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Musica

upright=0.7All'inizio del 1900, negli Stati Uniti d'America, iniziarono a diffondersi tra la popolazione urbana diversi generi musicali derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro contaminazioni con le tradizioni musicali bianche.Nacquero e acquisirono notorietà in questo modo il ragtime, il blues urbano , e da ultimo, il jazz, che combinava la musica bandistica e da parata, che veniva suonata soprattutto a New Orleans, con forti dosi d'improvvisazione e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.L'invenzione del fonografo e della radio, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, che erano spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora a un genere musicale popolare, fondato più sulla pratica che sulla scrittura, di essere diffuso e tramandato. musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il XX secolo, diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli anni venti/anni trenta , intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse ed evolvendosi poi gradatamente in una "musica per musicisti" e per appassionati, espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa  e poi in tutto il mondo, e diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente. musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues, degli spiritual, del gospel del dixieland, incorporando via via altre forme di musica nera  arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico. musica jazz, con le varie influenze che ne sono derivate, è stata definita colta, anche grazie all'avvicinamento e all'approfondimento della musica classica. Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale.  Da ricordare che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, in particolare dal Cakewalk, come si può ben rilevare ne Le petit nègre e nell'ultimo brano della suite Children's Corner, Golliwogg's Cakewalk, una delle sue più celebri pagine per pianoforte.

Prompt: Explain the Jazz Blues about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Cakewalk
Children's Corner
Jazz
Le petit nègre
New Orleans
Stati Uniti d'America
XX secolo


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Musica

Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni, poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:     # Idiofoni: il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.# Membranofoni: il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore .# Cordofoni: il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore. # Aerofoni: in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità .# Elettrofoni: il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Musical instruments discussed?Please output in Italian.

Aerofoni Cordofoni Elettrofoni Idiofoni Membranofoni


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Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: Explain the Survivors ghettos concentration camps about the Losterminio of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


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Aerostato

principale caratteristica delle mongolfiere ad aria calda è la possibilità di regolare la spinta ascensionale .  durata del volo è tuttavia limitata dalla quantità di carburante che la mongolfiera stessa può trasportare, e che viene consumato per il riscaldamento dell'aria.D'altro canto l'impiego di gas leggeri conferisce all'aerostato una capacità di sollevamento e un'autonomia molto maggiori rispetto a quelli ad aria calda. Per tale ragione, la maggior parte degli aerostati per l'impiego scientifico utilizzano gas leggeri, potendo raggiungere quote anche molto elevate per lunghi periodi. Tali palloni sono riempiti di elio, più costoso ma anche più sicuro rispetto all'idrogeno .Nel tentativo di sommare i vantaggi, le mongolfiere di Rozier hanno un pallone dotato di due distinte camere: la prima contenente un gas leggero e chiusa; la seconda, simile a quella delle normali mongolfiere, viene alimentata con aria riscaldata. Tali mongolfiere vengono utilizzate per effettuare voli record .

Prompt: Explain the Considerations related to the type of gas used about the Use aerostats of this artwork, Balloon (Merse).Please output in Italian.


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Annunciazione

LAnnunciazione del Signore o della Beata Vergine Maria è, nella religione cristiana, l'annuncio del concepimento verginale e della nascita verginale di Gesù che viene fatto a sua madre Maria  e a suo padre Giuseppe  dall'arcangelo Gabriele. In alcuni contesti regionali è detta "Conceptio Domini" o "Conceptio Christi" .Annunciazione , 1490 circa.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Annunciation (El Greco, Museo Thyssen-Bornemisza).Please output in Italian.


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I littori riportano a Bruto i corpi dei suoi figli è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1789  dal pittore Jacques-Louis David. È conservato nel Musée du Louvre di Parigi. L'opera segna accanto alla Morte di Socrate e il Giuramento degli Orazi, l'apice del neoclassicismo francese.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Lictors Bring to Brutus the Bodies of His Sons.Please output in Italian.

Jacques-Louis David
Morte di Socrate
Parigi


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Madame Moitessier

Quando Marie-Clotilde-Inès de Foucauld, nata nel 1821, si sposò col facoltoso banchiere Sigisbert Moitessier, ne fu richiesto un ritratto a Ingres. Inizialmente l'artista, che riteneva il genere del ritratto meno "elevato" dei prediletti soggetti mitologici, si dimostrò riluttante, ma in seguito vide la donna e, restandone colpito dalla bellezza, accettò L'opera, oggi nota come Ercole e Telefo , era molto conosciuta all'epoca per la personificazione come una dea dell'Arcadia. Forse l'artista l'aveva visto di persona nel 1814, ma era comunque popolare per le numerose incisioni.L'opera, avviata nel 1844, fu completa solo nel 1856, dodici anni dopo. Inizialmente sarebbe dovuta apparire la figlia appena nata, Caterina, ma Ingres, per non compromettere la composizione, cassò l'idea verso il 1847. I lavori procedettero lentamente. Nel giugno del 1849 la morte della moglie di Ingres sospese qualsiasi lavoro dell'artista per diversi mesi. Nel frattempo Madame Moitesser fu distratta da una seconda gravidanza e dalla morte del padre. Nel 1851 la donna ricordò a Ingres l'impegno del ritratto non ancora consegnato, ma anziché sveltire l'opera avviata, il pittore decise di iniziare da capo un ritratto più semplice, consegnato nel dicembre di quell'anno:Qualche anno dopo Ingres tornò al ritratto seduto e, dopo aver ritoccato l'abito per adattarsi alla moda nel frattempo variata, lo completò nel 1856.Fu acquistato dal museo londinese nel 1936.

Prompt: In Portrait of Madame Moitessier, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Epifania

In Brasile il giorno si chiama Dia dos Reis , mentre nel resto dell'America tina Día de Reyes e commemora l'arrivo dei Magi per adorare Gesù Bambino.  notte dal 5 è conosciuta come "Notte dei Re"  ed è festeggiata con musica, dolci e piatti regionali. Il 6 gennaio le decorazioni natalizie vengono tradizionalmente riposte.

Prompt: Describe the characteristics of the Brazil in Epifania's Artistic theme.Please output in Italian.


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San Girolamo

De viris illustribus De Virginitate Beatae Mariae. Adversus Helvidium Ordine di San Girolamo Scripturae sacrae affectus

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo).Please output in Italian.


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Martirio di sant'Erasmo

Il Martirio di sant'Erasmo è un dipinto di Nicolas Poussin realizzato tra il 1628 e il 1629, custodito nella Pinacoteca vaticana.

Prompt: How does The Martyrdom of Saint Erasmus (Poussin) explain its Abstract?Please output in Italian.


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cappella Niccolina

cappella Niccolina è un ambiente affrescato nel palazzo Apostolico in Vaticano da Beato Angelico e aiuti , tra il 1447 e il 1448 circa. Si trova nella parte più antica del palazzo, nella torre di Innocenzo III, vicino alle Stanze di Raffaello, ed era la cappella privata degli appartamenti di Niccolò V.

Prompt: Focus on Niccoline Chapel and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Il generale Johnson che salva un ufficiale francese ferito

Il dipinto è importante in quanto si tratta di una visione contemporanea che mostra tutte e tre le potenze in gioco durante la guerra franco-indiana ). Esso raffigura il generale Sir William Johnson impedire ad un guerriero indiano di prendere lo scalpo del barone Jean Erdman von Dieskau .Questo dipinto ha buoni dettagli della figura dell'indiano, ed il suo scalpo ed i tatuaggi vengono raffigurati in modo più dettagliato rispetto alle uniformi europee. West era noto per avere posseduto una collezione di manufatti del Nord America che ha impiegato nei suoi dipinti .Benjamin West era uno dei primi pittori americani. Egli affermò di avere ricevuto i rudimenti della pittura da un amico d'infanzia indiano che gli mostrò come potesse dipingere miscelando argilla al grasso d'orso. Probabilmente iniziò il dipinto poco dopo il suo arrivo a Londra, nel 1763, quando era tornato dall'Italia dove aveva trascorso tre anni. Proprio come con il precedente  famiglia indiana, un dipinto di circa il 1761, qui dimostra la stessa volontà di illustrare "i giusti vestiti ed equipaggiamento".  Inoltre fornisce una delle due immagini note contemporanee della fanteria leggera britannica nel periodo delle guerre indiane.  Mentre nella pittura italiana l'accuratezza e l'autenticità avevano lo scopo di dare una rappresentazione generica della vita indiana, qui principia un nuovo modo di utilizzare l'arte, quello di lasciare un resoconto di un recente evento storico , il dipinto è generalmente ritenuto ritrarre un incidente accaduto durante la campagna del 1755. Presso il lago George erano schierati i francesi comandati dal barone Jean Erdman von Dieskau, con i loro alleati indiani, e una truppa mista composta da Mohawk e milizia del New England, guidata da Johnson. Dopo aver respinto un attacco contro il loro campo, gli inglesi ed i loro ausiliari prese il sopravvento: Dieskau, ferito tre volte, ebbe la vita salva da Johnson, che lo protesse dalla vendetta dei Mohawk per i loro parenti uccisi. West ritornò sul tema della guerra americana con il suo  morte del generale Wolfe esposto nel 1771, opera molto più grande che consolidò la sua reputazione ma creò scalpore, per l'uso di vestiti contemporanei.

Prompt: In General Johnson Saving a Wounded French Officer from the Tomahawk of a North American Indian, how is the Description discussed?Please output in Italian.

1771
Benjamin West
Jean Erdman
William Johnson


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Madonna di San Giorgio

Madonna di San Giorgio è un dipinto a olio su tavola  del Correggio, databile al 1530 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Dresda.

Prompt: How does Madonna and Child with Saint George explain its Abstract?Please output in Italian.


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Principe ellenistico

scultura fu realizzata in bronzo con la tecnica detta "a cera persa". Gli occhi, ora perduti, erano inseriti separatamente. Probabilmente recava sul capo una corona o un diadema che si è perduto.Rappresenta un giovane nudo, con un lieve velo di barba, in posa eroica; è appoggiato enfaticamente con la mano sinistra su una lunga asta, sul modello dellEracle del greco Lisippo. Il soggetto è di difficile attribuzione. Taluni studiosi hanno ritenuto che sia il ritratto di un principe ellenistico , altri di un generale romano .Sulla base di nuove ricerche scientifiche e archeologiche, il Liebieghaus Polychromy Research Project ha creato una ricostruzione sperimentale che riproduce il cosiddetto “Principe ellenistico” e il cosiddetto “Pugile in riposo“ come elementi di un gruppo statuario. Questo gruppo mostra presumibilmente il Dioscuro Polluce e il re Amico, figlio di Poseidone, dopo il loro sanguinoso incontro di combattimento. Questa proposta di ricostruzione era già stata sviluppata nel 1945 da Phyllis Lehman Williams e Rhys Carpenter .

Prompt: How does Hellenistic Prince explain its Description?Please output in Italian.

Lisippo
Polluce
Poseidone
Pugile in riposo
Pugile in riposo


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Bambini dell'Olocausto

Yad Vashem United States Holocaust Memorial Museum Museum of Tolerance, LA

Prompt: Describe the characteristics of the Museography in Children in the Holocaust's Losterminio.Please output in Italian.


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Perseo e la Gorgone

Claire Barbillon, Catherine Chevillot, Stéphane Paccoud, Ludmila Virassamynaïken e Ophélie Ferlier-Bouat, Catalogue raisonné des sculptures : du xviie au xxe siècle, Parigi/Lione, Musée des Beaux-Arts de Lyon, Somogy, 2017. Emmanuelle Héran, « Perseus Slaying Medusa » in: Anne-Birgitte Fonsmark, French sculpture 2 , Copenaghen, Ny Carlsberg Glyptotek, 1999, p. 210-212. Bo Wennberg, French and Scandinavian Sculpture in the Nineteenth Century : A Study of Trends and Innovations, Stoccolma, Amqvist & Wiksell, 1978, p. 213.

Prompt: How does Perseus and the Gorgon explain its Bibliography?Please output in Italian.

Copenaghen
Lione
Ny Carlsberg Glyptotek
Parigi


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (van Dyck, New York)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Festa del Rosario

Rispetto ai precedenti iconografici Albrecht Dürer ambientò la scena in un paesaggio luminoso, piuttosto che un fondale neutro, e sostituì ai volti stereotipati dei membri del popolo veri e propri ritratti, di personaggi reali e ben noti. L'opera è infatti memore della calma monumentalità di Giovanni Bellini, con l'omaggio esplicito dell'angelo musicante già presente, ad esempio, nella Pala di San Giobbe  o nella Pala di San Zaccaria .Restauri sconsiderati hanno compromesso la leggibilità della superficie pittorica: quasi tutte le teste sono ridipinte e circa la metà dell'intera tavola. Tra le parti scampate ai restauri impropri spiccano il paesaggio o il piviale del pontefice, in cui è ancora leggibile la straordinaria luminosità del colore, sintetizzata con un disegno forte e preciso, che segna il culmine delle potenzialità dell'intera carriera del pittore.Nonostante i danni l'opera resta un momento fondamentale nel percorso nello sviluppo dell'arte europea, quello in cui un pittore tedesco, proveniente da una scuola pittorica fino ad allora secondaria, dimostrò di avere tutte le carte in regola per competere con i pittori della celebrata scuola veneziana.

Prompt: Focus on Feast of the Rosary and explain the Style.Please output in Italian.

Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Pala di San Giobbe
Pala di San Zaccaria


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: In Self-portrait at 69 years, how is the The self-portrait of the delegate of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Peste di Azoth

peste di Ashdod  è un dipinto di Nicolas Poussin risalente al 1631, custodito al Louvre.

Prompt: In Plague of Ashdod (Poussin), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Mosè con le tavole della legge

Mosè con le tavole della legge è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1659 dal pittore Rembrandt Harmenszoon Van Rijn.È conservato nel Staatliche Museen di Berlino.L'opera è firmata e datata "REMBRANDT F. 1659".Mosè è raffigurato dall'artista con le tavole della Legge alzate sopra la testa. Questo atteggiamento può avere due interpretazioni, entrambe plausibili all'interno del racconto biblico. Sulle sacre tavole si fa riferimento a un misterioso cavallo alato, che sarebbe servito da trasporto alle anime.Ricevuti i Dieci Comandamenti, Mosè scese dal Sinai e trovò il Popolo di Israele in adorazione di un vitello d'oro:  dinnanzi a questo affronto, scagliò le Tavole per la rabbia provata, distruggendole. Nel dipinto, però, Mosè ha un'espressione che è difficile definire adirata: per questo è possibile che Rembrandt abbia inteso raffigurare il momento in cui il Patriarca mostrò le Leggi al suo popolo.

Prompt: How does Moses Breaking the Tablets of the Law explain its Abstract?Please output in Italian.


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Goethe nella campagna romana

L'immagine  mostra il poeta di un quarto di profilo, appoggiato su blocchi di pietra che possono essere identificati come le macerie di un obelisco egizio caduto. Il suo sguardo è serio e pensoso in lontananza. Indossa un mantello leggero simile a un mantello sotto il quale è visibile una giacca rossa, pantaloni color ocra, calze di seta azzurre e un cappello floscio grigio-azzurro.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Goethe in the Roman Campagna.Please output in Italian.


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Crocifissione

upright=1.4sinistraCrocifissione ai tempi dell'Impero romano (Presso le civiltà antiche la crocifissione era molto praticata. Il primo documento che vi fa riferimento si trova nella letteratura sumerica. A Roma questo supplizio appare per la prima volta nel 217 a.C., come ricorda Livio in un passo ricordando che "furono anche crocifissi venticinque schiavi che avevano congiurato nel Campo marzio". Si è molto discusso con conclusioni spesso divergenti, ma probabilmente era una pratica che i Romani appresero dai Cartaginesi: pena si distingue per l'atrocità e il vilipendio che vi è associato; i romani punivano con questa esecuzione il brigantaggio e la ribellione degli schiavi. Il giudice, riconosciuta la colpevolezza e pronunciata la condanna "sia messo in croce!", dettava il titulus, cioè il motivo della sentenza scritta su un cartello, quindi indicava le modalità di esecuzione, delegata ai carnefici o, nelle province, ai soldati. Il condannato, davanti al magistrato, era prima flagellato dai tortores, che operavano in coppia. Denudato e legato ad un palo o ad una colonna era colpito con strumenti diversi a seconda della condizione sociale: per gli schiavi e i provinciali era previsto il flagrum o flagellum formato da 2 o 3 strisce di cuoio o corda  intrecciate con schegge di legno, od ossicini di pecora o delle strisce di cuoio aventi all'estremità piccole sfere di metallo.  flagellazione poteva essere una punizione esemplare fine a se stessa, seguita dalla liberazione o una condanna mortale: in tale caso, produceva lacerazioni così profonde da mettere allo scoperto le ossa. Se veniva inflitta come preambolo alla crocifissione, il numero di colpi doveva essere limitato probabilmente a una ventina perché la vittima non doveva morire prima di finire in croce.Il condannato veniva poi rivestito e condotto al supplizio. Il titulus, appesogli al collo o portato da un banditore, aveva la funzione d'informare la popolazione sulle sue generalità, sul delitto e sulla sentenza. I responsabili d'efferati delitti erano caricati del patibulum . Se i malcapitati erano più di uno, venivano legati tra loro con una lunga corda che poteva passare intorno al collo, ai piedi o a un'estremità del patibulum. Sul luogo dell'esecuzione, situato sempre fuori dalle mura cittadine, erano spesso già piantati i pali verticali, gli stipites, su cui fissare i patibula.  crux patibulata o crux compacta risultava a forma di T, il tau greco. Il cruciario veniva spogliato e i suoi vestiti diventavano proprietà dei carnefici, quale prezzo della loro prestazione; probabilmente il crocefisso era nudo. È possibile ritenere l'aggiunta dello straccio nelle rappresentazioni dei crocifissi come una consuetudine di origine cristiana per le immagini sacre in quanto la nudità completa, specie nel caso delle condannate, era un ulteriore strumento di umiliazione e punizione. Veniva poi appeso alla croce per le braccia con chiodi, anelli di ferro o corde, come pure i piedi, che talvolta però venivano lasciati liberi.Con la crocifissione si voleva provocare una morte lenta, dolorosa e terrificante, esemplare per chi ne era testimone: per stillicidia emittere animam, lasciare la vita goccia a goccia. Origene scrive: “Vivono con sommo spasimo talora l'intera notte e ancora l'intero giorno”. Per questo si adottava una serie d'accorgimenti che ritardavano la morte anche per giorni: per esempio un sedile o un corno, posto nel centro del palo verticale. Lungo il cammino essi subivano strattoni e venivano oltraggiati, maltrattati, pungolati e feriti per indebolirne la resistenza. Bevande drogate  e la posca  servivano a dissetare, tamponare emorragie, far riprendere i sensi, resistere alla sofferenza, mantenere sveglio il crocifisso perché confessasse le sue colpe.Raramente la morte veniva accelerata; se ciò accadeva era per motivi d'ordine pubblico, per interventi d'amici del condannato, per usanze locali. Si provocava la morte in due modi: col colpo di lancia al cuore o col crurifragium, cioè la rottura delle gambe, che privava il condannato d'ogni punto d'appoggio con conseguente soffocamento per l'iperestensione della cassa toracica .  vigilanza presso la croce era severa per impedire interventi di parenti o amici; l'incarico di sorveglianza era affidato ai soldati e durava sino alla consegna del cadavere o alla sua decomposizione. In Occidente, all'inizio del IV secolo, l'Imperatore Costantino il Grande vietò ai tribunali pubblici di condannare alla crocifissione. Ma questa pratica durò molto più a lungo in Oriente e in altri Paesi; al riguardo vi sono racconti dettagliati di crocifissioni ancora nel IX secolo.

Prompt: In the context of Crucifixion (Mantegna), explain the Crucifixion Roman Emperor and the Description.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: Explain the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-Portrait (Titian, Berlin).Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Leonida alle Termopili

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Leonidas at Thermopylae.Please output in Italian.


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amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In Love & Loss, how is the Bahá'í Faith of the Philosophy explained?Please output in Italian.


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Ritratto di dama con ventaglio

Il Ritratto di dama con ventaglio è un dipinto olio su tela di Giovan Battista Moroni conservato nel museo Rijksmuseum di Amsterdam. Il ritratto venne esposto a Bergamo alla mostra dedicata all'artista nel 2005 nel Museo Adriano Bernareggi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Portrait of a Lady Holding a Fan.Please output in Italian.

2005
Amsterdam
Bergamo
Giovan Battista Moroni
Museo Adriano Bernareggi


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In The Last Supper (Ghirlandaio), how is the One God will betray you of the New Testament explained?Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


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Due donne tahitiane

Due donne tahitiane è un dipinto del pittore francese Paul Gauguin, esponente del post-impressionismo, realizzato nel 1891 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: In Tahitian Women on the Beach, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Musica

Queste innovazioni in campo tonale vennero radicalmente modificati dalla musica del XX secolo, che esplorò le nuove forme dell'atonalità. Con questa tecnica il singolo compositore definì autonomamente le regole per la realizzazione del brano, dando maggiore importanza all'effetto prodotto dai suoni piuttosto che alla loro appartenenza ad un assegnato sistema tonale: per apprezzare un brano di musica composto secondo questi canoni, però, il solo ascolto non è sufficiente, ma deve essere integrato da un attento studio dello spartito.upright=0.8In particolare, nel secondo decennio Arnold Schönberg, assieme agli allievi, tra cui ricordiamo Alban Berg e Anton Webern, giunse a delineare un nuovo sistema, la dodecafonia, basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio della musica contemporanea, spesso identificata con la musica d'avanguardia: altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. Fu questa la fase del serialismo, il cui vertice fu raggiunto negli anni cinquanta con musicisti come Pierre Boulez e John Cage.Altri musicisti - fra cui anche Béla Bartók e Maurice Ravel - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloriche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri. Igor' Fëdorovič Stravinskij dopo un primo periodo di ispirazione russa, si accostò al Neoclassicismo e quindi alla musica seriale.A causa della larga gamma di definizioni, lo studio della musica è effettuato in una grande varietà di forme e metodi: lo studio del suono e delle vibrazioni , lo studio della teoria musicale, lo studio pratico, la musicologia, l'etnomusicologia, lo studio della storia della musica.

Prompt: Explain the Modern contemporary music about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Alban Berg
Anton Webern
Arnold Schönberg
Béla Bartók
Igor' Fëdorovič Stravinskij
John Cage
Maurice Ravel
Pierre Boulez
XX secolo


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Sarcofago Grande Ludovisi

Arte severiana Sarcofago Mattei I Sarcofago romano Sarcofago Piccolo Ludovisi Ludovico Ludovisi

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Ludovisi Battle sarcophagus.Please output in Italian.

Arte severiana
Ludovico Ludovisi
Sarcofago Mattei I
Sarcofago Piccolo Ludovisi
Sarcofago romano


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the The portrait the self-portrait the delegate and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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Venere di Galgenberg

Prompt: How does Venus of Galgenberg explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Musica

upright=0.8upright=1.4All'inizio del XX secolo la musica occidentale cambiò profondamente, e fu scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiarono anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della radio e del fonografo, i modi e i tempi di ascolto della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come teatri, locali, club o case private. Da una parte iniziò a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezzava strutture melodiche e armoniche più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico fu facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell'altoparlante e dell'amplificazione audio, che permise di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti , perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il 1920 fino al 1980 e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi . In ambito pop nacquero personaggi che diventano autentici fenomeni mediatici raggiungendo una popolarità senza precedenti. Fra questi si possono citare Frank Sinatra, Elvis Presley, James Brown, Jimi Hendrix, Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones, David Bowie, Stevie Wonder, Elton John, Bruce Springsteen, U2 per arrivare ai più recenti George Michael, Michael Jackson, Bon Jovi, Oasis, Madonna, Cher, Britney Spears, Adele.Altro genere popolare sorto nel XX secolo è stato il rock, dizione abbreviata di "rock and roll" o "rock'n'roll" . Il rock'n'roll nacque negli anni cinquanta come musica da ballare, derivata dal boogie-woogie, ballo afro-americano del dopo guerra . Quando rock e rock'n'roll si differenziarono, la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere di musica. Storicamente un gruppo, o una band è formata da una voce, una o più chitarre, il basso e la batteria, in alcuni casi con l'inserimento di altri strumenti .Negli anni sessanta, soprattutto in Inghilterra, si formarono gruppi come The Who, Pink Floyd, Led Zeppelin, Deep Purple, King Crimson e Soft Machine pronti a spaziare e a raggiungere nuove strutture musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, traendo spesso ispirazione dalla musica classica e dal jazz, per iniziare a dare vita a una rivoluzione. In questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia, che con il sintetizzatore, il moog, il mellotron iniziò a dare vita nella metà degli anni sessanta al genere progressive. Alla fine degli anni settanta nacque un nuovo stile musicale che azzerò completamente il progressive, il punk, che vide il ritorno a sonorità hard e violente spinte a volte verso estremismi anti-musicali e legate a tematiche di contestazione politica.Negli anni ottanta le due correnti principali del rock erano il punk e le sue propaggini , No Wave, Industrial ecc.) e il Metal . I primi anni novanta videro l'esplosione del fenomeno Grunge che riportò per qualche tempo il rock all'attenzione delle masse popolari. Il gruppo più rappresentativo di questo genere furono i Nirvana, che con Il loro secondo album Nevermind portarono il grunge nel mainstream rimanendoci fino alla fine degli anni novanta. Nella seconda metà degli anni novanta la ripresa di istanze progressive, filtrate dall'esperienza punk, diedero vita a quello che sarà poi definito Post-rock. All'interno dell'universo post-rock può essere incluso il Math rock  e certe forme di neopsichedelia . Altra corrente che si sviluppa nel corso del decennio è lo Stoner rock, mentre il metal si avvia ai suoi sviluppi più estremi e parossistici: Death metal, Black metal, Doom metal, Power metal, Thrash metal e Speed metal si allontanano nettamente dagli schemi della canzone hard rock/heavy metal tendendo anch'essi a rivolgersi a nicchie di pubblico più ristrette, mentre le tematiche diventano sempre più oscure e decadenti . Parallelamente, la musica nera troverà il suo nuovo genere di riferimento nell'hip hop, mentre quella latina, da sempre orientata alla musica da ballo, vedrà l'origine del genere del reggaeton.Con l'avvento del III millennio, cambia la modalità di fruizione della musica. Tramonta l'epoca dei supporti fonografici, che avevano fatto la fortuna dell'industria discografica nel XX secolo, e la musica è sempre più distribuita attraverso internet e fruita attraverso nuovi media come i lettori MP3.

Prompt: Describe the characteristics of the Popular music of the 20th century in Music (Matisse)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1920
1980
Black metal
Bob Dylan
Bon Jovi
Britney Spears
Bruce Springsteen
Cher
David Bowie
Death metal
Deep Purple
Doom metal
Elton John
Elvis Presley
Frank Sinatra
George Michael
Grunge
III millennio
James Brown
Jimi Hendrix
King Crimson
Led Zeppelin
Math rock
Michael Jackson
Oasis
Pink Floyd
Post-rock
Power metal
Soft Machine
Speed metal
Stevie Wonder
Stoner rock
The Beatles
The Rolling Stones
The Who
Thrash metal
U2
XX secolo


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amore

Simposio e Fedro, di Platone Sull'amore, di Plutarco Commentario al Convivio di Platone sull'Amore, di Marsilio Ficino Aut Aut e Diari, di Søren Kierkegaard Zibaldone di pensieri, di Giacomo Leopardi Metafisica dell'amore, cap. XLIV de Il mondo come volontà e rappresentazione, di Arthur Schopenhauer  gaia scienza, di Friedrich Nietzsche Essenza e forme della simpatia, di Max Scheler Sull'amore, di José Ortega y Gasset

Prompt: Describe the characteristics of the Philosophy in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.

Arthur Schopenhauer
Marsilio Ficino
Platone


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statua colossale di Costantino I

Della statua restano: la testa, la mano destra, il gomito destro, entrambe le ginocchia, la caviglia sinistra ed entrambi i piedi. Si presume che Costantino fosse rappresentato in veste di Giove, seduto in trono,  avvolto nel lungo mantello himation che lasciava scoperti il petto e le parti in marmo sopravvissute; nel braccio destro sollevato, doveva tenere un'asta o scettro, e nell'altra mano un globo. Il globo forse era sormontato in origine da una Vittoria alata, tipica delle statue di Giove e venne sostituita più tardi, con l'imporsi del Cristianesimo,  da una croce.  testa, che originariamente era ornata da una corona metallica, è grandiosa e solenne. Presenta i caratteri dell'arte romana di quell'epoca, con le tendenze di stilizzazione e semplificazione delle linee: la plastica del volto è più squadrata, con capelli e sopracciglia resi con incisioni nel marmo molto raffinate e "calligrafiche", ma del tutto innaturali; gli occhi sono grandi, quasi smisurati, con la pupilla ben marcata mentre guarda verso l'alto, e sono il punto focale dell'intero ritratto; lo sguardo fisso dell'Imperatore sembra scrutare l'ambiente circostante e dà al ritratto un'apparenza di austerità ultraterrena. I capelli sono trattati come un'unica massa rigonfia solcata profondamente dalle striature che separano alcune ciocche. Il naso è aquilino, le labbra lunghe e sottili, il mento prominente.A differenza del curato realismo della ritrattistica romana anteriore, la statua mostra un volto idealizzato, nonostante l'impostazione classica, che cerca di rendere un'aura di santità: vi si possono leggere le influenze delle antiche monarchie orientali  per tramite dell'ellenismo nell'iconografia imperiale , ma anche le tendenze "provinciali" e "plebee" che dal IV secolo divennero molto forti nella cultura romana .

Prompt: How does Colossus of Constantine explain its Description?Please output in Italian.


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Cristo nella tempesta sul mare di Galilea  è un dipinto a olio su tela realizzato nel 1633 dal pittore olandese Rembrandt van Rijn e custodito nell'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston fino al suo furto, avvenuto il 18 marzo 1990.Il dipinto raffigura il miracolo di Gesù che calma le acque durante una tempesta nel mare di Galilea secondo la descrizione del Vangelo di Marco.È l'unico paesaggio marino dipinto da Rembrandt ed è un'opinione abbastanza diffusa che l'unica figura che guarda verso l'osservatore sia un autoritratto dell'autore stesso.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Storm on the Sea of Galilee.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portraits by Albrecht Dürer in Self-portrait (Thomas Eakins)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Battaglia di Isso

ribellione della Fenicia escludeva la possibilità di utilizzare aiuti e rifornimenti provenienti dalla flotta in mare.  tattica difensiva macedone avrebbe evitato uno scontro impari in campo aperto; questo costringeva i Persiani a cercare assolutamente la battaglia prima del sopraggiungere dell'inverno ed evitare in questo modo un ritiro per mancanza di rifornimenti.I due eserciti si trovarono così a fronteggiarsi divisi dal poco profondo fiume Pinarus e sebbene le condizioni per i persiani fossero sfavorevoli, Dario poteva comunque contare su un esercito quattro volte più numeroso di quello macedone.

Prompt: In the context of Alexander Mosaic, explain the House and the Consequences of the battle.Please output in Italian.


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statua colossale di Costantino I

statua colossale di Costantino I, opera composita in marmo e bronzo dorato, fu una delle opere più importanti della scultura romana tardo-antica, alta ben 12 metri.Databile tra il 313  e il 324 , la statua era collocata nella basilica di Massenzio, ove nel 1486, sotto papa Innocenzo VIII, ne furono rinvenuti resti, oggi nel cortile di Palazzo dei Conservatori, ai Musei Capitolini.

Prompt: In Colossus of Constantine, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Sacra Famiglia Canigiani

tavola venne quasi certamente dipinta per il fiorentino Domenico Canigiani , forse in occasione delle nozze con Lucrezia Frescobaldi, nel 1507. Passata in seguito nelle raccolte medicee, fu donata da Cosimo III a Giovanni Guglielmo del Palatinato in occasione delle nozze di questi con la figlia Anna Maria Luisa de' Medici. Andò così a decorare il palazzo di Düsseldorf e più tardi, nel 1801, venne trasferita a Monaco, per allontanarla dalle mire di Napoleone. datazione al 1507, o tutt'al più al 1508, si basa su dati stilistici, che legano l'opera agli ultimi anni del soggiorno fiorentino di Raffaello, come la Sacra Famiglia con l'agnello e la Deposizione Borghese.Il restauratore François-Louis Collins, verso il 1755 nascose sotto ad un cielo azzurro i due gruppi incompiuti di angioletti in volo fra le nubi vicino agli angoli, in quanto mutilati da un precedente accorciamento della tavola, che in seguito abrase completamente per fare aderire meglio la ridipintura del cielo. Essi appaiono dopotutto in una copia antica dell'opera, nella galleria Corsini a Roma. Considerati non originali alla fine dell'Ottocento, gli angeli sono stati riscoperti nel 1982, quando in seguito a un meticoloso restauro se ne è certificata l'autografia.Un'altra replica antica dell'opera si trova alla Galleria nazionale delle Marche a Urbino.

Prompt: Explain the History of this artwork, Canigiani Holy Family.Please output in Italian.

1507
1508
1801
1982
Anna Maria Luisa de' Medici
Canigiani
Deposizione Borghese
Düsseldorf
Frescobaldi
Galleria nazionale delle Marche
Giovanni Guglielmo del Palatinato
Sacra Famiglia con l'agnello
Urbino


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Presentazione al Tempio

Per Luca, la prima introduzione di Gesù al Tempio ha un preciso significato teologico. Per la purificazione della puerpera l'offerta del primogenito, infatti, non era necessario andare al Tempio di Gerusalemme: questi atti potevano essere effettuati in tutto il Paese presso un sacerdote qualsiasi. L'incontro con Simeone e Anna mostra l'attuazione di una profezia di Malachia, secondo cui il Messia sarebbe stato riconosciuto nel Tempio .  gioia dei due ebrei pii descrive il compimento della speranza del popolo di Israele. Simeone capisce che Gesù è il messia atteso, ma è venuto per tutti i popoli, non solo per Israele; sarà però un segno di contraddizione, dividendo Israele tra chi crederà in lui e chi no. Luca non dice che Gesù è stato riscattato con il pagamento dell'offerta: ciò significa che è stato consacrato interamente a Dio Padre fin da bambino. Per la Chiesa cattolica Maria non avrebbe avuto bisogno di essere purificata, ma si sottopone ugualmente in segno di umiltà al rito per dimostrare la sua obbedienza ai precetti religiosi ebraici.  Chiesa ha sempre identificato la "spada" menzionata da Simeone come figura del dolore che Maria avrebbe sofferto durante la Passione del Figlio.Il ricordo della presentazione al Tempio di Gesù è all'origine della tradizione cristiana di presentare i neonati al Signore, chiedendo che egli li benedica sin dalla più tenera età. Per le chiese in cui viene praticato il battesimo dei neonati ciò avviene in occasione della cerimonia del battesimo. Nelle confessioni cristiane che battezzano solo adulti viene talvolta praticata comunque una presentazione sacramentale dei neonati.

Prompt: Explain the Theological significance about the Gospel story of this artwork, Presentation at the Temple (Mantegna).Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Gesù
Messia
Tempio di Gerusalemme


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Madonna col Bambino in trono tra i santi Giovanni Battista e Sebastiano

L'opera venne dipinta su commissione di Cornelia Salviati, vedova del mercante fiorentino Giovanni Martini, e di suo figlio Roberto, per la cappella nella chiesa del convento di San Domenico a Fiesole, che era stata forse fatta ristrutturare a Giuliano da Sangallo pochi anni avanti. Nel 1493 Perugino aveva anche sposato Chiara Fancelli, figlia dell'architetto Luca Fancelli: il ritratto della donna, dalla bocca stretta e il mento affilato, compare nell'effigie della Madonna.Nel 1786 venne acquistata dal Granduca Pietro Leopoldo per mille scudi, entrando così nelle Regie Gallerie, poi Uffizi.  cappella venne allora decorata da un dipinto di Lorenzo di Credi, mentre nel XX secolo fu fatta una copia della Madonna di Perugino da Garibaldo Ceccarelli, che ancora oggi si trova nella chiesa.Il restauro del 1995 ha recuperato gli accordi cromatici originari, con una migliore lettura dei dettagli più minuti, come le venature della pietra sul pilastro di destra.

Prompt: Explain the History of this artwork, Madonna and Child Enthroned with Saints John the Baptist and Sebastian.Please output in Italian.

1493
1786
Chiara Fancelli
Fiesole
Giuliano da Sangallo
Lorenzo di Credi
Luca Fancelli
Perugino


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Ritratto di Giovanna Tornabuoni

Andreas Quermann, Ghirlandaio, serie dei Maestri dell'arte italiana, Könemann, Köln 1998. ISBN 3-8290-4558-1 Emma Micheletti, Domenico Ghirlandaio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-XGert Jan van der Sman, Lorenzo e Giovanna. Vita e arte nella Firenze del Quattrocento, Mandragora, Firenze 2010. ISBN 978-88-7461-127-0

Prompt: In Portrait of Giovanna Tornabuoni, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: In Self-Portrait (Chassériau), how is the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Ermes di Atalanti

LErmes è conservato in maniera pressoché integra, risultando mancanti soltanto le dita della mano sinistra e l'indice della destra.  posizione della statua è chiastica e il peso viene scaricato prevalentemente sulla gamba sinistra, mentre la destra si presenta rilassata. Sul lato sinistro del corpo trattiene una clamide, che dalla spalla cade indietro, poi sul braccio e infine resta sospesa sopra al tronco d'albero, che funge da supporto; per i movimenti da cui è connotato il tessuto, la divinità resta conseguentemente nuda. Il braccio sinistro risulta piegato all'altezza del gomito, mentre quello destro pende liberamente sul lato. Probabilmente teneva degli oggetti in entrambe le mani, ma non si sono conservati . testa, leggermente rivolta a destra, presenta una folta capigliatura dalle ciocche corte e arruffate. Sebbene si tratti di una produzione del II secolo, sono visibili alcune chiare caratteristiche lisippee, perciò si può ritenere deliberatamente scolpita seguendo quello stile oppure si tratta proprio di una copia di un originale del IV secolo a.C.  statua, inoltre, ha delle affinità con altre sculture similari rinvenute ad Andro  ed Aigio ; nella versione di Atalanti si tratta di un'opera considerata precisa, ma eccessivamente severa e formale, priva della naturalezza, della delicatezza e della grazia che contraddistinguono la versione di Andro .

Prompt: Focus on Atalante Hermes and explain the Description.Please output in Italian.


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: In Adoration of the Shepherds (Lorenzo di Credi), how is the Historicity theological significance of the Luca's story explained?Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Visitazione con i santi Nicola e Antonio

scena centrale della pala rappresenta l'incontro della Vergine Maria e l'anziana sant'Elisabetta, futura madre di Giovanni Battista. Le loro figure torreggiano al centro, scambiandosi un intenso sguardo pieno di consapevolezza dei rispettivi destini dei propri nascituri, con un naturalistico scambio di gesti: una stretta di mano e l'accenno di un abbraccio.Ai lati seduti, formando una composizione piramidale, si trovano i santi Nicola di Bari, riconoscibile per l'attributo delle palle d'oro, e Antonio Abate, con la campana, il bastone e il maialino. Essi sono nell'atto di leggere e scrivere e sembrano fare da testimoni indiretti all'avvenimento; Antonio indossa anche un paio di occhiali. Amorevole è la descrizione dei dettagli in primo piano, derivata da una compenetrazione avanzata dell'arte fiamminga.Ai lati si trovano due quinte di edifici, oltre le quali si sviluppano alcune fantasiose formazioni rocciose, in cui sono ambientate alcune scene secondarie: lAnnunciazione dipinta su un muro della chiesa lontana, lAdorazione dei Pastori a sinistra e la Strage degli Innocenti in secondo piano.Il realismo accentuato del dipinto ha probabilmente la sua origine in arte fiamminga, in voga a Firenze in quel momento.  composizione di Piero, con un gruppo centrale principale e un santo su entrambi i lati, ricorda il trittico formato tradizionale. Tuttavia, la sua qualità piramidale, con i santi che formano una base e la testa di Maria e di Elisabetta come l'apice, riflette l'influenza dei recenti lavori di Leonardo da Vinci.Scrisse Fanny Knapp Allen sul dipinto: «Attraverso lo studio della pittura dei Paesi Bassi perviene a una finezza di dettagli che nessun altro fiorentino ha mai raggiunto. È forse uno dei quadri più caratteristici del periodo giovanile del pittore. [...] Ogni ruga, ogni peluzzo del volto e delle mani dei due santi seduti in primo piano, perfettamente caratterizzati, furono eseguiti con una cura e un amore che meravigliano in un fiorentino. È mirabile che la disposizione di Piero al dato sensibile sia così vicina a quella dei nordici. [...] Le due donne si fissano negli occhi, come nella consapevolezza del destino che le attende [...] e mentre Maria, in atto di saluto e per placare l'emozione dell'altra, pone la mano sinistra sulla spalla della vecchia Elisabetta, questa alza la mano, meravigliata che la Madre del Signore sia venuta da lei [...] sono legate in modo strettissimo, esprimendo partecipazione interiore e un calmo abbandono al loro destino. Psicologicamente, è la più bella Visitazione mai dipinta a Firenze.»

Prompt: Focus on Visitation with Saint Nicholas and Saint Anthony and explain the Description and style.Please output in Italian.

Fanny Knapp Allen
Firenze
Giovanni Battista
Paesi Bassi


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Madonna di San Francesco

Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772

Prompt: Focus on Madonna and Child with St Francis and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Quattro visioni dell'Aldilà

prima tavola ha come soggetto la Caduta dei dannati. Si notano tre figure di anime malvagie che scaraventate da altrettanti diavoli sprofondano attraverso l’abisso infernale verso "una palude di cenere incandescente e di lava rosso fuoco". Al centro in basso, una quarta figura umana si trova già avvolta dai fumi, mentre in alto a sinistra  un quarto diavolo sembra esultare in volo. Il paesaggio vulcanico è appena rischiarato di bagliori delle eruzioni. Nella parte alta, le sagome diaboliche, caratterizzate da un corpo scimmiesco con testa da pesce abissale e tipici barbigli, sono rese con poche sintetiche pennellate luminose di grande modernità che le ritagliano sul fondo nero, con tratti bianchi. Le figure umane sono invece definite da tratti ocra con lumeggiature gialle. I toni cupi e angoscianti che dominano la raffigurazione riescono a dare alla scena un'impressione sinistra di assoluta drammaticità.

Prompt: In the context of Ascent of the Blessed, explain the Fallen gods' children and the History.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi (Geertgen tot Sint Jans Amsterdam)

LAdorazione dei Magi mostra i tre magi che portano doni. Re Melchiorre è mostrato inginocchiato davanti a Gesù Bambino e offre il suo dono di monete d'oro.  sua corona rimossa giace ai suoi piedi. Dietro di lui re Gaspare, con la corona penzolante dietro la testa, prende in dono l'incenso da un assistente pronto a presentarlo. A sinistra re Baldassarre, ritratto come un re dalla pelle scura, porta ancora la corona e tiene in mano un globo di mirra. Sullo sfondo, sopra le loro teste, si vede il seguito di ciascuno dei tre magi. I magi vengono così mostrati due volte, una in primo piano e ancora in  sullo sfondo, arrivando con il loro seguito dall'Africa, dall'Europa e dall'Asia. Un esame radiografico del disegno di base mostra che originariamente il seguito europeo di Melchior lo faceva cavalcare e questo fu poi cambiato in un dromedario. Ciò è sorprendente, perché i primi cammelli nei dipinti dei "Tre re" tendono a rappresentare il seguito di Baldassarre, che si diceva provenisse dall'Etiopia .

Prompt: In The Adoration of the Magi (Geertgen tot Sint Jans), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Stufetta del cardinal Bibbiena

GrottescheQuarto stileLoggetta del cardinal BibbienaLogge di Raffaello

Prompt: Focus on Stufetta del cardinal Bibbiena and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Logge di Raffaello
Loggetta del cardinal Bibbiena
Quarto stile


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Madonna col Bambino

I più antichi modelli dell'iconografia della madre col figlio piccolo in braccio, magari allatante, risalgono alle civiltà preistoriche, come quelle anatoliche o nuragica, ma diventano comuni solo nell'Antico Egitto, con Iside e Horus; queste rappresentazioni erano diffuse anche nel mondo romano, in forma soprattutto di statuetta votiva, e dovettero fare da esempio per i primi artefici alessandrini e bizantini che elaborarono la nuova iconografia in chiave cristiana.Tuttavia, a differenza di questi culti pagani, Maria è madre vergine che concepisce il Figlio di Dio incarnato per opera dello Spirito Santo. Inoltre, il figlio non è una delle tante divinità del pantheon di una religione politeista, ma è inteso come l'unico e unigenito vero Dio vivente nella Trinità.

Prompt: How does Madonna and Child (Perugino, Washington) explain its Origins?Please output in Italian.

Antico Egitto
Figlio di Dio
Horus
Iside
Trinità


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Self-portraitsset of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Madonnina

Nel XVIII secolo il duomo era ancora quasi privo di guglie e in continuo stato di lavorazioni riprese, interrotte e mai completate.  Su impulso dell'arcivescovo Giuseppe Pozzobonelli, Il 16 luglio 1765 il Capitolo della Veneranda Fabbrica del Duomo deliberava di fare innalzare la guglia maggiore, sopra il tiburio eretto alla fine del Quattrocento. L'opera, che era in discussione da molti anni, venne progettata  e poi realizzata  dall'architetto della veneranda fabbrica Francesco Croce e il duomo raggiunse così l'altezza complessiva di 108,50 metri.Sulla cima della guglia, secondo un piano che risale probabilmente alle origini stesse del Duomo, venne posta una statua dell'Assunta  con lo sguardo e le braccia aperte a implorare la benedizione di Dio verso la città. Il capitolo indisse un concorso, fra i molti scultori impegnati nella fabbrica del duomo, per la realizzazione della statua, del quale risultò vincitore Giuseppe Perego, scultore lombardo attivo nel periodo tardobarocco di cui si posseggono scarse notizie biografiche, allievo del più noto Elia Vincenzo Buzzi. Il Perego fu prescelto in base ai modellini in terracotta della statua da lui predisposti, ancor oggi conservati all'interno del Museo del Duomo di Milano. Fu scelto in particolare il modello più semplice, raffigurante l’Assunta su una nuvola senza angeli intorno. A partire dal modello in scala ridotta plasmato dal Perego, fu ricavato un modello in legno di noce, poi tradotto in rame sbalzato dall’orafo Giuseppe Bini.  statua, costituita da lamine di rame sbalzate e dorate sostenute da un'anima in ferro, venne posizionata e fissata da tre magutt il 30 dicembre 1774.Durante la seconda guerra mondiale la statua venne ricoperta da teli, per ridurne la visibilità impedendo che diventasse un riferimento topografico di navigazione per i bombardieri alleati.Nel dopoguerra la degradata struttura in ferro fu sostituita da una in acciaio inossidabile.

Prompt: In Madonnina (statue), how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1765
1774
Dio
Duomo di Milano
Elia Vincenzo Buzzi
Francesco Croce
Giuseppe Pozzobonelli
Milano
XVIII secolo


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La Gravida

Gravida è un dipinto a olio su tavola  di Raffaello Sanzio, databile al 1505-1506 circa e conservato nella Galleria Palatina a Firenze.

Prompt: Focus on La donna gravida and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra tendenza del XIX secolo fu quella di recuperare l'antica polarità che aveva guidato i pittori nella raffigurazione del proprio volto, ossia quella fra affermazione del loro ruolo pittorico e introspezione psicologica. Sul primo versante notevole è la produzione di Gustave Courbet, che nei suoi numerosi autoritratti ricercò sempre la propria rivendicazione sociale. Allo stesso modo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille Corot, James Abbott McNeill Whistler, Camille Pissarro e Claude Monet prestarono sempre attenzione all'immagine che volevano dare di sé e del proprio ruolo.Sul secondo versante, quello dell'introspezione psicologica, il tema si fece nell'Ottocento particolarmente profondo e drammatico, sulla scorta dell'interesse per la psiche umana sfociato sul finire del secolo nella fondazione della psicoanalisi da parte di Sigmund Freud. Ugualmente rilevante fu la nuova dimensione sociale in cui gli artisti si trovarono a vivere, non più professionisti dalla notevole caratura culturale e dal grande riconoscimento sociale ed economico, bensì, sempre più spesso, personalità isolate in un mondo borghese da loro giudicato ipocrita e conformista. drammaticità di queste condizioni fu evidente negli autoritratti di Vincent van Gogh, probabilmente il principale artista  tra quelli che fecero della propria immagine un soggetto ricorrente della propria pittura, in chiave di racconto autobiografico. All'epoca dei ricoveri in ospedale e nel manicomio psichiatrico , Van Gogh dipinse numerosi autoritratti dal notevole impatto psicologico. NellAutoritratto con la pipa il pittore si mostrò con l'orecchio sinistro, che si era tagliato in un gesto di autolesionismo, bendato, in un impianto cromatico dominato dalle stridenze fra colori complementari. NellAutoritratto con l'orecchio bendato il viso appare emaciato, lo sguardo assente e l'abbigliamento suggerisce chiusura e isolamento nei confronti dell'osservatore e dell'ambiente esterno. Analogamente, nellAutoritratto conservato al Museo d'Orsay l'artista si presenta teso, al contempo aggressivo ed intimorito, su uno sfondo del tutto astratto, le cui vorticose pennellate ingenerano un effetto psichico particolarissimo.Negli stessi anni, Paul Gauguin maturò una vera e propria ossessione per la propria immagine. I dipinti I miserabili , dedicato proprio a Van Gogh, Autoritratto con tavolozza  e Autoritratto con cappello  comunicano astio e spavalderia; in un Autoritratto del 1889 arrivò a ritrarsi in una sorta di personificazione di Satana: l'aureola e l'ambientazione stretta fra le mele e il serpente suggeriscono infatti l'immagine dell'angelo caduto, mentre lo sguardo altezzoso suggerisce disprezzo per il mondo.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The recovery of the polarity between social representation and psychic introspection of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Autoritratto con l'orecchio bendato
Autoritratto con la pipa
Camille Pissarro
Claude Monet
Gustave Courbet
James Abbott McNeill Whistler
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Baptiste Camille Corot
Museo d'Orsay
Paul Gauguin
Satana
Sigmund Freud
Vincent van Gogh


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Bambini dell'Olocausto

mortalità fu elevatissima anche tra le migliaia e migliaia di bambini soggetti alle politiche di pulizia etnica: bambini polacchi nei territori della Polonia annessi alla Germania ed inviati ad Auschwitz; bambini serbi nel campo di concentramento di Jasenovac in Croazia; bambini slavi nei campi di concentramento italiani di Arbe e Gonars.In Polonia e in Croazia si crearono anche speciali campi di concentramento riservati esclusivamente a bambini, orfani o sottratti alle loro famiglie. Il regime di vita in questi campi fu durissimo e numerose furono le vittime. In Polonia migliaia di bambini polacchi non-ebrei furono rinchiusi nel campo di concentramento di Potulice o nel campo di concentramento per bambini polacchi di Łódź  e sottoposti a lavoro coatto o a programmi di germanizzazione. In Croazia stessa sorte fu riservata a migliaia di bambini serbi nel campo di concentramento per bambini di Sisak  e in quello di Jastrebarsko.Bambini di varia nazionalità morirono nei campi di concentramento dopo esservi stati deportati con le loro famiglie come "politici" o furono oggetto privilegiato di rappresaglie e stragi. Il caso più famoso è quello dei bambini del villaggio di Lidice in Cecoslovacchia, raso al suolo nel giugno 1942 come rappresaglia per l'uccisione del governatore nazista Reinhard Heydrich ad opera della resistenza. I 105 bambini del villaggio furono deportati nel ghetto di Łódź. 23 di loro furono selezionati per essere dati in adozione a famiglie "ariane" tedesche nell'ambito del Progetto Lebensborn. I rimanenti 82 furono assassinati nel campo di sterminio di Chełmno. Anche in Italia numerosi bambini furono uccisi in stragi e rappresaglie, da Marzabotto a Stazzema. Tra le vittime dell'eccidio delle Fosse Ardeatine vi furono anche due quindicenni: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli .

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Ethnic cleansing, reprisals, concentration camps for children of the Victims survivors explained?Please output in Italian.

Cecoslovacchia
Duilio Cibei
Germania
Italia
Lidice
Michele Di Veroli


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Immacolata Concezione

Il Protovangelo di Giacomo, composto tra il 140 e il 170, contiene l'idea che Maria fosse una persona "speciale" sin dal concepimento. Il testo presenta il concepimento di Maria come una grazia divina, anticipata da un angelo ai suoi genitori . L'infanzia di Maria  è estremamente pia, ella viene allevata nel tempio di Gerusalemme dai 3 ai 12 anni, dove "riceveva il vitto per mano di un angelo".Nonostante il Protovangelo, per la sua tardività e il suo stile agiografico e leggendario, difficilmente possa basarsi su fondati elementi storici, esso sembra rappresentare «una prima presa di coscienza intuitiva e mitica della santità perfetta e originale di Maria nella sua stessa concezione».Sulla base della narrazione del Protovangelo, la liturgia e la devozione della Chiesa greco orientale ha attribuito dall'antichità a Maria il titolo di Παναγία, Panaghìa, "tutta santa".

Prompt: Explain the The Proto-Gospel about the liturgy solemnity Immaculate Conception of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Protovangelo
Protovangelo
Protovangelo di Giacomo


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Testa di fauno

Testa di fauno è un'opera giovanile in marmo di Michelangelo. Scolpita verso il 1489, è oggi andata perduta.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Head of a Faun.Please output in Italian.