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La zattera della Medusa

left zattera della Medusa fu mostrato al pubblico per la prima volta al Salon di Parigi il 25 agosto 1819, sotto il generico titolo di Scène de Naufrage . L'argomento trattato era tuttavia facilmente riconoscibile dagli spettatori dell'epoca. L'esposizione, sponsorizzata da Luigi XVIII, presentava circa 1.300 dipinti, 208 sculture e numerosi oggetti di design. Luigi XVIII stesso visitò il salone tre giorni prima della sua apertura e, dando un giudizio al dipinto, affermò: «» .I critici si divisero in due: chi rimase affascinato dall'orrore e dalla disperazione del quadro e chi espresse il proprio scontento per una tale presa di distanze dal neoclassicismo, il cui precetto di bellezza idealizzata veniva ribaltato dal crudo realismo di Géricault. Il pittore metteva in dubbio tutte le istanze dell'epoca, gli artisti iniziarono a chiedersi come potesse una materia del genere essere trasposta in un dipinto suggestivo e come potesse l'autore riconciliare arte e realtà. Marie-Philippe Coupin de la Couperie, una pittrice francese presente alla mostra, fu categorica: «Sembra che Géricault si stia sbagliando. Lo scopo di dipingere è parlare all'anima e agli occhi, non di respingerli». mentre Kenneth Clark, storico dell'arte britannico, disse che « zattera della Medusa resta l'esempio più importante di un pathos romantico espresso attraverso il nudo. E l'ossessione della morte dona verità alle figure morenti e ai morti. Le premesse possono essere state ispirate dai classici, ma sono state riviste con il forte desiderio di un'esperienza violenta». Le polemiche furono controproducenti per l'artista, speranzoso di una unanime acclamazione popolare.Nel 1820 Géricault si accordò affinché il dipinto venisse esposto alla mostra londinese di William Bullock, a Piccadilly, dove fu visto da più di 40.000 visitatori. Tra i motivi di questo successo ci fu il più felice posizionamento della Medusa, che nel Salone Carré di Parigi era stata appesa in alto, mentre a Londra la distanza ravvicinata al suolo enfatizzò l'impatto monumentale. In Inghilterra l'opera venne sfruttata anche nell'ambito dell'intrattenimento: vennero messe in scena due rappresentazioni teatrali basate sugli eventi narrati dal quadro, che di conseguenza ampliarono la fama di Géricault e del suo lavoro. Dall'esposizione di Londra Géricault guadagnò una cifra vicina ai 20.000 franchi, come percentuale sui biglietti d'entrata, una somma maggiore di quella che il governo francese gli avrebbe corrisposto se avesse venduto il dipinto. Dopo l'esperienza londinese, nel 1821 Géricault esibì la Medusa a Dublino, dove fu però accolta tiepidamente, a causa di un'esposizione rivale in cui era mostrato un panorama in movimento intitolato Il naufragio della Medusa, che all'epoca sembrava fosse stato creato sotto la supervisione di uno dei sopravvissuti al disastro. zattera della Medusa fu in seguito scelta dal curatore del Louvre Louis Nicolas Philippe Auguste de Forbin che l'acquistò nel 1824, lo stesso anno della morte di Géricault, in una vendita postuma attraverso l'intermediazione di Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, amico dell'artista, per conservarla nel museo parigino, dove è esposta nella sala dei dipinti francesi di grande dimensione. A causa del deterioramento del quadro, nel 1859 il Louvre commissionò a due artisti francesi, Pierre-Désiré Guillemet e Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, una copia da utilizzare in caso il dipinto venisse chiesto in prestito da altri musei.

Prompt: In the context of The Raft of the Medusa, explain the Welcome and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1819
1820
1824
25 agosto
Dublino
Inghilterra
Kenneth Clark
Parigi
Piccadilly


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Madonna col Bambino, san Pietro martire e un donatore è un dipinto a olio su tavola  di Lorenzo Lotto, datato al 1503 e conservato nel Museo nazionale di Capodimonte a Napoli. Si tratta della prima opera certa dell'artista, per la presenza della firma "L. LOTUS P." collocata in basso a destra sul sedile della Madonna.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna and Child with St Peter Martyr and a Donor.Please output in Italian.

1503
Lorenzo Lotto
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli


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Bonaparte valica le Alpi

Napoleone nel quadro di Delaroche è raffigurato con un vestiario appropriato per il luogo dove si svolge la scena: sopra la sua uniforme veste un lungo cappotto ben avvolto attorno alla sua persona, nel quale tiene le proprie mani. Mantiene un poco di dignità nel suo bicorno decorato con un gallone d'oro che porta sulla testa. che è costretto come appare a tirare il mulo per farlo proseguire e che tiene tra le mani un bastone che gli consente di appoggiarsi ed a sua volta di proseguire nella neve. Le sue vesti sono in parte logore e la faccia e rossa dal freddo. Non gli è permesso il lusso di avere un animale che lo trasporti ed è costretto per il suo ruolo a proseguire a piedi.Elementi che richiamano il freddo sono evidenti: montagne di sfondo ricoperte di neve si ergono dietro Napoleone e dietro le sue truppe, mentre le rocce alla destra del dipinto hanno candele di ghiaccio e sono ricoperte di neve soffice e ghiaccio.I personaggi che seguono il Bonaparte appaiono preoccupati a proteggersi dal freddo il che contribuisce ad accentuare la fragilità della scena e nel contempo il suo realismo.Napoleone è raffigurato in alta montagna, ma con tutte le problematiche di un uomo mortale e per nulla idealizzato, proprio al contrario della figura di David che mostra un Napoleone incurante del freddo e illuminato da una luce eroica. Delaroche non era però intenzionato a rappresentare Napoleone in luce dispregiativa, ma semplicemente intendeva raffigurarlo in maniera credibile con tutte le problematiche della sua condizione di uomo da stimare ancor di più per la fatica fatta per raggiungere l'obbiettivo della sua missione.left

Prompt: In Bonaparte Crossing the Alps, how is the Setting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Trono Ludovisi

Il Trono Ludovisi è un trittico in marmo tasio databile al 460-450 a.C.  e conservato nel Museo nazionale romano di palazzo Altemps a Roma.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ludovisi Throne.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.


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Annunciazione Martelli

L'opera ha un ruolo importante nella storie delle pale d'altare poiché è considerata la prima opera sicuramente conosciuta in cui si rinunciava a qualsiasi elemento gotico quale cuspidi e pinnacoli in favore di un rigoroso schema geometrico quadrangolare, che ben si armonizzava con l'architettura brunelleschiana della chiesa. pala è divisa in due parti, come un dittico, con l'unificazione rappresentata dalla prospettiva centrale che mostra, in una complessa scenografia architettonica, alcuni edifici sullo sfondo di una loggetta aperta. Vari spunti rimandano alla pittura fiamminga, verso la quale Lippi dimostrò un certo interesse a partire dal soggiorno padovano, come l'uso della luce che crea vari effetti di "lustro" a seconda della superficie, come la virtuosistica ampolla vitrea in primo piano, allusione allo Spirito Santo.A sinistra si trova un gruppo di angeli sopra un gradino, mentre a destra si svolge la scena dell'Annunciazione, con la posa dell'Angelo e della Vergine ispirata allAnnunciazione Cavalcanti di Donatello .  Vergine è infatti colta inizialmente dalla ritrosia e lo spavento per la miracolosa apparizione. L'Angelo è inginocchiato, con in mano il tradizione giglio bianco, simbolo della purezza di Maria.

Prompt: In Martelli Annunciation, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.

Annunciazione Cavalcanti
Donatello
Spirito Santo


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Triplo ritratto di Arrigo peloso, Pietro matto e Amon nano

Il Triplo ritratto  è un dipinto a olio su tela  di Agostino Carracci eseguito tra il 1598 e il 1600 a Roma, è conservato nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Triple Portrait of Arrigo, Pietro and Amon.Please output in Italian.

1598
1600
Agostino Carracci
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Roma


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Polifemo

Sin dall'antichità, i Greci situavano il paese dei Ciclopi in Sicilia, ai piedi dell'Etna, così come del resto attesta lo stesso Tucidide: « più antica popolazione che la tradizione riconosce come aver vissuto una parte della Sicilia sono i Ciclopi». In effetti lo storico non fece altro che riprendere le conoscenze diffuse dai navigatori greci sin dai tempi delle prime spedizioni coloniali nell'VIII secolo a.C., conoscenze che riflettono la loro rappresentazione dei mari e delle terre occidentali.Di fronte alla "terra dei Ciclopi" Ulisse ed i suoi uomini sbarcano su un'isola disabitata ma peraltro ricca di risorse: terre fertili, pascoli per il bestiame, colline per i vigneti, sorgenti di acqua limpida, porto naturale dal facile ancoraggio, senza ormeggio difficoltoso né manovre lunghe e delicate. Tutto questo sviluppo del poema dell'Odissea sembra progettato per suggerire come l'isola offra ogni possibile vantaggio per mercanti in cerca di approdi e punti vendita. Ellenisti e studiosi hanno dunque cercato di individuare quale fosse effettivamente il paese dei Ciclopi.I nomi che appaiono su tutte le carte marine ed i dati di navigazione situano il paese dei Ciclopi alle pendici dell'Etna, di fronte ai Faraglioni dei Ciclopi presso Aci Trezza. Molti studi permettono di assimilare il ciclope Polifemo ad un vulcano dall'unico cratere tondeggiante, l'Etna: del resto, come il vulcano, Polifemo sprofonda nel sonno dopo un'eruzione e nei suoi terribili risvegli erutta e scaglia lontano massi e rocce.A sua volta Victor Berard, basandosi su una breve indicazione di Tucidide, situa la terra dei Ciclopi lievemente a nord di Napoli, laddove si trova l'isola di Nisida e, fra le scogliere di Posillipo, molte grotte servirono come abitazioni rupestri sino al ventesimo secolo. Una di queste grotte, particolarmente grande, erroneamente chiamata Grotta di Seiano, potrebbe essere, secondo l'ellenista, la grotta di Polifemo.Infine, fra le varie ipotesi, Ernie Bradford opta per l'arcipelago delle Egadi, composto da Marettimo, Favignana e Levanzo; su quest'ultima isola si trova la Grotta dei Genovesi, abitata sin dal Paleolitico e dal Neolitico. L'isola montagnosa di Marettimo in particolare, costellata di grotte, ha un aspetto piuttosto impressionante. Dinnanzi, sulla costa della Sicilia, le rovine dell'antica città di Erice attestano peraltro una presenza greca molto antica.Nessuna di queste tre differenti ipotesi si è tuttora affermata definitivamente. Vi sono però dei dati certi: dei navigatori Greci provenienti da Eubea, Calcide ed Aulide in Beozia dall'VIII secolo a.C. promuovono spedizioni coloniali verso le terre d'Occidente ed arricchiscono il mito arcaico tramite le proprie effettive esperienze marittime; nel suo racconto, l'autore dell'Odissea arricchisce questa materia tramite una forma epica. Nella vicenda di Ulisse in quanto navigatore e del ciclope Polifemo in quanto luogo e popolazione locale si ritrova dunque una rappresentazione del mondo Mediterraneo e dei suoi confini, limiti e rischi, quali i Greci conoscevano nei secoli VII secolo a.C. e VI secolo a.C.

Prompt: Focus on Polyphemus (sculpture) and explain the Location of the land of the Cyclopes.Please output in Italian.

Aci Trezza
Beozia
Ciclopi
Etna
Eubea
I secolo
Napoli
Odissea
Posillipo
Sicilia
Tucidide
Ulisse
VII secolo a.C.
VI secolo a.C.


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Venere che benda amore

Il restauro più importante del dipinto è stato svolto tra il 1992 e il 1993 presso il boratorio della Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini. L'intervento è consistito nella rimozione di “vernice e sostanze oleose” che riducevano il valore cromatico del dipinto, mentre non sono stati eseguiti interventi sul supporto o sul telaio, considerati in buone condizioni.

Prompt: In Venus Blindfolding Cupid, how is the Restoration discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-portrait (Giorgione)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Pia de' Tolomei

Novelle , raccolta di Matteo Bandello   Pia de' Tolomei: leggenda romantica, poemetto di Bartolomeo Sestini  Pia de' Tolomei, tragedia di Carlo Marenco  Pia de' Tolomei, poemetto popolare di Giuseppe Moroni detto il Niccheri  Pia de' Tolomei, romanzo di Carolina Invernizio  Pia de' Tolomei, poemetto di Giuseppe Baldi  Pia de' Tolomei. Romanzo storico, romanzo di Diana Da Lodi   leggenda della Pia, romanzo di Decimo Mori  Dialogo della Palude, di Marguerite Yourcenar  Pia de' Tolomei. Composizione in ottava rima secondo la tradizione cantata, ristampa del poemetto di Giuseppe Moroni detto il Niccheri, a cura di Guglielmo Amerighi   Pia de' Tolomei , dramma teatrale sul mito di Luca Rossi detto m  Pia de' Tolomei e le "Notizie sulle Maremme toscane" , la leggenda romantica di Bartolomeo Sestini, a cura di Alessandro Bencistà,  Matrimonio di sangue, romanzo di Mario Sica   Gemma di Siena, di Marina Fiorato

Prompt: In Pia de' Tolomei (Rossetti), how is the Literature of the Ptolemy's footnotes in mass culture explained?Please output in Italian.

Bartolomeo Sestini
Carlo Marenco
Carolina Invernizio
Marguerite Yourcenar
Marina Fiorato
Mario Sica
Matrimonio
Matteo Bandello
Romanzo
Siena


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I Musici

Violini: Marco Fiorini, Ettore Pellegrino, Iuditha Hamza, Pasquale Pellegrino, Francesca Vicari, Gianluca Apostoli Viole: Massimo Paris, Silvio Di Rocco Violoncelli: Vito Paternoster, Pietro Bosna Contrabbasso: Roberto Gambioli Clavicembalo: Francesco Buccarella

Prompt: In The Musicians (Caravaggio), how is the Current components of the History explained?Please output in Italian.


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Il lancio della rete

Il soggetto del dipinto è André Utter, amico del figlio, amante e infine marito della Valadon. Utter è dipinto in tre posizioni diverse mentre getta la rete da pesca.  postura dei pescatori mette in risalto il loro fisico atletico e ricorda quella de  danza di Henri Matisse; lo sfondo fluviale e montagnoso ricorda invece l'opera di Paul Cézanne per toni e stile.Il dipinto è l'ultimo nudo maschile dipinto dalla Valadon. Le sue opere successive avrebbero favorito modelle femminili e bambini come soggetti. Diversi critici d'arte hanno descritto l'opera come un simbolo dell'emancipazione femminile dato che un'artista donna ritrae un uomo nudo come oggetto di desiderio, invertendo così il concetto di sguardo maschile.

Prompt: How does Casting the Net explain its Description?Please output in Italian.


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Monumento al Leone di Giuda

Leone di Giuda Zerai Deres Etiopia Impero d'Etiopia Dinastia Salomonide Imperatori d'Etiopia Titoli nobiliari etiopici Arbegnuoc Kebra Nagast

Prompt: In Monument to the Lion of Judah, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Arbegnuoc
Etiopia
Imperatori d'Etiopia
Impero d'Etiopia
Leone di Giuda
Titoli nobiliari etiopici
Zerai Deres


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amore

I quattro amori , di C.S. Lewis L'arte di amare, di Erich Fromm, Mondadori, 1995 Innamoramento e amore, di Francesco Alberoni, Garzanti, 2002 Sesso e amore, di Francesco Alberoni, Rizzoli, 2006 Psicologia dell'amore, di René Allendy, Astrolabio, 1951 Vivere, amare, capirsi, di Leo Buscaglia, Mondadori, 1995  terapia delle coccole. Parlare l'amore, di Piero Balestro, Edizioni San Paolo, 1993

Prompt: Describe the characteristics of the Psychology in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.

Erich Fromm
Innamoramento
L'arte di amare


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Il carro da fieno

Mostrandosi memore della lezione di Peter Paul Rubens e Thomas Gainsborough, i due pittori dal quale attinse per la ricerca degli effetti di luce e di atmosfera e per il tema del carro, John Constable eseguì Il carro da fieno nel 1821, esponendolo il maggio dello stesso anno alla Royal Academy in Somerset House con il titolo ndscape: Noon .Il carro da fieno, pur non trovando acquirenti, conobbe uno strepitoso successo. Théodore Géricault vide l'opera alla Royal Academy e, pur non facendone nessun cenno nei propri taccuini da viaggio, ne parlò molto entusiasticamente con l'amico Eugène Delacroix una volta ritornato in Francia. Amedée Pichot ammirò impetuosamente «la dolce magia dei pennelli di Constable» e l'«umida freschezza che si crede di respirare vicini ai suoi paesaggi» e Charles Nodier annotò nelle sue memorie di viaggio:

Prompt: In the context of The Hay Wain, explain the Alondra and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

1821
Amedée Pichot
Charles Nodier
Eugène Delacroix
John Constable
Peter Paul Rubens
Somerset House
Thomas Gainsborough
Théodore Géricault


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Altare Monforte

LAltare Monforte è un dipinto a olio su tavola  di Hugo van der Goes, databile al 1470 circa e conservato nella Gemäldegalerie di Berlino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Monforte Altarpiece.Please output in Italian.


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Vergine velata

Vestale TucciaCristo velatoPudiciziaSuora velataRebecca velata

Prompt: Focus on The Veiled Virgin and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Cristo velato
Rebecca velata
Suora velata
Vestale Tuccia


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The influence of photography of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.


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Natura morta

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Still Life (Claesz).Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: In Adoration of the Magi (Bosch, Philadelphia), how is the Iconography discussed?Please output in Italian.


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Pagamento del tributo

L'illuminazione, più che il disegno di contorno, definisce la forma plastica delle figure, facendole assomigliare a voluminose sculture.Cristo è il centro sia geometrico che spirituale della scena.  sua testa, improntata a un delicato sfumato, è stata attribuita alla mano di Masolino  grazie al confronto, ad esempio, con la testa di Adamo nel vicino episodio della Tentazione.  testa di Cristo è dolcemente sfumata, al contrario di quelle segnate da aspre ombre degli apostoli. Oltre a scelte stilistiche, il fatto di dare a Cristo il volto di Adamo era suffragato anche da argomenti teologici. Masolino aveva dopotutto beneficiato, probabilmente, dell'aiuto di Masaccio nella costruzione prospettica della scena della Guarigione dello storpio e resurrezione di Tabita o nella pittura del paesaggio della contigua Predica di san Pietro.Il gruppo centrale, con la caratteristica disposizione a semicerchio, venne probabilmente ispirato al gruppo scultoreo dei Quattro Santi Coronati di Nanni di Banco. A differenza dello scultore però, Masaccio non era interessato ad una citazione antiquaria dell'arte romana, come dimostrano i suoi panneggi che, per quanto realizzati studiando i dettagli delle statue antiche, non le imitano.  disposizione a semicerchio poteva anche derivare dalle composizioni paleocristiane del Cristo tra gli Apostoli.Il gruppo degli apostoli appare disposto nello spazio attorno al Cristo con coerenza e il loro insieme sembra voler ribadire la volontà dell'uomo e la sua centralità. Da questo solido semicerchio lo spazio si espande verso l'esterno guidando l'occhio dello spettatore tramite i gesti dei protagonisti e tramite alcune direttrici, come gli alberi decrescenti.Emblematico è nel gruppo degli apostoli la figura a destra, vestita di color vinaccia, che appare molto ben definita nei lineamenti, con zazzera e barbetta. Secondo Vasari si tratta dell'autoritratto di Masaccio , mentre altri lo indicano come possibile ritratto del committente Felice Brancacci.Le due figure monumentali di Pietro e del gabelliere a destra sono saldamente piantate sul suolo e sembra di percepirne la massa plastica perfettamente sviluppata dal chiaroscuro.

Prompt: In The Tribute Money (Masaccio), how is the Style discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Describe the characteristics of the Psychological investigation autobiographical meanings in Self-Portrait (Chassériau)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Presentazione al Tempio

Per Luca, la prima introduzione di Gesù al Tempio ha un preciso significato teologico. Per la purificazione della puerpera l'offerta del primogenito, infatti, non era necessario andare al Tempio di Gerusalemme: questi atti potevano essere effettuati in tutto il Paese presso un sacerdote qualsiasi. L'incontro con Simeone e Anna mostra l'attuazione di una profezia di Malachia, secondo cui il Messia sarebbe stato riconosciuto nel Tempio .  gioia dei due ebrei pii descrive il compimento della speranza del popolo di Israele. Simeone capisce che Gesù è il messia atteso, ma è venuto per tutti i popoli, non solo per Israele; sarà però un segno di contraddizione, dividendo Israele tra chi crederà in lui e chi no. Luca non dice che Gesù è stato riscattato con il pagamento dell'offerta: ciò significa che è stato consacrato interamente a Dio Padre fin da bambino. Per la Chiesa cattolica Maria non avrebbe avuto bisogno di essere purificata, ma si sottopone ugualmente in segno di umiltà al rito per dimostrare la sua obbedienza ai precetti religiosi ebraici.  Chiesa ha sempre identificato la "spada" menzionata da Simeone come figura del dolore che Maria avrebbe sofferto durante la Passione del Figlio.Il ricordo della presentazione al Tempio di Gesù è all'origine della tradizione cristiana di presentare i neonati al Signore, chiedendo che egli li benedica sin dalla più tenera età. Per le chiese in cui viene praticato il battesimo dei neonati ciò avviene in occasione della cerimonia del battesimo. Nelle confessioni cristiane che battezzano solo adulti viene talvolta praticata comunque una presentazione sacramentale dei neonati.

Prompt: Explain the Theological significance about the Gospel story of this artwork, Presentation at the Temple (Ambrogio Lorenzetti).Please output in Italian.

Chiesa cattolica
Gesù
Messia
Tempio di Gerusalemme


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Armatura

Le prime significative tracce di armatura sul territorio della Cina datano al tempo della Dinastia Zhou. Si trattava di primitive corazze prive di manica, realizzate con materiale di provenienza animale: cuoio di rinoceronte o bufalo  o pelle bollita . Spesso, la pelle veniva ricoperta con della lacca per aumentarne la resistenza ai colpi ed alle intemperie.

Prompt: Describe the characteristics of the China in O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Danae

Fu imprigionata in una torre dal padre, il re Acrisio, spaventato dalla predizione dell'Oracolo di Delfi che sarebbe stato ucciso dal nipote. Ma Preto riuscì a raggiungerla e a sedurla Secondo Apollodoro invece, il matrimonio non avvenne poiché il figlio di Danae  non lo permise e lei fu riportata in seguito ad Argo.

Prompt: How does Danaë (Tintoretto) explain its Mythology?Please output in Italian.


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Visione di san Girolamo

L'opera venne commissionata a Roma, il 3 gennaio 1526, da Maria Bufalini, moglie di Antonio Caccialupi, per decorare la propria cappella in San Salvatore in uro. Il contratto menzionava assieme "Francesco de Mazola de Parma" e un "Pietro" con lo stesso nome, identificabile con suo zio Pier Ilario Mazzola.  forma insolitamente alta e stretta della tavola è dovuta al fatto che dovesse essere al centro di un trittico, le cui ali, mai realizzate, dovevano rappresentare lImmacolata concezione, a cui era dedicata la cappella, e i Santi Gioacchino e Anna. Non è chiaro quali parti dovesse dipingere il Parmigianino e quali lo zio. tavola è citata dal Vasari come quella cui il pittore stava lavorando al momento del Sacco di Roma nel maggio del 1527, con i lavori bruscamente interrotti dall'arrivo dei nzichenecchi. Vasari descrive come Parmigianino si attardò a fuggire e, sorpreso da soldati tedeschi mentre lavorava, venne da questi risparmiato per la bellezza dell'opera che creava. Pagata poi una taglia con acquerelli e disegni, si vide poi minacciato da altre truppe, fuggendo subito, mentre Pier Ilario si trattenne in città qualche giorno per nascondere il dipinto nel refettorio di Santa Maria della Pace.Parmigianino non tornò più nella Città eterna, per cui l'opera rimase compiuta nel solo pannello centrale. Nel 1558 i Bufalini decisero di trasferirla nella loro cappella in Sant'Agostino a Città di Castello e da lì l'acquistò nel 1790 il pittore inglese James Durno. Trasferita in Inghilterra fu rivenduta al marchese di Albercorn per 1.500 ghinee. Passò poi ai signori Dawis e Taylor e poi al reverendo Holwell Carr, che nel 1826 la cedette al museo londinese.Se ne conoscono vari studi preparatori, al Museo Condé , al British Museum  e altri fogli minori in altre collezioni , che testimoniano la lunga ricerca di una soluzione compositiva soddisfacente. Un disegno alla Galleria Nazionale di Parma, pur essendo un semplice schizzo, è quello che più si avvicina alla versione definitiva, che tuttavia ribalta la composizione, progettata in senso orizzontale anziché verticale.

Prompt: Explain the History of this artwork, Vision of Saint Jerome.Please output in Italian.


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Presentazione al Tempio

Presentazione al Tempio o Purificazione della Beata Vergine Maria è un episodio dell'infanzia di Gesù riferito dal Vangelo secondo Luca .

Prompt: How does Presentation at the Temple (Bellini) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Ritratto di un certosino

{align=right} Ritratto di un certosino è un dipinto del pittore fiammingo Petrus Christus realizzato circa nel 1446 e conservato nel Metropolitan Museum of Art di New York negli Stati Uniti d'America.È considerato un capolavoro della pittura fiamminga e, a causa della mosca dipinta sul fondo della cornice, un importante esempio del trompe-l'œil.

Prompt: In Portrait of a Carthusian, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1446
Metropolitan Museum of Art
New York
Petrus Christus
Stati Uniti d'America


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Cristo velato

copia conservata a Potenza è stata realizzata nel 1914 da Helmut Perathoner, sculture originario della Val Gardena. Si tratta di una statua lignea realizzata con il legno del Pinus cembra, come da tradizione altoatesina, ricoperto di gesso e trattato in modo da sembrare marmo. Generalmente la statua è esposta solo nel periodo quaresimale. copia del 2010 è stata realizzata dallo scultore pugliese Felice Tagliaferri.  statua è stata chiamata Cristo RiVelato. Il nome deriva dal fatto che lo scultore , durante una sua visita a Napoli nel 2008, non poté ammirare l'opera perché l'unico modo per lui sarebbe stato quello di toccarla. Decise pertanto di realizzare una copia in marmo sbozzato, accessibile al tatto e le diede l'attuale nome per sottolineare il fatto che ora l'opera era accessibile a tutti.  scultura non ha una sua sede definitiva.

Prompt: How does Veiled Christ explain its The copies?Please output in Italian.

2008
Felice Tagliaferri
Napoli
Pinus cembra
Val Gardena


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Gladiatore Borghese

Il Gladiatore Borghese è una scultura greca databile al I secolo a.C. circa, che, secondo quanto indicato sul piedestallo, sarebbe opera di Agasias, figlio di Dositeo; oggi è conservata nel Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on Borghese Gladiator and explain the Abstract.Please output in Italian.


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tavola mostra appunto il giovane artista che ritrae il suo volto al centro di una stanza distorta dalla visione dello specchio convesso, con in primo piano una mano appoggiata sul ripiano dove sta lo specchio, che diventa oblunga e deforme, ma finissima nella stesura pittorica. Si tratta della mano destra , con la sinistra che è fuori dal campo visivo, impegnata probabilmente a dipingere. Un anellino d'oro è infilato al mignolo e la manica plissettata è dipinta con veloci e sicure pennellate di bianco. Curioso è anche l'abito, rappresentato a grandi linee con pennellate veloci e sicure, una pelliccia da inverno padano, dalla quale sbuca il polsino a sbuffo della camicia bianca di batista. I capelli sono curati, a caschetto, il volto da adolescente , di angelica bellezza, come scrisse Vasari. stanza mostra se non la ricchezza almeno l'agiatezza della famiglia: un soffitto a cassettoni e una finestra "impannata", cioè copribile per tre quarti da un panno per proteggere dal freddo e filtrare la luce come si addiceva a uno studio di pittori. Non si vedono mobili, sintomo di una certa austerità.Negli studi sul manierismo, lAutoritratto entro uno specchio convesso è diventato una sorta di emblema di quel periodo dell'arte, grazie alla presenza della visione anamorfica. Varie letture, talvolta bizzarre, sono state proposte sulla scia della sua fama e in base alla conoscenza dell'interesse dell'artista per l'alchimia. In particolare Fagiolo dell'Arco vi vedeva una rappresentazione dell'opus alchemico , con la rotondità della tavola che corrisponderebbe alla "prima materia", lo specchio allo sperimentalismo alchemico, e l'espressione alla malinconia, tipica qualità del carattere dell'alchimista. Freedman  e Boehm  vi lessero un ritratto dell'animo interiore. Oggi queste interpretazioni sono considerate in genere troppo sottili, confermando piuttosto la giustificazione vasariana dello sfoggio virtuoso per l'"entratura" nella competitiva corte pontificia.

Prompt: In Self-portrait in a Convex Mirror, how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nel rito romano l'Epifania è parte del tempo di Natale, cade di norma il 6 gennaio e ha grado di solennità, come lo stesso Natale e il 1º gennaio, giorno di Maria Santissima Madre di Dio. Nei paesi in cui l'Epifania non è festa di precetto, essa si celebra nella domenica che cade tra il 2 e l'8 gennaio.Prima della riforma liturgica di papa Paolo VI l'Epifania dava inizio al Tempo di Epifania, un periodo del calendario liturgico della durata di otto giorni, tuttora presente nella Chiesa anglicana e in diverse Chiese protestanti.Esso comprendeva nelle seguenti domeniche e festività: 6 gennaio: Epifania del Signore: Ecce, advenit dominator Dominus; Domenica dopo l'Epifania: festa della Sacra Famiglia di Gesù, Maria e Giuseppe: Exsultat gaudio pater Iusti; 13 gennaio: commemorazione del Battesimo di nostro Signore Gesù Cristo: Ecce, advenit dominator Dominus; quando il 13 gennaio cadeva di domenica, prevaleva la festa della Sacra Famiglia.Nel rito ambrosiano con la festa ha inizio il Tempo di Epifania, che dura fino all'inizio della Quaresima e prevede la celebrazione di due ricorrenze legate all'infanzia di Gesù: la Sacra Famiglia nell'ultima domenica di gennaio  e la Presentazione del Signore il 2 febbraio.

Prompt: In Epifania, how is the In the Latin Church of the Artistic theme explained?Please output in Italian.

13 gennaio
6 gennaio
Chiesa anglicana
Cristo
Dio
Gesù
Gesù
Maria Santissima Madre di Dio
Natale
Quaresima
Sacra Famiglia
Tempo di Epifania


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Pala di Santa Maria dei Fossi

Pala di Santa Maria dei Fossi è un dipinto a olio su tavola e tela  di Pinturicchio, databile al 1496-1498 e conservato nella Galleria nazionale dell'Umbria di Perugia.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Santa Maria dei Fossi Altarpiece.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Polittico dell'Intercessione

Il polittico venne eseguito durante il soggiorno fiorentino del pittore , mentre lavorava al suo capolavoro, la Pala Strozzi. Il Polittico dell'Intercessione, dal nome del soggetto del pannello principale, venne realizzato per una committenza imprecisata e si ignora la sua collocazione originale: per la forma insolitamente lunga e bassa si è anche ipotizzato che fosse la parte superiore di un insieme perduto o comunque un arredo minore per un altare. Varie ipotesi sono state formulate: che fosse la prima commissione a Gentile dei Quaratesi , o della famiglia Bardi, o ancora che l'opera provenisse dalla chiesa di San Salvatore al Monte. Quest'ultima ipotesi, avanzata dagli studiosi in occasione del recente restauro, si basa sulle analogie dei soggetti trattati con figurazioni care ai francescani, che abitavano a San Salvatore, nonché la presenza in loco di una cappella dai Santi Cosma e Damiano : un documento del 1810 parla infatti di alcune opere trasferite da San Salvatore a San Niccolò in occasione della soppressione del convento, tra cui un dipinto di forma "quintica", cioè a cinque scomparti, di dimensioni compatibili con quelle dell'opera, anche se di soggetto diverso . prima menzione certa dell'opera è in San Niccolò nel 1862; già oggetto di un restauro aggressivo, venne successivamente gravemente danneggiato nel 1897 da un incendio, che abbrustolì l'intera superficie. Il successivo tentativo di pulitura non diede risultati positivi nel recupero della leggibilità, facendolo ritenere un capolavoro perduto, stoccato per anni nei depositi delle gallerie fiorentine a Palazzo Pitti. Il pessimo stato di conservazione aveva anche fatto dubitare sull'autografia del maestro, ribadita invece con forza da Roberto Longhi e i suoi allievi. Nel 1979 Luciano Bellosi aveva negato la paternità fiorentina dell'opera, assegnandola a una fase anteriore, magari quella veneziana, credendo che l'opera fosse stata inviata a Firenze come “biglietto da visita” dal pittore, come saggio della sua bravura prima di stabilirsi in città.Solo dal 2003, grazie a un sostanziale contributo economico della Indesit Company, si è proceduto a un restauro nell'Opificio delle Pietre Dure con tecniche moderne che, incoraggiato da alcuni saggi positivi , è riuscito nell'insperato compito di recuperare quanto perduto. Con la riflettografia IR a scanner si è appurato come, sotto la pesante patinatura dovuta al restauro antico e fusa con il materiale originale durante l'incendio, il dipinto conservasse buona parte dei suoi valori pittorici, che sono stati riportati in superficie con una pulitura a base di diversi solventi  in modo graduale, differenziato e selettivo, a seconda delle diverse esigenze delle varie micro-porzioni. Al termine del lavori, nel 2006, l'opera è stata oggetto di una mostra di presentazione a palazzo Medici-Riccardi. Al termine della mostra è stato riconsegnato alla sagrestia della chiesa, dove era stato collocato in antico. Il restauro è stato condotto da Roberto Bellucci, con la collaborazione di Francesca Bettini e Irma Passeri ; e Ciro Castelli, Mauro Parri e Andrea Santacesaria ; con la direzione di Marco Ciatti e Cecilia Frosinini.

Prompt: How does Intercession Altarpiece explain its History?Please output in Italian.


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Margherita la pazza

L'opera è citata dal van Mander , come appartenente alla collezione imperiale di Rodolfo II a Praga; negli inventari seicenteschi risulta però a palazzo Hradschin, nella stessa città. Fu rubata dagli svedesi nel sacco del 1648 e riapparve a Stoccolma solo nel 1800. Andata all'asta a Colonia nel 1894, fu segnalata da Max Friedländer a van den Bergh per la sua collezione.Con la Caduta degli angeli ribelli e il Trionfo della Morte, simili per dimensioni e per richiami evidenti al mondo di Bosch, fu probabilmente dipinta per un medesimo committente e destinata a formare una serie.Sullo stesso soggetto esiste anche un dipinto di David Teniers il Giovane, del 1640.

Prompt: Focus on Dull Gret and explain the History.Please output in Italian.


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Affreschi da villa La Pelucca

Gli affreschi di villa  Pelucca provengono da vari ambienti e compongono un vasto ciclo di stampo umanistico, con episodi tratti dal mondo cortese, dalla mitologia e dalla Sacra Scrittura.  sala più grande, col camino, era decorata dalla Fucina di Vulcano e alle pareti si trovavano Storie dell'Esodo. Una stanza adiacente aveva un sopracamino con il Sacrificio di Pan e sulle pareti il Busto di fanciulla, il Cavaliere e la Scena di metamorfosi, da Ovidio. Un altro ambiente vicino, più piccolo, mostrava il Bagno delle fanciulle, forse la più celebre tra le scene, e la scena di lettura non chiara, che sullo sfondo ha la Nascita di Adone; vi si trovavano inoltre il cosiddetto Gioco della mano calda , il frammento con la Coppia di giovani e le lunette con Putti vendemmianti.Dalla cappella, tuttora esistente, provengono infine il Corpo di santa Caterina d'Alessandria trasportato dagli angeli e altri frammenti: un Eterno benedicente un Angelo adorante nei depositi di Brera e un secondo angelo oggi in collezione privata.Le scene note sono :Cavaliere, 165x133Famiglia di satiri che compie un sacrificio a Pan, 176x147Scena di metamorfosi, 167x156Celebrazione della Pasqua, 117x173Morte dei primogeniti, 211x169Preparativi per la partenza degli Ebrei, 275x170Doni degli Egiziani agli Ebrei, 149x120Canto di trionfo degli Ebrei, 243x143Raccolta della manna, 200x145Busto di fanciulla, 47x37Coppia di giovani, 53x61Gioco della mano calda, 140x100Scena mitologica con nascita di Adone sullo sfondo, 208x193Bagno di fanciulle, 135x235Tre putti vendemmianti, 50x72, 60x65, 60x72Corpo di santa Caterina d'Alessandria trasportato dagli angeli, 123x228Esercito egiziano sommerso dal Mar Rosso, 179x168Esercito egiziano sommerso dal Mar Rosso , 130x170Fucina di Vulcano, 240x163Mosè fa scaturire l'acqua dalla roccia, 122x173Mosè in preghiera, 68x50Eterno benedicenteAngelo adoranteAngelo adorante, collezione privataLunetta con putto vendemmiante, 49,2x64, Wallace CollectionTesta di donna, 48,4x35,6, Wallace CollectionFrammento di lunetta putto vendemmiante, 32x41, Museo Condé, ChantillyBusto di donna, 29x30, Museo Condé, ChantillyDa un punto di vista stilistico gli affreschi mostrano l'influenza del Bramantino: nelle Donne al bagno ad esempio la figura di spalle è un omaggio palese agli arazzi dei Mesi, in particolare quello di Febbraio.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Villa La Pelucca frescoes.Please output in Italian.

Bramantino
Chantilly
Museo Condé
Wallace Collection


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Annunciazione

tradizione della Chiesa è unanime nel riconoscere nell'annuncio dell'angelo a Maria, e nella sua docile accoglienza, l'inizio della storia della definitiva ed eterna alleanza in quanto momento in cui «il Verbo si fece carne». L'Eterno attraversa le soglie del tempo e si fa storia.  missione di Gesù comincia già nel grembo della madre, come testimonia il vangelo della Visitazione in cui il bambino nel grembo di Elisabetta, la cugina di Maria, sussulta di gioia e la stessa Maria si lancia nel canto del Magnificat, che è un canto di vittoria.destraL’Annunciazione di Il distacco del cristianesimo dalle altre religioni avviene infatti proprio nel mistero dell'Incarnazione: in nessun altro credo è concepito un Dio che assume in sé la natura umana e la fa propria, con l'unica differenza della assenza di ogni forma di peccato.<br/> nascita e poi la vita pubblica di Gesù daranno piena attuazione alla sua missione, fino al suo compimento nelle vicende pasquali. Ma tutto nacque dal 'fiat' di Maria; ne è dimostrazione che il Gesù risorto è lo stesso di quello pre-pasquale, come Egli stesso tiene a dimostrare nelle apparizioni agli apostoli. È al momento dell'Annunciazione, e non nella Risurrezione, che si verifica l'unione ipostatica definitiva tra natura umana e natura divina in Gesù Cristo.Nell'Antico Testamento, Dio aveva parlato ai patriarchi, ai profeti e ai sapienti; con l'Annunciazione si rivolge ad una giovane donna. Il breve passo evangelico di Luca è un condensato di testimonianze: l'umiltà della scena, una giovane e povera fanciulla in una città secondaria di una terra di provincia, la Galilea, fa da contrasto alle promesse dell'angelo, espressioni della forza e della manifestazione di Dio. Contrasto che sarà compreso dalla stessa Maria, e di lì a poco esaltato nel già citato canto del Magnificat. Espressioni e manifestazioni di Dio peraltro tutte care alla teologia dell'Antico Testamento; in questo modo, l'autore vuole evidenziare che la vicenda di Gesù si inserisce fin dall'inizio in quella storia di salvezza già cominciata con l'antico Israele, e lo fa considerandola nella sua interezza: dai patriarchi , all'esperienza dell'Esodo , all'epoca dei re , fino alla recente, per quel tempo, tradizione apocalittica .Alcuni autori hanno visto un parallelo tra il racconto della nascita di Samuele nell'Antico Testamento  e il racconto dell'annunciazione e della nascita di Gesù elaborato da Luca.

Prompt: Describe the characteristics of the The Annunciation in theology in Annunciation (Masolino)'s The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Antico Testamento
Galilea
Gesù
Magnificat


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Galleria di vedute di Roma moderna

Galleria di vedute di Roma moderna è stata quindi dipinta da Pannini in tre versioni:  prima versione  è al Museum of Fine Arts . Firma: I. Paul Pannini Romae 1757.  seconda versione  è a New York, al Metropolitan Museum of Art.  terza versione  è al Louvre.

Prompt: Explain the Localization about the History of this artwork, Modern Rome.Please output in Italian.


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Antinoo Mondragone

LAntinoo Mondragone è la scultura di una testa alta 95 cm e largo 37 costituita da un unico blocco di marmo bianco; rappresenta l'iconografia di Antinoo, il ragazzo amato dall'imperatore romano Adriano e da questi portato in apoteosi dopo la sua morte, avvenuta nel 130 d.C. per annegamento sul fiume Nilo. È conservata nel Louvre.

Prompt: How does Antinous Mondragone explain its Abstract?Please output in Italian.


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Bellezza

Il bisogno di bellezza nell'umanità può realizzarsi attraverso un cammino di ricerca che dall'amore per le bellezze dell'arte e del creato - bellezza sensibile riflesso di quella di Dio - la elevi spiritualmente.  bellezza porta al sommo amore, che è Cristo: infatti tale ricerca, incentrata sul trascendente, porta al Suo amore infinito, alla Sua luminosa bellezza. ;Papa Paolo VIDal Messaggio agli artisti, 8 dicembre 1965: «Questo mondo nel quale viviamo ha bisogno di bellezza per non sprofondare nella disperazione.  bellezza, come la verità, è ciò che infonde gioia al cuore degli uomini, è quel frutto prezioso che resiste al logorio del tempo, che unisce le generazioni e le fa comunicare nell’ammirazione. E questo grazie alle vostre mani...»;Papa Giovanni Paolo IIDalla Lettera agli artisti, 4 aprile 1999: «Il tema della bellezza è qualificante per un discorso sull'arte. Esso si è già affacciato, quando ho sottolineato lo sguardo compiaciuto di Dio di fronte alla creazione. Nel rilevare che quanto aveva creato era cosa buona, Dio vide anche che era cosa bella. Il rapporto tra buono e bello suscita riflessioni stimolanti.  bellezza è in un certo senso l'espressione visibile del bene, come il bene è la condizione metafisica della bellezza. Lo avevano ben capito i Greci che, fondendo insieme i due concetti, coniarono una locuzione che li abbraccia entrambi: "kalokagathía", ossia "bellezza-bontà". Platone scrive al riguardo: « potenza del Bene si è rifugiata nella natura del Bello.»E vivendo ed operando che l'uomo stabilisce il proprio rapporto con l'essere, con la verità e con il bene. L'artista vive una peculiare relazione con la bellezza. In un senso molto vero si può dire che la bellezza è la vocazione a lui rivolta dal Creatore col dono del «talento artistico». E, certo, anche questo è un talento da far fruttare, nella logica della parabola evangelica dei talenti .Tocchiamo qui un punto essenziale. Chi avverte in sé questa sorta di scintilla divina che è la vocazione artistica - di poeta, di scrittore, di pittore, di scultore, di architetto, di musicista, di attore... - avverte al tempo stesso l'obbligo di non sprecare questo talento, ma di svilupparlo, per metterlo a servizio del prossimo e di tutta l'umanità.»;Papa Benedetto XVINel giugno del 2005 papa Benedetto XVI presentando il Compendio del Catechismo della Chiesa Cattolica pose l'attenzione sul rapporto tra sacro e immagine: «Nel testo sono anche inserite delle immagini… Immagine e parola s’illuminano così a vicenda. L’arte «parla» sempre, almeno implicitamente, del divino, della bellezza infinita di Dio, riflessa nell’Icona per eccellenza: Cristo Signore, Immagine del Dio invisibile. Le immagini sacre, con la loro bellezza, sono anch’esse annuncio evangelico ed esprimono lo splendore della verità cattolica, mostrando la suprema armonia tra il buono e il bello, tra la via veritatis e la via pulchritudinis.»;Papa FrancescoDal messaggio inviato dal Pontefice ai partecipanti alla XXI Seduta Pubblica delle Pontificie Accademie, sul tema Scintille di bellezza per un volto umano delle città, 6 dicembre 2016: «Prendersi cura delle persone, a cominciare dai più piccoli e indifesi, e dei loro legami quotidiani, significa necessariamente prendersi cura anche dell’ambiente in cui essi vivono. Piccoli gesti, semplici azioni, piccole scintille di bellezza e di carità possono risanare, “rammendare” un tessuto umano, oltre che urbanistico e ambientale, spesso lacerato e diviso, rappresentando una concreta alternativa all’indifferenza e al cinismo.Emerge, così, il compito importante e necessario degli artisti, particolarmente di quanti sono credenti e si lasciano illuminare dalla bellezza del vangelo di Cristo: creare opere d’arte che portino, proprio attraverso il linguaggio della bellezza, un segno, una scintilla di speranza e di fiducia lì dove le persone sembrano arrendersi all’indifferenza e alla bruttezza. Architetti e pittori, scultori e musicisti, cineasti e letterati, fotografi e poeti, artisti di ogni disciplina, sono chiamati a far brillare la bellezza soprattutto dove l’oscurità o il grigiore domina la quotidianità; sono custodi della bellezza, annunciatori e testimoni di speranza per l’umanità, come hanno più volte ripetuto i miei Predecessori. Li invito, pertanto, ad avere cura della bellezza, e la bellezza curerà tante ferite che segnano il cuore e l’animo degli uomini e delle donne dei nostri giorni.»Dal Discorso agli artisti, 24 febbraio 2018: «Voi siete chiamati, mediante i vostri talenti e attingendo alle fonti della spiritualità cristiana, a proporre ‘un modo alternativo di intendere la qualità della vita, [e incoraggiare] uno stile di vita profetico e contemplativo, capace di gioire profondamente senza essere ossessionato dal consumo’, e a servire la creazione e la tutela di “oasi di bellezza” nelle nostre città troppo spesso cementificate e senz’anima. Voi siete chiamati a far conoscere la gratuità della bellezza.»

Prompt: In The Beauty, how is the Art beauty of the Beauty Christianity explained?Please output in Italian.

1999
Bello
Papa Benedetto XVI
Papa Francesco
Papa Giovanni Paolo II
Papa Paolo VI
Platone


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Ritratto di giovane uomo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Portrait of a Young Man (Rosso Fiorentino).Please output in Italian.


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Fontane dei mostri marini

copia di una delle due fontane fu collocata nel parco di Villa Doria Pamphilj, a Roma, intorno al 1850 per volontà di Mary Talbot, moglie di Andrea Doria Pamphilj.Due repliche, eseguite con gli stampi originali del Tacca dalla Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli di Firenze, furono finanziate nel secondo dopoguerra dal comune di Livorno e, in segno di amicizia, da quello di Firenze, per essere poste in piazza Colonnella, a Livorno, non distanti dal Monumento dei Quattro mori.

Prompt: In Fontana dei mostri marini, how is the Copies replicas discussed?Please output in Italian.

Firenze
Fonderia Artistica Ferdinando Marinelli
Livorno
Monumento dei Quattro mori
Roma
Villa Doria Pamphilj


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Autoritratto

I filoni del criptoritratto e dell'autoritratto delegato ebbero particolarmente successo in contesto fiammingo. Il primo ebbe come più noto esponente Jan van Eyck, il quale si ritrasse nell'immagine riflessa dello specchio nel Ritratto dei coniugi Arnolfini  e nei riflessi dello scudo di san Giorgio nella Madonna del canonico Van der Paele .L'autoritratto delegato fu reso particolarmente noto da Rogier van der Weyden, che si ritrasse nei panni di san Luca nel dipinto San Luca dipinge il ritratto della Vergine , ed ebbe seguaci come Dirk Bouts, Jan Gossaert e ncelot Blondeel .

Prompt: Explain the The portrait the self-portrait the delegate about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.

Jan Gossaert
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Ritratto
Ritratto dei coniugi Arnolfini
Rogier van der Weyden


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monumento a Leonardo da Vinci

Il Magni si mise all'opera, ma l'esito della Seconda guerra d'indipendenza lo costrinse a rivolgersi prima a Urbano Rattazzi, all'epoca ministro dell'interno, e poi a Cavour, presidente del Consiglio dei ministri. Infatti il governo riteneva di non avere alcun obbligo nei confronti del Magni poiché il concorso non era stato approvato dalle autorità e l'importo di spesa previsto per la sua opera era maggiore di quello stabilito dal concorso. Cavour incaricò comunque Massimo d'Azeglio, governatore di Milano, di esaminare la situazione nello studio dello scultore e prendere una decisione.Il d'Azeglio non solo confermò il progetto ma suggerì anche delle modifiche essenziali che fecero aumentare il costo del monumento..</ref>}}Il Magni partì per Bologna come alfiere della Guardia Nazionale e al suo ritorno nel 1861 trovò come nuovo governatore Giuseppe Pasolini; per cercare di ottenere conferma dell'incarico di realizzare il monumento, egli contattò perciò l'Accademia, il d'Azeglio , il governatore Pasolini, il sindaco di Milano Antonio Beretta e il presidente del Consiglio dei ministri Bettino Ricasoli.Per la realizzazione del monumento venne stimato un valore di circa 100.000 lire . Nel 1862 le autorità richiesero modifiche al progetto per ridurre la spesa a lire 90.200 e il Comune di Milano si impegnò per un contributo di 20.000 lire.Il Magni portò avanti il monumento sobbarcandosi spese per i materiali; nel 1867 però non aveva ricevuto pagamenti e la pratica ministeriale non aveva fatto progressi. Decise allora di approfittare dell'inaugurazione della galleria a fianco della piazza della Scala, prevista per il 15 settembre; posizionò a proprie spese un modello del monumento per l'intero mese di settembre, sperando che le autorità, vedendolo, avrebbero finalmente permesso il completamento dell'opera.Nel 1868 gli fu comunicato che il governo intendeva riconoscergli solamente l'importo originario del concorso, pari a circa 52.000 lire italiane; anche contando le 20.000 per cui si era impegnato il comune di Milano, egli avrebbe subito una perdita netta di almeno 15.000 lire per spese vive.Come ultima speranza, nel 1879 il Magni scrisse al Filippo Antonio Gualterio, ministro della Real Casa, per cercare di ottenere un intervento del sovrano, ma inutilmente. Nello stesso periodo gli venne presentata una diffida dal Regio Demanio perché in ritardo con il pagamento dell'affitto dei locali che utilizzava per il suo studio; all'inizio del 1870 gli vennero sequestrati tutti i modelli e tutti i lavori per essere messi all'asta. Giovanni Battista Brambilla li acquistò tutti per restituirli allo scultore.Vista l'impossibilità di ottenere quanto dovuto, il Magni nell'agosto 1870 presentò un atto di diffida giudiziale al Ministero della pubblica istruzione. Infine con il contratto stipulato il 23 marzo 1871 riuscì in totale ad ottenere 72.000 lire.Secondo Ettore Verga, l'ostilità generale verso la realizzazione del monumento non era dovuta allo scultore Magni, ma all'origine stessa del monumento. Fu Elia Lombardini, a capo dell'ufficio delle pubbliche costruzioni sotto il governo austriaco, a proporne la realizzazione e fu lo stesso Lombardini che cercò di farlo accettare dopo l'Unità d'Italia presentando Leonardo come «vero creatore della scienza idraulica».

Prompt: Explain the Achievement about the Interventions of this artwork, Monument to Leonardo da Vinci.Please output in Italian.

Antonio Beretta
Bettino Ricasoli
Elia Lombardini
Ettore Verga
Giuseppe Pasolini
Massimo d'Azeglio
Milano
Urbano Rattazzi


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Immacolata Concezione

Immacolata concezione, di Guido Reni, 1627tipo = religiosadata = 8 dicembre religione = Cristiana cattolicaoggetto della celebrazione = Concepimento di Mariaricorrenze correlate =tradizioni =tradizioni religiose =tradizioni profane =tradizioni culinarie =data d'istituzione = 8 dicembre 1854chiamata anche =patrono di = città di Palermo, arcidiocesi di Palermo, patrona massima della Regione Sicilia, Portogallo, Spagna}}LImmacolata Concezione è un dogma della Chiesa cattolica, proclamato da papa Pio IX l'8 dicembre 1854 con la bolla Ineffabilis Deus, che sancisce come la Vergine Maria sia stata preservata dal peccato originale fin dal primo istante del suo concepimento. Esso dunque va distinto dal concepimento verginale di Gesù, nel momento dell'Annunciazione.Il dogma dell'Immacolata Concezione trae fondamento dalla questione biblica del peccato originale: infatti, ogni essere umano nasce con il peccato originale, ma secondo la Chiesa cattolica, solo la Madre di Cristo ne fu esente, poiché in vista della venuta e della missione sulla Terra del Messia, a Dio piacque che la Vergine dovesse essere il grembo puro e senza peccato per accogliere in modo degno e perfetto il Figlio divino incarnato. Chiesa cattolica celebra la solennità dellImmacolata Concezione della Beata Vergine Maria l'8 dicembre . Nella devozione cattolica l'Immacolata è collegata con le apparizioni di Lourdes  e iconograficamente con le precedenti apparizioni di Rue du Bac a Parigi . festa dell'Immacolata Concezione è una delle feste mariane più importanti nel calendario liturgico della Chiesa cattolica, celebrata in tutto il mondo. Per decreto reale, è designata come il giorno in onore della patrona del Portogallo. È celebrata dalla Chiesa cattolica e da alcune denominazioni cristiane protestanti.  festa fu solennizzata per la prima volta come giorno di precetto il 6 dicembre 1708 con la bolla pontificia Commissi Nobis Divinitus di papa Clemente XI ed è spesso celebrata con parate, fuochi d'artificio, processioni.In modo ancora più esteso del dogma, la Chiesa cattolica insegna non solo che la Vergine fu concepita senza il peccato di Adamo ed Eva, ma anche che ella rimase per tutta la vita priva di qualsiasi macchia di peccato, anche veniale.

Prompt: In The Immaculate Conception of Los Venerables, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1854
8 dicembre
Adamo ed Eva
Annunciazione
Chiesa cattolica
Concepimento
Dio
Eva
Gesù
Ineffabilis Deus
Lourdes
Parigi
Portogallo


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Madonna dai Cherubini rossi

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Madonna of the Red Cherubim and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Dama con l'ermellino

L'opera è uno dei dipinti più belli di sempre di Leonardo Da Vinci, simbolo dello straordinario livello artistico raggiunto da lui durante il suo primo soggiorno milanese, tra il 1482 e il 1499. L'opera, della quale si ignorano le circostanze della commissione, viene di solito datata a poco dopo il 1488, quando Ludovico il Moro ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell'Ordine dell'Ermellino dal re di Napoli Ferdinando I di Aragona.L'identificazione con la giovane amante del Moro Cecilia Gallerani si basa sul sottile rimando che rappresenterebbe, ancora una volta, l'animale: l'ermellino infatti, oltre che simbolo di purezza e di incorruttibilità , si chiama in greco galḗ , che alluderebbe al cognome della fanciulla. scritta apocrifa nell'angolo in alto a sinistra  ha anche fatto ipotizzare che l'opera raffiguri Madame Ferron, amante di Francesco I di Francia, ipotesi oggi superata.Esiste un'interpretazione secondo cui l'opera sarebbe una memoria della congiura contro Galeazzo Maria Sforza: la donna effigiata sarebbe sua figlia Caterina Sforza, con la collana di perle nere al collo della dama che alludono al lutto, e l'ermellino un richiamo allo stemma araldico di Giovanni Andrea mpugnani, sicario e uccisore nel 1476 dello Sforza.Il dipinto, col Ritratto di musico e la cosiddetta Belle Ferronnière del Louvre, rinnovò profondamente l'ambiente artistico milanese, segnando nuovi vertici nella tradizione ritrattistica locale. Dell'opera si sa che ebbe subito un notevole successo. Immortalato da un sonetto di Bernardo Bellincioni , venne mostrata dalla stessa Cecilia alla marchesa di Mantova Isabella d'Este che cercò di farsi ritrarre a sua volta da Leonardo, pur senza successo .Le tracce del dipinto nei secoli successivi sono più confuse. Dimenticata l'attribuzione a Leonardo, l'opera venne riassegnata al maestro solo alla fine del XVIII secolo. Durante la seconda guerra mondiale venne nascosto nei sotterranei del castello del Wawel, dove fu trovato dai nazisti che avevano invaso la Polonia; quando fu ritrovato recava nell'angolo inferiore destro l'impronta di un tallone, cui pose rimedio un intervento di restauro.

Prompt: In Lady with an Ermine, how is the History discussed?Please output in Italian.

1476
1482
1488
1499
Belle Ferronnière
Bernardo Bellincioni
Caterina Sforza
Cecilia Gallerani
Francesco I di Francia
Galeazzo Maria Sforza
Isabella d'Este
Ludovico il Moro
Polonia
Ritratto di musico
XVIII secolo


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Giovane donna seduta al virginale

Il tema è comune ai dipinti della Donna in piedi e della Donna seduta alla spinetta, e figura, senza specificazioni che possano chiaramente individuare un dipinto piuttosto che un altro, nell'inventario compilato da Diego Duarte ad Anversa nel 1682  e al numero 21 dell'inventario dell'asta Dissius ad Amsterdam . prima menzione certa di questo dipinto si trova nel catalogo della collezione Beit, pubblicato nel 1904, in cui è ricordata anche la Donna che scrive una lettera alla presenza della domestica. Se l'attribuzione a Vermeer è ampiamente accettata per tutti gli anni dieci, è nel decennio successivo che, per lo scoppio dello scandalo dei falsi Vermeer dipinti da Han van Meegeren, la Giovane donna suscita forti dubbi, venendo estrapolata dal catalogo dell'artista e di fatto dimenticata dalla critica. Nel 1960 fu acquistata dal barone Rolin, che solo nel 1993 la affidò a Sotheby's per condurre ricerche approfondite sull'opera, nella possibilità di una vendita. Le indagini tecniche hanno fatto riaffiorare valutazioni positive sull'autenticità dell'opera, pur in presenza di ridipinture successive che hanno coperto zone non finite, forse per il sopraggiungere della morte del pittore. Nel 2004 l'opera venne ripubblicata nel catalogo dell'asta che la vide aggiudicata per 30 milioni di dollari da Steve Wynn. Passata poi per altre collezioni private, fa parte oggi di una raccolta newyorkese che, come già accennato, l'ha prestata spesso per esposizioni di media durata, negli Stati Uniti, nel Regno Unito, in Giappone e in Italia.

Prompt: Explain the History of this artwork, A Young Woman Seated at the Virginals.Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


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Cupido dormiente

prima descrizione nota dell'opera è contenuta in una lettera datata 27 giugno 1496 e scritta da Antonio Maria Pico della Mirandola alla marchesa di Mantova Isabella d'Este:I biografi di Michelangelo Paolo Giovio , Ascanio Condivi  e Giorgio Vasari , segnalano la statua di un Dio d'amore, d'età di sei anni in sette, à iacere in guisa d'huom che dorma, fatta su commissione di Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici dopo il ritorno dell'artista da Bologna. Si trattava di un'opera  che si rifaceva all'arte antica, ma filologicamente slegata da essa.Su suggerimento forse dello stesso Lorenzo e probabilmente all'insaputa di Michelangelo per la somma di duecento ducati, molto cospicua soprattutto se confrontata con i trenta che aveva incassato Michelangelo per l'esecuzione.Tuttavia, poco tempo dopo, le voci del fruttuoso inganno si sparsero fino ad arrivare alle orecchie del cardinale, che per avere conferma e richiedere indietro i soldi spedì a Firenze un suo intermediario, Jacopo Galli, che risalì a Michelangelo con una scusa e riuscì ad avere conferma della truffa. Il cardinale andò su tutte le furie, ma volle anche conoscere l'artefice capace di emulare gli antichi: se lo fece inviare a Roma, introducendolo poco dopo all'ambiente cardinalizio nel quale il giovane scultore avrebbe presto conosciuto alcuni dei suoi grandi committenti.Esiste uno schizzo al Castello di Windsor che riproduce quattro puttini arrivati nel 1630 da Mantova: tra questi quello di Michelangelo sarebbe forse quello in alto a destra o quello sottostante, dall'energia più pronunciata.Nel 1632 l'opera, con numerosi pezzi pregiati delle collezioni Gonzaga, venne acquistata da Carlo I d'Inghilterra e trasportata a Londra.  statua si trovava probabilmente nel palazzo di Whitehall nel 1698, quando venne distrutta da un incendio, andando perduta definitivamente.

Prompt: Explain the History of this artwork, Sleeping Cupid (Michelangelo).Please output in Italian.

1496
1630
1632
1698
Antonio Maria Pico della Mirandola
Ascanio Condivi
Bologna
Carlo I d'Inghilterra
Castello di Windsor
Firenze
Giorgio Vasari
Gonzaga
Isabella d'Este
Jacopo Galli
Londra
Mantova
Paolo Giovio
Roma


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Bacco e Arianna

Il corteo che segue il dio si ispira alla tradizione, ormai ben consolidata, della rappresentazione dei Trionfi secondo il costume antico. A Ferrara ne esisteva un esempio celebre nel Salone dei Mesi di palazzo Schifanoia. Ciascun dio della mitologia aveva un cocchio personale trainato da una coppia di animali totemici e con un seguito a esso peculiare. Il corteo bacchico è preceduto da due ghepardi, come nella descrizione di Catullo, che vennero studiati da quelle belve nei serragli che erano comuni nelle corti italiane. Seguono personaggi eterogenei e chiassosi, spesso ebbri, che si dimenano al suono della musica, come tipico dei baccanali. In lontananza si vede arrivare Sileno, che come al solito dorme dopo gli eccessi, cavalcando un asino e circondato da satiri che lo reggono. I suoi capelli sono ornati di edera, pianta a lui sacra. Un satiro in primo piano impugna il cosciotto di un animale e regge thyrsus, un lungo bastone con una pigna in cima, coronato di edera e di pampini, che era portato da Dioniso e dai suoi seguaci.Un uomo in primo piano si contorce attaccato da serpenti, probabilmente una citazione colta del Gruppo del ocoonte scavato in quegli anni e oggetto di un enorme interesse.In primo piano si notano resti di animali, fatti a pezzi durante i bagordi. Un cagnolino è probabilmente il ritratto di un animale di compagnia della corte ferrarese.Il senso generale del dipinto non è comunque di condanna degli eccessi, ma anzi sottolinea giocosamente la dimensione dionisiaca intesa come liberazione dagli affanni del mondo, tema che il duca scelse esplicitamente nel suo studiolo dove evadeva dagli incarichi politici.

Prompt: In the context of Bacchus and Ariadne, explain the TheParade and the History.Please output in Italian.


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Aerostato

principale caratteristica delle mongolfiere ad aria calda è la possibilità di regolare la spinta ascensionale .  durata del volo è tuttavia limitata dalla quantità di carburante che la mongolfiera stessa può trasportare, e che viene consumato per il riscaldamento dell'aria.D'altro canto l'impiego di gas leggeri conferisce all'aerostato una capacità di sollevamento e un'autonomia molto maggiori rispetto a quelli ad aria calda. Per tale ragione, la maggior parte degli aerostati per l'impiego scientifico utilizzano gas leggeri, potendo raggiungere quote anche molto elevate per lunghi periodi. Tali palloni sono riempiti di elio, più costoso ma anche più sicuro rispetto all'idrogeno .Nel tentativo di sommare i vantaggi, le mongolfiere di Rozier hanno un pallone dotato di due distinte camere: la prima contenente un gas leggero e chiusa; la seconda, simile a quella delle normali mongolfiere, viene alimentata con aria riscaldata. Tali mongolfiere vengono utilizzate per effettuare voli record .

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Considerations related to the type of gas used of the Use aerostats explained?Please output in Italian.


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Virtù e la Legge

Gregorio IX approva le DecretaliIl lato destro è occupato dalla scena di Gregorio IX che approva le Decretali. Ambientato davanti a una nicchia con cassettoni a losanga analoga a quella dell'altra scena, vi è legata da un sistema di corrispondenze: un papa contrapposto a un imperatore e il diritto canonico contrapposto a quello civile.Il maggiore spazio permise una rappresentazione più articolata, con il trono del papa che si articola plasticamente in prospettiva, scorciato secondo un punto di fuga che si trova nel centro ideale della parete, quindi a sinistra dell'affresco. Il papa benedicente, indossante il triregno e un sontuoso piviale, ha le fattezze di Giulio II, mentre il cardinale che gli regge il manto a sinistra potrebbe essere Giovanni de' Medici, futuro Leone X, con alle spalle il cardinale Bibbiena e Antonio Del Monte; il porporato di destra è invece identificabile con il cardinale Giulio de' Medici futuro papa Clemente VII, affiancato da Alessandro Farnese, futuro Paolo III barba del pontefice induce a datare l'opera a dopo il giugno 1511, quando il pontefice tornò a Roma dopo aver fatto voto di non radersela più finché non avesse liberato l'Italia dagli stranieri.L'opera è generalmente riferita ad aiuti, su disegno del Sanzio, forse Baldassarre Peruzzi o Guglielmo di Marcillat.

Prompt: Explain the Gregory IX approves Decretals about the Description and style of this artwork, Cardinal and Theological Virtues (Raphael).Please output in Italian.


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Jacopo de' Barbari

Il suo stile è collegato al suo possibile maestro, Alvise Vivarini, e a Giovanni Bellini, ma la sua arte possiede sicuramente una connotazione peculiare. L'influenza della tecnica di Andrea Mantegna appare in quelle che sono probabilmente le sue prime incisioni, realizzate a cavallo del secolo, con ombreggiatura parallela. Molte delle sue incisioni sono di piccole dimensioni, contenenti solo poche figure. In numerose stampe appaiono satiri truculenti e sono spesso presenti personaggi mitologici, compresi due Sacrifici a Priapo.Le prime stampe, mostrano figure con "piccole teste e corpi quasi senza forma, spalle inclinate e torsi robusti, sorretti da gambe esili", caratteristiche viste anche nei suoi dipinti. e San Sebastiano. In queste opere la sua abilità nell'organizzare l'intera composizione appare notevolmente perfezionata.Nelle opere tarde, il suo stile evolve e diventa più "italianeggiante" e la composizione più complessa. Questi lavori possiedono un'atmosfera enigmatica, stregata e una tecnica molto raffinata. Secondo J.A. Levenson, queste opere risalgono al suo periodo in Olanda e furono influenzate dal giovane Lucas van Leyden.

Prompt: Explain the Engravings about the Biography of this artwork, Jacopo de' Barbari.Please output in Italian.

Alvise Vivarini
Andrea Mantegna
Giovanni Bellini
J.A. Levenson
Priapo


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Madonna delle Grazie

Beata Vergine Maria delle Grazie è la protettrice dell'intera comunità civitellese. A essa è dedicata la chiesa parrocchiale e un'altra fuori dal centro storico, la chiesa della Madonna della Cona. Quest'ultima è caratterizzata da un artistico portale in pietra, interamente decorato, del Cinquecento, da un altare barocco e da due pregevoli affreschi di medie dimensioni.  festa si tiene regolarmente ogni anno, e ha inizio dopo il canto solenne del secondo vespro di Pentecoste e si protrae sino al martedì seguente, giorno di maggiore solennità. Durante la festa, visitando la chiesa "della Cona" è possibile lucrare il "Perdono" . Dall'anno 2009, anno del terribile sisma che ha lacerato profondamente il centro storico, nella solenne processione del martedì viene portato, assieme all'artistica e antica statua della Santa Patrona, anche il simulacro di Sant'Emidio.

Prompt: In the context of Madonna delle Grazie (Botticelli), explain the Civitella Casanova and the Sanctuarypatronage.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: Describe the characteristics of the The Renaissance sculptor self-portrait in Self-portrait (Giorgione)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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tavole di Pitsà

Le tavolette sono offerte votive connesse al culto rurale delle ninfe, all'epoca diffuso in tutta la Grecia. Stilisticamente e tecnicamente rappresentano probabilmente un esempio di bassa qualità delle pitture dell'epoca. Queste, così come altri riferimenti in altri santuari greci  indicano che le tavolette di Pitsà sono delle tavolette votive usate dalla parte più povera della popolazione. Queste semplici tavolette votive potrebbero essere state molto numerose, ma il fatto che fossero realizzate in materiali semplici e deperibili ha portato alla loro quasi completa scomparsa, al contrario delle tavolette in materiali più preziosi e durevoli, come pietra, bronzo o metalli preziosi.

Prompt: Focus on Pitsa panels and explain the Functions and context.Please output in Italian.


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Martirio dei Diecimila

Il Martirio dei Diecimila è un dipinto a olio su tavola trasferito su tela  di Albrecht Dürer, firmato e datato 1508, e conservato nel Kunsthistorisches Museum a Vienna. L'opera è firmata su un cartellino appeso a un bastone che tiene l'autoritratto dell'artista al centro: "Iste fatiebat Ano Domini 1508 Albertus Dürer Aleman".

Prompt: Focus on Martyrdom of the Ten Thousand and explain the Abstract.Please output in Italian.

1508
Albrecht Dürer
Kunsthistorisches Museum
Vienna


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Gilles

Gilles è un comune francese di 577 abitanti situato nel dipartimento dell'Eure-et-Loir nella regione del Centro-Valle della Loira.

Prompt: Focus on Pierrot (Watteau) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Madonna del Latte

L'iconografia è risalente all'Antico Egitto, epoca in cui erano diffusissime le immagini della dea Iside intenta ad allattare il figlio Horus e il cui culto durerà ancora a lungo intrecciandosi con il Cristianesimo. Addirittura molte statue di Iside furono ribattezzate o venerate come Madonne originali.Le prime rappresentazioni iconografiche ufficiali della "Madonna del tte" si ritrovano nell'Egitto ormai cristianizzato del VI o VII secolo dopo Cristo, essa è ritratta mentre allatta Gesù Bambino o in procinto di farlo. Sono immagini molto stilizzate che soprattutto alludono più che mostrare. In questi casi la composizione è una variante dell'iconografia della Madonna col Bambino. Dall'Egitto copto ebbero poi ampia diffusione presso le chiese orientali nell'arte bizantina, con nome greco di Galaktotrophousa. Da qui si diffuse poi, nei secoli seguenti, anche in Occidente. Tale tipologia di Madonne del tte divenne molto popolare nella scuola pittorica toscana e nel Nord Europa a partire dal Trecento.Nell'Europa occidentale con il culto si diffuse inoltre l'uso di custodire nelle chiese come reliquie ampolle contenenti il latte della Madonna , cui si attribuivano gli effetti miracolosi di restituire il latte alle puerpere che lo avessero perso.

Prompt: In the context of Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio), explain the Thefirstrepresentations and the Meaning of iconography.Please output in Italian.

Antico Egitto
Cristianesimo
Horus
Iside
Madonna col Bambino


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Focus on Self-portrait (Raphael) and explain the The Twentieth Century.Please output in Italian.


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Pasquino

Fu ritrovata nel 1501 durante gli scavi per la pavimentazione stradale e la ristrutturazione del Palazzo Orsini , proprio nella piazza dove oggi ancora si trova . Secondo le prime interpretazioni, si ritenne che fosse impiegata per l'ornamento dello Stadio di Domiziano, oggi coperto dalla piazza. ristrutturazione, di cui si occupò anche il Bramante, fu eseguita per conto dell'influente cardinale Oliviero Carafa; il prelato, che si sarebbe stabilito nel prestigioso palazzo, insistette per salvare l'opera, da molti ritenuta invece di scarso valore, e la fece sistemare nell'angolo in cui ancora si trova, applicandovi lo stemma dei Carafa ed un cartiglio celebrativo.Presto si diffuse il costume di appendere nottetempo al collo della statua fogli contenenti le cosiddette "pasquinate", satire in versi, dirette a pungolare i personaggi pubblici più importanti. Ogni mattina le guardie rimuovevano i fogli, ma ciò avveniva sempre dopo che erano stati letti dalla gente. In breve tempo la statua di Pasquino divenne fonte di preoccupazione, e parallelamente di irritazione, per i potenti presi di mira dalle pasquinate, primi fra tutti i papi. Diversi furono i tentativi di eliminarla: il primo fu il forestiero Adriano VI , durante il suo breve e controverso pontificato , che tentò di disfarsene, ordinando di gettarla nel Tevere; fu distolto quasi in extremis dai cardinali della Curia, che intravidero il pericolo e la possibile portata di un simile "attacco" alla congenita inclinazione alla satira del popolo romano. Anche Sisto V  e Clemente VIII  tentarono invano di eliminare la scomoda statua.Quando altri, successivamente, la fecero vigilare notte e giorno da guardie, le pasquinate apparvero infatti ancora più numerose ai piedi di altre statue: l'idea era stata di Benedetto XIII , che emanò anche un editto che garantiva la pena di morte, la confisca e l'infamia a chi si fosse reso colpevole di pasquinate. In realtà già nel 1566, sotto Pio V, Niccolò Franco era stato accusato di essere l'autore delle pasquinate e per questo condannato a morte e giustiziato sulla forca. Le pasquinate però non tacciono, e ai versi propagandistici si sostituiscono invettive moraleggianti, soprattutto nei confronti di un dilagante nepotismo e di una certa "prostituzione di lusso".Verso dopo verso, Pasquino era di fatto asceso ad un rango di specialissimo antagonista della figura papale, simboleggiando il popolo di Roma che punteggiava coi suoi commenti gli eccessi di un sistema col quale conviveva con sorniona sufficienza. Pasquino segnalava che, per la sua particolare storia, Roma sapeva valutare anche figure che assommavano in sé il massimo potere religioso ed il massimo potere di governo, riuscendo a scorgerne le eventuali umane modestie, a rimarcarne velleità e malefatte; come tale, era fisiologicamente un punctum dolens dei vescovi di Roma. Celebri divennero anche i dialoghi a distanza con il Marforio, altra famosa statua parlante di stanza sul Campidoglio. produzione di pasquinate si attenuò notevolmente con la fine del potere temporale del Papa, con la breccia di Porta Pia, che metteva il popolo romano di fronte a nuovi tipi di sovrano, a nuovi tipi di stato. Si è detto che Pasquino sia stato "distratto" dalla contemporanea messa in circolazione dei sonetti del Belli, che col suo spirito mostravano più di qualche apparentamento e che nel medesimo senso proseguivano la sua opera; in ogni caso la statua, priva del suo antico bersaglio, smise di essere teatro di un evento periodico e da allora fogli appesi se ne videro solo saltuariamente, avendo di mira tipicamente il nuovo governo unitario della città eterna. Per esempio, nel 1938, in occasione dei preparativi per la visita di Hitler a Roma, Pasquino riemerse dal lunghissimo silenzio per notare la vuota pomposità degli allestimenti edilizi e scenografici, che avevano messo la città sottosopra per mesi:}}Fortemente danneggiata dallo smog e dall'incuria, la statua di Pasquino è stata restaurata alla fine del 2009, per essere inaugurata, assieme ad una nuova recinzione con colonnette di travertino, il 10 marzo 2010. Attualmente, inoltre, non è più possibile attaccare le "pasquinate" direttamente sulla statua o sul suo basamento, come da tradizione: a tale scopo è stata infatti allestita un'apposita bacheca ai piedi di Pasquino.

Prompt: In Pasquino, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

tavola trascorre indenne il rifacimento in gusto barocco degli interni della chiesa e, soprattutto, l'integrale ricostruzione dell'edificio in stile neoclassico operata nella seconda metà del Settecento: il polittico mantiene la sua dignità di pala dell'altare maggiore e viene semplicemente ricollocato al suo posto.Tra il 1824 e il 1826, su progetto di Antonio Vigliani, le cinque tavole vengono estratte dalla cornice originale per essere ricollocate in una nuova in marmi lavorati, riprogettando parallelamente l'intero alloggiamento dell'opera nel coro della chiesa.  collaborazione o, addirittura, la paternità del progetto da parte di Rodolfo Vantini, al quale spesso è attribuito l'intervento, non è rilevabile nei documenti e dovette pertanto essere estraneo alla vicenda.  carpenteria originale va perduta e viene salvata solamente una medaglia commemorativa, infissa in un punto imprecisabile, recante i nomi dell'autore, dell'Averoldi e dei santi titolari della chiesa.

Prompt: Explain the nineteenth-century intervention about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Averoldi Polyptych.Please output in Italian.


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Venere Callipigia

Il restauro ha influenzato notevolmente le interpretazioni successive, al punto che i classicisti Mary Beard e J. G. W. Henderson lo descrivono come la creazione di un "capolavoro" in luogo della restituzione di un frammento. I restauratori, infatti, hanno scelto di piazzare il capo di Venere volto all'indietro, accentuando ulteriormente l'attenzione sulle natiche nude e dando alla figura un aspetto distintamente erotico. L'opera restaurata richiama anche una storia riportata nei Deipnosofisti di Ateneo riguardo alla fondazione di un tempio ad "Afrodite Kallipygos" nell'antica Siracusa. Secondo Ateneo, due belle sorelle di una fattoria vicino a Siracusa litigarono su chi di loro avesse le natiche più formose, e avvicinarono un giovane passante affinché fosse lui a giudicare. Si mostrarono al viaggiatore, figlio di un uomo ricco, e lui votò per la sorella maggiore. In seguito, si innamorò di lei e si ammalò di mal d'amore. Venuto a conoscenza dell'accaduto, il fratello minore dell'uomo andò a vedere le ragazze e si innamorò della sorella minore. Da allora i fratelli si rifiutarono di prendere in considerazione altre spose: infine, il padre fece in modo che le sorelle venissero a sposarli. I cittadini soprannominarono le sorelle "Kallipugoi"  e i giovani, con la loro ritrovata prosperità, dedicarono un tempio ad Afrodite, chiamandola "Kallipygos".Altre fonti menzionano il culto di Afrodite Kallipygos a Siracusa. Ad esempio, lo scrittore cristiano Clemente di Alessandria la include in una lista di manifestazioni erotiche della religione pagana. A partire dal XVI secolo, il racconto di Ateneo si diffuse nella versione di Vincenzo Cartari delle storie della mitologia classica, Le Imagini. Molti visitatori del XVII e XVIII secolo identificarono il soggetto della statua come la dea Venere, e supposero che l'opera fosse una statua cultuale proveniente dal tempio di Venere Kallipygos. Fu quindi spesso descritta all'epoca come "Venere che esce dal bagno". Altri la identificarono invece con una delle ragazze dalle "belle natiche" della storia di Ateneo, e come tale fu alternativamente conosciuta come " Belle Victorieuse" o " Bergère Grecque".Il soggetto è stato più volte replicato nel corso della storia. Oltre alla versione napoletana, vi sono altre versioni anche seicentesche, come quelle di Jean-Jacques Clérion e François Barois.

Prompt: How does Venus Callipyge explain its Restoration?Please output in Italian.

Deipnosofisti
François Barois
II secolo
I secolo
Jean-Jacques Clérion


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Ritratto di Ginevra de' Benci

Il Ritratto di Ginevra de' Benci è un dipinto a tempera e olio su tavola  di Leonardo da Vinci, databile al 1474 circa e conservato nella National Gallery of Art di Washington.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Ginevra de' Benci.Please output in Italian.

1474
Benci
Ginevra de' Benci
Ginevra de' Benci
Leonardo da Vinci
National Gallery of Art
Washington


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Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: Explain the Chorus about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.


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Madonna Gualino

Alessandro Bagnoli, Roberto Bartalini, Luciano Bellosi, Michel clotte Duccio, Silvana Editore, Milano 2003.

Prompt: In Gualino Madonna, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Giovane donna assopita

Costituisce la prima di una serie di opere che Vermeer dedicherà agli interni borghesi, popolati di figure femminili atte a svolgere le più diverse mansioni: dalla lettura all'esecuzione di brani musicali o semplicemente in posa all'interno delle loro abitazioni, più raramente mentre svolgono veri e propri lavori.Il soggetto in questo caso è una donna, certamente una domestica, che si è addormentata, forse dopo aver bevuto del vino dalla brocca in primo piano  attraverso il bicchiere di cristallo posato vicino. Un secondo bevitore assente deve aver usato il bicchiere capovolto vicino alla brocca. Se questa lettura è corretta, il dipinto potrebbe sottintendere un richiamo moraleggiante alla temperanza e alla moderazione. ragazza, posta a metà della stanza, appoggia la testa al polso col gomito puntellato su un tavolo coperto da un tappeto orientale in lana: si tratta di una posa tipica delle rappresentazioni della Melanconia, forse dovuta a una delusione amorosa, ma vi è stata letta anche un'allegoria della pigrizia. In primo piano il tavolo prosegue, ma la composizione è movimentata dal sollevarsi di un lembo del tappeto, vicino a una notevole natura morta con la citata brocca e bicchiere, un telo e un bacile in ceramica di Delft con frutta. Accanto sta una sedia elegantemente foderata in cuoio, intagliata e borchiata . Gli oggetti in primo piano non sono in rapporti coerenti con la protagonista a metà piano, denunciando un certo impaccio prospettico .Sulla parete a metà si vedono appesi una carta , un telo  e un dipinto in cui si riconosce una maschera appoggiata in terra, che richiama le allegorie del sonno, ma anche dell'amore, ispirate all'arte italiana. Probabilmente si tratta dellAmorino che compare anche nella Donna in piedi alla spinetta, che potrebbe rafforzare l'idea del tema amoroso della tela. Dietro la donna una porta dischiusa rivela un corridoio e un'altra stanza, ben rischiarata dalla luce, con un tavolino, uno specchio appeso e una finestra. Qui, rivelano le radiografie, era stata inizialmente prevista la figura di un uomo, poi eliminata.L'abbigliamento della donna, con la cuffia scesa sulle spalle, è tipico delle domestiche, sebbene il dettaglio dei costosi orecchini di perla sia incongruente: furono forse inseriti per dare un vivido tocco di luce al volto.Il taglio obliquo e profondo, che si può trovare anche nelle opere di Pieter de Hooch e Nicolaes Maes, mostra qualche incertezza prospettica, soprattutto tra tavolo e sedia in primo piano, che sarebbe indizio di una fattura giovanile, assieme ai numerosi pentimenti visibili attraverso le radiografie.

Prompt: In A Girl Asleep, how is the History and description discussed?Please output in Italian.

Delft
Donna in piedi alla spinetta
Nicolaes Maes
Pieter de Hooch


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Berthe Morisot con un mazzo di violette

Berthe Morisot con un mazzo di violette  è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1872 e conservato al museo d'Orsay di Parigi.

Prompt: How does Berthe Morisot with a Bouquet of Violets explain its Abstract?Please output in Italian.