150px-!scope="row"110  Il pino Kesakakematsu  è conosciuto così perché il monaco Nichiren si fermò un giorno lungo il suo cammino per riposarsi ed appese il suo mantello ad un ramo di questo famoso albero. Il pino dallo forma contorta è situato su di una striscia di terra che si protende verso il centro del lago a destra nell'immagine.  sua base è circondata da una recinzione attorno cui sono raggruppati alcuni visitatori. Nella parte inferiore, un negozio vende cibo e bevande lungo la strada che costeggia il lago e sulla quale circolano dei turisti. Al centro dell'immagine, il blu più scuro a forma di mezzaluna mette in evidenza la profondità del lago che viene sorvolato da tre aironi. Sulla riva opposto, isolata nella foresta, si trova il santuario Hachiman di Senzoku, poi, come consuetudine nei paesaggi di Hiroshige, lo sfondo montagnoso emerge dalla nebbia. Il colore rossastro dell'orizzonte suggerisce un'ora serale. Questa è una delle cinque prime stampe accettate dalla censura. 150px-!scope="row"111  Questo paesaggio innevato valorizza nella sua parte inferiore il ponte-tamburo di Meguro, ponte eccezionale fatto da pietre e legno. Un taikobashi   è un ponte semi-circolare d'influenza cinese che forma col suo riflesso nell'acqua l'immagine di un tamburo, come mostrato dalla stampa nº 65. Questa strada conduce al tempio di Meguro, dedicato a Fudō Myō-ō, uno dei cinque re della conoscenza esoterica. L'angolo inferiore destro è occupato dal tetto della casa da tè Shōgatsuya, celebre per la sua zuppa di fagioli dolci . Parecchi viaggiatori si proteggono dalla neve coprendosi con ombrelli o cappelli, e c'è anche un uomo con un mantello di paglia dall'altro lato del ponte. A sinistra s'innalza la Yūhi no oka  che offre una vista magnifica della vallata di Meguro. Dal punto di vista cromatico, il bianco della neve contrasta col blu di Prussia del fiume Meguro-gawa mentre il cielo è pieno di fiocchi di beve ottenuti lasciando la carta della stampa bianca. 150px-!scope="row"112  Il soggetto principale di questa stampa malinconica è la neve che occupa tutta la scena. Il quartiere Atagoshita  deve il suo nome al fatto che è situato sotto il Monte Atago. Ospita numerose residenze di signori feudali , come quella del clan Katō di Minakuchi, che appare sullo sfondo davanti alla parto rossa del santuario  Atagosha, o quella del clan Hijikata di Komono , che è il lungo edificio a sinistra. Della strada Yabukōji, situata a destra del canale che scorre nell'angolo inferiore a destra, non si vede che un'alta canna di bambù , i cui rami si piegano sotto il peso della neve, e che occupa la metà destra del cielo attraversato da alcuni passeri. Il bambù, come i passeri, è un simbolo d'amicizia e di dolcezza ed un presagio di fortuna. In questa composizione, il rigore del freddo invernale è diluito del contrasto marcato dei colori dove il blu scuro del canale ed il verde del bambù accentuano i toni rossi e verdi ed il blu pallido del cielo. 150px-!scope="row"113 Questa composizione notturna a forma di X è illuminata dalla dolce luce soffusa di una falce di luna nascosta da nuvole grigie attraversate da uno stormo di uccelli. Sulla linea dell'orizzonte, tra i pini ed i bagolari, si trovano gli edifici del santuario Kotohira-gū, situato sulle terre del daimyō Kyōgoku , aperto al pubblica il tredici di ogni mese. Il centro-destra dell'immagine è occupato da una grande cascata del fossato all'esterno del palazzo, mentre a sinistra s'innalza il pendio di Aoizaka percorso da molti pellegrine e due venditori ambulanti coi loro negozietti portatili. Uno porta l'iscrizione nihachi  offrendo la promozione di pasta al grano saraceno per sedici mon mentre l'altro vende degli ōhira shippoku . Nella parte inferiore a sinistra si vedono due gatti e, come elemento aneddotico principale, due apprendisti artigiani che si esercitano dopo essere usciti da un bagno purificatore, coperti da un panno e con in mano delle lanterne. 150px-!scope="row"114  Sotto un cielo notturno innevato dove si vedono chiaramente al centro le venature del legno, s'estende un paesaggio coperta da neve con, in primo piano a sinistra, un cartello che annuncia yama kujira , un eufemismo per designare la carne di selvaggina il cui consumo è proibito dal Buddhsimo, sebbene talvolta sia tollerato. Il ponte Bikunihashi è situato vicino al fossato fuori dal palazzo dello shogun, il cui muro fortificato è visibile a destra, e che è circondato da case chiuse e da negozi alimentari a basso prezzo. Il termine bikuni indica le suore ma allude alle prostitute vestite da religiose per esercitare la loro attività al di fuori delle zone autorizzate. Davanti al negozio d'alimentari a destra, i panieri mostrano delle patate destinate alla preparazione di yakiimo, patate dolci arrostite vendute nella via.  scritta allude alle patate  interamente arrostite. Un venditore ambulante attraversa il ponte. Il primo piano vuoto, la rappresentazione del muro e l'arrangiamento schematico dei fiocchi di neve indicano che questa vedute è indubbiamente opera di Hiroshige II . 150px-!scope="row"115 L'ippodromo di Takata no baba a nord-est di Edo fu fondato nel 1636 come campo d'equitazione e di tiro con l'arco per la nobiltà. Tutto il lato sinistro è delimitato da un pino davanti al quale si trova un bersaglio di cuoio bianco attaccato ad un palo mentre alcune frecce giacciono al suolo. Il bersaglio è realizzato con la tecnica dell'impressione a secco detta nunomezuri. Si tratta di un esempio supplementare del senso della composizione originale di Hiroshige, sempre alla ricerca di prospettive insolite per sorprendere gli spettatori. Sui sentieri lungo il campo passano dei cavalieri, mentre degli arcieri si esercitano di fronte al bersaglio. In lontananza, il Fuji quasi scompare nella nebbia. Il contrasto tra la natura e l'attività umana, valorizza l'armonia delle virtù dei samurai che praticano il Confucianesimo, secondo cui le competenze dipendono tanto dalle attitudini innate quanto dell'esperienza coltivata con la pratica. 150px-!scope="row"116  Nella zona vicina alla scuola di equitazione della stampa precedente si estendono le risaie di Hikawa, coperte di stoppie gialle. Dietro a destra si trova il santuario di Hikawa a cui conduce il ponte Sugatami. Nella parte inferiore in primo piano, il ponte Omokage descrive una curva pronunciata sopra l'acquedotto di Kanda. Esso è un ponte di assi lignee ricoperte da uno strato di terre e muschio che si integra armoniosamente nel paesaggio. Lo stesso mese della pubblicazione della stampa, questo ponte fu utilizzato dallo shogun Tokugawa Iesada di ritorno da un viaggio ad Ōji. Ciò rivela ancora una volta l'interesse quasi "giornalistico" con cui l'artista e l'editore realizzarono questa serie. Lo sfondo coperto da una foschia purpurea, l'orizzonte arancione e le risaie gialle partecipano al ricco cromatismo di questa veduta topografica che ha una grande precisione per i dettagli. 150px-!scope="row"117 Questo panorama aereo presenta tre templi diversi a distanza l'uno dall'altro: in primo piano a sinistra il santuario Yushima Tenjin di cui solo l'arco torii è visibile; in un'isola in mezzo allo stagno di Shinobazu, il santuario Benten già incontrato nella stampa 89 e dall'altro lato, all'estrema destra, il tempio Kan'ei-ji. Tali edifici sono dipinto in rosso perché, secondo lo Shintoismo, questo colore scaccia i demoni. Questo vivo contrasto col bianco della neve ed il blu brillante del lago così come con la tinta rossastra dell'orizzonte vespertino dà un carattere cromatico variato alla scena. Per raggiungere il santuario Yushima Tenjin, bisogna salire due rampe di scale di cui una, più ripida, è «per gli uomini» e l'altra, più accessibile, «per le donne», come indica la scritta sulla pietra nell'angolo inferiore destro otokozaka . Sul lato sinistro dietro al torii si trova una casa da tè decorata da lanterne rosse. 150px-!scope="row"118 Questa è una delle più celebri vedute della serie, così come l'unica che abbia un soggetto immaginario. In questa composizione notturna, sotto una volta celeste grigia-bluastra costellata di stelle, molte volpi il cui respiro assomiglia a fuochi fatui sono riunite ai piedi di un grande bagolaro . L'attenzione è concentrata su questo gruppo vicino all'albero in primo piano, tuttavia ad una certa distanza appaiono parecchie altre volpi che si dirigono verso il primo gruppo ma che sono ancora solo dei piccolo punti luminosi persi nello sfondo dell'immagine. L'intensa luminosità attorno alle volpi contrasta fortemente con l'oscurità notturna e conferisce un grande effetto drammatico e misterioso alla scena. Il pittore gioca sulla tecnica del bokashi, le sfumature di grigio e l'impiego di polvere di mica, con sovrapposizioni di verdi per le piante. Secondo la leggenda che ispirato questa stampa, le volpi si riuniscono coi loro fuochi magici sotto questo albero a Capodanno per adorare il dio del riso , per poi andare al vicino santuario di Ōji Inari , dove il kami dà loro diversi compiti da svolgere durante l'anno. Il numero di volpi e la forma dei loro fuochi fatui permettono ai paesani della regione di prevedere la qualità del raccolto venturo. Hiroshige utilizza una stampa a quattro colori al fine di massimizzare questa scena assai malinconica e l'atmosfera magica. 150px-!scope="row"119 <br /> Questa stampa, opera di Hiroshige II, fu inclusa posteriormente nella serie in modo che non apparisse nell'indice di Baisotei Gengyo. Così, il sigillo aratame  della censura risale al quarto mese del 1859 ed il cartello rosso della firma indica Nise Hiroshige . L'immagine è talvolta considerata come un rimpiazzo per la nº 52, il giardino di paulonie di Akasaka, oppure come ordinata da Eikichi Sakanaya per celebrare l'adozione di Hiroshige II del nome e del sigillo di Hiroshige. Il discepolo terminò almeno tre vedute  delineate ma incompiute alla sua morte dal maestro. L'immagine mostra un giardino di paulonie vicino allo stagno di Tameike, già rappresentato sulla stampa nº 52. Si tratta di una veduta notturna dove una forte pioggia che cade da un cielo grigio-blu mette in evidenza il grigio-verdastro degli alberi sullo sfondo.  parte inferiore, più chiara e di un colorito più brillante, fa risaltare la parte oscura dello sfondo.  linea dello stagno taglia in diagonale il sentiero che sale, determinando così una forma trapezoidale. Alcuni personaggi camminano lungo lo stagno in basso, mentre sul cammino dello sfondo appare appena qualche sagoma che si dirige verso la porta Akasakamon del palazzo di Edo. 150px-}

Prompt: How does One Hundred Famous Views of Edo explain its The print?Please output in Italian.


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Madonna Sistina

Durante i suoi cinque secoli di esistenza la Madonna Sistina è passata attraverso almeno nove cornici note.# 1599-1698, cornice di Giuseppe Grattoni . Nel 1544 la chiesa fu ristrutturata e in quell'occasione alla Madonna Sistina venne abbinata una lunetta, ma non è noto se quest'ultima avesse una sua cornice indipendente o se l'aggiunta comportò la realizzazione di una nuova cornice che includesse pala e lunetta. In ogni caso, se anche fosse esistita questa ipotetica seconda cornice è stata certamente rimpiazzata da quella realizzata nel 1599 dallo scultore Giuseppe Grattoni. Poiché non si conoscono le misure né della prima cornice né di quella di Grattoni, né tantomeno dell'ipotetica cornice intermedia, non è noto se queste cornici lasciassero la parte alta della tela con l'asta e i montanti della tenda verde a vista o nascosti; non è inoltre noto dove si trovasse effettivamente l'opera dalla sua collocazione nel 1514 fino al 1698, se sospesa in un punto dell'abside o se appoggiata al muro in fondo.#
1698-1753, cornice di Giovanni Setti. Nel 1697-1698 lo scultore Giovanni Setti realizzò una nuova cornice in stile barocco per la pala e la lunetta. Poiché le opere furono collocate in fondo all'abside, a forte distanza dai fedeli, per evidenziarle adeguatamente Setti realizzò una cornice molto vistosa e ricoperta in foglia d'oro.  cornice copre la parte superiore dell'opera con l'asta, ma nell'architrave fra la pala e la lunetta è installata una vera asta per una tenda che veniva usata a scopo liturgico; la parte della tela nascosta alla vista era ripiegata all'indietro.  cornice è sopravvissuta ed è tuttora in sede nella chiesa di San Sisto a Piacenza, dove conserva la copia Settecentesca del dipinto di Raffaello, forse realizzata da Giuseppe Nogari. Nel 1843 fu aggiunto il vetro protettivo, chiuso in una cornice d'acciaio nascosta nella cornice, e nel 1855 l'opera venne spostata dalla galleria alla nuova apposita ala museale Sempergalerie.# 1856-1939, tabernacolo . Nella Sempergalerie la Madonna Sistina non era esposta insieme alle altre opere, bensì da sola in una stanza d'angolo allestita come fosse la cappella di una chiesa: per questo motivo l'opera venne posta in una nuova cornice nello stile di un tabernacolo sopra a una base simile a una mensa sacra, il tutto a imitazione di un altare cattolico. L'allestimento fu disegnato dall'architetto di corte Bernhard Krüger e la mensa sottostante riportava in italiano e tedesco le parole di Giorgio Vasari a proposito dell'opera. L'atmosfera "sacrale" dell'allestimento era rafforzata dal divieto ai copisti di riprodurre l'opera.#
2012-oggi, cornice di Wener Murrer. In occasione del 500º anniversario della Madonna Sistina, il direttore del museo Bernhard Maaz giudicò l'opera rischiosa da restaurare e commissionò invece all'ebanista Warren Murrer di Monaco di Baviera una nuova cornice stilisticamente più coerente con l'opera rispetto a quella di Heybey, e tecnicamente affidabile sia per proteggere la tela sia per rimuoverla velocemente e facilmente in caso di emergenze. Il 23 agosto 2022 due attivisti ecologisti del gruppo Letzte Generation, in una manifestazione di protesta contro l'abuso di fonti fossili, hanno incollato le loro mani alla cornice: nello staccarle hanno provocato piccoli danni e rimosso parti della doratura.

Prompt: In Sistine Madonna, how is the The frames of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

1514
1753
Bernhard Krüger
Giorgio Vasari
Giuseppe Grattoni
Giuseppe Nogari
Piacenza
Sempergalerie


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The portrait the self-portrait the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Abaporu

Nonostante sia uno dei simboli del modernismo brasiliano, Abaporu non era presente alla Settimana d'Arte Moderna del 1922, perché il quadro sarebbe stato dipinto solamente nel 1928. Nel 1922, nei giorni della Settimana , Tarsila stava a Parigi in cerca di un'identità artistica e sarebbe tornata nel suo paese alla fine di quell'anno.

Prompt: Describe the characteristics of the Abaporu in Brazil in Abaporu's History.Please output in Italian.


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Sentiero di notte in Provenza

Secondo Kathleen Powers Erikson, Vincent Van Gogh potrebbe essere stato consapevole di essere prossimo alla morte. Per questo potrebbe aver dipinto la stella della sera e la Luna crescente in quanto simboli del vecchio e del nuovo che vengono separati dall'Obelisco della morte: il cipresso. Naomi Maurer, che concorda parzialmente con l'ipotesi prima citata, aggiunge che l'autore potrebbe aver rappresentato la vita degli uomini, identificabile con coppia di viandanti, "nel contesto dell'infinito e dell'eternità".  Luna crescente e la stella della sera potrebbero essere definite, invece, come il volto di un "Universo senziente e pieno di amore" che guarda alla Terra ed ai suoi abitanti dando a loro ed ai loro sentimenti una "Prospettiva cosmica" della vita.

Prompt: In the context of Road with Cypress and Star, explain the Meaning and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Ritratto di giovane dama

Aldo Galli, I Pollaiolo, collana "Galleria delle arti" n.7, 5 Continents Editions, Milano 2005.Vittorio Sgarbi, Il ritratto di dama del Pollaiolo, articolo su Bell'Italia del novembre 2009, pag. 26.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Woman (Pollaiuolo).Please output in Italian.


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La zattera della Medusa

zattera della Medusa  è un dipinto a olio su tela  di Théodore Géricault. Questo dipinto è stato realizzato nel 1818-19  ed è conservato nel Museo del Louvre di Parigi.L'opera rappresenta un momento degli avvenimenti successivi al naufragio della fregata francese Méduse, avvenuto il 2 luglio 1816 davanti alle coste dell'attuale Mauritania, a causa di negligenze e decisioni affrettate da parte del comandante Hugues Duroy de Chaumareys che, oltre a non navigare da circa venticinque anni, non aveva una buona conoscenza di quelle acque, cosa che portò la fregata ad incagliarsi sul fondale sabbioso. Oltre 250 persone si salvarono grazie alle scialuppe; delle rimanenti 150, costrette ad imbarcarsi su una zattera di fortuna lunga 20 metri e larga 7, solamente 15 fecero ritorno a casa. Scrupoloso e attento ai dettagli, l'artista si sottopose ad un intenso periodo di studio sul corpo umano e sulla luce, producendo moltissimi disegni preparatori, intervistando due dei sopravvissuti e costruendo un modellino del naufragio.Acquistata dal Louvre subito dopo la prematura morte dell'autore a trentatré anni,  zattera della Medusa, nelle sue scelte formali  e di contenuto  rappresenta allo stesso tempo uno spartiacque e un punto di rottura con l'allora preponderante scuola neoclassica, tesa al perseguimento dell'ideale di razionalità ed emotività contenuta e catalizzata dalla riscoperta dell'arte greca, e un'icona del Romanticismo, arrivando a influenzare i lavori di artisti come Eugène Delacroix, William Turner, Gustave Courbet ed Édouard Manet.

Prompt: How does The Raft of the Medusa explain its Abstract?Please output in Italian.

Eugène Delacroix
Gustave Courbet
Hugues Duroy de Chaumareys
Mauritania
Museo del Louvre
Méduse
Parigi
Romanticismo
Théodore Géricault
William Turner
Édouard Manet


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Giovane donna assopita

Giovane donna assopita è un dipinto a olio su tela  di Jan Vermeer, databile al 1657 circa e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York. È firmato in alto a sinistra "IV Meer".

Prompt: Focus on A Girl Asleep and explain the Abstract.Please output in Italian.

1657
Jan Vermeer
Metropolitan Museum of Art
New York


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Gelosia

gelosia comporta un intero "episodio emotivo", compresa una complessa "narrazione": le circostanze che portano alla gelosia, la gelosia stessa come emozione, qualsiasi tentativo di autoregolamentazione, azioni ed eventi successivi e la risoluzione dell'episodio.  narrazione può provenire da fatti, pensieri, percezioni, ricordi, ma anche immaginazione, assunti e ipotesi. Più la società e la cultura contano nella formazione di questi fattori, più la gelosia può avere un'origine sociale e culturale. Al contrario, Goldie mostra come la gelosia possa essere uno "stato cognitivamente impenetrabile", in cui l'educazione e la credenza razionale sono molto poco importanti.Una possibile spiegazione dell'origine della gelosia proviene dalla psicologia evoluzionista. Secondo questa prospettiva, l'emozione si è evoluta al fine di massimizzare il successo dei nostri geni: la gelosia sarebbe un'emozione basata biologicamente, selezionata per favorire la certezza sulla paternità della propria progenie. Un comportamento geloso, negli uomini, è diretto ad evitare il tradimento sessuale e un conseguente spreco di risorse e sforzi nel prendersi cura della prole di qualcun altro. Ci sono, in aggiunta, spiegazioni culturali o sociali sull'origine della gelosia. Secondo uno, la narrazione da cui deriva la gelosia può essere in gran parte prodotta dall'immaginazione. L'immaginazione è fortemente influenzata dall'ambiente culturale di una persona. Lo schema del ragionamento, il modo in cui si percepiscono le situazioni, dipende fortemente dal contesto culturale. È stato suggerito altrove che la gelosia sia in realtà un'emozione secondaria in reazione ai propri bisogni non soddisfatti, ovvero quei bisogni di attaccamento, attenzione, rassicurazione o qualsiasi altra forma di cura che altrimenti si supponeva sorgesse da quella relazione romantica primaria.Mentre la psicologia mainstream considera l'eccitazione sessuale attraverso la gelosia una parafilia, alcuni autori sulla sessualità  hanno sostenuto che la gelosia in dimensioni gestibili può avere un effetto decisamente positivo sulla funzione sessuale e la soddisfazione sessuale. Gli studi hanno anche dimostrato che la gelosia a volte accresce la passione verso i partner e aumenta l'intensità del sesso appassionato. gelosia nei bambini e negli adolescenti è stata osservata più spesso in coloro che presentano bassa autostima, e può evocare reazioni aggressive. Uno di questi studi ha suggerito che lo sviluppo di amici intimi può essere seguito da insicurezza emotiva e solitudine in alcuni bambini, quando questi amici intimi interagiscono con gli altri.  ricerca di Sybil Hart, Ph.D., presso la Texas Tech University, indica che i bambini sono in grado di provare e manifestare la loro gelosia a sei mesi. I bambini hanno mostrato segni di sofferenza quando le loro madri hanno focalizzato la loro attenzione su una bambola realistica. Questa ricerca potrebbe spiegare perché i bambini  mostrano angoscia quando nasce un fratello, creando le basi per la rivalità tra fratelli.

Prompt: Explain the In psychology about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Jealousy (Munch).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (Giorgione).Please output in Italian.


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Gelosia

gelosia comporta un intero "episodio emotivo", compresa una complessa "narrazione": le circostanze che portano alla gelosia, la gelosia stessa come emozione, qualsiasi tentativo di autoregolamentazione, azioni ed eventi successivi e la risoluzione dell'episodio.  narrazione può provenire da fatti, pensieri, percezioni, ricordi, ma anche immaginazione, assunti e ipotesi. Più la società e la cultura contano nella formazione di questi fattori, più la gelosia può avere un'origine sociale e culturale. Al contrario, Goldie mostra come la gelosia possa essere uno "stato cognitivamente impenetrabile", in cui l'educazione e la credenza razionale sono molto poco importanti.Una possibile spiegazione dell'origine della gelosia proviene dalla psicologia evoluzionista. Secondo questa prospettiva, l'emozione si è evoluta al fine di massimizzare il successo dei nostri geni: la gelosia sarebbe un'emozione basata biologicamente, selezionata per favorire la certezza sulla paternità della propria progenie. Un comportamento geloso, negli uomini, è diretto ad evitare il tradimento sessuale e un conseguente spreco di risorse e sforzi nel prendersi cura della prole di qualcun altro. Ci sono, in aggiunta, spiegazioni culturali o sociali sull'origine della gelosia. Secondo uno, la narrazione da cui deriva la gelosia può essere in gran parte prodotta dall'immaginazione. L'immaginazione è fortemente influenzata dall'ambiente culturale di una persona. Lo schema del ragionamento, il modo in cui si percepiscono le situazioni, dipende fortemente dal contesto culturale. È stato suggerito altrove che la gelosia sia in realtà un'emozione secondaria in reazione ai propri bisogni non soddisfatti, ovvero quei bisogni di attaccamento, attenzione, rassicurazione o qualsiasi altra forma di cura che altrimenti si supponeva sorgesse da quella relazione romantica primaria.Mentre la psicologia mainstream considera l'eccitazione sessuale attraverso la gelosia una parafilia, alcuni autori sulla sessualità  hanno sostenuto che la gelosia in dimensioni gestibili può avere un effetto decisamente positivo sulla funzione sessuale e la soddisfazione sessuale. Gli studi hanno anche dimostrato che la gelosia a volte accresce la passione verso i partner e aumenta l'intensità del sesso appassionato. gelosia nei bambini e negli adolescenti è stata osservata più spesso in coloro che presentano bassa autostima, e può evocare reazioni aggressive. Uno di questi studi ha suggerito che lo sviluppo di amici intimi può essere seguito da insicurezza emotiva e solitudine in alcuni bambini, quando questi amici intimi interagiscono con gli altri.  ricerca di Sybil Hart, Ph.D., presso la Texas Tech University, indica che i bambini sono in grado di provare e manifestare la loro gelosia a sei mesi. I bambini hanno mostrato segni di sofferenza quando le loro madri hanno focalizzato la loro attenzione su una bambola realistica. Questa ricerca potrebbe spiegare perché i bambini  mostrano angoscia quando nasce un fratello, creando le basi per la rivalità tra fratelli.

Prompt: Describe the characteristics of the In psychology in Jealousy (Munch)'s Theories.Please output in Italian.


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Il Ritratto d'uomo con medaglia di Cosimo il Vecchio è un dipinto a tempera su tavola con calco in stucco dorato sulla medaglia  di Sandro Botticelli, databile al 1474-1475 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi di Firenze.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Man with a Medal of Cosimo the Elder.Please output in Italian.


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Madonna Tempi

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975. Paolo Franzese, Raffaello, Mondadori Arte, Milano 2008. ISBN 978-88-370-6437-2

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Tempi Madonna.Please output in Italian.


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Madonna col Bambino in trono tra i santi Giovanni Battista e Sebastiano

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-XGloria Fossi, Uffizi, Giunti, Firenze 2004. ISBN 88-09-03675-1

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Madonna and Child Enthroned with Saints John the Baptist and Sebastian.Please output in Italian.


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Pala di Perugia

Madonna col Bambino, una Maestà, siede su un ampio trono costruito saldamente in prospettiva e su un gradino davanti al quale si trovano vasi con rose bianche  e rosse . Notevole è la somiglianza col pannello centrale del Trittico di Cortona, soprattutto nella Vergine, nell'arco del trono e nella disposizione degli angeli. Il pavimento è decorato da illusionistiche incrostazioni marmoree, già sperimentate dall'artista fin dalle opere giovanili, come il Trittico di san Pietro martire .Le figure dei santi sono meno monumentali del Tabernacolo dei Linaioli, del 1433-1435. Dietro di loro si dispiega un insolito tavolo coperto da un drappo di broccato ornato d'oro, sul quale san Nicola ha appoggiato la mitria.

Prompt: How does Perugia Altarpiece explain its Style?Please output in Italian.


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Reliquiario del Corporale di Bolsena

P. Dal Poggetto, Ugolino di Vieri: gli smalti di Orvieto, Firenze 1965.

Prompt: Focus on Reliquary of the Santo Corporale and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Deposizione di Volterra

Antonio Natali, Rosso Fiorentino, Silvana Editore, Milano 2006. ISBN 88-366-0631-8 Elisabetta Marchetti Letta, Pontormo, Rosso Fiorentino, Scala, Firenze 1994. ISBN 88-8117-028-0 Antonio Paolucci,  Pinacoteca di Volterra, Firenze 1989, pp. 156-163. Franco Lessi , Volterra e la Val di Cecina, collana I Luoghi della Fede, Mondadori, Milano 1999, p. 65. ISBN 88-04-46773-8

Prompt: Focus on Volterra Deposition and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Antonio Natali
Antonio Paolucci
Pontormo
Rosso Fiorentino
Volterra


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Coniugi Andrews

Louise Govier, The National Gallery, guida per i visitatori, Louise Rice, Londra 2009. ISBN 9781857094701

Prompt: Focus on Mr and Mrs Andrews and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La Sacra Famiglia

Appena ricevuta copia del libro, Engels scrisse a Marx:</ref>Friedrich Engels, "Lettere a Marx"„Kritische Kritik“ [...] ist wirklich eine gewaltige Sache. Ihre Diskussionen über die Judenfrage, die Geschichte des Materialismus und die „Mystères“ sind großartig und werden von erheblicher Wirksamkeit sein. Aber bei alledem ist die Sache zu weit gefasst. Die souveräne Verachtung, mit der wir beide die „Literatur-Zeitung“ angreifen, steht in starkem Kontrast zu den einundzwanzig Seiten, die wir ihr widmen. Darüber hinaus wird das meiste, was die Kritik der Spekulation und des abstrakten Wesens betrifft, insbesondere für die breite Öffentlichkeit unverständlich bleiben und auch kein allgemeines Interesse finden. Aber ansonsten ist das ganze Buch wunderschön geschrieben und bringt zum chen. [...] Auf jeden Fall ist es komisch, dass es vielleicht eineinhalb Blätter von mir und mehr als zwanzig Blätter von dir gibt.lingua=DElingua2=IT}}" sacra famiglia" ebbe scarsa eco all'epoca della sua uscita. Bruno Bauer rispose con una propria recensione in cui, riducendo Engels e Marx a meri epigoni di Feuerbach, li accusò di non avere compreso nulla della sua  filosofia e di avere anzi scientemente distorto il suo pensiero. A questa recensione di Bauer rispose a sua volta un articolo anonimo, che uscì sulla rivista diretta da Moses Hess: l'anonimo accusava Bauer di non aver letto " sacra famiglia" e di essersi basato in realtà solo su di una precedente recensione di tale libro. Vi furono alcune recensioni favorevoli da parte di esponenti della sinistra hegeliana e di socialisti. Un hegeliano ortodosso, Alexis Schmidt, recensì il libro condannando sia la posizione di Bauer sia quella di Engels e Marx.Nel 1885 Karl Kautsky fece ristampare su "Die Neue Zeit"  il paragrafo del sesto capitolo in cui Marx ricostruiva la storia del materialismo francese e inglese; nel 1892 lo stesso paragrafo fu pubblicato in traduzione russa da Georgij Plechanov.Nel 1895 Lenin lesse l'opera e ne redasse un lungo riassunto manoscritto . In esso Lenin osserva che la polemica contro Bauer è spesso inutilmente pedantesca e prolissa, ma che comunque nella "Sacra famiglia" si registra il passaggio di Marx dalla filosofia hegeliana al socialismo.Fu solo nel 1902 che " sacra famiglia" venne ripubblicata integralmente a cura di Franz Mehring, nel secondo dei tre volumi in cui egli raccolse alcune opere di Marx ed Engels del periodo dal 1841 al 1850:Il libro fu poi ripubblicato nel 1932, a cura dello studioso marxista russo Adoratskij, nel quadro delle opere complete di Marx ed Engels. Ne esistono due traduzioni italiane integrali: la prima a cura di Giovanni De Caria , e la seconda a cura di Aldo Zanardo .

Prompt: Focus on Holy Family (El Greco, Hospital de Tavera) and explain the Reception.Please output in Italian.


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Palude

Pantanal, BrasileEsteros del Iberá, Argentina

Prompt: In A Wooded Marsh, how is the South America of the Reclamation explained?Please output in Italian.


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Ultima Cena

Mentre la cena continuava, Gesù, improvvisamente, prese del pane e, dopo aver pronunziato la preghiera di benedizione, lo spezzò e dandolo ai discepoli disse: "Prendete e mangiate. Questo è il mio corpo che è dato per voi; fate questo in memoria di me"..«Poco dopo prese un calice colmo di vino e dopo averlo benedetto allo stesso modo disse: "Bevetene tutti, perché questo è il mio sangue dell'alleanza, versato per molti, in remissione dei peccati."»Gli apostoli rammentarono l'avvenimento nelle prime comunità cristiane, tanto che San Paolo, nella sua lettere ai Corinzi, presentò l'eucaristia come un rito nel quale il fedele mangiava e beveva davvero il corpo e il sangue di Gesù. Quel gesto, secondo l'apostolo, sarebbe inoltre un collegamento fra l'ultima cena e la successiva passione, essendo in entrambi i momenti il suo corpo donato e il sangue versato.Giovanni è l'unico a tacere sull'avvenimento, concentrandosi principalmente sulla lavanda dei piedi e sugli ultimi insegnamenti di Gesù ma vi è un precedente riferimento all'istituzione eucaristica nel capitolo 6 e precisamente nella frase, pronunciata da Gesù: "Io sono il pane della vita; chi viene a me non avrà più fame e chi crede in me non avrà più sete".Si è discusso a lungo se Giuda abbia partecipato o no all'eucaristia, i vangeli di Matteo e Marco infatti inseriscono la rivelazione del suo tradimento  prima dell'istituzione eucaristica mentre Luca la inserisce dopo. Giovanni non parla dell'eucaristia e dunque non venne preso in esame. Alcuni padri della Chiesa credettero che Giuda fosse presente al convito mentre altri lo negarono. Essendo i vangeli, unica fonte storica sulla vita di Gesù, discordanti riguardo alla cronologia degli avvenimenti, la questione non potrà mai avere soluzione.Fu oggetto di dibattito anche la ricerca delle origini di tale rito eucaristico, essendo infatti da alcuni creduto tale racconto come un'interpolazione successiva, inserita su influenza di Paolo. Si pensò dunque ai primitivi riti di totemismo e di teofagia e più accuratamente s'investigarono i riti di Iside e Osiride, di Dioniso e soprattutto del dio Mitra. Gli antichi romani credevano che l'eucaristia fosse un atto di antropofagia, poiché i cristiani dicevano di mangiare il corpo di Cristo e berne il suo sangue e usarono questo rituale come motivo di persecuzione.L'eucaristia è la ripetizione del gesto che Gesù compie, di offerta del pane e del vino come simbolo di offerta del proprio corpo e sangue, così come descritta nei vangeli . Considerando la natura umana di Gesù  e il contesto specifico , è ragionevole cercare la base interpretativa di questo gesto, nelle norme ebraiche definite nella Tanakh, in particolare nella Torah  il terzo libro Vaiyikra , che stabilisce le norme ed i rituali per i diversi tipi di sacrificio che gli Ebrei del tempo erano chiamati a compiere.Gesù in quanto ebreo [vedi: Gesù ebreo ], infatti, conosce perfettamente la Legge ebraica e parla a ebrei  con continui e precisi riferimenti alla Torah. Il riferimento è, in particolare, al rito del Sacrificio Espiatorio : in Lev  "Il sacerdote che l'offrirà  per il peccato, la mangerà; dovrà essere mangiata in luogo santo.  Soltanto i maschi delle famiglie dei sacerdoti ne potranno mangiare; è cosa santissima."Leggendo il racconto evangelico dell'Ultima Cena, sotto la luce di questa interpretazione, si legge un Gesù che si offre di essere Egli stesso la vittima sacrificale di un tipico rito ebraico .

Prompt: In Last Supper (Tintoretto), how is the The Eucharistic institution of the New Testament explained?Please output in Italian.

Cristo Dioniso Gesù Iside Osiride Tanakh


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Uomo vitruviano

Leonardo non fu il primo né l'unico che tentò di tradurre graficamente il passo vitruviano relativo alle proporzioni del corpo umano. Diversi autori, quasi sempre in relazione alle varie traduzioni del De architectura, proposero schemi simili a quello leonardiano che tuttavia è l'unico che si è imposto come vera e propria icona. Un esempio è l'architetto Francesco di Giorgio Martini nel 1480 che, ispirandosi sempre agli scritti di Vitruvio, ne propose uno. Proprio quest’ultimo avviò Leonardo alla scoperta dello scritto Vitruviano in quanto era scritto in latino e l’artista non era in grado di tradurlo. Quello di Martini però non seguiva in modo preciso le “istruzioni” e le proporzioni dello scritto dell’architetto romano. Egli disegnò la figura in modo tale che le due figure geometriche fossero sovrapposte, così che l’altezza corrispondesse sia al lato del quadrato che al diametro del cerchio. In questa soluzione l'ombelico non era al centro del corpo, come invece metterà Leonardo. rappresentazione dell'uomo vitruviano con la sua corrispondenza tra corpo umano e geometria da un lato alimentò riflessioni di teoria dell'architettura, dall'altro, a posteriori, fu letta come simbolo dell'umanesimo o, per meglio dire, della centralità dell'uomo all'interno della natura razionale, o dell'armonia dell'universo espressa dalla geometria delle forme umane.L'opera di Leonardo ha suscitato un immenso fascino sugli artisti delle più diverse tendenze dell'arte moderna internazionale, ispirando rifacimenti, citazioni, performance, celebrazioni, pannelli urbani, installazioni, disegni, sculture, fotografie, dispositivi scenici, come testimoniano, tra le altre, le opere di William Blake, Fernand Léger, André Masson, Salvador Dalí, Arno Brecker, Charles Csuri, Michel Parré, Ontani, Robert Mapplethorpe, Luciano Fabro, Frédéric Kieff, Andrew Leicester, Antony Gormley, José Garcia Huidobro, Nam June Pake, Arnold Skip, Romeo Castellucci, Jan Fabre, Dieter Appelt, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramović, Hermann Nitsch, Mario Ceroli.

Prompt: Explain the Other representations about the Description of this artwork, Vitruvian Man.Please output in Italian.

Andrew Leicester
André Masson
Antony Gormley
Arno Brecker
Arnold Skip
Charles Csuri
De architectura
Dieter Appelt
Fernand Léger
Francesco di Giorgio Martini
Frédéric Kieff
Hermann Nitsch
Jan Fabre
José Garcia Huidobro
Luciano Fabro
Marina Abramović
Mario Ceroli
Michel Parré
Michelangelo Pistoletto
Nam June Pake
Robert Mapplethorpe
Romeo Castellucci
Salvador Dalí
William Blake


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Prime opere di Vincent van Gogh

Nel luglio 1869, lo zio di Van Gogh, Philip James Quinlan, lo aiutò a trovare lavoro presso un mercante d'arte de L'Aia, Goupil & Cie.  Dopo un periodo di apprendistato,  nel giugno 1873, Goupil lo inviò presso la sua sede di Londra, dove alloggiò all'87 Hackford Road a Brixton, lavorando a Messrs. Goupil & Co., 17 Southampton Street. Questo fu un periodo fortunato per lui; aveva successo nel lavoro e all'età di 20 anni guadagnava già più di suo padre.  Si innamorò della figlia della sua padrona di casa, Eugénie Loyer, che lo respinse ed egli andò isolandosi per rifugiarsi nella religione. Il padre e lo zio lo fecero trasferire a Parigi impiegandolo nel settore del commercio delle opere d'arte. Egli non si trovò d'accordo a che le opere d'arte venissero trattate come una merce e il 1º aprile 1876 lasciò il lavoro.Si dedicò quindi, per un breve tempo, al popolo lavoratore come ministro del culto e predicatore, studiando per breve tempo nei Paesi Bassi, ma il suo zelo e l'auto-imposizione di una vita fortemente dedicata all'ascetismo gli costò il proseguimento della carriera religiosa. Venne respinto dall'apparato ecclesiastico e si rifugiò in una spiritualità personale nella quale ottenne il ricercato conforto.

Prompt: In the context of Early works of Vincent van Gogh, explain the First time and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Brixton
Goupil & Cie
L'Aia
L'Aia
Londra
Paesi Bassi
Parigi


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neoimpressionismo

tecnica divisionista e l'approccio scientifico alla pittura di Seurat e Signac ebbe grande influenza anche su alcuni pittori italiani e questo divenne evidente nella Prima Triennale di Milano tenutasi nel 1891. Guidati da Vittore Grubicy de Dragon e codificati poi da Gaetano Previati nel suo saggio Principi scientifici del divisionismo del 1906, alcuni pittori principalmente del nord Italia sperimentarono a vario titolo queste tecniche.Pellizza da Volpedo applicò la tecnica a soggetti sociali ; in tal senso si mossero anche Morbelli e Longoni. Fu però in materia di paesaggi che il divisionismo trovò forti sostenitori tra cui Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Angelo Morbelli e Matteo Olivero. Ulteriori sostenitori al genere pittorico furono Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Camillo Innocenti, Enrico Lionne, Eugenio Cecconi e Arturo Noci. Il divisionismo ebbe anche un'influenza importante nell'opera dei futuristi, soprattutto nel primo periodo. Tra questi vi erano Gino Severini , Giacomo Balla , Carlo Carrà  e Umberto Boccioni .

Prompt: In the context of Neo-Impressionism, explain the Italy and the You have to study science..Please output in Italian.

Angelo Morbelli
Arturo Noci
Camillo Innocenti
Carlo Carrà
Enrico Lionne
Eugenio Cecconi
Gaetano Previati
Giacomo Balla
Gino Severini
Giovanni Segantini
Giuseppe Cominetti
Italia
Matteo Olivero
Plinio Nomellini
Rubaldo Merello
Triennale di Milano
Umberto Boccioni
Vittore Grubicy de Dragon


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Hinduism and the Psychology.Please output in Italian.