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Armatura

In Giappone, l'uso dell'armatura sviluppò relativamente tardi: nel IV secolo. Ciò non di meno, le peculiarità tecniche ed estetiche delle armature prodotte nel Sol Levante, utilizzate sia dalla casta guerriera per eccellenza, i samurai, sia dalle milizie , le rende ad oggi uno dei settori più studiati della tradizione bellica nipponica.<br />

Prompt: In the context of O-yoroi Armor of Ashikaga Takauji, explain the Japan and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Nomoli

destrastatuetta NomoliI Nomoli sono statuette lavorate originarie della Sierra Leone e della Liberia. Le statuette erano realizzate principalmente in pietra ollare, arenaria, pietra calcarea o granito.

Prompt: In Nomoli figurine, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Pala di Monteripido

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Monteripido Altarpiece and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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La pubertà

Il soggetto è un'adolescente, nuda, seduta che con le mani copre la zona pubica. Come in altri quadri di Munch, i colori sono piuttosto scuri e si può notare un' esuberanza nell'uso del colore rosso . Ci sono analogie tra quest'opera e  fanciulla malata. Centro dell'interesse di Munch è infatti l'uomo, il dramma del suo esistere, del suo essere solo di fronte a tutto ciò che lo circonda: con i propri conflitti psichici e le proprie paure. C'è soltanto l'essenziale: la ragazza, il letto, l'ombra della ragazza sulla parete.  figura è realistica, il volto incerto e spaurito dice il turbamento della ragazza per il mutamento che sente compiersi nel proprio essere. Il trapasso dallo stato di fanciulla a quello di donna, il cui destino forzato è di amare, procreare, morire, non è per Munch un evento fisico-psicologico, ma un problema sociale . Il fatto veramente importante non è la descrizione di una situazione psicologica, ma la nuova concezione del valore, della funzione del simbolo, che è sempre il segno di un divieto, di un tabù sociale.L'ombra nera alla sinistra della fanciulla è forse la chiave di lettura dell'intero quadro: essa rappresenterebbe per il pittore il presagio della morte dell'anima che la donna, qualunque sia la sua condizione sociale, dovrà inevitabilmente subire in futuro. Il suo ruolo, per come credeva il pittore, è infatti solo quello di procreare e accudire i figli, senza alcuna possibilità di condurre una vita diversa e dedita ad altre attività. Nel momento in cui la fanciulla diventerà quindi una donna, perderà lo stato di libertà in cui aveva vissuto fino a quel momento compiendo un inesorabile passo verso la morte.

Prompt: How does Puberty (Munch) explain its Description?Please output in Italian.


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La sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche

sposa messa a nudo dai suoi scapoli, anche ,  più nota come Il grande vetro ,  è un'opera d'arte dell'artista dadaista Marcel Duchamp realizzata tra il 1915 e il 1923.
Dal 1954 è conservata nel Philadelphia Museum of Art.
L'opera è considerata una delle più importanti della prima maturità di Duchamp e si compone di due lastre di vetro disposte l'una sull'altra, sulle quali sono raffigurati diversi elementi e figure che rappresentano, nell'insieme, un amore impossibile fra una sposa e il suo corteggiatore.

Prompt: Focus on The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even and explain the Abstract.Please output in Italian.

Marcel Duchamp
Philadelphia Museum of Art


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Adorazione dei pastori

deposizione di Gesù in una mangiatoia significa che nacque in una delle grotte che si trovavano attorno a Betlemme e venivano usate come stalle; essendo una zona frequentata da pastori, anche se non ci sono prove certe dell'accaduto è storicamente plausibile che i pastori siano stati realmente i primi testimoni dell'evento. Secondo un'ipotesi riportata da David Friedrich Strauß, Giuseppe e Maria potrebbero avere trovato ospitalità presso una famiglia di pastori; durante la notte della nascita di Gesù sarebbe apparso in cielo un meteorite molto luminoso, che i pastori avrebbero interpretato come un segno di Dio attestante la nascita del messia. Il particolare della mangiatoia è comunque compatibile con il racconto del Vangelo di Matteo secondo cui i Magi trovarono Gesù in una casa, perché nell'antica Palestina diverse case comprendevano una parte scavata nella roccia, che veniva usata come stalla o come deposito per gli alimenti per la famiglia e il fieno per gli animali. Alcuni aspetti della narrazione di Luca sono però ritenuti storicamente inverosimili. Solo dopo la sua risurrezione sarà chiaro che Gesù è il Salvatore, pertanto un annuncio di questo tipo fatto da un angelo ad un gruppo di ignari pastori al momento della nascita di Gesù non avrebbe avuto senso . Di contro però, si può assistere all'effettivo riconoscimento di Gesù quale messia e salvatore nel famoso "cantico di Simeone", sempre nel racconto di Luca, ancora prima che egli venga presentato al tempio. Nell'episodio in questione viene anche riconosciuto il ruolo fondamentale di Maria madre di Gesù nella successiva passione del figlio.Il racconto di Luca ha comunque un significato teologico. Anzitutto denota l'attenzione di Gesù per gli umili, dato che tra gli ebrei i pastori erano una delle categorie più basse della scala sociale. C'è inoltre un parallelo con Davide: il grande re d'Israele da ragazzo era un pastore, mentre Gesù nacque tra i pastori. Infine, l'episodio prefigura la missione di Gesù, che diventerà un pastore di uomini.

Prompt: In the context of Adoration of the Shepherds (Lorenzo di Credi), explain the Historicity theological significance and the Luca's story.Please output in Italian.

Betlemme
David Friedrich Strauß
Gesù
Palestina
Vangelo


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Bambini dell'Olocausto

Nei ghetti in cui la popolazione ebraica fu progressivamente confinata dai nazisti dopo l'inizio della seconda guerra mondiale, i bambini  furono i primi a soccombere, a causa della fame, delle malattie e delle durissime condizioni di vita. Le immagini giunteci dai ghetti della Polonia ci mostrano le strade piene di bambini denutriti, malati o morenti, una realtà che i Diari dell'Olocausto scritti da bambini nei ghetti esprimono in maniera drammatica. Fino all'ultimo i genitori e gli educatori cercarono di garantire ai bambini un'apparenza di normalità, attraverso l'organizzazione di attività scolastiche, culturali e ricreative. Ogni tentativo da parte delle autorità ebraiche di autogoverno, di organizzazioni politiche e filantropiche e di singoli individui fu però presto sopraffatto di fronte alle tragiche dimensioni dei problemi e alla mancanza di cibo e di risorse. E quando cominciarono le deportazioni i bambini furono i primi a partire per i campi di sterminio, a cominciare dai numerosi bambini ospitati negli orfanotrofi. Nel ghetto di Lublino essi furono uccisi a colpi di mitragliatrice e sepolti in una fossa comune già nell'aprile 1942. Anche i bambini dell'orfanotrofio di Varsavia furono nell'agosto 1942 tra le prime vittime della liquidazione del ghetto con uno speciale trasporto al Treblinka; il direttore, il famoso pedagogo Janusz Korczak non volle abbandonarli e condivise con loro lo stesso destino di morte. Lo stesso destino fu riservato agli orfani del ghetto di Cracovia inviati il 28 ottobre 1942 a morire al campo di sterminio di Bełżec. Presto non si fece alcuna differenza tra orfani o meno. Emblematico fra tutti è il caso del ghetto di Łódź dove nel settembre 1942 la  sopravvivenza degli adulti fu garantita a condizione del sacrificio di tutti i bambini di età inferiore ai 10 anni e degli anziani.Anche per i bambini che in qualche modo riuscissero almeno temporaneamente a sfuggire ai rastrellamenti e alle deportazioni, ciò significava il più delle volte trovarsi in una condizione disperata, abbandonati a se stessi, senza più il supporto di familiari o amici. Sono i sentimenti che il quattordicenne Abram Bajler esprime in una cartolina postale che il 24 aprile 1942 riesce ad inviare dal ghetto di Zamość rispondendo a chi gli chiedeva notizie di un suo zio.:Zamość, 24 aprile 1942. Mio zio non è più a Zamość. Sono già passate due settimane da quando ha lasciato la città insieme al resto della nostra famiglia. Per ora non sappiamo dove siano. Sono stato lasciato con mio fratello minore perché all'epoca eravamo al lavoro. Provate a immaginare la nostra situazione con me stesso, un ragazzo di 14 anni lasciato solo senza cure o supervisione, e reso responsabile del benessere del mio fratellino; ma in qualche modo ci riusciamo, perché non abbiamo scelta. Dobbiamo accettare ciò che ci viene dato.L'accanimento dei nazisti contro i bambini non si allentò neppure quando fu chiaro che la guerra era perduta. A Theresienstadt , il "ghetto modello" a lungo usato dai nazisti a scopo propagandistico, per qualche tempo i bambini poterono godere di condizioni di vita migliori. Fu tollerato che essi frequentassero programmi scolastici, dove i loro insegnanti  li incoraggiarono a praticare le arti e la musica. Nel 1943-44 Friedl Dicker-Brandeis diresse un programma d'arte per bambini, i cui oltre 4000 disegni sono oggi esposti all'ammirazione dei visitatori alla Sinagoga Pinkas nel Quartiere-Museo ebraico di Praga. Il 23 settembre 1943 i bambini di Terezín misero in scena l'opera Brundibar di Hans Krása, di cui fu protagonista il tredicenne Honza Treichlinger; nei mesi successivi l'opera conobbe un totale di ben 55 repliche. A 14 anni Petr Ginz fondò e diresse dal 1942 al 1944 una rivista autogestita per bambini, Vadem, che è una delle più straordinarie produzioni letterarie di Terezín.  percentuale di mortalità tra i 15.000 bambini di Terezín non fu inferiore che altrove: ben oltre il 90% di essi sotto i 16 anni perì nell'Olocausto, inclusi la maggior parte degli autori dei disegni, degli interpreti dell'opera Brundibar e dei lettori e collaboratori di Vadem. Essi continuarono ad affollare gli ultimi treni della morte in partenza per Auschwitz nel settembre-ottobre 1944.

Prompt: In Children in the Holocaust, how is the Life death spaghetti of the Losterminio explained?Please output in Italian.

Brundibar
Cracovia
Diari dell'Olocausto
Friedl Dicker-Brandeis
Hans Krása
Honza Treichlinger
Janusz Korczak
Olocausto


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Antinoo Townley

L<nowiki/>'Antinoo Townley è un ritratto marmoreo raffigurante Antinoo che indossa una corona di edera; fa parte della collezione del British Museum di Londra ed era parte delle collezioni di Charles Townley, protagonista di un Grand Tour e membro della Royal Society, che lo acquistò nel XVIII secolo, insieme ad altre opere antiche. Soltanto la testa è antica, parte di una statua risalente al 130-140, negli ultimi anni in cui al potere vi era Adriano ; il busto è un'aggiunta successiva. Probabilmente lAntinoo ha degli attributi che lo riconducono alla rappresentazione di Bacco. Nella collezione del museo è presente anche un disegno dell'opera attribuito a Vincenzo Pacetti. testa, scolpita in marmo pario, si ritiene sia stata ritrovata nel 1770 sul Gianicolo, nei pressi della Villa Doria Pamphilj a Roma, in un'area nota come Tenuta della Tedesca: questa e i resti della statua di cui faceva parte vennero utilizzati come materiale di reimpiego in un muro nelle vicinanze di Porta San Pancrazio, una delle porte delle Mura aureliane. Townley si appropriò della testa nel luglio del 1773, pagandola £150 a Thomas Jenkins, antiquario e mercante d'arte. Essa era in Gran Bretagna lo stesso mese, dapprima, con buone probabilità, di proprietà di John Sackville, III duca di Dorset, da cui "doveva essere ricevuta", stando a quanto scrisse Jenkins proprio in quel periodo.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Townley Antinous.Please output in Italian.

Adriano
Antinoo
Bacco
British Museum
Gianicolo
Gran Bretagna
Grand Tour
John Sackville, III duca di Dorset
Londra
Mura aureliane
Porta San Pancrazio
Roma
Royal Society
Thomas Jenkins
Villa Doria Pamphilj
Vincenzo Pacetti


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Battaglia di Alessandro e Dario a Isso

Battaglia di Alessandro e Dario a Isso è un dipinto a olio su tavola  di Albrecht Altdorfer, databile al 1529 e conservato nell'Alte Pinakothek di Monaco. Vero capolavoro, non soltanto rappresenta un esempio importante di arte di guerra, ma da alcuni è stato inserito tra i più affascinanti paesaggi dell'intera storia dell'arte.

Prompt: In The Battle of Alexander at Issus, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Natività mistica

Il resto delle figure è disposto in maniera strettamente ritmica, generando simmetrie e andamenti che hanno la cadenza di un balletto. A sinistra un angelo vestito di rosa accompagna i tre re Magi; a destra uno vestito di bianco indica il Bambino a due pastori. Entrambi tengono in mano rami d'ulivo, simbolo di pace. In basso, ai piedi di un sentierino tra rocce scheggiate, tre gruppi mostrano l'abbraccio e il bacio di comunione tra angeli e personaggi laureati, quindi virtuosi, mentre sul terreno cinque diavoletti fuggono spaventati trafiggendosi coi loro stessi forconi e ricacciandosi nelle profondità attraverso le crepe del suolo: si tratta probabilmente di una visione profetica della liberazione dell'umanità dal male.

Prompt: Describe the characteristics of the Theangelsinthelowerhalf in The Mystical Nativity's Description.Please output in Italian.


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San Sebastiano tra i santi Rocco e Pietro

Vittoria Garibaldi, Perugino, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004 ISBN 88-8117-099-X

Prompt: How does St Sebastian between St Roch and St Peter explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Epifania

Gli olandesi e i fiamminghi chiamano questo giorno Driekoningen, mentre i tedeschi lo chiamano Dreikönigstag . Nei Paesi Bassi, in Belgio, in Lussemburgo e nella vicina Germania, i bambini in gruppi di tre  cantano canzoni tipiche dell’Epifania e bussano a ogni porta, ricevendo una moneta o dei dolci. Ognuno di loro può portare una lanterna di carta che simboleggia la stella. In alcuni luoghi, specialmente in Olanda, queste compagnie si riuniscono per gare e presentano le loro scenette/canzoni ad un pubblico.Come in Belgio, viene preparato un dolce, la ‘’Koningentaart’’ , una pasta sfoglia con ripieno di mandorle e un fagiolo nero nascosto all'interno. Chi trova il fagiolo nella sua fetta è re o regina per la giornata. Una versione più tipicamente olandese è il ‘’Koningenbrood’’, o pane dei re. Nei Paesi Bassi le tradizioni si sono estinte, tranne che in pochissimi luoghi.Un'altra tradizione dei Paesi Bassi durante l'Epifania è quella di aprire porte e finestre per far entrare la buona fortuna nell’anno appena iniziato.

Prompt: Describe the characteristics of the Benelux in Epifania's Folkloristic cultural aspects of Epiphany.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: Explain the The Twentieth Century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.


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Svetlana allo specchio

M. Gordeeva, Velikie chudožniki, Mosca, Direkt-Media, 2010. E. Dušečkina, Kul'turnaja istorija imeni: Svetlana // Imja: Semantičeskaja aura, Mosca, Jazyki slavjanskich kul'tur, 2007. Svetlana Kazakova, Karl Brjullov i Nestor Kukol'nik: istorija dvuch illjustracij, gazzetta della galleria Tret'jakov, 2008, n. 4. Galina Ivanovna Pikuleva, Brjullov, Mosca, Olma-press, 2001.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Fortuneteller Svetlana.Please output in Italian.


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Triplice ritratto di orefice

L'opera venne in passato attribuita a vari artisti, tra cui Tiziano, finché non ne vennero ricostruite le tracce documentarie, grazie anche alla singolarità del soggetto che permise di riconoscerlo negli antichi inventari. Si scoprì così che la tela era nel 1627 nelle collezioni di Vincenzo II Gonzaga, acquistate poi, nei pezzi più pregiati, da Carlo I d'Inghilterra. Con la morte del sovrano inglese le sue raccolte vennero messe all'asta e il triplice ritratto fu acquistato da Filippo IV di Spagna, finendo poi per via ereditaria nelle raccolte imperiali austriache, venendo registrato a Vienna almeno dal 1733.

Prompt: In Triple Portrait of a Goldsmith, how is the History discussed?Please output in Italian.

1627
1733
Carlo I d'Inghilterra
Filippo IV di Spagna
Vienna
Vincenzo II Gonzaga


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Bellezza

Il bello per Aristotele e Platone è il "Vero". Nell'età moderna, Giambattista Vico afferma un altro criterio, secondo cui il vero è il "fatto" . Unificando questi due criteri ricaviamo la forma occidentale della bellezza, che è inevitabilmente l'arte. Il bello è nell'arte e la possibilità che la bellezza sia propria della natura è esplicitamente ammessa da Kant nella Critica del Giudizio dove definisce il bello naturale come "bello d'arte" e il "bello d'arte" come il bello di natura. Essenzialmente, nella cultura filosofica dell'Occidente il bello si definisce in funzione del giudizio che lo esprime, mentre il "bello in sé" è assolutamente chimerico.

Prompt: In the context of The Beauty, explain the Aristotelian concept "Beautiful" corresponds "True" and the Introduction.Please output in Italian.

Aristotele
Critica
Giambattista Vico
Platone


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Ritratto della duchessa de Alba

Il Ritratto della duchessa de Alba è un dipinto  realizzato nel 1795 dal pittore spagnolo Francisco Goya. Fa parte della Collezione de Alba di Madrid. donna raffigurata, la famosa duchessa de Alba, con occhi e capelli neri, altera, imperiosa, indossa un semplice vestito bianco e indica volitivamente una scritta sulla sabbia.

Prompt: In The White Duchess, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1795
Francisco Goya
Francisco Goya
Madrid


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Autoritratto

L'aristocraticità dell'ambientazione o degli atteggiamenti in cui il pittore si raffigurava caratterizzarono anche il terzo filone seicentesco, quello dell'autoritratto «di gruppo», in cui gli artisti si ritraevano in compagnia di altre persone, in genere amici o familiari, particolarmente in voga in ambito nordico, e specialmente fiammingo.sinistraDi Rubens, oltre ad alcuni autoritratti autonomi, se ne ricordano parecchi di gruppo, tanto da far considerare l'autore il principale esponente di questo filone: lAutoritratto con amici a Mantova , lAutoritratto con la moglie Isabella Brant , lAutoritratto con la moglie e il figlio  e lAutoritratto con il figlio Alberto. Appartenente a questo stesso genere, ma al contempo esempio di autoritratto e ritratto «delegato», in cui i soggetti vestono i panni di altri personaggi, reali o di fantasia, è il dipinto I quattro filosofi , in cui Rubens appare in piedi sulla sinistra con lo sguardo a cercare quello dell'osservatore, secondo la consuetudine degli autoritratti «ambientati» tardo-quattrocenteschi.

Prompt: Explain the Group self-portraits about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait (David).Please output in Italian.


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Notte stellata

Prompt: Focus on The Starry Night and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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Giuditta I

Giuditta IIDipinti di Gustav KlimtSimbolismo

Prompt: How does Judith and the Head of Holofernes explain its Voice correlate?Please output in Italian.

Dipinti di Gustav Klimt
Giuditta
Giuditta II
Gustav Klimt
Simbolismo


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Vergine in trono e santi

tavola è una sacra conversazione, ispirata da analoghe opere di area veneziana, come la Pala di San Cassiano di Antonello da Messina e le sue derivazioni di Giovanni Bellini e altri, come dimostra il telo verde appeso dietro al trono di Maria, al posto della spalliera, che ha una continuazione nel tappeto di broccato ai piedi della Vergine. Stessa origine ha il cartellino appeso al centro con la firma dell'artista, un motivo derivato dall'arte fiamminga reso popolare dagli artisti padovani e da quelli dell'ampia area da essi influenzata. scena è organizzata su due registri: quello superiore, attorno alla Vergine col bambino benedicente, coi santi Giovanni Battista, Pietro, due francescani  e due piccoli angeli ai lati. I santi della parte superiore sono dipinti in maniera piuttosto sbrigativa, forse con l'intervento della bottega o comunque senza grande impegno. Fa eccezione san Pietro, monumentale al pari di una scultura, con un ampio e pesante panneggio dall'effetto "bagnato", alla Verrocchio.Più curati sono quelli in primo piano, nel registro inferiore, accovacciati e dediti alla scrittura: un vescovo e san Girolamo. Girolamo in particolare assomiglia molto, nella fisionomia e nell'abito, a quello del Ghirlandaio in Ognissanti a Firenze. Le due figure creano una piramide che ha come vertice la testa di Maria.Di notevole suggestione archeologica è il fregio con la Centauromachia alla base del trono, che cita un celebre sarcofago romano rinvenuto ai primi del Quattrocento a Cortona e oggi custodito nel Museo diocesano.

Prompt: Focus on Virgin Enthroned with Saints (Signorelli) and explain the Description and style.Please output in Italian.

Antonello da Messina
Cortona
Firenze
Giovanni Battista
Giovanni Bellini
Pala di San Cassiano


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Rachele

Gli esegeti della École biblique et archéologique française , concordemente a quelli dell'interconfessionale Bibbia TOB, notano nel racconto biblico la presenza di due tradizioni che giudicano discordanti sul momento della morte di Rachele: la prima, sopra citata, al capitolo 35 e la seconda invece al capitolo 37 dove "il racconto deve seguire un'altra tradizione che poneva più tardi la morte di Rachele e la nascita di Beniamino ". tomba di Rachele è meta di devozione da 1700 anni, localizzata nel IV secolo fra Betlemme e Gilo.Dopo aver unto Saul nel nome del Signore, Samuele gli indica di recarsi alla tomba a Selsa sul confine con Beniamino in Zelzach .

Prompt: In the context of Rachel (sculpture), explain the Birth Beniamino death Rachele and the Meaning of the name.Please output in Italian.


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Lampada ad arco

Le prime dimostrazioni di principio si hanno a partire dall'inizio del XIX secolo da parte del chimico Humphry Davy.Queste lampade sono state utilizzate per l'illuminazione pubblica nella seconda metà dell'Ottocento e nei potenti proiettori in uso fino alla seconda guerra mondiale, poi tranne qualche rara eccezione, venne soppiantata dalla lampada a scarica.Attualmente la tecnologia è ritornata in uso, ma con l'ausilio del gas xeno.

Prompt: Explain the History of this artwork, Street Light (painting).Please output in Italian.


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Festino degli dei

Tiziano VecellioPriapoCamerini d'alabastroAlfonso I d'Este

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, The Feast of the Gods.Please output in Italian.

Alfonso I d'Este
Camerini d'alabastro
Priapo
Tiziano Vecellio
Tiziano Vecellio


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Tre filosofi

Taddeo Contarini fu un nobile mercante veneziano di cui si tramanda un interesse per le arti dell'occulto e l'alchimia. Augusto Gentili, analizzando l'opera ha evidenziato che il vecchio ha in mano dei fogli che raffigurerebbero l'eclissi lunare totale del 29 febbraio / 1º marzo 1504 a mezzanotte e dei numeri da uno a sette che si riferiscono all'oroscopo delle religioni; il vecchio sarebbe allora il fondatore della religione ebraica, essendo anche l'iconografia corrispondente con quella di Mosè e le tavole, ipotesi avvalorata dal fatto che la radiografia ha mostrato che sulla testa di questo c'era un diadema sacerdotale, traduzione in oggetto dei raggi dell'illuminazione celeste: l'anziano potrebbe dunque essere Mosè. Il secondo non può quindi essere un arabo qualunque, ma Maometto; egli infatti porta una mano sul suo ventre che in astrologia corrisponde al segno della bilancia, domicilio di Venere, e il gesto si rifà alla tradizione venerea attribuita agli arabi. Il vero problema sorge col terzo filosofo, egli non può essere Cristo, come può infatti essere più giovane di Maometto? Dopo Maometto c'è solo l'età della congiunzione tra Giove e Luna: l'età dell'anticristo. Nel 1504 l'eclissi, già raffigurata nelle tabelle in mano a Mosè, avrebbe infatti dovuto segnare la discesa sulla terra dell'anticristo e questo è proprio il giovane filosofo, intento a scrutare una grotta vuota dove non può esserci natività; la radiografia ha evidenziato difatti dei tratti luciferini sul volto del ragazzo poi addolciti dal pittore.In questo periodo cristiani ed ebrei dibattevano sul problema dell'anticristo; i cristiani ritenevano che egli verrà dalla stirpe ebraica e sarà il falso messia che essi aspettano; gli ebrei sostenevano invece che esso proverrà dalla stirpe cristiana. Con questo dipinto Giorgione ed il committente avrebbero potuto comunicare la seconda posizione, vista la mancanza del padre della religione cristiana e la presenza di quello ebreo.

Prompt: In the context of The Three Philosophers, explain the Interpretation of Augusto Gentili and the Description and style.Please output in Italian.

1504
Augusto Gentili
Cristo
Giorgione
Luna
Maometto
Mosè
Taddeo Contarini


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Estasi di santa Cecilia

L'opera venne commissionata da Elena Duglioli, nobildonna bolognese poi beata, per la cappella consacrata alla santa in San Giovanni in Monte. Un documento del 1514, pubblicato da Filippini nel 1925, cita il nome della nobildonna, moglie di Benedetto dell'Oglio, la cui vita spirituale si ispirava a quella della santa, per via del voto di castità nel matrimonio che faceva di lei una sposa-vergine come santa Cecilia, di cui aveva ricevuto anche una reliquia dal cardinale Alidosi, legato pontificio a Bologna.  commissione della pala d'altare al Raffaello fu patrocinata dal canonico fiorentino e futuro vescovo di Pistoia Antonio Pucci, con il probabile interessamento del cardinale datario Lorenzo Pucci, titolare dei Santi Quattro Coronati, a partire dal 1513.L'opera venne trafugata durante le spoliazioni napoleoniche, venendo inviata a Parigi nel 1798: i tecnici del Louvre, pensando di migliorarne la conservazione, trasportarono la pellicola pittorica su tela nel 1801, distruggendo strato dopo strato il supporto ligneo originale. L'opera tornò in Italia nel 1815, insieme ai capolavori rintracciati da Antonio Canova. Le condizioni conservative sono comunque buone, con tracce di ridipinture dovute ai traumi subiti nell'operazione parigina, che determinarono diverse lacune. celebrità del dipinto è testimoniata da numerose copie. Fu tra le opere predilette dai Carracci e da Guido Reni  ed ebbe un fondamentale impulso per lo sviluppo del classicismo seicentesco. Dopo secoli di esaltazione accademica, la pala godette di una fase di criticismo durante l'epoca romantica, quando la sobrietà dei moti venne letta come appiattimento; oggi invece la critica moderna ne ha ribadito l'importanza fondamentale nel percorso artistico dell'artista e della storia dell'arte in generale.

Prompt: Focus on The Ecstasy of Saint Cecilia and explain the History.Please output in Italian.


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Sorpresa!

scena mostra una tigre che, durante una tempesta tropicale nella giungla, sta per balzare addosso a una preda. Non si sa se il titolo intenda riferirsi all'apparizione della tigre nell'erba alta oppure al fulmine che  solca il cielo. Non è dato sapere neanche cosa fissi la tigre e su cosa sembra essa stia per balzare, se un animale o magari uno sventurato cacciatore. Pare che comunque l'intento del pittore fosse mostrare il pericoloso animale indomito, in un inquietante ambiente naturale. L'intera superficie del dipinto è solcata da striscioline di vernice semitrasparente grigio-bianca, che rappresentano la pioggia.Per realizzare il suo dipinto l'artista, che per sua stessa ammissione non aveva mai viaggiato oltre il Jardin des Plantes di Parigi, si ispirò ad animali imbalsamati nei musei, a stampe, a illustrazioni scientifiche, e a visite nei giardini botanici.Per la sua tigre in particolare utilizzò come modello la riproduzione di un disegno a pastello di Eugène Delacroix e un gatto domestico, poi riprodusse il suo disegno e lo traspose sulla tela, quando aveva già disegnato la giungla, aiutandosi con un pantografo: per questo la tigre appare sospesa sopra la vegetazione con un effetto antirealistico, che però, nell'insieme della pittura naif, dà un effetto particolarmente magico e misterioso.Le piante della giungla invece furono realizzate prendendo come spunto esemplari visti in vaso: ad esempio si riconosce, al centro, un albero della gomma. Gli effetti decorativi dei motivi vegetali ripetuti, tramite l'intenso fogliame ondeggiante al vento, poteva essere ispirato ai motivi bidimensionali degli arazzi medievali o delle miniature persiane.

Prompt: How does Tiger in a Tropical Storm explain its Description and style?Please output in Italian.


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Epifania

In Lettonia l'Epifania è conosciuta come Trijkungu diena  dai cattolici o Zvaigznes diena  dai luterani in ricordo della Stella di Betlemme che condusse i Magi a Gesù Bambino. In passato, stelle luminose di tessuto venivano cucite sullo sfondo di trapunte di colore scuro, che rappresentavano il cielo notturno. L'Epifania era un giorno di divertimento, trascorso in slitte scoperte trainate da cavalli, sulle quali queste trapunte venivano usate per coprire le ginocchia degli allegri cavalieri.Se il giorno dell'Epifania era luminoso e mite e il sole "riscaldava la schiena dei cavalli" si diceva che l'anno a venire avrebbe portato solo pace. Se la notte prima dell'Epifania aveva un cielo stellato e limpido, significava che la Lettonia poteva aspettarsi un buon raccolto nella prossima estate. Se all'Epifania si sentiva abbaiare un cane bisognava cercare il proprio futuro sposo in quella stessa direzione. In questo giorno si mangiano speciali torte di mele a tre angoli e, come in altri paesi, sono popolari da secoli il canto delle stelle, le visite e le benedizioni della casa.

Prompt: Explain the Latvia about the History of this artwork, Epifania.Please output in Italian.

Betlemme
Gesù
Gesù
Lettonia
Stella di Betlemme


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Cristo degli abissi

L'immersione per osservare la statua è una delle escursioni più famose del litorale ligure, e il Cristo è diventato negli anni il simbolo della passione per la subacquea e il mare. In questo contesto trova importanza l'immersione di Cristina Guidi nel 2017. L'immersione è relativamente semplice e poco profonda, e non richiede particolari accorgimenti se non la presenza degli accompagnatori iscritti alla Regione Liguria, in quanto ci si trova all'interno dell'Area naturale marina protetta Portofino.

Prompt: In Christ of the Abyss, how is the Underwater discussed?Please output in Italian.

Area naturale marina protetta Portofino
Liguria
Portofino
Liguria


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Autoritratto

RitrattoAutoritratto fotograficoAutoritratto di nudo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Madonna Frizzoni

Madonna Frizzoni  fu pubblicata per a prima volta nel 1891 da Morelli con una prima attribuzione al Bellini. A quel tempo apparteneva alla collezione Gustavo Frizzoni di Bergamo che donò il dipinto al Museo Correr di Venezia nel 1919.  In realtà quello che ci appare come un dipinto completo è il risultato del distacco e ritaglio delle figure dalla tavola originale e del loro assemblaggio su una tela su cui, nell'Ottocento, vennero dipinti ex novo il cielo ed il parapetto. Infatti le indagini moderne hanno evidenziato la presenza di pigmenti prodotti solo dalla metà dell'Ottocento nelle parti aggiunte, per altro è percepibile a occhio nudo il minimo spessore delle figure rimesse sulla pezza più grande. I ritocchi a biacca lungo tutti bordi dell'immagine ritagliata però impediscono l'individuazione di eventuali residui di ambientazione con i raggi X. È stato comunque possibile individuare con la riflettografia un disegno preparatorio sottostante alla pellicola pittorica con tratti paralleli molto simili a quelli di altri lavori del Giambelllino come per esempio quello della Pietà di Brera. Accettata come autografa unanimemente dalla critica, soltanto Anchise Tempestini espressamente la espunge dal catalogo belliniano adducendo la scarsa qualità. Una motivazione secondo Mauro Lucco inconsistente in quanto afferente al gusto personale più che all'indagine critica. Viceversa la severità degli sguardi – così distanti, come per meditare il presagio della passione – uniti alla dolcezza degli atteggiamenti, nonché l'eleganza dello scialle trattenuto da una spilla a forma di cuore e le pieghe mantegnesche del manto ci riportano nell'ambito delle madonne a mezza figura concepite dal Bellini.

Prompt: Focus on Frizzoni Madonna and explain the History and description.Please output in Italian.

Anchise Tempestini
Gustavo Frizzoni
Mauro Lucco
Museo Correr
Venezia


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Leonida alle Termopili

Leonida viene rappresentato come l'eroe che attende la morte , ma nel contempo tre guerrieri donano corone di alloro, simboli della vittoria, fatti questi che potrebbero suggerire un parallelismo tra le vittorie e la sconfitta di Napoleone. In entrambi i casi, David non rappresenta nell'opera una sconfitta militare ma una vittoria morale. Nel dipinto dell'incoronazione di Napoleone, i personaggi riprendono le forme statiche delle colonne; al centro si trova la figura dell'imperatore. Qui le linee e le forme convergono verso il centro dove il personaggio centrale è Leonida, capo che va a morire per la libertà del suo paese.Nel 1814, poco prima di Waterloo, questo dipinto suonò come una premonizione della caduta di Napoleone. Il carattere premonitore dell'opera si esplicò a maggior ragione dopo la seconda abdicazione di Napoleone. Si narra che quando David iniziò a dipingere l'opera ebbe modo di parlarne proprio con Napoleone:

Prompt: Focus on Leonidas at Thermopylae and explain the An **opera** for **the** **glory** of **Napoleon** or **a** **premonitory** **opera**..Please output in Italian.


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Ritratto di Alfonso I d'Este

Prompt: Focus on Portrait of Alfonso I d'Este and explain the Voice correlate.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Durante l'emergere del neoimpressionismo, Seurat e i suoi seguaci si sforzarono di superare in senso scientifico l'arte impressionista fatta di modi impulsivi e intuitivi. I neoimpressionisti usarono reti disciplinate di punti e blocchi di colore per concretizzare il loro desiderio di infondere un senso di organizzazione e permanenza. Mentre la miscela del primi dava vita a un colore bianco o grigio , quella del secondo produce un colore scuro e torbido . Come pittori, i neoimpressionisti fecero i conti con pigmenti colorati. Per evitare di ottenere un effetto opaco dovuto alla miscela dei pigmenti, escogitarono un sistema di giustapposizione di colori puri senza ricorrere alla loro reciproca mescolanza. L'uso efficace della tecnica puntinista facilitò l'ottenimento di un effetto luminoso particolare e, da lontano, i punti si fondevano mostrando la massima brillantezza e una maggiore aderenza alle condizioni di luce reali. I caratteri del neoimpressionismo furono codificati da Fénéon, confermati da Signac sul suo Journal e da Seurat in una lettera a Maurice Beaubourg del 1890. Questi sono:#massima luminosità coloristica in ogni quadro, secondo l'idea impressionista;#per ottenere la massima luminosità di cui sopra, si procede alla giustapposizione sistematica e alla mescolanza ottica dei toni, delle tinte e dei pigmenti unici puri; la mescolanza dei colori sulla tavolozza, invece, va nettamente rifiutata;#i diversi elementi vanno equilibrati fra loro secondo le leggi dellirradiamento, del contrasto e della degradazione;#la dimensione del quadro determina anche la scelta del tocco;#i vari elementi del dipinto  devono essere in armonia tra loro;#il pittore deve puntare allemozione ottica e non a quella soggettiva.I punti elencati costituiscono la tecnica della division, con i benefici della colorazione, della luminosità e dell'armonia, ma differiscono dagli elementi costitutivi della vituperata - da parte dei neoimpressionisti - tecnica pointilliste, la quale difetta di equilibrio e di contrasto.

Prompt: In Neo-Impressionism, how is the Aesthetic principles discussed?Please output in Italian.


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Diana ed Endimione

Diana ed Endimione fa parte dell'ultimo periodo delle opere del Solimena, quando si concentrò principalmente su soggetti mitologici; ha sviluppato questo interesse per le storie mitologiche che è stato ispirato dal movimento arcadico che abbraccia la cultura classica.  Grazie al suo amore, Endimione ottenne l'eterna giovinezza e la bellezza senza tempo.

Prompt: Explain the Graffiti of this artwork, Diana and Endymion (Solimena).Please output in Italian.


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Ecce Homo

All'episodio evangelico sono ispirati vari dipinti, tra i quali: Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tela Ecce Homo di Antonello da Messina , olio su tavola conservato a Genova Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Francoforte Ecce Homo di Hieronymus Bosch , olio su tavola, conservato a Filadelfia Ecce Homo di Andrea Mantegna , olio su tavola, conservato a Parigi Ecce Homo di Andrea Solari 1505-1510 circa, olio su tavola, 61x50 cm, Brescia, collezione privata Ecce Homo del Correggio , olio su tela Ecce Homo del Sodoma , olio su tela, New York, Metropolitan Museum of Art Ecce Homo di Tiziano Vecellio , olio su tela, Vienna, Kunsthistorisches Museum Ecce Homo di Giovan Battista Moroni , olio su tela, Bergamo, Museo Adriano Bernareggi Ecce Homo  del Tintoretto , olio su tela, Venezia, Scuola Grande di San Rocco Ecce Homo di Ludovico Cigoli , olio su tela, Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti Ecce Homo del Caravaggio , olio su tela. È conservato a Genova, nei Musei di Strada Nuova . Ecce Homo di Peter Paul Rubens , olio su tavola, conservato a San Pietroburgo Ecce Homo di Jan Cossiers  , olio su tavola, Museo del Louvre Ecce Homo di Antoon van Dyck , olio su tela Ecce Homo di Rembrandt , olio su tela Ecce Homo di Honoré Daumier , olio su tela Ecce Homo di Antonio Ciseri , olio su tela Ecce Homo di Elías García Martínez, affresco Ecce Homo di Renata Cuneo , scultura lignea Ecce Homo di Francesco Hayez , olio su tela Ecce Homo di Adam Chmielowski

Prompt: Focus on Ecce Homo (Titian, Vienna) and explain the Iconography.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Andrea Solari
Antonello da Messina
Antonio Ciseri
Antoon van Dyck
Bergamo
Caravaggio
Elías García Martínez
Firenze
Francesco Hayez
Gallerie degli Uffizi
Genova
Giovan Battista Moroni
Hieronymus Bosch
Honoré Daumier
Jan Cossiers
Kunsthistorisches Museum
Metropolitan Museum of Art
Musei di Strada Nuova
Museo Adriano Bernareggi
Museo del Louvre
New York
Palazzo Pitti
Parigi
Peter Paul Rubens
Rembrandt
Renata Cuneo
San Pietroburgo
Scuola Grande di San Rocco
Tintoretto
Tiziano Vecellio
Venezia
Vienna


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Autoritratto

Tuttavia l'elemento che più di ogni altro determinò lo sviluppo del fenomeno dell'autoraffigurazione fu di ordine sociale.  figura dell'artista passò infatti da una dimensione meramente tecnico-artigianale ad una più marcatamente creativa e culturale. Per secoli infatti gli artisti subirono la soggezione degli antichi maestri greci e romani, mitizzati dagli scrittori dell'età classica, e si consideravano appartenenti ad una classe sociale artigianale, legata all'applicazione del proprio lavoro manuale e alle conoscenze che questo implicava, più che a doti di ordine intellettuale. Tuttavia, a partire dal XIII secolo divennero sempre più frequenti i rapporti culturali e personali fra artisti ed intellettuali, come nel caso di Simone Martini, divenuto amico del Petrarca; di conseguenza sempre più spesso essi cominciarono ad essere citati nelle opere letterarie dell'epoca: Cimabue e Giotto vennero menzionati nella Commedia, Buffalmacco e lo stesso Giotto lo furono nel Decameron. Nel secolo successivo addirittura molti artisti assunsero prestigio anche in campo umanistico o scientifico: Piero della Francesca fu valente matematico, Leon Battista Alberti e Lorenzo Ghiberti furono apprezzati teorici dell'arte, Leonardo da Vinci divenne uno degli scienziati più noti e poliedrici della storia. Il ruolo dell'artista completò così in due secoli una vera e propria «scalata sociale», che lo pose in una posizione di assoluto prestigio culturale. Si diffusero come logiche conseguenze la prassi di firmare i propri lavori, contribuendo ad attirare l'attenzione, oltre che sull'opera, anche sul suo autore, e la considerazione del proprio volto come soggetto degno di attenzione e raffigurazione artistica.L'effigie di Così, il processo di emancipazione dell'artista dal suo originario ruolo di artigiano è testimoniato dall'evoluzione che in epoca rinascimentale ebbero gli autoritratti, da timide raffigurazioni del pittore che «si limita a occhieggiare, appartato, ai margini della composizione»  a genere e soggetto autonomo, «simbolo delle conquiste sociali e intellettuali dell'artista, che sente di poter dare indipendente dignità alla propria immagine, senza doverla più giustificare con l'inserimento ai margini di composizioni complesse». figura e il volto dell'artista cominciarono del resto a suscitare interesse anche da parte dei rappresentanti dellélite culturale del tempo: Vasari ad esempio scrisse le Vite impostandole biograficamente come una sequenza di ritratti, che si preoccupò di approfondire anche da un punto di vista dell'aspetto fisico e caratteriale.

Prompt: Explain the Business names about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-portrait (van Dyck, Vienna).Please output in Italian.

Cimabue
Decameron
Giotto
Leon Battista Alberti
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci
Lorenzo Ghiberti
Piero della Francesca
Simone Martini


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Ritratto di John Scott di Banks Fee

Il Ritratto di John Scott di Banks Fee è un dipinto di Pompeo Batoni. Eseguito nel 1774, è conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: Focus on Portrait of a Man (Batoni) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Lampade di Dendera

upright=1.4upright=1.4Le cosiddette lampade di Dendera sono dei bassorilievi con geroglifici scoperti dall'archeologo francese Auguste Mariette nel 1857 a circa 70 km da Tebe, nel tempio di Hathor a Dendera, situato nell'omonima località dell'Egitto, sulla riva occidentale del Nilo.Sotto il tempio vennero rinvenute ampie cripte che, ripulite dalla sabbia, mostrarono stanze con pareti ricoperte da lastre di pietra scolpite. Le stanze apparterrebbero al primo nucleo del tempio, risalente al XV secolo a.C., mentre l'attuale costruzione che ad esse si è sovrapposta è di epoca tolemaica e romana. Le lastre scolpite si riferiscono ad una decorazione della fase tolemaica. Le immagini raffigurano Harsomtus, sotto forma di serpente, che emerge da un fiore di loto che di solito è attaccato alla prua di una chiatta.  cosiddetta "lampada di Dendera" è una variazione di questo motivo, mostrando Harsomtus in un contenitore ovale chiamato hn, che potrebbe rappresentare l'utero della dea Nut. A volte un pilastro Djed sostiene il serpente o il contenitore. Un motivo strettamente correlato è "dio che riposa sul fiore di loto". Alcuni studiosi hanno invece interpretato le raffigurazioni come antiche lampade a incandescenza.Negli anni settanta gran parte delle lastre vennero trafugate e rimasero solo le pareti di una delle stanze.Qui si trovano raffigurati alcuni sacerdoti del tempio nell'atto di officiare riti intorno ad un oggetto, probabilmente un fiore di loto.

Prompt: How does Dendera light explain its Abstract?Please output in Italian.

Auguste Mariette
Djed
Egitto
Nilo
XV secolo a.C.


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amore

Nell'induismo l'amore e il piacere sensuale  è desiderio naturale, dono della divinità, e rappresenta uno dei quattro scopi della vita ; "Mara" è un altro dei suoi nomi. In contrasto con il kāma, prema, o "prem", è l'amore elevato, spirituale, divino.Karuna è la compassione misericordiosa, che spinge a contribuire a ridurre la sofferenza presente negli altri esseri.Con il termine sanscrito bhakti si intende invece la devozione amorosa nei confronti di Dio.  bhakti nel Bhāgavata Purāṇa e nelle Tulsidas viene distinta in nove forme di devozione, rivolte generalmente al dio Krisna. Il libretto Narada bhakti sutra scritto da un autore sconosciuto, ne distingue invece undici forme.In alcune sette Vaishnava  all'interno dell'induismo, raggiungere l'amore incondizionato e incessante di Dio è considerato l'obiettivo più importante della vita. I Gaudiya Vaishnava che adorano Krishna come la Persona Suprema e la causa di tutte le cause considerano l'Amore per Dio  agente in due modi possibili: Sambhoga e vipralambha , due apparenti opposti.Nella condizione di separazione, vi è un desiderio acuto di tornare con l'amato e nella condizione di unione v'è d'altra parte la felicità suprema e totalizzante. Il movimento Gaudiya Vaishnava ritiene che Krishna-prema  è una specie di fuoco atto a bruciare e gettar via i propri desideri materiali: Krsna-prema non è un'arma, ma purttuttavia trafigge il cuore. Non è l'acqua, ma purtuttavia lava via del tutto la sensazione d'orgoglio. Krishna-prema è considerato attrarre in un oceano di estasi trascendentale e di piacere in cui si "annega".L'amore di Rādhā, la ragazza-mandriana, per Krishna è spesso citato come l'esempio supremo di amore per Dio dai Gaudiya Vaishnava. Radha è considerata la potenza interna di Krishna, ed è l'amante supremo della Divinità. Il suo esempio di amore è considerato al di là della comprensione del regno materiale in quanto supera ogni forma di amore egoistico o di lussuria che è visibile nel mondo materiale. Il reciproco amore tra Radha  e Krishna  è oggetto di molte composizioni poetiche in India come la Gita Govinda e l'Hari Bhakti Shuddhodhaya.Nella tradizione Bhakti all'interno dell'induismo, si ritiene che l'esecuzione del servizio di devozione a Dio porta allo sviluppo dell'Amore per Dio  e come l'amore per Dio cresce nel cuore, più si diventa liberi dalla contaminazione materiale . Essere perfettamente in uno stato e condizione d'amore con Dio-Krishna rende perfettamente liberi da ogni "laccio terreno". Questa è la maniera migliore di salvezza o liberazione: in questa tradizione, la salvezza o la liberazione è considerata inferiore all'Amore, solo un suo incidentale sottoprodotto. Essere assorbiti nell'amore per Dio è considerato così esser l'unica vera e sola a perfezione della vita.

Prompt: In the context of Love & Loss, explain the Hinduism and the Philosophy.Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: Describe the characteristics of the The development of the self-portrait: technical reasons in Self-Portrait (David)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Maestà di Ognissanti

Il confronto con le opere precedenti dà un valido metro di come l'arte di Giotto si muovesse ormai verso un radicale rinnovamento della pittura, anche se non mancano stilemi arcaici come il fondo oro e le proporzioni gerarchiche, queste ultime dovute forse alla necessità di mostrare il maggior numero possibile di fedeli attorno alla Vergine. Il tema della Maestà è reinterpretato con grande originalità, incentrato .....sul recupero della spazialità tridimensionale degli antichi e sul superamento della frontalità bizantina. Madonna e il Bambino hanno un volume solido, ben sviluppato in plasticità, dal netto contrasto tra ombre e lumeggiature, molto più che nella vicina opera di Cimabue  di circa dieci anni anteriore. Il peso così terreno delle figure è evidenziato dalla gracilità delle strutture architettoniche del trono che è di gusto gotico francese con decorazioni di gusto geometrico alla base. Raffinati sono i colori, come il bianco madreperlaceo della veste, il blu di lapislazzuli del manto, il rosso intenso della fodera. Maria è una matrona che, in maniera del tutto originale, accenna quasi un sorriso, dischiudendo appena le labbra e mostrando da uno spiraglio i denti bianchi.Le figure sono incorniciate da un raffinato trono cuspidato, creato secondo una prospettiva intuitiva ma efficace, che accentua la profondità spaziale, nonostante il fondo oro. Esso si ispira a Cimabue, ma ha anche una straordinaria somiglianza con quello della Giustizia della Cappella degli Scrovegni. Originalissima è poi la disposizione dei due santi nell'ultima fila, visibili solo attraverso il traforo del trono, che assomiglia a un trittico richiuso o a un ciborio ornato di incrostazioni marmoree.Tutti gli sguardi degli angeli convergono verso il centro del dipinto, con l'innovativa rappresentazione di profilo di alcuni di essi, una posizione riservata solo alle figure sinistre  nell'arte bizantina. Essi hanno in mano doni per la Madonna: una corona, un cofanetto prezioso e vasi con gigli  e rose : i vasi sono tra i primi esempi in ambito medievale di "natura morta", già sperimentata da Giotto nella Cappella degli Scrovegni.A differenza delle opere più antiche, Giotto ricava uno spazio pittorico nel quale dispone con verosimiglianza gli angeli e i santi: essi sono ancora rigidamente simmetrici, ma non lievitano ormai più uno sull'altro, né sono appiattiti, ma si collocano con ordine uno dietro all'altro, ciascuno diversificato nella propria fisionomia, finemente umanizzata rivelando un'inedita attenzione al dato reale. tecnica pittorica è molto avanzata ed ha completamente sorpassato la schematica stesura tratteggiata del Duecento, preferendo una sfumatura delicata ma incisiva e regolare, che dà un volume nuovo alle figure. Il senso del volume ottenuto col chiaroscuro, le forme scultoree, quasi dilatate, e la semplificazione delle forme saranno il punto di partenza per le ricerche di Masaccio.

Prompt: Focus on Ognissanti Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.

Cappella degli Scrovegni
Cimabue
Giotto
Masaccio


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Trittico dei sette Sacramenti

Il Trittico dei sette Sacramenti è un dipinto del pittore fiammingo Rogier van der Weyden realizzato intorno al 1445-1450 per una Chiesa di Poligny  e in seguito conservato nel Museo reale di belle arti di Anversa in Belgio.

Prompt: In Seven Sacraments Altarpiece, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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Tondo Doni

Il tondo Doni è un dipinto a tempera grassa su tavola  di Michelangelo Buonarroti, databile tra il 1505 e il 1507 e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.Conservato nella cornice originale, probabilmente disegnata dallo stesso Michelangelo, è l'unica opera su supporto mobile, certa e compiuta, dell'artista. Di fondamentale importanza nella storia dell'arte poiché pone le basi per il Manierismo, il dipinto è sicuramente tra le opere più emblematiche ed importanti del Cinquecento italiano.

Prompt: Focus on Doni Tondo and explain the Abstract.Please output in Italian.

1505
1507
Firenze
Galleria degli Uffizi
Manierismo
Michelangelo Buonarroti


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Annunciazione

Anche l'apocrifo Protovangelo di Giacomo  contiene una narrazione dell'annunciazione: versione del Protovangelo è ripresa dal successivo Vangelo dello pseudo-Matteo  al

Prompt: In Annunciation (Artemisia Gentileschi), how is the Apocryphal  Gospels of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Protovangelo di Giacomo
Vangelo dello pseudo-Matteo


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Putti reggenti un tondo con l'ebbrezza di Noè

L'opera è ricordata negli inventari medicei dal XVII secolo ed è una derivazione di una composizione incompiuta oggi nelle collezioni del Monte dei Paschi di Siena. Gli studiosi hanno proposto datazioni che variano tra il 1518 e il 1523, con maggiore probabilità ai primi anni venti, quando si andava chiudendo la fase giovanile.Al centro un putto regge un grande medaglione circondato da una ghirlanda di foglie di vite. Egli è posto in un'apertura tra due blocchi di uno spesso parapetto, dove stanno appoggiati due putti e altri due, in posa simmetrica e complementare, fuggono poggiandovisi sopra. Un sesto putto alato corona in alto.  possa dei putti è tutta tesa a circondare con grazia il medaglione centrale, dove un anonimo artista toscano dipinse in un'epoca più tarda unEbbrezza di Noè.Evidente è l'ispirazione legata ai putti, gli Ignudi e i medaglioni della Cappella Sistina di Michelangelo, che Beccafumi rese con la sua particolare sensibilità luminosa e coloristica.

Prompt: How does Putti Bearing a Tondo Showing the Drunkenness of Noah explain its History and description?Please output in Italian.


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Immacolata Concezione (Zurbarán Barcellona)

Il Concilio di Trento stabilì il peccato originale come un dogma di fede e consacrò la credenza dell'Immacolata Concezione, sebbene quest'ultima non costituisse ancora propriamente un dogma autonomo. In Spagna molti si infervorano per la festa celebrata l'8 dicembre e che viene sentita come obbligatoria a partire dal 1644. A quel tempo la devozione alla Vergine Maria era enorme.L'Immacolata Concezione presenta la Vergine come l'unico essere mortale, che è stato liberato dal Peccato Originale: una tesi dottrinale Cattolica di lunga tradizione, molto rappresentata nella pittura spagnola dell'età del secolo d'oro.Zurbarán sceglie il colore rosa, per le vesti della Vergine.Francisco Pacheco nel 1649 definisce il suo canone di estetica per la tipologia dell'Immacolata Concezione, su suggestione della suora Beatrice de Silva, la quale trent'anni prima aveva sperimentato una visione della Vergine vestita di bianco e blu cielo.

Prompt: Describe the characteristics of the Topic in Immaculate Conception (Zurbarán)'s Description.Please output in Italian.

8 dicembre
Beatrice de Silva
Concilio di Trento
Immacolata Concezione
Spagna


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Crocifissione

In ordine cronologico: Bomilcare, ultimo re di CartagineNel 332 a.C. Alessandro Magno, dopo una lunga battaglia e la conquista di Tiro - che durò ben 7 mesi - fece crocifiggere 2.000 abitanti della città. I seimila compagni di Spartaco proveniente dalla Tracia , schiavi ribellatisi negli anni dal 73 al 71 a.C. Gesù, crocifisso dai Romani sotto Ponzio Pilato. San Disma, il Buon drone, crocifisso alla destra di Cristo . Andrea apostolo, crocifisso a Patrasso, su una croce decussata , Pietro apostolo, crocifisso a Roma a testa in giù. Filippo apostolo, crocifisso a Hierapolis . Krateros, strategos dell'Impero Bizantino, crocifisso durante la conquista araba di Creta. San Paolo Miki e compagni martiri, crocifissi durante un'ondata di persecuzione anticristiana in Giappone.

Prompt: Explain the Historical crucifixions of this artwork, Crucifixion (Antonello da Messina).Please output in Italian.

71 a.C.
Gesù
Giappone
Patrasso
Ponzio Pilato
Roma
Disma
Paolo Miki
Spartaco


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Madonna col Bambino e un coro di cherubini

Maria è raffigurata con il Bambino in piedi sul suo grembo, poggiato sulle ginocchia, mentre sullo sfondo di un cielo terso un coro di cherubini  e serafini  intona inni.Gli sguardi di madre e figlio non si incontrano, come tipico in questo genere di opere, ma la loro familiarità è espressa dai teneri gesti, come l'abbraccio affettuoso di Gesù al collo di Maria o la tenera carezza di quest'ultima alla gamba del bambino. Il tono assorto e malinconico della Vergine esprime la sua consapevolezza della sorte tragica del figlio, prefigurando la Passione.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna of the Cherubim.Please output in Italian.


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San Girolamo leggente nel deserto

Mariolina Olivari, Giovanni Bellini, in AA.VV., Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2007. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: In St. Jerome in the Desert (Bellini, Washington), how is the Bibliography discussed?Please output in Italian.


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Epifania

Nel 386 Giovanni Crisostomo, in contrasto alle ricorrenze giudaiche, sostenne fermamente la celebrazione del Natale al 25 dicembre. Pertanto, sia le comunità cristiane di Antiochia, quindi della Tracia e dell'Anatolia, si adeguarono a tale data.  convinzione, forse forzata, dello stesso Crisostomo fu quella che, a sua interpretazione arbitraria dei Vangeli, il Battista fu concepito in settembre, pertanto Gesù, di sei mesi più giovane, fu concepito a marzo, e quindi nacque in dicembre. Tuttavia, alcuni storici come Erbes, darebbero le date liturgiche separate del Natale e dell'Epifania già come tacitamente pre-accordate già durante il Concilio di Nicea del 325. Certo è che, sia Giovanni Crisostomo, sia un altro famoso Padre della Chiesa, Girolamo, sostennero che, se il Signore si manifestò in Gesù bambino a Betlemme, Egli si rese veramente pubblico trent'anni dopo, nel Gesù adulto del Giordano. Pertanto, già sul finire del IV secolo, adorazione dei Magi e Battesimo di Gesù divennero due ricorrenze separate.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Giovanni Chrysostom and the Theology.Please output in Italian.

25 dicembre
325
386
Anatolia
Battesimo di Gesù
Betlemme
Erbes
Gesù
Gesù
Giovanni Crisostomo
IV secolo
Natale
Tracia


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La Fornarina

Il dipinto, forse modificato da Giulio Romano, fu conservato da Raffaello nel proprio studio fino alla morte, giunta poco dopo il completamento dell'opera.Menzionato per la prima volta nella collezione di Caterina Nobili Sforza di Santa Fiora in una lettera del vice cancelliere Corasduz all'imperatore Rodolfo II del 1595, viene descritto come "una donna nuda ritratta dal vivo, mezza figura di Raffaele". Alla morte della contessa, nel 1605, raggiunge la collezione del genero Giovanni Buoncompagni, duca di Sora, dove è notato da Fabio Chigi che la definisce "non admodum speciosa". Fu acquistato poi dai Barberini ed è citato nei loro inventari a partire dal 1642. Negli anni sessanta-settanta del Novecento venne trasferito per alcuni anni alla Galleria Borghese.L'identità della modella è controversa. Prevale tuttora l'identificazione con Margherita Luti, figlia di un fornaio di Trastevere in contrada Santa Dorotea, che sarebbe stata in quel periodo la donna amata da Raffaello e passata quindi alla storia col nome di "Fornarina". È bene notare, tuttavia, che Inoltre a inizio Ottocento quattro diversi ritratti erano noti come Fornarina: questo di Raffaello, la cosiddetta Fornarina della Tribuna degli Uffizi , la Dorotea dello stesso Sebastiano e una copia di quest'ultima sita in Verona.Non è sicuramente documentabile, ma somiglianze nei lineamenti del volto  hanno accreditato l'ipotesi che Raffaello abbia usato la stessa modella in varie opere, come il Trionfo di Galatea,  Velata o la Madonna Sistina.  critica rimane oggi divisa, specie nel raffronto con  Velata e la Madonna Sistina. Ad esempio l'Acidini Luchinat parla in proposito di "gentile leggenda", affermando che "L'immagine si collega in realtà a una serie di bellezze muliebri ideali, raffigurate da Raffaello nell'arco della sua attività artistica". Tom Henry e Paul Joannides ritengono che i due quadri -  Velata e  Fornarina - non possano essere dello stesso artista, foss'anche in momenti distinti del suo sviluppo stilistico. Occorre, tuttavia, distinguere le due tesi: la prima, concerne la diversa identità del modello della Velata e della Fornarina; la seconda, concerne la diversa identità del pittore, Raffaello per la Velata e Giulio Romano per la Fornarina.Sulle orme di Giovanni Morelli e, più tardi, di Konrad Oberhuber, la prima tesi sembra vincere l'adesione anche di chi propende per l'autografia della Fornarina. Sulla seconda tesi, invece, il dibattito rimane ancora molto aperto. Infatti, l'attribuzione del dipinto a Raffaello è oggetto di discussione sin dal 1799. Sembra prevalere sin qui l'ipotesi che si tratti di un lavoro a più mani secondo la prassi della bottega romana di Raffaello. In proposito, la critica è divisa sulla presenza di un intervento di Giulio Romano: alcuni critici enfatizzano il ruolo dell'allievo di Raffaello, mentre altri lo considerano marginale.Un accurato studio di Giuliano Pisani ha mostrato come il termine “Fornarina”  rimandi a una tradizione linguistica consolidata, attestata già in Anacreonte  e in numerosi documenti letterari di età antica, medievale, rinascimentale e moderna, in cui “forno” e derivati  indicano metaforicamente l’organo sessuale femminile e le pratiche connesse all'accoppiamento.  domanda corretta che ci si deve porre, secondo lo studioso, non è “chi sia” la Fornarina , ma quale sia il soggetto del dipinto, che cosa rappresenti. Pisani, attraverso opportuni confronti  ipotizza che Raffaello, sulla scorta di Marsilio Ficino e di Pietro Bembo, ritragga nella Fornarina la Venere celeste, l’amore che eleva gli spiriti alla ricerca della verità attraverso l’idea sublimata della bellezza, e che si distingue dall’altra Venere, quella terrestre, forza generatrice della natura, che guarda alla bellezza terrena e ha come fine la procreazione. Alla Fornarina corrisponderebbe in tal senso la Velata, identificata come Venere terrestre, sposa e madre.

Prompt: In La Fornarina, how is the History discussed?Please output in Italian.

Barberini
Fornarina
Galleria Borghese
Giuliano Pisani
Giulio Romano
Konrad Oberhuber
Madonna Sistina
Margherita Luti
Pietro Bembo
Roma
Trastevere
Trionfo di Galatea


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Salvation Mountain

Nel 2008, la band Third Day ha pubblicato l'album Revelation, che conteneva una rappresentazione artistica di Salvation Mountain come immagine di copertina dell'album. Le note di copertina di Revelation affermano che la copertina dell'album è "un'interpretazione artistica" di Salvation Mountain.Huell Howser fece due interviste a dieci anni di distanza per la sua serie California's Gold. Nella seconda intervista, descrisse le modifiche apportate dalla prima. visionaria montagna è apparsa sulle copertine degli album ...and the Circus Leaves Town e Muchas Gracias: The Best of Kyuss degli Kyuss, inoltre appare nel film Into the Wild - Nelle terre selvagge, nel gioco Grand Theft Auto V della Rockstar Games, nei video musicali di Figli di papà  di Sfera Ebbasta, Praying  di Kesha e Birds della band britannica Coldplay .

Prompt: How does Salvation Mountain explain its Apparitionsinthemedia?Please output in Italian.

California
Coldplay
Figli di papà
Grand Theft Auto V
Into the Wild - Nelle terre selvagge
Kesha
Kyuss
Muchas Gracias: The Best of Kyuss
Praying
Rockstar Games
Sfera Ebbasta


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Cloud Gate

Prompt: How does Cloud Gate explain its Voice correlate?Please output in Italian.


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Venere Anadiomene

Nascita di Venere Nascita di Venere  Venere Anadiomene  Venere Anadiomene

Prompt: In Venus Anadyomene (Titian), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.


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La Gioconda

{class="wikitable"!Anno!Cast !Direttore!Etichetta-1931Giannina Arangi-Lombardi, Alessandro Granda, Ebe Stignani, Gaetano Viviani, Corrado Zambelli, Camilla RotaLorenzo MolajoliColumbia-1952Maria Callas, Gianni Poggi, Fedora Barbieri, Paolo Silveri, Giulio Neri, Maria AmadiniAntonino VottoCetra-1957Anita Cerquetti, Mario del Monaco, Giulietta Simionato, Ettore Bastianini, Cesare Siepi, Franca SacchiGianandrea GavazzeniDecca-1957Zinka Milanov, Giuseppe Di Stefano, Rosalind Elias, Leonard Warren, Plinio Clabassi, Belén AmparánFernando PrevitaliRCA/Decca-1959Maria Callas, Pier Miranda Ferraro, Fiorenza Cossotto, Piero Cappuccilli, Ivo Vinco, Irene CompaneezAntonino VottoEMI-1967Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi, Marilyn Horne, Robert Merrill, Nikola Gjuzelev, Oralia Domínguezmberto GardelliDecca-1980Montserrat Caballé, Luciano Pavarotti, Agnes Baltsa, Sherrill Milnes, Nicolaj Ghiaurov, Alfreda HodgsonBruno BartolettiDecca-1987Éva Marton, Giorgio Casellato mberti, Livia Budai, Sherrill Milnes, Samuel Ramey, Anne GjevangGiuseppe PatanèSony-2003Violeta Urmana, Plácido Domingo, Luciana D'Intino, do Ataneli, Roberto Scandiuzzi, Elisabetta FiorilloMarcello ViottiEMI}

Prompt: Focus on Mona Lisa and explain the Discography (select.).Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: Explain the Self-portrait non-European art of this artwork, Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse).Please output in Italian.


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Autoritratto

L'interesse per la psiche dei soggetti raffigurati, che nel secolo precedente ebbe talvolta come retroterra culturale il pensiero pseudoscientifico dell'epoca, basato elementi magici, alchemici e fisiognomici, prese nel Seicento una piega decisamente più moderna, razionale e scientifica. In Francia, ebbero dapprima notevole popolarità le teorie di Charles Le Brun, che tentò di dare un inquadramento scientifico alla fisiognomica, basandosi anche sulle teorie dello zoomorfismo di Giambattista della Porta con un successo tale da indirizzare le scelte degli ambasciatori di Luigi XIV sulla base dell'analisi delle caratteristiche dei visi e dei crani dei candidati. Il successo di questo pensiero trovò notevoli riscontri anche all'estero, anche a causa della centralità politica, sociale e culturale di cui godeva la corte francese in Europa, e finì col costituire l'anello di congiunzione fra la componente magica del Cinquecento e quella razionalista del Seicento. Il passo successivo fu dunque quello compiuto dal pensiero di filosofi e scienziati quali Francesco Bacone, Renato Cartesio e Baruch Spinoza, i quali diedero alla cultura europea una concezione dell'uomo come parte integrante di una realtà naturale più ampia, sempre indagabile scientificamente e razionalmente.sinistraLo studio di questa razionalità e dei moti dell'animo umano cominciarono di conseguenza a caratterizzare numerosi ritratti ed autoritratti dell'epoca. Esempio di questo nuovo sentire artistico è lAutoritratto di Gian Lorenzo Bernini di Galleria Borghese: dipinto nel 1623 circa, rivela una notevole immediatezza e un'efficace introspezione psicologica, generata dall'espressione corrucciata e dal taglio compositivo insolito, all'altezza delle spalle.Indagine psicologica e riflessione autobiografica si fanno elementi ancor più centrali e drammatici nell'autoritratto che Caravaggio ambientò nel Davide con la testa di Golia . Il pittore raffigurò le proprie sembianze nella testa di Golia, recisa e grondante sangue, mentre sulla spada impugnata da Davide l'iscrizione «H-AS O S» è interpretata come un'abbreviazione del motto agostiniano «Humilitas occidit superbiam» : si tratterebbe quindi di una simbolica dichiarazione di pentimento del pittore per la superbia che lo spinse ad assassinare a Roma Ranuccio Tomassoni nel 1606, rimediando una condanna a morte proprio per decapitazione.Analoga raffigurazione del proprio volto è quella operata da Cristofano Allori nel dipinto Giuditta con la testa di Olofrene del 1613.

Prompt: In the context of Self-portrait (van Dyck, New York), explain the Psychological investigation autobiographical meanings and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.

Baruch Spinoza
Caravaggio
Charles Le Brun
Cristo
Cristofano Allori
Davide
Francesco Bacone
Francia
Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini
Golia
Ranuccio Tomassoni
Cartesio
Roma


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Autoritratto

L'artista che nel XV secolo approfondì maggiormente gli aspetti dell'autoraffigurazione, facendone un tema centrale della sua produzione, fu il tedesco Albrecht Dürer . Egli dipinse una cinquantina di autoritratti, rivelando un'attenzione fin quasi ossessiva per la propria immagine e per l'affermazione della propria personalità. Altri autoritratti disegnati furono lAutoritratto a venti anni , lAutoritratto da ventiduenne , lAutoritratto da malato , e lAutoritratto come uomo di dolore .Quanto ai dipinti, l'artista tedesco si ritrasse in tre opere particolarmente note. NellAutoritratto con fiore d'eringio  l'autore svela una dimensione affettiva privata: l'eringio era considerato, fin dai tempi di Plinio, simbolo della fedeltà coniugale; questo particolare, e la circostanza per cui il dipinto era stato eseguito originariamente su pergamena, facilmente arrotolabile, fanno pensare che fosse stato inviato alla fidanzata Agnes Frey. Gli altri due celebri autoritratti hanno invece un significato pubblico e professionale più evidente. LAutoritratto con guanti, eseguito nel 1498 sull'onda del successo dellApocalisse -ma anche a seguito dell'ingresso nella nobiltà norimberghese-, è un elogio di se stesso e del suo prestigio intellettuale e professionale, in cui egli si presenta come degno della fiducia e della stima dei ceti più elevati, ricorrendo ad elementi quali «il taglio, la monumentalità, l'aria italiana e rinascimentale, i chiari colori, la raffinatezza delle vesti, l'eleganza della posa, fra nastro, manica e guanti, e quel tanto di manifesta altezzosità dallo sguardo». Nel celeberrimo Autoritratto con pelliccia  il pittore accentuò ulteriormente la considerazione della sua figura: la ieraticità della posa e il gesto della mano, simile a quello benedicente del Salvator mundi, suggeriscono un'identificazione con Cristo e un accostamento ai dettami dell'Imitatio Christi, nonché al pensiero all'epoca ricorrente, in base al quale il potere creativo dell'artista sarebbe infuso direttamente da Dio. Intenti analoghi sono presenti nel poco noto Autoritratto come Ecce Homo .Tuttavia, uno degli autoritratti più curiosi di Dürer è anche uno dei meno noti: si tratta dellAutoritratto da nudo, un disegno preparatorio databile fra il 1500 e il 1505 di cui sono ignote la funzione e la destinazione.  posizione innaturale ed affaticata, lo sguardo accentuato e interrogativo e l'estremo realismo anatomico, portato fino a descrivere l'ombra che l'organo genitale proietta sulla coscia destra, sembrano condurre a un'indagine di sé quasi espressionistica. Inoltre, il disegno è considerabile la prima immagine nella storia dell'arte che un pittore dà di se stesso nudo.Il pittore tedesco praticò con frequenza il genere dell'autoritratto «situato», ritraendosi nei panni di numerosi personaggi delle sue composizioni, come avvenne ad esempio nellAltare Jabach , nellAdorazione dei Magi , nella Festa del Rosario , nellAltare Heller , nel Martirio dei Diecimila  e nellAdorazione della Santissima Trinità . Ma la vena autobiografica della sua pittura si estese anche alle numerose raffigurazioni di membri della sua famiglia.

Prompt: Explain the Self-portraits by Albrecht Dürer about the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century of this artwork, Self-Portrait (Annibale Carracci).Please output in Italian.

Adorazione della Santissima Trinità
Albrecht Dürer
Altare
Altare Heller
Altare Jabach
Autoritratto con fiore d'eringio
Autoritratto con guanti
Autoritratto con pelliccia
Cristo
Festa del Rosario
Martirio dei Diecimila


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Annunciazione

Al mistero dell'Annunciazione sono dedicati numerosi istituti religiosi: le Annunziate, monache fondate a Bourges da Giovanna di Valois; le Annunziate Turchine, monache fondate a Genova da Maria Vittoria De Fornari Strata; le Piccole Suore dell'Annunciazione, di Medellín; le Religiose domenicane dell'Annunziata, fondate da Francisco Coll Guitart; le Suore agostiniane della Santissima Annunziata, di San Giovanni Valdarno; le Suore annunziate d'Heverlee, derivate dalle annunziate di Giovanna di Valois; le Suore Clarisse della Santissima Annunziata, di Diano Castello; le Suore salvatoriane dell'Annunciazione, greco-melkite.

Prompt: Explain the Congregation orders Annunciation of this artwork, Annunciation Diptych.Please output in Italian.


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Ritratto di Maria Anna d'Austria

prima moglie di Filippo IV di Spagna, Elisabetta di Borbone, morì nel 1644 all'età di 41 anni.  coppia ebbe un unico figlio, Baltasar Carlos, che morì di vaiolo due anni dopo, lasciando il re senza alcun erede. Alla morte di suo figlio Filippo aveva più di quarant'anni: decise quindi di sposare Maria Anna, sua nipote , all'epoca quattordicenne. Figlia dell'imperatore Ferdinando III, era precedentemente destinata ad essere la sposa di Baltasar.

Prompt: Focus on Portrait of Mariana of Austria and explain the Backgrounds.Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Il neoimpressionismo è un movimento pittorico nato con l'intento di sviluppare e sistematizzare in modo "scientifico" i principi dell'impressionismo .  tecnica divisionista e quella puntinista si svilupparono contemporaneamente e vennero utilizzate all'interno di questo movimento, ma quest'ultima si focalizzava soprattutto sull'utilizzo di punti di pittura piuttosto che sulla separazione dei colori. Spesso divisionismo e puntinismo vengono usati per descrivere la stessa tecnica e sono considerati sinonimi.

Prompt: Focus on Neo-Impressionism and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Zuccone

Il profeta Abacuc è così poco idealizzato, con tratti somatici irregolari e capelli tagliati quasi a zero, che i fiorentini gli attribuirono il nome di "Zuccone". Le statue di questo lato furono le ultime quattro ad essere scolpite tra il 1420 e il 1435 ed erano destinate originariamente al lato nord, quello meno visibile perché vicino alla parete della cattedrale. A lavori ultimati gli Operai del Duomo furono così soddisfatti delle opere che le collocarono nel lato ovest, il più importante poiché parallelo alla facciata, spostando quelle più antiche di Andrea Pisano e bottega. Con l'anticipo di 22 fiorini ricevuto per l'opera Donatello pagò le sue tasse arretrate. Le altre tre statue su questo lato sono un Profeta, già identificato con san Giovanni Battista, di Nanni di Bartolo , il Profeta Geremia sempre di Donatello  e Abdia di Nanni di Bartolo .Vasari nelle  Vite ricorda come nello Zuccone fosse ritratto un avversario dei Medici, tale Giovanni Chiericini che era diventato ricco dal nulla ed era morto a Firenze nel 1416. Vasari riporta anche vari aneddoti sulla statua come quello che Donatello fosse solito giurare su di essa, come si giura sulla cosa più cara, o come il fatto che la invitasse spesso a parlare: un topos legato ai grandi capolavori della scultura, secondo il quale ad essi non manchi che la parola per esser vive, a causa dallo straordinario realismo.Le statue delle nicchie vennero trasferite nel museo nel 1937 e sostituite all'esterno da copie. Annerite dagli agenti atmosferici sono tuttora in corso di pulizia a restauro. Lo Zuccone è tra quelle già restaurate.

Prompt: In Zuccone, how is the History discussed?Please output in Italian.


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San Girolamo

Vulgata, prima traduzione completa in lingua latina della Bibbia, rappresenta lo sforzo più impegnativo affrontato da Girolamo. Nel 382, su incarico di papa Damaso I, affrontò il compito di rivedere la traduzione dei Vangeli e successivamente, nel 390, passò all'antico testamento in ebraico, concludendo l'opera dopo ben 23 anni. Nelle Quaestiones hebraicae in Genesim, composte a sostegno della sua attività pluridecennale, anzi, si confronta il testo della Genesi nella traduzione Vetus latina con il testo ebraico a lui accessibile e con la LXX a giustificazione delle scelte operate nella Vulgata.Il testo di Girolamo è stato la base per molte delle successive traduzioni della Bibbia, fino al XX secolo, quando per l'antico testamento si è cominciato ad utilizzare direttamente il testo masoretico ebraico e la Septuaginta, mentre per il Nuovo Testamento si sono utilizzati direttamente i testi greci. Dalla Vulgata sono tratte le pericopi per l'epistola e il Vangelo della Messa tridentina.Girolamo fu un celebre studioso del latino in un'epoca in cui questo implicava una perfetta conoscenza del greco. Fu battezzato all'età di venticinque anni e divenne sacerdote a trentotto anni. Quando cominciò la sua opera di traduzione non aveva grandi conoscenze dell'ebraico, perciò si trasferì a Betlemme per perfezionarne lo studio.Girolamo utilizzò un concetto moderno di traduzione che attirò le accuse da parte dei suoi contemporanei; in una lettera indirizzata a Pammachio, genero della nobildonna romana Paola, scrisse:Economico di Senofonte e le due bellissime orazioni che Eschine e Demostene scrissero l'uno contro l'altro […]. Anche Orazio poi, uomo acuto e dotto, nellArs poetica dà questi stessi precetti al traduttore colto: "Non ti curerai di rendere parola per parola, come un traduttore fedele"Epistulae 57, 5, trad. R. Palla}}Nonostante la fierezza riportata all'interno di questa missiva, San Girolamo visse a pieno il tipico dissidio degli umanisti medievali: tesi tra l'amore per le lettere e l'amore per Dio.  soluzione a questo contrasto interiore fu espressa dallo studioso sempre all'interno di una lettera, ovvero lEpistula ad Magnum, all'interno della quale sono citati numerose testimonianze della possibilità di un uso quanto meno strumentale dei testi classici. A tal proposito, ad esempio, Eli si propose di fare come David il quale uccise Golia con la sua stessa arma.

Prompt: In the context of Saint Jerome in the Wilderness (Leonardo), explain the Vulgate and the Biography.Please output in Italian.

382
Betlemme
Bibbia
Dio
Genesi
Messa tridentina
Nuovo Testamento
Quaestiones hebraicae in Genesim
Septuaginta
Vangelo
Vetus latina
Vulgata
XX secolo


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San Girolamo

Il Martirologio romano ricorda san Girolamo il 30 settembre.Per la sua attività di traduttore della Bibbia viene considerato santo protettore dei traduttori e per i suoi studi legati all'antichità è considerato il patrono degli archeologi.Numerose chiese storiche sono state dedicate a san Girolamo. Vari ordini religiosi e congregazioni si sono ispirati esplicitamente al santo. Tra questi: Gesuati, sorti a metà del XIV secolo come fraternità di laici ispirata alla spiritualità del santo : trasformatisi in congregazione religiosa nel 1606  e soppressi da papa Clemente IX nel 1668. Eremiti di San Girolamo, congregazione religiosa attiva tra il 1405 e il 1668. Congregazione dei Gerolimini, fondata da Pietro Gambacorta e Nicola da Forca Palena agli inizi del XV secolo e soppressa da Pio XI nel 1933. Ordine di San Girolamo , ordine monastico tuttora esistente. figura di san Girolamo fu commemorata da papa Benedetto XV con l'enciclica Spiritus Paraclitus, scritta il 15 settembre 1920 in occasione del XV centenario della morte. presunta reliquia del suo cranio si conserva all'interno del Duomo di Nepi.

Prompt: How does St. Jerome in the Wilderness (Mantegna) explain its Worship.?Please output in Italian.

1405
1606
1668
1920
1933
30 settembre
Bibbia
Duomo di Nepi
Eremiti di San Girolamo
Gesuati
IV secolo
Nicola da Forca Palena
Ordine di San Girolamo
Pietro Gambacorta
Spiritus Paraclitus
XIV secolo


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Madonna del Latte

rightIl Concilio di Trento, iniziato nel 1543, con il decreto: "De invocatione, veneratione, et reliquiis sanctorum et sacris imaginibus" definì la posizione della Chiesa riguardo alle iconografie devozionali.Tra gli scopi di questo decreto vi era il voler evitare immagini di natura sensuale o percepite come tali dalla morale dell'epoca.  Riforma cattolica tridentina annoverò tra queste immagini sconvenienti, che si riteneva potessero fuorviare il fedele, le rappresentazioni di Maria a seno scoperto poiché accusate di distogliere i fedeli dalla preghiera. Fu demandato ai vescovi il compito di valutare le varie rappresentazioni e di decidere se queste dovessero essere ritoccate, oppure rimosse. Nella diocesi di Milano fu in particolare Carlo Borromeo a trovare sconvenienti tali immagini molto diffuse in Brianza, facendo provvedere in molti casi a coprirle con ritocchi. Alcune chiese intitolate alla "Madonna del latte" mutarono denominazione.Mentre l'iconografia della "Madonna del tte" decadeva, per contro la venerazione popolare delle antiche immagini continuò legata al desiderio di maternità.

Prompt: In Virgin and Child with Two Angels (Verrocchio), how is the The Counter-Reformation and the decline of iconography of the Meaning of iconography explained?Please output in Italian.


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Polittico di Recanati

Il 20 giugno 1506 Lorenzo Lotto era a Recanati per firmare il contratto per un grande polittico per la chiesa di San Domenico. I lavori iniziarono a ottobre e si conclusero nel 1508, quando venne apposta la firma sulla tavola.Nel 1861 lo videro nella chiesa Cavalcaselle e Morelli, registrando come fosse già smembrato e privo della cornice originale e della predella. In seguito venne ricomposto in una cornice in stile e collocato nel palazzo comunale.

Prompt: In Recanati Polyptych, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Autoritratto

sinistra[[Ernst Ludwig Kirchner, Autoritratto da soldato, 1915 .<br />Si noti la mano amputata, testimonianza dell'esperienza bellica, le cui conseguenze segnarono il pittore fino a condurlo al suicidio.

Prompt: In Self-Portrait (Inn of the Dawn Horse), how is the The Twentieth Century discussed?Please output in Italian.


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Resa di Breda

Il dipinto è stato realizzato, insieme ad altri undici, per la decorazione della cosiddetta Sala dei Regni del palazzo del Buen Retiro, una sorta di residenza suburbana eretta per ordine di Filippo IV di Spagna nello stile di quelle esistenti a Roma. Questo grande palazzo, formato da vari padiglioni tra grandi giardini, fu costruito accanto al monastero di San Jerónimo el Real, la cui chiesa esiste ancora dietro al Museo del Prado. L'attuale Parco del Retiro fa parte di quelle terre.  Sala dei Regni era la stanza più rilevante del gruppo, poiché era il luogo in cui Filippo IV ricevette gli ambasciatori e le altre autorità straniere. Per impressionarli con un'immagine del potere militare ed economico, il Conte-Duca di Olivares decise di decorare questa grande sala con le immagini dei principali successi militari della Spagna, sebbene quasi tutti questi fatti fossero relativamente vecchi. Questo stratagemma fu ideato da Olivares per nascondere che la Spagna, in realtà, stava iniziando a diminuire come potenza mondiale. Insieme ai dipinti relativi alle battaglie, fu appesa un'altra serie di dipinti, dovuta a Francisco de Zurbarán, sulle Opere di Ercole, personaggio mitico che i re spagnoli consideravano il proprio antenato. Per la serie di dodici battaglie, furono convocati Velázquez e altri artisti, come Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno e Antonio de Pereda. Gli ultimi due sono stati, insieme a Velázquez, quelli che hanno prodotto i dipinti attualmente più apprezzati dalla critica. Ad eccezione di un dipinto che è stato distrutto , la serie è conservata nel Museo del Prado, anche se non è esposta insieme.Velázquez sviluppa il tema senza vanagloria o sangue. I due protagonisti sono al centro della scena e sembrano più dialogare come amici che nemici. Giustino di Nassau appare con le chiavi di Breda in mano e fa un gesto di inchino, che è impedito dal suo avversario, mettendo una mano sulla spalla. In questo senso, è una rottura con la rappresentazione tradizionale dell'eroe militare, che rappresentava se stesso in piedi sopra lo sconfitto, umiliandolo. Si allontana anche dai toni ieratici che hanno dominato le battaglie. Velázquez rappresenta realisticamente il generale Ambrogio Spinola, che conosceva personalmente, avendovi viaggiato insieme in Italia nel 1629. Un dettaglio molto interessante è il numero di lance da una parte e dall'altra. Realismo simile e caratterizzazione individuale possono essere visti nei volti dei soldati, che sono trattati come ritratti. Dettagli come il gran numero di lance spagnole rispetto a quelle dei Paesi Bassi e l'accoglienza degli sconfitti sono state introdotte su richiesta di Olivares per dimostrare la propria forza e nobiltà .

Prompt: How does The Surrender of Breda explain its Description of the painting?Please output in Italian.

Ambrogio Spinola
Filippo IV di Spagna
Museo del Prado


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Eva

Eva   è il nome che Adamo, primo uomo secondo la Genesi , ha dato alla sua compagna dopo che l'aveva chiamata "donna". Bibbia dà di questi due nomi un'etimologia popolare. Eva viene fatto derivare da "vivente" o "che suscita la vita" . Il nome "donna"  viene considerato come forma femminile di ‘išh . L'intendere donna come "uom-a" indica una relazione essenziale: sia per origine che per finalità, la donna costituisce una unità con l'uomo. A ciò allude anche il racconto di Genesi , secondo cui la donna è tratta dal fianco del primo uomo.È venerata come santa della Chiesa cattolica, che la considera un personaggio realmente vissuto.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Eve (Rodin).Please output in Italian.

Adamo
Bibbia
Chiesa cattolica
Genesi
Genesi


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Epifania

In Finlandia, l'Epifania si chiama loppiainen, un nome che risale al 1600. Nel 1500 la chiesa luterana svedese-finlandese chiamava l'Epifania "Giorno dei Tre Re Santi", mentre prima veniva usato il termine più antico Epifania. Nella lingua careliana l'Epifania è chiamata vieristä, che significa croce, nome derivato dall'usanza ortodossa di immergere una croce tre volte per benedire l'acqua in tale giorno.Oggi, nella chiesa luterana l'Epifania è un giorno dedicato all’opera missionaria. Tra il 1973 e il 1991, l'Epifania è stata osservata in Finlandia nel sabato compreso tra il 6 e il 12 gennaio. Dopo tale periodo, tuttavia, la data tradizionale del 6 gennaio è stata ripristinata e da allora è stata nuovamente osservata come festa nazionale.L'albero di Natale viene tradizionalmente portato fuori di casa il giorno dell'Epifania. Mentre il termine loppiainen significa "fine [del periodo natalizio]", in realtà, le celebrazioni natalizie in Finlandia sono estese al giorno di Nuutti o San Canuto  che cade il 13 gennaio e completa i venti giorni del Natale scandinavo.

Prompt: In the context of Epifania, explain the Finland and the Artistic theme.Please output in Italian.

12
13 gennaio
6 gennaio
Finlandia
Natale


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Bonaparte valica le Alpi

Il dipinto oggi a Liverpool venne commissionato da Arthur George Onslow, III conte di Onslow, dopo che sia Delaroche che Onslow ebbero modo di visitare il Louvre di Parigi, dove videro la versione di David del famoso evento. L'opera era stata posta solo di recente nel museo dopo il ritorno di un certo interesse per Napoleone, quarant'anni dopo il suo esilio. Entrambi riconobbero che il quadro di David appariva irreale e Onslow, che era un collezionista di oggetti napoleonici, commissionò a Delaroche una raffigurazione più realistica dell'avvenimento.

Prompt: In Bonaparte Crossing the Alps, how is the Commissioned painting of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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Tondo Taddei

Come nel Tondo Pitti, da alcuni indicato come leggermente anteriore, da altri leggermente posteriore, i protagonisti sono la Vergine, il Bambino e san Giovannino. In questo caso la composizione si basa sul gesto di san Giovanni che mostrando un cardellino, simboleggiante la Passione e posto al centro del tondo, impaurisce il Bambino che va rifugiarsi tra le braccia della madre, che contempla serena il loro gioco.  scena è quindi ispirata alla vivace quotidianità, presa come spunto per creare un insieme dinamico.Incerta è l'attribuzione o meno di un'influenza dello sfumato leonardesco in queste opere. Alcuni critici hanno notato un parallelismo tra i contorni non levigati, dovuti al carattere non-finito dell'opera, e la pittura atmosferica di Leonardo da Vinci, allora più che mai popolare quando il pittore espose il perduto cartone di Sant'Anna di Leonardo da Vinci nella Santissima Annunziata. Forse Michelangelo rimase colpito dai "moti dell'animo", legati a reazioni di causa-effetto, delle opere del pittore di Vinci, cercando un maggior legame e tra le figure e graduando i piani del rilievo alla ricerca di quel legante atmosferico tipico di Leonardo. Gesù in particolare, con le braccia protese, ricorda la posa di quello nella tavola leonardesca della Sant'Anna, la Vergine e il Bambino con l'agnellino, probabile derivazione del perduto cartone successivo.  sua figura attraversa longitudinalmente tutta la parte inferiore del tondo e si lancia con agilità lungo le gambe distese di Maria.Altri storici hanno invece negato quest'influenza, bollandola come una suggestione legata alla contingenza del non-finito e ribadendo come l'arte di Michelangelo si stesse piuttosto orientando verso risultati diametralmente opposti a quelli di Leonardo, come dimostra il Tondo Doni.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Taddei Tondo.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi

Epifania Opere sull'Adorazione dei Magi Magi  Adorazione dei pastori

Prompt: In Adoration of the Magi (Perugino, Trevi), how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Adorazione dei pastori
Epifania
Opere sull'Adorazione dei Magi


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Jacopo de' Barbari

sua prima opera documentata è l'immensa  e impressionante xilografia Veduta di Venezia del 1500, che, purtroppo, per molto tempo risulta non assegnata al de' Barbari, ma a artisti in quel tempo più importanti. Il 30 ottobre 1500 la Repubblica di Venezia concesse all'editore tedesco Anton Kolb il privilegio di stamparla, dopo tre anni di lavoro impiegati sull'opera a incidere minuziosamente i legni di pero delle tavole.  Quest'opera, estremamente precisa e dettagliata, è basata e trae le sue fonti dal lavoro di molti topografi. Fu considerata subito un'impresa spettacolare e provocò sin dall'inizio un enorme stupore. In una stampa successiva fu lievemente aggiornata da altri artisti, per tener conto della costruzione e modifica di grandi edifici della città.  matrice xilografica originale è conservata ed esposta presso il Museo Correr di Venezia.Oltre alla Veduta di Venezia, produsse due altre opere con la stessa tecnica, il Trionfo di un uomo su un satiro  e la Battaglia fra uomini e satiri , entrambe rappresentanti uomini e satiri, che furono le più grandi e sorprendenti xilografie figurative fino ad allora realizzate, costituendo per decenni il punto di riferimento delle migliori, grandi xilografie italiane. Queste opere potrebbero anche risalire a un periodo precedente al 1500 e furono sicuramente influenzate dalle opere di Andrea Mantegna.

Prompt: Describe the characteristics of the "Views of Venice" and other engravings in Jacopo de' Barbari's Biography.Please output in Italian.

Andrea Mantegna
Museo Correr
Repubblica di Venezia
Veduta di Venezia
Venezia


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Caccia al leone

Il  caccia al leone è la caccia praticata a scopo commerciale e ricreativo, molto più raramente per questioni di tutela dell'incolumità di persone, al leone. L'uomo è il predatore più significativo dei leoni e il bracconaggio illegale è una delle principali minacce alla loro sopravvivenza. Esistono oggi due sole sottospecie: il leone africano , più diffuso, e quello asiatico . Entrambe le specie sono state cacciate per secoli ed il leone asiatico è oggi sull'orlo dell'estinzione. Il leone è stato storicamente una popolare preda da caccia grossa, venendo abbattuto per dar prestigio al cacciatore o per ricavarne trofei: nella fattispecie, è uno dei bersagli dei safari Big Five Game.

Prompt: Focus on The Lion Hunt (Delacroix) and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Pala Trivulzio

L'opera è impostata secondo una prospettiva scorciata "da sott'in su", cioè con un punto di vista molto ribassato, a causa della posizione elevata che essa aveva sull'altare.  cornice intagliata da fra' Giovanni da Verona, intarsiatore, doveva evidenziare questa veduta privilegiata. Come in Piero della Francesca, il particolare scorcio riguarda i santi e le altre figure accessorie, mentre per la figura sacra della Vergine è usata una normale veduta frontale, che le dà quel tono di fissità ieratica soprannaturale che la fa sembrare un'apparizione.Maria è raffigurata insolitamente in una mandorla circondata da cherubini , invece del consueto trono, ma la disposizione sopraelevata rispetto ai santi è in ossequio alle composizioni piramidali in cui si trova al vertice, tipiche delle sacre conversazioni di matrice veneziana di moda a quei tempi. Rappresenta l'Assunta, a cui è dedicata la chiesa. A partire dall'ovale del suo viso, reso con un colorismo nuovo nella produzione di Mantegna, lo schema compositivo sembra dilatarsi a ondate concentriche, che investono la mandorla, il gruppo dei santi e lo sfondo vegetale, paragonato all "risonanza di un'immensa navata".I santi sono da sinistra:San Giovanni Battista nella tipica posizione che indica il Bambino, con il vestito da eremita nel deserto e il lungo bastone con la croce; accanto a lui si trova anche un cartiglio con le sue parole profeticheSan Gregorio Magno, con la veste papale decorata da ricami figurati, il triregno e il bastone pastoraleSan Benedetto da Norcia, con l'abito olivetano e un pastorale, la cui presenza ricorda che la chiesa veronese era retta da una congregazione dell'Ordine benedettinoSan Girolamo, con il cappello cardinalizio e una mantello rosso sgargiante; tiene nella destra un libro, simbolo della Vulgata e nella sinistra un modellino della chiesa, anche questo scorciato dal basso; la sua espressione è solenne e fiera e tramite lo sguardo che guarda dritto verso lo spettatore arriva a coinvolgerlo direttamente nella rappresentazione.Le aureole, come nel Cristo in pietà di Copenaghen, sono ormai dei dischi di luce, che scompaiono in trasparenza rivelando lo sfondo retrostante.In basso si trovano tre angeli cantori e musicanti, di grande dolcezza naturalistica. Curioso è lo scorcio di alcuni di essi che è contrario a quello dei santi, cioè visto dall'alto, generante un vibrante spezzarsi dei piani. L'organo allude all'insegna dei monaci e al nome della chiesa.Lo sfondo è composto da due quinte vegetali ricche di agrumi e con uccelli che svolazzano; assomiglia a quello della Madonna della Vittoria, pur senza la ridondante nicchia dell'altra opera. tecnica si basa su colori stesi una preparazione molto sottile, che lascia qua e là affiorare la consistenza della tela.  splendida luce è evidenziata dal finissimo tratteggio d'oro, che in alcuni punti si può ancora osservare.

Prompt: Focus on Trivulzio Madonna and explain the Description and style.Please output in Italian.

Copenaghen
Madonna della Vittoria
Piero della Francesca
Benedetto da Norcia
Giovanni Battista
San Girolamo
Verona
Vulgata


subsection

Maria Maddalena

Da secoli, è costume di molti Cristiani ortodossi orientali terminare la celebrazione pasquale dipingendo uova e proclamando "Cristo è risorto!". Le uova simboleggiano la nuova vita, e Cristo che risorge dalla morte. Da questo nacque la tradizione di colorare le uova di Pasqua.Una tradizione riguardante Maria Maddalena dice che dopo la morte di Gesù Cristo, usò la sua posizione per ottenere un invito a un banchetto dato dall'imperatore Tiberio. Quando lei lo incontrò, teneva un uovo puro nelle sue mani ed esclamò "Cristo è risorto!" Tiberio rise, e disse che la resurrezione di Gesù Cristo dalla morte era probabile quanto l'uovo nella sua mano diventasse rosso mentre lo teneva. Secondo la leggenda, prima che finisse di parlare, l'uovo nella sua mano diventò rosso e lei continuò a proclamare il Vangelo in tutta la casa imperiale.

Prompt: In the context of Mary Magdalene (Perugino), explain the Easter egg tradition and the Identification, of, Mary, Magdalene, with, the, penitent, sinner.Please output in Italian.


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Ritratto di Marsilio Cassotti e della sua sposa Faustina

Una nota autografa del pittore ricorda con precisione il dipinto e i soggetti, il loro abbigliamento , nonché la cifra richiesta di 30 denari, poi scontato a margine a 20. L'opera era stata commissionata da Zanin Cassotti, il padre dello sposo Micer Marsilio, che aveva già richiesto a Lotto altri sette dipinti.L'opera si trovava quindi nella casa dei committenti, dove in epoca imprecisata, forse nel XVII secolo, fu mandato in Spagna, dove è inventariato nei beni dell'Alcázar nel 1666. Nel XIX secolo passò al museo madrileno.

Prompt: In Portrait of Marsilio Cassotti and His Bride Faustina, how is the History discussed?Please output in Italian.


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Busto del cardinale Alessandro Peretti Montalto

Il busto del Cardinale Alessandro Peretti Montalto, di Bernini, venne ritrovato negli anni sessanta del Novecento ad Amburgo.Alcune caratteristiche del busto sono la fierezza e la regalità dell'aspetto. Il peduccio non venne ricavato a parte, ma scolpito in un unico blocco di marmo, benché questa scelta comportasse un grande spreco di questo materiale. Tuttavia così facendo Bernini poté stabilire le dimensioni del busto e del peduccio stesso.

Prompt: In Bust of Alessandro Peretti di Montalto, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.