section

Il dettato

Similmente ad un'altra nota opera di Cosola,  vaccinazione nelle campagne, il quadro illustra l'incontro tra l'infanzia e le istituzioni del recente stato unitario: in questo caso con la scuola, nel caso de  vaccinazione la sanità. Il punto di vista dell'artista è non soltanto esterno, ma sopraelevato, in modo da aumentare l'oggettività della descrizione, nei canoni della pittura verista di cui Cosola era esponente.  stessa scelta dell'uso del pastello, altra caratteristica comune a  vaccinazione, consente all'artista di conferire immediatezza alla scena.A livello simbolico, la presenza di un'insegnante  rappresenta la laicizzazione dell'istruzione post-unitaria; ma il dipinto è emblematico anche perché simboleggia l'accesso delle donne all'istruzione, sia come docenti che come allieve.

Prompt: How does The Dictation Lesson explain its Description?Please output in Italian.


subsection

Martirio di San Sebastiano

L'incertezza nell'identificare l'esatta forma dell'opera porta anche a dei dubbi sulla sua effettiva collocazione in Duomo, i posti più probabili sono la sagrestia o l’altare laterale di San Sebastiano: Sagrestia: la collocazione nella sacrestia sembrerebbe la più probabile, se consideriamo la funzione dell'oggetto come deposito delle reliquie, in questo caso l'opera sarebbe stata esposta solo ad un pubblico ristretto e di ceto sociale alto. Altare San Sebastiano: non è possibile tralasciare la presenza dell'esistenza di fonti che riportano l'esistenza di una pala d'altare, in questo caso la pala avrebbe potuto avere una doppia funzione, pala e porta reliquie, questa sarebbe stata aperta in determinate festività o ricorrenze, in cui l'esposizione delle preziose reliquie era fondamentale per la narrazione religiosa.

Prompt: In the context of Martyrdom of Saint Sebastian (Semitecolo), explain the Placement in the Cathedral and the Description.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


section

Mezzetin

Mezzetin è un dipinto di Antoine Watteau, eseguito tra il 1718 e il 1720. Si trova al Metropolitan Museum of Art di New York.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Mezzetino (Watteau).Please output in Italian.

Antoine Watteau
Metropolitan Museum of Art
New York


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, Vienna), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Madonna di Darmstadt

Il fico, i cui rami sono visibili dietro il muro, ricorda la caduta, l'espulsione di Adamo e di Eva dal Paradiso. Il fico fondamentalmente rappresenta la tentazione e quindi costituisce un contrasto con la vite che è invece concepita come albero di salvezza. Tuttavia, il fico qui mostrato sembra avere viticci sottili che ricordano le viti. Non è chiaro quindi se si tratti di una raffigurazione progettata deliberatamente ibrida o se Holbein non fosse a conoscenza dell'esatto aspetto dei fichi. Attribuito a Maria, il fico simboleggia la nuova Eva che aprirà di nuovo il Paradiso per il popolo di Dio, un'interpretazione che viene sottolineata appunto dalla rappresentazione ambigua come un fico/vite. Holbein utilizza ramoscelli di fico, tuttavia, in seguito anche nei ritratti realizzati in Inghilterra, ad esempio, lady Guildford.

Prompt: Explain the The word "Ilfico" does not appear to be a recognizable word in Italian or any other language. It might be a typo or a specific term that is not widely known. Could you please provide more context or check the spelling? about the Style of this artwork, Darmstadt Madonna.Please output in Italian.


section

Madonna del Pesce

Madonna del Pesce è un dipinto a olio su tavola, trasportato su tela , di Raffaello Sanzio e aiuti, databile al 1514 circa e conservato nel Museo del Prado di Madrid.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Madonna with the Fish.Please output in Italian.

1514
Madrid
Museo del Prado
Raffaello Sanzio


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Self-portrait environment autonomy of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


subsection

Telemaco e le Ninfe di Calipso

In Telemaco e le Ninfe di Calypso Angelika Kauffmann presenta il momento in cui tre giovani Ninfe accolgono e circondano Telemaco, in un antro non lontano dalla spiaggia, offrendogli un cesto di frutta e una ghirlanda di fiori. Calipso, al centro della scena, intrattiene Mentore.  luce modellante che proviene da sinistra accarezza la curva morbida delle braccia e delle spalle delle Ninfe. I personaggi maschili non sono virili, non sono eroi, piuttosto uomini femminei. Le donne invece sono corporee e dotate di inimitabile femminilità.

Prompt: Describe the characteristics of the Telemachus painted by Kauffmann in Telemachus and the Nymphs of Calypso's History and description.Please output in Italian.


subsection

Orologio astronomico di Praga

Il movimento della Luna sull'eclittica è simile a quello del Sole, sebbene molto più veloce. Una sfera metà argentata e metà scura indica le varie fasi lunari.

Prompt: Describe the characteristics of the Moon in Prague astronomical clock's Astronomical quadrant.Please output in Italian.


section

Martirio di sant'Orsola

Il Martirio di sant'Orsola è un dipinto a olio su tela  eseguito nel 1610 da Caravaggio e conservato presso le Gallerie d'Italia di palazzo Piacentini a Napoli, già sede storica del Banco di Napoli.Realizzata poco prima di morire, l'opera è di fatto cronologicamente l'ultima fatica di Merisi oggi nota.

Prompt: How does The Martyrdom of Saint Ursula (Caravaggio) explain its Abstract?Please output in Italian.

Banco di Napoli
Caravaggio
Gallerie d'Italia
Napoli


section

Melencolia I

Il quadrato magico contenuto nell'opera è molto complesso. Infatti non è solo la somma dei numeri delle linee orizzontali, verticali e oblique a dare 34 ma anche la somma dei numeri dei quattro settori quadrati in cui si può dividere il quadrato e anche i quattro numeri al centro, se sommati danno 34. Così come i quattro numeri agli angoli.Inoltre se si prende un numero agli angoli e lo si somma con il numero a lui opposto si ottiene 17, proprio come i numeri ai lati e nei numeri opposti, nel quadrante centrale . Inoltre se si prendono i numeri centrali dell'ultima riga si trova il numero 1514, anno in cui è stata creata l'opera. È citato nell'opera letteraria Dottor Faustus di Thomas Mann e nel romanzo Il simbolo perduto di Dan Brown.Sorprendentemente il numero 34 del quadrato magico «compare per ben sedici volte, quanto il numero totale dei riquadri. Una proprietà questa che figura anche nella Tabula Jovis di Henricus Cornelius Agrippa di Nettesheim, ma che è stata da molti inavvertita, forse perché non compare nell’elenco delle sue caratteristiche, redatto dall’autore stesso.  caratteristica delle somme di ciascuna zona è condivisa anche dai quadrati analoghi di Mescupolo e Paracelso. Nonostante la similarità con questi, il quadrato magico di Melencolia § I non pare scelto per seguire una tradizione ermetica. L’esclusività sottaciuta di questo tipo di quadrato può essere il motivo della dedica a Giove  e della scelta di Dürer. In verità, la sua fonte più attendibile si trova nella descrizione che Luca Pacioli offre come curiosità amena [“ligiadro solazo” ], attribuendone l’origine a supremi astronomi, “Ptolomeo al humasar ali, al fragano, Geber, et gli altri tutti”, i quali “a Giove [pianeta]  hanno dicata la figura de .4. casi per facia con numeri situati ch’ per ogni verso ut supra fanno .34. cioe .16.3.2.13. elasse’quente .5.10.11.8. el .3°.9. [etc.] co’mo vedi in margine”. »  Il quadrato magico di Melencolia § I rappresenta un esercizio gioviale  per contrastare gli influssi della malinconia. In basso al centro, l’unione delle cifre 15 e 14 indica un anno molto triste.

Prompt: In Melencolia I, how is the The magic square discussed?Please output in Italian.

1514
Dan Brown
Dottor Faust
Il simbolo perduto
Thomas Mann


subsection

Immacolata Concezione

L'Immacolata Concezione è un giorno festivo nei seguenti Paesi: Austria, Liechtenstein, nei cantoni a prevalenza cattolica della Svizzera, Argentina, Spagna, Cile, Nicaragua, Portogallo, Colombia, Italia e Malta.Nel 1646, durante la Guerra dei trent'anni, l'imperatore Ferdinando III d'Asburgo fece consacrare l'Austria all'Immacolata Concezione. In Austria l'8 dicembre viene festeggiato sin dal XVII secolo. A partire dal '95, la legge che regolamenta gli orari di apertura e di chiusura degli esercizi commerciali ha concesso a numerosi negozi e magazzini di restare aperti in tale giorno.Secondo una norma speciale del diritto canonico, l'Immacolata Concezione non è una "festività religiosa" in Germania. Fino al 1969 questo giorno era qualificato come festività religiosa tutelata dallo Stato senza essere un giorno festivo

Prompt: Describe the characteristics of the Feast of the Immaculate Conception in The Immaculate Conception of Los Venerables's Oppositional dogma.Please output in Italian.

8 dicembre
Argentina
Austria
Cile
Colombia
Ferdinando III d'Asburgo
Guerra dei trent'anni
Italia
Liechtenstein
Malta
Nicaragua
Portogallo


subsection

Ritratto di Bartolomeo Bonghi

Il Bonghi fu un prelato e dottore in diritto civile e canonico. Proveniente da una famiglia storicamente importante nella cittadina orobica, era infatti conte e cavaliere come titoli di famiglia, aveva nel tempo del Moroni una particolare rilevanza.<br>Molte furono le sue cariche pubbliche, da canonico a primacerio della basilica alessandrina, a docente dell'Università di Pavia dove assunse il ruolo di rettore in giovanissima età: ut qui de novo homine sperandum sit omnes intelligant. Camillo Plauzio Pezone gli dedicò la prima pubblicazione del Commentaria «Clarissimo viro Bartholomeo Bongo Bergomensi / Iu. U. D. Ti cinensi Gymnasiarche» nel 1553, anno della sua nomina a rettore. Il periodo di rettorato del Bonghi fu però caratterizzato da molte controversie fra i docenti, tanto che il Pezone nella sua dedica, lo difende dagli attacchi che aveva ricevuto.Da una relazione del 29 giugno del 1553 del Bonghi si rileva quanto fosse successo tra i docenti universitari: «stavansi  il figlio del Prefetto del Castello di Milano, spagnuolo, ed il nobile Prospero Speciani, figlio del Senatore Gio. Battista, ambidue studenti». si deduce che il Prospero fosse vicino al celebrante mentre più lontano il figlio del Prefetto, «Venne al primo il ticchio di far dire allo Speciani di tirarsi alquanto in disparte, che gli impediva di vedere il celebrante», ma il Prospero non si mosse, «il malconsigliato spagnuolo, che intendeva la religione e il diritto a modo suo» dopo aver intimato qualcosa all’orecchio di un suo servo, si avvicinò allo Speciani, e «accennando di parlargli, il fè volgere: e die degli in un attimo una solenne ceffata, mentre i suoi servi a spada sguainata assalivano lo Speciani», che, a sua volta armato, rispondeva alle minacce dello spagnolo, il quale, «sebbene in abito lungo, aveva in quel momento brandita una spada, portagli da’ suoi». Lo scontro obbligò il Bonghi a scrivere una lettera al re raccontando della prepotenza dello spagnolo, con il risultato di impedire a questi l'ingresso non solo nell'università, ma anche della cittadina, cosa che dovette fare anche il Prospero per evitare che l'accaduto avesse ulteriori conseguenze tra le diverse fazioni.. Il Bonghi era rettore quando Carlo Borromeo entrò come studente all'università.  data della sua morte è rilevata dall'atto testamentario del 27 settembre 1584.

Prompt: Describe the characteristics of the Bartolomeo Bonghi in Portrait of Bartolomeo Bonghi's History.Please output in Italian.


section

Vergine della Carità

Dovrebbe essere uno dei dipinti più importanti della composizione, dove El Greco cerca di esibire la virtù della Carità attraverso un'iconografia tradizionale medievale sulla Vergine della misericordia.  Al centro della composizione c'è l'imponente Maria Vergine apre il suo manto e protegge un gruppo di fedeli vestiti in gorgiera castigliano, seguendo la moda del tempo; essendo alcune di queste figure ritratti di cavalieri appartenenti alla nobiltà di Toledo del XVI secolo .  In questa tela vediamo che El Greco utilizza la sproporzione tipica del suo stile finale, tenuemente accusato perché questo dipinto è stato progettato per essere visto dal basso verso l'alto. Ora disponibile per gli occhi dello spettatore, sembra troppo sproporzionato, soprattutto il corpo di Maria con le gambe monumentali in primo piano che termina in una minuscola testa.

Prompt: How does The Virgin of Charity (El Greco) explain its Description and style?Please output in Italian.


section

La Gioconda

Giuseppe De Napoli, Amilcare Ponchielli , Cremona, Stabilimento tipografico società editoriale "Cremona Nuova" 1936, pp. 150–191 Antonio Polignano,  Gioconda: un'ipotesi sul verismo in musica, in Amilcare Ponchielli 1834-1886. Saggi e ricerche nel 150º anniversario della nascita, Cremona, Cassa Rurale ed Artigiana di Casalmorano 1984, pp. 125–169 Giovanni Morelli, Suicidio e Pazza Gioia: Ponchielli e la poetica nell'Opera Italiana neo-nazional-popolare, in Amilcare Ponchielli 1834-1886. Saggi e ricerche nel 150º anniversario della nascita, Cremona, Cassa Rurale ed Artigiana di Casalmorano 1984, pp. 171–231 Antonio Polignano, Ponchielli, Boito e  Gioconda, in Amilcare Ponchielli, Nuove Edizioni, Milano 1985, pp. 67–75 Mariella Busnelli, Il cammino della Gioconda, in Amilcare Ponchielli, Nuove Edizioni, Milano 1985, pp. 77–103 Antonio Polignano,  storia della Gioconda attraverso il Carteggio Ponchielli–Ricordi, «Nuova rivista musicale italiana» 21 n. 2, 1987, pp. 228–245 Giovanni Morelli, Il bello della Gioconda, in  Gioconda, Edizioni del Teatro alla Scala, Milano 1997, pp. 47–52. Mercedes Viale Ferrero, «Gioconda colla Cieca entrano in scena dalla Destra». Una disposizione scenica per il I atto della Gioconda, in  Gioconda, Edizioni del Teatro alla Scala, Milano 1997, pp. 121–7. Emanuele d'Angelo, Ancora sulla drammaturgia: morte e amore nella Venezia barocca della Gioconda, in E. d'Angelo Arrigo Boito drammaturgo per musica, Marsilio, Venezia 2010, pp. 137–147 Emanuele d'Angelo, Uomini, demoni, angeli e bestie: il sistema occulto della Gioconda, in E. d'Angelo Arrigo Boito drammaturgo per musica, Marsilio, Venezia 2010, pp. 147–159

Prompt: Focus on Mona Lisa and explain the Bibliography.Please output in Italian.

Amilcare Ponchielli
Arrigo Boito
Milano
Nuova rivista musicale italiana
Suicidio
Teatro alla Scala
Venezia


section

Giuramento di Leone III

L'affresco ricorda il giuramento, nell'antica basilica di San Pietro il 23 dicembre 800, col quale Leone III si purificò, "non forzato e da nessuno giudicato", da false accuse dei nipoti di Adriano I, il giorno prima dell'incoronazione di Carlo Magno. Come negli altri affreschi della stanza il papa ha le sembianze di Leone X. Assisterono alla scena l'imperatore  e tutto il clero della basilica.Dall'alto risuonarono le parole, riprodotte sul cartiglio in basso, "Dei non hominum est episcopos iudicare", cioè "Tocca a Dio, non agli uomini giudicare i vescovi". Si tratta di una evidente allusione alla conferma, data nel 1516 dal Concilio teranense V, della bolla Unam sanctam di Bonifacio VIII, in cui si sanzionava il principio secondo il quale la responsabilità del pontefice è giudicabile solo da Dio. composizione si rifà a quella della Messa di Bolsena, con l'altare al centro in posizione sopraelevata, contornato da un emiciclo di figure, e con alcuni gradini che portano alle due ali inferiori ai lati della finestra, dove si trovano gruppi di soldati e guardie svizzere. Allusivo è il ricamo sul paliotto, che mostra martiri salvati da angeli dal supplizio della ruota dentata.

Prompt: Focus on The Oath of Leo III and explain the Description and style.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the Business names of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


subsection

Autoritratto

Il Rinascimento vide anche la nascita di quel particolare gusto per autoritratti inquietanti che fu caratteristico di una certa pittura dei secoli successivi .In diverso contesto geografico, lAutoritratto con la moglie di Hans Burgkmair il Vecchio , dipinto nel 1529, fu l'ultimo dipinto del pittore tedesco prima della morte, avvenuta pochi anni dopo. Quasi in segno di premonizione, l'artista si ritrasse insieme alla moglie davanti ad uno specchio nel quale appaiono riflessi, invece che i due volti, due teschi. In questo dipinto, considerato il capolavoro di Burgkmair, la ricerca coloristica di ispirazione veneta si fonde con rara felicità con il tema simbolico ed esistenziale tipicamente nordico.sinistraDi pochi anni successivo è il ritratto di sé che Michelangelo nascose nel Giudizio Universale. San Bartolomeo, secondo la tradizione morto scuoiato, viene mostrato con le sembianze di Pietro Aretino e nell'atto di reggere la sua pelle: evidente è però la differenza di sembianze fra il santo e quest'ultima, che infatti cela l'autoritratto del pittore. Il motivo che spinse Michelangelo a ritrarsi nell'affresco sta forse nel divieto che gli artisti che lavoravano per il Vaticano avevano di firmare le loro opere. I possibili significati sottesi di questa particolare scelta caricano l'autoritratto di implicazioni autobiografiche. È infatti stato ipotizzato che Michelangelo volesse in questo modo alludere alle sofferenze causategli dal ritorno a Roma nel 1534 per l'esecuzione del Giudizio, come è stata notata la coincidenza per cui san Tommaso, al quale Michelangelo era particolarmente devoto, si trova nella composizione vicino a lui ed è l'unico personaggio ad incrociare il suo sguardo con quello del Cristo, al quale rivolge anche un gesto di preghiera, alludendo forse a una speranza da parte dell'artista di intercessione per la sua anima. Secondo un'altra ipotesi, la scena alluderebbe alla vicenda che vide l'Aretino accusare Michelangelo di omosessualità in seguito a risentimenti personali dovuti proprio a diverse opinioni sulla gestione dei lavori nella Cappella Sistina: l'immagine di Michelangelo scorticato fra le mani dell'Aretino  sarebbe pertanto una testimonianza di quanto egli si sentisse ferito e straziato dalle accuse dal poeta.Negli anni novanta l'artista e scrittrice statunitense Lilian Schwartz propose di individuare nel volto della Monna Lisa i lineamenti di Leonardo, basandosi su sovrapposizioni grafiche fra il dipinto e l'autoritratto di Torino, rese possibili dalla rotazione a specchio di quest'ultimo. A supporto di questa teoria è inoltre stato portato l'uso da parte di Leonardo della scrittura speculare. Nel 1998 invece Vittoria Haziel individuò un autoritratto leonardesco occulto nella Sacra Sindone.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Two Pupils, explain the The mysterious, the macabre, the aberrant and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cappella Sistina
Cristo
Hans Burgkmair
Pietro Aretino
Rinascimento
Roma


subsection

Battaglia di San Romano

Le tre tavole,  che rappresentano tre momenti salienti della giornata di battaglia, figuravano nell'inventario redatto subito dopo la morte di Lorenzo il Magnifico , come esposte "nella camera grande terrena, detta  camera di Lorenzo", con riferimento al palazzo Medici di via rga a Firenze. Per tutto il XX secolo si è creduto che le tre tavole fossero arrivate a Lorenzo in via ereditaria, tramite la commissione diretta di suo nonno Cosimo il Vecchio..

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Bartolini Salimbeni Medici of the Description and style explained?Please output in Italian.


subsection

Disputa del Sacramento

Chiesa trionfante è rappresentata dalla Trinità con Gesù al centro di una grande aureola luminosa con serafini e cherubini, affiancato da Maria e da Giovanni Battista. Sotto di lui quattro angioletti mostrano le Sacre Scritture , vicini alla colomba dello Spirito Santo, che punta direttamente al nodo focale dell'affresco, l'ostensorio con l'ostia consacrata.Attorno a Gesù corrono gli scranni dei santi e dei profeti, mentre in alto una cupola di raggi dorati , in cui si intravede uno sciame di testine angeliche a monocromo, circonda l'apparizione dell'Eterno, con il globo in mano e con l'aureola quadrata, mentre fa un gesto di benedizione. Ai lati completano la rappresentazione celeste due gruppi di tre angeli ciascuno, ispirati probabilmente a quelli di Ghirlandaio nellIncoronazione della Vergine della Cappella Tornabuoni.

Prompt: Explain the TheTriumphantChurch about the Description of this artwork, Disputation of the Holy Sacrament.Please output in Italian.


subsection

Bambini dell'Olocausto

Dal dicembre 1941 lo sterminio procedette in appositi campi apertisi allo scopo , dove ad essere usato fu principalmente lo strumento della gassazione.I bambini ebrei e quelli Rom furono condotti nei campi per nessun altro fine se non quello di morire. Troppo piccoli per lavorare, non erano di alcuna utilità per la macchina bellica nazista, anche laddove  si operava di regola all'arrivo una selezione per il lavoro coatto. Come confermato da Rudolf Höß, comandante di Auschwitz, nella sua deposizione di fronte al Tribunale di Norimberga nel 1946, le modalità della selezione erano tali da non lasciare alcuno scampo ai più piccoli::«Il modo in cui avveniva la selezione era la seguente: i due dottori che avevamo ad Auschwitz esaminavano i prigionieri che arrivavano con il treno, li facevano camminare di fronte a loro e prendevano subito una decisione sul loro destino. Chi veniva ritenuto abile al lavoro veniva inviato al campo, gli altri direttamente alle camere a gas. I bambini più piccoli venivano sterminati perché non potevano essere adibiti ad alcun lavoro».Il processo di selezione è documentato in una serie di fotografie scattate ad Auschwitz-Birkenau da un militare SS nel maggio-giugno 1944 all'arrivo di un trasporto di ebrei ungheresi. Le foto  mostrano numerosi bambini che con le loro madri vengono separati dalle persone abili al lavoro e quindi vengono fatti incamminare verso le camere a gas. Stessa sorte fu riservata ai bambini Rom; ne morirono nei campi o in esecuzioni sommarie tra il 40% e il 50% del totale delle 200.-250.000, vittime del "Porajmos" .Anche tra le poche migliaia di adolescenti che per il loro precoce sviluppo poterono mentire sulla loro età e superare le selezioni  e tra i pochissimi bambini occasionalmente scelti con mansioni di tuttofare, le percentuali di sopravvivenza furono bassissime. Nei campi bambini e adulti erano soggetti alle stesse regole e allo stesso trattamento. In una famosa pagina de  notte Elie Wiesel ricorda di un altro bambino, ancora più piccolo di lui, torturato e impiccato pubblicamente con due adulti con l'accusa di sabotaggio. A 14 anni Franco Cetrelli viene fucilato dalle SS assieme ad altri compagni al campo di concentramento di Mauthausen per rappresaglia ad un tentativo di rivolta.Numerosi furono i bambini  che perirono dopo essere stati usati come cavie viventi per esperimenti medici, ad Auschwitz-Birkenau ed altrove. Ricorda Primo Levi::"I bambini erano a Birkenau come uccelli di passo: dopo pochi giorni, erano trasferiti al Block delle esperienze, o direttamente alle camere a gas".Primo Levi si riferisce qui specificamente ai quasi tremila bambini di Mengele che occupavano a Birkenau una speciale baracca , dove numerosi bambini  erano selezionati come animali da laboratorio per le sperimentazioni  del dott. Josef Mengele. Talora Mengele metteva a disposizione le proprie "cavie" anche per altri laboratori di ricerca come nel caso dei venti bambini di Bullenhuser Damm inviati al campo di concentramento di Neuengamme presso Amburgo per essere sottoposti agli esperimenti sulla tubercolosi del dottor Kurt Heissmeyer. Tra di essi trovò la morte anche il piccolo Sergio De Simone. Solo duecento dei bambini di Mengele erano ancora vivi nel gennaio 1945 quando il campo di Auschwitz-Birkenau fu liberato dalle truppe sovietiche, tra cui anche le piccole Andra e Tatiana Bucci.

Prompt: Explain the This appears to be a single word in Italian, and it seems to be a compound or a concatenation of multiple words. However, it is not a standard Italian word. If you can provide more context or check the spelling, I might be able to help further. about the Historical research of this artwork, Children in the Holocaust.Please output in Italian.

Andra e Tatiana Bucci
Elie Wiesel
Franco Cetrelli
Josef Mengele
Josef Mengele
Kurt Heissmeyer
Norimberga


subsection

San Sebastiano curato da santa Irene

figura ricurva di Irene guarda in direzione opposta rispetto all'albero, controbilanciando la schiena inarcata di Sebastiano.  contrapposizione di queste due figure è rafforzata dalla freccia che spunta dalla gamba del santo, che siede sull'elemento dai colori più vividi e accesi nel quadro, un tessuto rosso con decorazioni in oro. Questo tipo di drappo viene usato spesso da ter Brugghen, così come da Caravaggio, per simboleggiare non solo il martirio in generale, ma il sangue di Cristo in particolare. Lo stesso albero richiama gli eventi del venerdì santo perché ad esso Sebastiano era legato come a una croce. Di grande interesse sono anche le mani dei personaggi.  mano sinistra di Sebastiano, libera da vincoli, pende abbandonata nell'oscurità a simboleggiare l'impossibilità di un sollievo davanti al dolore e alla mancanza di libertà.  sinistra di Irene, invece, è appoggiata sul petto del moribondo, poco sopra il cuore, e lo sostiene come in un abbraccio per sorreggerlo e confortarlo mentre estrae una freccia con la mano libera. Alla mano inerme di Sebastiano si contrappone quella operosa della serva, che si accinge a liberare il santo dai lacci che lo legavano all'albero del suo supplizio. Le due donne sono operose, entrambe intente ad alleviare le sofferenze di Sebastiano.

Prompt: In Saint Sebastian Tended by Saint Irene (Georges de La Tour, Louvre), how is the Iconography of the History explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


subsection

Apocalisse

rivelazione di saggezze nascoste avviene attraverso una visione o un sogno. A causa della natura peculiare del soggetto, questa è evidentemente la forma letteraria più naturale. L'attuazione della rivelazione e l'esperienza di chi la riceve vengono poste più o meno in rilievo. Normalmente, ma non sempre, i fatti vengono riportati in prima persona. Esiste qualcosa di portentoso nelle circostanze, commisurato all'importanza dei segreti che verranno svelati. L'elemento del mistero, spesso in primo piano nella visione stessa, è presagito negli eventi preliminari. Alcune delle caratteristiche classiche della "tradizione apocalittica" sono collegate con le circostanze della visione e con l'esperienza personale del veggente.L'esempio primario di letteratura apocalittica nella Bibbia ebraica è il Libro di Daniele. Mentre si trova lungo il fiume dopo un lungo digiuno Daniele vede apparire un essere celeste, che gli svela la rivelazione . L'evangelista Giovanni nel Nuovo Testamento, libro dell'Apocalisse  ha un'esperienza simile, narrata con termini comparabili. Si confronti anche il primo capitolo della Apocalisse Greca di Baruch e la Apocalisse Siriaca, vi.1 segg., xiii.1 segg., lv.1-3. In alternativa il profeta giace sul letto, preoccupato per il futuro della sua gente, quando cade in una specie di trance, e il futuro gli è mostrato nelle "visioni della sua mente". Questo è il caso di Daniele, 7:1 segg.; Esdra, 3:1-3; e nel libro di Enoch, i.2 e seguenti. A proposito della descrizione degli effetti della visione sul veggente, vedi Dan. 8:27; Enoch, lx.3; 2 Esdra 5:14.

Prompt: Explain the Revelation through a dream or a vision about the Description of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.

Bibbia
Libro di Daniele
Nuovo Testamento


section

Sacra Famiglia con la libellula

Prompt: Focus on The Holy Family with the Dragonfly and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Crocifissione di Strasburgo

Prompt: Focus on Strasbourg Crucifixion and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


section

Cristo legato

Il Cristo legato è una scultura in avorio dello scultore fiammingo François Duquesnoy, eseguito negli anni venti del XVII secolo. Attualmente è conservata presso la National Gallery of Art di Washington, che l'ha acquistata nel giugno 2007.

Prompt: Focus on Christ Bound and explain the Abstract.Please output in Italian.

Cristo
François Duquesnoy
National Gallery of Art
Washington


subsection

amore

lingua latina possiede diversi verbi corrispondenti ad amore; "amo" è il suo verbo di base il cui infinito "amare" è ancor oggi utilizzato in lingua italiana e gli antichi lo usavano in senso affettuoso oltre che in senso romantico e sessuale. Da questo verbo deriva amans-amatore, l'amante spesso con nozione accessoria di lussuria e amica .Il sostantivo corrispondente è amor ed il significato di questo termine per i Romani è ben illustrato nel fatto che Roma può essere un anagramma per Amor, utilizzato come nome segreto della città in ampie cerchie della popolazione durante i tempi antichi; utilizzato infine anche nella sua forma plurale per indicare amori o avventure sessuali.Questa stessa radice produce anche amicus-amico e amicitia-amicizia . Cicerone scrisse un trattato intitolato "De amicitia ", che discute il concetto con una certa ampiezza. Ovidio ha scritto una vera e propria guida chiamata "Ars Amatoria", che affronta, in profondità, tutto ciò che concerne l'amore, dalle relazioni extraconiugali al problema dato dai genitori iperprotettivi.I latini usano a volte amare per indicare ciò che piace; nozione tuttavia che viene espressa più generalmente da placere o delectare, termini questi ultimi usati in forma più colloquiale, con molta frequenza ad esempio nella poesia amorosa di Catullo.Diligere contiene invece il concetto dell'esser affettuoso come conseguenza della stima portata; questa parola descrive anche opportunamente l'amicizia che può esistere tra due uomini, cioè affetto abbinato a stima. Il sostantivo corrispondente diligentia  prende invece il significato di prudenza ed ha poca sovrapposizione semantica col verbo. Observare è sinonimo di diligere, questo verbo col relativo sostantivo, observantia, denota anch'esso spesso la stima e l'affetto.Il termine Caritas è usato nelle traduzioni latine della Bibbia cristiana a significare "l'amore caritatevole"; questo significato, però, non si trova nella letteratura pagana classica, poiché deriva ad una fusione con una parola greca, non c'è quindi verbo corrispondente.Amor sacro e profano , di

Prompt: Explain the Ancient  Rome about the Religion of this artwork, Love & Loss.Please output in Italian.


section

Maestà con due angeli

Enio Sindona, Cimabue e il momento figurativo pregiottesco, Rizzoli Editore, Milano 1975.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Virgin and Child with Two Angels (Cimabue).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Explain the Self-portrait environment autonomy about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Portrait of a Man in Red Chalk.Please output in Italian.


subsection

Cento vedute famose di Edo

Il dio  serie delle Cento vedute fu realizzata da Hiroshige tra il 1856 e 1858. Essa differisce dalle precedenti per vari aspetti, in particolare per il ricorso a incisioni squadrate in verticale, e non più esclusivamente in orizzontale. Essa comprende un totale di 119 stampe di paesaggi e monumenti di Edo. Il progetto è uno dei più ambiziosi e iconici della produzione dell'artista. Per mezzo di esso, il celebre esponente della scuola ukiyo-e si propone di riflettere sui cambiamenti verificatisi nella capitale giapponese nel corso degli ultimi anni, quando il progresso e la modernità si diffusero rapidamente, soppiantando costumi e traduzioni più antiche del Giappone. Nel 1853, il blocco navale del commodoro americano Matthew Perry costrinse l'imperatore ad aprire il Giappone all'Occidente. Due anni più tardi, nel 1855, Edo subì un sisma di forte intensità , che provocò enormi distruzioni, causò la morte di 10000 persone e la devastazione di 16000 edifici. Tali sono i mutamenti nell'aspetto della città che Hiroshige vuole rappresentare nella sua serie. Tuttavia, l'artista morì prima di assistere al declino di Edo, dovuto alla fine dello shogunato Tokugawa, e la sua opera appare pertanto come una delle «ultime grandi testimonianze di Edo al suo apogeo».Al momento di intraprendere l'opera, Hiroshige era al vertice della sua carriera. Nel 1856, ricevette un'ordinazione da Sakanaya Eikichi, un editore che voleva riflettere i cambiamenti di Edo dopo il terremoto. Hiroshige realizzò questa idea in oltre un centinaio dei punti di vista più celebri e pittoreschi della città.  serie fu accolta da grande successo, sicché ogni incisione conobbe una tiratura dai 10000 ai 15000 esemplari. L'opera venne improvvisamente interrotta dalla morte dell'autore nel corso di un'epidemia di colera nel 1858. Nondimeno, alcune stampe rimaste inconcluse furono portate a termine dall'allievo del maestro, Utagawa Hiroshige II. serie è realizzata nel formato ōban, piuttosto grande, tra i 36,5 cm e i 26,8 cm, e utilizza la tecnica nishiki-e, un tipo di cromoxilografia, introdotto nel 1765, che permetta di colorare l'incisione. Dunque la raccolta è composta da 115 impressioni su legno realizzate entro l'ottobre 1858 e da tre nuove stampe - approvate dai censori - successive alla morte di Hiroshige, verosimilmente completate da Hirsoshige II su domanda dell'editore.  realizzazione dell'indice fu invece affidata a Baisotei Gengyo , rinomato disegnatore. Infine, nel 1859 Hiroshige II completò un ultimo foglio per celebrare la sua promozione al grado di maestro, con il sigillo della censura nell'aprile 1859.

Prompt: Describe the characteristics of the Processing, editing in One Hundred Famous Views of Edo's The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


section

Autoritratto

Una parete della cosiddetta Sala dei Pittori degli Uffizi, incisa su disegno di  più ricca ed importante collezione al mondo di autoritratti è quella conservata e solo parzialmente esposta nel Corridoio vasariano a Firenze: inaugurata da Leopoldo de' Medici nel 1664, che cominciò ad accumulare opere acquistate o commissionate appositamente, si ampliò con i secoli fino all'acquisizione della collezione di circa trecento ritratti del XX secolo di Raimondo Rezzonico nel 2006 da parte della Galleria degli Uffizi, a cui il Corridoio appartiene. Oggi la collezione ammonta a più di 1700 opere.Fra le esposizioni, notevole fu quella che si tenne nel 1916 a Milano, organizzata dalla Famiglia artistica, durante la quale furono esposti autoritratti dei soci del sodalizio, in un'antologica dei principali artisti italiani a cavallo fra Ottocento e Novecento, tra cui Gerolamo Induno, Giovanni Carnovali, Umberto Boccioni, Vincenzo Gemito, Gaetano Previati e Aldo Carpi.Nel 2005 fu organizzata alla National Portrait Gallery di Londra Self portrait: Renaissance to contemporary, un'ampia mostra di autoritratti dal Rinascimento alla contemporaneità, curata da Anthony Bond e Joanna Woodall, con opere in buona parte provenienti dal Corridoio vasariano.

Prompt: Explain the Collections, exhibitions, self-portraits of this artwork, Self-portrait (Raphael).Please output in Italian.

Aldo Carpi
Anthony Bond
Corridoio vasariano
Famiglia artistica
Firenze
Gaeta
Gaetano Previati
Galleria degli Uffizi
Gerolamo Induno
Giovanni Carnovali
Joanna Woodall
Leopoldo de' Medici
Londra
Milano
Raimondo Rezzonico
Rinascimento
Galleria degli Uffizi
Umberto Boccioni
Vincenzo Gemito


subsection

Musica

Il coro è un insieme di persone che, sotto la guida di un direttore, si esprime artisticamente attraverso il canto. I suoi componenti sono detti cantori . Il termine coro può denominare, in modo generico, anche una composizione musicale scritta per tale organico.

Prompt: In the context of Music (Matisse), explain the Chorus and the The relationship with singing.Please output in Italian.


section

Ritratto di fra' Teodoro da Urbino

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 888117099X

Prompt: In Portrait of Fra Teodoro of Urbino as Saint Dominic, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


section

Monna Lisa di Isleworth

Il dipinto fu portato in Inghilterra nel 1778 e conservato in un maniero del Somerset appartenente a un collezionista privato inglese. Nel 1914 fu acquistato da Hugh Blaker, artista e mercante d’arte che viveva a Isleworth, cittadina a ovest di Londra: da qui il nome «Monna Lisa di Isleworth».

Prompt: Focus on Isleworth Mona Lisa and explain the History.Please output in Italian.


subsection

La fattoria

Conduttrice: Paola Perego - Inizio trasmissione: 8 marzo 2009 - Fine trasmissione: 19 aprile 2009 - Puntate: 7 - Giorni: 43 - Numero di partecipanti: 16 - Montepremi:  - Opinionisti: Sonia Bruganelli, Raffaello Tonon, Anna Pettinelli - Inviata: Mara Venier - Location: Paraty  quarta edizione de  fattoria, è andata in onda dall'8 marzo al 19 aprile 2009 su Canale 5, con la conduzione di Paola Perego, affiancata dagli opinionisti Sonia Bruganelli, Raffaello Tonon e Anna Pettinelli e con la partecipazione dell'inviata Mara Venier.I 16 concorrenti sono stati in Paraty  per 43 giorni, e Marco Baldini vinse il montepremi finale di 200.000 euro.{ class="wikitable" style="text-align:center;"!Concorrente !!Età !!Professione !!Nazionalità !!Stato -Marco Baldini 49 anni Conduttore radiofonico  Italia Vincitore-Morena Funari 41 anni Personaggio TV  Italia Seconda classificata-Milo Coretti 31 anni Personaggio TV  Italia Terzo classificato-Guillaume Goufan 38 anni Modello  Francia Quarto classificato-Ciro Petrone 21 anni Attore  Italia Quinto classificato-Lory Del Santo 50 anni Ex showgirl, attrice, personaggio TV  Italia Eliminata-Barbara Guerra 30 anni Modella, personaggio TV  Italia Eliminata-Marianne Puglia 24 anni Modella  Venezuela Eliminata-Linda Batista 36 anni Ex modella, attrice  Brasile Eliminata-Rocco Pietrantonio 26 anni Modello  Italia Eliminato-Riccardo Sardonè 31 anni Ex modello, attore  Italia Eliminato-Carla Velli 27 anni Modella, personaggio TV  Italia Eliminata-Fabrizio Corona 34 anni Personaggio televisivo  Italia Eliminato-Giovanna Rei 33 anni Attrice  Italia Eliminata-Marina Ripa di Meana 67 anni Personaggio TV  Italia Ritirata-Daniela Martani 35 anni Personaggio TV  Italia Eliminata}

Prompt: In The Farm (Miró), how is the "Lafattoria4" (2009). of the Editions explained?Please output in Italian.

2009
Anna Pettinelli
Brasile
Canale 5
Italia
Mara Venier
Marco Baldini
Paola Perego
Paraty
Raffaello Tonon


section

Donna al Cafè Le Tambourin

Donna al Cafè Le Tambourin è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1887 e conservato al Museo Van Gogh di Amsterdam.

Prompt: Focus on Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin and explain the Abstract.Please output in Italian.


subsection

Fuga in Egitto

In Matteo  è citato un verso del Libro di Osea dell'Antico Testamento , che secondo l'autore del vangelo era una profezia soddisfatta dal ritorno di Gesù dall'Egitto: «Là rimase fino alla morte di Erode, affinché si adempisse quello che fu detto dal Signore per mezzo del profeta: "Fuori d'Egitto chiamai mio figlio"». Si tratta di un verso che fa riferimento all'esodo degli Ebrei dall'Egitto, in cui il popolo di Israele è chiamato da Dio "mio figlio", come nel Libro dell'Esodo , «[...] Israele è mio figlio [...] lascia andare mio figlio». migrazione in Egitto in Matteo 2:15 richiama la profezia di Osea 11:1 , con un parallelismo fra Gesù e Mosè: Gesù in ebraico significa "YHWH è salvezza", Mosè significa "salvato dalle acque" ; per la nascita di Mosè : sono le uniche due personalità bibliche aventi un padre adottivo . Per entrambi, scarse notizie sulla vita precedente il periodo adulto;  Gesù sostituisce il sacerdozio levitico con l'ordine secondo Melchisedek , uno straniero; mentre Mosè nomina suo figlio primogenito Ghersom , come il primigenito di Levi  che era la tribù dei sommi sacerdoti. Dio riserva a Sebuel, nipote di Mosè, l'importante carica di sovrintendente dei tesori consacrati , e a Gionatan, figlio di Ghersom, coi suoi discendenti, la carica di sommo sacerdote della tribù di Dan, a Silo ; con le parole ed opere: Mosè Pasqua di Liberazione di Israele dalla schiavitù di Egitto, Gesù Pasqua di Resurrezione del genere umano dalla schiavitù del peccato e della morte.  differenza fra cristiani e giudei permane nelle festività, la Pasqua ebraica è una Pasqua di Liberazione; Mosè appare insieme ad Elia nella Trasfigurazione di Gesù sul monte Tabor.

Prompt: In the context of Landscape with the Flight into Egypt (Patinir), explain the Prophecy of Hosea and the Story Gospel according Matthew.Please output in Italian.

Antico Testamento
Elia
Gesù
Libro dell'Esodo
Libro di Osea
Mosè
Silo
Trasfigurazione di Gesù


section

Trittico degli Uffizi

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Mantegna) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Madonne di Andrea Mantegna


section

Apollo di Veio

Apollo di Veio 510 a.c. circa, Museo nazionale etrusco di Villa GiuliaLo stile accentua il movimento e presenta volumi nettamente delineati, con le pieghe delle vesti schiacciate sul corpo. L'artista ha tenuto conto del punto di vista fortemente angolato, correggendo le figure con le deformazioni ottiche necessarie. È presente l'influsso della scultura greca contemporanea, come nelle altre manifestazioni di arte etrusca di questo periodo.È un esempio della capacità tecnica e finezza artistica raggiunta dagli artigiani etruschi alla cui base dominava l'ispirazione religiosa.L'elemento religioso sempre presente nell'arte come nella mentalità etrusca allontana

Prompt: In Apollo of Veii, how is the Style discussed?Please output in Italian.

Apollo
Museo nazionale etrusco di Villa Giulia
Veio


section

Autoritratto con l'orecchio bendato

Alla fine del 1888 la convivenza di Van Gogh e Gauguin finì in tragedia. Dopo un progressivo e inesorabile deterioramento dei rapporti con l'amico il 23 dicembre 1888 Vincent si amputò il lobo dell'orecchio sinistro con un rasoio. Lo consegnò poi, secondo la versione più comunemente accettata, ad una prostituta di nome Rachel o, secondo una recente altra ipotesi, a una cameriera diciannovenne il cui nome era Gabrielle. Dopo due settimane di degenza in ospedale, van Gogh si ritrasse numerose volte con l'orecchio fasciato. Questo Autoritratto con l'orecchio bendato, inizialmente posseduto da van Gogh, pervenne in circostanze non chiare a Julien père Tanguy, titolare di un negozietto di colori a Parigi che accettava in forma di pagamento i quadri offertigli dal pittore, quando ancora nessun mercante d'arte gli dava credito. Dopo esser stato esposto in due mostre d'arte tenutesi a Parigi nel 1901 e nel 1905 l'autoritratto fu acquistato nel 1928.NellAutoritratto con l'orecchio bendato predominano i colori freddi, che danno una nota ancor più malinconica al dipinto, accentuata dall'utilizzo di pennellate accidentate, che indugiano su ogni osso. Il volto dell'artista è invero smunto e ossuto, con la carnagione definita da un giallo cereo, ed il suo sguardo abbattuto e perso nel vuoto sembra quasi affondare in mondi immaginari dove egli può eludere dall'etichetta di «folle» che la società gli ha imposto. Il cappotto abbottonato e il cappello, indossati anche in casa, sembrano alludere all'assenza di un impianto di riscaldamento, che forse, per le condizioni economiche sempre precarie, l'artista non poteva permettersi: ma non va tuttavia dimenticato anche il significato più profondo di riparo da un mondo ormai ritenuto nemico dall'artista.Sulla parete verde alle sue spalle si notano un cavalletto recante una tela appena abbozzata ed una stampa giapponese : questa stampa, nonostante i suoi gioiosi colori e l'equilibrio cromatico con la vistosa fascia bianca applicata sulla ferita di Vincent , non riesce tuttavia a trasmettere la stessa gioia e l'armonia che straripavano nell'analogo Ritratto di père Tanguy, di un anno e mezzo prima e simile nella composizione. Questo ritratto conferma che l'esperienza con Gauguin era stata veramente estrema per Van Gogh, che trascorrerà il suo ultimo anno e mezzo di vita in una solitudine in parte volontaria, in parte forzata.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Self-Portrait with Bandaged Ear.Please output in Italian.


section

Trittico di San Lorenzo

Trittico di San SebastianoTrittico della NativitàTrittico della Madonna

Prompt: How does San Lorenzo Triptych explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Trittico della Madonna
Trittico della Natività
Trittico di San Sebastiano


section

Augusto di Prima Porta

Generalmente si ritiene che la statua sia databile agli anni successivi la restituzione delle insegne romane da parte dei Parti nel 20 a.C. Questa data è certamente un terminus post quem. Alcuni credono però che la statua sia stata concepita verso l'8 a.C., al termine delle campagne di pacificazione delle province di Tiberio. datazione della statua è stata oggetto di studi approfonditi e di dibattiti. È possibile che quella conservatasi sia in realtà la copia di un originale in bronzo dedicata all'imperatore dal Senato nell'anno 20 e posizionata in pubblica piazza, il cui autore potrebbe essere stato uno scultore greco. Alcuni storici e critici ritengono che Tiberio, figlio adottivo di Augusto, abbia regalato la statua in marmo alla madre Livia dopo la morte del patrigno. Si spiegherebbe così il ritrovamento di una statua con significati tanto propagandistici e che certamente dovevano destinarsi a un pubblico vasto all'interno di una casa privata come era la villa di Livia. E si spiegherebbe così la scelta delle raffigurazioni sull'armatura: la restituzione delle insegne romane perse nella campagna partica di Crasso e le conquiste occidentali. In entrambi questi successi molto merito ebbe, appunto, Tiberio che con questo dono si faceva garante e naturale prosecutore della politica augustea. D'altronde è stato anche notato che la statua poteva essere un dono fatto dallo stesso Augusto alla moglie Livia e in questo senso la statua verrebbe a essere interpretata come un manifesto in sostegno di Tiberio, del quale si celebrano le imprese sia in oriente sia in occidente.Nel 1933 ne fu tratta una replica bronzea, priva dell'erote, per porla in via dei Fori Imperiali, a Roma, di fronte al Foro di Augusto.

Prompt: In Augustus of Prima Porta, how is the History discussed?Please output in Italian.

8 a.C.
Augusto
Foro di Augusto
Roma
Tiberio


subsection

Epifania

In Finlandia, l'Epifania si chiama loppiainen, un nome che risale al 1600. Nel 1500 la chiesa luterana svedese-finlandese chiamava l'Epifania "Giorno dei Tre Re Santi", mentre prima veniva usato il termine più antico Epifania. Nella lingua careliana l'Epifania è chiamata vieristä, che significa croce, nome derivato dall'usanza ortodossa di immergere una croce tre volte per benedire l'acqua in tale giorno.Oggi, nella chiesa luterana l'Epifania è un giorno dedicato all’opera missionaria. Tra il 1973 e il 1991, l'Epifania è stata osservata in Finlandia nel sabato compreso tra il 6 e il 12 gennaio. Dopo tale periodo, tuttavia, la data tradizionale del 6 gennaio è stata ripristinata e da allora è stata nuovamente osservata come festa nazionale.L'albero di Natale viene tradizionalmente portato fuori di casa il giorno dell'Epifania. Mentre il termine loppiainen significa "fine [del periodo natalizio]", in realtà, le celebrazioni natalizie in Finlandia sono estese al giorno di Nuutti o San Canuto  che cade il 13 gennaio e completa i venti giorni del Natale scandinavo.

Prompt: In Epifania, how is the Finland of the History explained?Please output in Italian.

12
13 gennaio
6 gennaio
Finlandia
Natale


subsection

Annunciazione

Forse nessun altro passo biblico o altra verità teologica ha trovato tanta eco nella tradizione di preghiera del popolo cristiano, almeno nella sua componente cattolica.Il dialogo e la storia dell'Annunciazione costituiscono l'inizio e il motivo di fondo dell'Ave Maria, da quasi un millennio tanto diffusa nel cristianesimo cattolico quanto lo stesso Padre nostro.L'Annunciazione è anche il primo dei 20 misteri che costituiscono la preghiera del Rosario, nel quale sono meditati, attraverso la preghiera alla SS. Madre, i Misteri della vita di Gesù Cristo, principalmente, e della stessa Maria, a cominciare, appunto, dall'Annunciazione.L'Annunciazione costituisce invece completamente da sé la preghiera dell'Angelus, tradizionalmente recitata allo scoccare del mezzogiorno, ormai assunta a forma di preghiera pubblica dagli stessi Pontefici la domenica mattina in Piazza San Pietro a Roma, preceduta da brevi meditazioni sui fatti di cronaca e vita contemporanea.

Prompt: In Annunciation (Botticelli, Glasgow), how is the The Annunciation in the prayer of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Angelus
Ave Maria
Gesù
Padre nostro
Piazza San Pietro
Rosario


subsection

Ultima Cena

sinistraUltima cena - Terminata la lavanda dei piedi, riportata dal solo Vangelo secondo Giovanni, Gesù riprese posto a tavola. Egli occupava senza dubbio il posto più onorifico e gli apostoli avevano dibattuto su chi dovesse sedersi nel posto più vicino a lui. Essendo la tavola a semicerchio, secondo una moda dell'epoca, i divani erano disposti radialmente all'esterno del semicerchio. Gesù occupava dunque il posto centrale al vertice del semicerchio e, a quanto dicono i vangeli, Pietro, Giovanni e Giuda Iscariota erano i commensali più vicini a lui. Alla destra di Gesù stava Pietro, alla sinistra Giovanni, che poteva così appoggiare la testa sul petto del maestro e a fianco di Giovanni stava Giuda, abbastanza vicino a Gesù.Mentre gli apostoli continuavano la cena, Gesù rivelò che uno di loro l'avrebbe presto tradito. I discepoli, entrati in confusione, chiesero al maestro chi di loro fosse il traditore e per ultimo Giovanni, su consiglio di Pietro, avvicinatosi a lui, gli chiese di mostrarglielo. Ai tempi in cui viveva Gesù si era soliti mettere sul tavolo alcuni vassoi comuni nei quali si intinge il pane o le erbe amare. Gesù, secondo il Vangelo di Giovanni, intinse dunque un boccone di pane e lo porse a Giuda Iscariota dicendo: «Quello che devi fare, fallo presto»; nessuno dei commensali comprese però il significato di tale gesto e Giuda ebbe dunque la possibilità di alzarsi e di andare via. I vangeli di Marco e di Matteo, diversamente da quello di Giovanni, riportano invece che Giuda Iscariota fu identificato come il traditore perché intinse contemporaneamente a Gesù la mano nel piatto e - in merito al momento di tale identificazione - sempre secondo Marco e Matteo questa avvenne prima che Gesù istituisse l'eucaristia, a differenza di Luca che la pone successivamente a questa istituzione. <br>Il Vangelo secondo Giovanni, si discosta dai vangeli sinottici anche in merito a quando Satana sarebbe entrato in Giuda Iscariota: Giovanni riporta, infatti, che Satana entrò in Giuda proprio durante l'Ultima cena, appena quest'ultimo prese il boccone che Gesù gli aveva offerto, mentre invece, secondo il Vangelo di Luca, Satana sarebbe entrato in Giuda già qualche giorno prima dell'Ultima cena.

Prompt: In the context of The Last Supper (Ghirlandaio), explain the One God will betray you and the Historical analysis of the accounts of the Last Supper.Please output in Italian.

Gesù
Giuda Iscariota
Satana
Vangelo
Vangelo secondo Giovanni


subsection

amore

Nei suoi Colloqui di Parigi, 'Abdu'l-Bahá ha descritto quattro tipi di amore: "È della prima specie l’amore che viene da Dio all’uomo: quest’amore consiste nelle grazie inesauribili, nello splendore divino, nell’illuminazione celeste. Da quest’amore il mondo riceve la vita; per esso l’uomo è dotato dell’esistenza fisica, finché per mezzo dell’alito dello Spirito Santo , egli riceve la vita eterna e diventa l’immagine di Dio vivente. Quest’amore è l’origine di tutto l’amore nel mondo della creazione". "Appartiene alla seconda specie l’amore che va dall’uomo a Dio. Questo è fede, attrazione al Divino, ardore, progresso, ricevimento della munificenza divina, illuminazione alla luce del Regno Divino, entrata nel Regno di Dio. Quest’amore è l’origine di tutta la filantropia e fa sì che i cuori degli uomini riflettano i raggi del Sole della Verità". "È della terza specie l’amore di Dio verso la personalità stessa o la identità di Dio. Questo è la trasfigurazione della Sua bellezza, la riflessione di Se stesso nello specchio della Sua creazione. Questo è la realtà dell’amore, l’antico amore, l’eterno amore. Da un raggio di quest’amore trae esistenza ogni altro amore". "Alla quarta specie appartiene l’amore dell’uomo per l’uomo. L’amore che esiste fra i cuori dei credenti è prodotto dall’ideale dell’unità degli spiriti. Quest’amore si ottiene attraverso la conoscenza di Dio; così gli uomini vedono l’amore divino riflesso nei cuori. Ognuno vede nell’altro la bellezza di Dio riflessa nell’anima, e questo punto di somiglianza porta l’attrazione e l’amore fra l’uno e l’altro. Quest’amore renderà tutti gli uomini onde dello stesso mare, stelle dello stesso cielo e frutti dello stesso albero. Quest’amore porterà la effettuazione dell’accordo vero, la base della vera unità".

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Bahá'í Faith and the Religion.Please output in Italian.


section

Madonna Huldschinsky

Una serie di Madonne a mezza figura in terracotta del primo Quattrocento, dalla fisicità particolarmente pronunciata, sono oggetto di oscillazioni attributive che oggi propendono soprattutto verso il giovane Donatello. Oltre alla Madonna del museo berlinese, donata da Oscar Huldschinsky nel 1892, fanno parte di questa serie anche due Madonne al Museo nazionale di Villa Guinigi a Lucca. Tra gli altri nomi fatti ci sono anche Jacopo della Quercia e Lorenzo Ghiberti. L'ipotesi donatelliana si basa sulla struttura del panneggio, che non è più mezzo di espressione e decorazione, come nell'arte gotica, ma dialoga strettamente con le forme anatomiche sottostanti, soggiacendo alla forza di gravità osservata dal vivo. Le forme presentano una levigatura quasi metallica, e l'attenzione al dettaglio, come nel bordo frangiato delle vesti, richiamano opere come il celebre David. Anche l'amorevole abbraccio del Bambino alla madre e il suo sorriso accennato richiamano un interesse diretto verso i fanciulli che si ritrova spiccato nei numerosi putti della produzione donatelliana di quegli anni.

Prompt: In Huldschinsky Madonna (painting), how is the History and description discussed?Please output in Italian.

1892
Donatello
Jacopo della Quercia
Lorenzo Ghiberti
Lucca
Museo nazionale di Villa Guinigi


section

I coniugi Sisley

Alfred Sisley era un pittore di origini inglesi che Renoir conobbe nellatelier di Gleyre. Non solo Renoir ebbe modo di stringersi in affettuosa amicizia con il Sisley, ma il sodalizio artistico che associò fu determinante per la sua maturazione pittorica: fu un rapporto quasi simbiotico, a tal punto che i due per un periodo vissero anche insieme.  loro fraterna convivenza fu interrotta nel 1866, quando Sisley convolò a nozze con una graziosa e giovane donna di nome Marie. Questo ritratto, eseguito da Renoir proprio con l'intento di omaggiare i due coniugi, fu portato a termine nell'aprile 1868. Nonostante la spontaneità della gestazione, Renoir riflette ponderatamente sul modello di Manet, cui rende omaggio con la linea di contorno che delimita i pantaloni di Sisley , e su quello di Diego Velázquez, dal quale prende ispirazione per le ampie superfici nere. Si tratta di un dipinto sorprendentemente autentico, che coglie monsieur e madama Sisley con un'immediatezza quasi fotografica: Marie, infatti, ha un'espressione incuriosita e teneramente timida e, per questo, stringe il proprio braccio a quello del marito. Sisley, colpito dalla titubanza della moglie, alza su di lei uno sguardo affettuoso e comprensivo. Sullo sfondo, inoltre, si scorge una quinta arborea, che lascia pensare che l'opera sia stata dipinta a Chailly-en-Bière, un villaggio a poca distanza da Barbizon. Questo scenario paesistico, tuttavia, è dipinto con uno stile molto compendiario, che se da una parte non consente una collocazione geografica precisa del soggetto, dall'altra non fa che dare ancora più enfasi alle due figure in primo piano. Lo sguardo dell'osservatore, infatti, si precipita immediatamente sulla figura di Marie, la quale indossa per di più una vaporosa gonna dai colori chiassosi e sgargianti, inusitata nota di monumentalità in una composizione altrimenti confidenziale.

Prompt: In A Couple (Les Fiancés), how is the Description discussed?Please output in Italian.

Alfred Sisley
Chailly-en-Bière
Diego Velázquez


section

Danae

Figlia di Acrisio e di Euridice, o da Preto il figlio Perseo.

Prompt: How does Danaë (Tintoretto) explain its Genealogy?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: In the context of Self-Portrait with Skeleton, explain the Cultural reasons and the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


section

Venere allo specchio

Nicholas Ilyin e Natalia Semonova, , Prodanniy Sokrovischye Rossiyi, Trilisnik Publishers, Mosca,    Humfrey, Peter , Titien, Tout l'oeuvre peint, Ludion, 2007,

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Venus with a Mirror.Please output in Italian.


section

Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


section

Deposizione Borghese

Il Trasporto si ispirò alle scene antiche del Trasporto di Melagro e alla scena nello sfondo della Cappellina dei Corpi Santi nel Duomo di Orvieto, affrescata da Luca Signorelli. Altri modelli furono una Deposizione a stampa di Andrea Mantegna e alcune opere di Michelangelo, per gli atteggiamenti di alcune figure.Tre uomini stanno portando il corpo morto di Gesù nel sepolcro a sinistra. Essi sono rappresentati inarcati dallo sforzo di trascinare il pesante corpo senza vita e sono ritratti con espedienti che amplificano il senso del movimento  e le espressioni concitate. In particolare spicca il giovane al centro della composizione, assente nei Vangeli, che è un ritratto del defunto Grifonetto Baglioni. Dietro spunta San Giovanni Evangelista con le mani giunte , mentre al centro di questo gruppo spicca Maria Maddalena dolente, con i capelli al vento, colta nel pietoso gesto di tenere la mano di Gesù accompagnandolo al sepolcro. Il suo volto è quello di Zenobia Sforza, moglie di Grifonetto. Gli altri due uomini sono Giuseppe d'Arimatea a sinistra e Nicodemo tra San Giovanni e Maria Maddalena che guarda lo spettatore.A destra si trova il gruppo delle pie donne che sostengono la Vergine Maria svenuta, tenuta alla vita dalla donna dietro di lei, mentre una le regge il capo reclinato sulla spalla e l'altra inginocchiata allunga le braccia per sostenerla. Il volto della Madonna è quello di Atalanta Baglioni, la madre di Grifonetto, che commissionò questo dipinto a Raffaello.  donna in ginocchio ha un movimento "a serpentina", ispirato al Tondo Doni di Michelangelo. Altri echi michelangioleschi si colgono nel corpo abbandonato di Gesù, simile a quello della Pietà vaticana e nel vestito giallo e verde di Nicodemo, che si ispirò alla torsione dell'incompiuto San Matteo del Buonarroti.I due gruppi principali sono raccordati dal giovane trasportatore con il volto di Grifonetto, che si proietta all'indietro.Lo straordinario paesaggio asseconda ritmicamente la composizione: se l'oscuro sepolcro nella roccia aiuta a stagliare i personaggi a sinistra, a destra le figure sono davanti alla collina del Golgota, mentre al centro la veduta si apre con ampio respiro su una veduta di colline punteggiate dalla presenza umana, con l'immancabile specchio d'acqua e con lontane montagne azzurrine, velate di foschia. In primo piano le pianticelle rappresentate con cura rimandano all'esempio di Leonardo da Vinci.Straordinaria è la ricchezza dei colori, quasi smaltati, così come la plasticità data dal forte chiaroscuro, che dà alle figure una monumentalità statuaria, e la concatenazione di gesti, sguardi e attitudini, che ne fanno uno dei capolavori dell'artista. Di grande effetto è la resa dei corpi umani nelle svariate posizioni, con attenzione alla resa anatomica, ma anche all'armonia e alla varietà.

Prompt: Focus on The Deposition (Raphael) and explain the Description and analysis.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Duomo di Orvieto
Gesù
Grifonetto Baglioni
Leonardo da Vinci
Luca Signorelli
Maria Maddalena
Pietà vaticana
Sforza
Tondo Doni


section

Ercole uccide gli uccelli di Stinfalo

Costantino Porcu , Dürer, Rizzoli, Milano 2004.

Prompt: In Hercules Killing the Stymphalian Birds, how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


subsection

Annunciazione

Il fiat di Maria richiama l'"eccomi" delle figure più importanti dell'Antico Testamento: Abramo, Mosè, Samuele, ed altri; Profeti e uomini di Dio che seppero riconoscere la volontà e il piano di Dio, e poi perseguirlo.
 docilità alla parola del Signore era diventata un messaggio fondamentale nella predicazione dei Profeti, i quali denunciarono una religione basata sulla pratica dei soli sacrifici prescritti.Gesù stesso riprenderà questa istanza nella sua predicazione: «Non chiunque mi dice ‘Signore, Signore’ entrerà nel Regno dei cieli, ma chi fa la volontà del Padre mio» , e la interpreterà personalmente fino alle estreme conseguenze.I Padri della Chiesa e i grandi maestri spirituali di tutti i tempi hanno così visto in Maria non solo la persona che ha permesso il concreto iniziare della definitiva alleanza, ma anche un modello di fede per ogni credente. Come Abramo era stato il padre della fede per l'AT, credendo alla promessa del Signore di riservargli una discendenza numerosa nonostante la tarda età, è ora Maria a credere ad una discendenza benedetta nonostante una sua esperienza personale e contesto sociale che contrasti con questo, anche se per motivi opposti a quelli di Abramo.
E come il sì di Maria ha permesso a lei di generare Gesù nella carne, così il sì di ogni credente dovrà condurre Cristo nella sua vita, anche fisica e concreta. Il cristianesimo non è la religione dei pensieri, ma delle scelte di vita che determinano cambiamenti nella dimensione sia della mentalità che della conduzione materiale dell'esistenza.

Prompt: In the context of Annunciation (Botticelli, Glasgow), explain the The Annunciation in spirituality and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.

Abramo
Antico Testamento
Gesù
Mosè
Padri della Chiesa


section

Prove di Mosè

scena delle Prove di Mosè raffigura vari episodi della giovinezza di Mosè tratti dal Libro dell'Esodo ed ha evidenti parallelismi con la scena sulla parete opposta in posizione simmetrica, sempre di Botticelli, le Prove di Gesù. L'iscrizione sul fregio chiarisce il significato del dipinto: "".Da destra si vede Mosè che uccide l'egiziano che aveva maltrattato un israelita e fugge nel deserto ; nell'episodio successivo combatte con i pastori che volevano impedire alle figlie di Ietro, tra cui è la sua futura moglie Sefora, di abbeverare il gregge al pozzo e attinge per loro l'acqua; nel terzo in alto a sinistra Mosè si toglie i calzari, poi si avvicina al roveto ardente e riceve da Dio la missione di tornare in Egitto e liberare il suo popolo; infine in basso a sinistra, egli guida il suo popolo verso la Terra Promessa.

Prompt: In Youth of Moses, how is the Description discussed?Please output in Italian.


section

Ultima Cena

Eucaristia Santa Cena Cenacolo Passione di Gesù Pasqua Giovedì santo Messa in Cena Domini Graal Orazione nell'orto degli ulivi

Prompt: In Last Supper (Rubens), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cenacolo
Eucaristia
Gesù
Giovedì santo
Graal
Orazione nell'orto degli ulivi
Pasqua
Passione di Gesù
Santa Cena


section

Ritratto di Bindo Altoviti

Su uno sfondo verde scuro, su cui si proietta l'ombra dell'uomo, l'Altoviti è ritratto in una posizione teatrale, mentre di spalle si volta verso lo spettatore, per guardarlo direttamente. Accresce questo effetto la mano sinistra portata al petto, al dito indice della quale porta un anello d'oro. Indossa una berretta nera e un mantello blu sulla casacca nera, ampiamente scollati sulla schiena, con un effetto sensuale. I tratti sono giovanili e delicati, con occhi azzurri e una capigliatura bionda e lunga; il naso è appuntito, le basette lunghe, le labbra rosse e carnose, il mento appuntito.Come in altri ritratti della fase romana, sono forti le componenti psicologiche dell'effigiato, che esprime intelligenza e nobiltà di spirito.

Prompt: How does Portrait of Bindo Altoviti explain its Description and style?Please output in Italian.


section

La lite di Oberon e Titania

lite di Oberon e Titania  è un dipinto ad olio su tela realizzato nel 1849 da Joseph Noel Paton e conservato alla Scottish National Gallery di Edimburgo.

Prompt: In The Quarrel of Oberon and Titania, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1849
Edimburgo
Joseph Noel Paton
Scottish National Gallery


section

Madonna greca

Non c'è allineamento tra gli storici dell'arte nella datazione della cosiddetta Madonna greca : alcuni la datano ai primi lavori dell'artista, tra la fine degli anni cinquanta e l'inizio degli anno sessanta, altri a una fase successiva alla Pietà, negli anni settanta, quando si avviava a manifestare il distacco dall'esempio di Andrea Mantegna.L'opera si trovava nell'ufficio dei Regulatori di Scrittura a palazzo Ducale a Venezia quando venne requisita durante le soppressioni napoleoniche e destinata subito, nel 1808, alla nascente pinacoteca milanese.

Prompt: In Greek Madonna, how is the History discussed?Please output in Italian.


section

Madonna delle Cave

Vergine col Bambino in braccio è seduta in primo piano, forse sulla cima del monte del Calvario, sullo sfondo di un ispido sperone roccioso, definito da alcuni "un falò di pietra scistosa, percorso dal vibrare del tramonto". Il nome dell'opera deriva dalla cava di pietra che si vede in lontananza sulla destra, dove alcuni operai sono intenti a ricavare un lastrone, un pezzo di fusto di colonna e un capitello; più in basso, davanti a una grotta, alcuni lavorano a un sarcofago, allusione al sepolcro di Cristo che prefigura il destino del fanciullo.  metà sinistra dello sfondo è invece decorata da una strada, dove passeggiano alcuni personaggi e un pastore col suo gregge, un campo dove alcuni contadini stanno raccogliendo il fieno e, più in lontananza, un castello e una strada che conduce a una lontana città circondata da mura.Il passaggio tra l'ombra della metà destra dello sfondo e la luce della metà sinistra è stato interpretato come un'allegoria della Redenzione, che passa attraverso l'intermediazione di Cristo e della Chiesa, simboleggiata da Maria . Alcuni poi hanno voluto riconoscere un luogo preciso nell'ambientazione, secondo Fiocco Carrara, secondo Kristeller il monte Bolca in località Roncà, tra Vicenza e Verona. chiarissima luce del cielo si diffonde con estrema sensibilità, arrivando a smangiare i bordi del colle in lontananza e anche della gigantesca rupe.

Prompt: Focus on Madonna of the Caves and explain the Description and style.Please output in Italian.


subsection

Aerostato

Nel campo dell'esplorazione spaziale è stato ipotizzato l'utilizzo di dirigibili e palloni aerostatici per la futura colonizzazione di Venere.  densa atmosfera del pianeta dovrebbe permetterci di creare grandi basi galleggianti grazie solo alla stessa aria che respiriamo, non dovendo ricorrere a elementi leggeri come elio o il più pericoloso idrogeno. Il galleggiamento nell'atmosfera presenta inoltre il vantaggio di poter tenere la base planetaria ad una temperatura abitabile, circa 10° celsius, rispetto alle caldissime temperature superficiali che possono superare i 450° celsius.

Prompt: In Balloon (Merse), how is the Hypothetical future employments of the Used gases explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nei primissimi anni del XVI secolo si collocano due autoritratti, ugualmente sperimentali e particolarmente curiosi, in quanto ibridi fra raffigurazione situata e autonoma e per questo testimoni del graduale passaggio dall'una all'altra soluzione concettuale: si tratta di due quadri, provvisti di cornici e targhe commemorative, raffiguranti i volti del Perugino e del Pinturicchio, che i due artisti affrescarono a mo' di trompe-l'œil nei cicli decorativi, rispettivamente, della Sala delle Udienze del Collegio del Cambio a Perugia  e della Cappella Baglioni nella Collegiata di Santa Maria Maggiore a Spello .Più tardi, l'espediente venne ripreso da Annibale Carracci in un Autoritratto su cavalletto .

Prompt: Describe the characteristics of the Self-portrait environment autonomy in Self-portrait (Raphael)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


section

Giudizio di Paride

250pxIl Giudizio di Paride è un episodio nella mitologia greca e una delle cause della guerra di Troia.

Prompt: In Judgment of Paris (Cranach, New York), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


section

La Gioconda

{ class="wikitable"!Ruolo!Vocalità!Interpreti della prima
8 aprile 1876, Teatro alla Scala
!Interpreti della seconda versione
18 ottobre 1876, Teatro Rossini
!Interpreti della terza versione
24 gennaio 1877, Teatro Apollo
!Interpreti della quarta versione
 27 novembre 1879, Politeama Genovese
 - GiocondasopranoMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani MasiMaddalena Mariani Masi-ura AdornomezzosopranoMarietta Biancolini RodriguezEulalia KadminaFilippina von EdelsbergFlora Mariani De Angelis-Alvise BadoèrobassoOrmondo MainiOrmondo Mainidislao MillerÉdouard de Reszke- CiecacontraltoEufemia Barlani-DiniAmelia SbolgiAmelia SbolgiGiuditta Celega-Enzo GrimaldotenoreJulian GayarreEnrico BarbaciniEnrico BarbaciniFrancesco Marconi-BarnababaritonoGottardo AldighieriGiuseppe KaschmannAugusto ParboniGustavo Moriami-ZuànebassoGiovanni Battista CornagoAbulcher LeoniAchille CardosGiacomo Origo-Un cantoreBassoGiovanni Battista CornagoAbulcher LeoniAchille CardosGiacomo Origo-IsèpotenoreAmedeo Grazzi?Salvatore De AngelisEmanuele Dall'Aglio-Un pilotabassoGiovanni Battista Cornago??Giovanni Battista Panari}Ponchielli, durante le prove, si dichiarò soddisfatto della compagnia, in particolare del basso Maini e del tenore spagnolo Julián Gayarré , prevedendo il successo di quest'ultimo nella romanza del secondo atto Cielo e mar!. Previsione che si avverò, dato che la sera della prima fu questo uno dei due pezzi bissati, insieme al preludio.L'opera ottenne un vivo successo ma lo spettacolo fu giudicato troppo lungo : il pubblico, infatti, applaudì i primi due atti più degli ultimi due, destinati nel tempo a diventare quelli di maggior successo. Le chiamate degli artisti al proscenio furono 27.L'opera, che a causa del ritardo nella consegna della partitura chiuse la stagione lirica della Scala, fu rappresentata solo per quattro serate; a maggio Ponchielli era di nuovo al lavoro per modificare le parti che meno l'avevano convinto e per ridurne la durata complessiva. Egli mise mano ai finali del primo e del terzo atto, sostituì il coro d'introduzione e l'aria di Alvise all'inizio del terzo atto , abbinandola ad una nuova romanza di ura .In questa seconda versione andò in scena con successo al Teatro Rossini di Venezia, il 18 ottobre diretta da Faccio.Nel gennaio 1877 Ponchielli si trasferì a Roma, dove  Gioconda sarebbe dovuta andare in scena al Teatro Apollo . Durante le prove, il compositore si fece convincere dalla compagnia e dal direttore Luigi Mancinelli ad eliminare la stretta del finale III, chiudendolo con poche battute d'orchestra dopo il cantabile concertato. Con queste modifiche , l'opera debuttò al Politeama Genovese il 27 novembre 1879, revisionato da Angelo Zanardini e tornò alla Scala quattro anni dopo il debutto, il 12 febbraio 1880, raccogliendo un autentico trionfo con la quinta e definitiva versione con la Mariani Masi, Elvira Demi come Cieca, Elisabeth Leawington come ura, Francesco Tamagno come Enzo, Francesco Marconi come Isèpo, Gustavo Moriani come Barnaba e Giovanni Ordinas come Alvise e Zuàne/cantore/pilota/barnabotto. Poco per volta Ponchielli era riuscito a trovare la giusta misura e adattare il raffinato ma cerebrale libretto di Boito, alla propria vena musicale più autentica, calda e fluente, rimpiazzando, tagliando e aggiungendo interi episodi.Ottenne successo anche all'estero, nel 1886 fu rappresentata a Londra e Barcellona, nel 1887 a Bruxelles, a Vienna, a Varsavia, a  Plata in Sudamerica con Gemma Bellincioni nel ruolo di Gioconda, a Smirne e a Nizza con Cesira Bacchiani e Luisa Tetrazzini, diretta da Cleofonte Campanini.Nel 1909 l'opera fu allestita al Teatro dell'Opera di Roma con un ottimo cast composto da Angelo Masini Pieralli, Giannina Russ, Luisa Garibaldi e Titta Ruffo.

Prompt: In Mona Lisa, how is the Debut, successive, versions, representations discussed?Please output in Italian.

1876
1877
1879
1880
Angelo Masini Pieralli
Angelo Zanardini
Cesira Bacchiani
Cleofonte Campanini
Francesco Marconi
Francesco Tamagno
Gemma Bellincioni
Giannina Russ
Luigi Mancinelli
Luisa Garibaldi
Luisa Tetrazzini
Politeama Genovese
Roma
Teatro alla Scala
Teatro dell'Opera di Roma
Titta Ruffo
Venezia


section

Fattorie vicino a Auvers

Fattorie vicino a Auvers è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh realizzato nel 1890 durante la sua permanenza ad Auvers-sur-Oise.Il dipinto è un esempio di "tele a doppio quadrato" che impiegò nei suoi ultimi paesaggi.Van Gogh trascorse gli ultimi mesi della sua vita ad Auvers-sur-Oise, una piccola città a nord di Parigi, dopo aver lasciato il manicomio di Saint-Rémy nel maggio 1890. Nel 1933 il dipinto fu lasciato in eredità da C. Frank Stoop alla Tate Collection di Londra, dove attualmente è esposto. Fu uno degli ultimi dipinto di Van Gogh.

Prompt: In Farms near Auvers, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1890
Auvers-sur-Oise
Londra
Vincent van Gogh


section

Storie della Vera Croce

Spesso Piero della Francesca unificò affreschi contigui, con il paesaggio ininterrotto  o con altri stratagemmi, come le due case scorciate tra il Ritrovamento e Verifica della Croce e la Tortura dell'ebreo, che insieme sembrano comporre un unico edificio irregolare. In generale le regole compositive degli affreschi sono le medesime, con figure in primo piano di dimensioni analoghe e con una visione leggermente adattata per uno punto di vista dal basso.A parte la scena di Adamo, i personaggi antichi sono raffigurati secondo la moda e il gusto contemporaneo all'artista: i re, le regine e il loro seguito  vestono come in una corte italiana rinascimentale, Eraclio e Costantino sono raffigurati  come imperatori bizantini; gli eserciti romani utilizzano gonfaloni medievali, i cavalieri romani indossano in parte armature "all'antica" e in parte armature complete di ferro in uso nella metà del 1400. Un elemento unificatore è la luce, modulata su quella naturale della finestra centrale della cappella. Per questo i due profeti, sulla parete centrale, sembrano illuminati da dietro, come se fossero proiettati verso lo spettatore. Di straordinario valore è la scena notturna del Sogno di Costantino, la prima veduta notturna pienamente convincente dell'arte europea prima di Caravaggio. Si scoprì poi che in realtà è un'alba. Nell'ambito dell'ultimo restauro della fine degli anni novanta, è emersa una mappa celeste con la rappresentazione di alcune costellazioni, collegata con la volta celeste della Sagrestia Vecchia di San Lorenzo a Firenze.

Prompt: How does The Legend of the True Cross explain its Style?Please output in Italian.

Adamo
Caravaggio
Firenze
Piero della Francesca
Sagrestia Vecchia
Sogno di Costantino
Tortura dell'ebreo


subsection

amore

definizione di "amore" nel buddhismo è il volere che gli altri siano felici. Questo amore è incondizionato e richiede molto coraggio e accettazione, sia degli altri sia di sé. Il nemico dellamore vero è qualcosa che può sembrargli simile ma è invece il suo opposto: l'attaccamento, che deriva dall'amore di sé inteso come preoccupazione per il proprio benessere. L'amore nel buddhismo è perciò qualcosa di molto differente da quello che s'intende comunemente in italiano , che quasi sempre richiede un certo amor proprio. Nel buddhismo si riferisce al distacco e alla cura del benessere degli altri senza alcun interesse verso sé stessi.Il Bodhisattva ideale nel buddismo Mahayana comporta la completa rinuncia di sé stessi, al fine di assumere l'onere di un mondo sofferente.  più forte delle motivazione, al fine di prendere il sentiero del Bodhisattva è l'idea di salvazione disinteressata, l'amore altruistico per tutti gli esseri senzienti.sinistra

Prompt: In Love & Loss, how is the Buddhism of the Philosophy explained?Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), explain the Business names and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


section

Corsia dell'ospedale di Arles

Corsia dell'ospedale di Arles è un dipinto a olio su tela  realizzato nell'aprile del 1889 dal pittore Vincent van Gogh.Fa parte della collezione Oskar Reinhart di Winterthur.L'artista rappresenta il dormitorio dellHotel-Dieu, l'antico ospedale di Arles, dove era ricoverato a forza tra il dicembre 1888 al maggio 1889 dopo il taglio dell'orecchio. Dalle lettere sappiamo che il quadro, cominciato in loco ad aprile, fu terminato in ottobre a Saint-Rémy, nel cui manicomio Van Gogh si era volontariamente trasferito.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Hospital in Arles.Please output in Italian.


subsection

Battaglia di San Romano

L'ultima scena, quella di Parigi, fu pure ritoccata agli angoli superiori e in basso a sinistra. È composta in maniera completamente diversa, con un unico fronte di cavalieri che occupa l'intera scena, senza lo sfondo irreale e senza la griglia prospettica al suolo, anche perché si tratta dell'arrivo delle truppe di Michele Attendolo che non sono ancora in battaglia, quindi il pittore non poteva disporre di lance e corpi caduti per allinearli. Alcuni ipotizzano che questa scena sia stata realizzata in un secondo momento, ossia qualche anno più tardi. Storicamente l'intervento del condottiero fu decisivo: nonostante i primi successi dei fiorentini la battaglia infatti volgeva per essi ormai al peggio . composizione dei cavalieri è molto complessa, con un gioco di linee tra le lance issate per la battaglia, gli stendardi al vento e i corpi dei cavalli scalpitanti. Sebbene ne siano sparite le tracce, anche qui le armature dovevano sicuramente essere ricoperte dalla lamina d'argento, che creava un effetto a specchio, con effetti di riflessione che ricordassero il metallo vero e che aumentassero il senso di affascinante irrealtà della scena.

Prompt: In The Battle of San Romano, how is the Decisive intervention of Michele Attendolo alongside the Florentines of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Michele Attendolo
Michele Attendolo
Parigi


section

Festa del Rosario

Festa del Rosario  è un dipinto olio su tavola  di Albrecht Dürer, datato 1506 e conservato nella Národní Galerie di Praga.

Prompt: Focus on Feast of the Rosary and explain the Abstract.Please output in Italian.


section

Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Van Gogh self-portrait (1889).Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Nella prima metà del secolo fece la comparsa nella storia dell'arte la fotografia, con la sua carica di novità e la possibile conflittualità con la tecnica pittorica. Tuttavia alcuni pittori sfruttarono le potenzialità tecniche del mezzo fotografico a loro vantaggio. In fatto di autoritratti, ma in generale in buona parte della sua produzione pittorica, Edgar Degas rese piuttosto manifeste queste potenzialità. Il dipinto Degas che saluta , pur non costituendo probabilmente una copia, potrebbe comunque derivare da un'attenta osservazione di una fotografia: lo si desume innanzitutto dall'assenza delle inversioni destra-sinistra tipiche dei dipinti eseguiti allo specchio; inoltre dell'artista è pervenuta fino ai giorni nostri una fotografia fortemente somigliante, quanto a tema e impostazione, a questo autoritratto. È stato inoltre visto nel gesto del saluto una sorta di commiato ad una forma di figurazione all'epoca ritenuta sul punto di scomparire, proprio a causa della concorrenza della fotografia. In questo come in altri autoritratti, Degas si tenne ben lontano dalle drammatiche raffigurazioni interiori di alcuni suoi colleghi, preferendo piuttosto mostrarsi come un raffinato ed elegante dandy, perfettamente integrato e a suo agio nella società.

Prompt: Describe the characteristics of the The influence of photography in Self-Portrait (David)'s Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


subsection

Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Explain the Rembrandt's self-portraits about the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury of this artwork, Self-portrait (van Dyck, New York).Please output in Italian.