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Messa di Bolsena

I colori spiccano per un vivace contrasto, soprattutto sullo schermo del marmo bianco della gradinata.  straordinaria ricchezza dei colori è stata provata a spiegare, a più riprese, presupponendo rapporti con la pittura veneta e col confronto, diretto sul campo dell'affresco o indiretto, di artisti come Sebastiano del Piombo e Lorenzo Lotto: per Wackernagel  fra Sebastiano avrebbe addirittura dipinto il gruppo dei cardinali, mentre per Zampetti , il Lotto avrebbe ispirato il gruppo dei sediari, se non le dipinse direttamente . Gamba parlò di un rinnovato esempio tratto dalla pittura classica.Ortolani fu il primo a mettere un distinguo tra il colorismo veneziano e quello di Raffaello, sottolineando come il Sanzio chiudesse i toni in "partiture singole, in ambienti cromatici dalla vasta composizione, con una libertà che i veri tonalisti non ebbero mai". Brizio poi capovolse il tradizionale rapporto tra Raffaello e Sebastiano del Piombo, notando come l'influenza tra i due non procedette necessariamente dal secondo verso il primo, e come anzi le valutazioni critiche si erano forse troppo assestate su uno schematismo ormai infruttuoso: il colore dopotutto è sempre stato un argomento centrale dell'arte raffaellesca, fin dalle prime opere nelle Marche, ininterrottamente collegate agli influssi lagunari, fino ai periodi fiorentino e romano.

Prompt: Explain the The color about the Description and style of this artwork, The Mass at Bolsena.Please output in Italian.


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Rome, From Mount Aventine

Il dipinto fu esposto alla Royal Academy nel 1836, quando fu descritto dal Morning Post come "uno di quei fantastici quadri con cui il signor Turner abbaglia l'immaginazione e confonde tutte le critiche: è al di là di ogni lode".Era stato commissionato a Turner da Hugh Andrew Johnstone Munro di Novar e rimase nella sua collezione di famiglia fino a quando non fu acquistato dal V conte di Roseberry nel 1878. Rimase poi nella collezione Roseberry fino al 2014. È stato venduto da Sotheby's a Londra il 3 dicembre 2014 a un offerente telefonico per £ 30,3 milioni incluso il premio dell'acquirente, dopo aver avuto una stima di £ 15-20 milioni.

Prompt: Explain the History of this artwork, Rome, From Mount Aventine.Please output in Italian.


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Statua equestre di San Venceslao

statua equestre attualmente in trono in piazza San Venceslao non è la prima ad essere stata eseguita e collocata nella piazza.  prima statua, eretta nel 1680 in stile barocco, è stata frutto del lavoro dello scultore Jan Jiří Bendl e venne posta nella piazza del Mercato dei Cavalli, che era il nome della piazza San Venceslao fino al 1848. I servizi religiosi vennero forniti davanti alla statua quando le chiese vennero chiuse, come avvenne durante le epidemie di peste.

Prompt: In the context of Statue of Saint Wenceslas, Wenceslas Square, explain the The first statue and the The word "null" in English is "null.".Please output in Italian.


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Mademoiselle La La al Circo Fernando

Mademoiselle   al Circo Fernando è un dipinto a olio su tela  di Edgar Degas, databile al 1879 e conservato nella National Gallery di Londra.

Prompt: In Miss La La at the Cirque Fernando, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.


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La parata del circo

parata del circo fu la prima opera di Seurat ispirata al mondo circense, che lui amava molto e dal quale prese spunto per diverse opere successive, come ad esempio Il circo. Il successo del quadro, esposto al Salon des Indépendants, fu modesto e Seurat stesso non lo considerò mai come uno dei suoi lavori meglio riusciti. composizione del dipinto è inusualmente regolare in confronto agli altri dipinti di Seurat. Il pittore usò in questo caso una tela in rapporto 1:1,5 divisa in 24 quadrati regolari, quattro sul lato corto e sei sul lato lungo. gli assi verticali e orizzontali definiti da questi quadrati generano le linee compositrici del dipinto e la disposizione dei personaggi, con un musicante esattamente al centro, l'orchestra a sinistra, altre figure a destra e il pubblico sotto, descritto da una fila di sagome di teste che indossano dei cappelli.Oltre a seguire i principi del divisionismo, Seurat si avvicina alle teorie di Charles Henry, dunque seguendo i criteri di direzione, per i quali alle linee corrispondono delle determinate implicazioni emotive, imposta una sorta di piano cartesiano in una struttura a scacchiera. L'immagine è come bloccata nel tempo, Seurat compie una riduzione minima del rapporto forma-contenuto e la forma prende il sopravvento. Inoltre si ritorna ad un'iconicità dell'insieme, dove le immagini sono prive di volume ed il soggetto è stilizzato.

Prompt: Focus on Parade de cirque and explain the The work.Please output in Italian.


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Autoritratto

Questo filone, di impostazione ancora tardo-medievale, fu particolarmente in voga nel Quattrocento e nei primi anni del Cinquecento italiano.Esempi particolarmente noti sono quelli di Piero della Francesca, che si ritrasse in preghiera nel Polittico della Misericordia  e dormiente nella Resurrezione , di Filippo Lippi, che si ritrasse nellIncoronazione della Vergine  e nelle Storie della Vergine , e di Andrea Mantegna, il cui volto compare nella Presentazione al Tempio  e nel ciclo di affreschi nella Cappella Ovetari: una volta nelle vesti di soldato nel Giudizio di san Giacomo, un'altra volta, probabilmente, nella Predica di san Giacomo, infine in un arcone i cui affreschi furono distrutti da un bombardamento nel corso della seconda guerra mondiale. Numerosi anche gli autoritratti di Ghirlandaio nei suoi cicli di affreschi e in pale come lAdorazione dei Magi degli Innocenti o lAdorazione dei pastori Sassetti, in cui diede a un pastore le sue fattezze.Di diversa e più moderna impostazione sono invece gli autoritratti ambientati di Benozzo Gozzoli nella Cappella dei Magi , che per facilitare il riconoscimento scrisse il suo nome sul copricapo, di Masaccio nella Resurrezione del figlio di Teofilo e san Pietro in cattedra  e di Filippino Lippi nella Disputa di Simon Mago e crocifissione di san Pietro , entrambi nella Cappella Brancacci a Santa Maria del Carmine , di Sandro Botticelli nellAdorazione dei Magi , di Luca Signorelli, ritrattosi in fianco al Beato Angelico, coautore degli affreschi nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto , e di Raffaello nella Scuola di Atene .In questi ultimi dipinti si manifesta infatti un medesimo espediente pittorico, per il quale il volto dell'artista, pur apparendo in punti e circostanze marginali della composizione, si impone alla vista grazie allo stacco netto rispetto all'impostazione narrativa degli altri personaggi e allo sguardo rivolto ad incrociare quello dell'osservatore. Ad una simile soluzione compositiva non sembra estranea la raccomandazione espressa nel 1435 da Leon Battista Alberti nel suo De pictura: l'umanista sottolineò infatti l'importanza di inserire nella scena «uno viso di qualche conosciuto e degno uomo che ritrarrà tutti gli occhi di chi la storia riguardi». Si tratta in altre parole del compimento della presa di consapevolezza del ruolo culturale dell'artista, cominciata a partire dal tardo medioevo, di cui l'autoritratto è stato un potente mezzo espressivo.

Prompt: In the context of Self-Portrait (Bol), explain the Self-portraitsset and the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Autoritratto

Al pari di Dürer, Rembrandt si dedicò all'autoraffigurazione con particolare costanza, lasciando quarantasei autoritratti, disegnati e dipinti, che condensano tutti i filoni tipici della produzione seicentesca.Quello che più colpisce è tuttavia il loro essere tasselli di una lunga e precisa autobiografia per immagini, fisica, morale e familiare. Il primo Autoritratto con gorgiera  restituisce l'immagine di un giovane spavaldo, lAutoritratto con Saskia nella parabola del figliol prodigo  è una testimonianza della spensieratezza del pittore con la moglie, mentre lAutoritratto a trentaquattro anni del 1640, ispirato al modello del Ritratto di Baldassarre Castiglione che Rembrandt aveva cercato invano di acquistare ad un'asta tenuta ad Amsterdam l'anno precedente, segna l'apice dei successi personali e professionali dell'artista. Da quel momento cominciò un lento declino umano, con la morte della moglie Saskia nel 1642, del figlio Titus nel 1668, i problemi con la committenza, le difficoltà finanziarie che lo costrinsero a vendere i suoi beni e la vecchiaia incombente. Furono proprio gli autoritratti che, nel tentativo di trasmettere sulla tela la propria crescente sofferenza, diedero a Rembrandt l'intuizione di operare quel progressivo disfacimento della pennellata e della materia pittorica che cancellò le tracce della luminosa e squillante precisione dei dipinti giovanili, secondo un percorso stilistico che provocò lo stupore dei contemporanei e che ebbe come unico precedente il «non finito» tizianesco. In quello noto come Ultimo autoritratto  l'immagine del pittore è ormai quella di un vecchio solo, in cui solo la dignità dello sguardo riesce a bilanciare i devastanti segni che il tempo e le difficoltà hanno lasciato sul volto. Anche la produzione ritrattistica del pittore nasconde spesso un'analoga introspezione autobiografica: i ritratti delle persone a lui vicine manifestano sempre affetto e tenerezza: Saskia col fiore rosso  è l'ultimo toccante omaggio tributato alla moglie, ormai morente e con il volto segnato dalla tubercolosi, da Rembrandt, del quale «ogni ritratto è un autoritratto».

Prompt: Describe the characteristics of the Rembrandt's self-portraits in Self-Portrait with Skeleton's After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.


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Musica

Uno strumento musicale è un oggetto che è stato costruito o modificato con lo scopo di produrre della musica. In principio, qualsiasi cosa producesse suoni, poteva essere usato come strumento musicale, ma questo termine definisce solo gli oggetti che hanno il suddetto scopo.Gli strumenti musicali si possono suddividere secondo la classificazione Hornbostel-Sachs in cinque famiglie, l'ultima delle quali aggiunta solo in seguito:     # Idiofoni: il suono è prodotto dalla vibrazione del corpo dello strumento stesso, sollecitato in vari modi, percuotendolo, pizzicandolo, strofinandolo, sfregandolo, muovendolo o deformandolo per mezzo di pressioni o soffi d'aria.# Membranofoni: il suono è prodotto dalle vibrazioni di membrane tese, che possono essere sollecitate da azioni di percussione, sfregamento, pizzico, fin anche alle sollecitazioni dovute all'emissione della voce dell'esecutore .# Cordofoni: il suono è emesso dalla vibrazione di corde tese; le corde possono essere sollecitate dal pizzicarle, percuoterle, o dallo sfregarle con appositi archetti; ancora, corde tese esposte all'azione del vento che le lambisce, come nel caso delle arpe eoliche, induce in esse vibrazioni sonore. # Aerofoni: in essi è l'aria stessa che entra in vibrazione. L'aria può essere contenuta dallo strumento, come nel caso di tubi o globi, ma può anche circondare lo strumento che la colpisce ad alte velocità .# Elettrofoni: il suono viene generato per mezzo di una circuitazione elettrica o per induzione elettromagnetica.

Prompt: How does Music (Matisse) explain its Musical instruments?Please output in Italian.

Aerofoni Cordofoni Elettrofoni Idiofoni Membranofoni


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Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1888 e conservato al Museo Kröller-Müller di Otterlo.

Prompt: How does Café Terrace at Night explain its Abstract?Please output in Italian.

1888
Museo Kröller-Müller
Otterlo
Vincent van Gogh


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Vocazione dei primi apostoli

Tra i brani meglio riusciti vi è l'ampio paesaggio lacustre sullo sfondo, che si perde in lontananza sfumando per effetto della foschia e della luce dell'alba, con un uso della luce più realistico e vibrante, che arriva a superare anche quello delle opere del maestro di questa tecnica, Pietro Perugino. Montagne aguzze, che rievocano i monti di Masaccio nel Tributo, arrivano con le pendici fino all'acqua, che specchia la luce chiarissima, mentre ai lati, più vicine allo spettatore, si trovano due quinte di rocce e colline tra le quali si vedono chiese, torri castelli e le fortificazioni di due città. Quella di destra è Firenze, con il Battistero di San Giovanni e palazzo Vecchio, quella di sinistra ha suggestioni nordiche, derivate dall'arte fiamminga a cui spesso Ghirlandaio attinse modelli e motivi. Nel cielo volano numerosi uccelli, tra cui anatre, pavoncelle, un falco e un martin pescatore: si tratta di notazioni naturalistiche, spesso adombranti significati simbolici  derivate dalla tradizione tardogotica filtrata da artisti fiorentini come Benozzo Gozzoli.

Prompt: In Vocation of the Apostles, how is the The landscape of the Description explained?Please output in Italian.

Benozzo Gozzoli
Firenze
Masaccio
Perugino
Perugino


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Madonna in gloria con putti

Madonna in gloria con putti è un dipinto a olio su tela  di Rosso Fiorentino, databile al 1517 circa e conservato nel Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.

Prompt: How does Madonna and Child with Cherubs explain its Abstract?Please output in Italian.

1517
Ermitage
Rosso Fiorentino
San Pietroburgo


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Adorazione dei Magi

250px scena dell'adorazione a Betlemme è una delle più antiche del mondo dell'arte. Il passaggio dell'adorazione era già rappresentato nelle catacombe romane dove si vede Maria dopo il parto e i tre magi che trasportano i loro doni su semplicissimi vassoi. L'antecedente di questa rappresentazione è nelle opere dell'Antica Roma in cui rappresentanti di un popolo soggiogato portano doni al romano vittorioso durante la cerimonia nota come trionfo.Nel V secolo cambia la disposizione della scena, ponendo Maria al centro tra i Magi e aggiungendo i cammelli. Successivamente, in epoca bizantina, appare sulla scena un angelo con indosso una stella e uno dei Magi si genuflette. In Occidente e durante il Medioevo i maghi sono solitamente vestiti con un manto reale e una corona. I suoi doni si trovano in lussuosi contenitori fatti di metalli preziosi. Nel XIII secolo è frequente un modello in cui il primo re si inginocchia e il secondo guarda il terzo indicandogli la stella. scena si arricchisce di altri dettagli e dal Cinquecento si passa dal puro simbolismo a quello aneddotico e suggestivo.Gli artisti hanno sfruttato spesso questo tema per rappresentare le tre età dell'uomo e anche, nell'epoca delle scoperte, come allegoria dei diversi mondi conosciuti: Baldassarre è raffigurato come un giovane africano , Gaspare spesso ha una fisionomia chiaramente orientale e Melchiorre i tratti europei.

Prompt: Explain the Iconography of this artwork, Adoration of the Magi (Artemisia Gentileschi).Please output in Italian.


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Parabola dei ciechi

Parabola dei ciechi è stata considerata all'unanimità un capolavoro della pittura. Quello di Bruegel è il primo dipinto che affronta la parabola neotestementaria dei ciechi, anche se vi erano altre incisioni precedenti incentrate sullo stesso tema , Il dipinto ha subito attirato una consistente serie di ferventi ammiratori, tanto che i sei soggetti ciechi godettero di popolarità anche in altre discipline, come la medicina.Le raffigurazioni dei mendicanti a opera di Bruegel fornirono dei solidi riferimenti per i pittori successivi, come David Vinckboons. Hieronymus Wierix, tra l'altro, incluse la tela nella sua raccolta di proverbi fiamminghi. Numerose sono state le copie: una di Jacob Savery, realizzata nel 1600 ma con una falsa datazione del 1562; un'altra del figlio Pieter Brueghel il Giovane, che dipinse una versione più grande nel 1616, oggi conservata nel Louvre. Parabola dei ciechi ispirò anche numerosi poeti, fra cui i tedeschi Josef Weinheber e Walter Bauer, e il francese Charles Baudelaire che scrisse proprio I ciechi. Il poeta americano William Carlos Williams dedicò addirittura una raccolta di poesie alle opere di Bruegel: in quella incentrata sulla Parabola dei ciechi si concentra sul significato della successione dei sei uomini ciechi . Il dipinto di Bruegel ha gettato le fondamenta anche per il dramma in un atto di Maurice Maeterlinck I ciechi, per il racconto breve di Gert Hofmann  parabola dei ciechi e per la novella storica di Claude-Henri Rocquet Bruegel ou l'atelier des songes, in cui il pittore olandese dipinge gli uomini ciechi proprio a causa del suo terrore di perdere la vista.

Prompt: Focus on The Blind Leading the Blind and explain the Heritage.Please output in Italian.

1562
1600
1616
Charles Baudelaire
Claude-Henri Rocquet
David Vinckboons
Gert Hofmann
Hieronymus Wierix
Jacob Savery
Josef Weinheber
Maurice Maeterlinck
Pieter Brueghel il Giovane
William Carlos Williams


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Autoritratto

sinistraUno specchio convesso del XVI secolo.Sul piano tecnico, la diffusione di nuovi materiali e di nuove modalità di stesura del colore  resero possibili notevoli miglioramenti nella resa sia disegnativa che coloristica e chiaroscurale dei dipinti. Inoltre, il perfezionamento e la notevole diffusione dello specchio facilitarono il compito dei pittori nell'atto di autoritrarsi, e contribuirono all'imporsi del modello compositivo prevalente, ossia quello caratterizzato dallo sguardo obliquo del soggetto e dalla posa di tre quarti.

Prompt: In Self-Portrait (Titian, Berlin), how is the The development of the self-portrait: technical reasons of the After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century explained?Please output in Italian.


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Madonna col Bambino

Sacra Famiglia: è raffigurato anche san Giuseppe Madonna col Bambino e san Giovannino: idealmente ambientata durante il riposo dalla fuga in Egitto, vi compare il giovane Giovanni Battista che spesso gioca con Gesù Metterza: sant'Anna è raffigurata dietro Maria Maestà: Maria è su un trono Madonna dell'Umiltà: Maria è seduta in terra, con o senza un cuscino Sacra conversazione: Maria è tra santi, che scambiano fra loro sguardi e/o gesti, come se stessero conversando Madonna in gloria: Maria è contornata da angeli in cielo Madonna del tte: Maria allatta Gesù Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria: Maria porge il Bambino a santa Caterina d'Alessandria e lui le infila un anello per sposarla simbolicamente; un'iconografia simile si ritrova a volte anche per santa Caterina da Siena o altre sante Madonna del Carmelo: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà lo scapolare ai Carmelitani Madonna del Rosario: Maria dall'alto, con Gesù Bambino, dà il rosario ai Domenicani

Prompt: In the context of Madonna and Child (Bellini, Pavia), explain the Variants and the History.Please output in Italian.

Gesù
Giovanni Battista
Madonna del Rosario
Madonna dell'Umiltà
Metterza
Rosario
Sacra Famiglia
Sacra conversazione


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Battaglia di Cascina

Da Luglio 2004 a Luglio 2019 si è svolta annualmente una due giorni per rievocare la Famosa battaglia di Càscina del 1364 tra Pisani e Fiorentini, riportando così il borgo di Càscina al tempo del 1364, vivendo durante l'iniziativa il passato che fu, e consentendo anche ai visitatori di immergersi nell'atmosfera della battaglia.Ogni anno il centro storico di Càscina si è popolato di artigiani, mercanti, armati, giullari, cavalieri, dame e contadini, tutti collocati in uno scenario storico di suggestive ambientazioni, musiche, cibi e bevande del tempo. Fu ricostruito anche il campo dove alloggiavano i cavalieri con i loro scudieri. Durante la due giorni si sono svolti tornei di tiro con l'arco, duelli di scherma medievale, sfilate, evoluzioni di bandiere ed uno spettacolo interattivo.

Prompt: Explain the Reenactment of "The Battle of Cascina - A.D. 1364" (2004-2019) of this artwork, Battle of Cascina (Michelangelo).Please output in Italian.


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Caino e Abele

Per aver ucciso il fratello, Caino è stato condannato da Dio a viaggiare sulla terra per sempre, in maniera molto simile alle più recenti leggende dell'Olandese volante e dell'Ebreo errante.Il tema del Caino viandante è apparso anche nel folclore mormone, nel quale viene narrato che uno dei primi leader mormoni, David W. Patten, incontrò nel Tennessee un uomo alto, dai lunghi capelli e di pelle scura, che diceva di essere Caino. Il racconto narra che Caino aveva ardentemente desiderato di morire, ma gli era stato negato questo suo desiderio, e che il suo scopo è quello di distruggere le anime degli uomini.Nel Libro dei Giubilei è scritto che Caino si stabilì, sposò sua sorella Awan e generò un figlio, Enoch , approssimativamente 196 anni dopo la creazione di Adamo. Caino fondò una prima città, e la chiamò Enoch, come suo figlio, costruì una casa e visse lì, finché la casa non gli crollò addosso e morì nello stesso anno della morte di Adamo.Una leggenda medievale narra che Caino viaggiò fino ad arrivare alla Luna e si stabilì lì con una fascina di spine sulla schiena. Questa storia ebbe origine grazie alla fantasia popolare riguardo alle ombre sulla faccia della luna . Un riferimento a questa credenza lo si può trovare nella Divina Commedia  dove l'espressione "Caino e gli stecchi" viene usata come sinonimo di "luna". A questa credenza è probabilmente legata la filastrocca infantile che così viene recitata :

Prompt: In the context of Cain and Abel (Tintoretto), explain the The wanderer and the Cain..Please output in Italian.

Adamo
Caino
David W. Patten
Dio
Divina Commedia
Ebreo errante
Libro dei Giubilei
Luna
Tennessee


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Sviluppo di una bottiglia nello spazio

L'opera rappresenta una bottiglia poggiata su un piatto: le due figure costituiscono una natura morta, tema raro nella poetica futurista di Boccioni. Tuttavia, l'artista riesce a rendere il gioco dinamico, che sta alla base dei suoi lavori, attraverso una visione vorticosa dei due elementi, rendendo indistinti l'interno e l'esterno degli oggetti e dando movimento al tutto.

Prompt: Explain the Description of this artwork, Development of a Bottle in Space.Please output in Italian.


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Adorazione dei Magi degli Innocenti

Andreas Quermann, Ghirlandaio, serie dei Maestri dell'arte italiana, Könemann, Köln 1998.Emma Micheletti, Domenico Ghirlandaio, in Pittori del Rinascimento, Scala, Firenze 2004. ISBN 88-8117-099-X

Prompt: Focus on Adoration of the Magi (Ospedale degli Innocenti) and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Santa Cecilia (Maderno)

Neuman, Robert, Arte e architettura barocca e rococò, Upper Saddle River, Pearson, 2013. Harris, Ann Sutherland, Arte e architettura seicentesca, Londra, urence King Publishing, 2008. Harula Economopoulos, Stefano Maderno scultore . I maestri, la formazione, le opere giovanili, Roma, 2013.  storia dei Giubilei - Volume Terzo,1600-1775, Giunti.

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, St. Cecilia (Stefano Maderno).Please output in Italian.


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Testamento e morte di Mosè

Il Testamento e morte di Mosè è un affresco  attribuito a Bartolomeo della Gatta e Luca Signorelli, realizzato verso il 1482 e facente parte della decorazione del registro mediano della Cappella Sistina in Vaticano.

Prompt: In Testament and Death of Moses, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1482
Bartolomeo della Gatta
Cappella Sistina
Luca Signorelli
Mosè


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La Sacra Famiglia

L'intento degli autori era quello di prendere le distanze dallo sviluppo teorico di Bruno Bauer, ex mentore di Marx, e di professare il "vero umanesimo" di Ludwig Feuerbach.Il contenuto principale è la contraddizione tra la visione idealistica della dialettica di Hegel e quella materialistica di Marx e in particolare una critica dei giovani hegeliani Bruno Bauer e suo fratello Edgar Bauer, nonché di un certo numero di autori meno noti della cerchia dei "liberi" berlinesi. Colpisce il fatto che Marx non annoveri Max Stirner, che apparteneva alla cerchia ristretta di Bauer, come uno dei "consorti" e lo escluda dalla sua critica.Il tenore del testo, che deriva per circa il 90% da Marx, è polemico fino al beffardo, cosa che non è solo indicata dal sottotitolo: "Contro Bruno Bauer e soci". Già il titolo principale prende in giro la filosofia di Bruno Bauer con il termine inventato "critica critica". Perché Bauer naturalmente non chiamò la sua teoria critica, che sviluppò principalmente negli articoli dell'anno 1844 dell'Allgemeine Literatur-Zeitung, "critica critica", ma "critica pura".I giovani hegeliani, seguendo Hegel, presumevano che la storia fosse solo un'espressione dell'ulteriore sviluppo della ragione umana e quindi rifiutavano ogni impegno politico. Marx ed Engels hanno criticato questo punto di vista in " sacra famiglia" come irrealistico:Nelle stesse parole di Friedrich Engels, ha contribuito "quasi nulla" all'opera, motivo per cui considera "curioso" il fatto di essere nominato autore accanto a Marx. Per il resto giudica l'opera "fantastica", "scritta magnificamente e fa ridere", ma nel complesso "troppo grande" e nel complesso "incomprensibile al grande pubblico".

Prompt: Explain the Story of the opera of this artwork, Holy Family (El Greco, Hospital de Tavera).Please output in Italian.

1844
Allgemeine Literatur-Zeitung
Bruno Bauer
Edgar Bauer
Friedrich Engels
Ludwig Feuerbach
Max Stirner


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Madonna della Cesta

Il fulcro del dipinto è rappresentato dal rapporto affettuoso che lega la Vergine al Bambino, dal suo dolce provare a vestirlo della piccola camicia azzurra che ha appena finito di cucire. Il cesto del cucito con le forbici ben visibili sta ad aprire il dipinto sulla sinistra e per quanto sia possibile leggervi allusioni simboliche il suo ruolo è soprattutto quello di dotare l'immagine di un convincente "effetto di reale". Rappresentando la Vergine giovanissima, quasi adolescente, mentre ha appena accantonato gli strumenti del lavoro di cucito, il Correggio riesce a calare la storia sacra in una cornice di semplice e accattivante quotidianità. Gesù è vero uomo, secondo l'evidenza maschile del corpo, eppure la madre gli ha preparato un doppio vestimento in segno delle due nature, umana e divina, che egli porta in sé.  verità del suo destino viene espressa dal suo aprire le braccia in croce, mentre la piccola mano destra benedice col simbolo trinitario.Particolarmente per lo sfondo, dove si intravede san Giuseppe, è possibile far riferimento ai modelli nordici, segnatamente a un'incisione di Dürer che forse il Correggio ebbe modo di conoscere, la Sacra Famiglia in Egitto.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Madonna of the Basket (Rubens).Please output in Italian.


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Senecio

Le specie di questo genere sono distribuite in tutto il mondo , ma principalmente in Sudamerica e Africa meridionale.

Prompt: In Senecio (Klee), how is the Distribution habitat discussed?Please output in Italian.


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Apocalisse

Una delle rappresentazioni moderne dell'apocalisse è per esempio quella che emerge dagli scritti del padre gesuita Pierre Teilhard de Chardin molto più vicini al tipico discorso scientifico e evoluzionista che al discorso svolto totalmente nel linguaggio teologico.Il suo discorso, in qualche modo profetico sull'avvento dell'Homo noeticus che rappresenta un salto evolutivo rispetto all'attuale Homo Sapiens Sapiens, non è indolore come molti interpreti di questa nuova figura umana ritengono. Per questi ultimi infatti la nuova umanità viene rappresentata come il baluardo estremo della difesa della specie e del pianeta Terra, della democrazia e soprattutto dell'insieme del patrimonio spirituale accumulatosi lungo il divenire storico dell'umanità che lo piega ai legittimi interessi tattici e strategici dei nuovi movimenti emergenti, talora anche radicali, di stampo ecologista, salutista ecc.Questa lettura è sicuramente significativa e i movimenti non violenti, pacifisti, ambientalisti che talora la sostengono sono certamente l'incarnazione sintomatica di una storia che giunge al termine, ma la lettura che il "gesuita proibito" dà dell'avvento dell'Homo Noeticus è ben altra e soprattutto ben più radicale: non è una figura di difesa dello status quo prima che le cose peggiorino irrimediabilmente ma una figura di attacco per far dire alla storia della salvezza: "tutto è compiuto". Ci troviamo infatti di fronte ad una vera e propria "fine del mondo". Esso, l'Homo Noeticus rappresenta infatti per così dire lo sprint finale della convergenza di tutta la nostra galassia nel "punto Omega" a forte potenza gravitazionale, rappresentato dal "Cristo evolutore" che attrae tutto a sé e in cui tutto collassa e implode nell'abbraccio finale tra il creatore e la creatura.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Modern representations of the Apocalypse of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.

Homo noeticus
Pierre Teilhard de Chardin
Terra


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Venere di Milo

Giuliano A., Storia dell'arte greca, Carocci, Roma 1998 ISBN 88-430-1096-4 Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 1, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7107-8

Prompt: Explain the Bibliography of this artwork, Venus de Milo.Please output in Italian.


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Orologio astronomico di Praga

{ align=center+ Figure animateleft170pxleft280px170pxleft}Le quattro figure che fiancheggiano l'orologio si animano allo scoccare di ogni ora. Ognuna di esse rappresenta i vizi capitali: lo scheletro simboleggia la morte, il turco la lussuria, il personaggio con lo specchio impersona la vanità e il viandante con la borsa  rappresenta l'avarizia.Allo scoccare dell'ora lo scheletro suona una campana tirando la fune con la mano destra e capovolge la clessidra che ha nella sinistra, nel frattempo il turco, l'avaro e il vanitoso fanno no con la testa; a questo punto esce il corteo con i dodici apostoli  che, a coppie, si inchinano alla folla, Le finestre che fanno uscire le statue si aprono contemporaneamente.  prima figura ad uscire dalla finestra sulla destra è San Paolo , seguito da Tommaso , Giuda che porta un libro, Simone con una sega e Bartolomeo con un libro. Mentre nella seconda finestra, escono Pietro , Matteo con un'ascia, Giovanni con un serpente, Andrea e Filippo con una croce e Giacomo con una mazza, alla fine dello spettacolo il gallo, sopra le finestre dell'orologio canta l'ora suonata.

Prompt: How does Prague astronomical clock explain its Animated figure?Please output in Italian.


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Madonna Gualino

Alessandro Bagnoli, Roberto Bartalini, Luciano Bellosi, Michel clotte Duccio, Silvana Editore, Milano 2003.

Prompt: Focus on Gualino Madonna and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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San Giovanni Evangelista (El Greco Madrid)

San Giovanni Evangelista è un dipinto del pittore cretese El Greco realizzato circa nel 1605 e conservato nel Museo del Prado di Madrid in Spagna. Entrò al Museo nel 1921, dalla collezione privata di César Cabañas Caballero.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Saint John the Evangelist (El Greco, Madrid).Please output in Italian.

1605
El Greco
Madrid
Museo del Prado
Spagna


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Apocalisse

Apocalisse di Giovanni Armageddon Millenarismo Giorno del giudizio   punto di vista musulmano Dajjāl figura escatologica che tenterà di traviare la Comunità musulmana Fantascienza apocalittica e postapocalittica Profezia biblica Rivelazione Fine del mondo

Prompt: Explain the Voice correlate of this artwork, Apocalypse (Dürer).Please output in Italian.


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Guernica

Guernica è famosa per aver subito un bombardamento aereo a tappeto - tra i primi e più duri - messi in atto dalla Legione Condor .L'attacco ebbe luogo il 26 aprile 1937, durante la guerra civile spagnola, con il supporto della Aviazione Legionaria, unità volontaria e non ufficiale della Regia Aeronautica italiana.

Prompt: Explain the Bombing of Guernica about the History of this artwork, Guernica (Picasso).Please output in Italian.

1937
Aviazione Legionaria
Legione Condor
Regia Aeronautica


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Apocalisse

rivelazione di saggezze nascoste avviene attraverso una visione o un sogno. A causa della natura peculiare del soggetto, questa è evidentemente la forma letteraria più naturale. L'attuazione della rivelazione e l'esperienza di chi la riceve vengono poste più o meno in rilievo. Normalmente, ma non sempre, i fatti vengono riportati in prima persona. Esiste qualcosa di portentoso nelle circostanze, commisurato all'importanza dei segreti che verranno svelati. L'elemento del mistero, spesso in primo piano nella visione stessa, è presagito negli eventi preliminari. Alcune delle caratteristiche classiche della "tradizione apocalittica" sono collegate con le circostanze della visione e con l'esperienza personale del veggente.L'esempio primario di letteratura apocalittica nella Bibbia ebraica è il Libro di Daniele. Mentre si trova lungo il fiume dopo un lungo digiuno Daniele vede apparire un essere celeste, che gli svela la rivelazione . L'evangelista Giovanni nel Nuovo Testamento, libro dell'Apocalisse  ha un'esperienza simile, narrata con termini comparabili. Si confronti anche il primo capitolo della Apocalisse Greca di Baruch e la Apocalisse Siriaca, vi.1 segg., xiii.1 segg., lv.1-3. In alternativa il profeta giace sul letto, preoccupato per il futuro della sua gente, quando cade in una specie di trance, e il futuro gli è mostrato nelle "visioni della sua mente". Questo è il caso di Daniele, 7:1 segg.; Esdra, 3:1-3; e nel libro di Enoch, i.2 e seguenti. A proposito della descrizione degli effetti della visione sul veggente, vedi Dan. 8:27; Enoch, lx.3; 2 Esdra 5:14.

Prompt: In Apocalypse (Dürer), how is the Revelation through a dream or a vision of the Description explained?Please output in Italian.

Bibbia
Libro di Daniele
Nuovo Testamento


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Maria Maddalena

diffusione del culto in Occidente avvenne soprattutto grazie all'Ordine dei Frati Predicatori, secondo la testimonianza di Umberto de Romans: "Dopo che la Maddalena si è data alla penitenza, è stata resa dal Signore così grande per grazia, che dopo la Beata Vergine non si trova donna alla quale nel mondo non si renda maggior riverenza e non si dia maggior gloria in cielo". I domenicani la considerano una delle loro patrone. Varie congregazioni di frati e di suore le attribuirono il titolo di "apostola degli apostoli", come viene celebrata nella liturgia bizantina, e paragonarono la missione di Maddalena, di annunciare la risurrezione, al loro ufficio apostolico.Nel calendario romano generale la sua celebrazione è fissata al 22 luglio, senza alcun cenno alla supposta identificazione con la peccatrice.  sua memoria è stata elevata a festa da papa Francesco al 3 giugno 2016 per sottolineare il compito di evangelizzatrice degli apostoli della santa, il ruolo della donna nella Chiesa e l'azione della misericordia di Dio.Una tradizione riportata nella Legenda aurea racconta che la Maddalena, con i fratelli e altri discepoli, sia partita dalla Palestina per approdare a Saintes-Maries-de-la-Mer dopo un viaggio periglioso, nonostante la barca fosse ingovernabile; una variante della leggenda, attestata anche da un affresco di Giotto nella cappella della Maddalena della basilica inferiore di Assisi, vuole che l'approdo sia avvenuto a Marsiglia.destraGiotto,  Maddalena approda a Marsiglia, affrescoIl culto di Maddalena si diffuse in Europa e i suoi devoti costruirono numerose chiese in suo onore: la più nota è quella gotica di Saint-Maximin-la-Sainte-Baume , dove è conservato quello che si dice sia il teschio della santa. Fu Carlo II d'Angiò ad effettuare linventio di tale reliquie nel 1279, convalidate da papa Bonifacio VIII nel 1295. "Sainte Baume" in antico provenzale significa "santa grotta": a Plan-d'Aups-Sainte-Baume, sotto la cima più alta del massiccio montagnoso, c'è una grotta dove la tradizione vuole che sia morta la Santa, oggi sede di una chiesa, che accoglie una fonte di acqua e un convento domenicano. In tale chiesa è presente una reliquia della Maddalena. Il luogo, conosciuto nel Cinquecento come Nanse o Nanze , era allora meta di frequenti pellegrinaggi da tutta Europa, soprattutto dalle corti italiane. Il cardinale Luigi d'Aragona ha lasciato un diario redatto dal chierico molfettese Antonio De Beatis con dettagli sui luoghi della Maddalena in Provenza, così come l'alvitano Mario Equicola nel suo Iter in Narbonensem Galliam, che riporta il viaggio per un pellegrinaggio di Isabella d'Este, marchesa di Mantova.In ogni modo, ben prima di Saint Maximin, il culto di Maria Maddalena si era formato presso l'abbazia borgognona di Vezelay, dove già nel 1050 si diceva fosse conservato il corpo.Il culto della Maddalena, peraltro, non è una prerogativa esclusiva della Francia, come dimostra l'esistenza di molti edifici a lei dedicati ad esempio in Italia , fra cui le principali come la Chiesa di Santa Maria Maddalena in Campo Marzio in Roma, la chiesa parrocchiale dell'isola della Maddalena, la basilica di Santa Maria Maddalena Penitente in Casamicciola Terme , unica chiesa in Italia che conserva il titolo di "Maria Maddalena Penitente", la chiesa arcipretale di Longare e quella di verda nel vicentino, la chiesa parrocchiale di Bordighera, il duomo di Desenzano, la Collegiata di Atrani  dedicata alla Santa dal 1274, l'abbazia di Sant'Egidio del Monte Albino , la chiesa della Maddalena di Alba, la chiesa di Santa Maddalena a Bolzano, la chiesa madre di Ciminna  e Sciacca , quella parrocchiale di Uggiano la Chiesa , Corbola , la Chiesa Madre di Santa Maria Maddalena in Casalanguida  e molti altri luoghi di culto.

Prompt: Describe the characteristics of the In the West in Mary Magdalene (Stevens)'s Maria Maddalena in the Pistis Sophia.Please output in Italian.

2016
22 luglio
Atrani
Bolzano
Bordighera
Casamicciola Terme
Ciminna
Corbola
Francia
Giotto
Isabella d'Este
Longare
Mario Equicola
Marsiglia
Plan-d'Aups-Sainte-Baume
Provenza
Roma
Saint-Maximin-la-Sainte-Baume
Saintes-Maries-de-la-Mer
Sant'Egidio del Monte Albino
Uggiano la Chiesa


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Autoritratto con cane nero

LAutoritratto con cane nero , anche noto come Courbet con il cane nero , è un quadro del pittore francese Gustave Courbet, realizzato nel 1842 e ritoccato nel 1844. È conservato a Parigi, al Petit Palais.

Prompt: Focus on Self-Portrait with a Black Dog and explain the Abstract.Please output in Italian.


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Maria Maddalena

Maria Maddalena, regia di Raffaele Mertes . Maddalena - Ciò che i suoi occhi hanno visto . Maria Maddalena , regia di Garth Davis . Il codice da Vinci, regia di Ron Howard .

Prompt: Explain the Filmography of this artwork, Mary Magdalene (Perugino).Please output in Italian.


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La vigna rossa

vigna rossa è un olio su tela del pittore olandese Vincent van Gogh, eseguito ad Arles nel novembre 1888. È l'unico dipinto che riuscì certamente a vendere durante la sua vita. Tuttavia, è probabile che lo stesso pittore fosse riuscito a vendere almeno un'altra delle sue tele, in quanto, come affermato nella lettera al fratello n° 506, afferma di aver ricevuto 20 franchi per il ritratto di un amico di padre Tanguy, probabilmente agli inizi del 1888.

Prompt: How does The Red Vineyard explain its Abstract?Please output in Italian.


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: In Self-Portrait (Annibale Carracci), how is the Self-portrait non-European art discussed?Please output in Italian.


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Madonna del Belvedere

Madonna del Cardellino Belle Jardinière Madonne di Raffaello

Prompt: Focus on Madonna del Prato (Raphael) and explain the Voice correlate.Please output in Italian.

Belle Jardinière
Madonna del Cardellino
Madonne di Raffaello


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Storie di sant'Orsola

Le fonti letterarie a cui Carpaccio attinse sono sia la Legenda aurea di Jacopo da Varazze,  data alle stampe proprio a Venezia nel 1475 dal francese Nicolas Jenson, sia soprattutto una tarda Passio della santa, un testo secondo il quale la cristiana Orsola, figlia del re di Bretagna, accettò di sposare il giovane principe inglese Ereo, pagano, a patto che questi si convertisse e andasse con lei in pellegrinaggio per l'Europa. I due vennero uniti in matrimonio a Roma da papa Ciriaco, che li seguì insieme ad alcuni prelati nel viaggio di ritorno, durante il quale sbarcarono a Colonia occupata dagli Unni di Attila. Questi si invaghì di Orsola e cercò di farla sua. Al rifiuto della donna si scatenò la furia degli Unni che la martirizzarono assieme a Ereo, al papa e alle 11.000 vergini compagne. Gli episodi descritti dall'artista sono: l'arrivo degli ambasciatori del principe pagano d'Inghilterra alla corte del re cristiano di Bretagna per chiedere la mano di sua figlia Orsola; le condizioni dettate da Orsola per accettare il matrimonio; il ritorno degli ambasciatori in Inghilterra; gli addii e la partenza per il pellegrinaggio voluto da Orsola; l'incontro con papa Ciriaco a Roma e il matrimonio; il sogno in cui la santa riceve l'annuncio del prossimo martirio; il ritorno a Colonia occupata dagli Unni; la strage dei pellegrini e i funerali di Orsola; l'apoteosi della santa, che sovrasta la moltitudine dei martiri. Vengono dunque scelti i momenti più dinamici delle due opere agiografiche, che Carpaccio riproduce in scene brulicanti di personaggi con la sola eccezione del sesto telero, quello con l'angelo che appare in sogno alla principessa. In dettaglio: Arrivo degli ambasciatori inglesi alla corte del re di Bretagna, 1495 circa, olio su tela, 275×589 cm Commiato degli ambasciatori, 1495 circa, olio su tela, 280x253 cm Ritorno degli ambasciatori alla corte inglese, 1495 circa, olio su tela, 297x527 cm Incontro dei fidanzati e partenza dei pellegrini, 1495, tempera su tela, 280x611 cm Incontro dei pellegrini con papa Ciriaco, 1491-1493, tempera su tela, 281x307 cm Sogno di sant'Orsola, 1495, tempera su tela, 274x267 cm Arrivo dei pellegrini a Colonia, 1490, tempera su tela, 280x255 cm Martirio dei pellegrini e funerali di sant'Orsola, 1493, tempera su tela, 271x561 cm Apoteosi di Sant'Orsola e delle sue compagne, 1491, tempera su tela, 481x336 cmI due testi, che riprendono fatti realmente accaduti, contengono alcuni elementi narrativi chiaramente inverosimili: innanzitutto non è mai esistito un papa di nome Ciriaco, benché sia possibile che si trattasse di Siricio, che però non morì martire; il marito di Orsola, identificabile con Conan Meriadoc - sovrano britannico che si convertì al cristianesimo per amore - dopo la celebrazione del loro matrimonio e la nascita di un figlio  ritornò con quest'ultimo in patria, senza dunque andare incontro a fine violenta ; il numero esatto delle vergini compagne di Orsola non si conosce ma di sicuro esse erano molto ben meno di undicimila ; in quanto al re unno, è impossibile che fosse Attila, dato che costui nacque nel 395, lo stesso anno della morte di Conan, ma più plausibilmente si trattava invece di Melga, che insieme al re dei Pitti avrebbe tentato di piegare alle loro voglie le compagne di Orsola, le quali furono poi uccise per essersi rifiutate. Inoltre il massacro delle vergini a quanto pare non avvenne solo a Colonia: alcune donne sarebbero state precedentemente assassinate durante i loro spostamenti da un regno all'altro, nel periodo in cui Conan si adoperava per popolare il suo territorio in accordo col padre di Orsola, il quale gli aveva inviato in tutto 72.000 vergini.Nella fitta simbologia dei teleri furono inclusi temi legati alla storia specifica della committenza: tra il 1470 e il 1480 la Serenissima era impegnata nel contrastare i Turchi di Maometto II, con esiti sempre drammatici, per le stragi compiute contro il nemico vinto. I resoconti degli avvenimenti rimbalzavano dagli atti ufficiali alle testimonianze dirette, dai cantari agli opuscoli passati di mano in mano. Quelli che suscitavano più scalpore riguardavano donne, madri di famiglia, giovani vergini o monache strappate dalla sicurezza delle loro abitazioni e rese oggetto di violenze da parte degli invasori: una delle cronache note al tempo era quella scritta da Nicolò Barbaro, medico di galea. Tra i comandanti generali da mar veneziani vi erano anche membri della famiglia Loredan, distintisi per le imprese compiute contro gli "infedeli": Pietro Loredan fu il primo veneziano a sconfiggere i Turchi  e conquistò gran parte della Dalmazia; il figlio di Pietro, Jacopo, fu capitano generale da mar e i due suoi fratelli combatterono pure essi contro i Turchi; Antonio, figlio di Jacopo, difese strenuamente Scutari; Alvise, nipote di Pietro, combatté in Morea; Nicolò, figlio di Alvise, fu capitano di galea.  famiglia Loredan aveva anche un forte legame con la Scuola di Sant'Orsola, su cui esercitava un patronato: all'interno dell'edificio o nel cimitero pertinente alla Scuola erano sepolti diversi membri della famiglia.

Prompt: In the context of Legend of Saint Ursula, explain the Description and the History.Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In the context of Self-Portrait (David), explain the The Renaissance sculptor self-portrait and the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury.Please output in Italian.


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Madonna dal collo lungo

Una tenda rosa scostata fa da sfondo a una slanciata Madonna seduta, rappresentata a tutta figura su un invisibile seggio, con alcuni cuscini imbottiti ai piedi. Sorridente e distante, come una principessa elegante, mostra proporzioni allungate soprattutto evidenti nel collo graziosamente curvato, che dà il nome all'opera. Ella tiene in grembo il Bambino, addormentato in una posizione un po' precaria che, con le gambe e le braccia divaricate, sembra sondare la profondità dello spazio attorno a sé. Il Bambino ha un'età inusualmente avanzata, sui sei anni, come già nella precedente Madonna della Rosa), accalcati confusamente in uno spazio ristretto per vedere il neonato.  testa del sesto angelo è incompiuta e difficilmente individuabile: si trova esattamente sotto il gomito destro di Maria. L'angelo in primo piano, di cui si vede la snella coscia nuda  e un'ala grigia levata, porge a Maria, sfiorandolo con le dita, un vaso d'argento in cui si riflettono alcuni bagliori, tra cui si distingue un crocifisso: un riferimento all'Immacolata concezione  e all'appellativo di Maria come "vaso mistico", oltre che prefigurazione della Passione per il Bambino che, addormentato, ricorda la posizione delle Pietà. Una citazione tutt'altro che casuale lega l'opera alla Pietà vaticana di Michelangelo: madre e figlio hanno infatti una posa simile ma rovesciata e la Vergine indossa una cintura a tracolla proprio come nella statua marmorea. In questo caso però la fascia blocca il vibrare del panneggio setoso, con un effetto bagnato che ricorda la scultura ellenistica. Il velo azzurro intenso non le copre la testa, come al solito, svelando invece una complessa acconciatura con un diadema e file di perle, come se ne vedono anche in altri dipinti di Parmigianino; ricade invece sulla spalla e forma un'ampia piega dietro la schiena, che bilancia compositivamente il volume delle gambe di Maria. metà destra è estremamente insolita, anche - ma non solo - per la caratteristica di non finito. È infatti caratterizzata da un'ampia zona vuota, dove lo spazio stacca nettamente su un piano molto arretrato e basso. Qui una fila di altissime colonne di marmo senza capitello  allude forse al tempio di Salomone. Egli srotola una pergamena, forse in qualità di profeta o forse quale San Girolamo , patrocinante del culto dell'Immacolata.  colonna è legata all'inno mariano Collum tuum ut colonna  derivato dal Cantico dei cantici, che spiega anche l'accento posto sul collo della Vergine. Le analogie tra le proporzioni della Vergine, il Vaso e la colonna vennero lette da Elizabeth Cooper alla luce delle indicazioni del De architectura di Vitruvio. Per Béguin invece nascondeva un riferimento allo Pseudo-Bonaventura in cui si racconta che Maria partorì in piedi appoggiata a una colonna.

Prompt: How does Madonna with the Long Neck explain its Description?Please output in Italian.

Cantico dei cantici
De architectura
Parmigianino
Pietà vaticana
Pseudo-Bonaventura
San Girolamo


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Pietà Donà dalle Rose

Quest'opera fa parte della fase ultima della produzione del pittore, quando già ultrasettantenne aggiornò il proprio stile alle novità di Giorgione e Tiziano e viene di solito datata entro la metà del primo decennio del Cinquecento, vicina a opere quali il Battesimo di Cristo.In questa Pietà, tra le ultime di un tema che attraversò la sua intera attività, Bellini abbandona l'usuale posizione eretta del busto di Cristo, collegata dl tema dellUomo dei dolori, e certamente si ispira ai gruppi dei Vesperbild di area germanica e piuttosto diffusi nel Veneto. Un'immedita suggestione ci rimanda alla Pietà vaticana di Michelangelo, di poco precedente e ugualmente ispirata ai Vesperbild, tuttavia il motivo del braccio cadente era già presente nel bimbo dormiente della Madonna della Milizia da Mar e d'altra parte risulta anche abbastanza tipico nelle Pietà dell'Europa nord-occidentale, per esempio nella Pietà di Avignone di Enguerrand Quarton. Ad ogni modo i diffusi Vesperbild lignei e dipinti assieme allo strazio dei volti del gruppo fittile del Mazzoni, allora presente a Sant'Antonio di Castello e anch'esso colorato, appaiono modelli più utili a rendere la scena in pittura. Ma anche la pietra su cui sono sedute le Madonne di queste pietà michelngiolesche e belliniane risultano una comune ideazione un blocco che pare riecheggiare, anche se non convenzionalmente squadrata, la pietra dell'unzione.In primo piano, con una composizione piramidale, si svolge in una intensa drammaticità il compianto di Maria sul corpo del figlio morto, che essa tiene sulle ginocchia mentre sta seduta su un piccolo rilievo roccioso, come una Madonna dell'umiltà.  Madre sta incurvata sul corpo del Figlio, il cui peso sembra piegarla di fatica e dolore e nonostante i suoi sforzi sembri sfuggirle ribaltandosi verso gli osservatori. Il volto della Madonna, segnato della vecchiaia, appare consumato e sfinito dalla sofferenza, i suoi occhi sono chiusi come se fosse in trance. È un'assoluta novità quella del volto decisamente invecchiato e segnato dalle rughe, invece dell'usuale rappresentazione di un'eternamente giovane Madonna, come appunto ripete anche Michelangelo. Una senescenza preceduta nell'arte soltanto dalla Madonna nella Pietà del Perugino, dove pero appare più attempata che propriamente invecchiata, Tuttavia numerosi storici dell'arte si sono esercitati nell'individuazione di edifici reali vicentini. Oltre a quelli probabili come il duomo, la Torre Bissara, la Basilica palladiana , le mura con la Porta Feliciana e il Santuario di monte Berico si sono avventurati a ipotizzare l'identificazione di alcune altre costruzioni come il campanile romanico in quello di Sant'Apollinare a Ravenna  e il ponte sul Natisone a Cividale.

Prompt: Explain the Description and style of this artwork, Martinengo Pietà.Please output in Italian.

Enguerrand Quarton
Natisone
Pietà vaticana
Ravenna
Torre Bissara
Veneto
Vesperbild


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Autoritratto

LAccanto al genere «ambientato», la seconda metà del Quattrocento e tutto il secolo successivo videro, con il rapido rafforzarsi del prestigio sociale degli artisti, un notevole sviluppo dell'autoritratto come genere autonomo, nel quale l'artista si poneva come protagonista assoluto della composizione: si tratta senza dubbio del filone destinato a incontrare maggior successo e a diventare predominante nei secoli successivi, nonché punto di arrivo del processo di codificazione dell'autoraffigurazione medievale e rinascimentale.L'autonomia del genere venne probabilmente inaugurata da un medaglione di Jean Fouquet conservato al Museo del Louvre, datato 1450 e di conseguenza considerato il primo autoritratto autonomo della storia.Molto spesso l'autoritratto veniva concepito ed eseguito con finalità di ostentazione del proprio ruolo sociale e culturale. Di tutt'altra resa psicologica è invece il celebre Autoritratto di Raffaello, nel quale l'urbinate dà di sé un'immagine delicata e quasi effemminata, in modo non dissimile da quanto fece pochi anni dopo ne  scuola di Atene, ma presa quasi di spalle, con una soluzione compositiva ancora più moderna.sinistraInfatti, sul piano tecnico, l'impostazione tipica dei ritratti ambientati, secondo la quale il pittore si raffigurava nell'atto di compiere una leggera torsione del volto rispetto al busto e le ricerche quattro-cinquecentesche sugli effetti volumetrici delle figure, nate nel contesto della disputa sul «primato delle arti» che contrappose scultori e pittori, e nelle quali primeggiarono fra i secondi Leonardo e Giorgione, aprirono la strada a quella che divenne una delle sperimentazioni più ardite nella pittura rinascimentale, quella finalizzata agli effetti volumetrici, se non addirittura tridimensionali, dei ritratti e degli autoritratti. Generalmente l'effetto veniva ricreato accentuando la torsione del corpo, come ad esempio, oltre che nello stesso autoritratto di Raffaello, nellAutoritratto come David  e nellAutoritratto di Budapest  di Giorgione, a volte spingendo l'effetto fino a creare autoritratti quasi di spalle, come nel caso del Giovane con pelliccia di Palma il Vecchio , grandemente lodato dal Vasari. In alcuni casi, specialmente in ambito veneto, si puntò invece ad una vera e propria tridimensionalità e per raggiungerla si arrivò a scomporre l'immagine attraverso elaborati giochi di specchi, sulla scorta di quanto già sperimentato proprio da Giorgione in un dipinto perduto, nel quale un cavaliere era raffigurato nell'atto di togliersi l'armatura in riva ad un ruscello, le cui acque riflettevano l'immagine da altri punti di vista, dando all'osservatore la possibilità di guardare il soggetto da diverse angolature. In fatto di autoritratti, il caso forse più celebre è quello del Ritratto di Gaston de Foix del Savoldo , che potrebbe in realtà essere più verosimilmente un autoritratto: il soggetto è ritratto di tre quarti, come da tradizione, ma la sua immagine è visibile anche da dietro, da ben due diverse angolature, per mezzo dei due specchi presenti nella scena. I giochi di specchi furono portati a conseguenze ancora più fantasione nel secolo successivo dallAutoritratto  di Johannes Gumpp , in cui il pittore si raffigurò di spalle nell'atto di guardare il suo volto allo specchio e di riprodurlo contestualmente sulla tela, mostrandosi «a destra come ricordo della sua immagine riflessa nello specchio, a sinistra come egli stesso si vede riflesso e al centro come pensa di essere visto dagli altri [...] a ricordare che ogni "copia" del reale non può essere considerata il suo "doppio" quanto piuttosto il ricordo del modello», in una sorta di triplice dialogo tra finzione e realtà.

Prompt: Describe the characteristics of the Self-driving cars: conceptual development and technical experimentation in Self-Portrait (Bol)'s After Rembrandt: the self-portrait in the eighteenth century.Please output in Italian.

Atene
Autoritratto come David
Giorgione
Jean Fouquet
Johannes Gumpp
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Ritratto
Ritratto di Gaston de Foix


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Allegoria del Vizio

LAllegoria del Vizio è un dipinto a olio su tela  di Correggio, databile al 1531 circa e conservato nel Museo del Louvre di Parigi. Si tratta di una delle ultime tele commissionate da Isabella d'Este per il suo studiolo, in coppia con lAllegoria della Virtù.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Allegory of Vice (Correggio).Please output in Italian.

1531
Allegoria della Virtù
Isabella d'Este
Museo del Louvre
Museo del Louvre
Parigi


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Autoritratto entro uno specchio convesso

Mario Di Giampaolo ed Elisabetta Fadda, Parmigianino, Keybook, Santarcangelo di Romagna 2002. ISBN 8818-02236-9 Luisa Viola, Parmigianino, Grafiche Step editrice, Parma 2007.

Prompt: Focus on Self-portrait in a Convex Mirror and explain the Bibliography.Please output in Italian.


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Volta della Cappella Sistina

scopertura parziale del ciclo a metà consentì a Michelangelo di vedere il proprio lavoro dal basso, facendogli prendere la decisione di aumentare la scala delle figure, con scene meno affollate ma di maggiore effetto dal basso, ambientazioni più spoglie, gesti più eloquenti, meno piani di profondità.Tornato all'opera, l'energia e la "terribilità" delle figure viene estremamente accentuata, dalla poderosa grandiosità della Creazione di Adamo, ai moti turbinosi delle prime tre scene della Creazione, in cui Dio Padre appare come unico protagonista. Anche le figure dei Profeti e delle Sibille crescono gradualmente in proporzioni e in pathos psicologico all'avvicinarsi all'altare, fino al furor divinatorio dell'enorme Giona.Nell'insieme però le differenze stilistiche non si notano, grazie all'unificazione cromatica di tutto il ciclo, impostata a toni chiari e brillanti, come ha riscoperto l'ultimo restauro. È infatti soprattutto il colore a definire e modellare le forme, con effetti cangianti, diversi livelli di diluizione e con diversi gradi di finitezza , piuttosto che il ricorso alle tonalità scure d'ombra.

Prompt: How does Sistine Chapel ceiling explain its Style?Please output in Italian.


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Bambini dell'Olocausto

František Bass , Petr Ginz , Hanuš Hachenburg , Honza Treichlinger  sono i più famosi tra i piccoli artisti, scrittori e poeti di Terezín. Muoiono tutti nelle camere a gas di Auschwitz. Gennaro Capuozzo , Franco Cesana , Luciano Domenico , Ugo Forno  e Filippo Illuminato  sono i più giovani partigiani italiani ad essere caduti in combattimento. Ad essi si aggiungono: Duilio Cibei  e Michele Di Veroli , vittime dell'Eccidio delle Fosse Ardeatine; Franco Centro , Beniamino Cobianchi  e Roberto Di Ferro , fucilati; e Franco Cetrelli , morto a Mauthausen. Sergio De Simone . Deportato a Auschwitz fu selezionato insieme ad altri 19 bambini di varia nazionalità per esperimenti medici sulla tubercolosi e quindi ucciso nei sotterranei della scuola amburghese di Bullenhuser Damm. Lea Deutsch . Attrice bambina ebrea croata. Muore durante il trasporto a Auschwitz. Anna Frank . Uno dei nomi e dei volti più noti dell'Olocausto. Autrice di un celeberrimo diario pubblicato nell'immediato dopoguerra e tradotto in numerose lingue. Deportata a Auschwitz. Morta nel campo di concentramento di Bergen-Belsen. Czesława Kwoka . Ragazzina polacca deportata ad Auschwitz in conseguenza dei programmi di pulizia etnica della regione di Zamosc. Tre celebri foto di Wilhelm Brasse  la ritraggono al suo arrivo al campo il 13 dicembre 1942. Muore di stenti ad Auschwitz il 12 marzo 1943. Ernst Lossa . Ragazzo Jenish, vittima dei programmi di eutanasia nazista. Dawid Rubinowicz . Autore di un celebre diario. Morto nel campo di sterminio di Treblinka. Settela Steinbach . Ragazzina olandese di etnia sinti, divenuta simbolo del genocidio dei gitani. Morta ad Auschwitz. Jerzy Feliks Urman . Autore di un diario dal ghetto di Stanisławów. Morto suicida per sfuggire alla cattura. Henio Zytomirski . Bambino ebreo polacco morto a Majdanek e divenuto simbolo dello sterminio dei bambini in Polonia.

Prompt: Describe the characteristics of the Victims in Children in the Holocaust's Historical research.Please output in Italian.

Anna Frank
Beniamino Cobianchi
Czesława Kwoka
Dawid Rubinowicz
Duilio Cibei
Eccidio delle Fosse Ardeatine
Ernst Lossa
Filippo Illuminato
Franco Centro
Franco Cesana
Franco Cetrelli
František Bass
Gennaro Capuozzo
Hanuš Hachenburg
Henio Zytomirski
Honza Treichlinger
Jerzy Feliks Urman
Lea Deutsch
Luciano Domenico
Michele Di Veroli
Olocausto


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Ritratto dell'infanta Margherita in azzurro

Conservato nel Kunsthistorisches Museum di Vienna, il dipinto ritrae l'infanta Margherita Teresa di Spagna  all'età di otto anni.Si tratta di uno dei molteplici ritratti dell'infanta, che venivano inviati a Vienna per mostrarne la maturazione, di anno in anno, allo zio Leopoldo I d'Asburgo, a cui era stata promessa in sposa.Il quadro ritrae, su uno sfondo appena abbozzato, l'infanta Margherita in un ampio abito azzurro cupo decorato in oro, la cui luminosità cangiante viene resa tramite brevi pennellate di colore puro.

Prompt: How does Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress explain its Description?Please output in Italian.

Kunsthistorisches Museum
Leopoldo I d'Asburgo
Vienna


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Gruppo di Batignolles

Il Gruppo di Batignolles fu un insieme di artisti, critici e collezionisti da cui scaturirono le prime idee che portarono alla nascita dell'impressionismo.Fra il 1869 e il 1875 un gruppo di giovani pittori appartenenti all'avanguardia di fine '800 si raccolsero periodicamente attorno ad Édouard Manet, nel quartiere di Batignolles, a Parigi, dove lo stesso Manet aveva il suo studio. I pittori si ritrovavano nei caffè del quartiere, ma in particolare nel Café Guerbois, oggi sparito . I più assidui a questi incontri erano lo stesso Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille.Si univano a costoro, saltuariamente, altri pittori, come Camille Pissarro e Edgar Degas, il mecenate e critico Edmond Maître, lo scrittore Émile Zola e il fotografo Nadar.Le loro conversazioni e discussioni costituirono in realtà fecondi scambi di idee e di teorie per riuscire a superare la pittura accademica che  ancora, attraverso i suoi epigoni, dominava. E fu proprio da questo discutere ed elaborare idee che nacque quel movimento che fu poi chiamato impressionismo.Questo riunirsi di artisti vari divenne in seguito ufficiale il 17 gennaio 1874, allorché Claude Monet pubblicò su " Chronique des Arts" l'annuncio della costituzione della "Società Anonima Cooperativa di pittori, scultori, incisori e litografi".Il 15 aprile seguente nell'atelier di Nadar si tenne la prima mostra del Gruppo. Fra i vari artisti che ne facevano parte molti divennero veri e propri maestri del movimento impressionista.Il gruppo fu immortalato da un quadro di Henri Fantin-tour del 1870, oggi al Museo d'Orsay.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, A Studio at Les Batignolles.Please output in Italian.

1869
1870
1874
1875
Alfred Sisley
Café Guerbois
Camille Pissarro
Claude Monet
Edgar Degas
Edmond Maître
Museo d'Orsay
Nadar
Édouard Manet
Émile Zola


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Concerto interrotto

Il dipinto è forse tra quelli inventariati nell'asta della collezione Dissius ad Amsterdam , probabilmente indicato al n.10: «Un gentiluomo e una giovane dama che fanno musica in una stanza. Dello stesso [Vermeer]; fiorini 81.0». In ogni caso la prima menzione certa dell'opera è in un'asta ad Amsterdam nel 1810, dove fu venduta per 640 fiorini. Nel catalogo della vendita l'uomo veniva indicato come "maestro di musica".Nel 1810 è ricordato in un'asta ad Amsterdam in cattivo stato di conservazione. Passò per varie collezioni private finché nel 1901 lo acquistò Henry Clay Frick.L'opera è in cattive condizioni di conservazione: ciò ha fatto anche sì, in passato, che venisse ritenuto una copia da un originale perduto del maestro.

Prompt: In Girl Interrupted at Her Music, how is the History discussed?Please output in Italian.


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neoimpressionismo

Il neoimpressionismo è un movimento pittorico nato con l'intento di sviluppare e sistematizzare in modo "scientifico" i principi dell'impressionismo .  tecnica divisionista e quella puntinista si svilupparono contemporaneamente e vennero utilizzate all'interno di questo movimento, ma quest'ultima si focalizzava soprattutto sull'utilizzo di punti di pittura piuttosto che sulla separazione dei colori. Spesso divisionismo e puntinismo vengono usati per descrivere la stessa tecnica e sono considerati sinonimi.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Neo-Impressionism.Please output in Italian.


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Madonna dei Palafrenieri

contesa intorno al tema iconografico dell'Immacolata Concezione nasceva dall'interpretazione da dare al passo del Genesi : Ipsa conteret caput tuum. I cattolici leggevano Ipsa, la Vergine, colei che dunque aveva il merito di schiacciare col piede il capo del serpente; i luterani, invece, leggevano Ipse e dunque per loro era il Figlio a sconfiggere il Maligno. Emile Male sostenne che la scelta di Caravaggio era eretica perché più vicina a ciò che pensavano i luterani: l'iconografia era motivo di contrasto fra cattolici e luterani e si rifaceva alla bolla di Pio V del 1569.  bolla di Paolo V però non sosteneva che fosse stato Gesù a schiacciare la serpe, bensì Maria per mezzo del suo frutto, vale a dire Gesù Cristo stesso. Il Ficino, che a sua volta aveva sviluppato un tema già figurato dal Lomazzo, nel 1571, l'anno dopo la Bolla del papa, aveva realizzato una Madonna della serpe fra San Paolo e San Michele già dipinta per S. Romano a Lodi, in cui Gesù aiuta la Vergine a schiacciare con il piede il serpente. L'opera era stata commissionata a Ficino dai Gesuiti forse per S. Fedele a Milano e sviluppava un'iconografia che trovava consensi in Italia e si pensi a due pale simili come quella del Barocci, proveniente da S. Francesco di Urbino, ora nella Galleria Nazionale delle Marche e di Ludovico Carracci, già in una chiesa dei Servi ad Urbino ed ora a Bologna; quindi non vi erano problemi nella raffigurazione iconografica. I Gesuiti, che sostenevano il ruolo salvifico del Figlio, non gradendo la prima versione della pala ne commissionarono una seconda: ma anche questa, dopo due anni dalla collocazione, venne rimossa evidentemente per l'intervento di qualche autorità esterna all'ordine, forse lo stesso cardinale Federico Borromeo. È evidente che, quindi, l'iconografia in ambito strettamente riformato non accontentava tutti e destava sospetti. Probabilmente la soluzione di Caravaggio, che riprendeva l'iconografia del Ficino, spiazzò i Palafrenieri che avevano commissionato non propriamente una Immacolata Concezione ma una versione più elaborata della tradizionale S. Anna Metterza. Il pittore invece preferì seguire l'iconografia del Ficino  che aveva portato all'esclusione del dipinto e quindi anche la sua concezione del ruolo salvifico di Cristo nella redenzione dal peccato originale, evidenziando il carattere più umano della Vergine. Va pure ricordato che l'umanissima Morte della Vergine di Santa Maria della Scala venne anch'essa, poco dopo, rifiutata. Come sostiene Pierguidi, richiamandosi a quanto detto da Ferdinando Bologna, Caravaggio non si era per nulla allineato alle direttive della Controriforma senza per questo seguire concezioni luterane, ma sostenendo una visione diversa proprio a proposito dell'umanità della Vergine e dell'Immacolata Concezione e della sua iconografia, il tema specifico della pala del Ficino alla quale aveva voluto richiamarsi.. Come abbiamo detto sopra S. Anna, secondo Salvatore Settis, è ripresa dalla statua di Demostene in meditazione, secondo Friedlaender anche la posa della Vergine e del Bambino derivano dalla statuaria antica, esattamente dalle figure scolpite in un sarcofago romano con Bacco e Arianna oggi a Baltimora Naturalmente il pittore, che poteva aver visto le opere d'arte antica nelle ricche collezioni romane di Villa Medici, riprese dal naturale le due immagini della Madonna e del Bambino, poteva aver dato loro pose statuarie, come era il caso della S. Anna, che però sembra molto più convincente nella ripresa del modello antico.

Prompt: How does Madonna and Child with Saint Anne (Dei Palafrenieri) explain its Iconography Iconology?Please output in Italian.


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Autoritratto

Significativa fu anche la nascita di una diversa prospettiva culturale: la centralizzazione filosofica del ruolo dell'uomo rispetto al creato, operata dalla cultura umanista, ingenerò un notevole accrescimento nella sensibilità artistica dell'interesse per il volto umano, per i suoi tratti fisionomici e per le sue molteplici espressioni e sfumature.L'interesse culturale per la psiche del soggetto raffigurato, e nello specifico dell'artista stesso, assunse durante il Cinquecento connotazioni di natura pseudoscientifica: centrali furono infatti le teorie della fisiognomica elaborate Giovan Paolo Lomazzo e l'importanza che Gerolamo Cardano diede alla magia e all'alchimia come basi metodologiche delle sue ricerche sull'animo umano. Sarà invece nel secolo successivo che il discorso assunse una dimensione più scientifica, nell'accezione moderna della parola.

Prompt: Explain the Cultural reasons about the The Renaissance: development and diversification of the self-portrait of this artwork, Self-Portrait with Two Pupils.Please output in Italian.


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Autoritratto

Si delinearono così quattro diverse concezioni e linee di sviluppo dell'autoritratto. L'autoritratto «situato» », unico tipo di autoritratto praticato dalla tradizione medievale, aprì la strada alla nascita del cosiddetto «criptoritratto». Accanto ad esso nacque la tradizione dell'autoritratto «autonomo», in cui la raffigurazione del pittore è protagonista unica del dipinto, e che sarebbe diventato il principale genere di autoritratto. Si affermarono inoltre gli autoritratti «delegati» , in cui l'artista è rappresentato nei panni di un personaggio storico, sacro o mitologico, coerente ed integrato nella composizione , e quelli «di gruppo», di ambientazione sia familiare che professionale. Quest'ultimo filone tuttavia, pur vantando episodi notevoli anche in epoca rinascimentale, conobbe un pieno sviluppo solo a partire dal XVII secolo.

Prompt: In Self-Portrait (David), how is the Diversification birth main branches of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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La Bella

upright=1.5I tre ritratti a colori di Isabella d'Este nel Kunsthistorisches Museum Vienna - forse includendo confusione? Bella è stata interpretata da Moritz Thausing come un ritratto di Eleonora Gonzaga, nonostante la sua giovane età. Isabella aveva commissionato a Tiziano il suo ritratto di ringiovanimento  sulla base di un ritratto giovanile di Francesco Francia .  Bella si adatterebbe a questa commissione come bellezza ideale e anche la data di ricevimento a Mantova , quattro settimane più tardi, si adatterebbe perfettamente. A causa de «una Resurrezione» e de «gli altri» , i ringiovanimenti/idealizzazioni potrebbero essere interpretati anche nella Ragazza con pelliccia, nella Ragazza con cappello di piume e nella Venere di Urbino.Tuttavia, l'incarico di «lifting» Isabella è rivendicato dal ritratto Isabella in nero del Kunsthistorisches Museum di Vienna, che è considerato dubbio . Ulteriori tentativi di interpretare  Bella come una "pin-up" falliscono a causa della composizione corrisponde ai ritratti femminili di corte.

Prompt: Explain the Interpretation about the The word "null" in English is "null." of this artwork, La Bella.Please output in Italian.

Eleonora Gonzaga
Francesco Francia
Isabella d'Este
Venere di Urbino


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Sacra Famiglia con la libellula

L'opera viene datata al periodo immediatamente successivo ritorno dell'artista a Norimberga dopo il primo viaggio in Italia, nel 1495. Il tema della Sacra Famiglia gli fu probabilmente ispirato da un'incisione del pittore mediorenano conosciuto con il nome di "Maestro del Libro di Casa" o "Maestro del Gabinetto di Amsterdam".

Prompt: How does The Holy Family with the Dragonfly explain its History?Please output in Italian.


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Polittico di Valle Romita

Il Polittico di Valle Romita è un dipinto a tempera e oro su tavola  di Gentile da Fabriano, databile al 1406-1410 circa e conservato nella Pinacoteca di Brera a Milano. È firmato in basso al centro sulla tavola centrale .  destinazione originaria era l'eremo francescano di Val di Sasso  nei pressi della sua città natale, Fabriano.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Valle Romita Polyptych.Please output in Italian.

1406
1410
Fabriano
Gentile da Fabriano
Milano
Pinacoteca di Brera


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Caccia al leone

prima legislazione sudafricana sull'uccisione dei predatori è stata stabilita nel 1656. Sei realen furono assegnati a chi sparava o catturava i leoni. Nel 1890, oltre 4.000 leoni furono uccisi sia all'interno che all'esterno del Kruger National Park nel tentativo di aumentare le popolazioni di selvaggina. Tra il 1903 e il 1927, non meno di 1.272 leoni furono uccisi dal personale del parco.

Prompt: Describe the characteristics of the Contemporary Age in The Lion Hunt (Delacroix)'s History.Please output in Italian.


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Musica

Un compositore è un artista che crea opere musicali, dette composizioni musicali. Il termine perciò è usato indipendentemente dal genere o stile musicale e indica una persona che costruisce con i suoni un risultato  destinato ad essere ascoltato. composizione, al fine di poterne agevolare la riproduzione,  è generalmente trascritta su uno spartito tramite un sistema di simboli chiamato notazione musicale, che appunto utilizza le cosiddette note musicali: l'opera del compositore è eseguita dagli interpreti , ma, ovviamente, può essere eseguita anche dall'autore stesso.Il mestiere del compositore non è una professione protetta. Anche autodidatti si possono chiamare in questo modo, ma gli studi di composizione si eseguono in Italia presso i Conservatori.

Prompt: In Music (Matisse), how is the Composers of the The word "null" in English is "null." explained?Please output in Italian.


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I figli di Edoardo

Nel 1827, Paul Delaroche fece un viaggio a Londra e visitò l'antica torre medioevale della città. Appassionatosi della leggenda dei principi nella Torre, egli fece delle ricerche minuziose sulle decorazioni e gli oggetti dell'epoca per creare un dipinto storico, un genere da lui affrontato sia per la storia contemporanea che per quella medievale. Il dipinto venne presentato per la prima volta al Salone del 1831. All'epoca della sua ricezione, poteva essere definito un "quadro che farebbe piangere le capanne", come, in seguito, un altro quadro dello stesso pittore, Il supplizio di Giovanna Grey del 1833.Nel 1831 venne comprato dallo stato francese per 6000 franchi e posto nel museo del Lussemburgo. Nel 1878 entrò nelle collezioni pittoriche del museo del Louvre a Parigi. Nel 2014, venne prestato al museo di belle arti di Lione per la mostra "L'invention du Passé. Histoires de cœur et d'épée 1802-1850".

Prompt: In The Children of Edward, how is the History discussed?Please output in Italian.


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amore

Amores, di Publio Ovidio Nasone Gli amori  Tristano e Isotta Vita nuova, di Dante Alighieri Canzoniere, di Francesco Petrarca Romeo e Giulietta, di William Shakespeare I crimini dell'amore e  filosofia nel boudoir, del marchese de Sade Don Juan, di Lord Byron L'amore, di Stendal Frammenti di un discorso amoroso, di Roland Barthes

Prompt: Describe the characteristics of the Literature in Love & Loss's Religion.Please output in Italian.

Dante Alighieri
Publio Ovidio Nasone
Romeo e Giulietta
Tristano e Isotta


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Sacrificio di Isacco

Alcuni studiosi fanno rilevare che Isacco fu ubbidiente e rispettoso verso l'anziano padre. Infatti, mentre il racconto biblico asserisce che Abramo era vecchio avendo superato di gran lunga i 100 anni, Isacco non sembra essere stato un bambino, bensì un giovane vigoroso che, se non fosse stato consenziente, poteva opporsi con la forza al padre. Lo storico Giuseppe Flavio, infatti, riportando il pensiero della tradizione ebraica in Antichità giudaiche, afferma che Isacco aveva 25 anni all'epoca del suo sacrificio.Abramo d'altronde, così come fa notare il teologo cristiano Søren Kierkegaard nella sua opera Timore e tremore, ubbidì prontamente. Non si pose dubbi sulla ragione di quella richiesta di sacrificio da parte di Dio, se Egli lo richiedeva, la ragione era giusta! Abramo non avvisò né la moglie né i suoi parenti per portare a termine la sua opera, l'etica di Dio , ad avviso del filosofo e teologo danese, per Abramo veniva prima di ogni altra etica.D'altronde nel Nuovo Testamento è spiegato anche un'ulteriore ragione della fede di Abramo. Abramo era certo che il Dio di Israele che gli aveva dato Isacco e con il sacrificio glielo toglieva, in seguito l'avrebbe risuscitato dai morti. Nella  lettera agli Ebrei  si dice: Per fede Abramo, quando fu provato, fece come se offrisse Isacco, e l'uomo che aveva lietamente ricevuto le promesse, tentò di offrire il [suo] unigenito, benché gli fosse stato detto: "Quello che sarà chiamato 'tuo seme' verrà da Isacco". Ma egli riconobbe che Dio poteva destarlo dai morti, e da lì lo ricevette pure in modo illustrativo. promessa di un seme che da Abramo attraverso il figlio Isacco avrebbe condotto al Messia è uno dagli argomenti principali delle Sacre Scritture. Isacco, infatti oltre a trovarsi nella linea di ascendenza di Gesù, ne prefigura il suo sacrificio.

Prompt: Explain the Faith Abraham obedience Isaac promise seed of this artwork, Abraham and Isaac (Titian).Please output in Italian.

Abramo
Antichità giudaiche
Isacco
Messia
Nuovo Testamento
Søren Kierkegaard
Timore e tremore


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Ritratto dei coniugi Arnolfini

Il Ritratto dei coniugi Arnolfini è un dipinto a olio su tavola  del pittore fiammingo Jan van Eyck, realizzato nel 1434 e conservato nella National Gallery di Londra.Considerato tra i capolavori dell'artista, è anche una delle opere più significative della pittura fiamminga; nella sua aura complessa ed enigmatica, ha acquistato una fama misteriosa, che i numerosi studi e le domande ancora irrisolte hanno alimentato.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Arnolfini Portrait.Please output in Italian.


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Diana al bagno

Diana al bagno è un dipinto a olio su tela  realizzato nel 1742 dal pittore francese François Boucher.È conservato nel Museo del Louvre di Parigi. tela raffigura la dea Diana, riconoscibile dalla corona di perle con un gioiello a forma di luna, in compagnia di una ninfa inginocchiata ai suoi piedi. dea è nuda, pronta per il bagno, seduta su stoffe che fanno risaltare l'incarnato e i capelli biondi: la ninfa, inginocchiata alla sua destra e quindi a sinistra della tela, ha i capelli scuri e osserva bonaria le gambe della dea.Le bianche nudità di entrambe si stagliano sullo sfondo scuro composto da arbusti e boscaglia: vicino a loro i simboli di Diana, come i cani di caccia, la faretra con le frecce ed alcune prede.

Prompt: In Diana Bathing (Boucher), how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

1742
Diana
François Boucher
Museo del Louvre
Parigi


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Ritratto di letterato

Francesco Valcanover, L'opera completa di Tiziano, Rizzoli, Milano 1969.

Prompt: How does Portrait of Jacopo Sannazaro explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Autoritratto

Genere praticato prevalentemente in ambito pittorico, non è però difficile trovare notevoli esempi di autoritratti di scultori. Oltre a quelli già citati di epoca medievale, episodi notevoli furono in epoca rinascimentale quelli di Lorenzo Ghiberti, che si ritrasse sulla porta nord e sulla porta est  del Battistero di Firenze, e del Filarete, che raffigurò sé stesso con in mano un compasso, a sottolineare il suo ruolo di architetto, nella porta del Filarete della Basilica di San Pietro.

Prompt: In Self-Portrait with Two Pupils, how is the The Renaissance sculptor self-portrait of the Themultipledirectivesoftheself-portraitfromtheseventeenthcentury explained?Please output in Italian.


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Fuga in Egitto

Albright, W.F. e C.S. Mann. "Matthew." The Anchor Bible Series. New York: Doubleday & Company, 1971. Brown, Raymond E. The Birth of the Messiah: A Commentary on the Infancy Narratives in Matthew and Luke. London: G. Chapman, 1977. Clarke, Howard W. The Gospel of Matthew and its Readers: A Historical Introduction to the First Gospel. Bloomington: Indiana University Press, 2003. France, R.T. The Gospel According to Matthew: an Introduction and Commentary. Leicester: Inter-Varsity, 1985. France, R.T. "The Formula Quotations of Matthew 2 and the Problem of Communications." New Testament Studies. Vol. 27, 1981. Goulder, M.D. Midrash and Lection in Matthew. London: SPCK, 1974. Gundry, Robert H. Matthew a Commentary on his Literary and Theological Art. Grand Rapids: William B. Eerdmans Publishing Company, 1982. Jones, Alexander. The Gospel According to St. Matthew. London: Geoffrey Chapman, 1965. Schweizer, Eduard. The Good News According to Matthew. Atlanta: John Knox Press, 1975

Prompt: How does The Flight into Egypt (Murillo) explain its Bibliography?Please output in Italian.


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Statua di Cosimo I

statua di Cosimo I de' Medici di Pisa si trova in piazza dei Cavalieri, davanti al palazzo dei Cavalieri.

Prompt: How does Statue of Cosimo I explain its Abstract?Please output in Italian.


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Angelo con la corona di spine

ngelo con la corona di spine è una statua realizzata da Gian Lorenzo Bernini. Originariamente commissionata da Papa Clemente IX per la decorazione del Ponte Sant'Angelo, l'opera fu sostituita con una copia e l'originale fu trasferito nella basilica di Sant'Andrea delle Fratte. Bernini impiegò dal 1667 al 1669 per completare la scultura, della quale si conserva anche un modello in terracotta al Museo del Louvre.

Prompt: In Angel with the Crown of Thorns, how is the Abstract discussed?Please output in Italian.

Gian Lorenzo Bernini
Museo del Louvre
Papa Clemente IX
Ponte Sant'Angelo


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Frine alle feste di Poseidone a Eleusi

Il pittore russo Il'ja Repin affermò che "questa grande tela , malgrado tutta la sua retorica accademica, da un'impressione di gaiezza. Il mare, il sole e le montagne attirano lo sguardo e provocano il piacere; e poi i templi e il platano nel mezzo; a destra un albero che nessun paesaggista al mondo ha dipinto così bene. I personaggi e i volti non mi piacciono ma non rovinano la mia impressione".Un particolare del gruppo di sinistra.Come al solito, il critico d'arte Vladimir Stasov rimase scettico nei confronti del nuovo quadro di Siemiradzki. Egli espresse dei dubbi sull'autenticità dell'immagine rappresentata nella storia greca antica e arrivò a dire che in tutta la tela non c'era neanche un viso realmente greco. Il critico notò anche l'assenza di emozioni sui volti dei personaggi della folla che circonda Frine. Secondo Stasov, sono tutti indifferenti e impassibili, eccetto forse per il vecchio calvo che regge un bastone nel lato sinistro del dipinto, che sorride avidamente davanti alla donna ignuda. L'impressione generale di Vladimir Stasov è molto fredda, ma ciononostante egli ammette che nel dipinto ci sono dei lati positivi, come il paesaggio dipinto superbamente sullo sfondo, una parte del mare, le piccole zone d'ombra che ricadono sugli altari di marmo illuminati dal sole ardente e le lastre del sentiero ciottolato. critica d'arte Tat'jana Karpova conferma che la rappresentazione data dal paesaggio traduce bene la sensazione di un'aria della Grecia, di una brezza marina. Per ella uno dei tratti innegabili di questo dipinto che attrae è il fatto che attraverso il paesaggio l'artista riesca a far rivivere la storia e il mito antichi. Karpova nota anche che le pose statiche e la separazione tra dei gruppi diversi di personaggi sono tipici del repertorio accademico. Di conseguenza, il quadro dà l'impressione di essere un pannello puramente decorativo. A proposito dell'aspetto di Frine con la sua cascata di capelli aurei, Karpova scrisse che ella sembra richiamare le donne di Tiziano, Pietro Paolo Rubens e Giambattista Tiepolo.Il critico d'arte Vitalij Manin osservò che le opere di Henryk Siemiradzki, come Frine alle feste di Poseidone a Eleusi o  danza tra le spade, glorificano la beltà del mondo reale. Inoltre scrisse che "il soggetto qui è un intrigo minore perché non è un dipinto storico.  tela del Siemiradzki è un'estasi davanti alla bellezza".

Prompt: How does Phryne at the Festival of Poseidon in Eleusis explain its Criticize?Please output in Italian.

Eleusi
Frine
Giambattista Tiepolo
Henryk Siemiradzki
Poseidone
Poseidone
Tat'jana Karpova
Vitalij Manin


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Il 3 novembre 1982 le Poste Italiane emisero un francobollo da 300 lire raffigurante il Ritratto della contessina Antonietta Negroni Prati Morosini bambina quale omaggio a Francesco Hayez in merito alla serie di francobolli Arte Italiana.

Prompt: Focus on Portrait of Countess Antonietta Negroni Prati Morosini as a Child and explain the Curiosity.Please output in Italian.


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Polittico Averoldi

il 29 settembre 1519 Alfonso I d'Este, duca di Ferrara, invia una lettera perentoria a Jacopo Tebaldi, suo ambasciatore a Venezia, perché sia sollecitato a Tiziano il compimento dei Baccanali per i Camerini d'alabastro, ovvero Bacco e Arianna, il Baccanale degli Andrii e la Festa degli amorini. Nella lettera di risposta, datata 10 ottobre, il Tebaldi informa che il ritardo è dovuto al fatto che il prelato Altobello Averoldi, da lui indicato solamente con il rispettoso titolo di "Reverentissimo", «qui vol far fare una opera de pictura, et magistro Titiano è stato seco in longa praticha sopra ciò, secundo ch'io ho inteso da amici mei, et magistro Titiano non me l'ha negato».Cioè, il ritardo nella consegna dei Baccanali è stato causato dalla "longa praticha" che ha impegnato Tiziano su una "opera de pictura" commissionatagli da Altobello Averoldi.  notizia è di notevole importanza, poiché contribuisce a fissare al 1519 l'anno della commissione, da parte dell'Averoldi, del polittico da collocare nel coro della chiesa dei Santi Nazaro e Celso a Brescia. In quell'anno, l'Averoldi risiedeva a Venezia in qualità di nunzio apostolico presso la Serenissima, carica che deteneva dal 1517 e manterrà fino al 1523, per poi riottenerla dal 1526 al 1530. In questo periodo, nel suo studio presso la chiesa di San Samuele, Tiziano sta lavorando, oltre ai Baccanali del duca di Ferrara, alla Pala Pesaro, alla Pala Gozzi e al polittico di Brescia: il Tebaldi, però, nella sua lettera di risposta sembra far capire che il ritardo nella consegna dei dipinti sia imputabile unicamente all'impegno contratto con l'Averoldi.Nella successiva lettera dell'ambasciatore al duca, datata 1º dicembre 1520, emerge senza mezzi termini la pianificazione di un vero e proprio furto del San Sebastiano, organizzato completamente dal Tebaldi ai danni dell'Averoldi.}}Diminuita la folla nello studio, il Tebaldi prosegue raccontando di aver preso "in discosto" Tiziano e di avergli detto "ch'el era gettato via questa pictura, a darla a prete, et ch'el la porti a Brixia, [...] confortandolo a darla a Excellentia Vostra, quando a quella gli piacesse de haverla". Tiziano risponde di non sapere "qual partito pigliare per fare questo furto" ma, prontamente, il Tebaldi ribatte che avrebbe pensato a tutto il duca e che, d'altronde, "se potria subito dare principio ad una altra simile, et poi uno giorno voltarli il capo, una gamba, on brazo etc". Il pittore finisce per accettare la truffa: Tebaldi lo dice "paratissimo per far ogni cosa, pur ch'el possa, et sapia, che sia grata alla Excellentia Vostra".}} risposta da Alfonso I d'Este, datata al 17 dicembre, dimostra un interesse secondario sulla questione dell'aggiunta e una preoccupazione maggiore, invece, per il prezzo dell'opera:.}}Entro tre giorni arriva la risposta definitiva del duca che, improvvisamente, lascia cadere l'intera trattativa per non commettere "ingiuria" verso Altobello Averoldi, probabilmente intimorito anche dalla carica di nunzio apostolico che il prelato, come detto, aveva presso la Serenissima:}}Secondo Francesco Valcanover, che scrive nel 1969, la prima versione del San Sebastiano, legato a una colonna come negli schizzi preparatori e non a un albero, potrebbe comunque aver lasciato precocemente lo studio di Tiziano per essere inviata alla corte di Mantova dopo il rifiuto di Alfonso I d'Este. Un San Sebastiano alla colonna è infatti citato tra i dipinti venduti dai Gonzaga a Carlo I d'Inghilterra, ma da allora se ne sono perdute le tracce. In ogni caso, venuta meno la truffa ai danni dell'Averoldi, che verosimilmente non ne verrà mai a conoscenza, il polittico viene completato nelle parti ancora mancanti entro il 1522, data riportata, insieme alla firma dell'autore, sul rocchio di colonna a terra nel San Sebastiano, in basso a sinistra: "Ticianvs faciebat / M.D.XXII".

Prompt: In the context of Averoldi Polyptych, explain the Theft attempt San Sebastiano and the Description and style.Please output in Italian.

1519
1520
1522
Alfonso I d'Este
Altobello Averoldi
Baccanale degli Andrii
Bacco e Arianna
Brescia
Camerini d'alabastro
Carlo I d'Inghilterra
Festa degli amorini
Gonzaga
Mantova
Pala Gozzi
Pala Pesaro
Venezia


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Musica

Durante il Quattrocento si sviluppò un nuovo stile, inizialmente per ispirazione dei compositori inglesi , e successivamente ad opera della scuola franco fiamminga, che innovò grandemente le preesistenti forme della messa, del mottetto e della chanson. Ponendo le consonanze per terze  e la forma imitativa del canone alla base delle loro procedure compositive, i franco-borgognoni  rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars nova. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.Nel Cinquecento abbiamo la nascita del madrigale  ad opera del francese Philippe Verdelot e del fiammingo Jacques Arcadelt. Grazie all'invenzione della stampa nacque l'editoria musicale che in Italia si rivolse soprattutto ad una élite, mentre in Francia e nel nord Europa puntò ad un ampliamento del mercato. Riforma influenzò radicalmente il modo di concepire la musica: mentre nelle zone calviniste la musica fu ridotta alla sola funzione liturgica, in quelli luterani si diffuse capillarmente ai livelli popolari, assolvendo il ruolo di collante nazionale grazie alla lingua e alla fede. Furono gettate le basi per una nuova sensibilità germanica nei confronti di questa arte che produrrà effetti epocali.In ambito cattolico invece, le limitazioni imposte alla musica sacra dal Concilio di Trento, che scoraggiava l'eccessiva complessità,  provocarono una reazione alla complessità della scuola fiamminga del secolo precedente. Giovanni Pierluigi da Palestrina, dal canto suo, produsse composizioni in cui un contrappunto fluido alternava fittamente consonanze e dissonanze con un suggestivo effetto di sospensione.Nella seconda metà del secolo abbiamo la nascita del melodramma, ad opera della Camerata fiorentina: nei decenni successivi il genere sarà portato in auge soprattutto grazie a Claudio Monteverdi.

Prompt: Explain the Music Humanism Renaissance about the The studio of this artwork, Music (Matisse).Please output in Italian.

Ars nova
Claudio Monteverdi
Concilio di Trento
Francia
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Jacques Arcadelt
Philippe Verdelot


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Autoritratto

diffusione di ritratti «allegorici», in cui il soggetto veniva raffigurato nei panni di un personaggio storico o mitologico o di fantasia, toccò anche la produzione degli autoritratti, innestandosi sul tradizionale filone degli autoritratti delegati, nei quali si diffusero sempre più ambientazioni mitologiche  e arcadiche , e contenuti allegorici.Fra le più note raffigurazioni di sé in panni altrui che i pittori del Seicento lasciarono c'è lAutoritratto in veste di guerriero di Salvator Rosa, realizzato negli anni quaranta. In esso il pittore si raffigura come guerriero, con in mano una spada e sullo sfondo un fucile e una tromba, al fine di dare di sé un'immagine di uomo ribelle, impulsivo e bellicoso, come in effetti era. Ma al contempo lo sguardo lascia intravedere un senso di solitudine e una malinconia difficilmente mascherabili. Differente e meno nota è la variante di profilo.Così come la tradizione del ritratto allegorico riguardò massimamente la raffigurazione di soggetti femminili, allo stesso modo l'uso di raffigurarsi in panni altrui si fece ricorrente nel repertorio delle donne pittrici, fra le quali spicca Artemisia Gentileschi, autrice di un Autoritratto come martire , di un Autoritratto come suonatrice di liuto  e di un Autoritratto come allegoria della Pittura .

Prompt: Describe the characteristics of the The self-portrait of the delegate in Van Gogh self-portrait (1889)'s The Renaissance: development and diversification of the self-portrait.Please output in Italian.


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Puerta de Alcalá

Prompt: In Puerta de Alcalá, how is the Photo details discussed?Please output in Italian.


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Prigioniero

sindrome psicologica conosciuta come sindrome di Stoccolma descrive un fenomeno paradossale in cui, nel tempo, gli ostaggi sviluppano sentimenti positivi nei confronti dei loro rapitori. L'ego della vittima sviluppa una serie di meccanismi di difesa per sopravvivere e far fronte allo stress in una situazione traumatica.

Prompt: In the context of The Captive (painting), explain the Stockholm syndrome and the Types.Please output in Italian.


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La ronda dei carcerati

ronda dei carcerati è un dipinto del pittore olandese Vincent van Gogh, realizzato nel 1890 e conservato al Museo Puškin di Mosca.

Prompt: Explain the Abstract of this artwork, Prisoners' Round (after Gustave Doré).Please output in Italian.


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Separazione della luce dalle tenebre

Storie della GenesiVolta della Cappella Sistina

Prompt: In Separation of Light from Darkness, how is the Voice correlate discussed?Please output in Italian.

Cappella Sistina
Genesi
Storie della Genesi
Volta della Cappella Sistina


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Autoritratto

Al di fuori dell'arte europea e occidentale in genere, l'autoritratto è un genere poco diffuso se non del tutto sconosciuto.L'arte indiana, salvi episodi recenti e non illustri, non ha mai elaborato nulla di assimilabile all'autoritratto. Ciò si spiega con il carattere sacro, pubblico e impersonale dell'arte, con la scarsa attenzione ai tratti fisici delle persone, con la scarsa consistenza del genere del ritratto, oltre che con un ruolo del tutto artigianale di scultori e pittori, simile a quello rinvenibile nell'Europa medievale: non solo la loro personalità, ma persino la loro stessa identità non erano considerate significative nel processo di creazione artistica, processo di solito collettivo data la monumentalità dell'arte indiana, a tal punto che non era abitudine dell'artigiano lasciare la propria firma o altre tracce di sé né nelle opere né, salvo eccezioni, nelle cronache.All'arte dei nativi americani il concetto di autoritratto è stato estraneo fino alla metà dell'Ottocento, quando hanno cominciato a comparire episodi di autoraffigurazione sull'onda dell'assimilazione di modelli culturali e artistici occidentali. È stato ipotizzato che l'origine dell'assimilazione della pratica di autoritrarsi sia da ricercare nella prigionia di alcuni indiani delle pianure del sud a Fort Marion nel 1870. Da allora il genere, per quanto secondario, ha conosciuto un certo sviluppo, tanto che è possibile delinearne le caratteristiche più ricorrenti. È stato infatti notato che l'autoritratto nell'arte nativa ha come tema dominante l'identità culturale: in chiave di celebrazione del patrimonio culturale o di stimolo all'integrazione, di denuncia delle difficoltà di convivenza o di tentativo di superamento degli stereotipi. Inoltre, la forte influenza che la fotografia esercita sull'arte degli indiani d'America riguarda anche l'autoritratto. Recentemente sono state organizzate negli Stati Uniti due mostre di autoriratti di artisti nativi: About Face, allestita nel 2005-06 al Wheelwright Museum of the American Indian di Santa Fe, e Blood Memories, tenuta al Tweed Museum di Duluth nel 2013-14.

Prompt: How does Self-Portrait (Bril) explain its Self-portrait non-European art?Please output in Italian.