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Strage degli innocenti

Nel IV secolo il poeta latino Prudenzio, impegnato a "cristianizzare" la poetica classica mettendola al servizio dell'opera didattica di evangelizzazione, descrive nellHymnus Epiphaniae, la Strage degli Innocenti in toni fortemente drammatici:Nella descrizione che segue i versi si fanno truculenti, parlano dei corpicini orrendamente mutilati, mentre i piccoli sventurati vengono chiamati flores martyrum e prima Christi victima.I versi di Prudenzio sono stati sicuramente un'importante fonte di ispirazione per i tanti artisti che hanno lavorato, in ogni genere espressivo, per rappresentare la scena del massacro.Tra le miniature alto medievali che riportano la rappresentazione della Strage va menzionato almeno il Codex Egberti, risalente al X secolo, esempio prezioso di arte ottoniana.  scena in esso raffigurata da un ignoto maestro nordico richiama prepotentemente la nostra attenzione sulla moltitudine della vittime che si accatastano al suolo e sulla inconciliabilità tra le spietate ragioni del potere da un lato, impersonato da Erode a dai suoi accoliti, e le ragioni dell'amore materno, che si esprimono nei gesti disperati del cordoglio funebre.Lo stesso contrasto tra la ferocia del potere politico e la tenerezza degli affetti delle madri, dà forma alla scena raffigurata nell'affresco di Giotto presso la Cappella degli Scrovegni a Padova. In alto, su una tribuna, Erode ordina il massacro che i suoi sicari intabarrati eseguono con freddo scrupolo; a fronte di essi, una moltitudine di madri dolenti invoca pietà, ma sembra anche volere coraggiosamente opporre i propri corpi all'eccidio, formando una scena nella quale risalta quella che oggi chiameremmo "contrapposizione di genere".L'affresco, nella studiata disposizione degli episodi del racconto evangelico che coprono le pareti della cappella, è posto di fronte alla scena della Crocifissione di Gesù: l'infante che, con il sacrificio dei piccoli martiri, si era salvato dal massacro e che muore ora, innocente e martirizzato, per la salvezza dell'umanità.Sono ancora le madri le protagoniste della scena che Duccio di Buoninsegna ci consegna nella tavola del Museo dell'Opera del Duomo in Siena: esse stanno ammassata in disparte, affrante dal dolore e stringono al petto i corpicini martoriati, come tante icone della Madonna col Bambino.Nel campo della scultura vanno almeno citate, per la loro drammatica essenzialità, la rappresentazione della Strage di Giovanni Pisano, che troviamo in uno dei pannelli in marmo che formano il pulpito della chiesa di Sant'Andrea di Pistoia e quella di Lorenzo Maitani, posta tra i bassorilievi del terzo pilastro del Duomo di Orvieto.

Prompt: In the context of Massacre of the Innocents (Reni), explain the The Middle Ages and the Weariness  in  art.Please output in Italian.

Cappella degli Scrovegni
Codex Egberti
Crocifissione di Gesù
Duccio di Buoninsegna
Gesù
Giotto
Giovanni Pisano
IV secolo
Lorenzo Maitani
Padova
Pistoia
Siena
Strage
X secolo


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Sacro Cuore di Gesù

Betlemite figlie del Sacro Cuore, fondate in Guatemala nel 1668 e restaurate da Encarnación Rosal nel XIX secolo. Società del Sacro Cuore di Gesù, fondata nel 1800 da santa Maddalena Sofia Barat, per l'educazione della gioventù. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Saint-Jacut-les-Pins, fondate nel 1816 da Angélique Le Sourd. Figlie della carità del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1823 a  Salle-de-Vihiers. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Bergamo nel 1831 da Teresa Eustochio Verzeri. Suore maestre di Santa Dorotea, figlie dei Sacri Cuori, fondate a Vicenza nel 1836 da Giovanni Antonio Farina. Suore Orsoline del Sacro Cuore, fondate nel 1854 a Toledo, in Ohio, dalle orsoline di Cleveland. Suore francescane missionarie del Sacro Cuore, fondate a Gemona del Friuli nel 1861 da madre Giuseppa di Gesù. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Strasburgo nel 1865. Suore di San Giuseppe del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1866 in Australia da Mary MacKillop. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Versailles nel 1866. Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Napoli da Caterina Volpicelli il 27 dicembre 1867. Ancelle del Cuore di Gesù, fondate a Córdoba da Saturnina Rodríguez de Zavalía nel 1872. Figlie del Cuore di Gesù, religiose di clausura fondate a Berchem il 1873 da Maria di Gesù Deluil-Martiny. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, fondate a Issoudun nel 1874 da Jules Chevalier. Oblate del Cuore di Gesù, fondate a Montluçon nel 1874 da Louise-Thérèse de Montaignac de Chauvance. Piccole Serve del Sacro Cuore di Gesù per gli Ammalati Poveri, fondate a Torino nel 1874 da Anna Michelotti. Suore Riparatrici del Sacro Cuore, fondate a Napoli nel 1875. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Madrid nel 1877 da Rafaela Porras y Ayllón. Suore della Carità del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Isabel rrañaga y Ramírez a Madrid il 2 febbraio 1877. Suore Zelatrici del Sacro Cuore, fondate all'Aquila nel 1879 da Maria Ferrari. Suore della Famiglia del Sacro Cuore di Gesù, di Brentana, fondate da ura Baraggia nel 1880. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Codogno il 14 novembre 1880 da Francesca Saverio Cabrini. Suore Francescane del Cuore di Gesù, fondate a Malta nel 1880 da Margherita De Brincat. Suore Ospedaliere del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1881 a Madrid da padre Benedetto Menni, per affiancare l'Ordine Ospedaliero di San Giovanni di Dio. Suore dei Poveri, Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Zamora da José Cázares y Martínez, il 4 ottobre 1884. Suore del Sacro Cuore del Verbo Incarnato, fondate a Palermo nel 1884. Suore Francescane del Sacro Cuore, di Joliet, sorte negli Stati Uniti nel 1885. Ancelle del Divin Cuore, fondate a Coria nel 1885 dal cardinale Marcelo Spínola y Maestre. Serve del Sacro Cuore di Gesù e dei Poveri, fondate a León nel 1885 da José María Yermo y Parres. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1886 a Guadalajara da Atenógenes Silva, dedite all'attività ospedaliera. Suore del Sacro Cuore di Gesù, fondate in Olanda nel 1886. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate nel 1888 a Lugo. Suore della Sacra Famiglia del Sacro Cuore, fondate nel 1889 dal gesuita Louis-Etienne Rabussier con Marie-Adelaïde Melin. Suore del Sacro Cuore di Gesù di Ragusa, fondate nel 1889 da Maria Schininà. Missionarie Ausiliarie del Sacro Cuore, sorte a Baltimora nel 1890 per l'educazione dei bambini di colore. Suore Salesiane del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Alcantarilla l'8 settembre 1890 da madre Pietà della Croce. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Caracas nel 1890. Serve del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 settembre 1891 a Vic. Suore Carmelitane del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1891 dalla beata Maria Teresa di San Giuseppe. Religiose dell'Apostolato del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1891 da Valentín Salinero García. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1893 per scissione dall'omonimo istituto di Versailles. Suore Agostiniane Recollette del Sacro Cuore di Gesù, sorte in Venezuela nel 1893 per opera di María Alvarado Cardozo. Figlie di Nostra Signora del Sacro Cuore, sorte nel 1893 a Palma Campania. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1893 a Gazzuolo da Ignazia Isacchi e Margherita Lussana. Suore Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Grottaferrata il 2 febbraio 1894. Suore Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Casoria da Giulia Salzano il 5 febbraio 1894. Apostole del Sacro Cuore di Gesù, fondate il 30 maggio 1894 a Viareggio dalla forlivese Clelia Merloni. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1894 da Józef Sebastian Pelczar. Figlie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1895 a Zacatecas. Adoratrici Perpetue del Sacro Cuore di Gesù, sorte a Mantova nel 1897. Suore Cappuccine del Sacro Cuore, fondate nel 1897 a Roccalumera da Francesco Maria Di Francia e Veronica Briguglio. Suore della Croce del Sacro Cuore di Gesù, fondate da Concepción Cabrera de Armida il 3 maggio 1897. Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù di Montmartre, fondate nel 1898 da Adèle Garnier. Suore Orsoline Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1898 a Parma da Maria Lucrezia Zileri dal Verme. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù di Hiltrup, sorte nel 1900 in Vestfalia. Missionarie Oblate del Sacro Cuore di Gesù e di Maria Immacolata, sorte nel 1902 in Canada. Figlie del Sacro Cuore, fondate nel 1902 a Malta da Maria Teresa Nuzzo. Minime Suore del Sacro Cuore, fondate da Maria Margherita Caiani a Poggio a Caiano il 15 dicembre 1902. Suore della Famiglia del Cuore di Gesù, fondate nel 1903 a Irapuato da Maddalena della Riparazione Vargas Galeana. Carmelitane del Sacro Cuore, fondate nel 1904 in Messico da María Luisa de la Peña Navarro de Rojas. Suore del Divin Cuore di Gesù, fondate nel 1905 a Breslavia. Congregazione del Sacro Cuore, siro-malabaresi, fondate nel 1911 a Palai. Suore Egiziane del Sacro Cuore, copte, fondate nel 1913 da un gruppo di suore mariamette di origine egiziana. Suore Consolatrici del Divino Cuore di Gesù, fondate a Brno da Rosa Barbora Vůjtěchová nel 1915. Piccole Ancelle del Sacro Cuore, fondate a Città di Castello il 9 agosto 1915, dal beato Carlo Liviero. Ancelle Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Messina nel 1917 da Antonino Celona. Suore del Cuore di Gesù Sacramentato, fondate nel 1918 da José María Robles Hurtado. Figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate nel 1919 a León. Suore Orsoline del Sacro Cuore di Gesù Agonizzante, fondate a Cracovia da Urszula Ledóchowska nel 1920. Società del Cuore di Gesù, fondata nel 1921 a Budapest. Suore Grigie del Sacro Cuore, ramo statunitense delle Suore della Carità di Montréal, sorto nel 1921. Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, fondate a Mentone nel 1922 per l'evangelizzazione in Africa. Piccole Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, sotto la regola agostiniana, fondate ad Antignano, vicino a Livorno, da Clotilde Gigli, nel 1922. Apostoliche del Cuore di Gesù, fondate in Spagna nel 1924. Suore Carmelitane del Sacro Cuore di Gesù, fondate a nel 1924 a Malaga. Suore del Sacro Cuore di Gesù e dei Santi Angeli, fondate a Valencia nel 1925 da Genoveva Torres Morales. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù e di Santa Maria di Guadalupe, fondate nel 1926 a Guadalajara da María Regina Sánchez Muñóz. Figlie del Sacratissimo Cuore di Gesù, fondate a Modena nel 1927. Missionarie Adoratrici e Riparatrici del Sacro Cuore Eucaristico di Gesù, fondate nel 1928 a Sansepolcro da mons. Enrico Merizzi. Suore Maestre Cattoliche del Sacro Cuore, fondate in Messico nel 1929. Discepole del Sacro Cuore, sorte ad Acaya l'11 aprile 1929. Ancelle del Sacro Cuore di Gesù in Lituania, sorte nel 1930 in Lituania dal distacco di alcune case dell'omonima congregazione di Cracovia. Suore Missionarie Catechiste del Sacro Cuore, sorte nel 1930 come ramo delle Missionarie del Sacro Costato. Missionarie Riparatrici del Sacro Cuore di Gesù, erette a Porto nel 1931. Salesiane Oblate del Sacro Cuore di Gesù, fondate l'8 dicembre 1933 a Bova Marina da Giuseppe Cognata. Suore Piccole Operaie del Sacro Cuore, fondate l'8 dicembre 1935 a Trani da Erminio Rondini e Anna Ventura. Suore Apostole del Sacro Cuore, fondate nel 1936 a Volturara Appula da Maria Gargani. Suore Francescane del Sacro Cuore di Gesù, sorte nel 1937 per la separazione del ramo brasiliano di una congregazione francese. Catechiste del Sacro Cuore di Gesù, istituto secolare greco-cattolico ucraino fondato in Brasile nel 1940. Serve dei poveri, figlie del Sacro Cuore di Gesù, fondate ad Almería il 24 maggio 1942 da Joaquín Reina Castrillón.  Suore del Cuore Eucaristico di Gesù, canonicamente erette a gos nel 1943 dal vescovo missionario Leo Hale Taylor. Benedettine del Sacro Cuore di Montmartre, sorte nel 1947 dalla separazione di una comunità dalle Adoratrici del Sacro Cuore di Gesù. Missionarie del Sacro Cuore di Gesù ad Gentes, fondate nel 1949 a Chietla, in Messico. Suore Missionarie del Sacro Cuore di Gesù, fondate a Xalapa nel 1960. Figlie di Santa Maria del Cuore di Gesù, sorte l'8 settembre 1998.

Prompt: Explain the Female congregations about the Congregations of this artwork, Sacred Heart of Jesus (Batoni).Please output in Italian.


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Ritratto del Perugino

Il Ritratto del Perugino è un dipinto a olio su tavola  attribuito al giovane Raffaello o a Lorenzo di Credi, databile al 1504 circa e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Prompt: How does Portrait of Perugino explain its Abstract?Please output in Italian.

1504
Firenze
Galleria degli Uffizi
Lorenzo di Credi
Perugino


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La sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche

Molte componenti del Grande Vetro sono ricollegabili a simbologie preesistenti, a partire dai nove Scapoli raffigurati privi di testa, antico simbolo di castrazione.
Anche i loro abiti hanno un valore simbolico: poiché ciò che distingue economicamente un uomo celibe da un uomo sposato è proprio la quantità di vestiti che egli possiede, sono le uniformi stesse a rendere i nove personaggi degli scapoli.Questi ultimi potrebbero essere, tra l'altro, delle personificazioni di Duchamp, mentre la Sposa potrebbe nascondere l'identità di Suzanne, sorella dell'artista.
 nube al suo fianco sembra mostrare i suoi sogni e pensieri, mentre le Reti sono “vuoti” in questi sogni.Le reti sono probabilmente anche ciò che gli Scapoli tentano di colpire, per far cadere la Sposa nel loro regno.
 Macinatrice rappresenta il caso, il destino, una forza non prevedibile.

Prompt: Focus on The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even and explain the Symbols.Please output in Italian.


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Una domestica

Una domestica ) è un dipinto di Diego Velázquez del periodo di Siviglia. Si tratta di una rivisitazione di Una domestica per la cena in Emmaus. L'anno in cui è stato eseguito il dipinto non è certo, ma viene indicato tra il 1620 il 1622. Il dipinto è esposto al Art Institute of Chicago mentre la seconda versione si trova alla Galleria nazionale d'Irlanda a Dublino.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, The Kitchen Maid.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Chicago
Diego Velázquez
Dublino
Galleria nazionale d'Irlanda
Siviglia
Una domestica per la cena in Emmaus


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Chassériau).Please output in Italian.


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Dubbio di Giuseppe

L'opera, proveniente dall'ospedale e convento di San Marco a Strasburgo, è un ottimo esempio di come nell'arte del gotico internazionale, in questo caso di scuola tedesca, si rendessero le scene sacre come rappresentazioni del quotidiano calate nella realtà dell'epoca. scena familiare è tratta da un episodio dei Vangeli apocrifi: Giuseppe, alla visione di Maria incinta, è assalito dal dubbio e starebbe per ripudiarla, ma un angelo lo istruisce prontamente sul Mistero. Si vede Maria incinta e dedita al cucito e san Giuseppe sorpreso dall'angelo a destra.  scena è ambientata in una stanza delimitata da pilastrini, con quelle centrale che divide la stanza di due parti diseguali. Ogni elemento è composto secondo un'assonometria irreale e sbilenca, che dà al dipinto un'atmosfera capricciosa e fantastica.Innumerevoli sono i dettagli, sia di oggetti simbolici che di elementi della vita quotidiana, dai tavoli di Giuseppe e di Maria, con i piani in prospettiva quasi ribaltata per mostrare gli strumenti da lavoro della coppia, alla credenza coi libri, dal velo annodato a una pertichetta, alla nicchia con la botticina del vino, fino alla cassetta degli utensili da cucito.Al centro del pavimento l'alberello entro un recinto allude allhortus conclusus medievale, simbolo della verginità di Maria, come anche il rubinetto chiuso, mentre i libri sono allusioni alle profezie dell'Incarnazione.Lo stile, per quanto originale, si rifà sia ai pittori fiamminghi che allo spirito intimo e poetico degli artisti della regione del Reno .

Prompt: Focus on Nativity of the Virgin/Doubt of Saint Joseph and explain the History and description.Please output in Italian.


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Trittico degli eremiti

Già nella collezione di Domenico Grimani, quindi a Venezia già nel 1500, il trittico è menzionato a Palazzo Ducale per la prima volta nel 1771 dallo Zanetti , in particolare nella Stanza dell'Eccelso Tribunale. Nel 1838 venne requisito dal governo austro-ungarico e portato nella Kaiserliche Galerie di Vienna, dalla quale fu passato al Kunsthistorisches Museum nel 1893; tornò a Venezia nel 1919 con i risarcimenti della prima guerra mondiale.L'opera venne gravemente danneggiata forse durante un incendio, con la parte centrale che fu pesantemente ridipinta, soprattutto nel paesaggio e nel cielo, nonché nella testa di Girolamo.  datazione si basa sulle analisi dendrocronologiche e conferma le ipotesi di rsen, che lo considerava opera del 1490-1495.

Prompt: How does The Hermit Saints explain its History?Please output in Italian.


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: How does The Crucifixion (Paleokapas) explain its Historical crucifixions?Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: How does Self-Portrait (Bol) explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Caccia al leone

Fin dai suoi primordi, l'uomo ha sempre avuto una stretta relazione con i grandi felini: sono stati ritrovati resti fossili di ominidi con evidenti segni circolari sul cranio, segni che corrispondevano perfettamente alle zanne del leopardo che, con tutta probabilità, era il più accanito predatore degli antichi ominidi.  caccia ai grandi felini era dunque un'azione necessaria per l'autodifesa; nulla toglie comunque al fatto che probabilmente, in tempi di magra, gli uomini uccidessero questi animali per cibarsene, o che il fatto di riuscire a cacciarli con successo aumentasse il prestigio sociale del cacciatore, in quanto si trattavano comunque di belve temibili e pericolose.

Prompt: Describe the characteristics of the Stone Age in The Lion Hunt (Delacroix)'s History.Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: Explain the Psychological investigation autobiographical meanings about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait with Skeleton.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Gabrielle Cot

Sarah Williams, William Bouguereau: Paintings, 2015.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Gabrielle Cot.Please output in Italian.


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Amor sacro e Amor profano

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Sacred and Profane Love.Please output in Italian.

Hypnerotomachia Poliphili
Opere di Tiziano
Hypnerotomachia Poliphili


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Polittico di Valle Romita

I quattro pannelli superiori, entro le cuspidi, mostrano invece San Giovanni Battista in preghiera nel deserto, il Martirio di Pietro da Verona, Santo francescano  in lettura e San Francesco che riceve le stimmate.Nel Martirio di Pietro da Verona la scena è ambientata sullo sfondo di una vivace veduta cittadina, con effetti di resa materica nella giubba dello sgherro, trattata con effetto di denso pointillisme per dare l'idea della lana appallinata. Nella scena il carnefice vibra un colpo di mannaia sul capo del santo. I pannelli di San Giovanni e San Francesco sono speculari e ambientati in un brullo paesaggio collinare quasi identico, che richiamava la religiosità ascetica dei francescani di Val di Sasso, isolati nel proprio eremo. Nel pannello del Battista nel deserto il pittore si concentrò soprattutto nel definire con cura i peli della casacca del santo o i cespugli spinosi, lumeggiati con una visione nitida e lenticolare.Forse il pannello della Crocifissione, situato nella stessa sala del museo, era anticamente nella cuspide centrale del polittico. Una serie di piccoli santi  sono stati messi in relazione col polittico quali possibili decorazioni dei perduti pilastrini laterali, ma tale ipotesi è stata in seguito scartata.

Prompt: Describe the characteristics of the Tips in Valle Romita Polyptych's Description and style.Please output in Italian.


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Ludovico II di Baviera

{ class="wikitable" style="text-align:center"-! Anno! Film! Attore! Note-  1920 Das Schweigen am Starnbergersee Ferdinand Bonn
 Martin Wilhelm  -  1920 Ludwig II. Olaf Fjord -  1930 Ludwig der Zweite, König von Bayern William Dieterle -  1955 Ludwig II: Glanz und Ende eines Königs O.W. Fischer - 1972 Ludwig - Requiem per un re vergine
  Harry Baer
 Balthasar Thomass  -  1973 Ludwig Helmut Berger - 1983 Wagner László Gálffi Miniserie televisiva- 1993 Ludwig 1881 Helmut Berger - 1999 Ludwig II - Die volle Wahrheit Georg Ringsgwandl Uscito in home video- 2011 Celles qui aimaient Richard Wagner Stéphane Bern - 2012 Ludwig II Sabin Tambrea
 Sebastian Schipper  }

Prompt: Describe the characteristics of the New movie in Ludwig II (sculpture)'s Ludovico and the arts.Please output in Italian.

1973
Helmut Berger
Ludwig II.
Richard Wagner


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Polittico di Santa Barbara

Stefano Zuffi, Il Quattrocento, Electa, Milano 2004.

Prompt: How does Saint Barbara Altarpiece (Master Francke) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Prometeo incatenato

Negli ultimi decenni alcuni studiosi hanno messo in dubbio la paternità eschilea dell'opera. Si ipotizza che il testo che oggi conosciamo sia di altro autore , o che il testo originale eschileo sia stato modificato dopo la morte del suo autore. Questo per tre ragioni principali: Nelle opere di Eschilo, Zeus è sempre portatore del modo di ragionare ed agire più retto, mentre nel Prometeo appare come un tiranno. Alcuni dei discorsi di Prometeo a propria autodifesa sembrano influenzati dal dibattito sull'evoluzione del genere umano e sul rapporto tra natura e cultura tipico della filosofia sofistica, che però si diffuse ad Atene solo dopo la morte di Eschilo. Motivazioni metriche.D'altra parte, per il primo punto, è possibile che la figura di Zeus venisse riabilitata nelle altre tragedie della trilogia, e in ogni caso lo scontro tra personaggi rigidi ed orgogliosi, nonché tra divinità più anziane e divinità più giovani, è presente anche altrove nel teatro eschileo . Il dubbio rimane, ma la maggior parte degli studiosi propende per confermare la paternità eschilea dell'opera.

Prompt: Describe the characteristics of the The problem of attribution in Prometheus Bound and the Oceanids's Plot.Please output in Italian.


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Bottega del macellaio

In questo dipinto Annibale si mostra a conoscenza delle prove di analogo soggetto, quasi coeve alla sua Macelleria, quali la Fruttivendola, del cremonese Vincenzo Campi, che fu tra i primi pittori italiani ad importare dai Paesi Bassi le invenzioni di Pieter Aertsen e del suo allievo Joachim Beuckelaer. Artisti che introdussero nella pittura di genere raffigurazioni piuttosto grandi di scene di cucina o di bottega, dove è dato particolare risalto alle vivande: ortaggi, volatili, pesci e carni.Annibale attinse anche da alcune composizioni di Bartolomeo Passarotti.I riferimenti della Macelleria del Carracci, tuttavia, non si limitano solo a dipinti genere di analogo contenuto: sul piano compositivo, infatti, la grande tela di Oxford si rifà alle scene con il Sacrificio di Noè raffigurate da Michelangelo nella volta della Cappella Sistina e da Raffaello nelle Logge del Palazzo Apostolico).L'assonanza tra alcune figure della Macelleria di Annibale e quelle delle scene dedicate a Noè da Michelangelo e Raffaello sembra evidente, come il macellaio in ginocchio, al centro della composizione, che si accinge a sgozzare un capretto, ripresa pressoché letterale della figura raffaellesca che sta compiendo la stessa azione. Anche il macellaio, in piedi al centro, davanti al banco, ha una posizione simile a quella di Noè, dietro l'altare, nell'affresco di Michelangelo.

Prompt: Explain the Iconographic and compositional references of this artwork, Butcher's Shop.Please output in Italian.

Bartolomeo Passarotti
Cappella Sistina
Carracci
Fruttivendola
Joachim Beuckelaer
Paesi Bassi
Palazzo Apostolico
Pieter Aertsen
Vincenzo Campi


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


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Miracolo del marito geloso

In fuga dalla peste che imperversava a Venezia, in cui morì anche Giorgione, Tiziano si rifugiò a Padova nel 1511, dove ricevette l'incarico di compiere tre grandi affreschi nella sala principale della Scuola del Santo, un luogo di riunione nelle immediate vicinanze della basilica del Santo. L'artista, poco più che ventenne, fu uno dei primi a lavorare al ciclo, che vide l'impegno di numerosi artisti veneti. Il lavoro è dettagliatamente documentato, primo nella carriera dell'artista, e si conoscono i tempi e i compensi dell'esecuzione. Il contratto, per tre affreschi, risale al dicembre 1510 e l'esecuzione venne avviata nell'aprile successivo, mentre il saldo finale, a opera compiuta, è datato al 2 dicembre 1511.Inoltre grazie ai restauri, si hanno anche numerose notizie di carattere tecnico.

Prompt: In Miracle of the Jealous Husband, how is the History discussed?Please output in Italian.

1510
1511
Giorgione
Padova
Scuola del Santo
Venezia


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Madonna Gualino

L'opera non è firmata dall'artista. Né esistono documenti scritti che aiutano a farla risalire a Duccio di Buoninsegna. Attribuita per anni a Cimabue, la prima attribuzione a Duccio fu di Gustave Soulier, poi sostenuta da Roberto Longhi, Carlo Volpe, Ferdinando Bologna, Miklos Boskovitz, Luciano Bellosi. L'attribuzione a Duccio è basata su pochi ma significativi dettagli presenti sull'opera, quali il naso a patatina del Bambino, la fitta fasciatura a crisografie della veste di Maria, l'uso dei colori di derivazione senese . Tale attribuzione trova oggi il consenso unanime degli studiosi. tavola è di impostazione e stile tipicamente cimabueschi, a tal punto che fu attribuita a lungo al maestro fiorentino. Ciò fa risalire il dipinto ai primi anni di attività del pittore senese, quando questi non aveva ancora uno stile autonomo e seguiva quasi alla lettera i dettami del maestro Cimabue.  tavola non possiede ancora la gentilezza nel volto della Maestà Rucellai dello stesso Duccio . Non vi compare neppure nessuna delle caratteristiche gotiche della Maestà Rucellai, quali il trono con bifore gotiche o il bordo dorato del manto della Vergine, confermando una datazione precedente al 1285. Le pieghe del manto che copre la testa della Madonna si dispongono secondo cerchi concentrici, una disposizione che risulta ammorbidita nella Maestà Rucellai. Il volto della Madonna non ha neppure la dolcezza della Madonna di Crevole , per cui si tende a collocarla in un periodo molto precoce dell'attività dell'artista senese, intorno al 1280-1283. Di fatto è ritenuta la prima opera di Duccio tra quelle che appartengono stabilmente al suo catalogo.

Prompt: Describe the characteristics of the Attribution dating in Gualino Madonna's History.Please output in Italian.


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Isabella

Isabel Allende, scrittrice cilenaIsabel Allende Bussi, politica cilenaIsabel Bawlitza, modella cilenaIsabel Coixet, regista e sceneggiatrice spagnolaIsabel dos Santos, imprenditrice angolanaIsabel Gemio, giornalista e conduttrice televisiva spagnolaIsabel Haamel, schermitrice tedescaIsabel Jeans, attrice ingleseIsabel Lucas, attrice australianaIsabel Macedo, attrice e modella argentinaIsabel Martínez de Perón, politica argentinaIsabel Moctezuma, figlia di MontezumaIsabel Muñoz, fotografa spagnolaIsabel Paterson, giornalista, scrittrice e critica letteraria canadese naturalizzata statunitenseIsabel Preysler, modella filippinaIsabel Rey, soprano spagnoloIsabel Russinova, attrice, conduttrice televisiva e cantante italianaIsabel Sánchez, cestista spagnolaIsabel Sanford, attrice statunitenseIsabel Suárez Chimpu Ocllo, principessa inca

Prompt: In Isabella (Millais painting), how is the Variant Isabel of the Variants explained?Please output in Italian.

Isabel Allende Bussi
Isabel Bawlitza
Isabel Coixet
Isabel Gemio
Isabel Haamel
Isabel Jeans
Isabel Lucas
Isabel Macedo
Isabel Martínez de Perón
Isabel Moctezuma
Isabel Muñoz
Isabel Paterson
Isabel Preysler
Isabel Rey
Isabel Russinova
Isabel Sanford
Isabel Suárez Chimpu Ocllo
Isabel Sánchez
Isabel dos Santos
Montezuma


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Salvatore

Salvador Allende, politico cilenoSalvador Dalí, pittore, scultore e scrittore spagnoloSalvador de Madariaga, diplomatico, storico e scrittore spagnoloSalvador Espriu, poeta, drammaturgo e romanziere catalanoSalvador Fidalgo, militare ed esploratore spagnoloSalvador Mazza, medico e batteriologo argentinoSalvador Sobral, cantante portoghese

Prompt: Describe the characteristics of the Variant Salvador in The Saviour (El Greco)'s Variants.Please output in Italian.

Salvador Allende
Salvador Dalí
Salvador Espriu
Salvador Fidalgo
Salvador Mazza
Salvador Sobral
Salvador de Madariaga


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Spoliazione di Cristo

leftProprio un documento relativo alla commissione di questa opera  – realizzata per la sagrestia della cattedrale di Toledo, dove tuttora si trova – è la prima testimonianza pervenutaci della presenza di El Greco a Toledo.È presumibile quindi che l’Espolio sia il primo dipinto realizzato nella città dove il pittore cretese si sarebbe stabilito definitivamente dopo il fallimento del tentativo di entrare nell’entourage della corte asburgica ed essere significativamente coinvolto nel grande cantiere del Monastero dell'Escorial.Benché si tratti di uno dei capolavori riconosciuti di El Greco, l'opera non piacque ai suoi committenti. Ne nacque una controversia chiusa con l'accettazione da parte del pittore di un compenso significativamente inferiore a quello pattuito.Il notevole numero di copie antiche e repliche di bottega  dimostra, tuttavia, che, al di là del malinteso con la committenza, l’Espolio fu apprezzato sin dai tempi della sua realizzazione.

Prompt: Focus on The Disrobing of Christ and explain the History.Please output in Italian.


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William Tecumseh Sherman

Nella primavera del 1865 Grant ordinò a Sherman di imbarcare il suo esercito sui vaporetti per unirsi a lui per affrontare il Generale Lee in Virginia. Sherman, invece, convinse Grant a lasciarlo marciare a nord attraverso gli Stati della Carolina, per distruggere qualunque cosa che avesse un valore militare, proprio come aveva fatto nella Georgia: il suo interesse principale era il Sud Carolina, il primo Stato che aveva proclamato la secessione dall'Unione, la cui conquista avrebbe causato un duro contraccolpo sul morale dell'esercito Confederato. Il suo esercito, quindi, avanzò a nord, attraverso il Sud Carolina, incontrando una scarsa opposizione da parte delle truppe del generale Joseph E. Johnston.Ritratto del generale Sherman in un dipinto di

Prompt: In William Tecumseh Sherman (Saint-Gaudens), how is the Caroline's campaign of the Strategy explained?Please output in Italian.


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Assunta Passerini

Marco Chiarini, Galleria palatina e Appartamenti Reali, Sillabe, Livorno 1998. ISBN 978-88-86392-48-8

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Passerini Assumption.Please output in Italian.


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Filatrici

Ogni grande quadro di Velázquez è costruito attorno ad un enigma, un gioco di riflessi che, così come accade per l'osservatore, interessa affascina e talvolta divide gli storici dell'arte alla ricerca del significato recondito dell'opera.In s hilanderas possiamo affermare con sicurezza che il pittore lega strettamente le due scene: le donne in primo piano, Atena  ed Aracne che lavorano assieme prima che la dea riveli la sua natura e la scena alle spalle che mostra il momento della furibonda rivelazione.Come già detto il pittore evita di posare l'attenzione sulla punizione, la scena culminante della leggenda di Ovidio, ma pone anzi l'accento sulla parità tra le due donne concorrenti tanto irrimediabilmente diverse quanto unite però dal loro lavoro e passione.Arte che torna prepotentemente protagonista se vediamo come in primo piano la celebre scena mitologica venga tradotta, elevata e quasi resa monumentale nella semplice bellezza della realtà quotidiana.Spingendosi poco oltre si può anche leggere nel pensiero del pittore il fatto che, senza la dedizione e la tecnica, neppure la dea potrebbe praticare la sua arte così come viceversa, passione, dedizione e capacità tecniche possono spingere l'uomo sorprendentemente vicino all'atto creativo della divinità.

Prompt: In Las Hilanderas, how is the Interpretation discussed?Please output in Italian.


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Ritorno della mandria

scena rappresenta probabilmente i mesi di ottobre e novembre, col faticoso cammino degli uomini e degli animali, di ritorno dal pascolo, verso la stalla in secondo piano. Come in altre opere dell'artista, gran parte della tavola ospita un vasto paesaggio, in questo caso autunnale, dominato dal contrasto tra i colori caldi della vegetazione e quelli cupi e freddi del cielo che volge all'oscurità. Attentamente descritta è la natura e i mutamenti che essa subisce sia per il variare delle stagioni che per l'attività dell'uomo. In secondo piano si vede ad esempio un vigneto vendemmiato e una rete per l'uccellagione, segni della presenza umana.Per rendere gli effetti più fini, come la secchezza degli alberi e il fogliame a terra, Bruegel punteggio il colore di base col pennello quasi asciutto, in modo da lasciare visibili i singoli segni e il fondo opportunamente preparato, in terra di Siena.Non è chiaro se l'intero ciclo celebri l'epopea contadina nell'anno solare o, contrariamente, la grandiosità della Natura, con le piccole figure quasi schiacciate.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, The Return of the Herd.Please output in Italian.


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Lucrezia (Artemisia Gentileschi Los Angeles)

Lucrezia è un dipinto realizzato nel 1627 da Artemisia Gentileschi, attualmente conservato al Getty Museum di Los Angeles: la versione conservata negli Stati Uniti è soltanto una delle tre tele riprodotte dall'artista con lo stesso soggetto, ossia Lucrezia, moglie di Lucio Tarquinio Collatino, colta nell'atto di uccidersi. Le altre due versioni sono conservate una al Neues Palais di Potsdam e l'altra in una collezione privata a Milano, mentre un'opera conservata al Museo nazionale di Capodimonte di Napoli, precedentemente ritenuta di Gentileschi, è ora attribuita a Massimo Stanzione.

Prompt: In Lucretia (Artemisia Gentileschi, Los Angeles), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Artemisia Gentileschi
Getty Museum
Los Angeles
Lucio Tarquinio Collatino
Massimo Stanzione
Milano
Museo nazionale di Capodimonte
Napoli
Neues Palais
Potsdam


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La cavallerizza

sinistraUn dettaglio della bambina.267x267pxIl ritratto fu realizzato dall'artista come una scena di genere. Una giovane che cavalca un cavallo nero, dopo una passeggiata mattutina, arriva presso la terrazza aperta di una villa grande. Una bambina vestita elegantemente, che è uscita correndo dalla casa per incontrarsi con l'amica più matura, la guarda con ammirazione, aggrappandosi alla ringhiera metallica della terrazza. L'emozione del tema risalta il paesaggio con gli alberi inclinati dal vanto e le nubi nel cielo.Un dettaglio della cavallerizza. cavallerizza è rappresentata dall'artista come una giovane bella, mentre il cavallo funge da "piedistallo per la sua beltà".  cavallerizza indossa un abito elegante e alla moda, progettato per l'equitazione. Questo include una gonna lunga e bianca come la neve e una camicia di seta blu, le cui maniche sono strette negli avambracci, e rigonfie dal gomito. bimba dai capelli neri sulla terrazza indossa un abito rosa, dei pantaloni di pizzo e delle scarpe verdi. Si suppone che il cavallo appartenesse alla razza russa dei "cavalli di Orlovskaja", allevata nella scuderia equestre dal conte Aleksej Orlov-Česmenskij. C'è un contrasto tra la foga del destriero e la calma della padrona.

Prompt: In Horsewoman (Bryullov), how is the Description discussed?Please output in Italian.


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Predica di santo Stefano

scena, secondo uno schema collaudato da tempo, si svolge tutta sul proscenio del primo piano, con gruppi concatenati di personaggi che, con le loro vesti e i loro copricapi, creano un variato gioco cromatico sullo sfondo del verde paglierino del brullo terreno. Santo Stefano, rialzato su un piedistallo romano tra rovine antiche, indica la via della redenzione facendo un gesto verso il cielo, mentre gruppi di persone ascoltano la sua predica. A sinistra un gruppo di personaggi vestiti all'orientale e alla bizantina di spalle e di profilo, al centro un gruppo di fanciulle sedute , attorniate da un altro gruppo analogo di personaggi maschili in piedi, mentre sulla destra sta un terzo gruppetto con due pellegrini in piedi e un uomo con turbante seduto su una roccia. Lo sfondo, visione fantastica della città di Gerusalemme, è popolato da un brulicante insieme di edifici all'orientale intonacati di bianco, con cupolette e altre invenzioni architettoniche. Essi formano un arco che "macchia" di luce la tela, zigzagando lungo il crinale delle alture. Più in lontananza si vedono delle colline e delle montagne, tipicamente venete, che sfumano nella foschia. Tra gli edifici è rappresentato l'Arco di Traiano di Ancona.Evidenti sono i richiami alla Predica di san Marco ad Alessandria d'Egitto di Gentile e Giovanni Bellini , con citazioni testuali soprattutto negli edifici e nei personaggi esotici.

Prompt: In The Sermon of St. Stephen (Carpaccio), how is the Description and style discussed?Please output in Italian.


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La grande onda di Kanagawa

Dal momento che la serie si dimostrò un successo sin dal primo momento della sua pubblicazione, la stampa delle copie continuò fino a quando i blocchi non iniziarono a mostrare notevole usura. È probabile che i blocchi originali permisero di stampare circa 5 000 copie. Il prezzo di una di queste si aggirava sui 16 mon, l'equivalente di una doppia porzione di noodles di Washington, il LACMA, il Museum of Fine Arts di Boston, il Minneapolis Institute of Arts, il RISD Museum di Rhode Island, l'Art Institute of Chicago, l'Honolulu Museum, il British Museum di Londra, il Victoria and Albert Museum di Londra, la National Gallery of Victoria di Melbourne, il Museo d'arte orientale di Torino, il Museo Guimet. Allo stesso modo, la copia conservata alla Biblioteca nazionale di Francia fu acquistata nel 1888 dalla collezione privata di Samuel Bing. Quanto alle copie del Museo Guimet e del Minneapolis Institute of Arts, esse provengono rispettivamente dalle eredità di Raymond Koechlin e Richard P. Gale.

Prompt: Explain the Copy of the work about the Description of this artwork, The Great Wave off Kanagawa.Please output in Italian.

Art Institute of Chicago
Biblioteca nazionale di Francia
Boston
British Museum
Francia
Londra
Melbourne
Minneapolis Institute of Art
Museo Guimet
National Gallery of Victoria
Rhode Island
Samue
Samuel Bing
Torino
Victoria and Albert Museum
Washi
Washington


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

L'opera è uno dei più antichi esempi conosciuti di pittura che ha come soggetto un ritratto privato, di personaggi viventi, anziché le consuete scene religiose.Mostra la coppia in piedi, riccamente abbigliata, che si trova dentro la stanza da letto, mentre l'uomo, Giovanni Arnolfini, fa un gesto verso lo spettatore che può essere interpretato in vari modi, dalla benedizione, al saluto, al giuramento .  moglie gli offre la sua mano destra, mentre appoggia la sinistra sul proprio ventre, con un gesto che ha fatto pensare a un'allusione a una gravidanza futura o prossima.  posa dei personaggi appare piuttosto cerimoniosa, praticamente ieratica; questi atteggiamenti sono probabilmente dovuti al fatto che si sta rappresentando la celebrazione di un matrimonio o la commemorazione di una defunta, dove tale serietà è del tutto appropriata. stanza è rappresentata con estrema precisione ed è popolata da una grande varietà di oggetti, tutti raffigurati con un'attenzione estrema al dettaglio. Tra questi oggetti spicca, al centro, uno specchio convesso, dettaglio giustamente celebre ed enigmatico, dove il pittore dipinse la coppia di spalle e il rovescio della stanza, dove si vede una porta aperta con due personaggi in piedi, uno dei quali potrebbe essere il pittore stesso.Ancora oggi gli storici dell'arte discutono sul significato e lo scopo dell'opera: la tesi proposta da Erwin Panofsky nel 1934 è che si tratti della rappresentazione del matrimonio della coppia e di un'allegoria della maternità, a cui alluderebbero i numerosi simboli sparsi nella stanza. Varie altre interpretazioni hanno, tuttavia, permesso di elaborare punti di vista differenti, che hanno messo in dubbio la tesi stessa di Panofsky. soluzione che appare più probabile è che si tratti del giuramento tra gli sposi prima di presentarsi al sacerdote. Tale rituale avveniva tramite una promessa di matrimonio a mani congiunte, che aveva valore giuridico e richiedeva la presenza di due testimoni: per questo, più che al matrimonio in sé, il dipinto alluderebbe al momento del fidanzamento. In questo senso il quadro, con la sua esattezza fotografica, rappresenterebbe proprio il documento ufficiale dell'avvenuto giuramento, come sembra suggerire anche la particolare firma dell'artista , più simile, nella forma e nella disposizione, a una testimonianza notarile, piuttosto che a una certificazione autografica dell'opera . Può anche darsi che van Eyck volesse indicare come il ritratto venne preso dal vero, in sua presenza: è possibile che avesse eseguito uno schizzo dei protagonisti in una o più sessioni di posa e poi avesse realizzato il dipinto nei mesi successivi.Altra ipotesi suggestiva è che si tratti di un omaggio del mercante Arnolfini alla prima moglie, ricordando attraverso il dipinto il momento della loro promessa di matrimonio; forse la mano sul grembo testimonia l'attesa di un erede che Costanza Trenta stava per dargli o che non giunse a causa della morte di lei.Si è parlato anche di un possibile esorcismo o cerimonia per recuperare la fertilità, poiché Arnolfini e la sua  moglie non ebbero figli. In tal caso si tratterebbe non della moglie defunta ma della seconda, Giovanna Cenami. Questo tipo di cerimonie per recuperare la fertilità era abituale all'epoca. Infatti dietro le mani unite dei protagonisti vi è una gargolla sorridente che potrebbe simbolizzare il male incombente sul matrimonio, come punizione del fatto che Giovanni Arnolfini poteva essere stato un donnaiolo e un adultero.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Arnolfini Portrait.Please output in Italian.


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Battaglia di San Romano

Battaglia di San Romano è un trittico di Paolo Uccello, commissionato da Lionardo di Bartolomeo Bartolini Salimbeni, a tecnica mista su tavola, databile al 1438 circa. battaglia è rappresentata in tre episodi su altrettanti pannelli, oggi divisi in tre musei: Niccolò da Tolentino alla testa dei fiorentini alla National Gallery di Londra ; Disarcionamento di Bernardino della Carda  agli Uffizi di Firenze; Intervento decisivo a fianco dei fiorentini di Michele Attendolo  al Museo del Louvre di Parigi.

Prompt: Focus on The Battle of San Romano and explain the Abstract.Please output in Italian.

1438
Bartolini Salimbeni
Firenze
Londra
Michele Attendolo
Michele Attendolo
Museo del Louvre
Paolo Uccello
Parigi


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San Cristoforo

Canicola Cinocefalo Colonna di San Cristoforo Gigante  Legenda Aurea Persecuzione dei cristiani nell'Impero romano Santi ausiliatori Oscar Wilde, Il gigante egoista Uomo selvatico

Prompt: In Saint Christopher Carrying the Christ Child, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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Madonna Huldschinsky

AA.VV.,  collezione di sculture al Bode-Museum, Prestel, Monaco di Baviera, 2011. ISBN 978-3-7913-4260-3

Prompt: In Huldschinsky Madonna (painting), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Madonnina

Madonnina  è una statua in rame dorato, opera di Giuseppe Perego, raffigurante la Madonna Assunta e posta sulla guglia maggiore del duomo di Milano.Dal momento della sua posa, avvenuta nel 1774, è diventata il simbolo della città anche al di là della sua valenza religiosa. Frasi come all'ombra della Madonnina indicano per antonomasia la città di Milano. L'alabarda è in realtà un parafulmine "mascherato".

Prompt: How does Madonnina (statue) explain its Abstract?Please output in Italian.


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Baccanale degli Andrii

Il Baccanale degli Andrii è un dipinto a olio su tela  di Tiziano, databile al 1523–1526 e conservato nel Museo del Prado di Madrid. È firmato ".[aciebat]".

Prompt: How does The Bacchanal of the Andrians explain its Abstract?Please output in Italian.


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LAdorazione dei Magi di Città della Pieve è un affresco  di Pietro Perugino, databile al 1504 e conservato nell'Oratorio di Santa Maria dei Bianchi a Città della Pieve.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Adoration of the Magi (Perugino, Città della Pieve).Please output in Italian.

1504
Città della Pieve
Oratorio di Santa Maria dei Bianchi
Perugino


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Caduta di Icaro

Caduta di Icaro è un dipinto a olio su tavola  di Pieter Bruegel il Vecchio, datato 1558 circa e conservato nel Museo reale delle belle arti del Belgio.

Prompt: How does Landscape with the Fall of Icarus explain its Abstract?Please output in Italian.

1558
Icaro
Museo reale delle belle arti del Belgio
Pieter Bruegel il Vecchio


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Epifania

Il 6 gennaio è un giorno festivo in Austria, nei tre Länder tedeschi e nei tre cantoni della Svizzera, nonché in alcune parti dei Grigioni. Nei Paesi di lingua tedesca, gruppi di giovani chiamati Sternsinger  si recano di porta in porta vestiti come i Magi biblici avendo una stella sul capo, solitamente di legno dipinto, attaccata a un manico di scopa. Spesso questi gruppi sono composti da quattro ragazze, o da due ragazzi e due ragazze che cantano in armonia a quattro voci canzoni tradizionali e nuove come "Stern über Bethlehem".Essi non sono necessariamente tre saggi. I luterani tedeschi spesso notano che la Bibbia non specifica mai che i Weisen  erano uomini o che il loro numero era pari a tre. I cantanti sollecitano donazioni per cause benefiche, come quelle per la fame in Africa, organizzati congiuntamente dalle Chiese cattolica e protestante, e ricevono dei dolcetti nelle case visitate. I giovani compiono poi la tradizionale benedizione della casa, segnando con il gesso l'anno sopra la porta. Nelle comunità cattoliche romane questo può essere considerato un importante spirituale che avviene alla presenza del sacerdote, mentre tra i protestanti è più una tradizione e una parte della nozione tedesca di Gemütlichkeit. Solitamente, le donazioni vengono portate nelle chiese nella domenica successiva all'Epifania. Qui tutti i bambini che sono usciti come cantanti stellati, ancora una volta nei loro costumi, formano un corteo a volte di dozzine di elementi. Anche il Cancelliere tedesco e il Parlamento ricevono una visita da parte dei ‘’Sternsinger’’ in occasione dell’Epifania.Alcuni tedeschi mangiano una torta dei Tre Re, che può essere un anello di pasta d'oro pieno di arancia e spezie simboleggianti i tre doni di oro, incenso e mirra. Più spesso presenti in Svizzera, questi dolci assumono la forma di Buchteln che per l'Epifania sono riempiti di cedro e cotti come sette grandi panini in una teglia rotonda anziché quadrata, a formare una corona; in alternativa, possono essere fatti con la tipica pasta di pane natalizia con cardamomo e zucchero perlato, nella stessa forma a corona di sette panini. Queste varietà sono generalmente acquistate nei supermercati, con il ciondolo e la corona di carta d'oro inclusi. Come in altri paesi, chi riceve la fetta o il panino contenente il ciondolo o la mandorla intera diventa re o regina per un giorno.L'Epifania è anche un'occasione particolarmente gioiosa per i giovani e meno giovani, poiché questo è il giorno dedicato al plündern: gli alberi di Natale vengono "saccheggiati" dei loro biscotti e dolci da bambini , mentre si divorano il pan di zenzero e agli altri avanzi del Natale.Un detto tedesco in rima, o Bauernregel recita Ist's bis Dreikönigs kein Winter, kommt keiner dahinter che significa "Se non c'è stato alcun inverno  fino all'Epifania, nulla verrà dopo". Un altro di questi Bauernregel  per l'Epifania afferma: Dreikönigsabend hell und klar, verspricht ein gutes Weinjahr .

Prompt: Explain the Europe multilingual about the Theology of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

6 gennaio
Austria
Buchteln
Gemütlichkeit
Natale


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Giudizio universale

Il Giudizio universale , secondo l'escatologia cristiana e parzialmente quella musulmana, è un avvenimento che si verificherà alla fine dei tempi, subito dopo la Seconda venuta di Cristo. Secondo la teologia, infatti, il compimento delle storie di libertà vissute da ogni uomo comporta «il rendersi consapevoli della qualità etica di queste storie di fronte a Dio». Inoltre «nella testimonianza biblica che Gesù sarà il giudice è contenuta la promessa che il giudizio di Dio sul male e su ogni colpa sarà un giudizio di grazia». concezione che al termine della loro vita Dio giudicherà tutti gli uomini in base alle azioni da loro compiute e destinerà ciascuno al Paradiso oppure all'Inferno è comune a molte religioni e filosofie e in particolare a quelle presenti nel contesto culturale in cui è nato il cristianesimo: l'ebraismo, lo zoroastrismo, la religione egizia  e fra le filosofie il platonismo.

Prompt: Focus on Last Judgement (Fra Bartolomeo) and explain the Abstract.Please output in Italian.

Cristo
Dio
Gesù
Giudizio universale
Inferno
Paradiso
Seconda venuta


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La Bella

upright=1.5I tre ritratti a colori di Isabella d'Este nel Kunsthistorisches Museum Vienna - forse includendo confusione? Bella è stata interpretata da Moritz Thausing come un ritratto di Eleonora Gonzaga, nonostante la sua giovane età. Isabella aveva commissionato a Tiziano il suo ritratto di ringiovanimento  sulla base di un ritratto giovanile di Francesco Francia .  Bella si adatterebbe a questa commissione come bellezza ideale e anche la data di ricevimento a Mantova , quattro settimane più tardi, si adatterebbe perfettamente. A causa de «una Resurrezione» e de «gli altri» , i ringiovanimenti/idealizzazioni potrebbero essere interpretati anche nella Ragazza con pelliccia, nella Ragazza con cappello di piume e nella Venere di Urbino.Tuttavia, l'incarico di «lifting» Isabella è rivendicato dal ritratto Isabella in nero del Kunsthistorisches Museum di Vienna, che è considerato dubbio . Ulteriori tentativi di interpretare  Bella come una "pin-up" falliscono a causa della composizione corrisponde ai ritratti femminili di corte.

Prompt: Explain the Interpretation about the The word "null" in English is "null." of this artwork, Portrait of a Young Woman Known as "La Bella".Please output in Italian.

Eleonora Gonzaga
Francesco Francia
Isabella d'Este
Venere di Urbino


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Volpe blu e nera

Volpe blu e nera  è un dipinto di Franz Marc risalente al 1911, custodito al Von Der Heydt Museum di Wuppertal.

Prompt: In Fox (Marc), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1911
Franz Marc
Von Der Heydt Museum
Wuppertal


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Ritratto di giovane uomo

Pierluigi De Vecchi, Raffaello, Rizzoli, Milano 1975.

Prompt: How does Portrait of a Young Man (Raphael) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Explain the The influence of photography about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (Thomas Eakins).Please output in Italian.


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Cristo morto compianto da quattro angeli

tradizione che risale a Vasari ricorda l'opera come eseguita per il vescovo di Sansepolcro Leonardo Tornabuoni, uno dei numerosi prelati fiorentini alla corte papale di Clemente VII. Lo storico aretino parlò di un "quadro d'un Cristo morto sostenuto da due angeli", equivocando evidentemente il numero degli angeli, e senza specificare la destinazione prevista per la pala.Probabilmente ancora nelle mani dell'artista al momento del Sacco di Roma, venne affidata a una suora fiorentina, Maria Maddalena, nel convento di San Lorenzo in Colonna: un documento ricorda come in seguito il Rosso provò a rivendicare alcuni beni lasciati in fretta e furia a Roma, tra cui soprattutto  un Cristo morto contornato da angeli. Una ventina d'anni dopo la tavola era però ancora a Roma, nelle mani di Monsignor Della Casa, come ricordò Vasari stesso nell'edizione del 1550 delle Vite, e in quella del 1568 è aggiornato come in possesso degli eredi .Sulla destinazione originaria della pala sono state fatte varie ipotesi, sia relative a un luogo a Roma, che a Borgo San Sepolcro, sede titolare del vescovo Tornabuoni. Più recentemente è stata fatta l'ipotesi che la tavola fosse pensata per la cappella Cesi, in Santa Maria della Pace: in quel caso la pala sarebbe finita al Tornabuoni solo dopo la risoluzione del contratto con Angelo Cesi, magari per una nuova sistemazione architettonica della cappella che richiedeva una tavola di dimensioni maggiori; non è d'altronde da escludere che l'opera, nella sua modernità, fosse stata rifiutata, come era avvenuto per altri lavori dell'artista.

Prompt: How does The Dead Christ with Angels (Rosso Fiorentino) explain its History?Please output in Italian.


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Dittico di Boezio

Il dittico di Boezio è un dittico consolare in avorio  risalente al 487, raffigurante il console Manlio Boezio, conservato nel Museo di Santa Giulia a Brescia.Acquistato dal cardinale Angelo Maria Querini durante il Settecento, l'opera passa per lascito al Museo nell'Ottocento per poi entrare, definitivamente, nel catalogo delle opere del museo.

Prompt: How does Diptych of Boethius explain its Abstract?Please output in Italian.

487
Angelo Maria Querini
Brescia
Manlio Boezio
Museo di Santa Giulia


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: In Self-Portrait (Bril), how is the Self-portraits by Albrecht Dürer of the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait explained?Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


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Bambini dell'Olocausto

sopravvivenza dei bambini nei ghetti o nei campi fu sempre legata a circostante eccezionali, che, ritardandone l'uccisione o la morte per stenti, in casi limitati permisero loro di rimanere in vita fino alla liberazione.Nei ghetti, la loro sopravvivenza fu almeno in parte conseguenza della loro voglia di vivere e della loro adattabilità al contrabbando del cibo, al nascondimento e alla fuga. Con la liquidazione dei grandi ghetti , i bambini ne furono comunque le prime vittime se non coloro che riuscirono a nascondersi e fuggire, cosa ovviamente impossibile ai più piccoli.Nei campi di concentramento e di sterminio, i più robusti si fecero passare per adulti per sfuggire alle selezioni, quando esse venivano compiute. Altri, ufficialmente troppo piccoli per essere considerati abili al lavoro, furono comunque impiegati da ufficiali SS o Kapò come attendenti personali con mansioni di tuttofare, soggetti a umiliazioni e abusi di ogni tipo. Spesso la loro sopravvivenza fu legata all'aiuto e alla protezione personale offerta da altri prigionieri o compagni più grandi. A Auschwitz Luigi Ferri fu salvato per l'intervento dal medico ebreo Otto Wolken che lo "adottò" come figlio per tutta la sua permanenza al campo, mentre Piero Terracina e Sami Modiano trovarono forza e sostegno reciproco in un'amicizia fraterna.  solidarietà del campo protesse i 904 bambini di Buchenwald tra cui erano gli ebrei Elie Wiesel e Yisrael Meir u, e l'afro-tedesco Gert Schramm. Marcello Martini, a 14 anni, il più giovane tra i deportati politici italiani, sopravvisse al lavoro coatto a Mauthausen e in altri campi e a una marcia della morte di . Per tutti la liberazione venne dopo durissime esperienze e indicibile sofferenze.A Theresienstadt, a Bergen-Belsen ed anche ad Auschwitz sopravvissero per periodi di mesi o anche anni gruppi cospicui di bambini perché appartenenti a gruppi speciali: figli di matrimoni misti, figli di ebrei prigionieri di guerra e quindi protetti dalla "convenzione di Ginevra", membri di famiglie con passaporti stranieri, famiglie selezionati per possibili scambi di prigionieri, ecc. Per loro si organizzarono talora anche delle speciali baracche. Non sempre l'essere selezionati all'interno di questi gruppi mise questi bambini al sicuro dallo sterminio , ma il ritardo con il quale fu decretata la loro esecuzione talora aumentò le loro chance di sopravvivenza.Taluni bambini sopravvissero perché tenuti in vita  come cavie in programmi di sperimentazione medica . In altri casi di bambini specie polacchi o russi , essi furono risparmiati per essere adottati da genitori tedeschi nell'ambito del Progetto Lebensborn.I nuclei più consistenti di bambini in vita nei campi di concentramento nazisti furono ritrovati al momento della liberazione a Terezín , Buchenwald , Auschwitz-Birkenau  e Bergen-Belsen . Negli ultimi mesi di guerra Terezín, Buchenwald e Bergen-Belsen erano diventati anche terminali e campi di raccolta dei numerosi bambini trasferiti in Germania dai campi di concentramento della Polonia con le marce della morte.

Prompt: Describe the characteristics of the Survivors ghettos concentration camps in Children in the Holocaust's Losterminio.Please output in Italian.

Elie Wiesel
Germania
Gert Schramm
Otto Wolken


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Musica

Marcello Sorce Keller, “Che cosa è la musica ”, Musica/Realtà, 2012/1, pp. 33-56. Marcello Sorce Keller, “Do We Still Need To Think Musically? ”, Ethnomusicology Ireland, No. 5, 2017: 	 Carlo Pasceri, Tecnologia Musicale.  rivelazione della musica, Aracne, 2011.Susanna Pasticci , Parlare di musica, Meltemi 2008.

Prompt: How does Music (Matisse) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

I due pannelli superiori mostrano l'Annunciazione, divisa tra l'Angelo, a sinistra, e la Vergine a destra, secondo uno schema esistente fin dal medioevo. Tiziano inondò le due figure di una luce vibrante, soprattutto l'Angelo che è investito da dietro e le cui pieghe della veste bianca generano un vivace contrasto tra luci e ombre.  sua figura compie il gesto dinamico, sviluppato in profondità lungo la diagonale, come il San Sebastiano, di srotolare un cartiglio dove si leggono le parole evangeliche "Ave Maria Gratia Plena". Maria è colpita da una luce più soffusa, che meglio si adatta al carattere intimo dell'ambientazione domestica in cui ricevette l'annuncio.L'atmosfera è assorta, con una pacata ma poetica intensità di sentimento.

Prompt: Describe the characteristics of the Annunciation in Averoldi Polyptych's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

fuga in Egitto è un episodio dell'infanzia di Gesù. Tra tutti i libri che compongono il Nuovo Testamento canonico è riportato solo dal Vangelo secondo Matteo , in cui Giuseppe, assieme a Maria e Gesù bambino, fugge in Egitto dopo la visita dei Magi dopo aver appreso che re Erode il Grande intende far uccidere i bambini della zona ; l'episodio è presente anche in fonti non canoniche e in tradizioni della Chiesa copta.L'evento è frequentemente raffigurato nell'arte come episodio finale della natività di Gesù, oltre ad essere incluso nei cicli della Vita della Vergine e della Vita di Cristo.

Prompt: How does Flight into Egypt (Titian) explain its Abstract?Please output in Italian.

Erode il Grande
Gesù
Nuovo Testamento
Vangelo
Vangelo secondo Matteo


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Prigioniero

sindrome psicologica conosciuta come sindrome di Stoccolma descrive un fenomeno paradossale in cui, nel tempo, gli ostaggi sviluppano sentimenti positivi nei confronti dei loro rapitori. L'ego della vittima sviluppa una serie di meccanismi di difesa per sopravvivere e far fronte allo stress in una situazione traumatica.

Prompt: Describe the characteristics of the Stockholm syndrome in The Captive (painting)'s Culture of the detainee.Please output in Italian.


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Basci-buzuk

Il 10 marzo 1882 il governo del Regno d'Italia acquistò la baia di Assab, la cui colonizzazione era iniziata nel 1869 a danno del governo egiziano. Il 5 febbraio 1885, nella città portuale di Massaua, sbarcava il Corpo di spedizione del tenente colonnello Tancredi Saletta e il 1º gennaio 1890 l'Eritrea diventava ufficialmente la prima colonia italiana, con il nome di Colonia eritrea.Nel 1885 la guarnigione della città era formata, oltre che dal contingente egiziano regolare, da circa 500 irregolari basci-buzuk, reclutati in ogni angolo dell'Impero ottomano, essenzialmente con compiti di polizia. Su proposta del governatore e generale Tancredi Saletta, il Ministero della Guerra decise di non congedare i basci-buzuk. Le motivazioni erano sia di ordine politico, sia di ordine pratico. L'arruolamento e l'eventuale perdita di personale indigeno avrebbe avuto un minore impatto sull'opinione pubblica italiana rispetto all'uso di personale nazionale. Inoltre i basci-buzuk, pur non risultando particolarmente affidabili, avevano un'ottima conoscenza del territorio, erano abituati al clima e il loro mantenimento costava molto meno. Il 30 aprile 1885 venne dato incarico all'albanese Osman, comandante dei basci-buzuk, di reclutare 100 irregolari per il servizio con il Corpo Speciale per l'Africa. Con il ritiro completo degli egiziani, i basci-buzuk, che erano ormai un migliaio, furono organizzati in un'Orda Interna, di guarnigione a Massaua con funzioni di gendarmeria e guardie carcerarie e un'Orda Esterna con compiti prettamente militari. Nel 1887 il colonnello Giovanni Battista Begni sostituì gli ufficiali indigeni con ufficiali italiani e riorganizzò i basci-buzuk in tre orde: l'Orda Mobile su 12 buluk, con 30 guide arabe , l'Orda Interna su 200 effettivi e l'Orda Esterna su due nustabur di due buluk, con 1.300 effettivi. Lo stesso anno parteciparono alla battaglia di Dogali e nel giugno 1888 furono inquadrati come regolari, con una precisa gerarchia. Con l'insediamento come governatore del generale Antonio Baldissera venne profondamente rivista l'organizzazione militare della colonia, con l'istituzione, tra l'altro, il 1º ottobre 1888, dei primi quattro battaglioni indigeni di Àscari, un corpo regolare che andò a sostituire e, in alcuni casi, a incorporare i basci-buzuk, che furono ufficialmente sciolti il 30 giugno 1889.

Prompt: In Bashi-Bazouk (Jean-Léon Gérôme), how is the Italian ruffians discussed?Please output in Italian.


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Madonna Butler

tela viene in genere datata all'ultimo decennio del XV secolo, dopo il viaggio a Roma dell'artista, tramite confronti con altre opere simili, che hanno analogie tecniche e formali. Alcuni la attribuiscono invece alla fine del periodo padovano , come farebbero pensare alcune analogie con opere come la Presentazione al Tempio, con un'analoga cornice marmorea in primo piano.Si ignora la provenienza della tavola, che comparve sul mercato antiquario londinese nel 1891. Già nelle collezioni di Charles Butler, da cui il nome, arrivò nel museo newyorkese nel 1926.

Prompt: Focus on Butler Madonna and explain the History.Please output in Italian.


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Natività mistica

L'opera combina il tema della nascita di Cristo con quello della sua seconda venuta, cioè il ritorno sulla Terra prima del Giudizio Universale come promesso nel Libro della Rivelazione. In quell'occasione si assisterà alla completa riconciliazione tra gli uomini e Dio, come sembrano preannunciare le figure abbracciate in primo piano. Oppure le tre coppie potrebbero indicare i mezzi per vincere la presenza del male, ovvero la fratellanza e, tramite l'esempio degli angeli, la preghiera.Sicuramente il soggetto venne ispirato dalla situazione religiosa e politica fiorentina all'alba del nuovo secolo, memore ancora dei tragici eventi che avevano visto la calata di Carlo VIII, la cacciata di Piero de' Medici dalla signoria della città e la presa di potere del partito di Girolamo Savonarola. Botticelli in particolare dovette essere molto colpito dalla figura del frate ferrarese, e in tutte le sue opere dell'ultima fase, dagli anni ottanta in poi, si assiste a un ripiegamento verso forme sempre più drammaticamente religiose, ricche di significati escatologici e caratterizzate da convenzioni stilistiche volutamente arcaizzanti, che lasciarono sostanzialmente isolato l'artista nel panorama artistico dell'epoca.Il pathos che si respira nel quadro è eloquente e ricorda il canto del partito savonaroliano Al vaglio, al vaglio, venite tutti quanti e con amari pianti. Non mancano però elementi della cultura umanistica, come la scritta in greco che corre lungo l'estremità superiore della tavola, che riporta la data e alcuni riferimenti alle condizioni dell'Italia in quel frangente, che vengono definite "torbide". Per molti studiosi l'iscrizione sarebbe un riferimento indiretto al Savonarola e all'avverarsi delle sue profezie catastrofiche.

Prompt: Describe the characteristics of the Interpretations in The Mystical Nativity's Description.Please output in Italian.


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Annunciazione Martelli

Le tre scene della predella sono caratterizzate da una notevole capacità nel narrare gli avvenimenti e richiamano la predella della pala Barbadori, del 1437-1438.  maggior parte della critica sostiene che collaborò alla pittura di queste scene Giovanni di Francesco, attivo nella bottega del Lippi nel biennio 1440-1441.

Prompt: In Martelli Annunciation, how is the Predella discussed?Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Puerta de Alcalá è uno dei monumenti più significativi di Madrid, Spagna assieme alla vicina fuente de Cibeles.  costruzione fu ordinata dal re Carlo III e fu messa in opera dall'architetto Francesco Sabatini. Si trova nella Plaza de la Independencia, all'incrocio delle vie Alcalá, Alfonso XII, Serrano e Salustiano Olózaga e assieme alla Puerta de España, entrata principale al Parco del Retiro. Come la via nella quale si trova, il monumento porta questo nome per trovarsi sulla strada che conduceva alla località di Alcalá de Henares.

Prompt: Focus on Puerta de Alcalá and explain the Abstract.Please output in Italian.

Alcalá de Henares
Francesco Sabatini
Madrid
Parco del Retiro
Spagna


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In the context of Portrait of a Man in Red Chalk, explain the The development of the self-portrait: technical reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Epifania

Nelle Chiese cristiane ortodosse la festa è normalmente denominata "Teofania del Signore", e commemora le diverse manifestazioni della divinità di Gesù Cristo, soprattutto il suo battesimo nel Giordano.Nel rito bizantino le celebrazioni comprendono una veglia notturna, che comincia con i vespri solenni, prosegue con la Divina Liturgia di San Basilio, una grande compieta, la litía, il mattutino, la Divina Liturgia di san Giovanni Crisostomo e una benedizione solenne delle acque, che può avere luogo sia in chiesa sia presso un corso d'acqua, sulle rive di un lago o al mare.Dove è seguito il calendario giuliano, nel giorno corrispondente al 7 gennaio gregoriano si celebra la Nascita di Gesù, a causa di una differenza di tredici giorni fra calendario gregoriano, promulgato nel 1582, e il calendario giuliano precedente, ancora in uso in alcune Chiese ortodosse; di conseguenza l'Epifania è celebrata il 19 gennaio del calendario civile.Nelle Chiese ortodosse che osservano il calendario gregoriano , la Teofania è celebrata il 6 gennaio.

Prompt: Describe the characteristics of the In  the  Eastern  Churches in Epifania's Theology.Please output in Italian.

1582
19 gennaio
6 gennaio
Cristo
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
Nascita di Gesù
Teofania


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Madonna delle Grazie

Madonna delle Grazie è molto venerata ad Avellino e viene festeggiata i giorni 1 e 2 luglio.

Prompt: Explain the Avellino about the Sanctuarypatronage of this artwork, Madonna delle Grazie (Botticelli).Please output in Italian.


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Funerale a Ornans

L'opera, iniziata nell'estate del 1849 e portata a compimento nel 1850, fu presentata da Courbet al Salon del 1850-1851 con il titolo di Tableau de figures humaines, histoire d'un enterrement à Ornans [Quadro di figure umane, narrazione di un funerale a Ornans]. L'opera suscitò aspre polemiche e espose l'artista all'incomprensione: a essere giudicate negativamente dai critici e dai contemporanei erano in particolare la volgarità dei personaggi, ritenuti privi di decoro, la trivialità dell'insieme e le dimensioni monumentali della tela.

Prompt: In A Burial at Ornans, how is the History discussed?Please output in Italian.


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marmi di Elgin

Prompt: In Elgin Marbles, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Nudo che scende le scale n. 2

Duchamp presentò il dipinto alla ventottesima esposizione della Société des Artistes Indépendants parigina, tenuta dal 25 marzo al 16 maggio 1912, per esibirsi assieme agli altri pittori cubisti partecipanti. Il titolo dell'opera, che avrebbe dovuto essere Nu descendant l'escalier, fu menzionato per la prima volta nel catalogo della mostra dove il dipinto appare sotto il numero 1001. Nonostante ciò, l'opera non fu esibita durante tale mostra.I fratelli di Duchamp, Jacques e Raymond Duchamp-Villon furono invitati dal comitato d'asta a chiedere all'artista di ritirare il dipinto, o in alternativa di modificarlo o rinominarlo. Secondo Duchamp, cubisti come Albert Gleizes avevano scoperto che il suo nudo non era del tutto in linea con le loro teorie. Secondo le parole di Duchamp, il comitato in carica gli avrebbe impedito di esporre il suo nudo per il fatto che avesse un titolo "troppo letterario", e per la sua scelta di dipingere un nudo che scende da una scala, una soluzione che è stata giudicata "ridicola" poiché "un nudo merita rispetto".Alcuni ritennero che il nudo discendente si avvicinasse troppo alle influenze del futurismo italiano. Sebbene la Section d'Or dei cubisti tollerasse e godesse la presenza di artisti stranieri come Constantin Brâncuși, František Kupka, Alexander Archipenko, Amedeo Modigliani e Joseph Csaky, i cubisti francesi ripudiavano gli stimoli dell'arte straniera. Nello stesso periodo in cui venne tenuta la celebre mostra d'arte futurista alla Galerie Bernheim-Jeune nel febbraio 1912, Duchamp negò di essersi ispirato al futurismo, sostenendo che vi fosse troppa distanza tra Parigi e l'Italia da rendere possibili delle contaminazioni artistiche fra le due correnti.In un'intervista con la curatrice museale Katherine Kuh, Marcel Duchamp parlò del suo Nudo che scende le scale n. 2 e del suo rapporto con il futurismo e degli studi sul movimento fotografico di Muybridge e Marey: In seguito, Duchamp descrisse ciò che correlava il concetto di movimento e il suo nudo:  Per quanto riguarda la petizione del comitato sospeso degli Indépendants asserì invece: Nonostante la controversia che ruotava intorno all'opera, essa fu mostrata con il titolo originale Nu descendant l'escalier al Salon de la Section d'Or, presso la Galerie de la Boétie, nell'ottobre del 1912, assieme agli stessi artisti che avevano precedentemente agli Indépendants. Il nudo che scende dalle scale è anche apparso nelle illustrazioni di Du "Cubisme" e fu tra le varie tele esposte alla Maison Cubiste, organizzata dal designer André Mare per il Salon d'Automne del 1912 . Lo storico dell'arte Peter Brooke scrisse che "fu proprio perché Duchamp desiderasse rimanere parte del gruppo che ritirò il dipinto e che, lungi dal maltrattare il gruppo, gli fu data una posizione piuttosto privilegiata, probabilmente attraverso il patrocinio di Picabia".Secondo alcune fonti, Duchamp non avrebbe mai perdonato i suoi fratelli ed ex colleghi per aver censurato il suo lavoro. Una cartolina stampata per l'occasione mostrò per la prima volta il dipinto con la traduzione in lingua inglese, ovvero Nude Descending a Staircase. Julian Street, un critico d'arte del New York Times, affermò che l'opera assomigliasse a "un'esplosione in una fabbrica di ghiaia". Negli anni seguenti, l'opera fu oggetto di varie parodie e fumetti caricaturali; durante una rassegna in cui venivano parodiate alcune delle opere che hanno generato maggiore scandalo presso la 69th Regiment Armory, fu presentata un'opera intitolata Food Descending a Staircase .Durante Armory Show, il dipinto fu acquistato dall'avvocato e commerciante d'arte di San Francisco Frederic C. Torrey, che lo appese nella sua casa a Berkeley. Nel 1919, dopo aver commissionato una copia a grandezza naturale dell'opera, Torrey vendette l'originale a Louise e Walter Conrad Arensberg. Nel 1954 la tela entrò a nella collezione del Philadelphia Museum of Art come parte del lascito degli Arensberg. Oggi fa parte della collezione permanente del museo insieme agli studi preliminari e a una copia successiva del dipinto sempre realizzata da Duchamp.

Prompt: How does Nude Descending a Staircase, No. 2 explain its History?Please output in Italian.

1912
Albert Gleizes
Alexander Archipenko
Amedeo Modigliani
André Mare
Armory Show
Bernheim-Jeune
Constantin Brâncuși
Du "Cubisme
František Kupka
Joseph Csaky
Marcel Duchamp
New York
Parigi
Philadelphia Museum of Art
Raymond Duchamp-Villon
Salon d'Automne
Section d'Or
Walter Conrad Arensberg


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Apocalisse

L'uso trova la sua origine nel titolo dato al Libro dellApocalisse di Giovanni , nel Nuovo Testamento; il titolo proviene dalle parole di apertura del libro apōkalýpsis Iesōû kristōû  in cui il termine "rivelazione" è usato solo per descrivere i contenuti del libro stesso, e non come designazione letteraria. Il nome Apocalisse venne poi attribuito a ulteriori scritture dello stesso genere, molte delle quali apparvero in quel periodo.A partire dal II secolo il nome venne usato per diversi libri, sia cristiani che ebraici, che mostrano gli stessi tratti caratteristici. Oltre all'Apocalisse di Giovanni , il Canone muratoriano, Clemente di Alessandria ed altri menzionano una Apocalisse di Pietro. Vengono inoltre ricordate apocalissi di Adamo e di Abramo nonché di Elia. L'uso del termine greco per definire opere appartenenti ad una determinata classe letteraria è quindi di origine cristiana, derivato dalla rivelazione del Nuovo Testamento.Nel linguaggio comune il termine ha perso il significato originario di "rivelazione" e, fuori dell'ambiente religioso, è passato a indicare qualsiasi evento di grande calamità ovvero un succedersi di eventi disastrosi.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Use the term of the Description explained?Please output in Italian.

Abramo
Adamo
Apocalisse di Giovanni
Canone muratoriano
II secolo
Nuovo Testamento


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait with Two Pupils's Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Immacolata Concezione

Nei primi decenni del XIV secolo le controversie si erano ormai accese.Tra il 1320 e il 1321 ebbe luogo alla Sorbona una disputa tra uno dei discepoli di Scoto, Francesco de Mayronis , e il benedettino Pietro Roger, che sarebbe poi divenuto papa con il nome di Clemente VI . Gli animi si scaldavano tra chi difendeva Scoto e chi lo accusava di eresia.Così un carmelitano, Giovanni Baconthorpe , scriveva:Nel 1387 il domenicano Juan de Monzón, noto anche come Giovanni da Montesono  cominciò a insegnare alla Sorbona che la tesi sull'Immacolata Concezione era nettamente contraria alla fede della Chiesa. Ciò diede vita a una disputa con il francescano Andrea di Novocastro  e suscitò l'opera del suo confratello Giovanni Vidal, Defensorium Beatae Mariae Virginis Adversus Joannem de Montesono, che causò l'intervento di trenta teologi della Sorbona; costoro, dopo aver preso in considerazioni gli argomenti dei due maestri, giudicarono la tesi del domenicano «scandalosa, presuntuosa e offensiva», obbligandolo a ritrattare.Ma né la condanna, né la minaccia di scomunica da parte di Pietro d'Orgemont, vescovo di Parigi, riuscirono a far ritrattare il Monzón, che, pur ricorrendo a papa Clemente VII , ottenne solo condanne.In ogni caso, i trenta teologi parigini, che sostenevano come "possibile" l'opinione immacolatista, riconoscevano anche l'autorevolezza che si deve avere nei confronti della teologia dell'Aquinate. Questa prudente posizione cercava di tutelare la libertà di pensiero di fronte a un argomento non ancora definito dalla Chiesa, ma contemporaneamente ammetteva l'importanza del pensiero di San Tommaso. In effetti, è da questo momento che l'Aquinate divenne il "maestro" degli avversari dell'Immacolata Concezione, e sembra anche che si possa far risalire a questo evento la nascita ufficiale della "scuola scotista dell'Immacolata"; ebbero cioè inizio le due correnti teologiche degli Scotisti e dei Tomisti.Le discussioni continuarono nel 1400, inaugurando tra i teologi cattolici un periodo di discussioni tanto intense e durature da ispirare artisti del secolo successivo  per la rappresentazione di quadri allegorici nominati, appunto, Disputa sull'Immacolata Concezione. Nel 1566 lo stesso Carlo Portelli dipinse una chiara Immacolata Concezione per ribadire il concetto teologico, che però non trovò conferma ufficiale per altri tre secoli.

Prompt: Explain the The disputes of the 14th century about the The word "null" in English is "null." of this artwork, The Immaculate Conception of Los Venerables.Please output in Italian.

Andrea di Novocastro
Carlo Portelli
Giovanni Baconthorpe
Giovanni Vidal
Giovanni da Montesono
Parigi
Pietro d'Orgemont


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Leonida (scultura)

Leonida è una scultura, raffigurante un oplita, realizzata in marmo pario tra il 480 e il 470 a.C. e riscoperta nel 1926. Fu soprannominata Leonida da un operaio greco del luogo, dopo la sua scoperta, facendo riferimento al re spartano Leonida. Il suo ritrovamento si ebbe a sud-ovest del peribolo del tempio di Atena Chalkioikos, nell'acropoli di Sparta ed è attualmente esposta al Museo archeologico di Sparta, che la acquistò dalla British School ad Atene nel 1926.  figura è caratterizzata dalla presenza di un elmo corinzio con dei poggia guancia a forma di ariete. Mentre la maggior parte della cresta è frutto della restaurazione, al momento della scoperta furono rinvenuti, nelle vicinanze della scultura, frammenti originali di una gamba, di un piede, di uno scudo e dell'elmo. Paul Cartledge, tuttavia, ritenne che si trattava della rappresentazione di un eroe mitico o di una divinità e non del personaggio storico di Leonida. Una datazione dell'opera pone la realizzazione della scultura successivamente al 480 a.C., l'anno della battaglia delle Termopili, nella quale Leonida morì.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Leonidas (sculpture).Please output in Italian.

British School ad Atene
Museo archeologico di Sparta
Paul Cartledge
Sparta


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Pietà Bandini

;Le Pietà di MichelangeloPietà Vaticana, San Pietro, RomaPietà di Palestrina, Galleria dell'Accademia, FirenzePietà per Vittoria Colonna, Isabella Stewart-Gardner Museum, BostonPietà Bandini, Museo dell'Opera del Duomo, FirenzePietà Rondanini, Castello Sforzesco, Milano

Prompt: Focus on The Deposition (Michelangelo) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Boston
Castello Sforzesco
Firenze
Galleria dell'Accademia
Isabella Stewart-Gardner Museum
Milano
Pietà Rondanini
Pietà di Palestrina
Pietà per Vittoria Colonna
Roma
Vittoria Colonna


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Madonna Bache

Una tenda verde, a sinistra, tipica delle pittura veneziana dell'epoca, fa da sfondo alla Madonna col Bambino a mezza figura, lasciando spazio però anche a un'ampia porzione di paesaggio sulla destra. Rispetto alla rappresentazioni tradizionali del tema, gli elementi base della scena sono riarrangiati in maniera asimmetrica, sostando il fulcro verso sinistra, secondo una sensibilità "moderna" tipica del nuovo secolo. luce è forte e intensa, che accende i colori di riflessi in ampie campiture, con una linea dolce e sfumata legata al tonalismo. I due massicci alberi che bilanciano la composizione a destra sono tipici dei paesaggi di Tiziano, coi loro tronchi spessi e incombenti.

Prompt: How does Bache Madonna explain its Description and style?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Portrait of a Man in Red Chalk, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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amore

Fra il 1986 e il 1988 Robert Sternberg ha proposto un modello trifasico nelle relazioni affettive: la Triangular Love Scale o Triangular Theory of Love [Scale]. Secondo tale teoria: la passione  caratterizza l'attrazione fisica e l'innamoramento, l'intimità  definisce lo stadio dell'amore come innamoramento consolidato, l'impegno  è proprio della fase in cui ciascuno s'impegna a vivere con la persona amata e decide di non prendere in considerazione altre opzioni

Prompt: Describe the characteristics of the Triangular model of love in Love & Loss's Philosophy.Please output in Italian.


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Apocalisse

rivelazione dei misteri svela cose che vanno oltre la normale portata dell'umana conoscenza. Dio concede a profeti selezionati le istruzioni al riguardo, sia per aspetti estranei all'esperienza umana o per vicende che l'umanità non ha ancora affrontato.Vengono svelate alcune informazioni sul paradiso, in misura minore o maggiore: gli scopi di Dio; i fatti e le caratteristiche relative agli angeli e agli spiriti malvagi; la spiegazione di alcuni fenomeni naturali; la storia della creazione e dei periodi iniziali dell'umanità; gli eventi in corso, in special modo quelli relativi al futuro di Israele; la fine del mondo; il giudizio universale e il destino dell'umanità; l'epoca messianica; immagini del paradiso e dell'inferno. Nel Libro di Enoch, la più ampia delle apocalissi ebraiche, la rivelazione comprende tutti gli elementi suddetti.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Revelation of mysteries of the Description explained?Please output in Italian.